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#18

#18

PUBLISHERS / CO·DIRECTORES Javier Gover jav@wickedba.com Ruben Quiroga Cerdat quiroga.cerdat@gmail.com EDITORA Valeria Limonoff contenidos@wickedba.com ART & DESIGN pump-a.org COLABORADORES # 18 REDACTORES

FOTOGRAFÍA Cecilia Romano Virginia Taboada Producción de Moda Laura Scavo Tapa Cecilia Romano

Federico Telerman.

María Pilar Gonzalez Christian Abellán Diego Valente Sabrina Haimovich Francia Herrera Gonzalo Lagos Josefina Muslera Clara González Bunster

Vamos a recauchutar la onda de esta ciudad con

SINCERIDAD & COMUNIDAD

Bienvenidos a la segunda edición digital de WICKED y a la #18 desde que empezamos, la revista de arte y cultura joven de Buenos Aires.  Comprometida con lo innovador, lo fresco, creativo, original y realmente independiente, un medio que siempre se brinda, trasparente, sin intereses creados y sin contradicciones. Y eso es lo que nos hace orgullosos y nos da fuerzas para mantener la llama encendida número tras número, dando a todos la oportunidad de mostrar lo que hacen. WICKED es un circulo virtuoso editorial, que se retroalimenta de la energía de los artistas que pueblan sus páginas, un reconocimiento a los jóvenes creativos que comparten la misma actitud que nosotros promovemos desde nuestras inspiradas páginas, a pesar de todo el materialismo y contradicción de la coyuntura, que en definitiva inspira al arte y la creatividad, lo que da origen al cinismo, al humor, y a la resistencia … instancias donde el arte y la libertad de pensamiento siempre estarán caminando de la mano . Sea cual fuere su naturaleza.

Esa es nuestra filosofia

YOUNG, BEAUTIFULL and BROKE.  Paraná 264 of.10 (C1019BCH) Ciudad de Buenos Aires, ARGENTINA (00541) 4373 2713 / 4372-8173 www.wickedba.com info@wickedba.com

Los entrevistados y los autores son responsables de sus escritos. Se puede reproducir cualquier parte de estas notas siempre que se cite el autor, la fuente y la página web de WICKED MAG.

En este número digital vamos a recauchutar la onda de esta ciudad con amor, magia, asombro y mucha creatividad. Entrevistamos a los genios de Horizonte, Diego Roa, RRAA, Sael, Abril Sosa, Killerdrumz, Javier Van de Couter, Lavial, Luna Paiva, entre muchos otros. Disfrutá y difundí este material para que podamos seguir con nuestro trabajo diferente y sincero, que nos encanta. Javier y Rubén / Co-directores


Te x t o

Ruben Quiroga Cerdat

Las galerías REA y FIEBRE participan por primera vez en el Barrio Joven de la edición de este año de ArteBA. Sus artistas impulsarán con mucha fuerza la escena actual del arte contemporáneo, junto a todo el cuerpo de galerías seleccionadas tanto de Argentina, Chile, Colombia y Ecuador.

REA ONE DAY GALLERY / TOMÁS NERVI


Del 22 al 27 de mayo se abrirán las puertas de los pabellones azul y verde de La Rural, para dar lugar a la edición número 22 de ArteBA. Una de las ferias más distinguidas que se desarrolla en Buenos Aires, anualmente. Con menos galerías que la última vez, este año participan 82 distribuidas entre el cuerpo principal, U-Turn, Solo Show y el Barrio Joven. El Comité de selección, integrado por Rafael Cippolini, ensayista y curador autónomo, Beatriz López, dueña de la galería La Central y curadora independiente y Mariano López Seoane, director de Miau Miau, tuvo a su cargo la selección de las 18 galerías y/o espacios del Barrio Joven.

FIEBRE GALERIA / JULIO HILGER


La primera versión sobre el nombre de la galería de arte que dirigen Tomás Fox y Rodolfo Schmidt Otero, dicen que viene de la película “Fiebre”, del Director Armando Bó. También puede ser por el álbum “Fiebre” de Sumo. El orden y tiempo de la apertura fueron necesarios para marcar objetivos, que van siendo cumplidos y según sus mentores, superados. Y eso se ve en el trabajo que desarrollan sus dueños dentro de uno de los primeros locales del Patio del Liceo, embrión de la nueva escena del arte contemporáneo. Desde su apertura en Julio de 2011, las

FIEBRE Galería / RRAA.-

exhibiciones de dibujo, pintura e instalación fueron marcando un nuevo de-

En aquellos primeros objetivos la pro-

safío para estos dos jóvenes. Una audaz

ducción accesible estaba presente. En

selección de obra de los artistas Mer-

cada exhibición, dentro de un arcón

cedes Baliarda, Ezequiel Black, Martín

blanco (su pequeña, pero variable tras-

Touzón, Diego Roa, RRAA, Julio Hilger,

tienda), se pueden encontrar obras que

Marianela Leguizamon, Gastón Rebore-

no superan los cuatrocientos pesos. Así

da y Santiago “motorizado” Barrionuevo,

se complementa la exhibición que está

entre otros, ya estuvieron presentes en

presente.

la galería. Un nuevo núcleo de artistas emergentes, con un concepto y estilo con sello propio.

FIEBRE, con una curaduría caprichosa y demasiada convicción en el trabajo, refleja un costado callejero y rockero.

“La galería está dirigida a un público

Es la primera vez que va a participar

compuesto por aquellos que están in-

de una feria, y su inicio será en ArteBA

teresados en el arte desde hace tiempo

2013. “Vamos a llevar nuestro rock &

y también a los nuevos curiosos. Donde

roll”, se jactan. Y seguramente lo sea

los artistas puedan ofrecer sus grandes

con los artistas Mercedes Baliarda, Die-

obras pero también producciones más

go Roa, RRAA y Julio Hilger, además de

accesibles para que todos se puedan

su trastienda.

llevar un original a su casa”.


REA One Day Gallery / Constant Anée

Seguramente recuerden a REA cuando

Allí se comenzó a gestar este proyecto.

reglas, manteniendo su filosofía.

en la edición ArteBA 2011, había un

REA convoca a artistas con proyección

“La madre del proyecto, fue la fotografía”,

camión estacionado sobre la avenida

nacional e internacional, la búsqueda

cuenta Sebastián, mientras recorremos

Sarmiento, en la puerta de La Rural, que

constante de nuevos lenguajes en el

la trastienda de REA, donde se puede

funcionaba como galería bajo el titulo

ámbito del arte contemporáneo, los

ver el estilo personal del collage reali-

“El arte va en camión”.

lleva a posicionarse dentro del actual

zado con placas tomadas en 35mm de

Los primeros pasos de este proyecto

mercado del arte.

Lobo Velar, obras de Violeta Durand, con

fueron en la primavera del año 2010,

Una minuciosa y fina selección de artis-

habitando espacios por un día, forma desarrollada en los opening de REA One Day Gallery, dirigida por Sebastián Muñoa.

tas: obras de Constant Anée, Lobo Ve-

su exposición múltiple, junto a las del artista francés Constant Anée.

lar, Gaspar Libdenisky -quien expuso en

Analizan la búsqueda en nuevas disci-

la galería durante abril- y Tomás Nervi,

plinas, como son las piezas realizadas

se pueden encontrar en la tras-tienda,

con alfombra Velour Plus y su nueva

El Palacio Barolo, edificio simbólico de

donde se trasladan las obras luego de

producción para ArteBA 2013, que du-

la Ciudad de Buenos Aires, que hace

haber estado expuestas en alguno de

rante mayo compartirá el espacio junto

referencia y homenaje a “La Divina Co-

los atractivos y novedosos espacios que

a los artistas Tomás Nervi, Constant

media”, del poeta italiano Dante Alighie-

seleccionan para dar comienzo a “un día

Anée, Violeta Durand y Lobo Velar, re-

ri, fue el primer lugar seleccionado, para

de galería”. Diferente, como es su ubi-

presentando a REA.

dar inicio a REA, con más de tres años

cación (en las cercanías del Centro de

dentro del circuito de galerías jóvenes.

Exposiciones Costa Salguero), rompen


JOPO

Peluquería y Ping Pong Pasaje Giuffra 370 SAN Telmo

Fotografía: Flor Lista / Vestuario: Papa Frita Love / www.papafritalove.com Accesorios: La Fundamental / Estilismo: Javier Gover / Modelo: Inkeri Zappa


Explosión de color Te x t o

María Pilar González

Obra_ Diego Roa

Tres artistas visuales de distinta formación muestran sus paletas, diseños y técnicas que usan para iluminar, embellecer y llenar de energía positiva Buenos Aires.


DiegoRoa

Diego Roa es un ilustrador que apuesta a la creatividad constante. Con inspiraciones californianas, su marca de estilo son sus Ni単os azules, le aportan gran personalidad a su obra.


DIEGO ROA Nacido en la ciudad santracruceña de Puerto San Julián –un pueblo costero de amplias playas, que invita a recorrer los vestigios de los pioneros patagónicos y a maravillarse con su fauna- Diego Roa es más conocido por ser el padre de los Niños azules que hoy pueblan tantos muros y otros espacios de nuestra ciudad. Autodidacta, con influencias del under californiano y muy afín a la experimentación en múltiples campos, este ilustrador busca redefinir permanentemente un horizonte artístico que vislumbra sin límites. Empezaste a dibujar desde muy chico. ¿Cómo fueron esas primeras experiencias graffiteras en tu ciudad natal, tan al sur de Capital Federal?

Entre los 14 y 17 años tenía un amplio grupo de amigos con los que andábamos en skate, tocábamos hardcore y nos la pasábamos yendo a recitales. En esa época ya contaba con carpetas de dibujos que venía haciendo desde los 10, y se seguían acumulando. Recuerdo un día salimos con un amigo a pintar un poco y a hacer pruebas con aerosoles. En la segunda salida encontramos un paredón de una escuela, saltamos la reja y después de una hora me encontraba parado en los hombros de mi amigo terminando un dibujo de unos 3 metros de alto. En ese momento aparece un patrullero y se bajan los oficiales, y la pregunta del policía fue “¿Hace mucho que dibujás? Es muy bueno tu trabajo, pero tienen que acompañarnos, ya que recibimos llamadas de los vecinos”, nos dijo casi como pidiendo disculpas. Desde aquella noche aprendimos a estar alerta y a elegir de manera más inteligente nuestros soportes. ¿Qué educación formal en arte recibiste?

