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1ra Edición - 2012

Directorio DIRECTOR: Neida Eva Wilhelm / DIRECTOR EDITORIAL: Esteban Velazquez Wilhelm DIRECCIÓN CREATIVA Y DISEÑO GRÁFICO: Carlos Graterol / COORDINACIÓN EDITORIAL: Maik Schlüter MARKETING: July Karen Rodríguez y Elsa Perez Brash CURADORES: Maik Schlüter - Alemania / Matthias Wagner - Alemania Nicolaus Schafhausen - Austria / Lee Winberg - Israel / Trevor Pit- Reino Unido / Alberth Frangieh - Venezuela Susana Benko - Venezuela / Edwin Chacón - Venezuela / Ofelia Soto - Venezuela. REDACTORES: Ana María Boulton / Ofelia Soto / Ana Maria Brillembourg Olavarria Margriet Kruyver / Esteban Velazquez Wilhelm FOTOGRAFOS: Giuseppe Andreone / Fernando Bracho Bracho / Sabino Paulicelli. Agradecimientos en esta edición: Witzenhausen Gallery. Amsterdam - New York DISTRIBUCIÓN: Colombia / Panamá / Venezuela.

Rif: J-29679519-3

Fotografía: Fernando Bracho Bracho.

www.wilhelmmagazine.com

Ofelia Soto

LOS TIEMPOS DEL ARTE Parte 1

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os tiempos en el arte son distintos. Hubo de ser el arte, significante, religioso, identitario. Primero la voz y su sonido, la palabra. Luego, dejar la propia huella de la mano. Anotar el paso de los días. Descubrir el acontecimiento numinoso y dibujar semejanzas de lo que habita el mundo. Los más tempranos signos, de que se tiene noticia cierta, son señales, muescas talladas en un hueso que fungió como bastón de mando. Signo grabado, nacido desde un principio como algo memorable.

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WILHELM ART & COLLECTIBLES es otro producto de WILHELM INTERNATIONAL PRODUCTIONS C.A

Contenido NOTA EDITORIAL 01 Los tiempos del arte por Ofelia Soto EN EL TALLER 03 Oscar d´Empaire Cristobal Ochoa Francisco Bassim VISIONES 09 Beatriz Canaan Tomás Kepets EN EL LENTE 11 Hendrik Kersten Giuseppe Andreone VISIÓN HISTORICA 17 Flandes El esplendor de los grandes maestros NOTICIAS 21 Friends of art foundation COTIZACIONES 23 CONVOCATORIA 29 8vo Salón de jovenes artistas MACZUL ESFERA GLOBAL 31 Los 7 coleccionistas de arte mas influyentes del mundo


Bisonte de la Cueva de Altamira

Símbolo para significar tal vez el poder o un enemigo vencido, quizás un tiempo de lluvia, el paso de los días o el de alguna estrella. Tallado para el recuerdo o para convocar y propiciar. Lo que importa es que dice de algo, cuenta de algo, es algo que espera repetirse, no olvidarse y por lo mismo habla ya de la temporalidad. Numeración o registro memorioso, trae consigo el poder

del conocimiento, y en él, la necesidad de que lo asentado sea verdad. Que se corresponda con lo real, la intención y el nombre. Imaginemos un grupo antiguo de flechas y de cazadores pintados en las paredes profundas de la cueva. Misterio del testimonio individual y el gesto de una mano. Deseo seguramente acompañado de algún ritual que propiciará la herida al gran bisonte en estampida.

Nadie tuvo entonces conciencia de ser artista, ni eso hubiera sido de la menor importancia. El bisonte apareció allí en la protuberancia de la piedra y cazarlo era la vida real. La acción que hoy llamamos arte nació irremediablemente entrelazada con los fenómenos del mundo.


En el Taller Sueños y escombros

Oscar d’Empaire Por: Esteban Velazquez Wilhelm

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i algun nombre referencial tiene el arte del ensamblaje en Venezuela ese es el de Oscar d´Empaire. Maderas que dieron vida a muebles o a viejos cajones o balaustradas, hierros de piezas mecanicas de autos, cilindros, tuercas, tornillos, resortes, latas, una horma de zapato, un reloj o circulos

sin sentido ninguno aparente, como si de piezas vitales se tratara, aun cuando ya estas perdieron su vida util, caen en las manos de d´Empaire para sucumbir a la metamorfosis de los sueños y a la sincronia de un juego de formas y movimientos que van generando el alma de un nuevo elemento vital.


“Para mí el ensamblaje es como un juego. Se arma un rompecabezas con objetos de madera o de metal, por ejemplo. Cada pieza que encuentro significa un reto para mí: tengo que darle una nueva vida a ese pedazo de objeto”.

