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Luke Dixon Alex Trochut

Inspirado por la mujer Jason Levesque

Stefan Sagmeister

Agnes Cecile

Woody Sinister


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Agnes Cecile

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Gabriel Moreno, ilustrador.

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Alejandro Magallanes

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Stefan Sagmeister

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Alex Trochut

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Jason Levesque

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Woody Sinister


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Silvia Pelissero, conocida en el mundo artístico como Agnes Cecile, utiliza la acuarela y el carbón para realizar obras llenas de sentimiento que capturan al espectador con sus coloridos y en ocasiones, monocromáticos tintes. Originaria de Roma, Italia, esta artista de 21 años ha tenido un desarrollo técnico impresionante. Su proceso creativo comienza plasmando las palabras y emociones que busca transmitir en notas, escritos o frases que después transforma en bocetos rápidos y sencillos con los cuales comienza el verdadero trabajo. Cecile elige el boceto adecuado y en el añade líneas, trazos y colores nuevos. Después, lo lleva al lienzo y concreta su trabajo combinándolo con la inspiración del momento; arrebato que proviene de lo que ella llama “artes secundarias” en forma de gráficos digitales, videos y fotografías. Esta artista también es aficionada de técnicas como el speed painting, en la cual su destreza y rapidez se ponen a prueba en sus obras. Cecile siempre supo que el arte era su vocación, y que lo perseguiría hasta verlo consagrado en la escena italiana, especialmente en la ciudad de Roma. Siliva Pelissero, ese es su nombre aunque en la pagina de arte deviantart.com la pueden encontrar como agnes-cecile es una brillante artista que plasma en lienzos muchas emociones de una forma muy fascinante. A primera vista pueden parecer solo salpicones y manchas de pintura, figuras amorfas que podrían carecer de sentido pero viéndolas bien sin ningún esfuerzo podemos ver rostros generalmente, no es muy complicado darse cuenta.

Silvia Pelissero es un joven artista romano con sólo 21. En la web, se le conoce por su nombre de pantalla. Agnes-Cecile. Ella tiene el pelo rojo fuego, la piel clara y una fuerte personalidad. En sus obras de arte, los goteos de la pintura de los cepillos para formar las caras y los ojos palpablemente emocionado, las acuarelas explotan en las luces y sombras de colores hábilmente mezclados. Le pregunté a su encuentro más de un año después de nuestra primera entrevista. Ella me invitó a su estudio en el centro de Roma, donde se acogió dos exposiciones individuales en la primavera de 2012 y en el año 2013 y donde, después de nuestra entrevista, dedicó su tiempo a nosotros para crear una cabecera increíble para Picame.


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Silvia, cada vez que usted cumple estoy sorprendido por su juventud y su talento. Sus obras de arte siempre han tenido un fuerte poder emocional; en nuestra primera entrevista que le pregunté si su arte era de sentimientos viscerales sobre todo y, hace unos dos años, fue en parte. ¿Cómo crea sus obras de arte con empresas? En el pasado, mis obras de arte más sentidas fueron los “corazonada” como los describió -, pero yo solía escuchar música o leer un libro para ayudarme a encontrar la inspiración derecha. Cuando crecí, este método se desarrolló y aprendí a usar mi propio procedimiento creativo. Cuando estoy cerca, fuera de mi entorno creativo, yo siempre escribo pensamientos, expresiones y reflexiones, que me examino de nuevo más tarde, cuando estoy en mi mesa de dibujo, para hacer luego en imágenes que refleja el propio pensamiento. Es un trabajo de investigación y recopilación que es continuo y esencial para mí. Su presencia en la web sigue siendo muy fuerte, también gracias a algunos videos que acompañan el proceso de creación de algunas de sus obras de arte. ¿Cómo es que usted tomó esta decisión? Me gustó la idea de mostrar la conexión que tengo con mis obras de arte, mientras que los creo Accompaying, el proceso de creación permite que la gente se relacione a este momento de intimidad. Creo que es importante comunicar la conexión entre yo y mi obra de arte: a veces lo consigo el resultado deseado sólo después de una “lucha” con la imagen, a veces es como si siempre hubiera estado allí. La web permite que yo haga esto. Los rostros y los ojos de sus obras de arte son las de los hombres y mujeres que recuerdan los sentimientos fuertes y palpables. ? ¿Dónde te encuentras tus súbditos? Al principio, mis súbditos eran modelos, con sus expresiones frías: rostros neutros, cuyas características podrían ser alterados fácilmente. La web ha sido siempre mi fuente, entonces empezó a sentir que necesitaba más: algo que yo podía sentir más familiar, no anatómicamente pero por temperamento e íntimamente; un detalle que podría ser capaz de provocar algo en mí, no temas que terminé de percibir como extraños.

¿Lo que no puede faltar en tu caja de herramientas? Desde mi caja de herramientas para el bolso, no puedo prescindir de una pluma de tinta negra y un cuaderno para anotar ideas y bocetos. ¿Hay una mujer artista que se sienta cerca y que ha sido una fuente de inspiración para usted? Un artista cuyo proceso de creación que he estado dedicando es a ella fotógrafo Francesca Woodman, cuyos autorretratos he estado siguiendo últimamente. El método que utiliza para auto-retrata siempre me ha intrigado, pero lo más importante que se inspiró a partir de un video que documenta una foto de ella, donde se podía ver a su ensayo de

un encuadre. Me gustó la forma en que ella se regocijaba después de ver el resultado, me conmovió su auténtico entusiasmo. A pesar de lo que le pasó, me inspiré por su serenidad, mientras que la creación de sus obras de arte. Yo vivo y trabajo con serenidad, así, y quiero seguir así. ¿Dónde podemos encontrar Agnes Cecile pronto? Ahora me gustaría pensar que estoy de vacaciones, volver a respirar después de un período intenso, aunque no puedo dejar de dibujar... así que digamos que estoy tomando un descanso de las relaciones públicas.


