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En Exclusiva

Jesse Eisenberg

(es Mark Zuckerberg)

The Ramones, The Field, Black Lips, No Age y más

Facebook, Twitter, LinkedIn, MySpace, Flickr, Tumblr, Hi5, Last.fm, Foursquare, Friendster, Spotify Sonico

What’s on your mind?

No sólo les pertenecemos... WARP MAGAZINE No.31 $35.00 Méx, $2.99 USA, €2.99 Europa, $1,950 Chile, $9.50 Argentina

DOMINAN EL MUNDO Coberturas Especiales

Austin City Limits Corona Capital, Pixies en México


Cortesía Sony Pictures México

D

avid Fincher es el director de The Social Network, una película que retrata la vida del creador de Facebook, Mark Zuckerberg. Dicha cinta podría no ser relevante para algunos ¿Para cuántos en realidad? ¿Quién en estos días no pertenece a alguna red social? Es un hecho que las redes sociales crecen a pasos agigantados y su impacto se ve reflejado en diversos ámbitos que van desde industrias de entretenimiento, hasta la forma de interactuar entre las personas. Merece este tema un tratamiento a fondo para al menos conocer el funcionamiento de esa gran atmósfera virtual de la cual, incluso involuntariamente, todos formamos parte.


WARP MAGAZINE

No.

32

Director General Alejandro Franco Fernández twitter.com/AlejandroFranco

Editorial

Editor en Jefe Milton Barboza Arriaga twitter.com/MiltonBarboza Coordinadora Editorial Sandra Valerio Ruiz twitter.com/SandraValerioMX Asistente Editorial Diovanny Garfias twitter.com/Androgyn Corrector de estilo Adolfo Vergara Trujillo twitter.com/ToBeFreak Editor de Film Mario Székely twitter.com/Capimalpasz Columnistas Joselo Rangel (Café Tacvba) twitter.com/cafetacvba, Paul Stokes (Editor Noticias, NME) twitter.com/Stokesie, Sr. Flavio (Los Fabulosos Cadillacs), Samantha López (Corresponsal Madrid/Londres) twitter.com/Samanthalopezs.

The Social Network

69

Destacados

THE SOCIAL NETWORK

Hemos convivido con internet ya por muchos años, y poco a poco vamos

entendiendo más sus tendencias entre las que se encuentran las redes socia

les. Pero, ¿qué está pasando con ellas? ¿Hasta qué punto son parte de nuestra

vida y en qué momento han rebasado la barrera de la intimidad? Al parecer

nos dominan, esperemos que no por mucho tiempo.

62

AUSTIN CITY LIMITS En Exclusiva les traemos los pormenores de este importante festival de fin de

año que se ha convertido en uno de los más importantes del mundo.

Secciones

White Lies, Corona Capital,

Editorial

Pixies, Air, Broken Social Scene,

Jesse Eisenberg actor de

UNKLE, Rockampeonato Telcel

The Social Network

44

Hot Hot Hit

08

¡Silencio Por Favor!

Natalia Kills

White Lies

47

Good News, Bad News

10

Set List

Black Lips, The Field

12

Featuring:

97

Warped

Alex Otaola

TV, Film, Fashion, Sports, Art

14

Featuring: No Age

110

Vintage

Dean Spunt

Alan Parsons Project

16

Mis Videos y Discos

112

Encore

26

GIGS

Pixies

Phoenix, Belle & Sebastian,

CocoRosie, Arcade Fire,

06

*YA PUEDES VER GRATIS LA REVISTA COMPLETA EN LÍNEA A TRAVÉS DE: www.warp.com.mx/digitalmagazine Foto de Portada: Cortesía Sony Pictures

Colaboradores Invitados Jesse Eisenberg, Alex Otaola, Dean Spunt (No Age), Colaboradores Abraham Huitrón, Adolfo Vergara, Anna Stephens, Chëla Olea, Elsa Núñez, Fito Montes, Francesca Beltrán, Francisco Camino, Gabriel Guajardo, José Villanueva, Karina Luvián, Luisa Reséndiz, Marcela Muñoz, Pada, Pola, Samuel Segura, Susana Betancourt, Wendy Cid.

Mail: magazine@warp.com.mx Arte y Diseño Dirección de Arte y Creativa Oscar Sámano & Edgardo Domínguez Diseño Diana Urbano Editor de Fotografía Sergio Gálvez Fotografía Sergio Gálvez, Leslie Del Moral, Pola Comercialización y Publicidad Dirección de Estrategias Comerciales Eduardo Montes montes@sentido.com.mx twitter.com/monteslalo Publicidad y Espacios WARP Celia Fernández fernandez@sentido.com.mx Distribución Paulina López Tel. 5280 0243 Los artículos realizados en este número por los colaboradores, no necesariamente reflejan el punto de vista de WARP MAGAZINE. WARP MAGAZINE está fabricada con material ecológico sustentable certificado, el cual ayuda a la conservación del medio ambiente. © WARP Marca Registrada ®. Año III No.31 Fecha de Publicación 15-10-2010. Revista Mensual editada y publicada por AGENCIA DE CONTENIDOS, S.A. DE C.V. Temístocles No. 34, Tercer Piso, Col. Polanco Chapultepec, Del. Miguel Hidalgo, C.P. 11560, México, D.F. Tel. 5280-7329. Editor Responsable: Alejandro Franco Fernández. Número de Certificados de Reserva de derechos al uso exclusivo de los Títulos WARP: 04-2008-110514461800-102 de fecha 5 de noviembre de 2008 y WARP MAGAZINE: 04-2008-110514464400102 de fecha 5 de noviembre de 2008, ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Certificado de Licitud de Título No. 13871 de fecha 30 de octubre de 2007; Certificado de Licitud de Contenido No. 11444 de fecha 30 de octubre de 2007, ambos con expediente CCPRI/3/TC/07/17744 ante la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas. Impresa en CAMSAN IMPRESORES, S.A. DE C.V., San Juan, Mz. 10 Lt. 15 Col. Bellavista, C.P. 54720; Cuautitlán, Edo. Méx. Distribución Nacional e Internacional de CODIPLYRSA. Todos los Derechos Reservados. Prohibida su reproducción parcial o total por cualquier sistema o medio. Impresa para México.


EDITORIAL // WARP32

THE DEVIL INSIDE Jesse Eisenberg

Cortesía Sony Pictures México

N

o tengo mucho qué decir sobre las redes sociales pues no las utilizo. Mi trabajo como actor es interpretar roles y en este caso es Mark Zuckerberg, creador de Facebook. Lo que me llamó la atención de este proyecto, The Social Network, fueron dos razones: filmar bajo las órdenes de David Fincher (Fight Club) y materializar el guión de Aaron Sorkin (The West Wing, serie de TV), quienes crearon una historia repleta de valores contemporáneos y tienen una gran obsesión por el detalle y la perfección. Mi opinión, es que tanto a Mark como a su amigo y socio Eduardo Saverin, les llegó por sorpresa el éxito inmediato de Facebook. No estaban preparados para ello. Esto los desestabilizó. Creo que cada personaje ve a los demás como el enemigo, pero desde la perspectiva de la audiencia no pensarán que exista un villano, sino que entenderán que cada quien piensa que está en lo correcto desde su punto de vista. The Social Network se trata de la intensidad del drama humano detrás de la creación de la red social más grande de la historia del mundo. Encuentro muy irónico que la herramienta que se creó para unir a la gente, haya sido la que ocasionó que los personajes rompieran con su amistad.


SILENCIO POR FAVOR // WARP32

White Lies Susana Betancourt

Cortesía White Lies

La agrupación inglesa se encuentra trabajando en lo que será el sucesor de To Lose My Life, su exitoso álbum de 2009: Ritual llevará por nombre la nueva placa, cuya producción —realizada en los Assault And Battery Studios, de Londres— estuvo a cargo de Alan Moulder (Depeche Mode, Nine Inch Nails, Them Crooked Vultures).

Aquí, el tracklist de Ritual, álbum que, se espera, llegue a las tiendas en enero de 2011. ‘Is Love’ ‘Strangers’ ‘Streetlights’ ‘Bigger Than Us’ ’Peace & Quiet’ ‘Holy Ghost’ ‘Turn The Bells’ ‘The Power & The Glory’ ‘Bad Love’ ‘Come Down’


SET LIST // WARP32

Set List

1•‘Come On Sister’ – Belle And Sebastian (Reino Unido) 2•‘The End’ – Kings Of Leon (Estados Unidos) 3•‘Plus’ – Deadmau5 (Canadá) 4•‘The Promise Room’ – Dive Index (Estados Unidos) 5•‘Stop The Noise’ – The Futureheads (Reino Unido) 6•‘Brothers’ (Caribou remix) – Hot Chip (Reino Unido) 7•‘Fantastic Pace’ – Portugal. The Man (Estados Unidos) 8•‘Radio Borderland’

– Nortec Collective Presents: Bostich+Fussible (México) 9•‘Punching In A Dream’ – The Naked And Famous (Nueva Zelanda) 10•‘Endless Rain’ – How To Dress Well (Estados Unidos) 11•‘Limit To Your Love’ – James Blake (Estados Unidos) 12•‘We’re Not The Same’ – The Ting Tings (Reino Unido) 13•‘Just Can’t Sleep’ – The Aikiu (Francia) 14•‘We’re Ready When You Are’ – The Krays (Estados Unidos) 15•‘Daphne’ – Lia Ices (Estados Unidos) 16•‘Search Party’ – Small Black (Estados Unidos) 17•‘Velocidad M’ – Le Baron (México) 18•‘Nubes’ – Ozomatli (Estados Unidos) 19•‘Nightdrive With You’ – Anoraak (Francia) 20•‘Ishvara’ – Arpline (Estados Unidos) 21•‘Glitter’ – No Age (Estados Unidos) 22•‘Fuck You’ – Cee-Lo (Estados Unidos) 23•‘Shark Ridden Waters’ – Gruff Rhys (Reino Unido) 24•‘Dama Del Viento’ – Apolo (México) 25•‘Sixteen Shades Of Black & Blue’ – Fujiya & Miyagi (Reino Unido)

Escucha y descarga todos los martes Set List conducido por Milton Barboza, Editor en Jefe de WARP MAGAZINE a través de <www.warp.com.mx/warpcasts>


FEATURING: Alex Otaola // WARP32

ALEX OTAOLA: EL HOMBRE DE LA CÁMARA (dirigida por D.Vertov-1929/musicalizada por Alex Otaola-2010) Alex Otaola (Músico)

Cortesía Alex Otaloa

Cualquiera que ha ido a un concierto donde se proyectan imágenes en grandes pantallas y las moléculas musicales viajan por toneladas, entiende que hay algún tipo de magia involucrada cuando lo audio-visual sucede. Cuando la Cineteca Nacional me invitó a ser parte del ciclo Bandas Sonoras, sabía que era la oportunidad de armar un toquín especial. Les propuse musicalizar mi película muda favorita: El Hombre De La Cámara, esa que, para algunos, representa el nacimiento del séptimo arte… Cierto: ya se habían hecho películas con buenos y malos, en sets especiales, vestuario de diseño, intertítulos para los diálogos, etc., pero Vertov entendió que el cine podía verse a la velocidad de nuestra imaginación, que podía recurrir a efectos visuales como jump cuts, time-lapses, animaciones cuadro por cuadro, etc., que sólo hasta entonces sólo existían en nuestros sueños (incluso, sospecho que este tipo de efectos visuales, en 1928, sólo aparecían en los sueños de Vertov). Actualmente, alguien de quince

años podría pensar que El Hombre De La Cámara es un videoclip rupestre, pues las técnicas que emplea se han vuelto un lenguaje universal; pero en la época en que las cámaras tenían una manivela que debía de rodarse para capturar la imagen, Vertov hizo una película que empieza en una sala de cine, donde su personaje único es el camarógrafo que filma la película que estamos viendo. Sin que exista ningún diálogo, la peli se detiene para que veamos la mesa de edición donde está siendo ensamblada la cinta y, finalmente, concluye en la sala de cine donde el público se da cuenta de que, lo que vio en la pantalla, los refleja como un espejo. La película muestra en su introducción una orquesta que va a tocar cuando empiece la proyección, con los típicos alientos, el piano, el contrabajo, la batería, etc., por lo que pensé que sería más interesante usar ese tipo de instrumentos para musicalizarla, en lugar de tocar mis pachequeces electrónicas; y como la Cineteca Nacional cuenta con un piano, supe

que debía usarlo: cuando la pelis se comenzaron a volver masivas —“portátiles”—, la pianola era el instrumento que solía musicalizarlas. El score consistió en una mezcla de rolas escritas y momentos que serían improvisados por los músicos —o, en su caso, el público—, siguiendo mis señales. Tres semanas después del evento, me pidieron repetir el show y pensé: “¡Seguro! ¡Hasta debería grabarlo!”. Gracias a patrocinios, la Sala 3 se convirtió en un estudio de grabación; gracias a “benefactores”, se maquilarán diez mil CDs de este material, mismos que serán distribuidos de manera gratuita, lo que anula la motivación detrás de la industria disquera, pero también la de la piratería, otorgándole al producto una cualidad similar a la de la transmisión oral: un simple intercambio entre una persona que cuenta una historia y otra que desea escucharla. La presentación de esta historia será el 11 de diciembre de 2010 en la Cineteca Nacional.


FEATURING: No Age // WARP32

No Age COMMON HEAT

Randy y yo nos conocimos en el 2001, mientras hacíamos un viaje en motocicleta al que un amigo nos invitó. Podría describir alguna de esas escenas de motociclistas grandes, rudos, llenos de tatuajes de calaveras… Pero no fue así; fue todo lo contrario: manejábamos unas flamantes scooters. Obviamente, en un viaje de varios días, conoces más o menos bien a tus compañeros, así que empecé a platicar con Randy y nos dimos cuenta de que teníamos en común la

música. Nos hicimos amigos y, meses después, nos encontrábamos tocando en una banda de hardcore, los Wives, que eventualmente se desintegró. Así que decidimos comenzar de cero, por nuestra cuenta… de esta forma surgió No Age. No hay bandas específicas que nos hayan influenciado, dado que nos gustan muchas cosas. Obviamente tomamos elementos de todo lo que escuchamos, principalmente de bandas avant garde, punk rock, hard punk, noise… Creo que nos gusta lo ruidoso.

Ahora lanzamos nuestro nuevo disco, Everything In Between, un álbum que si bien se mantiene en la línea de lo que hemos hecho con anterioridad, cuenta con elementos nuevos con los que quisimos experimentar y refrescar nuestro sonido, y es que nos gusta llevar a nuestros escuchas por diferentes estados: seriedad, oscuridad, de lo gracioso a lo salvaje, lo que resulta divertido, hermoso. Nuestra música, generalmente, nace de una manera muy sencilla: nos sentamos y empezamos a

conceptualizar cosas que se nos han ido ocurriendo; ya sabes: estás haciendo cualquier cosa y te llega una idea, una imagen a la cabeza. Es un proceso que desarrolla lo que queremos transmitir. Así es No Age, como nuestro nombre: hermoso, pues engloba géneros como el punk, el rock y el new age. Somos simples… ¿Qué viene para nosotros? ¿Con quién nos gustaría colaborar? “Con Dios” es la mejor respuesta que se me ocurre.

013

Cortesía No Age

warp magazine / www.warp.com.mx

Dean Spunt


Rock Dust Light Star

Jamiroquai Universal Music 2010

El séptimo álbum de estudio de la banda inglesa —el primero en cinco años, ya con su nueva disquera—, podría considerarse algo arriesgado para un grupo que, pese a su historia, pudiera ser criticado para mal, pero que resulta exquisito. Jay Kay y compañía continúan en la ruta del sonido funk que los ha caracterizado desde que se dieran a conocer en 1992, y en cada una de las canciones logran un resultado redondo: calidad interpretativa y composición casi perfecta, refrendan su importancia en la música

contemporánea. Grabado en Londres y Tailandia, y producido por Charlie Russell y Brad Spence, Rock Dust Light Star viene a poner una pausa entre el rock, electrónico y otros géneros que se han apoderado de la escena internacional, logrando que la inconfundible voz de Jay Kay vuelva a sonar en nuestros oídos con grandes tracks como ‘White Knuckle Ride’, ‘All Good In The Hood’, ‘She’s A Fast Persuader’ y ‘Hey Floyd’. Hay algunas otras, como ‘Two Completely Different Things’, que con un

9.0

Calificación

inicio muy a la Barry White, pudieran ser pasajeras, aunque no faltará a quien le agrade este tipo de creaciones. Pese a ello, Rock Dust Light Star es un buen trabajo que puede representar el encuentro entre las nuevas generaciones de melómanos con un clásico de los noventa y el reencuentro de los asiduos fans que, a lo largo del tiempo, se han enamorado del inigualable estilo de Jamiroquai, uno de los pocos grupos que pueden jactarse de tener a músicos impecables en cada uno de los instrumentos. -Milton Barboza Arriaga


REVIEWS // Mis videos y discos / WARP32

8.0

Write About Love

Belle And Sebastian Matador 2010

Calificación

Luego de una larga ausencia —en la que Stuart Murdoch dedicara su tiempo a God Help The Girl—, los siete integrantes de Belle And Sebastian están de vuelta con un álbum hundido en la década de 1960, cosa que no es novedad, pero que siempre nos derrite con sus detalles. Desde el inicio nos encontramos con ‘I Didn’t See It Coming’, reforzada en la alegría de las secuencias lúdicas de ‘Come On Sister’. El momento de romance extremo, intenso y sesentero, corre a cargo de ‘Calculating Bimbo’, atmósfera que corta de tajo el ritmo más acelerado de ‘I Want The World To Stop’, con aire de aventura gracias al órgano y los metales que se intercalan. La voz de la actriz inglesa Carey Mulligan le da un toque meloso, especial, a ‘Write About Love’. Murdoch nos regala un momento de intimidad en ‘Read The Blessed Pages’, pues perece que de verdad abre su corazón. Este es un álbum variado, muy bien planteado, con el que la agrupación escocesa nos paga eso que nos debían con su ausencia. -Elsa Núñez

9.0

Alegrías

8.6

Calificación

Sit Down, Man

Calificación

Bubblegum

Howe Gelb And A Band Of Gypsies Eureka 2010

Das Racist Mad Decent/Mishka/Greedhead 2010

Clinic Domino Records 2010

Líder de Giant Sand, con nada menos que 25 años de historia, Gelb es un renegado de la música, aunque parezca lo contrario: siempre con su banda, aunque con varios proyectos alternos bajo la manga. Nunca se está quieto y, cual niño hiperactivo, gracias a la invitación del músico Fernando Vacas —cerebro detrás del sello Eureka—, se subió a un avioncito con destino a Córdoba, España, para entregar un disco que se puede clasificar, simplemente, como flamenco americano. Y precisamente para darle esa inyección americana, Gelb retoma una de las formas de arte más genuinas de Estados Unidos: el western, con títulos como ‘4 Doors Maverick’, ‘Cowboy Boots On Cobble Stone’, ‘Broken Bird & The Ghost River’, ‘(There Eere) Always Horses Coming’, entre otros. Nunca está de más encontrarte con rarezas de este calibre, pues siempre te dejarán satisfecho. -Gabriel Guajardo

Producción de gran calidad sonora que irradia sencillez y honestidad de principio a fin. Himanshu Suri, Víctor Vázquez y Ashok Kondabolu, quienes se dieran a conocer en 2008 con ‘Combination Pizza Hut And Taco Bell’, prueban que su música no es un chiste; así lo confirma ‘Hahahaha Jk?’, pues refleja la actitud del disco en general: una muestra que no trata de impresionar a nadie, aunque finalmente lo logra. ‘All Tan Everything’, junto a Jay-Z, destaca con un hip hop inteligente y libre de pretensiones. ‘Town Bussiness’ nos invita a un ambiente despreocupado, mientras que ‘Amazing’ presenta un exquisito hip hop con toques synthpop, a la vez que ‘Rapping 2 U’ funde tintes r&b con una melodía en japonés. Las raíces étnicas de sus integrantes los deslinda de tomarse las cosas muy en serio, dejando claro que su único objetivo es hacer buen hip hop en una era en la que el género se reduce a unos cuantos. -Paola Del Castillo

La única similitud que puede hallarse entre este material y el primigenio, Internal Wrangler (2000), sin duda es la portada, estilo cubista y de colores contrastantes. Pero al hablar de su sonido la situación cambia: en un flashback inevitable a su historia musical, Clinic deja por sentado “un cambio de dirección”, como ellos mismos lo aseguran, pues es evidente su distanciamiento de ese sonido rápido, sucio, plagado de psicodelia sesentera y órganos de vieja factura. Bublegum llega más limpio, cubierto de texturas suaves y melodías dulces, como es el caso de ‘I’m Aware’, su primer sencillo, de ‘Baby’ y ‘Milk And Honey’. Resquicios del pasado se asoman en ‘Lion Tamer’ y ‘Evelyn’, mientras ‘Un Astronauta En El Cielo’ deja al idioma español sólo en el nombre, pues es totalmente acústica. Al final, aunque distintos, sin duda Clinic mantiene una cosa: su calidad. -Karina Luvián

015

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

8.8


Video

7.9

Calificación

‘Trust Me’

The Streets 2010

Michael Geoffrey “Mike” Skinner, mejor conocido como The Streets, nos da un adelanto audiovisual de lo que será su próxima placa discográfica, que podría llevar por título Compu-

Chamber Music Society

Esperanza Spalding Telarc Jazz 2010

6.5 Calificación

La niña prodigio del contrabajo se propuso experimentar un poco en su tercer álbum; es por ello que, en Chamber Music Society, podemos encontrar una serie de temas literalmente confeccionados a la medida de su gran talento y de la bella voz que posee. Esperanza tuvo su primer contacto con el bajo a los quince años y meses después estaba componiendo canciones; es por ello que no sorprende la melancolía que imprime en temas como ‘Little Fly’, en compañía de su cuarteto de cuerdas. La seducción continúa en la dulce ‘Knowledge Of Good And Evil’, mientras que el piano desesperado y los violines, en ‘Chacarera’, imprimen incertidumbre, ‘Wild Is The Wind’ nos transporta a una de esas escenas de muelle de película de detectives de la década de los cuarenta. Este es un álbum interesante para los amantes del jazz; para el resto resultará agradable, aunque su monotonía definitivamente lo aleja de eso que conocemos como “una obra maestra”. -E.N.

Habits

Neon Trees Mercury Records 2010

7.8

Calificación

Sin el afán de meterse en problemas y sonar pretenciosos, la banda de californiana presenta Habits. El audio es sencillo y de fácil percepción para el oído, los tracks no cansan, aunque sí hace falta escucharlos más de una vez para tomarles gusto. El primer sencillo ‘Animal’, que debutó en el número quince de las listas de rock alternativo de EU, resulta un tema con buen ritmo, de sonido un tanto similar a The Killers. Por otra parte ‘1983’ tiene la misma línea que su antecesor, pero con un ritmo más dinámico. Habits es una producción bien realizada que podría capturar sin problemas a fanáticos de Kings of Leon e incluso Interpol. -F.C.

ters and Blues, el sucesor de Everything Is Borrowed (2008) y que estará disponible en el 2011. Musicalmente nos encontramos con el característico hip hop europeo de Skinner, visualmente, el clip nos muestra al músico en

Phosphene Dream

The Black Angels Blue Horizon 2010

9.0

Calificación

diversas locaciones y lugares mientras interpreta el track, lo interesante es la forma en la que está montado; una especie de collage que oscila entre el día y la noche, en exteriores e interiores, con tomas de cuerpo completo, tiros medios y close up. Desafortunadamente no se compara con otros videos de The Streets, la referencia inmediata es el conocido e ingenioso clip de ‘Fit But You Know It’. -Michelle Apple

En esta tercera placa de The Black Angels se mantiene la línea de sus producciones anteriores, remontándonos a décadas pasadas con un sonido oscuro de rock psicodélico, evocando a bandas como Velvet Underground, agrupación de la cual se declaran grandes fanáticos (inclusive su nombre viene de la canción ‘The Black Angel’s Death Song’). El álbum entero es una montaña rusa, pasando de lapsos pasivos a súbitas descargas de adrenalina evidentes en tracks como ‘Bad Vibrations’, ‘Entrance Song’ y ‘Haunting At 1300 McKinley’ recordándonos aquellos tiempos en los que la música se caracterizaba por ser libre de pretensiones facilitando una fusión total con el escucha. A lo largo de los temas se mantiene una línea sonora enmarcada por una simbiosis hipnotizante de bajo y batería notable en ‘The Sniper’ y ‘Yellow Elevator #2’; sólo algunas muestras de un álbum que debe escucharse de principio a fin para transportarse al viaje sonoro que propone la banda de Texas. -P.C.


