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Firmas.


BALLET BALLET

LABORATORIO PROYECTO MULTIDICIPLINARIO


PINOCHO BALLET // EDITORIAL MAYO 2013 LABORATORIO PROYECTO MULTIDISCIPLINARIO El material de este libro tiene como pr贸posito el presentar la investigaci贸n y propuesta para la puesta en escena de la obra PINOCHO, para el Ballet de Monterrey.

Monterrey Nuevo Le贸n, M茅xico.


Índice. 1 2

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8 - Pinocho.

Dedicatoria/agradecimientos Índice 1. Introducción 2. Planteamiento del Problema 2.1. Objetivos Generales 2.2. Objetivos Específicos 3. Marco Teórico 3.1. Artes Escénicas 3.2. Ballet 3.2.1. Disciplina del Ballet 3.2.1.1. Vestuario 3.2.1.2. Consideraciones Espaciales 3.2.1.2.1. Espacio Escénico 3.2.1.2.1.1 Suelo 3.3 Historia del Ballet 3.3.1. Tipos de Ballet 3.3.1.1. Francés 3.3.1.2. Ruso 3.3.1.3. Inglés 3.3.1.4. Cubano 3.3.2. Obras Principales 3.3.2.1. Sílfides 3.3.2.2. Lago de los Cisnes 3.3.2.3. Cascanueces 3.3.2.4. Coppelia 3.3.2.5. Giselle 3.4 Ballet en Nuestro Continente 3.4.1. Países Pioneros 3.4.2. Ballet en Nuestro País 3.4.2.1. Compañías Principales 3.4.3. Influencia de Cuba en Nuestro País 3.5 Investigación Creativa de un Espectáculo Escénico 3.5.1 Elementos de Comunicación Visual en una Escenografía. 3.5.2 Tema 3.5.3 Tesis 3.5.4 Argumento 3.5.5 Tipos de Escena para Mantener Interesado al Público 3.5.6 Tipos de Personajes 3.5.7 Encuesta del Personaje 3.5.8 Géneros Teatrales 3.5.9 Línea de Acción de una Historia 3.5.10 Sinopsis 3.5.11 Psicología del Personaje

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4. Marco Teórico por Disciplinas 4.1. Interiores 4.1.1. El Interiorismo en las Artes Escénicas. 4.1.2. Normas de un Teatro 4.1.3. Flujos en un Teatro 4.1.4 Acondicionamiento Acústico 4.1.5 Iluminación Escenográfica 4.1.6 Elementos Técnicos del Teatro 4.1.7 Proceso de Diseño Escenográfico 4.1.8 Tras Bambalinas 4.1.9 Arte Efímero 4.2. Diseño de Modas 4.2.1. Inicios del Vestuario del Ballet 4.2.2. Vestuario del Ballet en la Actualidad 4.2.3. Influencia del Ballet en la Moda 4.2.4 Tendencias de Moda 4.2.5. Pinocho como Inspiración 4.2.6. Vestuario de Pinocho Ballet 4.2.6.1. West Australian Ballet 4.2.6.2. Carolina Ballet 4.3. Arte Digital 4.3.1. Historia y Evolución del Arte Digital 4.3.1.1. Manifestaciones (Técnicas) 4.3.1.2. Artistas Representativos 4.3.2. Arte Digital aplicado en las Artes Escénicas 4.3.3. Arte en los Nuevos Medios 4.3.3.1. Animación 4.3.3.1.1. Historia y Evolución de la Animación 4.3.3.1.2. Aplicaciones en Espectáculos Escénicos 4.3.3.2. Video Mapping 4.3.3.2.1. Historia y Evolución del Video Mapping 4.3.3.2.2. Aplicaciones en Espectáculos Escénicos 4.3.3.3. Web 4.3.3.3.1. Historia y Evolución de la Web 4.3.3.3.2. Usos y Aplicaciones 4.3.3.4. Aplicaciones (Apps) 4.3.3.4.1. Historia y Evolución de las Aplicaciones 4.3.3.4.2. Usos y Aplicaciones 4.4. Mercadotecnia 4.4.1. La Mercadotecnía Punto Clave 4.4.2. Inicios de la Mercadotecnia en las Artes escénicas y el Entretenimiento 4.4.3. Mercadotecnia y el Ballet 4.4.4. Inicios de la Publicidad en el Arte 4.5. Diseño Gráfico 4.5.1 Comunicación Gráfica 4.5.1.1 Elementos de Identidad Gráfica 4.5.1.2 Influencia del Ballet dentro del Diseño Gráfico 4.5.1.3 Diseño Gráfico en el Ballet

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4.5.1.4 Casos de Éxito dentro del Diseño Gráfico Enfocado en Ballet 4.5.2 Publicidad 4.5.2.1 Tipos y Estilos de Publicidad 4.5.2.2 Campañas Publicitarias 
 4.5.2.3 Influencia del Ballet en Publicidad 4.5.2.4 Aplicación de Publicidad en Artes Escénicas y Entretenimiento 4.5.2.5 Publicidad en Ballet 4.5.3 Branding 4.5.3.1 Elementos de Branding para el Éxito 4.5.3.2 Branding en el Diseño Gráfico 4.5.3.3 Branding en Artes escénicas 
 4.5.3.4 Branding en Ballet

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5. Ballet de Monterrey 5.1. Evolución de la Estructura de la Compañía 5.2. Situación Actual 5.3. Ambiente Externo (macro ambiente)

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6. Tendencias 6.1. Interiores 6.2. Modas 6.3. Arte Digital 6.4. Mercadotecnia 6.5. Diseño Gráfico 7. Casos de Estudio Multidisciplinarios 7.1 El Rey León musical de Broadway 7.2. El fantasma de la Ópera 7.3. Wicked 7.4 Otros Casos de Éxito 7.4.1 Alicia en el País de las Maravillas 7.4.2 Lago de los Cisnes 8. Marco Referencial 8.1 Objetivos de la Investigación 8.2. Objetivos Específicos 8.3 Metodología de la Investigación 8.3.1. Cuantitativo 8.3.1.1. Encuesta a Público actual y Potencial

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8.3.2. Cualitativo 8.3.2.1 Observación Pasiva “Fly on the Wall” p.130 8.3.2.2. Observación como Espectador p.130 8.3.2.3 Visita Guiada p.130 8.3.2.4 Extreme User p.131 8.3.2.5 Entrevista a Responsable de confección de Vestuario de Ballet de Monterrey p.131 8.3.2.6 Entrevista a ex Bailarina de Ballet Profesional p.131 8.3.2.7 Entrevista a Bailarina de Ballet Profesional p.131 8.3.2.8 Entrevista a Bailarina Amateur p.132 8.3.2.9 Entrevista a Bailarina Experta y Profesora p.132 8.3.2.10 Observación Detrás del Escenario p.132 8.3.2.11 Técnicas Proyectivas como Inspiración p.132 8.3.2.12 Observación Video Mapping p.133 8.3.2.13 Entrevista a Participantes de Proyecto Video Mapping p.133 8.3.2.14 Conversación con el Director del Ballet de Monterrey p.133 8.3.2.15 Conversación con Dirección Creativa de Cadena y Asociados p.134 8.3.2.16 Conversación con Coordinador de Vestuario del Ballet de Monterrey p.134 8.3.2.17 Entrevistas al Público Actual y Potencial p.134 8.4 Guías en Blanco 8.4.1. Guía de Entrevista a Responsable de Confección de Vestuario de Ballet de Monterrey p.135 8.4.2 Guía de Entrevista a ex Bailarina Profesional de Ballet p.135 8.4.3 Guía de Entrevista a Bailarina Profesional de ballet p.136 8.4.4 Guía de Entrevista a Bailarina Amateur p.136 8.4.5 Guía de Entrevista a Bailarina Experta y Profesora p.137 8.4.6 Guía de Entrevista a Participantes de Proyecto Video Mapping p.138 8.4.7 Guía de Entrevista a Público Actual y Potencial p.139 8.4.7.1. Entrevista de familias INTERESADAS con hijos de 5 a 15 años y de 16 a 25 años. 8.4.7.2. Entrevista de familias NO INTERESADAS con hijos de 5 a 15 años y de 16 a 25 años. 8.4.8 Encuesta a público actual y potencial p.132 8.5 Interpretación de Resultados 8.5.1 Observación Pasiva “Fly on the Wall” p.144 8.5.2 Observación como Espectador p.145 8.5.3 Visita Teatro de la Ciudad p.147 8.5.4 Visita Guiada Luis Elizondo p.147 8.5.5 Entrevista a Responsable de Confección de Vestuario de Ballet de Monterrey p.147 8.5.6 Entrevista a ex Bailarina de Ballet Profesional p.148 8.5.7 Entrevista a Bailarina de Ballet Profesional p.148 8.5.8 Entrevista a Bailarina Amateur p.148 8.5.9 Entrevista a Presidenta de Sindicato de Profesores de Danza p.149 8.5.10 Observación Detrás del Escenario p.149 8.5.11 Técnicas Proyectivas como Inspiración p.150 8.5.12 Observación Video Mapping p.150 8.5.13 Entrevista Participantes Video Mapping p.150 8.5.14 Conversación Director del Ballet de Monterrey p.152 8.5.15 Conversación Cadena y Asociados p.152 8.5.16 Conversación con Coordinador de Vestuario Ballet de Monterrey p.154 8.5.17 Entrevista a público Actual y Potencial p.154 8.5.18 Encuesta a público Actual y Potencial p.154 8.6 Pinocho 8.6.1 Origen de la Obra p.155 8.6.2 Diferentes Versiones p.156

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9 Conclusiones

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10 Hallazgos y Oportunidades de diseño

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11. El proyecto 11.1. La obra 11.2. Concepto 11.2.1. Inspiración 11.2.2. Inspiración Visual 11.2.3. Aplicaciones 11.3. Propuesta de Producción (Arquitectura de Interiores) 11.3.1. Introducción 11.3.2. Inspiración 11.3.3. Estilo 11.3.4. Paleta de colores 11.3.5. Materiales 11.3.6 Proceso de diseño 11.3.7 Propuesta 11.3.8 Presupuesto 11.4. Propuesta de Arte Digital para la obra de Ballet Pinocho 11.4.1. Justificación 11.4.1.1. Animación 11.4.1.2. Video mapping 11.4.1.3. Micrositio (Web) 11.4.2. Presupuesto 11.5. Vestuario (Diseño de Modas) 11.5.1. Introducción 11.5.2. Inspiración 11.5.3. Estilo y elementos 11.5.4. Siluetas 11.5.5. Materiales 11.5.6. Paleta de colores 11.5.7. Explicación de los Personajes 11.6. Estrategia de Comunicación (Diseño Gráfico y Mercadotecnia) 11.6.1. Imagen Visual 11.6.1.1. Propuesta 11.6.2. Plan de Medios 11.6.2.1. Propuesta 11.6.2.2. Presupuesto 11.6.2.3. Presupuesto total 11.6.3. Redes Sociales 11.6.3.1. Propuesta 11.6.3.1.1. Facebook 11.6.3.1.2. Google Adwords 11.6.3.2. Presupuesto 11.6.4. Activaciones 11.6.4.1. Propuesta 11.6.4.2. Presupuesto 11.7. Plan de Negocios 11.7.1 Introducción 11.7.2 Resumen Ejecutivo 11.7.3 Análisis Económico

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12.Glosario

p.268

13. Listado de Imagenes

p.273

14. Bibliografías

p.285

15. Anexos

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The most fantastic, magical things can happen, and it all starts with a wish. – Jiminy Cricket (Pepe Grillo, Pinocho Disney)

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Autores

Maestros y Asesores

Agradecimientos

Carla Kathleen Baca Ordaz Caty Arce Mazatán Claudia Milene Montemayor Cruz Daniela González Reyes Fabiola Velázquez Martínez Hilda Irasema Oyervides Marroquin Karen Daniela Guerra González María Fernanda Carrillo Martínez María Fernanda Plancarte Medina María Paola Cogotti Rodríguez Óscar Eliseo Maldonado Bulnes Perla Janeth González Cavazos Ruth Ortiz Salazar Sebastián Ruíz Ibarra Sofía Berenice Quintero Cruz Sofía Janet Jiménez Hovelman

Raquel García Mario Arreola César Aristóteles José Juan Garza Yadira Ornelas Luminita Albisoru Miguel Fuentes Hector Olivares Rosalinda Medellín Mark Blaschitz Editilh Hemmrich Alida Olivares Carlos Morales Olvera Alberto Marcos Del Rey Ángel Mario Saavedra Alessandra Perlati Lucia Jiménez

Gracias al CEDIM por haber sido nuestro hogar durante todos estos años en donde encontramos no solo compañeros, sino verdaderos amigos. Finalizamos esta hermosa etapa en donde aprendimos otra perspectiva de la vida y comprendimos que cada persona es valiosa por lo que conoce, comparte y aporta a los demás. Le damos las gracias al Ballet de Monterrey por confiar en nosotros para realizar este maravilloso proyecto, en especial al actual director de la compañía Luis Serrano y a todas las personas que nos brindaron su tiempo, apoyo y nos abrieron las puertas para complementar el mismo.

Queremos agradecer a todos nuestros maestros, asesores y directores de carrera que estuvieron con nosotros durante todo este proceso para hacer posible este proyecto. Gracias no sólo por sus consejos, sino por su paciencia. En especial queremos agradecer a Raquel García por creer en nosotros y guiarnos para así llegar hasta este punto en el que hemos crecido no sólo como futuros profesionistas, sino como personas. Gracias a Mario Arreola, César Aristóteles, Gregorio Ivan Martínez, Alida Olivares, Angel Mario Saavedra, Miguel Fuentes, Carlos Morales Olvera, Alberto Marcos del Rey, a nuestros compañeros de Arte Digital de otros semestres por involucrarse en el proyecto, a las familias entrevistadas, a los encuestados, a las personas que asistieron al focus group por compartirnos su tiempo y valioso punto de vista y finalmente a todas esas personas que estuvieron siempre apoyándonos.

¡Gracias!

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Fernanda Plancarte

Caty Arce Mazatán

Agradezco a Dios haberme permitido llegar hasta este punto y haberme dado salud para lograr mis objetivos, además de su infinita bondad y amor. A mi madre Laura. Por los ejemplos de perseverancia y constancia que la caracterizan y que me ha infundado siempre, por el valor mostrado para salir adelante y por su amor. A mi padre Antonio. Por haberme apoyado en todo momento, por sus consejos, sus valores, por la motivación constante que me ha permitido ser una persona de bien, pero más que nada, por su amor. A mi Tía Stella. Por el ejemplo y el apoyo tan grande que me ha dado y sobre todo por que sin ella no hubiera podido finalizar mis estudios profesionales. A mis hermanos Antonio y Laura. Por su apoyo incondicional, impulsarme a ser la persona que soy y ser un ejemplo de perseverancia. A Gabriel Treviño. Por su apoyo incondicional, paciencia y amor, por que sin el no me hubiera sido posible llegar hasta este punto.

Gracias a mis padres, por hacerme sentir la persona mas querida y apoyada del mundo, sin ustedes este hermoso camino que he recorrido seria imposible. Mi vida y logros que hasta ahora he tenido, son gracias a ustedes. Gracias papa por tus consejos siempre llenos de amor, ya pronto voy a entender porque dices que “la escuela es una fiesta”. Gracias mama por escucharme, apoyarme y estar conmigo en todo momento. Los amo, respeto y admiro.

A mis hermanos Antonio y Laura. Por su apoyo incondicional, impulsarme a ser la persona que soy y ser un ejemplo de perseverancia. A Gabriel Treviño. Por su apoyo incondicional, paciencia y amor, por que sin el no me hubiera sido posible llegar hasta este punto.

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Gracias José Antonio D. Posadas por apoyarme y darme ánimos durante este trayecto, gracias por presionarme a hacer mejor las cosas y no conformarme, gracias a ti entendí que desvelarme por un proyecto vale la pena, que hacer las cosas dos, tres o las veces que sean necesarias es importante para hacer un buen trabajo, gracias por enseñarme a trabajar, gran parte de mi carrera es tuya también. Agradezco, a los profesores que personalmente dejaron una huella positiva en mi, gracias por ser buenos profesores, por esforzarse en dejar algo de provecho a sus alumnos, aunque a veces sea con palabras duras, gracias por los rechazos de proyectos porque sabían que podía dar mas. Ahora conozco mis capacidades y tengo las armas que necesito para poder empezar a defenderme en esta vida profesional. Arq. Luis Othon Villegas, Arq. Elisa Trujillo, Arq. Mario Moncivais y Arq. Diego Licea. A todos los admiro y respeto.


Claudia Montemayor

Hilda Oyervidez

Sofía Quintero

Sofía Jiménez

Quiero agradecer principalmente a Dios por proveerme con la mejor familia quienes me dieron infinito apoyo y los recursos suficientes para terminar mi proyecto final multidisciplinario. Mi papá Jorge Alberto Montemayor, que nunca perdió su confianza en mi, manteniendo su apoyo firme en cada momento. A mi mamá, Elma Cruz, que siempre mantuvo una palabra de aliento en cada minuto. Mis hermanos siempre al pendiente de cada novedad. Un agradecimiento especial a Gustavo Cruz quien me brindo su ayuda y colaboración en el tiempo de elaboración de proyecto. También quiero agradecer a mi novio Juan O Galindo quien estuvo apoyándome con mucha paciencia hasta el final. A mi grupo multidisciplinario que a risas, golpes y arduo esfuerzo pudimos complementar nuestro trayecto final. En general muchas gracias a todas aquellas personas que me apoyaron y se mantuvieron conmigo dentro de este tiempo de trabajo y dedicación.

Felizmente termina una etapa más en mi vida , que sin ayuda de Dios, mi familia, novio, compañeros y maestros, no hubiera sido posible, les agradezco infinitamente su apoyo, comprensión y esfuerzos. Definitivamente este reto no se hubiera podido realizar sin la ayuda de muchas personas que nos asesoraron a lo largo de este proyecto, Gracias por su apoyo y motivación que nos brindaron, también estoy muy agradecida por mi equipo de trabajo, que además del esfuerzo y trabajo, se formó una gran amistad! Y por último GRACIAS a mis papás que sin ellos, no estaría aquí.

Llegando al fin de este camino, le doy las gracias a Dios, por permitirme terminar una etapa de mi vida y empezar una nueva, a mi familia por todo el esfuerzo y apoyo que me dieron. A mi papá Eduardo, por enseñarme los valores necesarios y nunca dejarme caer. A mi mamá Adriana, por acompañarme y darme siempre las palabras que necesito escuchar para salir adelante. A mi hermano Lalo, por nunca dejar que me diera por vencida. A mi novio Leonardo, por estar conmigo durante toda esta etapa y ayudarme cuando era necesario. A mis abuelos y tíos, por tener siempre su apoyo en lo que lo necesitara. A mis compañeros porque juntos logramos llegar hasta aquí, echándonos la mano unos con otros. Les agradezco de todo corazón todo su esfuerzo. GRACIAS!!

Se concluye una etapa muy importante en mi vida, le doy gracias a Dios por permitírmelo y por haberme dado una familia que me guió, que me dio el apoyo, y la confianza que lo hicieron posible. Gracias a los maestros y a mis compañeros que se han convertido en amigos porque como equipo hemos llegado hasta aquí. Agradezco especialmente a mi papá, a mi mamá, a mi hermano y a mi esposo que siempre estuvieron motivándome y ayudándome a salir adelante durante toda esta etapa. Por todo su esfuerzo y dedicación, GRACIAS!

Gracias.

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Ruth Ortiz Salazar

Perla González

Paola Cogotti

Daniela González

Doy gracias a mis padres Miguel Angel y Olga Ruth por esta maravillosa oportunidad de cumplir uno de mis más grandes sueños, este ha sido el regalo más valioso que me llevo conmigo para toda la vida, el conocimiento y la experiencia. Doy gracias también a todas las personas que estuvieron conmigo durante todo este proceso, a Miguel Ángel por sus atenciones y por ser mi hermano favorito, al resto de mi familia por sus buenos deseos y bendiciones, a Juan Pablo por su apoyo, consejos y paciencia. Agradezco a mis maestros por compartir conmigo sus experiencias, aplaudir mis logros y motivarme en mis fracasos, en especial para Luminita por mostrarme esa otra perspectiva de la vida, en donde lo importante es conocer y entender a las personas por lo que son y lo que aportan. Agradezco a mis compañeros y a todas esas personas que me hicieron más fuerte y tolerante. De igual forma a mis ex compañeros que ya están graduados con los cuales crecí como artista y persona. A todos mis amigos porque se que comparten conmigo la felicidad de este momento que solo se vive una vez y que aunque están lejos hoy les puedo decir con orgullo que lo logré. Finalmente le doy gracias a la vida misma por haberme puesto donde estoy y guiarme hasta este punto en el que voy comenzando una nueva etapa en la que lucharé por ser alguien mejor cada día para alcanzar el éxito.

Le agradezco a Dios por haberme guiado y acompañado a lo largo de mi carrera, por ser mi fortaleza en los momentos de debilidad y por brindarme una vida llena de aprendizajes, experiencias y sobre todo felicidad. Le doy gracias a mis padres Marco Antonio González y Yolanda Cavazos por apoyarme en todo momento, por los valores que me han inculcado, por haberme dado con tanto esfuerzo la oportunidad de tener una excelente educación en el transcurso de mi vida, pero sobre todo por ser un excelente ejemplo de vida. A mis hermanas Lorena y Alessandra Gonzalez por darle sentido a mi vida, por ser mis cómplices y compañeras y por siempre llenar mi vida de alegrías y amor cuando más lo he necesitado. A Alejandro Licona, por ser una parte muy importante de mi vida, por escucharme y aconsejarme en todo momento, por su apoyo a lo largo de mi carrera, pero sobre todo por su paciencia y amor incondicional. A mis abuelos, tíos y familiares por creer en mí , apoyarme y motivarme hasta el último momento y siempre estar presentes en mi corazón. A mis amigos por confiar y creer en mí y haber hecho de mi etapa universitaria un trayecto de vivencias que nunca olvidaré. Le agradezco la confianza y apoyo al profesor mas destacable a lo largo de mi carrera, Edgar Morejón, por haber compartido conmigo sus conocimientos y sobre todo su amistad. A Raquel García por ser una excelente asesora, por su paciencia, dedicación y profesionalismo que nos impulso y motivó a lograr nuestro objetivo. A mis compañeros de tesis y ahora amigos, por haberme tenido la paciencia necesaria y por seguir adelante juntos en los momentos de desesperación a pesar de las diferencias y tropiezos en el camino. Gracias!

No solo este proyecto final, si no toda mi carrera es dedicada principalmente a mi mamá, porque a pesar de todas las adversidades que pasamos juntas siempre pudimos salir adelante, y si no me hubiera apoyado jamás hubiera llegado hasta aquí. Agradezco a mi abuelita que siempre ha visto por mí y a mi papá, mis tíos, mis primos, mis sobrinos que de alguna u otra manera apoyaron siempre mis estudios. A la Arquitecta Vange Tamez que le tengo un gran respeto y admiración, y a mis amigos que trataron muchas veces de que me olvidara un rato del proyecto sin poder conseguirlo, los quiero. Y a todos ustedes quiero decirles que este es el comienzo de la carrera de una persona que por todos ustedes llegará muy lejos. Gracias!

Agradezco especialmente a mi mamá y hermana por haberme apoyado y facilitado siempre los medios para llevar a cabo todas mis necesidades y actividades durante el desarrollo de esta tesis y a lo largo de mi carrera, sin su apoyo, esfuerzo y amor incondicional, definitivamente, no hubiera podido lograrlo; de igual manera, a mi familia por siempre creer en mi, a Miguel por siempre estar a mi lado y brindarme las palabras correctas para cada momento y a todas las personas que de alguna manera han creado impacto en mi vida, e hicieron de esta experiencia y aprendizaje los mejores.

18 - Pinocho.


Sebastián Ruiz Ibarra

Karen Guerra

Maria Fernanda Carrillo Martinez

Carla Baca

Les doy las gracias a Dios por el termino de mis estudios profesionales a mi familia por el gran apoyo que me han dado a lo largo de mi carrera y que siempre han estado en momentos muy importantes a mi novia por el apoyo en estos dos años de mi carrera. A mis compañeros de tesis que vivimos momentos muy padres y que logramos el objetivo de graduarnos, mis profesores de mi carrera que me enseñaron muy buenas bases y cosas nuevas para mi desarrollo profesional y en particular a mi maestra Luminita que fue una parte muy importante y que la estimo mucho por la gran persona que es y que se preocupa mucho por sus alumnos.

Quiero agradecer primero que nada a mis papás por que durante este proceso me han apoyado con sus buenos consejos y siempre han estado ahí para mi. A mi hermano por ser mi inspiración y ejemplo a seguir durante toda mi vida. A mis compañeros por haber puesto su mejor esfuerzo y dar lo mejor de sí. Gracias.

Agradezco a mis padres por apoyarme incondicionalmente y motivarme en seguir mi sueño, por nunca dudar de mi capacidad. Mis hermanas por sacarme de apuros a ultima hora, mis mascotas por alivianarme, mis compañeras de equipo Karen Guerra, Daniela y Perla Gonzalez. Gracias a mi alma mater por empujarme al mundo real y dejarme sola, fue la mejor lección.

Primero que nada quisiera agradecer a mis papas por brindarme la magnifica oportunidad de ser profesionista, el haberme dado el lujo de estudiar la carrera en una escuela fuera de mi casa y mas aun haberme permitido desempeñarme en un área donde se que mis talentos e interesas serán explotados y utilizados al máximo. Aún mas importante la felicidad que día a día me va a dar el tener el gusto de trabajar sobre un tema que realmente me apasiona y confío en que puedo ser muy útil. Les agradezco a mis papás el haberme tolerado en esta travesía de aprendizaje que comencé hace 5 años en esta institución, por haberme apoyado en las buenas y en las malas, por darme claridad al escucharme cuando el cansancio y el estrés abrumaban mi juicio y estabilidad mental. El haberme dado la oportunidad de inspirarme y conocer de otros países. Son lo mas importante y preciado que tengo, el solo hecho de que hayan estado a mi lado en todo este transcurso los hace si es que es posible aun mas valiosos y allegados a mi.

Gracias

Quisiera también agradecer a mis maestros que creyeron en mi y estuvieron a mi lado en el transcurso de la carrera, especialmente quisiera agradecer a Vange Tamez y a Luciano Andrades ya que son de los maestros que más me inspiraron y orientaron a explotar mi potencial de una manera donde obtuve el máximo aprendizaje. También a Francisco Guzmán por facilitarme una de las materias que considere que serían de las más difíciles. Finalmente agradezco a mis amigas y compañeras que hice a lo largo de mi estancia dentro de esta institución por darme apoyo, consejos y tolerarme bajo mis estados de estrés. Agradezco por todo el esfuerzo y dedicación de todo mi equipo de tesis, por tolerarnos en las buenas y en las malas. Gracias.

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“El ballet no es una técnica sino una forma de expresión que esta estrechamente ligada con el lenguaje interno del hombre.” George Borodin

El ballet en Italia a finales del siglo XV, hasta las presentaciones del Bolshoi en Rusia logró convertirse no sólo es una disciplina, si no en un arte, un movimiento simbólico, que logra hablar con palabras mudas y genera emociones. La compañía del Ballet de Monterrey , es una asociación sin fines de lucro que desde 1990 se ha dedicado a propagar y apoyar esta disciplina en la ciudad de Monterrey y el resto del país. A lo largo de su existencia, la compañía se ha presentado en otros países tales como: E.U.A y España en donde fueron bien recibidos por los críticos y espectadores. The Balenchine Trust reconoció a la compañía por su buen nivel técnico y la calidad en sus producciones tanto en vestuario como en escenografía, ya que estos forman parte de los principales atractivos del Ballet de Monterrey. A pesar de los grandes logros que ha tenido la compañía, no ha conquistado más espectadores, por la desafortunada falta de conocimiento y desinterés sobre el ballet en la cultura mexicana.

El proyecto creativo que se ha desarrollado para el Ballet de Monterrey abarca áreas de oportunidad para lograr mejorar y crear una experiencia nueva y memorable tanto para el espectador como para la compañía. Para el desarrollo de este proyecto, se utilizaron diversos métodos de investigación que son : La observación de campo Un ejemplo de éstas consistió en asistir a ensayos de la compañía y realizar una propuesta de escena asesorada por expertos internacionales, con el fin de comprender a fondo el desarrollo de personajes de la historia que se va a realizar, entre otras actividades de investigación. Realizamos numerosas entrevistas a especialistas y al mercado meta, así mismo se aplicaron encuestas en diferentes zonas del área metropolitana de Monterrey, con el fin de obtener información acerca del conocimiento del ballet y de la compañía. Se hizo un análisis completo de la historia del ballet hasta la actualidad, se investigaron los tipos de ballet existentes, obras relevantes del rubro y de otros ámbitos.

Luis Serrano, Director Artístico del Ballet de Monterrey, especificó que el desarrollo creativo del proyecto tendrá como base la adaptación de la película de 1940 “Pinocho” del autor Carlo Collodi tomando también elementos o fragmentos de la película producida por Disney. Contamos con la autorización del mismo, para generar ideas de manera abierta, y así es como el buró creativo se ha enfocado en adaptarla hacia algo más contemporáneo sin perder la esencia de lo que el Ballet de Monterrey ha solicitado. Todos estos elementos se han fusionado para cimentar el desarrollo del proyecto buscando obtener resultados efectivos. Se nos presentó un gran reto, debido a que la película de Pinocho está arraigada a la cultura general de muchas generaciones y esto es muy difícil de cambiar. La intención es también seducir al público joven encontrando el equilibrio entre una obra infantil y una obra que invite a todo tipo de audiencia.

Pinocho. - 21


22 - Pinocho.


2.1.

2.2.

Crear una nueva propuesta de Pinocho de Carlo Collodi para el Ballet de Monterrey y captar la atención de nuevas audiencias manteniendo el interés de los actuales.

• Comprender los antecedentes de las artes escénicas de teatro y ballet.

Objetivos Generales

Objetivos Específicos

• Analizar la técnica y consideraciones de la disciplina del ballet. • Conocer los hechos relevantes y obras más representativas que han marcado la historia del ballet en el mundo y de manera más específica, en nuestro continente. • Comprender la evolución del BdM en cuanto a su estructura y obras principales. Analizando la situación actual del BdM, así como su entorno ambiental y competitivo.

• Identificar el impacto y percepción de los medios de comunicación utilizados por el BdM para difundir sus espectáculos entre diferentes públicos. • Evaluar la percepción del público actual del BdM sobre el contenido y calidad de sus obras. • Conocer los antecedentes de la historia de Pinocho para así, poder logar una nueva propuesta para BdM. • Definir argumentos, personajes y línea de acción de la historia para la obra-propuesta.

• Analizar la influencia de las diferentes disciplinas del diseño en las artes escénicas y el Ballet.

• Determinar los requerimientos de indumentaria por parte de los usuarios que representarán a la obra.

• Recaudar información sobre tendencias relevantes en artes escénicas y disciplinas relacionadas para utilizarlas como fuentes de inspiración para propuestas innovadoras del proyecto.

• Especificar los requerimientos de escenografía y utilería para el desarrollo de la obra.

• Analizar casos de éxito, nacionales e internacionales en el ámbito de las artes escénicas, para detectar qué aspectos de innovación son aplicables al contexto de la propuestas para el BdM. • Identificar los diferentes perfiles, necesidades y hábitos de entretenimiento del público actual y potencial del BdM.

• Definir la estrategia de comunicación de la propuesta de la obra, así como las aplicaciones convenientes para ejecutarla. • Desarrollar y evaluar la propuesta de diseño para los tres puntos anteriores. • Demostrar la propuesta de la nueva obra mediante prototipos de indumentaria, escenografía, utilería y comunicación.

Pinocho. - 23


”Creativity is inventing, experimenting, growing, taking risks, breaking rules, making mistakes and having fun.” – Mary Lou CooK


3.1

Artes Escénicas Las artes escénicas tienen sus inicios en África, desde las danzas grabadas en las pinturas rupestres, hasta los teatros en Roma. Esto ha ido evolucionado en cada cultura. Las artes escénicas fueron registradas como tal es en 1711, éstas se consideran aquellas que ocupan de un espacio físico y la experi-

26 - Pinocho.

mentación corporal de una persona para ser expresadas hacia un público. El arte escénico tiene que ser presencial. Algunas de las disciplinas que componen el ballet son: La Opera, la música y el teatro.

(2012). Editorial. Available at: http://agon. ens-lyon.fr. [Last Accessed 5 February 13].


fig. 1

Pinocho. - 27


3.2.1 3.2.1.1

Disciplina del Ballet

{ Vestuario } A lo largo de la historia, el ballet ha ido evolucionando al igual que su indumentaria. Todo esto de acuerdo a las necesidades estéticas y ergonómicas que iban surgiendo junto con las condiciones sociales de la época.

3.2

fig. 2

Ballet El ballet es una disciplina del baile que se lleva acabo por una serie de pasos estructurados que se conjuntan con música cl��sica para ser representada en un espacio escénico . El ballet también se considera un arte, debido a la expresión de sentimientos a través del baile. Équipe de L’Encyclopédie (2012). Ballet TABLE DES MATIÉRES. Available at: http://www. thecanadianencyclopedia.com/articles/fr/ballet. [Last Accessed 5 February 13].

En un principio, los bailarines debían portar el mismo tipo de vestuario, para ensayos y presentaciones, respetando siempre los lineamientos y tonalidades pastel que estaban forjadas en la disciplina. En la actualidad, los bailarines actúan con diversas formas de vestuario, todo tipo de colores y texturas, incluyendo también por supuesto el sencillo vestuario que utilizan para los ensayos. El uniforme oficial, puede variar de acuerdo al estilo de ballet que se vaya a llevar a cabo, así como de la edad o el nivel en que se va aprendiendo. En ballet pre-escolar y primaria, las niñas estudiantes deben portar forzosamente medias o mallas de nylon, que generalmente siempre son color rosa. Deben usar estrictamente un leotardo, ésta es la pieza que parece traje de baño, compuesto de lycra o algún material muy elástico, ya sea con un ligero escote en “V” o con cuello redondo, normalmente en color rosa, negro, o blanco. Las niñas comienzan usando zapatillas de media punta, que son normalmente

28 - Pinocho.

de cuero y de tela. Éstas no sirven para pararse en puntas, pero se necesita comenzar con ellas. El cabello tiene que estar perfectamente recogido. Con respecto a las faldas, se usan de diversos tipos, ya sea para uso de clase o para alguna presentación o puesta en escena. Existen también los faldones largos o medianos, que se utilizan sobre el leotardo del uniforme. El tutú de plato es una falda clásica para el ballet, que tiene forma circular, y se coloca en la cadera rodeándola. Está compuesta de una gran cantidad de capas de tul hilvanadas a mano y se coloca de la parte de la cintura hacia abajo, para lograr que la falda se mantenga arriba. El tutú romántico es una falda hecha al igual que el tutú, por muchas capas de tul; pero se diferencian en el largo de la falda que llega un poco arriba de los tobillos. Éstas son usadas normalmente sólo para presentaciones. Para poder bailar en puntas las bailarinas deben tener una práctica extensa, tener los músculos abdominales y de las piernas muy fuertes. Muchas escuelas de ballet exigen por lo menos cinco años de entrenamiento antes de permitir a sus bailarines bailar en puntas. Una bailarina profesional puede llegar a usar unos 10 pares de zapatillas al mes, dependiendo del uso que le den a cada una.


fig. 3

Las zapatillas de punta tienen en el extremo un taco hecho de yeso o de un papel especial formado de capas pegadas y fusionadas a temperatura alta, la punta termina con una pequeña superficie plana para que las bailarinas puedan mantener el equilibrio sobre ella. Se hacen de cuero, lona, satín o raso suave y tienen suelas finas y flexibles. Respecto a los niños en ballet, están obligados a llevar una camiseta blanca con o sin mangas. También deben usar mallones, que es un pantalón muy ajustado hecho de lycra o algún material elástico, o bien, pantalones cortos negros o azul marino, y zapatillas de ballet de media punta. Lo hombres también usan mallones, debajo de ellos portan un suspensorio o “concha” que es una especie de calzoncillo diseñado para proteger los genitales masculinos durante una actividad vigorosa o deportiva. Encima, tienen permitido usar camisas sueltas, o cualquier tipo de prenda con la que se sientan cómodos y que les facilite el movimiento. Ellos solo utilizan zapatillas de media punta, es decir, no bailan sobre sus dedos.

Para mas información referente al tema ver anexos 1-6 Historical Boys Clothing (2002). Ballet Costumes: Historical Development. Available at: http:// histclo.com/act/dance/bal/cos/bc-hist.html. [Last Accessed 11 2012]. Dancelines (). Petipa’s partner in Spain and her ethereal friends of the Romantic age – and now. Available at: http://dancelines.com.au/petipas-partner-spain-ethereal-sisters-romantic-age/. [Last Accessed 1 2013]

Pinocho. - 29


3.2.1.2 3.2.1.2.1

{ Consideraciones espaciales }

> Espacio Escénico El espacio escénico más utilizado en la época actual debido a su practicidad es de estilo italiano. Sus principales características de espacio son: • Cuenta con un sólo escenario el cual se encuentra más elevado de donde se ubica el público • Su forma es ovalada y está cerrado por los laterales de manera que mantiene fuera de vista del espectador el espacio donde se encuentran los actores fuera de escena, las diversas escenografías y las personas de la producción. La palabra Escena proveniente del griego skene (cabaña o tablado), que es el lugar donde se coloca el decorado y se desarrolla la actuación. El escenario es el espacio destinado para llevar a cabo una representación artística. Éste puede estar dentro de un teatro o al aire libre; ser un espacio existente o creado.

La escenografía es el conjunto de elementos físicos (actualmente también proyecciones) que se utilizan para representar lugares existentes o imaginarios y espacios interiores, sobre un escenario. La meta de la escenografía es plasmar de una manera obvia o abstracta dónde y cuándo ocurre la representación artística. La historia dice que las primeras escenografías se remontan a Grecia en el siglo IV A.C. donde se utilizaron los primeros bastidores en forma triangular como prismas llamados pericatos; que contenían un paisaje en cada cara y había uno en cada lado del escenario que cuando giraban, los paisajes o diseños cambiaban. La escenografía llega después en 1680 al renacimiento, donde se empiezan a utilizar pinturas de fondo con perspectiva, esculturas y estructuras arquitectónicas pero sin movilidad alguna. Todo esto era desarrollado en lugares al aire libre. El arte escenográfico se expandió por Europa y fue cuando llegó hasta España e Inglaterra que lo llevaron a espacios interiores (teatros). Aquí es cuando surgen los paisajes junto con la iluminación artificial, dándole otro giro al arte escénico.

> Partes del escenario

1)

2)

3)

4)

Proscenio:

Foso:

Piso:

Escotillón:

La parte más próxima a los espectadores, el espacio abarca desde el borde del escenario hasta el primer telón.

Área que se encuentra entre el proscenio y las butacas a nivel de piso, generalmente es donde los músicos se encuentran. Es también conocido como foso de orquestra.

El suelo del escenario que está formado por tablas en posición paralela a las butacas de la sala.

Espacio que existe debajo del suelo con aberturas que sirven para hacer entrar ó salir elementos o personas a través del suelo, se conoce también como trampilla.

11)

12)

13)

14)

Barra sostenedora de elementos:

Parrilla:

Ciclorama: Telón o pintura que ambienta la obra.

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fig. 4

Barra de luces: Donde es instalado el alumbrado para los actores y a la escena.

Barra donde se puede colgar elementos escenográficos.

También conocida como tramoya es una máquina que hace cambios de elementos y efectos escénicos. Existen personas que manejan la tramoya, y son conocidos como tramoyistas.


fig. 5

5)

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7)

8)

9)

10)

Escena:

Telón:

Bambalinón:

Piernas:

Foro:

Espacio visible donde se lleva a cabo la presentación, se divide en tres partes, parte frontal, parte central y parte posterior.

Tela de grandes dimensiones que se coloca en el escenario de manera que se puede correr hacia algún lado o levantarse, a estos dos tipos se les llama la Guillotina y la Americana.

Tela que cuelga horizontalmente de piso a techo y reduce el área de la escena.

Telas que cuelgan horizontalmente de piso a techo a los lados del foro que evita que los bailarines sean vistos detrás de bambalinas.

Contrapeso y cuerda de contrapeso: También conocido como diablas, por este medio es posible subir y bajar objetos de la escenografía.

El fondo del escenario donde se coloca el ciclorama.

15) Camerino: Área que se encuentra detrás del escenario donde los bailarines tienen sus pertenencias y vestuarios, ahí se preparan para salir a escena.

Pinocho. - 31


> Elementos escenográficos

> Tipos de Escenografía

Los elementos escenográficos son los que facilitan el trabajo de montaje de una escenografía.

Hay varios tipos de escenografías como:

Tiras de cuerda: Son 3 o 5 cuerdas de cáñamo por donde pasan los carretes que sostienen las varas donde cuelgan los telones. Emparrillado: Vigas de madera o hierro que cruzan el escenario desde la embocadura hasta el foro. Varas: Maderas de 6x4 cms, más largas que la embocadura del escenario, que sostienen los telones, bambalinas, patas y todo lo que va colgado.

Varas Electrificadas: Varas de metal con instalación eléctrica adentro y enchufes cada 50 cms. Aquí se cuelgan los proyectores de iluminación. Clavijero: Travesaños de madera clavados en el puente de desembarco en los que atan las tiras de cuerdas de las varas. Puente de desembarco: Pasillos elevados situados en los muros laterales del escenario en los que se encuentran las clavijeras y que dirigen el movimiento de las barras.

• Realista • Abstracta • Sugerente • Funcional La realista trata de conseguir la mayor apariencia del lugar de la historia. Los materiales que se utilizan son páneles ligeros, para la facilidad de moverlo, guardarlos y utilizarlos de nuevo. La mayoría de las veces, la decoración de estos páneles es con pintura. Hay otro método que es el esquema de caja, que consiste en tres páneles que encierran la escena y hacen que el público se pueda sentir como un intruso. El diseñador de la escenografía, es el que controla los efectos de colores y el cómo colocar los objetos en el escenario. El naturalismo está relacionado con el realismo, ya que una característica que las distingue es la expresión. En el naturalismo, aparecen los problemas de la sociedad tanto como los de la actualidad, y muchas veces, el mensaje lo pueden tomar muy agresivo pero por otra parte reflexivo. El realismo trata de ser algo creíble, pero manteniendo la escenografía decorada. El abstracto es un montaje que no tiene un tiempo específico ni un lugar. La mayoría de las veces está conformada por escaleras, cortinas, páneles, rampas y plataformas. En el escenario, se ponen solamente unos pocos objetos significativos y lo demás queda libre para que se puedan expresar bien los bailarines o actores. En la danza, también se puede usar este tipo de escenario, ya que solo necesitan algunas cosas decorativas para alegrar el ambiente.

32 - Pinocho.

El objetivos de este tipo de escenarios es que el público, desarrolle su imaginación, ya que no es una escenografía cargada ni descriptiva y mucho menos objetiva. Lo que se distingue de ésta, es el vestuario y la iluminación. La sugerente logra crear un efecto escénico, quitando las cosas no necesarias, o combinando pedazos de un decorado realista y objetos abstractos. Una de las diferencias de la escenografía abstracta, es que la sugerente tiene una situación en un tiempo y un lugar concreto. Muchas veces estos escenarios pueden ser confundidos con surrealistas, desnudos, fragmentarios u oníricos.


fig. 6

> Iluminación Escénica

> Sonido

La iluminación logra dos grandes funciones:

El sonido en el teatro es algo que se considera importante desde los tiempos de Grecia. Está comprobado que el efecto de la música potencializa la escena y lleva al público a una mejor experiencia.

1.- Iluminar el escenario creando una atmósfera perfecta para la obra. 2.- Iluminar a los actores para que el espectador pueda tener una buena visibilidad hacia el actor y el escenario. Hay dos tipos de iluminación: 1.- La indirecta, que se emplea con una luz reflejada o iluminación general. 2.- La directa, que proviene del sol o de una lámpara. Hay cuatro factores controlables que son:

La funcional es la que se basa en las necesidades de los intérpretes. Es la que menos se usa en las funciones dramáticas y la que se utiliza en los circos.

1.- Intensidad 2.- Color 3.- Distribución 4.- Movimiento. Existen varios tipos de efectos de luz gracias a la variedad de focos: • Luz de panorama, son los que iluminan de abajo para arriba y viceversa. • Luz lateral, es la que se usa en ballet y resalta figuras ya que sean ubicadas en una escena. • Luz cenital, cae verticalmente sobre el elemento y puede producir algunas sombras bruscas. • Luz frontal, es la más directa. • La contraluz, es la luz que se coloca detrás de los objetos y la mayoría de las veces, ilumina más al público.

Actualmente el sonido en teatro es la grabación, edición, programación y reproducción del programa del espectáculo teatral. Para realizar un buen programa sonoro se deben identificar 4 etapas que son:

1---

Pre producción: Donde se planea el programa sonoro.

2---

Producción: Aquí se recopilan o crean los sonidos que se necesitan para la obra.

3---

Post producción: En esta parte se graban los sonidos escogidos.

4---

Prueba final: La última etapa donde se hace la prueba de la pista en el lugar en donde se va a utilizar.

Generalmente el diseñador de sonido es el que se encarga de implementar a escala en un plano el montaje de sonido.

El color de la luz es muy importante ya que la luz blanca es muy violenta para las necesidades teatrales, se come el color de las escenografías y del vestuario. Si se llega a querer usar la luz blanca, se forma con los colores primarios, rojo, azul y verde. Siempre se tiene que verificar la luz con los vestuarios para no tener algún problema.

Pinocho. - 33


> Conceptos imprescindibles de la escenografía 1.- Marco-Continente y Espacio. Todas las líneas y formas de los elementos de una representación tienen que estar relacionados con el marco-continente y espacio, ya sea una obra basada en la naturaleza o con carácter surrealista. A lo que le llamamos marco es la embocadura del escenario, si imagináramos el plano de éste, estaría compuesto por un rectángulo cuyos limites corresponderían con un telón de fondo. Al continente nos referimos con el espacio donde se lleva acabo la obra, con éste también nos referimos al espacio vacío alrededor, o sea, la

34 - Pinocho.

ambientación que se tiene que acomodar de tal manera que satisfaga las necesidades de la obra. La manera en la que el espectador percibe el espacio es un cuadro con las siguientes diferencias: • Las formas que constituyen el cuadro teatral son pasivas y otras activas. • Constan de una 3ª dimensión. • Los actores se desenvuelven en un espacio real. Todo esto se construye bajo las normas de perspectiva que son las siguientes:

2.- Espacio Vital y Espacio Funcional. Lo que percibimos más próximo a la línea inferior, parece estar más cerca y lo más cercano a la línea superior parece que se aleja y amplía la ilusión de espacio y distancia. Esto resulta más evidente por la progresiva reducción del tamaño de los detalles de las figuras, todo irá perdiendo importancia a medida que se aleja en el espacio. La gama de colores influye mucho en esto ya que las gamas cálidas nos acercan y las gamas frías nos alejan.

Espacio funcional es el espacio que marca el actor dentro del espacio total, a éste se le llama vital ya que es donde se mueven los actores. El tablado se conforma de la superficie que da espacio a todos los elementos mayores y subsidiarios de la escena sobre la que se moverán los personajes. Lo que se sitúa encima de este tablado debe estar rela-

cionado con el decorado, de acuerdo con la obra. Es importante poner especial atención en que los espacios se canalicen sin obstáculos para ejecutar los movimientos de los actores de una manera más confortable al igual que las salidas y entradas de la escena. Para esto se tiene que llevar acabo un planteamiento de distribución de decorado de interior. Sobre papel milime-

trado marcamos un plano del suelo (tablas) donde se van a colocar los elementos de composición. Esto se hace a escala 1:20, es decir, el suelo de la escena y los muebles se reducen a un tamaño 20 veces menor que el real. Después se recortan las siluetas de los elementos que se van a utilizar en cartulina negra. Para después moverlos y distribuirlos sobre el papel milimetrado.


fig. 7

3.- Centro de Interés. El centro de interés es el área más importante de la escenografía, puede ser cualquier elemento destacado. Cuando una línea de valor o color nos marca una di-

rección o se sugiere un movimiento al ser detenida por otro trayecto, es cuando el punto de intersección establece un centro de interés. La vista puede seguir una

4.- Equilibrio. dirección, pero al ser cruzada se detiene haciendo reclamo a la atención en este punto que por ser focal puede ser principal.

Se puede conseguir el equilibrio a través del uso de líneas y formas. Gracias al equilibrio se puede ver la importancia que tiene los objetos en un diseño, aquí destacan los elementos de mayor importancia al lado de los de menor importancia, así como los de mayor peso con el de los de menor. El equilibrio se clasifica de dos maneras: Equilibrio simétrico: Si trazamos un eje o línea central, resultan dos masas iguales en tamaño o peso.

5.- Destaque. Este equilibrio indica seriedad, divinidad, reposo, tristeza, monotonía y por lo mismo también llega a indicar falta de acción y vida. El asimétrico indica algo variado, dinámico, alegre y vital.

Destaque es el área con mayor atracción y de un conjunto. La zona visualmente más atractiva.

Equilibrio asimétrico: Esta composición es cuando en dos partes iguales no existen las mismas dimensiones o colores pero que aun así existe un equilibrio de elementos. Este tipo de equilibrio transmite tensión, alegría, vitalidad y dinamismo.

Pinocho. - 35


6.- Variedad.

7.- División del Espacio.

8.- Planos o Secciones.

Sirve para romper con la monotonía y dar dinamismo. Despierta el interés de manera de animación evitando exceso para que no de pie a la confusión. Para esto se tiene que cuidar el color, líneas y los valores. Por ejemplo: cuando hay una repetición de colores, no hay que mezclarlos, es preferible utilizar gamas de ese mismo tono.

Esta división del espacio debe obedecer a la armonía: los elementos de un conjunto deben ser compuestos en una división del espacio en 3 partes, en sentido vertical y horizontal. En un paisaje, el nivel del horizonte podemos situarlo en una línea baja si queremos destacar el cielo y a la inversa para destacar el suelo.

Cuando hablamos de planos hay que tener en cuenta las dimensiones del escenario, si es grande tendrán 3 planos. Si consideramos el telón de fondo como plano vertical y el tablado como horizontal la división seria: 1.- Más próximo: proscenio, intérsección división vertical con división horizontal. 2.- Intermedio 3.- Límite con el foro. Normalmente el centro de interés se suele situar en el plano medio, pero eso depende de los requerimientos de la representación.

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fig. 8

9.- Ritmo. Es la dinámica espacial establecida entre las distintas formas que las enlaza armónicamente. Es la manera de conducir la vista del espectador por un camino fácil hacia el centro de interés. El ritmo es fluidez sin obstáculos por una línea continua o interrumpida por una sucesión de formas, planos, colores y valores. Esta sucesión se llama “rapport” que es la repetición de una línea, forma o color para establecer el ritmo. Cuando la repetición es excesiva podemos crear un efecto monótono que puede ser anulado por factores que actúen como oposición.

Principios del RAPPORT: Una línea que repite a otra acentúa el carácter de ésta. Un color que se repite sirve para realzar otra área del mismo color. Se utilizan tonalidades similares. Cuando un color o un valor no se repite puede pasar desapercibida y sin destaque. Si repetimos un color o valor en más partes del decorado con distintos grados de saturación apoyará y hará que nuestros sólidos sean más relevantes en la escenografía.

Pinocho. - 37


fig. 9

> Problemas y soluciones en un espacio escénico Los problemas escenográficos siempre hay que tomarlos en cuenta y con mucha precaución, ya que existe la posibilidad de ocasionar un accidente dentro de una obra. Los problemas escenográficos más frecuentes son la desproporción, el montaje y el decorado. La desproporción se refiere al exceso de elementos o accesorios dentro de la escenografía, dándoles a los protagonistas menor espacio para desplazarse y hacer sus movimientos. Esto también ayuda a una mejor visualización a sus espectadores y pueden disfrutar del espectáculo sin ningún problema.

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Otro de los problemas es el montaje, ya que lamentablemente han ocasionado accidentes muy graves por la mala realización de materiales, peso, entre otras. El decorado suele ir de la mano con los elementos que conforman la escenografía, donde algunos puntos negativos pueden ser el exceso del decorado que le quitan movilidad y practicidad a las personas que se encargan de hacer los movimientos o cambios de escenografía dentro de la obra. Existen soluciones para cada uno de estos problemas que suelen pasar en cada montaje de una escenografía. Para una buena visualización del público, se realiza una escenografía limpia y abierta permitiendo al espectador disfrutar del espectáculo de cualquier punto de vista del teatro. Para un buen montaje en el escenario es

importante hacer un croquis de los movimientos que se van a realizar, recorrer las áreas, especificar el lugar donde se iniciará la actividad, hacia donde se dirigen y donde finalizará, verificar que las estructuras estén en buenas condiciones, contemplar accesos y salidas, ya sea de los protagonistas o del personal. El decorado se forma a partir de las representaciones visuales como por ejemplo, un jardín, un circo, un castillo entre otros; existen muchas posibilidades de hacer la representación de los elementos por ejemplo en: lienzos pintados, objetos del lugar, proyecciones etc., siempre y cuando sea práctico y ligero. Pueden referirse a espacios exteriores, interiores, naturales e incluso espacios ficticios. Lo importante de la decoración es no saturar el espacio, que sea muy funcional y práctica si se trata de movimientos.

Para más información sobre el tema consultar anexos 7 al 8


Historia escenario bibliografía

Partes del escenario bibliografía

Elementos escenográficos bibliografía

Sonido bibliografía

Coirini, A. (29 de november de 2009). Obtenido de Tesis: http://www.alecoirini.com.ar/tesis.htm Ecured. (2011). Obtenido de http://www.ecured. cu/index.php/Escenograf%C3%ADa Rizzo, N. C. (s.f.). Obtenido de Resumen de escenografía básica para teatro actual: http:// www.nicolacomunale.com/teoria.escenica/resumen1jaume.html#2 Wild, L. (18 de febrero de 2002). Northern. Obtenido de A Brief History of Theatrical Scenery: http://www3.northern.edu/wild/ScDes/sdhist.htm

Castro, A. (12 de septiembre de 2012). Taller de escenografía. Obtenido de Partes de un escenario: http://tallerdeescenografia.bligoo.com/ partes-de-un-escenario Najam, M. (2008). Academia de danza árabe. Obtenido de http://www.academiamorahnajam. com/ Tierra del fuego. (s.f.). Obtenido de HISTORIA DEL TEATRO UNIVERSAL: http://www.tierradelfuego.org.ar/actuar/historia.htm

García, M. I. (s.f.). Elementos escenográficos. Obtenido de http://www.interiorgrafico.com/articulos/40-sexta-edicion-noviembre-2008/95-elementos-escenograficos

Bel, P. (14 de septiembre de 2009). Introducción al diseño de sonido para Teatro. Obtenido de http://pepebel.wordpress.com/2009/08/14/introduccion-al-diseno-de-sonido-en-teatro/ Petrovich, R. A. (10 de julio de 2012). EL SONIDO EN LA PUESTA EN ESCENA. Obtenido de Entre tachos y bastidores: http://entretachosybastidores.blogspot.mx/2012/07/el-sonido-en-lapuesta-en-escena-1.html Tipos de escenarios bibliografía Libro: Manual básico de iluminación escénica. De: Valentín Orozco Problemas y soluciones escenográficas bibliografía http://desastres.usac.edu.gt/documentos/otros/ guias_prevencion/Guia_de_implementacion_de_ Escenarios_para_Simulacros.pdf Nicola Comunale Rizzo. Resumen de Escenografía Básica para Teatro Actual. [ONLINE] Available at: http://www.nicolacomunale.com/ teoria.escenica/resumen1jaume.html#13. [Last Accessed 02 2013].

Pinocho. - 39


3.2.1.2.1.1 > Suelo

En el avance constante en la técnica de ballet y las exigencias físicas, conllevaron a requerir un espacio que aparte de mejorar la práctica, evitara principalmente lesiones al bailar, y uno de los elementos fundamentales para esto, es el suelo. El suelo que ocupan en los teatros suele ser de: Roble, haya o abedul.

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La madera se soporta sobre rástreles que también son hechos con madera. Este tipo de suelo no proporciona la flexibilidad constante que necesita un bailarín en la superficie, es por eso que ahora hay más posibilidades de suelo para ellos. Las cualidades que debe tener el suelo de ballet son: 1. Elasticidad 2. Resistencia al deslizamiento (coeficiente de fricción) 3. Durabilidad

En cuestión de elasticidad, el suelo más óptimo para bailar es un suelo que esté totalmente suspendido en el aire y que sea capaz de absorber la energía desarrollada por todos los movimientos que se generan al bailar. Los elastómeros son muy importantes ya que estos tienen la flexibilidad y capacidad para regresar a su posición inicial cuando se deja de aplicar presión.


Una pequeña prueba para saber si el suelo es adecuado, es saltar, si el piso bota entonces tiene cámara de aire, si es rígido, no es correcto y puede dañar al bailarín. La solución que se debe aplicar en estos casos es hacer una estructura de doble tablero colocándola perpendicularmente, con apoyos elásticos que suelen ser comúnmente de caucho, con esto se logra un aumento de elasticidad considerable.

La resistencia o el coeficiente de fricción es uno de los temas más importantes, ya que éste está totalmente relacionado con el contacto directo del bailarín porque el deslizamiento es entre el suelo y la zapatilla o suelo y pie descalzo. Por consecuencia, el suelo debe de tener los coeficientes de fricción o resistencia al deslizamiento y también la resistencia suficiente para mantenerse en un estado plano.

Los materiales para fabricar este tipo de suelo son el PVC, linóleo, vinilo y para instalaciones permanentes se utiliza un pavimento basado en la mezcla de caucho y poliuretano. La solución que encuentran los bailarines cuando no tienen este tipo de suelo es que llenan sus zapatillas de resina o magnesia.

Bibliografía Suelo: Piso: Holgado, R. M. (Octubre de 2010). ASOCIACIÓN CULTURAL AMIGOS DE LA DANZA TERPSÍCORE. Obtenido de Estudio sobre los suelos de Danza: http://www.amigosdeladanza.es/SUELOS%20DE%20DANZA.pdf Foto: http://sprungfloors.com/wp-content/uploads/2012/03/Tony-Hinton-11.jpg

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3.3

Historia del ballet El Ballet surge gracias a los festines de las cortes italianas a finales del siglo XV. Estos espectáculos presentaban distintas disciplinas artísticas como pintura, poesía, música y danza. El ballet se empezaba a considerar una disciplina profesional a partir de que Luis XIV fundara la Academia Real de la Danza para maestros en donde sólo los hombres podían participar. Los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italiano Francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps responsable de las 5 posiciones básicas de ballet. Siendo el Ballet cómico de la reina el primero en contar con una partitura completa.

Bolshoi. [ONLINE] Available at: http://www.swingalia.com/danza/historia-del-ballet-bolshoi.php. [Last Accessed 12 Sept 2012]. e.g. Microsoft Corporation (e.g. 2011).

42 - Pinocho.

Fue dos décadas más tarde cuando las mujeres empezaron a incorporarse a esta disciplina con el ballet llamado “El triunfo del amor”. Posteriormente, a partir del libro titulado Coreografía por Raoul Feulliet, se desarrolla una nueva forma teatral mejor conocida como la ópera ballet, la cual es una combinación los cantos con el baile de una puesta en escena. Existen diferentes procesos positivos de transformación que se le presentaron al ballet. Con el objetivo de expresar más con la danza, y no solamente a través de la música, John Weaver se enfocó en eliminar las palabras del ballet para volverlo un acto más profundo a través de lo visual. Mientras que Jean Georges Noverre en 1760 a partir de su libro “Cartas sobre la danza y los ballets” argumentaba que los movimientos debían fluir naturales y armónicos. Posteriormente Noverre produjo por primera vez “Medea y Jasón” en Stuttgart, Alemania.

Historia Del Ballet Clásico.. Available at: http://www.xn--jetdma.com/Historia-del-Ballet-Clasico.html. -


fig. 10 Tiempo después, el ballet Las Sílfides, cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el período del ballet romántico. El ballet estaba pasando por un proceso expansivo en Europa. Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets. Pero durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la ópera. Los Ballets Rusos, fundados por Sergei Diaghilev, supusieron el inicio del ballet moderno. Diaghilev trabajó con artistas, pintores, poetas y compositores reconocidos de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. Los bailarines que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Un ejemplo de esto es la bailarina, Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, y logró crear su propia compañía.

Historia Del Ballet Nacional De Cuba. Available at: http://www.balletcuba.cult.cu/ballet-nacional-de-cuba/. [Last Accessed 12 Sept 2012].

Entre 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidad de movimiento con un uso más libre del cuerpo. Durante los años 40 se fundaron en Nueva York dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. A partir de la segunda mitad del siglo XX, se han creado compañías de ballet en muchas ciudades de Estados Unidos y de Canadá. Mientras que en los años 50, las compañías rusas hicieron por primera vez representaciones en Occidente.

Finalmente hay que reconocer el esfuerzo cubano en el desarrollo del ballet con su “Ballet Nacional de Cuba”, fundado y dirigido por Alicia Alonso. El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad de estilos e influencias. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico. Es así como evolucionó el ballet, de ser un baile cargado que solo realizaban los hombres en Europa, hasta convertirse en un arte escénico que hoy en día es un espectáculo bello caracterizado por sus movimientos suaves, en el cual domina el sexo femenino por su admirable técnica que se puede apreciar cuando están en puntas.

La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.

Historia De La Danza | Escuelas De Ballet.. Available at: http:// historia-dela-danza.blogspot.mx/search/label/Escuela%20Francesa%20-%20Caracter%C3%ADsticas. [Last Accessed 12 Sept. 2012].

Historia Del Ballet Francés. Available at: http://www.danzavirtual.com/llegada-del-ballet-a-francia-siglo-xvi/. [Last Accessed 17 Sept. 2012.].

Pinocho. - 43


3.3.1

Tipos de Ballet

3.3.1.1

{ Ballet Francés } Los ballets cortesanos presentados en Francia fueron los que iniciaron este movimiento. Suceso que tuvo mucha influencia en la aristocracia debido a que la danza tenía un gran impacto por ser de interés cultural. Con el tiempo, el ballet fue evolucionando y adaptándose a las distintas necesidades como por ejemplo, en el vestuario, donde las faldas eran largas hasta que se convirtió en un corto tutú. La escuela francesa se caracteriza por tener un estilo elegante y con movimientos limpios al mismo tiempo suaves; basándose, en no ser tan metódicos, sino enfocándose en la estética. Algunos de sus movimientos son con mucha rapidez, tanto, que parecen uno solo, para así, dar la ilusión de una danza limpia y suave.

El Ballet Ingles. Available at: http://www.danzaballet.com/modules.php?name=News. -

44 - Pinocho.

fig. 11


fig. 12

3.3.1.2

{ Ballet Ruso } El Ballet Ruso es una de las compañías más antiguas e importantes que son reconocidas no solamente en Rusia sino también en todo el mundo. Éste inició sus en clases de danza 1773 en un orfanato de Moscú. Tres años después la compañía inició sus presentaciones. Alexander Gorsky fue el responsable de desarrollar el estilo y formar la reputación que posee el ballet Ruso, quien en conjunto con otros bailarines dirigieron la compañía durante la revolución en la década de 1920. El ballet Bolshoi comenzó a tener éxito a partir de la obra Cenicienta, transformándose así en la compañía más importante del país en 1930. Veinticinco años después, empezó a ser reconocido en Europa a partir de su debut en Londres, lugar donde tuvo mucho éxito y posteriormente influencia en cuanto a la técnica. Posteriormente, tuvo presentaciones en el occidente y fue ahí donde oficialmente se convirtió en uno de los ballets más reconocidos mundialmente. Éste tuvo gran influencia en Estados Unidos como es el caso del American Ballet Theatre de Nueva York a cargo del director ruso Rudolf Nureyev.

(25 June 2006). La Historia De La ópera. Available at: http://www.danzaballet.com/?p=403. [Last Accessed 25 Jan. 2013]. Biografía de Alicia Alonso.

Pinocho. - 45


fig. 13

3.3.1.3

{ Ballet Inglés } Influenciado por dos bailarinas del ballet ruso, que al presentarse en este país tomaron la decisión de fundar una compañía, es de donde proviene el Ballet Inglés. Todo comenzó cuando el ballet Bolshoi hizo sus presentaciones en Inglaterra donde distintos bailarines se incorporaron a esta compañía. Alicia Markova, quién tuvo como gran punto referencia e inspiración a Anna Pavlova, reconocida y querida bailarina rusa, fundó el English National Ballet junto con Anton Dolin siendo ésta una de las mejores compañías en Inglaterra. La cual realizó un gran número de presentaciones en todo Europa y el resto del mundo.

Available at: http://www.festivalballethabana. cult.cu/alicia-alonso/. [Last Accessed Feb 5 2013]. bibliodanza.

46 - Pinocho.


fig. 14

3.3.1.4

{ Ballet Cubano } Esta compañía surge gracias a Alicia Alonso quién estudió en Estados Unidos en la School of America. Caracterizado por su romanticismo, el ballet nacional de Cuba es una combinación entre lo clásico y lo contemporáneo. El ballet ha tenido un gran número de presentaciones no sólo en la Habana sino en el resto mundo. Siendo de gran inspiración para países latinoamericanos como México

Historia de Ballet. Available at: http://www.ciudaddeladanza.com/ bibliodanza/historia-de-ballet/el-ballet-en-elsiglo-xx.html. [Last Accessed Feb 5 2013].

Pinocho. - 47


fig. 15

3.3.2

Obras Principales

3.3.2.1

3.3.2.2

3.3.2.3

Considerado uno de los ballets más antiguos que dieron inicio al ballet romántico, La Sílfide es un ballet clásico en donde se empezaron a manejar temas relacionados al amor, fantasía y la melancolía, dejando atrás los mitos griegos.

El Cascanueces es un clásico del ballet y una de las obras más famosas que en el occidente se considera atractiva por estar relacionada a la navidad. Hablando un poco sobre la historia de este clásico, esta obra fue un encargo por parte del director de Teatros Imperiales de Rusia, Ivan Vsevolozhky, le pidió a Pyotr Ilych Tchaikovski que le compusiera la música debido a que él ya había realizado obras como “La Bella Durmiente” y “La Dama de Picas”.

El Lago de los Cisnes es el primero de los tres ballets que escribió el compositor Ilich Tchaikovski. Esta obra de ballet es la más conocida a nivel mundial por su espectacular coreografía y música. Considerada como una obra romántica se estrenó en el año de 1877 y en sus inicios no tuvo mucho éxito, por lo que Tchaikovski desistió de la promoción de la obra, optando mejor por realizar la partitura de una nueva obra. Lamentablemente falleció en 1893. Fueron varios maestros conocedores del ballet quienes tuvieron la visión en el año de 1951 de retomar esta obra. Se cree que la obra estaba muy adelantada para su época y debido a esto no fue exitosa.

{ La Sílfides }

James personaje principal nacido en Escocia está comprometido con Effie. Mientras el escocés duerme, una Sílfide entra en su cuarto, se enamora del joven y éste le corresponde. Juntos deciden fugarse pero lamentablemente la Sílfide no es mortal, por lo que James va con la bruja para que le ayude. Pero la bruja se enamora de él y le da una poción envenenada.

Coordinación de Difusión Cultural UNAM. (2008 ). La Compañía Nacional de Danza presenta La sílfide y el escocés y Raymonda en la Sala Miguel Covarrubias. Available at: http:// www.difusioncultural.unam.mx/index.php?option=com_content&task=view&id=2784&Itemid=172. [Last Accessed Feb 5 2013].

48 - Pinocho.

fig. 16

Yelmo Cines. La Sílfide - Ballet Bolshoi. Available at: http://www.yelmocines.es/peliculas/la-silfide-ballet-bolshoi. [Last Accessed Feb 5 2013]. Isis Quintero (2009). Ballet El Cascanueces. Available at: Ballet “El Cascanueces”: el encanto de la Danza Clásica. [Last Accessed 1 Feb 2013].

{ Cascanueces }

La historia del Cascanueces trata acerca de una niña alemana llamada Clara, quien en la víspera de noche buena se reúne en su casa con familiares para la celebración. A la llegada del padrino misterioso que fue invitado por los Fritz, le da a cada niño un regalo. A Clara le da un muñeco tamaño natural y de ahí se envuelve la historia entre Clara y el Cascanueces en un mundo de fantasía y magia.

ELITE ESCUELA DE ARTE Y DANZA - BUENOS AIRES - REPÚBLICA ARGENTINA. La sílfide y el escocés. Available at: http://www. elitearteydanza.com.ar/argumentos-lasilfideyelescoces.htm. [Last Accessed Feb 5 2013]. -

{ Lago de los Cisnes }

Biblioteca Nacional de Francia (2010). Coppelia. Available at: http://gallica.bnf.fr/ ark:/12148/btv1b7720277c/>. [Last Accessed 01 2013]. -


fig. 17

fig. 18

3.3.2.4

fig. 19

3.3.2.5

{ Coppelia }

{ Giselle }

La obra se divide en tres actos. Comienza con un baile en la corte del castillo del Príncipe Sigfrido, que en su cumpleaños debe elegir esposa entre las jóvenes presentes. El príncipe queda atraído por un grupo de cisnes en el lago y queda maravillado de la belleza de una mujer cisne, víctima del sortilegio del brujo Rothbart. La joven Odette sólo podrá cobrar aspecto humano durante la noche si le jura amor eterno. Sigfrido está convencido que la fuerza del amor librará a su amada de la maldición. El príncipe fue engañado por el mago durante el baile y hace que elija como esposa a la hija del mago, la cual él transformó como Odette. Sigfrido vuelve al lago y suplica perdón a su auténtico amor, desafía a Rothbart y consigue que su hechizo desaparezca.

