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collection « julia »

BOUTIQUE GENÈVE 23 rue du Rhône +41 22 819 80 26 GSTAAD . LONDON . HONGKONG



ART DIRECTION Mafalda M. Kyambel | Guillaume Chardier

Assistant Editor India Belce Kennedy

Visual Communication & Design Senior Project Manager Guillaume Chardier Mafalda Kyambel

Senior Editor Ena Martinovic ART Senior Editor Alice Brace CULTURE Senior Editor Ena Martinovic Editorial Contributors Intern Nathalie Arnold Intern Valérie Erard FASHION Senior Editor Mafalda M. Kyambel Editorial Contributors Senior Editor Murray Clark Intern Nathalie Arnold Intern Valérie Erard DESIGN Senior Editor India Belce Kennedy Editorial Contributors Vanessa Battiato Léa Villette

Contributors Art Directors India Belce-Kennedy Arnaud Delaunoy Contributors Photographers India Belce-Kennedy Arnaud Delaunoy Hoyam Henney ADVERTISING Marketing & Sales Manager Arnaud Plenet de Badts PUBLISHING CHAMBERLINPROD. Senior Production Advisor + 41 78 912 11 54 LETTER TO THE EDITOR TRIBU Magazine International Representative Office Rue de la Servette, 11 | CH 1201 Geneva, Switzerland WWW.TRIBUMAGAZINE.COM Distribution Geneva - Zurich - Paris - London - Berlin - New-York Hong-Kong - Beijing - Shanghai - Tokyo - Sydney




The nude is an artistic genre which involves representing the human body in a state of nudity, in any situation alluding to its possible nudity even if this is not faithfully represented. The representation of the nude body is a frequent practice in the art world. Although representations of nudes have become standard features of collective imagery, new avenues are constantly being explored including "body art", the performance of which has sometimes given rise to rather crude representations of the body and which has gone on to become a major discussion topic. Following the first performances or "happenings" from the Black Mountain College in the United States, the use of the human body as the artistic medium, "usually that of the artist himself " has become a new means of representing the body. In France, it was chiefly with Michel Journiac in the 1970s that body art (often featuring nude bodies) emerged. For their part, the self-mutilations of Gina Pane have often drawn negative reactions from the public. More recently, while exploring the Yoruba rites of her original Cuban culture, Ana Mendieta goes nude into a crater as if returning her body to its embryonic state. Yves Klein’s performances, in which the bodies of young girls covered with blue paint leave imprints on canvases, have also become very well-known. Originally, nude photography was used by artists as a new means of studying a model. Although linked to eroticism from the outset and used above all to represent women, nude photography is certainly not limited to this image. Around the mid-20th century, magazines began combining artistic and erotic genres to get around the censorship still practiced widely at the time, and presented photos bordering on the erotic to the general public as art. Among these artists, David Hamilton is known for his controversial photos of nude female bodies photographed in soft light. The growth of the porn industry also inspired artists. This is the case with Jeff Koons, who produced a number of works in the "Made in Heaven" series showing him in sexual scenes with his now ex-wife Cicciolina. For his part, the American Spencer Tunick opted to photograph masses of nude bodies, spectacularly displaying groups of several thousand volunteers posing nude in public places. Finally, the nude is also frequently used in advertising campaigns for products related to nudity such as the "Leçons de séduction" campaigns for the Aubade lingerie brand, but also for products less obviously linked to the genre such as the campaigns for the "Tom Ford for Men" fragrances by Tom Ford. They often rely on the vaguely rebellious and provocative nature of the nude to attract consumers. As you can see, the "NUDE" takes pride of place in this second issue. A beautiful, shocking or touching "NUDE". Quite simply a nude which is truly thought-provoking! MMK Founder & Editor in Chief












THANK Mode Suisse Yannick Aellen - DIRECTOR Thank you for your trust into tribu magazine and your warm welcome at Mode Suisse events

HEAD Geneva Jean-Pierre Greff - Director Sandra Mudronja – Head of communication and external relations Claudia Lanz – Communication and external relations assistant Elizabeth Fischer – Manager of Design Jewel Thank you for the trust you give us. Thank you to M. Jean-Pierre Greff for granting us an interview and to the whole communication team in fashion design and jewellery for their coordination Bal des créateurs Rue de l'Arquebuse 25, 1204 Genève Christophe Durand – Founder & Director Edvinas GliebuS - BOOKSTORE MANAGER Thank you for your support at all points and for your great work on Marina Abramović's hair&make-up

YOU Piaget Mousse Jaquier - PR Manager Thank you for letting us use your jewellery collection for the shooting

Chopard Valeria Rossi-Sassoon International PR coordinator Thank you for lending us your jewellery for the shooting

Cartier Guillaume Alix – CEO Cartier Switzerland Elisabeth Guérin Press Relations & Events Specialist Thank you for allowing us to conduct this interview with M. Guillaume Alix Edelweiss Magazine Laurence Desbordes – Chief Editor Vanessa Hambaryan – Project Manager Thank you for having us at the Lily casting and at the Showroom Edelweiss

Musée Ariana Isabelle Naef Galuba - Director Christine Azconegui Communication Officer Thank you for your availability and for trusting TRIBU Magazine and letting us realise the photoshoot at the Musée Ariana METROPOLIS7 VIRIGINIA AZEVEDO - DIRECTOR mARIA GUEDES CRUZ - MANAGER JEREMY LAZARUS - MANAGER WE Thank you FOR THIS WARM COLLABORATION. IT HAS BEEN A REAL PLEASURE FOR TRIBU MAGAZINE TO WORK IN METROPOLIS7 BUSINESS CENTER Rachaya Holding SA & Sesam Foundation Abdallah Chatila - director Céline De Wurstemberger Déborah Souleyman Thank your for your support, consideration and for your time, for giving us this interview Nest Gallery Tara Hacking – Managing Director Mélanie Borès – Gallery Manager Thank you for your contribution and partnership in the art section for the article Serbia 2013 : towards a better world

Guy Bärtschi Galerie Barthélémy Pralong – Director we Thank you for the beautiful opportunity on marina abramovic's interview Go Out Mina Sidi Ali - Publication Director Thank you for your participation and collaboration on the culture section and for your article "hooked on joe ". (n° 154) Low Weakness Photograph for Mode Suisse Geneva Article (n° 198) Thank you for trusting us with your pictures for Mode Suisse Geneva and Mercedes Fashion Days in Zurich

Go Out!

Régis Chamberlin CHAMBERLINPROD. SENIOR PRODUCTION ADVISOR Thank you for the coordination and support to TRIBU Magazine Mariana Bravo Founder Patua Jewels - Rue Robert-Céard, 5 1204 Genève Thanks to MARIANA BRAVO who kindly LET us USE THE PATUA JEWELS showroom for our COMPLETE photoshoot. We were very pleased with THIS COLLABORATION Olmo Photograph for Detroit Article (n° 110) OLMO IS A SWISS ARTIST WHO USES MULTIPLE MEDIA TO DOCUMENT HIS WORK: INCLUDING PAINTING, SCULPTING AND PHOTOGRAPHY Thank you for your pictures and collaboration for the Detroit article Philippe Girard Photograph for HEAD Fashion Show Article (n° 216) Thank you for being present during the HEAD Fashion show and for entrusting your pictures to TRIBU Magazine

Astrid Silva Bandian Article (n° 26) Thank you for writing an article for the art section David Brolliet Thank you for the support and adviceS Guillaume Chardier Art Director SENIOR PROJECT MANAGER Thank you for being such a friend. we are pleased to have you on board. welcome to tribu magazine!

special THANKs to

Consulting Communication a été un élément majeur à la réalisation de TRIBU Magazine. Un grand merci d'avoir cru en ce projet! "M.M.K" "Rien de grand ne se fait sans passion. "C.R"

C&C Consulting Consultancy is a communication consultancy company, established since 2008 in Geneva. C&C expands its activities nationally (Switzerland – Geneva) and internationally (Miami, USA – Algiers and Oran, Algeria). Christelle Rolland is the founder and General Manager of C&C Communication Consultancy Ltd. With a background of several work experiences acquired during her studies at shopping centres, an advertisement agency, local television and other projects, she decided to create her own company in 2008 right after obtaining her university degree in Marketing Communication. At the same time, she’s been very active in associations for fifteen years now, mainly for the “Christmas Tree of Geneva” Association which she co-chaired. Being specifically passionate about contemporary art, she notably was the instigator of the first exhibition for painters in 2005 at the “Passage du Molard”. Christelle Rolland knew how to thrive in Switzerland as well as abroad. She has an extended experience in North Africa and was appointed by the Shopping Centres Company of Algeria five years ago. Her leadership, energy, structural organization, responsiveness and sense of responsibility allow her to carry on her collaboration with the same clients.

C&C Consulting Communication Sàrl, Rue de Genève, 104 - 1226 Thônex |


ART BANDIAN "Portrait of an Artist" / 26 MISO HOMEMADE TATOOS / 32 KARINE BAUZIN / 36 MANA MORIMOTO / 42 ROXANE SCHNEIDER "la Femme à Chat" / 48 SILVIA GRAV / 66 LIQUID VISION / 74 CHRISTOPHER JOanSSEN DEVOUR / 82 LONDON ART FAIR / 86 SERBIA 2013: TOWARDS A BETTER WORLD / 90 ALEKSANDRA WISNIEWSKA / 96 TRIBU MEETS MARINA ABRAMOVIĆ "Interview"/ 104 "Exhibition Landscapes" / 108 DETROIT / 110 CULTURE TATE MODERN "The EY Exhibition, Paul Klee" / 124 THE MUSEE ARIANA / 130 CEE ROO / 138 GENEVA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL / 146 INSIDE LLEWYN DAVIS / 150 HOOKED ON JOE / 154 FASHION ANTIFASHION / 160 LARA JENSEN / 170 LOÏC PRIGENT "Le Jour d'Avant" / 176 SWISS FASHION REVOLUTION "Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014" / 180 "Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs" / 198 "Fashion Show HEAD" / 216 "Concours Lily Edelweiss & Showroon Edelweiss" / 232 JEREMY GAILLARD "Promising Young Fashion Designer" / 248









Bandian is a 22 year-old Paris-based artist, whose work mixes social photography and film for installations in the public sphere. He graduated with a degree in Political Sciences and now focuses entirely on artistic projects. He began as a graffiti artist as a teenager, taking his first steps in urban art. Later he started using a camera as a tool for documenting his work but subsequently gave up the latter to focus on photography. Through this media, he originally aimed to become a war reporter. He realized he was more interested in the communities than the media aspects as he worked on his projects, and so developed his artistic skills. His previous projects have involved working with diverse communities with the goal of becoming an insider thus raising questions of identity status, stereotypes and their moral representations and depiction in media through his work. His art results in what he defines as “visual sociology”. Bandian’s technique involves a unique process, using hundreds of 10x15 pictures to create urban collages, where the original photographs turn into large paper mosaics. This method is a direct reference to his choice of film photography. He started using this technique for his first project, entitled ‘TIMOTHEE’, in 2010, which observes a 53 year-old homeless man in Marseille in his everyday life, where the city becomes a huge home and each street is a room. For his current project ‘MAIN-D’ŒUVRE’, Bandain pasted 15,000 photographs on walls to form an unsolicited, ephemeral installation. The starting point of ‘MAIN-D’ŒUVRE’ is Beur’s March, as nicknamed by the French press; a march for equality and against racism which took place in 1983 in the Minguettes neibourhood, in the subur-

bs of Lyon, after violent confrontation between the police and the local youth. Thirty years later, Bandian’s project ‘MAIN-D’OEUVRE’, takes place in the same area. For this project, six participants who were chosen randomly from the neighborhood, were interviewed and asked to pick a symbolic item. The urban collage show black and white photographs of hands holding each personal item. Along with the urban action, Bandian made a series of six short films which describe each of the participants’ stories. Through the films, we discover the faces which the hands belong to and the meaning of their creative choices. ‘MAIN-D’OEUVRE’ aims to question and to understand the suburban identity without clichés and to figure out why suburb inhabitants still appear as outsiders today. This project has been selected as part of the Biennale of Contemporary Art (Résonance) in Lyon, and will be Bandian’s first exhibition. For this specific site, a huge installation takes place in les Minguettes, which will be open until January 2014. Bandian’s artistic approach is currently evolving towards public art rather than urban art, and he tends to work on projects requiring teamwork, but there is a main thread to his art; he always seeks to awaken attention and sensibility to transform mindsets and to challenge one’s awareness. Biennale of Contemporary Art (Résonance), Lyon, until January the 5th 2014

Words by ASTRID SILVA | Biennale of Contemporary Art (Résonance), Lyon, until January the 5th 2014 Image credit to Bandian | More infomations : ©









Friends and friends of friends of Stanislava Pinchuk (professionally known as Miso) can be identified throughout Melbourne by their delicate and distinguished tattoos. Each carries a unique design based on geometry, space or nature and is not given, but traded. Whilst Karlee traded tailoring for her tattoo of a wildflower with galaxy spores, Noah traded dinner for a solar eclipse. From house plants, to drawings, to help setting up an installation, it seems Miso will accept most offerings in exchange for her handiwork. Using the classic method of stick-and-poke, rather than a tattoo gun, Miso’s fine designs take patience as well as agility to achieve. Each stroke of the mark is so fine it is difficult to conceive that these inkings are as permanent as they are, yet their bold, presumptuous presence defies that. Using strictly black ink and basic shapes, the combination of simplicity and conscientious design identifies each tattoo as a symbol of great personal gravity to those who wear them. The want and dedication of permanence of each of these designs brings a great deal of speculation as to the personal significance behind each one. Some are explained, albeit only with one line, “map within a firework exploding, marking north, Berlin, Vancouver & Melbourne in its rays, brother & sister before parting again”, whilst others seem to have a very intimate meaning conveyed by the subject matter alone, “wolf with a city on its back”. Originally from Ukraine, Miso now lives in Australia where, aside from her ongoing home-made tattoo project, she is also an artist and illustrator. Taking a tangible influence from her background and roots throughout her street art, and upholding a consistent interest in nature throughout her fine art projects, including a 1.1 x 1.53m sheet of paper, on which the moon is made up entirely of pinpricks, it has to be said that of all her works, Miso’s home-made tattoos are by far the most romantic.

Words by ALICE BRACE | Image credit to Stanislava Pinchuk ©








Karine Bauzin was born in 1973. The photographer studied at the Beaux-Arts in Geneva. At the age of 20 that destiny was shaken by a terrible event that changed the course of her life. She was the victim of a cerebral accident, more particularly an aneurysmal rupture. At that time, she intended to be a translator and interpreter. Overnight, she found herself with aphasia, which implied a loss of ability to express speech. She has therefore been led to develop a different way of expressing herself. It is in her misfortune, as she puts it, that she had the chance to discover her current job. Katrine Bauzin discovered the world of photography. A press photographer for several years, she worked with various domestic and international magazines. She also published two books in 1999 and 2003. « One day, everything changes ... » with Thierry Ott, a former journalist also injured as a result of a brain tumour and « » with MarieClaire Lescaze. The work of Karine Bauzin is atypical. Reports, mandates pub and watches but also an unusual work, revealing a delicate look, amazing and usually humorous. Her photographic project "Without turning round" features an urban universe with atypical round formats. His universe mix patriotism - with references to a few icons like the Swiss Army knife and a plate with milk chocolate - pop and travel, all in bright colours. Round pictures are the result of a very personal installation, incorporating such elements she used in her reports. An artist with many interests, she evolves in dif-

ferent worlds. Indeed, "Without turning round" has a rather decorative universe that addresses a wide audience which is totally different from her personal projects. Indeed, her personal work, more intimately consists of a story board like a road movie scenario with the offset and the absurdity strung out along the images. The subjects are often shifted, sometimes absurd, but through which they seek to provoke the viewer. With her story boards she builds a story like a picture book. Topics which challenge her daily life: madness, suicide, violence, alcoholism, and gentrification. It cannot be improvised. The sets and the characters evolve over this story. It exploits every actor in a theatrical stage set. The sincerity of the projects makes a poignant consistency. Leaving the viewer to form his own judgment and insisting on him to observe only what he wants to see or manage to see. Inspired by the everyday, sublimating her defects and disabilities, Karine Bauzin transposes her current work in a very heteroclite universe putting the viewer with his reality. The photographer gives us, camera in hand, a photographic poem driven by a rare emotional energy. In a constant search for size and support, each subject is presented in a personal and attractive expression. A modest and magical shaped trajectory arc to a stunning and often dissenting irony. Through this variety of photographic genres, Karine Bauzin is sharing her art and creativity.

Words by MAFALDA KYAMBEL | Adapted by NATHALIE ARNOLD | Image credit to Karine Bauzin ©









After living in the vibrant city of Portland, Oregon, Mana Morimoto took up embroidery as a way to occupy herself when she returned to Japan last year. Since then, Morimoto has already made a name for herself among the up-and-coming collective known as Fibre Artists, who focus on stitching, weaving and knitting to create a new breed of modernist tapestries. Despite having never had any formal training, Morimoto has a self-taught style, which is easily recognisable from the pop colours and culture. Tangible influence from today’s fashion trends, including Aztec and geometric prints, as well as allusions to 60s and 80s culture, are laced throughout her body of work, which includes singular swatches of woven fabrics, embellished first- and second-hand images, and even small makeup bags and purses. With an eclectic palette of pastel and mixed metallic, with the occasional bit of neon thread in for good measure, the Tokyo-based start-up artist plays with cultural references – from Mount Rushmore to Pharcyde – by overlaying them with brazen embellishments, largely focusing on sci-fi style beams coming from the eyes. Morimoto isn’t interested in getting her embroidery needles in just anything. She has a keen eye for imagery with a raw, retro vibe, specifically vintage Japanese arts and crafts magazines, old ticket stubs and found photography, mostly in black and white. The combination of not only old school pictures, but the practice itself, with contemporary patterns and colours creates niche in the art world, and breathes new life into an otherwise old fashioned craft technique.

Words by ALICE BRACE | Image credit to Mana Morimoto | ©






ROXANE SCHNEIDER "La femme à chat"




Roxane Schneider is a 26 years old woman from Switzerland. She studied at the prestigious HEAD in Geneva and has just achieved a master in Art Direction Photography at the prestigious art school, ECAL, in Lausanne. Since she was a child, she has grown up surrounded by people in relation with the artistic universe: photography, graphics and painting. She has always been sensitive to the images, with the influence that they can have on us. While she was at HEAD, she   definitely realized she wanted to express her creativity through photography. Roxane is always questioning her relation with the world and the others.

For a few years, what has inspired her particularly is the topic of intimacy. The expression and the beauty of a body,  its nudity, sensuality and erotism. She tries to express it through the eyes and sensitivity of a woman photographer. In her photographic work what is very important, is the relation which is established between the model and herself. She wants everyone to feel the complicity that there is between them, that it is not intimacy itself but their one intimacy which is expressed. An exchange and a play settle, with different    connotations: friendly, sensual, ludic and erotic. One can always feel a certain ambiguity in the relation which she has with her models that are generally people that are closely related to her.

Words by NATHALIE ARNOLD | Image credit to Roxane Schneider ©

















Photography: HOYAM HENNEY Art Direction and Styling: Mafalda Kyambel Hair and Make-up: NOELIA DEJESUS Models: INGRID FREITAS, AJLA MALANOVIC VIDEO PROJECT MANAGER: India Belce-Kennedy Assistant: NATHALIE ARNOLD, VALERIE ERARD PLACE: musee ariana




If life always happened as we planned it, would we feel pleasure as much? Would all beautiful things glow the same without the prism of pain we so often look through? Behind all beautiful things resides the pain of when it was absent, or when it betrayed us without notice. When suffering pervades a beautiful vision there emanates a discomfort that pulls the viewer apart, between conscious awe and unconscious obsession. Silvia Grav invites us in the depth of her intimacy, right through the pain that pierces the soul. This series of photographs finds its own conflict between photography and digital art; however, one can agree that it demonstrates a perfect balance between dream and reality.

Words by INDIA BELCE-KENNEDY | Image credit to Silvia Grav | Š


Grav is a 19 year old photographer, born and living in Spain. Her debut as an artist began with drawing, before she realized her craving for creation could become her line of work. When financial times became more difficult, the desire to use the camera she had been holding onto for the last four years became more acute and confirmed itself as a way of earning a living. She developed a technique which aroused much interest and appreciation among her close contacts. Soon enough her photographs were shared on the internet, while galleries and other artists were looking to collaborate. Inseparably, she works to live and lives to work as a job, a hobby, and a passion.


There is something undeniably cinematographic about Grav’s work, which currently finds its inspiration in the endless hours of films she devours, scrutinizing obsessively and writing down whatever comes to mind. In her creative process, the accumulation of images and textures found on the internet or produced through her own lens build up a library of visuals which fulfil her desire to represent the whole experience of the seventh art: vision, sound and rhythm. Like a collector affected by Diogenes syndrome, this accumulation gives her temporary pleasure until suffering shadows her life again, then, comes thus her best creations.






The technique behind these images is inspired by traditional analogue photography, which she finds has much more depth and feeling. Small particles dot the grey areas, aging the photos, making them seem like long lost memories left under a layer of dust, reacting to time and light. The overlapping of elements with no clear boundaries of space or light offers surrealist visions: of dreams, hopes or fears. Her own emotions are conveyed through these unique shots, testifying to intimate insights into pain, happiness and escape. Grav seeks to share compassion and understanding with those who will recognize their own aching. In spite of her young age, Grav shows great maturity in her process and final creations. Having perfected a style, different proposals for her photography are coming her way, inviting her to collaborate on projects such as music and visual projections. Could this open a whole new forum of still images versus cinematography?




AR -T Water is one of the four elements of Mother Earth and is the main source of life on our unique planet. So essential, no life is possible without it. It is a natural, available element of this planet. Yet today water is becoming such a precious commodity, some call it “white gold”. These photographs by Cristel and Mwana are a true testimony of how water can magnify the wonders of nature in an infinite number of ways. The shapes and colors of rocks, leaves and the sky transform into blissful psychedelic patterns, stimulating the brain to dream and escape. The macro lens allows the eye to dive into an abstract canvas of unique textures and shapes, and shows how nature contains all the elements of beauty we try to replicate in the man-made world. In this way, these photographs play an important role in showing how water is indispensable to our world, as the root of every living thing.

Water is becoming scarce all over the world as major rivers are drying out. This is caused by natural environmental changes, droughts brought on by deforestation, the demands of an increasing population, and agriculturists pumping vast quantities of water to make crops grow faster and bigger under the global international demands for perfectlooking food. The pesticides and artificial fertilizers are also poisoning the watersheds and rivers. In Africa, for example, the people and wildlife are often left with a trickling supply of water for drinking and sanitation needs and, if not properly managed and controlled, even these remaining sources of clean water will soon be unavailable.

Words by INDIA BELCE-KENNEDY | Image credit to Cristel Kennedy and Mwana Bermudes | ©


Over the past 6 years, whilst living in one of the wildest remaining areas of South Africa, the Kruger to Canyons Biosphere Reserve, Cristel and Mwana became thoroughly inspired both spiritually and artistically by the pristine waters of the local rivers in this exquisite African wilderness, collecting hundreds of images on their cameras. Earlier this year, with the enthusiasm and artistic input of Chalkhamhil Gallery in South Africa, they put on an avant-garde photographic exhibition with some of their unique macro and telephoto images. The show, “Liquid Visions�, was a success on all counts; the sales were healthy, but moreover, the exhibition attracted the interest of people of all ages from various backgrounds, including artists, photographers, and environmentalists.



Cristel lived half her life in Africa, aware of the value and necessity of water, and half her life in Switzerland, where the pure water which springs from the Alps is privatized, bottled, and a glass of water is sold for more than the value of a glass of wine. Mwana worked for over three decades in the mountains of Lesotho in South Africa as a rural water technician with his African colleagues and students. The teams caught numerous water springs located high up in the mountains, capped them and brought the precious liquid down to the village community through pipelines for daily drinking, cooking and sanitation needs. A real miracle of technology gently developed and was shared with others. These experiences changed their lives thoroughly, realizing how much clean water brought the possibility of health, sanitation and irrigation directly to the people, plus such high energy to their spirits! This collection was made by combining the keen eyes of two nature lovers; the viewer is left with the choice of defining the nature of this art.










As a preface to his conceptual photographic collection “Devour”, Christopher Jonassen gives little-to-no explanation other than the dictionary definition of devour and a quote from Jean-Paul Satre; “to eat is to appropriate by destruction”. As a verbal description of the collection, this leaves perhaps too much to the imagination, whereas as a compliment to the work itself, it opens a nexus of ideas. The images themselves are high quality and anonymous. The perfect spheres photographed on a black or grey background would suggest impressively high resolution telescope pictures of planets, which then begs the question, which planets? Whilst the textures and palettes have elements of the solar system with which we are familiar, the trained eye will conclusively argue against the notion. Only through research is it revealed in interviews that these are in fact the plates of well-used kitchen utensils, and with this revelation comes greater understanding of the concept. Jonassen uses a combination of imagery and text to raise awareness of the impact that small, everyday actions have on a grander scale. In a statement, the artist talks about the concerns he has with the way we are treating the planet, and how he reflects this with the title of the piece. However, even Jonassen himself didn’t become aware of the extent of the concept until he’d photographed several pans, originally driven by a compassion for the repetitiveness of mundane actions which occur regularly, and how it is “important to notice the beauty in the small things we surround ourselves with everyday”. Whether by coincidence or subconscious, much like the planets we are still learning of and the recipes we are still perfecting, Jonassen has discovered an important message within an important message, within a beautiful concept.

Words by ALICE BRACE | Image credit to Christopher Joanssen ©




LONdon art fair Article by ALICE BRACE



After having celebrated its 25th anniversary last year with its biggest show of Modern British and Contemporary art to date, London Art Fair is back with its annual show this January to play host to over 100 galleries across the UK. In the Business and Design Centre, Islington, will be a display of all kinds of art, from paintings and photography to kinetic art and sculpture, available for sale and browsing to the general public. Admission ranges from £13 in advance to £17 on the door and is available between 15th and 19th January 2014, with a VIP preview evening on 14th January for £25 available in advance only. Throughout the years, London Art Fair has enjoyed increasing popularity through partnerships with over 100 galleries and numerous sponsors, culminating in last year’s show being an incredible success, both locally and internationally, welcoming over 23,000 visitors and reported sales from all over the world, including in Russia, Brazil and South Africa. The fair’s strategically timed opening secures pre-existing relationships between galleries and clients, as well as creating new ones early on in the year. Whilst maintaining ties with long-standing key names, including this year Whitestone Gallery, which will be exhibiting works from GUTAI, an avantgarde Japanese collective from the ‘50s, it is also possible for smaller, independent galleries to apply for exhibition space in one of London’s largest and most diverse art fairs. London Art Fair holds an array of artists’ work, including big names such as Hirst and Hockney in previous shows, and the prices vary from budding collectors’ ranges, to an excess of six figures. Though the fair itself is more suited to serious buyers, it is definitely worth attending as an exhibition for a chance to see and speculate on the new up-and-coming artists and galleries from across the world.

Words by ALICE BRACE | Image credit to Bill Woodrow, Switch, 1986, mixed media, photo Bill Woodrow ©


Image credit to Tobias Lehner, O.T.2013, Courtesy the artist and UNION Gallery, London Š


Image credit to Joe Hamilton, Div Contour, 2012, website, Photo50 at LondonArt Fair 2014 Š


Serbia 2013: towards a better world Article by MELANIE BORES



Are you familiar with Culturescapes? This is a festival launched in 2004 by Jurriaan Cooiman, which has been a foundation since 2009 and which works to support and spread culture by organising exchanges between Switzerland and a different country each year. In 2013, its guests of honour have been the Balkan states. Over the space of eight weeks, from October to December, Switzerland is welcoming artists in its cultural institutions and displaying their work. The theatre, cinema, art, literature, dance, the new media and music are all covered. The list is long, the event programme rich and diverse and the artists numerous. Although this festival, which started life in Basel, is chiefly present in German-speaking Switzerland, for its part French-speaking Switzerland is also organising various events (though on a more modest scale) to promote artistic output from the Balkan region. As an example, the people of Geneva can enjoy the series of films being screened at the Cinélux or attend a concert at the Temple de Saint-Gervais. But once the festival ends in late December 2013, what will then become of these artistic contacts? The breach opened by Culturescapes never closes: a few weeks later (from January 27, 2014 onwards) a two-week exhibition organised by the Mali Princ foundation and the Bel Art gallery of Novi Sad will be held in Geneva’s old town. The NEST Galleries are pleased to welcome "Culture escape/Culturescape – Serbia 2013: towards a better world", a collective exhibition bringing together around ten Serbian artists who present their view of contemporary Serbian society, which has been characterised by a policy of transition for the last 20 years. At first glance, there is no common theme among these artists. Despite that, their work interacts, their views converge and the exhibition reveals an artistic output seeking to free itself of this never-ending political and social transition. Because the great question always remains: how can we present a new face for artistic representation, overshadowed and held back by the war in the Balkans? And apart from specialists, when you get to hear about contemporary Serbian artistic output in French-speaking Switzerland? Marina Abramovic is known to the general public for her performances, especially at the MoMA in New York and the recent biopic "The Artist is Present" devoted to her in late 2012. For many artists however, it remains difficult to leave Serbia and to display their work internationally. So what is the background of the artists of "Serbia 2013: Towards a better world". Where did they originate? Under what conditions were they trained and more widely how have they been received after their studies in the schools of fine art, applied art or architecture? The exhibition’s manager and art critic Sava Stepanov explains: "For more than two decades Serbian contemporary art has been unfolding in conditions of a long-term social transition. The change of the system has been going on for too long and, consequently, the crisis (which is, otherwise, an inevitable and transient phenomenon) has been transposed into – a condition. Such a profound crisis constantly generates breakdowns in the standard social norms, weakens standards, and diminishes the value of criteria in all fields of life. In Milosevic’s Yougoslavia, in the postmodernist 1980s and on, art and artists were continuously monitored, their works were more often than not looked upon with disdain, they were criticized and in many cases they were also sanctioned".  To condemn this internal crisis and its impact on the country's cultural life, and to call for a change in international views, as an example in 2006 Mrdan Bajic displayed a series of sculptures entitled "Reset" in the Serbia area of the Venice Biennale. "Reset" admirably captures the notion of sweeping away preconceived ideas and questioning clichés firmly planted by the media in the collective unconscious. The artists at "Serbia 2013: Towards a better world" tackle fundamental issues which pose problems for all contemporary societies including among others the (un)balance between urban and rural environments or the relationship between the real and virtual worlds. The diSTRUKTURA collective produces hyper-realistic paintings of city landscapes viewed from above, stretching out to the horizon, or low angle views of Scandinavian forests against the backdrop of a blue sky. A multitude of pixels acting almost like foreign bodies are inserted to disrupt the initial unity of each work. This leads us to question the uniqueness of our cities and regions: a city viewed from above could be any major European city while the great conifers could be growing on any mountainside here in Switzerland. For her part, Natasa Teofilovic proposes an animation which spans several screens. On each screen, a hand appears, followed by an arm which reaches out to feel and test the limits of the medium which gives life to it. The arm is attached to a chest topped by a head and little by little virtual bodies move between the screens meeting and caressing one another. A delicate and poetic animated work. "It is high time that we moved away from this policy of transition and highlighted the work of Serbia's artists, whether they are young or highly experienced" explained Aleksandra Vegezzi from the Mali Princ foundation, which each year awards three prizes for the best fine arts students in the country. The initiative seems to encountering success: the "Serbia 2013: Towards a better world" exhibition proposes an excellent showcase for these artists and gives the people of Geneva a chance to update their perception of Serbian art, while doubtless fostering greater contact and dialogue on the international artistic scene. "Serbia 2013: Towards a better world" is a collective exhibition of work by Mrdan Bajic, Vladimir Peric Talent, the diSTRUKTURA collective, Milan Blanusa, Mira Brtka, Andrea Ivanovic, Stevan Kojic, Boris Lukic and Natasa Teofilovic, organised by the Mali Princ foundation and the Bel Art Gallery (Novi Sad). It will be held from January 27 to February 9, 2014, in the NEST galleries, at 12 & 14 rue Etienne Dumont, in Geneva’s old town area.

Words by MELANIE BORES | ©




Image credit to diSTRUKTURA | ©




Image credit to Natasa Teofilovic | Š





Aleksandra Wisniewska successfully graduated in July 2001 from the Ecole Supérieure des Arts et Techniques de la Mode (ESMOD) in Paris. During her studies, she completed an internship with the famous Parisian label Chloé. In April 2001, she reached the final of the international Brother Cup fashion contest, and was invited to present her collection in Beijing. After she graduated, Aleksandra Wisniewska returned to Switzerland to take part in the Prix Bolero fashion contest, and walked off with the public's prize. In 2005, the designer founded her fashion label, Aleksandra Wisniewska Collection. Her collection is an expression of the elegant, feminine and self-confident woman with a touch of extravagance.

But that's not all. Aleksandra is also a young art photographer brimming with inspiration, who skilfully captures subjects such as the depression and decadence of the new generation. It was at the tender age of 13 that Aleksandra began to take an interest in photography, developing her first films in a darkroom. At age 15, she made self-portraits, before diving into photographing family members and friends. That was when it became clear to her that she loved the world of portraits, expressions, everything that can surface on a face, in the eyes – all of it fascinated her. Nevertheless, she neglected photography somewhat, in favour of her other passion for fashion. Her first photo exhibition did not take place until 2011.

Words by MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Aleksandra Wisniewska ©




Through her photography, Aleksandra seeks to express deep emotions: the significant events in a life, especially happy ones – although the artist admits that this is not exactly clear from her portraits. Every picture tells a story. Initially, the artist feels the need to be touched by her subject, to recognise herself in them. Most of her subjects are friends, close relatives, so she knows their personalities, their character traits, their lives. Before she photographs a stranger, she likes to try to get to know them better, to take the time to have a quiet chat. This is so that the model feels comfortable enough to finally be able to tell their story, to open up in an atmosphere of trust. These are the moments which inspire her. Aleksandra tells us that she uses her models as a mirror for the expression of her own feelings.

But she is also insistent that she does not mix her work as a fashion designer with her photography – for her, they are two different worlds. On one hand, there is fashion, where everything must be perfect. A surreal, superficial world, a dream world, she tells us. The models must be beautiful, the poses perfect, the folds of a piece of clothing must be in just the right place, all the photographs are retouched, the clothes have to be sold.


Yohji Yamamoto put it well when he said: "I think perfection is ugly. Somewhere in the things humans make, I want to see scars, failure, disorder, distortion". That is where the artist finds her balance, living in her two worlds, photography and fashion. She has no desire to become a fashion photographer. Photographing her own collections is absolutely out of the question.

Why did Aleksandra choose these two worlds in particular? The answer, she says, is that they are quite simply just two different ways of expressing oneself. When she designs a piece of clothing, she has to think first of all about the customer who will wear and buy it. She tells us that creating a collection is a little like giving someone a gift – the aim is to please the person giving this gift to themselves. But when Aleksandra takes photographs, she does it for herself. She uses it to express her feelings – whether people like it or not! As she does not intend to make a living from her photography, she is afforded a great deal of liberty.






"Exhibition Landscapes" Article by MAFALDA KYAMBEL | ALICE BRACE



Having begun her career the ‘70s with a series of radical performance pieces, Marina Abramović has since developed the ‘Marina Abramović Method’, which combines elements of ritual and perseverance in attempt to heighten the human consciousness, in such a way which transcends the artist, and calls the viewer to confront their own emotions and sensitivity. Her intense relationship with art has inspired many to follow her practice, some of which she has personally trained. Notable students include Jay Z, who created a performance art film alongside the release of his latest album on the song Picasso, and Lady Gaga, who has been training with Abramović in order to enhance her onstage performance. While Marina was in visit in Geneva for her exhibition "Landscapes" at the Guy Bartschi Gallery, TRIBU Magazine as the extrem pleasure and opportunity to interview the artist. On her interview she explains how bringing two worlds together can often create new ones. By collaborating with influential musicians, Abramović generates a new interest in the art world, among a huge number of the younger generation. In this way, she hopes to perpetuate interest in the art world. Her latest goal is to set up an institute, ‘The Marina Abramović Institute’, so that people from all walks of life might “open their consciousness in their own way and apply their experience to their own work, and everything they do”. The objective of M.A.I. is not to present Abramović’s work, but to instead present much larger ideas of art, spirituality, science and technology. In the interview, Abramović described how she doesn’t think art can change the world, but it can definitely ask the right questions. Concerning her own work, she tries to give a certain energy to the public so that they might “confront themselves with their own self ”. Of her recent works, ‘The Artist is Present’, which was hosted by the Museum of Modern Art in New York, evoked visceral reactions from the public; “Marina Abramović made me cry” quickly became the consensus, as Abramović invited exhibitiongoers to join her at her table, and sit in a comfortable silence. The reactions were varied, but

all emotionally loaded. In this piece, Abramović psychologically purified herself and, with a steady gaze and positive presence, acted as a mirror to circumvent layers of raw and built-up anxieties in her guests, often resulting in tears. On describing the significance of art to her life, Abramović recalled how when she was a child, she understood she could be an artist, and how “art is my language that I communicate to the world”. Having worked forty years in the art world, she explains how art serves to give you freedom to pass limits and cross boundaries, and that she incorporates this into her own work, through science, technology, fashion, music and theatre. In possibly her most controversial piece, ‘Rhythm 0’, Abramović explored the boundaries of objectification. The performance consisted of 72 objects lain on a table, some for pain and some for pleasure, including a feather, a gun and roses. Prior to opening the exhibition, Abramović signed a legal contract agreeing to take full responsibility for whatever took place during the show. After a moment’s hesitation, audience members understood their liberty, and the performance escalated to carnage. At the age of 28, during the sixhour performance, Abramović had her clothes ripped, stomach pierced with rose thorns and a loaded gun pointed to her head. Other attendees threw the gun before the trigger was pulled, and wiped away her tears. In a statement, the artist recalls, “It created an aggressive atmosphere. After exactly six hours, as planned, I stood up and started walking toward the audience. Everyone ran away, to escape an actual confrontation”. Through psychological and physical discipline, Abramovic creates a simplistic art form with dramatic consequences. She questions very basic, humanitarian aspects of life and of art, often bordering on the greater topics of philosophy, and through this the works endure beyond their exhibition closures, and rest on the consciousness of those whom experience them for years thereafter. The overlap of very personal experiences and universal matters lends itself to very accessible art, hence the want of merging of the art world with modern pop culture. It was ever a matter of time.

Words by ALICE BRACE & MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Marina Abramović ©


Artist Portrait with A Candle (A) 2012 | Portrait with Lamb (black) 2010 Š


Artist Portrait with A Candle (C) 2013 | Golden Mask 2009 Š


"Exhibition Landscapes"

Image credit to Guy Bärtschi Galerie ©


"Exhibition Landscapes"


Image credit to Guy Bärtschi Galerie ©





Detroit: a city famed for being the first in the world to declare bankruptcy after a period of economic flourish, subsequent decline and enduring financial crisis. But beneath the whispers of general knowledge of Detroit, and behind the haunting images with a semblance of dystopian nightmare there lies a cultural hub; a soul. TRIBU spoke to current and recent residents of Michigan State’s largest city to discuss the positive aspects of living in such a notorious part of the world. Colette Beattie grew up in Detroit. With her parents living on either side of the city border, she had two opposing upbringings, just eight miles distance between them, but the local environments couldn’t be more different. North of the Detroit border at her home in Fraser there wasn’t a noticeable crime problem, nor

was there any issue with the education system or employment market, whilst back in Detroit; at the age of 15 Beattie still wasn’t allowed to walk to the gas station at the end of the road by herself. She recalls, “It wasn’t abnormal to hear gunshots in the night, nor was it a new occurrence to have a helicopter fly overhead looking for someone". Having grown up between postbankruptcy Detroit and the suburbs, Beattie had a sense that something was wrong with the city, despite having been accustomed to it for her entire life, “ if you stand in the centre of 8 Mile and look north, you'll see clean streets, tidy buildings and so on, if you look south you'll notice in the winter that the streets are barely plowed, the shops have bars over the windows and certain places are even empty and boarded up". However, these are only surface observations.

Words by ALICE BRACE & MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Olmo Del Pozzo | ©


Deeper in the heart of Detroit there remains a tangible sense of pride. Beattie explains, “ I know I will never find a place that has people like those in Detroit. There is something incredible about how proud we all feel even when things are down and out. I have travelled the United States [...] and could never imagine calling somewhere else home. Detroit isn't mysterious to us natives. It's incredibly straight-forward, you know exactly what you're going to get from Detroit at all


times: a sense of community, pride, great food, amazing music, and heart". Amidst the decay is a community which is very much alive. Art initiatives such as The Heilderburg Project bring vibrancy back to greying, abandoned neighbourhoods, and downtown music venues play an array of signature Motown, as well as their own brand of techno, whilst the Red Wings and the Tigers keep up team spirits in the ice rinks and baseball fields, respectively.


With a slightly different perspective on things is Hadeel Marqus, whose family moved to Detroit from Iraq to seek refuge. Visions of big buildings and a modern lifestyle filled her imagination, but Marqus was shocked to find that Detroit was all about cars and factory work. Yet, the employment rate was impressive, and despite the drastic temporal changes, the cold and the snow, Marqus was able to adapt to her new life with the help and understanding of the locals.

She remarks how they helped her learn to speak and act like part of the community, “ it took a little bit of time, but with the help of family and friends I started getting used to the life�. Now, five and a half years later, having assimilated the culture of her city, Marqus plans to remain, “I have gotten used to the life and made lots of friends".


So, contrary to common knowledge, there is still the vibrant sense of a functioning city beneath all the headlines. The global focus on Detroit’s socio-economic problems is only a fragment of the picture; if we take a moment to observe fully what is going on, we can see there is a thriving community; one which reaches out to and welcomes newcomers, one which provides all sorts of artistic and cultural ventures, but most importantly, one which is proud of its heritage through the good and the bad, and can withstand everything, from bankruptcy to harsh winters.












TATE MODERN "The EY Exhibition, Paul Klee" Article by ALICE BRACE



Words by ALICE BRACE | Image credit to Tate Modern ©


Amongst London’s ever-changing skyline lies the robust outline of Tate Modern’s ex-industrial chimney. Unlike the majority of the recent builds along the iconic banks of the capital, the majority of which are modern glass structures in increasingly ambitious shapes, Tate Modern remains as one of the classic brick buildings with a sharp quadrilateral silhouette. The building, erected in 1952, originally served as a power station designed by Sir Giles Gilbert Scott. However once it fell out of use in 1981, the building was bought up, emptied out, and repurposed as a museum of contemporary art. The design of the new museum was conceived by architecture partnership Herzog & de Meuron after they won a competition put on by The British National Art Museum to create a new building to house a surplus of acquired works, and to act as a counterpart to the original Tate Britain, on the opposite side of the Thames. The intention was to open the doors to between 2 and 2 ½ million visitors per annum, but a decision to expand came after becoming the most visited modern art gallery in the world, with over 4 ½ million visitors each year, a figure which has been consistent since the very first time Tate Modern ope-

ned to the public in the millennium. Developments have taken place over the last decade to accommodate the high concentration of traffic amongst the galleries, namely a scheme which has been in the making for numerous years and is not set for completion until 2016. Using the same intuitive designers as previous, plans were underway to build an 11-storey pyramid with a glass facade, in-keeping with the contemporary neighbouring towers, though due to opposition for aesthetic reasons, those plans were scraped and replaced with a similar but more conservative build. In place of the glass exterior, latticed brickwork will be seen from the streets of the Southbank, lending to a glowing effect as the lights from the galleries inside will be seen filtering through the gaps. In terms of longevity, the latter decision to use co-ordinating brickwork rather than modernist glass is a step in the right direction, as well as an example to others that traditional building materials can still be used in new and exciting ways. The decision to stick with the bricks has been described as “a striking combination of the raw and the redefined, found industrial spaces and 21st century architecture”.

