Page 1


CARIBOU Foto: Thomas Neukum

El año pasado Dan Snaith, alias Caribou, lanzó Our Love el mejor disco de 2014 de acuerdo al staff de WARP Magazine, pretexto suficiente para hablar con el músico y develar el mundo de uno de los artistas más importantes de la década.


Pic: Getty Images

“WHO GAVE THIS SON OF A BITCH HIS GREEN CARD?” -SEAN PENN

WARP MAGAZINE PUBLISHER ALEJANDRO FRANCO FERNÁNDEZ @ALEJANDROFRANCO | EDITOR EN JEFE DIOVANNY GARFIAS @ANDROGYN | CORRECCIÓN DE ESTILO KARINA LUVIÁN @KARIXLUV

ARTE Y DIGITAL: DIRECCIÓN DE ARTE Y DISEÑO OSCAR SÁMANO | EDITOR DE FOTOGRAFÍA Y RETOQUE SERGIO GÁLVEZ | FOTOGRAFÍA Y RETOQUE RUBÉN MÁRQUEZ EDITORA DE ARTE Y FASHION CHËLA OLEA @CHELAOLEA | TRADUCCIÓN RAÚL ARCE @RAULARCECH

COLABORADORES: JAVIER CUELLAR, ALEJANDRO ALTAMIRANO, GIORGIO BRINDESI, J. ISMAEL CANALES, ALONSO VALENCIA, EDUARDO MARTÍNEZ COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD: PUBLICIDAD CELIA FERNÁNDEZ FERNANDEZ@SENTIDO.COM.MX | COMERCIALIZACIÓN Y PR ANA LUISA MESTA ANALUISA@SENTIDO.COM.MX EDITOR WARP.LA PACO SIERRA PACO@WARP.COM.MX @PACOSIERRA

© WARP Marca Registrada ®. Año VI No.72 Fecha de Publicación Marzo de 2015. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en Gimsi Solutions, S.A. de C.V. / Distribución Nacional e Internacional de INTERMEX. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.


HOT HOT HIT

004

WM / 72

EVA GREEN —

Foto: Frederic Auerbach

Descubierta por el maestro Bernardo Bertolucci en el 2003, esta seductora parisina saltó a la fama como una diosa sexual en la cinta de culto The Dreamers. Eva Green dio el salto a Hollywood de la mano de Ridley Scott con Kingdom Of Heaven (2005) para después transformarse en una chica Bond en Casino Royale (2006). Su evolución profesional la llevó a dar vida a una sensual diva con tendencia a la

maldad, como la hechicera Angelique Bouchard en la versión de Dark Shadows (2012) de Tim Burton, o la femme fatale, Ava Lord, en Sin City: A Dame To Kill For (2014). Actualmente Green da vida a Vanessa Ives, la heroína gótica de la serie Penny Dreadful. Sin lugar a dudas Eva Green es uno de los sex symbols más singulares de la cinematografía contemporánea.


INSERT

006

WM / 72

KENDRICK LAMAR —

YOU’LL SING ABOUT ME

Con el paso de los años el rap, el hip hop y los personajes nacidos alrededor de este ambiente urbano, curiosamente, se han convertido en la pieza clave de un mundo que ha adoptado a dicha cultura como un referente histórico, uno que ha definido a una generación en cuanto a moda se refiere, en donde los tenis, la ropa deportiva, y los accesorios extravagantes son icónicos. Kendrick Lamar es uno de estos referentes, quizá uno de los máximos exponentes en la actualidad, con un historial lleno de controversias y dos álbumes de estudio que han definido el sonido de la escena urbana de los últimos años; WARP Magazine se dio a la tarea de tener una plática con el originario de California y miembro de Black Hippy, en donde nos cuenta de su nueva alianza con Reebok Classic y su estatus actual como modelo a seguir.

Recientemente te han presentado como nuevo socio de marca para Reebok Classic, ¿estás emocionado con esta alianza? Es un verdadero privilegio aliarse a una marca con tanta historia. ¿Desde cuándo eres fan de Reebok Classic? Desde la escuela secundaria, prácticamente desde séptimo grado. El calzado se volvió popular justo cuando Cash Money Records comenzó a ser popular. Todos querían usar los “Tee Bo’s and Ree’s”, como los Hot Boyz los llamaban. Camiseta blanca, jeans jabo y Reebok Classics. ¿Cuáles eran tus modelos Reebok Classic favoritos de joven? El Classic Nylon, ¡sin duda! ¿Tienes algún recuerdo en particular usando tus Reebok Classic? Recuerdo una discusión con un grupo de compañeros de la escuela sobre qué tienda tenía colores exclusivos, ¿Avalon Swapmeet o Compton Swapmeet? Solía comprar colores

nuevos en Compton y sentía como si tuviera lo último en toda la escuela. ¿Cuál es el atributo de la marca con el que más te identificas? Para ti, ¿qué representa la marca? Me identifico con la originalidad y con una marca que se identifica con la cultura dentro de la comunidad, y mis recuerdos de usar sus calzados en la secundaria prueban exactamente eso. El video lanzado recientemente en el que se anuncia tu alianza con Reebok Classic se centra en la inspiración. Cuéntanos por qué es importante para ti el mensaje de la inspiración. Los niños que escuchan mi música están buscando inspiración. Para mí es muy importante seguir con ese mensaje en todo lo que represento. Durante la filmación usaste el modelo Ventilator de Reebok Classic, que está celebrando su décimo quinto aniversario en 2015. ¿Qué es lo que más te gusta de este calzado? Principalmente me gusta cómo se ve, pero sobre todo cómo se siente en mis pies: es extremadamente ligero, y déjame decirte algo, cuando vienes de un lugar como del que vengo yo tienes que ser capaz de correr mucho [risas]. Ya sea que se trate de altercados, practicar deportes o simplemente ser un niño de ciudad que se divierte, es muy importante. La forma cómo se siente y luce no puede ser mejor de lo que ya es. ¿Estás emocionado de ser la cara de la campaña Ventilator para 2015? Definitivamente estoy muy emocionado de serlo. La pasión que Reebok pone en su marca y en sus productos es la misma que yo pongo en mi música, por eso, cuando tienes dos entidades con el mismo objetivo en mente el resultado lógico es el positivismo. ¿Cómo describirías tu interpretación personal del estilo? Mi interpretación personal del estilo es simple pero con actitud, ¡como un clásico!

¿Qué estilos admiras? Admiro el estilo de mi abuelo; simple pero también con actitud. Todo lo que se pone es una representación de lo que es. No trata de ser alguien que no es; esto se nota porque él se viste de la forma en que se siente cuando se levanta por la mañana. ¿Cuál es tu mejor consejo de estilo? Ponte lo que sientas que debes usar, haz aquello que te define, no tienes que sentirte limitado por lo que el mundo quiera que seas o por lo que tu artista favorito use. Usa lo que complemente tu personalidad. Además de Reebok Classic, ¿cuáles son tus otras marcas favoritas? Además de Reebok Classic, serían las tiendas de segunda mano. Justo sobre la calle Alameda, en Compton. Ropa de segunda mano, no hay que buscar nada más. En el pasado has mencionado a Tupac, Notorious B.I.G., Jay Z, Nas y Eminem como los artistas que más han influenciado tu trabajo. ¿Sus estilos te influenciaron de alguna forma mientras crecías? Sí, definitivamente. Especialmente los artistas de la Costa Oeste, como Snoop Dogg y Dr. Dre. Ellos eran de la ciudad y representaban los estilos que los niños usaban. Definitivamente fueron una gran influencia en mi vida. ¿Cómo haces para relajarte cuando no estás en el estudio? Simplemente paso tiempo con mi familia, juego béisbol, vuelvo al barrio y hablo con viejos amigos. ¿Qué otras pasiones tienes en tu vida aparte de la música? Descubrir realmente de dónde provienen mis raíces y comprender quién soy, no sólo como persona sino también entender dónde comenzó todo. ¿Qué tienes preparado para 2015? Algo parecido a un buen álbum.


Para ti, ¿qué se necesita para un momento clásico? Es algo que describe la situación pero también depende de cómo lo siento en ese momento. Muchos de los momentos clásicos que se me vienen a la memoria tienen algo que ver con las sensaciones, ya sea que haya escuchado o hecho algo... incluso pudo haber sido cierto aroma en el aire, ese tipo de cosas me llevan de vuelta a vivir lo que me hicieron sentir. Exactamente así es como describiría un momento clásico.

Para ti, ¿qué hace clásica a una canción? Lo mismo, lo que me hace sentir cuando la escucho. La percusión inicial, ¿me hace sentir algo? La melodía, ¿me traslada a un lugar donde puedo decir y escribir lo que sea?... Todo se resume a los sentimientos. ¿Quién es para ti el ícono musical clásico más grande de todos los tiempos? En este preciso instante mi ícono musical clásico tendría que ser... Miles Davis.

“MUCHOS DE LOS MOMENTOS CLÁSICOS QUE SE ME VIENEN A LA MEMORIA TIENEN ALGO QUE VER CON LAS SENSACIONES... INCLUSO PUDO HABER SIDO CIERTO AROMA EN EL AIRE.”


PROFILE

010

WM / 72

PROFILE

GARDEN CITY MOVEMENT —

Por Javier Cuellar

soundcloud.com/bldg5 facebook.com/GardenCityMovement

Integrantes: Roi Avital, Jose Saar y Jhonny Sharoni Lugar de origen: Tel Aviv, Israel Año de formación: 2013 Influenciados por: Foals, The 1975, M83, Aquilo, Jungle

Parece que por momentos es complicado encontrar propuestas musicales refrescantes, sobre todo si pensamos encontrarlas fuera de los países que por costumbre las proveen: Estados Unidos, Reino Unido, Australia, Suecia, Alemania o Islandia, países que con frecuencia nos arrojan proyectos por los que vale la pena apostar ¿Pero qué pasa cuando nos enteramos de que una banda está haciendo las cosas bien en Tel Aviv, Israel? Ese es el caso de Garden City Movement, un trío que a través de su música electrónica encaminada totalmente hacia el dreampop ha llamado la atención de la crítica y escuchas alrededor de todo el mundo. A la fecha cuentan con dos EPs: Entertainment (2013) y Bengali Cinema (2014), lo cual indica que 2015 será el año en que podamos escuchar su primer álbum de estudio. Calificado como uno de los actos en vivo más interesantes de la escena independiente en 2014, Garden City Movement, en definitiva, se convierte en una de las propuestas más atractivas para seguir durante los meses por venir.


Beautiful Boys Fotos: Adriano Campos Modelos: Alberto Perera y Andrea Carrazco para New Icon Estilista: Ă lvaro Quintal MU & H: ChĂŤla Olea Agradecimiento especial: Soriano Limosinas


WM / 72

013

FASHION NUGGET

Él: coat y pants H&M, Camisa Zara Ella: look H&M


Ella: look Verónica Díaz Él: pantalón Chicos

Él: sombrero Brooks Brothers, camisa y saco Hugo Boss, pantalón H&M, zapatos Aldo Ella: vestido Daniela Villa


Look Ver贸nica D铆az


XIMENA SARIÑANA —

LA VIDA NO ES FÁCIL Por Alonso Valencia

Ximena Sariñana regresó en 2014 con No Todo Lo Puedes Dar, su tercer material discográfico, una consigna que se relaciona directamente a esos momentos en la vida en los que es pertinente darle importancia a nuestra persona sin anteponer las circunstancias o lo que nos piden los demás. Este momento en la vida llega justamente para la joven que ha logrado consolidarse no sólo en México sino en todo el mundo, desde su revelación con Mediocre (2008) hasta su trabajo homónimo que la ayudó a cruzar fronteras, además de sus incontables colaboraciones y sus innumerables proyectos que la han llevado a la televisión, el cine e incluso a ser

portavoz en la lucha por la igualdad de género y el alto a la violencia contra la mujer.

parte del álbum, y Dallas, que fue donde se terminó de gestar.

En este llamado por las mujeres de todo el mundo y su deseo de llegar a un punto de seguridad para enfocarse en ella misma, Sariñana entrega un disco que nos muestra los matices del amor y el desamor, con una conclusión de satisfacción por lo que pasó y los brazos abiertos hacia lo que viene.

Quería hacer un disco que fuera lo más cercano a mi sonido, como yo lo imaginaba, y sentí que la única manera de hacerlo era que yo me adentrara en el mundo de la producción y tomara más responsabilidad al respecto. Me aventé a producir buena parte y creo que al final sí logré encontrar algo muy fiel a lo que yo buscaba.

¿Cómo fue tu experiencia en la creación de este nuevo álbum? La mayor parte del disco se grabó en Texas, en tres distintos puntos: Tornillo, donde se hizo el 70 por ciento; Austin, con otra gran

¿Qué representa este nuevo disco en tu carrera? Para mí, es como mi carta de presentación y siento que de verdad encapsula mi sonido. Me puse muy necia y no hubo mucho compromiso con absolu-


WM / 72

tamente nada ni nadie, fue más acerca de seguir mis instintos y lo que yo tenía ganas de lograr. ¿De dónde viene el nombre del disco y la canción principal? Es un poco el desenlace de toda la historia que cuenta; es decir, el amor, la reconciliación, encontrarse con uno mismo… La conclusión, de cierta forma, es que no todo lo puedes dar, porque te tienes que guardar aunque sea un poco para ti. Estuviste en el Festival Trópico con una participación muy especial, ¿cómo se presentó esta oportunidad? Fue una cosa muy extraña. Me invitaron de parte de Luaka Bop, la disquera de David Byrne, a cantar con ellos un tema dentro de este proyecto que es Who Is William Onyeabor? Obviamente me sentí súper halagada con la invitación, pues es una especie de supergrupo con muchas bandas que me gustan, todo liderado y encabezado por David Byrne. Me parece que es una de esas experiencias que nunca esperas pero que suceden una vez en la vida, fue como: “Va, lo hago.”

019

¿Qué significa para ti ser portavoz de la ONU en el programa Únete? Es mi segunda ocasión trabajando con la ONU y me gusta ser realista, tengo los pies muy en la tierra sobre qué es lo que me toca a mí aportar en este tipo de campañas. Obviamente la ONU buscaba a alguien que pudiera acercar toda la información de la violencia contra las mujeres a la juventud, porque una cosa que es muy preocupante es que los patrones de violencia no están cambiando con las nuevas generaciones, algo que me parece muy extraño porque por lo menos mi generación va con un estándar de igualdad de género, pero de repente te das cuenta que los números son escalofriantes y alarmantes; la mejor manera, en mi opinión, es comunicar. Tengo una voz y un público de mi edad y de generaciones más chicas que me siguen y que quizá informándose y apoyando a la causa del Día Naranja pueda lograr esta secuencia de información y lograr un cambio. Principalmente busco la información, que nuestras nuevas generaciones estén informadas por la igualdad de género y para lograr que esos números de violencia bajen.

INSERT

¿Cómo ha ayudado la tecnología a tu carrera en cuestión de smartphones, redes sociales y la interactividad de la nueva era? Me gusta decir que yo crecí junto con las redes sociales, ya que desde que estaba MySpace lo utilizaba para promocionar mis eventos y mi música. Así fue como establecí un contacto con mis fanáticos, de manera más personal. En ese sentido, me considero completamente ligada a esto. Definitivamente forman una parte importante de mi carrera, se han vuelto prioridad en la promoción de este nuevo disco, desde anunciar secret shows por medio de Twitter y esperar a que la gente vaya hasta sacar promociones o chats por Internet. Creo que es una manera con la que me he identificado, usando en gran medida mi smartphone. Mi teléfono es mi todo, es lo que me mantiene cercana a los fans y con lo que puedo manejar Instagram, Twitter, Facebook, calendarios, juntas, contestar mails, whatsapp… todo. La verdad es que creo que es demasiado el apego que tengo a mi teléfono.

