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Año 1 // No. 07 // Diciembre 2011

LETRAS MOVILES LA ERA DIGITAL

TIPOGRÁFICA DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS

HERB LUBALIN HENRY WOLF DAVID CARSON ZUZANA LICKO ADRIAN FRUTIGER ANDRÉ GLUTER

EXPOSICIÓN DE TIPOGRAFíA CREATIVA

DAFT PUNK

EL DISEÑO EN MUSICA Y ESTILO


ÍNDICE LETRAS MOVILES

Año 1 // No. 07 // Diciembre

LA ERA DIGITAL

TIPOGRÁFICA DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS H H D Z A A

ERB LUBALIN ENRY WOLF AVID CARSON UZANA LICKO DRIAN FRUTIGER NDRÉ GLUTER EXPOSICIÓN DE TIPOGRAFíA CREATIVA

DAFT PUNK EL DISEÑO EN MUSICA Y ESTILO

EDICIÓN ESPECIAL

DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS HERB LUBALIN............ HENRY WOLF................ DAVID CARSON........... ZUZANA LICKO............ ADRIAN FRUTIGER......

EXPOSICIÓN TIPOGRAFÍA CREATIVA ERA DIGITAL TIPOGRÁFICA

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DAFT PUNK ESPECIAL DISEÑO EN MUSICA Y ESTILO

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Diseño editorial: Julio Mayoral Cortes Diseño digital: José Alberto Manzano Torres Fotógrafo: José Antonio Méndez


DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS

HERB LUBALIN

de Tokio a París, de Barcelona a Sao Paulo, de Estocolmo a Frankfurt. Su primera pasión fue la tipografía. El trabajo de Lubalin te lleva rápidamente al corazón de un gran tema: la teoría del significado y cómo el significado es comunicado. Cómo una idea es movida, entera y resonante, de una mente a otra. No muchos han sido capaces de hacer esto mejor que el gran Herb Lubalin.

Herb Lubalin.

Diseñador Gráfico y Fotógrafo Americano, nacido en New York y graduado en la Cooper Union en 1939. Difícilmente podemos encontrar alguien mejor conocido y mayormente premiado en este negocio. «El altísimo valor artístico de las obras de Herb Lubalin se reconocerá todavía durante muchos años en el futuro… probablemente ha sido el mejor diseñador gráfico de todos los tiempos». Estas palabras pertenecen al elogio póstumo pronunciado en 1981 por Lou Dorfsman (destacado diseñador gráfico estadounidense) con motivo del fallecimiento de este gran maestro. . A menudo, semejantes elogios son retóricos, pero en este caso el texto responde ciertamente a la verdad: en efecto, durante más de cuarenta años, Herb Lubalin contribuyó a impulsar los sectores en los que trabajó, demostrando muchas veces ser un genial innovador; por otra parte, sus trabajos han sido expuestos

La tipografía es la clave. Sin embargo, “tipografía” no es la palabra idónea que él aplicaría a su trabajo. “Lo que yo hago no es realmente tipografía, lo cual considero una manera esencialmente mecánica de poner caracteres en una página. Es diseñar con letras. Aaron Burns lo llamó “tipográfico” y desde que uno tiene que ponerle nombre a las cosas para hacerlas memorables, “tipográfico” es un buen nombre para lo que yo hago.” Lubalin fue un brillante e iconoclasta director de arte publicitario –en los 40’s con Reiss Advertising y luego en Sudler & Hennessey durante 20 años (desde 1945), una agencia especializada en publicidad de productos farmacéuticos, sin lugar a dudas transmitir estímulos y pasiones a todos ellos. Sus colaboradores sabían que siempre daba lo mejor de sí mismo y que esperaba lo mejor de los demás, y, por

Tipografia “Brown Jenkins” por Herb Lubalin.

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tanto, trabajaban en consecuencia, ayudados por su cordialidad. A esta época se remonta el manifiesto antimilitarista que se reproduce junto estas líneas (arriba): el fondo negro y lúgubre y los insectos que caminan sobre el rótulo transmiten una dramática sensación de muerte y angustia. “El empresario tipográfico de nuestro tiempo”-como lo llamó Dorfsman-, un hombre que “influenció y cambió profundamente nuestra visión y percepción de la forma de las letras, palabras y lenguaje. Herb Lubalin elevó la tipografía del nivel de oficio al de arte.” En los carteles aquí reproducidos se pueden apreciar algunos ejemplos prácticos de su gran habilidad para “manejar” los caracteres: observa el original alfabeto junto a estas líneas o el póster con la letra «P» y lee como comentario estas palabras de Lubalin: “Los caracteres deben hablar por sí mismos, como las imágenes. Hace más de 500 años que estamos acostumbrados a considerar a los caracteres simplemente por su valor semántico y nos olvidamos del gráfico. Hay que abandonar esa mentalidad y empezar a tratar los caracteres como elementos dotados de vida propia”. En 1964, Lubalin decidió empezar a trabajar independientemente y creó el estudio Herb Lubalin Inc. que adoptó en 1980 el nombre de Lubalin, Peckolick Associates lnc. “Si las palabras son un medio de crear significado, entonces las formas de sus letras le dan voz, color, carácter e individualidad a ese significado.” Lubalin.


DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS “La publicidad es el sector que me interesa más, con tal de que no deba dedicar me a él todo el tiempo.” Cansado de ocuparse sólo de publicidad, Lubalin empezó a interesarse por el packaging, diseño gráfico editorial y proyección de la imagen coordinada (marcas y papel de cartas) para sociedades mas importantes. Merecedor de medalla tras medalla, premio tras premio, y nombrado Director de Arte del Año en 1962 por la National Society of Art Directors. También ha sido un diseñador de publicaciones de gran originalidad y mucha distinción. Entre sus mayores aciertos editoriales destacan el Saturday Post, sus transgresoras revistas Eros -a principio de los 60’s-, y más tarde en esa misma década, la exquisita Avant Garde (de las que puedes ver una portada y algunas páginas interiores) que al hacer aparición escandalizaron a los lectores por sus contenidos editoriales y por el tratamiento gráfico. Para diseñar el logotipo Avant Garde, Lubalin inventó ex profeso un alfabeto denominado precisamente Avant Garde, que en seguida se convirtió en uno de los alfabetos más utilizados en publicidad. Si Eros y Avant Garde dieron a Lubalin fama y éxito, U&Lc. (“Upper case and Lower case”, revista de tipografía fundada en 1973) reafirmó a nivel internacional su prestigio de dibujante. Lubalin quiso crear U&Lc. para promocionar de un modo autónomo sus ideas sobre diseño gráfico y, en concreto, para volverse a ocupar de tipografía. En los 70’s y 80’s la U&Lc. se convirtió en la principal revista del sector de la industria tipográfica (cada año

Tipografia de la Revista “Avant Garde” por Herb Lubalin.

se presentaban cerca de cien nuevos caracteres procedentes de todo el mundo), alcanzando índices de lectura de aproximadamente un millón de personas alrededor del globo. “Ahora mismo –dijo entonces-, tengo lo que todo diseñador desea y pocos tienen la fortuna de conseguir. Soy mi propio cliente. Nadie me dice qué tengo que hacer.” Fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame en 1977. Además de ser un artista genial, Lubalin fue también un excelente profesor: tanto en la Cooper Unión School de Nueva York como en las principales universidades de todo el

mundo, donde ha dado numerosas conferencias, su recuerdo está todavía vivo y presente. En palabras de David R. Brown, “El derribó lo que era concebido como los límites del diseño para generaciones enteras de diseñadores que lo seguirían. Para semejante persona, tranquila y gentil, haber logrado tanto es verdaderamente testimonio del poder de las ideas en las manos de un gran maestro.”