Image credit to Tate Modern ©


CUL -TURE Not only will this be a new coup in the history of the site, but it will almost double the size of museum space, allowing for numerous new galleries including a large-scale exhibition room, two new levels of collection galleries and a gallery specifically for children aged from 5 to 12 years old, focussed on engaging and inspiring a new generation of artists and enthusiasts. Despite conservative aspects of the new build, there is still the matter of sustainability to consider. The ever-conscientious design takes in to account thermal and solar potential, the utilisation of which is set to reduce energy consumption by more than half, as well as new approaches to sustainable development leading to the carbon output being massively below the regulation maximum.

Image credit to Tate Modern | Senecio, Paul Klee, 1922 Š


Image credit to Tate Modern | Redgreen and Violet-yellow Rhythms, Paul Klee, 1920 Š



Amidst the physical developments of Tate Modern, EY (Ernst & Young) announced a major three-year partnership with Tate earlier this year. With two decades’ experience in supporting and investing in British arts under their collective belts, EY and Tate made the decision to collaborate on this, the largest partnership with a single arts organisation in the firm’s history, with an aim to increase awareness, understanding and appreciation of art. EY exhibitions are to be put on across Tate’s widespread galleries including Liverpool, St Ives and of course both of London’s galleries. Since breaking the news back in July 2013, the new affiliates have been working together on this year’s autumn exhibition as the first of many projects put in place by the new partnership. Hosted by Tate Modern between 16th October 2013 and 9th March 2014, albeit amidst a building site, is the first large-scale display of Paul Klee’s work in over ten years. From the dawn of his career during the First World War where Klee was experimenting with “abstract patchwork squares”, which later developed into his most celebrated magic square paintings, to the years working at Bauhaus, the home of Modernist Design, the works will span Klee’s career over three decades and be displayed side-by-side as they were originally intended. Mathew Gale, curator, says of the exhibition that it will “challenge Klee’s reputation as a solitary dreamer, revealing the innovation and rigor with which Klee created his work and presented it to the public”.

With long-standing partners, Bloomberg, Tate Modern will not only see new exhibition spaces, but new ways to interact with the art itself. The project, known as Bloomberg Connects, was announced late in September 2013 and is set to evolve the way we react to art by harnessing new digital technologies to provoke visual responses. Drawing bars will be installed alongside the artworks and left to the public’s device. What they create will then be projected onto one of seventyfive large screens which will be displayed around the galleries. The project aims to spark conversation in a brand new medium by getting the public to explore their creativity as a reaction to that which is displayed in the gallery. After the success of multimedia guides, which are now commonplace in most museums and galleries but began with the Tate and Bloomberg partnership, who’s to say how this ambitious project will shape The Gallery of the Future? In a statement about the plans, Michael R. Bloomberg, philanthropist and politician, highlighted the importance of digital inclusion when engaging people with the arts, adding “technology has the capacity to make the museum experience more personal and powerful than ever”. With such a myriad of updates being made to Tate, a cornerstone of the British art scene and flagship of innovation, it truly is worthy of the acclaim for its ability to adapt rather than decay, and for its forwardthinking focus on the social aspects of art; interpretation and discussion.





The Musée Ariana, swiss museum for ceramics and glass Constructed at the end of the 19th century by the distinguished Genevan art collector and generous patron, Gustave Revilliod (1817-1890), this palatial edifice was designed specifically as a museum to house ceramics and glass as well as painting, engraving, sculpture, coins, rare books and all forms of applied art. Bequeathed to the City of Geneva, together with all of the collections and the extensive grounds surrounding it, the building itself forms part of this heritage. Its atypical architecture incorporates neoclassical and neo-baroque stylistic elements, such as the marble colonnades spaced around its majestic hall crowned by an elliptical dome with star-studded vault. A scheme of painted ceilings and stained glass magnificently complete the interior decoration. In 1936, as a result of a redistribution of the collections with the Musée d'art et d'histoire, the Musée Ariana

became devoted to European, Middle- and Far-Eastern ceramics, covering an extensive period from medieval times to the present day. Glass and stained glass also moved to the institution at the end of the 20th century. Since undergoing complete renovation between 1981 and 1993, the building is now equipped with the museographic facilities vital for the functioning of a high quality museum. The only institution in Switzerland today – and one of the most important of its kind in the world – which offers such a comprehensive view of the history of ceramics and glass, the Musée Ariana receives its visitors in an attractive setting dedicated to the transmission of a cultural heritage as well as offering a space for encounters and contemplation. The collections With a collection of over 22,000 ceramic pieces, the Musée Ariana pursues the encyclopaedic mission initiated by Gustave Revilliod.

Words by ANNE-CLAIRE SCHUMACHER, conservatrice, and Isabelle Naef Galuba, director of the Musée Ariana Traduction anglaise: Deborah Fiette. | Image credit to Arnaud Delaunoy ©




All the ceramic techniques, including earthenware, faience, stoneware and porcelain, are represented. They illustrate, through display or more utilitarian objects, the fascinating history of this material over time and place. Visitors are first taken through the development of faience, from its origins in the Muslim world of the 9th century to the different stages of its technical and stylistic progression in Europe in the 16th, 17th and 18th centuries. The compelling account of the reciprocal influences between East and West, beginning with the arrival of the mysterious porcelain ware from China in European ports at the turn of the 16th century, is related in the following rooms. The tour of the ground floor ends with the technical achievements of the 18th century European porcelain manufacturers who, following the example of Meissen and Sèvres, attempted to win the favour of kings and princes. The story of local production is highlighted on the first floor, with pottery from Berne, faience from Winterthur, Nyon porcelain and creamware from Carouge. With its wide variety of forms and techniques and its iconographic richness, the thousand-year-old art of ceramics has much to teach us about the large and smallscale history of mankind.

Left page, right page: Artist Jean Fontaine | Š


The glass collection of 2500 items retraces the evolution of European glass production, starting with the 16th century, the Venetian golden age. The museum possesses remarkable works showing the absolute technical mastery and inventiveness of the Murano artists in blown, engraved and filigree glass. Equally well-represented in the museum, coloured or polychrome enamel-painted glassware was highly prized in northern Europe during the 17th and 18th centuries. Highlights of the collection include rare pieces by the French glassmaker, Bernard Perrot, Swiss production from Flühli and German pitchers and flasks. English and Bohemian crystal of unrivalled clarity and brilliance holds a place of honour as well in this historical presentation. Also exhibited in the museum are important Art Nouveau ensembles, notably by Émile Gallé, in addition to Art Deco work. The stained glass collection, some of which is incorporated into the architectural elements of the building, comprises over 350 pieces, dating from the medieval period to the 20th century. It includes significant examples of heraldic stained glass made in German-speaking Switzerland since the 16th century. Besides its key mission to preserve the cultural heri-

tage, the Musée Ariana has a clear aim to consolidate its links with the contemporary artistic world through acquisitions and regular temporary exhibitions. The collections document the distinction which emerged at the end of the 19th century between industrial production and the work of independent artists. Ceramics and glass have increasingly asserted themselves, since the middle of the 20th century, as means of artistic expression in their own right, free from any craft or utilitarian connotations. Visitors are therefore invited, at the end of the historical display, to confront the questions and proposals of contemporary work. Since 1952, the Musée Ariana has housed the Secretariat of the International Academy of Ceramics (IAC/ AIC). This arrangement notably permits the creation and strengthening of the special ties between the institution and local and international artists. The temporary exhibitions, of which there are two to four each year, are the opportunity to develop one or other of the aspects of the history of ceramics and glass, or to highlight the work of contemporary artists.

Left page, right page: Artist Jean Fontaine | ©




Left page, right page: Artist Jean Fontaine | Š



Image credit to JD Pictures ©



We often complain that things were better in the olden days‌ This is true in many aspects of life, but it's the music we miss the most. Musicians used to be genuinely talented artists who suc- In 2012, Cee-Roo brought out ceeded in creating what are now legendary melodies. Cee-Roo his first album "Memories". He has fully understood this and it is for this reason that this young produced this album himself artist with a passion for music uses the legends of the past to and asked his family and friends bring us updated versions of their music. The original musical for help to produce the superb spirit is still there but he gives it a welcome facelift thanks to his CDs. The album is comprised of abundant talent and colourful imagination. 12 tracks covering work by some Cee-roo, alias Cyril Käpelli, grew up with a very diverse musi- of the great names in music such cal background. His father, a sound engineer and his mother as Ray Charles, James Brown, passed on their love of music to him. He then forged his own Ella Fitzgerald, Jim Morrison musical genre, listening to many references and drawing inspi- and many others. He uses the ration from the varied musical styles which inspired him. power and purity of these artists It all began in 2009 with a video in his kitchen. In it, we find to give them new life, ensuring a young man wearing a coloured bobble hat and black glasses that we never forget these musihaving fun making music while mixing various "ingredients" cal legends. His aim was to look in a saucepan. This video became a rapid success and at that to the past in order to have solid moment many surfers discovered an artist very different from references and foundations upon the norm. With his humorous approach and undeniable talent, which to base his work, which the young man continued his success story. Each of his videos comes across as an impressive triis always more surprising than the last, portraying music in dif- bute to the great names of the muferent forms. Each new clip is a pleasure to watch and listen to. sic world we rediscover through Thanks to this, his own very special world, he has succeeded in him. achieving fame on the web and has pulled in millions of hits on Thanks to this album and his YouTube. growing fame, Cee-Roo now performs live throughout Europe in a variety of destinations including Paris, Hamburg, Hannover and more surprisingly Ljubljana. During his shows, he is accompanied by a DJ and a VJ who brings us an audiovisual show which combines Live and DJ Set. As he sees it, the main thing is that it should always remain a genuine pleasure. His goal is not to cram in as many dates as possible but to head for just those destinations he enjoys, for a show in which he can really give his all for his audience. Despite all this, Cee-Roo remains down-to-earth. In addition to his musical career, he works in a motion design company in Zurich and on graphic arts projects on a freelance basis. As you've probably gathered, this is a multifaceted young man with many strings to his bow, enabling him to be genuinely independent in his work. This is something very dear to him as he creates his sound and videos for pleasure, as a genuine enthusiast. Taken together, all of these factors enable him to create this carefully crafted world characterised by humour and frivolity. Take a look at his videos on his Facebook page or his website.

Words by VALERIE ERARD | | Š


Images credit to Cee Roo | ©



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Image credit to Cee-Roo | ©



Image credit to Cee-Roo | ©




FESTIVAL TOUS ÉCRANS / GENEVA INTERNATIONAL FESTIVAL: AN EXTREMELY SUCCESSFULL 19TH EDITION The extremely successful 19th edition of Festival Tous Ecrans came to an end Thursday night, with a total attendance of over 27,000 festival-goers. We are pleased to report that the festival ticket office beat its own records, and the festival’s auxiliary events - festivities and professional gatherings - also met with great success. After eight days of competition, the Reflets d’Or were awarded to Frédérick Pelletier for Diego Star, Ray McKinnon for Rectify and Jean-Christophe Yacono and Guillaume Lonergan for Emilie. The 20th edition of the Festival will be held from 6 to 13 November, 2014. With a total of more than 27,000 festival-goers this year, this 19th edition of Festival Tous Ecrans tallied a record attendance. The event’s electronic ticket office in particular showed a 200% increase in on-line reservations, with more than 13,000 tickets compared with barely more than 6,000 last year. The massive increase in accreditations - almost three times more than last year - shows that more and more professionals are also making the Festival a priority. These statistics prove that the public appreciated the clearer distinction between cinema, television and web & transmedia works, intrinsic to the programming of this edition of Festival Tous Ecrans. Festivalgoers were eager to discover the various films d’auteur shown as Swiss or international premieres, and were also keen to see the best upcoming television series as well as interactive transmedia works. This last category was a new feature this year, and it met with dazzling success, with many of the screenings sold out. THE 2013 AWARDS The prizewinners of the 19th edition of Festival Tous Ecrans were revealed Thursday evening at the closing ceremony, which featured a Swiss premiere of Unfor-

given in the presence of its director Sang-Il Lee. During the ceremony, the Reflet d’Or for the best feature film was awarded to the Canadian filmmaker Frédérick Pelletier for his first film, Diego Star. Canada also shone in the transmedia category, with the Reflet d’Or in that section going to the Quebecois film-makers Jean-Christophe Yacono and Guillaume Lonergan for their work Emilie. The international television series competition jury awarded the Reflet d’Or to Rectify, the work of the American director Ray McKinnon. El gran día de los feos by Nabil Chabaan and David Tesouro was awarded best web series, and Dentro by Emilio Rocha Minter was elected best short film. PROFESSIONAL MEETINGS AND EXCHANGES The Festival’s new director, Emmanuel Cuénod, created a new international exchange platform for professionals in the fields of television, transmedia and video games, and this proved a successful venture. An array of highly qualified speakers participated in the four days of the Workflow program. Radio Télévision Suisse (RTS) made the most of the Festival setting to announce a new collaboration with ARTE to co-produce upcoming web content. NUITS BLANCHES AND FESTIVE EVENTS The public was attracted to the various midnight screenings, DJ sets, blind tests, cocktails and other festivities organised as part of the Festival. The Festival was as celebratory as its organisers hoped it would be. The first part of the retrospective Cinéastes, de notre temps was shown this year, and it also attracted a following. The legendary episodes of the series will continue to be shown in the 2014 and 2015 editions of the Festival.

Word by ©


Diego Star by Frédérick Pelletier | The reunion by Anna Odell ©


Yurusarezaru Mono by Lee Sang-il | Monsieur Morimoto By Nicola Sornaga Š





When you’re off to the cinema and a film by the Coen Brothers is showing, you really can't go wrong. For the last 10 years (personally I'd say more but for argument’s sake let's say the two brothers have scored a hit with everything since LadyKillers) they always manage to come up with the goods, both visually and emotionally. It's become a sort of recurring theme for them: they tell the story of a loser, his faults and quirks and his many adventures... In short, the life of a man with whom any of us could identify. These films are far from the blockbusters, with which none of us really identify, if we're honest. The Coen brothers succeed in what they set out to do, bringing us a skilful, explosive, thought-provoking cocktail every time, sprinkled with a touch of well calculated humour. Inside Llewyn Davis is a joy to watch. Without going overboard (well, just a bit) watching this ultimate loser trying to survive, to promote his view of music and watching him struggle is a real pleasure. To give you a brief summary and tell you a little about the story, Llewyn Davis is a folk singer strumming his guitar and navigating the New-York folk scene (and more particularly that of Greenwich - the village for diehard lovers of the Big Apple) in 1961. Trying as far as possible to stay out of trouble (whether he created this himself or it just found him of its own accord) Llewyn gets through his week trying to make a few bucks, with his guitar (and his troubles) always on his back. As they are accustomed to do, the Coen brothers effortlessly succeed in telling us a humble story in a Homeric manner. In doing so, life’s little problems take on a fabulously poetic and comical aspect (and believe me it really is funny). Here, we are far from the usual biopics like Ray or Walk the Line, which take fewer risks in telling a story already widely known. The Coen brothers prefer to take two or three aspects from the life of a singer who really existed (Dave Van Ronk for those who are interested) and then give themselves a free rein to really weave a story from it. I'm sure you'll agree, this is far more interesting. We find ourselves immersed (just as we did with O'brother) in something of a modern odyssey (no surprise then that the cat’s name is Ulysses). While nowhere near as epic as the original, this one at least has us doubled up with laughter (yes I know, I'm repeating myself). With his escapades, his misfortunes and his errors of judgement reminding us in particular of A Serious Man, Llewyn Davies is without a doubt Larry Gopnik’s brother from New York. The viewer is captivated by a wealth of references, both historical and mythological. The narrative sequence at the end refers to the stone of his life falling from the mountain of his problems. After the modern odyssey, the Coen brothers revisit the Sisyphus myth even if the stone spends more time going downhill than up. Llewyn (superbly played by Oscar Isaac –who even does his own singing) is the very antithesis of a successful musician. Despite his best efforts he is caught up in a whirlwind of events caused by his honesty. Unlike Jim Berkey, (played by Justin Timberlake, not bad though without being brilliant) he flees commercialised music, (which just goes to show that even playing a role you can't escape from your true nature… did the Coen brothers give him a song writing role)? Over and above the mythological references we find a rather acerbic critique of the direction music has taken over the last 60 years. The Coen brothers highlight the courage of the (anti-)hero (even if they cloak him in the mantle of poverty). Inside Llewyn Davis is a sort of monument to the memory of those who fell for music. To conclude, Inside Llewyn Davis is a film worthy of the Coen brothers, a work which brings a touch of colour to the dark projection rooms, those of a cinema which will not knuckle under, a cinema which won't become inward looking, and a cinema which still knows how to have a good laugh without vulgarity.







Words by MINA SIDI ALI ©


Boy meets girl... It's been the stock-in-trade of every sentimental film from age immemorial. Poems, films songs and novels have explored it with varying degrees of success. In Don Jon (his first production), Joseph Gordon Levitt (500 Days of Summer, Inception, The Dark Knight Rises, Looper) brings us his take on this theme. Displaying plenty of insight and a flair for nuance, the film’s actor and director explores the ins and outs of what is ostensibly a stereotypical relationship, with the result being a film which takes an introspective and honest look at the laws of attraction. His character Jon, a young Don Juan addicted to porn, meets Barbara, a stunning beauty who loves romantic films and who dreams of meeting her Prince Charming. The couple learn to look beyond the fantasy and preconceived ideas conveyed in films. The result is a gentle comedy which actually turns out to be something of a spicy gender study. A film you’ll find as hard to shake off as the chewing gum so popular with Barbara (portrayed by a Scarlett Johansson resembling the late-1990s Maria Carey) and which sticks so well it seems that it’s with you for life. Just like his film, it’s also impossible to forget Joseph Gordon-Levitt once you've met him. With his sparkling slanting eyes and his forehead and cheeks which wrinkle with each smile, Joseph Gordon-Levitt (aka Joe) impresses thanks to his authenticity and charisma. Here, we bring you an interview with this rebellious, lucid genius who believes fully in his work, in the cinema and in the power of words. You’ve produced your first feature length film with Don Jon. How did you find the transition from actor to director? I'm fortunate to have worked for a while in the film industry and to have made the acquaintance of several directors including Ryan Johnson (Looper), Christopher Nolan (The Dark Knight Rises) and Steven Spielberg (Lincoln). I learned something from each of them. Their common factor lies in their ability to successfully combine a working plan designed to allow a fair degree of flexibility and openness, with spontaneity. The question a director asks himself all day long during filming is whether we should remain faithful to the script, to stick to the plan or to try out new ideas. These three directors have succeeded in this, and I have tried to take up this challenge. Do any specific examples spring to mind of this openness and spontaneity when filming Don Jon? Yes, there was a short scene which was not written. Scarlett and I were to meet my parents. The scene begins in the entrance to the house but we decided that we could arrive by car and that Scarlett would appear stressed out before getting to the door. She did a sort of little dance, swaying her hips, and I would never have been able to write this scene or to ask her to do it. She did it quite naturally and these are the kind of little touches I love, which give the performance its vibrancy and realism. Just between the two of us, do you also watch porn films like Jon, your main character in the film? Yes of course! But nowhere near as often as my character Jon in the film! (laughter) ! When watching Don Jon, what soon comes to mind is Shame by Steve McQueen with Michael Fassbender who plays a sex addict on the New York scene. Which films inspired you when writing Don Jon? Shame was totally unconnected with my film although the two protagonists are both porn addicts. The approach is totally different. If I had to mention a reference I would go more for Hal Hashby’s films and more particularly for Shampoo. The tone in most of his work is very funny. They’re comedies but they're not packed full of gags and jokes. The humour hits the spot and comes more from our identification with the characters as genuine human beings. Your characters are represented in a very stereotypical way. You condemn this tendency to catalogue people in our culture by treating them as "things". What is your experience of this as a Hollywood star? Which label do people generally tend to stick on you? In growing up as an actor, I had quite a few problems with the concept of celebrity, legend and everything that goes with it. I was never really part of all of that and I try to keep as far away as possible from the Hollywood environment. Was it for this reason that you created your own production company hitRECord? Yes, that's right. I founded this production company in 2004. This was part of my personal wish to be creative and to motivate myself. My brother helped me to set up the website and little by little a community was formed around this project. It includes several media forms such as video, music, literature, photography, performance arts, graphic arts and hundreds of thousands of artists worldwide contributing to the projects we have produced. It was an opportunity to work with people I'd never have met otherwise and who are not part of the Hollywood set. It would have been impossible to reach co-workers of this kind using conventional methods and that's what I like about this extremely enriching and rewarding project Don Jon With Joseph Gordon-Levitt, Scarlett Johansson and Tony Danza In cinemas in French-speaking Switzerland from December 25.







Words by NATHALIE ARNOLD | Order of appearance: Helmut Lang, Yohji Yamamoto, Issey Miyake, Kosuke Tsumura, Rei Kawakubo, Raf Simons, Martin Margiela, Jil Sander Š


The Eighties is a decade remembered for its extravagant style, with gildings and flashy colours from Versace to Thierry Mugler: an uninhibited, ultra-feminine style. Since then, another trend, the very anti-thesis of this one, has developed. ‘Dark’, ‘concerned’ and ‘conceptual’ are the buzzwords of this new wave. It is conscientious, concerned by the problems of our society like the economic crisis and nuclear pollution. It draws inspiration from different types of music, from heavy electronic, to grunge, to rock: dubbed “Anti-Fashion” to do away with the glamour which triumphs over the fashion world. Heels are replaced by flats, the steps are robotized and the clothes are oversized. The outfit is redesigned with the introduction of recycling, disproportion and deconstruction. Fashion shows look more like performances, and fight against the imperialism of the European fashion. This movement imposed a radical change to style at the end of the century. Fashion, as of now, is pregnant with these new influences.

Helmut Lang Fall 2013 | Images credit to Marcus Tondo | InDigital | GoRunway ©


FASH -ION The pioneers of Anti-Fashion hail from Japan; key names include Yohji Yamamoto, Rei Kawakubo and Issey Miyake. In the early 1980s came a wave of new designers from the Land of the Rising Sun, innovated through their creativity and their disregard of established fashion. They offered a range of kimonos and oversized clothes with a futuristic look. A new style for a new fashion. This wave of Anti-Fashion influence is far from the ephemeral and superficial trends of fashion at that time. These creators reinterpreted and redefined the western rules. When the new collection was introduced in Paris in the early 1980s, it caused a sensation by challenging the western designers and striking the established fashion of the time. They created controversy in the fashion world and proved for the first time that recognized clothes all over the world could come from a country outside of Europe. This peak of nonconformist clothing led the way towards a more thoughtful and conceptualised approach to fashion.

Issey Miyake Fall 2013 | Image credit to Yannis Vlamos | InDigital | GoRunway Š


Their models contrasted with western fashion, which attempts to capture the flow of the body. Unlike traditional couture, they redefined the fashion industry’s limits by introducing new clothing types which try to express the dissonance between the body and the clothing shape. The development of this bore a way of thinking which pushed towards reflection, plastic art, and the future. Only years later was it realised that these avant-gardist precursors had been the source of a School of Thought which allowed their work to further evolve within the fashion world. In the 1990s, Anti-Fashion was better known as “AvantGarde”. Hoards of creators were propelled by a movement of more and more radical Avant-Gardism. Rei Kawakubo designed constraining silhouettes by questioning the traditional criteria of beauty. The Anti-Fashion movement continued into the millennium with a new influence: Minimalism. As this movement asserted itself more, the fashion industry was beside itself with the arrival of major creators, with their stunning clothes and strong viewpoints.

Jil Sander Fall 2013 | Image credit to Marcus Tondo | InDigital | GoRunway ©



As a frontrunner of the movement, designer Martin Margiela, famous for his unique interest in recycled garments, brought Arte Povera to the fashion world for the first time, thus creating a parallel with contemporary art. During the 1990s, even the mass market followed this Avant-Garde movement. Helmut Lang made an impression with his minimalistic notion of "less is more". He was inspired by architecture, German expressionism and the Bauhaus. With these influences, he introduced simplified, modified clothing by revisiting the existing practices and, using plasticised and rubberised fabrics, gave another dimension to his collections. Jil Sander took the same path by magnifying the masculine/feminine style. She brought androgyny to the catwalks. The models were dressed as men, but with luxurious fabrics. Raf Simon's arrival at Jil Sander was the beginning of an obsession with men’s fashion and the dress codes of a “rebel youth”. He introduced a revolutionary style and launched the trend of pale and skinny men that we continue to see today.

Kosuke Tsumura Fall 2013 | Image credit to ©


At the end of the 1990s, Hussein Chalayan followed the Anti-Fashion movement with experiments and politically engaged shows. In the millennium, the economic pressure and the demand of the mass market became too important, and Anti-Fashion designers become less independent because they start working for brands such as Prada and LVMH. It became harder to follow the Anti-Fashion movement. Ann Demeuluser, an Anti-Fashion designer, is one of the few remaining to still work for her own brand. She was never money-oriented; her real wish was, and still is, the concern of making the world more beautiful. However, other movements and up-and-coming designers from art schools are still inspired by the conscious movement of Anti-Fashion. Moreover, people are getting more and more concerned about the drifts of the fashion industry. This is why people react and start to talk about “Slow Fashion”. In the same manner as Anti-Fashion, Slow Fashion reveals a deep desire of the return to the essential.

Martin Margiela Fall 2013 | Image credit to Filippo Flor | InDigital | GoRunway ©


FASH -ION This Slow Fashion is a new way of buying. Instead of multiple purchases of standardized, cheap clothing, we turn to basic items of quality, and timeless style. It sensitizes the consumer to ethics and fair-trade. The Anti-Fashion success story has inspired new designers, and even musicians, who have begun a revolution against fashion. For example, Kanye West's sixth solo album "Yeezus" was a kind of distain for the high fashion community. Apparently his past with the industry of fashion hasn’t ended on good terms. In his lyrics there are many angry references to some unnamed designers but also allusions to the fashion industry’s institutionalized racism. This sphere of influence continues to revolutionize and evolve the world of fashion to this day. Contemporary art schools all over Europe are trying to support a critical apprehension of the contemporary world by letting future designers try out and have free reign over their conceptual minds, to integrate serious aspects of our world.

Raf Simons for Jil Sander Fall 2013 | Image credit to Yannis Vlamos | InDigital | GoRunway ©


The Anti-Fashion success story has inspired the new designers and even music celebrities who started their revolution against fashion. For example, Kanye West's sixth solo album "Yeezus" was a kind of dislike of the high fashion community. Apparently his past with the industry of fashion has left him a very bad taste. In the lyrics there are many angry references to some unnamed designers but also allusions to the fashion industry’s institutionalized racism.

Rei Kawakubo Fall 2013 | Image credit to Yannis Vlamos | InDigital | GoRunway Š



This sphere of influence continues to revolutionize and make evolve the world of fashion nowadays. The contemporary Art Schools all over Europe are trying to support a  critical apprehension of the contemporary world by letting future designers try out and leave free course to their conceptual mind integrating serious aspects of our world.

Yohji Yamamoto Fall 2013 | Image credit to Monica Feudi | InDigital | GoRunway ©





Devil in the Detail: TRIBU interviews milliner Lara Jensen. My small hometown of Kingston-upon-Hull in East Yorkshire breeds a distinct kind of person. Brash, personable and most importantly, good-humoured, many of the positive stereotypes one associates with the north of England are still present. It’s a reassuring city that combats bland southern homogeneity with a pint, a jibe and a unique but amusing accent. I’m proud to say I still have one. My own love for that rugged corner of the world is huge, but small-town mentality and an unfortunate lack of opportunity leads many to London. However, the circle of native Hullensians still very much remain in contact. A few years ago I was alerted to an old acquaintance: enter Lara Jensen. Once a schoolfriend of my cousin and now an up-and-comer in haute couture millinery, I’d been charting her work for a number of years and was particularly drawn to the distinct blend of the macabre and the magnificent. It was clear that an interview with TRIBU was a must. A good few years have passed since we partied and danced back in Hull but personalities and dispositions rarely change and Lara agreed to reconnect once more. We caught up to talk all things London, Lady Gaga and life in the fashion industry.

Words by MURRAY CLARK | Image credit to Lara Jensen ©


Hello fellow Hullensian, and how are you today? I’m very well thank you. Just very busy on the run up to London Fashion Week. Always a busy period! First off; why millinery? Has it always been a focus or were things a bit more consequential? Millinery has always been a passion for me; in both wearing and enjoying seeing creations in history and present fashions, but my becoming a milliner was rather consequential. I spent many years unsure about how to apply my skills and creativity to the best results. I’ve worked in many fields and studied a variety of subjects. I’ve worked in film; in the costume and art departments as a designer and maker, and as a production runner. I got into film after my BA Hons in Fine Art, as I was offered work experience using my mix-media approach to making props and sets. With my film work I built a network of other young interns and one of which, studying costume design, led me to the London College of Fashion where a tutor saw my work and took me on their MA programme. From there, I met people who worked in fashion and developed my eye for accessories and millinery. I’ve never really followed a career plan, just a step by step effort to do what makes me happy, surround myself with interesting people and to create things that I love. It looks like it's been quite a busy year. When did you realise that things were really beginning to take off? The collaboration with Inbar Spector in 2012 was hugely successful. It brought me more into the limelight and to the attention of stylists who were hugely supportive in offering me collaborations and advice. Followed by my work with Gaga and a couple of other very inspirational brands and artists this last year, I began to realise that things were going well and I should stick to what I was doing. This year I have also been very fortunate to have my work exhibited next to some extraordinary designers who I have admired for a very long time. This too was a big marker for me.

There's undoubtedly a theatrical streak within your pieces. Is there a conscious effort to retain an element of costume or is the concept of 'fashion design' more a driving force? I have always been in love with the idea of spectacle in design, and especially the ability that the body and it’s positioning and movement can create something within a garment. My costume training will always be with me. I love to think of how the wearer moves within a garment, how light touches it and the effect that it has on the spectator. It’s a very environmental way of seeing garments. All elements are considered. This is why when I design my work I design the pieces with a staging in mind; not necessarily character, but a narrative or a look within the display that will help to project the piece beyond that of just being a garment to look pretty, but something that has feeling. I see the resulting pieces as more like works of art than costume or fashion. Sometimes even the body is irrelevant to the piece. Fashion is a wonderful thing, but my main concern is the object and not trends or whether the piece will be seen as “fashionable”, canonised within design or consumable by buyers or a certain demographic of fashion fanatics. The best thing about fashion is the skills, the detail and the beauty that are exacted in its making. This is something that isn’t always the same in costume design. Costume likes to emulate a feeling or a look of something, but fashion and art are far more real.   Which single piece of yours defines your aesthetic? Is there one that shouts 'Lara Jensen' louder than others? I would say that the two jay bird head piece and the maggot mouth pieces from my Vanitas collection are very close to my aesthetic. It’s a consideration for nature and detail, very dark, but rooted in my regard for fine art and storytelling. I like to disturb the viewer slightly or create an unsettling feeling that doesn’t come along often in fashion. Weird beauty is what I love.





What have been your major influences? My main influences have always rested in fine art. I love the work of Francis Bacon, Vermeer, Caravaggio, Goya; those painters that are expressive of sometimes darker elements in life. They capture an unnerving feeling in their work that I love. McQueen did the same in fashion and I try to capture something of this dark essence within my work. I’ve always done it this way, before fashion, before costume design; I found darker things interesting. I’m a romantic also, so love history, stories of struggle, passion and tragedy but saying this I’ve been making a lot of very happy pieces of work in the last couple of seasons.   MC: Has there been a standout career point so far? Any favourite collaborators? LJ: I still think it was one of my first ever hats that I made for a commission for Karl Lagerfeld’s 2011 Pirelli Calendar. For me, he is an icon that so many other designers and artists, even my biggest clients, look up to, so I cannot really top that at the moment. What can we expect in the upcoming season? Something dramatically cute I think! I’m working again in collaboration with knitwear designer Ekaterina Kukhereva. So you’ll have to wait and see what comes out of my mind as a result of staring at her knitwear for such a long period of time. She is lovely to work with and is very willing to accept my ideas and responses to her work. What difficulties career-wise have you faced on the way? Do they still present themselves? I think that finance and support is always a difficulty. To get the balance between creating work that you want and the work that you need in order to survive and make a living is always hard, especially when you are driven, like myself, to make things that are very inaccessible to produce en mass or wear with ease. I try to make my concerns over money not limit my imagination too much. Career wise finances affect your choices all of the way through. I worked for a very long time in unpaid internships trying to make ends meet here and there with second jobs and that like. I was really lucky to keep going for the time I was able to. Some people aren’t able to do that but I am very determined. In no particular order, what three words surmise you? Patient, passionate and intelligent. And finally, your favourite fashion capital? London. I have very little experience of the others, but I am very proud to be British and appreciate that the design industry here has a very welcoming attitude to new ideas and creative freedom, that many others tell me is like no other in the world. An excellent choice indeed. The beauty of Jensen’s work stems from the refusal to dilute her work, instead sticking to a design aesthetic that has forged a clear creative identity. Loyal fans have since amassed. Partway through the interview process, Lara has to take a rain check: Gaga has made a request and quite rightly, her requests are to be met. Such a client base is highly indicative of the work this up-and-coming milliner performs and there’s great attraction not only in her pieces, but her mannerisms also. A large degree of personality exists in every piece I’ve encountered and this could partly explain Lara’s success so far. Needless to say, one can presume that this is just the beginning.


LOÏC PRIGENT "Le jour d'avant"



FASH -ION Very often, we forget the importance of music, an assembly (editing) or a voice-over when we watch documentaries or television programme. Behind this voice-over some very talented persons are hiding, the ones who bring the bit extra to the broadcast. This is the case for Loïc Prigent, Journalist, Filmmaker, Director and voice-over of several documentaries and reports such as "The Day Before" and " Dressed for Winter or Summer (according to the season)" beside Miss Agnès, commentator, on the channel Arte. Loïc Prigent was born in 1973, in Brittany, France. He realised numerous reports as well as documentaries. Before his well-known fashion documentaries, he explored others subjects. Like «The real Life of Blonde Girls», where he deciphers the subject of being a blonde in our society. His tone is frank and funny, but it is a serious subject which deserves a large number of studies, as social as stylistic.

Loïc Prigent is well-known because of his direction of two documentary movies, "Marc Jacobs and Louis Vuitton" as well as "Signé Chanel" where he draws the portrait of two big names of the fashion industry. Those two documentaries allow the viewers to have a glimpse of the fashion world from the creative process to confidences of the designer. We discover the secrets of a collection’s development and its organisation. In both documentaries, they share their universe without secrets. The goal is to show all the details rather than inspiring people’s curiosity. By making public the private, the brands are strengthening their label’s personality. His purpose is to show the creation of a designer collection from the beginning till the end, to expose all people who are behind the creation. It is the very professional side of this business. Everyone in the fashion industry appreciates what Loïc Prigent does, so much that even the biggest ask for more of it, because they feel at ease with him and appreciate his capacity of analysis of this universe. His approach is different form the one of a journalist.

Words by NATHALIE ARNOLD | Image credit to (Soirée Kitsuné @ Grand Palais, Paris) ©


From the French newspaper, « Libération » to the channel « Canal+ » This Breton of 40 years, fascinated by the hysteria of the world of fashion, is certainly one of the only, to date, to be able to decipher this universe with humour and satire (irony). In "The day before", he plunges us in full euphoria, at four creators, the day before their parade. Throughout these reports, the camera of Loïc Prigent pursues the designers and their moods, sometimes with a derisive sight but not deprived of tenderness. This trendy geek, very cultivated and filled with philosophic and film references, brings a different approach and especially a more intellectual one to the universe of fashion. Indeed, it is the kind of person that we want to listen to even if we are not fascinated by fashion. He has a distance, an irony which makes his documentaries unique. He knows how to gain a reliable atmosphere with the biggest creators. And we feel it. The big names of fashion let go themselves in confidences, in the feelings and come to light of course under the eye of Loïc Prigent’s camera. It seems sometimes impossible in a world as this one so we take advantage of and savour it.

He appeals so much that even the biggest creators ask for more of it, because they feel at ease with him and appreciate his capacity of analysis of this universe. His approach is not the one of a fashion journalist and it is certainly what differentiates him from the others. He has a very truthful way to report about it. In 2010, he entitled his first exhibition about the dressing of a man in Paris. With « L’homme » by Loïc Prigent, he made his first introduction in the world of the men's fashion. During this exhibition, 3 small unpublished movies were presented. In the program there was a square for a selection of books, namely: Maigret, Norman Mailer and even Madam Bovary. Actually, if you want to discover « a part » of him more particularly, you should start following him on twitter. He is particularly known for his hilarious tweets during fashion weeks. Image credit to ©


Image credit to Jeff Lanet - CANAL+ ©


SWISS FASHION REVOLUTION "Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"

"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs" "Fashion Show HEAD" "Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss" Article by NATHALIE ARNOLD & VALERIE ERARD


FASH -ION We never thought of Switzerland as a fashion nation but for a long time the country has been pushed more and more on the international scene because of its fabrics, schools and designers. For over a century, Switzerland has been recognized for her modern laces from Saint-Gall and Gruyere, two regions of Switzerland. Saint Gall emerged as a textile metropolis and became known worldwide for its delicate embroidery. As a result, the country has enjoyed an excellent reputation on the international scale and is handled by big brand of the clothing industry. Since then, many local textile industries developed in these regions. For example, « Bischoff Textil  », «  Forster Rohner  », and «  Jakob Schlaepfer  » are innovative manufacturers in the country that continue to supply major fashion houses. A more specialized firm named « Schoeller » is one of the main companies in the field of innovative textiles. The company operates internationally, specializing in the development and manufacture of functional fabrics and textile technologies for the areas of active sports, fashion and work wear. Schoeller has more than 100 years of experience. Their reputation is international and many independent designers provide themselves from there. Independently of that, in the 70s a new Swiss brand was born: Bally, creating clothes for the first time. It was a big challenge for a little manufacturer of shoes. Later another Swiss brand, Akris, distanced itself in the industry of the ready-to-wear by taking an international scale very quickly. The brand intended to make its own reputation, in an extremely competitive universe. Both expanded by being exported all over the world. From now on, they are part of reference brands which are showed on the catwalks during fashion weeks with all the other international brands. Since a few years, two cities, Basel and Geneva have developed their fashion at a university level, by introducing a formation in fashion design. These specialized formations are based on researches and theoretical work. The students are brought to develop their creativity, thanks to different workshops, directed by famous international speakers. Through their courses, they keep in mind the perpetual question of the concept while keeping a very good knowledge of the garment and making a reflection on the visual and esthetic universe of their collection. This year, during the annual fashion show of the HEAD, the students surprised us with their imagined and conceptual work, which proved to be extremely creative and diversified. The fifteen graduates worked a lot on the prints, forms and textures. At this point, we realize they represent the fashion talents of tomorrow. Because of this, the students of Swiss design schools have nothing to envy to the biggest European fashion

schools because they punch above their weight by distinguishing themselves during international competitions. Let us note, that most of the graduates from HEAD Geneva leave abroad to pursue their career in big ready-to-wear fashion houses. The proof is, many established and talented designers, come out of HEAD Geneva and the Basel School of Design. Recently, two Swiss students from HEAD where represented at the international festival of photography and fashion of Hyères. One of them has even received a special price from the French brand Celine. Nowadays we tend to hear more and more about fashion in Switzerland. Swiss fashion is in full excitement and new fashion events try to highlight our Swiss designers. In October, “Mode Suisse” and the “Showroom Edelweiss” take place at the same time creating a kind of Swiss fashion weekend. During this weekend, different places host some fashion shows and showrooms. Many Swiss designers are thus presented to the public. The first event, “Mode Suisse” is an event gathering many Swiss designers. The goal is to promote new young designers but also keep up with the more established ones. During this event, the founders, Yannick Aellen and Ursina Widmer want to show and sell selected Swiss fashion. For the professionals there is a fashion show with all the represented designers. During the day, people who love fashion and the curious ones are able to discover the collections of many Swiss designers in a relaxed atmosphere, walking through the outfit racks. " We did not want to organize an event where we see simply attractive creations. What interests us, it is the continuity ", insists Yannick Aellen. “Swiss fashion is not thus either a glamorous event where the celebrities come to drink some champagne, but it is a platform intended to combine the creators and the buyers on the Swiss market.” The second Geneva event is the “Showroom Edelweiss” which welcomes other Swiss designers in a totally different frame. In a hotel, every room is taken over by two different designers. Open to the public on several days, the showroom aims to be friendly and full of surprises. We can buy and discover the collections of more than forty labels of fashion, jewels and accessories. Within the same event, the annual “Prix Lily” puts in competition several Swiss designers in front of a jury of professionals from the world of fashion. Admittedly, new events are created but it would be necessary to have more to show the real potential of Swiss fashion. The time when Heidi and Edelweiss represented Switzerland is very far. Now, it is in the contemporary and multicultural universe that the Swiss young people evolve and create. For proof, young creators push the conventions and try to experiment new creations.



"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"



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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"



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"Mode Suisse Zurich | Spring-Summer 2014"


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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"

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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"


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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"

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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"


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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"

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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"


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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"

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"Mode Suisse Geneva | Showroom at Bal des Créateurs"


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"Fashion Show HEAD"

Image credit to Philippe Girard | Š


"Fashion Show HEAD"



Image credit to Philippe Girard | ©


"Fashion Show HEAD"



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"Fashion Show HEAD"




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"Fashion Show HEAD"



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"Fashion Show HEAD"




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"Fashion Show HEAD"



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"Fashion Show HEAD"



Image credit to Philippe Girard | Š | Down: Christiane Luible, Ex-Head of Product Design Department


"Fashion Show HEAD"

Image credit to Philippe Girard | © | Up: Jean-Marc Brunschwig, Owner of Bongénie and member of the jury Down: Jean-Pierre Greff, Director of HEAD | Eric Benjamin, Visilab Spokesman


"Fashion Show HEAD"


Up: Image credit to Philippe Girard | | Ying Gao, Head of Product Design Department Down: Image credit to HEAD - Genève | Carole Parodi | Jeremy Gaillard ©










"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


Image credit to TRIBU Magazine | Laurence Desbordes | Ruza Rajcic | Hana Schärer ©


"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"


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"Concours Lily Edelweiss" & "Showroom Edelweiss"

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JEREMY GAILLARD "Promising Young Fashion Designer" Article by VALERIE ERARD

Left: image credit to Philippe Girard | Right: image credit to Philippe Fragniere | Š



We've been hearing a lot about Jérémy Gaillard since the HEAD fashion show and the presentation of the 2013 Bachelors. This young man created quite a stir with his collection "I heard about a shell who wanted to be a molt", which superbly reflects the young student's state of mind. His collection comprised of seven items astonished everyone thanks to the outstanding attention to detail whether in the cutting and styling work or with the materials. His clothing, which is exclusively black and white, is elegant and offers a journey to a poetic and refined world. This collection reveals the enormous talent and artistic maturity of this young man aged just 23. To get where he has, he has thrown himself heart and soul into the production of this collection, one which required an enormous amount of time due to the complexity of the items but also his characteristic perfectionism. Jérémy Gaillard’s inspiration for his Bachelor collection was Leonardo da Vinci's anatomical pictures and various anatomical drawings dating from the 18th century. He was keen to extend the "mapped" body features with ultra-simplified patterns for the jacket or coat, making them as minimalistic as possible. As he explains it so well, this collection is a quest for the representation of the human body and its transposition in clothing. His work also deals with a number of obsessions or fascinations. It was for this reason that he used the romanticized image of fashion design and the image he has of it. He then used a number of his own special traits as the basis for his work in order to radicalise them and appropriate them. It is this bold and original side to his work which makes for a truly beautiful collection, which you never tire of looking at. Each of these items is a genuine work of art in its own right.