REVIEWS // Mis videos y discos / WARP32 Record Collection

Mark Ronson & The Business Intl. RCA 2010

8.2 Calificación

Probablemente Mark Ronson sea el mejor productor de nuestra era: ha estado detrás de discos como Back To Black (2006), de Amy Winehouse; Back To Basics (2006), de Cristina Aguilera; Off With Their Heads (2008), de Kaiser Chiefs; y Version (2008), álbum de su propia autoría, y todo parece indicar que con Record Collection logra una obra maestra que no tiene nada que pedirle a ninguna de sus producciones anteriores. Como lo indica su nombre, esta placa es una colección de todos aquellos géneros y sonidos que han alimentado su gusto musical, pero revertidos hacia el escucha, con sello propio, fresco, innovador, inteligente y divertido. La mancuerna que logra Ronson con Andrew Wyatt y Amanda Warner enriquece el sonido soul, pop, big band de este álbum, sin mencionar la atinada intervención de Simon Lebon (Duran Duran) en la canción que le da título al disco. Una pieza, sumamente recomendable, que los llevará por la historia de la música popular de este siglo, pero con una marca de contemporaneidad que se refleja maravillosamente en su arte: algo que hoy en día logran muy pocos. -Fito Montes

The Minerva Suite

Mexicolas Exile Records 2010

8.0 Calificación

Mexicolas es una banda con apenas dos años de haber debutado y su segundo disco, The Minerva Suite, resulta ser un gran trabajo. Claro: debemos partir de que son una banda inglesa. Su sonido es concreto y fino; suena a esa escuela post britpop, pero con un toque alternativo. El primer corte, ‘Lullaby’, es una referencia de lo que estará sonando en Reino Unido, y desde ya los podemos escuchar en BBC Radio 1, NME y Selector Radio, estaciones referencia del rock inglés. Durante todos los tracks hay una buena secuencia sonora, pues a pesar de que los temas son distintos, el sello sonoro es constante y siempre se logra identificar. En lo general el disco entero es recomendable, aunque deben destacarse ‘Bright Sparks’, ‘Logic’, ‘Closer’ y ‘Sewn’. -Francisco Camino

New Love

Former Ghosts Upset The Rhythm 2010

Video

7.8

Calificación

7.5

Calificación

‘Men In Love’

Gossip Columbia Records 2010

Es usual ver a un grupo de jóvenes divertirse insanamente en los videoclips, mientras la banda toca al ritmo de los desastres que ocasionan. En ‘Men In Love’, lo excéntrico se vuelve indispensable y la diversión se desarrolla en un camión escolar en movimiento. Mientras Beth, la voz de la banda, se pinta los labios, los estudiantes suben al autobús y comienzan a destruirlo todo en automático. Algunos vomitarán, otros se tatuarán caritas felices, otros desgarrarán los

embargo, tiene ese toque fiestero, con un bajeo propio de la música disco: es allí cuando las luces circulares se encienden y todo transcurre más lento, hasta el punto de quedar en calma, iluminados por el recital de Beth. De la luz surgen jugadores de futbol americano, quienes posan “como hombres” al ritmo del coro. -Samuel Segura

warp magazine / www.warp.com.mx

precisamente agresiva; sin

017

asientos. No es que la rola sea

Cuando Former Ghosts nació, parecía que no pasarían del primer disco o, al menos, que pasaría un largo tiempo antes de que tuviéramos noticias de la banda compuesta por Freddy Rupert, Nika Rosa Danilova (Zola Jesus) y Jamie Stewart (Xiu Xiu). Pero estábamos equivocados: este año volvieron con nuevo integrante, Yasmine Kittles (Tearist), nuevo álbum, y con la tarea de tocar en todos los lugares que les sea posible. Si partimos de que Fleurs (2009), su debut, está bien logrado —aunque con demasiadas reminiscencias a Xiu Xiu—, encontraremos que, musicalmente, en New Love, ese obstáculo fue superado. Sin embargo, si bien se siente la personalidad sónica de Former Ghosts, el trabajo de Jamie Stewart sigue siendo más que evidente. El sonido, en lo general, sale de los ambientes oscuros de su predecesor, para llevarnos a lugares más brillantes, con una buena dosis de experimentación sonora, lo que siempre se agradece. Este es un disco que no decepcionará a los seguidores del proyecto. -M.A.


Neil Young’s Greendale DC Vertigo 2010 En inglés

Neil Young es un artista que ha hecho de todo: comenzó tocando la guitarra allá, en su natal Canadá, y luego buscó fortuna en Los Angeles, donde formó parte del grupo seminal Buffalo Springfield. Al mismo tiempo que iniciaba su larga y prolífica carrera como solista, lo invitaron a formar parte de Crosby, Stills & Nash, con quienes tocaba intermitentemente. En el Festival de Woodstock se negó a formar parte de la película, alegando que los realizadores estaban saboteando el Festival “en vivo” sólo por obtener pietaje para su producción cinematográfica… Todo un caso, ese Neil Young. Se notó, desde siempre, que el camino de Young sería uno más solitario y mucho más aguerrido que el de sus contemporáneos; un tipo raro que, así como a los veintitantos años compró un rancho para vivir como un hombre de campo, también se interesa por la tecnología de punta y la música de hoy. Hizo una película, a finales de los años setenta, donde aparecen los integrantes de Devo; menciona a Johnny Rotten, de los Sex Pistols, en una de sus canciones; hizo un disco “tecno pop” en los ochenta —un fracaso total—, que los fans aprecian mucho (bueno, hay que aclarar que sus seguidores le celebran todo). Hay un DVD de uno de sus conciertos, Rust Never Sleeps, donde los roadies (los chicos encargados de llevar los instrumentos de un lado para otro del

escenario) están vestidos de… ¡Jawas! Sí: los mismísimos de Star Wars. ¿Qué persona puede vivir en un rancho ordeñando vacas, grabar en su granero discos enteros y salir de gira con sus secres disfrazados de Jawas? Sólo Neil Young… En 2003 sacó a la luz un disco conceptual llamado Greendale. El mismo Neil cuenta, en las páginas del booklet, que Greendale es una población imaginaria, un pequeño pueblo de Estados Unidos, y cada una de las canciones va contando la historia de algunos de sus habitantes, sobre todo de los pertenecientes a la Familia Green. Y el concepto ha ido creciendo: primero fueron diez canciones en un disco; después, una gira en vivo; luego, una película dirigida por el mismo Young —con el pseudónimo de “Bernard Shakey”—; más tarde una obra de teatro y, ahora, un cómic, en el cual Joshua Dysart escribió el guión, basándose en las letras y el estilo de escribir de Neil Young, mientras que Cliff Chiang dibujó el cómic: la idea fue del mismo Young, quien desde hace años quería ver su ópera rock llevada al arte secuencial. En cada uno de los formatos (disco, película, teatro y cómic) se cuenta la historia de Sun Green, una joven de 18 años que viene de una familia donde las mujeres siempre han sido especiales y ella no es la excepción: desde chica tiene un don especial sobre la naturaleza que le rodea y, además,

está preocupada por el medio ambiente y el mal gobierno de su país. Neil Young aprovecha la historia de Sun Green para despotricar contra las cosas que no le gustan: la política exterior de Estados Unidos, las guerras generadas por la avidez de petróleo, la falta de conciencia ecológica de los políticos gringos, mientras alerta sobre la inminente destrucción ambiental que se está llevando a cabo en Alaska. Cabe aclarar que el cómic no es para todo tipo de lectores. Advierto que muchos de ustedes lo encontrarán muy forever, aunque habrá quienes agradezcan entender de qué va todo esto de Greendale y por qué muchos críticos de rock le celebran tanto a Neil Young la creación de su pueblito imaginario. Yo soy de estos últimos: tenían que explicármelo con “dibujitos” para entender los alcances de la obra. Desde hace años admiro a Neil Young, pero nunca he entendido muy bien eso de usar a los Jawas de staff. ¿No será que nos ha engañado todo este tiempo y en realidad el Sr. Young es un master Jedi? May the force be with you.

Joselo Rangel

Guitarrista de Café Tacvba, asiduo lector y también columnista del periódico Excélsior.


REVIEWS // Mis videos y discos / WARP32

8.1

Passive Me, Agressive You

The Naked And Famous Somewhat Damaged 2010

Calificación

Los neozelandeses presentan su primer LP con un título que describe la versatilidad de los trece tracks incluidos: de alegres melodías synthpop a temas oscuros, teñidos de rock industrial. ‘All Of This’ enciende la placa con una inyección de energía perpetuada, y en ‘Punching In A Dream’ con una recarga adicional de electro-pop. En ‘Frayed’ el sonido se torna más denso, adquiriendo un rumbo que se enfatiza en ‘The Source’, hasta que resurgen tonalidades rosas con ‘Young Blood’, el primer sencillo del álbum. Posteriormente, la distorsión saturada reina en ‘Spank’, llegando a su tope en la explosiva ‘A Wolf In Geek’s Clothing’, quizá la pieza más sorpresiva. La placa mantiene su actitud de rebeldía hasta el final, con la contagiosa ‘Girls Like You’, denotando que su propuesta es más que sólo dance rock: una imagen de la cual tal vez no sea fácil deslindarse. -P.C.

8.0 Valusia (EP)

Calificación

Swanlights

Fran Healy Rykodisc 2010

Zola Jesus Sacred Bones 2010

Antony And The Johnsons Secretly Canadian 2010

La voz de Travis intentó dejar de lado aquel proyecto y aventurarse por su cuenta con Wreckorder, un álbum honesto en el que la esencia de Healy es palpable en cada track. ‘In The Morning’, por la suavidad del piano, al que poco a poco se incorpora un arreglo de cuerdas y un pandero, literalmente transmite esa sensación de despertar. ‘Anything’ se siente vacía, melancólica, distante; lo contrario de temas como ‘Sing Me To Sleep’ —donde se hace acompañar por la dulce voz de Neko Case— o ‘As It Comes’, misterioso episodio en el que Paul McCartney plasma su toque en el bajo. ‘Buttercups’ es uno de los momentos más destacados por las reminiscencias de la voz a ciertos temas de la agrupación escocesa. Apreciar este álbum requiere no estar predispuesto respecto al trabajo de Healy en Travis, pues guarda atmósferas propias de un borrador de cualquier tema de la banda, mismas que conviven con episodios totalmente ajenos, como es el caso de ‘Moonshine’. -E.N.

Conforme lanza sus materiales, Nika Roza gana más y más notoriedad. Para cuando Stridulum, su EP, llegó al mercado este 2010, el nombre de Zola Jesus ya era una referencia obligada para los melómanos norteamericanos. Y antes de que su próximo álbum de estudio llegue a los estantes, la artista nos da un adelanto de lo que podemos esperar para el próximo año. Valusia es una probadita, de apenas cuatro tracks, que nos presenta el lado más maduro y sobrio de la artista, muy alejada de la experimentación de New Amsterdam (2009) e, inconscientemente, con una idea musical más convencional. De cualquier modo, la lírica y voz de Nika siguen siendo el principal atractivo de su sonido, plagado de atmósferas sintetizadas y líneas de batería minimalistas. Una referencia indispensable para quien busque introducirse al oscuro y emocional mundo de Zola Jesus. -Michelle Apple

Está por demás demostrado que Antony Hegarty es un artista más allá de la música misma; sin embargo, su más reciente disco viene a confirmar el hecho, pues se complementa por un extenso booklet de collages surrealistas realizados por él mismo. Así, desde el momento en que se observa el arte con detenimiento, se advierte la fuerza de las once piezas compiladas que no demeritan al momento de reproducirlas. Gran interpretación vocal por parte de Hegarty e impecable ejecución instrumental de cada músico que colabora con él, son el marco de letras reflexivas, profundas. Mientras ‘Ghost’ y ‘Swanlights’ se mueven por senderos orquestales, ‘The Spirit Was Gone’ y ‘Flétta’ —a dueto, esta última, con Björk— se sirven de un piano y arreglos mínimos, dando con ello la cadencia necesaria para redondear un material a prueba de errores. -K.L.

019

Wreckorder

8.0

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

7.5

Calificación


7.0

No Singles

Japandroids Unfamiliar 2010

Calificación

Fuera del escenario se muestran un poco tímidos, pero al tomar sus instrumentos se convierten en seres escandalosos que desbordan riffs duros y gritos. Los chicos de Vancouver prometieron no reutilizar la fórmula del Post-Nothing y lo cumplieron: No Singles es su antítesis. Arrancan con un estruendo en ‘Darkness On The Edge Of Gastown’, cargado de guitarras sucias y gritos lejanos; ‘Sexual Aerosol’ se atasca en la fuerza de la batería y un sencillo juego de voces; mientras que la transformación es evidente en la pesada ‘Lovers/ Strangers’, con un speed metal emulado de manera particular, fórmula que se repite en ‘Lucifer’s Symphony’. El cambio de armonías resulta ser un acierto en determinados temas, aunque siguen manteniendo elementos de su debut, por lo que No Singles es un poco más pesado y, por su monotonía y sobresaturación, por momentos, puede ser difícil de digerir. -E.N.

7.8

Calificación

Dead New World

7.8

7.0

Calificación

Pins And Needles

Ill Niño Victory Records 2010

The Birthday Massacre Metropolis Records 2010

Dead New World es una muestra de la agonía del nu metal que se creó a finales de los noventa. Es la lucha a contracorriente de un género que fue moda y que ahora, para sobrevivir, se ha movido a terrenos más agresivos: el metalcore, la corriente de nuestros días. Uno de esos sobrevivientes, Ill Niño, mantiene su trayectoria con un sonido peculiar, heredero del Roots de Sepultura, con raíces latinas, tambores, flamenco y demás ritmos ajenos al metal. En redondo, encontramos lo que caracterizó este sonido: melodía robustecida por afinaciones graves, con el plus de aumentar la velocidad, afilar las guitarras y usar doble bombo, como en ‘Against The Wall’, su primer sencillo. El disco afloja en las partes vocales limpias, pero gana en los solos y los riffs depurados que matan al viejo estilo nu metal. -S.S.

The Birthday Massacre es producto de un híbrido de guitarras provocadoras y melodías progresivas. Este sexteto se formó en el año 2000 y, desde entonces no ha parado de hacer música y de promocionar su new wave-rock alrededor del mundo. Pins And Needles es su cuarto álbum y los once tracks que lo conforman están llenos de contrastes: por un lado la melódica voz de la frontwoman y, por otro, los poderosos riffs que no dejan de estrujar los sintetizadores que sobresalen de la atmósfera gótica formada en torno a canciones como ‘In The Dark’, ‘Shallow Grave’ y ‘Sleepwalking’, que poco a poco envuelven al oyente para que, cuando llegue el cierre, con ‘Secret’, las agujas se entierren en los sentidos de los amantes de lo experimental. -Marcela Muñoz

Calificación

Things That Go Jump In The Night Jakalope 604 Records 2010

Dave “Rave” Ogilvie resucitó a su proyecto musical Jakalope, integrando a Chrystal Leigh tras la salida de la vocalista Katie B, ganando así un nuevo aire de frescura en su sonido. Ahora, partiendo de que el género musical interpretado por la banda ha sido bautizado como “industrial pop”, no hay mucho de que sorprendernos, ya que la placa sígue la línea de sus antecesores, pero por un camino más soft. Las guitarras siguen presentes, pero sólo como una mera referencia, las programaciones y beats se sienten más apegados al pop electrónico que a cualquiera de las producciones en las que ha participado Ogilvie (NIN, Marilyn Manson, Skinny Puppy, etc.). Lo anterior, combinado con la (a veces extremadamente) dulce voz de Chrystal, hace pensar que quien invade las bocinas es Kylie Minogue. De cualquier forma, el álbum está producido de manera impecable y es bueno, pero se antojaría algo más de power. -D.G.


REVIEWS // Mis videos y discos / WARP32 Teargarden By Kaleidyscope Vol. 2: The Solstice Bare The Smashing Pumpkins Martha’s Music 2010

8.4

Single

Calificación

Es difícil juzgar esta segunda pieza del megaproyecto de Billy Corgan; sin embargo, ya empieza a ser notoria la dirección que cada uno de estos EPs tiene, a pesar de pertenecer a una gran obra. En este caso, The Solstice Bare es sonoramente un poco menos optimista, en comparación a Songs For A Sailor (2010), sin llegar a lo hecho por Corgan en Adore (1998): las letras siguen cargadas de la poesía que el músico gusta esculpir cada que tiene oportunidad y la producción se mantiene minimalista, templada. Lo que está bastante claro, es el pequeño romance que Billy mantuvo con los sintetizadores durante la creación de estas cuatro piezas, que por momentos, a nivel estilístico, vuelven a estar a la par de tracks como ‘Beautiful’ o ‘My Mistake’. De momento, este es el mejor EP de la colección. -D.G.

Mastermind

Monster Magnet Napalm Records 2010

8.3 Calificación

La banda de Nueva Jersey, Monster Magnet, presenta Mastermind, que abre con ‘Hallucination Bomb’, un tema duro, ríspido, lento, con un bajo grueso, desértico: es el sonido que encontramos en ’Dig That Hole’, ’Mastermind’ y ’Perish In Fire’. Lo agresivo se funde con la psicodelia, y el punk con el progresivo, combinación que han hecho desde 1991 hasta el 4 Way Diablo, de 2007. Mastermind no es un avance gigantesco en cuanto a composición, pero mantiene la fortaleza en su sonido; y son fieles a sí mismos y a su portada: un toro con escapes como cuernos. Y el título no es gratuito: en doce canciones, la mente maestra, creadora, inteligente, planea cada corte; la potencia se intercala con momentos más reflexivos, viajeros. Los solos son punto y aparte en esta pieza de stoner que, si bien no es imprescindible, desde luego que merece la escucha. -S.S.

8.0 Calificación

‘Drezeed’

Daft Punk 2010

El tema de la versión fílmica de Tron ha dado mucho qué hablar y, seamos o no conocedores de cómics, todos morimos por escuchar completo el score de la cinta a la que Daft Punk ha pues-

8.8 Calificación

No es necesario saber que el dúo francés se encargó de este tema, que comienza con mucha fuerza, para pasar a un breve puente en el que baja el volumen y nos

David Sitek, guitarrista de TV On The Radio y productor de actos como Yeah Yeah Yeahs, Liars y Foals, presenta Maximum Balloon, una explosión de funk y sintetizadores exacta para poner a bailar a cualquiera. ‘Groove Me’ abre las puertas, dando pie a célebres colaboraciones. ‘Absence Of Light’, junto a Tunde Abedimpe, y ’Shakedown’, con Kyp Malone, presentan un sonido similar al trabajo usual de ambos en TV On The Radio. ‘If You Return’, con Little Dragon, irradia un beat electropop, y ‘Communion’, junto a Karen O, recuerda los trabajos anteriores de la cantante. ‘Tiger’, junto a Aku Orraca-Tetteh, hace inevitable una rendición ante su contagioso ritmo. En la recta final el ambiente desciende, con un sonido más oscuro; es el caso de ‘The Lesson’, con Holly Miranda. En su totalidad, Maximum Balloon es alusivamente un globo: denota una producción redonda, divertida, que flota con gracia por su calidad. -P.C.

prepara para lanzarnos al ritmo característico que se han encargado de forjar durante todos estos años, lleno de elementos tecnológicos propios de un mundo dominado por las máquinas. En noviembre se dará a conocer la colaboración de estos músicos androides y muchos tenemos la certeza de que será un trabajo magnífico, al igual que la cinta. -E.N.

021

Maximum Balloon DGC/Interscope 2010

largo estira y afloja con Disney.

warp magazine / www.warp.com.mx

Maximum Balloon

to su toque, luego de un muy


Video

Lejos. No Tan Lejos

Hello Seahorse! EMI/Mun 2010

9.0

Calificación

Un año después de Bestia, Hello Seahorse! ofrece un álbum más en su productiva discografía, el cuarto desde 2006. ‘Casa Vacía’ es el sencillo —y el videoclip— de un disco que mantiene una atmósfera que deambula en la melancolía, el dolor y, por breves momentos, en la alegría. Contiene letras que juegan consigo mismas y permiten al escucha hacerlas propias, interpretarlas o tomarlas como vienen. Pasa lo mismo con la música: se precia versátil, con mezcla de ambientes entre lo oscuro y lo bailable, si cabe; guitarras acústicas conviven con sampleos, y Lo Blondo, la voz, matiza cada expresión, cada palabra. ‘Perla Blanca’ es el gancho que impide que se le ponga stop al reproductor, hasta llegar a ‘Oro y Plata’, el track ocho en un viaje de once canciones, donde las emociones se disparan y los sentimientos son los protagonistas, para coronarse en un gran final: ‘Lejos. No Tan Lejos’. -S.S.

Postcards From a Young Man

9.7

Calificación

‘Pow Pow’

LCD Soundsystem Participante en Sin Escalas (2009) y Twilight, Anna Kendrick, protagoniza el video de LCD Soundsystem correspondiente a ‘Pow Pow’, desprendida del álbum This Is Happening (2010). “A la medianoche ella llegó para recolectar las almas de los hombres malignos” se lee al inicio del clip para dar paso a la –aparentemente- inocente Kendrick seguida de tres guardaespaldas visitando varios clubes nocturnos, en los que caza a gángsters lanzándoles un rayo luminoso que sale de su mano. Finalmente, sus presas aparecen en una especie de corte de alguna secta parecida a los Iluminati o Masones y después de ver a Kendrick ante una intensa luz regresan a sus entornos habituales con caras de arrepentimiento. Como comenta el director David Ayer sobre el extraño video, “en este mundo, por más poderoso que seas, siempre habrá alguien más poderoso que tú y debes responder por tus pecados”. -P.C.

Manic Street Preachers Columbia 2010

8.5 Calificación

Con Journal For Plague Lovers, hicieron lo que pareció ser su último homenaje al desaparecido Richey James Edwards, y en una especie de declaración de madurez, su décimo álbum de estudio está plagado de letras introspectivas que hacen notorio el paso de los años sobre James Dean Branfield, Nicky Wire y Sean Moore. Pero lo más trascendental es la música, que nos rememora al clásico ‘A Design For Life’, con un riff melódico y pegajoso, arreglos orquestales, un puente que genera expectativa y coros grandiosos. La canción que da título al disco es un relato del crecimiento que han tenido como grupo, pero también es un doloroso recuerdo de la juventud perdida que, curiosamente, parece no faltarle a los Manics. Como ávido fan, debo decir que es la mejor placa que han producido desde Everything Must Go, pero debo admitir que no tiene nada particularmente novedoso. Se trata de los Manic Street Preachers haciendo el tipo de música que mejor hacen, sonando como nunca y con mucha pila y vibra positiva. En fin, un disco que no se deja de escuchar y que se ha situado en mi lista de favoritos del año. -Edgardo Domínguez

Release Me

The Like Downtown 2010

8.0 Calificación

La agrupación californiana presenta su segundo material discográfico, mismo que como su álbum debut se escucha en una línea de rock pop refinado pero con sello propio. Las voces del cuarteto logran coros melódicos que de inmediato transportan a los cincuenta; basta con escuchar ‘He’s Not A Boy’, primer sencillo de este álbum, un tanto vintage. La batería y el bajo trabajan bases sólidas nada complicadas, las cuales permiten disfrutar la delicadeza en la guitarra y voz de Elizabeth “Z” Berg tal como en el tema que da nombre al disco. Así, a medida que transcurren los temas, el escucha se adentra en el estilo de esta banda que con atmósferas vocales y guitarras electroacústicas, logran capturar en el 2000 toda la esencia de las primeras bandas de rock n’ roll. -Sandra Valerio


REVIEWS // Mis videos y discos / WARP32 Telephantasm

Soundgarden Universal Music 2010

8.7

Calificación

Soundgarden regresa este año con un disco triple que suena a grunge puro. Contiene todas las etapas de la banda, con los mejores temas de sus siete trabajos, entre los que encontramos hits como ‘Black Hole Sun’, del Superunknown, así como su primer single, ‘Hunted Down’, de su primer EP, Screaming Life, publicado en 1987. Además de los dos discos de audio, el álbum viene con un DVD con toda su videografía. El tema inédito es ‘Black Rain’ y, definitivamente, suena a un Soundgarden evolucionado, pero que no pierde su esencia. Telephantasm también se editará en vinil, sólo para coleccionistas, pues apenas se imprimirán cinco mil copias. -F.C.

Barbara

We Are Scientists PIAS Recordings 2010

5.8 Calificación

Como un parteaguas en la carrera musical de la banda, luego de dejar EMI Music, y del ingreso de Andy Burrows —Razorlight— en la batería, este material no alcanza a coincidir a nivel sonoro, pues si bien no puede dejar de notarse la calidad a nivel, la trascendencia rítmica se encasilla en fórmulas repetidas tanto en su carrera como en el contexto musical actual. Es cierto que encontramos tracks radiables, como ‘Jack & Ginger’ y ‘You Should Learn’ que, siguiendo las tendencias de hoy, alcanzarán buenos niveles de aceptación; sin embargo, este disco deja un sabor de boca insípido que será difícil de refrescar. -K.L.

Classic

Scott Pilgrim Vs. The World OST Varios ABKCO Records 2010

7.5

Calificación

Scott Pilgrim se ha convertido en un personaje de culto en cuanto a superhéroes se refiere. Es por ello que Edgar Wright decidió cumplir el sueño de miles y llevar al personaje principal de los cómics de Bryan Lee O’Malley a la pantalla grande, con el soporte de una serie de temas que no le envidian nada a los soundtracks de sagas como Twilight. Plumtree nos presenta al protagonista en un tema en el que el garage está más que presente: ‘Scott Pilgrim’; el fantástico Frank Black hace su aparición en ‘I Heard Ramona Sing’ y ‘By Your Side’, en el que la harmónica nos transporta a la década de 1960; mientras que el descontrol corre a cargo de los Black Lips en ‘O Katrina!’. Es necesario destacar la elección de temas como ‘Teenage Dream’, de T. Rex, y ‘Under My Thumb’, de The Rolling Stones, que nos ponen en un modo relajado que se mantiene en ‘Ramona’, de Beck. Lo único que falta es que la cinta sea tan buena como su atinado compilado. -E.N.

023

9.8

Calificación

warp magazine / www.warp.com.mx

Painkiller

Judas Priest Columbia 1990

Si tuviéramos que definir al heavy metal en una sola palabra, ésta sería “Painkiller”. Judas Priest, banda británica, en 1990 sacó este álbum lleno de riffs rápidos, solos virtuosos, batería a doble bombo constante… Todo con 20 años a cuestas, a comienzos de la década menos prolífica del metal. Es un álbum clásico, también, debido a que marca la salida de Rob Halford de la banda, en su búsqueda por un sonido más “moderno”. Sin embargo, Painkiller mostró un dúo guitarrero insuperable: Glenn Tipton y K.K. Downing; lo mismo que una base rítmica sólida, con Ian Hill al bajo, Scott Travis en la batería y la voz perfecta de Halford en cada registro. Las bases del metal perfeccionadas por uno de sus creadores en cada una de las canciones —desde ‘Painkiller’ hasta ‘One Shot At Glory’—, volvieron al disco un insuperable para el género; insuperable incluso para los propios Judas Priest. -S.S.


PROFILE // WARP32 Integrantes: Ryan Olson | 25 integrantes más

GAYNGS José Villanueva

Cortesía Jagjaguwar

Ryan Olson es el líder detrás de este proyecto experimental originado en Minneapolis. Olson decidió juntar una gran comunidad de amigos (son 25 los que conforman Gayngs, más o menos) para demostrar que, entre

muchos, se pueden generar sonidos únicos. Relayted es su carta de presentación al mundo y podemos esperar buenas críticas de ellos en breve. Gayngs se perfila como una propuesta única en la escena.

