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podemos llegar a ser personajes testarudos, reacios a trabajar en equipo si el ego se pone de por medio. Pero la unión hace la fuerza; necesitamos saber reconocer hasta dónde llega nuestra capacidad y tener la humildad de saber cuándo pedir ayuda. Ya suficiente tenemos con ser rechazados por un mundo en escala de grises, ser incomprendidos por aquellos que denigran nuestra labor como para, encima de todo, despreciarnos entre nosotros mismos. Vorágine nace de un concepto caótico, de la intención de convertir un impulso, una pasión y un sentimiento desenfrenado en un sistema ordenado, sintetizar la creatividad en un objeto formal. Y con las altas y bajas en el camino, este proyecto se materializa por fin con la colaboración de un talentoso grupo de diseñadores gráficos, que aportando su talento, perspicacia y habilidad, ha logrado proyectar lo mejor de su trabajo en los distintos rubros del diseño gráfico. La labor de la revista es ardua, imposible de lograr sin la coordinación adecuada. Este proyecto editorial pretende acercar el mundo del diseño a todo público, hacerlo accesible y derribar el muro de elitismo que suele rodear a la labor creativa. El ciudadano común no tendría por qué percibir al diseñador gráfico como un ser extraño de ideas descarriadas. Ellos proveen las ideas, nosotros las soluciones, y nos enriquecemos mutuamente. O por lo menos, eso sería lo ideal.

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Guillermo Raúl Montes Hernández

INTRODUCCIÓN Ilustración Rovoe

NOTAS BREVES CS6 está aquí, Ultimate Spiderman

VIDA Y OBRA Floria Sigismondi: una danza macabra

RETROSPECTIVA a! Diseño

OPINIÓN

cinetiquette, galería cutánea, el mundo no es un reloj

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índice

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Rovoe

Guillermo Raúl Montes Hernández joven oriundo de Metepec, quien trabaja bajo el seudónimo ROVOE. Artista urbano, ilustrador, diseñador gráfico, amante del CMYK y declarado vector lover.

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Comenzó su carrera en el graffiti a los 12 años, pero con el paso de los años notó que existían miles de personas que hacían lo mismo, y es justo ese momento en el que decidió comenzar a generar un estilo propio tras varios años de trabajo efímero. Define su estilo como un caos lleno de color pero sumamente amable y alegre, gusta de los animales y la ficción, siempre teniendo la necesidad de crear personajes que se identifiquen con su persona, en gustos, acciones o pensamientos, siempre está creando nuevos mundos ideales para él, para satisfacer su necesidad de imaginación y plasmar gráficamente lo que piensa en determinado momento.

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HUELLA 26 DEJANDO Querétaro 2012

36 INTERVENCIÓN Víctor Hugo Rosas

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Existimos para divertirnos con nuestra imaginación y trabajo, pero también estamos dispuestos a crear todo aquello que dicen que no existe…si lo imaginas, ¡Claro que existe!

DISEÑO Y ARQUITECTURA

todo converge en el museo

Y CRÍTICAS 44 RESEÑAS música, arte y más

50 INTERVENCIÓN Rovoe

Hace su intervención en este primer número de Vorágine como un tributo a todos los diseñadores participando en este proyecto, así como una forma de difundir el talento local, esto último refiriéndose a un concepto generado por el consejo editorial de Vorágine, en el que se ha decidido buscar para cada número un diseñador, ilustrador o artista diferente que impregne parte de su talento en esta revista.

En particular la ilustración, demuestra el estado en el que Vorágine se encuentra, con los cañones cargados, listos para atacar, para llenar a esa gente de explosiones de gusto por el diseño, el arte, la cultura en general, por tener la revista aquél pelotón que estará contigo al frente y guiará tu camino dentro del delirio creativo que la revista derramará. Rovoe se representa con la forma de un venado, retomando como ícono los cuernos y asimilando su personalidad como seres sensibles y sociales; amante de la gracia y apreciación por la belleza del equilibrio. Para terminar esta pequeña introducción a un mundo lleno de fantasía y personajes de mundos distantes, nos gustaría citar una frase del mismo Guillermo (Rovoe): Existimos para divertirnos con nuestra imaginación y trabajo, pero también estamos dispuestos a crear todo aquello que dicen que no existe…si lo imaginas, ¡claro que existe!

Entre las ilustraciones creadas por Rovoe, hay gran variedad de personajes e historias, que viven y se desarrollan en mundos paralelos, con ambientes creados a partir de su personalidad; ilustraciones que van siempre desde la hoja de papel a un gran trazo vectorizado, ilustraciones siempre llenas de color y dinamismo son las que rigen su trabajo, no siendo la excepción la presentada para que funja como la portada de éste primer número.

Ilustraciones que van siempre desde la hoja de papel a un gran trazo vectorizado, ilustraciones siempre llenas de color y dinamismo son las que rigen su trabajo.


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Por Luis

Ultimate

Comics:

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ara el regocijo de nuestros ojos (y el sufrimiento de nuestras carteras) ha llegado a nuestro mundo material un pequeño software llamado Adobe Creative Suite 6. Estas actualizaciones de aquellos viejos conocidos tienen todo lo necesario que cualquier persona involucrada en la creación para medios impresos y digitales podría desear. Las nuevas opciones y herramientas mejoradas reafirman una vez más la idea de que el límite es la imaginación. A partir del 7 de Mayo.

SPIDERMAN Por Rodrigo Rodríguez

¿Qué hay de nuevo en el menú?

través de la línea Ultimate, Marvel nos da la oportunidad de leer desde el comienzo series como Avengers, X-Men y muchos otros; ahora nos presenta a Spiderman. Hasta aquí no parece llamar la atención, ya que se trataría de otra versión de la historia del héroe arácnido, pero lo que lo hace realmente interesante es que da continuidad a Omnibus, un reciente cómic que nos muestra la muerte de Spiderman. Es aquí donde esta serie tiene su oportunidad de brillar, ya que al parecer, el nuevo Hombre Araña es un niño de ciertos rasgos latinos y afroamericanos, el cual se ve en la situación de tener que sustituir a Peter Parker dentro de un ya caótico universo Marvel donde los mutantes ya no son la especie dominante. Escrito por Bryan Michael Mendis, el creador del universo Ultimate e ilustrado por David Lafuente, pretenden crear un digno sucesor de Peter Parker, ya disponible a la venta.

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Nueva galería de desenfoques Para aplicar con mayor facilidad efectos de desenfoque. Se trabaja directamente sobre la imagen, con puntos específicos que permiten un mayor control.

Autorrecuperación

El programa guarda una copia del archivo cada 10 minutos, y lo restaura en caso de un cierre inesperado.

Guardar en segundo plano

Se puede seguir con el arduo trabajo mientras se guardan los archivos pesados en paralelo.

Degradados sobre los trazos Ofrece la posibilidad de aplicar degradados que fluyen en el sentido y dirección de los mismos trazados.

Nuevo Calco de imagen El calco interactivo se ha vuelto intuitivo, más limpio y más preciso

Mejora del desenfoque gaussiano Éste y otros efectos se aplican con mayor rapidez. La vista previa en la mesa de trabajo ayuda a tener una mayor precisión.

InDesign

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Illustrator

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Fotografía Esteban Madrigal

Un vistazo breve a lo que vendrá

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Bu José

Vista previa en escala de grises Con esta opción, es sencillo visualizar los archivos como si fueran a imprimirse en blanco y negro.

Fuentes usadas recientemente Se puede acceder a las fuentes que se utilizan con mayor frecuencia, al igual que a aquellas que se han usado de manera reciente.

Exportación a PNG Se puede exportar el documento entero o por partes, para usos que requieran alta fidelidad de imagen.

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Floria Sigismondi: una danza macabra. Por Luis Agustini

Las imágenes que filtra por su implacable lente nunca vuelven a ser las mismas. Seres atormentados, figuras monstruosas y cuadros aberrantes se mezclan en su paleta de una luz que está sometida siempre a la oscuridad. Sus fotografías cobran vida de manera intermitente y sus videos rayan en lo absurdo, son fotogramas que padecen a cada segundo y se convulsionan con violencia.

