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SALA MAYOR

Revista de Cine

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Editorial En los tiempos que corren el adulto mayor se encuentra con fuertes inquietudes de continuar activo socialmente, aún aquellas personas que no alcanzaron a realizar estudios de cualquier nivel, al que conoce algo, al que pensó y no llegó, pero, inquieto en la búsqueda de la verdad, del conocimiento y del manejo de las realidades que a veces lo sobrepasa. Surge la búsqueda permanente de un espacio socio-cultural abierto y creativo que cumpla con sus objetivos de vida. Y allí está (entre otros) el Taller de Cine Debate, que frente a la excelente idea de la unión Pami – UNC, el adulto mayor ha logrado satisfactoriamente incorporarse a nuevas y atractivas actividades para su continuo crecimiento personal. Un taller que en los participantes fomenta: Una inquietud por ver películas y a partir de ellas; investigar (búsqueda de material) y generar comunicación por vías tecnológicas nuevas como whatsapp… mail… etc. Desarrollar a través del debate la posibilidad de comprender el contenido de una película su argumento su mensaje y lo “no dicho”. Vista interesada de otros filmes afines al tema fuera del aula con reuniones hogareñas. Participación de eventos oficiales, como asistir al evento conmemoración del Día de la Memoria en torno a la película “La historia Oficial”. Crear visitas colectivas a salas cinematográficas, donde se vieron filmes como “Dolor y Gloria” o “Roma”. Este año el taller de debate cinematográfico fue direccionado en 2 partes, Primero: se trabajó el concepto de cine de autor, donde se exploró la obra de: Woody Allen, Pedro Almodóvar, Wes Anderson, Ingmar Bergman, Tim Burton y Federico Fellini. Segundo: el cine como comunicador social: Largometrajes que pusieran en en la mesa temas tabú. Fanatismo religioso (“Heredarás el viento” (1961), Divorcio y abandono de hijos (“Kramer vs Kramer” (1979), Manipulación humana y permeabilidad del arte (“La forma de las cosas” (2003), Racismo (“El sol brilla para todos” (1961), Aborto (“El secreto de Vera Drake” (2004). El visionado de diferentes films, nos permitió analizar las posiciones de cada uno de estos grandes directores, y como lo plasmaron en sus películas, mientras que los debates de las distintas temáticas sociales que abordamos, influyeron y enriquecieron nuestro pensamiento crítico, desmitificando la idea del blanco o negro e ingresando en el amplio espectro de los grises. Todo este proceso fue posible gracias a la buena disposición, el esfuerzo, creatividad, capacidad profesional de nuestro profesor Leonardo Lema, que nos supo incentivar y hacer disfrutar del arte cinematográfico.

Alumnos del Taller de Debate Cinematográfico. 3


CINE DE AUTOR

Pedro Almodóvar a través de su cámara

Uno de los máximos exponentes del cine español a nivel mundial. Sin su inquietud por mirar más allá de lo cotidiano jamás se hubiese convertido en uno de los directores más geniales del cine español. Lo artístico, sumado a su deseo de hacer imágenes con las cosas de todos los días lo llevaron a enamorarse de mirar a través de la cámara. En sus producciones se contacta con otros grandes de la escena interpretativa como Carmen Maura, Penélope Cruz, Chus Lampreave, Antonio Banderas, Marisa Paredes, Rossy De Palma, Gael García Bernal, Verónica Forqué Vázquez, Victoria Abril, Javier Bardem y los argentinos Cecilia Roth, Darío Grandinetti y Leo Sbaraglia, entre otros. Crea un idioma propio a través del color en sus películas: cada objeto, cada mueble, cada vestimenta, están exhaustivamente estudiados para hacer una sinfonía visual única. Utiliza su cámara como Van Gogh utilizaba su pinceladas: destacando cada detalle con una “toma direccionada”, por ej: a través del ojo de una cerradura, enfocando las líneas blancas de una ruta, una porción de un objeto. (“Kika”: en una de las escenas de la violación se detiene en las nalgas del violador). Este estilo de focalizar le da mayor fuerza a la imagen y, por ende, la escena resulta impactante. Sus personajes también llevan su sello impreso: así tenemos, “los hombres de Almodóvar” o “las mujeres de Almodóvar” que, con sus toques de excentricidad, aparecen como seres desgarradoramente humanos. Este genial director es capaz de transformar la soledad en 4

