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Dirección: Mª JOSÉ LAREDO contacto@vim-magazine.com Redactor Jefe: LAURA PÉREZ redaccion@vim-magazine.com Jefes de sección: MIRIAM PUELLES ALBERTO RICHART Redactores: CARLOS MARTINEZ FEDERICO CALABUIG ALBERTO RICHART ALBA CORDERO IKER AZKOITIA JOANA AGUIRRE OIHANE PÉREZ MIRIAM PUELLES ALEJANDRA ESPINO SERGIO G. TIMÓN DAVID RAMIRO RUEDA MARTA LARRAD MARINA LÓPEZ Agradecimientos: SERGIO LARDIEZ SILVIA DAFONTE ZARA GARO sandra ejarque deborah palomo

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CARTA DEL DIRECTOR Para triunfar hay que tener suerte. Pero la suerte es algo volatil, que cambia según el momento y a lo que no podemos agarrarnos porque quema demasiado. La realidad es que, para triunfar, necesitamos confiar en nosotros mismos, y que aquellas personas que son importantes para nosotros también lo hagan. De manera ciega. Es el secreto para sentir que lo que haces es lo correcto, que la decisión que tomas puede ser la acertada y que el resultado final será el esperado. ¿Y si no es así? Allí estarán ellos para apoyarte. No se puede mantener un estado de felicidad y armonía con uno mismo sin confiar. En los demás, en uno mismo, en nuestras emociones, en nuestras decisiones, en nuestra vida. Llenaríamos de interrogantes cada uno de nuestros pasos y no podríamos avanzar. No le hablaríamos al amor de nuestra vida, no nos lanzaríamos al trabajo de nuestros sueños, no arriesgaríamos en nada. Y al final de todo... nos sentiríamos vacios. ¿Y se puede vivir estando vacio? Yo prefiero no intentarlo... Un abrazo enorme,

Mª José Laredo Directora VIM Magazine (contacto@vim-magazine.com)


ESTE MES EN VIM... MÚSICA - BEYONCE PRESENTA LEMONADE - PAG 6 MÚSICA - DE CUANDO COLOMBIA SE CONVIRTIÓ EN SONIDO – PAG 14 TELEVISIÓN - EUROPA DICE NO A BAREI – PAG 24 TELEVISIÓN - – ENTREVISTA OLIVIA DELCÁN - PAG 28 TELEVISIÓN - – ANALIZANDO JUEGO DE TRONOS - PAG 50 CINE - ENTREVISTA DANIEL GRAO Y JUANA ACOSTA – PAG 36 CINE - ACANTILADO – PAG 72 CINE - – Cegados por Tilda Swinton - PAG 78 CINE - ENTREVISTA ANNA CASTILLO - PAG 80 CINE - LA HISTORIA DE JAN – PAG 94 CINE - EL CONTRALUZ: EDUARDO NORIEGA – PAG 96 TEATRO - UNA CORONA PARA CLAUDIA – PAG 102 MODA - GALA MET 2016 - PAG 108 CINE - PRADAMARFA – PAG 110


Bbeyonce

Lemonade, un éxito desde antes de su lanzamiento POR OIHANE PÉREZ Atrás quedaron las grandes campañas de marketing y promoción a la hora de lanzar un nuevo disco. Al igual que hizo Rihanna hace unos meses, Beyoncé se sirvió de un único tuit para informar de que su nuevo disco, Lemonade, ya estaba disponible de manera exclusiva en Tidal, plataforma musical fundada por Jay-Z, marido de la artista. Lemonade continúa con la línea del anterior disco de la cantante y está compuesto por 12 canciones, cada una acompañada de una pieza visual. El conjunto de estas canciones sigue una misma línea argumental, como si de una película se tratara. De hecho, esta fue estrenada por la famosa cadena estadounidense HBO la misma noche del lanzamiento del álbum. El argumento del disco no ha dejado indiferente a nadie: un recorrido por un matrimonio fallido y varias alusiones a una infidelidad. Esto ha hecho saltar las alarmas mediáticas: ¿Reprocha Beyoncé a su marido, Jay-Z, una supuesta infidelidad? ¿Tiene problemas el matrimonio de los artistas? Ninguno de ellos ha dicho que las letras de Lemonade estén basadas en su propia relación, pero el rumor ya está servido.


De Lemonade ya conocíamos el que es el tema que sirve de cierre del álbum, Formation, que fue estrenado en el mes de febrero e interpretado por la artista en la Super Bowl, un tema que rinde homenaje a la raza negra, a la mujer, y a sí misma. En cuanto a géneros se refiere, Beyoncé incluye en este álbum canciones de todo tipo, como baladas, ritmos jamaicanos, acordes rockeros e incluso country. Y es que Lemonade cuenta con la participación de artistas de renombre provenientes de diferentes estilos musicales, como son The Weeknd, Jack White, Kendrick Lamar, Ezra Keoning o los mismísimos Led Zeppelin. Pocos días después de su lanzamiento el disco consiguió posicionarse en la cabeza de la lista Billboard 200. Se convirtió también en número 1 en países como Reino Unido, Irlanda y Holanda, y las cifras de venta ascendieron a más de medio millón de copias en solo una semana. Desde el día 25 de abril Lemonade está a la venta en iTunes, y el 6 de mayo comenzó su venta en formato físico. Además, podrá disfrutarse en directo en la gira llamada The Formation World Tour, que comenzó

el pasado 27 de abril en Miami y finalizará el 2 de octubre en Nashville, y que está formada por 31 conciertos en América del Norte y 17 en Europa, haciendo parada en Inglaterra, Irlanda, Alemania, Suiza, Italia, Francia y Bruselas, entre otros. Si no te quieres perder el nuevo disco de Beyoncé en vivo, tendrás que darte prisa, y es que muchos de los conciertos han colgado ya el cartel de “sold out”.


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DIRECTO DIRECTO

NO HAY NADA MEJOR QUE LA PRIMAVERA PARA SALIR DE CASA A DISFRUTAR DE LA MÚSICA EN DIRECTO. adele visita de nuevo españa, manuel carrasco, y malu continúan enamorándonos y bruce springsteen nos hará disfrutar de lo lin' do.. . abril acoge multitud de giras de todo el panoramana nacional e interna' cional que hará que los días pasen 'volando. POR mª josé laredo


ANTONIO JOSE tour EL VIAJE

Coldplay A Head Full Of Dreams!

El que fuera ganador de la última edición de ‘La Voz’ continúa recorriendo las ciudades de toda la península haciendo disfrutar de su característica voz y sentimiento a multitud de fans que no dudan en arroparlo en cada fecha.

La emblemática y exitosa banda británica ‘Coldplay’ vuelve a tener en cuenta a España en su gira europea. Pasarán por nuestro país con su gira ‘A head full of dreams!’ los días 26 y 27 de Mayo en el Estadio Olímpico de Barcelona. Un doble concierto en la ciudad condal en los que nos presentarán las canciones de su último disco pero donde no olvidarán sus éxitos más conocidos.

Durante esta gira que pretende mantenerlo ocupado durante todo el verano, Antonio José presentará además algunas novedades y canciones que no se encuentra en su primer disco homónimo ‘El viaje’. además de deleitar a su público con ‘De que manera’ o ‘El arte de Vivir’. Entre Benidorm, Estepona, Sevilla o El puerto de Santa Maria, ha sacado tiempo para realizar un concierto a duo con su mentor ‘Antonio Orozco’ el próximo 5 de Agosto en Almendralejo. Una fecha sin duda para marcar en nuestro calendario.

Se trata de una gira muy esperada, ya que el grupo decidió no girar en su anterior disco (Ghost Stories) para poder meterse en el estudio a grabar A Head full of dreams. Aunque consideran que fue una de las mejores decisiones que pudieron tomar, sus fans los esperan ansiosos de captar la energía que la musica de Coldplay consigue desprender en cada escenario que pisan.

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el barrio tour 20 Parece que la carrera de ‘El Barrio’ no tiene fin, y es que vuelve de nuevo a los escenarios con ‘Tour 20’, haciendo un recopilatorio de sus exítos de siempre. Con esta nueva gira visitará la gran mayoría de las ciudades españolas, repasando sus éxitos y haciendo a sus fans disfrutar de una música que nunca pasará de moda y que practicamente todos podemos tararear. Y es que, no podemos olvidar que ‘El Barrio’ es uno de los cantantes españoles que más recintos ha conseguido llenar, colgando el cartel de ‘no hay entradas’ en la gran mayoría de ellos. No podemos más que desear ‘larga vida a El Barrio’.

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SIDECARS contra las cuerdas La banda madrileña formada por Juancho, Manu, Gerbas y Ruly están girando por el territorio español presentando en directo su último disco en acústico, grabado precisamente durante un concierto en Madrid y en el que contaron con la colaboración de grandes voces del panoramana nacional: Ivan Ferreiro, Dani Martin o Leiva entre otros. Algunas de las ciudades que podrán disfrutar de su maravilllosa voz y de la magía que envuelve el ambiente con cada nota serán Sevilla, Logroño, Malaga, Coruña, Oviedo.... y un largo etcétera. Los fans de este grupo que cumple siete años en el mercado, pueden estar contentos. Este verano no van a quedarse sin música.


MALÚ TOUR CAOS Si tienes ganas de divertirte y pasarlo bien escuchando buena música, no puedes perderte a Malú en su nueva gira presentando su último trabajo ‘Caos’. La voz femenina por excelencia en España va a recorrer toda la geografía nacional en más de 25 fechas confirmadas hasta la fecha, haciendo triplete en alguanas ciudades como Madrid. Muy pocos no caen rendidos a los pies de su talento y su música. Granada, Vigo, Valencia o Albacete son sólo algunas de las ciudades en las que en los próximos días se agotarán las entradas. Y es que, la coach por excelencia y la anfitriona del programa estaba deseando volver a interactuar con su fans y hacerles llegar su música. Ya tocaba volver a disfrutarla y verla disfrutar en los escenarios.

estopa rumba a lo desconocido Los catalanes vuelven a los escenarios para presentar a su público su último álbum: ‘Rumba a lo desconocido’. La gira será intensa, y es que el trabajo de estos hermanos apuntaba maneras ya desde el lanzamiento, convirtiéndose ‘Pastillas para dormir’, su primer single, en todo un éxito en ventas. En esta gira, además, repasarán sus éxitos más conocidos y que ya se han convertido en todo un himno para muchos de nosotros. Una de las giras más esperadas por los adictos al directo, a la buena música y a la ‘RumbaRock’, la palabra que los Estopa inventaron para denominar con una sola palabra el sonido de su nuevo disco. Y desde luego, dieron en el clavo.

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De cuando Colombia se convirtió en sonido POR MARINA LÓPEZ La violencia, el abuso policial y una cifra que registra aproximadamente 60.000 casos de personas desaparecidas señalan con dedo acusador a Colombia. Sin embargo, sus afectados han decidido no resignarse al silencio. El proyecto Tocó Cantar, una Travesía contra el olvido es un conglomerado de dolor y tristeza contenida, que ha reunido durante cinco meses a más de 45 compositores e interpretes dispuestos a contar su historia en forma de música. Lo que

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más llama la atención es que los participantes de este proyecto no son famosos, y poco o nada tienen que ver con el mundo musical, si no más bien, con la labranza en el campo- ¿Puede ser que en Revista VIM nos sorprendamos con mucha facilidad? SÍ-. Es el Centro de Memoria Nacional Histórica quien ha decidido llevar a cabo este proyecto, ya que, como dice la productora, Lucía Ibáñez: “ La música crea memoria, pero también busca verdad, transformación. Es una catarsis que convoca a la unidad”. Tocó cantar es una amalgama de acordes propios de los indígenas, afros, campesinos y ritmos urbanos; pertenecientes al territorio colombiano y que representan la trágica situación en la que se encuentra el país desde 1962. “Qué vergüenza para mi patria, la justicia se ha vendado, para no mirar el terror que el mundo ha condenado como un crimen de guerra, que empaña nuestro


legado, mentiras e impunidad dejaron todo tapado”, dice el estribillo de Los Falsos positivos, que a golpe de arpa denuncia abiertamente la matanza de decenas de jóvenes a manos de las fuerzas del Estado allá en 2008.

paradero del pobre diablo. No es mucho menos dantesca la historia que cuenta María junto a su guitarra, que recuerda la lucha de miles de 7 millones de desplazadas que han tenido que dejar su casa y su familia a causa del conflicto.

Este proyecto también hace hincapié en el colombiano como individuo, y no el colectivo. ¿No les pasa muchas veces, amiguitos lectores, que sus ojos pasan impasibles ante titulares cuyos protagonistas son millares de muertos y tienen que coger un pañuelito ante la conmovedora historia de un león enfermito? Pues eso.

Sinceramente, creemos que es necesario escuchar Tocó Cantar, no sólo porque a nivel instrumental es una delicia, sino también para tener la posibilidad de concienciarnos: la guerra de Colombia no ha distinguido entre bandos y ha arrasado con todo lo que se le ha puesto por delante de manera atroz. Podéis encontrarlo en la web oficial del Centro de Memoria Histórica (http://www.centrodememoriahistorica.gov.co), os lo damos todo mascadito para que no tengáis ni que buscarlo. Y, ah, se me olvidaba lo más importante: es GRATIS.

Por ello, Tocó Cantar se rebela e intenta relatar el conflicto desde la perspectiva de PERSONAS- así, con mayúscula, que no quedan muchas- como José Ancizar Cano, que se remonta a 1991, año en el que una toma armada acabó con la vida de 17 personas e hizo desaparecer a otras tantas entre las que se encontraba su suegro. A día de hoy, 25 años después, siguen sin saber nada sobre el

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Ultimas

SALIDAS

ya estamos en primavera, algo lluviosa pero igual de bonita y brillante. Y NO HAY NADA MÁS GRATIFICANTE QUE DISFRUTARLA CON NUEVA MÚSICA, NUEVAS CANCIONES Y MU' CHO AMOR. eNTRE LO NUEVO ENCONTRAREMOS , POR EJEMPLO, A loquillo, meghan trainor o ariana grande. perdérselo sería una absoluta locura.. Por MARÍA JOSÉ LAREDO


AURORA

THROW THE DICE

El pasado 15 de Mayo veía la luz el tercer álbum de estudio de ‘Fuel Fandango’ al que han bautizado con el nombre de ‘Aurora’. “La Aurora es la primera luz de la mañana... La que vemos al despertar, la que nos da la vida y la que nos trae a este momento, inspirándonos para escribir estas canciones.” Así presentan Ale y Nita su nuevo trabajo a sus seguidores y a los que quieran unirse a ellos.