Coppélia es una obra basada en los cuentos de Hoffmann, Compuesta por Leo Delibes. Él empezó a trabajar con esta obra para la Opera de París y su trabajo se vio reflejado tres años más tarde, su estreno fue el 25 de mayo de 1870 en la Opera de Francia. Con esta obra, a Delibes se le reconoce como uno de los mejores compositores de ballet.

Giselle es una de las obras más representativas del ballet clásico, es considerada una obra romántica compuesta por Adolph Adam que se divide en dos actos. La historia está basada en la obra “De I´Allemagne” escrita por Heinrich Heine, esta obra se estrenó en la Ópera de Francia en 1841. Adam fue reconocido por el medio del ballet ya que fue su obra más representativa.

Ballet Nacional de Cuba (2001). Coppelia. Available at: http://www.balletcuba.cult.cu/ coppelia/. [Last Accessed 01 2013 ]. -

Digital Colletions (2008). Anna Pavlova in costume for Giselle Act I. Available at: http://www.nla.gov.au/apps/cdview/?pi=nla. pic-vn3409656&referercode=pa. [Last Accessed 01 2013 ]. -

La obra trata de un inventor llamando Doctor Coppelius, quien creó una muñeca de baile de tamaño natural y muy realista llamada Coppélia. Franz es un pueblerino que se enamora locamente de la muñeca y es ahí donde la magia comienza.

El relato de Giselle es de una campesina que se enamora de un noble, ella está consiente de que el noble no se fijaría en ella y por la gran tristeza ella muere.

Danza Ballet (2006). Ballet La Sílfide. Available at: http://www.danzaballet.com/?p=70. [Last Accessed 01 2013]. -

Al saber esto, Albretch va a la tumba de Giselle y con gran con tristeza le confieza su amor, de pronto se encuentra con unos fantasmas que quieren matarlo para vengar la muerte de Giselle. Cuando ella se da cuenta que su amor era correspondido y trata de salvarlo. Los elementos que destacan en esta obra son el vestuario, la escenografía y baile. Estos engloban un concepto mágico, basado en temas desde la ilusión, traición, pérdida y perdón.

Atelier de Ballet Classique St-Hyacinthe. Les grands classiques. Available at: http://www. atelierballetclassique.com/?page_id=59. [Last Accessed 02 2013].

Pinocho. - 49


3.4

Ballet en Nuestro Continente

3.4.1

Países Pioneros En Estado Unidos en la década de los 40´s Nueva York abre sus puertas el American Ballet Theater y se crea el New York City Ballet. Las compañías de ballet rusas llegaron a occidente en la segunda mitad del siglo XX impresionando a todos con su gran expresión dramática y gran técnica de ejecución de los movimientos. Debido a esta perfección del ballet ruso provocó que la Opera de París en el periodo de 1983 a 1989 contrataran como directora a Natalia Makarova y en el American Ballet Theater designaran como director a Mijail Bartshnikov en el periodo de 1980 a 1989. En la Isla de Cuba entra en 1948 la influencia del ballet cuando Alicia Alonso junto a su cuñado Alberto Alonso y a su esposo Fernando Alonso fundan el Ballet Nacional de Cuba. Esta compañía se encargó de dar a conocer el ballet en toda Latinoamérica, organizando giras fuera de la isla y llevando a cada país latinoamericano su conocimiento. Es por esto que al paso del tiempo, la perfección de sus técnicas y conocimientos se han convertido en una de las mejores compañías de ballet del mundo.

50 - Pinocho.


fig. 20 Porfirio Díaz impulsó la danza clásica con la promoción de programas culturales.

3.4.2

Ballet en Nuestro País La danza comenzó en México en el último cuarto del siglo XVIII, cuando José de Gálvez creó una compañía de ballet en la corte virreinal. En la Independencia de México llegaron al país el francés Andrés Pautret y su esposa la española María Rubio. Ellos dos crearon una escuela de danza en el Teatro Provisional en 1825. Las figuras que salieron de esta escuela de danza fueron: Joaquina Pautret, Antonio y Ángel Castañeda, Soledad Sevilla y la famosa María de Jesús Moctezuma. El presidente de México Porfirio Díaz durante su mandato impulsó la danza clásica con la promoción de programas culturales por medio de los cuales mando construir varios teatros y manejó apoyos a artistas mexicanos. Pero fue hasta 1915 cuando fue presidente Venustiano Carranza, creo la Dirección General de Bellas Artes. Pero en ese tiempo la danza solamente se impartía como parte de la educación escolarizada. Quien vino a promover la danza popular, los bailes folklóricos y las actuaciones dancísticas

Ardentía Danza. (2012). Ardentía, compañía de danza. Obtenido de http://www.ardentia.org/ Ballet del Nuevo Siglo. (2013). Bienvenidos. Obtenido de http://www.balletdelnuevosiglo. com/index2.html Ballet Moderno de México.

masivas fue Vasconcelos por medio de la SEP, que designó como director a Joaquín Beristaín, quien creó una escuela de baile para que se presentaran durante reuniones populares. En 1932 se creó La Escuela de Danza, pero esta ya no es controlada por la Secretaría de Educación Pública. El pintor Carlos Mérida fue el primer director de esta escuela. En 1936 ubican la escuela en el 3er piso del Palacio de Bellas Artes, aquí lo dirigía el profesor y compositor Francisco Domínguez. En el periodo de 1937 a 1983 la maestra Nellie Campobello fue la directora de la Escuela de Danza. Ella fue la fundadora del Ballet Carrol y Directora del Ballet de la Ciudad de México.

todo el mundo una crisis en el ballet. Pero debido a la paz en el periodo del Porfiriato, el maestro italiano Giovanni Lepri de 1880 a 1892 presentó sus obras con lo que logró que no se perdiera del todo el gusto por el ballet en nuestro país. En el siglo XX los bailarines profesionales como Amalia Hernández, Josefina Lavalle, Ana Mérida, Guillermina Bravo entre otros eran fuertemente influenciados por artistas extranjeros como Waldeen y Ana Sokolow. Gracias a estas influencias nacen instituciones como la Academia de la Danza Mexicana donde se enseñó la danza moderna y nacional.

Mexicana que impartía danza moderna desaparecio la danza clásica, algo que demostró Gloria Contretas en el año de 1970 cuando formó el Taller Coreográfico de la UNAM. En 1977 nació la Compañía Nacional de Danza con un repertorio consiste en obras modernas y contemporáneas. Hoy en día esta compañía es la representante número uno del ballet en México.

No porque existiera la Academia de la Danza

En 1937 la escuela cambia el nombre a Escuela Nacional de Danza, pero es reubicada por decreto presidencial en el año de 1946 junto con el Ballet de la Ciudad de México, a un predio ubicado en Lomas de Chapultepec. En este mismo año se creó el Instituto Nacional de Bellas Artes quien tomó control de la Escuela Nacional de Danza donde ésta imparte la educación y el Ballet de la Ciudad de México se encarga de la difusión. En último tercio del siglo XIX se vivió en

(s.f.). Las Bestias. Obtenido de http://www.balletmodernodemexico.com/compa.html CONACULTA, MÉXICO. (27 de diciembre de 2010). La Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, más de seis décadas de formar bailarines y coreógrafos. Ob-

tenido de http://www.conaculta. gob.mx/detalle-nota/?id=10468 Contempodanza. (2012). Obtenido de http://www.contempodanza.com.mx/ Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello. (2013). Nuestra escuela. Obtenido de INBA: http://www.

endngcampobello.bellasartes. gob.mx/index.php/nuestra-escuela Instituto Nacional de Bellas Artes. (8 de septiembre de 2010). Danza. Obtenido de http://www.bellasartes.gob.mx/ index.php/inba/grupos-artisticos/compania-nacion-

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Artes. (s.f.). Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Obtenido de INBD: http://www.sgeia.bellasartes. gob.mx/index.php/menueducacionartistica/menuescuelas/ esmdmdanza

Pinocho. - 51


3.4.2.1

{ Compañías principales }

Existen escuelas muy reconocidas en México con gran prestigio como: La escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello, Academia de la Danza Mexicana y la escuela Superior de Danza y Música de Monterrey.

Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea Fundada en 1979 la escuela Nacional de Danza Clásica y contemporánea es una escuela con una trayectoria extensa, cuenta con más de 30 años de experiencia enfocándose a crear bailarines de danza clásica, danza contemporánea y licenciatura de coreografía. La escuela cuenta con un total de seis licenciaturas, los egresados llegan a destacar a nivel nacional e incluso internacional. La escuela se encuentra ubicada en el Centro Nacional de las Artes en México D.F. Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello Fundado en 1943 la escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello, llegó a México con el propósito de crear ballet mexicano con técnica de danza clásica. En los año 1943, 1945 y 1947 ofrecieron tres grandes temporadas en el Palacio de Bellas Artes. En 1993 se crea la primera licenciatura en especialización dancística. En 1995 expanden su plan de estudios con especialidades en danza clásica, danza contemporánea, danza española, y danza folklórica. La escuela se encuentra ubicada en Polanco, México D.F.

Instituto Nacional de Bellas Artes. (2012). Artes y literatura. Recuperado febrero 4, 2013 de Academia de la Danza Mexicana: http://www.sgeia. bellasartes.gob.mx/index.php/menueducacionartistica/menuescuelas/adm -

52 - Pinocho.

Instituto Nacional de Bellas Artes. (2012, septiembre 18). INBA. Recuperado febrero 5, 2013, de Compañía Nacional de Danza: http://www. inba.gob.mx/index.php/inba/grupos-artisticos/ compania-nacional-de-danza-.html -

Academia de Danza Mexicana La Academia de Danza Mexicana fue fundada por las coreógrafas Guillermina Bravo y Ana Mérida en el año 1947, con el propósito de formar bailarines profesionales ofreciendo las herramientas para ir avanzando conforme la transformación de la danza. Ha evolucionado siendo uno de los principales centros de danza moderna y contemporánea. Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey La Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey se fundó en 1977 y actualmente ha llegado a ser una de las más importantes en México, cuenta con más de seiscientos alumnos y más de ciento veinte maestros. Esta escuela ha sido una marca importante en la cultura de Nuevo León, ya que gracias a ésta escuela se comenzó a fomentar más la música y la danza. Para mas información sobre este tema ver anexo 9

3.4.3

Influencia de Cuba en nuestro País Las influencias rusas y norteamericanas llegaron a nuestro país mucho antes que la influencia de Cuba. En 1980 llega a México la influencia cubana al ballet. Antes de eso el ballet se difundió por los años 20´s gracias a bailarines extranjeros que de alguna manera u otra habían radicando en México. Esto fue el caso de las hermanas Costa que eran bailarinas italianas y de Lettie Carrol bailarina norteamericana que en 1927 formó su compañía en la Cd. De México y también Ana Sokolov e Hipólito Zybin bailarines rusos. Hipólito Zybin en el año de 1931 crea la primer escuela oficial de danza en México que se llamaba Escuela Plástica Dinámica que después se llamaría Escuela Nacional de Danza para quedar en manos de las hermanas Campobello. No podemos dejar de mencionar que el ballet francés tuvo un espacio en nuestro país a cargo de Nelsy Dambre quien provino del Ballet de la Opera de París y formó su propia compañía en 1949.

Negrete, A. C. (2012, septiembre 19). Academia de Ballet de Coyoacán. Recuperado febrero 4, 2013 de Pilar en la enseñanza del ballet en México: http://www.academiadeballetdecoyoacan.com/ links/historia.html -

CAROLINA RIERA SANZ (2012). La escuela Cubana de ballet. Available at: http://www.tesis. uchile.cl/bitstream/handle/2250/111578/riera. pdf?sequence=1. [Last Accessed 01 2013]. -


3.5

Investigación Creativa de un Espectáculo escénico

3.5.1

Elementos de comunicación visual en una escenografía

3.5.2 Tema

Tema es una palabra, concepto abstracto que define de qué se trata la historia. Ej. • Amor • Fuerza • Violencia • Fortaleza

3.5.3 Tesis

En una producción teatral, al abrirse el telón la escenografía nos debe comunicar a primera vista cierta información como es: • Hora del día • Época • Estación del año • De que trata • Estado de ánimo • Situación sociopolítica • Presupuesto Los estilos escenográficos pueden ser: • Minimalista • Realista • Expresivo • Abstracto • Figurativo • Naturalista • Barroco • Contemporáneo • Gótico

La tesis es una afirmación que el autor quiere comunicar al público, es parecido a la moraleja en las fábulas.

3.5.4

Argumento

3.5.5

Tipos de escena para mantener interesado al público • Anticipación: La audiencia conoce la intención y objetivo del personaje por lo que puede preveer el resultado de la acción. • Suspenso: La audiencia conoce la intención y el motivo del personaje pero duda acerca del resultado de la acción. • Sorpresa: La audiencia conoce la necesidad y el motivo del personaje pero el resultado es distinto al que anticipó.

3.5.6

Tipos de personajes Silueta: Función decorativa / sin participación en la historia. Tipo: No son importantes para la historia pero tienen participación. Prototipo: El destacable de su tipo. El importante de un solo tipo. Estereotipo: Lo más destacable / exagerado de un prototipo. Que sobresale del prototipo por exagerado. Carácter: Aquellos que involucran emociones o pensamientos y toman decisiones.

• Curiosidad: La audiencia desconoce la necesidad y el motivo del personaje y no puede preveer el resultado de la acción.

Argumento es una frase que resume la idea  general de la historia. Tiene que tener siempre este formato: Es la historia de ____________(nombre), ________________(descripción, física y personalidad) que para lograr _______________ tiene que ___________________.

Pinocho. - 53


3.5.7

3.5.8

Encuesta del personaje

Géneros teatrales

1. Personaje: 2. Nombre: 3. Edad: 4. Escolaridad: 5. Dirección: 6. Estado: 7. Peso: 8. Estatura: 9. Color de piel: 10. Nivel socioeconómico: 11. ¿Qué desea?: 12. ¿Qué necesita?: 13. Meta del día: 13.1 ¿Qué se lo podría impedir? 13.2 ¿Qué haría para lograrlo? 14. Meta del año: 14.1 ¿Qué se lo podría impedir? 14.2 ¿Qué haría para lograrlo? 15. Meta de la vida: 15.1 ¿Qué se lo podría impedir? 15.1 ¿Qué haría para lograrlo? 16. Cosas que le gustan: 17. Cosas que le molestan: 18. ¿A qué le tiene miedo? 19. ¿Cuándo se rio por última vez? 20. ¿Cuándo lloro? 21. ¿Qué es algo que lo avergonzaría? 22. ¿Qué le ha pasado o que ha deseado que nunca le contaría a nadie? 27. Su secreto mejor guardado 28. ¿Qué es lo peor que podría pasarle? 29. Escribir 15 recuerdos que tiene:

Tragedia La tragedia se caracteriza por la lucha que existe entre dios o un ser superior dañando al protagonista o algún otro personaje que se defiende negándolo. Drama Existe una pelea con un enemigo que está atacando constantemente y eventualmente se desarrolla un contra ataque. Comedia Vive una lucha constante en contra de la sociedad. Rechaza sus problemas utilizando la risa como manera de justificarse y sentirse bien. Melodrama Se caracteriza por los problemas relacionados con la pareja del personaje o cualquier otro en donde la traición es la parte fundamental del genero y el abandono como complemento de éste.

3.5.9

Línea de acción de una historia Cada obra cuenta con una línea de acontecimientos en los cuales se van presentando para darle forma a la historia. Antecedentes: Es la parte de introducción que te describe la personalidad y se dan a conocer las características de los personajes. Arranque: Es el acontecimiento con el que comienza la historia.

54 - Pinocho.

Revelación: Es cuando el público descubre cierta información que no sabía y que es importante para la historia. Nudo: Es el momento de la historia en donde hay una confrontación de fuerzas. Peripecia: Es cuando la historia gira completamente. Posible Solución: Se plantea una opción para solucionar el problema que se suscita. Solución Definitiva: Es la decisión con la que se resuelve definitivamente el problema. Clímax: Es el punto máximo de la historia, donde el espectador está más tenso o su ritmo cardíaco es más alto. Catarsis: Es cuando el espectador se siente identificado con el personaje. Vuelta a la realidad: Es como concluye la historia. El final.

3.5.10

Sinópsis

Es el resumen de la historia, para que el público conozca lo que va a ver en escena.

3.5.11

Psicología del Personaje Se consideran las propiedades de carácter de los personajes destacando los pecados y virtudes de cada uno de ellos.


“You can design and create, and build the most wonderful place in the world. But it takes people to make the dream a reality.” – Walt Disney

Pinocho. - 55


56 - Pinocho.


fig. 21

“La arquitectura es una escenografía teatral donde los actores pincipales son las personas, y para dirigir dramáticamente el diálogo entre esas personas y el espacio está la técnica de diseño” Kisho Kurokawa

4.1

Interiores Para idear y resolver el espacio escénico es necesario investigar todas las y técnicas de diseño. La tecnología, los materiales de construcción, la historia y evolución de las artes escénicas, son algunos de los temas que a continuación se mencionan para ayudar al conocimiento del desarrollo de una escena.

Pinocho. - 57


4.1.1

El interiorismo en las artes escénicas El interiorismo en las artes escénicas es una de las partes más importantes en una obra, ya que muestra hasta lo más mínimo que se quiere representar en un momento. Todo esto no sólo se logra gracias al interiorismo, esta es una disciplina que está estrechamente ligada al diseño industrial y arte digital. En la escenografía, se tiene la oportunidad de transportar al usuario a determinada época o espacio gracias al conjunto de elementos necesarios para representar el ambiente deseado. No sólo se trata de pintar y montar decoraciones escénicas, es hacer arte preparando elementos necesarios para lograr una escenografía hecha a medida de la obra, haciéndola llamativa y funcional. Jaques Polieri (1990) define escenografía como ¨El conjunto de elementos pictóricos, plásticos, técnicos y teóricos que permiten la creación de una imagen, de una construcción bi o tridimensional, o lo puesto en el espacio de una acción notablemente espectacular. Podemos decir que, la escenografía es un resultado del estudio y entendimiento total de la obra.

4.1.2

fig. 22

Normas de un teatro

• Buena visibilidad, sin mover la cabeza, pero girando los ojos ligeramente, aproximado 60º.

Tipos de teatros y tamaños:

• Máximo ángulo psicológico de percepción sin mover la cabeza, aproximado 110º.

• Teatros regionales (capacidad: 500-600 butacas) varios espacios para representaciones en la región.

• Moviendo la cabeza y la espalda se puede llegar a tener un campo perceptivo de 360º.

• Teatros de 3 sectores (capacidad: 700-800 butacas).

Proporciones de la sala de espectadores clásica

• Teatros separados. Salas medias para operas : 1000-1400 butacas. Escenarios adyacentes para ensayos.

La separación de la última fila hasta la boca del escenario no debe superar 24 m, en las operas 32 m.

• Grandes operas: 1400-2000 butacas con grandes teatros: 800-1000 butacas.

Proporciones de un espacio experimental.

Según las ordenes que regulan los espectáculos públicos, todas las butacas, a excepción de los palcos, deben de ser fijas con el asiento abatible manualmente y unas medidas iguales o superiores a las siguientes: Salidas, recorridos de evacuación de 1 m de anchura por cada 150 personas. Proporciones de la sala de espectadores: Depende del ángulo psicológico de percepción y del ángulo visual de los espectadores. • Buena visibilidad, sin mover la cabeza, pero girando los ojos ligeramente, aproximado 30º.

Peter Enfuerta, (1995). Neufert, Arte de proyectar en Arquitectura. 14th ed. México: Gustavo Gili.

58 - Pinocho.

Se trata de espacios neutrales o abiertos para representaciones teatrales, que permiten varias posibilidades de distribuir los espectadores y disponer del escenario. Esta ordenación variable se consigue mediante una tarima móvil para el escenario y tribunas móviles para los espectadores o mediante un suelo móvil, formado por tarimas elevadizas. Esta solución es mucho más compleja técnicamente y bastante más cara que la primera solución y por ello solo suele emplearse en salas mayores con una capacidad mínima entre 150 a 450 personas.

4.1.3

Flujos en un Teatro El público entra por el acceso principal donde tiene 4 entradas a la sala marcados con señalética con la información debida: entradas, salidas de emergencia, baños etc. Esto para crear una mejor circulación y evitar desorden y desastre. También por el acceso principal, se puede ingresar a los camerinos y escenario, esto se hace al principio de la obra o cuando los actores interactúan con el público. Los bailarines o actores tienen un acceso independiente donde llegan directo a los camerinos y escenario con el objetivo de no ser vistos por el público y así crear una expectativa.


fig. 23

desahogo atras foro

camerinos

escenario hombros

hombros

proscenio

acceso 1

acceso 2

sala

acceso 3

acceso 4

acceso principal

Flujo pĂşblico - sala Flujo Acceso principal - escenario y camerinos Acceso a los bailarines

Pinocho. - 59


4.1.4

Acondicionamiento acústico

Existen varios tipos de ruidos que causan problemas auditivos dentro de una sala teatral, los cuales se solucionan de las siguientes maneras. Ruido exterior: Se produce desde los exteriores de la sala. Para solucionarlo se tiene que aislar el espacio con materiales absorbentes los cuales impidan el paso del sonido dentro de la sala. Ruido del público: Es el ruido generado por el público como hablar, toser etc. Esto también se puede solucionar mediante mobiliario y materiales adecuados que aíslen el ruido de las voces lo mejor posible. El eco: Son repeticiones retardadas de sonido directo. Este se genera sobre superficies planas. La solución a esto es introducir superficies reflectantes dentro de la sala.

Bibliografía Acondicionamiento Acústico Reforma, sección cultura, 18 de marzo 2008
http://www.reforma. com/libre/online07/edicionimpresa/default.shtm?seccion=primera

60 - Pinocho.

fig. 24 Existen varios materiales que corrigen y solucionan esta clase de problemas auditivos, se clasifican en porosos y no porosos. Los porosos son duros, semiduros y blandos. Su absorción aumenta con la frecuencia, absorbiendo las frecuencias mas elevadas, éstas son las mas sensibles al oído. Los materiales no porosos son duros y absorben las bajas frecuencias, se aplican únicamente a cierta distancia de las paredes y en forma de panel. Estos tienen un coeficiente de absorción del 30%, dependiendo del material y acomodo de los páneles. Los materiales arquitectónicos se tienen que acondicionar con materiales absorbentes para evitar los rebotes de estos, al igual que en la azotea del auditorio.

fig. 25 La solución a un espacio acústico como un teatro es más especializada y limitada que la de una sala de conciertos, ya que estos teatros son catalogados como monumentos históricos, por esta misma razón se han llegado a perfeccionar los sistemas electro acústicos “explicó Humberto Terán, vicepresidente de la Asociación de Ingenieros de Sonido, sección México”. El sistema electro acústico trata de la colocación de bocinas pequeñas las cuales no superan los 10 centímetros cuadrados al igual que micrófonos que se distribuyen alrededor de la sala sin que el público lo pueda notar. Modificando el volumen del espacio y los materiales absorbentes, es posible alterar la acústica de una sala de conciertos.

Estos elementos son: el techo, el piso, gradas, muros, puertas, mobiliario y la audiencia. Cada elemento debe de ser estudiando para establecer su diferente coeficiente de absorción.

Para que la voz de los cantantes de ópera tenga buena definición, se necesita menos volumen en el teatro, por eso se cierra el último piso, se quitan algunas butacas y se bajan los plafones.

Así como los elementos arquitectónicos absorben ruido, el público también lo absorbe y tienen su propio número de coeficiente de absorción.

Es posible adaptar la misma sala para conciertos sinfónicos con una concha acústica y un mayor número de butacas, además de subir los plafones.

http://www.arauacustica.com/files/publicaciones_relacionados/ pdf_esp_228.pdf

Díaz, E. Arauacustica. Guía para el diseño de auditorios. Retrieved from http://www.arauacustica.com/files/publicaciones_relacionados/pdf_esp_228.pdf


“En todo tipo de diseño, el conocimiento de los efectos de la luz afecta la forma y el color.” Gillam Scott (1992)

4.1.5

fig. 26

Iluminación escenográfica Uno de los elementos básicos en el teatro es la iluminación. El objetivo es iluminar a los actores, al espacio y dar la correcta ambientación en el escenario. Con el paso del tiempo, la iluminación en los escenarios ha evolucionado, ahora la atención se centra en iluminar de forma volumétrica para crear sombras, luces y volúmenes. Los teatros cuentan con distintos tipos de ángulos como frontal, lateral y de contraluz, esto es, para crear el equilibrio de colores deseado. El funcionamiento de los ángulos son los siguientes:

2. Lateral .- Ubicadas en los hombros del escenarios. Logran efectos como remarcar un rostro o dar más drama a la escena. Lo negativo de este tipo de luces es que entre actores se producen sombras y para que esto no suceda tienen que estar en diagonal el uno con el otro. 3. Contraluz.- Se usa cuando se quiere iluminar un objeto en especial se coloca detrás de éste, generándole una sombra entre el espectador, y el objeto, creando una sombra en el piso logrando una mayor magnitud del objeto. La iluminación es importante porque puede llegar a manipular la percepción de tiempo y del espacio, es decir, se puede aparentar una mañana, un día soleado, un atardecer, entre otros. También acentúa elementos e incluso personas en las cuales se quiere centrar la atención.

1. Frontal.- Este tipo de luz tiene como objetivo que el espectador vea correctamente a las personas que están en escena. Éstas luces provienen de la sala o de donde está el público. Cuando estas luces no están bien colocadas causan sombras no deseadas en la escenografía.

La ambientación es otra característica que la iluminación puede controlar, con esto se consigue despertar emociones en el público e incluso hacerlos ver sombras, colores y volúmenes siempre y cuando se tengan bien equilibrados.

Bibliografía Iluminación Escénica http://www.redteatral.net/noticias-iluminaci-n-teatral-296 Teresa García Vicente (2010). iluminación teatral. [ONLINE] Available at: http://www.redteatral.net/noticias-iluminaci-n-teatral-296. [Last Accessed 18/02/2013].

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La iluminación en términos técnicos, tiene un orden para que se puedan llevar a cabo los efectos deseados. Las luminarias se encuentran ubicadas en las varas que están suspendidas entre las bambalinas. Los colores que normalmente se encuentran en estas varas son colores rojo, blanco y azul, los cuales se utilizan para luz difusa. Los proyectores ó reflectores cuentan con una gama más amplia de colores como rosa, verde, acero, ámbar entre otros, los tonos varían dependiendo de unas micas que se encuentran ubicadas en la sala a una altura específica para evitar sombras de los actores sobre los telones. Existen también unos reflectores que se posicionan en la primera vara tras el telón de boca. Estos reflectores son para iluminar distintas áreas y a los actores, por otro lado tenemos los reflectores que siguen a los actores (seguidores) los cuales se manejan desde el puente. Es preferible que la iluminación se maneje desde arriba y algunas desde la sala para evitar sombras no deseadas. La iluminación se controla desde un cuadro de luces que se regula por medio de resistencias y también por las intensidades de la luz.

Accessed 18/02/2013]. Read more: http://www.americanessays.com/tool-box/apa-format-citation-generator/#ixzz2LIgJQXkP http://www.biblioteca.org.ar/libros/132871.pdf Juan Cervera (2008). Teoría y técnica teatral. [ONLINE] Available at: http://www.biblioteca.org.ar/libros/132871.pdf. [Last Accessed 18/02/2013]. Read more: http://www.americanessays.com/tool-box/apa-format-citation-generator/#ixzz2LIqujNlF

Pinocho. - 61


4.1.6

Elementos Técnicos del Teatro

Materiales para crear una escenografía

Los elementos técnicos en el teatro son los que, junto con la ayuda de los tramoyeros, lograran crear una ambientación adecuada para el montaje.

En las escenografías, los materiales más utilizados son:

En el teatro, como en la mayoría de las artes escénicas, todo es un conjunto de elementos que ayudan a formar uno solo y aquí no es la excepción. La iluminación y la escenografía forman parte de un todo, a los que se les tiene que dar su debida importancia. En escenografía se pueden llevar a cabo efectos volumétricos, bidimensionales o incluso de tercera dimensión como son los telones con ayuda de las perspectivas correctas y la adecuada colocación de cada telón dependiendo del espacio que se le quiera dar a la escena, o también la correcta colocación de la utilería que se va a presentar en una escenografía. Todo esto tiene que ser hecho a base de materiales que con el tiempo se han ido perfeccionando para crear mejores efectos visuales.

Bibliografías Elementos Técnicos de un Teatro BOEL (2004). Materiales para la construcción de escenografía. [ONLINE] Available at: http://www.laguerradelanillo.com/index2.php?option=com_content&do_pdf=1&id=81. [Last Accessed 15 DE FEBRERO].

62 - Pinocho.

fig. 27

• Páneles de madera a los cuales pueden agregarle pintura, papel, vinil, tela, relieve o molduras. • Madera balsa, puede servir para crear detalles, ya que es fácil de utilizar porque es un material ligero y blando. • Poliestireno, ya que es un material con el cual puedes crear diferentes cosas. Existen 2 tipos de poliestireno, el extraído o de alta densidad y poliestireno expandido. El poli estireno extruido o de alta densidad es el más indicado por su composición y su fácil manejo. El poliestireno expandido es más complicado de utilizar en escenografías, ya que es muy sucio. • Cartón corrugado, ya que es un material resistente para crear una escenografía. • Cartón fino, no es tan resistente como el corrugado, pero puede funcionar para crear elementos secundarios. • Yeso preparado, es menos sucio y seca rápido. • Alambre, ya que puedes crear ciertos detalles con el.

Algunos elementos auto estables son:

Los fondos de las escenografías son:

— Arcos. — Escaleras. — Tarimas.

— Neutros: blanco = limbo; negro = camafeo. — Pintados: telas pintadas, ampliaciones fotográficas, fondos proyectados, fondos insertados electrónicamente.

(2009). MATERIALES PARA LA CONSTRUCCIÓN DE ESCENOGRAFÍA. [ONLINE] Available at: http://proyectandoideas. files.wordpress.com/2009/05/materiales-para-la-construccion-de-escenografia.pdf. [Last Accessed 15 DE FEBRERO]. Bibliografías http://www.laguerradelanillo.com/index2.php?op-

fig. 28

fig. 29

Los detalles en las escenografías pueden ser creadas con: — Detalles pintados. — Empapelado de paredes. — Piezas moldeadas.

Al suelo se le puede agregar: — Pintura. — Materiales de revestimiento.

tion=com_content&do_pdf=1&id=81 http://proyectandoideas.files. wordpress.com/2009/05/materiales-para-la-construccion-de-escenografia.pdf


fig. 30

4.1.7

Proceso de diseño escenográfico El boceto Son dibujos a mano alzada, acuarelas etc., donde van surgiendo las primeras ideas, colores, formas, dimensiones, detalles y se va avanzando en ellas para después darle un diseño y perspectiva, para tener una mejor visión sobre el diseño escenográfico y seguir con el siguiente paso.

Los planos Este proceso es la representación a escala en 2 dimensiones reales del espacio escénico, se requieren planos, cortes y elevaciones, para así tener todas las dimensiones del diseño escenográfico, desde altura hasta los mínimos detalles del proceso de diseño.

La maqueta Es una representación tridimensional con las medidas reales a escala, para ver el funcionamiento y para tomar ciertas decisiones favorables o negativas, modificar, etc., este proceso es más acertado que el gráfico ya que vemos en sí el espacio que tenemos y que podemos intervenir.

Los elementos previamente mencionados son áreas técnicas del escenario, que se diseñan por personas que tienen un estudio previo en el ramo. En cambio la tramoya, al igual que otros de los elementos tecnicos que hay en el teatro, no requieren de estudios previos.

Bibliografía Proceso de diseño de escenografía (). La Tramoya. [ONLINE] Available at: . [Last Accessed 21 febrero 2012]. Read more: http://www.americanessays.com/toolbox/apa-format-citation-generator/#ixzz2LY7htRjx

La Tramoya. [ONLINE] Available at: http://www.teatro.meti2. com.ar/tecnica/escenariografia/teoria/escenarioelemento/escenarioelementos.htm. [Last Accessed 21 febrero 2012]. Read more: http://www.americanessays.com/tool-box/apa-format-citation-generator/#ixzz2LY93ow5R

Pinocho. - 63


El escenógrafo, es el encargado de organizar los decorados del espectáculo y hacer todo un proceso de diseño acorde a la obra que se va a presentar. éste también trabaja siempre de la mano con el Realizador de vestuarios y se encargan de formar una segunda piel para el bailarín o actor que va a representar su personaje.

4.1.9

fig. 32

Arte Efímero

4.1.8

“Tras Bambalinas” Hablar de tras bambalinas nos hace referir a lo que está sucediendo detrás del escenario, mientras la obra de teatro está en escena. En esos momentos hay muchas cosas que hacer para que la próxima escena pueda salir perfecta sin que el espectador lo note. Todo esto es posible gracias a los tramoyistas que tienen que vestirse de negro para pasar totalmente desapercibidos para que no exista ni un mínimo margen de visibilidad en ellos. Los tramoyistas para poder montar una obra de alta complejidad necesitan un margen de trabajo mínimo de 5 horas, que son trabajadas entre 7 personas. Para desmontar ocupan la mitad porque es algo mucho mas fácil de hacer. Joaquín Reza dice que “ La vida tras bambalinas es trabajar para que otros se luzcan” y es cierto. Los tramoyistas son los primeros en llegar y los últimos en irse, ya que siempre habrá iluminación que desmontar e indumentaria que guardar.

Miguel Ángel Elvira , (1989). El arte griego . Madrid: Historia . III (Madrid: Historia ), pp.16. P. 66 -

64 - Pinocho.

fig. 31 Los tramoyistas no son los únicos que están atrás del escenario, también las personas que son parte esencial y única de la obra como los directores escénicos y otros, están sin dar la cara en la obra pero encargados totalmente de su éxito en escena. El Director Escénico tiene que dirigir la fabricación completa del espectáculo, éste debe saber hasta el más mínimo detalle como que el decorado tiene que ser hecho de determinado material, cuáles materiales no se ocupan y el porque de eso; conocer a fondo el vestuario y hasta incluso que luces son las que van a estar presentes durante la obra. Un técnico de iluminación no se hace presente físicamente, pero es el encargado de hacernos sentir en el lugar que corresponde a la escena, éste es el encargado de emitir un sentimiento en el momento de la historia que se está contando en manera tonalidades que se dan gracias a la luz. Es un personaje totalmente indispensable para poder lograr un buen efecto teatral ubicando las luces y proyectores donde más convenga para dicho momento. Todo esto acompañado siempre de un electricista para lograr en conjunto un buen resultado.

Diego Suarez Quevedo , (1989). Renacimiento y Manierismo en Europa. . Madrid: Historia . (16 pp. ), pp.135- 141 -

El Arte Efímero es un arte pasajero, momentáneo, hecho para ser de uso temporal que cambia de lugar constantemente.

fig. 33

El arte efímeras es una instalacion escénicas, rama totalmente ligada a la arquitectura interior. Un claro ejemplo es el hotel de hielo en Jukkasjarvi, Suecia; ya que en éste se usaba un material orgánico y totalmente fugaz dependiendo de la época y las condiciones del año.

Los cuerpos de los bailarines también formaron parte de la escenografía. Sus vestuarios proyectaban escenas del paisaje urbano logrando una absorción entre la escenografía y los bailarines.

Otro caso de arte efímero es la intervención de Zaha Hadid en el ballet de Metápolis quien intervino en escenografía con elementos clave que hicieron de ésta todo un éxito.

Uno de los casos de fracaso de arte efímero, fue la caída de un escenario durante su montaje antes de un concierto de Radiohead, que se llevaría a cabo en Canadá; una construcción incorrecta de la estructura, provocó la muerte de un hombre y tres lesionados.

Aquí Frederic Flamant, coreógrafo del ballet, en colaboración con Zaha Hadid, lograron crear un arte escénico usando objetos que intervenían con el espacio teatral que estaban sujetos al cambio y al movimiento de los bailarines. La escenografía siempre adaptándose a ellos. Hadid creó tres puentes de aluminio que con ayuda de una iluminación a contraluz, lograron crear una ilusión de color y movimiento mezclando diferentes tonos de luz para así generar diferentes emociones al público. Estos puentes o estructuras, tomaban diferentes formas, tratando de imitar de cierta manera al bailarín moviéndose por todo el escenario.

Zaha Hadid referencia 1: Diane Solway (July 22, 2007). Urban Warriors, High-Tech Metropolis . Available at: http://www.nytimes. com/2007/07/22/arts/dance/22solw.html?pagewanted=all&_r=0. [Last Accessed ].

Esto se pudo haber prevenido llevando a cabo las reglas básicas para la instalación de un escenario; hacer un croquis de los movimientos que se van a realizar, recorrer las áreas, especificar el lugar donde se iniciará la actividad, hacia dónde se dirigen y dónde finalizará, verificar que las estructuras estén en buenas condiciones, contemplar accesos y salidas ya sea de los protagonistas o del personal y tomando en cuenta el peso de la estructura. Sin dejar atrás los materiales ideales para un montaje y su funcionalidad, algunas características son: deben ser ligeros, flexibles, durables, manejables y que no limiten los movimientos de los artistas.

referencia 2 zaha: Tobi Tobias (July 26,2007). Zaha Hadid’s Forms Dance to Urban Beats; Beijing Opera Updated . Available at: http:// www.artsjournal.com/tobias/2007/07/zaha_hadids_forms_dance_to_urb.html.


Pinocho. - 65


fig. 35

“And now, I’m just trying to change the world, one sequin at a time.” Lady Gaga

“Our work should make people dream.” Gianni Versace

66 - Pinocho.


4.2

Diseño de Modas La disciplina del Ballet se une al diseño de modas de manera concisa y dinámica, buscando interpretar el vestuario para el espectáculo Pinocho con el mejor carácter. A través del tiempo el vestuario del ballet ha evolucionado El vestuario en un espectáculo escénico juega un papel fundamental. Es por medio de éste por el cual obtenemos información referente a los personajes como su edad, estilo de vida y personalidad. El vestuario es un elemento estético de gran importancia para crear una obra de arte atractiva y bella, esencialmente si se trata de ballet, ya que es primordial destacar la figura de los bailarines así como sus movimientos. Los conocimientos de diseño de modas aplicado al diseño de vestuario nos permiten crear piezas que a demás de ser funcionales y dinámicas, son estéticamente atractivas.

4.2.1

Inicios del vestuario de ballet Desde un principio el vestuario se utilizó como una forma de apoyo para la expresión de lo que el actor va a representar. Todo esto fue evolucionando con formas, colores y nuevos aditamentos gracias a las tendencias y necesidades. La primera noción que viene a la mente cuando se habla de ballet, es de la imagen de el tutú clásico, éste prenda se ha convertido en un icono de este arte que a pesar de todo, tuvo un largo historial de modificaciones desde su invención hasta convertirse en la aspiración de la bailarina. La función de la vestimenta era acompañar al bailarín en su obra pero no se pensaba tanto en la funcionalidad y la comodidad, por lo que siempre lo acompañaban trajes cargados con miriñaques, pelucas y joyas, el largo de las faldas no dejaba al espectador apreciar las complejas coreografías y entorpecían a los bailarines. Gracias a el coreógrafo Marius Petipa se hizo hincapié a la importancia de la expresividad del bailarín y propuso resurgir la figura masculina por lo que dio inicio al ballet moderno.

Jean Sorabella (2004). The Ballet. Available at: http://www. metmuseum.org/toah/hd/balt/ hd_balt.htm. [Last Accessed 15 February 13]. -

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February 13]. Karen Kein (). Beginner´s guide to ballet. Available at: http://national.ballet.ca/ pdf/education/Beginners%20

Con ello se hicieron obras mejor pensadas con contribución de pintores, compositores, ya con el conjunto de grandes artistas y el vestuario formó una parte muy importante para el desarrollo de la obra. A pesar de que se logró un resultado muy elaborado, esto les imposibilitaba a los bailarines tener movimientos atléticos.

fig. 36

Este fue un gran avance pero no cambió el dinamismo del bailarín hasta la Revolución Francesa, que ayudó a situar las tendencias de la moda en una estética más ligera, telas vaporosas con cortes simples. Dentro de esta época la mayor innovación fue la invención de las medias y las zapatillas de punta, esto fue el mayor impulsor que le dio oportunidad a los coreógrafos de desarrollar pasos con técnicas más elaboradas y complejas. En el siglo XIX, la bailarina Marie Camargo fue la primera en bailar ballet sin tacones, antes las mujeres bailaban en zapatillas con tacón para asimilar a la mujer de la corte. Camargo fue la responsable de quitarle el tacón porque le parecía más cómodo, podía hacer vueltas y saltos que no le permitían los tacones. Pero fue Marie Taglioni quien introdujo las zapatillas de punta; ella y su papá, que era coreógrafo, revolucionaron el ballet con la obra de La Sílfide, creando el famoso ballet romántico, que es el ballet que conocemos hoy en día.

Guide%20to%20Ballet.pdf . [Last Accessed 15 February 13]. (2009). Who invented the leotard?. Available at: http:// www.cpaglobal.com/newlegal-

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Pinocho. - 67


El tutú nace en las cortes de Italia en el siglo XV gracias a que las mujeres interpretaban a mujeres de la corte, en esa época se usaba el corsé y las faldas de estilo campana hasta el piso, aquí nace la primera especie de tutú. Con el tiempo éste fue evolucionando hasta llegar al siglo XIX, Marie Tagioni, acorta la falda hasta la rodilla con el propósito de enseñar los movimientos de los pies, es aquí cuando nace el tutú romántico, que consiste en una falda de tres a cinco capas de tul hasta la rodilla. Existen diferentes tipos de tutús, los más reconocidos: el romántico y el clásico, a veces conocido mejor como el tutú de plato. El tutú clásico es una falda con varias capas de tul, (hasta 12 metros), que se va cortando en diferentes capas empezando de abajo con la más chica y gradualmente van creciendo hasta llegar a la capa superior, la cual es la vista principal. Esta falda va unida al corsé, que por lo general no tiene varillas, para evitar incomodidades o lesiones, abajo tiene un calzón cosido que forma un tipo de leotardo. En los 1800s se quería representar esta naturaleza clásica como las historias mitológicas,

(2012). Ballet Costume Design. Available at: http://www.vam.ac.uk/content/articles/b/ballet-costume-design/. [Last Accessed 15 February 13]. (). Marie Taglioni (1804-1884): A life on toe tip. Available at: http://www.nederlandsmuziekin-

68 - Pinocho.

los papeles que se representaban eran en su mayoría de hadas, ninfas o seres mitológicos y se creía que el tutú tenía la apariencia de flotar y de hacer ver que la bailarina no tuviese peso, ideal para representar a estos papeles mágicos. Con la introducción del ballet romántico la mujer se fue formando la estrella principal, ya era raro ver a hombres en el ballet. Los Taglioni marcaron y definieron lo que es el ballet en la actualidad; hasta la fecha, sus tutús y zapatillas de punta se siguen usando por las mismas razones que hace dos siglos. El leotardo inventado en 1880 por el famoso acróbata francés Jules Leotardo que invento el acto del trapecio volador, juega un papel fundamental. El principal propósito del leotardo y las mallas es que se pueda leer el cuerpo y al mismo tiempo estar muy cómodo, el maestro tiene que ver que el vientre esté bien posicionado, sin sacar los glúteos y éstos mantenerlos metidos siguiendo una línea central en el cuerpo y con el cuello alargado mientras los hombros tienen que presionarse hacia abajo.

stituut.nl/en/collections/web-presentations/taglioni/4-sur-la-pointe . [Last Accessed 15 February 13]. A.M. Cole (1997). Origins of the tutu. Available at: http://www.royalsouthstreet.com.au/tutu. [Last Accessed 15 February 13].


fig. 37

4.2.2

Vestuario de ballet en la actualidad El propósito de la ropa es que se vea la línea de movimiento del cuerpo, que se luzca la postura agraciada, alargada y delicada. Para lograr estos puntos anteriores se requiere una condición y fuerza impresionante. El punto de todo esto es que no se note el esfuerzo que se hace para lograr esta postura sofisticada. Es por eso que en el ballet se implementan prendas ajustadas a la línea del cuerpo, lo suficiente para poder bailar y estirarse; la ropa no puede ser aguada o muy suelta. Para practicar o ensayar se usan diferentes prendas que en el teatro. El ballet es conocido por tener una disciplina e impecabilidad en su uniforme. Una bailarina empieza su práctica con un leotardo, ya sea color negro, rosa o blanco, dependiendo de las políticas de la escuela, y mallas color rosa pastel o carne. No se usa la ropa interior para prevenir marcas en el cuerpo. Para ello, en invierno o como suplente de la ropa interior se puede usar un body, es decir, un unitardo del mismo material de las mallas.

(2002). Historical Boys ClothingBallet Costumes: Historical Development . Available at: http:// histclo.com/act/dance/bal/cos/bc-hist.html. [Last Accessed 15 February 13]. css (). History of Ballet . Available at: http:// www.ccs.neu.edu/home/yiannis/dance/history.

El pelo debe ser recogido en una “cebolla” de tal manera que deje la cara libre de pelo para prevenir accidentes. El hombre practica con una camisa blanca y mallones opacos negros. No se usa ropa interior, se usa un suspensorio masculino, es un cinto de elástico tipo tanga con un protector al frente, su función es proteger y dar soporte a los genitales. También se usa por razones de estética, para que no se marquen líneas de los genitales por delante y por atrás. El uniforme va cambiando conforme pasan los años de práctica, cuando son muy pequeños de edad es de suma importancia respetar el reglamento del uniforme y más adelante el protocolo se hace un poco flexible.

Las zapatillas de punta se usan por mujeres, para asimilar esta apariencia de estar flotando. Están hechas de piel para darle soporte al pie, después están forradas con satín. Para que las zapatillas se ajusten el pie, las bailarinas les cosen listones en la parte de los tobillos para amarrarlos a ellos, en ocasiones también se usa el elástico. Lo que deteriora a la zapatilla es el bailar por mucho tiempo, el sudor y el calor del pie. Por lo general cada bailarín profesional entrena un promedio de 8 a 10 horas diarias, por ende, en su mayoría cada bailarín usa un par de zapatillas por práctica. Los hombres no usan zapatillas de punta, ellos usan zapatillas de media punta hechas de tela gruesa como lona o un tipo de manta.

Para el calentamiento, la primera parte en una sesión de práctica, se usan calentadores en los pies, prenda en tejido de punto completamente circular; su único propósito es cubrir el pie y así calentarlo para evitar lesiones o molestias. Cuando el clima es frío se usa un suéter de ballet, una clase de cárdigan de lana con manga larga que no tiene cierre, simplemente se amarra al cuerpo con dos tiras sobrantes, tiene la misma funcionalidad a una falda de ballet.

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Pinocho. - 69


4.2.3

Influencia del ballet en la moda El ballet, desde sus inicios, fue evolucionando su indumentaria de acuerdo a las necesidades ergonómicas que iban surgiendo, así como a las condiciones sociales de la época. Anteriormente, los bailarines debían portar el mismo tipo de vestuario para ensayos y presentaciones, respetando los lineamientos y las tonalidades pastel. En la actualidad, los bailarines actúan con numerosas y diversas formas de vestuario de todo tipo de colores y texturas, incluyendo también por supuesto el sencillo vestuario que utilizan para los ensayos. En 1900 el ballet comenzó a tener méritos propios, no solo en el área de la danza, si no también en el mundo de la moda. La moda de “ballet” se hace presente y comienza a tener auge gracias a la influencia del Los Ballets Rusos, que está considerada como la mayor compañía de ballet del siglo 20. Fue precisamente esta compañía, dirigida por Sergei Diaghilev en Paris de 1910, quien logró marcar el inicio de la influencia del vestuario utilizado en un espectáculo como tendencia de moda.

fig. 38 La compañía invitó a los artistas procedentes de aquella época para colaborar en el diseño de vestuario, de los cuales la más destacada fue Coco Chanel. Los diseños fueron pensados y fabricados con las necesidades apropiadas para representar los múltiples personajes de la obra. Los vestuarios permitían el movimiento libre y natural del cuerpo, sin embargo eran un tanto arriesgados, pues no iban de acorde a la moda utilizada en esa época. La crítica no fue buena y fue considerado como un atentado a la moral. Sergei Diaghilev, justificó que su intención fue solamente el tratar de representar por completo el concepto de la obra tratando de enriquecer la experiencia; lo que dio pie a que pudieran continuar con las demás presentaciones. Con el tiempo y por influencia de este vestuario se inicia el cuestionamiento de la posibilidad de crear una moda que tuviera una tendencia mediante la cual las mujeres utilizaran trajes que les permitieran un movimiento más libre. Los diseños que habían sido creados para ser utilizados en el escenario, los colores vistosos, los accesorios de gran tamaño y el maquillaje exagerado con el tiempo se convirtieron en tendencia de moda.

Alberto Estébanez (2009). La bibliodnaza. Available at: http://www.ciudaddeladanza.com/bibliodanza/escenotecnia/indumentaria-y-ballet.html. [Last Accessed 15 February 13]. -

70 - Pinocho.

Las claves de esta tendencia radican en la gama de colores de tonalidades pastel, compuesta por los rosas empolvados, blancos y los beige, la perfección en los patrones, la proyección del porte y la elegancia de prendas pulidas, delicadas y sutiles. Éstos son rasgos comunes que podemos encontrar dentro de esta tendencia. Los tules, las gasas, y las sedas, han logrado crear un espíritu femenino imitado por muchas. Hoy en día, a pesar de las mil y un tendencias que podemos encontrar dentro de la moda, el estilo ballet, es sin duda uno de los mas vistos, buscados y apreciados alrededor del mundo. En los últimos dos años, la influencia del ballet sobre la moda se ha hecho particularmente notoria desde el lanzamiento de la galardonada película “El cisne negro”, protagonizada en el 2011 por Natalie Portman. Esto impulsó a muchos diseñadores a inspirarse en este arte para crear prendas y accesorios de moda. Dichos elementos incluyen trajes que recuerdan a leotardos, vestidos al estilo de tutús y “flats” o “ballerinas” muy populares que son réplicas casi directas de suaves zapatillas de ballet.

(2012). Ballet - Danza Clásica y Alta Moda. Available at: http://megazine.co/ballet---danzacl%C3%A1sica-y-alta-moda_17766.html . [Last Accessed 15 February 13]. -


Yves Saint Laurent, en 1977 inspiró su colección precisamente en Los Ballets Rusos. Esta colección fue la que marcó el comienzo de un cambio no solo en el estilo de Sain Laurent, si no también en el mundo de la moda. De igual forma, la diseñadora Hannnah MacGibbon, directora creativa de la marca Chloé, apostó por las faldas de estilo “midi” trabajadas en sedas y muselinas transparentes, volátiles y muy delicadas. Su campaña promocional fue en conjunto con el New York City Ballet, irradiando una estética femenina que juega tanto con los volúmenes como con las líneas caídas. Por el contrario, la diseñadora americana, Betsey Johnson, reinterpreta la estética de la danza clásica con faldas largas y cortas repletas de volantes en colores llamativos y subidos de tono como el fusia, morado y azul. La firma Valentino fue también un increíble colaborador con el New York City Ballet. No hay duda en cuanto a la calidad del resultado final, que aunque muchos referían que no era del todo de ballet, se distingue por la atención al detalle y elegancia que siempre han caracterizado el trabajo de Valentino.

Los diseñadores Adam, Rochas o Collette Dinnigan utilizan telas y materiales en tonos nude, mientras que por otra parte Chanel, Lanvin, Lie Sang Bong, Zucca y Gaultier se arriesgan con el negro, color que contrasta la pureza del ballet sin descuidar la gracia y sutilieza de sus diseños. A lo largo de la década de los 80’s se estrenaron películas como Fama, Flashdance y Dirty Dancing que tuvieron una influencia notable en la danza, haciendo alusivos los leotardos, las piernas, los calentadores y las mallas. Incluso, recientemente la cantante Bjork creó polémica al lucir un vestido de plumas blancas literalmente de un cisne, en los Premios de la Academia 2001. Además de esto, Sarah Jessica Parker también portó un tutú de ballet en un episodio de la exitosa serie de comedia “Sex And The City”. En conjunto, éstas y muchas otras influencias han llevado al desgaste de ballet para tener un impacto significativo.

(2010). La influencia de los ballet rusos en la moda. Available at: http://www.vestuariocr.com/lamoda-y-espectaculo/66-la-influecia-de-los-ballets-rusos-en-la-moda-.html. [Last Accessed 15 February 13].

Liz Goldwin (2009). Underwater Ballet. Available at: http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=tMBsBkx33g0#!. [Last Accessed 15 February 13].

Pinocho. - 71


4.2.4

fig. 39

Para la temporada de otoño-invierno 2014 se usarán temáticas como el futurismo, el romance oscuro, el renacimiento y la naturaleza.

Cerca a la naturaleza, es una tendencia que nos remonta a nuestras raíces, a los colores terrenales mezclados con estampados de tartán, como si fuese un día para cabalgar en Escocia. Palabras clave como: militar, naturaleza, cabalgar, Escocia, encaje, piel, tweed, estampados de tartán y gamuza. Se usan ornamentos/accesorios como flores, piedras del mar y bisutería que destella.

En la tendencia del renacimiento se explora la celebración de la creatividad, inspirado en obras renacentistas, lo más importante de esta tendencia es la textura, que se puede ver en sus elementos clave como: tapicería, jacquard, brocados, patrones floreados renacentistas, mezcla de prints y mucho terciopelo.

4.2.5

Tendencias de moda

La tendencia futurista es algo que predomina en los próximos años, no es un tanto futurista como en los 60s si no una exageración del minimalista sobre prints digitales con siluetas exageradas. Se representa la simbología de ciencia ficción, los metálicos, los estampados galácticos, los brillos y destellos de las lentejuelas, mezclas de prints sobre prints, prints monocromáticos, trajes matchy-matchy, los cortes en láser, las telas sintéticas como el mesh y transparencias. El romance oscuro es una de las tendencias que ya se veía venir desde hace dos años, son prendas románticas y frágiles que no pierden lo tosco y gótico. El elemento clave es la chaqueta masculina, con hombros pronunciados, con faux fur y mucho peluche faux. Están presentes telas como el cuero, telas vaporosas que dan apariencia que flotan, encajes, terciopelo, aplicaciones como cadenas, estoperoles, bordados, cruces, brocados, floreados y los colores obscuros como el rojo quemado y el azul en varios tonos como marino, ultramar y rey. Accesorios como cintos para las chaquetas y abrigos.

72 - Pinocho.

Pinocho como inspiración Pinocho es un personaje clásico que ha logrado convertirse en ícono para muchos. Es por ello que su personaje ha logrado inspirar a más de uno en la creación de diferentes artículos y productos para la venta al público. Como ejemplo se encuentra, “The last supper”, colección hecha por el diseñador Koji Arai, ésta inspirada en la obra original de Carlo Collodi “Pinocchio” y en la “Última cena” de Leonardo da Vinci. Posee un estilo realista y al mismo tiempo tiene algo de surrealismo. Las prendas son hechas a mano así como Gepetto construía sus marionetas, y comenta Arai, son inspiradas totalmente de las ilustraciones del libro, para mantener una coherencia. Podemos ver inspiración en la evolución y la necesidad humana, ya que aterrizó su colección en etapas; la ropa inspirada en pinocho, que interpreta la necesidad de cubrirse y está hecha de piel de abedul en parte de las prendas; las sillas, hechas de madera, inspiradas en la última cena para mostrar esa necesidad de refugio, descanso y comida.

Todo esto se relaciona en cómo Pinocho, siendo una marioneta, se encuentra entre ser un humano y un trozo de madera y se puede captar al ver la colección. En la paleta de color vemos tonos cálidos entre ellos verdes, rojos y beige; las siluetas amplias, pesadas y algunas con estampado de flores y figuras geométricas. Esta colección logra ser un factor de inspiración desde el hecho que el proceso creativo está conectado con la historia, el cómo Gepetto construye a sus marionetas y por ende se convierte en un proceso artesanal que enriquece su valor. Otro ejemplo es la colección “The Puppet Ghetto” realizada por la diseñadora Stine Goya, es inspirada en la obra de Pinocho, y lo hizo de una manera sobria y elegante con un toque divertido y vanguardista al plasmar esta inspiración como parte de elementos que crearon el estilismo de la colección; títeres de madera que colgaban de las manos, mascaras de burro que dejaban ver el rostro de las modelos, escenario con elementos en madera, que de cierta manera te dan esa total sensación de la historia. En la paleta de color vemos vinos rojizos, magentas, amarillos, cafés y de negros a blancos, algunas prendas con estampados que dejan un poco a la imaginación, en algunos podemos ver marionetas y monos, pero nada esta totalmente claro, todo esto en siluetas suaves y fluidas. Esta colección logra ser un factor de inspiración por la forma en como, de manera tan sutil aterrizaron su inspiración, y la manera en que hicieron las mascaras de modo un poco literal que junto con una prenda sencilla logran un concepto claro y limpio.


4.2.6 4.2.6.1

Vestuario de Pinocho Ballet

fig. 40

{ West Australian Ballet } El West Australian Ballet es una compañía con gran experiencia y prestigio, que tomó la iniciativa de retomar y reinterpretar la obra de Pinocho, basada en el libro de Carlo Collodi. Esta compañía contó la historia a su propia manera, en una mezcla de estilo clásico y contemporáneo. En cuanto a vestuario crearon su propia esencia, un estilo vanguardista, moderno y elegante; la diseñadora María Porro fue la encargada de interpretar y aterrizar este concepto nuevo de Pinocho, que siendo un títere infantil mezclo su apariencia a algo más sobrio y minimalista; por esto mismo en los vestuarios no vemos ésta exageración en los detalles que se mostraban en la época del libro, simplemente convirtió su esencia en modernidad, sin llevarlo a lo literal. El final es algo inesperado ya que todo era la pesadilla de un niño que se levanta a refugiarse con sus padres; definitivamente algo inspirador y aterrizado, que te planta en el suelo para recordarte que la realidad solo es esta y de esta manera les da oportunidad de volar su imaginación como compañía, ya que su justificación es totalmente válida; era solo un sueño y en los sueños todo es posible. Todo esto en conjunto logró que esta obra consiguiera su objetivo de ser perfectamente digerible a un público de todas las edades.

http://www.danceaustralia.com.au/review/west-australian-ballet-pinocchio-his-majesty-s-theatre-15-septemberhttp://www.weekendnotes.com/pinocchio-wa-ballet-his-majestys-theatre/ -

http://www.inmycommunity.com.au/going-out/theatre-and-the-arts/REVIEW---Pinocchio/7631910/ -

Pinocho. - 73


4.2.6.2

fig. 41

{ Carolina Ballet } La compañía Carolina Ballet realizó esta obra basada en el libro de Carlo Collodi y gran parte de los elementos están inspirados en las ilustraciones del libro. La historia comienza cuando Pinocho, siendo niño real, ve su reflejo en forma de marioneta y ésta sale del espejo, de manera que él se transporta al recuerdo de cómo fue que se convirtió en un niño de verdad. Todo esto fue mucho más fácil de entender gracias a que contaron la historia con un narrador e incluso el público menciona cómo esto influyo a que el tiempo pasara rápido y todo fuera más dinámico y entendible. Esta compañía logro cautivar a niños y adultos; sin embargo en algunas escenas todo tornaba más oscuro, con coreografías complejas, inclinándose más a los mayores. Mucho del impacto de esta obra es por el escenario y paisajes de Jeff AR Jones, con colores suaves que ya con la iluminación daban un toque antiguo. En cuanto al vestuario, fue creado por el diseñador David Huevel y posee un estilo algo figurativo, clásico y literal, por paleta de colores cálida y vivaz, que permitió fuera digerible para cualquier persona y logró transportarlos a ese mundo de sueño y fantasía. Muchos elementos son buenos de inspiración en esta obra, por ejemplo, el narrador; esto nos aporta ideas, tanto al momento de desarrollar los prototipos hasta la forma en cómo queremos presentar el desarrollo de nuestra tesis.

Norcliff Fundación (2009). Pinocchio. Available at: http://www.pnb.org/press/releases/2009pinocchio.pdf. [Last Accessed e.g. 15 February 12]. -

74 - Pinocho.

Susie Potter (2010). Carolina Ballet’s Pinocchio Isn’t Just for Kids . Available at: http://triangleartsandentertainment.org/2010/11/carolina-ballet’s-pinocchio-isn’t-just-for-kids/. [Last Accessed 15 february 12].

(2012). Carolina Ballet’s Pinocchio Isn’t Just for Kids. Available at: http://reviews.ticketmaster.com/7171/836166/carolina-ballet-reviews/reviews.htm?page=8&sort=submissionTime&dir=asc. [Last Accessed 15 February 12].

ROY C. DICKS (2010). ‘Pinocchio’ reveals ballet’s charms. Available at: http://www. newsobserver.com/2010/11/26/826581/pinocchio-reveals-ballets-charms.html. [Last Accessed 15 February 13].


4.3

Arte Digital

El Arte Digital es la interactividad con los medios que tiene como objetivo experimentar para generar contenidos diferentes que serían imposibles de realizar con la tecnología común. También llamado “Arte Multimedia”, se divide en distintas categorías, desde net art, video arte, instalaciones interactivas y muchas más.

fig. 42

“El artista pasa a ser un productor que simplemente crea un espeacio para la creación y el desarrollo” Mercedes Vilanova Ribas.

Esta herramienta es el principio de un proyecto multidisciplinario para la creación de una instalación multimedia en un espacio artístico que interactúe con los bailarines al momento presentar la puesta en escena de Pinocho. Apoyada de distintos elementos digitales como efectos especiales, animaciones, proyecciones(video mapping).

Pinocho. - 75


4.3.1

Historia y evolución del Arte Digital

4.3.1.1

{ Manifestaciones (Técnicas) } El arte digital se puede manifestar por diferentes medios como imágenes, video clips, o cualquier tipo de expresión que involucre la tecnología y genere experiencias sensoriales, siendo únicamente un procesador de la información en el cual la interfase cumpla con sus objetivos en donde el usuario participe directa o indirectamente. Algunos de los principales tipos de manifestaciones se distinguen por su técnica empleada que van de la mano con el uso de la tecnología y en combinación con un concepto artístico. Las técnicas del arte digital no se deben definir por categorías específicas, ya que sólo son una aplicación del mensaje; es decir, se deben clasificar como manifestaciones que expresan un concepto. A continuación se describirán algunos de los medios más comunes del arte digital, resaltando que existen muchos más.

fig. 43 Fotografía: La fotografía es una representación de lo que ve el ojo humano a través de un aparato electrónico llamado cámara generando contenido digital que se almacena en una memoria. La cámara es un instrumento que traduce la luz reflejada en los objetos a una imagen o representación gráfica a través de censores electrónicos. fig. 44 Video digital: El video maneja el mismo proceso que la cámara digital, la diferencia es que el video se compone de varias imágenes que combinadas rápidamente generan un efecto de movimiento. El número de imágenes varía dependiendo del formato. Generalmente se manejan desde 18, 24, hasta 32 cuadros por segundo.

76 - Pinocho.


fig. 45 Performance: El performance es una representación artística en tiempo real de un concepto figurativo o abstracto el cual se lleva a cabo con el propio cuerpo del artista en combinación con otros elementos, los cuales pueden ser análogos o digitales. El objetivo principal de esta manifestación es captar esa “Acción”, la cual surge de las representaciones teatrales que se transforman en piezas artísticas y que son registradas generalmente con medios digitales como video o fotografía.

fig. 46 Instalaciones Multimedia: Una instalación se compone de objetos distribuidos en un espacio que manejan un concepto para crear una ambientación y generar emociones sensoriales motivando todos los sentidos del cuerpo humano. En conjunto con la multimedia se crea una ambientación que genera diferentes emociones a partir del uso de proyecciones, aparatos electrónicos, etc.

fig. 47 Net art: El Net Art es un estilo que se basa en crear piezas artísticas en las redes y conexiones de Internet, por ello es dependiente de este medio masivo, el cual se describe como un nuevo espacio de comunicación en el que se maneja la interactividad con el usuario a través de distintos elementos como sonido, videos, textos o imágenes. Siendo así el Internet, el lugar de exposición para las piezas, por lo que está al alcance de cualquier persona con una computadora e Internet, no solo para verlo sino también para crearlo.

Pinocho. - 77


4.3.1.2

Nam June Paik

{ Artistas Representativos } Algunos de los artistas más representativos del arte digital, manejan conceptos artísticos en combinación con los medios digitales.

fig. 48

Famoso video artista Coreano reconocido por sus trabajos de multimedia. Comenzó participando en el movimiento Neo-Dadaísta conocido como el Fluxus. Sus principales obras se basan en el uso de medios electrónicos principalmente televisiones que son alteradas con la finalidad de hacer críticas sociales y manejar conceptos experimentales a través de esculturas, instalaciones, performance y más. Bruce Nauman Artista estadounidense destacado por sus obras multimedia, el cual es reconocido en disciplinas como escultura, video y performance. Estudió diferentes asignaturas entre ellas física y arte. Maneja conceptos enfocados principalmente a la naturaleza y al proceso de la creación a través de sus obras de arte.

fig. 49 Dan Sandin Dan Sandin, artista digital que diseñó un sintetizador de video llamado IP, el cual es un módulo programable analógico, optimizado para la manipulación de información de la gama de grises con múltiples entradas de video que permite a los artistas manejar el color y composición de una secuencia de imágenes.

fig. 50 Miguel Chevailer

fig. 51

78 - Pinocho.

Un reconocido artista Mexicano que destaca internacionalmente por ser uno de los pioneros del arte virtual y digital. Sus imágenes representan una rica fuente de ideas sobre el ser y su relación con el mundo. Creando imágenes en dos dimensiones para después incluirla en instalaciones multimedia, teniendo así un gran repertorio de imágenes y colores con el fin de plasmar una metamorfosis con distintos elementos.


4.3.2

4.3.3

fig. 52

Arte Digital aplicado en las artes escénicas

Arte en los nuevos medios

Un claro ejemplo de una obra literaria que no solo pasó a formar parte de una actuación escénica, sino que también utilizó los medios digitales como principal medio de expresión para su obra, fué la innovadora obra de “The Elephant Vanishes” producida por la compañía Británica de teatro “Complicité”.

Los nuevos medios son medios analógicos convertidos a una representación digital codificada que contiene una gran cantidad fija de información que se basa en los principios de modularidad, automatización, variabilidad y transcodificación.

The Elephant Vanishes, basada en los tres libros del famoso Japonés Murakami rompió esquemas utilizando los medios digitales como parte de su obra. Logrando crear un diferente concepto del teatro, dándole un toque especial y diferente a través de los movimientos coordinados de los actores junto con las proyecciones que se muestran durante la obra, creando una sensación óptica al momento de no poder distinguir lo real de lo imaginario gracias a la tecnología en combinación con un valioso concepto.

4.3.3.1

fig. 53

{ Animación } La animación se puede definir como una técnica en la cual se crea una sensación de movimiento de imágenes provocado por un efecto que el ojo humano capta en el proceso de movimiento real.

El arte como forma de expresión ha sido manifestado a través de diferentes técnicas digitales descrito como información del espacio-tiempo. Siendo este solo el medio para expresar un concepto estético con un fuerte contenido en los nuevos medios. El usuario participa en este tipo de pieza artística. Ya sea solamente como espectador o de una forma interactiva.

Pinocho. - 79


4.3.3.1.1

fig. 54

> Historia y Evolución de la Animación Los primeros indicios de la animación se establecieron con el uso del fenaquitoscopio, el cual fue inventado por Joseph Antonie con el fin de demostrar su teoría de persistencia retiniana. El fenaquitoscopio consiste en varios dibujos distribuidos por una placa circular lisa de un mismo objeto pero en posiciones ligeramente diferentes. Cuando la placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una imagen en movimiento. Después de esto, vino la creación de la manivela. Instrumento el cual era más apropiado para adaptarse al cine. El primero que lo utilizó fue el ingles J. Stuart Blackton con la película “La casa encantada”. La técnica que utiliza es la de stop motion porque es una secuencia de fotografías en movimiento. Más tarde Cohl aplicó el campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la poderosa industria de los dibujos animados. McCay dió al dibujo animado la técnica básica con la que se ha mantenido hasta el presente, es decir, los principios de la animación en papel, en acetato o en la computadora.

Diversos tipos de animación • Dibujo animado Los dibujos animados se realizan dibujando cada fotograma. Al principio se pintan individualmente para pasar a la animación por celda o animación por acetato y finalmente con ayuda de la computadora, crear los cuadros intermedios que que unirán y darán la sensación de movimiento. • Stop motion El stop motion consiste en dar vida a objetos a escala, los cuales por se toma una fotografía cada fotograma haciendo movimientos pequeños. Al momento de unir todos los fotogramas a una rápida velocidad, se da la sensación de que tienen vida. El pionero de este tipo de animación fue Eadweard Muybridge con su animación de Animal motion la cual consistía en el estudio del movimiento de las personas. También otra forma de hacer stop motion es animar cada punto en específico cuadro por cuadro y es conocido como el cutout animation. • Rotoscopía Este estilo de animación hace un retoque por cada cuadro de una animación o bien de un filme. El objetivo principal es crear un efecto artesanal recoloreando los cuadros con un estilo en específico. Un ejemplo claro de esto, es la película de Blanca Nieves de Disney en la cual que utilizaron este estilo de animación. • Animación en 3D Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. Se realiza mediante un proceso denominado renderización que genera una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así podría decirse que en el proceso de renderización, se interpreta la escena en tres dimensiones plasmándose en una imagen bidimensional.