el más puro arte. (El personaje de Leo Macías en “La flor de mi secreto” o el de Ramón, en “Kika”) En el cine de Almodóvar el pasado es como un cordón desatado: permite caminar pero no del todo a gusto.Por eso varias de sus heroínas terminan volviendo al pueblo, el único escenario donde los españoles se sienten “en la verdadera casa” ( “La flor de mi secreto”, “Volver”). Él mismo se muestra anudado a su madre Paquita (doña Francisca Caballero), en “Kika”, cuando en la escena de la entrevista a Nicholas, como escritor, hace actuar a su verdadera madre como entrevistadora. Influenciado por Luis Buñel, Alfred Hitchcock, John Wates sus películas confluyen en torno a obsesiones sexuales, socioculturales y religiosas mostrando una perspectiva diferente de las costumbres y tradiciones españolas. Abre la puerta y se desplaza por un camino paralelo en “La era del destape español” sacando a la luz seres marginados como prostitutas, travestis, lesbianas, femicidas, violadores y drogadictos que entremezclan sus más profundos sentimientos de soledad, rechazo, frialdad, con pasión, generosidad o solidaridad. Activo militante socialista, reaccionario, transgresor, apasionado, de mente abierta, homosexual, de gran sutileza y sumamente observador son su cualidades más destacadas que vuelca y manifiesta en cada uno de sus trabajos. Pese a que fue varias veces tentado nunca filmó en EEUU porque, no es que él quiera retratar a España, es que no puede dejar de hacerlo. Madrid, especialmente, se ha transformado en “la chica Almodóvar” por excelencia!: le es imprescindible! Desde “Pepi” hasta “Dolor y Gloria” la ciudad es un personaje


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más; la retrata en todos sus filmes y su rostro se fue transformando con los años. Pero hay algo que no cambia; Madrid siempre tiene un lugar para una larga charla, para tomar un buen vino y para divertirse. Bares, cines, teatros, parques, museos, son aptos para sus escenas cinematográficas; sin olvidar algunos lugares

emblemáticos y recurrentes en su filmografía como el Viaducto, la Estación de Atocha, el cementerio de Almudena, o el aeropuerto de Barajas que pueden ser vistos en varios de sus filmes. Su afán perfeccionista, que él mismo rechaza, lo obliga a decir: “ No creo en la perfección. No he hecho ninguna película perfecta ni creo que la haga en el futuro. Aunque sí reconozco, que cada día vigilo más estrechamente lo que hago para que se parezca, lo más posible, a aquello que he soñado”.

Wes Anderson Mirta Eslava, Ida Exeni y Marta Villarruel

Wesley Mortimer Wales Anderson, conocido como Wes Anderson, es un director de cine, guionista, actor y productor, que nació en 1969 Texas, Estados Unidos. Desde muy joven ya soñaba con el mundo del celuloide, tanto que filmó una película a los 9 años. Estudio Filosofía en la Universidad de Texas, donde conoció a Owen Wilson con quien comenzó su aventura cinematográfica escribiendo guiones. Uno de estos fue el de ‘Bottle Rocket’, un corto que llamo la atención del director James L. Brooks, quien lo produjo y filmaron en 1996 su primer largometraje. Está casado con Juman Malouf una respetada ilustradora, diseñadora y actriz libanesa, que estudio Diseño de Vestuario en la Universidad de Nueva York, fundó una marca de ropa, que ha dibujado parte del universo estéticos de sus películas. Por ej. ‘Moonrise Kingdom’ y también los personajes del ‘El Gran Hotel Budapest’, es una de las figuras clave del “Universo Wes Anderson”, ese paraíso de la perfección estética que miles de personas ansían encontrar en la tierra. La ilustradora comentó en una entrevista con The New York Times “Es genial vivir con alguien con quien puedes debatir ideas, alguien que siempre es sincero con lo que piensa”

