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Dirección: Mª JOSÉ LAREDO contacto@vim-magazine.com Redactor Jefe: LAURA PÉREZ redaccion@vim-magazine.com Redactores: IVÁN DIAZ C. BEATRIZ LOZANO DAVID RAMIRO RUEDA ALBERTO RODRIGUEZ RECIO ALBA VERDÉS FEDERICO CALABUIG JOANA AGUIRRE MARTA LARRAD NATALIA CARBALLO ALBERTO RICHART ÁNGELA F.N. LAURA PÉREZ Agradecimientos: SERGIO LARDIEZ ANA CADENAS ANTONIO ROJO STELLA SALA cristina fernández rafaelangel antonio rojo leyre sánchez sandra valero PERI JORCH

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CARTA DEL DIRECTOR Llega la hora de hacer balance. Acaba lo que denominamos ‘curso escolar’ y, aunque ya hace algunos años que dejamos atrás esta rutina, nuestro ritmo (o al menos el mío) aún sigue rigiéndose por el verano como fin de un ciclo. Toca usar al menos un día de nuestras vacaciones en decidir si lo que llevamos de ‘curso’ ha merecido la pena porque, al contrario de cuando éramos pequeños, ahora sí tenemos la opción de mejorarlo. A veces, estos días retirados de la rutina nos hacen conscientes de que lo que hemos estado haciendo no nos llena, no nos hace sentirnos bien. O simplemente, no queremos volver (mal asunto). Cuando se presenta esta situación, lo ideal es tirar la casa por la ventana y volar. Volar hacia ese otro lugar en el que creemos que nos sentiremos llenos, que nos sentiremos bien. ¿Es fácil? ¿Es difícil? Todo depende de las gafas con lo que lo mires y lo arriesgado que te sientas en ese momento. Tendemos a ir por defecto hacia lo menos complejo, lo que menos problemas nos acarreará, o lo que nos generará menos quebraderos de cabeza. La clave reside en que, en ocasiones, esta decisión más sencilla no es la que de verdad queremos escoger, sino la que, por no sentirnos valientes, tomamos como primera (aunque falsa) opción. Párate a pensar unos minutos, unas horas, o unos días. Y decide seguir el ritmo que te marque tu corazón. Un abrazo!

Mª José Laredo Directora VIM Magazine (contacto@vim-magazine.com)


ESTE MES EN VIM... MÚSICA - FESTIVALES DE VERANO - PAG 6 MÚSICA - ENTREVISTA EDURNE - PAG 10 MÚSICA - CONCIERTO ALL TIME LOW - PAG 36 MÚSICA - ENTREVISTA ANDRÉS SUAREZ - PAG 40 TELEVISIÓN - LA REINVENCIÓN DE RISTO- PAG 48 TELEVISIÓN - ENTREVISTA NEREA CAMACHO - PAG 54 TELEVISIÓN - ANCLADOS - PAG 76 TELEVISIÓN - ENTREVISTA CANCO RODRIGUEZ - PAG 78 CINE - TE QUIERO, YO TAMPOCO - PAG 98 CINE - ENTREVISTA BEATRIZ ARJONA - PAG 104 CINE - MAD MAX FURIA EN LA CARRETERA - PAG 118 TEATRO - ¿CÓMO MATAR A JULIO IGLESIAS? - PAG 126 TEATRO - LAVAR, MARCAR Y ENTERRAR HISTORIAS DE UNA PELUQUERA EN SERIE - PAG 136 MODA - ENTREVISTA CARLA LÓPEZ - PAG 152 MODA - PASARELA COSTURA ESPAÑA - PAG 158 MODA - LA SOMBRA DE MARILYN ES ALARGADA - PAG 166


y¿Contú, cuál te quedas? POR NATALIA CARBALLO


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e acerca la estación favorita de todos, el tan ansiado verano. Días más largos, noches calurosas y un montón de planes por hacer. Uno de nuestros favoritos siempre es algo que vaya acompañado de música, y que mejor que un festival. Desde hace años los festivales son un gran reclamo para los jóvenes de este país, eso lo demuestra los carteles de sold out que cuelgan en sus páginas webs de los festivales más importantes del panorama nacional. Este año no iba a ser menos y es que la oferta es muy amplia y hay festivales para todos los gustos, con música más internacional, con música 100% producto nacional, electrónica, indie... En VIM Magazine queremos ofrecerte una guía de todos ellos para que decidas tú con cual te quedas. Anteriormente festivales como el SOS 4.8, el Primavera Sound o el Sonar han abierto la veda a esta temporada que se ha ido fraguando desde el mes de mayo, y que acabará en el mes de septiembre con el Dcode Festival. El primero en asomarse es el BBK Live, uno de los más internacionales. Se celebra en Bilbao los días 9, 10 y 11 de julio concretamente en el recinto de Kobetamendi. Tres días en los que será fácil dejarse el alma cantando a pleno pulmón. Confluyen por sus escenarios todo tipo de artistas, y es que es muy habitual ver en los festivales carteles que combinan indie con pop y con electrónica. Todos ellos suelen elegir artistas de electrónica de renombre internacional para cerrar sus jornadas. Este año podremos ver a los ya consagrados Mumford and Sons que presentaran su nuevo disco Wilder Mind, que deja atrás sus sonidos folk tan característicos de sus otros dos discos. Muse, los hermanos Disclosure, Of Monsters and men, Counting Crows y The Jesus and Mary Chain entre otros. Muy de cerca le sigue el FIB, situado en el municipio de Benicassim y se celebra los días 16, 17, 18 y 19 de julio, es junto al BBK uno de los más visitados por extranjeros. Esta será su 18º edición y es que es todo un referente y un clásico de los festivales españoles y a nivel internacional. Abarca géneros de todo tipo, desde indie rock a electrónica y por sus escenarios se han subi-

do grandes leyendas como los hermanos Gallagher y Bob Dylan. La mayoría de los artistas que incorpora a su cartel suelen ser internacionales, aunque también dan cabida a grupos españoles. Como cabeza de cartel incorporan a Blur, a la poderosa y característica voz Florence Welch con su grupo Florence and The Machine que el pasado mes de mayo saco a luz su tercer album ‘How big, how blue, how beautiful’, Portishead, Bastille y Kaiser Chiefs que repiten un año más. La enseña nacional la pondrán Los Planetas y Vetusta Morla. Si te gusta la música inglesa y la española a partes iguales tu elección sin duda debe ser el Low Cost Festival que se celebra en Benidorm los días 24, 25 y 26 de julio ya que es la combinación perfecta entre indie nacional e indie internacional. Año tras año el festival ofrece un cartel lleno de artistas reconocidos mundialmente, Pete Doherty con su banda The Libertines, la banda británica Foals que prepara disco aunque no hay ni fecha ni título señalado, los irlandeses The Strypes que han irrumpido en el panorama indie internacional, Kasabian, The Drums entre muchos otros. Por otros L.A, Supersubmarina, Varry Brava, Corizonas o Grises pondrán el toque nacional al festival. Con una atractiva combinación, seis días de conciertos, playa y fiesta a precios más que económicos, el Arenal Sound de Burriana se consolida año tras año como el festival por antonomasia de la juventud española. A pesar de ser uno de los más recientes, cuelga casi todos los años su cartel de Sold out. Dos días de pre fiestas con Dj nacionales que preceden a cuatro días de conciertos con artistas que cada año suben el nivel del festival. Este año Nervo, Rudimental, Vitalic son los grandes nombres de la electrónica. Por otro lado The Kooks, que ya visitaron el festival en 2013, The Hives, John Newman, Mika, Supersubmarina, Jero Romero, La Pulquería o La Pegatina son otros de los nombres internacionales del cartel. Ya en agosto y recomendado para amantes de lo nacional, es el Sonorama Ribera en Aranda del Duero que comienza el día 12 y finaliza el 15. Sus escenarios se convierten en una pasarela

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de artistas de toda España. Es uno de los festivales con más recorrido del panorama nacional, cuenta con dieciséis ediciones en su haber. Es sin duda el favorito de los fans del indie nacional ya que apenas integra artistas extranjeros Grandes nombres del indie nacional como Vetusta Morla, Supersubmarina, Bigott, La M.O.D.A o Xoel López tendrán presencia para deleitar a los presentes con sus canciones. La temporada la cierra el Dcode en el complejo deportivo de Cantarranas en la Universidad

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Complutense de Madrid. Este festival que paso de celebrarse dos días a solo uno, tendrá lugar el 12 de septiembre. Un día frenético en el que los asistentes durante más de 12 horas podrán bailar, cantar y saltar con The Vaccines, Sam Smith que será el único concierto que dé en territorio español, uno de los grupos favoritos de los festivales Crystal Fighter que no han querido perderse la ocasión. Izal y Supersubmarina completan el cartel de este, que será el festival que cierre esta temporada, que esperemos tan buenos momentos nos de.


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Casi recién llegada de Eurovisión, llena de energía y vitalidad, Edurne nos presenta ‘Adrenalina’, su último trabajo de estudio con el que muy pronto girará por todo el país. Por un momento, echamos la vista atrás y recorremos con ella todas sus experiencias desde que salió de la exitosa Academia de OT. Ilusión, trabajo y optimismo son los fieles compañeros de la cantante que, ya en el ecuador de este 2015, presume de llevar un ritmo frenético. Desde tus comienzos en Operación Triunfo has tenido una carrera imparable y muy variada. Has estado muy presente en el panorama tanto musical como televisivo de nuestro país. Si miras atrás ¿cómo te recuerdas cuando saliste de la Academia y empezaste a cosechar tanto éxito? Me recuerdo como una niña de diecinueve años con muchísima ilusión. Sí es verdad que salía con incertidumbre porque no sabía qué iba a pasar, si iba a funcionar, si iba a tener una carrera o no… porque eso también es como una lotería, pero tuve suerte. Me recuerdo con muchísima ilusión, con muchísimas ganas de trabajar y de comerme el mundo. Posteriormente pasaste por distintos programas de televisión, primero como presentadora en Castilla La Mancha TV y en Nickelodeon, pero luego como concursante los talent shows ‘¡Más que baile! (2010) y ‘Tu cara me suena’ (2013) en el que resultaste ganadora. ¿Qué tienen de atractivo para ti este tipo de programas para que decidieses en su momento participar en ellos? Todos los programas que he hecho me han aportado mucho a mí y a mi carrera. ‘Opera-

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“Todos los programas que he hecho me han aportado mucho a mi y a mi carrera” ción Triunfo’ fue una plataforma y lo utilicé para poder mostrarme a la gente, a ver si alguien podía verme, y tuve suerte de que así fue. Luego, ‘Más que Baile’ para mí, que me encantaba bailar y el tema del escenario, lo veía que podía ser una gran escuela. Aprendí muchísimo a moverme, a desenvolverme con el baile encima del escenario. Y ‘Tu cara me suena’ era un programa de humor, de poder ponerte en la piel de otros personajes y de descubrirte a ti misma. Me tocaron personajes que yo no sabía ni que podía imitar, como por ejemplo la Marifé de Triana, la potente Beyoncé o las acrobacias de Pink. Y al final los sacas adelante. Son como retos y a mí me gusta tomarme la vida como un reto.

“Me gusta tomarme la vida como un reto”


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Antes de mostrar tu talento como bailarina, en 2007 ya te uniste al elenco del musical ‘Grease’ interpretando el papel de Sandy con el que estuviste un par de años, y tras una pausa de otros dos años volviste de nuevo. ¿Cómo fue de enriquecedora esa experiencia a nivel personal y profesional? ¿Con qué te has quedado de ella? Fue una de mis mayores escuelas. Aprendí muchísimo porque era estar encima del escenario en directo a diario, y había veces que tenías que hacer dos funciones al día, o sea que entrabas a las cuatro de la tarde y salías a la una y media o dos de la mañana. Entonces, personalmente me ha hecho crecer mucho, madurar y estar más segura encima del escenario. Y profesionalmente, te da unas tablas que no te las da otra cosa. En el teatro en vivo y en directo te pueden pasar mil cosas que a mí me han pasado y tienes que salir de la situación. O levantarte un día por la mañana, ver que estás afónica y empezar a trabajar la voz para poder aguantar. Me quedo con el contacto con el público a diario, que era maravilloso. Las giras, los teatros de Madrid y Barcelona, el calor que te da ahí arriba el público y la adrenalina que se siente. Durante gran parte del año pasado estuviste copresentado el programa ‘Todo va bien’, del que te despediste para continuar con tu carrera musical ¿Qué aprendiste de esa etapa como presentadora y con la oportunidad de tener a tantos invitados de calidad en el plató? También ha sido otra gran escuela, otro proyecto, otro reto que una vez me lo presentaron dije: “voy a probarlo”, porque a mí me gusta probarme a mí misma, aprender de

mí y ver qué soy capaz y que no soy capaz de hacer. Hice la prueba y me sentí bastante cómoda, pero claro, tenía que aprender mucho por el tema de que ser un programa también en directo: leer el autocue, tener el pinganillo, tener que hacer entrevistas con personas que vienen a promocionar libros o películas, gente de la política, vídeos de humor, concursos, imitaciones… hemos hecho un poco de todo, así que ha sido un máster completo. Me dio la oportunidad de mostrar a la gente cómo soy yo porque es verdad que cuando antes estaba delante de una tele haciendo una entrevista de mi trabajo, siempre intentaba ser más seria, más correcta y no me salía mucho de ahí. En cambio, este programa me ha dado la oportunidad de ser la gamberra que realmente soy yo, mostrar mi sentido del humor y todas mis facetas.

“Presentar ‘Todo va bien’ me ha dado la oportunidad de mostrar a la gente como soy” Poco después de dejar el programa, fuiste elegida para representar a España en Eurovisión ¿Hasta qué punto es uno consciente de lo que significa representar ese papel en un festival internacional con 60 años de historia? Se asume porque al final no te queda otra. Entre todas las cosas que pasan a tu alrededor, que eres el punto de mira, todas las críticas… al final eres consciente de lo que estás haciendo y de dónde te estás metiendo. Pero, vuelvo otra vez a lo de los retos. Para mí era un reto más, era ir un poco más allá y, por supuesto, para mi carrera era crecer un poquito más y ya no solamente a nivel nacional sino a nivel europeo y diría hasta mundial, porque es un festival que lo siguen desde muchos sitios.

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Supongo que en algunos momentos es inevitable la presión, ¿no? Sí, es inevitable, pero yo hice un trabajo que me funcionó bastante de no obsesionarme con la gente que me iba a estar viendo. Representar a tu país una gran responsabilidad, por supuesto, pero tampoco lo tenía siempre en mente. Quise pensarlo como una experiencia más, una tele más, un escenario más y vivirlo igual que lo vivo con cualquier actuación en directo. Fue muy divertido y quise disfrutar de la experiencia porque es un consejo que me dieron los antiguos participantes. Era lo que quería hacer y lo hice. ¿Cuál es la sensación más bonita y cuál la menos agradable en esos meses? Lo más bonito, por supuesto, el día de la gala de Eurovisión después de tantos meses de trabajo tan duros…ver que al final llega el día y que realmente sale a la perfección todo lo que yo quería hacer, que das el 200% y sale bien. Eso yo creo que es lo más bonito y poder disfrutarlo con todos lo eurofans de allí. Lo peor quizá, que ha sido muy duro. Mucho trabajo, mucho estrés y realmente no se aprecia tanto cuando lo ves desde fuera que cuando lo vives desde dentro, pero todo te aporta una experiencia y todo te hace crecer. En las situaciones más duras, evolucionas. Imagino que cuando te seleccionan para algo con tanta repercusión automáticamente tomas la decisión de ir a por todas, pero ¿no resulta desalentador saber que en los resultados de Eurovisión suele intervenir un criterio más político que musical? No lo sé. Sí es verdad que últimamente por las votaciones puede dar la sensacion de que sea eso. Pero como yo siempre he dicho que todo lo que dependiera de mí tenía que estar al 100% y que yo me iba a dejar la piel

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para dar el máximo, el resto ya no estaba en nuestra mano y podía pasar o que fuera muy bien o que fuera muy mal. Yo, sinceramente, me esperaba haber quedado un poco mejor. No quizá ganar, porque era muy complicado, pero pensaba que íbamos a quedar en un buen puesto. Al final, yo creo que es lo de menos lo del puesto, lo de los puntos… como influyen tantas cosas lo importante es haber hecho un buen trabajo y estar contenta con el resultado. ¿Qué te pareció el nivel este año? Había un nivel muy bueno. Había canciones y artistas muy buenos, como el que ganó, que por supuesto que tenía un gran tema y, de hecho, por eso ganó yo creo. Si tuvieses que elegir ¿con quién te quedarías de todos los participantes? Los chicos de ‘Il Volo’ me gustaron mucho, Australia me gustaba muchísimo y Georgia. Bueno, es que todos, porque Estonia también tenía un gran tema, Noruega… ¡es difícil quedarse con uno!

“Ganar Eurovisión era muy complicado, pero pensaba que íbamos a quedar en un buen puesto”


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Siempre has compaginado todas tus facetas –tanto en televisión como en el teatro musical– con tu proyecto musical personal. Desde tu primer trabajo en solitario en 2006 no has parado de trabajar en nuevos discos. ¿Resulta sano mentalmente compaginar tantas actividades o hay momentos en los que te llegas a sentir desubicada teniendo que cubrir tantos frentes? Yo de momento lo llevo bien, es más, lo necesito. Siempre que he tenido una cosa que hacer, al final me entra un poco de agobio y digo “ay, no, quiero hacer más cosas porque siento que no estoy aprovechando el tiempo al máximo”. Es verdad que es un poco locura, y encima en mi caso que estuve con Eurovisión y a la vez con el disco, porque son dos cosas que necesitas el 100% de tu tiempo. Pero creo que al final este año lo estoy exprimiendo al máximo y me quedo con eso, porque al final el tiempo luego pasa. Hay que aprovecharlo y agradecerlo porque no es tan fácil que vaya todo tan bien y encima en el mundo de la música. Lo valoro mucho y lo estoy aprovechando al máximo.

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Enhorabuena por tu último disco. ¿Qué nos traes de nuevo con ‘Adrenalina’ que acaba de salir a la venta? ¿Cómo lo definirías? ‘Adrenalina’ lo que pretende es que todo el mundo sienta precisamente esa adrenalina al escucharlo. He vuelto un poco al estilo con el que comencé ya en el 2005, un poco poprock, pero es verdad que hay mucha versatilidad en el disco. Hay canciones bastante dispares aunque todas tienen la misma línea. Pero te puedes encontrar desde una balada a un medio tiempo o un R&B, una canción más rock… hay un poco de todo porque yo creo que es la manera de sorprender. Si en un disco suenan igual todas las canciones, al final se hace monótono. A mí me gusta que estás escuchando una canción y cuando piensas que la siguiente va a ser igual, de repente, te choca y es otra cosa totalmente diferente. Quizá ahí se reflejado cómo me considero. Me considero una persona muy versátil y me gusta probar cosas nuevas. ¿Cómo ha sido el proceso de selección de temas y de grabación? ¡Con mucha adrenalina! –ríe. Por eso quise ponerle ese nombre porque hacía un resumen perfecto de lo que estaba viviendo a la hora de trabajar en este disco. Ha sido bonito, ha sido intenso porque al final no he podido tener el 100% del tiempo ya que estaba con Eurovisión. Pero tampoco quería dejarlo de lado porque antes del festival ya estábamos preparando el disco. De hecho, de ahí fue, eligiendo repertorio, cuando surgió lo de Eurovisión. Y yo creo que cuando vives las cosas de forma tan intensa, salen cosas tan fantásticas como es el disco. ¿Qué tal ha sido el trabajo con tu productor, Chris Gordon? Muy bueno. Chris es un cielo y da gusto trabajar con gente que te escucha y que no sólo tiene en cuenta su idea. Te entiende y

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“Con ‘Adrenalina’ he vuelto al estilo con el que comencé en mi primer álbum” le puedes explicar perfectamente con qué te sientes tú más cómoda. Ha sido una conversación contínua. Muy pocos, yo creo, te dejan meterte en las producciones porque es como que te estás metiendo, en parte, en su trabajo. Entonces, ha sido muy fácil y maravilloso. Aparte de que ha hecho una producción impecable, es fantástico. Imagino que una de las partes más bonitas al sacar a la luz un nuevo disco es la gira de presentación ¿Ya tenéis previsto cuándo comenzará la de ‘Adrenalina’? Estamos en ello. Estamos cerrando todavía fechas. Lo que sí sabemos es que empieza el 18 de julio en Cox (Alicante). Lo estoy deseando porque al final en mi carrera es una de las cosas más bonitas, poder disfrutar de la música en directo con los músicos, con la gente. Es maravilloso. Es como una droga te diría, porque es una pena cuando acaba cada concierto y estás deseando que ya llegue el siguiente. ¿Tienes reservada alguna sorpresa para tus seguidores? Estamos empezando a prepararlo, pero por supuesto, a mí me encanta sorprender y ya saben mis fans que siempre hay sorpresas en el directo.


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¿Qué se siente al ir sacando adelante esos discos y permaneciendo en la industria musical tal y como están las cosas? Un orgullo y toco madera. Lo valoro mucho porque sé el momento que estamos pasando y ojalá pase rápido porque ya son muchos años y ya nos toca ir para arriba. Tengo mucha suerte y creo que al final también han merecido la pena tantos años de esfuerzo y de trabajo. Todavía me queda mucho, por supuesto, y mucho que aprender pero por lo menos poder decir que después de diez años profesionalmente en la música sigo ahí, es todo un lujo. Hay que seguir con la ilusión y esforzándose al máximo. Todos esos discos corresponden inevitablemente a una etapa de tu vida ¿Qué dirías que representa cada uno de ellos? El primero, ‘Edurne’, mis comienzos. Lo quisé llamar así porque quería presentarme tal cual yo era y el estilo es más rockero, más teenager. En ‘Ilusión’ hice un cambio musical porque se estaba escuchando más la música electrónica y quise tirar por ahí. Estaba en ese momento en que evolucionas e intentas ser un poco más mujer. Es uno de mis discos favoritos. Luego vino ‘Première’ porque como estaba en el musical de ‘Grease’, y pensé “por qué no mezclar ambas profesiones” e hicimos un homenaje a grandes musicales. Luego está ‘Nueva Piel’ que es otra Edurne diferente y coincidió con la etapa de ‘Más que Baile’. ‘Clímax’ que es como alcanzar ese estado con el disco. Y ‘Adrenalina’ quizá es el que hace más referencia a todo lo que estaba viviendo en este momento. Depende de cómo me sentía y en qué momento estaba, pero la verdad es que son títulos bastante potentes. Yo no sé después de éstos… ¡alguna palabra encontraré!–ríe. Cuando te preguntan por uno de tus sueños por cumplir, afirmas que es hacer cine. ¿Qué es lo que te atrae de ese género?

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Quizá un reto nuevo. Es verdad que con el musical de ‘Grease’ he aprendido mucho en la interpretación porque ahí tenía que bailar, cantar e interpretar a la vez y durante mucho tiempo, porque he estado cinco años siendo Sandy. Quieras que no aprendes muchísimo y sobre todo que te pasa cualquier cosa y tienes que improvisar. Entonces, es algo que me gustaría probar simplemente porque es un reto nuevo y algo diferente para mí. ¿Has llegado a tomar clases de interpretación actoral? No. Pero en el caso de que surja algún proyecto, yo soy muy perfeccionista, me gusta prepararme y, por supuesto, cogería algún coach o algún profesor que me ayudara a hacerlo lo mejor posible. ¿Dónde te veremos próximamente? ¿Piensas compaginar algún otro proyecto con tu nuevo CD? De momento estoy centrada en el disco, pero no te digo yo que de aquí a algunos meses no haya algún proyecto porque, como he dicho, no puedo estar solamente con una cosa. Me gusta hacer muchas cosas a la vez, soy un terremoto en ese sentido. Algún proyecto hay pero todavía no está cerrado.