All his hard work has paid off, with him scooping the "Prix Head Bon Génie" award in addition to the prestigious "Prix d’Excellence de la Fondation Hans Wilsdorf ". Despite his growing success, Jérémy Gaillard has remained humble through it all. He views these awards as extraordinary good fortune and an encouragement for him to continue his career. The fact that, quite remarkably, both prizes were awarded to the same student demonstrates the huge success of this collection. However, what has been most important and most touching for this young man has been the many positive reactions from an enthusiastic public. Thanks to the numerous opportunities he has had to present his items, Jérémy Gaillard has met many people who have shown him that he has moved them emotionally with his work. For him, this is the greatest reward possible. Though appearing shy when you first meet him, Jérémy Gaillard knows exactly what he wants and is very demanding. It was thanks to sculpture that he began taking an interest in clothing, initially as a form of mobile and almost living sculpture. This influence can still be seen today in his approach to his work which is three-dimensional from the outset but also by his wish to structure his items. There are no sentimental little tales of sisters he wanted to make clothing for but instead the discovery of the perfect medium through which to express himself. Throughout his studies at La HEAD-Genève, he stood out for the precision of his work and his agility when handling a wide range of materials. Each of the clothing items he designs is a masterpiece combining extraordinary expertise whether in terms of proportions, cut or finishes. It should come as no surprise to learn that Jérémy Gaillard has left for Paris to continue his career there. What's more, he will be undertaking a six-month internship at the famous Studio Balmain fashion house for his first steps as a young graduate in fashion design. The young man has decided to take a year out to work in the industry for various great names in the fashion world before completing his education with a Masters. Having already completed an internship at Balenciaga, Jérémy Gaillard hopes to continue with one at Hermès or Dior to improve his professional experience and to work for different designers. First and foremost, his goal is to learn as much as possible. At the same time, the young graduate is preparing his applications for a number of competitions to present his work at a more international level. And who knows, perhaps to add some new prizes to his already impressive track record. In any case, we wish every success to this talented young man who has constantly astonished us with his high-quality work.


Image credit to Philippe Fragniere | HEAD 2013 Š


Image credit to Philippe Fragniere | HEAD 2013 Š


Image credit to Philippe Fragniere | HEAD 2013 Š



Image credit to Philippe Fragniere | HEAD 2012 ©


Image credit to Philippe Fragniere | HEAD 2012 Š


Image credit to Philippe Fragniere | HEAD 2012 Š







Re-branded, refurbished and revamped under a dynamic new ownership, Le Grand Bellevue opens its doors this December setting a new precedent in Gstaad chic. In the heart of Gstaad village on The Promenade itself, Le Grand Bellevue was originally built in 1912 as a Cure House and Spa, and continues to hold the title of the oldest palace hotel in Gstaad. A year- long renovation sees this historic building injected with a fresh sense of vitality, redefining casual elegance in this famously traditional resort. Family-owned, managed and designed, Le Grand Bellevue was acquired on its Centenary by a visionary couple, Daniel and Davia Koetser. Born in Switzerland and educated internationally, they realised global careers in hotel development and interior design respectively, before meeting and marrying in Gstaad – spending their first night in the hotel they now own. The village and hotel couldn’t be closer to their hearts: “My wife and I have a great affinity with Gstaad” says Daniel. “We love it for its traditions and age-old institutions but feel there’s room for innovation and a dash of sassiness. Our dream is to create a buzzing destination in the heart of the village that captures the spirit of Gstaad but looks to its bright future too. We want the hotel to feel understated and effortless yet imaginative and spoiling.” Casual yet refined, this 57-room hotel introduces a relaxed and residential approach to hospitality and is set to become a hotspot for a new generation of luxury travellers. Stripped of the formalities and grandeur of its more traditional neighbours, Le Grand Bellevue has a neighborhood spirit and the welcoming feel of a country house hotel. Exquisite style and eclectic design combines with a lively atmosphere that is vibrant and youthful yet embraces all generations. Bold colours, eye-catching prints and elegant furniture make up the Lounge where guests can indulge in afternoon tea by an open fire. Here, bespoke furniture designed by Davia includes side-tables made from antique Alpine walking sticks alongside classic pieces such as George Smith armchairs upholstered in soft velvets and smart herringbone fabrics. Guests can sink into sumptuous sofas, curl up in the Moroccan alcove with a book or chatter in gently swaying birdcage chairs.

Words by le Grand Bellevue | | ©


Next door, an Art-Deco Bar with dramatic domed ceilings boasts a racing green zinctopped bar and 17-metre custom-made Chesterfield. The perfect setting for cocktails, its tongue-in-cheek list includes tipples such as Bellevue Smash, Fairytale and Devil’s Playground. The hotel’s signature restaurant Leonard’s on the ground floor offers exceptional food in a relaxed and sophisticated environment. With arched windows, original parquet floors and a Michelin-starred chef, Urs Gschwend, delivering refined bistro-style cuisine, it is certain to draw a crowd. Signature dishes include Braised Knuckle of Veal Saffron Risotto, Bouillabaisse Marsellaise, Baba Limoncello and Basil Sorbet as well as comforting favourites such as Tagliata of Beef, Creamed Pea Soup with Mint and Bergamot and Warm Molten Chocolate Cake with Homemade Vanilla Ice Cream. For a more rustic, intimate experience, Le Petit Chalet is a traditional chalet nestled in the hotel’s grounds seating just 18 guests with a menu of hearty Swiss dishes. Home to one of the finest wine cellars in Gstaad, the hotel’s ‘Carnozet’ houses circa 10,000 bottles and is available for private dining or tastings.



A Cigar Lounge, Club Room and 18-seat Private Cinema will keep residents entertained late into the night. Also on the premises is the prestigious Yacht Club, a world-renowned exclusive members club with special access granted for guests staying in the hotel’s suites. The 2,500sqm Bellevue Spa is a world-class sanctuary for wellness. Working in partnership with organic English brand Bamford and revolutionary Swiss facial brand Cellcosmet, the spa invites guests to indulge in a fully comprehensive range of treatments, remedies and retreats. Extensive facilities include: eight spacious treatment rooms; an array of heat therapies including Turkish hammam, Himalayan salt inhalation grotto and outdoor Finnish sauna; a fully equipped gym; yoga & Pilates studio; beautiful relaxation areas with water beds overlooking the mountains and a 200sqm swimming pool opening up onto a lavender-clad terrace during summer months. Le Grand Bellevue has a collection of flexible meeting and conference spaces. Equipped with state- of-the-art technology, the rooms include a separate breakout foyer and, most impressively, private terraces with panoramic views of the mountains. “I have the simplest taste: I am always satisfied with the best.” Oscar Wilde Le Grand Bellevue launches on 13th December 2013








Words by MAFALDA KYAMBEL | Adapted NATHALIE ARNOLD | Image credit to Justin Hession@Cartier2013 ©


What are the reasons that led Cartier to renew its boutique in Geneva? The first reason is mainly the customers. We have the desire to serve Geneva's customers in the most appropriate way by providing a service that meets their expectations. The renewal of the Cartier boutique is a project that was started there several years. This is done in several steps with the last step being the reopening of the Cartier boutique on November 6. We tripled the sales floor, going from 166m2 to 715m2. We had both the desire to have a majestic shop and at the same time to retain the intimacy inherent to the jewellers we are. The goal was to bring the most favourable conditions for customers increasingly demanding. We are proud to present this new boutique: the quality of materials, finishes and investment and teamwork. This quite extraordinary project was the concentration of expertise and experts. How was the architect chosen? The architect of the concept, Bruno Moinard, made the design of Cartier boutiques with a special adaptation to Geneva’s boutique because it is unique in its rooms, its furniture and the number of pieces of fine jewellery. Then there is a whole new team consisting of an architect application, a foreman and also the Cartier International and Cartier Switzerland teams. It was a lot of work to complete this project, which was finally carried out in just a few months. The decision to renew the store in Geneva, was it a desire to be as spectacular as boutiques in Asia? It was mostly a desire to offer our customers a boutique up to their expectations; both the service acquisition of Cartier creations but also in the treatment of after sales service with a requirement of repairability for life. What will be the evolution for Cartier in the coming years? The evolution of Cartier Switzerland is an ambition. We must continue to grow the desirability of the house near the customers, with a constant focus on the customer, because this is what makes the prestige and the reputation of the Cartier house. Our desire is to continue the creative work. In fact, we talk about the Cartier house because each person has their own contribution. That begins by drawing the piece through the jeweller and watchmaker, who put the piece in volume to the seller which allows the customer to acquire the piece. How have you managed the transition during the work? During the work, we had a temporary shop on the 2nd floor of the same building with two grooms at the entrance to bring our customers upstairs. Our loyal customers know where the store was. They were welcomed by the director and deputy director who take part in the success of the store in Geneva. However, it is true that we have lost visibility on the street with passing customers or people walking on the « rue du Rhône ». These are the people we are pleased today to find.




What was the assessment of 2013? The opening of the new Cartier boutique in due time will remain the highlight of this year. Apart from this new setting, we also had a lot of events of fine jewellery, like the one of Lisbon with international clients and a new collection of fine jewellery. On 2 December, the opening of the Cartier exhibition evening at the Grand Palais will take place in Paris. From December 4, you will see the largest exhibition ever organized by Cartier, at the request of the Grand Palais Museum. This exhibition will bring together more than 600 creations with archival drawings. In the process, other events will take place, such as the SIHH of Geneva in January and an event around the polo in Saint Moritz with Cartier as sponsor. What are the major factors that contributed to the new Cartier’s house to make it a new boutique of exception? Cartier had been present in Geneva since 1970. Under the same roof, we find the boutique and two workshops. The first workshop « Croissant de Genève », which is a test of both aesthetic and technical from Geneva, is where the Haute Horlogerie watches are assembled and adjusted. These watches are marked with the « Croissant de Genève », important evidence of quality of Haute Horlogerie. And, finally, a restoration workshop for "Cartier traditions." The activity "Cartier Traditions" focuses on sales of vintage before 1970. Both workshops have little or no visitors because they are reserved for VIPs. How has the house managed to take its image through time and the years? By remaining faithful to itself, protecting and developing expertise. Both in watchmaking and jewellery, Cartier protects crafts with jewellery school and watch training. This desire to continue its knowledge allows Cartier creations to be renewed. Cartier is faithful to its values. For us, we need to protect, develop and grow the treasure that older generations have given to us. In this way, we will in turn pass our pride on to future generations with a desire to enrol in time. Will the field of watchmaking always there for the future? At Cartier Switzerland, we believe in the watchmakers' future. The boutique in Geneva counts 715 watch references on display and also an entire collection of Haute Horlogerie. The house has launched two "concets watch" called "ID One" and "ID Two." The technical prowess of these watches will eventually be reintegrated into watches that are available in store. The goal is to be a pioneer in research and development. What are the projects planned in 2014? They arrive as opportunities. The first is to establish Geneva’s boutique in Switzerland and in Europe. There is also the desire to strengthen our reputation particularly in the Swiss German area.




















Patua is a fine jewelry line created by two friends, who wanted to share their passion for precious stones and fine jewelry. They had a wish to create something that reflects each others personalities. Mariana, was borned in Geneva with a Brazilian and Portuguese heritage. She acquired extensive experience by working for an exclusive jewelry designer and prestigious auction houses. Lalla, comes from Milan. Her family has been really involved in precious stones and pearls for three generations. She travelled a lot and every culture she discovered inspired her in creating different exclusive pieces for her family business. Patua means lucky charm in Brazilian. Inspired by a legend of a Goddess of the sea and protector of women, those lucky charms are represented in different ways and symbols. Brazilian women have been wearing this lucky charms because it represents eternal symbols from nature, like stars, feathers or flowers. For Mariana and Lalla, those were mostly a sign of feminity that they desired to share with every women in the world. The Patua woman would be a graceful woman which identifies her with this symbols of protection. The story Patua Jewels started in October 2012. Mariana and Lalla introduced for the first time, sophisticated, fine and delicate jewels. Through their collection, they wanted to show the grace and the feminine elegance. They chose feathers as their distinctive sign because of their lightness as much as titan. Effectively ( or Indeed ?), with a desire to express their own style and creativity, they introduce a new innovative concept, a colored titanium jewelry collection. Thanks to them, it was finally possible to wear pink stars as earrings or blue stars as a bangle. Originally, titanium was used exclusively for aerospace, aviation and medicine. Titanium is a strong but extremely light metal that can shimmer in many different colours because of the anodization. Titanium is

now used at another luxurious level ; for prestigious watches and high-end jewelry universe for example. Lalla and Mariana, had the desire to use titanium in every day jewelry because nobody thought of it before. Enhanced by diamonds and precious stones, Patua's collection is made of gold and titanium. Their jewels are very light and so comfortable to wear. Most of all, they are available in countless variety of colours. They use diamonds of very good quality because they want an high quality final product with an extreme shine. Patua's jewelry is meticulously hand-crafted in their workshop in Italy, where experience and modern technology is combined to redefine jewelry as an innovative art. They design the pieces together and they take some precious time to define which pieces are the best. Lalla is in charge of the production in Italy while Mariana proceed with all the business aspect of the brand in Geneva. Recently, they introduce a new line made of ceramics. Actually, titanium can be colored in many different colors except in black. It is the reason why they wanted to diversify and let the choice to their clients to wear black color too. Mariana and Lalla brought their collections to every women who recognize themselves in those feminine and elegant symbols. Each piece is exclusive and it allows women to personalise their choice of jewelry. If you are interested to discover their feminine and delicate universe, their showroom is based in Geneva, in a beautiful old apartment with a baroque style. They organise private sales at this place because the brand is not saled in stores at this time. They also organise individual appointments in their showroom in Geneva or in Milan. While waiting to see them for real, allow yourself to be enchanted by the magic of those beautiful and delicate jewels.

Words by NATHALIE ARNOLD | Image credit to TRIBU Magazine ©









Who are you, Mr. Chatila? I’m Lebanese by origin and have been living in Geneva since 1988. I started working with my father in the jewellery trade when I was 19. I worked with him until I was 32 and then decided to set up my own company as I wanted to launch a number of different activities, from real estate to art. How would you describe yourself? A bit too quick off the mark and not very patient. You’re a very versatile businessman involved in jewellery, real estate, art and health. Did you feel the need to break away from the family company? No, it wasn’t so much a concern to break away from the family business, more of a desire to do something different. When I was working with my father, he had his way of seeing things and, having developed my skills, I wanted to take a more independent view. Why did you set up the Rachaya Holding Group? My aim was to learn about as many activities as possible. The fact of doing business in so many areas means that I learn something every day; I meet people from different backgrounds and work in synergy with different groups. How did you get the idea of designing such an unusual office? A lot of people misunderstand and think that it’s an art gallery. One day I walked past the premises with my architect, quite by chance. They wanted to turn the place into a gay sauna but they couldn’t persuade the bank to finance it. When I saw how much space it offered, I thought that it would be ideal to include part of my collection in it. I’ve always worked in a shop with a window overlooking the street, so that was perfectly normal for me. There was an elephant in the window for several years. Who was the artist and what has become of it? The elephant had become the symbol of the place. It was made by an Indian artist, Barthi Kher. It was quite representative of India and Asia. It was made of resin and represented a baby elephant asleep. The artist’s symbolic input was to say that, when the elephant grew up, people would be afraid of him. I was contacted by the Leonardo di Caprio Foundation and asked to put it in an auction, with part of the profit going to the Foundation. Through the Sesam Foundation, to which you are strongly attached, you contribute towards helping people achieve their dreams and projects. How do you decide to support one project rather than another? In the early days when we set up the Foundation, it was all a bit vague. My first aim was to become more organised and structured, as an organisation needs to be efficient. As we worked through more and more projects, we noticed that we were tending to offer greater support to social projects, particularly those linked to women and children. Today, we give a lot of help to local associations and, as they’re close by, we can go and visit them regularly and help them by finding finance other than through partnerships. We help them to get new ideas off the ground and try to improve the way in which they do things.

Words by MAFALDA KYAMBEL | Adapted by NATHALIE ARNOLD | Image credit to Arnaud Delaunoy ©


We’ve also learned that you started out initially with your home country, the Lebanon: to what extent? Funds are divided on the basis of 75 for Geneva and 25 for the Lebanon. In the Lebanon, we focus on orphanages and schools for study grants, while in Geneva we work much more in the social domain. Do you choose, your own Art collection that are in your office? Yes, I am the one who select the Art collection that are on display in my office. I like change quite regularly my art exhibition. Wherever possible, I try to "change" my collection, more often on the occasion of a new acquisition. Next March you’re heading a project to set up a new prize, the “Quark”, in the art world. Can you tell us a bit more about it? As I’m extremely fond of art, I’ve met a large number of young artists looking for finance and sponsors, as well as places in which to exhibit their work. Having noticed that there’s such a strong demand for this, we decided to set up a “Quark” prize. The Foundation will hire the premises, pay all the expenses and take on a part-time curator who’ll be there to help the artists. Three times a year, three different artists will exhibit their works there. This will act as a springboard for the future and help them learn in greater detail about relations with a curator, a gallery and the public. The jury will be fairly varied. Everyone who represents art and culture in a different way will be represented on the jury. In talking with the members of your team we’ve discovered that you don’t have an office, just a telephone, as can be seen in this photo which is supposed to represent the Last Supper. How do you manage? And what did you feel when you saw yourself portrayed in this way? I’m on the telephone all the time and as I find it difficult to sit still I prefer to phone people as I’m walking. I work without an office because I love to delegate; I therefore don’t need to be surrounded by paper. If I need to talk to someone, we go into the conference room.

Elephant by Bharti Kher, The Skin Speaks a Language not its Own, 2007 ©


Up: Image credit to Arnaud Delaunoy | Down: Image credit to Federal Studio Š



L’Epicerie: Image credit to Abdessemed 2008 | Cerveau: Image credit to Adel Abdessemed Head On – chemin, 2010 ©





How did the Metropolis 7 project come about? The problem of finding a fixed office with a reasonable rent price was the starting point to this project. Secondly, the hassle of not finding a suitable open workspace made it more evident to create one that fit the needs of local workers that wish to be more cost effective and more independent in their work, but also for big or small companies that wish to host events in a versatile space. Hotels, coffee shops and restaurants do not provide an appropriate professional or inspirational atmosphere. Having worked in Berlin, the founder of Metropolis7 was familiar with the large amount of business centres that were already up and running. This motivated her to conceive a new vision of such a place. Making it different being the first intention, there was no hesitation when it came to making it artistic and design-like, a business centre with a special attention to its design. Why Geneva? Virginia Azevedo’s parallel interior design business, CREATIVS, being based in Geneva, the choice to settle there was obvious. The Swiss city’s potential as well as it’s large expatriate and international community make it easy to propose a cosmopolitan work atmosphere like the ones you find in Europe’s major cities such as Berlin and London, or New York on the other side of the Atlantic. There has been no such place in Geneva before. Thus, creating this accessible facility to celebrate the city’s metropolitan vibe seemed like the right thing to do. How was the building chosen? The “Maison de Paons” is something of an institution in Geneva and most people are familiar with it. It is recognized as one of the most special buildings in the city for its Art Nouveau style. Having been renovated in 2013, the opportunity to redesign the ground level’s interior was a blessing. Metropolis7 manages to celebrate the site’s architecture giving it a new life. What sorts of companies are interested in organising events at Metropolis7? The large multinational companies in Geneva are the most attracted to the workspace to host their events. Metropolis7 can be privatised for any event, be it for smaller brands and companies or bigger names such as P&G, Apple, JTI, PMI, etc… A “Pop-up” Store concept: The pop-up store concept offers a temporary space for brands outside Geneva to test the market using the Metropolis 7 venue. From a one day private sales event to thematic cocktails and even used for a few days as a temporary office, Metropolis7 is available to organise the events on behalf of the brand and makes sure the right audience stops-by to sample the products. This allows a company to create a unique environment that engages their customers, as well as generating a feeling of relevance and interactivity.

Image credit to Myriam Ramel | ©


How does the Business Centre find its members? The reaction of the community of Geneva has been very positive. Metropolis7 offers great opportunities to new businesses that need flexibility and it avoids them paying a fixed and overly expensive rent. In this way, the business centre targets the modern generation that is used to working in open spaces, simply with a laptop and a cell phone. The space is open to anyone who wishes to rent a space, pay a daily entrance to work or participate to the Lifestyle workshops.

Metropolis7 also hosts Art exhibits and various Workshops. How are the artists selected and how does the business centre succeed in finding subjects for workshops? In addition to the different co-working areas, the walls are invested by artists’ work, which changes every month. The idea is to maintain a stimulating and inspiring environment for the members. For the artists, having their work seen at first hand by the members as well as people looking through the large windows as they walk by is a great advantage. The choice of artists is with the intention to always showcase exciting artists with styles that vary from a month to another. The themes change from photography, collages, graphical textures or paintings with the aim of inspiring users of the venue. An Interior Design show room concept: Metropolis7 is also a permanent show room for CREATIVS Furniture and Lighting collection. A special artistic office-line was designed for the venue keeping in mind the modern worker. Privacy in open spaces, fusion of design & technology, comfort and inspiration are the main ingredients for this collection. For more information go to www. The pillars of Metropolis7 are business, design, art and health. Thematic workshops are organised around these four themes and driven by recognised experts of these specific areas. Members and non-members are welcome to attend these lifestyle workshops. Additionally, every month Metropolis7 organises a special open doors’ event for the community of Geneva. Events from “Swiss Designers”, “Preparation pour la Course de L’Escalade”, are offered to the Genevois and have been enthusiastically embraced by the community.






Ch芒teau Vaudois C么tes de Provence

The spirit of a place... Vineyard -Visits & Tasting Reception rooms - Exhibition hall Route de Saint aygulf - 83520 RoquebRune SuR aRgenS Phone +33 (0)4 94 81 49 41 -



DESIGN SWISS PRICE AWARDS "Exhibition from 02.11.2013 to 26.01.2014" Article by INDIA BELCE-KENNEDY



Words by INDIA BELCE-KENNEDY & Swiss Design Awards ©


SWISS DESIGN AWARDS The Federal Design Awards congratulate Swiss designers for their products, brands, fashion collections or novel ideas. Here is a condensed review of the most cherished and awarded projects. 1. Rado Product design Award ALPA 12 FPS ALPA Capaul & Weber AG Proprietors and developers / designers: Thomas Weber, André Oldani, Ursula Capaul The legendary Swiss brand comes on strong with the ALPA 12 FPS (Focal Plane Shutter). This camera offers a consistent system design approach by proposing an open combination. All in one, a core component of an independent photographic camera when used on its own with a lens or used as a shutter module along with another ALPA 12 camera. Users can thus benefit from its adjustability to thousands of lenses, old or new, to produce digital images or roll film back. This open toolbox with a built-in future compatibility is an amazing innovation in terms of consumer goods design. 2. Pfister Interor Design Award ETAGE shelf Design Moritz Schmid Röthlisberger Collection This vintage looking piece of furniture find its genius in the double function it adopts. Two classic furniture types- the shelf and the side table – are combined and surrounded by a moulded plywood shell which not only emphasises its basic oval form but also horizontally covers a segment of the shelf at all times. A slide function allows it to hide different parts while shelves and book supports can also be removed or exchanged to make this a highly versatile storage unit. The craftwork is a perfect example of the quality of Swiss contemporary furniture making. The typical formal idiom of the craft workshop makes a wholly contemporary impression. TEXTILE DESIGN AWARD 3. 'Ich erzähle von der Masche' ['I tell of the stitch'], Bachelor Diploma Anna-Kristina Ninck, Hochschule Luzern Design & Kunst [Lucerne College of Art and Design], Textile Design department / This knitting project was created as part of a bachelor diploma in the Textile Design department of Lucerne College of Art and Design. It testifies to a deep engagement with the stitch, and investigates the design possibilities of this primevally ancient handwork technique in a novel way. The design process has been concerned with the principle of unravelling and deliberately engineered disintegration. Many different materials were used, some of them quite unusual ones. The spectrum ranges from top-quality mohair yarn to wire, from wool and silk to elastane and cordel and even PET yarn. The project illustrates in exemplary style the various possibilities that exist for the deliberate use of unravelling stitches in a fashion context. The experimental study on the “stitch” demonstrates radicalism, seriousness and depth. The visual impression is seductive and encourages the viewer to touch and feel. This project answers the question of the detachment of clothing from the body and illustrates in exemplary style, the various possibilities that exist for the use of unravelling stitches in the fashion context. 4. Slow light by Jakob Schlaepfer Delicate designs have been superimposed on reflecting surfaces by a laser engraving technique. Depending on the lighting, the patterns may stand out in sharp contrast or disappear altogether. Reflecting materials made of glass beads that change according to the viewer’s position show shimmering islands of light in the form of flowers and flecks that glow on a matt background. This is an exemplary combination of function and aesthetics, which testifies of a delight in experimentation.







MARKET PRICE 1. Montreux Jazz Heritage Lab Architecture ALICE epfl/enac/ia/alice Dieter Dietz, Olivier Ottevaere, Charlotte Erckrath, Lukas Lenherr, Tibo Smith Interaction Design EPFL + ECAL LAB Nicolas Henchoz, Cem Sever, Daniel Tamburino Montreux Jazz Heritage Lab photographs © Joel Tettamanti / ALICE Studio EPFL Coordination of the Montreux Jazz Digital Project MetaMedia Center, EPFL Partners Montreux Jazz Festival EPFL Scientific Labs Laboratory of Electromagnetics and Acoustics Audiovisual Communication Laboratory Signal Processing Laboratory 2 Support Mr Vasily Shahnovskiy Mrs Theresa Rydge Audemars Piguet SA Lombard Odier Darier Hentsch & Cie Technological partners 3D audio system: Illusonic (Lausanne) Loudspeakers: Relec (Yverdon-les-Bains) Acoustic glass: Glas Troesch (Bützberg / Bussigny VD) Interactive table: to-fuse (Zurich) In order to preserve the many audio and video recordings of concerts for future generations, this project aims at giving the viewer the possibility to consult the recording in digital form with total visual and acoustic authenticity. This space is escpecially designed for the viewing of archive material in the best possible way. The visual effect of “trompe l’oeil” is mastered, the cocoon impression and shape of the room also serves practical functionality regarding the energy of the music. The modular design of the cellular space made up of 1300 wooden components extends practical possibilities of the Heritage Lab. The side door can de opened completely or only partially, depending on the number of viewers. The closed unit offers a full experience; the viewer will have the illusion of being in the crowd of the concert. This project presents a radical approach and its association with university education is exemplary. 2. On Thilo Alex Brunner for On A shoe with qualities never heard of before. This running shoe does not just adopt the industrial standards of the big established manufacturers, but represents a completely free approach starting from scratch. The product unites the advantages of a soft training shoe with those of a tough competition shoe. This is achieved by means of hollow elements in the sole, which respond to ground impact by expanding towards the heel to guarantee a soft landing. In this way, the shoe enables the foot to push of powerfully from the ground. The innovation has already met with a positive response from many top athletes, and has been consistently realised in the product as well as in the development of the brand.





3. Reportagen Reportagen, Weltgeschehen im Kleinformat [Reports, world events in a nutshell] Conception and design of a magazine Moiré Grafik GmbH Marc Kappeler, Dominik Huber, Ruth Amstutz The magazine Reportagen (Reports) has been coming out every two months since 2011. It is focused on the journalistic genre of literary reporting. The design emphasises the special nature of the publishing concept and makes the magazine distinctively unique. The cover, which also serves as a table of contents is purely typographically based. The decision to use illustrations and infographics in this medium instead of photographs underlines the literary character of the texts. This magazine is deliberately committed to a genre of journalism that is increasingly under threat in the media world of today. A profoundly researched text format, imbued with its own observations and combining descriptions and analysis. The success of Reportagen – one aspect of which is its qualifying for a Design Price Award – underlines the relevance of the project. 4. U TURN Design Michel Charlot Belux AG The central feature of this lamp is flexibility, and it has been realised here in the most convincing way. The LED-operated luminaires connects between the round lamp head, about as big as the palm of your hand, and the remaining body of the lamp. The head of the lamp contains a rubberised magnetic system set on a metal ball. This mechanism gives the lamp head maximum mobility and a correspondingly wide radius of action. As the lamp head is magnetic on both sides, it is an easy matter to release, turn or reposition it. Its treatment of light encouraged playful experimentation. The lamp is an example both of intelligent conceptual thinking in the field of product design and of effective technical implementation, which here succeeds in living up to the idea to the fullest extent.






MERIT PRICE Chantal Prod'hom Since its foundation in July 2000, Chantal Prod‘Hom has been head of the Musée de Design et D‘Arts Appliqués Contemporains (mudac) [Museum of Design and Contemporary Applied Arts] in Lausanne. In this time she has organised attractive exhibitions in innovative formats (like the 'Carte blanche' for instance), giving established figures of the design world as well as up-and-coming talents - like Matali Crasset, Pierre Charpin, Stefan Sagmeister and Adrien Rovero - the chance to have their say, so succeeding in making a comparatively small establishment into an institution of national, and indeed international importance. She has repeatedly shown that she has sure instinct for contemporary issues, and has demonstrated great determination in pursuing her goals. The programme that has been developed under her direction, for which she frequently enters into partnership with other museums, has an impressive and exceptionally wide thematic focus. This stands for cultural openness and reflects the variety of the design scene of today. Design Prize Switzerland is happy to honour Chantal Prod‘Hom with its Merit award. Both in her work as a museum director, and as an author and a member of committees, panels and juries of the design world, she has been a firstclass communicator of contemporary design, and has distinguished herself as a committed promoter of young Swiss designers. NEWCOMER PRICE 1. Birth Aw 13 Sandro Marzo Sandro Marzo's debut collection, which at the same time represents the launch of his own label, consists of a total of 16 outfits which are characterised by a mixture or combination of aggressive military style with elements of the sacerdotal. The fabrics used were crucial to the development of the collection. Many of the textiles were created from Marzo's own designs, and are the product of his collaboration with prestigious Swiss manufacturers. Marzo's first public appearance at Modes Suisse in Zurich and Geneva with his remarkably beautiful debut collection was a real success with the public. The conceptual basis of this collection is as simple as it is attractive. The astonishing maturity of this debut deserves to attract the attention of an international clientele interested in progressive men's fashions. The collection demonstrates the designer's talent, originality and independence. We are encouraged to hope that this young fashion designer, who can show a clear and unique stylistic signature, will become a firmly established feature of the men's fashion scene. 2. Cresta Chair DADADUM sarl Demian Conrad In partnership with Jörg Boner productdesign This chair involves the blending of the simple robustness of a traditional Alpine wooden chair with modern woodprocessing technology and a contemporary aesthetic, and is designed to make as good an impression in an elegant ambiance as in a rustic Alpine chalet. At first glance it consists of just a seat and four legs. In fact the seat is made up of three parts: the base of the seat and the back are joined to a curved central component by means of clearly visible finger joints. As the chair legs are also attached to the latter, it constitutes the heart and centrepiece of the design. With a seat that has been modelled to fit the contours of the body, the craftsmanlike CRESTA CHAIR can offer a high degree of comfort. This design shows a fine sensitivity for the spirit of the times, and succeeds in meeting the targets it has set for itself in every way. With its formal qualities, it will blend in well with all kinds of domestic setting.






RESEARCH PRICE 1. Dolografie Dolorografie [Dolorography] A visual communication instrument for the description of pain Sabine Affolter in collaboration with Katja R端fenacht Inselspital Bern [Berne Island Hospital] Hochschule der K端nste Bern [Berne College of the Arts] Dolography is a visual instrument which supports and facilitates speaking about the different elements of pain. It consists of a series of abstract images which deliberately avoid unambiguous semantic identification and so encourage the person who sees them to supplement them with spoken descriptions. The images created under the auspices of this project translate the sensation of pain into visual stimuli, and so make the phenomenon perceptible for persons who are not directly affected. The pictures encourage dialogue about pain between patients and doctors. The way in which the method was developed and tried out in cooperation with doctors is admirable. The idea of 'pain pictures' is a surprising one. In our day above all, where the treatment of pain is a matter of ever-increasing medical importance, there can be no doubt at all of its relevance. It would be highly desirable if this project could be further developed and elaborated.




Baar-Sihlbrugg Bern Geneva Solothurn Winterthur Zurich

Home furniture Office furniture Accessories Lighting Fabrics Interior design and planning

Highlights Pendants Bocci 28, Omer Arbel

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La HEAD - Genève (Geneva University of Art & Design) proposes a wide selection of Bachelors and Masters courses. La HEAD’s Fashion Design section often hits the headlines, (in particular for its annual fashion parade and the quality of its students, many of whom go on to be future international designers) often eclipsing other equally prestigious departments at the university. As a consequence, we tend to forget the other subjects proposed by La HEAD. Since 1987, among its many different fields the school has had a Jewellery Design department. With the arrival in 2006 of La HEAD’s manager Mr JeanPierre Greff, the Jewellery Design section widened the scope of its courses to cover the design of watches and accessories in the wider sense. Since then, the world of jewellery has also expanded with artistic or experimental design, commercial jewellery, designer jewellery, fancy jewellery, fashion jewellery or fine jewellery. The Jewellery Design department at La HEAD – Genève (including watches and accessories) prepares students for the realities of professional life. To study Jewellery Design at La HEAD – Genève it is vital to be open to other areas of design and contemporary art. Changes in society, artistic worlds, trends and fashions are the key factors for developing the students’ creativity. They must constantly be more inventive, more disciplined and more creative, and are encouraged to really think outside the box.

Words by NATHALIE ARNOLD | Image credit to Eric Tabuchi ©


The Bachelor in Jewellery Design trains professionals specialising in designing products related to jewellery and personal decorative accessories. From single items to complete sets, the students experiment with design, art, fashion and the realities of the marketplace. The teaching also covers the historical context and the socio-cultural development of human bones jewellery with skills related to materials and the various techniques inherent to the design process. Thanks to workshops run by numerous outside speakers from this field, the Jewellery Design students are in continuous contact with the professional environment. The students also have the opportunity to undertake an in-company internship lasting 2 to 4 months during their course. The department is now backed by major brands Giving students a chance to display their ability to good effect within companies such as Piaget, Furrer-Jacot, Tarian (for eyewear) and Dupont Int. La HEAD – Genève has promoted the visibility of projects in Switzerland and abroad by participating on several occasions at the design fair in Milan or Blickfang in Zürich and Basel. This year the Jewellery Design section is in the spotlight with its participation at various exhibitions devoted to contemporary jewellery in Paris, promoting the designs of its Bachelors and Masters students who recently graduated in 2013. As part of the "Circuits Bijoux", La HEAD – Genève is working closely with the Fondation Suisse/Pavillon Le Corbusier at the Cité Internationale Universitaire de Paris for two jewellery-themed exhibitions.



The first is "Swiss Jewellery Design" (Design Bijou Suisse ) in October and the second La HEAD – Genève, a jewel of a school ("La Head – Genève, un bijou d’école") in November. "Circuits Bijoux" brings together more than 500 contemporary jewellery designers from September 2013 to March 2014 throughout Paris. Organised by the Ateliers d’Art de France in partnership with Les Arts Décoratifs and the D’Un bijou à l’autre association, "Circuits Bijoux" includes almost 70 exhibitions, conferences and other events intended to share the marvellous diversity of the current jewellery design scene. This is the first time that an event of this kind has been held in Paris. It involves designers, museums, galleries, educational institutions, cultural and institutional stakeholders, historians and experts. The exhibition "La HEAD – Genève, un bijou d’école", proposes a selection designed by students on the Bachelors and Masters courses in the design of jewellery and accessories. The selection of the participating graduates is based on the work of the 10 best Bachelors of 2013. From the scenic design by Mathieu Bassée, (a designer and Masters level teacher at La HEAD – Genève) to the items exhibited, this exhibition has been produced entirely by the school. Everything took shape thanks to workshops with students and alumni in Fashion Design. The purpose of this exhibition is to highlight the designs of contemporary Swiss master jewellery makers and the upcoming generation of designers.


Modern Swiss cuckoo clocks, bookmarks or jewellery in all its forms are the projects presented by the Bachelors, Masters and alumni students in jewellery design. A very large number of professionals in jewellery design earned their qualifications at La HEAD – Genève. These designers are now world-renowned and working internationally, all helping to open the doors of this Swiss school to the rest of the world. Presented in the "Swiss Jewellery Design" exhibition in October they are sponsoring the next generation of designers, who are also often graduates of La HEAD – Genève. La Fondation Suisse and its Pavillon are celebrating their 80th anniversary. To mark the occasion, the Bachelor students have designed an item of jewellery in tribute to Charlotte Perriand and Le Corbusier, both involved in the design of the building. This item of jewellery has been created under the supervision of Fabrice Shaefer, a teacher at La HEAD – Genève and jewellery designer. This item will be produced as a limited edition by the Swiss company Furrer-Jacot, a worthy representative of Swiss know-how, combining industrial prowess and the artistic disciplines. La Fondation Suisse at the Cité Universitaire de Paris has the task of running and maintaining the Swiss students’ centre. In the words of Yasmin Meichtry, manager of the Fondation Suisse, "the pure styling, the choice of materials, the transparency of the glass and the multi-coloured mirror effect of this national monument, the Pavillon Suisse, combine to create the perfect setting to showcase the designs of contemporary Swiss master jewellery makers and the upcoming generation of designers. The exhibition 'La HEAD – Genève, un bijou d’école', is especially meaningful as it is precisely this new generation and the young thinkers, researchers and designers of tomorrow who are the very reason the Fondation Suisse exists. The link with the academic institutions which have trained them, such as that forged here with La HEAD – Genève, is crucial to us". "La HEAD – Genève, un bijou d’école", Fondation Suisse / Pavillon Le Corbusier 7, boulevard Jourdan, 75014 Paris, from 08.11-08.12.2013 "Circuits Bijoux" Paris, from September 2013 –March 2014















When creativity takes over the reality of a pragmatic career and drives one to start fresh and bold, the drive is, without a doubt, passion and proficiency. Management leaves room for Interior Design and both fill up the space to form a perfect match. The dedication to fulfil people’s dreams and demands within the intimacy of their homes or rather, an idea of their home, is a matter of delicate psychology and sincere hospitality. In this way, CREATIVS maintains a human approach to each project, with a desire to serve and surpass a person’s need to feel at home. This crucial insight is what drives the company to follow through in the residential, commercial and hospitality sphere. For residential projects, CREATIVS thrives on fulfilling a life changing experience for the client and his family. Getting to know their emotions and behaviours, reading between the lines in order to get familiar with all the aspects of their ideal comfort to produce their perfect dream home. This is what makes walking through the door feel like they have been living there for years. Commercial projects, on the other hand, give the opportunity to create bolder designs, embracing trends and unique customer experience. However, being loyal to timeless design in all fields, CREATIVS seeks to find symmetry between aesthetics and function. Their preoccupation for the best return on a client’s investment motivates a need to benchmark various suppliers all over the world in order to receive

the best possible materials. Sturdiness and attractiveness are made inseparable to maintain a lasting wow effect. Specialized in contemporary design, CREATIVS finds its stimuli in more abstract visual fields. While nature is indisputably a legitimate influence, it seems Art and Cinematography can be genuine triggers for conceiving exciting Interior Design. When emotions are set off by the soundtrack or visual settings of a motion picture, the experience is embraced and converted into an attractive design. Virginia Azevedo, founder of CREATIVS, has been performing timeless and tasteful designs for the past four years with a passion for hospitality. The various projects lead throughout the world, in design hubs such as Berlin, Zurich, Geneva, Vienna and Lisbon, to not mention them all, have benefitted from her keen eye and altruistic approach. Hotels, restaurants, spas and individual homes, each and all, require intuitive and pragmatic interior arrangements. CREATIVS score the challenge each time, leading the client into a sincere and charming experience by presenting a result that goes beyond expectations. A kind of “home staging” is carefully put in place and offers the client a full experience. Virginia Azevedo’s style is devoted to warmth and elegance, yet each project is thought out to be unique, honouring the client’s needs above all.

Words by INDIA BELCE-KENNEDY | Image credit to Creativs | ©









The canoe glides with a razor edge swiftness along the green surface of Lemanak River that meanders into the Borneo tropical forest. Yet, the Yamaha engine's rumble is deafening. At times when the river current helps, the engine stalls and relies on the skiff 's momentum. The water surface becomes smooth and trees reflect themselves as in a mirror. The jungle then shapes into a thick and mysterious tunnel with an infinite variety of green shades. In this twofold world, equally pure and disquietening, life arrests at a surprising standstill. The lapping of the water is the sole perceptible sound: no birds, no insects screeching, nor any sign of other animals. I wonder whether intensive hunting and the widespread bleeding of trees for the sake of oil palm plantations, which one can see from the aircraft, are not the reason for such silence… deforestation ruthlessly devastates one of the world's richest ecosystems and dramatically alters the wildlife, flora and indigenous lifestyle in its wake. There are five of us navigating on this slender longboat, travelling upriver towards the Iban village: the steersman at the back, his teammate at the bow, surveying the water surface for any obstacle, and the two of us with our fellow guide, a Chinese schoolmaster who has worked over 40 years in the close by surrounding villages. At times we come across other boats packed to the brim with people, barrels and bundles. An eerie jumble of indian figures, vivid color stains, strawhats, dark fabrics and fluorescent parkas; men have arresting faces, women show jaded features, children look resigned while babies are being hastily wrapped in unlikely blankets. The Iban tribes belong to the Dayaks, the major ethnical group in the immense Sarawak region which covers the entire south of the Malay part of Borneo. They are ancient warriors and headhunters who in the past, one can easily imagine, would have been hiding along the river banks in the thick jungle’s murky vapours with their blowpipes aimed and ready to strike at some ennemy’s tatooed bare flesh. Time dissolves for hours on end… the boatmen probe the shallows and carefully steer clear of the massive roots that endlessly restrict the course of navigation. The river banks draw us in a never-ending state of contemplation; they also generate a compelling feeling of plenitude or give rise to a semi-hypnotic reverie. By the time we approach the village the shouting and shrieking of the children playing in the river alters the scene altogether and pulls us out from our previous torpor. The longboat suddenly slows down as it approaches the shore in a whiff of blended oil and petrol vapours. As we raise our eyes above the pier, we discover the spread-out dwelling of the Iban tribe soaring above the hillside. The longhouses to which the indians litterally refer to as «the entire village under one roof» are communal houses built close to rivers in an elongated manner. They are divided longitudinally in two parts. On the one side a private area where families live next to each other with partitions that separate them. They grow out of the chief ’s quarters on both sides, and they take the guise of a long caterpillar made of wood and corrugated iron which can harbor dozens of families and measure up to 300 meters. The rest of the structure is left vacant so as to create a long communal gangway covered with mats ; it is used as a work space (weaving, etc.) and a leisure area. The longhouses are built on stilts which simultaneously protect the indians from animals and floods, and also ensure a good ventilation, thus regulating temperature and humidity in a rather efficient and reliable way. The Iban Indians will gladly welcome travellers and provide them with shelter in the main corridor under mosquito nets that are essential. It is rather fashionable to bring a present for the chief or the children, but by no means money. Some of the longhouses have even specialized in accomodating tourists. The Indians also sell their crafts and earn a few pennies in exchange for their hospitality, maybe some blowpipe demonstrations or even war dances. Cohabitation with foreigners seems to be quite usual. Ibans are obliging and friendly people, they live off the rice crops, fishing and weaving ; they also provide a formal education for their children. The tribe’s warriors are covered with tatoos and the chief wears an impressive snake painted along his neck. While we are having a discussion over war and death, and since we are quite intrigued by the absence of any graveyard in the village, we ask the head of the tribe to show us the place where they bury their dead. After a hint of reluctance to such an intimely query, he finally accepts and leads us by canoe along the river on a 5 to 6 kilometers journey.

