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Carta Editorial ``El teatro es poesía que se sale del libro para hacerse humana´´. Federico García Lorca.

Gallardas palabras ensalzan una de las más brillantes manifestaciones del arte en la humanidad, aquel lugar para contemplar e imaginar, en donde ser o no ser depende de la empatía emanada alrededor de una butaca. En esta ocasión, llevaremos al lector a través del magnífico mundo del Teatro, historia, arquitectura, documentación y reseñas hacen de este número una puesta en escena en la que el personaje principal eres tú, rompámonos juntos una pierna y anunciemos la tercera llamada. Porque en Habitus somos más que experiencias. ¡Comenzamos…!


Contenido Contenido Historia del teatro en México

Primera sección - Habitus

Teatro y sociedad HIistoria del Cabaret Formatos de improvisación teatral La vida es un chiste ¿teatro en la calle? o ¿teatro de la calle?

Segunda sección – Tras el telón Por amor al arte Compañía nacional de Teatro Bella Arquitectura los 5 teatros representativos de la Ciudad de México

Tercera sección - “Rómpete una pierna” Memoría de dos hijos caracol El beso Los monólogos de la vagina Entrevistas con Gombrowicz

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HABITUS Director Francisco A. Sánchez Corona Consejo Editorial Alejandra Montes de Oca Rodríguez Edgar Flores Torres Diana Fernanda Dircio Martínez Corrección de Estilo Gabriela Massiel Sánchez Betancourt Martín Aarón Alonso Velázquez Carolina Sofía Ruiz Curioca Guillermo Garrido del Río Diseño Francisco C. Aguilar del Valle Fabián González Abarca Viridiana Hernández Morales Miranda Escobedo Quiroz Fotografía Antonio Sánchez Silva J. Alberto Calderón López Paulina Marrón Said Ali Ramos Pérez Marzo 2014, Número 2 Habitus, revista independiente bajo la Universidad Autónoma Metropolitana, Unidad Xochimilco, de la Licenciatura de Comunicación Social, Módulo VI Escritura y Comunicación- Periodismo. Grupo SF05C, Gabino Navarro Olguín.


Historia del teatro

en México Sofía Carolina Ruiz Curioca

Elteatrotienesusorígenesenl

a danza, surgida en la prehistoria cuando el hombre cubierto de pieles de animales, asemejaba los movimientos de sus presas; también por medio de danzas durante las ceremonias de dioses en la antigua Grecia, se pedía al dios de la vegetación y el vino que fecundara el campo para una buena cosecha. Esta actividad cobró fuerza con las representaciones en las

que generalmente se le daba lectura a un texto entre dos o más personas, y que presentaban únicamente obras religiosas. Esto sucedió durante un siglo completo cuando los españoles se valían del teatro para evangelizar a los indígenas en México al representar con obras muy simples la vida y muerte de Jesús. Durante los siglos XVIII y XIX el teatro en nuestro país sufrió una grave deca-

dencia con motivo de la guerra de independencia, puesto que la atención no estaba precisamente en el área cultural. Pasado este acontecimiento nuevamente comenzaron a surgir escritos, y es entonces cuando sobresalieron autores como Fernando Calderón y Manuel Eduardo de Gorostiza destacados en el género romántico. La creación de la popular “zarzuela” que es

una forma de música teatral originada en España que contiene tres partes: las instrumentales, las vocales (solos, dúos o coros) y las habladas. Llegado el siglo XX, en el año 1902 se crea la Sociedad de Autores Dramáticos con el fin de acreditar creaciones de autores mexicanos. El principal objetivo era dejar atrás la influencia que los españoles habían sembrado en

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nuestro país. Xavier Villaurrutia y Salvador Novo son conocidos hoy como los dos principales impulsores del teatro mexicano. Por su parte José F. Elizondo, dos años más tarde en 1904, produce la zarzuela “Chin-Chun-Chan” que es reconocida en México por ser la primera obra en alcanzar mil representaciones. Manuel Díaz Barroso, quien fuera titular del organismo Unión de Autores Dramáticos creado en 1925 y posteriormente fundador, junto con seis colaboradores más, de la asociación “El Grupo de los Siete Autores”. Un dato a destacar es la existencia de la publicación “Contemporáneos” en la cual Celestino Gorostiza y Xavier Villaurrutia fungían como editores. Esta, semejaba una revista y trataba temas relacionados al teatro y al logro que había representado el desprenderse de lo español. Grupos teatrales como “Teatro de Ulises”, “Teatro de Orientación” y “Escolares de Teatro” fueron los primeros que contrataron actores y realizaron las representaciones sin fines de lucro, sólo por el verdadero amor al arte. Años más tarde, en 1950, gracias a figuras como los ya mencionados Villaurrutia, Novo y Gorostiza la carrera de Literatura Dramática y Teatro fue creada en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) dentro de la facultad de Filosofía y Letras.

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“Con

obras como “Corona de Sombra” y “El Gesticulador” el teatro se volvió cada vez más realista. Una obra muy destacada fue “Rosa de Dos Aromas” de Emilio Carabllido, que duró en escena más de cinco años y alcanzó más de 2500 represen-

taciones

Otros autores importantes de los años 80’s son Luis Basurto, Luisa Josefina Hernández, Héctor Azar, Sergio Maga ña, Luis de Tavira, Vicente Leñero y Juan José Gurrola. En los años 90 destacaron los siguientes tipos de teatro: el de exilio y ceremonia, que presentaba personajes que no terminaban de incorporarse al sistema y lo demostraban en su comportamiento; el teatro pánico, caracterizado por el hallazgo de nuevos elementos formales y a la vez por el uso de elementos surrealistas; el teatro del yo en el mundo, en el que el autor plasmaba mientras analizaba, la vida del ser en la sociedad, entre otros.