Anderson y su familia viven en París, pero el director ha pasado la mayor parte de su vida en Nueva York. Uno de sus hermanos Eric Chase Anderson es también actor, ilustrador y a veces colaborador. Anderson es propietario de la productora ”American Empirical Pictures “ que fundó en 1998.

¿Qué caracteriza a Wes? Cuando en la pantalla todo se parece cada vez más, el mundo de fantasía de Wes Anderson marca una diferencia con su humor, sus colores y estética inconfundible. Si en la historia hay locura y pasajes de melancolía, si se destacan los colores brillantes, si las imágenes parecieran un cuento que se abre, si también se oye algo de pop y de rock, si los niños parecen grandes y los grandes parecen niños, no hay duda: es una película de Wes Anderson. Cuando el cine empezaba a sentir la ausencia de grandes realizadores, él surgió de la nada, sin levantar grandes sospechas, un hombre peculiar. Ataviado con trajes hechos a mano, de tonos grises o azules, de camisas a cuadros, de finas botas, rubio y de 5


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perfecto peinado. Un personaje único, como su cine. Ya sumando ocho largometrajes, el público del mundo empieza a saber de él con 'El Gran Hotel Budapest' , una película alabada mundialmente, que se dio el lujo de abrir en 2014 el Festival de Berlín.

El director Wes Anderson pareciera tener, una especie de poder sobrenatural para hipnotizarnos y sumergirnos por completo en sus coloridas historias. Las películas de Anderson no sólo se ven sino que se sienten. Si debiéramos resumirlo en pocas palabras: ORIGINAL, EXCÉNTRICO Y CON UN SELLO ÚNICO E INCONFUNDIBLE!

En ella Anderson redondea y define su universo. Muchos consideran a esta su mejor trabajo y fue a la vez su cinta más taquillera. Sus fans crecen alrededor del mundo. Ya logro a sus 45 años, lo que muy pocos directores alcanzan: Hacer un cine reconocible, fotogramas con huella indeleble, una característica que solo pueden exhibir los grandes realizadores. Las historias que protagonizan transitan entre lo infantil, la cálida sensación familiar, la crueldad y el absurdo de la vida, es como si su universo hubiese nacido roto y en cada película Wes Anderson se esforzase a reconstruirlo un poco más. Su sello de identidad es el abordar en sus películas amores imposibles, madres desnaturalizadas, hermanos que se pelean, padres que subestiman a sus hijos, ninguna, aunque lo sea, parece un drama. Son comedias pero no cómicas, y son dramas a la vez. La forma de lograrlo, se debe a su estilo cálido, colorido, sus tomas simétricas, sus zooms, sus cámaras lentas, sus tipografías amarillas, el vestuario de los personajes, el preciosismo en los detalles, sus desplazamientos de cámara y el uso de maquetas. Tiene un especial cuidado en encontrar siempre, la música perfecta, para la banda sonora de sus películas. Muchos de los críticos y el mismo director han concluido que todos estos elementos le dan a las películas la sensación de un “Pequeño mundo independiente”. Otra seña inconfundible: Wes Anderson casi siempre trabaja con el mismo reparto. Dicen que es como si se tratara de una compañía teatral permanente y eso sin duda, le da unidad a cada una de sus films, “sus colaboradores son sus amigos y sus amigos son sus colaboradores”. Una de sus frases más conocidas ha sido: "Quiero tratar de no repetirme; Pero al parecer lo hago continuamente en mis películas. No es algo que me esfuerce por hacer , pero quiero películas interesantes para la audiencia. Siento que recibo críticas por colocar el estilo encima de la sustancia y por los detalles que se atraviesan en el camino de los personajes.” Anderson ha comentado que varias personalidades del mundo cinematográfico han influido en su trabajo, como los directores Pedro Almodóvar, Stanley Kubrick y Martin Scorsese. 6

