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WM No.38

MÉX USA EUR CHI ARG

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WARP.la l @WARPmagazine

UNA FOTOGRAFÍA A LA INDUSTRIA MUSICAL MEXICANA Featuring:

ZOÉ & Co.

+ Ensayos, Entrevistas, Debates y Exclusivas con los Protagonistas de la misma

Documento #WARPConvoca


otra foto de portada

Zoé No pudimos pensar en un mejor ejemplo que esta portada con Zoé y su ensamble Unplugged, para nuestra Fotografía a la Industria Musical Mexicana. La banda más importante de México al día de hoy, ha vivido diferentes lados de la industria. La trasnacional Sony Music le dio su carta de retiro años atrás y han construido su camino hacia el mainstream desde el mundo indie, con muchos tropiezos pero sobretodo con mucha dedicación y confianza.

004


Warp Magazine 38 Contenido

EDITORIAL Director General

Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco Editor en Jefe

Diovanny Garfias

twitter.com/Androgyn

Destacado 051

Una Fotografía A La Industria Musical Mexicana / Zoé & Co. y los protagonistas

de nuestra industria musical

Editora GUARP

Marla Guedimin

twitter.com/Marlaguedimin Editor en Jefe warp.la

Paco Sierra

twitter.com/PacoSierra Correctora de estilo

Secciones

twitter.com/melcochabarata Editora de Arte

008

Editorial / León Larregui de Zoé

010

Silencio por Favor / Jane’s Addiction

twitter.com/Chelaolea

018

Music Is My Radar / El Orden

020

Profile By Noisey / Puro Instinct

022

Hot Hot Hit / Florrie

027

From Spain / Radiografía Del Colapso

031

Blogaggedeon Times / La Casa Estaba Llena De Secretos

Columnistas Paul Stokes (Editor Asociado Q Magazine) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Adolfo Vergara twitter.com/ToBeFreak, Marc (Dorian) twitter.com/MarcDorian.

033

Rock Fiction / The Doors

039

Calendario / Julio - Agosto 2011

120

Encore / Radiohead

Reviews 012

The Main Review / Death Cab For Cutie

014

Reviews / Digitalism, Patrick Wolf, City And Colour y más

Chëla Olea

Colaboradores Invitados León Larregui (Zoé) Colaboradores Abraham Huitrón, Alejandra Ayala, Andrea Paz, Alfonso Flores-Durón, Danaé Salazar, Daniel Estrada, Elsa Núñez, Fabiola Zamora, Leonel Hernández, Sonia L. Ignorosa, Marcela Muñóz, Michelle Apple, Miguel Nava, Sofía Ochoa, Samuel Segura. Mail: magazine@warp.com.mx

ARTE Y DISEÑO

025

Insert / The Drums

029

Playlist / Damian Kulash (OK Go)

Dirección de Arte Oscar Sámano Producción Edgardo Domínguez Editor de Fotografía Sergio Gálvez Fotografía Rubén Marquez, Samantha López, James Alberich

030

Insert / Andrés Calamaro

COMERCIALIZACIÓN Y PUBLICIDAD

032

Insert / Babasónicos

034

Insert / Rammstein

035

Insert / Holy Fuck

036

Insert / TV On The Radio

Shuffle

Gigs 041

Gigs / Zoé, TV On The Radio, Tricky, Cut Copy, Friendly Fires

Warp TV

106

Technologic By Techgames / Jugando Con La Realidad

108

Lust in the Movies By Enfilme / Duncan Jones

110

Fashion Nugget By 192 / White Lies

112

Art Brute / Caleb Charland

Guarp 116

The Drums

117

Babasónicos

118

Rammstein

119

TV On The Radio

*Ya puedes ver GRATIS la revista completa en línea a través de: www.warp.la/digitalmagazine 006

Berenice Andrade

Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Coordinación Comercial Andrea Arbide andrea@sentido.com.mx Publicidad Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Gabriela Toriz gaby@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243

Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE.

© WARP Marca Registrada ®. Año III No.38 Fecha de Publicación 10-07-2011. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008110514464400-102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.


editorial

RENACER Por: León Larregui de Zoé

S

iempre hemos sido castigados con la idea de que la gente que hace rock se muere de hambre. Aquí, como en cualquier punto del planeta, creo que es una tarea difícil, pero no imposible. Lo cierto es que todos tenemos que trabajar para mantener vivo todo esto, generar propuestas de calidad que reaviven nuestra industria porque ese tipo de cosas son las que hacen que algo funcione. Cuando yo era chico, después de escuchar en la casa de un amigo que tuviera antena parabólica, a través de MTV, una canción de una banda extranjera que me gustara, corría a la tienda de discos a buscarlo, obviamente no lo tenían, tardaba dos meses en traerte el cassette. 008

Partiéndo de ahí, creo que está de maravilla que en México se abra todo un abanico de posibilidades en el que no hay fronteras para conocer propuestas musicales de cualquier parte del mundo, que aunque relativamente nuevas, son buenos proyectos que vale la pena escuchar. Todo esto se traduce en riqueza cultural que se refleja cada día con más claridad en nuestro país y en nuestra música. Se trata de aprovechar los lugares populares de difusión como la televisión y ahora la internet, considerando que ganar espacios y mantenerlos es una gran responsabilidad. Lo importante es no dejar morir todo esto.


silencio por favor

Jane’s Addiction Por: Alejandra Ayala Foto: Cortesía JA

T

ras la salida de su tercer álbum de estudio Strays (2003), la banda estadounidense se ha transformado tanto en sonido como en alineación. Jane’s Addiction, ahora integrados por Perry Farrell, Dave Navarro, Stephen Perkins, y Dave Sitek de TV On The Radio (reemplazando a Eric Avery en el bajo), anuncian la llegada de su cuarta placa, The Great Escape Artist, para las primeras semanas del otoño. Un álbum que promete un cambio radical en su estilo según palabras del propio Farrell. Veremos qué frutos dio la unión del multi instrumentista Sitek con el talento de los precursores del sonido alternativo.

“We’re producing a really amazing piece of art, an amazing piece of music. It will make people say, ‘this is strangely beautiful.’” - Perry Farrell 010


SHUFFLE

playlist


the main review REVIEWS

Codes And Keys Death Cab For Cutie / Warner Music / 2011

7.9

Calificación

A

l fin llegó a los estantes el nuevo álbum de los originarios de Bellingham, Washington, y al ser el séptimo en su carrera debería ser el que los consolidara como una de las bandas referentes del alternative rock de nuestra época; vaya, algo así como su “siete de la suerte”. Pero parece que en esta ocasión se quedaron cortos. Es cierto, los liderados por Ben Gibbard cuentan en su historial con álbumes como Transatlanticism (2003) y el mismo Plans (2005) (el primero, uno de los más destacados de la pasada década), y es precisamente esa historia musical la que les da derecho a probar y experimentar con sus creaciones, en lugar de entregarnos una copia al carbón de cualquiera de sus trabajos anteriores. Y si hablamos de experimentación, entonces nos referimos a algo bien logrado en Codes And Keys. Sin duda, la producción de Chris Walla es detallada y atmosférica, más que en ningún otro trabajo de Death Cab, si sumamos la intervención de Alan Moulder (A Perfect Circle, Smashing Pumpkins, The Killers, etc.) en

012

la mezcla final, entenderemos por qué estamos frente a un material lleno de porciones sonoras imperceptibles, pero que en conjunto llenan y hacen de cada track algo único. El problema con los 11 tracks que componen el disco es que a nivel sónico y lírico caminan por un lado más melancólico y nostálgico de lo que estamos acostumbrados a recibir por parte del cuarteto, tanto así, que algunas secciones del álbum pueden tornarse un tanto aburridas o tediosas, algo que queda de manifiesto precisamente en la parte final de la pieza con los cortes ‘St. Peter’s Cathedral’ y ‘Stay Young, Go Dancing’ despidiendo Codes And Keys. Este nuevo esfuerzo de Death Cab For Cutie parece más una victoria a nivel personal y musical para cada uno de sus integrantes, una especie de lección bien aprendida (en el estudio de grabación) que seguramente los llevará a hacer trabajos más elaborados y meticulosos, pero también más emocionantes en el futuro cercano. Por lo pronto nos quedamos con las ganas. -Diovanny Garfias


REVIEWS

7.9

Calificación

I Love You Dude Digitalism / V2 Records / 2011

Siempre es difícil superar a un buen álbum debut, algo que la dupla alemana Digitalism tenía muy claro cuando entró al estudio de grabación a completar I Love You Dude, su nuevo material. Si en su trabajo de 2007, Idealism encontramos experimentación en grandes cantidades y una dosis considerable de dirty electro, ahora estamos frente a un panorama diferente, pero con el mismo gancho que les ha ganado adeptos en diversos puntos del globo. Las percusiones y beats in your face se convirtieron en secuencias mejor estructuradas, mientras que las melodías, por momentos rabiosas, mutaron en algo mucho más ordenado, casi luminoso, con más similitudes al house que al dance punk con el que se presentaron al mundo. Es un hecho, estamos frente a una evolución en el sonido de Digitalism, habrá que seguirlos de cerca para ver hacía que dirección los lleva su siguiente giro. -Michelle Apple

6.4

Calificación

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8.2

8.2

Calificación

Calificación

All Things Bright And Beautiful

Loud Planes Fly Low

Little Hell

Owl City / Universal Republic / 2011

The Rosebuds / Merge Records / 2011

City And Colour /Arts & Crafts México / 2011

El nuevo álbum de Owl City muestra una serie de singles que sin duda son medianamente buenos, con un toque ácido y feliz, pero que quizás a no todos les puedan encantar. Los 12 temas que conforman el álbum, bajo la producción de Jack Joshep Puig, no proponen nada nuevo, no hay un hilo conductor y si no eres fan de la banda, cuesta trabajo engancharse con el disco. Los tracks, sin llegar a ser planos del todo, suenan exactamente igual entre sí, tal vez en ‘Alligator Sky’ haya un ligero cambio por parte del rapero Shawn Chrystopher, dando un plus a la melodía, animando las cosas considerablemente. All Things Bright And Beautiful simplemente es un álbum inconcluso, que no lleva a ningún lado, que puede ser escuchado por los fans, pero aquellos con un oído más exigente lo verán como un disco de synthpop poco interesante. -Sonia L. Ignorosa

A veces, escuchar canciones que te recuerdan a un amor del pasado puede resultar doloroso, pero ¿qué pasa cuando todas esas canciones las escribiste con ese amor?. El divorcio de este dúo estadounidense, The Rosebunds, ha traído como consecuencia un quinto material discográfico de estudio titulado: Loud Planes Fly Low, el cual cuenta con diez piezas muy bien logradas y alineadas. Las voces de Ivan Howard y Kelly Crisp, los arreglos de melodías como ‘Second Bird Of Paradise’ y ‘Go Ahead’, nos hacen transportarnos a un lugar totalmente cálido, lleno de tranquilidad por lo armonioso y dulce del sonido. La emotividad de las letras de ‘Come Visit Me’ y ‘Woods’ termina por darle el sello final a la música de este par de intérpretes que hacen desde indie rock, folk y dance, hasta llegar en ocasiones al funky/disco. -Marcela Muñoz

Dallas Green hace con esta placa un ejercicio de maduración y crecimiento musical. Las canciones que componen Little Hell hacen que sea intenso y al mismo tiempo delicado en cada uno de los acordes. El mejor momento es cuando llega ‘Northern Wind’ con una especial atmósfera romántica que sólo Green podría lograr. ‘Fragile Bird’, el primer sencillo, toma protagonismo pero no roba tiempo para seguir escuchando track por track hasta completar los 11 que componen el álbum. La línea que sigue Little Hell llena de calidez y sensibilidad en cada nota, es el resultado final para el proyecto City And Colour tras explorar otra faceta de su sonido, distinta de lo que escuchamos en Sometimes (2005) y Bring Me Your Love (2008). Podemos decir que esta vez los sonidos del blues mezclado con rock acústico están perfectamente logrados. -Andrea Paz

014


REVIEWS

7.1

7.8

Calificación

7.5

Calificación

Calificación

Space Hymns

Cults

Within And Without

Aeiou / EMI Music México / 2011

Cults / In The Name Of / Columbia Records / 2011

Washed Out / Sub Pop / 2011

Con influencias y fusiones de México y Estados Unidos se crea Aeiou, un proyecto que nace de la unión de Juan Son (ex vocalista de Porter) y Simone Pace (baterista de Blonde Redhead). Rock experimental, definido por el mismo Juan como “de suspenso” es lo que nos ofrece su primera placa de estudio Space Hymns, de la cual se desprende ‘Vivimos En LA’ , un track que comienza demasiado amigable con la ya reconocida voz melodiosa de Juan Son. Si existe algo que logre una diferencia entre Aeiou y los proyectos anteriores del Musgo, son las colaboraciones con Brian Thorn, Ed Macanthee y Kelley Deal, lo que da por resultado un disco experimental pero natural, con combinación variada de ritmos. Con sonidos que nos recuerdan a Mermaid Sashimi y a los neoyorquinos Blonde Redhead, Aeiou en su primer trabajo ha logrado un álbum orgánico, natural y digerible. -Alejandra Ayala

Cults es una de esas bandas que adquieren fama incluso antes de lanzar su álbum debut. Gracias a eso lograron llamar la atención de propios y extraños en la escena de Brooklyn, manteniendo cierto misterio alrededor de su música. Con la ayuda del productor Shane Stoneback, quien ha trabajado con Vampire Weekend y Sleigh Bells, la dupla conformada por Madeline Follin y Brian Oblivion comparte, no sólo una relación amorosa, sino también un disco que llega como una bocanada de aire fresco con un aura de melosa inocencia twee pop digna de los cincuenta y sesenta con canciones como ‘You Know What I Mean’, ‘Go Outside’ y ‘Oh My God’. A pesar de que casi todos los temas suenan muy parecidos, es un disco disfrutable, ideal para pasar un buen rato en una tranquila y soleada tarde de verano. -Paola Del Castillo

Ernest Greene es el autor detrás de Washed Out, considerado uno de los grandes exponentes de la escena del chillwave y quien también logró ganarse un número considerable de seguidores gracias a Internet, lanza ahora su álbum debut Whitin And Without. Una placa que sigue la línea de sus dos Ep´s anteriores en donde podemos escuchar la nostalgia de los ochenta en cada uno de los tracks que la componen, combinada con sintetizadores, loops y la delgada voz de Greene. Pareciera un álbum típico de chillwave pero Washed Out le ha puesto un plus a las mezclas como el caso del tema principal ‘Eyes Be Closed’, seguido de ‘Echoes’ que tiene un ritmo más marcado y el sublime ‘Soft’; no podemos dejar de mencionar ‘Before’ con ritmos de hip hop creando una mezcla diferente en el género. La producción corrió a cargo de Ben Allen y el resultado es un álbum con diferentes experimentos melódicos. -AA

Lupercalia Patrick Wolf / Mercury Records / 2011

7.8

Calificación

016

Después de dos años tras editar su último disco, The Bachellor, el cantante y compositor Pratick Wolf lanza su quinto álbum de estudio Lupercalia. El quinto trabajo del ambiguo compositor fue compuesto y producido por el propio Wolf y contiene un total de 11 tracks de baroque pop absoluto, en los que se perciben delicadas texturas, melodías impregnadas de luminosidad y optimismo, en el que el principal protagonista es el amor y su inseparable violín, sin olvidar al piano, la guitarra, e incluso el ukelele. El licántropo contrasta de esta manera con aquellos paisajes oscuros y melancólicos de su anterior producción, un claro ejemplo de ello son sus dos primeros singles ‘The City’ y ‘Time of my life’, melodías armoniosamente compuestas, pero que no trascienden pues son extremadamente pretensiosas, de tal forma que caen en lo cotidiano, recordándonos un poco al pop que se hacía en los ochenta. -SLI


music is my radar COLUMNA

EL ORDEN Por: Joselo Rangel

E

s increíble cómo un pedazo de papel nos puede causar tanto asombro y tanta obsesión a los que amamos la música de un grupo. El pedazo de papel al que me refiero es aquel que ponen a los pies del músico que admiramos y que contiene la lista de canciones que tocarán durante la siguiente hora o dos. A ese pedazo de papel en algunos países de habla hispana se le llama chuleta. Yo lo conozco como “el orden”. Hay veces en que salgo a tocar y “el orden” no está en donde debe estar, a un lado de los efectos de mi guitarra. Algún vivillo se lo robó enfrente de las narices del staff que me ayuda a que las cosas salgan bien durante el concierto. En realidad no es culpa suya que se lo hayan robado varias veces. Por más que lo peguen con masking tape o con gafer, los fans son perseverantes y no pierden la ocasión de agandallarse uno de estos ordenes. No los culpo. Yo haría lo mismo, robarme el setlist de mi banda favorita para tenerlo como memorabilia única. El pequeño libro que hoy reseño contiene docenas de set list de conciertos que definieron la música que conocemos como rock and roll. Parece muy simple. No tiene fotos, solo el nombre de las canciones y un pequeño comentario a pie de página. Aunque el libro no tiene ni imagen ni audio (no es para nada interactivo), nos transporta a lugares que tal vez no conozcamos personalmente pero que sabemos que son catedrales de la música que nos gusta. Y a muchos conciertos que nos hubiese gustado ver y escuchar. Vivir. Aunque hay que aclarar que no sólo hay rock and roll en sus páginas. Por ahí andan también Miles Davis, Frank Sinatra y Johnny Cash, que si bien no son roqueros estrictamente, se comportaban como tal. Los setlist apasionan a todos. A ciertos músicos los llevan a la obsesión. Aquí está el orden de un concierto que dio Judy Garland en 1961, que Rufus Wainwright reprodujo idéntico, en el mismo lugar del original, el Carnegie Hall, en el 2006. Unos meses después de la muerte de Syd Barret, acaecida en 2006, Graham Coxon y otros músicos recrearon un concierto de Pink Floyd de 1967. El set list está aquí. Uno de los órdenes que más me sorprende y que al leerlo siento la piel chinita como si estuviera en el concierto, es el de una tocada

The Little Black Book of Setlists Portico Books, 2007

de Patti Smith, en el CBGBs de Nueva York en octubre de 2006. Ese día cerraban el lugar que vio nacer el punk. Reproduzco aquí el orden completo: ‘Piss Factory’ ‘The Hunter Gets Captured By The Game’ ‘Kimberly’ ‘The Tide Is High’ ‘ Marquee Moon’ ‘We Three’ ‘Distant Fingers’ ‘Without Chains’ ‘Ghost Dance’ ‘Birdland’ ‘Sonic Reducer’ ‘Redondo Beach’ ’Free Money’ ‘Pissing In A River’ ‘Gimme Shelter’

‘Space Monkey’ ‘Blitzkrieg Bop’ ‘Beat On The Brat’ ‘Do You Remember Rock ‘n’ Roll Radio?’ ‘Sheena Is A Punk Rocker’ ‘Ain’t It Strange’ ‘So You Want to Be a Rock ‘n’ Roll Star’ ‘Rock N Roll Nigger’ ‘Happy Birthday’ ‘For Your Love’ ‘My Generation’ ‘Land’ ‘Gloria’ ‘Elegie’

¿A quién no le hubiera gustado estar ahí?

›› Joselo Rangel es integrante de Café Tacvba, músico, productor, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.

018


profile

Puro Instinct Por: Alejandra Ayala / Foto: Noisey Integrantes: Piper Kaplan - Voz Skylan Kaplan - Guitarra Escúchalos en: www.myspace.com/puroinstinct

Mira a Puro Instinct en vivo a través de www.noisey.com

U

na vez más la escena independiente nos arroja una propuesta con un sonido capaz de tomar al mundo por sorpresa, nos referimos a Puro Instinct, una banda originaria de Los Angeles, California fundada por las hermanas Piper y Skylan Kaplan tras una decepción amorosa de la primera. Su idea musical se basa en construir profundas, extrañas y cautivantes melodías, acompañadas de hipnotizantes letras. Su álbum debut Headbangers In Ectasy, se convirtió rápidamente en uno de los álbumes más anticipados de este 2011 y por cierto, cuenta con la colaboración de Ariel Pink en el tema ‘Stilyagi’.

Noisey.com una plataforma en línea para descubrir música que presenta a varias de las nuevas bandas más talentosas alrededor del mundo. A través de cautivadores y originales cortometrajes Noisey le otorga al espectador acceso sin precedentes a la vida de las bandas dentro y fuera del escenario. Este mes estrena “Dapuntobeat - Live - México City” .

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hot hot hit

Florrie

Texto: Paco Sierra / Foto: Paul Scala

Florrie es una cantante inglesa con una propuesta sonora tan fresca como su imagen. Con beats electrónicos y pegajosas melodías, Florrie podría ser un nombre con mucho eco en el futuro a corto plazo sin siquiera haber lanzado un LP. Entre su currículum destaca su participación como baterista de la banda Xenomania, además de ser la imagen del perfume Nina L’Elixir de la marca Nina Ricci. Su EP debut Introduction se puede descargar de manera gratuita visitando su sitio oficial florrie.com. 022


shuffle

The Drums Surfing through high tides

Por: Paola Del Castillo / Foto: Cortesía TD

C

on una mezcla de letras melancólicas y música alegre, los originarios de Brooklyn pasaron de ser una de las mayores propuestas del 2010 a posicionarse como uno de los referentes de bandas independientes en la actualidad. Tras compartir un pasado con las bandas Goat Explosion y Elkland, enfrentar la salida de uno de sus integrantes y tomar la decisión de sumar a su alineación dos miembros para sus presentaciones en vivo, The Drums dejan en claro que el camino apenas comienza. WARP MAGAZINE platicó con Jonathan Pierce, Jacob Graham y Connor Hanwick durante su más reciente visita a México. Los medios los etiquetaron como “la banda a seguir en 2010”. ¿Fue difícil lidiar con esa presión o les gusta ser el centro de atención? Jacob Graham: Fue muy extraño porque ninguno de nosotros es el tipo al que le gusta ser el centro de atención, más bien somos los que hacen cosas extrañas que todos piensan que son un poco tontas, así que fue halagador. Pero en 2010 no hicimos nada fuera de lo común, así que tal vez defraudamos a todos. La gente espera que hagas algo que forme parte de los titulares pero a nosotros no nos interesa eso, solo queremos grabar discos y ofrecer conciertos. ¿Qué nos pueden decir sobre la partida de Adam Kessler? JG: Fue hace tanto tiempo que ya casi no me acuerdo. Simplemente tocó con nosotros por un tiempo y después decidió que ya no quería hacerlo. Fue tan simple como eso. La vida sigue…

encontramos a otras personas para ayudarnos y lo están haciendo bien. Ahora son una agrupación de cinco miembros, ¿qué los llevó a tomar esta decisión? JG: Antes dependíamos mucho de samples de apoyo para nuestros conciertos, para las partes con campanas, chiflidos, sintetizadores y aplausos y cuando Adam se fue, reevaluamos nuestras presentaciones. Ahora todo lo que hacemos sobre el escenario es completamente en vivo, lo cual hace el show mucho más emocionante. Es mucho más dinámico. Connor Hanwick: Nos permitimos poco en cuanto a experimentación, evolución, ya sea en el estudio o en vivo, así que buscamos pequeñas formas de acrecentar esto sin comprometer los valores fundamentales o lo que sea que tenemos como banda. ¿Qué nos pueden decir sobre su próximo álbum? Jonathan Pierce: Creo que saldrá a la venta en septiembre y estamos muy emocionados al respecto. Creo que el primer disco fue como “el mundo de The Drums”, y este es como “The Drums en el mundo real”. El primer álbum fue muy cinemático, como si cada canción tuviera una imagen que podíasvisualizar. El nuevo material es un disco más personal y mucho más real. Si se comparan ambos discos podría decirse que este es más oscuro.

›› Paola Del Castillo es conductora del programa Gamers TV , busca en Warp #37 su conversación con Matt Helders de Arctic Monkeys.

