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VFMK.ORG/BLOG

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AYS ˛ E ERKMEN, “GLASSWORKS”, 2015/2017, COURTESY OF THE ARTIST AND GALERIE BARBARA

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WEISS, BERLIN, BARBARA GROSS GALERIE, MUNICH, DIRIMART, ISTANBUL, EXHIBITION VIEW MUSEUM DER BILDENDEN KÜNSTE LEIPZIG, 2017, PHOTO: © DOTGAIN.INFO (FROM: “AYS ˛E ERKMEN & MONA HATOUM. DISPLACEMENTS/ENTORTUNGEN”)

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BRIGITTE KOWANZ, “FOUNTAIN”, PERMANENT LIGHT INSTALLATION AT THE GLANZSTOFF

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SITE, 2015–2017, PHOTO: © TOBIAS PILZ; BILDRECHT, VIENNA (FROM: “BRIGITTE KOWANZ. FOUNTAIN. LIGHT AND SPACE”)

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HANS OP DE BEECK, “THE POND ROOM”, EXHIBITION VIEW KUNSTRAUM DORNBIRN, 2017,

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PHOTO: © HANSJÖRG KAPELLER; BILDRECHT, VIENNA (FROM: “HANS OP DE BEECK. THE POND ROOM AND STAGING SILENCE 2”)

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GERALD ZUGMANN, “STEINHAUS, OSSIACHER SEE” (GÜNTHER DOMENIG), 1988, GELATIN SILVER

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PRINT, EDITION OF 3, PHOTO: © GERALD ZUGMANN (FROM: “GERALD ZUGMANN. FLANEUR”)

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TOBIAS PILS, “UNTITLED”, 2017, EXHIBITION VIEW KUNSTHALLE KREMS, 2017, COURTESY GALERIE

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GISELA CAPITAIN, COLOGNE, GALERIE EVA PRESENHUBER, ZURICH, GALERIE CAPITAIN PETZEL, BERLIN AND TOBIAS PILS, PHOTO: © JORIT AUST (FROM: “TOBIAS PILS. DOVES”)

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ANGELA BULLOCH, “NIGHT SKY: AQUARIUS PEGASUS. 12”, 2012, LED INSTALLATION, FELT, ALUMINUM,

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CABLE, COURTESY OF THE ARTIST AND ESTHER SCHIPPER, BERLIN, AND SIMON LEE GALLERY, LONDON/HONG KONG (FROM: “STERNE. KOSMISCHE KUNST VON 1900 BIS HEUTE”)

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KARL KARNER, 2015, INSTALLATION VIEW TQW-HALLE G, VIENNA, IN COOPERATION WITH LINDA

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SAMARAWEEROVÁ, PHOTOS FROM INSTALLATION: © MARKUS KROTTENDORFER AND JUDITH STEHLIK (FROM: “KARL KARNER”)

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MONA HATOUM, “BOURJ A, BOURJ II AND BOURJ III”, 2011, COURTESY OF THE ARTIST, EXHIBITION

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VIEW MUSEUM DER BILDENDEN KÜNSTE LEIPZIG, 2017, PHOTO: © DOTGAIN.INFO; BILDRECHT, VIENNA (FROM: “AYS˛E ERKMEN & MONA HATOUM. DISPLACEMENTS/ENTORTUNGEN”)

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MONA HATOUM, “REMAINS OF THE DAY (S VERSION)”, 2016, COURTESY OF THE ARTIST, EXHIBITION

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VIEW MUSEUM DER BILDENDEN KÜNSTE LEIPZIG, 2017, PHOTO: © DOTGAIN.INFO; BILDRECHT, VIENNA (FROM: “AYS˛E ERKMEN & MONA HATOUM. DISPLACEMENTS/ENTORTUNGEN”)

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ERNST LUDWIG FRANKE, LABEL FOR “LUTSCHI HUSTEN-PASTILLEN”, CA. 1925,

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CLICHÉ, KI 13369-20-3, PURCHASE FROM ILKA FRANKE (FROM: “EPHEMERA. THE GRAPHIC DESIGN OF THE MAK LIBRARY AND WORKS ON PAPER COLLECTION”)

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ANDRÉ BUTZER, “OHNE TITEL”, 2017, OIL ON CANVAS, COURTESY GALERIE MAX HETZLER

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(FROM: “ANDRÉ BUTZER”)

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STEPHANIE WINTER, “M.I.S.S. – MY INTERN(ATION)AL SPACE STATION”, 2017, PERFORMATIVE

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INSTALLATION, © BILDRECHT, VIENNA FOR THE WORK OF STEPHANIE WINTER (FROM: “DON’T CALL IT OFFSPACE! 10 YEARS DAS WEISSE HAUS”)

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RICHARD HAMILTON, “RETARD EN FER – DELAY IN IRON”, 2001, AT THE VIENNA STATE OPERA, 2001–2002,

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4C-PRINT, © MUSEUM IN PROGRESS, © BILDRECHT, VIENNA FOR THE WORK OF RICHARD HAMILTON (FROM: “CURTAIN – VORHANG. A LIVING MUSEUM SPACE. THE VIENNA STATE OPERA SAFETY CURTAIN”)

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RACHEL LUMSDEN, “KINGDOM”, 2016, OIL ON CANVAS, PHOTO: © STEFAN ROHNER

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© BILDRECHT, VIENNA (FROM: “RACHEL LUMSDEN. RETURN OF THE HUNTRESS”)

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ADAM SAKS, “GREEN FLINT”, 2017, WOODCUT, EDITION OF 5, PRINTED AND EDITED BY ATELJE LARSEN

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(FROM: “ADAM SAKS. PRINTS”)

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BIRGIT NILSSON 100 DETAILS English, Hardcover with Box, 30 × 24 cm, 712 pages, approx. 600 ills. in color and b/w

An Homage

EURO 100,– ISBN 978-3-903153-92-9

Das Jahr 2018 markiert das hundertjährige Jubiläum der großen Birgit Nilsson. Das nun vorliegende Buch ist eine eindrucksvolle Hommage und Würdigung ihrer zahllosen ruhmvollen Darbietungen. Nilssons Karriere dauerte fast ein Vierteljahrhundert. Von den späten 1950er- bis zu den frühen 1980er-Jahren war sie die vorherrschende Größe im dramatisch-heroischen Repertoire. Nilsson war die unangefochtene „Königin der Wagnerianer“ ihrer Generation, eine der größten aller Zeiten in der Geschichte der Oper. Sie beschränkte sich allerdings keineswegs nur auf Wagner: Ihre Isolde und Brünnhilde wurden gemeinsam mit Salome, Elektra, der Frau ohne Schatten und Turandot oft unter „Nilsson-Repertoire“ zusammengefasst.

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EDITOR Rutbert Reisch for the Birgit Nilsson Foundation TEXTS Gabriel Bacquier, Peter Blaha, Rupert Christiansen, Plácido Domingo, Jens Malte Fischer, Mirella Freni, Richard Gaddes, Elvio Giudici, Clemens Hellsberg, Marilyn Horne, Speight Jenkins, Stefan Johansson, Brian Large, James Levine, Christa Ludwig, J. F. Mastroianni, Martha Mödl, John Mordler, Riccardo Muti, Otto Schenk, Valerie Solti, Nina Stemme, Paul Thomason, Sir John Tooley, Barry Tucker, Astrid Varnay, Edgar Vincent, Eva Wagner-Pasquier, Zachary Woolfe DESIGN Simon Walterer for Rosebud, Vienna

The year 2018 marks the great Birgit Nilsson’s centenary. This epic book is an homage in appreciation of countless glorious performances. Her career lasted almost forty years. For some twentyfive years — from the late Fifties to the early Eighties — she was the dominant force in the dramatic / heroic soprano repertoire and the undisputed “Queen of Wagnerians” of her generation, one of the all-time Greats in the history of opera. But she was by no means limited to Wagner. Her Isolde and Brünnhilde together with Salome, Elektra, Dyer’s Wife and Turandot were often collectively referred to as the “Nilsson repertoire”.

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LA NILSSON

EDITOR Birgit Nilsson Foundation PREFACE Georg Solti TEXT Birgit Nilsson AFTERWORD Peggy Tuller DETAILS English, Hardcover, reprint, 2nd edition, 352 pages, 56 ills. in b/w

My Life in Opera

Euro 28,– ISBN 978-3-903228-25-2

The comprehensive coffee table book is accompanied by a reprint of the autobiography of the opera legend Birgit Nilsson. From her humble roots in rural Sweden to her artistic triumphs in Stockholm, Bayreuth, Milan, and the Metropolitan Opera House, this memoir reveals the personality behind one of the great voices of the past century. The book details her rise to international stardom and her long and illustrious career. “I hope to tell my readers something about my long life, forty years of which were devoted to a career in singing!” (Birgit Nilsson)

Der umfassende Bildband wird von einer Neuauflage der Autobiografie der Opernlegende Birgit Nilsson begleitet. Diese Memoiren zeigen die Persönlichkeit hinter einer der größten Stimmen des vergangenen Jahrhunderts. Der Bogen spannt sich von einfachen Verhältnissen im ländlichen Schweden bis hin zu ihren künstlerischen Triumphen in Stockholm, Bayreuth, in Mailand und im Metropolitan Opera House. Detailliert schildert das Buch ihren Aufstieg zum internationalen Star und ihre lange und glanzvolle Karriere. „Ich hoffe, meinen Lesern etwas über mein langes Leben erzählen zu können, von dem 40 Jahre einer Karriere als Sängerin gewidmet waren!“ (Birgit Nilsson)

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MARCIA HAFIF

The Inventory: Painting EDITORS Kunsthaus Baselland, Kunstmuseum St.Gallen, Laguna Art Museum – Laguna Beach, CA PREFACE Ines Goldbach, Roland Wäspe TEXTS Marcia Hafif, Jane McFadden CONVERSATION Marcia Hafif with Michael Ned Holte DESIGN TGG Hafen Senn Stieger, St.Gallen

DETAILS German and English edition, Hardcover, 28,5 × 22 cm, 286 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 40,– German Edition: ISBN 978-3-903228-13-9 English Edition: ISBN 978-3-903153-80-6

Marcia Hafif gehört zu den bedeutendsten amerikanischen Malerinnen; ihr Schaffen wirkte bereits früh auf die europäische Kunst. 1961 bis 1969 malte sie in Rom in der Tradition des amerikanischen Hard-Edge Painting. Mit der Rückkehr in die USA setzte die konzeptuelle Untersuchung zu Farbe und Struktur des Tafelbildes ein, für die ihr Schaffen exemplarisch steht. Spezifisch ist dabei, dass sie frei und experimentell die Rahmenbedingungen des Gebrauchs industriell hergestellter Farbe veränderte. Das Buch gibt erstmals einen Überblick über Marcia Hafifs einzigartiges Schaffen und dokumentiert die 2015 im Laguna Art Museum, Kalifornien, und 2017 im Kunsthaus Baselland und im Kunstmuseum St.Gallen realisierten Ausstellungen.

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Marcia Hafif is among the most important American female painters; her work had an early impact on European art. From 1961 to 1969 she painted in Rome in the tradition of American Hard-Edge painting. On her return to the United States, she continued her conceptual examination of color and structure in the panel painting, which her work exemplifies. A defining aspect of her œuvre is the fact that she freely and experimentally altered the conditions for using industrially produced paint. The book is the first to provide an overview of Marcia Hafif’s unique œuvre and documents the exhibitions realized at Laguna Art Museum, California, in 2015 and at Kunsthaus Baselland and Kunstmuseum St.Gallen in 2017.

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AYS˛E ERKMEN & MONA HATOUM Displacements / Entortungen EDITORS Frédéric Bußmann, Alfred Weidinger PREFACE Hortensia Völckers and Alexander Farenholtz, Brigitte Franzen TEXTS Frédéric Bußmann and Elizabeth Youngman, Kassandra Nakas, Kelly Baum, Kea Wienand DESIGN Ondine Pannet & David Voss, Bureau David Voss, Leipzig

DETAILS German / English, Paperback with supplement, 26,7 × 22 cm, 196 pages, 97 ills. in color, 6 ills. in b/w EURO 39,– ISBN 978-3-903153-79-0

Beide begreifen den Ort und seinen historischen Kontext als Teil ihrer künstlerischen Arbeit und setzen sich auf unterschiedliche Art mit persönlichen und globalen Fragestellungen auseinander. Gemein ist beiden Künstlerinnen die Verwendung von anscheinend vertrauten Formen und Ausdrucksmitteln, die sie neu konnotieren und durch andere künstlerische und formale Bezüge in ihrer Bedeutung verschieben.

Exhibition: Museum der bildenden Künste Leipzig 18.11.2017–18.02.2018

Mit der Ausstellung „Displacements/Entortungen“ initiiert das Museum der bildenden Künste Leipzig einen Dialog zwischen den Künstlerinnen Ays˛ e Erkmen und Mona Hatoum. Es ist die erste Doppelausstellung der beiden international bekannten Künstlerinnen. Sowohl Erkmen als auch Hatoum haben künstlerische Positionen entwickelt, in denen die Reflexion über die Spezifität eines Ortes und damit verbundener gesellschaftlicher und politischer Fragen eine wichtige Rolle spielen.

The exhibition “Displacements/Entortungen” at Museum der bildenden Künste Leipzig initiates a dialogue between the œuvre of the two internationally renowned artists Ays˛e Erkmen and Mona Hatoum in an unprecedented joint exhibition. Both Erkmen’s and Hatoum’s artistic vantage point is their reflection about the specifics of a place, and the connected questions of politics and society. Both artists integrate historical contexts of place in their art, and each finds unique processes of reflection about personal as well as global issues. The artistic common ground of Erkmen and Hatoum can be found in the artists’ reinvention of familiar means of expression: through giving new connotations to standard material, their œuvre adopts larger realms of interpretive meaning. The catalog accompanies the exhibition of the same name at Museum der bildenden Künste Leipzig.

Der Katalog erschien begleitend zur gleichnamigen Ausstellung im Museum der bildenden Künste Leipzig.

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CHRISTOPH SCHLINGENSIEF Art of Wagnis

EDITORS Fabian Lehmann, Nadine Siegert, Ulf Vierke PREFACE Voxi Bärenklau TEXTS Susan Arndt, Lee Chambers, Jack Davis, Sarah Hegenbart, Lore Knapp, Fabian Lehmann, Kogu G. Nonoa, Frank Piontek, Peter Stepan et al. INTERVIEWS WITH Alexander Hauer, Stephan Jöris et al. CONVERSATION WITH Sénouvo Agbota Nestor Zinsou, Alain Ricard and Koku G. Nonoa DESIGN Laleh Torabi

DETAILS English, Paperback, 23,5 × 16,5 cm, 248 pages, 22 ills. in color, 13 ills. in b/w EURO 35,– ISBN 978-3-903131-48-4

Im Werk des Filmemachers, Theaterregisseurs und Aktionskünstlers Christoph Schlingensief haben der Mythos von Richard Wagner und das Bild von Afrika besondere Bedeutung. Schlingensief hat sich nicht nur beiden Themen auf sehr ungewöhnliche Weise gewidmet. Um dem Wagner-Kult in Deutschland zu entfliehen, suchte er nach einer institutionell befreiten Form der Oper in Burkina Faso und begann mit der Realisation eines afrikanischen Operndorfes nach seinen Vorstellungen. Aber was genau bringt diese Neuinterpretation und Verpflanzung der Oper in den afrikanischen Kontext mit sich? Die Publikation umfasst Aufsätze, künstlerische Beiträge und Interviews mit Zeitgenossen, die Schlingensiefs Werk aus der Sicht unterschiedlicher Disziplinen beleuchten und Einblicke in seine Projekte und Ideen sowie künstlerische Antworten gewähren. Das Dreieck Schlingensief – Wagner – Afrika wird in unterschiedlichen Konfigurationen beschrieben und eröffnet somit neue Erkenntnisse über das Werk dieses zeitgenössischen deutschen Künstlers.

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In the œuvre of moviemaker, theatre director and action artist Christoph Schlingensief two topics are particularly important: the myth of Richard Wagner and the image of Africa. Schlingensief confronts them in unknown ways. Towards the end of his life, he started to realize his vision of the African Opera Village. By now fleeing the Wagner cult in Germany, he aimed at an institutionally liberated opera in Burkina Faso. But what does it mean to dislocate and negotiate opera within the context of Africa? This publication comprises essays, artistic contributions and interviews with contemporaries that approach Schlingensief’s work from different disciplinary perspectives, allowing us to see behind his projects and ideas and provide artistic responses. The triangle Schlingensief – Wagner – Africa is thus activated in different constellations and offers fresh insights into the œuvre of the contemporary German artist.

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URBAN CITIZENSHIP

Democratising Democracy EDITORS Martin Krenn, Katharina Morawek TEXTS Kijan Espahangizi, Rohit Jain, Shpresa Jashari, Martin Krenn, Stefanie Kron, Henrik Lebuhn, Katharina Morawek, Tarek Naguib, Peter Nideröst, Osman Osmani, Sharon Saameli, Nora Sternfeld DESIGN Laura Maikowski

DETAILS German / English, Paperback, 21 × 15 cm, 448 pages, 41 ills. in color, 4 ills. in b/w EURO 29,– ISBN 978-3-903153-87-5

How to organize community life such as to enable an open discussion of a shared future, while access to this discussion and the same social rights for everyone living in the community are assured?

Wie lässt sich ein Zusammenleben organisieren, das eine offene Verhandlung über diese Zukunft ermöglicht, aber auch gleichen Zugang zu dieser Verhandlung und gleiche soziale Rechte für alle, die an einem Ort leben, sichert?

The publication looks at the notion of “Urban Citizenship,” which as of yet has received little attention in Germany, Austria and Switzerland. It stands for fostering and expanding participation by all those living in a city in its legal, political, social and cultural events and processes. The goal here is to address the massive shortfall in terms of democracy in Europe’s post-migrant soci­ eties and to test possibilities for free, equal and solidary ways of living, in order to arrive at a “democratization of democracy”.

Die Publikation widmet sich dem im deutschsprachigen Raum noch wenig beachteten Begriff der „Urban Citizenship“ (StadtbürgerInnenschaft). Dieser steht für die Ausweitung der rechtlichen, politischen, sozialen und kulturellen Teilhabe aller Menschen, die in einer Stadt leben. Dabei ist ein Ziel, die massiven Demokratiedefizite in den post-migrantischen Gesellschaften Europas zu adressieren und eine Ausweitung der Möglichkeiten für freie, gleiche und solidarische Lebensformen zu erproben, also zu einer „Demokratisierung der Demokratie“ zu kommen.

The project “The Whole World in Zurich” at Shedhalle Zürich took up the issue of “Urban Citizenship” for the Swiss context and connected it to art’s potential for implementing political change.

Das Projekt „Die ganze Welt in Zürich“ an der Shedhalle Zürich hat das Denken mit „Urban Citizenship“ für den Schweizer Kontext aufgegriffen und mit dem politischen Gestaltungspotenzial der Kunst in Verbindung gebracht.

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HEIDI SPECKER

Fotografin EDITOR Barbara J. Scheuermann and Heidi Specker PREFACE Stephan Berg TEXTS Barbara J. Scheuermann, Christoph Schreier CONVERSATION Martina Löw and Gerhard Vinken DESIGN Müller & Wesse (Stephan Müller)

DETAILS German / English, Paperback, 32 × 24 cm, 192 pages, approx. 200 ills. in color EURO 30,– ISBN 978-3-903228-48-1

Heidi Specker lehrt an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Ihre Projekte wurden in zahlreichen Einzelausstellungen präsentiert, beispielsweise 2005 im Sprengel Museum in Hannover, 2015 in der Pinakothek der Moderne, München und der Berlinischen Galerie, 2016. Der Katalog zur Ausstellung im Kunstmuseum Bonn bietet den ersten umfassenden Überblick über die Arbeit von Heidi Specker und vereint wichtige Werkgruppen der letzten 20 Jahre.

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Exhibition: Kunstmuseum Bonn 22.02.–27.05.2018

Bekannt wurde Heidi Specker Mitte der 90er-Jahre mit den „Speckergruppen“ (1995/96) und anderen Werk­ reihen, die Betonbauten in den Mittelpunkt stellten – eine Vorwegnahme einer Neubewertung von Nachkriegsarchitektur. Zugleich gehört Specker zu den Pionieren der Digitalfotografie. Beinahe all ihren Werken ist gemeinsam, dass sie einer künstlerisch visuellen Untersuchung historischer Werke und Gegebenheiten dienen, indem sie mit dem Blick der Kamera deren Strukturen erforschen. Dabei sind Heidi Speckers Bilder auch immer eine Reflexion des Mediums, in dem sie arbeitet, und seiner Rezeption.

Heidi Specker became known in the mid-1990s through the “Speckergruppen” or “Specker Groups” (1995/96) and other work series, which focused quite literally on concrete structures in an anticipation of the reappraisal of post-War architecture. Specker is also one of the pioneers of digital photography. One thing almost all her works have in common: By examining them through the eye of the camera they serve as a visual artistic exploration of historical works and circumstances. In addition, Heidi Specker’s images are also always a reflection of photography as a medium and its reception. Heidi Specker lectures at the Academy of Fine Arts in Leipzig. Her projects have been presented in numerous solo shows, for example 2005 in the Sprengel Museum in Hanover, 2015 in Pinakothek der Moderne, Munich and Berlinische Galerie, 2016. The catalog accompanying the exhibition in Kunstmuseum Bonn offers the first comprehensive survey of Heidi Specker’s work and assembles important bodies of work from the last 20 years.

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VIRTUAL NORMALITY

Netzkünstlerinnen 2.0 EDITORS Alfred Weidinger on behalf of Stadt Leipzig, Anika Meier, Sabrina Steinek TEXTS Nakeya Brown, Gloria Cardona, Philipp Hindahl, Charlotte Jansen, Aude Launay, Anika Meier, Signe Pierce, Ronja von Rönne, Gabriele Schor, Sabrina Steinek DESIGN Studio Yukiko

DETAILS English / German, Paperback, 30 × 24 cm, approx. 160 pages, numerous ills. in color Euro 28,– ISBN 978-3-903228-56-6

Die ausgestellten Künstlerinnen reflektieren die weibliche Perspektive auf Sexualität, Identität und Weiblichkeit im digitalen Zeitalter. Ihr Material ist ihr Körper, die Realität und ihr Alltag, ihre Stilmittel sind Humor, Ironie, Groteske und Übertreibung.

Exhibition: Museum der bildenden Künste Leipzig 12.01.–08.04.2018

Mit der internationalen Gruppenausstellung „Virtual Normality – Netzkünstlerinnen 2.0“ widmet sich mit dem Museum der bildenden Künste Leipzig erstmals ein Museum im deutschsprachigen Raum dem weiblichen Blick im Zeitalter digitaler Inszenierung. Mit jeder Welle des Feminismus und mit jeder Generation ändern sich die Prioritäten und Medien und mit den Medien die Themen und Möglichkeiten. Durch das Internet und die Sozialen Medien wurde die Debatte um Sexualität und Identität neu entfacht, Netzkünstlerinnen antworten mit einer hyperfemininen Ästhetik, sie geben sich aggressiv feminin oder mädchenhaft niedlich.

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The artists on display reflect the female perspective on sexuality, identity and femininity in the digital age. Their material is their body, reality and everyday life and their stylistic devices include humour, irony, grotesque and exaggeration. With: LaTurbo Avedon, Nakeya Brown, Arvida Byström, Juno Calypso, Izumi Miyazaki, Signe Pierce, Refrakt, Nicole Ruggiero, Stephanie Sarley, Leah Schrager, Molly Soda

Mit: LaTurbo Avedon, Nakeya Brown, Arvida Byström, Juno Calypso, Izumi Miyazaki, Signe Pierce, Refrakt, Nicole Ruggiero, Stephanie Sarley, Leah Schrager, Molly Soda

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With the international group exhibition “Virtual Normality – Netzkünstlerinnen 2.0“ the Museum der bildenden Künste Leipzig is the first museum in the German-speaking region dedicated to the female perspective in the age of digital production. Each wave of feminism and each generation brings new priorities and media and these new media open up new subjects and possibilities. The internet and social media have rekindled the debate about sexuality and identity and female net artists are responding to this debate with a hyperfeminine aesthetic that ranges from the aggressively feminine to the girlishly cute.