Durante los años 2000 y hasta la actualidad, el teatro ha tenido una evolución importante. La llegada del teatro moderno amplió en gran medida la libertad en escena mediante el diálogo, incluyendo las formas tradicionales y anexando las nuevas posibilidades, y en el área del diseño arquitectónico y escenográfico las más grandes innovaciones fueron gracias a la creación de maquinaria y la implementación de iluminación, que hicieron posible la variación de escenarios.


Teatro y sociedad Diana Fernanda Dircio Martínez

¿Qué papel tiene el teatro en la sociedad mexicana?

Durante muchos años, el teatro ha sido una manera de comunicación. Fue utilizado incluso por los colonizadores para evangelizar a los indígenas y ha tenido también aplicaciones educativas, a manera de lucha social, con el objeto de crear conciencia y también como entretenimiento de alta cultura.

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Pero, ¿por qué la gente no suele ir al teatro? El teatro es parte de la cultura y asimismo entretenimiento. En los últimos años, el teatro ha perdido seguidores y es muy poca la gente que atiende a un teatro continuamente para ver una obra; esto se da por diversas razones. Primero porque es considerado un entretenimiento restringido a ciertas clases, no todos tienen acceso a un boleto para una obra teatral, pues se le considera caro. A las personas suele parecerles aburrido o tedioso, y no es muy promovido... es más común ver anuncios de películas o incluso conciertos que promociones para una obra. Al teatro actual le hace falta ser promovido, tener precios accesibles o acuerdos para que puedan tener acceso a este toda la población y no sólo quien tenga mayores posibilidades económicas.

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HISTORIA DEL CABARET Viridiana Hernández Morales

Cabaret es una palabra de origen francés cuyo sig-

nificado original era taberna. Se utilizó internacionalmente para denominar a las salas de espectáculos, generalmente nocturnos, que combinan música, danza y canto, pueden incluir también la actuación de humoristas, ilusionistas, mimos, entre otras artes escénicas. Llega a México en el siglo XX, fungió como lugar de reunión primordialmente para un público masculino. Un sitio al que se va a beber, disfrutar obras teatrales, bailar y admirar la llamada “variedad” y en ocasiones invitar tragos a las famosas “ficheras” a cambio de una buena compañía. El cabaret mexicano contemporáneo es un género de arte basado en el teatro popular de los años 20 y 30, la contraparte marginal de la revista musical de la década de 1930, que alcanzó su clímax ese mismo año. A mediados de los años setenta surge el cabaret político mexicano contemporáneo.

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Un movimiento teatral cómico, de crítica política, el cual se desarrolló en centros nocturnos como el teatro-bar “La Edad de Oro” Desde la década de 1980, los artistas de cabaret se han interesado en crear una forma de teatro contemporáneo, estética arraigada en la tradición mexicana, crítico en la construcción social de cuerpos y modelos hegemónicos de identidad nacional, sexual y cultural. En México recibe una fuerte influencia de las corrientes europeas, a su vez, suma la naturaleza del país, discutiendo temas políticos de la región y corporizando arquetipos que le son propios como el caso del teporocho, el pachuco, el indio, el mulato o el gachupín, por mencionar algunos, que por haber surgido en un período histórico de efervescencia revolucionaria acentuará el uso político de los espectáculos, funcionando no solo como medio de entretenimiento, sino como periódico oral de fuerte crítica social y como espacio de reflexión y resistencia a los ataques del poder.


El uso de la música, potenciaba la capacidad emotiva de las letras a la vez que permitían el acercamiento a un amplio sector social, esta popularización del uso de la canción como arma de combate y desobediencia, se extiende aún más al momento de transitar del teatro de cabaret a la denominada carpa mexicana, abandona el teatro y construye, precisamente carpas, con las que sale de gira extendiendo con mayor fuerza el fenómeno. Esta tradición dio lugar a un sólido corpus de espectáculos donde se trabajó incansablemente con la sátira política, dando lugar a figuras como Tintan, Clavillazo, Cantinflas o Resortes, todos ellos utilizando discursos escénicos y musicales con profunda ideología política, buscando evidenciar los mecanismos del abuso del poder, en cualquiera de sus manifestaciones, sea religioso, estatal, judicial, fáctico o económico. En su forma contemporánea este teatro político de bar se distancia de manifestaciones más cercanas al teatro de revista popular ya que sus iniciadores Jesusa Rodríguez, Astrid Hadad, Tito Vasconcelos y Regina Orozco, tuvieron una formación teatral universitaria. No obstante, para conformar las obras de estos artistas se nutren no sólo de la revista popular, sino también de la comedia del arte italiano, del cabaret alemán de posguerra, del Stand-Up Comedy estadounidense y del ya mencionado teatro mexicano de carpa, de principio del siglo XX.

Una figura significativa para entender el desarrollo de esta tendencia en México es Tito Vasconcelos, quien ha sido formador de muchos cabareteros y cabareteras como Las Reinas Chulas y Las hijas de Safo. Vasconcelos ha desarrollado una estilo de cabaret en el que mezcla magistralmente la construcción de los personajes viciosos de la comedia (políticos, autoridades religiosas, personalidades públicas) con la estética que exagera (vulgariza) los rasgos más populares del humor mexicano (albur) utilizándolo como un bisturí burlesco y analítico de la vida social, política y religiosa del México contemporáneo. El paso del tiempo ha modificado la estructura del cabaret. El abandono y la creación de nuevos lugares recreativos hicieron que este terminara asociado con strippers, cómicos, cantantes y músicos, no siempre de buena calidad, dejándolo poco más o menos que en el olvido. Queda poco de aquellas noches de glamour, ahora se han convertido en table dances, sitios gay, bares de ficheras, salones de baile y teatros, donde se intenta unir el estilo original a nuestros tiempos, por ejemplo el Barba Azul (Bolívar esq. Gutiérrez Nájera, Obrera), el Savoy (Bolívar 120, Centro), el Dos Naciones (Bolívar 58, Centro), el Oasis (República de Cuba 4, Centro) y El Vicio (Madrid 13, Del Carmen Coyoacán).

