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The Audi Magazine

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2019


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U

no de los grandes placeres de la vida es degustar un buen vino (si bebe no conduzca, ya sabe) y yo voy a disfrutar de uno mientras leo y saboreo este bookazine. Audi siempre ha sido la marca Premium más innovadora y en la comunicación que hacemos se demuestra esa manera de pensar, de visualizar el futuro. Vivimos en una época apasionante, la digitalización, la urbanización está transformando nuestra realidad y nuestra virtualidad. El reto de entender todas las visiones de las distintas realidades nos ocupan cada día y nos recuerdan que debemos cuidar el hoy para garantizar el mañana. Aceptamos el reto desde un principio y a pesar de las vicisitudes cada día tratamos de mejorar nuestros productos respetando el planeta pistón a pistón y , por qué no, bobina eléctrica y pila a pila. Acompáñenos. Francisco Torres, Director General Audi Regional Office.


COLABORADORES

Jesús Cárdenas es profesor de castellano, literatura, cultura y pensamiento latinoamericano. Lector interesado en feminismo, derechos humanos y justicia social. Observador asiduo de propuestas escénicas. Cinéfilo en formación. Juan Rojas Alpízar, comunicador y periodista especializado en diseño y moda. Durante varios años ha destacado como corresponsal de distintos medios centroamericanos y de la plataforma digital de E! Entertainment Latam. Klaus Steinmetz, crítico, galerista y curador de arte, ex director de la revista de arte Art Nexus de Bogotá, fundador de la galería Klaus Steinmetz Contemporary Art, escritor publicado, dedicado al arte y la cultura. Carolina Villamonte es editora de la revista Galería de Montevideo, donde trabaja desde el año 2005. Anteriormente fue periodista del diario El País de la misma ciudad. Colabora asiduamente en publicaciones de su país y escribió el libro El alma de un mundo aparte, sobre los 70 años del hotel Nirvana de Colonia, Uruguay (Ed. Palabrasanta, 2013).


From A

TO Dos visiones, un continente 06

TO Lujo Descalzo 116

TO Prácticas Gastronómicas en Latinoamérica 86

TO Enoturismo en Uruguay 76

TO De Centroamérica para el mundo 104

TO Zero Waste: Un gesto político 68

TO Biofilia 32

The Audi Magazine 02/2019

TO Cordilleras y altiplanos 122


TO Arte: la realidad conceptual 112

TO Audi Q3 94

TO ¿Por qué Audi cree en el cambio? 40

TO ¿Esto es el futuro del arte? 16

TO Andrés Brenes: un hombre divertido 130

TO Un nuevo tipo de movilidad eléctrica 136


DO S VIS IO NE S, UN CO N T I NE NT E TEXTO: Marjorie Espinal

Juan Herrera Zuluaga, Guatemala


Los grandes concursos de fotografĂ­a se tornan relevantes al contextualizar realidades y expresiones sociales, desde el norte hasta el sur de nuestra AmĂŠrica Latina, a travĂŠs del lente de talentos emergentes.


Gisela Filc, Argentina

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TO DOS VISIONES, UN CONTINENTE

SONY WORLD PHOTOGRAPHY AWARDS Sony World Photography Awards es uno de los concursos de fotografía más reconocidos del mundo. La participación es gratuita y cuenta con cuatro categorías: Pro, Open, Juvenil y Estudiantil, las cuales exploran diversas disciplinas y estilos.

perfil de los ganadores de la región es muy diverso con ganadores principiantes como Juan Camilo Arias de Colombia y María Paz Morales de Chile, quienes con una muy buena técnica e historia que contar, lograron el Premio Nacional de su país, premio que está incluido en la categoría “OPEN”, e inscripción de una sola e impresionante imagen. Por otra parte los ganadores de los premios nacionales de México, Argentina y Ecuador cuentan con mayor experiencia. El caso de Perú, Pedro Jarque, es interesante ya que repite por segundo año consecutivo el premio Nacional, con estilo fotográfico consistente.

https://www.worldphoto.org/sony-world-photography-awards

Todas las imágenes son juzgadas por los principales expertos de la industria de la fotografía, que se reúnen cada año en Londres para decidir las mejores imágenes. Hay un fondo de $60,000 (USD) en total para los premios, además de equipos de punta de imágenes digitales de Sony, que se repartirán entre los fotógrafos que resulten ganadores. Con el poder de poner en marcha y dar forma a las carreras, los fotógrafos cuentan con un escenario sin precedentes para exhibir su trabajo, impulsado por una serie de campañas de medios y prensa globales a medida. Los ganadores anteriores y los fotógrafos preseleccionados pasaron a ser representados por galerías e instituciones de renombre, y su trabajo se ha presentado en publicaciones importantes de todo el mundo.

Victor Medina Gorosave, México

Las imágenes ganadoras se exhiben en el Somerset House, edificio neoclásico icónico para todo lo referente a arte y cultura contemporánea; también es el hogar de una gran comunidad de negocios creativos, artistas y creadores con más de 3 millones de visitantes cada año. Con más de 14.000 fotografías enviadas para la duodécima versión de los SWPA, destacan grandes países de Latinoamérica como México, Colombia y Argentina. El

Anamaria Chediak, Ecuador

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Pedro Jarque Krebs, Perú

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TO DOS VISIONES, UN CONTINENTE

Juan Camilo Arias, Colombia

“Realmente queremos acercar la fotografía a todos. Hoy por hoy se toman más fotos que nunca, presenciamos un momento histórico, aun así, muchas de ellas se pierden en la cultura de lo instantáneo y lo inmediato. Desde Sony buscamos acercar la tecnología a todos, de tal forma que los fotógrafos solamente tengan que poner en práctica su creatividad y puedan contar historias que trasciendan”, concluye Angelo Marconi, Gerente de Marketing de Imagen Digital para Latinoamérica. 

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CONCURSO DE FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA DE LATINOAMÉRICA En mayo de 1978 se inauguró en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México la exposición Hecho en Latinoamérica, resultado de una convocatoria del Consejo Mexicano de Fotografía, paralela al Primer Coloquio Latinoamericano de Fotografía que tendría lugar en esos días. Provenientes de diversos países latinoamericanos, los fotógrafos que participaron en esa exposición buscaban ampliar sus horizontes para dar testimonio de un mundo que empezaba a cambiar a una velocidad vertiginosa.

Bea Zamora, Guatemala

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TO DOS VISIONES, UN CONTINENTE

Hoy, la fotografía latinoamericana se muestra plural y diversa, con una variedad de formas entre lo global y lo local. La naturaleza híbrida, crítica y autorreflexiva de la fotografía se ha vuelto fundamental.

“La fotografía era un medio idóneo para hacerlo y en sus imágenes se percibía una mirada común: la de la marginalización, pobreza, violencia, colonización, identidades étnicas comunes a la realidad histórica compartida. Parecía que esa realidad latinoamericana cotidiana, esa que todavía en la actualidad nos molesta, nos hiere y nos resulta difícil de ver, era lo que valía la pena fotografiar”, narra Alfredo de Stefano, prestigiado fotógrafo y director del concurso.

Esta exposición cuestiona el parecido formal que aparentemente tienen las imágenes del subcontinente. Dada la diversidad de usos sociales y estéticos de la fotografía latinoamericana, es difícil reconocer en las imágenes expuestas en el concurso una mirada común como sucedió hace décadas. Los usos y formas de lo fotográfico son variados, con un amplísimo abanico de lenguajes e identidades artísticas distintas El Concurso de Fotografía Contemporánea de Latinoamérica tiene como objeto promover, difundir y reconocer la excelencia de la producción reciente de autores latinoamericanos que practican una diversidad de géneros, expresiones y aplicaciones de lo fotográfico.

www.luzdelnorte.com.mx

Nicolás Vidal, Uruguay

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Linet Sรกnchez, Cuba

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TO DOS VISIONES, UN CONTINENTE

Humberto Ríos, México

En esta primera edición participaron 819 artistas de 16 países latinoamericanos, así como un jurado internacional de prestigiados especialistas que seleccionó a los 52 finalistas, cuyas propuestas reúne la exposición. Lejos de ser un panorama comprensivo de la producción actual latinoamericana, esta selección sí pretende ser, en cambio, una muestra representativo del quehacer fotográfico latinoamericano actual.

Romulo Peña, Venezuela

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Esta generación impulsa el cambio en nuestras ciudades.

¿ESTO ES EL FUTUR DEL ART 18


S RO TE? Experiencias digitales e interactivas que van mรกs allรก de la imaginaciรณn. 19


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Weightless Forest of Resonating Life. Instalaciones artĂ­sticas interactivas como un proyecto divertido para los visitantes de todas las generaciones y para Instagram: teamLab Borderless en la isla Odaiba en Tokio. Las burbujas flotantes reaccionan con luz y sonido cuando se tocan. Se les pide a los visitantes que tomen y publiquen sus fotos.

TOK IO 21


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TO TOKIO

Animals of Flowers, Symbiotic Lives. teamLab nos cuenta del ciclo infinito de la vida y la muerte con bosques frondosos de animales. Cuando los visitantes los tocan, se caen las hojas. Demasiado tiempo, y las flores se rompen y los animales mueren. El software recalcula este proceso una y otra vez, para evitar que se repitan las escenas.

Una sala de casi 10 000 m2 en una isla artificial en la Bahía de Tokio es el sitio que seleccionó el colectivo artístico teamLab para el Museo de Arte Digital Mori: teamLab Borderless. Todos los días, 7000 visitantes se pierden en los mundos de ilusión interactiva creados por 520 computadoras y 470 proyectores. TEXTO: Roland Hagenberg, FOTO: teamLab

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Wander through the Crystal World. La escultura hecha de luces LED reacciona con los celulares de los visitantes, creando cientos de miles de combinaciones de luz. Hideaki Takahashi compuso mĂşsica celestial para la instalaciĂłn.

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Forest of Resonating Lamps. Si te quedas muy quieto cerca de una lĂĄmpara de cristal veneciano, comienza a brillar de un color en particular. TambiĂŠn afecta las otras lĂĄmparas cercanas antes de esparcirse por toda la sala. Los colores se van combinando cuando dos visitantes se acercan.

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The Way of the Sea in the Memory of Topography—Colors of Life. Un campo en un paisaje lleno de colinas con insectos y plantas enormes. Cuando las estaciones cambian, la luz se transforma de un azul rey a un verde pastel a un dorado otoñal. Los movimientos de los visitantes afectan el vuelo de los insectos y la dirección del viento. Los pétalos de las flores se esparcen por todas partes y los tallos del arroz se doblan con el viento.

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Light Evaporating with People. Rayos de luz forman espacios y objetos que se acercan a los visitantes, quienes, a su vez, tienen un efecto en las figuras y se vuelven parte de la instalación. También, para esta instalación, Hideaki Takahashi compuso la música.

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teamlab.art/w/waterfalaudi

Domingo en Tokio. El tren automatizado Yurikamome corre a toda velocidad por el Puente Rainbow. Los pasajeros van todos apretados como si fuera entre semana. Detrás de ellos, se asoma el perfil de la metrópolis de 35 millones de personas. Delante, está la isla artificial Odaiba. Ahí también los rascacielos se elevan como centinelas, los japoneses pasan su tiempo libre yendo de compras, fluyendo entre las multitudes que los rodean. ¿Necesitas ubicarte? Busca las extravagancias como la estatua de 20 metros de alto del robot de animé Gundam, en modo de destrucción. O la réplica de la Estatua de la Libertad de Nueva York. O las oficinas corporativas de Fuji TV, que parece ser un centro de comando soviético futurista. Y entre todo aquello, filas y filas de gente. Una fila de 40 minutos para Starbucks. Una hora para la rueda de la fortuna. Y dos o tres horas para el Museo de Arte Digital Mori: teamLab Borderless. La sala de casi 10,000 m2 tiene un nombre tan largo como las filas afuera. Familias, parejas y turistas llenos de anticipación digital. La oficina de Ken Kato se encuentra en el centro del sistema nervioso del museo con sus cables, servidores titilantes y cajas amontonadas. Con su traje negro y su playera, Kato, en sus treintas, es consultor legal a cargo de RP. Gentil, pero profesional, él marca los parámetros de nuestra charla: “Sin preguntas sobre la vida privada de los miembros de nuestro equipo”. El personal de teamLab, como se llama esta compañía, tiene a más de 400 personas en todo el mundo. “Un amigo divulgó mi teamLab manda una nombre”, comenta Kato, quien fue uno de los primeros en unirse. cascada digital que

“Inicialmente, el reclutamiento se basaba en recomendaciones personales, pero hoy en día nuestros headhunters cazan talento. Cuatro de cada cinco son dide 16 m. El agua señadores, ingenieros, matemáticos, programadores y artistas”. Los demás, salpica de manera inincluyendo a Kato, son abogados, organizadores y expertos en finanzas. Toteractiva, cambiando dos trabajan de manera anónima, firmando solo como “teamLab.” Toshiyuki siempre la dirección Inoko, antes matemático, estudiante de TI y arquitectura, tuvo esta idea hace de la cascada. La 17 años. Hasta la fecha, Inoko, de 41 años de edad, motiva a los miembros de instalación artística su colectivo artístico a crear ambientes digitales tridimensionales que busquen fue creada para Audi sacar a los espectadores del mundo real, asombrarlos e involucrarlos de una Forum Tokyo hace manera interactiva. “El futuro de las artes exige que rompamos los límites de varios años. la percepción, razón por la cual, la palabra ‘borderless’ (sin límite) está en el nombre del museo”, declara Kato. En la búsqueda de un hogar permanente para su colectivo, su jefe, Inoko, se ganó a Mori, magnate de bienes raíces y operador del museo. llueve sobre un Audi R8 desde una altura

Juntos, inauguraron el complejo Odaiba en 2017 con mucha aceptación. Siete mil visitantes cruzan sus puertas diariamente y los boletos de $28 (USD) se agotan con semanas de anticipación. Kato nos lleva desde su oficina bien iluminada a la oscuridad del mundo Borderless. Al principio crees que estás solo, aquí, envuelto en música celestial. Instintivamente, tus ojos tratan de encontrar un punto de referencia, tus pies tantean la firmeza del suelo y tus manos buscan obstáculos hasta que tus acompañantes de sueños comienzan a aparecer; primero hay diez, luego cincuenta, luego cientos. Estupefactos, pasan horas en un laberinto, donde se prohíbe comer y beber; sin embargo, se promueve tomar fotos para Instagram. Es parte de la estrategia de marketing. En el campo de flores, por ejemplo, donde florecen, una madre está de pie sin moverse y caen hojas cuando se van. “¡Otra vez, otra vez!” grita su hijo. La mamá se voltea y el espectáculo se despliega de nuevo. Palabras caen en forma de lluvia desde la oscuridad. Los niños tratan de atraparlas, pero, cuando lo hacen, las palabras de desvanecen. Una nube de mariposas luminosas rodea a los visitantes. Los espacios y los temas se unen perfectamente. La espuma en la cima de las olas de un metro de alto parece interferencia en el monitor. Se deslizan en las faldas de las colinas como lagartijas escurridizas mientras se forma una tormenta arriba. Los efectos son impresionantes y desafían los límites de la experiencia convencional de un museo. Por lo cual, quieres categorizar estos fenómenos desconocidos de una manera diferente. Por ejemplo, al recordar un concierto de rock, Disney World, un planetario o un viaje espacial en dimensiones IMAX. Incluso el resplandor futurístico de colores, como caleidoscopio, te transporta a los 60s. Si Timothy Leary hubiera podido tener acceso a esta tecnología, 520 computadoras, 470 proyectores y el mismo número 32


