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SUMARIO



Diseño

3 5-7Tips Photoshop 8-9Bloqueo mental 10-12 La vida de un diseñador 14-15Vistazo al Diseño Gráfico 17 Diseño Publicitario 18-19Diseño de modas

Artes 21

Arte a profundidad 22-23 Museo guggenheim 24-27 Pintura de Costa rica 28-32 Arte de Exportación 34-35 Fotografía Artistíca 36-39














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Arte a profundidad E

n términos generales se denomina arte a la actividad o producto en los que el ser humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos; como los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos. Se considera que con la aparición del homo sapiens el arte tuvo en un principio una función ritual, mágico-religiosa, pero esta función cambió a través del tiempo. La noción de arte es hoy sujeta a profundas polémicas. Esto debido a que el significado de la palabra “arte” varía según la cultura, la época, el movimiento, o el grupo de personas para las cuales el término es productor de sentido. Elementos del fenómeno artístico Artista El artista es el sujeto que lleva a cabo las obras de arte. El término ‘’’artista’’’ esta fundamentado en el significado ocasional del arte. Con las variantes del arte correspondiente, un artista es aquel que desempeña las labores artísticas que dependen de las ideas estéticas de cada época. Un artista es todo aquel que efectúa la creación de arte en todas sus clasificaciones. Este sujeto se supone una disposición especialmente sensible frente al mundo que lo rodea. Ha desarrollado su perspectiva de vista propia así como su creatividad, la buena técnica y la comunicación hacia el espectador por medio de sus obras. Personalidad artística El artista adquiere su propio dominio de técnica y su desarrollo artístico intelectual para llegar al camino del profesionalismo. Con esta personalidad el artista se manifiesta hacia el mundo tratando de reflejar lo que acontece o le gustaría que aconteciera en él. Representa el dominio interesado en una técnica artística en sus expresiones totales empleando las características en que estas se basan. Facultad estética creadora

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Otra de las características que acontecen en el fenómeno artístico es la propia facultad del artista para efectuar su gran talento del que fue concebido, en teoría, el concepto de crear. Con esta el artista da a conocer su personalidad definiendo con sus métodos el término de estética, mostrando así sus intereses hacia lo bueno y lo malo, lo feo y lo bonito... desarrollando con esto su percepción al medio. Definida así, la estética se encuadra mejor en la psicología incluida en el arte, dándole a este término el concepto de la percepción; porque al fin y al cabo las cosas son para nosotros como las percibimos, tanto si coincide nuestra percepción con la realidad, como si no. Pero no se detiene ahí la estética, puesto que se ve obligada a estudiar y definir qué formas han de tener las cosas para que sean percibidas como bellas por la mayoría. Y aquí tenemos un nuevo elemento distorsionados: la percepción de la mayoría induce a determinar que la sensación que percibe cada uno, tiene tanto más altas garantías de objetividad, cuantos más son los que coinciden en una misma forma de percepció En el arte, una obra de arte es una creación, tal como una composición musical, un libro, una película, un grabado, una escultura o una pintura, que ha sido hecha con la finalidad de o bien ser un objeto de belleza en sí mismo o bien una expresión simbólica o bien la representación de un concepto determinado. Lo opuesto es un objeto práctico o útil, aunque bien puede ocurrir que un objeto sea ambas cosas al mismo tiempo. Imagen artística Es en concreto el resultado total de un proceso creador en el que el autor se manifiesta con ayuda de sus materiales, técnica, visión y esta puede ser definida como el resultado de un proceso de creación, en el que, buscando la adecuación a los materiales, las técnicas y la organización, el artista logra proyectar sobre la materia sus visiones, su ideología, su imaginación.


El

GIGANTE de Europa La característica más llamativa del museo es el in-

novador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio. Cuenta con una superficie total de 24.000 mt, de los cuales 11.000 m están reservado para las exposiciones, distribuidos en 19 galerías. Se ubica a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, junto al puente Príncipes de España (puente de La Salve), que resulta rodeado por una torre hueca. El edificio recibió múltiples críticas favorables, como la del arquitecto estadounidense Philip Johnson, quien lo calificó como el edificio más grande de nuestros tiempos.