025


from Spain COLUMNA

RADIOGRAFÍA DEL COLAPSO Por: Marc Gili (Dorian) / @marcdorian

C

omo todo el mundo sabe los últimos diez años han sido letales para la industria discográfica. Sin embargo, la crisis del disco no ha afectado del mismo modo a todos los territorios. Mientras países con un tradicional respeto por la propiedad intelectual –tal es el caso de Reino Unido, Francia o Estados Unidos– han ido sufriendo una caída significativa, aunque no dramática, de sus ventas, otros, como España o Portugal, se han desplomado barridos por el tsunami de la piratería. En Estados Unidos la venta digital ya supera a la venta física. La industria norteamericana sigue ganando muchísimo dinero, cosa que les permite seguir exportando artistas/productos a nivel mundial con la fuerza de siempre, véanse Lady Gaga, Rihanna o Justin Bieber como últimos casos paradigmáticos. Mientras tanto en el Reino Unido, y a pesar de que la fiesta del britpop se recuerda con nostalgia, se sigue respirando una cierta calma. Hasta hace cinco años hacía falta vender más de 100 mil discos en una semana para ser número 1 en el Reino Unido. Hoy en día, exceptuando las semanas más fuertes del año, bastan 40 mil copias para lograr ese podio. El desplome en la venta es evidente pero, en términos generales, los sellos más fuertes se siguen manteniendo porque, al igual que los norteamericanos, todavía son capaces de crear fenómenos a nivel global. La cantante Adele, una chica rechoncha de Tottenham cuya voz esconde una capacidad extraordinaria para convencer a toda clase de audiencias, desde las musicalmente más cultivadas hasta las devoradoras de X Factor, sería el último ejemplo de ello. Adele ha sido lanzada por XL, casa de artistas indie como M.I.A o The Horrors, pero ha logrado encaramarse a lo más alto de las listas más importantes del mundo porque la producción de su álbum, que es una producción retro y mainstream al mismo tiempo, es un producto perfectamente calculado para gustar a públicos muy diversos. Fenómenos tan distintos como el de Arctic Monkeys o Adele han mantenido en alto las espadas de la industria discográfi-

ca británica a lo largo de estos años difíciles. En España, sin embargo, el desplome en las ventas ha sido tal que ha barrido por completo el mapa discográfico el país. Todos los sellos transnacionales han tenido que reducir sus plantillas a menos de la mitad de lo que eran hace seis años, viendo diezmados sus presupuestos hasta tal punto que les es prácticamente imposible invertir dinero en el desarrollo de nuevos artistas. Lo mismo ha sucedido a los sellos indie. Muchos de ellos han desaparecido; otros sobreviven como pueden. Y en medio de todo este desierto, una flor. Porque el desplome de las ventas ha hecho que en España el modelo de negocio generara un nuevo modelo según el cual un artista, si es auténtico y es capaz de llegar a la gente a través de su música, del contacto directo con el fan vía Internet, y de unos shows en vivo de calidad, ya no necesita grandes infraestructuras para llegar a públicos masivos. En España el top 10 de la lista de ventas ha sido colonizado en los últimos meses por artistas que, no sólo no pertenecen a grandes disqueras, sino que se mueven a través de infraestructuras prácticamente familiares, véase, management, booking, distribución y poca cosa más. ¿Y cómo es posible que haya sucedido tal cosa?. Por un lado las radios españolas más masivas dejaron de programar novedades, con lo que la gente pasó a ver en Internet “El” medio principal para buscar y descubrir música. Por otro, el hecho de que la gente dejara de comprar discos hizo que invirtiera ese mismo dinero en entradas para ver a sus artistas favoritos, con lo que la demanda de entradas para conciertos en sala y festivales se ha disparado en los últimos cuatro años. En general, hoy en día, cuanto mejores y más especiales son los shows de un artista, más gente atrae de forma exponencial. El paradigma de cómo se debe “romper” a una banda está cambiando en España, y la radio y la tele han pasado a un segundo plano, ante un público que demanda cada vez con más insistencia artistas “de verdad”, rechazando productos manidos y artistas de dudosa honestidad.

›› Marc Gili es íder y compositor de la banda originaria de Barcelona, Dorian.

027


playlist SHUFFLE

Playlist de:

Damian Kulash (OK Go) Foto: Chou Muñoz

Los originarios de Chicago, OK Go han adquirido fama y reconocimiento por sus originales videos musicales que incluyen caminadoras, perros, un pan tostado, entre otras cosas. Sin embargo, se han mantenido bien posicionados en la escena musical debido a su talento musical aderezado de un gran sentido del humor. Damian Kulash, vocalista y guitarrista de la banda nos presenta un playlist con algunas de sus canciones favoritas, demostrando el versátil gusto musical de la agrupación.

‘Cherry Oh Baby’

01

02 03 04 05 06

The Rolling Stones

‘Uptown Top Ranking’ Althea & Donna

‘Soul Sister’ Allen Toussaint

‘Can You Get To That’ Funkadelic

‘Magic Mountain’ Eric Burdon and War

‘Something’ In The Air’ Thunderclap Newman

07 08 09 10 11

‘Open My Eyes’ Todd Rundgren

‘You Sexy Thing’ Tom Tom Club

‘Dizzy’ Tommy Roe

‘Don’t Give Up On Me’ Solomon Burke

‘Kind Woman’ Buffalo Springfield

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insert SHUFFLE

Andrés Calamaro No se puede vivir de otra manera Por: Andrea Paz Foto: Cortesía AC

U

no de los personajes más representativos del rock en español, sin duda alguna, es Andrés Calamaro, quien celebra los primeros diez años de El Salmón (2000) de la mano de Salmonalispsis Now, un álbum doble con las mejores canciones del original más material inédito. WARP MAGAZINE platicó con el músico argentino respecto a esta especial ocasión. ¿Crees que El Salmón tendría el mismo significado si se hubiera lanzado en esta época digital? Los soportes digitales hubieran descontextualizado el contenido puramente conceptual (del álbum) y hubiera facilitado la exploración, el público digital hubiera sido más tolerante recibiendo un centenar de canciones en sus archivos digitales. Siendo una de las figuras importantes dentro del rock en español, ¿te sigue resultando fácil conservar ese lugar entre el público joven? No sé si es fácil, pero parte de nuestro público se resiste a cumplir años. Qué afortunados.

¿Cuál es tu perspectiva de la transformación de la industria musical a través de las nuevas tecnologías? De momento la transformación es una peligrosa amenaza para el equilibro musical. La industria se vendió a sí misma y la metamorfosis digital es una estafa a gran escala, la usurpación del trabajo de los artistas y el gremio musical, una forma perversa de colonialismo con la ingenua complicidad de los “nerds” que se sienten parte de una revolución porque hackean nuestro trabajo. 030

¿Qué tan distinto es lanzar un CD hoy en día y cómo lo vivías hace 10 años? Ahora el lanzamiento de un disco es una ilusión, nadie sabe para qué sirve. Es una cuestión puramente artística o es un complemento, con suerte es un Trending Topic en Twitter. ¿Qué nos puedes decir acerca de las nuevas canciones con las que llega Salmonalipsis Now? No son exactamente nuevas, es una formalidad sincera, sumar canciones no escuchadas al medio centenar de canciones casi desconocidas. ¿Cómo haces para elegir a colaboradores como Calle 13, Bunbury y Diego “El Cigala”? Sabiendo que son buenísimos, los mejores en sus territorios. Los respeto y los admiro. Además, somos amigos y camaradas. ¿Cómo fue colaborar con una de las bandas del género regional en México como Los Tigres del Norte? Sinceramente, fue un sueño hecho realidad. Me siento perfectamente compenetrado con el género y con el discurso de los “jefes” y muy orgulloso de esta unidad. Con más de 20 años de experiencia, ¿qué podemos esperar de Andrés Calamaro en un futuro? Espero introducirme en el mundo de las corridas de toros, a la fiesta. Por ahora, lo que viene es la promoción de Salmonalipsis Now.


blogaggedeon times COLUMNA

LA CASA ESTABA LLENA DE SECRETOS… Por: Sr. Flavio

…Y

el incendio resultó ser un episodio confuso, como aquel crimen sin resolver de los atrapados en el ascensor. Aislamiento del alma, puentes infinitos hacia la desesperanza, intensidad, ardor, dolor perenne, energía mortal. El abismo de lo oscuro como válvula de escape interior, entrañable, recurso exasperado del artista y su sangre, trampolín negro que dispara a lo sombrío para morigerar el propio infierno. Agujas clavadas en los ojos que claman pánico del gorrión marrón y gris, aterrado por el filo del escalpelo frío, el sonido espectral del espanto, un niño que juega-experimenta solo en el laboratorio. No voy a escribir un testimonio de exequias, de cuánto fue para mí lo que fue y lo que pasó. Soy el Señor Flavio, el antipoeta pop, me refugio en la ficción constante que me abarca y me resguarda. Sábato, hombres y engranajes, escrutando el filo del redil. Sábato, visión ilustre de integridad, entereza. Una clase de castidad y pureza que no es precisamente la definición de castidad que labran los católicos apostólicos romanos, más cercana a la culpa y la moral, sino aquella clase de predestinación visceral que llevan los artistas y guerreros irreductibles, estoicos, de la talla de Artaud, Alfonsina caminando la espuma blanca, encantadores del secreto más guardado del universo terrenal. Fascinador de Santos Lugares. Primero las entrañas, luego al corazón, por último al cerebro. Somos una mezcla de pecados y santidades, entre lo más raso y abominable del infierno petulante y la claridad de los cielos astrales. Amparando la fragilidad. Cartas a un joven escritor que

en mi caso podría ser a un movedizo escritor de canciones desnudas. Escribimos canciones, destruimos las canciones, algo así como el skate and destroy. Porque el arte todo lo admite y que así sea: arte de la belleza de la contradicción (confío más en el artista que se contradice que en el que no), la destrucción atemporal del arte no es destrucción bélica. Inquisidores de córnea ufanada y progre, Intelekt-que?... exponen fotos de Sábato y otros encantadores alquimistas de la palabra junto a beligerantes generales de gobiernos diabólicos. Pero el artista no es quien se equivoca. No hay error en la poesía, no existe. Las sociedades y sus informadores nublan por parásitos. Un monstruo careta de dimensiones descomunales cuyo aspecto más aterrador es que está vacío en su interior y clama por sangre de prójimos. Fúnebre. El artista está amparado eternamente. Con el siempre Creador Perpetuo Emprendiendo el viaje hacia el otro lado. Entero. Y lo mejor de todo: No es sagrado. Vecino de Santos Lugares que operaba encantos, oscuros, luminosos. Ahora con Alfonsina, otras almas. El dulce daño. Pequeñas cruces negras de los avisos fúnebres bailotean en el diario de hoy.

Señor Flavio Sonidero antipoeta new wave pop

›› Sr. Flavio es bajista y miembro fundador de Los Fabulosos Cadillacs, músico, productor y escritor, su más reciente novela se titula The Dead Latinos.

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Babasónicos En Privado

Por: Alejandra Ayala Foto: Cortesía Babasónicos

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na dosis de ironía, sarcasmo e inspiración pueden definir perfectamente a Babasónicos, una banda que ha vivido creando a partir de estos elementos durante más de 20 años, pero renovándose en cada oportunidad, su más reciente placa A Propósito es un gran ejemplo. WARP MAGAZINE platicó con Adrián Dárgelos y Mariano Roger sobre los detalles que cobijan este nuevo trabajo.

¿Cómo fue el proceso de composición y producción de su décima placa, A Propósito? Mariano: El proceso no es muy diferente de los anteriores. En general tardamos unos cuatro meses en hacer todo, en armar las canciones, ensayarlas, producirlas, grabarlas, mezclarlas, masterizarlas y editarlas. La diferencia de este disco con los demás, hablando solamente del proceso de producción, es que tal vez tuvimos más tiempo para desarrollar las versiones, y en los discos anteriores, por diferentes razones, llegaban mas rápido y eran versiones muy sintéticas. En este caso le dedicamos más tiempo en desarrollar las canciones, existen tracks ocultos o como ‘Muñeco de Haití’ que termina teniendo más partes. En los tracks de A Propósito podemos encontrar diferentes estilos. ¿Cómo llegaron a este punto creativo en el que pueden llegar a ser más eclécticos? Adrían: Nuestra naturaleza siempre fue ecléctica, siempre tuvimos mucho irrespeto por los estilos; somos bastante libres a 032

la hora de componer y hacer lo que nos gusta y nos entretiene la diversidad rítmica. En A Propósito grabamos más canciones que tienen más diversidad pero caprichosamente elegimos estas canciones que pugnan a la elección propia. ¿Cuál consideran que es la aportación extra de A Propósito que no tienen los álbumes anteriores? A: El desarrollo instrumental que tienen las canciones, determinado preciosismo, determinada mutación que es la principal, como una canción que ahonda en otra y no se respeta nada y cómo aplica a un nuevo pensamiento contingente que debería ser el presente y también porque no somos más la banda que éramos. Ahora es como un ente genético que se alteró, al que le sacaron una parte al perder a Gabo y que aunque sí se sustituye, no es igual. Al terminar Mucho (2008) no nos dimos cuenta de la repercusión de la falta de Gabo hasta este nuevo álbum con el que estamos logrando algo nuevo que en definitiva nos gusta. Hablando de cambios, ¿cómo podrían definir el sonido de A Propósito? M: Digamos que es una música rock por actitud pero no encasillada, hacemos lo que la inspiración nos regala, pero si se trata de ponerle una definición al sonido sería inspirado. ¿Con qué frase podrían definir los veinte años de Babasónicos? A: Combo de provocadores que atraviesan la dignidad de la música.


rock fiction COLUMNA

THE DOORS Por: Adolfo Vergara Trujillo / @ToBeFreak

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uando lo conocí, el viejo Fred ya era un veterano de las tabernas de Baltimore. —En una de estas pocilgas murió Poe, ¿cierto? —decía con orgullo. Nacido en Berlín como Friedrich Nast en 1937, el viejo Fred cuenta que a los 20 años se enlistó en la Stasi, la filial alemana de la KGB; cierta facilidad para los idiomas hizo que, poco después, Markus Wolf lo reclutara para apostarlo en Francia, donde permanecería hasta la caída el Muro. Pero ahora el viejo Fred se dedicaba a trocar historias de espías por tragos de Jägermeister. —París es una ciudad muy bella… ¿Conoces? —me preguntó una noche sentados a la barra. —Ya me sé todos tus cuentos, Fred… —le respondí. —¿Alguna vez te dije la conexión Morrison-Watergate? —susurró. Esa historia no la conocía y el viejo lo supo de inmediato. —Demonios, Fred… Ordené su maldito trago alemán y, hasta que lo tuvo enfrente, escupió: —El asunto de Morrison comenzó dos años antes de su muerte, con el “ataque de asma” de Brian Jones. Aunque nuestro hombre en Londres registró un “movimiento extraño” del MI5, ese día, en el área de Hartfield, nadie notó relación alguna con el cable que, 14 meses después, llegara desde Topanga Canyon, notificando el “desplazamiento atípico” de una unidad de la CIA en el lugar y fecha del “suicidio por barbitúricos” de Alan Wilson, el chico de Canned Heat. Pero el siguiente reporte no esperó demasiado: a los 15 días, otra vez en Londres, se registró “actividad irregular” mientras Hendrix “mezclaba somníferos con bourbon”… El viejo Fred, que siempre alardeaba sobre misiles nucleares y prostitutas asesinas, miró su trago a contraluz por un momento, y luego agregó en tono confidencial: —Estuve frente Markus Wolf sólo una vez: el 30 de septiembre del ’70 el jefe Mischa convocó a la logia en Praga, y los 18 agentes apostados en Occidente escuchamos aquello de su ronco pecho: Nixon emprendía una operación negra para “salvar a la juventud”. Cuatro días después, ahora en Los Ángeles, Janis se inyectaba “una heroína inusualmente pura”… —¿Los asesinaban? —le pregunté. El trago del viejo Fred se terminó y él simplemente guardó silencio; encendí un cigarro, fingiendo desinterés, pero tuve que ordenar su segundo Jägermeister para que continuara la historia. —No, no los asesinaban… —respondió cuando se refrescó los labios— Algo peor: los dejaban morir. Vigilados 24 horas al día, agentes occidentales encubiertos de “policías”, “bomberos” y “paramédicos” estaban listos para “asistir los primeros auxilios” a los chicos cuando se excedían un poco en la fiesta. Los ojillos azules del viejo Fred miraron el vacío como si en verdad recordaran.

—Aquello se enfrió durante algunos meses, pero comenzando el verano del ’71 noté algo nerviosos a los chicos del SDECE —el servicio secreto francés— y, antes de que lo notificara, me llamaron desde Berlín: Morrison estaba en París. Con la orden de reportarlo todo, pero sin intervenir, vigilé a Jim en su apartamento de le Marais durante doce días, al lado de una ambulancia vacía que, curiosamente, parecía estar lista para “actuar”. Podría afirmar que en casa de Jim hubo mucho alcohol y mucha yerba durante aquellos días, pero nada más. La tarde del 3 de julio, sin embargo, cuando llamaron a los servicios de emergencia, los agentes del SDECE salieron de la ambulancia vestidos de blanco y Morrison murió de un “paro cardiaco por opiáceos”. El cantinero se acercó a cambiar el cenicero y el anciano cerró el pico; y volvió a hablar sólo hasta que se retiró. —Pero Nixon era más peligroso que eso: el pequeño tramposo quería lanzar la bomba en Vietnam. Un año después, por casualidad, nuestro hombre en Washington detectó los micrófonos en la sede del Partido Demócrata mientras monitoreaba una visita de Lou Reed a la ciudad: el Kremlin, al enterarse, decidió hacer la “llamada anónima” al FBI y allí acabó todo… El viejo Fred dispersó su historia en fechas que no recuerdo y lugares que nunca visitaré, aunque al final aseguró que Lennon, Jagger, Dylan, Clapton y, en fin, todos “los monstruos”, estaban en la lista de Nixon. —¿Quieres saber quién tiene esos informes? —me preguntó. Ya no le pagué su tercer trago. Friedrich Nast, veterano de la Stasi, se echó su abrigo encima y salió del bar sin despedirse; simplemente cerró las puertas detrás de sí: se diluyó en la oscuridad de Baltimore, tal vez en busca de la siguiente taberna.

The Doors The Doors Elektra 1967

›› Adolfo Vergara Trujillo es escritor y especialista en Literatura Mexicana, autor de los libros de relatos Freak Y Otros Tormentos y Absolut Punch.

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Rammstein Love Is For Everyone Por: Diovanny Garfias Foto: P.R. Brown

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ammstein, el fenómeno aleman que escandalizara a miles de puritanos alrededor del mundo la década pasada, está de regreso, y en qué forma. Los teutones lanzaron en 2009 su sexto álbum de estudio Liebe Ist Für Alle Da, pretexto suficiente para recorrer el globo y demostrar su nueva tendencia sonora. WARP MAGAZINE conversó con el guitarrista Paul Landers durante su más reciente visita a México. Creo que Liebe Ist Für Alle Da marca un nuevo inicio a nivel sonoro para la banda, ¿cuál fue el proceso que siguieron y qué lo hizo diferente a otros de sus trabajos? Esa es una pregunta muy compleja, de hecho, para este álbum tuvimos un enfoque nuevo, partiendo de la idea de que queríamos descargar un poco nuestras canciones. Le quitamos algunos ingredientes para que quedara algo más preciso, más claro, pero al mismo tiempo más transparente y más duro. En esta ocasión todos aportamos ideas y fue muy divertido, porque lo hicimos durante todo un día en una granja, más de 10 horas, al final, de tantas ideas que teníamos salieron casi 100 canciones. ¿Para ustedes qué significa enfrentarse a la censura en cada trabajo que lanzan? Nuestra tarea consistió desde el principio en identificar bien los límites del buen gusto. En general identificas esos límites hasta que los has pasado y sabemos que siempre hay alguien que te los va a hacer saber, eso es parte de nuestro trabajo. Así que estamos conscientes: cuando juegas con fuego te tienes que quemar, así vemos la censura.

¿Qué significó para Rammstein participar en el soundtrack de la cinta Lost Highway (1997)?, ¿esta participación les abrió las puertas del mundo? Por su puesto que tuvo un papel muy importante y es difícil determinar qué tan importante fue, pero a nosotros nos gusta mucho participar en soundtracks, de hecho nos estamos ezforzando para hacer algo en esos terrenos, tal vez lo hemos dejado un poco de lado en estos últimos años, pero en nuestros videos se nota que nos gustan las películas. El video del sencillo ‘Pussy’ es muy explícito, más de lo que sus videos son regularmente, ¿fue difícil grabarlo o se divirtieron tanto como parece? Hicimos escenas por separado y cada vez que uno de nosotros entraba a grabar el resto del grupo estaba sentado, como en el consultorio del dentista. Teníamos poca ropa y bueno, nadie quería que le diera frío. Pero nos emborrachamos porque realmente estuvo pesado. ¿Podemos esperar nuevo álbum de Rammstein en el futuro cercano? Por lo pronto no, nos estamos dejando llevar por el destino y por ahora los conciertos están teniendo mucho éxito para ser la primera vez que tocamos en lugares muy grandes. Aunque trataremos de estar en línea y ver qué pasa, es como cuando alguien muere, es obvio que algo tiene que cambiar, son cosas que no se pueden predecir.

›› Diovanny Garfias es Editor en Jefe de WARP MAGAZINE, puedes leer su entrevista exclusiva a Alison Mosshart de The Kills en WARP #36.

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Holy Fuck Stilettos

Texto: Leonel Hernández Foto: Cortesía HF

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oly Fuck es una de esas extrañas pero agradables sorpresas que nos dejó la década pasada. Originarios de Toronto, Canadá, Brian Borcherdt, Graham Walsh, Matt McQuaid y Matt Schulz, pueden darse el lujo de tocar en festivales de rock, de música electrónica y hasta de jazz, debido a la gran variedad de estilos que fusionan. WARP MAGAZINE conversó con Brian, encargado de los sintetizadores y otros “instrumentos” como proyectores.

¿Cómo es el proceso de composición para una banda como ustedes, que no utiliza instrumentos convencionales? Pues es raro. Normalmente cuando nos juntamos no planeamos qué va a salir, simplemente uno llega con una idea y los demás la complementamos. Puede llegar Matt (Schultz, batería) con un beat durante el soundcheck antes de un show, y comenzamos a seguirlo y a integrar cosas, dejando que todo fluya. La verdad es que nunca hay un plan para componer una canción.

El nombre les ha causado un par de problemas en algunos eventos donde los han censurado, ¿por qué el nombre? Yo respondería “¿por qué no?” [risas]. Nos pareció divertido y es gracioso crear tanta controversia con el nombre. No creímos que sería tan inconveniente y realmente no nos pusimos a pensar si el público lo tomaría a mal. Sí, ha habido algunos problemas por parte de quienes se toman las cosas muy en

serio, pero hasta cierto punto nos ha ayudado: la gente quiere saber quiénes somos y cuando nos escucha, se da cuanta que hacemos cosas divertidas.

¿Cómo ha sido convivir con músicos de todo tipo de géneros? Fantástico, es una gran experiencia convivir con otros músicos y creo que a veces es un gran honor, como en algunos festivales de jazz, donde hemos estado con figuras realmente importantes. Es grandioso tener la oportunidad de demostrar lo que hacemos, de divertirnos con ellos y de compartir experiencia. Es una relación de admiración y compañerismo, a veces uno quisiera tomarse fotos detrás del escenario con todos, porque al final han sido influencia, pero no siempre se puede.

¿Qué podría esperar alguien que jamás ha escuchado a Holy Fuck? Que no se va a encontrar con un estilo particular de música; que hay muchas cosas interesantes y complejas, combinadas con mucha diversión. A mí me gusta esa combinación. Nuestros shows son siempre más como una fiesta. Para nosotros siempre se trata de estar celebrando arriba del escenario y esa vibra se contagia. Las reacciones del público siempre son positivas y quizá para ellos es una experiencia especial. Es lo que intentamos darles. Eso podría asegurar a quien nos escuche o vaya a vernos: se va divertir mucho.

›› Leonel Hernández es poeta y traductor, además de reconocido blogger del mundo virtual.