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Fotografías utilizadas con un caracter ilustrativo y promocional, todos los derechos reservados para sus respectivos dueños.

escara es una ciudad italiana bañada por las aguas tibias del Mediterráneo, es aquí donde Floria nace en 1965. Hija de cantantes de ópera, lleva en la sangre el dramatismo teatral. Su nombre es inspirado por la protagonista de La Tosca, ópera de Puccini que relata de manera sanguinaria la invasión de Napoleón a Italia. Su familia se muda pronto a Canadá; es en Ontario donde inicia su formación artística. Al haber mostrado siempre un interés por el dibujo, estudia ilustración y pintura en Ontario College of Art. En ese entorno creativo descubre también el ámbito fotográfico, por lo cual desarrolla un gusto arrebatado por el mismo y se gradúa con un título en fotografía. The Revolver Film Company le presenta la oportunidad de dirigir sus primeros videos de bandas canadienses emergentes. Es en la dirección donde da las primeras muestras del particular estilo que la representa

hoy en día. Ella misma ha descrito las locaciones de sus videos como “entrópicos inframundos habitados por almas torturadas y seres omnipotentes.” Imágenes tan cautivantes como perturbadoras, que atrajeron la atención de artistas como Marilyn Manson desde el inicio de su carrera. Es en 1996 cuando su trabajo queda bajo los reflectores internacionales, al dirigir The Beautiful People, un provocador video que se ha convertido en un referente visual en la videografía de Manson. Situada en una destilería

abandonada, describe un mundo que asemeja una pesadilla industrial; prótesis y disfraces sacados de maquiavélicas fantasías y perversos entes que se regocijan en el sopor, que filmados de forma temblorosa y errática, una característica que se convertiría en el sello característico de la directora, lucen terroríficas en pantalla. “Se me ocurren ideas para la fotografía igual que con los videos. La diferencia es que necesitas muchas más ideas para llenar un video. Con la fotografía la gente observa tanto como quiera, pero

con una imagen en movimiento demandas que alguien le dedique el tiempo para verlo adecuadamente en su totalidad,” es así como describe parte de su proceso creativo y contrasta los distintos ámbitos de su trabajo. Otras figuras del mundo de la música que han compartido su visión incluyen a David Bowie, Sigur Rós, Björk, Leonard Cohen y Fiona Apple. También ha colaborado con clips para bandas de rock como The White Stripes, The Cure, Muse, Incubus e Interpol.


Se ha involucrado en arriesgados experimentos de cambios de imagen, como el caso del video para la canción Fighter, de Christina Aguilera. En una atípica pieza para una estrella pop, Floria hace gala su estilo sin ninguna reserva. La canadiense habla acerca del concepto detrás del video: “La canción es acerca de la transformación, así que tomé una referencia de la naturaleza. Es básicamente acerca de salir de un lugar muy tóxico a una posición de poder, un lugar lleno de fuerza. Siempre he tenido miedo de las polillas, y de manera subconsciente las incluí en el video, así que tendré que lidiar con ello.

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Son peludas y cargan polvo. Encontré que en la mitología antigua representan al alma; me pareció bastante apropiado.” En años recientes, ha coqueteado también con el mundo del cine, con su ópera prima del 2010, The Runaways, un filme biográfico de la banda homónima de los años 70. Centrada en la relación entre Joan Jett y Cherie Currie (interpretadas por Kristen Stewart y Dakota Fanning, respectivamente), la película muestra otra faceta de Sigismondi, quien muestra versatilidad al prescindir de los pesados visuales en pos de una narrativa mucho más sobria, dejando que sean los per-

sonajes mismos quienes cuenten la historia. Quizá sea pronto para especular, pero es difícil ver a la canadiense cruzando el umbral de la cordura así como así. “Soy una optimista, por supuesto, pero soy realista también. Es evidente que el futuro será muy diferente a lo que disfrutamos ahora. Retrato un mundo arruinado porque es parte de la naturaleza, de nuestra naturaleza humana. Jugamos a ser Dios. Ya sea a través de la guerra, el medio ambiente o la manipulación del genoma humano, hay mucho espacio para la corrupción y para ser corrompido,” sentencia Sigismondi de manera ominosa.


¿Que consejos nos darían para emprender un proyecto? El consejo es creer en lo que hacen y hacerlo bien. Y aunque no hay recetas, si hay ingredientes indispensables: disciplina, trabajo y siempre estar dispuesto a aprender algo nuevo cada día.

¿Como trabaja el equipo de a!? En ocasiones pensamos que es magia, somos un equipo relativamente pequeño para hacer dos publicaciones y varios eventos. La clave es organización; en el tema específico de la revista, para cada edición primero se hace un proyecto

de contenido, se revisa, se corrige y una vez que se aprueba, comienza la realización, que consiste principalmente en entrevistas, artículos y colaboraciones; en ésta parte se reúne toda la información e imágenes correspondientes a cada parte del contenido. A la par, comienza a trabajar el área de diseño en coordinación con el área comercial para definir los espacios comerciales y las páginas para cada contenido de la revista. Finalmente, después de las correcciones de texto y diseño, se prepara el archivo final para impresión y el área de diseño da seguimiento a esta parte del proceso para verificar la impresión de la revista.

Fotografía Elena Cárdenas

Paco Santiago Director Editorial 04455 5415 1432 www.a.com.mx www.disenoesnegocio.com www.twitter.com/aDisenoMX www.facebook.com/aDisenoMX

Por Noé López

¿Como nace a! Diseño? En 1991, motivados por la necesidad de una publicación especializada en el tema del diseño en México, los hermanos Antonio y Rafael Pérez Iragorri decidieron fundar la revista "a! EDICIÓN COLECCIONABLE DE DISEÑO GRÁFICO", que actualmente se titula únicamente "a! DISEÑO". El nombre obedece a la expresión "ah!", pues uno de los objetivos es sorprender a los lectores y que el diseño siempre sorprenda. El número. 1 de la revista se publicó en mayo de 1991, y actualmente a! DISEÑO da cobertura a diferentes especialidades del diseño: gráfico, industrial y de interiores, fotografía, artes gráficas y marketing.

¿Que los motiva cada día para seguir? Sin duda, la principal motivación es consolidarnos como el principal medio de difusión y promoción del diseño en nuestro país, creemos en el diseño. Y para lograr este objetivo contamos además con eventos como la Conferencia Internacional a! Diseño, el Premio a! Diseño y recientemente una nueva publicación titulada "Diseño es Negocio". Cada edición de a! Diseño definitivamente impone un nuevo reto cada vez más grande, pues queremos cada vez ser mejores y seguir sorprendiendo.