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FORMATOS DE IMPROVISACIÓN TEATRAL Alejandra Montes de Oca Rodríguez

Al hablar de formatos, nos referimos a una puesta en escena de improvisación teatral. En México, el grupo más importante de improvisación teatral es: Complot/ Escena, una compañía que fue fundada por José Luis Saldaña, Omar Medina y Maricarmen Núñez, con la dirección y coordinación de Omar Galván, conocido en el mundo de la improvisación como “Omar Argentino”. Él es considerado el padre de la improvisación en América Latina y su mentor Kith Jonston, el padre de la improvisación en el mundo. Esta compañía, quien a su vez dirige la escuela Mexicana de Improvisación, tiene dos formatos: la Impro Lucha -que es el más famoso en México-, además de Improsport, el cual está próximo a estrenarse en el Foro Shakespeare. La Impro Lucha, es una combinación de tres disciplinas artísticas: la improvisación teatral, la música y la lucha libre. Se trata de dos duplas que se suben a un ring mientras se musicaliza por una banda que se conoce como “los sin cara”.

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Foto: Amanda Safa Estas personas que aparentan ser luchadores, no luchan de forma física sino es a través de improvisaciones cortas que gracias a detonadores que el público otorga, como un lugar, una frase o un personaje, se crean los juegos de improvisación. Compiten haciendo diferentes historias o formando una sola. A las historias distintas se les llama: improvisaciones comparadas, a las juntas: improvisaciones mixtas. En ésta última, los cuatro hacen una sola historia y el público vota por el equipo que le pareció más divertido. Puño para los rudos, palma para los técnicos.

El equipo que gane se lleva ciertos puntos para después, durante la temporada, llegar a una semifinal y un campeón al final.

“La Impro

Lucha se presenta cada año en una temporada que inicia en junio y acaba en diciembre. Las funciones se realizan en el Polyforum Siqueiros y este 2014 cumplen su noveno año

Otro formato de improvisación de la compañía Complot/Escena y el cual está por estrenarse en el Foro Shakespeare, es Improsport México. Este formato, a diferencia de la Impro Lucha, se compone de dos tripletas y se asemeja a un reality show. De este modo, el equipo de seis personas, improvisan para un público y para una parodia de jueces que dan críticas, que por lo general son bromas, con el fin de obtener puntos y convertirse en el ganador y acreedor de un millón de dólares, premio que también forma parte de la representación teatral.


La vida es un chiste

Martín A. Alonso Valázquez

¿Acaso usted se imaginó que una historia de la vida real podría convertirse en un chiste? ¿Se imaginó que las aventuras de “Pepito” -el de los chistes- podrían ser de cualquier persona? Pues justamente eso pasa con el Stand Up Comedy.

Una nueva forma de hacer reír que consiste en contar anécdotas de la vida, cosas que vivimos a menudo, de tal forma que provoque la risa del público.

Cuando inició en Estados Unidos -allá por el siglo XIX- eran conocidos como cuentachistes, y con el paso del tiempo: monologuistas, de hecho, gracias al monólogo cobraron gran impacto en Estados Unidos, para luego extenderse por todo el mundo. Esta corriente ha tenido tal presencia en la población que lo mismo ocupa un teatro, que los programas de televisión o internet. ¿No le parece increíble? Hoy el Stand Up es un monólogo donde se puede satirizar cualquier cosa, se ejecuta de pie en un pequeño escenario. Lo verdaderamente importante es cómo se cuenta la historia. La palabra dicha, el albur y el doble sentido son el atractivo del show. Traigo el ejemplo de uno de los standoperos - así se les llama a los que hacen Stand Up- más conocidos en México: "El cojo feliz"; un joven que debido a un accidente automovilístico perdió la movilidad en la pierna derecha, y cuya deficiencia no ha sido impedimento para que presuma: "soy cojo y entre más cojo, mejor para mí".

¿Teatro en la calle O

teatro de la calle? Jorge A. Calderón López

Vives en una gran ciudad, caminas de una calle a otra acelerando el paso para llegar a tiempo a tu destino. Evades todo tipo de obstáculos, abordas el transporte público que la mayoría de veces está saturado, escuchas gritar al conductor del microbús, personas sentadas a tú lado que se quejan de lo mal que les va. Existen muchas razones para tener una vida estresada, sin tiempo o sin dinero para poder asistir a los espectáculos de sala (teatros) y de esta forma sonreír y relajarte durante el tiempo que dure la función. Pero, ¿qué pasaría si esos espectáculos abandonan su espacio físico para llevar su contenido a las calles y poder robar tu atención mientras caminas al costado del escenario? Si, el teatro callejero.

¿Asombroso, no? A veces reírse de uno mismo, suele no ser un ejercicio bien recibido. Sentirse identificado es gratis y se incluye en el paquete del evento. Pero si esto le parece poco, mientras escucha las chuscas historias de los actores principales, usted puede beber y comer a gusto, verá que rápido pasa el tiempo. Si le interesa puede visitar la página del Tetro de la Comedia Wilberto Cantón para ver horarios y fechas. Sin duda, una oportunidad para dejar el estrés de lado y tener una buena dosis de buen humor. La página es: http://www.teatrodelacomedia.com.mx/

