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Fundador/Editor en Jefe: Rich González | @siete.letras Directora General: Jiovanna Pérez | @byjiovannabellamy Jefa de Redacción: Jessica Campos | @yemc96 Diseño Editorial: Carlos Oliva | @carloosoliva Colaboran en este número: Sandra Luz Carrasco | @psychocreature Misael Hiram | @el_hiram_ Samantha González | @ssmanthaglez Cecilia L. Garcia | @cecii_lu Valeria Ramos | @stolenrecords Jessica Campos | @yemc96 Jiovanna Pérez | @byjiovannabellamy Contacto: vibrasmx@gmail.com Tel. 55 7130 6836 / 55 5987 7501


ÍNDICE

ENTREVISTA - WASHED OUT . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5 txt: Valeria Ramos

NUEVAS VIBRAS . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 9 GLASS CRISTINA MABE FRATTI PELÍCULAS GENIALES SOUS-SOL

EN PORTADA - FONTAINES D.C. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 3 txt: Sandra Luz Carrasco

ENTREVISTA - BIIG PIIG . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 1 9 txt: Sandra Luz Carrasco

TRACK X TRACK . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 2 3 VAYA FUTURO DANIEL CRAFT JET NEBULA

ENTREVISTA - YELLOW DAYS . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 2 9 txt: Valeria Ramos

REPORTAJE - AISLAMIENTO DE CONCIERTOS Y LA VUELTA A LA REALIDAD . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 3 txt: Jiovanna Pérez

REVIEWS . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 7 ENTREVISTA - GUS DAPPERTON . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 9 txt: Misael Hiram

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CARTA DEL EDITOR SIN DUDA ALGUNA ESTE AÑO LO RECORDAREMOS POR EL RESTO DE NUESTRAS VIDAS.

El 2020 nos demostró que las pandemias y crisis mundiales que muchos creíamos pertenecían solo a las películas o a las series de televisión también son reales. El COVID-19 ha llegado para quedarse por un largo tiempo entre la humanidad y, al menos por ahora, nada va a cambiarlo. “La Nueva Normalidad” ha obligado a sectores laborales y educativos a adaptarse a los distintos medios digitales y a perfeccionarlos conforme pasa el tiempo. Ha llegado una época en la que el consumo del internet se ha vuelto más necesario e indispensable en nuestro día a día. La industria musical es de las más afectadas en estos tiempos, pero también es la que más ha buscado salir adelante; desde los conciertos por streaming en la comodidad de nuestra casa, hasta los artistas y bandas creando nuevas canciones y discos para nosotros, al final la música demuestra que sigue siendo nuestra aliada tanto en los momentos difíciles como en los mejores. A la vez, diversos medios de comunicación han tratado de desarrollar nuevas ideas y formas de darle

TXT:: Rich González

algo nuevo a su audiencia, en nuestro caso –tras dos años de existencia– decidimos crear nuestra revista digital. Nuestro primer número viene acompañado de artistas que, con una corta trayectoria, han logrado captar la atención de millones de personas en el mundo. En portada contamos con Fontaines D.C., una banda de Dublín, Irlanda, que después de su aclamado álbum debut lanzado en el 2019 regresaron este año más fuertes con un nuevo material titulado: A Hero’s Death. Entre nuestras páginas se encuentran recomendaciones musicales de nuevos talentos nacionales, reviews de discos que han salido durante la pandemia y que valen la pena escuchar, así como entrevistas con Gus Dapperton y Washed Out, además de charlas exclusivas con Yellow Days y Biig Piig, dos artistas ingleses que este 2020 llegaron a una de las más grandes disqueras de talla internacional. Sin más, deseo que disfruten de nuestra primera revista digital hecha por jóvenes de entre 20 a 25 años con una pasión y gusto en común: la música.

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ENTREVISTA


ENTREVISTA

WASHED OUT TXT:: Valeria Ramos

Ernest Greene estuvo haciendo música por muchos años antes de encontrar éxito como Washed Out. Su nuevo álbum, ‘Purple Noon’, se siente como la culminación de una década de perfeccionar su arte. Inspirado por la costa mediterránea, Greene llevaba más de un año trabajando en el álbum cuando la pandemia amenazó sus planes. Hablé con él sobre su vida antes del encierro y del lado positivo que le encontró a la situación.

¿Cómo compararías este nuevo álbum con tus lanzamientos anteriores? ¿Cómo sientes que has cambiado como artista? Ernest: De muchas maneras es una especie de híbrido de algunas cosas que he hecho a lo largo de mi carrera. Mi último álbum, ‘Mister Mellow’ está completamente compuesto de samples, así que todo está hecho en la computadora editando pequeños audios como un collage y ‘Paracosm’ fue mucho más tradicional, grabado en un estudio con instrumentos en vivo y ese tipo de cosas. Así que creo que este álbum es un poco de ambos mundos. Más que nada solo espero haber mejorado en el lado técnico de las cosas después de haberme dedicado a esto por más de diez años. Por lo mismo siento que ya no tengo que pensar tanto las cosas, solo llegan naturalmente. Eso deja más espacio para el proceso de composición, letras, ese tipo de cosas y creo que definitivamente fue el caso con este álbum. ¿Lo describirías como un álbum conceptual? Ernest: Más o menos, definitivamente no hay una estructura de inicio, desarrollo y conclusión o una historia que ocurre a lo largo del disco, es un poco más inconexo. Todas las canciones hablan sobre relaciones amorosas, pero de distintas perspectivas y en diferentes puntos. Hay una canción al principio que habla sobre ver a un amante por primera vez y luego cerca del final hay otra que trata sobre una ruptura agonizante y todo lo que va en medio, pero no es sobre una pareja en particular, es un poco más general. Me cuesta trabajo no tener la imagen completa en mente, así que ayuda enfocarse en el ambiente y el entorno, eso me inspira. Así que hasta cierto punto diría que todos mis discos tienen una pequeña parte conceptual.

He visto que te has estado adentrando cada vez más en otras formas de arte ¿Qué te hizo querer ir más allá de la música e implementar estos medios? Ernest: Creo que se ha vuelto cada vez más común no solo tener el elemento musical sino también uno visual, que ayuda a moldear la perspectiva de los fans tanto como la canción.Muchos de mis artistas favoritos destinan la misma cantidad de tiempo y energía en el lado visual y en la música porque todo se une para crear algo más completo. Para mí es otro elemento que ayuda con la narrativa de la historia. Como ya comentamos tuve mucha inspiración visual para este álbum y me ayudó a contar sus historias con mayor detalle y darle vida a la vibra que quería tener.Muchas veces escribo a partir de recuerdos muy vagos de mi propia vida, pero entre más clara pueda hacer la imagen más se me facilita escribir y crear un sonido. Así que la moda se volvió parte de la imagen que creo en mi cabeza de los personajes, lo que usan informa la historia y eso se ha integrado cada vez más a mi proceso. Luego eso también es parte de lo que uso mientras promuevo el álbum y lo que uso en la portada, todo está muy pensado.

En un inicio estudiaste para ser un bibliotecario, ¿Cómo diste este giro tan drástico a tu carrera? Ernest: Siempre hice música como pasatiempo, al punto en el que se volvió una obsesión, definitivamente pasaba más tiempo haciendo eso que estudiando o cualquier otra cosa de la escuela. Entonces la idea era que trabajar en una biblioteca me iba a dejar tiempo para seguir con la música, a diferencia de otros trabajos. No conocía a nadie en la industria musical así que nunca sentí que fuese una posibilidad para mí. Tuve mucha, mucha suerte, solo me pasó y no hubo vuelta atrás. He hecho mi mayor esfuerzo para ser un buen músico y creo que ya alcancé el punto de tener más confianza en lo que hago, pero todo es impredecible.No tengo idea de dónde voy a estar en cinco años, tal vez me encuentre de regreso en la biblioteca.

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ENTREVISTA

:: @shanemccauley

Vienes de un pueblo muy pequeño (Perry, Georgia. Población en el 2000: 9,602) Lo menciono porque la gente siempre ha descrito tu música como “escapismo”, ¿Esa idea surgió de haber crecido en un lugar tan pequeño y de haber sentido la necesidad de salir? Ernest: Definitivamente, y no necesariamente desde la perspectiva de odiarlo y querer huir, no es escapar en el sentido de que odié mi infancia o lo que sea, es más mental. Es como cuando lees un libro y ves una película y tienes fantasías de estar ahí y de ser un personaje. Así fue para mí, tenía una imaginación muy activa y como era un lugar muy pequeño tampoco había muchos niños a mi alrededor para jugar. Así que siempre jugaba a ser el personaje de la película que acababa de ver o del libro que acababa de leer. Me siento muy afortunado de que lo que hago ahora es hasta cierto punto muy similar a eso. Es mucha imaginación y tener pensamientos fantásticos, puedo tener mi tiempo de juego en el estudio de cierta manera.

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He visto que te has estado adentrando cada vez más en otras formas de arte, moda y cine, por ejemplo. ¿Qué te hizo querer ir más allá de la música e implementar estos medios? Ernest: Creo que se ha vuelto cada vez más común no solo tener el elemento musical sino también uno visual, que ayuda a moldear la perspectiva de los fans tanto como la canción. Muchos de mis artistas favoritos destinan la misma cantidad de tiempo y energía en el lado visual y en la música porque todo se une para crear algo más completo. Para mí es otro elemento que ayuda con la narrativa de la historia. Como ya comentamos tuve mucha inspiración visual para este álbum y me ayudó a contar sus historias con mayor detalle y darle vida a la vibra que quería tener. Muchas veces escribo a partir de recuerdos muy vagos de mi propia vida, pero entre más clara pueda hacer la imagen más se me facilita escribir y crear un sonido. Así que la moda se volvió parte de la imagen que creo en mi cabeza de los personajes, lo que usan informa la historia y eso se ha integrado cada vez más a mi proceso. Luego eso también es parte de lo que uso mientras promuevo el álbum y lo que uso en la portada, todo está muy pensado. ¿Por qué decidiste ir a Europa durante el proceso creativo del álbum? ¿Sentiste que querías ir a un lugar diferente? Ernest: Estaba leyendo un libro sobre un artista llamado Cy Twombly, era muy famoso en los 60s y los 70s. Él vivía en Roma y tenía algunas casas en la costa italiana, y las imágenes eran increíbles. Nunca había estado ahí y se sintió muy exótico e inspirador, supongo que así empezó. Después empecé a ver todas las películas sobre el mediterráneo que encontré, ahí descubrí ‘Purple Noon’. Mi esposa y yo viajamos para allá cuando llevaba más o menos la mitad del álbum con la intención de tomar muchas fotos y videos que me sirvieran para el arte del disco y para inspirarme un poco más. Mi mayor influencia definitivamente fue el mediterráneo.