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GERARD BYRNE A Late Evening in the Future

DETAILS German / English, Hardcover, 30 × 30 cm, 78 pages, numerous ills. in color

EDITORS Sven Anderson, Gerard Byrne, Peter Maybury TEXTS Sven Anderson, Maeve Connolly, Adrian Martin, Maria Muhle, Tirdad Zolghadr DESIGN Peter Maybury

EURO 35,– ISBN 978-3-903131-01-9

Nach zahlreichen Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen bot „A Late Evening in the Future“ im FRAC des Pays de la Loire und im Kunstmuseum St.Gallen erstmals die Möglichkeit zu einer vertieften Begegnung mit dem Werk eines herausragenden Vertreters der Gegenwartskunst. Dabei verweist der Titel auf die unterschiedlichen Zeitebenen, die in Byrnes raumgreifenden Arbeiten aufeinandertreffen, um gleichsam Gegenwart zu konstituieren. Der Installation seiner komplexen Multimedia-Werke gilt dabei das grundlegende Interesse des Künstlers: Seine Inszenierungen nähern sich in räumlicher Strukturierung und zeitlichem Ablauf performativen Arbeiten.

Following numerous solo exhibitions and the participation in group shows, Byrne’s “A Late Evening in the Future”, shown at the FRAC des Pays de la Loire and at the Kunstmuseum St.Gallen, presented the first opportunity for a more in-depth encounter with the work of an outstanding representative of contemporary art. Here the title points to the different time levels that clash in Byrne’s expansive works in order to “create” the present as it were. The artist’s primary interest here is the installation of complex multimedia pieces: his presentations go far beyond the usual conventions of multimedia works, and in terms of spatial structure and temporal sequencing are closer to a piece of performance art.

Die in enger Zusammenarbeit von Künstler und Grafiker Peter Maybury gestaltete, reich bebilderte Publikation thematisiert insbesondere diesen Aspekt der Inszenierung und eröffnet mit Beiträgen von Sven Anderson, Maeve Connolly, Adrian Martin, Maria Muhle und Tirdad Zolghadr einen Einblick in ein eigenwilliges künstlerisches Œuvre, das es in seiner inhaltlichen Vielschichtigkeit noch zu entdecken gilt.

The lavishly illustrated publication that is the fruit of close cooperation between the artist and graphic designer Peter Maybury focuses particularly on this aspect of the presentation, and with essays by Sven Anderson, Maeve Connolly, Adrian Martin, Maria Muhle and Tirdad Zolghadr offers key insights into a unique body of work that given the multifaceted nature of its content leaves much more to be discovered.

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THOMAS BAYRLE

Musterzeichner / Pattern Designer EDITORS Christoph ThunHohenstein, Nicolaus Schafhausen, Bärbel Vischer TEXTS Spyros Papapetros, Nicolaus Schafhausen, Christoph Thun-Hohenstein, Bärbel Vischer CONVERSATION Nicolaus Schafhausen with Thomas Bayrle DESIGN Albert Mayr

DETAILS German / English, Paperback, 25 × 19 cm, 96 pages, numerous ills. in color EURO 24,– ISBN 978-3-903153-93-6

Thomas Bayrle verbindet in seiner die Sammlung des MAK – Österreichisches Museum für angewandte Kunst / Gegenwartskunst in Wien reflektierenden Einzelausstellung traditionelle handwerkliche Techniken mit computergenerierter Kunst des Informationszeitalters. Mit Metaphern des Färbens, Webens und Programmierens untersucht Bayrle die Ambivalenz von Kunst, Handwerk, Industrie und lässt kaleidoskopartige Formen – Ornamente der Masse – entstehen. Er setzt sich mit zeitaktuellen Medien auseinander und entwickelt eine Erzählung zur Interaktion zwischen Kommunikations­design, Individuum und Gesellschaft.

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Exhibition: MAK – Austrian Museum of Applied Arts / Contemporary Art, Vienna 25.10.2017–02.04.2018

Als einer der bedeutendsten Künstler der Gegenwart und viele Jahre auch als Professor an der Städelschule in Frankfurt am Main inspirierte Thomas Bayrle Generationen von KünstlerInnen und ist bis heute ein Mentor der jungen Szene. Im internationalen Kontext wurde Bayrle u. a. durch seine Teilnahmen an der Biennale von Venedig (2003 und 2009) sowie an der documenta (1964, 1977 und 2012) bekannt.

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As one of the most significant contemporary artists and a professor at the Städelschule in Frankfurt am Main for many years, he has inspired generations of artists and to this day he remains a mentor for young artists. In an international context, Bayrle became known among other things thanks to his participation in the Venice Biennale (2003 and 2009) as well as documenta (1964, 1977, and 2012). In his solo exhibition that reflects the collection of the MAK – Austrian Museum of Applied Arts / Contemporary Art, Vienna, Thomas Bayrle combines traditional craft techniques with the computer-generated art of the Information Age. Using the metaphors of dyeing, weaving, and programming, Bayrle explores the ambivalence of art, craft, and industry and gives rise to kaleidoscopic shapes — Mass Ornaments. Bayrle — who explores contemporary media — develops a narrative around the interaction between communication design, the individual, and society.

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BRIGITTE KOWANZ

Fountain. light + space DETAILS German / English, Hardcover, 29,8 × 23 cm, 112 pages, 57 ills. in color, 14 ills. in b/w

EDITOR Peter Noever PREFACE Peter Noever TEXTS Christoph Doswald, Cornelius Grupp, Alexandra Matzner, Michael Rotondi DESIGN Johannes Lang, Vienna

EURO 28,– ISBN 978-3-903153-78-3

Das ehemalige Industrieareal der Glanzstoff (St. Pölten, Österreich) erhält durch die Lichtskulptur von Brigitte Kowanz eine neue Bestimmung. Brigitte Kowanz hat mit „Fountain“ eine beeindruckende skulpturale Intervention konzipiert: ein LED-Lichtstrahl, der aus 25 Metern Höhe von einem der Wassertürme der ehemaligen Glanzstoff-Fabrik auf die Erde herabfällt. Kowanz hat mit ihrer Arbeit ein neues Wahrzeichen für St. Pölten geschaffen, eine markante gebogene Linie aus festgewordenem Licht. Die Publikation verortet „Fountain“ in das umfangreiche Werk von Brigitte Kowanz und gibt erstmals auch einen Überblick über die vielfältigen ortsspezifischen Arbeiten der Künstlerin aus den Jahren 1995 bis 2017. „Kowanz arbeitet nicht nur am Werk selbst, sondern reflektiert darüber hinaus dessen systematische Bedeutung, integriert auch Rezeption und Wirkungskraft in den Prozess der Werkentwicklung.“ (Christoph Dosswald)

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The former Glanzstoff industrial site in St. Pölten in Austria is about to be redefined by a light sculpture created by Brigitte Kowanz. With “Fountain” the artist has conceived an impressive sculptural intervention: an LED beam of light, which cascades to the ground from a height of 25 meters on one of the former Glanzstoff factory’s water towers. With the work, Kowanz has created a new landmark for St. Pölten, a striking curved line of solid light. The publication gives “Fountain” its rightful place in Brigitte Kowanz’s extensive œuvre and is the first to provide an overview of her site-specific works from 1995 to 2017. “Kowanz not only works on the piece itself, but furthermore reflects on its systematic significance, while also integrating its reception and impact inn the advancement process”. (Christoph Dosswald)

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DANICA DAKIC´

EDITOR Danica Dakic´ TEXTS Boris Buden, Söke Dinkla, Ronja Friedrichs, Peter Gorschlüter, Sabine Maria Schmidt DESIGN Natsumi Sugiyama

DETAILS German / English, Paperback, 152 pages, numerous ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903228-44-3

What is sculpture? The works of the internationally renowned artist Danica Dakic´ can also be read as a contribution to the exploration of this most elementary artistic question. The complex installation “Missing Sculpture” was created for the Lehmbruck Museum in 2017 as part of the exhibition series “Sculpture 21st”. On the traces of both Lehmbruck and Beuys the artist joined participants and guest artists in the glass hall of the museum in exploring the potential form of a (social) sculpture of the future. The book opens with a conversation with the artist about “Missing Sculpture”. Three further sections of the publication present works in which Dakic´ singles out other historical places and transforms these into settings in which she and her actors investigate social formations and, at the same time, collective utopias and individual dreams. A series of essays by outstanding international authors reflect upon the complexity of this deeply poetic work and, in particular, expand upon the performative and site-specific dimensions of the video and photographic works as well as the installations, which were created in the Museum für Moderne Kunst in Frankfurt, a nuclear bunker and mine in the former Yugoslavia, a school in São Paulo, St. George’s Hall in Liverpool and Le Corbusier’s Unité d’habitation in Marseille.

Was ist Skulptur? Die Arbeiten der international renommierten Künstlerin Danica Dakic´ lassen sich auch als Beitrag zur Erkundung dieser elementaren Frage der Kunst lesen. Für das Lehmbruck Museum entstand 2017 im Rahmen der Ausstellungsreihe „Sculpture 21st“ die komplexe Installation „Missing Sculpture“. Auf Spuren Lehmbrucks sowie von Beuys begab sich die Künstlerin gemeinsam mit Teilnehmenden und Künstlergästen in der Glashalle des Museums auf die Suche nach einer (sozialen) Skulptur der Zukunft. Ein Gespräch mit der Künstlerin über „Missing Sculpture“ eröffnet den Band. Drei weitere Abschnitte der Publikation präsentieren Arbeiten, in denen Dakic´ andere herausgehobene Orte der Geschichte zur Bühne macht, um gemeinsam mit ihren Akteuren zugleich nach sozialer Formierung zu fragen wie nach kollektiven Utopien und individuellen Träumen. Herausragende internationale Autoren reflektieren in ihren Essays die Vielschichtigkeit dieses zutiefst poetischen Werks und entfalten insbesondere die performativen und ortspezifischen Dimensionen der Video- und Fotoarbeiten sowie der Installationen, die im Frankfurter Museum für Moderne Kunst, in einem Atombunker und einem Bergwerk im ehemaligen Jugoslawien, einer Schule in São Paulo, der St. George’s Hall in Liverpool und Le Corbusiers Unité d’habitation in Marseille entstanden.

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STERNE

Kosmische Kunst von 1900 bis heute EDITORS LENTOS Kunstmuseum Linz, Hemma Schmutz, Elisabeth Nowak-Thaller, Sabine Fellner PREFACE Hemma Schmutz TEXTS Sabine Fellner, Thomas Macho, Elisabeth Nowak-Thaller, Ute Streitt, Margit Zuckriegl DESIGN Sombrero Design, Martin Bruner

DETAILS German, Hardcover, 28 × 22 cm, 192 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 29,– ISBN 978-3-903153-59-2

Die vielfältige und medienübergreifende Ausstellung gibt Einblicke in das Verhältnis des Menschen zum bestirnten Himmel, der Gegenstand der Forschung, der Romantik, der Schicksalsdeutung jedoch auch von Bedrohungsszenarien ist. Träumerisch, humorvoll, poetisch, aber auch ironisch loten die KünstlerInnen des 20. und 21. Jahrhunderts die Beziehung des Menschen zur Unendlichkeit des Sternenhimmels aus und setzen sich mit dem Funkeln der Sterne und dessen gegenwärtigem Verlust durch Lichtsmog auseinander. Die Publikation erschien begleitend zur Ausstellung im LENTOS Kunstmuseum Linz. Mit Werken von: Jason Dodge, Rudolf Goessl, Anselm Kiefer, Moussa Kone, Hans Op de Beeck, Meret Oppenheim, Teresa Präauer, Arnulf Rainer, Gerhard Richter, Thomas Ruff, Arnold Schönberg, Katharina Sieverding, Curt Stenvert, Manfred Wakolbinger, Nives Widauer u. a.

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The complex and cross-media exhibition provides insights into the relationship between human beings and the stars, which is the subject of research, romance, fortune-telling, but also of threat scenarios. Dreamily, humorously, poetically, and also ironically, the artists of the 20th and 21st century have probed humanity’s relationship to the endlessness of the starry sky, engaging with the twinkling of the stars and the current loss of that light due to light smog. The publication was published on occasion of the exhibition at LENTOS Kunstmuseum Linz. Including works by Jason Dodge, Rudolf Goessl, Anselm Kiefer, Moussa Kone, Hans Op de Beeck, Meret Oppenheim, Teresa Präauer, Arnulf Rainer, Gerhard Richter, Thomas Ruff, Arnold Schönberg, Katharina Sieverding, Curt Stenvert, Manfred Wakolbinger, Nives Widauer et al.

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EPHEMERA Die Gebrauchsgrafik der MAKBibliothek und Kunstblättersammlung / The Graphic Design of the MAK Library and Works on Paper Collection EDITORS Christoph ThunHohenstein, Kathrin Pokorny-Nagel TEXTS Yasmin Doosry, Kathrin Pokorny- Nagel, Teresa Präauer, Raphael Rosenberg, Anne-Katrin Rossberg, Frieder Schmidt, Raja Schwahn-Reichmann, Christoph Thun-Hohenstein DESIGN Eva Dranaz, Jochen Fill; 3007

DETAILS German / English, Hardcover, 26,5 × 21,5 cm, 464 pages, 600 ills. in color EURO 58,– ISBN 978-3-903131-94-1

Die Publikation präsentiert den umfangreichen Bestand der MAK-Bibliothek und Kunstblättersammlung auf dem Gebiet der Gebrauchsgrafik, der Ephemera, vom 18. Jahrhundert bis in die Gegenwart. Dazu gehören grafische Arbeiten wie Brief- und Buntpapier, Buchumschläge, Einladungen, Eintrittskarten und Etiketten, Ex­ libris, Glückwunschkarten, Lesezeichen und Menükarten, Reklamemarken, Spielkarten, Tanzordnungen und Tischkarten sowie Visitenkarten und Werbematerial.

This publication presents the wide-ranging holdings of the MAK Library and Works on Paper Collection in the field of graphic design — or ephemera — from the 18th century to the present day. This includes works of graphic design such as letter paper and decorated paper, dust jackets, invitations, admission tickets and labels, ex libris and bookmarks, greeting cards and menu cards, poster stamps, playing cards, dance cards and place cards, as well as visiting cards and promotional materials.

Trotz ihrer Kurzlebigkeit sind diese Drucksorten oft von höchster gestalterischer und technischer Qualität. In ihnen spiegeln sich künstlerische Entwicklungen ebenso wider wie gesellschaftliche Riten, persönliche und kommerzielle Repräsentationsformen oder Werbestrategien.

Despite its ephemerality, this printed matter often exhibits exquisite designs and high technical quality; it reflects artistic developments as well as social rites, personal and commercial forms of representation, and advertising strategies.

„Die vorliegende Publikation beleuchtet somit nicht nur ephemere angewandte Kunst, sondern ist auch eine kulturgeschichtliche Schatztruhe. Wir erfahren Erstaunliches und können es mit den Gepflogenheiten unserer Gegenwart vergleichen. Über vieles mögen wir schmunzeln, manches wird uns zum Nachdenken anregen, und vielleicht können wir sogar das eine oder andere lernen.“ (Christoph Thun-Hohenstein)

“The publication in your hands not only shines a light on ephemeral applied art, but is also a treasure trove of cultural history. In it, you will discover astonishing things and can compare them with the conventions of our present age. Much may make you chuckle, some might provide you food for thought, and perhaps you will even learn a thing or two.” (Christoph Thun-Hohenstein)

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TAL R

EDITORS Sarah Bogner and Josef Zekoff, Harpune Verlag TEXT Axel Heil DESIGN Raphael Drechsel, GREAT DETAILS German / English, Paperback, 27 × 19 cm, 64 pages, 40 ills. in b/w

Flamingo Flametti

Durch seinen ebenso souveränen wie subversiven Umgang mit der Malerei avancierte Tal R zu einem Star der internationalen Kunstszene. Sein Spektrum reicht von Gemälden, Zeichnungen und Collagen bis hin zu Grafik, Künstlerbüchern und Skulpturen. „Flamingo Flametti“ verweist auf den Roman „Flametti“ von Hugo Ball. Das Künstlerbuch zeigt 14 Skulpturen, flankiert von klaustrophobischem Karneval, von Comic und knallbunter Komik.

EDITOR Alexander Linn TEXTS Agathe Bellomann, André Butzer, Steffen Krüger CONVERSATIONS Ashok Adiceam, Rudolf Augstein, Benjamin Budde, Paul Carey-Kent, Boris Dahlem, Max Dax, Berthold Reiß, E. Seifermann, Philipp Schwab, Russell Tyler, Sebastian Wehlings, Thomas Winkler, et al. DESIGN Book Book, Berlin DETAILS German / English / French, Paperback, 19,5 × 14,5 cm, 192 pages

With an approach to painting that is equally sublime and subversive, Tal R has become a star of the international art scene. His artistic spectrum encompasses not only paintings, drawings and collages, but also prints, artist’s books and sculptures. The title references Hugo Ball’s novel “Flametti”. The artist’s book shows a total of 14 sculptures fill the darkened space in the manner of dadaistic colportage, flanked by claustrophobic carnival and colorful comedy.

ANDRÉ BUTZER

Selected Press

EURO 15,– ISBN 978-3-903153-82-0

Dieses tiefgründige und unterhaltsame Buch zeigt eine opulente Auswahl von Pressemitteilungen, Briefen, Interviews sowie Prosa und Gedichten des Malers André Butzer. Das Buch ermöglicht somit einen persönlichen Einblick in dessen malerische Praxis und deren Entwicklung, und insbesondere auch in seinen Bezug zu der Massenkultur des 20. Jahrhunderts, zur Malereigeschichte oder zu „der ganz normalen Utopie, was sonst“. Ein wertvolles Referenzbuch – sowohl für KunstwissenschaftlerInnen als auch Fans.

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EURO 28,– ISBN 978-3-903131-25-5

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This profound and entertaining book gathers an abundant selection of press releases, letters, interviews as well as prose, and poetry by painter André Butzer. The book offers thus an intimate and personal insight into his painterly formation and practice, particularly its relation to 20th century mass culture, to the history of painting, to poetry, or to “the regular utopia, what else“ – making it an invaluable source of reference for both the scholarly and the passionate reader.

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EDITOR Sandra Peters, Abu Dhabi / Berlin TEXTS Michael Ned Holte, Fiona McGovern, Sandra Peters, Gregor Stemmrich DESIGN cyan, Berlin DETAILS English, 207 pages, numerous ills. in color EURO 48,– ISBN 978-3-903228-33-7

SANDRA PETERS PER/TRANS Performing the Cube, Transforming the Cube Works by Sandra Peters 1998–2007 In her art, Sandra Peters explores the relationships between sculpture, architecture, moving images and sound. Her work alludes to familiar historical material as a means of triggering the imagination of the viewer and creating a sense of place that enables this viewer to aesthetically experience a wider situation. This monograph presents works that have grown out of Peters’ examination of the history of modern architecture, minimalism and conceptualism.

Die Kunst von Sandra Peters eröffnet Bezüge zwischen Skulptur, Architektur, Sound und bewegtem Bild. Anspielungen auf historisch Bekanntes werden in ihren Arbeiten zur Anregung für die Imagination des Betrachters. Ihre Werke erzeugen ein Gefühl für einen Ort, der die ästhetische Erfahrung einer umfassenderen Situation ermöglicht. Diese Monografie präsentiert Arbeiten, die aus Peters’ Auseinandersetzungen mit der Geschichte der modernen Architektur sowie des Minimalismus und Konzeptualismus erwachsen sind.

EDITOR CentrePasquArt, Biel / BIenne TEXTS Ulrich Loock, Felicity Lunn DESIGN Büro 146. Maike Hamacher, Valentin Hindermann and Madeleine Stahel with Tiziana Artemisio DETAILS German / English / French, Paperback, 21 × 15,8 cm, 238 pages, 117 ills. in color

LIVIA DI GIOVANNA

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-99-8

Die Videoinstallationen, Fotografien und Objekte von Livia Di Giovanna heben subtil die Grenzen zwischen Realität, Projektion und Reflexionen auf. Ihre Untersuchungen von Raum, Zeit, Architektur, Bewegung und Licht stützen sich auf Entscheidungen über Dimensionen, Volumen, Oberflächenbeschaffenheit, Lichterzeugung und -führung. Wenn die Künstlerin das Surreale und Fremde in scheinbar belanglosen Facetten der wirklichen Welt nachweist, wird offensichtlich, welcher Aspekt in diesen Werken zentral ist: die Untersuchung des Mediums Video an sich.

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Livia Di Giovanna’s video installations, photographs and objects subtly eliminate the boundaries between reality, projection and reflexion. Her investigations of space, time, architecture, movement and light are based on decisions concerning dimensions, scale and volume, the production and direction of light, the character of surfaces and spatial relationships. When Livia Di Giovanna demonstrates the surreal and strange in apparently normal areas of the real world it becomes apparent which aspect is central in these works: the investigation of the medium of video itself.

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GÜNTHER SELICHAR Who’s Afraid of Blue, Red and Green? Werke / Works 1990–2017 EDITOR Günther Selichar TEXTS Uli Bohnen, Dieter Buchhart, Christoph Doswald, Ruth Horak, Kathy Rae Huffman, Robert C. Morgan, Marc Ries, Dieter Ronte, Amy Ingrid Schlegel, Günther Selichar, Franz Thalmair, Claudia Tittel DESIGN Florian Lamm, Lamm & Kirch, Leipzig

DETAILS German / English, Hardcover (three different cover versions being delivered at random), 32 × 24 cm, 296 pages, 385 ills. in color EURO 49,– ISBN 978-3-903153-28-8

Günther Selichars bevorzugtes thematisches Arbeitsfeld sind die Medien und Massenmedien, um die sich seine künstlerische und theoretische Arbeit seit Anfang der 1980er-Jahre dreht. Die Publikation dokumentiert den wohl umfassendsten Werkblock „Who’s Afraid of Blue, Red and Green?“ (1990–2017), der rund 30 fotografische, malerische, druckgrafische und vor allem Projekte im öffentlichen (medialen) Raum umfasst. Neben Verweisen auf alle wichtigen Bildserien versammelt das Buch sowohl Texte von langjährigen theoretischen und kuratorischen WegbegleiterInnen als auch Interpretationen einer jüngeren Generation von internationalen Schreibenden, die sich auf höchst interessante Weise diesem vielschichtigen und vieldiskutierten Werk nähern. Seine programmatischen Gedanken legt Günther Selichar in seinem Beitrag offen. Das Buch wurde vom Leipziger Grafikbüro Lamm & Kirch aufwendig mit drei verschiedenen Covers gestaltet.

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Günther Selichar’s preferred thematic field of work, and his œuvre has revolved around it since the early 1980s, is the media and mass media. This publication documents in its entirety what is probably his most extensive body of work “Who’s Afraid of Blue, Red and Green? (1990–2017)”, which comprises 30 projects working with photography, painting, print and most notably public (media) space. The book further includes references to all important work series made during this time and brings together texts written by longstanding companions, both theorists and curators, as well as interpretations by a younger international generation of writers, who approach this multi-layered and much discussed œuvre in an extremely interesting way. A text by Günther Selichar himself reveals programmatic reflections on the thinking behind his work. The book was meticulously and elaborately designed with three different covers by Leipzig based graphic design agency Lamm & Kirch.