“EL TÍTULO DEL DISCO ES EL DESENLACE DE TODA LA HISTORIA QUE CUENTA... LA CONCLUSIÓN ES QUE NO TODO LO PUEDES DAR, PORQUE TE TIENES QUE GUARDAR AUNQUE SEA UN POCO PARA TI.”


WM / 72

QUICKIE

“NO FUE DIFÍCIL TRABAJAR CON MONSTERS OF FOLK. FUE MUY DIVERTIDO Y APRENDÍ MUCHAS COSAS, ME SIENTO MUY AFORTUNADO DE HABER PODIDO VIVIR ESA EXPERIENCIA.”

CONOR OBERST —

LONELY AT THE TOP Por Raúl Arce

Has estado en la música desde hace varios años. ¿Cuál es tu perspectiva de la escena actual? Pienso que la industria musical ha estado en un constante estado de cambio por más de una década. Es difícil ver a dónde se dirige todo en lo que concierne a la música, cómo es que será consumida en el futuro y cómo los artistas serán compensados por su trabajo; sin embargo, pienso que la música por sí misma está

sana y salva, la gente creativa va a seguir creando, no tengo ninguna duda de eso, el truco será lo que pase después. En mi opinión, hay diferentes caminos musicales para Conor Oberst, a veces suenas muy folk pero, claro, también está el rock n’ roll… ¿Por qué? Me gusta intentar nuevas cosas y trabajar con diferentes personas. Creo que lo mejor que puedo hacer como artista es

seguir cambiando y seguir mis intereses actuales. Probablemente no es lo mejor desde el punto de vista de una “carrera”, pero hacer música es mucho más que eso para mí, es algo que hago por mi cuenta porque el proceso creativo enriquece mi vida y lo necesito. Ahora estás en una etapa solista pero has formado parte de muchas bandas. ¿Qué es lo que más te gusta?

Hay pocos sentimientos mejores que el que te provoca ser parte de una banda de rock a la cual amas. Las colaboraciones siempre han sido una de las cosas que más amo sobre hacer música, trabajar con otros te puede llevar a territorios que nunca habrías encontrado por tu parte pero a veces trabajar solo puede liberarte de las expectativas y permitirte buscar un poco más profundo en una idea que tengas.


CADA SEMANA TODO LO RELACIONADO AL MUNDO DEL CINE CONDUCIDO POR LINDA CRUZ

ENTREVISTAS, TRAILERS, RECOMENDACIONES, NOTICIAS Y MÁS

ESTRENO

27 DE MARZO 7:30 PM


TWENTY ONE PILOTS —

SEMI-AUTOMATIC Por J. Ismael Canales Foto: Lindsey Byrnes


WM / 72

023

INSERT

“YO CREO QUE ES MUY DIFÍCIL SI TRATAS DE HACER UN ÁLBUM QUE SEA COHESIVO Y TENGA SENTIDO AL ESCUCHARLO DE PRINCIPIO A FIN. NUESTRO SONIDO ES UNA GRAN MEZCLA.” -JOSH DUN

Con cinco años de trayectoria, Twenty One Pilots ha colocado su sello en la industria musical mediante el collage auditivo que crea, al mezclar electrónica, hip hop, rock y una potente batería. Ver a la banda en vivo es una experiencia llena de energía y desfachatez pero, ¿cómo lograron ese sonido? ¿Cuáles fueron sus influencias para crear música? ¿Cómo grabaron su más reciente álbum? ¿Qué escuchan día a día? Todas estas interrogantes fueron respondidas por el batería Josh Dun, en una amena plática que revivimos a continuación. Twenty One Pilots es de Ohio, ¿cómo era la escena musical mientras ustedes crecían? Somos de Columbus, Ohio, y… no lo sé, yo no tocaba mucho hasta que estuve en la preparatoria, no iba a tocar con otras bandas ni nada de eso. Hay diversos estilos, hay gente haciendo hip hop, tengo amigos tocando música electrónica, la gente intenta montar interesantes presentaciones en vivo, lo cual es muy respetable, pero, bueno, también escuchábamos lo que sea que sonara en la radio, lo que sea que descubríamos online. Mi manera favorita de descubrir música es a través de Internet, igual que mucha gente. Cuando empezamos a hacer música no creo que hayamos puesto mucha atención a lo que pasaba en la escena de Ohio, nosotros sólo tratábamos de hacer algo que disfrutáramos y nos hiciera felices. Meses después, casi un año después, nos dimos cuenta de que estaba funcionando, así que siempre intentamos hacer música que disfrutemos. Su más reciente álbum se llama Vessel, ¿qué puedes decirme respecto a su sonido?

Cuando lo comenzamos, cuando empezamos a escribir las maquetas de las canciones lo hicimos en el sótano, en una computadora, programando cosas nosotros mismos. Puedes darte cuenta de lo que buscábamos estilísticamente en él pero todo el tiempo teníamos grandes sueños, una visión de cómo queríamos que fuera sónicamente, así que cuando fuimos a un estudio de verdad trabajamos con el productor y hubo elementos de la música que pusimos donde quisimos. Creo que eso le dio más sentido, porque tomamos esas canciones y les agregamos elementos en todos los ámbitos, lo que ayudó, porque cada canción sonaba muy distinta a otra.

música, juntando las listas que cada uno escucha, podemos escuchar la música de todos, lo cual es asombroso.

Yo creo que es muy difícil si tratas de hacer un álbum que sea cohesivo y tenga sentido al escucharlo de principio a fin, pues cada canción suena distinto y algunos elementos tienen que estar pegados para que se sostengan. Nuestro sonido es una gran mezcla. Cuando la gente nos pregunta cómo es, les explico que no tiene sentido, porque tiene rock, hip hop, electrónica, pop, y parece que será un desastre, pero me encanta la manera en que todo se une y es divertido tocarlo en vivo; creo que cobra más sentido cuando eso ocurre.

Lo bueno de la música es que siempre ha sido algo social, puedes hablar con la gente, darte cuenta y reaccionar respecto a la música que les gusta, compartir música, ya sea literalmente, teniendo en las manos el CD, o compartiéndola en línea de alguna manera, con Spotify, compartiendo tu librería de iTunes, ahora hay muchas maneras de sumergirse.

Acabas de mencionar que descubres nueva música a través de Internet. ¿Cuál es el medio que usas para escuchar música en tu iPhone? Bueno, hay muchas maneras, me encanta Spotify, la manera en que integra los medios de comunicación es muy atractiva. Mi amigo Mark crea listas de reproducción y así puedo escuchar lo que él está escuchando. Otros de mis amigos siempre están buscando nueva

Antes de eso tenías que ponerte en línea y buscar música que la gente decía que le gustaba, que posteaba… la tecnología es una locura, ahora es diferente. Cuando empezaba a tocar la batería, antes de que iTunes fuera tan grande y cuando aún escuchábamos álbumes físicos sin importar el formato, recuerdo ir a la tienda de discos y decirle al encargado que me diera los más punk rock que tuviera en el catálogo, los ponía en mi reproductor, me ponía los audífonos y ponía los de la batería electrónica sobre ellos, para tocar junto con las canciones.

¿Cuáles son las canciones básicas en una de tus playlist? Primero tengo que decir que nos encanta ejercitarnos mientras viajamos, que nuestros músculos siempre estén en forma y luzcan grandiosos. Para que eso suceda debemos tener una gran playlist. A esta la titulé Turn On For Push Ups y tiene ‘Party Hard’, de Andrew W. K.; ‘Aliens Exist’, de Blink 182; ‘Daydreaming’, de Paramore; ‘The Ballad Of Mr. Steak’, de Kishi Bashi; ‘Tuesday’, de Ilovemakonnen; ‘Close To Me’, de The Cure; ‘Sleep Now On A Fire’, de Rage Against The Machine… tenemos un par de Tokyo Police Club y cosas así, es buena.


INSIDE

DREAM ON —

Por Olga Segura Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP

Me considero amante del cine, apasionada por esos personajes que te llenan el alma y te dejan con ganas de más. Soy una mujer intensa que cree que para llegar a tus metas no solamente debes soñar en grande, debes trabajar duro, sin parar, y nunca olvidar las 4 P’s: Pasión, Perseverancia, Persistencia y mucha Paciencia, porque las cosas buenas toman tiempo y no pasan de un día a otro. Por ejemplo, ahí está Producciones A Ciegas, nuestra compañía productora, un proyecto que sigue en crecimiento gracias a la ayuda de mis socios, Héctor Jiménez y Juan Carlos Segura. En esta aventura hemos tenido la fortuna de trabajar en proyectos como Cellmates (2011) y The Truth About Emanuel (2013), de los cuales nos sentimos muy orgullosos. A lo largo de mi carrera también he aprendido a amar a los personajes que he interpretado. Un gran ejemplo es Mariana, una de las protagonistas de la película colombiana La Luciérnaga (2013). Otra gran experiencia fue el actuar en la película mexicana González (2013), junto a dos grandes de la actuación como Carlos Bardem y Harold Torres. Este año tendré la oportunidad de grabar un thriller sicológico con la actriz Arcelia Ramírez, que por cierto es otro sueño hecho realidad. Arcelia es definitivamente una actriz que admiro y respeto, ¡todavía no me la creo… que alguien me pellizque, por favor! Veo los años que han pasado y me acuerdo de mi primer papel, en Cellmates, con Tom Sizemore y Héctor Jiménez, y todavía siento esa gran satisfacción de encausar tu sueño y pensar: “Ahí voy, poco a poco, paso a paso.” Doy gracias a Dios por todas las oportunidades que ha puesto en mi camino, espero seguir encausando mis sueños y tener la gran fortuna de seguir trabajando en lo que más me gusta.


WM / 72

027

QUICKIE

“LA VERDAD ES QUE TENGO UNA GRAN BANDA Y TENEMOS UN GRAN ESCENARIO, ASÍ QUE PODRÉ SACUDIR MI MIERDA.”

FATHER JOHN MISTY —

BORED IN THE USA Por Alonso Valencia

¿Dónde te encuentras trabajando ahora mismo, Josh? En Nueva Orleans, vistiendo mi bata de baño. I Love You, Honeybear ya está disponible, ¿pero sigues trabajando en canciones? Sí, sigo escribiendo música. Justo ayer encontré una gran rima: “Taylor Swift con Occulus Rift”, ese es el nivel de sofisticación de mi trabajo.

Háblame de la idea detrás de este nuevo álbum y cómo fue el proceso creativo y de realización... Pues es demasiado, me tardaría un par de horas. El problema es que fue un trabajo muy íntimo y muy vulnerable, y a mí me da mucho miedo el hecho de ponerme sentimental. No hay ninguna idea detrás, es sólo mi vida, nada particularmente misterioso.

¿Qué planeaste para tus futuras presentaciones, ahora que empiezas con la promoción de tu nuevo álbum? En realidad sólo quiero esparcir la música y tocar con mi banda. Tenemos un robot bailarín que dispara fuego por el culo, eso es muy emocionante, el problema es que me gasté todo el presupuesto en eso. Eso es lo que más espero del tour.


CUANDO HABLAMOS DE LA NATURALEZA, DE LO ORGÁNICO Y DE TODO AQUELLO QUE PROPICIA LAS CARACTERÍSTICAS PARA QUE EXISTA LA VIDA, INDUDABLEMENTE TENEMOS QUE REMITIRNOS AL COLOR VERDE. EL VERDE NOS REFIERE A LA RENOVACIÓN Y TAMBIÉN NOS AYUDA A EVOCAR LA ESPERANZA, LA FE EN QUE LAS COSAS MEJORARAN DESPUÉS DE LA DIFICULTAD, COMO SI DEL RESURGIMIENTO DE LA VEGETACIÓN TRAS UN DURO INVIERNO SE TRATARA. EN ESTA OCASIÓN WARP MAGAZINE RINDE CULTO AL COLOR VERDE Y A LOS DIVERSOS SIGNIFICADOS QUE SU VASTA GAMA DE MATICES NOS PUEDE OFRECER. SEAN TODOS BIENVENIDOS.


THE GREEN COLOUR

COMER VERDE —

ALIMENTACIÓN CONSCIENTE: LA NUEVA MANERA DE RELACIONARNOS CON NUESTROS ALIMENTOS Por Claudia Ramírez / @ChefClaudiaR Fotos: Cortesía Taller Vegánico y Green Lovers WM 72 / PG. 30

Aún recuerdo la primera mordida que di a mi primera hamburguesa con queso amarillo, de una cajita feliz. Recuerdo el olor del restaurante, los colores brillantes, el payaso sonriente, la amabilidad del personal que atendía, la iluminación intensa, la música y las risas. Me sentía en un lugar mágico, divertido, familiar y seguro. Quizá lo que más recuerdo de esa experiencia de mi infancia es la emoción que provocó en mí abrir esa cajita feliz y, dentro de ella, descubrir un tesoro en forma de juguete, acompañado de “alimento”. Probablemente, así como yo, muchas personas quedan marcadas por sucesos similares relacionados con “alimentos”. El medio social, cultural y sistema familiar en el que nos desarrollamos se torna un reflejo de condicionamiento asociado muy similar al entrenamiento de Pavlov en sus experimentos; aprendemos cómo satisfacernos o reprimirnos a través de alimentos. A lo largo de nuestras vidas tomamos decisiones sobre cómo alimentarnos basándonos en deseos y antojos, no en elecciones conscientes de nutrientes esenciales que favorecen a una alimentación saludable. Comer, más allá de ser una necesidad fisiológica de nuestros cuerpo, es un evento social, una manera de comunicarnos entre seres humanos y de percibir el mundo a través de nuestros sentidos. El rediseño de la industria alimentaria durante el último siglo revolucionó completamente nuestras ciudades, creencias, mentes y cuerpos. Conforme más y más personas migraron a las ciudades, el campo pasó a segundo plano, alguien debía tomar la responsabilidad de alimentar a las grandes poblaciones de manera rápida, eficiente y a bajo costo1. La innovación en alimentos estela-

rizó los escenarios a nivel mundial, científicos controlaron fábricas y la desnaturalización de los alimentos inició. Se introdujeron términos como “light”, “bajo en grasa”, “sin azúcar”, “bajo en calorías”, “adicionado con...”, de manera que cualquier alimento procesado se tornó saludable por el simple hecho de no contener sustancias aparentemente nocivas para la salud y, en cambio, contener las cantidades apropiadas —necesarias— de nutrientes en su formulación. Lograron productos con larga vida de anaquel y caducidades extendidas que conectaron profundamente con nosotros, atrayéndonos sensorial, fisiológica y emocionalmente. Los medios de comunicación de igual manera colaboraron en rediseñarnos. Aprendimos a desear los “alimentos”, a identificar sus sabores, sus colores y a asociarlos con marcas. El hecho de comprar ciertas marcas, asistir a ciertos lugares a comer, la elección de sitios en los cuales adquirir nuestros alimentos nos categorizó dentro de estratos sociales con poderes adquisitivos. Aquello que se construyó en laboratorios y acuerdos político-empresariales durante décadas, hoy está siendo destapado y revelado como el mal común de nuestra sociedad y mente colectiva. La realidad es que nos estamos enfermando un bocado a la vez. Los estelares en medios de comunicación en la actualidad relacionados con la salud son la obesidad, el colesterol alto, la diabetes, la hipertensión y el cáncer. Nuevamente aparece en nuestra historia la necesidad latente de un rediseño de alimentos que, a diferencia de las necesidades del siglo pasado, demanda innovación libre de sustancias dañinas. Ya no son las ensaladas, ni las dietas y mucho menos los polvos de malteadas y proteína lo

que sostiene nuestras creencias de lo sano y soluciones rápidas para bajar de peso; de manera general, los nuevos términos son: alimentación libre de sustancias dañinas, veganos, vegetarianos, flexo vegano/vegetariano, detox, súper alimentos (superfoods), artesanal y local. En países de Europa, Estados Unidos y Canadá el tema de la salud alimenticia tiene ya decenas de años siendo desarrollado. La innovación en la alimentación tomó un protagónico muy interesante asociado a movimientos y demandas de ciudadanos conscientes, cansados de mentiras, quienes no tolerarían más abusos al campo ni a sus trabajadores, el maltrato animal y ambiental, ni sustancias dañinas en sus alimentos. El conocido término “fast food” cambió por términos como “healthy food”, “slow cooking”, “comfort food”, “home made”, “artisan food”, “fare trade”, “farm food”, “plant base”, entre otros. En nuestro país hemos adoptado movimientos “healthy” influenciados por estas corrientes de países extranjeros. En el norte del país, Monterrey ha sido ejemplo de innovación y adopción temprana de dichas corrientes, en mayor parte por su cercanía con Estados Unidos. Por más de 10 años —y a la fecha— se han desarrollado modelos de negocios inspirados en la salud consciente. Clínicas de salud integral (Amayal), centros holísticos (Casa Semilla), tiendas y restaurantes con alimentos libres de sustancias dañinas (Slim Market), orgánicos (Terrenal, Carrots, Aires del Campo, Voganic), vegetarianos (Vegetarian, Govinda), de libre pastoreo-grass feed (Corm) , veganos-crudi veganos (Taller Vegánico, Camión Vegánico, Vegan Inc,), artesanales (Bread), libres de gluten (Pan Gabriel), macrobiótica (Casa Macro), entre otros.