TO TOKIO

de sensores de movimiento, ¿habría renunciado a sus experimentos con LSD? “El arte ha llegado a un momento decisivo una vez más”, expresa Kato. “Primero fue tiza en la pared de una cueva, luego materiales a prueba de agua. Finalmente la fotografía, que puso en duda la función principal de la pintura, representación pura. La tecnología libera al arte de sus límites materiales, de su marco y lo impulsa de la tradicional sala de exhibición al mundo”. El abogado añade, “sin un equipo y el respaldo económico adecuado, los artistas del futuro no llegarán muy lejos”. La producción de arte al estilo de fabricación no nació con teamLab. Miguel Ángel, de fama en el Vaticano, tuvo cientos de ayudantes produciendo arte en una línea de producción, mientras que el artista pop Andy Warhol, contribuyó frecuentemente con no más que su firma. Las estrellas de hoy siguen sus pasos. Para Jeff Koons, Damien Hirst, Yayoi Kusama y Takashi Murakami, el impacto de los medios y el marketing tienen tanta importancia como el contenido de su arte, sino es que más. Así que era natural que Murakami fuera el primero en exhibir la obra artística de teamLab. Su galería, Kaikai Kiki, vendió ediciones de teamLab por $5,000(USD), que ahora valen 20 veces más. A diferencia de Murakami, los creadores actuales no se conocen por su nombre. El colectivo teamLab debe seguir anónimo. ¿Los futuros coleccionistas estarán contentos de tener obras sin conexión a ninguna biografía personal o un mito que creció con el tiempo? El tiempo dirá. Los humanos tenemos una larga historia como cazadores y recolectores, y podemos traspasarlo al mundo digital. Pero también queremos llevarnos algo a casa, algo tangible de un recuerdo abstracto. Como si teamLab hubiera intuído este dilema, el complejo Odaiba presenta una casa de té. Se llama En, que significa “círculo.” Aquí también la luz tiene un rol en la oscuridad omnipresente, moviéndose en cámara lenta para formar un anillo meditativo de pintura y pincelazos en la pared, con maravillosas flores floreciendo en las tazas, proyectadas con precisión absoluta en el té verde. El primer sorbo sabe a espacio exterior. “Nuestra casa de té sólo existe aquí y ahora. Toshiyuki Inoko, el

No se puede repetir la experiencia en el futuro. Cuando todo esto se acabe, fundador de teamLab, vamos a destruir los planos y el software”, explica Kato. Decretar la sin- creció en el sur de gularidad de las obras artísticas digitales, aunque reproducibles de manera Japón, en la isla infinita, es la concesión de teamLab a nuestro instinto cazador. Aquí, puedes Shikoku, hogar del tocarlo, luego llevártelo a casa al comprar una taza en la tienda de regalos. legendario escultor Cuando teamLab produce programas y arte certificado en ediciones limitadas Isamu Noguchi. Ahí, para subir el valor, es voluntario. Sin embargo, esto no es así cuando una arquitecto y ganador instalación como la de Odaiba nunca se ofrece fuera de Japón, para empezar. del Premio Pritzker, Esto no ha ocurrido, pero tampoco ha habido una réplica completa del pro- Toyo Ito inauguró su yecto Odaiba en Europa. La exhibición Massless en Helsinki sólo presentó museo de arquitectualgunas partes. A los japoneses se les conoce por su costumbre de llevarse su ra TIMA en 2011. basura a casa, en lugar de tirarla en la calle. Cualquiera que encuentre una billetera, la lleva a la estación de policía. Multitudes forman filas de manera ordenada mientras esperan el metro, sin que alguien los dirija. Tratar al mundo que todos compartimos con respeto es una regla sobreentendida. Todos la siguen. Y esta es la razón por la cual los campos de flores artificiales pueden sobrevivir en Odaiba. Los bosques de cristal permanecen intactos, así como también las alfombras y las lámparas de cristal veneciano, incluso después de la visita de más de 7,000 personas cada día. También es dudoso que las autoridades del occidente permitiesen una plataforma de presentación como esta, siempre preocupados por la seguridad del público. El oscuro laberinto de casi 10,000 m2 está lleno de relieves inesperados. Pero esto es precisamente lo que quizá necesita el colectivo para conservar su reputación avant-garde. ¿Qué pasa cuando realmente desaparecen todos los límites? ¿Qué hará teamLab Borderless a diferencia de Disney World, o un concierto de rock? Kato, el abogado, no se preocupa. “En el presente, cada uno de nosotros puede cambiar el mundo, y es más fácil que nunca. Pero esto también quiere decir que es mucho más fácil que otras personas tengan un impacto en mi mundo. Es nuestro destino. No lo podemos cambiar. Así que, ¿qué nos da miedo?”.  33


B IO F I L I A El futuro de la arquitectura

TEXTO: Marjorie Espinal. FOTOS: cortesía de Carazo Arquitectura y VOID Architecture.

“Vemos la aplicación de la biofilia no como algo ornamental, sino como la investigación y cuantificación de data sobre los contextos naturales para tener una mejor respuesta arquitectónica y lograr el balance de todas las partes con lo natural”, explica Ricardo Sevilla de VOID Architecture.

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“La felicidad es el significado y el propósito de la vida, todo el objetivo y el fin de la existencia humana”. – Aristóteles.

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Qalma, Carazo Arquitectura. Por estar en un lugar caluroso y tropical se aprovecha esta condición diseñando balcones y terrazas amplios e integrados al área social de cada apartamento para que la gente pueda vivir afuera y adentro al mismo tiempo. Estas terrazas ya vienen con mesas de concreto integradas afuera y adentro para intuitivamente hacer que el ocupante use el espacio exterior como espacio habitable cotidiano.

El término biofilia fue utilizado por primera vez por el psicólogo alemán Erich Fromm, en 1964, para describir la orientación psicológica de las personas de sentirnos atraídos por todo aquello que está vivo. Pero el término se hizo verdaderamente popular en el año 1984, cuando el biólogo norteamericano Edward Osborne Wilson escribió el libro “Biofilia” exponiendo los lazos profundos que los humanos tenemos con la naturaleza y que están arraigados en nuestra biología misma. En el campo de la arquitectura, la biofilia empezó a plantearse bajo la hipótesis de que el contacto con un ambiente natural conduce a una respuesta positiva en términos de desempeño humano y de salud, minimizando el impacto ambiental negativo de las construcciones gracias a un diseño más consciente, y a un uso eficiente y moderado a los materiales, la energía y el espacio. Conversamos con el arquitecto Rodrigo Carazo, especializado en diseño biofílico, para conocer más sobre una tendencia con el potencial de construir mejores ciudades y, por ende, sociedades más sanas. 36


TO BIOFILIA

Es tomar consciencia de todo lo que fue, lo que somos y lo que será; somos parte de este planeta y por ende estamos conectados y depende de nosotros si queremos que sea una conexión positiva o negativa. ¿Cómo es el efecto que experimenta el ser humano en este tipo de espacios? La idea es poder generar una calidad presencial de vida mejorada y, como resultado, una transmisión de esa energía positiva a todas las actividades en que participan los habitantes del espacio. Queremos reconectar con el proceso evolutivo del ser humano que ha estado, el 99.9% de su historia inmerso en la naturaleza, generar respeto y apreciación por los demás entes vivos. Entre algunos de los efectos se encuentra la reducción del estrés, un mejor descanso, la reducción de la presión sanguínea, la mejora de la capacidad de concentración y hay mayor claridad mental. Está comprobado que se acelera el proceso de recuperación de enfermedades o accidentes, se incrementan los niveles de energía vía liberación de endorfinas, y hasta se eleva la producción de células anticancerígenas NK. ¿De qué manera se crean estas conexiones con la naturaleza desde el diseño?

¿Qué soluciones propone la arquitectura desde el concepto de biofilia? El significado de la biofilia en la arquitectura es proveer las cualidades necesarias para conectar al ser humano de vuelta con la naturaleza, de humanizar las edificaciones y las ciudades; en resumen, de dar una mejor calidad de vida a los seres humanos en su habitación del planeta y, a la vez, intentar acercar la brecha no natural creada por la evolución del desarrollo antropocéntrico del hombre, que se ha acrecentado exponencialmente en los últimos siglos.

Se utilizan elementos físicos como el aire, la luz y el agua, pero tal vez el elemento físico más importante sea la incorporación de la naturaleza en las edificaciones. Lo más importante es cómo utilizar elementos perceptuales para generar la sensación de estar inmersos en la naturaleza y obtener sus beneficios. En cuanto a elementos materiales, hemos venido experimentando con sistemas asequibles para la integración de naturaleza en los edificios mediante cubiertas verdes, paredes verdes, sistemas para plantar en edificaciones y espacios abiertos habitables, para interrelacionarse con el exterior. 37


Esto lo logramos diseñando sistemas de vegetación como maceteros prefabricados, estructuras para plantas trepadoras y áreas de lozas ajardinadas, a la vez se integran sistemas de riego agrícola a las edificaciones y la utilización de arañas no comúnmente usadas en cubiertas y azoteas, para generar espacios habitables naturales. Desde el espacio interno se crea una relación inmediata con la naturaleza desde que se abre una ventana o se sale a un espacio habitable del exterior. Esto presenta los mayores retos pues requiere transformar un edificio en un elemento más del sistema natural, en una relación simbiótica donde naturaleza y edificio se entrelazan de una manera positiva y beneficiosa para los dos. Al diseñar las áreas exteriores, se busca generar paisajes naturales, recuperando ecosistemas originales de la zona en que se realiza la construcción. A mayor escala e involucrando un nivel de planificación urbana y gestión política local, también se puede lograr la recuperación y la extensión de un ecosistema entero. Por último, nos podemos referir a la planificacion de todo un municipio o región, que planea su desarrollo considerando la preservación del medio ambiente, flora y fauna. Es importante aclarar en qué se diferencia el diseño biofílico del diseño sustentable. Creo que es vital esta pregunta. La biofilia tanto como la sostenibilidad son fundamentales y las edificaciones no deben existir sin ellas, sin embargo son dos cosas diferentes.

Qalma, Carazo Arquitectura. Todos los apartamentos cuentan con terrazas ajardinadas con grandes maceteras lineales que acercan al individuo a la naturaleza en los trece niveles del proyecto, así es que, sin importar la altura, hay una conexión cercana con la naturaleza. También

El diseño biofílico es el diseño enfocado en mejorar la calidad de vida mediante la integración de diseño perceptual y de ele-

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se incorporan dos muros verdes de más de 30 mts de altura para suavizar la percepción del edificio y reducir el calentamiento del edificio.


TO BIOFILIA

mentos naturales a una edificación, para hacer a sus ocupantes sentirse mejor. El diseño sostenible es el diseño de una edificación para que sea lo menos dañina al planeta en relación a su construcción, utilización y disposición; o sea, que tenga menos huella energética, que se produzca de una manera ambiental , social y económicamente responsable y que contribuya a la recuperación y aprovechamiento balanceado de los recursos naturales. Según la teoría de la biofilia, elementos como la ornamentación y las estructuras fractales provocan una reacción positiva en el subconsciente humano. ¿Se incorporan también patrones naturales al diseño? La ornamentación y los fractales son procesos naturales derivados de capacidades genéticas y adaptativas del mundo natural, a lo largo de millones de años mediante procesos evolutivos. Es importante no confundir biofilia con la replicacion de los órdenes naturales o intentos de biomimesis. El orden natural es inmensamente más perfecto e interconectado que lo que jamás será el ser humano, quien, con su capacidad limitada de procesamiento de información y relaciones, podrá copiar o acercarse a copiar. Lo que nosotros interpretamos y creemos es que, con la biofilia en nuestros edificios, tenemos que lograr, con la técnica y tecnología constructiva asequible, generar ambientes que den sensaciones y percepciones de estar en un medio natural, sin olvidarnos de las comodidades que los seres humanos necesitan para vivir. Más que formas que semejen patrones naturales, la idea es generar situaciones donde la percepción se vea afectada positiva y continuamente, consciente e inconscientemente, para generar esas reacciones positivas.

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TO BIOFILIA

“Creemos en lograr cerrar los ciclos naturales con el mínimo de impacto. En algunos proyectos utilizamos el agua cuatro veces antes de que retorne a los suelos. La utilizamos para los procesos del día a día y la tratamos para que ingrese al riego de huertas completamente limpia”, añade Ricardo Sevilla, de VOID Architecture.

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Además de su uso en diseño habitacional, el diseño biofílico tiene un gran impacto en el urbanismo y en la construcción de centros dedicados a la salud. ¿Cómo piensa que puede desarrollarse esta tendencia en América Latina? El diseño biofílico se debe utilizar en todos los tipos de construcciones residenciales, de oficinas, institucionales, médicas, educativas, turísticas y de entretenimiento, y en infraestructura urbana pues el concepto final de la biofilia es regalar esa mejor calidad de vida que se da al conectar con la naturaleza. En America Latina es prácticamente inexistente la biofilia como un driver de diseño y es algo que no esperamos, sino que necesitamos que suceda, y que suceda rápido. Todas las construcciones deben ser biofílicas, y creo que se debe empezar por cambiar a la gente y su pensamiento, crear consciencia de lo bien que se siente estar en la naturaleza. De

nada sirve el éxito y el desarrollo, si no hay un espacio para vivirlo con bienestar. Para nosotros es tan importante que un proyecto sea biofílico a como es que exista, es decir, no conceptualizamos la arquitectura de otra manera, debe ser así. Y por una razón muy sencilla, somos arquitectos para mejorar la calidad de vida del ser humano y la mejor manera de mejorar la calidad es interrelacionarnos y convivir con la naturaleza. Nuestro trabajo está 100% enfocado en integrar y experimentar con esas nuevas relaciones y poder contagiar a los demás a querer seguir el camino. Esto nos obliga a ser inquisitivos, a ser creativos y un poco osados y riesgosos en lo que hacemos, pero estamos convencidos de que el resultado es muchísimo mas valioso de lo que la gente se puede imaginar y que, al verlo y sentirlo, comprenderán lo necesario de que empiece a suceder en todas partes.  41


¿POR QU AUDI CR EN EL CA 42


UÉ REE AMBIO? 43


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MIL 46


LÁN 47


Camilla Venturini, emprendedora de modas

“MILÁN TIENE TODO LO QUE NECESITAMOS. ESTRUCTURAS ESTABLECIDAS, PROFESIONALISMO, CONFIABILIDAD, PERO TAMBIÉN ESPACIO Y DISCURSO CREATIVO. ESTA AMALGAMA LA HACE TIERRA FÉRTIL PARA NUEVOS COMIENZOS”.

TEXTO: Nadine Kaminski, FOTO: Lukas Wassmann, ILUSTRACIÓN: Raymond Biesinger

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Milán, tradicionalmente centro financiero, se está reinventando como el epicentro de la moda, diseño y arte. Las gemelas Venturini, emprendedoras creativas con una gran visión, nos guían por esta ciudad, que ofrece la infraestructura perfecta para desarrollar sus ideas.

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TO MILÁN

Camilla y Giulia Venturini regresan a la ciudad de su juventud para fundar su marca de modas en una base sólida. Conocen cada rincón de Milán y están fascinadas de descubrir cómo han cambiado las cosas durante su ausencia. El edificio de la Feltrinelli Foundation (arriba) se inauguró en 2016.