Nuestra próxima representante en Eurovisión reedita en unos días su último álbum, que ya fue originalmente publicado el año pasado incluyendo en esta ocasión una nueva versión del eurovisivo Say yay!.

Tras siete años mostrándonos composiciones que unen el flamenco y la electrónica como un único género, vuelven al mercado de la mano de Estrella Morente o el Niño de Elche. Después de casi un año dedicado exclusivamente a la composición, que se ha visto marcada por su propia historia personal, nos traen doce temas que consolidan firmemente su identidad y en los que cuentan en mayor medida con el español para comunicarse. Salvaje ha sido presentado como su primer single oficial.

Barei, madrileña de cuna, ha compuesto e interpretado todas las canciones que dan forma a este disco y, aunque no ha sido hasta hace unos meses que su nombre empezó a sonarnos a todos, lo que es cierto es que cuenta con más de quince años de experiencia en el mundo de la música. Ha sido telonera de Lenny Kravitz en Marbella, y ha compuesto entre otros para Malú o Edurne. Desde luego, no ha estado de brazos cruzados durante todo este tiempo. En este álbum cuenta con influencias del pop británico, funk y soul y está compuesto íntegramente en inglés. Trece temas que no dejarán indiferentes a nadie.


VIENTO DEL ESTE

SOUL, BULERÍA Y MÁS

En este mes de Abril volverá a escucharse en nuestras reuniones y encuentros la música de Loquillo gracias a ‘Viento del este’.

Sexto álbum de estudio de una de las voces más particulares de nuestro país, de la mano de Warner Music Spain. Formado por doce canciones, con una selección de clásicos del pop y del soul con un puntito flamenco tan típico de Pitingo.

Nos cuentan que ‘Viento del este’ es una historia urbana, un disco de rock español que aglutina todas las influencias que Loquillo ha ido acumulando durante su amplia experiencia. Un disco con muchísimas horas de trabajo del que no se ve y que imposible vincular únicamente con el rock and roll. Con este nuevo álbum, nos ofrece una obra cumbre y sobresaliente, que podríamos denominar que va unos pasos por delante del rock español. Podremos disfrutar de tremenda lección de música el próximo 24 de septiembre en la plaza de toros de las ventas en un concierto único e irrepetible.

El artista presentará durante seis días consecutivos su nuevo trabajo en el teatro de la Luz Phillips Gran Vía: del 31 de mayo al 5 de junio. Con la producción de Pablo Cebrían y la colaboración del coro Gospel Factory, ya ha conseguido tocar nuestra fibra más sensible con su primer single: ‘Ain’t no mountain high enough’. Sin duda alguna, Pitingo nunca dejará de sorprendernos.


THANK YOU

DANGEROUS WOMAN

Hace unos días, Meghan Trainor nos sorprendía con su nuevo single ‘No’, adelanto de uno de los lanzamientos más esperados de este año 2016. ‘Thank you’ se trata del segundo álbum de esta estrella del pop, pero que ya ha sido vencedora de un premio Grammy.

‘Dangerous woman’ será el tercer álbum de estudio de Ariana Grande, aunque en un primer momento se denominó de manera provisional como ‘Moonlight’.

En este nuevo disco, la cantante nos muestra un lado completamente distinto al que nos tenía acostumbrados, pero sigue destacando por su fuerza y su poderosa voz. Y ya incluso antes de su publicación, ya se ven varias nominaciones y records en el horizonte. Comenzó el año ganando premios y podemos poner las manos en el fuego (y no quemarnos) si decimos que terminará de la misma manera.

Mostrándonos su lado más fuerte, maduro y dejando a un lado a todos aquellos que han intentado quitarle protagonismo a su espléndido trabajo, Ariana se muestra fuerte y más mujer que nunca con la ayuda de Savan Kotecha, con quien ya ha trabajado en varios de sus temas más conocidos de su segundo álbum. El primer single oficial será el que da título al álbum, y será precedido por ‘Be alright’. En el contará además con la colaboración de Macy Gray.


POR MARTA LARRAD

El futuro de la industria musical se centra en el consumo ‘online’ y a las actuaciones en directo. El sector musical ingresó el año pasado 15.000 millones de dólares (13.260 millones de euros), un 3,2% más que en 2014, y si se añade la música en directo la suma asciende hasta los 45.000 millones de dólares. Este aumento de ingresos se ha debido sobre todo a la irrupción del consumo online o streaming que subió un 45,2% respecto al año ante-

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rior. En una época en la que se impone la cultura gratuita, unos 68 millones de usuarios en el mundo ya pagan por servicios premium a plataformas como Apple Music o Spotify. Aunque son muchos los ingresos que genera el streaming los artistas se quejan de que reciben migajas de ese dinero. Y algunos de ellos plantan cara a las plataformas, como hizo Taylor Swift en 2015 con Apple Music, la cantante amagó con retirar su disco “1898” de la red musical cuando Apple anunció que regalaba a sus usuarios tres meses de suscripción y que durante ese tiempo no iba a pagar derechos ni a los músicos ni a las discográficas. Tras la espantada de Swift, Apple reaccionó y cambió la estrategia. Sin embargo el problema sigue ahí: dar prestaciones gratis y luego cobrar por ellas. Este modelo, denominado freemium, es en el que confían muchas plataformas. Antes de ofrecer el servicio premium los usuarios pueden probarlo gratuitamente.


El rapero Jay Z pagó unos 49 millones de euros el año pasado por Tidal. Una plataforma que promete un reparto equitativo y que no contiene servicios gratuitos. Pese a las dudas sobre su viabilidad económica quiere ser la versión justa de un negocio injusto para los músicos. Mientras, la música en directo manejó el año pasado 194,6 millones de euros, lo que supone un incremento del 12,1% respecto al año anterior. Este aumento viene dado por la recuperación de grandes giras internacionales de artistas como AC/ DC o Madonna, cuyo tour “Rebel Heart” ha sido un éxito de taquilla al generar 88 millones de dólares durante sus 15 semanas de presentaciones en Norteamérica y Europa, y festivales para todo tipo de música como el Tomorrowland celebrado en Bélgica al que asisten personas de 75 nacionalidades distintas y más de 450.000 asistentes, y con actuaciones de artistas como Avicci, Carl Cox, David Guetta y Steve Aoki entre otros. En España el consumo digital está igualando al físico. Pero a partir de este año, lo inmaterial debería acumular más peso. Según la Federación Internacional de la Industria Discográfica (IFPI) habla de que los ingresos por streaming y descargas alcanzan los 67,6 millones de euros mientras las ventas de discos obtienen 66,3 millones.


Europa dice “no” a Barei POR MIRIAM PUELLES

La crítica era optimista; la población, también. Por primera vez en muchos años España tenía la unánime sensación de que la canción que representaba al país en Eurovisión era una gran opción. Ritmo festivalero, cantante segura sobre el escenario y sin el hándicap del idioma. Todo parecía estar de cara. No obstante, los primeros ensayos ya hicieron presagiar algo que –pese al éxtasis post actuación– terminó por convertirse en el ya recurrente “lo importante es participar”. Barei llegó a Suecia dispuesta a que media Europa lograse aprender su baile de pies. VIM no

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dispone del número total de personas que lo consiguieron, sin embargo, a juzgar por los aplausos sobre el escenario, al menos lo intentaron.

Rusia era la gran favorita. Una canción de ritmo pegadizo y con una puesta en escena recogida del ganador previo, Måns Zelmerlöw. Junto a éste, la potente voz de la coreana representante de Australia ocupaba gran parte de las apuestas. Otros como Francia, Bulgaria, Suecia, Ucrania, Italia o Armenia, también se colaron en el top ten. Incluso España.


El despliegue de medios que la delegación española había realizado este año fue inmenso. Conciertos por todo Europa que dieron a conocer la canción de Barei y que calaron en los eurofans. De hecho, llegó a Suecia con un respaldo importante de las casas de apuestas internacionales. ¿Cómo se produjo el desplome, entonces?

El problema es que ya en el primer ensayo sobre el escenario de Estocolmo se pudo observar una improvisación evidente y falta de concienciación sobre el tema. La indecisión de dónde colocar a unas coristas que finalmente se convirtieron en meras sombras y que visto lo visto podían haber sido casi prescindibles, fue significativo.

Say yay, yay, yay

La escena era oscura, tenebrosa, y la canción pedía color. Tal vez no era necesario llegar al nivel de países como Bélgica, subidos de purpurina a un nivel muy High School Musical, pero sí establecer unas líneas más llamativas que no dejasen la canción coja y oscura.

La delegación española se decantó por un tema muy eurovisivo en inglés que, aunque a la RAE no le gustó, tenía muchos ingredientes para realizar una buena actuación. En primer lugar, estribillo pegadizo cual jingle publicitario que era fácilmente recordable y destacable entre las actuaciones. Podría traducirse en el La La La moderno, la evolución del mismo que llevó al triunfo español en 1968. Asimismo, la seguridad sobre el escenario que transmitía Barei era un plus que muy pocos cantantes de la final lograron cumplir con creces. Lo peor que podía pasar era que, como en la gala de selección, la representante española se dejase llevar y olvidase cuidar la voz durante la actuación. En cambio, no ocurrió.

Say no, no, no Hace unas semanas, Mocedades –representantes españoles en Eurovisión en 1973– afirmaron en una entrevista para TVE que Eurovisión ya no era un festival de la canción, sino un show audiovisual. Y justo eso es lo que España olvidó por completo. Un evento donde los efectos especiales subordinan a las voces y donde el show es imprescindible para poder triunfar, no puede quedarse en un simple baile de pies. Es necesario introducir más variantes, más movimiento, más espectáculo. Si bien es cierto que algunos países olvidaron por completo que pese a todo había que incorporar el factor voz, España podía haber equilibrado ambos brazos de la balanza para alcanzar la actuación perfecta.

Eurovisión, política y viceversa Otro año más se volvió a entonar el ya conocido “lo importante es participar” tras conocer el resultado de los votos europeos. España logró el puesto 22, por debajo de actuaciones como la del Chiquilicuatre (17) o Edurne (21). Sin Andorra, sólo los “twelve points” de Italia hicieron sonreír a la delegación española. Y es que, las expectativas creadas tras la actuación de Barei, alcanzando el tercer puesto en las casas de apuestas, se derrumbaron conforme los puntos subieron al marcador. Este año se inauguraba una nueva forma de valorar las actuaciones. Por un lado, se emitiría el voto que cada país había proporcionado a partir de un jurado profesional seleccionado para la ocasión. En el caso de España estuvo compuesto por los rivales de Barei en la carrera eurovisiva, salvo Maria Isabel. Por otro lado, el televoto sería trasladado en último lugar y sumando el número de votos que había recibido cada país en total. Una estrategia que, según la organización, proporcionaba una mayor emoción al recuento final. No obstante, lo que logró fue sorprender a toda Europa. En el último momento, y como si de un duelo a vida o muerte se tratase, Ucrania ganó Eurovisión.

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Durante toda la primera tanda de votaciones, Australia había sido la triunfadora indiscutible, con más de 100 puntos de diferencia frente al segundo. No obstante, el público no pensó igual que el jurado y optó por hacer retroceder a países como España o Italia. Otros como Polonia se vieron claramente beneficiados después de trasladarse desde los puestos más bajos de la clasificación hasta el quinto puesto. Fueron los terceros más votados del público. Los segundos, Ucrania; Rusia, los primeros. La escena fue tensa. Tras la invasión rusa a Crimea y su autoproclamada anexión al país presidido Vladimir Putin, la relación entre ambos países no pasa por sus mejores momentos. Esto, sumado a la letra de la canción ucraniana –un grito a la libertad del pueblo tártaro tras la invasión de Stalin en 1944 encarnado en la figura de

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su abuela–, hicieron que los últimos momentos del festival fuesen toda una declaración de intenciones políticas. A pantalla partida, viendo los rostros de las dos delegaciones, la ucraniana y la rusa, Petra Mede anunciaba que los puntos de Rusia no eran suficientes para alcanzar a Ucrania y que estos últimos eran los ganadores de la LXI Edición del Festival de Eurovisión. Las lágrimas de Jamala, vencedora del evento, se sumaron a la petición de paz que exclamó cuando recogió el premio. Y ambas, con una fuerza devastadora sobre el escenario, cerraron la edición. Poroshenko había ganado a Putin, Ucrania a Rusia, y España… volvió a participar.


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La inocencia de su mirada, sus ganas de actuar y de comerse el mundo la convirtieron en la protagonista de ‘Isla Bonita’, su primera película y su primer gran papel. Sin embargo, y aunque las tablas del teatro la han arropado durante todo este tiempo, no ha sido hasta que ‘Bambi’ ha aparecido en su vida que el público ha comenzado a reconocerla. Reconocen su cara, pero también su talento. Sin duda, Olivia Delcán es y será un nombre que recordar y que no pasará desapercibido a partir de ahora. Bienvenida a nuestras vidas Olivia.

De repente una chica de pelo rizado se ha colado en nuestras pantallas, en nuestra retina sin aparente esfuerzo. Pero, ¿quién es Olivia Delcan? Actriz. Ha crecido entre Menorca y Los Ángeles. Afortunada y libre gracias a la lucha de muchas. Le gusta pensar que la vida es bella. Estabas en la universidad cuando Nueva York llamó a tu puerta. ¿Qué o quién fue la clave para que esta decisión se materializara finalmente? Tuve dos claves. La primera una escuela de teatro que estaba al lado de mi casa. La segunda una conversación con mi hermano Pablo Delcán que trabaja como diseñador gráfico en Nueva York desde hace seis años. Él me apoyó para que lo dejara todo y me fuera a Nueva York. ¿De qué modo te influyó este cambio de aires y de ritmo en aquel momento? ¿Qué hubiera cambiado si hubieras estudiado esos dos años en nuestro país? Nueva York es una ciudad apasionante, te abre la mente. El sistema educativo es muy comprometido con una disciplina muy práctica. Te relacionas con gente absolutamente de todo el mundo. Nueva York me formó a todos los niveles vita-

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les. Por otro lado, te hace apreciar lo bueno de nuestra cultura. A día de hoy, has tomado (y sigues haciéndolo) clases con diferentes profesionales. ¿Cuál es la asignatura pendiente en los actores/actrices españoles, en tus compañeros? ¿En qué crees que se debería formar más tu sector? Creo que los actores españoles no tienen nada que envidiar del resto del mundo. Es gracioso porque en mi escuela tuve la suerte de poder trabajar con gente de todo el mundo y ves que la idiosincracia de cada país es diferente y muy particular. El instrumento del actor es su propio cuerpo, creo que es importante ver lo que necesita en cada momento. Creo que el trabajo vocal es fundamental y muchas veces se da por hecho.