THE GREEN COLOUR

En los últimos siete años la conciencia de alimentación saludable en las principales ciudades de México ha tomado mucha fuerza y de igual manera la creación de conceptos enfocados a las necesidades actuales. Cada día observamos cómo toma fuerza el movimiento de salud consciente, y descubrimos nuevos términos que rápidamente son añadidos a nuestro lenguaje cotidiano (sin lácteos ni caseína, grasas trans, OGM (organismo modificado genéticamente), ácidos grasos, Omega, producto de temporada, producto local, comercio justo, etc). Las nuevas tendencias en decisiones de alimentación vienen acompañadas de un cuestionamiento previo: ¿qué contiene? ¿en qué me ayuda? ¿es natural o modificado? ¿es un producto local de comercio justo?, y un nuevo

esquema mental que rompe con paradigmas establecidos, basado en contar nutrientes vs. calorías, una nueva manera de alimentarnos que ya no está basada simplemente en deseos.

“HOY, LA MENTALIDAD FRENTE A LA ALIMENTACIÓN ESTÁ TOMANDO UN CAMINO HACIA LA IDEA DE COMER LO QUE ME NUTRE, LO QUE ME HACE BIEN, EN ARMONÍA Y GENTILEZA.”

Las razones principales para decidir cambiar de alimentación:

daños fisiológicos, emocionales y mentales; soy y estoy consciente de ser lo que como.

-Moda (Imitar a ídolos, líderes de opinión, figuras de influencia, sentido de pertenencia, ser sano como tendencia) -Estilo de vida (Ejercicio, convicción y creencias) -Enfermedad

Creo que la clave para mantener la armonía en nuestro plato es colaborar en conjunto con la conciencia humanizada y no caer en la satanización de los alimentos ni en fanatismos. Cada uno de nosotros es un ser único e irrepetible, con necesidades específicas. No todo es para todos. Debemos respetar a nuestros cuerpos y alimentarlos conforme a su diseño. Disfruta tu comida, enfoca tu energía en aquello que amas comer y disfrutas, no en lo que deberías o no deberías. Aprende a

Hoy, la mentalidad frente a la alimentación está tomando un camino hacia la idea de comer lo que me nutre, lo que me hace bien, en armonía y gentileza, dejar aquellos alimentos que me ocasionan


THE GREEN COLOUR

no involucrar la culpa en tu alimentación, elige alimentos frescos y vivos, y enséñate a tomar mejores decisiones respecto a tu alimentación y vida en general. Es importante respetar las creencias de otros y sus decisiones alimenticias. No esperemos que un alimento aislado sea la magia para sanarnos sólo por haber escuchado que es bueno para algo, o que alguien lo comió y mejoró su vida. Utilicemos nuestra inteligencia y sentido común.

— 1

El balance adecuado de nuestras emociones (disfrutar la vida, enfocarnos en el momento presente), evitar alimentos procesados e incluir vitaminas, minerales, proteínas, grasas y carbohidratos diariamente en nuestra alimentación nos mantendrá reconectados con nosotros mismos, en salud integral. Ama a tu cuerpo, sólo tienes uno por el resto de tu vida.

La industrialización de los alimentos inicia

en Estados Unidos fortalecida y apoyada por la FDA y el gobierno durante el siglo XX. Información relacionada a este tema: Michael Pollan en su libro “In defense of food”. México adopta estos estándares por su cercanía vecina e influencia mediática. Los estados del norte son, quizá, los primeros en adoptar la innovación.

Taller Vegánico: A la vanguardia de la opciones alimentacias naturales en el norte de México.


Freshc Musi

THE WHITE CHERRIES —

PURE AIR

Por J. Ismael Canales Foto: Rubén Márquez y Sergio Gálvez para WARP WM 72 / PG. 34


THE GREEN COLOUR

“FERNANDA TRAJO ESA INERCIA DE EMPEZAR A TRABAJAR EN CANCIONES QUE SE PUEDAN TOCAR FRENTE A UNA FOGATA O EN UN CONCIERTO MASIVO.” -ABIE TOIBER

Fue hace algunos años cuando dos especies mexicanas distintas se encontraron en un paraje norteamericano. Fernanda Romero, actriz, modelo y apasionada de la música, conoció por casualidad a Abie Toiber, artista de un extenso camino musical como compositor y productor. Un día, ambos decidieron juntarse para simplemente improvisar, naciendo así The White Cherries. Abie: Fue cuestión del destino. Hace un par de años estaba ayudándole a un amigo en común, yo no conocía a Fernanda y fue a través de este amigo que nos encontramos. Ella ya había hecho música antes y tenía esta cosquilla de volver a hacerlo. Un día nos juntamos para un jam donde yo saqué un ukulele y ella empezó a escribir letras y a cantar, entonces dijimos: “Wow, qué buena química, hagámoslo de nuevo”. Solito, orgánicamente, empezó a crecer. Fernanda: Fue algo inesperado. A mí siempre me ha gustado la música, nos conocimos y lo más bonito de todo es que cuando él agarra la guitarra yo puedo empezar con una tonada, empiezo a inspirarme y a escribir letras; eso fue lo que nos llevó a formar este proyecto. Las primeras canciones que hicimos son muy acústicas, sin tantos arreglos, era el principio de empezar a crear juntos. A: Era más bohemio. F: Más ‘folktrónico’, un poco de electro, pero mucho más folk. Parte del disco lo co-produjo Mark Plati (productor de David Bowie, The Cure, Hooverphonic, Robbie Williams, etc.), así que tiene un sonido muy lindo pero diferente. Como una fruta que crece en terrenos difíciles, The White Cherries y sus ramas han dado diversos giros para alcanzar el sol, para

alcanzar ese sonido maduro y fresco, combinación de electrónica y guitarras que les da ese característico color y aroma a su obra. A: Desde que nos juntamos a hacer música quise salir de gira, grabar, hacerlo profesional, porque toda mi vida ha sido así respecto a la música. Para ella empezó un poco más como hobbie, poco a poco. Hicimos estas diez canciones con Mark pero no nos animamos a sacar el disco, quisimos seguir explorando un poquito. Fernanda es súper fan de Coachella y siempre está muy en lo nuevo que está sucediendo, así que empezó a recomendarme varias cosas. F: Me encanta la música en general: Led Zeppelin, The Doors, The Beatles, cosas más nuevas... amo la música, me encantan los sonidos y admiro a muchos artistas. Entonces, trayendo eso y con la influencia de Abie por los grandes, hicimos buena sinergia. Cuando ya teníamos el disco nos contactaron para hacer música para un nuevo show y fue que decidimos encerrarnos dos días a crear, a escuchar música y a inspirarnos en ella. Sacamos canciones que nos gustaron y le dije a Abie que no sacáramos lo otro, contactamos al productor de Phantogram y le encantó el proyecto. Es lo que ahora constituye nuestro primer EP. Como músico y como artista siempre estás en creación constante, me encanta ir a los conciertos, detectar las canciones que motivan a la gente, que las mueve. Nuestro nuevo EP tiene cortes que la gente escucha y no hay quien diga: “Nada más me gusta esta.” A: Tenemos canciones que se pueden tocar con la banda completa, en sus versiones originales, o en una versión acústica, con una guitarra; en ambos casos creo que mantienen su esencia.

Tras un largo camino recorrido en la industria, Abie Toiber continúa con una evolución en su trabajo, ahora en una faceta más cordial con la audiencia, a la que pretende llegar mediante sus creaciones. A: Antes buscaba experimentar, llevar al extremo la computadora y tratar de hacer lo que no se había hecho en México, hablar de temas más profundos y dejar de lado los clichés del amor y las relaciones, las estructuras versocoro-verso-coro. Ahora, uno quiere reconectar con la gente, Fernanda trajo esa inercia de empezar a trabajar en canciones que se puedan tocar frente a una fogata o en un concierto masivo. Me siento en un periodo más de composición, me hacía falta esa mancuerna para aterrizar lo mío, que es muy del cosmos, del universo. Empezar a componer sabiendo que Fernanda va a ayudar a complementar también ha ayudado mucho. Por otro lado, para Fernanda Romero este proyecto significa poder pasar de estar debajo del escenario a estar sobre él, llevando su pasión a un punto tangible y audible, con su voz como guía, teniendo el control total de su obra. F: Me gusta, es una etapa que siempre he querido, una en la que tengo el control de mis propios proyectos. Veo a la música como algo tan universal. Cuando escribo canciones éstas reflejan cómo me siento, son un poco como mi diario, en ellas me desquito, me mimo, y es algo que no podía hacer antes y que no puedo hacer en la actuación, porque los personajes no los escribo yo. The White Cherries es un proyecto bastante nuestro, es nuestro bebé. La música siempre me ha gustado y me llena de emoción poder compartir esto con la gente y que a la gente le guste, me encanta, estoy muy contenta con esta nueva aventura.


THE GREEN COLOUR

GREEN DETOX —

RUSHED LIFE AND ITS SOLUTION Por Alonso Valencia WM 72 / PG. 36

La dinámica acelerada de la vida moderna en numerosas sociedades ha dado pie a un estilo de vida descuidado, en el que todos somos parte de un mercado que consume sin pensar dos veces, olvidando la naturaleza que hay alrededor. Las frutas, las verduras y los productos orgánicos han quedado de lado frente a la comida chatarra y todos los alimentos disponibles en las calles de la ajetreada urbe. Los productos procesados, creados en un sistema prácticamente industrial y masivo, se han vuelto el estándar para una nueva generación, que vive a partir de cadenas gigantescas y que ha optado por la cantidad en vez de la calidad. A pesar de que el nuevo estilo de vida verde ha tomado fuerza, la mayoría de los individuos del Siglo XXI siguen optando por la comodidad y el alcance de los supermercados y los grandes monopolios alimenticios, por lo que el sistema general de la comida se ha desvirtuado para crear enfermedades y problemas de salud completamente ligados a todos estos males contemporáneos.

La principal solución radica en un detox más que necesario, en donde los productos naturales vuelvan a tomar ese papel principal que desapareció con los años, para quedarse como una lejana ilusión en esta segunda década del nuevo milenio. Muy pocos productos cubren las necesidades de desintoxicación combinadas con las bondades de las superfoods, pero en este mercado de la nueva era aún es posible encontrar algunas opciones viables. Entre todas ellas hay una que destaca: Elixir, un producto completamente mexicano basado en una filosofía de cambio con servicio personalizado, siempre disponible y siempre a la mano. No es un producto más, sino el producto básico creado a partir de la experiencia de Bárbara Rico, quien descubrió el secreto de la eterna juventud contenida en un jugo. Elixir aprovecha al máximo las superfoods con una nueva línea que va desde la miel de agave

hasta la chía, sacando el provecho máximo de todas sus bondades, sin dejar de lado su ideología principal a base de programas que van de 3 a 10 días, incluyendo seis jugos 100% naturales y sin conservadores. Estos programas se dividen en dos. El primero es “Signature Detox”, con una mezcla que contiene 60/40 de frutas y verduras, ideal para los “detoxers” primerizos y los amantes del programa original, a base de seis jugos diarios. El segundo de ellos es “Green and Lean Detox”, que cuenta con cinco jugos verdes y una leche de nueces sin lácteos, que sirve como un complemento, idóneo para “detoxers” experimentados. Esta búsqueda por un nuevo modo de vida mucho más sano y natural a través de un programa de detox más que necesario sigue rindiendo frutos, aprovechando productos como Elixir que ofrecen una nueva alternativa sin abandonar el ajetreado lifestyle de la sociedad contemporánea.


THE GREEN COLOUR


OJO DE AGUA —

SALUDABLE POR TRADICIÓN Fotos: Sergio Gálvez para WARP WM 72 / PG. 39


THE GREEN COLOUR


Ojo de Agua Citlat茅petl #23 Hip贸dromo Condesa


THE GREEN COLOUR

Freshc Musi

THE 2 BEARS —

BEAR HUG

Por J. Ismael Canales WM 72 / PG. 42

Corría 2009 cuando, después de coincidir en fiestas londinenses un sin número de ocasiones, en su papel de DJ, Joe Goddard (Hot Chip) y Raf Rundell (co-fundador de 1965 Records) decidieron hacer equipo y crear el proyecto The 2 Bears, para llenar de buena música los raves de toda Inglaterra. Un año después ya circulaban en las tiendas de discos británicas sus primeros EPs: Follow The Bears y Curious Nature. En 2012 lanzaron su primer larga duración, Be Strong, y hace unos meses llegó a nuestros oídos The Night Is Young, su más reciente material. The 2 Bears ha recorrido todo el mundo para reventar las fiestas, desde Ibiza hasta México, gracias a su sello particular londinense lleno de frescura, el cual combina una gran cantidad de ritmos y estilos en los que Raf Rundell afirma que es el house el camino por donde se desliza su obra.