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TV On The Radio Return to success mountain

Por: Paola Del Castillo / Foto: Cortesía TVOTR

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e formaron en 2001 pero fue en 2006 con Return To Cookie Mountain que los reflectores no se despegaron de ellos hasta la fecha. En ese disco colaboraron con David Bowie y durante su gira de promoción interpretaron algunos temas sobre el escenario junto a Peter Murphy (Bauhaus) y Trent Reznor (Nine Inch Nails), por lo que lograron estar inevitablemente en boca de todos. El éxito continuó con Dear Science (2008) y este año presentan su cuarto LP, Nine Types Of Light, álbum que fue lanzado tan sólo ocho días antes de que su bajista, Gerard Smith, perdiera la batalla contra el cáncer. WARP MAGAZINE platicó con el vocalista de la banda, Tunde Adebimpe, quien habló acerca de su nueva producción así como lo difícil que ha sido enfrentar la pérdida de su compañero y amigo. Haciendo una obligada comparación entre este disco y sus predecesores, el líder de la agrupación originaria de Brooklyn asegura que esta nueva producción está más desarrollada que las demás. “Diría que este álbum está más logrado que los otros, pero creo que eso es algo natural, la meta es que con cada disco evoluciones. Creo que este nuevo disco es, tal vez, un poco más brillante en algunos momentos. No creo que la energía haya sido negativa en los otros 036


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regresa con cierta influencia. Todos aprenden algo en proyectos diferentes, ya sea referente a la manera en la que administras el tiempo, o a tu personalidad o a la música, y lo incluyes en el nuevo disco en el que estás trabajando”, aclaró Adebimpe. ¿Crees que Nine Types Of Light superará el éxito logrado con sus anteriores discos? Espero que sí. Nunca puedes saberlo. Estoy orgulloso de él al igual que todos los miembros de la banda. Supongo que habrá que esperar y averiguarlo. En cuanto a su proceso creativo, ¿qué viene primero: la música o las letras? A veces las dos. Usualmente creo que la música viene primero. Todos escriben demos de canciones y después nos juntamos y casi como si fuera un dibujo analizamos, “aquí podrías agregar esto” o “deberías incluir otro instrumento aquí”. El proceso sucede de muchas maneras. Por ejemplo, la canción del nuevo disco ‘Second Song’, Dave y yo la escribimos al terminar Dear Science y las letras continuaron cambiando hasta que la grabamos para este disco. Igual sucedió con ‘Repetition’, la escribí para el disco anterior pero la guardé porque en ese entonces no le encontraba ningún sentido y después surgió muy fácilmente mientras hacíamos este disco.

discos pero definitivamente este nuevo álbum es más positivo. Definitivamente hay muchas canciones de amor en este disco. Cuando estábamos grabándolo me di cuenta de que teníamos más temas de amor que antes, pero me gusta. Creo que es una buena emoción a transmitir al mundo”, dijo Adebimpe. En cuanto al título de la placa, Nine Types Of Light fue la mejor opción de entre una lista que hizo la banda: “Teníamos opciones muy ridículas como I Bet You Can’t Fit This Whole Thing In Your Mouth, Fuck The Kids I’m They’re Fucking Music, Halbum… nos quedamos con el mejor y me gusta cómo suena. Creo que es una especie de hechizo, que si lo dices varias veces seguidas empiezan a suceder cosas en tu vida”, bromea el cantante. Por otro lado, es inevitable pensar que los proyectos alternos del multi-instrumentalista y productor, David Sitek, han tenido cierta influencia en este nuevo álbum, es decir, su proyecto solista mejor conocido como Maximum Balloon y su papel como bajista de Jane’s Addiction para la grabación de la nueva entrega de los liderados por Perry Farrell, The Great Escape Artist. “Pienso que cada vez que alguien hace algo fuera de la banda

En 2009 iban a venir a México como parte del festival Colmena pero cancelaron su presentación, ¿qué fue lo que sucedió? Empezamos a recibir mucha información negativa acerca de las personas que organizaron el festival. Nos decían que no estaba bien organizado. Recibimos muchos e-mails de personas que habían asistido anteriormente a ese festival pidiéndonos que no fuéramos porque los organizadores ofrecían un mal trato a las personas que asistían al evento. Eso fue lo que yo entendí: que los organizadores no estaban llevando las cosas a cabo de buena manera y eso estaba afectando a las bandas así que no quisimos formar parte de eso. ¿Cómo es TV On The Radio después de una tragedia como lo fue el fallecimiento de Gerard Smith? Es como cualquier familia después de una situación trágica, tratamos de entender las cosas conforme avanzamos. Claro que tienes el corazón roto y extrañas a esta persona a la que amas mucho, pero es una cuestión personal que vas descifrando conforme pasa el tiempo… ¿Tienen pensado incluir a otro bajista en la banda? No. No creo que hagamos eso… Preferiría no hablar al respecto por el momento. Aún sin Gerard Smith, TV On The Radio se perfila para mantenerse como una sólida agrupación que, a pesar de enfrentar tragedias tan dolorosas como lo es la muerte de un compañero, permanecerán superándose musicalmente y tirando barreras entre géneros musicales. 037


calendario SHUFFLE

julio-agosto 2011 15

JULIO

7 - 10

Noches de Campeonato: Kinky, Sussie 4, Quiero Club y P. Mosh José Cuervo Salón México, DF

Oxegen Punchestown, Irlanda

8 - 10 T In The Park Balado, Escocia

8 - 10 Sonisphere Knebworth, Reino Unido

8

The Gathering Circo Volador México, DF

14

AGOSTO

5-7

Lollapalooza Grant Park, Chicago, Estados Unidos.

Benicassim Tradicional Recinto de Conciertos, España.

Los Amigos Invisibles Teatro Metropólitan México, DF

20 y 21 V Festival Chelmsford y Staffordshire, Reino Unido

12 y 13

24

12 - 14

26, 27 y 28

Rodrigo y Gabriela The Hollywood Bowl, Los Angeles, Estados Unidos.

Outside Lands Golden Gate Park, San Francisco, Estados Unidos

Kaya Circo Volador México, DF

14, 15, 16 y 17

20

Erasure Teatro Metropólitan México, DF

Reading And Leeds Reading y Leeds, Inglaterra

27 20

Hello Seahorse Teatro Metropolitan México, DF

Art v s. Science Voilà Acoustique México, DF

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gigs

Zoé Teatro Metropólitan Ciudad de México Foto: Sergio Gálvez Para leer las reseñas de estos conciertos, escanea el código o visita warp.la/gigs

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gigs

TV On The Radio Estación Indianilla Ciudad de México 20 de Mayo Foto: Toni François

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gigs

Tricky José Cuervo Salón Ciudad de México 29 de Mayo Foto: Ache Producciones

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DESTACADOS | NOTICIAS | ENCORE | GIGS | WARPTV | WARPCAST | MAGAZINE | REVIEWS


gigs

Cut Copy Six Flags México Ciudad de México 2 de Junio Foto: Sergio Gálvez

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gigs

Friendly Fires Six Flags México Ciudad de México 11 de Junio Foto: Sergio Gálvez

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COLUMNA

DEBATE

ENSAYO

ENTREVISTA

INVESTIGACIÓN

DESTACADO

La industria de la música en México vive un momento importante, el país se ha vuelto un punto indispensable de aterrizaje para cualquier banda o artista internacional. Por otro lado, la tecnología nos permite acceder a cualquier género musical sin importar el nicho. La música hecha en el país cuenta con diversos escaparates para mostrarse y con apoyo mediático como en pocas ocasiones se ha dado a lo largo de su historia. Es un hecho, los mexicanos gustamos de consumir música en cualquiera de sus presentaciones y es justamente ahí donde radica la importancia de este momento en específico para nuestra industria. El público está dispuesto a adquirir la música, pero las presentaciones en las que lo haga y las cantidades serán determinadas por la gente que la maneja. Disqueras, managements, distribuidoras, productoras, y todos aquellos que, de una forma u otra, ayudan a que determinadas propuestas lleguen hasta nuestros oídos. ¿Y cómo está haciendo cada uno su trabajo?, ¿es el trabajo correcto? y de no ser así ¿cuál lo es?. Y el público ¿actúa acorde al momento que vivimos? y a pesar de su importan-

cia ¿cuál es exactamente el momento que vive la industria musical mexicana en la actualidad?. WARP MAGAZINE convocó al debate “La Industria Musical Mexicana”, un esfuerzo por entender el momento histórico que vivimos respecto a la música que sale y llega a nuestro país, la imagen del lugar en donde estamos parados y la planeación de la ruta que pensamos recorrer en el futuro inmediato. Para ello solicitamos la presencia de expertos en la materia, personas que desde su trinchera particular han visto crecer la música en México y que han ayudado a situarla en donde se encuentra hoy, los protagonistas de esta historia llamada Industria.

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Una Fotografía a la Industria Musical Mexicana

NÓICAGITSEVNI

ATSIVERTNE

OYASNE

ETABED

DESTACADO

“Lo que se requiere de un artista mexicano para tocar internacionalmente es que esté dispuesto a empezar desde cero, a picar piedra y a sacrificar” – Ximena Sariñana 052

ANMULOC


COLUMNA

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ENTREVISTA

INVESTIGACIÓN

Una Fotografía a la Industria Musical Mexicana DESTACADO

El Proyecto musical entendido como empresa Por: Samuel Segura / Foto: Sergio Gálvez

*De izquierda a derecha: Linda Cruz, Jay De la Cueva, Arturo Malacaray Guillermo González

Esta

primer mesa se conformó por Jay De la Cueva (Músico/Los Odio, Moderatto, Fobia y Titán), Guillermo González (Director de ClassMusic) y Arturo Malacara (Manager/Dirty Karma). Moderados por la periodista Linda Cruz, hablaron acerca de cómo una banda joven puede crecer en esta industria teniendo en mente a su grupo como un proyecto que vaya más allá de pasar un buen rato con amigos. Las bandas, hoy en día, se manejan por sí solas pero ¿lo hacen bien? Según Arturo Malacara “actualmente no hay excusa para una banda que quiera levantar su proyecto de manera independiente porque la tecnología al alcance de todos lo permite, siempre y cuando se hagan pequeñas asociaciones entre gente nueva que tenga el mismo fin”. “Las bandas dependen de sí mismas”, mencionó Guillermo González. “Tienen que ver a sus grupos como empresas. Ello no quiere decir que se traicionen musicalmente. No. Deben fijarse metas, una visión clara de hacia dónde quieren llegar, grabar un disco, un EP. Conocer las partes que involucran a este negocio de la música, como el management, disqueras”. Pero, ¿hasta dónde es un negocio una banda? La pregunta de Linda Cruz produjo la inmediata respuesta de Jay: “Lo principal es tener el control del proyecto”. Resulta más complejo de lo que parece por toda la gente que está alrededor de un grupo exitoso, sin embargo, la competencia crece cuando la gente “común” puede hacer su propia música y

subirla a Internet. Un grupo debe ser su propia empresa si lo que busca es trascender. Tener un conjunto de especialistas que se encarguen y dividan el trabajo de todo aquello que no es música. De esta se encarga la banda. ¿Cómo es que las bandas jóvenes pueden hacerse de ese servicio? ¿Cómo lo pagarían? Es cuestión de etapas, de no brincárselas. “Si la banda tiene ‘algo’ alguien los va a ver” aseguró Malacara. El “boca a boca” es importante en este proceso. Las bandas han de aprender a caminar antes de correr. Jay complementó esta idea al mencionar que no existe un esquema establecido para todas las bandas. La pasión es, entonces, fundamental, porque tarde o temprano, todo se acomoda. El negocio es a futuro, no a corto plazo. “Hay que buscar a las bandas grandes para aprender, no para imitarlas”, mencionó González al respecto. También hay gente joven interesada en manejar bandas, en la mercadotecnia, en la administración, en la comunicación. Las bandas deberían acercarse a esa gente para concretar los proyectos y hacerlo lo más profesional posible. “Para el negocio hay que estar preparado. Para la música, no necesariamente”, comentó De la Cueva al hablar de la profesionalización de los proyectos. Porque la música impulsa a la industria. La obligación de los músicos es estar enterados de lo que acontece en su negocio, más allá de sólo componer canciones y buscar el éxito.

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Una Fotografía a la Industria Musical Mexicana

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El Proyecto musical entendido como empresa Alex Mizrahi, Director OCESA Seitrack Por: Alejandro Franco / Foto: Samantha López

Desde tu perspectiva ¿cuál tiene que ser la estrategia de un artista para existir y subsistir en la industria? Es un poco crudo hablar de un artista como un producto, pero cuando estas hablando del aspecto comercial de un artista, hablas de un producto. Un artista tiene que tener una propuesta, en esta empresa (OCESA Seitrack) buscamos que sean genuinos, únicos en su género, es decir que no sean un copycat, lo primero que tienen que tener para abrirse un espacio en el mercado es que sean únicos. Y de ahí empezamos: a quien va dirigido, que tipos de medios pueden ser aliados para que llegue al consumidor final, nuestro trabajo es magnificar, tratando de atinarle al mercado objetivo. Se lleva un análisis muy minucioso de cada uno de esos artistas, pre evaluamos y empezamos a crear lo que llamamos accesorios de su música: su imagen y su awareness como artista, para que cuando lancemos el producto tengamos la mayor probabilidad de éxito. El esquema de las viejas discográficas hacia algo muy parecido pero en la ejecución modificaban al artista, hasta llevarlo a algo que no tenía nada que ver con la esencia del inicio ¿ese esquema sigue funcionando? No creo, la tendencia del consumo de la música va cambiando, creo que hacia los noventa fue cuando más se dio este tipo de grandes artísticos (las personas que tienen a su cargo el departamento) dentro de las compañías discográficas, eran personas con muy buenas ideas. Si las boy bands funcionaban, estaba Tomás Muñoz (que se me hace un genio) que creaba algo como Magneto. El nivel de análisis no era tan a fondo porque todo vendía, cuando no había piratería podías tener una canción exitosa, vender 300 mil discos, lo cual te justifica hacer otro disco y la disquera no volteaba a ver otra línea de ingresos que podía generar el artista como son los shows los patrocinios y demás. A partir del 2002 cuando se empieza a recrudecer el tema de la caída del mercado discográfico viene acompañado de una generación de artistas, donde los artísticos ya no crean el concepto. De repente pasas de una época en donde Garibaldi vendía discos a una época donde Sin Bandera causa un fenómeno, que su primer atractivo no es ser unos cuates cuidados, su valor está en la generación de canciones. Yo entro a la industria con esta ola de artistas donde tienes que identificar quien tiene talento. ¿Dónde está el negocio hoy en día? Las compañías discográficas, las de representación

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artística y promotoras de conciertos se han polarizado. Las disqueras han empezado a integrar negocios de management en sus estructuras. Las de management ha empezado a integrar negocios de sello discográfico también, siempre ayudados de una compañía disquera para distribuir. Ya es un negocio donde el producto no se comparte, estamos viviendo una época en donde la compañía que tenga los derechos de un artista es la que arma su 360 (término de moda en la industria) y no es mas que tener derechos totales. ¿Para el artista donde está el negocio? El artista se hace socio, y compartimos utilidades netas. Entienden de una manera distinta su negocio como sociedad, si como artista me estás entregando tus derechos totales, tienes que confiar plenamente. Y que sean ellos quienes tengan la última palabra en los temas artísticos.


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Una Fotografía a la Industria Musical Mexicana DESTACADO

*De izquierda a derecha: Armando Calvillo, Jacobo Márquez, Laura Woldenberg, Francisco Serrano, Andrés Méndez y Hugo Díaz

La industria de los Eventos en México Por: Miguel Ángel Nava / Foto: Sergio Gálvez

Es del conocimiento de la mayoría que México es

un país donde un boleto para asistir a un concierto de talento internacional es muy caro, tanto así, que resulta más barata la entrada del mismo espectáculo en Europa. En esta mesa de debate WARP MAGAZINE contó con la participación de Armando Calvillo (Promotor de Eventos Internacionales OCESA), Francisco Serrano (Director del Lunario del Auditorio Nacional), Hugo Díaz (Sicario), Andrés Méndez (Tape Music), Jacobo Márquez (Director de Lado Be) y la moderación de Laura Woldenberg (Vice México y Noisey). Volviendo al tema, sabemos que el elevado costo de los boletos en México se debe a la sobrevaloración de los artistas y a la gran cantidad de promotores que existen, pero también, a que no existe un parámetro o un estudio que mencione cuáles son los promotores más confiables. Un tema importante en el que coinciden Hugo Díaz y Armando Calvillo es que entre tantos promotores no existe un respeto de seguimiento. Un promotor trae una o dos veces a un artista y de pronto llega otro, ofrece muchísimo más dinero y ahí se rompe ese crecimiento del artista y del promotor. Esto se vuelve una guerra entre ellos, lo que algunas veces evita poder brindar un concierto con todas las garantías que se requiere: buen audio, un buen show, recintos con buenas instalaciones, etc. El encarecimiento de los eventos se debe a que en algunos casos los agentes de los artistas piden cantidades fuera de serie, al agente que lleva al artista sin saber exactamente

quién es el promotor y también que en México existe la cultura del consumismo comenta Andrés Méndez. Siempre se ha creído que la promotora OCESA vende los boletos carísimos y se queda con todo el dinero, ante lo que Francisco Serrano aclara: “por ejemplo, un boleto cuesta 100 pesos, a ese precio súmale un 8 por ciento de impuestos sobre espectáculos públicos. Si el artista es internacional súmale 30 por ciento de impuesto, más promoción, más producción, más transportación, más viaje, más viáticos, más hospedaje, más recinto y 6 por ciento más que cobran autores y compositores. Como se ve todo esto crea un alto costo del boleto.” Laura comenta que “otro de los problemas es la centralización de eventos, ya que el Distrito Federal y Guadalajara son los lugares donde hay más eventos en un mismo día y esto se debe a la poca sinergia que hay entre promotores de provincia.” Jacobo Márquez propone unir fuerzas entre promotores y trabajar en equipo para poder traer a un artista, aminorar costos de producción y poder brindar un show de calidad para el público. Hugo Díaz cree que los estados de la republica inviertan en los espectáculos para poder empezar a llamar la atención de los nuevos públicos en potencia y se pueda descentralizar los eventos en México creando nuevos mercados musicales. Todos los panelistas están de acuerdo en que para que siga creciendo la industria se necesita hacer unión entre artistas, agentes, promotores, público y jalar hacia un mismo lado para tener un crecimiento y cuidar esta industria.

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Inseguridad en México Jordi Puig, Director Eventos internacionales OCESA Entretenimiento / Vive Latino Por: Paco Sierra / Foto: Rubén Márquez

¿Cómo tratan el tema de la inseguridad durante la planeación de un evento masivo? ¿Qué relevancia toma este tema en la preproducción? Siempre ha sido un punto importante para nosotros porque conocemos a la gente con la que tratamos, porque no sólo son personajes públicos, sino también son personajes internacionales, pero en realidad en los últimos años si ha habido más enfoque respecto al tema, ponemos el 100 por ciento de atención en el artista que llega, en que este cuidado, que se sienta arropado, que vaya a lugares conocidos y seguros, etc. Lo complicado es cuando se lleva a cabo en ciudades fuera del D.F., cuando las giras son más extensas por el país. También hay que tomar en cuenta que los artistas que vienen están muy enfocados en lo que hacen que es tocar, eso hace relativamente más fácil el control. Aunque sin duda hay hechos que sobrepasan las fronteras y eso hace que las agencias y representantes internacionales pongan especial atención haciendo muchas preguntas, tenemos que estar preparados para contestarlas, para darles confianza y decirles que en México en efecto, hay cosas negativas, pero hay muchas más cosas positivas. ¿Este tipo se situaciones han obstaculizado la llegada de bandas a nuestro país? No en realidad, lo que pasa es que México crece en dos dimensiones, por un lado la parte emergente, la cosmopolita, esa

parte que se ve que crece, ahí está, pero al mismo tiempo en paralelo crece la otra, esa que tiene el sello de insegura y aún así el mercado de México para el mundo se ha convertido en algo realmente importante, me atrevería a decir que somos la tercera o cuarta ciudad más relevante para realizar conciertos. Evidentemente por eso estamos en el mapa en un lugar importante y por eso los artistas quieren venir, no hemos tenido casos en los que se nos diga un no rotundo por la cuestión de la inseguridad y esperamos que siga así como hasta ahora. ¿Existe la posibilidad de que eventos masivos como el Vive Latino se puedan reproducir en otras ciudades del país? Claro que lo hemos pensado, sobre todo porque el Vive funciona tan bien y conviven más de 100 mil personas con saldo blanco. Aunque por otro lado el que haya un festival tan representativo de una ciudad hace que se ancle ahí y se vuelva una bandera para la misma, así como se asentó Coachella en Indio, Lollapalooza en Chicago, etc. Esperamos que cosas como esta se hicieran en otras partes de la república, sobre todo porque hay puntos específicos donde la situación en cuanto a la inseguridad se refiere es más delicada, lo que afecta a las giras. Nos encantaría ver que bandas como Arcade Fire, The Strokes o Arctic Monkeys puedan hacer 10 ciudades en México y que la realización de estas no tenga ningún tipo de restricciones en su realización.

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Management Un vistazo al otro lado de la música

La importancia del manager dentro de la industria de la música Por: Fernando Gallegos Director de Marchante Management

El manager artístico es un eslabón trascendental en la cadena del mundo de la música y el espectáculo. La

principal obligación del manager artístico es la de crear las bases y un entorno propicio de desarrollo profesional para el crecimiento artístico de su representado (individuo/grupo). De brindarle –en base a su conocimiento, sensibilidad, habilidad en los negocios, visión a futuro y estrategias correctas diseñadas de manera específicaoportunidades claras, productivas y que permitan al artista tener una vida larga/próspera dentro del negocio. La relación correcta del artista/manager debe de estar basada en la complicidad y esencialmente en la confianza. Es algo muy parecido a “un matrimonio” y en ocasiones hasta más complejo. El verdadero manager artístico debe trabajar bajo cinco principios básicos: Planeación, Organización, Dirección, Desarrollo y Control. Y claro, entre sus aptitudes debe tener, primero, un amor incondicional a la música y entendimiento a la emotividad creadora de sus autores. Ser admirador del talento, tener buen gusto (me refiero a cualquier género musical), preferentemente ser un melómano compulsivo. Paciencia, entereza, fuerza y resistencia ya que el management es una variedad de los “deportes extremos”. Si es del tipo de scout buscador de talento, tener mucho valor para arriesgarse en nombre de un sueño, ser capaz de seguir su intuición y –por supuesto- tener algo que creo que “sólo se trae” y no se aprende en ninguna escuela: Sensibilidad.

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La realidad del management hoy en día Por: Ana Galleta Music Business and Online Marketing

Un manager además de ser obligato-

riamente multidisciplinario, tendrá que ser el mejor estratega. El éxito no radica en el simple entendimiento individual de las piezas, sino en la creatividad y asertividad para ensamblarlas y lograr echarlas a andar como una estructura de negocio funcionalmente operativa y redituable. La realidad es que hoy en día, aún los managers más consolidados están batallando. Y aunque las nuevas generaciones traen otro chip y “mejores competencias”, les falta la experiencia que sólo se logra tras recorrer el camino y vivirlo. Lo ideal será encontrarnos en un par de años a managers que tengan una fusión de ambas: experiencia y profesionalismo, mezclados con un mejor conocimiento del negocio y las nuevas tecnologías.

La evolución del manager Por: Ingrid Suárez Label Manager de Vega Management

Me

atrevo a asegurar que el manager clásico pasó de ser el que dirigía el circo de plástico a ser un integrante más de la banda, proactivo, que igualmente crece con el artista como integrante del proyecto. Pero existen también los managers que crean sus propios proyectos con la finalidad de cubrir ciertas necesidades del mercado y que generalmente están predestinados a funcionar. Los managers han tenido que ser mucho más humanos porque el talento es cada vez mas exigente, pues tiene a su alcance más herramientas para lograr los objetivos. Estas exigencias generan crecimiento especializaciones en quien va dirigiendo y representando artistas, lo que a su vez cierra el circulo a demasiados proyectos que representar y muy pocas buenas oficinas de management. Alguna vez una banda a la que comienza a irle muy bien y que duró mucho tiempo sin un manager estable me dijo: “para qué quiero un manager si sólo me va quitar un porcentaje de lo poco que gano por conocer a la misma gente que yo conozco, por cerrar lo mismo que yo puedo cerrar”. Como ejemplo y sin generalizar, las bandas grandes -top- no permiten que les digas qué y cómo hacer las cosas, cómo pararse, como vestirse o qué tocar y qué no; no necesitan quien les de instrucciones, sino quien les ayude a pulir lo que ya conocen, organizar toda su estructura, administrar su carrera y que a partir de ese punto tan exigente puedan sumar en todos sentidos, producción, expansión, internacionalización, grandes negocios. Cabe mencionar que aunque el fondo es el mismo la forma no, es decir, la industria de cada género musical opera diferente, el rock funciona muy diferente al pop, al jazz y world music, ó al regional.