ENTREVISTA

¿Alguna vez has considerado hacer un álbum visual o hacer la banda sonora en una película? Ernest: Definitivamente, si el presupuesto lo permite me encantaría. Tengo una imagen mental asociada con cada canción en la que trabajo y e intento capturar ese ambiente y ese sentimiento con la música así que me encantaría hacer un álbum visual. No sé qué tan preparado estoy para hacer una banda sonora tradicional, ya hice un documental corto una vez y fue emocionante. Tuve que generar muchas ideas muy rápidamente así que fue divertido alejarme de la estructura de las canciones pop que llevo escribiendo por diez años y que tienen una formula muy específica y concisa. Hacer la música para un proyecto así es muy diferente, tenía que escribir con una película que ya estaba completamente terminada, no puedes meter cosas en el sentido tradicional de “verso, coro, verso”, tienes que ser más abstracto en ese sentido. Fue bastante enloquecedor, me tomó mucho tiempo entenderlo.

Te quería preguntar cómo has estado lidiando con la pandemia, ¿en algún punto consideraste hacer algo más? Ernest: En cuanto a mi estilo de vida normal no hubo un cambio tan radical. Tengo un estudio en casa así que todo lo que grabé y escribí el año pasado fue aquí, ya estoy acostumbrado a esa dinámica de trabajo en casa. Definitivamente es muy raro no poder salir de gira, y diría que la parte más difícil fue que tenía muchas cosas planeadas. Por ejemplo, íbamos a grabar un video bastante ambicioso en Italia, en el mediterráneo que iba mucho de la mano con mucho de lo que estaba hablando, trabajé en eso por meses y de la nada, dos semanas antes del rodaje todo se vino abajo por la pandemia. Se ha vuelto mucho más difícil planear y ejecutar cualquier cosa, había tres versiones de cada uno de los otros videos que colapsaron por completo y tuvimos que empezar de cero con eso. Todo eso fue bastante frustrante, pero creo que la idea de esperar otro año para lanzar el disco era aún peor así que me alegro de haberlo lanzado.

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NUEVAS VIBRAS

:: @kupal_foto

GLASS CRISTINA TXT:: Samantha González

Glass Cristina está conformada por mexicanos. Bernardo Castilla y Lorenzo Engell, en un apartamento en Barcelona, empezaron a crear música en el 2016. El nombre de la banda es la unión de los lugares en donde residieron antes: Glasgow, Escocia, donde Bernardo estudió actuación, y la Carrer de la Reina Cristina, calle de la ciudad española en el que emprendieron el proyecto. Su música envuelve de inicio a fin; es una mezcla entre neosoul, funk y electrónica. Un sonido hechizante que transporta al receptor a un viaje casi místico por la selva y otros lugares cálidos y húmedos. Pronuncian ritmos aún difíciles de encasillar en un solo género. Los músicos, quienes después sumaron a Enzo Aquino a la alineación, cuentan con un EP (Circle Line, 2016) y su LP más reciente (Nudity, 2020).

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La propuesta es interesante por ser de las agrupaciones que ofrecen un estilo poco figurado en la escena actual de México pero con mayor popularidad en otros sitios del mundo. Además, el arte conceptual que maneja el conjunto también resulta atractivo. En el video de “Bad King John” exponen lo que es un ritual maya en un cenote; agregan, también, el valor de las máscaras dentro de la historia de la humanidad, esto como un objeto del que suelen hacer culto dentro de su música. Como canción recomendada sugerimos: “Scaramouche”. Melodía en la que el bajo predomina y acompaña a las voces que suenan sutilmente, un sonido que va de menos a más; relajado y ameno. El tema forma parte de su último material discográfico.


NUEVAS VIBRAS

:: @daviddbarajas

MABE FRATTI Mabe Fratti llega este 2020 con un EP llamado “Se Parece A” del cual tuvimos un único adelanto, sin embargo, con ello bastó para esperar esta interesante entrega de tres tracks que vale la pena porque resulta una mezcla auditiva particular, onírica e ilusoria que entreteje escenarios idílicos y vibratorios con un sonido muy especial, sin mencionar que es la esencia del amor, las transiciones y las inesperadas despedidas las que arman el esqueleto de la producción. Con “Alguien Detrás de Mí”, “Desde el Amor También Podemos Despedirnos/El Sol Sigue Ahí” y “Aire”, Mabe Fratti hipnotiza el dolor, la incertidumbre y la duda haciendo uso de su tenue y grácil voz, misma que nos ha conquistado en trabajos como ‘Aprendiendo a Hablar’ o ‘Pies Sobre la Tierra’, su primer álbum con

TXT:: Jessica Campos

ocho canciones lanzado en conjunto con Hole Records. Por si fuera poco, a la grandeza armónica de Fratti se suma el talento creativo de Gibrana Cervantes para una colaboración en los dos últimos temas, que a su vez cierran este trepidante ciclo de tres fases como una de las mejores experiencias musicales de la nueva década. Mabe Fratti se mueve por escenarios inesperados, nos seduce con gracia y nos encanta con tal sutileza que resulta imposible seguir caminando por la vereda de la introspección sin antes haberse encontrado con su música. En este EP nos demuestra que la simplicidad alberga un cúmulo de magia y, que sin lugar a dudas, en ella se puede transformar todo lo creíamos conocer. Recomendamos: “Desde el Amor También Podemos Despedirnos/El Sol Sigue Ahí”.

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NUEVAS VIBRAS

:: @yosoyjuanpadilla

PELÍCULAS GENIALES TXT:: Jessica Campos

Este año ha estado repleto de movimiento para Películas Geniales, un proyecto que a lo largo de ocho meses nos ha entregado tres canciones que nos inyectan nostalgia, amor y una experiencia sensorial que estalla en “Quédate”, el tema más reciente que, además de romper las redes sociales, es una de las mejores producciones de esta inusual propuesta sonora que tiene de todo para transformar el paradigma de la escena mexicana actual. Emociones, riffs interesantes, ecos profundos y una acústica magistral forman parte característica de este proyecto, que con “Qué Bueno” nos ofrece la oportunidad perfecta de remontarnos en una oleada ochentera hacia un universo paralelo donde solo existe

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lo que podemos sentir e imaginar. Estos temas, junto a “Estar Aquí”, fueron la entrega anual del proyecto, quienes sin caer en etiquetas podrían ser los mayores exponentes del dream pop local, además de ser una clara muestra de lo que la música, en fusión con las particularidades cotidianas de la vida, puede lograr. México está haciendo ruido con las experiencias que nos deja la intermitente realidad, y a su vez es esta, con sus idas y venidas, la que forma parte esencial de la lírica de Películas Geniales, quienes con una simpleza extraordinaria dan en el aspecto visual el tiro de gracia para un proyecto que no debes perderte. Recomendamos: “Estar Aquí”.


NUEVAS VIBRAS

:: Cortesía del Artísta

SOUSSOL TXT:: Samantha González

Robbie es la voz detrás de Sous-Sol. Quien nombró así a su proyecto musical porque, precisamente, fue en un sótano (significado de la palabra en francés) donde comenzó a experimentar con sonidos en compañía de sus amigos. El joven de Chihuahua comenzó hace dos años a crear su arte, a pesar de que éste siempre ha estado presente en su vida. El primer disco del cantante se llama ‘Mi Berrinche’ y fue estrenado el año pasado. El álbum retrata su propuesta de folk y, a la vez, merodea lo que es el pop alternativo. No obstante, a Robbie no le gusta limitar lo que puede forjar con su guitarra, voz y sintetizadores. Sous-Sol bien podría ser, de igual forma, un alter ego

del compositor. Un ser que también habla y canta por él pero con su esencia y sello. Los temas que plasma dentro de sus canciones no solo son sobre amor y desamor, sino que también son cuestiones sobre el personaje que él presenta ante un público, por ejemplo. Esto se nota en “Me ven”. Las melodías del artista suelen ser calmadas, donde lo instrumental acompaña pacientemente a la letra, la cual, en varias ocasiones, suele ser la protagonista; el mensaje que emite en ellas. “Agua con chía” sería la recomendación que propone Vibras para conocer más al músico. Es una canción que relata que él podría darle el gusto a cualquiera menos a una chica en especial.

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EN PORTADA

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A HERO’S DEATH: UNA ENTREVISTA CON FONTAINES D.C. TXT:: Sandra Luz Carrasco

De Dublín, Irlanda, el vocalista Grian Chatten, los guitarristas Carlos O’Connell y Conor Curley, el bajista Conor Deegan II, y el baterista Tom Coll, son los encargados de entregar al mundo un post-punk elocuente, de carácter crítico y subversivo. Unidos por un amor en común, han encontrado en la poesía un refugio para encapsular anécdotas en caracteres y espacios contados. Aliándose de la música, como una expresión cargada de simbolismos y subliminales, creando experiencias con sentido de realidad en universos imaginarios, para descargar su dualidad sombría y latente de filosofías sonoras. En el 2019, su primer salto de revelación es con su álbum debut, ‘Dogrel’: una obra maestra que resuena desde las entrañas del punk contemporáneo, con sus modernismos, intensidades clásicas y poética dislocada; un documento de culto. Un año después, llegan con un nuevo manifiesto, ‘A Hero’s Death’, oscila en la dualidad: de lo maniaco y claustrofobia, a una evolución de supervivencia. Es una secuela que cambiará la historia, una reacción más íntima y sobre todo, las ideas ya plantadas, porque no son los mismos Fontaines D.C. Un segundo álbum que podría ser una odisea, planeado a detalle, con guiños literarios y referencias que se sienten cercanas al corazón. Una nueva obra contada con sus propios versos, dividida en 11 capítulos en forma de canciones: encapsulando emociones humanas y espacios complejos, debajo de ritmos bien pensados. ‘A Hero’s Death’ es la historia que aún continúa, ahora con triunfos introspectivos, que se desarrolla en una plática con el bajista, Conor Deegan II.

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PRIMER ACTO Desapego para introspección “I don't belong to anyone, I don't wanna belong to anyone” ‘I Don't Belong’ Hay una energía diferente de lo que es su primer álbum, ‘Dogrel’, a este nuevo capítulo con ‘A Hero’s Death’. Parece que Fontaines D.C. ha cambiado, ¿qué procesos fueron diferentes en este nuevo álbum comparados con el anterior? Conor: En nuestro primer récord vivíamos en Dublín, pasábamos todo el tiempo caminando por las calles y pensando que éramos poetas, escribiendo sobre lo que vivíamos. Para el segundo álbum estábamos en tour todo el tiempo, así que no hacíamos lo que antes solíamos hacer. Nos comenzamos a sentir muy desapegados de nuestra vida en Dublín, y la gente que conocimos allá; de la nada, estamos sumergidos en este nuevo y grande escenario, en el que nos movíamos de un lado a otro. Todo nuestro mundo se volvió dentro de una camioneta. Lo que hacíamos consistentemente se volvió extraño, ajeno a lo que nos habíamos acostumbrado. Este álbum se volvió muy transitorio: ya no hablábamos de Dublín, hablamos de nosotros. Nació de manera natural, por comenzar a sentir este proceso de cambio. Fue la atmósfera de estar en tour que nos puso en este nuevo espacio y poder escribir acerca de cómo nos sentíamos.

