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PHOTOLENS MAGAZINE Junio 2013 Nº 1 30,0 BsF.

Entrevista con:

Leila Amat

Consejos para enfoques perfectos

2013

Fotografía nocturna

Mantenimiento de lentes y zoom


Editorial

Las fotografías engañan al tiempo, suspendiéndolo en un trozo de cartón donde el alma queda bocabajo, decía” Desde que somos pequeños, la fotografía nos acompaña. ¿A cuántos no nos tomaron fotografías de niños? ¿La fiesta de cumpleaños? ¿La presentación de la escuela? Todos estos momentos que forman parte de nuestra historia de vida fueron plasmados por ese pequeño dispositivo que juega con las luces y formas para imprimir una imagen. Capturar imágenes y fijarlas en un material sensible a la luz es la definición más simple del proceso fotográfico. Pasar luz a través de un pequeño agujerito y luego proyectarlo en un rollo de acetato. Así de fácil es crear una fotografía. Al enfocar el lente y sostener la cámara, ésta se convierte en una extensión de los ojos del fotógrafo. Es aquello que él está viendo lo que se plasmará en la fotografía. Es el espíritu del fotógrafo el que se queda en la imagen. Bien se dice por ahí que una fotografía no se toma, sino que se hace. Encontrar aquellos momentos ideales para crear la imagen perfecta no es una tarea fácil. Existe la fotografía de principiantes que realizamos por simple curiosidad, también aquella que cuenta una historia y otra más que se realiza como actividad profesional. Todas ellas forman parte del capturar instantes de una forma que ni la pintura ni el cine pueden lograr. La fotografía nos permite plasmar un instante para siempre, trasladar nuestras memorias al papel. Esta semana, Photolens dedica su edición esta actividad: el arte de encontrar belleza en la realidad y componerla en una imagen. En la cultura Chamula se cree que la cámara es capaz de robar el alma. Nosotros coincidimos en cierta forma, hacer una fotografía es tomar el alma de la realidad y plasmarla en una imagen.

Las fotografías engañan al tiempo, suspendiéndolo en un trozo de cartón donde el alma queda bocabajo, decía

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Indíce La Guía Perfecta para Limpiar tus Filtros y Objetivos Fotográficos ....................................... Pág. 4 Fotografía Nocturna de Larga Exposición .............. Pág. 6 Disparadores Remotos Inalámbricos Para Flash...... Pág. 10 Aprendiendo de Los Grandes. Leila Amat............... Pág. 13 Los 5 Consejos De Phil Steele Para Lograr Enfoques Perfectos En Tus Fotografías................... Pág. 20 Mejora tu Composición Conociendo los Pesos Visuales de tus Imágenes.............................. Pág. 22

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La Guía Perfecta para Limpiar tus Filtros y Objetivos Fotográficos La pesadilla de cualquier fotógrafo es, más tarde o más temprano, tener que limpiar el objetivo de su cámara. Si utilizas filtros, el problema se traslada también a estos accesorios. Seguro que te surgen preguntas como “qué necesito para limpiar mi objetivo? ¿Me sirve cualquier cosa? ¿Cuál es la mejor manera de hacerlo? ¿Cómo de delicados son los objetivos? ¿Qué riesgos asumo al limpiarlo? Si alguna vez te ha surgido esta inquietud, sabrás de lo que hablo. Y si aún no te ha surgido, lo necesitarás antes o después. Así que, no te pierdas qué necesitas para limpiar tus filtros y tus objetivos y cómo hacerlo.

El entorno de trabajo

Hay dos elementos básicos a contemplar a la hora de elegir el mejor entorno para realizar nuestra limpieza. Debemos trabajar en un entorno limpio, sin polvo, de modo que el trabajo de limpieza que estamos realizando no se enturbie por la suciedad del propio entorno. También es importante que el entorno cuente con buena luz, de modo que podamos ver claramente si estamos realizando un buen trabajo de limpieza o si, por el contrario, nos estamos dejando el trabajo a medias.

El equipo de limpieza 1. Alcohol isopropílico Existen distintos productos que puedes utilizar para limpiar tanto los filtros como los objetivos, y aunque hay opiniones para todos los gustos, parece que un producto ideal para hacerlo es el alcohol isopropílico. Se puede encontrar en establecimientos especializados como farmacias o almacenes de productos de limpieza, pero muchas veces puede resultar algo complicado de conseguir. Si te encuentras con problemas para dar con él puedes buscar algún otro producto alternativo. En este hilo de Ojo Digital se habla del tema, planteandose productos que puedan sustitutir al alcohol isopropílico y sitios donde se puede encontrar. 2. Perilla de aire Aunque hay soluciones profesionales de fabricantes asociados a la fotografía, también existen soluciones clásicas y más económicas que puedes encontrar también en las farmacias. Así que, en función de lo que quieras gastarte en tu equipo de limpieza, tienes opciones específicas como la pera de aire Giottos Rocket Air, probablemente la más utilizada, o una pera de aire genérica de las que se encuentran en venta en cualquier