Fuentes: “Los Grandes Maestros Del Diseño Gráfico”, Ediciones Orbis, S.A. Barcelona-España. “Herb Lubalin” by David R. Brown - The American Institute of Graphic Arts - AIGA

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DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS Henry Wolf (Viena, Austria, 23 de mayo de 1925 - Nueva York, Estados Unidos, 14 de febrero de 2005) fue un gran fotógrafo, diseñador gráfico y magnífico director de arte de tres grandes revistas: Esquire, Harper’s Bazaar y Show en las décadas de 1950 y 1960. Considerado una figura clave dentro del diseño gráfico del siglo XX, fue un referente del diseño de revistas y de empresas editoriales de Estados Unidos. Fue reconocido por su trabajo elegante y sofisticado, de claras formas y contenidos literarios, e integrando valores del pasado con la búsqueda de lo nuevo. Además, desarrolló una carrera exitosa como fotógrafo al crear imágenes que han perdurado a través del tiempo hasta nuestros días. Su obra se caracteriza por su simplicidad y el uso de tipografía expresiva, fotografías surrealistas e ilustraciones conceptuales. En vez de ocuparse exclusivamente del diseño y la maquetación existente, colaboró con edito-

Tipografia para la revista “Bazar” por Henry Wolf

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HENRY WOLF

Henry Wolf en Junio de 1950.

res para definir la personalidad de la publicación. Henry Wolf seleccionó tipografías, comisionó a fotógrafos e ilustradores, reconocidos, o no y decidió qué representar en las portadas. La entrada de Henry Wolf en el mundo del diseño editorial fue muy precoz. En 1951 empezó trabajando para el Departamento de Estado, diseñando publicaciones y posters gubernamentales para su distribución en el extranjero. Su carrera profesional propiamente dicha comenzó en 1952 cuando entró como diseñador en la revista Esquire. A pesar de pequeñas disputas con Arnold Gingrich, editor de Esquire, por el contenido editorial, consiguió darle un estilo renovado, sofisticado e innovador a la revista en un ambiente creativo con fotógrafos e ilustradores de gran prestigio. Desarrolló una narrativa con un diseño conceptual que se utilizaba el collage, la ilustración y los titulares. Wolf tuvo como maestro en el diseño y la fotografía al ruso Alexey Brodovich, otra leyenda de las revistas

y uno de los pioneros en introducir el modernismo europeo en Estados Unidos. Con este destacado mentor, ya en 1953, a los 26 años es nombrado director de arte y se convierte en uno de los más jovénes directores de arte de grandes revistas nacionales. Rediseñó el formato de Esquire con gran énfasis en el uso del espacio en blanco y grandes y sofisticadas fotografías. Desarrolló diversos elementos de su sensibilidad pictórica, en la que influyeron también las clases recibidas por el cubista norteamericano Stuart Davis, llevando a las portadas una lúdica mezcla de surrealismo, irreverencia y elegancia en su diseño. Seis años después, cuando su maestro Brodovich se retiró en 1958, Wolf lo sustituyó como director artístico de la revista Harper’s Bazaar, la célebre publicación de moda. Trabajó junto con los fotógrafos Richard Avedon, Man Ray, Art Kane y Saul Leitner. Dio a conocer a fotógrafos de moda como el jovencísimo, Melvin Sokolsky, que sólo tenía 21 años entonces.

Tipografia para la revista “Esquive” por Henry Wolf


DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS Creó el diseño y ayudó a desarrollar el concepto de una nueva revista de artes como icono de estilo del diseño editorial. Su objetivo era hacer hermosas visualmente las revistas que diseñaba, experimentando con la tipografía y utilizando imágenes simples pero exquisitas, incluso sofisticadas, en las numerosas portadas, que hoy son verdaderas obras de arte. La visión de Wolf de la portada de la revista fue una imagen simple que comunicaba la idea visual. En sus portadas es posible reconocer citas a Magritte y Dali, entre otros. La sofisticación y creatividad de la fotografía de Harper’s Bazaar durante su dirección fueron extraordinarias y significó un cambio definitivo con respecto al modo en que las publicaciones presentaban un objeto, ropa, o una modelo. En 1961 Wolf dejó Harper’s Bazaar para diseñar la nueva revista de espectáculos Show para A&P Heir Huntington Hartford. Fue una publicación de corta duración, que exploró durante tres años un nuevo territorio de diseño innovador, como resultado de la creativa dirección artística de Wolf. Henry Wolf decidió dejar la profesión de director de revistas editoriales porque la impresión se desvalorizó frente a la televisión y los editores se centraron más en ganar dinero con la publicidad que en la comunicación visual que habian manejado antes.

vió hacia la publicidad y la fotografía. Ante todo Wolf fue un fotógrafo: su faceta de diseñador vino impulsada por la fotografía. La fotografía fue la fuente del arte de Wolf, quien no dejó de utilizar las cámaras en sus actividades. La fotografía de Wolf fue realizada para la comunicación visual de la sociedad como elemento productivo de diseño periódistico y de obras de arte fotográficas. Wolf convirtió la palabra en imagen, la idea en reproducción, el concepto en obra fotográfica. A finales de 1961, se unió a Jack Tinker and Partners, asociada de las compañias Interpublic Group y McCann Erickson. Esta fue una empresa que se creó para desarrollar marketing con innovación y creativas campañas publicitarias experimentales. El equipo compuesto por algunos de los grandes talentos del mundo de la publicidad de la década de 1960: Bob Wilvers, Mary Wells, Dick Rico y Stu Greene. Su trabajo incluye algunas campañas memorables. Fue director de arte de la agencia de publicidad McCann Erickson en 1965, donde experimentó con nuevos enfoques publicitarios. Dirigió importantes campañas publicitarias y proyectos para Alka Seltzer, Buick, Geigy, Gilette, Coca Cola y Philip Morris. Abandonó la compañía cuando Wells, Greene, y Rich dejaron de seguir colaborando.