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La acuarela, en principio, ofrece una engañosa facilidad. Es una técnica seductora que utiliza sus múltiples atractivos para subyugar a muchos y la mayoría de las veces, de todos aquellos que alegremente han empezado a pintar con acuarela sin conocer la técnica, terminan desalentándose y dejando las acuarelas y pinceles en un rincón olvidados ... como el arpa. Las acuarelas no se resuelven por fórmulas ni recetas maestras, mágicas invariables o con unos cuantos “trucos” que hemos aprendido en algún taller o curso, sino que requiere un estudio y constancia rayando en la obstinación con el fin de conocer la técnica, para resolver, con ciertas garantías cualquier obra. En estos espacios no se pretende dar unos amplios conocimientos, ni ser ninguna obra de referencia, ni por supuesto abarcar todos los campos del conocimiento de la técnica de la acuarela, simplemente queremos que sirva de guía introductora para a principiantes. Con técnicas como el rotulador, la tinta y la acuarela, Moreno egresó de la licenciatura en Bellas Artes

de la Universidad de Sevilla, en el 98. Desde entonces ha trabajado en diferentes estudios de diseño y agencias de publicidad en Andalucía, hasta que en el 2004 una mujer se cruzó en su camino y en el intento de seguirla se trasladó a Madrid donde descubrió el mundo de la ilustración y su vocación para ello. En junio de 2007 comienza a mover su portfolio tras ser seleccionado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración, por la revista londinense Computers Arts. Empieza a recibir sus primeros encargos de publicidad dando inicio a su carrera como ilustrador. Gabriel Moreno es un ilustrador, grabador y pintor desde entonces su carrera ha ido en ascenso. A lo largo de la historia, las mujeres han sido musas de grandes pintores como Da Vinci, Dalí o Goya. Esto le sucedió a Gabriel Moreno, un artista visual español que ve en las mujeres la motivación para desarrollar sus ilustraciones. Son momentos muy difíciles no sólo en España sino en el resto del mundo para cualquier cosa que no sea un bien básico, por lo

que las empresas han reducido muchísimo sus presupuestos para ilustración y las familias tienen mayores preocupaciones que gastar su dinero en comprar arte en una galería, pero los ilustradores siguen dibujando y pintando y la calidad es cada vez mayor, la cuestión es cuantos ilustradores habrá en el mercado cuando termine la crisis

“Dicen que la creación plástica funciona como terapia… esa sensualidad, esa belleza, es algo que, como he dicho, me llega al estómago, casi hace daño, también es una forma de poseerla, de hacerla en cierta forma mía”.


7 “La sensualidad de la mujer es un arma poderosa que puede desatar guerras, pero también servir como motor para producir arte.”

A Moreno lo inspiran las mujeres: su cuerpo, su rostro. La figura femenina despierta en él su vena artística y es una constante en su obra. En sus ilustraciones prevalece el uso del blanco y negro (como colores base en los que están dibujadas las mujeres) y la inserción de colores que resaltan detalles específicos de la ilustración, como el rostro, la vestimenta o la expresión. Al artista le gusta que la inspiración le pille trabajando: “No tengo un momento especial en el que surja la inspiración. Cuando se trata de trabajo y no un hobby, tienes que estar inspirado siempre, esto es lo realmente importante en esta profesión”. En Junio de 2007, Moreno fue seleccionado entre los 20 nuevos talentos de la ilustración por la revista londinense Computers Arts y ahí comenzó su carrera como ilustrador. Desde entonces, este ilustrador va en busca de la belleza que surge del movimiento, ésa que “descubres en un gesto sensual o atrevido, ésa que sirve de fuente de inspiración para una ilustración”. “La belleza siempre es natural y

espontánea. Todo lo demás que se la añade son simplemente complementos que puede ayudar pero que muchas veces pueden estropear esa belleza, la dificultad está en encontrar el equilibrio.

“Me gusta mirar a una mujer y me gusta pintarla. Puede parecer todo lo superficial o profundo que uno quiera y según las vueltas que se le quieran dar. […] hay dos cosas que me llegan al estómago, ver imágenes del tipo de las que abren los telediarios en las últimas semanas y ver el cuello de una mujer, una boca, no tengo capacidad para reflejar en mi trabajo la primera parte, pero sí la segunda. Es así de sencillo”


8 “Desde que en el colegio me echaban de clase por pintarrajear las mesas decidí estudiar algo donde me dejasen dibujar…al acabar bellas artes estuve dando vueltas por estudios de diseño y agencias de publicidad de media Andalucia. Posteriormente por cuestiones personales (obviamente una mujer) me trasladé a Madrid. Fue aquí donde descubrí el mundo de la ilustración y en el 2007 preparé mi portfolio y empecé a moverme.”