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Aquitectura

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de elite

Contenido

Histórico L

Las cubiertas y fachadas del museo se mezclan entre sí. Diseñado por el gabinete de arquitectos de Frank Gehry, fue abierto al público en 1997 y alberga exposiciones de arte de obras pertenecientes a la fundación Guggenheim y exposiciones itinerantes. Muy pronto el edificio se reveló como uno de los más espectaculares edificios deconstructivistas. El diseño del museo y su construcción siguen el estilo y métodos de Frank Gehry. Como muchos de sus trabajos anteriores la estructura principal está radicalmente esculpida siguiendo contornos casi orgánicos. El museo afirma no contener una sola superficie plana en toda su estructura. Parte del edificio es cruzado por un puente elevado y el exterior está recubierto por placas de titanio y por una piedra caliza que fue muy difícil de encontrar (al final se logró encontrar en Andalucía) igual a la que se utilizó para construir la Universidad de Deusto. El edificio visto desde el río aparenta tener la forma de un barco rindiendo homenaje a la ciudad portuaria en la que se inscribe. Sus paneles brillantes se asemejan a las escamas de un pez recordándonos las influencias de formas orgánicas presentes en muchos de los trabajos de Gehry. Visto desde arriba, sin embargo, el edificio posee la forma de una flor. Para su diseño el equipo de Gehry utilizó intensamente simulaciones por ordenador de las estructuras necesarias para mantener el edificio, consiguiendo unas formas que hubieran sido imposibles de realizar unas pocas décadas antes. Mientras que el museo domina las vistas de la zona desde el nivel del río su aspecto desde el nivel superior de la calle es mucho más modesto por lo que no desentona con su entorno de edificios más tradicionales.

as exposiciones en el museo cambian frecuentemente y contienen principalmente trabajos realizados a lo largo del siglo XX siendo las obras pictóricas tradicionales y las esculturas una parte minoritaria comparada con otros formatos e instalaciones artísticas y formatos electrónicos. Algunos entusiastas del arte consideran que el edificio en sí está muy por encima de las obras que forman parte de la colección del museo. En los últimos años, de acuerdo a la política general de los centros Guggenheim, se han incluido exposiciones de arte antiguo, acaso con el deseo de captar más público. Así, se han expuesto dibujos de Miguel Ángel, pintura antigua del Ermitage de San Petersburgo, grabados de Durero (2007) y una selección de pintura y objetos antiguos del Kunsthistorisches de Viena (2008).


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Pintores costarricenses

1 ilusión En la cromoxilografía, género que Amighetti ha estado cultivando casi con absoluta exclusividad desde 1968, ha logrado incorporar los elementos plásticos que le son más propios: la profundidad en el trazo, y la presencia —subordinada, pero imprescindible— del color. La cromoxilografía permite, por otra parte, una amplia valorización .de las texturas y vetas de la madera, factor que Amighetti ha sabido explotar como muy pocos.

tencia en su manifestación más rotunda si no por medio de la experiencia infantil. Amighetti nos presenta así al niño que más a menudo obliteramos: el niño cósmico, profundamente perceptivo, entregado por completo al acto de vivir, con una sensibilidad que el tiempo luego irá llenando de escamas.

En pleno dominio de los elementos técnicos, el tema adquiere preeminencia al ser tratado libre e imaginativamente. Lo más profundo de la personalidad de Amighetti se revela en la gama de sus temas predilectos, de sus temas amados: los niños, el erotismo de las mujeres tropicales y la aspereza de sus hombres, y los ancianos. La infancia está valorada en la obra de Amighetti como en la de muy pocos artistas contemporáneos. Amighetti repara sobre todo en la condición del niño como contemplador profundo, como sensor exacerbado. Los niños de Amighetti no están allí para despertar los sentimientos maternales o paternales del espectador, ni para evocar la ternura con que el artista se aproxima al tema. Por el contrario, son, en rigor, los protagonistas de la obra, y es por medio de ellos que tenemos acceso a uno de los aspectos más profundos de la percepción del mundo de Amighetti. Un vasto sentimiento cósmico está presente en “El niño y la nube”: el niño que contempla hasta ser uno con el objeto contemplado, y en “La niña y el viento” y el “Niño a caballo”, en donde el personaje se convierte en un sensor absoluto, totalmente permeable a las sensaciones suscitadas por los elementos de la naturaleza: el viento y el oscuro calor del crepúsculo en la costa. Difícilmente podríamos evocar tal entrega a la exis-