80 - Pinocho.

4.3.3.1.2

fig. 55

> Aplicaciones en espectáculos escénicos

Este caso es un ejemplo en el cual se unen las artes escénicas con la tecnología en el festival llamado Circo contemporáneo y animación callejera. Este festival vino al país a presentarse con su innovador espectáculo en donde hizo una mezcla del circo con animaciones. Los espectadores disfrutaron de un circo diferente al que están acostumbrados con una nuevas propuestas y les llamó la atención de cómo el circo se complemento con animaciones. Lo que ellos buscaron es que la gente viera que el circo se está renovando e innovando atrayendo nuevos elementos que dejen impacto en sus espectáculos. Toda esta corriente de este nuevo circo es gracias al Circo De Soleil y los espectáculos proponen más de lo que ellos ofrecían antes.


4.3.3.2

fig. 56

{ Video mapping } El video mapping es una técnica que se basa en proyectar imágenes con movimiento en estructuras específicas creando efectos especiales con un proyector. El objetivo principal de esta herramienta es generar efectos visuales nunca antes vistos creando ilusiones ópticas y dar sensación de movimiento. Generalmente se utiliza un software el cual importa contenido ya creado previamente por el artista en 2D o 3D. El cual se adapta a una perspectiva y objeto. Los artistas crean visuales interesantes en los cuales agregan dimensiones y comúnmente son utilizados para eventos artísticos, campañas de publicidad, etc.

4.3.3.2.1

> Historia y evolución del Video mapping Los pioneros del video mapping fueron los Antivjs quienes eran un grupo de artistas Europeos que se basaban en trabajos enfocados en la imagen con el uso del proyector, influencia de la percepción y poética del lenguaje visual.

El video mapping es un arte muy novedoso, tiene poco tiempo implementándose. Afortunadamente ha tenido mucho éxito para campañas publicitarias, obras artísticas y esta técnica se ha extendido rápidamente entre distintas disciplinas.

Pero fué desde mucho tiempo antes cuando comenzaron las primeras proyecciones y tiempo después, con el avance de la tecnología se empezaron a implementar animaciones para próximamente mappearlas en objetos con distintas superficies.

1600

1946 1956

1984 1988 1996

1998

2000

Se inventa el primer proyector como un dispositivo el cual refleja luz solar en un espejo a través de un lente y una pantalla el cual llamaron, linterna mágica.

Se crea la primera computadora, herramienta básica y necesaria para generar el contenido que se proyecta, ya sea animación o video.

Nace el primer video digital en el formato H.120

Dando un gran salto en la tecnología con un formato de amplia calidad el cual evolucionó a H.264 y siendo el formato que se utiliza actualmente en el año 2013.

Incrementó la variedad de proyectores de diferentes tamaños, precio y calidad.

Se crea el primer formato de video en cinta.

Evoluciona el formato de video a H.261

Surge un proyector SVGA que produce imágenes con un alto brillo y con la ventaja de que eran accesibles para las personas.

Pinocho. - 81


4.3.3.2.2

4.3.3.3

> Aplicaciones en espectáculos escénicos

fig. 57 Los medios digitales han sido de gran impacto en la actualidad por generar realidades alternas a través de proyecciones, ya sea en edificios, pasarelas o inclusive en la ropa. Como lo fué en el caso de Klaus y Ars Electrónica Futurelab, el cual es una combinación de la danza y lo digital. Ha tenido un gran éxito mundialmente y esto gracias a los efectos visuales que te dan la sensación de algo real y al mismo tiempo virtual.

{ Web }

fig. 58 Mientras que por otra parte, se pueden detectar áreas de oportunidad en casos como el de los Festejos de San Julián en donde se realizó un video mapping, en donde a partir de varias fallas técnicas y su escasa calidad en las animaciones, este fracasó. Lo más decepcionante es que se esperaba mucho de este Video mapping porque era el cierre de la Feria. Lamentablemente la gente pensó que este trabajo lo realizaron unos minutos antes de la presentación y decepcionó a las personas que habían asistido al evento. La empresa encargada de este evento fue Madiseño la cual pidió disculpas por los sucedido y explicó que lo presentado fué por fallas técnicas en la luz. Esta falla provocó que solo se presentaran dos videos de los veinte programados, estas pequeñas fallas pueden ocasionar que las presentaciones sean un fracaso, hay que tomar en cuenta los pequeños detalles para que no pasen.

82 - Pinocho.

El nombre oficial es World Wilde Web, que su traducción directa hace referencia a una telaraña de alcance mundial, se describe a una colección de datos y documentos electrónicos que para subsistir requieren del Internet. Todos estos documentos están guardados en servidores de alta capacidad en diferentes partes del mundo. La web ha sido catalogada como un hipermedio debido a su gran alcance mundial y gran rapidez para compartir archivos, desde texto, imágenes y más. Pero también se describe como un canal de distribución de alta velocidad para medios tradicionales y funge como un medio expresivo para cualquier usuario. Una página Web es un documento electrónico que contiene texto, gráficos, archivos multimedia y algunas veces hasta elementos interactivos que complementan el sitio que está programado en un lenguaje diferente, que comúnmente es HTML que significa lenguaje de marcación de hipertexto. El sitio web contiene una o más páginas relacionadas a un tema en específico, en donde existe una página de inicio, ésta contiene hipervínculos que conducen y permiten acceder a otras páginas dentro de la misma que poseen más contenido.

4.3.3.3.2

> Historia y Evolución de la Web La Web es considerada como pionera de los medios masivos de la historia, pero principalmente catalogada como la era de la post televisión. La Web ha abierto un gran canal de comunicación en el que es muy sencillo estar en contacto con cualquier persona de otro lugar del mundo que también tenga Internet y utilice una plataforma para compartir archivos o comunicarse. Fue creada como un experimento a finales de los años sesenta, pero fue en los años noventa cuando se comercializó y se inició la nueva era del uso de los medios digitales a través de la Web. Con el tiempo ha ido evolucionando generando contenidos más complejos y teniendo mayor capacidad de almacenamiento. Hoy en día podemos ver animaciones en sitios Web, películas en línea que aún no llegan al cine, entre otros avances tecnológicos.


Historia y Evolución de la Web

1957

1960 1969

1972 1976 1982

1984

1988 1991

1992 1993

1994

La URSS lanza el primer satélite artificial “Sputnik”.

Surge una propuesta denominada “Packet Switching Network” la cual introduce el concepto de compartir la información en paquetes través de la red.

Ray Tomlinson inventa el programa de correo electrónico para enviar mensajes a través de la red.

Se introduce el sistema Dominio de nombre (DNS).

Se desarrolla un transmisor de conversaciones que le permite a los usuarios de Internet comunicarse en tiempo real.

Se inventa la frase “Navegar por internet”

Se desarrolla Yahoo como un buscador de Internet.

1995

2000 2002

2004 2011 2012

2013

Se empieza a ofrecer Internet para los hogares por medio de sistemas comerciales.

Se registran un billón de páginas hasta esa fecha.

Mark Zuckerberg crea la red social más popular y con más usuarios en el mundo, Facebook. También se crea YOUTUBE una red social para compartir videos.

Se espera un incremento de sus usuarios en un 8% adicional al finalizar el año.

ARPANET (Agencia de proyectos de Investigación avanzada) fué comisionada por el Departamento de la Defensa.

Existen 544.2 millones de usuarios en el mundo.

La reina de Inglaterra, Elizabeth II, manda su primer correo electrónico.

Facebook alcanza los 600 millones de usuarios. Se realiza la primera prueba mundial para el cambio al protocolo iPv6.

Oficialmente se le da la denominación “Internet” al grupo de redes conectadas por medio de TCP e IP.

2.400 millones de usuarios internautas en el mundo.

Desarrollan la WWW (World Wide Web) que es lanzada por el laboratorio CERN.

Se lanza el primer navegador de internet llamado MOSAIC

Pinocho. - 83


4.3.3.3.2

fig. 59

> Usos y Aplicaciones Los sitios Web son una herramienta útil para la promoción productos o servicios ya que le dan posicionamiento en un espacio virtual al que tienen acceso millones de personas. Hoy en día es común para los usuarios buscar información a través de buscadores y es importante que como compañía o proveedor estar posicionado en alguno de ellos para facilitarle al usuario la búsqueda clasificada por contenidos y de esta forma es más sencillo indagar en la información deseada.

Mercedes Vilanova, (2005). Voces sin letras: Analfabetos en Baltimore. 1st ed. España: Anthropos editorial. Eslavia , Maria(2011). “Lejos de un final feliz, fue un final decepcionante” Available at: http://eldiadigital.es/ not/30797/. [Last Accessed 02 2013]. BaiTIC (2009). ¿ Qué es el Video mapping?. Available at: http://www.baitic.com/innovacion/%C2%BF-que-es-el-video-mapping-sorprendete.html. [Last Accessed 02 2013].

84 - Pinocho.

Exile (2012). “Klaus Obermaier and Ars Electronica Futurelab” Available at: http://www. exile.at/apparition/project. html. [Last Accessed 02 2013]. Mark B.N. Hansen, (2006). New philosophy for new media. 1st ed. United States of America: The MIT Press. Oliver Grau, (2003). VIRTUAL ART From illusion to immersion. 1st ed. United States of America: The MIT Press. Michael Billington - The Guardian (30 June 2003 ). The Elephant Vanishes. Available

Posteriormente es importante tener un sitio Web dinámico y sencillo que explique de lo que trata la empresa o persona (dependiendo del caso), forma de contacto, imágenes o videos que puedan complementar esta información, etc. Un ejemplo de un sitio Web útil que encuentras con facilidad en un buscador es el de un reconocido espectáculo artístico llamado Cirque Du Soleil. En el se puede encontrar las diferentes categorías de funciones divididas por países e idiomas en donde se puede apreciar videos y fotografías del evento, información de la compañía, giras, tienda y como un extra, hipervínculos que te conectan con otras redes sociales populares que son Facebook, Twitter y Youtube.

at: http://www.guardian.co.uk/ stage/2003/jun/30/theatre. artsfeatures1. [Last Accessed Feb 2013 ]. Philip Fisher - British Theatre Guide (2003). The Elephant Vanishes. Available at: http:// www.britishtheatreguide.info/ reviews/elephant-rev. [Last Accessed Feb 2013]. Lev Manovich, (2001). The lenguage of New Media. 1st ed. United States of America: The MIT Press. -

Name June Paik Studios. Biography. Available at: http:// www.paikstudios.com/index. html. [Last Accessed Feb 2013]. revistaenie - Mercedes Pérez Bergliaffa. Performance, un arte transgresor y polémico. Available at: http://edant. revistaenie.clarin.com/notas/2008/05/03/01663279.html. [Last Accessed Feb 2013]. Tom Schroeppel, (1982). The bare bones camera for film and video. 2nd ed. United States of America: Schroeppel . -

4.3.3.4

fig. 60

{ Aplicaciones (Apps) } Es un programa diseñado para funcionar con teléfonos inteligentes y unidades portátiles como tablets. La mayoría de estas necesitan el uso de Internet para que haya un intercambio de datos. Las aplicaciones se han convertido en un canal de distribución muy importante para que las empresas tengan una cercanía con sus clientes y conozcan mas la marca. Apple fue el primero en sacar aplicaciones para el Iphone y de ahí las demás marcas empezaron a sacar sus tiendas de aplicaciones para darle un mejor servicio a sus clientes. Las tiendas más exitosas de Apps son las siguientes: Android Market, IPhone App Store, Ovi Store, BB App World y Windows Phone Marketplace.

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4.3.3.4.1

{ Historia y Evolución de las Aplicaciones }

4.3.3.4.2

fig. 61

{ Usos y Aplicaciones } Broadway

Quien iba pensar que en unos años las aplicaciones iban a cambiar el mundo acercando a los usuarios no cercanos con sus marcas al lugar de la tienda. La primera tienda de aplicaciones fue App Store que salió al mercado el 10 de julio de 2008 e inició con 500 aplicaciones. A una sola semana de haber salido se descargaron 10 millones de aplicaciones y de estas 25 % eran gratuitas. Apple vio un nicho muy grande en el cual promovió la creación de aplicaciones. Las apps deben pasar por un proceso selección para poder estar en la tienda. Éstas son supervisadas por gente de Apple y si son aprobadas se ponen en la tienda de App Store.

Broadway siempre se ha preocupado por mantenerse en los estándares de innovación. Un ejemplo más de esto es la creación de una aplicación para promover sus obras que están en escena, incluyendo horarios, venta de boletos, videos promocionales y muchas secciones más. Lo que buscan es enganchar a su público y tener una pequeña experiencia de lo que pueden apreciar en cada espectáculo. Esto se puede ver en un celular o bien en una Tablet.

fig. 62 iBroadway La aplicación iBroadway contiene las últimas noticias de Tony, así como información sobre programas de juego y fuera de Broadway. También contiene todos los detalles sobre los musicales y obras de teatro, incluyendo información sobre las entradas y los mapas de los lugares. La aplicación también incluye una fuente útil de blogs inspirados en Broadway. BroadwayWorld.com La aplicación gratuita BroadwayWorld.com es una colección completa de todas las cosas de Broadway. En esta aplicación se encuentra mucha información de las historias, vistas previas de las obras, foros, blogs Broadway, ofertas especiales, también incluye noticias del premio Tony y Broadway con temas para la estación de radio.

Esta revolución que marcó Apple con su tienda de aplicaciones llevó a que sus competidores también empezaran a hacer sus propias tiendas, por ejemplo Android y BlackBerry, quienes solo hacían aplicaciones para teléfonos móviles, con el tiempo fue creciendo hasta que las aplicaciones llegaron a las Tablets y Ipads.

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Pinocho. - 85


fig. 63

“La tarea de la empresa consiste en examinar sus costos y desempeños en cada una de las actividades que crean valor, y buscar formas de mejorarlas”.

4.4

Philip Kotler

Mercadotecnia

4.4.1

La Mercadotecnia Punto Clave

La mercadotecnia se ocupa básicamente en identificar y satisfacer las necesidades humanas y sociales. Una de las definiciones más cortas de la mercadotecnia es “satisfacer necesidades de manera rentable”. Lo cual nos habla de que al cliente se le da lo que quiere o necesita a un costo apropiado.

El objetivo de la Mercadotecnia como escencia es aumentar la demanda de un producto y/o servicio en específico en un mercado determinado. Esto es posible mediante un conjunto de principios y prácticas específicas en donde se puede ver con mayor frecuencia los recursos o estrategias implementadas de la mercadotecnia. Los medios tradicionales son: el periódico, anuncios de televisión, spots de radio, menciones en programas seleccionados, panorámicos, parabuses, metro, revistas, etc.

En el caso de cual es el rol de la mercadotecnia en la obra de “Pinocchio” por parte de ballet de Monterrey es indispensable, ya que de nada sirve que todos los demás elementos sean de excelencia si el público no se entera de ello o del espectáculo, por esta razón el Ballet de Monterrey no puede perder de vista lo importante que es conocer los hábitos de consumo, estilo de vida y poder adquisitivo de su público actual y potencial. Estos datos son primordiales para poder crear una estrategia exitosa o de fracaso.

Para poder crear una campaña exitosa no se debe perder de vista el objetivo de la misma y del cliente.

Esto es muy fácil saberlo en al caso de ballet de Monterrey, ya que se cuenta con una referencia amplia debido al número de puestas en escena que han expuesto, el caso de éxito mencionado por parte del director de Luis Serrano, fue el Lago de los Cisnes. “El Lago de los Cisnes fue un éxito rotundo, de hecho tuvimos que abrir nuevas fechas ya que la demanda fue tanta que la gente nos dio llenos completos en todas las funciones” menciono. La clave de éxito de esta obra fue que meses antes se estreno la película del Cisne negro del director Darren Aronofsky, película nominada como mejor película en el 2010. Por esta razón la inquietud y la curiosidad del público aumento y esto hizo que con poco esfuerzo publicitario el público acudiera, el ballet de Monterrey aprovecho el entorno a su beneficio.

La mercadotecnia es un elemento clave no solo en este caso del Ballet de Monterrey, sino de toda empresa, compañía y/o negocio, sin importar el tamaño del mismo ya que por medio de la mercadotecnia, los recursos destinados para dar a conocer el producto y/o servicio que estas ofrecen pueden ser direccionados a el mercado meta o potencial deseado. Teniendo los resultados de la investigación del mercado se optimizan los recursos y se crean impactos mayores a un impulso de compra, se posiciona la marca en la mente del consumidor final y se logra el objetivo.

Fernández. A. (2010) “La Historia y la evolución del teatro universal”.

86 - Pinocho.

Recuperado el 20 Feb 2013. En. http://www.monografias.com/trabajos16/el-teatro/el-teatro.shtml


4.4.3

Mercadotecnia y el Ballet

4.4.2

Inicios de la mercadotecnia en las artes escénicas y el entretenimiento Los primeros indicios de la Mercadotecnia en las Artes Escénicas y el entretenimiento, aparecieron en el imperio Romano. El cual lo adopto de la gracia clásica el cual lo utilizaba para anunciar pregonando y voceando sus productos que traían para venta en cada pueblo que llegaban ya que eran nómadas. El Imperio Romano rápidamente supo sacarle provecho mediante la “Enseña” que servía para localizar un centro de trabajo, ocio o venta. Después Roma adapta a la Enseña y a la voz del pregonero la materialidad del texto escrito: El Álbum y el Libellus. El Álbum es una superficie blanqueada sobre la que se escribe, unas veces son pergaminos, otras papiros, otras veces las paredes blanqueadas y toda aquella superficie lisa y blanca que pudiera servir para enumerar y clasificar mercancías, anunciar espectáculos cirquenses, eventos de artes escénicas, venta de esclavos y anuncios políticos. En la Edad Media aparece el “pregonero” que era anuncia-

Bland, Alexander (1976). Historia de Ballet y Danza en el mundo occidental . Nueva York: Praeger Publishers.

Las primeras estrategias publicitarias y de patrocinios implementadas en el ballet fue durante el reinado de Luis XIV en el siglo 17, ya que el Rey creaba bailes que permitía que la esta publicidad se hacia por medio de mandatos y memorándums reales, a demás, de haber creado el Académie Royale de Musique en la opera de París, de esta manera se creo el primer Ballet profesional e independiente de otras artes. fig. 64 do con el sonar de las trompetas para llamar la atención del pueblo y principalmente transmitía ordenes y deseos de los nobles. Cuando hace su aparición la imprenta en la época del Renacimiento la mercadotecnia empieza a agarrar forma en el siglo XVI, en esta época es cuando aparece el periódico donde la publicidad toma forma definitivamente. Se cree que fue The Times Handlist, periódico ingles, fundado en 1622, es donde aparece el primer anuncio de publicidad propiamente dicho. En el siglo XVIII se dan cuenta que mediante la publicidad se mueve muchísimo dinero y se pueden financiar los editores de los periódicos, así que surgen las primeras agencias de publicidad en el siglo XIX que se dedicarían a diseñar, estudiar y difundir campañas para sus clientes. Llegando al siglo XX es cuando la mercadotecnia entra en su gran apogeo y con esto la publicidad agarra fuerza con la aparición del Radio, Cine y la Televisión y con esto se crea una gran variedad de productos y espectáculos ya que debido a que por los medios antes mencionados se llegaba a más personas la demanda de productos y espectáculos fue creciendo de una manera exponencial que hasta la fecha gracias a esto contamos con muchísimas opciones para el entretenimiento y recreación de las personas.

Honour, Hugh y Fleming, John (2002). Historia mundial del arte.

El Royal Danish Ballet y el Ballet Imperial del Imperio Ruso; Éstos fundaron en la década de 1740 y comenzaron a florecer, especialmente después de 1850. En 1907, el ballet ruso, a su vez fue trasladado a Francia. Pronto se extendió ballet de todo el mundo con la creación de nuevas empresas, incluidas las de Londres, el Royal Ballet (1931), el San Francisco Ballet (1933),American Ballet Theatre (1937), The Australian Ballet (1940), el New York City Ballet (1948), el National Ballet of Canada (1951), y el Delhi Ballet (2002). En los estilos del siglo 20 de ballet continuó desarrollando e influyen fuertemente amplio danza de concierto , por ejemplo, en los Estados Unidos coreógrafo George Balanchine desarrolló lo que hoy se conoce como ballet neoclásico, los acontecimientos posteriores han incluido el ballet contemporáneo y post-estructural ballet, por ejemplo verse en la obra de William Forsythe en Alemania. Las primeras compañías que comenzaron con una publicidad fueron estas, hoy por hoy las compañías estaunidenses son las más preocupadas por las campañías publicitarias de sus obras e identidad corporativa.

Hudson.S. (2003). “Historia de la publicidad” recuperado el: 07 de Marzo del 2013 en: http://lahistoriadelapublicidad.com/principio. php?Cod_categoria=2&Codnot=106

Pinocho. - 87


4.4.4

Inicios de la públicidad en el arte La publicidad tarda casi medio siglo hasta que adquiere una identidad propia alejada de los modelos artísticos. Los acontecimientos que permitieron que empezasen a establecerse diferencias entre ambos lenguajes fueron; 1) la posibilidad técnica que permitió la impresión de fotografías, primero en blanco y negro y más tarde en color, 2) la Bauhaus y movimientos afines y 3) los estudios sociológicos aplicados al mercado. Las diferencias entre los reclamos de principios de siglo y los dibujos de artistas coetáneos estribaban fundamentalmente en la presencia de textos escritos en los primeros, ya que temáticamente eran muy similares. Sin los textos sería imposible diferenciar un reclamo de Lautrec de uno de sus dibujos, o un cartel de Cassandre de una obra de un artista cubista. Cuando se puede incorporar la fotografía a la publicidad, la relación entre ambos lenguajes cambia. La publicidad pierde la factura manual tan característica del arte y adquiere ese rasgo industrial que tanto gustaba a los miembros de la Bauhaus.

fig. 65 posteriores como la fotografía o la publicidad han recurrido y recurren con frecuencia al método renacentista. A lo largo de este siglo el arte ha ofrecido una extensísima producción de imágenes elaboradas desde multitud de procesos y puntos de vista diferentes. La publicidad ha seguido una línea de actuación continua sin cambios bruscos de una década a otra. Estos diferentes modos de trabajar han hecho que el arte sea más prolijo en la creación de imágenes distintas y la publicidad recurra a él con frecuencia como fuente de inspiración.

Con el auge de la publicidad como negocio, aparecen las agencias de publi- cidad y con ellas una nueva estrategia de producción. Los estudios sociológi- cos determinan el perfil del receptor al que hay que dirigirse y la mecanización del proceso divide la creación en una serie de apartados relacionados entre si pero independientes. Un comercial contacta con el cliente, el director creativo (avalado por estudios sociológicos), concibe la idea, el director de arte la píasma gráficamente y otras personas, fotógrafos, personal de artes gráficas, etc, la desarrollan. La publicidad deja de ser un proceso creativo individual, como lo es el arte y se transforma en un lenguaje, como el cine, en el que la autoría se reparte entre muchas personas. Desaparece la impronta del artista y el acabado final es industrial.
 En este punto las diferencias entre el arte y la publicidad son muy significativas y a partir de ahora hasta los años ochenta, cuando se produzca un acer- camiento, éste será fundamentalmente conceptual.

El Surrealismo ha sido uno de los movimientos artísticos que más ha influido en la publicidad, sólo un artista como Magritte ha sugerido decenas de Imagenes publicitarias, muchas de ellas trasladadas a la publicidad sin ningún tipo de pudor. Dalí, Ernst o Man Ray han sido otros artistas que también han dejado huella en la publicidad. Desde las vanguardias históricas hasta nuestros días, el arte ha sido una constante fuente de reflexión e inspiración para las agencias, que casi siempre han ido un paso por detrás de lo que las artes plásticas hacían. Ya hemos analizado como en los años cincuenta la publicidad recurre a las estereotipadas imágenes de la propaganda bélica, pero en los sesenta la rela- ción entre arte y publicidad vuelve a ser fluida. El éxodo de artistas y diseñadores europeos da sus frutos en lo que los norteamericanos consideran la “edad de oro de la publicidad”. El director de arte Helmut Krone y el redactor Julian Koening, ambos de origen alemán, crean junto con el director creativo Dane Bembach, una de las campañas más significativas de la historia de la publicidad, la realizada para Volkswagen. En esta serie de reclamos, podemos apreciar con claridad las continuas referencias a la Bauhaus y al constructivismo. El célebre anuncio “Think small”, es decir, Piensa en pequeño traducido textualmente, se aleja del trampantojo visual y

No hay que olvidar sin embargo que el modelo bidimensional de representación de la realidad es heredero del arte, lenguajes

adopta las reglas de la bidimensionalidad. El coche está tratado por el director artístico como un ele-

Anónimo. “Temporada de Otoño 2012 del Ballet de Monterrey Compañía Ballet de Monterrey presentación ‘El Lago de los Cisnes’.” Club de los EXPERTOS. 04 de octubre 2012. Web. 05 de febrero 2013.http://www.clubdelosexpertos.com/images/lago-cisnes-header1.jpg

Anónimo. “Temporada de Otoño 2012 del Ballet de Monterrey”.23 de septiembre 2012. Web. 05 de febrero 2013.<http://farm9.staticflickr.com/8320/8015712207_468b58fe77_z.jpg>.

88 - Pinocho.

Bland, Alexander (1976). Historia de Ballet y Danza en el mundo occidental . Nueva York: Praeger Publishers.

mento gráfico más, en un espacio de dos dimensiones. En otro de los anuncios de la serie, “It was the only thing to do after the mule died”, es decir, era la única cosa que podíamos hacer después de que murtese la muía, la imagen en la que aparecen un granjero con una horca y su mujer mantiene un estrecho vínculo con el “American gothic” de Grant Wood y con las fotógrafias de Ansel Adams. Podemos encontrar similitudes parecidas en los otros anuncios de la campaña. La publicidad de los años sesenta y setenta mantenía como característica de composición, una estructura de retícula muy férrea. Casi todas las páginas están construidas sobre un entramado de lineas verticales y horizontales que evitan que nada aparezca descolocado, desequilibrado, o inestable. Son páginas con una apariencia muy sólida, en las que las fotografías transmiten tam- bién una sensación de gran solidez, con una iluminación correcta, contrastada, etc. Esta manera de componer un tanto coercitiva está enfrentada con las téc- nicas intuitivas que en esos años dominaban el panorama artístico, el driping. action painting, automatismo, etc. Los movimientos contestanos de finales de los años sesenta y principios de los setenta, demostraron que los reclamos podían ser frescos, abiertos y dinámi- cos. Estos grupos volvieron la vista a los carteles de principios de siglo, de nuevo Lautrec, Chéret y sobre todo Mucha y Beardsley servían de referente. El ritmo, el colorido y el movimiento de esas composiciones sirvieron de base para las nue- vas imágenes. La publicidad tardaría unos años en adoptar los nuevos modelos. En los años setenta otro movimiento social, el Punk, creó otro modo de hacer las cosas. En este caso, tanto el arte como la publicidad recibieron su influencia y a la adoptaron a su respectivos lenguajes.

Honour, Hugh y Fleming, John (2002). Historia mundial del arte. Hudson.S. (2003). “Historia de la publicidad” recuperado el: 07 de Marzo del 2013 en: http://lahistoriadelapublicidad.com/principio. php?Cod_categoria=2&Codnot=106


“Design is the method of putting form and content together. Design, just as art, has multiple definitions; there is no single definition. Design can be art. Design can be aesthetics. Design is so simple, that’s why it is so complicated”

fig. 66

4.5

Paul Rand

Diseño Gráfico

El diseño gráfico tiene como objetivo ser la cara de una marca y ayudar a transmitir mensajes a un público meta comunicando ideas de manera gráfica, logrando un propósito claro y específico.

Pinocho. - 89


4.5.1.

Comunicación Gráfica Tenemos que entender principalmente que comunicación gráfica no es lo mismo que diseño gráfico. Existe confusión en el parecido del significado por motivo de que ambos van dirigidos a la comunicación visual por medio de elementos gráficos. La diferencia en el diseño gráfico es que su intención final es crear un proceso completo para traducir los elementos y plasmarlos de manera estética y justificada. Mientras que la comunicación gráfica o visual, es un área que al igual que en el diseño gráfico se tiene que demostrar compromiso, creatividad, ser dinámicos e innovadores para la creación de objetos de comunicación. Todo esto se lleva acabo por medio de un proceso didáctico, donde resaltan las áreas en medios impresos, ilustraciones fotografía y/o animación. Lo importante de esto es el mensaje, Ya que se requiere cubrir ciertas necesidades del mercado al que se presenta, se requiere un impacto creativo y diferente en un lenguaje específicamente claro y expresivo, reforzándose de los conocimientos del diseño gráfico, para obtener un resultado completo y bien definido. La comunicación gráfica trasciende lo escrito a lo estético y su enfoque principal es lo gráfico.

90 - Pinocho.

4.5.1.1

fig. 67

{ Elementos de identidad gráfica }

Los elementos principales de una identidad grafica son: Logotipo. Un logotipo es un elemento gráfico que identifica a una entidad. Los logotipos pueden ser puramente gráficos o pueden incluir tipografía. El logotipo es la base de la identidad, por lo mismo tiene que haber sido diseñado con un concepto rector, el cual debe de ser brevemente explicado. El diseño del logotipo debe responder en general a las necesidades señaladas en el brief inicial que el cliente brindo. Emblema. Es una figura grafica que es institucionalizada, la cual busca ser reconocida rápidamente por el consumidor. El emblema es por llamarlo de alguna forma lo primero que el consumidor reconoce de la marca y se utiliza en la mayoría de las estrategias de comunicación.

Colores. Los colores deben estar especificados en tintas planas o colores directos, también conocidos como pantones. Se deben de descomponer en porcentajes de cuatricromía (CMYK) para la impresión a todo color y en porcentajes de RGB para su uso en digital. Tipografías Una de las partes mas importantes de la identidad es la familia tipográfica, se debe especificar asimismo las tipografías complementarias para usar en textos y documentos, tanto en medios impresos como en medios digitales.


4.5.1.2

fig. 68

{ Influencia del Ballet dentro del Diseño gráfico }

El ballet tanto sus elementos gráficos como emociones, a sido tomado como referencia en diversos diseños gráficos, y estrategias de comunicación; por ejemplo, Librerías Gandhi que utilizó un tutú de ballet en uno de sus anuncios panorámicos, o Volvo, que utilizó una bailarina que muestra delicadeza. Librerías Gandhi se ha convertido en referencia inevitable para el mundo cultural e intelectual de México. Creó una campaña publicitaria en la que buscaba incitar a los consumidores a darse tiempo de leer, en varios medios reprodujo esta imagen la cual contiene elementos del ballet. El mercado meta está compuesto principalmente por hombres y mujeres estudiantes, maestros, profesionales e intelectuales, y todos los que sienten interés por la cultura y buscan información y entretenimiento. Volvo utilizó una bailarina que hacia alusión a la delicadeza y belleza del automóvil, esta campaña fue lanzada por la agencia Ogilvy México en Mayo del 2008. El ballet es representado dentro del Diseño gráfico como algo que muestra finura, delicadeza y elegancia, es por eso que las marcas utilizan elementos del mismo sacando provecho a la sensación que producen.

4.5.1.3

fig. 69

{ Diseño Gráfico en el Ballet }

El diseño gráfico forma parte fundamental del ballet como en cualquier otra disciplina, ya que en este se basa la comunicación, donde se muestra visualmente lo que se quiere vender o mostrar, atrayendo al usuario al producto. Seduciendo al espectador creando una intriga que provoca experimentar la obra o evento. El Gremio. El gremio diseño es una agencia artística, la cual realizó un diseño de exposición para el Ballet Nacional de España en el Museo Nacional del Teatro en el 2004, la propuesta era una mezcla de colores rojo “pasión” y negro “enlutado”. El Ballet Nacional de España estreno imagen. OMB, una agencia de publicidad en España, realizó la dirección artística y la campaña de comunicación desarrollando el concepto gráfico en diferentes aplicaciones como vía pública, carteles, postales de promoción y una propuesta para su sitio web. Dentro de todas las obras exitosas de ballet nos percatamos de la importancia del branding de las mismas, el cual tiene como principal componente una buena identidad de marca, siendo el diseño gráfico la parte más importante de ésta. El objetivo principal del diseño gráfico tanto en el ballet como en cualquier otra disciplina artística es crear las ganas de ver la obra, el reconocer la obra con solo ver algo de publicidad y mantener el recuerdo de la marca en las mentes del espectador.

4.5.1.4

fig. 70

{ Casos de Éxito dentro del Diseño Gráfico enfocado en ballet }

Saatchi & Saatchi es una agencia ubicada en Nueva York que se especializa en publicidad BTL (Below the line) La publicidad de la puerta giratoria fue creada por la agencia Saatchi & Saatchi y ganó un FIAP. Representaba una de las piruetas características dentro del ballet. “Ballet Shoe” fue una campaña realizada por la agencia de publicidad “Publicis” para el Royal Ballet del Reino Unido. Esta campaña fue producida en junio del 2004. Consistía en puntas de ballet por toda la ciudad invitando al usuario a asistir a las funciones de ballet.

Pinocho. - 91


fig. 71

4.5.2

Publicidad

La publicidad es una forma de comunicación que tiene como objetivo incrementar el consumo de un producto o servicio utilizando medios de comunicación. Algunas de las estrategias mas efectivas para lograr una buena publicidad son: asociación psico-emotiva al consumidor, estética, humor, sinceridad, sentimentalismo y testimoniales. El objetivo general es vender algo: Puede ser un producto o servicio, esto se logra a través de objetivos específicos como: • Respaldar la venta personal. • Llegar a personas inaccesibles para la fuerza de ventas. • Mejorar relaciones con los distribuidores. • Entrar a un nuevo mercado • Introducir un nuevo producto • Ampliar el uso de un producto

92 - Pinocho.


4.5.2.1

{ Tipos y estilos de publicidad } O´Guinn, Allen y Semenik, autores del libro “Publicidad”, definen que los tipos básicos de publicidad están basados en las siguientes metas funcionales. Estimulación de la demanda primaria: Cuando el anunciante busca crear demanda sobre un producto, informando a los compradores sobre el valor principal del producto. Sin destacar una marca específica. Estimulación de la demanda selectiva: Su propósito es señalar los beneficios particulares de una marca en especifico. Publicidad de respuesta directa: Es el tipo de publicidad en la cual se incita al consumidor a actuar de manera inmediata, como por ejemplo Anuncios con cupones o anuncios que incitan a llamar por teléfono para aprovechar una oferta. Publicidad de respuesta retardada: Aquí se busca crear el renacimiento y la aprobación de la marca reforzando los beneficios de su uso y estableciendo un gusto general por la marca. Publicidad empresarial: En este tipo de publicidad se busca crear un sentimiento/emoción positiva hacia la compañía.

Algunas estrategias de publicidad que han demostrado ser efectivas son: Asociación psicoemotiva al consumidor, Por medio de: Estética: imágenes, música o personas atractivas para el mercado meta. Humor: Pretende asociar un producto a una idea o circunstancia divertida, transmitiendo una sensación positiva acerca del producto logrando de esta manera asociarlo más fácilmente. Sentimientos: Aquí no se hace referencia directa al producto, si no la sensación que produce el consumirlo. Dramatización: Es la actuación de un momento en la vida del usuario en la cual el producto le dio algún cambio positivo Testimonio: Es el testimonio positivo sobre el producto de algún personaje influyente para el mercado meta. Demostración o argumentación: Mensaje que demuestra como el producto brinda una solución a un problema o una mejoría a una situación.. Descripción: Este mensaje presenta de una manera objetiva un producto, sus partes o su composición.

Exposición: Es cuando se demuestra el precio en oferta del producto, sin importar las características del mismo. Impacto: Se busca crear un impacto en el consumidor y de esta manera obtener su atención, no necesariamente el impacto tiene algo que ver con el producto. Oportunidad: Es cuando el mensaje aprovecha alguna situación u oportunidad para captar atención del mercado meta. Frecuencia: Es un mensaje repetido, ya que esta comprobado que entre mas frecuencia tiene un mensaje, el consumidor lo retiene. Sinceridad: Un mensaje honesto que genera confianza en el usuario. Propuesta Única de Venta. (USP) (UNIQUE SELLING PROPOSITION) Es el mensaje que genera una propuesta única de venta. La proposición debe distinguirse de la competencia como ventaja competitiva, elemento diferenciador o posicionamiento; esta es la condición más importante del USP. Debe ser atractiva para el mercado meta. Cuando la proposición de venta es de carácter emocional cambia su denominación a (ESP) ( EMOTIONAL SELLING PROPOSITION)

Incluye: La imagen de marca, una forma de asociar la marca gráficamente. Como consecuencia se producirá un reconocimiento automático del símbolo (color, eslogan, elemento simbólico, etc.) por parte del consumidor. Esto es una de las partes primordiales del mensaje. Subliminal. Una de las formas mas efectivas de llegar al consumidor es por el inconsciente logrando sembrar la marca en el mismo. Produce un efecto indemostrable y arriesgado. Se puede detectar con elementos objetivos como la composición del anuncio. Ésta trabaja con la relación entre primer plano y segundo plano como metáfora de la parte consciente e inconsciente del individuo

4.6.2.2

{ Campañas publicitarias } La definición general de campaña es un conjunto de actividades y eventos que buscan alcanzar un objetivo, la campaña publicitaria es el conjunto de esfuerzos publicitarios que hace un vendedor para que el consumidor se sienta atraído y consuma el producto.

Pinocho. - 93


4.5.2.3

fig. 72

{ Influencia del Ballet en publicidad }

La publicidad y diferentes modas han sido influenciadas por el ballet y todo lo que representa por ejemplo Ford Motor Company contrato a Ogilvy México para la creación de su campaña para Volvo durante el 2008, la cual contiene una bailarina que emite la sensación de delicadeza Tmn Mobile Communications buzaba promocionar las Ballet Nights Sponsorship y se contrato a la agencia Interact Comunicacao Interactiva de Portugal la cual lanzó la campaña en Octubre del 2003 Para el Día del Padre 2012 Movistar lanzo una publicidad que generó buenas referencias entre el publico. Ballet”, de la agencia Young and Rubicam, es la historia de un chico que une su pasión con la de su padre.

4.5.2.4

fig. 73

{ Aplicación de Publicidad en Artes escénicas y entretenimiento }

Desde los antiguos romanos se anunciaban los eventos de gladiadores, se puede suponer que ahí comenzó la publicidad de los eventos de entretenimiento, a lo largo del tiempo han existido diversas campañas publicitarias efectivas dentro de las artes escénicas, un ejemplo es la campaña del caso de éxito antes mostrado “El Rey León”, El musical de Disney superó al musical “El fantasma de la ópera” como el más taquillero de todos los tiempos. Hasta el 8 de abril de 2012, “El rey león” -que se estrenó en noviembre de 1997- ha recaudado un total de 853.846.062 dólares.

4.5.2.5

fig. 74

{ Publicidad en ballet } Smuin Ballet buscaba promocionar la temporada de verano del 2009 por lo cual contrato a la agencia Evolution Bureau la cual creo una campaña de publicaciones que logro llegar al mercado meta y marco una nueva tendencia en el estilo de publicidad del Smuin Ballet.

4.5.3

fig. 80

Branding

Branding o gestión de marca es la herramienta maneja conceptos publicitarios estratégicos que son perdurables independientemente de la duración de la campaña de comunicación.

4.5.3.1

{ Elementos para el Éxito del Branding } Existen puntos clave esenciales para lograr un branding exitoso los cuales son: Naming Consiste en seleccionar un nombre relacionado a lo que es la empresa, entre las características que se eligen es que sea fácil de recordar, que no se confunda con otra empresa y que sea corto. Identidad corporativa Crear una identidad única y que sea acorde a las necesidades del mercado meta. Posicionamiento de la marca, Lograr posicionar a la marca en la mente del consumidor y mercado meta estando siempre presentes.

5 Elementos del Branding para el _xito de la marca | FinanzasPlus. (n.d.). FinanzasPlus. net | Finanzas personales. Retrieved from http:// finanzasplus.net/2011/05/5-elementos-del-branding-para-el-exito-de-la-marca.html Ballet Centre: “BALLERINA” Publicidad ambiental hecho por Impact BBDO | Coloribus

94 - Pinocho.

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4.5.3.2

fig. 75

4.5.3.3

fig. 76

{ Branding en el diseño gráfico }

{ Branding en Artes escénicas }

Una de las empresas con mejor branding a nivel mundial es Apple, la mayoría de las personas esta familiarizado con la marca. Y son muchos los que consumen sus productos. Esto se debe en gran parte al diseño minimalista y sencillo que utilizan, la tan conocida manzanita es uno de los emblemas mas conocidos a nivel mundial.

Uno de los musicales con mejor branding es Wicked, el cual es reconocido incluso por personas que no han asistido a la obra, utilizan un sitio web interactivo y divertido de visitar, además de diversos elementos como subvenirse entre los cuales están vasos y carcazas para celulares.

4.5.3.4 {

fig. 77

Branding en ballet }

Un excelente ejemplo de branding en Ballet es el que utiliza La Compañía de Ballet Ruso, Ellos capturan el profesionalismo en una identidad de marca memorable. Emblema Es la silueta de dos bailarines de ballet, da un sentido de finura. Diseño Web Se utilizaron cintas de color rosa que fluye y turquesa para transmitir el flujo de la danza. Estos fueron integrados con fotografía personalizada. La fotografía de la danza es una parte importante del sitio web. Carteles El cartel lleva la misma imagen de marca coherente como los otros materiales. Certificado de Diseño Los certificados tienen un sello a medida en lámina metálica. Los sellos vienen en diferentes colores según el certificado específico que se adjudique. Los espacios vacíos permiten a un instructor para rellenar nombres y fechas específicas.

Deras, Q. A. (1999). Publicidad. M_xico: International Thomson editores. Publicidad al aire libre “BALLET SHOE” para Royal Ballet hecho por Publicis. (n.d.). Advertolog : Archivo de publicidad mundial : Publicidad Creativa : Ganadores de los festivales de la publicidad. Retrieved from http://es.ad-

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Pinocho. - 95


96 - Pinocho.


5.1

Evolución de la estructura de la compañia Fundación

Dirección artística

La compañía del Ballet de Monterrey fue fundada en el año de 1990 en la ciudad de Monterrey N.L gracias a la iniciativa y motivación de un grupo de personas comprometidas por el impulso de la cultura y expresiones artísticas en México. La principal promotora de ésta fundación es Yolanda Santos de Hoyos, quién se encargó de formar un patronato integrado por miembros importantes de la industria y la sociedad regiomontana.

En la evolución del Ballet de Monterrey este ha ido perfeccionando año con año con ayuda y nuevas ideas de los directores artísticos que han dejado huella e importantes avances en la compañía. La dirección artística de ésta es altamente reconocida en el mundo de la danza por su amplia trayectoria ya que los directores que han participado son de renombre.

La intención principal al formar ésta compañía de Ballet Clásico fue llenarla de dinamismo y versatilidad con personalidad y sentimiento latino. La compañía arrancó con gran éxito, a lo largo de cinco años, pero en 1995, la compañía se vio obligada a cerrar sus puertas ya que los donativos fueron disminuyendo debido a una fuerte recesión económica en el país, éste cierre de la compañía duró un lapso de tres meses ya que la CONACULTA aportó quinientos mil pesos para asegurar la subsistencia durante el año.

La primera directora artística fue Ann Marie D´Angelo quien ingresó en 1990 a la compañía. Tras cinco años de permanencia en el Ballet de Monterrey fue reemplazada por Fernando Alonso en 1995, en el mismo año hubo cambio y entró Fernando Bujones como director quién apoyó a la compañía tres años. En 1998 entra Kouloubek Ishenaliev, su estancia como director fue de cinco años, en el año 2003 entra Robert Hill quien tuvo una permanencia de cuatro años apoyando a la compañía, en el 2007 fue que entró Luis Serrano y es quién dirige ésta área actualmente y quien sigue mejorando cada vez más a la compañía.

Pinocho. - 97


año

obras

datos representativos

1990

El Cascanueces

Auditorio Luis Elizondo Directora Artística: Ann Marie D´Angelo. Primera obra que presenta el Ballet de Monterrey y desde entonces se ha vuelto una tradición. Ann Marie D´Angelo fue la primera directora artística de la compañía.

1992

Copellia

Auditorio San Pedro Directora Artística: Ann Marie D´Angelo.

1993

Giselle

Teatro de la Ciudad Directora Artística: Ann Marie D´Angelo. Está basada en la novela de Teófilo Gautier, escrita en 1835, quien fue uno de los poetas y críticos de arte más importantes del romanticismo y creador del argumento de “Giselle’’.

1993

El Lago de los Cisnes

Teatro de la Ciudad Directora Artística: Ann Marie D´Angelo. La ex bailarina norteamericana Cynthia Gregory monto la coreografía de la obra y Robert Hill en el 2006 la creció.

1994

Don Quijote

Teatro de la Ciudad Directora Artística: Ann Marie D´Angelo.

1994

El Corsario

Teatro de la Ciudad Directora Artística: Ann Marie D´Angelo. Se informo que era probable que se presentaran en el teatro de las Bellas Artes en México, D.F.

1994

Diana y Acteón

Teatro de la Ciudad Directora Artística: Ann Marie D´Angelo.

1995

Paquita

Directora Artística: Ann Marie D´Angelo. Tuvieron que suspender la coreografía de Bujones , porque no podrían pagar en dólares. Se va Ann Marie D´Angelo. y entra Fernando Alonso como director artístico.

1996

Raymunda

Auditorio San Pedro Director Artístico: Fernando Bujones Durante esta temporada, no hubo figuras invitadas pero basto con el propio talento de la compañía. Representando a la danza clásica del País, el Ballet de Monterrey tuvo una buena actuación en el reciente Festival Internacional Cervantino. A decir de Angélica Kleen, directora artística del grupo, la participación de éste el 17 de octubre en la Alhóndiga de Granaditas, en Guanajuato, tuvo más de 7 mil espectadores que aplaudieron un programa, donde al igual que en su temporada de otoño en la Ciudad, estuvo encabezado por el bailarín internacional Fernando Bujones. Fernando Alonso solo dura 1 año como director y en el 1996, entra el cubano Fernando Bujones.

98 - Pinocho.


año

obras

datos representativos

1997

Bella Durmiente

Teatro de la Ciudad Director Artístico: Fernando Bujones Se presentó en temporada de primavera y ofreció funciones didácticas.

1997

La Bayadera

Teatro de la Ciudad Director Artístico: Fernando Bujones. Es una adaptación coreográfica de Fernando Bujones sobre la original.

1998

Pasión y Fuego

Deja su puesto como director artístico Fernando Bujones. La compañía se encuentra en riesgo de desaparecer; Kouloubek Ishenaliev toma la dirección de la compañía.

1999

Flamas en Paris

Teatro de la Ciudad Director Artístico: Kouloubek Ishenaliev Cuerpo de baile, solistas y primeros bailarines recrearon escenas y momentos de gran brillo.

El Corsario

El director artístico Kouloubek Ishenaliev, deja la compañía y entra Robert Hill.

Giselle

En el 2007, Robert Hill abandona la compañía y entra como director, el Cubano Luis Serrano.

Lago de los Cisnes

Luis Serrano, sigue siendo el director artístico de la compañía hasta la actualidad.

2003 2007 2013

Pinocho. - 99


5.2

Por parte de la iniciativa Privada se encuentran diferentes tipos de categorías, algunos ejemplos son los siguientes:

Situación Actual El Ballet de Monterrey actualmente es reconocido mundialmente a pesar de ser una compañía muy joven, gracias a la dedicación y empeño que le han puesto sus directores y el patronato, por lo que actualmente, la compañía tiene cada vez más éxito. Las ciudades donde han presentado el ballet son Nueva York, Miami, Barcelona, Madrid, entre otras. Ballet de Monterrey es una Asociación Civil sin fines de lucro, comprometida con el desarrollo social para el fomento e innovación artística. Siendo esto posible gracias al apoyo de patrocinadores como: CONACULTA y Gobierno del estado de Nuevo León a través de Conarte. Logo Ballet de Monterrey:

-Patrocinador Diamante: • Cuauhtémoc Moctezuma • Altos Hornos de México

-Patrocinador Oro: • Corporación Finestra, S.A. de C.V. • Inmuebles Nuevo León

-Patrocinador Corporativo: • British American Tobacco • MG Capital

fig. 78

Gracias a la llegada de el director Luis Serrano el ballet ha logrado aumentar sus presentaciones en mas de un cien porciento, cuando antes contaban con 60 presentaciones, ahora cuentan con 200.

-Patrocinador Platino: • Cadena+Asoc. Branding  • Value

-Patrocinador Honorario: • Axtel • Gruma

A lo largo de los años las obras que mas han destacado en la compañía son: El cascanueces, El lago de los cisnes, La bayadera, Copilla, Giselle, La Vivandera, Don Quijote, La bella durmiente y diversos Pas de dux.

Actualmente la Compañía se encuentra en una nueva ubicación localizada en: Prolongación Alfonso Reyes 201 Locales 11 al 14, Vía Cordillera, Valle Poniente. Tel: (81) 1934-2080 y 1934-2081 Nombre de registro: Ballet de Monterrey Slogan:

-Patrocinador Benefactor: • FEMSA • HSBC

fig. 79

-Patrocinador Amigo: • Amigos Mayte Comin • Ema Molina

http://busquedas.gruporeforma.com/elnorte/Pages/BuscaImpresa.aspx. El norte edición impresa años 1990, 1994, 1995, 1998, 2001, 2003, 2005. GRETCHEN BACKHOFF (1992). DE TODO / GRANDES COREOGRAFOS LO HAN PERFECCIONADO. Available at: http://busquedas. gruporeforma.com/elnorte/Documentos/DocumentoImpresa.aspx. [Last Accessed 18 febrero 2013].

100 - Pinocho.

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Silvia Ruano (1997). Inicia hoy temporada de baile y fantasía. Available at: http://busquedas. gruporeforma.com/elnorte/Documentos/DocumentoImpresa.aspx. [Last Accessed 18 febrero 2013]. Silvia Ruano (1999). Muestra el Ballet amor y talento. Available at: http://busquedas. gruporeforma.com/elnorte/Documentos/DocumentoImpresa.aspx. [Last Accessed 18 febrero 2013].


Bailarines: Los bailarines de la compañia se encuentran subdivididos por rangos que son los siguientes:

Publicidad:

Bailarín

País

Primera Bailarina 3 Bailarinas fig. 81

2 Bailarinas

2 Bailarinas

Bailarina Principal 1 Bailarina 1 Bailarina Solista Principal fig. 82

1 Bailarín 1 Bailarín Solistas 4 Bailarines 3 Bailarines

1 Bailarín

Corifeos 5 Bailarines 1 Bailarín

3 Bailarínes 1 Bailarín

Cuerpo de Baile 23 Bailarines 20 Bailarines 2 Bailarínes 1 Bailarín

Aprendices & Aspirantes 6 Bailarines fig. 83

6 Bailarines

Pinocho. - 101


5.3

CONARTE: El cambio de las políticas culturales en Nuevo León (Político)

Ambiente Externo Macro ambiente se refiere a los diferentes entornos que engloban al Ballet de Monterrey en donde se presentan diferentes oportunidades y riesgos para la misma, de las cuales no posee ningún control. Estos entornos se clasifican en las siguientes categorías:

fig. 84 • Entorno Político Los acontecimientos dentro de este entorno afectan de una manera colosal cualquier decisión que es tomada dentro del Ballet de Monterrey, ya que influye el hecho de que existan leyes, dependencias del gobierno y grupos de presión. Limitando a diversos grupos o personas dentro de una sociedad.

CONARTE es un organismo público encargado de estimular las expresiones artísticas para la preservación de la cultura de Nuevo León. Así mismo se encargan de la administración de lugares como el teatro de la ciudad, ente otros. Este organismo ha tenido un gran avance, esta noticia impacta al proyecto debido que los cambios en el sistema político de fundaciones como CONARTE van de la mano con posibles cambios positivos en el ballet, refiriéndose a una mejor infraestructura cultural y red de museos con la que no se contaba anteriormente.

• Entorno Social El entorno social, es la forma en que las costumbres y valores cambiantes afectan a una industria, tanto en sus oportunidades como amenazas. Representa una oportunidad cuando hay una tendencia. Abre el ballet puertas a fans

Se generará una amplia oferta cultural en los espacios que ya se tienen en el primer cuadro de la ciudad, como el barrio antiguo, la alameda, el Teatro Calderón y el centro cultural BAM. Esta es una buena señal de que la ciudad esta tomando interés por las artes y el que se genere más movimiento en el barrio antiguo le garantiza mas público al Ballet de Monterrey.

El Ballet de Monterrey lanza una convocatoria a través de Facebook para ofrecer una clase impartida por los bailarines. Trece fans de la página de Facebook del Ballet de Monterrey ganaron la convocatoria Clase Abierta, que fue el 22 de marzo tuvieron oportunidad de presenciar una clase profesional, entre ellos habían estudiantes de la carrera de danza, fue un momento muy inspirador para ellos.

La secretaria de cultura Claudia Tapia señaló que el municipio de San Pedro ahora busca que se le conozca en el mapa como referente de vanguardia cultural, el objetivo es iniciar una movilización cultural ciudadana.

Esto es de gran relevancia al proyecto, es una excelente oportunidad de crecer en el cliente.

Esto es relevante para el proyecto porque

102 - Pinocho.

busca nueva movilización ciudadana y generará consecuencias positivas ya que San Pedro quiere ser reconocido como la nueva vanguardia cultural. El mercado mas importante del ballet se encuentra en san pedro y el hecho de que quieren incentivar a las personas el interés por las artes generará más público para los eventos artísticos como el ballet.

Es una gran oportunidad de crear una conexión emocional con el cliente, una gran manera de que ellos se graben al Ballet de Monterrey en su mente por medio de sus

sentimientos. Se crea una interacción, excelente promoción inclusive de boca en boca. • Entorno Económico Cualquier mercado dentro de una nación varía notablemente en sus niveles de compra y gasto del consumidor. En algunos países mantienen una economía de subsistencia y son estos, los que ofrecen pocas oportunidades de mercado, mientras que otros tantos mantienen una economía industrial, que ofrecen mercados prósperos. Promete NL revivir danza de escuelas El gobierno del estado luego de retirar el apoyo económico al programa Aprender con Danza lo ofrecerá de nuevo. Yolanda Santos de Hoyos, presidenta de la asociación civil suprema, impulsora del proyecto, indicó que el gobernador Rodrigo Medina le prometió personalmente que volverá a implementarse el proyecto. Nuevo león apenas arrancaba este proyecto que ya se realiza en otras entidades. El programa fue creado en 1976 por Jacques d’ambroise, con la idea de que el arte pueda motivar a los niños a la superación a partir de recursos dancísticos sin enseñar una técnica o estilo en particular. Es relevante como forma para expandir y darle seguimiento de éxito al ballet de pinocho podrían ofrecerles a las escuelas de danza


un guión para recrear esta obra. Impacta ya que el gobierno esta fomentando el interés a los niños por la danza, tenemos mas público para presentar la obra de Pinocho y también se puede generar mas apoyo de parte del gobierno para promoción. Convocan a emprendedores en materia de arte y cultura

El impacto que tiene a nuestro proyecto es que le den el impulso necesario al ballet en México y que tenemos una gran compañía de ballet como es el Ballet de Monterrey y que aparte de tener su patronato como ayuda económica el mismo gobierno promueva esta disciplina y mas que el Ballet de Monterrey ya tiene una gran trayectoria que va ayudar a impulsar la imagen de Monterrey a nivel Nacional e Internacional. Destinará la Secretaría de Economía 20 millones de pesos para apoyar a PYMES culturales (Económico)

fig. 85 Se trata de un impulso a emprender nuevos proyectos que a través de la convivencia con personas de otros países se enriquezca y se puedan crear nuevas formas de desarrollo sustentables para la creación y desarrollo de las artes. Fomentar la creación de nuevas empresas y proyectos que generen nuevas maneras que impulsan el arte y la cultura en localidades rurales y urbanas. Esta noticia es relevante para el proyecto ya que nos habla de cómo gobierno está ayudando a las artes y está impulsando a que los empresarios a que le apuesten a la cultura y las artes en el país y traer a extranjeros para que aporten de su talento a nuestra comunidades.

Aristegui Noticias (2012). La UNAM producirá reality show de video-danza. Available at: http:// aristeguinoticias.com/2108/kiosko/la-unam-producira-reality-show-de-video-danza/. [Last Accessed 11 2012]. -

ten a estas disciplinas. Voltean la vista compañías internacionales a la danza mexicana La primera bailarina del Ballet de la Ópera de Berlín, la mexicana Elisa Carrillo, aseguró que en los últimos dos años varios países se han interesado en el arte dancístico mexicano, lo cual es importante porque permite a los bailarines mostrar el nivel técnico con que cuenta la danza nacional. Esta noticia es relevante para incluirla al proyecto porque relata la opinión de la primera bailarina del ballet de la opera de Berlín, la cual es orgullosamente mexicana y cuenta la importancia de las profesiones artísticas, además de dar unas palabras de motivación para las nuevas generaciones de bailarines.

a nivel mundial a través de productos y consumidores interesados en la innovación. Facilitando a la sociedad la producción y realización de tareas complicadas, obteniendo un resultado positivo a menor tiempo con el fin de mejorar la calidad. La UNAM producirá reality show de video-danza La Dirección de Danza de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) lanzó una convocatoria en el que llamaba a los mejores bailarines, camarógrafos, editores y productores para que participarán el primer reality show de video y danza en México. Unos 250 aspirantes respondieron y después de un casting se eligieron 10 de los videos más destacados, estos equipos competirán en ocho retos distintos para producir un video que responda una temática en concreto, por ejemplo ecología. Se trata de un programa innovador ya que la mezcla de video con danza, a pesar de que se ha desarrollado en otras partes del mundo, es algo nuevo en México.

CONACULTA va tener un fondo en cual podrá proporcionar apoyo a PYMES a que se incorporen al programa Nacional de Incubadoras con el fin de promover las artes y la cultura.

Es muy importante que las compañías internacionales hayan prestado atención a la danza mexicana ya que eso beneficia porque se obtiene prestigio al mostrar que el nivel técnico con el que se cuenta en México es bueno y esto lleva a que lo inviten a eventos internacionales artísticos y también a que se puedan realizar este tipo de eventos como el Festival de Ballet en Cuba pero en México, lo cuál podría beneficiar la economía a través de una disciplina artística que no es muy común todavía, el ballet.

Esto es importante para que las nuevas generaciones que estén dispuestos a invertir en arte y cultura que no se desanimen y le apues-

• Entorno Tecnológico Es una herramienta elemental que permite competir con mayor ventaja en el mercado

La UNAM realizó este proyecto promoviendo el progreso cultural de los jóvenes de México. Se cataloga como “reality show” por el proceso que se sigue 24hrs, Pero esto no quiere decir que se este imitando un Big Brother. Este reality show pretende promover la cultura de la danza y las artes a través de un concurso que involucra las diferentes disciplinas artísticas en combinación con medios digitales.

Manuel Cuéllar ( 23 MAY 2012). La extrema belleza del cuerpo humano. Available at: http:// cultura.elpais.com/cultura/2012/05/23/actualidad/1337787608_986497.html. [Last Accessed 11 2012]. -

Secretaría de Economía (2012). Destinará la Secretaría de Economía 20 millones de pesos para apoyar a PyMEs culturales. Available at: http:// www.economia.gob.mx/eventos-noticias/informacion-relevante/8355-boletin169-12. [Last Accessed 11 2012].

Informador (2011). Voltean la vista compañías internacionales a la danza mexicana. Available at: http://www.informador.com.mx/ cultura/2012/409893/6/voltean-la-vista-companias-internacionales-a-la-danza-mexicana.htm. [Last Accessed 11 2012].

fig. 86

Pinocho. - 103


fig. 87 • Entorno Sustentable Pasó de ser una tendencia a ser una mega tendencia mundial que poco a poco se va aplicando en diferentes áreas proporcionando opciones más amigables con el medio ambiente.

TEDX presentó en uno de sus videos del 2011 que ya existen varias compañías de teatro y organizadores alrededor del mundo empiezan a considerar prácticas mas sustentables dentro del teatro. El se enfocó en naciones de islas del pacifico ya que muchas de sus presentaciones teatrales generan mucho desperdicio. El propone materiales reciclables, no tóxicos y naturales. Teñidos de jugo de remolacha, tinta de calamar y tecnología LED con el objetivo de bajar la huella de carbono de las escenografías hasta el 70%.

Centro Sustentable de Danza en Houston & El teatro verde Houston Ballets’s new center for dance abre un Studio con una variedad de estrategias sustentables como luz natural, sombra automática, sistemas de energía eficiente entre otros. También con puentes peatonales que te conectan con el resto de la ciudad. De esta manera facilitando el alcancé al usuario y promoviendo una conciencia ecológica.

fig. 88

Estas tecnologías aplican ya que se pueden usar materiales reciclables, telas, pinturas, objetos etc. De esta manera el área “arquitectónica” de la obra pueda llevar un giro sustentable para así otorgar un beneficio extra a la obra.

Aristegui Noticias (2012). La UNAM producirá reality show de video-danza. Available at: http:// aristeguinoticias.com/2108/kiosko/la-unam-producira-reality-show-de-video-danza/. [Last Accessed 11 2012]. -

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Manuel Cuéllar ( 23 MAY 2012). La extrema belleza del cuerpo humano. Available at: http:// cultura.elpais.com/cultura/2012/05/23/actualidad/1337787608_986497.html. [Last Accessed 11 2012]. -

Bridgette Meinhold, (2011). Bridgette Meinhold Gensler’s Houston Ballet Center for Dance Opens With A Flurry of Fluttering Feet Read more: Houston Ballet Center for Dance by Gensler | Inhabitat - Sustainable Design Innovation, Eco Architecture, Green Building. Available at:

http://inhabitat.com/genslers-houston-balletcenter-for-dance-opens-with-a-flurry-of-fluttering-feet/. [Last Accessed 11 2012]. -


“Simplicity, carried to an an extreme, becomes elegance” – Jon Franklin

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106 - Pinocho.


Para idear y resolver el espacio escénico es necesario investigar todas las y técnicas de diseño. La tecnología, los materiales de construcción, la historia y evolución de las artes escénicas, son algunos de los temas que a continuacion se mencionan para ayudar al conocimiento del desarollo de una escena.

6.1

Interiores

fig. 90

fig. 89 En Nueva Zelanda, brindaron un homenaje a la escuela Christchurch tras un lamentable accidente donde un terremoto lo destruyó en el 2012, que ahora será demolido. Hewson quiso rendir homenaje a esta escuela donde albergaba una comunidad, para que esto se diera acabo, necesitaron 130 metros cuadrados de madera con técnica para proyectar imágenes de las personas que vivian o trabajaban en el edificio.

Nike Nike mostró al público una exposición en el ferrocarril de arco de Shoreditch , Londres, mostrando y vendiendo zapatos del año 1948 en un espacio para eventos de arte. La instalación fue hecha por el ilustrador Saksi y el diseñador Kustaa, la escena es conformada por pop-art, con un toque retro ajustada a la historia de Nike como marca.

Relevancia en el Proyecto

Relevancia en el Proyecto

Este proyecto, consistió en reconstruir los espacios vacíos reflejando como seria el interior de estos. Representa inspiración en como hacer una combinación en escenografía con proyecciones que irán transformando esos huecos en la escenografía.

Estas ciudad pequeña nos da una idea de cómo se puede recrear cada escena en la obra y se toman algunos elementos para la creación de las escenas. Y que, a través, de una maqueta se pueden entender varios elementos que no queden desapercibidos.

Pinocho. - 107


6.2

6.3

Modas

Arte Digital

fig. 91

fig. 92

fig. 93

Transformer

The Floating Dress by Hussein Chalayan

Realidad Aumentada

Transformer es la colección primavera - verano 2007 que consta de 5 vestidos transformables por el diseñador Hussein Chalayan, mezclan la tecnología con la alta costura, utilizando la ingeniería de la firma 2D3D. Lo que hacen estos vestidos es que automáticamente son transformables sin ayuda de la persona va cambiando su forma y estilo, desde cerrar y abrir cierres, acortar el tamaño de faldas, crear volumen, modificar escotes hasta desaparecer totalmente un vestido quedando oculto en un sombrero.

El diseñador inglés Hussein Chalayan contribuyó con Swarovski para su colección de Otoño - Invierno 2012, su presentación fue un cortometraje que solo consiste de un solo look, un vestido que es más bien como una estructura con forma de vestido, la modelo se encamina a posicionarse dentro del vestido, es como una forma de concha que respeta las líneas y curvas del cuerpo. Tiene montados pequeños cristales swarovski que al final de la presentación, por medio de un control remoto, se disparan y vuelan hacia el cielo, cayendo con dos pétalos dando vueltas como el efecto reguilete.

Es un nuevo concepto el cual superponer el contenido virtual en un vista más real a través de la cámara del celular. El uso que se le da a esta nueva aplicación va desde juegos, multimedia y marketing interactivo, el un tema que esta dando a conocer en todo el mundo y hay muchos ejemplos en los cuales están usando estos nuevos medios para promocionarse o bien ofrecer algo nuevo al mercado, aquí tenemos algunos ejemplos donde se aplica la realidad aumentada.

Relevancia en el proyecto Esta propuesta que nos ofrece Chalayan es como un vestuario puede ser versátil y trasformase en cuestiones de segundos. La aplicación que se puede hacer es un vestuario de algún personaje, y que, tenga una transformación durante el espectáculo, esto haría que espectador quedara sorprendido.

Relevancia en el proyecto La esencia de este proyecto es como se envuelve toda una historia a través de un figurín con la transformación de su vestuario. Esta parte de innovación la tomamos en cuenta para la realización de los vestuarios y se puedan idear algunos que no se hayan visto en una obra de ballet.

• Obama elección 2012. Barack Obama se ha convertido en el primer político en utilizar la realidad aumentada en su intento de ganar el segundo mandato en el cargo, que consiste en sobre poner imágenes virtuales sobre la realidad que vemos a través de una pantalla. • Pared virtual. La pared virtual consiste en ofrecer diferentes sistemas de interacción que proporciona una detección muy precisa del usurario, de sus movimientos y la pantalla táctil. Con estos dos ejemplos lo que se muestra es que la realidad aumentada esta teniendo un gran auge, porque a los usuarios les esta gustando que como por tomar un foto de algo les pueda llegar información o bien que les promocionen más acerca de la foto que ellos tomaron. Relevancia con el proyecto En el área de marketing se va proponer que los promocionales que se encuentren en toda la ciudad puedan generar una realidad aumentada y se adentren más a lo que es el Ballet de Monterrey y lo que les puede ofrecer.

(2012, 07). In New York City, sidewalk listening stations offer album preview. Spring Wise. Recuperado 12, 2012, de http://www. springwise.com/entertainment/in-york-city-sidewalk-listening-stations-offer-album-preview

108 - Pinocho.

Orange, M. (2012, 11). Platform fills empty cinema seats through customer discounts. Spring Wise. Recuperado 12, 2012, de http:// www.springwise.com/entertainment/platform-helps-cinemas-fill-seats-offering-consumers-discounts/.

Rivera, M. (2009, 07). Innovación en ropa: Vestidos para colorear. Mujer Activa. Recuperado 11, 2012, de http://www.webdelamoda. com/moda/innovacion-en-ropa-vestidos-para-colorear -


6.4

Mercadotecnia

fig. 94

fig. 95

fig. 96

La Casa Mágica

Tecnología en la Moda

Interactive public

Es un Video Mapping sobre la fachada del Ayuntamiento de Barcelona durante las Fiestas de la Mercè’11. Producido por Urano y Dirigido por Franc Aleu con guión de Jordi Teixidó y música de Arturo C.Urbina.

Frank Sobier en su desfile nos muestra una combinación fascinante de las nuevas tecnologías con la moda y es precisamente con proyectar sobre la ropa que el mismo diseño. Los cortes que el utiliza son declarados elegantes y sin fisuras y la silueta blanca es utilizado como lienzo en el cual se proyecten.

Está nueva forma de interactuar con el público lo que busca es que el espectador no solo observe sino que participe de una forma sencilla como aplaudiendo o seguir los pasos de lo que se esta promocionando al público.

Todas las cosas en 3D en la escena de los videojuegos fue modelada y animada con blender, también algunos fondos e incluso alguna pintura Dinámico para simular la humedad de la lluvia. Se puede ver 3d Lier s Pix guión en acción en la escena de los videojuegos Hay otro espectáculo donde se utilizó blender, en una actuación del Ballet Lago de los Cisnes, también con el mappeo de proyección sobre una fuente, donde al menos 3 escenas fueron hechas usando Blender. Relevancia en el proyecto El video mapping que hicieron es de todo un edificio que se puede transformar y generar un ambiente totalmente diferente al que es físico. El video mapping se va a utilizar en partes de la escenografía para que se vea la transformación de cada escena y la parte innovadora es adaptar este tipo de técnica en un evento de ballet.

Este proyecto tiene colaboración con el Intel en toda la parte tecnológica. El nombre que le pone a la colección se llama “Un puente entre el pasado, el presente y lo que el futuro podría ser ” Sorbier nos deslumbran con efectos visuales en la bata y telón de fondo. El modelo vestida de blanco representa princesa de la historia, como las imágenes parpadean mostrando su deseo de huir de un matrimonio que pronto se verán obligado. Esta mezcla de la tecnología con la moda y la fantasía con la pista, princesa elegante de Sorbier y el resultado de un feliz final y un publico realmente contento con lo presentado. Relevancia en el proyecto Este proyecto es muy relevante porque hace una gran combinación de la moda y la tecnología. Usar un vestido como lienzo y lo parte de las demás proyecciones. Usar este proyecto de referencia nos ayuda proponer elementos parecidos para enriquecer la propuesta y usarlos de inspiración.