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Fair trade: Ética en los negocios musicales Güili Damage, Músico

Cuando

“puse pie” por vez primera en LimeWire, andaba cazando rarezas de los Flaming Lips. Era el nacimiento de la descarga de música como la conocemos ahora (o como creemos conocerla... ). Teniendo una banda que produce música con la intención de venderla, mis valores éticos para bajarme las rolas de los de Oklahoma sin varo a cambio, residían en que se trataba de piezas que no se conseguían de modo alguno y que gustoso hubiera pagado un precio justo por obtener (algunos sencillos editados que tenían algunas de esas piezas, se disparaban en eBay a precios estúpidos, teniendo yo como un estándar decente, pagar los diez pesos mexicanos por canción, contra sencillos de 3 rolas de 70 dólares, nomás porque no alcancé a comprarlos cuando salieron o simplemente no le dio la gana importarlos a nadie). Así como yo me enfocaba en los inconseguibles —que sólo allí conseguía—, muchos amigos se enfocaban en álbumes que estaban a la venta en todas partes y al alcance de cualquier bolsillo, alimentando al Gargantúa que al paso de los años le puso merecidamente en la madre a la rapaz industria de la música que es hora, que no se le pega la gana adaptarse a los deseos y usos del navegante común, dejando los racks de las tiendas llenos de DVDs en rebaja y pocos o ningún CD. Como en muchos lados se ha escrito, el que perdió, como siempre, es el músico. Es un poco ofensivo, pero a fin de cuentas, un respiro, que las opciones para que el músico pueda seguir produciendo arte y haciéndolo llegar a sus apreciadores sale de los mismos que han “robado” su producción: los usuarios de la red y no las disqueras. Ya ahora, eso no importa: las opciones empiezan por la tienda en línea de iTunes y se van desgranando en un costal de variantes y obviamente de ventajas y desventajas. Se puede encontrar música a paladas en las versiones electrónicas de las revistas especializadas conocidas, en nuevas publicaciones electrónicas que nunca han visto la tinta ni el papel, en las e-tiendas de miles de disqueras independientes —que vieron la avalancha venir y actuaron a tiempo—, en servicios dedicados a la venta de música... todos estos y muchos otros, generando supuestamente una recompensa al creador de la rola. En cuanto a los métodos que no le generan una retribución, incluso me ha tocado ver a la concurrencia de

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muchas fiestas bailar la música de los videos que cargan al momento de YouTube. Fair Trade es un concepto que no me acaba de resultar completamente efectivo, al menos para el estándar del usuario latino, el cual sigue pensando en “¿por qué pagar si es gratis?”. Según entiendo, es un modelo efectivo con el que el artista se quita de intermediarios, haciendo llegar su música directamente al monitor de su posible comprador y con un mínimo de cuotas por hacerle la venta en línea. Si en México se sigue desconfiando de hacer una compra en línea (en parte por la fama de robos que no se puede sacudir Correos de México), con la constante de fraudes en tarjetas de crédito, es todavía difícil que la audiencia que tiene acceso a una tarjeta se anime a adquirir música por esta vía. Pero parándonos en el lado optimista de la transacción, en el que todo sale bien, no se asoman aún los U2s o los Metallicas del mundo a validar estos medios que cuentan con catálogos de lo mejor de la música nueva que no se transe de manera masiva. Por otra parte, los sueños de los músicos siguen estando en las limosinas con champaña, perico y chichonas y no se entiende el vivir de la música como un trabajo de producción y venta con legislaciones, derechos, obligaciones, contratos laborales, personal asalariado y tantas cosas más. Es entonces endeble, la voluntad de querer hacer llegar directamente la música a la audiencia, sin intermediarios, cuando no hay una cultura de disciplina, de trabajo, de comercio sano por parte de los músicos, ya ni enjuiciar a los compradores. Veo pues al Fair Trade en pañales, pero con la experiencia de la cornucopia de sorpresas que nos ha dado la web en 20 años, lo veo también como una opción más, un poco hippie, pero opción al fin, para participar en la vida y mundo del entretenimiento, que muta segundo a segundo.

“El comercio puede ser justo, para cualquier mercancía, es cuestión de principios” - H. Kissinger


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Fair trade: Ética en los negocios musicales Por: Elsa Núñez Cebada / Foto: Sergio Gálvez

La ética no es simple cuestión de filosofía,

voca que los músicos cometan errores que les condenan. debe ser una manera de vivir y desarrollarse, tanto Aldo Monterrubio comentó que “es necesario tener un como individuos, como integrantes de una sociedad plan para ser un rockstar (si esa es la meta), para ello no y de una industria tan complicada como lo es la mues tan necesario estar en una sociedad gestión, simplesical. “Yo siempre trabajo muy bien, pero no siempre mente es decir ‘Google is your friend’: Investigar”. sale bien”, fue el comentario con el que Sabo Romo, Una vez logrado el objetivo de darse a conocer y de miembro de Caifanes y Los Fingers, dio inicio con las estar en el proceso de aprendizaje, muchos músicos se enactividades del segundo día de Warp Convoca. frentan al terrible celo de la audiencia. Aquellos primeros La tan cuestionable ética y sus estándares fueron los fans que se sienten traicionados cuando su banda —ese temas sobre los que Robbie Lear, Managing director de secreto tan bien guardado— da el salto al mainstream, un EMI Music; Aldo Monterrubio, Presidente de CTYCS claro ejemplo fue planteado por Sabo Romo y el éxito que Entertainment; Gonzalo Herrerías, Vocero de la SGAE; Ferrepresentó La Negra Tomasa para Caifanes en 1988. nando Gallegos, de Marchante Managment y Sabo Romo “Hicimos ‘La negra Tomasa’ como una broma de una platicaron, y coincidieron en que es una cuestión de prinborrachera semanas atrás, no la incluimos en el primer cipios personales que se fomentan en el núcleo familiar y disco pero se nos ocurre tocarla en un programa de telefunciona conforme a las circunstancias que se viven. visión y se convierte en un éxito. Nos llega una invitación En relación con las disqueras, Robbie Lear afirmó que “es necesario plantear la situación desde dos puntos de vista: el personal y el corporativo. Como artista debes tener claro el rumbo que quieres tomar y estar con una compañía que se apegue a ello”. Mientras que Fernando Gallegos destacó la necesidad de los nuevos talentos de encontrar la *De izquierda a derecha: Gonzalo Herrerías, Olivia Luna, Fernando Gallegos, Aldo Monterrubio, manera de dar a conocer Robbie Lear y Sabo Romo su propuesta. “El artista busca un escaparate a cualquier precio, es por ello que muchos novatos caen en el error de prácticamenpor parte de Raúl Velasco para ir a ‘tocar’ a su prograte, firmar contratos con sangre. Existe la buena voluntad ma y decidimos ir. Al día siguiente de la presentación, de la que muchos se aprovechan aplicando la ‘ley del caminando por Coyoacán, no faltó el que nos llamara embudo’ (mucho para pocos, poco para algunos)”. ‘vendidos’. No íbamos a rechazar la oportunidad de que Para evitar caer en penosos incidentes, lo primero las miles de personas que veían el programa cada doque nuestros expertos recomendaron fue acercarse a mingo se interesaran en nosotros. Para nuestro siguiente organismos de gestión como la SGAE (Sociedad General concierto 30 mil personas fueron a vernos”, relató. de Autores y Escritores), representada en este diálogo Finalmente, los invitados concluyeron que la ética es por Gonzalo Herrerías, quien comentó que “lo importante una de las bases esenciales del negocio de la música en estos tiempos es estar informados, protegidos y bien de la que en la que tanto músicos como las compañías enterados de lo que está pasando. Cuidar lo que se hace”. deben salir beneficiados, además de que es indispenMuchas veces, la misma inexperiencia es lo que prosable estar cobijados por el conocimiento.

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Nuevos Negocios José Puig, Managing Director de Universal Music México Texto y Foto: José Luis Montaño Pillo

Desde tu perspectiva, ¿hacia donde crees que va el negocio de las disqueras con la música? Va hacia el 360 grados por completo, si vas a invertir en desarrollar un producto, ¿por qué te vas a quedar fuera de los beneficios que genera en todas sus áreas? Ahí vamos las disqueras, a tener el beneficio que genera un producto desarrollado y posicionado en el mercado con un valor X para los que quieran consumirlo, todavía no estamos ahí, pero hacia ahí vamos, asegurarnos de que si uno de nuestros artistas tienen un concierto, también percibamos.

¿Crees que la industria de la música esta en crisis como algunos piensan? Definitivamente la industria no esta en crisis, lo que si es cierto es que la venta física del CD, paulatinamente en los últimos seis o siete años ha bajado en un 60 o 70 por ciento. Hoy en día estamos firmando artistas para tener participación en todo lo que puedan generar, desde conciertos, merchandise, su imagen, canciones, haciendo también uso de la plataforma digital que hemos desarrollado para poder equilibrar lo que ya no se vende hoy físicamente. Creo que los promotores de eventos no pueden hablar de crisis, de hecho los últimos tres años han sido los mas boyantes en México. Esto lo pregunto por que mucha gente piensa que la piratería existe gracias a que las disqueras elevan mucho los precios de los discos, pero es algo que se reparte entre varios rubros. Pero sabes, esa batalla esta perdida, no puedes competir contra algo que es gratis, cualquier precio que pongamos va a ser caro para la gente, ya que piensan que la música es gratis, por que lo pueden bajar de sitios web (ilegales), y el disco que compras en la calle con la piratería no tiene valor, es un disco robado, por eso lo venden a un costo tan bajo, porque nadie paga costos de marketing, ni regalías a nadie.

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Hablando de esto, ¿crees que en algún momento exista una competencia entre los grandes managements que hay ahora y disqueras? No, competencia no, estamos destinados a empujar todos el mismo carro, cada uno estamos especializados en áreas diferentes, los managers van a seguir existiendo, los artistas son seres humanos y necesitan a alguien que los represente y hable por ellos, de otro modo, el artista pierde la perspectiva de lo que tiene que hacer, que es crear. Nosotros no queremos hacer management, no tenemos un departamento así dentro de la compañía, nosotros lo que estamos diciendo es que queremos una participación de lo que genera el artista en los conciertos, imagen, merchandise, y que antes se llevaba el manager solamente. Por último, de acuerdo a tu experiencia y opinión, ¿en que momento crees que se encuentra la industria de la música en México? Es de las mas vivas del mundo, en 2009 fue de los únicos 2 países que logró vender en valor la misma cantidad que el año anterior, México junto con Brasil son los países que mas vivos están incluso en comparación con Europa, lo que pasa es que no es como antes, antes teníamos los recursos para dedicarnos a estar en diferentes nichos de mercado, y gastar en diferentes cosas donde hoy las independientes pueden encontrar su futuro, hoy en día nosotros nos dedicamos mas al mainstream, ya que es ahí donde podemos concentrarnos para generar negocios y sí, seguimos con otro tipo de bandas de nicho a las que apostaremos para llevar al mainstream, pero no podemos tener tantas, así que antes de joderles la vida, les damos su carta de retiro para que puedan seguir, no queremos retenerlos sin moverlos y seguir nosotros con perdidas, actualmente hay que justificar cada peso que se gasta para poder tener un retorno y así no hacer recortes de personal, no es crisis, simplemente es adaptarse a las nuevas reglas del negocio.


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*De izquierda a derecha: Chato, Alejandro Garza, Gabriela Gómez, José Luis Montaño y Alfonso Loera Castellanos

Nuevos negocios Por: Miguel Nava / Foto: Samantha López

¿Es verdad que hay crisis en la música o la crisis se encuentra en los modelos para hacer negocio con la música? ¿Qué o cuáles son las nuevas formar de crear mercados y obtener ganancias de la música? Este es fue el tema principal de esta mesa de debate WARP MAGAZINE que contó con la participación de José Luis Montaño (COO Sentido Común), Gabriela Gómez (Dir. Booking Wolves), Alejandro Garza (CEO Rockactivist y músico Terminal 3), Chato (Manager) y Alfonso Loera (Dir. De MKT y socio fundador de Eureka & CO.), como moderador. “No hay crisis en la música, la crisis se encuentra en los modelos de negocios tradicionales” señala José Luis Montaño. Ya es momento de buscar y encontrar nuevas formas de negocios en la música, el encontrar nuevos públicos consumidores en potencia utilizando la tecnología como los streaming en vivo, web móvil. Hace mucho tiempo el artista dejó de vivir por las ventas de los disco, esa forma ya es obsoleta y dentro del porcentaje de ganancias ocupa un mínimo, por lo mismo la necesidad de buscar y crear nuevas formar de poderse mantener vigente dentro de la mente del público por medio de diversas formas como el merchandise comentó Gabriela Gómez. Chato lo ve como la sustentabilidad de la propia banda y marca un ejemplo como Zoé que sacaron una línea de ropa para niños, chavos y chavas; otros son Austin TV que a pesar de no tener un disco nuevo, están vigentes en playeras.

Una de las prioridades actuales es el apoyar al músico al 100 por ciento. Otro problema que hay en la música es la total falta de imaginación de las bandas, apunta Chato que “se puede mencionar un chingo de bandas del DF pero no puedo mencionar si quiera 10 que estén marcando el momento” suenan a lo mismo y eso es lo que frena el desarrollo de las bandas y de la industria. “El repetir esquemas no es fórmula para el éxito” dice Jose Luis Montaño, no por que a una banda le funcionó años atrás, a ti te va a funcionar, hay que ir innovando ya que cambian mucho los tiempos y los parámetros. “La industria de la música está de lo mejor en estos días, el problema es la industria del disco”, argumenta Alejandro Garza y para esto se piensa en cine, playeras, muñecos, stickers y demás para hacer dinero a raíz de la música. Actualmente los músicos obtienen más dinero por estos medios: ventas (de boletos de conciertos y merchandise), licencias (videojuegos, películas), patrocinios (marcas), regalías y por último de los disco comenta Alejandro Garza. Cualquier banda puede emprender nuevos negocios, sólo es cuestión de actitud, entrarle a todo en lo administrativo, hacer buen uso de las nuevas tecnologías, tener alianzas con marcas, tratar de reinventarse, estas son las bases para poder crear nuevos mercados potenciales. Como dice Alejandro Garza “Para hacerla en la música hay que ser trabajador y muy creativo”.

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TEMPORADA5 LATINOAMร‰RICA

ESTRENOS

JUEVES 8:00PM (Mex/Arg/Col/Bra) 08:30pm Vzl, 07:00pm Chi

REPETICIONES

Sรกbados 9:00pm (Mex/Arg/Col/Bra) 09:30pm Vzl, 08:00pm Chi


Julieta Venegas Spoon Minus The Bear Javiera Mena / DapuntoBeat White Lies Regina Spektor Los Bunkers The Temper Trap Kate Nash Chikita Violenta / Ra Ra Riot Pante贸n Rococ贸 Faithless Enanitos Verdes


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La marcas y la música Alejandro Garza, Director General de OCESA Comercial Por: Alejandro Franco / Foto: Samantha López

podía ser. Entonces te digo, llegabas al estadio “X” y decías este es Coca-Cola, quítalo porque es Menudo y lo trae Pepsi; para afuera Coca-Cola y metías Pepsi. Ahora no se puede, ahora tienes que tomar en cuenta el patrocinador, la exclusiva que tiene el estadio, y no sólo eso, ya tiene nombres, el Foro Sol, el auditorio Banamex, los teatros Telmex.

¿Cuál es el primer recuerdo que tiene en México de una relación directa entre una marca y la música? Mira, a mí no me tocó, pero es famosísima la caravana Corona, que hacía el señor Vallejo. La caravana Corona recorría (no existía Siempre en Domingo), así que la caravana iba a cada pueblo. Entonces hacían hasta tres o cuatro shows por día, cantaban en Querétaro, agarraban un camión la primera parte del evento, se iban a Celaya mientras los otros seguían cantando, estos se volvían a ir y se iban hasta León, y hacían cuatro eventos. La caravana Corona, para mí desaparece porque entra Siempre en Domingo, y Siempre en Domingo era la caravana Corona, pero todos los domingos y gratis. Y podías ver a Julio Iglesias, Camilo Sesto, el lanzamiento de José José y de Emanuel, etc., gratis. ¿Cuáles eran las restricciones o cuáles eran las complicaciones más grandes para involucrar una marca con la música?, hablo a nivel artista, a nivel management. Yo creo que era mucho más fácil, no había tantas reglas, no se había descubierto ese mercado, lo que

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Digamos que en el sentido comercial se ha ido profesionalizando … Se ha ido descubriendo el mercado y cada quien va pidiendo una cosa más y se van descubriendo, se puede esto, no se puede esto, quiero una foto con el artista, el artista ya sabe que se la van a pedir, y entonces el manager te dice si es foto con el artista sólo quiero cinco y cinco minutos. Se van estableciendo las reglas del juego, va evolucionando como ha ido evolucionando el futbol, de una manera o de otra. ¿Hoy en día es muy difícil negociar con un artista al decirle que se va a presentar en un lugar donde hay un patrocinio de una marca importante o que tiene que hacer cierta actividad comercial? Sí, hay que platicar lo de los contratos, los patrocinadores ayudan mucho en la difusión. El dinero del patrocinador se usa principalmente en las grandes campañas de prensa, radio y televisión. Entonces al artista le conviene también el patrocinio para que su espectáculo sea exitoso. Cuando es un local con el nombre, te digo, desgraciadamente o afortunadamente, todos los locales tienen un nombre comercial en Estados Unidos y acá. El teatro Kodak de Los Angeles, ahí se hacen los Oscars, el American Lines en Miami; entonces el artista si quiere trabajar va tener que la mayoría de los locales traen aparejados el nombre.


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*De izquierda a derecha: Alfredo Martel, Antonio Alpizar, Marcos Linares, Eduardo Montes y Pako Zepeda

Las marcas y la música Por: Elsa Núñez Cebada / Foto: Sergio Gálvez

Marca,

música y público es una fórmula que desde hace un tiempo se está poniendo en práctica para la organización de festivales musicales en México. ¿Quién puede olvidar el —ahora— legendario MxBeat auspiciado por una cigarrera que, además de reunir importantes talentos, vendía su boletaje en precios prácticamente significativos? Desgraciadamente el proyecto no volvió a llevarse a cabo luego de cinco exitosas ediciones. Alfredo Martel, director MC Media; Pako Zepeda, de Zepeda Bros.; Antonio Alpizar, de My Rocket Music, y Marcos Linares, Subdirector de mercadotecnia de Telcel y Rockampeonato, fueron los encargados de verter sus opiniones al respecto en una charla en la que se cuestionó el papel actual de las marcas con respecto a la industria musical, principalmente en el terreno de los festivales. “Estamos viviendo un momento que se debe aprovechar, las marcas le están apostando a la música. De repente, todas decidieron pasar al siguiente nivel involucrándose así con los jóvenes, proponiendo plataformas de creatividad”, aseguró Marcos Linares, portavoz de Rockampeonato, concurso que a lo largo de cinco años ha logrado consolidarse como un importante impulso para las agrupaciones emergentes. Muchos nos preguntamos ¿qué es lo que ha llevado a que las corporaciones decidan invertir en la música? Evidentemente no se trata de una situación fortuita, “las marcas ven la fractura de la industria y están actuando, voltean a ver a la música como una manera más fácil de llegar a la gente, sin importar edades”, señaló Alfredo Martel. Antonio Alpizar agregó al respecto: “veo a las marcas y la música como vehículos que han permitido cambiar la percepción de la gente, es un actuar de conveniencia”.

Y efectivamente, lo es. Obviamente la marca se va a ligar a aquello que le genere ganancias y que le permita llegar a un target específico, mientras que el artista ve a la marca como un vehículo que le ayudará a difundir su música a grandes audiencias sin necesidad de tener miles de álbumes vendidos o, incluso, sin una carrera consolidada. “Depende de los artistas no perderse en el camino; ya que hay una línea entre su imagen y la marca con la que está trabajando”, apuntó Martel. Lo anterior también aplica con el público, por lo que Marcos Linares señaló: “la nueva generación de melómanos no tiene ningún problema en convivir con marcas mientras sean honestas, aunque debo aceptar que el público de ciudades como ciudad de México, Guadalajara y Monterrey es difícil de complacer, mientras que en Hermosillo la gente acepta asistir a un evento gratuito mientras les lleves música de calidad”. Con el público ya educado y acostumbrado a la presencia de una empresa en su experiencia como asistente a un festival, Pako Zepeda consideró que “podemos y merecemos hacer mejores festivales. Vive Latino se ha gestado muy bien durante sus 11 años de historia”. Por otra parte, existe el riesgo al que el capital y la credibilidad de una empresa se someten al exponerse a este tipo de ejercicios. Un claro ejemplo es Snickers Urbania que comenzó con una audiencia de 8 mil personas y que, en su última edición, registró 130 mil asistentes. Es por ello que Alfredo Martel insiste en que “todo tiene que ver con la continuidad que las empresas le den a sus eventos y de cómo se involucren con las agencias y promotoras”.

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Producción: tendencias, el sonido a seguir Sacha Triujeque, Músico / Productor

Entrando

en el tema de la industria de la música mexicana actual, para mi gusto va por buen camino y está evolucionando como es natural (poquito, lento, pero ahí va). Hablo en términos de originalidad y creatividad más que nada. Yo creo que hay buenas propuestas en nuestro país, cada vez más originales.

Aunque todavía hay muchos artistas prefabricados que no proponen nada genuino ni autentico, están surgiendo artistas que de verdad proponen algo fresco y alternativo al pop musical y sus géneros. A manera de sugerencia, en cuanto a tendencias y sonido a seguir, artistas, compositores y productores deberían salir de la formulita pop de radio básica. Con eso invitarían a la audiencia a expandir sus horizontes y gustos musicales. Hay que salir mas seguido de “la caja”, experimentar más, romper las reglas, fusionar estilos e instrumentos. Y en la producción trabajar más las texturas y timbres de cada elemento en una canción, sin descuidar la originalidad del contenido lírico. A menos que por concepto sea una canción de chiste, que es válido. Todo esto que digo es sólo una crítica constructiva para lograr hacer más y mejor música que trascienda a través

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del tiempo y las fronteras, no sólo de Latinoamérica. ¿A qué nivel se produce en México? Hablando de calidad de audio, yo creo que la producción va subiendo de nivel con el tiempo. Aún hay camino que recorrer en cuanto a originalidad. Hoy en día, con la facilidad que existe de tener los “fierros” básicos para grabar un disco, algunos artistas caen en el común error de quererlo hacer todo solos. Yo creo que en cualquier producción es sano colaborar con un buen productor que objetivamente y definiendo un concepto musical, lo realice con el artista de la mejor manera posible. Ok. Y ¿hacia dónde va el sonido? ¿Qué rumbo seguir? Para empezar, no creo que las copias torpes de artistas norteamericanos o europeos, que de cierto modo marcan el sonido internacional a seguir, sea la manera en que la música que se produce en México trascienda. Yo creo que la producción musical debe de carecer de rumbo fijo, pero sí que cada artista y productor defina bien su concepto. En este proceso es importante la relación artistaproductor-ingeniero. Yo creo que para que la música siga siendo fresca y original hay que olvidar que hay un sonido o tendencia a seguir. Hay que fusionarlos para lograr música más original. Y así, con talento, dedicación y perseverancia, lograr algo nuevo que deje una marca musical que llegue más lejos. Sólo experimentando más como lo hacían Los Beatles, Pink Floyd, David Bowie, The Cure, Depeche Mode, Nine Inch Nails (por mencionar unos pocos), se puede trascender en la producción musical. Buen camino. Sax.


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Producción: tendencias, el sonido a seguir Por: Leonel Hernández / Foto: James Alberich

En la creación de la música, el papel del productor es

pieza clave para definir el sonido de una banda o artista. En algunas ocasiones, el nombre del productor que respalda el trabajo de un músico puede incluso opacar al mismo músico, por ejemplo: Rick Rubin, Timbaland, Bob Rock o Trent Reznor. Pero ¿qué sucede en México? ¿Cuál es en esencia el trabajo del Productor? ¿Por qué está su nombre en el booklet? ¿Sucede que el trabajo del productor puede cambiar radicalmente el sentido de un artista?. WARP MAGAZINE, durante su ciclo de mesas de debate trató este tema en una interesante platica con algunos de los productores más creativos de México. ¿Qué es un productor? Es la pregunta inicial. Iñaki, tecladista de Fobia, definió al productor como el integrante más rígido de la banda y el mejor espectador posible —como lo afirma Gerry Rosado, de Discos Intolerancia— y al mismo tiempo, es la persona que se encargará de sacar lo mejor del artista, que lo hará sonar lo mejor posible. No es sólo grabar al músico, sino también tener el oído y la creatividad para experimentar y hacer de cosas objetivas algo muy subjetivo como lo es la música. Algo en lo que estuvieron de acuerdo todos, es que el tomar cierta distancia con el arte del músico y dedicarse a hacer que “suene bien”, son parte del trabajo del productor. En términos prácticos ¿cuál es la función del productor en el estudio? Erick Epartacus, productor de bandas como Alison, o Rebel Cats, dijo que las “chambas” van desde seleccionar un repertorio, un orden en la grabación, determinar tipos de micrófonos se van a usar, en qué estudio se va a grabar, qué distorsiones o efectos aparecerán, y todo eso se va aprendiendo de manera instintiva, pues las escuelas en México son algo prácticamente nuevo. Los panelistas coincidieron en esto, y que en su momento, ellos aprendieron de manera paulatina, sin escuelas, y a tener esa sensibilidad de manera casi autodidacta, pues, dicen, es algo más orgánico, de ensayo y error, que no puede mecanizarse, ni existe una fórmula mágica para el éxito en una canción. Otro punto importante que trataron fue el de la mezcla o masterización que, casi siempre, es sinónimo de un buen disco cuando estuvo bien hecha. Para ello, recomendaron que este proceso lo haga alguien ajeno a la banda y al productor, alguien con oídos frescos que no haya escuchado las canciones antes. La plática también se inclinó hacia cómo se traba-

ja en México y sobre los precios, pues las horas de estudio representan una inversión fuerte para el artista. Aunque, por otro lado, hoy en día las herramientas están ahí, el sentido de lo “indie” está hoy más vivo que nunca, pues las bandas pueden producir su disco prácticamente solos, esto lo afirmó Sacha Triujeque, productor regiomontano de Control Machete, Sargento García, Sussie 4 entre otros. Al tener más acceso a la tecnología, hoy es cada vez más fácil que un músico o banda produzca su disco desde su casa y se autogestione. A pesar de todo, apuntó que sí es necesario tener a alguien que oriente al músico y que lo lleve por un camino para plasmar lo que realmente quiere proyectar. El papel del productor es un papel sumamente importante, y el trabajar con un productor es la oportunidad de que el músico se escuche mejor de lo que ya se escucha, y para darle la vuelta de tuerca a un sonido definido, para encontrar una nueva tendencia.

