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LUST IN THE MOVIES

JIM JARMUSCH POETRY IN FILM Por Alonso Valencia

El mundo del séptimo arte se ha convertido en un campo gigantesco donde, con el paso de los años, han existido y coexistido todo tipo de cintas y realizadores. Uno de los más peculiares, que se ha establecido por su estética única, su narrativa basada en la poesía y el minimalismo, y una idea general en la que el tiempo pasa muy despacio en los universos que crea, es Jim Jarmusch. Destacado por películas de cierto corte experimental y una selección de los mejores actores, cuyas personalidades se compaginan con la suya, Jarmusch trabaja actualmente en un largometraje documental sobre The Stooges, guiado por su fascinación por el movimiento punk que definió a toda una generación. Durante su más reciente visita a la Ciudad de México, Jim Jarmusch caminó con nosotros por la colonia Cuauhtémoc y, de paso, habló tanto de Gimme Danger como de Paterson, otro de sus más recientes filmes, protagonizado por Adam Driver. - La poesía es una parte esencial de tus filmes. ¿Por qué se ha convertido en un aspecto que simplemente debe estar ahí? «Yo crecí en Akron, Ohio, una ciudad un poco industrial, post-industrial. Logré escapar de ahí cuando aún era un adolescente y terminé en Nueva York, y en parte, los poetas me llamaron mucho la atención. Aún creo que los poetas son elementos muy importantes, porque no existe uno que lo haga por dinero, hay que tener esto muy claro. Ellos no buscan tener grandes cantidades de dinero, sólo creen en la forma y se enamoran de ella. Lo que más me gusta de la poesía es esa reducción del lenguaje, su abstracción, la posibilidad de decir algo con un uso mínimo de palabras, incluso hacer que parezca algo sin sentido y que al final lo tenga de una forma diversa, a veces musical. «La poesía, como adolescente, me abrió muchas puertas. Cuando aún vivía en Akron descubrí a Baudelaire y Rimbaud, y consecuentemente a otros poetas americanos, como Whitman. Más tarde conocí a los poetas de la generación beat

y así me seguí con más y más. Después descubrí a los poetas de la Escuela de Nueva York. Ellos siempre han sido un ejemplo a seguir para mí, son exponentes de lo que significa creer en la belleza de la morfología poética. «Eso fungió como una guía para mí, y durante mi estancia en Nueva York tuve la oportunidad de estudiar con grandes poetas como Kenneth Koch y David Shapiro, de la Escuela de Nueva York. Todo ese aprendizaje aún es muy importante para mí, y sí he usado referencias de poesía a menudo en mis películas.» - Decidiste trabajar en un documental de The Stooges. ¿Cómo fue la concepción del proyecto hasta su realización, que aún desarrollas? «Bueno, más que un documental yo lo veo como un ensayo, incluso no estoy seguro de lo que es un documental con precisión. Esto es más como un ensayo, honrando a The Stooges, uno que da seguimiento a su historia de forma poco tradicional. Es muy gracioso y a la vez rudo. Es muy parecido a su música, y no es una de esas introspecciones en las que buscamos mostrar el lado oscuro, como cuando Jim Osterberg estuvo internado en un psiquiátrico, en 1974. De hecho, esa parte ni siquiera se menciona. Lo que es un hecho es que contiene mucho sexo, drogas, adicciones y la caída de la banda; claro que contiene partes de su historia no tan agradables, pero se enfoca en celebrar lo que fue The Stooges. Para mí, es una de las bandas de rock más grandes que han existido, soy fan, además crecí en el medio oeste, con bandas como The MC5, de Detroit; The Stooges, ciertamente, y Velvet Underground, de Nueva York. Cuando era chico, esto era lo que escuchaba, nunca me interesó tanto la onda californiana.» - Por otro lado, también tienes Paterson, que se estrena a final de año… «Sí. Escribí un tratado muy parecido a lo que es la cinta, aunque lo he modificado un poco. Se trata de un documento que escribí hace 20 años, sobre un chofer de autobús en Paterson que resulta ser un poeta y una gran persona,

aunque en realidad nadie lo sabe. Por varios años cargué con esta idea; por si no lo sabían, Paterson es una pequeña ciudad completamente olvidada a las afueras de Nueva York, como a 30 millas. De hecho, el poeta William Carlos Williams es proveniente de Paterson, Allen Ginsberg creció allí también, pero ahora la ciudad no es popular, creo que lo único que se sabe de ella es gracias a la canción de Fetty Wap, ‘Trap Queen’. Él es proveniente de Paterson y creo que, por ahora, es el artista contemporáneo más conocido de esa ciudad.» - ¿Por qué tardaste 20 años en realizar esta película? «No sé, me distraigo fácilmente y no tengo un plan real en mi día a día, mi plan favorito es no tener un plan. Un día ideal, para mí, es despertar y no tener pendientes, o no tener idea de cómo se desarrollarán las cosas que debo hacer, ser libre, no tener planes. Justamente en esos días es cuando hago la mayor parte de mi trabajo, no sé por qué, y tampoco sé en realidad por qué regresé a este proyecto, lo tenía en un cuaderno y de repente comencé a darle forma de guión. De hecho, antes de todo esto hice Only Lovers Left Alive, y después continué trabajando en el guión hasta hacer la cinta. Era una idea que me agradaba mucho y al final logré retomarla en el momento idóneo.» - Regresando a Gimme Danger, ¿de dónde surgió la realización del documental y cuáles fueron las complicaciones que tuviste al no tener un guión? «La cosa con el punk es… que me formó. En la década de los 70 la idea principal era: “No tienes que ser un profesional para poder expresarte a través de la música. No tienes que hacer rock & roll comercial, sólo crea a partir de lo que sientes, de tus creencias, y manda a todo el mundo al carajo. Si al resto no le gusta, ¿qué más te da? No lo hacemos para ser famosos o tener mucho dinero”. Como cinematógrafo, eso me inspiró sobremanera, porque, la verdad, aún creo en eso, creo fielmente en los amateurs. Soy un cineasta amateur, no me considero profesional. Para mí, la palabra amateur es “amar algo”. Yo, por ejemplo, amo el cine y amo su forma.

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