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Este, es una forma de teatro que intenta acercarse a las masas. Es un teatro que se presenta en espacios públicos, al aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el teatro en sala debido al entorno. En estas obras se aprovecha el espacio y suelen ser interactivas. Una de las variantes del teatro callejero es el teatro invisible, en el cual el público no tiene conocimiento de que está presenciando una obra teatral. Es de suma importancia poder identificar la diferencia entre el teatro de calle y el teatro en la calle, que no es un estilo de teatro sino una referencia a un espacio escénico. Arte Callejero Uno de los beneficios que Sus inicios se remontan a tiene el teatro callejero Grecia en el siglo V, donde es que cualquiera puede los viajeros llegaban a la acceder a presenciar esciudad y comenzaban a tos performances, y que contar sus historias a la personas que difícilmenvez que compartían sus aventuras con la gente que te visitarían el teatro de se acercaba a escuchar. sala puedan disfrutar de obras sin tener que pagar una entrada, ya que la mayoría de veces los actores solamente piden al público una cooperación voluntaria. Las obras que se realizan en la calle generalmente son diferentes a las que se exponen en las salas, siendo casi siempre creaciones grupales donde se aprovecha el contexto en que se desarrollan, incluso algunas hacen participar al público. El teatro de calle es una invitación para asistir a un espectáculo digno y no siempre tan reconocido como debería. Gracias al esfuerzo incondicional de todos los artistas callejeros, los pueblos y ciudades tienen siempre ese colorido especial que envuelve a los paseantes con sus fantasías. Actualmente se pueden encontrar en la Ciudad de México una gran cantidad y variedad de espacios públicos donde se hallan escenarios de esta clasificación: el zócalo capitalino, la explanada del centro de Coyoacán, la explanada del monumento a la Revolución, distintas estaciones del Metro, y muchas glorietas importantes de la ciudad, son algunos ejemplos de donde puede observarse el teatro callejero.

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s e c c i ó n

Tras el telón


Por amor al arte Gabriela M. Sánchez Betancourt

La Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) fue fundada el 15 de julio de 1946. Surge, de la necesidad de profesionalizar la formación de actores y escenógrafos; se atribuye su fundación a los llamados Contemporáneos, un grupo de poetas a fines al teatro: Xavier Villaurrutia y Salvador Novo, quienes, acompañados de la actriz Doña Clementina Otero, habían fundado el Teatro de Ulises. La Escuela de Arte Teatral es considerada la primera institución del país, e incluso de América Latina, que plantea lineamientos concretos y académicos de la rama, según lo mencionó Don Andrés Soler, primer director de la institución.

Al paso del tiempo fue nombrada y reconocida con distintos títulos y, aunque inicialmente se le llamó Escuela de Arte Teatral, con la creación e incorporación al Centro Nacional de las Artes comienza una nueva etapa de desarrollo, y con ella el nombramiento de Escuela Nacional de Arte Teatral. Actualmente se ofrecen las licenciaturas en Actuación y Escenografía (añadida en 1949) y la maestría en Dirección Escénica. La duración es de cuatro años, y son elegidos solo 61 alumnos, mediante un arduo proceso de admisión de aproximadamente dos semanas. Se constituyen en 3 grupos de actuación de tan sólo 15 personas, y un exclusivo grupo de 16 personas para escenografía.

Centro Nacional de las Artes Av. Río Churubusco No. 79 esq. Calzada de Tlalpan Col. Country Club, Delegación Coyoacán C.P. 04220, México, D.F. Tel. 41 55 00 00 ext. 1304 eteatro@conaculta.gob.mx

La formación que reciben, a pesar de ser impartida en grupo, es individual. Mediante varias etapas del examen, los aspirantes son evaluados por un grupo de maestros de amplia experiencia y trayectoria, lo que hace inapelable la decisión de selección. La evaluación consta de pruebas de conocimientos generales, capacidades expresivas, voz y movimiento corporal, en el caso de Actuación; y capacidades creativas y entrevistas individuales, entre otras, para Escenografía; así como exámenes físicos y fonéticos. Quien ingresa a la ENAT debe considerar la responsabilidad y constancia que se exige a cambio de recibir una formación académica y artística integral, lograda a través de horas de estudio, ensayos y compromiso grupal por parte de actores y del escenógrafo con la comunidad artística.

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Compañía Nacional en escena: de Teatro s

Paulina Marrón

urge originalmente en 1975, a raíz de la propuesta de Héctor Azar, quien pugnaba por la existencia de una compañía nacional de teatro en México que fuera capaz de generar una cultura teatral, haciendo un trabajo de calidad que formara un público. Pero fue hasta el 20 de julio de 1977 cuando, por medio del Diario Oficial de la Federación, se decretó a José Solé como director de la nueva agrupación, de la que estaría al frente por una década. A principios del 2009 el recinto que anteriormente albergaba a la Academia de Ballet de Coyoacán reabre sus puertas al elenco de la Compañía Nacional de Teatro. Desde el año 2008, Luis de Tavira, dramaturgo y director de teatro mexicano, ha reestructurado la compañía Nacional de Teatro, dirigiendo así esta organización de artistas, trabajadores promotores y espectadores de las artes escénicas. El enfoque que se le ha dado a la compañía ha tenido como finalidad recuperar al espectador, puesto que México continúa un siendo un país donde el 90% de la población no acude al teatro, así como crear un repertorio dinámico que ofrezca una variedad a los intereses del espectador. Durante cada ciclo encontraremos propuestas que engloba teatro universal, teatro mexicano, nuevas teatralidades y laboratorio actoral.

Pascua Ni el sol ni la muerte pueden mirarse de frente Edipo en Colofón Ser es ser visto Galileo Un foso Egmont Horas de gracia Desazón Zoot Suit El malentendido Natán el sabio Endgame Entre guerras El trueno dorado El jardín de los cerezos El día más violento Soles en la sombra Lados Los del actor El ruido de los huesos que crujen La paz perpetua Noches islámicas El caso Romeo y Julieta La prueba de las promesas Una vez más, por favor Enrique IV,primera parte Códice Ténoch(A soldier in every son) Misericordia Ilusiones Cartas de amor a Stalin El arrogante español o Caballero de milagro Inanna El círculo de cal Carnada, Conferencia sobre la lluvia La sangre de Antígona Conversaciones Las cuáles se presentan en sus instalaciones: Francisco Sosa 159, Barrio de Santa Catarina, Coyoacán, entre Melchor Ocampo y Encantada. Los precios de las obras varían, existen promociones y para algunas obras la entrada es gratuita. Para más información sobre boletos, lugares, fechas y horarios de las distintas funciones entra a su página www. cnteatro.bellasartes.gob.mx o comunícate al 5658 4108 o al 5658 4558.