La obra de este artista propone una comunicación a partir del uso de elementos comunes o fragmentos de ellos para crear una composición abstracta con un lenguaje propio el cual, sin embargo, puede tener multiples lecturas segun sean las experiencias culturales de quienes se enfrentan a dialogar con ellas. En esta catártica manipulación plástica de los materiales - materiales de cualquier origen, que según el propio artista pueden ser restos de cualquier objeto inimaginable posible - las cualidades formales, táctiles y cromáticas desempeñan un papel estético esencial en la conformación de la obra de Oscar d´Empaire, ya que su manera de trabajar sobre materiales rígidos haciéndolos manejables y dociles, es una de las caracteristicas más originales de su obra. Nacido en medio de un abigarrado entorno artistico y cultural y activo en el desde los años 50, La obra de d´Empaire

Fotografías: Giuseppe Andreone.

empezó a tener resonancia a nivel internacional a comienzos de los años ochenta cuando comienza a participar en exposiciones colectivas en Chile, Argentina y Los Estados Unidos asi como en numerosos salones en Venezuela.


En el Taller Bulbos - Libelulas y otros bichos

Cristobal Ochoa Por: Esteban Velazquez Wilhelm

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al vez sea la “dualidad encontrada” la característica predominante en la obra de este artista venezolano, en cuyo proceso creativo parece asomarnos a un universo de manifestaciones y engendros de la naturaleza misma. Especímenes embrionarios que solo existen en su imaginación, bulbos palpitantes, la anatomía de una flora y una fauna creadas a partir de una experiencia lúdica con su acontecer.

Ochoa es un experimentador, como un químico que mezcla elementos de especies variadas, e igual que éstos sus personajes, el tiempo, el espacio de sus relatos se someten a las mismas leyes de la naturaleza, pero una naturaleza que recrea su imaginario a partir, claramente, de referentes reales que dan cabida a la ampliación de una riqueza de formas y de pigmentos que simbolizan la atmosfera creadora del artista. Cuernos de la abundancia de cuyo interior se dispo

nen brotes llenos de vida, de color y movimiento. Especies colgantes que amenazan con desprenderse de sus tentáculos. Especímenes punzantes que se autodefienden del espectador y que lo invitan a detenerse en ellos, a observarlos, a descubrirlos. Es allí donde la obra de Ochoa consigue su plantaje como tal, en ese momento especifico cuando el espectador intenta buscar referentes en su memoria asociativa para definir y conceptualizar la propuesta de este naturalista del siglo XXI.


Ochoa es un artista joven que ha saltado de las galerías venezolanas, a las salas expositivas de países tan cercanos como Colombia y tan lejanos como Japón. Él es, sin duda alguna, la promesa de una renovada época del arte conceptual venezolano entendido como redescubrimiento de lo conocido, como exploración de lo vivido, como creación de lo que había sido creado.

“Ochoa está consciente de que la dualidad rechazoseducción es una de las metáforas que subyace en sus obras. Los espinosos pinchos insertados en la matriz de cerámica, así como otras texturas rugosas que lucen ásperas al tacto son una clara alusión a las defensas o corazas psicológicas que se crea el hombre contemporáneo para esconder o proteger su yo íntimo, sus debilidades

y temores, y en consecuencia aislarse para cortar o dosificar la comunicación con sus semejantes. Del mismo modo, las texturas, colores y sinuosidad de las formas, generalmente en el interior de las piezas, son utilizadas como elementos de seducción que atrapan al observador en el enigmático encantamiento de la dualidad rechazo-seducción”. (Nelson Otero)

www.cristobalochoa.com Fotos Taller: Joao Gomes Fotos Obras: Leopoldo Ochoa Ravell.

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En el Taller Experimentos y falsas realidades

Francisco Bassim Por: Esteban Velazquez Wilhelm

Un provocador a ultranzas del mundo conocido. La satira del orden establecido , lo grotesco y lo insultante como simbolo reaccionario de quien se autoproclama libre de pensamiento y escoge el escenario de accion a partir de su propia vivencia. Considerado por la crítica como un artista Pop contemporáneo o Neopop, presenta en su obra un examen profundo de los íconos mediáticos y culturales de Occidente. Sus obras proponen, mediante el relato y el color, una importante reflexión sobre la relación entre los individuos, los medios y la globalización.

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na muestra exclusiva en la Biennale Di Venezia, Italia en 2011; una participación en la MercArte International Art Fair, Lugano, Suiza en el 2004 y una presentación en el Art Basel de Miami Beach, Florida en 2012 son algunas de los logros más resaltantes de FRANCISCO BASSIM.

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Juega con los estereotipos y les consagra una personalidad y caracteristicas resonantes y contrastantes: Cristo como una decadente regordeta y exhibicionista, Adolf Hitler con alas y aureola o Isabel de Inglaterra como una prostituta de cabaret han sido algunas de las representaciones que Bassim nos

muestra en sus experimentos. Es un juego de reveldia en el que el artista revela su preocupación por la aceptación de la diversidad. El se plantea un mundo diferente e intenta percibir como funcionaria el orden de cosas de esa manera. Podemos observar decadencia pero tambien ilusiones infantiles


mezcladas con el morbo y el masoquismo del cínico que pretende reafirmar su personalidad a partir de lo repugnante y escandaloso, pretendíendo vivir en consonancia con la naturaleza y oponiendose radicalmente a las convenciones sociales. La obra de Francisco Bassim, que hace alarde de no creer en la rectitud ni en la sinceridad. es la

expresión genial de lo Impúdico y procaz, pero hay claramente inmerso en este juego de satiras la revelación de un discurso que va mas allá de lo contestatario, es la expresión de un soñador de mundos diferentes, de un genio que busca replantear las dimensiones de la existencia y darle nuevo semblante.