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POR IVÁN DIAZ C.

En la primera semifinal, las votaciones dieron como ganadora a la canción rusa “A million voices” de Polina Gagarina obteniendo un total de 182 puntos; seguido de Bélgica, Estonia, Georgia, Rumanía, Grecia, Armenia, Hungría, Serbia y Albania.

El esperado, para muchos, Festival de la Canción se celebró este año en Viena. En su 60º aniversario se anunciaron muchas novedades. Además, este año sería muy especial. Con el motivo de esta sexta década se celebró, en Londres, una gala especial para conmemorar el aniversario del festival. «Building Bridges» ha sido el eslogan de este festival. Con él, se hace una referencia metafórica a la unión entre países. Este año el escenario de Viena consistió en una plataforma circular con suelo de pantalla de LED, rodeada de más de 1200 pilares individuales. El efecto LED creaba, con esta luz, un portal en forma de ojo al fondo del escenario. En este año, cabe destacar la presencia de países como Chipre, Serbia, República Checa y, un hecho hasta ahora único, la participación de un país ‘del otro charco’ como Australia. En Latinoamérica y Oceanía es común la retransmisión de este gran evento y con motivo de la celebración del sesenta aniversario se le brindó la oportunidad de participar y votar en la final bajo las mismas condiciones que el resto de países. No es el primer país no europeo que concursa, pero si el primero que se encuentra fuera de la UER. Como todos los años, los componentes del Big Five pasan directamente a la final (Alemania, España, Francia, Italia y Reino Unido), junto con Australia, en esta ocasión y Austria, como anfitrión del festival. El resto de países deberían ganarse el puesto en las semifinales celebradas el 19 y el 21 de mayo.

La segunda semifinal constaba de un total de 17 países, uno más que en la primera semifinal. Como curiosidad y desde hace unos años, cabe destacar que los países utilizaron un sistema de doble de votación, 50% por el jurado y 50% del voto de la población. En este caso fue Mans Zelmerlöw con su “Heroes” quien logró el primer lugar con un amplio margen de 217 puntos, seguido de Letonia, Israel, Noruega, Eslovenia, Chipre, Lituania, Polonia, Azerbaiyán y Montenegro. La final comenzó con Conchita Wurst, como ganadora de la anterior edición. Abrió la gala cantando “Rise like a Phoenix” y “Building Bridges”, canción ganadora del festival de 2014 y nombre del eslogan del festival, respectivamente. Con más de 15.000 espectadores reunidos en el Wiener Stadthalle, la noche estuvo muy reñida y prácticamente sin incidentes. Suecia, Italia y Rusia estuvieron compitiendo por el podio durante las votaciones, pero finalmente, el sueco se alzó con el puesto, otorgándole al país su sexta victoria en el festival, siendo en 2012 la última. Una año más los miembros del Big Five, a excepción de Italia, quedaron dentro de los peores clasificados. En el caso de España, después de muchos meses de promoción, la cantante ganó adeptos con su puesta de escena. La artista madrileña consiguió convencer a propios, pero no a ajenos. Aunque pese a los esfuerzos, en esta ocasión, gozó de la misma posición, tanto en la lista de votaciones como en la lista de las actuaciones, el vigésimo primer lugar. La canción con la que Edurne representó a España, Amanecer, no gustó mucho a los europeos, que pese a situarla en los primeros puestos de las casas de apuestas, quedó, finalmente, relegada a los últimos puestos de la lista con un total de 15 puntos.


España lleva compitiendo en el festival durante 54 años consecutivos, ganando únicamente en dos ocasiones en 1968, con Massiel y su ‘La, la, la” y con Salomé y su ‘Vivo Cantando’ un año más tarde. La segunda posición solo ha sido conseguida en cuatro ocasiones: Karina en 1971, Mocedades en 1973, Betty Missiego en 1979 y Anabel Conde en 1995. La suerte no ha acompañado a España en el Festival durante todos estos años, siendo el décimo puesto uno de los más honrosos para nuestro país en muchos años, obtenido por Pastora Soler, en 2012 y por Ruth Lorenzo, el pasado año. Como dato a destacar en esta edición, llama la atención la eliminación de Finlandia, elegida como una de las candidatas finalistas en las casas de apuestas. No obstante, el hecho más relevante a destacar fue que países como San Marino, Montenegro y Macedonia no pudieron utilizar el sistema mixto de votación. El primero, solo utilizó el voto del jurado, ya que no alcanzaron un mínimo de votos para hacer la media de las votaciones, mientras que el segundo y el tercer país solo utilizaron el televoto, ya que se infringieron ciertas normas del festival y fueron sancionados de esta manera. Por último, el Festival se desarrolló sin incidencias, dejando al margen del hecho de que durante los votos, países como Portugal, entre otros, perdieron la conexión en directo y tuvieron que dar los puntos al finalizar la ronda de las votaciones.


En En

DIRECTO DIRECTO

NO HAY NADA COMO DISFRUTAR DE LA MรšSICA EN DIRECTO para hacer mรกs llevadero este mes y sus altas temperaturas. POR EL MOMENTO, JULIO NOS TRAE A ARTISTAS INTERNACIONALES COMO DAVID GUETTA y algunos nacionales que vuelven a casa:como pablo alborรกn. POR MARTA LARRAD


Pablo Alborán Tour Terral

David Guetta Pool position

El artista con más ventas de los últimos tiempos en nuestro país regresa a los escenarios con su ‘Tour Terral’. Con una novedosa y sorprendente puesta en escena presentará las canciones de su tercer álbum de estudio. Sin duda el disco más importante y completo del malagueño.

El DJ más conocido del mundo vuelve a Ushuaïa Ibiza para su cuarta residencia, tomando de nuevo todas las tardes de los lunes desde el 29 de junio hasta el 31 de agosto, esta vez presentando su nueva fiesta: ‘Pool Position’.

Ha conseguido, gracias a una treintena de discos de platino, que su carrera se extienda ya al otro lado del Atlántico. Su nueva gira recorrerá más de 20 países incluido España, con las próximas citas en Cádiz (8 de julio, Castillo de San Sebastián), Gijón (10 de julio, Patio de La Laboral), A Coruña (11 de julio, Coliseum), La Laguna (17 de julio, Plaza del Cristo) y una especial junto a Alejandro Sanz el próximo 5 de septiembre en Albacete.

Varios discos de planitos, Grammys y un sinfín de éxitos han convertido a este francés de 47 años en una superestrella de fama mundial. Es único a la hora de fusionar pop, hip-hop y electrónica para convertirlos en números uno.

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Bob Dylan Shadows in the night

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Maná Cama Incendiada Tour

La gira de Bob Dylan vuelve a pasar por España, en este caso con nuevo material. Bajo el título de ‘Shadows in the night’, el regresa tres años después con su álbum número 36 en su trayectoria de más de 50 años. En esta ocasión, el cantautor estadounidense versiona una decena de canciones de Frank Sinatra.

La formación mexicana llega a España dentro del ‘Cama Incendiada Tour’ para ofrecer conciertos entre finales de agosto y primeros de septiembre en varias ciudades españolas para dar a conocer los 11 temas que componen su noveno álbum, del mismo nombre.

En su parada por nuestro país cuenta ya con 6 citas en este mes de julio: el 4 en Jardins de Pedralbes de Barcelona, el 5 en el Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza, el 6 en el Palacio de los Deportes de Madrid, el 8 en el de Granada, el 9 en el Teatro de la Axerquia de Córdoba y el 11 en el Donostia Arena de San Sebastián.

Con casi tres décadas de trayectoria, Maná se ha convertido en la banda de rock en español de mayor importancia. Sus numerosos premios y los 40 millones de copias vendidas en todo el mundo han hecho de los mexicanos toda una referencia.


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Y SU ‘CORAZÓN’ ACELERAN EL PULSO DE MADRID TEXTO Y FOTOS: LAURA PÉREZ


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arde-noche de un martes de junio y una sala anexa del Palacio de Vistalegre repleta hasta los topes con la ilusión del que lleva casi 5 años esperando un momento como aquel. Con el reloj marcando las 9 de la noche, y tras la enérgica actuación de los teloneros ROAM, aparecían en el escenario All Time Low. La banda formada por Alex Gaskarth, Jack Barakat, Rian Dawson y Zack Merrick se subía de nuevo a un escenario de la capital para presentar ‘Future Hearts’, su nuevo disco. Los de Baltimore habían agotado las entradas en pocos días, obligando a los organizadores a buscar un recinto mayor. ‘Satellite’ abrió un repertorio en el que no faltó ninguno de los éxitos de la banda, y con el que los cuatro miembros se entregaron al fervor de los presentes. Éstos tuvieron un protagonismo destacado en ‘Time Bomb’, uno de los grandes hits del grupo, en el que una decena de seguidores fueron llamados al escenario para convertirse en estrellas del pop rock por un momento. A temas míticos como ‘Weightless’, ‘Damned If I Do Ya’ o ‘Therapy’ se unieron los nuevos como ‘Kids In The Dark’, interpretada con el escenario totalmente a oscuras, ‘Runaways’ o ‘Something’s Gotta Give’, coreadas de principio a fin. La banda demostró que no es casualidad que llenen recintos en medio mundo, pues sus shows son pura diversión. Quizás a muchos les puedan recordar a grupos míticos como Green Day o Blink 182, y no es casualidad que ‘American Idiot’ y ‘All The Small Things’ suenen versionadas en sus directos como influencias directas de una banda que puede considerarse una de las líderes de la nueva generación de pop rock. Su ya mítico ‘Dear Maria, Count Me In’ despidió una noche en la que la energía desprendida por cada uno de los asistentes fue testigo de que su ‘Future Hearts’ gana, y mucho, en directo.


Top Te Doy Media Noche Andrés Suarez

El Mundo Pablo López

Pois Rita O

1 2 3 6 7 8 Recuérdame Pablo Alborán

Cuando me siento bien Efecto Pasillo

Som Xuso Jo


p 10 junio-julio

son Ora

POR IVÁN DÍAZ C.

La Promesa Melendi

Fire Meet Gasoline Sia

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mos ones

Heroes Måns Zelmerlöw

Hoy será Antonio Orozoo


“No puedo vivir sin mar y sin música” Andrés Suárez es un conocido cantante gallego, nacido en 1983. Se introdujo en el mundo de la música con tan solo catorce años. Montó su primer grupo en su ciudad natal, Ferrol y, desde entonces, pasó por distintos grupos de Pop y Rock hasta que decidió viajar a Santiago de Compostela. Es en ese momento cuando Andrés comienza su carrera como cantautor y empieza a actuar por los locales de la zona vieja, iniciando la grabación de su primer disco, ‘De ida’. Este disco le llevó de gira por todo el país y le aportó reconocimiento a nivel nacional. El año 2006 fue un año estrella para el cantante. Ese año, el artista ganó el Certamen de ‘Jóvenes Cantautores de Burgos’ y el premio a la mejor letra en el certamen de ‘Cantautores de Elche’. Por si eso no fuera poco, logró alzarse con el premio a la mejor letra en el Certamen ‘Descubre’ de la Región de Murcia, así como el segundo premio en el Certamen ‘Marcilla Trovadora’ de Navarra, y el tercero en el ‘Certamen Alameda’ de Málaga. Todo el trabajo realizado durante esos años le hizo desplazarse a vivir a la capital del país. Es ese mismo año, cuando conoció al famoso cantautor español, Tontxu. Escuchó su música y decidió estrenarse como productor musical, produciendo ‘Maneras de romper una ola’, nuevo disco de Andrés. Este disco llevó consigo mucho trabajo y no fue hasta 2008 cuando salió a la venta. Cinco mil copias fueron los discos que Andrés consiguió vender. Un buen número de copias, si tenemos en cuenta la crisis por la que pasa en aquellos años la industria discográfica y que el disco salió a la venta sin ningún tipo de promoción. Además, tuvo la oportunidad de recorrer muchas de las salas de conciertos del país, ofreciendo su música y dando recitales. Este disco llevó consigo un pequeño primer salto internacional, teniendo la oportunidad de realizar un concierto en Cuba, junto al dúo

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‘Buena Fe’. Por si no fuera poco, su viaje conllevó una colaboración musical junto al vocalista del dúo, Israel Rojas, ‘Volar sin ti’. Pasaron unos cuantos años hasta que en octubre de 2011, comienza la promoción de su tercer disco, ‘Cuando vuelva la marea’, cuyo primer single se titula ‘Lo malo esta en el aire’. Un año más tarde, el cantautor gallego anuncia que dejará los escenarios por un tiempo, pero que continuará su gira programada hasta finales de 2012. Durante esos meses de parón preparó ‘Moraima’, disco que hace referencia a un nombre de mujer, afirmando que ‘La música es mujer’. El artista reconoce que hay dos cosas que necesita para vivir: la música y el mar. El 2 de junio salió a la venta su álbum ‘Mi pequeña historia’, que se ha situado en los primeros puestos de ventas de las listas y del cual Andrés habla para nosotros. ¿Qué es ‘mi pequeña historia’ y en qué se diferencia del resto? Es un disco muy cuidado, más mimado que el resto. Todos los artistas decimos que nuestro último disco es el mejor, pero en este caso es verdad, es diferente. Es un disco más ligado al rock británico, más de garaje, más banda tocando juntos, grabando a la vez, yo estoy muy contento. ¿Cómo se afronta la presentación de un nuevo disco con la crisis económica y musical? Yo no puedo pensar en eso. Considero que es una labor que forma parte de la discográfica. El disco lo conforman una serie de elementos. Cada uno tiene su función y su parte. Yo como cantante no puedo estar pendiente de todos.


En cada canción, hay una historia. ¿en que basas esas historias? No escribo, ni en un momento determinado, ni para un publico determinado, ni para jóvenes, ni para mayores, ni para gente de izquierdas, ni para gente de derechas. Escribo porque es lo que hecho toda mi vida. Es mi vía de escape, mi realidad. Y, aparte, me da paz. ¿Qué planes de futuro tienes?, y ¿cuáles son las novedades de esta etapa? Tocar, girar y hacer promociones. Me encanta mi profesión y todo lo que la rodea. Además me gusta viajar y currar. Yo no tengo ninguna responsabilidad, ni familia, ni hijos. Esto me da la libertad de poder hacer la maleta, viajar y tocar. Tengo unos 140 bolos en un año. Volveremos a tocar en Argentina. Y, lo más novedoso, es que vamos a cruzar más el charco. Es lo más novedoso que se puede destacar. ¿Dónde te ves dentro de cinco o seis años? Yo quiero seguir en esto. Hacer música. Estoy muy contento porque hago lo que me gusta. Hay mucha gente que se levanta a currar y no hace lo que le gusta. Yo tengo esta suerte de tener que levantarme a hacer lo que me gusta. No tengo pretensión de tener un avión privado, ni lujos. Simplemente, seguir haciendo lo que quiero. La música siempre ha formado parte de tu vida, ¿cuándo eras más joven te veías dedicándote a esto? Siempre he sabido que esto era a lo que me quería dedicar. He crecido con la música. Mi madre cantaba y siempre había música sonando en casa. En el fondo, siempre supe que terminaría dedicándome a esto. Si no vendiera y no pudiera dedicarme a la música de esta manera, sería técnico de sonido. Desde siempre, he sabido que me quería dedicar a esto. Comencé muy joven en el conservatorio de El Ferrol, en un edificio gris, húmedo, que no me gustaba nada. Co-

mencé obligado. Un día mientras estaba en la EGB cayó en mis manos una cinta de Roberto Iniesta. Eso supuso un cambio radical. Dejé el conservatorio, compré una guitarra eléctrica e hicimos un grupo tocando en un garaje y nos lo pasábamos de puta madre. A mí, Roberto Iniesta, me cambio el punto de vista. En el caso de que tuvieras que dejar la música, ¿donde te verías trabajando? En una editorial, en una discográfica, montando escenarios, de técnico de sonido. Rodeado de música. No podría vivir sin mar y sin música.

“Tengo la suerte de tener que levantarme cada mañana para trabajar en lo que me gusta”


Ultimas

SALIDAS

EL MES DE julio VIENE CARGADO DE LANZAMIENTOS MUSICA: LES A NIVEL NACIONAL E INTERNACIONAL, ENTRE LOS QUE DESTACAN edurne o paula rojo a nivel nacional, y la vuel: ta a los primeros puestos de mika entre otros. Por MARTA LARRAD


Adrenalina

No Place in Heaven

‘Adrenalina’ es el título del sexto álbum de estudio de Edurne, e incluye ‘Amanecer’, la canción con la que representó a España en el Festival de Eurovisión 2015, y además tema oficial de la Vuelta Ciclista a España el mismo año.

‘No Place in Heaven’ es el cuarto álbum de Mika. Con ‘Talk about you’ como primer single.

El disco es una mezcla de pop, rock y electrónica, según la cantante. Ha contado con la producción de Chris Gordon, responsable del sonido de la gran mayoría de los temas, que cuenta como Edurne “ha facturado un álbum trepidante, rebosante de esa adrenalina que quiere contagiar”.

Un disco de pop “refinado y elegante” creado por Mika durante los dos años anteriores al lanzamiento, junto al productor y colaborador habitual Gregg Wells (Katy Perry, Pharrell Williams, Adele, Rufus Wainwright). “Los dos han dado forma a un nuevo disco maduro donde el increíble talento de MIKA como compositor y su destreza como vocalista resultan evidentes al evocar recuerdos de clásicos del pop de los 70 firmados por reputados compositores como Billy Joel, Todd Rundgren, y Elthon John entre otros.”


Creer para ver ‘Creer para ver’ es el tercer disco de Paula. Grabado en Madrid y mezclado entre España y Suecia, todos los temas del álbum cuentan con la autoría de la cantante. Dos de ellos co-escritos y producidos junto a Coti: ‘Poco’ y ‘Después del adiós’, y tres coescritos y producidos por los creadores de éxitos suecos: Chris Wahle, Andreas Öhrn, Ian Smith: ‘Miedo a querer’ (el single presentación), ‘El momento’ y ‘Good to be bad’ (versión en inglés de Miedo a querer). El disco mantiene la esencia country y pop que llevó a la artista a la popularidad con su primer trabajo: ‘Érase un sueño’, publicado en 2013, tras su paso por la primera edición de La Voz en España.

Bomb

La actriz, cantante y cana ha lanzado ‘Bom al lanzamiento de u do álbum que da co ‘Trouble’ (2004). Dura pera ha compuesto por Katy Perry (‘Teen day night’, ‘California Spears (‘Hold it agai (‘Dynamite’).

4 canciones con gra cada una de ellas, co el título a la obra al co principal.


bastic

y compositora amerimbastic’, un EP previo un anunciado segunontinuidad a su debut ante estos años de eséxitos interpretados nage dream’, ‘Last fria gurls’, ‘Roar’), Britney inst me’) y Taio Cruz

abación de clip para on el tema que aporta ompleto como single

Communion ‘Communion’ es álbum debut de Years & Years, el grupo formado por Olly Alexander, Mikey Goldswothy y Emre Turkmen. Incluye singles como ‘Real’, ‘Take shelter’, ‘Desire’, ‘King’ –que ya es número 1 en Reino Unido, y ‘Workship’, lanzamiento previo al disco.


La reinvención de Risto POR LAURA PÉREZ

Desde que le conociéramos como un cruel publicista que se ocultaba tras unas gafas oscuras para criticar sinfín a los concursantes de Operación Triunfo 2006, la carrera de Risto Mejide en televisión es el fiel reflejo de la reinvención. Odiado y criticado hasta la saciedad por una audiencia que no perdonaba su dosis de realidad camuflada en crueldad, hoy en día es laureado por la inclusión en televisión de un formato de programa de entrevistas que la audiencia pedía a gritos. Tras su participación en diversos programas de televisión como colaborador y jurado, en 2008 se estrenó como conductor de su propio proyecto en Telecinco, G-20. Sin embargo, su acidez no llegó a cuajar en la audiencia y fue cancelado a las pocas semanas de su estreno. Pese a ello, su faceta como escritor fue ganándose al público y sus publicaciones, ‘El pensamiento negativo’, ‘#Annoyomics: El arte de molestar para ganar dinero’ y ‘Que la muerte te acompañe’, fueron todo un éxito. No obstante, le ha bastado un chester tematizado, unas gafas más claras y una buena dosis de cercanía para ganarse a público y crítica. ‘Viajando con Chester’ aterrizó en Cuatro con un formato novedoso que nos hizo creer que otro tipo de entrevistas tienen hueco en televisión. Podíamos conocer más o menos sobre las personalidades que se sentaban semanalmente en su chester, pero estábamos seguros de que en media hora íbamos a poder navegar por sus vidas sin barreras. Sin embargo, como no todo lo bueno es duradero, los seguidores del programa recibían a principios de año un jarro de agua fría, y es que la empresa dirigida por Paolo Vasile decidía prescindir del catalán en beneficio de la laureada periodista Pepa Bueno, alegando disidencias con el publicista. No obstante, poco tardó Antena 3 en ofrecerle un formato nuevo en el que continuar con su camino. Sustituyendo el chester por un espacio más austero, ‘Al rincón de pensar’ sigue la línea de abrir en canal a todos aquellos que se entregan a Risto. En tan solo seis programas, personalidades como Juan Carlos Monedero, Dani Martín o ‘El Rubius’, el Youtuber más famoso de nuestro país, ya han sido testigos de un paso más en la reinvención de Risto.

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PRISON BREAK

FOX resucita la serie 6 años después de su final La serie carcelaria más exitosa de la televisión volverá a la cadena estadounidense FOX con una sexta temporada POR LAURA PÉREZ

Parafraseando los archiconocidos versos de Jorge Manrique en sus coplas, la FOX es de las que opina que cualquier tiempo pasado fue mejor. En una época en la que parecen estar de moda los spin off y los rescates de exitosos ‘seguros de vida’, la cadena norteamericana ya prepara el regreso de uno de sus mayores triunfos: Prison Break. Según ha adelantado TVline, ya se están fraguando los 12 capítulos que formarán parte de una única temporada, la quinta del serial. De esta forma, Wenworth Miller y Dominic Purcell volverán a dar vida a los hermanos Michael Scofield y Lincoln Burrows. Un anuncio que llega poco después de conocerse que ambos compartirán pantalla también en la nueva serie de ‘DC´s Legends of Tomorrow’, el spin-off de ‘Arrow’ y ‘The flash’. Pese al escepticismo inicial por parte de críticos y seguidores de la serie debido a un final más que cerrado, los actores ya apuntaron hace unos meses hacia el posible regreso de un proyecto que les puede devolver a la primera plana del panorama mundial. Miller confesó emocionado que “hemos planteado la idea a FOX de manera muy informal y su interés no parecía muy informal. Parecen estar pensando realmente en ello”.


Purcell añadió que “FOX está muy entusiasmada con la idea”, a lo que Miller apuntilló: “Tal vez definitivamente”, no sabemos si ya conociendo el proyecto de la cadena.