Después se unió a la agencia pioÉl mismo llegó a afirmar que dejó nera de publicidad de Jane Trahey y Harper’s Bazaar cuando no pudo con- crearon conjuntamente Trahey/Wolf seguir, como director de arte, treinta en 1966. Wolf era el vicepresidente páginas consecutivas de la revista para ejecutivo y director creativo, a cargo diseñar libremente. de la dirección de arte y la fotografía. Después de diez años de traEn los cinco años siguientes trabajó bajos para revistas, su atención se des- en numerosas campañas publicitarias

Henry Wolf, Advertisement for xerox.

de renombre para Saks Fith Avenue, I. Margin, Xerox, IBM, Revlon, Backgama Mink, Charles of the Ritz, Elizabeth Arden, Union Carbide y otas grandes empresas. Esta independencia y el ritmo más moderado de sus trabajos le permitieron desarrollar su faceta de profesor en los años noventa, aunque había dado clases de forma intermitente desde mediados de la década de 1950 en varias universidades. Destacaronn sus clases de diseño gráfico sobre revistas y fotografía en la la Parsons School of Design de Nueva York, en School of Visual Arts de Nueva York y también en The Cooper Union de Nueva York. Sus instrucciones, principios y pensamientos sobre el diseño culminaron con la publicación del libro Pensamiento Visual: métodos para la toma de imágenes memorables, en 1988. Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Wolf http://freepages.genealogy.rootsweb.ancestry.com/~prohel/stories/ henry_wolf.html

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DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS

DAVID CARSON David Carson (nacido el 08 de septiembre 1954) es un diseñador gráfico estadounidense. Él es mejor conocido por su revista de diseño innovador, y el uso de la tipografía experimental. Él era el director de arte para la revista Ray Gun. Carson fue quizás el diseñador gráfico más influyente de la década de 1990. En particular, su estética ampliamente imitado define el llamado “tipografía grunge” era. Desde entonces, ha vivido y viajado extensamente por todo los EE.UU. y Europa y ha dado conferencias frecuentemente en todo el mundo. El primer contacto real de Carson con el diseño gráfico fue realizado en 1980 en la Universidad de Arizona en un curso de dos semanas de gráficos, impartido por Boelts Jackson. Asistió a San Diego State University, así como Oregon College of Art de Comercio. Más tarde, en 1983, Carson fue la enseñanza de sociología en la escuela secundaria del mar de California, cuando fue a Suiza, donde asistió a un taller de tres semanas en el diseño gráfico como parte de su carrera. Aquí es donde conoció a su primera gran influencia, que también pasó a ser el profesor de este curso, Hans-Rudolf Lutz. Carson tiene un Bachelor of Arts en Sociología. Se hizo famoso por su inventiva gráfica en la década de 1990. Después de haber trabajado como profesor de la sociología y la surfista profesional a finales de 1970, el director artístico de la música diferentes, skate, surf y revistas a través de la 1980/90s, 8

David Carson.

incluyendo twSkateboarding, twSnowboarding, Surfer, Beach Culture y la pistola de la revista musical Ray. Como director de arte de Ray Gun (1992-5), Carson llamó la atención de todo el mundo. En un reportaje, la revista Newsweek dijo que “cambió el rostro del público hacia el significado del diseño gráfico”. Sus diseños destacados distorsiones o mezcla de “lengua vernácula” tipos de letra y las imágenes fracturadas, haciéndolos casi ilegibles. De hecho, su máxima de “el fin de imprimir” cuestionó el papel del tipo en la era emergente del diseño digital, a raíz de la nueva ola de California, y coincidiendo con los experimentos en la Academia de Arte Cranbrook.

En la última década de 1990 añadió los clientes corporativos a su lista de clientes. incluyendo Microsoft, Armani, Nike, Levis, British Airways, Quiksilver, Sony, Pepsi, Citibank, la Universidad de Yale, Toyota y muchos otros. Cuando Diseño Gráfico EE.UU. Magazine (Nueva York) una lista de los “más influyentes diseñadores gráficos de la época”. David fue catalogado como uno de los todos los tiempos 5 diseñadores más influyentes, con Milton Glaser, Paul Rand, bajo Saúl y el gran Massimo Vignelli. Durante el período de 1982-1987, Carson trabajó como profesor en Torrey Pines High School en San Diego, California. En 1983, Carson comenzó a experimentar con el diseño gráfico


DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS les gustaba de su trabajo, en el que la legibilidad a menudo basado en la atención del lector estricto (por una función en un surfista ciego, Carson abrió con una extensión de dos páginas cubiertas de negro).

Tipografia para la revista “Little White Lies” por David Carson.

Una temporada en Cómo revista (una revista especializada dirigida a los diseñadores), seguido, Carson y pronto fue contratado por el editor Marvin Scott Jarrett para el diseño Ray Gun, una revista de las normas internacionales que había música y estilo de vida como su sujeto. No tiene miedo de romper las convenciones, en un tema que utiliza Dingbat como la fuente de lo que él consideraba una entrevista bastante aburrido con Bryan Ferry.

y se vio inmerso en la cultura artística y bohemia de California del Sur. A fines de 1980 había desarrollado su propio estilo, el uso de “sucia” de tipo En 1995, Carson fundó su propio y no convencionales técnicas fotográ- estudio, David Carson Design, en Nueva York, y comenzó a atraer a los ficas de todo tipo. principales clientes de todo Estados Unidos y otros paises. Carson se convirtió en el director Durante los próximos tres artístico de la revista Transworld años (1995-1998), Carson estaSkateboarding. Entre otras cosas, también era un surfista profesional, y ba haciendo un trabajo para Pepsi Cola, Ray Ban (orbes del proyecto), en 1989, Carson fue calificado como Nike, Microsoft, Budweiser, Giorgio el noveno mejor surfista del mundo Armani, NBC, American Airlines y en ese entonces. los pantalones vaqueros Levi Strauss, Y Steve Pezman Debbee, los editores y más tarde trabajó para una gran variedad de nuevos clientes, incluyende la revista Surfer (y más tarde en Surfers Journal) Carson aprovechado do a AT & T, British Airways, Kodak, Lycra, Packard Bell, Sony, Suzuki, para diseñar Cultura Playa , que evoToyota, Warner Bros., CNN, Oro lucionó a partir de un a-el comerciosuplemento anual, Cultura Playa de la Cuervo, Johnson AIDS Foundation, nueva publicación trimestral llamada. Global MTV, Princo, Lotus Software, Fox TV, Nissan, quiksilver , Intel, Aunque sólo seis ediciones trimesMercedes-Benz y MGM. trales fueron producidas, el tamaño tabloide local, editado por el autor Neil Fineman-Carson permitió hacer David diseñó el primer número y su primera impacto significativo en el las cubiertas de los tres primeros, mundo del diseño gráfico y la tipogra- después de que su asistente Christa fía, con ideas innovadoras que fueron Smith dirección de arte y diseño de la llamados, incluso por aquellos que no revista hasta su desaparición. Diseño

de Carson, la cobertura de la primera edición fue seleccionado como uno de los “cubre la parte superior revista 40 de todos los tiempos” En 2000, Carson cerró estudio de Nueva York y siguió a sus hijos, Lucas y luci, de Charleston, Carolina del Sur, donde su madre les había trasladado. En 2004, Carson se convirtió en el director creativo de Gibbes Museum of Art de Charleston, ha diseñado el especial de “Exploración” edición de la revista Surfing, y dirigió un comercial de televisión para Umpqua Bank en Seattle, Washington. Carson afirma que su trabajo es “subjetivo, personal y auto muy indulgente”. Los trabajos de Carson es conocido entre la generación que creció con la revista Ray Gun, y, en general, la generación MTV visualmente inteligentes. Él tomó la fotografía y el tipo y manipulados y retorcidos juntos y en algún nivel confuso el mensaje, pero en realidad era la elaboración de los ojos del espectador más profundo dentro de la propia composición. Steven Heller, de la revisión el New York Times y numerosos libros de diseño, dijo: “Él influyó significativamente en la generación de abrazar la tipografía como un medio nuevo de expresión artistica”.

