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TRIBU

ART FASHION CULTURE DESIGN

N째5

NOSTALGIC SUMMER...


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TRIBU MAGAZINE

FOUNDER & EDITOR IN CHIEF Mafalda M. Kyambel

ART DIRECTION Mafalda M. Kyambel

Assistant Editor Emmanuel Sanga

Visual Communication & Graphic Design Mafalda M. Kyambel | Jonathan Fernandez

Senior Editor Alice Brace ART Senior Editor Alice Brace CULTURE Senior Editor Bérénice Magistretti Editorial Contributors Alyaa Kamel FASHION Senior Editor Mafalda M. Kyambel Editorial Contributors Murray Clark Bérénice Magistretti DESIGN Senior Editor Alice Brace Editorial Contributors Léa Villette

PHOTOGRAPHER Vincent Edmond Louis Contributors Photographers Martin Z'Graggen | Julie Strasser | Tisa Sencur FILMMAKER India Belce Kennedy | Arnaud Delaunoy CONSULTING Cédric Fiema ADVERTISING Virginie Marchand advertising@tribumagazine.com FINANCE Enrique Bernedo finance@tribumagazine.com PUBLISHING & PRINT TRIBU Media publishing & Communication SARL LETTER TO THE EDITOR info@tribumagazine.com TRIBU Magazine International Representative Office: TRIBU Media publishing & Communication SARL Place de Grenus 4 | CH 1201 Geneva, Switzerland WWW.TRIBUMAGAZINE.COM DISTRIBUTION Geneva - Zurich - Paris - London - Berlin - New-York Hong-Kong - Beijing - Shanghai - Tokyo - Sydney

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CEET « Monica » spray et acrylique sur toile

Art Contemporain Urbain Hôtel Windsor - 31 rue de Berne - 1201 Genève - www.idroom.ch - info@idroom.ch - ouvert 7/7 Galerie spécialisée dans l’art contemporain urbain. Née de l’idée d’associer le mur et la toile dans un seul lieu, iDroom a pris ses quartiers dans l’hôtel Windsor, au coeur de Genève. Dès septembre 2015, en parallèle aux expositions : création de chambres d’artistes. 12 - TRIBU MAGAZINE

Découvrez l’univers et la personnalité des artistes directement sur les murs des chambres de l’hôtel. Artistes à venir : Septembre 2015 : L’ATLAS et TANC Octobre 2015 : CEET Vivez l’expérience urbaine !


EDI -TORIAL

What you are holding in your hands was created with the belief that love stories are explosions, that one discussion with a writer an or an artist can describe the world better than any news broadcast. This issue is specially dedicated to nostalgia for summers gone by. It is made especially for you: your guide to the coming months, an opportunity to escape monotony, to start life again and let yourself be taken by the words and images. Read, roam, repeat... In any way which pleases you... Here comes the end of another summer...

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l’élégance par nature

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holy -words

8:23

And he took the blind man by the hand, and went with him out of the town; and when he had put water from his mouth on his eyes, and put his hands on him, he said, Do you see anything?

8:24

And looking up, he said, I see men; I see them like trees, walking.

8:25

Then again he put his hands on his eyes; and looking hard, he was able to see, and saw all things clearly.

8:26

And he sent him away to his house, saying, Do not even go into the town.

8:27

And Jesus went out, with his disciples, into the little towns round Caesarea Philippi; and on the way he put a question to his disciples, saying, Who do men say that I am?

8:28

And they made answer, John the Baptist; and others, Elijah; but others, One of the prophets.

8:29

And he said to them, But who do you say I am? Peter said in answer, You are the Christ.

8:30

And he put them under orders not to say this of him to anyone.

8:31

And teaching them, he said that the Son of man would have to undergo much, and be hated by those in authority, and the chief priests, and the scribes, and be put to death, and after three days come back from the dead.

8:32

And he said this openly. And Peter took him, and was protesting.

8:33

But he, turning about, and seeing his disciples, said sharply to Peter, Get out of my way, Satan: for your mind is not on the things of God, but on the things of men.

8:34

And turning to the mass of people with his disciples, he said to them, If any man has the desire to come after me, let him give up all other desires, and take up his cross and come after me.

8:35

Whoever has a desire to keep his life, will have it taken from him; and whoever gives up his life because of me and the good news, will keep it.

8:36

What profit has a man if he gets all the world with the loss of his life?

8:37

And what would a man give in exchange for his life?

8:38

Whoever has a feeling of shame because of me and my words in this false and evil generation, the Son of man will have a feeling of shame because of him, when he comes in the glory of his Father with the holy angels.

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SUM -MARY

ART RBCP "Visual Art" / 28 EVARTSPACE / 44 JULIE ORDON / 80 CULTURE

WOODEN BOOKS / 92 MAISON MAIS NON / 100 ART BASEL "Reviews" / 108

PALEO 40 ANS "Happy Anniversary" / 124 FASHION

FASHION VS ART / 146 SECRET GARDEN / 160 LITTLE S / 174 EXUMA / 180 UNDER THE SUN / 190 LUXURY

CHOPARD "Palme d'Or & Baselworld 2015" / 204 CHANEL / 218 DE GRISOGONO IN PORTO CERVO / 224 LIFESTYLE

CAPRI COUTURE "Travel Couture" /244 ALLONS MANGER! " The Guide" / 252 BAGEL HOUSE CAFE / 274

LA MER EN BOITE " Les Perles des Dieux" / 284

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SUM -MARY

DESIGN

SALONE DEL MOBILE MILANO / 292 ON THE ROAD

WILD INDONESIA " Java la musulmane, Bali l'hindouiste" / 316 LITERARY

EDITING / 340 END / 342 TRADUCTION / 344

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CONTRIBUTORS ALICE BRACE SENIOR EDITOR ART | CULTURE LONDON | PARIS

INDIA BELCE-KENNEDY ASSISTANT EDITOR ART DIRECTOR ASSISTANT JUNIOR VIDEO PROJECT MANAGER CULTURE | DESIGN GENEVA

ARNAUD DELAUNOY JUNIOR VIDEO PROJECT MANAGER CULTURE | DESIGN GENEVA

ALYAA KAMEL SENIOR EDITOR LITERARY GENEVA

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CONTRIBUTORS JONATHAN FERNANDEZ GRAPHIC DESIGNER | MANAGER GENEVA

ANASTASIA BELOEIL SENIOR EDITOR CULTURE | FASHION PARIS

BERENICE MAGISTRETTI SENIOR EDITOR CULTURE GENEVA

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Mobilier et luminaires contemporains Architecture d’intérieur Cuisines et salles de bain Boffi

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THANK FRANK PAGÈS GALLERY

TRAVEL COUTURE LAURE PERRIARD DE BAVIER

DE GRISOGONO JASMINE GORGE BORJA VIDAL

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K YOU HUBLOT JEAN-CLAUDE BIVER ANAÏS TREAND

BON GÉNIE CLAUDIA TORREQUADRA

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ART


RBCP " VISUAL ART " Article by ROBIN BUCHER AND PATRICK CSAJKO

Since their first exhibition in Zurich in 2012, Robin Bucher and Patrick Csajko have offered intriguing work that invites an exploration - between humor and poetry – of their desire to transform reality and its forms.

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AR -T

Lines, paths and dimensions Robin and Patrick are the heads and the hands of the ingenious RBCP, the name under which they have exhibited on the Swiss scene in recent years. Born in the early eighties, the two artists met at the Centre d’en- Seignement Professionnel de Vevey (CEPV), where they both received degrees in photography. The duo then devoted themselves for a number of years to this medium, in two dimensions, including work in the advertising world. Fascinated by the light and composition work required by photography, they explored with passion different ways to address these themes. Gradually through experimentation it became clear that the photographic medium was insufficient to accomplish what they wanted to do with volume and movement. Robin and Patrick therefore naturally moved closer to broader, more encompassing art forms, such as sculpture and installation. These art forms allowed them to explore space in a playful way through anamorphosis. Tangents and drop points The creative phase is a real time emulation of the binomial. Not knowing where to go to rationalize their free thought, Robin and Patrick are guided by sensitivity and instinct. Factitiously, the two artists will seriously consider the constraints of a space. Having rarely used a computer, they favour this real-world approach, which becomes an excuse to necessitate physical experiments with the space. Inspired by optical phenomena and games of perspective, they try to reinterpret light and gravity in a way that could almost be described as scientific. The duo have been influenced by talented artists of different backgrounds and types, including Markus Raetz, Olafur Eliason and Alexander Calder, who play on the same principles. Robin and Patrick are also particularly interested in the world of Marcel Duchamp, to whom they pay tribute in their works both in subtle winks and outright allusions. Perspectives Halfway between modesty and exhibitionism, their work is revealed through intimacy. In assessing any of the designed works, the observer must adopt a precise position in space. This position, that we must find in our own way, uniquely and personally, is not regarded as having some absolute value or being a point of anchorage; it is just another space that enhances the true heart of the work. Suggesting that one thing can lead to another, the artist provokes the observer to tame the object, to turn it around, to guess at it, to get a little lost, sometimes even to move away from it so that it drops its mask and the sculpture’s meaning can be discovered. The relation of human to object replays the creative process, highlighting the strange bond that develops within it. In reality, the work only begins to exist as a whole with the involvement of the viewer. The artists hope that the observer can experience through interaction the continuation of the game, which began at the creation of the work.