*De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Erick Espartacus, Sacha Triujeque, Gerry Rosado, Chuck Pereda e Iñaki Vázquez

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Números de la Industria Musical Fuentes: Asociación Mexicana de Productores de Fonogramas y Videogramas, A.C. México DF 2008, 2009 y 2010 de los primeros veinte discos (Formato físico) más vendidos en los últimos tres años en las principales disqueras antes mencionadas / Páginas oficiales de todas las disqueras.

EMI MUSIC

Artistas Nacionales: 23 = 18.25% Artistas Internacionales: 103 = 81.74%

UNIVERSAL MUSIC

WARNER MUSIC

Artistas Nacionales: 14 = 24.13% Artistas Internacionales: 44 = 75.86%

400 MDD perdió la industria musical en México en los últimos 3 años.

DISCOS INTOLERANCIA

Artistas Nacionales: 59 = 68.60% Artistas Internacionales: 27 = 31.39%

MADAME RECORDS

SONY MUSIC

Artistas Nacionales: 52 = 19.04% Artistas Internacionales: 221 = 80.95%

Artistas Nacionales: 64 = 40.25% Artistas Internacionales: 95 = 59.74%

2 millones de personas en el mundo trabajan en la industria musical.

Lady Gaga ha vendido por Internet más de 15 millones de canciones.

30% de los ingresos de las disqueras se invierten en nuevo talento.

Artistas Nacionales: 9 = 100% Artistas Internacionales: 0 = 0%

Principales disqueras de México: Sony, EMI, Warner y Universal, juntas controlan aproximadamente el 65% del mercado nacional de música.

ARTS & CRAFTS

Artistas Nacionales: 3 = 7.14% Artistas Internacionales: 39 = 92.85%

TERRÍCOLAS IMBÉCILES

Artistas Nacionales: 8 = 47.05% Artistas Internacionales: 9 = 52.94

10 billones de mp3 se han descargado en iTunes

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Redes sociales y digitalización de la música Jorge Rugerio Director de Grita Radio

Hace poco recordaba la tienda,

Virgin Records Megastore, que lograba ventas por 300 millones de dólares anuales por concepto de música y derivados. Pero a principios de la década pasada disminuyeron sus ventas abruptamente. Una nueva generación consumía un simple reproductor de música donde podía almacenar tracks sin repetir un tema durante meses. Es sorprendente ver cómo la venta de música en línea creció y se fortaleció paralelamente de nuevos proyectos en redes sociales. Y ver como, si una disquera no te descubre, firma, graba, promociona o distribuye, ahora con una buena PC en casa y buenos plugins podrás hacer un digno trabajo.

“Sólo existe el progreso cuando se piensa que siempre se puede hacer algo más” - G. Marconi En la red hay infinidad de tutoriales en audio o video, donde especialistas o productores de música pueden llevarte paso a paso en la grabación de tus canciones. Si un medio tradicional no te quiere tocar para promocionarte, ser amigo de Tom y su Myspace es buena opción o ser de legión Reverbnation, Soundcloud y más, te permiten colocar tu música en cualquier parte. Un blog bien administrado de manera PERMANENTE con todas tus actividades hablara bien de tu trabajo. Si tus cuates estudian o son aficionados al cine y tienen cámaras de esas que envidiaría hasta el mismo Spielberg por su capacidad y costo, y te graban mínimo a dos tiros tu tocada en vivo y un cuate graba con un editor de audio en su PC portátil para luego empatar audio y video y armarte un clip en un editor casero, hasta sales con video para presumir y colgarlo en un Vimeo, Dailymotion, YouTube u otros.

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¿Quién demonios te promocionará? En los setenta, ochenta y noventa la onda era el flyer de mano en mano donde se mandaban a imprimir de quinientos hasta dos mil, ahora con una invitación que armes en Facebook en un click llegas a miles. Definitivamente creo que esta es la mejor época para la música con el apoyo de las redes sociales y la suma de programas libres que facilitan la creación artística. Finalmente el verdadero autor de una obra esta pendiente de su trabajo en todo momento. Se promociona en plataformas distintas, se llena de imaginación, quizá lo único malo es que entre un mar de propuestas muchos se hunden por no ser constantes, creativos y pacientes. El Internet pronto será completamente estable en su enlace con movilidad. Una nueva generación pensará “¿para qué encender una radio tradicional donde no dejan de regalarte planchas, tazas o te repiten la música una y otra vez inundándote por igual de publicidad?”. Los medios convencionales descubrieron las redes sociales pero sólo retransmiten su contenido. La mayoría no genera contenido propio para Internet. Gran desarrollo tecnológico para estancadas ideas. Es sorprendente ver en 2011 cómo marcas de cerveza, refrescos y más defienden la música y más por Internet. En Europa cerca del 80 por ciento de la navegación está sustentada por adolescentes entre 11 y 16 años de edad. La herramienta de Internet fue creada y otorgada para un uso libre, global, capaz de acercar ciencia, tecnología, economía entre muchos otros temas y no sólo música. La música frente a las redes sociales tiene una gran oportunidad de hacerse presente de forma global, de salir de un mercado de confort y conocer en un clic melodías generadas en cualquier lugar del planeta. Los que apuesten por este lenguaje no serán los que se conformen por este limitado escrito, serán aquellos que sus ideas vayan mas allá de simples consejos, ya que la red guarda un gran tesoro en información ofreciendo la oportunidad de distinguir y comprobar entre lo verdadero y lo falso. Tan maravillosa herramienta el Internet, sus redes sociales, la tecnología de reproducción, como para seguir usando las mismas fórmulas. A sumar ideas y que no pare la música en una era de redes sociales y digitalización.


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Redes sociales y digitalización de la música Por: Leonel Hernández / Foto: James Alberich

Internet es un invento que ha cambiado la forma

pagaba por un disco y por el arte que éste traía. La múde comunicarnos, de relacionarnos y consumir productos. sica se ha abaratado increíblemente, y más hoy que es La música no es la excepción y sí ha sido la base para relativamente fácil hacer una buena canción. que muchas plataformas de la red se vuelvan fenómenos Ante esta situación, Dann Kalter mencionó que se mediáticos mundiales. requiere ser más creativos para explotar esta plataforma El caso de Napster hace algunos años puso en jaque el y ahí es donde entran las estrategias que las bandas y papel de la importancia de las disqueras para los artistas y los artistas deben de tener, porque los fanáticos ya no le bandas. Hoy fenómenos como Facebook, YouTube, Soundencuentran sentido a pagar casi 12 dólares por un disco cloud, Bandcamp y demás redes sociales están marcando en mp3, si ya no tienen el disco físico ni el libro con el arte la pauta para medir el éxito de los músicos. ni las fotos. Un ejemplo son los contenidos exclusivos, o ¿Qué sucede en México con la música y las redes socialos finales alterados en las canciones que no han sabido les? ¿Es realmente necesario para una banda nueva tener explotar en le mercado mexicano. un perfil de Facebook? ¿Qué tan fácil o difícil es el uso del Ante el hecho de que México vive una saturación Internet para promover un evento? de eventos y de nuevas bandas, Sopitas comentó que Éstas y otras preguntas se trataron durante la mesa los grupos ven en internet una situación muy fácil, ya de debate respecto a las redes sociales y la digitalizano se preocupan por hacer flyers y distribuirlos para ción de la música, con personalidades expertas en el promover su evento. uso de Internet como vehiculo de promoción musical, Mariana, Dann y Sopitas coinciden en que hay mucomo Mariana del Valle, Directora de Marketing de chas cosas que valen la pena en Internet y muchas otras SCLBits; Dann Kalter, director de Rockets Music, Franque no, y que depende mucho de cómo se use esta cisco Alanis “Sopitas”, periodista y locutor de Reactor, herramienta para promover la música. Bajo la premisa importante twitero y blogger, moderados por Edgardo súbelo-pruébalo-luego lo mejoras, para un artista o Domínguez, CDO de Sentido Común. banda nueva es importante responderse estas pregunUna de las principales aportaciones de Internet, y en espetas: “¿para qué quiero yo internet, si sólo tengo 3 fans? cífico del fenómeno MySpace, fue el descubrir nuevas bandas ¿Vale la pena abrir un perfil de MySpace o Facebook? y artistas y la promoción de eventos, hecho que en ocasiones ¿Cómo voy a alimentar de información mi perfil si lo puede desembocar en una gran cantidad de información inútil. reviso muy de vez en cuando?”. “Mucha gente ya no entra a MySpace por la gran Internet está para quedarse y hoy más que nunca reprecantidad de spam que ello convenía”, apuntó Mariana senta un nuevo paradigma de consumo musical. al hablar de las redes sociales orientadas a la música. “Internet es una buena herramienta, pero puede pasar al otro extremo, realmente te da hueva revisar tantos eventos”, agregó. Y aun así la digitalización es un tema de nicho. Plataformas como Soundcloud, YouTube y las suscripciones a páginas oficiales, han hecho que la música pierda cierto valor porque al final sólo *De izquierda a derecha: Edgardo Domínguez, Mariana del Valle, Francisco Alanis ¨Sopitas¨ y Dann Kalter se descargan ceros y unos, cuando antes se

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La nueva vieja escuela Julio Muñoz, Co-Fundador, fotógrafo y videoasta de www.lightandnoise.tv

De

unos años para acá los shows y festivales se han convertido en una fiesta en donde el fin principal es divertirse sin importar que banda esté tocando, algo totalmente contrario a la esencia del acto de ver una banda en vivo (una situación muy triste para algunos y muy buena para bastantes empresarios alrededor del mundo), ya el colmo es que festivales sean sold out antes de anunciar su line up, ¿Qué gente está asistiendo a esos festivales? Por suerte no todo esta perdido, una nueva generación esta despertando en nuestro país haciendo las cosas de una manera más real, como la vieja escuela lo hacía; bandas como Tungas, Rodeo y Us Against The World están logrando que ir al Alicia se sienta como a principios de los 2000; bandas como Nazareno El Violento, Walle, Propia Actitud, Sankinpankin y Ratas del Vaticano haciendo 7” y splits hacen pensar que el hardcore esta más vivo que nunca, o el regreso de la vieja escuela como Gula, División Minúscula, Hummersqueal y Austin Tv que reiteran que no toda esa generación se perdió y muchos siguieron luchando y ahora son las bandas que uno toma de referencia para hablar del pasado; o bandas como Los Románticos de

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Zacatecas que hacen giras en las casas de sus fans y no en bares; o Juan Cirerol que toca en cantinas, taquerías o en donde le plazca; está también El Sagrado (como muchas bandas que entienden a donde va la industria o tal vez no la entienden si no que simplemente no les importa esa palabra) regala su EP, porque lo importante es compartirlo y que más gente conozca lo que hace, ya el dinero llegara después o tal vez no, pero si no sueltas tu disco difícilmente se dan a conocer; o Vicente Gayo y Hong Kong Blod Opera tocando en las calles de Austin, Tx en el festival SXSW para hacerse escuchar, son esas bandas las que están haciendo que esto no muera, que los shows no se vuelvan una moda, son estas bandas las que están despertando y que harán que muchos chicos abran los ojos y cambien lo que pasa en esta industria, por eso no todo esta perdido, como dijo Ian Mackaye “el éxito no es una meta, el éxito esta en el hacer” sólo es cuestión de voltear al otro lado y no a los lados que te dicen los monopolios que voltees, aún hay esperanza que la gente pague un boleto para ver a la banda y no solo pague para decir que estuvo en la fiesta del año, aún hay esperanza que la nueva vieja escuela logre que en 10 años cuando miremos al pasado recordemos como unos cuantos cambiaron todo y no se rindieron.


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*De izquierda a derecha: Gabriel Escamilla, Ignacio Reglero, Rulo, Alejandro Franco y Benjamín Salcedo

Medios de comunicación especializados en música Por: Abraham Huitrón / Foto: James Alberich

Como

parte de las actividades de Warp Convoca, se realizó el panel titulado “Medios de Comunicación Especializados en Música”, el cual contó con la participación de Ignacio Reglero, Director de estaciones musicales Televisa; Rulo, Programador y locutor en Reactor 105.7 y director editorial de Frente; Benjamín Salcedo, Director de Rolling Stone México, y Gabriel Escamilla, Director de la Ke Buena. El panel fue moderado por Alejandro Franco, CEO de Sentido Común. El debate comenzó con la discusión acerca de a quién está dirigido cada medio. “Nosotros vamos dirigidos a la mayoría del público”, mencionó Nacho Reglero, mientras que Gabriel Escamilla aseguró que su propósito es programar música popular mexicana además de “facilitarles la vida” a sus escuchas ofreciéndoles “buena vibra”. “Reactor es un caso especial”, afirmó Rulo, ya que son una radio pública y dependen del gobierno; sin embargo, aseguró que a la hora de escoger las canciones que tendrán rotación, tienen claro cuál es el tipo de música que programan además de tomar en cuenta otros aspectos como la calidad y trayectoria del artista, y de atender las peticiones del público. Benjamín Salcedo fue más preciso al afirmar que en Rolling Stone aparece “lo más popular y exitoso en rap, rock y pop”. El siguiente tema fue el público. Varios de los ponentes coincidieron en que en la actualidad la audiencia es más abierta y tiene un mayor acceso a cualquier tipo de música

gracias a las nuevas tecnologías. “Siempre ha pasado, pero ahora es más evidente que el público está más abierto”, mencionó Rulo, a lo que Benjamín aseguró “la tecnología ha ayudado al desarrollo de la música, el acceso es libre pero primero hay que conocer a los artistas para bajar su música”. Después fue el turno de hablar acerca de la publicidad. Todos, a excepción de Rulo, coincidieron en que obtienen sus recursos gracias a la publicidad, en el caso de Frente es por medio de socios. “La publicidad cada vez quiere meterse más con tu contenido”, afirmó Benjamín, haciendo alusión a que a veces se quiere engañar al público disfrazando alguna nota o información cuando en realidad es para promocionar algo. “Hay que ser claro con el público y decirle cuál es pagado y cual no, hay que ser honesto, de ello depende tu credibilidad”, aclaró Rulo. Por último, hablaron acerca de los medios no tradicionales como Internet, en donde surgen proyectos que publican información que no aparece en los medios convencionales, tal es el caso de Pitchfork Media en Estados Unidos. Llega un punto en el que son cada vez más conocidos por el público “después crecen, viene la sustentabilidad y se vuelve más comercial”, afirmó Benjamín. Los ponentes coincidieron en la falta de medios de comunicación de rock en México. “Carecemos de muchos espacios en muchos medios”, afirmó Benjamín citando el caso de las dos únicas radiodifusoras especializadas en rock, Ibero 90.9 y Reactor 105.7, y el caso de la televisión abierta, en donde no hay nada.

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Reflexiones de un artista mexicano en el mundo Una charla con Rodrigo Sánchez (Rodrigo y Gabriela) Por: Alejandro Franco, CEO Sentido Común

Rodrigo y Alejandro, en la cuarta temporada de Sesiones con Alejandro Franco

Mi

columna mensual tenía que ser distinta para este número especial acerca de la Industria Musical Mexicana. Venir con algo enteramente subjetivo me parecía no sumar al ejercicio periodístico de este número por lo que creí conveniente platicar con un buen amigo acerca de su experiencia en la industria musical primero en México y luego a nivel internacional. Su historia (la de Rodrigo y Gabriela) es muy particular, pero ya tendré oportunidad de contarla en el documental que estoy dirigiendo acerca de ellos. Lo que puedo resumir en pocas palabras es que son mexicanos, chilangos para ser exactos y que su exitosa carrera musical no comenzó aquí… empezó en Irlanda hace ya algunos años. No son muy conocidos en México porque no arrancaron aquí, aunque si hubieran arrancado aquí, seguro no serían conocidos en el mundo… y quizás tampoco en México.

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Ustedes siendo mexicanos tienen un enfoque diferente acerca de la Industria Musical Mexicana, ya que ustedes desarrollaron su carrera en el extranjero… Eso es evidente, nuestra carrera la iniciamos en un país europeo (Irlanda). Desde ese momento cambia nuestra percepción de la industria tanto nacional como internacional y la verdad es que, desconocemos como opera la industria mexicana actualmente, aunque conocimos una parte cuando quisimos hacer un grupo de metal en los noventa y por lo que me dicen creo que no ha cambiado mucho. En esos momentos no nos dábamos cuenta de la falta de apoyo porque no conocíamos otra cosa. Cuando nosotros comenzamos a tocar en Dublín nos parecía extraño que otras bandas no apoyaran prestándonos equipo o simplemente portándose de la mejor menara que te puedas imaginar y en México eso no pasaba… Por eso pensábamos que la carrera musical es una lucha y en realidad no tiene porqué ser así; al contrario, siempre tiene que ser un placer compartir la música con tus colegas y con el público.


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¿Cuáles fueron los primeros rasgos de diferencia que notaste teniendo un proyecto musical en México con respecto a tenerlo en otro país? En primer lugar te sientes con más seguridad, más protegido por la industria ya que no hay una guerra constante interna. Te sientes más libre, te pueden enfocar más en la música. Algo muy importante es la estructura; por ejemplo, en Irlanda desde las primeras tocadas debías de tener un manager, algún sello que sin ser de los más importantes por ser independientes, estaban cada semana alcanzando los primeros lugares compartiendo con los sellos transnacionales. Esto hace que una banda que va comenzando lo haga de una manera profesional. Cuando estábamos en México fuimos nuestros propios representantes, pensar en la idea de tener un manager no era posible, perdíamos más tiempo buscando hacer tocadas en diferentes partes y no podías concentrarte en la música, mientras que en lugares como Europa, todos tienen su rol bien definido.

Rodrigo y Gabriela

¿Crees que la globalización le da más oportunidades a proyectos mexicanos que empiezan y a la misma Industria Mexicana ante el mundo? Ha habido un avance aunque no quiere decir que tenga un reflejo de manera internacional. Puede ser que una banda llegue a otras partes del mundo, pero mientras no tengan presentaciones ante públicos locales y solo mexicanos o latinos, no podemos decir que hay una verdadera penetración.

¿Qué tanta penetración tiene Rodrigo y Gabriela en otros países con respecto a México? Aunque no empezaron aquí, sigue siendo su país… Háblame de la venta de discos por ejemplo. Nosotros hemos vendido más de un millón de discos en total de los dos álbumes que tenemos. Cada lugar del mundo se comporta distinto; en Estados Unidos e Inglaterra vendemos la mayoría de esos discos por ejemplo, pero en México quizás apenas lleguemos a los 10 mil…

¿Cómo ven en otros mercados como el del Reino Unido o el de Estados Unidos a la Industria Musical Mexicana? Lo que sé es que hay un desconocimiento casi absoluto. Lo único que saben es que México es un mercado muy noble para venir a tocar y que en ningún otro lugar pueden vender la cantidad de boletos que se venden en nuestro país. Eso les fascina…

¿Es importante el mercado mexicano para ustedes con todo y la proyección que ya tienen internacionalmente? Definitivamente sí. Nos gustaría ir más para allá, tener más presentaciones… Quizás ahora con el soundtrack de Piratas del Caribe 4 nos ayude más en cuanto el mercado mexicano se refiere. Sería maravilloso poder cubrir lo suficiente para hacer una gira por distintas ciudades de la República.

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Marco legal de la música Por: Samuel Segura / Foto: Sergio Gálvez

*De izquierda a derecha: Patricia Carrera, Salvador Cuéllar y Julia Palacios

Aquí

se abarcaron temas “escabrosos” como fueron catalogados aquellos que tienen que ver con la ley y la música. La mesa incluyó a Patricia Carrera (Directora Control Freaks / Management in Royalty Collection) y a Salvador Cuéllar (Abogado de Sentido Común). Julia Palacios, historiadora de la música, fue la encargada de moderar. “Inmediatamente, al hablar del marco legal de la música, se piensa en los derechos de autor”, mencionó Julia Palacios. “Sí. Los derechos de autor han cambiado a través de la historia y actualmente, son el reconocimiento y protección que ofrece el Estado, incentivando a los artistas para que sigan creando”, anotó Salvador Cuéllar. Patricia Carrera agregó al respecto, que “se trata de un derecho inalienable, que funciona igual en todo el mundo”. Pero ¿cuáles son los caminos que un artista o creador deben seguir en esta materia? Una cosa es el registro de la obra y otra el proceso que implica cobrar todo aquello que genera la explotación masiva de las obras. Son diferentes las instancias que lo regulan. Para lo segundo existe, por ejemplo, la Sociedad de Autores. El registro existe para que el Estado sepa quién creó qué y cuándo, explicó el abogado Cuéllar. ¿Qué instancia está detrás del marco legal de la música? La Secretaría de Educación Pública (SEP), a través del Instituto Nacional de Derecho de Autor (Indautor). Al

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saber que el tema requiere de mucho mayor tiempo para explicarlo, los ponentes dieron luz a la gente que se encontraba en el chat del stream en vivo, de forma breve. “¿Qué pasa con las mañanitas, por ejemplo?”, preguntó Palacios. Esta canción tradicional mexicana, al ser de dominio público e interpretada por muchos autores en diferentes versiones, puede ser utilizada sin pagar. Aquí hablamos de derecho patrimonial, donde el autor tiene derecho de explotar su obra, tiene vigencia durante la vida del autor y cien años más, para después, formar parte del dominio público. Sin embargo, ocurre un fenómeno en la actualidad más allá de la piratería: la reproducción de la música en muchos sitios diferentes. ¿Es posible que un artista tenga conocimiento de todos los lugares donde se ejecuta su música? Patricia Carrera, comentó que “en este caso la ejecución pública/masiva de la música, es la mayor entrada de recursos para un artista (en televisión, radio y en vivo)”. Los panelistas concluyeron está mesa de debate puntualizando que “en algún momento, la música llegará a ser gratuita. La recaudación de ingresos será a través de conciertos, de otros medios, como los digitales que hoy en día no ha sido posible regular”. Sin embargo, afirmaron, que “hoy en día es posible vivir de la música. Pero buscar ser millonario, se acabó”.


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Altruísmo en la Música Rock&LOVE World Wide Movement / wwm.rockandlove.org

¿Alguna vez has sentido que

una canción cambió tu vida? ¿Que la visión de una banda/artista es justo como tú percibes el mundo? ¡Nosotros también! Pensamos que la música es el elemento perfecto que ha acompañado al ser humano en todas las etapas de su historia; que ha logrado levantarlo cuando ha caído; y que ha marcado el ritmo de su andar en el desarrollo de su esencia. Creemos que la música es el elemento unificador que puede lograr que un mensaje entre en casas y mentes con distinto contexto social, étnico, económico, cultural, geográfico o incluso lingüístico y también estamos convencidos de que son aquellos quienes llevan el mensaje (músicos, productores, promotores, medios, foros, industria de la música en general) los que deben de estar convencidos del poder al que tienen alcance para influenciar el destino del mundo. Ya en el pasado hemos vivido muestras claras del poder de la música, aunque con objetivos diferentes. En el 69 Woodstock “3 days of Peace & Music” congregó a más de 400 mil individuos que buscaban la paz y el amor como forma de vida. O más recientemente en el 2005 Live8 buscaba concientizar a los dirigentes de las ocho potencias económicas mundiales a terminar con la pobreza en África. En Rock&LOVE nuestro principal propósito es concientizar a la gente acerca de las realidades del mundo utilizando la música como canal para entregar el mensaje. No es tan importante cuánto dinero se recauda, sino a cuánta gente se concientice en el camino y a cuánta gente se inspire para donar su talento y hacer proyectos altruistas en beneficio de nuestro entorno, potencializando el LOVE que cada individuo lleva dentro, y es por eso que consideramos importante que todos los líderes de opinión de la industria estén conscientes de los alcances de sus acciones y la importancia de enfocarlos a

“A dream you dream alone is only a dream. A dream we dream together is reality!” – John Lennon la concientización de la audiencia sobre hechos reales y actuales de nuestro mundo, que sean agentes activos de cambio y que promuevan una vida más “amigable con el planeta”, que ayuden a aquellas causas (ONG’s, AC’s; organizaciones sin fines de lucro) a lograr sus propósitos; cuando estos son orientados a la mejora global de la sociedad y bajo el entendimiento de que una mejora en las condiciones de vida de la gente debe impulsar el desarrollo de una sociedad que necesita mayor igualdad en las oportunidades para potencializar la unión de los seres humanos en búsqueda del bien común.