En la actualidad, ha trabajado ya con prácticamente todas las grandes agencias nacionales, y está comenzando con sus primeros encargos y proyección internacional. Ha colaborado con numerosas publicaciones nacionales e internacionales, realizando el pasado agosto la portada de la publicación norte americana Los Angeles Times Magazine. En su web podemos ver su Galleryshop donde nos muestras sus imágenes a gran resolución así como la técnica empleada (rotulador, tinta y acuarelas entre otras). También encontraremos fotografías y trabajos en su blog personal. También hemos recogido algunos fragmentos de la entrevista realizada en Criterión. “Fresca, espontánea y con personalidad”. Así define el ilustrador Gabriel Moreno su nueva campaña para Wonders shoes. Tres escenas cotidianas de una chica con sus zapatos sirven de base para una historia llena de frescura y naturalidad, una oda “a la belleza, la comodidad, la cotidianidad y el amor por las cosas bien hechas”. Moreno, que ha realizado proyectos para marcas como Esquire New York, Harper´s Bazaar España, Sunday Times, Nike USA, Samsung, Telefónica o Lux Paris, se inspira en un tipo de mujer sensual, “ésa que tiene intensidad en la mirada y un toque dulce”. Pero no sólo: “En mi trabajo en general”, afirma el ilustrador, “encuentro inspiración en cualquier persona que me haga sentir algo. No tiene que ser la más atractiva o la más guapa, o la que tenga los ojos más bonitos sino simplemente, ese tipo de chica en el que te fijas por la calle, ya sea por guapa, por interesante o cualquier motivo que por suerte rara vez es explicable”.


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En México como en el mundo, ha comenzado una explosión creativa por parte de diseñadores gráficos, que si bien, muchas veces son pocos conocidos, han logrado cautivar a miles de personas con sus trabajos. Pese a que los diseñadores son considerados como héroes anónimos, sin ellos, muchas de las grandes empresas ofrecerían sus productos o servicios de la manera más aburrida. Tras la iniciativa del Consejo Internacional de Asociaciones de Diseño Gráfico (Icograda) y la Organización de Naciones Unidas, este sábado se celebra el Día Mundial del Diseño, y pese a que no es una de las fechas que todo el mundo recuerde, por supuesto que es importante dentro de la industria. Gracias a Internet, es más fácil conocer el trabajo y las propuestas de muchos artistas del diseño gráfico. Uno de los oficios que siguen tomando fuerza y que se están a dentrado en diversas áreas que antes no se hubiera pensado. Debido a esto, es importante hacer un breve recuento de algunas grandes mentes de esta forma de expresión artística a lo largo del mundo. La historia del diseño gráfico es relativamente reciente. Hasta que la publicidad de masas no irrumpió a mediados del siglo XX, el lenguaje del diseño gráfico estaba poco desarrollado, y los anuncios se limitaban a divulgar las virtudes de un producto. Con la llegada de la Creative Revolution, capitaneada entre otros por George Lois, la publicidad aupó al diseño gráfico a una posición privilegiada dentro de las artes creativas. Y como en toda disciplina, surgieron los pri-

meros campeones que definieron las pautas a seguir por nuestros contemporáneos. Alejandro Magallanes es uno de los artistas más sólidos de México. Su trabajo ha ilustrado decenas de libros para la editorial Almadía, carteles de conciertos, y algunas marcas. Comenzó a diseñar desde su infancia, pero fue hasta la universidad donde fortaleció su técnica e interés. “Cuando crecí y encontré una profesión que tenía que ver con imágenes y con letras, pues me dije: ¡Maravilloso! Empecé trabajando para comisiones de derechos humanos y para universidades. Actualmente me gusta pensar que no tengo clientes sino cómplices, porque siempre he sentido una libertad inaudita a la hora de crear”, dijo en una conferencia de prensa. Sus ilustraciones son criticadas como “infantiles”, pero él asegura que es parte del estado más puro de la expresión gráfica, que puede ser entendida por cualquiera, como un lenguaje universal. Por eso sus trazos son simples, haciendo referencia al origen de las cosas, sin distracciones, sin excesos. Estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (ENAP). En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, entre otros. Obtuvo la medalla Josef Mroszczak en la XVI Bienal del Cartel en Varsovia, el tercer lugar en la bienal de carteles a favor de la

ecología 4th Block en Ucrania y el premio Golden Bee en la categoría de libro en la Bienal del mismo nombre en Rusia. Forma parte de los colectivos Cartel de Medellín y Fuera de Registro.

Siempre di nunca revela el inaudito, ingenioso e impecable dominio de las prácticas del dibujo, de la palabra y de la imagen audiovisual en el trabajo de Alejandro Magallanes, que se concentra en la célebre frase —sentenciada por el diseñador gráfico norteamericano Paul Rand—: “Todo es diseño, ¡todo!”. MACG


Stefan Sagmeister

Stefan Sagmeister

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11 “He visto películas que me han conmovido, he leído libros

que han cambiado mi modo de ver las cosas y he escuchado música que ha influido en mi ánimo. Nuestro objetivo será llegar al corazón de la gente con el diseño”, declara a su público durante una conferencia.