“Los actores españoles no tienen nada que envidiar a los del resto del mundo”


Y tu punto débil interpretativo, ese ‘algo’ al que le dedicas más tiempo y preparación porque crees que se resiste… ¿Cuál es desde tu propia perspectiva? No sé si es un punto débil o una forma de trabajar. Antes de entrar a actuar necesito un tiempo para preparar mi cuerpo y mente. Es a lo que doy mayor atención, ya que una vez llegas a ese estado todo es fácil. ¿Eres crítica contigo misma y con tu trabajo? ¿Cómo digieres las críticas (buenas y malas) que se generan alrededor de tu persona por un trabajo en el que inviertes, principalmente, tiempo, ganas e ilusión? Por supuesto que soy crítica conmigo misma y acepto las críticas de la gente que valoro. Pero la verdad es que en esta profesión es importante mantenerte al margen de opiniones que no tengan un fundamento constructivo. Estás muy expuesto. Medimos nuestros éxitos por oportunidades que el destino presenta ante nosotros. ¿Cuál ha sido tu gran oportunidad hasta el momento? Mi gran oportunidad ha sido rodearme de gente que me ayuda y que confía en mi trabajo. Las oportunidades no estás aisladas, todo está conectado. ¿Te consideras afortunada por los trabajos que han llegado a ti y de los que has formado parte? Mucho. La suerte es algo tan relativo, creo que hay que saber divisarla y confiar. En esta profesión hay que confiar mucho.

Isla Bonita ha sido uno de tus primeros trabajos cinematográficos. Se trata de una película cargada de virtudes pero que sólo consiguió la nominación de Fernando Colomo como ‘Actor revelación’. ¿Qué crees que determinó que no se tuviera en cuenta este magnífico trabajo? Nunca ha habido una decepción porque nunca había una espectativa. Isla Bonita ha sido una sorpresa para todos. Fernando Colomo ha gritado a los cuatro vientos que esperaba tu nominación al Goya por ‘Isla Bonita’. ¿Puede una falta de reconocimiento en cuanto a premios se refiere hacerte sentir más pequeña en un mundo en el que acabas de iniciarte? ¿Sentiste miedo por si tu trabajo no era suficiente? Para nada. En su momento aprendí que un buen partido es un buen partido lo ganes o lo pierdas. Y tienes que estar seguro del trabajo que has hecho independientemente de los reconocimientos. Si pudieras condensar en unas pocas palabras el sentimiento que viene a ti al nombrar a Fernando Colomo, ¿cuáles serían? Confianza, valor e ingenio.

“Mi gran oportunidad ha sido rodearme de gente que me ayuda y confía en mi trabajo.” 35


Estamos demasiado acostumbrados a las películas con amores increíbles, historias magníficas y finales felices. De vez en cuando, un estreno nos saca de la burbuja y nos aproxima a la realidad. ¿Qué realidad te gustaría mostrar en la gran pantalla? Las buenas historias, con buenos actores, eso me gusta. Es sencillo. Hay metáforas universales; las mismas preguntas se reinventan en los diferentes géneros y épocas del cine. Eso me motiva, saber que estamos en el mismo barco. A mi la vida me desconcierta, no la entiendo, me reconforta saber que no soy la única.

En las últimas semanas la serie ha sufrido con sus cuotas de audiencia hasta el punto de tener que modificar el día de emisión. a. Muchos espectadores se han pasado a las plataformas online para verlo en otro momento ¿Necesitaría la ficción nacional un cambio que dirigiera y midiera las audiencias y el éxito de cada capítulo también en estas plataformas?

Bambi te ha acercado a ‘Cruz del sur’ y a millones de espectadores que quizá te veían por primera vez. Ella cometió un gran error que a ti te ha dado una gran oportunidad. ¿Es tan importante para un actor pertenecer al elenco de una serie atractiva como Vis a Vis?

Yo creo que sí, que el público valora y respeta mucho el trabajo que se hace en Vis a Vis, no hay más que ver el movimiento que se ha creado en las redes sociales “#mareaamarilla #Queremos3temporadaVisaVis”, es muy emocionante. Las audiencias que figuran en las estadísticas no hacen justicia. Por ejemplo, la gran mayoría de mis amigos ven la serie online, no entiendo por qué no se tiene en cuenta.

Bambi ha sido un caramelo. El elenco de Vis a Vis es increíble, son buenísimos actores y grandísimos compañeros. Desde el día uno que salió Marta Aledo de su camerino soltando un “Hola súper Oli”, me hizo sentirme en casa. Estamos contando historias muy crudas, cargadas de violencia y reconforta mucho sentir el calor de los compañeros.

Si echamos una ojeada a tu currículum, predomina el teatro. Comenzaste con él y has formado parte de obras en Menorca y Madrid, en Nueva York y Brooklyn. ¿Podrías destacar un punto fuerte (diferente) entre las obras de las que has formado parte en España y las de fuera de ella?

¿Qué fue lo que más te impacto durante los primeros días de rodaje? ¿Qué sentiste cuando te viste allí caracterizada por primera vez? La eficiencia del equipo técnico y artístico. Lo que parece imposible lo hacen de inmediato, son unos campeones. Creo que Bambi y yo llegamos de la mano a “Cruz del Sur”, nos adentrábamos en un universo completamente desconocido y eso daba

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mucho vértigo. Así que supongo que la primera sensación fue de vértigo y frío y luego pensé; “qué bien le viene al personaje”.

Un punto fuerte de las obras de las que he formado parte en España serían los procesos creativos, son la mejor escuela. La búsqueda, el trasfondo y código de trabajo de cada obra de teatro es un viaje muy enriquecedor. Se crean mil capas que luego sostienen el espectáculo. Mi escuela de Nueva York parte de una técnica muy estudiada, sabes que si has hecho los deberes las escenas se sujetan y crecen y tú fluyes con ellas. Lo interesante era dejar a un lado la técnica y confiar en tu instinto.


Sin duda, las obras de Lorca han sido adaptadas al teatro en muchísimas ocasiones. Tú has podido formar parte de ‘El amor de Don Perlimplín y Belisa en su jardín’ una adaptación de Alberto Conejero. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar en un montaje de Darío Facal? Darío es muy buen director, cuida a todo su equipo. Te da confianza y responsabilidad y eso es muy reconfortante. Era un montaje difícil, nos balanceábamos entre una línea muy fina y corríamos el riesgo de que si lo sobrepasábamos la obra dejase de funcionar. Cabe decir que el elenco era muy basto; actores con una experiencia vital y creativa de la que he aprendido mucho. ¿Has sentido en algún momento presión sobre tus hombros por la experiencia que arrastran estos dos grandes nombres del teatro – Darío y Alberto? Darío, Alberto y Lorca son grandes nombres, pero el actor siempre tiene motivos para sentir presión, para no defraudar… por eso es importante ser capaz de transformar esa presión y canalizarla a través de una buena interpretación. Todo suma. ¿Te sientes una actriz más completa por haber tenido la oportunidad de formar parte de proyectos en teatro, cine y televisión? Me siento una actriz bastante completa, cada disciplina implica un trabajo diferente y eso te da libertad, tu instrumento se tiene que adaptar. No paro de aprender. Creo firmemente que existe una pequeña línea formada por personas y acontecimientos que nos mantienen firmes y en equilibrio en nuestro día a día. ¿Qué está dando el equilibro a tu vida ahora mismo?

“Me siento una actriz bastante completa. Cada disciplina implica un trabajo diferente al que te tienes que adaptar. Nunca paro de aprender. ” Mi familia, mis amigos. Mi perro Max. Menorca. Las terrazas de Madrid. Sacarme el carnet de coche (me examino la semana que viene). Eso es real. Mi profesión es muy difícil, pero para mí este desequilibrio constante vale la pena. El día que no lo piense me dedicaré a otra cosa. Qué es lo que más te aburre del mundo que te rodea, que nos rodea? Al fin y al cabo todos vivimos una misma historia con diferentes circunstancias que le dan forma… Creo que aburrirse está infravalorado. Vivimos en un mundo en el cual está mal visto el dedicar tiempo a no hacer nada. Nos empeñamos en cargar nuestros días de actividad y vivir a un ritmo frenético. Me aburre no hacer nada y también me nutre. Para terminar, ¿En qué momento fuiste consciente de que ya eras actriz? No recuerdo el momento exacto, fueron varios hasta que me decidí a ponerlo en mayúsculas en mi cuenta de twiter. Quizás cuando un día le pregunté a Julian Fuentes Reta mientras ensayábamos “Hard Candy” que si mañana había clase y me respondió “¿Clase? pero si estás cobrando chiqueta.”

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la serie que bate records POR ALEJANDRA ESPINO

Si le hubieran dicho a George R.R. Martin en 1996 que la novela, ‘Juego de Tronos’, que acababa de publicar iba a ser una revolución mundial de la televisión, habría tomado a todos por locos. Pero, como se suele decir, la realidad supera a la ficción. Y en este caso, también a los sueños y a las expectativas. 15 años después de publicar ese primer libro de la saga ‘Canción de hielo y fuego’, la cadena HBO emitió el primer capítulo de la serie inspirada en los libros. Hoy, con la sexta temporada recién salida del horno, encontrar a alguien que no sepa quiénes son los Lannister o de qué color tiene el pelo la madre de dragones es más difícil que aparcar a la primera en el centro de Madrid. ‘Juego de Tronos’ rompe audímetros y récords mundiales, estas son los espectaculares datos que resumen su éxito.

La serie más vista de HBO Han hecho falta 14 años para desbancar a ‘Los Soprano’ como la serie más vista de la cadena por cable estadounidense. En 2002, la ficción centrada en la mafia y protagonizada por Tony Soprano alcanzó los 18,2 millones de espectadores por capítulo y hasta el pasado junio de 2014 ninguna serie había sido capaz de superar esa audiencia. Desde esa fecha, concretamente desde el 1 de junio de 2014, ‘Juego de Tronos’ es el rey absoluto de la HBO. Ese día, el octavo capítulo de la cuarta temporada consiguió 18,4 millones de espectadores. La quinta temporada elevó los datos a una media de 20 millones

de seguidores, así que parece complicado que otra serie le quite el reinado en un futuro cercano.

‘GoT’ rompe audímetros en su sexta temporada Cuando parece que no quedan fans para sucumbir a los encantos de los Siete Reinos, aparece un nuevo capítulo y descoloca a todas las casas de apuestas y hace creer hasta al más incrédulo. La quinta temporada de ‘Juego de Tronos’ se despidió el pasado con 10,3 millones de espectadores en directo en la HBO convirtiéndose en el capítulo más visto de la serie. Pues bien, el estreno de la sexta temporada el 24 de abril consiguió superar esa cifra y alcanzó los 10,7 millones de espectadores. Antes de seguir, hay que explicar cómo funciona el recuento de espectadores en la cadena HBO. Las cifras de 10,3 y 10,7 millones mencionadas anteriormente se refieren a las personas que vieron el capítulo a través de la televisión a la hora del estreno. A ese número se suman dos recuentos más; por un lado el de los espectadores que a lo largo de las 24 horas siguientes al estreno han visto el capítulo en alguna de las repeticiones que se emiten por la televisión, y por otro lado está el número de personas que ven el capítulo, también en un periodo de 24 horas, a través de las dos plataformas online HBO GO y HBO NOW. Por este sistema de votos, los portales de audimetría sitúan los espectadores por capítulo en torno a los 20 millones.

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Volviendo a las cifras y viendo la trayectoria de la serie, es de esperar que cada semana se batan nuevos récords de audiencia. ‘Juego de Tronos’ acaba de estrenar la sexta temporada y hay confirmadas, al menos, otras dos más. Así que la serie tiene mucho techo aún para aumentar las, astronómicas, cifras.

Más de 100 millones de presupuesto Esa es la friolera que se ha destinado para la producción de la sexta temporada de ‘Juego de Tronos’. Desde el principio la HBO apostó muy fuerte por la serie y sin saber si funcionaría o no ya invirtió entre 50 y 60 millones de dólares. Una cifra que aumentó en la segunda temporada hasta alcanzar los 70 millones, y así sucesivamente. La cantidad de dinero que manejan los productores supone de tres a cuatro veces la que se invierte en el resto de ficciones estadounidenses. De ese total, se estima que cada actor recibe 300.000 dólares por cada capítulo en el que interviene. Una cifra superada por muchos personajes de otras series, pero hay que tener en cuenta que en ‘Juego de Tronos’ aparecen personajes nuevos en cada capítulo y que ninguno es considerado protagonista. A pesar de esta peculiaridad, los cinco actores que han aparecido en más capítulos son Peter Dinklage (Tyrion Lannister) y Lena Headey (Cersei Lannister) con 37, Emilia Clarke (Daenerys) y Maisie Williams (Arya Stark) con 34 y Kit Harington (Jon Nieve) con 33 episodios a sus espaldas, según los últimos datos de la revista ‘Forbes’. Solo con el sueldo de los cinco actores mencionados, ‘Juego de Tronos’ ha desembolsado la friolera de 41.400.000 dólares. ¡Y lo que le queda!

Lo más visto de Youtube El estreno de la sexta temporada de ‘Juego de Tronos’ tenía a medio mundo mordiéndose las uñas. Por eso en cuanto la productora colgó el primer trailer en sus canales oficiales de Youtube

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y Facebook, las visitas subieron como la espuma de las cañas mal tiradas. El adelanto superó el número de visitas en 24 horas que alcanzó el de la quinta temporada, que ya fue un terremoto de dedos dándole al ‘play’. El vídeo subido a la red la primera semana de marzo alcanzó en sus 24 horas de vida 31,5 millones de visitas, 14 millones a través del canal oficial de Youtube y 27,5 en la página de Facebook.