Sea como fuere, y pese a que todavía no se conoce la forma de rescatarla, la sexta temporada de Prison Break ya es una realidad. ¿Conseguirán sacarla a flote?

Finalmente, FOX ha sucumbido a los encantos de uno de sus principales baluartes pero, ¿cómo rescatar una serie cerrada? Miller apuntaba también en declaraciones previas que “Hay que hacer algo como lo que se hizo en el final de la cuarta temporada, con esos dos episodios independientes sobre los problemas de Sarah. Era como un capítulo oculto porque no se sabía. El objetivo sería compartir con los seguidores”. Unos seguidores que han reaccionado con sorpresa a un anuncio inesperado, así como con un moderado escepticismo fruto de la incertidumbre de su resultado, pues las segundas partes rara vez son buenas.

EL LEGADO DE PRISON BREAK Como toda serie que marca, Prison Break fue fruto de inspiraciones tras su final a uno y otro lado del charco. En España, BocaBoca y Telecinco apostaron por el género carcelario con ‘La Fuga’, serie protagonizada por Aitor Luna y María Valverde. Pese a su buena acogida, superando los tres millones de espectadores y los puestos más altos de trending topic en Internet, la ficción no fue más allá de una discreta primera temporada.

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Recientemente, Antena 3 ha vuelto a apostar por el drama carcelario, en este caso de mujeres, con la exitosa ficción ‘Vis a Vis’. Vista con recelo en un principio por sus aparentes similitudes con la americana ‘Orange is the new black’, la serie de Globomedia ha conquistado al público con un elenco de caras desconocidas que han echado la puerta abajo demostrando que una nueva ficción es posible. Al otro lado del charco, la encumbrada Netflix sorprendió en julio de 2013 con una gira de tuerca a la ficción carcelaria vista hasta la fecha. En esta ocasión, el protagonismo residía en una cárcel de mujeres que con su mezcla de comedia y drama conquistaron en todos los rincones del planeta. La serie, basada en la novela autobiográfica de Piper Kerman, ‘Orange Is the New Black: Crónica de mi año en una prisión federal de mujeres’, emite ya su tercera temporada.

OTROS REGRESOS SONADOS Si bien, la FOX no ha sido la única en recurrir a viejas glorias para retomar el rumbo, pues ‘Prison Break’ es sólo la última de las resurrecciones que nos esperan en los próximos meses. Las míticas ‘Twin Peaks’ y ‘Expediente X’ volverán a la pantalla el próximo año con algunos de sus personajes principales. En el caso de la primera, el icónico cineasta David Lynch dirigirá tras las cámaras los 18 episodios que compondrán la temporada. Por su parte, la primera de estas series que volverá a las pantallas no es más que ‘Heroes: Reborn’, miniserie que resucita a la exitosa ‘Heroes’ sin dos de sus personajes principales: Sylar (Zachary Quinto) y Peter Petrelli (Milo Ventimiglia). Además, la ya mencionada Netflix ya ha anunciado que rescatará una de las series más entrañables de los 90: ‘Padres Forzosos’, que regresa con sus protagonistas veinte años después de su final.

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POR Jorch Tapastic.com/foxjorch Y Peri @perico_jo


Jersey BENETTON


Empezar desde muy pequeña es algo muy arriesgado en cualquier profesión. Sin embargo, Nerea Camacho ha sabido crecer y mejorarse año tras año, haciendo prácticamente imposible que podamos olvidarnos de su nombre y de sus preciosos ojos que tanto nos transmiten. Hablamos con ella en mitad de nuevos proyectos, y con una ilusión enorme por que podamos volver a verla haciendo lo que más le gusta: actuar,

Te iniciaste como actriz en un momento muy temprano, y con un papel protagonista. ¿Consideras que puede ser un inicio demasiado brusco para una niña? No, la verdad es que no. Es cierto que cuando eres pequeño se supone que debemos jugar y divertirnos, pero mis padres se han preocupado mucho para que yo pudiera tener tiempo para todo, y en ningún momento me resultó difícil. ¿Qué recuerdas como lo más complicado en aquel momento, pero que visto ahora parece una tontería? Que pueden meterse también en tu vida a nivel personal. Yo siempre he sido una persona que me gusta pasar más bien desapercibida, y no llevaba demasiado bien que hablaran de mi tanto si era negativo como positivo. Esto a veces me llegaba a afectar un poco. También me resultaba difícil el salir a la calle y que la gente me reconociera. Pero te acabas acostumbrando y te gusta que la gente te pare y te diga que le gustas mucho, que tu trayectoria le encanta. Pero cuando eres pequeño es difícil y raro. A veces veía a alguien mirándome y me asustaba, hasta que recordaba que a lo mejor había visto alguna peli mía. Pero a pesar de todo, me resulta muy bonito el poder decir que hay gente a la que le gusta mi trabajo. Si te nombro a Javier Fesser, todos los recuerdos serán ma-

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ravillosos. ¿Qué crees que ha aportado él a tu carrera pasada, presente y futura? Recuerdo muchas cosas, porque además le tengo muchísimo cariño y le debo mucho. Creo que lo que más me ha aportado es ser muy perfeccionista con lo que hago. Él es una persona con las ideas muy claras, sabe lo que quiere, lo que te pide y creo que Javier me ha hecho querer tenerlo todo muy perfecto, entender todo muy bien. El ser perfeccionista se lo debo a él. ¿Te gustaría repetir con él? Por supuesto que sí, me encantaría. Si continuamos con el cine, otro de tus papeles más mediáticos fue Daniela, la hermana pequeña de Baby en ‘A tres metros sobre el cielo’ y ‘Tengo ganas de ti’. ¿Cuál es para ti la clave para que una película se convierta en un éxito tan aclamado como ocurrió en este caso? Muchísimas cosas, pero creo que en cualquier proyecto es muy importante el reparto. Ya no que los actores sean conocidos o no. Está claro que si son conocidos llaman más la atención, pero si no son rostros conocidos pero son buenos, llaman la atención igualmente. Un buen guión, que no sea lineal y que no haga burla a la gente que lo vea. Ambas son dos cosas muy importantes: reparto, un buen guión y todo un equipo que hay detrás.


Jersey BENETTON


Jersey BENETTON


Jersey BENETTON Pantalón DÁNDARA


En un sector en el que abrirse hueco para que cuenten contigo de manera continuada es difícil a la par que importante, ¿Cuál crees que es el punto de inflexión para que confíen en ti? Creo que tienes que tener algo especial, algo que destaque sobre las demás y sobre todo no encasillarse. Este tema (encasillarse) no es culpa a veces de uno mismo. Si te han visto haciendo tal personaje y les ha gustado, puede que te llamen siempre para hacer personajes similares a ese. Yo creo que destaca el tener algo diferente, que llame la atención, ser muy camaleónica para que puedas hacer personajes totalmente distintos y los hagas bien. También que te vean alejada de lo que estás interpretando, que vean a tu personaje, no a ti. En este sentido, por ejemplo la serie Vis a Vis apostó fuerte por un elenco prácticamente nuevo, y se ha convertido en una revelación de la temporada. ¿Están empezando las series españolas a llamar la atención del espectador? ¿Qué crees que les ha faltado hasta ahora? Últimamente estamos haciendo series muy buenas, series totalmente distintas, historias distintas. Hemos empezado a arriesgar un poco, y eso es muy positivo. También creo que deberían dar oportunidad a gente que no ha hecho nada. Muchas veces he visto castings en los que sólo querían caras conocidas. Eso está muy bien pero con esa limitación pueden dejar de descubrir a alguien que puede ser maravilloso. Si por ejemplo en el casting de camino, que fue el primero que yo hice, no hubiesen querido caras nuevas, se hubiese perdido el que yo siguiera este camino, al igual que el primer casting de cualquier otra chica que ahora sea conocida. No siempre por contar con actores populares va a triunfar una serie o un proyecto.

A la hora de elegir uno u otro proyecto, ¿tienes en cuenta para aceptarlo este hecho de no encasillarte, de intentar que no te vean siempre en el mismo registro? Hay muchas cosas que tengo en cuenta, pero si el personaje me gusta no puedo decir que no porque cada personaje algo distinto tiene y siempre te va a aportar algo diferente. Evidentemente también se mira que no sean todos los personajes iguales. Ahora mismo estoy un poco harta de que siempre quieran ponerme de chica guapa de la que se enamora también un chico guapo. Me encantaría hacer un personaje de chica fea, la frikie del grupo. Quiero hacer un personaje distinto. ¿HASTA QUÉ PUNTO AFECTA TENER UNA U OTRA EDAD PARA ELEGIR O QUE TE ELIJAN EN UN PAPEL? Yo considero que mi edad actual ahora mismo es un problema. La edad ideal para conseguir dar el salto en cuanto a papeles rondará en torno a los 23. Ahora mismo me encuentro ante el dilema de que me ofrecen personajes con edades muy dispares a las mías, como puede ser 15 años o 20 y largos y estoy en un punto en el que los 15 se me quedan pequeños pero los veintilargos quizá no son tampoco mi perfil. En este sentido, algo que me cabrea muchísimo es que personajes con los que por ejemplo comparto edad y creo que son un perfil ideal también de cara a hacerlo creíble para el público, sean representados por actrices de 28-30 años.

“Para que se fijen en ti tienes que tener algo especial, que destaque sobre las demás” 61


Cazadora IKKS


Hace algo más de un año comenzó a emitirse Bienvenidos al Lolita, donde con Greta volvías a la pequeña pantalla con un papel importante. ¿Qué te aportó profesionalmente poder unirte a este proyecto tan diferente? Ha sido una experiencia muy buena, muy positiva, porque he podido trabajar durante bastante tiempo, más de lo normal con un personaje. Además en las series es todo mucho más rápido y he aprendido muchísimas cosas. Son unos meses que voy a recordar como algo muy positivo. Puede que mi personaje tuviera rasgos algo negativos para mí a nivel profesional, porque era un personaje más pequeño que yo en cuanto a edad y con un carácter un poco difícil por el que obtuve muchas críticas, aunque yo simplemente interpretaba para que el público pudiera ver a la Greta que se había pensado. Ha sido a partir de aquí cuando he sido consciente de que quizá tenga que ser un poco más crítica con el tipo de personaje que escoja en cuanto a rango de edad se refiere. Por desgracia, la serie no termino de cuajar, y no pudimos continuar disfrutando de las andaduras en el cabaret. ¿Cómo te tomaste la noticia? Mal, porque yo creo que podrían haber luchado un poco más por ella. Desconozco quién tiene en realidad la culpa, pero sí que es cierto que otras series bajan de audien-

cia e intentan reflotarla cambiándola de día. Nosotros no tuvimos unas audiencias tan bajas como para no hacer nada. También influye que competíamos con ‘El Príncipe’, que están arrasando, y era algo que habría que haber tenido en cuenta. Me dio muchísima pena porque me lo estaba pasando muy bien, estaba haciendo muchísimas cosas, habíamos hecho una piña muy grande todo el equipo…. Pero bueno, hay cosas que acaban y ya está. Yo siempre soy muy positiva y pienso que si algo se acaba ya vendrá otra cosa mejor. ¿Hasta qué punto estáis preparados u os preparan para afrontar estos posibles fracasos entre comillas? No nos preparan de ninguna forma. Creo que es como cualquier otro trabajo que no es fijo; de repente te ves en la calle sin trabajo y te tienes que buscar otra cosa. Es algo normal, que por supuesto no nos gusta, pero hay que ser positivo siempre. ¿Se aprende más de una victoria o de una derrota? Creo que para lo positivo todo el mundo está preparado, o es más fácil estar preparado que para lo negativo. Siempre los fracasos te enseñan muchísimas cosas aunque también depende de la persona, porque hay gente que no sabe afrontar un fracaso. Yo soy positiva, intento pensar siempre en positivo. De un fracaso se aprenden muchísimas cosas, creo que incluso más que con una victoria.

“En ‘Lolita’ he aprendido muchísimas cosas; son unos meses que voy a recordar como algo muy positivo” 64


Jersey BENETTON


La ficción española está luciendo en su máximo esplendor en los últimos tiempos: El Príncipe, Vis a vis, Sin identidad… Muchas de ellas tienen un principio y un fin previstos desde un inicio y que acota las emisiones a pocas temporadas. Como actriz, ¿prefieres un personaje cuya evolución ya está prefijada con anterioridad, o uno al que puedas dar forma y verlo crecer gracias en parte a ti misma? Como actriz es mucho más bonito y mucho más gratificante que no sepas la evolución del personaje; que vayas creciendo y te vayan sucediendo las cosas a la par que a él. Puede influir en tu actuación si sabes ya previamente qué va a pasar. No me gustaría saber cuál va a ser el final de mi historia. ¿En qué estás inmersa actualmente? Estoy en una obra de teatro en Almería. Ahora para verano vamos a terminar aquí y vamos a salir en una pequeña gira por fuera de Almería. Nos lo tomamos todo tranquilamente porque es un grupo creado por amigas, a mi me apetecía iniciarme en el teatro y mi profesora de interpretación nos propuso esto de un modo que pudiéramos compaginarlo con otras cosas. Me ha aportado muchas cosas y me encanta. He podido probar el teatro, puedo hablar de la experiencia. Por otro lado tengo una nueva peli en ingles, de la que no puedo hablar mucho aún pero estoy preparándome el personaje que es muy distinto de lo que he hecho hasta ahora. HABLANDO DE TEATRO... ¿Se siente más miedo subida a las tablas o frente al objetivo de una cámara? A mí siempre me han dicho que me ponen

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una cámara delante y me transformo. Recuerdo a Fernando el director de Tengo ganas de ti y A tres metros sobre el cielo que me dijo “Te ponemos una cámara delante y te transformas como las grandes estrellas”. Incluso me ha dicho mucha gente que ante la cámara mejoro mucho más lo que hemos hecho en los ensayos. El teatro es diferente, pero me encanta poder disfrutar del recibimiento que te hace la gente, la interacción con ellos. El terminar la función, salir y hablar con el público y que te diga ‘Esto me ha gustado mucho’ o ‘Esto no lo he entendido’. También debes mantener la energía durante mucho más tiempo, porque el trabajo en relación con el cine es muy diferente. Aquí no hay cortes, es todo seguido. Para mi es más complicado el teatro, pero muy bonito y me ha aportado muchas cosas. ¿Serías capaz de decantarte por uno u otro? Sería incapaz de poder elegir entre una cosa u otra. Yo me quedaría con un proyecto bonito, un reparto bonito, un director con las ideas claras y que me ofrezca algo guay sea el género que sea. Hagas lo que hagas estás interpretando, que es lo que a mí me gusta.

“Siempre me quedaré con un proyecto bonito, un reparto bonito y que me ofrezca algo, sea del género que sea.”


Cazadora IKKS


¿Podremos verte algún día con una obra de esas que perduran durante meses en alguno de los grandes teatros de Madrid? Sí que me gustaría. Ahora mismo estoy entre Madrid y Almería y tengo pensado en un futuro no muy lejano irme a Madrid, así que todo sería mucho más fácil. En el Lolita pudimos ver que quizá también tengas un poquito de alma de música. ¿No te has llegado a plantear nunca la opción de participar en algún musical? Me encantaría. A mí me apasiona la interpretación pero también bailar, he estado bailando mucho tiempo. Lo dejé para poder compaginarlo con los estudios y porque viajaba mucho y no podía ir a clase, pero tengo pensado retomar mis clases de baile en Madrid porque bailar me apasiona, me encanta. Cuando estoy mal me pongo a bailar y con eso consigo sacar todo lo negativo. De los que hay ahora en cartelera, ¿te llama la atención alguno especialmente? Sí, tengo un amigo que trabajó en ‘Hoy no me puedo levantar’ y aunque ahora mismo ya no esté en cartelera me hubiera encantado poder participar sobre todo porque era un musical que apostaba mucho por el baile, y me encanta. Uno de tus últimos trabajos ha tocado un tema muy delicado, como es la violencia de género. ¿Sentiste en algún momento la presión de estar transmitiendo un mensaje tan importante y con el que necesitabas llegar sobre todo a los más jóvenes? No, presionada no porque sabía que íbamos a conseguir que llegara a la gente. Me siento orgullosa de poder ayudar y dar el mensaje

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“Me siento orgullosa de poder transmitir un mensaje contra la violencia de género a las chicas de mi edad” a las chicas de mi edad que están pasando por esa situación y que no saben cómo salir. Dices que “eres el resultado de lo que has vivido”. ¿Qué es lo que te ha marcado más a lo largo de estos 19 años? Yo siempre he dicho que he vivido muchas cosas que a lo mejor otras chicas de mi edad no han vivido. Hay gente que a mi edad no sabe qué estudiar, qué hacer o en qué quieren enfocar su vida. Yo siempre lo he tenido muy claro. Empecé a trabajar desde muy pequeña, tenía responsabilidades desde una edad muy temprana, he estado lejos de mi familia cuando me ha tocado estarlo, lejos de mis amigas, he estudiado a distancia que me ha costado muchísimo… Siempre he tenido que ser más madura y tener que afrontar cosas que con esa edad a lo mejor no me tocaban. Aparte yo siempre he sido muy observadora y me ha gustado estar en conversaciones de adultos. Tengo amigas y amigos más mayores que yo porque muchas veces con chicas/os de mi edad me aburría porque estaba acostumbrada a moverme en un mundo de mayores y me interesaban otro tipo de cosas. Todo esto me ha ayudado a ser lo que soy ahora. Ha habido cosas muy buenas, también ha habido cosas malas. Creo que he vivido demasiadas cosas. Además, todo el mundo somos el resultado de todo lo que hemos vivido, tanto las cosas buenas como las negativas nos van haciendo ser de una forma o de otra.


Vestido DOLORES PROMESAS


Elige… Cine, Teatro, Televisión...

Cine

Actor/actriz inspirador

Natalie Portman y Verónica Echegui Director con el que te gustaría trabajar

Almodóvar

Serie que sigues ahora mismo

Pequeñas mentirosas y Vis a vis

making of

DE NO SER ACTRIZ SERIAS... Bailarina o psicóloga infantil Si estuvieras rodando una comedia romántica, tu media naranja sería...

Ashton Kutcher

Comedia o drama

Comedia

Una ciudad

Almería

Una manía

Enrrollarme el pelo en el dedo Una canción que no deje de sonar en tu reproductor

Cómo Nicolas Cage de Amaral

Una palabra que te defina

Pasional

nerea camacho para

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ANCLADOS El humor vuelve a navegar por telecinco

POR LAURA PÉREZ Con la reciente renovación de ‘Anclados’ para una segunda temporada podemos confirmar que el humor vuelve a navegar por Telecinco. Y es que, tras la despedida hace ya unos meses de la longeva ‘Aída’, parecía que iba a costar volver a dar en el clavo. Después del más que sonado fracaso de ‘Aquí paz y después gloria’, muchos auguraban a la nueva ficción de Globomedia un futuro similar. Sin embargo, el toque mágico del equipo de ‘Aída’ ha convertido a ‘Anclados’ en uno de los estrenos de la temporada. Precisamente se convirtió en el lanzamiento de comedia más visto tras el mencionado spin of de ‘7 vidas’, con más de 4 millones y medio de espectadores en una programación multicanal. La ficción arranca con la caída de una multa mi-

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llonaria sobre el buque Ancla II y el regreso a bordo de Marga Santaella, interpretada por Miren Ibarguren. Su llegada pondrá patas arriba la acomodada vida de su ex marido Gabriel (Alfonso Lara), el capitán del barco, y de su hermano Mariano (Joaquín Reyes). El reparto se completa con nombres como Rossy de Palma, Úrsula Corberó, Fernando Gil o Miki Esparbé, que interpretan a unos personajes muy definidos y con personalidades que son el punto fuerte de esta comedia. Todos ellos forman parte de la tripulación de un crucero de bajo coste que cada capítulo recibe una visita especial que provoca las situaciones más rocambolescas que puedan imaginar. Angela Merkel y Cristiano Ronaldo ya han podido


vivir en sus propias ficticias carnes lo que son capaces de hacer por conseguir sus objetivos. No obstante, y pese a los buenos datos de audiencia que ha registrado desde su estreno, no todo son buenas noticias a bordo del Ancla II. Y es que, desde que llegara a la parrilla de Telecinco, la comedia ha recibido todo tipo de críticas desde diferentes colectivos sociales por su reflejo y comentarios hacia determinados sectores de la sociedad. Catalanes, homosexuales y gitanos ya han sido víctimas de los prejuicios de los personajes de la serie con comentarios más que polémicos, que han causado un gran revuelo en las redes. Sea como fuere, el crucero volverá a zarpar en una segunda temporada que ya espera nuevas tramas y nuevos cameos para seguir sumando espectadores a bordo.


Dicen que existe un lugar en el que si entras, algo cambia en tu interior y la vida nunca vuelve a ser igual. Dicen que ese lugar tiene un maestro de ceremonias que te seduce y te sube en una montaña rusa de emociones y sensaciones. Ese lugar es ‘The Hole 2’ y su maestro de ceremonias, Canco Rodríguez. Aprovechamos la incorporación del actor en la gira del espectáculo para hablar con él de su presente teatral, de su pasado en ‘Aída’ y, sobretodo, de su prometedor futuro… porque si hay algo que sorprende de Canco Rodríguez es que lleva en su interior una caja de sorpresas y está dispuesto a dar mucha guerra en los escenarios. Antes de empezar… ¿De dónde viene lo de Canco? Mi nombre real es Juanjo, pero de pequeño lo pronunciaba mal y decía “canco”. Cuando quise cambiarme el nombre y ponerme un nombre artístico como los grandes rockeros, me cogí Canco. Al principio de tu carrera figuras como Juanjo, ¿cómo fue el proceso de cambio? Yo soy muy mitómano y melómano, me encantan los grandes artistas, los grandes cantantes... especialmente los que se cambian el nombre como Bowie o Dylan. Siempre tenía esa cosa en la cabeza, pero nunca daba el paso. Hasta que un día dije: vamos a jugar a ser superstar, vamos a cambiar. Lo único es que tenía que estar convencido porque se iba a quedar ese nombre para siempre, y como lo de Canco era una cosa mía muy personal, me gustaba como sonaba y creía que no iba a haber mucha gente con ese nombre, me lo cambié. ¿Y funcionó? Bueno, va funcionando… va gustando (ríe). En la peli de ‘Barrio’ están Críspulo Cabezas, Eloi Yebra, y hay un actor que se llama Timy. A mi me llamó mucho la atención viendo los créditos que ponía sólo Timy. Nunca he olvidado ese nombre porque aparecía sin ape-

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llido ni nada. Cuando me quise cambiar el nombre pensé dejar sólo Canco, y que apareciera en los créditos así porque creía que a más de uno podría llamarle la atención como a mi me llamó el actor de ‘Barrio’. Al final añadí el apellido, pero me gustan los artistas que se cambian el nombre y crean un alter ego porque así tienen un nombre artístico y el suyo, digamos que íntimo. ¿Cómo los superhéroes? ¡Claro! Como los superhéroes. Y así te distancias de quien eres tú. Diferencias quien es Juanjo y quien es Canco… y me protejo.

“Me gustan los artistas que se cambian el nombre y crean un alter ego, porque así tienen un nombre artístico y otro íntimo.”