Words by ROBIN BUCHER AND PATRICK CSAJKO | Images credit to Robin Bucher and Patrick Csajko | www.frankpages.com ©

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Looking Glass 2012

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Bust of a Boy With Stripes | Paint on found ceramic

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Valse à quatre 2015

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Marie Antoinette | Angela Davis

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Surprise le cul entre deux chaises 2015

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Sans titre 2014

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Satyre! 2014

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evartspace " ROMAN PASHKOVSKIY" " BILL CLAPS " " ZAPATA " " ROMANI KADARIA " " SERGE ROMANOV " " JULIE ORDON " Article by MAFALDA KYAMBEL

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Artistic emotions. A new artistic space has opened its doors in Geneva. But what is a place dedicated to art, if it is not an invitation to meet and exchange, a need to share the concept of said place with the outside world, with an often unknown public. EVARTSPACE will be a space dedicated to diverse artistic expression but above all, it is the culmination of a dream, vision and desire motivated by the clear artistic tendencies and unflinching determination of its Russian creator, Elena Vyshnevskaya. Born in the city of Ekaterinburg in the Oural mountains, Elena has enriched her career with the adoption of various cultural codes. As a child, her curious spirit and imaginative soul naturally expressed themselves through drawing and painting. Her mother was an architect and painter, and supported Elena from this early stage. Later, photography allowed her to speak more quickly, her eyes on her surroundings. She practiced developing film negatives with the help of her engineer father. As a teenager, she found a new passion in medicine, and went on to study at the best university in the field of pharmaceuticals. She finished the course, but she knew very soon that her life was heading elsewhere and that art would be her constant companion. Between the emerging art scenes of Russia and Ukraine, she became friends with various contemporary artists. Elena fulfilled her need to create with professional photographic training. She move to Switzerland for family reasons and the obvious outcome was to set up a place in the capital dedicated to artistic expression. Her tenacious and necessary commitment to the artistic universe brings a rare power to this determined young woman. It is with her instinct and her determination to an artistic approach free of all conventions that she decided to open her heart and public space to artists. The freedom of choice of her exhibitions is what makes this place one without borders, nor restrictions on people. EVARTSPACE intergrates the initials of its name with that of Elena Vyshnevskaya’s daughter, Eva. A history of the heart which finds its place in that of the public.

Words by ELENA VYSHNEVSKAYA | Images credit to Artists & Evartspace | www.evartspace.ch Š

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" Roman Pashkovskiy "

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" Roman Pashkovskiy "

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" Roman Pashkovskiy "

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" Roman Pashkovskiy "

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" Roman Pashkovskiy "

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" Bill Claps "

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" Bill Claps "

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Harnessed Discord

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" Bill Claps "

Jackie Light gold

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" Bill Claps "

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Skull in light Gold

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" Bill Claps "

Mona as Dalì Light gold

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" Bill Claps "

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Harnessed Discord

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" Zapata "

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" Zapata "

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" Zapata "

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" Zapata "

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" Romani Kadaria "

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" Romani Kadaria "

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" Romani Kadaria "

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" Romani Kadaria "

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" Romani Kadaria "

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" Romani Kadaria "

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" Romani Kadaria "

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" Serge Romanov "

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" Serge Romanov "

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" Serge Romanov "

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" Serge Romanov "

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" Serge Romanov "

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" Serge Romanov "

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julie ordon " SEX ME " Article by EVARTSPACE & MAFALDA KYAMBEL

Words by EVARTSPACE & MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Elena Vyshnevskaya | www.evartspace.ch ©

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On 3rd June, Evartspace Gallery presented Julie Ordon, internationally renowned actress and super model, with her first ever exhibition as an artist, a show called Sex Me. For several years Ordon has been the face of some of the most prestigious brands, and had the opportunity to model for some of the biggest photographers in the world. Her sculpted body, her angelic face and her smile are printed in glossy magazines, inspiring women across the world. Today she presents her first exhibition as an artist and takes us into her own world; one of glamour, glitter, beauty, but beneath the mask, there is a dark side. What is she hiding behind that magazine cover? What role does this established woman, who is supposed to represent thousands, really play? What do we ask her? Through various mediums, such as the use of customised Barbie dolls, both life-size and printed, Ordon and Elena Vyshnevskaya, founder of Evartspace Gallery, attempt to answer these questions in their own way, and in doing so take us to darker places: is a woman just a Barbie doll whom we tell to shut up and be beautiful? With customised vinyl paint and real insect wings, Ordon mixes dreamlike, fairy tale creatures with provocative femininity, inspired by a top model asked to strike a pose. The work also refers to Duchamp's Ready Mades and denounces Western society through fantasy.

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wooden books Article by ALICE BRACE

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Words by ALICE BRACE | Images credit to Wooden Books | www.lorenzobutti.ch ©

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Originally on display at Great Design Gallery, Paris, as part of a site-specific installation - which later featured as part of le Festival du Design - and now presented here as Art, it is safe to say that Lorenzo Butti's 'Wooden Books' raise as many questions as they do eyebrows. The initial installation consisted of the books displayed on tables with some stacked up as part of the window display, and framed photographs of the books, as if on bookshelves, on the walls. The intrigue lies in both the presentation and the medium of the books. Made in varying proportions of different types of wood, each natural blemish has been carefully considered as part of the final design: eyes in the wood’s grain act as a map on the cover of ‘Treasure Island’, while the title of ‘Il Corsaro Nero’ stands boldly against the blackened block it is carved into. Despite containing no further elements of the books they represent than the cover, much of the spirit of the title can be inferred from the texture and the design. For example ‘Alice in Wonderland’, a novel well-known for its playful surrealism, is by far the boldest of the books, crafted in white wood, possibly in reference to the White Rabbit, with a horizontal crack meeting each edge, grinning like a Cheshire Cat. The artist relies on the assumption that the average observer will be familiar with at least one title, every one being that of an internationally loved children’s book. Without prior knowledge of the stories of, say, ‘White Fang’ or ‘Le Petit Prince’, the relevance of the cover design becomes irrelevant; the Wooden Books return to blocks of wood with words carved on them, hence it is essential that Butti selects familiar works of literature, lest his own work lose all meaning. Further reading into the selection of titles might lead the theorist on a wild goose-chase of metaphors about childhood memories and sentimentality, about the hidden past which endures existentially, whether in the fore- or background of one’s mind. This is reflected by the minimal reference to entire stories which have impacted millions of lives by creating millions of memories, which can be brought back at the mention of a word. Denoting in capital letters, and centre-aligned, each book title and author is modestly engraved in the upper-third of the cover in sans serif. The spine

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and the blurb are left blank. They bare no further information. The only angle which differentiates them from blocks of scrap wood is when they are face up: they cannot be arranged on bookshelves, nor displayed in any other way if they are to be seen as works of art or studies in design - which relates back to the Wooden Books’ original presentation at the Great Design Gallery. Two thirds of the exhibition displayed the books in a way which hid all information. Were it an art-specific exhibition, this could be perceived as conceptualism. The Great Design Gallery, however, runs on a mission statement of design: “a place where design is not only presented, but is also, above all, generated as a result of its discussion by customers”. There seems to be a deeper conflict within the Wooden Books which is their presentation as design above art. An artist’s statement describes Butti’s projects as “metaphors of contemporary society”, and goes on to describe the artist as “keen to support the poetics of instability: the acceptance of the non-truth, the non-existence of truth”, which brings the philosophy of his work closer to conceptual art. If this is the case, then the Wooden Books do an excellent job as “metaphors of contemporary society”. The only actual books they could feasibly replace are “coffee table books”: the sorts of books which are bought to look pretty, not to be read but maybe leafed through as a guest waits to be served coffee or wine. The concept of the “coffee table book” is to display some sort of cultural interest, whether it’s a world Atlas, a photography essay, or a meticulously curated selection of magazines. They function only to decorate the table and externalise some aspect of the table-owner’s personality. Which is what makes Butti’s work so interesting as pieces of art which know that their only purpose is to pretend to be a piece of art. With an almost sentient certainty, the Wooden Books naturally fill the need to display art and the need to display literature, without needing to be art or literature. Alternatively, the books are works of design, implying some sort of consumer function, which evidently they lack. There are elements of pure design, like the spacing and layout of the engraved text itself, but it seems unfair to reduce the artistic potential of the Wooden Books to nothing more than a product. In the small piece of information which can be garnered about the exhibition at Great Design Gallery, Butti is described as working in the fields of interior design and luxury, which seems almost ironic given the testimony of him as an artist, but even more so if you consider that selling the solid Wooden Books as luxury items is part of the conceptual alchemy which makes them so compelling and controversial.