Soy autodidacta. Hace pocos años, mientras estudiaba arquitectura, decidí perfeccionar ciertas técnicas que aprendí en mi infancia copiando de libros y revistas. Opté por tomar clases de anatomía artística, proporciones y posturas, con diversas técnicas de representación. Conocí más tarde a un pintor que me enseñó a tomar decisiones en cuanto a composición y for-

matos, lo que me ayudó mucho a cerrar dibujos que me podían llevar años. Estos pasos fueron muy importantes para que mis obras no se quedaran a vivir en mi placard. Hoy me gustan mucho los lápices y el acrílico, pero tengo momentos en donde no puedo dejar la tinta, el aerosol, y el dibujo y desarrollo de herramientas digitales. Me siento atraído por los materiales desconocidos y su uso sin conocimiento técnico previo, y creo que eso mantiene mi obra en constante cambio.

nada. Con los años aprendí animación 3D o cuadro por cuadro a mano alzada, y he pasado semanas encerrado en casa tratando de desarrollar algo. Hoy en día trabajo con vjs para diversos eventos, donde realizo animación en tiempo real (a veces jugando con personajes de mis obras) y trabajando en distintos formatos y soportes como mapping, mediante sensores y demás experimentos.

¿Cuáles son tus influencias e inspiraciones para tus dibujos?

Son situaciones muy diferentes. Si pienso rápidamente elijo la calle por la espontaneidad, porque el juego que se genera cada día y en cada lugar es siempre una nueva experiencia. Había perdido un poco ese interés de pintar en la calle, pero llegar acá y ver tantas intervenciones revivió mi costado graffitero. Hoy existen innumerables métodos de intervención, cada día veo nuevos, y eso me motiva para desarrollar ideas por mi cuenta, analizar y anticipar las reacciones que pueda tener la gente, o llamar su atención mediante efectos visuales. Muchas veces el resultado es positivo.

De chico me llamaba mucho la atención un tipo de ilustración que se llama Lowbrow, que es parte de la cultura visual under de California, como también la ilustración infantil y de ciencia ficción de la década de los 50 y 60´s, que descubrí en libros de mis padres. Ahora suelo adquirir revistas y libros de aquella época para alimentar un poco la imaginación. Son como tener una máquina del tiempo, intento sentirme un lector de esos años. En cuanto a artistas, me gusta mucho James Jean, Tomer Hanuka, Sigmar Polke, Los Chapman, Fischl, Hockney, entre otros. La lista se vuelve interminable. ¿Cómo te llevás con las técnicas de animación?

Me gusta mucho la animación. Desde chico, el programa “Caloi en su tinta” era una obligación para mis fines de semana, y a partir de ahí comencé a hacer pruebas caseras, pero no llegué a cerrar

¿Te sentís más cómodo exponiendo en una galería o dibujando en la calle?

¿Cómo ves y sentís la movida artística en la Ciudad?

No soy una persona que vive en el mundillo del arte, no voy a muchas muestras ni vivo rodeado por amigos artistas. Me sale naturalmente, suelo olvidarme de inauguraciones en galerías sólo por distraído. Igualmente, creo que en Buenos Aires hay muchas movidas de todo tipo.


Foto: Los Vocalino

RRAA.-

Como cualquier capital mundial que se precie de ello, Buenos Aires tiene entre sus desventajas la creciente contaminaci贸n visual que no nos deja en paz ni en el ba帽o de un shopping. Conciente de ese agobio publicitario, y del mercado que pretende vendernos productos y estilos de vida, RRAA.- sale a la calle para resignificar mensajes y llamar la atenci贸n de los transe煤ntes desde otro lugar.


RRAA.Este artista porteño de rostro e identidad desconocida se define a sí mismo como una suerte de Robin Hood artístico, un paladín de la justicia que desde la creatividad transforma a la publicidad en un canal de comunicación alternativo. Absolutamente escurridizo, su labor principal consiste en “desenmascarar” intenciones, estereotipos y mandatos de la sociedad de consumo actual, a través de máscaras de colores en el rostro de modelos, artistas y políticos. Así nació la serie los Desenmascarados, que muestra el lado B –o el lado real- de las personas, para proponer un “espacio de sorpresa, intriga y reflexión”, como explica él mismo. Además del arte callejero, RRAA.se dedica, puertas adentro de su taller, a producir con una serie de técnicas, aunque destaca que la que prefiere siempre es la que está usando en ese momento.

¿Por qué intervenir esas grandes publicidades que nos saturan a cada paso en la Ciudad?

Justamente por eso, porque saturan. Porque se te paran delante de manera autoritaria bajándote línea de qué hacer, cómo verte y qué bebida tomar. Entiendo el medio por haber formado parte de él alguna vez, vengo de la publicidad con mis bases en la creatividad y la dirección de arte. Es por eso que decido ahora tomar el arte como herramienta de comunicación para montarme sobre el caballo de Troya de esa industria y abrir un paréntesis de respiro en sus pasos. ¿Cuáles son tus técnicas favoritas y tu inspiración para el día a día?

made, fotografía, pero siempre puertas adentro de mi taller. A la calle salí por primera vez hace un año y cuatro meses apróximadamente, y me era raro al comienzo. Yo soy una persona reservada, y el estar en la calle horas y horas interviniendo en puntos altamente transitados me resultaba, claramente, una experiencia muy exhibicionista, como muy a la vista de todos. Obra y acto de obrar. Todo junto ahí, frente a todos. Hoy por hoy lo veo como algo cotidiano y ya me siento muy a gusto. Aunque, cabe aclarar, que sigo saliendo a intervenir a la calle vestido (risas). ¿Qué influencias podés señalar en tus obras y a quiénes considerás tus maestros?

La mejor técnica es la que estoy usando en ese momento, así como otras lo fueron en etapas pasadas. Hoy definitivamente, es la intervención pseudo infantil utilizando colores infantiles. La inspiración para el día a día puede estar en la música, en un paseo con mi perro, por ejemplo.

Dentro de mis influencias e inspiraciones podría nombrar, por orden alfabético, a Kid Gaucho, Los Vocalino y a Claudio Roncoli. En cuanto a mis maestros, obviamente en un plano indirecto, puedo contar a Frank Shepard Fairey y por supuesto a Andy Warhol.

¿Cómo fueron tus primeras experiencias en la calle?

¿Cuál es la reacción de la gente frente a lo que hacés?

Siempre trabajé puertas adentro de mi taller y las producciones se exhibían en galerías de arte. Los materiales que uso son tinta china, acrílico sobre tela, hago dibujo sobre papel, instalaciones, ready

Quienes me siguen en Facebook y/o Twitter me hacen saber que les resulta atractivo el proyecto y que les interesa. Muchos de los que me encuentran en la calle mientras estoy interviniendo, al

comienzo me expresan que se sienten aliviados al descubrir a la persona detrás del asunto. Inclusive una artista musical a quien le intervine el afiche le simpatizó cuando me descubrió interviniendo otro. Muchos escriben para decirme que le resulta divertido lo que hago, y recuerdo solo tres o cuatro oportunidades en las cuales me hicieron planteos o me expresaron su descontento. ¿Es Buenos Aires hoy un buen lugar para hacer arte?

Hoy por hoy veo con buenos ojos lo que está pasando a nivel artístico en Buenos Aires. Me parece que existen una muy amplia variedad de estilos, que le dan color y atractivo a la ciudad. Es cierto que algunas piezas me gustan más y otras menos, pero en su totalidad me gusta el ambiente que se está generando. Lo que no me simpatiza son los escritos o garabateos en paredes o puertas de casas sin permiso.


RRAA.-


Sael

El trabajo de Sael transmite color y alegría por donde se lo mire. Con la necesidad y la expectativa de crear sorpresa y transmitir energía, la geometría de lo flúo se constituye en su marca de estilo.


SAEL


SAEL Sael, o José Alfonso, es un diseñador marplatense y artista autodidacta que construyó un universo basado en la geometría del color y la tridimensionalidad. A través de intervenciones, instalaciones y mucha creatividad trascendió fronteras y hoy se posiciona en un lugar destacado dentro del mundo de los diseñadores y creativos actuales. No recibiste educación formal en arte. ¿Cómo y a qué edad te surgió la inquietud de dibujar?

La inquietud de dibujar la tuve siempre de chiquito. Mis recuerdos más tempranos son a los 10 años, cuando hice un curso de dibujo en la Academia Pitman de Mar del Plata, en la que me anotaron mis padres. Lo curioso fue que al mes me pasaron al curso de adultos porque me aburría en el de niños. Hace poco encontré en casa de mis papás la carpeta de dibujo y volví a revivir todos esos recuerdos. Ahí me enseñaron a componer con distintas formas, a dibujar con tinta china, a diseñar tipografía y logotipos, realmente era un curso muy completo. ¡Lo sentía muy apasionante! Después de dos años de asistir no pudieron costearme más el curso y dejé de dibujar. Varios años después retomé por instinto, empecé a dibujar otra vez y me di cuenta que me sentía conectado con mi niño interior, como cuando fui a la academia. Así comencé este camino en el que me voy formando a través de la experiencia y los retos que se me presentan. ¿Cuáles fueron tus primeros trabajos y qué desafíos encontrabas en ellos?

Uno de los primeros trabajos que me marcó, fue el proyecto “Robotel Toy Show”, que realicé en el 2007, que consistía en un evento de art-toy. Diseñé un personaje, que era un robot, al cual otros artistas invitados  intervenían  con su arte. Este proyecto me conectó con el mundo creativo, con otras ciudades, con muchas personas y artistas reconocidos. Aprendí a organizarme, conocí

gente con mucho talento, gente linda que me enseñó y me ayudó. Fue un gran desafío para mí y un gran aprendizaje. Otro trabajo importante fue mi primera intervención en vivo en el Inspiration Fest 2012 para una marca de autos. El desafío era cómo aplicar mis dibujos lineales a un objeto tridimensional como un auto. El resultado fue súper atractivo y a partir de ahí realicé muchas intervenciones más. Tus marcas de estilo son las líneas y la explosión de colores, eso indica sin dudas un estado de ánimo. ¿Desde qué mirada encarás  el arte y cuál es tu mayor fuente de inspiración?

El arte lo encaro desde una mirada positiva, de construcción. La intención es generar siempre algo positivo en el público, sorpresa y juego. Me gusta que el espectador encuentre cosas en la obra, la descubra o la disfrute mientras la realizo en vivo. Mi fuente de inspiración es el ser humano. ¿Cuáles son tus técnicas favoritas?

En general no tengo una técnica favorita. Me gusta mucho componer a través de elementos bidimensionales como líneas y figuras  geométricas  usando la simetría. También me gusta construir en tridimensión, el dibujo digital vectorial, el dibujo a mano alzada y la combinación de estos procesos creativos en algunos casos. Me da placer innovar, descubrir técnicas nuevas, experimentar y sorprenderme.

¿Cómo pensás una instalación y cuáles son las respuestas qué recibís del público?

Prefiero pensar una instalación desde varios puntos de vista, como artista y como público. Me corro a veces de la obra e intento disfrutarlo como un espectador más, trato de tener diferentes miradas. Las respuestas que recibo del público suelen ser muy positivas, la gente interactúa sacándose fotos como parte de la obra-instalación o  llevándose  un pedacito de la vivencia,   por ejemplo con una intervención que les hago en el momento en la espalda, sobre la prenda que tengan. Así es como los espectadores se convierten en parte del universo y de la historia que en ese momento quise contar. ¿Cuánto hay de vida cotidiana en tus creaciones?