68 veces ganadora ‘Juego de Tronos’ no solo está reconocida por los espectadores de todo el mundo. Los críticos y los diversos sectores encargados de nominar y repartir premios también han sucumbido a los encantos de una de las series con más tramas y subtramas de la historia. El reconocimiento le ha llegado con 122 nominaciones que van desde los Premios del Sindicato de Actores de Estados Unidos hasta los Emmy, pasando por los Critic’s Choice Awards, los Scream Awards y los Premios de la Academia Británica. Aunque el mantra de que “lo importante es participar” es una de las reglas universales de todas las competiciones, si se gana sabe mejor. Y eso, es así. La ficción de la HBO ha saboreado el metal de los premios en nada más y nada menos que 68 ocasiones. Por encima de sus años de existencia, destaca 2014 por haber conseguido 19 nominaciones a los Premios Emmy el máximo de esa edición.

Reclamo turístico El impacto que ‘Juego de Tronos’ tiene en la sociedad no solo se puede ver reflejado en las audiencias, los premios y el dinero que manejan sus productores, sino también viendo cómo ha transformado los lugares en los que se ha grabado. La mayor parte de los escenarios de la serie se sitúan en Irlanda del Norte desde la primera temporada y, según los datos de turismo del país, desde 2011 las reservas hoteleras han aumentado un 13% lo que ha supuesto el ingreso de unos 65 millones de libras. Otra de las localizaciones naturales escogidas desde el

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principio es Dubrovnik, donde el aumento del turismo ha incrementado desde 2012 un 28%. Nuestro país no es ajeno al mundo de ‘Juego de Tronos’, y mucho menos desde que Peñíscola fue escogida para simular la ciudad de Meereen, gobernada por Daenerys. La ficción ha grabado en otros escenarios repartidos por toda la geografía de nuestro país, pero el impacto económico que ha tenido en la localidad valenciana destaca por encima de todos. Diversos estudios estiman que el rodaje de la sexta temporada ha supuesto unos 1.000 millones de beneficios para Peñíscola.

El (des)honor del oro en piratería Ser el campeón de todo, también incluye serlo de las cosas negativas. Internet tiene mil millones de ventajas para los usuarios y unos cuantos más quebraderos de cabeza para las productoras y cadenas de televisión. Las ansias de los espectadores por ver las series lo antes posible y el hecho de que la mayoría se emitan en canales de pago han hecho de la piratería el método más común de consumo de las series norteamericanas. Con todo el fenómeno fan que ha supuesto ‘Juego de Tronos’ era de esperar que se convirtiera en carne de cañón de los piratas informáticos y, efectivamente, desde 2012 ostenta el dudoso honor de ser la serie más pirateada del mundo. El portal web TorrentFreak estimó que en 2015 la ficción basada en las novelas de George R.R. Martin fue descargada de manera ilegal 14,4 millones de veces. Para hacerse una idea de la barbaridad de descargas que ese número supone basta con ver que la segunda serie más pirateada, ‘The Walking Dead’, se quedó en 6,9 millones de visionados ilegales. Estar en la cima del mundo tiene estas cosas, hay que cargar en la espalda con las medallas que brillan y con las que no desearías ni a tu peor enemigo.


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Los factuals, ¿nueva tendencia de los canales TDT? POR SERGIO G. TIMÓN Está claro que este país no es el más limpio a la hora de conceder servicios públicos a diversas empresas privadas para su explotación. Pues en el ámbito de la televisión, obviamente, no íbamos a ser menos. En el mes de octubre se concedieron seis nuevas licencias TDT, las cuales fueron concedidas al duopolio de la televisión en abierto, Atresmedia y Mediaset, con un canal para cada uno de estos grupos (A3 Series y Be Mad, respectivamente), otro para 13TV, además de la apuesta del Grupo Secuoya (Ten), del Grupo Kiss (DKISS) y del Real Madrid C.F. (Real Madrid TV), que pasó de la televisión privada a la pública. Fuera de estas concesiones se quedaron grupos como Vocento y El Corte Inglés, que se aferraron a la falta de pluralidad en la televisión abierta que obliga la legislación europea para intentar variar las concesiones finalmente adjudicadas, que provocaban un mayor acercamiento a la dualidad de Atresmedia y Mediaset en la televisión en abierto en España. Una de las principales sospechas proviene de las buenas relaciones entre las empresas beneficiadas y el Gobierno que por entonces legislaba, el Partido Popular, como 13TV (catalogada como muy conservadora al pertenecer a la Conferencia Episcopal), Real Madrid TV (Florentino Pérez es un empresario muy influyente en el país y el club madridista está vinculado a una política de derechas) y TEN (del Grupo Secuoya, relacionado en varias ocasiones con el PP de Murcia).

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Finalmente las licencias concedidas el 28 de octubre fueron definitivas y tenían como fecha límite de lanzamiento el 28 de abril. Algunas fueron muy raudas, como A3 Series, que comenzó su andadura en diciembre, pero otras esperaron hasta el último día para ponerse en marcha de forma pública, como Real Madrid TV y Ten, haciendo grandes campañas de lanzamiento y creando una gran expectación ante su inauguración. Cada uno de los nuevos canales optaron por diversos contenidos, pero los factuals o telerrealidad es uno de los principales formatos televisivos emitidos. Mientras que 13TV tan solo ha cambiado de frecuencia -sigue manteniendo el mismo formato televisivo tras su recolocación (deja su frecuencia alquilada a Unidad Editorial y pasa a tener una en propiedad)-, Real Madrid TV ha pasado a la pública y para ello ha tenido que generar nuevos contenidos con el fin de dar continuidad al canal (nuevos programas de tertulias y menos programas repetidos) y A3 Series se basa en la repetición constante de sus propios formatos de ficción que se han emitido años atrás en cualquiera de sus cadenas (buen pellizco económico para los artistas que participaran en esas producciones, que obtendrán ingresos por cada reposición), los otros tres nuevos canales intentan acercarse al público joven con unas parrillas similares, compitiendo fuertemente entre ellos para hacerse con el mayor porcentaje de share posible dentro de los canales temáticos.


DKISS pretende acercarse a un público femenino y el acuerdo con Discovery –de ahí la ‘D’ de su nombre- le ha proporcionado una cantidad de contenidos de gran calidad, lo que está provocando que el canal sea el que mejor media de share tenga –0,4%- entre estas seis nuevas licencias.

Por último, Be Mad, perteneciente a Mediaset, que como los dos anteriores se basan en la telerrealidad o factuals, prefirió comenzar su andadura una semana antes del cierre del plazo estipulado. Su propio nombre (traducido es “Estar loco”) ya acerca a la temática que el canal quiere ofrecer (aventura, realidad, viajes…).

TEN, por su parte, a pesar del “error” de aconsejar al público fijar el canal en el número 10 de sus televisores –está fuera de los 9 que tiene el mando a un solo botonazo-, está ofreciendo un contrapunto a la oferta generalista y temática actual desde su lanzamiento el día 28 de abril, dejando a un lado la ficción y el cine para centrarse en el entretenimiento y en los factuals, programas basados en las actividades de las personas. El canal del Grupo Secuoya se mantiene por debajo de DKISS, aunque con un 0,3% durante el mes de mayo.

Y es que la tendencia de los nuevos canales de televisión es esa, acercarse hacia la telerrealidad, hacia los factuals, como ya hicieron Discovery Max, Mega o Energy, además de los precursores Cuatro y La Sexta, que también se acercaron en muchos momentos a estos formatos de programas. Es un nuevo tipo de televisión que demanda el público joven, el target al que apuntan los nuevos canales disponibles, aunque todos acaben acercándose a ellos alguna que otra vez a través de la pequeña pantalla.

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Juana - Vestido: Cortana Pendientes : Aristocrazy Daniel - Camisa : Asos


Si hay algo que defina ‘Acantilado’, la nueva película de Helena Taberna, es la presencia de precipicios, tanto físicos como emocionales. Juana Acosta y Daniel Grao se unen en esta historia de búsquedas y secretos, que está a punto de estrenarse y que, en las agendas de ambos, se ha visto rodeada de películas de Almodóvar, proyectos con los que volver a casa y series de época. FOTÓGRAFO: SERGIO LARDIEZ / MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA: SILVIA DAFONTE / ESTILISMO: ZARA GARO / TEXTO: ALBA CORDERO / VIDEO MAKING OF: LAURA PÉREZ

Se os acumulan los estrenos. Daniel acaba de terminar la promo nacional de ‘Julieta’ y Juana ha estrenado ‘Anna’ en Colombia. Juana: La acabamos de estrenar, sí. Acabo de hacer toda la promo allí. La verdad es que es una película muy especial, que rodé entre Francia y Colombia, y es un personaje muy potente. La película se llama ‘Anna’ y es la historia de una madre bipolar y su hijo de nueve años que hacen un viaje, no solamente físico, sino también personal. Es un personaje muy lindo. Ha sido muy especial presentar este trabajo en Colombia, porque veníamos de Nueva York, de presentarla en un festival de allí, donde nos hicieron una mención especial en el jurado, y sentir el apoyo en Colombia, dieciséis años después de haberme ido de mi país, fue muy bonito. Las críticas han sido buenísimas. Estoy muy entusiasmada con esta película, ahora sólo falta que se estrene en Francia. ¿Está rodada en francés, no? Juana: Sí, sí. La verdad es que es un personajazo. No quiero liarme a hablar de esta película porque sino no paro y tenemos que hablar de ‘Acantilado’ (risas). El de ‘Anna’ es un protagonista absoluto, estoy en todos los fotogramas de la película, y es un personaje muy complejo, yo creo que de los más complejos a los que me he enfrentado en mi carrera, y por fin estrenarla ahora, y estrenarla en mi país, que es

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un proyecto al que estoy vinculada desde hace cinco años, ha sido muy emocionante. ¿Cómo ha sido la experiencia de rodar con Almodóvar? Daniel: Muy buena. Nosotros acabamos de estrenar aquí, así que nos queda toda la andadura de festivales, de viajar con la película. Estoy muy feliz con ‘Julieta’, y orgulloso no sólo de haber trabajado con Pedro Almodóvar, que es un sueño para cualquier actor, sino de haberlo hecho en esta película. Estoy muy contento con que me haya tocado ‘Julieta’, porque es una película muy especial.

Daniel: “Estoy muy feliz con “Julieta”, y orgulloso no solo de haber trabajado con Pedro Almodóvar sino de haberlo hecho en esta película.”


Juana - Vestido: Cortana Pendientes : Aristocrazy Daniel - Camisa : Asos Pantalon : Zara


Camisa : Asos


Vestido :Paul Ka


Muchas críticas coinciden en que es “la menos Almodóvar” de Almodóvar. Daniel: A mí me encanta describirla como una “tragedia grecogallega”, que se lo leí a un periodista y me pareció un hallazgo. Creo que es su género, porque se habla mucho de la vuelta al drama, pero no al melodrama, que es lo que habíamos visto de Almodóvar en otras películas. Es un drama más austero, más seco. He leído en entrevistas que le han hecho en las que dice que buscaba conmocionar, no tanto emocionar. Es verdad que no hay dedo en la llaga, es una cosa muy sutil, que yo creo que es lo que hace que bajes la guardia, porque además es un paseo bellísimo el contemplarla, y luego no sabes por dónde se te ha filtrado la tristeza. Te queda un poso, y es una película que gana con los días, que quieres volverla a ver. En cuanto a lo de si es la menos Almodóvar o no, yo creo que igual es la menos reconocible con ese sello “almodovariano”, pero es la más Pedro Almodóvar. Juana: Yo la veo muy Pedro Almodóvar. Daniel: Además yo creo que es en la que él está más presente, de una forma más sincera y más desnuda. Yo creo que habla de cosas, quizás por la madurez que tiene ahora, que no ha hablado antes. De ese dolor que ya has llorado, de esa soledad y ese vacío.

“En ‘Acantilado’ hicimos un trabajo desde el guión, de conversarlo mucho porque nuestros personajes se necesitan. Teniamos que ir en la misma dirección.” Daniel: Yo no conocía la novela, y a no ser que el director o directora me diga lo contrario, prefiero no leerla, porque a veces son adaptaciones, como es este caso. Es una adaptación muy libre, que se apoya en el tema de las sectas, en los personajes, pero luego la historia va por otro lado. Juana y yo hicimos trabajo desde el guión, de conversarlo mucho, sobre todo porque nuestros personajes se necesitan. Teníamos que aunar el trabajo, ir en la misma dirección, y hablamos mucho con Helena, la directora. Se hicieron cambios en el guión, en textos, ensayamos mucho, y en los ensayos nos dábamos cuenta de que hay cosas que no era necesario decirlas, o decirlas de otra manera. Hubo mucho trabajo entre los tres.

Juana: Yo estoy muy orgullosa de mi compañero. ‘Acantilado’ cuenta la historia de Cordelia, una chica desaparecida que forma parte de una secta y por la cual su hermano y su mejor amiga se unen para buscarla. ¿Cómo fue vuestro primer contacto con el guión? ¿Conocíais la novela de Lucía Etxebarría en la que se basa?

“En Julieta, Almodóvar se ha mostrado de una forma más sincera y desnuda que nunca.”

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Daniel : Camiseta Asos Juana : Camisa Adolfo Dominguez Pendientes : Aristocrazy


Jersey :Massimo Dutti Falda : Asos Pendientes : Aristocrazy Anillos: Aristocrazy


Es un drama, pero es un drama rebajado y contenido, y vuestros personajes son tranquilos. Igual hubiese cambiado la historia si se le hubiese dado otro enfoque y otro tono. Juana: Es que es una película de una directora vasca, que es importante nombrarlo, porque de alguna manera ella tiene un lenguaje y una manera de contar sus historias muy concreta, y buscaba algo muy contenido, no quería grandes escenas de drama. En mi caso tampoco había leído la novela, y ella me pidió que no la leyera, que creía que me podía enfrentar a la historia de una manera menos condicionada. Por lo que sé, es una adaptación muy muy libre, hay muchas cosas que salen en la película que no salen en la novela. Incluso hay personajes que tampoco están en la novela. A principio yo le dije a Helena que me gustaría leerla, pero ella me dijo que no. Daniel: En cuanto al tono, que me interesa mucho lo que dices, porque es interesante ver cómo la ve un espectador que no conocía nada de esta historia. Hay una cosa de la que Helena hablaba mucho, y era la dificultad de relacionarnos con las emociones, de ser claros, de tener claro uno mismo lo que le está pasando respecto al otro, y sobre todo de la incapacidad de comunicárselo a ese otro. Y la película yo creo que de alguna manera opta por ese lenguaje también. Quiero decir: los personajes ni se abren en canal en el drama, ni se abren abiertamente en el amor, sino que están cerrados y con dificultad de comunicarle al otro qué están sintiendo. Incluso de ser claros ellos mismos con toda la maraña de contradicciones que están sintiendo. En el caso de nuestros personajes, por ejemplo, de pronto hay una atracción, pero viene en un momento inoportuno, y mi personaje es el paradigma del hermetismo, que también es vasco. Igual en otro momento y con otro contexto hubiese sido una historia de amor bonita y luminosa. Claro, es que choca mucho ver de repente esa tensión sexual en mitad de todo el drama.