Por Esteban Madrigal


Ésta sección estará dedicada al cine, y en ésta ópera prima de Vorágine voy a quejarme amargamente del comportamiento de algunas personas. Mencionaré consejos prácticos que pueden salvar tu película. A quién no le ha pasado que mientras disfrutas de una gran película, un chistosito empieza a hacer sus bromas con su bola de amigos. No es por generalizar, pero normalmente son tipos de prepa que van en grupo a ver una película, y como no falta el payasito del grupo, cree que es momento de tener sus 15 minutos (o más, dependiendo de cuanto dure la película), mi conclusión: payaso expuesto. Si resulta que ese sujeto es tu amigo, recomiendo no volver a invitarlo. Tampoco faltan los que le contestan a la película, en lo personal me parece hilarante y molesto al mismo tiempo, pero prefiero que no lo hagan. También pueden ahorrarse sus comentarios, predicciones y no se preocupen por los actores (a menos que sea un video “snuff”): es una película, disfrútenla y dejen disfrutarla. Otro fastidio es que te pongan los pies en la espalda o que te empujen. Personalmente opino que para generar esta cultura de la “cinetiqueta” hay que empezar por uno mismo; recuerda llegar temprano y elegir bien tu asiento, ponerte cómodo y permanecer así el resto de la función, siempre y cuando no molestes a nadie. ¿Alguna vez te ha tocado sentarte junto a una pareja de adolescentes llenos de hormonas? Es de lo más perturbador (sobre todo si eres un alma solitaria), los efectos de sonido y a veces hasta en 3D, muy desagradable. Si llevan a su pareja, por favor evítenle la pena a los que los están rodeando y vean la película, después de todo están pagando por ello. Los alimentos, benditos sean, sobre todo si son golosinas. Pero que a mitad de una escena de suspenso suene la envoltura de los cacahuates, o que te llegue el olor de los tacos te echa a perder el show. Gente, por favor, no metan garnachas a las salas del cine, si van a comprar frituras o cualquier cosa que venga en una envoltura (inconvenientemente ruidosa) ábranla primero, o háganlo en las escenas ruidosas para no romper la tensión o los emotivos silencios. Hablando de silencios, bájale a tu celular, es más, apágalo. Con esto les evitas molestias a los demás y tú también te evitas posibles problemas (y vergüenzas).

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Ilustración José Buenabad

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También contestar o revisar mensajes durante la proyección es nefasto, debido a que la luz de la pantalla del celular deslumbra, lo cual resulta muy molesto. ¡Lluvia de palomitas! Chicos por favor, no están en la matinée de la secundaria (si lo estás tampoco debes hacerlo), respeten las salas. Está bien que les paguen para limpiar las palomitas o el refresco tirado, pero no les hagan el trabajo más difícil a los empleados; un cine en buen estado se disfruta mejor. Sin duda, hay muchas cosas que molestan a las personas en los cines, como los trailers en los autocinemas o las señoras con sombreros, los señores dormidos, los caballeros con sombreros de copa y los niños chillones. A nadie le gusta que lo incomoden y ¿por qué no empezar por uno mismo? Tómalo con calma, disfruta la película y ante todo: respeta.


El Diseño en la piel

GALERÍA CUTÁNEA

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ueden encontrarse en la piel de personas que visitaron la cárcel, en personas que pertenecen a algún grupo desaprobado por la sociedad, en personas que son consideradas “rebeldes”, en personas a las que las abuelitas consideran rateros e incluso en personas comunes sin pasados oscuros; el tatuaje ha pasado por una serie de juicios y se ha cuestionado su uso desde que fue practicado por primera vez.

El tatuaje no sólo es una pieza artística que debe ser admirado por el trabajo exhaustivo del tatuador, también es un ejemplo claro del alcance del diseño en el arte y su aplicación más allá de lo antes establecido. Por Eugenia Guzmán Ilustración Víctor Hugo Rosas

La palabra tatuaje es de origen oceánico; viene de la frase polinesia tatau, que el polinesio alarga al pronunciarla como si se escribiera tatahu, y está compuesta de ta, dibujo, impresión, y de tau, piel; significa dibujo en la piel. El tatuaje es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto con tinta o con algún otro pigmento bajo la epidermis de una persona. Ha sido utilizado a través de los años para marcar estatus o condenar

la existencia del portador pero, ¿cómo ha evolucionado de tal forma que ahora cualquier persona puede portar uno? Y más importante ¿cómo llegó a convertirse en un objeto de diseño para tantas personas? Remontándonos al inicio del uso de los tatuajes sabemos que fueron una práctica eurasiática en tiempos neolíticos, y se han encontrado incluso en una momia del siglo II d.C.; las distintas culturas que utilizaron el tatuaje lo hicieron de distintas maneras; tanto como arte, en el sentido de creación de significados rituales o simbólicos, como ocurría en el Antiguo Egipto, como para marcar o señalar a los criminales, que es el caso de las antiguas Grecia y Roma. Incluso se cree que, por su posición en el Hombre de Hielo, las marcas cumplieron un fin terapéutico; de hecho es aquí donde entra el diseño. Al ser marcas que debían ser identificables, signos y símbolos, que tuvieran un significado común entre las culturas debían ser bien pensados y lo más claros posible; la conceptualización de imágenes y el trabajo de los artistas del tatuaje jugaron papeles importantes para que hasta el día de hoy el tatuaje pueda seguir llevando tal carga de significado. Hoy en día el trabajo del artista de tatuaje debe ser muy completo para satisfacer las necesidades del cliente y al igual que un profesionista en el campo del diseño es necesario seguir una metodología para llegar al resultado deseado. En todo tipo de trabajo de diseño nunca faltan los clientes que no saben que es lo que quieren o que creen saberlo todo. Un buen tatuaje debe ser capaz de cubrir las expectativas del cliente, debe ser claro aunque sea sólo para el portador y debe ser bien pensado teniendo en cuenta tanto el lugar en el que será colocado así como la manera en la que formará parte del cuerpo del individuo armónicamente. Utilizando estándares de estética y conocimientos de la anatomía humana, cada trazo debe ser pensado detenidamente antes de realizarse y cometer un error incorregible. En resumen, El tatuaje antiguo tiene mucho en común con el tatuaje actual, este arte está aceptado, formando parte de la vida de muchas personas y podríamos decir que ocupando espacios cada vez mayores en la sociedad; el tatuaje no sólo es una pieza artística que debe ser admirado por el trabajo exhaustivo del tatuador, también es un ejemplo claro del alcance del diseño en el arte y su aplicación más allá de lo antes establecido; el tatuaje es sin lugar a dudas una de las formas de comunicación más extremas y con más trasfondo cultural que existen.

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El mund no es un reloj Por: Mariel Jaime

La teoría del caos fue un tema que fue dando vueltas en mi cabeza desde los tiempos que refunfuñaba por qué demonios se me ocurrió estudiar arquitectura, sobre todo en los momentos en que maldecía mi poca destreza para hacer maquetas y mis cobardes intentos para cortar correctamente con el cúter, sencillamente recordar a toda la gente que ataqué “accidentalmente” en el camión para resguardar mis singulares maquetas aun me da escalofríos.

La realidad depende de circunstancias inciertas y unas más ficticias que inciertas.

Esa teoría se fue alejando de mi mente lentamente cuando ingrese al mundo del color, finalmente fui olvidando los ACAD ERROR , las infinitas clase de Geometría con Tapia, las eternas noches escuchando 93.3 (un método desesperado para sobrevivir y acabar mis primeros planos a mano). Estaba también mi inclinación a cosas no muy usuales para el perfil de un arquitecto (aunque no necesariamente; recuerden a Gaudí), árboles rosas, pisos radiales, casas en forma de caracol y muebles hechos de dulce. Podría decirse que era un estilo completamente orgánico, nada funcionalista y sobre todo caótico. Sin embargo jamás me percate que obviamente en el diseño esto aun no terminaba, y es así como termine escribiendo este artículo. La teoría del caos, que aquí intento explicar, dice que cualquier pequeña variación genera un efecto considerable; aun los procesos aleatorios adoptan una postura caótica sigue existiendo un orden aparente. Podemos recordar esa típica frase que todos conocemos. ¡Mi cuarto es un desmadre, pero yo sé dónde está todo!

El caos tiene una estimulante cualidad de ser impredecible y controlado.

El caos es impredecible por naturaleza y azaroso, pero a pesar de ser instantes desordenados e inestables sigue existiendo un orden aparente. Existen dos posturas o modelos del universo: la teoría determinista habla de un universo que funciona como reloj, leyes eternas de la naturaleza, en el que no existe el azar, y todo se puede predecir conociendo la situación anterior. Esta representa la eterna búsqueda de la perfección, que nosotros como humanos intentamos lograr, sin embargo solo se le puede acercar, más nunca conocer en su totalidad. Esta teoría aplicada en el diseño, se enfoca en dos extremos: Franchis D.K. Ching dice que “El orden sin diversidad puede resultar en monotonía, y la diversidad sin orden puede resultar en caos”. Inclusive entre orden y caos debe existir equilibrio (para lograr esa funcionalidad y atrevimiento a experimentar sobre lo no conocido), si es muy ordenado sencillamente no llamará la atención por ser un elemento muy aburrido, si es muy caótico no pasara de que ser excéntrico y no funcional.