Todo, porque crear es un estilo de vida.  Por eso tengo este concepto de que soy “una Power Unit”,   que me define como una unidad de potencia que interactúa con otros seres humanos día a día, fortaleciendo cada vez más los proyectos que se van presentando.  ¿Cómo ves y sentís la movida artística en la Ciudad?

La movida que hay en Buenos Aires es muy power. Esta ciudad tiene mucho movimiento artístico y cultural, me parece muy rica. Me encanta el intercambio que se genera, me siento muchas veces subido a una montaña rusa de cosas lindas y emociones que me retroalimentan constantemente. Hay mucho para ver y mucho por hacer.


A R T D I R E C T O R www.pump-a.org


LUNA PAIVA El impulso en la mirada

Luna Paiva nació en Paris en 1980, tres años después se instaló acá. Es licenciada en Historia del arte y arqueología graduada en La Sorbonne, estudió cine en NYU. Realizó su formación fotográfica con su padre, el fotógrafo Roland Paiva. Participó de muestras individuales y colectivas tanto en Buenos Aires, como afuera. Publicó Ficciones y Machete: Anuario de arte contemporáneo. Dirigió “El traje”, seleccionado en la competencia oficial del Bafici 2012, en Lakino Berlín Film Festival 2012 y Cali International Film Festival 2012. Fue seleccionada en el premio Petrobras en Buenos Aires Photo 2011 y en el premio Itaú 2013.

Texto

Josefina Muslera

Fo t o

Gentileza Martín Pisotti


Luna nos recibió en su casa, un entorno mágico. Cada cosa que fue contando iba mostrando su universo poético. ¿Cómo te encontraste con la fotografía? De muy chica porque mi papá era fotógrafo, o sea que siempre estuve en contacto con este lenguaje a nivel cotidiano. A los 17 volví a Francia donde viví por 6 años, estudiaba Historia del arte y en paralelo salía con una cámara que me prestaba mi papá. Fue una excusa para recorrer París, y a la vez, como no conocía a nadie me parecía un buen plan. Me conectaba con la ciudad y sus particularidades, y además era una gran ayuda para la soledad. Era un momento de magia, lo hacía sin pretensiones y expectativas, y eso es algo muy bueno para encarar cualquier proyecto o camino que uno vaya tomando, en donde se trata de cómo las cosas se van poniendo en orden. Yo estaba convirtiéndome en fotógrafa sin la voluntad de serlo. En tus fotos se muestra muy fuerte la soledad (como dimensión interior) y la naturaleza. ¿Cual creés que es el origen? Mi papá siempre me decía que yo tenía que aprender a estar sola, que más allá de estar con gente, hijos, etc., siempre uno está solo. Entonces nunca lo consideré como algo malo sino como algo que uno tiene que afrontar o aprender a convivir con ello. Con respecto a la naturaleza, a los 2 años mis padres se divorciaron y con mi mamá nos vinimos a la Argentina. Ella trabajaba en cultura, entonces exploraba mucho el país llevando libros a escuelas recónditas, y yo la acompañaba siempre. Conocí mucho de Argentina a través de esos viajes y desde entonces me es muy importante estar en contacto con la naturaleza. A la vez, tengo familia en Paraguay por el lado de mi papá, quien me transmitió su amor y a mantener los lazos con esa tierra donde la naturaleza es exuberante. Cuando estoy allá realmente vibro, siento que soy feliz. Ahora estoy haciendo unas cajas, unos dioramas que son como un paisaje 3D y me estoy dando cuenta que estoy recreando una especie de selva tropical ligada al Paraguay. Sobre las series “Real life” y “Fiction”, es paradójico que en la primera hay una fuerte carga de ficción y a la inversa en la segunda. Exactamente, yo sentía que “lo real” era ficción y viceversa, a mi me funcionaba para poder ver la foto que lo real fuera ficción y que la ficción fuera la realidad. No pienso un tema de antemano. Tengo una idea, hago la foto y, si me gusta el resultado, continuo la búsqueda hasta llegar a un hilo conductor. Después aparece la serie pero no es el motor. Excepto en los retratos de artistas y luego el de las vedettes,

donde por primera vez estaba haciendo una serie, en las otras nunca se dónde encasillarlas. Al final yo siempre siento que todo va decantando y cayendo tanto sea en “Real life” o “Fiction”. ¿Imágenes encontradas, imágenes deseadas o imágenes soñadas? Son exactamente las tres cosas, depende el momento. De repente se aparece una idea, y depende del caso es algo que debo generar como por ejemplo la imagen de la chica saltando de una puerta en el aire, para la cual tuve que armar todo el set. O la foto de la llama, que fue durante un viaje por Salta, yo tenía en mente sacar una foto del Norte que sea contemporánea y de repente apareció esta llama en el camino, que era la mascota de una señora, era tan tierna. Me bajé para abrazarla, fue muy lindo ese momento y ahí saqué la foto, que es una de mis preferidas, para mi simboliza paz. Siempre hay un momento mágico donde aparece la foto. También aquella de la chica gigante (que soy yo) acostada en esa ciudad en miniatura; la cual era de verdad y era tan genial que me acosté y saqué la foto. Después un tío de Paraguay encontró una foto de Polonia donde mis abuelos (que estuvieron en la 2da Guerra mundial) habían vivido y eran exactamente la misma imagen. No tiene una explicación racional lo que pasó, son esas cosas por las cuales de repente todo cobra (o deja) de tener sentido. Ahora estoy volviendo a ver de vuelta como al principio, queriendo hacer fotos como valor documental de “ese” momento que existe y de “ese” lugar que existe. Estas explorando también en cine, ¿qué te ha generado, tenés ganas de seguir? Si, siempre quise hacer cine. Hace un año hice un cortometraje que se llama “El Traje”, lo co-dirigí con Agostina Galvez. Hacerlo fue un incierto total, hay muchos aspectos en los que me lancé, estaba muy motivada y el guión se iba cambiando a medida que íbamos filmando y editando, nos arriesgábamos, estaba bueno eso. Estuvimos 3 meses trabajando, fue una experiencia muy buena. El corto ya estuvo en el Bafici, y actualmente está circulando por varios festivales. ¿Estás con algún proyecto, o búsqueda nueva? Si, por un lado estoy con mucho trabajo de fotógrafa, el que tengo que hacer y que quiero hacer, además continúo con ese proyecto de cine. Pero también estoy dibujando mucho y haciendo cerámica, es algo que voy desarrollando en paralelo, y lo hago exactamente como empecé con la fotografía: sin presión, sin pensar si voy a hacer “la obra” o si voy a mostrarlo, simplemente disfrutándolo.


Blond Ambition Belén Amigo trabajó en marcas de indumentaria deportiva y prêt-à-porter para luego dar forma a la que actualmente dirige y lleva su nombre. Oriunda de la región del Litoral, la joven diseñadora se proclama una “laburadora” del diseño, formando parte de la segunda y nueva camada de diseñadores emergentes del circuito de moda porteño. Confiesa que le gusta proyectar a lo grande y es una fanática incansable de los detalles, sosteniendo que el plus de una prenda se genera cuando la entendemos como un lenguaje de comunicación.

Texto

Christian Abellán

Fo t o

Romina García


¿De dónde surgió Belén Amigo, la marca? En realidad cuando iba terminé el colegio pensaba en estudiar cualquier otra cosa, era la típica “me gusta todo”, pero luego tuve una charla con una profe que me dijo: “tenés que estudiar algo de lo que te gustaría trabajar”, y me hizo pensarlo más en profundidad. Me ayudó a darme cuenta que yo me veía trabajando en un lugar tipo taller, donde se hagan cosas, que tengas la inmediatez de pensar una obra o prenda y poder hacerla. El empuje final fue descubrir a la indumentaria como un lenguaje de comunicación. Estamos diciendo lo que tenemos puesto. Me pareció algo muy interesante estar vistiendo cuerpos que se mueven, transitan. ¿Cómo es tu camino para el armado de una colección? ¿Cuáles son los pasos a seguir? Hasta ahora, contando mi última colección, tengo presentadas tres temporadas. Básicamente y a grandes rasgos, parto de una estética depurada en donde los conjuntos de prendas convivan entre sí, pero no solo dentro de la misma colección sino también con temporadas pasadas o prendas exteriores (de otras marcas). El análisis sobre el material a utilizar para una colección es algo a lo que dedico mucho tiempo. En una sola pieza mía podés encontrar cinco y hasta seis materiales. Soy una usuaria de mi marca por lo cual detalles como la utilización de telas que no piquen o utilizar un buen algodón son ley. Utilizo paletas bastante acotadas, me gusta lo que se genera al usar y mezclar distintos materiales dentro de las mismas gamas, enriquecen mucho a la prenda y le dan un detalle de cierre que particularmente aprecio mucho. También, la reminiscencia de la ropa deportiva y el claro interés por la calidad de los componentes en las prendas son premisas que rescato, son recuerdos de mi niñez y mi casa que tienen gran influencia en mis propuestas. ¿Qué cosas te preocupan como diseñadora de una marca pequeña? Siempre trato de crear colecciones con una cierta unidad, que la ropa realmente no sea descartable. Los diseñadores que como yo tienen una marca chica, no podemos darnos el lujo de armar una colección que dure solo seis meses y luego tirar todo. Somos marcas nuevas y para impactar de una manera positiva en nuestros clientes tenemos que poder sostener el discurso de que la ropa no te va a durar solo seis meses y la vas a tener que cambiar, sino todo lo contrario. También, en el país hay un culto extremo a lo de afuera y perdemos de mirar lo que tenemos adentro. En el exterior hay cosas geniales, pero si la intención es que nos presten atención como industria de diseño hay que proponer, no copiar. Ellos ya tienen lo suyo y es fabuloso, no quieren que vayas y les copies lo que hacen, quieren novedad. Otro tema no menos importante son los precios. La ropa de un diseñador con poco volumen, como es mi caso, no puede valer dos pesos, porque esto significaría que hubo una persona que fue explotada y lo hizo por cincuenta centavos. Tampoco la so-