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farmacia y de la que ya te habláramos en el artículo que publicamos en su día para ayudarte a limpiar el sensor de tu cámara réflex. 3. Gamuzas de microfibra Ese tipo de gamuzas con las que se limpian las gafas. Las podemos encontrar en cualquier óptica y probablemente también las puedas encontrar en tiendas de fotografía especializadas. Es recomendable contar con un par de gamuzas, ya que utilizaremos una para aplicar el alcohol isopropílico y la otra para secar posteriormente. 4. Pincel Utilizaremos un pincel de cerdas sintéticas, blando, y con una anchura entre 1 y 2 centímetros. Podrás encontrarlo en tiendas de bricolaje o tiendas de manualidades. 5. Guantes Puedes utilizar unos guantes de latex, también de venta en farmacias. El propósito de utilizar guantes es doble. Por un lado,te permitirán no dejar huellas si accidentalmente tocas el filtro o el cristal del objetivo accidentalmente. Por otro, y más importante,mantendrás las manos a salvo del productoque finalmente utilices para limpiar. Algunos guantes de latex de las farmacias vienen con


El Proceso Paso 1. Soplado con la pera de aire Lo primero que haremos es eliminar partículas que pudieran estar depositadas sobre el filtro o sobre el objetivo y que pudieran rayar cualquiera de los elementos si frotamos sobre ellos.Para eliminar estas partículas del filtro, sujetaremos el filtro con una mano y la pera de aire con la otra, soplando c on la pera inclinada 45 grados, de un lado a otro, desde el centro hacia los lados. Daremos la vuelta al filtro para limpiarlo por el otro lado repitiendo la misma operación y, si no estamos satisfechos con el resultado, podemos repetir el proceso de nuevo por ambos lados. En el caso del objetivo el proceso es el mismo, y es importante limpiar también la tapa del objetivo para que las posibles partículas que contenga no se depositen de nuevo sobre la lente al poner la tapa.

Paso 2. Limpieza con el pincel

Paso 3. Limpieza con el líquido

Una vez hayas soplado a conciencia con la pera de aire, ha llegado el momento de limpiar con el cepillo. En suaves pasadas, sin presionar, ve repasando la superficie en movimientos circulares, del centro a los extremos. A continuación repasa los bordes limpiando hacia fuera, para sacudir las partículas que hubieran podido quedar en el borde. Repise el proceso por los dos lados del filtro y en el objetivo, repasando también la tapa.

Una vez hayas realizado una ispección ocular y comprobado que no hay partículas visibles que puedan rayar el filtro o el objetivo, ha llegado la hora de limpiar con el líquido. Para ello vamos a mojar un poco una de las gamuzas con el isopropílico. De este modo controlaremos la cantidad de líquido que utilizamos. Con la gamuza mojada, ve limpiando la superficie con movimientos circulares, de dentro hacia fuera. Repasa bien los bordes, que es donde se suele acumular el polvo, y realiza tantas pasadas como necesites, hasta que veas que tanto el filtro como el objetivo están limpios. Una vez lo hayas repasado bien, coge la segunda gamuza y seca bien el filtro por los dos lados. Lo mismo cuando limpies el objetivo. Ya solo queda mirar bien el filtro y el objetivo para comprobar que ha quedado perfectamente limpio.

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Fotografía Nocturna de Larga Exposición: Un Interesante Ejemplo de Lightpainting con Pirotecnia

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entro de la fotografía nocturna existe la disciplina cada vez más conocida del lightpainting en la cual llevamos 2 años investigando y aprendiendo cada vez más de las múltiples herramientas de podemos utilizar con esta técnica. Sin duda una de las más espectaculares es la pirotecnia, de la cual queremos hablar hoy.

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El Uso de Pirotecnia en Fotografía Nocturna

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l uso de pirotecnia para nada es nuevo y lo vemos muy a menudo en fotografías pero muchas veces los efectos vienen siendo los mismos, lanzabolas y cohetes al aire (muy espectaculares) y hacer girar fuentes de luz y lana de acero para crear abundantes chispas, nosotros hemos querido darle una vuelta de tuercas más y utilizar varios de tipos de pirotecnia a la vezde un modo algo diferente y que no resulte tan monótonos. La idea de esta fotografía era recrear de algún modo una escena de la saga ResidentEvil, buscamos una localización en ruinas alejada de toda contaminación lumínica y tratamos de recrear un ambiente de caos y destrucción ayudándonos de los efectos que nos ofrece la pirotecnia, contamos con la colaboración de Saúl Sanchez y de la modelo Blanca Ninwen, la cual se prestó a fabricar ella misma el vestuario de la protagonista, el arma es un réplica de la AK47, impresionante pero muy pesada algo que presentaba sus dificultades puesto que nuestra modelo tuvo que mantenerse quieta durante toda la toma.