Escúchalos en: www.gayngs.net | myspace.com/gayngs


GIGS // Phoenix / WARP32

GiG

01 Thomas Mars

Deck d’Arcy

Phoenix

Palacio de los Deportes, Ciudad de México - 28 de Septiembre Francesca Beltrán

Laurent Brancowitz

Cortesía OCESA

Después de una presentación de aproximadamente media hora, por parte de Adanowsky, en punto de las 10:00 p.m. el tan esperado cuarteto francés fue recibido por un público lleno de euforia y expectación. Todos aquellos que nos perdimos su concierto en el José Cuervo Salón, el pasado mes de febrero, creímos que la espera sería larga; sin embargo, sólo ocho meses después, en un recinto mucho más capacitado para contener al gran número de fanáticos, Phoenix regresó a nuestro país y demostró, una vez más, su calidad musical. Con sus ritmos impecables y un toque pop electrónico, Phoenix se presentó con un setlist conformado principalmente por temas del Wolfgang Amadeus Phoenix, su más reciente álbum, que incluyó éxitos como ‘Lasso’, ‘Fences’ y ‘Rome’, entre otras; sin embargo, también nos deleitaron con éxitos pasados como ‘If I Ever Feel Better’ y ‘Long Distance Call’. Fue una noche llena de sorpresas: Thomas Mars cautivó a los presentes con un pequeño set acústico interpretado desde el área de la consola, para después regresar al escenario principal donde elogió al público mexicano, afirmado: “simplemente son el mejor”. Pasó aproximadamente una hora y media desde el momento en que Phoenix saludó con ‘Lisztomania’, hasta que se despidió con ‘1901’: 90 minutos en los cuales la banda no dejó de conectarse con el público, impulsándolo a saltar, cantar, y gritar, demostrándonos la experiencia que se logra al combinar una gran calidad musical con una constante interacción con el público. Sin duda alguna, Phoenix sigue siendo una banda digna de ser vista.


GIGS // Belle And Sebastian/ WARP32

Belle And Sebastian

GiG

02

José Cuervo Salón, Ciudad de México - 8 de Octubre Susana Betancourt

Sergio Gálvez

La banda originaria de escocia ofreció un par de fechas en la Ciudad de México en promoción de su más reciente álbum Write About Love. El recinto elegido para sus shows fue el José Cuervo, que en ambos días, lució con buena afluencia. El público dio la bienvenida a los legendarios The Vaselines, pero se mostraron también ansiosos por escuchar a Stuart Murdoch y compañía. Así Belle And Sebastian hicieron sonar los primeros acordes de ‘I Didn’t See It Coming’, tema que marcó el inicio de una serie de éxitos que se escucharon mientras la iluminación y la presencia escénica de la banda, enmarcaban el show. Dentro de los temas más coreados estuvo por supuesto ‘Piazza, New York Catcher’, track que provocó una enorme reacción en el público y dejó ver la satisfaccion de la banda por su visita a nuestro país, haciendo que en un momento del show, varias personas subieran al escenario con los de Glasgow para compartir un momento de baile. Con un set de más de una hora, la banda se despidió de México demostrando que su sonido, la melodía de sus canciones y la energía que envuelve a cada uno de los integrantes, son más que suficientes para ofrecer un show digno de recordarse.

Mick Cooke

warp magazine / www.warp.com.mx

027

Stuart Murdoch


GIGS // CocoRosie / WARP32

GiG

03

CocoRosie

Teatro de la Ciudad de México – 10 de Octubre Leslie del Moral

La dupla francesa conformada por las hermanas Bianca (Coco) y Sierra (Rosie) se presentó por segunda ocasión en Ciudad de México, después de haber agotado las localidades para su primera fecha en el Teatro de la Ciudad. Con un recinto a su máxima capacidad y un escenario minimalista, CocoRosie se apoderaron de un foro muy ad hoc para su folk experimental. Cerca de las 08:00 p.m. se elevó el telón para que diera inicio el mágico espectáculo. Globos de colores y proyecciones de velas, ríos y juegos de feria, fueron los elementos que enmarcaron una presentación tan exquisita como emotiva: por un lado, la voz refinada de Coco recorría el ambiente, mientras las rimas de Rosie llevaban las canciones por senderos melódicos. Sin más que un beat box, el acompañamiento del piano y un set esencial de percusiones, sonaron temas del Grey Oceans, su más reciente producción, además de canciones ya conocidas de su repertorio, y todas lograron capturar. Tras una presentación impecable, de constante interacción con el público, CocoRosie concluyeron su segunda fecha en la Ciudad de México y, al igual que la primera, dejó huella en la memoria de los asistentes.

029

Susana Betancourt

warp magazine / www.warp.com.mx

Coco


GIGS // Rockampeonato Telcel / WARP32

Rockampeonato TELCEL Foro Escénica, Monterrey – 1 de Octubre Sergio Gálvez

La caravana Rockampeonato Telcel 2010 hizo la tercera escala de su recorrido. En esta ocasión tocó el turno a la ciudad de Monterrey, Nuevo León, plaza con expectativas bastante altas luego del paso arrollador por Tijuana y Hermosillo. Pero el público asistente, y mucho menos el talento regio, no defraudaron a nadie: la respuesta fue eufórica, explosiva, y alcanzó niveles demasiado altos. Corazón Attack fue la banda encargada de recibir al público que comenzaba a llegar al Foro Escénica. Notablemente confiados de estar en su tierra, ante su gente, la banda regiomontana de inmediato logró arrancar las primeras ovaciones de la noche, tras interpretar los temas de Sonámbula, su disco debut, y posteriormente dar una muestra de lo que será su siguiente producción. Le Baron, acto seguido, no dejó enfriar los ánimos y corroboró el buen paso que llevan en el Rockampeonato. Acompañados por Joselo Rangel en el escenario, interpretaron el tema ‘Inmóvil’, que sin duda es de sus piezas más aplaudidas. La noche aun era joven y, con el jurado ya ubicado en su posición —Tito (Molotov), Joselo Rangel (Café Tacvba), Helen (Noiselab), Marcos Linares (Telcel), Juan Carlos Rentaría (Telcel), Héctor Lara (Telmex), Itzá Domínguez (Radio UANL) y Alejandro Martínez (Record), entre otros—, dio inicio la batalla entre las bandas para conseguir el primer lugar de la plaza. 1er. Lugar. Quien Es Renei: 78.79 pts. 2do. Lugar. Aurora Turbo: 76.69 pts. 3er. Lugar. Lampard: 75.47 pts. 4to. Lugar. Seltzer: 71.41 pts. 5to. Lugar. Dnoiseproject: 61.98 pts. Para cerrar con broche oro esta gran velada, sólo faltaba el set de éxitos al que Molotov nos tiene acostumbrados, siempre lleno de intensidad, poder y mucho rock, confirmando que lo más importante para ellos es divertirse en el escenario; y desde luego, de principio a fin, desbordaron energía. Joselo (Café Tacvba), Mariana Mirelman (Le Baron) y Toy (Control Machete) fueron invitados a palomear en esta fiesta, culminando la presentación con un escenario repleto de chicas moviendo las caderas al ritmo de ‘Rastaman-dita’.

GiG

Quien Es Renei

04

GiG

05 Volagio

Coliseo del Centenario, Torreón – 8 de Octubre Sergio Gálvez

Torreón, Coahuila, fue la sede de la cuarta semifinal regional del Rockampeonato Telcel 2010. El Coliseo del Centenario abrió sus puertas a las miles de personas que, desde muy temprano, comenzaron a formar largas filas alrededor del magno recinto. Y debido a que el paso de la Caravana Rockampeonato Telcel es considerada entre los mejores eventos del año en esta región, se auguraba una espectacular entrada. Así, con un ambiente más que cálido, Le Baron fueron recibidos sobre el escenario para dar inicio a un evento tan esperado y la banda capitalina interpretó los sencillos de su más reciente producción: ‘Humano’ y ‘Velocidad M’, además ‘Inmóvil’ y ‘Ven Conmigo’, temas que los dieron a conocer, sonaron. Notablemente satisfecho, al término de su presentación, Eduardo Limón (vocalista), agradeció al público por tan cálido recibimiento. Un poco impacientes, con los nervios a flor de piel, esperaban ya su turno las bandas participantes, que morían de ganas por pisar el escenario y conseguir el ansiado pase. Con buenas propuestas musicales fue sorprendido el jurado, que después de la presentación de las cinco bandas favoreció con sus votos a Volagio, que obtuvo 74.39 puntos, demostrando el mejor desenvolvimiento, ejecución e interpretación sobre el escenario. 1er. Lugar. Volagio: 74.39 pts. 2do. Lugar. Dependientes Del Beat: 70.31 pts. 3er. Lugar. Ceres: 67.04 pts. 4to. Lugar. Vía Satélite: 61.89 pts. 5to. Lugar. Pelayo: 61.61 pts. A estas alturas de la noche el público quería disfrutar del incomparable poder y estilo que le imprime Molotov a cada una de sus presentaciones en vivo y, comprobando lo vigentes que se encuentran en el gusto del público lagunero con sus quince años de trayectoria, ofrecieron uno de los mejores conciertos del recorrido Telcel, dejando satisfechos a los más de 7 mil espectadores que se dieron cita en el Coliseo del Centenario, reiterando su calidad de gran plaza de rock.


GIGS // Rockampeonato Telcel / WARP32 Club de Leones, Querétaro – 15 de Octubre Sergio Gálvez

The Efema Bull

GiG

06

Público de Querétaro

El viernes 15 de octubre se vivió una intensa jornada de rock en lo que conformó la quinta semifinal del Rockampeonato Telcel 2010. La velada inició en las instalaciones del Club de Leones de la ciudad de Querétaro con la presentación de Enjambre, quienes interpretaron sus grandes éxitos y algunos temas de Daltónico, su nuevo material, encendiendo los ánimos de los asistentes, lo que ayudó a vencer el frío que se sentía. Posteriormente, las cinco bandas finalistas que se presentaron brindaron lo mejor de sí. Venciendo los nervios con la adrenalina de los gritos y aplausos de los asistentes, la banda con el puntaje más alto fue The Efema Bull. 1er. Lugar. The Efema Bull: 77.79 pts. 2do. Lugar. The Candy Colors: 74.61 pts. 3er. Lugar. Death Bonny Death: 61.29 pts. 4to. Lugar. Adrián García: 60.52 pts. 5to. Lugar. Histeric Maniquies: 60.21 pts. Al terminar las presentaciones de los finalistas, fue el turno de Nortec sobre el escenario, inyectando energía a los presentes con sus cortes electrónicos con temas como ‘Tijuana Sound Machine’. Finalmente, llegó el turno de la banda que cerraría las actividades de esta semifinal, los aclamados Molotov, quienes interpretaron canciones como ‘Frijolero’, ‘Voto Latino’, ‘Amateur’ y ‘Gimme Tha Power’.

Foro Corona, Ciudad de México - 23 de Octubre

GiG

07

The Drums

El sábado 23 de octubre tuvo lugar la sexta parada del Rockampeonato Telcel 2010, en el Foro Corona de la Ciudad de México. Aproximadamente a las 08:30 p.m. las luces del recinto se apagaron y Joselo, integrante de Café Tacvba y vocero del concurso, apareció en escena para dar inicio a la velada con la presentación de Enjambre, quienes interpretaron algunos de sus éxitos, además de varios temas de Daltónico, su nueva placa. A continuación, las cinco bandas concursantes se disputaron los aplausos del público en el escenario, finalizando con un puntaje que colocó a The N’S’ en primer, lugar con 72.32 puntos. Por su parte, Vangato obtuvieron 65.71 puntos, posicionándose en segundo lugar, seguidos de Azul Antena, con 62.96; Roswell Corp obtuvo 61.54 y Los Traigo Beat quedó en último, con 60 puntos. Luego, al filo de las 11:00 p.m., la banda originaria de Brooklyn, The Drums, salió al escenario, lo que representó el momento cumbre de la noche para los asistentes que saltaban, cantaban y bailaban sin parar al ritmo de temas como ‘Book Of Stories’, ‘Baby That’s Not The Point’, ‘Best Friend’ y, la más coreada de todas, ‘Let’s Go Surfing’, tema que los diera a conocer. Con un concierto lleno de energía, Jonathan Pierce, Connor Hanwick y Jacob Graham dieron todo de sí junto a su nuevo guitarrista, Tom Haslow —en sustitución de Adam Kessler—, quien no dejó nada qué desear gracias a su talento y su gran actitud.

031

The N’S’

Wendy Cid y Sergio Gálvez

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Paola Del Castillo


GIGS // Arcade Fire / WARP32

GiG

08

Win Buttler y Richard Reed Parry

Tim Kingsbury

Sarah Neufeld

Arcade Fire

Palacio de los Deportes, Ciudad de México - 13 de octubre Anna Stephens

Cortesía OCESA

Por fin la espera terminó y el Palacio de los Deportes albergó a uno de los conciertos más memorables que hemos vivido en la Ciudad de México. Arcade Fire visitó por primera vez nuestro país para demostrar que son ciertos los rumores que se cuentan acerca de la energía, emotividad y entrega del grupo, y que son una de las mejores bandas en vivo. Arcade Fire subió al escenario para arrancar el concierto con ‘Ready To Start’, incluida en su tercera producción, The Suburbs. Llegaron después las del Neon Bible, con ‘Keep The Car Running’ y ‘No Cars Go’, dos canciones del disco más oscuro del grupo; fue entonces que, al comenzar a sentir la fuerza en la interpretación de los canadienses, el Palacio de los Deportes enloqueció. El grupo dio la sorpresa con ‘Haiti’, canción del Funeral, disco debut de la banda, en la que Regine se hizo acompañar del coro de miles de almas en el Palacio; esta canción sirvió también para retomar energía y seguir con ‘Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)’, ‘Modern Man’, ‘Rococo’ y ‘The Suburbs’. La segunda sorpresa de la noche fue ‘In The Back Seat’, canción que muy pocas ocasiones incluyen en sus conciertos. Vino ‘Intervention’ y después llegó esa que todos esperaban, pero pocos creían que escucharían: ‘Crown Of Love’… El recinto reventó en una épica súplica amor en coro que

sorprendió al mismo Win Butler. Con ‘Neighborhood #1 (Tunnels)’ y ‘We Used To Wait’ la energía no dejó de fluir, pero sin duda uno de los momentos de mayor fuerza llegó con ‘Neighborhood #3 (Power Out)’ y ‘Rebellion (Lies)’: audiencia y banda se fusionaron en sincronía y entrega. Arcade Fire hizo una breve pausa para regresar, en el encore, con ‘Month Of May’ y un cover a ‘Still Ill’, de los ingleses The Smiths, lo que extrañó a muchos de los presentes; la catarsis absoluta, finalmente, la desencadenó ‘Wake Up’, que provocó el máximo nivel de comunión entre Arcade Fire y el público, al grado de que las voces de los integrantes del grupo se perdían en el monumental canto de los presentes. La modesta producción y escenografía que utilizaron —tan sólo una pantalla y un largo telar—, resaltaron aún más la fuerza que tiene Arcade Fire en vivo. A pesar de contar con tres álbumes, la banda supo ofrecer un balance perfecto; sin embargo, las más coreadas y aplaudidas fueron, sin duda, las siete canciones que interpretaron del Funeral. Durante el concierto, Arcade Fire agradeció la espera del público mexicano por su visita, pero todos agradecimos poder ver a Arcade Fire en uno de los momentos cumbres de su carrera, con honestidad y amor por su música, lo que se reflejó en todo momento, además de actitud y compromiso, rasgos únicos de una banda que apenas inicia.


GIGS // White Lies / WARP32

White Lies

GiG

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Foro Escénica, Monterrey – 15 de Octubre Pola, corresponsal en Monterrey

El Foro Escénica fue una vez más la sede para otro concierto internacional en Monterrey: los ingleses de White Lies pisaban suelo mexicano por primera vez. La banda local de rock electrónico, d3NdRON, fue la encarga de empezar con la acción musical, en una noche que contaba con pocos asistentes en comparación a otros conciertos. Alrededor de las 11:00 p.m., los encabezados por Alejandro Isassi dejaban el escenario y, casi media hora después, Harry McVeigh, Charles Cave y Jack Lawrence-Brown se presentaban frente al público regio. Aunque la audiencia no era la esperada, la banda se entregó en cada track, y los presentes cantaron cada uno de los temas que inundaban la sede. Conforme el concierto avanzó, el Foro Escénica fue recibiendo más y más asistentes, aunque al parecer muchos regios ya habían tomado la decisión de ver a la banda durante su presentación en el Festival Corona Capital. Poco más de una hora fue suficiente para que los londinenses ofrecieran un concierto íntimo y, sobre todo, emotivo.

Harry McVeigh

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Charles Cave


GIGS // Corona Capital / WARP32

GiG

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Corona Capital

Curva 4 Autódromo Hnos. Rodríguez, Ciudad de México - 16 de octubre Karina Luvian, Sandra Valerio, Paco Sierra, Paola del Castillo y Diovanny Garfias

El sábado 16 de octubre se llevó a cabo el tan esperado Festival Corona Capital, evento cumbre del llamado “Rocktubre mexicano”. El cartel causó expectación desde el día en que fue confirmado, así que para los miles de asistentes no había más que disfrutar de 12 horas con música para todos los gustos.

Leslie Del Moral y Sergio Gálvez

Muchas fueron las bandas que desfilaron por el Stage Corona, el Stage Capital y el Stage Corona Light, ubicados a lo largo de la Curva 4 del Autódromo Hermanos Rodríguez, y este es un breve resumen de lo que aconteció en cada uno de ellos…

STAGE CORONA Le Butcherettes

Two Door Cinema Club

Muy puntuales para iniciar las actividades, Le Butcherettes se adueñaron del Carona Stage, y la dupla encabezada por Teri Gender Bender reunió a un importante número de personas en torno al escenario. Como de costumbre, el punk rock tapatío de Le Butcherettes fue garantía de un buen espectáculo. En esta ocasión, la aparición de las cantautoras Ximena Sariñana y la argentina Daniela Spalla fueron la cereza del pastel.

Alrededor de las 02:40 p.m., los irlandeses de Two Door Cinema Club daban cátedra de rock pop con pequeñas dosis electrónicas. Desde que su intro anunciaba a la triada, el público mexicano gozó de un set perfecto para una tarde sin una sola nube en el cielo. Kevin Baird compartió su alegría de visitar nuestro país con una audiencia a la que poco le importó el intenso calor.

Minus The Bear Con mucha actitud, guitarras fuertes y sintetizadores, Minus The Bear apareció en el Corona Stage, lo que representó su primera visita a nuestro país, cautivando a los asistentes con cada una de las siete piezas que ejecutó, entre ellas ‘My Time’, primer sencillo de su más reciente producción, y “Omni”, que puso a bailar a todos. Con la promesa de mejorar su español y regresar pronto a México, los oriundos de Seattle se despidieron al ritmo de ‘Absinthe Party At The Fly Hotel Warehouse’.

Two Door Cinema Club

Minus The Bear

Furland Los originarios del D.F. son conocidos por ofrecer shows honestos, sencillos, pero cargados de música impregnada de talento, algo que quedó claro durante su actuación en el Festival Corona Capital. Los intérpretes de ‘Lámpara De Lava’ contaron con la participación de Meme, de Café Tacvba, y hasta tiempo se dieron de recordar a Gustavo Cerati y Soda Stereo entonando ‘Ella Usó Mi Cabeza Como Un Revólver’ en un mini concierto único.


GIGS // Corona Capital / WARP32 The Temper Trap

The Temper Trap

The Temper Trap llegaba al Stage Corona como una de las bandas más esperadas. Precedidos por el éxito de su corte ‘Sweet Disposition’, los australianos provocaron los gritos de la multitud al expresar su agradecimiento con la audiencia mexicana. Más que alegórica y llena de energía fue la primera visita de esta quinteta a nuestro país, quienes disfrutaron tanto de la tarde como del público mexicano.

Regina Spektor

James

Acompañada por un violín, un violonchelo y una batería, Regina Spektor ofreció un set tranquilo, lleno de melodías suaves, a un público que, expectante, la miraba. Temas de su pasada producción, Begin To Hope (2006), y de su más reciente placa, Far (2009), se fueron sucediendo al tiempo que no pocos, desencantados, se retiraban del lugar. Un “Viva México” fue el cierre que Spektor dio a su primera actuación en estas tierras.

James venía a coronar el paso de agrupaciones inglesas por el festival. Con la noche como fondo para su música, Tim Booth y compañía daban la que quizá, hasta ese momento, era la más emotiva y nostálgica actuación en todo el festival. Los temas más representativos de los originarios de Manchester fueron entregados a una audiencia que no dudó en recibirlas de manera eufórica con cada uno de sus sentidos.

James

Rise Against

Pixies

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Cuando Interpol se encontraba casi al término de su set, del otro lado de la Curva 4, varios miles ya gritaban de impaciencia esperando a Frank, Kim, Joey y David. Así, entre una cortina de humo se vislumbró la silueta de los integrantes del cuarteto y, con un intro espectacular, todos supieron que era hora de prestar atención al Stage Capital y corear ‘Bone Machine’. A pesar del empalme de audios del final de la presentación de Interpol y el comienzo de la de Pixies, la presentación del cuarteto de Boston fue onírica: Frank, desgarrando su garganta como en los mejores tiempos; y Kim, sonriente en todo momento y haciendo pequeñas intervenciones con sus compañeros de banda, recordando que ella había estado previamente en nuestro país, con su banda The Breeders. Unos cuantos riffs a máxima potencia bastaron para demostrar que, si muchos creyeron haberlo visto todo, al menos en lo que a conciertos en nuestro país se refiere, estaban muy equivocados.

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Pixies


GIGS // Corona Capital / WARP32 STAGE CAPITAL INTERPOL

Interpol

La noche había caído y qué mejor forma de cerrar la jornada del Stage Capital, que con la presencia de Interpol. Paul Banks y compañía iniciaron su actuación con un viaje sonoro a lo largo de su carrera, sin limitarse a interpretar sólo piezas de su más reciente disco, Interpol. Siempre agradecidos por acompañarlos en esa noche tan especial, su actuación incluyó temas como ‘Success’, ‘Evil’, ‘Barricade’ y ‘Not Even Jail’, entre otras, para después ofrecer un encore de cuatro canciones que concluyó con ‘Slow Hands’. La gente, con evidente emoción, se retiraba y comentaba feliz lo que acababa de presenciar.

Echo & The Bunnymen

She’s A Tease

Flyleaf

White Lies

DIRTY KARMA

FLYLEAF

WHITE LIES

Desde la Ciudad de México, Dirty Karma entregó, a los que presenciaron su actuación en el Festival Corona Capital, una dosis de rock capitalino de la nueva década. Aún cuando muchos seguían dispersos en la Curva 4, la banda dio muestra de que hay una nueva generación de jóvenes músicos listos para destacar en la escena del rock nacional.

Flyleaf ofreció el primer y único set de metal en el festival. Los encabezados por Lacey Mosley lograron reunir a una audiencia numerosa, que disfrutó de una actuación completa en todos los sentidos. A pesar de hacer referencias religiosas durante su actuación, la banda demostró que no es casualidad que cuenten con tantos seguidores y dejaron a muchos en espera de una nueva visita.

White Lies evocó, en plena capital mexicana, el sonido post punk propio de las urbes inglesas… ¡Y vaya que lograron su cometido! La banda ofreció la que quizá haya sido la mejor de sus actuaciones en territorio nacional, dejando a muchos con la esperanza de su regreso el próximo año, ya con nuevo material. Con apenas un álbum en su discografía, la triada levanta la mano como candidata a convertirse en fenómeno global.

ADANOWSKY

ECHO & THE BUNNYMEN

El ecléctico Adanowsky se adueñó del Stage Capital para encarar a un público aún más diverso que el que habitualmente asiste a sus conciertos. Con su música llena de contrastes, pero directa e hipnotizante, el artista encarnó a Amador, el personaje de su más reciente álbum, librando así la difícil tarea de pararse frente a miles de mexicanos.

Echo & The Bunnymen se convertía en el primer headliner en aparecer en el Stage Capital. Con Ian McCulloch en la voz y Will Sergeant en la guitarra, la banda daba una probada del rock que pululaba en Inglaterra a finales de los años setenta, pero con el sabor propio de un clásico de culto. Sin duda, la actuación más solida en cuanto a sonido, en una tarde donde imperó el mal audio.

SHE’S A TEASE En el Stage Capital, She’s A Tease reunían cada vez a más público con el sonido característico del colectivo Happy-Fi y, entre dance y soft rock, la banda se convertía en la primera sorpresa de la tarde. Los regios se mostraron sorprendidos por el número de personas que presenciaban su actuación, a pesar de la alta temperatura que envolvía la zona; quizá por ello ofrecieron un concierto memorable para todos los presentes.


GIGS // Corona Capital / WARP32 STAGE CORONA LIGHT Rey Pila

Foals

Delphic

DELPHIC

NAPOLEÓN SOLO El Stage Corona Light daba la bienvenida a Napoleón Solo, agrupación originaria de Granada, España, que obtuvo buen recibimiento, aunque no demasiado aforo. Sin embargo, con piezas plagadas de pop rock y un cierre con más guitarras y temas intensos, Napoleón Solo logró el aplauso y el reconocimiento de los allí presentes.

TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO Triángulo de Amor Bizarro empezaba a pagar el precio de no contar con repetidoras, en un escenario que sin duda las necesitaba, ofreciendo una actuación que sólo quienes estaban más cerca pudieron disfrutar. Por otro lado, la banda mostró actitud, aunque al parecer no fue suficiente para un público con expectativas que correspondían al precio del boleto.

REY PILA Otro que se adueñó del escenario fue Rey Pila. Diego Solórzano, de la mano de su primer disco, logró reunir a un gran número de gente e hizo bailar a más de uno a lo largo de su presentación, en la que no pudo dejar de lado su pasado musical. Así, el momento de nostalgia llegó y ‘Frenzy’, original de Los Dynamite, hizo vibrar a un público agradecido.

CHIKITA VIOLENTA Los capitalinos dieron el concierto más grande desde la salida de su nuevo álbum, Tr3s, algo que se notó durante toda su actuación. Aunque los asistentes no eran tan numerosos en comparación con los otros escenarios, la banda entregó, una a una, piezas con la fórmula que ya es la receta de la casa: soft rock y algo de electro. Al final de su actuación, el público había aumentado, pues muchos querían ver a Delphic, el acto que a continuación se presentaría.

DAPUNTOBEAT Parecía que Dapuntobeat no encajaba en una tarde donde el sol aún era factor, pues se cree que su espectáculo funciona mejor por la noche… Y eso quedó claro para quienes apostaron por el grupo capitalino, en lugar de los shows de Echo & The Bunny Men o Regina Spektor. Una vez más, el sonido en el escenario dejó mucho qué desear, sobre todo para quienes apreciaban el show desde la parte más alejada.

FOALS Poco faltaba para dar fin a las presentaciones en el Corona Light Stage, cuando el quinteto británico Foals hizo gala del talento que posee. Disculpándose por no haber venido antes a México, arrancó su acto con ‘This Orient’. La banda originaria de Oxford obtuvo gran respuesta y, con intermitentes interacciones con el público, ejecutaron piezas de sus dos placas existentes, entre ellas ‘Cassius’, la cual arrancó sonoros aplausos.

THE SOFT PACK The Soft Pack se enfrentó con un gran reto: competir contra James, en su respectivo escenario. De cualquier forma, la banda cumplió con el compromiso de cerrar el Corona Light Stage, luego de una jornada en que, este escenario en particular, constantemente se enfrentó a problemas de audio.