Sagmeister estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena, es diseñador gráfico y director de arte, fundó Sagmeister, Inc. en 1993 en Nueva York. Ha sido nominado cinco veces a los premios Grammy y finalmente ganó uno por el set-box de Talking Heads. En 2001 publicó un libro en donde compila todos sus trabajos llamado Made You Look. más tarde recibió una beca para estudiar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a Honk Kong y ha trabajado para la agencia Leo Burnett, Tibor Kalman (fundador junto con Oliviero Toscani de la revista Colors de Benetton), para más tarde formar su propio estudio en el que ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, cargadas de poder retórico y estético. Desde su estudio se da el lujo de elegir a

sus clientes como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori. Y hasta de tomarse un año sabático para dar conferencia en el mundo y formar True Majority (La verdadera mayoría), que consiste en un grupo de 500 artistas y directores de empresas líderes en Estados Unidos que se opusieron públicamente a la guerra contra Irak. Uno de nuestros objetivos es lograr que en este país se reduzcan los gastos militares en 15% y que ese dinero se invierta en educación. Mientras algunos diseñadores se preocupan por la tipografía, la reducción y abstracción de formas lógicas, Sagmeister es mucho más directo y, a veces, hasta crudo. Un ejemplo es el cartel que diseñó, a principios de los 90, para la conferencia del American Institute of Graphic Arts (AIGA), en el campus de Cranbrook, cerca de Detroit. En esa ocasión, Sagmeister pidió a su

ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un cuchillo y después fotografió el resultado para convertirlo en un cartel. Es de esos genios del arte que se pueden dar el lujo de descansar un tiempo cada siete años. Lo hace para montar un laboratorio y comenzar a crear y estudiar nuevas cosas. Stefan Sagmeister no se preocupa en lo absoluto cuando rechaza las ofertas de sus clientes, pues ese tiempo, afirma, es esencial para adentrarse en diversas expresiones artísticas como la música, la fotografía, el cine, etc.

Es de esos genios del arte que se pueden dar el lujo de descansar un tiempo cada siete años. Lo hace para montar un laboratorio y comenzar a crear y estudiar nuevas cosas. Stefan Sagmeister no se preocupa en lo absoluto cuando rechaza las ofertas de sus clientes, pues ese tiempo, afirma, es esencial para adentrarse en diversas expresiones artísticas como la música, la fotografía, el cine, etc. Para los expertos, el portafolio de este austriaco de 51 años, es una caja obras que se han atrevido a rebasar las estructuras convencionales. El motor de su trabajo, es tratar de llegar “al corazón de los espectadores”. Incluso asegura que su estilo no surge del ojo del diseñador, sino de una visión más allá. Estudió Diseño Gráfico en la University of Applied Arts de Viena. Gracias a una beca logró ingresar en el Pratt Institute de New York. En 1991 se mudó a China para trabajar en las firmas Leo Burnett y Tibor Kalman. Finalmente decidió abrir su estudio donde ha trabajado con los más diversos clientes del mundo de la música, diseñando portadas realmente sorprendentes, como a David Byrne, Lou Reed, The Rolling Stones y la artista japonesa Mariko Mori.


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La técnica del rotulador es genial para crear ideas rápidas. Permite mucho dibujo y también aporta el color necesario. Si además se le pone trabajo, el resultado puede ser muy espectacular. El rotulador es muy expresivo porque se basa en la línea como elemento gráfico principal y además puede aportar dirección, puntos, texturas, masas de color, tachaduras, frotados, mezclas de color entre los colores en el propio papel« Si además se mezcla con dibujo, pintura e incluso collage (papeles o fotos pegados), aumenta su riqueza, su mensaje y expresión. Los que recurren más a esta técnica son los dibujantes de cómic y los ilustradores contemporáneos. El rotulador, así como los demás útiles de dibujo con punta de fieltro o nylon, presenta unas características idóneas para aproximaciones del dibujo al campo pictórico, desarrollando por otro lado lo que podría llamarse un medio propio, tanto por su calidad grafica como por sus posibilidades expresivas. La posible solubilidad del rotulador, tanto en alcohol como en agua, permite traducir el dibujo a un lenguaje próximo al pictórico, sin que este llegue a perder el puro carácter de dibujo .El rotulador no se considera propiamente una técnica pictórica ya que parte de varias características que lo acercan a las dibujanticas, bien por la punta (a pesar de que existen buenos rotuladores con punta de pincel) o bien por el tipo de manejo y uso que se hace del mismo, siempre dentro de técni-

cas dibujanticas .Sin embargo es posible que su aplicación conlleve matices dentro del terreno pictórico. Los recursos técnicos del rotulador abarcan un amplio abanico de posibilidades. Desde el punto de vista del dibujo, el rotulador permite cualquier tipo de trazado que pueda ser realizado con tinta. Además, el medio del rotulador admite otro tipo de tratamiento que lo acerca a un medio tan diferente como la acuarela, ya que la tinta del rotulador puede ser soluble. El bolígrafo fue inventado por Ladislao Biro de origen húngaro pero establecido en Argentina. Perfeccionó y patentó este simple y notable instrumento gráfico, el cual fue adoptado muy pronto en todos los países de mundo. Instrumento originalmente de escritura, se trata del más popular y utilizado del mundo, y se caracteriza por su punta de carga, que contiene una bola generalmente de acero o wolframio, que, en contacto con el papel, va dosificando la tinta a medida que se la hace rodar, del mismo modo que un desodorante de bola. Puede ser de punto fino, mediano o diamante. Su sistema de bolilla y su tinta grasa hecha a base de manteca de cacao permite lograr un trazo indeleble y permanente similar al óleo.