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GERALD ZUGMANN

Flaneur

EDITOR Sabine Haase-Zugmann POEM Hans-Jürgen Heinrichs TEXT Hubertus von Amelunxen DESIGN Lothar Bienenstein, Dietmar Tadler

DETAILS German / English, Hardcover, 27 × 24 cm, 262 pages (divided in nine cahiers), 172 ills. in color and b/w EURO 85,– ISBN 978-3-903153-40-0

Sein umfassendes, über die Jahre angewachsenes Archiv war die Quelle für Gerald Zugmanns Buchprojekt. Zugmann arbeitet seit mehreren Jahrzehnten als Architekturfotograf. Fasziniert von der Konstruktion und Gestalt von Landschaften und Pflanzen, begann er diese in seinem Atelier nachzubauen und durchstreifte wie ein Flaneur den Fundus seiner jahrzehntelangen Arbeit. 172 seiner selbstentwickelten Silbergelatin-Abzüge fanden neukombiniert Eingang in das aufwendig gestaltete Künstlerbuch: gegliedert in neun Cahiers und gedruckt in einer limitierten Auflage von 500 Exemplaren.

Gerald Zugmann’s book project is based on the archive he has compiled down through the years. Zugmann looks back on a career as a photographer with a focus on architecture that now spans several decades. Fascinated by the structure and shape of landscape and plants, he began reconstructing these in his studio, scouring the stock of images amassed over time. He selected 172 of his silver gelatin prints, which he develops himself, to create the artist book with its elaborate design. The book is structured into nine parts and published in a limited edition of 500 copies.

„In der Betrachtung und der Lektüre dieser Cahiers des Flaneurs nehmen wir jedes Bild auf und blättern durch das Buch, als gingen wir an Häuserzeilen und Architekturen vorüber, durch Wälder und Landschaften hindurch, immer wieder angehalten von Intérieurs, Modellen, Skulpturen und Masken, den einzigen Gesichtern, denen wir auf dem Weg begegnen. [...]

“While observing and reading these cahiers of the flaneur we perceive each image and leaf through the book as if strolling past rows of houses and buildings, through woods and landscapes, and we are brought to a halt repeatedly by interiors, models, sculptures and masks, the only faces we meet along the way. [...] Be they famous buildings or namless nature, countries or places, Gerald Zugmann is present with a walking stick, the potential of his own world order, in light and shade – above and beyond the already regulated mass of architectural abundance.” (Hubertus von Amelunxen)

Berühmte Architekturen und namenlose Natur, Länder und Orte, Gerald Zugmann ist mit dem Apparat suchend zugegen, als tastete er sehnsüchtig mit dem Spazierstock die Möglichkeiten des Gegenüber für die eigene Ordnung der Welt in Licht und Dunkel ab – jenseits der bereits verordneten Masse architektonischer Fülle.“ (Hubertus von Amelunxen)

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MATTHIAS KLOS

au milieu du mouvement

„Stadt und Rand stehen in einer Wechselbeziehung, die für die fotografische Arbeit von Matthias Klos relevant ist. Blättert man durch das Bildmaterial, das an den Stadträndern von Wien, Nürnberg und Pritzwalk entstanden ist, bemerkt man erst, wie breit die Palette an notwendigen Maßnahmen ist, die öffentliche Orte brauchen: Markierungen, Begrenzungen, Beleuchtung, Warnhinweise und Gebotsschilder, Wasser- und Stromversorgungseinrichtungen u.v.m. Klos verzichtet absichtlich darauf, die drei Orte mit den Fotografien zu verknüpfen, und provoziert damit, dass sie austauschbar werden.“ (Ruth Horak)

EURO 24,– ISBN 978-3-903153-89-9

“The city and the edge are interrelated, which is relevant for Matthias Klos’s photographic works. When browsing through the photographic material captured at suburban Vienna, Nuremberg and Pritzwalk, one cannot help but notice the wide range of measures public spaces require: signs, demarcations, lights, warning signs and traffic signs, water and power supply facilities, and much more. Klos deliberately avoids connecting the three places with the photographs, therefore provoking their interchangeability.” (Ruth Horak)

MARTIN LIEBSCHER

EDITOR Dr.-Hanns-Simon-Stiftung PREFACE Stephanie Kaak TEXTS Ute Bopp-Schumacher, Christian Janecke DESIGN Fine German Design DETAILS German, Hardcover, 23,5 × 17,5 cm, 160 pages, 72 ills. in color, 12 ills. in b/w

Bitte ein Liebscher! Das weiße Album

EURO 20,– ISBN 978-3-903228-09-2

Liebschers „Familienbilder“ sind detailreiche Bildschöpfungen, von denen seit 1994 eine große Faszination ausgeht. Durch die verschiedenen Körperhaltungen, Mienen und Gesten des einzigen Hauptdarstellers suggerieren die zu einer Gruppe komponierten Einzelaufnahmen eine Ansammlung unterschiedlicher Individuen. Dabei sind es ausschließlich Abbilder des Künstlers in vielfältigen Rollen. Liebscher führt auch hinter der Kamera und bei der Nachbearbeitung am Computer Regie: mit Sinn für das Schauspielerische, Humor und vor allem Menschliches.

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EDITOR Institut für moderne Kunst Nürnberg TEXTS Ruth Horak, Karl Schlögel PHOTOGRAPHY Matthias Klos DESIGN Matthias Klos DETAILS German / English, Hardcover, 25 × 17,7 cm, 110 pages, 45 ills. in color

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Since 1994, Liebscher’s “family portraits” are detailed compositions that have fascinated audiences. Composed from a great number of individual shots, they show just one actor over and – again, interacting with the space in question in different poses, with different facial expressions and gestures. The repeated person in question is the artist, who assumes different roles. Additionally, he also works behind the camera and directs the protracted post-production work on the computer: with a sense for the theatrical, a great deal of humor and humanity.

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EDITORS Philipp Fleischmann, Georgia Holz TEXTS Alejandro Bachmann, Georgia Holz, Michael Sicinski, Salvatore Viviano DESIGN Annja Krautgasser, Emilia López DETAILS German / English, Paperback with flaps and supplements, 25 × 22 cm, 72 pages, 8 ills. in color, 11 ills. in b/w

PHILIPP FLEISCHMANN

Main Hall

EURO 20,– ISBN 978-3-903228-10-8

Designed by Josef Maria Olbrich in 1898, the main hall of the Vienna Secession is generally regarded as one of the first “white cubes” in art history. The myth of the neutral space has a long tradition of being critically examined by the institution itself. Fleischmann’s independently produced film “Main Hall” adds a cinematographic gesture to the Secession’s history by having the space take a look at itself. This artist book functions as a catalog for the 35mm film piece and represents a continuation of the artist’s gesture of self-determination with regard to institutions.

Die Haupthalle der Wiener Secession wurde 1898 nach einem Entwurf von Josef Maria Olbrich fertiggestellt und wird gemeinhin als der erste „White Cube“ der Kunstgeschichte angesehen. Die Hinterfragung des Mythos des neutralen Raums durch die Institution selbst hat eine lange Tradition. Fleischmanns selbstproduzierter Film „Main Hall“ ermöglicht durch einen Kunstgriff eine neue Perspektive auf die Geschichte der Secession: Der Raum betrachtet sich selbst. Das Künstlerbuch erscheint als Katalog zum 35-mm-Film. Es ist Teil einer Reihe von künstlerischen Arbeiten, in denen Fleischmann seine Unabhängigkeit von Institutionen verhandelt.

ULRIKE KÖNIGSHOFER

EDITOR Ulrike Königshofer TEXTS James J. Gibson, Ruth Horak, Andreas Spiegl DETAILS German / English, Paperback, 26,5 × 21 cm, 112 pages, 64 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903131-64-4

On Perception

“The perceiving body is like a black box: All processes taking place within can never be experienced by an outside observer.” (U. K.) This monograph of Ulrike Königshofer encompasses the experimental approaches of her works between 2010 and 2016, which investigate our viewing habits and explore different facets of human perception. Its spectrum ranges from media installations and mirror objects to specially designed photographic devices.

„Der wahrnehmende Körper ist mit einer Black Box vergleichbar: All die Vorgänge, die in ihm passieren, sind für den Betrachter prinzipiell nicht erlebbar.“ (U. K.) Ulrike Königshofers Monografie zeigt Arbeiten von 2010 bis 2016, die in experimenteller Herangehensweise unsere Sehgewohnheiten hinterfragen und sich mit verschiedenen Aspekten der menschlichen Wahrnehmung befassen. Ihr Spektrum reicht von Medieninstallationen über Spiegelobjekte bis hin zu fotografischen Apparaturen.

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CAITLIN LONEGAN

For Dorothea: Paintings, Drawings & Notes Die Publikation zeigt Gemälde und Zeichnungen von Caitlin Lonegan, die inspiriert durch die Lektüre des Romans von George Elliots „Middlemarch“ entstanden sind, sowie von der Künstlerin selbst verfasste Texte. Der Titel des Künstlerbuchs „For Dorothea: Paintings, Drawings & Notes“ bezieht sich auf die Hauptfigur von Elliots Roman. Die Arbeiten Lonegans werden weitgehend maßstabsgetreu und in chronologischer Reihenfolge präsentiert, um den seriellen Arbeitsprozess nachvollziehbar zu machen. Mit Texten von zwei spannenden Autoren wie Michael Ned Holte und Kavior Moon.

EDITOR Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder TEXTS Michael Ned Holte, Caitlin Lonegan, Kavior Moon DESIGN Tanya Rubbak DETAILS English, Paperback, 28 × 21 cm, 272 pages, numerous ills. in color EURO 32,– ISBN 978-3-903228-32-0

The publication presents texts written by Caitlan Lonegan alongside drawings and paintings by the artist inspired by George Elliot’s “Middlemarch”. The title of the artist’s book “For Dorothea: Paintings, Drawings & Notes” refers to the central character of the novel. Lonegan’s work is shown largely true to scale and in chronological order as a means of documenting her serial method of working. The book includes texts from such fascinating and renowned writers as Michael Ned Holte and Kavior Moon.

EDITOR CentrePasquArt, Biel / BIenne TEXT Felicity Lunn DESIGN Katarina Lang, Zurich DETAILS German / English /French, Paperback, 30,7 × 19,2 cm, 60 pages, numerous ills. in color

GUILLERMO KUITCA

EURO 22,– ISBN 978-3-903153-15-8

Guillermo Kuitcas Malerei bringt geschickt unterschiedliche abstrakte Stilrichtungen mit einer illusionistischen Form von Gegenständlichkeit in Einklang und untersucht, wie sich Abwesenheit, Bewegung und Stille auf einer zweidimensionalen Fläche ausdrücken lassen. Die Publikation vereint frühe Werke der 1990er- und 2000er-Jahre, die durch Architektur, Theaterbestuhlungspläne und Kartografie inspiriert sind, und neue Gemälde, welche Bilder von Portalen, Eingängen und Durchgangsräumen zeigen.

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Guillermo Kuitca’s painting skillfully reconciles various abstract styles with an illusionist form of figuration and investigates ways in which absence, movement and silence can be expressed on a two-dimensional surface. The publication brings together earlier work from the 1990s and 2000s, inspired by architecture, theatre seating plans and cartography, with recent paintings incorporating images of portals, doorways and transitional places.

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LIANG SHUO

EDITOR Johan Holten TEXTS Lee Ambrozy, Johan Holten DESIGN anschlaege.de DETAILS German / English, Paperback, 33 × 23 cm, 68 pages, 23 ills. in color, 3 ills. in b/w EURO 20,– ISBN 978-3-903228-12-2

DISTANT tantamount MOUNTAIN The rooms of Staatliche Kunsthalle Baden-Baden are steeped in tradition: Chinese artist Liang Shuo turns them into a space for experimentation for his first institutional solo exhibition in Europe. Liang Shuo’s installations not only combine existing elements, but create new poetic realities out of found objects and situations. His works are both steeped in old traditions as well as connected to the global present. His works have been featured in a number of solo exhibitions in China, and have likewise been included in numerous international group shows.

Für die erste institutionelle Einzelausstellung des chinesischen Künstlers Liang Shuo in Europa werden die traditionsreichen Räume der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden zur Experimentierfläche. Seine installativen Arbeiten kombinieren nicht nur Vorhandenes miteinander, sondern schaffen aus Vorgefundenem neue poetische Wirklichkeiten. Solche, die sowohl auf alten Traditionen fußen, als auch Anschluss an eine globale Gegenwart finden. Neben einer Vielzahl von Einzelausstellungen in China waren Shuos Werke bereits international in zahlreichen Gruppenausstellungen zu sehen.

TOBIAS PILS

EDITOR Florian Steininger, Kunsthalle Krems TEXTS Henri Cole, Verena Gamper DESIGN Willi Schmid DETAILS German / English, Hardcover, 33,7 × 23 cm, 68 pages, illustrated throughout EURO 20,– ISBN 978-3-903153-53-0

Doves

The artist’s book was published on the occasion of the installation Tobias Pils conceived for the Central Hall at the Kunsthalle Krems. The painting of Tobias Pils resists unequivocal definition. In constant transition between visual languages, his painted and drawn explorations of the picture surface are a battle between the logic of successive steps and its uprooting. A beautiful artist’s book in limited edition!

Das Künstlerbuch erschien anlässlich der in der Kunsthalle Krems gezeigten, groß angelegten Installation „Untitled“. Die Malerei von Tobias Pils verweigert sich einer eindeutigen begrifflichen Festschreibung. Im konstanten Übergang zwischen den formalen Sprachen sind seine malerischen und zeichnerischen Erkundungen der Bildfläche ein Gefecht zwischen der Logik der nächsten Schritte und deren Aushebelung. Ein wunderschönes Künstlerbuch in limitierter Auflage!

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THORSTEN BRINKMANN

Life is funny, my deer

Thorsten Brinkmann verwendet in seiner Kunst Alltagsgegenstände: ausrangierte Blecheimer, Gardinenstangen, Schüsseln, Eierbecher, Kleidungsstücke und Kühlschränke gehen unerwartete, skurrile Verbindungen ein. Mit einfachen Mitteln realisiert er Objektassemblagen sowie fotografisch oder filmisch umgesetzte Szenen, die ein humorvoll ironisches Bild unserer Zeit zeichnen. Erstmals liegt nun eine Übersicht mit Arbeiten aus allen Werkphasen vor. Es geht um den Spaß an der Kunst, um doppelsinnige Körper-Ding-Wesen und um einen Dialog mit dem Publikum.

EDITORS Frido Hütter, Günther Oberhollenzer TEXTS Frido Hütter, Günther Oberhollenzer DESIGN GGK MullenLowe DETAILS German / English, Hardcover, 30,8 × 24,5 cm, 224 pages, numerous ills. in color

EDITORS Sebastian Möllers and Luisa Pauline Fink, Museen Stade; Andreas Schäfer, Hanseatic City of Stade TEXTS Luisa Pauline Fink, Sebastian Möllers, Dietmar Rübel CONVERSATION Thorsten Brinkmann with Franz Erhard Walther DESIGN Christoph Steinegger / Interkool DETAILS German / English, Hardcover, 23,7 × 17 cm, 136 pages, 81 ills. in color, 12 ills. in b/w, supplement with English texts EURO 28,– ISBN 978-3-903228-14-6

Thorsten Brinkmann employs everyday objects in a myriad of ways. Discarded metal buckets, curtain rails, bowls, egg cups, items of clothing and fridges enter into unexpected, bizarre alliances. He creates object assemblages, as well as photographic or filmed scenes with simple means. These serve as humorous and ironic portraits of our times. Now for the first time we present a monograph showing all the different phases of the artist’s œuvre, which all about having fun with art, double entendre body-thing-creatures and a dialogue with the viewer.

DEBORAH SENGL

EURO 49,– ISBN 978-3-903153-11-0

„Humor und Ironie sind mir generell sehr wichtig, um mit der Welt zurechtzukommen.“ (D. S.) Dabei dient der Künstlerin das Tier als eine Metapher, um menschliches Fehlverhalten darzustellen. Mit den Tieren als Stellvertretern äußert Sengl Gesellschaftskritik – durchaus mit einem Augenzwinkern. Maskerade, Tarnung und Täuschung setzt sie ein, um Machtverhältnisse aufzudecken und um Themen wie Mode und Konsum aufzugreifen. Entstanden ist eine ungewöhnlich gestaltete Werkschau über die Arbeiten der letzten sieben Jahre.

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“Humor and irony are generally very important to me for coping with the world.” (D. S.) Animals serve the artist as a metaphor for portraying human wrongdoing. Sengl uses them to express criticism of society — most certainly with a wink. She employs masquerade, disguise, and illusion to reveal power structures and address topics such as fashion and consumerism. What has emerged is a unconventionally designed presentation of the artist’s œuvre over the last seven years.

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SIBYLLE SPRINGER

EDITORS Svea Kellner, Janneke de Vries TEXTS Jens Asthoff, Svea Kellner DESIGN Cabinet Gold van d’Vlies DETAILS German / English, Paperback, 25 × 20 cm, 80 pages, 28 ills. in color EURO 26,– ISBN 978-3-903228-16-0

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Sibylle Springer herself says that she is interested in the ambivalent and the vague, in nuances. This is also reflected in the body of work the artist creates for “gift”: an exploration of historical and contemporary images of violence, physical intimacy and other taboos. In a painterly process, Springer hides the original image content from visual perception, makes it disappear in seeming monochrome pieces, adds elements, or varies the format. By this means she opens up new ways of viewing supposedly familiar painting masterpieces and reinterprets their themes.

Das Zwiespältige, Vage, die Zwischentöne sind es, welche Sibylle Springer laut eigener Aussage reizen. Für den Werkzyklus, den sie für „gift“ neu schafft, nimmt sie historische und aktuelle Darstellungen von Gewalt, körperlicher Intimität und anderen Tabubereichen in den Blick. In einem malerischen Verfahren entzieht Springer die ursprünglichen Bildinhalte dem visuellen Zugriff, lässt sie in scheinbarer Monochromie verschwinden, fügt Elemente hinzu oder variiert das Format. Auf diese Weise eröffnet sie andere Perspektiven auf vermeintlich altbekannte Meisterwerke der Malerei und verhandelt deren Themen neu.

FRANZISKA MADERTHANER

EDITOR Franziska Maderthaner TEXTS Lucas Cuturi, Doris Knecht, Günther Oberhollenzer, Wolfgang Pauser, Andreas Spiegl DESIGN Gottfried Moritz DETAILS German / English, Hardcover, 30,5 × 24 cm, 202 pages, 141 ills. in color EURO 38,– ISBN 978-3-903228-06-1

Abstrock

Franziska Maderthaner’s work is “fluid meta-painting”. In her highly willful paintings she transforms the titanic struggle against abstraction into dances rich in variety. The longer one looks at her work, the more traditional pictorial meanings and viewing habits begin to fluctuate and flow. This publication is being released as an accompanying monograph for exhibition projects of Franziska Maderthaner.

Franziska Maderthaners Arbeit ist „Fluide Metamalerei“. In ihren höchst eigensinnigen Bildern verwandelt sie den Titanenkampf Abbild gegen Abstraktion in variantenreichste Tänze. Je länger man sie betrachtet, umso mehr beginnen tradierte Bildbedeutungen und Sehgewohnheiten zu schwingen und zu fließen. Die Publikation erscheint als begleitende Monografie für Ausstellungsprojekte von Franziska Maderthaner.

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VFMK DISTRIBUTES HARPUNE VERLAG

JONATHAN MEESE DANIEL RICHTER TAL R

PUBLISHERS Harpune Verlag and Holstebro Kunstmuseums Forlag TEXT Roberto Ohrt PHOTOGRAPHY Hanna Putz DESIGN Studio Martin Steiner DETAILS English, Hardcover, 33,6 × 23,6 cm, 130 pages, 94 ills. in color

The Men Who Fell from Earth

EURO 35,– ISBN 978-3-903153-96-7

Nun haben sie sich zusammengetan, um gemeinsam ein großangelegtes Projekt für das Holstebro Kunstmuseum zu erschaffen. Jonathan Meese (Deutschland, geb. 1970), Daniel Richter (Deutschland, geb. 1962) und Tal R (Dänemark, geb. 1967) sind Zeitgenossen, und in ihrer Kunst arbeiten alle drei neo-figurativ und neo-expressiv. Jeder von ihnen hat in traditionellen Genres gearbeitet, sich aber auch in neue, eher skulpturale, theatralisch-performative und installative Formen vorgewagt und mit ihnen experimentiert. Im Kollektiv steht nun viel Humor, existenzieller Pathos und Protest auf dem Spiel. Die drei Künstler sind nicht nur Kollegen, sondern auch persönlich befreundet. In der Vergangenheit haben sie bereits paarweise an künstlerischen Projekten gearbeitet, aber sie sind noch nie als Trio zusammengekommen, um ein gemeinsames Werk zu kreieren.

Exhibition: Holstebro Kunstmuseum DK 16.09.2017–07.01.2018

Jonathan Meese, Daniel Richter und Tal R gehören zu den Schwergewichten der internationalen Kunstszene.

Jonathan Meese, Daniel Richter and Tal R ranks among contemporary art’s international heavyweights. Now they have collaborated on a large-scale joint project for Holstebro Kunstmuseum. Jonathan Meese (Germany, b.1970), Daniel Richter (Germany, b.1962), and Tal R (Denmark, b.1967) are contemporaries, having in common a neo-figurative and neo-expressive approach to art-making. Individually, each artist has worked within traditional genres, but has also ventured into and experimented with ever new, more sculptural, theatrical-performative and installation-like forms. Collectively, there is much humor and existential pathos and protest at stake. They are not just colleagues but also personal friends. In the past, they have co-produced artistic projects by pairs, but never have all three come together to create a common project. “The Men Who Fell from Earth” is a total staging of extremely rare character, created in the strong spirit of artistic collegiality and friendship.

„The Men Who Fell from Earth“ ist ein Gesamtkunstwerk der ganz besonderen Sorte, erschaffen im Geiste künstlerischer Kollegialität und Freundschaft.