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Bella Arquitectura Fabián Gobzáles Abarca

La construcción del palacio de Bellas Artes, inició durante la presidencia de Porfirio Díaz, encomendando, al arquitecto italiano, Adamo Boari, una obra que representara el lema de su gobierno “orden y progreso”, por lo tanto, se requería de un edificio que mostrara ante los ojos del mundo, la prosperidad cultural en México. El desarrollo de la obra inició con la elección de su ubicación. El arquitecto, definió que sería entre la Alameda y el Edificio de Correos, en la calle 5 de mayo, hoy conocida como av. Juárez en la ciudad de México. Boari, comenzó la construcción en el año de 1901, con la destrucción del antiguo Teatro de Santa y Ana que ocupaba el lugar designado. Influenciado por la arquitectura del Art Nouveau, que se caracteriza por motivos japoneses, formas asimétricas, vidrio curvo y los usos extensivos de formas curvas y arcos. También posee adornos típicos como mosaicos y vidrieras. Comenzó la elaboración del diseño, y un año después, en 1904, se mostraban los primeros 18 planos al presidente Díaz, quien aceptó el diseño con tal entusiasmo que hizo que se comenzara de inmediato la obra, aumentando el presupuesto del proyecto de manera significativa Conforme fue avanzando la construcción, se presentaron

diferentes problemas, pero el que más tiempo llevo resolver, fueron los sedimentos lacustres característicos de nuestra ciudad. La estructura de la construcción comenzó a hundirse, pero de inmediato se agregó cemento y cal al subsuelo y luego se reforzó con arena, y arcilla bentonítica, que es una tierra de alta absorción de agua, lo que proporcionaba rigidez al terreno. Gracias a esto, los trabajos no se interrumpieron. Pero la solución del problema se dio por completo hasta 1912. Los cálculos de cimentación y de estructuras del proyecto, se realizaron por el arquitecto neoyorkino W. H. Birkmire y la ejecución, por la constructora Firma Milliken. Las estructuras estaban compuestas por acero, concreto y mármol. Boari, estableció las secciones para todo el recinto, incluyendo el jardín, un área de 96 metros de frente y 116 de largo, utilizando 2 hectáreas de terreno, en donde incluyó rampas y escaleras. Para la acústica del teatro, la sala sería en forma de cono, esto brindaría mejor audición para los espectadores. Las particularidades de la obra serían varias, entre ellas, sus dobles entradas para los carruajes, movimiento eléctrico e hidráulico para escenografías, elevación de los

carruajes dentro y fuera del escenario del teatro por medio de un gran ascensor así como iluminación artificial y natural. Para el exterior, Boari, se inclina por lo nacional, decidiendo que la decoración se conformara por figuras prehispánicas como cabezas de jaguares, monos, coyotes y serpientes. Con el inicio de la revolución, la obra comenzó a detenerse, para 1916 se suspendió totalmente. Adamo, regresa a Italia y desde ahí, mandó nuevos planos y modificaciones que se debían realizar al proyecto, integrándolas en una carpeta que tituló “Construzione di un Teatro” llamando a su edificio “el elefante blanco”. Por desgracia, Boari, nunca vio su obra concluida, pues murió en 1928. En el año de 1930 Pascual Ortiz Rubio, presidente de México, determinó concluir el teatro nacional, con la condición de que la obra generara el menor gasto posible y que se siguieran, en lo posible, los planos originales de Boari. El arquitecto mexicano Federico Mariscal se encargaría de finalizar la obra con un rediseño en el interior del teatro, a las reglas del Arte Deco. En el rediseño, el salón de fiesta se convirtió en el museo de artes plásticas, el palco presidencial se redujo, y se realizó lo que hoy es la sala internacional de exposiciones, se construyó una sala de conferencias, se

reestructuró la sala de espectáculos, ampliando los pisos de las lunetas y de los anfiteatros, se creó la plaza, lugar de los pegasos, el estacionamiento, el vestíbulo, el museo del libro y la biblioteca. También se creó el museo de artes populares y un restaurante. Los murales corrieron a cargo de David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera, José Clemente Orozco, entre otros. Todo esto en tan solo dos años (1932 a 1934). El palacio de Bellas Artes fue inaugurado después de treinta años el 29 de Septiembre de 1934, por el entonces presidente Abelardo Rodríguez. La arquitectura se adaptó y diseño con un nivel tecnológico que competía con los mejores teatros contemporáneos a nivel global. La obra, con una triple cúpula que abarca el vestíbulo y sala de espectáculos, hizo del recinto, una obra portentosa, pues los teatros de la época, eran de sólo una cúpula. En el transcurso de su creación, se detuvo por conflictos políticos, sociales, así como una inestabilidad económica dentro del país, pero, la vista de la pieza arquitectónica, que combina dos tipos de arte, da a extranjeros y nacionales, una joya de la arquitectura mundial.

Fotogrfía: Francisco C. Aguilar del Valle

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LOS 5 TEATROS REPRESENTATIVOS DE MÉXICO Antonio Sánchez Silva El Distrito Federal es la entidad del país con más recintos destinados a la actividad escénica de acuerdo con el Sistema de Información Cultural del CONACULTA. El organismo indica que en la ciudad de México hay 127 teatros, lo que representa un 22.40% del total nacional, que es de 567 recintos. Entre la gran variedad de recintos con los que cuenta el Distrito Federal, te mostramos los 5 teatros más emblemáticos.

1. Palacio de Bellas Artes Ubicado en el corazón del Centro Histórico, a un costado de la Alameda Central, es la casa máxima de la expresión de la cultura del país, considerado el centro de la vida cultural y artística más relevante de México y el centro más importante dedicado a las bellas artes en todas sus manifestaciones. La Unesco lo declaró monumento artístico en 1987. Un magnífico edificio considerado el centro de la vida cultural y artística de nuestro país. Construido en el lugar donde se encontraba el representativo Teatro Nacional, su creación inicia en 1904 por orden del presidente Porfirio Díaz al arquitecto italiano “Adamo Boari”, con

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motivo del Centenario de la Independencia de nuestro país. La falta de presupuesto y el estallido de la Revolución de 1910 hicieron que las obras no culminaran sino hasta 1934, en manos del destacado arquitecto mexicano, Federico Mariscal.