Se convierte en un sonido más sombrío y al abordar temas como: la libertad, amor, felicidad e incluso depresión, requieren de mucha carga emocional. ¿Cómo fue hacer ese viaje introspectivo? ¿En qué se apoyaron? Conor: En las noches teníamos que ser bastante extrovertidos y gastar toda nuestra energía en los shows, estábamos drenados y de cierta manera, encontramos refugio en bandas como Beach House, Broadcast y Lee Hazlewood. Creo que esas influencias se ven reflejadas mucho en el álbum, porque eran los lugares a donde solíamos ir cuando pasábamos el tiempo en nuestra cabeza. Había más tiempo libre para explorar lo que sucedía en nosotros, en el primer álbum aún seguíamos teniendo un trabajo, como meseros o baristas. Solo contábamos con un espacio para escribir canciones. Ahora, podemos aprender más sobre la música, diferentes guitarras y pedales, así poder crear diferentes sonidos y explorarlos.Pasamos el tiempo en nuestro cuarto de ensayos, visitando bandas como Sonic Youth, intentando averiguar como hicieron sus sonidos.

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EN PORTADA

“YOU NEED NOT BE BORN WEALTHY IF YOU CARE YOU’RE THE HEIR” ‘LIVING IN SEGUNDO ACTO AMERICA’ Las emociones de vivir en América y estar lejos de casa

:: Cortesía del Artísta

En las canciones existen varias referencias a su vida en Estados Unidos, incluso hay una canción dedicada a esa experiencia por completo. ¿Cómo fue realmente para ustedes vivir en América? Conor: Fue bueno de alguna manera, pero a la vez, también malo en otras. Fue un estilo de vida bastante alocado. Hay mucha desigualdad y de eso habla la canción “Living in America”: tienes esta idea romance de lo que será vivir en América, ideas en tu cabeza desde una perspectiva de que es un lugar que tiene estas increíbles ciudades, grandes artistas y películas asombrosas; pero cuando llegas, hay demasiada gente viviendo de una manera terrible, es muy injusto. Tratamos de emular el sonido de la ciudad, de sus calles con sus altos y bajos, de ese sentimiento que algo está mal, pero aún con mucha ilusión. Un tema que siempre va a destacar es el amor, con “Love is the Main Thing” me preguntó: ¿realmente el amor es lo que más importa? Conor: No lo sé, pero si creo que es una de las cosas que necesitas recordarte a ti mismo, más cuando lidias con problemas que hacen que te decaigas. Ésa canción va mucho sobre ese conflicto: crees que el amor es lo más importante pero luego en la vida te lleva abajo. No sabes nunca si un amor va a ser recíproco, si será frío o un efecto casi mecánico. De hecho, esa canción está escrita en F, y en el sistema de chakras, F representa el corazón. Así que el bajo está en un acorde Fmaj7, para emular los latidos del corazón -bum bum, bum bum. Es una representación del romance, que está por debajo de letras que hablan sobre lo que es estar desconectado de este sentimiento. La mayoría de las canciones están pensadas con una instrumentación subliminal. Tenemos este mantra de explorar por completo cada canción: si es muy brillante, ponerle más sombras; si es demasiado pop, sacarle un poco de eso. Sentimos que cada canción tiene una fuerza única que empuja a diferentes direcciones.

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Existe una diversidad de dinámicas e intensidades en ‘A Hero’s Death’, ¿también tienen una logística especial? ¿Cómo planificaron la estructura del álbum? Conor: Tratamos de acercarnos lo más posible a la estructura de Abbey Road, que fuera un álbum que tuviera dos mitades. Básicamente John Lennon y Paul McCartney estaban decidiendo sobre como se debería ordenar su álbum: si debía estar repleto de hits o debía dejar que fluyera a la perfección. Finalmente, llegaron a un acuerdo y fue que la primera mitad del álbum serían puros hits y la segunda, todas sus canciones fluirían entre ellas, pero de una manera diferente a la primera parte. Es así que el Lado 1 termina con “She’s so Heavy”, y al voltearlo, comienza con “Here Comes de Sun”. Así que hicimos algo similar, el álbum comienza con “I Don’t Belong” y vuelve a arrancar con “A Hero’s Death”. “A Hero’s Death”, “I Don’t Belong” y “Televised Mind” experimentan un sentimiento de claustrofobia, ligado con la modernidad y mucha ansiedad en los videos que acompañan este álbum. ¿Cómo dirías que se vinculan todos esos temas? Conor: La modernidad nos sirve para explorar lo que estamos viviendo en este momento. Como artistas ha influido mucho en nuestra percepción de la vida. Dublín es una parálisis atrapada en lo mundano, y como podemos hacer que eso se convierta en algo surreal, psicodélico. Es algo que tratamos de explorar en nuestros videos, por eso da la sensación de que estamos atrapados, dar la sensación de esta parálisis como una epifanía, para darse cuenta que estamos atorados. ¿Ustedes dirían que se sienten atrapados? Sí, a veces. Definitivamente.


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EN PORTADA

TERCER ACTO Heroes de Irlanda

“… everybody’s looking for a hero’s death.” Brendan Behan, ‘The Hostage’ Hay varias referencias en el nombre ‘A Hero’s Death’, está la frase del escritor Brendan Behan y en la portada hay una escultura de Cú Chulainn, ¿qué representa este semidiós en el álbum? Conor: Lo escogimos porque es un personaje muy importante en la mitología irlandesa. En el momento de su muerte no quería que nadie supiera que estaba muriendo, el mismo se ató a un árbol, porque a pesar de todo lo que estaba sucediendo, él se mantenía de pie. Sus enemigos no se habían enterado de su muerte, hasta que un ciervo se paró en su hombro. Nos pareció muy interesante que fuera un personaje que se anticipaba cuando sabía que venían momentos oscuros. Además en la portada, incluso en los videos y singles, el azul es un color que predomina. ¿Qué representa este color para el álbum y para ustedes? Conor: El azul es muy importante para este récord. Estábamos pensando en cuando tocamos nuestros últimos conciertos, nos rodeamos de luces azules y nos lleva a ese lugar que nos mantiene hipnotizados. Tomamos esa idea y esa energía al grabar este segundo álbum. Tenemos algo con los colores degradados, en este caso blanco y azul. En ‘Ulysses’, de James Joyce, su primera edición es azul y blanco. Es una pequeña referencia a esa obra. Es un color que evoca la melancolía, te Invita a sentir lo que hay dentro de ti, ser introspectivo. Te hace ver el mundo de diferente manera.

“AS I AM. AS I AM. ALL OR NOT AT ALL.” JAMES JOYCE, ‘ULYSSES’

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Este segundo álbum de Fontaines D.C. es una nueva forma de ver todo el concepto y referencias que encapsula el nombre: A ‘Hero’s Death’. ¿Cómo esperan que el mundo lo reciba? Conor: Es un álbum en el que intentamos hacer muchas cosas diferentes. No está tratando de hacer solo un sonido y siento que muchas bandas es lo único en lo que se enfocan. Espero que al mundo le guste este álbum. Podrían escucharlo por la playa, en un atardecer o en un espacio de cambio en el tiempo. Para que puedan apreciar sus dos lados, cada uno en su diferente forma.

“Shut your eyes and see.” James Joyce, ‘Ulysses’


EN PORTADA

EPÍLOGO Un sacrificio Finalmente, creo que otra manera de ver el concepto de la muerte de un héroe, es que Fontaines D.C. esta sacrificando una parte de ellos y viejos ideales. ¿No es así? Conor: Por supuesto, siento que tratamos de desmitificar esa idea que creamos en nuestro primer record, de lo que la gente cree y espera de nosotros; de lo que somos: cómo deberíamos sonar y actuar. Queríamos vernos más humanos, con sonidos introspectivos, que hable sobre nosotros y hacer lo que queramos. Deshacerse de esa idea, ¿no es algo demasiado punk? Eso creo, aunque sí lo hubiéramos hecho con esa idea en la mente hubiera sido muy poco convincente para nosotros.

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ENTREVISTA


ENTREVISTA

BIIG PIIG ENtREVISTA EXCLUSIVA

* TXT:: Sandra Luz Carrasco

La vida puede convertirse en un delirio de corazones rotos, luces difuminadas y situaciones que te cambian la vida, Jessica Smyth aka Biig Piig es la compositora y rapera de Irlanda que comprende el sentir de las emociones que se sienten en todo el cuerpo: que sacan lágrimas de los ojos, el calor de los rayos del Sol en la piel, hasta la complejidad de las relaciones que conflictúan el corazón. El sonido de Biig Piig es un sedante para el caos, con el que te identificas para hacer sanar el dolor, con un neo-soul condenado a brillar entre melodías jazzy hip-hop para contar las historias que la ciudad ve de lejos y recuerda entre susurros, de memorias fugaces, noches eternas y romances cambiantes. Dándose a conocer en los sitios de culto en el Internet, Biig Piig se volvió una sensación en SoundCloud con su single, “Vice City”, que la llevo a presentarse en Berlín para una sesión en COLORS. De ahí ha estado enamorando al mundo entre sencillos honestos y EPs que curan el alma, con tres volúmenes que encapsulan capítulos de su vida e identifican el sentir adolescente de locuras, mal de amores y escapes sonoros completamente adictivos.

La música ha sido muy importante en la de vida de Biig Piig, haciendo un viaje en el tiempo, ¿Cuál dirías que es la memoria más bonita que tienes de la música y su magia? Jess: Hay una canción que me hizo darme cuenta por primera vez del poder que tiene la música, es de esta artista británica, Gabrielle, y se llama “Sunshine”. Es realmente hermosa. En los momentos en que mi mamá la estaba pasando muy mal, ella solía ponerla en el coche y con esa canción su estado de ánimo cambiaba, parecía que la se apoderaba de ella, la llenaba de una energía muy bonita. Ese fue el momento que me hizo darme cuenta del poder que tiene la música para: cambiar cualquier situación y hacerla algo muy especial. De raíces españolas e irlandesas, ¿Cómo dirías que en la música de Biig Piig existe influencia de estas culturas? Jess: Honestamente, hay muchas similitudes en la cultura española e irlandesa. Ambas tienen un sentido de comunidad muy fuerte: todos te tratan como si fueras familia, te hacen sentir demasiado cercano a ellos; existe esa intimidad, esa cercanía. Siempre habrá una buena historia que contar cuando te sientas alrededor de una mesa, cuando todos están súper animados y se emocionan por contar lo que hicieron durante el día. Creo que eso es lo que más me ha influenciado de alguna manera: el buscar contar una historia y lo que está sucediendo en mi vida a través de mi música. Obviamente, hago música en español y en inglés, y siéndote honesta, cuando canto en español es porque quiero contar algo que es muy personal para mí. Tengo algunos familiares que hablan español, no propiamente, pero también tengo amigos aquí en Inglaterra o personas con las que he salido, que lo hablan y realmente prefiero hablar en inglés con ellos, porque siento que el español es un idioma con el que me siento muy vulnerable. Así que ponerlo en mis letras hace que se sienta más personal, casi espiritual.