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La escena regia es noticia otra vez. Si no, que le pregunten a 60 Tigres, dignos representantes de su tierra. La banda comenzó las actividades en el Stage Corona Light y, al paso de los minutos, el publicó creció y creció. Quizá está fue la banda que mejor sonó en dicho escenario pues, conforme avanzaba la tarde, los problemas de audio se convirtieron en los protagonistas.

Dapuntobeat

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60 TIGRES

El cuarteto originario de Manchester fue una de las bandas que más llamaron la atención en el Corona Capital. Con ritmos dance y alternativos, los autores del Acolyte fueron el premio para una multitud que padeció los estragos de una tarde calurosa. Con una buena actuación, apoyada por el público más joven del festival, el cuarteto pudo superar con sus propios recursos los problemas de audio que imperaron en el Stage Corona Light.


GIGS // Pixies / WARP32

GiG

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David Lovering (batería) y Kim Deal (bajo)

Pixies

Teatro Metropólitan, Ciudad de México – 17 de Octubre Milton Barboza

Cortesía OCESA

Después de lo vivido el sábado 16 de octubre en el primer Festival Corona Capital, donde se lograron reunir a más de 60 mil personas para ver a diferentes bandas internacionales y disfrutar de la primera presentación de Pixies en México, el domingo 17 de octubre la primera fecha de la banda originaria de Boston en el Metropólitan se realizó y de qué manera… Fue en punto las 07:00 p.m. cuando salió a escena la banda invitada para comenzar la velada: The Temper Trap, directamente desde Australia, logró agradar a los presentes que, en su mayoría, no conocían su música; pese a eso, pudieron realizar su set de poco más de 40 minutos sin abucheos y más bien con algunos aplausos. ‘Rest’, ‘Down River’ y la infaltable ‘Sweet Disposition’ fueron algunas de las canciones que The Temper Trap interpretó para dar paso a lo verdaderamente esperado… Como marcaba la cédula, en punto de las 08:15 p.m. un pequeño opening fue el preámbulo para que Joey Santiago (guitarra), David Lovering (batería), Frank Black (voz y guitarra) y Kim Deal (bajo), uno a uno, entraran en escena… De pronto, entre humos y humores, Pixies estaban listos para regalarnos una segunda dosis de su inigualable sonido… Y así fue: ‘Bone Machine’ destapó el potencial que ya se esperaba. Sin dar pauta a nada, de inmediato, se dejaron escuchar los primeros sonidos de ‘Wave Of Mutilation’, del disco Doolittle, que enardeció un Metropólitan repleto de 3 mil fans afortunados. ‘Holiday Song’ y ‘Nimrod’s Son’ siguieron con un júbilo instantáneo, volviendo locos a los fanáticos que cantaban cada una de las piezas. Para ese momento, entre gritos y aplausos, hubo una pequeña pausa que aprovechó Kim Deal para saludar a todos, ligando un pequeño acorde de guitarra que se prolongó hasta escuchar las primeras notas de ‘Here Comes Your Man’, uno de los más grandes clásicos de los Pixies. ‘U-Mass’, canción que alude a la Universidad de Massachussets, lugar de origen de esta importante banda,

Frank Black

derrochó punk y estridencia que afortunadamente era bien amortiguada por la acústica del Metropólitan, uno de los mejores recintos para conciertos en la Ciudad de México. Así, una a una, continuaron desfilando grandes rolas, aderezadas de momentos memorables que México esperaba desde hacía seis años, cuando los Pixies anunciaban su regreso a los escenarios tras una ruptura que duró más de una década. ‘Dig For Fire’ sonó finamente; ‘Monkey Gone To Heaven’, ‘River Euphrates’ y ‘Hey’ hicieron que la calidez del lugar lograra una atmósfera íntima, perfecta… Pero ‘Vamos’ anunciaba el retorno al poder de las guitarras y Joey Santiago, al colocar su guitarra en un atril, sin que dejara de sonar, colocándole la boina que llevaba puesta: le pidió a David una baqueta y comenzó a hacer sonar más fuerte la guitarra en una clara muestra de calidad interpretativa. Con toda la potencia de esta canción concluyó una hora de concierto explosivo y, tras unos minutos de descanso de la banda y la bulla de la gente que pedía más, los Pixies regresaron a escena y, sin preámbulo, se escuchó la dulce voz de Kim Deal haciendo el coro inicial de ‘Where Is My Mind?’, sin duda alguna la canción más conocida de la banda por su inclusión de la película Fight Club. Pero ‘Gigantic’, esa gran canción del Surfer Rosa, de 1987, puso fin al concierto, igual que sucediera en el Corona Capital. Todo parecía terminado: las luces ya se habían encendido a media potencia y la gente, sin moverse de sus butacas, pedía otra; y otra vez, sin decir palabra, simplemente agradeciendo, los cuatro integrantes de Pixies regresaron para reventar el Metropólitan por última ocasión; eso sucedió con ‘Planet Of Sound’. Hace mucho que el Metropólitan no vivía una noche tan especial, llena de emociones encontradas y, sobre todo, de recuerdos guardados por muchos fans mexicanos que imploraban por esta visita. Así terminó una de las noches más importantes del año en cuanto a conciertos se refiere… Pixies ya prometieron que los tendremos de regreso en 2011.


GIGS // Air / WARP32 Jean-Benoît Dunckel

GiG

12

Air

Auditorio Nacional, Ciudad de México - 21 de Octubre Cortesía OCESA

Nicolas Godin

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El dúo francés tuvo a sus pies a la cálida audiencia mexicana desde el primer momento, cuando ‘Do The Joy’ abrió el camino de lo que sería una noche mágica, llena de recuerdos de adolescencia e imágenes cósmicas. ‘Love’ se presentó de repente, mientras que muchos de los asistentes seguían ingresando a uno de los recintos con mejor acústica de la ciudad, detalle que nos hizo disfrutar aún más temas del Moon Safari, como ‘Remember’, para seguir con ‘Venus’, del Talkie Walkie, una de sus etapas más maduras. El minimalismo que caracteriza el sonido de la agrupación francesa se vio reflejado en una sencillísima escenografía, así como en la pulcra vestimenta, totalmente en blanco, de Nicolas Godin y Jean-Benoît Dunckel. Fue que ‘Don’t Be Light’ nos llevó a viajar entre fondos psicodélicos y atmósferas salidas de un viaje espacial, mientras que la batería era acompañada por las palmas del auditorio. ‘Radian’ fue un recorrido por la nieve, el cual nos preparó para el momento cumbre: la dulce ‘Cherry Blossom Girl’ y ‘Highschool Lover’ (del soundtrack de The Virgin Suicides), grata sorpresa que causó admiración y una que otra lágrima. La tranquilidad de un cielo límpido contrastó con la voz robotizada de ‘How Does It Make You Feel’, antes de ‘Alfa Beta Gaga’, cuando los músicos tomaron la palabra para agradecer la vibra generada por los presentes, quienes vieron como esa especie de fantasía se volvía realidad, lo que se confirmó con ‘Sexy Boy’ y el cierre de ‘La Femme D’ Argent’, de ese álbum que los diera a conocer en 1998. Una noche de caras alegres, vibra ligera y deseos cumplidos, que nos dejó con la esperanza de que, en algún momento, Air regrese y llene de nuevo de dulzura una de nuestras noches.

warp magazine / www.warp.com.mx

Elsa Núñez


GIGS // Broken Social Scene / WARP32

GiG

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Justin Peroff

Feist y Kevin Drew

Broken Social Scene Lunario del Auditorio Nacional, Ciudad de México - 23 de octubre Paco Sierra

Cortesía Arts & Crafts México

Las puertas del Lunario se abrieron a las 08:00 p.m. y el público, poco a poco, se fue instalando para ser testigo de la presentación del colectivo canadiense Broken Social Scene, no sin antes entrar en ambiente con Movus, banda originaria de Guadalajara, que con la propuesta instrumental de los temas de su más reciente disco, Maxa FireKeeper, lograron capturar la atención de los presentes y dejaron todo preparado para que los estelares entraran en acción. Así, a las 10:07 p.m., Broken Social Scene salió al escenario con la energía al máximo, actitud que no abandonaron hasta su última canción, contagiando al público de su atrevimiento hasta el final. Kevin Drew y compañía, que en algunos temas llegaron a ser hasta once músicos sobre el escenario, empezaron con ‘KC Accidental’, para seguir con ‘Texico Bitches’, que fueron acompañadas por los coros y los

Kevin Drew

aplausos de los presentes. En ‘7/4 Shoreline’, apenas su tercer tema, la esperada participación de Feist se hizo presente y, aunque con algunos problemas en la batería, obtuvieron gran reacción del público; con ‘Fire Eye’d Boy’, del disco homónimo de 2005, se mantuvo la energía a tope. Con Lisa Lobsinger en las vocales, los temas del Forgiveness Rock Record, su más reciente disco, no pudieron faltar. Crowd surfing, saltos, aplausos y gritos nunca pararon con los temas ‘Looks Like The Sun’, ‘Meet Me In The Basement’ y ‘Major Label Debut’. Luego de más de dos horas y media de concierto, Broken Social Scene cerró su presentación con ‘It’s All Gonna Break’, coronando así la noche en que el colectivo canadiense conquistó a sus seguidores mexicanos, lo que sin duda quedará en la memoria de los asistentes al Lunario del Auditorio Nacional ese 23 de octubre.


GIGS // UNKLE / WARP32 James Lavelle

U.N.K.L.E.

Circo Volador, Ciudad de México - 31 de octubre

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Tim Goldsworthy

Con un Circo Volador que lució abarrotado por cientos de fanáticos que esperaban a la dupla inglesa, arrancó una noche memorable. Para las 08:40 p.m., cuando inició a tocar Sleepy Sun, el foro ya se encontraba a su máxima capacidad y las personas corearon el rock experimental de los originarios de San Francisco. Al término de la explosiva actuación de los norteamericanos, las luces se apagaron de nuevo para que James Lavelle y Tim Goldsworthy se apoderaran del escenario, al lado de sus músicos invitados, comenzando así el Live Act de U.N.K.L.E. El juego de iluminación de la banda fue impresionante, mientras guitarras, bajo distorsionado, batería y secuencias ocasionaban la euforia de los presentes. La energía de la música de U.N.K.L.E. se vivió al máximo con los displays que, enmarcando cada tema, mostraban en ocasiones rostros de los vocalistas invitados que

compartieron el show virtualmente, tal como sucedió con ‘Restless’, tema que en War Stories interpreta Josh Homme, pero que en México sonó con un vocalista omnipresente y, con un efecto de estética vintage, la pantalla detrás de la banda mostraba el rostro que entonaba el tema. Del mismo álbum sonó ‘Burn My Shadow’ que, a diferencia de ‘Restless’, fue instrumental, con tan sólo algunos loops de Ian Astbury que se escucharon en momentos clave. Por supuesto no faltaron temas de su más reciente placa, Where Did The Night Fall, aunque no fueron tan bien recibidas como cada canción del War Stories, e incluso del Psyence Fiction. Potencia, calidad, presencia escénica, adrenalina, y un performance cautelosamente planeado, fueron los elementos clave para hacer de la presentación de U.N.K.L.E. en México un concierto a la altura de lo esperado.

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Leslie del Moral

warp magazine / www.warp.com.mx

Susana Betancourt

GiG


COLUMNA GIGS // Getting Louder! / WARP32 Óscar Aguilar

Baltrot

Time Stands Still Samantha López, corresponsal Madrid/Londres

Poco a poco, bien o mal, el mundo se globaliza. Todos hablamos inglés, consumimos productos de todas partes, y comemos tacos y curry. No importa si estamos en México, en España o en Reino Unido, a nuestro alcance está toda la información necesaria para saber qué sucede en cualquier parte del mundo. Pero… ¿Esto es cierto? Al menos en términos musicales, es un no definitivo. España y México comparten idioma, un pasado común, muchas costumbres, televisoras y ciertos artistas. Pero algo despertó mi curiosidad en Madrid y, aunque no soy una gran seguidora de bandas de metal, tuve la oportunidad de conocer a varios integrantes de bandas de heavy y hard rock, géneros muy aceptados en la península ibérica, pero no pude enlistar de memoria ni cinco bandas mexicanas de metal que cantaran en castellano; me vinieron a la cabeza una o dos bandas argentinas y las diez siguientes fueron estadounidenses o de habla inglesa. El metal es un género que tomó impulso a principios de los setenta y fue ganando popularidad durante toda esa década. Sus antecedentes están en el rock y hard rock que Estados Unidos retoma de una manera muy fuerte. A España llega un poco

más tarde, debido a las condiciones políticas y sociales del franquismo, y por tal motivo entra como una tendencia fuerte y clara, llena de manifestaciones y protestas, y por supuesto en su idioma, pues si ahora es difícil que se hable en inglés, en aquellas épocas era impensable. España crece y las diferentes escenas musicales son aceptadas sin problema, de modo que el metal forma una parte importante del mainstream de la música; así, guste o no, existe un respeto para todas las manifestaciones musicales y artísticas. En México, en cambio, el metal se genera a un nivel totalmente underground: las bandas más conocidas, como Brujería, tuvieron que formarse del otro lado del Río Bravo y, desde allá, fueron escuchados en tierra nacional. A la fecha, vivimos con un malinchismo gigante en el que es más aceptada una banda formada en otras partes del mundo o que canta en otros idiomas. Baltrot (www.myspace.com/baltrot) es una banda española que se autodenomina de “metal alternativo”, y que va hacia la cima con trabajo duro y música impecable. Sus integrantes, Isidoro Franco (guitarra), Javier Molina (guita-

rra), Juan Gabriel Núñez (batería), Nacho Valera (bajo) y Óscar Aguilar (voz) han pasado por varios cambios violentos para llegar al lugar que se han ganado entre los grupos españoles de metal. Jorge Escobedo, productor de la banda y guitarrista de Sober —uno de los grupos de metal más reconocidos en Europa—,produce a muy pocos de la escena musical, lo que vuelve a Baltrot todavía más especiales, esto sin contar que Nacho Valera es un talentoso venezolano que ganó el premio al mejor bajista en el Festival Internacional Emergenza, uno de los festivales de heavy más fuertes de Europa: el caso es que Valera tuvo que salir de su país porque allí simplemente no existía oportunidad para un metalero… Ni en Venezuela ni en el resto de América Latina. La fuga de talentos —igual que la de cerebros— representa una migración, legal o ilegal, para poder expresarse y trascender fuera del país de origen. El metal no tiene que ser necesariamente de protesta política, ni atacar alguna religión; habla lo mismo que el rock alternativo o el pop: son prácticamente las mismas formas de vida, de circunstancias e historias, pero en contextos y melodías más fuertes.


hotHOThit // WARP32

Natalia Kills Luisa Reséndiz

Cortesía High Rise PR

Originaria de Reino Unido pero con residencia también en Los Ángeles, Natalia Kills ha sorprendido a la crítica gracias a su pop bien elaborado y que busca lograr un espacio en este competido género hoy por hoy dominado por Lady GaGa. Con una clara tendencia a proponer buenas estructuras sonoras, Natalia también ha creado su propio concepto visual.


TEMPORADA

CINCO

EN GRABACIÓN


Bad News

La pérdida de la libertad creativa

Habrá que estar muy pendientes de qué tan bueno es el resultado final de esta mezcla, pues para algunos hubiera sonado impensable hace algunos años. De entrada, la casa productora del ratón rechazó los primeros esfuerzos sonoros de la agrupación por imprimir su estilo en el filme y, aunque no está confirmado cuantas veces ocurrió esto, es un hecho que en Walt Disney no estaban contentos con los primeros resultados; al parecer la música era demasiado “densa” para un público tan amplio como el que acostumbra ver películas de Disney. ¿Acaso Daft Punk habrá vendido su alma a uno de los gigantes del entretenimiento? No parece que vaya a ser así; sin embargo, no podemos asegurar nada hasta que la cinta llegue a las pantallas el próximo 17 de diciembre.

Les puede ganar la nostalgia

Con esta alineación reunida en el estudio, se antoja la adición de un viejo conocido, Kurt Cobain. Desafortunadamente, no hay poder humano que pueda traer al líder de Nirvana de regreso a la vida. Con todos esos nombres en el papel, es casi imposible no pensar en qué hubiera pasado si Cobain no decide acabar con su vida aquel abril de 1994… Ojalá que el ambiente nostálgico en el estudio de grabación sirva para sacar lo mejor de Foo Fighters y no fomente la creación de una placa que, en lugar de poder guitarrero, esté llena de melodías acústicas, optimistas, al estilo de ‘Wheels’, el último track ofrecido por la banda. Ojalá y nos equivoquemos; habrá que esperar para comprobarlo.

Good News

La dupla francesa Daft Punk ha conseguido colocarse como una de las bandas más innovadoras en el terreno de la electrónica mainstream actual. Su nombre es sinónimo de tecnología, imágenes futuristas y robótica aplicada a la música. No es de extrañar que la compañía productora Walt Disney los haya elegido para ambientar la secuela de la cinta Tron, filme de ciencia ficción de 1982 que causara impacto cultural en toda una generación y cuya estética ha sido adaptada a diversos terrenos. Para Tron: Legacy, los franceses han preparado un score poco convencional, que será la delicia de los fans y captará a un nuevo público hambriento de cascos espaciales y trajes de LEDs.

Bad News

Dave Grohl y compañía están de regreso: los Foo Fighters se reportan listos para grabar nuevo material de estudio. El sucesor de Echoes, Silence, Patience & Grace, su álbum de 2007, llegará a los estantes en 2011 y contará con un par de sorpresas para sus fans: a) estará producido por el afamado Butch Vig, nada menos que el encargado de la producción del Nevermind (1991), el multipremiado segundo disco de Nirvana; y b) la colaboración de Krist Novoselic, ex bajista de Nirvana, y el regreso a la banda del guitarrista, Pat Smear. Si a esto le sumamos las declaraciones de Grohl, que anuncia este disco como el más pesado de Foo Fighters, la nueva producción debe ser una de las más esperadas para 2011… Significaría el regreso de la banda a sus raíces grunge.

El regreso de Foo Fighters

Good News

Daft Punk en Tron: Legacy


GNBN // THE PLAYLIST OF OUR LIVES / WARP32

THE PLAYLIST OF Our Lives

VIVIENDO EN LA ALDEA GLOBAL

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Fito Montes / twitter.com/fitomontes

Aquí las quince rolas para vivir y convivir en La Aldea Global… ‘Monitor’ ‘Across The Sea’ ‘The Universal’ ‘All Over The World’ ‘We’re All In Love’ ‘All The Young Dudes’ ‘Come Together’ ‘Higher Ground’ ‘We Gotta Live Together’ ‘One Nation One Ride’ ‘My Space’ ‘Kids’ ‘Human’ ‘Around The World’ ‘Come With Us’

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Volován Weezer Blur Pixies Black Rebel Motorcycle Club David Bowie Primal Scream Stevie Wonder Jimi Hendrix Freakpower Chicks On Speed MGMT The Killers Daft Punk The Chemical Brothers

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Obviamente, dicha interconexión y mutua dependencia traería consigo nuevos problemas que nos afectarían de manera global —aún cuando su origen pudiera ser local—, tales como epidemias y debacles económicas mundiales. Claramente esta teoría es mucho más compleja pero, sin duda, MacLuhan tenía razón, pues previó la posibilidad de la interacción vía redes sociales y la convivencia mutua a todos niveles.

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warp magazine / www.warp.com.mx

Marshall MacLuhan, filósofo canadiense, hace más de 40 años vaticinó que, debido al exponencial de crecimiento en la interconectividad entre los seres humanos, las fronteras ideológicas locales y nacionales se irían diluyendo paulatinamente hasta lograr una conciencia global que lograría, idealmente, solidaridad en la lucha por objetivos sociales, económicos y ecológicos comunes.


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Black Lips

Let It Grow

Elsa Núñez Cebada

Influenciados por el más sucio rockabilly de los años sesenta, por agrupaciones como The Cramps, The Rolling Stones y Los Saicos, Jared Swilley, voz y bajo de los Black Lips, platica con WARP MAGAZINE sobre su proceso creativo, la locura que envuelve sus giras y lo que vendrá para la banda…

para trabajar en el estudio, simplemente nos sentamos, empezamos a platicar sobre cualquier cosa y, entre la plática, tocamos las ideas aleatorias que en un momento dado se nos ocurrieron y que después ponemos a prueba; y si nos gusta cómo suena, los demás complementan la idea para crear la canción.

Ustedes son los productores de 200 Million Thousand… ¿Trabajar por su cuenta les facilita la labor, en comparación a contar con la figura de un productor externo? No lo sé, porque siempre hemos trabajado así. Estamos juntos desde hace mucho tiempo, así que nos conocemos muy bien y hacer música es algo que fluye naturalmente entre nosotros. Quizá tener un productor nos ayudaría a enfocarnos en otros aspectos, pero por el momento así estamos bien: ¡Somos libres! [risas]. No tenemos una fórmula específica

¿Cómo supieron cuál era el sonido que querían capturar en este álbum? Nunca pensamos en ello; simplemente estábamos juntos, las ideas surgieron y las fuimos aterrizando. Estamos mucho tiempo de gira y así es como componemos. Así que, mientras estamos de gira, vamos generando material para el siguiente disco… Y no es porque seamos adictos al trabajo, pero así es nuestra vida. Se han declarado admiradores de Los Saicos (agrupación peruana de los años sesenta), ¿cómo han

Cortesía Vice Records

influenciado su sonido? Los Saicos son muy buenos; los conocimos por un sello discográfico madrileño que relanzó sus álbumes en Europa. De hecho, conocimos al vocalista en uno de nuestros conciertos en Madrid. Son muy buenos: nos gusta mucho el punk-rock que hicieron hace casi 40 años y, a pesar de que ha pasado tanto tiempo, siguen sonando bastante bien; sus canciones tienen mucha energía. De hecho, estuve en Perú hace algunos años, en Iquitos, para ser más exacto, y te puedo decir que, tal vez por ser un lugar ubicado donde comienza la selva, tiene una vibra muy especial. Sabemos que están trabajando en un nuevo material… ¿Ya tiene nombre? Ese es asunto confidencial [risas]. Bueno, realmente no lo sabemos; hasta ahora sólo tenemos la palabra “Circus”, pero tal vez terminaremos cambiándolo.


¿En dónde estamos parados? Alejandro Franco

El mundo definitivamente ya se acabó con respecto a como lo conocíamos. Lo que siempre dimos por hecho hoy está a punto de extinguirse o al menos eso parece. Si estás leyendo esta revista en su versión análoga, seguramente eres uno de los ya no muchos románticos en este mundo que sigue optando por el papel y no por lo digital y en una de esas hasta sigues comprando CDs o mejor aún, viniles de vez en cuando. Vivimos ya dentro de una Matrix probablemente mucho más peligrosa que la de los hermanos Wachowski. Buena parte de nuestro día se ocupa en vivir de manera paralela en lo digital y de hecho las nuevas generaciones ni siquiera entienden que haya una diferenciación entre los dos mundos. Vivir en el mundo análogo y en el digital parece ser un switch permanente y natural para ellos. ¿Y cómo no? Si para nosotros los que vimos nacer Internet, éste es un mundo sumamente distinto en el que podemos resumir nuestros pensamientos en 140 caracteres y resumir nuestras vacaciones en un álbum digital que puede ver aquella persona de la primaria a la que pensaste que nunca volverías a

ver sencillamente porque no te interesaba volver a hacerlo. Según un reciente estudio el Edison Research para Radio-Info.com, una asociación de estaciones de radio en línea, los medios tradicionales como la TV y la radio seguirán existiendo pero en una convivencia obligada con el mundo digital de manera natural y no obligada. Los contenidos de TV seguirán existiendo en la TV pero tendrán que estar disponibles en línea. Las estaciones de radio deberían dejar de ser locales y siempre tener una señal paralela via Internet. Según este estudio las revistas y los periódicos están muriendo y se quedarán como meros artículos de información y culto para nichos y pequeños sectores de la población que quieren seguir teniendo algo tangible en las manos tal y como probablemente tú estás sosteniendo esta revista si optaste por esta ya poco usual opción. Según el ya citado estudio, a inicios del 2000 en Estados Unidos, un 44% de la población entre 12 y 24 años pasaba el 29% de su día escuchando la radio, contra el 28% que prefería la TV, un 10% Internet, 18% hablar por teléfono, 7% en videojuegos, un 4% leer

Para leer el estudio completo de Edison Research: http://www.edisonresearch.com/Edison_Research_American_Youth_Study_Radios_Future.pdf Gracias especiales a Tomas Cookman de Nacional Records por la aportación.

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Pieces Form the Whole

revistas como esta y un 3% leyendo periódicos. En este 2010, la encuesta arrojó que la TV creció un punto porcentual (29%), la radio cayó al 15%, Internet subió al 30%, hablar por teléfono bajó al 11%, los videojuegos subieron al 12% y las revistas ocupan solo ya el 2% que aún es más alto que los periódicos que cayeron al 1%. No por nada existen ejemplos como el New York Times o El Universal que tienen más seguidores en Twitter que lectores o suscriptores de sus periódicos de papel… por eso síguen sobreviviendo. En comparación a hace un año, Facebook parece imparable según este ejercicio. Mientras MySpace tiene un incremento del 10% en nuevos usuarios, Facebook lo tuvo del 51%, seguido de Twitter con el 24%. Con respecto a hace un año, MySpace tuvo una disminución de uso del 59% de sus usuarios en el target de 12 a 24 años contra una disminución del 17% de Facebook y un 34% de Twitter. El mundo ya no es el mismo. Hace 10 años, el promedio de la población entre 12 y 24 años en Estados Unidos compraba 11.3 discos físicos contra 3.4 que compran hoy. En el rubro entre 22 y 34 años, hace diez años comprábamos también 11.3 discos físicos contra 4.3 que compramos hoy. Aunque para ser honestos con este mismo estudio, la gente sigue prefiriendo enterarse de conciertos via una estación de radio o sus amigos a un sitio web y la manera más común de adquirir música es via iTunes y luego a través de Torrents. Los comportamientos en México al respecto con este estudio no son muy diferentes en esencia aunque por cultura hay algunos rubros que no coincidirían evidentemente. Lo que sí es un hecho es que ni la música ni los contenidos van a desparecer y al contrario, parecen diversificarse y multiplicarse a cada segundo. El cómo elijamos entregar esos contenidos como medios de comunicación es clave y el cómo los consumamos como usuarios en los próximos años será determinante.