brevaloración del producto es algo que esté bueno, porque lleva a consumir menos y de forma más pausada. Hay que buscar equiparar ambas partes para lograr un precio razonable. ¿Seguís el trabajo de otros diseñadores? Siempre consumí prendas que me representaran, no soy una seguidora ferviente de las tendencias pero siempre algo se cuela en mi perchero, es inevitable. Sigo mucho el trabajo de Juli Schang-Vitón, me gusta mucho lo que hace y es ropa con la que puedo verme usándola, sigue mi estilo personal. También las propuestas de Edu de Crisci y Pablo Bernard me parecen altamente interesantes. Siempre cargan con un halo de emotividad que para mí es algo infaltable en una prenda con la que vas a decir algo usándola. Con varios años en tu haber dedicándote al rubro del diseño, ¿cómo ves que ha evolucionado el circuito de moda nacional en el último tiempo? Entre crisis y crisis seguimos buscando un camino que nos ha costado mucho marcar. Veo que hay un claro esfuerzo por revalorizar la industria textil nacional algo que me parece fabuloso porque tenemos gente muy capaz en este país. Durante la década de los noventa, muchas de las personas que trabajaban como costureras fueron desapareciendo y ya no hubo una buena formación para las nuevas camadas, lo que imposibilita a los que llegamos luego a poder contar con mano de obra especializada. Yo vengo de la escuela de estudio de Gustavo Lento en donde aprendimos desde diseñar y pensar una colección, como un guardarropas completo, a saber exactamente cómo confeccionar una prenda, lo cual nos da las herramientas. ¿Cómo se desarrolla y actúa tu veta artística como ilustradora? ¿Cómo la mezclas con tu diseño? A diferencia de mi trabajo con el diseño, mis dibujos u obras ilustrativas son cuerpos desnudos, despojados del indumento. Sus líneas actúan como transmisores y el paisaje en donde están contenidos completa el mensaje. En general, el resultado parte de lo que me provoca el material con el que voy a trabajar, no es lo mismo dibujar a lápiz que con tinta china, entonces son las herramientas las que me van dirigiendo el camino. Lo tomo como un juego, para divertirme, para liberar el imaginario. En cuanto a cómo lo incluyo en mis colecciones creo que el dibujo de la prenda final, es ciertamente un diseño gráfico con volumen. Trabajo recortes, superposición y detalles que desde lo constructivo componen una silueta que se desprende de un dibujo en mi cabeza. También, detalles gráficos más puntuales como apliques que generan una cierta clase de estampa.


Todo comenzó hace tres años por una convocatoria de Pedro Cuevas. Pedía dadores de arte de todo tipo y factor con suma urgencia. “Pintamos como locos y hacemos arte en estado puro”, decía el aviso. Con un galpón abandonado del Hospital de Salud Mental J.T. Borda y muchas ganas de romper muros entre adentro y afuera, el proyecto comenzó a crecer. Hoy, Dadores de Arte tiene salas enormes llenas de cuadros, artistas estrella como Javier Karad y una energía que sobrepasa lo que uno puede encontrar en cualquier museo o galería. Cuando me contacté con la coordinadora artística de Dadores de Arte, Mariana Savaso, me propuso hacer la entrevista en el Centro Cultural Borda. “Para llegar, andá hasta el fondo del hospital y guíate por un elefante rosa”, me dijo. Entendí que los parámetros de la entrevista serían otros. Después de charlar con el Dr. Daniel Camarero y hacer una recorrida por las salas, el museo, la radio y el microcine, encontré a Mariana. Puso una puerta de madera sobre una mesa en el parque, pinceles, pinturas y comencé a grabar. La entrevista transcurrió con mates de por medio, una guitarreada de fondo, y mientras pintamos entre todos una obra que luego fue titulada “Mar de Otoño”.


¿Qué es dadores de arte? Somos los artistas que nos nucleamos en el Centro Cultural Borda. Dadores reúne a los artistas que son pacientes y a los que vamos y venimos. La consigna es dar arte. No solo dentro del hospital sino también afuera para trabajar con la integración social. Salimos con los pacientes a hacer acciones en otros lugares: hospitales de niños, hogares, villas, cárceles, plazas. ¿Cómo surgió el proyecto? Todo empezó gracias al artista Pedro Cuevas, que fue el director anterior. Cuando él se fue, Silvina Fernández

je de la plástica para integrar y lograr

asumió la dirección de arte. Ella hizo

un lugar de encuentro a través de la

todas las esculturas en hierro. Por otra

pintura.

parte, yo estoy coordinando Dadores

¿Qué corriente artística siguen?

lo que hacen y la obra se luzca. Acá, en

Todos los artistas que venimos acá

cambio, cada uno hace lo que quiere. Si

nos agrupamos bajo la consigna del

soy desprolijo pinto desprolijo, si hay

Art Brut. Es una corriente de arte mar-

poco material, agarro una puerta y la

ginal que arranca en Francia con Jean

pinto. En el Art Brut se hacen las cosas

de Arte y Rodrigo Peiretti organiza los festivales de variedades que se hacen los primeros domingos de cada mes. Al principio era solo venir a pintar pero de a poco nos fuimos organizando.

¿Cómo ven el campo artístico? En general, los artistas están agarrados de la estética, el ego, de que quede bien

Dubuffet, un artista que empieza a pin-

con lo que hay. Es muy fácil pintar en tu

¿Y cómo trabajan en Dadores?

tar en geriátricos, manicomios e institu-

taller con tus materiales, pero es un de-

Venimos todos los jueves a pintar al

ciones. Es un arte más puro, más libre,

safío venir al Borda y trabajar con lo que

Centro Cultural. Cada obra que pin-

donde no hay preconceptos. Es bien

hay. Ahora tenemos donaciones pero al

tamos, después la colgamos. Son tres

primario, no hay ningún tipo de condi-

principio no había nada. Esto era todo

años de trabajar sin parar. Cuando

cionamiento. Es más rústico, es lo que

un galpón abandonado.

vienen artistas de afuera la idea es tra-

sale.

bajar en forma grupal, utilizar el lengua-


¿Qué distingue a Dadores de Arte del resto de las movidas artísticas del Borda? Hay varias agrupaciones. Está el Frente de Artistas, Cooperanza y nosotros, que somos parte del Centro Cultural. Somos distintas corrientes artísticas. Nosotros estamos más conectados con el arte, lo pensamos como medio de integración social y como lenguaje. Hay gente que pinta lo que siente y se comunica a través de la pintura. ¿Notan algún cambio con este proyecto? Hay una mejoría muy grande en los pacientes, te conocen, saben que venís, te esperan, te vienen a buscar a la puerta. Lo que sirve es tener continuidad porque se genera un lazo afectivo y familiar que en muchos casos se cortó. Uno recibe mucho y no lo siente como una acción solidaria. Venimos porque la pasamos bien, es una ayuda mutua. Desde el punto de vista artístico, te sirve porque pintás sin límites ni restricciones. De hecho, desde que yo vengo acá mi obra creció muchísimo. Nosotros decimos que es la “universidad Borda” por todo lo que aprendés. ¿Qué proyectos tienen para este año? Estamos

viendo

si

llevamos

una

muestra al Malba. También queremos construir un anfiteatro y tenemos ganas de que el Centro Cultural se convierta en un museo. Y seguimos convocando artistas que quieran sumarse y colaborar con nosotros. Texto Sabrina Haimovich Fotos gentileza Gustavo Carrizo

*Esta nota se realizó antes de la represión ocurrida el 26 de abril.


Javier VandeCouter

A menos de una cuadra y media de la avenida Córdoba, parece que la vida transcurre a otra velocidad. Villa Crespo parece un poco más acogedor que Palermo. Al menos a esta altura de Juan B. Justo reconocida por su zona de bares y boliches. Así lo percibe Javier Van de Couter, director y guionista de la película MIA, una historia que muestra el encuentro de una niña y una mujer trans que utiliza como puente el recuerdo de la madre de la pequeña. Fue estrenada a finales del 2011 y protagonizada por Rodrigo De la Serna, Camila Sosa Villada y la niña Maite Lanata.

Texto

Francia Herrera Foto

Virginia Taboada


Van de Couter, nativo de Carmen de Patagones, nos recibe con calidez en su hogar. Una casa antigua refaccionada, que preserva de la arquitectura original detalles como la pared de vitro de diversos colores agua marina que separa el hall principal del patio interior. Cada rincón de la casa se siente habitado. Desde la oficina bien acondicionada y llena de libros, libretos, películas, o bien, la habitación en donde funciona el taller de su hermana con telas e hilos de todos los colores. O mismo, en un juguete en forma de un pequeño pollo al spiedo de plástico que yace en una esquina propiedad de Juan, el perro de casa.

De vecinos y la primera gran escuela. Le comento que somos vecinos, que nos conecta el colectivo 39 ramal tres, ese que pasa sobre Honduras y Gascón. J.V.D: - Vivís cerca de lo Ale… Alejandro Maci, cineasta, guionista de televisión además de un gran amigo es una referencia infaltable dentro del universo del director. Ambos escribieron juntos miniseries emblemáticas para televisión nacional como Tumberos, Criminal, El tiempo no para; piezas escritas después de la crisis económica del 2000. “Inicié mi recorrido artístico como actor. Luego como guionista empecé con trabajos por encargo para tele. Un día en el set de Tumberos que dirigía Adrián Caetano me preguntaron si quería servir como un nexo entre el director y el autor, no era un rol autoral, sino más bien que Adrián me diera las cosas y yo hacérselas llegar a Alejandro al lado en la computadora, semanalmente. Aprendí mucho”.

De lo experimental en la obra y su preparación Le pregunto sobre sus primeros garbeos con el cine. Aparecen tres proyectos de cortometrajes previos. En palabras del director “fueron ejercicios” que sirvieron en su afán de hacerse de la experiencia de contar desde lo visual, más que desde lo narrativo. Por cinco años Perro Amarillo, acompañó a Van de Couter hasta su estreno en el Konex, cuando todavía ese reconocido espacio aún no tenía la infraestructura para proyectar una película. “Fuimos tapa del diario La Nación, rezaba la nota que nos hicieron algo así sobre cómo filmar en épocas de crisis”. El equipo actoral contaba con Guillermo Pfenning, Paula Rachid, Lola Bertet y Lucrecia Blanco, quienes reunieron con la realización de fiestas 40 mil pesos en dos años. Mientras que la imagen corrió por cuenta de Julieta Escardo y Javier Arroyo.

De la buena estrella de MIA Durante el rodaje de su tercer cortometraje Ich(yo), se entera que había ganado una clínica de guión organizado por la productora Berta Navarro (Laberinto del Fauno) e impartida por una semana en México. Al tiempo de esta noticia MIA gana mejor guión en el 30° Festival Internacional de Cine de La Habana, Cuba. “Con aquella primera versión escrita gané el premio de Cuba. Recuerdo que ese borrador salió como un grito, porque originalmente estaba bloqueado con otro guión”. La película rescata la historia de la conocida Aldea Rosa

(1995-1998), una villa que alguna vez existió detrás de Ciudad Universitaria y que albergó a las márgenes del Río de la Plata a homosexuales y transexuales. Años después fue violentamente clausurada por la Policía Federal.