¿Ves necesario tener que diferenciar la vida pública de la privada? ¿Cómo has vivido esa popularidad que te da haber interpretado un personaje popular en televisión? No sé si es necesario, pero a mi me gusta. Me gusta escuchar a mi madre llamarme Juanjo y notar quien me llama por mi nombre porque antiguamente me llamaban así y quien me llama Canco a partir de una época. Me gusta ese distanciamiento y marcar las dos épocas. El tema de la popularidad a mi me ha llegado muy poquito a poco. Empecé a trabajar y fui conocido poco a poco. No di el pelotazo haciendo una película o una serie en la que fuera el protagonista y de repente revienta. Lo mío en ‘Aida’, por ejemplo, fue muy poquito a poco hasta que se fue conociendo mi personaje y se me fue conociendo a mi como actor. Entonces el notar por la calle que la gente me reconocía también fue poco a poco… fue de mi barrio, de mi barrio a una ciudad, hasta que ya viajaba fuera de Madrid y me reconocían. Lo he vivido con una progresión muy agradable y muy fácil de asimilar. Vamos a cambiar de tema… ahora estás actuando como maestro de ceremonias en la gira de ‘The Hole 2’ ¿Cómo definirías el espectáculo en una palabra? Provocación. ‘The hole 2’ es provocar… porque provoca cosas. Provocar lo interpretamos siempre como algo sexual, pero evidentemente no sólo lo dejo ahí. Provocar, porque ‘The hole 2’ es una montaña rusa de emociones. Pasa de la provocación sexual, a la provocación de la risa, hasta la provocación de toma de conciencia sobre si eres una persona que está viviendo la vida de forma libre y eligiendo el camino que siempre has querido vivir, o te estás convirtiendo en esa persona que de niño nunca querrías haber sido. ‘The hole 2’ toca esa fibra. Te dice que

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“The hole 2 es provocación… porque provoca cosas. Es una montaña rusa de emociones.” vivas la vida, que la disfrutes, te invita a entrar en el agujero, ser tú mismo y sacar lo que tienes en el estómago… porque eso eres tú aunque te digan que no, aunque te frenen, aunque te pongan un bozal. ‘The hole 2’ te dice que te quites esa pegatina de la boca y te expreses, pero sobretodo te anima a que vivas bailando y rompas esas ataduras. Eso es ‘The Hole 2’: provocación. ¿Qué ha supuesto interpretativamente esta experiencia para ti? Me está encantando porque es un espectáculo en el que puedo demostrar un gran abanico de posibilidades. Canto, bailo, actúo y rompo el perfil que yo tenía con ‘Aída’ de ese tonto afeado. En ‘The hole 2’ el maestro de ceremonias que represento tiene que ser un tío atractivo, tiene que seducir a hombres y mujeres, tiene que tener ese punto de diablo y a la vez ese punto entrañable de reírte mucho con él porque también es decadente, es un perdedor. Me ha aportado muchísimo como actor. Por eso me apasiona hacer cada función de ‘The hole 2’. Un día lo hablaba con una chica de vestuario que me decía que le encantaba trabajar en ‘The hole 2’ porque todos los días escuchaba el mensaje de “vive y sé feliz”. Y trabajar en esto, aunque sepas el texto y lo que va a pasar, sólo por escuchar todos los días eso, hace que me acueste feliz. ‘The hole 2’ me da muchas alas en mi vida personal.


¿Qué va a encontrar el espectador cuando les recibes en tu agujero?

jas, tu personaje en ‘Aída’. ¿Qué supuso para ti trabajar en la serie?

Van a encontrar que se montan en el cochecito de una montaña rusa. Creo que empieza a subir poquito a poco y la gente tiene ese nervio de qué va a encontrar en ‘The hole 2’. ¿Hay gente desnuda o no hay gente desnuda? ¿Me tocan o no me tocan? ¿Me van a hacer que haga algo? He oído que hay gente de público que se ha desnudado… esa es la montaña rusa. Y de repente, cuando está en lo más alto y llevamos ya un buen rato de representación, es cuando la gente cae y empieza a gritar. Eso es lo que queremos, que no estén viendo el teatro sentados y callados. Queremos que griten, que vivan el espectáculo como nosotros lo estamos viviendo. Y de repente cuando has estado gritando de emoción y riendo y has tenido un poco de miedo, vuelves otra vez la calma y te relajas. Nunca sabes lo que te vas a encontrar. Vas a encontrar una montaña rusa de emociones. Hay cabaret, circo, mucha comedia, baile contemporáneo… todas esas emociones son ‘The hole 2’.

Trabajar en ‘Aída’ fue un trampolín profesional impresionante que me catapultó a donde estoy ahora. Que me ofrezcan trabajo, que pueda estar haciendo esta entrevista contigo, que haga películas, que haga teatro… eso profesionalmente. Luego como aprendizaje yo siempre diré que el casting de ‘Aída’ fue espectacular por parte de Luís San Narciso y Globomedia, porque está lleno de maestros. Yo he aprendido muchísimo en ‘Aída’ junto a los más veteranos como Carmen Machi, Mariano Peña, Pepe Viyuela o Marisol Ayuso… y con los jóvenes como Paco León, que es un talento. Fíjate que termina la serie y se marca dos pedazo de películas impresionantes. Es una escuela de aprendizaje y un trampolín profesional. Eso me ha dado ‘Aída’… y sobretodo, una familia. Porque han sido tantos años que yo quiero a mis compañeros como familia y les echo de menos y nos llamamos.

¿Qué tiene de especial tu “maestro de ceremonias” si lo comparamos con los que han existido antes?

El personaje se convierte en parte de ti, evidentemente. Porque son tantos años que sacas muchas cosas de ti. Lo que pasa es que yo he tenido la suerte de poder intercalar obras de teatro y películas con ‘Aida’, y trabajar diferentes personajes a la vez que hacía del Barajas. ¿Pero sabes que pasa? Que en ‘Aída’ intentamos siempre no acomodarnos, que cada capítulo fuese el primero para nosotros. Por eso después de casi 10 años podías ir al plató y nos veías a Paco León y a mi discutiendo sobre una escena para que quedase mejor. Nunca nos acomodamos a pensar que daba igual, porque iba a gustar. Siempre nos retábamos a que fuese mejor y ha sido maravilloso porque el personaje ha ido creciendo. Si ves la serie desde el comienzo, todos los personajes han evolucionado y yo creo que para bien. Convivir con este personaje, en esta serie, ha sido una delicia.

En ‘The hole’ cada maestro es personal. La línea argumental y la línea del personaje debe ser la misma porque el espectáculo es el espectáculo lo haga quien lo haga. Pero es verdad que cada uno tiene sus formas. No sabría decirte qué tiene el mío de especial que no tenga el de Alex O’dogherty o el de Edu Soto. Yo creo que la forma de seducir al público y empatizar es muy personal de cada uno. Tal vez Álex es más compadreo, Edu más cómico y yo soy más decadente. No lo sé. Me costaría decirlo. Sé que somos diferentes los tres, pero me cuesta ver desde fuera y definir la diferencia. Antes hemos hablado del Bara-

¿Y cómo se vive pasar tantos años con un mismo papel?

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“En España el tema del encasillamiento es una cosa de la que se habla muchísimo, pero sobretodo en comedia. En comedia les ponemos un san Benito a los actores.” Como acabas de comentar, has participado en muchas obras y películas mientras trabajabas en ‘Aída’. ¿No estás cansado de que te pregunten siempre si te has encasillado? Es que es normal. En España el tema del encasillamiento es una cosa de la que se habla muchísimo, pero sobretodo en comedia. En drama hay actores y actrices que hacen prácticamente el mismo papel en diferentes series y películas y no pasa nada, en comedia les ponemos un san Benito a los actores. Hay que dar un tiempo a que el público se distancie de la serie y los personajes, en mi caso del Barajas, para que te puedan o te quieran ver en otro papel. Pero hay que obligarles y decirles que los actores españoles tenemos talento suficiente como para poder abarcar más personajes, y confíen en que si hemos hecho uno bien, podemos hacer más trabajos y papeles diferentes. Pero es normal. Cuando hay grupos de música que de repente se separan y el cantante hace otro estilo de música, la gente se enfada porque quieren que haga lo mismo, pero si el cantante es bueno y los discos que sacan son buenos, el público lo acepta y empieza a escuchar su nueva música. Siempre pongo el ejemplo de Bunbury porque me apasiona y le sigo. Él hacía rock con Héroes del silencio y cuando se separó de la banda empezó a hacer un poco de electrónica y luego música tradicional latinoamericana. A mucha gente no le gustó, pero no puedes decir que Bunbury no es un gran artista. O sea, que hay que darle tiempo al público y pedirle que confíe. ¿Crees que tiene que ver que los personajes más mediáticos

que has tenido como ‘Fuga de cerebros’ o ‘Aida’ han sido comedias, y los papeles dramáticos han sido obras de teatro más minoritarias? Claro. Yo entiendo que generalmente quien te contrata busca una seguridad para el producto y nos pone donde sabe que funcionamos. ¿Dónde hay más riesgo? En pequeñas obras de teatro que pueden probar como funcionas ahí. Pero todo llegará. Tiempo al tiempo. La carrera es muy larga y yo estoy muy agradecido de ‘Aída’. Jamás pensaré si me ha encasillado o no, porque trabajar como actor de continuo tantos años es muy difícil y tengo tiempo para demostrar poco a poco que mi abanico de posibilidades es mayor que hacer solamente una comedia. Yo siempre me propongo proyectos. El año pasado quería hacer un casting para un musical. Sólo hacerlo. Y me presenté a las pruebas de ‘Hoy no me puedo levantar’. Al final me cogieron y estuve trabajando en el musical. No digo que si no consigo el proyecto haya fracasado. No. Me lo propongo y lo intento… ya está. Uno de mis proyectos del próximo año es poder montar una pieza de Tennessee Williams. He vuelto a rescatar ese autor que tanto nos machacaban en las escuelas. Yo decía ¡madre mía, qué pesao!, y ahora me apasiona. Estas son vías con las que uno puede romper esta imagen del Barajas. ¿Que Canco Rodríguez el que hacía del Barajas está montando una pieza de Tennessee Williams? Ah, perdona… a lo mejor resulta que los actores españoles saben de teatro, y son personas cultas y pueden dirigir una pieza de Williams. Con ese tipo de cosas es con lo que vamos rompiendo el encasillamiento. Por eso digo que tiempo al tiempo.

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¿Y como espectador qué tipo de cine prefieres? Todo un poco. Salto de los Renoir a los Kinepolis. Me gusta todo. Al ser mi profesión estoy obligado a ver tanto cine de autor como comercial, y a parte me encanta. Lo mismo me veo la última de ‘Dos tontos muy tontos’ o ‘Colega dónde está mi coche’ y me muero de risa con mis amigos, que veo Haneke y me flipa y paso cuatro días diciendo para qué mierda he visto a Haneke que tengo el cuerpo cortao y no se me va ‘Amor’ de la cabeza. Antes has hablado de tu participación en ‘Hoy no me puedo levantar’. ¿Cómo fue la experiencia? Fue maravillosa y agotadora. Un aprendizaje muy bueno sobre materias que yo tenía un poco más apartadas. Hacer un musical es una escuela, porque das clases de canto y baile continuamente. Te pone en forma, te vuelve a dar ritmo y te coloca la voz. De hecho ahora en ‘The Hole 2’ canto también, y lo hago mucho mejor de lo que cantaba en ‘Hoy no me puedo levantar’ por todo lo que aprendí allí y porque luego he seguido mis clases. Además, me dio una experiencia donde vivir funciones de tres horas y media a veces con doblete, en las que tienes que aprender a mantener la energía porque hay que saber darlo todo en cada una de las funciones. Eso me ha venido muy bien para ‘The Hole 2’, porque la función dura tres horas. Y si te digo que no eres gracioso… ¿qué me respondes? Que posiblemente… (Ríe) ¿Sabes que pasa? Yo sé que tengo gracia y vis cómica. Sé que los personajes de comedia me salen bien, pero a veces te exigen que seas gracioso en la vida, en las reuniones, en las cenas. Esto es una cosa que nos pasa a muchos actores que hacemos comedia. Yo siempre digo que no soy gracioso, que lo que tengo es un guión maravilloso y a partir de ese guión interpre-

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“Yo siempre digo que no soy gracioso, que lo que tengo es un guión maravilloso y a partir de ese guión interpreto” to, pero yo no soy gracioso. Esa es la base de ‘Yo no soy gracioso’, explicar en un monólogo porqué no soy gracioso y aprovecho para hablar de sociedad, política, compañeros de profesión, o el paso por ‘Aída’. Es también una excusa, porque si a alguien no le hace gracia siempre puedo decir que había avisado en el título. ¿Cómo afrontas eso de estar sólo en el escenario? Yo siempre he respetado el mundo del monólogo, tanto cómico como dramático, porque supone ponerte una hora y media delante del público. Uno de los objetivos que me propuse con esto era ser capaz de salir a escena, hacer un monólogo y enfrentarme al público yo sólo durante lo que durase el espectáculo. Ahora lo disfruto mucho y estoy tranquilo, pero en las primeras funciones tenía miedo porque el monólogo estaba escrito por mi y salgo yo sólo. Cuando empecé a ver que el público se reía y aguantaba la hora y media, todo cambió. Ahora salgo más relajado y me lo paso muy bien. Este espectáculo está siendo un placer. ¿Tenías experiencia ya como guionista? Trabajé como guionista en la serie ‘Ala Dina’. (Ríe) Fue mi primer trabajo en Madrid. Además en la plaza de Callao, en el Palacio de la prensa. Y flipé, porque recién llegado para mi Madrid era Nueva York. ¡Tenía metro! Y encontré ese trabajo que estaba en la última planta, en el que podía ponerme café como los americanos y sentarme en una mesa a escribir guiones… era una experiencia maravillosa. Era vivir muy bien.


En teatro has actuado en ‘Hoy no me puedo levantar’, has hecho ópera y te ha dirigido Joaquín Oristrell ¿Te resulta más interesante el teatro? ¿Qué te aporta que no encuentres en tele o cine? Ni la tele da lo que da el cine o el teatro, ni al revés. Son tres mundos diferentes. El teatro me da la posibilidad de esa construcción del personaje y trabajar los textos, analizarlos y disfrutar la parte del actor cuando empieza a aprender, que es más compleja conseguir en cine y tele. Yo tengo mi caja de herramientas que he ido almacenando durante la escuela y la vida profesional, y que a veces no puedo usar en cine o tele. En teatro abro esa caja entera y puedo probar y experimentar durante un par de meses que dura el proceso de ensayos. La tele es más rápida y hay menos tiempo. Utilizo también herramientas de mi caja, pero todo va más rápido. Háblanos un poco de tus inicios. ¿Cómo surgió la chispa de la interpretación? De pequeño. Yo me tiraba al suelo y no me hacía daño. Me dije: ostras, yo puedo hacer películas como los vaqueros, que se caen y se pegan contra las mesas y no se hacen daño. Ahí fue cuando pensé que podría ser actor. Luego empecé en Málaga estudiando periodismo y compaginándolo con una escuela que se llama ‘La sala’ donde hacía mucho mimo clown. Allí monté mi compañía de mimo y me matriculé en arte dramático. Tres años después decidí dejar la carrera de periodismo y dar el paso de venir a Madrid para ser actor. Aquí estudié en Cristina Rota y viví una experiencia diferente de teatro, yo había estudiado mucha comedia en Málaga y aquí trabajé el método Stanislavski, que me encantó y me rompió ese click para entender lo que es ser actor. Además, he tenido la oportunidad de trabajar con Cristina Rota y sentí que podía volar como actor. Luego he seguido preparándome. Creo que nunca hay que parar de aprender.

Ya lo has dejado caer antes… ¿Te pica también el gusanillo de la dirección? Me encantaría. Siempre me ha llamado la atención esto de la dirección. Más de teatro que de cortometrajes, porque en teatro me siento más en mi salsa. Tengo muchas ganas de dirigir algún texto contemporáneo o irme a algún clásico de Williams sin mucha pretensión, para ver cómo juegan los actores conmigo y yo con ellos. Poder mostrarla en una sala pequeñita y ver que tal. Me apetece mucho por el placer de vivir la experiencia y si va bien y gusta, probar más cosas. ¿Tienes algún personaje fetiche que te hubiera encantado hacer? Me gustan muchos. No lo sé. Eduardo Manostijeras es un personaje que me encantaría hacer… pero no, porque ya lo ha hecho Johnny Deep y probablemente si lo hubiera hecho yo no tendría el éxito que ha tenido. Admiro personajes por los actores que los han interpretado. Referentes míos son Johnny Deep, porque creo que tiene mucho riesgo en sus personajes, hace personajes muy al límite, muy diferentes. Ya nos hemos acostumbrado a verle, pero en ‘Piratas del Caribe’ su primer Jack Sparrow era espectacular con esa composición de personaje, ese caminar que nos vuelve a todos un poco bisexuales y nos lo queremos comer. También me gustan Steve Buschemi o Robert Downey Jr. Su Iron Man tiene algo que me flipa. Son actores que me transmiten mucho a la hora de hacer sus personajes.

“Tengo muchas ganas de dirigir para ver cómo juegan los actores conmigo y yo con ellos.” 95


Déjanos conocer un poco más de ti. Si rebuscáramos entre tus cosas ¿qué música encontraríamos? ¿Y algún libro? De libros me gusta mucho como escribe Pablo Aranda, que es un novelista malagueño que mezcla diferentes historias que se van intercalando. Ahora acaba de sacar un libro que quiero comprar y devorarlo. La música me encanta. Me compro vinilos y en los ratos libres busco ese placer de sentarme a escuchar música y coger el disco para mirar las fechas en las que se grabó y que músicos han participado o que otras cosas han hecho. Eso si, voy cambiando de estilos. En español me vuelve loco Nacho Vegas… pero puedo pasar sin problema a James Taylor Quartet. Todo me gusta. Y para terminar… ¿Cuál es la

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pregunta que nunca te han he cho en una entrevista y siempre has querido responder? ¡Ostras, no lo sé! Fíjate que tomando una cerveza con un amigo seguramente le diga que nunca me han preguntado algo… y aquí me pillas. (Piensa) Mira, me gustaría que me preguntaras: ¿Crees que el público español debería ser más exigente con los actores y actrices españoles? ¡Pregúntamela! ¿Debería ser el público español más exigente? (Ríe) Si, mucho más exigentes. Creo que son muy permisivos y permiten que haya trabajos mediocres. Deberían aprender a quejarse cuando vean trabajos mediocres para que crezca el nivel artístico en España.


La Piola está situada en el Barrio de las Letras, un área peatonal en el centro de Madrid cuya visita es imprescincible tanto por su encanto como por su historia y su amplia oferta de ocio en la ciudad. El Barrio de las Letras fue lugar de residencia de grandes escritores durante los siglos XVI y XVII, este barrio es una de las zonas comerciales más atractivas de Madrid Cervantes, Lope de Vega, Tirso

bar la piola Te estamos esperando en C/ Leon nº 9 28014 Madrid.

Durante el Siglo de Oro estos célebres literatos y otros muchos compartieron algo más que profesión: alguna vez vivieron en el barrio que se extiende en torno a la calle de Huertas, hoy peatonalizado y convertido en uno de los lugares más concurridos del centro de Madrid. La Piola es un bar sencillo y encantador en una bohemia calle perpendicular a Huertas.


te quiero, yo tampoco - a gay thingPOR ALBERTO RICHART Miguel quiere casarse. Fran sólo quiere irse a vivir con él. Concha no esperaba salir en una serie de Internet. En un mundo en el que no paramos de consumir vídeos sobre pedidas de matrimonio promocionados por marcas, con flashmobs y fuegos artificiales, Miguel Bosch, realizador audiovisual con ciertas dudas sobre el matrimonio, propone una serie sobre la convivencia, el futuro y, en definitiva, la pura cotidianeidad. Como suele decirse a menudo, la realidad supera la ficción. Éste es el caso de una serie web que, poco a poco, ha ido demostrando la verdad de esta premisa, aunque haya que añadir también algo de constancia y esfuerzo en su fórmula. Todo comienza con una promesa. Miguel en persona lo explica: Hace 5 años nos conocimos y decidimos que si seguía la relación nos casaríamos y viviríamos juntos. Han llegado los 5 años y antes de tirarnos a la piscina queremos pensarlo un poco. Para tomar una decisión tengo que hacer algo audiovisual. No puedo pensar sin grabar. Lo siguiente fue convencer tanto a su novio, Fran, como a su madre, de aparecer en una serie en YouTube que sin esperarlo, ha alcanzado las 20.000 visitas en el portal de vídeos y se ha hecho eco en diversos medios digitales y analógicos. Pero más allá de las estadísticas, debemos analizar qué es lo que verdaderamente hace especial esta serie que podríamos catalogar como “docureality” por su condición de documental editado y que recuerda a Alaska y Mario por ser lo más parecido que hemos visto en televisión.

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- Pese a ser una serie de temática gay, su target no es el público homosexual, sino cualquier persona que haya tenido sus indecisiones al llegar a una edad, o simplemente se pregunta sobre sus posibilidades en el futuro. Ésta es una serie sobre distintas formas de vivir la vida, tanto sexual como espiritualmente. Yo tengo mucho miedo porque veo a muchas parejas que están muy aburridas o están todo el día discutiendo porque se ha muerto toda la chispa. Es muy común que pase, tienes que currártelo muy bien. Por eso quiero pensármelo. - Rompe con los cánones generalmente establecidos por la sociedad, otorgando una gran multiplicidad de personalidades al colectivo homosexual, escasamente proyectado de esta manera por otros medios. - La brevedad de sus capítulos desata un sentimiento ambiguo en el espectador. Se agradece poder sacar el tiempo suficiente para verla (en torno a los 6 u 8 minutos), pero algunos capítulos incluyen temas tan interesantes que necesitarían una duración más extensa. - La preparación del montaje compensa el libre albedrío que supone la vida real. Bosch sabe jugar con el espectador creando tramas, elipsis y pequeñas intrigas que consiguen engancharle desde el primer capítulo.


terminar. Nos conformamos con que la serie siga emitiéndose cada 15 días, pues lo importante en esta webserie es que su fin ha pasado a ser una mera excusa para contar otras historias.

- El bajo presupuesto (prácticamente nulo) con el que está realizada indica que es posible hacer contenidos de calidad aprovechando las situaciones que ofrece la vida por sí misma, acompañándola con ingenio y una única promoción por redes sociales. - Sus personajes particulares, tanto principales como secundarios, son personas del día a día, generalmente enfrentados a una situación que les descoloca (como en los buenos guiones). Ni a Fran ni a la madre de Miguel, Concha, les seduce demasiado la idea de aparecer en Internet. Mi madre es liberal pero es una voz discordante. La tenemos ahí para que la gente que lo ve raro pueda sentirse identificado con alguien, y si al final convenzo a mi madre, he convencido a mucha gente. Y mientras el trío protagonista concede memorables y cómicas reflexiones a cámara, con las demás personas se estudian casos de convivencia real, salidas del armario, adopción de hijos, falsos matrimonios, parejas que rompen y parejas que se forman en la distancia. El gran triunfo de Te quiero, yo tampoco es saber reflejar verdaderas historias sin la necesidad de inventarlas. Y aunque hablásemos mil horas sobre la serie, nada puede compararse a la experiencia de verla y convertirse en un nuevo “guilty pleasure”, pese a que ni siquiera su realizador sepa cómo va a


CARTE Ahora o nunca: Eva y Alex son una pareja que, tras años de noviazgo, decide casarse en el lugar en el que se enamoraron: un pequeño pueblecito de la campiña inglesa. Los problemas de la boda comienzan cuando una huelga de controladores aéreos impide que el novio y los invitados se reúnan con la novia y su séquito. Estreno: 19 de Junio de 2015

Asesinos inocentes Cuenta la historia de Francisco Garralda, un joven universitario que, viéndose en una situación personal muy comprometida, recibe una oferta: matar a Espinosa, su profesor de psicología. Lo que convierte el encargo en singular es que el mismo profesor es quien ofrece a su estudiante esta manera de salir del aprieto que le asfixia. Estreno: 3 de Julio de 2015


ELERA Investigación policial Sergio y Dani pasan demasiadas horas metidos en una monótona investigación que parece no ir a ninguna parte. Llenan los tiempos muertos hablando de sus cosas e intentando encontrar un equilibrio con su resentida vida familiar y personal. Hasta que la aventura de sus vidas aparece por sorpresa.