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ANDRÉ BUTZER

Metro Pictures, New York

André Butzer

„... und sah den Frieden des Himmels“

Metro Pictures, New York 2017

PUBLISHER Harpune Verlag DETAILS English, Paperback, 40 × 34 cm, 20 pages, numerous ills. in color EURO 26,– ISBN 978-3-903153-07-3

PUBLISHER Harpune Verlag DETAILS English, Paperback, 40 × 29 cm, 10 pages, 5 ills. in b/w

PUBLISHER Harpune Verlag EDITOR Ansgar Reiß TEXT Tom Biber, Friedrich Hölderlin, Sarah Lorenz, Ansgar Reiß, Dieter Storz PHOTOGRAPHY Steffen Krüger DESIGN Martin Steiner DETAILS German, Paperback, 28 × 21 cm,128 pages, numerous ills. in color

EURO 26,– ISBN 978-3-903153-08-0

Mier Gallery, Los Angeles

EURO 29,60 ISBN 978-3-903153-25-7

BUTZER

Galeria Mário Sequeira, Braga

PUBLISHER Harpune Verlag EDITORS Christian Malycha, Josef Zekoff PHOTOGRAPHY Roman März, Holger Niehaus DESIGN Studio Martin Steiner DETAILS German, Hardcover, 33,5 × 23,5 cm, 24 pages, 10 ills. in color

PUBLISHER Harpune Verlag TEXT Steffen Krüger PHOTOGRAPHY Marco Mendes DETAILS English, Paperback, 40 × 33 cm, 9 ills. in color, 6 in b/w EURO 26,– ISBN 978-3-903153-09-7

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EURO 30,– ISBN 978-3-903153-73-8

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VFMK DISTRIBUTES starfruit publications Bekennerschreiben

Ganz Nürnberg war in einem Rausch – Die Pokalsieger erzählen

Essays, Reden, Kommentare, Interviews und Polemiken

PARTICIPATING ARTISTS Gerhard Falkner, Julius von Bismarck EURO 32,– ISBN 978-3-922895-30-5

TEXTS Maren Zimmermann, Katharina Fritsch PARTICIPATING ARTISTS Ulrich Emmert, Martin Fürbringer, Katharina Gierlach, Roger Libesch, Anders Möhl, Uschi Neuwert, Eva von Platen-Hallermund, Dan Reeder, Sebastian Tröger EURO 25,– ISBN 978-3-922895-31-2

Faunenschnitt PARTICIPATING ARTISTS Joshua Groß, Hannah Gebauer EURO 24,– ISBN 978-3-922895-29-9

Psychonautikon Prenzlauer Berg PARTICIPATING ARTISTS Bert Papenfuß, Ronald Lippok EURO 21,– ISBN 978-3-922895-27-5

Ignatien Elegien am Rande des Nervenzusammenbruchs

PARTICIPATING ARTISTS Kathrin Röggla, Oliver Grajewksi EURO 18,– ISBN 978-3-922895-20-6

Magische Rosinen Die Geschichte von Mascarpone und Sahra Wagenknecht Novelle aus dem Spätkapitalismus PARTICIPATIN ARTISTS Joshua Groß, Philippe Gerlach EURO 17,90 ISBN 978-3-922895-25-1

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PARTICIPATING ARTISTS Peter Waterhouse, Nanne Meyer EURO 28,– ISBN 978-3-922895-28-2

tokio, rückwärtstagebuch

PARTICIPATING ARTISTS Gerhard Falkner, Yves Nethammer EURO 19,90 ISBN 978-3-922895-26-8

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Die Auswandernden

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Der Trost von Telefonzellen PARTICIPATING ARTISTS Joshua Groß, Philippe Gerlach EURO 24,– ISBN 978-3-92289-524-4

Verbotene Verbesserungen PARTICIPATING ARTISTS Dietmar Dath, Heike Aumüller EURO 24,– ISBN 978-3-922895-23-7

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ANN COTTEN

EDITOR Manfred Rothenberger in cooperation with Institut für moderne Kunst Nürnberg TEXT Ann Cotten PHOTOGRAPHY Ann Cotten, Marquis DESIGN Timo Reger DETAILS German, Hardcover, 21 × 14 cm, 248 pages, 17 ills. in color, 9 ills. in b/w

FAST DUMM Essays von on the road

EURO 25,– ISBN 978-3-922895-32-9

With “FAST DUMM” Ann Cotten, whom Paul Jandl has termed the “smartest and most difficult poet working in the German language today”, provides further evidence of her challenging investigations of reality. A multi-layered book on journeys and reflections, a loosely organized collection of essays, poems, and photographs, as well as renderings of sections of work by Cotten’s favorite authors.

Mit „FAST DUMM“ legt Ann Cotten, die „klügste und schwierigste Dichterin in deutscher Sprache“ (Paul Jandl), ein weiteres Zeugnis ihrer herausfordernden Wirklichkeitserkundungen vor. Ein vielschichtiges Reiseund Reflexionsbuch, ein lose organisierter Verbund aus Essays, Gedichten und Fotografien sowie Übertragungen von Lieblingsautoren Cottens. Das Erzählgerüst dieses traumwandelnden Trips durch die ambivalenten Seelen- und Gegenwartsverhältnisse verschiedener klimatischer und politischer Zonen bilden Ann Cottens Berichte über eine Reise durch die USA kurz nach der Wahl von Donald Trump zum 45. Präsidenten der Vereinigten Staaten. Cotten beschreibt ein verwüstetes, elendes Land voller wundgelegener Konflikte, sozialer Klüfte und innerer Verwerfungen.

Ann Cotten’s accounts of her travels through the US shortly after Donald Trump was elected 45th President of the United States form the narrative framework to this dream-like trip, during which we encounter the ambivalent circumstances acting on the soul and the present moment in different climactic and political zones. Cotten describes a harried, wretched country full of severe conflicts, social divisions, and intrinsic fault lines.

Wie um ihre USA-Essays in Gegenwirklichkeiten zu verankern, hat Ann Cotten davor, dazwischen und danach andere Texte eingefügt: einen Bericht über die Teilnahme an einem bizarren Symposion in Moskau samt dem dafür gebuchten kunsthistorischen Vortrag, die bereits erwähnten Gedichte und Fotografien, eine Rückblende nach Wien, wo die Autorin ihren Arbeitsalltag kritisch überprüft, und nicht zuletzt ein Gutachten über „FAST DUMM“ aus der Zukunft.

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Ann Cotten has included other texts before, in between and after these accounts, as though to anchor her American essays in counter-realities: a report on her participation in a bizarre symposium in Moscow along with the entire art historical lecture she was booked to hold there, the previously mentioned poems and photographs, a flashback to Vienna, in which the author critically questions her daily work routine, and finally also an assessment of “FAST DUMM” from the future.

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EDITOR Manuela Hötzl / 100 Medien TEXTS Isabella Diessl, Andreas Fox, Manuela Hötzl, Magdalena Jöchler, Valentin Ladstätter, Carlos Oberlerchner, Martina Powell, Rosa Schaberl, Theresa Stiny, Peter Suwandschieff DESIGN Ralf Herms / Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 208 pages, numerous ills. in color

100 WORKING SPACES 2016/17

EDITOR Manuela Hötzl / 100 Medien TEXTS Rosanna Atzara, Erik Czejka, Isabella Diessl, Julia Gmeiner, Manuela Hötzl, Beatrix Kouba, Michaela Putz, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Theresa Stiny, Sven Winkler DESIGN Ralf Herms / Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 212 pages, numerous ills. in color

EURO 14,90 ISBN 978-3-903131-79-8

100 WORKING SPACES 2017/18

EURO 14,90 ISBN 978-3-903228-30-6

100 ÖSTERREICHISCHE HÄUSER 2016/17

EDITOR Manuela Hötzl / 100 Medien TEXTS Rosanna Atzara, Pia Gärtner, Manuela Hötzl, Magdalena Jöchler, Valentin Ladstätter, Sophie Liebhart, Alexa Lutteri, Carlos Oberlechner, Martina Powell, Rosa Schaberl, Laura Schrettl, Christian Schwarzwimmer, Manuela Tomic, Florian Wörgötter, Robert Ziffer-Teschenbruck DESIGN Martin Embacher / Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 208 pages, 383 ills. in color, 13 ills. in b/w EURO 14,90 ISBN 978-3-903131-31-6

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100 HÄUSER

EDITOR Manuela Hötzl / 100 Medien TEXTS Rosanna Atzara, Raffael Fritz, Manuela Hötzl, Magdalena Jöchler, Valentin Ladstätter, Sophie Liebhart, Carlos Oberlechner, Martina Powell, Rosa Schaberl, Laura Schrettl, Hannah Stadlober, Rebecca Steinbichler, Manuela Tomic, Robert ZifferTeschenbruck DESIGN Ralf Herms / Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 200 pages, numerous ills. in color and b/w

100 DEUTSCHE HÄUSER 2016/17

Euro 14,90 ISBN 978-3-903131-78-1

EDITOR Manuela Hötzl / 100 Medien TEXTS Rosanna Atzara, Isabella Diessl, Erik Czeijka, Manuela Hötzl, Martina Powell, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Hannah Stadlober, Lukas Weber DESIGN Ralf Herms / Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 176 pages, numerous ills. in color

100 FERIEN HÄUSER 2017 ÖSTERREICH & SCHWEIZ

EURO 14,90 ISBN 978-3-903153-76-9

EDITOR Manuela Hötzl / 100 Medien TEXTS Rosanna Atzara, Erik Czejka, Isabella Diessl, Manuela Hötzl, Martina Powell, Rosa Schaberl, Sonja Schneider, Hanna Stadlober, Lukas Weber DESIGN Ralf Herms / Rosebud DETAILS German, Paperback, 33 × 23 cm, 176 pages, numerous ills. in color

100 FERIEN HÄUSER 2017 DEUTSCHLAND

EURO 14,90 ISBN 978-3-903153-75-2

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MARKO LULIC´

Futurology EDITORS LENTOS Kunstmuseum Linz, Hemma Schmutz, Wilfried Kuehn TEXTS Branka Bencˇic´, Jörg Heiser, Hemma Schmutz CONVERSATION Wilfried Kuehn with Marko Lulic´ DESIGN Mane Radmanovic´

DETAILS German / English, Paperback, 26,7 × 21 cm, 335 pages, 218 ills. in color, 14 ills. in b/w EURO 30,– ISBN 978-3-903153-63-9

Marko Lulic´ untersucht seit 2000 die jugoslawische und internationale Moderne. Er thematisiert die Beziehungen von Form und Ideologie sowie das Verhältnis von Körper und Repräsentation in unterschiedlichen politischen Kontexten.

Since 2000, Marko Lulic´ has been investigating Yugoslavian and International Modernism. He addresses the relationships of form and ideology and the relation between body and representation in different political contexts.

Skulptur, raumgreifende Installationen, Video, Poster, Schrift und Arbeiten im öffentlichen Raum sind die bevorzugten Medien des Künstlers, die er im LENTOS Kunstmuseum Linz erstmals in einen vollkommen neuen Zusammenhang brachte. Dabei werden utopistische Aspekte des 20. Jahrhunderts analysiert, übersetzt und hinterfragt. Die umfassende Publikation gibt erstmals einen Überblick über sein vielseitiges Werk.

Sculpture, large-scale installations, video, posters, lettering, and works in public space are the artist’s preferred media, which he brought together in a completely new constellation at the LENTOS Kunstmuseum Linz. Utopian aspects of the twentieth century are analyzed, translated and queried here. The comprehensive publication provides for the first time an overview of his œuvre.

Die Publikation erschien begleitend zur Ausstellung im LENTOS Kunstmuseum Linz.

The publication accompanied the exhibition at the LENTOS Kunstmuseum Linz.

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ERIK LEVINE

As a Matter of Fact EDITORS Andreas Beitin, Leonhard Emmerling PREFACE Andreas Beitin, Leonhard Emmerling TEXTS Andreas Beitin, Leonhard Emmerling, Leila Farsakh, Berta Sichel INTERVIEW Erik Levine with Hugh Davies DESIGN Raphael Drechsel, GREAT

DETAILS German / English, Hardcover, 28 × 20 cm, 144 pages, 56 ills. in color EURO 32,– ISBN 978-3-903153-47-9

What makes a man a “real” man? What do rituals of masculinity involve, how do men face up to the challenges they pose, how do they deal with failure?

Was macht einen Mann zu einem „echten“ Mann? Wie sehen Rituale der Männlichkeit aus, wie begegnen Männer ihren Herausforderungen, wie gehen sie mit dem Scheitern um?

The American artist Erik Levine analyzes our society and its norms, rituals, and masculine stereotypes in his video works. With empathy but nonetheless uncompromising, Levine circles in on the relationship between life and death, social norms, idealized images and stark reality. Far from being documentary, Levine’s videos approach their subjects by means of compelling images and evocative soundscapes: the drill that adolescent boys are subjected to during the sports; the tenderness with which men prepare their fightung cocks for battle in the cockpit; the stoic routine of employees in a slaughterhouse; decline and approaching death of people in the elderly house.

Der US-amerikanische Künstler Erik Levine untersucht in seinen Video-Arbeiten unsere Gesellschaft auf ihre Normen, Rituale und männliche Stereotypen. In seinen Arbeiten umkreist er auf so einfühlsame wie rückhaltlose Art die Verhältnisse von Leben und Tod, gesellschaftlichen Regeln, Idealbildern und Realitäten. Weit davon entfernt, dokumentarisch zu sein, nähern sich Levines Videos mit eindrucksvollen Bildern und intensiven Sounds ihren Sujets: dem Drill, dem heranwachsende Jungs beim Sport ausgesetzt sind, der Zärtlichkeit, mit der Männer ihre Kampfhähne auf den Einsatz in der Arena vorbereiten oder dem Verfall und nahendem Tod von Menschen in einem Altersheim.

With four essays and an enlighting interview with the artist, this publication provides both subtle analysis and deep insight into Erik Levine’s work; it furthermore addresses relevant and topical issues in Western society and thus impressively documents the pertinence of Levine’s art.

Die Publikation bietet anhand von vier präzise analysierenden Essays und einem erhellenden Interview mit dem Künstler nicht nur einen intensiven und vielfältigen Einblick in das Werk Levines, sondern thematisiert auch grundlegende Entwicklungen und Zustände der westlichen Gesellschaft.

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GREGOR SCHMOLL

EDITOR Gregor Schmoll TEXTS Ariane Müller, Martin Prinzhorn, Andreas Spiegl DESIGN Christian Schienerl D/AD DETAILS German, Paperback, approx. 156 pages, numerous ills. in color

Ist Eros der eben jetzt von mir beobachtete Planet?

approx. EURO 28,– ISBN 978-3-903228-20-7

The title “IS EROS THE PLANET JUST OBSERVED BY ME?” is taken from a letter Gottlob Frege sent to Ludwig Wittgenstein on April 3, 1920 – to mark the 100th anniversary of the “Tractatus Logico-Philosophicus”; the exhibition addresses the relationship of perception, symbol (language), form and “reality”. It brings together 13 works from film, video, sculpture, drawing, photography, painting and print by artists, all of whom explore the above issue in their own work.

Die Ausstellungsserie „IST EROS DER EBEN JETZT VON MIR BEOBACHTETE PLANET?“, der Titel ist dem Brief Gottlob Freges an Ludwig Wittgenstein vom 3. April 1920 entnommen, thematisiert – ausgehend vom 100-jährigen Jubiläum der „Logisch-philosophischen Abhandlung“ – das Verhältnis von Wahrnehmung, Zeichen (Sprache), Form und „Wirklichkeit“. Sie vereint 13 Arbeiten aus Film, Video, Skulptur, Zeichnung, Fotografie, Malerei und Grafik von Künstlerinnen und Künstlern, die sich konzeptionell innerhalb der Tradition dieser analytischen Fragestellungen verorten lassen.

MAJA RIEDER

EDITOR Ines Goldbach, Kunsthaus Baselland TEXT Wolfgang Schneider CONVERSATION Ines Goldbach with Maja Rieder DESIGN Matthias Huber, Basel DETAILS German/English, Paperback, 23 × 16 cm, 112 pages, 45 ills. in color, 9 ills. in b/w EURO 25,– ISBN 978-3-903153-94-3

Flipper

Maja Rieder beschäftigt sich konsequent mit der Frage, wie die Zeichnung mit dem Raum eine Verbindung eingehen kann. Sie schafft konkrete Formulierungen, etwa von geometrischen Grundformen mit Grafit, Überlagerungen oder auch Faltungen von Papierblättern respektive großen Bahnen. Die entstandenen Positiv-Negativ-Formen und -Figuren werden von ihr über weite Raumpartien hinweg installiert und wirken so auf den Raum. Die Publikation erschien anlässlich der Einzelausstellung im Kunsthaus Baselland.

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Maja Rieder has consistently engaged with the question of how drawing can create a connection to space. Rieder’s drawing is the creation of concrete formulations, such as geometric basic forms in graphite through overlappings or folds of sheets of paper or long paper rolls. Positive and negative forms and figures are created, some of which are installed across broad spaces by the artist, to influence the architectural space. The publication was published on occasion of Maja Rieder’s solo exhibition at Kunsthaus Baselland.

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CORNELIA MITTENDORFER

EDITOR Rolf Sachsse TEXTS Cornelia Mittendorfer, Yiannis Papadakis, Rolf Sachsse DESIGN Martina Gaigg DETAILS German / English, Paperback, 25 × 21 cm, 192 pages, 105 ills. in b/w

green line. evocative of an archeology of desperation and desire

EURO 33,– ISBN 978-3-903153-57-8

Taking Cyprus as an example, Cornelia Mittendorfer’s “green line” examines the complexity of one of the violent and still unresolved conflicts of the present day. The focus is on how spaces change, including their repurposing and secularisation during the more than 40 years since the occupation of the North. The photographs are accompanied by portraits of the people who have entrusted their stories to the artist. This work deals not only with destructive power, but also with a resistance to destruction.

Cornelia Mittendorfer untersucht am Beispiel von Zypern mit „green line“ die Komplexität eines der gewaltsamen und schwelenden Konflikte der Gegenwart. Der Fokus ihrer Fotografie liegt auf der Veränderung von Räumen, auch ihrer Umnutzung und Säkularisierung durch die nunmehr gut 40-jährige Okkupation des Nordens. Ihnen sind Porträts von Menschen an die Seite gestellt, die ihre Geschichte der Künstlerin anvertraut haben. Die Arbeit kreist nicht nur um zerstörerische Kraft, sondern auch um das sich der Zerstörung Widersetzende.

EDITORS Sonia Leimer, Nina Tabassomi, Jürgen Tabor TEXTS Nina Tabassomi, Jürgen Tabor, Chris Sharp DESIGN Atelier Liska Wesle DETAILS  English / German, Paperback, 28,5 × 21,5 cm, 76 pages, 31 ills. in color

SONIA LEIMER

EURO 20,– ISBN 978-3-903153-48-6

Autoterritorium

“‘Autoterritorium’ is dedicated to the many layers, artistic and philosophical, that are an integral part of Leimer’s work. The staging of the exhibition accentuates her artworks: as ‘performers’, as portrayers, stimuli and vessels of specific histories and interpretations of space, time, and body perceptions. In her exhibition, Leimer weaves several performance-based sculptural and multimedia works into a narrative in which specific historical and political threads are brought together, owing and merging in a collective political and personal involvement sphere.” (Jürgen Tabor)

„,Autoterritorium‘ ist der künstlerischen und philosophischen Vielschichtigkeit gewidmet, die in Leimers Arbeit angelegt ist. Die Inszenierung akzentuiert ihre Arbeiten als ,Performer‘, als Darsteller, Impulsgeber und Gefäße spezifischer Geschichten und Deutungen von Raum-, Zeit- und Körperwahrnehmungen. Sie verwebt mehrere performancebasierte skulpturale und multimediale Arbeiten zu einer Erzählung, in der verschiedene historische und politische Fäden zusammengeführt werden und in der Kollektiv-Politisches und persönliche Involvierung ineinanderfließen.“ (Jürgen Tabor)

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DIE KRAFT DES ALTERS

Aging Pride

EDITORS Stella Rollig, Sabine Fellner PREFACE Stella Rollig TEXTS Sabine Fellner, Heike Hartung, Beate Hofstadler, Robert Pfaller, Gabriele Schor DESIGN Willi Schmid

DETAILS German / English, Hardcover, 24 × 17 cm, 372 pages, 305 ills. in color and b/w EURO 36,– ISBN 978-3-903228-23-8

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Exhibition: Unteres Belvedere, Vienna 17.11.2017–04.03.2018

Der Alterungsprozess wird in der öffentlichen Wahrnehmung heute in erster Linie als Defizit angesehen. Begriffe wie „Anti-Aging“ vermitteln den Eindruck, Altern sei etwas Pathologisches. Der vorherrschende Jugendlichkeitskult bemüht sich, die Spuren des Alterungsprozesses auszublenden. Jenseits der negativen Stereotype bedeutet Alter aber auch Macht, Erfahrung, Lebensweisheit, Kontemplation, Lebenslust und Triumph über gesellschaftliche Konventionen. Alter ist nicht nur ein biologischer Prozess, sondern immer auch eine kulturelle Konstruktion. In den präsentierten Arbeiten veranschaulichen Kunstschaffende, wie das Alter mit all seinen Facetten auf wertschätzende Weise in unser Leben integriert werden kann und wie es Künstlerinnen und Künstlern gelingt, Chancen und Grenzen des Alters jenseits von Altersverklärung und Pessimismus differenziert wahrzunehmen. Die Publikation erscheint begleitend zur Ausstellung im Unteren Belvedere, Wien. Mit Werken von Pina Bausch, Eric Fischl, Lucian Freud, George Grosz, Johannes Grützke, Alfred Hrdlicka, Regina Hügli, Birgit Jürgenssen, Anastasia Khoroshilova, Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Brigitte Kowanz, Maria Lassnig, Annie Leibovitz, Erich Lessing, Hans Op de Beeck, Martin Parr, Pablo Picasso, Margot Pilz, Juergen Teller, Joyce Tenneson, Henri de Toulouse-Lautrec, Rosemarie Trockel, Jeff Wall, Nives Widauer u. a.

These days, the aging process is seen as a deficiency in the public eye. Terms such as “anti-aging” give the impression that aging is something pathological. The prevailing cult of youth endeavours to hide the traces of aging. Aside from negative stereotypes, however, age also indicates power, experience, wisdom, contemplation, lust for life, and triumph over societal conventions. Aging is not only a biological process but a cultural construction, which emerging sciences such as cultural gerontology have dedicated themselves to investigating. In the presented works, artists illustrate how age in all of its facets can be thoughtfully integrated into our lives. In addition to numerous works from the Belvedere collection, the exhibition presents high-profile loans from national and international museums. The publications accompanies the exhibition at Unteres Belvedere, Vienna. Including works by Pina Bausch, Eric Fischl, Lucian Freud, George Grosz, Johannes Grützke, Alfred Hrdlicka, Regina Hügli, Birgit Jürgenssen, Anastasia Khoroshilova, Gustav Klimt, Oskar Kokoschka, Brigitte Kowanz, Maria Lassnig, Annie Leibovitz, Erich Lessing, Hans Op de Beeck, Martin Parr, Pablo Picasso, Margot Pilz, Juergen Teller, Joyce Tenneson, Henri de Toulouse-Lautrec, Rosemarie Trockel, Jeff Wall, Nives Widauer, et al.

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DAGMAR KOLLER

Goldene Zeiten In Farbe EDITORS Michael Balgavy, Dagmar Koller TEXTS Michael Balgavy, Brigitte Felderer, Angelika Hager, Dagmar Koller DESIGN Michael Balgavy

DETAILS German, Hardcover, 26 × 20,5 cm, 336 pages, 420 ills. in color and b/w EURO 49,– ISBN 978-3-903228-05-4

Be it as a celebrated musical star or in the role of Vienna’s glamorous first lady, Dagmar Koller is arguably the most-photographed woman in Austria. A gloriously colorful selection of previously unpublished photographs belonging to Dagmar Koller reveals moments and personas of a life lived with great intensity. The images capture memories and provide insights into her private life. This publication reveals a biography to us that while aimed at style and pleasure, elegance and desire, individuality and openness, nonetheless included both discipline and self-irony. Dagmar Koller has not only played the roles that life wrote, but also embodies a professional handling of the lighthearted, always full of respect for the high art of popular entertainment. These images are a sheer delight, and Dagmar Koller is always a veritable experience: laughing, chatting, singing, dancing, beaming out at us in beautiful dresses and in equally beautiful places. She is always there for her audience, always a star, whether on the stages of this world, or the arenas of politics and society. And almost incidentally this book, edited by Michael Balgavy, becomes a vivid, enjoyable, but at times also serious document of Austrian contemporary history.

Ob als gefeierter Musicalstar oder in der Rolle der glamourösen First Lady Wiens ist Dagmar Koller wohl die meistfotografierte Frau Österreichs. Eine farbenprächtige Auswahl bisher unveröffentlichter Fotografien aus dem Privatbesitz von Dagmar Koller zeigt Momente und Personen eines intensiv gelebten Lebens. Die Bilder halten Erinnerungen fest und geben Einblicke in Privates. In diesem Buch erschließt sich eine Biografie, die auf Stil und Vergnügen, auf Eleganz und Begehren, auf Eigenart und Offenheit ausgerichtet ist, ohne dass es dabei je an Disziplin oder Selbstironie gefehlt hätte. Dagmar Koller spielte nicht die Rollen, die das Leben schrieb, sie verkörpert vielmehr ihren professionellen Umgang mit dem Unernsten, immer voller Respekt für die hohe Kunst populärer Unterhaltung. Alles an diesen Bildern begeistert, und Dagmar Koller ist immer ein Erlebnis: lachend, plaudernd, singend, tanzend, in schönen Kleidern und an ebenso schönen Orten strahlend. Sie ist immer für ihr Publikum da, immer ein Star, ob auf den Bühnen der Welt oder an den Schauplätzen von Politik und Gesellschaft. Ganz nebenbei wird dieses von Michael Balgavy erarbeitete Buch zu einem anschaulichen wie vergnüglichen und doch mitunter ernsten Dokument österreichischer Zeit-Geschichte.

