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UNIVERSIDAD FERMIN TOROS VICE-RRECTORADO ACADEMICO FACULTA DE CIENCISAS ECONOMICAS Y SOCIALES ESCUELA DE COMUNICACIÓN SOCIAL

Trabajo expositivo sobre el plano y los ángulos fotográficos. Principales leyes de la composición de la imagen Yvan dario barrios 11269662 Fotografía


El término plano es ampliamente usado en cine, y en fotografía obviamente, generalmente se habla de planos abiertos o cerrados, para indicar que estamos modificando de algún modo la distancia focal. El concepto de plano está estrechamente relacionado con el retrato fotográfico aunque en algunos casos es extrapolable a otras situaciones o sujetos.


1. PLANO GENERAL Éste es el plano en el que aparece todo el cuerpo. Por lo tanto, tendremos un plano entero si a quien o quienes estamos fotografiando aparecen completos, desde los pies a la cabeza y sin secciones se apreciaran por completo en nuestra foto.

En el caso de la foto utilizada para el ejemplo, se aprecia cómo se ve el cuerpo de la modelo completa, sin ningún tipo de recorte. Este es el plano más lejano que podemos tomar. A partir de aquí, veremos cómo nos podemos acercar en nuestros retratos para ir describiendo cada plano y diferencia con respecto a los


2. PLANO AMERICANO Ó TRES CUARTOS Dicen que el nombre de plano americano viene de los tiempos en los que triunfaban las películas del género Western ó como las llamábamos de pequeño, de indios y vaqueros. En estas películas era importante que las armas que llevaban los protagonistas en las cartucheras, a la cintura un poco caídas, se vieran suficientemente bien, y esto es lo que marcaba la línea de corte.

Algunos lo llaman también plano tres cuartos sin embargo es conocido popularmente como el plano americano, que corta al protagonista aproximadamente a la altura de la rodilla o por el muslo, dependiendo de si el protagonista está recostado o sentado, la toma baja llegando hasta un poco por debajo de las rodillas. Es ideal para encuadrar en la fotografía a varias persona


3. PLANO MEDIO

lo que es un tipo de plano muy utilizado en fotografĂ­a de moda.

TambiĂŠn es adecuado para mostrar la realidad entre dos sujetos, como en el caso de las entrevistas.

El plano medio cubre hasta la cintura, recogiendo la lĂ­nea de corte entre el ombligo hasta casi la entrepierna. En caso de estar sentado el protagonista, la toma baja hasta aproximadamente a la mitad del muslo. Este tipo de encuadre se suele utilizar para resaltar la belleza del cuerpo humano, curvas, posturas, expresiones, etc., por


4. El Plano conjunto

Es el encuadre donde aparece un personaje con otro. Es decir en el cuadre final aparecen dos personas. Si fuera solo una persona sería plano general entero (PGE) Podría ser un ejemplo, una conversación. Si dentro de este plano no hay un movimiento interno, podría transmitir los mismos significados que un plano general.


5. PLANO MEDIO CORTO

El plano medio corto, también conocido como plano de busto o primer plano mayor, recoge el cuerpo desde la cabeza hasta la mitad del pecho, este plano nos permite aislar en la fotografía una sola figura dentro de un recuadro, descontextualizándola de su entorno para concentrar en ella la máxima atención.


6. PRIMER PLANO

El Primer plano, también llamado primer plano menor o de retrato, recoge el rostro y los hombros, este tipo de plano, al igual que el plano detalle y el primer plano de detalle que veremos a continuación, se corresponde con una distancia íntima, ya que sirve para mostrar confidencia e intimidad respecto al personaje. El primer plano también capta el rostro desde la base del mentón hasta la punta de su cabeza, en este tipo de encuadre, el primer plano consigue también dotar de gran significado a la imagen.


7. Primerísimo Primer Plano

El primerísimo primer plano coge el rostro de la persona desde la barbilla hasta el final de la cabeza. En este tipo de encuadres conseguimos, aún más, potenciar y resaltar un ambiente intimista, ya que, al acercar tanto la cámara damos sensación de proximidad y cercanía.


corresponder con el rostro, en esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva y los gestos se intensifican por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista,

permitiendo

deseamos resaltar.