Visiones Beatriz Canaán de Rincón

“Las nuevas generaciones deben seguir el camino” Por: Esteban Velazquez Wilhelm Fotografía: Giuseppe Andreone

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na mujer de temperamento afable y comedido, de andar seguro y de un trato directo y cordial es lo que hayamos en Beatriz Canaan de Rincón y quizas sea esta mujer la que mejor nos pueda hablar del futuro del arte y la gestión cultural en la ciudad de Maracaibo. Cabeza y pilar fundamental de la emblemática galería de arte y antiguedades 700, ubicada en el Centro Comercial Costa Verde de la ciudad de Maracaibo, Beatríz ha sido por muchos años uno de los motores del desarrollo artistico y cultural en la región, su gestión y su liderazgo le han permitido labrarse el prestigio que ya se habia abonado como reputada galerista, representando y acogiendo a numerosos artistas -de alto nivel- nacionales y extranjeros en los abigarrados espacios

de su sala expositiva en los que encontramos santos e iconografia religiosa de los siglos XVI y XVII asi como obras de la mas actual vanguardia, tanto de artistas consagrados en el mercado internacional como a las noveles promesas del arte regional y nacional. Hayamos así en un mismo espacio artistas como Oswaldo Vigas, Karen Arrieta, Leonardo Martinez, Dina Atencio o Alvaro Paz; sin desniveles dignos de ser señalados, converge en todos ellos la consolidación de creadores con una marcada personalidad artistica y un notable interes por el progresivo evolucionar de su obra. Pero de la mano de esta labor como galerista la señora Canaan de Rincón ha destacado por su invaluable aporte a la gestión cultural en la región

“Han sido años de mucha entrega, dedicación y un trabajo de hormiguitas; años en los que sin duda se han consolidado maravillosos proyectos que hoy contamos como realidades tangibles pero, sin duda alguna, nos vemos frente a nuevos retos y nuevas realidades que si bien se sustentan en la base en la que por tantos años trabajamos deben ahora ser lideradas por una nueva generación de gestores. Las nuevas generaciones deben seguir el camino” Convencida asi de la importancia de la consolidación de una generación de relevo esta mujer de convicciones hace un balance positivo de grandes satisfacciones en los que prevalece una enseñanza matriz: “el compromiso y la entrega absoluta. Sin compromiso no hay evolución, hay que entregar todo sin pensar, hay que dar, hay que sembrar.”


Visiones Tomas Kepets

Debemos enfocarnos en una permanente busqueda de la excelencia Por: Esteban Velazquez Wilhelm Fotografía: Sabino Paulicelli

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omas Kepets es ese hombre energico y decidido, con una actitud siempre emprendedora pero con un resguardado temperamento en el que se concentran valores y criterios bien concebidos de lo que debe ser el respeto a las realizaciones culturales, el resguardo de las expresiones del hombre, de sus visiones del mundo, de si mismo y de los demás. Como cabeza de la reputada Galeria Medicci de Caracas, Tomas Kepets se nos plantea como un preocupado incansable por el fenomeno cultural del país, y no solo cultural en lo tocante a las artes como forma de expresión sino a lo cultural en el mas amplio sentido del termino. “Cuando era niño pude ver como los libros, porcelanas, marfiles tallados y pinturas europeas significaban mas que un valor material para mis padres, esos elementos eran como simbolos de tradiciones, de permanencia de una constante reivindi

cación con el hecho humano mismo, despues veia a creadores venezolanos hacer arte popular y naif y podia percibir algo de aquello que veia en mi casa. Es así como decido en los años 90 incursionar en el mundo del arte como galerista” En este hacer como galerista Kepets se ha destacado no solo por la seriedad con la que maneja nacional e internacionalmente a sus artistas sino por el intachable y riguroso concepto que tiene sobre el arte y los haceedores de arte. Artistas como: Oswaldo Vigas, Manuel Quintana Castillo, Asdrúbal Colmenárez, Luisa Richter, Miguel Von Dangel, Iván Petrovszky, Diego Barboza, Luis Alberto Hernández, Frank Hyder, Manuel Carbonell, Alejandro Mendoza y Manuel Mendive son la cara de esta reconocida casa de arte venezolana. Tomas Kepets es un preocupado por el posicionamiento nacional de sus artistas y por su pro yeccion en los mercados

y la critica internacional pero es muy claro en su criterio sobre este panorama: “Creo que Venezuela, salvo algunas excepciones, no ha podido escalar todavía el lugar que le correspondería en el mercado mundial del arte. El arte ha sido muy localista como consecuencia de la situación económica que siempre ha presentado el país. También se necesita un apoyo más eficaz y definido por parte del estado que permita a nuestros artistas competir en el exterior.” “En Venezuela no existe una solida y sostenible política cultural . Las instituciones oficiales y dictámenes de las autoridades culturales están totalmente entregadas a difundir ideologías y no el arte como tal. Actualmente podría decirse que las galerías privadas “prácticamente” han sustituido a los museos en el quehacer cultural. Por ello tenemos una gran responsabilidad y debemos enfocarnos en una permanente busqueda de la excelencia”


En el lente


Hendrik Kerstens Una modelo y una cámara tras el retrato flamenco. Por: Margriet Kruyver / Witzenhausen Gallery. Ámsterdam - New York.