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La ciudad a través de la ventana del auto: manzanas de departamentos con sus portones de entrada que permiten un vistazo a sus verdes jardines interiores. Esto es realmente la discreción en bienes raíces. Todo está en movimiento, casi nunca nos detenemos, el tráfico fluye, pero también es “amable”, incluso en la hora pico. Mientras tanto, Giulia explica la logística de su círculo social en Milán. “Algunos de mis amigos se están mudando a Milán de otras partes de Italia porque son jóvenes y extrañan la gran ciudad europea. Luego están los expatriados de medio tiempo”. Incontables firmas internacionales están instalándose en Milán. Muchos amigos y socios de las hermanas no viven aquí, pero visitan la ciudad hasta tres veces al mes por negocios. En los últimos meses, varias marcas de modas nuevas, pero 52

Estábamos esperando plantas con vegetación, concreto, vasos para coctel e instalaciones de luz, y estábamos muy equivocados. En Milán, parece que los lugares más populares son los que tienen más historia. Los visitantes más conscientes del estilo y la moda de Copenhague o Los Ángeles vienen a saborear la clásica opulencia de Italia. El Bar Basso ha existido desde los 40s y su Antiguamente un bar trago característico tradicional de Milán, es el Negroni. In- hoy es un centro de cluso hay quienes reunión internacional dicen que se inven- para diseñadores: tó aquí. Este icóni- Bar Basso, Via Plinio, co aperitivo con su 39, 20020 Milano sabor amargo y su suave brillo naranja se sirve en una copa tan grande que se debe alzar con ambas manos. La paleta de colores de la decoración son colores pastel. Los dorados del mobiliario de madera, bastante desgastado, parecen emitir un brillo gentil. Los meseros usan camisas almidonadas. No hay camisetas

barbasso.com

Como modelos y profesionales de medios de comunicación, las hermanas Venturini han sido por mucho tiempo una fuerza a la que se reconoce en la escena de la moda. El año pasado, las hermanas cambiaron sus vidas de París y Nueva York a Milán para abrir su propia empresa. La marca de bolsos de mano Medea ya está disponible en tiendas especializadas de Londres a los Ángeles y las revistas de moda han destacado su modelo debut Prima como “el nuevo bolso IT.”

reconocidas, han optado por mantener su presencia aquí. La gente que decide qué está de moda en Tokio, Londres o L.A. pasan la mayor parte de sus vidas en Milán. “Últimamente, me he estado encontrando a gente en la calle que originalmente conozco de Nueva York,” comenta Camilla. Nos habla de un amigo cercano que trabaja para una marca de ropa casual ultra hip de Nueva York, que sigue encontrando el tiempo para reunirse para un aperitivo. Milán es el Sillicon Valley de la moda. Los eventos de inauguración más importantes, las fiestas de lanzamiento y campañas publicitarias son, todavía en otros lugares, pero quien quiere ser alguien reconocido en la industria, tiene que conocer a la gente correcta aquí, ahora. Al menos estar aquí de medio tiempo. Y, ¿a dónde va uno para conocer a esa gente? “Al Bar Basso,” responden las gemelas casi al unísono. “Es de fama mundial, en ciertos círculos. Gente de la moda, arte y diseño de todo el mundo van a este lugar, sin importar de dónde son.”

FOTO: ANDREA ZANI

medeamedea.it

Es después de mediodía en Milán. Dos de las mejores diseñadoras de hoy esperan junto a su perro en la lluvia. Cabello corto, sin maquillaje, en sudadera, lejos de los peinados de salón y tacones de aguja, las gemelas de 30 años personifican la metrópolis de la moda que se está reinventando. Giulia y Camilla Venturini nos van a mostrar su Milán. La Milán del futuro. Después de darnos la bienvenida y disculparse por el clima, le dan a nuestro chofer una dirección. Juntos, nos abrimos paso a través de múltiples carriles más allá de la Plaza Duca d’Aosta.


La gente—especialmente la creativa— se quiere rodear de elegancia clásica, funcionalidad y buena comida”. La destrucción puede ser excitante, añade, pero ya no va con los tiempos cuando se trata de realmente crear algo significativo. “Claro, Milán no es tan progresiva como Nueva York o Berlín”, concede Camilla. “Pero también es mucho menos estresante”.

FOTO: DAVID ORBAN / FLICKR

Se te olvida que existe el estrés en todos lados cuando estás adentro del Bar Basso. “Aquí te puedes encontrar con el arquitecto de la Fondazione Prada o el director creativo de Louis Vuitton. También hay mucha gente joven de todas partes del mundo que tienen proyectos interesantes”, comenta Giulia. Para aquellos jóvenes profesionales de Italia y más allá, Milán combina lo mejor de los dos mundos. Este sentimiento de disfrutar la vida, frecuentemente ausente de las ciudades del norte de Europa y EUA, mezclado con una apreciación por la calidad y la eficiencia. Esto es tierra fértil para que las nuevas ideas florezcan. “Demasiado caos es tóxico para los comienzos de los cuales quieres estar orgulloso después”, expresa Camilla, para concluir la charla y la hora del coctel. La vista de la Torre Velasca nos transporta de los 40s a los 50s. Las gemelas quieren que la veamos porque creen que es la perfecta personificación de Milán. “La torre es única. No he visto nada igual en ninguna otra ciudad”, comenta Giulia con un manierismo casi pesaroso. “Parece que es antiguo y moderno a la vez y su situación es extremadamente inusual. ¿De quién fue la idea de injertar un rascacielos angular, brutal-

mente alto justo en el corazón de esta ciudad italiana?”. Y, aun así, funciona el contraste: El mini-rascacielos de 106 metros de alto está realmente integrado a su distrito. Su base relativamente esbelta, que contrasta con el resto del edificio, está rodeada de calles angostas cuyos edificios bajitos se esparcen incesantes. En Milán, emerge lo nuevo sin reemplazar a lo viejo. Para un país como Italia, donde muchas ciudades luchan con la carga de su historia y se colapsan por la carga de la responsabilidad, esto es un modelo a seguir de una importancia que se tiene que reconocer. Sentados en banquitos altos frente a la ventana del café de la torre, las dos gemelas observan todos los bolsos que pasan por la calle. ¿Será que Milán ha diseñado su propio estilo? Y, ¿su marca? Giulia se toma su tiempo para responder. “Para ser honesta, nos inspiramos para nuestras creaciones cuando estamos de viaje. Pero Milán nos brinda el enfoque, la compostura y la infraestructura para llevar a cabo nuestras ideas”. Las fundadoras se encuentran actual- Vale la pena visitar mente en una etapa la Torre Velasca, y e x t r e m a d a m e n t e después tomar un compleja. La pri- café o almuerzo en mera colección está That’s Wine. terminada y fue PiazzaVelasca, 5, bien recibida, pero 20122 Milano los clientes ya están esperando ansiosamente la siguiente colección que determinará el futuro.

thatswine.com

sin mangas o tatuajes. El mejor lugar en Milán es una oda a la elegancia. “Creo que la mentalidad cultural de los jóvenes emprendedores, influyentes y artistas del mundo está pasando por una transformación bastante interesante,” expresa Giulia ante su Negroni. “El exceso y la crudeza ya no se consideran una garantía de inspiración.

bit.ly/2UigIfu

TO MILÁN

“La evolución de nuestra marca continúa. ¿Podemos seguir desarrollándonos y al mismo tiempo ser fieles a nuestro ADN?”. A las hermanas les encanta poder escaparse de las presiones del trabajo en Milán, lo cual es diferente de Nueva York o París. “Allá, todos quieren saber de tus nuevos proyectos, si hay dinero en ello o lo emocionante que será. Si fracasas, los chismes vuelan a toda velocidad, y si tienes éxito, tus amigos se amontonan para felicitarte. Aquí es una escena totalmente diferente”. 53


Una pequeĂąa pausa en las afueras de la ciudad (arriba). A las gemelas les encanta la pintura personalizada Verde Manzana de Audi. Derecha: Con su lenguaje nĂ­tido, el Audi Q2 se funde perfectamente en el paisaje de MilĂĄn.

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“Para ser perfectamente honesta, a Milán no le vendría nada mal un poco de ese entusiasmo”, expresa Camilla. Casi ninguno de sus amigos de Milán las felicitó por el éxito de Medea el año pasado. “No es que a la gente no le importe, pero aquí, “EL CAMla gente te juzga por méritos personales, BIO QUE no por perspicacia comercial. Estamos ESTÁ SUCEen nuestro hogar”. Como lo han estado DIENDO EN la mayor parte de sus MILÁN ES vidas. Las hermanas son originarias del IMPULSApueblo Garda en el lago homónimo. DO POR LA Su primer contacto GENTE”. con el estilo de vida urbano fue la pintoresca ciudad de Verona, con una población de aproximadamente 250,000 y, claro, Milán, a dos horas en auto. A los 17 años de edad, descubrieron a las gemelas como modelos y viajaron a la capital de la moda para su primera sesión de fotografía. Después, estudiaron diseño de modas en Milán y adoptaron un estilo de vida cosmopolita, trabajando con fotógrafos y revistas, marcas de modas, editoriales y salas de exhibición en Nueva York y París. Luego, expandieron su órbita más allá de la moda y entraron al mundo de las artes y la música. Ahora, tienen una red magnífica y han cimentado su imagen como creadoras de gusto. Mientras tanto, el número de personas que publica fotos llamativas de sus bolsos Medea, muy halagados por la prensa y las redes sociales, está creciendo exponencialmente. Su oficina en Milán se ubica en un espacio de coworking con una sala de exhibición. Es parte de una agencia 24/7 que se considera a sí misma una plataforma para diseñadores jóvenes. Además, las gemelas pasan mucho tiempo en sus instalaciones de producción en Verona. “Nuestro trabajo aquí es más físico e involucra revisar el cuero, probar diferentes variantes de asas. 60

Claro, es también por esto que descubrimos que Milán es nuestro punto de enfoque de nuestras vidas”. A pesar de la digitalización, el olor y textura del cuero crudo de Verona no se puede comunicar por correo electrónico. ¿Qué hace especial a estas jóvenes emprendedoras de otros diseñadores de modas, de los cuales Milán tiene bastantes? ¿Cómo marcan la vanguardia en la nueva Milán? “Estamos trabajando duro para crear una imagen tan personal e inconfundible como sea posible”. La cuenta de Instagram, la página web y la campaña publicitaria para las hermanas Medea no tienen mucho qué ver con lo que la gente sigue asociando con la moda de Milán. No hay brillo, no hay rostros tan maquillados que son irreconocibles, no hay perfección. Así es como desafían de manera activa las preconcepciones populares de las recientes décadas. En el pasado, Milán era considerada elegante, pero no sensual. Era ciertamente importante, pero un poquito aburrida, muy saturada, muy de negocios. Ahora, las hermanas Medea y otros jóvenes emprendedores se están adueñando de la ciudad y la están haciendo más honesta, cosmopolita y vibrante. Especialmente como una meca de la moda y diseño, Milán necesita una nueva vida para no estancarse como un mero escenario para el lujo, sino para volver a llevar la vanguardia en el estilo y el espíritu de los tiempos hacia el futuro. “El cambio que está sucediendo en Milán no tiene nada que ver con la nueva o la vieja arquitectura. Tiene que ver con la gente”. comenta Giulia, llena de convicción. Y está sucediendo de una manera delicada, no desmesurada. “También nos encanta Milán por su infraestructura, que ha evolucionado con el tiempo, especialmente alrededor de la industria de la moda. Aquí, tenemos el apoyo que necesitamos para realizar cosas y permanecer competitivas”. Cuando se trata de esta infraestructura, Prada siempre ha sido uno de los jugadores más importantes. Desde 2015, la


marca ha definido la imagen de la ciudad a través de un proyecto para un museo sin precedentes. El complejo artístico diseñado para Fondazione Prada por parte del legendario arquitecto Rem Koolhaas es nuestra próxima parada. Ubicado en lo que solía ser una antigua destilería de ginebra, está forLas exhibiciones en mado de tres nueel Fondazione Prada vos edificios y otras no sólo son un festín siete estructuras visual: El café del muque se han adapseo fue diseñado por tado y restaurado el director de cine de cuidadosamente. culto Wes Anderson. Sobre ellos, se eleva Bar Luce, Largo Isarco, un edificio austero 2, 20139 Milano. cuyo exterior Koolhaas cubrió completamente de hoja de oro. La fachada captura la luz, incluso en un día nublado, combinando la calidez, esplendor y minimalismo en una escala enorme. En un área total de 12,000 m2, el complejo alberga exhibiciones originales y la colección de arte de la familia Prada. “He visitado las exhibiciones en todas partes del mundo”, comenta Camilla, “pero lo que se exhibe ahí en este momento es simplemente increíble y de nivel internacional”. De regreso del norte de la ciudad hacia el tráfico y el ruido, halagamos los muchos pequeños parques por los que pasamos en ambos lados. Giulia y Camilla tienen una perspectiva un poco más crítica. “Hasta ahora, la ciudad no ha sido tan ecológica comparada con otras grandes ciudades. Afortunadamente, las cosas están mejorando.” El arquitecto milanés, Stefano Boeri, hizo una declaración notable para este nuevo comienzo con su proyecto Bosco Verticale (Bosque Vertical). Las dos torres residenciales se elevan de manera inesperada frente a nuestro parabrisas. Además de la flora, densa como una selva, que cuelga de cada balcón, también está el diseño orgánico que es particularmente impresionante. Parece que se mecen con el viento como árboles, una ilusión óptica que se com-

plementa con la interacción del sol y las nubes detrás de las torres y las superficies reflejantes de la fachada. “Me fui de Milán hace 10 años”, comenta Camilla, guiando nuestra vista con su dedo índice. Sólo hace algunos años, añade, esta área alrededor de la estación de tren principal no era segura en la noche. “Cuando regresé hace poco, el cambio fue extremo. La ciudad está experimentando una mejora. Nuestra capital, Roma, está luchando por sobrevivir, mientras que distritos enteros de Milán se están renovando”. Aquí, la herencia histórica no se siente como de museo o no hay un contraste deliberado con la modernidad, se preserva de manera cuidadosa para el presente. Las bibliotecas residen envueltas en nuevas estructuras, las agencias de empleo en edificios de hace siglos. Como algunas otras ciudades, Milán incorpora todo el esplendor de sus palacios urbanos y crea la impresión de una integridad casual pero coherente, a pesar de los muchos errores arquitectónicos de los 80s y los nuevos edificios fríos y angulares. El cambio está sucediendo aquí y no a costa de la historia. En cambio, la historia tampoco estorba en el cambio, como en el resto de Italia. A Camilla y Giulia les encanta la vibra informal de su distrito. No hay ninguna hostería, ni un lavado de autos o un bar de vino en dónde intercambiar pa- El gnocchi más fino labras amistosas. del mundo: Hostaria Aquí puedes encon- Terza Carbonaia, Via trar a señores en sus Degli Scipioni, 3, sesentas vestidos 20129 Milano. de gris, expresión solemne en sus rostros, por lo menos hasta que llega su tagliata, virtualmente cruda y divinamente suave, las gemelas se sienten tan cómodas aquí, en su compañía, como en la primera fila del Milan Fashion Week.

terzacarbonaia.it

fondazioneprada.org/barluce

TO MILÁN

“Claro, hay muchos colectivos de diseño, estudios artísticos multifacéticos, y restaurantes de fusión de moda por aquí. Pero a nosotras nos gusta una at61


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TO MILÁN

Las gemelas normalmente se reúnen en el departamento de Guilia para desayunar (izq.) y planear su día. Arriba: La marca Medea de las hermanas está causando revuelo. Mostrado aquí está el modelo de la segunda colección. Los bolsos, con sus asas ultra delgadas, nos recuerdan a los bolsos de compras, y se diseñan con el cuero más fino.

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Navegando el trĂĄfico urbano en el Audi Q2. Una visita obligada es la Via Paolo Sarpi, que serpentea por el Barrio Chino de MilĂĄn. Los bares de vino, tradicionales de Italia, todavĂ­a se pueden encontrar, como la Cantine Isola (der.) donde las gemelas saludan a un amigo.