“La música house es probablemente la influencia más grande en nuestro sonido, el house es un buen marco para integrar sonidos como hip hop, reggae, disco, funk, soul, la mayor cantidad de cosas que nos gustan. Londres es una gran comunidad donde escuchas la música de los demás sólo con salir a la calle, tomar un taxi o en cualquier lugar.” A pesar de la calidad de su música, The 2 Bears se ha visto navegando contra la corriente del EDM, ese “lado oscuro” que domina el mainstream de la música electrónica, donde sus principales representantes son capaces de convocar multitudes y llenar estadios. Sin embargo, esto parece no preocuparle al dúo británico, mismo que considera que en el underground electrónico hay grandes propuestas:

“El EDM es grande en todas partes, internacionalmente. A cualquier parte a la que vayas es enorme, pero creo que el underground parece ser fuerte también en todas partes. Siempre hay pequeños grupos de personas interesadas en divertirse y encuentran juntos el común denominador de la música. Parece ser que no en todos lados es mainstream, siento que el EDM es algo completamente diferente a lo que hacemos, no sé decir si lo que hacemos es mejor, sólo que es diferente, como grandes conciertos de rock. “Creo que el underground está lleno de buena música siendo lanzada alrededor del mundo, sólo tienes que tratar más para encontrarla.” Al igual que el boom del EDM, la tecnología se encuentra presente en cada país, permitiendo a casi cualquier persona poder expresarse


“SIENTO QUE EL EDM ES ALGO COMPLETAMENTE DIFERENTE A LO QUE HACEMOS, NO SÉ SI LO QUE HACEMOS ES MEJOR, SÓLO ES DIFERENTE.” -RAF RUNDELL

por medio de la música. Si se tiene una laptop en esta época es sencillo construir una pieza musical, hecho que Rundell celebra: “Creo que es bueno… ya sabes, es buena idea y está bien poder lanzar algo y ser capaz de expresarte, eso no significa que sea malo, ya sea que tengas una laptop y un software muy simple o un gran estudio con buen equipo; sin embargo, eso no significa que haya cierto control. Estábamos hablando de que hay mucha música allá afuera, difícil de encontrar y difícil de ver, mucho más que antes, así que es un buen signo que la música esté en las manos de más personas.” Pese a las facilidades que la tecnología aporta a la creación musical, The 2 Bears sigue haciéndolo a la antigua, convirtiendo el hecho de escribir canciones en todo un placer:

“Hay muchas maneras diferentes. A veces Joe toca algo en lo que ha estado trabajando y yo trato de escribir algo también. Para eso le muestro la canción y él me ayuda a vestirla para que suene con una buena tonada. A veces empezamos con los sampleos o con grabaciones hechas en vivo… Realmente llega de muchas maneras, tienes que estar abierto a que surja de donde sea, no hay una manera fija. Joe es un productor súper talentoso, tiene un estudio brillante, con máquinas asombrosas que sólo debes prender para tocar. Hay mucha diversión en nuestras contribuciones.”

“Algunos amigos organizaron una fiesta en Londres llamada “Sink The Pink”. Ellos contribuían bailando en nuestros shows, en el último año más o menos, y yo era DJ en sus fiestas… Deberías checar esa fiesta, hay videos en Internet, fue grandiosa.

Si has asistido a alguna presentación de Goddard y Rundell sabes que la diversión y la fiesta están garantizadas. Para darnos una idea basta ver el video de ‘Not This Time’, clip con el que trataron de captar la esencia fiestera de Reino Unido.

Sin lugar a dudas, Joe Goddard y Raf Rundell, con su proyecto The 2 Bears, llegaron para llenar de frescura el mercado electrónico, con sus beats de fusión y orgánicos que bailaremos hasta el final y sin descanso.

“Fue interesante crear un grupo de personas con las que habíamos trabajado en los últimos años, de una u otra manera. El director del video llegó con la idea y todos participaron, buscando representar cómo es la vida en Londres.”


POLEN —

HOMBRE + ESPACIO + NATURALEZA Texto y Fotos: Polen / @PolenDisenoVivo WM 72 / PG. 44

El crecimiento acelerado de la mancha urbana es una realidad que nos afecta a todos los habitantes de las grandes ciudades, estamos expuestos a muchos factores que impactan en nuestra calidad de vida. La contaminación, la radiación solar, la isla de calor, la basura, todo eso reflejado en la calidad del aire, en la disminución de áreas verdes, en la pérdida de fauna, hábitat y de espacios abiertos; cada día tenemos menos espacios verdes en las ciudades, nos está comiendo el concreto. Al adoptar una vida más sedentaria y encerrada, surge la necesidad de salir a la calle para disfrutar del aire libre y valorar todo lo que nos rodea, por lo que debemos estar conscientes de que es responsabilidad de todos el hacer de nuestra ciudad un lugar habitable de manera saludable y armónica. Para lograrlo, debemos tener en cuenta que todo conlleva una parte social, una económica, otra política y, finalmente, la ambiental. Estos cuatro pilares se han vuelto el motor para cualquier propuesta de Polen. Polen es un despacho de arquitectura de paisaje y recuperación de espacios públicos que se fundó en el 2010 por Alejandra de la Cerda y Ana Julia Carbajal. Está conformado por un equipo multidisciplinario de arquitectos,

diseñadores, biólogos y jardineros, todos enfocados en hacer algo único de cada proyecto, desarrollado de manera personalizada para cada cliente y para cada sitio. ¿Por qué enfocar nuestro trabajo de diseño industrial y arquitectura hacia el diseño de paisaje? Porque esta es la disciplina que se encarga de planear, proyectar, configurar y conservar cualquier espacio abierto, cuya herramienta de trabajo es el ambiente: la vegetación, el suelo y las condiciones climáticas.

Afortunadamente, tenemos muchos personajes y proyectos de los cuales aprender. El primer ejemplo que me viene a la mente es el de Wangari Maathai, creadora del Movimiento Cinturón Verde gracias al cual se logró la reforestación más grande que se ha hecho en África.

Por eso, nuestro principal objetivo es integrar el concepto de diseño con vegetación a cualquier escala y desde cualquier ángulo, para lograr proyectos integrales que involucren la arquitectura, el diseño industrial y el paisajismo. Hacemos desde el diseño de un parque, de un jardín o una terraza, hasta el de una maceta.

Es importante mencionar también el movimiento “verde” que se ha manifestado en favor del medio ambiente, desde hace varias décadas en países de Europa y desde los años 80 en Canadá y Estados Unidos. México, aunque podríamos decir que especialmente la capital del país, también se ha sumado al apostarle a iniciativas para mejorar la vida en la ciudad mediante el uso de nuevas tecnologías, con modelos para llenar la ciudad de espacios verdes, recuperar espacios públicos, mejorar la movilidad y crear conciencia ambiental.

Queremos ser parte del enverdecimiento y mejoramiento de la vida en la ciudad, trabajando en espacios públicos y, con ello, aportando una semilla para que la gente retome la vida al aire libre. Deseamos servir de inspiración, para generar una conciencia de respeto, cuidado y amor, y para fungir como vínculo entre espaciohombre y naturaleza.

Sabemos que falta mucho por hacer, pero nos alienta que cada vez se hace más ruido al respecto, con un interés creciente por “volver a lo natural”, comer sano, rescatar y conservar áreas verdes, tener un consumo responsable… Creemos abiertamente que, poco a poco, este estilo de vida se hará un hábito, con mucha fuerza y permeabilidad.


THE GREEN COLOUR


“QUEREMOS SER PARTE DEL ENVERDECIMIENTO Y MEJORAMIENTO DE LA VIDA EN LA CIUDAD, TRABAJANDO EN ESPACIOS PÚBLICOS Y, CON ELLO, APORTANDO UNA SEMILLA PARA QUE LA GENTE RETOME LA VIDA AL AIRE LIBRE. ”


THE GREEN COLOUR

Polen Diseño vivo Oficina: Río Nazas 52, int. 3. Col. Cuauhtémoc. Tienda: Seneca 61, Col. Polanco.


THE GREEN COLOUR

Freshc Musi

BASTILLE —

BAD BLOOD FROM LONDON Por Alonso Valencia WM 72 / PG. 48

En todo país, de manera inesperada, llega un momento en que ocurre un deslumbrante estallido musical, sea en Australia, Nueva Zelanda, Suecia e incluso México. En el caso de Inglaterra, la música se ha apoderado del país desde hace casi un siglo, con una estela interminable de bandas que alcanzan el estrellato e, incluso, se posicionan como ídolos creativos. En otros tantos lugares, sin embargo, esos mismos artistas pasan desapercibidos por un tiempo, para después obtener el merecido reconocimiento por parte de un público específico y convertirse, de alguna forma, en una banda de nicho. El caso de Bastille es muy particular. Todo comenzó gracias al ingenio de Dan Smith y el éxito gradual que conocemos actualmente. Platicando un poco acerca de las influencias musicales que de alguna forma ayudaron a forjar su sonido, con tonos eclécticos mezclados con un pop alternativo y la característica voz de Smith, él mismo detalla todo lo que hay detrás de la agrupación: “En nuestros tiempos, todo mundo tenía una cara Avril Lavigne, escuchaba mucho hip hop y UK Garage… también un poco de Avril Lavinge, no lo niego. Nunca me involucré mucho con bandas suaves hasta que estaba en la universidad, alrededor de los 18 o 19 años; incluso en ese tiempo era sólo un poco, no quería forzarlo, pero en realidad eso no tiene ningún impacto en el sonido de Bastille.” Luego entonces, su estilo se forjó a partir de la mezcla de los gustos de cada integrante que, a decir de Will Farquarson, crea esta transformación inserta en el álbum Bad Blood.

“Siempre hemos escuchado muchas cosas muy diferentes. A Woody (Chris Wood) le gustaba mucho más el rock cuando estaba creciendo, es por eso que su cabello es tan largo, quería estar en KISS. “Yo escuchaba muchas bandas, las cuales disfrutaban mis padres cuando yo era niño… The Beach Boys, Simon & Garfunkel y también The Beatles. Creo que nuestro sonido es una gran mezcla de todo lo que nos gusta, ya sabes, soundtracks de películas, hip hop, música electrónica, indie rock, todo.”

desde los próximos grandes productores de música electrónica, UK hip hop, soul y todo lo que te puedas imaginar. “Mucha gente alrededor de Gran Bretaña se muda a Londres si quiere trabajar en la música, porque puedes encontrar a este tipo y a este otro tipo. Es sorprendente, porque en verdad lo tiene todo, pero llega un punto en que hay demasiadas bandas, lo que que también significa que hay mucho que puedes pasar por alto. Nosotros hemos tenido un poco de ambas experiencias.”

Como buena banda londinense, Bastille se gestó en medio de una escena increíblemente inmensa y cambiante que día a día arroja nuevas promesas, algunas de las cuales logran alcanzar el reconocimiento mundial y muchas otras se quedan en los pubs de la ciudad.

En cuanto a sus conciertos y a su trabajo en el estudio, la banda asegura que la experiencia en vivo siempre debe de ser diferente, ya que las canciones de su repertorio —tomando ‘Pompeii’ como ejemplo— pueden convertirse en algo tedioso, por lo que varían en todas las cuestiones.

Hablando de esta misma escena actual, Bastille comenta los pros y los contras que se tienen al ser parte de la capital musical más grande de todos los tiempos:

“Siempre nos equivocamos en diferentes días, por lo que en realidad nunca tocamos la canción original, nunca hemos tocado la versión exacta de cualquier canción, incluso ‘Pompeii’.

“Lo que es bueno y malo acerca de la escena musical en Londres es que es demasiado vasta, e incluso dentro de ésta hay miles de pequeñas camarillas y demasiadas pequeñas escenas. Nosotros tocamos con muchas de las mismas bandas porque somos amigos y nos hemos presentado en las mismas noches.

“También nos gusta variar todo dependiendo del ambiente y del público. Nos gusta cambiar el setlist, si tocáramos exactamente las mismas canciones todo se pondría un poco loco. Nos gusta añadir y quitar canciones, y la verdad es que en algunos países hay canciones a las que les va mejor que a otras.

“Lo que es fantástico acerca de Londres es que de alguna forma tienes a todo el mundo en una ciudad. Puedes encontrar de todo,

“Nos pasa que las multitudes a veces enloquecen por alguna canción y cuando nos presentamos en otro lado no tiene el mismo efecto, así que hemos aprendido bastante de eso.”


La agrupación conformada por Dan Smith, Kyle Simmons, Will Farquarson, y Chris ‘Woody’ Wood se encuentra en la promoción de su álbum debut, por lo que aún necesita pasar por la dura etapa de crear un nuevo trabajo que iguale o incluso supere a Bad Blood (2013), por lo que el éxito conseguido y cimentado por Bastille se encuentra en esta etapa de fuego que, como a muchas bandas londinenses, los consolidará o los dejará en el olvido.

“NUESTRO SONIDO ES UNA GRAN MEZCLA DE TODO LO QUE NOS GUSTA, YA SABES, SOUNDTRACKS DE PELÍCULAS, HIP HOP, MÚSICA ELECTRÓNICA, INDIE ROCK, TODO.” -DAN SMITH


THE GREEN COLOUR

LAS PERSONAS CON DIFICULTADES PARA DISTINGUIR EL COLOR VERDE SE DENOMINAN DEUTERANÓMALAS. LA DEUTERANOMALÍA PUEDE CONSISTIR EN UNA CAPACIDAD PARCIAL DE PERCEPCIÓN DEL COLOR VERDE O EN UNA INCAPACIDAD TOTAL.

GREEN SIGHT —

Por Michelle Apple WM 72 / PG. 51

NO HAY PIGMENTO VERDE EN LOS OJOS, SE TRATA DE UNA ILUSIÓN ÓPTICA CAUSADA POR LA COMBINACIÓN DE LOS COLORES ÁMBAR O CAFÉ CLARO DEL ESTROMA CORNEAL (LOS CUALES SON PRODUCTO DE UNA BAJA CONCENTRACIÓN DE MELANINA) CON LA LUZ AZUL IMPARTIDA POR LA DISPERSIÓN RAYLEIGH DE LA LUZ REFLEJADA.


THE GREEN COLOUR


ABSINTHE: LA FÉE VERTE —

Por Diovanny Garfias WM 72 / PG. 53

Históricamente se han erigido diversas leyendas entorno a la figura del licor de ajenjo, mejor conocido como absinthe. Los tonos verdes del destilado, su sabor amargo y sus altas concentraciones de alcohol lo convirtieron en el favorito de los franceses para el final del siglo XIX. Lo cierto es que gran parte del encanto generado por el ajenjo, sin lugar a dudas, proviene de los enigmáticos mitos en torno a los efectos provocados en quienes lo disfrutan. Su reputación como un “poderoso alucinógeno” creció junto con la curiosidad general acerca de los ingredientes mágicos de la bebida. La realidad, como de costumbre, es más equilibrada y menos alucinante. Es verdad que su apodo en francés, La fée verte (El hada verde), está fundamentado, ya que al ingerirse en cantidades elevadas, como cualquier otra bebida alcohólica, puede ser dañina para la salud. Con su 70 por ciento de volumen de alcohol (como la mayoría de las marcas lo manejan), el absinthe es una de las bebidas más intensas en el mercado; sin embargo, sus efectos “alucinógenos” y “de iluminación creativa” están directamente relacionados con la tujona, un aceite esencial del ajenjo que posee acción analéptica y convulsiva. De cualquier forma, sus niveles de tujona son ciertamente bajos y altamente controlados en la actualidad. Podemos encontrar sus orígenes más remotos en los días en los que el imperio egipcio se establecía como la cuna de la majestuosidad. En aquel entonces el ajenjo (artemisia absinthium) o “la hierba santa”, catalogada como una planta herbácea medicinal, era usada en forma de infusión con fines medicinales. Y aunque oficialmente no existen archivos que lo documenten con exactitud, los orígenes más románticos de la bebida, tal y como hoy la conocemos, nos llevan al siglo XVIII. Hablo de la leyenda del médico francés Pierre Ordinaire quien, obligado por los estragos de la revolución en su país, se quedó a residir en el pequeño poblado de Couvet, en Suiza. Ordinaire

habría desarrollado una bebida verde con propiedades curativas a base de ajenjo y otras yerbas de los alrededores. Con el tiempo, dicho elíxir sería vendido por la orden de hermanas del convento de aquella localidad, siendo sus propiedades milagrosas las que lo hicieran popular. Años después, el Mayor Dubied, un empresario interesado en la bebida, compraría la receta y así, en 1797, su hijos Marcellin y su yerno, Henry-Louis Pernod, abrirían la primera destilería de ajenjo, Dubied Père et Fils, precisamente en Couvet. Aunque algunos historiadores afirman que la bebida se había producido en lo que ahora conocemos como República Checa, antes parte del Imperio Austro-Húngaro, y que su fama, de hecho, se había disipado hasta Prusia (Alemania), dichos historiadores citan al conflicto entre Francia y Prusia como el puente natural para que el licor de ajenjo se metiera de lleno al corazón de los galos y se expandiera por todo el continente europeo. La época de oro del absinthe se vivió justamente en Francia, en aquel momento de romance entre el país y la bebida esmeralda, coincidiendo con el fenómeno socio-literario bohemio de las calles de París, en el siglo XIX. A la par, la sociedad comenzó a ingerirlo a tal escala que su producción se volvió algo masivo, lo cual, aunado a la famosa escases de vino en el país durante la segunda mitad del siglo, convirtió casi en automático al absinthe en la bebida nacional. Europa no fue la excepción, datos de la época indican que para 1919 el 90 por ciento de la población prefería el destilado de ajenjo sobre otros. En Francia las ventas del vino disminuyeron a tal grado que los productores y el gobierno unieron fuerzas para iniciar una campaña de difamación. Sus efectos se fueron exagerando, dimensionándose ilimitadamente, al grado de que algunos culpaban al trago de generar locura e incluso asesinatos. De pronto, la popularidad de la bebida se convirtió en algo negativo y “El hada verde” se convirtió en “La maldición verde” del país; el siglo XX vio al resto del mundo adoptar la misma medida en poco tiempo, la última capital del absinthe en

caer fue el territorio de República Checa, que en ese entonces era azotado por la Segunda Guerra Mundial. Así, poco menos de 100 años después de la prohibición, en 1990, el absinthe tuvo un resurgimiento basado en los rumores de sus propiedades místicas, aunado a la fama de los bohemios y demás artistas que habían trascendido a la historia por su talento y por su reputación de invocar a las musas de la inspiración a través de El hada verde; Édouard Manet, Oscar Wilde, Vincent van Gogh, Ernest Hemingway y Charles Baudelaire entre ellos. Para la década del 2000 las pocas leyes en contra de la bebida fueron estudiadas y abolidas alrededor del mundo, al mismo tiempo que cientos de destilerías retomaron (mayormente) la receta suiza para fabricarlo. Actualmente el absinthe va ganando terreno sobre viejos favoritos como el whisky, incluso en México son cada vez más los adeptos a las bondades de El Hada Verde.