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Sólo es necesario preservar los trabajos con él realizados de la luz directa del sol, del mismo modo que en las demás técnicas gráficas. En general, el bolígrafo, es de difícil manejo como instrumento de dibujo, puesto que no admite correcciones como otros procedimientos. Al mismo tiempo su punta aguda y punzante exige un gran dominio tanto de las líneas de contorno como de las tramas que cubren las superficies. Los dibujos realizados con este procedimiento se compone de tramas formadas por puntos repartidos según diferentes densidades, por pequeños trazos superpuestos, por líneas alargadas que se diluyen en sus extremos o por comillas o garabatos superpuestos hasta lograr los efectos deseados. Con esta técnica es posible obtener formas sutiles o rotundas, contrastes marcados y transparencias. La superposición de tramas en varios colores hace posible, asimismo, los más sorprendentes efectos y mezclas cromáticas. Se pueden obtener dibujos de gran realismo o utilizarse como técnica de abocetado. El bolígrafo se puede combinar con otros materiales como la acuarela, la tinta y el collage de papeles. con papeles arrugados y lavados con tintas o desmenu-

zados para conseguir texturas nuevas que los trazos del bolígrafo realzan notablemente. Para pintar con esfumado, apoya la punta del bolígrafo y tira la línea, mientras levantas la muñeca con suavidad, es cuestión de practica pero una vez que tienes la técnica suficiente podrás acomodar el ángulo de la punta para jugar con los gradientes. Luke Dixon es un diseñador gráfico que trabaja y vive en el noreste de Inglaterra, ha trabajado con marcas como Brutus, Trimfit, Nike, bombo. Como gráfico freelance, Luke Dixon empieza The Bearhug como una toma para hacer su obra más accesible a las masas. Viendo una avenida en la producción de la edición limitada corre su obra sobre las camisetas. Luke rápidamente encontrado una voz en la que fue capaz de construir un público que le agradecería su práctica creativa. Luke continúa trabajando en personal, encargado e ilustraciones de colaboración, mientras mira para construir la marca en una extensión fuerte de sus ideales cotidiana, ideas y trabajo diario. En sus obras encontraras algo único, original, corre la edición limitada de ropa, dibujos y ilustraciones con un enfoque fuerte en línea, los diseños tienen una sensación distinta y mirada - algo

que viene de un proceso artístico sólido - lápiz sobre el papel, entintado, escaneados y serigrafíado sobre productos de calidad.


14 Se dice que este hombre lleva el diseño y la tipografía grabados en el ADN. Y es que su abuelo, Joan Trochut, al que por cierto nunca conoció, fue un respetable tipógrafo allá por los años cuarenta.

Alex Trochut se graduó en Diseño Gráfico en la escuela ELISAVA de Barcelona, comenzando su actividad profesional en Berlín, trabajando en los estudios Moniteurs y Xplicit, para posteriormente regresar a Barcelona y trabajar en el estudio de diseño Toormix a su llegada, y más tarde en el de Vasava, estableciéndose por su propia cuenta en 2007. Su obra se caracteriza por la importancia que otorga a la tipografía, convirtiéndola en un elemento de expresión gráfica, así como la variedad y cambios de técnica en cada proyecto, manteniendo en todos ellos como rasgos comunes la fusión entre geometría y formas fluidas. Ha realizado proyectos para Apple, Arctic Monkeys, Nike, The Rolling Stones, Adidas, Coca-Cola, British Airways, Pepsi, Starbucks o The En 2012 desarrolló el proyecto artístico conocido como Binary Prints, resultado de las investigaciones llevadas a cabo en el campo de la dualidad, para el que patentó una técnica que recibe el mismo nombre, mediante la que dos imágenes diferentes podían ser mostradas en una misma superficie, una con luz y otra con oscuridad. A través de dicha técnica, y en colaboración con artistas de música electrónica como James Murphy, John Talabot, Carbou, Damian Lazarus o Acid Pauli, entre

otros, ilustró los carteles del festival Sónar en 2013. Sus creaciones conocidas internacionalmente han catapultado al joven diseñador gráfico catalán hasta convertirlo en toda una referencia en la materia, en Europa. Trochut nació en Barcelona. Estudió diseño gráfico en la Escuela Superior de Diseño Elisava, y empezó a trabajar como diseñador e ilustrador freelance a escala mundial. En 2011 publicó el libro titulado More is More en el que se recogen todos los proyectos que ha realizado desde 2006 hasta ese momento. Con sólo 30 años, Alex Trochut es uno de los diseñadores españoles con más proyección internacional. Tipógrafo e ilustrador, Trochut nos muestra en este libro su lado más íntimo, más personal y a la vez, profesional. Trochut habla de sus influencias profesionales como Dalí y Miró y por supuesto de sus trabajos pero también del proceso de su creación. En este libro encontraremos toda una serie de bocetos y de las transformaciones que van sufriendo las ideas desde su cabeza hasta el papel.

“De niño ya consumía mucha imagen, pero no entrené demasiado la mano, fue de adolescente cuando pude dar cabida a algo creativo”. Era una cuestión de necesidad “la de poder expresarse” afirma. Alex reconoce que esas ganas de expresarse le llevaron a pensar en el diseño gráfico como vía de escape “no era mucho de estudiar” así que vio en el diseño gráfico un filón donde “dar cabida a las inquietudes que tenía”, afirma al diario español El Mundo.


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En la era digital, al contactar directamente con el ordenador, ¿se pierden emociones? Es una pregun-

ta interesante. Soy un artesano digital. Viciado con lo digital, vaya. Trabajando a mano consigues muchas cosas; una pieza única, original. Con el ordenador, todo se vuelve más rutinario, no cabe la sorpresa. Las posibilidades de lo digital son infinitas, pero aún más en lo físico, donde hay muchos más accidentes y sorpresas. Al final, vamos como un péndulo, nos quedaremos en el medio.