La primera canción de Biig Piig con lírica en español es “Perdida”. Personalmente creo que es una canción bellísima, porque de ahí la magia de Jess Smyth se comenzó a esparcir por el mundo. ¿Cómo fue trabajar con ella? Jess: De hecho, recuerdo cuando escribí “Perdida” porque fue la primera canción en la que me di cuenta que no podía expresar todo lo que estaba sucediendo en inglés. Sentía que las letras en español pertenecían ahí, que conectaban de esa manera. Esa canción en específico, es de un momento muy oscuro en mi vida y creo que, de esa manera, con esa letra, podía guardarla un poquito para mí. Realmente fue horrible ir a grabarla, aún seguía en ese muy mal momento y es una canción que me pega muchísimo y significa demasiado para mí, por eso no podía dejar de llorar durante toda la grabación. Cuando por fin terminé de grabarla, sentí como una pequeña parte de mí se liberaba y yo simplemente la dejaba ir. Tengo grabada esta parte de la canción: ‘Smoke my cig and drink my wine’, y me preguntaba, ¿Qué cigarros fumas? Jess: Oh man, los más baratos. No soy nada picky, para nada. Todos saben igual para mí. Cuando comencé a fumar, fumaba unos Marlboro rojos y son bastante intensos, sí ahora tuviera uno de esos, me desmayo. Me sentía muy cool en ese entonces, pero realmente esto de fumar lo hacía porque odiaba socializar con la gente, era una persona muy awkward en ciertas situaciones y especialmente en fiestas, muchas veces no me invitaban. Recuerdo que una vez, una amiga me llevó a una fiesta, yo estaba con leggings y un suéter gigante, ella me dijo que no había manera en que yo fuera así y me prestó ropa, pero en la fiesta no sabía cómo acercarme a la gente y terminé fumando en una esquina, viendo la fiesta desde lejos. En fin, ha sido un largo viaje esto de la fumada, pero ahora he buscado opciones que sean menos intensas.

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ENTREVISTA

::@melony.lemon

Sí pudieras viajar al pasado y darle un consejo a tu pequeña yo, ¿Qué le dirías? Jess: Le diría que deje de salir con puros idiotas. No, definitivamente le diría que tuviera confianza en ella misma y sé que es algo muy difícil de hacer, especialmente cuando eres joven. Sé que te puedes espantar sobre la idea que la gente tiene sobre ti. A los 17 años yo era súper paranoica, dudaba muchísimo de mí misma y es que tenía algunos pequeños tracks, que me daba mucho miedo mostrar el mundo y no sabías si lanzarlos, hacer algo con ellos. Por suerte, mi hermano estaba ahí y siempre me decía: bro, this is sick! Me gustaría poder decirme a mí misma: haz lo que quieres, sube esos tracks porque la vida es demasiado corta como para hacer las cosas a medias. Todo encajará en algún punto y no pienses en lo que los demás piensan de ti, piensa en lo que te hace feliz y hazlo. Eso es lo que principalmente le diría, fuera de eso, creo que es una chica súper cool. La manera de dividir los EPs por volúmenes, ¿Dirías que es por qué son diferentes capítulos y experiencias de tu vida? Jess: Definitivamente son las diferentes etapas a lo largo de mi vida. No sabía en un inicio que esto iba a ser así, porque cuando empecé a hacer música no tenía idea de que mi vida iba cambiar muchísimo y definitivamente lo ha hecho. Del primer EP, al segundo, cambiaron muchísimas relaciones, hasta el lugar donde vivía, ¡era una locura! Luego del segundo EP, al tercero, las cosas volvieron a cambiar demasiado: me mudé otra vez, las viejas relación cambiaron por nuevas.

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Cuando se trata de escribir una canción y darle vida con sus melodías, ¿Cómo es el proceso creativo? Jess: Las melodías y letras son todas mías, pero los beats siempre los trabaja alguien más. Cuando hay un clic, viene la melodía y después las palabras, agregó armonías que me gustan y básicamente, se escribe por sí sola. A veces no tengo idea de lo que está sucediendo hasta que termino la canción y me doy cuenta que ahora hay claridad, que todo tiene más sentido. Es el subconsciente hablando; es eso, seguir mi intuición y mi sentir nada consciente, para después entenderlo y reflexionar sobre ello. Es como un sueño, en donde estás escribiendo y de la nada tienes una canción, y cuando te vuelves a escuchar te das cuenta de lo que representa, de lo que quieres decir o contar y hace todo el sentido del mundo. En este 2020, han salido dos canciones de Biig Piig: “Switch” y “Don’t Turn Around”. Este año ha sido muy extraño, ¿cómo ha sido trabajar en ellas durante este momento de encierro? En ”Don’t Turn Around” hay una parte que dice: “hands, washed, tryna keep clean”, luego llego la cuarentena y lo único que hago es lavarme las manos todo el santo día, y me pregunto qué es lo que he hecho, creo que ha manifestado esta mierda. Es raro, porque ahora siento que también manifesté que esa relación se acabará. No es cierto, estoy segura que es pura coincidencia. Aunque, a veces cuando escribes una canción acerca de algo específico y haces que suceda algo, sí se siente como que lo manifiestas. Me ha pasado muchísimo recientemente: estar segura de cosas en el pasado que ahora se refieren a cosas de un futuro muy específico, y cuando sucede hace que todo tenga mucho más sentido, que se identifiqué mucho más con lo que creías antes. Es muy raro y creo que la música tiene esa magia para lograrlo, tiene el poder y acumula energía cuando dices las cosas en voz alta. Es raro, pero es cierto. Sólo que ya estoy harta de manifestar corazones rotos, ya no quiero que eso suceda, pero entiendo que suceden para poder crecer de ellos.


ENTREVISTA

En una época tan digital y con crecimiento tan rápido gracias al Internet, dándote a conocer a través de SoundCloud y diferentes sesiones, Biig Piig realmente le ha dado la vuelta al mundo. ¿Cómo te sientes al respecto? Jess: No tenido el tiempo suficiente para procesarlo y creo que fue en la cuarentena cuando pude sentarme y pensar al respecto. ¡Realmente me aterra!, es algo muy extraño, pero al mismo tiempo muy emocionante e interesante. Ciertas canciones que para mí son tan personales, que hablan de cosas que luego no le digo ni a mis amigos más cercanos porque creo que hacer una canción me sirve de terapia suficiente, pero darme cuenta que: hay alguien del otro lado del mundo escuchándola, es wow, se siente como que esa otra persona conecta profundamente contigo y que incluso te conoce más que personas de tu vida real. En el 2019, conocí a unas fans por primera vez y sentí que de alguna manera ya los conocía, porque se identificaban con mis canciones, entendían mis sentimientos y estaban pasando por la misma mierda, lo único que quería era abrazarlos. Me siento muy afortunada por eso.

Este año también cambiaste tu hairstyle representativo, ¿Qué paso con las dos ponytails características de Biig Piig? Jess: Había tenido ese cabello toda la vida, lo digo en serio, toda la vida: largo y café. Necesitaba un cambio, un cambio maduro y eso no significa que voy a dejar de ser la persona que era y convertirme en alguien diferente. Aún me hago esas ponytails, siéndote honesta, pero un cambio siempre se siente bien a veces las extraño en silencio. Así que ahora cada decisión que tomo, estoy tratando de mentalizarme que es para bien y que es bastante cute. Entiendo que este año es una locura, pero ¿qué sigue para Biig Piig en el 2020, o cuando todo vuelva a una nueva normalidad? Jess: Hay una canción que está por salir, el nombre es aún indefinido, aunque podría llamarse “Pantalón” y gran parte de la letra es en español, sería la primera vez que sucede eso. Es realmente emocionante. En vez de ser de amor, de un corazón roto y todo eso, es más un fuck it a la vida. Es muy de mi alter ego, fuera de lugar, que se deja llevar y manda al carajo todo, porque ya, déjenme divertirme. Tal vez muy egoísta, pero a la mierda todo, siento que ahora en mi vida es muy necesario. También quiero estar en el sol, ir a la playa… ¡Tengo muchísimas ganas de ir a México! Hacer shows por allá ha de ser maravilloso. Cuando fui a Los Ángeles, estaba demasiado tentada a ir y hacer lo necesario para llegar. Please, someoneme take me to Mexico!

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TRACK X TRACK

‘CONTACTO’ DE JET NEBULA Las galaxias cuentan con un sinfín de sonidos inauditos, pero en el planeta Tierra (la CDMX específicamente) hay una agrupación de cinco humanoides que experimentan con diversos géneros y le dan vida a un sonido que nombran como neo-psicodelia, ellos son Jet Nebula. El imaginario de Diego, Mike, Blati, Alexai y Edgar viene de la nebulosa Twin Jet Nebula (la cual inspiró el nombre de la banda), aunque una infinidad de géneros como el jazz, pop, la electrónica y hasta sonidos urbanos como el reggaetón y el trap los inspiran en su día a día para componer sus creaciones. En esta nueva década se aventuran a un viaje sin precedentes con Contacto, un álbum que rompe las barreras entre fronteras genéricas y no teme experimentar con sonidos fuera de este mundo. A continuación, un recorrido ecléctico por cada canción, contado por todos los integrantes de Jet Nebula, de su nuevo material: “Será”: Esta canción pasó por muchos cambios antes de convertirse en lo que ahora pueden escuchar. Para este tema nos ayudó Maya Burns en la grabación del Saxofón, sus melodías super jazzy le dieron otra dimensión totalmente nueva. “Cosmos”: Esta fue la primera colaboración del disco y fue a partir de una maqueta que teníamos de tiempo atrás, por las melodías hipnotizantes y la síntesis alienígena decidimos que sería la mejor canción para describir la abducción que las Acuarianas nos realizan en Cosmos. “Vape”: Aquí fue dividir la canción en tres fragmentos; como si fuera una rola diferente cada parte. Es por eso el cambio de tempo, de batería acústica a electrónica y ese final con compases irregulares. Podría decir que me encantaría iniciar los shows con esta canción por la dinámica que tiene tan fluida. “Acá”: Para mí es el tema con referencias más progre y con un break algo difícil de digerir, siento que es la combinación de la que podría ser un riff de los 70 con un break hip-hop al estilo Mac Miller. Me atrae bastante la combinación de ambos mundos, hacerlos sentir con una vibra muy alienigena y un poco referenciado a la sensación que produce la película Requiem For a Dream. Un poco de ansiedad e incertidumbre. “Aquí”: Esta canción la compusimos antes de la planeación de Contacto, de hecho, es una canción recurrente en nuestros shows en vivo, decimos entonces renovar el sonido de la canción e inspirar ese sonido crudo y gigante en el break que lográbamos cuando estábamos en el escenario. “UFO”: Es el relato de una abducción extraterrestre haciendo ver al espectador que nosotros, Jet Nebula, somos los aliens intentando absorber algo del flow de Kid Pistola. En ese lapso de abducción logramos inyectar la duda y cuestionamiento, absorber el groove de Kid y crear la rola. Como lo dice la letra, esto ya no es lo que es qué crees ni lo que ves, haciendo alusión a que la vida es una simulación, por lo tanto, no existe ni bien ni mal y no se sabe si lo que se vivió fue una abducción real o solo parte de la imaginación. “Phuma”: Cuando se realizó la maqueta, yo tenía en mente hacer una canción que fuera un loop como para hipnotizar a la persona que la escucha. Sobre este trip me imaginé dar un mensaje acerca de lo que pensaba en ese momento. De varias cosas que se me ocurrieron decidí fluir con un pensamiento que tengo acerca de mi vida. Y el mensaje al final es que puedes ser quien sea y hacer lo que sea y que lo único que me hace sentido es hacer lo que más me gusta, “la creación”.