Words by DANIEL CALDERON | Image credit to Daniel Calderon ©


On a hillside nearby the river shore, in an unsuspected overgrown clearing, an incredible sight reveals to us: a surrealist scene with dozens of tombs placed randomly and covered with amazing and surprising items: the every day and beloved objects of the dead. We are suddenly thrown into another world which is totally surrealist and unsubstantial; gleams of filtered light invade us together with the stifling heat. Columns of gigantic ants move head-on the area regardless of obstacles impeding their progress. Our guides open the trail in a hissing sound of machettes; the atmosphere around is solemn and extravagant. Objects interact with nature, thus upsetting all imaginable codes. One tomb that looks more lavish than the others is adorned with blue tiling and is dignified with a bottle of Tuak, the local indian rice spirit, a packet of cigarettes, a coffee mug and a few stubs… One gets the impression that the local resident has just taken off for a few seconds. Nevertheless all is stock-still. Life has been inescapably suspended. On another tomb which looks somehow poorer because it is made of clay, there is female attire slowly rotting away from the scorching sun and the torrential rains. Further along, the dangling wiring of a fluorescent light which has probably been wrenched off the deceased’s kitchen wall, casts a desultory sight. Equally a television screen is condemned to monitor for eternity the ironic reflection of the jungle’s invading vastness. On the ground one catches glimpses of decaying tools, rotting saucepans and a rusting boat engine. Funerary urns, on some of the tombs, are strangely left open. But I did not get a clear explanation. Some graves are covered with a corrugated iron roof protection. A derisory safeguard against an almighty nature. Even further away a poor slab of concrete over swarmed by vegetation disappears into the soil. The urn which originally belonged to it is crushed among other debris of decaying and unrecognizable objects. In the distance, an armchair, a mattress and other more ancient urns are partially buried under the earth together with an old lamp and a half empty ashtray. In a glistening clarity which seems almost cinematographic, the site seems to have reached a standstill in the expectancy of its owners who might have just turned the lights off or stubbed out a last cigarette. It is like a juxtaposition of frozen moments slowly drawing to the imminence of an impending reappearance. Dayaks are generally animists, unless they have been converted to Christianity. I am told they believe that human beings are endowed, equally as objects, plants and animals, with a soul. They belong to a world of spirits that enshrouds  everything. The chaman who regularly burns herbs in the village, the totems framing the longhouses’ doorways, and the endless rituals rythming everyday life, are means to ensure a good communication and understanding between the two existing worlds that constitute animist duality. Spirits are ubiquitous. One must abide by them without breaking the privileged connections they entertain with the living. In that sense, for the Dayak people, the dead are never really dead. They are continuously living among us and interacting with us while their life genuinely extends into nearby nature. This could probably be the best explanation to the existence of these familiar objects on the departeds’ tombs. With starry-eyed fascination we navigate back on the mirroring waterplane inside the green light corridor. Again we measure our tininess amid this massive vastness. We take leave of this surreal vision of the deceased Ibans’ peaceful dwellings to recognize further upriver the childrens’ cheerful clatter echoing in the water nearby the communal longhouse. More than anywhere else, life and death interwine along the river, one breath away.












My best trip ever For the first time in my life, I was impatient to leave New York. I was deafened by the constant noise, which usually reassured me, the damp heat of July, synonymous with holidays, made me nauseous and the people, the thousands of people, hurried and sweaty, put me on edge. My cases were packed. I no longer knew what to do with the hundreds of recommendations that I had received. It was 13 July 2013 and the next morning, at dawn, I would be flying out, or rather I would be escaping: destination HAITI.

Words by DEBORAH SOLEYMAN | Image credit to Deborah Soleyman Š


My first days My grandmother greatly contributed to my education and that of my brother. She was a woman who deeply loved nature and took the time to contemplate it. It is thanks to her that we learned to respect it. But the tamed, familiar nature of my childhood in Geneva had nothing in common with that in Haiti. It was a major shock. Sometimes I could only marvel at it, sometimes it terrified me and it took me several days to get used to Jacmel’s landscape and noises. As the majority of houses after the earthquake, mine had a tin roof and I will never forget the rain that beat down on Jacmel on my first night. I had the impression of being shut inside a tin can that was rained with stones. I was terrified.

On looking back, I understand that it was not the rain, but the unknown, the preconceived ideas and the fear of others that had terrified me and kept me awake all night. At the first rays of dawn, I discovered a breathtaking landscape. A luscious green mountain rose up before me, thousands of palm trees, wild flowers, banana trees, vetiver grass, a dazzling blue sky along with a hubbub of animals that I still miss today: cows, goats, hens, pigs and, above all, the cockerel.


Cine Institute film school Despite the intense heat, the works to extend the school were in full swing. During the two summer months, Cine Institute was closed. The buildings forming the campus were all brightly coloured pretty little houses perched on the edge of a cliff against which the waves of the often rough sea would noisily break. Hammocks were slung between the trucks of palm trees suitable for this and the roots of the weeping fig trees that lined the main avenue were so strong that they had pushed up the paving stones. This former hotel transformed into a film school was a heavenly, wild place like none that I had ever seen. Pupils and teachers were on holiday. There only remained those who were indispensable: Ms Annette, the cook, was a tall, elegant woman. Her shoulders were wide and her hands strong. Nothing seemed to be too heavy or too hot, Ms Annette was a tough woman with eyes expressing sincerity and intensity.


As for Ms Paula, she was the soul of this unique place. She was both immensely wise and implacably logical. She made all the decisions. Mamie Paula [Granny Paula], as she was called, directed Cine Institute both gently and strictly. I watched the way she did things with great admiration. Our conversations were rare but constructive. Without her I would not have been able to accomplish my assignment: to make myself useful. When she left Haiti on 9 August, the days seemed longer and the energy she created in her presence had disappeared. Ms. Paula was an absolutely essential part of the landscape.


Kabic Sometimes I read a few pages from my diary, chosen at random. Comfortably installed on my couch, I close my eyes and lose myself in my memories. Little by little my nose picks up the smell of coal. Then David’s house appears, with its superb green lawn, the wild and often deserted beach and, above all ‌ the children. It is 7 a.m. and the children are sitting around the large table in the garden. They are waiting for me. However, when I go towards them, they look at me, laugh but do not greet me. They have brought me fruit, in exchange for a few coins, and we are sharing this for breakfast.

Not having managed to rid myself of my bad habits, I was rarely without my phone. It was greatly coveted but the children never touched it without my permission and very soon, although they were very young, they became the protectors of my objects of value. I would come and go leaving everything open when they were there. I had the impression that they were keeping an eye on me from afar. The eldest was 13 years old. Finally, I felt at home. I was fascinated. I spent my time observing them. They lived in harmony with this nature that was so imposing and unpitying. Very quickly I understood that they were part of the landscape, just like Ms Paula, and that they were the soul of this country.



Beloved Ayiti When I stepped out of the plane for the first time at Port au Prince Airport, I was invaded by excitement. The intense energy that I felt had already banished from my thoughts the horrors that I had read or heard about Haiti. I knew neither the codes nor even Creole but I was already fascinated by this mysterious country.

I often felt alone, sometimes I was frightened, missed certain things and people, but I was happy from the beginning to the end of this adventure. I looked, contemplated and observed a lot, and finally managed to see so many things that I had ceased to see.






LITE -RARY IT WAS A STUPID THING TO DO, and I did it. Having always managed to stay out of the press and avoid becoming really famous, keeping my mother’s guidelines of a lady only being in the papers to hatch, match and dispatch even more rigorously than required. And then, somewhere at the end of a terribly long London winter, in February, the gloomiest of all months, there was this episode, which made me very googleable and ruined my credibility of all kinds, even to my own sexually credible self. But I did it and now it exist in the collective memory of the internet and many of my friends far and near, and despite its high degree of impropriety, I keep it alive in my mind, if for nothing than to amuse myself when I’m old and wrinkled beyond repair, or whatever other sad destiny life may inflict upon me. This was at a point where my life had become a total case of been there done that with all the clubs and the sun-up-tosun-down partying was becoming a bit of a job and I wasn’t really up for anything like that. I was sort of waiting for the seasons to change, for the wind to drop a miracle, Mary Poppins style, onto my doorstep. We were all out again, I was sitting on my cousin Imran’s knee and hugging the Belvedere bottle, holding onto it for dear life, since the alternative was to break it and use it to slit my wrists then and there. Too bored to get drunk even, it felt like a swamp of lukewarm boredom, wiggling my feet in the diluted mud, and I was half-expecting little alligators of ennui to start swimming around me ominously. I kept thinking how I needed some stimulus, I needed to laugh, I needed a breath of fresh air running through me; and if, god-willingly, the perpetrator of all this could be a handsome stranger, I was definitely open to some hanky panky. And then, as if God and his helpers could read my mind, I saw him, this amazingly gorgeous man – seven feet tall and ninety-five percent muscle, his eyes twinkling like black diamonds, skin the color of West African oak – walking in with his posse, checking out the scene as they prepared their table. He was hot but many people were in the glittery disco-darkness, yet this he had something my antenna picked up on. Like a boy playing pirates and ninjas, he seemed so happy, he was genuinely having fun, something I was so unaccustomed to, as opposed to the usual jaded London clubber, who couldn’t find happiness if it floated in his breakfast cereal. It made me want to reach out and grab him by the hand. For me, it was love at first sight; without even knowing him or having seen him well, I knew he was “it”, he was what I wanted, my Mary Poppins miracle without the annoying flying nanny part. The fabulous stranger moved around a bit, so intensely good-looking I get excited even now, and I fixed my eyes on him like a supersonic hawk. When you’ve been on the clubbing scene as long as yours truly, you know that rule number one is never to lose sight of whatever it is you are interested in, be it your purse, a man, or a champagne bottle. The longer I looked, the more I liked everything I saw. Wooo-hooo, I thought, my Adonis had arrived! And, boy, oh boy, was I ready… With the corner of my eye I saw Imran jumping like a crazed camel up and down the marquee, his buttons popping open and his white shirt sticking to his back, round sweat stains exposing to the general public the drenched mess of his thick body hair. My stranger was infinitely smoother in comparison, so beautiful and calm and so amazingly cool, and I knew his body would be like velvet on ice, and that we’d make that amazing sizzling sound the very first time he would touch my skin. Like an animal in heat, I got up and twisted my neck as high as far up-and-out as I physically could, feeling the tingles in my skin from my cheeks to my fingertips, barely managing to suppress a primeval mate-calling scream. My heart beat in lust as it hadn’t in forever and I already knew how his cocoa skin would feel against mine. I remember the feeling so vividly, it was a desire so mad and immediate that it shook me in the stomach, pouted my lips and hardened my nipples, and even made the hair rise on the top of my scalp, like he was already pulling me by it. I can still remember standing there, swaying my hips and biting my finger, feeling no one but him in the jam-packed club; my telepathic waves singing like a siren’s “Who are you, Stranger? Come to me now, Stranger” as well as other, more inappropriate, nonsense. My stare must have burnt a hole in his back since he turned around as if scolded by boiling water and looked directly at me through the darkness and the noise and the fumes of the crowded club. There was no electric shock, locking eyes with him felt more like a slam dunk, and I knew I had to make the best of this stolen second, this impromptu melting of the eyes. I twirled in the spot, kind of like my mother would when she tried on her Chanel frocks, and he made a little bow all for me. Our exchange of energies had only lasted about five seconds, yet I was already growing impatient. I wanted this stranger to scoop me up me like a little girl and bite my neck and carry me up and away as I wrap my legs around his waist and then tie me up and spank me and gag me and adore me and hurt me and love me. I was going to have him before my head exploded like a clogged up steam engine, or I was going to die trying. It was quite something really, I didn’t normally feel such unprovoked lust towards actual men, it was usually inanimate objects in red or turquoise boxes, or hanging or clothes racks that I so fervently desires. I needed him like a watch you’d really die to have but with the urgency of a jacket or a pair of trousers I wanted on me there and then. I wore a body suit under my jacket that night, and I was dying to throw it off and jump over people on my way to get my man, like Catwoman on Ecstasy and Viagra. Since I couldn’t really do that, I opted for the next best thing. I switched my body into meow mode, this specially designed way I moved – something between Tina Turner and an adult black panther on the prowl – where my whole body followed the movement of my hair as it spilled heavily down my back. Forget stripping, this was better than hypnosis, it worked wonders and left every hot-blooded man hypnotized.



And while I swirled my body like a wave of hot chocolate, The Stranger and I still each in our corner, our eyes still locked (I hadn’t blinked in ages, God knows how I didn’t lose a contact) and I swear I could even feel his breathing on my skin. In my mind, he was already on top of me, his heartbeat in my throat and his voice ringing in my brain, a body I didn’t know and a voice I’d never heard, but he was mine, I thought, as I stretched out my fingers, ever-soappropriately manicured into pointy red claws. I held his gaze, and we were purring with our eyes, moving in sync although twenty feet away; and I know with absolute certainty we would have started talking and kissing and living happily ever after, when stupid Fate intervened (and messed everything up for me again) and things unraveled how they did and I lost the love of my life forever. It’s insane, I know, but Fate seemed to really have it in for me. To be perfectly honest, it may have been a teeny bit my fault as well… I made the fatal error of going to the bathroom to touch up and do a little line and, the disco-retard that I was, went a tad bit overboard with the coke I bumped my nose. (By that, I mean I snorted more than a herd of elephants would.) The next thing I knew, my heels were pulsating and my heart was in my knees and I could feel that tattle-tail drug sweat coming out of everywhere, making my clothes stick to my skin uncomfortably, and my eyes roll in hysterical amplitudes. And to think I did it out of love… In any case, the disco-trouper that I was, I made my way through the crowd (it was so hot in all that lycra, around all those people) and as I walked, I prayed loudly to God to make the bad high go away, because I needed to compose myself and have supersex – the loud horny monkey jump-from-the-ceiling-kind – and then love and marry and hold forever the man I was yet to meet. And voilà, all divinity smiled upon me, and when I came back, the object of my ogling was somehow at our table, laughing and drinking from Imran’s bottles, and I was so happy when I saw them doing those ghetto secret handshakes and snapping photos in ridiculous poses, that I had to restrain myself pretty hard in order not to jump into his arms and cover his face with kisses. I gave myself a few mental slaps as I appeared in front of them, mustering enough composure to flash a row of teeth and hold out my hand to be introduced, while the unfortunate high buzzed on all frequencies in my head. The stranger I was dying to meet, rape and marry turned out to be an American athlete of some sort starring in a reality show spin-off in London. I think. I couldn’t really concentrate on listening, you see, because I was dying of stomach cramps and collapsing with heart failure. My head spun like a ballroom dancer and I knew I was being awkward, gnarling at my straw fiercely, grinding my teeth and grabbing his biceps and tripping over my own feet and let’s not forget the tossing of my little head and the twisting of my little nose that I just couldn’t stop doing. The Americano had gorgeous teeth and a perfect pink tongue that flashed in his mouth like a pearl in a sea shell, and (despite the mini-overdose that made sweat trickle down my back and tickle me) I loved him more wildly, deeply and surreally than I had ever loved anyone. In the downward spiral of my intoxicated desperation, I kept repeating that my mother was American, too, and he kept saying he could hear it in my accent, and although conversations were made out of much less in the darkness of the club floor, the magic between us just wasn’t happening. The ice had been broken but under it was a thick layer of radioactive lead. I even did my little routine of shifting my weight from one leg to the other like a bored horsey (it usually seemed to get men going) but this guy was completely oblivious to the fact that I was perfect and seducing him. I even contemplated falling into his lap, but I felt sticky so I passed on that one. It was painfully obvious that it just sucked between us. To add insult to injury, the dark Adonis of Love wasn’t even having fun any more, he just looked like he was looking for something, and somehow, it wasn’t me. I tried to soothe my mind by playing a song in my head to compose, and I racked my brain thinking how Blondie would be great, but all I could remember was Mickey You’re So Fine, and even I will confess it was not Debbie’s finest hour – especially not for mustering enough mojo to knock this stud off his strong linebacker feet. Or whateverthehellhewas in that useless bloody sport. I grabbed my bag from under Imran’s fat ass (he was making out with some outright whore all over my precious belongings), stuck my finger in my coke pouch and rubbed my gums with the desperation of a crackwhore on Sunset Blvd. Realizing how useless that was, I then snuck an extra-large bump with the tip of my Big Apple Red pinkie nail. In thirty-five seconds the sounds were crystal clear and I was taller than everyone else, I heard a whole other tune in my head (I think it was I Want That Man) and Debbie Harry actually came round herself to tell me to just blow the dumb guy off and go dance with my friends. I may have been hallucinating from all that pre-dinner cough-medicine I gulped down on an empty stomach, but I didn’t much care, her hair looked amazing, she could so rock the twotone platinum, and I high-fived her and said bye and put my sunglasses on. The beautiful stranger gave me what you would call “a look” and shook his head in confusion. He then stepped away, distancing himself as much as it was physically possible around the crowded table, and I realized he was either unused to female hallucination or revolted with my open drug-flashing. Finally, he turned to Imran and said something, pointing at me with his gigantic thumb and making a spinning sign with his fingers; and despite the smoky darkness, I could clearly make out his lips saying, “She’s crazy”.



AHHHHHH! The shock and indignation! I shook my head violently, my hair flying everywhere, and I stomped my foot, thinking how all that couldn’t be happening. You don’t know how angry I can get when I’m high to the shoulders of my padded jacket (Darth Vader angry, let me tell you that) and this guy was just some lame athlete, an out-of-town nobody for all my intents and purposes, and he had the audacity to call me crazy! I was ready to punch him in the face and I probably should have done just that and called it a night, but the devil (or was it Debbie Harry) so conveniently seated on my left shoulder pad kept whispering to go on and have fun, and anyway, who am I kidding, it would have taken a toe truck to make me go home. In any case, I clicked the stacked heels of my Prada booties, looked him straight into that gorgeous face, licked my lips (oh please, I did many worse things) and turned away. Whatever must have been going on in my mushy brain, I had it figured out that I would be somehow showing them all. Plus, when I saw my Adonis stoop down to engaging himself in a tête-à-tête with one of the girls who actually worked in the club, I just had to do something to erase him from my sexual memory. In need for some immediate revenge, I turned my back to the Americano and started wagging my tail at his blond friend, who just happened to be sitting on my other side. The Friend was a producer in whatever they were filming and not a servant to my Adonis du jour; on the scale from useless to perfect he was only moderately hot, if observed through the thick bottom of the glass vodka-cranberry container. However, Dick, as his name turned out to be (haha-he-he, didn’t I just make you chuckle?) responded incredibly well to my swagger and that wretched night there was nothing I needed more then some out-right enthusiasm. Dick must have thought the gates of Heaven opened since I was paying attention to him; not that I really was, I just kind of kept my eyes half-closed and puckered my lips at the world and tossed my hair and legs everywhere and then Dick the Producer took over this instant courtship, obeying me like a good boy should. We talked a bit, although nothing was really said, he was so completely irrelevant, but he did have a beard, which was fun to look at, and his voice was that California soft, and so I let him touch me and tell me some naughty nonsense, although more nonsense was the last thing I needed on my mind. The touch of a random stranger is sometimes better than no touch at all, and by the time I finished another drink it didn’t really matter who the man performing all this touching was. Very quickly, I kissed Imran goodnight and slipped out of the club feigning a bad coke headache. But home is not where I intended to go. I met Dick by the back exit, where we hailed a black cab and once he grabbed my thigh, I was too far gone in my desire for anything to happen to be able to even contemplate what I was doing. In the middle of this highly unlikely back-seat clinch, I shook my head to forget what an absolutely terrible idea this was and shook out my phone’s battery so that Imran couldn’t check if I had arrived home safely; and within the hour we got hot and heavy on every flat surface of a certain Park Lane hotel. I will spare you the details of our intimate exchange, but it was a pretty juicy few hours, if you really want to know, especially given how little I liked him. In the morning, however – despite Dick’s highly virile qualities – I escaped as soon as he closed his eyes to blink, for somewhere between the 3rd and 4th time I went kapow, I realized that my Grudging Adonis of the Night Before was in the room next door. And as I closed Dick’s hotel room door, I remembered all over again how terribly I loved the other one whose name I didn’t even know, and it made me so tragically sad that I cried crocodile tears all through my ride home. I know, my darlings, a disaster at best. Talk about the year of hot mess. The following day passed in trying to forget, even though I felt no regret. No wait, that’s a lie. I guess I was like the groom who sleeps with the stripper on the night of his bachelor party and then loses his perfect, virginal bride. I had the sweet tiredness of a one-night-stand and the muscle ache and some bite marks to go with it, but instead of a saucy reminiscence, they were an eye-rolling reminder that I just slept with some douchebag I didn’t even like. Oh wait, and he just happened to be a friend of my newfound love! What would be hopeless to some, was – in the very few instances true love was in question – pure opportunity to me, and anyway, the crazy devil inside of me couldn’t ever let me rest. I managed to convince myself that last night had just been an initial glitch and that I was actually supposed to reunite and forever remain with the American Adonis. It was a certainty so strong I should have recognized it as madness, but instead, hungover like a teenager, I went over to Imran’s house and confessed everything, pleading for him to hand over the Americano’s number and Blackberry pin.


After several hours of my lovesick longing (and threatening to bang my head into his 3D TV) cousin Imran disclosed my Adonis’ real name as none other than Omar Jourdan and added, with a scornful unibrow frown, that I had made a fine mess of things by acting like a cuckoo cokehead. Apparently, this particular OJ always went on about how he hated drug-flashing party girls. I thought it was a terribly primitive thing to say, but I always forgave everything to the men I loved and so, armed with a long list of all his international digits, I returned to my temporary home in Mayfair, where I threw myself onto a mountain of pillows and masturbated to the thought of eloping to become Mrs Omar Jourdan and living in Dallas or wherever I could wear my hair big and buy silk shirts with poufy sleeves. I woke up in the middle of the night with a Godiva brownie melting in my hand, I and decided I needed to call him. Still high on hormones after the night of lust that had me crave Adonis and end up getting his busboy, I decided I could turn this situation around for the better, just as I managed to mess it up initially. What I felt in my head was a major case of love, and for the sake of my own happiness – if there ever was such a thing, I now rightfully wonder – I needed him to love me back. I would kick and scream, I would beg, I would plead, I would sell a painting and bribe that idiot Dick into silence, I just couldn’t live without my ivory soulmate! (That, and I needed to grab his ass. Literally. Stick my nails into the flesh of his athletic buttocks and love him forever and ever. I was prepared to walk over dead bodies for it. Really, the whole foot-crushing-skull, platform-stepping-onto-eyeball sort of thing. Good Lord, I must have had a hormonal imbalance!) And so I called him. After the initial surprise to have received a call from me (and yes, of course remembered who I was, he may have been a primitive jock but he wasn't an all-out idiot), Omar asked why I hadn't called Dick back (who, need I mention, rang, texted and emailed at least twenty thousand times since our brief intercourse festival) and I realized he knew all about my sexytime with his friend. (Duhhhh, you're thinking. I know. Sure he did.) Unfazed by this turn of events, I put my brain into evil genius mode and started coming up with an excuse (something along the lines of "I tripped and fell and landed on ---") when, in one of those spurs of confidence characteristic of musicians and lunatics, a light bulb lit up over my head and The Plan (later known as the Mimi Episode throughout the larger part of Occidental Europe), spilled out of my mouth oh-so-naturally. I told Omar reassuringly, that despite being the picture of doe-eyed sweetness, I had men issues (ha!) and that the poor guy was better off without me (no joke). Omar remarked he had expected as much, and that he was glad it wasn't him the praying mantis had eaten alive. In the end, he reminded me what an exquisite woman I surely was, when I wasn’t a terrible, intoxication-prone "party girl". I sighed the tragic ehhh of an antic character destined to live her character flaw in written script until the end of civilization, and said I wished he could meet my twin sister Mimi, since she was just like me, but a more serene, deeper version of this clubhopping glamazon. SERIOUSLY. He was intrigued, I could tell by the heavy breathing no telephony could hide, and I said Mimi just happened to be in town staying in our uncle's Mayfair flat, adding with a twinkle of faux malice that there was no chance in hell she’d set foot in a club with me or agree to have dinner with a random stranger on a random night. Mimi was, after all, a semi-recluse writer who was (I sighed for emphasis) as elusive as the wind. And boy oh boy, was Omar eager to meet her! I hung up and rubbed the palms of my hands together in this episode of certifiable triumph, and for the next two days, Omar called over and over again asking me to introduce him to my ethereally intellectual sister, which I categorically declined each and every time, saying (with more than a pinch of diffidence) it had been a stupid idea in the first place. Time and time again, I hung up the phone with a smile as big as the young moon. My nonexistent twin sister was playing hard to get. By Wednesday, Omar had called more times than I could count and I could no longer deal with the longing. I kept telling myself God had sent him to that club only to give me another chance at happiness and I was going to be damned if I let it slip by. I went to a hairdresser in Knightsbridge who curled my hair, twisted it in a bun and made me up in some Russian makeup so I looked more dreamy, and I wore a costume of a long wool skirt and a bunch of gold rings and a knitted Missoni jacket I got from Brown’s a hundred years ago. The result was Mimi, a heavy-lashed beauty with a husky voice, who moved like a cat and seemed to have Wicked Games playing as her theme song. And once she was readily assembled, Mimi picked up my phone and called Omar. (She was like that apparently, a no-nonsense girl.) Before you could say PATHOLOGICAL LIAR, the two of them were meeting for tea at the Dorchester and the elaborate psychotic performance really began. While I dressed for the occasion (a fringed Etro wrap seemed adequately complicated), I realized my hands were cramping up in a serious case of stage fright. However, all my worries were quickly gone when I gave in to romance at its finest; it was a gloomy Tuesday afternoon and seeing him walk through the door, all wide-eyed, chivalrous chocolate, I blushed like the frosting on a cupcake.



While my housekeeper sent him teasing messages posing as a very cheeky – and slightly jealous – me from my (real) phone, Mimi and Omar talked. And talked and talked and talked. They liked each other instantly, and more than they cared to admit. It was a terrible thing, having him look at me and knowing it was all going to end miserably sooner than later this time; but to Idiotic Me, accustomed to the taste of disaster in the aftermath of love, such was the nature of any romantic inclination. Omar’s voice sounded so much different than when he spoke to me; mine, too, was lower and softer and, this time, completely sober; what was strange is that we were both completely different people, even though I was the only one playing a role. It made me forever wonder if people are ever really anything, or is a person only that which it resonates with another one. In any case, it still surprises me an intelligent man could have bought the twin thing. Or does it? There was no “Wow you guys are identical” but maybe it’s only because we weren’t really. I knew my face so well I never needed a mirror to look at it; after years of practicing faces, I controlled the mimics of its muscles like a puppet master and so manipulating myself into a porcelain version of me came almost naturally. A twist of a muscle here and some lowered lashes there, a different pouting of the lips, and I was someone I could have been had I learned restraint and dedication. Almost too easily, I erased myself out of me, and in a moment of extreme mutual longing (I tried to muffle it by devouring a warm scone with Cornish clotted cream) as Omar’s hand tickled my fingertips and the two of us exchanged those wide, honest smiles, I thought for a second that it could actually work between us. I would just change my name, move to the States and be his own personal cheerleader forever. I don’t know if it’s the loneliness I feel in the aftermath of all that followed but it was a wonderful afternoon, and so were the days that came. We made the best of London’s weather by walking in the rain and laughing at raindrops falling into our kisses, squeezing next to one another in dry nooks when the rain got too much. I took him to random antique shops where we bought books that smelled of tea and mothballs, and I told him countless (invented) stories about artists that inspired my (imaginary) work. (I know, I should have thrown in a bit of the real me, but for some reason he seemed to really care about Toulouse-Lautrec.) Omar was about to leave in the week to come, his nonsensical reality show was taking him back to the road, and in a moment of wide-eyed silence over lunch in a Goan restaurant, he asked if he could come back to London, or to come to Paris, to see me. (See Mimi, I mean. But whatever.) Being a far more realistic girl than I ever was, Mimi smiled without a sigh, touched his face and said that no, she didn’t like sequels. There was another silent moment of tragic beauty, which Mimi (being the confident, in-control girl I never was) ended by saying she would like to go home. After that, being also very adamant when knew what she wanted (we had that one in common at least) Mimi got Omar naked with incredible ease and grace. Everything about him so gloriously perfect I prefer to keep the details to myself, but I will tell you the experience of our mutual nakedness was a feeling rivaled by none. We canoodled under my chinchilla cover (I just loved how the earthy colors of our skins contrasted the grey shades of the fur) and discussed philosophy, our failure to write poetry, his growing up with an ex Black Panther father, and my fictional life in Paris told through my real eyes. Like in a real relationship, we glorified our mutual nonsense and reassured our sweet delusions in between kisses. I let him talk and I listened, and my silence, the break of life’s lackluster hysteria felt good, it felt soothing, and let quite a lot of air into my lungs. Oh, my darlings, how it hurts to think of it now! How I messed it up with my emotional greed! Everything would have been good, I would have come out of it satisfied, even if it all ended in an emotional good-bye and left Omar forever thinking I was someone else… Even if we never got to marry in Texas and live happily ever after, an episode of happiness would have been a nice break from my tumbling real life. All this of course, had I not been insanely stupid and resorted to my old exhibitionist ways. The Saturday before Omar’s final departure came – frankly, catching me off-guard – and, to ward off that terrible sadness resulting only from the impeding end of summer loves and romances based on lies, the impatient devil in me started to wiggle. Not only was the disco-dancing sequence of my DNA feeling deprived of its God-given right to bump and grind to various electronic tunes, it was one of those times when I just couldn’t fight my overwhelming inner naughtiness; and even though I tried to make myself sit on my hands and stand still, I needed to get out of the house and show this man off. I wanted to maximize my Omar experience and try him out in everything, thinking in some crazy way that it would make Mimi&Omar real. Once I had finally decided in my crazy head to go ahead and do it – as undoubtedly destined for doom as the idea, obviously, was – manipulating Omar into taking me out was easy-peasy. The more I sneered at his suggestion to go somewhere, the more he insisted, and I ended up reluctantly agreeing to accept an invitation to the re-launch of a jungle-themed club in the East End. I knew for sure none of my friends would attend, they were all going to some semi-pornographic thing in Mayfair, and so I masqueraded myself into a very tall geisha and gave a nod of approval to Omar’s striped suit; and before any common sense could stop me, off we went to have fun, hand in hand like a real couple would.


No sooner did we walk through the door that I heard my real name being called by a throaty foreign voice. I pretended not to notice since it seemed Omar didn’t, and I almost succeeded in an attempt at faking an impromptu migraine, when I spotted the provenance of this indiscretion. Sent by some devil’s personal helper himself, a bunch of my Eurotrash friends sat a table right across the DJ booth, a typical champers-popping gang who had Lord-onlyknows-how ended up in that particular place, in the very direction Omar’s big footsteps were leading us to. Worst of all – my mind raced NOOOOOGODSAVEME – they were waving. My whole world, all insane hopes of happiness included, collapsed in front of my eyes like a hacked-in hard drive. Despite my attempts to stop them by waving my arms behind his back (how does one hand-signal “act like you don’t know me because I’m pretending to be my non-existent twin”?!) they shouted my name and cheered at Omar – cigars behind their ears, champagne bottles in hand – and as he swiftly progressed toward them, waving back deliriously, I realized there was no escape but a radical one. My fight-or-flight instinct took over, obviously leaning to the latter side, prompting my Mimi-clad self to make a beeline for the door, in the manner of a crazed celebutard running away from the paparazzi on her way out of her surgeon's practice. It was a monstrous, very poorly executed scene, arms flapping, twisted ankles, coins and lipstick flying out of my purse, bad angles for my little face and even an eyelash lost in the process. I literally dragged Omar (who had come running after me screaming bloody murder) into the first car that came by, attempting to make as little sense as I could in my hysterical screams, and immediately, a terrible fight broke out (much to the cab driver’s dismay) in which he accused me of treating him like a toy-boy and being a racist snob. Out of bloody nowhere, the whole “how could I have expected a white Euro chick to take me seriously” lamentation exploded into my face. God, it was just what I needed! A grown man projecting his crap on me in a cab at 1am after my carefully developed character had been compromised. And I was – at least, or what I was being accused of – completely bloody innocent. We sat in silence as the cab drove us back to West London, and suddenly, I found my self in one of those states of mind that overwhelm you with the desire to share – and usually, end up ruining your entire life. And so, it happened to me. I wish I had said nothing and just stuck it out until he left the following week, or invented a story about having spotted my sister’s evil ex lover whom I didn’t want to meet. Anything was better than what I was about to do. But it was probably getting to me, the ease with which I played this, the ease with which I accepted that he liked me for someone who I was not, the ease with which he bought this goddamn caricature of Simone de Beauvoir meets heiress girl, and all the sophisticated curse of my stupid fake life. Back in the flat, I desperately wanted him to hug me and for Mimi to be me, but he just sat frowning in my maternal great-grandfather’s armchair, his arms wrapped around his body like the Great Wall of China, and I realized it was one those things that would never happen. And so – in a moment of idiotic bravery – I cut it short. Instead of inventing any kind of monstrous lie and thereby saving any remnant of hope we may have had left – saying the party people had mistaken me for my crazy party girl twin and that these things always happened and that that was the reason why I despised clubbing – I came clean. I told him I was me and there was no Mimi other than me, and that the real me was the one from the first night. Everything else was smoke, mirrors and amazing facial musculature. I even showed him a few faces I could do for emphasis. The seven-foot, dark-skinned man went as pale as Casper. He spat out the water he was drinking, probably fearing for his life, and left my house in a fifty seconds, grabbing his phones and other mobile belongings and shooting me a disgusted stare as he slammed the door. I know, my dears, I should have known he was no gentleman. Oh, my darlings, I should also have never told the truth! What was I hoping for, that he would listen and find it sweet and insanely romantic and adorable and tell me I was so brave to tackle my messed up life like that, and that he’d carry me off into the sunset where we’d eat gummy bear vampire teeth forever? Such ridiculous fiction, no one was like that, no one liked anyone else’s dark and insecure junk, and it was easy to have the love of your life while you pretended to be a perfectly functioning, fabulous someone. Once you reverted to your messed up you, all affection just crumbled to nothingness. Thinking back, I should have just told him he was an idiot for believing me in the first place, and then probably just chopped him into pieces and kept him in my closet. Pickled like a cucumber. At least he would have been mine all this time, waiting for me in the pantry until I woke up from my coma. In any case, the following week an interview with him came out in one of those weekly magazines as a promo for his reality show and he told the story of this insane socialite who had done you-know-what and this-and-that and don’t ever be like that girls, because bad girls are icky poo, and there was a chummy photo of him and Dick the Producer playing around in some male-bonding ritual; and even though he didn’t use my name and said I was British, some tabloids and gossip sites picked up on it and there you have it – I’m a certified googleable binge-drinking drug-using pathologically-lying nympho. And when he was in London a month or so later, he called me up, I never answered of course, and that made my stomach churn, that was something just totally beyond my comprehension.







Tribu talks to Daniel Hopewell, guitarist and songwriter of The Crookes, about the nuances between poetry and lyricism. How do you know when a poem becomes a song? I want the words to work as a song before they work as a poem. They are always written with the intention of being listened to and not read and so the most important thing is that they work in a musical sense. My favourite lyricists are the ones who offer something deeper for the few (and I think it is relatively few) who want to invest more in the song. You can have a great song and a great melody but without some deeper lyrical content the listener can only ever enjoy the song on a superficial level. Do you feel there is any real difference, aside from the obvious musical element, between lyricism and poetry? I think good poetry should be musical anyway - you consider the same elements: metre, beats, assonance and even the way you breathe when writing both. I think the main difference is that poetry is far more vulnerable; there's no musical tone to harmonise with the tone of the words. How did you get into writing, what does it mean to you? I can't remember; I've always written. I have hundreds upon hundreds of notebooks that document everything I've ever seen/heard/experienced. I suffer from a monomaniacal need to capture the world around me. What is your process when it comes to song writing/do you ever feel you lose the integrity of a poem when it becomes a song? It depends really. Sometimes the melody comes first and that naturally informs the lyrical content; certain chord progressions evoke tones that are inherently minor, major, fucked up, sexual - whatever. But in the album we're currently writing I've started by writing the lyrics first and it's the first time we've ever done it this way. It's quite liberating because there are no syllabic or structural constraints which means I can write whatever the hell I like. It's already yielded far better results than anything we've done before because rather than having to compromise lyrical content and melody, the natural tone of the words can be more easily matched by writing music specifically for them. How has being in a band and having other people - the lead singer, the fans, the critics - singing your lyrics changed your poetry, if at all? Do you feel you've developed a specific style in order to accommodate for this? Yes, it's changed my style a lot. We've always said it's like writing a screenplay designed to be acted out, so rather than writing songs that are specific to me I write with certain characters in mind. It is again quite liberating and less selfindulgent than I'd perhaps have the temptation to be if I were the singer. I think it's important that whoever listens to the song can interpret the words in their own way and make sense of them, even if my initial intention has been lost. Once I put a song out there it no longer belongs to me, but to the listener.

Words by ALICE BRACE | Images credit to Russell Bates Š





I cannot walk through this city but for the ghosts that bleed in my steps. As I come down from the steep hills of Clifton, there's the ivy-strewn lamppost under which Doug and Dan sit sharing a spliff because they have double maths next and it helps with the algebra. 'What kind of animal would you be?' asks Dan, in his blue beanie, and Doug's dragging as he ponders the answer. I giggle to myself and a woman with her dog looks up at me sharply. Late at night we still sleep in that multi-storey carpark there opposite the school, my friends and I huddled up to the vending machines for warmth, because we'd got drunk all night and the last buses had gone and we couldn't get in the clubs and we had no money for a taxi. That vending machine's no longer there, though the carpark is as dirty. And as I walk further there's the strange secluded red-brick stairwell where Soph Fowler accuses me of not really inhaling in front of the unrequited love of my life, and I feel like kicking her in the teeth, but I can't because the unrequited love of my life is there and that woudn't make a good impression so I just have to inhale really hard on the spliff to prove her wrong. Five minutes later I realise she's right, I haven't been inhaling properly. Woah. At the Triangle I pause for the traffic and Tommy D appears at my side grinning his silly grin and saying 'come on mate, let's go get fucked!' and I'm like 'yeah, let's go get fucked!' and now I'm walking past Hunger Hutch where invariably we'd end up 'cause we'd get so fucked we'd be in dire need of cheesy chips. Cabot Tower winks its sparkling lights gem-like far up in the park behind the buildings to my right and for an instance I'm standing at its top once more in the broad summer sun kissing another's hesitant, faltering lips. And then I'm there again on a day of great sadness for me, light greyer in the sky, as a different pair of lips meet mine. Berkeley Crescent's up that road, where Naila and I are sitting on the stone steps drinking a bottle of red on Carnival afternoon whose cork we've had to shove in with a pen-knife because neither of us had an opener. Ghizzie, who I don't like because she thinks she's cool, rings Naila and so I say loudly 'Ghizzie's a chunky monkey!' and Ghizzie says, because she thinks she's cool, 'oh Funky Monkey? Yeah, he's a really cool DJ'. Ah, The Berkeley. The pub we all hated, but we all end up at, and Hazel's the female bouncer who's fine with us underage boys but always ID's the girls so she ends up hated by both camps, until Jess managed to make friends with her by telling her 'I really love your hair' and we elevated Jess to a pedestal ever since. We're sharing a cigar there one Christmas Eve because we're so broke we can't afford a pack of fags between us. I look in as I pass, but the faces have changed. Char's still sitting in Caffe Nero at the top of Park Street, doling out rollies and advice like a queenly matriach, and we sneak in there after school and wonder how long we can sit there without buying anything, and talk loudly about 'drugs!' and 'sex!' because we're young and shocking and don't yet know how jaded feels. Or how annoying it is for other people to hear. Doug's suddenly outside Nero, there's a gang of us on the corner, sixteen and wondering where best to get served, and Georgie comes up to join us all-dolled-up and Doug is stoned and tells her 'you look like a hooker' but he means it as a joke, it looks like she's getting picked up by a group of boys, but Georgie doesn't see it this way and gets well upset. Later Luke tells her at a party that she doesn't look like a hooker and for his reward gets a kiss and a fumble. They flit into the wind as I cross the road onto Park Row and coming up to – coming up to The Prince of Thieves itself! The Prince of Thieves, the first bestial, smoky, beer-sodden pub to welcome us into its wonky drunken embrace, where the lights are always warm and Sweet Home Alabalma plays on the rundown jukebox and rudeboys abuse slot machines and Debbie the vampish landlady leers at you for a kiss with your pint and your cherry shooter and the toilets are filthier than the ones in Trainspotting but someone has still written an Oscar Wilde quote on the cubicle door 'we are all in the gutter but some of us are looking up at the stars' and we take it in turns to look after Becky, Debbie's crazy ten-year-old rollerskating wild child who rescues pigeons with broken wings until the cat eats them, and where we all laugh and smoke and drink and kiss and miss one another like mad even when we're sitting together on those sofas with the dodgy springs and I turn the corner – and it's Lollipop Karaoke now.

Words by PAT CASH ©


Yet still in there somewhere, as I walk past, I can make out Lisa and Steph in suspenders and lace knickers doing tequila shots before the Rocky Horror Picture Show and, as I walk further down the street, at least the White Harte still stands, the student pub where I'm snorting Ketamine off the corner of Kay's card in the toilet and get chucked out shortly afterwards for swimming on the floor. Level's been turned into new trendy flats. Somewhere in time I'm still standing smoking outside as Kay leans in and gently kisses me on the cheek, that gesture containing his fierceness and kindness, and I'm still on that dance floor coming up off my first E and I'm still kissing people I shouldn't be and I'm still sitting locked in toilet cubicles smoking and confessing the world in self-righteous verisimilitude to one another and Danny Pills is taking me by the hand to the bar for some water, Danny Pills with the mohican and the hearing aids 'because he was cursed at birth, he's not staying in this world at nights no more'. Mr Brightside's still being played and it's way back when people didn't hate The Killers so the crowd roars with euphoria and I and my friends join in and join hands together and shriek and leap for joy. Finally I'm at the bus station, my bag's weight a bit sore by now. I feel as if I might be overwhelmed by these memories, but one more sidles into my brain 'cause up there to the left is St Pauls where Lauren and I walk to the Carnival on one hot heady summer's night hand-in-hand and we meet Old Nick who is radiantly golden in the twilight and who we only thought was old because we were seventeen and he was twenty-three. Now I'm twenty-five and I know you weren't old at all, Nicky boy, and I remember when you read me your agent's audition speech, it's still in my mind 'cause you're still reading it now, and I never told you I thought it was fucking awe-inspiring and I board the bus, a hot shower suddenly runs cold, all those ghosts peered back upon by eyelids that get more and more blurred as the hours thin. Old Nick, I hear you ain't so radiant no more and you gave up acting long ago, but hey none of us are getting any younger. Kay, who was fierce and kind and famous, jumped off the Suspension Bridge a year or two ago. And Doug died back when we were seventeen. I remembered because I only came back here now as my Dad died and when we buried him Doug's grave was not far behind. Somewhere in time I'm still in the theatre that day when Luke's father came to tell us the news, and I'm still crying in the disabled toilet. The bus pulls out. I miss you Dad, I miss you life. But our ghosts still dream and live and dance and shine. I still live, I still dance sometimes, but elsewhere now and with less intense belief; you can't lie with your ghosts for too long. God, I feel as we rumble through the streets, god I fucking loved this city, it had my heart. And I look over and that's when I see him out the window so hard and silver with his cigarette and a wink, an adolescent on the verge of man, and I smile as we leave. It's your city now.