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GNBN // Everything In Its Right Place / WARP32


GNBN // Blogageddeon Times / WARP32

Redes Soy el Señor Flavio, antipoeta pop, león del ritmo y vengo del futuro revelando la nueva ola de tiempos digitales, escribiendo esta columna para el sonido-beat-poder de WARP Magazine y su crew implacable-monstermagnética… ¡A surfear las redes del ciber-espacio, donde está todo y a la vez no hay nada! La red es como millones de granos de arena en una sábana desértica. El libro de los rostros, de las caras, supuestamente crea vínculos, dicho esto en modo virtual; pero lo que aparentemente nos une, nos hace aislarnos más unos de otros… Música para todos por Internet: genial. Ya se perdió el romanticismo de ir a la tienda de discos —a “la disquería”, como solemos decirle por aquí, en el

sur del Sur— a hurgar en las bateas por aquel buen vinilo que mi acotado presupuesto adolescente podía permitirme sólo una vez al mes. Mirá: yo crecí sin Internet, e igualmente fui moderno, new wave, avanzada de la contracultura de los ochenta, con acceso a toda la data que deseaba tener, pero en “hardware”, formatos tangibles, mecánicos, cálidos: vinilos, cassettes, fotos de revistas. “Que viejo choto”, dirás vos, queridísimo lector, y sí: tenés razón, che… No obstante, fui versátil al paso del tiempo, modernizándome más y más, conforme las eras pasaban y su avance tecnocrático se daba… Surfer de concreto y de rampas, de océano atlántico frío — Mar del Plata—, sol del sur extraviado. Surfaskater a

Diana Urbano

mis 46: nada mal, ¿eh? Lo que más me gusta de la red es, simplemente, tener a mi disposición una casilla de correos electrónica, tan simple como revolucionaria. Se apagaron los tiempos en los que iba semanalmente, de purrete, a la oficina de Correos ubicada en la esquina de Santa Fe y Pueyrredón, a entregar la carta que le había escrito a mi viejo, que vivía en Mar del Plata, y yo acá, con mi mamá, viviendo en La Capital Federal, Buenos Aires —Buenos Aires City Rocker—, perla gris rioplatense de tangos y nostalgias criollas. Surfeo la red y encuentro bandas interesantes que abren su arte al mundo ciberespacial, compartiendo con todos: fotos, archivos de audio, canciones inéditas, videos.

Surfeo la red y me encuentro con longboarders ramperos que la detonan en sus tablas, pooleros del concreto killers. Surfeando la red, ahora en modo porno, como un atleta de la líbido: es de noche, conozco cada intersticio y su nomenclatura correspondiente… Tags que estimulan mis ojos, que me atraen al ritmo de un embrujo; me dejo llevar por el doble click de las prohibiciones que acá, sin filtros, parecen no estar restringidas. Soy el Señor Flavio, León del ritmo, anti-poeta pop… Lo entiendo todo porque vengo del futuro macro-cósmiko y hago mi propia versión en tanto amante de Alfonsina Storni, de Madness y la magia de México, que tanto extraño —lo confieso— desde Buenos Aires.

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Sr.Flavio, www.myspace.com/theflaviomandingaproject

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Calaca Digital


PUEDES ENCONTRAR Sanborns Cenca

Aguascalientes, Mexicali, Tijuana, Ciudad del Carmen, Ciudad Juárez, Chihuahua, Tuxtla Gutiérrez, Saltillo, Torreón, Distrito Federal, Durango, Acapulco, Celaya, Irapuato, León, Pachuca, Guadalajara, Zapopan, Estado de México, Morelia, Cuernavaca, Tepic, Monterrey, Puebla, Cancún, Querétaro, Culiacán, San Luis Potosí, Villahermosa, Tampico, Jalapa, Veracruz, Mérida, Zacatecas.

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Aguascalientes, Mexicali, Rosarito, Tijuana, La Paz, Los Cabos, Campeche, Ciudad Juárez, Ciudad Cuauhtémoc, Chihuahua, Delicias, Comitán, Monclova, Saltillo, Torreón, Manzanillo, Colima, Distrito Federal, Durango, Chilpancingo, Celaya, Irapuato, León, Pachuca, Chapala, Guadalajara, Puerto Vallarta, Tlaquepaque, Tonalá, Zapopan, Estado de México, Morelia, Uruapan, Cuernavaca, Bahía de Banderas, Tepic, Guadalupe, Monterrey, San Nicolás de los Garza, Puebla, San Andrés Cholula, Cancún, Playa del Carmen, Querétaro, Culiacán, Guasave, Los Mochis, Matehuala, San Luis Potosí, Ciudad Obregón, Hermosillo, Nogales, Ciudad Victoria, Madero, Matamoros, Nuevo Laredo, Tampico, Jalapa, Poza Rica, Veracruz, Mérida, Zacatecas.

Chihuahua, Torreón, Distrito Federal, Durango, Silao, Tlajomulco Zúñiga, Apodaca, Reynosa, Veracruz.

Tower Records

Distrito Federal, Estado de México.

El Charco de las Ranas Distrito Federal.

Mixup

Acapulco, Morelia, Estado de México.

Soriana

Campeche, Ciudad del Carmen, Tapachula, Tuxtla Gutiérrez, Torreón, Distrito Federal, Acapulco, Iguala, Acámbaro, Celaya, Dolores Hidalgo, Guanajuato, Uriangato, Pachuca, Tizayuca, Tula de Allende, Estado de México, Ciudad Hidalgo, Lázaro Cárdenas, Morelia, Uruapan, Pátzcuaro, Zamora, Monterrey, Oaxaca, Puebla, Cancún, Playa del Carmen, Querétaro, San Juan del Río, Ciudad Valles, Cárdenas, Comalcalco, Cunduacán, Paraíso, Villahermosa, Altamira, Ciudad Mante, Madero, Tampico, Apizaco, Tlaxcala, Boca del Río, Coatzacoalcos, Minatitlán, Poza Rica, San Andrés Tuxtla, Veracruz, Mérida.

Dax

Mexicali, Tijuana, La Paz.


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The Field

I Have The Moon, You Have The Internet Diovanny Garfias

Lars Borges

Tu álbum From Here We Go Sublime, de 2007, fue muy bien recibido por la crítica… Cuéntanos, ¿después del éxito de ese álbum, sentiste presión o alguna responsabilidad al crear música de nueva cuenta? Si. Gané la atención de muchos medios y fui a tocar a muchos lugares, pero cuando acabé la promoción del álbum sentí que debía hacer algo del mismo nivel. Pero al final me di cuenta de que hago música para complacerme a mí mismo. ¿Cuál es, en tu opinión, la mayor diferencia entre Yesterday And Today (2009) y su predecesor? Yesterday And Today es un álbum mucho más acústico, más orgánico: mientras lo desarrollaba, traté de tocar la mayor parte de los instrumentos que utilizaba y de grabar cada parte yo solo.

En tu perspectiva, ¿qué tanto ha cambiado la música electrónica en comparación a los días en que comenzaste tu carrera? Mucho, pero para bien. Creo que es un género que se ha hecho más popular con el paso de los años; ahora escuchamos de actos de música electrónica todo el tiempo, sin importar en qué corriente se encuentren. También escuchamos a artistas convencionales incorporar elementos electrónicos en su música, así que, para mí, la mayor diferencia es que la música electrónica se volvió parte del mainstream.

¿Cual sería tu consejo para todos aquellos interesados en la música electrónica que recién empiezan a experimentar con ella? Les diría que no caigan en la trampa de hacer música que suene como la de alguien más; que traten de hacer algo único y dejen que fluya, aunque esto suceda muy lentamente.

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El sueco Axel Willner es uno de esos casos de perseverancia a través de los años: totalmente convencido de que su proyecto, The Field, era algo único, se dio a la tarea de repartir demos a diferentes disqueras, hasta que el importante sello Kompakt se dio cuenta del potencial contenido en su música. Con el tiempo, The Field ha dejado el status de culto para ser reconocido como uno de los proyectos de techno más destacados del Norte de Europa. WARP MAGAZINE tuvo la oportunidad de platicar con el músico durante su visita a nuestro país, en el marco del Festival Mutek.

De hecho, hiciste un remix para Thom Yorke, ‘Cymbal Rush’, incluida en The Eraser (2006), su disco debut como solista… ¿Qué buscabas obtener sonoramente de ese track? Quería hacer algo completamente diferente a lo que era la canción, así que mantuve la atmósfera que rodea el tema, pero le añadí el sonido de The Field, haciéndola algo más natural según mi perspectiva.

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Has hecho muchos remixes a lo largo de tu carrera… ¿Tienes una fórmula establecida cuando estás por hacer uno? No, en lo absoluto. Los remixes a veces pueden sonar similares, pero cada canción es diferente, porque cada una exige algo distinto en su producción.


GNBN // ROCK FICTION / WARP32

El Circo

de bienestar. Pero igual sufrieron allá: la Juana empezó a lavar ajeno y muy pronto le dolió la cintura. Para 1942, con la Juana postrada en silla de ruedas, María se fue para el D.F., a emplearse de criada; y rápido que consiguió trabajo: nomás tuvo que aceptar en su cama al hijo de la patrona cada vez que llegaba briago. En 1944, al nacer Flor, María consiguió un cuarto en la Candelaria de los Patos y, honrando a la abuela, se puso a vender garnachas en el mercado. La niña le ayudó a su madre a prender el fogón hasta que brotó la mujer: comenzaba la década de los sesenta cuando Florecita dio a luz a Toña que, se dijo, era hija de Víctor, el pachuco, un camionero que fletaba legumbres al mercado. La Toña creció feliz; sin ninguna comodidad, pero feliz; hasta que en 1977 se topó al Muelas, raterillo de la Morelos. El Muelas la quería de veras, y hasta se hubiera casado con ella si no le hubieran volado los sesos mientras se brincaba la barda

de una casona de Polanco. Se dice que la Toña murió de amor; por eso Lupita creció sin padres y, desde los 13, caminó las calles de la Merced, sudando la sábana por una peseta. En 1995 Lupita murió de parto al dar a luz a un hijo de padre desconocido. Las monjas lo bautizaron con el nombre de José, que creció en el hospicio de Santo Tomás, hasta que se escapó a la calle, en 2004, para escupir fuego. José, aquel natural de Delicias, muerto en 1910 de un balazo en el ombligo, jamás pensó que la Revolución no le hiciera justicia, ni que ese otro José, el último de su prole, muriera atropellado, justo en el Centenario, en un semáforo de la Capital. El Circo

Maldita Vecindad Y Los Hijos Del Quinto Patio BMG Ariola 1991

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Luego del tercer trago de aguardiente en la plaza de Delicias, Chihuahua, José se cruzó la canana en el pecho y se fue a la bola siguiendo a mi general Apolinar Ajenjo, con los ideales de justicia y de matar un chinguero de pelones. A los pocos días, cuando agonizaba de un balazo en el ombligo, José se acordó de la Julia, su prieta, sin saber que la había dejado panzona de tres meses, pero de alguna manera sintió que estaría mejor. La Julia tuvo una hija, Juana, y en 1918, se fueron para Tampico. Y verdad de Dios que la Julia nunca conoció peor vida: haciendo pescadillas en el puerto desde temprano, de noche pagaba la renta, aunque siempre cuidó muy bien a la niña; y la cuidó hasta 1925, cuando se murió de cólera. Pasó muy poco tiempo hasta que un tal Jairo, machetero de un carguero noruego, desembarcó en el puerto y mareó a la Juana, preñándola de una vez. María nació en 1926 y, para 1930, hija y madre se fueron para Guadalajara, siguiendo rumores

Diana Urbano

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Adolfo Vergara Trujillo


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Pídanle Un Taxi Redes Sociales Obsoletas Hoy en día es imposible operar sin estar conectado a Internet y las redes sociales se han convertido en una herramienta básica para casi cualquier profesión u oficio. Sin embargo, hay ejemplos de que la soberbia y pretensión de varias de ellas las han vuelto obsoletas. El ICQ, que a finales de los noventa fuera el primero en tener servicio de chat, hoy en día se aferra a seguir existiendo, cuando el Messenger es el gigante que aplastó a todos en este ramo. El MySpace fue, durante unos pocos años, una gran ventana para discutir temas de música, saber lo que hacían las bandas pequeñas y grandes, y conocer aquellas propuestas nuevas que valieran la pena; pero hoy su plataforma es anticuada, lenta y la mayoría de los dispositivos móviles simplemente no pueden desplegarla correctamente, además de que sus menús son complicados para navegar. El Buzz de Google pretendió competir con Twitter, pero resultó una mala apuesta, pues sólo está destinada a usuarios de Gmail y no permite hacer trend topics ni buscar usuarios, entre muchas otras limitantes. El Buzz es uno de los más rápidos fracasos de Google, aunque continúa funcionando. Pero, sin duda, las palmas se las lleva Hi5, red social en la que se empezaban a compartir fotos, mensajes, videos, etc., pero que ahora es sólo un gran promotor de spam, virus, cadenas de correo basura, publicidad barata, y funciones o aplicaciones que ya muy pocos usan, además de tener un diseño poco funcional. Las redes sociales que tienen la capacidad y visión para modernizarse, si es que no quieren perder más usuarios, deberán hacerlo; las que no, simplemente deberían desaparecer con lo que les queda de dignidad.


GNBN // BLITZKRIEG BOP / WARP32

You Will

Find Out nada), lo tendremos todo al alcance de nuestros dispositivos, los cuales se conectarán y nos dejarán descargar música directamente… Ahora sí lo tangible será cosa del pasado y el CD ya no existirá… O tal vez sí, como mera pieza de colección. Como parte de la evolución, todos los que nos dedicamos a esto —incluidos disqueras, grupos, managements, estudios de grabación, etc.— deberíamos comenzar a preocuparnos por crear nuevas formas de consumo, como las que platicamos cada que podemos en WARP MAGAZINE: desde la Edición Especial de un disco, el video subido en plataformas innovadoras —como lo hizo hace poco Arcade Fire, con ‘We Used To Wait’—, hasta el caso extremo de pensar que la música se crea y no necesita verse en un estado físico, más allá del mo-

mento de ir a un concierto. No pretendo que esto suene apocalíptico, pero creo que los tiempos y la evolución misma de la tecnología nos han llevado por caminos que hace unos 20 años eran impensables, y hoy simplemente nos alcanzaron y hay que saberlos sobrellevar. Es más: pienso que la propia WARP MAGAZINE, en sí, será un producto que mutará para ser desplegada en dispositivos como las tablets, y para eso hay que prepararnos, aunque falten varios años. El ideal es ir de nueva cuenta, todos, hacia el mismo objetivo, pensando en el bien común antes de querer llevar agua a nuestro molino. Alguien dijo que el futuro es el presente y aquí estamos… Sólo hace falta que sepamos forjarlo paso a paso.

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En las oficinas de WARP MAGAZINE nos dimos a la tarea de asistir a una serie de conferencias que denominadas Digital Day. El objetivo era conocer las nuevas tendencias en el mundo digital, llámese Internet, dispositivos móviles y demás tendencias digitales que hoy por hoy están marcando el paso de nuestra generación. Muy a pesar de lo visto y lo vivido en esas jornadas de trabajo en equipo, me pude dar cuenta de lo largo y sinuoso que es el camino para la música, así como de los retos que vienen con la digitalización casi total de nuestras vidas. Las nuevas generaciones, seguramente, ya no se preocuparán por comprarse un iPod, pues con el crecimiento de la llamada “nube” (ese lugar en el ciberespacio donde toda nuestra información se encuentra almace-

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Milton Barboza Arriaga / @MiltonBarboza


Bad News

No habrá Broken Bells para el 2011

Hot Sauce Committee Part 1 sin fecha de lanzamiento

Otros siguen graves de salud

nario de Brooklyn está de regreso, luego de más de un año lejos de los reflectores. El 2011 será el año en el que Hot Sauce Committee Part 2, secuela del aún inédito Hot Sauce Committee Part 1, salga a la venta. Además, la banda fue nominada para ser parte del Salón de la Fama del Rock And Roll por sus 25 años de trayectoria, compitiendo con bandas y artistas como Bon Jovi, Alice Cooper, LL Cool J y Neil Diamond, entre otros. La ceremonia de premiación será la número 26 y tendrá lugar en el hotel Waldorf Astoria, de Nueva York, el 14 de marzo de 2011.

Gustavo Cerati continúa en coma y fue trasladado del Instituto Fleni, de Buenos Aires, a la Clínica ALCLA. Los médicos encargados de su salud comentaron que no presenta complicaciones activas, aunque este tipo de traslados se dan cuando las personas que llevan un largo tiempo en coma no presentan mejorías y se concluye que tienen posibilidades casi nulas de recuperarse, por lo que se procede a brindarles cuidados paliativos. Por otro lado, Rita Guerrero, vocalista de Santa Sabina y Ensamble Galileo, se encuentra en tratamientos contra cáncer de mama; ante su poca mejoría, la cantante desea someterse a métodos de medicina alternativa, pero no cuenta con suficientes recursos, por lo que el próximo 06 de diciembre, en el Teatro de la Ciudad de la capital mexicana, se organizará un concierto para recaudar fondos. ¡Apoyemos!

El lapso de inactividad de la triada se debió a que Adam Yauch, mejor conocido como MCA, en 2009, fue diagnosticado con un tumor canceroso en las glándulas salivales, por lo que debió someterse a tratamiento. A pesar de que el tipo de cáncer que sufre Yauch es tratable y él asegura sentirse mejor, aún no se ha curado del todo. Además, en torno a esta situación, se relaciona el retraso del lanzamiento del Hot Sauce Committee Part 1, disco que, se dice, fue terminado desde hace un año, pero que hasta ahora revisarán y editarán para asegurarse de que su contenido final sea del agrado de los tres; en síntesis: aún no hay fecha tentativa para darlo a conocer.

Good News

Debido a que Danger Mouse estará ocupado produciendo la nueva placa discográfica de U2, mientras James Mercer lanza nuevo disco con The Shins, no hay planes de que en 2011 se escuche algo nuevo de la dupla Broken Bells, quienes presentaran este año su LP debut homónimo. Por el momento, la única novedad que concierne a la agrupación, es el lanzamiento del tema ‘Meyrin Fields’, el 26 de octubre; este track, dado a conocer desde el pasado abril, al no conocerse su nombre oficial, fue llamado ‘Float’ entre los fans, y puede adquirirse en iTunes como el B Side de su sencillo ‘The Ghost Inside’.

El baterista de The Charlatans, Jon Brookes, ha sido dado de alta luego de permanecer hospitalizado tras colapsarse durante una presentación en septiembre, razón por la cual la agrupación debió cancelar algunas fechas de su gira, entre ellas la que tenían agendada en México para el 23 de septiembre pasado. Pete Salisbury, de The Verve, ha tomado temporalmente su puesto durante la gira por Reindo Unido, aunque se estima que Brookes se reintegre pronto. El pasado 23 de octubre, Jon tocó durante el encore de la presentación de The Charlatans en la O2 Academy, de Birmigham, y comentó que no podrá viajar en lo que queda del año, aunque se siente positivo y más fuerte.

Beastie Boys están Baterista de The Charlatans de regreso El trío de hip hop origien recuperación

Tras la euforia generada por la visita de U2 a México, programada para los próximos 11, 14 y 15 de mayo, se anunció que los irlandeses se encuentran preparando un nuevo álbum junto al prestigiado productor Brian Burton, mejor conocido como Danger Mouse, responsable de proyectos como Gnarls Barkley y Broken Bells. Según comentó Paul McGuiness, manager de U2, es probable que el nuevo material de la agrupación vea la luz antes de mayo. Así que, de realizarse, seguramente Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen interpretarán algunos de los nuevos temas como parte del setlist de los conciertos del 360 Tour en el Estadio Azteca.

Nuevo disco de U2 producido por Danger Mouse

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Milton Barboza, Enviado Especial a Austin, Texas

Cobertura Especial presentada por:

Milton Barboza y Ashley Garmon


ESPECIAL // WARP32

Alrededor de 36 años de historia que incluyen el programa de TV y 8 más de festival, el Austin City Limits ha reunido a un sinfín de bandas que, en el Zilker Park de esta ciudad de Texas, logra reunir a 130 bandas y más de 100 mil personas en tan sólo un fin de semana.

DÍA 1

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Este año no fue la excepción y, alrededor de las 11:00 a.m., comenzaron los conciertos en los ocho escenarios que ofrecieron presentaciones de grupos de diversas nacionalidades y géneros. Así, los originarios de Tijuana, Bostich y Fussible (Nortec), vieron Gabriela y Rodrigo en pleno concierto actividad a las 05:45 p.m. en el Clear 4G Stage, mientras que The Black Keys, The Ettes, Beach House, Miike Snow, Girls y los reyes de Austin, Spoon, dejaron en claro el nivel que los tiene girando por todo el mundo. Tras acabar Spoon su presentación en el escenario principal, denominado AMD, los inigualables y experimentados Sonic Youth fueron Gabriela y Rodrigo en pleno concierto los que finalizaron las actividades en el Honda Stage: Kim Gordon, Thurston Moore y compañía, destrozaron bocinas, gracias a sus desgarradores sonidos que evidenciaron que estos neoyorquinos, con casi 30 años de carrera, siguen teniendo la potencia y habilidad para agradar a los escuchas. Al mismo tiempo, pero en el Zync Card Stage, los también avecindados en la Gran Manzana, Vampire Weekend, hicieron su labor con buenos resultados ante unos 7 mil asistentes, tocando mucho mejor que en otras de sus presentaciones en festivales, como es el caso de la pasada emisión del Coachella.


DÍA 2

Honda Stage

El calor no ha dejado de ser un factor de cansancio dentro de Austin City Limits; pese a ello, la gente se volvió a reunir en el Zilker Park para vivir el segundo día del festival texano. Para las 02:20 p.m., cuando el sol hacía estragos, el Austin Ventures Stage alojó la música de una banda que poco a poco ha ido subiendo en fama, Two Door Cinema Club, que desde Irlanda llegaron a presentar su punk sencillo, con canciones perfectamente ubicadas como ‘Undercover Martyn’.

Lee Ranaldo de Sonic Youth

En el ya mencionado AMD, alrededor de las 08:15 p.m., otros de Nueva York lograron congregar al mayor número de gente, que comenzaba a gritar para que salieran. Se trataba de The Strokes quienes, liderados por Julian Casablancas, dieron una cátedra de buen punk y gran conjunción como banda. Así, ‘Is This It’, ‘Last Nite’, ‘New York City Cops, ‘You Only Live Once’, entre otros éxitos del grupo, se escucharon mientras el público explotaba en euforia. Una hora exacta de concierto y casi era el final del primer día de actividades, pues Phish, la legendaria banda de Vermont, terminó su presentación en apenas 30 minutos.

Kim Gordon de Sonic Youth

Two Door Cinema Club

Local Natives

Julian Casablancas de The Strokes

Nikolai Fraiture de The Strokes

The Gaslight Anthem, banda estadounidense, también presentó su punk core de buena manufactura, agradando al público que los sigue por estas tierras, pues el Budweiser Stage así lo constató.


ESPECIAL // WARP32

Kinky

Directo de Los Angeles, en el Zync Stage, se presentaron Local Natives, gran proyecto de sonido tranquilo, ambiental y finamente interpretado, con canciones como ‘Wide Eyes’, la que sin duda fue la más que aplaudida. En el escenario de grupos latinos, denominado Clear 4G, llegaron los oriundos de Monterrey, Kinky, quienes aglomeraron a muchos mexicanos que se encuentran por estas tierras, pero lo cierto es que la banda prendió a propios y extraños, refrendando el por qué son de las mejores de nuestro país. Llegaba el crepúsculo del sábado y en el Budweiser Stage ya se aglutinaban miles de personas para ver a la banda con uno de los mejores actos en vivo del momento: LCD Soundsystem. James Murphy —productor y líder de la banda neoyorquina—, cantó como nunca ‘Drunk Girls’, ‘Tribullations’, ‘Yeah

(Crass Version)’, entre otros ya clásicos del grupo, que reventó las bocinas e hicieron una gran fiesta. Luego de un merecido descanso, nos encaminamos rumbo al AMD Stage para ver el final de actividades en ese escenario: se presentaba M.I.A., quien este año regresara con su disco / \ / \ / \ Y / \, trabajo que presentó con la potencia que la caracteriza: ‘Galang’, ‘Boyz’, ‘Paper Planes’ y muchas otras se oyeron bajo la noche de la llamada “Capital Mundial de la Música en Vivo”. Por su parte, otro de los actos en vivo más aclamados del año, el realizado por los ingleses de Muse, clausuró el día en el Budweiser Stage, donde se dejaron oír piezas poderosas como ‘Time Is Running Out’.

The Morning Benders

DÍA 3

El último día del Austin City Limits recibió a los asistentes desde temprano, para poder ver actos representativos de la escena independiente, como Shearwater, White Rabbits y los originarios del Reino Unido, Foals. El Budweiser Stage se vistió de experimentación al más puro estilo de una zona que no figura mucho en la escena del rock: Alaska, desde donde llegó la gran propuesta Portugal. The Man, quienes interpretaron buenas canciones, como ‘Peolpe Say’.

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Broken Bells

LCD Soundsystem

Dan Black

M.I.A.

The Constellations

En ese momento, las 02:20 p.m., un comunicado por parte de la organización del Festival llegó a nuestras manos: se anunciaba la cancelación del show de Gayngs, otra banda que definitivamente se deberá seguir con cuidado en el futuro próximo.

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Una de las bandas propuesta creada por músicos experimentados, Broken Bells, invadió el AMD con enormes momentos; Danger Mouse y James Mercer, vocalista de The Shins, desde California, con ese tinte experimental que los caracteriza. En el BMI Stage, se presentó Dan Black, cuyos sintetizadores, acompañados apenas por un guitarrista, puso a bailar a todos con canciones como ‘Alone’.

Zilker Park


The Constellations The Flaming Lips

No obstante, en el Honda Stage todo estaba listo para que, a las 03:00 p.m., The Morning Benders, de California, pudiera presentar excelentes temas como ‘Excuses’ y ‘Promises’, entre otras. The Constellations, banda ecléctica, llegó desde Atlanta para presentar una propuesta de rock psicodélico que bien vale la pena escuchar en vivo, ya que la potencia y energía que descargan sobre sus instrumentos es única, contagiosa.