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“Tendo”: Esta canción es un paisaje oriental muy hermoso al principio, de ahí el nombre que es una ciudad en Japón, y finaliza con una de las partes más energéticas de todo el disco, creando una atmósfera parecida a cómo se escucharía el espacio musicalizado por Jet Nebula. “Wanda”: La progresión de esta canción da una sensación muy densa de nostalgia, la melodía de guitarra se diseñó para estar super saturada de efectos y aun así ser tarareable. Existe una versión alternativa ultra secreta con la voz de Sebastián Garrido (Halflower). “9K”: Esta canción nace de la experimentación con un secuenciador midi y la escala asiática In Sen, un loop de batería que posteriormente sería reemplazado con la violeta percusión de DAI, unas guitarras agresivas y una secuencia de bajo que le da un toque futurista, en el interludio tuvimos la oportunidad de introducir sonidos oníricos de saxofones, cortesía de nuestra amiga Maya Burns y el objetivo final de la rola es transportarnos a un escenario futurístico apocalíptico. “Triste”: Esta canción la compuso Ivan Hernández, tecladista de la banda, y es una traducción de emociones de un día en su vida. Podría decir que me encantaría iniciar los shows con esta canción por la dinámica que tiene tan fluida. “Tony”: Es una canción que le da cierre a una etapa de mi vida y es por eso que les pedí a mis homies cerrar con ella en el disco. Refleja mucho lo que puede pasar en un final… El principio del final siempre es algo nostálgico porque te das cuenta que se acerca el fin, luego viene todo el caos. Las cosas se salen de control, hay irregularidades en el tiempo y parece un ciclo sin fin, pero de repente sales de ahí y te das cuenta que todo está bien... Que esa nostalgia se volverá solo un recuerdo y un aprendizaje. Que ahora lo puedes ver y te ríes o bailas, lo dominas, surfeas la ola y parece que ya todo está a tu favor una vez más en gran parte por esos pequeños momentos donde tenemos miedo de lo que pueda pasar, de que si te avientas pueda que te lastimes o arriesgues mucho... Pero siempre es mejor escoger ese riesgo para salir de esa pesadilla y solo fluir a donde quieres llegar o estar.

::@samuel_s.naval

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‘SOMBRAS’ DE DANIEL CRAFT

Las melodías nostálgicas, con un toque de psicodelia y rock británico son parte de la identidad de Daniel Craft, quien decide crear un disco recopilación de sus sencillos para abordar un viaje de sentimientos y nostalgia. Su nuevo álbum ‘Sombras’ se caracteriza por su variedad de ritmos, letras metafóricas y una producción orgánica que llegará directo a los oídos de los amantes del rock melódico. A continuación, Daniel nos detalla cada canción de su nuevo material: “Realidad”: Fue la primera que se hizo del disco y la primera canción que hice en español, por eso tiene un significado especial para mí. La grabamos súper rápido, no fue de esas canciones que tienes tiempo de pensar como va a ser, sino simplemente así fue. Y fue la que inició todo como el camino que tengo en español. “Bacalar”: Es una canción que me encanta y me gusta mucho, desde el ritmo de la batería que es un poquito más como tropical, un poco más latino. Bacalar es un lugar especial para mí, nunca he ido, pero mucha gente me dice que es súper bonito y una persona muy especial para mí siempre me comenta de él. Entonces, lo idealicé y deposité muchas esperanzas de que ese lugar pase como lugar en donde todo va a estar bien. Y como dice la canción, no hay sol, ni luna, ni nada, simplemente un lugar en donde deposité mucha imaginación acerca de que va a estar super bien cuando llegué a él y será precioso. De eso habla un poco la canción “Tragaluz”: Es de las que más le gustan a la gente. Al principio era una balada de piano y una canción muy sencilla, pero que tiene mucho punch, gran batería y una letra metafórica extraña que mucha gente me ha preguntado de qué trata realmente… No lo voy a decir, tienen que encontrar el significado. “Pájaro”: Habla cuando las personas se enganchan con una sustancia y no lo quieren dejar ir. No se dan cuenta de que está afectando a todos a su alrededor y pues simplemente es una adicción. Está persona sigue con ella por un falso placer y no nota que se está apartando del mundo y regresar a la realidad tbien es importante. Esta se tiene que ver como es y no como luce al ensimismarse al 100 por ciento. Lo puedes aplicar en cualquier sustancia, no tiene que ser drogas, pero presiento que pasa mucho eso: nos enganchamos a algo o una actividad o a una sustancia y llegamos a depender de ello por completo y después nos creamos un mundo interior muy poderoso. “Dibujos de Plutón”: Yo creo que es mi favorita de este disco porque fue una canción que también salió super rápido. Todo fue en una noche. Se la di de regalo a alguien y al día siguiente, o sea, empecé la rola ya tarde como a las 8 de la noche y la terminé a las 7 de la mañana, así como Non Stop Recording y grabé como muchas guitarras esa misma ocasión. Los siguientes días fueron detalles, pero realmente el tema se hizo en muy poco tiempo, tiene un intro súper raro y luego el verso no se vuelve a repetir, tiene un solo en medio de la canción súper psicodélico y realmente es como cuatro canciones en una, entonces en vivo funcionó muy bien porque como que tienes una canción muy dinámica que también es muy pegajosa, también cada parte que conforma la canción es muy cachi. “Poco es más”: Es bastante literal su significado. Habla un poco de eso, de darnos cuenta de que no necesariamente por tener más cosas puedes garantizarte alto, sino que siempre se iniciar algo poco a poco. Es una canción también muy pegajosa y muy concisa.

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“Mundo”: También fue de las primeras rolitas que hice en español. Me recuerda un poquito como a este tipo de canciones que pones en cualquier momento y tienen una vibra muy bonita y muy positiva. “Tantas cosas”: Lo que más me gusta es la letra, se me hace que es de esas como timelapse en donde en cualquier período de tiempo siempre lo vas a poder entender, no utiliza palabras o significados que estemos viviendo un periodo en específico, sino es una de esas canciones que habla acerca de que las cosas van a llegar, o no, en el momento en el que dejes de pensar en ello. O sea, no porque lo pienses más van a llegar las cosas como quieres que lleguen. Ese significado me gusta mucho. “Dices”: Es una canción un poco extraña. Tiene una secuencia de acordes un poco peculiar y me encanta. También es de esas en las que tuve oportunidad de experimentar con una combinación de sintes y una letra un poco depresiva, que terminó siendo muy buena. Esta es de las canciones que no ha a pelado tanto la gente y es como los de esas que están escondidas en los discos, de las que se aprecian más tarde. “Consciente”: Fue la última canción que compuse para el disco, habla un poquito acerca del despertar de la conciencia, el cómo una persona puede entender a otra, aunque esté diciendo cosas muy extrañas y muy ambiguas, o tal vez lo está diciendo en un plano diferente del que muchas personas lo dicen y se siente mal de que tal vez no lo están comprendiendo. Hay una parte de la canción que dice “algunos escuchamos más” y ese es un poquito el mensaje para esas personas… No toda la gente está cegada, habemos quienes si llegamos a entender esos mensajes ocultos en las conversaciones y entonces surgen obras como esta.

:: Cortesía del Artísta

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‘EL PESO DEL MUNDO’ DE VAYA FUTURO

Vaya Futuro, actualmente conformada por Luis Aguilar, Miguel Ahuage y L.E. Ros, es una banda de Tijuana radicada en la Ciudad De México desde 2015. ‘El Peso del Mundo’ es el título de su cuarto material discográfico, en el que nuevamente se separan del sonido del álbum anterior y se acercan cada vez más a un estilo meramente propio. En su nuevo álbum tocan temas de aislamiento, trauma, y es un claro ejemplo de lo que sucede cuando una persona se deja moldear por el odio hasta llegar a los sentimientos más oscuros del ser humano. Encuentra paz en el rechazo del mundo moderno y su impacto en la ecología y la mente. Al mismo tiempo mezcla diferentes corrientes musicales tales como el flamenco, el jazz, el ambient, arreglos orquestales y experimentación en el estudio. A continuación, Luis Aguilar nos detalla cada canción del nuevo material de Vaya Futuro: “El Abuelo”: Siempre quise iniciar un disco a manera de a capela, con solamente la voz porque no sabes a dónde se dirige la canción y el resto del disco. Por fin encontramos el momento adecuado y creo que esta canción no quedaría en otra posición en el tracklist. La letra inicia con las enseñanzas de un abuelo a su nieto y de nuestra relación con la naturaleza contada a través de una historia fantástica, de un animal mitológico al que logran ver brevemente. Creo que en general cuestiona las implicaciones morales en nombre del progreso y pone en la mesa el conflicto central de todo el disco, que un mundo movido por el dinero y el poder causan daño al individuo.  “El Peso Del Mundo”: Fue la primera canción que hice para este disco nuevo, creo que ya tiene dos o tres años de su composición. La letra relata algo así como un terremoto onírico. Como si el mundo estuviera acabándose. De repente salen árboles gigantes violentamente rompiendo al pavimento y los andenes del metro y se apoderan del mundo. Y es casi mágico, sale también una luz encandiladora y mientras caes solo ves oscuridad, pero también cierto alivio. Es una canción con un sentimiento confuso. No sé si es triste, feliz, es más como un sueño y la sensación es más parecida a cuando por fin te despiertas y dices “qué raro soñé”. Definitivamente hay una falta total de control, no puedes evitar lo que estás viviendo, es más grande que tú.  “El Descenso”: En la canción pasada inicia la caída y en esta canción continúa. Es un descenso psicológico. Es de alguna forma dejar que los demonios se apoderen de ti y nublen tu juicio. Aquí se empieza a entender cuál es el conflicto del disco. Sed de justicia o de ya no tenerle miedo a las cosas que crees que te han afectado de tu ambiente, de tu pasado. Pero no es una aceptación positiva, es más como un descenso peligroso. Al final quisimos lograr un efecto como de coro Gospel que se repite, tal vez, de manera irónica, porque en la música Gospel generalmente se trata de una revelación religiosa o celestial, pero en este caso sería una revelación “oscura” o dañina.  “Luciferina”: Es más como un momento de aferro a no caer en esos malos pensamientos, es la lucha contra esos malos pensamientos. En una parte dice “por favor haz que ya no de vueltas en mi cabeza, quiero dejar de sentir que no existe justicia”. Una pelea entre pasado y presente, tratar de rescatar la luz que se está extinguiendo. Musicalmente a mí me suena un poco como un reloj, el paso del tiempo, esta figura galopante que compuse en guitarra pero que replicamos en sintetizador modular. Al final hay un crescendo con cello y contrabajo, como si los pensamientos te siguieran abrumando y saturando tus pensamientos.  “Talión”: Aquí se retoma dónde quedó la canción pasada y se revela por fin todo ese conflicto que hay dentro. Esta ya es una persona cerrada, que ya no confía en los demás y empieza con advertencias de cómo lidiar con este mundo hostil. Para confirmar esto te relata sucesos del pasado, como el secuestro de su padre, abuso sexual y crecer viendo violencia cotidiana, como, por ejemplo, un cuerpo mutilado a plena luz del día. El título hace referencia a la ley del Talión que es el “ojo por