David Carson confirmado al TMDG 09.

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DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS mientras que el diseño educador e historiador Ellen Lupton, dijo después del lanzamiento del cuarto libro de David Trek. “David Carson sigue siendo una de las voces más distintivas tipográficos mundos - muy imitada, pero nunca igualado” (ID Mag.nyc). AIGA (American Institute of Graphic Arts) llamado Carson “nuestra estrella más grande”. The Eye Magazine (Londres) produjo un modelo gráfico que muestra Carson a ser el más ‘google’ diseñador gráfico nunca. Carson continúa dando conferencias extensivamente en todo el mundo, incluso en 2010/11. Carson en 2010 trabajó como director creativo mundial de Bose Corporation. También se desempeñó como Director de Diseño para el concurso de 2011 Quiksilver Pro Surf en Biarritz, Francia, y diseñó la marca para el Quiksilver Pro 2011 en la ciudad de Nueva York. También diseñó una serie de tres carteles para el San Sebastián Festival Internacional de Cine en España y en las portadas de Huck y Little White Lies revistas. Fue presentado en 2011 en las entrevistas en la revista Vice y Niños Monstruo, así como las características grandes en los periódicos más grande de España y de Portugal. Carson diseñó la portada del verano de 2011 “El tiempo del arte basado en” cuestión de Mercurio y el catálogo de revista en Portland, Oregon. Carson ha sido invitado a juzgar a los Premios de Diseño Europena en Londres (DD + A) en 2010 y 2011. Desde 2010, ha dado conferencias, llevado a cabo talleres y exposiciones alrededor del mundo y en diferentes estados de los países a los que visitaba en cada viaje. A pasado tiempo de

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David Carson “Ideas Worth Spreading”

trabajo en Francia, Portugal, Madrid, San Sabastion, Los Angeles, Novi Sad, Serbia, Ucrania, Suecia, Londres, Argentina, Brasil, India, Chile, Alemania, Italia, Australia, y varios estados en los EE.UU.

Fuentes: Carson, David (1995). The End of Print: The Graphic Design of David Carson. Chronicle Books. ISBN 0811811999. Carson, David (1997). David Carson: 2nd Sight: Grafik Design After the End of Print. Universe Publishing. ISBN 0789301288. Stecyk, Craig; David Carson (2002). Surf Culture: The Art History of Surfing. Laguna Art Museum in association with Gingko Press. ISBN 1584231130.


DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS

ZUZANA LICKO

Zuzana Licko.

Zuzana Licko (1961, en Bratislava, República Eslovaca) es una diseñadora gráfica. Se trasladó a los Estados Unidos a los siete años. Su padre, un biomatemático, le da acceso a las computadoras y la oportunidad diseñar su primera tipografía, un alfabeto griego, para su uso personal. Entró a la Universidad de California en Berkeley en 1981 como estudiante. Originalmente había planeado estudiar arquitectura, pero cambió a los estudios de diseño y representación visual. Siendo zurda, odiaba su clase de caligrafía, donde la forzaron a escribir con su mano derecha.Se casó con el diseñador gráfico y editor Rudy Vander Lans, de origen holandés, en 1983. En 1984 fundan Emigre, desde donde publican una revista homónima y diseñan tipografías. Vanderlans fue editor de la revista, mientras Licko se encargaba de la tipografía, la cual llegó a ser muy aclamada. A mediados de la década de 1990, Licko trabajó en dos diseños notables: Mrs Eaves , basado en Baskerville y Filosofía , basada en Bodoni . Ambas eran

interpretaciones personales de los modelos anteriores. Ambos viven en California, en Estados Unidos. En una entrevista publicada en la revista Eye, Licko describió su relación creativa con su esposo: “Nos conocimos en la Universidad de California en Berkley, donde yo era estudiante en el College of Environmental Design y Rudy era estudiante de fotografía. Esto fue en 1982-83. Después de la universidad, ambos hicimos todo tipo de trabajos relacionados al diseño. No teníamos una orientación específica. Después, cuando en 1984 fue lanzada Macintosh, compramos una y todo empezó a caer en su lugar. Ambos, cada uno en su estilo, realmente disfrutamos esa máquina. Nos forzó a cuestionar todo lo que habíamos aprendido acerca del diseño. También disfrutamos el proceso de exploración, de ver hasta donde podíamos rebasar los límites. Rudy es más intuitivo, yo soy más metódica. Es como el Ying-Yang. Aparentemente funcionó, y sigue funcionando.

La revista Emigre fue creada por Rudy VanderLans (diseñador de origen holandés), en conjunto con su esposa Zuzana Licko. Los primeros números hablaban del concepto de émigré (termino francés para describir a gente que emigró a otro país), tratando temas como las fronteras, la cultura internacional y la alienación. Sin embargo, la música y la tipografía fueron los dos temas con los que la revista se terminó definiendo. En total se publicaron 69 números (1984 - 2005) con una periodicidad variable. Emigre se convirtió en el órgano de difusión de las corrientes postmodernas en el diseño gráfico y tuvo una influencia muy destacada en la práctica profesional y en la enseñanza”. Emigré, no sólo serviría para traer a escena los discursos contemporáneos sobre diseño gráfico, sino para bien, y sobre todo, convertir la revista en una plataforma de experimentación formal que además, promoviese el reciente negocio de las tipografías que Licko facturaba.

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DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS

ADRIAN FRUTIGER

Adrian Frutiger.

Adrian Frutiger (Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados del siglo XX. Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo pudo expresar en los diseños de sus tipos. Entra a trabajar como aprendiz en 12

la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acude a la Escuela de Artes y Oficios de Zurcí. En ésta última se enfoca en el estudio y diseño de la caligrafía mas que en la tipografía. En 1951 realiza un estudio sobre la escritura occidental que merece un premio del Ministerio del Interior. Su trabajo llega a oídos de Charles Peignot, presidente de la fundición francesa Deberny & Peignot, quien sorprendido por su trabajo preciso y detallista ofrece a Frutiger un puesto en su empresa. Frutiger trabaja en esta fundición durante nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President. Durante los años 50 Frutiger supervisa la adaptación de muchos de los tipos clásicos de Deberny & Peignot (Garamond, Baskerville, Bodoni, etc) para el sistema de fotocomposición Lumitype (conocido como “Photon” en USA) y en el año 1955 diseña el tipo Meridien para este sistema. Abandona Deberny & Peignot en 1960 para abrir su propio estudio cerca de París (este estudio, desde entonces, todavía existe y está ocupado por su socio Bruno Pfäffli). El mayor logro de Frutiger en el campo del diseño tipográfico fue la creación del tipo Univers. Este tipo fue introducido en el año 1957 para fotocomposición y composición en metal. Frutiger anunció que este tipo se transformaría en el modelo para todas las siguientes creaciones de los tipos sin serifa. Luego en los 70s se le pide a Frutiger que diseñara las señalizaciones del Metro de París, para el cual utiliza una variación de la Univers especializada para utilizarse en blanco sobre fondos

oscuros en condiciones de poca luz. Frutiger también diseña un ingenioso sistema de numeración para poder diferenciar sus 21 pesos y anchuras de la Univers, que significó un hito para la denominación y catalogación de tipos. Luego este sistema se utilizó para la Frutiger, Avenir, Helvetica Neue y muchas otras más.