Estreno: 29 de Mayo de 2015

Magic Mike XXL Tres años después de que Mike se haya retirado de la vida de stripper cuando estaba en la cresta de la ola, los restantes Reyes de Tampa están también a punto de tirar la toalla. Pero quieren hacerlo a su manera: tirando la casa por la ventana en una última representación por todo lo alto en Myrtle Beach, con el legendario Magic Mike compartiendo el escenario con ellos. De camino hacia su último espectáculo, con paradas rápidas en Jacksonville y Savannah para saludar a antiguos conocidos y hacer nuevos amigos, Mike y los chicos aprenden algunas cosas nuevas y se deshacen del pasado de maneras muy sorprendentes. Estreno: 10 de Julio de 2015


CARTE Rey Gitano Jose Mari y Primitivo son dos presuntos detectives en paro, fracasados de profesión y dignísimos representantes de las irreconciliables dos Españas. Con la inesperada llegada de Gaje, gitano golfo e incorregible seductor, que les propone una disparatada misión “real”, su suerte cambiará... a peor. En un país en la ruina, con un gobierno bajo sospecha y una monarquía en horas bajas, parecía que nos encontrábamos al borde del precipicio… Y nuestros tres amigos nos darán el empujoncito que necesitábamos. Estreno: 17 de Julio de 2015

Eternal A un poderoso millonario, enfermo de cáncer, le ofrecen la posibilidad de someterse a un procedimiento médico radical para transferir su conciencia al cuerpo de un hombre más joven. Al principio la operación va bien y el hombre disfruta de su renovada juventud, pero todo se complica cuando empieza a descubrir los detalles en torno a la procedencia de su nuevo cuerpo. Estreno: 17 de Julio de 2015


ELERA Todo saldrá bien La vida del escritor Tomas Eldan (James Franco) cambia el día que, tras una acalorada discusión con su novia, atropella a un niño. Doce años después, Tomas sigue culpándose sin poder olvidar la tragedia. Aquel fatídico accidente afectó a Kate, la madre del niño, y todos los que rodean a Tomas, incluida su novia. Estreno: 24 de Julio de 2015

Una historia real Historia basada en un suceso real sobre un periodista del The New York Times, Michael Finkel, y un asesino, Christian Longo, que durante años vivió fuera de los EE.UU. usando el nombre de Finkel. Estreno: 17 de Julio de 2015


La primera vez que vi a Beatriz Arjona en la pantalla, recuerdo que no podía dejar de mirarla. Me fascinó todo lo que contaba con su mirada, aunque no estuviera diciendo ni una sola palabra. Esa es su mayor arma: unos ojos que atrapan. Desde ese momento soñé con poder tenerla delante de mi cámara algún día. El destino quiso que pudiera dirigirla el año pasado en ‘El efecto Barrymore’, pero conseguí algo mucho mejor… que se convirtiera en parte indispensable de mi vida. Lo primero de todo, enhorabuena por el premio a Mejor Actriz en el NotodoFilmFest. ¿Cómo fue la experiencia? ¿Lo esperabas?

cuentro y un espacio en el que pueden conocerse actores, directores, guionistas, productores… me parece muy buen lugar para ponernos cara unos a otros y a partir de ahí realizar nuevos proyectos.

¡Gracias! No esperaba ganar el premio y fue una sorpresa muy bonita. Ya estaba muy contenta por la nominación, aunque suene a tópico… porque ya es un premio que se fijen en tu trabajo y, sobretodo, el jurado de este año que es gente que sigo, que me encanta el trabajo que hacen y son directores con los que ojalá pudiera trabajar algún día como Fernando Franco, Jonás Trueba, Montxo Armendáritz. No me esperaba la nominación y mucho menos el premio. Cuando escuché mi nombre ni me levanté del asiento, porque estaba preparada para escuchar otro nombre de alguna de las compañeras nominadas que son todas maravillosas. Yo creo que en estas cosas estás más preparada por si no cae, que por si cae. No tenía ni discurso preparado. Pero fue un momento muy bonito, en un sitio muy especial como la Cineteca de Matadero Madrid, al que le tengo mucho cariño porque voy mucho y es uno de mis lugares favoritos de Madrid.

¿Qué crees que puede aportarte a nivel profesional haber ganado este premio?

¿Qué supone para ti este festival?

No lo sé… (piensa) Bueno, si. (ríe) Ahora que ya ha pasado: si. Dicen que hay tipos de dolores que se tienen que olvidar para poder volverlo a hacer. A día de hoy puedo decir que me he olvidado del miedo a meter los pies en agua helada, sobretodo si traen cosas tan bonitas como esta. Y sí, por Guillermo Guerrero y Nico Romero los volvería a meter.

El Notodo para mi es un festival en el que llevo muchos años participando como actriz. Me encanta la iniciativa que han lanzado desde hace unos años con el Notodo Weekend, porque supone un punto de en-

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Ahora mismo todo lo que me está aportando es emocional. El premio ha venido como agua de mayo, porque como esta profesión es como es, el hecho de que te den un reconocimiento ayuda a seguir para delante, luchar por tus sueños y hacer lo que te gusta hacer. Por otro lado es un festival que, al ser online, da mucha visibilidad. Supone un escaparate muy bonito y muy bueno para darte a conocer un poco más, aunque lleves muchos años trabajando en esto. Espero que de aquí, por lo menos, salgan nuevos cortometrajes en los que trabajar con la misma ilusión. ¿Volverías a meter los pies en agua helada si trae cosas tan buenas como esta?


Este año, además, has ganado un premio a Mejor Actriz en la India con otro cortometraje ‘El efecto Barrymore’. ¿Qué se siente al ser premiada en un país tan alejado del nuestro y con una cultura tan diferente? Fue una sorpresa absoluta, justo un día antes de la nominación del Notodo… pero bueno esto lo sabes tú bien, que parte de culpa de que este premio haya llegado es tuya (ríe) Gracias. Bueno, y enhorabuena por el tuyo a mejor guión. Este premio fue una sorpresa porque muchas veces nos centramos en trabajar o proyectar nuestro futuro en el país en el que estamos viviendo, y a veces se nos olvidan que las películas, sean largos o cortos, tienen un viaje exterior por todo el mundo. Tu sabes que viajan, pero no llegas a ser consciente de que esto pasa y de que, a miles de kilómetros de donde estás, hay gente viéndote en la pantalla. Si encima eso hace que tengas un reconocimiento como mejor actriz, en este caso en India que es un país que me encantaría conocer, pues te sorprende y te da mucha alegría. Yo quiero seguir trabajando para poder seguir llegando a sitios a los que nunca pensé que podría llegar. Eres habitual del mundo de los cortometrajes. ¿Qué te ofrece como actriz este formato? Me ofrece la libertad de poder trabajar personajes muy diferentes y probar, jugar, equivocarme, explorar y divertirme con perfiles que normalmente en otros ámbitos o una gran producción no te darían. Los cortometrajes me han dado la posibilidad de hacer desde la novia yonki de un chico que quiere ser Brad Pitt, a la mejor amiga de un chico al que nunca han besado, a de repente ser una psicópata que quiere tirar a su novio a la piscina. ¡Larga vida al cortometraje! Háblanos un poco de tus inicios. ¿Cómo saltó la chispa de la interpretación?

La chispa de la interpretación se la debo a mi familia. Por un lado a mi madre que hizo que mi infancia y la de mi hermano se desarrollara dentro del mundo de las artes. Desde pequeñita iba a bailar flamenco y mi hermano a teatro. Me acuerdo que yo estaba en esas clases de sevillanas, con la mano arriba y diciendo cojo la manzana, la como y la tiro… y pensé que me gustaba eso, pero que me estaba aburriendo. Y veía a mi hermano al otro lado del aula divirtiéndose tanto con el teatro, que le dije a mi madre que quería estar ahí. Si no hubiera tomado esa decisión igual ahora en vez de actriz sería bailaora de flamenco. En cambio tu hermano si que es bailarín profesional… Esa es la gracia, que hicimos un cambio de roles. Él es bailarín de danza contemporánea y lleva una carrera bastante interesante porque es un pedazo de bailarín, aunque ahora tenga que trabajar fuera de España porque aquí es un poco más difícil. También tuvo mucha culpa en que yo quisiera ser actriz mi tío Jose. Desde pequeñita en casa de mi abuela me iba corriendo a su habitación a que me pusiera música, me disfrazara y me montara teatros. Él en esa época estaba estudiando arte dramático. Ha sido una persona clave en mi profesión en el momento en que, al terminar el instituto, me propuse formarme como actriz y estudiar arte dramático. Su figura forma parte de mi carrera, es mi apoyo y mi empuje aunque no esté ya aquí con nosotros.

“El hecho de que te den un reconocimiento ayuda a seguir para delante, luchar por tus sueños y hacer lo que te gusta hacer” 109


Como actriz… ¿qué crees que hace especial a Beatriz Arjona? Uff… esto es difícil, ¿eh? WOW! (piensa) Creo que por encima de todo, lo que intento conseguir con mis interpretaciones es la naturalidad. Que no es algo que me haga diferente a los demás, porque muchos actores la tienen… pero intento comprometerme y dar lo máximo cuando entro en la vida de un personaje. Hacer que sea creíble y llegue al público. Ningún personaje es pequeño ni plano, somos los actores los que debemos encontrar su magia. Yo creo que lo que puedo aportar como actriz es la verdad, la naturalidad y el transmitir… el mirar. El año pasado estuviste en México rodando ‘Me quedo contigo’, una película que está revolucionando los festivales por los que pasa. ¿Qué nos puedes contar de ella y cómo fue la experiencia de rodar allí? Es una película que está teniendo un recorrido muy interesante por festivales y se está llevando bastantes premios. Es una película atípica en México, la primera película de Artemio Narro, un director que viene del mundo del arte y quiso concebir esta película como un estudio sobre los orígenes y la irracionalidad de la violencia. Quería hablar de la violencia pero sin dar una lección. También habla de los roles de género y las estructuras de poder. Está muy centrada en el tema de los crímenes de Juárez y la violencia a las mujeres, pero sin ser una película feminista. Aquí los roles cambian y son las mujeres quienes generan la violencia, busca un “ojo por ojo”… y si te cuento más destripo toda la película. Yo entré en el proyecto porque estaban buscando una actriz española, vieron mi material audiovisual y contactaron conmigo. La experiencia fue brutal en todos los sentidos. Para empezar por conocer un país como México. Estuvimos grabando en localizaciones reales, con figuración a veces real. Resultó un

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trabajo muy interesante porque fue muy atípico. Por ejemplo, los planos son generales y era un juego muy teatral. Sería muy bueno que esta película pudiera llegar a España para mostrar un tipo de cine de guerrilla muy interesante que se está haciendo allí. No es tu primera incursión en la gran pantalla con una película de guerrilla. En 2013 fuiste una de las actrices de ‘Casting’, una pequeña película que triunfó en el Festival de Málaga y por la que ganaste ex aequo con todas tus compañeras la Biznaga de Plata a Mejor Actriz de Reparto. ¿Qué supuso esa película y el reconocimiento a nivel profesional? Fue muy curioso como entré en esa película. Yo conocía a Jorge Naranjo por amigos que teníamos en común, me crucé con él un día por la calle y me dijo que tenía que contarme algo. Al día siguiente por Facebook vi un póster que ponía ‘Casting’ y donde aparecía mi nombre. Le llamé y le dije… Jorge, ¿esto era lo que tenías que contarme? Me contó el proyecto y me pareció muy interesante, porque a parte de tener escrito el guión, lo que hizo fue entrevistarse con los actores que iban a hacer esa película y se interesó por las cosas que nos ocurrían a cada uno y las experiencias que habíamos tenido en la profesión. En la película hay mucho de todos, a lo mejor no en los personajes que interpretamos, pero sí en los otros. Yo cuando vi la película reconocí muchas cosas mías en frases de otros personajes. Es una película muy coral, muy bonita, que Jorge hizo con todo el cariño y con un equipo muy unido… pero nunca pensamos que iba a llegar donde llegó. Para nosotros fue una sorpresa estar en la Sección Oficial del Festival de Málaga. A mi me pilló en México terminando de rodar la película, y me vine corriendo porque no quería perderme esa experiencia. Fue muy bonito por lo que supone estrenar en el Festival de Málaga, pero también por poder compartirlo con


mis compañeros, que todos somos gente que llevamos muchísimo tiempo luchando por la profesión, trabajando, y vernos de repente desfilando por una alfombra roja es alucinante. Yo me quedo con el recuerdo de cuando subimos a recoger el premio y la emoción de ver a todo el teatro Cervantes de pie, aplaudiendo. Es algo que recordaré siempre. Vamos a cambiar de tema… ¿a quién te llevarías a una isla desierta? Es muy gracioso que llevemos casi 9 meses con la obra y aún no sea capaz de responderla. Un día me llevaría a todo el mundo, pero otros día me iría sola. Si pudiera elegir sólo un deseo, me iría sola pero sabiendo

“Nos centramos en trabajar en el país en el que estamos viviendo, y a veces se nos olvidan que las películas tienen un viaje exterior por todo el mundo” que esa isla está rodeada de pequeñas islitas con todo el mundo que quiero para poder visitarles. ¿Háblanos un poco de Marta, tu personaje en ‘¿A quién te llevarías a una isla desierta?’ con la que estás desde abril en el Teatro Lara? Marta es un personaje muy reconocible por el público, pero que normalmente no se representa en una obra y Jota Linares la ha querido representar. Es una obra sobre el último día de tres amigos en la casa que han compartido durante años, y mi personaje es la novia de uno de ellos. Marta ha vivido muchas cosas con ellos y está allí celebrando, pero en realidad es exterior, ajena a ellos. Lo

que me parece súper bonito de este personaje es que representa alguien que todos los que hemos compartido piso hemos conocido: la novia, el primo, el amigo que aunque no vivan en casa, han convivido. Es curioso porque Marta es un personaje que está vivo cada vez que salgo al escenario, no consigo mecanizarlo, y además tiene uno de los monólogos más bonitos que me han llegado en mi carrera. La obra se estrenó en 2012 con el anterior elenco, y para mi es un regalo que me llamara Jota y me dijera que quería que interpretara a Marta… porque ha creado algo muy bonito y, sobretodo, por poder trabajar con gente como Maggie Civantos, Abel Zamora, Juan Blanco, y ahora Bea de la Cruz. Son maravillosos, generosos, con un talento brutal y muchas ganas de jugar en el escenario. Son como una familia que se me queda guardada en el corazón para siempre. ¿Esperábais el éxito de la obra? Porque no dejáis de llenar cada fin de semana después de casi 9 meses en cartel, primero en Nave 73 y ahora en el Teatro Lara. Yo no me lo esperaba, porque todos sabemos lo difícil que es el off y arrastrar a gente a ver las obras. Pero Jota sí venía de haber tenido bastante éxito con el anterior elenco en Garaje Lumière, hace unos años. Sorprendentemente la obra sigue llenando y la gente sale emocionada. Se dice que es una obra generacional, pero le llega a todo tipo de gente porque habla de sueños, frustraciones, objetivos cumplidos o no, amistad, amor... habla de la vida, en definitiva. Cuando entramos en esa casa el público entra con nosotros, y en cada momento escuchamos como respiran, como lloran, como ríen, como se emocionan. Es una experiencia buenísima y, además, en el Lara que es un espacio en el que siempre había querido trabajar. Estoy gozándolo al máximo.

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Este año también has participado en ‘Ejercicios de violencia para abejas’, una obra de Abel Zamora, uno de los autores y directores que más está sonando en el off madrileño. ¿Cómo fue la experiencia de hacer un personaje tan distinto a los que habías hecho hasta el momento? Tenía muchas ganas de trabajar con Abel, porque le conocía como compañero, como actor… pero quería saber cómo era trabajar con él como director. La idea de ‘Ejercicio de violencia para abejas’ surge por las ganas que tenía de reunirme con Andrés Acevedo. Nos formamos juntos, pero luego él estuvo estudiando en París. Al volver a Madrid quisimos hacer algo juntos, pero algo que fuera especial y no hubiéramos hecho. Algo para atrevernos, lanzarnos, arriesgarnos. Estuvimos barajando personas con las que queríamos trabajar y surgió el nombre de Abel Zamora, que desde el primer momento se involucró y nos ofreció tanto la dirección como su texto. Para mi ha supuesto un viaje de madurez personal y profesional, porque me ha puesto límites a los que pensaba que no podía llegar… y al final llegas. Astrid, mi personaje en la obra, tiene un arco dramático tan grande y pasa por tantas emociones que al principio me asustaba, pero se convirtió en un reto que yo pensaba que era capaz de poder hacerlo como actriz. El proceso fue duro pero muy gratificante gracias a Abel y su dirección, con esa locura de cabeza que tiene y esa creatividad y amor por el teatro. Yo con Abel Zamora repetiría y repetiría. ¿Estás más cómoda en los escenarios que delante de las cámaras? Siempre he dicho que era más de teatro que de cine, pero hoy en día estoy al 50% en cada una. Amo el teatro por encima de todas las cosas, pero me encanta el cine. Tienen magias diferentes y ojalá pueda estar viviendo

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de ello y seguir trabajando en ambos formatos. Cuando llegué Madrid toda mi experiencia era teatral y me dediqué a formarme en el audiovisual, porque soy muy expresiva y en la pantalla eso hay que controlarlo. No pude tener mejor profesora que Macarena Pombo. Ahora ya no está entre nosotros, pero me quedo con la frase que me dijo cuando nos conocimos: “en que mal momento has llegado, pero has llegado… y el que la sigue la consigue, así que lucha”. ¿En qué te basas para aceptar o rechazar un personaje? Por encima de todo valoro el compromiso del director y lo que quiere contar con ese personaje, porque cuando acepto un trabajo me lanzo a la piscina y lo doy todo sea un personaje grande o el corto más pequeño.

“Lo que intento conseguir con mis interpretaciones es la naturalidad.” Si te pregunto cómo es vivir en 60 m2… ¿qué me respondes? Que hace mucho calor (ríe) Esos metros cuadrados han marcado un antes y un después en mi carrera. Supuso conocer gente con la que sigo trabajando a día de hoy y que son parte de mi familia y amigos. Por otra parte, supuso mi primera aventura audiovisual con un equipo brutal, un director como Borja de la Vega y unos compañeros como Álvaro Doñate y Vicente Navarro. Conseguimos crear una familia y nos marcó. No fuimos conscientes de lo que supuso vivir en 60m2 hasta que vimos el resultado. Se convirtió en una webserie pionera, en el sentido de trasladar la calidad de las series de televisión a Internet.


¿Cuál fue tu momento favorito de la grabación de aquella webserie que tantos seguidores consiguió? Hay mogollón, pero hay uno que me encanta. Es el final de la segunda temporada, el último plano de la serie. Había que llorar mucho y, aunque tengo la lágrima fácil, ese día el universo no quiso ayudarme. Me quedo con ese momento de mirar a Borja que me dijo, como hablando con el personaje: “Esta aventura se acaba. Piensa en todos los momentos que has vivido con ellos en esa casa”. Y automáticamente, mirándole a los ojos, empecé a llorar y salió todo lo que tenía que salir. Me quedo también con muchos momentos con Álvaro y Vicente… y con ese momentazo en el que nadie del equipo salvo el director sabía que me iba a poner a cantar ‘María de la O’ en un plano. Déjanos conocer un poco más de ti. Si rebuscáramos entre tus cosas ¿qué música encontraríamos, qué libros, qué películas? Si la gente viera mis listas de Spotify alucinaría. Tengo un arco bastante amplio y creo que es una de las cosas sin las que no podría vivir. Para mi la música es una terapia diaria, tanto en la vida personal como en la profesional. A veces construyo los personajes a través de la música e imagino qué escucharían ellos. Escucho desde Silvia Pérez Cruz a Micah P. Hinson, pasando por Janis Joplin. Pero si tuviera que elegir un cantante sería Silvio Rodríguez cantando ‘Te doy una canción’. El libro que tengo ahora mismo en mi mesilla se titula ‘La cultura’ de Dietrich Schwanitz, me lo regaló un amigo y aún no he empezado a leerlo. Y la última película que me ha fascinado ha sido ‘La sal de la tierra’ de Win Wenders. Todo el mundo debería ver ese viaje que hace Sebastião Salgado a través de sus fotografías, para hablar en definitiva de la vida, el mundo y la gente que habita en él.

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“Marta es un personaje que está vivo cada vez que salgo al escenario, no consigo mecanizarlo, y además tiene uno de los monólogos más bonitos que me han llegado en mi carrera.” ¿Tienes algún personaje que te hubiera encantado interpretar? En teatro estoy deseando hacer una Lady Macbeth y una señorita Julia, me alucinan esos personajes femeninos. Y en cine voy a soltar una que vas a decir… ¡¿QUÉ?! Pero es Mary Poppins. Siempre me ha gustado. Me parece una mujer liberal e independiente de la época. Me fascina. Y para terminar… ¿Cuál es la pregunta que nunca te han hecho en una entrevista y siempre has querido responder? Pues la frase que le dice mi personaje al de Nico Romero en ‘Los pies fríos’: “¿Aprendiste ya a nadar?”.


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mad max

Furia en la carretera POR ALBERTO RODRÍGUEZ www.albertoraw.tumblr.com

Hace ya 30 años del final de la Trilogía de George Miller, 30 años en los que la mayoría de aficionados al cine de acción se han sumido en un profundo socabón de indiferencia hacia este género. En ocasiones, satisfecho gracias a títulos «made in Asia». Pero esto ya se acabó ya que «Mad Max: Furia en la carretera» es para muchos una de las mejores películas de acción de lo que llevamos de siglo.