Todo diseño, se supone, está basado en un orden. Eso lo hace más comprensible, y el orden trae claridad a través de la organización, mejor relación con el entorno, de codificar el espacio dimensionalmente, todo esto es una supuesta manera de controlar la naturaleza. En el diseño es común que exista un orden jerárquico, esto es lo que es aceptado y dominado por la cultura, sin embargo no necesariamente es una verdad absoluta. Inclusive el caos tiene una estimulante cualidad de ser impredecible y un caos controlado, por lo tanto, el orden tal vez sea una consecuencia inevitable del diseño. Conforme voy conociendo el diseño, creo que el caos no solo se aplica dentro de los proyectos, también en nuestra relación con los otros masters de la creatividad con los que trabajamos, reímos y lloramos. Incluso los momentos catastróficos dentro de un proyecto, bien lo valen, pues gracias a estos generamos objetos del diseño, funcionales y que logran transmitir algo. De estos eventos desafortunados seguiré aprendiendo, y no me refiero solamente a la típica problemática dentro del diseño, me refiero de lo aleatoria que es la vida, creo que el caos le da un grado de belleza a nuestra existencia, eso la hace interesante: nunca saber qué es lo que va a pasar.


Por Luis Agustini y Laura Sánchez Fotografía Esteban Madrigal

Querétaro, 2012 26

H

ace 15 años, Tipos Libres comenzó con el sueño de compartir las historias detrás de los profesionistas del Diseño, para despertar las inquietudes de los estudiantes que están en el camino y buscar inspirar nuevos proyectos.


Por ello, en 1997 se organiza el Primer Congreso de Diseño Gráfico Dejando Huella, que se realiza en la ciudad de Querétaro, y que se ha consolidado como uno de los proyectos más importantes a nivel nacional en la promoción y difusión del diseño gráfico en México. Tipos Libres es un despacho de diseño gráfico creado por Eduardo Espinoza. Los Tipos Libres se definen a sí mismos como “Un estudio de Diseño Gráfico. Nos dedicamos al diseño que es nuestra pasión, nos dedicamos a crear. Disfrutamos cada proyecto, escuchamos, estudiamos, tomamos riesgos y mucho café.” Entre sus trabajos más recientes se encuentran: el diseño de imagen y aplicaciones para la pastelería gourmet Zürich, el desarrollo de la imagen y el sitio web de Colegio Koru, Diseño de campaña de fomento a la lectura para el Gobierno del Estado de Querétaro (ganadora

del Premio a! Diseño “Si lees se nota”), entre otros. Tipos Libres se ha consolidado como uno de los estudios más importantes de la ciudad de Querétaro, ya que su trabajo se ve reflejado no sólo en el diseño, sino en los fuertes lazos que crean entre el estudio y sus clientes. Este año los Tipos Libres, así como Eduardo Espinoza, se visten de fiesta para celebrar el XV aniversario de Dejando Huella, que como toda quinceañera, merece una celebración especial. El color rosa se encuentra presente en el atuendo de la festejada, pero deja atrás las suaves telas y las sustituye con una guía Pantone, y como una diseñadora haría, lo porta con orgullo y gracia, sabiendo que este cumpleaños no es nada como los otros. Ésta es la crónica de un grupo de diseñadores y su experiencia como invitados a la gran fiesta.

“Nos dedicamos al diseño que es nuestra pasión, nos dedicamos a crear. Disfrutamos cada proyecto, escuchamos, estudiamos, tomamos riesgos y mucho café”

La ciudad de Querétaro no aparece demasiado lejos de Toluca en el mapa, es un viaje breve de apenas tres horas. Y a pesar de estar en el mismo país, casi en la misma región, es evidente que es un mundo aparte. Luego de los trámites y las bienvenidas, y una vez estando instalados, nos dirigimos hacia el Auditorio Josefa Ortíz de Domínguez. La espera se hace larga para el inicio las conferencias, y es amenizada por la entrada triunfal de una versión mucho menos agraciada de la quinceañera que todos teníamos en mente. Es una imagen un tanto grotesca, pero igual es celebrada de manera discreta. Los productos a la venta podrían no tener tanto éxito en el mercado convencional, pero aquí encuentran a su verdadero público meta. Cosas mundanas que cobran el valor de pequeños tesoros para quienes los adquieren; baratijas que pueden convertirse en artículos de colección en las manos correctas. El auditorio se va llenando poco a poco y el momento se acerca, se apagan las luces. Las tradicionales


“...baratijas que pueden convertirse en artículos de colección en las manos correctas”

palabras en honor a la festejada son recitadas por Eduardo Espinoza, quien desciende en un columpio floreado, digno de la más sensible de las fiestas. La madrina Rosemary Martínez se une también a los honores, y oficialmente se dejan de lado las ovaciones para pasar a las conferencias del primer día. Ale Paul es el encargado de abrir con broche de oro. Con su carismática personalidad, logra ganarse a la audiencia casi de inmediato, y su trabajo habla por sí mismo. Sus creaciones tipográficas tienen personalidad propia. Su inspiración puede provenir de muchos lugares; habló de fuentes de referencia tan simples como marquesinas locales en Argentina, publicidad retro, bardas pintadas y catálogos tipográficos antiguos.

Presentó su trabajo con una variedad de materiales audiovisuales, tales como videos, montajes fotográficos y animaciones, que en verdad hacen que su trabajo cobre vida con imagen y sonido, valiéndose de colaboraciones en conjunto con colegas que ejercen el diseño en sus distintas ramas. También se hizo evidente el impacto que ha tenido la obra de Ale Paul en la vida de muchas personas, que le han enviado emotivos correos, mensajes y fotografías para agradecerle su aportación a la tipografía y al diseño, que los ha marcado tanto que algunos incluso han elegido algunas de sus fuentes tipográficas para escribir mensajes en su piel que han de llevar de por vida consigo. Al terminar la conferencia, se ofrecieron una serie de carteles impresos en serigrafía, una serie limitada con la firma de Ale Paul. La fila no se hizo esperar, y aquellos que fueron deslumbrados por la obra del

argentino se apresuraron a ser de los pocos afortunados que podrían adquirir uno de estos carteles. Entre los modelos disponibles, hay uno en particular que tiene una carga simbólica muy especial. Plasmado con tinta dorada, la fuente Brownstone brinda una clase a clase de homenaje a México con todos sus estados, una composición llena de ornamentos y figuras inspiradas en cancelería de hierro oriunda del barrio de Brooklyn en Nueva York. No cabe duda que el diseño es capaz de cruzar todas las fronteras. Catalina Estrada llenó el auditorio de una gama muy particular de vibrantes colores, quebró la oscuridad del escenario como se rompe el silencio con una dulce melodía, que en el caso de Catalina, se trataría más bien de una brillante sinfonía. Remembrando su infancia, dejó ver que su madre es, en sus propias palabras, la persona que menos miedo

le tiene al color. En la casa donde pasó su niñez fue de donde Catalina absorbió las primeras imágenes que habrían de marcar la pauta su trabajo como ilustradora. Motivos florales, aves y todo tipo de plantas son elementos recurrentes en su trabajo, que son fáciles de encontrar en su natal Medellín en Colombia, de la cual presume, goza de un clima envidiable que propicia que la primavera pueda florecer durante todo el año. Y conociendo esta historia es fácil ver cómo puede imaginar las ilustraciones tan delirantes que genera su mente, colores saturados y formas que fluyen como enredaderas. Imágenes dotadas de vida en sí mismas. Un valor muy importante que se destacó del trabajo de Catalina es su cercanía con la gente, cualidad que es altamente apreciada en un gremio como el nuestro, en los que el talento suele ir acompañado de egoísmo y arrogancia. Esta mujer parece guardar una coherencia con la obra que la acompaña, posee esa misma cualidad de calidez, un sentimiento orgánico y humano. Al hablar de uno de los proyectos en los cuales está involucrada, Laboratorio del Espíritu, nos compartió las conmovedoras historias de un grupo de niños que han encontrado la esperanza en la expresión artística. A pesar de vivir en ambientes marcados por la violencia, desigualdades y conflictos sociales, estos niños escribieron poemas llenos de ilusión que Catalina tradujo al lenguaje gráfico. Los inocentes versos se convirtieron en hermosas imágenes, que son inclusive más vistosas cuando conocemos el motivo detrás de ellas. La noche es una excelente oportunidad para conocer Querétaro con toda comunidad; las calles del centro se llenan de diseñadores y es fácil notarlo. Y las opciones para relajarse después de un largo día de conferencias son variadas. No es problema regresar al hotel, caminar a la deriva de la ciudad se siente extrañamente seguro.