Detrás de todo gran hombre... Ida Exeni Wes Anderson está casado con Juman Malouf una respetada ilustradora, diseñadora y actriz libanesa, nacida en Beirut pero criada en Londres, que luego estudió diseño de vestuario en la Universidad de Nueva York. Su espíritu inquieto la llevó a crear una marca de ropa, de sweateres con su impronta y su base teatral. También se dedicó a escribir, y su primera obra fue la Trilogía de Dos. Juman ilustra libros y ha dibujado parte del universo estético de las películas de Anderson. Por ej. 'Moonrise Kingdom' y también los icónicos personajes de Mustafá y de Gustav, ( El Gran Hotel Budapest). Es una de las figuras clave del “universo de Wes Anderson”, ese paraíso de la perfección estética que miles de personas ansían encontrar en la tierra. La ilustradora comentó en una entrevista con The New York Times “Es genial vivir con alguien con quien puedes debatir ideas, alguien que siempre es sincero con lo que piensa”. Por su parte Anderson dedicó su film Moonrise Kingdom a su esposa, como tributo a su hermosa relación. Además en esa obra hay un mensaje oculto hacia ella, el cartel que dice Fort Lebanon, en homenaje a sus raíces. La pareja parece un ejemplo de perfección: dos artistas colaborando mutuamente e intercambiando sus talentos permanentemente.


CINE DE AUTOR

Federico Fellini el niño rebelde del cine Marta Tamburini Si se habla de un Director de Cine y Guionista Italiano, considerado el cineasta de la post-guerra, más importante de su país y a nivel mundial, estamos hablando de Federico Fellini. Nace en Rimini, Italia el 20 de enero de 1920. Fallece en Roma el 31 de octubre de 1993. Cónyuge: Giulietta Masina, mujer pequeña de ojos inolvidables y musa de sus películas. Tienen un hijo Pier Federico que muere a los pocos días de nacer. En los inicios de su filmografía en la época de la corriente neorrealista del cine italiano 1940 y 1050 es donde busca su estilo propio que lo definirá en adelante. Genio de la cámara que creó mil mundos entre el Cielo, el Infierno y el Circo. A partir de 1963 donde filma “8 y 1/2” sus films y las escenas particularísimas lo convierten al director italiano en único e irrepetible.. Un trabajador incansable, como codirector de Alberto Lattuada (“Luces de Varieté”) inundó Italia de dibujos, caricaturas y guiones para cine y radio. En 1050 se dirige a Cineccitá y encara su primera filmación: “El Jeque Blanco” con uno de los mayores bufos: Alberto Sordi. Su actor preferido y amigo personal Marcelo Mastroini y su actriz fetiche Giulietta Masina. Su infancia fue evocada en películas como “8 y 1/2” y “Amarcord”, en gran parte autobiográficas, transcurrida en su ciudad natal Rímini. Controversial con el Sindicalismo (Ensayo de Orquesta) y los hábitos Eclesiásticos (La Dolce Vita) y otros en los que siempre incluye una presencia en sus films. Sobre la Dolce Vita el Vaticano dijo: indecente, desagradable y obscena.