La identidad refinada de esta construcción se percibe en todos sus rincones: en el mármol de su fachada, en el magnífico telón diseñado por la firma joyera Tiffany’s y en sus muros adornados por obras de reconocidos muralistas como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, José Clemente Orozco, Juan O ‘Gorman y Rufino Tamayo. Al visitar este recinto, se pueden disfrutar de exposiciones de talla mundial, así como de presentaciones de danza, ópera y música de concierto.

2. Teatro Insurgentes

de

los

Ubicado en la abundante avenida del mismo nombre, en la delegación Benito Juárez, el Teatro de los Insurgentes fue construido a iniciativa del empresario José María Dávila y su amigo Julio Prieto, quienes, impulsaron la idea de crear una sala de grandes dimensiones distintas a las edificaciones medianas que tenia la ciudad y llevan a cabo la creación del foro más grande de México.

LA CIUDAD DE

Elaborada por un joven arquitecto llamado Alejandro Prieto, hermano de Julio Prieto. Aunque la intención era crear un teatro sencillo, los fundadores decidieron adornar la fachada, por lo que pidieron a Diego Rivera la realización de un gran mural en mosaico vítreo llamado “El Teatro en México”. El resultado: una hermosa y crítica escenificación de la historia del país. La primera representación en el recinto fue la obra Yo Colón, de Alfredo Robledo y Carlos León, dirigida por Ernesto Finance y la actuación de Mario Moreno Cantinflas, personaje que ocupa el centro del mural de Rivera. Hoy en día este maravilloso recinto presenta admirables obras en donde la realidad se expresa de diferentes formas.

3. Teatro de la Ciudad Este bello inmueble se encuentra ubicado en la antigua calle de Donceles, junto al edificio de la Asamblea Legislativa de la Ciudad de México, en el Centro Histórico. Fundado en 1918 bajo el nombre de la diva de ese momento: Esperanza Iris, fue levantado en el lugar que anteriormente había ocupado el Teatro Xicoténcatl. Su construcción estuvo a cargo de los arquitectos Ignacio Capetillo Servín y Federico Mariscal. El edificio original se cubría de detalles clásicos: columnas de

mármol, esculturas de cantera y finas herrerías; la decoración de su vestíbulo la constituían terciopelo, cortinas drapeadas, espejos biselados y grandes candiles, que creaban un ambiente señorial. Pero, en la madrugada del 3 de noviembre de 1984, un terrible incendio consumió gran parte del antiguo coloso dañando severamente su estructura e interiores. A partir de 1999 se inició un profundo proceso de restauración y hoy, en el Teatro de la Ciudad sobrevive el recuerdo de Esperanza Iris, dando vida a conciertos y presentaciones de artistas nacionales e internacionales.  

4. Polyforum Cultural Siqueiros Este recinto se encuentra sobre la avenida de los Insurgentes, a espaldas del World Trade Center, en donde sobresale una original estructura policroma. Como su nombre lo indica, es un foro múltiple en el que se realizan diversas actividades culturales, políticas y sociales. En total, el inmueble cuenta con 8,700 m2 de extraordinaria pintura mural de David Alfaro Siqueiros de la que sobresale “La Marcha de la Humanidad”, que decora su interior y que constituye el mural más grande del mundo. El “Teatro Polyforum” posee una capacidad para 500 espectadores y es uno de los pocos anfiteatros en el mundo con escenario


circular al estilo griego, pionero en esta bella arte. Además, el teatro cuenta con el Foro Universal, una enorme bóveda en donde se realiza un sorprendente espectáculo de luz y sonido, y las galerías de arte Dr. Atl y Mario Orozco Rivera.     

5. Teatro Metropólitan Este maravilloso recinto, ubicado en la calle de Independencia No. 90, en el Centro Histórico, es una

memoria viviente de las antiguas salas de cine. Sus enormes escalinatas, sus butacas rojizas y sus esculturas griegas fueron testigos de la época de oro del cine mexicano y vieron desfilar en sus pasillos a artistas como María Félix, Dolores del Río y Pedro Armendáriz. Conocido anteriormente como el Cine Metropólitan, esta construcción es obra del arquitecto Pedro Gorozpe Echeverría. Sus puertas se

abrieron en 1943 con la exhibición de la cinta “Los Miserables”, cuya premier contó con la presencia del entonces presidente, Manuel Ávila Camacho. Operó por varias décadas hasta el cierre masivo de cines de los años 90’s por la quiebra de operadora de teatros, permaneció abandonado por varios años hasta que fue rehabilitado y operado por OCESA quien

aprovecha la oportunidad de utilizarlo como espacio para espectáculos. Actualmente está dedicado principalmente a la realización de obras de teatro, conciertos, musicales, recitales, presentaciones de danza, entre otros, tanto a nivel nacional como internacional y es una de las sedes del Festival Internacional de Jazz de la Ciudad de México.

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Memorias de dos hijos caracol A

Francisco A. Sánchez Corona

l escuchar el titulo ``Memorias de dos hijos caracol´´ viene a nuestra mente la imagen de aquellos animalitos lentos que llevan su casa a cuestas, pues bien, esta singular obra de teatro toma esa analogía para narrar la historia de 2 niños mexicanos que asisten a una escuela en ciudad Juárez.