Adrian Frutiger “Type Exhibition”

Adrian Frutiger “Type Exhibition”

Adrian Frutiger “Type Exhibition”


DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS 1994 y estableció su estudio en Bremgarten (Berna), desde donde rediseñó la imagen corporativa del correo suizo (Swiss Post) así como otros trabajos para la compañía del gas francesa (Gaz de France) y de electricidad (Electricité de France), trabajos en donde se reveló como un gran creador de signos. Adrian Frutiger “Type Exhibition”

En 1976 Adrian Frutiger recibe un encargo para diseñar un sistema de señalización acorde con la arquitectura del nuevo aeropuerto de Charles de Gaulles en las afueras de París. Aunque todo el mundo pensaba que utilizaría su famosa letra Univers, Frutiger decidió crear un nuevo tipo sin serif, que cumpliera los requisitos de legibilidad de un aeropuerto, como su fácil y rápido reconocimiento a grandes distancias, tanto vista de frente como en ángulo. El resultado fue una tipografía simple, clara y robusta, que cumplía perfectamente su objetivo y que como nombre adquiere el mismo que el de su creador, Frutiger. Esta tipografía no es estrictamente geométrica ni humanista, sus formas están diseñadas para que cada carácter individual sea reconocido fácilmente. Aunque en un principio fuese pensada para su uso a gran escala en aeropuertos, su enorme calidad hizo que muchas marcas se apropiaran de ella y hoy en día es una de las tipografías preferidas en las agencias de publicidad y estudios de diseño. Su uso es casi universal, funcionando perfectamente tanto en titulares y carteles como en grandes bloques de texto. Frutiger volvió a Suiza en

El 6 de mayo de 1997 y dentro del evento Typomedia 97, Adrian Frutiger presentó su nuevo diseño de la familia Linotype Univers con 59 pesos diferentes. Adrian Frutiger no solo diseñó uno de los tipos más famosos de todos los tiempos, Univers, sino que creó un estándar y un nivel de excelencia en el diseño de tipos que quedará para las futuras generaciones posteriores a este gran maestro. Después de sus estudios en Zurich, Frutiger se trasladó a París, donde comenzó a trabajar en la fundición tipográfica Deberny & Peignot. Allí ayudó a los clásicos de la fundición y observo como se mueven los tipos de letra utilizados con métodos de impresión tradicionales a las nuevas tecnologías de la fotocomposición. Al mismo tiempo, Frutiger comenzó a diseñar sus propios tipos de letra, algunos de los cuales llegó a ser muy importante, y esto le valió su condición de diseñador de tipos grandes. A lo largo de su carrera, ha producido una serie de libros, tales como: Tipo, signo, símbolo (1980) Signos y Símbolos (1989) El libro de Tipo Internacional (1990) La geometría de los sentimientos (1998) El desarrollo de tipo occidental tallada en planchas de madera (1999) Formas y contraformas (1999)

Ciclo de Vida (1999) El Univers (1999) Símbolos y signos: Exploraciones (1999). Hoy en día sus tipos de letra están disponibles a partir de una serie de distintas fundiciones. Él todavía está vivo (2005) y ha trabajado en la versión de Linotype de una serie de sus tipos de letra. Tales colaboraciones recientes han dado lugar a Frutiger Next y Next Avenir, que han incluido formas refinadas y cursiva verdadera. Actualmente vive Frutiger en Berna, Suiza, y actualmente está trabajando con grabados en madera. Algunas de sus tipografías más recordadas y famosas son: • El Presidente (1952) • Febo (1953) • Ondine (1954) • Méridien (1955) • Egyptienne (1956) • Univers (1956) • Apolo (1962) • Serifa (1967) • OCR-B (1968) • Iridium (1975) • Frutiger (1975) • Glypha (1979) • Icone (1980) • Breughel (1982) • Versalles (1982) • Avenir (1988) • Vectora (1990)

Fuentes: Monotype Imaging: Adrian Frutiger Font Designer - Adrian Frutiger Typophile: Adrian Frutiger Adrian Frutigers 80th Birthday

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DISEÑADORES TIPOGRÁFICOS diseñadores gráficos y tipógrafos fue la tipografía mayatán, “que resolvió los problemas fonéticos que tiene esta lengua”, señala Gürtler.

ANDRÉ GÜRTLER Adrian Frutiger (Unterseen (Suiza), 24 de marzo de 1928) es uno de los tipógrafos más predominantes del siglo XX y continúa influenciando el desarrollo de la tipografía digital en el siglo XXI. Es mejor conocido por la creación de las tipografías Univers y Frutiger. Con dieciséis años entró a trabajar como aprendiz en la imprenta Otto Schaeffli al mismo tiempo que acudía a la Escuela de Artes y Oficios de Zurich. Fue el diseñador de las tipografías Univers y Frutiger a mediados del siglo XX. Nació el 24 de marzo de 1928 en Unterseen (Suiza). En su juventud se sentía atraído por la escultura pero fue desalentado por su padre y su escuela para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo su amor a la escultura lo pudo expresar en los diseños de sus tipos.

Andre Gürtler

de Diseño de Basilea. Fue parte del equipo que desarrolló, bajo las órdenes de Adrian Frutiger, los dibujos para la tipografía Univers.. Ha sido profesor invitado en muchos países, principalmente en México, EE.UU. y América del Sur.