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endrik Kerstens es un fotógrafo holandés nacido en 1956 y después de ser un estudiante ordinario y tras probar sus capacidades en varios empleos comunes decide a sus 39 años que dejaría todo para volverse fotógrafo. Con este nuevo ideal toma su cámara y le pide a su hija Paula de 9 años se pare frente a la ventana envuelta en una manta y bañada por la luz de las 11 de la mañana, allí nació un primer retrato. Desde entonces a la fecha la ha fotografiado sin descanso.

La mayor parte de su trabajo está hecho en la misma casa de Ámsterdam, con una cámara de gran formato 4x5, unos cuantos fondos de distintos tonos, iluminando con la luz que se cuela por aquella misma ventana a su musa, su hija que ya tiene 26. Kerstens lleva más de 15 años haciendo casi la misma foto, apropiándose de la estética de los pintores flamencos del siglo XV y XVI pero limpiando su cuadro en cada fotografía, dejando solo los elementos indispensables para lograr las imágenes; la modelo, la pose y la luz.

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Kerstens es, sin duda, un fotógrafo realmente original. Toma como modelo a su hija Paula para realizar los retratos que le han hecho famoso y recrea sobre ella las imágenes más conocidas de autores holandeses o del Renacimiento italiano,

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como Johannes Vermeer, Sandro Botticelli, Frans Hals, van Dyck, Leonardo Da Vinci o Rembrandt. El resultado es fantástico, y ya no sólo por la coincidencia de los retratos y por aprovechar la técnica de la fotografía actual para rememorar pinturas


de siglos pasados, sino porque su trabajo de claroscuro es magistral, hasta el punto que sus fotos son tan sobrias y elegantes y están tan bien iluminadas que como en el caso de nuestra portada de esta edición, ni nos damos cuenta de que lo que lleva en la cabeza la modelo es una

simple y vulgar bolsa de plástico del mercado. La Witsenhausen Gallery de Ámsterdam le ha dedicado un espacio a este trabajo ganador del premio PANL, reconociéndolo como una acabada y depurada obra de arte.

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En el lente

Guiseppe Andreone El descubrimiento de Venezuela en las imágenes del camino. Por: Esteban Velazquez Wilhelm

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ormado en el cosmopolitismo de la cultura mediterránea, Giuseppe Andreone, puede parecer a primera vista un hombre tosco, un italiano terco y con poco interés en las formas dóciles, el dice lo que piensa y además lo dice con fuerza y sin titubeos, mientras prepara sus equipos de fotografía se le ve angustiado y exaltado, le preocupa el tiempo, el clima, el espacio. Pero de

“nunca he conseguido una luz y un colorido tan bello como lo encuentro en Venezuela” pronto, cámara en mano, comienza a disparar, poco a poco se siente una paz en el ambiente y solo se siente el slash de la cámara y su mirada concentrada intentando descubrir el mejor ángulo, de vez en cuando una sonrisa invade su rostro y entonces se emociona a lanzar mas y mas fotos, y el momento final lo marca el gran hallazgo: Esa imagen que termina por cautivarlo y que marca el fin de un día y el inicio de otro.

Entre el algodón, el lino, la seda y la lana comenzó el temprano contacto de este italiano con el mundo del arte. Su estrecho contacto con el mundo textil le permitió conocer profundamente sobre el valor, la textura y la paleta cromática que fue necesario dominar para luego producir las sintéticas telas de nylon y poliéster. El empleo de colores, combinación y degradados le permitía ver sobre las telas mundos inimaginables.


El damasco visto como un jardín infinito, las bucólicas escenas en los gobelinos, la tradición y el poder de los cuadros escoceses o el romántico tramado del encaje de arencón francés le permitieron ver al mundo con otros ojos, pero ese descubrimiento no se hizo factible sino hasta que tuvo en sus manos una cámara fotográfica y decidió ser libre, libre para iniciar un recorrido y dejar un testimonio grafico de lo que solo él puede ver: Las imágenes de su camino. Aunque con su lente ha hecho fotografías de diversa temática, Andreone es un fotógrafo de caminos, es un fotógrafo de descubrimientos, de amaneceres, de personajes taciturnos, de la vejez resignada y cansada o de los niños inocentes que desconocen el mundo que esta mas allá de sus realidades.

El fotógrafo emplea un enfoque apologético que estimula el interés de los que interpelan sus imágenes, al tiempo que construye mitos desde su concepción europea sobre todo lo que consigue a su paso en los diversos poblados e inhóspitos parajes que recorre con su sombrero de pajilla y su fantástico equipo fotográfico. Ha recorrido Venezuela de punta a punta, en sus archivos hay registro pormenorizado de esa Venezuela inexplorada, de sus esperanzas y creencias, de sus colores y texturas de sus amaneceres y de sus profundos misterios ancestrales. En sus imágenes vemos el registro de colores auténticos logrados con luz natural

16 Sus imágenes son un redescubrimiento de la realidad, son un nuevo planteamiento que seduce el imaginario y que nos remonta a escenarios desconocidos que parecieran tan comunes por sus elementos pero tan lejanos y diversos por la enigmática fuerza con la que han sido capturadas.