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maison mais non Article by ALICE BRACE

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Words by ALICE BRACE | Images credit to Maison Mais Non | www.maisonmaisnon.com Š

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The first of its kind in London, Maison Mais Non is an independent fashion gallery which opened earlier in 2015 to coincide with Graduate Fashion Week. The gallery’s mission statement is “to ensure that fashion transcends its normal commercial imperatives to reach the level of fine art.” All profits are reinvested into supporting emerging talent, who will be the focus of every exhibition. The gallery operates under the umbrella of The Soho Revue, with both galleries working closely together to reinvigorate the cultural dialogue of London’s Greek Street, an address which they share. The concept was originally conceived by Micheal Neeson and Topes Calland, and the creative team has since expanded with the additions of Nell Campbell and photographer Toby Knott. As the driving force of creativity, Neeson ’s initiation into the world of fashion began with his experiences learning to stitch leather in the wilderness, which led to him assisting tailor Joe Morgan of Chittleborough & Morgan on Savile Row, and a subsequent internship at Céline. It came as no surprise that Maison Mais Non’s inaugural exhibition ‘Artist:Artisan’ took the opportunity to make the most of those Savile Row connections. The show featured designs by top Central Saint Martins MA graduates, alongside classic suits by the world-renowned tailors of Savile Row. Key to the success of these partnerships was not only finding the best of the best designers and tailors, but creating an affinity between them, which can be difficult as Topes Calland, co-founder and project manager, explains to Tribu, “the tailors had spent 7 years learning all of the rules, and the MA graduates had spent 7 years learning how to break them.” So the selection process was a sort of “speed dating” where the designers and tailors would meet regularly until they found mutually compatible affiliations. The resulting collaborations featured work by Hayley Grundmann with Anderson Sheppard, Krystyna Kozhoma with Richard Anderson, Charles Jeffrey with Chittleborough & Morgan, and Masha Reva with Kathryn Sargent, the first woman on Savile Row to take the role of Head Cutter. By approaching fashion in a gallery context, the observer is encouraged to approach the work more vigilantly, to acknowledge it not just as fashion, but as craft, skill, and art. Combined with the innovative curation, like pairing the works of the new generation of British fashion alongside some of the oldest names in the trade, gives insight into the future of craftsmanship in the fashion world. As the only gallery in London willing to represent emerging talent with the same respect it would give to household names, Maison Mais Non could well become a cornerstone to the careers of the next generation of designers, and secure its name as the pioneer of fashion galleries.

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art basel " REVIEWS " Article by ALICE BRACE

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Outstanding booth presentations, strong collector attendance and exceptional sales confirm Art Basel’s position as the premier fair for contemporary and Modern works As the 46th edition of Art Basel closed in Basel on Sunday, June 21, 2015, the show was once again widely praised for the many outstanding quality artworks on display and the precisely presented stands. Gallerists reported excellent sales across all levels of the market – to a particularly international array of collectors and institutions – with many declaring this to have been their strongest Art Basel edition. The show, whose Lead Partner is UBS, presented 284 galleries from 33 countries, exhibiting the work of over 4,000 artists. A total of 14 galleries showed in Basel for the very first time, coming from China, France, Germany, Hong Kong, Israel, Italy, Japan, Switzerland, the United Arab Emirates and the United States. Once again, Art Basel provided a platform for galleries to present the very best contemporary and historical material. This year a significant reconfiguration of the downstairs floorplan in Hall 2 moved 57 galleries to new positions – representing the biggest such shift at the show in the last decade. Bringing galleries showing work from 1900 to 1970 in closer proximity to each other, it created a stronger focus for their outstanding historical material, which included premier pieces by Max Beckmann, Marc Chagall, Max Ernst, Georg Grosz, Yves Klein, René Magritte, Pablo Picasso, Mark Rothko and Egon Schiele. The show attracted an attendance of 98,000 over the six show days. Alongside major private collectors from Europe, North and Latin America, and Asia, representatives and groups from over 80 museums and institutions from across the world attended the show, including: Art Gallery of Ontario; Dia Art Foundation, New York; Guggenheim Museum, New York; Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington D.C.; Institute of Contemporary Art, Boston; Institute of Contemporary Arts, London; Los Angeles County Museum of Art; Metropolitan Museum of Art, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago; The Museum of Modern Art, New York; National Gallery of Victoria, Melbourne; National Gallery Singapore; Palais de Tokyo, Paris; Serpentine Galleries, London; Tate, London; The Royal Academy, London; The Ullens Center for Contemporary Art, Beijing; Whitechapel Gallery, London; Whitney Museum of American Art, New York and Yuan Museum, Beijing. Galleries exhibiting within all sectors of Art Basel expressed their enthusiasm about this year's show: ‘Business at this year's Art Basel has been brisk and continuous. We are proud to have placed more works in museum collections than ever before in our history at the fair, including a significant piece by Mike Kelley. We also managed to place all four of our Unlimited projects – a testament to the unrivalled reputation of Art Basel and the collectors it attracts.’ Iwan Wirth, President, Hauser & Wirth, Zurich, New York, London  ‘Art Basel provided the perfect platform to present our Robert Rauschenberg works. They all sold within the first few hours.’ Mollie Dent-Brocklehurst, Pace London President, Pace, New York, London, Zuoz, Beijing, Hong Kong

Words by Art Basel | Images credit to Art Basel | www.artbasel.com ©

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‘Art Basel provides high visibility to artists and galleries on the world stage – we have been able to place work with a major European museum as a direct result of the fair. And I always learn things in Basel that continue to inform my program throughout the year.’ Maureen Paley, Founder & Director, Maureen Paley, London ‘Art Basel was once again a fair that went beyond expectations. We saved important works for this fair, including two Joseph Beuys sculptures that we placed in the most exciting collections. It was our first time showing Robert Rauschenberg since we began to work with the Foundation, and we placed works with museums and important collections in Germany and France. The attendance of major museum directors and curators was enormous, and they travelled with their trustees, which meant they were able to make quick decisions. Only Art Basel is able to attract this kind of seriousness.’ Thaddaeus Ropac, Founder & Director, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, Salzburg ‘Once again, Art Basel has proven to be the best art fair in the world. We have had an incredible response to every artist exhibited in our booth, placing multiple major works with museums and private collectors from the Americas, Europe and Asia. Unlimited was equally successful for the gallery, as we placed significant historical installationbased works by Olafur Eliasson and Haim Steinbach with an important North American museum and an important European collection, respectively.’ Tanya Bonakdar, Founder & Director, Tanya Bonakdar Gallery, New York ‘We had an extremely good start to this year's fair with many key works on the booth selling in the first few hours. We were especially happy to re-connect with Asian clients, who we got to know during Art Basel in Hong Kong earlier this year. Art Basel continues to impress.’ Esther Schipper, Founder, Esther Schipper, Berlin ‘We have found the show very strong this year – and the shift in floorplan has brought a real cohesion, making it easier for galleries to be in conversation with one another and for collectors to navigate the show and explore their interests. Basel is still the only fair where when they say 'vernissage', it really is dedicated time with collectors who are here to explore the show seriously.’ Pierre Ravelle-Chapuis, Director, Van de Weghe Fine Art, New York ‘Art Basel continues to be the very best fair for us, and this year we met new collectors from Europe, including France, and also from Taipei. We found new collectors for our younger generation of artists, including Navid Nuur and Ida Ekblad, as well as artists who we have worked with for many years – our highlight being the sale of six works by Albert Oehlen on the first day of the fair.’ Samia Saouma, Director, Galerie Max Hetzler, Berlin, Paris 'It's always a pleasure to be in Basel, as it continually offers a wonderful opportunity to connect with our international collectors, including those from the United States and Asia. We have had good sales on the preview days and strong engagement continued in the days following. We appreciate Basel's dedicated attention to art from across Africa this year.’ Kirsty Wesson, Senior Curator, Goodman Gallery, Johannesburg, Cape Town

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‘Our first year exhibiting at Art Basel has been both a rewarding and inspiring experience. We have had an incredible opportunity to share our artists work with curators and we are very much looking forward to the institutional follow up from the fair.’ Jasmin T. Tsou, Owner and Director, JTT, New York ‘Art Basel consistently draws the highest quality works on the market. This year's floorplan revisions, in order to highlight the show’s historical focus, seems to have had a motivating impact on exhibitors and created new energy.’ Paul L. Gray, Partner, Richard Gray Gallery, Chicago, New York ‘The fair was a great success. We were impressed by the quality of institutions present at the show and also the positive feedback we received about our presentation of Paolo Scheggi in Feature.’ Michele Casamonti, Founder, Tornabuoni Art, Paris, Florence, Milan, Forte dei Marmi, Portofino ‘It has been a wonderful week in Basel. We were particularly touched by the outpouring of love for Marcia Hafif and her presentation in Unlimited, and are working with a group of institutions to find a permanent home for this masterwork.’ Fergus McCaffrey, Founder and Owner, Fergus McCaffrey, New York, Saint Barthelemy ‘Art Basel is the gold-standard fair. It has been our best to date with everything spoken for in the first hour of opening.’ Glenn Scott Wright, Director, Victoria Miro, London 'Art Basel sets itself apart with its unparalleled visitors – both in terms of critical quality and quantity – and the Edition sector continually attracts strong and informed collectors. We have been exhibiting in Basel for the past 42 years and this is one of the best ever.' Sidney Felsen, Founder, Gemini G.E.L. LLC, Los Angeles ‘Art Basel always makes us re-realize the limitlessness of art through the huge scope of works that are presented. Visitors have a serious passion and are interested to learn about the works in-depth. We have been very happy to see many collectors appreciating art that stretches beyond their own borders.’ Chiara Hsinke Lee, Director, Long March Space, Beijing ‘Art Basel is one of the few places where we can place works with major American institutions while also broadening an artist's audience among intelligent, informed European collectors. This underscores why Art Basel remains the most important and influential art fair.’ Jack Shainman, Jack Shainman Gallery, New York, Kinderhook 'This year's show had more new collectors than ever, right from the start. And this flow of traffic continued through the subsequent days, with interest across the range of works on our booth. The audience here is not afraid of challenges.' Frish Brandt, President, Fraenkel Gallery, San Francisco ‘We were really happy to be at the fair again this year. This year's booth dedicated to Italian art from the 50s to the 70s attracted collectors from all over the world, creating interesting new relationships for us.’ Eleonora Tega, Director, Galleria Tega, Milan ‘Our Feature booth dedicated to Mono-ha was extremely well received and we have made very strong sales. This is our first time showing in Art Basel in Switzerland and we