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“El distrito de vida nocturna y galerías de Brera se encuentra muy cerca y es muy popular entre los locales y los turistas. Ahí encontrarás los típicos callejones que evocan la dolce vita 68

da la bienvenida a sus

A pie, hacemos la invitados: imperceptible tran- Hotel Principe di Sasición de un distrito voia, Piazza della Rede un siglo de edad pubblica, 17,20124 a un distrito mo- Milano, derno, Porta Nuo- tel. +39 (0) 26 23 01 va. El área alrededor de la Plaza Gae Aulenti está llena de vida.

dorchestercollection.com

Cuando nos saluda al día siguiente en su sala, hay mucho que digerir visualmente. No sospechamos tal grandeza detrás de la fachada gris, y en el departamento de una mujer milanesa tan joven. Pisos terrazo, incrustaciones, perillas estilo art decó. Pero Giulia llena el departamento, el cual parece el set de una película de Fellini, tan naturalmente mezclado con pragmatismo y energía que el set se vuelve a transformar rápidamente en un espacio residencial. Camilla ha llegado y está desayunando un cornetto en la cocina. “El típico día de trabajo comienza con nuestra reunión aquí en mi casa y llevando a pasear al perro de mi compañera de departamento”, dice Giulia desde el otro cuarto, donde busca desesperadamente las llaves de la casa entre los cojines en el enorme sillón de piel. Es muy diferente al estilo de Nueva York o L.A. Nos metemos al pequeño elevador que nos lleva del tercer piso al lobby. Llegando, el portero nos sigue y levantando su dedo índice de manera un poco indignada, nos dice: “¡Recuerden, no más de tres personas en el elevador!”. Giulia sonríe. “Me encanta vivir en esta pequeña historia milanesa. Pero nos siguen observando con un poco de prejuicio”. El distrito de Giulia está lleno principalmente de edificios que datan de los 30s. Tenían todas las innovaciones tecnológicas de ese tiempo, explica. Así que no sólo son una pieza de la historia urbana, sino de la historia ambiciosa. Aunque Milán nunca podría ser clasificada como anticuada, siempre desaparece detrás de París o Londres.

italiana”, dice Camilla. Básicamente, Milán no es tan fea ni tan genérica como muchos creen. En realidad, es sólo un poco menos pintoresca que Padua, Pisa o Florencia. Nos explica que tienes que buscar su belleza porque no es muy obvia. “Me gusta el distrito de Giulia. Los edificios modernos le dan un sabor especial. Una noción de calma y sencillez”. Pero sólo en apariencia y en contraste con el mármol ver- Una de las residencias de oscuro del refi- más maravillosas en el distrito de Guilia le nado lobby.

Rascacielos imponentes se encuentran rodeados de áreas verdes mientras las veredas se deslizan entre sus sutiles curvas. Aquí, Milán demuestra de nuevo que el desarrollo urbano debe obedecer a las necesidades de la gente. Aunque parte del proyecto ambicioso, el cual ya ha ganado varios premios, sigue estando en obra gris, los edificios ya terminados están lentamente cobrando vida. Hay boutiques, supermercados, restaurantes, pero no hay autos. Porta Nuova es un distrito meramente peatonal. Después del último espresso en la plaza, nos despedimos a la sombra del bosque vertical, símbolo del Milán moderno. 

FOTO: DORCHESTER COLLECTION

mósfera más relajada y tradicional en Milán”, explica Giulia, respondiendo pacientemente a nuestras preguntas y señalando su gnocchi cubierto de una verde salsa de espinaca. Es casi como si sólo esta vista dijera todo lo que hay que saber sobre su vida en Milán.


TO MILÁN

250, 000 del mundo y ha reinventado todo un distrito para demostrarlo. Brera, el centro histórico de Milán, está dándose a conocer como el Distrito del Diseño, una imagen respaldada de una estrategia

MR. EXPO Desde 2010 a febrero, 2016, Giuseppe Sala fue el CEO de la exhibición universal Expo Milano 2015, a la cual Milán le debe en su mayor parte su nueva imagen. Desde el 2016, ha implementado sus ideas innovadoras en mayor parte de la ciudad. En Milán, se le conoce como “Mr. Expo.”

de marketing. Durante la Semana del Diseño, sus

breradesigndistrict.it

Milán se considera a sí misma la capital del diseño

180 eventos atraen a 300 expositores y a 250,000 visitantes a sus pintorescos callejones.

DINERO VIEJO, DINERO NUEVO La Bolsa en Milán (Borsa Italiana) tiene una historia ilustre. Ahora podría ganar nuevos bríos gracias a Brexit: La Bolsa de Londres tendrá que pasar sus actividades a Italia en 2019.

EL DÍA A DÍA DIGITAL Londres, Moscú, Chicago, Singapur, Vancouver, y ahora Milán: La ciudad es la primera en Italia en introducir el sistema de pago sin contacto en su red de metro. Todo lo que se requiere es una tarjeta de crédito equipada con la tecnología EMV.

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ZERO WAS UN GESTO P

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STE: POLÍTICO La firma de diseño Obra Gris, del director creativo Oscar Ruiz-Schmidt, demuestra que pensar en moda Zero Waste en la región es posible, pero requiere creatividad, ética y consciencia para producir piezas de gran carácter social y el mínimo impacto ambiental. TEXTO: Juan Rojas Alpízar. FOTOS: cortesía de Obra Gris

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Vanguardista, innovador y con una visión de la moda capaz de desafiar las perspectivas convencionales del comprar y vestir. Conversar con Oscar Ruiz-Schmidt, director creativo de la firma de moda Obra Gris, es inspirador. En sus palabras resalta el romanticismo del diseñar y el poder que posee como individuo para generar un cambio global. Originario de la zona del Pacífico costarricense, este talento creció rodeado de naturaleza, playa y océano, elementos que hoy marcan la esencia de su trabajo. De niño soñaba con ser periodista, pero el ejemplo de su madre, a quien reconoce como su primera fuente de inspiración, le llevó a explorar el área creativa. “Crecí viendo a mi mamá haciendo su propia ropa con patrones de revista Burda, patrones McCall’s que se pedían por catálogo. Acompañándola a comprar telas y botones, viéndola pintar muebles, hacer cerámica, vitrales, muñecos de trapo, pintando sobre seda y tela mientras se vestía con sus propios diseños”, relata en una exclusiva que tuvimos con él, para conocer sobre Obra Gris y la filosofía Zero Waste con la que revoluciona el mercado de la moda desde Centroamérica. Artista y diseñador. Estudió inicialmente diseño gráfico y cerámica, teniendo la oportunidad de cursar fotografía con la reconocida artista estadounidesnse-costarricense Victoria Cabezas (algo que reconoce como un privilegio), y marcando con su primera serie de fotografías en blanco y negro, el origen de lo que hoy es Obra Gris. “Dibujé unas piezas de ropa y mi mamá me ayudó a confeccionarlas. Mis modelos eran mis hermanas y mis perros. El diseño de imagen incluía la indumentaria pero no era aún el foco”, señala. Posteriormente y tras finalizar la universidad, empezó a trabajar como diseñador gráfico y, como dato curioso, de un obituario. Tiempo después tuvo la oportunidad de hacer una práctica en Nueva York, la cual señala como el momento que “encauzó todo su futuro”; gracias a ella, Oscar asistió a un estilista de moda y pudo ver de cerca showrooms, ateliers y estudios de diseñadores, lo cual le abrió un mundo de posibilidades. En sus propias palabras: “Toda esta experiencia me pareció alucinante y, cuando regresé a Costa Rica, empecé clases de costura, y me contrataron como productor de fotografía para una revista”. Una meta llevó a otra, y Oscar viajó a Berlín a cursar su maestría, estancia que aprovechó para hacer todo lo que le permitiera aprender, a la vez que conocía personas a las que admira. “La formación que recibí 72

me cambió para siempre en términos de estilo y visión. Aprendí mucho sobre mí mismo en esa época; en términos de color, predilección de ciertas formas y procesos y a trabajar con diferentes materiales”, comenta a la vez que destaca que la universidad, fundada por miembros de la Bauhaus, tenía una estructura inquieta e insaciable por las técnicas y la forma de combinar el espacio positivo con el negativo. Un aspecto que le llevó a desafiar su proceso de pensamiento. “No solo se trata de cómo resolver técnicamente la confección de prendas, sino también de por qué deberían existir estos elementos y su funcionalidad. Desarrollé un estilo en el que mi propia educación y mis ideales estaban entrelazados, así sigo manteniendo ese espíritu en mi práctica. Además, las personas que conocí y con quienes colaboré en esa época, me influenciaron de diferentes formas y de todos aprendí disciplina, entrega y compromiso con un ideal”, relata. El 2010 vio la llegada de Obra Gris, firma que inició como un blog de investigación sobre moda sostenible mientras Oscar estaba en Berlín. Su nombre responde a que durante su estancia, esto era esa ciudad alemana para él, un espacio que siempre estaba en constante cambio. “Me pareció una metáfora apropiada, esa idea de admitir que uno nunca va a terminar de hacer lo que tiene que hacer. Siempre se puede hacer más, o más bien, cuando uno piensa que algo llegará al final, tal vez nunca llega”, comenta. Por ello, tuvimos que consultarle sobre el estilo de diseño que predomina en su firma, así como la evolución de este. A lo que respondió: “El estilo es un lenguaje con muchos componentes. Antes de pensar en el estilo, pienso en el material y cómo cortarlo. De ese proceso derivan formas primero, a las que luego se asocian colores y luego la corporeidad que adquieren con cada textil. Podríamos decir que es geométrico, volumétrico, austero, minimalista, pero el estilo también ha evolucionado. Se ha impregnado siempre de las nociones que aporta cada persona con la que comparto el proceso”. “En un inicio fue en colaboración con Ingrid Cordero, luego hubo una pausa y retomé las cosas con un nuevo grupo de colaboradores y amigos; y han ido variando con los años. Con Bárbara Cuevas y Paz Ulloa cuando hicimos Anagrama, junto con Melissa Hooker y Lucía Romero llevamos la imagen hacia otro lugar, y en adelante Irene Mena junto al actual equipo que hacemos con Delmi Henríquez, Jenny Murillo y ahora el departamento de objetos con Salomón Pérez y Roberto Castillo”. 


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Trabajo que además le ha llevado a consagrarse con distintos reconocimientos, entre ellos, uno por la Bienal Iberoamericana de Diseño en Madrid. “Lo más interesante sobre el diseño es la cantidad de lecturas que se pueden hacer desde afuera. Como uno pasa de frente con sus ideas todo el tiempo, en el momento que se pueden colocar afuera de uno, en otro contexto y dejarlas expuestas para ser sujeto de mirada de otras personas, esas cosas ya no te pertenecen. Hay que aprender a renunciar a ellas y dejarlas vivir sintiéndose uno despojado, pero responsable por lo que le dejó al mundo”. “Por eso, en la moda sostenible, lo principal es el compromiso con el medio ambiente y con la cadena de producción. No podemos seguir produciendo y consumiendo como lo hemos hecho hasta ahora”, continúa, previo a conversar sobre los valores de Obra Gris, entre los que resalta “diseño Zero Waste”, o en otras palabras: cero desperdicio en la producción. Y es que gracias a su forma de patronar y producir, en Obra Gris se hace uso del 100% del ancho del material en cada diseño y, con los restos generados, se desarrollan texturas, las cuales se incorporan dentro de las creaciones. El movimiento global Zero Waste busca reducir el impacto de la industria de la moda en el ambiente, la cual y según estudios por parte de Greenpeace, lleva a mesa de corte alrededor de 400 000 millones de metros cuadrados de tela cada año, desperdiciando alrededor del 15%, que se traduce en 60 000 millones de metros cuadrados que van al relleno sanitario de forma anual. “En nuestra práctica comercial, utilizamos el ancho y largo total de cada tejido para evitar el desperdicio. Cuando patronamos, distribuimos las piezas de tal forma que creamos un bloque, el cual se corta como un rompecabezas”, devela Oscar. Pero ¿cuál es la diferencia entre reciclar y producir de la mano a la filosofía Zero Waste? Tal como nos explica este diseñador, radica en que, mediante el reciclaje, se busca darle nueva vida a productos que podríamos considerar “ya cumplieron su función”, y, en la producción, la apuesta es por hacerlo sin desperdiciar, así mismo nos amplía que “no en todos los procesos se puede velar por el cero desperdicio y cuando este se genera, hay que pensar en

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en línea a la cadena de valor y el apoyo que se potencia a la economía de escala y desarrollo social, al comprar productos nacionales. Si bien en el sistema latinoamericano es utópico pensar en firmas de moda con operación 100% Zero Waste en este momento, debido a que los sistemas administrativos de los distintos países lo imposibilitan, lo fundamental para las marcas es innovar en tecnología, patronaje y técnicas de ensamble textil que garanticen el completo aprovechamiento del material.

cómo se reutiliza”, destacando el binomio entre ambas prácticas. En esta misma línea, Ruiz-Schmidt hace consciencia sobre la importancia que tienen estas en el futuro de la industria de la moda y acota que “es importante descontinuar el uso de sintéticos derivados del petróleo, tal como el poliester, material que, además de no sentirse bien con la piel, no respira y, tras cada lavada, llena el mar con partículas de plástico”. De igual forma destaca la importancia del consumidor en hacer esto posible, al señalar que es este quien tiene la potestad de hacer con cada compra un gesto político. “Uno pone su dinero a favor de un engranaje social y económico detrás de cada producto, con cada compra que hace. Hay que estar presente y ser consciente, como deber con uno mismo y con el prójimo. Comprar local es la primera cosa que uno puede hacer”, comenta,

“Me complace ver como hay pequeños proyectos que son disruptivamente políticos en su discurso en pro y beneficio del planeta y del futuro”, resalta Oscar Ruiz-Schmidt para finalizar nuestra entrevista, pero no sin antes hacer un hincapié en que un futuro sostenible de consumo consciente es la ética de Obra Gris. Y no es de extrañar. Después de todo, esta firma de diseño siempre se ha caracterizado por crear prendas inteligentes que ayuden a los consumidores a explorar el carácter individual, al mismo tiempo que reducen su huella ecológica y activan la economía local. Todo ello con el valor agregado de la versatilidad, el cual se refleja en la ilimitada gama de opciones para vestir una pieza de Obra Gris, sin importar el clima, escenario o tipo de colección, característica que le permite a sus coleccionistas desarrollar su propia combinación de ropa atemporal e inteligente. 

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ENOTU RI S MO EN UR U GU AY Descanso en la viña TEXTO: Carolina Villamonte. FOTOS: cortesía Bodega Garzón y Narbona Wine Lodge.

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Uruguay, ubicado en una franja considerada de alta potencialidad vitivinĂ­cola, ha desarrollado la producciĂłn de excelentes etiquetas que lo colocan en el mapa de la industria vinĂ­cola del mundo.

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Uruguay es el cuarto productor más grande de América del Sur. Los inmigrantes españoles, italianos y franceses que llegaron a estas tierras trajeron consigo la cultura y el conocimiento sobre la elaboración de esta bebida a partir de la uva, que adaptada a los suelos y el clima de esta parte del mundo, da como resultado vinos con un carácter muy particular. El Tannat, corpulento y de un rojo profundo, es su cepa insignia.

Bodega Garzón.