Algunos ejemplos de estas tendencias se muestran a continuación: • CiclaLab, es una compañía que ofrece soluciones sustentables en cada evento ,donde por ejemplo , en un concierto la gente participa pedaleando en una bicicleta estacionaria, para generar luz en el espectáculo. Gracias al ejercicio que se hace la gente se llena de adrenalina y el ambiente es mas positivo. En enero del 2009 la compañía de Teléfonos T-mobile utilizo un flash mob que consiste en que una multitud de gente que aparentemente esta haciendo cosas normales en un área determinada, comienza a bailar o interactuar con personas. El resultado de estas dos campañas funcionó muy bien a la gente no se lo olvido estos dos eventos y la relación que genera con la marca es muy importante porque los hace partes de la marca y eso al publico le gusta llegan a lo que ellos buscan de la marca tener un identidad con ella. Relevancia con el proyecto La interactividad con el público es muy interesante y se puede hacer de una forma más tangible. En el Ballet de Monterrey se podrían hacer intervenciones interactivas con el público en puntos importantes de la ciudad para que así, éstos se sientan más identificados con la marca y sus obras.

(2011, 07). Galaxy Dress. Cutecircuit. Recuperado 11, 2012, de http://www.cutecircuit.com/media_galaxy-dress/ -

(2012, 05). Furniture Nights” TV Commercial for Tok&stok Store . Coloribus . Recuperado 10, 2012, de http://www.coloribus.com/adsarchive/tv-commercials/tokstok-store-furniture-nights-15311105/ -

(2007, 10). T-Mobile Heathrow Flashmob. The apofcrap. Recuperado 11, 2012, de http://www.theapofcrap.com/2010/10/t-mobileheathrow-flashmob.html. -

Pinocho. - 109


fig. 97

fig. 98

fig. 99

Artistic Marketing

Galaxy Dress

Vestidos para colorear

El artistic marketing consiste en la intervención artística para hacer publicidad del mismo espacio creando así una manera diferente e interactiva de promover sus productos.

El Galaxy Dress es un diseño de la empresa Cutecircuit por los diseñadores Francesca Rosella y Ryan Genz. El vestido esta hecho de seda, organza y crinolina que al encenderse consta de 24,000 luces LED de colores, los cuales estos se mueven hacia arriba o abajo y van cambiando de color. Este vestido se esta como pieza en la colección Fast Forward Inventing the Future, y se encuentra expuesta en el Museo de Ciencia e Industria de Chicago.

¿A qué mujer no le gusta traer prendas únicas e irrepetibles? Son muchísimas las que darían lo que fuera por tener el último diseño de algún diseñador. Es por esto, que dos diseñadores traen una innovación de prendas que nos dejará con la boca abierta. Se trata de ropa que nosotras mismas podemos pintar a nuestro antojo con los colores que nosotras queramos, para crear un modelo lleno de vida y único, como toda mujer siempre quisiera portarlo.

Relevancia con el proyecto

Berber Soepboer creó un vestido básico, estampado con muchos y variados diseños de algunos patrones en blanco y negro. De esta manera, todos estos pueden ser pintados y rellenados de color según la imaginación de la persona que lo adquiera. Los colores son perfectos y muy variados. Se puede utilizar solo un color, así como una amplia gama de tonalidades para crear un efecto diferente y darle un look impresionante al tu vestido.

• Tok&Stok. Utilizo el artistic mkt en la inauguración de su tienda Sao Paulo, Brasil, creando con el mobiliario de la tienda 4 escenarios comunes como sala, cocina, estancia y recámara ,invitando al usuario que visita la tienda a participar en una pequeña obra de teatro , interactuando en esos espacios, pretendiendo un día común en su vida cotidiana. Esta campaña resulto un gran éxito porque sabián que los consumidores que van a Toc & Stock les gusta el teatro y aparte que la gente de artes escénicas pudo usar un espacio donde hay nuevos mercados. El arte y la mercadotecnia hacen muy buena mancuerna porque también si se hace arte haces más importante a tu marca y a tus clientes les ofrece algo más que lo que te pueden ofrecer y Toc & Stock si logro mesclar arte con el marketing y los consumidores quedaron con una nuevo forma de ver a su marca.

La exposición de vestuarios puede ser una muy buena propuesta en la obra de Pinocho ya que se pretende diseñar de manera innovadora.

Relevancia con el proyecto Tomar como ejemplo este vestido en el proyecto es poder hacer prendas en las cuales las gente pueda dibujar y darles el toque que ellos quieran que tengan. Esto hace que el público se sienta idenntificado con ellos y se sienta parte de la obra.

Relevancia en el Proyecto Esta estrategia de marketing es importante porque es saber mezclar arte. Se podría aplicar en el Ballet de Monterrey para mezclarlo e involucrarlo directamente con la cultura regia y que así, los consumidores tengan otra perspectiva de la misma.

Kestecher, A. (2012, 07). Designer Franck Sorbier Projects An Haute Couture Fairy Tale. The creator proyects . Recuperado 12, 2012, de http://thecreatorsproject.com/blog/designer-franck-sorbierprojects-an-haute-couture-fairy-tale

110 - Pinocho.

(2011, 09). La Casa Magica . Recuperado 01, 2013, de http://surreal.asturnazari.es/content/la-casa-mágica-0 -

K. (2007, 11). Transformer Clothing. Canim Benim. Recuperado 12, 2012, de http://canimbenim.blog.com/2011/11/07/husseinchayalans-floating-dress-fall-winter-2011-12/ -


6.5

Diseño Gráfico

fig. 100

fig. 101

fig. 102

The event of a thread

DealFlicks

Kitsuné Amercia

Es una instalación interactiva por la artista Ann Hamilton en Nueva York,. Consiste en una enorme cortina colgada de varias cuerdas, esta con movimiento de los varios columpios, se empiezan a mover y a cobrar vida creando una visión mágica a través de un sistema de contrapeso. Demuestra que a pesar de todo, todos estamos conectados y cada quien haciendo su pequeña función hacemos que toda una obra enorme funcione.

Es una aplicación que remata los boletos de cine que no se vendieron, de esta manera se logra aprovechar toda la función llenando las salas. Esta propuesta esta dirigido a todo el publico no tiene alguna restricción. Está aplicación solo esta disponible en Estados Unidos, lo que buscan es impulsar el negocio cinematográfico.

Es una aplicación que te permite escuchar música mientras esperas el transporte público, va dirigido a usuarios que utilicen este medio de transporte, por el momento se esta aplicando en la ciudad de nueva York y se esta logrando de esta manera culturizar al usuario con respecto a la música que se ofrece.

Relevancia en el proyecto Esta instalación tiene un punto muy importante, y es que, todos estamos conectados y si no funciona algo toda sale mal. Esto hace concientización con el público que para que la función tenga éxito, ya que también depende de ellos. Se toma como ejemplo para una nueva forma de integrar al público con el espectáculo.

• Logra llenar las salas del cine. • Brinda una oportunidad económica de ir al cine. • Impulsa la economía de la rama cinematográfica. • Va dirigida a todo tipo de usuarios. Relevancia con el proyecto Esta propuesta ha tenido un gran impacto en los cines de Estados Unidos, es para que se promueva más el cine y que este al alcance de todos. Esta haciendo que la gente vea que el cine puede ser un actividad en la cual con poco dinero, pueden divertirse en familia. Para el ballet es buena idea que aplique esto, no es malbaratar el precio, si no que la gente se anime a ir y al momento de entrar vea que es un espectaculo de calidad. Asi, van a darse cuenta que van por poco y aún así lo vale.

• Permite culturizar al usuario. • Brinda una amplia gama de usuarios. • Permite promocionar eventos interesantes. • Es de bajo costo. Relevancia en el proyecto Se puede utilizar como una manera nueva de promocionar a las obras, en vez del poster con todos los datos, puedes tener una aplicacion que bajes a tu celular y se envía al micro sitio de la obra o bien aparezca como realidad aumentada.

(2007, 01). Transformer Clothing. Tech Novelgy. Recuperado 01, 2013, de http://www.technovelgy.com/ct/science-fiction-news. asp?newsnum=925 -

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112 - Pinocho.


“Hay un dicho en Hollywood, lo único que necesitas es una buena idea, y yo tenía una buena idea, era Julie Taymour” (Schumacher, producer)

7.1

El rey león, el musical de Broadway Hay un dicho en Hollywood que dice: “Lo único que necesitas es una buena idea, y yo tenía una buena idea” era Julie Taymour” (Schumacher, producer) La responsabilidad es lo fundamental de este show, de ser tu mismo, llegar lejos enfrentando tus responsabilidades emprendiendo un viaje a la oscuridad para encontrarse a sí mismo antes de regresar a casa a través del sentido de comunidad y ayuda que nos llegan a brindar seres queridos que encontramos en el camino. Todo empieza con Simba pisando una huella de Mufasa, de aquí parte todo, todo lo que el rey león es: El círculo de la vida (el ciclo sin fin). Gracias a esto, todo el show parte de un círculo, se representa en varios elementos a través de la obra: la máscara de Mufasa, el sol de la Sabana, escenario circular giratorio, proyección circular en el escenario representando agua, las gacelas entrando en ruedas. “El punto de la obra era que la audiencia llenara los espacios en blanco, les das un poco y ellos ven más” (Taymor) Julie Taymor, no solo adapto esta obra al teatro si no creó un lenguaje teatral, donde todo lo que se busca es representar a los animales a través de nuestras humanas habilidades y características. Todo lo que se ve, siente y escucha viene de influencia africana, todo el show esta inspirado con esta riqueza cultural, visual y auditiva de este gran continente. Esta obra tiene todas las intenciones de ser humana y real, pues en su mayoría los miembros del elenco son africanos y

cada uno de ellos cantan en 5 idiomas africanos, sus miembros no dan solo su mejor interpretación profesional si no se entregan a sí mismos en corazón y alma gracias a sus raíces, lo cual era totalmente la intensión de este majestuoso show. Hasta el 8 de abril de este año, “El Rey León”, que se estrenó en noviembre de 1997, había recaudado un total de 724 mil dólares mas que el clásico “El Fantasma de la Ópera” posicionándola como la obra más taquillera en aquel entonces. Es así como el musical de Disney superó aquel clásico después de 753 semanas de funciones, 511 semanas menos que “El Fantasma de la Ópera”. Casi quince años después de su estreno, es además la séptima obra que ha permanecido más tiempo en cartelera en la meca del teatro de Nueva York. Para muchos, llevar El Rey León al teatro parecía imposible. Una historia ejecutada por leones parecía funcionar en el cine, ¿pero en el teatro? Fue Disney quién creyó en la fuerza de la historia y recurrió a la directora Julie Taymor. El rey león fue la primera película de Disney basada en una idea original, a diferencia de las anteriores que fueron adaptaciones de otros trabajos. Los productores de la cinta han mencionado que se tomaron de inspiración ciertos elementos del Antiguo Testamento, como las historias de Moisés y José, y en la pieza teatral Hamlet de William Shakespeare. Esta historia fue después desarrollada en el musical de Broadway en 1997, el musical muestra a los actores en trajes de animales así como gigantes marionetas huecas convirtiéndola en la única experiencia teatral que ha logrado superar la marca de los 50 millones de espectadores, convirtiéndose en el 4º espectáculo de la historia del teatro en lograrlo y el 1º en la historia del teatro estadounidense. El Rey León es considerado un músical excepcional ya que es una unión de reconocidos talentos musicales y teatrales a nivel mundial y de la fusión de las mas sofisticadas disciplinas de las artes africanas, occidentales y asiáticas. Es un espectáculo unido cargado de valores familiares. Hace que el espectador recapacite sobre la importancia de cada una de nuestras

acciones y el efecto que causan en nuestro entorno, así como también un tributo al respeto y al amor por la naturaleza. Reseñas: La primera directora, Julie Taymor, se convirtió en 1998 en la primera mujer en ganar un premio Tony a la mejor dirección por “El Rey León”, que aquel año se llevó un total de seis medallones, y en 1999 fue distinguido con un Grammy al mejor álbum musical. Desde entonces este musical, que lleva a los espectadores al corazón de la sabana africana para vivir las aventuras del león Simba, ha sido traducido a siete idiomas y visto por casi 60 millones de personas en 19 ciudades de 14 países en todo el mundo, Críticas: La prensa, presente siempre fiel en cada una de las puestas en escena de la obra, al día de hoy sigue catalogándola como una de las mejores producciones en todo el mundo. • “Una celebración muy sentida de la vida” - The Daily Telegraph

• “Es como estar en un sueño despierto.” - The New Yorker

• “Asombrosas! Un magnífico, jadeo induce espectáculo “ - Time.

• “Simplemente no hay nada que se le parezca!”

- The New York Times

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fig. 103 Estrategia Multidisciplinaria Vestuario: Julie Taymor, directora, directora de vestuario, co diseñadora de las marionetas y máscaras. Se mudó a África a estudiar los elementos del diseño y la ropa tribal como parte del diseño creativo. Ella diseño los personajes en cuanto a sus personalidades, los personajes son animales con características humanas, por eso se puede ver el rostro del artista y arriba la máscara. Las máscaras son motorizadas, se pueden mover hacia adelante y hacia atrás, así el artista demuestra la personalidad del animal. La idea fundamental de los vestuarios es representar la tierra, el planeta y la savana a través de materiales naturales o materiales que den la apariencia de ser naturales. Los elementos más importantes para poder desarrollar el diseño del vestuario fueron los estampados patronales, los bordados de cuentas y tejidos que den apariencia natural como las plantas. Parte del éxito de todo este desarrollo creativo es que todo el vestuario tiene una calidad cohesiva, es decir, todo tiene un sentido y esta conectado, todo parece como si perteneciera del mismo grupo. Todo es realizado con extremo detalle, hay tantas cosas detrás de cada vestuario y objeto, no solo eso, los vestuarios se convierten en escenografía, se convierten en elementos arquitectónicos, todo se conecta, todo es parte de todo, eso es la magia. Los vestuarios son usados ocho veces a la semana por 52 semanas del año, tienen que tener un alto mantenimiento, por eso, son lavados a mano pero con extrema delicadeza. Cada vestuario se hace a mano a la medida de cada actor, para que el animal se adapte a la persona y encaje, esto es muy importante, porque toda la obra se hace de esta manera, todo se customisa al actor. El calzado que se usa son zapatillas tipo jazz de cuero, cada actor tiene su propia pintura para pintarlas a exactamente su mismo tono de piel, así de importante es la customización al actor.

The Lion King (). Reviews. [ONLINE] Available at: http://www. lionking.com/reviews. [Last Accessed 20 Octubre 2012]. Denise Neil (2012). Costume changes part of ‘Lion King’s’ magic. Available at: http://www.kansas.com/2012/09/29/2508945/costume-changes-part-of-lion-kings.html. [Last Accessed 23 Octubre 2012].

114 - Pinocho.

(2009). Julie Taymor’s ‘Lion King’ costumes join Smithsonian collection. Available at: http://latimesblogs.latimes.com/culturemonster/2009/09/julie-taymors-lion-king-costumes-join-smithsonian-collection.html. [Last Accessed 23 Octubre 2012]. (2012). The Lion King’s Tshidi Manye Shares Rafiki’s Otherworld-

La escencia del vestuario son los estampados patronales, colores que cambian gradualmente y el acabado mate para dar ese look de “bañado por el sol” de la savana africana. Los materiales son, hojas y plantas artificiales, cuerdas, aros tipo hulas, piedras, cuentas, cuentas tipo dientes o huesos de animales, abalorios, fajas, armaduras y tela. No se usa ningún tipo de material que brille como las lentejuelas o la escarcha. Los estampados son únicos, se mandaron a hacer especialmente para la obra porque prácticamente son la escencia de este estilo tribal, el resto de vestuario que no es textil también tiene estampados, como por ejemplo, las máscaras y las marionetas. No hay nada en esta obra que sea de un color liso y parejo, todo tiene detalles de estos estampados tribales, que por general, son rayas, puntos o figuras geométricas en diferentes sentidos creando un patrón. Los acabados que se usan, son nudos, entre-tejidos de hojas artificiales, bordados, trenzados. El 99% de las telas son originalmente blancas, se tiñen, se estampan con diversos métodos: sublimado (a mano y digital), serigrafía, impresión digital Todo este proceso creativo se puede utilizar como ejemplo para nuestro proyecto multidisciplinario, como crearon indumentaria desde cero sin basarse en ninguna película o imagen, simplemente se fueron directo a las regiones donde este por similar la Sabana y fueron tomando puntos de inspiración de varios lugares y al final se realizó la mezcla tribal. Escenografía: El espectáculo de Broadway del Rey León, a sido todo un éxito ya que tiene 14 años de estrenos, a sido visto por cerca de 55 millones de personas, mas de 300,000 entradas y a ganado 70 premios teatrales, todo esto es gracias a la gran calidad de vestuarios, escenario, publicidad, etc.

ly Abilities and the Connection to Her Culture. Available at: http://www.broadway.com/shows/the-lion-king/buzz/?page=2. [Last Accessed 15 Noviembre 2012]. Andrew Gans (2012). The Lion King Celebrates 15 Years on Broadway Nov. 13. Available at: http://www.playbill.com/news/


fig. 104 El escenario es un punto muy importante porque está directo al espectador, este en especial es muy simple y sencillo con proyecciones por ejemplo si es amanecer, atardecer, si es selva o desierto, tiene elementos principales muy importantes y esenciales como por ejemplo, rocas gigantes, restos humanos grandes, es de manera muy literal y representa muy bien la situación que pasa cada personaje. El elemento clave de la escenografía es el círculo, el círculo de la vida. Este elemento esta presente en lo más representativo de la obra, el monumento de piedra donde se anuncia el nacimiento de Simba. Esta piedra es un escenario giratorio, en sí es una escalera ascendente giratoria. Decorada con un patrón representando a las marcas que dejan las uñas del león al rasgar la pared. Este patrón se repite a través de toda la obra. Branding: Dentro del punto de vista y análisis gráfico, la obra musical de Broadway “El Rey León” cumple con todas sus facetas de interés dentro del ámbito gráfico. Ya que es un deleite visual de pies a cabeza, empezando con la publicidad que nos presentan. Desde un inicio los colores, los gráficos, la dimensión que manejan en cada uno de los aspectos dentro de su publicidad, redes sociales etc. esta perfectamente manejada para cumplir su función, que es vender la obra antes de siquiera verla. Ya que promete mucho desde que podemos observar la calidad de su publicidad manejada. Dentro ya de la obra, la escenografía, los vestuarios, los detalles dentro de los mismos, el espacio para proyecciones, bailes, música, fue perfectamente calculado, desde ensayos hasta visitas a África, para aprender observando y poder concluir con los movimientos, los diseños, las luces los detalles. Analizando las redes sociales que maneja la obra musical El Rey León, podemos llegar a la conclusión que dentro de la página Web que se diseño para hablar sobre el contenido de la obra, mostrar imágenes, reseñas, etc. Cumple con todo el contenido, está completa, llamativa y es funcional.

article/172072-The-Lion-King-Celebrates-15-Years-on-BroadwayNov-13. [Last Accessed 15 Noviembre 2012]. Tanya Mohn (). NYC pop-up exhibit celebrates Broadway’s ‘The Lion King’. Available at: http://www.nbcnews.com/travel/itineraries/nyc-pop-exhibit-celebrates-broadways-lion-king-1C7360706.

Multimedia: Esta obra cuenta con pocos elementos multimedia, el elemento mas usado son las luces las cuales le dan vida al espectáculo. Las proyecciones que se pueden apreciar son mínimas pero lo que haga que se vea mejor la escenografía. Lo que se puede aprovechar de este espectáculo es el manejo de los fondos lisos para que se luzcan los bailarines. En cuanto a la música, las canciones fueron hechas por Elton John y Tim Rice, y la música por Hans Zimmer, los coros africanos por Lebo M y Mark Mancina. Estos grandes artistas hacen una combinación de música europea-pop de Elton John con la música sudafricana tradicional de Lebo M, lo cual es el resultado de un original, fresco, gran y muy diferente soundtrack. Aparte del inglés, cantan en 5 lenguas africanas en el show, y todas estas incluyen interpretes africanos, ellos no solo representan África en su idioma, si no realmente se disponen a si mismos en corazón y alma. Utilería: Esta obra es única porque la intención es mostrarlo todo, como todo funciona con naturalidad. Por ejemplo, podemos ver las cuerdas o articulaciones de las marionetas, se puede ver como el actor las interpreta y se convierte en animal al obrarlas. El actor en sí se vuelve una pieza de engranaje, se vuelve parte del animal, eso hace la magia en esta obra. “Los personajes animados de Disney tienen mucha expresividad, son animales, pero son animales muy humanos”, continúa Taymor. El escenario esta constituido por partes mecánicas que son los que le dan un aire de grandeza y asombro a los espectadores , tal es el caso de la escalera que sale del escenario en espiral al momento de que se alza al rey león ante los súbitos . Muchos elementos se ven resaltados por la iluminación , el sol se alza como un abanico chino desde el suelo.

[Last Accessed 19 Noviembre 2012]. e.g. Microsoft Corporation (). Behind the Scenes: Backstage at The Lion King with Kissy Simmons. Available at: http://www.broadway.com/videos/132851/behind-the-scenes-backstage-at-the-lionking-with-kissy-simmons/. [Last Accessed ].

Hay utilería que tienes los bailarines al momento de presentarse que incluye partes mecánicas y flexibles. Las texturas están todas detalladas , inspiradas en la Sabana africana , los colores , las plantas , animales . Algunos elementos son desplazables para que en un cambio de escena o simultanea a ella el escenario quede armado. “Tuve que conservar algunas características de los personajes de Disney, debido a que son muy reconocible. Pero también, me inspiraron mucho las máscaras africanas, que son mucho más abstractas, estilizadas, más esenciales y menos suaves y redondeadas. Porque hacemos teatro tridimensional, no quería que los rostros se vieran planos, quería que tuvieran profundidad, como la tiene la madera. Así que utilicé la textura y materiales orgánicos como fibras, madera; cosas que harían que se viera menos como ‘dibujos animados. Como contraste al continuo cambio de expresión facial de la película de animación, una máscara proyecta una sola actitud fija. El escultor tiene solo una oportunidad para incorporar la ira, el humor y la pasión de un personaje para contar toda la historia. Pensé, ¿qué tal si creo unas máscaras gigantes que realmente sean Scar y Mufasa, pero que el rostro humano se revelara debajo, para así no perder la expresión facial humana y no esconder al actor? Hablé con Richard Hudson, el escenógrafo, y él dijo; de lo que trata el teatro es de que el público pueda llenar los espacios en blanco. Tú les das un poco y ellos ven más. No necesito todos esos pelajes, no necesito literalmente las zarpas, solo la máscara y la historia, y dejar que el actor sugiera el movimiento de los hombros yendo hacia delante, eso transmite la fuerza, no es necesario poner toda la fuerza en hacer esto.” (Taymor)

e.g. Microsoft Corporation (2011). Puppet Masters Give BehindThe-Scenes Look At ‘The Lion King’. Available at: http://baltimore.cbslocal.com/2011/12/21/puppet-masters-give-behind-thescene-look-at-the-lion-king/. [Last Accessed 19 Noviembre 2012]. -

Pinocho. - 115


7.2

El fantasma de la Ópera El Fantasma de la Ópera es considerado en el mundo del entretenimiento el espectáculo más exitoso de la historia. Hubo muchísimas grandes propuestas desde que debutó en 1986 pero ninguna pudo conseguir el fenómeno popular de esta obra maestra de Andrew Lloyd Webber. Desde hace años tiene el récord de taquilla en Broadway con 845 millones de dólares y se estima que alrededor del mundo ha generado mas de 5. 1 billones de dólares. A esto se suma que fue visto por 130 millones de personas en 147 ciudades y 27 países. El pasado mes de febrero se cumplieron en Estados Unidos las 10 mil funciones, lo que convirtió a este espectáculo en la obra con mayor vigencia en la historia de Broadway. Ninguna otra producción pudo aguantar tanto en cartelera. Lleva el récord de ser la obra creativa que ha ganado más dinero. El musical fue producido por Cameron Mackintosh y la compañía de producción de Webber, Really Useful Group. Se estrenó en Her Majesty’s Theatre en Londres el 9 de octubre de 1986, donde aún se muestra. Se llevó a Broadway en 1987 y estrenó allá en el Teatro Majestic el 26 de enero de 1988, donde es la obra más vista de la historia de Broadway. Las estrellas originales de Londres, Michael Crawford como el Fantasma, Sarah Brightman como Christine y Steve Barton como Raoul, recrearon sus papeles para Broadway. El fantasma de la ópera fue una parte importante de la influencia británica sobre el musical de los años 1980, igual a otras producciones de Cameron Mackintosh, tal como Cats, Miss Saigón y Les Miserables.

Pepper (1999). biografia de Gaston Leroux. Available at: http:// www.pepper.com.mx/elfantasmadelaopera/biografia.html . [Last Accessed 6 de noviembre 2012]. -

116 - Pinocho.

fig. 105 Historia de la obra: El Fantasma de la Ópera es originalmente una novela de Gastón Leroux, inspirada en la también novela Trilby de George du Maurier. Se editó en entregas semanales, publicándose la primera el 19 de noviembre de 1909 y ha sido adaptada numerosas veces para películas y actuaciones en teatros. El Fantasma de la Ópera es una novela gótica que combina romance, terror, misterio y tragedia. La historia trata de un hombre misterioso que aterroriza la Ópera de París para atraer la atención de una joven vocalista a la que ama. La novela fue publicada en 1909, está ambientada en París del siglo XIX, concretamente en la Ópera Garnier, un edificio lujoso y monumental construido sobre un lago subterráneo entre 1857 y 1874. Los empleados afirman que la ópera está encantada por un fantasma misterioso que provoca muchos accidentes. El Fantasma de la Ópera chantajea a los dos gerentes de la ópera para que le paguen 20.000 francos al mes y le reserven una cabina privada para los conciertos, ya que él compone todas las óperas que se presentan ahí o hace arreglos musicales. Mientras, la joven diva Christine Daaé que cree estar guiada por un Ángel de Música supuestamente enviado por su padre, llega a un éxito repentino en el escenario en cuanto reemplaza a la hasta entonces “Prima Donna” Carlotta, que tuvo que ser sustituida dos veces porque cayó en una extraña enfermedad. En esta versión de la historia, Carlotta es reemplazada debido a que Érik, el fantasma, deja caer un telón de gran tamaño sobre Carlotta y hace que abandone la presentación de esa noche. Christine gana los corazones del público, incluyendo el de su amor de infancia, el Vizcocnde Raoul de Chagny. El fantasma se siente celoso de la relación de Christine con Raoul y la invita a visitarle en su mundo debajo del edificio. Ella acepta, y abajo en las catacumbas descubre que su ángel

Musical Online (2004). El fantasma de la opera, la pelicula Available at: http://www.musicalsonline.com/phantom/pelicula. htm . [Last Accessed 6 de noviembre del 2012]. -

es en realidad un genio musical deforme que lleva una máscara para ocultar su cara aberrante. Ella grita de terror al contemplar su rostro verdadero, y el fantasma la encierra en su hogar, aceptando liberarla sólo cuando prometa que volverá a visitarlo por su propia voluntad. Chistine está dividida entre el amor del joven y encantador vizconde Raoul, y su fascinación con la misteriosamente hermosa música del fantasma. Autor original: Gastón Leroux, el versátil autor francés que creó El Fantasma de la Ópera, era un hombre que sentía una gran pasión por el teatro y justo después de años de escribir reseñas para diarios y de varias obras fallidas, dejó su huella en la literatura con una novela sobre un episodio extraordinario de la historia del teatro de ópera más importante de Francia. Gastón Leroux, quien nació en París en 1868, es tan interesante como su historia. Su trabajo como reportero de investigación le permitió investigar presuntos procedimientos ilegales en la policía y la administración pública y sus implacables reportajes no sólo expusieron a varios funcionarios corruptos, sino también su nombre como periodista. En 1911, publicó El Fantasma de la Ópera, en cuya introducción explica a los lectores la manera en que realizó sus indagaciones sobre los extraños acontecimientos que ocurrieron en el famoso Teatro de la Ópera en el año de 1880. La lectura de esta novela que por intrigas hizo un investigador de Universal Pictures, dio inicio a la cadena de acontecimientos que llevaron la historia “El Fantasma de la Ópera” a la pantalla por primera vez en el año de 1925. La novela confirma que hay más que decir de lo que se ha dicho en las películas, pues tiene profundos fundamentos psicológicos y es bastante más detallada. El mismo Gastón creía y afirmaba firmemente que el fantasma era real y que existió de verdad.

Pepper (1999). El fantasma de la opera, vestuario. Available at: http://www.pepper.com.mx/elfantasmadelaopera/bambalinas.html . [Last Accessed 6 de noviembre del 2012]. -


fig. 106 El creador: Andrew Lloyd Webber, compositor británico nacido en South Kensington, Londres, el 22 de marzo de 1948, es uno de los compositores teatrales más renombrados y reconocidos con obras que se han mantenido con gran éxito tanto en Broadway como en el West End Londinense. Ha producido 16 musicales, dos bandas sonoras y una misa de Réquiem en latín. Su compañía, “Really Useful Group”, es una de las más importantes de Londres. Algunas de las canciones de sus obras del teatro, como Don’t Cry For Me, Argentina, de Evita han tenido éxito en Europa y América fuera de las representaciones teatrales y han sido cantadas por muchos artistas. Lloyd Webber tuvo una serie de éxitos consecutivos durante los años 70 y 80 colaborando con el letrista Tim Rice. Juntos produjeron “Jesucristo Superstar” y “Evita”. Ambas fueron editadas primero en álbumes antes de llevarlas al escenario. Tras el estreno de Evita, la colaboración entre ambos se rompió. Algunos de los premios y triunfos conseguidos por Andrew Lloyd Webber incluyen: -1 Oscar - (Mejor Canción Original) -1 Globo de Oro - (Mejor Canción Original) -7 Premios Tony -7 premios Laurence Olivier -3 premios Grammy -14 premios Ivor Novello -El premio Triple Play de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores -Salón Americana de Compositores de la Fama -Praemium Imperiale premio a la música 1995 -Richard Rodgers premio a la Excelencia en Teatro Musical 1996 -London Critics ‘Circle Award al Mejor Musical 2000 -2 International Emmy Awards

Hugo Zapata (2012). Critica de Hugo Zapata, EL fantasma de la opera. Available at: http://www.cinesargentinos.com.ar/pelicula/4400-el-fantasma-de-la-opera/ . [Last Accessed 6 de noviembre del 2012].

Posterioremente, Andrew fue nombrado caballero en 1992 por sus servicios al teatro en todo el mundo. A principios de 1998, Andrew fue honrado con el prermio de Variety Of The Year Award. “Cats”, junto con “Starlight Express” y “Jesucristo Superstar”, Andrew dio los tres musicales de más larga duración en la historia del teatro británico. Andrew es también la primera persona en tener un trío de los musicales que se ejecutan en Londres y Nueva York. ¿Cómo surge la obra? La idea de hacer un musical sobre “El Fantasma de la Ópera” surgió de los genios Cameron Mackintosh y Andrew Lloyd Webber que, además de ser colaboradores, eran amigos. Para llevar a cabo el proyecto, se empaparon bien de los argumentos de las películas que había, sobre el tema de sus personajes, entre muchas otras cosas. Pero no quedaron especialmente satisfechos, por lo que decidieron recurrir directamente al libro original escrito por Gaston Leroux. A partir de una serie de conversaciones entre autor y productor, “El Fantasma de la Ópera” empezó a rodar viajes a París para pisar los escenarios de la historia. Comenzaron la búsqueda de un letrista a quien finalmente recayó en Charles Hart. En cuanto a los efectos especiales, muchos dirán que, incluso en el teatro, ya lo hemos visto todo. Pero los efectos que se desarrollan en “El Fantasma de la Ópera” no sólo supusieron un avance impresionante en 1986, año en el que se estrenó el musical, sino que hoy día siguen sorprendiendo a todo tipo de públicos.

mirando Christine; la caída de la gigantesca lámpara sobre el escenario; las velas saliendo del lago y encendiéndose en contacto con el aire o la asombrosa facilidad del Fantasma para estar prácticamente en dos sitios a la vez contribuyen a que el espectáculo sea de una vistosidad inigualable. Escenografía: La producción costó $ 75 millones, lo que la nueva versión de 95 minutos el espectáculo musical más caro de todos los tiempos. “El Fantasma de la Ópera” está ambientado en París en el año de 1870, una época de gran entusiasmo, opulencia y pasión. Se analizaron trabajos de pintores de la época como John Singer Sergeant, Caillebotte y Degas. Se hicieron innumerables viajes a la Ópera de París para concebir un inmenso plan de diseño romántico, que acentuaría el romance gótico de la historia. Además de representar la visión de Schumacher para la opera, el equipo se esforzó en subrayar el esplendor del teatro con una sensación de presentimiento introduciendo una carácter macabro en cada decorado. Los diseños de la Ópera representan una sugerencia de opulencia. Su equipo construyó un teatro de 886 asientos con dos plantas, adornado con sensuales figuras bañadas en oro enroscadas alrededor del escenario. Las cortinas y tapizados de terciopelo rojo sangre están enmarcadas por un glorioso arco del proscenio.

Ha quedado comprobado que esto no se debe únicamente a los conocimientos desarrollados por los diseñadores en algunos efectos, sino a que hay muchos que son tan sencillos que resultan sorprendentes. Por ejemplo, la aparición del Fantasma, mediante un cambio de luces en el espejo en el que se está

Uno de los detalles más espectaculares del diseño del auditorio, y una pieza del decorado crucial en la historia, es el candelabro que adorna el techo del teatro. Está compuesta de 6000 cuentas, de las cuales se bifurcan unos cordeles con 35 cuentas cada uno. Con una medidas de 17 pies de altura por 13,2 de

The phantom of the opera (2013). The brilliant original Phantom of the opera. Available at: http://www.thephantomoftheopera.com/ reviews/phantom-is-set-to-thrill-audiences . [Last Accessed 6 de noviembre del 2012].

lson Lee Flores (2012). Success strategies & a global view from the ‘Phantom of the Opera’ producer - See more at: http://www.philstar. com/business-life/2012-09-03/844699/success-strategies-global-view-phantom-opera-producer#sthash.30z9L9Dt.dpuf.

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fig. 107

ancho, la lámpara pesa 2,2 toneladas y está valorada en más de 1,3 millones de dólares. La pieza está adornada con más de 20.000 piezas de cristal de Swarovski. El escenario del deslumbrante baile de máscaras es el gran vestíbulo del teatro. El desafío era hacer el vestíbulo tan interesante como fuese posible. “Durante mi investigación para la película, descubrí que en el apogeo de la Ópera de París, 750 personas vivían y trabajaban allí”, dice Schumacher.“ La azotea de la Ópera es el escenario de una romántica aunque siniestra escena en la que Raoul se declara a Christine, ignorando que el Fantasma está acechando en las sombras. Schumache quería que el decorado de la azotea tuviese un sentimiento bello y romántico, pero al mismo tiempo un toque de escalofriante. Con este fin, adornó la azotea con grandes, imponentes estatuas, inspiradas en figuras similares a la época. En una escenificación que se hizo del viaje de Christine, el cual tiene lugar en una góndola guiada por el fantasma a través de una serie de compartimientos que revelan una fantástica gruta modelada como un muelle. Crearon un maravilloso efecto utilizando una serie de rampas para provocar la ilusión de descenso mientras la barca se desliza entre hielo seco y candelabros.

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La escalera conduce a un lago, donde la barca del fantasma está amarrada. Él implora a Christine que cante, y mientras su voz asciende, unas velas surgen mágicamente del agua, ya encendidas, saludando la llegada de Christine al santuario secreto del Fantasma. La ambientación de la guarida, simultáneamente bella, siniestra y sensual, contrasta con la exuberancia de la Ópera. El desafío era intentar convertirlo en un compendio extraño a las otras partes del teatro, de modo que la cereza del pastel fuera la guarida del fantasma. Hablando del teatro, se han utilizado 2.230 metros de tela para confeccionar los telones, 900 de los cuales han sido teñidos expresamente. Los flecos de los mismos van adornados con colgantes y miden 226 metros. Están compuestos de 250 kilos de lana recalcitrada entretejida con 5000 cuentas de madera importadas de la India. Cada fleco está hecho a mano y peinado con un peine para pelo afro. Hay 130 personas que componen la obra, entre el elenco de artistas, los tramoyistas y la orquesta, con una participación plena de todos ellos en cada actuación. En cada actuación hay 230 trajes, 14 ayudantes de camerino, 120 salidas a escena automatizadas, 22 cambios de escena, 281 velas, además de los 250 kilos de hielo seco y de las 10 máquinas de niebla y humo.

Multimedia: Estos son algunos de los posters y billboards utilizados desde la primera puesta en escena. Colocados principalmente en las avenidas y calles principales de las ciudades en las cuales esta romántica historia a logrado conquistar los corazones del público. Vestuario y maquillaje: En conjunto con el diseño de decorados y la escenografía, el vestuario en “El Fantasma de la Ópera” recrea el suntuoso mundo del París de 1870. Joel Schumacher acudió a Alexandra Byrne, una veterana diseñadora de vestuario para cine y teatro, nominada al Oscar por su trabajo en Elizabeth y Hamlet, para que diseñase el inmenso guardarropa de El Fantasma. El maquillaje del fantasma lleva unas 2 horas en poner, y unos 30 minutos para quitarlo. Este proceso jamás se ha mostrado a los medios de comunicación. Toda la ropa está elaborada en telas naturales como el lino, seda, terciopelo y muaré; además cuenta con un número considerable de brocados muy elaborados. En el vestuario femenino se encuentran prendas muy variadas. Las hechuras son muy precisas y resultan un tanto fantásticas. Hay vestidos que realzan el garbo del cuerpo y lo cubren decorosa y elegantemente.

Available at: http://www.philstar.com/business-life/2012-09-03/844699/success-strategies-global-view-phantom-opera-producer . [Last Accessed 6 de noviembre del 2012]. -

Destacan un gran numero de polizones y corsees en varillados, así como una glamorosa muestra de tocados y sombreros con velos y plumas exóticas. Las faldas, sobresalen por sus ornamentos y volantes, posen grandes vuelos con flecos dobles y un gran número de encajes y numerosos pliegues con caídas delicadas. El guardarropa masculino es igual de ostentoso y elegante. Sobresale la formalidad de casi todos los hombres, incluso en el Fantasma, quien casi siempre aparece con su traje hecho con brocados de auténtica seda inglesa. También tiene otra escena donde viste una bata china con bordados antiguos de principios de siglo. De igual forma, en la memorable escena de la máscara está compuesto con un sorprendente disfraz de “La muerte Roja”. Este es uno de los trajes más impresionantes y detallados, pesa 12 kilos y tiene bordados sobre bordados. Los trajes de los hombres están llenos de elegancia, sencillez y gracia. Sobresalen los pantalones tirados y ajustados con discretos pliegues. Los abrigos son largos con incrustaciones de pieles naturales, casi todos usan chistera y guantes. En los frac domina el color negro, las casacas forman una cubierta natural de la caja torácica del cuerpo y terminan hasta la media pierna con dos coletas anchas y prolongadas.

El chaleco es una pieza fundamental pues da realce en la parte frontal con sus aditamentos, realizados con brocados de seda inglesa. En los talleres de Londres, el equipo creó a mano 300 trajes para la ambiciosa producción y modificaron otros 2000 obtenidos a través de una extensa exploración de casas de vestuario por toda Europa. Aunque creó una representación del periodo, la diseñadora tenía que mantener una continuidad visual entre el extenso elenco de personajes, muchos de los cuales interpretan tres óperas, dos ballets y escenifican un baile de máscaras a lo largo de la historia. Byrne comprendió que esos no eran sólo disfraces para contemplar. También tenían que ser prácticos para las grandes piezas coreografiadas. Así que había muchas exigencias que cumplir. Quizás el personaje más difícil para el que diseñar era el Fantasma, para quien Byrne tenía que crear un vestuario que representase un sentimiento de misterio, carisma y peligro sobre un hombre que a menudo está oculto entre las sombras. El punto de partida era la silueta, ver como se mueve el traje, las formas que se crean y cómo esas formas resuenan. Diseñar el personaje de Christine, la cautivadora joven soprano, planteaba una serie completamente diferente de desafíos, ya que casi nunca vemos a Christine con sus propias ropas. Casi siempre viste las prendas que usa en escena.

Andrew Lloyd Webber (2012). The phantom of the opera North America Tour. Available at: http:// www.andrewlloydwebber.com/ . [Last Accessed 6 de noviembre 2012]. -

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fig. 108 Uno de los personajes con el que Byrne disfrutó más realizando fue el de “La Carlotta”, la diva reinante de la Opera. El impresionante modelo que representa la idea de Carlotta de un “vestido de diario” requirió la mayor cantidad de tela de todas las piezas hechas a mano. Es decir, 27 metros de seda púrpura oscuro. Además, la tela de la época no es fuerte como la seda. Como los trajes de los protagonistas, el vestuario para el elenco de la compañía teatral y sus propietarios son versiones estilizadas de ropas de la época. Además de vestir a los personajes de la historia, Byrne también creó vestidos para las representaciones que tienen lugar en la Ópera. La decidida diseñadora creó muchos de sus propios tejidos, estampando diseños sobre material existente, observando pragmáticamente que los tejidos son la parte más difícil de cualquier vestido. La maquilladora Jenny Shircore complementó los asombrosos diseños de Byrne con su plan de presuntuosos maquillajes. Las pelucas de ese periodo eran muy grandes, así que realmente no escatimaron en gastos con la peluca de Carlotta, que la hace parecer incluso más alta y dramática. El maquillaje teatral de la época es espeso, maquillaje agrietado de carnaval. La diseñadora complementó a los casi 200 extras con tiaras con motivos de estrellas y joyería que ella misma creó incorporando piezas de lámparas de luces del mundialmente renombrado fabricante de cristal Swarovski, que proporcionó más de 20.000 piezas para la construcción del gran candelabro de la ópera. Éxito comercial: Mundialmente la obra ha ganado mas de 5.6 mil millones de dólares siendo un éxito que mas de 130 millones de personas han visto. Con esos números, “El Fantasma de la Ópera” lleva el record de ser la obra que ha ganado más dinero que cualquier otra. Actualmente, ha ganado más dinero que la película más rentable, Avatar. La producción de Nueva York ha

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ganado 600 millones de dólares y es la obra de Broadway más exitosa hasta el momento. Naturalmente, la obra ha ganado también muchos premios en todo el mundo. En Londres ganó 3 premios Olivier de Mejor Musical y Mejor Actor en un Musical en 1986. Ganó siete Premios Tony en Nueva York, incluyendo los premios para el mejor actor, el mejor musical y el mejor director. Así mismo, también ha ganado mas de 50 premios mundial mente, siete Premios Drama Desk y tres Premios del Círculo de Críticos Extranjeros. Con más de 65.000 representaciones de “El Fantasma de la Ópera” se ha celebrado para el público en 18 países de todo el mundo. En Broadway se ha mostrado “El Fantasma de la Ópera” más de 10,000 veces, siendo la obra que mas ha estado en Broadway. La primera producción de Broadway de El Fantasma de la Ópera se estrenó en el Majestic Theatre de Nueva York en enero de 1988, y desde entonces se ha convertido en el segundo musical más longevo en la historia de Broadway, después de Cats, del propio Lloyd Webber, representándose para más de 10,3 millones de personas.

Críticas: Los siguientes ejemplos de reseñas y críticas de la prensa y el público, confirman el gran éxito que es y siempre será este gran clásico. *Asistimos al show la noche del martes y quedamos atónitos. La ovación fue bien merecida y un fiel reflejo de una noche mágica. El fantasma fue una de las mejores voces masculinas que he escuchado! Recomendamos encarecidamente esta producción. Bravo! - Mooshie, Washburn, WI.

*Ya era hora de ver el clásico musical de Weber después de 10 años o más. Me complace informar de que todavía está en excelentes manos. El reparto entre ellos el Sr. Panaro, Ford Sra. y el Sr. Barisich son excepcionales! Los decorados y el vestuario han sobresalido de la mejor manera. La puntuación es un clásico. Recomiendo a todos los amantes del teatro visitar este recinto musical tan increíble. - Dlazovitz, Somers Point, NJ.

En 1987, la grabación del reparto original de musical, fue editada con interpretaciones de Michael Crawford como el Fantasma y Sarah Brightman como Christine. Es el álbum de su género más vendido de todos los tiempos, con más de 40 millones de copias. Fue el primer álbum de un reparto en la historia musical británica en entrar al número uno de las listas, y desde entonces ha sido disco de oro y platino en el Reino Unido y en los Estados Unidos. La producción de Londres celebró su 25 aniversario en octubre de 2011 con una serie de tres presentaciones en el Royal Albert Hall de Londres. En otras palabras, el fantasma es implacable. Un verdadero clásico que dentro de 20 años va a seguir cautivando al público como lo viene haciendo en las últimas décadas.

*Este es un musical legendario! El elenco, el equipo y la música es una combinación increíble. Canciones como “Wishing you were somehow here again” and “All I ask of you” cuentan una historia poderosa y sorprendente. No creo que mucha gente aprecie la increíble obra maestra de Andrew Lloyd Weber. - Julia, WI.

*Nuevamente, el guiñado de ojo y el levantamiento de ceja en comedias satíricas musicales como “Spamalot” y “The Producers” son parte de lo que hace el orgullo melodramático y


no ironico “Fantasma” un buen cambio de ritmo. El musical puede parecer como si se tratara de una época diferente, pero eso no es necesariamente algo malo. - The New York Times.

* ... Hileras de ropa... un espectáculo visual extraordinario ...El fantasma recibe trajes que están para morirse. Cada prenda está ricamente detallado con brocados y capas suntuosas ... tan grandes y pomposos ... cada vestido es espectacular ... porque este no es cualquier show. Es el fantasma y tiene que ser perfecto. - Helen Bamford, Lifeetc, Weekend Argus.

7.3

Wicked

Wicked es un musical de broadway el cual esta basado de la novela wicked: the life and times of the wicked witch of the west, escrita por Gregory Maguire,es una historia paralela a la del Mago del Oz contada desde la perspectiva y de la vida de la bruja malvada del oeste. La historia comienza con el nacimiento de Elphaba, hija de Melena, una joven de la nobleza de Munchkinland y de Frex,un predicador . Nada más nacer parece que la vida de Elphaba está destinada a ser distinta: su piel es verde y no puede soportar el contacto con el agua y tiene dientes capaz de cortar el dedo de una persona. El libro nos lleva por la infancia de la niña verde y su juventud, en la que se convierte en una estudiante en la Universidad de Shiz. Es así como empiezan las aventuras de una mujer noble, con buenas intenciones pero las circunstancias de la vida la van convirtiendo en la bruja emblemática de Oz. Esta novela tiene los elementos perfectos para hacer un espectáculo entretenido, dos amigas que representan a dos polos opuestos y luchan por un mismo objetivo que es el amor. La moraleja es muy diferente ya que nos ejemplifican como a veces las malas circunstancias modifican las buenas intensiones de las personas. Cuando se inauguró en Londres en 2006, el musical Wicked recibió muy malas criticas posicionándola como una obra frívola. Sin embargo, cinco años después se está llenando uno de los teatros más grandes de Londres y ha tomado más de £ 145 millones en la taquilla del Reino Unido. Ha sobrevivido a todos los otros musicales que abrieron el mismo año, y en algún momento en los próximos meses su visitante número cuatro millones entrarán en el vestíbulo de color verdoso del teatro Apolo.

Hay más de 600.000 miembros de la página de la producción de Broadway de Facebook, los fans regularmente hablan sobre el show en foros y Twitter, existen sitios dedicados a los miembros del reparto y el comercio ilícito de clips de vídeo grabados. Es una noche entre semana llena en el teatro, es sorprendente cómo muchos miembros de la audiencia son mujeres jóvenes. Adolescentes aficionados a Wicked acampan afuera del teatro para las entradas y hasta vestidos de brujas. Críticas: “Sólo puedo suponer que para los estadounidenses que juega con todos sus recuerdos nostálgicos de El Mago de Oz - es claramente un rito de pasaje de la misma manera que el alquiler era para sus predecesores”, describió el critico del La Guardián “Pero eso todavía no explica su misteriosa popularidad en Gran Bretaña.” Esta es la primera vez que Gabriela Mendelsohn de 19, lo ha visto, pero fue por una recomendación de un amigo que había estado antes. “Me encanta la historia sobre la amistad”, dice ella. “Los efectos y los trajes son increíbles.” Linda Fuentes, el día de fiesta de San Antonio, Texas, ha visto la producción en tres ocasiones en los EE.UU.. “Es gracioso, me encantan las canciones, la emoción de ella.” Después del espectáculo Mariana Gualano, de 28 años, de Brasil, espera en la puerta del escenario para conseguir su foto firmada. Ella también ha visto Wicked tres veces y se ha “perdido la cuenta de las veces que veo en YouTube -.. Personas la juzgan mal, me gusta que es una historia sobre la amistad.. “ El aumento espectacular de Wicked no hubiera sido posible sin el aumento paralelo de las redes sociales. “Esta extraordinaria comunidad ha crecido en torno a la exposición y han sido los impulsores de su éxito”, dijo McCabe. “Estos aficionados apasionados por difundir la palabra positiva de boca en

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fig. 109 boca en cuestión de segundos, a diferencia de las semanas y meses que normalmente se necesitan para viajar”. Fonsaca Malyan-Brooker, de 25 años, un maestro de Reading, ha sido testigo de la producción 30 veces - 11 de ellos a partir de julio - y tiene su boleto para el show aniversario del martes. A ella le encanta la historia y las canciones, pero la comunidad Wicked aumenta su disfrute. “He hecho amigos en Twitter para ir a ver con ellos. Cuando estás allí, ves la misma gente y ha sido genial para conocer gente”. Cuando se forma en la fila a las 5 am para conseguir un preciado asiento de primera fila, ella dice: “Es bueno saber que hay otras personas en la línea de que están tan entusiasmados con el espectáculo “. Estrategia Multidisciplinaria Escenografía: La obra musical Wicked de Broadway presenta una de las mejores escenografías producidas en Broadway. Por su parte, en el diseño, Eugene Lee, se inspiró mayormente en la novela. Después de haber sido invitado por Joe Mantello a presentar algunas ideas para el proyecto, Lee se centró en una parte particular de la novela que trata de algo que se llama The Clock of the Dragon Time. Usando eso como inspiración Lee, con la ayuda de el estudiante universitario Patrick Lynch , fue a trabajar un fin de semana en su estudio de Rhode Island, la construcción de un modelo a escala de media pulgada de un conjunto de madera, Lee a continuación, trajo este modelo masivo a Nueva York y lo puso en el vestíbulo superior del Teatro Minetta Lane como prototipo y así poder hacerle correcciones.

Best show tickets (2010). Putting on a show. Available at: http:// www.bestshowticketslasvegas.com/theaterbusiness.asp . [Last Accessed 14 de noviembre del 2012].

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“Hemos optado por crear un” entorno “inspirado en el funcionamiento interno de un reloj. Las formas, texturas, colores y aspectos funcionales de los engranajes del reloj y mecanismos contribuido a una estructura permanente del medio ambiente, que define el espacio escénico. “ dice el diseñador Edward Pierce.

El enfoque de la diseñadora era ayudar a contar la historia de las dos mujeres, y proporcionar un sentido al mundo de Oz. Se fijo en como la moda fue cambiando alrededor del siglo en busca de mas inspiración. Ella describe el vestuario como dos versiones de una misma cosa pero de manera fashionista y exagerada.

La cubierta de la escenografía está construida de tablones de arce naturales teñidas de un tono oscuro y cálido. “Estábamos interesados en materiales naturales y realistas, no en los más nuevos de potencia industrial polímeros”, dice Pierce. “La madera ha demostrado ser el material perfecto y continúa mejorando con la edad y la angustia. La cubierta está equipada con siete pistas automatizadas, todas llenas de acero. Para estar en consonancia con nuestra concepción de los mecanismos del reloj, muchas de las unidades de cubierta automatizados están diseñados para revelar los mecanismos que las gestionan. “Detalles como las vigas de acero, enchapado de roble y remaches, también fueron construidos con materiales naturales.”

Los colores de la escuela Shiz también representado por Hilferty el viaje emocional de Glinda y Elphaba. “Lo que yo estaba tratando de llegar a la final fue un icono para cada una de ellas, donde se convierten específicamente : Glinda y Elphaba de bondad para el mal. Mediante el uso de azul y blanco como los colores de la escuela, yo era capaz de tener Elphaba todo en azul, y Glinda toda de blanco. El objetivo era hacer que las dos mujeres es lo más sobresaliente en todos los mundos que entraron. “Hilferty puntualiso que Elphaba nunca está en negro, ya que sería demasiado contraste. “Negro se hundiría en un agujero para todo el segundo acto.”

Vestuario: Susan Hilferty de vestuario se inspiró mas a los libros originales de L. Frank Baum Oz, en particular los que ofrecen ilustraciones de WW Denslow. “Mi objetivo era crear un tercer mundo, un mundo que considera un universo paralelo”, explica. “Es un mundo en el que los animales pueden hablar, así que sé que no es nuestro mundo. Es un mundo que se ocupa de un tipo de inventiva, cosas que podríamos llamar magia. Los límites del mundo son diferentes a cualquier cosa que sabemos o conocemos, pero al mismo tiempo, los problemas de la gente de este mundo de Oz son en muchos casos el mismo tipo de problemas que resolver. Así que sabía que tenía que ser algo que era de la imaginación, pero de alguna manera tenía que enhebrar de nuevo a las cosas que sabíamos “.

Lecturalia (2007). Wicked memorias de una bruja mala. Available at: http://www.lecturalia.com/libro/12110/wicked-memorias-de-una-bruja-mala . [Last Accessed 14 de noviembre del 2012].

Hilferty se reserva su mayor elogio para el diseñador de iluminación Ken Posner. “Le di el reto más grande que puede dar un diseñador de iluminación: dos actrices principales, junto al escenario durante la mayor parte del espectáculo, y de pie uno al lado del otro durante la mayor parte del espectáculo; una muchacha morena con el pelo negro, la piel, la ropa verde oscuro , y un sombrero de ala en él, de pie junto a una rubia en ropa blanca brillante, piel blanca, sin sombrero. Eso es duro. Ese es el clásico. Kenny fue brillante sobre él y lo hizo equilibrado, así que nunca supe que era un problema.” Utilería: La obra esta llena de estructuras elaboradas , en donde los actores están en algunas escenas . Hay estructuras colgantes que se mueven através del escenario.

Wicked the musical (2007). wicked a new musical. Available at: http://www.wickedthemusical.com/ . [Last Accessed 14 de noviembre del 2012].


fig. 110 Hay detalles que se ve resultados con la iluminación , los elementos mecánicos no hacen falta ya que son parte importante de la trama, hay elementos rodantes que entran y salen de escena durante la obra.

conversación con el diseñador de iluminación Kenneth Posner y proyección diseñador Elaine J. McCarthy, uno se encuentra con frecuencia corregida lo que parece ser un efecto de iluminación es realmente una proyección, y viceversa.

Apropiadamente para un espectáculo como Wicked, hay una serie de efectos especiales. Entrada inicial de Glinda se encuentra en una máquina de burbujas volando en forma de burbujas reales llenan el escenario, la máquina fue construida por las tecnologías escénicas, los generadores de burbujas por Chic Silber. Una silla de ruedas magia, montado por minusválidos Nessarose hermana de Elphaba, fue por las tecnologías escénicas, que también ideó la levitación de Elphaba en el clímax del primer acto. Ilusiones ZFX fueron los responsables de los monos voladores. Y el dragón, que se mueve como una marioneta, fue hecha por modelista / titiritero Bob Flanagan, quien también creó el gigante de cabeza mecánica, movimiento del asistente. Nick Francone se desempeñó como asistente de diseñador de set.

“Realmente se esforzó por combinar las luces y proyecciones juntas”, dice Posner, “no se puede saber dónde empieza uno y termina uno”. McCarthy, quien utilizó el catalizador sistemas de gama alta servidor de medios digitales, añade, “Catalyst es una cruz su clase de proyector de video y luz en movimiento. Es, literalmente, es la fusión de los dos entornos de diseño. No se puede ignorar el aspecto ligero movimiento de la misma. Tuve la oportunidad de una capa adicional de vídeo en movimiento a los colores y globos. Me dio la oportunidad de pensar acerca de las proyecciones “.

Branding: Es una obra que tiene mucha congruencia dentro de las diferentes áreas de comunicación, la pagina web explica de forma sencilla y congruente la trama de la obra, tienen un logotipo que respalda la obra y los colores que utilizan te deja una sensación de entendimiento de la obra. Maneja publicidad en redes sociales y tiene una parte interactiva en la cual puedes mandar e-cards de la obra, están creando una marca de esta obra que lograra ser trascendental en Broadway. La pagina web esta muy bien diseñada, te permite escuchar la música de la obra y te da un tour interactivo haciéndola una pagina interesante y divertida. Multimedia: Normalmente, hablamos de una producción de iluminación y diseño de proyección en piezas separadas. en Wicked, la iluminación y las proyecciones están muy relacionados. En la

Harper Collins (2005). Gregory Maguire. Available at: http:// www.gregorymaguire.com/books/wicked.html . [Last Accessed 14 de noviembre del 2012].

Éxito comercial: Con un costo total de $ 14 millones tuvo la producción de la obra participaron más de 150 personas y casi dos años para convertirse en una realidad. Wicked fue un éxito y con el éxito obtenido se recupera la inversión inicial total el 21 de diciembre ‘de 2004. Durante el primer año se recaudó más de $ 56 millones. El espectáculo ha estado a su máxima capacidad para casi todas las presentaciones y gana en total más de un millón de dólares todas las semanas.

Sobre el escenario, y en otros lugares, se puede encontrar un número de unidades móviles, por esta producción, Posner fue enteramente con Vari-Lite unidades para su plataforma automatizada. Un reto especial fue el segmento Ciudad Esmeralda que abre el segundo acto. Como se puede imaginar, el vestuario Susan Hilferty son muy verde. “En esas escenas, es un rango de la luz verde de un alto ángulo empinado para mejorar y ampliar la gama de colores de color del traje, y un montón de luz lateral blanco de corte a través del campo para que los actores se destacan. Yo tenía 40 unidades de Emerald vidrio City gobos aplicado a las unidades de ambos móviles y convencionales para ayudar a transformar el mundo en Emerald City. La iluminación de Wicked es controlada fuera de una consola Wholehog II de High End Systems, con las proyecciones de ejecutarse desde un PC Hog, con sentido común, cajas de licencia artística se utiliza para controlar las funciones del proyector

Marina B. Nebro (2012). A wicked night for wicked. Available at: http://macaulay.cuny.edu/eportfolios/artsandculture_theatre/2012/11/09/a-wicked-night-for-wicked/ .

[Last Accessed 14 de noviembre del 2012].

Pinocho. - 123


fig. 111

7.4

Otros casos de éxito

7.4.1

Alicia en el Pais de las Maravillas ¿Porqué es exitoso? Alicia es una obra basada en el libro de Lewis Carroll “Alicia en el país de las maravillas”. Es la primera obra que se hace de Alicia en el ballet clásico, la coreografía fue creada por un ex bailarín de esta misma compañía. Dura 2 horas.

Royal Opera House (). Alice’s Adventures in Wonderland. Available at: http://www.roh.org. uk/productions/alices-adventures-in-wonderland-by-christopher-wheeldon. [Last Accessed 20 Octubre 2012].

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Estrategia Multidisciplinaria

Utilería:

Escenografía:

Lo más representativo de la obra es el gato, que es representado por el cuerpo de bailarines, el cuerpo del gato esta dividido por partes y cada una de ellas es manejada por los bailarines. La idea de representar al gato no fue representarlo como la ilustración del libro de Lewis Carrol, si no literalmente traer esa ilustración en 3D y así darle el aspecto mágico, se pueden ver los mismos trazos del dibujo, un estilo muy caricaturesco de la época. La oruga es algo similar, el cuerpo de la oruga es manejado de forma lineal por bailarinas en punta.

Primero es realista, es la vida real situada en la época del siglo XIX, después cuando Alicia se toma la poción las cosas toman un giro drástico, todo de repente se vuelve surrealista, representado al jardín de la reina de corazones, la mesa del té, pastelillos giganetes, tazas gigantes de asientos, la oruga y el gato forman su propia parte de la escenografía. Vestuario: Cada prenda después de que Alicia se toma la poción es surrealista y fantasiosa, todo posee color, estampados, mezcla de estampados, y elementos exagerados. Las orejas del conejo blanco son un peinado muy alto, todo con un estilo elegante, excéntrico y no sobrecargado, solo lo suficiente para parecer surreal, limpio y atrevido. Todo dentro de una paleta de colores de morados, rojos, verdes y amarillos.

Roslyn Sulcas (2011). Alice on Her Toes, at a Rare Tea Party. Available at: http://www. nytimes.com/2011/03/02/arts/dance/02alice. html?_r=2&. [Last Accessed 20 Octubre 2012]. -

nes en una escena que están bailando los bailarines vestidos de cartas, al fondo también hay cartas que se están moviendo a su ritmo como si estuvieran bailando por medio de video mapping. Está obra también ha sido llevada a la pantalla grande y formato DVD, se encuentra a la venta.

Multimedia: La música fue compuesta por Joby Talbot, al principio es un repertorio muy clásico y conservador cuando Alicia esta en el jardín de su mamá. La principal meta es ser extraordinaria y extraña, marcar ese cambio de la realidad a lo surreal, y así transportar a la audiencia a este estado. Destacan las proyeccio-

Royal Opera House (). Swan Lake. Available at: http://www.roh.org.uk/productions/swan-lake-byanthony-dowell. [Last Accessed 20 Octubre 2012]. -

Mark Monahan (2012). Swan Lake, Royal Ballet, Covent Garden, review. Available at: http:// www.americanessays.com/tool-box/apa-format-citation-generator/. [Last Accessed 20 Octubre 2012].


fig. 112

7.4.2

Lago de los Cisnes

El Royal Ballet es una compañía de Londres, Inglaterra con sede en la Royal Opera House, se destaca por su estilo único, por sus adaptaciones modernas y contemporáneas de los clásicos del ballet. 
 El rey le ha pedido a su hijo, príncipe Sigfrido, escoger una dama para casarse, enojado porque no se puede casar por amor, se va de cacería, al ver una manada de cisnes decide atacarlos. Mientras va preparando su flecha y arco, uno de los cisnes se convierte en una hermosa mujer, el, cautivado, se enamora. Odette (el cisne) al verlo se enamora de el, pero ella es hechizada junto con otras damas por un brujo, convertida en cisne por el resto de su vida, la única manera de romper el hechizo es besar a su verdadero amor antes de que el hechicero muera. A la luz de la luna ella y sus damas se convierten en hermosos cisnes. El rey invita a mujeres de muchos reinos

para que el príncipe baile con seis princesas y casarse con una de ellas. El hechicero se presenta con su hija Odile, es ella una transformación de él para recrear idénticamente a Odette. El príncipe, engañado, decide bailar con Odile, de repente una mágica visión aparece, y se da cuenta que no es Odette, ella se da cuenta también y se decepciona al ver que el príncipe la ha engañado ¿Será su amor tan fuerte como para romper el cruel hechizo en el que ella está? ¿Por qué es exitoso? Es la obra de mayor referencia al ballet clásico, se caracteriza por su alto grado de dificultad, es un clásico ruso. Cualquier compañía importante y prestigiosa de ballet tiene que tenerlo. Esta compañía se destaca por tener su propio estilo: elegante, moderno y actual.

Estrategia Multidisciplinaria Escenografía: Tanto el vestuario como la escenografía están sumamente cargados a una manera moderna y actual, no se representa el típico palacio medieval si no una instalación o un set simplificado de un palacio simplificado a la época actual mas sin embargo cargado en los detalles, sin perder la elegancia y el estilo moderno. En cada detalle hay un destello de una piedra, cuenta, lentejuela o escarcha. Vestuario Los tutús asimilan a un cisne con tela brillosa como las plumas del cisne, las faldas con orillas sesgadas representan las plumas del cisne, tal cual como se vería desde su parte inferior/ trasera, el corsé tiene la forma de las costillas del cisne, el tocado con hermosos brillos y destellos abraza la cabeza como si fuese el cráneo del cisne. Esta presente el uso de la pedrería, cuentas, bordados, aplicaciones y

lentejuelas. El hechicero Von Rothbart tiene este aspecto oscuro, monstruoso y a la vez su vestuario brilla y destella como parte de la magia. Esta compañía también incorpora a los cisnes negros aparte de Odile. Multimedia: La música es del famoso compositor Pyotr Il’yich Tchaikovsky (El Cascanueces, La Bella Durmiente) fue creada en 1875, es de los repertorios más representativos del ballet, y considerado parte de la cultura popular. Lo que también distingue a la obra es un holograma que se presenta en el baile del príncipe Sigfrido, muestra en una mágica visión a Odette atrapada en el hechizo mientras ella ve al príncipe bailando con Odile. Gracias a su éxito, esta obra fue grabada para formato de la pantalla grande y DVD, se encuentra a la venta y se transmite en canales internacionales y locales como Film&Arts. También la Royal Opera House abre espacios especiales para crear sesiones de cine en las cuales transmiten la obra.

Pinocho. - 125


“There is no design without discipline. There is no discipline without intelligence.” – Massimo Vignelli


128 - Pinocho.


8.1

8.2

El objetivo de la investigación es describir los perfiles de los protagonistas del Ballet de Monterrey, así como sus requerimientos de sus actividades en escena.

• Conocer el aspecto de la práctica de ensayos del Ballet de Monterrey.

Objetivo de la Investigación

Se pretende describir los perfiles del público actual y potencial del Ballet de Monterrey, así como su percepción, hábitos y preferencias respecto al ballet y otras actividades de entretenimiento.

Objetivos específicos

• Conocer la experiencia como espectador de una presentación del Ballet de Monterrey. • Identificar el proceso de formación profesional y estilo de vida que conlleva a convertirse en un bailarín profesional del Ballet de Monterrey. • Identificar las fuerzas y debilidades del Ballet de Monterrey. • Identificar los aspectos de la personalidad de los personajes de la obra de Pinocho por Carlo Collodi. • Conocer el perfil y hábitos de entretenimiento del público actual y potencial del Ballet de Monterrey. • Obtener el grado de conocimiento del Ballet de Monterrey entre el público actual y potencial. • Conocer la percepción que se tiene del Ballet de Monterrey entre el público actual y potencial. • Identificar los motivadores para presenciar futuras presentaciones entre el público actual y potencial.

(1994). recolección y almacenamiento de datos. Available at: http://www.fao.org/docrep/u1310s/ u1310s07.htm. [Last Accessed 14/02/2013].

Read more: http://www.americanessays.com/ tool-box/apa-format-citation-generator/#ixzz2KtS3bKE0

Pinocho. - 129


8.3

Metodología de la investigación

8.3.1 8.3.1.1

Cuantitativo

8.3.2 8.3.2.1

Cualitativo

8.3.2.2

{ Encuesta a público actual y potencial }

{ Observación pasiva ¨Fly on the Wall” }

{ Observación como espectador }

Para esta investigación se realizó un levantamiento de 489 encuestas con muestreo de cuota, es decir, con una cantidad definida de elementos a estudiar en los diferentes puntos de la ciudad de Monterrey y su área metropolitana: Espacios públicos de la Zona Centro, Restaurantes y Cafés en San Pedro y Monterrey, Plazas Comerciales de Monterrey, Eventos sociales en los municipios de San Nicolas y Zuazua.

La técnica de observación pasiva consiste en obtener datos sin tener interacción alguna con las personas que están siendo observadas, de ésta manera los resultados sufren menos alteraciones.

Se realizaron ejercicios de observación como usuario del producto a las obras de Pasión Latina, puesta en escena como danza contemporánea y Bayadera como danza clásica. Ésta observación se llevó a cabo en el teatro de la ciudad en la temporada otoño 2012

Objetivo: Conocer perfil y hábitos de entretenimiento del público actual y potencial, así como su percepción del Ballet de Monterrey.

130 - Pinocho.

Objetivo: Se empieza a conocer su rutina diaria de práctica y técnica así como su comportamiento fuera del escenario.

Objetivo: Conocer un poco más sobre los bailarines en los espectáculos, así como observar las puestas en escena y vestuario.

8.3.2.3

{ Visita guiada } Otra técnica de observación con la que contamos es la visita guiada donde el experto César Aristóteles García nos mostró el teatro de la Ciudad, en éste teatro la compañía del Ballet de Monterrey presenta la mayoría de sus obras. Objetivo: Conocer las partes de un escenario sin dejar de mencionar materiales, texturas, espacios así también como mecanismos con los que cuenta el teatro.


8.3.2.4

{ Extreme User } Objetivo: Lograr posicionarnos en la experiencia total de los personajes, conocer sus personalidades captando la esencia de cada cada uno,con la finalidad de conceptualizar mejor nuestra propuesta a base de la experimentación. Proceso: Después de seleccionar a los personajes principales de la obra Pinocho, se nos dio la oportunidad de experimentar con la ayuda de profesionistas austriacos empezando con descifrar cuales serian las características más importantes de cada personaje. A cada alumno se le dio un personaje con el que te debía trabajar durante dos semanas, el primer paso fue hacer un figurín representando a su personaje de la manera más literal. Después se nos pidió que con base a lo que teníamos construyéramos una silla con los elementos y necesidades de nuestro personaje. Trabajando con la estética de los personajes durante una semana se dio el reto de darle mas complejidad al personaje haciendo un híbrido entre un artista extremo y el personaje.