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¿Materiales utilizados? En este caso hemos contado con 3 tipos de efectos 1º Para la puerta de la izquierda hemos utilizado lana de acero, atamos un poco de este material a una cadena metálica y dándole fuego y haciéndolo girar desprende esas chispas para muchos ya conocidas en el mundo de la fotografía nocturna.

3º Antorchas de parafina, estas antorchas también las venden en tiendas de pirotecnia las encendemos y nos presenta un efecto llama real de larga duración, con ellas hemos iluminado los arcos de la derecha haciendo pasar la llama por el perfil de cada arco, también hemos iluminado con esta herramientas cada ventanita de forma cuadrada que se observa muy al fondo detrás de nuestra encantadora modelo, 2º fuentes de luz (cracker), son las típicas fuen- importante tener preparado un trapo húmedo tes que venden en las tiendas de petardos que para poder apagarlas después de usarlas. sitúas en el suelo y prendes la mecha para ver un efecto de chispas de varios colores. En este Para el relleno de luz de la escena (no debecaso nos hemos colocado detrás de las colum- mos olvidar que estamos trabajando con plena nas de la izquierda para dirigir estas chispas oscuridad), hemos usado 2 linternas de gran hacia los lados para recrear un ambiente de potencia, más adelante explicaremos porque destrucción. necesitamos tanta potencia.

¿ Qué debemos tener en cuenta cuando utilizamos pirotecnia? 1º Lo principal siempre es precaución, jamás debemos usarla en los meses con riesgo de incendio, es muy fácil hacer arder los pastos y hierbas secas, además está totalmente prohibido. Utilizarla siempre en invierno y en entornos húmedos mucho mejor, también debemos tener cuidado con nuestra integridad física, usar guates gorro y ropa que no pueda arder con facilidad 2º La pirotécnica es de alta luminosidad eso nos obligará a configurar la cámara de un modo que permita entrar poca luz para que nuestros efectos no aparezcan "quemados" En esta ocasión hemos utilizado un ISO 125 y hemos tenido que cerrar el diafragma a F11 para no encontrarnos con una escena sobrepasada de luz. Ahora es cuando entra en juego la potencia de nuestras linternas, al cerrar tanto el diafragma (f) con una linterna de poca potencia no podríamos iluminar la fachada, el suelo, nuestra modelo y esa pequeña ratita medio escondida en la toma situada en las escaleras. Hemos utilizado 2 linternas potentesLedLenser de luz fría para darle contraste a la escena de tonos cálidos. 8

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Necesitamos esa potencia para poder iluminar de forma rápida nuestra escena y sobre todo a nuestra modelo con apenas una pasada de linterna de forma cenital y lateral, cuanto más tiempo estemos iluminando más fácil será que se mueva y aparezca movida. Para esta toma hemos empleado 474 segundos en los cuales Blanca (nuestra modelo) tuvo que estar quieta, el arma lo tiene apoyado en su cintura aun así, durante la toma tuvimos que apagar todo y sujetar el arma nosotros unos segundos para que pudiese descansar, queremos destacar su esfuerzo por mantener la pose de una forma casi perfecta únicamente se ve algo de movimiento en su brazo derecho, podéis comprobarlo viendo ese borde de negro que se ha creado, aun así todo un logro. Esperamos que os haya gustado y os animéis a probarlo, para usar este tipo de herramientas de luz solo tenéis que practicarlo en lugares seguros, conocer los efectos que nos ofrece cada fuente de luz y configurar la cámara con ISOs bajos y diafragmas cerrados para no sobrexponer nuestros trabajos. A partir de ahí ya solo queda tener creatividad y buenas ideas.


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Disparadores Remotos Inalámbricos Para Flash: Descubre Las 4 Mejores Opciones Del Mercado.

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a ha llovido mucho desde que el concepto Strobistsaltó a la palestra y muchos fuimos como locos a adquirir los componentes básicos para disponer de nuestro propio equipo, ¿verdad? Ha llegado el momento de modernizarse, o de comenzar (si nunca antes lo has probado), así que te voy a proponer 4 interesantes alternativas de disparador remoto inalámbrico para tus flash entre las que puedes elegir. ¿Quieres conocerlas?