Pero más allá de la industria y los mercados, el encanto del viñedo, la vendimia y el proceso de elaboración de vino, en el hermoso entorno que da el campo, atrae a los amantes del vino. Por eso, el enoturismo o turismo enológico es una tendencia que viene creciendo en Uruguay de la mano de importantes establecimientos. La web especializada VinePair lo colocó en el puesto número siete de su top ten de destinos de vino del mundo en 2019, y lo definió como “un nirvana para los amantes de la carne y el vino”. Bodegas ubicadas en distintos puntos del país reciben a turistas de todo el mundo que disfrutan de visitas guiadas, prueban platos pensados especialmente para combinar con las diferentes cepas y se alojan en habitaciones con vista a los viñedos. Algunos, incluso, participan en la vendimia y en los festivales que se organizan según la época del año. El objetivo: que el visitante conozca el mundo del vino en medio de paisajes sorprendentes. 80


TO ENOTURISMO EN URUGUAY

BODEGA GARZÓN: EN LO ALTO DE LA SIERRA A dos horas en auto de Montevideo y a 20 minutos de Punta del Este, en el departamento de Maldonado, Bodega Garzón es uno de los establecimientos más exclusivos que tiene Uruguay en su tipo. Después de andar algunos kilómetros por caminos de tierra, en lo alto de la sierra se levanta este increíble lugar que logra cortar por un momento la respiración. Emplazada sobre terrazas naturales, esta bodega posee un diseño escalonado que permite utilizar el sistema de gravedad para la producción de vinos finos de máxima calidad. Muy cerca de la costa atlántica uruguaya y a 160 metros de altura sobre el nivel del mar, la viña fue plantada en un terruño privilegiado que le da a las uvas un carácter especial, influenciado también por el clima templado y las prácticas orgánicas desarrolladas en las plantaciones. El viñedo consiste en más de 1 000 parcelas, cada una con su propio microclima. Diferentes orientaciones, niveles de humedad, exposición al sol y características del suelo, generan pequeños viñedos en sí mismos, con una gran biodiversidad, incluyendo bosques nativos y palmeras naturales.

Después de una recorrida por las modernas instalaciones de esta bodega, propiedad del empresario argentino Alejandro Bulgheroni y su esposa Bettina Guardia, la invitación es a probar los platos de su sofisticado restaurante. La propuesta de su carta se resume en un menú regional, con diferentes platos tradicionales de la zona.

El reconocido chef argentino Francis Mallmann (embajador y director culinario del restaurante) asesoró en el concepto para desarrollar la cocina de fuegos y crear un menú de mercado, es decir que los chefs sólo cocinan con ingredientes locales frescos según la estación del año, que en Uruguay están las cuatro bien marcadas. En un gran patio de fuegos se cocinan, ahúman y tiernizan carnes y pescados, y se le da un toque de humo a platos que salen de la cocina, como la pasta. La carta se divide en tres menús de pasos: Estate, Reserva y Single vineyard (como los nombres de los vinos), que van subiendo de valor, de cantidad de pasos y de productos. La carta de vinos solo incluye etiquetas de las 11 bodegas que Bulgheroni tiene alrededor del mundo.

www.bodegagarzon.com

El edificio también ha sido construido para adaptarse al terreno y no afectar el medio ambiente. Con más de 19 000 m2 y una capacidad de 2,2 millones de litros, es la primera bodega sustentable fuera de América del Norte con certificación LEED (Leadership in Energy & Environmental Design). Además, en 2018 fue nombrada New World Winery of the Year por la revista estadounidense Wine Enthusiast.

Bodega Garzón: Wine Bar

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Varios programas turísticos de distinta categoría se desarrollan en torno a la bodega y también a la planta boutique de elaboración de aceite de oliva extra virgen Colinas de Garzón. Estos paseos proponen conocer la historia y el proceso de elaboración de los productos, disfrutar de picnics entre olivares, paseos en globo, asados criollos, cosechar y catar aceites y vinos premium junto a una picada, conocer por dentro los salones donde descansan los vinos en barriles gigantes antes de ser embotellados mientras se degustan algunos de sus vinos. Para participar en estas actividades siempre se 82


TO ENOTURISMO EN URUGUAY

Bodega Garzón: Premium Area

Bodega Garzón: Terraza

requiere reserva previa. El establecimiento aún no cuenta con hotelería –a pocos kilómetros se encuentra el tradicional hotel de Pueblo Garzón, un encantador paraje en medio del campo uruguayo-, pero ya están proyectados un hotel de campo y una posada entre los viñedos, un resort de playa y un campo de golf de 18 hoyos.

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NARBONA WINE LODGE: EN LA CAMPIÑA URUGUAYA En el casco de una estancia de 1909, donde Juan de Narbona fundó una de las primeras bodegas del país, se encuentra Narbona Wine Lodge, un paraíso que recuerda a la Toscana italiana mezclada con un estilo colonial español, típico de los campos uruguayos. La paz y la belleza del lugar están al servicio de la uva, que en una extensión de 50 hectáreas crece para dar vida a vinos de gran porte. Está ubicado en las afueras de Carmelo, una pintoresca ciudad del departamento de Colonia, sobre el río Uruguay, a unos 250 kilómetros de la capital. La historia indica que en 1990 el casco fue reciclado, en 1998 se inició la plantación de viñedos y doce años más tarde comenzaron la construcción de una nueva bodega dentro del predio original para la elaboración exclusiva de vinos de alta gama. Hoy cuentan con unas 15 hectáreas esencialmente de Tannat, pero

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también tienen Pinot Noir, Petit Verdot, Viognier y Syrah. Aquí las plantas trabajan con bajos rendimientos por hectárea para alcanzar los objetivos de calidad. La cosecha es manual. La vendimia comienza a principios de febrero y se extiende hasta mediados de marzo. En una primera selección se eligen los racimos que están en óptimas condiciones de sanidad y madurez, que luego pasan por una cinta vibratoria para asegurar la máxima calidad. Los granos se depositan en tanques de acero inoxidable o de roble francés con temperatura controlada para que el mosto fermente allí durante 10 a 15 días con sus hollejos. Luego de la fermentación alcohólica, el vino se separa de las partes sólidas (orujo) y se deposita en las barricas para su maduración durante mínimo 18 meses antes de ser envasado. También, en otro proceso, se elabora grappa, un aguardien-


TO ENOTURISMO EN URUGUAY

te con graduación alcohólica entre 38 y 60 grados, que se obtiene por destilación de orujos. Entre los viñedos se mezclan árboles frutales destinados a la elaboración de mermeladas y almíbares. También en esas cocinas se preparan galletas, quesos, pasta seca y aceite de oliva. Ciertamente, el objetivo de esta bodega es activar todos los sentidos para vivir una experiencia sensorial única, pues consideran que la degustación y los aromas son parte esencial de su tarea. El lugar propone un viaje en el tiempo, a un centenar de años atrás, pero disfrutando del confort de la actualidad. Si el día lo permite, las mesas de campo en la galería bajo la glicina, rodeadas de naturaleza pura, son ideales para disfrutar de un buen almuerzo. En la noche se puede repetir la experiencia con el paisaje iluminado por la luz de las velas. Las cinco habitaciones del hotel boutique tienen una decoración de estilo antiguo con equipamiento moderno, con vistas a la bodega o a los viñedos. Disfrutar de una copa de vino, acompañada de quesos en el balcón es uno de esos momentos por los que esperamos el año entero y quedan guardados en la memoria para siempre. Cada habitación lleva el nombre de una cepa y tiene capacidad para tres adultos. Tiene patio privado o balcón y terraza, estufa a leña y biblioteca.

www.narbona.com.uy

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TO ENOTURISMO EN URUGUAY

Entre los servicios de cortesía que ofrece el hotel está el transfer a Carmelo o a Puerto Camacho, un bellísimo puerto cercano donde amarran veleros y barcos privados, y donde se encuentra el exclusivo restaurante Basta Pedro. Narbona también invita a sus huéspedes con un trago de bienvenida, una visita guiada por la bodega y paseos en bicicleta o en kart por los viñedos. Otros servicios incluidos en la tarifa son wi fi, iPad a disposición, piscina al aire libre (con servicio de bar), gimnasio y sala de lectura. Además de relajarse y disfrutar de una copa de vino, las actividades (con cargo) que se pueden realizar en Narbona son varias. Una de las favoritas es la degustación de quesos y vinos en la antigua cava, originaria de 1909, ubicada junto al museo que tiene el establecimiento. En algunos casos la degustación y recorrida por la bodega la realiza su joven enóloga Valeria Chiola, quien pacientemente va contando la historia de este mágico lugar. También se puede participar en un maridaje con tapas preparadas por el chef en la nueva bodega. Con paredes de adobe por dentro y piedra caliza por fuera, este espacio tiene una gran mesa de pinotea junto a una infinita pared de botellas. Dos livings lujosos equilibran la rusticidad del ambiente. El turista también puede preparar su propio vino junto con la enóloga y elaborar grappa, hacer un picnic en los viñedos o cabalgatas y paseos en carro antiguo llevado por caballos acompañado de gauchos, salir en barco por el río a la caída del sol o recorrer arroyos y explorar islas en kayaks o canoas; visitar Colonia del Sacramento (ciudad histórica Patrimonio de la Humanidad por UNESCO), jugar al golf e incluso admirar el paisaje desde el aire en un paseo en helicóptero. Narbona Wine Lodge es uno de los dos establecimientos uruguayos con el sello Relais & Chateaux, que marca estándares de lujo. 

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PRÁCTICAS GASTRONÓMICAS EN

LATINOAMÉRICA Hacia una cultura consciente Invitamos a tres especialistas en gastronomía latinoamericana para que expusieran, desde su experiencia, la actualidad en procesos de reinvención y sustentabilidad, y propusieran dinámicas culinarias sostenibles. TEXTO: Jesús Cárdenas Durán. FOTOS: cortesía Restaurante Silvestre, Santiago Fernández.

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“Hoy más que nunca, la vida debe caracterizarse por un sentido de responsabilidad universal, no solo entre naciones y entre humanos, sino entre humanos y cualquier otra forma de vida”, Dalai Lama.

Las manifestaciones gastronómicas son, definitivamente, una de las expresiones más genuinas de una cultura. Es una expresión que está presente en cada momento de nuestro diario transcurrir y, por eso, la seguridad alimentaria debe ser un tema que exige exposición, debate informado y sensibilidad social.

MESTIZAJE GASTRONÓMICO EN CONSTANTE EBULLICIÓN “La mejor oportunidad para desarrollar mejores expresiones gastronómicas está en la propia tierra, en los mares, en trabajar de la mano con los agricultores y pescadores de cada localidad”, Chef Marco Ganoza, Perú. La crisis social de inseguridad que atacó a Perú en la década de los años 90 obligó a Marco Ganoza a abandonar su patria. Este contexto lo llevó a emprender una búsqueda constante de “Sentido de pertenencia”. Esa esencia se la dio la cocina, arte que le permitió explorar diferentes culturas, su gente y su aproximación cultural con la comida. Este chef peruano residente se fue consagrando hasta acercarse a un verdadero “arte culinario”. Para Ganoza, este arte consiste, primeramente, en tomar un platillo criollo, deconstruirlo en la mayor cantidad de factores y crearlo bajo una óptica artística respetuosa, siempre, del bagaje cultural que se expresa en cada platillo originario. En Latinoamérica se están plasmando ideas en platillos que son obras de arte. Esta transformación educa, también a los comensales que cada vez están más anuentes a escuchar un mensaje de origen, historia, expresión y valor del platillo que degustan y sus procesos de producción, elaboración y comercialización. La cocina criolla latinoamericana tiene un potencial enorme en las bases de sus sociedades; desde sus ingredientes y su calidad hasta la mística y magia que rodea el acto de la alimentación. Hay latitudes latinoamericanas que han sabido mostrar sus manifestaciones culinarias y posicionar su historia y su aporte en lugares especiales del panorama global. Países como México, Perú, Argentina, Colombia y Brasil han desarrollado iniciativas que proponen el rescate de lo local; para esto, el apoyo gubernamental y la presencia plena de los agricultores y los pescadores son indispensables. En esta conexión se genera una cadena que tiene, realmente, un valor de sustentabilidad para las sociedades.

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TO PRÁCTICAS GASTRONÓMICAS EN LATINOAMÉRICA

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“El mestizaje de nuestras cocinas es cada vez más sorprendente, cada vez surgen nuevos talentos, nuevas propuestas, nuevas inversiones y esto consolida finalmente a un país desde la óptica del ¨Incentivo Cultural¨ como arraigo a lo nuestro”, dice Ganoza, quien señala la importancia de una trilogía de pensamiento que comprenda la gastronomía como motor económico, de progreso social y de incentivo cultural. Una forma segura de lograr una sostenibilidad culinaria Marca País. Hay que propiciar que empresa privada, gobierno y sector productivo trabajen con objetivos conjuntos y propicien el reconocimiento mundial de otras expresiones gastronómicas de esta parte del continente. En esta efervescencia que está viviendo la industria, se hace imperativo definir tres principios indispensables: lo ambiental, lo social y lo económico. Una medida que contempla los rubros mencionados es la creación de menús con productos de temporada, esta medida impacta, además, en la innovación de los y las especialistas en cocina que se ven en la necesidad de replantearse nuevas formas de elaborar comida. El experimento de investigar genera una riqueza invaluable que estimula el desempeño profesional, artístico, humano y social.

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TO PRÁCTICAS GASTRONÓMICAS EN LATINOAMÉRICA

Por otro lado, Ganoza sostiene que definir una Agenda País de iniciativas gastronómica es fundamental. Esta agenda debe contener temas fundamentales como la investigación e involucramiento de la cultura local; el reconocimiento de los productos autóctonos y su valor cultural, productivo, nutritivo y económico. Esta idea debe desarrollarse, estrictamente, con el aporte de diferentes actores sociales que, desde su conocimiento y trabajo, doten las propuestas de integralidad. En esta lista deben estar el gremio dedicado a la cocina, los productores, los proveedores, los comensales, especialistas en comunicación, pensadores, generadores de opinión, la empresa privada y el sector gubernamental, entre otros posibles, para unir esfuerzos en un Objetivo País que resulte en un liderazgo en gastronomía sustentable. Para este trotamundos por necesidad, gusto y pasión, es indispensable tratar de entender qué concepto de “sustentabilidad” está relacionado con lo finito, con lo que está delimitado en el planeta y, necesariamente, conectado con el crecimiento de la población mundial. Frente a este panorama, nos enfrentamos a un problema básico: el uso excesivo, y a veces irresponsable, de los recursos naturales. Es una responsabilidad de todos y todas cuestionar de dónde provienen los productos que consumimos, cómo fueron recolectados esos productos, preguntar por su trazología, qué factores determinan su producción y los efectos que acarrean.

GASTRONOMÍA: EXPRESIÓN GENUINA Y MOTOR ECONÓMICO “La cocina es la mejor expresión cultural de un país”, Chef Mirciny Moliviatis, Guatemala.

Para la chef guatemalteca Mirciny Moliviatis, el arte culinario está integrado a su vida de manera genuina. Esta conexión se da por las dinámicas familiares que han resultado en momentos de una felicidad primordial. Con el tiempo, la reflexión y la inquietud, esa práctica cotidiana se transformó en una plataforma profesional. La preparación para especializarse en el ámbito gastronómico la ha llevado no solo a convertirse en una chef destacada sino en una estudiosa constante de la relación entre cocina, seres humanos y sociedad.

Para esta experta en manifestaciones culinarias, la gastronomía latinoamericana está viviendo un momento de esplendor. Gracias a los esfuerzos de cocineros en diferentes latitudes, los ojos del mundo están puestos en esta parte del continente. Perú y México, por ejemplo, están apostando por la redefinición de cocina vernácula. Al hablar de Guatemala, Moliviatis cree que, el momento actual presenta una excelente coyuntura para darse a conocer al mundo. Es necesario seguir el rumbo que otras regiones que han desarrollado, con el apoyo gubernamental y el desarrollo de cadenas de apoyo y sustentabilidad, contextos que perfilan los países con la más genuina de sus manifestaciones culturales: la cocina y las historias que contiene. Para esta chef, las expresiones culinarias pueden ser un motor económico que motive el turismo, una reactivación económica que resulte en el bienestar social de un país. Este impulso económico solo puede darse desde el desarrollo sostenible. En esta línea hay que definir las fuentes de alimentos con base en la tradición y sus fundamentos filosóficos.