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ADAM SAKS

EDITOR Christian Malycha for the Kunstverein Reutlingen TEXT Christian Malycha, Adam Saks DESIGN Studio Martin Steiner DETAILS German / English, Paperback, 30 × 24 cm, 82 pages, 33 ills. in color

Inhaling Darkness Exhaling Galaxies

EURO 22,– ISBN 978-3-903153-54-7

Adam Saks’ paintings are situated in permanent transformation: figures, plants, symbols, and writing appear only to vanish again in amorphous color or exuberant planar ornaments. He reminds us of a life in and out of color which at times loses and regains itself at another place. Reminds us that for a life to be complete both beauty and fright are needed. It is for this very persistent “in- and exhaling of the world” to reveal the immediately sensible and utmost vivid pulse of Adam Saks’ painting.

Adam Saks’ Bilder befinden sich in fortwährender Veränderung: Figuren, Pflanzen, Symbole oder Schrift erscheinen, um im nächsten Augenblick wieder in ungestalter Farbe oder ungebundene Flächenornamente aufzugehen. Er zeigt ein Leben in und aus der Farbe, das sich bisweilen verliert und an anderem Ort von Neuem gewinnt. Er zeigt, dass es, damit sich ein Leben voll entfalten kann, das Schöne ebenso wie das Beunruhigende braucht. Und dieses beständige „Ein- und Ausatmen der Welt“ offenbart den unmittelbar spürbaren und äußerst lebendigen Pulsschlag der Malerei von Adam Saks.

ADAM SAKS

EDITOR Atelje Larsen TEXT Sune Nordgren DESIGN Studio Martin Steiner DETAILS Swedish / English, Hardcover, 19 × 13 cm, 80 pages, 53 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903153-55-4

Prints

„Für mich vermengen sich der grafische Strang und die Malerei fortwährend. Sie profitieren voneinander. Deshalb sind die gedruckten Arbeiten auch so wichtig.“ (A. S.) Das Buch umfasst das gedruckte Werk – Radierungen, Fotogravuren und Holzschnitte – des dänischen Künstlers der letzten fünf Jahre, und ist eine wunderbare Ergänzung zu „Inhaling Darkness, Exhaling Galaxies“. Saks ist sowohl Bewahrer als auch Erneuerer traditionsreicher Druckverfahren. In seinen Drucken fügen sich eine gewisse „Derbheit“ und Originalität in enigmatischer Weise zusammen.

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“For me the graphic strand and the oil paintings constantly interweave. They mutually benefit from each other. That’s why the printed works are so important.” (A. S.) This delicate volume is comprised of Danish artist Adam Saks’ printed works – etchings, photogravures and wood-cuts – of the last five years, fittingly accompanying “Inhaling Darkness, Exhaling Galaxies”. Saks is both a bearer and a renovator of tradition who holds printmaking in high regards. In his graphic images there is a “roughness” and originality forming a kind of puzzle.

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EDITOR CentrePasquArt, Biel / BIenne TEXTS Lea Haller, Damian Jurt, Isabel Zürcher DESIGN Huz & Bosshard DETAILS German / English / French, Flexcover, 31 × 23,5 cm, 114 pages, numerous ills. in color

DELPHINE REIST

Colleagues think positively

EURO 28,– ISBN 978-3-903153-00-4

Delphine Reist’s works shed light on the effects of globalisation, rationalisation and automation of our economy and produces an image of an economy that has outstripped ideas of progress and has become lost in empty actionism. Through the transformation of everyday objects into functionless apparatus’ the artist questions our engineered environment and its self-sustaining momentum without content. Efficiency is translated into irony, functionalism into roguishness. The impressive monograph accompanied the exhibition at Kunsthaus Pasquart.

Delphine Reist beleuchtet in ihren Arbeiten die Auswirkungen der Globalisierung, Rationalisierung und Automatisierung unserer Wirtschaft und lässt ein Bild der Ökonomie entstehen, die den Fortschrittsgedanken hinter sich gelassen hat und sich in leer laufendem Aktionismus verliert. Durch die Transformation von Alltagsgegenständen in unzweckmäßige Apparate hinterfragt die Künstlerin unsere technisierte Umwelt und ihre selbsterhaltende, inhaltslose Eigendynamik. Effizienz übersetzt sich in Ironie, Funktionalität in Schalk. Die eindrucksvolle monografische Publikation erschien begleitend zu ihrer Ausstellung im Kunsthaus Pasquart.

RACHEL LUMSDEN

EDITOR CentrePasquArt, Biel / BIenne TEXTS Felicity Lunn, Charlotte Mullins, André Rogger DESIGN Thomas Bizzarri & Alain Rodriguez DETAILS German / English / French, Paperback, 30,7 × 24,6 cm, 132 pages, 114 ills. in color

Return of the Huntress

EURO 29,– ISBN 978-3-903153-27-1

Rachel Lumsden’s big paintings are too ambiguous to be clearly read as narratives; instead they depict atmospheric environments, bristling with energy. Her compositions are inspired by a variety of visual sources, from newspaper photos, art historical images and dream pictures to circuit diagrams and advertising material. The publication includes works from the last ten years and appears on the occasion of her exhibition at Fondation FernetBranca, Saint-Louis, France, the ArtCentre Pasquart Biel, Switzerland and Kunst(Zeug)Haus Rapperswil.

Rachel Lumsdens großformatige Gemälde können nicht als narrativ bezeichnet werden, da sie für eine eindeutige Lesart zu mehrdeutig bleiben. Ihre atmosphärischen Welten sind inspiriert durch visuelle Quellen wie Zeitungsfotos, kunsthistorische Referenzen sowie Traumbilder, Schaltpläne und Werbemittel. Die Publikation zeigt Gemälde der letzten zehn Jahre und entstand in Zusammenarbeit mit der Fondation Fernet-Branca in Saint-Louis, Frankreich, dem Kunsthaus Pasquart in Biel, Schweiz und dem Kunst(Zeug)Haus in Rapperswil.

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ISABELLA KOHLHUBER

EDITOR Isabella Kohlhuber TEXTS Victoria Dejaco, Dirck Möllmann DESIGN Isabella Kohlhuber DETAILS German / English, Paperback, 24 × 16,7 cm, 188 pages, 85 ills. in color EURO 26,– ISBN 978-3-903153-60-8

htb

Isabella Kohlhubers transmediale Werke durchqueren die Sprache der Begriffe ebenso wie die Worte des Alltags, vor allem aber die narrative Welt der Zeichen und der Schrift. Ihr Sprachbewusstsein ist in der Tradition der österreichischen Moderne verankert, reicht aber kritisch über diese hinaus. Bildkorpus, Auswahl und Layout der Monografie sind Teil des bildnerischen Werks und werden begleitet von einem analytischen Text der Künstlerin und einem vertiefenden Essay von Dirck Möllmann.

EDITORS Isabelle Köpfli, Alexandra Meyer TEXTS Muda Mathis, Dorothee Messmer, Alexandra Meyer, Isabelle Köpfli INTERVIEW Isabelle Köpfli with Alexandra Meyer DESIGN Alexandra Meyer, Camillo Paravicini DETAILS German / English, Paperback, 21 × 12,8 cm, 120 pages and 96 pages (double volume), 92 ills. in color, 59 ills. in b/w

Isabella Kohlhuber’s transmedial works traverse the language of concepts as well as the words of everyday life, but most especially a narrative world of symbols and writing guided by an awareness of language that is anchored in the tradition of Austrian modernity and goes critically beyond. The corpus of images, the selection and the layout are integral part of the visual work, accompanied by an analytical text of the artist herself, and a deepening essay by Dirck Möllmann.

ALEXANDRA MEYER

EURO 20,– ISBN 978-3-903153-68-4

Alexandra Meyer besticht in ihren Arbeiten durch Humor und eine ungezwungene Leichtigkeit. Mit feinem Gespür und oftmals aus überraschender Perspektive thematisiert sie die großen Fragen der menschlichen Existenz im Zusammenspiel von Körper, Geist und Psyche. Dafür bedient sie sich unterschiedlichster Medien wie Video, Performance, Fotografie, Installation, Skulptur oder Zeichnung.

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Alexandra Meyer captivates the viewer with humor and a natural lightness. With a fine sensitivity and an often surprising perspective, she deals with major questions of human existence in the interaction between body, spirit, and psyche. She uses a wide variety of media such as video, performance, photography, installations, sculpture, and drawing. The publication – simple in aesthetic and with a style reduced to the essential – the artist suggests the universal and creates a striking symbolism — images that stay with us.

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EDITORS Ingried Brugger, Lisa Ortner-Kreil PREFACE Ingried Brugger TEXTS Michael Kiehn, Maria Muhle INTERVIEW Lisa Ortner-Kreil with Anna Artaker DESIGN Rosebud, Vienna DETAILS German / English, Hardcover, 22,5 × 16,8 cm, 88 pages, 45 ills. in color

ANNA ARTAKER

The Pencil of Nature

EURO 22,– ISBN 978-3-903153-56-1

In 1844–46, William Henry Fox Talbot presented his photographic method in “The Pencil Of Nature”. He captured negative silhouettes of plants in photograms by first pressing plants onto sensitized paper with glass plates, then exposing them to the sun – this constituted the moment when “photography was born from the spirit of botany”. Anna Artaker transposes the plants from his photograms into contemporary prints using nature printing, a technique developed in the mid-19th century, and thereby addresses the ideal of self-imaging, which both nature printing and photography claim to fulfil.

William Henry Fox Talbot stellte 1844–1846 mit „The Pencil of Nature“ sein fotografisches Verfahren vor: Pflanzen werden als negative Schattenrisse in Fotogrammen fixiert, indem sie mit Glasplatten auf präpariertes Papier gepresst und dem Sonnenlicht ausgesetzt werden – ein Moment der „Geburt der Fotografie aus dem Geiste der Botanik“. Anna Artaker übersetzt die Pflanzen seiner Foto­ gramme mithilfe des Naturselbstdruckverfahrens aus der Mitte des 19. Jahrhunderts in zeitgenössische Drucke und thematisiert so das Ideal der Selbstabbildung, das nicht nur der Naturselbstdruck, sondern auch die Fotografie für sich beansprucht.

BE´ ATRICE DREUX

EDITORS Städtische Galerie Cordonhaus Cham and Kunst im Traklhaus INTERVIEW Andreas Schulze with Béatrice Dreux DESIGN Béatrice Dreux, Anjalie Chaubal, Creativbüro Jürgen Mayer, Regensburg DETAILS German / English, Paperback, 32 × 23 cm, 32 pages, 36 ills. in color

Humanimali

EURO 15,– ISBN 978-3-903228-40-5

The catalog accompanying the exhibitions at Städtische Galerie Cordonhaus Cham and Traklhaus Salzburg highlights the current series of works by the painter Béatrice Dreux. All phases of her painting share one thing in common: Dreux paints most radically, and does not allow herself to be deterred by trends for which there is a good market, in this way developing extraordinary images with a very life-affirming expressivity. Her topics are often derived from themes, such as nature, and in particular in recent years from prehistorical and folk art.

Der Katalog zu den Ausstellungen der Städtischen Galerie Cordonhaus Cham und des Traklhaus Salzburg präsentiert die aktuelle Werkserie der Malerin Béatrice Dreux. Allen Phasen ihrer Malerei ist eines gemein: Dreux malt radikal, lässt sich nicht beirren von marktfähigen Trends und entwickelt außerordentliche Bilder von lebensbejahendem Ausdruck. Ihre motivische Bildsprache ist oftmals ganz ursprünglichen Themen entlehnt wie der Natur und im Besonderen in den letzten Jahren der Prähistorischen- und Volkskunst.

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LENA HENKE

EDITOR Katharina Dohm PREFACE Philipp Demandt TEXT Katharina Dohm DESIGN Michael Satter DETAILS German / English, Paperback, 30 × 23 cm, 56 pages, 20 ills. in color and b/w

Schrei mich nicht an, Krieger! In der eigens für die Rotunde der Schirn Kunsthalle Frankfurt geschaffenen Arbeit „Schrei mich nicht an, Krieger!“ reagiert die Bildhauerin Lena Henke auf die spezifischen Bedingungen des frei zugänglichen, öffentlichen Ortes. In ihrer Installation konzentriert sich Henke auf die uneindeutige Raumfunktion der Rotunde und sensibilisiert so für die Besonderheit des Ortes.

In the work specially created for the Schirn Kunsthalle Frankfurt Rotunde entitled “Schrei mich nicht an, Krieger!” the sculptor Lena Henke reacts to the specific conditions of this freely accessible public space. In her installation Henke concentrates on this ambivalent capacity of the space of the Rotunda, thereby creating an awareness of the unique character of the location.

ROSA BARBA

EDITOR Schirn Kunsthalle Frankfurt INTERVIEW Esther Schlicht with Rosa Barba DESIGN Rupert Smyth Studio DETAILS German / English, Paperback, 21 × 15 cm, 76 pages, 24 ills. in b/w, the book jacket also functions as a poster EURO 22,– ISBN 978-3-903153-22-6

Blind Volumes

Rosa Barbas oft auf historischen oder ortsbezogenen Recherchen basierenden Arbeiten umkreisen grundlegende Fragen, etwa nach den medialen Bedingungen von Zeit und Gedächtnis oder den Wechselwirkungen zwischen Form und künstlerischem Gehalt. Im Zentrum steht der Film: als Medium, Material und Metapher, als Erzählform und als prägendes Dispositiv für die visuelle Kultur des 20. Jahrhunderts. Die aufwendig gestaltete Publikation dokumentiert die eigens für die Rotunde der Schirn Kunsthalle Frankfurt geschaffene Arbeit.

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EURO 20,– ISBN 978-3-903153-36-3

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Rosa Barba’s work, often based on historical or site-specific research, revolves around basic questions such as the media conditions imposed on time and memory, and the interaction of form and artistic content. Barba focusses on film: as a medium, material and metaphor, as a narrative form and characteristic foil for the visual culture of the 20th century. The elaborately designed publication documents the work the artist has created for the rotunda at Schirn Kunsthalle Frankfurt.

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EPHEMERAL SPACE

The Lenikus Collection DETAILS English with a German appendix, Hardcover, 30 × 30 cm, 380 pages, approx. 400 ills. in color EURO 58,– ISBN 978-3-903228-07-8

The publication offers an overview of the broad spectrum of the Lenikus Group’s longstanding involvement in the Vienna art scene. It looks back over 25 years of collecting and 15 years of promoting young artists while simultaneously providing a starting point for discussions about the potential of promoting culture through interim use. After all, the availability of space is fundamental to the development of the artistic and creative scenes in Vienna. One major aim of the private cultural efforts of the Lenikus Group from the outset has been to put vacant spaces and buildings to use and create a vibrant centre for exchange and for artistic forms of production.

Die Publikation bietet einen Überblick über das breite Spektrum des langjährigen Engagements der Lenikus Gruppe in der Wiener Kunstszene. Sie blickt zurück auf 25 Jahre Sammeltätigkeit sowie 15 Jahre der Förderung junger Kunst und ist gleichzeitig ein Ausgangspunkt zur Diskussion über das Potenzial kultureller Förderung durch Zwischennutzungen: Die Verfügbarkeit von Räumen ist ein wesentlicher Schlüssel für die Entwicklung von künstlerischen und kreativen Szenen in Wien. Den Leerstand zu aktivieren und in ein pulsierendes Zentrum für Austausch und künstlerische Produktionsformen zu verwandeln, war von Beginn an ein Schwerpunkt des privaten kulturellen Engagements der Lenikus Gruppe.

Featuring academic essays, reports on specific projects and interviews the publication reflects on topics such as space for creative activity, artist in residence programmes and interim use. Articles and reports on exhibitions are interlaced with a selection of works from the Lenikus collection. While the presented works reveal the personal taste of Gabriele and Martin Lenikus they also shed light on tendencies in the Vienna art scene and, hence, enable these to be placed in their international context.

Die Publikation reflektiert mit wissenschaftlichen Essays, Berichten von konkreten Projekten und Interviews Themen wie Raum für kreatives Schaffen, Artist-inResidence-Programme und Zwischennutzungen. Beiträge und Ausstellungsdokumentationen verschränken sich mit einer Auswahl von Werken der Sammlung Lenikus. Die gezeigten Werke offenbaren einerseits den persönlichen Geschmack von Gabriele und Martin Lenikus, gleichzeitig werden Tendenzen in der Wiener Kunstszene sichtbar und können somit im internationalen Umfeld verortet werden.

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EDITOR The Lenikus Collection, Angela E. Akbari TEXTS Angela E. Akbari, Gerald Bast, Erich Bernard, Eva Blimlinger, Georg Diez, Severin Dünser, Christian Fink, Synne Genzmer, Daniel Grúnˇ, Georgia Holz, Elsy Lahner, Emanuel Layr, Gabriele Lenikus, Martin Lenikus, Abraham Orden, Cosima Rainer, Barbara Reisinger, Luise Reitstätter, Veronika Rudorfer, Barbara Rüdiger, Nina Schedlmayer, Janwillem Schrofer, Jasper Sharp, Eva Maria Stadler, Francesco Stocchi, Vitus Weh DESIGN Christian Schienerl D/AD

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EDITOR Alexandra Grausam for das weisse haus TEXTS Gerald Bast, Sabeth Buchmann, Anne Faucheret, Alexander Fleischmann, Vilém Flusser, Günther Friesinger, Georgia Holz, Herbert Justnik, Jutta Kleedorfer, Sarah Kolb, Hanno Millesi, Elisabeth Noever-Ginthör, Andrew Gryf Paterson, Petra Ponte, Stefanie Reisinger, Agnieszka Roguski, Genoveva RückertSommerauer, Nadim Samman, Juliane Saupe, Ferdinand Schmalz, Günter Schönberger, Claudia Slanar, Andreas Spiegl, Katja Stecher, Axel Stockburger, Franz Thalmair, Peter Weibel, Seth Weiner

10 YEARS DAS WEISSE HAUS don’t call it offspace! In den letzten zehn Jahren hat das weisse haus quer durch Wien Hunderte von Ausstellungen mit nationalen und internationalen KünstlerInnen gezeigt und ein Artist-in-Residence-Programm sowie Ateliers für lokale Kunstschaffende entwickelt. Es hat außerdem u. a. den Austausch von KuratorInnen und Kultur-JournalistInnen ins Programm genommen und den Erste Bank MehrWERT Kunstpreis mitetabliert. Die Publikation thematisiert die über die Jahre hinweg relevanten Aspekte wie Institutionalisierung, Nomadentum und hinterfragt eine feministische Arbeitsweise und den aktuellen Status der New Media.

EURO 28,– ISBN 978-3-903228-26-9

Over the past ten years das weisse haus has staged exhibitions throughout Vienna featuring hundreds of national and international artists. It has likewise developed an artist-in-residence-program and established studios for local artists. Indeed, it included the exchange between curators and culture journalists on its agenda, and in co-initiated the Erste Bank MehrWERT Art Award. The publication addresses aspects that have been of relevance over the years such as institutionalization, nomadism, and site-specific art, and questions a feminist way of working and the current status of the new media.

KUNSTRAUM WEIKENDORF

EDITORS Michael Kienzer, Gabriele Stöger, Bärbl Zechner TEXTS Arie Hartog, Dirck Möllmann, Margareta Sandhofer, Bärbl Zechner and Gabriele Stöger DESIGN Tom Klengel DETAILS German / English, Paperback, 28 × 21 cm, 152 pages, numerous ills. im color

22 Installationen Ein Projekt von Michael Kienzer

EURO 28,– ISBN 978-3-903153-77-6

Der Künstler Michael Kienzer funktionierte das alte Feuer­ wehrhäuschen zum Kunstraum Weikendorf um. Sein überzeugendes Konzept, das Innere des Raums durch eine Glasfront mit dem Außen des Platzes visuell zu verbinden, ermöglicht es, wechselnde künstlerische Interventionen zu kuratieren. Seit 2007 konnten 22 Ausstellungen umgesetzt werden, die nun erstmals umfassend dokumentiert werden. Mit Beiträge u. a. von: Gerwald Rockenschaub, Bruno Gironcoli, Iris Andraschek, Hans Schabus, Johanna und Helmut Kandl.

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DESIGN section d DETAILS German /English, Paperback, 404 pages, numerous ills. in color

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The artist Michael Kienzer repurposed the old fire station, turning it into an art space: Kunstraum Weikendorf. His persuasive concept, which by relying on a glass front visually connects the inside of the space with the outside, makes it possible to curate artistic interventions that change every six months. A total of 22 exibitions have been realized since 2007, and they are now being presented for the first time. Artistic contributions by, amongst others: Gerwald Rockenschaub, Bruno Gironcoli, Iris Andraschek, Hans Schabus, Johanna and Helmut Kandl.

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KUNSTHALLE NÜRNBERG Ausstellungen internationaler zeitgenössischer Kunst EDITOR Kunsthalle Nürnberg im KunstKulturQuartier TEXTS Annie Bardon, Lucius Grisebach, Tabea Hartig, Thomas Heyden, Melitta Kliege, Natalie de Ligt, Ellen Seifermann, Birgit Suk, Harriet Zilch DESIGN Martin Küchle

DETAILS German, ring binder with pinned pages, 31,5 × 25,5 cm, 125 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 20,– ISBN 978-3-903228-31-3

Kunsthalle Nürnberg looks back on 50 years of exhibitions: Which artists were exhibited here since the institution’s inauguration in the year 1967? Which of them are still household names, and which have since passed into obscurity? Which continuous developments can be discerned? What innovative changes have been made? Which topics and artistic positions unsettled audiences, which captured their imagination or irritated them?

Die Kunsthalle Nürnberg blickt zurück auf 50 Jahre Ausstellungsprogramm: Welche Künstlerinnen und Künstler wurden in der Kunsthalle Nürnberg seit ihrer Gründung im Jahr 1967 ausgestellt? Welche Namen kennen wir noch heute und welche sind in Vergessenheit geraten? Welche kontinuierlichen Entwicklungen und welche innovativen Veränderungen hat es gegeben? Welche Themen und Positionen haben verstört, begeistert oder auch aufgeregt?

The publication accompanying the 50th anniversary of Kunsthalle Nürnberg presents a diverse selection of works in different media from the exhibition activities spanning five decades: a subjective journey through 50 years of recent art history.

Die Publikation zum Jubiläum der Kunsthalle Nürnberg präsentiert eine vielfältige, multimediale Auswahl aus fünf Jahrzehnten Ausstellungstätigkeit und unternimmt damit zugleich eine subjektive Zeitreise durch 50 Jahre neueste Kunstgeschichte.