“La película estuvo demasiado pensada desde lo estético. Generalmente, la gente relaciona las villas con algo más sucio, pero el concepto que correspondía con la realidad era opuesto: pobres, limpias, dignas y coquetas”. Pero el acento principal estaba en lo actoral. Así tuvo la suerte de contar a sus órdenes con la revelación cordobesa trans, Camila Sosa Villada (La viuda de Rafael) que aporta una frescura y humanidad que hace imposible despegarse de la trama. De mucha ayuda sirvió el coaching de María Laura Berch, como puente entre el universo de ambas actrices. “Yo a los actores los quiero no simplemente como instrumentos, me gusta intercambiar pensamientos con ellos y darles un lugar”. Comparte esa fascinación y respeto que uno de sus referentes Ingmar Bergman planteaba a la hora de abordar cualquier proyecto. Sobrevivió un lindo vínculo amistoso y laboral con Camila. Al punto que ambos, director y actriz, preparan El Bello Indiferente de Jean Cocteau para el próximo invierno. Por el momento, Van de Couter está inmerso en su próximo proyecto cinematográfico, ahora como co-autor junto a Anahí Vermelli (Por tu Culpa). Mientras en Canal Encuentro transmiten Historia Clínica. Recomendable el episodio de Carlos Jaureguí, dirigido por el director y protagonizado por Gastón Pauls, además con un breve y contundente cameo de Sosa Villada.


El despliegue de la corporalidad en un espacio otro. UN ESPACIO OTRO, LA APERTURA A NUEVAS INVESTIGACIONES CREATIVAS EN TORNO A LA PRÁCTICA EN DANZA CONTEMPORÁNEA Y LA MIRADA DEL ESPECTADOR EN DIALOGO CON LA PROPUESTA.

Texto

Gonzalo Lagos

Fo t o / G e n t i l e z a

Genaro Saavedra


Domingo por la tarde en el departamento que la coreógrafa y bailarina chilena Chery Matus tiene en el barrio de San Telmo. El motivo del encuentro es conocer acerca del proyecto Danzas Calle, el cual se viene realizando en Buenos Aires desde el año 2012. Una idea que surge en su Santiago natal en el contexto de las protestas estudiantiles y donde lo que se vislumbra es la posibilidad del encuentro entre un cuerpo extraño y ajeno a la cotidianeidad del pasar de los transeúntes en las calles. Las Danzas Calle irrumpen con su poética y soporte haciendo de esta experiencia una posibilidad de preguntarse y cuestionarse el encuentro con un otro y las múltiples identidades en juego, para así, poder interactuar y dialogar con la propuesta.


Hablemos de lo que significa para vos el arte por fuera de la institución, en la calle. Más que por fuera de la institución, lo

¿Cómo comenzó el proyecto Danzas Calle y cuál fue la repercusión en los transeúntes de Santiago de Chile al toparse con esos cuerpos en movimiento? Este proyecto se inicia bajo la consternada mirada social y política que se instala en el país, luego de la elección de Sebastián Piñera. Es bajo esta atenta mirada que un filósofo y bailarín, Francisco Bagnara Mena, comienza a desarrollar pequeños actos, a modo de intervenciones, en las marchas estudiantiles que se comienzan a gestar en el segundo año de mandato del gobierno. Cualquier tipo de manifestación que hablara de descontento o movimiento social era bienvenido, por tanto, la repercusión de la gente era cálida, si bien no se entiende mucho la relación cuerpo o movimiento/protesta, es bien aceptado mientras sume en este caso, por la contingencia que se estaba generando.

¿Qué papel juega el registro fotográfico y audiovisual en estos encuentros ?

nombraría como “un espacio otro”, en

Si bien esta es una práctica en danza

donde son otras las posibilidades a

contemporánea, sus soportes de exhi-

descubrir y trabajar. Lo institucional

bición son tres formatos: la práctica

me parece bueno como formación, re-

(que ocurre sin previo aviso), la foto y el

flexión, red, colaboración; mas que salir

video. Por tanto, la plataforma a la cual

de la institución con una investigación

el público más se acerca es al regis-

creativa y situarse en el espacio calle,

tro. De aquí es que tanto la foto como

lo que pretendemos es generar un en-

el video, son claves a la hora de salir

cuentro sensible entre los cuerpos, cuer-

al espacio calle, y entablar la práctica

pos que transitan, viven y conviven en

y el dialogo. Si bien hay un espectador

el espacio calle. Las posibilidades que

activo, que es el que se topa con este

se generan a partir de este espacio otro,

encuentro circunstancial; el público

son múltiples y tiene que ver esto con

que consume este formato será el que

que se atraviesan diversos campos de

observe a posteriori las fotos y videos.

reflexión-investigación; entra en juego el

Ambos registros, obedecen a las mis-

tema de la identidad, la cultura, la idio-

mas premisas que los artistas invitados

sincrasia, la antropología, la arquitectu-

a cada encuentro; pero cada uno en su

ra; en fin va atravesar otras miradas

hacer y especificidad va resolviendo en

este espacio otro. Ahora para nosotros

la edición del material la manera más

como creadores, lo que rescatamos

fiel de presentarlo, aquel que dice de

dentro de nuestra práctica, es que jus-

provocar un encuentro entre los cuer-

tamente actualiza la mirada de la danza,

pos. Si bien todo el equipo trabaja en

la convencional y pura idea del mo-

colaboración, al momento de salir a la

vimiento como posibilidad de des-

calle, es en la edición del material en

pliegue escénico, acá se lo complejiza

donde van surgiendo las decisiones cre-

en la idea de disponer nuestro cuerpo

ativas específicas de cada área; siempre

al instante, valorando la idea del acon-

teniendo la mirada puesta en lo que el

tecimiento como gatillador de nuestro

proyecto establece.

hacer en tanto a movilidad se refiere. Trabajamos sobre todo con la observación y la escucha, dejando nuestras pretensiones de lado, para disponernos al encuentro con el otro, otros cuerpos, otras identidades, otras historiografías.


Contame sobre las próximas ediciones y qué espacios se piensan elegir. ¿Con qué criterio e interés se seleccionan estos lugares? ¿Cuáles son los ejes de investigación que se proponen con estas experiencias?

La verdad es que para este año el plan es poder todavía abrir más aún esta investigación, y me gustaría poder rea-

La primera línea de investigación es

identifica con cierta realidad social. El

lizarlo en provincias o lugares más ale-

aquella que aborda el tema de la prác-

despliegue corporal o el movimiento va

jados de la capital. Creo que el entre-

tica en danza contemporánea en un

ir dejándose ver a medida que se entre

cruce que se pueda generar ahí puede

espacio otro, generando un encuentro

en relación con los puntos anteriores,

ser riquísimo y el despliegue creativo

también con el espectador, quien juega

es decir, luego de la observación y de

también; la idea es ir encontrando en

un rol protagónico al momento de tener

situarme en el espacio, comienza recién

colaboración a gente que le interese

la posibilidad de interactuar y dejar que

alguna idea de movilidad gatillada por

el proyecto y poder llevarlo a Rosario,

su cuerpo sea el que dialogue. Para esto

esto mismo (el espacio- otro cuerpo-

Córdoba, Tucumán, en fin; este es un

los ejes de investigación son lineamien-

la información que ahí se va gestando,

proyecto sin fronteras territoriales, así

tos sofisticados en torno a la creación

etc). Luego, como otro eje de investi-

es que la idea es ir pasando por distin-

instantánea o algo de ese orden. La es-

gación, es aquel que tiene que ver con el

tos espacios también.

cucha, la observación, la mirada, la in-

registro; al ser esta práctica una especie

formación real que ofrece este espacio,

de documento que relata la realidad de

etc., son los lugares en donde está pues-

una época, de la danza y sus hacedores;

ta nuestra atención. Luego, está el es-

es también este un punto de atención

pacio, que también es importante tanto

a la hora de ir pensando en los pasos a

en las decisiones compositivas como en

seguir. La idea del registro también ha

las estéticas. Es por esto que la elección

requerido una profunda investigación y

de los espacios en donde disponemos

estudio en torno a la edición y selec-

nuestras prácticas mantienen una idea

ciones que se van generando previas

de urbano que nos toca profundamente

y posteriores al trabajo. Tanto la foto

como creadores de una época y que se

como el video, han tenido un estudio acucioso sobre su manera de hacer en las danzas calle.


TEATRO TODO TERRENO La amplia carrera de Karina K –que va desde el musical hasta el teatro más comprometidola ha llevado a transitar una serie de caminos que hoy la convierten en una referencia obligada de la escena teatral argentina. ¿De qué trata la obra que estás preparando como directora? Hace más de 24 años que participo de una ONG que se llama Soka Gakkai Argentina. Soka Gakkai significa “sociedad para la creación de valor” y se basa en los fundamentos de la filosofía budista. Está presente en 192 países, yo empecé a participar en Barcelona y soy la coordinadora del grupo de artistas de acá. En 2013 se cumplen 20 años de la visita de Daisaku Ikeda a nuestro país, un líder de la paz y un filósofo que es considerado un maestro de la vida. Y en el marco de estos festejos es que surge la obra, que versa sobre un episodio de la vida de él. Nunca había experimentado la dirección de tantos actores, y hay


¿Qué recuerdos tenés de la época del Parakultural? ¿Cómo te ayudó el budismo en tu carrera, qué lecciones tomaste de su filosofía? Como actriz, una de las cosas que aprendí es a trascender la vanidad, la técnica y el talento, cosa que nos cuesta mucho a los actores. Buscar lo esencial, y en la creación de un personaje lograr el estado básico. Tener estos elementos de la filosofía me sirven para la composición. Ahora, por ejemplo, estoy estudiando la vida de Judy Garland, que fue una actriz que tuvo muchos devenires que atravesar, como su adicción a las anfetaminas o el tema de la belleza y la delgadez extrema. La obra que estoy trabajando con Ricky Pashkus se va a llamar Al final del arco iris y se va a estrenar a mitad de año. Es sobre un episodio de la vida de Judy, sus últimas semanas de vida en el marco de unos conciertos en Londres en el año 69. Me gusta abordar esos personajes que tienen tanta combinación de sensaciones y emociones. ¿Qué personajes femeninos fuertes te han tocado recrear?

una participación creativa conjunta, así que es muy interesante como proceso. Descubrí en estos años de carrera que menos es más, tanto en la composición como en la puesta en escena. Un gran maestro para mí es Ricky Pashkus, también Daniel Suárez Marzal, Norman Briski o Julio Chávez, gente que me ha aportado mucho y gracias a ellos hoy puedo volcar mi experiencia en el plano de la dirección. Es muy probable que se estrene en la Usina del Arte a fines de abril.

Tuve la oportunidad de estudiar y recrear tres personajes: Rosita de la Plata, que hice en Pepino el 88; la obra habla de la génesis del teatro en la Argentina, con el denominado circo criollo. Para componerla me basé en dos fotografías y en un largo diálogo que tuve con la historiadora Beatriz Seible, que sacó un libro sobre Rosita. Para Florence Foster Jenkins (de la obra Souvenir) tenía solo audio y fotos, y para componerla la escuché solamente a ella durante cinco meses. Las grabaciones que hay son realmente intolerables, pero necesitaba conocerla. Y Judy Garland es el gran desafío, porque hay de todo y es más complejo. Me vengo preparando hace más de un año. No va a ser una imitación, no creo en las imitaciones, voy a ir a la esencia del rol, aceptando esas enormes diferencias y similitudes que tiene el personaje con uno mismo.