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Por otro lado, es necesario definir ofertas que permitan utilizar al máximo los productos; en el desperdicio no hay sustentabilidad. A estos elementos se yuxtapone la forma de preparación de los alimentos para que, además de culturales y rentables, sean nutritivos: así se avanza a una seguridad alimentaria. Por ejemplo, en Guatemala, el uso de hierbas endémicas usadas correctamente podría reducir el índice de desnutrición crónica.

LA GASTRONOMÍA COMO EXPRESIÓN IDENTITARIA “Cada producto que se consume tiene una historia que contar”, Chef Santiago Fernández, Costa Rica. Desde muy niño, Santiago Fernández conectó con la magia que la comida crea a su alrededor. Vio a su abuelo italoamericano, a su madre y a su padre cocinar y transformar el ambiente en torno al bienestar que la comida otorga. Con esta visión se convirtió en chef, para hacer que las personas se sintieran bien al suplir una necesidad básica que puede transformarse en una experiencia placentera, ejecutada desde la responsabilidad y la ética. Fernández opina que la cultura gastronómica en Latinoamérica está creciendo de

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manera impresionante. No sin antes reconocer la vastedad de posibilidades que las latitudes latinoamericanas ofrecen en materia gastronómica. Para Santiago, las propuestas gastronómicas deben estar respaldadas por procesos de investigación que resulten en expresiones con coherencia culinaria y cultural. Recalca que la mayor oportunidad que la cocina latinoamericana tiene está en sus productos. Hay que reconocer el valor nutritivo, pragmático, cultural y económico de los productos para entender su papel en las dinámicas de producción de las sociedades. Desde esta premisa se debe priorizar la producción de ingredientes vernáculos a través de prácticas sustentables certificadas; en esa práctica se fortalecen distintos conceptos, por ejemplo, el aprovechamiento, el consumo y la creatividad. Para Fernández, este es el origen de la cocina sustentable. Por otra parte, en estas prácticas sustentables se buscan encadenamientos de proveedores que define, organizan y respaldan el futuro de comunidades enteras y, a su vez, pueden desembocar en planes comunitarios de gran envergadura: el turismo gastronómico, por ejemplo.


TO PRÁCTICAS GASTRONÓMICAS EN LATINOAMÉRICA

Este momento requiere también un cuestionamiento hacia prácticas que se han dado de manera sistemática y que no son la opción que asegure un futuro alimenticio, económico o ambiental. La producción de monocultivos, por ejemplo, es un problema que contempla la destrucción del bosque, la aplicación de grandes cantidades de agroquímicos que ponen en riesgo la salud de la tierra y el agua. Es imperativo comprender y aplicar el concepto “permacultura” que propone un diseño agrícola, social, político y económico respetuoso de los patrones y características de medio ambiente. Hay, además que preguntarse cuánto se puede crecer sin destruir los ecosistemas que nos protegen. 

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El nuevo Audi Q3 en una palabra:

EQUIL 96


LIBRIO Mรกs maduro, mรกs carรกcter, mรกs SUV. 97


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AUDI Q3 No contento con competir contra las mĂĄs reconocidas marcas Premium en las grandes ligas de los SUV compactos, el nuevo Audi Q3 viene abriĂŠndose paso dentro de la misma gama al mostrar en su segunda generaciĂłn un estilo que crece en todos los sentidos. TEXTO: Marjorie Espinal. FOTOS: Audi Media Center.

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En su renovada versión, el Audi Q3 se distingue de su hermano menor -el Q2-, y se cuela en la fiesta con sus hermanos mayores -el Q5 y Q7ya que su mayor tamaño y habitabilidad, su interior digitalizado y su elegante diseño así se lo permiten. Si bien su primera versión atesoraba muchas virtudes, su sucesora -en sus versiones Q3 y RS Q3- definitivamente alcanza una madurez que atrae. Y mucho.

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TO AUDI Q3

CRECE EN TAMAÑO Y HABITABILIDAD Al compararse con su predecesor, ha crecido prácticamente en todas sus dimensiones. Tiene una longitud de 4 485 milímetros, lo que supone 97 milímetros más. Su anchura se ha incrementado en 25 milímetros hasta alcanzar los 1 856 milímetros. Sin embargo, su altura de 1 585 milímetros es 5 milímetros inferior a la del Audi Q3 de primera generación. Su distancia entre ejes, que ha aumentado 77 milímetros hasta llegar a los 2 680, permite que el interior

sea más espacioso (ahora el espacio para las rodillas, la cabeza y los codos es mayor). El catálogo de llantas de aleación presenta nuevos diseños, con medidas entre 17 y 20 pulgadas. Los respaldos están divididos en tres secciones y se pueden inclinar en distintos ángulos; por tanto con las cinco plazas en uso es posible variar la capacidad del maletero entre 530 y 675 litros; o al abatir los tres respaldos llegar hasta los 1 525 litros, excelentes cifras para un SUV compacto.

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CRECE EN DISEÑO Y CARÁCTER También tiene un aspecto más deportivo que su predecesor. La enorme parrilla Audi Singleframe (similar a la estrenada por el Audi Q8) cuenta con un diseño octagonal y un grueso marco cromado. Además, las grandes tomas laterales de aire caracterizan el frontal lleno de potencia. La parrilla del radiador está dividida por ocho barras verticales y presenta un marco impactante que refleja el carácter del SUV. Los faros son estrechos y están orientados hacia dentro con forma de cuña. Se ofrecen en tres versiones, todas ellas con tecnología LED. Los perfiles se han inspirado en el ADN del Audi quattro y hacen que el SUV parezca aún más ancho. Las molduras de los pasos de rueda subrayan la estética offroad, un largo alerón en el techo flanquea el lateral de la ventana trasera y los pilares D de la carrocería acentúan el carácter deportivo del modelo. “Viendo el modelo anterior, queríamos algo más maduro, más SUV, más todoterreno con un poco más de carácter, y se ve en las líneas que son un poco más duras y tiene más perfil, más contraste. El frente ha subido un nivel, el modelo anterior llevaba la cara un poco baja y hemos visto que quienes compran nuestros modelos de SUV quieren ver que el carro destaque más del suelo, no tienen miedo de tener un capó un poco más alto y eso es lo que le dimos ahora, tiene un balance y un equilibrio perfecto en vista trasera, frontal, lateral (…) La parrilla es clave para este diseño. Es un octágono, que es típico para los modelos Q, que hace que la parte frontal tenga más expresión, más presencia y prestigio”, nos explica Gary Teelak, Director de Diseño Exterior del Audi Q3.

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TO AUDI Q3

CRECE EN POTENCIA La segunda generación ofrece cinco motores a elegir, todos ellos turboalimentados y de 4 cilindros en línea. Siguiendo la peculiar nomenclatura de Audi, en gasolina está el 35 TFSI de 150 CV, el 40 TFSI de 190 CV y el 45 TFSI de 230 CV. En diésel se ofrece el 35 TDI de 150 CV, y el 40 TDI de 190 CV. Casi todos ellos se asocian a una caja de cambios automática S-Tronic, la caja manual es opcional para el 35 TFSI y viene de serie en el 35 TDI. Y casi lo mismo puede decirse de la tracción total quattro, no disponible en el 35 TFSI, opcional en el 35 TDI y de serie para el resto. Con todo esto, sus emisiones de CO2 han disminuido en un 17% gracias al sistema COD (Cylinder On Demand) o Desconexión Automática de Cilindros de Audi. Este sistema desactiva la mitad de los cilindros a cargas bajas e intermedias del motor hasta que se acelera con fuerza en las marchas más largas.

CRECE EN CONFORT Y VERSATILIDAD El concepto de funcionamiento, control y visualización de la familia SUV es totalmente digital con el Multi Media Interface (MMI) de Audi. Es el punto de control de todos los sistemas de información y entretenimiento instalados a bordo del vehículo. Está diseñado para permitir al conductor una utilización rápida, sencilla, intuitiva y segura de un gran número de funciones, desde el teléfono, la radio o el sistema de navegación hasta distintos parámetros del vehículo, como el sistema de conducción dinámica Audi Drive Select.

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TO AUDI Q3

Así, el MMI Radio Plus, viene equipado con un cuadro de mandos digital y una pantalla oblicua de 26 centímetros (10,25”) que el conductor maneja a través del volante multifunción. El MMI Navegación Plus -equipamiento opcional- incorpora las funciones MMI y, además de la velocidad de circulación y las revoluciones del motor, también muestra información sobre las pistas de reproducción y los servicios Audi Connect. “Al pensar en las personas que van a conducir este vehículo, tomamos en cuenta 3 aspectos básicos: El primero es el diseño; es un SUV de líneas exteriores fuertemente marcadas y un diseño interior completamente renovado que con su ‘high tech’ le da un aspecto futurista. Luego está la flexibilidad de espacio; al aumentar en casi 10cm y al poder ajustar los asientos traseros en diferentes ángulos, ofrece muchísimo espacio para un SUV de su categoría. Y por último su tecnología; incluimos muchos sistemas avanzados diseñados para autos de lujo en el Q3 sin pensarlo, como sistemas de entretenimiento de última generación y muchas funcionalidades de asistencia en conducción”, agrega Ekkehard Kleindienst, Product Marketing Manager, Audi Q3. El nuevo Audi Q3 segunda generación ha mejorado sustancialmente. El carácter deportivo del modelo anterior se ha conservado, pero ha sido perfeccionado con una dosis de confort adicional. A comienzos de año se llevó a casa el premio Readers’ Choice of “Best Cars” de la revista alemana “Auto motor und sport” bajo la categoría “compact SUV/off-road vehicles”. Una vez más, Audi se supera y causa celos en sus colegas, sus amigos cercanos, y hasta en su propia familia.

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DE CENTROAMÉRICA PARA EL MUNDO TEXTO: Juan Rojas Alpízar. FOTOS: Carmen Maldonado, Yorch Sans y Juan Caliva.

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La industria de la moda en Centroamérica ha vivido un desarrollo exponencial en los últimos años. Actualmente se enfrenta a la necesidad de potenciar su plataforma y de disponer de una estructura firme para producir en masa y suplir el mercado con precios competitivos.

Lía107 Cohen


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Shantall Lacayo


TO RENTABILIZANDO LA INDUSTRIA DE LA MODA

Pasión, creatividad, diversidad e historia… La vena artística que recorre la región centroamericana es tan fuerte como su memoria, distinta de condición entre cada país, pero con un son armonioso que le une en cada expresión. Desde la colonia hasta el día de hoy, las nuevas promesas buscan destacar y, con ello, no solo hacer mérito a su nombre, sino también coronar de reconocimientos el nombre de su país; mismo que les vio crecer y que les dio bases para crear: inspiración en callejones, idiosincrasia, arquitectura, naturaleza y ¿por qué no? un primer gran amor. La moda, una de estas expresiones, abanico multicultural capaz de transmitir mensajes con la misma fuerza que la música y la pintura, ha tomado mayor fuerza durante los últimos años. Fenómeno desarrollado a partir de la concepción de un posible gran diseñador centroamericano, acompañado de la necesidad de vestir y consumir sello local; binomio capaz de retar a las mentes más creativas e impulsarlas a romper las barreras para, con sus creaciones, enamorar al público más difícil: el local. Situación que no debe de extrañar, después de todo, y Fabrizzio Berrocal a pesar de la llegada de la declaratoria de la independencia hace casi 200 años, como región, ha sido difícil eliminar la concepción de que “lo extranjero es mejor”. Reto con el que han lidiado los talentos que ven dentro de esta porción de edén, la razón de crear, pero que no les ha detenido para encontrar la manera de proyectarse y con ello abrir camino a los demás. La industria de la moda en Centroamérica ha cambiado exponencialmente durante los últimos 5 años, tal como señala José Forteza, Senior Editor de Vogue y GQ para México y Latinoamérica, esta evolución no solo se ha dado desde el punto de vista creativo, sino también desde la manera de producir en cada país de la región. “Las propuestas son cada vez más innovadoras y ya no están en una capsulita. El diseñador centroamericano está trabajando con conciencia de expresión y validación, inspirado en sus ciudades y su gente”, resalta Forteza. La acción ha permitido el desarrollo de exponentes de gran valor como Shantall Lacayo (Nicaragua), Fabrizzio Berrocal (Costa Rica), Mónica Arguedas (El Salvador), Jerry Carcamo (Honduras), Lia Cohen y Alida Boer (ambas de Guatemala). Todos ellos comercializan en distintos países de forma globalizada y con sus creaciones atraen más atención hacia la región. Sin embargo, la etapa de visualización es solo la primera, y con ella es necesario la creación de una estructura que permita el desarrollo de la moda en Centroamérica, y así poder hablar de una economía de cadena, la cual contribuya a activar el Producto Interno Bruto (PIB). “Estamos en un momento muy bueno para que la creciente industria de la moda en Centroamérica aterrice la conciencia de que se puede vender, vivir y generar empleos”, destaca Forteza refiriéndose a la necesidad inmediata de trabajar para fortalecer el trabajo que desde años atrás se viene desarrollando. Este proceso involucra la formalización de las cadenas de producción, en mira a competir a nivel internacional, a partir de la articulación de la industria del diseño, con el gobierno y la empresa privada; así como en su

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TO RENTABILIZANDO LA INDUSTRIA DE LA MODA

momento lo hizo Colombia. Un accionar que debe de ser individual en tema de diseño y voz, pero colectivo en cuanto a comercialización y generación de estructura. “América Central tiene un as poderoso”, asegura José al hablar sobre el abrazo cultural que, como región, se puede desarrollar, similar al vivido en otras latitudes, donde la moda cobra relevancia como filosofía, cultura y arte propio de una región. En esta última línea, vale la pena resaltar el esfuerzo de Alida Boer con su firma Maria`s Bag (Guatemala) y Álvaro Núñez con su firma Autóctono (Costa Rica), quienes toman como base de creación la belleza del huipil y tejido boruca, endémicos de cada país, respectivamente, para crear bolsas únicas y de gran poder social. Se trata de productos sumamente bellos en cuanto a diseño, contenido y valor, los cuales al igual que el trabajo de muchísimos diseñadores más, requieren de una estrategia país que les permita competir con los precios, y canales de distribuciones de las firmas internacionales. Por ello, argumenta Forteza, el mayor reto del diseñador centroamericano está en la cadena de producción y en tener un volumen con capacidad de satisfacer una posible demanda internacional. Asimismo, la educación debe de extenderse al consumidor para transmitir el valor social y económico que hay detrás de cada pieza de diseño.

sarrollar grandes oportunidades. Solo hace falta desarrollar la estructura para producir en masa y suplir el mercado, rentabilizando los precios y potenciando la economía en cadena”, finaliza Forteza.

LA ERA DEL CAMBIO El proyecto The Grin Label es una iniciativa revolucionaria que nace en Costa Rica y propone cambiar la manera en la cual el consumidor elige y compra prendas de moda, gracias a una etiqueta que respalda un proceso de producción sustentable, evaluando factores como el origen de los textiles, tipos de materiales y embalajes utilizados, manejo de desechos, uso responsable de materiales de origen animal, así como la vida útil de la prenda. Lanzando una nomenclatura que se puede utilizar alrededor del mundo, The Grin Label crea un lenguaje universal que sirve para identificar las características de las prendas que consumimos y, al mismo tiempo, las etiquetas funcionan como validación para los diseñadores y todos los involucrados en la industria, que toman acciones para reducir o eliminar su huella ambiental y promueven condiciones de trabajo justas.