Le nu est un genre artistique qui consiste en la représentation du corps humain dans un état de nudité, dans tout état qui fasse allusion à sa possible nudité, même si celleci n'est pas exactement représentée. La représentation de corps nu est fréquente dans le monde de l'art Si les représentations de nus sont entrées dans les standards de l'imagerie collective, de nouvelles voies n'ont cessé d'être explorées, notamment, l'art corporel ou « body art » qui a donné, à travers des performances, des représentations parfois crues du corps,est devenu un thème majeur de réflexion. Suite aux premières performances ou happenings du Black Mountaing College aux États-Unis, la mise en scène du corps "le plus souvent, celui de l'artiste lui-même" est devenu un nouveau médium de représentation du corps. En France, c'est notamment avec Michel Journiac, dans les années 1970, que l'art corporel, où figurent très souvent des corps nus, émerge. Les automutilations de Gina Pane, quant à elles, ont souvent suscité des réactions négatives de la part du public. Plus récemment, Ana Mendieta, explorant les rites Yoruba de sa culture cubaine d'origine, entre nue dans un cratère, dans un mouvement d'appel à son corps embryonnaire. Les performances d'Yves Klein où le corps de jeunes filles enduit de peinture bleue laisse son empreinte sur des toiles, sont également restées célèbres. À son origine, la photographie de nu a été utilisée par des artistes comme nouveau moyen d'étudier un modèle. Bien que liée depuis ses débuts à l'érotisme et représentant surtout des femmes, la photographie de nu ne se limite pas à cette image. Vers le milieu du XXe siècle, des magazines mélangent les genres artistiques et érotiques pour contourner l'action de la censure encore très présente à l'époque, présentant au grand public comme artistiques des photos proches de l'érotique. Ainsi David Hamilton est connu pour ses photos pas trop nettes de corps nus féminins en éclairage doux. Le développement de l'industrie pornographique a aussi inspiré des artistes. C'est le cas de Jeff Koons qui réalisera plusieurs œuvres de sa série « Made in Heaven » le représentan luit avec sa compagne de l'époque la Cicciolina dans des scènes sexuelles. L'Américain Spencer Tunick pris quant à lui le parti de photographier des masses de corps nus, mettant en scène de façon spectaculaire des groupes de plusieurs milliers de personnes nues, volontaires, dans des endroits publics Enfin, le nu est aussi fréquemment utilisé lors de campagnes publicitaires pour des produits en lien avec la nudité  telles que les campagnes « Leçons de séduction » pour la marque de lingerie Aubade, mais également pour des produits parfois plus éloignés comme les campagnes du parfum « Tom Ford for Men » de Tom Ford. Elles sont donc très souvent basées sur l'aspect vaguement transgresseur et provocateur du nu afin d'aguicher le consommateur. Vous l'aurez-donc compris, le « NU » est à l'honneur de ce 2eme numéro, Un "NU" beau, choquant ou attendrissant un nu qui ne vous laisse pas indifférent tout simplement! MMK Fondatrice & Redactrice en Chef


BANDIAN "Portrait of an Artist" / 24 Bandian est un artiste basé à Paris, âgé de 22 ans, dont le travail mêle la photographie et les films sociaux, avec des installations dans la sphère publique. Il a obtenu un diplôme en Sciences Politiques et se concentre désormais entièrement sur ses projets artistiques. Adolescent, Il a commencé comme artiste graffeur, ce qui fût ses premiers pas dans le domaine de l'art urbain. Par la suite, il a commencé à utiliser un appareil photo comme outil pour documenter les graffitis mais il a renoncé à ça afin de se concentrer sur la photographie uniquement. Grâce à ce support, il a d'abord pour objectif de devenir un reporter de guerre. Lorsqu’il travaille sur ses projets, il réalisa qu'il était plus intéressé par les communautés plutôt que par l'aspect médiatique et a développé ses compétences artistiques. Ses projets ont impliqué les communautés telles que les peaux rouges et les gitans avec toujours l'objectif de devenir un insider. Il soulève donc des questions sur l'identité, les stéréotypes et les représentations morales ainsi que la représentation dans les médias grâce à son travail. Son art résulte de ce qu'il qualifie de « sociologie visuelle ». La technique de Bandian implique un processus unique, utilisant des centaines de photos en format 10x15 pour créer des collages urbains, où les photographies originales se transforment en grandes mosaïques de papier. Cette méthode est une référence directe à son choix d'utiliser la photo argentique. Il a commencé à utiliser cette technique pour son premier projet intitulé « TIMOTHEE » en 2010. Ce dernier met en scène un sans-abri guinéen âgé de 53 ans. On retrouve cet homme à Marseille dans sa vie quotidienne où la ville devient une immense maison et que chaque rue est une pièce. Pour son projet actuel « Main-d'œuvre », il a collé 15'000 photographies sur les murs pour former l'installation éphémère, sans autorisation. Le point de départ de « Main-d'œuvre » départ est la marche de beurs, comme surnommé par la presse française , une marche pour l'égalité et contre le racisme qui a eu lieu en 1983 à Minguettes , dans la banlieue de Lyon , après de violents affrontements entre la police et des jeunes. Trente ans plus tard, le projet de Bandian « MAIN - D'ŒUVRE », a lieu dans la même zone. Pour ce projet, six participants ont été choisis au hasard dans le quartier. Ils ont été interrogés et ils ont dû choisir un objet symbolique. Ce collage urbain fait de photographies en noir et blanc met en images des mains tenant ce fameux objet personnel. Avec cette action urbaine, Bandian fait une série de six mini-films qui dépeignent chacun les histoires des participants. À travers les films, nous découvrons les visages des personnes à qui appartiennent les mains ainsi qu’une explication de leur choix d’objet. « MAIN-D'ŒUVRE » a pour but de questionner et de comprendre l'identité de banlieue, sans clichés et de comprendre pourquoi les habitants des banlieues semblent toujours être des outsiders aujourd'hui. Ce projet a été sélectionné pour la Biennale d'Art Contemporain ( Résonance ) à Lyon , la première exposition de Bandian. Pour ce contexte spécifique, une immense installation a eu lieu dans les Minguettes, à découvrir jusqu'au mois de Janvier 2014. La démarche artistique de Bandian est en pleine évolution vers l'art public plus que l'art urbain. Il a tendance à travailler sur des projets qui nécessitent un travail d'équipe, mais il y a un fil conducteur dans son art, il cherche toujours à éveiller l'attention et la sensibilité à transformer les mentalités et à défier la conscience . Biennale d’Art Contemporain (Résonance), Lyon, jusqu’au 5 janvier 2014.

MISO HOMEMADE TATOOS / 30 Les amis et les amis des amis de Stanislava Pinchuk (son nom d'artiste est Miso) peuvent être identifiés dans tout Melbourne par leurs tatouages à la fois délicats et distingués. Chacun d'entre eux porte un motif unique d'inspiration géométrique, spatiale ou naturelle, et n'est pas donné mais échangé. Tandis que Karlee échangeait ses services de couture contre un tatouage représentant une fleur sauvage aux spores galactiques, Noah a échangé un dîner contre le tatouage d'une éclipse solaire. Des plantes de maison aux dessins, pour aider à établir une installation, Miso accepterait la plupart des offres en échange de tatouages artisanaux. Utilisant la méthode classique du bâtonnet et de l'aiguille, plutôt que le pistolet de tatouage, les fins dessins de Miso requièrent patience et habilité. Chaque trait est si fin qu'il est difficile d'imaginer que ces points d'encre sont permanents, ce que défie cependant leur présence arrogante et audacieuse. En utilisant uniquement de l'encre noire et des formes basiques, l'association entre la simplicité et le désign consciencieux permet d'identifier chaque tatouage comme un symbole de grand sérieux personnel de celui qui le porte. Le besoin et l'enthousiasme face à la permanence de chacun de ces motifs confère une énorme spéculation quant à la signification personnelle qui se cache derrière chacun d'entre eux. Certains ont une explication, quoique qu'en seulement une ligne, "carte d'un feux d'artifice explosant, marquant le nord, Berlin, Vancouver et Melbourne par ses rayons; frère et sœur avant de se séparer à nouveau", tandis que d'autres semblent posséder un sens particulièrement intime transmis à lui seul par le sujet: "Loup avec une ville sur son dos". Originaire d'Ukraine, Miso vit désormais en Australie où, outre son projet actuel de tatouage artisanaux, elle travaille également comme artiste et illustratrice. Marquée par l'influence tangible de ses origines et racines à travers son street art, et conservant un intérêt permanent pour la nature à travers ses projets de beaux-arts, dont une feuille de papier de 1,1 x 1,53m, sur laquelle la lune est entièrement dessinée à l'aide de piqûres d'épingle, on doit dire que, de toutes ses œuvres, les tatouages artisanaux de Miso sont, de loin, les plus romantiques.


tra -duction KARINE BAUZIN / 34 Karine Bauzin est née en 1973. Cette photographe a suivi une formation aux Beaux-Arts de Genève. C’est à l’âge de 20 ans que son destin est bouleversé par un terrible événement qui fera changer le cours de sa vie. Elle est en effet victime d’un accident cérébral plus particulièrement une rupture d’anévrisme. A cette époque, elle était destinée à un métier de traductrice et d’interprète. Du jour au lendemain, elle se retrouve aphasique, ce qui impliqua chez elle de gros troubles de la parole. Elle a donc été amenée à développer une manière différente de s’exprimer. C’est dans son malheur, comme elle le dit si bien, qu’elle a eu la chance de découvrir son métier actuel. Katrine Bauzin découvre alors l’univers de la photographie. Photographe de presse, depuis plusieurs années elle collabore avec divers magazines suisses et internationaux. Elle a également publié deux ouvrages en 1999 et 2003. « Un jour, tout bascule... », avec Thierry Ott , ex-journaliste lui aussi lésé à la suite d’une tumeur au cerveau ainsi que « » avec Marie-Claire Lescaze. Le travail de Karine Bauzin est atypique. Des reportages, des mandats pub et horlogers mais aussi un travail insolite, révélant un regard sensible, étonnant et généralement plein d’humour. Son projet photographique «Sans tourner en rond» met en scène un univers urbain avec d’atypiques formats ronds. Son univers mélange patriotisme – avec des références à quelques icônes comme le couteau suisse et la plaquette de chocolat au lait –, pop et voyages, le tout dans des couleurs éclatantes. Les photos rondes sont le fruit d’un montage très personnel, intégrant notamment des éléments qu’elle a puisé dans ses reportages. Artiste aux intérêts multiples, elle évolue dans des univers différents. En effet, pour « Sans tourner en rond », elle présente un univers plutôt décoratif qui s’adresse à un large public ce qui diffère totalement de ses projets personnels. En effet, son travail personnel, plus intimiste se compose de story board tel un scénario de road movie avec le décalage et l’absurdité qui s’enchaînent tout au long des images. Les sujets sont souvent décalés, parfois absurdes, mais à travers lesquels elle cherche à provoquer le spectateur. Avec ses Story boards, elle construit une histoire à la façon d’un roman photo. Les sujets abordés interpellent chacun dans son quotidien: la folie, le suicide, la violence, l’alcoolisme, l’embourgeoisement. Elle n’improvise pas. Les décors, les personnages évoluent au fil de cette histoire. Elle instrumentalise chaque acteur dans une mise en scène théatrale. La sincérité des projets rend une cohérence poignante. Laissant ainsi le spectateur se faire lui même son idée et ne l’incitant à observer que ce qu’il a envie ou supporte de voir. Inspirée par le quotidien, sublimant ses défauts et handicaps, Karine Bauzin transpose son travail actuel dans un univers très hétéroclite mettant ainsi le spectateur face à sa réalité. La photographe nous livre, appareil au poing, un poème photographique portée par une énergie émotionnelle rare. Dans une constante recherche de format et de support, chaque sujet est rendu dans une expression personnelle et attractive. Une trajectoire pudique et féérique en forme d’arc vers une ironie stupéfiante et souvent dissidente. A travers cette diversité de genres photographiques, Karine Bauzin partage son art et sa créativité.

MANA MORIMOTO / 40 Après avoir vécu dans la dynamique ville de Portland, dans l'Oregon, Mana Morimoto s'est mise à la broderie pour s'occuper à son retour au Japon l'année dernière. Depuis lors, Morimoto s'est déjà fait un nom parmi le collectif émergent connu sous le nom de Artistes de la fibre qui axent leur travail sur la couture, le tissage et le tricot dans le but de créer une nouvelle sorte de tapisseries modernes. Bien qu'elle n'ai jamais reçu de formation officielle, Morimoto style auto possède un style autodidacte, facilement reconnaissable grâce à ses couleurs et à sa culture pop. L'influence tangible des tendances de la mode actuelle, dont les imprimés Aztec et géométrique, ainsi que des allusions à la culture des années 1960 et 1980, tissent son œuvre, qui comprend de singulières pièces d'étoffes tissées, des images originelles et d'occasion embellies, et même de petites pochettes de maquillage et des sacs. Avec une palette éclectique de pastels et un mélange de couleurs métalliques, auxquelles s'ajoutent parfois un fin fil de néon pour faire bonne mesure, l'artiste qui débute, basée à Tokyo, joue avec les références culturelles - du Mont Rushmore au groupe de rap Pharcyde – en superposant les couches à l'aide de garnitures effrontées, mettant largement l'accent sur des faisceaux de style science fiction venant des yeux. Morimoto n'est pas intéressée par n'importe quelle broderie. Elle a le souci de l'imagerie à effet rétro et brut, notamment les arts japonais vintage et les magazines d'artisanat, les tickets de transport usagés et les photographies trouvées, principalement en noir et blanc. La combinaison non seulement d'anciennes photos de classe, mais la pratique elle-même, avec des couleurs et des motifs contemporains, créé une niche dans le monde de l'art, et insuffle une nouvelle vie dans une technique artisanale autrement démodée.


ROXANE SCHNEIDER "la Femme à Chat" / 46 Roxane Schneider est une jeune femme de 26 ans originaire de Suisse. Elle a étudié à la HEAD, la prestigieuse école d’art et de design à Genève et vient de terminer un master en Direction Photographique à l’école d'art, ECAL, à Lausanne. Depuis sa plus jeune enfance, elle a grandi entourée par des gens en relation avec l'univers artistique : photographie, graphisme et peinture. Elle a toujours été sensible aux images, et à l’influence que ces dernières peuvent avoir sur nous. C’est lorsqu’elle était à la HEAD qu’elle s'est rendue compte qu'elle voulait exprimer sa créativité par le biais de la photographie. Roxane met toujours en doute sa relation avec le monde et les autres. Pendant quelques années, ce qui l'a inspiré est particulièrement le sujet de l’intimité. L'expression et la beauté d'un corps, sa nudité, sa sensualité et son érotisme. Son but est de tenter de l'exprimer à travers les yeux et la sensibilité d'une photographe femme. Dans son travail photographique ce qui est très important, c’est la relation qui est établie entre le modèle et elle-même. Elle veut que tout le monde sente la complicité qu'il y a entre eux, pas l’intimité en elle-même, mais leur une intimité commune et partagée. Un échange et un jeu s'installent, avec des connotations différentes : amicales, sensuelles, risibles et érotiques. On peut toujours sentir une certaine ambiguïté dans la relation qu'elle a avec ses modèles qui sont généralement des gens proches avec qui elle est étroitement liée.

SILVIA GRAV / 64 Si la vie se déroulait toujours comme nous l'avions prévue, ressentirions-nous autant de plaisir? Toutes les belles choses rayonneraient-elles avec autant d'intensité sans le prisme de la douleur à travers lequel nous regardons si souvent? Derrière toutes les belles choses réside la douleur de savoir que parfois la vie était absente ou qu'elle nous a trahi sans crier garde. Lorsque la souffrance envahit une vision magnifique, il émane un inconfort qui déchire le spectateur, entre admiration consciente et obsession inconsciente. Silvia Grav nous invite dans la profondeur de son intimité, dans la douleur qui fend l'âme. Cette série de photographies trouve son propre conflit entre la Photographie et l'Art. Cependant, on peut être d'accord qu'elle illustre un équilibre parfait entre le rêve et la réalité. Silvia Grav est une photographe de 19 ans qui est née et vit en Espagne. Elle a fait ses débuts en tant qu'artiste par le dessin, avant de prendre conscience du fait que son attirance pour la création pourrait devenir une vocation. Dans une situation financière difficile, elle a voulu travailler avec l'appareil-photo qu'elle utilisait depuis quatre ans afin de gagner sa vie. Son talent s'est développé en une technique qui a suscité beaucoup d'intérêt et d'appréciation parmi ses contacts proches. Bientôt, ses photographies ont été partagées sur Internet, tandis que les galeries et d'autres artistes cherchaient à collaborer avec elle. De manière indissociable, elle travaille pour vivre et vit pour le travail - la photographie est pour elle à la fois un travail, un passetemps et une passion. Il y a quelque chose d'indéniablement cinématographique dans l'œuvre de Silvia Grav, qui trouve en réalité son atmosphère dans tous les films qu'elle dévore interminablement pendant des heures. Elle détaille tout de manière obsessive et écrit tout ce qui lui vient à l'esprit. Dans son processus créatif, l'accumulation d'images et de textures recherchées sur Internet ou produites par son appareil-photo constitue une bibliothèque de visuels qui satisfont son désir de représenter l'expérience complète du septième art: la vue, le son et le rythme. A l'image d'un collectionneur flirtant avec le syndrome de Diogène, cette accumulation lui offre un plaisir éphémère jusqu'à ce que la souffrance n'assombrisse de nouveau sa vie. C'est alors qu'apparaissent ses meilleures créations. La technique à l'origine de ces images s'inspire de la photographie traditionnelle analogue qui, selon elle, possède bien plus de profondeur et de sentiments. De petites particules recouvrent de points les zones grises, vieillissant les photos et les faisant ressembler à des souvenirs enfouis depuis longtemps sous une couche de poussière, réagissant au temps et à la lumière. Le chevauchement des éléments sans limite nette d'espace ou de lumière offre des visions surréalistes: de rêves, d'espoirs ou de peurs. Ses propres émotions sont transmises par le biais de ces prises de vues uniques, qui témoignent d'un regard intime sur la douleur, le bonheur et la fuite. Silvia Grav cherche à partager la compassion et la compréhension avec ceux qui reconnaitront leur propre douleur dans ses photographies. Malgré son jeune âge, Silvia Grav fait preuve d'une grande maturité dans son œuvre et ses créations finales. Elle a perfectionné son style et désormais, diverses manières d'appliquer sa photographie s'offrent à elle, l'invitant de collaborer dans le cadre de projets tels des projections musicales et visuelles. Ceci pourrait-il ouvrir une vision entièrement nouvelle d'images fixes face à la cinématographie?


tra -duction LIQUID VISION / 72 L'eau est l'un des quatre éléments de la Terre mère et la principale source de vie dans notre planète unique. Elle est si essentielle qu'aucune vie n'est possible sans elle. C'est un élément naturel et disponible à travers notre planète. Elle est cependant devenue aujourd'hui une denrée si précieuse qu'on l'appelle "l'or blanc". Ces photographies de Cristel et Mwana constituent un véritable témoignage de la manière dont l'eau peut amplifier à l'infini les merveilles de la nature. Les formes et les couleurs des roches, des feuilles et du ciel se transforment en visions psychédéliques béates, stimulant le cerveau qui se met à rêver et à s'évader. Cette macro technique permet à l'œil de plonger dans une toile abstraite de textures et de formes uniques, et montre comment la nature contient tous les éléments de beauté que nous tentons de reproduire dans le monde humain. Ainsi, ces photographies jouent un rôle important en ce sens qu'elles illustrent à quel point l'eau est indispensable pour notre monde, car elle est l'origine de tout être vivant. Suite à l'assèchement des fleuves principaux, l'eau devient de plus en plus rare partout dans le monde. Ceci est dû aux changements environnementaux naturels, aux sécheresses provoquées par la déforestation, aux exigences consécutives à l'accroissement massif de la population, et aux agriculteurs qui pompent de grandes quantités d'eau pour faire pousser leurs cultures plus rapidement et en obtenir de plus gros volumes, face aux exigences globales internationales d'aliments à l'apparence parfaite. Les pesticides et les engrais artificiels empoisonnent également les bassins hydrologiques et les rivières. Sur le continent africain comme sur d'autres, les natifs et la faune en sont souvent réduits à survivre avec un filet d'eau potable et pour les besoins d'assainissement, et, en cas de gestion et de contrôle incorrects, même ces sources restantes d'eau potable seront bientôt indisponibles. Au cours des 16 dernières années, alors qu'elles vivaient dans l'une des dernières zones de nature vierge d'Afrique du Sud - la Réserve de biosphère Kruger - Canyons - Cristel et Mwana se sont profondément inspirées, à la fois spirituellement et artistiquement, des eaux préservées des rivières locales de cette exquise région sauvage d'Afrique, et ont collecté des centaines d'images à l'aide de leur appareil- photo. Au début de cette année, grâce à l'enthousiasme et à la contribution artistique des propriétaires d'une galerie d'art, elles décidèrent de mettre sur pied une exposition photographique d'avant-garde, avec certaines de leurs images uniques, macro et à télé objectif, de l'eau. Cet évènement, intitulé "Visions liquides", fut un succès sous tous les aspects - du point de vue des ventes mais surtout parce qu'il a suscité l'intérêt de personnes de tous âges, provenant de divers horizons, dont l'art, la photographie, l'eau et l'environnement. Cristel a vécu la moitié de sa vie en Afrique, consciente de la valeur et de la nécessité de l'eau, et l'autre moitié en Suisse, où les sources d'eau pures des Alpes sont privatisées et embouteillées; un verre d'eau est vendu plus cher qu'un verre de vin. Mwana a travaillé pendant plus de trente ans dans les montagnes du Lesotho en Afrique du Sud en tant que technicienne rurale des eaux, avec ses collègues et étudiants africains. Les équipes ont bloqué de nombreuses sources d'eau situées en haut des montagnes, les ont contrôlées et ont fait descendre le précieux liquide en bas, vers la communauté villageoise à l'aide de canalisations - pour la consommation quotidienne d'eau potable, la cuisine et les besoins sanitaires - un véritable miracle de la technologie lentement mis au point et partagé. Ces expériences ont complètement changé leurs vies, en leur faisant réaliser à quel point l'eau potable apportait la santé, l'hygiène et l'irrigation directement à la population des petites fermes de subsistance. Elles leur ont par ailleurs apporté tant d'énergie positive! Cette collection artistique réalisée en combinant les yeux observateurs de deux amies de la nature hésite entre l'art et la photographie. C'est au spectateur de définir seul la nature de cet art.

CHRISTOPHER JOANSSEN DEVOUR / 80 En préface de sa collection de photographies conceptuelles intitulée “Dévorer”, Christopher Jonassen ne fournit pratiquement aucune explication autre que la définition du terme "dévorer" donnée par le dictionnaire, ainsi qu'une citation de Jean-Paul Sartre:"manger est s'approprier par la destruction". Comme description verbale de cette collection, elle laisse peut-être trop à l'imagination, tandis qu'en compliment de l'œuvre elle-même, elle ouvre tout un nœud d'idées. Les images-mêmes sont anonymes et de haute qualité. Les sphères parfaites photographiées sur un fond noir ou gris suggèrent d'impressionnantes images de haute résolution des planètes observées au télescope, et l'on en vient alors à se poser la question, de quelles planètes s'agit-il? Tandis que les textures et les palettes possèdent des éléments du système solaire que nous connaissons, un œil aguerri contestera définitivement cette notion. Dans les interviews on apprend que ce n'est qu'après quelques recherches qu'il s'agit en fait de plaques d'appareils de cuisine usagés, et cette révélation permet de mieux saisir le concept. Jonassen utilise une association d'imagerie et de texte pour sensibiliser le public à l'impact, à grande échelle, de petites actions quotidiennes. Dans un communiqué, l'artiste évoque les préoccupations émanant de la manière dont nous traitons notre planète, et la manière dont ceci est reflété dans le titre de cette création. Cependant, même Jonassen lui-même, initialement mu par la compassion face à la répétitivité des actions mondaines habituelles, n'a pas pris conscience de ce concept avant d'avoir photographié plusieurs poêles. Il affirme combien il est “important de saisir la beauté dans les petites choses qui nous entourent quotidiennement". Que ce soit par coïncidence ou de manière inconsciente, comme les planètes, nous en sommes encore au stade de l'apprentissage et devons encore perfectionner nos formules. Jonassen a découvert un message important à l'intérieur d'un message important, à l'intérieur d'un magnifique concept. TRIBU MAGAZINE - 379

LONDON ART FAIR / 84 Après avoir célébré son 25e anniversaire l'an passé avec le plus grand évènement d'art britannique moderne et contemporain à ce jour, la London Art Fair est de retour avec sa manifestation annuelle en janvier prochain, qui doit accueillir plus de 100 galeries de tout le Royaume-Uni. Au Business and Design Centre d'Islington seront exposées toutes sortes d'œuvres d'art - des peintures à la sculpture, en passant par la photographie et l'art cinétique - disponibles à la vente et la consultation par le grand public. Les frais d'entrée vont de 13 £, pour un billet acheté à l'avance, à 17£, pour un billet acheté à l'entrée. L'exposition se tiendra du 15 au 19 janvier 2014, avec une avant-première destinée aux VIP le 14 janvier, au prix de 25 £ disponible uniquement à l'avance. Au fil des années, la London Art Fair a bénéficié d'une popularité croissante grâce à des partenariats conclus avec plus de 100 galeries et de nombreux sponsors, culminant par l'incroyable succès de la Foire de l'année dernière, au plan local comme international, avec plus de 23.000 visiteurs et des ventes rapportées du monde entier, dont la Russie, le Brésil et l'Afrique du Sud. L'ouverture stratégiquement planifiée de la Foire garantit des relations préexistantes entre les galeries et les clients, ainsi que l'instauration de nouvelles relations avec d'autres galeries en début d'année. Tout en conservant des liens avec des galeries célèbres de longue date, dont la Whitestone Gallery qui, cette année, exposera des œuvres de GUTAI, un collectif japonais d'avant-garde des années 1950, il est également possible pour les galeries plus petites de solliciter un espace d'exposition dans l'une des foires d'art les plus vastes et les plus diversifiées de Londres. La London Art Fair contient tout un éventail d'œuvres artistiques, dont des grands noms tels Hirst et Hockney dans les éditions précédentes, et les prix de celles-ci varient des montants pour collectionneurs de demain à des montants de plus de six chiffres. Bien que la Foire elle-même s'adresse davantage à des acheteurs sérieux, elle vaut vraiment le détour, ne serait-ce pour voir et spéculer au sujet des nouveaux artistes et galeries émergents du monde entier.

SERBIA 2013: TOWARDS A BETTER WORLD / 88 Culturescapes, vous connaissez ? C’est un festival, initié en 2004 par Jurriaan Cooiman, et devenu fondation depuis 2009, qui œuvre au soutien et à la diffusion de la culture en organisant des échanges entre la Suisse et un pays différent chaque année. En 2013, ce sont les pays des Balkans qui sont à l’honneur. Pendant huit semaines, d’octobre à décembre, la Suisse acceuille des artistes et montre leurs travaux, tous domaines confondus, au sein de ses institutions culturelles. Théâtre, cinéma, art, littérature, danse, nouveaux médias, musique… La liste est longue, le programme riche et les artistes nombreux. Si le festival, né à Bâle, est surtout présent en Suisse allemande, la Suisse romande organise elle aussi, bien que plus modestement, divers évènements pour promouvoir les productions artistiques de la région balkanique. Les genevois pourront ainsi suivre un cycle de films au Cinélux ou assister à un concert au Temple de Saint-Gervais. Mais une fois le festival terminé, fin décembre 2013, quelle suite donner à ces échanges ? La brèche ouverte par Culturescapes ne se referme pas : quelques semaines plus tard, dès le 27 janvier 2014, une exposition de deux semaines organisée par la fondation Mali Princ et la Galerie Bel Art de Novi Sad aura lieu dans la Vieille Ville de Genève. Les galeries NEST accueillent « Culture escape/Culturescape – Serbia 2013 : towards a better world », exposition collective réunissant une dizaine d’artistes serbes qui proposent leurs regards sur la société serbe contemporaine, conditionnée depuis vingt ans maintenant par une politique de transition. De prime abord, il n’y a pas de thématique commune entre les artistes. Mais les pièces dialoguent, les regards se croisent et l’exposition dévoile, de toutes parts, une production qui cherche à s’émanciper de cette transition politique et sociale qui n’en finit pas. Car la question demeure toujours éminemment présente : comment faire pour donner un nouveau visage à la représentation, étriquée par la guerre, que l’on se fait des Balkans ? Et, mis à part les spécialistes, qui entend parler en Suisse romande de la production artistique serbe actuelle ? Marina Abramovic est connue du grand public grâce à ses performances, au MoMA de New York notamment, et au biopic récent « The Artist is Present » qui lui a été consacré fin 2012. Mais pour bon nombre d’artistes, il est encore difficile de sortir de Serbie et de montrer son travail internationalement. De quel paysage viennent les artistes de « Serbia 2013 : Towards a better world »? Dans quelles conditions ont-ils été formés et, plus largement, quelle a été leur réception après leur sortie des beaux-arts, des arts appliqués, ou de l’école d’architecture ? Le curateur de l’exposition et critique d’art, Sava Stepanov, explique : « For more than two decades Serbian contemporary art has been unfolding in conditions of a long-term social transition. The change of the system has been going on for too long and, consequently, the crisis (which is, otherwise, an inevitable and transient phenomenon) has been transposed into – a condition. Such a profound crisis constantly generates breakdowns in the standard social norms, weakens standards, and diminishes the value of criteria in all fields of life. In Milosevic’s Yougoslavia, in the postmodernist 1980s and on, art and artists were continuously monitored, their works were more often than not looked upon with disdain, they were criticized and in many cases they were also sanctioned. » Pour dénoncer cette crise interne et ses répercussions sur la politique culturelle du pays, et pour appeler à une transformation du regard international, Mrdan Bajic avait par exemple, en 2006, proposé une installation de sculptures intitulée « Reset » dans le pavillon serbe durant la Biennale de Venise. « Reset », pour repartir à zéro, faire tabula rasa des idées préconçues et questionner les clichés ancrés par les médias dans l’inconscient collectif.


tra -duction Les artistes de « Serbia 2013 : Towards a better world » abordent les questions de fond problématiques à toute société contemporaine : entre autres, les (dés)équilibres entre milieu urbain et rural, ou bien le rapport entre réel et virtuel. Le collectif diSTRUKTURA élabore une peinture hyperréaliste de paysages de villes vues de haut, s’étalant jusqu’à l’horizon, ou encore de forêts scandinaves en contre-plongée sur fond de ciel azur. Une multitude de pixels comme autant de corps étrangers vient parasiter l’unité initiale de chaque toile. Une façon de questionner la spécificité de nos territoires : la cité en vue aérienne pourrait être n’importe quelle grande ville européenne, les grands conifères pourraient être tout droit sortis d’une forêt à flanc de montagne suisse. Natasa Teofilovic propose, elle, une animation qui prend forme sur plusieurs écrans. Sur chaque écran, une main apparaît, puis un bras qui s’allonge pour tâter et tester les limites du support qui lui donne vie. Le bras se rattache à un buste surmonté d’une tête, et petit à petit, les corps virtuels naviguent entre les écrans, se rencontrent et échangent des caresses. Un travail d’animation poétique et délicat. « Il est grand temps de sortir de cette politique de transition et de mettre en avant le travail des artistes, jeunes ou confirmés, de Serbie », déclare Aleksandra Vegezzi de la fondation Mali Princ, qui décerne chaque année trois prix aux meilleurs étudiants des Beaux-Arts du pays. Le pari semble réussi : l’exposition « Serbia 2013 : Towards a better world » propose une bien belle plateforme pour ces artistes, offre aux habitants de Genève la possibilité de réactualiser leur perception de l’art serbe et appelle, sans doute, à toujours plus d’échanges avec la scène artistique internationale. « Serbia 2013 : Towards a better world » est une exposition collective de Mrdan Bajic, Vladimir Peric Talent, collectif diSTRUKTURA, Milan Blanusa, Mira Brtka, Andrea Ivanovic, Stevan Kojic, Boris Lukic et Natasa Teofilovic, organisée par la fondation Mali Princ et la Bel Art Gallery (Novi Sad). Elle aura lieu du 27 janvier au 9 février 2014 dans les galeries NEST, au 12 et 14 rue Etienne Dumont, en Vieille Ville de Genève.

ALEKSANDRA WISNIEWSKA / 94 Aleksandra Wisniewska a terminé avec succès en Juillet 2001, l’Ecole Supérieure des Arts et Techniques de la Mode (ESMOD)" à Paris. Pendant ses études, elle a effectué un stage avec le label parisien "Chloé". En Avril 2001, elle a atteint la finale du concours de mode international "Brother Cup", et a été invitée à présenter sa collection à Pékin. Après avoir obtenu son diplôme, Aleksandra Wisniewska retourne en Suisse pour prendre part au "Prix Bolero" concours de mode, et s'éloigna avec le prix du public. En 2005, la styliste crée son propre label "Aleksandra Wisniewska collection". Aleksandra Wisniewska collection "exprime la femme élégante, féminine et confiante avec une touche d'extravagance." Mais ce que l'on découvre c'est qu'Alexandra est également une jeune artiste photographe à l'inspiration débordante, elle exprime avec succès des sujets tels que la dépression et la décadence de cette nouvelle génération. C'est à l'âge de 13 ans quelle commence à s'intéresser à la photographie et qu'elle fait développer pour la première fois ses films dans une chambre noire. A l'âge de 15 ans elle fait des autos-portraits d'elle même puis se lance à photographier des membres de sa famille et de ses amis. C'est là que pour elle tout est clair elle aime l'univers des portraits, les expressions, tout ce qui peut ressortir sur un visage, dans les yeux, tout cela la fascine. Seulement voilà elle néglige un peu la photographie au détriment de son autre passion la mode. Ce n'est qu'en 2011 qu'elle fait sa première exposition photo. A travers ses photos Alexandra cherche à exprimer en profondeur les sentiments, des faits marquants dans une vie surtout des faits heureux. L'artiste avoue que cela n'est pas forcément reconnaissable dans ses photos dans ses portraits. Chaque photo a son histoire, dans un premier temps l'artiste éprouve le besoin être touchée par son sujet et de se reconnaître en lui. La plus part de ses modèles sont ses amis, ses proches, ainsi elle connaît leur personnalité. leur traits de caractère, leur vies. Avant de photographier une personne qu'elle ne connaît pas, elle préfère faire d'avantage sa connaissance, passer un un moment tranquille à discuter. Que le modèle en question se sente alaise pour enfin pouvoir raconter son histoire, s'ouvrir dans un sentiment de confiance. Ce sont ses moments là qui l'inspire. Alksandra nous explique qu'elle utilise ses modèles comme un miroir pour exprimer ses propres sentiments. Néanmoins l'artiste tient à nous préciser qu'elle ne mélange pas ses travaux en tant que Fashion Designer et ses travaux de Photographe, ce sont deux univers différents pour elle. d'un côté la mode où tout doit être parfait, c'est un monde irréel, superficiel, un monde qui fait rêver nous dépeint l'artiste. Les mannequins doivent être beaux, les poses parfaites, le plis d'un vêtement doit être idéal, toutes les photos sont retravaillées, le vêtement doit être vendu. Un phrase très juste de Yoshi Yamamoto dit " I think perfection is ugly. Somewhere in the things humains make, I want to see scars, failure, disorder, distortion". C'est de là que l'artiste définit sa balance, en ayant ses deux univers que sont la photo et la mode. Elle ne souhaite en aucun cas devenir photographe de mode, il de ce fait hors de question pour l'artiste de photographier ses propres collections. Et lorsque l'on demande à Alksandra pourquoi elle à choisi ces deux univers, l'artiste nous répond, qu'il s'agit tout simplement de deux manières différentes de s'exprimer. lorsqu'elle crée un vêtement elle doit d'abord penser à la cliente qui va le porter et l'acheter. Créer une collection c'est un peu comme offrir un cadeau nous confie l'artiste, le but étant de rendre heureuse la personne qui va s'offrir ce cadeau. Lorsque Alksandra prend des photos en revanche, elle le fait pour elle-même. Elle y exprime des sentiments, cela plaît ou pas! Elle n'a pas l'intention de vivre de ses photos, ce qui lui donne une grande liberté. TRIBU MAGAZINE - 381

TRIBU MEETS MARINA ABRAMOVIĆ / 102 Ayant commencé sa carrière dans les années 70 avec une série de performances expérimentales, Marina Abramović a développé depuis la ‘Méthode Abramović Method’, qui combines des éléments de rituel et de persévérance dans une tentative de renforcer la conscience humaine, d’une façon qui transcende l’artiste et invite le spectateur à faire face à ses propres émotions et à sa propre sensibilité. Son rapport intense avec l’art a amené de nombreux artistes à suivre sa méthode, certains d’entre eux ayant été formés personnellement par ses soins. Parmi ses étudiants célèbres, citons Jay Z, qui a créé un film artistique à l’occasion de la sortie de son dernier album, sur la chanson Picasso, et Lady Gaga, qui suit l’enseignement d’Abramović en vue d’améliorer son jeu sur scène. A l’occasion de la présence de Marina à Genève pour son exposition consacrée au M.A.I qui se tient à la galerie d’art Guy Bärtschy, TRIBU Magazine a eu le grand plaisir de pouvoir interviewer l’artiste. Lors de cette interview, elle explique comment le fait de rapprocher deux mondes peut souvent aboutir à la création de nouveaux mondes. En collaborant avec des musiciens influents, Abramović suscite un nouvel intérêt pour le monde de l’art chez un très grand nombre de jeunes. De cette façon, elle espère perpétuer l’intérêt pour le monde de l’art. Son dernier projet en date est de créer un institut, ‘The Marina Abramović Institute’, qui permettrait à des personnes de toutes provenances et origines d’ “ouvrir leur conscience chacune à sa façon et d’appliquer leur expérience à leur travail et à tout ce qu’elles font”. L’objectif du M.A.I. n’est pas de présenter l’oeuvre d’Abramović mais de présenter des idées plus larges concernant l’art, la spiritualité, la science et la technologie. Lors de cette interview, Abramović nous a dit que, si l’art ne peut pas, à son avis, changer le monde, il peut par contre certainement poser les bonnes questions. S’agissant de son propre travail, elle s’efforce de transmettre une certaine énergie au public pour que les personnes puissent “faire face elles-mêmes à leur propre moi”. Parmi ses oeuvres récentes, ‘The Artist is Present’, qui a été présenté au Musée d’art moderne de New York, a suscité des réactions viscérales de la part du public; “Marina Abramović me fait pleurer” est a été la réaction unanime, alors qu’Abramović invitait des visiteurs de l’exposition à la rejoindre sa table, et à rester assis dans un silence confortable. Les réactions ont été diverses, mais toutes très émotives. Dans cette oeuvre, Abramović se purifiait psychologiquement et, avec un regard fixe et une présence positive, remplissait la fonction d’un miroir pour capturer les couches d’anxiété accumulées présentes chez les spectateurs, ce qui se traduisait souvent par des larmes. En décrivant la signification de l’art dans sa vie, Abramović évoque la façon dont, dans son enfance, elle comprenait qu’elle pouvait être une artiste, et le fait que “l’art est mon langage que je communique au monde”. Ayant travaillé pendant 40 ans dans le monde de l’art, elle explique que l’art sert à vous donner la liberté de dépasser les limites et de franchir les frontières, et qu’elle incorpore cela dans son oeuvre, à travers la science, la technologie, la mode, la musique et le théâtre. Dans son oeuvre la plus controversée, ‘Rhythm 0’, Abramović explorait les frontières de l’objectification. La performance consistait en 72 objets posés sur une table, certains pour la peine et d’autres pour le plaisir, au nombre desquels une plume, un pistolet et des roses. Avant le début de la performance, Abramović avait signé un contrat en bonne et due forme en vertu duquel elle s’engageait à assumer l’entière responsabilité de tout ce qui pourrait se passer pendant la performance. Après un moment d’hésitation, les membres du public ont compris leur liberté, et la performance s’est transformée en un véritable carnage. A l’âge de 28 ans, pendant une performance de six heures, Abramović se vit arracher ses vêtements, percer le ventre au moyen d’épines de rose et pointer un pistolet contre la tempe. D’autres spectateurs jetèrent le pistolet avant que la détente ne soit actionnée et essuyèrent ses larmes. L’artiste se rappelle dans une déclaration, “Cela créa une atmosphère agressive. Au bout de six heures exactement, comme cela était prévu, je me suis levée et j’ai commencé à marcher vers le public. Tout le monde est parti en courant, pour échapper à la confrontation réelle”. Par la discipline psychologique et physique, Abramovic crée une forme d’art à l’enseigne de la simplicité mais avec des conséquences dramatiques. Elle remet en question des aspects très basiques, humanitaires de la vie et de l’art, confinant souvent avec les plus grands thèmes de la philosophie et, grâce à cela, les oeuvres durent au-delà de leur performance, et demeurent dans la conscience des personnes qui en ont fait l’expérience pendant des années. La superposition d’expériences très personnelles et de questions universelles se prête à un art très accessible, d’où l’exigence de fusionner le monde de l’art avec la culture pop moderne. Cela a toujours été une question de temps.