Juana: Una de las cosas que más me interesó de mi personaje es que a Elena se le juntan el amor y la muerte. Es un momento en el que está en el duelo, o casi, porque aún no ha aparecido su amiga, que en realidad es su amante, con la que tuvo una historia de amor, y de repente, cuando está sumida en ese drama, aparece Gabriel, que es el hermano de Cordelia, y empieza a surgir esta atracción. Esa línea en la que el personaje se mueve me interesaba mucho. También es interesante que todos esconden algo, y me gusta que lo esconden y que nunca lo revelan. Eso es una de las cosas que más me han llamado la atención. Todos los personajes, excepto Heidi (la jefa de la secta), que se ve que es mala y ya está, son buenos y malos. Todos tienen muchos matices. Yo creo que el espectador ya necesita ver la “parte mala” de los personajes, porque si le das un personaje bueno que sea muy bueno, no se lo va a creer, pero de la otra manera los hace mucho más humanos. Juana: Sí, sí, hay algo turbio. Daniel: Y en la propia historia también, que tiene esta cosa que apuntaba Juana casi incestuosa. Son las partes oscuras, las sombras de cada uno, y no es fácil tratar con ellas, y menos comunicarlas. Ninguno es del todo claro, sincero y honesto.

“Helena tiene un lenguaje y una manera de contar las historias muy concreto. Buscaba algo contenido sin grandes dramas.” 61


Jersey :Massimo Dutti Falda : Asos Pendientes : Aristocrazy Anillos: Aristocrazy


Claro, es que a pesar de estar dentro del grupo de los buenos, por decirlo de alguna manera, hacen cosas que quizás no son de buenas personas. Juana: Sí, eso me gusta, esas contradicciones internas. En el caso de Elena nunca le cuenta a Gabriel que su hermana era su amante. Que se entera, pero no porque ella se lo cuente. Eso lo hablamos mucho con la directora, el por qué no se lo dice. Pero es que eso pasa en la vida. ¿Por qué tienes que contarlo todo? Hay secretos que nos guardamos, y menos mal, porque si no menudo aburrimiento si nos contamos absolutamente todo. Pero al igual que Elena, todos los personajes. (A Daniel) El tuyo también. Yo sí me doy cuenta de que estás casado, pero tú nunca me lo dices. El misterio que guardan los personajes me gusta mucho. Independientemente de que sean buenos o malos los personajes, lo que hace que el espectador se identifique son las debilidades. Puede ver que Gabriel está casado, pero pensar “bueno, un desliz lo tiene cualquiera”. Daniel: Está casado, pero a ver, es Juana Acosta. (risas) Juana: (risas) ¡Qué tonto!

“Nuestros personajes tienen partes oscuras, y no es fácil tratar con ellas, y menos comunicarlas.”

Juana: “Elena encuentra su libertad entre acantilados.”

Habéis grabado en lugares tan distintos como son las Islas Canarias y Euskadi. El título ya hace intuir que la localización es un personaje más. Daniel: Totalmente. Además, hay ese paralelismo que hay muchas veces en el cine entre el viaje geográfico y el viaje emocional. Mi personaje es vasco y viaja a Canarias, y sale de allí con la vida resuelta, atada, le va bien, es un profesional exitoso, está casado… Es como que tiene todo bajo control, y de pronto tiene que hacer ese viaje a la zona acantilada, que también es enfrentarse a un acantilado interior. Le hace plantearse su relación, su puesto de trabajo, de pronto aparece gente nueva… Y todo en ese contexto dramático. Juana: En el caso por ejemplo de mi personaje, lo que no se cuenta y no se ve en la película, es que es una mujer que lo ha dejado todo por ser fiel a ella misma. Esto lo hablamos con Helena, que era una mujer que había tenido una pareja y que de repente había decidido irse a Canarias a ser lo que ella realmente quería ser. Se enamora de Cordelia, y es como que encuentra su libertad entre acantilados. Y desde ahí, desde poder ser ella misma, poder dedicarse a lo que ella quería, que habíamos hablado de que había sido una bailarina pero cuando va a la isla empieza a trabajar en la librería de su tío, se enamora de una mujer. Pero también se ha enamorado de un hombre. Es una mujer libre.

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La directora, Helena Taberna, es una de las fundadoras de CIMA, la Asociación de Mujeres Cineastas, que lucha por la visibilidad de la mujer en el sector audiovisual. Eso también se ha reflejado mucho en la película con tu personaje, el de Goya Toledo (Santana, jefa de la investigación policial) o el de Ana Gracia (Heidi). Son todas mujeres fuertes e independientes. Juana: Sí, eso me gusta mucho. Con Helena me pasa que conecto de mujer a mujer. Te cuento una anécdota de cómo terminé yo en este proyecto. Yo conocí a Helena dos años antes de rodar ‘Acantilado’, cuando me estaba preparando el personaje de Yoyes para una película francesa que se llama ‘Santuario’. En ese viaje de profundizar y conocer el País Vasco y de saber un poco más sobre la figura de Yoyes me puse en contacto con ella, porque hace quince años ella había dirigido ‘Yoyes’, y pensé que nadie mejor que ella me iba a ayudar a conocer mejor ese personaje. Yo conozco a Helena en el Kursaal, en San Sebastián, nos sentamos a almorzar y ya nos tiramos toda la tarde tomando vinos y hablando de la vida y el cine. Ahí nos conocimos y ahí conectamos, y dos años después me llama para ofrecerme este personaje. Nuestra relación nace antes de que exista el nexo que supone entre nosotras esta película. Ella y yo tenemos una empatía real de mujeres. Me gusta la fuerza que tiene ella, la entrega, y me quito el sombrero con ella por todo lo que hace por sacar adelante sus proyectos y precisamente por eso que estás diciendo ahora, el darle visibilidad a la mujer dentro de la industria. Poco a poco se va avanzando, existen CIMA y más asociaciones que luchan por ello, pero aún queda mucho por hacer. Tú como actriz, ¿cómo lo ves desde dentro? Juana: Queda mucho, sí. Sólo hay que ver las películas que se estrenan cada año, que hay

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poquísimas las que son dirigidas por mujeres. Es verdad que hay muchas actrices que se quejan de que hay pocos personajes femeninos interesantes, pero yo tengo que decir que, aunque estoy de acuerdo, yo he tenido la suerte en los últimos años, y me voy acercando a los cuarenta, de que me está pasando el efecto contrario y me están llegando cada vez personajes más interesantes y más complejos. Estoy de acuerdo porque lo veo y tengo amigas que están sin trabajo, pero a mí no me está pasando. Lo digo ahora, igual en dos o tres años sí. Pero sí creo que falta mucho para que esto se equilibre con todo, con esto, con los sueldos… Ahora cada vez más nos llegan noticias de Hollywood de actrices que denuncian esta desigualdad respecto a los sueldos, a la exigencia con el físico, etc. ¿Pasa igual en España? Juana: No de una manera tan bestia, pero pasa, claro que sí. Daniel: Tan bestia no porque hay menos industria. Como estamos en crisis continua, también eso de alguna manera no sea tan descarado. Juana: Pero es verdad que el hombre va cumpliendo años y se va volviendo cada vez más interesante, pero la mujer va cumpliendo años y ya le sale una arruga. Hay una exigencia con el físico ideal que es agotadora, y hay que empezar a cambiar el chip.

Juana: “Helena y yo tenemos una empatía real de mujeres. Me quito el sombrero por el esfuerzo que hace para dar visibilidad a la mujer en la industria.”


Camiseta : Asos


Aparte del cine, también sois rostros habituales de la televisión. Daniel, a ti te vimos el año pasado en ‘Sin identidad’ y a ti, Juana, en ‘Velvet’. ¿Cada vez se hacen mejores series en España? Daniel: Sí, aunque yo echo de menos un poco más de riesgo en las temáticas, pero entiendo que no somos Estados Unidos y no somos trescientos millones de espectadores. Ahora empieza a haber canales de pago, que no están supeditados a las audiencias y se pueden permitir hacer los proyectos que quieran porque tienen abonados. Pero yo entiendo la visión del productor y del canal, que tienen que hacer unos datos para que la publicidad entre y el producto sea rentable, y eso hace que todavía nos tengamos que amoldar un poco al gusto de toda la familia, y por eso se tiene que hacer una cosa amable y no radical. Eso es una pena, pero creo que poco a poco se va apostando por ubicarlas en otros espacios, porque las temáticas sean otras, y sobre todo en la realización y en la parte técnica y artística se ha subido el nivel muchísimo. Para mí sería más una cuestión de tomar más riesgo con los temas. ‘Sin identidad’ tenía mucho de lo que hablábamos antes, de personajes que tienen comportamientos cuestionables, pero que llegaban al público de una manera brutal. Porque María no podía ser más cruel y aún así todos en casa estábamos deseando que cumpliese su venganza. Y una serie con tantas muertes, sobre todo en la segunda temporada, es algo que igual no hubiésemos visto hace diez años en prime time. Daniel: Está claro. Hace diez años seguramente hubiésemos visto más estampas de familia desayunando en la cocina. Juana: Yo tengo que decir que tuve la suerte de estar en una serie que para mí es la que

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marcó un antes y un después en la televisión, que es ‘Crematorio’, y creo que ahí hubo un cambio de chip. Y pienso que es que hay una tendencia a pensar que el espectador es tonto, y quieren darlo todo demasiado machacadito, todo se repite capítulo tras capítulo, y no dejan que el espectador imagine, que se vaya haciendo su propio mapa. De todas maneras creo, como dice Dani, que a partir de ‘Crematorio’ ha empezado a haber mucha más calidad, en la foto, en lo visual, hay buenas facturas, buenos vestuarios, como es el caso de ‘Velvet’, que es impresionante. El vestuario es hermoso, toda la escenografía, la época está muy bien retratada. Quizás demasiado blanco, demasiado limpio, que no corresponde, pero es que es como el cuento de la Cenicienta traído a esa época imaginaria, porque esa época en España no era así. Pero precisamente esa imagen tan perfecta le encanta a la gente, pero no sólo en España, sino en el mundo. Hubo gente en Nueva York que me paraba por la calle absolutamente fascinada con ‘Velvet’. Tiene un éxito enorme. Gusta mucho precisamente por la época, que realza tanto la belleza femenina, es muy preciosista. Luego la historia es Cenicienta, que te puede gustar más o menos, pero al final termina enganchando a un montón de gente, porque tiene millones de seguidores en todo el mundo. Yo creo que Bambú ha dado un paso enorme en ese sentido, porque todas las series de Bambú, sobre todo las que hacen de época, son increíbles. Daniel: El cuidado que tiene Bambú con sus productos es brutal. Juana: Cuentan con unos profesionales buenísimos. Por ejemplo, Helena Sanchís, que es la que hace el vestuario, hace un trabajo espectacular. En el caso de mi personaje me asombraba, porque realmente en una serie nunca fue tan importante, te ponían cualquier cosa y ya está, pero aquí cuidan cada detalle, les crean a los personajes un mundo propio. Sara (su personaje en ‘Velvet’) iba siempre vestida “de hombre”, con pantalones, y cuando había que ponerle un vestido, Helena Sanchís buscaba detalles, como por ejemplo unas solapas, para darle un toque más masculino.


Camiseta : Asos


Juana : Jersey : Massimo Dutti Falda : Adolfo Dominguez Pendientes: Aristocrazy Daniel :Camiseta : Asos Pantalon : Massimo Dutti


En ese sentido Sara se diferenciaba mucho del resto de personajes femeninos, porque en ‘Velvet’ tanto las ricas como las pobres, van siempre con vestidos, y de repente llega Sara con pantalones. Juana: Sí, era la única que llevaba sombreros, la única que llevaba maletín. Tenía esa mezcla de masculina y femenina que me gustaba mucho del personaje. Lo disfruté mucho. Una prueba de que aquí se hacen buenas series es que también triunfan fuera. En el caso de ‘Sin identidad’ y ‘Velvet’, por ejemplo, gustaron mucho en Italia. ¿Os llegan reacciones de los espectadores extranjeros? Daniel: Sí, sí, las redes sociales se encargan de que lleguen. Juana: Yo estoy impresionada porque en Colombia, por ejemplo, todo el mundo está enganchado a ‘Velvet’, esperando a que llegue la nueva temporada. Me ha impactado mucho cómo esta serie ha llegado tan lejos, a tantos países. Es que ahora está cambiando el esquema, con tantos canales, con Netflix, las cadenas de pago, etc, hay muchas posibilidades. Ya se ha adelantado que lo nuevo de ‘Velvet’ tiene lugar cinco años después del nacimiento del hijo de Ana en el último capítulo. ¿Veremos a Sara Ortega en la cuarta temporada? Juana: No, no voy a estar. Ya cerré mi etapa en ‘Velvet’. ¿Para centrarte más en el cine? ¿O por otro proyecto de televisión? Juana: No, porque también he estado con muchos proyectos de cine en los últimos años, y el año pasado no pude hacer la colaboración en