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A pesar del imperante calor, Querétaro es vibrante en el día también. Las calles se llenan de color, con puestos de artesanías mexicanas y manualidades de todo tipo. Es difícil caminar sin distraerse por todos lados. Se puede ver a gente de todo el país y de distintas partes del mundo por todas partes, turistas que se ven atraídos por la tranquilidad y la belleza de esta ciudad. En los tres días de conferencias estuvo disponible en el hall del auditorio la Feria de Expositores, en donde se podían adquirir todo tipo de objetos de diseño, desde libretas y camisetas hasta tazas de formas extrañas o incluso tortilleros, todos con un alto valor de diseño, entre los expositores se encontraba la editorial Gustavo Gili, Adobe, Metzican, Inn Dessente, Gyks, etc. Solo podría pasar en un congreso de diseño: el Adobe CS6 fue recibido como todo un rockstar. Los aplausos y las ovaciones se hicieron presentes al presenciar las nuevas posibilidades que nos presenta la versión más reciente de la paquetería de Adobe. Soluciones a viejos problemas, los dolores de cabeza de todos que lentamente van desapareciendo. Aunque sabemos que todos los usamos, son pocos realmente quienes poseen una licencia original, por lo que Adobe ofreció también la oportunidad de adquirir todos los programas a un precio especial para estudiantes. Una oferta que será aprovechada por más de uno, sin duda, que bien vale la pena invertir en las herramientas que nos dan la pauta para nuestra labor en el diseño. Y si bien están ahí las bases, somos los diseñadores quienes le damos vida a los proyectos, lo cual es un principio que no debemos olvidar para no perder de vista el enfoque; recordar que más que simples técnicos, nuestras capacidades van más allá de lo que los programas de cómputo nos pueden ofrecer, son simplemente maneras

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de facilitarnos el trabajo. Y las posibilidades son ilimitadas si realmente se cuenta con la creatividad necesaria. Los 1800 asistentes esperaban la conferencia que impartiría Benito Cabañas, este reconocido diseñador se ha presentado antes en varios congresos y en dos ocasiones en DH, así que muchos de los diseñadores presentes, aunque ya conocían su trabajo, estaban impacientes por apreciar sus carteles que lo han vuelto famoso. Para la sorpresa de todos, El Veno decidió mostrarnos su nuevo trabajo; nos habló sobre las instalaciones en las que ha trabajado en donde su diseño es mucho más conceptual y a la vez más artístico ya que estas instalaciones sólo son mostradas en museos y de alguna manera, efímeras. Al final la conferencia de Benito Cabañas no fue lo que todos esperaban y llego un momento en el que a la audiencia le pareció tediosa, aunque por otro lado fue muy interesante ver que como diseñadores podemos adentrarnos al mundo del arte sin temor, podemos experimentar otro tipo de soportes y conceptos para nuestros diseños. La siguiente plática será impartida por el diseñador e ilustrador Javirroyo. Creador de la marca de vinilos decorativos Chispum, en la que colabora como autor. Sus diseños e ilustraciones se distribuyen en Europa, Estados Unidos, Canadá, Japón, Corea e Iberoamérica. Y así es como empieza su conferencia, partiendo de la idea de dibujar y crear fuera del papel, por medio de videos nos muestra su trabajo en murales, tanto por medio de vinilos como con dibujos hechos con rotuladores. Sus obras contienen ese humor hasta cierto punto negro que lo caracteriza y con el que empezó a dirigirse al público con sólo tomar el micrófono. Nos habla de que jugar es inventar un problema y tratar de solucionarlo, al comentar

esto nos enseña su trabajo en el hospital infantil Sant Joan de Déu donde intervino la cafetería del lugar para alegrar a los niños y en donde claramente se puede notar que puede cambiar su humor negro por ilustraciones tiernas y divertidas perfectas para los niños del hospital. Es también fundador, editor y autor de El Estafador, la publicación semanal de humor gráfico online en lengua española más conocida y con más lectores del mundo, con colaboradores de todo Hispanoamérica. Por último nos presentó su proyecto de conciertos ilustrados en donde ilustradores de El Estafador plasman sus ideas de acuerdo a la canción que el grupo esté tocando en ese momento, este es más como un proyecto social en donde se aprecia la relación con la gente y la música. Para sorpresa de los presentes Javirroyo no termina su conferencia de manera tradicional, sino que a capela cantó ante todo el auditorio una jota, al instante los diseñadores divertidos prorrumpen en risas y aplausos. Para cerrar con broche de oro éste sábado de conferencias se presenta el maestro Mario Eskenazi, que Javirroyo presenta como su padre adoptivo. Mario es arquitecto de formación, nacido en Buenos Aires y residente en Barcelona, con una trayectoria inmensa como diseñador, en el campo del branding, diseño editorial, packaging etc.

Entre los premios que Mario Eskenazi ha recibido, podemos mencionar LAUS, Awards of Excellence (CA Magazine, San Francisco), Merits Award (A.D.C., New York), Merits Awards (D&AD, Londres) y el Premio Nacional de Diseño del año 2000, aunque su mayor premio son las raíces que han echado en su estudio muchos de sus clientes, con los que lleva trabajando más de 20 años en algunos casos. En esta ocasión inició su ponencia presentando cinco pasos primordiales para realizar un buen diseño: 1. Comenzar con ideas, 2. Profundizar en el proceso, 3. Dejar que los conceptos determinen las formas, 4. Reducir hasta la esencia, 5. Mantener la integridad de la idea. Con esta lista abordó su trabajo. Conforme avanzaba la conferencia se podía notar la gran experiencia de este arquitecto de profesión pero diseñador por convicción con diseños asombrosos como Barcelona, Mordisco, Camper Together, Negro Rojo, entre otros. Una frase muy interesante que nos dejó aleccionados a todos los diseñadores presentes fue “Describir es destruir, sugerir es crear” y está más que claro que en esa frase está basado todo su trabajo en donde de conceptos sencillos y eficientes puede crear diseños que parecen obras de arte, que nos dejan a todos maravillados por su trabajo.