LE RITE Los bebedores de absinthe de todo el mundo se debaten respecto a la manera “correcta” de beberlo, sin embargo, el mito del ajenjo ha hecho que la predilecta o, al menos, la más popular sea el ritual clásico francés, perpetrado e inmortalizado por Johnny Depp, en From Hell (2001); Gary Oldman, en Bram Stoker’s Dracula (1992), y claro, Trent Reznor en el video de ‘The Pefect Drug’ (1997). 1.-Vierte aproximadamente una onza (30 ml) de absinthe en un vaso Pontarlier. 2.-Coloca una cuchara para absinthe (plana y perforada) sobre la boca del vaso. Después coloca un terrón de azúcar sobre la cuchara. 3.- Vierte lentamente agua helada sobre el terrón de azúcar, propiciando que éste se derrita y se integre a la bebida. Deberás agregar, aproximadamente, tres partes de agua por cada una de absinthe. La mezcla final será lechosa y de un blanco verdoso.


THE GREEN COLOUR

Freshc Musi

RHYE —

ONE OF THOSE SUMMER DAYS Por Raúl Arce WM 72 / PG. 54

La ecuación de Rhye se compone principalmente de dos ingredientes. Por un lado se encuentra Mike Milosh, un artista canadiense que estudió música clásica desde los tres años de edad, dueño de una voz contralto sumamente peculiar y andrógina, con un registro que le ha valido comparaciones con intérpretes como Sade. Su quehacer dentro de la escena musical le llevó en un principio por la electrónica, al punto de ser firmado por el prestigioso sello berlinés ¡K7. La otra parte de Rhye es Robin Hannibal, un productor prodigio de Dinamarca que, además de crear bellas melodías con Milosh, es también la mitad del dúo de R&B, Quadron. Por otro lado, dentro de su trabajo de producción se pueden contar colaboraciones con Kendrick Lamar, Laura Mvula, Jessie Ware y Little Dragon. Por si esto fuera poco, celebridades como Pharrell Williams y Questlove (The Roots) se han declarado abiertamente fans de su trabajo. El génesis de Rhye se remonta a 2010, cuando gente del sello ¡K7 le recomendó a Hannibal el trabajo de Milosh. Fue a través de la misma disquera que se dio el contacto. En

ese momento, Mike vivía en Berlín, por lo que tuvo que volar a Copenhague, la base de operaciones de Hannibal, para trabajar en la creación de un nuevo proyecto. Dejando claro el respeto mutuo por su trabajo, hicieron el compromiso de seguir colaborando. Poco después, el destino los reuniría en Los Angeles, ciudad donde se formalizó el dúo como Rhye. El sonido, caracterizado por un beat down tempo, arreglos de cuerda ambientales y la dulce voz de Milosh, pero sobre todo por las letras cargadas de sensualidad, logró capturar hasta a los oídos más escépticos. Para despejar un poco el misterio alrededor de Rhye, WARP Magazine sostuvo una conversación con Mike Milosh. Las canciones de Woman son peculiares porque hablan de una relación exitosa, pero de una manera que no es cursi. Tampoco hablan de un corazón roto. ¿Las letras vienen de tu propia experiencia? Tengo una regla muy específica cuando se trata de escribir canciones: No escribo nada que no sea real. Si voy a escribir algo es porque está pasando en mi vida, ahora mismo, así que todo

lo que está en el disco fue lo que me pasó en ese periodo de tiempo. No es como que yo diga un día: “¡Oh, voy a escribir una canción de amor!”, todo se trata de las cosas que me impactan de verdad. ¿Te sientes cómodo exponiendo asuntos personales en tus letras? La verdad es que no me molesta, creo que esto se debe en gran parte a que, fuera de los conciertos, yo no veo a la gente escuchando mis canciones, las personas lo hacen en su propio espacio, así que hago canciones que me resulten importantes y auténticas. Cuando estoy en el escenario es diferente, porque ahí sólo trato de conectar con el público, en ese momento, ahí adquiere importancia el hecho de que escriba acerca de cosas que me pasan, porque cuando canto pienso en todo lo que significa la canción y eso me afecta, nunca me atrevería a escribir letras que no provocaran esto, siempre quiero saber el porqué de las canciones. Aunque Woman es un álbum muy limpio en cuestión de producción, no suena perfecto o como si hubiera demasiados elementos de computadora involucrados.


¿Cómo lograron esto? El asunto está en mezclar las emociones en todo. Honestamente, cuando canto todo se apaga, no pienso en nada de lo que esté a mi alrededor, me pierdo por completo en el sentimiento. Trato de no ser perfeccionista. Por ejemplo, si quiero grabar voces no lo hago veinte veces, lo hago una vez, por lo regular no repito pues siento que si lo hago muchas veces se pierde el sentimiento y la energía. ¿Entonces no hay computadoras en el proceso? Creo que no soy una persona dogmática; de hecho, nada de lo que hago en la vida lo es. No creo en los absolutos. Es muy peligroso adoptar un comportamiento dogmático, sobre todo cuando se trata de producción. Así que cuando estás grabando y quieres utilizar un sintetizador análogo, bueno, está increíble. Si es lo que quieres usar, ¡úsalo!, pero si te quedas atorado en eso, entonces estás ignorando muchas otras posibilidades que ofrecen los programas de edición. Al final del día tienes que darte cuenta de qué es lo que funciona para ti y tratar de balancearlo. Lo único que no haría, es decir, lo más análogo en mi mente es cambiar mi voz digitalmente, me refiero al tono; si no puedo cantar entonado, mejor lo hago otra vez.

Al principio no sabíamos quiénes eran, entonces pensé: “Bueno, a lo mejor quieren que nos concentremos en la música…”, ¿esa fue siempre la intención? Sí, bueno, en realidad fueron muchas cosas. Una de ellas es el hecho de que terminé odiando la comercialización de la música. Hacer de los artistas un producto o una marca, siento que es de mal gusto. Supongo que me di cuenta de ello porque me presionaron mucho para firmar con un sello disquero grande, y al saber esto, no quería que hubiera muchas imágenes de mí. Quería que la gente juzgara si les gustaba la música; si les gustaba, qué bien, si no, pues ni hablar. No quería que les importara quién era yo en lo absoluto… Y bueno, un par de años más tarde esto es inevitable, la gente trataba de averiguar mi identidad y, sobre todo, nos veían en el escenario. Están empezando a entender, pero aún ahora hay personas que piensan que soy una chica, o que soy otra persona. Algunas de las canciones en Woman tienen una fuerte carga sexual. ¿Cómo logras crear algo sensual sin sobreexplotar el tema del sexo? Creo que es repugnante tratar de lucrar con el sexo. Hacer el amor es algo que pasa entre la

gente, pero sobre todo, es muy real y natural; dos personas que se aman y se expresan mediante el contacto físico y simplemente yo escribo canciones acerca de eso. No hago canciones de tener sexo porque esté tratando de vender discos. Encima, hay algunas canciones que la gente piensa que son muy sexuales cuando en realidad no lo son, por ejemplo ‘Hunger’, es un tema muy político, sin embargo hay quien se confunde. ‘Open’, por otro lado, es muy sexual, pero al final es real. No hay ningún representante de la disquera diciéndome cómo hacer mis canciones, y eso pasa mucho en la industria de la música.

“NO QUERÍA QUE LES IMPORTARA QUIÉN ERA YO EN LO ABSOLUTO… Y BUENO, UN PAR DE AÑOS MÁS TARDE ESTO ES INEVITABLE. ESTÁN EMPEZANDO A ENTENDER, PERO AÚN AHORA HAY PERSONAS QUE PIENSAN QUE SOY UNA CHICA, O QUE SOY OTRA PERSONA.” - MIKE MILOSH


ANDREA VARANI —

BOHO NATURE Por Chëla Olea

Fotos: Cortesía Andrea Varani WM 72 / PG. 56


THE GREEN COLOUR

Andrea Varani es un hombre callado y relajado. La primera vez que hablé con él me pareció un ser pacífico, y al ver su obra me impresionó la sensibilidad con la que plasma las imágenes del mundo que lo rodea, como si tuviera una interacción especial con sus locaciones, una simbiosis eterna con el espacio. Como artista ha explorado varias representaciones de la óptica y la fotografía, agudizando su pasión como fotógrafo de moda y comercial. Nació en Empoli, Florencia. Se puede decir que su carrera como artista de la lente comienza en 1982, así que con tantos años de experiencia

puedo entender la sensibilidad con la que este artista se expresa a través de sus imágenes. En 1993 se trasladó a Milán y desde entonces no ha dejado de trabajar con las principales agencias de publicidad, además de que su obra ha aparecido en revistas como Vogue, Elle, Mondo, Uomo y Vogue Gioiello. Actualmente es uno de los fotógrafos de moda más destacados alrededor del mundo, siendo no sólo ropa, accesorios y modelos lo que retrata, con una obra volátil y sincera cuya peculiar narrativa es capaz de trasladarnos a cualquier parte del mundo; para él, es sumamente importante el

contexto que envuelve esas historias. Ahora, enamorado de México, es un visitante frecuente, dando a conocer su trabajo en distintas editoriales nacionales y convirtiéndose en embajador de publicaciones internacionales, celebrando la belleza de nuestro país al acentuar cada rincón como una locación mágica de su colección de historias. Dentro de sus planes a corto plazo nos confiesa que escucharemos mucho de su obra, y asegura que tiene un par de ideas para una editorial en WARP Magazine, en los siguientes meses. andreavarani.com


THE GREEN COLOUR


THE GREEN COLOUR


CHERYL SHUMAN: —

THE CANNABIS QUEEN OF BEVERLY HILLS Por Raúl Arce Fotos: Cortesía Cheryl Shuman Inc. WM 72 / PG. 62

Cuando escuchamos la palabra marihuana los primeros pensamientos que vienen a nuestra mente oscilan entre imágenes de stoners, reggae, sucios y mal encarados dealers y, por supuesto, ilegalidad. Desde hace algunos años se ha puesto en la mesa el debate acerca de la legalización de algunas sustancias, siendo la marihuana o cannabis la más mencionada. En algunos países europeos (léase el caso de Holanda) existe una regulación en cuanto al consumo de esta planta, sin embargo, en regiones como América Latina la discusión se torna más candente, pues el fenómeno del narcotráfico es un problema que ha provocado miles de muertes, y resulta muy difícil cambiar esta percepción de una sociedad severamente golpeada por la violencia que esta práctica ilegal acarrea. Afortunadamente hay otra cara de la moneda, representada en Estados Unidos por Cheryl Shuman, una empresaria conocida como “La Martha Steward de la marihuana” que está cambiando totalmente la percepción acerca del uso de esta planta, alejándola de los clichés y la ilegalidad, y vinculándola con un estilo de vida saludable y lujoso. Su labor ha causado tal impacto en algunos sectores de la sociedad norteamericana que se ha convertido en una

de las más importantes portavoces de un movimiento por la legalización de la marihuana cada vez más fuerte. En México, esta delicada discusión sigue cobrando fuerza en la agenda, y qué mejor excusa que nuestro Green Issue para abordar el tema. Por ello, en entrevista exclusiva, Cheryl Shuman habló con nosotros acerca de su visión, su negocio y el estilo de vida alrededor de la marihuana. ¿A qué te dedicas? Soy CEO de Cheryl Shuman Inc., la firma más grande dentro de la industria del cannabis legal. Empezamos con 150 mil dólares como capital inicial y generamos $6.5 millones en ingresos durante nuestros primeros 18 meses. Hemos desarrollado más de 17 mil negocios de cannabis legal. Soy la fundadora del Beverly Hills Cannabis Club, la primera marca de lujo de marihuana en salir en portada de Adweek Magazine. Mi trabajo como directora ejecutiva de Moms for Marijuana nos ha generado más de 600 mil seguidores en Facebook, lo que nos hace la organización más grande e influyente de activismo femenino en torno al cannabis. Políticamente

hablando, somos la fuerza más poderosa en el frente para buscar una reforma de legalización. Como experta residente de medios como CNN, CNBC, ABC, Fox Business, entre otros, he generado más de un billón de dólares, siendo acreditada como la voz más importante en los esfuerzos para buscar la legalización de la marihuana. Manejo una fundación y una red de inversión de más de $100 millones de dólares dentro de la industria del cannabis. Mi trabajo como juez dentro del programa de televisión Power Lunch, en CNBC, muestra algunos de los mejores negocios de este sector, mi rol es decidir quién recibe el financiamiento y quién no. Soy conocida como la “Martha Steward de la Marihuana”. ¿Cómo surgió la idea de comercializar marihuana de manera legal? El cannabis estaba en la necesidad desesperada de un cambio de imagen. La historia tendría que ser contada partiendo de que el cannabis era legal y usado como medicina durante miles de años, hasta 1930, cuando la compañía Hearst inició una campaña de desprestigio en contra de esta planta. Podemos cambiar todo eso. Yo entiendo a los medios y he decidió emprender una campaña de re-posicionamiento para la marihuana.


THE GREEN COLOUR

Cheryl Shuman y su hija Aimee Shuman

“EL CANNABIS ESTABA EN LA NECESIDAD DESESPERADA DE UN CAMBIO DE IMAGEN.… YO ENTIENDO A LOS MEDIOS Y HE DECIDIÓ EMPRENDER UNA CAMPAÑA DE RE-POSICIONAMIENTO PARA LA MARIHUANA.”


Cheryl y su socio, Norton Arbelaez, en conferencia de prensa en pro del California Heritage Market, el primer mercado de agricultures de marihuana de la ciudad, en agosto de 2014.