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would love to come back next year.’ Hozu Yamamoto, Gallery Owner, Tokyo Gallery + BTAP, Tokyo, Beijing ‘This year for Art Basel, we took a new approach by focusing on four of our artists and rotating works throughout the fair. Our two solo presentations inside the booth with Jose Davila and Jorge Mendez Blake were extremely well received, and we sold almost all of the sculptures by Davila. Over 80 percent of our placements were with museums or very significant private collections.’ Kerstin Erdmann, Director, OMR, Mexico City ‘Given the great success of previous editions of the fair, we were delighted that sales continued to be extremely strong at Art Basel this year. We bring our best to Basel. Showing important works by Keith Haring, Thomas Schütte, George Condo, Albert Oehlen, Martin Kippenberger, Cindy Sherman, Rosemarie Trockel and Andy Warhol, among others, and we were very pleased to be met with enthusiastic and knowledgeable collectors at the highest level. This year there was unparalleled energy on the floors during the first few days, once again confirming the dominance of the Art Basel fair.’ Per Skarstedt, Owner, Skarstedt, New York, London ‘We were delighted to participate in Feature this year at Art Basel, especially as the sector gave us the freedom to show Andrea Bowers’ powerful installation. Visitors have had quite an emotional response to the piece, and we’ve received incredible support from several curators and institutions.’ Kevin Scholl, Director, Susanne Vielmetter Los Angeles Projects, Culver City Unlimited Providing galleries with a unique opportunity to present works that transcend the normal art fair stand, Unlimited, curated for the fourth year by Gianni Jetzer, presented

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74 ambitious works in Hall 1, and galleries reported particularly strong sales from the sector. Visitors commented on the exceptionally high quality of Unlimited, with some of the many highlights including works by renowned international artists such as, Kenneth Anger, Ed Atkins, Kader Attia, Martin Creed, Dan Flavin, Gilbert & George, Marcia Hafif, Sheila Hicks, Robert Irwin, Anna Gaskell, Shilpa Gupta, Jeppe Hein, Pierre Huyghe, Leigh Ledare, Maha Malluh, Sarah Morris, Bruce Nauman, Elizabeth Price, Pedro Reyes, Lorna Simpson, Sturtevant, Wu Tsang, Julius von Bismarck and Zhang Enli. Statements The solo artist presentations in Statements offered visitors and collectors an opportunity to discover the work of emerging artists with a strong presence of the digital-native mind set: Bunny Rogers at Société, Borna Sammak at JTT, Avery Singer at Kraupa- Tuskany Zeidler and Amalia Ulman at James Fuentes. Looking eastwards for new talents, Grey Noise from Dubai showed Caline Aoun; The Third Line, also from Dubai, presented Abbas Akhavan; and Platform China from Beijing showed Zhao Zhao. The Baloise Art Prize was this year awarded to British artist Beatrice Gibson and Mathieu Kleyebe Abonnenc from France. The prize of CHF 30,000 was presented by a jury of international experts, and works by the award winners were acquired by Baloise and donated to the MMK, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main and the MUDAM, Luxembourg. artbasel.com/basel/statements Feature This year's Feature sector, an annual highlight at the show, was expanded by 25 percent to spotlight even more precise curatorial projects at 30 galleries. Showing both historical and contemporary work, this year's edition saw galleries from 13 countries, with six of the galleries exhibiting at Art Basel for the first time. There were many highlights in Feature, with connoisseurs commenting on the quality of the work shown within the sector, including: a presentation by Luxembourg & Dayan (New York, London) of two lesser- known bodies of works by Michelangelo Pistoletto; a significant thematic show on Mono-ha, featuring five artists from the sculpture based Japanese art movement from the late 1960’s onwards, by Tokyo Gallery + BTAP (Tokyo, Beijing); a stand-out presentation by Tornabuoni Art (Paris, Florence, Milan, Forte dei Marmi, Portofino) of four works by Paolo Scheggi, gathered together for the first time since they were shown at the Venice Biennale in 1966; a much-discussed installation by Andrea Bowers at Susanne Vielmetter Los Angeles Projects (Culver City) and an installation of rarely seen dung sculptures and ‘Body Prints’ by David Hammons, shown by Salon 94 (New York). Parcours The 2015 edition of Parcours was curated for the third time by Florence Derieux, Director of FRAC Champagne-Ardenne, and was sited in the historical centre of Basel around the city’s iconic cathedral and at select locations such as the Museum of Culture, the Natural History Museum, the Town Hall and the Münsterplatz. Parcours featured a total of 23 site-specific art works by internationally recognised artists, the biggest selection for Parcours to date, including Alexandra Bachzetsis, Adriano Costa, Nate Lowman, Michaela Meise, David Renggli and Ugo Rondinone. A highlight of the week was Parcours Night on Saturday, June 20, when the project venues stayed open late,

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accompanied by special one-off performances by Rosa Barba, Julien Bismuth and Erkka Nissinen, as well as a live set by Haroon Mirza with London-based band Factory Floor. As part of the evening, Art Basel with HeK (House of electronic Arts Basel) presented a new live performance by Edwin van der Heide. Between Wednesday and Sunday 9,000 people visited Parcours. Film This year's Film program was selected for the first time by Cairo-based film curator and lecturer Maxa Zoller. Consisting of six screenings – including one programmed by the Locarno Film Festival and one by This Brunner – the film program was shown at Stadtkino Basel over six nights. It featured 19 film and video works by and about artists, exploring a range of different themes, with highlights including the screening of Takashi Murakami’s debut feature film ‘Jellyfish Eyes’, marking a turning point in Murakami’s practice and in the artist's own words ‘a healing film for post-tsunami Japan’; the first screening in Europe of Lisa Immordino Vreeland’s documentary ‘Peggy Guggenheim: Art Addict’, an intimate portrait of the artworld icon; the films of South Korean KimSooja and Moroccan-born Hassan Hajjaj, which use female traditional craft as a way to offer to the viewer a non-traditional, philosophical approach to art forms; and a special short film program featuring the work of a range of artists including Karolin Meunier, Laure Prouvost, Oliver Laric and Julieta Aranda. Film was widely attended, and throughout the week two additional screenings were added to the program due to demand. artbasel.com/ basel/film Conversations and Salon Art Basel's Conversations and Salon series brought together prominent voices from the international artworld, including Danh Vō, Mark Coetzee, Manuela Ammer, Wael Shawky, Elena Filipovic, Anicka Yi, Susan Hiller, Christian Jankowski and Jumana

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Manna. The program of artist conversations and discussion forums took place daily, with a number of timely themes covered, including ‘Rethinking Kunsthalles and Non Profits’, ‘The Caribbean is the Future of Art’, ‘Collecting Africa’ and ‘Residencies, Communities: Support Structures for Artists’. The Art Basel talks program of over 20 panels was free and open to the public. A total of over 2,700 people attended this year's talks program. High-quality videos of all talks will be available shortly after the show at artbasel.com/ basel/talks. DO WE DREAM UNDER THE SAME SKY For the duration of Art Basel, ‘DO WE DREAM UNDER THE SAME SKY’ by conceptual artist Rirkrit Tiravanija, German architects Nikolaus Hirsch/Michel Müller and Finish chef Antto Melasniemi was installed on Messeplatz in Basel. The work was an extension of Rirkrit Tiravanija’s and Thai artist Kamin Lertchaiprasert’s ‘the land’, a self-sustaining artistic community near Chiang Mai in Thailand. Including a herbal garden, kitchen, communal dining and meeting area, the project involved collaborations with engineers Bollinger + Grohmann and students from the Institute of Art of the FHNW Academy of Art and Design in Basel and the Städelschule in Frankfurt. With the show now closed, the installation for ‘DO WE DREAM UNDER THE SAME SKY’ will travel to 'the land' in Chiang Mai, where it will form the basis for the foundation’s first permanent structure. Through Art Basel’s Crowdfunding Initiative – a unique partnership with Kickstarter to support non-profit visual arts organizations founded in 2014 – 'the land' is raising funds to expand this structure to house artist residencies and special programming, including workshops, talks and performances. artbasel.com/crowdfunding Exhibitions and performances in Basel Exhibitions in and around Basel were of an exceptionally high standard this year, and included: ‘Paul Gauguin’, ‘Marlene Dumas’ and 'Tobias Rehberger' at Fondation Beyeler; ‘Future Present’ at the Schaulager; ‘Joseph Beuys: Installations, Actions & Vitrines’ at Museum für Gegenwartskunst; ‘Haroon Mirza/hrm199 Ltd’ at Museum Tinguely; ‘Anicka Yi: 7,070,430K of Digital Spit’ and ‘Vincent Fecteau: You Have Did the Right Thing When You Put That Skylight In' at Kunsthalle Basel; and ‘Making Africa – A Continent of Contemporary Design’ at Vitra Design Museum. Theater Basel presented ‘The Metopes of the Parthenon’ by internationally renowned theater director Romeo Castellucci. In addition, Fondation Beyeler hosted a performance of the 1913 Futurist opera ‘Victory over the Sun’. Design Miami/Basel Design Miami/Basel, the global forum for collectable design was once again held within Hall 1 on the Messeplatz. The 10th edition presented more than 50 galleries exhibiting