DETROIT / 108 Détroit: une ville célèbre pour être la première ville au monde à avoir déclaré faillite après une période de prospérité économique, suivie d'un déclin et d'une crise financière durable. Mais derrière les connaissances générales murmurées sur Détroit, et derrière les images obsédantes possédant un semblant de cauchemar dystopique réside un carrefour culturel, une âme. Tribu a interviewé des habitants actuels et récents de la plus grande ville de l'Etat du Michigan pour débattre des aspects positifs de la vie dans un endroit du monde aussi célèbre. Colette Beattie a grandi à Détroit. Ses parents habitant chacun d'un côté des limites de la ville, elle a reçu deux éducations opposées. A seulement douze kilomètres de distance, on ne peut trouver d'environnements locaux plus différents. Au nord de la limite de la ville de Détroit, dans sa maison de Fraser, il n'y avait aucun problème majeur de criminalité, ni avec le système éducatif ou le marché de l'emploi, tandis qu'à Détroit, à l'âge de 15 ans, Beattie n'avait toujours pas l'autorisation de marcher seule jusqu'à la station service du bout de la rue. Elle se souvient que "ce n'était pas inhabituel d'entendre des coups de feu dans la nuit et ce n'était pas chose exceptionnelle que d'entendre un héli-


tra -duction coptère survoler le quartier à la recherche de quelqu'un". Ayant grandi entre le Détroit de l'après-faillite et sa banlieue, Beattie avait le sentiment que quelque chose n'allait pas dans cette ville, malgré le fait qu'elle y était habituée depuis sa naissance : "Si vous regardez vers le nord au milieu du kilomètre 12, vous verrez des rues propres, des bâtiments nets etc.; en revanche, si vous regardez vers le sud, vous remarquerez, l'hiver, que les rues sont à peine déneigées, les magasins sont équipés de barres de fer pour protéger les fenêtres et certains lieux sont même vides et murés." Il ne s'agit cependant là que d'observations de surface. Plus au centre de Détroit, un sentiment palpable de fierté demeure. Beattie explique : " Je sais que je ne trouverai jamais d'endroit dont les habitants ressemblent à ceux de Détroit. Il y a quelque chose d'incroyable dans l'intensité de notre fierté, même lorsque les choses ne vont pas bien du tout. J'ai voyagé à travers les Etats-Unis [...] et ne pourrais jamais me sentir chez moi ailleurs. Détroit n'est pas mystérieux pour nous, ses habitants. Cette ville est incroyablement simple, on sait exactement ce qu'on va trouver à Détroit à tout moment: un sentiment d'appartenance à une communauté, une fierté, une nourriture savoureuse, une musique merveilleuse et de la chaleur humaine. Au milieu de ce déclin vit une communauté particulièrement dynamique. Les initiatives artistiques telles The Heilderburg Project (le projet Heilderbourg) apportent à nouveau de la vitalité aux quartiers grisâtres et abandonnés, et les spectacles musicaux dans le centre-ville illustrent le style exclusif de la ville, le Motown, ainsi que leur propre musique techno, tandis que les Red Wings et les Tigers encouragent l'esprit d'équipe sur les patinoires et terrains de baseball, respectivement. La perspective de Hadeel Marqus, dont la famille, originaire d'Irak, a trouvé refuge à Détroit, est légèrement différente. Alors qu'elle imaginait rencontrer d'immenses bâtiments et un style de vie moderne, Marqus fut choquée de voir que Détroit se réduisait à l'industrie automobile et au travail en usine. Le taux d'emploi était cependant impressionnant, et malgré les changements temporels drastiques, le froid et la neige, Marqus a réussi à s'adapter à sa nouvelle vie grâce à l'aide et à la compréhension des habitants locaux. Elle fait remarquer qu'ils l'ont aidée à apprendre la langue et à se comporter tel un membre de leur communauté : " cela a pris quelque temps, mais, grâce à l'aide de ma famille et de mes amis, j'ai commencé à m'habituer à cette vie". Aujourd'hui, cinq ans et demi plus tard, elle a assimilé la culture de sa ville d'adoption où elle envisage de rester : "Je me suis habituée à cette vie et ai rencontré de nombreux amis." Ainsi, contrairement aux connaissances généralement acceptées au sujet de cette ville, derrière la une des médias, un sentiment de dynamisme d'une ville vivante demeure. L'accent que le monde entier met sur les problèmes socio-économiques de Détroit ne constitue qu'un fragment de l'image de cette ville; si l'on prend le temps d'observer entièrement ce qui se passe, on peut voir qu'il existe une communauté prospère; une communauté qui touche et accueille les nouveaux-arrivants, qui organise toutes sortes de manifestations artistiques et culturelles, mais surtout, qui est fière de son héritage qu'il soit bon ou mauvais, et qui est capable de tout supporter - des faillites aux rigoureux hivers.

TATE MODERN "The EY Exhibition, Paul Klee" / 122 Dans le paysage de Londres en constante évolution on distingue la solide silhouette de la cheminée, autrefois industrielle, de la Tate Modern. Contrairement à la majorité des bâtiments récents construits le long des berges emblématiques de la capitale britannique, dont la plupart sont des structures modernes de verre, de formes de plus en plus ambitieuses, la Tate Modern demeure l'un des bâtiments classiques de brique à la silhouette quadrilatérale tranchante. Ce bâtiment, érigé en 1952, servait à l'origine de centrale électrique conçue par Sir Giles Gilbert Scott. Cependant, inutilisé depuis 1981, le bâtiment a été racheté, vidé et recyclé pour devenir un musée d'art contemporain. Le désign du nouveau musée a été conçu par l'agence d'architecture Herzog & de Meuron, lauréat d'un concours organisé par le British National Art Museum pour la création d'un nouveau bâtiment visant à héberger l'excédent des œuvres d'art acquises. Elle aurait servi d'institution de contrepartie à la Tate Britain d'origine, de l'autre côté de la Tamise. L'intention était d'ouvrir les portes à entre 2 et 2 ½ millions de visiteurs par an, mais la décision d'élargir le musée a été prise après que celui-ci soit devenu la galerie d'art moderne la plus visitée au monde, avec plus de 4 ½ millions de visiteurs chaque année, un chiffre stable depuis la toute première ouverture au public de la Tate Modern en 1900. Des améliorations ont été réalisées au cours de la décennie passée dans le but d'accueillir l'important flux de visiteurs dans les galeries. Ce programme de travaux, en cours depuis de nombreuses années, ne devrait pas être finalisé avant 2016. En utilisant les mêmes concepteurs intuitifs que précédemment, il était prévu de construire une pyramide de 11 étages dotée d'une façade de verre, en harmonie avec les tours voisines de style contemporain, mais, à cause de l'opposition rencontrée pour des raisons esthétiques, ce projet a été abandonné pour être remplacé par un projet similaire mais plus conservateur. A la place de l'extérieur de verre, une maçonnerie ouvragée sera visible des rues du quartier de Southbank, conférant un effet de rougeoiement, car les lumières à l'intérieur des galeries filtreront par les interstices. En termes de longévité, la seconde décision d'utiliser une maçonnerie centrale plutôt que du verre moderniste constitue un pas en avant dans la bonne direction, ainsi qu'un exemple pour les autres, illustrant le fait que les matériaux de construction traditionnels peuvent toujours être utilisés de manière nouvelle et passionnante. La décision de conserver les briques a été décrite comme " une combinaison frappante du brut et du raffiné, présent dans les espaces industriels et l'architecture du 21e siècle". Il s'agira non seulement d'un nouveau tour de force dans l'histoire de ce site, mais cela doublera pratiquement la taille de l'espace dédié au musée, permettant d'installer un nombre important de nouvelles galeries dont une salle d'exposition à grand échelle, deux nouveaux niveaux de galeries de collection et une galerie spécialement consacrée aux enfants âgés de 5 à 12 ans, axée sur le fait de susciter l'engagement ou l'inspiration d'une nouvelle génération d'artistes et de passionnés. En dépit des aspects conservateurs de la nouvelle construction, il est encore nécessaire de prendre TRIBU MAGAZINE - 383

en considération la question de la durabilité. Le désign toujours aussi consciencieux prend en compte le potentiel thermique et solaire du bâtiment, dont l'utilisation devrait permettre de réduire la consommation énergétique de plus de la moitié. En outre, de nouvelles approches du développement durable devraient aboutir à un taux d'émission de carbone massivement au-deçà du maximum autorisé par la réglementation. Parmi les améliorations physiques de la Tate Modern, EY (Ernst & Young) a annoncé la conclusion d'un partenariat majeur de trois ans avec la Tate en début de cette année. Forte de deux décennies d'expérience dans le soutien et l'investissement dans les arts britanniques avec ces dispositions, EY et Tate ont pris la décision de collaborer dans ce projet, dans le cadre du plus vaste partenariat jamais conclu avec un organisme d'art de toute l'histoire de l'entreprise, dans le but de sensibiliser, et de mieux faire comprendre et apprécier l'art. Les expositions de EY doivent être mises en place dans les grandes galeries de la Tate, dont celles de Liverpool, de St Ives et bien sûr les deux de Londres. Depuis que la nouvelle a été rendue publique en juillet 2013, les nouveaux associés collaborent pour l'exposition qui aura lieu cette année à l'automne, le premier de nombreux projets à être mis en œuvre dans le cadre de ce nouveau partenariat. Entre le 16 octobre 2013 et le 9 mars 2014, bien qu'au milieu du chantier de construction, la première exposition d'art des œuvres de Paul Klee à être organisée depuis plus de dix ans sera accueillie au sein de la Tate Modern. De l'aube de sa carrière pendant la Première guerre mondiale quand Klee expérimentait les "carrés de patchwork abstraits", qui ont par la suite donné lieu à ses peintures de carrés magiques les plus appréciées, aux années de travail à Bauhaus, le berceau du désign moderniste, ces œuvres couvriront la carrière de Klee sur plus de trois décennies et seront exposées côte à côte, conformément à leur finalité originelle. Mathew Gale, le curateur de l'exposition, affirme que celle-ci "défiera la réputation de Klee en tant que rêveur solitaire, en révélant l'innovation et la rigueur avec laquelle il a créé ses œuvres et les a présentées au public." Avec son partenaire de longue date Bloomberg, Tate Modern n'accueillera pas seulement de nouvelles zones d'exposition mais également de nouvelles manières d'interagir avec l'art lui-même. Le projet, intitulé Bloomberg Connects, a été rendu public fin septembre 2013 et devrait évoluer parallèlement à nos réactions à l'art, en exploitant de nouvelles technologies numériques afin de provoquer des réponses visuelles. Des planches de dessin seront installées à côté des œuvres d'art et laissées à disposition du public. Ce que le public va créer sera ensuite projeté sur l'un des soixantequinze grands écrans qui seront déployés dans les galeries. Ce projet vise à susciter la conversation avec un tout nouveau médium, en incitant le public à explorer sa créativité en réaction aux œuvres exposées dans la galerie. Après le succès des guides multimédia, désormais chose courante dans la plupart des musées et des galeries, mais ont fait leur apparition dans le cadre du partenariat conclue entre la Tate et Bloomberg, qui peut dire comment ce projet ambitieux façonnera La Galerie du Futur? Dans une déclaration au sujet de ce projet, Michael R. Bloomberg, philanthrope et politicien, a souligné l'importance de l'inclusion numérique dans l'engagement vis-à-vis de l'art, en ajoutant que "la technologie possède la capacité de faire de l'expérience du musée quelque chose de plus personnel et de plus puissant que jamais." Avec une telle myriade d'actions de modernisation réalisées dans ses murs, il est réellement digne d'acclamer la Tate, une pierre angulaire de la scène artistique britannique et l'institution-phare en matière d'innovation, pour sa capacité d'adaptation plutôt que de désintégration, et pour sa focalisation vers l'avenir des aspects sociaux de l'art, de l'interprétation et de la discussion.

THE MUSEE ARIANA / 128 Construit à la fin du XIXe siècle par Gustave Revilliod (1817-1890), généreux mécène genevois et collectionneur émérite, cet édifice palatial est conçu dès l'origine pour abriter un musée où la céramique et le verre côtoient alors la peinture, la gravure, la sculpture, les monnaies, les livres anciens et toutes formes d'arts appliqués. Légué à la Ville de Genève avec l’intégralité des collections ainsi que le vaste domaine environnant, le bâtiment constitue lui-même le premier objet de ce patrimoine. Son architecture atypique emprunte des éléments aux styles néoclassique et néo-baroque, rythmant son hall majestueux de colonnades en marbre que couronne une coupole elliptique à la voûte étoilée. Un programme de plafonds peints et un ensemble de vitraux parachèvent magnifiquement la décoration intérieure. En 1936, une répartition des collections avec le Musée d’art et d’histoire consacre le Musée Ariana au domaine de la céramique européenne, moyen- et extrême-orientale, couvrant une vaste période 16 avril – 16 novembre 2014 en considération la question de la durabilité. Le désign toujours aussi consciencieux prend en compte le potentiel thermique et solaire du bâtiment, dont l'utilisation devrait permettre de réduire la consommation énergétique de plus de la moitié. En outre, de nouvelles approches du développement durable devraient aboutir à un taux d'émission de carbone massivement au-deçà du maximum autorisé par la réglementation. Parmi les améliorations physiques de la Tate Modern, EY (Ernst & Young) a annoncé la conclusion d'un partenariat majeur de trois ans avec la Tate en début de cette année. Forte de deux décennies d'expérience dans le soutien et l'investissement dans les arts britanniques avec ces dispositions, EY et Tate ont pris la décision de collaborer dans ce projet, dans le cadre du plus vaste partenariat jamais conclu avec un organisme d'art de toute l'histoire de l'entreprise, dans le but de sensibiliser, et de mieux faire comprendre et apprécier l'art. Les expositions de EY doivent être mises en place dans les grandes galeries de la Tate, dont celles de Liverpool, de St Ives et bien sûr les deux de Londres.


tra -duction Depuis que la nouvelle a été rendue publique en juillet 2013, les nouveaux associés collaborent pour l'exposition qui aura lieu cette année à l'automne, le premier de nombreux projets à être mis en œuvre dans le cadre de ce nouveau partenariat. Entre le 16 octobre 2013 et le 9 mars 2014, bien qu'au milieu du chantier de construction, la première exposition d'art des œuvres de Paul Klee à être organisée depuis plus de dix ans sera accueillie au sein de la Tate Modern. De l'aube de sa carrière pendant la Première guerre mondiale quand Klee expérimentait les "carrés de patchwork abstraits", qui ont par la suite donné lieu à ses peintures de carrés magiques les plus appréciées, aux années de travail à Bauhaus, le berceau du désign moderniste, ces œuvres couvriront la carrière de Klee sur plus de trois décennies et seront exposées côte à côte, conformément à leur finalité originelle. Mathew Gale, le curateur de l'exposition, affirme que celle-ci "défiera la réputation de Klee en tant que rêveur solitaire, en révélant l'innovation et la rigueur avec laquelle il a créé ses œuvres et les a présentées au public." Avec son partenaire de longue date Bloomberg, Tate Modern n'accueillera pas seulement de nouvelles zones d'exposition mais également de nouvelles manières d'interagir avec l'art lui-même. Le projet, intitulé Bloomberg Connects, a été rendu public fin septembre 2013 et devrait évoluer parallèlement à nos réactions à l'art, en exploitant de nouvelles technologies numériques afin de provoquer des réponses visuelles. Des planches de dessin seront installées à côté des œuvres d'art et laissées à disposition du public. Ce que le public va créer sera ensuite projeté sur l'un des soixantequinze grands écrans qui seront déployés dans les galeries. Ce projet vise à susciter la conversation avec un tout nouveau médium, en incitant le public à explorer sa créativité en réaction aux œuvres exposées dans la galerie. Après le succès des guides multimédia, désormais chose courante dans la plupart des musées et des galeries, mais ont fait leur apparition dans le cadre du partenariat conclue entre la Tate et Bloomberg, qui peut dire comment ce projet ambitieux façonnera La Galerie du Futur? Dans une déclaration au sujet de ce projet, Michael R. Bloomberg, philanthrope et politicien, a souligné l'importance de l'inclusion numérique dans l'engagement vis-à-vis de l'art, en ajoutant que "la technologie possède la capacité de faire de l'expérience du musée quelque chose de plus personnel et de plus puissant que jamais." Avec une telle myriade d'actions de modernisation réalisées dans ses murs, il est réellement digne d'acclamer la Tate, une pierre angulaire de la scène artistique britannique et l'institution-phare en matière d'innovation, pour sa capacité d'adaptation plutôt que de désintégration, et pour sa focalisation vers l'avenir des aspects sociaux de l'art, de l'interprétation et de la discussion.

CEE ROO / 136 On se plaint souvent que c’était mieux avant. Et ça, dans plusieurs domaines. Mais c’est surtout la musique que l’on regrette le plus. Autrefois les musiciens étaient de vrais artistes talentueux qui ont réussi à créer des mélodies devenues mythiques. Ca, Cee-roo l’a bien compris. C’est pourquoi ce jeune artiste passionné de musique utilise les légendes du passé afin de les remettre au goût du jour. L’esprit original de la musique est toujours présent mais il arrive à leur redonner un coup de jeune grâce à un talent et une imagination débordante. Cee-roo, alias Cyril Käpelli, a été bercé dans une culture musicale diversifiée. Son père, ingénieur du son, et sa mère lui ont transmis cet amour pour la musique. Le jeune homme s’est ensuite fait sa propre culture musicale. Il a écouté beaucoup de références, dans plusieurs styles musicaux, c’est ce qui l’a beaucoup inspiré. C’est en 2009 que tout a commencé avec une vidéo dans sa cuisine. On découvre un jeune homme vêtu d’un bonnet coloré à pompon ainsi que de lunettes noires qui s’amuse à créer de la musique grâce à divers « ingrédients » dans une casserole. Cette vidéo sera rapidement un succès et c’est à ce moment là que de nombreux internautes vont découvrir un artiste différent de ce qui se fait. Toujours dans un esprit drôle et grâce à un talent incontestable, le jeune homme va continuer sur sa lancée. Ses vidéos sont toujours plus surprenantes et mettent en scène la musique sous différentes formes. Chaque nouveau clip est un plaisir pour nos yeux et nos oreilles. Grâce à cet univers qui lui est propre, il va se créer une notoriété sur le web et comptabiliser les milliers de vues sur youtube. En 2012, Cee-roo sort son premier album « Memories ». Il va auto-produire cet album et demander de l’aide à sa famille et ses amis afin de sortir de superbes Cds. Cet album est composé de 12 titres qui reprennent des grands noms de la musique tel que Ray Charles, James Brown, Ella Fitzgerald, Jim Morrison et encore d’autres. Il utilise la puissance et la pureté de ces artistes pour leur redonner vie afin que l’on n’oublie pas ces légendes de la musique. Son but était de revenir un peu en arrière afin d’avoir de solides bases et références. C’est un véritable hommage qu’il rend à ses grands noms de la musique qu’il nous fait redécouvrir. Grâce à cet album et à une notoriété grandissante que Cee-roo se produit désormais en live dans toute l’Europe avec des destinations variées, Paris, Hambourg, Hannover et plus surprenant, Ljubljana. Pendant ses shows, il est accompagné d’un DJ et d’un VJ qui nous assure un show audio-visuel qui mélange Live et  DJ Set. Pour lui, l’essentiel est toujours que tout ceci reste un plaisir. C’est pourquoi son but n’est pas de faire le plus de dates possibles mais d’aller aux endroits qui lui donnent vraiment envie afin d’assurer un show durant lequel il va tout donner à son public. Malgré tout ceci, Cee-roo garde les pieds sur terre. A côté de ceci, il travaille dans une entreprise zurichoise de motion design ainsi que sur des projets de graphisme en freelance.


Ce jeune homme est donc plein de facettes qui lui permettent d’être indépendant dans son travail. Chose qui lui est cher car il crée ses sons et vidéos par plaisir et en tant que vrai passionné. C’est d’ailleurs tous ces éléments qui lui permettent de créer cet univers si maitrisé rempli d’humour et de légèreté. Jetez un coup d'oeil sur ses vidéos sur son Facebook ou son site.

INSIDE LLEWYN DAVIS / 148 Lorsqu'on va se faire une toile et qu'un film des Coen est projeté il est difficile de se tromper. Voilà bien dix ans (personnellement je dirais plus, mais convenons que depuis LadyKillers les deux frères nous ravissent sans fausse note) qu'ils arrivent constamment à nous faire du bien, tant visuellement qu'au niveau des tripes. C'est une sorte de leitmotiv récurant chez eux, raconter la vie d'un loser, ses turpitudes et ses multiples aventures, en gros la vie d'un homme auquel on pourrait s'identifier. Bien éloigné des Blockbusters où, soyons honnête personne ne peut se reconnaitre. Les frères Coen réussissent là où peu arrivent, ils parviennent à nous distiller un savant cocktail détonnant où tout est prétexte à se questionner, le tout saupoudré, bien sûr, d'un zeste d'humour bien calculé. Inside Llewyn DaviSs est un véritable condensé de plaisir. Sans être dithyrambique (bon oui un peu), voir ce sublime loser tenter de survivre, de faire valoir sa conception de la musique et de l'observer galérer est tout simplement jouissif. Pour vous faire un bref résumé, vous raconter quelques éléments de l'histoire : Llewyn Davis est un chanteur de folk grattant tant sa guitare que les logements dans le New-York (plus particulièrement Greenwich – le village pour les amateurs de la grosse pomme) de l'année 1961. Tentant tant bien que mal de se tirer des mauvais pas (qu'il se crée ou qui lui tombent dessus) Llewyn traverse sa semaine et valdingue à la recherche de quelques dollars, la guitare et ses embrouilles sur le dos. Les frères Coen, comme à leur habitude, arrivent sans encombre à nous raconter une histoire banale de manière homérique. Les petits tracas de la vie prennent, d'un coup, une dimension fabuleusement poétique et comique (et bon sang que c'est drôle). On est bien loin des habituels biopics à la Ray ou à la Walk the Line relatant sans grande ambition une histoire déjà connue de tous. Les frères Coen préfèrent piquer deux trois éléments de vie d'un chanteur ayant existé (Dave Van Ronk pour les amateurs) et de s'en libérer avec brio pour créer une histoire pure. C'est plus alléchant, vous en conviendrez. On se retrouve plongé (ils ont déjà fait le coup avec O'brother) dans une odyssée moderne (même pas besoin de savoir que le chat s'appelle Ulysse). Cette dernière, loin d'être aussi épique que l'original a au moins le mérite de nous plier en deux (oui je sais, je me répète). Les frasques de sa vie, sa malchance et ses erreurs de jugement nous rappellent particulièrement A Serious Man, Llewyn Davies est sûrement le frère New-yorkais de Larry Gopnik. On se retrouve captivé dans une myriade de références, tant historiques que mythologiques. La boucle narrative qui s'opère à la fin, nous évoque la pierre de sa vie retombant en bas de la montagne de ses malheurs. Après l'odyssée moderne les frères Coen nous font le coup du Sisyphe revisité, même si l'on assiste plus au dévalement de la pierre qu'à son ascension. Llewyn (joué de manière fantastique par Oscar Isaac – il se paye même le luxe de chanter lui-même -) est l'antithèse du musicien qui réussit, il est prit, malgré lui, dans la déferlante de son honnêteté, fuyant, contrairement à Jim Berkey, (joué par Justin Timberlake, pas mauvais sans être fabuleux) la musique à succès (comme quoi même en jouant un rôle il n'échappe pas à sa nature, les frères Coen lui ont fait un rôle de composition?). On assiste, au delà des références mythologiques à une critique plutôt acerbe du chemin que la musique a prise ces 60 dernières années. Les frères Coen mettent à l'honneur (même si ils l'affublent du manteau de la misère) le courage de leur (anti-)héros. Inside Llewyn Davis est une sorte de fresque à la mémoire de ceux qui sont tombés pour la musique. Pour conclure, Inside Llewyn Davis est un film à la mesure des frères Coen, une oeuvre qui teinte la toile des salles obscures de sublimes couleurs, celles d'un cinéma qui ne se soumet pas, celles d'un cinéma qui ne s'enferme pas, celles d'un cinéma qui sait encore rire... sans être grossier.

HOOKED ON JOE / 152 Ciné fleur bleue depuis que le monde est monde, un schéma tient tête: boys meet girls. Poèmes, films, chansons et romans l'ont exposé, par diverses fortunes. Dans Don Jon - sa première production - Joseph Gordon Levitt (500 Jours Ensemble, Inception, The Dark Knight Rises, Looper) nous en dévoile sa version. Avec beaucoup de pertinence et le sens de la nuance, l’acteur et réalisateur du film va dérouler et remonter la pelote d'une relation en surface stéréotypée pour en tirer un film au regard introspectif et honnête sur les lois de l’attraction. Son personnage Jon, un jeune don Juan accro au porno, rencontre Barbara, une princesse canon, fan de films romantiques et formatée par l'image du Prince charmant. Le duo va devoir apprendre à se défaire des fantasmes et idées reçues véhiculés par les films. On


tra -duction s’attend à une comédie douce comme la ouate qui se dévoile au final une étude de genre piquante comme l'ananas et marquante tel le chewing gum de Barbara (campée par une Scarlett Johansson version Maria Carey fin des années 1990) qui vous colle au cœur pour un bout de temps. Tout comme son film, impossible d'oublier Joseph Gordon-Levitt une fois qu'on l'a croisé. Avec ses yeux bridés qui pétille et son front et ses joues qui se plissent à chaque sourire, Joseph Gordon-Levitt aka Joe séduit par son authenticité et son charisme. Tête à tête avec un surdoué à la fois rebelle et lucide qui croit à son métier, au cinéma et aux mots. Vous réalisez votre premier long métrage avec Don Jon. Comment s’est déroulé le passage d’acteur à réalisateur ? Je suis chanceux de travailler depuis longtemps dans l’industrie cinématographique et de côtoyer plusieurs réalisateurs dont Ryan Johnson (Looper), Christopher Nolan (The Dark Knight Rises) et Steven Spielberg (Lincoln). J’ai appris de chacun d’entre eux. Leur point commun réside dans l’aptitude à pouvoir marier un plan de travail construit en restant flexible et ouvert à la spontanéité. La question qu’on se pose à longueur de journée sur le tournage est de savoir si on doit rester fidèle au scénario, coller au plan ou essayer de nouvelles idées. Ces trois réalisateurs ont réussi ce challenge. J’ai essayé de relever ce défi. Est-ce que vous avez un exemple concret de cette ouverture d’esprit et de spontanéité durant le tournage de Don Jon? Oui, il y avait une petite scène qui n’était pas écrite. Scarlett et moi devons rencontrer mes parents. La scène débute à l’entrée de la maison mais on a pensé qu’on pouvait arriver en voiture et Scarlett décide de paraître stressée avant d’arriver à la porte. Elle fait une mini danse avec quelques mouvements de déhanchés et je n’aurais jamais été capable d’écrire cette scène ou de lui dire de le faire. Elle l’a fait naturellement et ce sont ce type de détails que je préfère et qui rendent la performance vivante et réaliste. Entre nous est-ce qu’à l’image de Jon, votre personnage principal dans le film, vous matez des pornos ? Oui, c’est clair ! Mais de loin pas à la même fréquence que mon personnage Jon dans le film (rires) ! D’ailleurs, en regardant Don Jon, on pense assez rapidement à Shame de Steve Mc Queen avec Michael Fassbender qui joue un sex addict dans l'éther new-yorkais. Quels sont les films qui vous ont inspiré l’écriture de Don Jon ? Shame n’a rien à voir avec mon film bien que les deux protagonistes soient tous deux accros aux pornos. L’approche s’avère totalement divergente. Si je dois citer une référence je pencherai plus vers les films de Hal Hashby et plus particulièrement pour Shampoo. Le ton de la plupart de ses productions est drôle. Ce sont des comédies mais elles ne sont pas truffées de gags et de farces. L’humour se devine pertinent et provient davantage de l’identification aux personnages comme être humain. Vos personnages sont représentés de manière très stéréotypée. Vous dénoncez cette tendance dans notre culture à cataloguer les gens en les traitant comme des choses. Qu’elle en est votre expérience en tant que star hollywoodienne ? Quelle est l’étiquette qu’on vous colle en général? En grandissant en tant qu’acteur, j’ai vraiment eu beaucoup de mal avec la notion de célébrité, le mythe et tout ce qui tourne autour. Je n’en ai jamais vraiment fait partie et j’essaie de me détacher un maximum de l’environnement hollywoodien. Est-ce pour cela que vous avez crée votre propre compagnie de production hitRECord? Oui, effectivement, j’ai fondé cette société de production en 2004. Cela fait partie d’une démarche personnelle d’être créatif et de me motiver. Mon frère m’a aidé à faire le site web et petit à petit une communauté s’est formée autour de ce projet. Cela regroupe divers supports comme la vidéo, la musique, la littérature, la photographie, la performance, l'art graphique avec des centaines de millier d’ artistes du monde entier qui contribue aux projets réalisés. C’est une opportunité de collaborer avec des gens que je n’aurais pas pu rencontrer autrement et qui ne font pas partie du milieu d’Hollywood. Cela aurait été impossible d’accéder à ce type de collaborations par des méthodes traditionnelles et c’est ce que j’adore dans ce projet extrêmement enrichissant et gratifiant. Don Jon Avec Joseph Gordon-Levitt, Scarlett Johansson et Tony Danza Sortie Suisse Romande le 25 décembre.

ANTIFASHION / 160 Les années quatre-vingt sont célèbres pour leur style extravagant, leurs dorures et leurs couleurs flashy bien connues chez Versace ou encore Thierry Mugler. Un style sans complexe et ultra féminin. Pendant ce temps, une autre tendance à l'antipode de celle-ci, se développe. Sombre, concerné et conceptuel sont les maîtres mots d’ordres de ce nouveau courant. Une tendance consciente et concernée par les problèmes de notre société, comme la crise économique et la pollution nucléaire. Cette tendance est inspirée par différents courants musicaux de la musique électronique lourde et du rock grunge. Baptisée «Anti-fashion» pour faire disparaître le glamour qui triomphe à cette époque. Les talons sont remplacés par des chaussures plates, les démarches sont robotisées et les vêtements sont surdimensionnés.


En introduisant de nouveaux concepts tels que le recyclage, la disproportion et la déconstruction, la tenue est repensée. Les défilés de mode ressemblent à des performances et luttent contre l'impérialisme de la mode européenne. Ce mouvement a impliqué un changement radical sur le style de la fin du siècle. La mode, à partir de ce moment, est imprégné de ces nouvelles influences. Les pionniers de ce courant Anti-fashion sont des créateurs japonais comme Yohji Yamamoto, Rei Kawakubo ou encore Issey Miyake. Au début des années quatre-vingt, cette nouvelle vague de créateurs venant tout droit du pays du soleil levant, innove de par sa créativité et son abstraction de la mode établie. Ils proposent une gamme de kimonos et de vêtements surdimensionnés avec un look futuriste. Un nouveau style pour une nouvelle mode. Ce courant Anti-fashion est loin de cette mode éphémère et superficielle de cette époque-là. Ces créateurs ont réinterprété et redéfini les règles occidentales. Quand ils ont présenté leur première collection à Paris, dans les années quatre-vingt, ils ont créé une sensation forte en remettant en cause l’habillement occidental. Ils ont créé la controverse dans le monde de la mode en prouvant, pour la première fois , que des vêtements reconnus pouvaient provenir d’un pays hors de l’Europe. Cette apogée de vêtements anti conformistes ouvre la voie vers une mode réfléchie et conceptualisée. Leurs modèles vont à l’encontre de la mode occidentale, qui cherche, elle, à dessiner le corps. Ils redéfinissent les limites de la mode en procédant à l’inverse des méthodes traditionnelles de couture pour donner naissance à de nouveaux types de vêtements. Ils cherchent à exprimer la dissonance entre le corps et la forme du vêtement. De cet essor, découlera un mode de pensée poussé vers la réflexion, la plastique, et l’avenir. Bien des années plus tard, on se rendra compte que ces précurseurs avant-gardistes étaient à l’origine d’une école de pensée qui continue aujourd’hui à faire évoluer leur travail dans tout l’univers mode. Dans les années 90, l'Anti-fashion est mieux connue sous le nom d'Avant-Garde. Les rangs des créateurs sont propulsés dans un mouvement d’Avant-Garde de plus en plus radicale. Rei Kawakubo dessine des silhouettes contraignantes en s'interrogeant sur les critères traditionnels de beauté. Le mouvement Anti-fashion se poursuit au cours du millénaire avec une nouvelle influence: le Minimalisme. Ce mouvement s'affirme de plus en plus et l'industrie de la mode est déboussolée à cause de l’arrivée de grands créateurs qui sidèrent la planète mode avec leurs vêtements et leurs partis pris. En tête d'affiche, le créateur Martin Margiela, reconnu pour sa vision particulière et son intérêt pour la plastique du vêtement lui-même. Avec son goût pour le recyclage, il introduit pour la première fois l'Arte Povera à l’univers mode. Un parallèle est établi avec l'Art Contemporain lorsque Margiela lance des « happenings » pour remplacer les défilés. Dans les années nonante, même le marché de masse a suivi ce mouvement Avant-gardiste. Helmut Lang fait une nouvelle impression avec sa vision du «Less is more». Il était inspiré par l'architecture, l'Expressionnisme allemand et le Bauhaus. Avec ces influences, il introduit des vêtements simplifiés et modifiés en revisitant les codes existants et en utilisant du plastique, du caoutchouc et de nouveaux tissus, donnant une autre dimension à ses collections. Jil Sander a pris le même chemin en insistant sur le style masculin - féminin. Elle a apporté la femme de pouvoir sur les podiums. Cette femme s'habille comme un homme, mais avec des tissus luxueux. L'arrivée de Raf Simons chez Jil Sander fut le début d'une obsession de la mode masculine et des codes vestimentaires d'une jeunesse rebelle. Il a introduit un style révolutionnaire en lançant la tendance d'un homme pâle et maigre que nous continuons à voir aujourd'hui. A la fin des années nonante, Hussein Chalayan suit lui aussi le mouvement Anti-fashion, en introduisant des expérimentations et des spectacles engagés politiquement. Dans les années deux-mille, la pression économique et la demande sur le marché de masse sont trop importantes et les designers Anti-fashion deviennent moins indépendants car ils commencent à travailler pour de grands groupes tels que Prada et LVMH. Il devient de plus en plus difficile de suivre le mouvement Anti-fashion. Ann Demeuluser, une designer Anti-fashion, est l'une des rares à travailler encore pour sa propre marque. Elle n'a jamais pensé à l'argent. Son véritable souhait était et sera toujours le souci de rendre le monde plus beau. Cependant, on voit aujourd’hui d'autres mouvements et des designers issus de grandes écoles d’art qui se sentent toujours concernés par le mouvement conscient de l'Anti-fashion. De plus, les gens sont particulièrement préoccupés par les dérives de l'industrie de la mode. C'est pourquoi les gens réagissent et commencent à parler de «mode lente». De la même manière que l'Anti-fashion, la mode lente révèle un profond désir de retour à l’essentiel. La mode lente ou la slow fashion prend comme point de départ le «Slow Food» mouvement initié dans les années quatre-vingt, en réaction à la «malbouffe» de l'industrie du fast-food porté par MacDonald. Cette mode dite lente serait une nouvelle façon de consommer la mode actuelle. Au lieu de multiplier les achats de vêtements standardisés et pas chers, nous nous tournerions plus volontiers vers des articles de base, de bonne qualité et de style intemporel. Elle sensibilise le consommateur à l'éthique et au commerce équitable. La success story Anti-fashion a inspiré les nouveaux designers et même les célébrités de l’univers musical qui ont commencé leur révolution contre la mode. Prenons par exemple, le sixième album solo de Kanye West "Yeezus". A travers ses chansons, il a voulu mettre en avant


tra -duction une sorte de dégoût du prestigieux monde de la Haute Couture. Apparemment, son passé avec l'industrie de la mode lui aurait laissé un goût amer. Les paroles parfois colériques, font référence à certains créateurs (dont on ne connaît pas l’identité) mais aussi des allusions au racisme institutionnalisé par l'industrie de la mode. L’Antifashion, cette sphère d'influence qui a marqué l’évolution de la mode et qui a fait changé les mœurs des plus grands, continue de révolutionner et de faire évoluer le monde de la mode à ce jour. Les écoles d'Art Contemporain dans toute l'Europe et dans le reste du monde tentent de soutenir une appréhension critique du monde actuel en laissant les futurs designers tester et laisser libre cours à leur esprit conceptuel en intégrant les aspects graves de notre monde.

LARA JENSEN / 170 Le diable du détail: TRIBU interviewe la modiste Lara Jensen Le caractère des habitants de ma petite ville d'origine, Kingston-upon-Hull, dans le comté de East Yorkshire, différent. Effrontés, sympathiques et surtout, de bonne humeur - nombre de stéréotypes positifs que l'on associe au Nord de l'Angleterre sont toujours bien présents. C'est une ville rassurante qui combat la fade homogénéité méridionale avec la pinte de bière, les inscriptions et un accent unique à couper au couteau. Je suis fière d'affirmer que j'ai toujours cet accent. J'éprouve énormément d'amour pour cette région accidentée du monde, mais sa mentalité rurale et la malheureuse absence d'opportunités incitent beaucoup à partir à Londres - où le cercle de natifs de Hull demeure toujours en contact. Il y a quelques années j'ai été contactée par une ancienne connaissance: Lara Jensen. Autrefois camarade de classe de ma cousine et désormais modiste, c'est une étoile montante dans le monde de la haute couture. Pendant plusieurs années j'avais passé ses travaux au crible et étais particulièrement attirée par son mélange particulier du macabre et du magnifique. Il était clair qu'une interview auprès du magazine TRIBU était un must. Nos fêtes et nos soirées dansantes de Hull sont déjà bien loin, mais les personnalités et les dispositions changent rarement et Lara a accepté que l'on renoue le contact à nouveau. Nous nous sommes mises d'accord pour nous rencontrer pour parler de Londres, de Lady Gaga et de la vie dans l'industrie de la mode. Bonjour concitoyenne de Hull, comment allez-vous aujourd'hui? Je vais très bien merci. Je suis juste très occupée à l'approche de la London Fashion Week. C'est toujours une période très occupée! Tout d'abord, pourquoi modiste? Est-ce que cela a toujours été une évidence ou les choses ont-elles été un peu plus progressives? J'ai toujours été passionnée par la mode - à la fois porter des vêtements et apprécier les créations de la mode à travers l'histoire et aujourd'hui. Cependant, devenir modiste est venu plutôt progressivement. Longtemps l'incertitude me rongeait quant à la manière dont mettre en œuvre mes compétences et ma créativité afin d'obtenir les meilleurs résultats. J'ai travaillé dans de nombreux domaines et étudié tout un éventail de sujets, notamment dans le secteur du film, des costumes et de l'art en tant que styliste, costumière et assistante de production. J'ai débuté dans le secteur du film après l'obtention de mon Baccalauréat ès Beaux Arts avec Mention, lorsqu'on m'a proposé une expérience professionnelle - utiliser mon approche de matières croisées pour réaliser des accessoires scéniques et des décors. Dans le cadre de ce travail, j'ai bâti un réseau d'autres jeunes stagiaires et l'un d'entre eux, qui étudiait la conception de costumes, m'a encouragée à contacter le London College of Fashion où un professeur a vu mon travail et m'a acceptée dans le cadre de son programme de Maîtrise. A partir de ce moment-là, j'ai rencontré des gens qui travaillaient dans le secteur de la mode et ai développé mon sens des accessoires et de la mode. Je n'ai jamais vraiment suivi de plan de carrière, me contentant simplement d'un effort progressif pour faire ce qui me rend heureuse, m'entourer de personnes intéressantes et créer les objets que j'aime. Cette année semble avoir été particulièrement chargée. Quand avez-vous réalisé que les choses commençaient vraiment à décoller? Ma collaboration avec Inbar Spector en 2012 fut immensément fructueuse. Elle m'a permis d'acquérir une plus grande visibilité et m'a fait connaître auprès des stylistes qui m'ont largement soutenue en me proposant des collaborations et des conseils. Ensuite, l'an passé, mon travail avec Lady Gaga et quelques autres marques et artistes sources d'inspiration, j'ai commencé à me rendre compte que les choses marchaient bien et que je devais continuer dans cette voie. Cette année j'ai également eu la chance que mes créations soient exposées aux côtés de celles de stylistes extraordinaires que j'admire depuis longtemps. Ceci aussi a été très marquant pour moi. Il ne fait aucun doute que vos créations comportent un aspect théâtral. Est-ce le signe d'un effort conscient pour retenir un élément du costume ou le concept de 'stylisme' est-il davantage un moteur pour vous? J'ai toujours été amoureuse de l'idée du spectacle dans le design, et plus particulièrement de la capacité qu'a le corps et son mouvement de positionnement à créer quelque chose au sein d'un vêtement. Ma formation de costumière me sera toujours utile. J'aime penser à la manière dont l'utilisateur se meut à l'intérieur d'un vêtement, comment la lumière l'affecte et l'effet que cela a sur le spectateur. C'est une manière très environnementale de considérer les vêtements. Tous les éléments sont pris en considération. C'est la raison pour laquelle, lorsque je conçois une œuvre, je dessine


avec une mise en scène à l'esprit, pas nécessairement un caractère, mais une histoire ou une apparence de présentation qui aidera à projeter la tenue au-delà d'un simple vêtement élégant, mais comme quelque chose qui possède un sens. Je vois les tenues abouties davantage comme des œuvres d'art que comme un costume ou un élément de mode. Parfois même le corps n'a aucune incidence sur le vêtement. La mode est une chose merveilleuse mais ma préoccupation principale est l'objet et non les tendances ou le fait que telle ou telle tenue soit considérée comme "à la mode", canonisée parmi les consommateurs d'objets design ou de biens de consommation, ou par un amateur de certains produits à la mode ou démographiques. Dans la mode, la meilleure chose est le talent, les détails et la beauté qui émanent de celle-ci. C'est quelque chose qui change toujours dans la conception des costumes. L'objectif du costume est d'exprimer un sentiment ou l'aspect de quelque chose, mais la mode et l'art sont bien plus réels. Laquelle de vos créations définit à elle seule votre esthétique? L'une d'entre elles crie-t-elle 'Lara Jensen' plus fort que les autres? Je dirai que la pièce de tête sur laquelle figurent deux geais et les pièces de bouche comportant des vers de ma collection Vanitas sont très proches de mon esthétique. J'ai de la considération pour la nature et le détail - une considération très sombre mais enracinée dans mon regard des beaux arts et des histoires. J'aime déranger légèrement le spectateur ou créer une atmosphère troublante que l'on ne rencontre pas souvent dans l'univers de la mode. J'aime la beauté étrange. Quelles ont été vos principales sources d'influence? Mes principales influences prennent toujours racine dans les beaux-arts. J'aime le travail de Francis Bacon, de Vermeer, de Caravaggio, de Goya; ces peintres expriment les éléments de la vie qui sont parfois plus sombres. Ce que j'aime, c'est qu'ils saisissent, dans leurs œuvres, un sentiment déconcertant. McQueen a fait la même chose dans la mode et j'essaie de saisir quelque chose de cette essence sombre dans mon œuvre. J'ai toujours agi de la sorte, avant mon entrée dans le monde de la mode, de la conception des costumes; je trouvais intéressantes l'aspect sombre des choses. Je suis également romantique, j'aime tant l'histoire, les histoires de lutte, de passion et de tragédie. Malgré tout ce que je dis, j'ai quand même réalisé un grand nombre de créations très joyeuses ces dernières saisons. Y a-t-il eu un moment exceptionnel dans votre carrière jusqu'à Avez-vous un collaborateur/trice favori? Je continue à penser que c'était l'un de mes tout premiers chapeaux que j'avais fabriqués pour une commande de Karl Lagerfeld dans le cadre du Calendrier Pirelli 2011. Il est pour moi une icone de la mode. Tant d'autres stylistes et artistes, même mes plus grands clients, ont énormément de respect pour lui. Je ne peux donc pas actuellement faire mieux que lui. Que peut-on attendre pour la saison prochaine? Quelque chose d'extrêmement mignon je pense! Je travaille à nouveau en collaboration avec la conceptrice tricots Ekaterina Kukhereva. Vous allez donc devoir attendre pour voir ce que je vais imaginer après avoir examiné ses tricots pendant si longtemps. C'est une collègue adorable qui accepte tout à fait mes idées et mes réponses à son travail. Quelles difficultés avez-vous dû affronter au cours de votre carrière? Ces difficultés sont-elles toujours présentes? Je pense que les finances et le support sont toujours difficiles à obtenir. Réussir à trouver l'équilibre entre la création des pièces que vous souhaitez et le travail que vous devez réaliser pour survivre et gagner votre vie est toujours difficile, notamment lorsque, comme moi, vous êtes mus par la volonté de créer des pièces dont la production en masse est particulièrement accessible et qui se portent facilement. J'essaie de faire en sorte que mes préoccupations financières ne limitent pas trop mon imagination. Les finances bien pensées sur le plan professionnel affectent l'intégralité des choix d'un individu. Pendant très longtemps j'ai effectué des stages non rémunérés pour essayer de joindre les deux bouts ici et là grâce à de petits boulots et autres. J'ai vraiment eu de la chance de pouvoir m'en sortir comme ca pendant tout ce temps. Certaines personnes ne peuvent pas le faire mais je suis très déterminée. Sans ordre particulier, quels sont les trois mots qui vous résument? Patiente, passionnée et intelligente. Et enfin, quelle est votre capitale de la mode préférée? Londres. J'ai très peu d'expérience des autres capitales de la mode, mais je suis très fière d'être britannique et apprécie que l'industrie du design ici fait preuve d'une attitude très accueillante vis-à-vis des nouvelles idées et de la liberté créatrice - une attitude inégalée à travers le monde, me disent bien d'autres. C'est en effet un excellent choix. La beauté du travail de Lara Jensen émane de son refus de raréfier ses créations et se conforme à une esthétique de design à l'identité créative claire. Depuis, les fans fidèles ont suivi. Au cours de l'interview, Lara est sollicitée pour aller vérifier l'imperméabilité d'un vêtement: Lady Gaga a émis une demande et, à juste titre, celle-ci doit être satisfaite. Une telle base de clients témoigne remarquablement du travail réalisé par cette modiste en plein essor. Nous sommes fascinés non seulement par ses créations mais par ses manières. Chaque création que j'ai vue comporte toujours une forte influence personnelle qui pourrait expliquer partiellement le succès de Lara jusqu'à présent. On peut deviner à l'évidence qu'il ne s'agit-là que du début.


tra -duction LOÏC PRIGENT "Le Jour d'Avant" / 176 On oublie bien souvent l’importance d’une musique, d’un montage ou d’une voix off lorsqu’on regarde des émissions ou des documentaires. Derrière ces voix off se cachent très souvent des personnes de talent qui apportent le petit plus à l’émission. C’est le cas de Loïc Prigent, journaliste, réalisateur, directeur et voix off de films documentaires comme « Le Jour d’avant » ou encore «  Habillés pour l’hiver ou l’été ( selon la saison) » aux côtés de Mademoiselle Agnès, chroniqueuse, sur Arte. Loïc Prigent est né en 1973, en Bretagne, France. Il a réalisé de nombreux rapports aussi bien que des documentaires. Avant ses célèbres documentaires mode, il a exploré d'autres sujets. Comme "La vraie vie des Blondes", où il déchiffre le fait d’être une blonde dans notre société d’aujourd’hui. Son ton est franc et drôle mais c'est un sujet sérieux qui a mérité un grand nombre d'études, aussi social que stylistique. Loïc Prigent est devenu particulièrement célèbre pour sa réalisation de deux films documentaires, « Marc Jacobs et Louis Vuitton » ainsi que «  Signé Chanel » où il dessine le portrait de deux renoms de la mode avec brio. Ces deux documentaires permettent aux spectateurs d'avoir un aperçu du monde de la mode et du processus créatif jusqu’aux confidences du designer. Nous découvrons les secrets de développement d'une collection et son organisation. Dans les deux documentaires, ils partagent leur univers sans secret. Le but est de montrer tous les détails plutôt que d’inspirer la curiosité des gens. En rendant public le privé, les marques renforcent la personnalité de leur image. Le but de Loïc Prigent est de montrer la création d'une collection de designer du début jusqu'à la fin, afin de mettre en avant tous les gens qui participent au processus de création. Tout le monde dans l'industrie de la mode apprécie ce que Loïc Prigent fait, à un tel point, que même les plus grands noms de la mode en redemandent. Ils se sentent à l’aise avec lui et apprécient sa capacité à analyser ce milieu si particulier. Son approche n’est pas celle d’un journaliste de mode et c’est ça qui le différentie des autres. Il a une approche sincère lorsqu’il parle de ce milieu. De "Libération" à "Canal +" ce Breton de 40 ans, fasciné par l'hystérie du monde de la mode, est certainement un des seuls, jusqu'à présent, à pouvoir déchiffrer cet univers avec humour et satire Dans "Le jour d’avant", il nous plonge dans l'euphorie du monde de la mode, chez quatre créateurs différents, le jour avant leur défilé. La caméra de Loïc Prigent poursuit les designers et leurs caprices, avec un ton ironique, mais jamais dépourvu de tendresse. Ce Geek branché, très cultivé et plein de références philosophiques et filmographiques, apporte cette approche différente et plus intellectuelle à l'univers de la mode. En effet, il est typiquement le genre de personne que nous voulons écouter même si nous ne sommes pas fascinés par la mode. Il a une distance, une ironie qui fait que ses documentaires sont uniques. Il sait installer un climat de confiance avec les plus grands créateurs. Et nous le sentons. Cela semble parfois impossible dans un monde quelque peu hypocrite comme celui-ci alors nous en profitons et nous savourons. En 2010, il a proposé sa première exposition sur le dressing d’un homme à Paris. Avec « L’homme » de Loïc Prigent, il fit sa première introduction dans le monde de la mode masculine. Pendant cette exposition, divers courts-métrages ont été présentés et une bibliothèque éphémère a été installée pour l’occasion. En attendant ses prochaines réalisations, on peut découvrir une partie de lui en le suivant sur Twitter. Il fait souvent parler de lui grâce à ses tweets hilarants pendant les fashion weeks.