En esa época yo era muy chica, estaba haciendo teatro como bailarina en una comedia musical que se llamaba Sugar, con Susana Giménez y Ricardo Darín. Pero me encantaba el rock, así que después del show nos íbamos con mis amigos al Parakultural. Estaba fascinada con la movida que había ahí, porque era el teatro de la contracultura post dictadura, en donde todo valía. Las experiencias más geniales y horrorosas estaban ahí: todas las bandas, el punk y lo contestatario, el humor argentino y porteño. ¿Qué podés contar de tu relación con Batato Barea? Conocí a Batato a través de mi amigo Tino Tinto. Yo vivía cerca de su casa, y lo pasaba mucho a visitar. Batato vivía en la calle Tucumán, sobre el fondo de lo que hoy es el Teatro El Cubo, y desde su casa había una ventana que daba a un baldío, y él decía que ahí tenían que hacer un teatro. Y muchas décadas después de su muerte se construyó El Cubo. Era un artista impredecible, transgresor, que se resignificaba a sí mismo porque se aburría. Le aburría el clown y probaba con la danza, le aburría la danza y probaba con la poesía. Pero con la poesía murió, porque él era un poeta y todo lo hizo con poesía. Para mí representa la libertad. ¿Cómo ves a la nueva generación del musical en Argentina? Hay un gran semillero de una nueva generación que viene preparadísima. A partir del año 2000, cuando se hizo Chicago, salieron artistas que hicieron escuela. Creo que los de veintipocos vienen con una disciplina extraordinaria y hay gran crecimiento y adhesión por parte del público, si bien es un género muy criticado, por eso de romper una escena para cantar. Texto

María Pilar González

Fo t o

Cecilia Romano


el

horizonte es por acรก


Para empezar a hablar de Horizonte hay que decir que es una banda de amigos. Ni más ni menos. Vale aclarar también que ninguno de ellos es nuevo en esto. Todos vienen de un universo musical y creativo bastante marcado; Lea Lopatin (Poncho y ex Turf), en guitarra y voz, Tomi Dieguez (The Ovnis), en bajo y voz, Nicolás Pauls (4to Espacio), en batería, Nacho Loizaga (Jamón Crudo), en percusión y batería electrónica, Anita Pauls en voz, Pol Medina (Ex Super Chango), en teclados y voz, y Dr. Sepian, encargado de la “Patafísica” musical. La clave parece ser la combinación de esta historia de sonidos que cada uno trae. Esta banda, gran familia de músicos que tiene sus orígenes allá por el 2010, suena exactamente a ellos mismos; a muchos colores, a “pop frutal”, a algo así como un baile.

Llegamos a Villa Urquiza, donde la banda tiene su sala de ensayo. Nos invitan a pasar y en un minuto nos vemos rodeados de música, la banda preparándose para la sesión de fotos, y Beijing, una perrita bulldog Francés, que nos sigue durante toda la nota. “¿Vos sos la escritora?”, me pregunta uno de ellos. Le respondo que sí, y me dice: “vení , es por acá.” Vamos.

¿Cómo nace la idea de la banda? Nico: La idea comenzó en un campito donde nos juntábamos. Surgió la idea de poner música, en realidad ya existía una banda estable musicalizando las jornadas. Entre chapuzón y chapuzón y niños corriendo se fueron sumando integrantes, y así comenzó algo que después se trasladó, no solo al verano, sino al año. Pero sí, salió del solo hecho de juntarnos a divertirnos y a musicalizar las tardes.

Empezaron improvisando, y de repente se volvió algo más serio y dijeron: “che, esto puede ser importante, puede estar bueno.” Lea: En realidad no sé si lo planteamos así. Salimos campeones desde el día que tocamos el primer acorde porque ya ganamos por ser una banda de amigos. Ya somos millonarios, todos. Hacerlo junto con amigos no tiene precio. Nosotros ya estamos tocando en un estadio lleno como banda principal. Nico: El objetivo ya está cumplido.

Además de Horizonte tiene cada uno proyectos en paralelo, ¿cuál es el lugar e importancia que le dan a la banda? Lea: La importancia que se le da a la amistad. Nico: cuando se plantea esa pregunta, independientemente de que respuesta pueda dar cada uno, la mía es que es absolutamente importante; es un proyecto que está en primer nivel de prioridades. Aunque cada uno de nosotros tenga sus cosas, en ningún momento se le resta importancia.


¿En qué proceso se encuentra la grabación del disco?

Eligen el nombre Horizonte y a vos Lea te gustaba porque justamente a nadie le gustaba… Lea: Es verdad. Horizonte tiene nombre de clínica de rehabilitación de drogas y de telo, y hasta tenemos un cenicero que dice ese nombre. La verdad que ya es un bardo cambiarlo. Además lo que da calma es mirar el horizonte, así que está buenísimo. Pol: Es cierto, una vez por semana lo intento cambiar pero no hay manera. Anita: Para mi está bueno, porque a la palabra Horizonte es como que le falta un poco de “punch”, algo que nosotros tenemos en exceso… asi que pienso que sería demasiado si no. Nacho: Para el segundo disco quizás podemos cambiar de nombre… Lea: Sí, de ahora en más nos vamos a llamar Liliana Silva.

¿Quién tiene que escuchar Horizonte? Nacho: Para mí es una banda para que el que quiera ir a bailar, que vaya y la pase bien.

Nacho: Grabamos cuatro temas pero todavía faltan las voces. La intención final es hacer un EP. Nico: Yo creo que para la época del mundial y de las olimpiadas va a estar terminado el EP. ¡Viene muy lento todavía! Lea: Ahora igual metimos segunda y pusimos como productor a Panda Love, que es el de Mompox. El nos ama y nosotros lo amamos a él.

¿Tienen algún concepto pensado para el disco en su totalidad? Tomi: En realidad somos bastante naturalistas y tratamos de no ponerle ningún control. Sí lo ponemos, en cambio, en los otros proyectos que tenemos, pero este es un lugar que nos descansa a nosotros de esa situación. Y creo además que lo que se logra trasciende un poco la forma de tener una idea más importante y contundente. Bandas que son perfectas cuyos integrantes son perfectos y lindos, y además se parecen a los Strokes, ya hay. Nosotros salimos bastante originales. No es que hay un secreto o una receta, tenés que ser lo que sos vos. Dedicarte a eso con profundidad.

¿Cómo son ustedes en el escenario? Tomi: En todos lados funcionamos igual. Tratamos de no darnos la importancia de lo que está pasando y simplemente lanzarlo en el momento y disfrutarlo. Termina dando buenos resultados, y por eso también es que seguimos haciéndolo. Lo disfrutamos nosotros, y eso se contagia al público que termina bailando al son de unas canciones que son un disparate, que mezclan electrónica, dance, The Clash, todos los grupos que nos gustaron siempre como The Happy Mondays y una infinidad más. Nacho: Ese también era uno de los “problemas” para empezar a grabar; trasladar a la grabación lo que se genera en vivo, era algo que al principio se nos hacía difícil. Hay mucha improvisación. Pero creo que ahora lo logramos.

¿Sus familias van seguido a los shows? Nico: En todas las fechas ponemos a disposición de las familias una combi que sale desde la sala, en ella van hijos, abuelas y abuelos, mujeres, ex mujeres, bisabuelos, padres, suegros, mascotas. Todos juntos para alentar y bailar.


Anita: Estaría bueno tocar con Pearl Jam. Tomi: Con Claudia Schiffer. La pregunta es quien quiere tocar con nosotros!

¿Qué es lo que más disfrutan de tocar en vivo? Tomi: Reírnos y hacer bailar.

Son muchos, ¿cómo funciona la composición de los temas? Nacho: Improvisación. Cada tema tiene su propia mecánica, por así decirlo. Quizás hay algún tema que lo tiene un poco más cocinado Lea, otro quizás Tomi y de repente o arrancamos con un ritmo Nico y yo, se suma Pol en el bajo y salen temas así. Nico: En algunos casos llegó alguna canción completamente cerrada. Son fruto también del delirio que se vive en cada uno de los ensayos. Tomi: Obviamente hay ganas de que eso que estás haciendo sea de alguna manera transmitible, que no sea una locura o un flash interior nada más. Y todos sabemos hacer eso. En realidad, le damos forma al vómito y logramos una estatua de vomito que sea linda. Algo hermoso.

¿Qué creen que le aporta cada uno al proyecto? Nico: Esa respuesta generalmente es muy difícil. Es el aporte de cada uno, y no sé cómo sería si uno de nosotros no estuviera. El resultado sin dudas sería diferente si uno se ubica en el lugar del otro. En algu-

nos casos incluso existe como una especie de rotación y eso está bueno. Hay un poco de lenguaje horizonte, que es como un equipo de Voley; cuando ese equipo cambia y uno toma otro instrumento sigue funcionando igual. Fuimos entendiendo de qué se trata y cómo funciona el otro. Como un camino. Tomi: Lea aporta liderazgo, genialidad, humor, frescura, perseverancia. Pol: Tomi da mucha energía, aporta mucho en el vivo, y su voz que es muy buena. Anita: Pol, sus melodías hermosas, unos bellos ojitos y una onda muy de Nueva York, porque vivió ahí. Conoce a todas las bandas que nosotros no conocemos y nos explica… Nacho: Anita da espontaneidad. Es la parte dulce, la seducción. Lea: Nacho es lo máximo, aporta una psicodélica a nivel ritmos. Y tiene una carita muy particular, y él es un disparate. Todos: Sepia, sus camisas.

¿Cómo ven la escena local? ¿Con que bandas les gustaría colaborar? Nacho: A mi me gusta mucho Yataians, Mompox. The Ovnis también nos gusta. Lea: Poncho también nos gusta. Nico: El Chango Spasiuk, Juana Molina. Tomi: Nos gustaría tocar con Happy Mondays, con The Cure, con Talking Heads.

¿Cómo se llevan con las redes sociales? ¿Cuál es el contacto que tienen con sus “fans”? Nacho: Nos divierte poner cosas como una expresión más de la banda, como un instrumento más, algo divertido…libre. Con el tema de YouTube fuimos filmando videos desde el primer campito, agarramos shows de Ciudad Emergente o festivales y también filmamos cosas cuando nos fuimos a tocar a Mendoza y de todo eso vamos su biendo de a poco. Así como está, crudo a veces y otras veces editamos. Facebook es más caótico, vamos arengando las fechas, boludeces, videos para hinchar las bolas, para decir “estamos acá, estamos vivos!” Twitter arengamos más justo cuando estamos por tocar. Ahora recién abrimos la cuenta de Instagram. Con el tema de los “fans” en realidad mucho no me gusta llamar así a la gente que le gusta la banda. Son amigos musicalmente. Anita: Bueno, es que en realidad tampoco tenemos muchos fans. Tenemos a mi mamá, a mi novio…


¿Planes de giras? Nacho: Planes sobran.