Parece ser que George Miller tenía una espinita clavada después de la decepcionante «Mad Max: Más allá de la Cúpula del Trueno» y gracias a Dios que así fue porque la nueva Mad Max es completamente alucinante. Sin lugar a dudas la expectación por la nueva película ha llegado a todos los extremos. Obviamente no es para menos. Pero, ¿cómo nos va a sorprender Miller ahora cuando ya lo vimos todo en su famosa trilogía? Pues bien, la duda ofende... Cuando cuentas con un director de la talla de Miller, un presupuesto elevado, un elenco que a primeras ya atrae, nuevas técnicas visuales y libertad absoluta para el director, pues ocurre lo que ha sucedido. «Mad Max Furia en la carretera» es la mejor película de acción de este año y para muchos críticos, fans de la trilo-

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gía o cinéfilos es ya un nuevo tótem de la cultura cinematográfica. En esta ocasión, Max, interpretado por un sobresaliente Tom Hardy, es capturado por una tribu que tiene como líder al caudillo Inmortal, Joe. Lo que acontece me imagino que ya os lo oleréis. Y sí, tenéis razón. A continuación, mucha pelea, muchos individuos con indumentaria pos-apocalíptica conduciendo transportes imposibles, todo con un diseño increíble y con unos planos que pelean entre lo bonito/estético y lo bestia/agresivo. Hasta bien entrado el minuto treinta de metraje Miller no desvela el auténtico desenlace, cosa que hace que todavía hoy no tengamos uñas de tanto mordérnoslas esperando saberlo todo. Un dato positivo o negativo, según cómo te lo tomes, es


que Miller ha sacrificado parte del desarrollo narrativo sustituyéndolo por un sin fin de escenas de acción que te dejan sin aliento. La estética sigue el mismo hilo de siempre, con mejores efectos, pero con el mismo estilo de la trilogía del 1985. La fotografía no puede ser más impecable, los planos, auténticas obras de arte. El color y el etalonaje son alucinantes. Y gracias de nuevo a Dios, Miller nos muestra toda la acción sin recurrir a los «slow motion» que tan de moda están hoy en día. Además, la inclusión de peleas cuerpo a cuerpo es un gran acierto. Pero como no todo es bueno, hay que decir que bajo el ojo de la redacción, que el 60% de la película sean escenas de persecución hace que mínimo has de ver la película tres veces para realmente enterarse bien de cada detalle. No os preocupéis que en VIM Magazine ya lo hemos hecho por vosotros. También echamos de menos aquellos figurantes tan logrados de la versión antigua. La cinta es totalmente independiente de la trilogía original, aunque se pueden apreciar algunos guiños a la trilogía. De lo que sí nos damos cuenta enseguida, sin apenas esfuerzo, es en el empeño del director por dar un mayor protagonismo a la revolución femenina. Rápidamente esas mujeres guerreras inundan la pantalla guiadas por una fantástica Charlize Theron que consigue que esta nueva edición de Mad Max sea la película más feminista de los últimos años. Para ello Miller cambia el curso normal de la historia presentándonos a una legión de mujeres que intentarán luchar contra la opresión del hombre. Mad Max siempre será una de las películas que más fans acumula a lo largo de su historia. De hecho es una película clave para el desarrollo de muchas otras. Además es de esos films que no solo han marcado la historia del cine, otras muchas artes se han fijado en Mad Max para sus proyectos, desde diseñadores de moda, estilista, maquilladores, iluminadores, guionistas... Así mismo, hablar de Mad Max y no dejarte nada en el tintero es imposible. Es por ello que vamos a analizar «Mad Max Furia en la carretera» para cinco perfiles diferentes. Así que querido lector, encuentra el análisis que más encaje contigo.

Mad Max: Furia en la carretera para un MODERNO La historia de Mad Max siempre ha interesado a los modernos y es por todos sabido que si existe el hashtag #madmaxfuryroad2015 es porque además está de moda, así que no hay excusa, hay que verla. Además, la película cuenta con un elenco de alucinar, entre los que destacan el londinense Tom Hardy, un malote de manual, que últimamente no para de trabajar, del que dicen las malas lenguas que sufre un complejo de Edipo infinito. Sólo tienes que cotillear sus redes sociales para cerciorarte, fotos sacando bíceps, ahora enseño el six pack, ahora pongo cara de Swagger... En el papel principal femenino nos encontramos a una Charlize Theron al más puro estilo de «La Teniente O´neil» que encarna a Imperator Furiosa. Un personaje muy bien elegido que además de ser clave en la película pronto será imitado por las féminas. Ciento veinte minutos de pura acción feroz y desatada en la que parece mezclarse Star Wars con Fast & Furious. La película te introduce en un caos que no te dejará moverte del asiento y es curioso que esto lo consigan antes incluso de que empieces a ver la película. Quizás esto sea debido a las grandes expectativas que genera en cualquier tipo de público o por el contrario por la brillante campaña de Marketing y Distribución con la que han contado ya que han sido numerosas las estrategias de publicidad. En España llegaron hasta el punto de soltar a un montón de personajes de la saga por las calles de las principales capitales para promocionar la película. Se pronostica que Mad Max sea una de las películas más taquilleras de este año y pese a esa infinidad de acción con la que cuenta no se utilizaron demasiados efectos especiales en postproducción (CGI) a excepción de algunos fondos y en el brazo izquierdo de Charlize Theron. Algo normal ya que han tenido un presupuesto ciento cincuenta veces superior a su primera versión.

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Lo único malo si eres un moderno empedernido es que no aparece Mel Gibson. Bueno, eso y que tendrás que recordar la palabra reboot cuando hables de la película en tus tertulias. Además, que demonios, que aparezca el músico australiano iOTA con una guitarra envuelta en llamas mola y mucho.

Mad Max: Furia en la carretera para un CINeFILO Si eres un cinéfilo posiblemente ya hayas visto la película pues es obligado apuntar su estreno en la agenda. Pero si eres de esos rezagados que aún no la han visto te damos unas cuantas curiosidades que te sirvan como último empujón para arrojarte a la taquilla. En primer lugar explicar que Miller no quiso hacer un Remake y es por eso que renovó el mundo pos-apocalíptico que había creado aportando nuevas historias y partiendo desde la muerte de la familia de Max, dando lugar a un Reboot digno de ver en el que Miller ha trabajado más de diez años. Entre los problemas más sonados con el rodaje destacan el importante conflicto que les impedía rodar en Namibia y la reciente muerte de Heath Ledger en el 2008, actor que en un principio iba a interpretar a Max. Dicen incluso que Miller se planteó realizarla mediante animación 3D debido a todos los problemas que le impedían el rodaje. Una de las curiosidades que más llama la atención es que la película se rodó en orden cronológico pese a la dificultad que ello conlleva, algo rarísimo hoy en día en los rodajes debido a ser poco práctico. Otro aspecto por el que debes ver la película es para contemplar la brillante fotografía de John Seale, “El club de los poetas muertos” (1989), “Cold Mountain” (2003) o “El paciente inglés” (1996) que le valió un Óscar a la mejor fotografía, que nos muestra la acción con movimientos de cámara imposibles, planos cenitales de las batallas, planos generales largos que no te permitirán pestañear y una iluminación sumamente cuidada. John Seale utiliza una cadencia de planos en sentido positivo que particularmente nos encanta centrando la acción en el centro de la imagen, tarea difícil sin lugar a dudas. También hace uso de la «noche americana»


El look general y el etalonaje de la película disciernen bastante del concepto moderno de uso del color en cine de acción, virando hacia colores cálidos propios del desierto y alegóricos al fin del mundo. Los colores tienden a estar saturados, cosa que la verdad se echaba de menos en los últimos títulos de este género. La película difiere tanto a nivel narrativo como técnico con muchas de las costumbres del cine para el público general. El toque innovador y loco no se ha perdido en esta nueva versión, y ello es debido a que Miller ha colaborado en esta ocasión con Brendan McCarthy, el famoso creador de cómics, que ha aportado grandes ideas para el diseño general, la creación de algunos de los personajes y los loquísimos vehículos. Mad Max: Furia en la carretera es un claro ejemplo de la importancia de un buen storyboard ya que se dice que los tres mil quinientos fotogramas que lo comprendían han sido literalmente filmados. En conclusión es una película que estará en boca de todos este verano, un punto y aparte en la historia del cine de acción que sabemos muy pronto será una de las entradas destacadas de tu blog de cine.

Mad Max: Furia en la carretera para un FAN Fans de la historia de Max, sabemos que la película en general no ha gustado en vuestro mundillo, pero reconoced que no es tan mala. Vale, no tiene

una línea argumental consolidada, pero ¿alguna vez la tuvo? Vale, es la primera vez que no aparece Mel Gibson, pero vamos a darle una oportunidad a Tom Hardy, por lo menos aparecen un montón de chicas curiosamente desvestidas. Ahora enserio, pese a algunos fallos en la trama, Mad Max: Furia en la carretera es un reboot bastante bueno. Además es de agradecer el sin fin de detalles que hacen referencia a la versión antigua. Esta es la segunda película de Mad Max en la que actúa Hugh Keays-Byrne, él ya había interpretado al villano Toecutter en Mad Max (1979). Originalmente se rumoreó que Mel Gibson tendría un cameo en la película interpretando a un vagabundo, cosa que al final no ocurrió. Otro detalle interesante es que el War Rig y los vehículos cuentan con el volante en el lado izquierdo, algo nuevo en la saga. Por último, para los fans más fieles a la trilogía, esperamos estén atentos a las referencias a la versión antigua, como por ejemplo la referencia al capitán Gyro en la escena que Max se encuentra atado frente a uno de los vehículos de Immortan Joe a través de la calavera que porta el piloto. Otra referencia acontece durante uno de los flashbacks que Max tiene a mitad de la película, podemos ver una toma rápida de los ojos de Toecutter en Mad Max (1979). No obstante no hay que dar muchas explicaciones, si eres un verdadero friky irás a verla aunque sea sólo para poder hablar mal de ella.

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Mad Max: Furia en la carretera para un ESTILISTA Seamos claros, si te interesa la moda, las tendencias o simplemente te atrae el estilo post-apocalíptico, para que vamos a escribir paja completamente innecesaria para vosotros. Iremos al grano, Mad Max: Furia en la carretera es el título del año. Tanto la estética moody, los looks casual/homeless, los maquillajes e incluso los tatuajes serán un hit este año y podremos verlos en numerosas campañas y editoriales de moda. La película logra gran parte de su encanto general por sus vestuarios. Los looks imposibles que aparecen en pantalla pronto son imitados en las publicaciones y por consiguiente en las calles. En Mad Max: Furia en la carretera se hace una notable distinción entre el vestuario de los guerreros, los malos, los buenos, las mujeres, en fin, cada parte de la sociedad se demarcaba del resto resaltando gracias a un extraordinario vestuario que hace de la película un film único. Se comenta que el outfit de Tom Hardy se ha convertido en un objeto de colección súper codiciado. También hay que destacar el maquillaje utilizado ya que muchas de las editoriales de este verano llegarán con el look que lleva Charlize Theron que consiste en un degradado en negro desde los ojos al comienzo del pelo. La estética general es excesiva y recargada en cada fotograma, esto ha sido posible gracias a la diseñadora de vestuario Jenny Beavan. Immortan Joe, quien dirige la ciudadela y lidera a los War Boys (el malo), porta una truculenta armadura a prueba de balas y una feroz máscara de dientes de caballo (que Chic y combinable todo). Lo que seguro será un Hit son las condecoraciones que porta en el pecho que sin duda dan un toque muy militar. Los War Boys llevan tatuajes y cicatrices ideológicas en la piel y se esfuerzan por parecer pálidos. En conclusión, Jenny Beavan, parece buscar un look que mezcle aspectos militares con detalles que cualquier pandillero exaltaría.

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Mad Max: Furia en la carretera para un CREATIVO Si lo que buscas es inspiración, Mad Max: Furia en la carretera es la película perfecta. Cualquier disciplina artística que ejerzas se verá saciada con este pedazo de film, al menos por un rato. Porque seguro que después de verla tu necesidad creativa estallará como hacen algunos de los personajes de la película. Nunca el apocalipsis pudo ser tan buen ecosistema para la gestación de alguna idea brillante. Déjate llevar por los sentidos y disfruta de un espectáculo visual que llamará tu atención en al menos algún aspecto, sino en todos. La fotografía, el color, la trama, la interpretación, el montaje, el estilo y por supuesto, la banda sonora, hacen que sea una de esas películas a las que recurramos para nuestras referencias visuales. Desde el punto de vista más innovador hay que destacar el cambio en la elección de la colorimetría, el poco uso de efectos especiales por ordenador y la resaltada saturación de la imagen. ¿Aún necesitáis más datos? ¿Todavía estáis pensando si verla o no? Pues el tres de abril del 2015, Tom Hardy anunció que firmó contrato con la productora para realizar tres películas más de Mad Max y la siguiente película se llamará Mad Max: The Wasteland, es decir, algo así como Mad Max: El Páramo. Así lo anunció en una entrevista concedida a The Q & A with Jeff Goldsmith el propio Miller en la que también revelo que la nueva Mad Max ya cuenta con guión e incluso una novela corta con textos que Miller escribió aprovechando los retrasos en la producción de Mad Max: Fury Road. Pero como todavía queda mucho para esto, sólo nos queda despedirnos hasta la siguiente edición, pero eso sí, antes os recomendamos la película nuevamente y esperamos la disfrutéis.

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Trilogía de la obsesión POR ALBA VERDÉS El artículo de este mes trata sobre las grandes similitudes que existen entre estas tres películas: Cisne Negro (2010), una bailarina obsesionada con la perfección que acaba perdiendo la locura; Birdman (2014), un actor fracasado que se juega su prestigio profesional en una representación teatral y Whiplash (2014), un baterista de jazz que quiere demostrar a su tutor que es el mejor. De hecho, la sinopsis de estos tres films podría ser la misma: artista torturado obsesionado por la perfección, que se juega su carrera en una obra artística altamente exigente. Tres películas con distintos directores, actores y ámbito artístico (baile, cine y música) pero con un mismo argumento de base: la obsesión por ser el mejor en algo, la cual los lleva hasta límites insospechados. Probablemente una temática que ha sido muchas veces llevada a la gran pantalla, incluso puede que conozcáis más pe-

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lículas que os recuerdan a estas tres. Sin embargo, no es solo el argumento lo que comparten estos films, sino que también constan de semejanzas visuales, de estilo, de puesta en escena y de guión. Por ejemplo, comparten escenarios similares (teatros y salas de ensayo en su mayoría), e incluso se desarrollan en la misma ciudad, Nueva York. Por otro lado, las tres destacan por tener un ritmo trepidante respaldado por una banda sonora frenética que mejora las escenas de tensión. Y no solo eso, sino que incluso coinciden en la excesiva recreación del dolor físico, sobre todo en Whiplash y Cisne negro, donde son numerosos los planos desgarradores que ponen los pelos de punta y en los que cuesta mantener la mirada hacia la pantalla. Al mismo tiempo, constan todas de un perso-


naje malo que pone obstáculos en la carrera del protagonista: el director de orquesta en Whiplash, el director de la obra en Cisne Negro y la crítica de teatro en Birdman. Todos los personajes se mueven en un entorno de envidia, odio y maldad hacia ellos. Por ello, no falta tampoco en las tres, la representación de un personaje rival que puede arrebatarles su puesto: Lily (Kunis) en Cisne Negro, Mike (Edward Norton) en Birdman y el batería principal en Whiplash. Además, todos comparten el deseo de ser reconocidos por sus seres queridos, que hasta ahora no habían tenido mucha fe en ellos. Es el caso de la madre de Nina en el Cisne Negro, la hija de Riggan Thomson en Birdman y el padre de Andrew en Whiplash. Pero para todavía más inri, en Birdman y en Cisne Negro, ambos protagonistas son perseguidos por un “pájaro” que representa su “doble personalidad”. Cabe destacar que solo Whiplash no consta de un protagonista con doble personalidad altamente atormentado por los demonios de su cabeza. En ese sentido, Birdman y Cisne negro se parecen más, siendo ambas un thriller psicológico, dónde Whiplash queda más alejada. Por último, las tres historias tienen la misma moraleja: la autoexigencia por ser el mejor puede suponer la autodestrucción de uno mismo. Los tres films dejan abiertos los mismos interrogantes: ¿cuál es la función de la obsesión en el trabajo creativo del artista? ¿el exceso de talento supone cierta locura? ¿talento y éxito son sinónimos de aislamiento social? Nos muestran a tres personajes obsesionados por transcender en su disciplina, que no se conforman con ser uno más y eso les llevará a traspasar los límites incluso de la cordura. Incapaces de dejarse ganar por su competencia, su actitud y personalidad provocará que dejen de lado otros aspectos importantes de la vida, con la única meta en la cabeza de ser perfectamente perfectos y que su nombre quede escrito en la historia.


Por David Ramiro Rueda Actores: Víctor Elías y Luisber Santiago Dirección: Pablo Puyol Guión: Sergio Granda y Pablo Bartolomé Diseño y Fotografía: Helher Escribano Producción: SerieTeatro

Me adentro en una espiral de locura, de ropas rasgadas, de música de gramola, de palabras golfas, de bailes indescriptibles, y de saltos en el tiempo a través de un armario. No es un sueño de esos absurdos… es un ensayo de “Cómo Matar a Julio Iglesias”, la nueva propuesta teatral de SerieTeatro que surge a partir de “Cosas de Tríos”, que triunfó hace ya más de un año, y que para esta ocasión repite con dos de sus protagonistas en el escenario: Víctor Elías y Luisber Santiago. Sentado en la penúltima fila de la sala, y escribiendo notas en un cuaderno, Pablo Puyol parece la cara sensata de este triángulo hipnótico. Observa con detenimiento, se ríe de los gags, comenta con el productor, propone, dispone, manda a la calma y disfruta de su primer trabajo como director y está deseoso de mostrar lo que tiene entre manos: una función divertida, rocambolesca y con el único propósito de entretener al Respetable. Acabado el ensayo, Víctor, Luisber y Pablo atienden con profesionalidad a mi batería de preguntas. Ya os adelanto que en la entrevista no revelaremos cómo matar a Julio Iglesias, sería un spoiler imperdonable, pero lo que podréis percibir si leéis el reportaje, es que la profesionalidad no está reñida con el buen humor, y la ironía y las risas fueron la sintonía que prevaleció en la charla. Bienvenidos a lo divertido del absurdo. No pienses: sólo relájate y disfruta.

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¿Qué no se va a encontrar el público que venga a ver “Cómo matar a Julio Iglesias”? Pablo- Pues… no os vais a encontrar ni seriedad ni nada lógico… Luisber- Tampoco a dos chicos guapos. Pablo- ¡No, no, eso tampoco os lo vais a encontrar…! Digamos que es una ida de olla muy grande y es una obra que se proyecta, tanto en el texto como en la dirección y la interpretación, hacia el absurdo. ¿Por qué Julio Iglesias y no otro personaje? Pablo- La idea fue mía… Lo cierto es que ellos tienen un rollo un poco raro con Julio Iglesias, ¡es exagerado…!, y nos parecía que esa obsesión podría darnos mucho juego, así que aprovechamos una historia que ya habían escrito los guionistas anteriormente y que trataba de viajes en el tiempo, y la juntamos con una idea en la que aparecía Julio Iglesias…, y de esta mezcla nació esta locura. ¿Se escucha durante la función la música de Julio Iglesias? Pablo- Por supuesto. ¿Sólo se escuchan canciones de Julio Iglesias? Luisber- No… Durante la función hacemos que pasamos por distintas épocas, desde los años 40 hasta los 70… y la música consigue, creo, que el espectador se guíe un poco en el espacio-tiempo en el que ocurren los actos y no se despisten, porque los personajes principales siempre tienen la misma edad. ¿Cómo se consigue actoralmente que el espectador disfrute del absurdo, pero a su vez pueda ver un buen acting?

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Víctor- Pues todavía no lo sabemos… (risas). Bueno, la gente que ha visto la obra le ha gustado, se ha divertido mucho y parece que sí se entiende. Hacemos bastantes alusiones y referencias hacia el lugar y el tiempo en el que vamos viajando en cada escena. Pablo- A ver, esto no es Shakespeare ni nada que se le parezca, pero interpretativamente sí hay seriedad en el trabajo, por supuesto. Hemos buscado que el absurdo esté en la situación y en el qué está pasando en cada momento… La interpretación, dentro de que es comedia y que está un poco pasada, intentamos siempre tirarlo hacia lo real, porque cuanto más real y más verdad sea lo que ocurre en escena, más absurdo es lo que está pasando, y ahí es donde creemos firmemente que está la comedia. Pablo, ¿cómo está siendo tu experiencia fuera del escenario? Pablo- Muy positiva. Hombre, hay cosas que no son nada fáciles por mil circunstancias que ocurren siempre por mucho que intentes ser previsor…, pero he descubierto que me gusta mucho dirigir y me lo estoy pasando bomba con el proceso. Reconozco que pensé que iba a ser más aburrido, pero no, al contrario. Y también existe el reto del off, donde no hay tantas posibilidades como me gustaría, y hay que aprender a moverse en este mundo que no es tan fácil, a veces creo que es más fácil poner en pie una producción grande que una pequeña.

Pablo Puyol: “Cuanto más real y más verdad es lo que ocurre en escena, más absurdo es lo que está pasando. Y ahí es donde está la comedia”.


Pablo, como director, ¿qué es lo más agradecido de trabajar con Víctor y con Elías? Pablo- Por ahora nada, la verdad…! (risas). No…, lo más agradecido es que nos llevamos muy bien, y que incluso cuando les quiero matar, al mismo tiempo les doy un abrazo… Pero no creas, es un abrazo fuerte, de los de querer romperles las costillas… Víctor, Luisber, ¿cómo es Pablo haciendo funciones de director?

Luisber- Y después la película… (risas) Víctor- Sí, y luego crear una saga para cargarnos a media España…: Cómo matar a Bertín Osborne, Cómo matar a Arturo Fernández… Pablo- A toda una ristra de políticos…

Luisber- A mí me gusta porque da muchas notas en cada pase y en cada ensayo, y me deja muy claro cómo debo hacer mi trabajo. Va apuntando como 20 o 30 notas y te dice cómo y por qué tienes que hacer tu acting y te explica todo muy bien.

Luisber- También especiales según la época del año… se me ocurre que podríamos hacer un especial de navidad…

Con todas esas notas, ¿se consigue después en escena a un personaje orgánico?

Vosotros tres, aunque habéis hecho trabajos en formatos pequeños, estáis más acostumbrados a grandes producciones, costosas, con un maquillador, un estilista, escenógrafo, algo que pides y prácticamente al instante lo tienes ahí… ¿Cuánto de aprendizaje hay en un off que no tienes en un teatro on?

Víctor- Sí, porque no son notas que te quiten la naturalidad, sino que suelen apuntar hacia esa naturalidad que se pretende lograr. Luisber- Cuando lo ve la gente nos damos cuenta de que las notas que nos da Pablo son coherentes y funcionan, y dices… pues igual Pablo no es tan mal director… (risas) Pablo- Sobre todo con lo que les doy la tabarra es con notas encaminadas al ritmo, porque la comedia no es otra cosa que ritmo. Les intento explicar que el chiste funciona si es así y no de otra manera, porque si no, no hay ritmo, se ha pasado el momento, la gente no lo entiende o se despista…, y ya no hay gag. ¿”Cómo matar a Julio Iglesias” es un proyecto con idea de futuro? Víctor- Es una función de 70 minutos, y sólo el curro de prepararse el personaje, el texto,

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la escenografía y demás, entendemos que la idea es poder darle bastante recorrido. De momento estaremos todo este verano en la Sala NADA, y quizás en otoño irnos a otra sala o teatro más grande y hacer algún bolo por ahí…

Víctor- Cómo matar a Papá Noel sería brutal (risas).