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paleo 40 ans "HAPPY ANNIVERSARY" Article by ALICE BRACE

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Words by Alice Brace | Images credit to Paléo Festival & TRIBU Magazine | www.paleo.ch ©

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" Portrait of the Festival "

The 40th edition of Paléo Festival will take place from 20th to 26th July 2015. Nestling between the Jura Mountains and Lake Geneva, halfway between the cities of Geneva and Lausanne, «the First Folk Festival» of 1976 has become one of Europe’s largest openair musical events. Over six days, audiences totalling more than 230,000 come together for more than 250 concerts and shows in a celebration of French chanson, rock, electro, hip hop and world music. Since 1976 – and the «First Folk Festival» that drew an audience of some 1,800 people in the town assembly rooms in Nyon –, Paléo Festival is today one of Europe’s most important musical events. Since its creation, the Festival has been growing in a regular and managed way, gaining steadily in professionalism during this period of development. Each year, more than 250 concerts and shows are on offer to the 230,000 members of the public who fill the Festival’s 84- hectare Asse site (car parks included), situated above the town of Nyon. To this day, over 5 million people have contributed to this unwavering popular success. For more than twelve years, the Festival has been sold out before it even started and enjoys an ever-growing reputation. In 2014, over 600 media professionals covered an edition that was noted for some unforgettable shows and a variety of architectural and artistic structures inviting dreamlike contemplation. A window on world culture Originally oriented towards folk music, the musical programme rapidly opened up to include rock, pop, electronic music, French chanson, world music, reggae and even classical music. Each year, the Festival proposes a rich tapestry in which international stars rub shoulders with those of more discreet fame, as legends share the bill with new talent on a choice of seven stages whose audience capacities vary from 500 to 30,000. Fired by a constant desire to provide an opening to the culture of other peoples and places in the world, Paléo Festival inaugurated the Village du Monde in 2003: a festival within the Festival offering concerts, shows, food and crafts all with a common theme provided by a region of the world. After starting out in Africa, the Village du Monde went on to celebrate Latin America, Asia, Eastern Europe, North Africa, Brazil, India, Southern Africa, Caribbean, the Middle East the Indian Ocean and the Andes. In 2015, it will be the turn of the Far East to fly its colours. Paléo does not just provide musical entertainment but has also given pride of place to street theatre and performance inspired by the circus. All over the Festival site, street artists roam and perform ad-hoc shows bringing comedy and other forms of entertainment to the public. Grouped together at the Ruche, or Hive, seven performing areas have been specially set aside to facilitate the expression of their talent. These spaces can accommodate between 60 and 600 people. Since 2004, fine art has also found a niche on the site, thus providing a complimentary creative approach to that of stage performance. The Festival site is divided into several thematic quartiers or neighbourhoods, which are home to over 200 stalls selling food and crafts from around the world, bars and restaurants. Paléo Festival also provides a free campsite for those attending the event and which can accommodate up to 10,000 campers. A socially responsible and ecological event Since it first started, the Festival has based itself on values of sharing, tolerance and respect. In spite of its phenomenal growth and the presence of 4,800 volunteer staff, the event has always been inspired by these same values, which today have found more formal expression in a charter that regulates different aspects of life at Paléo. In this way,

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" Portrait of the Festival "

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the Festival gives a clear sign as to where its priorities lie: sustainable development, social responsibility, environmental protection as well as respect for the artists, members of the public and volunteer staff who participate each year. This approach to managing and organising the event has been recognised an d lauded on several occasions, and seen the attribution of the following awards: the Health and Safety Innovation Award in 2014, the MIDEM Green World Award in 2008, the Nicefuture Attitude prize in 2006, 2007 and 2008, the Green’N’Clean Award accreditation in 2007, the Public Award for logistics in 2007, the Swiss Ethical prize in 2007, and the Arthur Award for best international festival in 1999 and 2002. Such distinctions are in recognition of the entire organising effort and help maintain Paléo’s reputation as a truly important international event, resolutely convivial and accessible to each and everyone.

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" The Atmosphere "

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" The Atmosphere "

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" The Artists "

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" The Artists "

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" The Artists "

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" Village du monde "

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" Folk to Fame: 40 years of Paléo Festival in photos "

What began as a little folk festival in Switzerland has gone on to become one of the most significant music events in the yearly European calender. The success of Paléo Festival Nyon was immediate, with nearly two thousand attendees at the inaugural festival back in 1976, and has continued to grow and expand ever since. Present day, 40 years later, we take a look back at some highlights from the past four decades, from happy campers of the ’70s, the ambitious hairstyles of the ’80s, the even more ambitious pyrotechnics of the early millennium, right up to last year’s event, all made possible by some of the biggest – or soon to be – names in the industry, making not only music, but history.

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" Folk to Fame: 40 years of PalĂŠo Festival in photos "

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FASHION vs art Article by ALICE BRACE

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Since there has been fashion there has been a cross-over between designers and artists. Almost every major fashion house now has some sort of direct connection with art in one way or another, whether it’s Ralph Lauren’s private investment in the restoration of Paris’ L’Ecole des Beaux-Arts, or Louis Vuitton’s architectural monument dedicated to LVMH’s art collection. You could say that art is what elevates garments from being just that, to one of the most lucrative industries in the world. And you could also say that despite the apparent complexities of both worlds, fashion is much more likely to wear its heart on its sleeve, if you will. To expand on this, Tribu has taken two major fashion houses, and explored their artistic roots to further understand the nuances of some of their recent collections.

Words by ALICE BRACE | Images credit to Style.com | www.style.com ©

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Dior x Matisse With its contrasting glamour and art, Raf Simons believes the South of France epitomises the original philosophy of the House of Christian Dior: a man who was outspokenly obsessed with the bourgeoisie, but found himself returning time and again to nature, which reflected back on his work, “after the woman, flowers are the most lovely thing God has given the world.” The original creation of the “femme fleur” has lived on through the history of the House of Christian Dior, with Simons expanding on the concept; influenced by art and nature, he breathes a new life into what the “femme fleur” represents, paying respect to the evolution of the woman which Dior never witnessed after 1957. At just 20 years-old, Christian Dior found himself partnering up with Jacques Bonjean as the art director of a successful gallery in Paris. Hosting an impressive register of last names including Miro, Klee, Giacometti, Dali and Picasso, the success was sadly cut short as the economic crisis hit. In homage to Christian Dior’s bond to the art word, Raf Simons’ first collection for Dior as artistic director reproduced abstract canvasses by Sterling Ruby, and featured some early designs of Andy Warhol. And it seems as though Simons has made an effort to keep the House’s relationship to art alive ever since. Taking the House back to its roots, to the coast of France where Dior would habitually escape to, the Dior Cruise Collection 2016 was inspired by the same landscape, seascape, and skyscape which has inspired artists for centuries with its seemingly ceaseless sunshine and seductive flora. It is a collection which maintains certain ideals of the House’s founder -“always feminine, always have a silhouette, always have a link to nature” - but as Simons explains, “I think that can become something completely different... something which is very ‘brut’ and wild and rough, and something which is very sophisticated and glamorous and chic”. So despite his best efforts to not take inspiration from any one artist, the layered Lurex garments which encapsulate the sun rise and sun set, and the bold cut-out prints draw on one very clear inspiration: Matisse. The give-away is in a burgundy and cream skirt printed with uncanny floral shapes. They reminisce of Henri Matisse’s work, both aesthetically and in spirit. Matisse’s cut-out period began after he underwent surgery which left him bed- and chair-bound. The physical motions of painting left the artist in incredible pain, and as an alternative he began to develop a new technique: cut-out collage. With the help of studio assistants, Matisse spent the final years of his life perfecting the art of découpage, creating a series of progressively larger, more ambitious pieces of ephemeral work. Relevant to the Cruise Collection, the latter works of Matisse were inspired by nature and “an unconscious belief in a future life”. The works were constantly changing, as is the House of Christian Dior under Raf Simons, but always reflective of an intrinsic fascination with the immediate surroundings. Matisse’s work was essential to him as an artist, he describes how the process was like “cutting directly into colour” and “drawing with scissors.” But it was also very playful, the work allowed Matisse not only to explore an entirely new medium, but to bring colour and life to him when he could not go to it in his incapacitated state, “I have made a little garden all around me where I can walk,” he said of the development of The Parakeet and the Mermaid, 1952. Similarly Simons describes the Cruise Collection, “I wanted an idea of freedom, playfulness and individuality, especially in consideration of the Dior archive”, and he continues “the scale is played with and elements of their style are ‘collaged’ into other forms and garments.”

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Then there is the location of the Cruise show itself: le Palais de Bulles, designed by Antti Lovag, who believes “the straight line is an aggression against nature”. On his first visit to the “Bubble Palace”, a work of architecture which is as appropriate a backdrop to the Flintstones as it is to a sci-fi movie from the ‘60s, Simons became instantly fascinated and has waited nearly a decade to feature it. He describes it as “playful, sweet... childish almost”. The Palais de Bulles impacts greatly on the landscape of the French Riviera, which in turn had a huge impact on the esprit of the Cruise Collection. Whether a conscious decision, or simply the logical conclusion of the playful influence of nature, the Cruise Collection 2016 breathes the same air as Matisse.