SWISS FASHION REVOLUTION / 180 Nous ne pensons jamais à la Suisse comme une pays de la mode mais pourtant celle-ci a été de plus en plus mise en avant sur la scène internationale grâce à ses tissus, ses écoles et ses designers. Pendant plus d’un siècle, la Suisse était reconnu pour sa dentelle de Saint-Gall et de Gruyère, deux régions de Suisse. Saint-Gall apparaissait comme une métropole textile et est devenue connue dans le monde entier pour sa broderie délicate. En conséquence, le pays a joui d’une excellente réputation à l'échelle internationale et a été approché par la grande marque de l'industrie du vêtement. Depuis, beaucoup d’entreprises locales de textiles se sont développées dans ces régions. Par exemple, «Bischoff Textil», «Forster Rohner» et «Jakob Schlaepfer» sont des fabricants novateurs dans notre pays qui continuent à fournir à d’importantes maisons de couture. Une société plus spécialisée nommée « Schoeller » est une des entreprises principales dans le domaine du textile novateur. L’entreprise travaille pour l’international, spécialement dans le développement et la fabrication de tissus fonctionnels et des technologies textiles pour le domaine du sport, de la mode ou des vêtements de travail. Schoeller a plus de 100 ans d’expérience. Leur réputation est internationale et de nombreux designers indépendants se fournissent chez eux.


Indépendamment de ça, dans les années 70, une nouvelle marque suisse est née : Bally, créa des vêtements pour la première fois. Ce fût un grand challenge pour une petite entreprise de chaussures. Plus tard, une autre marque suisse, Akris, se distingue rapidement sur la scène internationale dans l’industrie du prêt-à-porter. La marque s’est crée sa propre réputation dans un monde extrêmement compétitif. Tout deux se sont développés à travers le monde. Dorénavant, ils font partis des marques de référence qui défilent durant les Fashion Weeks au côté d’autres marques internationales. Depuis quelques années, deux villes, Bâle et Genève ont développé la mode à un niveau universitaire en introduisant une formation de Fashion Design. Ces formations spécialisées sont basées sur un travail de recherche ainsi que du travail théorique. Les étudiants sont amenés à développer leur créativité grâce à différents workshops dirigés par d’importants intervenants internationaux. A travers ces cours, ils gardent à l’esprit la perpétuelle question du concept, ceci en gardant une très bonne connaissance du vêtement et faisant une réflexion sur l'univers visuel et esthétique de leur collection. Cette année, durant l’annuel défilé de la HEAD, les étudiants nous ont surpris avec leurs travaux imaginatifs et conceptuels, qui s’est avéré être extrêmement diversifié et créatifs. Les quinze étudiants ont beaucoup travaillés sur les imprimés, les formes ainsi que sur les textures. A ce moment-là, nous réalisons que ce sont véritablement les futurs talents de la mode. Au regard de ce défilé, les étudiants suisses des écoles de designs n’ont rien à envier aux plus grandes écoles européennes de mode car  they punch above their weight by distinguishing themselves during international competitions. A noter que la plupart des diplômés de la HEAD Genève partent à l’étranger afin de poursuivre leur carrière dans de grandes maisons de prêt-à-porter. La preuve est que de nombreux talentueux designers établis sortent de la HEAD Genève ou de la Basel School of Design. Récemment, deux étudiantes suisses de la HEAD ont été présentées au Festival International de Photographie et de Mode de Hyères. Une d’elle a même reçu un prix spécial de la marque française, Céline. Actuellement, nous entendons de plus en plus parler de mode en Suisse. La mode suisse est en pleine ébullition et de nouveaux événements essaient de mettre en avant nos designers suisses. En octobre, « Mode Suisse » et le « Showroom Edelweiss » se sont déroulés en même temps, créant ainsi une sorte de Suisse fashion week-end. Durant ce week-end, différents endroits ont accueilli des défilés et des showrooms. Ainsi, beaucoup de designers suisses ont été présentés au public. Le premier événement, "Mode Suisse" est un événement rassemblant beaucoup de designers suisses. Le but est de promouvoir de nouveaux jeunes designers mais aussi de montrer le niveau des plus établis. Pendant cet événement, les fondateurs, Yannick Aellen et Ursina Widmer veulent montrer et vendre la mode suisse. Un défilé regroupant tous les designers représentés a lieu le soir pour les professionnels. Pendant la journée, les gens qui aiment la mode et aussi les curieux peuvent découvrir les collections de nombreux designers suisses dans une atmosphère détendue, en marchant au milieu des stender. " Nous ne voulions pas organiser un événement où l’on voit simplement de jolies créations. Ce qui nous intéresse, c'est la continuité ", insiste Yannick Aellen. « Mode Suisse n’est donc pas non plus un événement glamour où les célébrités viennent boire du champagne, mais c’est une plateforme destinée à réunir les créateurs et les acheteurs sur le marché suisse. » Le deuxième, un événement genevois, est le «  Showroom Edelweiss  » qui accueille d'autres designers suisses un cadre totalement différent. Dans un hôtel, chaque chambre est utilisée par deux designers différents. Ouvert au public plusieurs jours, le showroom a pour but d'être amicale et plein de surprises. Nous pouvons acheter et découvrir les collections de plus de quarante labels de mode, des bijoux et des accessoires. Durant le même événement, l'annuel "Prix Lily" met à la compétition plusieurs designers suisses devant un jury de professionnels du monde de la mode. Certes, de nouveaux événements sont créés mais il serait nécessaire d'avoir plus pour montrer le véritable potentiel de la mode suisse. Le temps où Heidi et l'Edelweiss représentaient la Suisse est très loin. Maintenant, c'est dans l'univers contemporain et multiculturel que les jeunes suisses se développent et créent. Pour la preuve, de jeunes designers repoussent les conventions et essayent d'expérimenter de nouvelles créations.

JEREMY GAILLARD "Promising Young Fashion Designer" / 248 Depuis le défilé de la HEAD et la présentation des Bachelor 2013, on entend beaucoup parler de Jérémy Gaillard. Ce jeune homme a créé l’événement autour de sa collection «I heard about a shell who wanted to be a molt». Celle-ci reflète très bien l’état d’esprit du jeune étudiant. Sa collection constituée de sept pièces a épaté tout le monde grâce à une grande maîtrise, que ce soit sur le travail de coupe ou sur les matières. Ses vêtements exclusivement noir et blanc, sont élégants et nous plongent dans un univers rempli de poésie et de délicatesse. Cette collection nous montre l’énorme talent et maturité artistique de ce jeune homme de seulement 23 ans. Pour en arriver là, il s’est plongé corps et âme dans la réalisation de sa collection qui lui a demandé énormément de temps dû à la complexité des pièces, mais également à son esprit perfectionniste. C’est les planches anatomiques de Léonard de Vinci ainsi que diverses représentation anatomiques du 18ème siècle, qui ont été les éléments déclencheurs pour sa collection de Bachelor de Jérémy Gaillard. Ensuite il a voulu étendre les éléments du corps cartographiés aux patrons ultra simplifiés de la veste ou du manteau, afin de les rendre le plus


tra -duction épuré possible. Comme il le dit si bien, cette collection est une quête de la représentation du corps et sa transposition dans les vêtements. Son travail traite également des obsessions et des fascinations. C’est pourquoi il a utilisé l’image fantasmée de la Haute Couture et de l’image qu’il s’en fait. Il a ensuite utilisé certains de ces codes comme base afin de les radicaliser et pour ensuite se les approprier. C’est ce caractère audacieux et original qui fait toute la beauté de cette collection dont on ne se lasse jamais de la regarder. Chacune des pièces est une véritable œuvre d’art. Tous ses efforts ont payés et lui ont valu d’être le lauréat au «Prix Head Bon Génie » ainsi que du prestigieux «Prix d’Excellence de la Fondation Hans Wilsdorf ». Malgré ses multiples succès Jérémy Gaillard reste humble face à tout ceci ; il voit ces prix comme une chance extraordinaire ainsi qu’un encouragement pour la suite de sa carrière. Le fait que les deux prix ont été exceptionnellement attribués au même étudiant démontre l’immense succès de cette collection. Pourtant, ce qui a été le plus important et le plus touchant pour le jeune homme, ce sont les nombreuses réactions du public enthousiaste. Grâce aux nombreuses opportunités qu’il a eu de présenter ses pièces, Jérémy Gaillard a rencontré beaucoup de gens qui lui ont prouvé qu’il avait réussi à les toucher grâce à son travail. Pour lui, c’est la plus belle des récompenses. Malgré son aspect timide au premier abord, Jérémy Gaillard sait exactement ce qu’il veut et est très exigeant. C’est grâce à la sculpture qu’il a commencé à s’intéresser au vêtement, tout d’abord en tant que sculpture mobile, presque vivante. Cette influence se ressent encore maintenant dans sa démarche de travail qui se fait directement en trois dimensions mais aussi, par sa manière de vouloir architecturer ses pièces. Il n'y a donc pas de jolie petite histoire sur des soeurs que qu’il aurait aimé habiller, mais plutôt la découverte du médium idéal pour s’exprimer. Tout au long de son parcours à la HEAD Genève, il s’est démarqué par un travail précis et une agilité à manier les divers matériaux. Chacun des vêtements qu’il conçoit est une réalisation alliant une parfaite maîtrise des proportions, de la coupe et des finitions. C’est sans grande surprise, que Jérémy Gaillard est parti à Paris pour poursuivre son parcours. De plus, c’est chez la célèbre maison de couture, le studio Balmain qu’il entame un stage de six mois pour ses premiers pas en tant que jeune diplômé en fashion design. Le jeune homme a décidé de prendre une année afin de travailler sur le terrain pour différents grands noms de la mode avant de finaliser sa formation par un master. Ayant déjà fait un stage chez Balenciaga, Jérémy Gaillard espère continuer par un stage chez Hermès ou chez Dior afin d’élargir ses expériences professionnelles et de travailler pour différents créateurs. Son but est avant tout d’apprendre le plus possible. En parallèle, le jeune diplômé prépare des dossiers pour divers concours afin de présenter ses travaux à un niveau plus international. Et qui sait, éventuellement ajouter de nouveaux prix à son palmarès. En tout cas, c’est tout ce qu’on peut souhaiter à ce jeune homme talentueux qui n’aura de cesse de nous étonner par ses travaux de haute qualité.

CARTIER GENEVA GRAND REOPENING / 264 Quels sont les motifs qui ont poussé la maison Cartier à renouveler ses locaux à Genève ? Le premier motif est principalement les clients. Nous avons cette volonté de servir la clientèle de la manière la plus appropriée en leur offrant un service à la hauteur de leurs attentes. Le renouvellement de la boutique Cartier est un projet qui a été initié il y a plusieurs années. Il s’est fait en plusieurs étapes avec comme dernière étape la réouverture de la boutique Cartier le 6 novembre dernier. Nous avons triplé la surface de vente, en passant d’une boutique de 166m2 à une boutique de 715m2. Il y a à la fois cette volonté d’avoir une boutique majestueuse et en même temps de conserver cette intimité propre aux joailliers que nous sommes. Le but était de réunir les conditions les plus favorables pour une clientèle de plus en plus exigeante. Nous sommes fiers de présenter cette nouvelle boutique. La qualité des matériaux, des finitions ainsi que l’investissement en travail et en équipe. Ce projet a été la concentration d’un savoir-faire et d’experts assez extraordinaires. Comment l’architecte a-t-il été choisi ? L’architecte du concept, Monsieur Bruno Moinard a fait le design des boutiques Cartier avec une adaptation particulière pour la boutique de Genève car elle est unique de part ses salons, son mobilier et le nombre de pièces de Haute Joaillerie. Ensuite il y a toute une autre équipe, composée d’un architecte d’application, d’un conducteur de travaux ainsi que des groupes Cartier International et Cartier Suisse. Ce fût un énorme travail pour mener à bien ce chantier qui a été réalisé en très peu de mois. Le choix de renouveler la boutique à Genève, n’était-ce pas un désir d’être à l’égal des boutiques spectaculaires en Asie ? C’était surtout un désir d’offrir à notre clientèle une boutique à la hauteur de ses attentes. A la fois dans le service d’acquisition des créations Cartier mais aussi dans le traitement du service après vente avec une exigence de reparabilité à vie. Quelle sera l’évolution pour la maison Cartier dans les années à venir ? L’évolution de Cartier Suisse c’est une ambition. Il faut continuer à faire grandir la désirabilité de la maison auprès des clients. Avec un souci permanent de la clientèle car c’est elle qui fait le prestige et la réputation de la maison Cartier. Notre désir est de continuer le travail créatif. En effet, nous parlons de maison chez Cartier car chaque personne a sa TRIBU MAGAZINE - 393

part de contribution. Celle qui commence par dessiner la pièce en passant par l’ouvrier joaillier et l’horloger, qui eux mettent la pièce en volume, jusqu’au vendeur qui permet au client d’acquérir la pièce. Comment avez vous su gérer la transition durant les travaux ? Pendant les travaux, nous avions une boutique temporaire au 2ème étage du même bâtiment avec deux grooms à l’entrée pour accompagner la clientèle. Nos clients fidèles savaient où était la boutique. Ils ont été accueillis par la directrice et le directeur adjoint qui font, eux aussi, partie du succès de la boutique à Genève. Cependant, il est vrai que nous avons perdu de la visibilité sur la rue avec les clients de passage ou les gens qui se promènent sur la rue du Rhône. Ce sont des gens que nous sommes heureux aujourd’hui de retrouver. Quel a été le bilan de l’année 2013 ? L’ouverture de la nouvelle boutique Cartier en temps et en heure restera l’événement et le challenge marquant de cette année. Hormis ce nouvel écrin, nous avons aussi eu beaucoup d’évènements de Haute Joaillerie comme celui de Lisbonne avec des clients internationaux et une nouvelle collection de Haute Joaillerie. Le 2 décembre prochain, aura lieu à Paris, la soirée d’inauguration de l’exposition Cartier au Grand Palais. À partir du 4 décembre vous pourrez découvrir la plus grande exposition jamais organisée par Cartier, à la demande du Musée du Grand Palais. Cette exposition réunira plus de 600 créations avec des dessins d’archive. Dans la foulée, d’autres évènements, tels que le SIHH en janvier puis un événement autour du polo à Saint – Moritz avec Cartier comme sponsor. Quels sont les éléments majeurs apportés à la nouvelle maison Cartier qui font d’elle une nouvelle boutique d’exception ? Cartier est présent depuis 1970 à Genève. Sous le même toit on retrouve aujourd’hui la boutique et deux ateliers. Le premier est l’atelier du Croissant de Genève, qui est un test à la fois esthétique et technique du canton de Genève, où les montres de Haute Horlogerie sont assemblées et réglées. Ces montres sont marquées du Croissant de Genève, une preuve importante de qualité de Haute Horlogerie. Et enfin un atelier de restauration pour « Cartier traditions ». L’activité « Cartier Traditions » porte sur les ventes de vintage avant 1970. Ces deux ateliers ne se visitent pas ou peu car ils sont réservés à quelques VIP. Comment la maison arrive-t-elle à faire durer son image à travers le temps et les années ? En restant fidèle à elle-même, en protégeant et développant son savoir-faire. A la fois en horlogerie et en joaillerie, la maison Cartier protège des métiers d’art avec une école de joaillerie et des formations d’horlogerie. Cette volonté de faire perdurer des savoirs faire permet aujourd’hui à Cartier d’avoir des créations à renouvellement. La maison Cartier est fidele à ses valeurs. Pour nous en temps que responsable de filiale ou de marché, nous nous devons de protéger, de développer et de faire grandir le trésor que les anciens nous ont transmis. De cette façon, nous serons à notre tour fier de le transmettre aux générations suivantes avec une volonté de s’inscrire dans la durée. Le domaine de l’horlogerie a-t-il toujours de l’avenir ? Chez Cartier en Suisse nous croyons en l’avenir horloger. Dans la boutique à Genève, il y a 715 références exposées d’horlogerie ainsi que la collection de Haute Horlogerie. La maison a lancé deux « Concepts Watch », appelés « ID One » et « ID Two ». Les prouesses techniques de ces montres seront un jour réintégrées dans des montres qui seront proposées en boutique. Le but étant d’être pionnier dans la recherche et le développement. Quels sont les projets prévus en 2014 ? Ils arrivent en fonction des opportunités. Le premier est d’asseoir la boutique de Genève en Suisse et au niveau européen. Il y a aussi la volonté de renforcer notre notoriété notamment dans la partie suisse allemande.

PATUA JEWELS / 282 Patua est une ligne de bijoux fins, créée par deux amies qui souhaitaient partager leur passion pour les pierres précieuses et les bijoux. Elles avaient le désir de créer quelque chose qui reflèteraient leurs personnalités. Mariana, est née à Genève avec un héritage brésilien et portugais. Elle a acquis beaucoup d'expérience en travaillant pour un célèbre bijoutier et de prestigieuses maisons de vente aux enchères. Lalla est originaire de Milan. Sa famille a toujours été impliquée dans le marché des pierres précieuses et des perles depuis plus de trois générations. Elle a beaucoup voyagé et chaque culture qu'elle a découverte l'a inspirée dans la création de pièces exclusives pour son entreprise familiale. Patua signifie porte-bonheur en brésilien. Inspirés par la légende d’une déesse de la mer et protecrice des femmes, ces porte-bonheur sont représentés par différents symboles. Les femmes brésiliennes portent ces porte-bonheur parce qu’ils représentent des symboles éternels de la nature comme des plumes, des étoiles ou encore des fleurs. Pour Mariana et Lalla, ces derniers étaient plus particulièrement un signe de féminité, qu’elles voulaient partager avec toutes les femmes dans le monde.


tra -duction L’histoire Patua Jewels a commencé en Octobre 2012. Mariana et Lalla ont introduit pour la première fois des bijoux fins, délicats et sophistiqués. A travers leur collection, elles souhaitaient plus que tout, montrer la Grace et l’élégance féminine. Elles ont choisi les plumes comme élément représentatif et distinctif de la marque, pour leur légèreté, semblable à celle du titan. La femme Patua était née ; une femme gracieuse qui s’identifie à des symboles de protection. En effet, avec le désir d’exprimer leur propre style et créativité, elles ont introduit un nouveau concept. Une collection de bijoux colorés en titan. Sublimée de diamants et de pierres précieuses, la collection Patua est entièrement faite d’or et de titan. Leurs bijoux sont vraiment légers et très confortables à porter. Elles utilisent des diamants de très bonne qualité car elles veulent un produit final de haute qualité et d’une extrême brillance. Grâce à elles, il est aujourd’hui possible de porter des boucles d’oreille roses et des bracelets avec des étoiles bleues. A l’origine, le titan était utilisé exclusivement pour les domaines de l’industrie aérospatiale, de l’aviation et de la médecine. Le titan est un métal résistant mais extrêmement léger qui peut être teint en une variété de couleurs différentes grâce à un procédé d’anodisation. On utilise à présent le titan à un autre niveau ; pour des montres prestigieuses et pour la haute joaillerie par exemple. Lalla et Mariana avaient le désir d’introduire le titan dans la joaillerie de tous les jours parce que personne n’y avait pensé auparavant. Les bijoux Patua sont méticuleusement faits main dans leurs ateliers en Italie, où l’expérience et les technologies modernes redéfinissent la joaillerie comme un art innovateur. Elles dessinent les pièces ensemble et choisissent celles qui seront pour elles les « best-seller ». Lalla est en charge de la production en Italie pendant que Mariana s’occupe des affaires de la marque à Genève. Récemment, elles ont introduit une nouvelle ligne en céramique. Le titan peut être teint en différentes couleurs excepté en noir, c’est la raison pour laquelle elles souhaitaient se diversifier en laissant l’opportunité à leurs clientes de porter du noir. Mariana et Lalla ont développé leur collection pour toutes les femmes qui se reconnaissent à travers ces symboles élégants et féminins. Chaque pièce est exclusive et cela permet aux femmes de personnaliser leur choix de bijoux. Si vous êtes intéressées de découvrir leur univers délicat, leur showroom est à Genève, dans un magnifique appartement au style baroque. Elles organisent des ventes privées dans leur showroom, uniquement, car la marque ne possède pas de points de vente. Pour ceux qui le désirent, elles font également des rendez-vous individuels à Genève et à Milan. En attendant d’apprécier ces merveilleux bijoux en vrai, laissez vous tenter par la magie de ces magnifiques bijoux en images.

THE BIG-HEARTED BUSINESSMAN / 288 Qui êtes-vous Monsieur Chatila ? Je suis libanais d’origine et je vis à Genève depuis maintenant 1988. J’ai comme ncé à travailler avec mon père lorsque j’avais 19 ans dans le domaine des bijoux. J’ai travaillé avec lui jusqu’à l’âge de 32 ans et par la suite j’ai décidé de monter ma propre entreprise car je souhaitais lancer des activités diverses. Du domaine de l’immobilier à celui de l’art. Comment vous définissez-vous ? Un peu trop rapide et pas vraiment patient. Vous êtes un homme d’affaires très divers, la Joaillerie, l’immobilier, l’art, la santé. Avez-vous ressenti le besoin de vous détacher de l’entreprise familiale ? Non ça n’était pas vraiment une envie de me détacher du domaine familial mais plutôt un désir de faire quelque chose de différent. Lorsque je travaillais avec mon père, il avait sa manière de voir les choses et ayant évolué j’ai eu envie de voir les choses en tant qu’indépendant. Pourquoi avoir créé le groupe Rachaya Holding? Mon but était d’apprendre le plus d’activés possibles. Le fait d’être actif dans différents domaines me permet d’en apprendre tous les jours, de rencontrer des gens d’univers différents et de travailler en synergie avec différents groupes. Comment vous est venu l’idée de créer un bureau si atypique, beaucoup de gens se méprennent et pense qu’il s’agit d’une galerie d’art? Un jour je suis passé devant cet endroit par hasard avec mon architecte. Ils voulaient transformer ce lieu en sauna gay mais ils n’ont pas obtenu les financements de la banque. Lorsque j’ai vu les volumes je me suis dit que ce serait parfait pour inclure une partie de ma collection dans ce lieu. Le fait d’avoir toujours travaillé en boutique avec fenêtre sur rue, c’etait pour moi normal.


Il y a eu pendant plusieurs années un éléphant en vitrine, qui en était l’artiste et qu’est-t-il devenu? En effet, l’éléphant était devenu le symbole de cet endroit. Il a été réalisé par une artise indienne, Barthi kher. C’est une pièce assez représentative de l’Inde et de l’Asie. Cette pièce en résine représente un bébé éléphant qui dort. La symbolique de l’artiste était de dire que lorsqu’il allait grandir et se lever, on allait avoir peur de lui. J’ai été contacté par l’association, « Léonardo Dicaprio Foundation  » pour pouvoir le mettre dans une vente aux enchères et qu’une partie des bénéfices revienne à cette association. A travers la fondation Sesam, qui vous tient beaucoup à coeur, vous contribuez à venir en aide à votre prochain et réaliser leur rêve, leur projets. Comment décidez-vous où non de participer à un pro- jet plutôt qu’un autre? Au début, lorsque nous avons créé la fondation, c’était un peu vague. Mon premier but était de devenir plus organisé et plus structuré car une organisation a besoin d’efficacité. Au fur et à mesure des projets, on a remarqué qu’on avait beaucoup tendance à soutenir des projets sociaux, surtout en rapport avec les femmes et les enfants. Aujourd’hui nous aidons énormément d’associations locales, et comme ils sont prêts de nous, cela nous permet de pouvoir les visiter d’une manière régulière et de les aider en leur trouvant des financements autres par le biais de partenariats . Nous les aidons à faire fleurir des idées nouvelles pour qu’ils essaient d’améliorer leur manière de faire. Choisissez-vous, vous-même les œuvres qui se trouvent dans vos bureaux? Oui, c’est moi qui choisis les œuvres qui sont exposées dans mes bureaux. J’apprécie changer assez régulièrement les pièces exposées. Dans la mesure du possible, j’essaie de faire « tourner » ma collection, souvent à l’occasion d’une nouvelle acquisition. On a aussi appris que vous aviez commencé dans un premier temps avec votre pays d’origine, le Liban, dans quelles mesures ? La répartition des fonds se fait à 75 pour Genève et à 25 pour le Liban. Au Liban, on table sur les ophelinats ainsi que les écoles pour des bourses d’études puis à Genève c’est vraiment beaucoup plus dans le domaine du social. En Mars prochain vous êtes à la tête de la création d’un nouveau prix le « Quark » dans le domaine de l’art, pouvez - vous nous en dire un peu plus? Etant extrêment sensible à l’art, j’ai rencontré beaucoup de jeunes artistes qui cherchaient des financements et des sponsors. Ces artistes étaient également à la recherche de lieux où exposer. Ayant remarqué qu’il y avait vraiment une demande importante pour ça, on a décidé de créer un prix «  Quark ». La Fondation louera un lieu en payant tous les frais et en engageant à mi-temps une curratrice qui sera là pour aider ces artistes. Trois fois par an, il y aura trois artistes différents qui exposeront leurs œuvres. Cela leur servira de tremplin pour la suite et leur premettra d’apprendre plus en détails quelles sont les relations avec une curratrice, une galerie et le public. Le jury sera assez varié. Chaque personne qui représente l’art et la culture d’une facon différente sera représentée dans ce jury. En discutant avec les membres de votre équipe nous avons découvert que vous ne possédiez pas de bureau, uniquement votre téléphone, comme le représente cette photo sensée être la Sainte Scène. Comment faites-vous? Et qu’avez-vous ressenti lorsque vous vous êtes vu représenté de cette manière? Je suis tout le temps au téléphone et comme je tiens très peu en place je préfère téléphoner en marchant. Je travaille sans bureau vu que j’aime beaucoup déléguer, je n’ai donc pas besoin de papier devant moi. Si je dois discuter avec quelqu’un on va en salle de conférence.

METROPOLIS7 / 294 Pourriez-vous m'expliquer comment vous avez décidé de créer Métropolis 7 et pourquoi ? C'est une histoire drôle parce que c'est une situation réelle, un vrai cas. J'ai une autre entreprise, qui s’appelle Creatives, qui est établie à Genève depuis quelques années. Nos bureaux n'étaient pas situés au centre ville. Chaque fois que nous avions une réunion au centre ville de Genève nous devions chercher un lieu. Nous recherchions un endroit glamour, design et nous n’en trouvions pas. Lorsque nous trouvions quelque chose c’était très souvent un hôtel, c'était très cher et compliqué de partager cet espace. Après beaucoup de recherches, j’ai discuté avec d’autres personnes et on s’est rendu compte qu’ils avaient les mêmes besoins en travaillant dans d’autres pays. J'ai longtemps travaillé à Berlin, une ville qui comprend beaucoup de business centers. J’ai donc décidé d’en ouvrir un à Genève qui serait différent. En effet, il est à présent un des premiers au monde, à avoir un côté très artistique et design. C'est un centre d'affaires design. Pourquoi Genève ? Nous avions notre business basé à Genève et j’ai toujours trouvé qu’il y avait un fort potentiel dans cette ville. Nous


tra -duction avons une grande communauté d'expatriés et une communauté internationale très importante. Ces gens sont à la recherche de cette sorte d'ambiance funky qu'ils trouvent dans les grandes villes d’Europe comme Berlin, Londres et de l’autre côté de l’océan, à New York. Tout le monde est à Genève mais il est difficile de trouver ce genre d’endroits. Il n’y en a pas beaucoup et ils sont durs à trouver. C’est pourquoi nous avons voulu créer un lieu pour célébrer les modèles des grandes villes qui porte aujourd’hui le nom de Metropolis. Comment avez-vous trouvé cet immeuble ? J’avais ce bâtiment à l’esprit depuis plusieurs années pour son architecture. C'est un bâtiment très spécial, l’une des plus belles constructions de Genève. Il est reconnu pour être un des immeubles les plus spéciaux à Genève. C’est une construction historique et protégée en Europe. Cet immeuble de type Art Déco est reconnu en Suisse et a été rénové au début de l’année 2013. Ce fût une immense opportunité pour nous, car mon entreprise de design a pu refaire l'intérieur. Cette "Maison des Paons", est une institution à Genève, tout le monde la connaît. Le bâtiment n’attendait plus qu’un espace qui célèbrerait l’emplacement et l’architecture de ce lieu. Avant notre business center, le propriétaire a rejeté beaucoup de propositions et a finalement aimé notre idée de business center et tout s’est parfaitement accordé. Est-il difficile d'avoir des membres qui viennent travailler au business center? Non ça n’est pas difficile. Nous avons eu de très bonnes réactions à Genève, beaucoup de monde s’y est intéressé. Pour les nouveaux business c’est une belle opportunité. Ils sont flexibles et c’est un bon moyen d’économiser de l’argent en ne payant pas de loyer fixe. A Genève les bureaux sont très chers pour des professionnels, il est donc plus facile pour eux, au départ, d’intégrer un espace tel que le Metropolis 7. Pour les entreprises classiques qui ont besoin de locaux et de matériel, pour eux c’est un peu plus difficile de s’adapter à un espace comme celui-ci. Notre cible n'est pas une ces entreprises, mais plutôt la génération moderne, celle qui est habituée à travailler en open space et sur un ordinateur portable. Nous voyons qu'au Metropolis 7 des artistes sont exposés dans le business center. Comment réussissez-vous à trouver ces artistes, comment vous les choisissez, comment vous choisissez les workshops? Nous avons deux ou trois courants différents au Métropolis 7, un vous avez mentionné : l’adhésion. L'espace coworking pour les professionnels qui viennent de n'importe quelles industries sont en droit d’utiliser l'espace libre ou privé. Nous avons également les artistes et les expositions que nous changeons chaque mois afin de garder un espace très inspirant et intéressant. C'est une mise en place différente pour nos membres et leurs clients. Pour les artistes, c’est très intéressant car on leur garanti une visibilité. Ils ne resteront pas morts dans une galerie qui peut rester vide pendant des semaines d’affilée. Au Métropolis 7, les gens remarquent leur travail. Nous avons ces grandes fenêtres ouvertes sur l'extérieur et les gens s’arrêtent tout le temps pour regarder à l’intérieur. La façon dont nous choisissons les artistes est basée sur nos connaissances personnelles. Beaucoup d'artistes ont entendu parler de nous et viennent nous présenter leur travail. Ensuite, nous essayons de faire une sélection basée sur le public que nous avons. Nous essayons de changer de thème en passant par la photographie, le montage, les textures graphiques ou encore les peintures. Nous avons déjà un programme varié jusqu’en février. Nous essayons de changer et de faire bon usage de la visibilité que nous avons ici. Pour finir, comme troisième courant, nous avons les workshops qui sont basés sur la santé, le business et l'art. Ainsi, nous essayons de nous organiser autour de ces quatre piliers. Cela signifie que parfois en fin de journée nous avons des apéritifs avec des formateurs sur des thèmes spécifiques. Tout ceci est pour les personnes membres et les non-membres. Dans cet atelier, nous avons un évènement que nous faisons chaque mois qui est l'événement communautaire. Lors de cette activité nous essayons de rendre un service à Genève. Nous essayons de choisir un thème important durant le mois en construisant quelque chose qui ajoute de la valeur au public de Genève et à la communauté. Par exemple, le mois prochain, nous allons organiser un évènement pour la préparation de la Course de l'Escalade. Des experts seront présents pour nous parler de la nutrition et de la préparation physique que requiert cet événement sportif. De plus, nous ferons également un "échauffement" avant la course avec des professionnels. C'est un service que nous essayons de fournir chaque mois pour rester intégrés dans la communauté et c’est une façon de les remercier de nous recevoir aussi bien. Pouvez-vous nous dire quel type de société est intéressé par organiser des événements au Metropolis 7 ? Le plus grandes sociétés de Genève, les grandes multinationales. Nous avons une des plus grandes ici demain. Elle a réservé tout l'espace pour qu’ils puissent l’utiliser pour le des exercices de développement de l'esprit d'équipe mais aussi pour des célébrations et pour le déjeuner privé. De nouvelles sociétés émergentes sont également intéressées par l’utilisation de l’espace pour des présentations de produit et des conférences de presse au marché sur Genève et la France. En réalité nous lançons une nouvelle initiative car nous nous sommes rendus compte que nous avons cette capacité d’être une vitrine pour de nouvelles sociétés. Nous voudrions faire des partenariats avec des marques internationales de luxe mais qui ne sont pas représentées en Suisse. Et ainsi organiser quelques ventes privées à Genève afin de tester le marché. C'est une bonne manière de voir si ils pourraient venir d’implanter et investir sur le marché genevois. Nous allons travailler avec des marques de luxe en Amérique, en Asie, à travers le monde entier afin qu’ils puissent venir et que nous leur organisions des soirées spéciales. TRIBU MAGAZINE - 397

DESIGN SWISS PRICE AWARDS "Exhibition from 02.11.2013 to 26.01.2014" / 304

ALPA 12 FPS ALPA Capaul & Weber AG Propriétaire et développeur / Créateurs: Thomas Weber, André Oldani, Ursula Capaul L’ALPA 12 FPS (Focal Plane Shutter) confirme et renforce l’excellente réputation dont jouit cette marque suisse légendaire auprès des professionnels et d’un petit groupe de connaisseurs et d’amateurs. C’est d’une part la pièce maîtresse d’un appareil photo autonome lorsqu’il est associé à un dos, un objectif et les adaptateurs adéquats. Il fait, d’autre part, en même temps office de module de fermeture lorsqu’il est employé avec un autre appareil ALPA 12. De cette manière, il est possible d’utiliser des milliers d’objectifs, nouveaux et anciens, de nombreuses marques de fabrication de matériel optique. En un mot: un produit parfaitement réussi, du meilleur design industriel suisse. PRIX DE DESIGN INTERIEUR PFISTER ETAGE REGAL Étagère «ETAGE» Design Moritz Schmid Röthlisberger Kollektion Le meuble ETAGE, entièrement fabriqué en bois, peut être décrit comme un croisement entre une étagère et un meuble bas. A vrai dire, la particularité de ce meuble est son enveloppe fabriquée en bois contreplaqué pressé qui dissimule constamment un segment horizontal de la structure. Cette enveloppe peut être déplacée vers le haut ou vers le bas et bloquée dans différentes positions à l’aide d’un élément coulissant le long des supports qui servent de glissières. Des plateaux et serrelivres amovibles renforcent la fonctionnalité de ce meuble de rangement polyvalent. Par ailleurs, ce meuble aux possibilités d’utilisation multiples peut également être considéré comme un parfait exemple de la qualité de l’ébénisterie contemporaine suisse. PRIX DU DESIGN TEXTILE «Ich erzähle von der Masche» [Je raconte la maille] , diplôme de Bachelor Anna-Kristina Ninck, Haute Ecole de Lucerne – Arts visuels et Design, design textile / Ce projet de tricot est né dans le cadre d’un travail de bachelor dans la discipline du design textile à la Haute École de Lucerne. Il témoigne d’une confrontation approfondie avec la maille et explore d’une nouvelle manière les possibilités offertes par cette technique artisanale ancestrale en matière de création. Au cours du processus de conception, la créatrice a travaillé avec le principe de la dissolution et de la décomposition produite volontairement. Les matériaux les plus divers et en partie inhabituels ont été utilisés à cet effet. Leur gamme s’étend du fil de laine mohair de qualité supérieure au fil en PET, en passant par le fil métallique, la laine, la soie, l’élasthanne et la corde. L’exploration expérimentale de la «maille», de sa dissolution ou destruction consciente, témoigne d’une profondeur, d’un sérieux et d’une radicalité impressionnants, produit un effet visuel séduisant et fait naître une envie irrésistible de toucher. Ce travail intensif sur la beauté du tricot et l'esthétique de la dissolution de constructions de mailles se caractérise par sa soif d’expérimentation, son goût de la mode, son vaste savoir dans le laboratoire textile, sur la machine à tricoter et dans le cadre du travail manuel. 398 - TRIBU MAGAZINE

tra -duction SLOW LIGHT Slow Light Jakob Schlaepfer Martin Leuthold & Team Team: Renate Berger Yvonne Gradl Annina Arter Julia Heuer Rahel Flury Samuel Müller Kira Kessler Melanie Widmer Katrin Schranz Du matériau de réflecteurs en minuscules perles de verre constitue la base de cette collection de tissus de couture, créée à l’aide de la technique de traitement la plus moderne. La fascination qu’elle exerce provient de l’interaction constante des textiles, de la lumière incidente et de l’angle d’observation de l’observateur. Les surfaces qui se reflètent sont dotées de dessins filigranes par gravure au laser. Ceux-ci - en fonction de l’incidence de la lumière - émergent très contrastants ou disparaissent complètement. De fines broderies en fil réflecteur brillent à la lumière et des îlots de lumière étincelante en forme de fleurs et de points s’embrasent sur le tissu de base mat. La combinaison exemplaire de l’esthétique et du fonctionnel qui est exprimée dans les aspects les plus divers de cette collection offre de grandes libertés de mise en œuvre. PRIX DU MARCHé Architecture ALICE epfl/enac/ia/alice Dieter Dietz, Olivier Ottevaere, Charlotte Erckrath, Lukas Lenherr, Tibo Smith Interaction Design EPFL + ECAL LAB Nicolas Henchoz, Cem Sever, Daniel Tamburino Montreux Jazz Heritage Lab photographs © Joel Tettamanti / ALICE Studio EPFL Coordination du projet «Montreux Jazz Digital Project» MetaMedia Center, EPFL Partenaire Montreux Jazz Festival Laboratoires scientifiques EPFL Laboratoire d’électromagnétisme et acoustique Laboratoire de communications audiovisuelles Laboratoire 2 de traitement des signaux Assistance technique Vasily Shahnovskiy Theresa Rydge Audemars Piguet SA Lombard Odier Darier Hentsch & Cie Partenaires technologiques Système audio 3D: Illusonic (Lausanne) Haut-parleurs: Relec (Yverdon-les-Bains) Verre acoustique: Glas Troesch (Bützberg / Bussigny VD) Table interactive: To-fuse (Zurich)


Le fameux Jazz Festival de Montreux a commencé depuis plusieurs années déjà l’enregistrement audiovisuel de ses concerts afin de les conserver pour l’avenir. C’ est une cellule spatiale modulaire créée afin de permettre aux visiteurs des archives des concerts - entre-temps numérisées - de profiter de l’impression visuelle et acoustique la plus parfaite possible de ces enregistrements. Afin d’offrir à un plus large public la possibilité de participer à l’expérience du concert, il est possible d’ouvrir complètement une paroi latérale de la cellule à la manière d’une porte ou de la garder fermée pour donner l’illusion a l’observateur qu’il est physiquement présent dans la foule. Conçu comme un cocon, l’espace favorise la concentration du visiteur sur le matériel archivé.Tout est fait pour que l'expérience des enregistrements de concerts soit la plus intense et authentique possible - tant du point de vue visuel que de la technique du son.Sa forme exprime en quelque sorte l’énergie de la musique. Par sa construction sous forme d’unité modulaire constitué de 1'300 éléments en bois assemblés, il élargit les possibilités d’utilisation de l’Heritage Lab. Enfin, cette nomination possède un caractère exemplaire également en tant que projet issu de la formation universitaire. ON Thilo Alex Brunner pour On Une chaussure aux qualités inédites.Un design de chaussure de course qui ne s’aligne pas sur les normes industrielles des grands fabricants établis sur le marché, mais prend librement un nouveau départ. Les avantages d’une chaussure d’entraînement souple sont combinés à ceux d’une chaussure de compétition dure. L’effet produit est obtenu grâce aux éléments de la semelle de forme creuse, qui se détendent à l’arrière pour un atterrissage en douceur lors du contact avec le sol. De cette façon, la semelle permet une poussée vigoureuse du pied. L’innovation, qui a rencontré un écho positif auprès d’un grand nombre de sportifs de haut niveau, est mise en oeuvre de manière systématique au travers du produit, mais également dans le cadre du développement de la marque. REPORTAGEN Reportagen, Weltgeschehen im Kleinformat [Reports, world events in a nutshell] Conception and design of a magazine Moiré Grafik GmbH Marc Kappeler, Dominik Huber, Ruth Amstutz Le magazine «Reportages» qui paraît à un rythme bimensuel depuis 2011 met l’accent sur le genre journalistique du reportage littéraire. La conception souligne la particularité du concept éditorial et rend le magazine unique en son genre. La couverture réalisée de manière purement typographique, qui sert également de sommaire, renvoie au caractère du magazine en tant que support textuel. La décision d’utiliser dans ce média des illustrations et des infographies au lieu de photos souligne – outre d’autres mesures convaincantes – le caractère littéraire des textes. Ce magazine mise volontairement sur un genre journalistique de plus en plus menacé dans le paysage médiatique actuel: le reportage littéraire, à savoir un texte basé sur des recherches approfondies, complété par l'opinion de son auteur, qui associe la description et l’analyse. Le succès de Reportagen, également confirmé par l’attribution du Prix Design Suisse, atteste de la pertinence du projet. U TURN U-TURN Design Michel Charlot Belux AG


tra -duction Le thème central de cette lampe – la flexibilité – est réalisé de manière particulièrement convaincante. Fonctionnant par LED, sa particularité est la liaison entre la tête de lampe ronde, de la taille d’une paume de main, et le reste du corps de lampe. Un système magnétique en caoutchouc, placé sur une bille métallique, est en effet monté dans la tête de la lampe. Ce mécanisme permet une maniabilité maximale de celle-ci et un rayon d’action important. Étant donné que la tête de lampe est magnétique des deux côtés, elle peut être détachée, tournée et remise à sa place en un tour de main. La série de lampes convainc par sa flexibilité et ses avantages fonctionnels. Elle invite en fait à une utilisation ludique de la lumière. La lampe possède un caractère exemplaire tant pour l’intelligence de son concept en termes de design de produit que pour sa réalisation technique, parfaitement à la hauteur de l’idée. PRIX DU MéRITE CHANTAL PROD’HOM Depuis juillet 2000, Chantal Prod‘Hom dirige le Musée de Design et D‘Arts Appliqués Contemporains (mudac) venant juste d'être créé à Lausanne à l'époque. Elle a réussi, grâce à des expositions attrayantes et à des formats innovateurs comme par exemple la «Carte blanche», dans laquelle déjà certains grands noms et nouveaux talents tels Matali Crasset, Pierre Charpin, Stefan Sagmeister ou Adrien Rovero sont déjà parus, à établir cette maison plutôt petite en comparaison au niveau d'une institution d'importance nationale, même internationale. Elle a toujours montré ce faisant qu'elle savait faire preuve de «nez» pour toutes les questions contemporaines et d'une grande ténacité dans la réalisation de ses objectifs. Le programme développé sous sa direction, pour la réalisation duquel elle coopère souvent avec d'autres musées, impressionne par l'inhabituelle étendue de ses thèmes qui reflète à la fois l'ouverture culturelle et la diversité de l'activité de design actuelle. Le Prix Design Suisse récompense Chantal Prod‘Hom par un Merit. Elle s'est distinguée dans son travail en tant que directrice de musée, mais également en tant qu'auteure et membre de commissions et jurys, comme intermédiaire de première classe pour le design contemporain et comme promotrice engagée des jeunes talents du design suisse. PRIX DU NOUVEAU VENU BIRTH AW 12 Sandro Marzo La collection qui marque le début de Sandro Marzo, avec laquelle il a également lancé son propre label, est constituée de 16 tenues caractérisées par le mélange et la combinaison de vêtements militaires à l'aspect agressif et d'éléments de vêtements sacrés. Lors du développement de la collection, une grande importance a été donnée aux tissus utilisés. Pour la réalisation des textiles issus souvent des propres ébauches de Marzo, celui-ci a travaillé main dans la main avec des producteurs suisses de grand renom. La première entrée en scène en public de Marzo avec sa première collection d'une beauté particulière à la Mode Suisse à Zurich et Genève a obtenu un vrai succès dans le public. Cette collection est basée sur un concept aussi simple qu’attrayant. Cette collection témoigne du talent, de l’originalité et de l’autonomie de son auteur. Elle permet d’espérer que ce jeune créateur de mode fera ses preuves et s'établira prochainement dans le monde de la mode masculine, avec une signature clairement reconnaissable.