Artists: Dan Flavin, Beate Gütschow, Andreas Gursky, Haus-Rucker-Co, Charline von Heyl, David Hockney, Candida Höfer, Tadeusz Kantor, Lajos Kassák, Hubert Kiecol, Imi Knoebel, Jirˇí Kolárˇ, Richard Lindner, François Morellet, Albert Oehlen, Nam June Paik, Raffael Rheinsberg, Jason Rhoades, Bridget Riley, Pipilotti Rist, Susanne Roth, Thomas Ruff, Michael Sailstorfer, Jan J. Schoonhoven, David Smith, Juergen Teller, Rosemarie Trockel, Ina Weber, Beat Zoderer

KünstlerInnen: Dan Flavin, Beate Gütschow, Andreas Gursky, Haus-Rucker-Co, Charline von Heyl, David Hockney, Candida Höfer, Tadeusz Kantor, Lajos Kassák, Hubert Kiecol, Imi Knoebel, Jirˇí Kolárˇ, Richard Lindner, François Morellet, Albert Oehlen, Nam June Paik, Raffael Rheinsberg, Jason Rhoades, Bridget Riley, Pipilotti Rist, Susanne Roth, Thomas Ruff, Michael Sailstorfer, Jan J. Schoonhoven, David Smith, Juergen Teller, Rosemarie Trockel, Ina Weber, Beat Zoderer

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RENATA POLJAK

Don’t turn your back on me

TEXTS Alaina Claire Feldman, Željka Himbele, Elisabeth Lebovici, Mladen Lucˇic´, Renate Poljak, Leila Topic´ DESIGN Damir Gamulin DETAILS Croatian / English, Paperback, 25 × 18 cm, 172 pages, numerous ills. in color EURO 24,– ISBN 978-3-903153-24-0

The work of Renata Poljak combines photography, vi­deo, film and installation. The video installation “Partenza” expresses the global insecurity of contemporary society and the fragility of human existence. Metaphorically, it is a story about departure, waiting and separation, dictated by migrations. In the early 20th century, it was usual yet traumatic for men to leave Croatian islands due to poverty. By using strong imagery, the artist delves into political, economic and social phenomena, occurring in Croatia and Europe since the early 1990s. (Text: Alaina Claire Feldman)

Renata Poljak kombiniert Fotografie, Video, Film und Raum­installationen. Die Videoinstallation „Partenza“ spielt auf die globale Unsicherheit und die Zerbrechlichkeit der menschlichen Existenz an. Als Metapher wählt Poljak eine Erzählung über eine Abfahrt, das Warten und die Trennung, alles unter dem Zeichen der Migration. Im frühen 20. Jahrhundert mussten oftmals Männer die Inseln Kroatiens auf der Suche nach Arbeit verlassen, für sie eine traumatische Erfahrung. Mit diesen starken Bildern untersucht die Künstlerin politische, wirtschaftliche und soziale Phänomene in Kroatien und Europa seit den frühen 90er-Jahren. (Text: Alaina Claire Feldman)

IRWIN

EDITORS CentrePasquArt, Biel / BIenne, Julia Draganovic´, Claudia Löffelholz, LaRete Art Projects TEXTS Julia Draganovic´, Claudia Löffelholz DESIGN Carsten Wittig DETAILS German / French, Paperback, 23 × 16 cm, 60 pages, 5 ills. in color EURO 10,– ISBN 978-3-903228-00-9

How to Read a Map

Der Name IRWIN steht für ein fünfköpfiges slowenisches Künstlerkollektiv, das seit 1983 zahlreiche bahnbrechende Zusammenarbeiten inner- und außerhalb der eigenen Gruppe realisiert. „How to Read a Map“ gibt einen Überblick über IRWINs Untersuchungen darüber, wie sich geopolitische Entwicklungen in der Kunstgeschichtsschreibung spiegeln und zeigt den beißenden Humor des Kollektivs im Umgang mit den Machtstrukturen der Kunstwelt.

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IRWIN is the name of a five-person Slovenian artists’ collective that has been collaborating on numerous groundbreaking projects both within and outside the group since 1983. “How to Read a Map” gives an overview of IRWIN’s investigations of the ways in which geopolitical developments are reflected in the writing of art history and demonstrates the collective’s biting humour in their approach to the power structures of the art world.

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EDITORS !Mediengruppe Bitnik, Felicity Lunn TEXTS Aude Launay, Felicity Lunn, Boris Magrini DESIGN Christoph Knoth and Konrad Renner DETAILS English / French, Paperback, 30 × 22 cm, 144 pages, numerous ills. in color EURO 30,– ISBN 978-3-903153-50-9

!MEDIENGRUPPE BITNIK <script> alert („!Mediengruppe Bitnik“); </script> !Mediengruppe Bitnik have made a name for themselves in recent years with spectacular works. They bugged the Zurich Opera and programmed a shopping bot to randomly shop for goods on the darknet. !Mediengruppe Bitnik’s first monography “<script>alert(“!Mediengruppe Bitnik”);</script>” is a documentation of their works since 2007. It is published on the occasion of the Geneva Arts Society Prize, which !Mediengruppe Bitnik were awarded in 2017. The monography accompanies !Mediengruppe Bitnik’s solo show at the Société des Arts’ Crosnier Room in Geneva.

!Mediengruppe Bitnik hat sich in den letzten Jahren mit spektakulären Arbeiten einen Namen gemacht. Sie hat die Zürcher Oper verwanzt und einen Shopping-Bot programmiert, der im Darknet nach einem Zufallsprinzip eingekauft hat. Die erste Monografie über !Medien­ gruppe Bitnik „<script>alert(„!Mediengruppe Bitnik“);</ script>“ ist eine Dokumentation ihrer Arbeiten seit 2007. Die Monografie wird anlässlich des Prix de la Société des Arts in Genf herausgegeben, mit dem die !Mediengruppe Bitnik 2017 ausgezeichnet wurde, und erscheint begleitend zur Einzelausstellung von !Mediengruppe Bitnik im Crosnier Room der Société des Arts in Genf.

EDITORS Stefanie Hoch, Markus Landert, Kunstmuseum Thurgau PREFACE Stefanie Hoch, Markus Landert TEXTS Christoph Doswald, Markus Landert, Michele Robecchi INTERVIEW Stefanie Hoch with Magdalena Kunz and Daniel Glaser DESIGN Urs Stuber, Susanna Entress, Frauenfeld DETAILS German / English, Paperback, 26,8 × 20,8 cm, 136 pages, 70 ills. in color

GLASER/KUNZ

I is another

EURO 30,– ISBN 978-3-903131-96-5

With their human figures seemingly brought to life by means of projection, Daniel Glaser and Magdalena Kunz have developed their own form of artistic expression – the cinematographic sculpture. These bizarre situations, something between reality and appearance, cast their spell over us because they question our mechanisms of perception. Out now the first comprehensive monograph.

Daniel Glaser und Magdalena Kunz haben mit ihren durch Projektionen scheinbar zum Leben animierten menschlichen Figuren eine eigenständige künstlerische Ausdrucksform entwickelt: die kinematografische Skulptur. Die bizarren Situationen zwischen Sein und Schein ziehen in Bann, weil sie unsere Wahrnehmungsmechanismen infrage stellen. Erschienen ist nun die erste umfassende Monografie.

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»SEHT, da ist DER MENSCH«

»BEHOLD the MAN« DETAILS German / English, Paperback, 28 × 21,8 cm, 224 pages, 195 ills. in color, 12 ills. in b/w

EDITOR Annegret Laabs TEXTS Constantin Becker, Uwe Gellner, Annegret Laabs, Marjoleine Leoniek Leever, Judith Mader, Eva Storms DESIGN falkowalter, Leipzig

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-85-1

Die Publikation zeigt den Menschen, seine Be- und Empfindlichkeiten, das Unsagbare, das Unaussprechliche seiner Existenz und seines Handelns. Es sind Bilder, gleich ob Fotografie, Malerei, Skulptur, Video oder Installation, die emotional und anrührend, anklagend und versöhnend sind, die immer wieder der Frage nachgehen: Was macht den Mensch zum Menschen? Die Publikation erschien anlässlich der Ausstellung „SEHT, da ist DER MENSCH“ im Kunstmuseum Kloster Unser Lieben Frauen Magdeburg zum 100. Deutschen Katholikentag 2016 und zum Reformationsjubiläum 2017. Mit Werken von: Francis Alÿs, Kader Attia, Jean-Charles Blais, Matthias Böhler & Christian Orendt, Nathan Coley, Lucas Foglia, Douglas Gordon, Tim Eitel, Binelde Hyrcan, Gülsün Karamustafa, Hans-Wulf Kunze, Jitka Hanzlová, Robert Metzkes, Santu Mofokeng, Roman Opalka, Elizabeth Peyton, Julian Röder, Phillip Toledano, Ginan Seidl, Alexander Tinei, Sandra Vásquez de la Horra, Bill Viola, Gillian Wearing, Veronika Witte, Miriam Yammad

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The publication looks at contemporary artists’ views of human beings in our time. In the course of several chapters, dedicated to different aspects of being, people’s sensitivities, the unspeakable, the unutterable of their existence and their actions will be shown by means of photography, painting, sculpture, videos and installations. These are images that are emotional and moving, that accuse and reconcile, that keep asking the same question: what makes us human? This catalog has been published on the occasion of the exhibition “BEHOLD the MAN” at Kunstmuseum Magde­ burg on the occasion of the 100th German Katholikentag 2016 and the Reformation jubilee in 2017. With works by: Francis Alÿs, Kader Attia, Jean-Charles Blais, Matthias Böhler & Christian Orendt, Nathan Coley, Lucas Foglia, Douglas Gordon, Tim Eitel, Binelde Hyrcan, Gülsün Karamustafa, Hans-Wulf Kunze, Jitka Hanzlová, Robert Metzkes, Santu Mofokeng, Roman Opalka, Elizabeth Peyton, Julian Röder, Phillip Toledano, Ginan Seidl, Alexander Tinei, Sandra Vásquez de la Horra, Bill Viola, Gillian Wearing, Veronika Witte, Miriam Yammad

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VON DER KUNST, EIN TEEHAUS ZU BAUEN On the Art of Building a Teahouse EDITOR Neues Museum Nürnberg – Staatliches Museum für Kunst und Design TEXTS Murielle Hladik, Eva Kraus, Izumi Kuroishi, Tomokuni Nishimura, Kei Osawa, Axel Sowa DESIGN Studio Adriaan Mellegers

DETAILS German / English, Paperback, 23,9 × 17,6 cm, 216 pages, 97 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903228-27-6

Die im Buch gezeigten Werke aus Kunst, Architektur, Design und Fotografie sind Teil einer kulturgeschichtlichen Entwicklung. Im Dialog mit handwerklichen und gestalterischen Traditionen transformieren die KünstlerInnen die zentralen Motive und Themen der Teekultur unter Verwendung aktueller Werkstoffe und innovativer Formen.

Exhibition: Neues Museum Nürnberg – Staatliches Museum für Kunst und Design 27.10.2017–18.02.2018

Das Buch lädt ein zu Streifzügen durch die Welt der japanischen Ästhetik. Ausgangspunkt ist das traditionelle japanische Teehaus, ein Ort spiritueller Erfahrung. Begründet wurde die Praxis durch den berühmten Tee– (1522–1591), der die Teezeremomeister Sen no Rikyu nie als synästhetisches Ereignis verstand. Aus der japanischen Teekultur und ihrer Verbindung zum Zen-Buddhismus geht eine Ästhetik der Leichtigkeit, der Fragilität und des Ephemeren hervor, der wir Objekte von überwältigender Schönheit verdanken.

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The featured works of art, architecture, design and photography are part of an art-historical continuum. The creators of the works on show perform skilled translations: in dialogue with craft and design traditions, they update the central motifs and themes of tea culture using modern materials and innovative forms. This book has been published on the occasion of the exhibition at Neues Museum Nürnberg.

Die Publikation erschien begleitend zur Ausstellung im Neuen Museum Nürnberg.

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The publication invites to explore the world of Japanese aesthetics. The point of departure for the exhibition’s voyage is the traditional Japanese teahouse, a place of – recommended that spiritual experience. Sen no Rikyu teahouses should be markedly simple and made by the use of materials that are vulnerable both to wear and weathering. Japan’s tea culture and its link to Zen Buddhism have brought forth an aesthetic of lightness, fragility and the ephemeral to which we owe objects of overwhelming beauty.

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DUET WITH ARTIST

Participation as Artistic Principle EDITORS Markus Heinzelmann, Stefanie Kreuzer, Museum Morsbroich; Stella Rollig, Axel Köhne, 21er Haus, Vienna TEXTS Fritz Emslander, Markus Heinzelmann, Feodora Heupel, Stefanie Kreuzer, Stella Rollig, Raimar Stange, Friederike Wappler DESIGN Petra Hollenbach

DETAILS German / English, Paperback, 31,5 × 25,5 cm, 156 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 24,– ISBN 978-3-903153-34-9

Kunst als wesentlichen Teil des Lebens zu denken, an dem „alle“ teilhaben können, ist nicht nur grundlegend für das Kunstverständnis des 20. und 21. Jahrhunderts, sondern gehört zu den fundamental demokratischen Werten unserer Gesellschaft. „Duett mit Künstler/in“ etabliert das Museum als zentralen Ort der Partizipation und zeigt über 20 internationale künstlerische Positionen, die Interaktion, Kooperation und bisweilen auch Kollaboration einfordern. Die Publikation erschien in Kooperation mit dem Museum Morsbroich anlässlich der Ausstellung im 21er Haus, Wien. Mit Werken von: Vito Acconci, Davide Balula, Robert Barry, Joseph Beuys, Angela Bulloch, John Cage, Christian Falsnaes, Claus Föttinger, //////////fur//// art entertainment interfaces, Florian Graf, Rodney Graham, Hans Haacke, Jeppe Hein, Christine Hill, David Horvitz, Pierre Huyghe, Christian Jankowski, Yves Klein, Tomas Kleiner

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Construing art as a key element of life in which “everyone” can participate is not only a fundamental part of how art is grasped in the 20th and 21st centuries, but also one of the fundamental democratic values of society today. “Duet with Artist” sites the museum firmly as the central participation space and presents over 20 international positions in art that insist on interaction, cooperation and at times collaboration, too. The publication accompanied the exhibition in cooperation with Museum Morsbroich at 21er Haus, Vienna. With works from: Vito Acconci, Davide Balula, Robert Barry, Joseph Beuys, Angela Bulloch, John Cage, Christian Falsnaes, Claus Föttinger, //////////fur//// art entertainment interfaces, Florian Graf, Rodney Graham, Hans Haacke, Jeppe Hein, Christine Hill, David Horvitz, Pierre Huyghe, Christian Jankowski, Yves Klein, Tomas Kleiner

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A Living Museum Space The Vienna State Opera Safety Curtain

CURTAIN – VORHANG EDITORS museum in progress, Kaspar Mühlemann Hartl; Wiener Staatsoper GmbH, Dominique Meyer TEXTS Daniel Birnbaum, Ina Blom, Ecke Bonk, Claudia Büttner, Meg Cranston, Bice Curiger, Chris Dercon, Brigid Doherty, Robert Fleck, Achim Hochdörfer, Brigitte Huck, Chrissie Iles, Élisabeth Lebovici, Marco Livingstone, Michael Mautner, Dominique Meyer, Kaspar Mühlemann Hartl, Hans-Ulrich Obrist, Christine Oertel, Martin Prinzhorn, Stella Rollig, Nancy Spector, Vitus Weh DESIGN Alois Herrmann, museum in progress

DETAILS German / English, Hardcover, 24,7 × 29,8 cm, 206 pages, 64 ills. in color EURO 35,– ISBN 978-3-903228-11-5

Since 1998, the exhibition series “Safety Curtain,” conceived by “museum in progress” and realized in cooperation with the Vienna State Opera, has been turning the curtain into an exhibition space for contemporary art. Large-scale images are presented on the curtain for the duration of one opera season and constitute a symbolic interface between performative and visual art. The project provides a special perspective onto the art history of the last twenty years and is unique in its exceptional quality, the long duration of each presentation and its extraordinary dimension.

„Eiserner Vorhang“ ist eine von museum in progress konzipierte und in Kooperation mit der Wiener Staatsoper realisierte Ausstellungsreihe, die seit 1998 den Vorhang in einen Ausstellungsraum zeitgenössischer Kunst verwandelt. Die Vorhang-Großbilder sind jeweils für eine Spielzeit in der Wiener Staatsoper präsent und stellen eine symbolhafte Schnittstelle zwischen performativer und bildender Kunst dar. Das Projekt ermöglicht eine besondere Perspektive auf die Kunstgeschichte der letzten zwanzig Jahre und ist aufgrund seiner herausragenden Qualität, der langen Präsentationsdauer und seiner außergewöhnlichen Dimensionen einzigartig.

Beyond the actual curtain images that have originated over the years the book offers further related works of the participating artists in several different media forms.

In Ergänzung zu den Abbildungen der Vorhang-Werke entfaltet die Publikation einen assoziativ-sinnlichen Bogen zu weiteren medienübergreifenden Werkbezügen der beteiligten Kunstschaffenden.

Artists: Tauba Auerbach, John Baldessari, Matthew Barney, Thomas Bayrle, Tacita Dean, Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Cerith Wyn Evans, Dominique GonzalezFoerster, Richard Hamilton, David Hockney, Christine & Irene Hohenbüchler, Joan Jonas, Jeff Koons, Maria Lassnig, Oswald Oberhuber, Giulio Paolini, Rirkrit Tiravanija, Rosemarie Trockel, Cy Twombly, Kara Walker, Franz West

KünstlerInnen: Tauba Auerbach, John Baldessari, Matthew Barney, Thomas Bayrle, Tacita Dean, Michael Elmgreen & Ingar Dragset, Cerith Wyn Evans, Dominique Gonzalez-Foerster, Richard Hamilton, David Hockney, Christine & Irene Hohenbüchler, Joan Jonas, Jeff Koons, Maria Lassnig, Oswald Oberhuber, Giulio Paolini, Rirkrit Tiravanija, Rosemarie Trockel, Cy Twombly, Kara Walker, Franz West

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NANCY WÄLTI

EDITOR Kunstmuseum Solothurn TEXTS Simon Baur, Anna Bürkli, Christoph Vögele DESIGN Elisabeth Schwarzenbeck DETAILS German, Paperback, 31 × 21,7 cm, 96 pages, 53 ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903153-38-7

verquer

Die Schweizer Steinbildhauerin Nancy Wälti wendet sich in ihren Skulpturen vom vertrauten Material ab, um den Begriff der Bildhauerei geistreich zu hinterfragen. Ihre zumeist sehr einfachen, mit Gebrauchsgegenständen gefertigten Werke sind dem Alltag zwar verbunden, verwandeln diesen aber in surrealer Weise. Dabei rückt oft der grundsätzliche Charakter und Nutzen der Gegenstände ins Zentrum und öffnet ein weites Feld von existenziellen und gesellschaftlichen Fragen. Der Katalog begleitet ihre erste große Einzelausstellung im Kunstmuseum Solothurn.

WOLFGANG BECKSTEINER

WerkBuch 2003–2017

„Wolfgang Becksteiner zerstört die Fassade der Dinge, er raubt den Gegenständen die aufgeklebte Seele. Er stellt den Charakter des menschlichen Auges in Frage und betoniert uns Stolpersteine in den Weg.“ (Auszug aus dem Text „Hand- und Verstandwerk“ von Günter Brus) Das Buch gibt einen Überblick über Wolfgang Becksteiners Informationstransformation, Skulpturen und Rauminstallationen aus den Jahren 2003 bis 2017.

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In her sculptures, Nancy Wälti rejects familiar materials and wittily questions the term “sculpture”. Usually very simple produced using basic commodities such as sponges, ashtrays, tea towels, garbage bins and outdoor lights, her works do have a connection with everyday life but they transform it in a surreal way. The catalog accompanies her first major solo show at Kunstmuseum Solothurn.

EDITOR Wolfgang Becksteiner PREFACE Günter Brus TEXTS Astrid Becksteiner-Rasche, Katrin Bucher Trantow, Werner Fenz, Roman Grabner, Günther HollerSchuster, Ludger Hünnekens, Angela Stief DESIGN Pia GrumethZechner, feberdesign DETAILS German / English / Italian, Hardcover, 18,7 × 25 cm, 144 pages, 66 ills. in color, 4 ills. in b/w EURO 25,– ISBN 978-3-903153-43-1

“Wolfgang Becksteiner destroys the facades of things, robs objects of the soul glued onto them. He questions the nature of the human eye and inserts stumbling stones in our path using concrete.” (excerpt from the essay “Work of the Hand and Mind” by Günter Brus) The book offers an overview of Becksteiner’s information transformation, sculptures and installations from 2003 to 2017.

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EDITOR Hannes Schüpbach CONVERSATION Cesare Ferronato with Hannes Schüpbach DESIGN Raphael Drechsel, GREAT DETAILS German and English edition, Hardcover, 25,6 × 20,9 cm, 224 pages, 98 ills. in color, 130 ills. in b/w

CESARE FERRONATO The Anatomy of Stone Conversations with Hannes Schüpbach

EURO 45,– English Edition: ISBN 978-3-903228-24-5 German Edition: ISBN 978-3-903153-46-2

Over the last sixty years and more Swiss sculptor Cesare Ferronato has developed a unique vocabulary of stone, ranging from playfully articulated body forms to spatially complex, abstract figures and double-sided “Ambilvaneces”. Hannes Schüpbach in conversation with Ferronato – two artists conducting field research – explores the core of the sculptor’s œuvre and his work process, his lifelong realization of three-dimensional ideas in stone, which always comes with its own extensive, very physical history.

Der Schweizer Bildhauer Cesare Ferronato hat über mehr als sechzig Jahre ein Vokabular eigener Prägung in Stein entwickelt: von spielerisch deklinierten Körperformen über räumlich komplexe, abstrakte Gebilde bis zu seinen zweiseitigen „Ambivalenzen“. Hannes Schüpbach nähert sich im Gespräch, das als Feldforschung unter Künstlern angelegt ist, dem Kern von Ferronatos Œuvre, einem Werkprozess, über den der Bildhauer seine körperhafte Vorstellung mit einem konkreten Stein, Träger einer eigenen langen Geschichte, verbindet.

EDITOR Dolores Denaro TEXTS Marcel Baumgartner, Dolores Denaro, Anita Haldemann, Françoise Jaunin, Susanna Lerch, Virginia Richter, Konrad Tobler, Annelise Zwez CONVERSATIONS Dolores Denaro with Peter Bichsel, Regula Bigler, Gunter Frentzel, Alice Henkes, André Kamber, Friederike Kretzen, Nicolas Raboud, René Steiner DESIGN Noëmi Sandmeier, GFF Integrative Kommunikation, Biel / Bienne DETAILS German / English, Hardcover, 29 × 23 cm, 256 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 45,– ISBN 978-3-903153-66-0

ERICA PEDRETTI

Flügelschlag / The Beat of Wings Erica Pedretti belongs to the artists, who work both as writers and visual artists. Her literary opus was published consecutively by renowned houses. Until today, her visual work was not published in any book comprehensively. The publication documents her visual work from the 1970s to the present and communicates it to a large public. With a catalogue raisonné 1952–2014.

Erica Pedretti gehört zu jenen Künstlerinnen, die sowohl schriftstellerisch als auch künstlerisch tätig sind. Ihre literarischen Werke wurden von renommierten Verlagen herausgegeben. Längst war es an der Zeit ihr bildnerisches Schaffen, beginnend in den 1970er-Jahren, in seiner Gesamtheit aufzuarbeiten und zu publizieren. Mit einem Werkverzeichnis der Jahre 1952–2014.

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ANDREAS MÜLLER

EDITOR Andreas Müller TEXTS David Komary, Andreas Müller DESIGN Andreas Müller DETAILS German / English, Paperback, 23 × 15 cm, 78 pages, 56 ills. in b/w EURO 25,– ISBN 978-3-903153-10-3

Similes – Nebulae

Dem Künstlerbuch liegt die Fotoserie mit dem Titel „Similes“ zugrunde, die aus 28 im Atelier inszenierten Bildern von kosmischen Nebeln besteht. Im zweiten Teil des Buches werden diesen inszenierten Bildern 28 reale Aufnahmen von Himmelsobjekten – „Nebulae“ – gegenübergestellt. Die Ausgangsbilder – allesamt Messier-Objekte (astronomische Objekte, katalogisiert vom französischen Astronomen Messier) – werden sukzessive dekonstruiert.

ROBERT ZAHORNICKY

EDITOR Hartwig Knack PREFACE Hartwig Knack TEXTS Carl Aigner, Manfred Chobot, Elfriede Gerstl, Ulrich Horstmann, Leopold Kogler, Alfred J. Römer, Franz Xaver Schmid, Timm Starl, Peter Zawrel DESIGN Robert Svoboda DETAILS German / English, Hardcover, 29 × 23 cm, 328 pages, 700 ills. in color and b/w

Art this way

EURO 40,– ISBN 978-3-903228-22-1

Als Erkunder der Welt und Archäologe des Alltags und mit einem hintersinnigen Humor ausgestattet findet Robert Zahornicky seine Themen und Motive, anhand derer er sich mit der Frage nach Wahrheit und Realität in der Kunst im Allgemeinen und in der Fotografie im Speziellen auseinandersetzt. Differenziert und mit kritischem Blick hinterfragt er das, was ihn betrifft und betroffen macht und analysiert gesellschaftsrelevante Fragen der Zeit. Fantasie ist gefragt, wenn wir uns auf die Kunst Zahornickys einlassen.