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Chanel x Hirst Rule-breakers of the fashion and art worlds, respectively, Karl Lagerfeld and Damien Hirst are not a clash, but a compliment of egos. The two create work on a similar basis: bigger. Bolder. More. Through a constant impulse to create - as Lagerfeld once eloquently put “I'm a kind of fashion nymphomaniac who never gets an orgasm”- the two have built reputations around themselves as living icons within their industries, representative of change, rebellion... revolution, even. Since taking over as designer and creative director of Chanel, Karl Lagerfeld has pushed the boundaries of social expectation, even within the relatively liberal boundaries of the House of Chanel itself; “What I do, Coco would have hated”. Despite essentially going against everything Gabrielle Chanel believed in and fought to create her House’s image around, the rebellion is still within the essence of what the House originally stood for: a subversion of standards, promotion of femininity and modernity. Moving away from Chanel’s trademark monochrome palette, Lagerfeld’s Chanel Spring/Summer 2015 prêta-porter collection consisted almost entirely of colour. Paired with reinterpretations of the iconic tweed suit were pink, purple, orange and yellow printed silk designs worn in one way or another by almost every model who strolled down the “Boulevard Chanel” at the Grand Palais where the collection was premiered in 2014. The abstract colours and shapes hark back to Coco’s relationship with the art scene of Paris in the 1920s, where the influence of her associations reflected on her work, and more specifically the branding. The label of the legendary Chanel No.5 perfume is a nod to the “Papillons Dada” which were being produced by her contemporaries. The Cubists and the Dadaists arguably played a key role in all modern art as we know it - surrealism, abstract expressionism, conceptualism – the influence of which filtrates into other strands of art, like architecture and fashion. These movements revolutionised art, changing and challenging our perceptions of it forever, much in the way Chanel did with her convention-breaking modernist

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approach to fashion. Equally fed up with the zeitgeist, Damien Hirst led a ground-breaking art exhibition which ultimately catapulted him and several friends from Goldsmiths University to fame in the late 1980s. ‘Freeze’ was conceived as a way of presenting their own work in the style of the recently-opened Saatchi Gallery, which both Hirst and his co-curator Carl Freedman greatly admired for its ambition and scale. The title of the exhibition came from fellow exhibitor Mat Collishaw’s Bullet Hole, 1988, which was described in the show’s catalogue as “dedicated to a moment of impact, a preserved now, a freeze frame”. The title epitomised the eternal modern spirit of the show, which ended up producing some of the biggest names in contemporary art, including Hirst himself. Since then, he has gone on to become one of the most controversial, wealthiest artists in art history, creating concepts which question life and death, many of which remain pivotal moments in the development of art. His series of ‘Spin Paintings’ - which as the name might suggest involves throwing pots of paint over a spinning canvas - are a mixture of loss of control, energetic, child-like optimism but also a challenge to many art lovers. The paintings, and most famously, most elaborately named, Beautiful, Childish, Expressive, Tasteless, Not Art, Over Simplistic, Throw Away, Kids’ Stuff, Lacking in Integrity, Rotating, Nothing but Visual Candy, Celebrating, Sensational, Inarguably Beautiful Painting (for Over the Sofa), 1996, are installed in galleries on rotating mechanisms. The unique quality of the work lies in the implied motion of it, so when asked which way up the aforementioned canvas was to be displayed he insisted on the mechanical rotation, explaining that “the moment they stop, they start to rot and stink.” Hirst’s work, like Lagerfeld’s, is in constant flux. At the very core of these two seemingly opposing visionaries there is a very real sense of evolution, neither fear criticism, their work does not depend on the validation of others. Arguably it is the validation of others which has allowed them the flexibility to further quench their creative thirsts, but it is not what drives the work. Both Hirst and Lagerfeld react to the world around them through artistic rebellion by having, as Hirst describes it, “the bravery of attempting to do the impossible”.

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Though just two examples, it is clear to see how related and relevant the worlds of art and fashion are and have always been. Especially with the development of new technologies which inspire both designers and artists to create progressively elaborate pieces, the gap between what is fashion and what is art becomes more and more ambiguous, and maybe one day everyone will not only be able to own a Picasso, but wear one.

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Left & Right: Jacket Longchamp

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Left & Right: Dress BCBG MAX AZRIA

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Dress BCBG MAX AZRIA

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CREATIVE DIRECTOR AND STYLING: MAFALDA KYAMBEL PHOTOGRAPHY: VINCENT EDMOND LOUIS MAKE-UP: NOELIA DE JESUS HAIR: ASOYI LUVAMBU, BY PIKD'ASO MODELS: TIME MODELS AGENCY VIDEO PROJECT MANAGER: INDIA BELCE-KENNEDY ASSISTANT: JULIE STRASSER

Left: Dress BCBG MAX AZRIA

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All collection by Sandrine Beaud for LITTLE S

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Left & Right: Dress BCBG MAX AZRIA

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CREATIVE DIRECTOR AND STYLING: MAFALDA KYAMBEL PHOTOGRAPHY: VINCENT EDMOND LOUIS MAKE-UP: NOELIA DE JESUS HAIR: ASOYI LUVAMBU, BY PIKD'ASO MODELS: SANDRINE BEAUD BRAND: LITTLE S VIDEO PROJECT MANAGER: INDIA BELCE-KENNEDY ASSISTANT: JULIE STRASSER

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Exuma Article by ELISA & DEBORAH MEIER

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BEHIND THE BAGS... EXUMA was originally thought in the Exumas Islands in 2014 where twin sisters Deborah and Elisa decided to make their dream a reality. The Bahamas being their second home, they are inspired by the island’s raw exotism and vibrant colours, and aspire to incorporate the island's chic laid-back feel in their line. EXUMA bags are made in Spain by a family-run company that has been in the business more than 25 years. EXUMA's founders are also commited to supporting the Swiss manufacturing industry, therefore their beach pouches are sampled and made in Geneva, using handmade textiles from local Bahamian artisans. EXUMA COLLABORATIONS As young ladies starting their business, founders Elisa and Deborah are very sensible to women empowerment. EXUMA's first successful collaboration with Label Bobine, a Swiss manufacture created by an SOS Women association, resulted in a production of unique pouches designed by EXUMA and made by the workshop, who train and help women in a socio-professional insertion process. The objective of the brand remains to create awareness around local/ethical productions by working with small manufactures. ABOUT THE DESIGNERS Twin sisters Elisa and Deborah grew up in the international city of Geneva from SwissGuatemalan parents. Involved in the arts and fashion since a young age, they have always been drawn to entrepreneurship, and after both having worked in the media and eventplanning fields, they decided to launch their own handbag line. They design and start the creation process of their bags in Geneva, where they both live. www.exumabags.com info@exumabags.com

Words by ELISA & DEBORAH MEIER | Image credit to Chloe Bonnard | www.exumabags.com Š

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under the sun

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Bag SON NOGUERA

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Bag SON NOGUERA

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Bague Bag SON NOGUERA

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Bag SON NOGUERA

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Bag LONGCHAMP

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CREATIVE DIRECTOR AND STYLING: MAFALDA KYAMBEL PHOTOGRAPHY: ELENA VYSHNEVSKAYA MAKE-UP: NOELIA DE JESUS HAIR: ASOYI LUVAMBU, BY PIKD'ASO MODELS: TIME MODELS AGENCY VIDEO PROJECT MANAGER: INDIA BELCE-KENNEDY ASSISTANT: JULIE STRASSER

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chopard " PALME D'OR " & " BASELWORLD 2015 " Article by MAFALDA KYAMBEL

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" Palme d'Or "

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Enduring symbol of the Cannes Film Festival, veritable grail for every film producer on the planet, the Palme d’Or award for the best film in the official competition is celebrating its 60th Anniversary this year. But the Palme d’Or has not always been in the guise in which we know it today. This supreme award has experienced several transformations since the creation of the Festival, prior to attaining its most noble and successful form in the Chopard workshops.

Words by CHOPARD | Images credit to Chopard | www.chopard.com ©

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" Palme d'Or "

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In fact, until 1954, the Jury of the Festival awarded a “Grand Prix du Festival International du Film” (International Film Festival Grand Prix) to the best director of the nominated films. The laureates were then presented with a work by a fashionable contemporary artist, such as figurative paintings or Sèvres vases. The Palme d’Or was not yet born. In 1954, the Executive Director at the time, Robert Favre Le Bret, invited jewellers to present designs of trophies inspired by the palm motif, in reference to the palm trees on La Croisette as well as the city’s coat-of-arms, on which the palm evokes the famous legend of Saint Honorat. When, around the year 1000, the village of Cannes was relinquished to the Abbey of Lérins located on the island of Saint Honorat off its coast, the palm, which was the Abbey’s emblem also became that of the city. A proud, victorious palm, symbolising the palm tree that Saint Honorat climbed so that the sea could cleanse the island of the snakes with which it was infested. The winning project was that of jewellery designer Lucienne Lazon who, according to another legend, designed her Palme together with Jean Cocteau, who was then the President of the Jury and an advisor.