Quien diseñó anteriormente la tipografía oficial del idioma maya en México, trabajará con profesionales chilenos en un proyecto que busca André Gürtler nació en Basilea, resolver los problemas fonéticos con Suiza, en 1936, donde estudió diseño signos lingüísticos apropiados para tipográfico desde el año de 1952 hasta esa lengua. 1957 con Emil Ruder en la Escuela de Diseñador y tipógrafo de Diseño de Basilea. la Universidad de Diseño y Arte de Basilea, Suiza, una de las escuelas Fue en Monotype Corporation en más importantes en el desarrollo del Salfords, Inglaterra, donde trabadiseño moderno durante el siglo XX, jó como diseñador de tipos. Allí se André Gürtler, considera que este reunió con Adrian Frutiger quien lo proyecto es el segundo más imporinvitó a París para colaborar con él en tante de su carrera. Anteriormente la oficina de diseño de la fundición trabajó con la Universidad Nacional Deberny Tipo y Peignot. Autónoma de México, UNAM, para Desde 1965 desarrolló una el desarrollo de la tipografía de texto exhaustiva actividad docente a través que unificara todas las lenguas mayas. de la enseñanza de la historia, la caligrafía, los fundamentos básicos de la El resultado de ese trabajo en el que letra y el diseño de tipos en la Escuela participaron lingüistas, sociólogos, 14

Cuando los romanos asimilaron el alfabeto griego, lo adecuaron a sus necesidades fonéticas e idiomáticas, lo refuncionalizaron para poder escribir, a partir de él, su propio idioma latino. A partir de allí, el alfabeto latino fue transmitido y aceptado en la mayoría de los lenguajes del mundo occidental tal como lo reorganizaron los romanos. Sin embargo los pueblos continuaron desarrollando expresiones idiomáticas propias, sonidos distintos, fonemas que no tuvieron formas que los representen. De hecho, alguna lenguas contienen más fonemas o particularidades fonéticas que el latín que fuerón adoptando. Para compensar esta insuficiencia, históricamente se añadieron acentos y puntuaciones a los caracteres latinos o se ligaron o fusionaron dos o tres letras distintas para representar un sonido particular. Un trabajo de posgrado de la Universidad de Diseño y Arte de Basilea, Suiza, ha desarrollado un alfabeto que contempla todos los nuevos caracteres para los sonidos propios del alemán. Si los romanos hubieran hablado el alemán, habrían desarrollado para cada fonema una forma de letra propia.


TIPOGRAFÍA CREATIVA

EXPOSICIÓN: TIPOGRAFÍA CREATIVA

José Oropeza Hernandez “Steve Jobs: Idealist”. Tipografía Creativa.

Como parte de la celebración del Día del Idioma, los alumnos de primer semestre del programa de Artes Plásticas y Visuales de la Universidad del Tolima, con el apoyo del profesor Ricardo Moreno, quien les dicta la asignatura de Dibujo I, dieron apertura el pasado 27 de abril a la exposición ‘Tipografía y Lenguas’ en las modernas instalaciones del Colegio San Simón de Ibagué.

co de los estudiantes y que consistió en explorar periódicos de distintas partes del mundo, a través de sus portales web, para que pudieran conocer varios elementos como su tipografía, diagramación, color, fotografía y composición en general, los cuales que hacen parte de la imagen.

En total son 30 obras las que se estarán presentando hasta el 4 de mayo, que según Ricardo Moreno, utilizan Por medio de un convenio interinstitécnicas como el collage, tinta china, tucional firmado entre la Universidad dibujo a lápiz y otros materiales como y este colegio, se dio vida a la idea la escarcha, tela y tintas. “Todo es artística que refleja el trabajo académi- diverso, pues el taller de Dibujo I es

bastante experimental. Lo que se busca aquí es que ellos utilicen distintas maneras de elaborar sus creaciones”, aseguró Ricardo Moreno.. El montaje de la exposición estuvo a cargo de los mismos artistas, en un equipo integrado también por algunos alumnos del San Simón, quienes a su vez tuvieron la tarea de promocionar el evento y conforman la logística de las visitas. Las obras están ubicadas en los pasillos del colegio, la entrada es totalmente libre y quienes estén interesados en asistir, pueden hacerlo a cualquier hora del día. 15


TIPOGRAFÍA CREATIVA

Cenci Manayaki “John Lennon: Imagine”. Tipografía Creativa.

En total son 30 obras las que se estarán presentando hasta el 4 de mayo, que según Ricardo Moreno, utilizan técnicas como el collage, tinta china, dibujo a lápiz y otros materiales como la escarcha, tela y tintas. “Todo es diverso, pues el taller de Dibujo I es bastante experimental. Lo que se busca aquí es que ellos utilicen distintas maneras de elaborar sus creaciones”, aseguró Ricardo Moreno.El montaje de la exposición estuvo a cargo de los mismos artistas, en un equipo integrado también por algunos alumnos del San Simón, quienes a su vez tuvieron la tarea de promocionar el evento y conforman la logística de las visitas. Las obras están ubicadas en los pasillos del colegio, la entrada es totalmente libre y quienes estén interesados en asistir, pueden hacerlo a cualquier hora del día. Les dejamos algunos de los mejores trabajos en esta exposición para poder lograr aún más animo de parte suya para asistir a este evento en donde le aseguramos no se arrepentirá. Déjese cautivar por el laborioso trabajo de estos jóvenes artistas que logran, con algo tan normal como las letras, algo admirable. “La tipografía creativa contempla la comunicación como una metáfora visual, donde el texto no sólo tiene una funcionalidad lingüística, y donde a veces, se representa de forma gráfica, como si se tratara de una imagen.” José Oropeza.

Miroslav Klose “Bob Marley”. Tipografía Creativa.

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ERA DIGITAL TIPOGRÁFICA

ERA DIGITAL TIPOGRÁFICA

fueron generando en relación al diseño gráfico y el Internet, se crearon nuevas fuentes tipográficas, algunas fuentes fueron modificadas para poder aplicarlas mejor en los procesos digitales (pixeles), para mejorar la visualización en los monitores. Una de las letras o fuentes más conocidas es la Times New Roman elaborada inicialmente para (The Times) un periódico ingles, su diseñador fue Stanley Morison en 1932, se consiguió a través de ella un gran aprovechamiento del espacio y legilibilidad, su uso se extendió en los medios impresos, gozando su popularidad, hoy es utilizado en los medios electrónicos. Otras de las fuentes muy utilizadas es la Verdana pues es agradable a la vista y facilita la lectura para los distintos tamaños de monitores. Existes gran variedad de fuentes actualmente muy usadas para distintas impresiones u ocasiones.

Esta es la herencia dejada por nuestros antecesores hace ya varios años nera de comunicarse mediante símbo- va tomando mas fuerza cada ves y Desde hace ya mucho tiempo el hombre desarrollo la capacidad de los y dibujos colocados en líneas. Pero ahora es tan útil que se integro en comunicarse mediante la escritura. A la esencia de las letras es de orígenes nuestra “Era digital”. través de los años este sistema ha ido griego donde era casi el mismo sistema de escritura, recordemos que la en evolución siendo parte ahora de palabra alfabeto proviene del griego y nuestra “Era digital”. Para los diseñadores gráficos, se forma por alfa y beta. Actualmente existe una gran publicistas, escritores es importante variedad de letras entre estándar un buen molde de letras para hacer llegar legiblemente, atractiva y correc- siendo más legible que las de tipo más decorativo. En la Era digital las tamente las ideas. Definimos brevemente la tipografía es la técnica y el ilustraciones van a acompañadas de arte de comunicarse por medio de un un buen tipo de letras revolucionando las impresiones y el diseño grafico, tipo de escritura muchas palabras. sobre todo a las páginas web, donde La tipografía podemos mencionar que es importante la buena y tambien la viene del griego (τύπος typos, golpe o fácil lectura de los textos. huella, y γράφω graphο, escribir). DesEntonces debido a los avances tecde las antiguas civilizaciones como la egipcia y romana hubo un tipo o ma- nológicos y a las aplicaciones que se