Yongnuo CTR-301P: Mi Disparador Remoto Actual Como te comentaba en el inicio del artículo, yo ya parto de un equipo básico Strobist con un emisor y tres receptores de la marca Yongnuo CTR-301P. El kit básico de emisor y receptor lo puedes encontrar por menos de 18 Euros. Un disparador realmente barato y al que apenas he podido poner pegas funcionales en los 3 años que lleva conmigo. Sin embargo, ha llegado el momento de dar un paso adelante y el receptor es el primer accesorio que he decidido actualizar. ¿Por qué? Pues porque, como veremos a continuación, existen fantásticas alternativas en el mercado que mejoran con creces las prestaciones de este disparador y corrigen algunos de sus defectos. Defectos que analizaremos enseguida. Si aún no tienes disparadores, este artículo también te vendrá de perlas para conocer el mercado y poder estar más informado de cara a adquirir tu primer juego de disparadores.

Alternativa #1: Yongnuo RF-603

La alternativa más continuista es mantenerse dentro de la económica marca Yongnuo. La marca china ofrece una versión realmente mejorada, la versión RF-603. Este modelo, que es la evolución de otro disparador que tuvo bastante éxito (el RF-602), presenta como ventajas frente al CTR-301P un mayor alcance (hasta 100 metros) que el modelo indicado inicialmente, mayor calidad en la construcción, y la sustitución de la batería de tipo CR2, por las comunes AAA. Además, trabaja en la banda de los 2.4 GHz, por lo que no requiere visión directa entre emisor y receptor, o lo que es lo mismo, puede atravesar paredes o cualquier otro obstáculo que se interponga en su camino. Como elemento sorpresa, comentarte que este disparador también puede usarse comodisparador remoto de tu cámara. Por lo que si no tienes este accesorio, adquiriendo este modelo matas dos pájaros de un tiro. Por último, como también sucede con los Cactus V5

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que veremos a continuación, no hay emisor y receptor, sino que son “transceivers”, es decir, pueden jugar el rol de transmisor o receptor. según se desee. Como puedes ver en la imagen, los transceivers incluyen una zapata en su parte superior, lo que permitirá, por ejemplo, montar un nuevo flash sobre el emisor, o si lo deseas, otro transmisor de un modelo anterior que tengas y así poder seguir aprovechando los accesorios que ya tienes.

Alternativa #2: Cactus V5 El Cactus V5 (la evolución del V4, del que ya hicimos una review) es probablemente uno de los disparadores remotos para flash más de moda actualmente por sus características y, sobre todo, por su excelente relación calidad/precio. La calidad de construcción es muy buena, el alcance puede incluso superar los 100 metros, y también funciona en la banda de los 2.4 GHz. Como elementos diferenciadores mencionaremos sus tres características estrella: •Los elementos, al igual que en el caso del RF-603, son transceivers. Es decir, no hay transmisores y receptores, sino que dependiendo de cómo configures el accesorio, funcionará como transmisor o como receptor. Lo que facilita la sustitución temporal o definitiva por mal funcionamiento de uno de ellos, ya que todos pueden actuar con uno u otro rol. •Disponen de 16 canales a través de los que comunicarse (el RF-603 también dispone de 16 canales, pero el cambio de canal resulta mucho más complicado al estar botones para cambiar de canal en el compartimento de las baterías). Además, dentro de estos canales, existen los denominados “multichannels”, que permiten la transmisión con varios canales de forma simultánea (muy útil para el empleo con distintos grupos de flashes). •Todos los transceivers usan 2 pilas de tipo AAA, por lo que es muy fácil sustituirlas y encontrar respuesto cuando se gastan. Como ves, es una fantástica alternativa cuyas mejoras frente al RF-603 son una mejor calidad de fabricación y una mejor ubicación de los controles. Para que cuentes con más información sobre estos disparadores, aquí puedes ver un vídeo con un análisis del producto (aunque está en Inglés, estoy seguro de que no tendrás problema para entenderlo después de las pinceladas que te he dado).

Alternativa #3: Phottix Strato 4 in 1 La siguiente alternativa que te muestro es muy similar al modelo de Cactus que hemos visto anteriormente. Se trata de un modelo menos conocido, el Phottix Strato 4 in 1. Es un poco más limitado que el Cactus V5. En cuanto a número de canales, sólo tiene 4. Además, el transmisor y el receptor son elementos distintos, a diferencia de lo que ocurría con el Cactus V5. Sin embargo, su principal ventaja frente al Cactus y al Yongnuo es que el transmisor, que se sitúa en la zapata del cuerpo de la cámara, tiene, a su vez, una zapata en la parte superior que permite el anclaje del flash principal. Hasta aquí nada que lo diferencie del Cactus o el Yongnuo, que también ofrecen una zapata en su parte superior. No obstante, la gran diferencia es que esta zapata, en el caso del Phottix, permite el paso de información TTL, algo que no posibilita el Cactus o el Yongnuo. Es decir, con el Phottix Strato, puedes mantener el funcionamiento TTL del flash montado sobre la zapata del transmisor, algo imposible cuando empleas el Cactus o el Yongnuo. Dependiendo del tipo de uso que des a tus disparadores y los flashes de que dispongas, esto puede resultar francamente relevante.