Visión Historica

FLANDES El esplendor de los grandes maestros Por: Esteban Velazquez Wilhelm

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a pintura en el aristocrático y católico Flandes del siglo XVII es, por una parte, resultado de la evolución de un centro artístico ya importante en los siglos anteriores. Allí se mantiene el componente humanista de la concepción pictórica, centrada en la idea de la creación personal del artista al servicio de un mecenas. Pero, por otra

parte, su desarrollo depende de la estrecha vinculación con el mundo italiano, del que se nutre estilísticamente, sobre todo en su vertiente más espectacular y exuberante, así como del español, sobre el que influye de forma decisiva, dadas las relaciones políticas y el interés coleccionista de los Habsburgo hacia esta pintura.

El número de pintores relevantes de la escuela de Flandes es considerable. La tercera gran figura de la pintura flamenca, después de Rubens ( 1577 - 1640) y van Dyck (1599 - 1641) es Jacob Jordaens (15931678), que fue colaborador de Rubens, aunque a diferencia de este y de Van Dyck, gusta de lo popular, con una vitalidad fresca y expresiva.


Pero es posible que ningún otro género, con la única excepción del paisaje y pese a la indudable importancia del bodegón, contribuyera tanto al esplendor de la pintura holandesa del siglo XVII como el retrato. Impulsada por la pujanza de los comerciantes de los Países Bajos tras la independencia de su país de España en 1581, la pintura holandesa conoció en ese siglo una auténtica edad de oro, caracterizada por su interés por el mundo visible.

Por eso, en Flandes, más que en ningún otro lugar, tuvo un desarrollo espectacular la pintura de animales, tanto vivos como muertos, la pintura decorativa de flores y, sobre todo, la pintura de género, de formato reducido, destinada a decorar casas burguesas, como puro recreo descriptivo. Entre los pintores más destacados

figura Jan Brueghel de Velours (1528-1625), cuyas obras detallistas de colorido brillante muestran su sentido descriptivo de la concepción pictórica. De una generación muy posterior es David Teniers (1610-1690), el pintor de escenas populares, donde aparecen figuras y anécdotas reproducidas con amabilidad.

Una nueva clase media, enriquecida con el comercio, quiso dar testimonio a través del retrato de su nuevo estatus, adquirido gracias al esfuerzo personal, conmemorar momentos importantes de su vida como el matrimonio, el nacimiento de los hijos o un nombramiento para algún cargo cívico. Aquellos comerciantes hicieron allí el papel de mecenazgo que en España o en Francia habían desempeñado la iglesia, la monarquía o la aristocracia y tuvieron la suerte de contar con numerosos artistas de talento dispuestos a cumplir sus encargos.

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Los hay también de parejas recién casadas como el de Isaac Massa y Beatrix van der Laen, pintado por Frans Hals, en 1622: sentados al pie de un árbol con un jardín al fondo, los jóvenes esposos nos miran sonrientes y parecen la imagen misma de la felicidad. Otros reflejan la intimidad de una larga convivencia como el maravilloso doble retrato que hizo Rembrandt del arquitecto Jan Rijcksen y su esposa, Griet Jans, en el que la mujer abre de pronto la puerta donde aquél está trabajando para entregarle una carta que acaba de llegar.

Rembrandt y Frans Hals son dos figuras centrales en este apartado pero podemos citar a una veintena de autores que dejaron una huella magistral. Hay retratos individuales, en los que el pintor se preocupa por conseguir con la máxima fidelidad

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el parecido del personaje al tiempo que informa de su posición social, incorporando signos de su estatus o de su poder como el que Michiel van Mierevelt hizo en 1607 del príncipe Wilhelm de Orange-Nassau, el gran estratega de la guerra con España.

Hay retratos colectivos que muestran las virtudes cívicas que se encarnan en un grupo de profesionales como uno de carácter monumental, comenzado por Frans Hals y terminado por Pieter Codde, que representa a los oficiales de la guardia del distrito 11 de Ámsterdam. Está la impresionante Lección de Anatomía del doctor Nicolaes Tulp (1632), primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, y que los organizadores han colocado junto a otro anterior, de similar temática, el titulado La lección de Osteología del Dr. Sebastiaen Egbertsz, de Nicolaes Eliasz Pickenoy, en el que el grupo no examina un cadáver sino un esqueleto.


Ambos por cierto están inspirados en una pintura anterior (1617), La Lección de Anatomía del Dr. Willem van der Meer, de Michiel van Mierevelt, el más viejo de aquellos retratistas y un artista de éxito gracias a su numerosa clientela de diplomáticos, militares y altos funcionarios. De esta manera en los dominios españoles de los Países Bajos se desarrollará una importante escuela pictórica que marcará profundamente una de las épocas más florecientes del arte universal y brotará de su ceno a los más prominentes exponentes.