Quería compartir las historias reales de gente que ha mejorado su calidad de vida a partir de su uso. Decidí crear una línea de productos como vaporizadores, cepas, productos para hacer jugo, comestibles, etc… fue simple, encontré las propiedades curativas de la marihuana. Después investigué que el ingreso legal potencial del cannabis era de 47 billones como industria, y me di cuenta que estamos siendo testigos del nacimiento de una industria que va a revolucionar nuestra economía y la de toda la población del mundo. Esta es la primera vez en nuestra vida que podemos mostrar que el sueño americano aún es posible, empleando esta planta para sanar nuestros cuerpos y nuestra economía. ¿Nos puedes explicar un poco acerca de tu modelo de negocios? Como una compañía de desarrollo de negocios, trabajamos en acuerdos para construir empresas. Somos una firma full service y somos los mejores en el mundo en lo que hacemos. Nuestra base de operaciones está en Beverly Hills pero también tenemos oficinas en Chicago, Denver, San Francisco, Seattle y Nueva York. Además, he lanzado campañas orientadas al consumidor y gente de negocios por más de 25 años. Nuestro núcleo de negocios

se extiende por completo al lifestyle, marcas de consumo, entretenimiento, comunicación corporativa, tecnología y eventos especiales. Además, dentro de esta gama de negocios, hay especialidades como moda y belleza, hospitalidad, contenidos para cine y televisión y alianzas con más de 200 personalidades de la música y el espectáculo. ¿Cuáles son los requisitos para comprar marihuana de manera legal? En California debes ser un residente legal, con una identificación expedida por el gobierno. Por otro lado, es necesario tener una recomendación por parte de un médico para calificar al Programa de licencias para marihuana, del Departamento de Salud. California es un estado no regulado, con una política de control muy liberal en la que puedes obtener la licencia por enfermedades tan graves como SIDA, cáncer o esclerosis múltiple, pero también por padecimientos menores como dolores de cabeza. El artículo publicado por The New York Times acerca de ti cambia completamente la perspectiva acerca del negocio de la marihuana. ¿Crees que ahora esta planta pertenece a un estilo de vida de lujos o consideras que pueda convertirse en una opción para todos?

Creo que el cannabis es una opción legal para todos. Sin embargo, la cultura de las celebridades tiene un gran impacto en la opinión pública. La gente escucha a las personalidades, alguien como Lady Gaga, Justin Timberlake o el Dr. Sanjay Gupta tienen credibilidad en el mainstream, sobre todo en el tema de “normalizar” su uso. Mi objetivo es mostrar que el cannabis es una alternativa más segura que el alcohol, el tabaco o los farmacéuticos, quiero que el uso de la marihuana sea tan normal como tomar una copa de vino en la cena. ¿Ves posible que el cannabis sea aceptado en todas las regiones, incluso en aquellas con un perfil más conservador? Sí, estoy 100 por ciento segura de ello. A través de una estrategia en medios internacionales se puede lograr; entre más gente sepa, es más factible que ellos impulsen un cambio en las legislaciones. Hemos logrado recaudar más de un billón en medios internacionales, por lo que te puedo decir que estamos experimentando una aprobación que ha mostrado niveles récord, incluso en aquellos que sólo quieren la legalización por los beneficios que tendría regularizarla y recaudar impuestos de ello. No importa cuán conservadora pueda ser una persona, casi todos se impactan cuando son


THE GREEN COLOUR

“QUIERO QUE EL USO DE LA MARIHUANA SEA TAN NORMAL COMO TOMAR UNA COPA DE VINO EN LA CENA.”

testigos de lo que el cannabis puede hacer por personas que padecen enfermedades tan duras como el cáncer o el SIDA, y de lo mucho que puede mejorar su calidad de vida. Incluso en el caso de algunos niños que sufren del síndrome de Dravet, el cannabis está salvando vidas. Como seres humanos no podemos negar el hecho de que podemos brindar a nuestros seres queridos una mejor calidad de vida con la marihuana, e incluso curar sus enfermedades. En este momento hay muchas discusiones en torno a la legalización del cannabis en muchos países. ¿Crees que algún día sea legal en todo el mundo? Sí, creo que es posible. Planeo llevar este movimiento a nivel internacional y es mi primer interés en la vida. Quiero hacer historia y dejar un legado como la mujer que lideró al mundo hacia la legalización de la marihuana. ¿Ves tu negocio como un primer paso para la legalización mundial? Sí, justo nos estamos expandiendo a Las Vegas. Con nuestro modelo de negocio tenemos un espacio que le permite a cualquier persona que nos visite experimentar el cannabis legalmente. Esto cambia el juego por completo, y nosotros estamos a la cabeza.

Sé que no nos puedes dar nombres pero, ¿podrías describir a tu cliente promedio? Personas de alto perfil, celebridades, productores, profesionales con ingresos muy altos y mucha influencia en la sociedad. ¿Estás de acuerdo con la legislación actual en Estados Unidos con respecto a la marihuana? A nivel nacional, absolutamente no. Hay gente muriendo o en prisión porque la marihuana es una droga perseguida a nivel

federal. A pesar de tener legislaciones estatales para el uso medicinal y recreativo de la planta, aún hay gente consignada por el conflicto de las leyes federales contra las estatales. Necesitamos cambiar eso y ya lo estamos haciendo. ¿Consideras que tu visión pueda ser la solución al narcotráfico, sobre todo en países como México, que han sido afectados por este grave problema? Absolutamente.


THE GREEN COLOUR

PIPA FUNCIONAL Por Antonio Reyes WM 72 / PG. 67

Este es un instructivo: 1. Abre tu mente.

Reformula cómo sostienes una pipa manteniendo una buena postura. Su diseño permite acercarle un encendedor tal como lo haces con un cigarro.

2. Inhala profundo. 3. Exhala lentamente. Te relajas y, así, tengo tu atención. A partir de ahora “actuarás”, paso por paso, lo que lees, mientras te hablo de un viaje. El viaje de la Pipa Funcional. 4. Pon la mano izquierda frente a tu boca, como si se te fuera a caer la baba. 5. Conserva la mano a esa altura, levanta los hombros y baja la cabeza. 6. Descubre lo mismo que yo, en esa posición, hace cuatro años: Todo el acto de fumar con una pipa está mal. Luces mal. Te quemas. La experiencia es limitada y torpe. La Pipa Funcional es un invento. 7. Con sólo levantar la mano y ponerla frente a tu boca, como sosteniendo una flauta, la Pipa Funcional descansa en cada falange de tus dedos en la forma más natural posible.

8. Relájate. Es funcional, es de cerámica y no se carboniza como la madera o reacciona como el metal. Es hueca y, por ende, acumula en su interior el resultado de la combustión. Diseñamos pensando en función de la historia. Si trataras de ver un video VHS, ¿cuánto tardarías en darle play? Si un arqueólogo encuentra la Pipa Funcional en 500 años, podrá retirarle el sedimento y tener en sus manos el objeto y la experiencia de la misma manera en que tú lo haces hoy. 9. Tranquilízate. Las paredes del receptáculo son rectas, por lo que con un simple cutter o cuchillo con punta eliminas, en instantes, cualquier residuo. Hiérvela y regresa a su estado original. La Pipa Funcional es arte-instrumento, no arteobjeto. Basa su diseño en geometría sagrada. Convierte la experiencia en un ritual. El precio de la Pipa Funcional dicta su función: 420 pesos. 10. Disfruta. Adquiérela en kichink.com


THE GREEN COLOUR

Freshc Musi

CARIBOU —

EATING FRUIT Por Diovanny Garfias WM 72 / PG. 68


“¡ACABO DE AGOTAR LOS BOLETOS EN LA SYDNEY OPERA HOUSE!, NUNCA HUBIERA PODIDO PENSAR QUE ESO FUERA POSIBLE CUANDO LANCÉ START BREAKING MY HEART.”


THE GREEN COLOUR

“LA RAZÓN POR LA QUE ME GUSTA LA MÚSICA ES, SEGURAMENTE, LA RAZÓN POR LA QUE NOS GUSTA A TODOS, NOS HACE SENTIR DE CIERTA MANERA.”

“Esa es difícil, ha habido muchos…” Estoy conversando con Dan Snaith, el hombre detrás de la maquinaria musical conocida como Caribou. Le pregunto si hay algún concierto memorable que aún ronde por su mente de vez en cuando: “El de la Sydney Opera House es, obviamente, unos de los que están hasta arriba porque fue hace poco; el Fuji Rock Festival en las montañas, en 2012; un anfiteatro romano, en Croacia; en el Dimensions Festival 2014, hemos sido muy afortunados… hay demasiados. Uno de ellos fue mi primera vez en la Ciudad de México con Radiohead, en el Foro Sol. Nunca me pongo nervioso antes de un show, ya no. Hemos hecho muchos, pero recuerdo haber llegado al Foro Sol en una camioneta, y al verlo tan grande pensé: ‘¿Vamos a tocar ahí?’. Sé que era público de Radiohead, pero tocar frente a 60 mil personas es algo que te vuela la cabeza.” Este canadiense de 36 años entregó una de las piezas discográficas más celebradas de 2014, pero sobre todo más interesantes: Our Love, un álbum indispensable para aquellos que busquen entender el momento que la música electrónica vive actualmente. Curiosamente, su primer contacto con la música vino de un lugar más orgánico, según recuerda: “Mis padres me contaron que siempre estaba golpeando las cosas como si fueran percusiones, que ellos me daban botes de helado vacíos, a los que yo golpeaba con dos cucharas de madera cuando tenía 3 o 4 años; no estoy seguro, pero creo que recuerdo algo de eso.” Tras una pausa, parece recordar un poco más: “Definitivamente recuerdo que cada sábado (o probablemente domingo) me

la pasaba acostado en la alfombra de nuestra sala, escuchando el conteo del top 40 con Casey Kasem, con mis dedos sobre la grabadora, tratando de capturar mis canciones favoritas para poder escucharlas de nuevo. Debí haber tenido 6 años en ese entonces.” Mucho ha sucedido desde que Snaith creaba mixtapes caseros en su natal Ontario. Hoy, el nombre Caribou se puede encontrar en marquesinas y lineups de festivales en todo el mundo. Lo anterior no es casualidad, la ecléctica carrera del músico lo ha llevado a reinventarse prácticamente en cada oportunidad que se le ha presentado. Para ejemplo Start Breaking My Heart, su debut de 2001 (aún bajo el seudónimo de Manitoba), una pieza de electrónica minimalista con carga emocional de pronóstico reservado, un álbum totalmente alejado de los ritmos sensuales y las ambientaciones étnicas que ostenta su más reciente disco. “Cuando escucho ese álbum… ok, nunca escucho mi primer álbum, así que cuando imagino cómo suena descubro que estaba muy enfocado en poner elementos orgánicos como harpas, baterías, trompetas, guitarras acústicas. Lo que sea que estuviera haciendo de música se puso de moda en ese entonces.” Aunque, personalmente, para Dan las cosas no son tan diferentes a cuando inició su carrera: “No siento que haya cambiado mucho como persona, y la música refleja eso. Sigo amando las mismas cosas de ésta. Por otro lado, ¡acabo de agotar los boletos en la Sydney Opera House!, NUNCA hubiera podido pensar que eso fuera posible cuando

lancé Start Breaking My Heart, así que es claro que algo ha cambiado, y ese sentimiento de conexión con la gente a la que le gusta mi música me impulsó a querer hacer un disco tan abierto como Our Love. Supongo que sólo pierdes un poco de la ingenuidad que tienes al principio y te vuelves más consciente de lo que está pasando con tu música. Habiendo dicho eso… Aún me siento bastante ingenuo, ¡como si todo fuera nuevo ahora!” El músico se encuentra de gira por Australia, básicamente está del otro lado del mundo, y aunque se le escucha contento por sus logros sónicos, es imposible no notar cierto dejo de melancolía al cuestionarlo respecto a estar fuera de casa: “Lo que más extraño es a mi hija, sin duda. Sé que a algunos padres de familia se les hace muy fácil estar lejos de sus hijos cuando son pequeños, y no es tan difícil para mí (o para ella, es muy independiente para tener 3 años), pero después de un tiempo de estar fuera empiezo a extrañarla y quiero estar en mi casa de nuevo. Es por eso que cambiamos nuestros planes de gira con este álbum. No salgo tanto de gira, o por mucho tiempo. Simplemente no es justo para ella.” Es precisamente el lado humano de Dan lo que hace de su trabajo una experiencia orgánica, sutil y fresca, en el que todo fluye en la dirección correcta, bañando los oídos y abrazando el espíritu de quien se enganche a su música. Sin embargo, Our Love parece ser un trabajo sumamente especial. Para Dan hay dos factores fundamentales que arrojaron el resultado que ya todos conocemos:

LA HISTORIA DETRÁS DE… ‘Sliver’ | Track dos de Our Love —

“Ese track comenzó como una especie de loop de J Dilla-lite, que había sacado

ella. Él vino y trabajó conmigo en mi apartamento de Londres. Cuando estaba

en un panel de sampleo; ni siquiera había pensado en hacerlo una canción. La

de tour me enviaba partes para armar la canción, como las secciones de cuer-

toqué para muy poca gente, Kieran, de Four Tet, y Owen Pallet incluidos, y am-

das en la última parte que al momento de ponerlas en su lugar y escucharlas de

bos dijeron que me concentrara en la canción y que la terminara. La razón por

nuevo hicieron que se me erizara el cabello. Fue un gusto para mí, porque estoy

la que es una de mis favoritas (me resulta difícil escoger mis favoritas, o por lo

acostumbrado a trabajar solo.”

menos cambio de parecer todo el tiempo) se debe a que Owen se involucró en

-Dan Snaith


“ESTOY A LA MITAD DE MIS 30S Y TENGO UNA HIJA PEQUEÑA, ESTOY EN UN PERIODO MÁS SENTIMENTAL DE MI VIDA, ME SIENTO MUY AFORTUNADO POR TANTAS COSAS.”

“El primero es la reacción generada por Swim (2010), fue tan abrumadoramente agradable que por primera vez pensé en hacer música para la gente que iba a escucharla. Antes de eso sólo hacía música para mí mismo. El otro factor es que estoy a la mitad de mis 30s y tengo una hija pequeña, estoy en un periodo más sentimental de mi vida, me siento muy afortunado por tantas cosas. También pienso más acerca de lo que quiero que haga mi música y me doy cuenta que ese sentimiento de conexión con la gente que está escuchando es algo muy importante para mí.” Con el reconocimiento del público llegó también el de la crítica especializada, pues a pesar de haber salido durante la recta final de 2014 el disco se coló en algunas de las listas más importantes de lo mejor del año (incluyendo la de WARP Magazine, donde se colocó en el primer lugar). Él mismo comenta al respecto: “Se siente increíble. Supe que había hecho algo con lo que estaba muy feliz en el momento que lo terminé, y no podía esperar a que la gente lo escuchara, pero la verdad es que nunca sabes cómo lo van a recibir. Una vez que empezamos a tocar las canciones en vivo —en especial ‘Can’t Do Without You’— empecé a emocionarme mucho con el hecho de que la gente estuviera escuchando el disco. Creo que el propósito del álbum era conectar con ellos, así que ha sido impresionante. Me hace querer regresar al estudio y hacer más música.”