Cage The Elephant

El AMD presentó tan sólo cuatro actos en este día de cierre; el penúltimo fue protagonizado por Yeasayer, grupo de Brooklyn, que pudo evidenciar que su trabajo en vivo por momentos suena mejor que en el disco, lo cual siempre se agradece. En punto de las 06:00 p.m., en el mismo AMD, aparecía Wayne Coyne, líder de The Flaming Lips, para checar los últimos detalles de su ya clásico espectáculo, que incluye una bola inflable en la que se pasea sobre el público para comenzar el show. Coyne agradeció a los presentes y pidió la ayuda de todos para que, con sus manos, pudieran llevarlo a dar la vuelta. Aunque para muchos puede ser un show muy visto, incluso aburrido, la

Wayne Coyne de The Flaming Lips

verdad es que la descarga de energía y sobre todo el ambiente de fiesta que generan, fue la cereza del gran pastel del domingo. Mientras tanto, del otro lado del Zilker Park, Band Of Horses lograba su cometido, atrayendo igualmente a muchos seguidores, quienes pudieron escuchar canciones de su más reciente disco, Infinite Arms, aunque también algunas de producciones anteriores. Tras la fiesta, vino una especie de desaceleración para finalizar las actividades del Honda Stage: The National, puso un buen elemento de tranquilidad con canciones clave de su carrera, como ‘Mistaken For Strangers’, que llenó de energía. Ya sonaban los primeros acordes de la música de The Eagles; y Norah Jones también quería seguir tocando, por lo que se encimaba su última canción desde el Zync Stage, lo que ocasionó un conflicto de ruido de apenas un par de minutos: claro está que la mayoría de la gente ya estaba enfocada en el Budweiser Stage, contemplando a The Eagles, que tocaba ‘Hotel California’, la canción que tanto le ha significado a la banda originaria de Los Angeles. De esta forma concluyó una edi-

ción más de Austin City Limits, un festival que, aunado al SXSW, representan proyectos musicales importantes para una ciudad relativamente pequeña, como Austin, aunque sin duda se podría aprender mucho de ella: mientras se unan autoridades de distintos niveles de gobierno, buscando el bien de una misma comunidad, siempre se logrará un evento cultural de Primer Mundo, sin considerar la importantísima derrama económica que esto significa.

Steven Drozd y Kliph Scurlock

The National

Cobertura Especial presentada por:


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Born Free

Por su parte, Liliana ansiaba ver también a Nortec y The Strokes, pero ningún otro acto la emocionaba tanto como ver a la cantautora Norah Jones dejar el alma en el escenario. Los días 8, 9 y 10 de octubre serán tres días que permanecerán en la memoria de estos tres afortunados ganadores que pudieron comprobar que su talento los puede llevar a donde ellos quieran.

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Fue una difícil competencia en la que cada uno debió destacar en lo que mejor saben hacer para sobresalir entre los miles de concursantes de toda la República Mexicana. Por un lado, Víctor Federico Contreras, originario del Distrito Federal, ganó en la categoría de diseño con su obra “Mi Mero Mole”, se replanteó varias veces qué diseño podría hacer para que realmente sobresaliera y fuera el mejor de entre los seleccionados. A la vez, Liliana Garduño también de la capital, ganadora de la categoría de Fotografía con “Glissandro”, fue informada por su amigo

Víctor sobre el concurso y rápidamente puso manos a la obra. Por otro lado los amigos originarios de Morelia, Michoacán: Óscar Francisco Chávez y Jesús Galván, quienes ganaron con su video titulado “Bic N Roll”, decidieron formar parte del concurso tras ver el anuncio en una aburrida tarde de verano, tomándolo primero como una manera de pasar el tiempo, y más tarde dedicándole todo su talento para conseguir ser parte de los seleccionados. Finalmente, su esfuerzo fue premiado con un viaje todo pagado para dos personas a Austin City Limits, en donde pudieron disfrutar de sus bandas predilectas. Mientras que Óscar y Jesús pudieron cumplir su sueño de ver a The Strokes en escena, divirtiéndose al máximo con la música de la agrupación liderada por Julian Casablancas, Víctor cantó y saltó con las presentaciones de Nortec, The XX, Sonic Youth y Muse.

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Los ganadores del concurso “VT BIC 2010” tuvieron la suerte de viajar a Austin, Texas, para presenciar una edición más del importante festival Austin City Limits, con las presentaciones estelares de actos como The Strokes, M.I.A., Muse, The Eagles, entre muchos otros.


Y así es como controlan el mundo las redes sociales. No hay más que ver los datos que actualmente arroja internet, para saber en qué sitios se está gestando el mayor tráfico y dónde está la vida de muchas personas. (Fuente Alexa.com)

2° Facebook: Cuenta con más de 500 millones de usuarios activos.

9° Twitter: Con más de 100 millones de usuarios registrados, Twitter recibe mensualmente 54 millones de visitas tan sólo en Estados Unidos y más de 190 millones de visitas de usuarios registrados a nivel mundial. 23° LinkedIn: Tiene 47.6 millones de visitas mensuales a nivel mundial (Fuente: Quantcast).

35° MySpace: 43.2 millones de

estadounidenses visitan el sitio mensualmente y cuenta con 66 millones de usuarios (Fuente: Quantcast).

36° Flickr: En septiembre de 2010, Flickr contaba con 5 billones de imágenes.

100° Tumblr: Diariamente se pos-

tean 2 millones de entradas y se integran a la plataforma 15 mil usuarios nuevos.

129° Hi5: Mensualmente 2.7 millones de estadounidenses visitan el sitio, mientras que 46.1 millones lo hace desde otras partes del mundo (Fuente: Quantcast). 422° Last.fm: 40 millones de usuarios en activo en más de 200 países. 513° Foursquare: Cuenta con

4 millones de usuarios y durante el Foro Económico Mundial se le nombró como la Compañía Tecnológica Pionera de 2011.

666° Friendster: Tiene más de 115 millones de usuarios registrados, más de 61 millones de visitas al mes y más del 90% de su tráfico es generado desde el continente asiático. 1030° Sonico.com: El 34% de los

usuarios tienen entre 18 y 24 años de edad, el 51% del total de los usuarios del sitio son hombres y el 49% mujeres. El país en donde Sonico.com es más popular es Brasil con 21% de los usuarios registrados; en segundo lugar México con 17%, y después le siguen Colombia, Perú, Argentina y Venezuela.

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tante de la historia.

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1o Google: El browser más impor-


Anna Stephens (@Stphns)

D

urante la masificación y auge del televisor, en la década de los cincuenta, muchos sociólogos y estudiosos de los medios de comunicación —en su mayoría conservadores— afirmaban que este artefacto no sólo modificaría las formas de la relación humana, sino que influenciaría de manera negativa e incluso aniquilaría la dinámica familiar tradicional de aquel entonces. A pesar de que algunas de estas teorías fueron ciertas en algún modo, es imposible negar que la televisión ha desempeñado un papel fundamental en el desarrollo de la sociedad y de sus formas de comunicación. Un fenómeno similar ocurrió con la aparición de Internet: padres de familia, políticos, académicos y otros sectores de la población expresaron su preocupación respecto al uso de esta

herramienta. La satanización de Internet encuentra justificaciones en casos como el de los hikikomoris, término japonés que se refiere a aquellas personas con problemas de ansiedad, fobia social y desórdenes de personalidad que viven, por decisión propia, recluidos en su habitación. El Ministerio de Salud de Japón ha identificado que la mayoría de los hikikomoris son jóvenes varones, cuyo único contacto con la “realidad” —el mundo exterior— lo realizan a través de Internet. Sin embargo, no todo en la red es negativo o peligroso. Estamos tan acostumbrados al medio, que a veces no nos detenemos a pensar cómo sería nuestra vida sin los alcances, sin las facilidades que nos ha otorgado. Un desarrollo importante de la red, por ejemplo, es el acercamiento y la inmediatez, específicamente, de las redes sociales.


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THE WARNING Todo comenzó en 1973, en California, con el Bulletin Board System (BBS), lugares de reunión en línea donde, a través de códigos perfectamente definidos, los usuarios podían comunicarse a través de un sistema central, del cual descargaban archivos o juegos (incluyendo software pirata) y desde donde enviaban mensajes a otros usuarios. El BBS aumentó su popularidad hasta mediados de los noventa, cuando Internet comenzó realmente a funcionar. De igual forma, CompuServe ofrecía distintas formas de interacción social; su servicio nació en la década de los setenta como una solución de comunicación de negocios, pero tuvo su expansión de dominio público a finales de los ochenta. Permitía compartir archivos y tener acceso a noticias y eventos, pero también ofrecía algo que pocos habían experimentado alguna vez: la interacción a distancia, pues no sólo podía enviar un mensaje por medio de “e-mail”, sino que permitía entrar a cualquier foro de discusión de CompuServe. Sin embargo, el verdadero precursor de las redes sociales de hoy, probablemente se generó en America Online (AOL), que para muchas personas significa “el Internet antes de Internet”. En AOL podías crear perfiles, hacer comunidad y tener la novedad de aquellos detalles comunes de cualquier red social de nuestros días. Para 1997, SixDegrees se convirtió en uno de los primeros sitios en permitir a sus usuarios crear perfiles, invitar amigos, organizar grupos y acceder a los perfiles de otros, a partir de la teoría de “los 6 grados de separación”. Ese mismo año apareció AsianAvenue, para 1999 llegó BlackPlanet y, en el año 2000, MiGente, todas éstas con una tendencia obvia de especializar contenidos y agrupar comunidades en la web a través de redes sociales. Para 2002, Friendster rompió con la tendencia de los sitios antes mencionados de focalizar a sus usuarios por raza o color, utilizando “un grado de separación” —concepto similar al de la ahora extinta SixDegrees— en eso que fue llamado “Círculo de Amigos”, promoviendo la idea de que, más allá de lo virtual, “sólo puede haber un vínculo entre personas que se conocen de verdad”. En 2003 apareció LinkedIn, con un concepto de agrupamiento mucho más serio, enfocado a los negocios y al establecimiento de vínculos laborales o profesionales, que hoy en día cuenta con más de 75 millones de miembros. Ese mismo año surgió MySpace que, a pesar de ya no llevar la batuta de las redes sociales, sigue siendo el consentido de los adultos jóvenes estadounidenses y cuenta hoy con 100 millones de perfiles en todo el mundo. De su misma edad es Hi5, cuya aportación a las plataformas sociales de la red ha sido prácticamente nula

y apenas cuenta con 2.6 millones de visitantes provenientes de Estados Unidos, aunque se mantiene gracias a su popularidad en México y Centroamérica.

LIKE TREASURE Es Facebook, lanzado en el 2004, la red social que, de 2006 a 2008, provocó el mayor desarrollo tecnológico y de contenidos para las redes sociales. El secreto del éxito de Facebook —con más de 500 millones de usuarios— es un tema delicado y un tanto desagradable: algunos afirman que es la facilidad de uso, mientras que otros sostienen que se debe a la multitud de funciones de fácil acceso. Los más críticos aseguran que Mark Zuckerberg no es más que un títere del gobierno gringo, que se dedica a obtener información por medio de este sitio, teoría que se respalda con las políticas de privacidad que ofrece Facebook y los filtros de seguridad prácticamente ausentes que recientemente han resentido sus usuarios. Twitter apareció en el 2006 como una herramienta de microblogging y, con el paso del tiempo, se ha transformado en una red social a la cual se le refiere como “el sms (mensajes de texto) de la red”. El crecimiento de Twitter ha sido tal, que se estima que, tan sólo en Estados Unidos, cuenta con más de 100 millones de usuarios y 54 millones de visitas únicas. Como podemos leer, Internet ha conseguido ofrecer a la población mil maneras distintas de conocer a otras personas, hacer “nuevos amigos”, reencontrarse con viejos conocidos e incluso iniciar relaciones sentimentales. La llegada de este tipo de plataformas ha supuesto una nueva manera de entendernos y reinterpretarnos. Estas nuevas herramientas de socialización han transformado nuestras vidas de manera tal, que incluso muchos prefieren hoy enterarse de la vida de sus allegados a través de Twitter o Facebook, a hacer una llamada telefónica o una visita; esto es cierto a tal grado, que solicitar el nombre de usuario de Twitter al momento de conocer a alguien se ha convertido en algo convencional. Pero lo último, es la geolocalización de usuarios a través de aplicaciones para teléfonos móviles, como Gowalla (2007), Google Latitude (2009), Foursquare (2009), Scvngr (2010), FacebookPlaces (2010) y Foodspotting (2010); su propósito es avisar a los “amigos de perfil” el lugar en el que se encuentran, haciendo recomendaciones del lugar, informando el motivo por el que están allí y, en ocasiones, haciéndose acreedores de algún puntaje, recibiendo descuentos por parte de los dueños del lugar por ser clientes frecuentes o coleccionando “etiquetas/títulos virtuales de propiedad” de los sitios visitados.


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El primer referente de derechos de autor e Internet —ese que siempre se menciona— es Naptser, pero recordemos que los Arctic Monkeys se dieron a conocer a través de su perfil en MySpace: si bien el grupo británico utilizó esta herramienta para hacer llegar su música fácilmente a aquellos que la solicitaban después de verlos tocar en algún pub londinense, los términos y condiciones del sitio —eso a lo que nadie tiene a bien leer antes de abrir su perfil en alguna red social—, aluden a que una vez cargado el contenido al perfil, ellos se convierten, “automáticamente”, en dueños del material. Esto llevó a un fuerte pleito legal entre MySpace y la banda, lo que culminó en el desarrollo de diferentes políticas —un poquito menos abusivas—, de acuerdo al perfil del usuario, algo un tanto difícil de estandarizar cuando se cuenta con más de 80 millones de usuarios. A esto hay que sumarle que MySpace creó su propia compañía discográfica, una vez que tuvieron la visión del negocio. Este es tan sólo un ejemplo de cómo las redes sociales se han transformado en una fantástica plataforma de lanzamiento para grupos y solistas quienes, a falta de inversión/interés por parte de los magnates de la industria discográfica, buscan —y en ocasiones desarrollan— fórmulas innovadoras para acercar su propuesta al público. En su momento, MySpace fue la referencia para cualquier clase de noticias, información y estrenos, además de ofrecer el contacto casi directo con nuestros grupos favoritos. La plataforma permitía —e incluso fomentaba— el descubrimiento de nuevas propuestas musicales en todo el mundo, así como la colaboración entre artistas. Actualmente, existen cientos de perfiles “no oficiales”; es decir, que no son manipulados por las compañías discográficas, sino por el artista mismo, donde la información fluye constantemente sin importar si su contenido es de carácter musical o no. La interacción entre el medio y el artista ha tenido alcances inimaginables, no sólo al contemplar canales de música de contenido exclusivo, sino también al encontrar interacción directa con la audiencia. El caso reciente del video ‘We Used To Wait’, de Arcade Fire, que puede ser visto sólo en thewildernessdowntown.com, es un ejemplo: la pieza dirigida por Chris Milk, en colaboración con Google, ha revolucionado el concepto artístico y promocional de los videos musicales.

En cierto modo, la evolución de Napster derivó en la creación de perfiles musicales en MySpace y su consecuente sello discográfico. La tendencia actual ha sido la creación de redes sociales de contenido musical, donde la protección a los derechos de autor está garantizada; es decir: sólo se puede escuchar la música, sin posibilidad de descargarla ilegalmente, a menos que sea por medio de su compra. Es así que encontramos sitios como Last.fm (2002), Grooveshark (2007), Spotify (2008), gogoyoko (2009) y ShareTheMusic (2009), entre otros. De éstos, Spotify es la que ha causado más revuelo, al considerarse un competidor directo de iTunes, pues agrega el contenido directamente a su sitio, con el permiso de quien tiene los derechos de autor; a través de la plataforma técnica de Spotify, la música se distribuye a los consumidores y cuantifica económicamente el servicio gratuito o por anuncios pagados, así como los servicios de suscripción. Spotify es una pequeña aplicación que los usuarios pueden descargar para acceder a una base de datos de música enorme, a través de un protocolo único de streaming. Esencialmente, es un modelo híbrido, resultado de un streaming de música que incorpora la tecnología peer-to-peer, que permite que la música se reproduzca al instante. Spotify tiene acuerdos con los cuatro principales sellos discográficos y con decenas de miles de pequeños sellos. Como en la mayoría de las empresas, Sofie Grant, Gerente de Relaciones Públicas de Spotify en Europa, en entrevista para WARP Magazine no quiso entrar en detalles sobre el contenido de los contratos, pero aseguró que están generando más ganancias a sellos, editores y publicistas que cualquier otro servicio de suscripción de música en Europa. “Conseguir los acuerdos en vigor fue un largo proceso —afirma Grant—. Pusimos en marcha Spotify en 2006 y nos tomó dos años viajar por todo el mundo para entrevistarnos con los dueños de las compañías disqueras y convencerlos de que la mejor forma de combatir la piratería es ofrecer un mejor producto, en lugar de desperdiciar tiempo y dinero en demandas para cerrar sitios de Internet. Se trata de dar al consumidor lo que quiere y obtener beneficios económicos mediante publicidad y suscripciones.”

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El impacto de las redes sociales en la música no ha sido de menor tamaño y sirve como el mejor ejemplo para entender cómo la dinámica ha cambiado también a nivel de negocios y mercadotecnia.

LET ME IN

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LAS REDES SOCIALES EN LA MÚSICA


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A pesar de que Spotify ofrece 10 millones de canciones y de que se agregan 10 mil pistas por día, hay grupos como Led Zeppelin o The Beatles que han rechazado la oferta del streaming de la compañía sueca. Por otra parte, aquellos artistas que no cuentan con un contrato discográfico, pueden cargar su música directamente en Spotify y, una vez que cuenten con la licencia —“ayuda” que se proporciona allí mismo—, podrán escucharse en el sitio. Actualmente, Spotify ofrece sus servicios sólo en siete países europeos, lo que representa más de 10 millones de usuarios; ya planean su expansión al mercado estadounidense, así como el desarrollo de herramientas que faciliten a sus usuarios descubrir y compartir música nueva. ¿Spotify para Latinoamérica? Nada. Spotify ha recibido críticas, por parte de sociedades de autores y compositores, por no hacer públicos los acuerdos a los que llegan con disqueras, pero

también se ha señalado que puede ser una solución efectiva a la crisis económica de la industria musical y una alternativa al monopolio de Steve Jobs. Para Sofie Grant, la prioridad de Spotify “es construir un negocio que, a largo plazo, puede ayudar a mantener una industria que ha luchado con el peso de la piratería musical. En un tiempo relativamente corto, hemos construido un público apasionado, cuya gran mayoría descargaba música ilegalmente. Creemos que tenemos el producto adecuado y el nivel de experiencia para hacer un éxito de Spotify. En este momento, el 95 por ciento de todas las descargas son ilegales, y podemos tratar de tomar ese porcentaje y ponerlas en un marco jurídico donde los usuarios empiezan a contribuir con el pago del servicio por su música preferida. Para la situación de la industria discográfica actual, esto es mejor que nada.” ¿Quién decide en las redes sociales? Sin duda, las redes sociales son un espacio de libre expresión, donde el poder de decisión de lo que allí se hace se concentra sólo en nosotros mismos. Es en las redes sociales donde se están generando las más increíbles herramientas, tanto de intercambio de información, como de desarrollo de proyectos de toda índole, que transforman por completo estrategias y conceptos que creíamos imposibles de modificar. Está en nosotros la responsabilidad de evitar que estos medios se adueñen de nosotros, así como de evitar que sus contenidos sean restringidos o manipulados: de allí que las redes sociales sean el quinto poder, ese al que se le censura y, al mismo tiempo, se le presta tanta atención.


RAMONES:

HERE TODAY

GONE TOMORROW Milton Barboza (@MiltonBarboza)

Cortesía Arty Ramone, Fotos Arty Ramone: Leslie del Moral

La primera tocada fue una fiesta privada, Tommy era el manager; Joey tocaba la batería y Dee Dee cantaba y tocaba el bajo, mientras Johnny hacía lo suyo con la guitarra”. -Arty Ramone


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C

orrespondiente a otra época, a otra forma de vivir y sentir la música, el llamado punk llegó a la escena musical en la época de la Guerra Fría, cuando los juicios de los adultos eran continuos, excesivos con los jóvenes; era un tiempo en que ni siquiera se imaginaba que un medio de comunicación global como Internet sería parte de nuestras vidas. Eran los años setenta, la década en que muchas cosas cambiaron y cuando la música se transformaba en sonidos nuevos que pocos habrían imaginado escuchar en ese momento. En esos tiempos, en una zona marginal de una ciudad tan cosmopolita como Nueva York, se gestaba un proyecto que vendría a colocar los puntos sobre las íes: cuatro jóvenes nada interesantes, con poco futuro, se reunían para crear una forma de expresión musical con tan sólo la turbia idea de cómo hacer ruido y, lo más importante, sin nada que perder. The Ramones estaban a punto de llegar a la escena, y un actor y músico mexicano estaba allí para ser testigo de tal suceso. Arturo Vega, quien con la desilusión de su aventura en el teatro de Broadway, tras haber participado en el Festival de Rock y Ruedas, de Avándaro, decide dedicarse a lavar platos en cualquier restaurante de la Gran Manzana. Fue allí que conoció a Dee Dee Ramone, cuando apenas estaba gestándose la idea de un grupo de rock. Mejor conocido como Arty Ramone, Arturo Vega platica de varias anécdotas que vivió como Director Artístico de una de las bandas de mayor trascendencia en la historia de la música, cuyo logotipo clásico los llevó a conseguir una gran cantidad de adeptos fuera de Estados Unidos, cuando ni siquiera se concebía una palabra como “Red Social”. Originario de Chihuahua, y consciente de lo que era su vida desde temprana edad, Arty asegura: “yo creo que la verdadera razón es que siempre fui un fanático del rock; para mí fue un faro de luz, mi guía; todo empezó cuando tenía ocho años, en Chihuahua, y jugando con un radio de onda corta, de alguna manera agarré una estación de Texas y oí algo que me causó mucha sorpresa, mucha curiosidad: era Elvis, era ‘Blues Each Shoes’. Eso me abrió las puertas de la percepción. Ya en los sesenta, sabía que la escena estaba en San Francisco, y me fui para allá a los 18 años”.

“Hola, soy Dee Dee… Siempre paso por tu puerta y oigo la música que pones, y es la misma que a mí me gusta”, fueron las palabras con las que se presentó el otrora, por muchos años, bajista de los de Forest Hills. Así es como, en el otoño del 1973, comienza una amistad que no se rompería jamás y, desde ese entonces, Dee Dee ya tenía armada la idea de la banda. “La primera tocada fue una fiesta privada, Tommy era el manager; Joey tocaba la batería y Dee Dee cantaba y tocaba el bajo, mientras Johnny hacía lo suyo con la guitarra. Esto fue el 30 de agosto del 1974”.

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Todo lo que pasó después fue tan rápido como, digamos, un accidente. Sus periplos lo llevaron a Nueva York, a conocer a Dee Dee: pintando el loft que acababa de rentar —justo en la parte de atrás de donde, tiempo después, se abriría el emblemático CBGB—, fue que conoció a un muchacho que iba a visitar a su novia.

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COMMANDO


El inicio de The Ramones los llevó en aquellos años a colocarse en el gusto de los pocos fanáticos que asistían regularmente al CBGB, lugar donde todo se concentraba. Allí se gestaron nombres como Television, Patti Smith, Blondie, entre otros que, poco a poco, llevaron su trabajo a una dimensión superior; y lo mismo pasaba con los hermanos Ramone quienes, sin pensarlo, estaban firmando un contrato con Sire Records para sacar su primer material homónimo, grabado de manera muy austera; se trata de un disco que se produjo con 20 mil dólares y que vendió pocas copias.

TIME BOMB De manera natural, en sus guardadas proporciones, The Ramones comenzaron a ser vistos por muchos en Estados Unidos; además, en el CBGB seguían reuniendo a varios fans e incluso llamaban la atención de turistas que, con el poder adquisitivo de viajar en aquel momento, presenciaban esos pequeños conciertos. Entre esos turistas estaba Malcolm McLaren, que desde el Reino Unido iba a ver lo que sucedía en Nueva York, llevándose una grata sorpresa e importando a su país algo de esta nueva cultura, lo que luego resultaría en el punk inglés encumbrado con los Sex Pistols. Tal vez esto fue el factor que definió el primer esquema de “red social” que llevó a The Ramones a viajar a Reino Unido, para hacer una pequeña gira con otras bandas norteamericanas, como The Talking Heads, aunque el mayor reflector era para los originarios de Forest Hills. Ya en ese momento, finales de los años setenta, Arty había apoyado a la banda en lo que se podía, desde nivel staff y manager, aunque en lo que mejor se desempeñaba era en la cuestión gráfica: “Había estado usando águilas para otras cosas y Dee Dee las había visto; fue él quien les decía a los demás: ‘No, pues Arturo debería trabajar el diseño; es muy buen artista: él nos debería diseñar’. Tommy entendía de Arte… Entonces me fue a visitar y vio lo que estaba pintando; le dijo a Johnny que era muy del estilo de Andy Warhol, que lo que hacía iba muy de la mano con lo que buscaban como banda. Tenían sus dudas cuando supieron que era de México, pero confiaron en mí”, cuenta Arty. Algo tan sencillo como un escudo con un águila y los nombres de los integrantes de la banda alrededor, irremediablemente se convirtió no sólo en el logotipo oficial de The Ramones, sino en una de las

armas más fuertes para generarle dinero a los neoyorquinos: la playera clásica negra, con el escudo, ha vendido más de un millón de copias en el mundo a lo largo de tres décadas; incluso, asegura Arty, “se han vendido más playeras con el logo que yo hice, que discos de la banda”. “Ellos eran conscientes de que sus discos no les iban a generar tanto dinero y por eso estaban dedicados cien por ciento a sus conciertos; estuvieron 20 años en gira, ya que era de donde nos sosteníamos todos”, afirma Arturo, quien sólo faltó a un par de estos tours en toda la historia de la banda. Y hablando de estos conciertos, no pudimos olvidar sacar a colación los realizados en México en 1992 y 1993, únicas presentaciones de los Ramones en nuestro país; aunque para Arturo el primer show realizado en el ex Balneario Olímpico de Pantitlán fue el peor en la historia de la banda: “No había una organización como tal; los promotores que nos trajeron, en quienes confiamos, no tenían idea de lo que se tenía que hacer en un concierto. En esa ocasión rechazamos la oferta de promotores más grandes, porque pensamos que iba a salir todo bien; pero no fue así… Ni siquiera había escaleras para subir al escenario: con eso te digo todo”.