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Noticias

of a rt foundation

friends

Una organización mundial nacida en Venezuela Por: Ana María Brillembourg Olavarría

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n los últimos 20 años el arte latinoamericano, o por lo menos el arte hecho en los países de América Latina por artistas nacidos en la región, comenzó a repuntar en el mundo como un fenómeno de envergadura siendo no visto ya desde la óptica de lo tribal y las mixturas étnicas que proyectaban un arte que parecía no terminar de sostenerse

firmemente entre la rigurosa crítica internacional impulsada por los grandes museos europeos y norteamericanos. Pero todo el panorama global apuntalaba a la obligatoria aceptación del arte hecho en América Latina como un referente de peso en el contexto del arte mundial. En este sentido uno de los asuntos de debate comenzó a ser ¿cómo integrar el arte de la región en los

escenarios internacionales del arte?, ¿cómoconsolidan programas de integración si las políticas de los estados latinoamericanos no tenían un piso solido para invertir en el desarrollo del arte de sus naciones?. Es de este contexto del que surge un interés por la creación de una organización mundial de apoyo al arte.


www.friendsofartfoundation.com Friends of ART Foundation - Venezuela FRIENDSOFART1

Fotografía: Giuseppe Andreone.

Albertine de Galbert, comisaria francesa, hija del coleccionista Antonie de Galbert fue una de las primeras preocupadas por estos asuntos. En su acercamiento al arte en América Latina observó que los artistas estaban “aislados” y con dificultades para mostrar su trabajo “Había mucha energía perdida”, señaló, ya que la mayoría de los creadores de arte contemporáneo latinoamericano “no tienen muchas salidas fuera de sus países respectivos”. Entonces ella pensó en una organización para la región pero el proyecto se diluyó hasta llegar a proyectarse como “Artesur”, que incluye América del Sur, Centroamérica, México y el Caribe, este era una rama de aquel gran proyecto inicial que ahora aspira a convertirse en una gran red electrónica entre los creadores. “Ayudará a organizar exposiciones, publicaciones, investigaciones en América Latina y en otros países”, explicó De Galbert, quien ha recibido para su proyecto un apoyo financiero de la Maison d’Amèrique Latine de París. Pero la idea de los amigos del arte quedó flotante hasta que cuatro impulsadores de aquel proyecto inicial decidieron darle forma: Carmelo González en España, Cecilia Medina Lamus en Colombia, Augusto Ferríz en Mexico y Esteban Velázquez Wilhelm en Venezuela aparecieron así como las cabezas de una organización mundial que ahora se propaga en el mundo.

FRIENDS OF ART FOUNDATION Venezuela. Constituida como la sede matriz y rectora para el establecimiento de la organización en América Latina, Friends of Art Foundation en Venezuela a marcada las líneas y las bases del ordenamiento de esta organización para la región. Uno de los principios de su trabajo es la integración y estrecho vinculo con las agregadurías culturales de las diferentes embajadas del mundo con presencia activa en el país, generando diálogos de integración cultural y proyección bidireccional de las artes en el escenario internacional. La estrecha comunicación con centros artísticos de alto nivel en el mundo como el Centro Pompidou de París, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York, Tate Modern de Londres y el Hamburger Bahnhof de Berlín, cuyos presidentes y curadores están atentos a los programas de Friends of Art Foundation como canal de difusión del arte latinoamericano, se convierten en pilares fundamentales para la internacionalización de nuestros valores artísticos.

La premisa fundamental es consolidar un movimiento integrador que sirva de articulador de programas de difusión, de la mano con los principales museos y centros de arte nacionales, dándole forma a un verdadero proceso de gestión que promueva valores emergentes y que brinde herramientas eficaces a los artistas para explorar nuevos espacios de difusión. Esta organización está abierta a recibir en su ceno a artistas, galeristas, coleccionistas, aficionados, curadores, críticos, promotores culturales, estudiantes de arte, entes públicos y privados y todo aquel que vea en las creaciones humanas una forma de lenguaje cultural universal para el fortalecimiento de la integración y la reconciliación de nuestras sociedades.


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Titulo: Construyendo mi mundo Autor: Johan Galue Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 150x150cm Año: 2012 Precio: 16.000 Bs.

Titulo: Autorretrato y compañia Autor: Alvaro Paz Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 150x120cm Año: 2011 Precio: 22.000 Bs.

Titulo: Carrusel Autor: Yarinés Suárez. Técnica: Mixta sobre madera Medidas: 160x180cm Año: 2011 Precio: 15.800 Bs.

Titulo: El fundador de pueblos Autor: Ender Cepeda Técnica: Acrílico sobre lienzo Medidas: 100x80 cm Año: 2001 Precio: 27.000 Bs. Galería Medicci / Tlf. 0058+261-7923281


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Titulo: Maracaibo n° VI Autor: Alvaro Paz Técnica: Mixta sobre madera Medidas: 200x150cm Año: 2011 Precio: 21.000 Bs.