Todo parece indicar que su deseo por entrar nuevamente al estudio de grabación tendrá que esperar, pues entre sus planes próximos está el recorrer el mundo durante lo que resta del año, con presentaciones frente a grandes audiencias en algunos de los festivales más importantes de Europa y América, sin dejar de lado los shows íntimos; al final, según Dan, todo es cuestión de energía: “Trasladar las canciones a versiones en vivo, bueno, es algo que hemos hecho durante tanto tiempo que ya desciframos muchas maneras de hacerlo… Podemos cambiar algunas cosas mientras volamos y conservarlas en el escenario Brad Weber, Ryan Smith, John Schmersal y yo. Funciona porque hemos tocado cientos de conciertos juntos. Aunque la mayor parte se debe al público —no me puedo imaginar estar parado frente a mil personas y no sentir la energía—, eso es uno de los principales factores para que los shows funcionen.” No muchos lo saben, pero Dan ostenta un doctorado en matemáticas, mismo que le fue otorgado por la Universidad Imperial de Londres. Le pregunto si cree que existe alguna similitud entre la música y las matemáticas avanzadas que le valiera su grado o si éstas, de alguna manera, le han ayudado a concebir de una manera diferente la música. Su respuesta es un rotundo no. Continúa:


THE GREEN COLOUR

“La razón por la que me gusta la música es, seguramente, la razón por la que nos gusta a todos, nos hace sentir de cierta manera. Incluso la música más cerebral o experimental funciona en nosotros en un nivel emocional. Hay gente que está muy conectada a una manera muy formal de trabajar; sin embargo, para mí se trata de usar mi intuición y sentir todo. Lo único que puedo decir es que las matemáticas son más intuitivas de lo que mucha gente imagina. Las matemáticas puras son más una búsqueda filosófica y abstracta que algo científico, y solía sentir la misma emoción de descubrir algo matemático que cuando encuentro algo increíble musicalmente hablando.” Resulta increíble escuchar al mismo Snaith hablar de la música con tanta pasión justo en un momento en el que la electrónica se siente

más natural y orgánica, en un momento en el que Our Love ha marcado las pautas del sonido a seguir. Pero, según el mismo músico, ¿qué viene después para dicha escena?: “Bueno, digamos que todo es música electrónica hoy en día. Sólo la música más conservadora no emplea herramientas de la electrónica en alguna parte de su proceso. Creo que es un momento fértil y fantástico para el género y siento que esa es la música que realmente está capturando la esencia de nuestra época. Gente como FKA twigs, Arca, Actress, Evian Christ… no lo sé, millones de personas que, en mi opinión, están haciendo el sonido que captura una visión del futuro cercano, el espacio hyper digital en el que todos parecemos vivir. Sin embargo, ¡es difícil decir cómo va a sonar la música en diez años, cuando todo se mueve tan rápido como ahora!”


WM / 72

075

WHAT ELSE?

REVIEWS

CHASING YESTERDAY Noel Gallagher’s High Flying Birds Sour Mash

Con la llegada de marzo también vimos arribar uno de los discos más esperados de 2015, el segundo esfuerzo discográfico de Noel Gallagher y sus High Flying Birds. Si con su debut homónimo el músico había logrado distanciarse de su trabajo en Oasis, en esta nueva oportunidad su talento y capacidad creativa es llevada hacia nuevos horizontes, haciendo de Chasing Yesterday desde ya el mejor trabajo en solitario de Noel. De entrada resalta la usencia en la producción de Dave Sardy, el gurú que ayudara al mayor de los Gallagher a hacer la transición al mundo solista en 2011 y que produjera trabajos de Oasis como Dig Out Your Soul (2008) y Don’t Believe The Truth (2005). Con una silla vacía y un disco por grabar Noel buscó la ayuda de David Holmes (Jon Hopkins, Primal Scream), sin embargo, tras mostrarle los

demos al productor este obtuvo por respuesta un: “¿Qué quieres que haga? Esto ya está acabado.” Lo anterior dotó de la confianza suficiente al músico para tomar las riendas del trabajo, detrás y delante de la consola de grabación, supervisando cada detalle implícito en el proceso. Según él mismo la experiencia fue agradable, aunque cargar con toda la “responsabilidad” no tanto. El resultado de este experimento son diez temas (elegidos de entre más de 50) que dejan de manifiesto la genialidad de Gallagher y la madurez que sus 47 años de edad y una prolífica carrera le han dejado. Cortes como ‘Riverman’ y ‘The Girl with X-Ray Eyes’ nos ponen frente al músico que nos entregó aquellas joyas contenidas en Be Here Now (1997), elegantes tracks melancólicos y de poesía moderada. Otros como ‘In The Heat Of The

Moment’, ‘You Know We Can’t Go Back’ y ‘The Mexican’ nos muestran la capacidad de Noel para crear grandes piezas pop, sin perder un ápice de sus raíces sonoras. Una canción como ‘Ballad Of The Mighty I’ (con la colaboración de Johnny Marr en la guitarra), con tintes de rock clásico y dinamismo a la más pura escuela de Manchester, deja en claro por qué el compositor es uno de los más importantes e influyentes de las últimas décadas. Al final Chasing Yesterday resulta una experiencia enriquecedora para quienes gusten del trabajo de toda la vida de Gallagher, funcionando también como el gancho perfecto para una nueva generación de melómanos dispuestos a conocer el arte del músico. -Diovanny Garfias

8.7


WHAT ELSE?

076

WM / 72

IBEYI Ibeyi XL Recordings

Las gemelas franco/cubanas Lisa-Kaindé y Naomi Diaz se dan a conocer con este material homónimo bajo el nombre de Ibeyi (que significa gemelas en la lengua nigeriana yoruba, adoptada por Cuba alrededor de 1700). A través de los 13 temas que componen el álbum, el piano y las percusiones se convierten en los instrumentos protagonistas, acompañados de sutiles secuencias electrónicas y la dulce voz de las hermanas, quienes combinan el inglés con el yoruba de forma muy orgánica. El disco pasa del R&B a momentos suaves de tropicalia y bossa nova, lo cual no resulta raro considerando que son hijas de Anga Díaz, fallecido miembro del grupo Buena Vista Social Club y a quien, justamente, mencionan en varios temas y rinden homenaje. Aunque el disco no alcanza la perfección y muchas veces peca de simplista, considerando que pudieron explotar más el dulce matiz que se crea con la combinación de sus voces, resulta muy grato escuchar lo bien que ejecutan sonidos folclóricos sin dejar de sonar vanguardistas, mezcla que se antoja interesante para escuchar en vivo. Ibeyi es, sin duda, uno de esos pequeños secretos de inicio de 2015 que merecen atención. -Alejandro Altamirano

LET IT REIGN Carl Barat And The Jackals Casete

En los últimos meses, Carl Barat ha compartido dos acontecimientos importantes de su carrera. El primero está relacionado con el regreso de The Libertines, en donde hace las veces de guitarrista y comparte créditos nada más y nada menos que con el ícono del abuso de sustancias Pete Doherty. El segundo es la presentación de su nuevo trabajo discográfico con The Jackals, titulado Let It Reign, un álbum con tracks llenos de energía, riffs poderosos y un Carl más intenso en sus interpretaciones en comparación con su placa anterior. Canciones como ‘Glory Days’, ‘Storm Is Coming’ y ‘The Gears’ nos llevan a explorar y a disfrutar de un rock exquisito y caótico, donde las letras están dedicadas a las grandiosas historias recolectadas en diversas experiencias. El lado más amable y romántico se escucha en el tema que da título al disco y en ‘Beginning To See’. En general, hablamos de un trabajo decoroso, con una producción bien estructurada y que, probablemente, nos de una pizca de idea respecto a lo que podremos escuchar en unos meses, cuando lo nuevo de The Libertines vea la luz. - Eduardo Martínez

7.2

7.8


WHAT ELSE?

078

BELLE AND SEBASTIAN —

18 YEARS ‘ROUND Por Raul Arce Foto: Søren Solkær

WM / 72


“LA PRIMERA VEZ QUE TOCAMOS EN SUDAMÉRICA FUE EN BRASIL, Y VOLÓ NUESTRAS CABEZAS, PORQUE ESTÁBAMOS TOCANDO PARA CUATRO MIL PERSONAS Y TODOS CANTABAN NUESTRAS CANCIONES.”

La historia de Belle and Sebastian con México se remonta a varios años atrás. Allá por 2006 nos enteramos que la banda de Stuart Murdoch visitaría nuestro país como parte del Festival Cervantino; sin embargo, a pocos meses de tan esperada ocasión, dio por concluida su gira de aquel año. Recuerdo bien que Belle tenía pactada una presentación en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas, en Guanajuato, así como un recital privado organizado por el British Council en Pasagüero, en la Ciudad de México, pero con la cancelación el consulado británico se vio en la necesidad de buscar un reemplazo que terminó encontrando en Aberfeldy, proyecto de Edinburgo firmado por Rough Trade que, a pesar de que en su momento representó una promesa escocesa a seguir, no logró llenar los zapatos de los de Glasgow. Tuvimos que esperar cuatro años —y un disco más— para disfrutar de su música en tierras mexicanas, y aunque hubiera sido ideal verlos en el periodo en el que promocionaban Dear Catastrophe Waitress (2003) y The Life Pursuit (2006), sus discos más aclamados hasta el momento, la idea de perdérselos no era opción. Durante su más reciente visita a México platicamos con , Stevie Jackson, guitarra principal y segundo al mando dentro del proyecto, quien recordaba su primera presentación en nuestro país.

“La primera vez que venimos fue en 2010, lo recuerdo bien. Antes cancelamos, pero de verdad que no fue nuestra culpa. Cuando volvimos a casa Stuart regresó con la extraña idea de fundar un restaurante de tacos en Glasgow, ¡te imaginas!”

Creo que la música en sí misma es la base de su éxito, es original, con un estilo definido pero no estático y, sobre todo, cuenta con un personaje creativo incansable como Stuart Murdoch, que siempre está empujando hacia nuevos horizontes musicales —y geográficos—, lo que le ha conducido a la experimentación con el progresivo y la electrónica, y a territorios como Latinoamérica y Asia. Acerca de su primera presentación fuera de Europa y Estados Unidos, Stevie comenta:

que la música puede cruzar esa barrera. El hecho de que gente cuyo primer idioma no sea el inglés conozca las letras lleva las cosas a otro nivel.”

“Creo que ha sido lo mismo siempre. Probablemente la gente ya no compra discos, pero va a disfrutar música en vivo cada vez más. No sé aquí en México, pero en Reino Unido es más grande que nunca, fue un gran cambio de dirección, lo que al final es bueno porque permite que la gente genere algo de dinero.”

“Es impresionante lo jóvenes que eran ¿no crees?, muchos adolescentes, es algo muy conmovedor.”

“La primera vez que tocamos en Sudamérica o en un lugar diferente a Norteamérica fue en Brasil, y voló nuestras cabezas, porque estábamos tocando para cuatro mil personas y todos cantaban nuestras canciones. Después en Centroamérica fue lo mismo, mucho entusiasmo. No podía creer la cantidad de gente en Argentina, Chile, Colombia; esos son todos los lugares en los que hemos estado, pero la reacción siempre ha sido asombrosa, no sé si sea el clima cálido pero a la gente le gusta la fiesta y se emociona mucho, se pone feliz. Lo que más me impresiona es que conozcan el material, es impactante. Hoy estábamos tocando y demasiadas personas cantaban… fue grandioso.”

Y es que resulta difícil explicar cómo a un público repleto de millenials le puede interesar la música de una agrupación que empezó a mediados de los 90 y que toca pop que bien le podría gustar a nuestros padres.

Para Bobby Kildea, bajista, el éxito que tienen en Latinoamérica se debe al poder que de la música de trascender las fronteras territoriales y lingüísticas: “Yo escucho mucha música con la que no comparto el idioma, creo

Después de ofrecer una memorable presentación en el ahora clausurado José Cuervo Salón, poco habíamos escuchado de la banda. Belle and Sebastian Write About Love (2010) fue su último álbum, por lo que pasaron cinco años en los que ni siquiera consideramos una nueva visita. Fue gracias al festival Corona Capital que lo inesperado ocurrió. A unos meses del lanzamiento de un nuevo disco, Girls In Peacetime Want To Dance (2015), Jackson y compañía ofrecieron una presentación ante miles de seguidores y paseantes de este festival que dejó ver un poco del nuevo material que tenían bajo el brazo. Aunque no estaban sorprendidos por el número de asistentes a su concierto, sino por el rango de edad de los mismos.

Aunque reconocen que han visto pasar muchas cosas en los 18 años que llevan de carrera, no ven con malos ojos las mutaciones dentro de la industria, como el hecho de que las bandas no vivan de la venta de discos y que tengan que presentarse en vivo cada vez más:

Girls In Peacetime Want To Dance fue recibido con buenas críticas por parte de medios especializados, pero lo que más llamó la atención fue que logró colocarse dentro del top 40 en países como Australia, Francia, Alemania, Holanda y, por supuesto, Reino Unido. Así que el éxito de Belle and Sebastian, cuyos integrantes rondan en su mayoría los 50 años y siguen presentándose en festivales, sí tiene una explicación: Talento e integridad artística, dos cualidades que los han mantenido vigentes, esperemos escuchar más de ellos en los años por venir.


WHAT ELSE?

080

BAR TOMATE —

BAR TOMATE Un Fragmento de España Por Alonso Valencia Fotos: Sergio Gálvez para WARP

Justo en el corazón de Polanco podemos encontrar el espacio perfecto que combina lo mejor de la comida catalana-mediterránea y la experiencia completa de un bar en el que puedes llegar, simplemente, a tomar una cerveza con los amigos. Pensado exclusivamente para el paladar mexicano, el ambiente de Bar Tomate es inigualable gracias a su calidez, la cual se hace presente desde el momento en el que sales del elegante elevador que te lleva a un área creada por Sandra Tarruella, incorporando un toque de Barcelona por medio de la proyección de espacios luminosos y acogedores.

Los dueños —una conjunción de empresarios con visión y el Grupo Tragaluz, de España, que brindan la experiencia de contar con 16 restaurantes— aseguran que a pesar de que el nombre nos remite al famoso Bar Tomate de Madrid, la idea evoluciona al trasladar todo ese estilo europeo a la Ciudad de México. Desde su apertura, en marzo de 2012, el sitio ha servido como sede de eventos a puertas cerradas, fiestas privadas, desfiles con grandes marcas y lanzamientos de productos, siempre con la ideología de ofrecer una experiencia distinta a todos sus comensales, esto a través del servicio, la música y la cocina.

WM / 72


WM / 72

WHAT ELSE?