“Describir es destruir, sugerir es crear”

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“La inspiración no existe, existen las horas largas de trabajo y aprender de los que son mejores que tu” Alejandro Magallanes estudió diseño gráfico en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. En 1996 fundó, con Leonel Sagahón, el despacho La Máquina del Tiempo. Ha trabajado para diversas instituciones sociales y culturales, en el desarrollo de proyectos editoriales, imágenes institucionales, carteles, etc., y en 1997 coordinó la exposición No todos los carteles son bonitos. Su trabajo de cartel ha sido expuesto en Japón, la República Checa, Argentina, los Estados Unidos, China, Eslovenia, Rusia, Ucrania, Colombia, Venezuela, Polonia, Cuba y México. Alejandro compartió con los asistentes sus libros que hasta cierto punto se pueden calificar de infantiles aunque algunos son muy apropiados para adultos y jóvenes, con humor y bastante alegres, estos libros escritos en forma de poemas cortitos en donde ilustraciones simples y textos simples igualmente se unen para crear objetos de diseño maravillosos. En Ediciones SM ha diseñado, junto con el equipo del despacho La Máquina del Tiempo, los libros de las colecciones Cuentos Portátiles y Así Ocurrió, además de haber dado vida, en esta última serie de biografías, a personajes como Mary Shelley, Lola Álvarez Bravo y Pierre de Coubertin. Así mismo, ilustró los volúmenes Nube naranja amarilla y Marina y el pirata de la serie blanca de El Barco de Vapor y creó la

serie Mira Otra Vez, integrada por tres títulos que detonan la creatividad de los pequeños lectores: Yo veo, Esto no es y ¡Ven, hada! Rubén Albarrán causó gran expectativa, fue el expositor que más atrajo la atención de todos los presentes. Tan solo la mención de su nombre provocaba aplausos y gritos generalizados, que dada su condición de frontman de la banda mexicana Café Tacuba, era de esperarse. Momentos antes de su conferencia, se le pudo ver paseando por el vestíbulo del auditorio, curioseando entre los puestos, firmando autógrafos, recibiendo saludos y complaciendo todas las peticiones de aquellos que quisieron fotografiarse con él. Su conferencia, sin embargo, contrastó con la energía que suele proyectar en escenarios y videos musicales. Fue una desangelada plática en donde los aspectos más relevantes, los momentos que lograban levantar los ánimos del público eran aquellos en los que hacía mención de la banda que lo llevó a la fama. Tal parece que el señor Albarrán ha pasado mucho sin involucrarse realmente en el gremio del diseño, lo cual se dejó ver por algunas de sus posturas y comentarios que se percibían como un tanto alejadas de la realidad actual. Y después de una ponencia atropellada, quedó claro que como diseñador gráfico, es un músico destacado.

La última conferencia de esta celebración estuvo a cargo del gran diseñador gráfico Javier Mariscal, ha desarrollado su carrera profesional en Barcelona. La creación de Estudio Mariscal en 1989, formado por un equipo de especialistas que colaboran estrechamente con él, le permite solucionar proyectos globales. Mariscal tiene proyección internacional y gran repercusión mediática, debido a que, al igual que ocurre en su trabajo, sabe comunicar directamente con el gran público. Su gran especialidad es el dibujo, por eso su actitud frente a cualquier encargo es artística, utilizando un lenguaje universal e intemporal que suma valor, singularidad y emoción a sus propuestas. Su osadía va en paralelo a los grandes retos que ha asumido, desde la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona al diseño global de un hotel de gran lujo o la creación y dirección de la película de animación Chico & Rita.

En toda su presentación este curioso personaje no se pudo estar quieto, al ritmo de la música y acompañado de un video iba bailando y explicando su trabajo, un tanto sorprendente que aún con sus 62 años de edad tuvo el valor de subir a una escalera para completar su presentación con un pequeño recorte de cartón. Para dar por finalizada su conferencia presentó el avance de la película en la que ha estado trabajando, es de dibujos animados para adultos, su nombre es Chico & Rita y trata sobre una cantante y un músico de jazz en los años 40 que buscan el sueño americano. A lo largo de su conferencia pudimos notar lo mucho que lo apasiona su trabajo, lo feliz que es diseñando y que claramente le quedan muchos años por seguir haciéndolo, ya que el mismo describe a su profesión como su vida y su diversión, y en sus propias palabras nos comparte que “la inspiración no existe, existen las horas largas de trabajo y aprender de los que son mejores que tu”, muchos aprenderemos de Mariscal, a tener esa pasión por el trabajo y a llegar a los 62 años con esa vitalidad y experiencia dentro del diseño. Y en un paraje alejado y extraño, en las afueras de la capital de Querétaro, fue donde la fiesta de clausura tuvo lugar. Ahí se olvidó el estrés y las tensiones de la vida del diseño. Solo quedó la comida, el alcohol y la diversión. Y la quinceañera también se unió a la fiesta, perdió toda inhibición y solo se dejó llevar por la última noche de su celebración. Dejó de ser una niña y por fin se convirtió en mujer…toda una diseñadora ejemplar. La despedida de Querétaro no pudo haber salido mejor.

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Por VĂ­ctor Hugo Rosas


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El contenedor o espacio arquitectónico no sólo alberga sino que da forma y sentido a la exposición. Ya que el museo es el contenedor de obras debería de ser en si mismo una obra por igual Por Laura Karina Sánchez De Lira Fotografía María Elena Cárdenas Antonio Álvarez López

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e obras d mos en ejamos a s n e p eo s d de mus muchas vece en este blamos y a to , h n a c o ta ti d lo uan stos señalé ra, por saremos en e iseño, uitectu n arte, d ste q e r p a y n rma e o la igma e confo de del lad e parad u s q a e n o s u o d tir alg un to rarem r r a o o p b m m o lo o c artícu entos iar y c a aprec os elem pequeñ so recinto par lo itante maravil lásticas. del vis las n ió p c s ta e e las arte interpr tario d gico la cer al destina eográfica ló o e s u s o de con ncia mu mbito m la En el á en el objetivo y de la experie y sentido a s a a a c tr m fi n r e á r c fo g e s da seo o que stas mu propue ista ésta com , v misma ión. ic s o p ex

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El museo se ha transformado, o al menos debería de transformarse en esta ciudad, porque hemos visto nuevos museos con conceptos y arquitectura nueva, nuevos materiales; como el MUMCI en contraste con museos antiquísimos como el Luis Nishizawa que no se han remodelado y al parecer jamás lo harán y entonces nos desconecta esa mágica experiencia al ver sus cuadros con la lúgubre casa en la que se encuentran albergados. “El museo ha devenido en paradigma clave de las actividades culturales contemporáneas”. Dentro de esta perspectiva existe la necesidad de adoptar un enfoque transdisciplinario, en el que se vinculen aquellas teorías que ofrezcan herramientas conceptuales a partir de las cuales se pueda hacer una aproximación a los elementos, a los referentes que intervienen en los procesos de significación del visitante. Reiterando lo anteriormente planteado, se destaca que uno de los problemas identificados es que el espacio arquitectónico en el montaje de una exposición es contemplado más como un límite que como un aspecto enriquecedor de la experiencia estética en el recorrido museográfico; de la misma manera, el visitante ha sido visto como un receptor difícil o inaccesible para abordar o bien objetivar la construcción de significado. La arquitectura a menudo es considerada como un elemento fundamental para la génesis de un museo, e incluso determinante para su funcionamiento

A excepción de la práctica religiosa, como apunta Max Hebditch no existe otra actividad en donde la arquitectura sea tan importante como medio de comunicación, como en el caso de los museos y las galerías. A lo largo de la historia de los museos, la arquitectura ha desempeñado un lugar privilegiado. Desde la época Clásica, en Grecia las Musas tenían su propio recinto, un espacio fuera de lo cotidiano, el entrar suponía ya la iniciación de un ritual. En la Ilustración, en la segunda mitad del siglo XVIII, basta recordar el papel central que le otorgó la Revolución francesa al naciente museo al ubicarlo justo en el Palacio del Louvre; el nuevo régimen lo instituyó como un espacio de carácter público. El museo público constituyó un nuevo significado que se alzaba sobre la derrotada monarquía. En Europa, debido a las transformaciones y la crisis que sufriera como efecto de las críticas de las vanguardias y posterior a la segunda guerra mundial, el museo permaneció en lo que algunos autores han denominado etapa de letargo. Es hasta los años ochenta en que el museo se posicionó nuevamente como una institución prestigiada y visitada. La arquitectura ha sido en gran parte responsable de ello, como protagonista visual y espacial, generando importantes cambios tipológicos que han favorecido la socialización de los “Templos de la Memoria”.