Titulo: La Fumadora de peces Autor: Ender Cepeda Técnica: Mixta sobre tela Medidas: 100x150cm Año: 2001 Precio: 27.000 Bs. Galería Medicci / Tlf. 0058+261-7923281

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Titulo: Cinco sentidos Autor: Amilcar Romero Técnica: Oleo sobre lienzo Medidas: 100x100cm Año: 2012 Precio: 14.500

Titulo: Serie Taurina Autor: Andrés Mejías Técnica: Mixta / Tela Medidas: 135x80cm Año: 2012 Precio: 10.000

Titulo: Hitler fetal Autor: Francisco Bassim Técnica: Acrílico / Tela Medidas: 180x146cm Año: 2011 Precio: 23.000


Convocatoria

8vo. Salón de Jovenes Artistas

MACZUL Por: Ana María Brillembourg Olavarría

T

eniendo como bandera la

el Museo de Arte Contempora-

“Este salón se ha convertido en

promesa del arte venezo-

neo del Zulia (MACZUL) aperturó

un espacio de difusión de peso

lano y su proyección, así

su 8vo salón regional de jovenes

nacional para la confrontación y

como el solido compromiso con

artistas el pasado jueves 25 de

disernimiento de las visiones y

la inclusión comunitaria y con los

octubre, exhibiendo 50 de un

experiencias creativas de los jo-

valores artisticos locales

numero total de 126 propuestas

venes artistas regionales”

que aspiraron a la selección.


Un jurado encabezado por los artistas Oscar Gonzalez Bogen, Luis Cuevas y Albert Frangieh estuvo al frente de la rigurosa selección de los lugares ganadores y reconocimientos.

Loana Hernández (Corpo - Levedad)

“Las obras demuestran el espíritu intranquilo y las aspiraciones o reflejos de vida de los cradores”

Alvaro Paz (Problema real)

Agustín Rincón

(15 Tesis aplicadas)

En esta edición resulto ganadora

El salón anual ha impulsado sin

la artista Loana Hernández, quien

duda alguna a una nueva gene-

recibió el premio al primer lugar,

ración de artistas convencidos

mientras que el segundo y tercer

del compromiso de su arte con la

premio fué entregado a los artis-

consolidación de la nueva plata-

tas Alvaro Paz y Agustín Rincón

forma cultural de la región.

respectivamente.

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Esfera Global Los 7 coleccionistas de arte más influyentes del mundo Por: Ana María Brillembourg Olavarría.

S

on ellos y no hay mas, son multimillonarios, compulsivos, excéntricos, cultos y poderosos. Pero también son factor importante para el sostenimiento de aportes privados al mundo de la cultura. Sus influencias no están medidas solo por las colecciones que poseen sino también por los imperios económicos que manejan. Sin duda alguna estos hombres no tienen nada que decir, todo lo que tienen es solo digno de admirar. Bien sabemos que han circulado listas de poderosos coleccionistas que llegan a los 50, los 100 e incluso a 200 nombres en cuyos haberes se cuentan las realizaciones materiales artísticas mas emblemáticas de la humanidad, y que esa lista se ha engrosado en los últimos 10 años por varios asiáticos, árabes y latinoamericanos que se están proyectando como los más poderosos. Pero, si hacemos un balance y tomamos en

cuenta el valor y significado de sus colecciones, el poder mediático que poseen, las esferas económicas que dirigen y su peso en las decisiones políticas y culturales de sus países la lista se reduce a 7 nombres, y ellos están aquí. El hombre de negocios ruso dueño del Chelsea, Román Abramóvich está a la cabeza de los 10 coleccionistas más activos del mundo. Otro ciudadano ruso, el oligarca Oleg Baibakov, que fundó junto a su hija María la galería de arte Baibakov Art Projects, está también en los primeros lugares de una lista de al menos 50 multimillonarios coleccionistas. Román Abramóvich, que desde el año 2008 compra valiosas obras de los pintores más caros del mundo y que ayuda a su pareja Daria Zhukova a mantener en Moscú el Centro de Arte Contemporáneo Garazh, es seguido principalmente por el norteamericano financiero Leon Black y su esposa Debra,

los filántropos Edythe y Eli Broad, el dueño del ‘hedge fund’ SAC Capital Partners Steven Cohen y su esposa Alexandra, y por el aficionado a la escultura y dueño del museo Glenstone, Mitchell Rales. Mientras que los coleccionistas más activos de Europa son: el francés Bernardt Arnault, presidente del grupo LVMH (Louis Vuitton y Moët Hennessy), el empresario François-Henri Pinault y el británico Charles Saatchi. Este año se han ampliado las fronteras, pues la revista situó en la lista a los representantes de países como Qatar y Hong Kong: el jeque árabe Saud bin Mohammad bin Ali Al Thani, junto con el millonario de Hong Kong Joseph Lau, fueron calificados como unos de los aficionados al arte más sofisticados. De hecho, sólo el jeque de Qatar posee objetos antiguos creados hace más de 150 años, mientras que las colecciones del resto sólo contienen obras contemporáneas.


ROMÁN ABRAMOVICH Más conocido por sus inversiones en el mercado del futbol británico, donde es dueño del Chelsea Football Club, Abramovich se inició como coleccionista de arte gracias a la influencia de su novia, Daria Zhukova, hija de un magnate del petróleo ruso y propietaria de una galería de arte en Moscú, la GCCC, además de ser miembro del Consejo de Administración del Los Ángeles County Museum of Art. La primera adquisición fue nada menos que una fantástica pintura de Lucien Freud valorada en 20 millones de euros –la mayor cantidad jamás pagada por una obra de un artista vivo– para a continuación hacerse, la noche siguiente, con un tríptico único de Francis Bacon (de 1976) por otros 50 millones, en esta ocasión récord tanto para el artista como para cualquier obra de arte contemporáneo vendida hasta el momento. Ahora en el centro de San Petersburgo, sobre una isla artificial de casi 10 hectáreas se erige un museo que alberga su colección privada de arte.