8.3.2.5

{ Entrevista a responsable de confeccion de vestuario de BdM } Rosalinda Medellín Rodríguez Entrevista presencial Lugar: Cedim Fecha: Octubre del 2012 Objetivo: Conocer la experiencia y trayectoria de su carrera profesional en el diseño de modas como maestra de patrones y modelado en las universidades CEDIM, UDEM y UVM. Específicamente en su trabajo por 9 años continuos como colaborador en el equipo de vestuario del Ballet de Monterrey.

8.3.2.6

8.3.2.7

Ana Alejandra Laredo Entrevista presencial Lugar: Starbucks Colinas Fecha: Septiembre 4 del 2012

Regina Palomar Oetlin (26) Entrevista presencial Lugar: Cedim Fecha: octubre 11 del 2012

Objetivo: Conocer a través de la experiencia y conocimientos del bailarín, su opinión respecto a la disciplina y las diferentes áreas que esta abarca. La entrevista consta de 17 preguntas que abarcan desde su comienzo en el ballet, opiniones acerca del vestuario y escenografía hasta el como esta disciplina le ha hecho impacto en su vida. 

Objetivo: Conocer las tendencias del ballet en la actualidad, alimentar nuestro conocimiento dentro del ballet desde la perspectiva de todo el desarrollo personal que vivió la bailarina en toda su formación artística, para brindar un diseño que cumpla con las necesidades del bailarín.

{ Entrevista a  ex bailarina profesional }

{ Entrevista a  bailarina profesional }

Ésta experimentación concluyó cuando se dio a conocer al público nuestro análisis.

Pinocho. - 131


8.3.2.8

8.3.2.9

{ Entrevista a bailarina Amateur }

{ Entrevista a bailarína experta, profesora }

Ana Beatriz Díaz-Conty Colunga (22 años). Entrevista telefónica Lugar: Cedim Fecha: Octubre del 2012

Wendy Alencaster (56 años). Entrevista presencial Lugar: Escuela Superior de música y danza de Monterrey. Fecha: Octubre del 2012

Objetivo: Conocer la experiencia y conocimientos de su trayectoria como bailarina de CONTEMPOTEC, Compañía de Danza Contemporánea del Tecnológico de Monterrey.

Objetivo: Conocer su experiencia como docente en una trayectoria de 22 años en La Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey, así como su conocimiento como maestra de danza clásica, contemporánea y folclórica y de su estancia actualmente como presidente y representante del sindicato de maestros de La Superior en CONACULTA/ SEP. También conocer su opinión y percepción respecto a la disciplina y las diferentes áreas que esta abarca. La entrevista consta de 17 preguntas que abarcan desde su comienzo en el ballet, opiniones acerca del vestuario y escenografía hasta el como esta disciplina le ha hecho impacto en su vida.

132 - Pinocho.

8.3.2.10

8.3.2.11

{ Observación detrás del escenario }

{ Técnicas proyectivas para inspiración }

El objetivo de esta actividad fue realizar una investigación observando al usuario y viviendo el proceso de una obra no solo como espectador, si no también detrás del escenario.

Se aplico algo llamado técnica proyectiva , que consiste en lograr obtener información de un determinado grupo de personas o individualmente sin barreras mentales debido a la interacción directa con un entrevistador o cualquier persona que suponga un cargo diferente a aquellos que se les aplique la actividad. Este método se utilizo para obtener inspiración , patrones y colores para el desarrollo de productos. La actividad se llevo a cabo con niños en donde la dinámica consistía en que dibujaran a Pinocho y a Pepe grillo bajo la premisa de que lo podían hacer como ellos lo eligieran . Esta actividad fue aplicada en la escuela pública del municipio de Santa Catarina N.L. María Luisa , la cual se encuentra en la categoría socioeconómica tipo D (Baja).


8.3.2.12

{ Observación Videomapping } Se realizó la técnica de observación para complementar la parte de Arte Digital en el proyecto multidisciplinario, en la cuál se hizo una visita al espectáculo multimedia organizado por alumnos del Tecnológico de Monterrey llamado “Noches del Mural”. Objetivo: Analizar los aspectos técnicos del evento, desde las animaciones, iluminación y mappeo en el mural con el fin de enriquecer el proyecto con ejemplos de proyectos multimedia.

8.3.2.13

{ Entrevista a participantes de proyecto video mapping }

8.3.2.14

{ Conversacion con el Director del BdM } Se tuvo, en Octubre de 2012, el honor de recibir cordialmente al director de arte del Ballet de Monterrey Luis Serrano, en donde se llevó acabo una entrevista en horario matutino dentro de las instalaciones del CEDIM.

1. En tu experiencia, ¿Cuáles son los factores de éxito?

3. ¿A qué público piensas dirigirlo?

Pre-producción • Conocer de donde surgió la idea de realizar un videomapping, quienes fueron los involucrados, cuántas personas, saber los inconvenientes o problemas que pudieran haber tenido(análisis de lo ocurrido), saber si están satisfechos con los resultados obtenidos.

Luis Serrano que es Originario de Pinar del Río, Cuba, cuenta con una excelente trayectoria de 16 años de experiencia como bailarín principal. Se graduó de la Escuela Nacional de Cuba con el título de Bailarín-Profesor y ya cuenta con 4 años de experiencia como director de arte dentro del Ballet de Monterrey. Se formularon diversas preguntas con el fin de realizar una entrevista en forma de conversación fluida con el equipo multidisciplinario, para que se pudieran aclarar ciertas dudas que se tenían por carrera.

Producción • Conocer más a fondo acerca de la producción del mismo, que software se utilizó, las fechas desde que se planeó este proyecto, el tiempo de producción y al momento de presentarlo.

Los objetivos de esta entrevista son conocer de manera personal los puntos de vista y sugerencias del Director de Arte del Ballet de Monterrey y entender las necesidades que presenta el Ballet en todas las especialidades que componen este multidisciplinario.

• Dentro de la producción conocer sobre los aspectos técnicos que se necesitaban, específicamente de la animación y de los proyectores.

Preguntas formuladas a Luis Serrano:

Se realizará una entrevista a una de las personas relacionadas directamente con el proyecto del mural del tec para conocer más a fondo acerca del proyecto y cumplir con los siguientes objetivos: Info General -Conocer acerca de los entrevistados, educación, semestre en curso, etc.

2. ¿Te imaginas al protagonista hombre o mujer?

4. Visualizas la narrativa de tono dramático, alegre, etc... 5. ¿En qué época te gustaría situar la obra? 6. En base a la investigación, ¿Cuál es tu idea en cuanto al estilo (oscuro-comercial)? 7. Escenografía- Figurativa, abstracta. 8. ¿Se va a utilizar composición original de música? No - cuales 9. ¿Tienes el número de personajes que compondrán la obra? Si - cuales 10. ¿Existe una línea definida en cuanto a la imagen de las campañas publicitarias? Ver punto 8.5.14

Post-producción • Conocer si fué tan exitoso como esperaban o comentarios adicionales acerca del mismo. • Investigar acerca de los planes a futuro del proyecto o en caso de que se tenga pensado un proyecto alterno, conocer los detalles del mismo.

Pinocho. - 133


8.3.2.15

{ Conversación con Direccion Creativa de Cadena y Asociados } La conversación se llevo acabo el día 27 de Febrero del 2013, en el horario de 10 am a 11:30 am en las instalaciones de la agencia publicitaria de Cadena & Asociados. Se realizaron preguntas no estructuradas a la Directora creativa de la compañía BdM Lic. Judith Estela Granados. Objetivos: Conocer la experiencia en el desarrollo de campañas publicitarias y conocer las experiencia en la dirección creativa de la publicidad del Ballet de Monterrey en el área de diseño gráfico y mercadotecnia, así como también descifrar y analizar las diferentes razones por las cuales han hecho sus campañas y los resultados que han obtenido a través de la Comunicación Integral de Mercadotecnía hecha por parte de la compañía y su dirección creativa.

Preguntas: ¿Cómo fue que se logro establecer la relación con el Ballet de Monterrey para formarlo parte de su cartera de clientes? ¿Cuántas campañas publicitarias han realizados juntos? ¿Qué áreas de la ciudad son las más atacadas con publicidad (visual, prensa, radio, panorámicos)? ¿En qué se baso para atacar estas áreas de la ciudad? ¿Tiene estudios de mercados que sustenten sus campañas?, ¿Cómo? (Estudios previos y posteriores). ¿Quiénes son los encargados de realizar los estudios de mercado, ustedes, BdM o alguna agencia especializada? Referente a su trabajo con el BdM, ¿Ustedes se encargan solamente de realizar los gráficos o también lo hacen con el CIM (comunicación integral del marketing)? ¿Cuál es su proceso para realizar las autorizaciones de campañas? (Departamento, persona) ¿Ballet de Monterrey maneja un Brief en general o lo hace por cada una de las temporadas? ¿Si pudieras cambiar algo que cambiarías? ¿Qué es lo que recomiendas que NO cambiemos? Ver punto 8.5.15

134 - Pinocho.

8.3.2.16

8.3.2.17

Marco Antonio Reyna Entrevista presencial Lugar: Ballet de Monterrey Fecha: Marzo 2013

Para esta investigación cualitativa tradicional se hizo un levantamiento de 64 entrevistas de manera presencial y con gravacion audiovisual. Se entrevisto de manera grupal a familias que cumplieran con el siguiente perfil:

{ Coordinador de Vestuario del Ballet de Monterrey }

Objetivo: Conocer su trayectoria como coordinador de vestuario dentro del Ballet de Monterrey, así como su experiencia y carrera en el diseño de modas. Conocer sus experiencias su trabajo por 9 años continuos como colaborador en el equipo de vestuario del Ballet de Monterrey.

{ Entrevista a público actual y potencial }

Familia con hijos de 5 a 15 años que SI acudan al Ballet y que al menos hayan visto una obra del BDM en los ultimos 3 años. Familia con hijos de 16 a 25 años que SI acudan al Ballet y que al menos hayan visto una obra del BDM en los ultimos 3 años. Familia con hijos de 5 a 15 años que NO acudan al ballet o no esten interesados. Familia con hijos de 5 a 15 años que NO acudan al Ballet o no esten interesados.


8.4 Guías en blanco 8.4.1

Guía de entrevistas a responsable de confección de Vestuario de Ballet de Monterrey

• Platícanos sobre tu trayectoria como vestuarista. • ¿Qué es lo que te condujo a vestuarios para ballet? • ¿Qué elementos se toman en cuenta para definir el diseño de cada vestuario • ¿Cuáles crees que sean las limitantes en uso de colores y textiles • Explícame el proceso de conceptualización del vestuario • ¿Cuáles son sus principales fuentes de inspiración, para diseño de ballet? • ¿Quienes forman parte de tu equipo de trabajo? • ¿Cuánto tiempo toma en desarrollar todo el vestuario de una obra? • ¿Diseña en base a las características de los bailarines o es fiel a la estética de la obra? • ¿Quién esta encargado de mantener la coherencia en la estética de la obra • Platícame como varia la cantidad de vestuario de la obra? (existe algún lineamiento en cuanto a cantidad) • ¿Crees que las compañías, poseen su propio estilo de vestuario? • ¿Cuáles son los incidentes mas comunes y como se resuelven? • ¿Existen elementos básicos en cuanto a vestuario? • ¿Plasmas tu sello personal en el vestuario?

8.4.2

Guía de entrevista a ex bailarina profesional de ballet

• ¿Cuál ha sido tu experiencia con el baile? • ¿Qué papel juega el ballet en tu vida? • ¿Qué es lo que te gusta del baile? • Platícanos como empezaste a bailar • ¿Cómo es tu rutina cuando practicas ballet? • ¿Qué hábitos crees que te ha dejado el ballet? • ¿Con qué frecuencia asistes a un espectáculo de baile? • ¿Qué es lo que más te ha impresionado de las veces que ha ido al teatro? • ¿Qué te resulta mas atractivo durante una obra de ballet? • ¿Cuál ballet es el que más te ha impactado? • ¿Qué consideras mas importante, una buena coreografía o una producción impresionante?

Pinocho. - 135


8.4.3

8.4.4

• Platícanos de tu experiencia/trayectoria en el ballet desde tu comienzo • ¿Bailas actualmente? • ¿Cómo funciona tu rutina de ensayos? • Descríbenos el espacio donde ensayas • ¿Cómo es que comienzas a vestirte para ensayar y espectáculos? • El día que vas a dar un espectáculo, ¿Cual es tu rutina? • ¿Tienes algún tipo de ritual? • ¿En cuantos escenarios has bailado? • ¿En cuál de ellos tuviste la mejor experiencia? ¿que fue lo que mas te gusto? (descríbeme la escenografía) • Platícanos de las diferencias entre tu día de ensayo y el día de la presentación, en cuanto al vestuario • ¿Tienes algún tipo de cuidado especial para tu ropa de practica, zapatillas, etc? ¿cuánto tiempo te duran? • ¿Existen elementos que necesites para tu rutina, que te hagan sentir mas cómodo(a)? • ¿Cómo funcionan los cambios de vestuario? Platícanos de tu experiencia tras bambalinas • Mencióname el vestuario que mas te haya gustado en cuanto a comodidad y estético y el que menos • Háblame de que nos podrías proponer en cuanto al vestuario, para que sea de mayor comodidad • ¿Existe algún tipo de sacrificio que hayas tenido que hacer para llegar a donde estar ahora? • ¿Qué sientes cuando bailas? • ¿Cuál ha sido tu mayor recompensa a través de tu carrera?

• ¿Cuál ha sido tu experiencia con el baile? • ¿Qué papel juega o jugó el ballet en tu vida? • ¿Qué es lo que te gusta del baile? • Platícanos como empezaste a bailar • ¿Cómo era tu rutina cuando practicabas ballet? • ¿Qué hábitos crees que te dejó el ballet? • ¿Con que frecuencia asiste a un espectáculo de baile? • ¿Qué es lo que más te ha impresionado de las veces que ha ido al teatro? • ¿Qué te resulta más atractivo durante una obra de ballet? • ¿Cuál ballet es el que más te ha impactado? • ¿Qué consideras más importante, una buena coreografía o una producción impresionante?

Guía de entrevista a bailarina profesional ballet

136 - Pinocho.

Guía de entrevista a bailarina amateur


8.4.5

Guía de entrevista a bailarina experta y profesora • Platícanos sobre tu trayectoria. • ¿Qué te llevo a coreografiar este estilo de baile específicamente? • ¿Cuál es tu rutina o qué es lo primero que te imaginas al momento de tener que empezar a desarrollar una coreografía? • ¿Tienes alguna limitante para diseñar tus coreografías? (existen criterios que no se puedan modificar) • En el proceso de diseñar la coreografía ¿Con qué otros cargos te coordinas? • ¿Cuánto tarda todo el procedimiento de principio a fin? • ¿Cuál es la etapa del proceso que disfrutas mas cuando es montada un espectáculo? • ¿Cuál es el elemento que consideres importante para comenzar a montar la coreografía? • ¿Qué parte de tu trabajo te apasiona más? • ¿De qué manera y quienes están encargados de asignar los personajes en una obra? • ¿Qué características o atributos buscas cuando escogen los papeles principales?

Pinocho. - 137


8.4.6

Guía de Entrevista a participantes de proyecto video mapping Se realizarán las siguientes preguntas a las personas relacionadas al proyecto del Bicentenario 2010 para conocer sobre el proceso de pre-producción, producción y post-producción del mismo. Info General 2. Nombre 3. Escuela dónde estudia 4. Semestre en curso Pre-producción 5. ¿De dónde surgió la idea de realizar un espectáculo multimedia? 6. ¿Fué una convocatoria abierta o empezó como un proyecto de clase? 7. ¿Porqué en el mural del tec? 8. ¿Cuantas personas estuvieron involucradas en este proyecto? 9. ¿Además de los alumnos, había maestros o personas externas a la institución con quien hayan tenido colaboraciones? 10. ¿Cuáles fueron los problemas que fueron surgiendo en la preproducción de este proyecto?

138 - Pinocho.

Producción 11. ¿De qué carreras eran los alumnos que realizaron las animaciones? 12. ¿Cuándo se comenzó a planear este proyecto? 13. ¿Qué software se utilizó para realizar las animaciones? 14. ¿En cuanto tiempo de realizaron las animaciones? 15. ¿Cuántos cañones se requirieron? 16. ¿Dónde se ubicaron? 17. ¿Qué software se utilizó para realizar el videomapping? 18. ¿Quién mappeó el mural? 19. ¿Con cuánto tiempo de anticipación tienen que acomodar el cañon para que cuadre perfecta la animación sobre el mural? 20. Al momento de la primera presentación, ¿Tuvieron algún inconveniente? Post-producción 21. ¿Están satisfechos con los resultados obtenidos? 22. ¿Esperaban que fuera a tener tanto éxito? 23. ¿Tienen planeado realizar una versión nueva? 24. ¿Han pensado en presentarlo en otros campus? O en otro caso, ¿Han pensando en invitar a alumnos de las carreras relacionadas de otros campus a verlo? 25. ¿Creen que este proyecto haya marcado la pauta para que se promueva más el uso de los medios digitales? 26. ¿Tienen pensado nuevos proyectos?


8.4.7 8.4.7.1

Guía de Entrevista a Público Actual y Potencial

{ Entrevista de familias interesadas con hijos de 5 a 15 años y de 16 a 25 años. } Entrevista a personas que sí asistan.

Familia con hijos de 5 a 15 años y familia con hijos de 16 a 25 años.

2. Nombres 3. Ocupación 4. Edad 5. Nivel de estudios 6. Ingreso mensual FAMILIAR aproximado 7. Escuela/Universidad de donde egresaron o en donde estudian 8. ¿ Qué actividades de entretenimiento o recreación les gusta hacer? 9. ¿Cada cuándo realizan estas actividades? 10. ¿Cuál de estas actividades es la que más les gusta realizar? ¿Por qué? 11. ¿Cuánto gastan aproximadamente en esta actividad en cada ocasión? (por familia y por persona? 12. ¿Han acudido a algún espectáculo de danza en los últimos 3 años ? ¿De qué tipo de danza? 13. ¿Cuál o cuáles? 14. Del espectáculo que más recuerdan de los mencionados, ¿Qué los motivó a asistir? ¿Cómo se enteraron? ¿En dónde? 15. ¿Qué les gustó de este espectáculo?, ¿Por qué?, ¿Qué sintieron al verlo? 16. ¿Qué no les gustó?, ¿Por qué? 17. ¿Qué conocen del ballet? (General, origen, compañías, obras destacadas, etc.) 18. ¿Qué opinan del ballet? ¿Qué tanto les gusta?, ¿Por qué? 19. ¿Conocen al BdM? 20. ¿Qué saben del BdM? ¿Qué opinan del mismo? 21. ¿Han visto obras del BdM? ¿Cuáles? 22. En los últimos 3 años, ¿qué obras del BdM vieron? 23. ¿Cuál les gusto más?, ¿Porqué?, ¿Qué sintieron al verla? 24. En un futuro, ¿considerarían visitar un espectáculo del BdM? ¿Por qué? 25. ¿Qué les gustaría que cambiara o mejorara el BdM? ¿Por qué?

DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS (señalar con una x unica respuesta por familia) DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS

Pinocho. - 139


8.4.7.2

{ Entrevista de familias no interesadas con hijos de 5 a 15 años y de 16 a 25 años. } Entrevista a personas que no asistan.

Familia con hijos de 5 a 15 años.

2. Nombres 3. Ocupación 4. Edad 5. Nivel de estudios 6. Ingreso mensual FAMILIAR aproximado 7. Escuela/Universidad de donde egresaron o en donde estudian 8. ¿ Qué actividades de entretenimiento o recreación les gusta hacer? ¿Por qué? 9. ¿Cada cuándo realizan estas actividades? 10. ¿Cuál de estas actividades es la que más les gusta realizar? ¿Por qué? 11. ¿Cuánto gastan aproximadamente en esta actividad cada ocasión? (por familia y por persona? 12. ¿Han acudido alguna vez a un espectáculo de danza? ¿Por qué? 13. En general, ¿qué opinan de la danza? ¿por qué? 14. ¿Qué conocen del ballet? (General, origen, compañías, obras destacadas, etc.) 15. ¿Qué opinan del ballet?, ¿Qué sentimiento les genera ver o escuchar algo del mismo? 16. ¿Conocen al BdM? 17. ¿Qué saben del BdM? ¿Qué opinan del mismo? 18. En un futuro, ¿considerarían visitar un espectáculo de ballet? 19. ¿Qué los motivaría a asistir a un espectáculo de ballet? ¿Por qué?

DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS (señalar con una x unica respuesta por familia) DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS

140 - Pinocho.

DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS DATOS


8.4.8

Encuesta a público actual y potencial Datos del encuestador Encuestador:

Fecha:

Hora:

Lugar

Datos del encuestado 1. Nombre:

2. Edad:

3. Estado Civil: Soltero

Casado sin hijos

Casado son hijos

Divorciado sin hijos

Divorciado con hijos

Viudo con hijos

Viudo sin hijos

5

6

f) 26 a 30

g) + 31

4. Número de hijos: 0

1

2

3

4

más de 7

5. Edad de los hijos a) 0 a 5

b) 6 a 10

c) 11 a 15

d) 16 a 20

e) 21 a 25

6. Ocupación a) Estudiante

b) Profesionista

c) Empleado

d) Empresario

e) Ama de casa

f) Otro especifique:

Pinocho. - 141


7. Nivel de estudios: Primaria

Secundario

Preparatorio

Profesional

Maestría

Doctorado

8. Municipio en el que vive: Monterrey

San Pedro

Santa Catarina

San Nicolas

Escobedo

Guadalupe

Apodaca

García

Cadereyta

Allende

Juárez

9. Colonia o sector

10. Ingresos mensuales familiares a) menos 8,000

b) 8,0001-12,000

c) 12,001 - 22,000

d) 22,0001- 51,000

e) 51,001- 117,000

f) más de 117,001

11. Entretenimiento favorito a) Cine

b) Eventos deportivos

c) Eventos artísticos

d) Conciertos musicales

e) Obras de teatro

f) Ir a cenar

g) Ver películas en casa

h) Hacer ejercicio

12. Medios masivos que más siga a) Televisión

b) Radio

c) Periódico

d) Revistas

e) Ninguno

13. Redes sociales que más utilice a) Facebook

b) Twitter

c) Youtube

d) E-mail

e) Flicker

f) Tumblr

g) Printerest

h) Ninguno

g) Reseña en periódico

h) Publicidad en revistas

g) Promo tickets

f) Plaza Sendero

h) Plaza Fiesta Anáhuac

i) Plaza San Roque

14. ¿Qué publicidad le llama más la atención? a) Panorámicos

b) Vallas publicitarias

c) Para buses

d) Spots de radio

f) Comerciales TV

15. Plaza comercial que más frecuente a) Plaza Fiesta San Agustín

b) Galerías Valle Oriente

c) Galerías Monterrey

d) Plaza Cumbres

e) Plaza Real

j) Interplaza

k) Plaza México

n) otro especifique: 16. ¿Con qué frecuencia acude a una plaza comercial? a) menos de una vez al mes

b) 1 vez mes

c) 2 veces al mes

d) 3 a 4 veces al mes

17. De las actividades de entretenimiento o recreación ¿cuál es la que realiza con más frecuencia? a) Cine

b) Eventos deportivos

142 - Pinocho.

c) Eventos artísticos

d) Conciertos musicales

e) Obras de teatro

f) Ir a cenar

g) Ver películas en casa

h) Hacer ejercicio

e) Más de 4 veces al mes

l) Plaza Outlets

m) Pase San Pedro


18. La última vez que asistió a esta actividad ¿cuanto gasto por persona? Especifique $ 19. ¿En el último año a que tipo de espectáculos artísticos asistió? a) Circos

b) Danza

c) Teatro

d) Proyecciones de cine de arte

e) Obras Musicales

f) Conciertos

g) Otro especifique:

20. ¿Alguna vez a acudido a algún espectáculo de ballet? a) Sí

b) No (pasar al num. 26)

21. ¿De quién? a) BdM

b) Metropolitano

c) Academias

d) Internacional

e) Otra especifique:

22. ¿Si usted a asistido al ballet de Monterrey a que espectáculos fue? a) Coppelia

b) Cascanueces

c) Don Quijote

d) Bayadera

e) Lago de los cisnes

f) Pasión Latina

g) Otro especifique:

23. En una escala del 1 al 5 en donde 1 es me desagrada totalmente y 5 es me agrada totalmente, ¿Como califica al BdM como espectáculo? 1

2

3

4

5

Música

Iluminación

24. ¿Qué fue lo que más le impactó del espectáculo? Vestuario

Coreografía

Escenografía

f) Otro especifique:

25. ¿A través de que medio se entero del espectáculo? a) TV

b) Radio

c) Revistas

d) Prensa

e) Panorámicos

f) Vallas publicitarias

g) Para buses

26. Para esta temporada invierno 2012, recuerda haber visto publicidad del BdM a) Sí

b) No

27. ¿En qué lugar ha visto publicidad? a) TV

b) Radio

c) Revistas

d) Prensa

e) Panorámicos

f) Vallas publicitarias

g) Para buses

28. En una escala del 1 al 5 en donde 1 es me desagrada totalmente y 5 es me agrada totalmente, ¿Como califica la publicidad de esta temporada? 1

2

3

4

5

29. Favor de completar la siguiente frase: El ballet me parece: 30. ¿En un futuro que le motivaría asistir a un espectáculo de ballet? a) Que tenga mejor trama

b) Efectos especiales

c) Que tengan música más alegre

d) Puestas en escena sean originales

Pinocho. - 143


8.5

Interpretación de resultados

8.5.1

Observacion pasiva “Fly in the Wall” Se realizo una visita a las aulas de ensayo del Ballet de Monterrey para conocer las características físicas de un espacio de esta naturaleza, al realizarlo en la técnica “Fly on the Wall” (Observación Pasiva) se realizaron sketches de lo observado.

144 - Pinocho.

fig. 113

fig. 114


8.5.2

Observación como espectador Pasión Latina

Críticas

La Bayadere

Críticas

El Ballet de Monterrey presentó su temporada otoño 2012, una obra con un toque neoclásico y contemporáneo por coreógrafos reconocidos internacionalmente, en el teatro de la ciudad el 20 de septiembre del mismo año, teniendo un gran éxito con el publico regiomontano, posteriormente celebrando con la cena de Gala en el casino de Monterrey.

Roberto Reyes del periódico Milenio dijo: “Con imágenes proyectadas al fondo del escenario, acompañados de bellos vestuarios diseñados para esta producción, Pasión latina sumergió a todos en un mar de emociones. Los espectadores se mostraron atentos a cada una de las piezas, mismas que fueron dirigidas por el titular artístico de la compañía, Luis Serrano.”

La Bayadere, es una obra clásica que no se había presentado desde su estreno en el 2009. Se presento en la Gran Sala del Teatro de la Ciudad del 27 al 30 de septiembre y en el Auditorio Luis Elizondo del 4 al 7 de octubre. Esta obra tiene mucho color en la escenografía, ya que la historia es de la India, se enfocaron mucho en los detalles de los telones, resaltaba el rojo y el dorado y la iluminación hacia que brillaran mas los objetos. Tenían diferentes tipos de iluminación, la enfocada a los bailarines principales que era la luz dirigida y las seguidores y cambiaban dependiendo el lugar, el día o la noche. Contaban con diferente indumentaria dependiendo el espacio en el que estuvieran. Fue una escenografía de muy buena calidad y elegante al mismo tiempo. Algo que llamo la atención del público, fue la rampa de 4 niveles, por donde bajaron las bailarinas haciendo el mismo baile al mismo tiempo.

“Todo brilla en La Bayadére. La opulencia de la antigua India, los vestuarios, los telones y la danza llena de expresión de los bailarines. Una producción redonda del Ballet de Monterrey”.

Félix Barron (2012). exótico y brillante. Available at: http://busquedas.gruporeforma.com/ elnorte/Documentos/DocumentoImpresa.aspx.

[Last Accessed 12 de febrero 2013].

Las escenografías fueron diseñadas bajo el cargo del Director del Ballet de Monterrey Luis Serrano, Iván Freeman y el experto en iluminación Diego Vorrath, Gracias a este conjunto de personas se logro que la obra tuviera gran éxito. La mayoría de las interpretaciones fueron acompañadas de proyecciones en una gran pantalla de fondo con efectos especiales, sombras, diversos colores que hicieron complementar la escenografía.

Félix Barrón del Periódico del Norte.

“Todo es muy atinado y de primer nivel”. “La primera impresión al ver la publicidad de la Bayadere del Ballet de Monterrey fue para mí la espera de un trabajo creativo de calidad con ejecutantes limpios en sus líneas, con cuerpos muy bien trabajados y una interpretación que me mantuviera al filo de la butaca.” Juan Pablo Cibrián de la revista B3N.

Al no contar con elementos físicos , arquitectónicos e indumentaria , lo que definitivamente predominó en la escenografía fueron las proyecciones, ya que eran colores muy llamativos e iban muy de la mano con el vestuario de los bailarines. Hubo muchas criticas sobre la escenografía , ya que era muy sencilla, todo se basó en iluminación de diferentes colores.

valeria armenta (2012). Pasión Latina. Available at: http://www.elnorte.com/libre/online07/ Impresion/Articulos/default.asp?Categori-

aId=40&CategoriaDir=sierramadre&Folder2000=212&ArtFolder=422407&PagAct=1. [Last Accessed 12 de enero].

Pinocho. - 145


Tabla de comparación

Clima escénico

Componentes visuales

Variables

Pasión Latina

Sobrio, sobrenatural

composición forma prevalente complejidad colores contraste iluminación simetría resolución texturas

sencilla líneas rectas baja vivos colores oscruos alta y variable ordenada media - baja regulares

La beyadere

trágico, infeliz

composición forma prevalente complejidad colores contraste iluminación simetría resolución texturas

dinámica, complreja rectilínea alta vivos colores claros suave ordenada media simétrico, ordenado

Pasión Latina

La Beyadera

-Vestuario modernista contemporáneo

-Vestuario tradicional, alusivo a la antigua India, con muchos brocados y telas vistosas.

-Colores sólidos -Tonalidades terrenales y otoñales. -Los materiales partes de telas elásticas y flexibles acompañadas de gasas. -Sin tocados, ni maquillaje artístico. -Faldas blancas y tops de licra en color turquesa con estampados de pintura. -Camisón en colores naranja y verde militar con mini shots en licra. -Leotardo básico con falda semicircular cruzada de chiffon en color lila. -Leotardo básico en terciopelo elástico, con espalda descubierta y en escote en V, con falda circular en chiffon de seda. 20e, 21e

146 - Pinocho.

-Colores brillantes y tonalidades luminosas. -Los materiales iban desde satines y sedas estampadas. -Tocados y accesorios ornamentales referente a la realeza Hindú. -Las mujeres usaban faldas y velos llenos de pedrería y bordados.


8.5.3

fig. 115

Visita teatro de la ciudad

8.5.4

fig. 116

Visita guiada Luis Elizondo

“Normalmente los telones son de terciopelo, pero en este caso es de pana”. –César Aristóteles García.

“Éste telón comodín sirve para hacer intermedios o transiciones entre una escena y otra mientras atrás están cambiando muebles o cambiando escenografía o lo que sea”. –César Aristóteles García.

8.5.5

fig. 117

Entrevista a responsable de confección de vestuario de BdM “No se invierte mucho en vestuario” “El vestuario se acopla a la escenografía por lo regular” “Es mucho trabajo, es un trabajo artesanal” “Tiene que haber química en todo el equipo porque si son cosas muy delicadas” “Tiene que ser algo suntuoso dependiendo de lo que quieras” “En el ensayo general checas todo, y todo el tiempo estas chocando” “Cuando trabajas en esto, te haces demasiado observador” “Si vamos a renovar todo el vestuario desde cero, nos tardamos de 2 a 3 meses y a contra reloj” “Los cambios son muy rápidos y no puedes perder tiempo en nada”

Pinocho. - 147


8.5.6

fig. 118

8.5.7

fig. 119

8.5.8

Entrevista a ex bailarina profesional

Entrevista a bailarina profesional

Entrevista bailarina amateur

“A mi me encanta Giselle, fue lo ultimo que baile en Ballet de Monterrey” “Uno como bailarín a la escenografía nunca le pones mucha atención, nunca vemos mucho para atrás, estamos concentrados en lo que estamos haciendo” “El día de la función ya usas todo el vestuario, tocados, utilería y todo lo demás y de repente si te salen cositas que te sientes incomoda para bailar” “El teatro de la Ciudad es muy bonito a pesar de que el piso no es muy bueno para bailar, es un espacio muy bien distribuido, esta muy bien hecho, muy padre” “Es muy estresante, pues aquí por ejemplo en México no hay mucho personal que te facilite los cambios” “A mi los tutús si me gustan y también los mallones son muy cómodos” “La tela que sea cómoda que no pique, que no se sude mucho, las telas rasposas te incomodan” “Lo mas ligero que se pueda es mejor” “No pienso en nada mas cuando bailo mas que disfrutarlo, siento libertad.”

“..el clima es un factor muy importante, ya que si es demasiado frío no permite un buen calentamiento e incluso prefiero pasar calor para estar bien calentada..” “…para darme energía me como un mazapán..” “Al llegar a mi casa por las noches utilizo compresas de hielo para enfriar los músculos…” “En general me gusta todo del vestuario, pero como no soy de las principales, el vestuario no me queda totalmente bien, pero me lo terminan ajustando y con eso no he tenido ningún problema.” “Me gusta mucho el estilo neoclásico.”

“Tenemos bastante vestuario y cambios, si es como que cada quien tienes que ir por tu vestuario y acomodarlo en un gancho como quepa y ponerlo con cinta tu nombre, si no se confunde si ya tienes camerino asignado pues te lo dejan poner ahí, generalmente (17:00). En Contempotec, se usan vestuarios ya hechos y usados. Cuando ya son muy vistos, los vestuarios se reciclan, se pintan sobre ellos o los cortan, les dan un look totalmente diferente ajustándose al presupuesto. “Usamos “paws” solo te cubren el metatarso del pie para que puedas girar, las baratas te salen como 300 pesos, las caras como 500-600 pesos, a mi no me duran nada, se me descosen o se desgastan.” “Los cambios de vestuario son como en tiempos de 10 a 15 segundos, los vestuarios se dejan al lado del escenario... tu te cambias sola... es complicado porque esta obscuro, me ha pasado una vez que no pude salir porque no alcance a ponerme mi vestuario” “Generalmente cuando son vestidos, no traen nada de broches ni cierres, son de lycra en general” “Mi mayor recompensa al bailar es el poder expresarme, me encanta la danza por eso, no solo por poder descargar mis emociones si no de poder interpretar y poder como demostrar un lado tuyo que no mucha gente conoce, poder llegar a lograr cosas que la gente sienta por medio de lo que tu estas bailando”

148 - Pinocho.


8.5.9

8.5.10

“..se espera que con el tiempo el bailarín pueda ejercer ya su carrera como profesional, que pueda realmente disfrutar y rendir frutos a una corta edad porque no es muy largo el tiempo de vida de un artista profesional.” “La diferencia del ballet y otras danzas depende de muchos factores, la condición social, la política, los deseos de expresar de una manera diferente las inquietudes como persona como actor como bailarín” “Ahora el ballet clásico se ha vuelto un poco mas contemporáneo..se ha modernizado ya en sus propuestas también tiene muchas cosas de técnica contemporánea y de temas mas abstractos y que mas que tiene que ver con la realidad que estamos viviendo en la actualidad” “Yo pienso que hay mucha gente no tiene las posibilidades económicas para ir a un teatro pero con la apertura de la cultura hacia la cultura popular y salir a las calles y hacer espectáculos al aire libre le da la oportunidad a la gente que no tiene la posibilidad de asistir a un teatro... yo creo que muchas bailarinas aquí en Nuevo León estamos tratando de hacer eso” “…hay otras formas de expresarse como la pantomima, la música, el canto..” “Un buen espectáculo generalmente lleva meses de preparación..” “…antes se usaba el sistema ruso, entonces llegó mucha gente de Cuba a entrar a las escuelas de danza y empezaron a meter su metodología y su sistema…” “El vestuario sirve para transportarte, y para transportar la idea que quieres transmitir” “Las puntas están diseñadas para el área femenina para elevarse del suelo, para desprenderse, lo contrario a la danza clásica”

Por medio de la observación pudimos comprender que las prendas no son confeccionadas como se ven en el escenario. Cada uno de los trajes tiene un elemento extra que lo hace posible de portar al bailar, es decir, debe de cumplir con los requisitos de funcionalidad.

Entrevista a presidenta de sindicato de profesores de danza

fig. 120

Observación detrás del escenario

Podríamos decir que en cuanto a los colores y los elementos, los materiales son libres. Se puede hacer una combinación de cualquier tipo de materiales mientras hagan posible su uso en el escenario. Cada prenda esta elaborada en la medida exacta de cada uno de las bailarines, sin mencionar que al mismo tiempo cada uno de ellos lleva 3 ganchillos como cierre para que esta prenda pueda ser portada por no solo una, sino varias personas sin afectar su ergonomía. El domingo 24 de Febrero del 2013, se realizo una visita a la obra didáctica del Ballet de Monterrey “Don Quijote” en el auditorio San Pedro, con el fin de observar dentro y fuera del escenario desde nuestras diferentes disciplinas. Tras bambalinas observamos la dinámica del bailarín, sus entradas, salidas y cambios de vestuario. También tuvimos la oportunidad de conocer las dimensiones de su escenografía y sus diferentes usos en los materiales desde la perspectiva del usuario. Durante el intermedio, entre el cambio de actos, entramos al foro y observamos a los bailarines; algunos se encontraban haciendo cambios de vestuario, mientras otros hacían estiramientos y ejercicios de calentamiento. Lo primero que percibimos fueron algunos de los trajes usados en el primer acto colgados en un perchero móvil, con el nombre de los bailarines etiquetado en los ganchos. Los materiales eran variados, desde telas vaporosas como gasa, chiffon, satín, elastano y rayón, hasta materiales un poco

más rígidos como gabardina, tafeta y encaje. Con cada vestuario, se buscaba agregar detalles y elementos que dieran vida y textura a cada traje. La mayoría eran sencillos, siguiendo el concepto de la obra, pero cada uno de ellos se adornaba con cintillas, encajes y bordados dándole un valor agregado a cada personaje. Para esta puesta en escena, hubo pocos cambios de vestuario, los cuales eran básicamente para los bailarines principales. Para ello, había una sola persona encargada de ayudarlos a cambiarse de vestuario y coordinar que cada elemento de él estuviera completo. Esta persona, Martha Carrizales, es encargada también de las pequeñas emergencias que pueden surgir durante la obra; cuenta con una mesa en donde tiene una máquina de coser y materiales de costura básicos para cualquier percance. Martha nos comentó que por lo general está ella sola como cambiadora de vestuario, si no es que el coordinador de vestuario, Marco Reyna, se encuentra con ella. También, hizo referencia a como es que el diseño de modas, y la ropa comercial son totalmente diferentes a las prendas utilizadas en teatro y nos mostró algunos de los detalles de confección de algunas prendas. De igual forma, la bailarina Regina Palomares, nos enseño al finalizar la obra las partes que componen su tutú. Primero nos mostró el corsette e hizo hincapié en que se usan ganchillos de hembra y macho, con 3 hileras adicionales para que otras bailarinas lo puedan usar. Arriba de eso, se adhiere listón cola de rata para ajustar el escote del corsette. Después, estos se esconden por dentro con cinta aderible. El corsette esta unido con el peto de falda por medio de 3 elásticos escondidos por debajo. También nos explicó que los calzones del tutú, que son hechos de puro encaje, con el tiempo se aflojan y que para ella es mas cómodo colocarles elásticos.

Pinocho. - 149


8.5.11

fig. 121

Técnicas Proyectivas como inspiración La actividad se vio apoyada por los alumnos del salón y a pesar de que algunos de ellos no conocían el personaje de Pinochio y Pepe grillo no se limitaron en sus dibujos. Lo interesante de esta actividad recae en el concepto de que los niños de este municipio y por su clase socio económica no están tan viciados de los estereotipos americanos de ambos personajes. De igual el acceso a la información que puedan tener a cualquier cosa es más limitada y diferente, lo que arrojo resultados honestos. Para concluir la actividad los dibujos fueron analizados para identificar patrones de inspiración y colores de diseño. Varias figuras, formas y tamaños fueron identificadas.

8.5.12

fig. 127

Observación video mapping

El Gobierno del Estado de Nuevo León en conjunto con Eskua una reconocida Casa Productora realizó un espectáculo multimedia en el museo de Historia Mexicana ubicado en el centro de Monterrey, Nuevo León, haciendo referencia a los doscientos años cumplidos de la Independiencia de México, realizó un videomapping a lo largo de la fachada del museo diseñada por Óscar Bulnes y Augusto Álvarez. Esta propuesta fué idea de Hernán Galindo y fué desarrollado por Alberto Marcos y Carlos Morales de la casa productora Eskua. El evento parte del programa ¡Celébra México!, consistía en una serie de animaciones proyectadas sobre el museo en el cual narraban la historia de México, desde sus raíces, sus cambios, evoluciones, luchas y principalmente victorias. Todo esto acompañado de una bella y representativa música realizada por René Abrego. Este espéctaculo multimedia fué complementado con una serie de bailarines que le daban aún más vida al escenario danzando exoticamente y algunas veces con fuego. Como un extra, había juegos pirotécnicos que complementaban este espectáculo dándole un toque de magia. El espectáculo del Bicentenario de la Independencia tuvo mucho éxito por ser algo nuevo y artístico, que utiliza los medios digitales. Principalmente animaciones con una amplia gama de colores y movimientos coordinados con la música, así como un perfecto mappeo en la fachada del museo, transformandolo en una visión diferente y creativa de la historia.

150 - Pinocho.

8.5.13

fig. fig.128 122

Entrevista a participantes de video mapping

Info General 2. Nombres Carlo Morales Olvera y Alberto Marcos Del Rey 3. Productora Casa Productora Multimedia Eskua 4. Que estudiaron Lic. Comunicación UDEM Pre-producción 5. ¿Fué una convocatoria abierta o bien a través de quien surgió el proyecto? Si fue una convocatoria pero no abierta, se convocaron a varias casas productoras nacionales e internacionales por parte de CONARTE. 6.¿Cuantas personas estuvieron involucradas en este proyecto? Las personas que se involucraron por parte de Eskua fueron 10 personas. El cual fue conformador por productores, diseñadores, animadores e ilustradores. 7.¿Cuáles fueron los problemas que fueron surgiendo en la preproducción de este proyecto? Carlos.- Yo no lo llamaría problemas, sino cómo se presentó el proyecto, porque lo que representan estas dos grandes fechas son batallas y enfrentamientos de lo que en ese año 2010


fig. 123 se vivía en el país, mucha matanza, sangre y lo que ellos querían abordar era el tema de otra manera que no fuera bélica y la propuesta que nosotros realizáramos, se tenía que respetar y que no se fuera a la cuestión de guerra. Los demás concursantes presentaron una propuesta bélica y pues a ellos no los eligieron. Y bueno, el primer problema ahora sí, fue cómo se iban presentar estas dos guerras sin tener violencia. Lo que hicimos para solucionarlo fue hacer un recordatorio de aquellos eventos humanos y sociales en los cuales dieron a la independencia y revolución pero que no tenían que ver con la guerra. Y pues ya hablando de cosas más técnicas, es realizar una proyección en un monumento tan grande como es el museo de historia. Otro detalles fueron los proyectores porque no hay aquí en Monterrey que den esta magnitud y pues solo tuvieron tres días para poder hacer ensayos con los proyectores que se utilizarían en las funciones. Otro punto fundamental es concretar muy bien la idea hacer muy bien el guión y hacer un buen storyboard. Producción 8.¿Cuando se comenzó a planear este proyecto? 1 mes de planeación y 2 meses de ejecución para realizar un video de 30 minutos de duración. 9. ¿Qué software se utilizó para realizar las animaciones? Se generaron en illustrador y photoshop y otras fueron a mano y la animación se realizo en after effects y todo se junto en el avid media componser.

10. ¿En cuanto tiempo se realizaron las animaciones? Primer mediado de junio, a dos meses intensos, 2 meses. 11. ¿Cuántos cañones se requirieron? 5 cañones Barco de 22 mil lúmenes 12. ¿Dónde se ubicaron? Se ubicaron 2 al frente del lado derecho y los tres siguientes a lado izquierdo y uno a lado izquierdo arriba. Y los proyectores estaban a una distancia corta al museo. 13. ¿Qué software se utilizó para realizar el videomapping? Watchout 14. ¿Quién mappeó el mural? Proshow fue la encargada de mapear todo el museo ellos le dieron todos los archivos y ellos se encargaron en mapear. 15. ¿Con cuánto tiempo de anticipación tienen que acomodar el cañon para que cuadre perfecta la animación sobre el mural? El tiempo que tuvimos de ensayos fueron tres días antes de empezar la función. 16. Al momento de la primera presentación, ¿Tuvieron algún inconveniente? No tuvimos ningún inconveniente en la primera presentación lo que veíamos era hacer mejor el trabajo y se hicieron modificaciones para las siguientes presentaciones. Se presentaron cuatro días empezando el 15 y terminó el 20

Post-producción 17. ¿Están satisfechos con los resultados obtenidos? Si quedamos bien satisfechos por lo que se logró y lo mas importante que se dió el mensaje, que era un mensaje de paz, eso si nos tuvimos que limitar en cuestiones técnicas y del tiempo pero lo obtenido si fue algo gratificante eso si lo ves ya terminado y siempre ves detalles que se pudieron mejorar pero eso es más personal por crecimiento del nuestro trabajo. 18.¿Esperaban que fuera a tener tanto éxito? Si nos sorprendió como la gente respondió con el espectáculo quedo sorprendió de lo que vieron y pues las reseñas en los periódicos fueron muy buenas. 19. ¿Creen que este proyecto haya marcado la pauta para que se promueva más el uso de los medios digitales? Si ayudó a que se pueden hacer proyectos de esta magnitud y dar algo nuevo a la gente y con mensaje más profundos. Esperamos que si hayan causado un chispa para crear estos eventos. 20.¿Tienen pensado nuevos proyectos? Si tenemos algo planeado algo similar pero de mayor magnitud y esto será también aquí en Monterrey. 21. ¿Creen que el uso de video mapping en ballet sería fortuito? Si esto si ayudaría mucho al ballet le daría un giro más espectacular y se podría lucir esta disciplina. Lo que notamos es que el ballet siente celos y que le quitarían la atención a los bailarines, pero se puede complementar. Y usar nuevas tecnologías ya debería de hacer el ballet para mejorar su espectáculo.

Pinocho. - 151


Música (aún inconclusa), tal vez algo más clásico, o algo más actual- fusionar música adaptando la de Disney con música clásica. -Personajes- Adaptar los 12 personajes dentro de la obra. Gato: no solo un gato si no varios

8.5.14

La agencia de publicidad Cadena & Asociados, no les cobra, tienen de 10 a 8 panorámicos, gastan 250 mil pesos por función. -Fotografía- Cadena y Asociados y Luis serrano se encargan de la sesión de fotos y la edición de imagen. -Futuro- mantener un rango de prestigio dentro de Monterrey y a nivel nacional. -En el 2007 se presentaron alrededor de 30-40 espectáculos. Estados Unidos, Europa y Francia. Donde se mantuvo un sello propio. -El vestuario es realizado por Marco Reyna y recomienda que sea liviano, para que sea sencillo realizar los movimientos de ballet. fig. 124

Conversación con el Director del Ballet De Monterrey En base a la entrevista que se realizó al Director de Arte del Ballet de Monterrey Luis Serrano, se llego a las siguientes conclusiones, y después de analizar las respuestas tomando como referencia los puntos más importantes y fuertes dentro de la entrevista realizada el pasado Octubre del 2012. Quieren transmitir a los jóvenes que el ballet es para cualquier edad, puede ser una manera diferente y entretenida de pasar un rato agradable y cultural. - El costo de las entradas a las obras de ballet $90 - $250 pesos El ballet presenta dificultades en la parte económica y cultural. Invierten mucho en la radio + televisión + panorámicos $400,000 - $500,000 por temporada, en publicidad. Interés - que crezca el público, en especial que los jóvenes se acerquen. Pinocho - hombre, fácil para ejecutar pasos, hablar con Marco Reyna. Público - dominicales, didáctico, para niños. Mes de febrero, narrada en vivo, convivir con los niños. Q&A (preguntas y respuestas), suben a participar. Basarse en la película de Disney, infantil y clásico. Época actual - más positivo. -Esencia- proyecciones.

152 - Pinocho.

Comentó Luis Serrano que no había armonía cuando el llegó al Ballet de Monterrey. Fue un trabajo arduo formar un equilibrio. Luis Serrano en su primer año dio 125 shows. Pinocho: un ballet para toda la familia , versión original y versión corta (didáctica, narrada) Solamente cobran los domingos en las obras didácticas. Martes y Viernes sesión de preguntas y respuestas con los niños. mientras no se pierda el concepto de la danza se puede hacer lo que sea (publicidad) - le gustaría ver: que sea un proyecto exitoso, dejar que cada persona muestre su vestuario. Que se desarrolle su talento. - Sería una obra desde cero, sin usar los vestuarios anteriores que están en la bodega. se gastaron 160,00 pesos en vestuario, 45 bailarines en escena para Giselle. Que los vestuarios tengan armonía con todo. Mientras mas baile el bailarín más difícil es cargar con mucho vestuario. El objetivo, es reconocer la compañía mundialmente, compañía con su sello propio. Acercar a la gente joven a la danza.

8.5.15

fig. 125

Conversación casual Cadena & Asociados–Dirección Creativa BdM Después de la visita a la agencia de publicidad Cadena & Asociados, se analizaron los datos obtenidos en base a la conversación que se mantuvo con la Directora Creativa del Ballet de Monterrey Judith Estela Granados Pasos, donde ella sostuvo todos los puntos que se abordaron sobre el tema, con el análisis se pudo conseguir los siguientes puntos con respecto al área de diseño gráfico y marketing. * La relación, vinculo que existe entre Cadena & Asociados con el Ballet de Monterrey como cliente, es debido a que Nacho Cadena tiene relación amistosa con el hijo de la Señora Yolanda Santos de Hoyos fundadora del Ballet de Monterrey. Por lo que se facilitó la entrada de portafolio y cita con el patronato del BdM. * El contacto se mantiene desde el 2005 y se realizan 4 campañas publicitarias por temporada y varios proyectos chicos como ejemplo las temporadas verano. * Las áreas que más atacan con publicidad son San Pedro y la Diana en la zona de panorámicos y área del centro. Se eligen estos puntos por las aportaciones gratuitas que se brindan por apoyo, tratando de elegir las más pobladas. * Se utiliza más para atacar con publicidad, Internet. Anteriormente manejaban mas lo que son panorámicos y prensa. Se trata de combinar pero se le invierte un poco más al área de Internet.


* Se realiza un estudio interno dentro de Cadena y Asociado de lo que se quiere proyectar y transmitir. No se realiza un estudio completo de mercado por parte de la agencia, el mismo Ballet de Monterrey les entrega un listado de aplicaciones, por lo que se mantiene el perfil que se esta pidiendo. * La agencia, no tiene control de estrategia para atraer clientes, solo cumple con los requisitos que le otorga el Ballet de Monterrey. Por medio de estrategias que ellos mismos realizan. * Para llegar a la propuesta final en definir el estilo de la publicidad que se quiere aplicar, no se realiza ningún estudio, se basan simplemente en lo que ellos creen conveniente por los limitantes que les presenta el Ballet de Monterrey. No hay una especificación del por que usan esos colores o ese estilo. * No se tiene conocimiento de lo que gasta el Ballet de Monterrey en publicidad, ya que ellos solo mandan el formato y el Ballet de Monterrey se encarga de conseguir las imprentas a su conveniencia , ya que su fuerte son los patrocinios. * Ballet de Monterrey solo entrega un brief sencillo y corto con datos generales, solo con algunas especificaciones, la misma agencia se encarga de complementar el brief por medio de investigaciones. Cadena y Asociados nos platica y nos da su punto de vista personal lo que ellos cambiarían a la publicidad del Ballet de Monterrey, comentándonos que ellos preferirían que fueran mas arriesgados, con conceptos mas impactantes que se salieran un poco de lo “típico” y lo acostumbrado arriesgándose a algo completamente diferente. * Los patrocinadores es uno de los elementos que no podemos quitar dentro de los datos que se agregan a las campañas publicitarias * Las necesidades del Ballet de Monterrey en campañas publicitarias es internacionalizarse y darse a conocer con su sello propio. * Cadena y Asociados maneja toda la campaña publicitaria del Ballet de Monterrey fuera y dentro de México. En ocasiones cuando se trabaja de manera internacional fusionan su trabajo, hacen rebote de conceptos, o mandan el prototipo ya establecido para que el departamento de diseño que ya se tiene establecido realicen, complementen y concluyan con la campaña publicitaria. * Las necesidades que el Ballet de Monterrey presenta. Nos platica Judith, puede ser que ya es hora de cambiar las puestas en escena que se presentan cada año en el Ballet de Monterrey.

* Lo que realiza Cadena y Asociados para proponerle al Ballet de Monterrey sus conceptos de propuestas para la campaña publicitaria es hacer una junta creativa donde participan Luis Serrano y Pepe Ramírez en representación del BdM y Nacho Cadena junto con Judith en representación de Cadena y Asociados. En esa junta se deciden los cambios que se van a realizar y lo que se va a conservar. * Se tienen muchos limitantes por parte del Ballet de Monterrey en el área de Diseño gráfico, ya que el mismo BdM mantiene el control total de las sesiones fotográficas entre otros elementos. Por lo que se tiene que encontrar una manera de adaptarse y al mismo tiempo mantener la creatividad para realizar las propuestas de las campañas. * Al momento de las sesiones fotográficas donde se escogerán las imágenes que irán en las puestas de las campañas publicitarias se tiene como especificación el orden de jerarquías dentro del Ballet de Monterrey . Ya que son inservibles las fotos donde no salgan los bailarines principales. * El patronato es el que toma las decisiones finales de las propuestas que se realicen. * La campaña publicitaria más exitosa que a realizado el Ballet de Monterrey según la experiencia de Cadena y Asociados vendría siendo la “obra maestra” del Lago de los Cisnes del 2005. * No se realiza imagen corporativa por parte de Cadena y Asociados para el Ballet de Monterrey. Solo se trabaja en la publicidad y el logotipo individual por temporada. * El logotipo generalmente se trabaja tipográficamente, agregando en ciertos casos solo algún detalle característico. Se compra la fuente tipográfica, en raras ocasiones se realiza a mano la tipografía que se va a utilizar. * De los medios masivos, nos comenta Judith de manera personal que donde estaría mas adecuado invertirle mas dinero es en la publicidad por medio de la Televisión. Ya que es muy poca la publicidad que invierte el Ballet de Monterrey a la Televisión. * Judith de manera personal nos comento que como experta en el tema, los cambios que ella realizaría en la campaña publicitaria del Ballet de Monterrey , sería realizar actividades dinámicas para promocionar al ballet de Monterrey en vez de utilizar medios impresos como fuerte. * Ballet de Monterrey a recurrido a varias estrategias para darse a conocer, lo último que creo fue lanzar su “APP” . Pero aun le falta crecer en otros medios y dar más “guerrilla” en sus propuestas de cambio.

* Lo más difícil que se presenta al momento de tener lista la edición de la imagen que se utilizara para la campañas publicitarías, es al momento de buscar la manera donde se reducirá el tamaño de la imagen para poder equilibrar la información tipográfica que se va añadir. Ya que es mucha información que se solicita. * Toda la información que se solicita para la publicidad se modifica dependiendo a donde se va a aplicar, por lo general la publicidad que lleva toda la información es la de los parabuses y postales, mientras que la que contiene menor cantidad es la de los panorámicos. * Ballet de Monterrey se encarga de la sesión de fotos, mientras que Cadena y Asociados se encarga solamente de la edición de imagen. Que es lo que se considera como su propuesta publicitaria. * El proceso creativo con el equipo de Cadena y Asociados se organiza por medio de tiempos, después se realiza un reasearch de información, para después obtener el concepto gráfico como de imagen para por último hacerse un prototipo para poder hacer la justificación de la propuesta, donde se espera a que se apruebe y ya después mandarla a revisión. * Cadena y Asociados se encarga de todos los medios impresos del Ballet de Monterrey, al igual que los promocionales. En temporada alta son alrededor de 80, mientras que en las demás son alrededor de 25. * Se maneja de Branding corporativo, al igual que por temporada pero solo como tazas, playeras, plumas. * El contenido de las invitaciones de “GALA” se sigue un lineamiento informal por medio de conversación. * Lista de patrocinadores: Fundación Soriana, Postermedia, Cadena y Asociados, Conarte, Gobierno del Estado, Value, Altos Hornos Cervecería, Gruma y CONACULTA. * Ballet de Monterrey vive prácticamente de lo que son los patrocinadores hablando en medios de publicidad. * Consejo por parte de la Lic. Judith: “Es importante mantener el concepto del Ballet de Monterrey que es muy monocromático. Aunque de un tiempo atrás a la actualidad se tiene una visión diferente del ballet mas contemporánea y mas dinámica, sería irse por ahí, darle mas frescura a lo clásico, ya que mucha gente considera lo clásico familiarizado con lo “aburrido” en especial por jóvenes . Por lo que sería conveniente representarlo de alguna otra manera igual más dinámico y diferente”

Pinocho. - 153


8.5.16

fig. 126

Conversación con Diseñador y Coordinador de vestuario del BdM “…la decisión final la tiene el director…” “...todo depende de la coreografía, yo podía dar vuelo a mi imaginación, pero a la hora de la coreografía todo cambiaba..” “…las medidas de los largos de las faldas se toman al revés, del suelo a la rodilla…” “…nunca me han puesto un presupuesto porque nunca he necesitado más…” “…cualquier material es posible de utilizar, por ejemplo, una vez utilicé un arete que ya no servía como decoración para un vestido o algunas veces “hechizamos” la tela, o sea la teñimos para darle otro efecto..” “…los tutús pueden ser una sola pieza o dos pero unidas por elástico, pero cuando son dos piezas tienen mayor seguridad al bailar

154 - Pinocho.

8.5.17

Entrevista a público actual y potencial

8.5.18

Encuesta a público actual y potencial

Información contenida a continuación en las infografías adjuntas al final del libro.


fig. 127

8.6 Pinocho 8.6.1

Origen de la obra El cuento de Pinocho, en 1881 era publicado en una revista infantil con el titulo de “ La historia de una marioneta”, historia que tenia mucho éxito por lo cual, dos años mas tarde, su escritor, Carrlo Lorenzini, mejor conocido como Carlo Collodi decidió escribir el libro con el titulo de “Las aventuras de Pinocho” En un principio, su autor no pensaba escribir lo que es ahora uno de los cuentos mas conocido por muchas generaciones, el quería hacer una versión en donde Pinocho terminaba ahorcado por sus malas acciones y conforme fue haciendo distintas versiones lo cambio a una final feliz. Se han hecho 187 ediciones de este cuento en todos los idiomas, algo que lo hace ser conocido en todo el mundo.

http://diario.latercera.com/2011/08/06/01/contenido/tendencias/26-79071-9-el-origen-de-pinocho.shtml http://www.saberia.com/2011/01/quien-escribio-pinocho/

Pinocho. - 155


8.6.2

Diferentes versiones en ballet y otras artes Con la historia de Pinocho, se han hecho muchas adaptaciones y películas. La que más se destaca es la versión animada de Walt Disney, pero aquí les presentamos otras adaptaciones también reconocidas:

fig. 128.1 Película

Descripción

fig. 129

fig. 130

“Pinocho” por Guillermo del Toro

“Pinocho” por Tim Burton

“Pinocchio” Por Roberto Benignis

2014

2014

2002

Inspirada en el libro de Carlo Collodipero dirigida a una realidad más compleja

La versión girará en torno a la búsqueda de Geppetto para encontrar a su hijo cuando este desaparece.

Con fidelidad absoluta al best seller de Carlo Collodi

Versión stop motion

Será una versión mucho más oscura, y gótica, del cuento infantil.

Personajes tétricos y con un estilo oscuro que hacen que caracterice al del Toro.

Género: Infantil / Fantasía / Comedia Se estreno el 11-Feb-2002

La producción comenzará en el verano de 2013 Los personajes son toscos e imperfectos.

Lo relevante

La voz que se tiene contemplada para Gepetto es de Tom Waits Donald Sutherland para interpretar la voz del zorro Guión escrito Matthew Robbins

156 - Pinocho.

Robert Downey Jr bajo la piel de Geppetto

producción de 44 millones de dólares

Guionista británica Jane Goldman

Nicoletta Braschi, esposa del productor, actúa como el hada azul En vez de una ballena, un tiburón gigante es el que se traga a los personajes


fig. 131

fig. 132

fig. 133

fig. 134

Teatro

“Pinocho Puro Corazón” En el Teatro Nacional la Castellana

¡Viva Pinocho! A Mexican Pinocchio! Por el Dr. Manuel A. Morán

Ballet

West Australian Ballet

Carolina Ballet

Descripción

Montaje basado en la historia original del italiano Carlo Collodi (1880)

Una nueva adaptación del cuento clásico “Pinocho” de Carlos Collodi, esta vez contada desde la perspectiva de un joven inmigrante mexicano que habla de un niño de madera que emprende un viaje para encontrarse a si mismo, al mismo tiempo que lucha por no perder sus raíces estan en EUA.

Descripción

-Compañía con gran experiencia y prestigio

- Inspirados en las ilustraciones del libro original. -Basada en un mundo surreal y fantástico

Ganadora de los premios HOLA y ACE como “Mejor Producción Musical del Año”

Lo relevante

Telones multicolores que asemejan una carpa de circo La dirección artística está a cargo de Ricardo Vesga. La diferencia es que aquí, Pinocho se convierte en un niño muy rumbero, y el Hada azul es alegre y le gusta el reggaeton

Lo relevante

Juan Sebastián Parada niño de 12 años interpreta a Pinocho Juliana Velásquez con 15 años interpreta a Pepe el grillo Los actores adultos Ricardo Vesga, Jenny Lara, Fredy Torres y Jorge Rico.

Espectáculo bilingüe

-Estilo clásico y contemporáneo -Basada en un sueño

-Críticos mencionan que es una obra atractiva visualmente -Utilizan una marioneta gigante de Stromboli -Pinocho usa narices de diferentes tamaños -Mezcla de ballet con canto - Vestuario con estilo vanguardista, moderno y elegante -Sobrio y minimalista, sin exageración en los detalles -Perfectamente digerible a todo público

Historia narrada -Dinámica y comprensible -Inspiración antigua. -Escenografía con paisajes y colores suaves. -Coreografía no muy novedosa. -Vestuario con estilo figurativo, clásico y literal. -Colores cálidos y vivaces. -Iluminación oscura. -Espectáculo digerible al público.

Pinocho. - 157


fig. 136

fig. 135

fig. 138

Otras artes

Francisco Toledo

Mont Blanc

Jim Dine

Fredrik Ödman

Descripción

-Desde su infancia tuvo un acercamiento

-Celebra el aniversario del famoso escritor Carlo Collodi

- Artista pop considerado artista del movimiento Neo-dadaísmo.

-Artista digital, fotógrafo y manipulador de la foto

-Edición especial limitada de su producto.

- Artista plástico y pintor de los años 60’s

- Destaca la geometría en sus trabajos. -Parte de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara

Lo relevante

-Recrea Pinocho en una edición de lujo.

-Crudeza

-Líneas que simulan las betas en la madera

-Tonos pastel -No es infantil

-Dibujo de Pinocho

-Su trabajo transporta a las personas a un mundo entre la fantasía y la realidad -Le da a las fotos un toque de locura y de extravagancia

-Inspirada en su famosa obra Pinocho

-Figura toda una zoología juguetona

-Intensamente colorida

158 - Pinocho.

fig. 137

-Siempre vio como metáfora el hecho de que una vara de madera parlante se convirtiera en niño. -“Última transformación

-Sus imágenes exploran un mundo encantado -Refleja el dolor, y la fragilidad de Pinocho -Colores y tonalidades terrenales -Estilo surrealista


“We keep moving forward, opening new doors, and doing new things, because we’re curious and curiosity keeps leading us down new paths.” – Walt Disney

Pinocho. - 159


160 - Pinocho.


9.1 Escenografía 9.1.1

Elementos Técnicos del Teatro Tener en claro todos los aspectos técnicos del teatro, son la base del diseño escenográfico, ya que estos marcarían las pautas y bases esenciales a las cuales el diseño se iba a tener que moldear para adaptarnos a la estructura teatral ya determinada. Con visión más clara y concisa por medio de visitas a diversos teatros de la ciudad y entrevistas a especialistas en la disciplina, así, se logra tener un claro panorama de las normas y elementos técnicos establecidos para manejar un flujo adecuado y un diseño a la medida justa. Algunos de los elementos de escenografía esenciales para facilitar nuestro trabajo en el teatro son las tiras de cuerda, que son las que sostienen las varas donde cuelgan los telones, así como las varas electrificadas que van de la mano con lo anterior, ya que de estas, se conecta todo lo que vaya a requerir electricidad y por último, los puentes de desembarco ya que estos permiten la transición en los muros laterales elevados. Las áreas del espacio escénico son indispensables para ubicar los diferentes elementos técnicos y tener una visión más clara de cómo se verían beneficiados y en dónde convendría ubicar cada objeto. Lo anterior se ejemplifica en la intervención de Zaha Hadid del ballet de Minneapolis. Se ubicaron diferentes puentes y elementos para intervenir el espacio teatral, los cuales cambiaban de posición y los bailarines se adaptaban a los mismos. La iluminación es otro aspecto que toma un papel importante dentro de los elementos técnicos del teatro, ya que esta puede llevar al espectador a sentir diversas emociones con tan solo adecuar el nivel o el color de luz en cada escena.

Los aspectos técnicos de la iluminación deben conservar un orden, para así, poder lograr los efectos adecuados conforme el tiempo y la secuencia de escenas, éstas generalmente se encuentran ubicadas en las varas y atrás de las bambalinas. Esta parte es muy importante, ya que logra crear percepciones de tiempo o de espacio. Con la luz también se puede hacer que los espectadores pongan atención sobre alguna persona, o algún elemento en específico. La ambientación también toma un papel importante dentro de la iluminación, ya que es controlada y se consigue despertar emociones del público. Nuevamente se puede tomar como excelente ejemplo al ballet de Minneapolis ya que en esta obra Hadid empleó tres puentes de aluminio en los cuales, con ayuda de la iluminación a contraluz, lograron crear una ilusión de color y movimiento mezclando diferentes tonos de luz para así generar diferentes emociones al público. La fusión entre el sonido y la iluminación toman un papel importante que va de la mano con la escenografía, esto logra crear y ambientar momentos conmemorativos, emociones, sentimientos, percepciones del tiempo y lugares. Sin olvidar que la principal función de la luz es iluminar a los actores en escena. Al momento de considerar la música o sonido de una obra, siempre hay que tener en cuenta que existen problemas acústicos que no dependen del diseño escenográfico como el ruido del exterior, del público y el eco. Para este tipo de problemas hay soluciones técnicas recomendables como materiales acústicos que mejoran la calidad de sonido dentro de la sala del teatro. Estos materiales se clasifican en porosos y no porosos.