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Aprendiendo de Los Grandes:

Leila Amat L

eila Amat, fotógrafa madrileña. Es una enamorada de la fotografía creativa, siempre creando mundos paralelos llenos de fantasía. Leila no hace sólo fotografía: experimenta, prueba, intenta. Siempre con la intención de sorprender, de contar lo que le pasa por la mente, de enseñar que no todo es, solamente, como uno ve. Leila Amat no sólo trabaja detrás de la cámara, también se pone delante de ella para transformarse en los personajes que darán vida a las historias que cuentan sus imágenes. La relación fotógrafa-fotografía es, en este caso, muy intensa. Personalmente he aprendido mucho viendo las fotos de esta artista, no sólo a nivel de composición o de técnica, también de la manera cómo ve Leila el arte. Con esta entrevista intento acercaros un poco a su mundo. ¡Disfrutad de sus fotos!

paredes, la segunda, con la entrada del Photoshop a mi vida, muy plástica y la tercera, con los exteriores. La verdad es que la naturaleza -Mi padre, claramente. Él siempre ha sido un ahora mismo me colma e inspira muchísimo. gran amante de la fotografía, tanto consumiéndolas como produciéndolas. A mí empezó a calarme la fotografía limpiando fotos tras un incendio en mi casa de Sevilla Este. Salvamos pocas cosas de la casa, impregnadas por el humo de madera de ébano. Era pegajoso, de un olor ácido. Yo cogí la caja de zapatos donde mi padre guardaba las fotos y, con un trapito húmedo, empecé a limpiar una a una y a clasificarlas en álbumes. Muchos empiezan su primera experiencia fotográfica con una cámara o haciendo fotos, yo contemplándolas. Y de una manera bastante activa.

Leila, ¿Cómo y cuándo fue tu primer contacto con la fotografía?

¿Cómo eran las primeras fotos que hacías? ¿Se diferencian mucho de las que haces ahora? -Llevo haciendo fotografías desde los 14 años y me alegro de haber evolucionado. Las primeras fotos son de excursiones del cole. Y eran bastante lamentables, me avergüenzo bastante de ellas. No tanto de las de Madrid. Cuando me vine a la capital a los 18 empecé una labor fotográfica muy interesante a la que tengo mucho cariño. De esas fotografías conservo muy pocas, pues un ex mío, en un ataque de celos y despecho, entró en mi ordenador y borró todas las fotos. Recuperamos unas pocas, pero prácticamente todo ese trabajo se perdió. Creo que en mi fotografía hay tres etapas: la primera, a BN, muy íntima, triste y grotesca, entre cuatro

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¿Cómo y por qué empezaste con el autorretrato? -Desde que me planteé realizar fotografía artística me decanté por el autorretrato, aunque con el tiempo me he ido revelando contra esa palabra, pues lo que hago es crear personaje tras personaje y, a decir verdad, con muy pocos me siento identificada o muy pocos me definen. -Durante muchos años me he hecho esa pregunta, ¿por qué soy yo la modelo de mis fotos? Quizá porque mi fotografía es muy introspectiva, muy íntima y pocos entienden o expresan mejor que yo lo que quiero plasmar en una imagen. Retratarse a sí mismo es muy cómodo, porque eres fotógrafo y modelo a la vez, es un desdoblamiento muy práctico. La fotografía me ha ayudado mucho a conocerme y comprenderme, a explicar muchas cosas de mí misma, tanto buenas como malas.

¿Y con la fotografía creativa?

-Creo que fue a los 18 cuando empecé a sospechar que quería ir más allá del mero registro de una realidad ya proporcionada.

¿Por qué querías ir más allá de esa realidad ya proporcionada?

-Ir más allá de la realidad que vivimos es un equivalente a imaginar. Le he dado muchas vueltas a este concepto, a la capacidad que tenemos los seres humanos para crear. La imaginación es un proceso que nos permite manipular la información de la que estamos rodeados, a saber, la realidad. Yo creo que la pregunta se puede ampliar, ¿Por qué quiero? ¿Por qué puedo? Y todavía no sé responderlas. Quiero ser feliz, por lo tanto, imagino. Puedo ser feliz, por lo tanto, imagino. Es una vía de escape. Quería ir más allá de la realidad proporcionada porque para construir un universo propio e interior, justo el que yo quería, exclusivamente debía buscar dentro de mí misma. Era la única manera que sabía explotar para realizar un trabajo muy personal. 14

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¿De dónde te viene la inspiración? ¿De dónde sueles sacar las ideas para tus fotos? Me explico: ¿las ideas te vienen solas y entonces decides hacer la foto? ¿O más bien te apetece hacer fotos y, entonces, te pones a pensar ideas?