LEÓN BLACK Comprador del cuadro El grito de Edvard Munch, según informó The Wall Street Journal. El multimillonario neoyorquino pagó 91,2 millones de euros por la pintura. No ha develado cuáles son sus planes para el cuadro, aunque lo más probable es que lo preste a un museo (Black pertenece al patronato del Museo Metropolitano de Nueva York y al de Arte Moderno). El grito es el cuadro más caro vendido en una subasta, superando el récord de 2010 por el lienzo de Picasso Desnudo, hojas verdes y busto, vendido por 81 millones de euros. El récord de venta privada lo tiene el cuadro de Cézanne Los jugadores de cartas (1892-93), comprado por la familia real de Qatar en 2011 por 191 millones de euros.

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ELI BROAD Junto a su mujer Edythe se han convertido en unos de los más prominentes coleccionistas de arte de la historia, no solo por las cantidades sinó por las calidades de obras que posee. Cuentan con más de 2.000 obras en su haber que incluyen creaciones Pop Art de Andy Warhol y Roy Lichtenstein o surrealistas de los españoles Salvador Dalí y Joan Miró, pasando por obras renacentistas italianas y de los impresionistas franceses. El estado de California aprobó la iniciativa de Broad de construir un imponente museo ubicado al lado del Walt Disney Concert Hall diseñado por el arquitecto Frank Gehry y se encuadrará dentro de los planes de recuperación del área del centro de Los Ángeles.

STEVEN COHEN Steven Cohen es un inversor financiero americano que comenzó a adquirir arte, justo antes de comenzar este nuevo siglo. Este millonario, situado en la lista Forbes con el número 114 de los más ricos en septiembre de 2011, y el 35 de los americanos, posee una fortuna estimada de 8.300 millones de $. Su colección está valorada en más de 750 millones $, y posee un accionariado en la casa de subastas Sotheby´s de más del 5%. Obras de Edvard Munch, Amadeo Modigliani, Jackson Pollock, Picasso, Cezanne, Van Gogh, Warhol o Matisse son algunos de los que podemos encontrar en su lista de maravillas.

BERNARD ARNAULT Ha puesto en marcha numerosas iniciativas de mecenazgo dirigido a poner en valor la imagen del grupo LVMH y a dotarlo de una dimensión más institucional. Para desarrollar sus actividades de mecenazgo, Bernard Arnault cuenta con la ayuda de Jean-Claude Claverie, ex asesor de Jack Lang en el Ministerio de Cultura. Gracias a su labor, el grupo LVMH se ha convertido en un agente importante del mecenazgo en Francia.


FRANCOIS - HENRI PINAULT Su patrimonio se expone en el Palazzo Grassi de Venecia, que antes perteneció a otra millonaria dinastía: los Agnelli. Entre las obras que componen la colección existen pinturas de altisimo nivel, pertenecientes a destacados exponentes del arte universal, Masaccio, Rembrandt, Turner, Van Gogh, Picasso, Miró entre otras. Sus iniciativas en materia cultural han permitido la expansión del arte en distintas aéreas, incluyendo aportes que últimamente ha hecho a centros de arte mexicanos quizás por su matrimonio con la actriz y empresaria mexicana Salma Hayek.

CHARLES SAATCHI Formó con su hermano Maurice, una exitosa agencia de publicidad que le permitió convertirse en coleccionista de arte a principios de la década de 1990. Primero abrió una galería en una antigua fábrica al norte de Londres, después trasladó su colección al centro de la ciudad, delante del Palacio de Westminster, y desde 2008, Saatchi Gallery - www.saatchi-gallery.co.uk/- ha consolidado su sede en el barrio de Chelsea, en un edificio victoriano de uso militar reconvertido en galería. Saatchi desea seguir descubriendo artistas. Alguno de los que expone cada año en su sede y cuya obra, él ha adquirido, se hará famoso.

El grupo ha prestado su apoyo a más de una decena de exposiciones: Le grand monde d Andy Warhol y Picasso et les maîtres en el Grand Palais o incluso L’Atelier d’Albeto Giacometti, así como Yves Klein en el Centro Georges-Pompidou, entre otras. En 2006, Bernard Arnault pone en marcha el proyecto de construcción de la Fundación Louis-Vuitton para la creación y el arte contemporáneo. El edificio ha sido diseñado por el arquitecto Frank Gehry autor entre otros del Museo Guggenheim de Bilbao. Este proyecto se vio interrumpido en enero de 2011 debido a una reclamación presentada por los vecinos del Bois de Boulogne. Las obras se retomaron en junio de 2011. El museo, que cuenta con el patrocinio de la Villa de París, será inaugurado en 2013 en el Jardín d’Acclimatation de París.

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The Riding Crop. Bruno Zach 1930

14. Kingstreet. St James London.

Wilhelm Art & Collectibles  

WILHELM INTERNATIONAL MAGAZINE, lanza al mercado internacional (Colombia, Panamá, Venezuela) revista especializada en el mundo y el mercado...

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