Fellini odiaba la tevé, la consideraba un insulto a la inteligencia y la culpaba de la decadencia del cine. Sobre el nombre de la película Ocho y medio aclara que es por ser su octava película y “medio” la suma de dos episodios de 15 minutos de: L’Are in Cittáno y Bocaccio ‘70. Siempre estuvo casado con Giulietta Masina, su mujer durante medio siglo -pese al gran infiel que era Federico- Murió a los 73 años, mas tarde muere ella también de 73 años. Un dicho suyo: “Huyan de la realidad, la fantasía los hará más felices”. Filmografía: 1953: Los Inútiles 1954: La Strada 1957: Las Noches de Cabiria 1960: La Dolce Vita 1962: Bocaccio ‘70 1963: Ocho y Medio

1965: Giulietta de Los Espíritus 1972: Roma 1973: Amarcord 1976: Casanova 1983: Y La Nave Va

Ganador de 4 Premios Oscar de la Academia por mejor Películas Extranjeras: La Strada - Las Noches de Cabiria Ocho y Medio y Amarcord. En 1993 fue galardonando con el Oscar Honorífico por su trayectoria profesional. Premio Palma de Oro del Festival de Cannes por La Dolce Vita. Tuvo en general 12 nominaciones, cuatro Oscar fueron como mejor Director y el resto como Guionista. Algunas curiosidades: inventa el término Paparazzi tomado del personaje del fotógrafo Paparazzo del film La Dolce Vita. El compositor Nino Rot compone la música de 17 de sus películas y la ganadora en Noches de Cabiria. Los Productores de Casanova querían que la protagonizara Robert Redfor y el se negó rotundamente. Si bien muere en Roma sus restos descansan en su Rímini natal. 7


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Heredarás el Viento Mirta Gamboa

Basada en un hecho real ocurrido en Dayton, Mississippi, en 1925: “El Estado contra Scopes”; popularmente denominado “El juicio del mono”. El título proviene del Libro de los Proverbios (11.29), de la Biblia, que dice: “El que perturbe su casa sólo heredará el viento y el insensato será esclavo del sabio de corazón”. Es una adaptación de la obra de teatro de Jerome Lawrence y Robert E. basada en uno de los juicios más mediáticos de la jurisprudencia norteamericana. En Tennessee, un fanático predicador llevó a juicio a un joven profesor por explicar en su clase “La Teoría de la Evolución” de Darwin negando, de esta manera, la creación divina del hombre, tal y como, lo sostiene La Biblia. El juicio tuvo una enorme trascendencia social y se convirtió en una batalla titánica entre el fiscal y el abogado defensor, dos de los más renombrados abogados de ese momento. Un verdadero duelo de brillantes oratorias y un enfrentamiento de dos posturas filosóficas netamente contradictorias: La Teoría del Darwinismo que sostiene la evolución de las especies y la Teoría del Creacionismo que sostiene la creación divina. Y, para profundizar la brecha, en una época signada por la inflexible influencia del senador republicano John Mc Cartney. El fanatismo religioso en su máximo esplendor! Premios: → Fredric March: “Oso de Plata” en el Festival de Berlín. → Elegida como “Mejor película para el público joven”, en Berlín, 1960. 8

NOMINACIONES AL OSCAR → Mejor actor 1960: Spencer Tracy. → Mejor fotografía 1960. → Mejor montaje 1960. → Mejor guión adaptado 1960. CURIOSIDAD: En el film: sobre el final el fiscal se desploma en una apasionada defensa de susideas fanáticas. En la realidad: 5 días después de finalizado el juicio, muere de un ataque diabético. El artículo 18 de la “Declaración de los Derechos Humanos”, adoptada por la Asamblea de la ONU el 10 de diciembre de 1948 dice: “Toda persona tiene derecho a la libertad de pensamiento, de conciencia y de religión. Este derecho incluye la libertad de cambiar de religión o de creencia, individual o colectivamente, tanto en público como en privado, por la enseñanza, la práctica, el culto, y la observancia.” Educar en la Libertad y la Tolerancia es una exigencia imprescindible en la Escuela Pública ya que su objetivo irrenunciable es educar individuos libres, democráticos, críticos y tolerantes. Y para ello debe apoyarse en la Ciencia, la Anatomía, la Tecnología, el Arte y la Religión para formar ciudadanos que puedan interactuar en la realidad social del pluralismo cultural y moral de las sociedades actuales. Herbert Spencer dice: “Educar es formar personas aptas para gobernarse a sí mismas y no para ser gobernadas por otros” Y yo agrego: “La función del Maestro es sembrar buenas preguntas para poder cosechar grandes ideas.”