-Jajaja, se suelen dar los dos procesos. Desde obsesionarme con una idea durante años hasta que consigo cristalizarla, hasta llegar a un lugar que me fascina y ponerme a pensar una idea rabiosamente porque quiero capturar la esencia de ese espacio. Por ejemplo, “Reina de las marismas” es una foto que estaba deseando hacer desde tiempos inmemoriales. La había pensando tanto que cuando la tuve delante de mis ojos me pareció que era una foto que había realizado hace años. Por otro lado, “Km 284” se hizo en el instante porque el lugar nos pareció precioso, sobre todo ese cielo recargado. Me preguntaba Guille: “Bueno, ya estamos aquí, ¿qué hacemos?” y le dije: “¡Cógeme en brazos!”. -La inspiración viene de muchas fuentes: otros artistas, cambios en mi vida, personas que me llenan, temores, angustias, alegrías, preocupaciones, arranques de ternura...

¿Tienes algún referente artístico?

Cuéntame tu proceso fotográfico. Desde -Hay muchos artistas que me fascinan, pero que tienes la idea hasta que la ejecutas. realmente no sé cuál es que el se adentra en mi subconsciente e influye en mis fotos. Sospecho y acuso de influencias a Brookeshaden, Francesca Woodman o Claude Cahun. Luego, en otros terrenos artísticos, la literatura siempre ha sido un referente inmenso que ha alimentado muchísimo mi imaginación. La pintura también.

-El proceso me da mucha ansiedad. Tengo una idea y la anoto rápidamente porque si no, se me olvida. Tengo una libretita donde apunto muchas notas: poses de las cabezas, las manos, los pies, las miradas, los paisajes... son bocetos con palabras. Luego puede salir algo muy diferente, pero necesito desarrollar la idea por escrito o darle vueltas durante horas antes de hacerla.

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Cuando vas a hacer fotos, en realidad, ¿Qué te gustaría que la gente que mira normalmente, sueles ir a hacer una sola tus fotos pensara de ellas? ¿Te gusta foto. ¿Por qué? que las interpreten a su manera? -De esto he hablado muchísimo. Es una opción personal, pero entiendo la fotografía de la misma manera que un pintor un cuadro. Creo que en fotografía es tan fácil apretar el botón y que salga una imagen, que es muy tentador sacar muchas sin parar, algunos hasta realizan ráfagas. Un cuadro cuesta más tiempo en pintar, por eso no se suelen hacer en series extremadamente parecidas. -A mí me cuesta tanto realizar una foto que intentar hacer una serie sobre un mismo tema o sobre una misma idea me agotaría. Es más, me pasa que cuando veo una serie de fotografías muy parecidas o iguales, la idea termina por hastiarme. Muchos fotógrafos pecan de no ser nada selectivos. En fotografía hay que tener mucho cuidado con eso. Para mí es un reto meter un universo en un solo cuadrado. Por cada cuadrado, una realidad paralela.

¿Qué equipo fotográfico tienes? -Tengo una humilde Pentax k-x mordisqueada por mis perras (en serio, hasta el objetivo) y de vez en cuando mis caritativos suegros me prestan su Canon 600D, que hace unas fotos maravillosas.

¿Sueles usar luz natural o te sirves de iluminación externa, reflectores, etc...?

-Utilizo luz natural porque me apasiona, pero tampoco tengo ni idea de iluminación externa ni de cómo manejar un reflector. Lo digo con un poco de rubor, es un asunto que tengo pendiente.

Después de tu “sesión de fotos”, llegas a casa y ¿Qué haces? -Las paso con ansia viva al ordenador, aunque solo sea para ver cómo han quedado. La selección puede venir después.

El procesado de tus fotos, ¿lo tienes en mente en todo momento? ¿O es algo que va saliendo sobre la marcha?

Lo tengo en mente todo el tiempo. Va con la idea inicial. Ahora bien, los parámetros de la foto los voy trabajando en el momento.

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Creo que es lo mejor de enseñarlas en público, lo más bonito. Una vez que termino una foto, me alegra saber que su camino no acaba, sino que empieza. Cuando una fotografía está acabada ya no me pertenece y está sometida a todo tipo de críticas e interpretaciones que la hacen crecer, que la prolongan y la desarrollan mucho más de lo que lo he hecho yo. Y eso es maravilloso, pasa con todas las obras de arte. Muchas veces el arte no está en las obras en sí, sino en los ojos y mentes de quienes las interpretan.