CRESTA CHAIR CRESTA CHAIR DADADUM sarl Demian Conrad In partnership with Jörg Boner productdesign Cette chaise associe la robustesse simple d’une chaise en bois traditionnelle de la région des Alpes à une technique de travail du bois moderne et une esthétique contemporaine. La chaise fabriquée en bois massif qui trouve sa place dans un habitat élégant aussi bien que dans un chalet de montagne rustique, est à première vue composée d’un siège et de 4 pieds. Le siège est en réalité constitué de 3 parties: l’assise et le dossier sont reliés à une pièce intermédiaire incurvée, par le biais d’un assemblage à queue d’aronde. Grâce à son assise de forme ergonomique, la chaise CRESTA CHAIR, fabriquée de manière artisanale, garantit un haut degré de confort. Ce projet témoigne d’une grande sensibilité vis-à-vis de l’air du temps: il répond parfaitement à la revendication formulée par son auteur. . Grâce aux qualités que recèle sa forme, cette chaise s’intégrera parfaitement dans les cadres de vie les plus divers et devrait donc, conformément à son objectif, susciter de l’intérêt au-delà de sa région d’origine. PRIX DE LA RECHERCHE DOLOGRAFIE Dolorografie [Dolorography] A visual communication instrument for the description of pain Sabine Affolter in collaboration with Katja Rüfenacht Inselspital Bern [Berne Island Hospital] Hochschule der Künste Bern [Berne College of the Arts] La Dolographie est un instrument visuel qui sert à permettre ou à favoriser de parler des différents composants de la douleur. Elle est composée d'une série de tableaux abstraits qui se dérobent sciemment à une netteté sémantique et invitent ainsi l'observateur à les compléter par la parole. Les tableaux créés dans le cadre de ce travail traduisent la douleur ressentie en stimulus visuels et permettent ainsi même aux personnes concernées directement de ressentir ce phénomène. Mais avant tout, ces tableaux facilitent et favorisent le dialogue sur la douleur entre les personnes concernées et le personnel médical. L’élaboration et le test de la méthode en collaboration avec des médecins sont exemplaires. L’idée des «images de la douleur» surprend, mais elle possède à notre époque, où le traitement de la douleur prend une place de plus en plus grande dans la médecine, une pertinence dont l'importance est incontestable. La poursuite du développement de ce projet serait souhaitable au plus haut point.


tra -duction HEAD JEWELLERY "HEAD, a Jewel of School" / 318 La HEAD - Genève propose un large choix d’enseignements au niveau bachelor et master. La section Design Mode de la HEAD fait souvent les gros titres, notamment pour son défilé annuel et la cote de ses étudiants, futurs designers internationaux, faisant parfois de l’ombre aux autres sections tout aussi prestigieuses. De ce fait, on a tendance à en oublier les autres filières proposées par la HEAD. Depuis 1987, l’école compte parmi ses multiples domaines, un département Design bijou. Avec l’arrivée en 2006 de Monsieur Jean-Pierre Greff, directeur de la HEAD, la filière Design Bijou a ouvert son domaine de formation au design de montres et à l’accessoire au sens large. Depuis l’univers du bijou s’est aussi élargi : design d’auteur, bijou commercial, bijou design, bijou fantaisie et bijou de mode ou encore haute joaillerie. Le département Design bijou de la HEAD - Genève, montres et accessoires prépare les étudiants à la réalité professionnelle. Pour étudier en Design de bijou à la HEAD – Genève, il est indispensable d’avoir une ouverture sur d’autres domaines du design et de l’art contemporain. L’évolution de la société, les univers artistiques, les tendances et les courants sont des éléments fondamentaux pour développer la créativité des étudiants. Ils doivent sans cesse redoubler d’inventivité, de rigueur et de créativité afin de sortir des sentiers battus. Le bachelor en Design Bijou forme des professionnels spécialisés dans le design de produits liés à la parure et à l’équipement de la personne. De l’objet unique à la déclinaison d’une gamme, les élèves expérimentent le design, l’art, la mode et la réalité du marché. L’enseignement allie aussi bien le contexte historique et le développement socio-culturel de la parure humaine avec les compétences liées aux matériaux et aux techniques du processus de conception. Grâce à des workshops animés par de nombreux intervenants externes de ce milieu, les étudiants en Design Bijou sont sans cesse en lien avec le monde professionnel. Les étudiants ont également l’opportunité d’effectuer un stage en entreprise de 2 à 4 moins durant leur cursus. De grandes marques soutiennent désormais le département AINSI LES ETUDIANTS ONT DEJA PU FAIRE LEURS PREUVES AU SEIN DES ENTREPRISES tels que Piaget, FurrerJacot, Tarian (pour la lunette), et Dupont Int. La HEAD – Genève favorise la visibilité des projets en Suisse et à l’étranger en participant à plusieurs reprises à la foire du design à Milan ou encore à Blickfang à Zurich et Bâle. Cette année, la section Design Bijou est à l’honneur avec sa participation à différentes expositions consacrées aux bijoux contemporains à Paris, promouvant les créations des élèves de bachelor et master fraîchement diplômés en 2013. Effectivement, dans le cadre de « Circuits Bijoux », La HEAD – Genève s’est associée à la Fondation Suisse/Pavillon Le Corbusier à la Cité internationale universitaire de Paris avec deux expositions dédiées au bijou. La première, « Design Bijou suisse » en Octobre et la seconde « La Head – Genève, un bijou d’école » en Novembre. « Circuits bijoux » réunit plus de 500 créateurs de bijoux contemporains de Septembre 2013 à Mars 2014 dans tout Paris. Organisée par Ateliers d’Art de France en partenariat avec Les Arts Décoratifs et l’association d’Un bijou à l’autre, « Circuits Bijoux » rassemble près de 70 expositions, conférences et rendez-vous destinés à faire partager la diversité de la scène actuelle du bijou. C’est la première fois qu’une manifestation de la sorte se tient à Paris. Elle associe créateurs, musées, galeries, écoles, acteurs culturels et institutionnels, historiens et experts. L’exposition « La HEAD – Genève, un bijou d’école », propose une sélection des créations des étudiants des cursus Bachelor et Master en Design Bijou et accessoires. Le choix des diplômés participants s’est fait sur les travaux des 10 meilleurs bachelors 2013. De la scénographie, signée par Mathieu Bassée designer et enseignant en master à la HEAD – Genève, aux objets présentés, l’exposition a été entièrement réalisée par l’école. C’est grâce à des workshops avec les étudiants et alumni en Design Bijou, que le montage a été effectué. Cette exposition a pour but de mettre en avant les créations des maîtres du bijou contemporain suisse et de leur relève. Coucou suisse moderne, marque page ou encore bijoux sous toutes les formes sont les projets présentés par les étudiants en bachelor, master et alumni en design bijou. Un très grand nombre de professionnels en design bijou ont eu leur diplôme à la HEAD – Genève. Ces designers ayant à présent une renommée mondiale et travaillant désormais dans le monde entier, ont contribué à ouvrir les portes d’une école suisse au reste du monde. Présentés dans l’exposition « Design Bijou suisse » d’octobre, ils parrainent la relève, souvent également issue de la HEAD – Genève. La fondation suisse et son Pavillon fêtent leur 80ème anniversaire. A cette occasion, les étudiants en Bachelor ont conçu un bijou en hommage à Charlotte Perriand et Le Corbusier, tous deux à l’origine de la conception du bâtiment. Ce bijou a été créé sous la direction de Fabrice Shaefer, enseignant à la HEAD - Genève et designer bijou. Ce bijou sera réalisé en série limitée par l’entreprise suisse Furrer-Jacot, représentante du savoir-faire suisse alliant la manufacture industrielle et les métiers d’art. La Fondation suisse à la Cité Universitaire de Paris a pour mission d’exploiter et d'entretenir la maison des étudiants suisses. Selon Yasmin Meichtry, directrice de la Fondation suisse, « ce sont la pureté des lignes, le dépouillement des matières, la transparence du verre et la polychromie en miroir de ce monument national qu’est le Pavillon suisse qui offrent le cadre modèle pour mettre en valeur les créations des maîtres du bijou contemporain suisse et de leur relève. L’exposition La HEAD – Genève, un bijou d’école, prend tout son sens parce que c’est précisément la relève et les jeunes penseurs, chercheurs et créateurs de demain qui sont la raison d’être de la Fondation suisse. Le lien avec les institutions académiques qui les forment – tel qu’il se tisse ici avec la HEAD – Genève, nous est essentiel. »


« La HEAD – Genève, un bijou d’école », Fondation suisse / Pavillon Le Corbusier 7, boulevard Jourdan, 75014 Paris, du 08.11-08.12.2013 «  Circuits Bijoux » Paris, de Septembre 2013 – Mars 2014

CREATIVS / 334 Quand la créativité prend le dessus sur la réalité d’une carrière pragmatique et nous pousse à prendre un nouveau départ, la motivation vient sans aucun doute de la passion et du professionnalisme. Le management laisse place à l’Architecture d’Intérieur et ensemble forment un duo parfait. Etre dédié à l’accomplissement de la demande d’un client quand il en vient à sa maison de rêve, ou plutôt, l’idée qu’il s’en fait, relève d’une certaine psychologie et de volonté sincère d’hospitalité. C’est ainsi que la CREATIVS maintient une approche humaine à chaque projet avec la conviction et le désir de répondre, voire de surpasser le besoin du client qui est de se sentir à la maison. Cette idée cruciale conduit cette entreprise à exercer dans des projets tant résidentiels que commerciaux et hôteliers. Pour leurs projets résidentiels, CREATIVS parvient avec brillo à offrir au client une réelle expérience de changement de vie. Apprendre à connaître les émotions et comportements d’une famille, lire entre les lignes de leurs paroles pour alors se familiariser avec tous les aspects de leur confort idéal pour ensuite produire leur rêve. C’est ainsi que se concrétise la sensation délicieuse de rentrer dans un intérieur qui donne l’impression qu’on y a vécu depuis longtemps. Les projets commerciaux, en revanche, donnent l’opportunité de créer un design plus audacieux en raccord avec les modes plus changeantes et offrant une expérience unique à la clientèle. Cependant, ayant le soucis de rester toujours dans l’ère du temps et ne pas produire un design qui s’épuise, CREATIVS cherche à trouver une symétrie entre l’esthétique et la fonction. Le souci d’offrir le meilleur retour sur investissement à un client motive le besoin de comparer plusieurs fournisseurs à travers le monde pour travailler avec les meilleurs matériaux possibles. La robustesse et la beauté sont alors inséparables pour produire un design qui plaît toujours autant et ce, au fil des années. Spécialisé dans la décoration contemporaine, CREATIVS trouve l’inspiration dans des domaines visuels plus abstraits. Bien que la nature soit une influence incontestable, il semblerait que l’Art et le Cinéma soient tout autant suggestifs en matière de création d’Intérieur. Quand des émotions se dégagent d’une bande originale ou encore d’un décor de film, cette expérience est alors convertie et sublimée en un design attractif. Virginia Azevedo, fondatrice et décoratrice pour CREATIVS, a su apporter un design durable et élégant depuis quatre ans avec ce même appétit pour l’hospitalité. Les divers projets réalisés à travers le monde, dans les capitales du Design telles que Berlin, New York ou encore Londres, pour ne pas toutes les citer, ont pu jouir de son œil aiguisé et son approche altruiste. Hôtels, restaurants et résidences privées requièrent des aménagements intuitifs et pragmatiques. CREATIVS remporte le défi à chaque fois, embarquant le client dans une aventure charmante et sincère en lui présentant un résultat qui dépasse ses attentes. Une sorte de « home staging » est subtilement mis en place et offre alors au client une expérience de bienvenue complète. Le style de Virginia Azevedo respecte sa vision élégante et chaleureuse bien que chaque projet profite d’un regard neuf et unique, de manière à honorer le besoin du client, par dessous tout.

DAYAK GRAVES / 340 La pirogue glisse avec l’agilité d’un squale sur la surface verte du fleuve Lemanak qui serpente dans la forêt tropicale de Bornéo. Mais le bruit du moteur Yamaha est assourdissant. Par moments, lorsque le courant le permet, le moteur s’arrête, profitant de l’élan du bateau. La surface de l’eau devient lisse et les arbres se reflètent comme dans un miroir. La jungle forme alors un tunnel dense et mystérieux aux nuances vertes infinies. Dans ce monde double, à la fois pur et inquiétant, tout devient calme, étonnamment calme. Seul le clapotis de l’eau est perceptible, mais peu de cris d’oiseaux, d’insectes ou d’animaux. Je me demande si la chasse intensive et les immenses saignées d’arbres pour la plantation de palmiers à huile, bien visibles depuis l’avion, sont à l’origine de ce silence… la déforestation tue impitoyablement un des plus riches écosystèmes du monde, entrainant dans son sillage la faune, la flore, et le mode de vie des populations indigènes… Nous sommes cinq dans le longboat effilé qui remonte vers le village de la tribu Iban : le pilote à l’arrière, son coéquipier à l’avant qui veille aux éventuels obstacles à la surface de l’eau, deux passagers et notre accompagnateur : un instituteur chinois qui a travaillé 40 ans dans les villages avoisinants. Par moments, nous croisons d’autres embarcations, pleines à ras bord, chargées d’hommes, de bidons, de ballots. Mélange fantomatique de silhouettes indiennes, de taches de couleurs vives, de chapeaux de paille, d’étoffes sombres et de plastiques fluo, d’hommes aux visages marqués, de femmes aux traits fatigués, d’enfants résignés, de bébés emballés à la hâte dans des couvertures improbables.


tra -duction Les tribus Iban font partie des Dayak, l’ethnie la plus nombreuse de l’immense région de Sarawak, couvrant tout le sud de la partie malaisienne de Bornéo. Ce sont d’anciens guerriers coupeurs de têtes qu’on imagine autrefois, embusqués sur les rives, leurs sarbacanes prêtes à frapper la chair nue et tatouée dans les vapeurs troubles du tunnel de jungle. Les heures passent. Le temps n’existe plus… les piroguiers sondent les bas-fonds et contournent prudemment les gigantesques racines qui obstruent régulièrement le passage. Les berges du fleuve nous plongent dans une contemplation inépuisable et engendrent un sentiment de plénitude ou une rêverie quasi hypnotique. Mais lorsque nous arrivons à proximité du village, les cris des enfants qui jouent joyeusement dans l’eau du fleuve transfigurent le décor et nous font sortir de notre torpeur. Le longboat coupe les gaz et s’approche lentement de la rive dans une odeur d’huile et d’essence mélangées. En levant les yeux au-dessus du débarcadère, nous découvrons la longue demeure de la tribu Iban qui s’élève sur la colline. Les longhouses que les indiens appellent littéralement « le village entier sous un seul toit » sont des maisons communautaires construites près des rivières et dans la longueur. Elles sont divisées en deux parties longitudinalement. D’un côté une partie privative où vivent les familles, les unes à côté des autres, séparées par des cloisons. Elles s’ajoutent de part et d’autre de la maison du chef pour former comme une chenille de bois et de tôles qui peut abriter plusieurs dizaines de familles et mesurer jusqu’à 300 mètres. L’autre partie du bâtiment est laissée libre pour former un long couloir communautaire, couvert de nattes, qui sert d’espace de travail (tissage, etc.) et de zone de loisirs. Les longhouse sont construites sur pilotis, protégeant les habitants des animaux et des inondations et assurant une excellente ventilation qui régule efficacement la température et l’humidité. Les Iban accueillent volontiers les étrangers qui peuvent dormir dans le couloir central sous des moustiquaires indispensables. Il est de bon ton d’apporter un cadeau pour le chef ou pour les enfants, mais pas d’argent. Certaines longhouses se sont même spécialisées dans l’accueil des touristes auxquels les habitants vendent de l’artisanat et gagnent un peu d’argent en échange de leur hospitalité et de quelques démonstrations de tir à la sarbacane ou de danses guerrières. La cohabitation avec les touristes semble donc dans l’ensemble harmonieuse. Les Ibans sont accueillants et gentils, vivent de la culture du riz, de la pêche et du tissage et scolarisent leurs enfants. Les guerriers de la tribu sont tatoués, et le chef porte un impressionnant dessin de serpent sur le cou. A l’occasion d’une discussion sur la guerre et la mort, et intrigués par l’absence de cimetière au village, nous demandons au chef de nous emmener à l’endroit où ils enterrent leurs morts. Après quelques réticences quant à une demande peu fréquente de la part de visiteurs, il accepte et nous fait conduire en pirogue le long du fleuve à 5-6 kilomètres de là. Sur un monticule proche du bord, dans une clairière insoupçonnable envahie par la végétation, nous découvrons alors un incroyable spectacle: la vision surréaliste de quelques dizaines de tombes placées un peu aléatoirement et recouvertes d’objets insolites: les objets quotidiens et préférés du défunt. On est soudain dans un autre monde, totalement inattendu, baigné par la lumière filtrée qui tombe des arbres et la chaleur humide qui enveloppe tout tandis que des colonnes de fourmis géantes traversent la place sans se soucier des obstacles insolites placés sur leur route. Nos accompagnateurs coupent les branches à la machette pour dégager l’espace. Il règne une atmosphère à la fois solennelle et extravagante: les objets dialoguent avec la nature, bouleversant tous les codes imaginables. Sur une tombe plus luxueuse, ornée de carrelages bleus, une bouteille de Tuak, l’alcool de riz des indiens, un paquet de cigarettes, une tasse à café, quelques mégots…. On a l’impression que l’occupant des lieux vient de s’absenter pour quelques minutes. Et pourtant tout est figé. La vie s’est arrêtée, inéluctablement. Sur une autre tombe, moins riche car en terre battue, les habits d’une femme pourrissent très lentement sous le soleil et les pluies torrentielles. A quelques mètres, le néon arraché au mur du défunt a les fils pendants, désœuvrés. Comme le téléviseur condamné à diffuser pour l’éternité le reflet ironique de la jungle envahissante. Sur le sol, des outils, des casseroles, un moteur de bateau complètement rouillé… Des urnes funéraires, ouvertes, sont présentes sur chaque tombe, sans que je puisse obtenir une explication cohérente. Certaines sépultures sont recouvertes d’un toit de tôle. Dérisoire protection contre une nature toute puissante. Plus loin, une simple dalle de béton, envahie par la végétation, s’enfonce dans le sol. L’urne est brisée parmi quelques restes d’objets décomposés, méconnaissables. Plus loin encore, un fauteuil, un matelas, d’autres urnes plus anciennes, partiellement enfouies dans la terre, une vieille lampe et un cendrier à moitié plein. Dans une clarté limpide et scintillante, quasi cinématographique, les lieux sont comme dans l’attente de leurs occupants, qui viennent d’éteindre la lumière ou de fumer leur dernière cigarette… Juxtaposition d’instants figés comme dans l’imminence d’un retour. Lorsqu’ils ne sont pas convertis aux religions chrétiennes, Les Dayaks sont animistes. On m’explique que pour eux, les humains comme les objets, les plantes et les animaux sont dotés d’une âme et font partie d’un monde d’esprits qui enveloppe toute chose. Le chaman, qui brûle régulièrement des herbes au village, les totems qui encadrent l’entrée du Longhouse, et les rituels réguliers qui rythment la vie quotidienne, servent à assurer la communication et la bonne entente entre les deux mondes qui composent la dualité animiste. Les « esprits » sont partout présents et il convientdonc de les respecter à travers les êtres et les choses et de ne pas briser les liens privilégiés qui les unissent aux vivants. Ainsi, pour les Dayaks, les morts ne sont jamais vraiment morts. Ils continuent à vivre parmi nous et à dialoguer avec nous, et leur vie se prolonge naturellement dans la nature qui les entoure. Peut-être est-ce la meilleure


explication de la présence des objets familiers du défunt sur sa tombe. Les yeux éblouis, nous retournons sur le miroir d’eau, dans le tunnel de lumière verte… A nouveau, nous nous sentons tout petits face à l’immensité ambiante. Nous quittons la vision irréelle de la demeure paisible des défunts Iban pour retrouver plus haut sur le fleuve les cris des enfants joyeux qui résonnent en jouant dans l’eau au pied de la longue maison communautaire. Ici plus qu’ailleurs, la vie et la mort dialoguent le long de la rivière.

Mon plus beau voyage Pour la première fois de ma vie, j'étais impatiente de quitter New York. Le bruit incessant qui avait pour habitude de me rassurer m'assourdissait, la chaleur humide du mois de juillet, synonyme de vacances, me dégoutait et les gens, les milliers de gens, pressés et moites me rendaient nerveuse. Mes valises étaient bouclées. Je ne savais plus que faire des recommandations que j'avais reçues par centaines. Nous étions le 13 juillet 2013 et le lendemain matin aux aurores, je m'envolais, ou plutôt je m'évadais: destination HAITI. Mes premiers jours Ma grand-mère a beaucoup contribué à mon éducation et celle de mon frère. C'était une femme qui aimait profondément la nature et qui prenait le temps de la contempler. C’est grâce à elle que nous avons appris à la respecter. Mais la nature disciplinée et familière de mon enfance à Genève n'avait rien à voir avec celle d'Haïti. Le choc était de taille. J'étais tantôt émerveillée, tantôt terrifiée et il m'a fallu plusieurs jours pour m'habituer au paysage de Jacmel ainsi qu'à ses bruits. Comme la plupart des maisons, après le tremblement de terre, la mienne avait une toiture en taule et jamais je n'oublierai la pluie battante qui s'est abattue sur Jacmel la première nuit. J’avais l'impression d'avoir été mise en conserve et qu'il pleuvait des cailloux. J’étais terrorisée. Avec le recul j'ai compris que ce n'était pas la pluie mais l'inconnu, les idées préconçues et les craintes des autres qui m’avaient apeurée et maintenue éveillée toute la nuit. Aux premières lueurs de jour, je découvrais un paysage à couper le souffle. Une montagne verdoyante me faisait face, des palmiers par milliers, des fleurs sauvages, des bananiers, du vétiver, un ciel bleu éblouissant et un brouhaha animalier qui me manque encore aujourd’hui : les vaches, les chèvres, les poules, les cochons et surtout le coq. Cine Institute Malgré la chaleur torride, les travaux pour agrandir l’école battaient leur plein. Pendant les deux mois d'été, Cine Institute était fermé. Toutes les bâtisses qui constituaient le campus étaient de jolies petites maisons aux couleurs vives perchées au bord d’une falaise contre laquelle les vagues de la mer, souvent agitée, venaient s’écraser bruyamment. Les hamacs étaient accrochés aux troncs des palmiers qui le permettaient et les racines des ficus qui bordaient l’allée principale étaient si résistantes qu’elles avaient soulevé les pavés. Cet ancien hôtel transformé en école de cinéma était un lieu paradisiaque et sauvage comme je n’en n’avais jamais vu. Elèves et professeurs étaient en vacances, il ne restait que les incontournables. Madame Annette, la cuisinière, était une femme élégante et grande de taille. Ses épaules étaient larges et ses mains robustes. Rien n’avait l’air trop lourd ou trop chaud, Madame Annette était une femme solide au regard sincère et intense. Madame Paula, quant à elle, était l’âme de ce lieu unique. Elle était dotée d’une immense sagesse doublée d’une logique implacable. Toutes les décisions passaient par elle. Mamie Paula , comme elle se faisait appeler, dirigeait Cine Institute avec douceur et rigueur à la fois. Je la regardais faire avec beaucoup d’admiration. Nos échanges étaient rares mais constructifs. Sans elle je n'aurais pas pu accomplir ma mission: me rendre utile. Quand elle quitta Haïti le 9 août, les journées semblaient plus longues et le dynamisme qui régnait en sa présence, avait disparu. Madame Paula faisait partie intégrante du paysage. Kabic Parfois, il m'arrive de relire quelques pages de mon journal, choisies au hasard. Confortablement installée sur mon sofa, je ferme les yeux pour me replonger dans mes souvenirs. Peu à peu l'odeur du charbon chatouille mes narines. Réapparaissent alors la maison de David, sa belle pelouse verte, la plage sauvage et souvent déserte et surtout … les enfants. Il est 7 heures du matin, les enfants sont assis autour de la grande table du jardin. Ils m’attendent. Pourtant quand je m'approche ils me regardent, rient mais ne me saluent pas. Ils m'ont apporté des fruits, en échange de quelques pièces et nous les partageons pour le petit déjeuner. N'ayant pu me débarrasser de mes mauvaises habitudes je ne me séparais que rarement de mon téléphone. Il était l'objet de beaucoup de convoitises mais jamais les enfants ne l'ont touché sans ma permission et très vite, malgré leur jeune âge, ils sont devenus les gardiens de mes objets de valeur. J'aimais aller et venir en laissant tout ouvert quand ils étaient là. J’avais l'impression qu'ils me surveillaient de loin. Le plus âgé avait 13 ans. Je me sentais enfin à la maison. J'étais fascinée, je passais mon temps à les observer. Ils vivaient en harmonie avec cette nature pourtant si imposante et impitoyable.


tra -duction Très vite je compris qu’ils faisaient partie du paysage, comme Madame Paula et qu'ils étaient l'âme de ce pays. Ayiti cheri Quand je suis sortie de l'avion pour la première fois à l'aéroport de Port au Prince, j'étais envahie par l'excitation. Les énergies intenses que je ressentais déjà avaient chassé de mon esprit les horreurs que j'avais pu lire ou entendre à propos d'Haïti. Je ne connaissais ni les codes ni même le créole mais j'étais déjà fascinée par ce pays mystérieux. Je me suis souvent sentie seule, j'ai parfois eu peur, certaines choses et certaines personnes m'ont manqué, mais du début à la fin de cette aventure j’étais heureuse. J’ai regardé, contemplé, beaucoup observé et j'ai fini par voir tant de choses que j’avais cessé de voir.

DANIEL HOPEWELL INTERVIEW/ 364 Tribu s'adresse à Daniel Hopewell, guitariste et auteur-compositeur de The Crookes, qu'elle interroge sur les nuances existant entre la poésie et le lyrisme. Comment savez-vous qu'un poème devient une chanson? Je veux que les mots constituent une chanson avant qu'ils ne fonctionnent en tant que poème. Ils sont toujours écrits dans l'intention d'être entendus et non lus. La chose la plus importante est donc qu'ils soient musicalement en harmonie. Mes paroliers préférés sont ceux qui offrent quelque chose de plus profond aux quelques personnes (et je crois qu'il en existe relativement peu) désireuses d'investir davantage dans la chanson. Vous pouvez avoir une magnifique chanson et une superbe mélodie, mais, sans contenu lyrique approfondi, l'auditeur ne peut apprécier la chanson que de manière superficielle. Sentez-vous qu'il existe une réelle différence, à part l'élément musical manifeste, entre le lyrisme et la poésie? Je pense que la bonne poésie doit être de toute façon musicale - pour écrire des chansons ou de la poésie, on utilise les mêmes éléments: le mètre, la rime, l'assonance voire la manière de respirer. Je pense que la principale différence est que la poésie est de loin plus vulnérable; il n'existe pas de sons musicaux à harmoniser aux sons des mots. Comment avez-vous commencé à écrire et qu'est-ce que cela représente pour vous? Je ne me souviens plus; j'ai toujours écrit. J'ai des centaines et des centaines de carnets qui documentent tout ce que j'ai jamais vu/entendu/expérimenté. Je souffre d'un besoin monomaniaque de saisir le monde qui m'entoure. Quelle démarche suivez-vous lorsqu'il s'agit de rédiger des chansons/sentez-vous parfois que vous perdez l'intégrité d'un poème lorsque celui-ci devient une chanson? Cela dépend vraiment. Parfois la mélodie vient en premier et le contenu lyrique suit naturellement; certaines progressions d'accords évoquent des sons qui sont par nature mineurs, majeurs, ratés, sexuels - quels qu'ils soient. Cependant, pour l'album actuel, j'ai commencé par écrire d'abord les paroles et c'est la toute première fois que je procède de cette façon. C'est très libérateur car il n'y a aucune contrainte syllabique ni structurelle, ce qui signifie que je peux écrire tout ce que je veux. Cela m'a déjà apporté de bien meilleurs résultats que jamais fait auparavant, car, au lieu de devoir faire un compromis entre le contenu lyrique et la mélodie, le son naturel des mots peut s'harmoniser plus facilement en composant une musique spécialement pour eux. Comment le fait d'avoir joué dans un groupe et de voir que d'autres personnes - le chanteur principal, les fans, les critiques - chantent vos paroles a changé votre poésie, le cas échéant? Sentez-vous que vous avez développé un style spécifique pour pouvoir vous adapter à cette situation? Oui, cela a énormément changé mon style. Nous avons toujours dit que cela revient à écrire un scénario pour une représentation théâtrale. Donc au lieu d'écrire des chansons spécialement pour moi-même, j'en écris avec certaines personnes à l'esprit. De nouveau, c'est très libérateur et moins complaisant que si peut-être j'avais été tenté de l'être si je les avais chantées. Je pense qu'il est important que l'auditeur, quel qu'il soit, puisse interpréter les mots et les comprendre à sa manière, même si mon intention initiale se perd. Une fois ma chanson sortie, elle ne m'appartient plus à moi, mais à l'auditeur.

GHOSTS / 366 Je ne peux pas marcher à travers cette ville à cause des fantômes qui saignent sous mes pas. Alors que je descends les collines abruptes de Clifton, je tombe sur le lampadaire recouvert de lierre sous lequel s'assoient Doug et Dan en partageant un spliff car ils ont deux heures de maths juste après et ça les aide pour l'algèbre. 'Quelle sorte d'animal souhaiteriez-vous être?' demande Dan, coiffé de son bonnet bleu, et Doug tergiverse et réfléchit à une réponse. Je ricane


en moi-même. Une femme promenant ses chiens me fixe du regard. Tard le soir, mes amis et moi dormons à nouveau dans ce parking à étages juste en face de l'école, tous blottis contre les distributeurs automatiques pour tenter de nous réchauffer, car on s'est saoulés toute la nuit. On a raté le dernier bus, on n'a pas pu entrer en discothèque et on n'avait pas d'argent pour le taxi. Le distributeur n'est plus là, mais le parking est toujours aussi sale. Je continue à marcher et j'aperçois l'étrange cage d'escalier de briques rouges, en retrait, où Soph Fowler m'accuse de ne pas vraiment inhaler devant l'amour de ma vie non partagé. Je sens que j'ai envie de la frapper dans les dents, mais je ne peux pas car l'amour de ma vie non partagé est là et ça ne ferait pas bonne impression. Je dois donc simplement inhaler vraiment profondément le spliff pour lui prouver qu'elle a tort. Cinq minutes plus tard je réalise qu'elle a raison, je n'ai pas inhalé correctement. Ouah. Devant le Triangle, je m'arrête avant de traverser la rue et Tommy D apparaît à mes côtés, une grimace aux lèvres, disant 'viens mon pote, allons-nous faire niquer!' à quoi je réponds 'ouais, faisons-nous niquer!' en passant devant Hunger Hutch où nous finissons invariablement 'car nous nous faisons tellement niquer que nous avons grand besoin de chips au fromage. La tour Cabot fait clignoter ses lumières vertes scintillantes, tels des joyaux, loin vers le haut du parc, derrière les bâtiments à ma droite, et pendant un bref instant, je me retrouve une fois de plus en haut de celle-ci dans le soleil d'été généreux en train d'embrasser d'autres lèvres hésitantes. Puis je me retrouve à nouveau là-bas un jour de grande tristesse pour moi - une lumière plus grise dans le ciel - alors que de nouvelles lèvres rencontrent les miennes. Berkeley Crescent est en haut de cette route, où Naila et moi sommes assis sur des marches de pierre en buvant une bouteille de vin rouge, un après-midi de Carnaval. Nous avons dû enfoncer le bouchon avec un couteau de stylo car nous n'avions ni l'un ni l'autre d'ouvre-bouteille. Ghizzie, que je n'aime pas parce qu'elle croit être cool, appelle Naila et je dis à voix haute 'Ghizzie est un gros singe!' à quoi Ghizzie répond, en croyant être cool: 'oh le singe Funky Monkey? ouais, c'est vraiment un super DJ'. Ah le Berkeley. Le pub que nous détestions tous, mais où nous finissions toujours tous. Hazel est la videuse qui accepte de nous laisser entrer sans être majeurs, alors qu'elle vérifie toujours la carte d'identité des filles. Les deux camps la détestaient donc, jusqu'à ce que Jess réussit à se lier d'amitié avec elle en lui disant 'j'adore tes cheveux'. Depuis ce jour, avons élevé Jess sur un piédestal. Nous partageons un cigare là la veille de Noël car nous avons tellement de mal à joindre les deux bouts que nous n'avons pas les moyens d'acheter un paquets de cloppes entre nous. Je regarde à l'intérieur en passant, mais les visages ne sont plus les mêmes. Char est toujours assis au Caffe Nero en haut de Park Street, distribuant des sacs de cigarettes et ses conseils tel une matriarche au port de reine. On y passe en douce après l'école et on se demande pendant combien de temps on va pouvoir rester assis sans rien consommer et parler d'une voix forte de 'drogue' et de 'sexe'. On est jeunes et on aime choquer. On ignore encore ce que c'est qu'être blasé. Ou à quel point notre conversation bruyante peut être énervante à entendre pour les autres. Soudain Doug se retrouve devant Nero. On est seize - tout un groupe - à l'angle de la rue, et on se demande où on sera le mieux servi. Georgie vient nous rejoindre toute pomponnée et Doug, choqué, blague en disant qu' 'elle ressemble à une pute'. On dirait qu'elle se fait aborder par un groupe de garçons, mais Georgie, fâchée, refuse. Puis, pendant une soirée, Luke lui dit qu'elle ne ressemble pas à une pute et reçoit un baiser et des caresses en récompense. Ils s'agitent dans le vent alors que je traverse la rue pour rejoindre Park Row et arrive à - j'arrive au Prince of Thieves! Le Prince of Thieves, le premier pub bestial enfumé et détrempé de bière à nous accueillir dans son étreinte boiteuse d'ivrogne. Ses lumières sont toujours chaudes; au son de la mélodie ' Sweet Home Alabalma' jouée sur le jukebox délabré, de mauvais garçons maltraitent les machines à sous. Debbie, la propriétaire, une vraie vamp, regarde tout le monde avec concupiscence. Elle veut un bisou contre une pinte de bière et un cocktail ' cherry shooter'. Dans les toilettes, plus infectes que celles du Trainspotting, quelqu'un a quand même écrit une citation d'Oscar Wilde sur la porte des sanitaires: 'nous sommes tous dans le caniveau mais certains regardent les étoiles'. Tour à tour, on surveille Becky, l'enfant sauvage à rollers de Debbie. Elle a dix ans et sauve des pigeons aux ailes cassées jusqu'à ce que le chat les dévore. On éclate tous de rire, on fume, on boit, on s'embrasse et on dit qu'on s'est manqué à la folie, même quand on est assis ensemble sur ces canapés aux ressorts douteux. Je bifurque à l'angle de la rue et voici maintenant le Karaoke Lollipop. Et pourtant, en passant devant, j'arrive quand même à deviner Lisa et Steph en jarretelles et slips de dentelle, avalant des shots de tequila en regardant le Rocky Horror Picture Show. Je continue à descendre la rue. Au moins, le White Harte est toujours debout. A l'angle de ce pub d'étudiants, j'ai reniflé de la Kétamine sur la carte de Kay, dans les toilettes, et ai été viré peu de temps après pour avoir nagé sur le sol. Le Level a été transformé en appartements à la mode. Un jour, j'étais encore debout en train de fumer à l'extérieur quand Kay s'est penché et m'embrassé doucement sur la joue - un geste empreint de toute sa gentillesse et sa colère. Je suis resté sur cette piste de danse à me remettre de mon premier E, j'ai continué à embrasser des gens que je ne devrais pas et me suis assis dans des toilettes, enfermé à clé, en train de fumer et de refaire le monde dans un réalisme outrecuidant. Danny Pills me prend par la main et m'emmène au bar boire un peu d'eau. Danny Pills à la crête de mohican et aux appareils auditifs 'puisqu'on lui avait jeté un sort à la naissance, il ne reste plus dans le monde la nuit'. La chanson M. Brightside continue à être jouée et on retourne au temps où les gens aimaient The Killers. La foule rugit d'euphorie, pendant que mes amis et moi nous prenons par la main et crions et sautons de joie. J'arrive enfin à la gare routière. Mon sac pèse lourd et j'ai maintenant un peu mal à l'épaule. Je sens que je pourrais être submergé par ces souvenirs, mais un autre souvenir germe dans mon esprit 'car là, en haut, sur la gauche, se trouve St Pauls où Lauren et moi avions défilé pour le Carnaval. C'était une journée chaude enivrante, on marchait main dans la main. On avait rencontré le vieux Nick dont les cheveux ont des reflets dorés au crépuscule. On le considérait comme vieux car on avait dix-sept ans et qu'il en avait vingt-trois. Maintenant j'ai vingt-cinq ans et je sais que tu n'étais pas


tra -duction vieux du tout, mon Nick. Je me souviens que tu m'avais lu le discours d'audition de ton agent. Il est resté gravé dans ma mémoire 'car tu es encore en train de me le lire maintenant, et je ne t'ai jamais dit que je pensais qu'il était impressionnant, putain, et je monte dans le bus, et soudain la douche chaude devient froide, et tous ces fantômes sur lesquels mon regard est fixé deviennent de plus en plus flous au fur et à mesure que les heures passent. Mon vieux Nick, j'ai entendu dire que tu n'es pas si rayonnant qu'avant et que tu as abandonné le théâtre il y a bien longtemps, mais, eh, on ne rajeunit pas. Kay, qui était en rage, gentil et célèbre, a sauté du pont Suspension Bridge il y a un ou deux ans, et Doug est mort quand nous avions dix-sept ans. Je m'en souviens car je n'y suis revenu maintenant que pour le décès de mon père, et qu'il a été enterré non loin devant la tombe de Doug. Quelque part dans le temps, je suis toujours au théâtre - c'est le jour où le père de Luke est venu nous annoncer la terrible nouvelle, et je continue à pleurer dans les toilettes pour handicapés. Le bus s'en va. Tu me manques Papa, tu me manques ma vie. Mais nos fantômes continuent à rêver, vivre, danser et briller. Je vis toujours, je danse parfois, mais ailleurs maintenant et avec moins d'intensité. On ne peut pas mentir à nos fantômes pendant très longtemps. Mon Dieu, me dis-je alors que nous progressons, bruyants, dans les rues. Mon Dieu comme j'aimais cette putain de ville, elle avait conquis mon cœur. Je me retourne et c'est là que je l'aperçois par la fenêtre, si rigide et argenté, la cigarette aux lèvres, faisant un clin d'œil, tel un adolescent sur le point de devenir un homme. Je lui lance un sourire en partant. C'est ta ville maintenant.


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