DJ HARVEY —

PLEASURE SWELL Por Alonso Valencia

El británico Harvey Bassett, mejor conocido como DJ Harvey, es uno de los pocos representantes de la escena electrónica actual que parte de unos orígenes muy diferentes, basándose en el punk para evolucionar con el paso de los años, mediante diferentes inspiraciones. Harvey se toma unos momentos dentro de su ecléctica vida que combina series como Dr. Who, hasta su gusto por la combinación de las artes, para hablar de su crecimiento tanto personal como profesional, su perspectiva de la música electrónica moderna y sus orígenes. ¿Cómo fue tu primer contacto con la música electrónica, tomando en cuenta que solías ser un hombre de punk? Sí, solía tocar en… bueno, un proyecto que podrías describir como una banda escolar con amigos que tenía a mediados de los 70, lo que llamábamos new wave y que de alguna forma se convirtió en punk rock. Fui parte de esa escena, como un joven en la escuela. Hablando de mi primer acercamiento con la música electrónica, probablemente sería el soundtrack de Forbidden Planet, una película de los 50, creo que de 1954… algo así. Tenía una banda sonora llena de música electrónica, y aunque no entendía lo que estaba escuchando cuando vi la película de niño, los sonidos se me hacían algo muy especial y diferente. Probablemente más que todas esas cosas, a lo que sí le comencé a prestar mucha atención

fue a Kraftwerk, que creaba música considerada como alternativa, que también dio paso al punk rock, pues los jóvenes punks como yo escuchábamos a Kraftwerk como algo alternativo al rock progresivo y a la música disco de la era. Ahora las cosas son más sencillas, puedes crear un disco completo con sólo una laptop, un buen programa y algunos beats... ¡Es grandioso! Creo que todas estas cosas, computadoras, amplificadores, guitarras, lo que sea, incluso el proceso digital más avanzado, te deberían ayudar a hacer música. En estos días si tienes una idea no hay limitantes, deberías poder manifestar esa idea, así que regularmente suele exponer a la gente que no es muy talentosa porque su potencial es ilimitado. Si puedes imaginarlo entonces podrás crearlo; yo diría que la tecnología en verdad ayuda a la gente con talento, pero expone a las que en realidad no lo tienen. Me parece que la música electrónica en aquellos tiempos solía estar basada en la expectativa y el hype, la gente iba a reuniones secretas y hoy en día tenemos festivales de EDM. ¿Sientes lo mismo con respecto a este cambio de audiencia y esta evolución? No, yo veo que no hay ningún cambio. De manera muy básica sigue siendo exactamente lo mismo. La gente olvida que Donna Summer hacía música electrónica dance, era la número uno en todas las listas comerciales, era tan popular como se podía en ese

tiempo, la odiaban los músicos de jazz y de rock e incluso los intelectuales, porque era simplista y sexual. Cosas como Saturday Night Fever, que es un disco de dance se convirtió en el más vendido de la historia, hasta la llegada de Thriller, todo tiende a dirigirse a los cambios de la industria. Pero la industria sí funciona de diferente manera... Claro, antes solías dar conciertos para promover las ventas de tu álbum, pero ahora muy poca gente en realidad compra música, así que regalas tu música para promover tus presentaciones. Quizá el cambio en la industria es el que ahora tienes todos estos festivales, y conciertos, y cosas así, pero siempre ha habido un aspecto comercial que va de la mano con la música electrónica. Sí, siempre ha habido un aspecto underground y, en el mejor de los casos, cuando éstos se cruzan, obtienes algo como Donna Summer, o Crystal Waters, o Daft Punk, algo en lo que tienes el underground y el overground viviendo juntos, lo que resulta en algo como Skrillex y todos estos actos populares de música dance. No tengo ningún problema con esto y en realidad no tiene nada que ver con lo que yo hago. Es lo mismo que si me preguntan sobre un remix de Diplo a Taylor Swift, no tengo ni la menor idea, sólo sé que existe y es muy popular, pero personalmente no sé nada al respecto.


WARP MAGAZINE TAMBIÉN DISPONIBLE EN

IOS

CON CONTENIDO

EXCLUSIVO


ENGLISH FEATURES —

CARIBOU PG. 84 CHERYL SHUMAN PG. 86


084

CARIBOU EATING FRUIT

By Diovanny Garfias

Over the past ten years, Dan Snaith has devoted his life to two things: mathematics and music, being the last, the one that has been taken over most of his time lately. Also known as Manitoba, Daphni or Caribou, Snaith is recognized for exploring different paths within IDM. The result: a cerebral sound, but warm at the same time, human and able to evoke very intense emotions, and also, to take us to imaginary ambient, spiced by sonic atmspheres. Last year, under the name of Caribou, Snaith released Our Love, the best album of the year,according to WARP’s staff. An excuse is never required to talk to a musician like Caribou, however, the fact that his record was our favorite, was a great reason to have a chat with him. What is your first music memory? It’s hard for me to figure out what I remember from when I was a little kid and what I think I remember because my parents have told me about it. I definitely remember every Saturday … or Sunday maybe?... morning lying in the carpet in our living room in front of the radio listening to Casey Kasem’s Top 40 Countdown with my fingers hovering over the record button trying to catch my favourite songs so I could listen back to them. I must have been 6 or something then. My parents tell me that I was always banging on things – that they would give me empty ice cream tubs after they were finished and I’d have two wooden spoons and be banging on them all the time when I was 3 or 4 but I’m not sure I can actually remember that myself. At what moment did you realize Caribou could possibly become into a real thing? It’s been a really gradual thing – I started out under the name Manitoba and when my first 12” and then my first album came out it seemed completely unreal. I was living in Canada and for the most part it was all happening over in the UK and Europe and I’d get

envelopes in the mail with clippings of my album being reviewed in the NME, etc. It was all very unreal. Gradually though as I started travelling and releasing more music it became more and more real. I remember walking out of my PhD exam in 2005 and thinking ‘that’s it. I’m a musician now.’ Up until then I’d been splitting my time between being a student and being a musician but I guess at that point I had to come to terms with the fact that music was my only focus. At this point, as an artist, how far do you feel from the musician that wrote and recorded Start Breaking My Heart? Well, I feel close in some ways and farther in others. I don’t feel like I’ve changed that much as a person and the music reflects that. I still love the same things about music. On the other hand we just sold out the Sydney Opera House!! I would have NEVER thought that could have happened when I released that album so it’s clear that something has changed and that feeling of connection with people who like my music was a big part of me wanting to making a outward looking album in Our Love. I guess you just lose the naivety you have early on and become more aware of what’s going on with your music. Saying that though… I still feel pretty naïve and like everythings new all the time now! Our Love seems like your more personal album to the date, what specific element would you say made it that special? For me it came from a couple things – the reaction to Swim was so overwhelmingly nice that it made me think about making music for the people who were going to listen to it for the first time ever. Before that I’d just made music for myself. The other thing is that I’m in my mid thirties now and have a little daughter – I’m just in a more sentimental period of my life. I feel so fortunate for so many things and

also think more about what I want my music to do and I realized that that feeling of connection with the people who are listening to it is something really important to me. How do you manage to carry the energy of your albums to the stage? I guess that’s two questions really: in terms of translating the songs to live versions – we’ve been doing that for so long now and have figured out lots of ways of doing things…. Of translating electronic/sequenced type of tracks to a more live band thing so we can change things on the fly and keep it exciting. For me the crucial thing is that it’s always the same four of us onstage – Brad Weber, Ryan Smith, John Schmersal and myself. The reason it works is because we’ve played hundreds of gigs together. The other part of it is because of the audience – I can’t imagine standing in front of a couple thousand people and not feeling that energy – that’s a big part of what’s driving the shows forward. What is your most memorable performance to the date and when did it happen? That’s tough – there have been so many… The Sydney Opera house is obviously at the top of my mind at the moment because it was two days ago, Fuji Rock festival in the mountains in Japan in 2012, a Roman amphitheatre in Croatia at Dimensions festivals 2014, we’ve been so lucky… there are so many… one of them for sure though was the first Mexico City show with Radiohead at Foro Sol. I never get nervous before shows any more – we’ve just done so many – but I remember pulling up to Foro Sol in a van and seeing it towering over us and thinking ‘We’re going to be playing there??’ I know it was Radiohead’s crowd obviously but playing in front of 60000 people was a mind-boggling experience.


“I DON’T FEEL LIKE I’VE CHANGED THAT MUCH AS A PERSON AND THE MUSIC REFLECTS THAT. I STILL LOVE THE SAME THINGS ABOUT MUSIC”. I‘ve read that you have a Doctorate Degree in Mathematics, so do you find any similarities between music and mathematics?, would you say that mathematics have helped you in the process of making music or to understand music in another way? No – the reason I love music, surely the reason we all do, is because it makes us feel a certain way. Even the most cerebral or experimental music works on us on an emotional level. Some people are very connected to a more formal way of working but for me it’s about using my intuition and feeling everything out. The only thing I can say is that mathematics is much more intuitive than people imagine – pure mathematics is much more of an abstract philosophical type pursuit than a scientific one for me and I used to get that same thrill of discovery on the rare occasions when I’d figure something mathematical out as I do now when

I hit upon something I find exciting musically. Start Breaking My Heart came out in a time when IDM seems like something pretty cool, special, complex and part of a movement with Boards of Canada or Aphex Twin. Now, electronic music seems something more natural and organic, and I think that Our Love is a good example of that, so what is your perspective on the future of electronic music? I mean, what kind of music do you see yourself doing in ten years? You’re right but even when I listen back to that album (ok – I never listen back to my first album but … when I imagine what it sounds like!) I was already focused on putting organic elements – harps, live drum kits, trumpets, acoustic guitars … whatever into the music that I was making and that became kind of en vogue at the time. Electronic music… well it’s worth saying that EVERYTHING is electronic music now. Only the most backward looking

conservative music doesn’t use the tools of electronic music as some part of the process of making records. I think it’s a really fantastic fertile time for electronic music and I feel that it’s the music that’s really capturing the essence of our age – people like FKA Twigs, Arca, Actress, Evian Christ… I dunno zillions of people – to me are the sound that really captures a vision of the near future. The hyper-digital space that we all kind of live on the border of. However, 10 years is a long time – it’s hard to say what music will sound like then when it’s moving as fast as it is these days! Thanks for your time, hope to see you soon in MX. Thank you!!! I hope so!


086

CHERYL SHUMAN THE CANNABIS QUEEN OF BEVERLY HILLS By Raul Arce

When we listen to the word marijuana, the first thoughts in our minds wander on images of stoners, reggae, filthy and bad tempered dealers and, of course, illegality. Since few years ago, the legalization of some substances has been in the debate, being the marijuana the most mentioned one in the discussion. In some European countries (like Netherlands) there is a regulation on the consumption of this plant, nonetheless , in regions like Latin America, the discussion turns hotter, thus the illegal drug trafficking issue has claimed the life of thousands, so it’s really hard to change the perception of a severely hit society by the violence implied in this illegal activity. Fortunately there is another side of the coin, represented in The States by Cheryl Shuman, an entrepreneur known as “The Martha Steward of Marijuana”, who is totally changing the perception of the use of this plant, taking it far from clichés and illegality, and linking it up with a healthy and luxurious lifestyle. Her work has impacted really hard on some sectors of American society, to the point of becoming one of the most important personalities of an ever growing movement for the legalization of marijuana in the United States and also in the world. What do you do for a living? I’m the CEO of Cheryl Shuman Inc. the top business development firm in the Legal Cannabis Industry. We started with $150,000 in seed capital and generated $6.5 million in revenue in our first 18 months. We have developed over 17000 legal cannabis businesses. I am the Founder of the Beverly Hills Cannabis Club the first luxury brand of marijuana as featured on the Cover of Adweek Magazine “Pot’s First Marketer”. My work as the Executive Director of Moms for Marijuana brings us over 600,000 followers making us the largest and most influential women’s activism organization in the world for Cannabis. Politcally, we are the “mommy

lobby” the most powerful force in politics at the forefront of marijuana law reform policy and legalization efforts. As the resident marijuana media expert for outlets such as CNN, CNBC, ABC, Fox Business News and others, I have generated over $1billion worth of earned media to date, credited with being the most powerful single influencer in marijuana legalization efforts. Elle Magazine profiled my work in the “Rise to Power of the Marijuana Mom” The Most Powerful Women in the Pot Industry and the New York Times Sunday Magazine named my work as The Cannabis Queen of Beverly Hills by The New York Times Sunday Magazine. I manage a $100 million + Hedge Fund and Angel Investor network that invests in the Cannabis Industry. My work as the judge on CNBC’s Power Lunch showcases some of the top businesses in the sector, I am the judge that decides their funding future and fate with a thumbs up or thumbs down. Known as the “Martha Stewart of Marijuana”, I’ve signed multiple personal endorsement contracts in association with the Beverly Hills Cannabis Club. How did you get the idea of commercializing marijuana legally? Cannabis was in desperate need of a “makeover”. The story needed to be told about how cannabis was actually legal and used as a medicine for thousands of years until the 1930’s when the Hearst Corporation started a negative media campaign against it. We can change all of that. I understand media and decided to launch a rebranding campaign for marijuana. I wanted to share the real life stories of all the people it helps providing them with a better quality of life. I decided to build out a product line of vaporizers, strains, juicing products, edibles etc. It was simple. I recognized the healing properties of cannabis as a medicine. Then I looked at the legal revenue potential with $47 billion in the industry as revenue

and realized that we are witnessing the birth of an industry that will revolutionize our economy and worldwide population. This is the first time in our lives that we can show that the American Dream is still possible witnessing this plant with multiple uses to heal our bodies and our economy. Explain your business model and why does it work? As a business development firm we work on retainers to build companies. We are a fully service firm and the best in the world at what we do. Headquartered in Beverly Hills with offices in Chicago, Denver, San Francisco, Seattle and New York, Cheryl Shuman has waged innovative campaigns aimed at consumer and business audiences for more than 25 years. Our core competencies extend to lifestyle, retail and consumer brands, entertainment, corporate communications, technology and special events. Within these categories are specialties such as fashion and beauty, hospitality, product launches, film and television content, and the alliances of more than 200 talent and music personalities. We are a brand hothouse nurturing individualized client growth. Since 1996, as the founder of the Beverly Hills Cannabis Club has served as the definitive authority on connoisseurship for discerning cannabis consumers. The Beverly Hills Cannabis Club not only showcases the products and services available from the most prestigious luxury brands, but it also provides its sophisticated members with detailed insight into a range of subjects, which include 420 travel, politics, women and children issues, fashion, state of the art vaporizers, and much more. For cannabis connoisseurs seeking the very best that life has to offer, the Beverly Hills Cannabis Club remains the essential luxury resource. We were first in history to launch a marijuana crowdfunding platform called CannaDabbaDoo. com Canna Dabba Doo is a crowdsourcing platform helping people in the Cannabis industry connect, grow businesses and basically make things happen in the world of Cannabis around the world.


We are a place of creativity and progress, helping individuals reach their goals by getting their projects funded in a non-judgmental, clean-green arena. At any given time thousands of projects are simultaneously being funded by like-minded supporters of projects eager to see an end to the Prohibition of the plant, an end to the failed War on Drugs, and progress in the ever growing industry of cannabis as medicine and for recreation. Do you think that is possible to change the perception of marijuana in all regions of The United States? Even in those places that are more conservative? Yes I do 100% . Through the power of an international media strategy and campaign. The more people know the more they are empowered to change policy. Because of the $1billion+ worth of earned media on nearly every single media outlet in the world we are currently experiencing record approval ratings on those who want to see marijuana legalized for all of the tax benefits from a regulation and taxation model. No matter how conservative someone is, almost

everyone has been impacted by someone who has had a serious illness like aids, cancer, etc. and they witness with their own eyes that cannabis can provide their loved ones with a better quality of life. Even in the cases of children with the rare and sometimes deadly Dravet Syndrome from ages 2 - adult. Cannabis high in CBD is saving their lives. As human beings, we cannot deny the fact that we can provide our loved ones with a better quality of life with marijuana and sometimes cure their illnesses. As we speak, there are a lot of arguments in several countries about the legalization of marijuana. Do you think that maybe, someday, it will be legal worldwide? Yes I do. I plan on leading this movement internationally and it is my primary focus in life. I want to go down in history and leave my life legacy as the woman who led the world wide legalization efforts for Marijuana. Do you think your business model can be a first step into a real legalization of marijuana worldwide?

Yes, expanding to Las Vegas with our business model provides us a location with full reciprocity allowing anyone in the world to visit the Beverly Hills Cannabis Club in Las Vegas to experience cannabis legally. It’s a game changer and we are leading the way. I know that you can’t give me names, but would you describe your average client? High profile, discreet, celebrity, producer, polished professional with a high net worth with a strong influence on society.

“I WANT TO GO DOWN IN HISTORY AND LEAVE MY LIFE LEGACY AS THE WOMAN WHO LED THE WORLD WIDE LEGALIZATION EFFORTS FOR MARIJUANA”.


THE GREEN COLOUR

ARTIFICIAL GREEN THE SILK LEAF

Known as the Breathing leaf, this man-made leaf created by Julian Melchiorri, a British/Italian innovator that works as a designer engineer based in London; absorbs CO2 and produces oxygen and organic compounds. The low-energy consuming leaf is made of chloroplasts, basic part of the photosynthetic process that works with both water and light to enable the complete reaction. This creation can revolutionize space exploration as being a low-impact addition to space flights, by creating the necessary oxygen for planet colonizing.


WARP Magazine #72  

WARP Magazine no. 72: The Green Colour

WARP Magazine #72  

WARP Magazine no. 72: The Green Colour

Advertisement