CINE COMO HERRAMIENTA SOCIAL

Kramer vs Kramer Myriam González , José María Ferrero , Yolanda Mingorance.

El día que Ted Kramer ( DUSTIN HOFFMAN ) , ejecutivo de publicidad , consigue la mejor cuenta de la agencia en la cual trabaja , su esposa Johanna (MERYL STREEP ), le comunica que lo abandona , a él y a su hijo Bill de tan solo cinco años , siendo ésto , una decisión irreversible. Comienza una etapa muy dura para Ted , ya que tendrá que ejercer de padre soltero con un niño que extraña mucho a su madre y que le demandará mucho esfuerzo conquistar su afecto, respondiendo a todas sus necesidades y sin descuidar su carrera profesional. Pasado un tiempo (15 meses) y cuando la relación padre-hijo había llegado a un punto óptimo, la madre aparece reclamando su tenencia . QUÉ NOS DEJÓ ESTA PELÍCULA : A través de esta película podemos visualizar las consecuencias del divorcio tocando temas sociales emergentes como: los roles de género, derecho de las mujeres, paridad de derechos de los padres, equilibrio entre el trabajo y la vida, experiencia de los padres solteros. APRECIACIÓN PERSONAL DE LA PELÍCULA Es una película de temática muy cotidiana en estos tiempo donde la mujer lucha por sus derechos (que aún no son bien considerados y aceptados socialmente), lucha también por compartir los roles familiares como así también lucha por su propio crecimiento personal. Es una película muy conmovedora , un drama reflexivo muy profundo donde no hay cabida a respuestas fáciles y menos aún a una toma de partido.

La forma de las cosas Marta I. Gimenez

Evelyn,la protagonista del film, cuenta que había recibido instrucciones de “cambiar el mundo” por su asesor de tesis, pero que ha optado por cambiar “el mundo de alguien”. Esta película parece una comedia romántica, pero es algo mas. Es importante la cita sacada de la película misma “los moralistas no tienen cabida en una galerìa de arte” de Han Suyin. Evelyn,investigando para su tesis,conoce Adam, un custodio de la sala del museo, con algunos kilos de más, pero con

mucha calidéz. Pronto las cosas irán tomando forma y la obra nos dará mucho para pensar del arte contemporáneo y sus límites. Este es el mundo del arte conceptual,donde la idea vale más que el arte mimético,que ha prevalecido durante siglos, pero donde la realidad y el arte borran cada vez más sus fronteras. Si el arte es provocaciòn, habría que pensar cuàles son sus lìmites éticos. 9


CINE COMO HERRAMIENTA SOCIAL

“La forma de las cosas” es una comedia romántica pero va más allà de lo romántico, se vuelve filosófica. Evelyn y Adam intercambian pareceres con Phillip y Jenny,una pareja amiga. Allí aparecen los diálogos incómodos,las atracciones veladas, las intenciones ocultas, y los secretos y fantasías irán armando un argumento muy interesante. Esta película es un ejemplo muy gráfico de la manipulación perniciosa en las relaciones interpersonales y de pareja, que desgraciadamente es muy frecuente hoy en día. Evelyn es un ejemplo de una persona tóxica, que no considera los sentimientos de los demás,no tiene empatía,quiere hacerse notar, usa argumentos muy endebles para justificar su agresión. Las personas tóxicas no toleran el éxito de los demàs, tratan de descalificarlos y se vengan de un supuesto maltrato que solo está en su imaginación.