9.1.2

El Interiorismo en las Artes Escénicas El interiorismo en las artes escénicas es uno de los aspectos protagónicos en una obra. Esta parte muestra desde lo mínimo que se desea representar, hasta lo más extenso y general. La escenografía es el entendimiento total de la obra y junto con la utilería, la indumentaria y la tecnología multimedia se puede lograr un conjunto tan grande que parezca uno solo. La tecnología multimedia puede aportar en gran medida a una escenografía ya que facilita la creación de un lenguaje único y dinámico con el espectador. Además puede representar una atracción diferente para el público actual y potencial que afirma que las puestas en escena originales con efectos especiales los motivarían a asistir al ballet. En esta tecnología existen diversas maneras de crear un efecto de dinamismo, ya sea con video mapping o proyecciones. El video mapping ofrece una visual más didáctica porque juega con los relieves de la escenografía, da movimiento y crea más ambientación en el espacio. Para poder hacer esto, se tienen que considerar diversos aspectos técnicos como por ejemplo las tonalidades sobre las que se van a proyectar tienen que ser mas sobrias, de preferencia blanco para que los colores proyectados se puedan apreciar de mayor manera. También se tienen que considerar las medidas específicas de cada área o superficie para no desfasar la proyección o proyectar sobre alguna superficie no deseada y evitar “manchar” a los bailarines con la proyección o crear sombras indeseadas. La indumentaria es de gran importancia porque se encarga de hacer lucir las siluetas de los personajes y de darles el carácter que requieren. En la indumentaria se tienen que considerar los tonos y estilos de los atuendos, para que en conjunto con la escenografía el actor logre resaltar. En la escenografía, no solo se trata de pintar y montar decoraciones escénicas, es hacer arte con todos los elementos que se necesitan para lograr un montaje con el entendimien-

Pinocho. - 161


to total de la obra, esta, debe desarrollar la imaginación del usuario e invitarlo inconcientemente a cierta época o espacio determinado. Un ejemplo claro de esto, es el caso multidisciplinario de la obra el Rey León. Esta obra de Broadway fue una investigación tan intensa que logro crear un lenguaje teatral en donde se representaron animales a través de las características y habilidades humanas, en donde el sol de la Savannah se logro representar con pequeños elementos, que dieron espacio para que el publico pudiera imaginar y lograr ese conjunto perfecto. Este ejemplo es un logro de todo un concepto. Existen varios tipos de estilos escenográficos, con los que se puede hacer dar sentido a toda propuesta. Los estilos son los siguientes: Realista: Habla de conseguir la mayor apariencia del lugar de la historia, hacerle entender al publico de manera muy literal que se esta en determinado pueblo, ciudad o espacio, sin dejar oportunidad para imaginar otra cosa. Abstracto: Es un montaje que no tiene un tiempo específico ni un lugar. La mayoría de las veces esta conformada por elementos muy sencillos que ayudan a desarrollar la imaginación. Aquí, podemos incluir de nuevo el ejemplo de Zaha Hadid, en este, se puede apreciar un estilo abstracto porque usan ciertos objetos significativos y mucha parte del escenario queda libre para promover la expresión de los bailarines o actores. Naturalismo: Se relaciona de cierta manera con la escenografía relista ya que las características de esta, al igual que en el realismo son la expresión, a diferencia que aquí los problemas de la sociedad aparecen mas y pueden ser agresivos pero también reflexivos, y en el realismo se trata de ser creíble pero mas en cuestión de escenografía decorada. Sugerente: Logra crear un efecto escénico al tiempo que quita las cosas que no son necesarias o bien, combina pedazos de decoración realista junto con algunos elementos abstractos. En esta se sugiere una situación en tiempo y lugar correctos. Funcional: Se basa principalmente en las necesidades de los

162 - Pinocho.

intérpretes. Esta es la que mayormente se utiliza en los circos. Algo que no puede faltar en una escenografía es una seria de conceptos que se necesitan para que exista un equilibrio en la obra. Algunos de estos conceptos son: Marco, este abarca la embocadura del escenario. Continente, espacio se refiere al espacio donde se lleva a cabo la obra La gama de colores, las gamas cálida nos acercan y las gamas frías nos alejan. Espacio vital y funcional, es el espacio que marca el actor o bailarín dentro del espacio total. Centro de interés, se refiera a el área más importante de la escenografía. Equilibrio, se consigue a través de líneas y formas. Destaque, se refiere al área con mayor atención en un conjunto, la que mas debe llamar la atención. La variedad, es para no aburrir a la audiencia y dar dinamismo al espacio. Las reglas básicas para las instalaciones se tienen que tener en cuenta para evitar accidentes de cualquier tipo. Se debe tener un esquema de los movimientos que se van a realizar, especificar áreas de actividades designadas, direcciones de ciertos movimientos, contemplar entradas y salidas ya sean de los protagonistas y de el personal. Otro factor importante es tomar en cuenta los pesos de las estructuras. Se recomiendo siempre, utilizar materiales ligeros, flexibles, durables y manejables. Cuando todo esto se lleva a cabo de manera ordenada y correcta, se logra una exitosa escenografía, tal y como se comento anteriormente en el caso multidisciplinario del Rey León.

9.1.3

Proceso de Diseño de Escenografía Todo lo estudiado lleva a realizar propuestas de escenografía, en las cuales, se tiene que llegar a un acuerdo y definir el estilo con el que se va a realizar. La relación entre el acto y la escenografía es uno de los mayores retos que se tienen que afrontar al momento de diseñar, el acto tiene que resaltar antes que cualquier cosa. La escenografía, utilería, indumentaria y animación son complementos que hacen lucir a todo el conjunto Recordemos también, que la escenografía debe ser práctica, ligera y si es posible, modular. Esto, para lograr un fácil montaje, desmontaje y almacenamiento de los elementos, que la mayoría de las veces, los actos de montar y desmontar los realizan los tramoyistas. Durante el proceso de diseño se toman en cuenta los sentimientos que se quieren transmitir a los espectadores en cada escena. Al hacer un análisis con expertos en el tema, se dio la pauta para entender, que cada escena dependiendo de la historia, puede ser triste, alegre, estresante, etc. y así es como se tiene que elaborar. Una puesta en escena, debe tener total coherencia, es por eso que en la escenografía se busca tener alguna característica o elemento que unifique cada escena. Crear escenografía es invitar al usuario adulto a imaginar y para los niños crear una nueva experiencia divertida, innovadora e inimaginable. Como parte del proceso de diseño para aterrizar todas las ideas, existen 3 pasos muy importantes a seguir: El boceto. Este es el primer paso, ya que surgen las primeras ideas y a partir de sketches, colores y elementos, se va definiendo el diseño de la escenografía, esto puede ir cambiando siempre de manera favorable, hasta llegar a la propuesta definitiva. Los planos.


Cuando se tienen los sketches o dibujos, el siguiente paso son los planos, con medidas reales, las cuales hay que tomar en cuenta para la comodidad y facilidad de los bailarines o equipo de trabajo dentro del escenario, por ejemplo: las medidas del espacio que necesita el bailarín para realizar sus movimientos libremente y las medidas de los elementos dentro de la escenografía, para así facilitar los cambios de escenas. También se deben considerar las medidas estándar de los teatros, alturas, ancho y fondo de escenario, entre otras. La maqueta. El último paso es realizar la maqueta a una cierta escala ya que facilita el proceso para apreciar los elementos tridimensionales y ayuda a darnos cuenta de errores que no hayamos considerado. El diseño escenográfico engloba muchas cosas, desde sketches, materiales y hasta la iluminación del teatro, es por eso que todo debe ir de la mano y debe estar completamente balanceado para poder lograr que las escenas de la obra tengan armonía entre ellas y así hacer un caso de éxito.

9.2 Multimedia 9.2.1

Arte Digital Aplicado en las Artes Escénicas El Arte Digital ha ido transformándose dentro de distintas ramas artísticas. En este caso, específicamente en el teatro, en donde se ha desarrollado conceptualmente a través de la tecnología. La mezcla de estas dos grandes disciplinas, es decir, el arte y el teatro, ha sido muy compleja por parte de las artes escénicas. Existe una probabilidad de que lo digital opaque al espectáculo artístico que se esté presentando y los espectadores no admiren su arte. Pero los celos que hay entre estas dos competitivas disciplinas poco a poco han ido cambiando y las mismas compañías se han dado cuenta de que pueden hacer una mancuerna perfecta con un espectáculo más enriquecido. La experiencia que genera al público es estimular sensaciones nuevas creando un espacio físico intervenido por algún elemento multimedia, con el objetivo de que el espectador no pueda distinguir lo que es real o digital.

La multimedia ha transformado los espectáculos en experiencias sensoriales en las que el usuario interactúa más a lo que está acostumbrado. Esto ha generado muchos seguidores y sobre todo un nuevo público el cuál espera impresionarse con nuevas tendencias tecnológicas combinadas con el arte. Se ha demostrado la popularidad de los espectáculos incluso de un precio mucho mayor que el ballet maneja cuando se presenta un espectáculo o entretenimiento original y utilizando nuevos medios, es decir, sus elevaciones tecnológicas influyen de una manera positiva. Por ejemplo el antes ya mencionado caso de Klaus y Ars Electronica Futurelab, el cual es una combinación de la danza y lo digital, se ha dedicado a transformar el baile en una experiencia diferente con más movimiento e ilusión óptica. A partir de la entrevista realizada a la casa productora Eskua, se obtuvo un comentario en particular que es importante a considerar en espectáculos escénicos, en el que se menciona que el ballet siente celos debido a que con la multimedia le quita atención a los bailarines. Pero cualquier espectáculo artístico debe entender que con el arte digital no se busca opacar a nadie, sino complementar un espectáculo para generar una nueva experiencia.

Enfocándonos más en lo que es ballet clásico en conjunto con la intervención de lo digital en sus espectáculos, no ha destacado del todo su aportación debido a que el ballet es muy rígido y estricto, pero la tendencia los está moviendo a que se apoyen de los nuevos medios y hagan que luzca más su espectáculo. Es por esta razón por lo que se está proponiendo proyecciones que enriquezcan más el espectáculo y lo llene de magia. En las encuestas realizadas, lo que la gente busca en el Ballet de Monterrey es que cuente con más efectos especiales, es decir, que les muestren más espectáculo con nuevas tecnologías. El público quiere experimentar sensaciones nuevas que los motive a ir a ver el ballet y al mismo tiempo que logre complementar el mismo.

Pinocho. - 163


9.2.2

Arte en los Nuevos Medios

El videomapping está presente en la mayoría de las tendencias relacionadas al Arte Digital transformando fachadas de museos, escenarios, incluso hasta vestidos.

El Arte se manifiesta a través de distintas técnicas las cuales actualmente se basan principalmente en generar experiencias multimedia. La combinación de los medios análogos con la tecnología da como resultado los medios digitales, los cuales se representan con diferentes técnicas, siendo estas el medio para transmitir un contenido fuerte en base a un concepto en específico.

Es importante considerar los sitios webs como otro de los nuevos medios relevantes en la actualidad, los cuales proporcionan información, siendo este un hipermedio debido a l alcance mundial que tiene. Un sitio web contiene dese texto, gráficos, archivos multimedia e incluso archivos interactivos manejando un formato especial para sitios web.

La mayoría de las piezas artísticas destacadas en esta rama se basan en la interactividad con el usuario directa o indirectamente, en donde simplemente con ser un espectador es suficiente para que la obra cumpla su función. La comunicación es atractiva ya que al usuario le gusta “Jugar con la imaginación” y es algo admirable por el usuario, por lo cual cabe resaltar que el uso de la fantasía en conjunto con los efectos especiales es positivamente aceptado. Algunas de las principales técnicas que se utilizan para desarrollar los nuevos medios son comercialmente conocidas en el mundo cinematográfico. Un claro ejemplo de esto es la animación, con la reconocida película de Disney, Pinocho, la cual fue desarrollada en 1940 con la técnica de dibujo animado, en la que se dibujó cada fotograma para posteriormente pasar a la animación con ayuda de una computadora, dando la sensación de movimiento. Los usuarios encuentran un tanto conmovedora su infancia por lo que las películas animadas para niños es algo que tiene una gran influencia en ellos, realizar puestas en escena de algo clásico ha tomado ventaja de los éxitos comerciales de empresas como Disney. Por otra parte se han presentado un número considerable de espectáculos artísticos que han empleado el uso de proyecciones y videomapping, en donde se busca dar una sensación de tercera dimensión a través de efectos visuales generando la ilusión óptica de movimiento.

164 - Pinocho.

De acuerdo a la investigación: Los jóvenes se enteran de espectáculos culturales en mayor medida a través de las redes sociales. Las personas comentaron acerca de sus redes sociales de preferencia y que algunas de las aplicaciones para teléfonos móviles son muy útiles ya que les dicen las fechas de los eventos que se van a presentar en Monterrey. Es importante que además de utilizar las redes sociales se usen otros elementos para promoverse. Por ejemplo comunicarse a través de medios tradicionales porque los usuarios siguen teniendo un alto impacto. Las aplicaciones o más bien conocidas como APPs han conquistado el mercado de los usuarios de teléfonos inteligentes las cuales son programas que tienen la finalidad de intercambiar datos. Una de las tendencias menciona una aplicación para celular que maneja el concepto de realidad aumentada, la cual se basa en tomar una imagen de algo real para posteriormente transformándolo en algo digital (ya sea animación, video, etc.) Cada uno de los distintos nuevos medios funcionan como medios de distribución de información para compartir imágenes, videos, experiencias, ideas o simplemente un concepto y a través del tiempo han ido innovando en todos los aspectos para crear emociones en el usuario y proporcionar una realidad alterna.

9.3 Vestuario 9.3.1

Vestuario de Ballet en la Actualidad En la investigación que se llevo acabo concluimos que a través del tiempo el ballet ha desarrollado elementos característicos dentro de su estética, que actualmente son identificados como propios de la disciplina. Por ejemplo……A pesar de que en un inicio no fue así, con el tiempo se ha complementando el propósito de la utilización de cada prenda. Así mismo, con la aparición de textiles innovadores y de tecnología, como lo son…….. la disciplina tomó y se adapto a las nuevas tendencia para llegar al vestuario que conocemos en la actualidad. El objetivo del bailarín es contar una historia con su cuerpo, por ello es necesario enfatizar las líneas que se crean con el movimiento. Debido a esto, es que el vestuario de ballet clásico es tan limitado. Dentro de estos limitantes se requiere, con la ayuda de materiales elásticos y ligeros, COMO LO SON.. que la prendas enfaticen los músculos de los bailarines y acentúen e incluso lleguen a simular una figura alargada y ergonómica, que gracias al uso de colores monocromáticos y neutros permita crear la ilusión de un figura perfectamente estilizada. Todo esto sin olvidar que al mismo tiempo las prendas permitan realizar los movimientos con libertad para lograr efectuar la complicidad de la coreografía.


9.3.2

Tendencias en el Diseño de Modas Comprendimos la importancia de las nuevas tendencias aplicables dentro del vestuario, así como también que el ballet mismo es una tendencia aplicable a la moda. Es importante tomar todas aquellas que ayuden a realzar al bailarín y sobretodo cumplir con la estética especifica que cada personaje requiere, respetando la necesidad del bailarín para cada puesta en escena, teniendo como reto fusionar el diseño con la funcionalidad. Entre las tendencias otoño-invierno 2013/2014 mencionadas anteriormente, encontramos algunos elementos interesantes……….PINOCHO EN LAS COLECCIONES…

9.3.3

Proceso de Creación y de Confección Antes de la elaboración del vestuario, es necesario analizar y atribuir elementos claves a cada personaje, creando así su personalidad y su esencia, y poder comenzar a diseñar en base a estas características. No obstante, es imperativo partir de un estilo rector que conectará cada personaje, es decir, que pertenezcan a una misma colección. Los colores juegan un factor primordial en cada diseño, ya que estos proveen importancia a los personajes principales y superponen a los secundarios. Debe existir una congruencia entre los personajes de cada escena, cuidando que los personajes secundarios no opaquen a los principales y logrando una armonía entre ellos. En cuanto a Pinocho se refiere, comprendemos que es una historia clásica, con un estilo antiguo, pero colorido.

Es una historia cuyo propósito ha sido modificado con los años con el fin de impartir una moraleja, sobre todo a los niños. Pinocho es un personaje atractivo Al hacer algunas visitas tras bambalinas y a las instalaciones del Ballet de Monterrey tuvimos la oportunidad de analizar diversos tipos de prendas utilizadas en algunas de sus puestas en escena. Algunas de ellas tenían 4, 6 y hasta 8 años de antigüedad y seguían intactas debido al almacenamiento y cuidados que se les brinda constantemente. Como se mencionó anteriormente, en primera instancia tuvimos una apreciación como espectador en varias de sus puestas en escena desde donde tuvimos una perspectiva muy diferente al tener las prendas en nuestras manos. Siendo así, notamos como la iluminación requerida para cada escena es un elemento a considerar a la hora de la elaboración del vestuario ya que la luz, dependiendo del caso, puede modificar las tonalidades y las texturas deseadas. Al acercarnos a las prendas pudimos apreciar como es que la prenda es confeccionada y construida de una manera completamente diferente a cualquier otra prenda comercial e incluso de prendas exclusivas y artesanales. En base a esto, identificamos factores trascendentales a la hora de su elaboración como por ejemplo, cortes en la parte interna del brazo en el ángulo axilar de las camisas y sacos, así como en el encuarte de los mallones; la colocación de elásticos como refuerzo en las faldas y tutús, la manera de abrir y cerrar una prenda sin el uso de un cierre o de botones, entre muchas otras.

9.4 Comunicación integral 9.4.1 Medios Publicitarios Producto El producto que se realizará es la estrategia de mercadotecnia y planeación de medios publicitarios para la puesta en escena de “Pinocho” de la temporada otoño 2013 del Ballet de Monterrey; con el concepto rector CON MADERA DE FANTASÍA. La publicidad en la puesta en escena de “Pinocho” por parte de ballet de Monterrey es indispensable, ya que de nada sirve que todos los demás elementos sean de excelencia si el público no se entera de ello o del espectáculo, por esta razón el Ballet de Monterrey no puede perder de vista lo importante que es conocer los hábitos de consumo, estilo de vida y poder adquisitivo de su público actual y potencial. Estos datos son primordiales para poder crear una estrategia exitosa o de fracaso. Esto es muy fácil saberlo en el caso de Ballet de Monterrey, ya que se cuenta con una referencia amplia debido al número de puestas en escena que han expuesto, el caso de éxito mencionado por parte del director de Luis Serrano, fue el Lago de los Cisnes. “El Lago de los Cisnes fue un éxito rotundo, de hecho tuvimos que abrir nuevas fechas ya que la demanda fue tanta que la gente nos dio llenos completos en todas las funciones” menciono. La clave de éxito de esta obra fue que meses antes se estrenó la película del Cisne negro del director Darren Aronofsky, nominada como mejor película en el 2010. Por esta razón la inquietud y la curiosidad del público aumento y esto hizo que con poco esfuerzo publicitario el público acudiera, el ballet de Monterrey aprovecho el entorno a su beneficio.

Pinocho. - 165


El caso de fracaso publicitario más reciente del Ballet de Monterrey fue la temporada pasada de Otoño 2012 con la puesta en escena del la Bayadere, por que se considera como un fracaso, ya que no se lograron los llenos como en “Lago de los Cisnes” del año anterior, a demás de la publicidad visual era contradictoria con la puesta en escena. La obra era sumamente colorida, al contrario de la publicidad era una gama de grises y muy plana. Descripción de mercado potencial y actual: En la investigación se encontraron 5 tipos de perfiles, tres de ellos ya conforman parte de los consumidores actuales y otros dos son consumidores potenciales del Ballet de Monterrey. Los consumidores actuales más comunes de la compañía son los ballet lovers y los cheerleaders, estos son más aficionados al ballet, desean asistir al ballet cada vez que hay obras, y reconocen el prestigio del Ballet de Monterrey, pero sienten que deberían de haber más variedad de puesta en escena. Otro de los consumidores actuales, es el perfil categorizado como los condicionales, son aquellos que asisten al Ballet de Monterrey, solo les obsequian boletos, sienten que pueden apreciar el ballet pero únicamente asisten cuando tienen la oportunidad. El verdadero reto se encuentra en el mercado potencial o no consumidores estos están categorizados como los outdoor family y los machistas. Los campistas son aquellos que valoran las actividades en familia, pero sienten que el ballet es sólo para la gente que lo saben apreciar. Los patriarcados son los más renuente a asistir al ballet, ya que procuran realizar actividades que sean del gusto de la mayoría de los integrantes de la familia, pero no consideran al ballet como una opción por que lo califican como una cosa para mujeres.

9.4.2

Comunicación gráfica La comunicación gráfica es una de las partes más importantes de la marca, y esta basada en la identidad gráfica. El diseño gráfico dentro de las artes escénicas ha ido transformándose de un cartel informativo como lo solían hacer los antiguos romanos para anunciar los eventos de gladiadores, a toda una experiencia visual. El detonante de esta transformación fue la necesidad de lograr comunicar el mensaje a una exponencial de usuarios. Con la llegada de los medios masivos de comunicación la necesidad de tener una buena identidad de marca incrementó y por estos medios se facilitó la transmisión de ideas y branding. El diseño gráfico forma parte fundamental de la comunicación gráfica del ballet como en cualquier otra disciplina de las artes escénicas, la comunicación se basa en mostrar visualmente la esencia de la obra, seduciendo al espectador creando una intriga que provoca experimentar la obra y crear una experiencia visual en la cual se logre identificar la identidad de la marca en cualquier momento y lugar. Cuando dentro de la comunicación gráfica se mezclan diversos elementos del esqueleto de la obra, como indumentaria o escenografía se consigue una fusión que logra transmitir exitosamente la esencia de la misma. La comunicación gráfica ha sido influenciada por las artes escénicas en diferentes estrategias que poco tienen que ver con las misma, un ejemplo es la estrategia de comunicación de las librerías Ghandi en donde utilizan un tutú dentro de sus panorámicos, otro ejemplo fue la campaña publicitaria de Movistar para el día del padre del 2012 en la cual el hijo practicaba ballet. La creatividad es el común denominador de las estrategias de comunicación gráfica exitosas de las artes escénicas, en este caso de ballet. Desde propuestas innovadoras de BTL, consiste en el empleo de formas no masivas de comunicación para

166 - Pinocho.

mercadeo dirigidas a segmentos de mercado específicos en contacto directo con el usuario como por ejemplo en puertas giratorias impresas con imágenes que simulan piruetas de ballet, idea de Saatchi & Saatch; Hasta publicidad convencional en panorámicos en las ciudades donde se presenta la obra. Los usuarios expresaron que identifican una obra de ballet gracias al nombre conocido y a los anuncios panorámicos, la buena ubicación de los mismos es fundamental para el éxito de la comunicación; que sean atractivos y no pasen desapercibidos es la clave del éxito. El usuario joven se identifica con una buena publicidad en redes sociales, y afirma ser seguidor de marcas que muestran dinamismo y cosas interesantes referentes a la marca. Una de las tendencias más exitosas de la comunicación gráfica en el ballet son los panorámicos que hacen referencia a partes de la indumentaria de la disciplina, la idea de Publicis fue colocar unas zapatillas gigantes que anunciaban una obra y esta idea marcó la gran diferencia entre el éxito y el fracaso del evento. El BdM realiza 4 temporadas al año, las cuales cada una tiene una identidad grafica propia, se maneja publicidad impresa en panorámicos en partes de la ciudad muy especificas y en la publicidad digital se manejan las redes sociales. Para la publicidad actual no se realiza un estudio de mercado, ni una estrategia planeada de comunicación. La agencia que actualmente diseña la publicidad trabaja a discreción de los diseñadores, no existe ni si quiera una justificación del porque se utilizan ciertos colores o estilos. Una de las principales características que las campañas publicitarias recientes del BdM tiene es que ellos producen sus sesiones fotográficas in situ lo cual arroja un material base para crear la imagen grafica de las campañas poco creativo y sin variedad. Esto representa un área de oportunidad de diseño para mejorar la imagen publicitara en el futuro. “Es importante mantener el concepto del Ballet de Monterrey


que es muy monocromático. Aunque de un tiempo atrás a la actualidad se tiene una visión diferente del ballet mas contemporánea y mas dinámica, sería irse por ahí, darle mas frescura a lo clásico, ya que mucha gente considera lo clásico familiarizado con lo “aburrido” en especial por jóvenes . Por lo que sería conveniente representarlo de alguna otra manera igual más dinámico y diferente” menciono la Lic. Judith Estela Granados, representante de la agencia Cadena y Asociados, quienes han realizado la publicidad en las últimas temporadas.

9.4.3

Branding El branding consiste en manejar conceptos publicitarios estratégicos perdurables de forma independiente a cualquier campaña de comunicación, lógicamente la identidad gráfica de la marca es parte fundamental. Una empresa con un excelente branding es Apple, son reconocidos a nivel mundial gracias al diseño minimalista y al emblema de manzana que utiliza. Dentro de las artes escénicas un caso de éxito de branding es el musical “Wicked” ya que es reconocido por el público en general sin necesidad de haber asistido a la obra. El branding se refleja por medio de un sitio web interactivo, publicidad y souvenirs en este caso. Otro caso de éxito que vale la pena mencionar es la obra “El Rey León” siendo hasta hoy el mas exitoso y taquillero, utiliza muchos medios de publicidad desde anuncios panorámicos hasta redes sociales. Dentro del ballet, La Compañía de Ballet Ruso tiene un excelente branding, la concordancia de diseño entre su campaña de comunicación y su imagen es inmejorable, además de utilizar varios elementos de publicidad para mantener el branding de la marca.

El usuario se siente cómodo con marcas conocidas aunque no haya interactuado con la misma, por eso es fundamental que la marca tenga un branding exitoso.

y por lo tanto más presupuesto, teniendo de esta manera la posibilidad de aplicar la tecnología moderna en ventaja del ballet.

Una de las necesidades principales del Ballet de Monterrey es generar una marca y estilo propio que sea reconocido a nivel internacional. Logrando así crear un branding fuerte por medio de campañas de comunicación exitosas y memorables. Actualmente en la publicidad de imagen corporativa del BdM se maneja de forma limitada, principalmente en souvenirs como playeras, tazas y plumas.

Una de las tendencias principales en el diseño grafico son las propuestas para aplicaciones móviles, existen casos de aplicaciones que son funcionales gracias al buen diseño que contienen. Por ejemplo, en Estados Unidos existe una aplicación que remata los boletos de cine que no se vendieron, de esta manera se logra aprovechar toda la función llenando las salas. Los dispositivos móviles forman parte del día a día del publico, el BdM utiliza actualmente una aplicación la cual notifica al usuario acerca de las próximas obras y temporadas.

Dentro del branding existen elementos claves que se deben trabajar para conseguir el éxito de la marca. Uno de los principales es el nombre de la misma, debe de ser fácil de recordar y no se debe confundir con el nombre de otra marca. Otro elemento es la identidad corporativa, la cual tiene como objetivo principal ser la cara de la marca. Teniendo estos dos elementos trabajados y fomentados se busca posicionar la marca en la mente del consumidor.

9.4.4

Otra tendencia dentro de la comunicación de la marca es utilizar publicidad BTL para lograr un impacto favorable en el público, desde promocionar música en transporte público como se hizo en Nueva York hasta colocar elementos de ballet de gran tamaño en diversos puntos de la ciudad. En resumen las campañas publicitarias planeadas y pensadas logar impulsar una marca y en el caso especifico del ballet cumplen un papel vital para el éxito de una obra.

Tendencias en el Diseño Gráfico El común denominador de las tendencias es generar un impacto y lograr ser recordados por el mercado meta. Las tendencias aplicables para el Ballet de Monterrey en contraste con diseño gráfico, son utilizadas para realzar la promoción y el conocimiento del ballet, así como también el integrar a la sociedad un poco más hacía él mismo y volviéndolo más accesible para el público. Estas herramientas se pueden utilizar para obtener como ventaja principal un incremento en la culturización de las personas, así como una familiarización con el ballet mismo, utilizando este material se puede llegar a tener más ganancias

Pinocho. - 167


9.5 Diseño industrial 9.5.1 Utilería

El diseño industrial es fundamental para el desarrollo de la utilería y construcción de escenarios en espectáculos , de igual manera que los suvenires. Todos los productos resultantes en esta tesis respecto a diseño industrial se basan en las inspiraciones e investigaciones relacionadas con el ballet , su historia y el libro de Pinocho. Durante el desarrollo de todas las partes del proyecto, se han encontrado nuevas aplicaciones de materiales que no eran conocida8s para mí. El uso de nuevas tecnologías aparece como un factor importante para aplicar en un futuro en el ballet.

9.5.2

Materiales Sin materiales , cualquier desarrollo de producto no podría llevarse acabo . De tal manera que en la producción de escenarios y utilería para espectáculos es de suma importancia una elección apropiada de materiales . En esta tesis se han investigado diferentes aplicaciones para materiales que anteriormente resultaban poco conocidos para mi carrera. Usos como el del nylon y fibra óptica para generar cortinas luminosas entre otros efectos para el espectáculo. La utilización de elementos que son de fácil obtención , bajo costo y que no requieren de mucho trabajo .

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Tal es el caso de periódico , papel kraft , madera , hielo seco y pegamento . Todos estos elementos por si solos suelen ser de apoyo en prototipaje , sin embargo en un escenario constituyen gran parte de los elementos. Se hacen las estructuras del escenario en madera y son recubiertas con hielo seco y papel periódico o kraft, estos elementos pintados y utilizados de la manera adecuada , dan la impresión de ser otro material y una calidad superior .Generando una percepción diferente desde la perspectiva de los espectadores. De igual manera la utilería en el caso del Ballet de Monterrey es elaborada de elementos ya existentes , que suelen ser comprados en bazares y tiendas de antigüedades o elementos de cualquier tienda que les sea útil , para luego ser retocados y mejorados para el propósito de la obra. La pintura suele ser en spray y se dan detalles más manuales después. A pesar de los grandes avances en materiales que ha habido a nivel mundial en los últimos años , los materiales utilizados en la construcción de escenarios se ha mantenido fiel a las viejas técnicas de construcción por su bajo costo y fácil utilización. En caso de obras de mayor presupuesto y escala , los materiales cambian un poco. También se considera a la hora de elaborar un escenario , el tiempo que durara en escena , si tendrá que ser transportado y su almacenamiento. Hay elementos que como industrial no había considerado para utilizarlos en la construcción de estructuras. Y pensaba en cosas más elaboradas. Sin embargo , es importante considerar la magnitud de la asociación para la que el proyecto esta siendo desarrollado en función de que el presupuesto ,el escenario y la utilería se complementen en pro de nuevas propuestas de calidad superior a lo antes hecho.

9.5.3

Procesos Hoy en día existen una gran variedad de procesos para lograr los resultados deseados a la hora de construir un producto. Los métodos tradicionales, que implican absoluto trabajo manual y lo métodos más actuales que implican usos de nuevas tecnologías , automatización y materiales nuevos. La evolución de las nuevas tecnologías, medios de comunicación y la generación de nuevos materiales han permitido a esta profesión generar nuevas propuestas para el Mercado, haciendo el proceso de producción y de diseño mucho más rápido de lo que fue hace algunas décadas. En la actualidad, con el hecho de poseer una computadora es posible generar imagines ultra realistas de un producto sin necesidad de fabricarlo. De tal manera que la construcción del producto puede ser eliminada en las etapas iniciales de desarrollo y diseño , lo cual genera para las empresas y despachos de diseño ahorros significativos en el desarrollo de productos. Los avances tecnológicos en la maquinaria y los nuevos mercados emergentes con bajo costo de mano de obra, permiten maquilar y manufacturar miles pre productos e incluir cosas especializadas en cuestión de minutos. La personalización de muchos productos están al alcance de virtualmente cualquier persona. Un ejemplo de una nueva tecnología para generar prototipos son las impresoras en tercera dimensión , imprimen en diferentes polímeros y procesos para llegar al mismo resultado. Un producto generado o cualquier elemento hecho en un programa digital compatible con la impresora puede ser impreso en cuestión de horas o minutos dependiendo del tamaño y en una amplia gama de colores y acabados. Las impresoras también significan grandes ahorros en cuanto a dinero y tiempo refiere . Estas nuevas tecnologías han abaratado costos y tiempos en algunos ramos de la industria y aumentado el valor comercial de las cosas hechas a mano. Debido a la automatización de


procesos, hay productos que carecen de sentido humano. Es por eso que el marcado esta demandando productos hechos a mano , personalizados y únicos en su categoría al momento de adquirirlo, de tal manera que hoy en día existen diseñadores que se dedican a diseñar y hacer productos artesanales, apoyados de técnicas regionales y artesanos experimentados. También el factor sustentabilidad se ha vuelto un punto decisivo en la compra de productos . Los procesos en general aunque han evolucionado se han logrado fusionar para facilitar el trabajo de los diseñadores y artistas a nivel mundial. Los procesos industriales hoy más que nunca se han vuelto más flexibles y accesibles. En cuando a los procesos de fabricación de escenarios a nivel mundial , se mantienen muy apegados a sus viejas tradiciones y elementos de bajo coste como madera , periódico entre otros agregando nuevos materiales como fibra de vidrio, metales y polímeros.

hombre , desde grandes edificaciones hasta partículas inteligentes que ayudan al cuerpo humano a sanar. Todo este conocimiento se ha empezado a aplicar en el diseño de producto con resultados que si bien eran obtenidos antes era con mucho más tiempo y limitaciones que las presentadas ahora. Por otro lado el mundo de los espectáculos no se podía quedar atrás y ha tomado de diferentes ramas elementos para engrandecer sus espectáculos. Desde los nuevos programas para controlar la iluminación hasta sistemas para llenar espacios de agua como lo es el caso de espectáculo de Cavalia. Todos estos elementos facilitan para los desarrolladores de espectáculos , diseñadores de producto y artistas generar propuestas de gran valor y para todo tipo de presupuesto.

9.5.4

Nuevas tecnologías Las nuevas tecnologías evolucionan año con año, el desarrollo tecnológico mundial ha permitido a través de la investigación y la inversión un avance que supera los hechos en los 1900´s . Es por eso que los costos de fabricación y acceso a servicios y productos que antes era impensable de fabricar , vender , producir y distribuir. Hoy en día todos estos avances en ingeniería , medios masivos de información , diseño , materiales y la ciencia . Facilitan el trabajo de muchas personas alrededor del mundo . Dando herramientas para crear casi cualquier cosas imaginable por el

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170 - Pinocho.


OPORTUNIDAD El Público necesita artículos que le recuerden a la marca o a la experiencia de la obra sin embargo el Ballet de Monterrey únicamente cuenta con artículos promocionales genéricos y comprados. -Hallazgo Los encargados de mercadotecnia del Ballet de Monterrey necesitan generar propuestas de souvenirs que vayan de la mano con la identidad de su marca sin embargo muchos productos que promocionan, son genéricos y comprados.

relación a: Comunicación

OPORTUNIDAD Hacer más eficiente el tiempo de producción de artículos de utilería a través de programas CAD e impresiones 3D. -Hallazgo Los desarrolladores de utilería necesita utilizar procesos de prototipaje más eficientes por que a veces generar una pieza les lleva mucho tiempo.

relación a: Vestuario

-Hallazgo Los diseñadores de utilería sienten que los elementos que tienen para trabajar no son siempre los mejores por que carecen de automatización por lo tanto es necesario invertir en nuevas tecnologías que les facilite su trabajo. OPORTUNIDAD Utilizar materiales como madera y ensambles bien hechos para asegurar la durabilidad de la utilería fabricada.

Utilería

-Hallazgo Los escenógrafos necesitan reparar la escenografía y la utilería de manera rápida , por la temporalidad de las obras . OPORTUNIDAD Reutilizar materiales y fusionarlos con nuevos para regenerarlos y presentar propuestas visualmente más atractivas. -Hallazgo Los diseñadores desean hacer cosas de mayor calidad por que la competencia así lo hace sin embargo el presupuesto que utilizan no les permite mucha flexibilidad.

relación a: Escenario

-Hallazgo Los desarrolladores de utilería necesitan utilizar materiales reciclados de otras obras por que reduce costos , sin embargo necesitan materiales más duraderos. OPORTUNIDAD Utilizar Materiales Más resistentes y livianos de fácil almacenamiento como la fibra de vidrio. -Hallazgo Los desarrolladores de la utilería necesita utilizar materiales livianos y resistentes por que facilita su movimiento , sin embargo de vez en cuando utilizan materiales que son pesados y voluptuosos debido a las limitantes del presupuesto. -Hallazgo Los tramoyistas necesitan productos de fácil almacenamiento y transportación dentro del escenario, sin embargo a veces se generan escenarios poco prácticos y pesados dependiendo de las adaptaciones de la obra. OPORTUNIDAD Generar un punto de venta dinámico en donde diferentes usuarios se vean a pedir información e interactuar con él.

relación a: Comunicación

-Hallazgo El público potencial y activo no se siente identificad con la publicidad del BdM , necesitan una publicidad dinámica , divertida para que asistan a las obras.

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Oportunidad Se utilizarán prendas de un solo tono que le dará continuidad a la figura de cada bailarín haciéndolo parecer mas alargado. -Hallazgo Limitantes Los bailarines tienen que usar un vestuario con características muy especificas, que se identifican como propios e icónicos de esta disciplina, sin embargo la utilería y la tecnología pueden aportar mayor dinamismo al diseño. -Hallazgo Objetivo del bailarín El objetivo del bailarín es contar una historia con su cuerpo, por ello es necesario enfatizar las líneas del cuerpo que se crean con su movimiento. -Hallazgo Monocromáticos Los bailarines necesitan proyectar una figura estilizada, para crear una ilusión óptica para magnificar sus movimientos y enfatizar los del personaje.

relación a: Escenario

-Hallazgo Colores Los colores juegan un factor primordial en cada diseño, ya que éstos proveen importancia a los personajes principales y superponen a los secundarios.

Vestuario

Oportunidad Lograr captar la esencia de cada personaje por medio de la fusión entre el vestuario y el estilismo personificado de cada uno de ellos. -Hallazgo Evolución Los diseñadores de vestuario pueden verse inspirados por la tendencia “evolución industrial” destacando por ejemplo, los cortes en láser, cierres magnéticos, nuevas fibras, prendas libres de costuras, sin embargo todas esas innovaciones solo pueden ser factibles si se respetan los lineamientos del ballet clásico. -Hallazgo Detalles brillantes El público en general, y en especial el infantil, percibe detalles de puestas en escena porque puede ser lo que más recuerden de la misma, ya que la percepción de los niños es marcada por las primeras impresiones. -Hallazgo Impresión de vestuario El publico actual puede llegar a recordar una obra por la impresión que le causo el vestuario en imágenes publicitarias. Lograr captar la esencia de cada personaje por medio de la fusión entre el vestuario y el estilismo personificado de cada uno de ellos. -Hallazgo Los detalles El vestuarista debe velar en todo momento por la comodidad y seguridad del bailarín, pero sin descuidar los pormenores, como el peinado y los contratiempos en los detalles de costura que conservan la estética y apariencia dentro del escenario.

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relación a: Utilería


Oportunidad Se emplearán colores vívidos y brillantes que le otorguen jerarquía y distinción a cada uno de los personajes, mientras se crea un ambiente fantástico e infantil. -Hallazgo Monocromáticos Los bailarines necesitan proyectar una figura estilizada, para crear una ilusión óptica para magnificar sus movimientos y enfatizar los del personaje. -Hallazgo Detalles brillantes El público en general, y en especial el infantil, percibe detalles de puestas en escena porque puede ser lo que más recuerden de la misma, ya que la percepción de los niños es marcada por las primeras impresiones. -Hallazgo Colores Los colores juegan un factor primordial en cada diseño, ya que éstos proveen importancia a los personajes principales y superponen a los secundarios.

Vestuario

-Hallazgo Impresión de vestuario El público actual puede llegar a recordar una obra por la impresión que le causó el vestuario en imágenes publicitarias. Lograr captar la esencia de cada personaje por medio de la fusión entre el vestuario y el estilismo personificado de cada uno de ellos.

relación a: Escenario

Oportunidad Se emplearan elementos y detalles con bordados y textiles metálicos que al combinarse con la iluminación que logren crear un efecto visualmente mas atractivo y resplandeciente generando impacto en el espectador. -Hallazgo Detalles brillantes El público en general, y en especial el infantil, percibe detalles de puestas en escena porque puede ser lo que más recuerden de la misma, ya que la percepción de los niños es marcada por las primeras impresiones. Hallazgo #10 Iluminación El público puede percibir el vestuario de acuerdo al ángulo en el que se ubique dentro del teatro y los efectos de iluminación en el mismo de acuerdo a cada escena. -Hallazgo Impresión de vestuario El publico actual puede llegar a recordar una obra por la impresión que le causo el vestuario en imágenes publicitarias. Lograr captar la esencia de cada personaje por medio de la fusión entre el vestuario y el estilismo personificado de cada uno de ellos.

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Oportunidad Se dejarán las costuras de cada prenda de manera que se pueda modificar a la medida del bailarín al momento de ser requerido. -Hallazgo Vestuario compartido A algunos bailarines no les gusta compartir vestuario porque la talla estándar no se ajusta a sus medidas, pero para la compañía no es económicamente viable personalizarlo. -Hallazgo Limitantes Los bailarines tienen que usar un vestuario con características muy especificas, que se identifican como propios e icónicos de esta disciplina, sin embargo la utilería y la tecnología puede aportar mayor dinamismo al diseño. -Hallazgo Cambios de vestuario Los bailarines disponen muy poco tiempo para cambiar su vestuario, debido a la rapidez en la secuencia de las escenas Oportunidad Se realizarán los cortes necesarios en cada prenda con el fin de crear la ilusión de tener una silueta mucho más acentuada y estilizada.

Vestuario

relación a: Escenario

-Hallazgo Limitantes Los bailarines tienen que usar un vestuario con características muy especificas, que se identifican como propios e icónicos de esta disciplina, sin embargo la utilería y la tecnología puede aportar mayor dinamismo al diseño. -Hallazgo Objetivo del bailarín El objetivo del bailarín es contar una historia con su cuerpo, por ello es necesario enfatizar las líneas del cuerpo que se crean con su movimiento. -Hallazgo Comodidad Los bailarines requieren vestuario que sea cómodo, absorbente, porque prefieren evitar cualquier tipo de distractor que no les permita enfocarse plenamente en la coreografía. Oportunidad Se evitarán las varillas, los cierres y los botones para mayor seguridad del bailarín. -Hallazgo Limitantes Los bailarines tienen que usar un vestuario con características muy especificas, que se identifican como propios e icónicos de esta disciplina, sin embargo la utilería y la tecnología puede aportar mayor dinamismo al diseño. -Hallazgo Comodidad Los bailarines requieren vestuario que sea cómodo, absorbente, porque prefieren evitar cualquier tipo de distractor que no les permita enfocarse plenamente en la coreografía. -Hallazgo Evolución Los diseñadores de vestuario pueden verse inspirados por la tendencia “evolución industrial” destacando por ejemplo, los cortes en láser, cierres magnéticos, nuevas fibras, prendas libres de costuras, sin embargo todas esas innovaciones solo pueden ser factibles si se respetan los lineamientos del ballet clásico.

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relación a: Utilería


Oportunidad Se incorporarán materiales flexibles y elásticos con el uso de materiales rígidos para un mejor desempeño del bailarín en escena, sin mencionar los pormenores del diseño de vestuario de ballet. -Hallazgo Limitantes Los bailarines tienen que usar un vestuario con características muy especificas, que se identifican como propios e icónicos de esta disciplina, sin embargo la utilería y la tecnología puede aportar mayor dinamismo al diseño. -Hallazgo Comodidad Los bailarines requieren vestuario que sea cómodo, absorbente, porque prefieren evitar cualquier tipo de distractor que no les permita enfocarse plenamente en la coreografía.

relación a: Utilería

-Hallazgo Materiales Los bailarines requieren un vestuario elaborado de materiales frescos, flexibles y lisos porque esto les da seguridad al ejecutar su trabajo. Oportunidad Se hace un análisis de las tonalidades empleadas en la iluminación por escena, y se hace un comparativo con los colores de los vestuarios logrando que en conjunto se llegue a la tonalidad deseada en ambos.

Vestuario

-Hallazgo Colores Los colores juegan un factor primordial en cada diseño, ya que éstos proveen importancia a los personajes principales y superponen a los secundarios.

relación a: Escenario

-Hallazgo Iluminación El público puede percibir el vestuario de acuerdo al ángulo en el que se ubique dentro del teatro y los efectos de iluminación en el mismo de acuerdo a cada escena. Oportunidad Se confeccionará y construirá cada detalle del vestuario cautelosamente de manera que no exista la posibilidad de margen de error. -Hallazgo Limitantes Los bailarines tienen que usar un vestuario con características muy especificas, que se identifican como propios e icónicos de esta disciplina, sin embargo la utilería y la tecnología puede aportar mayor dinamismo al diseño.

relación a: Escenario Utilería

-Hallazgo Los detalles El vestuarista debe velar en todo momento por la comodidad y seguridad del bailarín, pero sin descuidar los pormenores, como el peinado y los contratiempos en los detalles de costura que conservan la estética y apariencia dentro del escenario.

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Oportunidad Se emplearán nuevas tendencias favorables en el diseño de vestuario, como prendas libres de costuras y el uso de materiales innovadores como luces LED’s que enriquecerán el valor de cada prenda. -Hallazgo Evolución Los diseñadores de vestuario pueden verse inspirados por la tendencia “evolución industrial” destacando por ejemplo, los cortes en láser, cierres magnéticos, nuevas fibras, prendas libres de costuras, sin embargo todas esas innovaciones solo pueden ser factibles si se respetan los lineamientos del ballet clásico. -Hallazgo Detalles brillantes El público en general, y en especial el infantil, percibe detalles de puestas en escena porque puede ser lo que más recuerden de la misma, ya que la percepción de los niños es marcada por las primeras impresiones.

Vestuario

relación a: Utilería

-Hallazgo Impresión de vestuario El público actual puede llegar a recordar una obra por la impresión que le causo el vestuario en imágenes publicitarias. Lograr captar la esencia de cada personaje por medio de la fusión entre el vestuario y el estilismo personificado de cada uno de ellos. Oportunidad Se emplearán pruebas de vestuario dentro de las instalaciones del teatro para confirmar que en efecto no exista algún cambio en las tonalidades de escenografía y vestuario respectivamente. -Hallazgo Iluminación El público puede percibir el vestuario de acuerdo al ángulo en el que se ubique dentro del teatro y los efectos de iluminación en el mismo de acuerdo a cada escena. -Hallazgo Los detalles El vestuarista debe velar en todo momento por la comodidad y seguridad del bailarín, pero sin descuidar los pormenores, como el peinado y los contratiempos en los detalles de costura que conservan la estética y apariencia dentro del escenario.

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relación a: Escenario


Oportunidad Diseñar los elementos escenográficos a medida que no se obstruyan las entradas y salidas. Existen elementos que pueden llegar a obstruir tales como los edificios de la villa, sin embargo hay que contemplar aberturas en las mismas para facilitar el flujo de los bailarines. -Hallazgo Entrada y salida Los bailarines necesitan tener muy en claro por donde van a integrarse y salir al escenario por lo que no puede haber obstrucciones en su entrada y salida. -Hallazgo Para los bailarines puede ser un obstáculo que los elementos escenografitos sean muy pesados ya que pueden llegar a dañar el Linneo, que es un recubrimiento especial para el suelo que utilizan.

relación a: Vestuario

Oportunidad Se optimizo el diseño de la escenografía para lograr un mejor funcionamiento al momento de que los tramoyistas cambien cada escena, así mismo se enumero cada telón para evitar confusiones.

Escenario

-Hallazgo Riesgos del teatro Los tramoyistas requieren saber con certeza los tiempos en que las varas que se van a mover, ya que cualquier retraso o equivocación puede dar lugar a un desfase en las escenas de la obra.   Oportunidad Diseñar de acuerdo a una paleta de colores y a los tonos de iluminación, mismos que siguen una secuencia durante la obra. -Hallazgo Concepto unificado Los diseñadores requieren un concepto rector con el objetivo de unificar cada escena y plasmarlo a través de diferentes linóleo. -Hallazgo Balance escénico Los diseñadores necesitan tomar muy en cuenta el equilibrio, variedad y destaque ya que estos elementos rigen el balance a las diversas escenas.

relación a: Vestuario Multimedia

-Hallazgo Color del sentimiento El público siente lo que transmite cada escena a través de o diferentes elementos escenografitos, pero uno de los más importantes es la gama de colores. Oportunidad Aprender y analizar la historia para poder diseñar las escenas de acuerdo al momento y sentimiento de cada capítulo. -Hallazgo Esencia de la obra El escenógrafo necesita adecuarse a la esencia y sintonía de la obra marcada por el director basándose en el trasfondo de la historia o sus diversas interpretaciones.

relación a: Comunicación

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Oportunidad Manipular la iluminación en las diferentes escenas para crear misterio, alegría, fantasía y diferentes etapas del día. -Hallazgo Sensibilidad teatral Los diseñadores de escenografía necesitan capacidad para detectar los diferentes sentimientos y emociones que se quieren expresar en la obra y tener la delicadeza para que el usuario logre captarlos de la manera deseada. Oportunidad Se aprovecharon las piernas (telones laterales) cubriéndolas de manta para crear una perspectiva y a la vez hacer la escena mas completa.

Escenario

-Hallazgo Aprovechando el escenario Los diseñadores de escenografía perciben que se debe aprovechar al máximo las piernas (telones laterales) ya que a la hora de montar elementos y telones estas pueden ser de gran provecho para mostrar diferentes perspectivas u optimizar el espacio en la escenografía. Oportunidad Se implementan proyecciones de video mapping en elementos específicos medidas muy detalladas para crear movimiento y textura. -Hallazgo Concepto unificado Los escenógrafos aprovechan los elementos tecnológicos que hay actualmente para implementarlo en la escenografía Oportunidad Crear elementos modulares y ligeros para que sea más funcional el momento de montaje, desmontaje y almacenamiento. -Hallazgo Obstáculos escenografitos Los tramoyistas sienten que la escenografía es muy complicada de montar, desmontar y almacenar por las grandes dimensiones y peso de los materiales que se manejan.

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relación a: Escenario

relación a: Multimedia

relación a: Utilería


Oportunidad Se adaptarán medios digitales como el video mapping y la animación para crear un ambiente de fantasía y magia que envuelva al espectador en todas las escenas de la obra. -Hallazgo Elementos Digitales Los creativos de las artes escénicas desean generar nuevas experiencias en el público para estimular sensaciones nuevas a través de elementos que no son comúnmente utilizados como el Arte Digital. -Hallazgo Ventaja Competitiva El público actual y potencial está expuesto a una amplia variedad de eventos artísticos y actividades de entretenimiento, sin embargo, el Ballet de Monterrey necesita elementos que le den una ventaja competitiva para captar más espectadores.

relación a: Escenario Comunicación

-Hallazgo Espectáculo Original Los usuarios sienten que es justo pagar un precio elevado por un espectáculo original porque esperan impresionarse con las nuevas tendencias.   Oportunidad Las animaciones tendrán efectos suaves que complementen a la escenografía y manteniendo la estética del ballet.

Multimedia

-Hallazgo Apoyo de los nuevos Medios Los usuarios piensan que el ballet es rígido y estricto pero la tendencia lo está orillando a que se apoyen de los nuevos medios para lucir el espectáculo. -Hallazgo Experiencia multimedia Los artistas sienten que a través de distintas técnicas generan experiencias multimedia por que es un medio para transmitir un contenido fuerte en base a un concepto en específico. Oportunidad Se promoverá al Ballet de Monterrey a través del Internet y sobre todo de redes sociales como facebook, twitter y youtube para enfocarse más a los jóvenes. -Hallazgo Imaginación comunicativa Al usuario actual y potencial le gusta experimentar con la imaginación y el arte, sin embargo, el ballet de Monterrey necesita generar un lazo con los usuarios de comunicación más fuerte aprovechando ese hecho.

relación a: Comunicación

-Hallazgo Sitios web El ballet de Monterrey necesita considerar los sitios web como nuevos medios porque los jóvenes se enteran de espectáculos por medio de redes sociales. Oportunidad Se realizará la obra de Pinocho de Disney pero en una versión de ballet, la cual no ha sido vista anteriormente. -Hallazgo Recuerdos de infancia Los promotores del ballet necesitan realizar puestas en escenas de películas infantiles porque generan en los usuarios recuerdos de su infancia.

Pinocho. - 179


Oportunidad Publicidad en puntos específicos de la ciudad en donde se encuentra el público actual y potencial, alguna de las ubicaciones elegidas son plazas comerciales, activaciones en San pedro de Pinta, Macro plaza cerca del museo de historia mexicana, spots de radio y televisión, además de panorámicos y rotulación de rutas urbanas. -Hallazgo Relación duradera El público potencial necesita que el Ballet de Monterrey genere una relación cercana así como lo han logrado las grandes marcas, sin embargo, el inconveniente de la falta de recursos limita la estrategia creativa.

relación a: Comunicación

-Hallazgo Obra y marca El público actual recuerda el nombre y la marca del Ballet de Monterrey pero no recuerda el resto de la información del contenido de la publicidad. -Hallazgo Publicidad dinámica El público potencial y actual no se siente identificado con la publicidad del Ballet de Monterrey, ellos necesitan una publicidad dinámica y divertida para que asistan a las obras. Oportunidad Mejorar y complementar de manera atractiva e innovadora la comunicación en internet, trabajando en Facebook, YouTube y Apps.

Comunicación

-Hallazgo Relación duradera El público potencial necesita que el Ballet de Monterrey genere una relación cercana así como lo han logrado las grandes marcas, sin embargo existe el inconveniente de la falta de recursos que limitan la estrategia creativa. -Hallazgo Comunicación con la marca El público actual y potencial, necesita una manera más directa para comunicarse con la marca porque la encuentran lejana y conocen muy poco acerca de la misma.

relación a: Multimedia

-Hallazgo Publicidad dinámica El público potencial y actual no se siente identificado con la publicidad del Ballet de Monterrey, necesitan una publicidad dinámica y divertida para que asistan a las obras. -Hallazgo Internet y dispositivos móviles El público actual y potencial necesita informarse de actividades de entretenimiento a través del internet y dispositivos móviles, sin embargo el Ballet de Monterrey, no ha aprovechado estos medios de difusión. Oportunidad Publicidad dinámica, atractiva y diferente; Aplicable a todos los medios, con interferencia indirecta de un adelanto del contenido escenográfico . -Hallazgo Relación duradera El público potencial necesita que el Ballet de Monterrey genere una relación cercana así como lo han logrado las grandes marcas, sin embargo existe el inconveniente de la falta de recursos que limitan la estrategia creativa. -Hallazgo Publicidad dinámica El público potencial y actual no se siente identificado con la publicidad del Ballet de Monterrey, necesitan una publicidad dinámica y divertida para que asistan a las obras.

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relación a: Escenario


Oportunidad Dentro de la campaña publicitaria ya establecida informar al publico de manera clara y dinámica sobre el ballet en general y el Ballet de Monterrey en especifico, aplicado también en micro sitio. -Hallazgo Escasa educación El público potencial siente que le falta conocer sobre el ballet. por lo tanto no lo valora, ya que nunca se le ha educado de forma dinámica acerca del mismo. -Hallazgo Obra y marca El público actual recuerda el nombre y la marca del Ballet de Monterrey mas no recuerda información sobre el contenido de la obra. -Hallazgo Internet y dispositivos móviles El público actual y potencial necesita informarse de actividades de entretenimiento a través del internet y dispositivos móviles, sin embargo el Ballet de Monterrey no ha explotado estos medios de difusión.

relación a: Multimedia

Oportunidad Crear identidad corporativa de la obra dando un giro distinto a lo existente logrando la remembranza en el público actual y potencial.

Comunicación

-Hallazgo Obra y marca El público actual recuerda el nombre y la marca del Ballet de Monterrey mas no recuerda información sobre el contenido de la obra. -Hallazgo MOTIVOS El público potencial siente que el Ballet de Monterrey no ofrece una propuesta que concuerde con el gusto y preferencias de toda la familia en cuestión de entretenimiento, pero posiblemente ellos si asistirían al Ballet si éste les comunicara algo innovador a través de una publicidad que les haga sentir empatía. Oportunidad Crear una campaña publicitaria que revele nuevos elementos en la obra y que se entienda sin que el público sea experto en el tema. -Hallazgo Obra y marca El público actual recuerda el nombre y la marca del Ballet de Monterrey mas no recuerda información sobre el contenido de la obra.

relación a: Escenario Multimedia

-Hallazgo Motivos El público potencial siente que el Ballet de Monterrey no ofrece una propuesta que concuerde con el gusto y preferencias de toda la familia en cuestión de entretenimiento, pero posiblemente ellos si asistirían al Ballet si éste les comunicara algo innovador a través de una publicidad que les haga sentir empatía.

Pinocho. - 181


Oportunidad Crear una campaña publicitaria que informe claramente y repetitivamente el lugar y las fechas de las puestas en escena. -Hallazgo Difusión El público actual y potencial necesita enterarse de cuándo son las fechas y el lugar en las cuales se presentan las puestas en escena, por que si no se enteran de ellos no asisten. -Hallazgo Crear una campaña publicitaria el cual resalte que la puesta en escena es original y nueva. Mas proporcione información clara y directa. -Hallazgo Nuevas propuestas El público actual siente que ya conoce todas las obras del Ballet de Monterrey y necesita que ofrezcan puestas en escena nuevas y originales para verse mas motivados a asistir a las mismas. -Hallazgo Comunicación con la marca El público actual y potencial, necesita una manera más directa para comunicarse con la marca porque la encuentran lejana y conocen muy poco acerca de la misma.

Comunicación

-Hallazgo Publicidad dinámica El público potencial y actual no se siente identificado con la publicidad del Ballet de Monterrey, necesitan una publicidad dinámica y divertida para que asistan a las obras. -Hallazgo Mercado Potencial El público potencial, necesita que el Ballet de Monterrey haga algo para llamar su atención, por que no saben quienes son. Oportunidad Crear una campaña publicitaria que cree empatía con todos los perfiles, que sin importar su estilo de vida la obra tendrá algo que ofrecerles. -Hallazgo Oferta El público actual y potencial desea tener actividades de entretenimiento innovadoras y prefieren invertir más en esa clase de espectáculos que pagar un costo menor para espectáculos sin una propuesta diferente. -Hallazgo Estilo de vida Existen diferentes perfiles de público actual y potencial la diferencia entre ellos radica básicamente en sus estilos de vida y necesitan actividades de entretenimiento que sean del agrado de todos los miembros de la familia, pero Ballet de Monterrey aun no ha logrado esa empatía con todos ellos, especialmente en el público potencial.

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relación a: Multimedia


“Design is the intermediary between information and understanding.” – Richard Grefé

Pinocho. - 183


Design is a plan for arranging elements in such a way as best to accomplish a particular purpose. â&#x20AC;&#x201C; Charles Eames


186 - Pinocho.


11.

El Proyecto

11.1

La obra Definimos una sinopsis para la historia, dividia por escenas. Aquí la mostramos en el formato que se utiliza para el programa de mano de un ballet. Primer Acto Escena 1- Casa de Gepetto En un pequeño pueblo italiano, en una humilde casa, Pepe Grillo observa como el carpintero Geppetto, en compañía de sus mascotas Fígaro y Cleo, se encuentra terminando los últimos detalles de su nueva creación, una marioneta a la cual decide poner el nombre de Pinocho. Al terminarla, se da cuenta que ya es tarde y se va a la cama, pero antes, pide a la estrella de los deseos que su marioneta cobre vida. Entre la noche, un hada en forma de estrella, el Hada Azul, se acerca a la casa de Geppetto para cumplir su deseo, sin embargo ésta le advierte que tiene que estar a prueba y que Pepe grillo será su guía en manera de conciencia en esta aventura. Pinocho despierta a Geppetto y éste queda sorprendido al encontrar a su marioneta con vida. Muy felices, festejan hasta quedar rendidos y se van a dormir, pues al día siguiente Pinocho tendría su primer día de clases. Escena 2 -Calle del pueblo. Pinocho sale caminando muy feliz de su casa a la escuela, y en el trayecto se encuentra con

Segundo Acto: un Zorro y un Gato que lo persuaden con mentiras y falsas promesas de que es mejor ir al teatro de títeres que acudir a la escuela. Pinocho cree en ellos y accede. Escena 3 -Teatro de los títeres Las marionetas y arlequines conocen a Pinocho y se emocionan tanto con su presencia que lo suben al escenario; el show es detenido debido a que el titiritero se enoja por esta situación. El titiritero Strómboli encierra a Pinocho en una jaula, negándole su petición de regresar a casa. Pepe Grillo, cauteloso, llega al rescate de Pinocho, quien se encuentra llorando. Al explicarle el motivo por el que se encontraba encerrado, comienza a decir mentiras, así que su nariz empieza a crecer y crecer mientras sigue mintiendo. El Hada azul interviene y ayuda a Pinocho, logrando que éste diga la verdad y haciéndole prometer que jamás volverá a decir mentiras. Aceptando la propuesta, Pinocho en compañía de Pepe grillo, escapan. Escena 4 - Calle del pueblo. Ya una vez de vuelta en las calles, Pinocho va corriendo para ir a la escuela, cuando por segunda vez se encuentra con el zorro y el gato quienes lo convencen de ir al Pueblo de la felicidad y no a la escuela. Pinocho se va con ellos en una carreta llena de niños, entre ellos Polilla quien inmediatamente se hace amigo de Pinocho, dejando atrás a Pepe grillo.

Escena 1-Pueblo de la felicidad. Pinocho llega al pueblo de la felicidad bajo la influencia de Polilla, al ver que todos los otros niños la pasaban bien, Pinocho comienza a jugar y comer muchos dulces. Pepe Grillo llega y trata de persuadirlo para que regrese a la escuela, pero Pinocho lo ignora. Cuando al amigo le empiezan a salir orejas y cola de burro, Pinocho se asusta, pero se asusta aún más cuando vé que le están empezando a salir a también a él. Pepe Grillo llega a rescatarlo y lo saca de ahí. Escena 2- Calle del Pueblo Pinocho, casi convertido en burro, regresa a casa en busca de Geppetto, pero cuando llega una paloma le informa que su padre está en el mar dentro de una ballena y él llora de tristeza.

su huida Pinocho se desvanece, Geppetto lo cree muerto y se lo lleva a casa. Escena 5-Casa de Gepetto Tristes por la muerte de Pinocho, Geppetto, Pepe Grillo, Cleo y Fígaro están dándole el último adiós cuando aparece el hada y dice: “Prueba que eres bueno, sincero y generoso y serás un niño de verdad”. En ese momento Pinocho abre los ojos y Geppetto desconcertado se da cuenta de que ya no es una marioneta, ahora es de carne y hueso. En ese instante Geppetto comienza a celebrarlo bailando con Pinocho y pone todos los relojes de su casa a sonar. El Hada Azul resplandeciente da a Pepe Grillo una medalla de conciencia oficial por su buen trabajo.

Escena 3-El mar. Pinocho llega a la playa gracias a la paloma que lo transporta hasta ahí. Entonces él se tira al mar en busca de Geppetto. Escena 4- La ballena Pinocho se aventura en la búsqueda de su padre al mar y es tragado por la gran ballena en donde se reencuentra con su padre, Fígaro y Cleo. Juntos buscan una forma de escapar y se les ocurre encender fuego para así provocar el estornudo de la ballena y ser libres. En

Pinocho. - 187


11.2 Concepto 11.2.1 Inspiración

De acuerdo al objetivo general de este proyecto y analizando los elementos característicos de la historia de Pinocho que están presentes, tanto en la historia original como en las diferentes versiones que se han creado, realizamos un estudio de posibles conceptos rectores para el proceso de diseño de la presente propuesta. Encontramos que la frase “Con Madera de Fantasía” resume los elementos que proyectaremos en el desarrollo creativo de cada una de las áreas y de la obra completa.

11.2.2

Inspiración visual

El concepto de inspiración surgió a base de un ejercicio de ideas que fueran congruentes con la naturaleza de la historia, la disciplina del ballet y el público al que va dirigida. Los conceptos más importantes que se generaron fueron: Brilloso: Con esta palabra englobamos la luminosidad a algo que esta relacionado con todo lo que es fantástico y en ocasiones fuera de nuestro alcance, por ejemplo el espacio, la cosmología y astrología en general. Lo tomamos, como un término que se refiere a la luz y así pudimos inspirarnos con destellos y elementos reflejantes. Rustico: Gracias al termino rustico, nos inspiramos en la integración de la naturaleza y el campo, que se comprenden por elementos sencillos y económicos. Con este termino pudimos tomar los tonos tierra que se usan y pudimos destacar también el uso de la madera y la piedra, ambos con acabados muy naturales o desgastados. Antiguo: Antiguo nos inspiró para crear algo que pareciera que existe desde hace mucho tiempo, con elementos viejos que puedan remontarnos a una época pasada. Vivo: Nos dio a imaginar algo que esta lleno de vida, que es intenso, colorido y con gran fuerza y energía. Es así, como esta hecha esta propuesta.

188 - Pinocho.

Efectos: Nos inspiramos para poder crear ilusiones ópticas y audiovisuales para que el espectador quede sorprendido y se rompa la monotonía a la que están acostumbrados en este tipo de obras escénicas. Fantasía: Lo tomamos como algo sumamente imaginativo, algo que no puede pasar en la vida real. Nos inspiró en colores y destellos que están muy relacionados con el brillo. Magia: Se pensó en lograr efectos, que valiéndonos de trucos y elementos técnicos se pueden lograr para así poder engañar al espectador y poder darle pie a que imagine cosas que están fuera de toda lógica y naturaleza. Misterio: Nos inspiró a crear momentos obscuros ya que el misterio es algo que no se puede explicar. La mayoría de la veces cuando existe un misterio la gente tiende a interesarse porque en caso de ser revelado podría ser sorpresivo o llamativo, es algo que genera intriga, algo que lo vuelve emocionante. De acuerdo a este ejercicio se inició el proceso creativo por disciplina para desarrollar el diseño de producción general para la obra de Pinocho, teniendo como tema de inspiración

“CON MADERA DE FANTASÍA”

11.2.3

Aplicaciones Basados en la identidad del proyecto y la inspiración, a continuación se presentan las propuestas de diseño de todas las áreas involucradas.


931 .gif

Pinocho. - 189


11.3

11.3.2

Inspiración

11.3.4

Introducción

Nuestra inspiración esta basada en el concepto rector “ CON MADERA DE FANTASIA”, que nos dio pie a imaginar texturas y formas. Por ejemplo, en la madera se dan distintos tipos de acabados, que crean texturas diferentes y las aplicamos en elementos de la escenografía. Otros elementos de inspiración fueron las betas de los troncos; analizamos y utilizamos sus formas orgánicas y asimétricas, su color y espesor.

En la implementación de colores nos basamos en los sentimientos que se quieren transmitir en cada momentos de las escenas, usando la psicología del color; sentimientos como : alegría, miedo, tristeza, emoción, entre muchos más. Decidimos jugar con las tonalidades que varían dependiendo de cada escena y logramos hacer una fusión entre los colores de los vestuarios, de manera que ambas puedan resaltar.

Para poder realizar una propuesta escenográfica de la obra de ballet Pinocho, tuvimos que darnos a la tarea de investigar sobre las tendencias en diseño y técnica, para así poder aterrizarlas de la misma manera.

Con respecto a la fantasía, dimos rienda suelta a la imaginación, pensando en elementos técnicos que pueden lograr grandes trucos para sorprender al público. Aprovechamos que la fantasía está llena de colores vivos y brillantes y junto con lo anterior, poder lograr la ilusión óptica que se propone.

Propuesta de producción (Arquitectura de Interiores)

11.3.1

Nos dimos cuenta que un factor importante en la escenografía, es la funcionalidad y la practicidad. Es por eso, que decidimos diseñar, una escenografía plegable para así hacerla más funcional. Para lograr un mayor impacto, tomamos la decisión de trabajar en conjunto con la carrera de arte digital y crear proyecciones y video mapping en la escenografía

190 - Pinocho.

11.3.3 Estilo

El arte que decidimos implementar en la escenografía es en su mayoría figurativa, ya que la historia se lleva a cabo en un pueblo antiguo de Italia y así es como se tiene que representar, mas no impide, que le demos un poco de estilo surrealista para seguir dando énfasis a la fantasía.

Paleta de colores

11.3.5

Materiales Manta cruda Pintura Berel y Doal Madera Metal Clavos Pegamento blanco Bisagras Hule espuma Papel maché


11.3.6

Proceso de diseño Nuestro proceso comenzó con sketches, los cuales se fueron modificando cada vez más, hasta llegar a nuestro objetivo final, que cumple con los requerimientos deseados. Al concluir con este paso, para continuar con nuestro proceso de diseño, se requieren planos, ya que es muy importante tener en cuenta medidas exactas para cumplir con la necesidad del cliente. Para lograr tener una idea mas clara sobre materiales y texturas, exportamos nuestras ideas en nuestra propuesta de maqueta, con el objetivo de aterrizar los materiales adecuados para nuestro diseño.

fig. 140 fig.

141 fig. 145

Pinocho. - 191


fig. 142

11.3.7

Propuesta

Para crear la propuesta de cada escena, analizamos los momentos y sentimientos que se necesitan proyectar.

VILLA (PRIMER ACTO, ESCENA 1) - Sentimiento: alegría, emoción. - Momento: Geppetto construye la marioneta, pide un deseo a la estrella fugaz, se presenta el hada, pinocho se convierte en marioneta. (SEGUNDO ACTO, ESCENA 2) - Sentimiento 2: - Momento 2: Pinocho, casi convertido en burro, regresa a casa en busca de Geppetto, En esta escena se trató de hacer formas orgánicas para que fuera mas amigable para los niños, ya que de lo contrario, se puede percibir de manera agresiva y causar miedo o tensión.

192 - Pinocho.

Al comenzar a diseñar, se tomó de referencia la región italiana La Toscana. El principal elemento dentro de la escena es la casa de Geppetto, que está hecha de madera, por ser un estilo rústico. Existen otras estructuras de casas dentro de la misma escena, para lograr que el público se sienta dentro de ella, cuenta con pasillos donde los bailarines pueden entrar y salir por las puertas. Otro elemento muy importante que va muy de la mano con la escenografía es la iluminación, ya que representa los tiempos como el día, atardecer y anochecer, y cuenta con un fondo que sirve para darle continuidad al pueblo de la villa. Con el conjunto de todos estos elementos se logra la fantasía.


fig. 143

fig. 144

Pinocho. - 193


fig. 146

fig. 147

194 - Pinocho.


fig. 148

CASA GEPETTO (PRIMER ACTO, ESCENA 2) - Sentimiento 1: Ilusión, tranquilidad, anhelo, esperanza, positivismo. - Momento 1: Pinocho se levanta en la mañana y sale a la calle. (PRIMER ACTO, ESCENA 4) - Sentimiento 2: alegría y emoción. - Momento 2: Pinocho se encuentra con el zorro y el gato. (SEGUNDO ACTO, ESCENA 5) - Sentimiento 3: tristeza, desolación. - Momento 3: Geppetto y sus mascotas están tristes por la supuesta muerte de Pinocho.

-Sentimiento 4: tristeza y resignación. - Momento 4: velando a Pinocho. - Sentimiento 5: esperanza. - Momento 5: llega el Hada y promete ayudar a Geppetto, siempre y cuando Pinocho sea bueno. - Sentimiento 6: festejo - Momento 6: Pinocho se convierte en niño. La casa de Geppetto forma parte de la villa, es un elemento giratorio, con vista exterior, que al girar se convierte en el único elemento de la escena gracias a que el fondo desaparece y cambia la iluminación a ser dirigida solamente hacia el interior, resaltando la casa.