¿Cuáles son los proyectos paralelos de cada uno?

Ya para el final de la entrevista nos encontramos almorzando en un barcito de la calle Mendoza. La charla se convierte en algo relajado, como son ellos, y por momentos uno pierde la noción de que está trabajando. Se están divirtiendo con las preguntas, y entre limonada y comida vegetariana, las respuestas a veces son en serio y otras tantas no.

Nacho: Publicidad y arte. Nico: Un sin número de otras cosas, ahora es Horizonte. Ese es el plan. Lea: Paseo al perro que la amo mucho; Beijing, Pol: Soy músico, tengo un estudio. Toco con amigos, con bandas, estoy haciendo música todo el tiempo. Es lo que hago. Tomi: Estoy haciendo un casting contemporáneo de arquitectos para hacer mi casa. Estoy gestando otro bebé.  Estoy terminando de diseñar la nueva imagen de Poncho. Anita: Actúo. Esas boludeces.

Por último, ¿qué cosas no les gusta que les pregunten? Anita: A mí no me gusta cuando me preguntan: TOP 5 de cualquier cosa Nacho: ¿Cómo va a terminar la banda? Nico: Cuando me dicen: ¿Qué te gusta más, la actuación o la música y cómo hacés para hacer todo eso? (Lease con voz de colegiala en edad idiota) Lea: Yo odio que me pregunten cómo empezamos.

Texto

Clara González Bunster

Fo t o s

Cecilia Romano

Nos vamos con la sensación dehaberestadoenunalmuerzoconamigos,ycon la idea de que es posible preservar el espíritu intacto que hace tan buena la música. Beijing, la perrita, viene y nos despide.


lavial es una bomba Texto

Diego Valente

Fo t o / G e n t i l e z a

Paloma Aballone

Ve s t u a r i o

Vanesa Krongold


Con padrinazgo y producción de Monoto de Miranda!, Lavial se lanza desde el mundo de las galerías de arte a la escena electropop. Son cuatro mujeres sexys: Sofia Vitola, en guitarra, Nina Polverino, en bajo y, las integrantes del combo artístico Conchetinas, Alina Perkins y Laura Hita en voces. Ellas vienen a aportar glamour y desinhibición a la música. Las chicas están en plena grabación de su disco debut y la energía y el entusiasmo que esto les produce se nota. Provocadoras por naturaleza, aquí están ellas, listas para detonarnos.


¿Cuánto hay de Conchetinas en Lavial? Conchetinas es la génesis de Lavial. Es de donde proviene el imaginario y el universo estético de la banda.

Se las suele clasificar como una banda de tecnopop ¿Se sienten cómodas con ese rótulo? Si, técnicamente hacemos electropop.

¿Qué lugar ocupa la provocación en sus canciones? La provocación sale naturalmente, es como un acto reflejo.

¿De qué mujeres músicas se sienten cerca? Nos gustan las Bay Biscuit, aunque no hay mucho registro de lo que hicieron. Las Viudas e Hijas, Divina Gloria... y actual y literalmente nos sentimos cerca de Juliana Gattas, de las Coco, de July Sky, el proyecto Varias Artistas de Lucas Marti nos parece lo más, No Lo Soporto, Carola Bony…

¿Por qué suelen utilizar el adjetivo detonante para referirse a su banda? Lavial es una bomba. Las definiciones de detonante están buenas, es algo que explota, pero también

puede ser algo que llama mucho la atención o desentona, por otro lado algo detonante es algo que desencadena una situación.

La imagen ocupa un lugar muy importante en Lavial ¿Cómo definen su propuesta estética? Imaginate un kiosco de golosinas gomosas arriba de una nube, le cae un rayo y explota todo. De repente aparecen 4 chicas onda las Jóvenes Brujas de la película de Andrew Fleming, en versión mas Milf que Teen. Las propuestas estéticas de Lavial nacen de visiones, nosotras hacemos nuestro propio vestuario y trabajamos en lograr una imagen que sea transportadora. A veces colaboramos con diseñadores de acá como Vanesa Krongold..

¿Podrían contarnos algunos detalles de esta primera placa en la que están trabajando? El disco tiene diez canciones, que son las que venimos tocando en vivo, más un par inéditas y un bonus track que es 100% magia Lavial. Estamos muy contentas con el resultado que vamos viendo. Disfrutamos del ritual de ir al estudio y ponernos en un lugar de trabajo diferente al show en vivo, más detallista e introspectivo. Las canciones se fueron armando de muchas expresiones a lo largo de este año y medio que las fuimos tocando en vivo. En el estudio elegimos y también probamos cosas nuevas. Trabajar con nuestros productores Nicolás Grimaldi (Monoto) y Juan Tortarolo, es lo más y muy divertido.

¿Cómo sienten la respuesta del público en sus recitales? La reacción del publico desde el primer show que hicimos en CIA fue muy especial. Esa noche Sergio Bizzio nos invitó a participar con un tema en su película Bomba que se estrenó en esta edición del BAFICI. En general tenemos respuestas muy positivas. Tocar con Lavial es una fiesta.

¿Qué futuro sueñan para Lavial? Tenemos muchos proyectos y fantasías, viajar y compartir Lavial en la mayor cantidad de lugares posibles. Pero estamos concentradas en el presente, que es un poco como vivir en el pasado y en el futuro. Ya tenemos temas para el próximo disco, así que esperamos que la banda crezca y poder hacer escenografías zarpadas y vestuarios que vuelen pelucas.

¿Cuáles son los planes de Lavial para este año? Estamos preparando nuestro primer disco que va a salir en junio y armando un segundo videoclip.


X

“Lo único que puede salvar al mundo es el arte”

Abril Sosa arrancó su carrera como baterista en Catupecu Machu, luego formó Cuentos Borgeanos, con quienes, luego de un impasse, están planeando para octubre su regreso. Recientemente se lanzó como solista con El Piloto Ciego, su nuevo disco que cataloga como un homenaje a los grandes poetas del rock nacional.

Texto

Sabrina Haimovich

Fo t o

Virginia Taboada


A pocos metros de Federico Lacroze y Álvarez Thomas se encuentra la sala donde Abril ensaya con Cuentos. Nos juntamos en la terraza del lugar y, con los últimos rayos de sol, nos pusimos a hablar.

¿Cómo catalogás la primer etapa de Cuentos Borgeanos y por qué deciden separarse? No hay forma de catalogarla, ya que cuando uno está inmerso en uno mismo, en lo que uno hace, es muy difícil ver las cosas desde afuera de esa circunferencia. La separación, en su momento, creo que fue un paso natural, y además inevitable.

¿Cuáles fueron tus primeros acercamientos a la música? Mi primer instrumento fue la guitarra, empecé a tocarla a los 11 años. A los 13, había un vecino que era el novio de mi hermana que tenía una batería y yo la tocaba mientras ellos iban a otro cuarto a chapar. Fue un instrumento con el que tuve mucha facilidad. Empecé a ensayar con una banda de punk en la sala de Fer y Gabi, de Catupecu, cuando todavía no existían como grupo, y nos hicimos muy amigos. Catupecu empezó a tocar con otro batero y cuando se fue me llamaron, empecé con ellos a los 14. Fueron largos años y una experiencia muy hermosa, si bien la batería no es un instrumento que ame. Luego, llegó un momento que lo musical nos distanció y decidí irme.

Uno pasa mucho tiempo juntos, horas, días, viajes, compartimos cosas muy íntimas y personales, y llega un punto en donde necesitas alejarte, sentirte fuera de eso. Creo que eso fue lo que nos pasó; una mezcla de agotamiento con el deseo de coquetear con otra realidad, para luego, como es el caso del presente, volver con más ganas y fuerzas.

¿Y cómo se dio esa vuelta? Fue muy natural, y a su vez una situación muy hermosa. Yo invité a los chicos a tocar unos temas el año pasado, cuando me presenté en Niceto, y pasó algo tan especial en el escenario, como si todas las sensaciones que nos acompañaron a lo largo de nuestra carrera se manifestaran en un mismo momento, y eso terminó en una afirmación unánime, de “sí, todo sigue igual, es hora de volver”.

¿Hay próximo disco juntos? Sí, y va a tener cosas muy interesantes. Como si estuviésemos logrando una mezcla exacta en todos los giros que tuvo la banda durante los últimos años. Hay madurez, pero también frescura. El disco va a contar con muchos productores, de los cuales aún no puedo adelantar mucho, pero que le va a dar varios matices, que es en el fondo, lo que las canciones nos están pidiendo. En agosto lo empezamos a grabar.


¿Y cómo viviste esa experiencia? A mí me gusta la manada. Soy una persona solitaria y, al encarar un proyecto, la banda funciona como un refugio. Hacer un disco solo es

Y contame sobre tu nuevo disco solista...

diferente. Es algo muy introspectivo

El Piloto Ciego es un disco muy

que son momentos de soledad. Me

loco que nació en medio de uno o

quedo con el grupo pero también

dos años seudo-sabáticos. Había-

es un desafío enfrentarte solo a tu

mos hecho el break con Cuentos,

propia visión del mundo.

y me fui a Nueva York. Ahí alquilé

que lo comparo a cuando escribo,

donde hicimos una especie de es-

¿Cómo sos a la hora de escribir?

tudio. Ese año empecé a compo-

Me cuesta muchísimo escribir, so-

ner muchísimo. Paralelamente, me

bre todo letras. Quizás cuando

crucé con Adrián Sosa, que es el

escribo relatos, me sale en forma

baterista de Bajo Fondo, y terminó

más natural, pero leo a los grandes

siendo el productor del disco. Nos

y siento que lo mío no tiene valor.

empezamos a pasar demos por

Pero cuando escribo letras sí siento

mail e hicimos una selección de te-

que lo tiene, aunque es medio tor-

mas, fui a Los Ángeles y grabamos.

tuoso por mi autoexigencia. Yo es-

Fue muy loco porque en realidad

cribo desde un lado humano, veo en

Volví a la Argentina con El Piloto

estas canciones iban con una ban-

la escritura la posibilidad de decir

Ciego terminado, un disco que lo

da. Adrián me impulsó a hacer el

algo dulce. Siempre trato de dar

pagué todo yo y que me salió

disco solo. Piloto Ciego, más allá de

algo que haga crecer al otro.

carísimo. Yo ya venía produciendo

una casa con un músico argentino,

¿Qué te animó a lanzar tu propio sello discográfico?

que tiene una arquitectura sonora

a algunas bandas y salió la idea

muy interesante, es un disco de

de editarlo por mi parte. Me di

canciones que lo podés tocar con

cuenta que es posible que haya

la guitarra y tiene la misma esencia.

un contacto directo entre quienes

Ni siquiera es pop, son canciones.

hacen la música y el oyente, el sello

Es un homenaje a Cerati, Spinetta,

promueve eso.