¿El altruismo en la música? ¡Totalmente alcanzable! Es cuestión de engranar el mensaje, quien lo interprete, quien lo produzca, quien lo coloque a disposición del público con la causa y la transformación de las ideas, bienes o voluntariados con algo tangible que dé pie a un mejor lugar para vivir.

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UK music industry: insight Por: Paul Stokes / @Stokesie Foto: Mari Sarii

Ya que con WARP MAGAZINE estás

echando un vistazo a la industria mexicana de la música, pensé que era oportuno hacer un balance de lo que está pasando aquí en el Reino Unido. Spotify, el servicio de streaming de música que sólo hace algunos años fue aclamado como el sabor de la música en Europa (por ejemplo, podías escuchar un streaming e inmediatamente ibas a comprar el álbum), ha tenido un poco de tambaleos últimamente. Con ingresos que ya no están a la altura de las expectativas, la música gratuita ilimitada (sin duda, periódicamente interrumpida por los comerciales más vacíos que uno pueda escuchar) ha desaparecido; ha sido reemplazada por un límite-de-diez-horas-mensuales, a menos que uno pague por los servicios premium. En alguna otra parte, un oligarca ruso trajo Warner para complementar sus preocupaciones de petróleo y de aluminio, y con las ventas de música en el Reino Unido cayendo por sexto año consecutivo (cayeron siete por ciento en el año 2010), algunos comentaristas respetados han declarando que el 2011 marca el final de la Era del Rock, casi de la misma forma en que F. Scott Fitzgerald enterró la Era del Jazz un siglo antes. Sin embargo, si Spotify resulta un falso amanecer, también debemos tener cuidado con los atardeceres demasiado prematuros. Para empezar, revisemos la muerte de la era del rock en Reino Unido: El fin de la música con base en guitarras fue anunciado porque a comienzos del 2011 no había ni una canción de rock dentro de los 40 sencillos más importantes en el Reino Unido. Bastante ominosa como afirmación, pero con el aumento de las ventas de viniles y muchas tiendas independientes de discos –precisamente el tipo de lugares para hacer un comercio sano en los 33 y 45– evitando el costo de ser la gráfica en la red, las cifras no parecen tan tajantes como blanco y negro. Los fans del rock (y como rock, estoy usando el término general más amplio posible) tienden a preferir los álbumes sobre los sencillos, o como lo mostraron las filas afuera de las tiendas británicas independientes el Día de la Tienda del Disco (Record Store Day), gustan de hacerse de interesantes lanzamientos como el de Radiohead, y no sólo descargar música al azar. Y como si fuese el momento justo para probar ese punto, Adele prácticamente vive en los primeros lugares de las listas de popularidad en Reino Unido con su segundo álbum 21. En una época en la que cantantes casi idénticos compiten por la fama, en lugar de por una carrera musical, en concursos de talento en televisión y donde a las grandes

marcas se les hace agua la boca y gastan en campañas publicitarias, (basta con ver el reciente empuje a Lady Gaga), una gran personalidad como Adele, con los pies en la tierra y en una disquera independiente, no se supone que domine la industria musical del Reino Unido. Sin embargo, desde que sorprendió al público con su interpretación de ‘Someone Like You’ en los Brit Awards en febrero, la londinense ha vendido alrededor de 2.5 millones de copias de 21 en el Reino Unido, mientras que su primer disco, 19, también se deslizó de nuevo en los diez primeros lugares, sumando ventas por más de un millón y medio, en el proceso. Todo esto se logró en XL Recordings, un sello mejor conocido por sus éxitos indie como Vampire Weekend y Friendly Fires, y no como uno que se atragante con billetes en grandes anuncios espectaculares. Parece que a pesar de la decreciente infraestructura de la industria, la caída de las ventas o la piratería por Internet, tener el álbum correcto en el momento preciso es algo que algunas personas necesitan poseer. Y esa tendría que ser la lección si la industria musical del Reino Unido se va a estabilizar, y darle la vuelta. Spotify es desechable, el arte no lo es y la gente quiere poseer grandes obras de arte, ya sea un vinil raro o un álbum como el de Adele (o el de The xx del año pasado, que fue otro triunfo de XL, contra viento y marea), que precisamente mejora con el tiempo. Es cierto, la industria musical del Reino Unido tiene que encontrar dinero –por eso que Warner fue castigado con miles de millones–, pero parece que la inversión más duradera, gratificante y exitosa es la que se hace cuando los amantes de la música encuentran un gran disco que toca sus vidas. Así que, ¿más programas de televisión produciendo cantantes que duran 5 minutos o más artistas con el espacio necesario para centrarse en su arte? Ustedes díganme qué es lo mejor para el futuro de la industria de la música…

›› Paul Stokes es Editor Asociado de Q Magazine, una de las revistas con contenido musical más importantes del Reino Unido.

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Una Industria, muchas realidades Ana Galleta, Music Business and Online Marketing

Respecto al negocio de la

música (desde cualquier vertiente), mucho se ha escuchado mencionar sobre el pasado glorioso de la misma y la supuesta devastadora realidad actual. A raíz de los vertiginosos avances que han conllevado una acelerada evolución de formatos y cambio en los hábitos de consumo, la emergencia de nuevos y diferentes géneros (sin mencionar el boom de obras musicales de cualquier género, tipo y costo), y en paralelo a todo esto, un incremento en el número de actores involucrados desde diferentes frentes, la concepción e idea del negocio de la música en general pudiera se agrupa hoy en día bajo dos enfoques totalmente opuestos: los que creen que esta industria está en vías de extinción, y los que creen que se encuentra más viva y creciente que nunca.

Estas perspectivas se pusieron a discusión en mesas de trabajo, talleres, encuentros de profesionales, paneles y conferencias magistrales, durante la Feria Internacional de la Música (FIM) celebrada del 16 al 19 de junio en Guadalajara, misma que emanó como reflejo natural en el intento de analizar y comprender situación actual en esta industria, buscando reflexionar sobre la realidad a la que se enfrentan los profesionales (managers, productores, promotores, músicos, compositores, periodistas, disqueros, etc) desde sus respectivos frentes, pero también, del papel preponderante de las audiencias en todo esto. Teniendo como punto de partida la premisa de que la música ha dejado de ser vista como una simple actividad de ocio o recreación, se reconoció su relevancia en la economía del país como partícipe vital del nada despreciable 7.3% del PIB anual, el cual proviene del total de industrias culturales que se producen en México, y que hoy en día ocupan el cuarto lugar tan solo

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“La realidad es muy difícil de soportar para quienes creen que cualquier tiempo pasado fue mejor” - Juan Carlos de Borbón, rey de España por debajo del turismo, petróleo y maquiladoras. Durante la feria, hubo quienes se aferraron a defender la industria tal cual la conocieron hace algunos años en contraposición a quienes están escribiendo este nuevo capítulo abrazando las nuevas tecnologías y la equidad que las mismas han traído para todos los actores involucrados. En algún panel se aplaudió la aseveración de que “(…) quien no contemple las nuevas tecnologías en esta industria, está viendo el árbol y no el bosque”. Lo cierto es que las nuevas tecnologías han acortado la distancia en todos los niveles de la industria, difundiendo experiencias y haciendo del conocimiento colectivo las nuevas alternativas y modelos de negocio que desde las diferentes vertientes se están construyendo y desarrollando. Asimismo, han ayudado a entender y segmentar mejor a la audiencia; a ser más inclusivos en lo que a los nichos se refiere, pero también más precisos en el entendimiento de la nueva experiencia de consumo de los diferentes públicos. Se reconoce que aún falta mucho por lograr en materia de derechos de autor, y en el uso justo y eficiente de las telecomunicaciones, así como en el establecimiento de un marco legal actual que aplique en todos los sectores. Y queda sobre la mesa también el reto de construir agendas con un seguimiento y acompañamiento debido, que respondan a las necesidades culturales y sociales de nuestro país. Así como también la progresiva eliminación de vicios sistémicos, como lo son la payola, el nepotismo y monopolio en todos los terrenos. En definitiva, el micrófono está abierto y oídos más receptivos que nunca para recoger nuevas propuestas que beneficien a la industria y sus involucrados, y la voluntad de aceptar la invitación que alguna vez expresó Carlos Fuentes de “salir del tercer mundo con nuestra cultura de primer mundo”; de abrazarla en vez de negarla (o peor aún, destruirla).


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La industria mexicana en el mundo Por: Rosso Músico y Productor Plastilina Mosh

¿Cómo

se encuentra la industria musical mexicana actual? Honestamente la veo, muy patética, y no sólo me refiero a México, sino al monopolio de la industria musical en general, está con el agua turbia y con lo que ha sucedido en la ultima década (el uso del internet y los celulares, y cómo la gente consume productos virtuales) creo que no tienen una idea de qué hacer. Están construyendo un modelo de mercado dónde se entrometen no sólo las disqueras, sino el management y el merchadising. Se involucran sin saber, una disquera no te sabe vender una fecha pero se quieren implicar para poder ganarse el dinero y siento que es una estrategia errónea. Si alguien hace una canción en su casa en la computadora y la sube a Internet, se salta todo el monopolio de las disqueras, ese modelo antiguo y pude tener buenos resultados, lo hemos visto mucho. Aunque puedo decir como consumidor que hay una caída extrema de calidad, del contenido y de la fidelidad, al ser para internet tiene que ser mp3 y siento que vamos para atrás en vez de ir para delante, porque nos conformamos con menor calidad de la que teníamos antes. Pero es parte de este mismo modelo donde todo se vale y no importa si eres o no eres, si lo haces tú solo desde tu casa, dónde los artistas ya no son controlados por las disqueras o por radiodifusoras como hace 10 o 15 años. Creo que la industria musical en México esta sufriendo este cambio, se ha querido adaptar, para seguir teniendo los mismos ingresos de antes y obvio, eso ya no se puede, esta en extinción y en un futuro las disqueras van a ser más independientes, más locales, y a lo mejor las trasnacionales van a estar subsidiando.

Por: José Enrique Fernández Director de la Delegación México del SGAE

Nuestra industria está en crisis. Las ventas de discos han caído muchísimo y esto ha afectado a muchas de sus

ramas complementarias: estudios de grabación, ingenieros, fábricas de soportes, tiendas, etc. Paradójicamente, nunca ha habido mayor cantidad de artistas haciendo música y en la lucha por darse a conocer. Se nos reconoce como un país muy rico culturalmente y con mucha tradición e historia, pero luego depende de cada género musical para evaluar nuevas propuestas. Los artistas mexicanos siguen siendo muy populares en hispanoamérica. El salto al mercado anglo sigue siendo más complejo, pero ahí está el IMS y varios cantantes de música clásica como prueba de que se puede. Los medios siempre buscan la noticia y apoyar al artista de éxito. Esto siempre ha limitado a los artistas nuevos pues al no ser exitosos, no interesan a los medios. Las discográficas deberían promover a los artistas fuera de México pues es su negocio, si no lo hacen, es decisión de ellas. Los medios y la tecnología, como dije antes, a través de Internet, abren la posibilidad a los artistas de darse a conocer y de autopromover su obra y el gobierno, fuera de colaborar en festivales o intercambios culturales, poco hace por la proyección de los artistas.

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*Nortec Collective - Bostich + Fussible

Profesionalización de la industria musical,

¿realmente tenemos una industria de calidad y funcional para todos? Pepe Mogt , Músico Nortec

Hoy

en día contamos con todos los medios para tener una industria de calidad y funcional, pero, ¿realmente la tenemos? La respuesta es ¡no! En mi caso como músico electrónico y productor he tenido que valerme de medios disponibles para todos en la red, armar mi propia oficina virtual y utilizar las redes sociales para distribuir los trabajos en los cuales estoy involucrado. Actualmente la industria de la música se está tambaleando y la mayoría de sellos discográficos están colapsando porque no saben cómo manejar el futuro de esta industria. Siguen enfrascados en la vieja escuela sin abrirse a las nuevas tecnologías y redes sociales. La consecuencia ha sido una industria en México que carece de calidad. Contamos con todos los medios para tener una

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industria de calidad, pero hasta el día de hoy no he visto un sello mexicano que llegue a ese nivel de promoción, calidad y funcionalidad. En mi caso, además de componer música y hacer conciertos, he tenido convertirme en administrador de redes sociales, y aunque eso consume mucho mi tiempo, tengo que hacerlo, ya que en estos tiempos no existen compañías en las que puedas confiar al 100 por ciento. En Estados Unidos, Nortec trabaja con el sello Nacional Records que, además de distribuir nuestra música, también funciona como agencia de management; en México, el colectivo traba con EMI. Y aunque ambos sellos hacen bien su trabajo, en Nortec reconocemos que la industria de la música hoy en día debe cubrir esa parte esencial que son las redes sociales y buscar la manera de llevar la música a éstas y que sea de fácil acceso.


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Profesionalización de la industria musical Por: Marcela Muñoz / Foto: Sergio Gálvez

Como parte

de estas actividades, se realizó el debate llamado “Profesionalización de la industria musical”, el cual estuvo moderado por la periodista Mariana Hernández, quien se encargó de recibir a Juan de Dios Balbi, director de Entertainmex / Terrícolas Imbéciles; Federico Ponce de León, manager; Diego Jiménez, de Tape Music y Carlos Smeke, promotor de Once 11. Las primeras interrogantes que surgieron para entender la profesionalización de la música como tal, fueron principalmente el saber ¿en qué momento se puede decir que un músico o una banda están haciendo las cosas lo suficientemente “bien” para llamarse profesionales?, ¿cuál es el camino a seguir para lograrlo?, ¿qué tanto se deben involucrar las partes que rodean a un artista, entre muchas otras, las cuales, fueron ejemplificadas por los ponentes, al relatar sus experiencias, que de una u otra manera, los han hecho conocer cómo funciona el negocio de la música. “Yo creo que cualquier músico, desde que se dedica a esto, quiere ser profesional, quiere vivir de esto. Desgraciadamente la industria y la demás gente no ve lo mismo en un abogado que un músico, cuando en realidad es lo mismo. Como cualquier otra industria también es crecer ordenadamente: que tengan un buen manager, que tengan contratos, que tengan su situación de Hacienda en regla. Empiezan las bandas a tocar y lo que les interesa ahorita es el desmadre, ir a equis o ye lugar, tocar por todos lados, ligarse a las chavas, tomar... pero la verdad es que va tomando cada vez

dimensiones más profesionales”, expresó Federico Ponce de León, cuando se le cuestionó sobre cómo se ve la profesionalización desde el punto de vista del management. Uno de los temas más destacados en este debate fue el de generar un organismo regulador en México para la industria. Diego Jiménez lo sugirió en su participación: “lo que yo estuve pensando cuando leí lo de profesionalización es que debería existir un organismo que juntara a toda la gente que está en la industria independiente y que la regulara. Que te diga: ‘si tú quieres ir a Colima, estos tres productores son formales, pagan a tiempo, ponen las especificaciones correctas de audio, hacen bien su promoción, etcétera’” Para complementar esta parte, Mariana Hernández comentó: “creo que en México nos hemos equivocado en la forma de hacer equipo, y lo podemos ver también con nuestros deportistas. El trabajo en equipo no se nos da”. “Es responsabilidad de las bandas hacer su propia producción de la mejor manera, de la manera más digna y apoyar al productor, para que el espectáculo sea el más digno posible para el grupo, pero también para el público que lo consume”, dijo Juan de Dios Balbi, al profundizar en que las bandas tienen que estar totalmente involucradas con lo que representa estar en la escena musical. Además, se mencionó el papel tan importante que juega el fan: “qué bueno que la gente sea cada vez más demandante en calidad. Eso de decir: ‘es que es México’, es bien chafa y bien pinche”, finalizó el manager y promotor.

*De izquierda a derecha: Juan De Dios Balbi, Federico Ponce de León, Mariana Hernández, Diego Jiménez y Carlos Smeke

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La centralización de la industria musical Paty Catú, Compositora e Intérprete

La centralización de la industria no limita la diversidad

musical, pero sí el poder de la diversidad musical. La industria de la música ha atravesado distintas crisis como la piratería. Crisis que hoy provocan cambios en su estructura para poder salir adelante Dentro de esta reestructuración, las empresas se venden, fusionan y recortan personal. Dentro de este recorte se ha ido la oportunidad de tener buscadores de talento, ahí, en esas pequeñas ciudades y pueblos donde hoy en día tantas distintas e interesantes manifestaciones musicales existen, y se quedan sin su oportunidad de ser escuchadas, grabadas y mucho menos comercializadas. Yo que vivía en Guadalajara, perseguí el sueño desde los 4 años y fue a los 18 que llego la oportunidad de ser firmada por una transnacional. Aún así, firmada, por estas constantes reestructuraciones y recortes, no pasaba nada. La atención que el proyecto recibía era primordialmente local. Logramos incluso volvernos fuertes en otras ciudades de la República, pero jamás en la ciudad de México. Fue entonces que decidí deshacerme de los pretextos que se interponían entre esta oportunidad y yo, y mudarme a la ciudad de México. Parte por iniciativa propia y parte por consejo de un buen amigo que conocía bien la industria y me explicó que los puntos fuertes y trascendentes de difusión nacional y territorial venían de la capital. Y es que no sólo se centraliza el poder de difusión nacio-

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nal, sino la oportunidad de existir en los oídos de la industria y el público a cualquier nivel que rebase la escala local. Y aún teniendo la oportunidad en las manos, que ya implica de por si, haber tenido las posibilidades en tiempo y dinero de convertirnos en buscadores de los buscadores de talento, (que están donde las compañías) si la presencia y difusión no es desde la capital y constante, la oportunidad se apaga. Hoy, ocho, casi nueve años después de que comencé en esta industria, en el proceso de internacionalización descubro que la fórmula se repite. Hay que sonar primero, visitar y conquistar las capitales de cualquier país donde pretendes ganar un lugar firme. Como pequeña herramienta que contrarresta la centralización, el Internet se ha vuelto una ventana simultánea, mundial y eficiente de diversidad y oportunidades para nuevos talentos que buscan ser escuchados a como de lugar. Lo malo de esta herramienta; no existen filtros de buen gusto que nos ahorren pasar por las cosas mal hechas para llegar directo a los artistas propositivos, trabajadores y reales. Otro de los “pros” de la centralización de la industria, es que los talentos hoy en día se preparan para convertirse en propuestas mas completas. A falta de oportunidades externas, los artistas han aprendido a auto-crearlas convirtiéndose en cantautores, productores y comercializadores independientes de sus proyectos. No sólo a través de la música independientemente grabada, sino a través de lo único en la industria que jamás podrá ser plagiado, pirateado o saboteado: la música en vivo.


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*De izquierda a derecha: Morgan, Miguel Solís, Sal Toache, Guillermo González y Guillermo Parra

La centralización de la industria musical Por: Samuel Segura / Foto: Sergio Gálvez

El debate

más acalorado fue el titulado “La centralización de la industria musical”, del cual, el locutor Miguel Solís fue moderador. Memo Parra, director de Negociación y Talento OCESA Entretenimiento; Sal Toache, miembro de Discos Intolerancia; Morgan, director de Club Cobra y Guillermo González, de Class Music, fueron los encargados de entablar este diálogo. Actualmente, se sabe que en el Distrito Federal se encuentran centralizados muchos sectores. El de la música no es la excepción y cuando se habla de la presentación de una gran banda –nacional e internacional– es inevitable pensar que será la capital de la República Mexicana quien recibirá a dichos músicos. Memo Parra se encargó de abrir el diálogo sobre este tema: “el D.F. ya está. Creo que lo que nos falta impulsar muchísimo es Guadalajara y Monterrey, y creo que la desventaja que tenemos con esas dos grandes ciudades es el radio. México está donde está porque lo que hizo Rock 101, W, lo que está haciendo Reactor y lo que hizo Radioactivo, han ayudado

muchísimo a tener esa cultura musical en México. En provincia hay estaciones de radio pero no han logrado hacer algo que haga eso sólido.” Desde el punto de vista de Morgan, hay que buscar lo que está pasando en otros lugares para meter ahí la inversión: “creo que del tema de la centralización lo más importante es que la inversión que se tiene que hacer para que la escena empiece a crecer y no depender tanto de tres o cuatro ciudades, es justo esto, empezar a voltear a otras ciudades donde se esté gestando este movimiento musical pequeño.” “Hay una intención de todas las partes –las bandas, la industria, los promotores, los empresarios, los medios de comunicación– de que esto crezca, pero tristemente tenemos que decirlo: la situación del país está haciendo que ahorita una empresa como la de ustedes no se arriesgue a poner en riesgo a la propia gente y a los propios artistas”, concluyó Miguel Solís, moderador de esta mesa y añadió unas preguntas: ¿cuál es la alternativa entonces? ¿La cuestión digital? ¿Hacer promoción virtual?

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Proyectos musicales emergentes Jorge E. González Ayala, Director Artístico

Todavía con la cabeza

girando tras participar dentro de las actividades organizadas por WARP de: Una fotografía a la industria musical mexicana actual, escribo este texto. Dejando un a un lado lo que platique con los demás participantes y que pueden consultar en la página de WARP.la, comparto mis reflexiones sobre Proyectos Musicales Emergentes. Que pueden ser desde los grupos noveles, así como colectivos, medios de comunicación, disqueras, blogs y empresas, relacionadas con la música. Por mi trabajo como programador de El Imperial, me interesan en especial los grupos. Años de escuchar demos y de ver bandas en vivo han sembrado en mí la pregunta: ¿Qué distingue a una nueva propuesta del resto? ¿Por qué un grupo llama la atención sobre de otros. ¿Por qué unos alcanzan el éxito mediático o por lo menos de culto? Creo que el primer factor que puedo percibir es la originalidad. La primera vez que escuche a Las Insólitas de Aurora, en mi pubertad, me dieron miedo. Un escandalazo tremendo de tres tipos, altos, despeinados y llenos de maquillaje, que contrastaban abismalmente con El Tri, el grupo clásico de rock mexicano en los ochenta. No podían pasar desapercibidos. Como dice Mick Jagger “que hablen mal, pero que hablen”. Otro factor importante es la disciplina y el trabajo atrás de una propuesta. La mayoría de ustedes pensarán que Maná es un grupo que no merecería ser mencionado aquí. Pero cuando uno se entera de que tocaban desde 1979 con el nombre de Sombrero Verde y que vivieron trepados en una camioneta Combi durante prácticamente 10 años tocando en donde los dejaran, no queda más que aceptar que la perseverancia da frutos, más allá del gusto musical. Por cierto, su rock pop con tintes de tropicales, era en aquel momento, también muy lejano a lo que nos recetaba Alex Lora. También Zoé, por ejemplo, que durante años no dejaron de tocar a pesar de que les congelaron un disco en su actual disquera, o les dieron su carta de retiro en Sony (que ahora edita acoplados de ellos) y fue justamente con un EP independiente con la canción ‘Dead’, que pasaron de tocar en Pasagüero (yo los programé con Austin TV) a llenar el Teatro Metropólitan, en cosa de unas semanas. Tiene que ver también la estructura dentro de una

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agrupación. Menciono a Austin TV, que desde el principio supo hacer del trabajo en equipo un poderoso músculo para sacar su proyecto adelante. Hace unos años era una banda de aún adolescentes que se repartían las actividades de la banda, incluyendo diseño y venta de mercancía. Todos los miembros involucrados en crecer como grupo y empresa autogestiva. Hasta la fecha es de los pocos grupos que ponen atención hasta en el más pequeño detalle de sus presentaciones, y por qué no, de su mercadotecnia. Por último esta lo que llaman estar en el lugar y momento correcto, que más bien creo es llenar un vacío en el mercado. Caifanes llegó en un momento en que los jóvenes buscaban una identidad musical más allá de los baladistas como José José o los productos pre fabricados como Timbiriche. Nos identificábamos más con ellos que con Erick Rubin, no hay mucho que añadir. Pero también tiene que ver ese factor aleatorio que se llama suerte, que en Caifanes fue tocar y grabar ‘La Negra Tomasa’ a manera de broma y terminar vendiendo millones de sencillos del tema para convertirse en un fenómeno de masas. ¿O no?.