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ojo”. Pero como es bien sabido, con el ojo por ojo el mundo se queda ciego. Claramente no es la manera, pero es lo que siente en ese momento, es real y no lo puede evitar. “((O))”: Aquí ya está todo sobre la mesa y solo queda pesadez y misantropía. Es el momento en el que este personaje sabe que quiere vivir alejado de la sociedad, como un ermitaño. “7”: Es un tema instrumental, originalmente había otro jam que se supone iba a ser 7, pero no estaba yendo a ningún lado y mejor desarrollamos esta otra idea en la que tocamos un sampler y Miguel tocó la batería con la tarola invertida y Ros hizo ahí una edición muy interesante. Es un tema corto y es más como de transición que otra cosa.  “Heima”: Significa “casa” en islandés, pero esta casa no es acogedora, es frenética, es grande, pero claustrofóbica, está contaminada, es la ciudad, la vida moderna y la forma en la que se consume información.  “Florecer/El Eremita”: Es una despedida de la manera en la que se vivía, una despedida a la vida misma tal vez y la aceptación de que algunas personas nacen sintiéndose fuera de lugar y que nunca encuentran “el camino a casa”. Que su casa tal vez es esa misma búsqueda y que llega un momento en el que te cansas de buscar. Gente que nace y muere “perdida”. Pero también es una celebración a la naturaleza y a que reclame su poder.  “Sosiego”: Depende de cómo lo veas, es un final o un nuevo inicio. La idea de esta canción es de sentirse uno con el elemento del aire, que puede simbolizar purificación, movimiento, un cambio. Al final el creciendo de voces y arreglos orquestales me suenan como a regeneración, como a nueva vida creciendo, un momento glorioso de belleza y purificación y trascendencia. El dolor desaparece y por fin se siente la calma. Esta canción comparte la misma progresión de notas que El Abuelo, entonces el disco acaba donde inicia. Una forma de decir que todas las herramientas y enseñanzas las tenías desde el principio, solo que tal vez hacía falta necesitarlas para entenderlo.

:: @synth.i.a

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ENTREVISTA

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ENTREVISTA

YELLOW DAYS ENtREVISTA EXCLUSIVA

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TXT:: Valeria Ramos

George Van Den Broek, mejor conocido como Yellow Days, abre su nuevo álbum con el audio de una entrevista a Ray Charles. En ella, Charles lamenta que hoy en día los músicos carecen de libertad ya que todas sus decisiones son tomadas por productores. Eso fue hace más de una década, pero sus palabras parecieron resonar con Van Den Broek, que con apenas veintiún años de edad ha construido una carrera envidiable, viajando por el mundo y trabajando con quienes alguna vez fueron sus ídolos. Su segundo álbum, ‘A Day in the Yellow Beat’ es innegablemente el resultado de esta convicción de ser libre de las garras de la industria, al igual que esa necesidad adolescente de hacer todo lo que nos dicen que parece inalcanzable.

¿Cómo fue el proceso de crear este nuevo álbum? George: He pasado los últimos dos años trabajando en esto y fue un proceso increíblemente largo. Fue una travesía musical para mí, estuve de gira mucho tiempo y conocí mucha gente increíble que me guió. Soy autodidacto pero este camino en específico se ha tratado de entender la música un poco mejor, sigo viviendo en el engaño de no conocer la teoría, aunque creo que eso fue bueno para mí. Estaba tomando un curso de jazz y escuchando las cosas correctas y me sentí inspirado por los años 70. Así que uní todo eso con los músicos de jazz que había conocido y fue una situación a la Beach Boys donde solo intenté llevar mis composiciones lo más lejos posible. Ha sido un gran trayecto para mí, siento que he crecido bastante como músico. Ahora tengo veintiuno y me siento más distante que nunca a los dieciocho o a los dieciséis cuando saqué mi primer sencillo. Siempre estoy avanzando y creciendo así que estos han sido dos años muy definitivos para mí. En la introducción del álbum podemos escuchar una grabación de alguien hablando sobre la libertad en la música. ¿Qué es y por qué decidiste usarla? George: Ese es Ray Charles hablando sobre la industria musical moderna. Obviamente siendo alguien que surgió en los años 50 y que se mantuvo en la cima hasta su muerte, vio la industria musical y la manera en la que se hacen los discos cambiar por completo. Hace muy buenas observaciones sobre qué está mal con los músicos y en la dinámica de las disqueras con los artistas. Los presionan en lugar de darles libertad sobre su trabajo, porque al final del día hacer un álbum tiene un gran elemento de riesgo y deberían permitirle a los artistas hacer lo que quieran. El lado financiero debería ser tomado en cuenta por la gente de negocios, pero un creador no debería de estar pensando en qué va a vender y qué no. Solo debería preocuparse por hacer discos puros, y eso es lo que él está diciendo.

Viendo que el álbum tiene veintitrés canciones, me parece una locura que tantas hayan quedado fuera, ¿Tienes planes de lanzar algún otro material pronto? ¿Estás trabajando en alguna otra cosa? George: Siempre estoy trabajando diez pasos adelante. Escribo tres o cuatro canciones al día, soy un escritor, es mi trabajo. Creo demasiadas cosas, y definitivamente algún día las sacaré. Es difícil porque quiero lanzar las cosas en el momento correcto, no quiero saturar a la gente de música. Tenemos muchas cosas buenas planeadas, pero todo sigue en el futuro, desafortunadamente. Cuando comenzaste a crecer y te volviste más famoso, ¿Te sentiste presionado a hacer música que no querías? George: De cierta manera sí, pero lo que significa en verdad para mi es que siempre he sido esa persona que se está quejando constantemente del estado actual de la música. Todos lo aceptan y siguen con sus vidas. No puedo evitar pensar que si estuviéramos en otro tiempo donde la música popular fuese tomada más en serio nuestras noches tendrían un valor mucho mayor, porque todos estarían escuchando a James Brown o a The Beatles. Simplemente no logro superar que seguimos escuchando estas tonterías pop, así que cuando hablo de eso siento que él está explicando cómo terminamos así, cómo terminamos con Ed Sheeran siendo la gran cosa. Tiene mucho que ver con los músicos teniendo un rol mucho menor y con productores que escriben el disco entero. Es fascinante para mí porque yo estaba pasando por ese proceso, y es caro tener músicos reales siempre, es por eso que mucha gente no lo hace y prefieren ahorrar ese dinero para un video de Nicki Minaj o lo que sea. Yo quise gastarlo en eso y tener a los músicos ahí porque eso hicieron los grandes, tuvieron bandas muy buenas y les pagaron en lugar de tener a cualquiera. He estado trabajando en mi técnica y en escribir, así que han sido años de crecimiento muy importante para mí. La música se convirtió en mi escuela. Esa fue mi universidad.

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ENTREVISTA

:: Cortesía del Artísta

“Con el título del disco‘A Day in the Yellow Beat’ quería hacer un chiste de lo largo que es y de como toma todo el día escucharlo, pero también es como pasar un día en mis zapatos...”

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Has hablado sobre los artistas que te han inspirado y mencionas a artistas como Mac DeMarco. En el álbum hay una colaboración con él, ¿Cómo se conocieron? ¿Cómo se sintió pasar de ser un admirador a un colaborador? George: Fue una chica muy amable en KCRW que se enteró que yo era muy fan y nos juntó. Él me invitó a su casa y nos conocimos un poco ahí, eventualmente nos fuimos conociendo más hasta que por fin decidí hacerle la pregunta. Le pregunté si quería una canción en mi disco y dijo que sí. Así que en realidad solo pasó. Fue bastante cool, se sintió como un sueño haberlo conocido y grabó un solo increíble. Es como un mentor y una leyenda en mis ojos, así que solo quiero hacer más. ¿Hay alguien con quien te gustaría colaborar? George: Siempre hay alguien. En este momento no tengo ninguna idea en específico, pero siempre he querido trabajar con Tyler, The Creator o cualquiera de los artistas que crecí escuchando como Tame Impala. Amo la música y siempre estás descubriendo a otra leyenda. Alguien que apenas se me ocurre es Lewis Taylor, es un noventero que dicen inspiró a D’Angelo. Es un artista increíble. ¿Fue difícil para ti dejar Surrey y salir al mundo a presentar tu música? ¿En algún momento te sentiste abrumado o solo, aunque fuera un sueño hecho realidad? George: Pues cuando grabé este disco seguía viviendo en casa, pero fueron dos años muy largos. Estaba en esa edad donde todos se estaban yendo a la universidad o consiguiendo trabajo y dejando la ciudad así que fue un periodo muy solitario y difícil para mí. Ahí fue que escribí el disco. También fueron dos años de obsesionarme con el jazz y el fusion solo en mi casa y sintiéndome distante de mis amigos. Ese tipo de cosas son las que exploro en el álbum así que creo que le recordará a la gente ese periodo de mudarse a otro lado y de crecer como personas. Supongo que será nostálgico en ese sentido.


ENTREVISTA

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REPORTAJE

CONCIERTOS Y LA VUELTA A LA REALIDAD

TXT:: Jiovanna Pérez

Cuando iniciamos el 2020 nuestra expectativa era muy elevada, estábamos seguros que este año vendría con mucha música en vivo. Ya habían sido anunciados varios festivales y conciertos importantes, incluso algunos de ellos con sold out para esas fechas. Ni siquiera pasaba por nuestra mente lo que vendría con la llegada del COVID-19. Los primeros días de marzo se sabía que el coronavirus estaba dando pasos gigantes en el mundo, pero en México aún no se le daba la seriedad necesaria, nadie sabía qué iba a pasar en la vida y mucho menos en eventos masivos musicales, siendo el más próximo el Vive Latino.