¿Cómo es tu relación con la fotografía?

De amor, con todo lo que el amor conlleva, que no es poco.


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Tienes que pedirte más a ti mismo. Tienes que empezar a buscar fotografías que nadie más pueda hacer. Tienes que coger tus herramientas e ir más allá.

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-William A


Albert Allard.

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Los 5 Consejos De Phil Steele Para Lograr Enfoques Perfectos En Tus Fotografías

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a pasada semana un viejo amigo, que recientemente se ha convertido en un tremendo apasionado la fotografía, me pedía consejos para mejorar el enfoque en sus fotografías. Y es que, efectivamente, la calidad del enfoque logrado en tus fotografías es algo que además de, por supuesto, una correcta exposición y una buena composición, te sitúa en un nivel distinto. ¿Qué hice? Le di dos o tres consejos, por supuesto, pero también le emplacé a un futuro artículo de dZoom, y aquí está el artículo prometido. Pero, como verás, no son mis consejos, sino los del gran Phil Steele. No te los pierdas.

Consejo #1: Di Adiós Al Modo Automático De Tu Cámara. Y Elige Dónde Quieres Enfocar

Como sabes, tu cámara cuenta con un conjunto de modos de disparo entre los que es posible elegir. Estos modos se pueden clasificar a grandes rasgos en tres categorías: •Automático/s (automático, retrato, escena nocturna, paisaje, deportes, etc.) •Semi-Automático/s (programado, prioridad a la apertura, prioridad al tiempo de exposición) •Manual Bien, el primer consejo para mejorar con el enfoque de tus fotografías es abandonar el modo Automático y optar por un modo Semi-Automático ó Manual. ¿Por qué?, pues porque además de poder controlar parámetros como apertura, tiempo de exposición, o sensibilidad ISO; también podrás seleccionar la zona de enfoque en la escena. Si mantienes el modo Automático, la cámara decidirá por ti cuál es la zona de la imagen a la que debe enfocar y tu cámara, por lista que sea, en determinadas ocasionespuede equivocarse. Así que, ya sabes, toma el control, selecciona un modo semi-automático ó manual y utiliza los controles de tu cámara para poder, en cada momento, elegir la zona de la escena en que quieres que la cámara enfoque.

Consejo #2: Enfoca Y Recompón. Pero Conociendo También Cuándo No Debes Hacerlo

Ésta es una de las técnicas más extendidas: el enfocar con el punto central de nuestro objetivo, mantener el disparador semi-presionado (para bloquear el enfoque) y, a continuación, recomponer la toma para, finalmente, disparar. Es una técnica muy útil porque el punto central del objetivo es aquel que permite un mejor enfoque y porque también hace posible una mayor rapidez en el proceso de fotografiado. Sin embargo, como ya te contamos hace algo más de un año, en determinadas situaciones esta técnica puede no ser del todo apropiada. ¿Cuándo? Cuando la profundidad de campo de la toma es muy reducida. Por tanto, es conveniente que conozcas esta técnica, que sepas cuándo debes y cuándo no debes aplicarla y, también, como explica Phil en el vídeo, cómo reducir los efectos derivados de su aplicación Lo que debes hacer es, en lugar de girar sobre ti mismo, tratar de desplazar la cámara en un plano paralelo a la escena cuando desees recomponer la toma.

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Consejo #3: Busca Las Zonas De Mayor Contraste Para Enfocar Sin duda éste es uno de los principales consejos que suelen darse. ¿Por qué? Porque es básico teniendo en cuenta cómo trabajan las cámaras a la hora de determinar el punto de enfoque. El sistema de enfoque de tu cámara buscará, dentro de la región en la que indiques que quieres enfocar,contraste a nivel cromático, de textura, de luz, etc. ¿Alguna vez has probado a enfocar sobre una pared completamente blanca?, ¿o en el cielo de un día completamente despejado? Tu cámara se vuelve loca. Por tanto, cuando quieras lograr un enfoque preciso, busca una zona en la que haya el suficiente contraste y tu cámara hará el resto.