Luisber- En un off aprendes a reaccionar rápidamente a los problemas que van apareciendo y que hay que solucionar de manera positiva y de inmediato. Aprendes también a asumir esas dificultades y no irte a la comodidad de derivar responsabilidades. Todo es mucho más familiar, y los tres estamos encantados de estar aquí, porque si no, no estaríamos haciendo esto. Pablo- La responsabilidad en una gran producción es mucho mayor, porque si la cagas, lo va a ver mucha más gente. Esto no significa que nos relajemos al estar en una producción pequeña, pero indudablemente tienes menos presión. Existe la tensión que


nos ponemos encima, que eso es muy nuestro, muy del actor. Digamos que nos ponemos la exigencia de un on, pero arrastrando una piedra menos grande. Algunos se preguntarán cómo unos “cabezas de cartel”, delante y detrás del escenario, acceden a representar teatro en una sala off…¿Pensáis que al estar en un formato pequeño alguien puede pensar que estáis venidos a menos, que habéis bajado el listón? Pablo- No, en ningún caso. Es más, yo he hecho microteatro y jamás me ha parecido que estuviera haciendo algo de menos. Luisber- Siempre estar activo es positivo para cualquier actor, eso es indudable. Víctor- Tiene tanta moda el off que ya no es como hace unos años donde podía parecer que ibas a menos o que estabas acabado…

Pero justo en nuestro caso, que podría ser y no pasaría nada, no es así. No ha ocurrido que aceptáramos un guión y lo hiciéramos porque no tuviéramos otra cosa que hacer, sino que es un texto que nos apetecía dar forma e interpretarlo, y que nos está suponiendo un esfuerzo…, entre otras cosas, conseguir cuadrar nuestros horarios porque afortunadamente los tres tenemos bastante trabajo.

Víctor Elías: “El título de la obra es un homenaje hacia Julio Iglesias, es una mención constante a su persona y lo que representa”. 133


Porque por dinero esto no lo hacéis… Luisber- Lógicamente, no… Pablo- Aunque no tuviéramos otros curros, esto para nosotros es como un regalo. Es una posibilidad de llevar a cabo otro tipo de trabajo, poder vivir otra experiencia. Víctor- Es una función que SerieTeatro nos ofre-

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ció, que nos gustó la idea y que hemos querido hacerla, no hay más. Ojalá sea una función con un crecimiento…, pero ya solo tener la oportunidad de empezar a tantear al público, lo que funciona y lo que funciona menos, irla descubriendo sin una responsabilidad tan grande como te exige un teatro enorme… es una suerte y estamos encantados. ¿Qué opináis del teatro off en Madrid? ¿Hay un exceso de oferta?


de “Cómo matar a Julio Iglesias”? Pablo- Leímos el texto inicial y nos reunimos con los guionistas. Estuvimos durante unas tres semanas o así leyendo, releyendo, vuelta a releer, a corregir… Hasta que empezamos a ensayar después de más de dos meses. Aunque el texto se basa en el absurdo, y vuelvo a repetir que no es un Shakespeare, es un guión muy trabajado, mucho más de lo que quizás pueda parecer a simple vista. ¿En qué otros proyectos estáis metidos o tenéis en camino? Víctor- Yo ocho mil cosas relacionadas con la música… “La Llamada”, “The Hole”… Luego hay alguna cosa quizás para el otoño… Y por supuesto, “Cómo matar a Julio Iglesias” durante todo el verano. Pablo- Yo sigo con “Venidos a menos” y con “Póker de voces”, que son montajes con los que me divierto muchísimo. Y luego sí, hay cosillas pero que bueno, ya se verán. Luisber- Yo para el año que viene estreno una película con Vicente Villanueva que se titula “Móstoles no es lo que parece o lo importante de llamarse Encarna”, y también tengo proyectos chulos bastante interesantes. Para terminar, pedid un deseo… Pablo- ¡Que venga Julio Iglesias a vernos! Porque, a pesar del título, no tiene ningún ánimo de ofensa… Víctor- Creo que ha llegado un momento en el que vale todo. El problema que me planteo es que tanto el off como el microteatro se ha desvirtuado tanto que, como son funciones que se van rotando todo el rato y todas las personas tienen acceso a ello, la gente ha empezado a hacer guiones como churros y en muchas ocasiones no ha habido ningún tipo de filtro aparente. Sobre todo pasa en microteatro, pero en off yo creo que también ocurre. ¿Cómo ha sido el proceso de guión

Víctor- ¡No, al contrario! Es como un homenaje, una mención constante hacia su persona y lo que representa. Explicadme eso de homenaje ligado a un título como éste… Pablo- Los personajes quieren ser Julio Iglesias, quieren sustituirlo porque es como su dios, y tanto el texto como la representación de cada función se hace desde el cariño y el respeto, que no quepa la menor duda.

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Actores: Miriam Díaz-Aroca | Mario Alberto Díez | Álex Larumbe | Danai Querol Escrita y dirigida por Juanma Pina Dirección de Arte: Juan Camblor Producción Ejecutiva: Rafa Sánchez y María José Portilla Peluquería y Maquillaje: Corta Cabeza / Sara Álvarez Fotografía: Eugenio Recuenco / Paz Otero Producción: Montgomery Entertainment (Las fotografías de este reportaje son por gentileza de Félix Ruíz)

Por David Ramiro Rueda

Los de Montgomery Entertainment dijeron que para qué ambientar un escenario como si fuera una peluquería, e hicieron de una peluquería su escenario. Así comenzó hace algo más de un año “Lavar, Marcar y Enterrar”, una obra escrita y dirigida por Juanma Piña, que en el salón de belleza del 47 de la Corredera Baja de San Pablo de Madrid representó la primera temporada. Más tarde, se mudaron hasta el Teatro Príncipe-Gran Vía y cosecharon el mismo éxito o más en esta segunda temporada. Ahora, han regresado de nuevo y lo han hecho a lo grande, en la misma calle que les vio nacer, pero en el Teatro Lara. Juan Caballero, Victoria Mora y Olga Hueso formaron también parte del elenco de esta obra, pero en tiempos anteriores. Ahora, Miriam Díaz Aroca

(MDA), Mario Alberto Díez (MAD), Álex Larumbe (AL) y Danai Queroi (DQ) se ponen al frente de Juanma Piña (JP) para contarnos la historia de una peluquera en serie. Es por ello que la entrevista se hizo donde se encendió la mecha: en el “Salón Peluquería Corta Cabeza”. He de revelar que fui testigo de esas sonrisas bonitas que uno dibuja inconscientemente cuando recorres con la mirada una estancia en la que pasaste grandes momentos y la recuerdas lejana… Podría llamarse nostalgia, pero nostalgia de la buena, eso sí. Vi guiños y gestos de complicidad entre los miembros del Equipo. Sentí todo el rato el cariño y el respeto que volcaban hacia la profesión, hacia el público, hacia los compañeros. Nos visitó una mariposa, que quiso aletear a nuestro alrededor durante toda la entrevista, y eso que era hora de irse a dormir cuando la empezamos… Y también se coló en la peluquería un poeta arrabalero y dulce, que con aliento de bebida para adultos nos pedía a gritos un minuto de compañía. Le concedimos cinco. Así fue la charla que transcribo a continuación: sucedió entre risas y deseos, entre cervezas y secadores de pelo, entre el presente, el pasado y el futuro. Gracias por hacerme partícipe de tan buenas energías. Larga vida a vuestra peluquería. 137


¿Por qué hay que ver “Lavar, Marcar y Enterrar”? MDA- Porque sorprende constantemente y no es nada predecible. No es la típica comedia que estamos acostumbrados a ver. JP- Hay que verla porque es una comedia…, ¡y hay que reírse! ¿Ése fue el propósito cuando la escribiste, el de que la gente se riera? JP- No… No exactamente. Porque de hecho no partió de la idea de escribir una comedia. Me había ocurrido una cosa familiar muy fuerte y dramática… Pero yo tengo una manera de ver la vida que es intentar irme de todo y quitarle peso a todo, incluso a las cosas más fuertes. Así que, intentando quitarle peso a ese tema familiar grave, escribí un personaje similar al de este familiar, digamos que era una especie de inspiración y por ello nació el personaje de Gabi (interpretado por Miriam Díaz-Aroca). La obra se convirtió un poco en un homenaje a esa persona. El origen no parte de la comedia, pero luego sí, se transforma en una comedia porque los personajes se ríen de ellos mismos, de los demás, de la vida… ¿Este familiar del que hablas ha visto la función? JP- ¡Sí! Le encantó… (sonrisa inmensa). ¿Podríamos decir que el hecho de que te pusieras a escribir este libreto te sirvió de medicina? JP- Lo dramático se había solucionado, gran parte de lo trágico había desaparecido, así que digamos que lo escribí luchando contra todos los fantasmas. ¿Cómo fue la creación de estos 4 personajes?

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JP- Yo tenía una obra que se llamaba “Los 100 hijos del Presidente”, y esa obra tenía 4 personajes. A partir de esta obra me lancé a hacer otra inspirada en el momento que estaba viviendo, adaptando los personajes a este nuevo argumento. Y así nacieron estos cuatro personajes. Primero innovasteis con vuestra obra representándola aquí, en una peluquería. Después os fuisteis al Teatro Príncipe-Gran Vía, y ahora aterrizáis en el Teatro Lara. ¿Cómo ha sido esa evolución de saltar de un salón de belleza a un teatro? MAD- Todo fue muy rápido, en cuestión de tres semanas teníamos que pasar de la peluquería al teatro. Fue desde el punto de vista actoral mucho más natural y fluido de lo que creíamos, la obra era la misma y funcionaba, y resultó que ese cambio sólo era una cuestión espacial. DQ- Tuvimos nuestras dudas, no creas… En la peluquería estábamos muy bien, había lista de espera para conseguir entradas, hacíamos 3 funciones semanales… La peluquería tenía mucho encanto, y el cambio suponía arriesgar por otro espacio más común. MAD- Nos preguntábamos si se había agotado el ciclo o lo estábamos quemando antes de tiempo y apostando por otra cosa sin haber llegado a un final de la fase. Era una sensación un poco extraña, pero luego fuimos al teatro y comprobamos que la historia también funcionaba allí… Así que, perfecto. ¿Tenéis sensación en el Teatro Lara de que existe cuarta pared? AL- Sí… yo sí. DQ- Sí, yo también. MAD- Yo conservo algún momento que tenía de cuando las funciones en la peluquería, me


gusta mantenerlo. Pero para mí sí existe también esa cuarta pared, porque en el Lara sólo se ve la primera fila, no ves nada nada más atrás de esa fila.

En los gags perfectos, en los que entran siempre, ¿cuánto hay del texto y cuánto hay del actor?

MDA- Bueno, es verdad que los demás personajes dan menos opciones a interactuar con el público, pero yo sí tengo posibilidad de guiños con ellos porque el propio personaje y mis situaciones me lo permiten. Yo no siento esa cuarta pared, tengo siempre mucha complicidad con el público, además me gusta buscarla.

MAD- Hay de los dos, pero también hay mucho del público. Para todas las comedias teatrales el público es como otro personaje. No es que quiera ponerme yo muy sesudo, pero es una certeza que depende del público que la respiración del gag cambie… A veces pasas por encima de los gags porque el público no está, pero cuando el público está, el gag se alarga…, y entonces hay una mirada nueva, o una risita nueva… Lo que hay que estar es súper súper abierto, escucha absoluta en lo que hay en la escena y en el compañero.

En la función hay múltiples gags… ¿cómo hacéis para que después de tantas funciones, os sigan sonando todo a nuevo? MAD- Yo soy muy técnico, y me fío de los ritmos. Si el ritmo está, tú no tienes que hacer nada para que salga… sale solo.

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¿Y cuando lleváis varios gags en la función y el público no ha entrado, qué ocurre? MDA- ¿Eso qué es? ¡No nos ha pasado nunca! (risas de todo el equipo, y Miriam sigue disimulando). No tenemos esa experiencia… AL- ¡Te agarras a lo técnico… no te queda otra! Te aferras al ritmo que sabemos que es el nuestro, el de los ensayos donde no existe público que te apoye… MAD- A veces cometes el error de irte a esquematizar, a muñequear, a hacerlo más grande, a forzar…, pero a veces no puedes evitarlo, porque si van tres gags seguidos y aquello está con un ambiente como a medio gas, pues recurres a lo que sabes hacer, recursos para intentar de una manera técnica que eso se levante… MDA- Cuando existe una ausencia de respuesta en el público yo intento aprovechar la oportunidad para probar mis tonos, mis espacios, mis silencios. Perfeccionas los matices y los colores del texto, es una oportunidad para poder disciplinarte. MAD- Claro, es que igual piensas, a lo mejor no funciona… ¡pero es la función perfecta para probar! MDA- No es que no funcione, es que el público es diferente, vienen con otro radar. AL- De todas formas, tampoco puedes juzgar al público mientras estás en escena, porque muchas veces sientes que el público está metido en la obra, pero no es sonoro en cuanto a las reacciones de lo que está ocurriendo en cada momento… La manera de disfrutar de cada uno puede ser muy distinta: yo puedo estar muy serio y sin embargo estar disfrutando muchísimo. De hecho, hay días que parece que el público ha estado más flojo y luego al acabar la función hay una ovación espectacular o incluso se ponen de pie… Miriam, ¿qué te atrajo en el papel de Gabi para decir que sí querías

ponerte en su piel? ¿Cómo te llegó la propuesta? MDA- Un amigo en común me comentó que se andaba buscando a alguien que encajara con este personaje, y que había pensado que yo podría dar el perfil. Sólo con unas pequeñas nociones que me dio del personaje a mí ya me interesó muchísimo, así que quedé con Juanma y todo fue muy bien y muy fácil. Fue un flechazo… Es que tengo que decir también que yo tengo un olfato y una intuición para el tema profesional que generalmente me funciona muy bien… ¡Y yo sabía que esto iba a salir! Tú eres una persona popular, eso es innegable… ¿cuánto grado de responsabilidad existe en alguien como tú para entrar en un proyecto que ya existe y que además funciona muy bien? MDA- Todo lo que me entusiasma no tiene ningún peso de responsabilidad, son palabras muy gordas y a mí me gusta vivir la vida con ligereza, y sobre todo un trabajo que amo tanto como es la interpretación. La responsabilidad era la disciplina de saberme mi personaje y de meterme en la piel de Gabi y de entenderla. Desde el primer momento en el que me puse la peluca para Gabi, es como que ella se apoderó de mí, y entonces ha sido una relación muy íntima entre ella y yo. Fui entendiendo y fui entrando en ella hasta conseguir sus guiños, sus toques, su corporalidad, sus gestos… ¿Qué retos suponía para ti este proyecto? MDA- Yo iba un poco con el compromiso y la responsabilidad de encajar en un equipo que ya estaba rodado, y tampoco teníamos mucho tiempo… con lo cual tenía que estudiar muchísimo y estudiarlo de forma fluida para poder amoldarme a la naturalidad con la que ellos lo hacían. Pero yo soy muy curranta, y además cuando las cosas me gustan y me enamoro de ellas, se me clavan en el ADN y me salen solas, y desde el primer día fue un disfrute tremendo.

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Había mucha motivación por tu parte por lo que veo… MDA- ¡Sí, estaba muy ilusionada! Me gustan las cosas diferentes y que brillan porque tienen talento. Y esta obra es un concepto nuevo, fresco, diferente, singular…, me llamaba la atención y me cautivó desde el inicio. Y luego qué te voy a decir… ¡me he visto tan apoyada por mis compañeros! Realmente me he sentido muy bien acogida, muy arropada, hay muchísima generosidad en todos ellos (y le brillan los ojos al decir esto). ¿Habías visto la obra anteriormente? MDA- Me pasaron un vídeo, pero no la había visto en vivo. Tampoco me suponía un problema no haberla visto en el teatro. A mí es que me gusta mucho trabajar por emoción, por entusiasmo, por intuición… MAD- Pero luego eres muy técnica, no eres tan intuitiva… MDA- Cuando creo, sí. Cuando estoy en proceso creativo dejo que me venga la inspiración y empiezo a crear los olores, los sabores, la estética del personaje. Y luego también soy muy disciplinada, me gusta muchísimo el orden, me parece muy importante porque creo que es un respeto no solo para mí misma, sino también para mi personaje y para los de mis compañeros. Álex, Mario y Danai hacen dos papeles cada uno durante la función. Se trata de una serie de flashbacks que ayudan a entender el argumento de “Lavar, Marcar y Enterrar”. Les pregunto sobre la preparación del papel y la experiencia de dar vida a esos segundos personajes tan carismáticos: MAD- A mí me daba más miedo el segundo personaje, además fue lo último que se montó… Me documenté, no me quedó otra… ne-

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cesitaba algún referente… Vi “Un hombre llamado flor de otoño”, de José Sacristán y que fue interesante para la propuesta inicial, que aunque luego derivó por otros derroteros, sirvió de punto de partida, lo utilizamos mucho de base. AL- A mí este segundo personaje que hago en la obra me costó mucho encontrarlo… No sabía muy bien cómo llevarlo, y también lo he notado muy distinto de hacerlo en el teatro Príncipe-Gran Vía al Teatro Lara… lo disfruto mucho más ahora, que me muevo entre el público y también que hemos incluido unas réplicas en el texto que son muy favorecedoras y me han ayudado a dar más color al personaje. En otras temporadas hacía el personaje un poco con inseguridad, y sin embargo ahora estoy deseando que llegue esa escena para disfrutarla a tope. DQ- Yo también empiezo a disfrutar de mi personaje ahora… Porque queríamos que se viera mucho ese cambio entre los dos personajes, y la verdad es que hemos encontrado un punto clave y me lo paso muy muy bien, me gusta mucho. MDA- A mí me encanta cuando llegan los momentos de flashbacks, porque son personajes muy agradecidos y los compañeros los hacen brillar, y ellos brillan con los personajes… Estoy fascinada con ellos, trabajan con muchos detalles y me retroalimento de su talento… Eso es así.

Miriam Díaz-Aroca: “Me gusta vivir la vida con ligereza, y sobre todo con un trabajo que amo tanto como el de la interpretación”.


¿Qué lección de aprendizaje os lleváis cada uno de vosotros con vuestro personaje principal de “Lavar, Marcar y Enterrar”? MAD- Pues mi personaje es de tal control que he aprendido a que todo esté por dentro aunque por fuera parezca fácil…, porque nada de lo que dice lo dice de manera natural: mi personaje siempre está controlando y permanece constantemente en tensión… Estoy en todo momento como en una cuerda floja. MDA- Yo por mi propia personalidad soy muy expresiva, muevo mucho los brazos, tengo mil matices de voz y de parpadeo… Pero con Gabi he tenido que trabajar un ser soberano de mi lugar, tener contenidas las expresiones físicas. Trabajo mucho la expresión corporal sin moverme apenas, es un trabajo muy de cincel. AL- Yo siempre he estado acostumbrado a trabajar desde lo orgánico e irlo fijando, intentar mantener fijo lo que ha funcionado, y en esta ocasión ha ocurrido un poco al revés… el trabajo ha sido no plantearme las cosas: aquí primero estaba lo técnico para que luego saliera lo orgánico. Y confiar. Fiarme. DQ- Yo me iba mucho a lo nervioso y Juanma me insistía mucho en la masculinidad y en la tierra que tiene el personaje, y es lo que más me ha costado… Tengo mucha energía currando, y la he tenido que bajar, tenía como accionitis… (risas) y he aprendido a lograr una quietud de hacer y decir cosas sin moverme del sitio. Juanma, has sido candidato a autor revelación de los Premios Max 2015 y te has llevado el premio a la mejor autoría y dirección novel de Mi Butaquita… ¡Enhorabuena por ello! ¿Cuánto de glamour hay en un autor cuando le otorgan este tipo de premios? JP- ¡Hay mucha ilusión, imagínate el día que me lo dijeron…! Pero glamour o sensación de gran cambio para mí personalmente, la verdad es que no… Sí es cierto que digo: ¡esto le va a venir muy bien a la obra! Pienso en el montaje, en el beneficio colectivo de los que formamos parte del proyecto. ¿Hay algo más que añadir que no hayáis dicho hasta ahora? MDA- Yo quiero decir que esta obra merece ser llevada a la televisión. Es una historia que merece ser capitulizada porque da lugar a muchas historias dentro de una peluquería. JP- ¡Eso es una señal! ¡El subtítulo de la obra lo dice: “Historias de una peluquera en serie”! Cruzo los dedos. Que así sea. La mariposa sigue orbitando a nuestro alrededor, aleteando


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Carla López es una de esas marcas que, pese a su juventud, no deja indiferente a nadie. La forman Carla, encargada de la parte creativa y Emilia, responsable de que las ideas salgan adelante y se conviertan en realidad. Como ellas mismas dicen, para que un proyecto como este tenga sentido, no hay nada mejor que formar un equipo, sin distinciones, ya que se necesitan 4 ojos y 4 manos 12 horas al día para ocuparse de todo. Y para ello trabajan; para crear un mundo imaginario, sin límites, que atraiga a todo aquel que se deje cautivar por el mundo de Carla López. Descubrimos a la marca española que ha cautivado a una de las mayores celebrities del star system: Beyoncé. ¿Cómo surge la marca, Carla López? Emilia: En 2012 Carla acababa de terminar la carrera y de presentar su proyecto, con el que ganó varios premios. Yo acababa de finalizar un contrato en el departamento de comunicación de una marca de lujo en Madrid que compaginaba con un curso de patronaje industrial. Una amiga en común fue la que nos puso en contacto. Carla me presentó el proyecto y me encantó desde el primer momento. Contarnos un poco sobre vosotras. Carla: Somos muy diferentes pero compartimos el mismo gusto estético. Emilia tiene una mentalidad práctica y yo soy más creativa por lo que hacemos un buen equipo. ¿Qué es lo que diferencia a Carla López del resto de marcas? E: Nos diferenciamos en el diseño. Queremos crear bolsos únicos, que no se parezcan a nada que ya esté hecho y que tengan más puntos en común con el arte que con la moda.

Vuestra “seña de identidad” son los animales. ¿Por qué esa predilección por el mundo animal? C: El animal es simplemente la excusa para plantear ese juego con el espacio. Además me gusta el contraste que se crea entre las formas orgánicas y la silueta geométrica del bolso, lo animado y lo inanimado, el metal y el terciopelo. Esa sucesión de contrastes es lo que da sentido y armonía al conjunto. La marca tiene un carácter personal y artesanal que se nota nada más ver vuestros diseños. ¿Cómo es el proceso de producción de uno de vuestros bolsos? E: Intentamos encontrar el equilibrio entre los bocetos, las restricciones técnicas y lo simbólico. No todos los diseños son realizables. Necesitamos que sean funcionales (al fin y al cabo es un bolso), que transmitan una idea y que el resultado sea armonioso y sin estridencias. Para ello, trabajamos siempre con artesanos y proveedores nacionales y buscamos la cercanía y la calidad. Todos nuestros bolsos están hechos a mano.

C: En nuestro caso, el bolso es el lienzo sobre el que crear. Es mucho más que un accesorio.