*Caifanes


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Proyectos musicales emergentes Por: Abraham Huitrón / Foto: James Alberich

*De izquierda a derecha: Jorge González, Erik Canales, Cecilia Velasco, Fabrizio Onetto e Israel Aguilar

La mesa de debate titulada “Proyectos musicales emergentes” contó con la participación de Jorge González, director artístico de El Imperial Club; Erik Canales, músico e integrante de la banda Allison; Fabrizio Onetto “Mopri”, Manager de OCESA Seitrack, e Israel Aguilar, label manager de Indie Rocks!, además de Cecilia Velasco Directora de la Revista Marvin, quien fungió como moderadora. El debate dio inicio hablando acerca de lo que una banda debe de hacer para comenzar a promocionar su música. “Les falta enfoque en la música. Saben mucho de marketing y tienen pocas rolas”, aseguró Fabrizio Onetto, a lo que Israel Aguilar agregó “tienen la idea, pero no saben cómo hacerlo. Creen que con tener dinero pueden hacer muchas cosas, pero deben de tener un grupo atrás de ellos”. “Las bandas tienen que tocar para acumular experiencia”, comentó Cecilia Velasco. El siguiente tema de discusión fueron los factores que toman en cuenta las disqueras y managers para poder firmar a una banda. “Ya no hay cazatalentos en las disqueras, ahora los medios hacen ese trabajo. Prefieren firmar a una banda con trayectoria que a una nueva”, afirmó Erik. Para Jorge González, actualmente las bandas tienen miedo de acercarse con algún manager o disquera por la posibilidad del rechazo, pero consideró que esto es parte del oficio. Jorge explicó que hacen falta foros para que las bandas puedan adquirir experiencia a partir de las presentaciones en vivo, especialmente en géneros como pop, metal, goth

y hip-hop. “Comencé trabajando con grupos nulos, a dos les faltaba escuela musical y trayectoria. Dichas bandas no funcionaron, por eso ahora prefiero trabajar con bandas que propongan algo y que el público esté buscando”. Después el debate se centró en lo que debe de hacer una banda para sobresalir, a lo que Israel comentó “deben de tener una estrategia de marketing”. Para Erik la herramienta principal para una banda es “tocar en todos los lugares donde se pueda, que la gente te vea. Las bandas siguen pensando en disqueras y marcas, en estrategias antiguas”, además de que la diferencia entre nuestro país y Estados Unidos e Inglaterra es que “allá existen más lugares en dónde puedas tocar”. “Ahora los chavos la quieren más fácil, pero deben de tocar lo mejor posible y tener una propuesta fresca”, aseguró Fabrizio al tiempo que citó el ejemplo de The Beatles, que pasaron mucho tiempo dando tocadas en Alemania antes de obtener el reconocimiento que tienen actualmente. Jorge afirmó que ahora “las bandas quieren salir, cantar en inglés, pero para ello primero deben conquistar su barrio, su ciudad y su país”. A manera de conclusión, Cecilia estableció que las bandas deben “tocar, hacer oficio y ser más responsables. No es un hobbie, hay que tomarlo en serio”. Mientras que para Jorge lo que una banda debe hacer es “buscar un buen manager primero, que tome buenas decisiones para tu carrera”, además de que al “último lugar al que deben de acudir, es a una disquera”.

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Lo Blondo Not That Far

Por: Diovanny Garfias / Foto: Rubén Márquez

Pocos son los músicos que pueden presumir de

tocar frente a miles de personas en un Vive Latino y después plantarse en un escenario junto a una orquesta filarmónica. Denise Gutiérrez (Lo Blondo) puede presumir de esto y más. Su ecléctica formación la ha llevado a encabezar la banda Hello Seahorse!, pero también a participar en otros proyectos, como en el ensamble de Zoé generado a partir de su más reciente material Música de Fondo: MTV Unplugged . En entrevista exclusiva para WARP MAGAZINE la artista nos presenta su muy particular visión de nuestra industria musical en nuestros días. Estamos frente a un panorama musical que está mutando hacia algo cada vez más independiente pero, ¿cuál es tu perspectiva? Voy a hablar de mi propia experiencia. Siempre nos preguntan si seguimos siendo independientes y yo pienso que sí, porque la independencia es una forma de trabajar y de ver las cosas, el hecho de que tú dirijas tu camino sin dejar que nadie te ponga límites. Tú, como artista, vas a llevar tu proyecto, y en ese camino nos fuimos encontrando con una disquera grande que es EMI, quienes distribuyen Bestia y Lejos, No Tan Lejos pero también somos parte de una disquera pequeña, Mun, que tiene a Chetes y Le Baron. Esa es la forma en la que hemos querido trabajar. Nosotros como banda ponemos las reglas del juego y aceptamos trabajar con gente. Creo que vas viendo bandas que empezaron en una gran disquera y que poco a poco se fueron soltando y que ahora trabajan por si solos, se me hace muy sano porque cada quien elige la forma en que va a llevar su proyecto. Trabajar de manera independiente puede ser una arma de dos filos, por ejemplo, te permite establecer las reglas del juego y asociarte con gente cercana a ti, pero por otro lado te vuelves vulnerable ante empresas o corporativos que pueden tratar de abusar de alguien que no está apoyado por una disquera grande o incluso, saturarte de trabajo… Al final, he tenido que soltar mucho, por ejemplo ahorita estoy haciendo tres cosas a la vez. Ahí te das cuenta que todas esas tensiones generadas por tanto trabajo sólo te van a cansar y no vas a la lograr nada y es ahí cuando dejas que tu equipo te eche la mano. Es bueno tener otras manos, no sólo porque soy independiente significa que no voy a dejar que otras personas me ayuden.

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¿Crees que en nuestra industria musical nos falta encontrar una fórmula donde banda, medios, managment y disquera funcionen en un equilibrio perfecto? No sé, yo creo que no hay fórmula, se basa mucho en la confianza, en creer en otras personas y en ti más que un plan de mercadotecnia o un plan en donde las canciones van a tener un concepto. Muchas veces se te salen de las manos las cosas, no siempre salen como uno piensa desde que empiezas a componer. En la poca experiencia que tengo, muchas veces he querido que las cosas salgan de una forma, que el disco tenga un concepto y te puedo decir una lista de miles de cosas que no hemos hecho y otra de lo que hemos logrado, hay que aprender a soltarse, improvisar y dejarse llevar por lo que dicta tu música.


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Chetes Muchos Pasos

Por: Paco Sierra / Foto: Rubén Márquez

santes e independientes pueden hacer difusión por Internet y tener una respuesta importante.

Chetes es un nombre reconocido por todos que

forma parte de la historia reciente de la música en México; con Zurdok, Vaquero, como solista e incluso con Zoé, se ha mantenido activo y abanderando su propuesta desde el día uno. En entrevista para WARP MAGAZINE el artista nos comparte su perspectiva de nuestra industria musical. Desde el comienzo de tu carrera haz visto como ha cambiado la industria musical mexicana ¿Qué cambios significativos puedes señalar de finales de los noventa hasta ahora? Sin duda ha sido la tecnología, ha hecho un cambio radical en todos las ámbitos, por ejemplo, cuando comencé con Zurdok era muy complicado hacer un demo, a lo que teníamos acceso era un Tascam de cassette de cuatro canales que podías tener en tu casa, el problema es que esas máquinas eran muy inestables, si querías hacer un demo formal tenías que buscar un estudio en forma. No bastaba con componer la canción, debías de contar con un buen presupuesto, por lo tanto se debía buscar una disquera, pero con el paso de los años tener un Home Studio se hace algo accesible.

¿Crees que la historia de Zurdok hubiera sido diferente de haber iniciado en el 2011? Definitivamente sí, y sin parecer pretencioso Zurdok estaba adelantado a su época, sobre todo los últimos dos discos, el primero (Antena 1997) si estaba ad hoc con el momento musical a la par de Molotov y Control Machete, habían canciones que eran hard rock y rap. Los dos siguientes Hombre Sintetizador (1999) y Maquillaje (2001), creo que sí eran un adelanto musical, eran difíciles de interpretar en vivo porque la gente estaba esperando hacer slam en cada concierto, así ibamos ganando público, pero definitivamente ahora hay muchos más fans que cuando el grupo estaba activo. Haz estado nominado en los premios Grammy ¿Crees que este tipo de reconocimientos ayudan a la Industria Musical Mexicana? En mi caso han ayudado. Mis discos como solista quizá no hayan sido los más vendidos del año, se han visto como algo under y estar nominado es un gran empuje a que escuchen el disco aún sin tener una fuerte exposición como lo fue con Hipnosis, que por ser una producción independiente que corrió en su totalidad a mi cargo, nunca pensé que lo fueran a nominar.

¿Qué consejos le darías a alguien que está empezando y que tiene la idea de recrear una carrera como la tuya? Nadie sabe las reglas de nada, lo más sano es pasarla bien con lo que haces, nunca te puedes engañar. Lo mejor es sentirse orgulloso de lo que estás haciendo, luchar por tus El último disco que lancé, Hipnosis (2010) lo hice compleideas y por lo que se quiera exponer, hay una frase que tamente solo en mi casa y no representó gran inversión, dice: “es mejor fracasar con lo que uno cree, que fracasar en realidad fueron elementos que cualquiera puede tener. con la idea de alguien más”, en el caso de los artistas *De izquierda a derecha: Juan De Dios Balbi, Federico Ponce de León, Mariana Hernández, Diego Jiménez y Carlos Smeke Todo esto ha sido para mí lo que ha cambiado con la podría ser la disquera o alguna otra persona detrás. Para llegada de la tecnología. Ahora muchos proyectos interemí lo más importante es ser honesto.

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Yamil Rezc Plugged/Unplugged

Por: Alejandra Ayala / Foto: Rubén Márquez

encontrar esos comunes denominadores en donde más que productor debes ser un mediador entre los integrantes, conocer el rol que cada uno tiene en la banda. En lo personal me gusta tener ese conocimiento de los grupos, porque hay productores a los que les das el demo y cuando regresa la banda ahí está su rola, sin embargo yo trato de trabajar de la mano con la banda y cada grupo te ofrece una experiencia diferente. ¿A que nivel te ayudó haber formado parte de Subdivision? Grabamos tres discos y a nivel de experiencia es un disco que se hizo en la sala de la casa en donde vivía en ese momento. Primero sacamos ese disco en un sello que se llamaba Hard Soul Records y Blue Boy salió de Noiselab, es un disco con pocos recursos técnicos y se terminó en poco tiempo en un estudio más personal. En cuanto a la diferencia de producción entre Subdivision y otras bandas que produzco es de entrada que cuando hice el disco de Subdivision tenía menos conocimiento que cuando realicé el de Hello Seahorse!, sin embargo tienen cosas muy parecidas en cuanto a la estética musical que me gusta, la plasmo siempre con los artistas que trabajo. Cada disco que se hace con las diferentes bandas es una experiencia distinta tanto humana como musical. Eres la cabeza detrás de Mun Records, agencia que trabaja con diferentes músicos en diferentes niveles ¿Cómo fue que se creo y que tanto ha crecido desde su nacimiento? Rezc forma parte importante dentro de la Todo empezó como una especie de agencia y era como escena musical en México. Gracias a su pasión natural encontrar un nombre con el cual podíamos involucrarnos por la música ha colaborado con diferentes bandas y varios artistas musicales. No lo veo como una disquera, dentro de su papel como productor ha formado parte porque hay conceptos de disquera que ya no son viables medular de proyectos como Subdivision, Hello Seahoy en día y con los que no queremos lidiar, pero hay otros horse!, Le Baron y claro, Zoé, entre otros. Yamil platicó que sí tienen que ver con una estrategia y un desarrollo con WARP MAGAZINE acerca de su experiencia dencon los productos que yo me involucro. Había veces en tro de la escena musical como productor. que yo empezaba a grabar una banda y los manejaban otros managers y comenzaban a llevar mal la estrategia ¿Qué responsabilidad conlleva ser productor? de los grupos y a través de una relación muy fuerte con las Puede ser difícil o fácil, pero depende de qué banda. Es bandas comenzamos a darnos cuenta de que era mejor un poco tener las capacidades y las necesidades de quertrabajar entre nosotros que estar buscando un manager er involucrarte desde humanamente hasta musicalmente que te consigue tocadas. Mun no es una disquera, ni tamcon un proyecto, entonces habrá veces en que si funciona poco una agencia de managament, es más bien el nombre humana y musicalmente las relaciones que construyes con el que trabajamos en comunidad con Le Baron, Payro, con los integrantes de la banda con quienes trabajas te Hello Seahorse!, Chetes y poco a poco hemos ido creando darán buenos resultados, pero si no te llevas bien con una filosofía de lo que nos gusta de la música más que *De izquierda a derecha: Juan De Dios Balbi, Federico Ponce de León, Mariana Hernández, Diego Jiménez y Carlos Smeke ellos y aparte persiguen estéticas musicales diferentes sumarnos a una industria. Nunca hay que pensar primero va a ser muy difícil para todos. Siempre el primer paso es en el negocio, sino en la música.

Yamil

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Zoé & Co. Me, I disconnect from you Por: Diovanny Garfias

Fotos: Rubén Márquez, Sergio Gálvez Maquillaje: Chëla Olea Asistente: David González

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Una banda trabaja durante años en su música, hace las cosas por su cuenta, es constante, demuestra que su propuesta sonora, más que rentable, es autosustentable y con fondo. Entonces, una transnacional los firma, los promociona dentro y fuera del país y cuando están por consolidarse, los premia con una carta de retiro. La banda, abrumada por la repentina sucesión de los acontecimientos decide recorrer los caminos de la independencia, volver a lo básico.

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La agrupación encuentra

una vez más la magia implícita en su esencia, la transmite como nunca antes había lo hecho y termina convirtiéndose en un fenómeno, se coloca entre las leyendas nacionales y su nombre se convierte en sinónimo de victoria; rebasan su música, prácticamente son héroes para un par de generaciones y lo celebran desconectándose, ofreciendo una nueva versión de si mismos acompañados por amigos, reevaluando su próximo objetivo. En WARP MAGAZINE creemos que para completar nuestra fotografía a industria mexicana era necesario tener el testimonio de Zoé, la banda que representa en diferentes aspectos todo lo que esta engloba. Un ejemplo de perseverancia, éxito y de la forma correcta en la que un artista debe compartir su arte con el mundo en estos días. Que mejor manera de platicar con León Larregui, Sergio Acosta, Jesús Báez, Angel Mosqueda y Rodrigo Guardiola, que enmarcados por Música de Fondo: MTV Unplugged (2011) y en compañía de un ensamble acústico integrado por Denise Gutiérrez (Lo Blondo), Yamil Rezc, Chetes y Sanchéz Dub han abarrotado el Teatro Metropólitan en más de una decena de ocasiones.

“Cuando nosotros empezamos lo importante era cómo hacíamos el disco y cómo lo hacíamos llegar al público, no teníamos página de Internet y ahorita todo dependen prácticamente de las formas de comunicación que van cambiando día con día y que afectan la cultura musical.” - León Larregui

Hacer un Unplugged para MTV no es algo que pase tan a menudo actualmente, de hecho, parece que es una práctica nostálgica que se está olvidando, aún así ustedes no sólo grabaron un show en este formato, ahora lo redefinen y lo llevan de gira… Sergio Acosta: Cuando nació el proyecto del Unplugged y comenzó a crecer la banda de manera interesante y con amigos tan queridos empezamos a ensayar y nos gustó tanto que no queríamos que se quedara sólo en un disco, así que lo llevamos a un escenario, además es muy distinto tocar en un show y para un programa de tele, la dinámica cambia en muchos aspectos. Sabíamos que no era fácil porque había muchas implicaciones siendo 16 músicos, pero después de varios meses de trabajo afortunadamente se logró, es una gira que se está extendiendo no sólo en México, sino también fuera y eso nos tiene muy emocionados, porque el público puede vernos en directo y de una manera distinta. Además añadieron algunos plus al show… S: Sí, para el show cambiamos muchas cosas e hicimos otras muy especiales, como los visuales que no aparecen en el Unplugged, la gente que ya lo ha visto se da cuenta de que es muy distinto. ¿Cómo se sienten tocando con gente talentosa de la industria musical, que además son sus amigos? S: Como mencionas, la banda creció con Denise (Gutiérrez), Chetes, (Andrés) Sánchez y Yamil (Rezc), y nos da mucho gusto porque son amigos y es más cómodo

que rodearse de gente contratada, por eso invitamos gente que nos podía traer buen humor, con la que nos la pasáramos bien y que tuvieran ideas propias, este proyecto se ha desarrollado con las ideas que han tenido cada uno de los que componemos la banda, eso fue importante porque se creó un ambiente muy familiar. Además está el cuarteto de cuerdas y la sección de vientos, que gracias a Andrés se pudo lograr y coordinar, traducir estos arreglos a partitura. Por cierto, lanzaron la versión física del álbum, pero también la digital, algo que habla mucho del momento que vive nuestra industria digital en nuestros días, pero ¿sienten preferencia por alguno de estos dos formatos?, ¿creen que los CDs y los viniles volverán sobre los formatos digitales? Rodrigo Guardiola: Siempre vamos a existir los que amamos tener una colección de CDs o de viniles, el formato digital es muy práctico y todos lo utilizamos, indudablemente todos tenemos un reproductor digital, en nuestra computadora escuchamos música, aunque nosotros si somos fanáticos de la colección de música de manera física, el vinil es un gran regreso, definitivamente nos parece que sigue siendo un gran formato para escuchar un álbum que te guste. Si quieres tener un buen equipo de sonido y si en verdad quieres disfrutar la música que más te gusta lo mejor es el CD y el vinil.

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INVESTIGACIÓN

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La fidelidad antes que la practicidad… R: Quizá por eso está volviendo, porque el boom de los aparatos digitales comienza a cansar y es muy gratificante escuchar la música como se hacía, para valorar las producciones, el arte de los discos. Además, una prueba importante de su compatibilidad es que cuando compras un vinil te regalan una descarga del material para que lo puedas llevar a todos lados. Ahí está el futuro, va a haber muchos sitios en los cuales vas a pagar una cuota mensual que incluya todo lo que quieres escuchar y conocer y todos nos vamos a acostumbrar a que la música tenga un precio para valorar el trabajo y no robarlo, si en Europa hay sitios que funcionan así, no deberían tardar en llegar a nuestro país. Pero no basta con estar presente en todos los formatos disponibles, o aparecer en todas las redes sociales, aunque no lo parezca los medios tradicionales continúan siendo un escaparate para muchas bandas en nuestro país… S: Afortunadamente en algunas estaciones de radio ya hay programadores que por su propia voluntad comienzan a poner música de bandas que le gustan, aunque por otro lado están las estaciones en donde no existe eso, ojalá que ese hábito vaya quedando en el pasado. Lo mejor es que la gente ya habla de lo que le gusta en Internet y puedes ver que el público reacciona con tu música y eso es algo interesante que antes no podías tener.

de como Zoé por supuesto que le chingaron, son muchos años de trabajo, yo creo que va por ahí, el rollo de tocar en vivo es lo que le da un poder impresionante a un grupo, ejecutando para el público, hay que tocar, ¿en dónde?, bueno, hay que buscar. Las bandas nuevas no sólo no tienen en donde tocar, incluso existen algunos lugares que les exigen dinero para permitirles subir a un escenario. D: Muchas veces te dicen que tienes que vender una cantidad determinada de boletos para poder subirte al escenario, afortunadamente pocas veces pasamos por esa situación. Creo que cada músico debe de valorar su trabajo y respetarlo, porque si nosotros no lo hacemos nadie más lo va a hacer. Tienes que darte a respetar para decir que no tienes que pagar por tocar, porque lo que estas ofreciendo es algo de calidad. R: Como dijo Denise, te la tienes que creer para que te crean los demás y ser fiel a lo que estás haciendo en cuanto al mensaje y a tu línea de música, si quieres ser prioridad para una disquera o para el manager tienes que creértela, porque si no serás un chiste de MySpace y ahí se va a quedar.

Chetes: Ahora cualquier artista tiene que usar Internet, porque esa es la manera más directa de hablar con los fans, cualquier artista, aunque sea el más grande lo puede utilizar, sirve para todo. Denise Gutiérrez: Gracias al Internet todo puede ser más fácil, es una ventaja para apoyarte solo, eso es lo interesante de esta herramienta. Sí, Internet es parte medular de lo que hoy representa crear y formar parte de una banda, de cómo distribuir tu música y entregarla, pero ¿qué me dicen de tocar en vivo?, es una parte de nuestra industria musical que aún está en desarrollo, pareciera incluso que hubo un retroceso, ahora existen menos lugares para tocar… Andrés Sánchez: Es verdad, hace varios años tocaban más las bandas underground, ha habido un cambio muy fuerte en la escena, hay pocos lugares para tocar, estoy hablando de bandas pequeñas, hay tres lugares en el D.F. donde se puede tocar rock cuando es una ciudad grande. Si hablamos de los noventas cuando estaba La Cuca y Tijuana No, teníamos un LUCC, un Rokotitlán, un Tutti Frutti, muchos lugares en donde realmente esas bandas tocaron mucho, Las Insólitas Imágenes De Aurora se hicieron famosos tocando, no había Internet pero se hicieron famosos tocando cinco a seis veces a la semana en baresitos, ahí radica la diferencia, que bueno que vino el Internet porque las bandas no tocan tanto como deberían. Una banda tan gran-

Ya hablaron de varios aspectos de nuestra industria, pero cuál es su perspectiva en general de lo que pasa hoy en materia de música en México León Larregui: Como en todos lados del mundo hay crisis, además de toda la revolución electrónica que estamos teniendo con los formatos digitales que forman parte de la evolución. Todo esto es como el ojo del huracán del cambio que está provocando que desaparezcan las tiendas de discos, además de que en unos años irán desapareciendo los discos como objeto físico que contenga a la música. Todo esto se refleja en los grupos, en el crecimiento de la industria y en la cultura musical en México, cuántas bandas firman con la disquera, cuántas no, qué tanto sale, qué tanto reconocen a la banda fuera del país, es una situación difícil, pero creo que en medio de todo lo que implica un cambio y de la manera de como la gente consigue la música siempre hay formas de sobrevivir. Por otra parte esta evolución está creando los cimientos de lo que va a ser la nueva forma de obtener y escuchar música.

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Zoé es una banda que está precisamente en medio de esta evolución, entre lo fisico, lo digital, las nuvas formas de difundir y consumir música, aún así pueden llenar un Teatro Metropólitan durante más de 10 fechas y salir del país como headliners… L: Ése es el resultado de muchos años de trabajo y es el proceso de estarnos adaptando al cambio, porque cuando nosotros empezamos lo importante era cómo hacíamos el disco y cómo lo hacíamos llegar al público, no teníamos

página de Internet y ahorita todo dependen prácticamente de las formas de comunicación que van cambiando día con día y que afectan la cultura musical por la razón de la inmediatez (como nos llegan la información), además de tener la opción de lo que quieres escuchar, ya no hay nada que te lo imponga como lo hacían hace unos años la radio y la televisión, existe una gran libertad de encontrar cosas que jamás imaginaste, es otra forma de encontrar tu identidad y reinventarla como mejor te parezca.

Nokia Music te regala una guitarra electro-acústica autografiada por Zoé, sólo tienes que registrarte en http://music.ovi.com/mx/es/pc/ y enviarnos tu confirmación adjunta a promociones@warp.com.mx con tus datos y una foto tuya con la discografía de la banda, la mejor foto será la ganadora. 104


P106. TECHNOLOGIC. Jugando con la realidad P108. LUST IN THE MOVIES. Entrevista Duncan Jones P110. FASHION NUGGET. White Lies P112. ART BRUT. Caleb Charland

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‘Atomic Model’, Caleb Charland

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technologic WARP TV

Jugando con la realidad Por: Daniel Estrada / @dabolo

Ar.Drone

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on la ayuda de una computadora, iPhone, teléfono con Android e incluso con el nuevo Nintendo 3DS tienes la posibilidad de distorsionar y alterar la realidad, aunque no de la manera en que te gustaría, más bien a la que otra persona lo quiera. Realidad Aumentada (RA) o Augmented Reality (AR) te permite unir elementos reales con elementos virtuales, es decir, puedes agregarle objetos a tu cuarto, cocina o cualquier lugar en el que te encuentres e interactuar con ellos. Esta tecnología se hizo popular con el lanzamiento del teléfono HTC Android G1, exactamente el primer teléfono con sistema operativo móvil de Google, esto fue en 2008 y por tal motivo ahora Android es tan popular. Meses después se logró crear el AR Toolkit, una serie de aplicaciones que permiten llevar la Realidad Aumentada a tu computadora. No es algo nuevo, se dice que desde los años sesenta se comenzó a trabajar pero fue a inicios de los noventa cuando se dio el término de Realidad Aumentada. Hoy en día muchas empresas utilizan esta tecnología para dar a conocer sus productos, esto con la finalidad de que millones de personas puedan interactuar con ellos sin tenerlos en la vida real. Existen varias técnicas para poder usar la Realidad Aumentada, en la mayoría es necesario tener una cámara, GPS y un código de barras especial, una vez que lo escaneas verás que aparece un objeto animado. Sony está trabajando en una técnica muy superior, la cual no requiere de un código especial y el objeto que se muestre puede cambiar de tamaño e incluso moverse a su gusto. Microsoft tiene un código muy peculiar que guarda información y la muestra en Kinect, el sensor de movimiento de la consola Xbox 360. Nintendo te regala juegos de AR en la compra de su nueva consola con 3D, la cual te permite poner la foto de un amigo en el

objeto y jugar con él como si fuera el jefe de una misión. Medios impresos utilizan esta técnica para mostrar anuncios vivos, con el hecho de descargar una aplicación a tu computadora y poner la revista frente a la cámara web, tendrás un auto, personaje o portada diferente. Existen otros muy avanzados y más divertidos, como el AR.DRONE que te permite manipular un “helicóptero” por medio de un iPhone, incluso gracias a la cámara que incorpora puedes enfrentarte contra otra persona que tenga el suyo. Este producto ya lo puedes encontrar en México en ciertas tiendas. Te dejamos unas aplicaciones y juegos para que descargues a tu iPhone, iPad o Android. • ARDefender • AR Soccer • FirePower • AR Invaders • Sky Siege • Layar Reality Browser • Car Finder • Star Wars: Falcon Gunne

TechGames.com.mx es un sitio en México que habla sobre lo más nuevo en Tecnología, Videojuegos, Gadgets y Ocio Digital, todo lo que necesitas saber respecto al techstyle.