“La moda es un medio de expresión. Una manera de comunicar el entorno de quien la crea y de quien la viste”, asegura Forteza antes de resaltar la importancia que ha cobrado la filosofía del slow fashion y zero waste en el mundo, un binomio que prioriza la creación artesanal y sostenible, la cual puede dar ventaja al diseñador centroamericano. “El carácter artesanal, la identidad autóctona y el principio de sostenibilidad pueden impulsar la moda en la región. Lo que América Central tiene no se puede encontrar en otros países del mundo y por ello es necesario aprovechar ese marco para deFabrizzio Berrocal

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Lía Cohen

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Shantall Lacayo


Instagram: @grinlabel FOTO: Tomás Barquero

Los primeros diseñadores en incorporar las etiquetas en sus prendas fueron Esteban Cortázar (Colombia), Agatha Ruiz de la Prada (España), Efraín Mogollón (Venezuela) y Naeem Khan (Nueva York). Ellos fueron seleccionados por la calidad de sus diseños y por sus esfuerzos destacados, tanto ambientales como sociales. Un porcentaje de las ganancias de The Grin Label se destinará a apoyar el trabajo de NGO Rainforest Alliance, una ONG de impacto global que se dedica a temas de conservación y medioambiente. 

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ARTE: LA REALIDAD CONCEPTUAL Los humanos estamos demasiado acostumbrados al mundo. Incluso frente a muchos fenómenos extraños de la naturaleza o lo paranormal, nuestra capacidad de asombro ha ido perdiendo fuerza. Y no está mal, de alguna forma podría entenderse como un síntoma de evolución perceptiva, o de poder integrativo: serlo-que-vemos, o algo así. TEXTO: Luis Ramaggio, curador residente de Artlatinou.com. Fotos: Artlatinou.com

Closer III, Rafael Gaytan. Pintura Óleo sobre tela 100 x 170cm. Año 2014.

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Tu hablas yo repito, Alex Bolio. Serigrafía y acrílico sobre lona aulada 150 x 300cm. Año 2015.

Además de la racionalidad, nuestra cultura suele idealizar todo lo que se disfraza de objetividad, o certeza. Idolatramos la conceptualidad. Adoramos tener la razón. Al pensamiento le exigimos precisión y estructura. A las ideas, control. Somos una especie de animal-computador. Y por si fuera poco, moralista. Para nosotros los humanos, “humano”

es todo aquello que integra desde lo sensible, lo racional y lo moral; algo que (ruedo mis ojos hacia arriba) solo los humanos podemos. Los animales, no. ¿Y los dioses sí? Los humanos somos víctimas de nuestros cuerpos, y nuestros cuerpos son esclavos de la realidad. Sentimos, pensamos e interactuamos desde, por y para el cuerpo. Estamos equipados con un sistema de sensores capaces de leer diferentes dimensiones en los planos físicos de nuestro entorno, que generan en nosotros una noción de cómo es todo; casi todo. Porque en la relación de cuerpo y realidad, un pequeño problema emerge sin permiso: sentimos la presencia de una realidad invisible. ¿Tú no?

*Todas las obras están disponibles en artlatinou.com

El problema está en que nos gusta pensar que las cosas están ahí para nosotros y que somos el centro de todo lo que existe. Nuestra dificultad para reconocer la presencia del universo en un silencio, en la fusión de dos cuerpos, en la transformación de la luz o en el reposo de un animal ha desaparecido o se ha quedado en la sensibilidad de pocos. Esta condición tiene que ver con varias cosas: qué hacemos con nuestra intelectualidad, cómo manejamos nuestras percepciones y con nuestra voluntad de sentir, o ser sentidos. ¿Sientes cómo te sienten?

Desde los orígenes, los humanos hemos entablado una extraña relación con lo metafísico y sus constantes espontáneas y poderosas expresiones.

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La idea de que algo hay que no vemos (pero sentimos) ha generado muchas versiones explicativas e intentos de conexión con “el otro lado”. Y aunque muchos se concentraron en ejercicios de desdoblamiento metafísico o desarrollos de invocación divina (religiones, chamanismos y búsquedas esotéricas), otros decidieron codificar su interpretación de esas sensibilidades en un plano. Hoy le llamamos arte. ¿Pero qué ha sucedido con el arte y su relación con los humanos? ¿Por qué se ha distanciado de la cotidianidad? ¿Le tenemos miedo a lo que no entendemos? ¿El arte es caro? El arte es una necesidad básica para los humanos. Porque integra –inteligentemente– nuestras tres dimensiones existenciales; la espiritual, la mental y la material. A lo largo del tiempo, la producción artística ha debatido una agresiva lucha en contra de la obviedad y los sentidos elementales de lo estético. Lejos de proponerse a sí mismo como una alternativa ornamental (y aunque muchos lo interpretan y usan así), el arte es un dispositivo de accionamiento conceptual. Su acento discursivo puede estar en lo figurativo, lo abstracto, lo performativo, lo instalativo o lo simbólico, pero toda obra de arte es –tarde o temprano– conceptual. Ahí está la principal diferencia entre todos los seres vivos del mundo y nosotros, en el uso de los conceptos. A ver, imagina tu vida sin conceptos... Como una trampa seductiva, el arte nos llama a ser leído, decodificado o contemplado para finalmente hacer lo contrario: leernos a nosotros. Ante la obra de arte, todos somos vulnerables. Ya sea Noosfera 5, Nestor Quiñones. Gráfica 60 x 40cm. Año 2015. porque nos abduce o porque nos repugna, la obra de arte deja entrever la realidad personal del observador sin piedad. Las obras de arte son espejos conceptuales, pues en su lectura se genera un intercambio de comprensiones: aceptamos lo que entendemos, nos gusta lo que sabemos. Otra vez, somos lo que miramos. El poderoso efecto del arte está presente también en todo nuestro alrededor; el diseño, la arquitectura, la música, la literatura, el cine, la expresividad corporal, la cocina, la moda. Cada uno de nosotros emula una actitud “artística” cada vez que apelamos a la creatividad para expresarnos. Las redes sociales, que no son más que plataformas y canales para los diferentes tipos de comunicación humana, fungen como un motor de estimulación creativa, también. El acercamiento a la comprensión del arte se ha vuelto cada vez más natural, más directo. Las fronteras que aislaban el arte en impenetrables contextos y “munditos” snob, se acabaron. Actualmente existe una diversificación en el consumo del arte, los que compran por inversión, los que compulsivamente adquieren lo que desean, los que coleccionan desde el razonamiento, los que completan la discursividad de su hogar con acentos conceptuales, los que conectan con sensaciones a través de las obras, y los que lo consumen sin saberlo.

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TO ARTE CONCEPTUAL

Kuiper 1, Julia Carrillo. Tríptico 40 x 40 x 120 cm cada uno madera, espejos. Año 2015

Kuiper 1 y 2, Julia Carrillo. Tríptico 40 x 40 x 120 cm cada uno madera, espejos. Año 2015

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LUJO DESCALZO El nuevo destino wellness TEXTO: Carolina Villamonte. FOTOS: cortesía de la Oficina de Turismo de Maldonado y The Shack Yoga.

José Ignacio, un antiguo pueblo de Pescadores de la costa atlántica uruguaya, se ha convertido en uno de los balnearios más exclusivos de la región, sin perder el encanto que impone la naturaleza a su alrededor.

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TO LUJO DESCALZO

Hermosas playas oceánicas de grandes olas rodean a esta península, la luz de un tradicional faro advierte a los navegantes. Muy cerca del glamour de Punta del Este, a solo 40 kilómetros, en este sitio se respira paz.

de los bares de hoteles y posadas que dan a la arena. Al otro lado del balneario, en la Playa Brava, donde rompen las olas, se puede ir por un pejerrey frito o un pescado a la parrilla, platos típicos de este pueblo de pescadores.

Refugio interior Aquí, el gran lujo es la sencillez de lo auténtico. No hay ostentaciones, ni grandes despliegues de inversiones, y es precisamente eso lo que buscan los turistas que llegan a desconectarse y descansar. El mejor restaurante de Uruguay, el único que integra la lista de los 50 Best Restaurants de Latinoamérica, es un parador de playa. Claro, no es cualquier parador de playa. De madera rústica y techo de paja, el buen gusto se encuentra en cada uno de sus rincones y detalles. De hecho, ese es el estilo que prima en todo el balneario: aire descontracturado con un refinado gusto por lo rústico Entre hermosas casas, callecitas bien cuidadas y un aire salino que trae el viento, la visita puede comenzar por la plaza principal, donde cada febrero se organiza la feria gastronómica en la que, al atardecer, restaurantes de la zona proponen un menú en los distintos stands. Alrededor de la plaza se encuentran varias tiendas, cafecitos, restaurantes y galerías de arte. Hacia el oeste, la Playa Mansa o de los Pescadores regala los mejores atardeceres sobre el mar que se pueden acompañar con un rico trago en algunos

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En ese entorno de paz y conexión con la naturaleza, la cultura por la vida sana y el bienestar del cuerpo y el alma encuentra su mejor lugar. The Shack Yoga es un refugio para ir a conectarse, apagar el celular y estar con uno mismo. La neoyorkina Isabella Channing es quien en 2013 abrió este espacio para explorar nuestro mundo interior y despertar la conciencia mediante prácticas de yoga, meditación y masaje terapéutico. Allí se dan clases y talleres de Vinyasa, Ashtanga, Kundalini, Kaladanda, Yin Yoga. También se organizan retiros y encuentros orientados a temas vinculados con la salud y el bienestar, como Yoga para la familia y Mindfulness, y conciertos con cuencos tibetanos o cantos devocionales y mantras. “Siento que lo que estoy proponiendo es otro vínculo con uno mismo, para sentir mayor bienestar. Cada persona está en su proceso, en su proyecto, en constante transformación. La idea es tomar contacto con el momento de nuestro proceso y llevar el enfoque hacia adentro”, dice esta instructora certificada en Jivamukti Yoga, que lidera un equipo de profesores de distintas corrientes y experimentados masajistas terapéuticos.


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JosĂŠ Ignacio, Uruguay.

The Shack Yoga.

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TO LUJO DESCALZO

Además de enseñar en José Ignacio, Isabella ofrece clases particulares y a grupos en Nueva York, The Hamptons y se asoció con One Ocean Yoga para crear un estudio de yoga en el viñedo de su familia, Channing Daughters Winery en Bridgehampton, Nueva York, donde creció. Su madre, uruguaya, murió cuando ella era niña y siempre sintió este país muy cercano, porque era donde pasaban largos veranos y fines de semana en familia. Entonces, decidió crear un proyecto que la retuviera la mitad del tiempo en Uruguay. Invitó a una amiga a abrir un estudio de yoga, su pasión y motor, la filosofía que le ha marcado el camino en su vida, en un lugar que ella siente como su hogar. El espíritu de The Shack abarca mucho más que el yoga, la meditación y la sanación energética. Según Isabella, es un estilo de vida. Por eso en su espacio también hay una boutique que invita a vestirse y comer conscientemente. En sus estantes y percheros se encuentran tejidos en lana merino, algodón orgánico y telar (como frazadas, ponchos y artesanías), japa mala (collar de cuentas de madera para contar el número de repeticiones de un mantra) y productos hechos a mano. También hay una barra de jugos y comida sana. De esta manera, José Ignacio recibe, amable y tranquilo, a sus visitantes tanto en verano como en otoño e invierno, porque el frío también tiene su encanto.

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Isabella Channing, propietaria de The Shack Yoga.

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Nevado 124 Salcantay, PerĂş.


DE CORDILLERAS Y ALTIPLANOS TEXTO: Marjorie Espinal. FOTOS: Pablo Cambronero, Esteban Chinchilla y Carlos Hurtado.

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A través de un documental de fotografía colectiva, recorremos distintos paisajes y realidades desde el centro hasta el sur de América. “Ese vagar sin rumbo por nuestra “Mayúscula América” me ha cambiado más de lo que creí. En cualquier libro de técnica fotográfica se puede ver la imagen de un paisaje nocturno en el que brilla la luna llena y cuyo texto explicativo nos revela el secreto de esa oscuridad a pleno sol, pero la naturaleza del baño sensitivo con que está cubierta mi retina no es bien conocida por el lector, apenas la intuyo yo, de modo que no se pueden hacer correcciones sobre la placa para averiguar el momento real en que fue sacada. Si presento un nocturno créanlo o revienten, poco importa, que si no conocen personalmente el paisaje fotográfico por mis notas, difícilmente conocerán otra verdad que la que les cuento aquí. Los dejo ahora conmigo mismo; el que fui...” – Ernesto Che Guevara, Notas de Viaje.

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Playa Nosara, provincia de Guanacaste, Costa Rica.

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TilarĂĄn, provincia de Guanacaste, Costa Rica.

Reserva natural El Charco del Ingenio, San Miguel de Allende, MĂŠxico.

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Isla del Sol, Bolivia.

Playa Bejuco, Costa Rica.

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TO DE CORDILLERAS A ALTIPLANOS

Huancachina, Perú.

Puno, Perú. 129


TO DE CORDILLERAS A ALTIPLANOS

Retrato de joven durante festividad en Yanque, en la región Arequipa, Perú.

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Minas de sal de Maras, Urubamba, Perú.

Winikunka, Montaña de Siete Colores, Perú.

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EL HOMBRE DIVERTIDO Andrés Brenes, arquitecto TEXTO: Alejandro Franco. FOTOS: Sarah Yunker.

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Casa Solangelo, Tulemar.

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Estar en el medio de cualquier hábitat de la naturaleza es algo que puede ser tan hermoso como aterrador para muchos. La inmensidad, la realidad física avasallante y un fragmento de lo más hermoso que podemos ver en el planeta.

Retrato por Jesús Vargas.

La residencia de Andrés Brenes es justo eso; un ecosistema por sí solo que integra figuras, espacios y hasta materiales industriales que se unen de manera armoniosa, casi de ensamble, con el verde intenso de la selva de Costa Rica, muy cerca de la playa y el Parque Nacional Manuel Antonio.

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Andrés Brenes, además de ser una referencia para la arquitectura contemporánea de Centroamérica, empieza a ser un foco de atención para otros mercados, como el de Miami, que fácilmente adaptará su estilo por primera vez en un nuevo proyecto por desarrollar. Por si fuera poco, Andrés es un extraordinario ser humano, directo, honesto, vanguardista y, como él mismo se define, parafreaseando a Wilfrido Vargas: “un hombre divertido”. Casa Solangelo, Tulemar.

Costa Rica tiene dos costas, una es Atlántica y la otra es Pacífica. Ubicado en la localidad de Quepos (Pacífico Central), Manuel Antonio es el Parque Nacional más visitado de todo Costa Rica, que llama a los turistas con su mágica naturaleza. En esta región, hay aproximadamente 58 000 hectáreas de bosque protegido y todas las urbanizaciones están registradas como urbanizaciones de reforestación y sustentabilidad. Todos los hoteles y construcciones están básicamente inmersos en la selva. La espectacular playa de Manuel Antonio se vuelve entonces un punto estratégico del país, anteriormente, a inicios de los años 40, Quepos era un bastión para la exportación de banano. Casa Solangelo, Tulemar.

Casa Solangelo, Tulemar.

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Casa Solangelo, Tulemar.

La United Fruit Company fundó esta ciudad aproximadamente en 1938; es una de esas llamadas Banana Country, por lo que aún vemos todas las construcciones que aun permanecen en las afueras de la localidad. Hay algunos pueblitos, fincas bananeras, pero se ha convertido en un lugar, mundialmente prestigioso para los vacacionistas naturalistas. Se vuelve, entonces, un sitio en donde hay hoteles que acaban de ganar el #1 en Trip Advisor a nivel mundial, y en los cuales Brenes ha tenido la oportunidad de participar con su firma.