¿Cuál es la tipografía más expresiva? Elegir bien un traje para cada ocasión. Esa es la idea. Saber estar en cada lugar. Igual que no irías a una boda con un chándal… Pues lo mismo.

Tu abuelo, Joan Trochut, fue un reconocido tipógrafo. ¿El tipógrafo nace o se hace? Ambas cosas. Debe haber

una memoria genética. Yo creía que mi abuelo había sido impresor (nunca lo conocí); descubrí su profesión porque los profesores me lo dijeron. El convertirme en diseñador no fue un objetivo, salió de manera natural. Me di cuenta de que me apasionaba. Y luego vi el trabajo de mi abuelo. Fue una mezcla.

Has comentado que, de no haber sido tipógrafo, te hubiera gustado ser cocinero o músico. ¿Cuál es la conexión? Se trata de procesos

creativos. Mezclar colores y formas es como juntar sabores, sonidos. Son tres sentidos distintos (vista, sabor, oído) pero equiparables en

su proceso creativo.

¿Qué consideras que se debería enseñar en las escuelas de diseño y no se enseña? Pienso que la

escuela es una base necesaria, pero realmente lo que te define es el mundo profesional. Me pregunto si sería posible una mayor incorporación del mundo laboral dentro de la enseñanza. Aprendiendo a adaptarte a las necesidades y sabiendo ser uno mismo dentro del encargo.

¿Recuerdas el primer trabajo profesional por el que te pagaron? Recuerdo que no me lo pagaron, y que trabajé mucho y que lo único

que me dijeron fue que como no lo usaron no tenían por qué pagarme. Los principios nunca son fáciles… Ahora me río, pero en ese momento me frustraba mucho no encontrar al cliente que supiera valorar lo que para mí tenía un valor.

Lo más complicado de tu día a día como diseñador… Motivarme, entrar en un estado de concentración intensa

Lo más gratificante…

Conseguir llegar a lo que uno se propone.

“Hay gente que cuenta historias… Yo, no tanto.” Por eso nos inquietó Alex Trochut, uno de los nombres catalanes que más resuenan en el panorama del diseño internacional. Lo suyo es visualizar e ir al grano, nada de rollos. Corazones abiertos de par en par, tablas de skate un tanto particulares… Es totalmente directo sobre el ordenador, y transparente en la conversación. Lo que ves es lo que hay, sin más; pero es que lo que hay es mucho. Hablamos un rato; una conversación interesante en la que casi arreglamos el mundo, filosofando un poco. Nos contó que está aburrido de los encargos repetitivos, que está metido en un proyecto personal que presentará el año que viene sobre retratos de músicos. Su eterno dilema, como el de muchos, la frontera que separa el diseñador del artista. No cree que encaje en esta última definición, aunque nosotros pensamos que sus diseños tienen un alma genuina. Aunque sea solamente dibujada. Posee la capacidad de vestir, enamorar, incluso de suicidar a las letras, juega con los tipos, con su ligereza, pesadez y fuerza. Alex Trochut no es un diseñador de los que narra, eso está claro, pero sabe jugar con las curvas. Estamos deseosos de ver sus próximos pasos en un terreno más introspectivo, que le permitirán quitarse algunas espinas que tiene clavadas, como nos confiesa él mismo.


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Además de ilustrador, es fotógrafo y diseñador gráfico, es nacido en Virginia, Estados Unidos en 1975. Sus ilustraciones se mueven entre la inocencia, la sensualidad, el fetichismo y la mera perversión. Levesque dejó los estudios para dedicarse al diseño gráfico y de ahí paso el resto de sus facetas artísticas. Jason Levesque alias “stuntkid” es un ilustrador norteamericano de Norfolk, Virginia, USA. Comenzo su carrera en la adolescencia dibujando los modelos de la revista Playboy y ahora realiza impresionantes ilustraciones y fotografías a color. Su impecable trabajo se caracteríza por un estilo y colores atractivos que realiza utilizando lápiz y photoshop. Entre sus recientes trabajos la portada de “The Many Loves of the Amazing Spider-Man.” La rutina de un ilustrador consiste en: despertarse, pensar en arte, crear arte, comer, crear más arte, dormir y soñar con arte. Así define su día

Jason Levesque, fotógrafo e ilustrador de anatomías humanas traslúcidas que cobran vida conforme un grupo de coloridos caracoles avanza y cubre el cuerpo de bellas doncellas. La colección del artista norteamericano presenta cuerpos traslúcidos que muestran el interior de cada uno de ellos, desde el esqueleto, órganos e incluso la vida materializada por la naturaleza. Jason Levesque con un estilo que va desde el art nouveau al cómic, tiene un estilo bastante interesante con trazos muy orgánicos y fluidos, algo que nos hace recordar a un artista e ilustrador mexicano, el cual también tiene una excelente técnica y obra. Sus obras reflejan la pasión por lo que hace, aquí él habla sobre cinco puntos que cualquier artista/ ilustrador debe considerar, para seguir con el trabajo creativo: 1) Solo te harás mejor con la práctica. Toma miles de horas desarrollar alguna habilidad, dibujar no es la excepción. Si no sabes que dibujar, dibuja lo que sea. Mantén el lápiz en movimiento. 2) Reconoce la crítica. Lo que la gente te dice a la cara, lo dicen mas a seguido a tus espaldas. Reconoce la diferencia entre crítica constructiva y el veneno de gente malintencionada. Si alguien no está sugiriendo alguna mejora, haz caso omiso a su opinión. Ellos son el ruido de fondo que desaparecerá con el tiempo. 3) Nunca “llegarás”, crear arte es un viaje. Progresarás lentamente, y a veces progresarás muy rápido,

pero nunca llegarás a “ese lugar” deseado. Acéptalo, siempre habrá gente atrás y adelante de ti. 4) Motiva a otra gente. Mientras vayas mejorando, recuerda lo doloroso que fueron tus primero años artísticos. Siempre busca a aquellos que están donde tú alguna vez estuviste y aconséjalos para que encuentren motivación cuando te sea posible. 5) Trata de no casarte con algún proceso que no te deje crecer. Los ilustradores y los artistas necesitan un producto que pueda ser reconocible, pero algunos