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This artist’s book is based on a series of photographs entitled “Similes” consisting of 28 images of nebulae staged in the artist’s studio. In the second section of the book these staged images are contrasted with 28 real photos of this kind of celestial phenomenon. The images used as the starting point – all of them Messier objects (astronomical objects cataloged by the French astronomer Messier) – are gradually deconstructed.

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As an explorer of the world and the archaeology of the everyday, with his mercurial and cryptic wit Robert Zahornicky tends to find the themes for his work simply in passing. He employs them to handle the question of truth and reality in art in general and in photography in particular. He challenges things that concern him or appear to him to be cause for concern, and analyses socially relevant questions of our times. Zahornicky’s art engages us and prompts us to exercise our faculties of fantasy, imagination and originality.

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PETER ZIMMERMANN

EDITOR Ulrike Schick TEXTS Ulrike Schick, Oliver Tepel DESIGN akaMALO DETAILS German / English, Hardcover, 28 × 21 cm, 80 pages, 35 ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903153-30-1

Pool

“It really was a ‘pool’ of colors that you felt you were falling into,” as Ulrike Schick puts it. An expansive floor painting created especially for Museum gegenstandsfreier Kunst and filling the entire exhibition space there, as well as sculptures shown in the museum grounds and in public space in Otterndorf. This site-specific work is documented in the catalog of the same name alongside the new work series and invites readers to immerse themselves in Peter Zimmermann’s work.

„Es war wirklich ein ‚Pool‘ von Farben, in den man zu fallen glaubte.“ (Ulrike Schick). Eigens für das Museum gegenstandsfreier Kunst entstanden ein raumfüllendes Bodengemälde sowie Skulpturen im Außenraum bzw. in Otterndorf selbst. Neben weiteren neuen Werkgruppen ist dieses In-situ-Werk im gleichnamigen Katalog dokumentiert und lädt zum Eintauchen in Peter Zimmermanns Werk ein.

EDITOR Christine Janicek PREFACE Christine Janicek TEXTS Andreas J. Obrecht, Alexandra Schantl DESIGN Maria Anna Friedl DETAILS German, Paperback, 29 × 24 cm, 160 pages, numerous ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903228-03-0

GERLINDE THUMA

zeitgleiche räume

The visualization of time and creating a relation between time and space on the canvas is an integral part of Gerlinde Thuma’s work – not lastly with her exploration of “moving images,” which are in reality a succession of still, individual frames. Thuma’s paintings are abstract, they often reference the landscapes in which they were made as the artist has travelled far and worked in many different places.

Nicht zuletzt durch die Beschäftigung mit „bewegten Bildern“, bei denen es sich eigentlich um eine Abfolge von stehenden Einzelbildern handelt, ist das visuelle Darstellen von Zeit und das Miteinander-in-Beziehung-Bringen von Raum und Zeit auf der Malerleinwand ein wesentlicher Bestandteil Gerlinde Thumas Arbeiten. Thumas Bilder sind der gegenstandslosen Malerei zuzurechnen, verweisen aber meist auf die Landschaften, in denen die Bilder der weitgereisten Künstlerin entstanden sind.

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TOBIAS HANTMANN Tradition des Zeigens: Der Marktplatz von Freudenstadt Ein Roadtrip als Buch: über die Fahrt mit einem Auto, ein Bild im Anhänger, 12 Ausstellungen auf dem Weg und alles andere, was auch zur Reise dieses Bildes gehört. Mit „Tradition des Zeigens“ hat Tobias Hantmann sprachlich ein Feld oder ein Phänomen markiert und seine Beschäftigung mit Bildern neu ausgerichtet. Die vielen Situationen und provozierten wie auch zufälligen Begegnungen auf dieser Reise fügen sich wie Stills zu einem filmischen Dokument zusammen und spekulieren dabei über ihr Potenzial als statische Fragmente.

EURO 18,– ISBN 978-3-903153-95-0

A road trip documented in a book: the car journey with a painting in the trailer, 12 exhibitions along the way, and everything else that made up the voyage with this piece of art. Tobias Hantmann linguistically demarcated a field or phenomenon with “Tradition des Zeigens” and reoriented his engagement with images. The many stations and the encounters – both provoked and incidental – on this journey merge like stills to form a filmic document; they speculate about their potential as statistic fragments.

STEFAN WISSEL

TEXTS Barbara Buchmaier, HansJürgen Hafner CONVERSATION Alex Wissel and Stefan Wissel DESIGN cmk.xyz, Berlin DETAILS German / English, Paperback, 34 × 25 cm, 72 pages, 22 ills. in color EURO 25,– ISBN 978-3-903131-95-8

Bewegung 15. Juli

In seinen komplexen Arbeiten setzt Stefan Wissel auf größtenteils objekt- und bildbasierte Arbeiten. Funktions- und Designgegenstände werden ebenso eingesetzt wie rohe Dachlatten und eloxierte Metallprofile, Benutztes und Neues, zielgerichtetes Gekauftes oder irgendwann einmal Ausgeliehenes, ausgesprochen Materielles und sozusagen Entmaterialisiertes. Die Publikation katalogisiert großformatig die im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen in Düsseldorf ausgestellten Werke und reflektiert die Ausstellung.

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EDITOR Tobias Hantmann TEXT Tobias Hantmann PHOTOGRAPHY Tobias Hantmann DESIGN Yanik Hauschild DETAILS German / English / Croatian / Slovenian, Paperback, 17,3 × 10,6 cm, 184 pages, 111 ills. in color

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In his complex œuvre Wissel’s explicit interest is in objects and images, his work integrates everyday items, as well as out-of-the-ordinary materials. He relies not only on functional and designer elements, but also on rough roofing battens and anodized metal profiles, on new and used products. The range also includes things bought for a specific purpose or borrowed at some point, the decidedly material and the dematerialized. The publication references the exhibition at Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen in Düsseldorf.

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EDITOR Markus Redl TEXTS Lucas Gehrmann, Günther HollerSchuster, Sabrina Steinek, Angela Stief DESIGN Medienfabrik Graz, Markus Redl and Gerhard Gauster DETAILS German / English, Paperback, 28 × 21,5 cm, 228 pages, 157 ills. in color, 12 ills. in b/w

MARKUS REDL

Aporie – Olympia

EURO 35,– ISBN 978-3-903228-21-4

Exhibition: Galerie Lisa Kandlhofer 30.11.2017–10.02.2018

„[…] für Sokrates war eine Aporie eine unauflösbare bzw. paradoxe Problemstellung, deren Erörterung immerhin zur – wiederum paradoxen – Erkenntnis des eigenen Nichtwissens führen konnte. […] Wenn Markus Redl sein Buch mit ,Aporie‘ betitelt, dürfen wir davon ausgehen, dass sich hinter bzw. zwischen dessen Buchdeckeln kniffelige Fragestellungen auftun, auf deren Beantwortbarkeit wir zwar nicht hoffen dürfen, deren eingehende Betrachtung aber Umwegrentabilität im Sektor Erkenntnisoptimierung verheißt.“ (Lucas Gehrmann)

“Socrates defined an aporia as an inextricable or paradox problem, the consideration of which may yet lead to the – in turn paradoxical – recognition of one’s own lack of knowledge. [...] As Markus Redl has chosen the title ‘Aporie’ for his current book we can assume that there may be many a tricky question to be found between its covers. And while we cannot hope for these to be ones to which answers can be found, their detailed inspection promises indirect benefits in the realm of knowledge optimization.” (Lucas Gehrmann)

EDITOR Karl Karner DESIGN Martin Faiss DETAILS English, Paperback, 32,5 × 24,5 cm, 144 pages, numerous ills. in color

KARL KARNER

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-91-2

Karl Karner creates bronze and aluminum sculptures of a mystic and dreary beauty. The Austrian artist places great importance not only on sculptures, but also on extensively installed pieces of work and performances. In his work he discusses the concepts of bodily perception and of corporeality itself. These are not only related to the human body, but can be understood as a wide examination of object, materiality and space.

Karl Karner erschafft Bronze- und Aluminiumskulpturen von rätselhafter wie düsterer Schönheit. Der österreichische Künstler setzt sich in seiner künstlerischen Arbeit – die neben Skulpturen auch aufwendige installative Arbeiten und Performances umfasst – immer wieder intensiv mit Körperwahrnehmung und Körperlichkeit auseinander. Diese sind nicht nur auf den menschlichen Körper bezogen, sondern können vielmehr als umfassende Auseinandersetzung mit Objekt, Materialität und Raum verstanden werden.

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KIRSTEN BECKEN

DETAILS German / English, Hardcover, 30,5 × 28 cm, 84 pages, 46 ills. in color, 4 ills. in b/w

Seeing Her Ghosts

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-31-8

„Seeing Her Ghosts / Ihre Geister sehen“ ist ein Kompendium von Fotografien, bildnerischen Arbeiten und Texten initiiert von der Fotografin Kirsten Becken. Mit Arbeiten renommierter Beitragender wie Siri Hustvedt, Andrew Solomon oder Bessel van der Kolk bietet das Buch einen spannenden Dialog über den Umgang mit Psychose in der Familie. „Seeing Her Ghosts“ eröffnet eine künstlerische Perspektive und verdeutlicht die Komplexität von seelischen Krisen, indem es die mannigfaltigen Facetten dieser Krankheit aufzeigt.

EDITORS CentrePasquArt, Biel / BIenne; CRP/Centre régional de la photographie Hauts-de-France TEXTS Alain Cueff, Muriel Enjalran, Felicity Lunn DESIGN Thomas Desmet DETAILS German / English / French, Paperback, 29 × 21 cm, 224 pages, numerous ills. in color

EDITOR Kirsten Becken PREFACE Paul Hammersley TEXTS Bettina Alberti, Kirsten Becken, Nadire Biskin, Dorothea Buck, Allie Burke, Jana Burmeister, Anne Cooke, Sarah Fader, Jane Ina Fforde, Paul Fletcher, Mirna Funk, Sophie Gleizes, Dayna Gross, Christian Gruber, Benjamin Klunker, Danielle Knafo, Vera Kochubey, Peter Lehmann, Katharina Lessing, Stefanie Lohaus, Karin Sawla, Timo Schuster, Andrew Solomon, Angela Weber, Bessel Van Der Kolk, Saralisa Volm, Robert Whitaker, Joachim Witt DESIGN Kirsten Becken

“Seeing Her Ghosts” is a compilation of photographs, artistic works and texts initiated by photographer Kirsten Becken. With pieces from renowned contributors such as Siri Hustvedt, Andrew Solomon or Bessel van der Kolk the book creates an exciting dialog on how psychoses get addressed within families. “Seeing Her Ghosts” offers an artistic perspective on the issue and highlights the complexity of emotional crises by putting its finger on the numerous different facets of such illnesses.

MARIE JOSÉ BURKI

EURO 30,– ISBN 978-3-903153-74-5

Marie José Burki beleuchtet in ihrer ersten umfangreichen Retrospektive die Beziehungen zwischen Bild, Sprache, Narration, Identität und Zeit. Ihre Videos zeigen das scheinbar Unspektakuläre. Zweifel an der dargestellten Wirklichkeit nährt sie geschickt durch die unterlegten Tonspuren und dramaturgischen Strukturen. In der Künstlichkeit der Bilder gefangen, ermöglichen uns die Protagonisten, unsere Rolle irgendwo zwischen Komplize und Voyeur zu erfahren.

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In her first extensive retrospective, Marie José Burki sheds light on the relationships between image, language, narration, identity and time. Her videos show seemingly unspectacular events. Through the accompanying soundtracks and theatrical structure, the artist skilfully manages to foster doubts regarding the reality depicted. Caught in the artificiality of the images, the protagonists finally allow us to experience our role somewhere in between accomplice and voyeur.

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WRITTEN AND PRODUCED Christian Kosmas Mayer and Alexander Wolff POSTPRODUCTION AND MIXING Alexander Paulik-Thiel, Berlin FINAL MIXING AND MASTERING Chris Janka at Janka Industries COVER “The Guitar Players”, by Clegg & Guttmann, 2013 DESIGN Dain Blodorn Kim DETAILS 31,3 × 31,3 cm

ESSACHAI VOW

Substance Of We Feeling

EURO 20,– ISBN 978-3-903153-23-3

“Essachai Vow” takes its name from the fictitious stoneage language that Anthony Burgess created for the movie “Quest for Fire” (Jean-Jacques Annaud, 1981) and translates to “hunger”. “Substance Of We Feeling” combines 10 songs that unfold an instrumental sound that might best be described as cinematic and has a timeless feel with influences by Jazz, Krautrock, Low-Fi and Dream-Pop.

Der Name „Essachai Vow“ ist der fiktiven Steinzeit-Sprache entnommen, die von Anthony Burgess für den Film „Am Anfang war das Feuer“ (Jean-Jacques Annaud, 1981) entwickelt wurde und „Hunger“ bedeutet. „Substance Of We Feeling“ kombiniert zehn Songs, die einen filmischen Instrumentalklang mit einem Gefühl der Zeitlosigkeit entfalten und Einflüsse aus dem Jazz, Krautrock, Low-Fi und Dream-Pop teilen.

VERONIKA EBERHART

EDITOR Veronika Eberhart TEXTS Christian Egger, Silvia Federici CONVERSATION Kristina Pia Hofer and Veronika Eberhart DESIGN Kathi Reidelshöfer DETAILS German / English, Paperback, 22 × 17 cm, 118 pages, 48 ills. in color EURO 20,– ISBN 978-3-903228-15-3

9 is 1 and 10 is none

Again in her latest work, the artist Veronika Eberhart translates theoretical reflections on socio-political changes, feminist issues and economic constraints into a complex arrangement composed of performance, video, sound and installation. At the heart of her presentation is a 22-minute film entitled “9 is 1 and 10 is none”, in which she picks up on ideas from the Italian-American philosopher Silvia Federici’s pioneering book “Caliban and the Witch”.

Die Künstlerin Veronika Eberhart übersetzt in ihrer neuesten Arbeit theoretische Reflexionen über soziopolitische Veränderungen, feministische Fragestellungen und ökonomische Zwänge in ein komplexes Arrangement aus Performance, Video, Sound und Installation. Im Zentrum ihrer Präsentation steht die 22-minütige Filmarbeit „9 is 1 and 10 is none“, in der sie Überlegungen der italienisch-amerikanischen Philosophin Silvia Federici aus ihrem bahnbrechenden Buch „Caliban und die Hexe“ aufgreift.

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EDITOR Christine Janicek PREFACE Christine Janicek TEXTS Christine Janicek, Rainer Krispel, Wilfried Öller, Arne Reimer, Klaus Totzler DESIGN Maria Anna Friedl DETAILS German, Paperback, 29 × 24 cm, 169 pages, numerous ills. in color EURO 33,– ISBN 978-3-903228-02-3

COVER ART

Das Schallplattencover hatte einen entscheidenden Anteil daran, dass die LP geradezu der Inbegriff des populären Musikmediums im 20. Jahrhundert wurde. Denn hier traf die Musik auf Fotografie, Grafik-Design und bildende Kunst – wodurch viele fruchtbare spartenübergreifende Verbindungen zwischen KünstlerInnen entstanden. Der Katalog „33 1/3 – Cover Art“ erschien begleitend zur Ausstellung im Kunstraum Nestroyhof, Wien und blickt mit Begleittexten und Abbildungen aller gezeigten Plattencover auf die Geschichte der Plattenhülle zurück.

SAMSON YOUNG

EDITORS Anna Brohm, Gregor Jansen, Jasmina Merz, Kunsthalle Düsseldorf TEXTS Christoph Cox, Jasmina Merz, Holger Schulze CONVERSATIONS Jasmina Merz and Holger Schulze with Samson Young DESIGN Hugo Hoppmann DETAILS German / English, Paperback, 24,5 × 18 cm, 154 pages, 152 ills. in color

A dark theme keeps me here, I’ll make a broken music

EURO 24,– ISBN 978-3-903153-12-7

Samson Young komponiert Musik und macht Installationen, Performances, Zeichnungen und Filme. Seine musikalisch-skulpturalen Arbeiten haben oft einen konkreten historischen Bezug und setzen sich mit Orten des Konflikts auseinander. Hinter seinen Projekten steht ein hoher Aufwand an Recherche und Feldforschung. Sound und Musik werden dabei als Vehikel für die Aufarbeitung historischer Ereignisse genutzt, sind aber zugleich der Kern einer ästhetischen Erfahrung, die für sich allein steht und keine weiteren Erklärungen benötigt.

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The sleeves for vinyl records, the essential popular music medium, have always been more than just a dust protector and bearer of information. The designs for many album liners have come from significant photographers, artists and designers; they have spawned fruitful connections between music and the visual arts. The catalog “33 1/3 – Cover Art” casts a look at the history of the album sleeve with more than 350 selected exhibits and was published on the occasion of exhibition at Kunstraum Nestroyhof, Vienna.

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Samson Young designs not only music but also installations, performances, drawings, walks, and films. His musical and sculptural works often include very concrete historical references and deal with places of conflict. Each of his project entails a large amount of investigation and field research. Sound and music are used as a vehicle for the reappraisal and representation of historical events, but are also the core of an independent aesthetic experience that requires no further explanations.

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EDITORS Andrea Dippel and Matthias Strobel, KunstKulturQuartier PREFACE Andrea Dippel TEXTS Andrea Dippel, Volker Koch, Christian Mückl DESIGN Wolfgang Gillitzer and Sabine Weiß DETAILS German, Paperback, 24,3 × 16,7 cm, 128 pages, 76 ills. in color, 17 ills. in b/w EURO 29,– ISBN 978-3-903228-17-7

GIORGIO HUPFER

Du sollst Dir kein Bild machen The Kunstvilla Nürnberg is marking the 5th anniversary of the death of the exceptional artist Giorgio Hupfer with a major retrospective featuring loans from his estate and private collections. Painter, illustrator, musician, poet, not to mention artistic smoker, performance and action artist, film maker – Giorgio Hupfer was not one to be pigeonholed. His cosmos was based on imagined, family, as well as real geographic coordinates: he is remembered as someone who moved between different worlds. The publication features a cross-section of his creative œuvre.

Dem Ausnahmekünstler Giorgio Hupfer widmet die Kunstvilla Nürnberg anlässlich seines fünften Todestags die umfangreiche Retrospektive mit Leihgaben aus dem Nachlass und aus Privatbesitz. Maler, Zeichner, Musiker, Dichter, daneben Kunstraucher, Performance- und Aktions-Künstler, Filmemacher – Giorgio Hupfer ließ sich nicht auf eine Gattung festlegen. Sein Kosmos beruht auf imaginierten familiären wie auf realen geografischen Koordinaten: Als Wanderer zwischen den Welten ist er in Erinnerung geblieben. Die Publikation zeigt einen Querschnitt durch sein bildnerisches Schaffen.

ALINA KUNITSYNA

TEXTS Héléna Bastais, Renata Bellicanta Sammer, Michael Cerha, Lucas Gehrmann, Bruno Pellandini DESIGN Thomas Maier DETAILS German / English / Russian, Paperback, 34,5 × 24,6 cm, 194 pages, numerous ills. in color and b/w EURO 30,– ISBN 978-3-903228-04-7

In the Fold

“In the Fold” refers on one hand directly to the fold depicted as an object, which always had a strong presence as a subject of Kunitsyna’s works, and on the other hand to the representation of faith, love and peace on the artist’s own subjective semantic level. Therefore, the paintings and sculptures actually constitute knowledge, solidified into a form by way of different techniques, and derived from philosophical thought in the fields of logic, ethics and metaphysics.

Der Titel „In the Fold“ bezieht sich einerseits direkt auf den Faltenwurf als dargestelltes Objekt – in Kunitsynas Arbeiten schon seit jeher besonders stark vertreten – und andererseits auf die Darstellung von Glaube, Liebe und Frieden auf dem subjektiven semantischen Niveau der Künstlerin. Die Malereien und Skulpturen stellen daher tatsächlich Wissen dar, das durch verschiedene Verfahrensweisen in Form gefasst wurde und sich von philosophischen Gedankengängen in den Bereichen der Logik, Ethik und Metaphysik ableitet.

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DRAGO PERSIC

Towards an yet unknown denouement „In den Gemälden von Drago Persic sind bemerkenswerte Finessen zu entdecken, die auf die Ambivalenzen hinweisen, welche sich auftun, wenn es um die Verhüllung des Körpers geht. Auch wenn es sich meist nicht um Abbildungen menschlicher Körper handelt, die von einem Stück Stoff bedeckt werden, spielt der Künstler in seinen Kompositionen anhand des Tuchs als Motiv mit dem Verhältnis von Sichtbarkeit, Ähnlichkeit und Lesbarkeit.“ (Synne Genzmer) Die erste Monografie zeigt zahlreiche Arbeiten aus den letzten Jahren.

EURO 22,– ISBN 978-3-903153-61-5

“Drago Persic’s paintings demonstrate a remarkable finesse and refer to the ambivalences that present themselves when the subject becomes the draping of the body itself. Although draped human bodies are not the primary subject of Persic’s paintings, the artist plays with fabric as a compositional theme as well as with the relationship between what is visibile, analogous, and/ or readable when applied to the human body.” (Synne Genzmer) The first monograph gives an overview of Persic’s works of recent years.

MATTHIAS BÖHLER

EDITOR Matthias Böhler TEXT Jonathan Baumgärtner DESIGN Matthias Böhler, Christoph Kraus, Marcus Zoller DETAILS German / English, Paperback, 23,7 × 16,6 cm, 80 pages, 46 ills. in color EURO 22,– ISBN 978-3-903153-84-4

Aspiration and Aspirin

„Matthias Böhlers Arbeiten sind als Produkte eines Herstellungsprozesses transparent, doch sind es weniger die Spuren ihrer Produktion, als vielmehr die Art und Weise, wie sie sich als etwas Gemachtes lesen lassen.“ (Jonathan Baumgärtner) Seine erste Monografie ist eine Dokumentation von Objekten, Performances und Zeichnungen, in denen er Phänomene wie Erwartungen, Wünsche und Sehnsüchte im Zusammenhang mit Pathos, Ironie und Jämmerlichkeit untersucht.

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EDITOR Drago Persic TEXTS Christoph Doswald, Sabine Folie, Synne Genzmer, Jasper Sharp DESIGN Grafikum – Studio für Gestaltung DETAILS German / English, Paperback, 27,4 × 20 cm, 138 pages, numerous ills. in b/w

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“Matthias Böhler’s works are transparent as products of a production process, yet less in the sense of the traces left by their production, and more in the way in which they can be interpreted as something done.” (Jonathan Baumgärtner) His first monograph is a documentation of objects, performances and drawings with which he examines phenomena like expectations, wishes and desires in connection with pathos, irony and despicableness.

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NIKO STURM

EDITOR Niko Sturm TEXTS Roman Grabner, Andreas L. Hofbauer, Carlos Toledo DESIGN Toledo i Dertschei DETAILS German / English / Russian, metallic slipcase with catalog XL and catalog XS, 29 × 23,8 cm, 60 pages and 16 pages, numerous ills. in color EURO 40,– ISBN 978-3-903153-14-1

Schwarzerde

“For him the country’s earth forms the ground of the exhibition and the surface of the images.” (Roman Grabner) In his works Niko Sturm reflects on painting’s basic material: pigment. He transposes the color and structure of the earth into images not only metaphorically, as the earth is quite literally hurled at the canvas and then fastened to it. The publication appeared on the occasion of the exhibition at M17 Contemporary Art Center in Kiev. The publication gives an overview of Sturm’s works of recent years. It consists of two catalogs in a metal box.