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Daniel: “Mi personaje (en ‘La sonata del silencio’) pasa por un sinfín de adicciones y de oscuridades, y están plasmadas de una forma bastante descarnada” toda la temporada, como había hecho en la segunda, que estuve siete capítulos. Me habían invitado a continuar, pero yo estaba con rodajes: tenía ‘Acantilado’, después rodé en Cuba ‘Tiempos de la Habana’, que se estrena este verano, y también una serie en Serbia y Londres, que se llama ‘The Panthers’, con los directores de ‘Breaking Bad’, y entonces no tenía tiempo. Y que para hacer una serie tienes que estar en Madrid, tienes que estar aquí instalado para que cuando ellos te necesiten, te llamen, y en los últimos años he estado abriendo mucho las fronteras, trabajando bastante en Francia, retomando el mercado latinoamericano, y no quiero cerrarme esas posibilidades. Soy muy culo inquieto, me gustan los cambios, por mi carácter no me gusta estar demasiadas temporadas seguidas en una serie. Generalmente hago una temporada o dos, y a otra cosa. Daniel, a ti te veremos próximamente como uno de los protagonistas de ‘La sonata del silencio’, que emitirá TVE. ¿Qué nos puedes contar de la serie y de tu personaje? Daniel: Aún no la he visto entera, pero es una serie bastante arriesgada, sobre todo en la realización y en algunos temas. Es la posguerra, los años 40, y entonces había oscuridad, y la serie la plasma. En el caso de mi personaje pasa por un sinfín de adicciones y de oscuridades, y están plasmadas de una forma bastante descarnada. Pero sobre todo la realización,


que normalmente es un plano-contraplano, un plano general, y sobre todo en las series de época, que parece que se rueden también de una forma clásica. A mí la mezcla de hacer una serie de época pero rodada de una manera distinta, en la que cada plano tiene una intención dramática, me recordaba a series como ‘The knick’, por ejemplo. Y mi personaje es un maravilloso descenso a los infiernos. Yo lo he gozado y lo he sufrido, porque paso por la cárcel, por enfermedades, por adicciones.

making of

En la web de TVE la definen como “thriller sentimental”. Daniel: Bueno, sí, el mundo de las emociones está muy vigente. Hay una especie de triángulo entre los personajes de Eduardo Noriega, el de Marta Etura y el mío, pero donde creo que reside el mayor peso es en lo social, en lo que pasaba en esa época, en toda esa oscuridad. Luego también tiene una estética muy bonita, que eso siempre es atractivo de ver, con el vestuario, los coches, etc Por último, ¿tenéis proyectos nuevos a la vista? Daniel: Que se puedan contar, no, pero los hay, afortunadamente. Juana: Y yo tengo por estrenar ‘Vientos de la Habana’, de Félix Viscarret, que rodé en Cuba el año pasado con Jorge Perrugoría, que es la adaptación de la novela de Leonardo Padura, que ganó el premio Princesa de Asturias, y hemos presentado un adelanto en el Festival de Málaga. Justo se iba a estrenar el mismo día que ‘Acantilado’, el 3 de Junio, pero creo que al final lo han cambiado. Y estreno también ‘Siete años’, que es la película de Roger Gual que acabo de rodar con Paco León, Alex Brendemühl y Manuel Morón, y es sobre la corrupción en España. Es muy actual (risas). Le tengo muchas ganas, porque fue una muy buena experiencia por cómo se rodó, cómo es la historia, y se estrenará en la segunda mitad del año. Es un año con muchos estrenos, cuatro películas, así que no está nada mal.

daniel grao juana acosta para


acantilado POR CARLOS MARTÍNEZ

tagonizan Juana Acosta, Daniel Grao e Ingrid García Jonsson se desencadena con una intensidad constante a lo largo del metraje haciendo que la fuerza transmitida al inicio no decaiga con el paso de los minutos del filme.

P

ara cualquier cineasta, realizar un largometraje tal y cómo tenía en mente antes de comenzar el proceso de producción se hace cada vez más complicado. Esto es lo que ha conseguido Helena Taberna con su nueva película, Acantilado, la cual será estrenada el 3 de junio en las salas de cine y que ya tuvo su primera prueba de fuego en el pasado Festival de Málaga. Y es que el hecho de que la película esté inspirada en la novela de Lucía Etxebarría, El contenido del silencio, no ha evitado que la cineasta la haya moldeado a su imagen y semejanza. Con un inicio sinuoso y potente, que deja atrapado al espectador en un maremoto de dudas y preguntas sin respuesta, la búsqueda que pro-

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La temática que trata Taberna en esta nueva película conecta secuencia tras secuencia con un aura de misticismo y sombras pero que también cuenta con destellos de luz principalmente procedentes de sus interpretaciones. Juana Acosta y Daniel Grao sacan a relucir toda su experiencia, una vez más en set, para hacer brillar más si cabe a una Ingrid García Jonsson que en cada largometraje va dando más muestras de que ha dejado de ser una promesa del cine español para convertirse en una gran realidad. Las localizaciones son un elemento fundamental en el peso del filme. Bien elegidas y bien aprovechadas hacen que el aspecto visual del largometraje tenga mucha importancia, para que se transmitan ciertas sensaciones que tienen que interiorizarse en el espectador y desencadenen en que este pueda posteriormente transformarlas en interpretaciones personales sobre lo visto en la sala. Algo que queda muy claro tras la visualización de esta producción es que el cine español necesita seguir contando con este tipo de películas alejadas del precipicio de lo comercial. También necesita de esos espectadores dispuestos a dejarse caer por el acantilado del cine de autor, ese que tras su visualización reposa en la mente de quién lo ve para mutar en tantas formas diferentes como personas lo han disfrutado u odiado.


CARTE Nuestros amantes

Alicia a través del espejo Alicia regresa al País de las Maravillas para salvar al Sombrerero Loco. Secuela de “Alicia en el País de las Maravillas” de Tim Burton. Estreno: 27 de Mayo de 2016

Carlos es un escritor de guiones de cine de unos 40 años frustrado profesionalmente. Irene tiene 30 años y no tiene claro qué hacer con su vida. Sobre ellos aún planean las sombras de sus antiguas relaciones: María y Jorge. Cuando Irene se encuentra con Carlos en una librería-café, sin conocerle de nada, se acerca a él y le propone un juego: convertir sus vidas anodinas en una aventura. Irene es una soñadora nata. Carlos ha olvidado cómo soñar. Juntos harán lo imposible por lograr ser felices. Sólo hay una norma: no enamorarse. Estreno: 3 de Junio de 2016


ELERA

McQueen: The Man & Le Mans Documental alrededor del legendario actor Steve McQueen y la grabación de la película del año 1971 “Le Mans”, la historia de la lucha de la estrella por hacer “la película definitiva sobre las carreras de coches”. Como muestra de la pasión por esta competición deportiva, solía decir Steve McQueen: “Cuando estás corriendo, eso es vivir. Todo lo que sucede antes o después es simple espera.”

Estreno: 3 de Junio de 2016

Acantilado Un joven comienza a buscar a su hermana, que está desaparecida tras ingresar en una secta. Estreno: 3 de Junio de 2016


CARTE Pelé, el nacimiento de una leyenda Biopic sobre el legendario futbolista brasileño Edson Arantes do Nascimento, Pelé. Estreno: 10 de Junio de 2016

Rumbos La acción se desarrolla en tiempo real, en una gran ciudad, mientras se escucha de fondo el programa de radio de Julia Otero: adolescentes que van a lo loco, personajes con mochilas vitales mal cargadas y mujeres desencantadas completan un fresco urbano con el que al espectador le resultará fácil identificarse. Estreno: 10 de Junio de 2016


ELERA

Expediente Warren: El caso de Enfield

Secuela de la exitosa “Expediente Warren” (2013), que lleva de nuevo a la pantalla otro caso real de los expedientes de los renombrados demonólogos Ed y Lorraine Warren. En este caso ambos viajarán al norte de Londres para ayudar a una madre soltera que tiene a su cargo cuatro hijos y que vive sola con ellos en una casa plagada de espíritus malignos. Estreno: 17 de Junio de 2016

Summer Camp En la búsqueda de diversión y nuevas experiencias, cuatro jóvenes estadounidenses se apuntan como monitores en un campamento de verano en Europa. Están preparados para todo: insectos, noches en vela, niños gamberros… pero no para que ese sea su último verano. Al llegar al campamento, una extraña infección que causa furia extrema sumerge al grupo en una espiral de terror y locura. Comienza entonces una carrera a contrarreloj para encontrar la fuente del contagio y poder salvar sus vidas. ¡Bienvenidos a Summer Camp! Estreno: 10 de Junio de 2016


Cegados por Tilda Swinton POR FEDERICO CALABUIG Tilda Swinton en realidad se llama Katherine. Pero Kate era un nombre muy común para alguien como ella. Alguien que se sale de la norma, que rompe moldes, que tiene un universo propio tan marcado. Una buena muestra de esto podría ser una de sus primeras apariciones que se recuerdan y por la que empezó a ganarse un nombre. Se trataba de una performance de la artista Cornelia Parker en una conocida galería de Londres, donde la actriz estuvo expuesta al público durante una semana en una urna de cristal. ¿Es o no memorable? Una de las cosas más sorprendentes de Tilda es su capacidad para transformarse en personajes tan diferentes, física y emocionalmente, y que sin embargo nunca dejes de creértela. Ya sea en aquel papelito de ex novia en ‘Broken Flowers’, de madre descontrolada en ‘Tenemos que hablar de Kevin’, bruja en ‘Narnia’, vampira moderna en ‘Sólo los amantes sobreviven’ o anciana en ‘El gran Hotel Budapest’. ¿Cuántas veces hemos vis-


to a Tilda caracterizada de algún personaje y nos ha costado reconocerla? Tilda es mimética e hipnótica, porque si algo caracteriza a todos sus personajes es que por muy diferentes que sean no puedes dejar de mirarlos… de mirarla. Tiene algo que atrapa, que engancha, que fascina. Tiene una verdad que traspasa la pantalla, que pocas actrices son capaces de conseguir. Su última película estrenada en España ha sido ‘Cegados por el Sol’, donde vuelve a trabajar a las órdenes de Luca Guadagnino tras ‘Yo soy el amor’. Parece que habían nacido para encontrarse, porque juntos son imparables. Nadie ofrece una imagen de Tilda tan natural. Nadie la hace brillar con él. La impresionante luz de Italia realza esa belleza suya nada común, y ella lo aprovecha para dar un revés al espectador con dos personajes inol-

vidables: Emma y Marianne. Dos personajes sin fuegos artificiales, sin maquillajes locos, sin universos esotéricos. Dos personajes tan reales que asustan, y precisamente por eso llegan tanto al espectador. Ya sea como estrella de rock en horas bajas donde por no hacerle falta florituras ni siquiera habla, o como madre sumisa de una multimillonaria familia italiana que descubre el placer a través de la comida que le prepara su amante. Tilda emociona. Tilda enamora. Tilda intriga… porque pese a tener muchos seguidores, a pesar de ser una oscarizada estrella de Hollywood, en realidad sabemos más bien poco de su vida, de sus intereses, de quien es Tilda en realidad. ¿Quien es Tilda cuando llega a casa y se convierte en Kate? Sinceramente prefiero no saberlo… porque el misterio es parte de su encanto. Sin esa magia Tilda no sería Tilda.


Su nombre ya suena como candidata a llevarse el Goya a mejor actriz revelación. No hay duda de que ‘El olivo’ sin Alma no sería ‘El olivo’, o al menos sin la Alma que nos ha regalado Anna Castillo. Alma decide de un día para otro ir a Alemania a recuperar el olivo de su abuelo, y Anna consigue que nos queramos montar en el camión con su tío Alca (Javier Gutiérrez) y su amigo Rafa (Pep Ambròs) y nos hagamos miles de kilómetros con ellos. Porque, como dicen en ‘La llamada’, “lo hacemos y ya vemos”.

Se acaba de estrenar ‘El olivo’ y ya ha sido la cuarta película más vista en la última edición de la fiesta del cine. ¿Cómo lo estás viviendo? Está siendo una pasada, una experiencia muy bonita. Está teniendo una acogida muy buena y la verdad es que estoy muy contenta y muy halagada. La película toca varios temas: la crisis, el inconformismo… Pero como casi siempre, el motor de la historia es el amor, en este caso el de Alma hacia su abuelo. Supongo que esa sería la parte más importante para ti a la hora de interpretar a Alma. Alma es una chica muy pasional, que se mueve por instinto y sobre todo por amor. Es una tía que se deja llevar por los sentimientos todo el rato. Que esos sentimientos a veces le hacen mal, pero es que no se puede quedar quieta y tiene que hacer algo por él. Es tu primer papel protagonista en cine, y debe haber sido un gustazo personal que, a pesar de ser una chica joven, y que no te hayan dado la clásica historia de amor post-adolescente. Sí, ha sido un regalazo, porque es un persona-

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“Alma es una chica muy pasional, que se mueve por instinto y sobre todo por amor” je real, es una chica con conflictos de verdad, con dolores y rabia de verdad y con amor de verdad. Ha sido un reto. Es un personaje que a cualquier actriz le encantaría hacer, y que escasean personajes así. He tenido mucha suerte. Es un papel muy distinto al de Ángela, de ‘Promoción fantasma’, que es como te conoció el gran público, que es totalmente lo contrario a Alma. No se puede decir que te estés encasillando. Siempre que sean personajes bonitos e interesantes, yo soy feliz. Pero es verdad que Alma, en concreto, es maravillosa. También es que es lo más distinto que he hecho a mí misma, y fue un reto. Como actriz, poder entrar dentro de ese personaje y llevarlo a cabo es muy guay.


En ‘El Olivo’ has trabajado con actores profesionales de la talla de Javier Gutiérrez y con actores que no lo eran, como Manuel Cucala, un hombre de campo de toda la vida que interpreta al abuelo. ¿Cómo ha sido esa experiencia de trabajar con gente con unas disciplinas tan distintas? Pues la verdad es que a la hora de currar ha sido facilísimo por ambas partes. Manuel nunca había hecho cine, pero tenía muchísima intuición y era muy profesional, muy respetuoso, y no se intimidaba por las cámaras, era muy natural. Muchas veces decíamos “cómo lo está disfrutando”, porque es como que te contagia la energía y la vitalidad. Y luego Javi a mí me cuidó muchísimo durante toda la película, me arropó, y esta cosa que tiene Javi de experiencia y de sabiduría se transmite muchísimo. Fue maravilloso. La verdad es que esa conexión y esa complicidad se transmite luego en la película Sí, hicimos mucha piña. Otro aspecto destacable de la película es la fidelidad, pero no desde el punto de vista de pareja, sino hacia la familia o los amigos. Alma no quiere fallar por nada del mundo a su abuelo, y a su vez sus amigas la apoyan en todo momento aun sabiendo que es una locura irse a Alemania a por el olivo y sin ningún plan, al igual que Rafa. Más que fidelidad, yo creo que hay un mensaje de que “la unión hace la fuerza”. Y en el fondo, Alma está luchando por recuperar unos valores que se han perdido, como los valores de la tierra, de lo que es importante y lo que no, y en esos valores también está la unión de esa familia que han roto por dinero, y ella está

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intentando arreglar eso. En esta película creo que es muy importante ese mensaje de estar juntos. Ellos se vienen conmigo de viaje, con todo lo que supone, después descubren que les he engañado y aun así siguen conmigo. Icíar Bollaín ha dicho en una entrevista que “por muy dramática que sea la vida, siempre hay un momento en el que tienes que reír”, y eso se plasma perfectamente en la película, porque a pesar del abuelo enfermo, de la crisis, de las disputas familiares, la historia tiene alivios cómicos que la hacen más realista, sin que sea una hora y media de drama, de esos que no te dejan ni respirar de tanta intensidad. Sí, pero yo creo que estaba pensado desde el principio para que fuera así, para que hubiera un poco de aire, pero lo que mola es que no es una comedia que se busque, es comedia de situación, de reírte de ti mismo. Como, por ejemplo, cuando llegamos a Alemania y nos damos cuenta de que somos unos matados y unos perdedores que acabamos de llegar allí y se nos van a comer, pero bueno, aquí estamos. Es un poco eso, reírse de uno mismo, de lo que te pasa. Aparte de en ‘El olivo’, últimamente te hemos podido ver en televisión como personaje episódico en ‘Web Therapy’ y en ‘El ministerio del tiempo’. En esta última volviste a coincidir con Javier Ruiz Caldera a la dirección después de ‘Promoción fantasma’. ¿Cómo fue el reencuentro? Muy bueno. Javi y yo somos amigos, me llamó porque le ofrecieron dirigir un capítulo de ‘El ministerio’ y me llamó para ver si quería, y claro que sí. A mí es que Javi me encanta, me lo paso genial con él, nos entendemos muy bien y tenemos el mismo tipo de humor. Yo con Javi quiero currar en todo lo que haga.