Dicho lo anterior, se diría que entre contenedor y contenido debería aparecer, finalmente en total armonía. El respeto hacia la intención arquitectónica posibilitaría la exclusión de contribuciones personales, al menos en gran escala, impidiendo con ello la modificación de los principios arquitectónicos del inmueble histórico, principios que son definidores de sus valores y de su significado. Es justo a partir de este aspecto que tiene el espacio arquitectónico como referente en la construcción de significado por el visitante, que aquí se propone adoptar la construcción narrativa para obtener una aproximación al conocimiento de los elementos que intervienen en el proceso de significación dentro de la experiencia del visitante.


Arte Museo de Moderno En Abril de 1987, en lo que antiguamente se conocía como la Hacienda La Pila, el museo de Arte Moderno abrió sus puertas al público mexiquense. Este proyecto surgió con la idea de utilizar aquel casco abandonado, propiedad del Sr. José María González Arratia, benefactor de Toluca en el siglo XIX, de la próspera hacienda granera y lanar, que además surtía agua a la ciudad de Toluca. Este museo ocupa un bello edificio que anteriormente pretendía ser un planetario, aprovechando su estructura circular. Los arquitectos Mario Schjetnan, José Luis Maldonado , Gonzalo Gómez Palacio y el D.I. Jorge Alberto Sandoval Romero, supieron adecuar ordenadamente en las salas y bodegas más de 574 obras pictóricas y escultóricas, que constituyen una de las muestras más disímiles y representativas del quehacer plástico emanado del talento y genio de algunos de los grandes maestros mexicanos de la pintura, escultura y grabado, precursores de las nuevas formas de expresión de los creadores plásticos contemporáneos, mediante el empleo de diversas técnicas y con la utilización de diferentes manifestaciones estéticas. Esta es una colección plural, múltiple y enriquecedora para los estudiosos y espectadores del arte mexicano. Una sola planta se aprovechó para diseñar museográficamente las áreas, a la altura de los mejores museos del mundo: el vestíbulo se ornamente con un mural de basalto en forma de petatillo del maestro Luis Nishizawa

Museo de Antropología e Historia En el mes de septiembre abrió sus puertas nuevamente el Museo de Antropología e Historia en la Ciudad de Toluca luego de una renovación que incluyó: la transformación completa de sus cuatro salas de exposición permanente bajo una concepción museográfica actualizada; un incremento importante del acervo en exhibición en las secciones destinadas a los periodos Formativo y Etapa lítica; la creación de pequeños espacios destinados a personas con capacidades diferentes, mediante la reproducción de piezas que pueden ser tocadas con textos en alfabeto Braille y la dotación de equipos interactivos que, aparte de ampliar información gráfica y textual sobre arqueología y la historia estatal, ofrecen juegos educativos para niños pequeños.


b i o m e x i ca n o i f n a e un d i to m y a Vid

Fotografía Elena Cárdenas

Axo lo ti

Libro diseñado por Ana Laura Alba y Alejandro Magallanes, llamó la atención gracias a que retomaron elementos de la rica tradición gráf ica de México. Le dieron un segundo aire, retomando el libro de Roger Bartra, editado por Gerardo Villadelángel Viñas, es una investigación artística y literaria sobre la historia, mitología, sociología, iconografía y la ciencia del ajolote (animal específicamente mexicano, f uerza metafórica, tótem, representación irónica de la ident idad nacional del mexicano): multitud de aspectos que exigieron una solución gráfica puntual. Magallanes ha explicado: «como metáfora, el libro va cambiando de piel (papel), colores, intervenciones tipográficas. Además de las imágenes artísticas, el libro está documentado con fotografías en las que podemos apreciar en detalle las extraordinarias características físicas de los ajolotes». Publicado por el FCE, el INAH y la SEMARNAT, el libro reúne litografías, fotografías, dibujos y textos que subrayan el atractivo que ha despertado el animal en la conciencia mexicana. La camisa del libro, de superf icie reflejante, muestra simultáneamente el rostro del ajolote y a su lector; la portada, en cambio, representa el colorido código ADN del animal: un comentario sobre la identidad que parecemos establecer con el bicho. Como el «monstruo acuático», la singular forma de Axolotiada atrae al lector. Pero a diferencia de las múltiples propuestas gráficas que llaman la atención, a menudo accidentes afortunados, este libro revela la precisa representación gráfica de sus contenidos. Magallanes, quien en 2010 se encargó del libro de Felipe Ehrenberg, Manchuria. Visión perfecta, conf irma que es uno de nuestros diseñadores gráficos más destacados. Coordinado y editado por Gerardo Villadelángel Viñas, esta antología se divide en cinco apartados que nos llevan hacia un interesante recorrido por el anf ibio más popular de México. “Ant iguo axolotario” da nombre a la primera parte de este volumen, y contiene textos de Fray Bernardino de Sahagún (“Xólotl, el dios que le temía a la muerte”), del doctor Francisco Hernández (“Del axolotl o juego del agua”), el jesuita Francisco Clavi jero (“El axolotl, feo y ridículo”) y el naturalista José Antonio de Alzate (“A jolotl”). En la segunda parte, “Axolotología”, científicos antiguos y modernos esclarecen algunos misterios sobre la fascinante larva acuática, entre ellos su metamorfosis y extinción en Xochimilco. “Nuevo axolotario” y “”Axolot itlán”, que constituyen la tercera y la cuarta parte respectivamente, descubren a escritores que han usado al anf ibio como soporte de sus reflexiones, desde René Daumal y Aldous Huxley a Julio Cortázar y Primo Levi, además de presentar un grupo de autores como Octavio Paz, José Emilio Pacheco, Salvador Elizondo, Juan José Arreola y Gutierre Tibón, quienes hablan, invocan, escriben y juegan con el axolote. La quinta y última parte narra las suertes de este heroico personaje en palabras de nueve escritores mexicanos actuales: Rafael Lemus, Pablo Soler Frost, Héctor Manjarrez, Alberto Ruy Sánchez, Ana García Bergua, Verónica Volkow, Christopher Domínguez Michael y Carlos Chimal. Varios artistas visuales participan en Axolot iada. Vida y mito de un anfibio mexicano. Obras como el Códice Florentino y El agua, origen de vida de Diego Rivera, ilustran esta bella obra, así como graf itis de muros urbanos y videojuegos que hacen posible la intención de Roger Bartra: “Invito al lector a que juegue con los textos y las ilustraciones de este libro”.

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Retomado de: http://latempestad.com.mx/presente2011/grafico.html http://www.mascultura.com.mx/recomendacion_axolotiada

Por Laura Sánchez

Bienal Artes Visuales Bienal dedeArtes Visuale 5ª

da a

La Máxima Casa de Estudios mexiquense clausuró la Quinta Bienal de Arte Visual Universitario, cuyo objetivo es dar una muestra mundial de lo que el arte contemporáneo propone y transmite a través de sus distintas obras, para esta edición se recibieron 1732 piezas de 1093 artistas no sólo del Estado de México, sino también del país y de otras naciones como Chile, Colombia, Cuba, Estados Unidos y Uruguay. Esta quinta bienal reúne las miradas, manos y palabras que los artistas de hoy en día plasman en su obra y que reflejan realidades, además de la importancia que tiene este evento para hacer llegar, promover y desarrollar el arte y la cultura a la sociedad.

Las más de mil piezas están expuestas en el Museo Modelo de Ciencias e Industrias y es una exposición temporal así que es una gran recomendación para un fin de semana ir a visitar todas estas obras de arte creadas por jóvenes y adultos inspirados en nuestra vida cotidiana.


Advertencia: Contenido sonoro con alto ritmo y color.

PLAy LIST

CANCIONES PARA SOBREVIVIR A ENTREGAS

A

lo largo de la carrera, todos hemos pasado por esas noches pesadas que terminan siendo magníficas gracias a una buena jarra de café, inspiración, y sobre todo, un impecable playlist de música con las cualidades suficientes para ser tu musa al momento de crear.

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Ésta es mi recomendación, de ustedes depende hacerla todavía más grande y compartirla por el “bien de la humanidad”.