LEARN TO LISTEN No hay más: The Ramones fue la banda que, en mucho, revolucionó no sólo un sonido, sino toda una idea de generar ingresos para vivir del rock, además de encontrar formas únicas para crear una comunidad de fans alrededor del mundo y que, sin esa herramienta llamada Internet, lograron acciones que muchos grupos de hoy siguen al pie de la letra para salir adelante. Y sobre lo que significan The Ramones para la historia y para la ciudad que los vio nacer, Arty asegura: “Creo que el rock n’ roll, en principio, es una fuerza cultural revolucionaria; siempre pensé que el rock era el arma que teníamos los jóvenes para cambiar el mundo. Después se llenó de adornos innecesarios, de egos y de explotación, y los Ramones intentan regresar el rock n’ roll a su papel, tratando de hacerlo sincero, honesto, limpio de nuevo. Sin ambiciones filosóficas o religiosas muy grandes, los Ramones son simplemente una llamada al rock, a la juventud. Ellos introdujeron elementos de credibilidad y honestidad, lo que fue muy importante. Lo que te dice el punk es que hagas lo que quieras, con los elementos que puedas utilizar.” Legado sincero y honesto que sigue omnipresente hasta nuestros días: eso es lo que el punk le ha dado a la escena que ahora conocemos como “independiente”, aunque lo haya sido desde hace casi 40 años.


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Se han vendido más playeras con el logo que yo hice, que discos de la banda”.

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-Arty Ramone


THERE’S NO OTHER WAY

I CAN’T GET NO (SOCIAL

NETWORK) SATISFACTION... Paul Stokes, NME News Editor

El mes pasado, The Cribs y el Profesor Green decidieron que, en los tiempos modernos, Twitter es el equivalente a un parque de diversiones. Supuestamente, el agresor inglés (Green) había “acosado” a Kate Nash, cantautora y novia de Ryan Jarman (frontman de The Cribs), luego de un show en Newcastle y… Dios, ¡ya estoy aburrido! En fin, para terminar pronto la historia, este par intercambió insultos vía Twitter, hasta que Kate publicó un post en su perfil de Facebook pidiéndoles que se calmaran ya que, por ser su fan, la hermana de Kate fue quien había invitado a Green, así que mientras Ryan había hecho lo correcto al defender a su novia, no había triángulo amoroso qué perseguir��� Exacto: ¡Aburrido! Y ese, para mí, es el problema de las redes sociales y de la música: juntos se vuelven insufriblemente aburridos. Corriendo el riesgo de sonar anticuado —e incluso algo hipócrita— al celebrar la existencia de MySpace y Bebo —porque, de hecho, yo superviso las noticias de NME en línea, y soy el primero en admitir que obtenemos algunas de nuestras mejores historias de los posts que las estrellas pop hacen en las redes sociales—, realmente desearía que Twitter, la música y sus derivados, tomaran caminos diferentes. Está bien, el caso Jarman/Green/Nash es medianamente divertido, pero es también horrorosamente mundano; es el tipo de chisme que seguramente escucharían en cualquier bar… Además, afrontémoslo: tres adolescentes peleoneros no son rock n’ roll. Comparémoslo este caso con Keith Richards, un verdadero rockstar —si alguna vez existió uno—, esparciendo recuerdos en su reciente autobiografía. La vida

nos ha enseñado por qué los músicos estaban mejor sin darnos detalles de sus vidas a través de Twitter. Lleno de historias como sexo oral en un Bentley y orgías bohemias de hace 40 años, el libro de Richards nos reafirma cuán glamorosos e icónicos son los Stones. Y es que pregúntenselo ustedes mismos: ¿Prefieren los mitos gloriosos de Marianne Faithful en el Bar Mars, que se volviera un símbolo con el paso de los años, o a @keef tweeteando “acabo de ser golpeado”, minutos después de un evento? La música y la cultura que la envuelve, tienen la habilidad de impactarnos día con día, y los artistas que la crean no tienen por qué arrastrarnos con ellos a la servidumbre. Así que, bandas: utilicen sus redes sociales para informarnos sobre sus próximos lanzamientos y descargas gratuitas, y dejen que nos enteremos de sus fetiches como debe ser: a través de los chismes que, si tienen encanto, se volverán mitos.


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TRENT REZNOR:

IN THE HALL

KING OF THE MOUNTAIN

e algún modo, Trent Reznor se las ha ingeniado para hacer de Nine Inch Nails un proyecto donde la estética visual es una parte importante, sin dejar de lado la música; de hecho, ha encontrado puentes para conectar su arte sonoro con el cine: en 1993 creó, junto a Peter Christopherson (Throbbing Gristle, Coil), el cortometraje Broken, en promoción de su EP homónimo; para The Downward Spiral (1994) utilizó samples de cintas como THX 1138, Leviathan y The Texas Chain Saw Massacre, entre otras. Ese mismo año produjo el soundtrack de Natural Born Killers, de Oliver Stone, y en 1997 hizo lo mismo por la banda sonora de Lost Highway, el filme de David Lynch, creando en ambas ocasiones un collage de sonidos, música y diálogos. Si a lo anterior le sumamos la fascinación de Reznor con los scores de películas (Jaws, Eraserhead y Halloween están entre sus favoritos), veremos que la adición de Reznor al proyecto cinematográfico de David Fincher, The Social Network, más que sorprendente, raya en lo lógico.

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D

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Diovanny Garfias (@androgyn)


Si todos los que dicen en su Facebook que escuchan a Joy Division, lo hicieran de verdad, Joy Division sería más grande que U2.”

ALMOST

HOME INTRIGUING -Trent Reznor

POSSIBILITIES

David Fincher es fanático declarado del trabajo de Trent Reznor; el remix ‘Closer (Precursor)’ es el encargado de introducirnos al mundo de Seven, la segunda película en la filmografía de David; del otro lado encontramos al cineasta dirigiendo el innovador video para el single de Nine Inch Nails, ‘Only’, desprendido del álbum With Teeth, filmado completamente en Computer Generated Imagery; incluso se llegó a rumorar que Reznor sería el encargado de crear la música para la adaptación teatral de Fight Club, inspirada en la cinta dirigida por Fincher, pero al final la idea quedó flotando. Ahora, sin embargo, conocemos el resultado de la colaboración final entre estos dos: una película que se podría convertir en un emblema para la generación XY, acompañada por un score que ha logrado atraer la atención de un público que no consume precisamente la música de NIN, aunque la historia detrás de esto es algo más compleja. Cuando David Fincher comenzó la producción de la cinta, inmediatamente vio en este proyecto la oportunidad para trabajar de nueva cuenta con Reznor; así, el músico fue la primera opción para dotar de sonido este drama. Fincher se comunicó con Reznor, le habló de la cinta y esperó la respuesta; desafortunadamente, Trent venía de hacer un tour mundial, con más de un año viajando en la promoción de Ghosts I-IV (2008) y The Slip (2008), y su idea era poner a dormir a NIN durante algún tiempo y pasar algunos meses al lado de su esposa, Mariqueen Maandig. La respuesta fue: “Lo siento, pero no creo que te pueda dar mi mejor trabajo”. Meses más tarde, Reznor sintió que no había tomado la decisión correcta; después de todo, se trataba de musicalizar una cinta junto a uno de sus directores preferidos. Cuando el músico contactó a Fincher, éste le comentó que el puesto aún estaba disponible: así fue como Trent se integró cien por ciento a The Social Network.

Esta era la primera cinta que Reznor musicalizaría y, por primera vez, no tendría el control total sobre un proyecto musical: una situación incómoda para él; de esas que lo ponen a prueba y alimentan su ingenio. El compañero ideal para esta misión era Atticus Ross (12 Rounds, Error), músico que ha trabajado durante años detrás de las consolas de Nine Inch Nails y que participó de manera creativa durante la grabación de Ghosts I-IV, así como en la nueva banda de Trent, How To Destroy Angels.

Ya en el estudio, los dos músicos comenzaron a generar varios bocetos basados en la lectura del guión. Sorprendentemente, la mayor parte de la música fue conservada en el producto final y, desde la primera entrega, el director quedó fascinado con el trabajo de la dupla. Tiempo después, Fincher los invitó a ver la primera versión de la cinta, algo que aún debía ser editado y que tenía detalles por corregir; la advertencia del realizador fue clara: “Cuidado, pusimos mucha de su música y la decisión de dónde debe estar acomodada no les corresponde, así que estén preparados”. Al final, todos quedaron satisfechos con el score; en palabras del propio Reznor: “Estoy orgulloso de los resultados... Creo que sutilmente la empujó, la hizo un poco más pesada”. Reznor es un perfeccionista, sobre todo hablando en términos musicales, algo que imprimió en este trabajo, aunque desde una perspectiva diferente. El enfoque general fue alimentar el lado dramático de la


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Cuando escucho a los medios hablando de Zuckerberg, poniéndolo en un pedestal de genio y mencionándolo en el mismo renglón que Steve Jobs, tengo que estar en desacuerdo.”

THE GENTLE HUM OF

ANXIETY

“Vanguardia” es una palabra que podría ser utilizada como sinónimo de Nine Inch Nails, conforme surgen nuevas tecnologías. Trent se ha encargado de aplicarlas a su música y no sólo a ésta, sino también a su proyecto en general, adaptándola a diversos aspectos relacionados con su banda y haciéndola consumible para millones de usuarios, pues entiende las nuevas tecnologías y las adopta, en lugar de luchar con ellas. Aunque las redes sociales han sido un canal para difundir su arte, desafortunadamente no han sido un experimento exitoso en la vida personal del músico y en el perfil de Myspace de Nine Inch Nails se puede leer: “Trent Reznor no está en Myspace. Cualquier persona pretendiendo ser él, está llena de mierda”. Evidentemente, Reznor nunca ha estado interesado

en participar de forma activa en ninguna comunidad virtual; sin embargo, en 2009, el músico se enganchó a Twitter, ganando miles de seguidores en el sitio de microblogging, pero también a muchos enemigos. Reznor comenzó a ser más abierto respecto a su vida personal, publicando fotos de sus amigos, contestando preguntas de algunos fans y, también, respondiendo a los insultos de los trolls: gran error. El músico entró en una batalla en la que, rápidamente, descubrió que no sólo no podría ganar, sino que ni siquiera valía la pena luchar. Reznor abandonó Twitter durante meses para, tiempo después, retomarlo y utilizarlo en lo esencialmente necesario. Su vida personal quedó a un lado, segura, lejos de la atención mediática, donde siempre la mantuvo: “No puedo participar como civil, porque tengo un nivel de celebridad que me hace imposible utilizar Facebook de la misma forma en la que lo hace alguien que no lo es”. Sin embargo, a pesar de sentir cierta atmósfera de falsedad en todas las redes sociales, el músico no cree que Facebook sea del todo una tontería: “Facebook es una buena idea; ciertamente no lo uso mucho, pero me ha acercado a gente con la que no he estado en contacto desde hace mucho y que, de hecho, sé que son seres humanos reales, lo que está muy bien”. De este modo, en un mundo donde la mayoría de las personas cuentan con una versión virtual de sí mismos, uno de los músicos más innovadores ha dejado para la posteridad un documento sonoro que, a su modo, cuenta la historia de un visionario que construyó un imperio, ayudado por millones de personas cansadas de vivir en el mundo real.

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cinta, crear un mood oscuro y matizar el ambiente de traición y codicia implícito en la historia. Algo siniestro, con claroscuros de tensión y momentos de ansiedad marcada. Así, lo que en un principio comenzó siendo un ejercicio totalmente electrónico, acompañado por sintetizador, cajas de ritmo y software, terminó por ser aderezado con un piano de fondo y atmósferas orgánicas: el balance perfecto entre minimalismo y emoción.

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-Trent Reznor


No podría darle un consejo a nadie sobre cómo usar Facebook, porque no lo uso.” -Jesse Eisenberg

THE SOCIAL NETWORK

Dirige: David Fincher Basada en la novela de The Accidental Billionaires, de Ben Mezrich. Guión: Aaron Sorkin Actúan: Jesse Eisenberg (“Mark Zuckerberg”), Andrew Garfield (“Eduardo Saverin”) y Justin Timberlake (“Sean Parker”).


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THE SOCIAL

NETWORK

WHAT’S

ON YOUR

MIND? Mario P. Székely

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Cortesía Sony Pictures México


Y

todo fue por una chica. O por lo menos así lo cuenta David Fincher, en su película The Social Network (2010), donde conocemos los pormenores acerca de cómo nació Facebook y algunos rasgos de esa alma en conflicto con su ego, su rebeldía y su genio llamado Mark Zuckerberg. La cinta, estrenada el primer día octubre en Estados Unidos, cuenta con pedigrí de Oscar, colocándose al frente de la carrera por la crítica especializada. Lo primero que debe saber el espectador, es que no estamos ante un juego de adolescentes geeks tras un monitor, sino una mirada afilada a lo que pudo haber sido uno de los acontecimientos de ingenio y oportunidad más relevantes de este inicio del siglo XXI. Después de todo… ¿Quién no está inscrito a Facebook? El filme The Social Network no solamente cuenta la historia de la gestación de Facebook, sino que plasma la angustia del hombre moderno por dejar su huella en la historia. Los protagonistas y el guionista de esta película comparten su experiencia con WARP Magazine.

FARMVILLE

Jesse Eisenberg no tiene página de Facebook. El actor, que viéramos cazar muertos vivientes en Zombieland (2009), ahora debe huir de los chupa sangre del mundo de la abogacía, encarnando el personaje de Mark Zuckerberg, quien en pantalla enfrenta dos deliberaciones sobre el supuesto robo de la idea de la creación de la red social, que hoy permite comunicarse a más de 500 millones de usuarios. “No podría darle un consejo a nadie sobre cómo usar Facebook, porque no lo uso. Dos semanas antes del rodaje me metí al sitio para enterarme sobre la emoción que causa esta red social, pero no me atrapó lo suficiente para mantenerme afiliado”, confiesa Eisenberg a WARP Magazine, para después agregar que está seguro de que “los aficionados a esta red social sí podrán toparse en el filme con una historia que no conocían, en lo referente a detalles e implicaciones”. El actor, de 27 años, tuvo el reto de mostrar lo mismo la timidez y recelo de Zuckerberg para con las mujeres, que su fanfarronería y rebeldía al momento de enfrentar a las autoridades de Harvard, además de desplegar el carisma y liderazgo que debía tener para que sus compañeros de dormitorio le ayudaran a generar el primer chispazo de Facebook. La noche del 4 de febrero de 2004, Zuckerberg creó “Face Match”, donde alumnos de Harvard podían calificar la belleza de las estudiantes enfrentadas una contra otra, con su foto desplegada en el monitor. El filme añade el toque de revancha del protagonista, luego de que su novia lo dejara por arrogante; esce-

nas después, esta misma autosuficiencia, lo pondrá en aprietos con sus cómplices de la misma edad, con quienes sembró la primera semilla de Facebook, volteando Harvard de cabeza al colapsar sus servidores. “Al momento de actuar, visualicé un Mark más leal a su proyecto de Facebook que a ninguna otra cosa; él tiene como la meta más importante concretar su visión del sitio, perdiendo un amigo en el proceso”, comparte Eisenberg, “así, me interesó el personaje de Zuckerberg por lo autosuficiente que era, o al menos se sentía. Hoy es el millonario más joven del mundo y tiene rasgos de esa independencia de todo y de todos.” The Social Network nos coloca, en su primera escena, en el asiento del copiloto, desde donde vemos a un Zuckerberg que maniobra a través de la burocracia de Harvard, evadiendo las dudas de sus compañeros para obtener de ellos, simplemente, lo que más le conviene al proyecto llamado en su momento “The Facebook”. “Uno de los temas que trata la película es la lealtad, la amistad, lo que significa ser un amigo, un hermano para alguien; pero también plasma lo que significa traicionar a esa persona”, dice Andrew Garfield, quien interpreta a Eduardo Saverin, quien le diera a Zuckerberg el algoritmo necesario para iniciar Facebook y después fuera hecho a un lado. Y mientras vemos en pantalla cómo Zuckerberg teje lo que ahora todos conocemos como un éxito, a escena entra el personaje de Justin Timberlake, quien dejó el micrófono de cantante para vestirse de Sean Parker, el inventor del Napster, empresa que puso en jaque la industria musical, compartiendo y regalando canciones por Internet a finales del siglo pasado. “Sí, es irónico: yo, que tengo como carrera principal ser cantante, soy Parker en la cinta; pero la verdad nunca fui reaccionario ante la existencia de Napster; creo que fue una ventana monumental para promocionar a los artistas y, de paso, transformó la industria de la música para siempre”, dice Timberlake, “El valor de The Social Network es que aborda un tema que nos interesa a todos, algo que está a la mano de más de una generación”. Mientras que Timberlake puede estar tranquilo de que la crítica lo trate bien —por su personalidad a la playboy que sabe decir las palabras que a Zuckerberg le urgían escuchar: “¡Expansión!”, llevándolo a mudarse al área de Silicon Valley, California—, Fincher tuvo en él un actor cómodo, pues desplegó cinismo y pragmatismo, sin perder su personalidad magnética. El guionista, Aaron Sorkin, apostó por una estructura donde cada quien revela un poco de la personalidad enigmática de Zuckerberg, obligando al espectador a ir conectando los puntos y formando su propio retrato hablado. “Lo más increíble de esta película, es que las acciones de los personajes son justificadas; no hay uno solo que esté bien o mal, pues todos tienen diferentes valores y simplemente son consecuentes”, dice Garfield, cuya ingenuidad e ingenio en pantalla, como Eduardo Saverin, atrajo la atención del director Marc Webb para invitarlo a interpretar al nuevo Peter Parker, en Spider-Man (2012).


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Nunca fui reaccionario ante la existencia de Napster; creo que fue una ventana monumental para promocionar a los artistas y, de paso, transformó la industria de la música para siempre”.

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-Justin Timberlake


Con recelo, Eduardo ve cómo Marc y Sean hacen mancuerna, mientras siente su sueño colarse entre sus dedos. El futuro le depara una demanda a su mejor amigo, quien lo aplastará sin pensarlo en una lección de vida y de negocios. “Esta película es muy sofisticada y explora temas como la lealtad, la traición, la amistad, la confianza, el poder, la avaricia y la envidia”, dice Garfield, “cuando recién escuches sobre The Social Network pensarás que es una cinta sobre Internet, pero éste juega un papel secundario; en realidad trata sobre tres personas que están creciendo como adultos, sobre su relación y sobre cómo se traicionan.” Y no debemos olvidar, claro, a la chica: el detonador de la incomprensión de un genio y elemento básico en toda tragedia, donde el que se siente no elegido por el objeto de su afecto simplemente quiere sangre, revancha en su mesa. The Social Network, por ende, tendrá su nominación al Oscar y muchas horas de análisis no sólo en escuelas de negocios y de desarrollos tecnológicos; también por parte de esos historiadores que gustan bajar la vista y entender que la humanidad se forja de estas pequeñas guerras por poder, dominación y una lista de seguidores en Internet. Como la cinta de Fincher lo muestra, la lección para Zuckerberg tal vez no llegó demasiado tarde.

UPLOAD A

PHOTO “David Fincher no se aburre fácilmente en el set de rodaje. Siempre está sintonizado. Es la persona más inteligente que haya conocido... Olvídate de que es director de cine; como persona, es la más brillante”, dice Justin Timberlake acerca del realizador al que muchos ya le colocan el mote “de culto” con filmes como Alien 3 (1992), Seven (1995), Fight Club (1999) y The Curious Case Of Benjamin Button (2008).

Iniciado su noviciado en el mundo del videoclip, Fincher forjó su carrera imprimiendo escenarios cinematográficos que lo mismo hacían homenaje al expresionismo alemán, como en ‘Express Yourself’, de Madonna, que innovaban usando la animación digital: en ‘Only’, de Nine Inch Nails, el rostro de Trent Reznor aparece digitalizado en un cuadro de clavos. Esa misma intención de innovar ha llevado a Fincher a ser reconocido como un cineasta al que siempre hay que voltear a ver. The Social Network está en la misma liga que Fight Club, convirtiéndose en una fábula mo-

derna del poder de la avaricia, de los lazos fraternales, y de la angustia que el hombre y la mujer de hoy sienten al intentar no ser engullidos por una corporación global. “Hay tantos personajes en esta película y, con cada uno de ellos jalando para su lado, uno podría perderse al intentar contar The Social Network. Pero David jamás perdió la concentración y estuvo siempre sintonizado con todos, moldeando minuciosamente nuestras personalidades para forjar algo en pantalla. ¡Todo el filme estaba en su cabeza desde antes!”, comparte Timberlake, quien le dio el voto de confianza al cineasta de 48 años para entrar de su mano a las grandes ligas de Hollywood en este, su proyecto más grande como actor.

WRITE ON A

WALL

Aaron Sorkin ha estado siempre interesado en lo que sucede tras bambalinas de corporaciones que, a final de cuentas, necesitan a las personas para existir. Lo hizo para el filme A Few Good Men (1992), donde desnudó el juego de poder en el ejército, con un Jack Nicholson enfurecido con Tom Cruise, gritándole: “¡Tú no puedes soportar la realidad!”, revelándose cómo esta corporación podía subestimar a aquellos que no portan fusil en su vida diaria para “defender la libertad”. Igualmente, Sorkin metió nariz y pluma a la redacción de un noticiero deportivo para televisión en Sports Night (1998-2000), cuyos 45 episodios expusieron que el emparrillado tras las cámaras se da entre los periodistas que día a día enfrentan dilemas éticos acerca de cómo dar una noticia, aun cuando sus jefes tienen tatuada la palabra “rating” en la frente y se viva con el lema de la corporación sobre el hombre pensante y sensible. Sin embargo, fue la teleserie The West Wing (19992006) donde conocimos lo mejor de Sorkin, desplegándose todos los pormenores de la Casa Blanca, siguiendo los pasos del presidente demócrata ficticio “Josiah Bartlet” (Martin Sheen). La serie fue multipremiada con varios Emmys y con el mismísimo Humanitas Price, por plasmar Washington como el moderno Camelot, donde el monarca viste saco y corbata, y todos los días pelea su alma por no perderse en el laberinto del poder, siempre consciente de que sus decisiones afectarán al resto del planeta.


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Me interesó el personaje de Zuckerberg por lo autosuficiente que era, o al menos se sentía.”

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-Jesse Eisenberg


Los temas que van a encontrar en la pantalla son contemporáneos y tan viejos como las historias clásicas: lealtad, amistad, poder, envidia, status social, celos.”

-Aaron Sorkin


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¿Cuál es la arena central donde sucede The Social Network? Dividí la película en dos grandes escenarios, que son las demandas legales a Mark Zuckerberg y las declaraciones fuera de la corte que dieron tanto él como los afectados. A través de ello viajamos en el tiempo, hasta 2004, para ver la creación de Facebook, con todas sus aristas de triunfos y violaciones a la ley. ¿Qué te atrapó de la historia revelada en el libro The Accidental Billionaires, y qué decidiste desplegar en la adaptación del guión cinematográfico? Los temas que van a encontrar en la pantalla son contemporáneos y tan viejos como las historias clásicas: lealtad, amistad, poder, envidia, status social, celos. Aunque sucede hoy en día, bien podría haber sido escrita por Shakespeare o Dostoyevsky; desafortunadamente ninguna de esos dos escritores estaban disponibles, así que tuve que escribirla yo. ¿Qué opinas de los personajes de la vida real tras la gestación de Facebook? No puedo opinar por ellos, pero Mark pasa 115 minutos de la cinta siendo un antihéroe, y los últimos cinco siendo un héroe trágico: al final del filme sentirás que quieres darle un abrazo. Sin embargo, a ninguno de nosotros nos gustaría que las cosas que hicimos cuando teníamos 19 años nos colocaran en una película de Hollywood. Supongo que los personajes reales se sentirán algo incómodos con ella. ¿Qué tanto te preocupó contar una historia de la vida real? Decir que es una historia de la vida real sería caer un poco en la imprecisión, pues la construí como si expusiera distintas versiones de los personajes de una mis-

¿Cómo fue trabajar con David Fincher? Él es un director al que le gusta tomar riesgos a cada instante y capturar las imágenes de forma extraordinaria. Yo, como guionista, al principio tenía temor de que fuera a restarle el peso dramático a los diálogos y a los debates de los personajes; pero descubrí que estaba en un error, pues David hizo todo para enfatizar, con sus encuadres y movimientos de cámara, el significado de lo que decían los parlamentos. Fincher es un director tan minucioso, que llega a hacer 80 tomas por escena, para llegar a la que le satisface; y esto no sucede porque las 79 restantes estuvieran pavorosas, sino porque busca que los actores logren sentirse relajados y dialoguen la escena de la manera más natural posible. Todos los actores de The Social Network pueden platicarte lo que es estar hasta las tres de la mañana filmando una escena y que David les diga: “¡Perfecto! ¡Muy bien! ¡Hagámosla de nuevo!”.

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Trent Reznor fue invitado por David Fincher para vaciar su talento en un conjunto de tracks que pudieran acompañar, con sonido digital, la formación del equipo generador de Facebook, su evolución y su subsecuente desintegración. En un año en que también se estrena la nueva versión de Tron (1982), el compositor de esa banda musical, Wendy Carlos, pionero del uso del sintetizador, inspiró a Fincher y Reznor para los temas de The Social Network. Así es como, desde la perspectiva única de David Fincher, The Social Network define los tiempos tan acelerados y trascendentales que vivimos con la evolución tecnológica, que se ha convertido hoy por hoy en una cuestión social en la que todos estamos inmersos.

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Antes de escribir The Social Network, ¿eras aficionado a Facebook? En lo absoluto. Sucede que me siento neófito para el uso de la tecnología y el Internet. Abrí mi página de Facebook para investigar de lo que se trataba, pero la cerré una vez terminado el guión de la película.

ma historia que sucedió en realidad. Hay una cualidad tipo Rashomon (1950), de Akira Kurosawa (que narra un crimen desde distintos puntos de vista), y eso se da cuando presenciamos ambas demandas contra Zuckerberg, dándose la oportunidad de escuchar las distintas versiones de los involucrados principales acerca de la creación de Facebook.

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En The Social Network, Sorkin fue llamado por los productores para adaptar la novela de Ben Mezrich, del 2009, The Accidental Billionaires, nutriéndose de una historia contemporánea, con personajes como Mark Zuckerberg, co-creador de Facebook, quien vive en carne propia lo que significa tener una idea, llevarla a cabo y enfrentar al mundo de las corporaciones y la política... Todo ello a punto de resbalarse y violar una o dos leyes, y perder más de un amigo en el camino.