SECCIÓN: ROM PET E UNA PIERNA

María de la Concepción (Coco) -interpretada por Conchi León- es una niña nacida en Mérida que huye junto con su madre al norte del país por problemas familiares y Antonio (Toto) -interpretado por Antonio Zuñigaquien interpreta a un niño inquieto y preguntón de la localidad, establecen una linda y temporal amistad. Ambos tienen un imaginario repleto de sueños y expectativas de la vida que, por las frustraciones de sus madres y la suma del mundo de los adultos se ven modificadas y fragmentadas. Al igual que los caracoles arrastran sus casas a donde quiera que vayan, Coco y Toto hacen lo propio con su realidad. Comentan y comparten sus problemas en la escuela; alegrías, enojo e incluso amor son características que reflejan el ánimo de los pequeños, pero a su vez, evidencian los problemas y responsabilidades que se adquieren cuando se es madre o padre. Este cuento escenificado nos recuerda las necesidades esenciales de los niños con una hermosa moraleja sobre la palabra amor en la familia y en la amistad, ya que, sin importar el lugar, ``en donde está tu corazón, está también tu hogar´´.

Memoria de dos hijos caracol, es una divertida obra para toda la familia, tiene una duración aproximada de 50 minutos y se presentará todos los sábados y domingos de marzo y abril a las 12:30 horas en el Teatro Granero del Centro Cultural del Bosque, ubicado en Paseo de la Reforma y Campo Marte, Colonia Chapultepec Polanco, Delegación Miguel Hidalgo en la Ciudad de México. La admisión general tiene un costo de 80 pesos y se ofrece el 50% de descuento a estudiantes y profesores. Sin duda este es un eventoque no puedes dejar pasar.

El Consejo Nacional para la Cultura y las Artes , El Instituto de Bellas Artes, la Cordinación Nacional de Tetro, El Programa de Teatro Escolar, el Teatro para Niños y Jovenes, presentan: Memorias de dos Hijos Caracol.

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“El beso” “Un mudo nace cuando dos se besan” Octavio Paz

Edgar Flores Torres Entre discusiones, tazas de té, música de piano y actores hablando de manera simultánea, la obra te sumerge en un ambiente donde la realidad y la fantasía, la verdad y la mentira, mantienen fronteras porosas, difíciles de identificar. Basada en el cuento de Antón Chéjov y estructurada como una pieza teatral para cinco actores acompañados por un piano de cola larga, ésta puesta en escena explora lo que hay detrás del indescifrable acto de juntar las bocas. Una noche de mayo, dentro de una provincia rusa, oficiales de la brigada de artillería son invitados a cenar con motivo del estreno de la residencia de un general retirado. Riabóvich –sujeto tímido, de pocas palabras y de “aspecto gris”- se separa de la reunión perdiéndose en los cuartos oscuros de la misma para encontrarse frente a frente con algo que pudiera resultar tan frágil, pero que sin duda, cambió el destino de su vida: un beso accidental de una dama misteriosa. A partir de ese momento, Riabóvich no vuelve a ser el mismo. Un sentimiento nuevo complementa su ser: algo que

sin duda se parece al amor. La brigada abandona el pueblo al día siguiente para comenzar una campaña militar. Ante la incertidumbre de no saber quién fue la responsable de tan incomparable suceso; el recuerdo de aquel momento se convierte en la única razón para que, una vez terminada la operación y después de tantos días de hostilidad entre polvo y balas, regrese al mismo pueblo en búsqueda de aquella mujer que estremeció su ser.

cos pero sobre todo la relación tan cercana que tiene el espectador con los actores, crean la inminente sensación de ser un testigo más del gran dilema, pero a la vez un comensal más del gran banquete organizado. En fin, una propuesta escénica diferente, valdría la pena que el público la viera pues escuchar y compartir opiniones (inclusive de los mismos actores) de la realidad social por la que atraviesa nuestro país es un plus que te ofrece esta obra.

¿Conservar la ilusión y la magia de esa noche de ensueño o enfrentar la realidad en búsqueda de una posible felicidad?

El montaje de “El Beso”, pertenece a la compañía teatral Todas las Fiestas de Mañana, cuyo elenco está integrado por Sophie Alexander-Katz, Raúl Briones Carmona, Francia Castañeda, Leonardo Ortizgris y Pablo Chemor, bajo la dirección de Alonso Rui-

Pregunta que Riabóvich decidirá a lo largo de la obra. Los aspectos técnicos, estéti-

zpalacios. Las funciones se llevan a cabo los jueves, viernes, sábados y domingos hasta el próximo 9 de marzo (jueves, viernes y sábado, 21:30 horas, y domingos, 20:00 horas) en el Cine Tonalá, ubicado en Tonalá 261, Col. Roma Sur, México, D.F. 06760. Costo de $150.00. Descuento del 50% a estudiantes, maestros, UNAM, INAPAM, y jubilados del ISSSTE e IMSS, con credencial vigente. Cupo limitado.

“Un beso puede arruinar una vida humana” Oscar Wilde

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Los Monólogos de la Vagina Por Miranda Escobedo Quiroz

Coño, chocho, pantufla, pa-

nocha, oso, concha, raja, vulva, cueva, papaya, pepa, cosita, pussy. Con estas palabras te reciben Janett Arceo, Irene Cordero y Susana Moscatel, que forman parte del elenco de Los Monólogos de la Vagina. Durante más de hora y media contemplarás la actuación de estas mujeres, todas ellas interpretan las ideas recopiladas de los monólogos y mencionan la palabra vagina tantas ocasiones y cuantas veces sea necesario. Lo hacen para que llegues a sentirte cómodo con ellas, y con el tema principal: la vagina. Los monólogos están construidos a partir de más de doscientas entrevistas de mujeres jóvenes, mayores, amas de casa, profesionistas, desempleadas, prostitutas, negras, hispanas, asiáticas, bosnias, indias, judías, blancas, latinoamericanas, ricas, humildes, etc... Todas estas mujeres han confiando a Eve Ensler, creadora de la obra, sus más íntimas historias en relación con sus vaginas.