„Der Grund des Landes wird ihm zum Grund der Ausstellung und zur Oberfläche der Bilder.“ (Roman Grabner). Niko Sturm reflektiert in seinen Werken die Farbe als Material der Malerei. Für „Schwarzerde“ werden die Gemälde zu Speichermedien – die immer die Spuren der Zeit und des Ortes der Entstehung in sich tragen –, indem er Erde auf die Leinwand schleudert und auf dieser befestigt. Die zweiteilige Publikation in einem Metall­schuber erschien anlässlich der Ausstellung im M17 Contemporary Art Center, Kiew, und gibt einen Überblick über die Werke der letzten Jahre.

MARTIN FELDBAUER

EDITOR Nicole Giese for the Gemein­ nützige Stiftung Kreis­sparkasse Syke and the Syker Vorwerk TEXTS Aristotelis Agridopoulos, Thomas Bayrle, Anna Feldhaus, Nicole Giese, Viera Pirker, Sebastian Wanke DESIGN Harald Pridgar DETAILS German / English, Paperback, 28 × 22,5 cm, 100 pages, numerous ills in color

Almighty Algorithm

EURO 24,– ISBN 978-3-903153-65-3

Diagrams are something of an obsession for Martin Feldbauer; in fact they’re a veritable passion for the artist. Algorithms and graphic patterns thematically define his images. The inaccuracies that are recognizable here are deliberate and are subtle comments on the manipulability of figures and digital communication. Is there a way out of the attempt to reflect reality in nothing but naked figures? The publication primarily shows a selection of the artist’s paintings in the form of larger groups of works from recent years.

Diagramme sind so etwas wie eine Obsession des Künstlers Martin Feldbauer. Algorithmen und grafische Muster bestimmen seine Bilder. Die darin erkennbaren Ungenauigkeiten sind gewollt und subtile Kommentare zur Manipulierbarkeit von Zahlen und digitaler Kommunikation. Gibt es einen Ausweg aus dem Bestreben die Wirklichkeit in nichts als nacktem Zahlenwerk zu spiegeln? Die Publikation zeigt eine Auswahl des malerischen Werks in Form größerer Werkgruppen der letzten Jahre.

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PETER NEUWIRTH

EURO 28,– ISBN 978-3-903153-90-5

Skulpturale Malerei „Peter Neuwirths Gemälde erinnern nicht selten an Gewässeroberflächen oder Gesteinsformationen. Es gibt für die BetrachterInnen etwas zu ergründen, freizulegen, den künstlerischen Prozess des Übergießens und Überarbeitens in die andere Richtung mit dem Auge nachzuvollziehen. Ähnlich der sich stets in Transformation befindlichen Natur sieht Neuwirth seine Werke selten als ganz abgeschlossen. Es folgen immer wieder Überarbeitungen und unermüdliche Veränderung.“ (Ralph Gleis)

EDITOR Dominik Castell TEXTS Harald Anderle, Peter Baum, Rudolf Bretschneider, Bertram Castell, Agnes Husslein-Arco, Wolfgang Stifter, Verena Traeger DESIGN Thomas Braun DETAILS German, 27 × 23 cm, 248 pages, numerous ills. in color

EDITOR Peter Neuwirth TEXTS Ralph Gleis, Peter Zawrel DESIGN Manuel Radde DETAILS German, Hardcover, 28 × 21 cm, 192 pages, 161 ills. in color

“Peter Neuwirth’s paintings are often reminiscent of surfaces of water or rock formations. There is always something for the audience to probe and uncover as we reconstruct Neuwirth’s artistic process of dousing the canvasses in paint before reworking them in the opposite direction. Neuwirth’s works are seldom completely finished, which echoes the perpetual transformation we also see in nature. He reworks and modifies them unstintingly.” (Ralph Gleis)

BERTRAM CASTELL

EURO 30,– ISBN 978-3-903328-01-6

Der Werkkatalog dokumentiert in Zusammenarbeit mit befreundeten KüstlerInnen und renommierten KunsthistorikerInnen erstmals das vielseitige Schaffen von Bertram Castell. Das in den letzten 50 Jahren entstandene umfangreiche Gesamtwerk umfasst Zeichnungen, Aquarelle sowie Acryl-, Tempera- und Holzarbeiten.

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Produced in collaboration with artist friends and renowned art historians, the catalog raisonné documents for the first time the highly diverse œuvre of Bertram Castell. The art he has created over the last 50 years embraces drawings, water colors but also acrylic, tempera and works on wood.

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EDITORS Marko Zink, Galerie Michaela Stock TEXTS Diethard Leopold, Esther Mlenek, Marija Nujic, Maria Magdalena Pressel, Günter Schönberger, Bettina Schulz, Ingo Springenschmid, Marko Zink PHOTOGRAPHY Marko Zink DESIGN Schrägstrich Kommunikationsdesign DETAILS German / English, Paperback, 33 × 24 cm, 100 pages, 47 ills. in color

MARKO ZINK

Zwischen Spiel und Durchdringung

EURO 20,– ISBN 978-3-903153-62-2

For this overwhelmingly beautiful and expressive under water staging, Marko Zink traveled to Greece each summer from 2004 to 2012. Lifeless clothes and everyday consumer goods float through the sea at different times of the day and are brought to life by Zink. “At first glance, Marko Zink’s series is an easy game, sometimes turning profoundly serious. There, images begin to oscillate just as invisible inner flows of water, this matter becomes ambivalent, and no-one knows whether one will surface, swim on or drown.” (from the prologue by Diethard Leopold)

Für die überwältigend schönen, einprägsamen Bildinszenierungen unter Wasser ist Marko Zink von 2004 bis 2012 jeden Sommer nach Griechenland gereist. Die leblosen Kleidungsstücke und alltägliche Konsumgüter wurden zu unterschiedlichen Tageszeiten im Meer gefloatet und von Zink zum Leben erweckt. „Die Serie ist vordergründig ein leichtes Spiel, das an manchen Stellen plötzlich in abgrundtiefen Ernst umschlägt, die Sache wird ambivalent, und man weiß nicht, wird man auftauchen, weiterschwimmen oder untergehen.“ (aus dem Vorwort von Diethard Leopold)

EDITOR Sammlung Stiftung Guenther Benedict, Vienna TEXTS Florian Steininger, Christoph Tannert, Max von Zeillern DETAILS German / English, Paperback, 30 × 27 cm, 106 pages, 44 ills. in color

KATRIN KAMPMANN

Ferien vom Über-Ich | Flamme bin ich sicherlich

EURO 28,– ISBN 978-3-903153-45-5

The collection of the Guenther Benedict Foundation presents works by Berlin-based artist Katrin Kampmann. Kampmann’s painted collages combine acrylic with watercolors, graphic structures and forms, which are incorporated as woodcut prints. The publication presents newly created paintings and watercolors from the last three years that can be considered as falling somewhere between figuration and abstraction.

Die Sammlung Stiftung Guenther Benedict präsentiert Arbeiten der Berliner Künstlerin Katrin Kampmann. Ihre malerischen Collagen verbinden Acryl- mit Aquarellfarben, grafische Strukturen und Formen, die als Holzschnittdruck eingefügt werden. Die Publikation zeigt Malereien und Aquarelle der letzten drei Jahren, die zwischen Figuration und Abstraktion anzusiedeln sind.

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JUDITH ALBERT

EDITOR Kunstmuseum Solothurn TEXTS Christoph Vögele, Isabel Zürcher DESIGN Hi – Megi Zumstein and Claudio Barandun DETAILS German / English, 120 pages, numerous ills. in color EURO 34,– ISBN 978-3-903228-41-2

Exhibition: Kunstmuseum Solothurn 27.01.–08.04.2018

Meist tritt Judith Albert selbst vor die Kamera, wobei es ihr aber in ihren Videoarbeiten nicht um sich selbst geht. Sie versteht sich als Stellvertreterin und lässt sich von Wortbildern, alltäglichen Situationen, aber auch von den starken Atmosphären der Werke Félix Vallotons und Jan Vermeers inspirieren. „Ich mag das Entweder-Oder nicht. Beides kann sich ja gegenseitig befruchten. Das Poetische muss nicht unpolitisch sein – es ist auch ein Bekenntnis zum Leisen und Subtilen und zu differenzierten Zwischentönen.“ Im Kunstmuseum Solothurn stellt sie gemeinsam mit Anne Sauser-Hall aus.

Although generally Judith Albert is herself the protagonist in her video works, they are not intended to be about her. Rather she sees herself as an acting representative, and is inspired by language and its daily use, everyday situations, but also by the strong atmosphere in the works of Félix Valloton and Jan Vermeer. “I don’t like the either/or. Both can be mutually productive. The poetic need not be unpolitical – it is also a way to embrace the quiet, the subtle and differentiated nuances.” In Kunstmuseum Solothurn she presents her work together with Anne Sauser-Hall.

EDITOR Kunstmuseum Solothurn TEXTS Geneviève Loup, Christoph Vögele DESIGN Hi – Megi Zumstein and Claudio Barandun DETAILS German / English, 112 pages, 75 ills. in color, 10 ills. in b/w

ANNE SAUSER-HALL

EURO 34,– ISBN 978-3-903228-42-9

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Exhibition: Kunstmuseum Solothurn 27.01.–08.04.2018

Anne Sauser-Hall arbeitet für ihre choreografischen Videoinszenierungen mit Schauspielern, die von ihr strikte Vorgaben erhalten und jede Geste und Bewegung genau üben und präzise wiedergeben müssen. Inspiriert unter anderem von dem französischen Frühimpressionisten Edouard Manet werden seine Szenen und Bilder im Video neu erschaffen. Von den literarischen Quellen nimmt Kleists berühmte Schrift „Über das Marionettentheater“ eine herausragende Stellung ein.

For her carefully choreographed video productions Anne Sauser-Hall collaborates with actors, whom she gives strict instructions and who have to practice and reproduce every gesture and movement with great precision. Inspired partly by French artist Edouard Manet, an early Impressionist, the scenes and images are recreated in video form. Kleist’s famous essay “On the Marionette Theater” is one of Sauser-Hall’s key literary inspirations and sources.

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BENEDIKT LEONHARDT

EDITORS Alfred Weidinger, Björn Steigert TEXTS Jürgen Kleindienst, Christina Natlacen DESIGN Kay Bachmann DETAILS German / English, Paperback, 25,7 × 19,4 cm, 88 pages, numerous ills. in color EURO 18,– ISBN 978-3-903228-39-9

LUX

EDITORS Vorarlberg Museum and Claudia Voit TEXTS Alexandra Grausam, Brigitte Kemmann, Jörn Schafaff, Claudia Voit DESIGN Alexander Raffl, GREAT DETAILS German, Hardcover, 23 × 16 cm, 84 pages, numerous ills- in b/w

Exhibition: Museum der bildenden Künste Leipzig 02.12.2017–04.03.2018

Die Bildwelt der digitalisierten Gesellschaft dient Leonhardts Malerei als ästhetisches Bezugsfeld. Die monochromen, vielschichtigen Arbeiten auf Leinwand erzeugen eine ungemeine Sogwirkung in der Betrachtung. 2016 beendete Leonhardt sein Studium bei Astrid Klein an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Er ist der 12. Preisträger des Kunstpreises der Leipziger Volkszeitung, der alle zwei Jahre an junge KünstlerInnen vergeben wird, bisherige Preisträger u. a.: Neo Rauch, Jörg Herold, Tamara Grcic, Daniel Roth, Matthias Weischer und Owen Gump.

VORARLBERGER KÜNSTLER UND IHRE ATELIERS Zur Topologie des Ateliers

approx. EURO 25,– ISBN 978-3-903228-57-3

This book takes as its theme the societal, economic, and social framework of art production in the Vorarlberg region. It is based on a series of discussions and a written poll of artists living and working in Vorarlberg. Alongside regional observations there are historical and international perspectives in which, for example, the two projects *5ünfstern (St.Gallen) and das weisse haus (Vienna) are presented, which are concerned with discursive exchange between artists outside institutions.

Das Buch thematisiert die gesellschaftlichen, ökonomischen und sozialen Rahmenbedingungen der Kunstproduktion in Vorarlberg. Es basiert auf Gesprächen sowie einer schriftlichen Befragung von in Vorarlberg lebenden und arbeitenden KünstlerInnen. Die regionalen Beobachtungen werden um historische und internationale Perspektiven erweitert, indem bspw. die Projekte *5ünfstern (St.Gallen) und das weisse haus (Wien) vorgestellt werden, die den diskursiven Austausch unter KünstlerInnen abseits von Institutionen zum Anliegen haben.

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Leonhardt’s paintings take as their aesthetic reference point the pictorial world of the digitized society. His monochrome, multi-layered works on canvas truly suck in the viewer. In 2016 Leonhardt completed studies under Astrid Klein at the Academy of Fine Arts Leipzig. He is the 12th winner of the Art Prize bestowed by Leipziger Volkszeitung, which is awarded ever two years to young artists. Past prize winners include, among others, Neo Rauch, Jörg Herold, Tamara Grcic, Daniel Roth, Matthias Weischer, and Owen Gump.

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LES ÉDITIONS KMD

Duchamp: The Paradigm of the Cartoon

Mit dem Auge des Geistes Stefan Banz

Didier Semin EURO 25,– ISBN 978-3-903004-56-6

100 Years of Chocolate Grinder

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-078-9

Marcel Duchamp: Étant donnés

Caroline Bachmann, Stefan Banz, Ralf Beil

Jeff Wall EURO 20,– ISBN 978-3-86984-416-9

The Kings of the B’s: Jean Luc Godard & Roger Corman

Rrose to the Occasion John Cage, Thomas Wulffen

EURO 20,– ISBN 978-3-86984-385-8

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EURO 20,– ISBN 978-3-86984-500-5

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Harald Harzheim

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EURO 20,– ISBN 978-3-86984-423-7

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STEFAN BANZ

EDITOR Les Éditions KMD PREFACE Ugo Rondinone TEXT Stefan Banz DESIGN Stefan Banz DETAILS German, Hardcover, 22 × 16,5 cm, 288 pages, 161 ills. in color and b/w

Louis Michel Eilshemius und sein Einfluss auf Marcel Duchamp

EURO 35,– ISBN 978-3-903131-12-5

In 1917, at the first exhibition of the Society of Independent Artists in New York, Marcel Duchamp was so fascinated by the paintings of Louis Michel Eilshemius that he organized Eilshemius’s first two solo exhibitions in the meanwhile legendary Société Anonyme. Banz examines the question—and is the first author ever to have done so—as to why Duchamp was so passionately interested in this eccentric outsider of the New York art scene and as to whether and to what extent this enthusiasm also had an influence on his own work as an artist. The English edition (2015) was a great success in the USA and received the 2016 Rollins Book Award.

Marcel Duchamp war 1917 in der ersten Ausstellung der Society of Independent Artists in New York so fasziniert von Louis Michel Eilshemius’ Gemälden, dass er später die beiden ersten Einzelausstellungen des Künstlers in der inzwischen legendären Société Anonyme organisierte. Banz geht zum ersten Mal der Frage nach, warum Duchamp sich so leidenschaftlich für diesen exzentrischen Außenseiter der New Yorker Kunstszene interessierte und inwiefern diese Begeisterung auch seine eigene künstlerische Arbeit beeinflusste. Die englische Ausgabe (2015) war in den USA ein großes Ereignis und erhielt den Rollins Book Award 2016.

HELEN MOLESWORTH

EDITOR Les Éditions KMD PREFACE Stefan Banz TEXT Helen Molesworth DESIGN Stefan Banz DETAILS German / English / French, Hardcover, 14 × 10,5 cm, 148 pages, 11 ills. in color, 1 ills. in b/w

Duchamp: By Hand, Even

EURO 20,– ISBN 978-3-903153-98-1

In her brilliant essay, Helen Molesworth pinpoints the significance of the return of the handmade in Duchamp’s artistic œuvre of his later years and, at the same time, and for the very first time, makes this fundamental paradig­ matic change the focal point of academic debate.

Helen Molesworth bringt in ihrem fulminanten Essay die Bedeutung der Rückkehr des Handgemachten in Duchamps künstlerischem Werk der späten Jahre spannend und konzentriert auf den Punkt und rückt diesen fundamentalen Paradigmenwechsel gleichzeitig zum ersten Mal ins Zentrum einer wissenschaftlichen Untersuchung.

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KUNST IM ÖFFENTLICHEN RAUM WIEN 4 Public Art Vienna 2014 2015 2016 EDITOR Kunst im öffentlichen Raum GmbH PREFACE Michael Ludwig, Andreas Mailath-Pokorny, Martina Taig, Maria Vassilakou TEXTS Eva Maria Stadler, Mechtild Widrich DESIGN Eva Dranaz, Jochen Fill; 3007

DETAILS German / English, Hardcover, 264 pages, numerous ills. in color EURO 29,– ISBN 978-3-903153-17-2

Der vierte Band der Reihe über Kunst im öffentlichen Raum Wien stellt die vielfältigen Projekte vor, die in den Jahren 2014 bis 2016 von der KÖR GmbH realisiert und initiiert wurden. Die einleitenden Beiträge von Mechtild Widrich und Eva Maria Stadler legen dar, wie das Stadtbild vom Zentrum bis hin zur Peripherie durch solche Arbeiten nachhaltig gestaltet und geprägt wird, und reflektieren kritisch den Wandel der Öffentlichkeit. KünstlerInnen u. a.: Nevin Aladagˇ, Oliver August, Ruth Beckermann, Julien Berthier, Catrin Bolt, Rüdiger Carl, Victoria Coeln, Julius Deutschbauer / Klaus Pobitzer, Claudia Larcher / Peter Roehsler / Laura Skocek / Anna Watzinger / Peter Zolly, Aldo Giannotti, Oliver Hangl, Marlene Hausegger, Désirée Heusl / Lis Eich, Simon Janssen, Sven-Åke Johansson, Jörg Jozwiak, Leopold Kessler, Barbis Ruder, Lia Sáile, Axel Stockburger, Iv Toshain / Anna Ceeh, Simone Zaugg

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The fourth volume in the series on art in Vienna’s public space offers a survey of the manifold projects realized and initiated by KÖR GmbH in the years 2014 to 2016. Mechtild Widrich’s and Eva Maria Stadler’s introductory contributions shed light on how such works deeply configure and inform the cityscape and critically reflect the transformation of the public sphere. Artists a. o.: Nevin Aladagˇ, Oliver August, Ruth Beckermann, Julien Berthier, Catrin Bolt, Rüdiger Carl, Victoria Coeln, Julius Deutschbauer  /  Klaus Pobitzer, Claudia Larcher / Peter Roehsler / Laura Skocek / Anna Watzinger / Peter Zolly, Aldo Giannotti, Oliver Hangl, Marlene Hausegger, Désirée Heusl / Lis Eich, Simon Janssen, Sven-Åke Johansson, Jörg Jozwiak, Leopold Kessler, Barbis Ruder, Lia Sáile, Axel Stockburger, Iv Toshain / Anna Ceeh, Simone Zaugg

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Public Art Vienna

DESIGN MVD, Vienna DETAILS German / English, Hardcover, 24 × 17 cm, 212 pages, numerous ills. in color

Public Art Steiermark 2012–2013

EURO 30,– ISBN 978-3-86984-188-5

DESIGN Atelier Neubacher DETAILS German / English, Hardcover, 26 × 21 cm, 248 pages, numerous ills in color and b/w

Public Art Vienna 2007–2010

EURO 29,– ISBN 978-3-86984-546-3

DESIGN Christian Schienerl, D/AD DETAILS German / English, Hardcover, 25 × 19 cm, 264 pages, numerous ills. in color and b/w

Public Art Steiermark 2014–2015

EURO 29,– ISBN 978-3-86984-059-8

DESIGN Atelier Neubacher DETAILS German / English, Hardcover, 26 × 21 cm, 344 pages, 564 ills. in color and b/w

Public Art Vienna 2010–2013

EURO 29,– ISBN 978-3-903131-37-8

DESIGN grafisches Büro – Günter Eder, Roman Breier, Marcel Neundörfer DETAILS German / English, Hardcover, 24,5 × 18,5 cm, 264 pages, numerous ills in color and b/w EURO 29,– ISBN 978-3-86984-514-2

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KUNSTRAUM NIEDEROESTERREICH Touch the Reality. Rethinking Keywords of Political Performances

Performing the Border. Perspectives of Resistance

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Hardcover, 21,5 × 15 cm, 127 pages, 47 ills. in color, 4 ills. in b/w

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Hardcover, 21,5 × 15 cm, 65 pages, numerous ills. in color

EURO 24,– ISBN 978-3-903131-76-7

EURO 24,– ISBN 978-3-903153-64-6

Flüchtige Territorien/ Fleeting Territories

meanwhile …

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Hardcover, 21,5 × 15 cm, 96 pages, 30 ills. in color

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Paperback, 21,5 × 15 cm, 66 pages, 32 ills. in color, 1 ills. in b/w

EURO 24,– ISBN 978-3-903131-90-3

EURO 24,– ISBN 978-3-903228-08-5

lightness and matter

DESIGN Wolfgang Gosch DETAILS German / English, Paperback, 21,5 × 15 cm, 100 pages, 38 ills. in color EURO 24,– ISBN 978-3-903153-39-4

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KUNSTRAUM DORNBIRN

ASTA GRÖTING

EDITOR Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXTS Hannah Arendt, Karl Marx, Hermann Melville, Richard Sennett et.al. DESIGN Asta Gröting, Knut Wiese DETAILS German / English, Paperback, 29,8 × 21,2 cm, 60 pages, 23 ills. in color, 7 ills. in b/w

Die Geschichte der Werkzeuge ist das aufgeschlagene Buch der menschlichen Psychologie / The History of Tools Is the Open Book of Human Psychology

EURO 20,– ISBN 978-3-903153-88-2

HANS OP DE BEECK

The Pond Room and Staging Silence 2

EURO 24,– ISBN 978-3-903153-72-1

STEINBRENER/DEMPF & HUBER

EDITOR Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXT Fahim Amir TALK Armin Thurnher PHOTOGRAPHY Rainer Dempf, Christoph Steinbrener DESIGN Rainer Dempf DETAILS German / English, Paperback, 28,1 × 21,3 cm, 240 pages, numerous ills. in color EURO 28,– ISBN 978-3-903228-19-1

Arbeiten / Works 2007–2017

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EDITOR Kunstraum Dornbirn, Thomas Häusle TEXTS Nicolas de Oliveira, Nicola Oxley INTERVIEW Thomas Häusle and Herta Pümpel DESIGN Proxi Design / proxi.me DETAILS German / English, Hardcover, 18,6 × 12,8 cm, 132 pages, 15 ills. in color

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DAGMAR KOLLER BITTET IN DEN PARK VON SANSSOUCI, POTSDAM 1978, DDR

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FERNSEHEN (FROM: “DAGMAR KOLLER. GOLDENE ZEITEN”)

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HANNA PUTZ, “THE MEN WHO FELL FROM EARTH”, 2017, WITH JONATHAN MEESE, DANIEL RICHTER, TAL R; PHOTO: © HANNA PUTZ

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VfmK Verlag für moderne Kunst GmbH Salmgasse 4a 1030 Vienna Austria www.vfmk.org hello@vfmk.org Phone: +43-1-5354970-15

MANAGING DIRECTOR AND PUBLISHER Silvia Jaklitsch SENIOR PUBLISHERS Ralf Herms Manfred Rothenberger Karl Gerhard Schmidt SALES Esther Karner MARKETING & PRESS Dajana Dorfmayr Katharina Drechsel-Pötz PROJECT MANAGEMENT Sonja Gruber ASSISTENCE Mark Elias Napadenski

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VERLAG FÜR MODERNE KUNST

VERLAG FÜR MODERNE KUNST Spring 2018  

VERLAG FÜR MODERNE KUNST Frühling/Spring 2018

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