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¿En qué os inspiráis a la hora de crear un producto/colección? E: El punto de partida es el ideario de Carla, una combinación entre el gusto de los Surrealistas por la creación automática, lo impactante y lo sutil. Le gustan las piezas de anticuarios, la decoración… nunca he visto a Carla con una revista de moda en la mano. C: Cualquier cosa me puede darme una idea para un diseño me sirve. A veces voy por la calle y me fijo en algo: un objeto, una textura o una forma que me gusta... y a partir de ahí surge la idea. Vuestra clientela es femenina. ¿Cómo son las mujeres de Carla López? C: Cualquier persona que aprecie nuestros diseños. Nos la imaginamos como una mujer sin dudas, con confianza, a la que no le importe llamar la atención. E: Cada uno de nuestros bolsos pueden ser el elemento principal de un outfit. Es decir, por ejemplo, llevar un total black pero con el accesorio siempre como pieza imprescindible. Tengo que confesar que estoy enamorada de las imágenes de Jack Codling. ¿Cómo surgió esta colaboración? E: Jack Codling nos propuso hacer una serie de bodegones con nuestros bolsos porque encajaban con la estética que quería conseguir. Tenemos que decir que a nosotras también nos encantó el el resultado final. Estamos muy contentas con el resultado y deseando volver a trabajar con él. Podéis ver las imágenes en http://www.jackcodling. co.uk/ Estáis nominadas a los Indepen-

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dent Handbag Designer Awards y, además, en dos categorías: Best Handbag in Overall Style and Design y The Mary Kay Most Irresistible Makeup Bag. ¿Cómo recibisteis la noticia y qué supone esto para vosotras? C: Nos costó un poco asimilar lo que estaba pasando cuando recibimos la llamada desde Nueva York pero estamos muy contentas y deseando que llegue el 17 de junio para asistir a la final. Hemos visto imágenes de la mismísima Beyoncé con uno de vuestros bolsos. ¿Cómo acaba alguien como Beyoncé con un bolso de Carla López? ¿Os ha repercutido en algo? C: Su estilista nos conoció a través de nuestra cuenta de Instagram @carlalopezstudio y se puso en contacto con nosotras hará un par de meses diciéndonos que le encantaban nuestros bolsos. E: Estamos encantadas de que alguien tan conocida aprecie nuestro trabajo. La verdad es que nos halaga que cualquier persona confíe en nosotras y en nuestros diseños. De ahí es de donde se sacan las fuerzas para continuar trabajando con ilusión. Para acabar, ¿a partir de ahora qué? ¿Cuál es el futuro próximo de Carla López? ¿Algo que nos podáis adelantar? C: Estamos a punto de sacar la nueva colección. Son modelos totalmente diferentes pero con la misma idea; la de ofrecer algo más que un bolso. La primera colección sirvió como presentación pero con la segunda vamos a arriesgar mucho más. Son diseños que no pasan desapercibidos.


VINCCI porto

el renacer de un edificio con historia

La tradicional bolsa do pescado de Oporto ha regresado a la vida de la mano de Vincci Hoteles con un alojamiento de diseño vanguardista que conserva el alma de este ecléctico almacén de los años 30. Situada en la ribera del río Duero en su desembocadura en el océano Atlántico, la ciudad de Oporto se ha convertido en uno de los destinos turísticos más solicitados de Portugal. La capital del norte, a la que el poeta Luís de Camões bautizó como El nombre eterno de Portugal, cuenta con un amplio patrimonio histórico, la mayor parte en el centro de la ciudad, que le valió la declaración de Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Su tradición contrasta con la modernización que se está llevando a cabo en las últimas décadas. El establecimiento, de cuatro estrellas, conserva prácticamente intacta la estructura del edificio inicial, antigua lonja de pescado, en cuya fachada destacan los bajorrelieves, que evocan a la vida de los pescadores locales de la ciudad. El arquitecto José Carlos Cruz y la constructora Lucios, firman el proyecto de conversión y mantienen la importancia que tenía la conservación de la construcción inicial de Januário Godinho por su valor histórico para la ciudad. Esto le ha valido el Prémio Nacional de Reabilitação Urbana de 2015 en la categoría de “Uso Turístico” otorgado por la revista Vida Imobiliária y Promevi, con el apoyo del Gobierno de Portugal y de la Santa Casa da Misericórdia de Lisboa, para distinguir las obras de rehabilitación urbana con mayor valor para la sociedad.

Vincci Porto promete una completa experiencia gastronómica y cultural para disfrutar de esta ciudad portuguesa en la que Vincci Hoteles no quería dejar de estar presente. “En Vincci Hoteles estábamos enamorados desde hace tiempo de la ciudad y queríamos estar presentes de una forma muy especial y, es emocionante gestionar un hotel de estas características, situado en un espacio tan especial y volver a darle vida”, explica Carlos Calero, director general de VINCCI Hoteles. El hotel Vincci Porto dispone de 95 habitaciones con conexión WIFI gratuita y garaje privado. Destaca un salón principal especial para eventos y convenciones y su bar lounge. Su diseño ha seguido un cuidado estilo art-decó que se ve plasmado en sus amplios y luminosos espacios. Por su parte, el restaurante a la carta 33 Alameda, con capacidad para 88 personas, ofrece una variada selección de referencias locales e internacionales de autor, para hacer de la gastronomía un auténtico buque insignia. Su ubicación, en pleno centro de la ciudad, brinda a sus visitantes la posibilidad de experimentar toda la riqueza local de la ciudad, paladear su gastronomía, recorrer sus bodegas y disfrutar de una apasionante apuesta cultural así como de su vibrante vida nocturna.


pasarela costura españa El pasado mes de mayo se celebró en Madrid la Pasarela Costura España. Esta edición, la segunda, se desarrolló durante los días 19 y 20 en el Palacio de Cibeles y pese a su corta vida, se ha convertido en una de las plataformas principales para los diseñadores de novia, costura, fiesta y ceremonia. En esta edición se presentaron las propuestas para la próxima temporada Otoño-Invierno 2015-2016. Entre los nombres destacados estaban Hannibal Laguna, uno de los diseñadores españoles más consagrados y que fue el encargado de dar el pistoletazo de salida a esta edición.

POR JOANA AGUIRRE

Hannibal Laguna El diseñador Hannibal Laguna, habitual en la Mercedes Benz Fashion Week Madrid, presentó por primera vez su colección nupcial el pasado martes dentro de la Pasarela Costura Madrid. Bajo el título “White Carpet”, sobre la pasarela pudimos ver una colección de vestidos joya inspirados en los iconos de la elegancia atemporal. Vestidos maravillosos, aparentemente sencillos y románticos, pero llenos de energía, con volúmenes cortados al bies y texturas como encajes de chantilly, guipures calados y tules de organza.


Elena Rubio La firma Elena Rubio fue creada en 2010 pero no fue hasta el pasado año, por petición de sus clientas, cuando se lanzó al mundo nupcial. Sobre la pasarela nos presentó su línea de costura que refleja el trabajo que hace en su taller: un trabajo minucioso, exclusivo y personalizado. Sus diseños se caracterizan por el uso de tejidos ricos y con caída que aportan feminidad y romanticismo. También pudimos ver varios vestidos para invitadas, algo más atrevidos y coloristas.

Medalla de Gran Canaria a las Bellas Artes, Juan Roga abarca el diseño y confección de prendas de Costura para novias así como vestidos de fiestas, coctel... La colección para la próxima temporada, mezcla tejidos y estampados que compiten con bordados e incrustaciones para crear prendas llamativas pero elegantes.

Juan Roga


Amarca Integrada por Sergio López e Itahisa García, son los encargados de vestir a las participantes de certámenes de belleza como Miss Tenerife, Miss España o Miss Mundo. Para esta edición de Pasarela Costura, Diseños Amarca propone el lujo como expresión de la belleza. Una colección inspirada en la Era Victoriana: vestidos vintage con diseños contemporáneos y modernos pero siempre fieles a los bordados florales y a la riqueza en los detalles. Una colección con un delicado toque del clasicismo italiano.

La firma, creada en 2013, busca la diferenciación en sus novedosos bocetos y apuesta fielmente por la exclusividad, gracias a su producción artesanal y personalizada. Para el próximo 2016, presentó una colección donde predominaron las formas pomposas y voluminosas pero sin olvidar aquellas que dibujan la silueta femenina.

SEDOMIR Rodriguez de la Sierra


JCA Juan Carlos Armas presentó su nueva propuesta para fiesta y ceremonia, bajo el título “Love”. Trajes joya en vestidos cortos y largos, de líneas puras que potencian la feminidad y la elegancia a través de los contrastes de formas y la superposición de tejidos. Cuerpos ajustados y espaldas muy trabajadas lucieron en siluetas sirenas, estilizando la figura con un aspecto elegante y femenino.

Bajo el grupo ADLIB fueron cuatro los diseñadores que mostraron sus propuestas: Piluca Bayarri, Luis Ferrer, Tony Bonet e Ibimoda. En esta colección Piluca Bayarri ha incorporado dibujos tejidos en bolillo y combinados con sus características transparencias. Luis Ferrer se inspira en los blancos de la cal, del algodón y de la luz de Ibiza para crear vestidos de fibras naturales. Inspiración 100% ibicenca. El punto de partida de la colección de Tony Bonet es la filosofía Adlib unidad con las nuevas tendencias. La característica diferencial de esta colección es la nueva forma de trabajar las puntillas, creando nuevos patrones y nuevas formas sobre bases de color.

ADLIB MODA IBIZA


De la Cierva y Nicolás La firma fue creada en 1988 y desde entonces ha participado en las mayores citas nupciales de este país como la Pasarela Gaudí Novias. Para esta colección, “¿Quieres ser mi esposa?”, abogan por un aire principesco. Para ello, elaboran los trajes de manera artesanal, con telas naturales y elementos que recuerdan el vestuario de una virtuosa dama del espectáculo: mikados, sedas, encajes de chantilly, organza, brocados...

La colección que Arcadio Dominguez ha ideado para la próxima temporada está cargada de ironía. Para el diseñador, las chicas fuertes también son femeninas y así lo demuestra. Pretende romper clichés y tópicos a través de una colección que mezcla prendas y estilos de una manera divertida y femenina.

Arcadio Dominguez


Ogadenia Couture La colección de Ogadenia está dedicada a Grace Kelly. En tres partes, así es como se dividen las propuestas de esta marca Canaria creada en 2005: actriz, princesa y corazón. El cine clásico siempre forma parte del ADN de la marca y eso lo translada a las prendas que Ogadenia diseña, por lo que siempre encontramos guiños a grandes divas como Rita Hayworth o Ava Gardner.

La canción “El reloj” de Lin Cortés inspiró la temática de esta colección donde pudimos ver la frustración y el dolor de una relación amorosa fallida. Una gama de colores que van desde el verde, azul o morado que representan el enfriamiento de esta fallida relación hasta el amarillo, naranja o rojo que representan el optimismo y la felicidad.

Eduardo Acquaroni


Paloma del Pozo Paloma del Pozo está más próxima al arte que al mundo de la industria y por eso sus creaciones siempre ofrecen algo original y diferente, como si de un cuadro se tratase. Esta colección “Colores para un nuevo poema”, pretende que sintamos emociones como los sueños de la infancia, las mariposas en el estómago o una tarde de tormenta. Todo ello sin olvidarnos de la confección artesanal y, por supuesto, la carga poética, no solo en esta colección, sino en todas sus creaciones.

Fernando Claro, forma parte de los diseñadores “made in Spain” que podemos ver en las red carpets. Ha vestido a actrices como María León, Paz Vega o Kira Miró. Tras haber pasado por pasarelas como Cibeles o Gaudí, se presenta en Pasarela Costura España 2015 con una colección que apuesta por las superposiciones, los cortes muy geométricos y los volúmenes y las siluetas ultra femeninas.

Fernando Claro


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/Vim.Magazine


La sombra de Marilyn es alargada POR ÁNGELA F.NOVO A poco menos de una década para que se cumpla el centenario de su nacimiento, la que un día pasó de ser Norma Jean, una joven modelo de pelo castaño, a la eterna rubia platino, continúa siendo fuente de inspiración en el mundo de la moda y la belleza. Aprovechamos que el pasado 1 de junio Marilyn Monroe hubiese cumplido 89 años para repasar la evolución de su estilo a lo largo de cuatro décadas en las que se erigió como una de las representantes más destacadas del por entonces incipiente star system hollywoodiense y en las que regaló momentos ya míticos como aquel ‘Happy Birthday, Mr.President’.

Primeros años La ciudad de Los Ángeles vio nacer, en el año 1926, a la conocida como ‘tentación rubia’ bajo el nombre de Norma Jean Baker Mortenson quien, ya desde bien pequeña, tuvo que lidiar con ausencias que forjarían el tormentoso carácter que avivó la llama del mito. La primera toma de contacto de aquella joven californiana con los medios de comunicación se dio a través de una fotografía tomada por Henrik Manukyan y difundida en la revista Yank,

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the Army Weekly, en la cual se la mostraba en su puesto de trabajo en la fábrica de municiones Radio Plane de la ciudad de Burbank. El reportaje fotográfico abordaba la contribución de las mujeres estadounidenses a la economía durante la Segunda Guerra Mundial. Eran los primeros años de la década de los 40 y Norma Jean era una adolescente de 18 años, recién casada con un modesto escritor llamado James Dougherty. Poco se podía imaginar aquella aspirante a buena ama de casa, ataviada con su uniforme de trabajo, lo que sucedería tan solo un año después de aquella instantánea. Y es que, en 1945, la catapulta que la impulsaría hacía el mundo del modelaje se le apareció a Norma Jean, cámara en mano. Aquella metafórica catapulta era el famoso fotógrafo Andre de Dienes, que por aquel entonces contaba con 32 años y unos cuantos reportajes publicados en prensa que avalaban su buen hacer detrás del objetivo. Andre, que en entrevistas posteriores dejaría clara su fascinación por aquella joven a punto de entrar en la veintena, la retrató en parajes naturales que complementaban a la perfección el look pin-up —lazos en adornando su pelo, camisas anudadas por encima de la cintura, camisetas de estampado navy combinadas con pantalones capri…—que lucía ya Norma Jean por aquel entonces.


La metamorfosis Tras su aparición en la revista Yank, Norma dio el salto al mundo del modelaje en la agencia Blue Book y, animada por su representante Emmeline Snively se tiñó el pelo a rubio, una seña de identidad que la acompañaría hasta sus últimos días. Comenzaba, en ese momento, la transformación de la modelo en mito erótico. Norma Jean dio sus primeros pasos en el mundo del cine de la mano de Ben Lyon, uno de los ejecutivos del estudio Twentieth Century Fox para el que trabajó como extra en películas durante seis meses. Fue Ben quien aconsejó a la joven cambiar su nombre por el de Marilyn Monroe —«Marilyn» en honor a la actriz Marilyn Miller y «Monroe» por ser el apellido de soltera de su madre—. Monroe, convertida ya en la ‘chica de oro’ de históricas productoras como la Metro Goldwyn Mayer, dejaba atrás el toque naíf que había caracterizado a sus estilismos hasta entonces, para decantarse por looks que resaltaran su figura curvilínea que marcaría toda la década de los 50. Faldas lápiz, vestidos con escote en V y su eterno labial rojo, serían las señas de identidad de Marilyn.

Sus últimos momentos Tan sólo 6 semanas antes de su fatídico final, Marilyn posó para el fotógrafo estadounidense Ben Stern. A petición de la revista Vogue, Stern organizó las que serían las últimas tres sesiones de Monroe como modelo. Las instantáneas extraídas de la primera de las sesiones mostraban a una Marilyn semidesnuda, cubriendo su cuerpo con un pañuelo que dejaba muy poco a la imaginación. Debido a la disconformidad de la actriz y la propia revista con el resultado de dichas fotografías, se llevaron a cabo otras dos sesiones en las que Marilyn se atavió con un vestido negro que le confería un look más sobrio, acorde con la línea de la Vogue de los sesenta. Las imágenes de las últimas sesiones de la actriz serían recogidas, veinte años más tarde, en el 1982, en el libro The Last Sitting.


Siguiendo el estilo voluptuoso y sensual que la había convertido en una estrella de la época dorada de Hollywood, Marilyn eligió, para una de sus últimas apariciones públicas con motivo del 45 cumpleaños de John F.Kennedy celebrado en el Madison Square Garden, un ajustado vestido con 6.000 lentejuelas incrustadas y diseñado por Jean Louis que la hizo brillar como nunca mientras entonaba el cumpleaños feliz al por entonces presidente de los Estados Unidos. Este último vestido se vendió en el año 1999 en una subasta de Nueva York por 1.267.500 dólares. En cuanto al vestido floral, también de Jean Louis, que lucía Marilyn en el que sería su último papel cinematográfico en la película Something’s got to give (George Cukor), que quedaría inacabada tras su muerte, fue subastado en 2011 en el portal Ebay por una suma que ascendió a 57.000 dólares.

Influencia posterior La artista en la que se ha visto, desde el comienzo de su carrera, una mayor influencia de Marilyn es, sin duda, Madonna. En sus inicios, la ‘reina del pop’ emulaba a la ‘tentación rubia’ a través de estilismos e incluso videoclips —el de la canción Material Girl se inspiraba en una escena de la película Los caballeros las prefieren rubias en la que Marilyn interpretaba el tema ‘Diamonds are a girl’s best friend’—. En el mundo del cine, la actriz más veces comparada con Marilyn ha sido Scarlett Johansson. No en vano la neoyorkina posaba en 2009 para la casa italiana Dolce&Gabbana con un peinado y maquillaje muy similar al que hizo de Monroe un icono de estilo.


En cuanto al mundo de la alta costura, la diseñadora británica Jenny Packham también se ha inspirado en la actriz para crear su colección Primavera-Verano 2015, en la cual destacan los vestidos con líneas que resaltan las curvas femeninas, creando una silueta de estilo retro. Los brillos y tonalidades pastel rememoran la sensualidad de los looks de Marilyn sobre la alfombra roja.


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Volver a los 17 es una preciosa canción de Violeta Parra que canta maravillosamente bien Rosa León. Esta canción cobra sentido cuando la edad del pavo está muy lejos pero se desea seguir en el gallinero. Hay iconos de estilo que han sabido hacerse mayores sin que nadie se atreva a retirarles el carnet joven, como Jennifer Aniston o Maribel Verdú, otras, como Ana Obregón o Mariah Carey han perdido el pulso con la edad y van de tennagers por los siglos de los siglos como si fueran las protagonistas imperecederas de aquella serie de los 90 “Sensación de vivir”.

muy en línea de la forma francesa Lollipops que ha impreso toda la magia del mas jovial Paris en una preciosa cartera (45€) tan chic como chispeante. Y como no hablar de la capacidad triunfadora de las mujeres en la mejor edad de su vida, como Elena y Patricia, creadoras de Muitt Madrid la firma de calzado 100% made in Spain, famosa por sus slipperinas que ahora en verano sigue marcando tendencia por su originalidad con piezas únicas y jóvenes como las Rock& Roll Sandals de estilo naïve y edgy a la vez.

¿Qué marca la diferencia? Sutilezas como esta: No es lo mismo mascar chicle con la boca cerrada que hacer pompas con el chicle. Hay marcas y productos con clara vocación rejuvenecedora que toda mujer necesita en algún momento de su vida. Es el caso de las fantásticas tiritas invisibles que abren la mirada Magicstripes -se pueden encontrar en perfumerías como Douglas-. Ideadas por la maquilladora Natalie Franz para levantar los párpados caídos, las tiras Magicstripes consiguen sin dolor, a buen precio, y con un fácil quita y pon, elevar la mirada. Otro cosa que nos hace abrir los ojos enseguida es la refrescante sensación que da la loción corporal Eucerin Aquaporin, en este caso su acción antiedad queda en segundo plano ante el simple placer de sentir de nuevo una piel de bebé bajo la crema. Para el pelo, para esas melenas midi que triunfan este verano en las cabezas de cualquier edad, nada como el champú Toppik, el primer cosmético capilar pro-rejuvenecedor, que da densidad y volumen al instante. Se trata un 3-en-1, que gracias a su fórmula anti-edad, limpia, acondiciona y exfolia el cabello y el cuero cabelludo en un solo paso. No solo la cosmética nos hace eternamente jóvenes, hay complementos como el arrebatador Bolso Pepa Bag (34, 90€) de Compañía Fantástica, que con su forma cuadrada, el detalle de corazón y la cadena metálica da un toque final rabiosamente joven a cualquier estilismo,

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Suena a clásico decir que la lectura no tiene edad, pero los libros que arrasan entre los adolescentes suelen gustar por igual a los jóvenes y no tan jóvenes. Blue jeans es un fenómeno editorial envidiable que en su nueva entrega, “Algo tan sencillo como tuitear te quiero”, nos lleva directamente hasta el primer año de la universidad.


forever young POR ANA CADENAS

Y cuando ya se ha vivido, cuando se tiene la sensación de que quedaron atrás las primeras veces, redescubrir la literatura juvenil puede representar un maravilloso ejercicio que no solo embellece sino que además reaviva el espíritu sin nostalgias. Como decía la canción: Volver a los diecisiete, después de vivir un siglo, es como descifrar signos, sin ser sabio competente, volver a ser de repente tan frágil como un segundo… ***Ana Cadenas es autora de la novela “Cuando menos te lo esperas”, publicada por Click Ediciones/Planeta


FENÓMENO FAN

La música se apodera del streetstyle veraniego POR ÁNGELA F. NOVO Entramos en el verano, esa época del año repleta de festivales musicales en los que se dan cita miles de celebrities con looks de lo más variopinto, llegando hasta el punto en que la música, teórica protagonista del evento, pasa a ser engullida por el desfile de it people. Tradicionalmente, los festivales han sido una oportunidad perfecta para comercializar toda clase de merchandising musical in situ, porque pocos fans se pueden resistir a conservar un re-

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cuerdo de sus músicos favoritos y, por qué no, a adquirir una prenda con la que aportar un toque de originalidad a sus estilismos. En las últimas temporadas, hemos podido comprobar cómo algunas de las it girls más imitadas se han rendido a los looks rockeros, para los cuales son imprescindibles tres cosas: el color negro, el cuero y una camiseta de alguna banda legendaria. Pero, ¿qué sucede cuando el logotipo de una banda comienza a verse hasta en la sopa? Algunos melómanos culpan de esta proliferación de las llamadas band T-shirts al hecho de que su venta haya evolucionado de los mercados y pequeños comercios a los grandes almacenes. Y es que, pocas son las firmas que no hayan incluido entre alguna de sus colecciones una o varias prendas de bandas tan míticas como los Rolling Stones, Nirvana o AC/DC. Esta situación, como tantas otras susceptibles de generar debates infinitos, tiene sus dimensiones positivas y negativas.


Por una parte, sucede que, al menos en lo que concierne al mundo de la moda, el logotipo de una banda impreso en miles y miles de prendas y accesorios, puede llegar a convertirse en una marca más. Esto choca con la exclusividad que, en sus comienzos, buscaban los protagonistas del conocido como ‘fenómeno fan’ quienes, a través de la adquisición de merchandising de sus bandas favoritas en tiendas especializadas o en los propios conciertos, exteriorizaban su filia hacia un determinado estilo musical, o incluso hacia un determinado modo de concebir la vida. A pesar de lo anterior, es precisamente la venta de este tipo de merchadising en grandes establecimientos lo que permite asignarle un precio más económico, algo que agradecen aquellos fans que no pueden permitirse adquirir piezas ‘únicas’ de sus referentes musicales en tiendas especializadas. Además, marcas como Springfield, H&M o Forever21, han sabido dar un toque de originalidad a este tipo de prendas, combinando los tradicionales logotipos musicales con estampados y cortes que marcan tendencia en época estival. Para aquellos que, a pesar de la variedad existente en el mercado, sigan buscando algo más personal, siempre quedarán las camisetas personalizadas, de las que se encargan sitios web como ‘latostadora.com’ o ‘spreadshirt.com’, o el DIY (Do It Yourself ), para los fans más creativos y manitas.


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VIM Magazine - Junio/Julio #30  

Ya está aquí el número que une los mese de Junio y Julio, con la cantante Edurne en portada.

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