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Las obra narra cómo la sexualidad femenina sigue siendo un misterio incluso para las mujeres. Cada monólogo es la experiencia de una mujer diferente, donde se narran los traumas, las aspiraciones, alegrías, tristezas, aprendizajes, angustias y miedos hacia sus vaginas.

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Cada una de estas historias dice lo indecible. Por ejemplo, la violencia contra el cuerpo femenino, como la violación, o la mutilación de órganos sexuales; no sólo es una obra de teatro, también es una forma de denuncia. El más significativo e inolvidable monólogo de la obra es el último, donde se dice que la vagina es fuente de vida y, al igual que el corazón, da la vida para dar vida. En este discurso se refleja el mensaje central de toda la obra: la sociedad se olvida de la importancia que tienen las vaginas, sólo se les ve como objetos sexuales cuando son muchísimo más que eso, pues forman parte de la vida y de la esencia de cada mujer. Todos los monólogos expuestos te dejan una reflexión, más aun si eres mujer. Te ríes, te estremeces pero lo más inesperado

Entrevista a una actriz Por Ali Ramos

A

cordé una cita con Jeaneth Piña afuera del salón de teatro de la UAM Xochimilco. Llegamos puntualmente y me hizo pasar al aula donde se sentiría más cómoda. Jeaneth es actriz de la compañía independiente Círculo Área 4 y de la compañía de la UAM Xochimilco; es estudiante de la Literatura Dramática y Teatro y ha trabajado en la asociación Héctor Azar, además ha realizado teatro independiente y teatro de calle.

¿Qué

es el teatro?

Para mí lo es todo, pero también hay que tomar en cuenta que es una profesión. El tea-

tro es hacer una crítica a todo lo que está pasando en el aquí y en el ahora; en él tiene que estar la persona que está interactuando con el otro; la persona que lo hace siempre se debe interesar en el otro, el público. Su finalidad siempre va a ser comunicar, de este modo si yo puedo hacer teatro que comunique, que critique y que no sólo sea para divertir -como el teatro romano-, me doy por satisfecha.

¿Qué es un actor y que características debe cumplir? Un actor es una caja de mo-


Entrevistas con Gombrowicz Por Guillermo Garrido del Río

He conocido personas que pueden llegar a tener mucho talento, pero un actor tiene que trabajarlo y tener mucha fuerza de voluntad para cambiar su conducta.

así la gente sigue generando teatro. ¿Por qué hace teatro? Hay algo muy mágico en el teatro que les sigue interesando a los demás.

¿Un actor nace o ¿Quiénes son tus se hace? actores favoritos? Puede nacer con talento, pero un actor se hace. Más que el talento es que sepa cómo cambiar sus estados estables, transgredirse y buscar siempre más allá de cualquier paradigma de comportamiento. ¿Consideras que hay diferencia entre actores de televisión, cine y teatro? Sí, hay una gran diferencia en las técnicas que usa cada uno para difundir en su medio, porque no es lo mismo hacer teatro que hacer cine, son diferentes convenciones de creación artística. En el teatro el público está ahí presente, en el cine no; el cine y la tele pueden manipular muchas partes según lo que quieran mostrar, en el teatro todo es en el momento.

¿Qué piensas de la situación del teatro en México? Es muy difícil porque la gente ha dejado de sorprenderse y es complicado crear interés en ellos. Por ejemplo, en el Festival de Teatro Universitario me di cuenta que hay mucha gente a la que le interesa y está haciendo teatro, entonces la situación es difícil pero aún

Hace poquito vi a Luisa Huertas y me gustó mucho. Pero si pudiera poner a tress serían Luisa Huertas, Robert de Niro y Charles Chaplin.

¿Cuál es personaje que te ha exigido más trabajo actoral? ¿Por qué? Creo que todos, pero el que más me ha costado trabajo fue el último porque mi personaje ni siquiera tenía nombre, era personaje 1 y personaje 2. Me fue muy difícil encontrar en el texto los momentos de acción o la idea; la compañía en la que ahorita estoy es un teatro de ideas y lo importante es comunicar ideas más que construir personajes. Le agradecí la entrevista para después brevemente retomar el tema de los premios de la academia. Eran dos contra uno, Jeaneth aseguró que 12 Years of Slave sería la cinta que más premios se llevaría, mientras que yo, aposté por Gravity.

Reseña de Lo humano en busca de lo humano, de Dominique de Roux

Witold Gombrowicz nació en Maloszyce, una pequeña villa en el corazón de Polonia, el cuatro de agosto de 1904. Se crió en una familia de la baja nobleza, estudió derecho y luego letras y se convirtió en el primer crítico de la forma, conoció el abrigo argentino durante la guerra y se consagró hacia el final de su vida. En algún momento de 1968, en algún café de París, se encontraron Witold Gombrowicz y el joven escritor y crítico Dominique de Roux, con el objeto de realizar una serie de entrevistas sobre la vida y la obra del dramaturgo, entonces residente en esa ciudad, reconocido, becado, y dedicado a su última obra. Gombrowicz revela los ases que coronaron a sus obras ganadoras, va todavía más allá y nos explica su vida al paralelo. De Roux estructura el libro a pinceladas con la trayectoria literaria

Fotografía de archivo de Gombrowicz, más el resultado retrata una biografía humanamente detallada. Lo humano en busca de lo humano navega entre lejanos recuerdos de infancia, anécdotas de juventud y de carrera y algunas perversiones primarias. Gombrowicz cuenta el destino de sus andanzas por Polonia, Argentina y París, hablando de cómo su vida marcó su obra, y viceversa. Explica de manera informal su teoría crítica de la forma, desde el hallazgo casual de esa idea, hasta sus últimas repercusiones en su estilo, así como su evolución con el trayecto de los años. Huraño y reacio por definición, Gombrowicz presenció una sola vez la puesta en escena de una de sus obras. No obstante logró dar revancha al viejo juicio que recibieran entre abucheos sus primeras publicaciones, y mantuvo una decidida crítica a la ideología misma en tiempos en que las ideologías definían la realidad.

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