El sol brilla para todos Karina Schmidt El pago de un seguro sustancial (10.000 dol.) del seguro por la muerte del padre de familia, desata una serie de situaciones particulares en el seno de una familia de color que viven en un apartamento en el Bronx, cada uno de los integrantes especula con la posibilidad de poner un negocio, estudiar una profesión o mudarse a una casa con patio. Uno de los integrantes Walter Lee young (Sidney Poitier) cifra su esperanza en un negocio de licores en sociedad con otros dos... Es quien más presiona a la madre, (quien recibirá citado cheque) para su inversión. 10

Su sueño consiste en no ser nunca más sirviente de nadie (para el caso, él es el chofer de una familia acomodada). Su estigma de ser ciudadano negro en esos años, donde la referencia racial lo segregaba en todos los sentido. Ocurre lo mismo con su hermana Lena Young (Claudia Mac Neil) quien desea ser doctora y está sociedad le recuerda que sólo puede ser enfermera. Lana esposa de Walter y la madre (que en un principio pensaba donar el dinero a la iglesia) sueñan con ir a vivir a una casa en un barrio en los suburbios de Brooklyn.


CINE COMO HERRAMIENTA SOCIAL

SINOPSIS: Walter N. Young un adolescente negro que vive en un pequeño apartamento con su mujer, su hijo, su hermana y también su madre, su sentir es de ser un prisionero. Un día surge en su vida una ocasión inesperada, el beneficio de un seguro sustancial, por la muerte del padre. Cuando llega el esperado cheque, la madre decide darle el dinero a Walter para que lo administre, mientras ella, ya había hecho la entrega para la casa tan añorada. Walter trata de cumplir con con expectativas, ya confronto con su mujer, que espera un hijo y parece que todo se equilibra, pero su alcoholismo y su falta de criterio tiran de nuevo por la borda los proyectos ansiados, pues decide invertir en la sociedad de la licorería y es timado por uno de los socios. Surge una posibilidad de recuperar el dinero cuando se presenta inesperadamente un supuesto Administrador del barrio en dónde señaron la casa, el Sr. Mark Lindner (Jhon Flieder) quien, enviado por el entorno del vecindario de

gente blanca no desean la presencia de ellos. Se establece un debate entre la familia donde se apela sobre todo a la integridad y moral con que se construyeron los principios heredados por los ancestros familiares. El director destaca un elemento simbólico, la presencia de una planta, cuidada por la madre Beneatha Young (Diana Sans) que siempre observa que la planta no se desarrolla porque no entra el sol en el apartamento. Al igual que la vida de ellos que no pueden surgir en medio de donde viven y desarrollan su historia. Muy buena película los personajes impecables en sus roles , la ambientación correcta y de la época que transcurre la película. Sínópsis realizada por Karina Schmidt y la participación especial e indispensable de la Sra. Marta Tamburini gran compañera del taller de Debate Cinematográfico.

El secreto de Vera Drake Marta Tamburini

Película Británica..Sociedad Londinense de posguerra en la década de 1950 Dirección y Guión de Mike Leigh Vera es una mujer de mediana edad, pequeña y casi analfabeta que trabaja limpiando casas de familias acomodadas, vive en un vecindario humilde con su marido Stan y sus dos hijos Sid y Ethel, se ocupa también de su madre anciana y enferma y de una familia amiga sumida en la pobreza y la depresión. Vera hace todo esto y además lo hace con alegría y casi con entusiasmo. Ella ayuda a todos y sin pedir nada a cambio. Su secreto es su actividad, muy mal vista y penalizada por la sociedad y las leyes. Ella ayuda a abortar a mujeres con embarazos no deseados. La película muestra el lado triste de una realidad que habla, entre otras cosas, de las varias razones que pueden lleva a una mujer a abortar: falta de medios económicos o de un lugar decente donde vivir, tener que ocuparse ya de varios hijos o de haber sido violada. Vera nunca había tenido complicaciones, era muy escru-