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WARPED

FOLLOW ME misión en vivo de cierto evento por internet, al más reciente episodio de The Big Bang Theory para descargarlo, o simplemente para ver un video en YouTube que alguno de los que sigues acaba de subir. En su papel de herramienta para compartir contenido, las redes sociales se están explotando al máximo. Del otro lado, hay canales y cadenas de televisión que ya se dieron cuenta de que las redes sociales son herramientas indispensables para promocionar programas. Más allá de una página dedicada a una serie, lo de hoy es crearle su propio Facebook, su cuenta de Twitter. Mientras tanto, el lenguaje de las redes sociales ya está más que presente en los guiones de los programas, incluyéndolo en chistes, en

situaciones; los conductores tienen su Twitter, al que se le concede una cintilla en la parte inferior de la pantalla. ¿Son ya las redes sociales un indicador de rating? Difícilmente, pero espero que las empresas de consultoría externa estén trabajando en herramientas que pronto ofrezcan números concretos para que, de alguna manera, se capitalice la opinión pública que se vierte en las redes sociales. Mientras eso ocurre, ya hay programas que están basando su premisa en lo que ocurre en las redes sociales. Me viene a la menta iCarly (creo que no se necesita explicar eso de ponerle una “i” al inicio del nombre, ¿cierto?), programa completamente dirigido a niños/ adolescentes, en el que la protagonista cuenta

con su propio programa de televisión por internet y, a partir de esto, surgen situaciones cómicas, inocentes, pero siempre muy bien adaptadas para el lenguaje de los chicos que, sin duda, consumen la red a un ritmo incluso mayor al de los adultos. Este programa, de Nickelodeon, comenzó en 2007 y ahora se transmite también en Canal 5; cuenta con tal aceptación que fue nominado al Emmy como Mejor Programa Para Niños y no por nada Miranda Cosgrove, la protagonista de 17 años, se guarda 180 mil dólares por episodio, siendo una de las actrices adolescentes mejor pagadas actualmente. La marca ya se ha expandido a otros medios, y claro, hay adolescentes que de inmediato desean tener su propio programa, igual que Carly.

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Ver televisión con el Twitter al lado, como en todo, es un arma de dos filos. Hay a quienes les encanta sufrir con la programación de las dos cadenas de televisión más grandes de nuestro país, sobre todo los domingos por la noche, y se quejan vía Twitter como si hubieran extraviado el control remoto, aunque de vez en cuando te puedes encontrar comentarios acertados e interesantes. La más reciente Copa del Mundo fue especial, pues prácticamente podías seguir un partido a través del timeline de Twitter o de los comentarios en el Facebook, fenómeno que todavía no era tan fuerte en Alemania 2006. Y es que la información rebota de un lado a otro: sea en Twitter o en Facebook, podemos encontrar links a la trans-

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Las redes sociales y la televisión Pada / twitter.com/eseauto


WARPED // TV / Film / Fashion / Sports / Art / WARP32 Mientras que iCarly es un gran ejemplo de adaptarse a los tiempos, ¿qué hay del contenido generado en las redes sociales? ¿Es tan bueno realmente como para que surja de allí un proyecto de televisión? Bueno, pues ya ocurrió… Justin Halpern, escritor de comedia, hace poco más de un año, cuando a los 23 años de edad tuvo que mudarse de regreso a casa de sus papás, abrió la cuenta “Shit My Dad Says” en Twitter (@shitmydadsays), y se dedicó a citar frases que su papá decía, lo que hizo que pronto fuera ganando followers. Otro comediante retuiteó la cuenta, hasta que llegó a mencionarse en The Daily Show, lo mismo que en la película de comedia Forgetting Sarah Marshall; y para no hacerles el tuit más largo... @ shitmydadsays cuenta hoy con más de 1 millón 800 mil seguidores. Pero la historia no termina allí: a inicios de 2010 se editó un libro, escrito por el propio Justin y por otro compañero, basándose en los Twitts de la cuenta, lo que hasta este punto es maravilloso… Pero por algo contamos esto: desde el pasado septiembre $h*t My Dad Says es un sitcom que se transmite los jueves por la noche en CBS, y en el papel del padre de Justin tenemos a un gran veterano de cine y televisión: William

¿son ya las redes sociales un e rating? dor d indica

Shatner. Por supuesto, el programa no puede basarse sólo en las citas del señor, y hubo que meterle más historia y situaciones atractivas. Si bien en el episodio debut les fue muy bien, el rating cayó de manera

preocupante, aunque la publicidad de boca en boca se ha encargado de sacar a la serie de los números rojos. En el caso de esta serie, con muy pocos episodios, es difícil hacer una evaluación. Si bien el hecho de que a partir de ideas de 140 caracteres se llegue a producir una serie de televisión ya está para el anecdotario, aún está por verse que su contenido sea lo suficientemente sólido como para que los productores busquen en Twitter y Facebook su nuevo gran proyecto.

WARPED COMICS

Creadores de cómics en las redes sociales

Ya sea para dar noticias, adelantos, links de arte o simplemente para leer un comentario chusco, varios escritores y artistas de cómic están presentes en las redes sociales. Aquí están algunos de ellos: @ThatKevinSmith Este director de cine, escritor y fan de cómics tuitea muy feo. Está lleno de links y de RTs, lo que lo vuelve casi incomprensible. 1 millón 700 mil seguidores. @Jon_Favreau El director de Iron Man tuitea sobre sus nuevos proyectos, como la cinta Cowboys And Aliens, y sube fotos muy divertidas sobre Iron Man que la gente le manda. 853 mil seguidores.

@TheRealStanLee El creador de Spider-Man y los X-Men tuitea de vez en cuando aunque, cuando lo hace, se echa varios de un jalón. Los 140 caracteres le quedan cortos, pero sin duda su jovialidad la transmite en cada tuit. 100 mil seguidores. @BrianMBendis Es uno de los principales escritores de Marvel de la última década. Suele dar noticias de su trabajo, así como su opinión acerca de temas diversos. 30 mil seguidores.

@GeoffJohns0 Importante escritor de DC Comics y responsable de las mejores sagas de la compañía durante los últimos años. Tuitea de todo con relativa frecuencia. 24 mil seguidores. @humberto_ramos Dibujante mexicano que actualmente está listo para estrenar su corrida en Amazing Spider-Man. Tuitea en inglés y en español; a veces muestra avances de su arte y otras simplemente opina sobre su entorno, aunque siempre de manera constante. 4 mil seguidores.


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Fight Club

Zodiac

Th Game

Seven

David Fincher Discipline

Abel Cervantes, desde EnFilme.com

como si estuvieran configuradas por una sigilosa vuelta de tuerca. Seven, por ejemplo, comienza con un viaje promisorio: el detective David Mills (Brad Pitt) y su mujer, Tracy (Gwyneth Paltrow), llegan a Nueva York con el anhelo de formar una familia; pero el sombrío escenario y los misteriosos asesinatos que ocurren en la ciudad cambian para siempre sus vidas. En The Game, un supuesto divertimento burgués culmina en la catarsis de Nicholas van Orton (Michael Douglas), que había sufrido un trauma al presenciar, años antes, la muerte de su padre. Por su parte, Zodiac, aparentemente exhibe la historia del mítico asesino de San Francisco, que durante los años setenta

cimbró la urbe; pero David Fincher, en este caso, en realidad se interesa en exponer las perturbadoras obsesiones de dos personajes: el periodista Paul Avery (interpretado magistralmente por Robert Downey Jr.) y el caricaturista Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal). El filme, inscrito en el cine negro, reconstruye los límites del género y entrega un desenlace devastador en el que no importa la identidad del asesino, pues el ritmo moroso y reflexivo produce una sensación de angustia que se contagia, haciendo que protagonistas y espectadores queden atrapados en un túnel sin salida. Fight Club muestra el caso de un hombre enfermo de insomnio que, como parte de su terapia, visita distintos grupos de

autoayuda. Sin embargo, descubre que el ejercicio es insuficiente y, en su lugar, se involucra en un grupo de peleas nocturnas ilegales. La trama encubre una verdad que se revela en la parte final. Por lo demás, David Fincher ofrece un renovado discurso de la figura del doble que ha suscitado análisis extraordinarios, como sucede con La Violencia Redentora, ensayo del filósofo esloveno Slavoj Žižek sobre la violencia, el amor y el capitalismo, a propósito de la película. Con The Curious Case Of Benjamin Button, se olvida esta estructura, inscribiéndose en una estética clásica que copia recursos narrativos de Forrest Gump; es una película alejada de los estándares a los que el director nos ha acostumbrado con sus obras anteriores.

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La filmografía de David Fincher (Denver, 1962) es tan sorprendente como irregular. Por un lado ha realizado películas formalmente interesantes, abiertas a interpretaciones político-sociales —Alien 3 (1992), Seven (1995), Fight Club (1999)— o psicoanalíticas —The Game (1997)—; por el otro, cuenta con trabajos complacientes —The Curious Case Of Benjamin Button (2008)— o sin trascendencia —Panic Room (2002)—. En todo caso, sus filmes exhiben un talento técnico destacado, cuyo ejemplo más emblemático es Zodiac (2007). Las tramas de sus películas más complejas están conformadas por una estructura narrativa que cambia secretamente, hasta encontrar un tono totalmente distinto al que mostraban en el inicio,

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Cortesía Warner Pictures


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Panic Room

Anton Corbijn

Control

Control

Sofía Ochoa, desde EnFilme.com Cortesía Warner Pictures

Resultaba un tanto obvio que, después de haber pasado una buena parte de su vida frente a los escenarios, fotografiando a músicos como David Bowie, Elvis Costello, Frank Sinatra y Bob Dylan, y luego de haberle hecho videos musicales a Metallica, U2, Nirvana y Depeche Mode, Anton Corbijn iniciara su carrera como director de cine con una película sobre uno de los personajes más lacónicos e infantiles —en el buen sentido de la palabra— de la historia del rock: Ian Curtis (19561980), vocalista y compositor de la banda inglesa Joy Division.

En Control (2007), basada en la novela de la hija de Ian, Deborah Curtis, la aspereza de Macclesfield se ve engrandecida gracias a su perfectamente situada cámara monocromática. Con una fotografía que imita los encuadres armoniosos e inteligentes del cine de los sesenta, entendemos por qué en las calles angostas y empedradas de ese pequeño pueblo se gestó una figura del tamaño de Curtis y una banda con el poder diacrónico de Joy Division. La película presenta a un Curtis romántico, amante de la poesía de

The Curious Case Of Benjamin Buton

La película presenta a un curtis romántico, amante de la poesía de wordsworth Wordsworth, buscador de ideales puros, con un contacto bizarro con la naturaleza, siempre alienado de lo que sucede a su alrededor, incómodo con su éxito; con una incapacidad para reconciliar a sus arcaicas musas con los principios posmo-

dernos de la escena del rock, para controlar su cuerpo que se disloca con los ataques de epilepsia que lo aquejan cada vez más; y atrapado en el amor que siente por dos mujeres… Todo eso que lo arrastró, a los dulces 23, al suicidio.


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Esta ocasión el guardarropa femenino hace un viaje a los cincuenta, en el que se resaltan suaves prendas que logran un interesante contraste con la fuerza del makeup de quien las porta. Caminando por la ciudad, es cada vez más frecuente mirar la influencia de Javiera Mena en la tendencia mexicana. En este Style Fifties, también manejado a la perfección por Regina Spektor, no se muestra más de lo debido: el largo del vestido, ya sea de corte amplio o tipo lápiz, general-

mente llega hasta las rodillas y pocas veces sobrepasa ese límite, aunque cuando lo hace es de forma sutil y sofisticada. Ha sido dibujada una delicada línea en zapatos de finas puntas, en mujeres como Carla Azar, para permitir la libertad necesaria al estar frente a la batería que hace sonar al ritmo de su voz, para darle forma a Autolux. De la misma forma, el uso de shorts en su modalidad alta, da un énfasis en la cintura para engendrar esa figura retro llamada reloj de arena.

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Mancandy Label showroom: Mazatlán #5 Puerta S Interior 4 Col. Condesa www.mancandyonline.com

Te Amo Londres #209 Col. Juárez www.thisisteamo.com/blog

Rosie Music Londres #209 Col. Juárez www.myspace.com/rosie_music

Kosiuko DF - Arcos Bosques Local PB – 15 www.kosiukostore.com

Nooka Nuevo León #8 Col. Condesa www.nooka.com

LUGAR: Common People Emilio Castelar #149 Col. Polanco www.commonpeople.com.mx

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Fiction ( Dreams in Digital ) Hacer música sigue siendo todo un arte, igual que combinar pendas. Texturas, cortes y colores se mezclan para formar un todo casi perfecto. El techno de sonidos como el de Dapuntobeat llega al mundo de la moda con sencillas fórmulas en colores high energy. La tecnología se ha convertido en parte esencial en nuestras vidas, teniendo una vertiginosa evolución en la cual no existen límites. Las redes sociales son ahora un importante punto de partida para grandes colectivos, como She’s A Tease e incluso Nortec, pero no sólo

musicalmente hablando, sino que han servido como importante plataforma para nuevos fashionistas, sin importar su nacionalidad. Aunado a esto, el hombre virtual sigue haciendo gala al atreverse con vanguardistas y eléctricas prendas; basta navegar en la memoria para descubrir la cantidad de momentos que han teñido canciones de Daft Punk, que recorriendo las calles del mundo real es muestra de la manera en que propuestas espectaculares y estéticamente atrevidas se van incorporando al cotidiano.

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Texto: Andrea Paz

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@ Tuxtka Gutiérrez, Chiapas Pepe Montaño @pepemontano

¡Qué tal amigos! Les comento que el pasado 31 de octubre se corrió la fecha 13 del Campeonato Nascar Corona Series, en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas: una carrera que disfrutamos mucho, pues la gente chiapaneca siempre es cálida con los pilotos. Llegamos desde el jueves previo a la carrera, ya que tuvimos que iniciar con nuestra Campaña de Conducción Segura, con el distribuidor Toyota de Chiapas, donde tuvimos la oportunidad de convivir con los empleados de la marca. El viernes, nuestra agenda inició con una plática de Conducción Segura en la UVM y en la Universidad del Sur, además de la acostumbrada conferencia de prensa, firma de autógrafos y control remoto de radio en la carrera Goodyear 240, de uno de los principales patrocinadores de nuestro equipo. Déjenme decirles que el óvalo de Tuxtla es uno de los más rápidos de México, de los que mejores instalaciones tiene: ostenta un muy buen peralte, lo que permite desarrollar altas velocidades. Así, el sábado, desde muy temprano, nos concentramos en trabajar con el ingeniero

Sergio Gálvez

del equipo, Sergio Tapia, el Lagarto, y logramos una muy buena comunicación: el auto se mostró muy rápido y balanceado dentro del circuito. Todo el trabajo logrado hizo que para la calificación, con 36 autos inscritos, lográramos la posición 8, a 279 milésimas del primer lugar, lo que nos daba una gran esperanza. El domingo llegamos a la junta de pilotos, donde recibimos las últimas indicaciones, además de revisar los puntos de la carrera anterior, así como las penalizaciones cometidas; y déjenme decirles que a veces hay muchos regaños en este tipo de juntas, pues Nascar es un deporte de contacto y se puede prestar a interpretaciones de manejo anti-

una ...sucedió carambola donde estuvimos involucrados e cinco autos, lo qu terminó en accidente...

deportivo. Afortunadamente, el equipo del auto #36 Toyota-TempoGoodyear-WARP MAGAZINE siempre ha tratado de mantenerse como uno de los más respetuosos de las reglas y el deporte. La carrera inició y, durante la primera parte, logramos mantenernos dentro del grupo puntero. Hacia la mitad perdimos algunas posiciones y rodábamos en la posición 16: hicimos dos paradas de pits, la primera para cargar combustible y la segunda para un cambio de llantas. La estrategia que marcó el jefe de equipo fue solamente cambiar una llanta, lo cual funcionó muy bien. Para el cierre de la carrera empezamos nuevamente a remontar posiciones; pero justo cuando faltaban tres vueltas, sucedió una carambola donde estuvimos involucrados cinco autos, lo que terminó en accidente, teniendo que retirarnos. Esto significa que debemos regresar al taller y trabajar duro para dejar a punto un auto que nos permita cerrar muy fuerte en la última carrera del año: Aguascalientes, el 21 de noviembre. ¡Nos vemos en la pista!


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Pepe Monta単o

twitter.com/pepemontano

PILOTO OFICIAL DE...

PRESENTE en LA Nascar Corona Series 2010

FECHA DE CIERRE Noviembre 21 / Aguascalientes


Parte orgánica de la disquera Nuevos Ricos, nacido en 1970 y egresado de Gerrit Rietveld y del Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Ámsterdam, el medio de expresión de este artista es constantemente cambiante, y trabaja en una variedad amplia de medios, incluyendo la animación, la pintura, el dibujo, la escultura y el video.

AMORALES Race To The City Chëla Olea

Cortesía Karimanzutto


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bre la Ciudad de México que Amorales realizó con el comunicólogo Orlando Jiménez, en busca de elementos góticos o tenebrosos. “Esta investigación me llevó a conclusiones gráficas singulares —cuenta el artista— donde, por ejemplo, las cuarteaduras provocadas por los árboles en las banquetas se convirtieron, al dibujarlas, en truenos. Otro caso fue el de los edificios en construcción y los terrenos baldíos, que se convirtieron en castillos”. Además, Amorales investigó algunos fenómenos culturales modernos del D.F., como la Santa Muerte, ídolo de origen santero, cuyo brote mexicano se dio en las cárceles para expandirse popularmente. Otras fuentes resultaron obras literarias clásicas sobre espantos, que representan un singular tipo de terror capitalino. “La idea fue desarrollar una sugerencia de historia fantástica de terror, pero con elementos urbanos que son parte

pero sugiriéndola de alguna manera, sin dar finalmente una respuesta comprensible. “Me interesa crear un mundo fantástico, oscuro, que esté en contraposición al mainstream de la cultura fantástica predominante en la actualidad”, opina Amorales. Y el proyecto discográfico Nuevos Ricos es otra forma de insertar sus gráficas en el universo visual, haciéndolas funcionar en un mundo con parámetros completamente diferentes a los del arte. Creado en 2003, el sello representa y promueve a once bandas y solistas (mexicanos, holandeses y alemanes), incluyéndolos en eventos tan diversos como conciertos, conferencias y publicaciones. Nuevos Ricos es una investigación en el mundo de la música electrónica, en el rock y el pop, pero también es una compañía discográfica productora de vinilos, CDs y eventos que, al presentarse, tienen una estrecha relación con lo referente al performance. Según Amorales, este proyecto:

nera funciona de ma cha lu la de al parecida libre, en el sentido de que plantea una especie de espejo paralelo al mundo del arte, como stanciarse, manera de di . analizarlo r e d o p a r a p

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Hacia finales de la década de los noventa comienza a trabajar en proyectos performance. En Los Amorales, dos personajes de lucha libre con máscaras del retrato del artista, combaten en un ring. Este performance fue presentado en el Centro Georges Pompidou (París) en el año 2000 y en la Tate Modern (Londres) en 2003, entre otros museos. En 2003, su obra gira hacia dibujos digitales, animaciones y videos con sonido, que realiza en colaboración con diseñadores gráficos, expertos en comunicación y músicos. Se destacan ‘The Forest’, ‘The Bad Sleep Well’ y ‘Why Fear The Future?’. Ese mismo año crea el proyecto discográfico Nuevos Ricos, junto al músico Julián Lede (alias Silverio) y al diseñador André Pahl, combinando artes visuales, performance y música electrónica, rock y pop. Amorales intervino en numerosas muestras individuales y colectivas como Why Fear The Future? (Casa de América, Madrid, 2005) y su obra forma parte de las colecciones Jumex (México), Tate Modern (Londres), The Museum Of Modern Art (Nueva York), Daros Latinoamérica (Zurich), Walker Art Center (Minneapolis) y Museum Boijmaans van Beunigen (Rótterdam), entre otras. El punto de partida de The Bad Sleep Well (título que surge de una película de Akira Kurosawa de 1963) es una investigación fotográfica so-

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de nuestro hábitat”, explica el mexicano. En este contexto, también incluyó la figura del avión como metáfora de los miedos más contemporáneos del mundo globalizado. Para él, las imágenes de sus obras tienden a provocar una lectura abierta, ambivalente, negando una narrativa explicativa o convencional,


DISCOGRAFÍA • Tales Of Mystery and Imagination (1976) • I Robot (1977)

• Pyramid (1978)

• Eve (1979) • The Turn Of A Friendly Card (1980)

• Eye In The

ALAN PARSONS PROJECT Vulture Culture

Francisco Camino

Sky (1982)

Cortesía Alan Parsons Project Recods

• Ammonia Avenue (1984)

• Vulture Culture (1984) • Stereotomy (1985) • Gaudi (1987) • Freudiana (Released under Eric Woolfson name with full Alan Parsons line up)

Alan Parsons es el ejemplo claro de la perfecta fusión entre el arte y la ciencia, pues desde temprana edad se convirtió en multi instrumentista. Su formación musical la recibió en distintos conservatorios, aprendiendo a tocar guitarra, piano, teclado, bajo e instrumentos de viento. Conforme fue creciendo, su inclinación y pasión por la música lo llevaron a estudiar ingeniería en audio, lo cual marcó toda su trayectoria, tanto como ingeniero asistente, ingeniero titular, productor y músico, pues en todos los trabajos en los que ha participado se puede percibir una extraordinaria

sensibilidad sonora que, sin exagerar, es perfecta. El inicio profesional de Alan Parsons con la música no pudo ser mejor, pues en la primera mitad de la década de los sesenta fue contratado por Emi Music, una de las empresas discográficas que ya tenía en sus filas a Elvis Presley, The Beatles y Frank Sinatra, por mencionar sólo a algunos, y el ser asistente de grabación apuntalaron aún más su percepción musical. Poco tiempo después es trasladado a los célebres estudios Abbey Road, y el primer disco donde Alan Parsons tiene el crédito

como ingeniero de sonido es, precisamente, el último disco que grabaron The Beatles, el Abbey Road, trabajo que es considerado la obra cumbre de la banda. Y es que, al escucharlo, la mezcla y conjunción en el audio es atemporal, sonando siempre actual, aunque el primer trabajo de Alan Parsons con los chicos de Liverpool fue el Let It Be, donde no se limitó a la grabación, sino que realizó el documental homónimo y editó el último concierto de la banda (podemos identificar a Parsons en el legendario show de la azotea, como técnico de sonido en varias tomas).


Alan Parsons es el ejemplo claro de la perfecta fusión entre el arte y la ciencia, pues desde temprana edad se convirtió en multi instrumentista. mantuvieron la constante de premios, tops de listas y altas ventas. Eye In The Sky puede ser considerado como la mejor obra de The Alan Parsons Project, pues mas allá de tener uno de los mayores éxitos radiofónicos, el álbum es una respuesta creativa y artística ante el boom que comenzaban a tener bandas como The Police, U2, The Cure, Depeche Mode, Marillion, así como la innovación glam pop proveniente de Estados Unidos. En 1989, el binomio Woolfson-Parsons se separa por diferencias creativas, pero un año más tarde sale el Freudiana, disco que contó con la alineación original de The Alan Parsons Project, aunque de Eric Woolfson sólo apareció el nombre. Eric Woolfson ha dedicado la mayor parte de su trabajo a componer y adaptar musicales de teatro, mientras que Alan Parsons sólo ha grabado

cuatro álbumes, los cuales, si bien no han tenido el éxito de cuando estaba junto a Woolfson, han mantenido la pulcritud y calidad de aquellas producciones. Desde 1999, debido a las disputas legales y derechos de autor, se presentan como “Alan Parsons Live Project”. Y ha habido algunos intentos de reunión, pero nunca se ha concretado nada. Cada uno aportaba su granito de arena al grupo: Alan Parsons como productor, ingeniero y compositor; Eric Woolfson como productor ejecutivo, compositor y vocalista; y Andrew Powell como orquestador y arreglista. En cada uno de sus proyectos se rodearon de músicos talentosos, como Ian Bairnson, David Paton y Stuart Elliot, y como vocalistas el propio Eric Woolfson, Lenny Zakatek, John Miles, Chris Rainbow y Colin Blunstone, entre muchos otros. Lanzaron varios discos

con un gran cuidado en producción y creatividad, como es el caso de Tales Of Mystery And Imagination, I Robot, The Turn Of A Friendly Card y Eye In The Sky, destacándose temas como ‘Don’t Let It Show’, ‘Time’, ‘Eye In The Sky’, ‘Silence & I’ y ‘Old And Wise’. A finales de los ochenta, Eric Woolfson abandonó el grupo para dedicarse a componer en musicales de teatro; sin embargo, volvieron a reunirse con el breve proyecto Freudiana. Alan Parsons ha seguido creando nuevos temas, pero firmando sólo con su nombre (sin el “Project”), debido a problemas con la parte de los derechos que mantenía Woolfson sobre el nombre del grupo. Actualmente, en sus giras, se rescata el nombre original, con permiso de Eric, denominándose “Alan Parsons Live Project”. Alan Parsons Live Project hizo una gira mundial, entre 2004 y 2005, para dar a conocer sus más recientes producciones y recordar los éxitos de siempre, consiguiendo un lleno total donde se presentaban.

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En 1972, luego de colaborar con Pual McCartney & Wings, Alan Parsons volvió a trabajar como ingeniero en otro de los grandes discos de la historia contemporánea de la música universal: el Dark Side Of The Moon, de Pink Floyd, grabado en su totalidad en los Abbey Road Studios. Estos trabajos como ingeniero de sonido motivaron a Alan Parsons a dar el siguiente paso: entre 1974 y 1976, ganó un par de Grammys por sus trabajos en la mezcla de audio con Pink Floyd y Ambrosia, incursionando como productor, haciendo su debut con la banda Steve Harley & Cockney Rebel, en 1975, grupo británico de rock que mezclaba el progresivo con otros ritmos. Es en este punto que se empieza a gestar un Alan Parsons como artista, pues deseaba obras creadas por él mismo en su totalidad, decidiendo finalmente formar, junto con su amigo e ingeniero, Eric Woolfson, The Alan Parsons Project. El primer disco que grabaron fue Tales Of Mystery And Imagination, magnífico álbum progresivo, conceptual, que ganó el Grammy como Mejor Mezcla de Sonido. Desde entonces, toda la carrera discográfica de The Alan Parsons Project fue de gran calidad. I Robot es el título de su segundo disco: una obvia referencia al compilado de nueve cuentos de ciencia ficción escritos por Issac Asimov. Pyramid, su tercer disco, con el que gana de nuevo el Grammy, Parsons no tocó ningún instrumento, dedicándose sólo a dirigirlo y producirlo. Eve, de 1979, y The Turn Of A Friendly Card, de 1980, fueron discos que

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PIXIES (Frank Black)

Milton Barboza

Sergio Gálvez

Después de una larga espera que parecía interminable, por fin los originarios de Boston, visitaron tierras mexicanas y de qué forma: una serie de históricos conciertos, que ya pertenecen a la memoria colectiva de melómanos propios y extraños que se dieron cita en recintos de Ciudad de México y Guadalajara.


Warp Magazine 32: The Social Network


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