17 de forma casi literal se pintan a ellos mismos en un esquina y nunca progresan. Jason Levesque, mejor conocido como Stuntkid, es originario de Norfolk, Virginia, Estados Unidos, su trabajo se caracteriza por la utilización de dos herramientas, una clásica y otra tecnológica: el lápiz para sus bosquejos, y photoshop para imprimir color, profundidad y sombras. Desde muy pequeño el artista se mostró interesado por el dibujo, por lo que alentado por su familia, lo que sería un entretenimiento infantil terminó por ser su vida. La fotografía es una de sus actividades favoritas, de hecho en la realización de algunas de sus ilustraciones toma fotografías o busca entre las que ya tiene y las relaciona con la idea que le llegó a la mente, es, entonces, cuando toma su lápiz y empieza a ilustrar. A pesar de ser un gustoso de esta técnica, Levesque ha declarado que prefiere pasar la mayor parte del tiempo dibujando que fotografiando. Para inspirarse, usualmente lee libros sobre biología y ciencia, lo que resulta evidente en la mayoría de sus ilustraciones, ya que se presentan chicas en ambientes acuáticos o constituidas por elementos relacionados con la vida marina. Los artistas que le han influenciado son: Ashley Wood, Joao Ruas. Erik Jones, Conrad Roset, Tom Bagshaw, y uno que otro clásico como Ernst Haeckel. Además de realizar ilustraciones de anatomía humana, igualmente dibuja bocas y chicas en diferentes situaciones. En pocas palabras el trabajo de Levesque resulta ser bello, onírico e, incluso, surreal, razón por lo que recientemente le han solicitado para realizar la portada del cómic. Siempre le estado intereso el arte. Creo que eso es probablemente

cierto para todos. Entendemos dibujos mucho antes de que entendemos la palabra escrita. De niños, todos nos basamos. A 5 años de edad con una historia que contar puede ilustrar una situación con más detalle que ese niño puede escribirlo. En algún momento, un montón de niños deja de dibujo, ya sea por falta de interés o la decepción en la lentitud con la habilidad se está desarrollando. No era muy bueno para el dibujo como un niño, pero me gustó mucho. También tuve la suerte de crecer en una familia que me animó no sólo con elogios, pero con el ánimo de mejorar. Para inspirarse suele sentarse y pensar en lo que va a dibujar. Por lo general, las ideas vienen al azar o en la cama mientras está durmiendo. Ha leído un montón de libros de ciencia donde encuentra mucha inspiración en aprender cosas nuevas, biológicos y de otra manera. Una vez que tiene una idea, va a pasar por sus miles de fotos de referencia que he disparado y buscar un buen partido. Le encanta hacer la ilustración comercial. Gana más dinero con menos trabajo cuando haca trabajo de la comisión. Las limitaciones del proyecto a menudo lo empujan a aprender cosas nuevas, o dibujar tema que está familiarizado. Puede ser una experiencia de aprendizaje enorme. Muy a menudo el trabajo se perderá en la comisión con demasiadas voces tomar decisiones creativas. Cuando eso sucede se encuentra separado de la obra y establecer sus metas simplemente haciendo lo mejor que puede hacer en el tiempo determinado. El trabajo comercial es a la vez la mejor y la peor parte de ilustrar.

Me siento como que he pasado por tantas fases a lo largo de los años. Mis intereses e influencias se han desplazado tan salvajemente, me siento como que es difícil ahora para describir el camino que tomé para llegar aquí. Influencias como Akira, mi influencia más temprana y artistas posteriores como Klimt Mucha y han permanecido conmigo. No sé si puedo describir mi trabajo ahora en términos estilísticos. Estoy seguro de que alguien más puede hacerlo, probablemente con facilidad. Estoy demasiado cerca.


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El lado de Woody que no conocías, innovación técnica de la animación

Toy Story es una película estadounidense de animación por ordenador dirigida por John Lasseter y estrenada en 1995 producida por Walt Disney Pictures y Pixar. Se convirtió en el primer largometraje de Pixar y es considerada como la primera cinta creada en su totalidad con efectos de animación digitales en estrenarse en la historia del cine. Contó con la producción de Ralph Guggenheim y Bonnie Arnold. Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen y Alec Sokolow redactaron el guion, y Randy Newman compuso la banda sonora. El reparto principal estuvo integrado por Tom Hanks y Tim Allen, quienes prestaron sus voces en inglés a los personajes de Woody y Buzz, respectivamente. En cuanto a las voces en español de los protagonistas, en Hispanoamérica, Carlos Segundo y José Luis Orozco se encargaron de dichos roles; a su