8. PLANO DETALLE

El Plano detalle en el retrato recoge una pequeña parte del cuerpo, que no necesariamente se tiene por qué

enfatizar

el

detalle

que


El ángulo en la fotografía puede transformar por completo una composición. Hablamos brevemente de ellos en nuestro artículo sobre la composición en perspectiva, donde el ángulo que usemos es fundamental. Hoy vamos a ahondar un poco más en cada uno de los conceptos, definiendo exactamente qué es el ángulo, cuáles son las diferentes opciones que tenemos, los ángulos en fotografía, y en qué oportunidad podemos usarlos, para crear un impacto más grande.


1. A Nivel o Normal: Como su mismo nombre lo indica, es cuando realizamos la fotografía desde el mismo nivel del sujeto al que fotografiamos. Es la posición más natural al momento de hacer una fotografía y la más común. Siendo un poco más explícitos, se puede decir que la línea entre el sujeto y nuestra cámara, es paralela al suelo. En algunas situaciones, como por ejemplo una mascota o un niño, para lograr este tipo de angulo es necesario agacharse para estar al nivel del sujeto. Generalmente sirve para mostrar o describir algo de manera natural u objetiva y transmite una sensación de estabilidad y tranquilidad, por ser la forma natural en que observamos el mundo.


transmitir una sensación de debilidad o humillación. En casos de paisajes permite incrementar la sensación de profundidad. Muy usado en fotografía de niños y fotografía documental para mostrar la vulnerabilidad del sujeto

2. En Picado: En este caso, se realiza la toma de la escena desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. En este tipo de fotografía la perspectiva que se produce produje que el sujeto se vea disminuido en tamaño. En general, este ángulo se usa como recurso compositivo para restar importancia o


3. En Contrapicado:

Obviamente es opuesto al anterior, en este caso la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo fotografiado, quedando este más alto que la cámara. La perspectiva que se genera, muestra al engrandecido visualmente, con lo que se logra transmitir mayor importancia y una

posición dominante en relación al espectador. Básicamente se emplea, para fotografía arquitectónica y para deportes extremos, pero esto no es una regla fija, y también se puede emplear en otros casos logrando efectos creativos muy interesantes.


4. En Cenital: Podríamos catalogarlo como un caso específico del ángulo de picado, donde lo llevamos a su punto más extremo, y es justamente lo que sucede. La imagen se toma desde en un ángulo completamente perpendicular, de arriba hacia abajo, con respecto al suelo. Produce escena sin perspectiva, que puede resultar bastante descriptiva en el caso de pequeños objetos, pero generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy común emplear este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso compositivo puede servir para explorar la creatividad.


5. En Nadir: Cuando el ángulo en contrapicado lo llevamos a su punto extremo, obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su uso incrementa la sensación de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de grandeza ante lo que el espectador observa. Ideal para fotografía de altos edificios los cuales por sus mismas geometrías añaden gran profundidad a la escena.


En la fotografía una vez que se constata que los colores al imprimir han sido los deseados así como también el enfoque existen una serie de reglas de las que todo fotógrafo debe conocer y como son muy diversas destacaremos en este trabajo las que consideramos mas importantes. Es por medio del análisis de estas reglas las que nos darán los argumentos objetivos de determinar la calidad de las fotos.


1. IDENTIFICA EL CENTRO DE INTERES

Toda fotografia tiene siempre un centro de interes que necesariamente no tiene que ser el que este en el centro de la foto o el que ocupa la mayor parte de la imagen, se identifica facilmente porque resulta obvio a simple vista Es la primera regla de una buena composición, ya que es la más importante. Simplemente decide antes de disparar el motivo sobre el que quieres tomar la fotografía. Todo lo que hay que hacer a partir de ahí es enfocar el elemento sobre el que queremos centrar el interés.


2. RELLENA EL ENCUADRE

Hagamos que el centro de atención sea el que llame mas la atención dentro de la fotografía, esto se logra ocupando la mayor parte de la foto en ese algo asegurándonos que se convierta en el centro de atracción, así eliminaremos posibles ruidos en la fotografía, también es un error pretender meter en una misma fotografías un sin fin de objetivos disímiles.


3. APOYATE EN LAS LINEAS

Las líneas son los elementos esenciales en todo objetivo visual y en especial en las artes visuales. En ellas nos apoyamos para establecer formas y contornos, además con ellas hacemos que el espectador dirija las miradas a donde los fotógrafos desean. Lo tres tipos de líneas principales, las horizontales, las verticales y las diagonales son elementos que aportan muchísimo a la composición visual que deseamos obtener.