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ERA DIGITAL TIPOGRÁFICA El monopolio de Microsoft, el escaso número de fuentes que incorpora al sistema operativo Windows y la falta de una formación tipográfica básica se revelan como causas de la escasa o nula cultura tipográfica que ahora se percibe. La toma de conciencia de este fenómeno por parte de los profesores y la oferta de una formación ortográfica y tipográfica se conciben como fórmulas para recuperar el “lenguaje” tipográfico y conseguir que los textos se ajusten a una estética acorde con la cultura visual. Interlínea, márgenes, puntos, fuentes, estilos. ¿Existen normas estrictas para la composición del texto de nuestros impresos o debemos ponernos como únicos limites los de nuestra propia creatividad? Los principios fundamentales de la tipografía aplicados a las nuevas tecnologías. Conocer los elementos y recursos que inciden en la composición de textos, se ha convertido, con la abrumadora difusión de las herramientas digitales de autoedición, en un objetivo ineludible.

Fuentes: La enseñanza de la tipografía en la era digital. Autores: José Alonso Seco, Jesús del Olmo Barbero. Manual de la tipografía “Del Plomo a la Era digital”. José Luis Martín Montesinos, Montse Mas Hurtuna.

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DAFT PUNK

Daft Punk. Sticker serie 5555.

Daft Punk es un dúo de música electrónica y Rock alternativo formado por los músicos franceses Guy Manuel de Homem-Christo (nacido el 8 de febrero de 1974) y Thomas Bangalter (nacido el 3 de enero de 1975) Daft Punk alcanzó una gran popularidad en el estilo House a finales de la década de los ‘90, en Francia y continuó con su éxito los años siguientes, usando el estilo synthpop. El dúo también es acreditado por la producción de canciones que se consideran esenciales en el estilo french house. Ellos fueron representado desde 1996 hasta el 2008 por Pedro Winter (Busy P) el jefe de Ed Banger Records 5.A principios de la carrera del grupo, los miembros de la banda estaban influidos por bandas como

The Beach Boys y The Rolling Stones. Bangalter y de Homem-Christo se encontraban originalmente en una banda llamada Darlin’, que se disolvió después de un corto período de tiempo, dejando a los dos experimentar con música por su cuenta. El dúo se convirtió en Daft Punk, y lanzaron su aclamado álbum debut Homework en 1997. El segundo álbum, Discovery, lanzado en el 2001, fue aún más exitoso, impulsado por los sencillos «One More Time», «Digital Love» y «Harder, Better, Faster, Stronger». En marzo de 2005, el dúo lanzó el álbum Human After All, recibiendo críticas mixtas.

lo largo de el 2006 y 2007 y lanzó su álbum en vivo Alive 2007, el cuál ganó un Grammy por Mejor Álbum de Electrónica/Dance. El dúo compuso la música para la película Tron: Legacy y en el 2010 lanzó el álbum de la banda sonora de la película. Daft Punk es conocido por sus conciertos excéntricos, en los que elementos y efectos visuales se incorporan con la música. El dúo también es conocido por su énfasis en sus componentes visuales y de su historia, así como el uso de trajes adornados de robot mientras aparecen en público y mientras se presentan.

Sin embargo, «Robot Rock» y «Technologic» tuvieron éxito en el Reino Unido. Daft Punk hizo una gira a 19


DAFT PUNK IMAGEN Y COMPONENTES VISUALES Daft Punk es reconocido por el uso de componentes visuales asociados a sus producciones musicales. Los videos musicales de los sencillos del álbum Homework destacaban a personajes memorables y puso el énfasis de contar historias en vez de la interpretación musical. Posteriormente, el álbum Discovery se convirtió en la banda sonora de Interstella 5555. Su apariencia también han cambiado con el tiempo. Durante la era Homework, el dúo normalmente usaban máscaras para ocultar su apariencia. Cuando no usaban disfraces, ocasionalmente ellos preferían ser remplazados por animación o tener la cara obscurecida digitalmente por la prensa. Muy pocas fotos oficiales del dúo existen, incluyendo una borrosa que se encuentra en las notas de Homework. En la era Discovery se dejaron ver más. Han aparecido como robots futuristas para sesiones de fotos para publicidad, entrevistas, shows en vivo y en los videos musicales. Estos trajes, diseñados por Tony Gardner y Alterian, Inc., son cascos deportivos capaz de reproducir varios efectos de LED y acompañados por guantes metálicos. Daft Punk presentó sus trajes a los televidentes de EE.UU. a través de un anuncio para la promoción de sus nuevos videos durante el bloque de Cartoon Network, Toonami. Thomas Bangalter declaró: “No elegimos ser robots. Hubo un accidente en nuestro estudio. Estábamos trabajando en nuestra toma de muestras, exactamente a las 9:09 am el 9 de septiembre de 1999, explotó.

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Cuando recuperamos la consciencia, descubrimos que nos habíamos convertido en robots.” Daft Punk ha dicho que usan las máscaras para combinar fácilmente las características de los seres humanos y las máquinas. Sin embargo, Bangalter indicó que los trajes fueron el resultado de la timidez. “Pero se convirtió en algo apasionante desde el punto de vista de la audiencia. Es como un individuo normal con algún tipo de superpoder.” Cuando se le preguntó si el dúo se expresa diferente mientras usan los trajes robóticos, Bangalter declaró: “No, no es necesario. No se trata de tener inhibiciones. Es más como una versión avanzada del glam, donde definitivamente no eres tú.” Con el lanzamiento de Human After All, los trajes del dúo musical se hicieron menos complicados, consistiendo con una chaqueta de cuero y pantalones de color negro, y versiones simplificadas de los cascos de la era Discovery. Los trajes fueron diseñados por Hedi Slimane. Durante el rodaje y promoción de Daft Punk’s Electroma el dúo se esforzó para evitar mostrar sus caras. Mientras estaban en el set de la película, el dúo eligió ser entrevistados de espaldas. Como se informó en octubre de 2006, la banda fue tan lejos como para usar tela negra sobre sus cabezas en una entrevista televisada. Se cree que el misterio de su identidad y la originalidad de sus disfraces han hecho que ganen popularidad. El estatus de sus trajes se han comparado con el maquillaje de KISS y la chaqueta de cuero usada por Iggy Pop.