EL ÚLTIMO FESTIVAL: VIVE LATINO Rumores iban y venían diciendo que se cancelaría o pospondría, pero conforme pasaban los días nos dimos cuenta de que el festival iberoamericano se llevaría a cabo con normalidad aunque hubo bandas que se bajaron del cartel, caso de All Them Witches, Ambar Lucid, Biznaga, Enrique Bunbury, Fangoria, Gustavo Santaolalla, Kyary Pamyu Pamyu, Portugal The Man, Usted Señálemelo y Vetusta Morla. El 14 de marzo llegó y con ello vimos a miles de personas formar filas en la entrada del recinto para que les fuera tomada la temperatura, hasta ese momento fue la única medida de seguridad. La mayoría de asistentes iban a divertirse sin importar nada más que disfrutar lo que sería el último festival durante meses, aunque en ese momento evidentemente no lo sabían. Eran pocas las personas que usaban cubrebocas y algunos iban protegidos al mejor estilo espacial con trajes completos que, aunque cumplían su función, eran usados en un tono sarcástico ante la situación. Claro que hubo muchos tomándose fotos con ellos y bromeando al respecto de una pandemia que parecía irreal y momentánea. A pesar de todo el Vive Latino triunfó, al estar

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dentro del Foro Sol no se notaba que hubiera una enfermedad a nivel mundial, las bandas canceladas fueron reemplazadas con artistas que nos hicieron tener una gran experiencia y al parecer los contagios no se hicieron presentes. Muchos señalaron de irresponsables a los asistentes y organizadores, sin embargo, se llevó con tranquilidad y aunque parecía que los próximos festivales tendrían la misma suerte, no fue así. El siguiente fin de semana esperábamos vivirlo en Monterrey con el Festival Pal Norte en Parque Fundidora, las malas noticias llegaron desde ese momento pues a pocos días este fue pospuesto hasta nuevo aviso, después nos enteraríamos de que el evento se movía a septiembre para unos meses más tarde ser reprogramado hasta el 2021. Esta noticia la leímos tantas veces como nos fue posible con cada uno de los eventos previstos para los siguientes 5 meses, algunos cancelados y otros pospuestos para fechas entre agosto y diciembre de este mismo año, los casos más sonados fueron: Machaca, Corona Capital Guadalajara, Beyond Wonderland, Ceremonia, Hipnosis, Vaiven


REPORTAJE

LA ERA DEL STREAMING Las grandes empresas como Ocesa lanzaron comunicados anunciando que los eventos en general no regresarían hasta nuevo aviso. Músicos y bandas comenzaron a hacer pequeñas transmisiones tocando en acústico un par de canciones, promocionando su mercancía o incluso solo para convivir con sus fans.

En el caso de los medios de comunicación, surgieron varias iniciativas para mantener conectados a los fans con sus artistas favoritos por medio de festivales, acústicos y sesiones en línea que transmitían gratuitamente en redes sociales como Facebook e Instagram día con día. Algunos nombres que figuraron en estos shows online fueron las sesiones Playboy Music, Cuarentena Musical x Vibras, Pijamalooza y Cuarentena Fest. Alimentaban esa necesidad de música en vivo de una forma muy distinta a la que estamos acostumbrados. Porque, aunque estos medios fueron una ventana a los conciertos, no es lo mismo estar detrás de una pantalla a presenciar un concierto en un venue cantando con amigos, sintiendo el calor de la multitud y con todas las emociones de los asistentes haciendo vibrar los recintos. Posterior a esto llegaron los grandes conciertos vía streaming ya con una producción mucho más profesional, básicamente conciertos sobre el escenario de venues, con la banda completa presente, staff y cámaras de alta calidad, pero sin fans en los recintos.

Esto fue implementado sobre plataformas de paga y con duraciones similares a las que tendrían los conciertos a los que estábamos acostumbrados. Así a cargo de diferentes empresas hemos disfrutado de presentaciones completas y siguen muchas más programadas para los siguientes meses.

“LA CUARENTENA FUE DEEn el caso de Ocesa los llamados “Irrepetibles” han tomado lugar en venues como el Plaza Condesa CLARADA, Y y el Teatro Metropólitan para presentar a artistas de talla internacional, caso de DLD, Paty Cantú, AL PASAR LAS Mijares y Molotov. Estos shows se han transmitido sobre las plataformas de E-Ticket y TicketMaster. SEMANAS, LOS Cuentan con próximas presentaciones entre las que destaca el regreso a México vía streaming de CONCIERTOS la banda californiana The Neighbourhood. EMPEZARON A Por otro lado, surgió la plataforma Streamtime ideada por Melo Montoya, creador y promotor HACER FALTA EN de festivales como Machaca, Catrina y Pal Norte. Bajo el concepto “Bienvenidos al futuro” llega esta NUESTRAS VIalternativa a los shows en vivo. En ella por medio de una app puedes acceder a la cartelera de próximos DAS” eventos y comprar boletos para conciertos con alta calidad. Durante varias semanas hemos disfrutado de música con artistas como Ruido Rosa, Inspector, Okills, Marco Mares, Jumbo y Comisario Pantera; para próximos streamings están programados Porter y God Save The Queen.

:: @liliestradamx

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REPORTAJE

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REPORTAJE

:: @byjiovannabellamy

LA NUEVA NORMALIDAD

Poco a poco nos hemos adaptado a la llamada “nueva normalidad” en donde ya empezamos a salir a respirar, pero siempre con cubrebocas, accesorio que se ha vuelto indispensable en el outfit del 2020. El pánico colectivo va perdiendo intensidad y los eventos masivos comienzan a cobrar fuerza.

contó con un escenario 360 que daba una vista aceptable a los autos separados uno de otro con 2 metros de distancia. En cuanto a los alimentos, se vendían cervezas y botanas en paquetes para así evitar en lo posible el contacto entre asistentes y vendedores. Así el concierto se llevó con tranquilidad y respetando la sana distancia.

Los primeros indicios de shows en vivo llegaron con los autoconciertos, tal como se vivía en los años 50’s en los autocinemas pero ahora con música en grandes venues que podemos disfrutar desde la seguridad de nuestro auto. Esta idea se originó en Europa y los primeros autoconciertos se realizaron en Dinamarca y Alemania. A México llegaron al Foro Pegaso en Toluca y al Parque Bicentenario en la Ciudad de México.

Para México tanto este modelo como el de shows vía streaming funcionó bastante bien y hasta el momento se tienen programados varios más en la agenda musical que dan vista del avance que vamos teniendo para regresar a los conciertos masivos. Mientras tanto, los grandes festivales presenciales siguen posponiendo fechas y la gran mayoría ya han anunciado que próximas ediciones vendrán hasta mediados del siguiente año.

Vivimos la experiencia con Moderatto en el Foro Pegaso, a decir verdad, las expectativas eran bajas, sin embargo, nos sorprendió el nivel de responsabilidad tanto de los asistentes como de los organizadores. Al entrar al venue se entregaba un kit con gel antibacterial y cubrebocas suficientes para las 4 o 5 personas dentro de cada auto. Las reglas eran claras: podías bajar de tu auto para una mejor experiencia mientras te mantuvieras frente o a los costados del mismo. El show

La vida dio un giro impresionante al entrar la pandemia por Coronavirus. Aún estamos en el proceso y no sabemos qué va a seguir, pero los modelos de entretenimiento han evolucionado a un nivel increíble, se apostó por lo digital y al momento funciona. Sin embargo, si hay algo que podemos asegurar es que no nos vamos a acostumbrar totalmente a estas nuevas formas de ver los conciertos, pero si es la manera de no perderlas por el momento podemos adaptarnos.

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Reviews

REVIEWS TXT:: Cecilia L. García y Valeria Ramos

‘A Hero’s Death’ – Fontaines D.C. ★: 4.5 / 5 Fontaines D.C. volvió a la escena con su nuevo disco titulado A Hero’s Death luego de un año de su álbum debut Dogrel que ganó una nominación al Premio Mercury. A pesar de poder repetir la fórmula que les trajo buenos resultados, los irlandeses presentaron un material diferente, más introspectivo, lleno de atmósferas, bucles sonoros, armonías hipnóticas, guitarras apocalípticas y, sobre todo, con un estilo más maduro. Compuesto por once canciones, “I Don’t Belong” inicia el viaje con un bajeo constante; guitarras surf con tintes western se pueden encontrar en melodías como “Love Is The Main Thing” o “Televised Mind”; la hipnótica, tranquila y adictiva “You Said” en la mitad del álbum; “Oh Such A Spring” con la nostalgia; las atmósferas siniestras de “Living In America” para culminar con la preciosa “No”, una melodía honesta, en la que el vocalista Grian Chatten hace una maravillosa interpretación. Sin duda, es un álbum que debes escuchar. Canción Recomendada: “A Hero’s Death”

‘So When You Gonna…’ – Dream Wife ★: 4 / 5 Dream Wife presentó su nuevo material de larga duración, So When You Gonna… un disco lleno de subidas y bajadas de intensidad y emociones, en el que emprenderás un viaje introspectivo hacia tus sentimientos más profundos acompañado de guitarras discordantes, sonidos pegajosos y juegos de voces. El disco está lleno de contrastes: abre con “Sports!” una melodía fresca y pegajosa; guitarras distorsionadas susurros y gritos se pueden oír en “Homesick”; coros en español con una melodía veraniega en “Hasta La Vista” y la energía punk en “So When You Gonna…”. Este es un álbum que a lo largo de once canciones habla de las dificultades personales, de soltar y dejar ir, además de invitarte a perseguir lo que quieres sin disculparte con nadie. No hay porqué justificarse. Es tu vida, es tu cuerpo. Tal y como lo dice “After the Rain”, canción tranquila y emotiva con la que cierra el disco. Canción Recomendada: “Sports!”