Pinocho. - 195


fig. 149

fig. 150

196 - Pinocho.


fig. 151

Pinocho. - 197


TEATRO DE TÍTERES (PRIMER ACTO, ESCENA 3) - Sentimiento 1: Maldad, engaño, confusión, duelo, conciencia. - Momento 1: Impotencia, arrepentimiento y miedo.

fig. 152 En el teatro de los títeres utilizamos una gama de colores cálidos, lo que se quiso transmitir es un sentimiento de confusión y un poco de terror ya que es el lugar donde Pinocho queda atrapado; para lograr transmitir este momento, se diseñó un elemento sorpresa el cuales una estructura de herrería que en algún momento de la escena se transforma en jaula. Se utilizó una proyección de unas manos las cuales representan el control de los títeres bailarines.

198 - Pinocho.


fig. 153

fig. 154

Pinocho. - 199


fig. 155

200 - Pinocho.


PUEBLO DE LA FELICIDAD (SEGUNDO ACTO, ESCENA 1) - Sentimiento 1: Alegría, emoción, rebeldía. - Momento 1: Pinocho llega al pueblo de la felicidad. - Sentimiento 2: Perdón, esperanza, arrepentimiento y mentira. - Momento 2: Los niños se empiezan a convertir en burro. - Sentimiento 3: alegría, esperanza, alivio. - Momento 3: llega Pepe grillo a rescatar a Pinocho.

fig. 156 En esta escena colorida, llena de dulces y diversión se representa un lugar sin limites donde Pinocho pasa por una experiencia desagradable debido a su desobediencia. La gama de colores que se utilizó son brillantes y vivos. Para generar movimiento en la escena se agregó una proyección al fondo de un parque de diversiones donde existe felicidad y maldad al mismo tiempo, con ayuda de video mapping se proyecta también una rueda de la fortuna que gira. También se trabajó en dos estructuras al frente del escenario, con forma de dulces, donde se proyectarán algunas partes de ellas en movimiento y algunos puntos tienen relieve, para que tenga una efecto más real.

Pinocho. - 201


fig. 157

fig. 158

202 - Pinocho.


fig. 159

Pinocho. - 203


fig. 160

EL MAR (PLAYA)

BALLENA

Conclusiones.

(SEGUNDO ACTO, ESCENA 3) Sentimiento 1: incertidumbre Momento 1: Pinocho no encuentra a Geppetto.

(SEGUNDO ACTO, ESCENA 4) - Sentimiento 1: alegría, reconciliación, arrepentimiento, amor, preocupación, incertidumbre - Momento 1: Adentro de ballena

En resumen diseñamos una escenografía muy amigable para el público, en especial a los niños, ya que la obra va dirigida hacia ellos, dándole formas orgánicas como por ejemplo el diseño de las casas, las formas de las estructuras y algunas escenas. Al mismo tiempo brindando un toque de fantasía como en las diferentes gamas de colores, la animación, los elementos sorpresas, etc. todo esto con el fin de integrar una innovación dentro del ballet y echar volar la imaginación de cada uno de nuestros espectadores siempre cuidando el concepto “ Con madera de Fantasía”.

Sentimiento 2: Valentía, amor, coraje, arrepentimiento, decisión Momento 2: Pinocho se lanza al mar. Sentimiento 3: suspenso Momento 3: La ballena se traga a Pinocho. En esta escena lo único que se utilizó son proyecciones donde aparece la ballena que se come a Pinocho. Primero se proyecta el mar, y conforme va pasando el tiempo va apareciendo la ballena cada más cerca, hasta que abre la boca lista para comerse a Pinocho.

204 - Pinocho.

- Sentimiento 2: susto, miedo, incertidumbre, sorpresa. - Momento 2: Fígaro y Cleo se les ocurre encender un cerillo para que la ballena estornude. En esta escena dentro de la ballena, se buscó hacer que el público se sintiera dentro de ella, se utilizaron varios telones pintados de costillas de ballena, haciendo una perspectiva donde el fondo aparece la campanilla de la ballena en movimiento. Con la iluminación jugamos en el suelo para simular la lengua, todo con el objetivo de hacer este momento más real e impactante, ya que es un momento muy importante dentro de la historia de Pinocho, el clímax.


fig. 161

fig. 162

Pinocho. - 205


11.3.8

Presupuesto ESCENA

MATERIAL

CANTIDAD

UNIDAD

PRECIO

TOTAL

“ESCENA VILLA”

28 8

pza m

100 $ 215.00

$ 2,800.00 $ 1,720.00

5 16 8 16 2 10 33 4 16 10 9 1

pza l l l l pza pza k pza pza pza pza

$ 125.00 $ 61.50 $ 61.50 $ 61.50 $ 61.50 $ 38.00 $ 220.00 $ 25.00 $ 14.00 $ 48.66 $ 44.00 $ 26.11

herrería bastidor cal 10 1” manta casa Geppetto 2.20x5m hielo seco pintura blanca pintura negra pintura café pintura roja papel maché triplay clavos bisagras 3” brochas 6” llantas pegamento blanco 850 mano de obra

$ 625.00 $ 984.00 $ 492.00 $ 984.00 $ 123.00 $ 380.00 $ 7,260.00 $ 100.00 $ 224.00 $ 486.60 $ 396.00 $ 26.11 $ 16,600.71 $ 33,201.42

manta cruda telón 18 m $ 860.00 2.20x20 pintura roja 16 l $ 61.50 pintura amarilla 16 l $ 61.50 metal PTR 6.10m 1” ced 30 15 pza $ 110.00 llantas locas 2” 15 pza $ 44.00 mano de obra 6 8 16 20

PZA pza l PZA

$ 220.00 $ 100.00 $ 61.50 $ 44.00

triplay 3mm herreria bastidor cal.10 1” pintura blanca llantas 2” carreta mano de obra

$ 1,320.00 $ 800.00 $ 984.00 $ 880.00 $ 9,100.00 $ 13,084.00 $ 26, 168.00

manta telon 2.20x20 balsa pintura blanca pintura roja mano de obra

18

m

$ 860.00

16 8

l l

$ 61.50 $ 61.50

$ 15,480.00 $ 6,350.00 $ 984.00 $ 492.00 $ 24,000.00 $ 47,306.00

300 4

m2 pza

$ 168.00 $ 400.00

$ 50,400.00 $ 1,600.00

“ESCENA TITIRITERO”

“PUEBLO FELICIDAD”

“BALLENA”

$ 15,480.00 $ 984.00 $ 984.00 $ 1,650 $ 660.00 $ 20,500.00 $40,258.00

Montaje general piso linoleo cinta mano de obra incluida

$ 52,000.00 TOTAL -

206 - Pinocho.

$ 198,933.42


11.4

fig. 163

Propuesta arte digital

El Ballet de Monterrey propone al público para la siguiente temporada la obra Pinocho, una adaptación de Carlo Collodi. Tanto la obra literaria como la puesta en escena por parte del Ballet de Monterrey es una pieza muy rica en sentidos prácticos, visuales, literarios, culturales, sociológicos y más. Desde hace varias décadas los medios visuales y digitales han sido empleados a lo largo del mundo para las puestas en escenas teatrales, de ballet, ópera, etc. Éstas acciones vienen en general a enriquecer la comunicación entre las diferentes disciplinas por un lado y por otro lado fomentar el acercamiento entre el público y la cultura. La propuesta de los alumnos de la carrera de Arte Digital tiene como propósito usar las herramientas digitales para crear elementos que enamoren al espectador a través de una magia visual y respetando la línea estética de la coreografía del ballet. La propuesta de los alumnos de Arte Digital está construida dentro del marco del multidisciplinario con la participación de las otras carreras como Interiores, Gráfico y Mercadotecnia. A través de las herramientas digitales se busca recrear un ambiente rústico, lírico, histórico, cálido, pero sobretodo, mágico, en donde el concepto predominante es “Con madera de fantasía”. Las herramientas contempladas a usar para crear y transmitir el mensaje de la obra son animación y video mapping. Estos otros elementos harán que el espectador se sienta dentro de la obra y viva con mayor intensidad la misma. Complementario se crea un micrositio que brinde información extra al usuario. La razón por la cual se escogieron las herramientas mencionadas, animación y video mapping, así como el micrositio es que el usuario pueda percibir sensaciones diferentes al momento de estar viviendo la obra, y lo que está relacionado con la misma. Creando una atmósfera fantasiosa en donde más allá de manejar un concepto mágico, se transmite ese sentimiento de movimiento, dinamismo y creatividad.

Pinocho. - 207


fig. 164

11.4.1 11.4.1.1

Justificación

{ Animación } Las animaciones y el video mapping se complementan recíprocamente con el fin de dar vida al escenario, rompiendo los esquemas bidimensionales de las puestas en escena clásicas y hacer que los espectadores perciban un espacio tridimensional, dinámico, un ambiente completamente diferente y que se dejen envolver en la historia. Para la obra de Pinocho se consideran 6 animaciones: Libro, villa de Gepetto, Teatro de los títeres, Pueblo de la felicidad, Mar e Interior de la ballena. Algunos de estos elementos se convierten en leitmotiv como el libro animado que sustituye al narrador.

208 - Pinocho.

Libro:

Villa de Geppetto:

La obra inicia con la animación del libro abriéndose y dando comienzo a la historia. Al cambio de escena se cambia la página del libro manteniendo el hilo de la narración en donde se dibuja mágicamente un elemento principal de la escena que se verá posteriormente. El dibujo que aparece en el libro animado hace la introducción a la siguiente escena. El hilo narrativo que se propone construir en libro digital ha sido inspirado en los resultados de las encuestas hacia los espectadores que comentaban que muchas veces no entendían la transición entre una escena y otra.

La villa de Geppetto está ubicada en un pueblo inspirado en una pequeña población de la Toscana en Italia. Ahí se encuentra el hogar de Pinocho y Geppetto, es donde comienza y termina la maravillosa aventura. El pueblo contará con tres versiones diferentes de animaciones, las cuales se diferencían por la posición del sol. Es decir, día, atardecer y noche. Esto es con el fin de describirle al espectador la hora del día y se ubique en el espacio tiempo que se encontraba, así como justificar ciertas acciones de los mismos, por ejemplo, ir a la escuela en el día y dormir en la noche. Estas escenas son complementadas con sutiles movimientos en el pueblo, como las nubes moviéndose suavemente, luces apagándose porque ya está amaneciendo, etc. El objetivo es darle más dinamismo y vida al pueblo sin exagerar y transmitir el ambiente de comodidad en el que se encuentran los personajes de la obra en ese momento.


Teatro de los títeres: En esta escena, Pinocho falta a la escuela por ir a ver un espectáculo de títeres que le resulta muy atractivo, pero el titiritero Stombolli lo captura por ser una marioneta y lo quiere poseer para su espectáculo. En la fachada del teatro de los títeres hay un mappeo de un video de unas manos gigantes con guantes blancos que están manejando a los títeres. Siendo esta una representación de la manipulación de los mismos pero muy impresionante por su gran tamaño. Las manos estan moviéndose de acuerdo a la música y al estudio previo que se hizo de los movimientos de un tititero al manejar sus títeres pero dándole un toque macabro. fig. 165 Mar En esta escena Pinocho regresa del pueblo de la felicidad y está buscando a su papá Geppetto. Aquí se incluye la animación del mar, con unas olas suaves, un cielo cálido y derrpente se avista una ballena, la cual está nadando en el agua, hasta que se acerca lo suficiente al público, abre la boca enormemente y da la sensasión de comerse a todo el público con un exagerado zoom hasta que todo el escenario se torna oscuro.

fig. 166

Pinocho. - 209


fig. 167 Pueblo de la felicidad: Es el pueblo de los vicios y donde los niños se convirtien en burros por no asistir a la escuela. En esta escena se presenta una animación de un parque de diversiones lleno de dulces los cuales representan la gula. El parque cuenta con rueda de la fortuna, montaña rusa, unas nubes moviéndose lentamente y más. Es un mundo lleno de colores y da la sensasión de ser el lugar perfecto para cualquier niño, hasta que estos se empiezan a convertir en burros por no ir a la escuela y el cielo se torna obscuro.

fig. 168

210 - Pinocho.


Interior de la ballena Al encenderse las luces se encuentran dentro de la ballena en donde puede observarse el interior de la misma. Es decir, el paladar, los fluidos gástricos y a lo lejos se verá la campanilla de la ballena moviéndose de izquierda a derecha. Las características principales que vinculan a cada una de las animaciones es la textura acartonada que se relacionada con el papel, el cual se obtiene de la madera, mismo material del que está compuesto Pinocho. Además de poseer movimientos suaves para no distraer demasiado al espectador y cumplir el objetivo de complementar la obra, sin llevarse toda la atención.

fig. 169

Pinocho. - 211


11.4.1.2

{ Video mapping }

fig. 170

Villa de Geppeto

El lenguaje se vuelve cada día mas complejo, los medios visuales y digitales se combinan para crear nuevos elementos y generar nuevas experiencias en donde hoy en día el público es capaz de entenderlo. El video mapping se ha convertido en una herramienta muy importante en las artes escénicas para darle un toque más especial al espectáculo que se ofrece. El público lo ha tomado de una forma positiva y se ha sorprendido en como se puede transformar el escenario en donde se encuentran los actores o bailarines complementando la historia que se está presentado. Para poder llevar a cabo esta propuesta trabajamos en conjunto con el área de Interiores para complementar la escenografía dándole movimiento a través de los efectos visuales. Las zonas que se van a mappear son:

fig. 171

212 - Pinocho.


fig. 172

Teatro de los tĂ­teres Parte Superior de la fachada del escenario del teatro de los tĂ­teres.

fig. 173

Pinocho. - 213


fig. 174

Pueblo de la Felicidad En el pueblo de la felicidad, los dulces y caramelos que estar谩n distribuidos en unos m贸dulos grandes en el escenario.

fig. 175

214 - Pinocho.


fig. 176

Interior Ballena Las costillas en el interior de la ballena para dar la sensasión de que la ballena respira y las mismas poseen una textura ósea. Los Beneficios de proyectar sobre una pantalla o sobre un elemento en específico son el movimiento y dinamismo que hoy en día al usuario le resulta muy interesante por ser una intervención del espacio en conjunto con la tecnología.

Pinocho. - 215


11.4.1.3

fig. 177

{ Micrositio - web - } El micrositio es un sitio web temporal más sencillo, el cual, su finalidad es brindar información de algún evento por lo general. Estará ubicado como una extensión de la página Oficial del Ballet de Monterrey y se integrará a la misma temporalmente antes y durante el tiempo que se esté presentando la obra.

En este caso se creó un micrositio para la obra de Pinocho en específico, a diferencia de otros sitios web, este es un sitio interactivo y breve. Su objetivo es enfocarse al mercado de los jóvenes y niños los cuales representan el mayor número de internautas navegando en la red y que estos tengan acceso a la información de la misma de una forma dinámica y entretenida.

En esta propuesta se trabajó en conjunto con Diseño Gráfico en la elaboración de los personajes que están incluidos en el mismo. Al mismo tiempo con Diseño de Modas para darle color al vestuario de los personajes de acuerdo al que se utilizará en la obra de Pinocho. El micrositio incluye las siguientes secciones:

Sinopsis: Es un breve resumen de lo que trata la obra de Pinocho. Bailarines: Principales Bailarines de la Obra. Tickets: Este botón está ligado a la página oficial de la tienda donde puedes comprar los boletos en línea. Juego: Este botón está ligado a la descarga de una APP de Pinocho la cual puedes instalar en tu Smartphone. Botón de Inicio: Para regresar a la primera hoja del sitio.

216 - Pinocho.


11.4.3

PRESUPUESTO Presupuesto para el Ballet de Monterrey Arte Digital - Multimedia

A) Animación en After Effects

B) Video mapping - Videoproyectores

Inversión con Retribución

COSTO $ MXN

Renta del local Teléfono e Internet Luz Sueldo trabajadores al mes Señora del aseo Agua

$5,000.00 $800.00 $600.00 $15,000.00 $3,200.00 $100.00

TOTAL

$24,700.00

Animación

COSTO (proyecto) $ MXN

Guión Storyboard Animador 1 Animador 2 Técnico de edición Músico y master de sonido

$1,500.00 $1,500.00 $300 x hora (40 hrs) $300 x hora (40 hrs) $200 x hora (40 hrs) $300 x hora (40 hrs)

TOTAL

$47,000.00

No retribución necesaria para mantener la compañía

GASTO (anual) $ MXN

Compuradora Cámara Publicidad Softwares Muebles de Oficina Microondas Refrigerador - mini bar

$45,000.00 $25,000.00 $200,000.00 $15,000.00 $20,000.00 $800.00 $1,500.00

TOTAL

$307,600.00

Serán necesarios 2 proyectores para el proyecto (Para front y back projection). Se debe de considerar un día de renta extra para hacer un día de ensayo técnico de las proyecciones que habrá. A continuación la lista de precios en venta y renta de proyectores. VENTA

RENTA

Epson PowerLite Pro Z8255NL Sus 10.000 lúmenes permiten disfrutar fácilmente de imágenes nítidas y vivas con resolución XGA

Videoproyector Sanyo de 10,000 ansilumenes SAVE PRODUCCIONES http://www.saveproducciones.com/

$145,000 pesos

$9,500 por día

Pinocho. - 217


C) Micrositio El precio de un sitio Web varía dependiendo del número de secciones e imágenes que utilicen. Además de la complejidad de la misma. Servicio (Variables por Producción)

Cantidad

Precio

Diseño de Página Base Sección principal o página de bienvenida Secciones o Páginas Interiores Cuartillas de Texto en toda la página Incluir Imágenes como fotografías y logotipos Arreglos especiales a Imágentes (Retoque) Registro de Dominio (URL) Salario del programador

1 1 4 2 1 2 1 1

$2,000.00 $1,200.00 $800.00 $400.00 $800.00 $600.00 $1,000.00 $5,000.00

TOTAL

13,800

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218 - Pinocho.


11.5

11.5.2

11.5.3

11.5.1

De acuerdo a nuestro concepto, “CON MADERA DE FANTASIA”, aplicamos el elemento de las betas de la madera, utilizando las ondas que las conforman e imitando el movimiento de estos patrones para emplearlos dentro de los cortes y ornamentos que contiene cada prenda.

El estilo permanece clásico, recordando que la historia se lleva a cabo en un pequeño pueblo de la antigua Italia, en donde los personajes son relativamente humildes. Se busca contrastar estos elementos, agregando detalles que iluminen cada personaje y realcen sus características de acuerdo a cada uno de ellos, sin olvidar el porte y la elegancia.

Vestuario (Diseño de Modas) Introducción La disciplina de modas se dio a la tarea de adquirir información para realizar una investigación de campo analizando acerca de tendencias significativas y mediante este proceso se desarrolló una colección para la obra Pinocho del Ballet de Monterrey, que conforme a sondeos concluimos que nuestro factor destacable es la funcionalidad.

Inspiración

Estilo y elementos

Evidentemente se busca dar un toque fantástico por medio de aplicaciones de luces LEDS en algunos vestuarios, así como de imanes en tocados que faciliten su uso. Con esto lograremos transportar al espectador a un mundo mágico en donde todo es tan espléndido que puedan sentirse parte de la historia como si estuviesen dentro de un sueño.

Pinocho. - 219


Siluetas

11.5.5

Materiales

Paleta de colores

Las siluetas seleccionadas para la colección están basadas en las prendas básicas que se han utilizado durante años en el ballet. Es decir, en las mujeres el tutú de plato y el tutú romántico, y para los hombres, las camisas con mangas renacentistas, con escotes en V, casacas, y mallones.

Los textiles fueron seleccionados para aportar textura a cada personaje y se agregaron piezas de aplicaciones para jugar con la luz, y crear efectos de tal manera que se crearán derivaciones y contrastes que alterarán visualmente las prendas, para darle un toque mágico al mezclarlos.

Se busca realzar la figura del bailarín, tomando como base las betas de la madera, y colocándolas de manera que se pronuncie la cintura, permitiendo realzar los músculos al hacer lo movimientos, alargando la figura y transformándola en una figura visualmente estética.

Los tejidos base son simples pero funcionales, como el encaje, seda, licra y terciopelo, los cuales combinados con las aplicaciones crean un efecto único en los que sobresalen cristales, brocados, lentejuelas y cintillas de colores.

Para la paleta de colores se eligieron tonalidades intensas, colores vivos y enérgicos que le atribuyan dinamismo a la obra, de tal manera que fusionados con los materiales y con la iluminación del escenario logren sobresalir y crear efectos fantásticos consiguiendo ser fácilmente identificables a cualquier distancia.

11.5.4

220 - Pinocho.

fig. 178

fig. 179

11.5.6

fig. 180

Se otorgó un color principal a cada uno de los personajes de acuerdo a su jerarquía. Todos los personajes están diseñados por medio de combinaciones entre ellos, para que al estar juntos en el escenario, éstos logren obtener una perfecta armonía visual, que respete el rango de los personajes, así como también la psicología y características de cada uno de ellos.


TRENDBOARD Nos basamos en algunas de las tendencias de otoño-invierno 2013/2014. Algunas de las seleccionadas fueron los materiales metálicos; no solo en forma de textiles, si no también como aplicaciones, hilos, tocados entre otros. De igual forma, logramos encontrar inspiración en los tejidos de jaquard, y en telas con diferentes tipos de estampados, que le dan un toque especial a cada prenda y que al mismo tiempo van de la mano con nuestra fuente de inspiración.

Pinocho. - 221


Pinocho casaca Descripción Casaca de bailarin, manga larga con corte peplum y aplicación de “shufle” en la zona axilar para darle movimiento. Materiales

Consumo

Avios

1.50 mts

3 hilos

Elastano

25 cm

3 hilos

Popelina

2 mts

Jacquar de terciopelo

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en maquina industrial. -Tricot en cuello y puños. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

11.5.7

Explicación de los personajes

Pinocho mallones

El objetivo principal para desarrollar a los personajes fue a través de un análisis profundo de la historia que fuera fiel a su esencia.

Descripción Casaca de bailarin, manga larga con corte peplum y aplicación de “shufle” en la zona axilar para darle movimiento.

El personaje principal: Pinocho, es un niño ingenuo, noble y juguetón. Por eso se le asignó el color rojo, que será exclusivo de este personaje. Su camisa roja de mangas cortas y bermudas le dan espacio para moverse de manera adecuada para su interpretación. Las bermudas y la camisa siguen las líneas simulando un patrón de movimiento. Se utilizaron materiales con diferentes texturas para que la luz refleje de manera diferente y así destacar cada paso que da el bailarín.

Materiales

Consumo

Avios

Elastano

2 mts

3 hilos

Mesh

50 cm

3 hilos

Elastico de 1” Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ con máquina sobrehiladora. -Pretina de elástico con gaveadora. -Tirantes de elástico de 1”. -Aplicación de sublimado dorado. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

222 - Pinocho.


Gepetto camisa Descripción Camisa romántica holgada, escote en V, con mangas abullonadas renacentistas. Materiales

Consumo

Avios

Polyseda

2 mts

3 hilos

Elastico 1/2”

1 mt Ganchillos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Tricot en cuello y puños. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Gepetto pantalón Descripción Bermudas con corte a la cadera, cierre metálico en costado con aletilla, pretina y puños. Materiales Gabardina

Consumo

Avios

1.50 mts

3 hilos

2mts

Elastico 1”

9 pzas

Botones

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en máquina industrial. -Tricot en pretina y puños. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Gepetto Chaleco Geppetto, el padre de Pinocho, lo identificamos como soñador y bondadoso. Se debe lograr proyectar cuál es su profesión y edad, debido a que este personaje no es un bailarín, sino un actor, tuvimos la libertad de usar tejidos que no son elásticos y materiales más pesados en el cuerpo. Se le dio un chaleco de gamuza y piel que asemejara el aserrín, para seguir con la temática de la madera, y que al mismo tiempo le da la identidad de ser un carpintero. También un camisón blanco con mangas renacentistas y bermudas de gabardina color verde olivo. Elegimos colores que fueran contrastantes a Pinocho y que diera la idea de una persona grande y descuidada.

Descripción Chaleco de piel con largo a la cadera, corte de gamuza en espalda y bolsillos. Materiales

Consumo

Piel de vinil

1 mt

3 hilos

50 cm

3 hilos

10 pz

Estoperoles

Gamuza

Avios

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ en máquina industrial. -Aplicación de -Grabado en gamuza con cautín. -Aplicación de estoperoles en extremos. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Pinocho. - 223


fig. 181

Pepe grillo frac Descripción Saco de hombre tipo frac con cola, solapa de vinil y aplicación de cortes “shufle” en costados para mayor movimiento. Materiales

Consumo

Avios

2 mts

3 hilos

Gabardina

50 cm

3 hilos

Raso

50 cm

3 hilos

Piel de vinil

70 cm

3 hilos

Elastano

25 cm

Tricot

30 cm

10 pz

Ganchillos

Jacquard

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Tricot entre tela y forro. Instrucciones de lavado: Lavado en seco. fig. 182

Pepe grillo mallones Pepe Grillo, es sabio, culto y un personaje de buenos modales y es la voz de la conciencia por lo que su vestimenta es pulcra, elegante y clásica al estilo “dandy”. Para representar el color de un bicho se eligió una tela tornasol con textura azulada y verde, y unos leggings color verde bandera; un sombrero que da un toque más sofisticado gracias al brillo del textil. Como complementos, decidimos usar un chaleco color mostaza para dar armonía al conjunto y una pañoleta color vino.

Descripción Mallones con largo a la cintura, “shuffle” en encuarte para dar movimiento, con tirantes de elástico y recubrimiento en pies. Materiales Elastano Elastico 1”

Consumo 2 mts

3 hilos

2.50 mts

3 hilos

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ en sobrehiladora. -Pretina de elástico con gaveadora. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

224 - Pinocho.

Avios

fig. 186


Hada corse Descripción Corsé corte corazón con recubrimiento de mesh en hombro y brazos sin costura, con cortes en onda en diferentes textiles en el talle. Materiales

Consumo

Avios

Jacquard

50 cm

3 hilos

Mesh

80 cm

3 hilos

Rayon texturizado

50 cm

Raso Tricot

1 mt 50 cm 10 pz

Ganchillos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Tricot entre tela y forro. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Hada tutu Descripción Tutu de plato con diferentes capas de tul en azul y beige. Materiales El Hada es un ser divino, posee características maternales, siempre está protegiendo a quien más le necesite. Es un ser mágico, se aparece y desaparece en destellos de luz, es el factor más grande de la fantasía. Para ella se pensó en una mujer con evocación de una estrella, es por esto que sus colores son tornasol entre beige celeste y dorado. En su confección se usaron cortes imitando las betas y se intercaló el uso de diferentes textiles para el rebote de la luz, esto acompañado de un tutú clásico de plato con toques beige, blancos y celestes, mas aplicaciones destellantes que hacen del personaje un ser totalmente mágico.

Tul grueso

Consumo

Avios

3 mts

Tul mediano

10 mts

Tul delgado

2 mts

Encaje

50 cm

Magali

25 cm

Jacquard

25 cm

Elástico

1 mts

3 hilos

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ con máquina industrial. -Aplicaciónes hilvanadas a mano. -Hilvan entre capas del tutú. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Pinocho. - 225


Hada 2 corsé Descripción Corsé con cortes en costados en diferentes textiles con recubrimiento de mesh en hombros y cuello.

Materiales

Consumo

Jacquard

50 cm

Rayon texturizado

25 cm

Mesh

50 cm

Raso

50cm

Tricot

Avios 3 hilos

50 cm 10 pz

Ganchillos

Especificaciones: -Hilo a tono --Costura ¾ en máquina industrial. -Tricot entre tela y forro. -Aplicaciones bordadas y con plancha. -Bastilla con bies al interior del corset. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Hada tutu romántico Descripción Falda de tul con un largo hasta la mitad de la pantorrilla con un peto en la cintura. Materiales

Consumo

Tul mediano

20 mts

Jacquard

25 cm

Raso de novia

25 cm 2 pz

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ con máquina industrial. -Aplicaciones hilvanadas a mano. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

226 - Pinocho.

Avios 3 hilos

ganchillos


Fígaro Descripción Tutu de campana con leotardo en terciopelo elástico con recubrimiento en hombros y brazos de mesh con manga ranglan Materiales

Fígaro, simboliza la lealtad y el aspecto juguetón; como es un personaje secundario y su representación es de una mascota, su vestimenta fue diseñada de una manera más simple usando colores que son identificados en un gato: el negro y el blanco. Los textiles que se usaron fueron terciopelo negro para el corsé, con una pechera color blanco con aplicación de ondas, como conjunto, se le dio un tutú estilo campana color negro.

Consumo

Avios

Velur

1 mt

3 hilos

Magali

1 mt

3 hilos

Encaje

50 cm

Tul grueso

9 mts

Tul mediano

2 mts

Tul delgado

8 mts

Elastico

1 mt

Mesh

80 cm 10 pz

Ganchillos

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ con máquina industrial. -Aplicaciones hilvanadas a mano. Instrucciones de lavado: Lavado en

Pinocho. - 227


Zorro saco Descripción Saco de hombre escote V, con aplicaciones en solapa y vista de tela de fantasía con cruce y “shufle” en costados para dar movimiento. Materiales

Consumo

Forro-textura de vinil

2 mts

Forro viscosa

2 mts

Tela de fantasía

Avios 3 hilos

1 mt

Tricot

2 mts 10 pz

Ganchillos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Tricot entre tela y forro.

Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Zorro mallones Zorro y Gato. Son una pareja de rufianes que solo buscan su beneficio aprovechándose de la nobleza y bondad de los demás. El egoísmo, la pretensión y el presumir de lo que no tienen, son sus meras características mundanas que los hace convertirse en humanos. Es por esto que se hizo un conjunto de prendas que se vieran modificadas por los personajes. La idea de que las prendas se vean sobrepuestas, es darle ese estilo de rehusado y parchado, esto se logró con la ayuda de diferentes textiles donde predominan el negro, rosa, naranja y color oxido.

Descripción Mallones corte a la cintura, “shuffle” en encuarte para dar movimiento, con tirantes de elástico y recubrimiento en pies. Materiales

Consumo

Elastano

2 mts

Elastico 1”

2 mts

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ en sobrehiladora. -Pretina de elástico con gaveadora. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

228 - Pinocho.

Avios 3 hilos


Gato saco Descripción Saco de mujer con corte princesa y manga tres cuartos con falda circular corta al frente y larga en espalda. Materiales

Consumo

Gabardina

2 mts

Forro popelina

2 mts

Avios 3 hilos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Tricot entre tela y forro. -Aplicaciones hilvanadas a mano. -Terminacion de bies en el interior. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Gato mallones Descripción Mallones con largo a la cintura, “shuffle” en encuarte para dar movimiento, con tirantes de elástico y recubrimiento en pies. Materiales

Consumo

Elastano

2 mts

Elastico 1”

2 mts

Avios 3 hilos

Especificaciones: -Hilo a tono -Costura ¾ en sobrehiladora. -Pretina de elástico con gaveadora. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Pinocho. - 229


Stromboli casaca Descripción Casaca de terciopelo con aplicaciones y solapa en vinil, con corte sobre los hombros, escote V y sin cruce.

Materiales

Consumo

Terciopelo

1.50 mts

Viscosa

1.50 mts

Piel de vinil

80 cm

Tricot

90cm 10 pz

Avios 3 hilos

Ganchillos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Tricot entre tela y forro. -Aplicaciones hilvanadas a mano. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Stromboli pantalones Strómboli, un personaje exótico, comerciante, nómada y viajero, que posee riqueza y poder. Es cruel, avaro y ambicioso, todo lo hace por dinero. Su estilo es una mezcla de cultura que forma una presencia intimidante. Se diseñó la recreación de una chaqueta militar color magenta con negro, imponentes hombreras de piel negra, pantalón estilo harem de terciopelo morado y un turbante con estampados tipo oriental.

Descripción Pantalones harem para hombre de terciopelo con peto hasta la cintura con puños debajo de la rodilla. Materiales

Consumo

Avios

Terciopelo

2 mts

3 hilos

Elastano

50 cm

3 hilos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en sobrehiladora. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

230 - Pinocho.


Marioneta body Descripción Body de manga larga y pierna completa con cortes en diferentes posiciones de triángulos.

Materiales

Consumo

Elastano negro

50cm

Elastano dorado

1m

Elastano azul

1m

Avios 9 hilos

Especificaciones: -Hilo negro. -Costura ¾ en sobrehiladora. -Terminacion de bies en cuello. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Marioneta faldilla Arlequín, esclavo de Strómboli, un bufón de dos caras, cuya única finalidad es entretener al público. Éste personaje se caracteriza por llevar rombos de diferentes colores, por esto se hicieron cortes en rombo y figuras asimétricas triangulares de color negro y dorado contrastando con un azul violeta acompañado de una faldilla de organza blanca; se utilizó esta combinación de color para que en las escenas de Pinocho se notara el contraste de colores de los personajes.

Descripción Faldilla a la cintura de fieltro forrado de organza con dobles de tela, en forma de S. Materiales Organza

Consumo 2 mts

Fieltro

50 cm

Popelina stretch

50 cm

Avios 3 hilos

Especificaciones: -Hilo a tono. -Costura ¾ en mñaquina industrial. -Hilvan manual alrededor de la pretina. -Aplicaciones hilavanadas a mano. Instrucciones de lavado: Lavado en seco.

Pinocho. - 231


Ayudante de el Hada y Palomo. Palomo es un mensajero, servicial. Se desea que este personaje use una falda de seda de gasa con un leotardo color gris, con tonalidades moradas, cortes semejando pelo de ave y aplicaciones de plumas.

232 - Pinocho.


Cleo, es un personaje femenino, encantador, ama y siente siempre fiel a su amo. Éste también es un personaje secundario que representa a una mascota por lo que su vestimenta es más representativa a un pez. se utilizaron diferentes tipos de texturas para simular las escamas; para la parte de arriba se usó un textil cromado color dorado en formas circulares que se fue degradando en una falda tipo tutú romántico con diferentes capas de textiles simulando la cola de un pez.

Polilla, tramposo, confianzudo, abusivo e ingenioso; como este personaje es un niño que sufre también uno de los acontecimientos más traumáticos que vive Pinocho, la idea es que se siga viendo inocente; es por eso que se diseñó un overol de pantalones cortos color café claro y camisa celeste, se eligieron estos colores para que en escenas con Pinocho haya contraste de personajes.

Pinocho. - 233


TO

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234 - Pinocho.

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Pinocho. - 235


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236 - Pinocho.

2

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Pinocho. - 237


A

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238 - Pinocho.

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Pinocho. - 239


240 - Pinocho.


Pinocho. - 241


11.6

Estrategia de Comunicación. - Determinamos, cuales son nuestros objetivos. - A quien vamos a dirigir nuestra comunicación. - Cual es la idea que queremos transmitir. - Se fijó el presupuesto con el que contamos (cuánto) - Se decidieron los medios apropiados y su frecuencia de uso. - Ejecución del plan de medios y obtener impacto final. Con la estrategia de comunicación se busca llegar al público actual y potencial a través de publicitar en puntos estratégicos de la ciudad donde ellos se desplazan o buscan entretenimiento, comenzando con una imagen visual atractiva que despierte el interés en el usuario, y termine finalmente atrayéndolo a la presentación. Aplicando los conocimientos teóricos, técnicos y científicos; así como el manejo de los medios, instrumentos y materiales en la creación de imágenes para la información y la comunicación, buscando que el diseño incida en el mejoramiento de la calidad. En la imagen visual se buscó llegar al usuario con una imagen fresca, dinámica y diferente. La inspiración provino del concepto “Con madera de fantasía” tratando de despertar una sensación de armonía y tranquilidad. Los colores usados fueron pensados con respecto a la psicología del color queriendo despertar emociones de elegancia, clasicismo y tradición. Los medios publicitarios a utilizar son; espectaculares o panorámicos, rotulación en rutas urbanas, radio, televisión, revistas especializadas, activaciones en plazas comerciales y lugares de recreación. A su vez se hará una campaña publicitaria en las redes sociales, se seleccionaron las principales utilizadas por el público actual y potencial, las cuales son Facebook y Google.

11.6.1 11.6.1.1

Imagen Visual

En la tipografía Se analizó la evolución del logotipo de PINOCHO a través de los años. Con esto se obtuvo la tipografía adecuada manteniendo la fusión con la elegancia que representa el ballet.

{ Propuesta }

Se trabajó con una tipografía estilo “Serif ” adaptándola con un “Script-caligrafiado”. Esta tipografía proporciona el efecto de tranquilidad, autoridad, dignidad y firmeza.

LOGOTIPO

Justificación del color

Dentro de la propuesta de imagen visual se realizó un logotipo especifico para la obra de ballet Pinocho, además de una campaña publicitaria dinámica y creativa donde su principal enfoque es atraer al público.

Se eligió trabajar como color principal, el negro, y solo dando un toque de color vivo para llamar la atención del espectador ya que son aquellos en los que se fija primero la mirada y captan la atención del espectador.

El concepto que se utilizó para la elaboración de este logotipo, fue en base a una fusión de estilos. Encontrando el adecuado para atraer al público infantil así como también al público general.

El verde utilizado representa una fuerte afinidad con la naturaleza y nos conecta con ella, nos hace enfatizar con los demás encontrando de una forma natural las palabras justas. Ya que nuestro personaje principal Pinocho, proviene de la madera.

Se combinó la fantasía y la magia dentro de una tipografía, incluyendo como elementos, unos listones en representación a lo clásico y la elegancia de el ballet. Se colocó una hoja natural, en representación indirecta de la madera, para mantener el contacto con Pinocho.

Sin embargo lo que se transmite con el color negro, es la autoridad, lo clásico, distintivo, la formalidad, seriedad, y tradición que es lo que buscamos transmitir al espectador.

Los trazos indican una sensación de armonía, equilibrio, seriedad y compromiso por parte de los elementos colocados.

Otra de las adaptaciones en el logo para sustituir al negro sería el marrón; relacionado con la tranquilidad, profundidad, tierra, naturaleza y madera. Otro color, el Blanco, que tiene como significado; inmaculado, inocencia, paz, pureza, simplicidad, honestidad. Estos colores atraen especialmente al público joven, pero también son interesantes en un público mayor. Dentro de la propuesta se utilizaron dibujos y caracteres creados a mano para lograr esa sensación amigable y atractiva que se buscaba encontrar. PROCESO

242 - Pinocho.


fig. 240

Pinocho. - 243


APLICACIĂ&#x201C;N

fig. 183

fig. 184

244 - Pinocho.


Medios impresos

fig. 185

El objetivo de la publicidad impresa es dar a conocer un poco sobre la obra creando intriga en el público y atrayéndolo a la misma. El diseño de la publicidad esta inspirada en la obra de cierta manera en forma directa, ya que nos muestra un adelanto en el vestuario de los personajes de Pinocho y de manera comprimida un toque de los escenarios. La estrategia de publicidad requería crear dos tipos de anuncios panorámicos, el que generara completa intriga sobre pinocho y el que informara al público sobre la obra. Se creo una propuesta diferente, combinando elementos de ilustración con fotografía para dar la ilusión de fantasía que se esta buscando. Colores. La paleta de colores utilizada dentro de la publicidad se caracteriza por ser de colores vivos, colores que unidos contrastan de manera dinámica, y son utilizados dentro de la indumentaria de la obra logrando así la conexión entre publicidad y espectáculo. Tipografía Para los anuncios se busco una tipografía que fuera legible, pero al mismo tiempo sofisticada y elegante. Dando como resultando una tipografía sans serif que cumple con las necesidades de comunicación. Y se aplica en diferentes pesos para crear un contraste con la información. Propuesta Visual en publicidad.

fig. 186

Se realizaron los siguientes medios impresos, en donde notaremos una similitud de diseño y retícula, buscando quedar presentes en la memoria del espectador incitándolo a que asista al ballet.

Pinocho. - 245


fig. 187 Panorámico de Intriga - Medidas: 9m x 13m Con este panorámico es la presentación de la marca al público. Será montado durante la primer etapa de la estrategia de publicidad, en donde se busca crear expectativa e intriga brindándole información mínima al espectador.

246 - Pinocho.


fig. 188 Panor谩mico. - Medidas: 9m x 13m Finalizada la primera etapa de la estrategia, se anuncia el panor谩mico definitivo. La finalidad es responder las dudas del espectador con informaci贸n mas detallada sobre la obra, buscando que el usuario se sienta mas familiarizado con la comunicaci贸n que se quiere establecer respecto a la obra.

Pinocho. - 247


fig. 189

Puente Peatonal Medidas: 24m x 3m Dentro de la ciudad existen diversos puntos cruciales para el éxito de la estrategia de comunicación y uno de los cuales son los puentes peatonales, ya que son observados tanto por peatones como por gente que transita en su vehículo, se propuso un panorámico dinámico y atractivo para nuestro publico meta.

248 - Pinocho.


fig. 192

fig. 190

Parabus -Medidas: 2.20m x 1.30m La estrategia de comunicaciĂłn propuesta, incluye anuncios en parabuses, ya que al formar parte del dĂ­a a dĂ­a del usuario este se ve acostumbrando a la marca y es mas probable que la reconozca en un futuro.

Pinocho. - 249


fig. 193

Camiones Rotulados Buscando ser congruentes con la estrategia se propusieron camiones con anuncios rotulados que transitaran por la parte de la ciudad que nuestro mercado recorre, ademรกs de lograr encontrarnos en las calles de la ciudad siendo reconocidos por los usuarios.

250 - Pinocho.

fig. 191


fig. 195

Lona en Plaza Comercial. - Medidas: 6m x 4m Esta lona se utilizara para promocionar los boletos de cortesía que la plaza comercial estará obsequiando con una compra mínima de cierta cantidad, buscando activar el consumo de productos y servicios dentro de la misma plaza. En ella se muestra información precisa sobre la obra y de lo que ofrece.

Pinocho. - 251


fig. 193

Valla Metálica - Medidas: 2.20m x 1.20m Las vallas metálicas están diseñadas para ser observadas por peatones siendo así un excelente lugar panorámico en donde se puede mostrar información precisa sobre lo que se esta anunciando, en este caso hablamos de fechas y horarios de la obra.

252 - Pinocho.


Flyer & Flyer electrónico -Medidas: 21cm x 10cm En el flayer se busco un diseño que resultara atractivo para nuestro mercado con el objetivo de dar a conocer de manera efectiva la obra.

fig. 195 fig. 194

Página de Fans Medidas: Estándar El objetivo es crear una pestaña específica para la obra Pinocho, donde se hable de la misma, ofreciendo al usuario información completa y detallada. Además de brindar información sobre promociones y venta de boletos.

fig. 194

Pinocho. - 253


Invitaci贸n Gala Medidas: 20cm x 13cm Como su nombre lo indica, una invitaci贸n a una obra y a una cena de gala en donde el glamour y la elegancia hacen presencia y en donde se reflejar la esencia de la obra. Nuestra invitaci贸n cuenta con un estampado dorado que representa elegancia y formalidad que tambi茅n es punto fundamental de nuestra propuesta.

fig. 197

254 - Pinocho.


fig. 198

Programa de Mano. Para el programa de mano se utilizó una tipografía que además de mostrar elegancia, fuera sencilla de leer. Utilizando títulos que contrastaran con la tipografía compañera. Este es el medio informativo del ballet hacia con sus espectadores, en el cual se muestra información de la obra a la que el usuario asistió y publicidad que podría ser interesante para el mismo, debe tener un concepto similar a toda la estrategia de comunicación y cumplir con el objetivo de informarle al usuario que es lo que esta pasando en el escenario. Propuesta Visual en publicidad.

Pinocho. - 255


11.6.2 11.6.2.1

Plan de medios

{ Propuesta } El objetivo al que se desea llegar con este plan de medios es poder impactar al público potencial y actual de una manera positiva, para que esto sea posible lograr se utilizarán medios convencionales como televisión local, radio, revistas especializadas, panorámicos y rotulaciones en rutas de camiones urbanos; además de utilizar las redes sociales y google adwords como refuerzo a lo anterior para poder llegar exitosamente a nuestro target. Además de todos los esfuerzos mencionados se harán activaciones en puntos estratégicos de la ciudad para posicionar la marca en la mente del consumidor. Para más detalle ir a Anexo.

11.6.2.2

{ Presupuesto } Utilizado Elemento

Cantidad

Precio Unitario

Total

Lona en plaza comercial Rotulación de camión / Propuesta Vinil Panorámico

3 8

$ 500 $130M2 $ 5,867.00 $ 7,680

$1,500 $46,936.00

El presupuesto total para el desarrollo de la imagen visual es de: $125,236

11.6.2.3

{ Presupuesto total }

Inversión ROI

256 - Pinocho.

10

Realista

Optimista

$ 900,381.00 $ 271.91.00

$ 667,685.00 $ 401.52.00

$76,800


11.6.3 11.6.3.1

Redes Sociales

{ Propuesta }

> Facebook

> Google Adwords

{ Presupuesto }

Se ha propuesto una campaña de redes sociales en las siguientes plataformas:

Página de fans.

Campaña de Anuncios.

La propuesta consiste en la mejora de la página de fans ya existente, por medio de diversas pestañas con diseño HTML, se realizaría una pestaña específica para el Ballet de Monterrey en la cual se hablaría acerca del mismo además de contener un formulario de contacto, y una pestaña para la obra de “Pinocho”, en la cual se hable específicamente de la misma. Anuncios.

Una campaña de diversos anuncios en las redes de búsqueda y display de Google, con anuncios de texto y gráficos. Los cuales se activen cuando el usuario haga búsquedas con palabras relacionadas con el ballet y la obra, por ejemplo:

El presupuesto general es de $30,000 MXN, el cual se dividirá en las diversas redes sociales, dándole $10,000 MXN a Facebook y $20,000 MXN a Google.

El objetivo es aumentar el tráfico a la página de Facebook, específicamente a la pestaña destinada para la obra. Se calcula llegar a 1,782,960 personas aproximadamente en el período de un mes que dure la campaña.

11.6.3.1.2

11.6.3.2

11.6.3.1.1

• Ballet • Obras • Pinocho • Ballet de Monterrey • Obras de Ballet • Eventos en Monterrey • Eventos en Septiembre/ Octubre

Facebook. Página. Para la mejora de la página de Facebook se contratará al proveedor Espacios de México el cual ofrece el servicio de la mejora por $2,500 MXN Anuncios Se invertirá $8,500 MXN, con la puja recomendada de $2,25 MXN por clic. En un periodo de tiempo del 16 de Septiembre al 10 de Octubre.

Pinocho. - 257


11.6.4 11.6.4.1

Activaciones

{ Propuesta } El objetivo con las activaciones es llevar a la marca al lugar de entretenimiento del público actual y potencial además de crear un sentimiento de pertenencia en el mismo.

11.6.4.2

{ Presupuesto } Módulo de atención: Costo: $ 12,400.00 MXN Espacio en plaza comercial y al aire libre con sueldos de personal y fotógrafo Costo: $ 12,600.00 MXN

11.7

Plan de negocios

11.7.1

Introducción Este plan de negocios está hecho con el fin de conocer el presupuesto para el nuevo espectáculo del Ballet de Monterrey 2013, donde se engloba todos los elementos de la producción. Se conocerá también los ingresos directos e indirectos de la compañía a través de las nuevas propuestas de estrategia publicitaria, para así atraer a público nuevo a asistir a estos eventos.

258 - Pinocho.

COSTOS FIJOS Tomando en cuenta los estados de resultados de cada área como escenografía, vestuarios, publicidad, efectos especiales, renta del teatro y permiso, la inversión del espectáculo es de $2,095,286 pesos. Considerando una temporada de 12 funciones en el teatro de la ciudad con lleno total, pensando en que el 15% de los boletos serían cortesías. Estos datos son en base a precios comerciales sin considerar ningún descuento o condonación ni aportaciones extra que puedan existir por parte de patrocinadores. De esta forma se encontró que la recuperación de la inversión sería en la función 9, con este panorama optimista de llenos totales. A partir de la función 10 se considera utilidad. El panorama pesimista donde para recuperar sin tener pérdidas el aforo del teatro deberá ser con un 74% de boletos vendidos en promedio.


Costos 100% lleno Teatro de la ciudad

Asientos

Precio

TOTAL

Luneta 1 Luneta 2 General Balcón

394 529 275 202

$300 $200 $90 $150

$118,200 $105,800 $24,750 $30,300

1 función

$279,050

15%

$3,348,600 $2,846,310

Funciones Jueves 19 y 26 Sep 13 Viernes 20 y 27 Sep 13 Sábado 21 y 28 Sep 13 (2) Domingo 22 y 29 Sep 13 (2)

2 2 4 4

12 funciones Descuentos en total

Estado de resultados IVA Escenógrafa Vestuarios Publicidad y difusión Animación y efectos Renta del teatro Permiso de espectáculos municipal

diseño 50, 000 diseño 25,000

45,000 x día 3%

8 días

TOTAL

$248,933 $227.00 $589,390 $297,000 $360,000 $83,715

$38,829 $36,359 $94,302 $47,520 $57,600 $13,394

$288,762 $263,602 $683,692 $344,520 $417,600 $97,109

$1,806,281

$289,005

$2,095,286

Retorno de inversión Función

Costo

1 2 3 4 5

$279,050 $558,100 $837,150 $ 1,116,200 $1,395.250

$41,858 $83,715 $125,573

$237,193 $474,385 $711,578

$209,288

$1,186,963

6 7 8 9

$1,164,300 $1,953,350 $2,232,400 $ 2,511,450

$251,145 $293,003 $334,860 $ 376,718

$1,423,155 $1,660,348 $1,897,540 $ 2,134,733

10

$2,790,500

$418,575

$2,371,925

11

$3,069,550

$460,433

$2,371,925

12

$3,348,600

$502,290

$2,846,310

TOTAL

Pinocho. - 259


Costos 74% lleno Total de lleno

74% lleno

Funciones

$118,200

$87,468

Jueves 19 y 26 Sep 13

2

$105,800

$78,292

$24,750

$ 18,315

Viernes 20 y 27 Sep 13 Sábado 21 y 28 Sep 13 (2)

2 4

$ 30,300

$ 22,422

Domingo 22 y 29 Sep 13 (2)

4

$ 279,050

$ 206,497

12 funciones 15% Total

$2,477,964 $371,695 $2,106,269

Estado de resultados IVA Escenógrafa Vestuarios Publicidad y difusión Animación y efectos Renta del teatro Permiso de espectáculos municipal

260 - Pinocho.

diseño 50, 000 diseño 25,000

45,000 x día 3%

8 días

TOTAL

$248,933 $227.00 $589,390 $297,000 $360,000 $83,715

$38,829 $36,359 $94,302 $47,520 $57,600 $13,394

$288,762 $263,602 $683,692 $344,520 $417,600 $97,109

$1,806,281.00

$289,005.00

$2,095,286.00


Costos interiores “ESCENA VILLA”

Material

Cantidad

Unidad

Precio

Total

Herrería bastidor cal 10 - 1 “ Manta casa Geppetoo 2.20x5m

28

pza

$100

$2,800.00

8

m

$215.00

$1,720.00

Hielo seco Pintura blanca Pintura negra Pintura café Pintura roja Papel maché

5 16 8 16 2 10

pza L L L L pza

$125.00 $61.50 $61.50 $61.50 $61.50 $38.00

$625.00 $984.00 $492.00 $984.00 $123.00 $380.00

Triplay Clavos Bisagras 3” Brochas 6” Llantas Pegamento blanco

33 4 16 10 9 1

pza k pza pza pza pza

$220.00 $25.00 $14.00 $48.66 $44.00 $26.11

$7,260.00 $100.00 $224.00 $486.60 $369.00 $26.11 $16,600.71

Mano de obra

$33,201.42 “ESCENA TITIRITERO”

Material

Cantidad

Unidad

Precio

Total

Manta cruda telón 2.20x20

18

m

$ 860.00

$ 15,480.00

Pintura roja

16

l

$ 61.50

$ 984.00

pintura amarilla

16

l

$ 61.50

$ 984.00

Metal PTR 6.10m 1” ced 30

15

pza

$ 110.00

$ 1,650.00

Llantas locas 2”

15

pza

$ 44.00

$ 660.00 $ 20,500.00

Mano de obra

$ 40,258 “PUEBLO FELICIDAD”

Material

Cantidad

Unidad

Precio

Total

Triplay 3mm

6

PZA

220

1320

Herrería bastidor cal.10 1”

8

pza

100

800

Pintura blanca

16

l

61.5

984

Llantas 2”

20

PZA

44

880

Carreta

9100

Mano de obra

13084 26168

“ESCENA BALLENA”

Material

Cantidad

Unidad

Precio

Total

Manta telón 2.20x20

18

m

860

15480 6350

Balsa Pintura blanca

16

l

61.5

984

Pintura roja

8

l

61.5

492

Mano de obra

24000 47306

Pinocho. - 261


Montaje general

Material

Cantidad

Unidad

Precio

Total

piso linóleo

300

m2

$168

$50,400

cinta

4

pza

$400

$1,600

mano de obra incluida $52,000 TOTAL

Presupuesto de modas Personaje

Variaciones

Pinocho Gepetto

1 1

$2,827 $1,705

$2,837 $1,705

Figaro

1

$1,929

$1,929

Cleo

1

$1,105

$1,105

Hada 1

1

$2,328

$2,328

Hado

1

$1,931

$1,1931

Hada 2

30

$2,648

$79,450

Pepe grillo

1

$2,048

$2,048

Stromboli1

1

$1,803

$1,803

Marioneta

30

$1,473

$44,186

Zorro

1

$1,928

$1,928

Gato Polilla

1 1

$1,812 $1,201

$1,812 $1,201

Niño burro

30

$1,151

$34,536

Palomo

1

$1,144

$1,144

Hombre pueblo

15

$1,059

$15,888

Mujer pueblo

15

$1,111

$16,672

262 - Pinocho.

Costo unitario

INVERSIÓN:

Costo total

$212,803

$198,933.42


Costos arte digital A) Animación 2D en After Effects o Flash

VENTA

- Guión - Storyboard - Voz en off - Contratación de un animador

Epson Powerlite Z8150NL Sus 8000 lúmenes permiten disfrutar fácilmente de imágenes nítidas y vivas con resolución XGA.

Min. por animación 1000 pesos salario por hora $300 pesos (El animador tarda aproximadamente una semana por minuto de animación) *Los precios pueden variar dependiendo de la complejidad del proyecto.

$115,000 pesos

B) Video mapping - Videoproyectores Serán necesarios 2 proyectores para el proyecto(Para front y back proyection). Se debe de considerar un día de renta extra para hacer un día de ensayo técnico de las proyecciones que habrá. A continuación la lista de precios y diferentes proovedores en venta y renta de proyectores con distintos lúmenes por día. (En amarillo los recomendados para mejor calidad del proyecto)

Epson PowerLite Pro Z8255NL Sus 10.000 lúmenes permiten disfrutar fácilmente de imágenes nítidas y vivas con resolución XGA $145,000 pesos Panasonic PT-DZ12000U Proyector DLP HD 1080p de 12,000 lumens Tecnología 3 CHIP DLP 12,000 lumens Lámpara con 3,000 hrs. de vida Resolución SXGA+ $450,000 pesos

Pinocho. - 263


RENTA Proveedor1 PROYECTOR PANASONIC PT-DZ6700U DLP 6000 Lumens Renta: $4,500 por día PROYECTORES EN RENTA http://www.proyectoresenrenta.com.mx/ PROYECTOR SANYO DE 12,000 LUMENES Renta: $15,000 por día PROYECTORES EN RENTA http://www.proyectoresenrenta.com.mx/

C) Micrositio

Proveedor 2

Servicio (Variables por Producción)

Cantidad

Precio

Videoproyector Sanyo de 10,000 ansilumenes $9,500 por día SAVE PRODUCCIONES http://www.saveproducciones.com/

Diseño de Página Base Sección principal o página de bienvenida Secciones o Páginas Interiores Cuartillas de Texto en toda la página Incluir Imágenes como fotografías y logotipos Arreglos especiales a Imágentes (Retoque) Registro de Dominio (URL) Salario del programador

1 1 4 2 1 2 1 1

$2000 $1200 $ 800 $400 $800 $600 $1000 $5000

Videoproyector Sanyo de 15,000 ansilumenes $ 15,000 por día SAVE PRODUCCIONES http://www.saveproducciones.com/ Proveedor 3 Video Proyector de 15000 lúmenes 12,500 pesos por día IRS Multimedia http://www.irsmultimedia.com/

Para la Renta del Cañon se recomienda el Proovedor 3 ya que es el que tiene el cañon de mejor calidad a menor precio. Pero considerando que cada temporada del Ballet de Monterrey dura aproxidamente un mes, conviene más invertir en un proyector, el Panasonic PT-DZ12000U es una buena opción por ser muy novedoso y no se quedaría obsoleto rapidamente. Como opción adicional, las temporadas que no se esté utilizando el cañon o cañones (en caso de que se compren) se podría rentar para recuperar la inversión más rápidamente.

264 - Pinocho.

El precio de un sitio Web varía dependiendo del número de secciones e imágenes que utilicen. Además de la complejidad de la misma.

TOTAL

13,800

Registro de Dominio (URL) El costo del registro del dominio puede no estar disponible y cambiar el precio dependiendo de la terminación del sitio (.com, .net, .org, etc.), este se cotiza por año. Sugerimos un proveedor confiable de Dominios llamado iPage el cual cobra aproximadamente $1,000 pesos por un servicio de un año, con una URL segura y espacio ilimitado para guardar información.

Presupuesto Comunicación Gráfica acontinuación en las tablas adjuntas: al final del libro.


11.7.2

11.7.3

El Ballet de Monterrey es una compañía de danza clásica, ha tenido una gran trayectoria, donde la compañía se ha destacado internacionalmente y ha sido aplaudido por un público exigente.

En esta sección se presenta un resumen de los datos económicos que es necesario conocer para la producción de una obra de la magnitud de este proyecto.

Resumen ejecutivo

Esta compañía tiene un gran crecimiento y experiencia profesional que gracias a eso ofrece un amplio repertorio de piezas clásicas, neoclásicas y contemporáneas, tomando en cuenta su identidad propia y creando propuestas nuevas de música mexicana, dejando un toque peculiar en el extranjero. Ballet de Monterrey hoy en día es de las compañías de danza más importantes de México, que año tras año han crecido y mejorado su calidad artística.

Análisis económico

En la primera parte se verá un resumen general de los costos de los elementos que incluyen la producción desde vestuario hasta renta de equipos, pasando por materiales, mano de obra, campaña publicitaria etc., conociendo monto total que costaría producir este espectáculo. En la segunda parte se presenta una proyección estimada de los ingresos que se podrían obtener considerando una temporada de 12 funciones en el teatro de la ciudad con lleno total. Con esta información se hará un cálculo del retorno de inversión, lo cual nos indicará en que punto de la temporada se recuperaría el costo de la producción total.

Pinocho. - 265


CONCLUSIÓN FINAL Con el presente proyecto hemos aprendido lo complejo y delicado que implica diseñar una producción profesional de un espectáculo escénico, más aún para una disciplina tan exigente como es el ballet. La aportación del trabajo en equipo multidisciplinario enriquece el proceso de producción al considerar todas las áreas relacionadas con el mismo, desde el punto de vista en donde se considera como punto de partida al usuario, en este caso el público actual y potencial. Conociendo sus necesidades de entretenimiento, culturales y estéticas hemos podido diseñar un proyecto íntegro que satisfaga más adecuadamente sus exigencias y en consecuencia, que el éxito esperado se consiga. Los hallazgos de la investigación nos arrojaron las áreas de oportunidad de diseño que nos dieron la pauta para realizar una propuesta razonada y así cumplir satisfactoriamente el objetivo de nuestro cliente. Desarrollar un proceso de diseño donde el enfoque tuvo un sentido artístico, humano y orientado a mejorar el nivel cultural y espiritual de las personas, nos ha enriquecido no solamente como profesionistas sino también como individuos, creemos que la aportación que hayamos podido dar en este sentido es gratificante y nos llena de orgullo. Se puede concluir que al llevarse a la realidad las propuestas presentadas en este proyecto de la obra de Pinocho el ballet de Monterrey tendrá la oportunidad de ver las puertas abiertas de un público no cautivado y desinteresado en el tema; además de reforzar el amor por la disciplina del público que actualmente los sigue y admira.

Pinocho. - 267


Pinocho. - 269


A

B

C

E

Abedul: Árbol de la familia de las Betuláceas, de unos diez metros de altura, con hojas pequeñas, puntiagudas y doblemente aserradas o dentadas, y dispuestas en ramillas colgantes que forman una copa de forma irregular que da escasa sombra. Abunda en los montes de Europa, y su corteza, que contiene un aceite esencial, se usa para curtir y aromatizar la piel de Rusia.

Branding: es un anglicismo empleado en mercadotecnia que hace referencia al proceso de hacer y construir una marca (en inglés, brand equity) mediante la administración estratégica del conjunto total de activos vinculados en forma directa o indirecta al nombre y/o símbolo (logotipo) que identifican a la marca influyendo en el valor de la marca, tanto para el cliente como para la empresa propietaria de la marca.

Cáñamo: Planta anual, de la familia de las Cannabáceas, de unos dos metros de altura, con tallo erguido, ramoso, áspero, hueco y velloso, hojas lanceoladas y opuestas, y flores verdosas. Se hace un filamento textil de esta planta.

Elastómeros: Materia natural o artificial que, como el caucho, tiene gran elasticidad.

Croquis: Diseño ligero de un terreno, paisaje o posición militar, que se hace a ojo y sin valerse de instrumentos geométricos.

Elastómeros: Materia natural o artificial que, como el caucho, tiene gran elasticidad.

Bastidor: Armazón de listones o maderos, sobre la cual se extiende y fija un lienzo o papel pintados, y especialmente cada uno de los que, dando frente al público, se ponen a un lado y otro del escenario y forman parte de la decoración teatral.

Coexistir: Dicho de una persona o de una cosa: Existir a la vez que otra.

Analógico Dicho de un aparato o de un instrumento de medida: Que la representa mediante variables continuas, análogas a las magnitudes correspondientes. Reloj, computador analógico. Arcaicos: Se dice del más antiguo de los dos períodos en que se divide la era precámbrica.

Ex profeso: De propósito, con intención.

Entidad: Colectividad considerada como unidad. Especialmente, cualquier corporación, compañía, institución, etc., tomada como persona jurídica. Estilista: (que se refiere a estilismo en por ej. sesiones de fotos) Ergonómico: Perteneciente o relativo a la ergonomía.

270 - Pinocho.


F

H

I

M

Fenaquitoscopio: Del griego espectador ilusorio, juguete inventado por Joseph-Antoine Ferdinand Plateau para demostrar su teoría de la persistencia retiniana en 1829. Consiste en varios dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligeramente diferentes, distribuidos por una placa circular lisa. Cuando esa placa se hace girar frente a un espejo, se crea la ilusión de una imagen en movimiento. Poco después de su invención, Plateau descubrió que el número de imágenes para lograr una ilusión de movimiento óptima era dieciséis, lo que con posterioridad aplicarían los primeros cineastas usando dieciséis fotogramas por segundo para las primeras películas.

Hilvanar: Unir con hilvanes lo que se ha de coser después.

Indumentaria: Perteneciente o relativo al vestido. Vestimenta de una persona para adorno o abrigo de su cuerpo.

Manivela: Manubrio, cigüeña.

Fluxus: Movimiento artístico radical y experimental que comprende gran variedad de formas (incluidas happenings, poesía o música y artes plásticas), cuya naturaleza efímera sacó al arte del contexto generalmente aceptado del museo.

Hipermedio: Método para presentar información en unidades discretas, o nodos, que están conectados mediante hipervínculos. La información puede presentarse utilizando distintos medios, como documentación ejecutable, de texto, gráficos, audio, vídeo, animación o imagen. Hipertexto: Texto que contiene elementos a partir de los cuales se puede acceder a otra información. Hipervinvulo: Enlace, normalmente entre dos páginas web de un mismo sitio, pero un enlace también puede apuntar a una página de otro sitio web, a un fichero, a una imagen, etc. Para navegar al destino al que apunta el enlace, hemos de hacer clic sobre él. También se conocen como hiperenlaces, enlaces o links.

Infraestructura: Parte de una construcción que está bajo el nivel del suelo. IP: Procesador de imágenes, video sintetizador inventando por el artista digital Dan Sandin

L leitmotiv: Tema central de un discurso, obra, conversación, etc. Leggings: (mallones)

Mitón : (referente a guantes tipo de motociclista) Mesh: (tela de malla) Metódico: Hecho con método. Mapear: Localizar y representar gráficamente la distribución relativa de las partes de un todo; como los genes en los cromosomas. Multimedia: Que utiliza conjunta y simultáneamente diversos medios, como imágenes, sonidos y texto, en la transmisión de una información.

Pinocho. - 271


P

S

T

U

Perspectiva: Conjunto de objetos que desde un punto determinado se presentan a la vista del espectador, especialmente cuando están lejanos.

Sintetizador: Instrumento musical electrónico capaz de producir sonidos de cualquier frecuencia e intensidad y combinarlos con armónicos, proporcionando así sonidos de cualquier instrumento conocido, o efectos sonoros que no corresponden a ningún instrumento convencional.

Transcodificar: Se denomina transcodificar (del inglés transcoding) a la conversión directa (de digital a digital) de un códec a otro. Puede ser con o sin pérdida de calidad, dependiendo del codec usado. Esta operación implica decodificar/descomprimir los datos originales a un formato crudo (RAW data en fotografía) intermedio (por ejemplo, PCM para audio o YUV para vídeo), de manera que los imite, y luego recodificarlos para alcanzar el códec deseado.

Utilería: Conjunto de objetos y enseres que se emplean en un escenario teatral o cinematográfico.

R Renderisación: Término usado en jerga informática para referirse al proceso de generar una imagen o vídeo mediante el cálculo de iluminación GI partiendo de un modelo en 3D. Este término técnico es utilizado por los animadores o productores audiovisuales (CG)y en programas de diseño en 3Dcomo por ejemplo 3DMax, Maya, Blender, etc. Repertorio: Conjunto de obras teatrales o musicales que una compañía, orquesta o intérprete tienen preparadas para su posible representación o ejecución. Rudimentario: Perteneciente o relativo al rudimento o a los rudimentos.

Surrealista: Perteneciente o relativo al superrealismo. Persona que es partidaria de este movimiento o que lo practica. Sonoro: Que despide bien, o hace que se oiga bien, el sonido. Bóveda sonora. Teatro sonoro. Subsidiario: Dicho de una acción o de una responsabilidad: Que suple a otra principal. Sortilegio: Adivinación que se hace por suertes supersticiosas. Storyboard: Una colección de marcos creados por un desarrollador para detallar la secuencia de escenas a ser presentadas al usuario. Un descriptivo visual. suvenir. (Voz fr.).1. m. Objeto que sirve como recuerdo de la visita a algún lugar determinado.

272 - Pinocho.

Tipografía: La tipografía es el arte y técnica del manejo y selección de tipos, originalmente de plomo, para crear trabajos de impresión.

V Video mapping: Técnica del arte digital la cual se basa en proyectar imágenes sobre superficies reales, con textura o planas para conseguir un efecto de movimiento y utilizada para dar vida a los objetos a través de animaciones en tercera dimensión, dando lugar a un espectáculo artístico impresionante.


Pinocho. - 273


Listado de imรกgenes 3. MARCO TEORICO Fig. 1 http://www.free-hdwallpapers.com/wallpapers/architecture/205180.jpg Fig. 2 http://zonafitnessclubs.com/roma/wp-content/uploads/2013/03/ballet-1024x578.jpg Fig. 3 http://24.media.tumblr.com/tumblr_mea7xzswrs1qaa058o1_1280.png Fig. 4 http://i.imgur.com/Vp9wKTx.jpg Fig. 5 http://3.bp.blogspot.com/-P7RpQ3OLYtQ/TheEcTPgOTI/AAAAAAAAAF4/-nK3Ey-YhoI/s1600/partes_teatro.jpg Fig. 6 http://xsentertainme.files.wordpress.com/2012/07/ovo-3.jpg Fig. 7 http://artoha.nl/style/ex-e20121115192943/images/var-logo.jpg?d=1353610000 Fig. 8 https://easdalcointeriorismo.files.wordpress.com/2012/06/2012-05-25-14-32-42.jpg Fig. 9 http://blogs.sacbee.com/ticket/assets_c/2013/02/perfectamerican-f-thumb-236x159-29108.jpg Fig. 10 http://www.pmjdbaeza.org/Graficos/Fotos/Fotos%20Instalaciones/SaladeDanza.JPG Fig. 11 http://4.bp.blogspot.com/_W3DaJ3GIKuU/S-oqgeaOqrI/AAAAAAAAAUw/0hXKIviURSg/s1600/BALLET+RUSO.JPG Fig. 12 http://www.fidocs.cl/blog/wp-content/uploads/2010/05/la_danse___le_ballet_de_l_opera_de_paris_photo_4_casse_noisette_copyright_sebastien_mathe.jpg Fig. 13 http://www.aytoleon.es/es/general/PublishingImages/gala.jpg Fig. 14 http://www.laurentliotardophotography.com/dance-wedding/wp-content/uploads/2012/05/The-Firebird-English-National-Ballet-58.jpg Fig. 15 http://2.bp.blogspot.com/_x4St0aF6cKE/TKpmYLMRLjI/AAAAAAAAAHY/JaAOWTvs-Sg/s1600/0015.jpg Fig. 16 http://4.bp.blogspot.com/-TR_-QEAEcNA/Ts1RNcW55YI/AAAAAAAAGwg/JjUuGAEJfgg/s1600/bolshoi.jpg Fig. 17 http://www.festivalballethabana.cult.cu/wp-content/uploads/2012/03/EL-LAGO-DE-LOS-CISNES-Cuerpo-de-baile-008-Foto-Josep-Guindo_fix.jpg Fig. 18 http://4.bp.blogspot.com/-4R1qrRw_QII/UL1cQdZsWjI/AAAAAAAAIa8/VpdLdi0iVuo/s1600/El+Cascanueces+2.jpg Fig. 19 http://www.balletcuba.cult.cu/wp-content/uploads/2012/06/coppelia_3.jpg Fig. 20 http://www.ballet.co.uk/images/mikhailovsky/mb_giselle_crowd_with_dog_500.jpg

274 - Pinocho.