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Tune Yards – Biznes. Es una agrupación muy singular; como géneros tiene una combinación de R&B, Experimental, Pop y Afrobeat. Los colores y discursos que manejan están llenos de energía y creatividad.

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Cassius – I Love U So. De una excelente disquera, Ed Banger Records. Ideal para cuando estás en ese momento crucial, a punto de tirar la toalla porque se va acabar la batería de tu computadora y no encuentras tu cargador.

Feist - My Moon, My Man. Pop-rock, Indie y Pop barroco; es el momento cursi de la madrugada. Cuando te acuerdas de tu pasado, presente y futuro rosa, y bailas al compás de los acordes del inicio de la canción.

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James Blake - The Wilheim Scream. Dubstep, Soul y Electrónica; te ayudará a bajar toda esa adrenalina que se queda acumulada gracias al café, es el momento perfecto para disfrutar de una voz muy bien integrada a unos interesantes sintetizadores, reviviendo viejos y melancólicos sonidos.

Regina Specktor - That Time. Anti-folk, rock alternativo, música acústica y un buen blues en el momento que ya casi triunfas, estás a punto de acabar tu entrega pero resulta que te falta la bendita cotización o tu USB ya no abre, pero aun así no te das por vencido y la madrugada sigue su curso.

6

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The Black Keys - Tighten Up. Blues, garage rock, indie rock. Es momento de perder el tiempo con un sonido divertido e irreverente, además de una voz retomada con bases de blues.

9

Milton Nascimento – San Vincent. Oscura e inocente, se escucha en el momento en el que solo estás afinando detalles, guardando archivos y revisando Facebook para ir retomando la actitud campante de siempre..

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Esperanza Spalding - Useless Landscape. Es el premio por sobrevivir toda una entrega. Va amaneciendo y ese dulce jazz te va acompañando a la par del sol, la gente despertando en casa y la bienvenida de un excelente día, en el que probablemente en lo único que pensarás es en dormir.

Así es como ésta lista termina, esperando que tú la aumentes y la hagas más perfecta.

Ilustración José Buenabad

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Little Dragon - Constant Surprises. Trip Hop, Downtempo, Synth Pop, Jazz. Esa fusión fuera de lo común te relaja en los momentos en los que ya no te funciona el cerebro y estás dando vueltas sobre la misma idea.

Sonic Youth - Little Trouble Girl. Nois e Rock, Postpunk. Para la música memorable, la escuchas en el momento exacto en que ya sientes una poderosa hambre dentro de ti, tus entrañas rugen y piden que abras el refrigerador y lo saquees ligeramente a las cuatro de la mañana.

Ilustración Eugenia Guzmán

Por Mariel Jaime

Por Rodrigo Rodríguez

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sualmente cuando se habla de un juego de zombies uno piensa en un hombre rudo armado con lo que encuentra en su camino (preferentemente una escopeta y una moto sierra) matando horda tras horda de feroces zombies comecerebros y básicamente esa sería la trama de este juego, pero al parecer el excéntrico desarrollador de videojuegos Suda 51 desea satisfacer a la comunidad gamer ansiosa de sangre y nos trae este juego, totalmente inspirado en películas de George Romero y con gráficos que nos harán recordar aquellos juegos ochenteros nos trae Lollipop Chainsaw, protagonizado por Juliet Starling una hermosa porrista que al parecer se dedica a cazar zombies en su tiempo libre y su novio quien es solo una cabeza cercenada. Hay que destacar que el juego aún no ha sido lanzado aún y ya está clasificado para adultos por lo tanto habrá que alejar a niños y mujeres embarazadas del televisor ya que usualmente los juegos de Suda 51 son ridículamente violentos. Pero si después de todo esto aún no sabes si quieras conseguir el juego tal vez te interese la interesante campaña publicitaria que han manejado (la cual puedes seguir en su página oficial de Facebook y You Tube) la cual incluye un casting para encontrar a la chica que personificará a Juliet, la creación de un vehículo mata zombies verdadero y la presentación de rostros reconocidos involucrados en este juego como lo es la banda Mindless Self Indulgence y el compositor japonés Akira Yamaoka. El juego estará a la venta el 12 de Julio.


Todo en su lugar correcto Fotografía Estefanía Ortega

Por Esteban Madrigal

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n muro de botellas, misteriosos objetos suspendidos, instrumentos extraños y una grande y amenazante nube que cubría el cielo del DF. Todo se sitúa en la línea de frente de la sección B del Foro Sol al llegar alrededor de las 4:00 PM. Había poca gente todavía y estaba una de las bandas teloneras haciendo el soundcheck; sonaba la samba (malísima elección musical). La espera aún era larga, y algunos personajes comentaban acerca de la banda principal, hacían comentarios pretenciosos y competían por ver quién era el que conocía más acerca de los británicos. Alrededor de tres horas después, sale la primera banda a escena: Other Lives. Tuvieron el detalle de presentarse y saludar en español. Una buena banda, sin duda alguna son músicos talentosos, sin embargo, en el lugar y momento equivocados. Su indie folk no se acoplaba con la música de las otras bandas, y el sonido estuvo pésimo en su actuación; cabe resaltar lo bajo que estaba el volumen en esa actuación y en la posterior. Al terminar Other Lives se aproximaba una espera de más de media hora.

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Los siguientes en la lista, Caribou. Formado por un compositor de origen canadiense, su música se describe como house orgánico y psychodelic pop. Iniciaron con Hannibal una de sus canciones más populares. En cuanto al aspecto escénico, la actuación de Caribou solo estaba conformada por luces. Una gran actuación que terminó con SUN, una excelente interpretación. La palabra “SUN” en los paneles luminosos hicieron de esta una de las mejores canciones de la noche, algunos opinan que incluso mas grande que las melodías de Radiohead. A pesar de la buena música, les tocó muy poco tiempo en el escenario, que bien pudo llenar el espacio de la larga espera. Al terminar Caribou, un extraño olor ya flotaba en el aire, las rodillas dolían y las personas empezaban a empujar, esta vez la música era más adecuada. Después de otra larga espera y lluvias intermitentes, la música cesa y las luces se apagan.

Empiezan las primeras notas de Bloom y un color magenta ilumina todo el foro, descienden unas pantallas al ritmo de la música y el público enloquece. Radiohead es una banda excelente, las ejecuciones fueron impecables. Al iniciar las notas de Pyramid Song, donde el menor de los hermanos Greenwood se luce tocando su guitarra con un arco (cello), el escenario se vuelve azul y las pantallas se dirigen al centro, una canción que describiría como épica. Toman un primer descanso al terminar Karma Police, la cual el público coreaba tan fuerte que era difícil escuchar a la banda. El primer segmento del concierto estaba enfocado en el material que presentaban: King Of Limbs, donde se distancian del rock y se acercan más a la música electrónica. Al regresar tocan otras canciones y terminan con Everything In Its Right Place, donde los bajos hicieron de protagonistas al hacer vibrar los pechos de los asistentes.

Se retiran por un momento, pero vuelven rápidamente con Give Up The Ghost, seguida de Exit Music For A Film, una de sus canciones más populares entre los fans. El final merecía ser épico y la banda lo logró con Paranoid Android, un éxtasis audiovisual. La actuación de Radiohead es hasta ahora la más importante en el Foro Sol en lo que va del año, ésta banda Británica paso de ser una simple banda de rock a una banda que esta a la vanguardia de la música, experimentando con diversos instrumentos como sistemas análogos, ondas Martenot y el misterioso Theremin. Alguna vez leí en una de las redes sociales que hay personas que consideran a Radiohead como los Beatles de nuestra época. Tal vez esto no sea verdad, tal vez no sean mas grandes que Jesús, pero sin duda alguna es una de las mejores bandas de la actualidad.

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Vorágine. Delirio Creativo  

“Revista extrovertida y casual que acerca lo más destacado de la cultura visual en el ámbito local con un toque de sazón gráfica.”