4. Trabaja el flujo

El flujo es el modo en el que la mirada del espectador se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas. Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o divergentes. A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la imagen.

Así es como el flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si se desea). Las líneas diagonales se

consideran generalmente más “dinámicas”, mientras que las líneas horizontales y verticales se consideran más “estáticas”. Un equilibrio cuidadoso de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus fotografías.


5. Juega con la dirección

La dirección es similar al flujo. La dirección es esa sensación en a fotografía que creemos que los objetos fotografiados están en movimiento. Es decir, cuando en la imagen estática nos pareciera que los se dirigen a la izquierda o a a la derecha, hacia arriba o hacia abajo. La dirección en fotografía se puede cerar de muchas maneras. Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.


6. Los elementos repetidos La repetición de elementos en la fotografía dan sensación de grupos y algunas veces de dirección, hasta se puede afirmar que dan un sentido e relación en las distintas parte de la fotografía. En algunas ocasiones puede aportar factores psicológicos, como el sentido de la unión y el compañerismo.


7. Los colores siempre dicen algo

comunicarse a un nivel emocional. La parte de la emoción es muy, muy importante. Es más, se podría decir que el color es el principal factor al hacer que una foto se sienta emocionante, alegre, melancólica, misteriosa o tal vez o un poco sombría. Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte de la banda de colores fríos.

El color está en todas partes. La mayor parte del tiempo lo damos por obvio. A veces nos sorprendemos por ellos. A veces estamos consternados por ellos. Obviamente, son importantes para nuestras fotografías. El color puede ayudar a contar historias (visualmente) y puede ser utilizado para

Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la composición.


8. El interés de los grupos de tres

Parece que existe una relación especial y particular entre los números impares y la fotografía, y en especial de los grupos de tres elementos. Un único elemento puede transmitir una sensación de soledad o aislamiento, mientras que dos elementos en una fotografía pueden generar una imagen demasiado equilibrada y estática, mayor cantidad de elementos pares pueden resultar demasiados para distribuir.


9. La regla de los tercios La denominada regla de los tercios divide la escena en tres partes, tanto horizontal como verticalmente. Las líneas que determinan estos tercios se cortan en puntos estéticamente adecuados para situar el centro de interés, con lo que evitamos que éste, al estar situado en el centro de la imagen resulte estático. De tal forma que se marca, en el recuadro fotográfico deben trazarse, imaginariamente, dos líneas equidistantes verticales y dos horizontales, siendo en torno a alguno de los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas, en donde debe colocarse el motivo que deseamos resaltar dentro de la composición. Esto ocasiona un arreglo asimétrico de la imagen, con el polo de máximo interés visual encontrándose relativamente cerca de alguna de las cuatro esquinas del recuadro, y el área central de la gráfica ocupada por elementos secundarios.


10.

El espacio negativo

Cuando miramos una fotografía, en términos generales estamos viendo tres elementos distintos:

El marco. Se trata del límite de la fotografía. Y no se trata sólo de la línea en la que se “acaba” la imagen, también se incluye dentro de este concepto aquella zona cercana a esa línea. Es decir, la zona que rodea toda la imagen. El espacio positivo. Es aquello que hemos fotografiado, nuestro sujeto principal. El elemento más importante de la imagen. El espacio negativo. Es todo lo demás. Es el espacio que queda entre el marco y el espacio positivo. Es un espacio sin rellenar, que está porque debe estar y que está “vacío”, sin información relevante para la fotografía. En el momento en el que lo que pensábamos que era un espacio negativo tiene algún detalle importante para la lectura de la imagen, deja de ser espacio negativo para pasar a ser espacio positivo (espacio con información). El espacio negativo, aunque no tenga “información relevante”, también es un elemento de la composición y, por lo tanto, debemos saber usarlo para dotar de más interés y belleza a nuestras imágenes.


11.

El enmarcado natural

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de la foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de la foto, como puertas, ventanas o puentes. Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista. Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles


12.

Las curvas en S

Las curvas en “S” son un elemento muy recurrente en fotografía. Está relacionado con la sensualidad. También transmiten moviento y ayudan a conducir la mirada. En la vida cotidiana encontramos muchos recursos que nos permiten aplicar curvas en “S” en nuestras fotografías. Una carretera, un camino, el curso de un río, son elementos visuales muy potentes que dan interés a la fotografía.


Planos y ángulos en la fotografía. Yvan Barrios