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Las caras de los hombres de Amighetti están llenas de aristas, y en ocasiones de formas casi geométricas, como en el gran “Friso de los observadores observados” (1972), grabado de una concentración dramática casi aterradora. En la “Pelea de gallos”, en “Toros y gente”, en “Autorretrato con antepasados”, en “Discordia” I y II, en “Hombres y máscaras”, en “Los que van”, y en muchos otros grabados recientes, esas formas angulosas, contras¬tadas a menudo con la hueca redondez de los ojos, llegan a constituir casi un lenguaje autónomo de carácter abstracto, un testimonio o retrato de la vida, áspera y violenta, llena de corrientes encontradas de energía que brotan como chispas candentes en la superficie del cuadro. Gran parte de la obra de Amighetti se genera en el asombro, y nada lo produce más en este ser pacífico y sereno que la violencia de los hombres. Podría escribirse todo un ensayo sobre la violencia en la obra de Amighetti, pero ése no es nuestro propósito ahora. Cabe, señalar, no obstante, que dentro del contexto del arte costarricense, Amighetti es el único que se ha enfrentado, sin aspavientos, a la dimensión trágica presente en la vida de nuestros campesinos. Y lo ha hecho no describiendo escenas patéticas, ni figurando torpemente campesinos oprimidos bajo la bota del patrón, sino mostrando la forma en que la tragedia cotidiana se ha ido incorporando en los rostros de esos hombres, curtidos por el sol y la amargura. .La fibra y las vetas de la madera se convierten así, en muchas de las cromoxilografías de Amighetti, en la tensión de las formas prietas de la mujer criolla. “La modelo” es paradigma del erotismo amighettiano, también presente con inusi¬tada intensidad, en “La conversación”. La redondez de las formas femeninas contrasta en Amighetti con la dureza de los rasgos masculinos, muchas veces presentes también en rostros de mujeres.


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Técnicas en

Variedad

La infancia está valorada en la obra de Amighetti como en la de muy pocos artistas contemporáneos. Amighetti repara sobre todo en la condición del niño como contemplador profundo, como sensor exacerbado. Los niños de Amighetti no están allí para despertar los sentimientos maternales o paternales del espectador, ni para evocar la ternura con que el artista se aproxima al tema. Por el contrario, son, en rigor, los protagonistas de la obra, y es por medio de ellos que tenemos acceso a uno de los aspectos más profundos de la percepción del mundo de Amighetti. Un vasto sentimiento cósmico está presente en “El niño y la nube”: el niño que contempla hasta ser uno con el objeto contemplado, y en “La niña y el viento” y el “Niño a caballo”, en donde el personaje se convierte en un sensor absoluto, totalmente permeable a las sensaciones suscitadas por los elementos de la naturaleza: el viento y el oscuro calor del crepúsculo en la costa. Difícilmente podríamos evocar tal entrega a la existencia en su manifestación más rotunda si no por medio de la experiencia infantil. Amighetti nos presenta así al niño que más a menudo obliteramos: el niño cósmico, profundamente perceptivo, entregado por completo al acto de vivir, con una sensibilidad que el tiempo luego irá llenando de

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subasta de

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Obras

´ EXPORTACION arte de

La visión de Morán Sus instalaciones fueron mostradas en Costa Rica, Colombia y Uruguay. Septiembre fue un mes intenso para el artista plástico salvadoreño Ronald Morán. Tres de sus mejores instalaciones fueron montadas en galerías y centros culturales de

diferentes paises como Costa Rica, Colombia y Uruguay. Su primera punto fue Costa Rica, en donde mostró Incidencias, una propuesta relacionada con la violencia doméstica. “Quería que la pieza hiciera sentir agresión tanto al agredido como al agresor”, comentó Morán.

Por eso, en esta obra las cosas aparentan caer sobre una persona a toda velocidad. Su planteamiento fue contextualizado con una noticia de violencia intrafamiliar que fue publicada en un periódico de ese país centroamericano. En Colombia, el artista expuso en la galería Rieigner. Fue allí donde la violencia infantil y social la representó con fotografías e instalaciones. Así, expuso fotos de juguetes y utensilios de cocina forrados con guata.

La pieza principal que Morán exhibió fue Crudo blanco, instalación que alude al conflicto mundial por el petróleo. “Aparenta tranquilidad, pero por el petróleo ha habido muchos muertos”, agregó. En Uruguay, mostró la violencia doméstica, la cual incluyó un elemento propio: el mate (una bebida).