Birth of a legend In 1955, the first Palme d’Or, awarded to Delbert Mann for Marty, was born at the same time as another myth: Brigitte Bardot. But in 1964, following contestation, it disappeared for ten years and the Festival returned to its Grand Prix and certificate approach. In 1968, the events that took place in May stopped the festivities. For the first time in the entire history of the Festival, no awards were made. In 1974, Francis Ford Coppola was the last person to leave with a work of art, accompanied by a huge, very cumbersome certificate, for his film, The Conversation. It was not until 1975 that the Palme reappeared under the impetus of Maurice Bessy, then Executive Director, who wished to reinvigorate the sparkling symbol, nestled in a red full-grain Moroccan leather box padded with white suede. At the beginning of the 1980s, the rounded shape of the pedestal on which it stood was slowly transformed into a pyramid. In 1992, Thierry de Bourqueney redesigned the Palme and its pedestal, which was now in hand-cut crystal. The following year, for the first time in the history of the Festival, a woman was awarded the Palme d’Or. New Zealander Jane Campion remains to this day the only woman to have won the ultimate prize for her film, The Piano. Gilles Jacob, former President of the Festival, remembers: “Jane is a feminist, she pointed out that she was the first woman to receive the award. I nicknamed her ‘Lady Palme d’Or!’ ” In 1997, on the occasion of the 50th anniversary of the Festival, a Palme des Palmes (Palm of Palms) was awarded to Ingmar Bergman for his work overall, attended by 28 other holders of the trophy.

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That same year, while the Maison Chopard was preparing to open a boutique on La Croisette with prestigious patronesses including Eva Herzigova, Ornella Mutti and Carla Bruni, Chopard Co-President and Artistic Director, Caroline Scheufele, came up with the idea of inaugurating it during the Festival in order to create some synergy between the two events. She contacted the organisers to discuss possibly working together. The two institutions have maintained close ever since and constantly reinforce their ties: “During my very first meeting with Pierre Viot, who was then President of the Festival” Caroline Scheufele reminisces, “I noticed the Palme d’Or just behind him in his office. I asked to have a closer look and seeing my keen interest, he asked if I would like to come up with a new version for him, a “makeover” of some sort. I was delighted and took on the task with great enthusiasm!” Chopard’s Palme d’Or: a precious jewel for the most prestigious of awards Caroline Scheufele decided to make the Palme d’Or lighter but to give it greater volume and depth, while emphasising the veins in the stalk and the regulation 19 leaves. She also designed the stalk so that it ended in the shape of a heart, one of Chopard’s jewellery emblems. In addition, as the Palme d’Or is the most coveted award in film-making,

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" Palme d'Or "

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Caroline Scheufele wanted the trophy to be commensurate with that which it represents: for it to be precious in every sense of the term. While the 1998 and 1999 Palme trophies were made of vermeil, a silver substrate gilded with 30 microns of fine gold, the second millennium gave the Palme its golden blessing with 125 grams of 18-carat gold. Caroline Scheufele added another precious detail to it with a rock crystal pedestal carved like an emerald-cut diamond. The Palme d’Or was then presented in a royal blue Moroccan leather box. In 2001, after Lars Von Trier, wild with joy, brandished his Palme for Dancer in the Dark as high as he could and the trophy fell on the floor, a safety catch was added to the box. Marc Couttet, director of Chopard’s Haute Joaillerie creation department, comments enthusiastically on this makeover: “The Palme has become dynamic, streamlined, joyful and loving with a heart sculpted at the base of its stalk, a very glamorous addition to its crystal bed! The rock crystal on which the Palme rests is more than a good backdrop or foil; it is the trophy’s twin ‘symbolon’ (two halves of one whole, one standing for the other). The hard, transparent, sometimes cloudy, material of which crystal is made, gives the award its unique aura. The flecks, inclusions, natural fractures and milky mists that are part of the gem’s natural make-up are disturbing, often revelatory signs of the atmosphere of the winning film or its director: limpid, icy, misty, torn, disturbed, clairvoyant…” Is the Palme endowed with visionary powers? To obtain a crystal of the quality and size as that used for the trophy, Marc Couttet and his team start with a raw chunk weighing at least three kilos that has to be sawn, cut, shaped and polished during several operations. This is a costly preferential treatment that calls for highly qualified know-how ensuring a jewellery finish that the previous Palmes did not have. Its creation requires a total of seven craftsmen and around 40 hours of work, between making a wax model, hand-casting the plaster in a furnace at 760°C, injecting the gold into the mould, polishing, and finally securing it to the rock crystal pedestal. Exceptional Palmes It was also at the beginning of the second millennium that Caroline Scheufele took it upon herself to make amends for an injustice by manufacturing mini Palmes, perfect replicas of the big one, for the Best Actor and Actress awards, presented to the actors and actresses who up till then were simply given a certificate. In 2006, many more mini Palmes were required when Days of Glory (five actors) and Volver (six actresses) won the Best Actor/Actress award collectively! And in 2013, the Palme d’Or itself had to be produced in triple when Steven Spielberg and his jury decided to award it to director Abdellatif Kechiche and his two actresses, Adèle Exarchopoulos and Léa Seydoux for Blue is the Warmest Colour. “President Spielberg’s decision to reward exceptional actresses in an exceptional role by giving them the large Palme d’Or awards, normally exclusively reserved for the film itself was an exceptionally transgressive behaviour!” enthuses Gilles Jacob. Léa Seydoux has still not gotten over it: “I was very happy to be part of such a prestigious prize. I thought there might be an Best Actress award for Adèle or a Palme for the film but not this triple Palme d’Or. For me, it is recognition of the work achieved, on this film in particular; but also, on a more general level, it acknowledges a career to date. It is as if this Palme set a

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seal of approval on my choice to become an actress. It is the symbol of the Cannes Film Festival just as I imagined it to be when I was young and had no idea I would become an actress. The image of an incredible, mysterious, fairy-tale world. I see it every day, it has pride of place on my mantelpiece!” Thierry Frémaux, Délégué Général of the Festival, describes the incomparable scope of a Palme d’Or in the following words: “Every remittance of a Palme is unique and wonderful. And I could count every moment of every year. When a Palme d’Or is awarded to a great master, as was the case for Malick, Haneke or Polanski, it is amazing because one has the feeling that the Cannes awards keep step with history. I hope that it will always be this grail that makes filmmakers dizzy with desire. May it continue to give its blessing to talent by rewarding great artists, or discovering who the promising filmmakers of tomorrow will be.” A Palme d’Or with an enduring sparkle In 2014, Chopard extended its commitment to the development of sustainable luxury which started with The Journey to Sustainable Luxury created with Livia Firth, founder of Eco-Age, and launched in May 2013 at the 66th Cannes Film Festival. At this point, the watchmaker-jeweller decided to make the Palme d’Or out of ‘Fairmined’ gold, mined with respect for people and the environment. “I am delighted and proud that the Palme d’Or that I redesigned 17 years ago, this very powerful symbol that is known and recognised all over the world, can today be made of traceable gold, mined with respect for people and the environment,” says Caroline Scheufele. Thierry Frémaux applauds: “The Cannes Film Festival is not held in isolation from the rest of the world. Behind the red carpet, the glamour and the exclusive passion of cinema, resounds an echo of our lives. The question of sustainable development is at the very heart of our concerns. Chopard’s idea to make a contribution through its ethical jewellery and the Palme’s ‘Fairmined’ gold is fundamental. We are delighted and proud that our partner has such strong views and such profound convictions.” The first film to win a Chopard-made Palme d’Or was called Eternity and a Day. What a wonderfully premonitory association with a Palme d’Or that is so majestically… eternal.

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" Baselworld 2015 "

Haute Joaillerie The Chopard dream workshops beat to the pulse of the seasons The majestic beauty of nature, exalted by the absolute refinement of jewellery: stunning one-of-a-kind creations pay tribute to the light and colours of the seasons, as well as the boundless emotions they inevitably stir in the human heart. A majestic stage production bearing the Chopard signature.

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" Baselworld 2015 "

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Haute Joaillerie | Image credit to Chopard Š

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" Baselworld 2015 "

Haute Joaillerie | Image credit to Chopard Š

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" Baselworld 2015 "

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Haute Joaillerie | Image credit to Chopard Š

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" Baselworld 2015 "

L'Heure du Diamant | Image credit to Chopard Š

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" Baselworld 2015 "

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Green Carpet | Image credit to ChopardŠ

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chanel Article by MAFALDA KYAMBEL

Words by CHANEL | Image credit to Chanel | www.chanel.com ©

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18K BEIGE GOLD case set with 56 brilliant-cut diamonds (~0.19 carat). White mother-of-pearl dial. 18K BEIGE GOLD cabochon crown. 18K BEIGE GOLD chain bracelet and clasp. High-precision quartz movement. Functions: hours, minutes. Water-resistance: 30 meters. Dimensions: 16 x 22 x 6,2 mm.

Premiere Or Beige | Image credit to Chanel Š

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Limited edition to 12 pieces. 18K white gold case (28.5 x 37mm) set with 47 baguette-cut diamonds (~2.9 cts). 18K white gold bezel set with 42 baguettecut diamonds (~2.2 cts) and 52 brilliant-cut diamonds (~1.4 ct). Colorless anti-reflection treated sapphire crystal. 18K white gold hands set with 17 brilliantcut diamonds. 18K white gold tourbillon cabochon set with 19 brilliant-cut diamonds. 18K white gold crown set with 16 baguettecut diamonds and 11 brilliant-cut diamonds. 18K white gold caseback. Black satin strap. 18K white gold double folding buckle set with 30 brilliant-cut diamonds.

Manual-winding mechanical movement. 40-hour power reserve. Functions: hours, minutes, tourbillon. Water-resistance: 30 meters.

“CAMÉLIA FLYING TOURBILLON“ CALIBRE The development of this exceptional tourbillon is the fruit of a collaboration between CHANEL and Renaud et Papi (APRP SA) Swiss master watchmakers. Manual winding mechanical movement. 40 hour power reserve. Number of parts: 187. Number of rubies: 18. Flying Tourbillon: 76 components carriage weight: 0.606 g. Frequency: 21’600 vibrations / hour (3Hz). Motor unit: 1 fixed clamp barrel. Spring torque: 720 g.mm. Custom designed oblong bottom plate. Shockproof system on the balance. Balance with variable inertia moment.