Fig. 21 Mapa de la republica mexicana. Fig. 22 FotografĂ­a patrocinada por el Ballet de Monterrey (Obra de Don Quijote). Fig. 23 http://habituesdelteatrocolon.files.wordpress.com/2012/11/2-01-oro-1995-2.jpg Fig. 24 Fig. adquirida por el Teatro de la Ciudad (Plano del teatro) Fig. 25 http://usm.maine.edu/sites/default/files/imagecache/landingpage_slide/eco/Hannaford_Lecture_Hall_0.jpg Fig. 26 http://www.ingenierosacusticos.com/upload/proyectos/2420121824222_Ingenieros%20Acusticos%20-%20Acondicionamiento%20Acustico%20-%20sala%20teatro%20-%20Elche%20-IMGP2670. JPG Fig. 27 http://shop.audiolight.cz/soubory/5/30731__1162988234.jpg Fig. 28 http://www.grupogarze.com/imgs/corrugado.jpg Fig. 29 http://images04.olx.com.co/ui/20/08/68/1334418003_353520068_1-Alquiler-de-Tarima-Suba.jpg Fig. 30 http://www.grupacer.com/tienda/sites/default/files/imagecache/product_full/p73030_0.jpg Fig. 31 http://us.123rf.com/400wm/400/400/cmcderm1/cmcderm10908/cmcderm1090800065/5452424-planos-arquitectonicos-de-las-casas-nuevas-y-de-las-comunidades.jpg Fig. 32 http://wvs.topleftpixel.com/photos/2006/06/fourseasons_coc_backstage_tall_01.jpg Fig. 33 http://giornaledelladanza.com/home/wp-content/uploads/2010/09/BNM.jpg Fig. 34 http://graphics8.nytimes.com/images/2007/07/22/arts/22salow.xlarge1.jpg Fig. 35 http://www.carbodydesign.com/archive/2008/01/29-mercedes-benz-advanced-design-studio-como/Mercedes-Benz-Design-Studio-Como-lg.jpg Fig. 36 http://seriesdepalabras.files.wordpress.com/2013/02/41_bauhaus.jpg Fig. 37 http://img.goudengids.be/mysite/media/54/24/5/3e47c97e-727d-45b8-9825-2c95157852f0_LARGE.jpg Fig. 38 http://www.hankoning.nl/new/media/dailylife/dailylife5.jpg Fig. 39 http://www.dhub.org/wp-content/uploads/2012/07/3D-printing-ceramic-paste-.-BFB-Rapman-3D-printer-with-modified-print-head.jpg Fig. 40 http://www.bankoboev.ru/images/Mjg0MzM1/Bankoboev.Ru_raznocvetnaya_pryazha.jpg Fig. 41 http://ic.pics.livejournal.com/crazy_ginger/13568581/87513/87513_640.jpg Fig. 42 http://4.bp.blogspot.com/-ZdGdiViPNn8/UOsTKDciWgI/AAAAAAAAT4Q/rDJx4AQin1w/s1600/IMG_0108_WEB.jpg http://valemakeupland.com/wp-content/uploads/2012/09/Christian-Siriano.jpg

Pinocho. - 275


Fig. 44 http://www.vvork.com/wp-content/uploads/2006/06/koji_groep.jpg Fig. 45 http://www.waballet.com.au/images/content_management/gallery/yann_laine_&_jennifer_provins._photo_by_jon_green.jpg Fig. 46 http://24.media.tumblr.com/tumblr_m0la0mZkzR1rrqikao1_500.jpg Fig. 47 http://asd.mx/wp-content/uploads/2012/12/Ilustracion_Digital_web.jpg Fig. 48 http://wiredupdifferently.files.wordpress.com/2013/01/amcqueen-isabella-blow.jpg Fig. 49 http://artsnotfair.files.wordpress.com/2012/02/video-still.jpg Fig. 50 http://www.nevaresfinearts.com/wp-content/uploads/2013/02/Bend_and_Snap_contemporary_dance_performance_at_Nazareth_College_Arts_Center_Rochester_New_York-3.jpg Fig. 51 http://afterpop.tv/wp-content/uploads/2011/10/MUTEK-HENKE-ARTISTA-2.jpg Fig. 52 http://content.foto.mail.ru/mail/ivanel07/_answers/i-9126.jpg Fig. 53 http://www.americanart.si.edu/images/2002/2002.23_1a.jpg Fig. 54 http://www.whitehotmagazine.com/UserFiles/image/2010/Bruce%20Nauman/13_Nauman_FiveMarchingMen.jpg Fig. 55 http://www.evl.uic.edu/dan/images/home-image03.jpg Fig. 56 http://cdn.vogue.mx/uploads/images/thumbs/201248/al_habla_con_miguel_chevalier_191343514_900x.jpg Fig. 57 http://ccunningham.co.uk/wp-content/uploads/2012/09/elephant_vanishes_01.jpg Fig. 58 http://www.fondosparaescritorio.es/fondo-pantalla-robot-transformer.html Fig. 59 http://artesplasticasydiseno.files.wordpress.com/2012/11/praxinoscopio2.jpg?w=210 Fig. 60 http://culturacolima.gob.mx/v2/wp-content/uploads/2012/10/El-Festival-Cultural-Alfonso-Michel-ofreci%C3%B3-en-el-Teatro-Hidalgo-el-espect%C3%A1culo-Xempa-con-la-compa%C3%B1%C3%ADa-C%C3%ADrculo-Drag%C3%B3n-de-Jalisco-2.jpg Fig. 61 http://xtranasproducciones.files.wordpress.com/2010/12/avila-unica-042_1-copia.jpg Fig. 62 http://dm.ncl.ac.uk/xueyan/files/2012/02/QQ%E6%88%AA%E5%9B%BE20120229132949.jpg Fig. 63 http://www.clarin.com/ciudades/Color-documental-realizado-funciones-artificiales_CLAIMA20100621_0033_4.jpg Fig. 64 http://www.cinemastric.com/peliculas/cirque-du-soleil-mundos-lejanos/attachment/cirque-du-soleil-worlds-away-movie-photo-12/

276 - Pinocho.


Fig. 65 http://www.digitaltrends.com/wp-content/uploads/2010/09/iphone-apps.jpg Fig. 66 http://www.mcd-pub.com/wp-content/uploads/2012/03/app-store-countdown.jpg Fig. 67 http://www.fuinteractive.com/wp-content/uploads/broadway.com_iPadApp_showsInfo.jpg Fig.68 http://commucom.files.wordpress.com/2013/02/marketing-de-contenidos.jpg Fig. 69 http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/10/SiameseEmbassyToLouisXIV1686NicolasLarmessin.jpg Fig. 70 http://static.tvazteca.com/Fig.es/2013/04/Cartel-oficial-del-Festival-Coachella-2013-1761630.jpg Fig. 71 http://payload.cargocollective.com/1/1/57819/996595/ballet.png Fig. 72 http://www.sebaabramovich.com/wp-content/uploads/2010/11/ballet-parking-1024x503.jpg Fig. 73 https://is0.4sqi.net/userpix/YGGEG2KDEZEFSEQD.gif Fig. 74 http://www.elgremio.org/tl_files/images/proyectos/ballet/ballet_03.jpg Fig. 75 http://static.flickr.com/54/139639455_7926ceebfd_o.jpg Fig. 76 http://www.tapeta-kobieta-voltaren-tubka.na-pulpit.com/zdjecia/kobieta-voltaren-tubka.jpeg Fig. 77 http://mov.cnad.com/cykb/upload/2010114163903469699.jpg Fig. 78 http://4.bp.blogspot.com/-WNjoZZzwTxM/TuY6L8SeFjI/AAAAAAAAAaI/KB8EWt_fmzQ/s1600/024.JPG Fig. 79 http://files.coloribus.com/files/adsarchive/part_1316/13167955/file/smuin-ballet-2009-spring-program-ballet-but-sexy-original-62321.jpg Fig. 80 http://www.iwallscreen.com/imageres/2880x1800-apple-logo-wallpaper.jpg Fig. 81 http://www.iwallscreen.com/imageres/2880x1800-apple-logo-wallpaper.jpg Fig. 82 http://i.imgur.com/y4uJt.jpg Fig. 83 http://www.flamedesign.ca/wp-content/uploads/ballet_0002_Levels-2-copy.jpg 5.5 BALLET DE MONTERREY Fig. 84 Fig. patrocinada por Cadena y Asociados. Fig. 85 Fig. patrocinada por Cadena y Asociados. Fig. 86 Fig. patrocinada por Cadena y Asociados.

Pinocho. - 277


Fig. 87 Fig. patrocinada por Cadena y Asociados. Fig. 88 Fig. patrocinada por Cadena y Asociados. Fig. 89 http://inspiringdance.org/photos/inspiring-dance-nicaragua-costa-rica.jpg Fig. 90 http://www.elnorte.com/Galeria_de_fotos/images/2259/4517487.jpg Fig. 91 http://www.moreliatravel.com/uploads/agencias/40/p176rmq8o416brrlplcd57c1bon5.jpg Fig. 92 http://media.tiff.net/contents/stills/lostinmotion_02.jpg Fig. 93 http://media.culturemap.com/crop/21/07/800x700/Houston_Ballet_Center_for_Dance_dancers_by_Marshall_Strabala.jpg 6. TENDENCIAS Fig. 94 http://www.artandabout.com.au/wp-content/uploads/Planning%20&%20Infrastructure%20-%20Sydney%20Harbour%20Foreshore%20Authority/4b.%20Cranmer_Courts_install_Mike_Hewson[1].jpg Fig. 95 http://www.pressblog.co.kr/config/data/thumb/naver/2013/03/26/fd74ea22c47cd7da7aaa1bf98c6403e8.jpg Fig. 96 http://www.fmvmag.com/wp-content/uploads/2013/02/husschal.jpg Fig. 97 http://www.designcatwalk.com/wp-content/uploads/2011/03/Floating-dress-2.jpg Fig. 98 http://www.amusitronix.com/wp-content/uploads/2012/09/virtual-wall-bb1.jpg Fig. 99 http://m1.paperblog.com/i/94/943020/llum-bcn-festival-iluminacion-urbana-barcelon-L-5C30KX.jpeg Fig. 100 http://designcollector.net/files/francksorbier-mapping-0.jpg?cda6c1 Fig. 101 http://www.retail-week.com/Pictures/web/g/q/u/tmobile_flashmob_1.jpg Fig. 102 http://3.bp.blogspot.com/_d54ywl-Mfrk/TPU48ZB2qeI/AAAAAAAAAmM/UsHGIJRV7YI/s1600/externa03TokStokCompact_PatriciaLion.JPG Fig. 103 http://fc02.deviantart.net/fs70/f/2010/247/3/9/the_galaxy_dress_by_midnight_wolf_shadow-d2y0sy3.jpg Fig. 104 http://i847.photobucket.com/albums/ab40/rebeccamadams/thrifted%20blog/colour-in-dress-6.jpg Fig. 105 http://blog.art21.org/wp-content/uploads/2012/12/305352_10152188622206686_558164084_n.jpeg Fig. 106 http://www.teinspira.com/wp-content/themes/mayumi/functions/thumb/thumb.php?src=http://www.teinspira.com/wp-content/uploads/dealflicks-entradas-de-cine-descuento.jpg&w=620&h=250&zc=1 Fig. 107 http://revistapegn.globo.com/Revista/Pegn/foto/0,,69763454,00.jpg

278 - Pinocho.


Fig. 108 http://alicecruickshankonline.files.wordpress.com/2013/02/rafiki-photo-of-london-production-by-catherine-ashmore.jpg Fig. 109 http://media.ticketarium.com/media/catalog/product/cache/1/image/9df78eab33525d08d6e5fb8d27136e95/l/i/lionking1-gazelle.jpg Fig. 110 http://blogs.naplesnews.com/stage-door/ThePhantomOfTheOperaCompanyMasquaradePhotocreditCatherineAshmore.jpg Fig. 111 http://media1.hellovegas.com/media/articles/images/1371_image5.jpg Fig. 112 http://mrcellophane13.files.wordpress.com/2011/09/l.jpg Fig. 113 http://astridstark1.files.wordpress.com/2011/12/phantom-doc.jpg Fig. 114 http://pressroom.pgharts.org/wp-content/uploads/2011/08/Original_Broadway_Company-production-shot-clock.jpg Fig. 115 http://www.papercitymag.com/files/blog/CHANDRA_LEE_SCHWARTZ_and_DONNA_VIVINO_.jpg Fig. 116 http://markronan.files.wordpress.com/2013/03/1-sarah-lamb-in-alices-adventures-in-wonderland-photo-johan-persson-roh.jpg Fig. 117 http://farm9.staticflickr.com/8449/8064589280_15cc63929d_b.jpg http://www.waballet.com.au/images/content_management/gallery/andre_santos._photo_by_jon_green.jpg Fig. 118 http://www.armesphoto.com/Ballet/Carolina-Ballet/Pinocchio-2010/i-dfSXt7m/0/L/PB245293-Armes-L.jpg Fig. 119 http://1.bp.blogspot.com/-uZ2wULeB2mk/Tr7cIu3GzgI/AAAAAAAABJ8/XCMf25TIvyk/s1600/FranciscoToledo%252C%2BPinocchio%2B4.jpg Fig. 120 http://www.design-moderne.com/wp-content/uploads/2012/12/Montblanc-Pinocchio-Limited-Edition-600x639.gif Fig. 121 http://ouvretesyeux.files.wordpress.com/2008/04/jim-dinetwo-thieves-one-liar1.jpg Fig. 122 http://3.bp.blogspot.com/-ZRDMdkpT49Y/TzV_zcY6TsI/AAAAAAAAAe8/3_uoG1gGKeE/s1600/Screen+shot+2012-02-07+at+1.22.04+PM.png 8. MARCO REFERENCIAL Fig. 118 Sketch elaborado en base a la observación “fly on the Wall” Fig. 119 Sketch elaborado en base a la observación “fly on the Wall” Fig. 120 Fig. capturada del Teatro Luis Elizondo Fig. 121 Fig. capturada del Teatro Luis Elizondo Fig. 122 Confeccionista de vestuario del Ballet de Monterrey Rosalinda Medellín

Pinocho. - 279


Fig. 123 Ex bailarina profesional Ana Alejandra Laredo Fig. 124 Bailarina Profesional Regina Palomar Fig.125 http://www.aigine.kg/wp-content/uploads/2012/05/%D0%9B%D0%B5%D1%82%D0%BD%D1%8F%D1%8F-%D1%88%D0%BA%D0%BE%D0%BB%D0%B06-150x150.jpg Fig. 126 Fig. adquirida de una ilustración por un niño de 9 años Fig. 127 http://www.google.com.mx/imgres?imgurl=http://sphotos-a.xx.fbcdn.net/hphotos-snc6/p480x480/9440_549696608375795_2016670986_n.jpg&imgrefurl=http://www.facebook.com/thedisplayedlaborssideshow?group_id%3D0%26filter%3D2&h=480&w=672&sz=42&tbnid=uoz4BnOdSxx7CM:&tbnh=91&tbnw=127&zoom=1&usg=__5lAgdqOLcNnHY_INoFsTn1Lifxw=&docid=zVTnRfRPLzzwYM&hl=es-419&sa=X&ei=QdhwUbzxGsa0ygGNuYDQCQ&ved=0CCkQ9QEwAA Fig. 128 Lic. Carlos & Alberto, responsables participantes de videomapping Fig. 128.1 http://eskua.com/images/intro.jpg Fig. 129 Director Creativo en Ballet de Monterrey Luis Serrano Fig. 130 Representante Creativa de Cadena & Asociados. Fig. 131 Coordinador de Vestuario en Ballet de Monterrey Marco Reyna Fig. 132 http://2.bp.blogspot.com/_DRTPY8f3ycs/S89bLW2TIII/AAAAAAAAAfw/KbnL7iE8nss/s1600/Pinocchio2.jpg Fig. 133 http://cafecomdesenho.files.wordpress.com/2011/02/temp2558.jpg Fig. 134 http://4.bp.blogspot.com/-vWJPtGmoICc/TwuFsGMx5sI/AAAAAAAABLI/RMrVifE6YHI/s1600/pinocho.png Fig. 135 http://www.silverdisc.com/images/04/096009775391.jpg Fig. 136 http://www.artefactocorp.com/images/pinocho.jpg Fig. 137 http://www.impactony.com/wp-content/uploads/2012/11/Pinocho.jpg Fig. 138 http://www.waballet.com.au/images/content_management/gallery/andre_santos._photo_by_jon_green.jpg Fig. 139 http://www.armesphoto.com/Ballet/Carolina-Ballet/Pinocchio-2010/i-dfSXt7m/0/L/PB245293-Armes-L.jpg Fig. 140 http://1.bp.blogspot.com/-uZ2wULeB2mk/Tr7cIu3GzgI/AAAAAAAABJ8/XCMf25TIvyk/s1600/FranciscoToledo%252C%2BPinocchio%2B4.jpg Fig. 141 http://www.design-moderne.com/wp-content/uploads/2012/12/Montblanc-Pinocchio-Limited-Edition-600x639.gif Fig. 142 http://ouvretesyeux.files.wordpress.com/2008/04/jim-dinetwo-thieves-one-liar1.jpg Fig. 143 http://3.bp.blogspot.com/-ZRDMdkpT49Y/TzV_zcY6TsI/AAAAAAAAAe8/3_uoG1gGKeE/s1600/Screen+shot+2012-02-07+at+1.22.04+PM.png

280 - Pinocho.


11. EL PROYECTO Fig. 144 MoodBoard de Inspiración Fig. 145 Paleta de Colores utilizada en el área de interiores Fig. 146 Imagen del proceso Fig. 147 Imagen del proceso 2 Fig. 148 Sketch Villa/Pueblo Fig. 149 Plano, Planta Escena Pueblo. Fig. 150 Render Villa-Atardecer Fig. 151 Render Villa-Amanecer Fig. 152 Render Villa-Anochecer Fig. 153 Sketch Interior Casa de Geppetto Fig. 154 Plano, Planta Escena Pueblo. Fig. 155 Render Interior Casa de Geppetto-Día Fig. 156 Render Interior Casa de Geppetto-Noche Fig. 157 Sketch Teatro de Títeres Fig. 158 Plano, Planta Titiritero Fig. 159 Render Teatro de Títeres 1 Fig. 160 Render Teatro de Títeres 2 Fig. 161 Sketch Pueblo de la Felicidad Fig. 162 Plano, Planta Pueblo de la Felicidad Fig. 163 Render Pueblo de la Felicidad-Día Fig. 164 Render Pueblo de la Felicidad-Noche

Fig. 165 Sketch Interior Ballena Fig. 166 Plano, Planta Interior Ballena Fig. 167 Render Interior Ballena Fig. 168 Bocetos elaborados a lo largo del proceso de identidad. Fig. 169 Imagen inicial del “Libro Animado” Fig. 170 Imagen de manos para el Teatro de Títeres. Fig. 171 Pueblo de la Felicidad-Noche Fig.. 172 Pueblo de la Felicidad-Día Fig.. 173 Escena de el Mar. Fig. 174 Escena del Interior de la Ballena Fig.. 175 Imagen para “acetato” Villa de Geppetto 1 Fig.. 176 Imagen para “acetato” Villa de Geppetto 2 Fig. 177 Imagen para acetato Villa de Geppetto 3 Fig. 178 Imagen para acetato Teatro de Títeres 1 Fig. 179 Imagen para acetato Pueblo de la Felicidad 1 Fig. 180 Imagen para acetato Pueblo de la Felicidad 2 Fig. 181 Imagen para acetato Interior Ballena Fig. 182 Imagen Inicial del Micrositio-Web Fig. 183 http://static3.depositphotos.com/1000792/126/v/950/depositphotos_1262893-Ballet-silhouette.jpg Fig. 184 http://mujer.ahorro.net/files/2012/11/Sobre-blanco-con-lentejuelas-detalle-2.jpg Fig. 185 Paleta de Colores utilizado por el área de modas Fig. 186 Ilustración Pinocho

Pinocho. - 281


Fig. 187 Trazo Pinocho

Fig. 209 Trazo Arlequín

Fig. 188 Ilustración Geppetto

Fig. 210 Ilustración Palomo Mensajero

Fig. 189 Trazo Geppetto

Fig. 211 Trazo Palomo Mensajero

Fig. 190 Ilustración Pepe Grillo

Fig. 212 Ilustración Polilla

Fig. 191 Trazo Pepe Grillo

Fig. 213 Trazo Polilla

Fig. 192 Ilustración Hada 1

Fig. 214 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 193 Trazo Hada 1

Fig. 215 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 194 Ilustración Hada 2

Fig. 216 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 195 Trazo Hada 2

Fig. 217 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 196 Ilustración Acompañante de Hada

Fig. 218 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 197 Trazo Acompañante de Hada

Fig. 219 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 198 Ilustración Gato

Fig. 220 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 199 Trazo Gato

Fig. 221 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 200 Ilustración Zorro

Fig. 222 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 201 Trazo Zorro

Fig. 223 Producción de fotografía del Personaje (Foto por: Fernando Vega)

Fig. 202 Ilustración Stromboli

Fig. 224 Plano y figurín de Pincho

Fig. 203 Trazo Stromboli Fig. 204 Ilustración Figaro Fig. 205 Trazo Figaro Fig. 206 Ilustración Cleo Fig. 207 Trazo Cleo Fig. 208 Ilustración Arlequín

282 - Pinocho.

Fig. 225 Plano y figurín de Pepe Grillo Fig. 226 Plano y Render Ballena Pisapapeles Fig. 227 Render USB Gato Fig. 228 Render USB Pinocho Fig. 229 Plano y Render taza de cerámica Fig. 230 Render de diseño de Balsa para el área de interiores


Fig. 231 Plano de diseño de la Balsa

Fig. 253 Medios Impresos 9

Fig. 232 Render diseño de Carreta para el área de interiores

Fig. 254 Medios Impresos 10

Fig. 233 Plano de diseño de Carreta

Fig. 255 Medios Impresos 11

Fig. 234 Plano de nariz

Fig. 256 Medios Impresos 12

Fig. 235 Render nariz extendida en accesorio de utilería para el área de modas

15. ANEXOS

Fig. 236 Render nariz contraída en accesorio de utilería para el área de modas

Fig. 1 http://media-cache-lt0.pinterest.com/192x/b9/9b/27/b99b27bb87ee513569ac190bd3330971.jpg

Fig. 237 Plano de Modulo de Atención

Fig. 2 http://cdn1.grupos.emagister.com/imagen/metodo_cecchetti_256657_t0.jpg

Fig. 238 Render Modulo de Atención 1

Fig. 3 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010_12_01_archive.html

Fig. 239 Render Modulo de Atención 2 Fig. 240 LOGO Fig. 241 Aplicación de uso en sello de logo Fig. 242 Paleta de colores Logo

Fig. 4 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/assemble.html Fig. 5 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/cabriole.html Fig. 6 http://f5.mb-content.com/pictures/486/75/2/1275486_IDORJMAONPCMSFE.jpg

Fig. 243 Paleta de colores Medios Impresos

Fig. 7 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/glissade-en-puntas.html

Fig. 244 Tipografías Medios impresos

Fig. 8 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/pas_de_bourre.html

Fig. 245 Medios Impresos 1

Fig. 9 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010_12_01_archive.html

Fig. 246 Medios Impresos 2

Fig. 10 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010_12_01_archive.html

Fig. 247 Medios Impresos 3

Fig. 11 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/releve.html

Fig. 248 Medios Impresos 4

Fig. 12 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/releve.html

Fig. 249 Medios Impresos 5 Fig. 250 Medios Impresos 6 Fig. 251 Medios Impresos 7 Fig. 252 Medios Impresos 8

Fig. 13 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/rond-de-jambe-terre.html Fig. 14 http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/tour-en-lair.html Fig. 15 http://www.thurstontalk.com/wp-content/uploads/2012/10/untitled-9590.jpg

Pinocho. - 283


Fig. 16 http://www.registercitizen.com/content/articles/2011/01/20/entertainment/doc4d38db24788a7862589631.jpg Fig. 17 http://3.bp.blogspot.com/-b86KzGGlR3c/UK4R-EQHsTI/AAAAAAAAIvI/YvHrngPlOn4/s1600/P1150003.jpg Fig. 18 http://4.bp.blogspot.com/-uRTp9Mn-NQI/T1PIkdD5VaI/AAAAAAAAAPo/z341MBiriCc/s1600/Victoria+16+x+14+300ppi.jpg Fig. 19 http://www.dancers.kom.ec/danza/danza6.JPG Fig. 20 http://allsportroma.it/images/BILLY%20GRANDE%20%20mirall-38e.jpg Fig. 21 http://www.dinamicaballet.com/wp-content/uploads/ballet-base-fundici%C3%B3n-4.JPG Fig. 22 http://www.dinamicaballet.com/wp-content/uploads/telescopic17-avellanat.jpg

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• Mark Monahan (2012). Swan Lake, Royal Ballet, Covent Garden, review.[En línea] Disponible en: http://www.americanessays.com/tool-box/apa-format-citation-generator/. [Consultado en 20 Octubre 2012]. • Royal Opera House (). Alice’s Adventures in Wonderland.[En línea] Disponible en: http:// www.roh.org.uk/productions/alices-adventures-in-wonderland-by-christopher-wheeldon. [Consultado en 20 Octubre 2012]. • Roslyn Sulcas (2011). Alice on Her Toes, at a Rare Tea Party.[En línea] Disponible en: http://www.nytimes.com/2011/03/02/arts/dance/02alice.html?_r=2&. [Consultado en 20 Octubre 2012].

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“True freedom is found in the art of dancing as each pleases, without more choreographers that our mind and our impulses” – Anonymous


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Anexo 1. Técnica La técnica del ballet está conformada por una serie de movimientos estilizados y posiciones que han sido elaboradas y agrupadas a través de los años, hasta convertirse en un sistema bien definido denominado ballet. Se dice que se domina la técnica del ballet cuando todas las partes del cuerpo están correctamente alineadas y centradas para permitir la máxima estabilidad y facilidad de movimiento. La técnica del ballet acentúa la verticalidad del torso, ya que los bailarines deben siempre fluir sobre este eje.

A medida que el bailarín mejora su eficiencia, los ejercicios en la barra y en el centro se van tornando más complejos, aunque siempre basados en los mismos movimientos aprendidos desde el comienzo. Los movimientos se van haciendo cada vez más rápidos o más lentos, más extensos, más complejos y físicamente más demandantes. Es por esto, que de ahí parte la importancia de forjar, desde un principio, bases sólidas, ya que de ellas dependerá el progreso de cada bailarín en un futuro.

El torso y todas las partes del cuerpo del bailarín deben permanecer sostenidas y prolongadas hacia arriba de manera que su cuerpo permanezca siempre alargado y estirado. Esto implica una gran resistencia a la gravedad, no solo en la postura, si no también en los pasos de elevación, como los saltos.

Generalmente los bailarines realizan la clase para mantener su nivel de ejecución técnica, más que para aprender pasos nuevos. La técnica del ballet clásico es universalmente reconocida como una base sólida para la práctica de cualquier otra forma dancística. Los principios técnicos adquiridos con la práctica del ballet pueden ser aplicados a cualquier otra forma o estilo de baile.

Existen diferentes sistemas de entrenamiento para dominar la técnica de ballet, de los cuales algunos han evolucionado y adoptado el nombre de sus países de origen; por ejemplo, la escuela rusa, francesa, etc. De igual forma existen otross que se conocen por el nombre de sus maestros; el italiano Enrico Ceccetti, el danés Augusto Bournonville o la rusa Agripina Vaganova. Estos sistemas, sin embargo, difieren más en el estilo y el énfasis en algunos aspectos más que en los movimientos, los cuales son los mismos en todo el mundo. Es decir, el lenguaje técnico es universalmente el mismo sin importar la escuela, aunque puede haber diferencias en la ejecución de algunos movimientos.

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Anexo 2. Postura El ballet se caracteriza por su gracia, delicadeza y elegancia, y cuenta con ciertos fundamentos para lograrlo. Los bailarines tienen que encontrar su centro del balance imaginándose una línea derecha atravesando su columna vertebral. Para lograr tener una postura correcta se deben respetar varios principios. Como ejemplo se encuentran los siguiente, estipulados en el libro “Principios básico de la danza clásica” por Agrippina Vaganova, los cuales son: - El peso del cuerpo estará repartido igualmente sobre ambos pies. - Las piernas estarán perfectamente alineadas. - La pelvis estará derecha. (Basculada hacia delante, arquearía la espalda y hace sobresalir las costillas; basculada hacia atrás, redondearía la espalda y hundiría el pecho. - El trabajo de la musculatura abdominal, dorso lumbar y glúteo, es continua o sostenida. - El busto esta libre y extendido, en actitud de suspensión. - La cabeza esta derecha y la mirada se dirige hacia delante sin fijarla. - Los brazos están flexibles y se mantendrán extendidos o en semi - flexión. El cuerpo humano está constantemente sometido a fuerzas de presión y de resistencia. Es por eso, que el bailarín tiene como preocupación luchar contra las fuerza de gravedad. El objetivo principal es buscar la suspensión y la elevación, dando la impresión de liberación del peso. Existen 5 posiciones básicas: primera, segunda, tercera, cuarta y quinta. Son importantes porque todos los movimientos del ballet empiezan y terminan en estas posiciones. Lo primero que aprende una bailarina es como controlar su cuerpo, lo que distingue al ballet es su excelente postura.

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fig. 196 En la primera posición los talones están rotados hacia afuera tocándose talón con talón, los pies apuntan hacia afuera formando una línea derecha, los diez dedos de los pies tocando el piso. La segunda posición es similar a la primera, solo que los talones no se tocan el uno al otro, tienen un espacio de separación entre ellos hacia los lados. La tercera posición, con las rodillas rotadas hacia afuera, un pie delante de otro, con el talón de un pie se toca el arco del otro pie.

La quinta posición, rotadas las rodillas hacia afuera, los dos pies tocando el piso, se cruzan hasta que cada pie alcanze el talón del otro pie con los dedos. Las posiciones de los brazos se dividen en posiciones simples y posiciones combinadas. Las posiciones simples: Preparación o brazos abajo: Los brazos caen en forma natural a lo largo del cuerpo, los codos se observan ligeramente levantados hacia delante y para tomar una forma redondeada, las manos no están rígidas.

La cuarta posición, los pies están alineados como en la tercera posición solo con un paso se separación hacia adelante.

Primera: Los brazos mantienen la forma redondeada, se llevan hacia delante, hasta el nivel del estomago, y dirigidas hacia adentro, los dedos casi se juntan.

Postura: http://www.dancespirit.com/2010/09/on-point_pirouettes/ Bibliografía: http://www.dancespirit.com/2010/09/on-point_pirouettes/

Posiciones: http://pasionflamenca.com.ar/las-5-posiciones-basicasde-ballet/ Bibliografía: http://balletclassroom.wordpress.com/positions-of-the-feet-and-arms-cecchetti-method/


Segunda: Los brazos se separan hacia los lados, ligeramente hacia delante del cuerpo y mas abajo que los hombros, los codos están marcando una leve curva del brazo; las manos se dirigen en dirección intermedia entre el frente y el suelo. El codo esta menos elevado que el hombro, y la muñeca, menos elevada que el codo. Quinta o “brazos en corona”: Los brazos se elevan sobre la cabeza, hombros permanecen bajos, codos formando una leve curva; Los brazos se encuentran ligeramente hacia delante, formando un cuadro ovalado delante del rostro. Al elevar la mirada, sin levantar la cabeza, el ejecutante debe ver Los dedos casi juntos. Las posiciones combinadas: Tercera: un brazo va a la segunda y el otro en quinta. Cuando parten desde la preparación, el movimiento debe pasar por primera. Cuarta: un brazo va en primera, y el otro en quinta. Sexta o preparaci��n para giro: el brazo del lado del cual se gira, va en primera, el otro en la segunda. Las “Grandes posiciones” o “posiciones combinadas” son aquellas posiciones en las que se combina la posición de las piernas, el tronco, los brazos y la cabeza, de una forma u otra. Entre estas posiciones, se encuentran los “Arabesques” y los “Attidudes”, entre muchas otras. Lo importante de estas es que siempre se debe seguir una técnica como base para aprender a controlar y lograr dominar el cuerpo en cada uno de los movimientos. El Arabesque: En general, el arabesque es una posición de forma lineal, el cuerpo en apoyo sobre una pierna; la pierna libre se mantiene hacia atrás en altura. Los brazos pueden tomar diversas posiciones, y estos van alargados, lo mismo que el tronco, que se inclina ligeramente hacia adelante. Se parte practicando el ejercicio sobre toda la planta del pie, y luego en media punta. Al trabajar esta posición en equilibrio sirve como base para el aprendizaje de las planchas faciales, laterales, y también dorsales.

Posiciones simples: http://balletclasics.blogspot.mx/ Arabesques: http://firstarabesque.com/balletresources/Image1.jpg

fig. 199

fig. 200

El Attitude: Esta posición consiste en el apoyo del cuerpo sobre una pierna, llevando la pierna libre flexionada, ubicada en una dirección determinada, que es frecuentemente adelante o atrás, aunque también se usa en la segunda posición (lateral).

Esta posición también es importante, ya que es la base de la postura del cuerpo, en equilibrios, giros y saltos.

Attitude: http://elballetclasicolaroyal-eli.blogspot.mx/2012/03/ pasos-del-ballet.html The 5 basic positions of ballet, Treva Bedinghaus

http://dance.about.com/od/stepsandmoves/ss/Ballet_Five.htm Métodos y Técnicas de la Danza http://dyldanza.blogspot.mx/2006/10/documento-n-4.html

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Anexo 3. Pasos Los orígenes del ballet se remontan al Renacimiento entre los años 1400 y 1600. Su técnica consiste en posiciones y movimientos estilizados, que a lo largo del tiempo se han ido recopilando en un sistema bien definido. Cada composición se acompaña de música, decorado y vestuario que da vida a una coreografía muy bien estudiada en donde bailar en puntas se considera lo como lo mas representativo de esta arte. En el ballet se hacen presente muchos términos en francés, debido a que los pasos fueron denominados y codificados por primera vez en Francia, así que este idioma es el lenguaje internacional del ballet.

Assemblés pueden ser petit o grand según la altura del battement y es ejecutados dessus, dessous, devant, derrière, en avant, en arrière y en tournant. Ellos pueden ser hechos en face, croisé, effacé o écarté. Assemblé también puede ser hecho con un golpeado para el esplendor más gran. En el Cecchetti assemblé ambas rodillas son dobladas y preparadas después del battement para que ambos pies se encuentren mientras el cuerpo está en el aire.

ADAGIO: Movimiento lento que se realiza solo o acompañado. La primacía clásica del pas de deux, en el cual la bailarina es ayudada por su compañero masculino y así realiza los movimientos lentos y elevaciones, en el cual en los ascensos el bailarín apoya o lleva a la bailarina. La bailarina así, realiza pasos y alcanza las posturas que le serían imposibles sin la ayuda de su compañero. ALLONGÉ: Alargado, estirado. ASSEMBLÉ: Montado o unido juntos. Un paso en el que el pie que trabaja se desliza por el suelo antes de elevarse por el aire. Como el pie entra en el aire el bailarín se eleva del suelo con la pierna de apoyo. Ambas piernas una vez realizado el salto vienen a tierra simultáneamente en la quinta posición. Si un assemblé es porté esto requiere un paso preparatorio como un glissade para precederlo. Si un assemblé es en tournant esto debe ser precedido por un paso preparatorio.

BATTEMENT FONDÚ: Es un ejercicio en el cual la pierna soporte está doblada lentamente en demi plie (como hundiéndose abajo) y el pie que trabaja señala el tobillo y se estira hacia el suelo o hacia el aire. Mientras que se endereza la pierna soporte se extiende. El fondu puede ejecutarse con punta en el piso o en el aire. Se puede ejecutar en varias posiciones: al frente, al lado o atrás. BATTEMENT FRAPPÉ: Battement pulsado. Un ejercicio en el cual el bailarín poderosamente amplía la pierna de trabajo de una posición cou de pie a varias posiciones: al frente, al lado o a la parte posterior. Este ejercicio consolida los dedos del pie y los empeines y desarrolla la energía de las puntas. Es la base del allegro.

En el ballet existe el vocabulario elementan que incluyen las 5 posiciones en la barra que se nombra como primera, segunda, tercera, cuarta y quinta posición dependiendo de la extensión de los brazos y posición de pies. Entre el vocabulario básico del ballet clásico estipulados en el libro “Principios básico de la danza clásica” por Agrippina Vaganova se encuentran:

BATTEMENT CLOCHE: Como una campana. Se refiere a grands o petites battements ejecutado continuamente devant y derrière por la primera posición.

fig. 201 AVANT, EN: Delante. Una dirección para la ejecución de un paso. Indica que un paso debe ser ejecutado hacia adelante BATTEMENT: Acción que consiste en sacar la pierna extendida. Hay dos tipos de battements: grands battmente y petites battmente. Los battements petis son: tendus, dégagés, frappés. Los gran battement: en cloche, y estirado. BATTEMENT DÉGAGÉ: El battement dégagé es similar al battement tendu pero se hace mas rápido y el pie de trabajo se levanta cerca de cuatro pulgadas del piso con el pie bien acentuado. Al cerrar resbala nuevamente hacia dentro de la primera o quinto posición. Los dégagés consolidan los dedos del pie, desarrollan el empeine y mejoran la flexibilidad del empalme del tobillo.

BATTEMENT TENDÚ: Battement estirado. Es un ejercicio para forzar los empeines hacia fuera. El pie de trabajo sale de la primera o quinto posición hacia la segunda o cuarta posición sin la elevación del dedo del pie de la tierra. Ambas rodillas se deben mantener estiradas. Cuando el pie alcanza el tendue del pointe de la posición, entonces vuelve a la primera o quinto posición. El battements tendus se puede también hacer con el cuerpo en varias posiciones. BATTEMENT GRAND: Battement grande. Un ejercicio en el cual la pierna de trabajo se levanta en el aire con fuerza (sin mover las caderas) y vuelve a su posición original otra vez. El acento de este movimiento es hacia arriba y ambas rodillas estiradas. La función de los grands battements es aflojar los empalmes de la cadera. Los grands battements se pueden tomar el seconde, devant y derrière. BATTU: Batido. Cuando un paso es mezclado con un golpe entre de pies, se llama battu.

Assamble: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/assemble. html

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CABRIOLE: salto, sacudiendo los pies en el aire.

trabaja es colocado en la parte de la pierna entre la base del talón y el principio del tobillo. COUPÉ: Palabra del francés que significa cortar. Cambio rápido de una pierna a otra que sirve como impulso para saltar o hacer otra cosa. DEDANS, EN: Hacia dentro. En pasos y ejercicios el término dedans indica que la pierna, en una posición à terre o en l’air, se mueve en una dirección circular, en sentido contrario a las agujas del reloj. Como, por ejemplo, en rond de jambe à terre en dedans. En piruetas, el término indica que una pirueta es hecha hacia adentro, hacia la pierna de apoyo.

fig. 202

CAMBRÉ: Ejercicio en donde, desde la cintura, se flexiona el tronco, y a diferencia del souplesse, en éste se desplaza la cadera. Es, principalmente, un ejercicio de barra para adquirir flexibilidad en el tronco. Se ejecuta en avant, de coté o en arrière

DEHORS, EN: Externo. En pasos y ejercicios el término en dehors indica que la pierna, en una posición à terre o en l’air, se mueve en una dirección circular, en el sentido de las agujas del reloj. Como, por ejemplo, en rond de jambe à terre en dehors. En piruetas el término indica que una pirueta es hecha externa hacia la pierna que trabaja.

CHASSÉ: Perseguido. Un paso en el cual un pie persigue literalmente el otro pie de su posición; hecho en una serie.

DEMI-PLIÉ: Mitad flexión de las rodillas. Todos los pasos de la elevación comienzan y terminan con un demi-plié. Vea Plié.

CISEAUX: Palabra del francés que significa tijeras. Gran salto de una pierna a otra alternando el lanzamiento de las piernas adelante a 90°.

DEMI-POINTES, SUR LES: En las medias puntas o dedos. Indica que el bailarín debe estar apoyado en las plantas de los dedos. También utilizado en el singular, “ sur la demi-pointe”

CODA: El final de un ballet clásico en el cual todos los bailarines principales aparecen por separado o con sus acompañantes. La danza final del paso clásico a dos, a tres o a cuatro.

DERRIÉRE: Detrás, atrás. Este término puede referirse a un movimiento, el paso o la colocación de un miembro atrás (trasero) del cuerpo. En relación a un paso en particular, la expresión de derrière implica que el pie que trabaja cierra atrás.

CROIX, EN: En forma de cruz. Indica que un ejercicio debe ser ejecutado a la cuarta delante, a la segunda posición y a la cuarta posición atrás, o viceversa. Como, por ejemplo, en battements tendus en croix. COU-DE -PIE, SUR LE: Sobre “el cuello del pie”. El pie que

DEVANT: En frente. Este término puede referirse a un paso, el movimiento o la colocación de un miembro delante del cuerpo. En la referencia a un paso particular la adición de la palabra “devant” implica que el pie que trabaja es cerrado en el frente.

Por el uso común el término se ha abreviado a développé. Un développé es un movimiento en el que la pierna que trabaja es elevada al nivel de la rodilla de la pierna de apoyo y despacio ampliada a una posición abierta en l’air y sostenida allí con un control perfecto. Las caderas son mantenidas a nivel y en la dirección en la que el bailarín se enfrenta. ÉCARTE: Separado. Amplio. Écarté es una de las ocho direcciones del cuerpo (método Cecchetti). En esta posición el bailarín afronta cualquiera de las dos esquinas delanteras del espacio (cuarto). La pierna más cerca a la audiencia señala a la segunda posición à terre o levantada a la segunda posición en l’air. El torso es sostenido en perpendicular. Los brazos son sostenidos en la actitud del brazo levantado que ha de ser sobre el mismo lado que la pierna ampliada. ÉCHAPPÉ: Deslizar el movimiento. Un échappé es una abertura de ambos pies de una posición cerrada a una posición abierta. Hay dos clases de échappés: échappé sauté, que es saltado, y echeppé sur les pointes o demi-pointes, que se hace con un relevé y tiene las rodillas rectas cuando la posición es abierta. En cada caso los échappés se hacen a la segunda o cuarta posición, ambos pies que viajan una distancia igual del centro de gravedad original. EFFACÉ, EFFACÉE: Sombreado. Una de las direcciones de épaulement en el que el bailarín está de pie en un ángulo oblicuo al frente, para que una parte del cuerpo sea conducida y casi ocultada de la vista. Esta dirección es llamada “ouvert” en el método francés. Effacé también es usado para calificar una postura en la que las piernas son abiertas (no cruzadas). Esta postura puede ser tomada devant o derrière, o sea à terre o sea en l’air. ENTRECHAT: Palabra del italiano intrecciare, que significa tejer, entretejimiento o trenza. Brinco en donde se despega con un pie al frente y se van cruzando las piernas en el aire. Un paso de saltos en la que el bailarín brinca en el aire y rápi-

DÉVELOPPÉ: El tiempo de desarrolló de un movimiento.

Cabriolé: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/cabriole.html

Pinocho. - 301


damente cruza las piernas antes y detrás del uno al otro. Entrechats son contados de dos a diez según el número de cruces requeridos y contando cada cruce como dos movimientos, un por cada pierna; es decir en un entrechat quatre cada pierna hace dos movimientos distintos. FONDU – FONDUE: El hundirse abajo. Un término que

fig. 204 otro, en las cuales la pierna de trabajo está doblada en el aire y parece haber sido lanzada. Hay una variedad amplia de jetés, y pueden ser realizados en todas las direcciones. fig. 203 describe bajar del cuerpo doblando la rodilla de la pierna de soporte. En algunos casos el termino fondu se utiliza para describir la conclusión de un paso cuando la pierna de trabajo se pone en la tierra con un movimiento suave y gradual. FOUETTÉ EN TOURNANT: Como un látigo. Latigazo en giro. Espectacular giro donde el pie de trabajo es estirado y recogido durante las vueltas. La cabeza se mantiene mirando un punto fijo y los brazos ayudan a la postura y al giro. GLISSADE: Deslizamiento. Deslizando el pie de trabajo de la quinto posición en la dirección requerida, el otro pie se cierra a ella. Glissade es un paso de suelo y se utiliza principalmente para ligar hacia otros pasos. El Glissade se puede ejecutar con o sin cambio de pies, y todo comienza y termina con un demi-plié. Hay seis glissades: devant, derrière, dessous, dessus, en avant, arrière. La diferencia entre ellos depende de las posiciones que comienzan y que acaban así como la dirección del cuerpo.

JETÉ, GRAND: Jeté grande. En este paso las piernas se lanzan a 90º grados con un salto de altura correspondiente y un desplazamiento corporal. Se hace hacia delante, al croisée o al effacée y a todos los arabescos. Puede también ser realizado al revés con la pierna levantada al croisé o el effacé devant. El grand jeté, es precedido siempre por un movimiento preliminar tal como un glissade, pas de couru o un coupe. PAS DE BOURRÉE: Paso que comienza en quinta posición y el pie de atrás pasa delante y cierra otra vez la quinta. Tambien el pas de bourrée puede ejecutarse como dessus en varia posiciones derrière, en avant, and en tournant, en dedans and en dehors, on the point or demi-pointe. PLIÉ: Doblado. Una flexión de las rodillas. Este es un ejerci-

JAMBE: Pierna. JETÉ, PAS: Paso que lanza. Un salto a partir de un pie al

Entrechat: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/entrechat-quatre.html

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cio para trabajar las elongaciones y que los músculos se vuelvan suaves y flexibles; los tendones flexibles y elásticos; sirve también para desarrollar un sentido del balance. Hay dos pliés principales: grand plié o flexión completa de las rodillas (las rodillas deben estar dobladas hasta que la posición de los muslos es horizontal) y los talones según en que posición no se levantan del piso, o el demi-plié o mitad-flexión de las rodillas. Los Pliés se hacen en la barra y en el centro en las cinco posiciones de pies. La tercera posición se omite generalmente. Cuando un grand plié se ejecuta en la primera, tercera, cuarta o quinto posición, los talones se levantan del piso y vuelven a tocar el suelo al volver a la posición original. El movimiento de flexión debe ser gradual y las rodillas deben doblarse antes que los talones. El cuerpo debe levantarse a la misma velocidad a la cual descendió, presionando los talones en el piso. En el gran plié en segunda posición o en cuarta posición (pies en la primera posición pero separados por el espacio de un pie) los talones no se levantan de la tierra. Todos los demi-pliés se hacen sin la elevación de los talones del piso. En todos los pliés las caderas debe estar derecha y sobre los dedos del pie el peso del cuerpo es distribuido uniformemente en ambos pies, con el pie entero agarrando el piso. PIROUETTE: Pirueta. Giro o vuelta. Una vuelta completa del cuerpo con un pie en punta o demi-pointe. Las piruetas en-dedans realizados dando vuelta al interior, hacia la pierna soporte, o las en-dehors dando vuelta hacia fuera, en la dirección de la pierna levantada. La colocación correcta del cuerpo es esencial en todas las clases de piruetas. El cuerpo debe estar bien centrado para que la pierna soporte, con la parte posterior sostenga fuertemente el cuerpo; y las caderas y los hombros alineados. La fuerza del ímpetu es equipada por los brazos, que están inmóviles durante la vuelta. La cabeza es lo último en moverse con los ojos enfocados en un punto definido que debe estar en el nivel de los mismos. Las piruetas se pueden realizar en cualquier posición dada, tal como quinta posición, attitude, arabesco, a la seconde etc. PIQUÉ: Ejercicio caminando directamente en el punto o el

fig. 205

Glissade: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/glissade-en-puntas.html

Pas de Buourreé: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/pasde-bourre.html


fig. 206

fig. 207 demi-pointe del pie de trabajo en cualquier dirección o posición deseada y con el otro pie levantó en el aire. Por ejemplo, en pique arabesco, pique develó pe etc. PORT DE BRAS: El término port-de-bras tiene dos significados: Un movimiento o una serie de movimientos hechos pasando el brazo o los brazos con varias posiciones. El paso de los brazos a partir de una posición otra constituye un port de bras. Un término para un grupo de ejercicios de modo que los brazos se mueven agraciados y armoniosos. A diferencia de éste método, en el método Cecchetti, hay ocho ejercicios determinados en port-de-bras. En la ejecución de port-de bras los brazos deben moverse desde el hombro y no del codo y los movimiento debe ser lisos y fluidos. Sin subir los hombros. Los brazos deben estar redondeados suavemente de modo

Pirouette en dehor: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/pirouette-en-dehor-desde-la-5taposicion.html

que los puntos de los codos sean imperceptibles y las manos deban ser simples, agraciadas y nunca rígidas. El cuerpo y la cabeza deben moverse en juego. Al levantar los brazos a partir de una posición a otra, los brazos deben pasar con una posición básica. Esta posición corresponde a la quinta de la posición avant, método de Cecchetti, o la primera posición, en las escuelas francesas y rusas. Al pasar de una posición alta a una posición baja, los brazos se bajan generalmente en una línea por los lados. Los ejercicios en port de bras se pueden variar infinitamente combinando sus elementos básicos según el gusto del profesor y de las necesidades de los bailarines y las exigencias de la coreografía. PROMÉNADE, TORU DE: Un término de la escuela francesa que indica que el bailarín da vuelta lentamente en lugar en un pie por una serie de movimientos leves del talón, mientras que mantiene una actitud definida tal como un arabesco. La vuelta puede ser dedans o dehors. En los Pas de deux, la bailarina se mantiene en su pose y es llevada en proménade lentamente por su partenaire que camina a su alrededor tomándola de su mano. RELEVÉ: Levantado. Es subir a la media punta o punta. Hay dos maneras de relevé. En la escuela francesa, el relevé se hace con una subida lisa, continua mientras que el método de Cecchetti y la escuela rusa utilizan un pequeño resorte. Relevé se puede hacer en las cinco posiciones, arabesco devant, derrière, en tournant, en del passé avant, arrière del en del passé etc. RETIRÉ: Passé. Paso básico en ballet en donde la pierna de

fig. 209 apoyo esta firme y la otra sube, el muslo es levantado a la segunda posición en l’air con la rodilla doblada para que el dedo del pie puntiagudo descanse delante de, detrás o al lado de la rodilla de apoyo. La subida es acariciando la pierna base, luego baja, de la misma manera, hasta la posición inicial. El retire puede realizarse en varias posiciones y varias posturas corporales croisé, effacé, écarté, relevé, etc. Es una posición fundamental de la técnica clásica. ROND DE JAMBE: Movimiento redondo de la pierna, es decir, un movimiento circular de la pierna sin mover las caderas y la pelvis. El ronds de jambe se utiliza como ejercicio en la barra, en el centro y puede hacerse a terre o en l’air. Todos los que se hacen hacia la derecha son déhors y a la izquierda los dedans. ROND DE JAMBE Á TERRE: Rond de jambe en la tierra. Un ejercicio en la barra o en el centro en el cual la pierna que trabaja crea una serie de movimientos circulares en la tierra. Ambas piernas se deben quedarse derechas y todo el movimiento debe venir de la cadera, junto con el arqueamiento y el relajar del empeine que pasa por la primera posición. El dedo del pie que trabaja no se levanta de la tierra y no pasa más allá de la cuarta posición delantera o de la cuarta posición detrás. Esto es un ejercicio para dar vuelta a las piernas hacia fuera de las caderas, para aflojar las caderas y para guardar la parte posterior del dedo del pie y para inclinarse adelante. Hay dos clases de terre del à de ronds de jambe: en dedans (hacia dentro) y ésos dehors (hacia fuera).

fig. 208

Pirouette en dedans: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/ pirouette-en-dedans.html

Relevé: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/releve.html

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Anexo 4. Rutina de ensayos Las rutinas de ensayos en el ballet dependen de cada escuela o academia pero es casi siempre que se dividen en estos segmentos: calentamiento, barra, centro, adagio y allegro.

fig. 210 ROND DE JAMBE EN L´AIR: Rond de jambe en el aire. Se hace en la barra y en práctica del centro. El dedo del pie de trabajo describe un óvalo, las extremidades de el El muslo se debe mantener inmóvil y haber realizado bien el control de las caderas. El muslo debe también ser sostenido horizontal de modo que el dedo del pie pase en a la altura de la rodilla de soporte. SISSONNE: Salto de dos piernas a una. Es un salto de ambos pies, deslizando el peso del cuerpo sobre el pie de apoyo. Sissonne puede ser petite o grande. Los petites sissonnes son sissonne simple, sissonne fermée, sissonne ouverte en 45 grados y sissonne tombée, también en 45 grados. Los grand sissonnes son sissone ouverte en 90 grados, sissone renversée sissone y soubresault. SOUBRESAUT: Palabra del frances que significa sacudida, sobresalto. Gran salto de dos piernas a dos en quinta posición de pies.

fig. 212 Calentamiento: esta parte es fundamental, el calentamiento incrementa la temperatura del cuerpo haciendo que los músculos sean mas flexibles y resistentes a alguna lesión.

fig. 213 Barra: aquí se practican los movimientos básicos del ballet, las cinco posiciones y los pasos elementales de piernas y brazos.

A partir de estos elementos, se preparan todos los otros ejercicios y combinaciones de movimientos más complejos, abarcando desde la posición de las piernas o el tronco, en un equilibrio, en un giro o en un salto.

TOUR EN L´AIR: Giro en el aire.

fig. 211 Ronde de Jambe á terre: http://theclassicballet.blogspot. mx/2010/12/rond-de-jambe-terre.html

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Tour en l’air: http://theclassicballet.blogspot.mx/2010/12/tour-enlair.html

Barra: http://www.registercitizen.com/content/articles/2011/01/20/entertainment/doc4d38db24788a7862589631.jpg

Calentamiento: http://www.thurstontalk.com/2012/10/17/onemagical-day-at-studio-west-dance-academy/

Centro: http://balletnews.co.uk/wp-content/uploads/2010/09/ DSC7307.jpg


fig. 214 Centro: en esta sección se practican más que todo ejercicios para los brazos conocidos como Port de Bras. En este momento se retoman y consolidan los ejercicios aprendidos en la barra, y se da paso a pequeñas frases de movimientos en el lugar o con poco desplazamiento, ejecutándolos entonces sin ese apoyo. Se incluyen además los adagios (ejercicio lento) y pequeñas combinaciones de frases de movimientos, con diferentes velocidades, para la ejecución fluida de una secuencia de movimientos. Al trabajar siempre con música, se favorece la educación del oído y sentido rítmico musical y también la expresividad corporal.

fig. 215 Allegro: esta sección tiene movimientos más rápidos, incluye piruetas y saltos, empieza con pequeños saltos para calentar y después hacer los grandes saltos. Se realiza al final de la clase, antes del trabajo de compensación o de vuelta a la calma. Consiste en la práctica de los pasos rítmicos, en combinación con los elementos corporales, principalmente los de gran desplazamiento, como son los saltos. Generalmente se realizan en las diagonales de la sala, porque la trayectoria a recorrer es mas larga, y porque se trabajan ambos lados, considerando el espacio escénico, frente al publico.

fig. 216 Reverencia: al final de cada clase se practica una reverencia con el cuerpo, su propósito es rendir respeto a la clase, a sus maestros y al pianista. Esto muestra como la elegancia y el respeto juegan un papel primordial en el ballet.a

Adagio: esta es una parte un poco más lenta para practicar, su propósito es agraciar el cuerpo y sus movimientos. Se enfoca en el balance, el control y la extensión.

Allegro:http://4.bp.blogspot.com/-uRTp9Mn-NQI/T1PIkdD5VaI/ AAAAAAAAAPo/z341MBiriCc/s1600/Victoria+16+x+14+300ppi.jpg Reverencia: http://www.dancers.kom.ec/danza.htm

http://www.thurstontalk.com/2012/10/17/one-magical-day-at-studio-west-dance-academy/

Ballet Warm-Up, Warm Up for Ballet, By Treva Bedinghaus, http://dance.about.com/od/balle1/qt/Ballet_Warm_Up.htm

http://dyldanza.blogspot.mx/2006/10/documento-n-4.html

What happens in a typical ballet class? By Treva Bedinghaus http://dance.about.com/od/balletfaqs/f/What-Happens-In-A-Typical-Ballet-Class.htm

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Anexo 5. Reglamento El reglamento básico en todas las escuelas de ballet desde su inicio es el siguiente:

9. Si el alumno tuviera una pregunta qué hacer, deberá alzar la mano y preguntar al maestro.

1. Todos los alumnos deberán usar ropa de calle al entrar y salir de la Escuela.

10. Queda estrictamente prohibido el uso de teléfonos celulares, iPod, BlackBerry y otros en las instalaciones de la Escuela de Ballet de Monterrey.

2. Los alumnos deberán llegar a tiempo a cada clase. Esto significa estar en el salón antes de que la música inicie. Una vez iniciada la clase no se permitirá el acceso al salón y se considerará como falta.

18. La llegada y salida de las clases deberá ser puntual. 19. Los alumnos de la Escuela de Ballet de Monterrey no podrán participar en funciones de otras escuelas o academias sin antes tener el permiso del Director Artístico.

11. Los teléfono celulares deberán ser apagados antes de iniciar la clase.

20. Los teléfonos de las oficinas de la Escuela de Ballet de Monterrey no son para uso de los alumnos, únicamente en caso de emergencia les será permitido su uso.

12. No está permitido tomar fotografías en las instalaciones de la Escuela.

21. Los alumnos y sus padres son responsables de leer todo comunicado que se emita.

4. Los alumnos deben permanecer en el salón hasta el final de la clase y no deberán abandonarlo sin permiso.

13. Queda estrictamente prohibido masticar chicle, comer o introducir alimentos/agua/refrescos/jugos o cualquier botella abierta a los salones durante clase o ensayos.

5. Es importante usar el baño, tomar agua y estar peinados antes de entrar al salón de clases.

14. Los alumnos deberán mantener el nivel de ruido al mínimo en los pasillos y baños en todo momento.

Se recomienda que los padres y alumnos lean este reglamento. En caso de que exista alguna duda, favor de consultarlo en las oficinas de la Escuela. Aquellos alumnos que no cumplan con este reglamento pueden ser suspendidos y/o expulsados de la Escuela.

6. Los alumnos deberán vestir el uniforme completo y no se permitirá el acceso al salón sin el mismo.

15. Se espera que todos los alumnos respeten y cuiden las instalaciones de la Escuela así como las pertenencias de otros alumnos.

3. No se permitirán faltas a menos que sean por enfermedad y deberán ser justificadas por el médico.

7. Los alumnos deben mostrar un buen comportamiento y ser respetuosos con sus maestros, miembros del staff, invitados y compañeros. 8. Los alumnos no deberán hablar durante la clase.

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16. La Escuela no se hace responsable de artículos de valor de los alumnos. 17.Cada salón tendrá un área asignada para el resguardo de back packs y/o bolsas.


Anexo 6. Etiqueta El comportamiento es algo muy importante en el ballet, es la manera en que el alumno demostrará el respeto que le tiene a la danza, a sus maestros y compañeros. A continuación se presenta como ejemplo, las reglas de etiqueta del Ballet de Monterrey. 1. Todos en la Escuela de Ballet de Monterrey deberán ser corteses y tratarse unos a otros con respeto.

6. Vístete como bailarín. 
Sigue el código de vestimenta en tus clases. De esta manera el maestro podrá ver tus movimientos físicos y hacer las correcciones apropiadas. 7. Usa ropa de calle al llegar y/o salir de la Escuela. Las zapatillas jamás deben ser utilizadas en la calle ya que se pueden arruinar.

2. Ser Puntual. 
Llegar tarde interfiere con el buen desarrollo de la clase. Los maestros preparan cuidadosamente cada clase para avanzar técnicamente desde el inicio y así preparar correctamente los músculos.

8. Nuestros Modales.
 Los bailarines son gente educada, hombres y mujeres. No debes recargarte en la barra o en el piano. No debes sentarte durante la clase a menos que el maestro lo indique, los bailarines jamás mastican chicle durante clases o ensayos.

3. Ser Ordenado.
 Mantén tu cabello peinado firmemente hacia atrás con la frente y cuello despejados. El cabello suelto puede distraer, caer sobre los ojos y causar problemas al ejecutar giros. Las colas de caballo y trenzas pueden ser peligrosas ya que pueden golpearte o a tus compañeros.

9. La descortesía hacia los maestros y pianistas es inaceptable en el ballet. Si esto llegara a suceder te expones a que el maestro te pida abandonar el salón o ser expulsado de la Escuela. Bostezar, susurrar o tener conversaciones con tus compañeros durante la clase o ensayo se considera de mala educación.

4. No utilices joyería durante las clases. Los collares, pulseras y aretes pueden soltarse y golpear a alguien, enredarse durante algún ensayo o bien caer al piso y hacer que alguien se tropiece o resbale.

10. Estar Atento.
 En un salón de clases los bailarines trabajan, observan y escuchan, especialmente cuando las combinaciones están siendo dictadas o demostradas. Estar atento al maestro es importante.

5. Ser Limpio. 
Es importante cuidar tu higiene personal. El uso de desodorante es indispensable y evita el uso de perfumes o lociones de olor fuerte. La expresión con las manos es algo muy importante en la danza, por favor mantén tus uñas limpias y sin esmaltes llamativos.

11. Artículos Personales.
 Los bailarines deben llevar su back pack o bolsa con ellos al salón de clases y colocarla en el área designada para dejar bolsas. No traigas artículos costosos a la Escuela.

12. Tomar Agua.
 Es importante tomar agua antes y después de la clase. Hacerlo durante la clase no está permitido. Si el maestro lo permite introducir agua al salón, ésta debe estar contenida en botellas con tapa que selle herméticamente. Si algún líquido se derrama sobre el piso del salón, éste se puede dañar rápidamente lo que generaría costosas reparaciones y cancelación de clases mientras sucede. 13. Permiso para Salir.
 Para salir del salón durante la clase se debe contar con el permiso del maestro, aún estando enfermo. Desaparecer del salón sin permiso es inaceptable en el ballet.

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fig. 217

fig. 218

Anexo 7. Los espejos

Anexo 8. Las barras

Es muy importante el tamaño y ubicación de los espejos en el salón de clases ya que es indispensable para un buen aprendizaje. Deben medir de el lado más largo de la sala y 2 m de altura. Y esto en un factor importante porque todos deben verse completamente. También es importante que el espejo no distorsione la imagen para permitir a os bailarines la imagen correcta de su trabajo y cuerpo. Debe de estar completamente limpio para permitir la mejor visión y por último las barras no se deben colocar delante del espejo ya que obstruyen la visión del trabajo. Para esto son esencial las barras móviles.

Cuando un bailarín entra a un salón de danza, es incapaz de observar y valorar los requisitos indispensables para bailar. La dimisión del salón y la cantidad de espejos que hay es impresionante pero son las barras con las que tienen su primer contacto ya que al principio, carecen de control necesario para realizar los movimientos apoyándose en su propio cuerpo, y es así como la barra es un gran apoyo para ellos. La medida de las barras esta ligada con el tamaño del salón, la cantidad de alumnos y sus diferentes edades. La mayoría tienen un diámetro de 55mm y miden 1.5m de largo. Asi como la mayoría van unidas unas con otras, cubriendo toda una pared, dando la imagen de una barra larga. Existen de diferentes materiales como madera, pvc o hierro. Las ideales son de madera. Además de las fijas también hay barras móviles, cuyo objetivo es brindar espacio para más alumnos y tienen menos estabilidad que las fijas por lo que muchos maestros las prefieren para que los bailarines no se acostumbren a lo estable. Se deben colocar dos barras para diferentes alturas. La altura de las barras a partir del suelo para los mayores debe ser de 1.10m y de 90 para los pequeños.

Espejo móvil Billy El espejo móvil llamado “Billy” es para para salas de ballet y danza, su disposición permite unir exactamente uno con otro, y esto crea un espejo continuo. Es muy buena opción para el aprovechamiento del espacio, los traslados y cambios de vestuario.

fig. 219

La barras móvil Maurice se pueden desplazar en un mismo espacio según sea la necesidad, son desmontables y trasladables. Se pueden utilizar por ambos lados, aprovechando al máximo el espacio. Su doble barra es perfecta para bailarines de todas las estaturas. Barra móvil Isa Las barras móviles para ballet Isa, son adaptables para bailarines de todas la edades y estaturas. Se puede graduar su altura, y se pueden utilizar de ambos lados, para permitir un mejor aprovechamiento del espacio.

Barra móvil Maurice

Bibliografía: http://muchomasquedanza.wordpress. com/2011/10/30/los-espejos/

Bibliografía: http://muchomasquedanza.wordpress. com/2012/02/14/las-barras/

Espejo Billy: http://www.dinamicaballet.com/wp-content/uploads/ mirall-38e.jpg Biblografía: http://www.dinamicaballet.com/category/productos/

Barra movil Maurice: http://www.dinamicaballet.com/wp-content/uploads/ballet-base-fundición-4.JPG Bibliografía: http:// www.dinamicaballet.com/modelo-maurice/

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Bibliografía: http://www.dinamicaballet.com/modelo-isa/ Barra movil Isa: http://www.dinamicaballet.com/wp-content/uploads/telescopic17-avellanat.jpg


Anexo 10.

Anexo 9. Actualmente existen distintas academias importantes de ballet en México entre las principales se destacan: Escuelas de Ballet en México Centro Nacional de las Artes (CNART) Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea En el complejo arquitectónico del Cenart tienen sede cuatro escuelas de educación artística profesional en las disciplinas de teatro, danza, música y artes plásticas, pertenecientes al Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), así como el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC), perteneciente al Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). Ofrece licenciaturas de bailarín ejecutante en danza clásica y licenciatura en danza con linea de docencia. Sólo las de ejecutante tienen límite de edad (11 años para niñas y 18 para niños), aunque ofrecen un examen de colocación.

Academia de Ballet de Coyoacán La actual Academia de Ballet de Coyoacán es fundada y dirigida por la maestra Vania Moysén Fabián, y abre sus puertas a partir del año 1999. Hoy por hoy centra su labor en la enseñanza del ballet a todos los niveles y a todos aquellos interesados en aprender este bello arte de la danza, tanto a nivel amateur como a nivel profesional. INBA Academia de la Danza Mexicana La academia de danza mexicana aspira a ser una institución que vincule la tradición y la modernidad, el conocimiento científico aplicado al arte, los conocimientos y culturas locales, con el mundo global y sus alteridades, las diferentes técnincas, estilos y géneros de la danza y las artes a fin de potenciar las capacidades habilidades y destrezas de los futuros bailarines e intérpretes del campo profesional de la danza.

Primeros Bailarines: Anissa Curbelo quien se integra a la compañía en el 2006, Claudia Kistler entró en el 2000 y Katia Carranza quien se reincorpora en el 2007, como único hombre se encuentra Angel Laza quien fue ascndido en el 2007 Bailarines Pincipales: En esta categoría se encuentra Olivia Quintana quien ingresó en el 2006. Solistas Principales: Este rango de la compañía es ocupado por Adrian Marrero Solistas: Los solistas del Ballet de Monterrey son Andrea Juárez, Claudia Bandín, Ernesto Mejica y Regina Palomar. Corífeos Deborah Rodríguez, Eduardo Pi, Laura Boltri y Luis Ledesma son los integrantes de ésta categoría. Cuerpo de Baile Es la categoría que más integrantes tiene, en esta se encuentran Abigail Miranda, Adrián Valencia, Alesha Moreno, Ana Palacio, Antonieta Lamthe, Armando Medina, Aura Alvarez, Axel Sosa, Flor de Liz Castañeda, Guillermina Meléndez, Guillermo Villafuerte, Iris Robles, tza Bernal, Ivann Rodríguez, Luis Arturo Martínez, María Martha García, Romelia Valenzuela, Ryosuke Kikuchi y Sarahí Cárdenas. Aprendices y aspirantes: Es el grupo que entra a la compañía sin algún rango en especial, pero al paso del tiempo y perfección van ascendiendo, aquí actualmente existen seis quienes son, Aldo Ruiz, Ana Paula Hernández, Gustavo Picazo, Tania de la Parra, Pedro Trujillo y Román Trinidad.

CONACULTA, MÉXICO. (27 de diciembre de 2010). La Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, más de seis décadas de formar bailarines y coreógrafos. Obtenido de http://www.conaculta.gob.mx/detalle-nota/?id=10468 Instituto Nacional de Bellas Artes. (8 de septiembre de 2010). Danza. Obtenido de http://www.bellasartes.gob.mx/index.php/inba/

grupos-artisticos/compania-nacional-de-danza-.html Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello. (2013). Nuestra escuela. Obtenido de INBA: http://www.endngcampobello. bellasartes.gob.mx/index.php/nuestra-escuela Instituto Nacional de Bellas Artes. (s.f.). Academia de la Danza

Mexicana. Obtenido de INBD: http://www.sgeia.bellasartes.gob.mx/ index.php/menueducacionartistica/menuescuelas/adm Instituto Nacional de Bellas Artes. (s.f.). Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey. Obtenido de INBD: http://www.sgeia.bellasartes.gob.mx/index.php/menueducacionartistica/menuescuelas/ esmdmdanza

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GRACIAS.