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lust in the movies WARP TV

Otro Jones en Hollywood: Entrevista con Duncan Por: Sofía Ochoa y Alfonso Flores-Durón

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uncan Jones eligió su nombre por encima de su apodo artístico, Zowie Bowie, que hace referencia a su padre, David Bowie. Con esta decisión decretó sus principios: renunció a lo automatizado de las puertas que su apellido podría abrirle y se sacudió la pesada losa de la comparación. Optó, valientemente, por labrarse su propio derrotero, aunque el proceso fuera más laborioso. Primero estudió Filosofía en la Universidad de Wooster y luego cine en la London Film School. Posteriormente dirigió cortometrajes, videoclips y anuncios publicitarios. En 2009 debutó como director de largometraje de manera sobresaliente con la oda a la ciencia ficción, Moon (Luna: 1095 días), que le dio un BAFTA (equivalente inglés al Oscar) a mejor director debutante. Independiente y modesta (tiene un solo actor) encantó a sus pocos espectadores.

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Su segundo largometraje, Source Code (8 Minutos Antes De Morir, 2011), es su entrada a Hollywood. Es un thriller de ciencia ficción también inteligente y entretenido. Mucho más vendible que Moon. Estando él en Los Ángeles, lo entrevistamos vía Skype. ¿Qué pasó después de Moon, cómo diste un salto tan grande en términos de presupuesto? Cuando estaba haciendo promoción internacional para Moon, viajé a Los Ángeles para reunirme con algunas de las personas con las que quería trabajar en el futuro. Soy un gran admirador de Jake Gyllenhaal y tenía una reunión con él. Él había visto Moon, es un muy fan de la película. Nos juntamos y hablamos de cosas en las que podríamos trabajar juntos. Él estaba


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interesado en el guión de Source Code, pero estaba buscando a la persona correcta con la que trabajar. Me lo dio y me propuso que lo leyera. Lo leí y me emocioné mucho. Estaba un poco nervioso con el fin de Moon, no sabía qué iba a pasar. Esta era una oportunidad de trabajar con un actor que respeto, en un proyecto interesante, con un presupuesto que era un avance con respecto a Moon. Para mí era una gran oportunidad. Se siente como una película prima de Moon. Hay algunos cuestionamientos existenciales y referencias similares, ¿fueron tu aportación o ya estaban en el guión? La mayoría de las referencias ya estaban en el papel. Cuando Jake sugirió que leyera el guión de Source Code, él ya había encontrado similitudes entre los dos proyectos y pensó que podría interesarme por las similitudes. Pero cuando lo leí, me emocionaron las diferencias. Había muchas cosas que iba a lograr hacer que no pude con Moon: trabajar con un gran actor de Hollywood, en sets de Los Ángeles, con más dinero y más trucos. ¿Fue un reto estar tan restringido en espacio para escoger la manera correcta de filmar? Absolutamente. Para mí, una de las cosas más divertidas de ser director es que tienes que resolver rompecabezas. Obviamente Moon tenía muchas piezas que necesitaban ser colocadas, pero Source Code también. Aunque hubo un avance en el presupuesto, el proyecto aún era bastante pequeño. Teníamos que ser inteligentes al contar la historia con un número limitado de locaciones. ¿Cómo mantienes interesado y comprometido al espectador sin que sienta que está viendo lo mismo una y otra vez? Eso fue parte del truco. Inicia como una película de Hitchcock, incluso la música se siente como la de Bernard Herrmann, su compositor de cabecera. Obviamente, fue una decisión deliberada ¿cierto? Sí. Cuando estaba leyendo el guión una de las primeras cosas que salta es que es acerca de un hombre ordinario en circunstancias extraordinarias, sentado en un tren con un destino misterioso. Para mí eso es la esencia Hitchcock. Sentí que era una oportunidad para divertirme con esa referencia. ¿Cuál de los temas de la película fue el más interesante para ti?

Por ejemplo, ¿qué hay de la idea de vivir un poco más después de haber muerto? Esa idea estaba en el guión original pero se perdía hacia el final. Pude aportar un final un poco más oscuro, que funcionara como rompecabezas. Introduje un final con el que la gente pudiera irse pensando ¿qué significa esto?, ¿qué implica? Originalmente tenía el típico final de Hollywood: chico y chica viven felices para siempre. Ese fue un cambio que pude hacer. Para mí era importante respetar a los espectadores de ciencia ficción y dejarlos con una idea interesante. ¿Cómo manejaste los clichés del romance, el heroísmo y el patriotismo? Para mí se trata de hacerlo con respeto y con el corazón. Yo tenía que creer que él viaja en ese tren, se enamora de esa mujer y quiere salvarla. Como director, tienes que aceptar que esa es la decisión que el personaje toma y atenerte. Al mismo tiempo tienes que conseguir que haya química entre los actores. Para eso tenía a Jake y a la maravillosa Michelle Monaghan. Cuando la vi en la película Kiss Kiss Bang Bang (2005) me pareció increíble. Pensé que si ella actuaba, la química entre los dos se mantendría y sería verosímil. Encuentras momentos e ideas en a los que puedes agregar un poco de humanidad que la audiencia puede creer. Aún habiendo visto el proyecto cien veces, buscas maneras de aportar algo original. ¿Cómo será tu carrera de ahora en adelante? ¿Estará más orientada al cine indie o a Hollywood? Quiero ser tan indie como Chris Nolan. Con esta película pareces haberte establecido como un director de Hollywood con cerebro. Espero que no muy Hollywood. Para ser honesto, las personas que verdaderamente admiro son los que como Quentin Tarantino o los hermanos Coen son capaces de hacer cine aquí, en Los Ángeles, usando dinero de Los Ángeles, pero a su manera y con guiones que ellos escribieron. Eso es lo que quiero lograr. Requerirá constancia para construir confianza en la industria. Tengo que generar dinero y al mismo tiempo entretener a mi audiencia. Eso es lo que estoy tratando de hacer: películas que la gente disfrute y que generen dinero para seguir haciendo cine.

Enfilme.com es un sitio que te permite estar al tanto de todo lo relacionado con el cine nacional e internacional, con entrevistas, coberturas, investigaciones y más, este mes no te pierdas su entrevista exclusiva con el actor Jakob Cedergren (Submarino).

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fashion nugget WARP TV

Streetlights Fotografía: Rubén Márquez y Sergio Gálvez / Banda: White Lies *De izquierda a derecha: Harry McVeigh, Charles Cave y Jack Lawrence-Brown

Harry McVeigh

Charles Cave

Jack Lawrence-Brown

Saco, COS

Camisa, BAND OF OUTSIDERS

Camisa, B STORE

Camisa, VIVIENNE WESTWOOD

Pantalones, STOLEN GIRLFRIENDS CLUB

Zapatos, B STORE

Pantalones, ACNE

Chaleco, ENGLISH LAUNDRY

Pantalones, COS

Cinturón, TANNER

Zapatos, CLARKS

Reloj, UNIFORM WARES

Zapatos, DON’T TELL THE MISSUS

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fashion nugget WARP TV

192 es una revista mexicana de moda y cultura. Twitter: @revista192.

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art brut WARP TV

Caleb Charland WeirdScience Por: Chëla Olea www.calebcharland.com

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n la actualidad muy pocos admiramos la magia que hay en los sucesos simples, de esos que tenemos al alcance de nuestra mano. Sobre esto, la obra de Caleb Charland nos hace reflexionar. Su obra es la suma imparable de sucesos predecibles pero hermosamente ilustrado ante nuestros ojos. Nacido en Estados Unidos, creció viendo a su padre reparar casas y botes, escenario que lo fascinó desde pequeño. La capacidad de la materia de evolucionar y mutar lo atrajo tanto que ahora no puede dejar de preguntarse cuáles serían los resultados de un experimento, y mejor aún, si los

registra fotográficamente. Fundamentalmente la directriz de su composición estética manifiesta los fenómenos dictados por la física y una maravillosa composición visual sin retoque digital. El resultado que vemos en estas fotografías es auténtico y sorprendente. ¿Cómo describes tu obra? Suelo decir que es más o menos de octavo grado, la ciencia se mezcla en mi vida junto con la escultura y la mayoría de las técnicas no son más avanzadas que mi ‘técnica fotográfica’. La gente continúa respondiendo a la aparente cotidianidad

Circles with Matches ›› Chëla Olea es editora de arte de WARP MAGAZINE, curadora de la sección Art Brut de WARPtv y make up artist.

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art brut WARP TV

de estos sucesos simples y naturales. Todos somos curiosos a cerca de las cosas que nos rodean, aún más cuando somos niños. El tiempo le permite a nuestras mentes vagar y anhelar a pesar de las presiones por pagar cuentas y entrega de trabajos. Así que para mí, mi obra es muy parecida a un escape, es más que dejarse ser consumido por una idea manifestada en película. Ninguna de mis obras está creada digitalmente, a excepción de mis obras a color en las cuales sí nivelo color y tonalidades con photoshop. Pero aún mis fotos en blanco y negro son reveladas en el cuarto oscuro. Elegí la fotografía para que mi mente creativa pudiera reconocer sus propios límites y trabajar dentro de ellos. Gran parte de mi obra incluye siluetas y esculturas de luz, y la fotografía me permite tener múltiples momentos en el tiempo para juntar todos los elementos en la impresión final. Esta comprensión de la luz basada en elementos visuales es infinitamente fascinante para mí.

Faucet with Oil and Water

Skelton Key with Copper Wires

¿Alguna exhibición en puerta? Recién expuse en Madrid, en el Centro de Arte Dos de Mayo (CA2M). La exposición consta de cuatro apartados, en los que se agrupan las obras de los artistas participantes: “Artefactos y mecanismos” comprende un conjunto de obras creadas mediante artilugios mecánicos y el uso de la tecnología; “En el laboratorio” muestra la obra de aquellos creadores que usan el estudio como lugar de experimentación; “Perdidos en el espacio” apela al espacio exterior como última frontera de la ciencia y la creación; y, por último, “Trabajo de campo” aglutina a artistas que trabajan para elaborar y demostrar teorías a medio camino del arte, la ciencia y la naturaleza. Realmente ha sido un proyecto muy interesante. También cuento con una exhibición en la Galería Michael MazzeoGaller en Nueva York.

Silhouette

¿Algún consejo para los jóvenes que deseen convertirse en artistas? Primero, ser paciente y no dejar de persistir. No es buscar estar a la moda, sólo trabajar y mostrar todo el tiempo la obra para que dé reales resultados. 113


Mariana Blessmann

ESTRENOS

MARTES 9:30PM (Mex/Arg/Col/Bra) 10:00pm Vzl, 08:30pm Chi REPETICIONES

Miércoles (2:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 03:00pm Vzl, 01:30pm Chi Viernes (2:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 03:00pm Vzl, 01:30pm Chi Sábados (8:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 09:00pm Vzl, 07:30pm Chi Martes (11:30pm Mex/Arg/Col/Bra) 12:00pm Vzl, 10:30pm Chi


warp.la l @laGUARP

TV ON THE RADIO

Caffeinated Conciousness

THE DRUMS CALAMARO BABASÓNICOS RAMMSTEIN HOLY FUCK


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The Drums Surfing through high tides By: Paola Del Castillo / Photo: Courtesy of TD

Hanwick Connor: We are very thoughtful about experimentation or evolution whether it is in the studio or performing live, so we look for small ways to increase this without compromising core values ​​or whatever it is we have as a band. What can you tell us about your next album? Jonathan Pierce: I think it will be in stores on September and we are very excited about it. I think the first album was like “The Drums world”, and this is like “The Drums in the real world.” The first album was very cinematic, as if each song had a picture were even able to see. The new material is a more personal and more real album. Comparing the two albums, we could say that this new one is darker.

With a mix of melancholic lyrics and upbeat music, the Brooklyn native group went from being one of the major proposals in 2010 to getting themselves as one of the leading independent bands today. After sharing with bands like Goat Explosion and Elkland, facing the quitting of one of its members, and taking the decision to add two members to their original lineup for live shows, The Drums make clear that this is only the beginning of their path. WARP MAGAZINE talked with Jonathan Pierce, Jacob Graham and Connor Hanwick during their latest visit to Mexico. The media tagged you as “the band to follow in 2010.” Was it difficult to cope with that pressure or you like being the center of attention? Jacob Graham: It was very strange because none of us is the type of a guy who likes being the center of attention, rather we are the type of dudes doing strange things that people think are silly, so it was flattering. But in 2010 we did nothing unusual, so perhaps we fail everyone. People expect you to do something that becomes breaking news, but we are not interested in that, we just want to make records and concerts. What can we say about Adam Kessler quitting? JG: That was so long ago that we barely remember. He just played with us for a while and then decided not to do it anymore. It was as simple as that. Life goes on... we found other people to help us and they are doing it pretty well. Now you are a band with five members, what led you to this decision? JG: Before, we totally depended on samples to support our concerts, on the parts with the bells, whistles, synthesizers and applauses; and when Adam quitted, we re-evaluated our performances. Now everything we do on stage is completely live, which makes the show more exciting. It is much more dynamic. 116

Andrés Calamaro You can not live any other way By: Andrea Paz / Photo: Courtesy of AC

One of the most representative of Spanish-language rock, without any doubt, is Andrés Calamaro, who is still celebrating the first ten years of the album “El Salmón” (2000) from the hand of “Salmonalispsis Now”, a double album with the best songs from the original, plus new material. WARP MAGAZINE talked with the Argentine musician on this special occasion. Do you think that “El Salmón” could have had the same meaning if released now during this digital era? The digital media would have decontextualized the purely conceptual content  (from the album) and would have facilitated the exploration; the digital public would have been more tolerant receiving a hundred songs in their digital archives. As one of the leading figures in the Spanish-language rock, do you still find it easy to keep that place among the youth? I do not know if it is easy, but part of our audience resists getting older. How fortunate they are.


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What is your vision of the music industry transformation through new technologies? At the moment, transformation is a dangerous threat to the musical balance. The industry has been able to be sold by itself and the digital metamorphosis is a large-scale fraud, counterfeiting the work of artists and the music industry, a perverse form of colonialism with the naive complicity of the “nerds” who feel themselves as part of a revolution because they hack our work. How different is releasing a CD today from the way of doing it 10 years ago? Today, the release of an album is nothing more than an illusion; no one knows what is it really for. It is a purely an artistic thing or just a complement, and if you get lucky, it becomes a Trending Topic on Twitter. What can you say about the new songs that come with Salmonalipsis Now? They are not exactly new, is a formality to adding unheard songs, to the cents of almost unknown tunes. How is that you chose collaborations such as Calle 13, Bunbury and Diego “El Cigala”? Knowing they are great, the best ones on their territories. I respect and admire them. Plus, we are close friends. How it was working with one of the regional music bands in Mexico like Los Tigres del Norte? Honestly, it was a dream came true. I identify myself with the genre and to “the jefes’s” (the bosses) stand and I am very proud of this join-venture. With over 20 years of experience, what can we expect from Andrés Calamaro in the future? I hope to step into bullfighting, or into the party. For now, the following is promoting Salmonalipsis Now.

Babasónicos Barranca Abajo By: Alejandra Ayala / Photo: Courtesy of Babasónicos

A dose of irony, sarcasm and inspiration could perfectly define Babasónicos, a band that has been creating music from these elements for over 20 years, but renewing themselves at every opportunity, their latest album A Propósito, is a great example of that. WARP MAGAZINE talked with Adrián Dárgelos and Roger Mariano about the details that shelter this new work.

How was the process of writing and producing your tenth album,  “A Propósito”? Mariano: The process was not very different from the previous ones. It took about four months to do everything, to build the songs, to rehearse, to produce, to record, mixing, mastering and editing. The difference between this album and the others, talking only about the production process, is that maybe we had more time to develop the versions, and for previous albums, for different reasons, they came faster and we made very concise versions. In this case, we devoted more time to develop the songs and make them grow. There are hidden tracks or, like ‘Muñeco de Haití’ which ends up having more parts. Inside A Propósito, we can find different styles on the tracks.  How did you get this creative style of being more eclectic? Adrián: Our nature was always eclectic, we always were very disrespectful to the different styles, we are quite free at the time of writing and doing what we like, and rhythmic diversity entertains us. In A Propósito we recorded more songs with more diversity, but we were brat when we chose these songs that we decided to choose. What do you consider A Propósito has as extra contribution that no previous albums had? A: The instrumental development of the songs, certain preciousness, the mutation which is a main thing, of a song that merges into another one, and nothing is respected, and how it is applied to a new contingent way of thinking which should be the Present; and also, because we are not the band we were before. Now it’s like a genetically altered body, which was deprived of one of its parts when losing Gabo, and although it is replaceable, it is not the same anymore. At the end of Mucho (2008) we did not realize the impact of the absence of Gabo, until this new album where we are making something new that we ultimately like. Speaking of changes, how would you define the sound of A Propósito? M: Let’s call it an attitude of rock music but not pigeonholed, we do what inspiration delivers, but if it were to put a definition to the sound, it would be: inspired. What phrase could define the twenty years of Babasónicos? A:  A provocative combo crossing the dignity of the music. 117


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Holy Fuck Stilettos By: Leonel Hernández / Photo: Courtesy of HF

Rammstein Love Is For Everyone By: Diovanny Garfias / Photo: P.R. Brown

Rammstein, the German phenomenon that shocked thousands of Puritans around the world during the last decade, is back. The Teutons launched in 2009 their sixth studio album Liebe IST Für Alle Da, excuse enough to travel the globe and demonstrate their new trend sound. WARP MAGAZINE talked with guitarist Paul Landers during his latest visit to Mexico. I think Liebe IST Für Alle Da marks a new beginning of sound for the band, what was the process you followed and what makes ​​it different from other works? That is a very complex question, in fact, for this album we had a new approach, based on the idea that we wanted to remove load off of our songs. We took out some ingredients to make it more accurate, clearer, but at the same time, more transparent and harder. What means to you, dealing with censorship on every job you release? From the beginning, our task was to identify the boundaries of good taste. Most of the times you identify those limits just until you have trespassed them; and we know that there is always someone who will let you know. That’s part of our job. So we know: when you play with fire you have to get burned. That’s how we perceive censorship. What did it mean for Rammstein to participate on Lost Highway’s (1997) soundtrack? Did it open any doors in the world? Of course it played a very important role, and it is difficult to determine how important it was, but we really like to participate in soundtracks; actually, we are making efforts to do work more on this field, we may have left it aside these recent years, but in our videos you can see how much we love movies. Can we expect Rammstein’s new album in the near future? No, not right now, we’re going by the flow and the concerts have been very successful concerts for being the first time we perform at such big venues. Although we will try keep on track and see what happens. Is like when someone dies, it is obvious that something has to change, but those are things that cannot be predicted. 118

Holy Fuck is such a strange but pleasant surprise we got from the last decade. Originally from Toronto, Canada, Brian Borcherdt, Graham Walsh, Matt McQuaid and Matt Schulz, have the luxury of performing at rock festivals, electronic and even jazz events, because of the variety of styles they merge. WARP MAGAZINE talked with Brian, in charge of synthesizers and other “tools” such as projectors. How is the songwriting process for a band like you, which does not use conventional instruments? It is rare. Normally when we get together we do not plan what will come out, one just comes with an idea and the others complement it.  Matt (Schultz, drums) could come with a beat during the sound check before a show, and we start to follow him and to merge things, letting everything flow. The truth is there is never a plan to write a song. You have been censored because of your name, in some events… why that name? I would answer “Why not?” [Laughs]. We found it fun and it’s funny to create so much controversy with the name. We didn’t think it would be so inconvenient and we really never thought if the public would take it badly. Yes, there has been some problems from those who take things too seriously, but at some point, it have helped us: people want to know who we are, and when they listen to us, they see we do funny things. If someone has never listened to Holy Fuck… what that person should expect? That he is not going to find a particular style of music, there are many interesting and complex things, combined with lots of fun. I like that combination. Our shows are always like a party. For us it is always a celebrating on stage and that vibe is contagious. The audience reactions are always positive and perhaps for them is a special experience. Is what we try to give them. That is what I can assure to those who listen to us. There will be so much fun.


insert GUARP

TV On  The Radio Return to success mountain 

By: Paola Del Castillo / Photo: Courtesy of TVOR

They were formed in 2001 but it was in 2006 with Return To Cookie Mountain, that they got the spotlights. In that album, they collaborated with David Bowie, and during their promotional tour they played some songs on the stage with Peter Murphy (Bauhaus) and Trent Reznor (Nine Inch Nails), so inevitably they were on everyone’s mouth. The success continued with Dear Science (2008) and this year they are releasing their fourth LP, Nine Types Of Light, album that debuted just eight days before their bassist Gerard Smith, lost the battle against cancer. WARP MAGAZINE talked with the band’s lead singer, Tunde Adebimpe, who spoke about their new production as well as how difficult it has been facing the loss of his partner and friend. Making a forced comparison between this album and its predecessors, the front man (from Brooklyn) assures that this new production is more developed than the others. “I would say this album is more accomplished than the others, but I think that is natural, the goal is to evolve on every album. I think this new material perhaps sometimes is a little brighter. I do not think energy has been negative on the other albums at all, but this new album is definitely more positive. There are definitely many love songs on this album. When we were recording it I realized that we had more love songs than before, but I liked it. I think it’s a good emotion to share with the world”, says Adebimpe. As for the album’s title, Nine Types Of Light, it was the best option from a list made by the band: “We had very ridiculous options like: I Bet You Can’t Fit This Whole Thing In Your Mouth, Fuck The Kids I’m They’re Fucking Music Halbum ... We chose the best, and I like how it sounds. I think it’s a kind of spell, that if you say it several times things start to happen in your life”, jokes the singer. On the other hand, it is inevitable to think that alternative projects of multi-instrumentalist and producer David Sitek, have had some influence on this new album, that is his solo project better known as Maximum Balloon and his role as bassist for Jane’s Addiction for the recording of the new release of The Great Escape Artist -led by Perry Farrell, “I think every time someone does something out of the band he returns with some influence. Everyone learns something on different projects, whether it is related to the way you manage the time, or your personality or the music itself, and you include it in the new album you are working on”, says Adebimpe. Do you think Nine Types Of Light will surpass the success achieved by your previous albums? I hope so. You never know. I’m proud of it and also all the members of the band. I guess we’ll have to wait and find that out. As for the creative process, what comes first: the music or the lyrics?

Sometimes both. I think the music usually comes first. We all write song demos and then we get together, and almost like if it was a picture, we analyze “here you could add this” or “you should include another instrument here”. The process happens in many ways. For example, the song from the new album ‘Second Song’, Dave and I wrote it at the end of Dear Science, and the lyrics kept changing until we finally recorded it. The same happened with ‘Repetition’, I wrote it for the previous album, but I kept it because at that time, it made no sense to me; and then it emerged easily while we were making this new album. In 2009 you were coming to Mexico as part of the Colmena Festival, but you canceled your presentation, what happened? We started receiving a lot of negative information about people who organized the festival. We were told that it was not organized at all. We received much e-mail from people who had previously attended the festival, asking us not to go to the festival because the production people offered a bad deal for people attending the event. That’s what I understood, that the organizers were not taking things out in good way and that was affecting the bands so we did not want to be part of that. How is TV On The Radio after a tragedy like Gerard Smith’s death? It’s like in any family after a tragic situation; we try to understand things as we move on. Of curse, you’re heartbroken and you miss the person you really loved, but it is a personal matter that you keep figuring out as time goes bye. Are you planning to include another bassist in the band? No. I do not think we would do that ... And I’d rather not talk about it for now. Even without Gerard Smith, TV On The Radio is shaping up to remain as solid as they always have been as a band, despite facing such painful tragedies (the death of a partner), they will remain surpassing and pulling down barriers between musical genres. 119


encore

Radiohead Glastonbury 2011 By Sergio Gรกlvez

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WARP MAGAZINE 38: UNA FOTOGRAFÍA A LA INDUSTRIA MUSICAL MEXICANA

WARP.LA


WARP Magazine 38  

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