Consejo #4: Situaciones En Que Es Conveniente Pre-Enfocar, Seleccionar Enfoque Manual y Disparar Existen determinadas ocasiones en las quedeterminas una zona en la que quieres enfocary, una vez enfocado, debes esperar a que por allí pase un coche, una bicicleta un niño... En estas situaciones tienes dos posibilidades: 1. Hacer uso del enfoque automático de servo continuo (AF-C) y perseguir al sujeto en movimiento. En función de lo bueno que sea tu sistema de enfoque y tu pericia, puedes lograr buenos resultados. 2. Enfocar sobre la zona por la que piensas que pasará, a continuación seleccionar el enfoque manual para no mover el plano de enfoque y esperar hasta que llegue el momento oportuno. Para esta opción, es muy útil contar con un trípode y activar el modo ráfaga de tu cámara. Phil nos habla en el vídeo de la segunda de las posibilidades, para la que no necesitas que tu cámara disponga de un enfoque muy rápido y preciso. Así mismo, recomienda cerciorarse de contar con la suficiente profundidad de campo cuando se pretenda hacer uso de esta técnica en situaciones de mucho movimiento.

Consejo #5: El Modo Live View Para Lograr Enfoques Manuales Perfectos He de reconocer que no acostumbro a usar mucho el enfoque manual: mis dioptrías, mi no demasiado buen pulso y mi escasa paciencia no me lo aconsejan Aunque es cierto que siempre que tengo que disparar en manual, procuro hacerlo, como comenta Phil en su vídeo, activando la opción de Live View. Este modo, cada vez más presente en las cámaras réflex digitales permite observar a través del visor LCD la escena y, no sólo eso, sino que permite hacer zoom en la imagen (manteniendo la focal), de modo que podamos percibir con mayor claridad la escena. Una vez activado el modo Live View y con el suficente zoom hecho en la pantalla de tu cámara, basta seleccionar el enfoque manual y tener un poco de paciencia con la “ruedecita” para lograr fantásticos resultados. ¿Lo has probado?

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Mejora tu Composición Conociendo los Pesos Visuales de tus Imágenes

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a composición es una de las partes más importantes de la fotografía, aunque no sólo en este arte es importante: en pintura, en videografía e, incluso, en diseño gráfico se debe tener muy en cuenta el cómo colocar los sujetos dentro del encuadre para poder realizar una imagen más atractiva visualmente. Pero componer imágenes no es tan sencillo como pueda parecer y, muchas veces, la composición es la encargada de transformar una fotografía que no llame especialmente la atención en algo de lo que no podamos sacar el ojo de encima. En dZoom ya hemos hablado alguna vez de la importancia de las líneas dentro de la composición fotográfica, hoy vamos a ver otro

¿Qué es el Peso Visual? Empecemos por definir esto de “peso visual”. El peso visual es la capacidad que tiene un elemento de una composición de atraer la mirada de aquel que mira la imagen. Cuanto más peso visual tenga algo, más atraerá la atención del ojo.¿Qué hace que algo tenga más peso visual que otro elemento?

El tamaño. Un elemento grande tiene más La distribución. Un elemento tendrá más peso peso visual que un elemento pequeño. visual si se encuentra aislado que dentro de un grupo.

La posición. Un elemento en una posición baja, tiene más peso que uno en una posición alta. Además, un elemento situado a la La textura. Un elemento con textura tendrá más derecha, tiene más peso que uno situado a peso que uno que no la tenga (osea de textura lisa).

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La forma. Las formas cerradas, geométricas, El contraste. Un elemento que genere contrasregulares y/o reconocibles tendrán más peso te respecto al resto de elementos, tendrá más visual que el resto de formas. peso visual.

El color. Los colores cálidos tienen más peso visual que los colores fríos. Los colores saturados pesan más que los desaturados. Y los colores oscuros pesarán más que los colores claros.

¿Qué es el Peso Visual? Una imagen atractiva visualmente suele ser aquella que tiene sus pesos visuales bien distribuidos, esto es, que está equilibrada. ¿Cómo podemos saber si una imagen está equilibrada? Se trata, por norma general, de percepciones bastante subjetivas y que necesitan de un ojo bastante entrenado en este aspecto. Sin embargo, es tan sencillo como convertir una imagen a simples

Ahora tendremos que colocar (metafóricamente) nuestra imagen simplificada en una balanza y ver qué lado pesa más. En nuestro ejemplo, como el sujeto principal está situado en un extremo de la imagen, lo lógico sería pensar que esta foto está desequilibrada, pues si la pusiéramos en una balanza, se caería hacia la derecha. Sin embargo, la sombra del fondo tiene también su peso visual, es un elemento muy grande (uno de los factores que hace que tenga más peso visual que la lámpara) pero, a la vez, es más claro que este (debería pesar menos). Además, el gran peso de la figura se encuentra en el lado opuesto que la lámpara con lo cual, por todo esto, la imagen queda bastante equilibrada. Entonces, ¿sólo se trata de mantener los pesos visuales equilibrados? ¡En absoluto! Una fotografía puede estar perfectamente equilibrada y, sin embargo, no ser atractiva (o, al menos, ser menos atractiva que otra imagen igual de equilibrada).

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final de semestre, Diseño gráfico IV

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