¿Trabajasteis de manera distinta al ser televisión, o fue un ambiente parecido al que hubo en ‘Promoción fantasma’? Fue todo más rápido, pero Javi es él en cualquier proyecto que hace, y es un chico muy tranquilo, está muy seguro siempre de todo. Da mucha confianza currar con él. La diferencia fue esa, que en la tele todo va más rápido, pero me lo pasé genial. El personaje de Sonia sólo estuvo en un episodio, pero ahora que sabe la verdad sobre el Ministerio, ¿te gustaría que la fichasen como agente en un futuro? Sí, claro, me encantaría. Cine, televisión, y también teatro. ‘La llamada’ lleva tres años llenando cada fin de semana el teatro Lara y no creo que haya alguien que haya ido y no haya querido repetir. Para los que estáis en ella tiene que ser un subidón brutal cada noche. Para nosotros es un privilegio muy grande. ‘La llamada’ es prácticamente todo lo que he hecho de teatro, y yo no sabía que era tan difícil para todo el mundo estar tanto tiempo en cartel, y para mí esto es una suerte y un privilegio. Es precioso lo que ha conseguido ‘La llamada’, que haya tanta gente que repita. Da mucha alegría, a nosotros y a todo el mundo que va a verla. Es una maravilla poder hacer una función cada noche, yo llevo ya dos años y medio y ya es mi familia. Se ha pasado ya esa barrera y somos una familia, vamos a hacer la peli este verano y estamos con muchas ganas. ‘La llamada’ tiene una legión enorme de fans entregados, es uno de los “fandoms” más locos, en el buen sentido de la palabra, que te puedes encontrar,

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“Una fan de ‘La llamada’ nos dijo que habíamos conseguido que se sintiese parte de algo. Eso es una maravilla” que han convertido en grito de guerra y filosofía de vida el “lo hacemos y ya vemos” de Suma Latina. Se ha creado un fenómeno raramente visto en teatro. A mí es que lo de los fans me sorprende mucho, pero para bien. La entrega que tienen es brutal, que siempre están ahí dándote cariño. Pero yo supongo que es mutuo: ellos nos dan esa entrega, pero nosotros también les damos a ellos algo bonito. Mira, una vez una fan nos dijo algo precioso, y es que habíamos conseguido que se sintiese parte de algo. Eso es una maravilla. Lo vivimos como si nos dieran un abracito con cada función. Ahora has rodado ‘Oro’, de Agustín Díaz Yanes y has participado en ‘Paquita Salas’, la serie de Javi Calvo y Javi Ambrossi, los creadores de ‘La llamada’. ¿Qué nos puedes contar de estos proyectos? Pues ‘Oro’ va a ser muy guay, hay un reparto increíble, hemos estado rodando en Canarias, la foto es una pasada, los paisajes, el vestuario… Yo nunca había trabajado en una superproducción y ha sido increíble. Y ‘Paquita Salas’ va a ser muy divertida, porque los Javis son unos genios y han escrito una webserie que te meas de la risa. Lo hemos hecho entre amigos y creo que va a ser un pelotazo.


LA HISTORIA DE JAN


POR ALBERTO RICHART

“H

ola. Estoy un poco nervioso. Hoy es 31 de diciembre del año 2009. Hace casi dos meses que nació nuestro hijo Jan y estamos empezando a hacerle grabaciones con una nueva cámara que hemos pedido a los Reyes”. Con estas palabras comenzaba el director Bernardo Moll el relato audiovisual que le terminaría llevando cinco años y 130 horas de material grabado. Con todo ello, el padre de Jan se dio cuenta de que no era sólo un videoblog lo que deseaba hacer con la historia de su hijo, sino una película. Un documental que, con el apoyo de la financiación por crowdfunding (colaborativa), ha conseguido presentarse en el pasado Festival de Málaga con un buen grado de aceptación. ¿Por qué grabar a Jan? Porque es un niño con síndrome de Down y ésta era la vía de su padre de expresar y compartir todo lo que pasaba por su mente. La historia de Jan es el recorrido por el crecimiento y la lucha de una familia durante cinco años. Si Richard Linklater estuvo hasta 12 años grabando para su ficción Boyhood, en La historia de Jan podemos observar, con toda su veracidad, el día a día de una familia que, sin esperarlo, recibe la noticia de que su hijo recién nacido es especial. Desde 2009 Bernardo y su mujer, la actriz Mónica Vic, se han enfrentado a las condi-

ciones que Jan ha requerido en su crecimiento y aprendizaje. Pero no han estado prácticamente solos. Desde el momento en el que Bernardo recibió la noticia del médico comenzó a escribir en un blog, gracias al cual recibió una gran cantidad de mensajes de apoyo. Era su canal de desahogo: un espacio digital en el que se sentía liberado de las emociones que le embargaban y comprendido al mismo tiempo. El miedo a lo que el resto de la sociedad pudiese pensar de su hijo tan solo le hizo más fuerte para, paradójicamente, mostrar sus peculiaridades al mundo. Pero éstos no fueron los últimos mensajes de apoyo. Gracias a la plataforma de crowdfunding y el seguimiento de su videoblog, Bernardo supo transmitir su historia de superación, recibiendo así el apoyo en su proyecto fílmico de personalidades del cine y la televisión como Raquel Martos, Sergio Peris- Mencheta, Samantha Vallejo-Nájera, Fele Martínez, Gorka Otxoa, Alfonso Bassave, Juana Acosta, Benito Zambrano o Daniel Grao. El objetivo de financiación fue superado con creces a mediados de 2015 con más de 700 donaciones, pudiendo cubrir de esta manera la estrategia de divulgación por medios de comunicación, la realización de las últimas escenas y la postproducción de la película. Parte del dinero también fue destinado a la promoción de la película en festivales. Además, su deseo principal era que La historia de Jan se estrenase en cines: que la intimidad de una historia contada desde el más puro sentimiento pudiese llegar a todos los públicos y lanzar un mensaje de apoyo que ayude a otras personas. Por fin, en otoño de este mismo año tendrá la oportunidad de exhibirse al público y el mismo Jan podrá verse de nuevo en la pantalla, algo que a él mismo le encanta. Lleva un actor dentro desde que nació.

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TEXTO: IKER AZKOITIA VIDEO: LAURA PÉREZ FOTOGRAFÍA: SERGIO LARDIEZ

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a primera impresión que tengo de Eduardo es que se trata de una persona observadora y reservada. No obstante, cuando empezamos a charlar, me doy cuenta de que sus silencios tienen más que ver con el carácter reflexivo y sopesado de las respuesta de un actor curtido en mil batallas. Un actor más que acostumbrado a las entrevistas y a cualquier tipo de pregunta incluso a aquellas que se salen del guión. Y no es de extrañar, desde que diera el salto a la gran pantalla hace dos décadas con “Historias del Kronen”, no ha pasado un solo año en el que no haya encadenado uno o dos proyectos cinematográficos sumando más de 45 títulos a sus espaldas. El último; “Nuestros amantes”, la nueva comedia romántica de Miguel Ángel Lamata que Eduardo protagoniza junto a Michelle Jenner, de quien, según nos confiesa, es muy fácil enamorarse. Sobre Fele Martínez, su amigo en la ficción y también en la vida real, nos comenta que espera que le llegue algún papel que explote aún más su vis cómica puesto que no ha conocido

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a nadie con tanto sentido del humor como él. A medida que avanza la entrevista, Noriega nos va desvelando sus retos y sus miedos mientras hace balance de de su extensa e intensa trayectoria. Un recorrido por el cual se siente muy afortunado y que podría haber sido totalmente distinto de no haberse cruzado en Santander con una compañera de arte dramático que literalmente le dejó en las manos todos los textos para preparar las pruebas de la RESAD y le animó a venirse a estudiar a Madrid. Bien sean casualidades o bien causalidades las que le han traído hasta aquí, sintiéndose afortunado y agradecido, Eduardo espera de la profesión lo mismo que cuando empezó: no dejar de dedicarse a este arte, su segunda mayor pasión después de su hija.

Sonido graba, cámara graba, luces fuera; comienza El Contraluz.


Una corona para Claudia Un teatro musical de Iker Azkoitia con música original de Ricky Fan e Iker Azkoitia Reparto: Ana Dach, Eva Ramos, Jaime Riba, Iker Azkoitia, Ricky Fan, Laura Ledesma y Juan Jesús di Manuel Ganadora del “Certamen de Teatro 2016 de Arte4, Estudio de Actores” con los premios al mejor montaje, al mejor libreto y a la mejor actriz (Ana Dachs), Una corona para Claudia se aleja del formato que conocemos por musical con una puesta en escena mucho más cercana e íntima. La banda sonora está compuesta por 17 temas originales a piano y a guitarra, la mayoría de los cuales suenan en directo durante la función. La obra se centra en la voz de unos jóvenes cuya generación se debate entre el escapismo y la confrontación de una realidad hostil. Iker Azkoitia (dirección de producción, compositor, dramaturgia y dirección del montaje) y Juan Jesús di Manuel (actor) nos hablan de Una Corona para Claudia. ¿Qué diferencia UCPC (Una Corona para Claudia) del resto de propuestas que hay en la cartelera teatral madrileña?

los dan oportunidad…, aun así, UCPC no es un musical de Gran Vía. ¡Y que conste que a mí me encantan y defiendo lo musicales de Gran Vía!

Iker- Es una propuesta muy original, no sólo por los 17 temas originales que se interpretan, sino también por el planteamiento íntimo de guitarra y piano. No es un musical al uso, no tiene grandes coreografías ni luces a todo trapo.

Juan Jesús- La música es una manera más de contar historias como puede haber miles. UCPC puede ser incluso un antimusical, porque esto es teatro en estado puro, pero que busca en la música la parte más viva, más orgánica de la escena. Cuando se habla de musical nos vamos a títulos como Mamma Mia, que es estupendo, pero que no es un musical como tal, es un Jukebox, una rockola donde actores y bailarines se ponen a cantar y a bailar sin que la música tenga necesariamente que ver con el texto que se trata en ese momento en la escena.

¿Qué le diríais a los que utilizan como sinónimos las palabras “musical” y “pereza”? I-Que no se prejuzgue por la palabra musical. Hay mucha gente que odia los musicales y no

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¿Entonces por qué la gente que tiene esa idea aburrida de musical debe darle una oportunidad a UCPC? JJ-Porque los actores que salimos en escena somos actores y cantantes, las dos cosas. También porque hay una escenografía que está muy cuidada, hay un texto cordial y de la calle y todo el mundo se puede sentir identificado con algún personaje o con algún momento de la obra.

Iker ha participado ya en montajes anteriores donde tenía que cantar, pero para ti, Juan Jesús, ¿te estrenas cantando sobre el escenario?

I-No se ha pretendido un reflejo de la sociedad actual, no ha sido mi intención al menos. La idea es que si no conseguimos emocionar, por lo menos que las personas que vengan a vernos salgan con una percepción optimista de la vida.

JJ-Sí… El caso es que a mí siempre me ha gustado cantar, y lo hago, pero no en un formato teatral y reconozco que me asustaba la idea, pero también me ponía… (risas). Cosas que pasan, me presenté casi sin pensar en la prueba y luego hablando con

En UCPC prácticamente toda la música es en directo…

Iker tranquilamente y tal vi claro que si me aceptaban en el Equipo tenía que decir un sí tajante. Iker me ha dado la oportunidad de arriesgar, de salir de mi zona de confort de una manera muy cálida y estoy muy contento de ser parte de UCPC.

I-Queríamos que la música se considerara dentro del proyecto como un personaje más. Sin música no podría existir este montaje en concreto, no al menos como yo lo tenía en mi cabeza. Siempre la he considerado como el río que va llevando la historia, ayuda a que sucedan las cosas y a nivel técnico, escénico y artístico, ayuda en la ambientación y en los cambios de escena. Hemos conseguido, creo, o al menos eso nos dicen, que el espectador no sea consciente de los cambios de escenografía entre un acto y otro, algo que me preocupaba porque no quería que el ritmo de la historia se ralentizara. ¿La música en UCPC intenta provocar estados de ánimo durante la función? J-La música es parte del guión, no es adorno. I-Sí, esa es la idea. No se busca como única pretensión ese estado de ánimo, no es la parte

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triste de la escena en la que se te pone música triste para que te pongas triste. Nos gusta más plantear una situación y que la música la acompañe y enriquezca, a veces como contrapunto y en otras para complementar lo que ocurre.

¿Cómo ha sido la preparación de tu personaje? JJ-Yo fui el último en llegar al Equipo, de hecho gran parte de lo que supone la investigación de los personajes ya estaba realizada, así que prácticamente me limité a observar, que ha sido también otra manera de aprendizaje totalmente desconocida para mí hasta ahora. ¡Y se aprende mucho, la verdad! Hay cosas que hasta que no lo hago en escena o en cámara no lo interiorizo, y eso me creaba inseguridad para este proyecto porque no había tiempo para ello; pero ver el montaje, la obra, desde fuera como observador, me pareció muy interesante porque se ve clara cuál es la idea global del director, así que abrevias en la preparación, en el estudio del personaje, y así cuando me puse en escena ya estaba todo rodado.