Bangalter y de Homem-Christo han acreditado a muchas fuentes que influyeron en su estilo musical. Años antes de producir música electrónica como un dúo, los dos declararon que compartían gustos en Elton John, MC5, The Rolling Stones, The Beach Boys y The Stooges. Su admiración mutua en bandas de rock llevó a la fundación de su propio proyecto independiente, Darlin’. Bangalter dijo que “Era tal vez una cosa más de adolescentes en ese momento. Es como, ya sabes, todo el mundo quiere estar en una banda”. Ellos se inspiraron de el rock y el acid house en el Reino Unido durante la década de los 1990. De Homem-Christo señalo Screamadelica de Primal Scream como un influyente trabajo, como el registro de “poner todo junto” en términos de género.Las notas de Homework rinden homenaje a un gran número de artistas musicales y contiene una cita de Brian Wilson. Bangalter dijo que “En la música de Brian Wilson tu puedes realmente sentir la belleza—que era muy espiritual. También me gusta Bob Marley.” Cuando se le preguntó sobre el éxito del álbum debut de Daft Punk y la creciente popularidad de su género musical asociado, Bangalter respondió, “antes de nosotros había Frankie Knuckles o Juan Atkins y así sucesivamente. Lo menos que podemos hacer es rendir homenaje a aquellos que no se conocen y que han influido a la gente.” La canción de Daft Punk “Teachers” en Homework se refiere a varias influencias incluyendo a Romanthony y Todd Edwards.


DAFT PUNK

Daft Punk. Iluminated serie 5555.

De Homem-Christo y Thomas Bangalter.

De Homem-Christo dijo en una entrevista que estos artistas tuvieron un gran impacto en el, así como en su compañero, que la música con la que ellos empezaron fue esa, no fue house, ni música electrónica, sino

rock en su totalidad con leyendas de la historia, como en lo que se están convirtiendo ellos. “Su música tuvo un gran efecto en nosotros. El sonido de sus producciones -la compresión, el sonido del bombo y la voz de Romanthony, la emoción y el alma- es como sonamos ahora.” Más tarde, Romanthony y Edwards colaboraron con Daft Punk en unas canciones para Discovery. Para el álbum, Daft Punk se centró en nuevos estilos de la música electrónica. Una importante fuente de inspiración fue el sencillo de Aphex Twin titulado “Windowlicker”, el cual “ni fue una canción club ni una canción tranquila, sino una canción relajante”, aseguro de manera tranquila Bangalter. El dúo también utiliza equipo para recrear el sonido de un artista an-

terior. Como se ha señalado por de Homem-Christo, “En ‘Digital Love’ puedes recibir un ambiente como de Supertramp”, que se generó usando un piano eléctrico. Durante otra entrevista, de Homem-Christo aclaró que “no hicimos una lista de artistas que nos gustan y copiar sus canciones”. Durante otra entrevista, Bangalter llamó a Andy Warhol como uno de las primeras influencias artísticas de Daft Punk. En 1993, Daft Punk atendió a un rave en Disneyland Paris, en donde conocieron a Stuar Macmillan, integrante de la banda “Slam” y co-fundador de la disquera Soma Records Quality Recordings. El demo que le dieron a Macmillan formó el debut de Daft Punk con el sencillo «The New 21


Wave», el cuál tuvo una publicación limitada en 1994. El sencillo también contenía la versión final de «The New Wave» llamada «Alive», el cuál se introdujo también en su primer álbum. Daft Punk regresó al estudio en mayo de 1995 para grabar «Da Funk». Se convirtió en su primer éxito comercial ese mismo año. Tras el éxito de «Da Funk», Daft Punk decidió buscar a un representante. Finalmente terminaron contratando a Pedro Winter, que regularmente los promocionaban a Daft Punk y a otros artistas en sus clubes nocturnos. La banda luego firmó con Virgin Records en septiembre de 1996 y realizaron un acuerdo en el que daban licencia a la compañía de producción, Daft Trax. Bangalter habló sobre la decisión de firmar con Virgin: Muchas compañías nos hicieron ofertas. Vinieron de todas partes, pero decidimos esperar porque no queríamos perder el control de lo que habíamos creado. Rechazamos a grandes y muchas compañías discográficas. No estábamos interesados en el dinero, así que rechazamos a las que querían más control de lo que nosotros estábamos dispuestos a tener. En realidad, somos más como socios y compañeros de trabajo con Virgin. En lo que respecta a el control y la libertad artística, Bangalter dijó: Tenemos más control que dinero. No puedes tener todo. Vivimos en una sociedad en la que el dinero es lo que la gente quiere, así que no pueden tener control. Nosotros decidimos. El control es libertad. La gente dice que somos fanáticos del control, pero el control es controlar tu destino sin controlar a otras personas.

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No estamos tratando de manipular a otras personas, solo estamos controlando lo que hacemos nosotros. Controlar lo que hacemos es ser libre. La gente debería dejar de pensar que un artista que controla lo que hace es algo malo. Una gran cantidad de artistas de hoy son víctimas, de no tener control, y no son libres. Y eso es patético. Si usted comienza de depender de dinero, entonces el dinero tiene que llegar a un punto para satisfacer sus gastos. «Da Funk» y «Alive» fueron incluidos en su álbum debut, Homework. El álbum contiene géneros de música como: techno, house, acid house y diferentes estilos de electro, y también es un álbum reconocido por ser uno de las influencias más grandes en el estilo del house de los ‘90. «Da Funk» fue incluida en la banda sonora de la película The Saint. El sencillo más famoso de Homework fue «Around the World», la cual es reconocida por repetir el título de la canción una y otra vez. Daft Punk también produjo una serie de vídeos musicales dirigidas por Spike Jonze, Michel Gondry, Roman Coppola y Seb Janiak. La colección de videos fue lanzada en 1999 titulada D.A.F.T.: A Story About Dogs, Androids, Firemen and Tomatoes. En 1999, el dúo comenzó la producción de su segundo álbum, que había comenzado un año antes. En el 2001, el álbum Discovery fue lanzado, orientado en un estilo synthpop, lo que inicialmente sorprendió a muchos fanáticos de Homework. El grupo comentó que querían reconectar las actitudes que tenían des-

de niños. Esto los llevo a usar muestras de canciones de los ‘70 y ‘80. El álbum llegó al #2 en el Reino Unido y el sencillo , «One More Time» fue un éxito de club mayor, casi llegando al primer lugar del UK Singles Chart. El álbum también es reconocido por el excesivo uso del autotune. Este álbum creo una nueva generación de fans. Los sencillos «Digital Love» y «Harder, Better, Faster, Stronger» también fueron un gran éxito en el Reino Unidos y los Estados Unidos, y «Face to Face» alcanzo la posición #1 en los clubes, aunque tuvo una publicación limitada. Una grabación de 45 minutos tomada de un concierto en Birmingham, Reino Unido de 1997, pero lanzada en el 2001 con el nombre Alive 1997. En el 2003, lanzaron la película animada Interstella 5555 - The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem. Daft Punk produjo la película bajo la supervisión de Leiji Matsumoto, el cuál el grupo se refieren como su héroe de sus infancias. El álbum Daft Club fue lanzado para promocionar el filme. Contiene mezclas de el álbum Discovery, este fue solo lanzado por internet por un tiempo limitado.

Fuentes: Daft Punk: Behind the robot masks. The Telegraphs. 6 de febrero de 2011. Biografía de Daft Punk en Allmusic. Daft Punk Musique Vol. 1 Sitio Oficial Extraído el 10 de abril de 2006.


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ejercicio diseño editorial uvp puebla Jose Alberto Manzano Torres

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