vez, Óscar Barberán y José Luis Gil hicieron lo propio en España. Para el proceso de animación, colaboraron un total de 110 empleados de Pixar, a diferencia de los 800 que trabajaron en una de las últimas producciones de Disney en aquellos años, El rey león, estrenada a mediados de 1994. La historia sigue las aventuras de un grupo de juguetes vivientes, específicamente del vaquero Woody y el guardián espacial Buzz Lightyear, quienes al principio rivalizan, pero conforme transcurre la trama y se van volviendo amigos. Tras su estreno, Toy Story pasó a ser la cinta más taquillera en su primer fin de semana de exhibición, y en total recaudó más de 191 millones USD en Estados Unidos y Canadá, y más de 361 millones adicionales a nivel internacional. De igual manera, se hizo acreedora a críticas en su gran mayoría positivas, que elogiaron la innovación técnica de la animación, así como la audacia y complejidad del guion. Sinister Woody es una serie de fotografías creada por The One Cam, un Diseñador Gráfico con sede en New York, que tiene una afinidad de tomar fotografías de las figuras de acción, poniéndolos en una comprometedora, sin embargo, situaciones a

veces divertidas. También trata de hacer que las cosas parezcan menos estéticamente desafiante. Apasionado por las figuras de accion y sus historias alternas. Hoy nos encontramos con el personaje principal de la Película Toy Story, en donde el tierno vaquero ahora es malvado, pervertido e incluso alcohólico.


19 Woody es un muñeco inspirado en un personaje de la serie El rodeo de Woody. Andy lo compra y pronto se convierte en su juguete preferido. Pero lo que Andy no sabe es que tanto Woody como el resto de sus juguetes tienen vida propia cuando no hay ninguna persona alrededor. Todo iba muy bien hasta que Andy recibe por regalo de cumpleaños un nuevo juguete de moda: Buzz Lightyear. A partir de ese momento, Buzz -que no sabe que, en realidad, es un juguete- se convierte en el centro de atención tanto para Andy como para el resto de juguetes y Woody empieza a sentir celos de él. Por ello se deja llevar por sus sentimientos y lanza a Buzz por la ventana para volver a ser el jugete preferido del niño, pero lo que consigue es el rechazo de sus amigos. Ese mismo día, cuando Andy decide llevarlo con él a cenar fuera de casa, Buzz sube al coche y, en una pelea, ambos juguetes caen al suelo y el coche arranca...sin ellos. Perdidos, y sin poder volver a casa, ambos juguetes deben unir sus fuerzas para regresar. Se inicia así una aventura en la que sus vidas corren peligro, pues Sid, el vecino malvado de

Andy, da con ellos y quiere destruirlos. Tras reconciliarse, Woody y Buzz consiguen llegar hasta Andy de nuevo y se convierten, ahora sí, en los dos juguetes preferidos del niño. Tiempo después, Woody intenta rescatar a uno de los juguetes de una venta de jardín y acaba siendo robado por un coleccionista que lo lleva a su casa. Allí, el sheriff descubre su origen y a los que fueron sus compañeros: Jessie, la vaquera, Perdigón (Tiro al Blanco en Hispanoamérica), su caballo, y el oloroso Pete. Mientras va adaptándose al que parece ser su nuevo hogar, Woody no sabe que sus amigos, capitaneados por Buzz, están cruzando la peligrosa ciudad para que regrese a casa. Una vez reencontrados, el oloroso Pete sabe que no volverá al éxito sin Woody, que era la estrella de la serie, se marcha y hace todo lo posible por impedir su huida. Finalmente, todos regresan a casa y Woody les pide a Jessie y a Perdigón que se vayan con él como nuevos juguetes de Andy. Y así, todos felices, conviven de nuevo juntos. Tras muchos años, Andy crece y, cuando se va a la

universidad, debe decidir qué hacer con sus antiguos juguetes. Su madre le da tres alternativas: el desván, llevarlos a la universidad o tirarlos a la basura. El chico decide guardar todos los juguetes, excepto a Woody, en el desván y llevarse al vaquero consigo. Pero un malentendido hace que estén a punto de ser lanzados a la basura y creen que Andy ya no les quiere. Woody, que lo ha visto todo, intenta explicarles lo sucedido, pero el coche en el que están escondidos arranca y acaban todos en la guardería Sunnyside. Allí, todos descubren un nuevo sitio que parece ideal, pero Woody quiere irse. Sin nadie que le acompañe, el sheriff termina en casa de la pequeña Bonie y son los juguetes de ésta quienes le explican que, en realidad, Sunnyside es un lugar horrible. Mientras tanto, Buzz descubre también la horrible realidad y es cambiado a su modo original, en el que cree que es un agente espacial de nuevo. Finalmente, Woody vuelve a rescatarlos y vuelven a casa de Andy. Allí han de tomar una decisión: Woody en la caja de la universidad y el resto en la caja

del desván. Pero, Woody decide escribir algo encima de la caja del desván antes de meterse dentro de ella junto a sus amigos: la dirección de Bonie. Andy, entonces, decide llevarle sus juguetes a la pequeña, quién está encantada. Y es así cómo los juguetes que antaño fueron del pequeño Andy ahora son de la pequeña Bonie. Los personajes de ciencia ficción que tanto nos gustaban de pequeños son ahora una fuente de inspiración para diferentes artistas. Este artista lleva varios años fotografiando personajes del cine y dibujos animados en diferentes situaciones, siempre mostrando su lado oscuro o simplemente su lado divertido. The Avengers, Nemo y varios personajes de Marvel han caído entre sus manos para ser fotografiados como nunca los habías visto.

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