Antes de que el martillo de Sumarte suene, las obras que serán ofertadas podrán ser apreciadas por el público salvadoreño. Este deleite visual empezó a ser exhibido desde el pasado martes, en el Centro Cultural de España. Sandra de Escapini, miembro de Amigos del Museo de Arte (Amarte), recalcó el compromiso de reunir obras de calidad, para la subasta que organizan desde el año pasado.“Como parte de ese compromiso, también hemos publicado este catálogo que nos llena de orgullo”, agregó. Para la historia Para la subasta, las obras de los artistas tuvieron que pasar por un comité de selección. Además,

algunos de ellos han donado total o parcialmente sus propuestas. El pintor Alex Cuchilla manifestó que ya era hora que el país contara con esta actividad. “Por fin hay una subasta fuerte, porque Guatemala tiene cuatro muy reconocidas”, comentó Cuchilla. El ceramista César Sermeño dijo que este remate reúne a obras representativas de la historia plástica nacional. Y el fotógrafo Teyo Orellana manifestó que esta actividad orienta al coleccionista. La muestra estará hasta el diez de noviembre en el Centro Cultural de España de 9:00 de la mañana a 5:00 de la tarde.

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Fotografía + Artistica

=VANGUARDIA El arte conceptual fue descrito por el artista Sol LeWitt likzae como: En el arte conceptual la idea o el concepto es la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planeamiento y las decisiones está hecho de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una maquina que hace el arte. Esta corriente irrumpe en Estados Unidos hacia 1970 y el término lo acuña Edward Kienholz, ya hacia 1974- 75, sus planteamientos se agotaron provocando en las nuevas generaciones una revisión hacia el arte tradicional. Según Nicolas Mohamed: La fotografía conceptual apunta a que la obra no tenga un objeto principal que la describa sino que tenga una idea detrás, una interpretación que pueda ser encontrada en la composición de la misma. Personalmente encuentro muy interesante practicar este ejercicio y conseguir soltura en la fotografía conceptual por dos motivos. El primero es que podremos ampliar nuestras posibilidades artísticas. Si queremos crear algo mediante la fotografía, transmitir un mensaje, esta práctica nos permitirá hacerlo. Y en segundo lugar, si haces fotografía de stock o por encargo, debes dominar este procedimiento. En el primer caso para avanzarte a las posibles demandas del mercado (por ejemplo, me imagino yo, que en estos tiempos que se habla tanto de la crisis económica, imágenes muy buscadas en las agencias de stock serán las que muestren conceptos relacionados con éste) y en el segundo caso… pues porqué ¡así funcionan estos trabajos!


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Buscando...

5. Composición creativa: Hay que pensar de antemano en la composición y a quien se dirige el mensaje. ¿Qué es lo que voy a fotografiar? ¿Cómo lo voy a disponer en la foto? Composiciones complejas y dinámicas, seguramente serán más apropiadas para gente joven, por ejemplo. Y las pausadas para gente mayor (evidentemente con excepciones, no estamos hablando de dogmas). Aquí hay que hacer un trabajo creativo y hay espacio para jugar con elementos simbólicos, no solo imágenes explícitas. 6. Técnica: Hay que decidir de antemano las máximas variables posibles: iluminación, colores, material, parámetros de la cámara… 7. ¿Objetivo cumplido? Y una vez tenemos el resultado, es momento de plantearnos esta pregunta (o plantearla a los receptores de nuestro mensaje).

La propuesta es buscar una respuesta a las siguiente seis preguntas para posteriormente tenerlas en cuenta cuando hagamos la fotografía. La séptima pregunta es para evaluar los resultados obtenidos: 1. Concepto: Hay que elegir el concepto que queremos transmitir. Amor, muerte, ternura, erotismo, estrés, salud, inocencia… lo que se te ocurra. 2. Mensaje: Una vez elegido el concepto, hay que decidir el mensaje que se quiere transmitir. Si elegimos por ejemplo, la muerte, podemos expresar la tristeza por la muerte de un ser querido, la muerte como una etapa de la vida, la violencia de la muerte o quizás su calma… Infinitos mensajes por cada concepto. 3. Audiencia: ¿A quién piensas dirigir tu mensaje? ¿A niños? ¿Ancianos? ¿Gente de una cultura muy circunscrita? ¿Será un mensaje culturalmente universal? ¿Hombres? ¿Mujeres? 4. Factores emocionales: Debes identificar aquellos elementos que causen un mayor impacto a nivel emocional a la audiencia a la que intentas transmitir el mensaje mediante tu fotografía. Por ejemplo, si quiero transmitir un mensaje de felicidad en una foto dirigida a niños, utilizaré muchos colores vivos y llamativos, quizás también utilizaré a niños riendo como protagonistas y jugando…

a la

Fotografía


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revista wonder