Miguel Abuelo, que son para mí los padres de la poesía rockera


the factory Photo: Laura Scavo Stylist: Aldana Forte, Stylist Asst: Flor Thomas / Makeup: Lu Tabarini Model: Julieta Aime para JUMP Model Management


Maxi camisa (Boerr . Yarde Buller), leggings metalizadas y tapado de paĂąo geomĂŠtrico (Kostume), anillos y vincha (Py Accesorios), botas (Pepe Cantero).


Camisa (Kostume), falda irregular y chaqueta de cuero con lazo de gamuza (Boerr . Yarde Buller), brazalete y tocado (Cabinet Ă“seo).


Camisa y chaqueta con recortes (Kostume), pantal贸n elastizado (Boerr . Yarde Buller), gargantillas y aros (Py Accesorios).


Maxi vestido (Kostume), brazalete y tocado (Cabinet Ă“seo), anillo, collar arnes y aros (Py Accesorios).


KDRMZ Ludmila Morphoaega, es la co-creadora de una de las movidas más interesantes del underground porteño: KILLERDRUMZ, un colectivo surgido casi por casualidad allá por el 2007, en la misma época que empezábamos con la aventura de nuestra revista. Sin muchas pretensiones y con la sola intención de satisfacer al público espontáneo, estas fiestas -alternativas y vanguardistas- con música poderosa y una jugosa propuesta visual supieron llenar un agujero que desde hace años existía en la escena. Hoy es una cita de culto y vuelve en 2013 más recargada que nunca.

Texto

Javier Gover

Fo t o / G e n t i l e z a

Luis Manuel Mogollon Reyes


¿Cómo surgió la idea de hacer Killerdrumz? Un entrañable amigo dj de Inglaterra estaba dejando Buenos Aires y decidimos hacerle una fiesta de despedida y de ahí en más, por una necesidad del público que quería la siguiente, y la siguiente, seguimos hasta hoy. Lo hacemos con amor y pasión, para poder difundir los estilos que más nos gustan y nos unen la gente.

¿Por qué se definen como lo más original y vanguardista de la música electrónica? Somos originales porque el drum & bass o el dubstep (en sus comienzos) que tratamos de difundir, siempre fueron cargados de una veta menos comercial y le agregamos otra esencia más profunda, más allegada a lo experimental. Podemos decir con orgullo que nuestras ideas eran más avanzadas en relación a lo que estaba sucediendo, incluso en el under. No éramos solo una fiesta que pone música sino que todo estaba unido, desde la gráfica hasta los vjs    y performances. Todo con mucho trabajo y cabeza alineado para que sea algo único e irrepetible, pienso que eso nos hizo de cierto modo vanguardistas.  

¿Cuánto queda del estilo drum & bass original  del que parten después de los ajustes y distorsiones de los Djs más osados?. ¿Cómo se llaman los sub-estilos resultantes?

En una noche típica de Killerdrumz siempre tratamos de abarcar todos los estilos del drum & bass., ahí está la diferencia. No nos enfocamos en uno solo sino que los llevamos de lo más experimental hasta lo más extremo. Pasando por un típico Jungle entre   medio pero siempre manteniendo nuestros sonidos.  En la noche podés escuchar noise experimental, IDM, Chiptune, Rithmic

noise, Dubstep, Drum & bass a secas, techstep, darkstep, hardstep, teknoid, breakore, hardcore.  

¿Dónde organizan las fiestas y cómo eligen esos lugares?

Fuimos y somos nómades desde el principio, no tenemos un sitio donde nos quedamos para siempre, tratamos de elegir los lugares que sabemos que a la gente que nos sigue les van a gustar. Pasamos por sótanos de rockerias, iglesias abandonadas, sótanos al lado del subterráneo, centros culturales hasta el lado B de Niceto, que es un bello reducto de Palermo, y ahora estaremos en JOK Club, un lugar nuevito que inauguramos junto a la gente de ZIZEK.

¿Cómo es un line up típico de la fiesta? Entrando a la fiesta de Killerdrumz te vas encontrar primeramente con algún productor o dj que te lleve por el camino de los sonidos experimentales para ir entrando en ambiente, artistas que hacen un live con todo sus aparatos como Fiend o Termotank, o hacen sus presentaciones en formato dj set como Lothus o C0ma. Luego seguimos con algo más bailable como el dubstep de la mano de Djs como Nim o Adri Gónzalez y el drum & bass llevado por todos sus estilos. Con respecto a los artistas residentes de Killerdrumz, contamos con un colectivo artístico que consta de Dj NN y Morphoaega con mezcla en vivo. LAP y Flagelo como productores de los estilos que suenan siempre. Vj Hard candy   y Morlak con visuales cuidando la premisa de que las pantallas tienen que estar llenas de arte. Nos vamos turnando entre nosotros y djs invitados, que por lo general son productores o djs de Argentina en todo su territorio. También traemos artistas Internacionales, que por lo general son de Latinoamérica. Los  elegimos  porque abrimos

espacios a todos los artistas que quieren difundir las tendencias musicales que nosotros tenemos como estandarte y también para generar lazos con otros países y así hacer crecer la escena electrónica del drum & bass.

¿Y cómo se arma la propuesta artística y visual que va de la mano de la música? A la Killerdrumz  venís a tener varias sensaciones: a bailar a full con los sonidos que te vamos a poner y a observar las visuales de los vjs y el condimento de cada velada. Convocamos a diferentes ilustradores a  hacer  las portadas de cada fecha con en lema “dibuja sintiendo que lo estás haciendo para killerdrumz” y así salen… (suponemos que esta invitación da una libertad importante). Desde que llegás a la puerta, te encontrás con nuestras doorhosts gemelas que están desde siempre. Todos somos medios performáticos más que nada porque tenemos un look que nos asocia a nuestro sonido, desde algo bien gótico y dark hasta algo mas sintético y urbano.  

¿Viajan por el país?

Si, viajamos por el país y tenemos mucha relación con los chicos de Nébula en Córdoba que también defienden el drum & bass y con fechas en otras provincias también.  Viajamos por todo Latinoamérica: hacemos intercambios culturales llevando nuestros sonidos a países como Colombia, Venezuela, Bolivia y Chile y también formamos parte de una red de eventos de drum & bass que son de importancia a nivel mundial llamadas Therapy Sessions. Con los chicos de Bolivia del colectivo Oi+ Bass armamos un mega proyecto de evento llamado Kiebre que tiene dos ediciones ya en su haber, y con Colombia organizamos un evento que se realizó allá y acá llamado Ritmos Rotos de tres días consecutivos a puro ritmos quebrados.


2013 . EDICION 22 24 AL 27 DE MAYO LA RURAL

www.arteba.org

82 GALERÍAS PARTICIPANTES l CUERPO PRINCIPAL l U-TURN PROJECT ROOMS BY MERCEDES-BENZ l SOLO SHOW ARCOS DORADOS l BARRIO JOVEN CHANDON +MAS: ARTE CONTEMPORANEO / COLOMBIA l 11×7 GALERÍA / HENRIQUE FARIA FINE ART / ARGENTINA / EE.UU. l 80 M2 LIVIA BENAVIDES / PERÚ l A GENTIL CARIOCA / BRASIL l ABATE GALERÍA / ARGENTINA ll ALBERTO SENDRÓS / ARGENTINA l ALEJANDRO FAGGIONI ESTUDIO DE ARTE / ARGENTINA l ARTE X ARTE / ARGENTINA l BARÓ GALERIA / BRASIL l BIG SUR / ARGENTINA l BISAGRA ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l CARLA REY ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l CASTAGNINO ROLDÁN / ARGENTINA l CENTRAL DE PROYECTOS / ARGENTINA l CENTRO DE EDICIÓN / ARGENTINA l CHOQUE CULTURAL / BRASIL l COBRA / ARGENTINA l COSMOCOSA / ARGENTINA l CSTLL569 ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l DACIL / ARGENTINA l DEL INFINITO ARTE / ARGENTINA l DEL PASEO / URUGUAY l DES PACIO / COSTA RICA l EL MIRADOR ESPACIO / ARGENTINA l ELSI DEL RIO ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l EMMA THOMAS / BRASIL l ESTHER SCHIPPER / ALEMANIA l FIEBRE / ARGENTINA l FOSTER CATENA / ARGENTINA l GALERÍA TEMPORAL / CHILE l GALERÍA INMIGRANTE / ARGENTINA l HOLZ / ARGENTINA l HOUSE OF GAGA / MEXICO l IGNACIO LIPRANDI ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l ISABEL ANINAT / CHILE l ISLA FLOTANTE / ARGENTINA l JACQUES MARTÍNEZ / ARGENTINA l JORGE MARA - LA RUCHE / ARGENTINA l

LAAGENCIA / COLOMBIA l LA CENTRAL / COLOMBIA l LA HERRMANA FAVORITA / ARGENTINA l LUCIA DE LA PUENTE / PERU l MATILDE BENSIGNOR / ARGENTINA l MD72 / ALEMANIA l MENDES WOOD DM / BRASIL l MIAU MIAU / ARGENTINA l MILITANTES / ARGENTINA l MITE / ARGENTINA l NoMÍNIMO / ECUADOR l NORA FISCH / ARGENTINA ll NUEVEOCHENTA ARTE CONTEMPORÁNEO / COLOMBIA l OSCAR CRUZ / BRASIL l PABELLÓN 4 ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l PALATINA / ARGENTINA l PEÑA / ARGENTINA l PROYECTO A ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l PROYECTOS MONCLOVA / MEXICO l PSM /ALEMANIA l RAEBERVONSTENGLIN / SUIZA l REA ONE DAY GALLERY / ARGENTINA l REVOLVER / PERÚ ll RPM / COLOMBIA ll RO GALERÍA DE ARTE / ARGENTINA l ROLF ART / ARGENTINA l RUBBERS INTERNACIONAL / ARGENTINA l RUBY / ARGENTINA l RUTH BENZACAR GALERÍA DE ARTE / ARGENTINA ll RUSIA/galeria / ARGENTINA l SCHLIFKA | MOLINA ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l SLYZMUD / ARGENTINA l SUR / URUGUAY l TERESA ANCHORENA / ARGENTINA l TRAVESÍA CUATRO / ESPAÑA l VALENZUELA KLENNER / COLOMBIA l VAN EYCK GALERÍA DE ARTE / ARGENTINA l VAN RIEL / ARGENTINA l VASARI / ARGENTINA l VERMELHO / BRASIL ll XIPPAS ARTE CONTEMPORÁNEO / URUGUAY l XS GALERÍA / CHILE l Y GALLERY NEW YORK / ESTADOS UNIDOS l ZAVALETA LAB ARTE CONTEMPORÁNEO / ARGENTINA l


WICKED #18