A.F: Algo que me encanta del trabajo que haces es la implementación arquitectónica en el desarrollo de proyectos en el medio de zonas naturales, como en el medio de un barranco, en el medio de un bosque, en el medio de una jungla; de forma sustentable, de una manera en que se pueda llevar a cabo

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pero también de una manera totalmente en armonía con lo que ocurre y, sin embargo, funcional. A.B: Costa Rica es uno de los 20 países del mundo con mayor biodiversidad, entonces nosotros tenemos que proteger esto. Estamos tratando de proyectarnos hacia el resto del globo como un país respetuoso, armonioso, que debe considerar estas variables para poder construir, desarrollar y diseñar. El ser humano es más feliz en tanto esté en mayor contacto con la naturaleza porque es nuestro medio, lo verde y el bosque. Decidimos vivir en ciudades en algún momento de la historia, simplemente por protección, y aquí la única protección que tendríamos que tener es del medio, de las inclemencias de la lluvia especialmente, pues tenemos una


TO EL HOMBRE DIVERTIDO

precipitación muy alta, contamos con una humedad mayor al 100%. Los techos entonces se convierten en una parte muy importante dentro de la proyección arquitectónica, la geometría como tal, por lo que he tratado de implementar algunos tipos de geometría humana: alturas normales, siempre generando que el ser humano sea el pilar fundamental del diseño. Mi planteamiento es muy sencillo, siempre he pensado en una arquitectura muy simple y muy llana, la arquitectura nos tiene que contener a nosotros, como nosotros contemos nuestro corazón y, debemos sentirnos así, familiarizados con la arquitectura.

Casa Solangelo, Tulemar.

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Casa Solangelo, Tulemar.

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Una ola de audacia nueva crea espacio para el pensamiento libre.

¿QUÉ SIG

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GUE?

La respuesta a las preguntas del futuro. 139


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UN NU TIPO D MOVIL ELÉCTR 142


UEVO DE LIDAD RICA 143


EL SIGUIENTE GRAN PASO: EL ES MOVILIDAD MODERNA COMO PARTE DE UN ECOSISTEMA PERFECTO.

TEXTO: Birte Mußmann. FOTOS: Jan van Endert. CGI/POST-PRODUCCIÓN: RECOM

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TO UN NUEVO TIPO DE MOVILIDAD ELÉCTRICA

Nuestra movilidad se encuentra en un estado de incertidumbre. Los macrodatos, la digitalización y la conectividad se han vuelto palabras de moda en esta transformación. Tiene mucho que la movilidad evolucionó de la mera transportación de punto A a B. Hoy en día, los vehículos se han convertido en dispositivos móviles que respaldan a los conductores en una amplia gama de condiciones. Y en este proceso de cambio, varios sistemas alternativos están teniendo Con su estrategia un papel vital. La movilidad eléctrica es uno de los pilares que soportan las so- corporativa “Audi. luciones del mañana—una que permita el manejo local libre de emisiones. Está Vorsprung.2025.”, adquiriendo relevancia en la sociedad—no sólo como una opción viable para Audi es el líder en el viajes cortos, sino para largas distancias gracias a los desarrollos tecnológicos ac- cambio impulsado tuales y la creciente infraestructura. Es sutil pero avanza firmemente en cuanto a por la digitalización, dinámica y desempeño. En estos tiempos de cambio, Audi lanza su ofensiva para la sostenibilidad y la fomentar una gama de opciones que incluyen la conducción eléctrica. El nuevo urbanización. Audi e-tron, el modelo de producción completamente eléctrica de los cuatro aros, representa la primera incursión en este campo como un embajador de innovación para la movilidad del mañana. Con esta estrategia, la compañía no sólo se concentra en el vehículo, sino también en el panorama más amplio. Este electrizante SUV está integrado a un ecosistema que cubre una amplia gama de soluciones de carga públicas y privadas, junto con otros servicios a la medida. Consumo de energía eléctrica total del Audi e-tron (en kWh/100 km*): 26.2–22.5 (WLTP); 24.6– 23.7 (NEDC). Emisiones de CO² totales (en g/km): 0 (*Los rangos de consumo de energía eléctrica/combustible y emisiones de CO² dependen del nivel del equipo.) 145


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TO UN NUEVO TIPO DE MOVILIDAD ELÉCTRICA

SU SONIDO ES UNA DE PODER Y TONOS SUTILES.

Y no sólo es impresionante el ecosistema que rodea al Audi e-tron, sino también su desempeño: Este SUV avanza indudablemente al ritmo de la movilidad eléctrica. Detrás de su presencia, sutilmente audible, se encuentra un sistema de transmisión de alto impacto. Sus dos motores eléctricos—uno para el eje frontal y otro para el posterior—generan una salida total de 265 kilovatios, los cuales se pueden incrementar hasta 300 kilovatios, por cortos lapsos de tiempo. Esto significa que el Audi e-tron puede llegar a los 100 km/h en solo 5,7 segundos. Su transmisión te impresionará instantáneamente al sentir su atracción en movimiento. Para llegar a este nivel de desempeño, el vehículo debe estar adecuadamente recargado, que es donde entra el ecosistema. La batería de ion de litio debajo de la cabina puede almacenar hasta 95 kilovatios-hora de energía. Cuando está completamente cargado, posibilita un rango máximo de 400 km en un ciclo de prueba WLTP*. El Audi e-tron es al auto de producción de primera serie técnicamente diseñado para una capacidad de carga de hasta 150 kilovatios. Además, el SUV se puede cargar en movimiento con corriente directa (CD, hasta 50 kilovatios) o corriente alterna (CA)— hasta 11 kilovatios de manera estándar, y hasta 22 kilovatios en 2019, con la ayuda de un segundo cargador disponible de manera opcional a bordo (OBC). 149


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LOS PARA EL AUDI E-TRON AUMENTAN LA COMODIDAD Y LA FLEXIBILIDAD.

Puedes planear un viaje en marcha con la ayuda de la aplicación móvil myAudi o directamente en el sistema de navegación integrado del Audi e-tron. Como parte del paquete de Navegación & Info-entretenimiento, el planeador de ruta viene como estándar por tres años y se puede extender sujeto a cargos. En ambos casos, se muestran la ruta óptima y las estaciones de recarga requeridas. Además del nivel de carga de la batería, el planeador e-tron toma en cuenta las condiciones de tráfico y calcula en tiempo de llegada incluyendo el tiempo de carga necesario. Las credenciales de uso del Audi e-tron son tan innovadoras como progresivas. El auto personifica el lenguaje de diseño de la compañía fusionado con las características de Ur-quattro, visualmente destacadas por los relieves de las salpicaderas y reflejadas en los suaves contornos del Audi e-tron. Hacen su debut los espejos exteriores virtuales opcionales en el modelo de producción Audi. Comparado con los espejos estándar, estos espejos virtuales, son más angostos y reducen el ancho del vehículo por 15 centímetros. Se emplean cámaras integradas en los soportes de las llantas. Dentro del auto, las imágenes se muestran en pantallas OLED ubicadas en la interfaz entre el panel y la puerta. Una función táctil permite que el conductor haga varios ajustes a la pantalla, como la posición de

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TO UN NUEVO TIPO DE MOVILIDAD ELÉCTRICA

   I NNOVADORA QUE ABRE LA PERSPECTIVA DEL PORVENIR.

la imagen, o acercar o alejar la imagen. El sistema de Navegación MMI brinda la opción de tres diferentes vistas para diferentes condiciones de manejo, para la autopista, vueltas y estacionamiento. Estos espejos virtuales no sólo están diseñados para la era de la digitalización. También mejoran la seguridad porque reducen los puntos ciegos comparado con espejos estándar. Su diseño también tiene aero-acústica máxima para la comodidad de manejo. Más importante aún, también hay ventajas en otra área de la movilidad eléctrica: la aerodinámica. Junto con otros factores como la resistencia e inercia, esto tiene un impacto fuerte en el rango del vehículo, por eso la importancia del coeficiente de resistencia. Reduciéndola a una centésima, el rango por 5 km se extiende en el perfil de uso normal. El coeficiente de resistencia del Audi e-tron es 0.28. Con los espejos virtuales opcionales, se reduce a 0.27. Este valor se logró al sacar las medidas aplicadas a varias secciones del cuerpo. Los innovadores espejos virtuales son un factor, pero la suspensión de aire adaptable también tiene un papel importante: Desde velocidades de 120 km/h, esta tecnología baja el cuerpo del vehículo 26 milímetros de su altura normal. La parte frontal del auto también está optimizada por las dos rejillas detrás de la rejilla principal Singleframe, que se activan con pequeños motores eléctricos.

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TO UN NUEVO TIPO DE MOVILIDAD ELÉCTRICA

EL AUDI E-TRON ES UN DIGITAL.

La unidad de control de poder puede cerrar su toma de aire en varios rangos de manejo para que el aire fluya sobre el toldo. La tecnología de vanguardia es también lo que define el diseño interior del e-tron. Lo que es más, el tablero curvo del Audi e-tron combina la facilidad de uso con un enfoque nítido. Extendiéndose en una curva sutil, envuelve el panel de instrumentos con líneas horizontales pronunciadas que alcanzan los paneles escultóricos de las puertas. El tablero integra de manera armoniosa el toldo sobre la cabina virtual Audi, cuya pantalla está visualmente enmarcada como si estuviera suspendida, así como las pantallas de los espejos opcionales. Con sus pantallas sutilmente inclinadas hacia el piloto, la respuesta táctil opcional MMI se trata de la digitalización y, a pesar de la sofisticada tecnología, busca una apariencia minimalista. Gracias a las pantallas táctiles, sus controles análogos son (casi) cosa del pasado. Controlado por gestos táctiles, la tecnología táctil MMI es tan intuitiva como un teléfono inteligente. El sistema brinda retroalimentación en forma de señales visuales y acústicas. La digitalización se extiende más allá del mismo vehículo gracias al módulo de datos, que permite que el sistema de conexión Audi (estándar en los primeros tres años, y después extendido sujeto a cargos) se conecte al internet. Esto les brinda al conductor y al sistema interno acceso a información en tiempo real, como estacionamientos disponibles y otras notificaciones. 159


audi.com/e-tron

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La presencia de la digitalización se irá haciendo más fuerte en los todas las concesionarias de Audi. El Audi e-tron brinda hardware y software relevante. El software especializado se puede activar a petición: mensualmente, anualmente o por toda la vida útil del Condiciones extremas: vehículo. A diferencia del software de las computadoras, que ofrecen peSe probaron varios riodos de prueba. En este caso, serán como paquetes de iluminación o prototipos de Audi funciones multimedia. Detrás de estas innovaciones, hay un claro mensaje e-tron en la Laponia sobre la dirección en la que la movilidad del futuro está evolucionando: ya sueca. El diseñador pasó la época en la que los clientes compraban un vehículo con un nivel de pistas, Lenny y su de equipamiento permanente. La movilidad de alta tecnología requiere equipo, se encargan de flexibilidad en todas las áreas. Las capacidades digitales y de conexión son ofrecer las condiciones una necesidad. En todo momento, en todo lugar. Y satisfacer todas estas de hielo perfectas. necesidades requiere más que un vehículo moderno. Requiere todo un ecosistema, como el ecosistema de Audi e-tron. 


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BY THE WAY

CENTRAL Y EL ALMA

Cenando en el mejor restaurante de Lima TEXTO: Klaus Steinmetz. FOTOS: cortesía restaurante Central.

EMPEZABA LA CARTA CON HUARANGO Y SARGAZO, DESPUÉS LOCHE, KIWICHAS, COCONA, OLLUCO... PERO CUANDO IBA A PEDIR UN DICCIONARIO, REACCIONÉ: DECÍA MIRÓ QUE EL ARTE NO ES PARA ENTENDERLO, SINO PARA GOZARLO. Y, a pesar de que varios de los once pasos que componen el menú de degustación Alturas Mater venían acompañados de un ejemplo del vegetal que había sido sometido a metamorfosis, uno muy pronto entiende que debe rendirse y dejar que el chef Virgilio Martí-

Instagram: @centralrest

nez juegue con tus sentidos, en un viaje sicodélico de texturas, sabores y colores, a lo largo de los micromundos de cada altitud, del mar a la selva, de la selva a los Andes. La definición más elemental de la propuesta es viajar a la dimensión paralela del Perú, aquella en que se oculta la materia en una variedad de formas, a la espera de ser descubiertas por el gastrónomo. Vegetal o animal, Central es el último episodio de un largo viaje de exploración.

Con curiosidad de Humboldt, el chef y sus cómplices auscultan cada nueva especie y tratan de imaginar cuál es el proceso o la compañía que merece en el plato, al punto que crearon Mater, la iniciativa dedicada a solo eso: investigar cada rincón del país y evitar que se pierda el conocimiento botánico ancestral. Mater tiene una sede importante en Moray, justo allí donde la realidad se tergiversa, adosada a otro comedor del proyecto: MIL, a una hora de Cusco y 3 mil quinientos metros de altura, para una inmersión total.

El nuevo Central, mucho más suntuoso que el de Miraflores, está en Barranco. Allí mismo la esposa del chef, Pia León, abrió Kjolle, una propuesta con la que desarrolla su propia poesía culinaria.

Audi Regional Office Director General: Francisco Torres Villegas. Dirección de Marketing: Maru Larracilla. Editor Ejecutivo: José Carlos De Mier. The Audi Magazine International Editor: AUDI AG, I/VM-2, Creation/Sales Media, 85045 Ingolstadt. Director de Proyecto: Anja Weinhofer. Coordinación y Edición: Vera Kraus, Sarah Stemmler. Concepto: Loved Gmbh en colaboración con Mirko Borsche. Editor Jefe: Bernd Zerelles. Editores: Jan Strahl, Birte Mußmann. Corrección de Estilo: Timo Ahrens, Andreas Feßer. Dirección Creativa: Mirko Borsche. Dirección de Arte: Julia Kerschbaum. Coordinación: Daniela Sutter. Internacionalización: Ilker Yilmazalp. Editor Fotográfico: Peggy Wellerdt. Adaptación y Concepto Latinoamérica: WARP Editorial, división de Grupo Sentido. www.gruposentido.com Director Ejecutivo: Alejandro Franco. Editora en Jefe: Marjorie Espinal. Dirección de Arte: Oscar Sámano. Diseño y Arte: Valeria Picón. Traducción: Sonia Saulés. Business Affairs Centroamérica: Alex Quirós aquiros@sentido.com.mx Impresión 162 y distribución: Grupo Cerca. www.grupocerca.com


SEPTEMBER 14TH 2019 - BODEGAS DEL VALLE - VALLE DE GUADALUPE, ENSENADA, BAJA CALIFORNIA, MÉXICO

MUSIC LINEUP (LIVE ACTS)

UNKLE / THIEVES LIKE US / KERALA DUST DANCE SPIRIT / SANTOS & ZURDO / BUENA TARDE MATTHEW DEAR / SHARAM / MIAMI HORROR DJANGO DJANGO / KALABRESE / ALEJANDRO FRANCO ANABEL ENGLUND / FRIKSTAILERS / ARTHUR BAKER / SIM0NIMO (DJ SETS)

FOOD LINEUP

DREW DECKMAN / DANTE FERRERO / EDO KOBAYASHI GROUP MARCO CARBONI / LUIS VALLE / FABIÁN DELGADO RESTAURANT) BIANCA CASTRO-CERIO / FELIPE ARIZABALETA “RAYO” / LUIS OSUNA / FUEGO (POP-UP SHEYLA ALVARADO BTOACBAKCK JOSÉ FIGUERA / CULTO CACAO / BODEGAS DEL VALLE (KITCOLLCHENAB )

FEATURING SELECT WINES FROM THE REGION GUA DA LUPEVA LLEYFE STIVA L.C OM #GPEVA LLEYFE ST

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AUDI Magazine Latinoamérica 2019  

AUDI Magazine Latinoamérica segunda mitad de 2019.

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