‘Mordechai’ – Khruangbin ★: 4 / 5 Los texanos de Khruangbin presentaron su nuevo álbum Mordechai en donde Laura Lee, Mark Speer y Donald Ray Johnson reafirman su estilo, tan único como ellos mismos, agregando elementos nuevos: voz y versos en inglés y español, acompañados por beats pegajosos, bajos que te hacen querer bailar y melodías vibrantes e hipnóticas que te llevan por un viaje de cuarenta y tres minutos. Un bajo armónico y acentuado sobre sintetizadores abren el camino para los siguientes diez tracks, se trata de “First Class”. El viaje continúa con un bajo funk y los ritmos tropicales en “Time (You and I)”; los riffs de guitarra en la instrumental “Father bird, Mother Bird”; versos en español y la melodía tipo cumbia en “La Pelota”; la armonía vibrante de “So We Won’t Forget” y el cierre con la hipnótica y placentera “Shida” es un poco de este álbum que no puedes dejar de escuchar. Canción Recomendada: “Time (You and I)”

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Reviews

‘Ugly Is Beautiful’ – Oliver Tree ★: 4 / 5 Un corte de hongo, gafas negras de armazón rojo, una chaqueta rosa y morado, pantalones acampanados y globos rosas es la forma en la que Oliver Tree se presenta en la portada de su disco debut, Ugly Is Beautiful, en el que conjunta una serie de géneros como el rock, rap, hip hop y música electrónica que se cohesionan perfectamente en el material de catorce canciones. “Me, Myself & I” es un gran inicio donde el rock se mezcla con electrónica para crear un sonido pegajoso; al igual que con “Hurt” o “1993 feat. Little Ricky ZR3” un track que te invita a bailar; el hip-hop que sin duda cautiva en “Bury Me Alive” para culminar con “I’m Gone”, una canción con la que Oliver Tree anuncia el fin de su carrera musical. Se trata de un álbum que no se debe juzgar por su portada, que habla sobre ser como quieras, disfrutar y vivir feliz sin importar qué digan los demás. Recomendación: “Introspective”

‘Punisher’ – Phoebe Bridgers ★: 4 / 5 Desde que lanzó su álbum debut Stranger in the Alps en 2017, Phoebe Bridgers ha ido cimentando su lugar como una de las voces más representativas de nuestra generación. Siempre honesta, Bridgers nos presenta Punisher: una colección de canciones hiper-personales (y levemente misántropas) que nos rompen el corazón y no muestran ninguna intención de enmendarlo. En “Punisher”, la canción titular, Bridgers involuntariamente describe perfectamente el sentimiento de escuchar su música “What if I told you/I feel like I know you/but we never met?” Ahí radica su mayor fuerza, capturar la universalidad de la tristeza a través de sus propias experiencias. En “Kyoto” canta sobre la complicada relación con su padre, mientras que en “Moon Song” habla de una relación abusiva y en “I See You” canta sobre su baterista. Ningún tema es tabú para ella, ni musicalmente ni en la vida real. Tal vez esa carencia de filtro es lo que hace de Punisher uno de los mejores, si no es que el mejor álbum del 2020. Canción Recomendada: “Kyoto” ‘Breathe Deep’ – Oscar Jerome ★: 5 / 5 Oscar Jerome debutó recientemente en la escena del jazz con su álbum titulado Breathe Deep, un disco en donde la mezcla de soul, hip hop, funk e incluso música africana harán que no quieras parar de escucharlo.“Searching for Aliens” es la primera de once canciones, en donde sonidos envolventes te dan la bienvenida y te atrapan, para luego continuar con “Sun For Someone” una canción pegajosa llena de buena vibra, el hip hop se suma con “Give Back What U Stole From Me” y el bajo funk se hace presente en “Gravitate”. Este álbum, según el londinense, se trata de prepararse para el fracaso y crecer a partir de eso. Es un disco para reflexionar mientras cierras los ojos y te dejas llevar por el jazz y las melodías fusionadas de Oscar Jerome. Recomendación: “Joy Is You”

‘A Day in a Yellow Beat’ – Yellow Days ★: 4.5 / 5 El cantante y compositor británico George Van Den Broek, mejor conocido como Yellow Days dará a conocer su nuevo álbum A Day in a Yellow Beat que él mismo define como “música existencial y alegre de la crisis de los millennials”. El viaje inicia con una atmósfera envolvente en “Intro” y continua con el bajo marcado y sintetizadores recuerdan a melodías de los setenta en “Be Free”; la instrumental “Come Groove” que llena de paz y tranquilidad al igual que “Keeps Me Satisfied” e introduce un poco de rap en “! Ft . Bishop Nehru!”. Con veinte canciones y la participación de Mac DeMarco, John Carroll Kirby, Nate Fox entre otros este material te lleva por verdades deprimentes acompañadas por un bajo funk y melodías frescas y bailables, sin lugar a duda, un disco que no puedes dejar de escuchar. Recomendación: “Keep Yourself Alive”

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ENTREVISTA


ENTREVISTA

GUS DAPPERTON TXT:: Misael Hiram

Gus Dapperton comenzó a escribir ‘Orca’ mientras estaba de gira en 2018, se encontraba entusiasmado por presentarse ante los fans y nuevos escuchas en países que nunca antes había visitado, sin embargo, también sentía el estrés de estar viajando constantemente. Esos altibajos precipitados y el deseo de volver a casa lo llevaron a lugares oscuros e incluso, aunque no lo pareciera, a estar más cerca de quienes lo rodeaban. Gus padece depresión y uno de los peores aspectos de esta condición es el cómo sabotea y desmonta las conexiones que tienes en tu vida; estás solo en tu cabeza, sintiéndote incapaz de comunicar lo que estás viviendo y, si eres una persona joven o físicamente sana, las personas a tu alrededor no notan que necesariamente algo te aflija. Las decisiones creativas de este músico, a raíz de este contexto, buscaron un sonido crudo que igualara sus emociones, pero estos no llegaron fácilmente. Luego de esforzarse consigo mismo y recibir la ayuda de sus familiares y amigos, salió del otro lado más fuerte.

Actualmente eres de los artistas más sobresalientes que existen. Con solo 23 años has logrado alcanzar a millones de personas con tu música y estás a poco tiempo de sacar tu segundo álbum, cuéntanos ¿Cómo ha sido este viaje para ti en los últimos años? Gus: Honestamente creo que ha sido un sueño hecho realidad. Eso lo pensé desde que comencé como a los 14 años, así que el hecho de hacerlo y estar viviendo de eso es un sueño hecho realidad, aunque también ha sido interesante irme de tour. Es una gran experiencia estar en todo el mundo y en tantos lugares tan diferentes a lo que conoces, por suerte he podido, ya sabes, mantener la cabeza en mis hombros y hacer música justo como quiero, ha sido genial.

“ Mi meta más grande en la vida era simplemente hacer música durante el resto de mis días… ” Estabas estudiando tecnología musical en la universidad y cuando lo dejaste empezaste a trabajar y subir tus canciones para darle forma a tu proyecto. ¿Fue hasta ese momento tu primer acercamiento con la música? Gus: De hecho empecé a tener este proyecto mientras estaba en la escuela y cuando la abandoné estaba terminando el primer EP. También trabajaba en unos videos para mí música, así que estaba buscando mi gurú. Empecé a tener algunos shows en Filadelfia y Nueva York, pero ya tenía una idea precisa de la música que hacía. Estaba muy metido en mi zona una vez que la tuve y, respondiendo a tu pregunta, sí, ya tenía mi primer EP y me la pasaba cantando en mi cuarto todo el día, todos los días trabajaba en eso.

Tengo entendido que empezaste con instrumentos analógicos y todo lo hacías por tu cuenta, ¿Qué fue lo más complicado para ti en ese durante momento? Gus: Creo que cuando empecé a hacer música yo estaba haciendo lo que creía que sonaba bien, o lo que pensaba que estaba bien, pero nunca tuve un mentor o alguien que me dijera que lo que estaba haciendo estaba bien… Qué sonidos usar o si cantar de esta forma, qué equipo usar o qué micrófono. No tenía a nadie que me dijera que esa era la forma correcta de hacerlo, así que en cuanto la gente empezó a escuchar mi música y yo pensaba que quizá no había una forma correcta de hacer las cosas, la forma correcta llegó y fue como se supone debía de ser. Aparte del tipo de sonidos que compones, algo que resalta mucho en tu música son los videos que acompañan a tus canciones. Éstos tienen una estética visual y narrativa muy marcada, colores, planos. ¿Eres un gran fanático del cine? Gus: Sí, soy un gran fanático del cine pero creo que la primera vez que quise hacer un video musical fue porque pensé que hubo un tiempo en el que toda mi música solamente vivía en Soundcloud, también la de varios amigos y quería que mi música estuviera en otras plataformas y que fuera vista, quería tener la oportunidad de usar las demás herramientas digitales y fue como “oh, hay que hacer un video”, así que busqué a algunos directores y demás gente para hacerlo. Mi amigo Matt hizo mi primer video musical, él junto con mis amigos, me ayudaron a que hiciéramos cosas muy cool, fue una colaboración muy buena y de ahí quise seguir haciendo más videos. Amo los videos musicales, amo cómo la gente los ve y ve esta personalidad que tiene mi música.

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ENTREVISTA

:: @jess_farran

“Honestamente nunca había estado tan emocionado por lanzar música y que la gente la escuchara, porque siento que es una representación muy real sobre mí y lo que soy. Es lo que mi música trata de hacer...”

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En septiembre sale tu segundo disco, pero llevas escribiéndolo desde el 2018 mientras estabas de gira… Es decir que ya pensabas en tu segundo disco cuando el primero aun no salía. ¿Cuáles eran tus pensamientos más recurrentes en ese momento?, ¿cómo llevabas tu vida mientras estabas de tour? Gus: Sí, honestamente obtengo inspiración mientras estoy de tour visitando lugares diferentes. No es muy difícil para mí escribir canciones en mi cuarto de hotel o en el autobús, aunque pareciera ser un trabajo tedioso es muy genial sentarme a escribir algo, muchas de estas canciones las empecé desde hace un tiempo pero no siempre escribía para un álbum hasta no saber que álbum iba a ser o hasta que tenía como tres canciones y decía “okay, estás son las canciones que quiero que estén en el álbum” y lo demás lo escribía de acuerdo a ese álbum y su concepto. Las que me comentas las escribí desde hace un tiempo, pero no sabía que iban a estar como una de las grandes canciones de este álbum y que sería lo que lo definiría, ¿pero sabes? es frustrante cuando tengo que hacer demos y no puedo grabar en serio en mi departamento… Está bien escribir canciones, pero cuando me siento frente a ellas por semanas y no puedo ir al estudio de grabación para grabarlas en serio es un poco molesto. Este disco es crudo, habla sobre la soledad que puedes encontrar en tus propios pensamientos y cómo la depresión puede sabotearte, ¿cómo fue para ti esa liberación al momento de vaciar estas emociones en tu música? Gus: Usualmente no escribo canciones sobre estos temas, supongo que solo fue ese sentimiento que tuve el año pasado, pero fue muy satisfactorio el poder escribir y soltar esos sentimientos… También el tener gente que está a mi alrededor y que me apoya. Es increíble y me siento muy agradecido de ser capaz de hacer música y soltar estos sentimientos… a la gente dice que es una forma de terapia, una forma de sanación y realmente creo que lo es, todos deberían intentar hacer música alguna vez en sus vidas.


V I B R A S G R A C I A S

P O R

2 0 2 0 L E E R

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Vibras #01  

¡Les presentamos el primer volumen de nuestra revista digital! Apareciendo en la portada tenemos a Fontaines D.C. como nuestra entrevista...

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