A los actores que también sois creativos en otras ramas, ¿os cuesta manteneros bajo las órdenes de un director? I-¡No, claro que no! En el momento en el que aceptas pertenecer a un montaje como actor, tu trabajo es ése, seguir las direcciones de quien de verdad tiene la visión conjunta de la obra. Pones tu creatividad al servicio de tu personaje: crear su historia, su cuerpo y movimentos, su voz, su mirada y luego en escena buscas crear el momento junto a los compañeros. Pero de ahí a tener la batuta de un montaje…, eso no. ¿Eres uno de esos directores que acepta opiniones de los actores? I-Sí, pero no creo que sea Ley. Supongo que eso va con cada uno. Para mí es fundamental saber escuchar a las personas con las que trabajo, y a partir de esa escucha, decido. Siempre he considerado que si no cuento con quien tengo al lado ni me intereso por lo que está sintiendo,

por lo que le nace o les surge, el trabajo va a salir menos rico de lo que podría. Puede haber directores que digan “pues esto tiene que ser así porque yo lo mando” y yo como actor lo asumiré, y también podré decir, pues es más cómodo porque sólo me limito a actuar. ¿Cuáles son los pros y los contras de autodirigirse? I-El problema ha estado sobre todo en el momento en el que mi personaje también estaba en escena y perdía la visión del conjunto. En este punto es donde más me he ayudado de compañeros y gente de confianza que lo veían desde fuera y me iban comentando. Lo cierto es que en los ensayos iba saliendo y entrando, conectaba y desconectaba, entendía que me importaba más que las escenas y los personajes tuvieran ritmo, fueran dinámicos, orgánicos…, más que la propia coherencia de mi personaje. Me he despreocupado un poco más de Pedro, y de repente, cuando faltaban días para el estreno entendí dónde estaba el verdadero contra…

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Tú escribes UCPC pero no eres el protagonista… ¿¡Cómo se le explica eso a una madre!? I-(Risas) A mí me nació una historia y tengo que ser fiel a esa historia que surge y al mensaje que quiero contar. Si esa historia que nace no me tiene a mí como protagonista no hay nada malo ni mucho menos. Luego además fue una ventaja, porque a la hora de dirigir fue mucho más fácil si tu personaje está en un segundo plano en escena. Respecto a la dramaturgia, ¿lo que finalmente cuenta UCPC era lo que querías contar cuando escribiste la primera línea del libreto? I-Ese tema ya es un poco más subjetivo. El feedback que me devuelve el público es que contiene ideas o valores que ya se han visto en otras obras, donde se apuesta por disfrutar del ahora, del momento, de tomar las riendas

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de tu vida, luchar contra tus miedos… Pero añaden la coletilla de que se cuenta “de una manera muy original”. Así que supongo que sí, que he conseguido contar lo que quería contar y como lo quería contar, y estoy muy contento con lo que conseguimos llevar a cabo en escena, con la energía y el mensaje global que transmitimos. Tu personaje… ¿Es Iker Azkoitia disfrazado de Pedro? I-(Risas) Pedro es algunos Ikers que hay en mí, sí. Y hay Ikers también en los personajes de Ifi y de Adrián... Cuando uno escribe, lo hace desde sus experiencias, sus miedos y deseos. En cuanto a la fisicalidad, no me la imaginaba expresamente cuando escribí UCPC, aunque sí había algunos rasgos, algunos aspectos que tenía más o menos claros. ¿Tenías claro qué personaje ibas a ser tú?


“Nos encantaría que todo el público que venga a vernos salga con una sonrisa en los labios” I-De chino tenía claro que no podía hacerlo yo por razones obvias… (risas), y de los otros dos chicos entendí que Pedro me venía mejor porque es el que toca la guitarra. Además, me gusta hacer personajes cómicos pero también me apetecía ponerme en la piel de alguien más serio que yo. ¿UCPC suponía un reto que ya tocaba asumir firmando varios de los créditos del montaje? I-Sí, un reto total. Siempre intento ir a por nuevos retos y a por cosas que no sé hacer. Me exijo, quiero ser un profesional de esto y para ello intento asumir más responsabilidades en cada proyecto que saco adelante. Llevo un año de trabajo con el musical desde que lo escribí, ha sido un aprendizaje del que estoy súper orgulloso por haberme atrevido a hacerlo, por haber sabido también de quienes rodearme para llevarlo a cabo, y al final no deja de ser una decisión empresarial. Hay gran parte de este proyecto hecho con el corazón también, ¡por supuesto!, pero no es ni mucho menos un tema de ego o un capricho. Y parece que todo va bien, porque incluso antes de su estreno oficial, UCPC se ha llevado 3 premios… I-Imagínate qué ilusión, sobre todo por Ana Dachs, que su primer premio como actriz haya sido con este montaje me alegra mucho. Y, en general, pues una alegría enorme, por mí el primero (ríe), pero por supuesto por las 14 personas que apostaron, creyeron y trabajan en este proyecto. Ha sido una palmadita, un

empujón, un “vais por el buen camino”, pero no nos vamos a relajar ni mucho menos, ¡hay que seguir trabajando! No hablo de que éste sea el caso, pero siempre o casi siempre hay juicios paralelos sobre las decisiones del jurado en un concurso. ¿Son justos los premios de los concursos? I-Ojo, yo me he presentado a otros concursos con otras cosas y no siempre se gana ni siquiera se queda finalista ni nada... Pero supongo que si te presentas a un concurso, cualquier premio que se dé o no se dé va a ser justo porque estás aceptando las condiciones del juego. Si me planteara este tipo de cosas, entiendo que no debería formar parte de ese concurso porque no habría entendido bien las bases de lo que significa“ concurso”. ¿Qué os gustaría que la gente dijera de UCPC cuando sale de ver la función? JJ-Cuando hablo de UCPC siempre entra la palabra “optimismo”, la intención es que se salga con una sensación buena a pesar de los dramas que existan en algunas escenas…, la vida también pasa por momentos difíciles, pero hay que tirar para adelante, y nadie está nunca realmente solo. I-Yo más que digan algo, me encantaría que todo el público que venga a vernos salga con una sonrisa en los labios.

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¿Por qué se celebra la MET Gala? POR JOANA AGUIRRE El mes pasado se celebró una nueva edición de la MET Gala y aún podemos leer y escuchar qué es lo que pasó en uno de los acontecimientos de moda más importantes del mundo. Popularmente podemos creer que tienen más tirón otras alfombras rojas, como la de Los Oscar o las de los Globos de Oro, pero en el mundo fashionsita sabe de sobra que la gala de inauguración de la exposición del Costume Institute es lo que genera más expectación. ¿La responsable de ello? Anna Wintour, como no podía ser de otra forma. Hoy os hablamos de los inicios de esta gala y arrojamos algo de luz sobre la exposición “Manus x Machina: Fashion in an Age of Technology”, que ha inspirado el dress code de la ceremonia de este año. Asistir a la MET Gala es de lo más glamuroso del mundo. Pero como casi todo lo glamuroso, es caro. Y es que codearse con las modelos, estrellas y diseñadores del momento tiene un precio: hasta 25.000 dólares se paga por el cubierto en esta fiesta convertida en uno de los mayores acontecimientos del mundo de la moda. En sus inicios esta “gala” daba el pistoletazo de inicio a la exposición anual del Costume Institute; el departamento de moda del Museo Metropolitano de New York (MET). Pero desde que Anna Wintour se hizo con las riendas de este departamento, el evento se ha convertido en la fiesta de la moda por excelencia y la mejor manera de recaudar dinero. Desde el año 1973 la celebración de la Gala

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MET está dedicada a una personalidad destacada del mundo de la moda o a una tendencia. Todos recordaremos la gala del 2011 en la que se rindió homenaje a Alexander McQueen o la del 2013 que estuvo marcada por la tendencia Punk. Este 2016 la exposición del MET será “Manos X Machina: Fashion in an Age of Technology”, que también estuvo presente en el dress code de los invitados. Una exposición que está enfocada en la contemporánea dicotomía entre la creación de diseños de Alta Costura y la moda prêt-à-porter elaborada por las máquinas. El evento contará con un muestrario de más de 100 piezas, incluyendo emblemas tales como un vestido de

1889 firmado por Worth y trajes de Chanel. Entre los diseñadores que podremos encontrar están John Galliano, Alber Elbaz, Christopher Bailey, Marc Jacobs, Paco Rabanne, Pierre Cardin o Alexander Wang junto a invitados especiales como Jonathan Ive, Nicolas Ghesquière, Karl Lagerfeld o Miuccia Prada. Más allá de las exposiciones, la MET Gala da la vuelta la mundo por los diseños que pasean fuera del MET. Y es que son muchos los vestidos icónicos que han pasado por las escalinatas del Museo Metropolitano. Desde la aparición de Diana de Gales en la gala de 1996 enfundada en un vestido azul que fue el primero que John Galliano diseñó para Dior. Otra de las imágenes más icónicas la protagoniza Sarah Jessica Parker, una de las habituales y más esperadas de este evento. En 2006 acudió del brazo de Alexandre McQueen. Aquel año la temática era “Tradición y Transgresión en la Moda Británica” y no hay mayor símbolo de transgresión en la moda británica que Alexander McQueen. Ambos, con estilismo inspirados en Escocia, protagonizan una de las imágenes más recordadas. El 2013 también tuvo a Sarah Jessica como protagonista y es que su cresta inspirada en la estética “punk” es difícil de olvidar. Este año han sido pocas las que han seguido el dress code al pie de la letra. Aunque cierto es que la mayoría optó por vestidos metalizados para hacer frente a la temática futurista y tecnológica, pocos han sido los que han dado un paso más allá. La pareja formada por Kim Kardashian y Kanye West fue, junto con la de Bella Hadid y Zayn Malik, la ganadora de la noche. Pero dos han sido los protagonistas. O más bien, dos han sido los dúos ganadores; Claire Danes en un Zac Posen luminoso que dejó boquiabiertos a todos y Karolina Kurkova en un Marchesa. Este último contó con la ayuda de la marca informática IBM para confeccionar un vestido que reaccionaba ante los tweets que se publicaban en Twitter. Así imaginan algunos la moda del futuro.

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POR JOANA AGUIRRE Quizás la mayoría no sepa situar a Marfa en el mapa. Y es que no es para menos. Con una población que ronda los dos mil habitantes, Marfa es una ciudad ubicada en en el condado de Presidio, en el estado estadounidense de Texas. ¿Qué hace una tienda de Prada en un lugar así?, será lo siguiente que os preguntaréis. Pues bien, todo tiene su historia. Marfa no tiene una calle comparable a la Quinta Avenida o a la Avenida Montaigne. Más bien está lejos de todo el trajín de las grandes urbes. Sin embargo tiene una de las tiendas más fotografiadas del mundo. En mitad del desierto y al lado de una granja se erige, desde hace algo más de 10 años, un cubículo de hormigón coronado con el logo de Prada y repleto de un buen surtido de bolsos y zapatos de la firma que jamás han estado a la venta. Los arquitectos y artistas escandinavos Michael Elmgreen e Ingar Dragset, creadores de esta tienda que nunca abre, la construyeron en 2005 como crítica al lujo. Lo que nunca imaginaron es que diez años des-

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pués, lo que comenzó siendo una crítica se convertiría en todo lo contrario; la “no tienda” de Prada es lugar de peregrinación de los devotos de la moda y parada obligatoria para todos los fashionistas que pisan tierras tejanas. Gran parte de la culpa de la explosión de Prada Marfa y de que se haya convertido en un icono pop, más allá de la industria de la moda, la tiene Beyoncé. Hace varios años, allá por el 2012, la cantante colgó en sus redes sociales una imagen en la que posaba saltando frente a la fachada de la “no tienda”. Y todos sabemos cuál es el poder de Beyoncé y de los Beyhives. A partir de ese momento muchos fueron los que acudieron, a modo de peregrinación, a sacarse una foto frente a Prada Marfa en mitad del desierto. Pero ahí no quedó la cosa y es que Prada Marfa tuvo un lugar importante, casi protagonista podríamos decir, en la famosa serie Gossip Girl. Los seguidores de la serie seguramente recuerden el póster blanco con tipología negra que sobresalía de las paredes del salón de Lily van der Woodsen. Un cua-


dro en el que aparecía el nombre de Prada Marfa junto a un número que indicaba la distancia, en millas, que había hasta Prada Marfa. Pues ese cuadro es otro ejemplo más de cómo esta “no tienda” se ha convertido en un icono pop del que se han hecho todo tipo de merchandising. Desde la edición limitada de cuadros que indica la distancia hasta fundas de cojines, fundas para el móvil, velas o camisetas. Aunque es cierto que su propósito original dista mucho de lo que se ha convertido, sus creadores siguen apostando por la escultura que levantaron hace ya once años. Como ellos mismos cuentan, “en la década de 2000 empezamos a notar que todo el mundo vestía de Prada en las exposiciones o en las galas y quisimos profundizar en el significado de lo que representaba. Decidimos alterar el estilo reconocible de sus tiendas colocando una en mitad de la nada. Empezamos el proyecto por nuestra cuenta pero cuando

nos percatamos de que nos costarían más los accesorios de la firma que el edificio en sí decidimos llamar a Miuccia. Ella fue muy amable y a pesar de que sabía que era una crítica a la industria del lujo se interesó por él y nos dejó todo lo necesario para llevarlo a cabo”. Tanto les ayudó que además donó los bolsos y los zapatos que se pueden encontrar en la “no tienda”. Desde aquel momento y con el beneplácito de una de las jefazas de la industria, Prada Marfa ha soportado durante diez años las inclemencias del tiempo, la sequedad del polvo y los actos de vandalismo. También han intentado demolerlo. El Departamento de Transporte de Texas lo denunció por “signo ilegal de publicidad” ya que reproduce el logo de la firma italiana en un territorio donde se prohíbe cualquier tipo de anuncio. Pero no lo han conseguido. Al parecer, la “no tienda” tiene el mismo poder que Prada.

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VIM Magazine - Mayo #37  

Ya disponible el número 37 de VIM Magazine con Daniel Grao y Juana Acosta en portada.

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