pulosa, su técnica era limpia y simple y aparentemente efectiva. Una intervención, sin embargo, se complicó y la jóven tuvo que ser internada en un hospital. Las autoridades estaban tras la pista de estas prácticas y por esta situación de la complicación del aborto clandestino de Pamela Barnes logran presionándola que revele a quienes contactó. Localizan a la mediadora quién indignamente cobraba por la intervención sin que Vera lo supiera.. Lo 11


más dramático sucede el día en que festejan el casamiento de su hija Ethel, muchacha poco agraciada física e intelectualmente, su madre ha fomentado esta relación con un joven vecino, tampoco muy guapo ni listo, pero si honrado y trabajador Reggie. Es uno de los días (los pocos) más felices para Vera. Se presenta la policía ya con el dato preciso y proceden a arrestarla ante el estupor de la familia y de ella misma.. Aquí comienza su calvario de interrogatorios, detención y comparecencia ante el Juez. Recibe el apoyo de su familia, pero se enfrenta a la hostilidad de su hijo que considera inapropiado e imperdonable el proceder de la madre. Así queda su familia, sola, casi abandonada, como todos aquéllos de los que cuidaba y cuya ausencia es irreparable, salvo para las familias ricas para las que trabajaba, a quienes tan bien atendía, pero.. era reemplazable. Son personas como ella que sostienen buena parte del andamiaje social, sin embargo ocupan un lugar secundario en el imaginario social. Estas mujeres, capaces de ocuparse de las penas y desgracias ajenas, soportan casi todo el peso del mundo privado

y cotidiano.. Siguen siendo invisibles, inexistentes política y jurídicamente. La hipocresía de la sociedad que hace la vista aparte si se trata de un aborto Legal como el de la hija de la Sra. Fowler quién con “arreglos fraudulentos” y posibilidad económica lo torna de naturaleza médica, mientras que sin esos recursos el clandestino es ilegal y penalizado. El relato que Mike Leigh hace de Vera Drake permite observar còmo el aborto es una práctica cuyo significado ha sido construído socialmente. Excelente película, excelente actuación de los roles asignados, óptima ambientación y vestuario de época. Reparto: Imelda Stauton (Vera) Phil Davis (Stan) Daniel Mays (Sid) Eddie Marsan (Reg) Ruth Sheen (Lily) Sally Hawkins (Susan) Alex Kelly (Ethel). Premios: León de Oro a mejor Director a Mike Leigh Copa Volpi - BAFTA y Premio cine Independiente 2004 a mejor actriz Imelda Stauton

Fichas técnicas

Heredarás el viento

Kramer vs. Kramer

El secreto de Vera Drake

La forma de las cosas

El Sol Brilla para todos

Título original: Kramer vs. Kramer Año: 1979 Dirección: Robert Benton Elenco: Dustin Hoffman, Meryl Streep, Jane Alexander, Justin Henry

Título original: The Shape of things Año: 2003 Dirección: Neil LaBute Elenco: Rachel Weisz, Paul Rudd, Gretchen Mol, Frederick Weller

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Título Original: Inherit the wind Año: 1961 Dirección: Stanley Kramer Elenco: Spencer Tracy, Frederic March, Gene Kelly, Dick York, Florence Eldridge

TÍtulo Original: Vera Drake Año: 2004 Dirección: Mike Leigh Elenco: Imelda Stauton, Phil Davis, Sally Hawkins, Eddie Marsan

Título Original: A raisin in the sun Año: 1961 Dirección: Daniel Petrie Elenco: Sidney Poitier, Claudia McNeil, Ruby Dee, Diana Sands

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Sala Mayor  

Primer Número de Sala Mayor, revista de cine, hecho por los alumnos del Taller de Debate Cinematográfico de UPAMI.

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Primer Número de Sala Mayor, revista de cine, hecho por los alumnos del Taller de Debate Cinematográfico de UPAMI.

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