Premiere Openwork Flying Tourbillon Diamonds | Image credit to Chanel ©

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Unique piece. 18K white gold case set with 22 baguettecut diamonds (~1.1 ct) and 52 black baguette-cut spinels (~4.5 cts). 18K white gold bezel set with 68 baguettecut diamonds (~3.7 cts). 18K white gold dial and flange set with 168 baguette-cut diamonds (~4.3 cts). Colorless anti-reflection treated sapphire crystal. 18K white gold hands. 18K white gold crown set with 1 brilliantcut diamond. 18K white gold case back. 18K white gold bracelet set with 346 baguette-cut diamonds (~22.1 cts) and 156 black baguette-cut spinels (~9 cts). 18K white gold double-folding buckle. Self-winding mechanical movement.

42-hour power reserve. Functions: hours, minutes, seconds. Water-Resistance: 50 meters. Diameter: 38 mm.

J12 Ganse | Image credit to Chanel Š

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A tribute to the camellia, the flower of exception that Gabrielle Chanel chose for its sumptuous simplicity. A cuff, immaculate in diamonds and structured with the poetry of a garden. The finger wanders along a path sparkling with flowers and leaves, to engage a tiny camellia and reveal the secret, a dial paved with baguette diamonds. 18K white gold case, dial and bracelet set with 2319 brilliant-cut diamonds (41.52 cts), 12 marquise-cut diamonds (~1.44 ct), 34 baguette-cut diamonds (~1.48 ct) and 1 brilliant-cut diamond (~0.40 ct). High-precision quartz movement. Time adjusting tool in 18K white gold set with diamonds.

Eternelles high jewelry Camelia secret watch | Image credit to Chanel Š

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de grisogono cannes & porto cervo Article by MAFALDA KYAMBEL

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" The must-anticipated soirée of Cannes is about to start. In Eden-Roc DIVINE garden Where de GRISOGONO jewellery takes center-stage."

Words by DE GRISOGONO | Images credit to De Grisogono | www.degrisogono.com ©

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" Divine in Cannes "

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" Divine in Cannes "

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Sumptuous outfits, breakout beauties, renowned A-Listers gather and glitter in de GRISOGONO attires. On the glamorous shore of the French Riviera, at the prestigious Grand Hotel du Cap Eden-Roc, a legendary evening is about to be told. Same place, same spirit, same atmosphere, the de GRISOGONO dinner party always stands as a unique, off- beat and special moment. Enlisting dozens of the world’s top super stars to take the photocall, tonight de GRISOGONO exclusive dinner stands again as one of the most desirable parties of the Festival. Out in de GRISOGONO style, channelling their Divine look are the most head-turning red- carpet stars. Welcomed by Founder and Creative Director, Fawaz Gruosi, stars walked the red carpet alongside their host on their way to a Divine evening. Actresses and actors: NATALIE PORTMAN, MICHELLE RODRIGUEZ, LEONARDO DI CAPRIO, BENICIO DEL TORO, ADRIEN BRODY, ANTONIO BANDERAS, CHRIS TUCKER, AMAURY NOLASCO... The DIVINE IN CANNES party redefines GLAMOUR in a unique and dairing de GRISOGONO way. In the Garden of the Eden-Roc, an orchestra plays in an intimate and informal setting featuring the best movie themes perfectly pairing with a DIVINE feeling. On the podium, oversized light bulb letters make the word DIVINE gleaming, while dazzling facet balls sparkle in tree branches giving the night its starry feel. DIVINE is in the air. On de GRISOGONO catwalk, elegant feminine silhouettes feature 16 monochrome Gyunel outfits made of silk and lace gowns highlighted with the designer’s exclusive floral oil paintings. While models burst onto the catwalk adorned with de GRISOGONO latest HIGH JEWELLERY CREATIONS, the famous aria La Wally starts to be featured in a glamorous molten mezzo voice by Natascha Petrinsky. Azania Noah’s captivating voice brought de GRISOGONO’s show to a sensual close by featuring the Goldeneye theme in a jazzy style. Creative director, Fawaz Gruosi poses on the catwalk with models and Guynel’s Fashion designer receiving applause. On the elegant Napoleon III style building façade, the GRISOGONO DIVINE story spirit is showcased in an impressive video mapping. Featuring the playful grapes of gems and firework colours of GRAPPOLI moving briolettes, the joyful atmosphere is played on Alice in Wonderland theme. Following a sumptuous dinner gathering approximately 700 guests, the after-party grace legendary Goldsingers, alongside a private performance by Robin Thicke, Robot LED, BEAT, DJ Jack E and DJ Julio.

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" Divine in Cannes "

Order of appearance | Fawaz Gruosi & Nathalie Portman | Chanel Iman

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Order of appearance | Cara Delevingne | Izabel Goulart

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Order of appearance | Nathalie Portman | Xenia Tchoumitcheva

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" Divine in Cannes "

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" Divine in Cannes "

Order of appearance | Derek Blasberg, Joan Smalls, Benicio Del Toro & Vivi Nevo | Antonio Banderas and Nicole Kempel | Chris Tucker

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" Porto Cervo 2015 "

While in my opinion, every instant in life is reason to celebrate, there is one day that resonates in my heart and that is the day on which I was born. Since then, and every day, life has given me its most precious gifts – health, love, friendship and happiness. To me, to be surrounded by those I love and of whom I am fond is the best way to thank them and an act of love.� Fawaz Gruosi

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" Porto Cervo 2015 "

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The invitation expresses a desire to thank those who surround him, believe in him, support him, love him and give him the strength and courage to embark on fulfilling all his dreams. The invitation is indeed a passport, a passport that symbolises the attachments that this family ‘with no blood ties’ has built over time. A passport that simply bears the word “LOVE”, this love and this friendship that speak volumes about Porto Cervo, about Fawaz Gruosi, about his family and about de GRISOGONO. The passport bears a coat-of-arms depicting a lion. While the kind of portraits representing astrological signs may often appear too generic to be specific, one must admit that a glance at the character traits symbolising the fifth sign of the zodiac – that of Fire – reveals striking similarities. “Breathtaking... It is his ‘je ne sais quoi’ and distinguished air that make him fascinating. He is comfortable in the spotlight. He is not afraid of standing out, he seeks recognition, an approach that drives him to surpass himself and be the best. He is generous and always seeks to please the people he loves. Contrary to what one might initially think, he has a well-developed sense of morality and knows what is right and good. He is not particularly bound by traditions and loves to forge his own rules, his own logic, over and above preconceptions or values predetermined by society. His independent spirit is highly developed”. Extract from the astrological portrait of Leo. As if to give Fawaz back a little of all the love, affection and respect that they receive, with great simplicity, various men and women have gifted Fawaz a special dip into their own history of Porto Cervo. They deliver an intensely private vision of the many facets composing this big-hearted man who is an amazing companion. The innate generosity and human warmth of this genuine ‘people person’ have naturally led to him being surrounded by sincere and long-standing friendships. His family, friends, nearest and dearest, clients – all speak of him as a generous, attentive, caring, empathetic and contagiously cheerful individual. On August 8th 2015, over 500 guests have come to support Fawaz, demonstrating their friendship and the place he holds in their hearts. The place he has chosen this year for his birthday is where he likes to stay when he is not at the family residence. The Cala di Volpe Hotel, a place that perfectly symbolises the Porto Cervo spirit, brimming with the kind of contrasts dear to Fawaz’ heart: majestic and intimate, simple and sophisticated. A place which is a reminder of the origins of this Emerald coast, its fishing villages and their picturesque, romantic accents, a place of sculpted architecture expressed through artistically designed porticos, arches and staircases. A place which inebriates the senses and brings to mind a sensory palette of the eucalyptus, bay leaves and wild juniper so closely bound up with Fawaz’ memories. There is a mere ten-year age gap between Fawaz Gruosi and this place built in 1962. They clearly share a connection that goes far beyond numbers. For the occasion, the gardens and the beach have morphed to welcome and entertain guests for a cocktail moment around the majestic swimming pool. A sumptuous firework led the guests to the dinner and the traditional sought-after birthday cake. Mika has delighted the guests with a private music performance. The party has closed of on the beach with an intimate after party, celebrating the dawn on the Sardinian sand. An evening mingling luxury and simplicity, marine influences and glamour, privacy and jet-set elegance. A truly timeless moment.

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" Porto Cervo 2015 "

Order of appearance | Fawaz Gruosi

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" Porto Cervo 2015 "

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Order of appearance | Victoria Silvstedt | Mika

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capri couture " TRAVEL COUTURE " Article by LAURE PERRIARD DE BAVIER

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Words by TRAVEL COUTURE | Images credit to Travel Couture | www.travelcouture.ch ©

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CAPRI COUTURE Face-to-face with Naples, turquoise waters, coves and caves, this island offers a unique panorama. The Ancient Greeks nicknamed it "island of the sirens", and they had no way of knowing that centuries later it would be the favoured holiday destination to celebrities like Jackie Kennedy Onassis, or more recently Rihanna and Naomi Campbell. Facing the Amalfi Coast, the success of Capri is no secret. A jet-set clientele from all around the world canÂ’t be wrong, so succumb to this little corner of paradise where luxury is synonymous with charm. TWO LOCATIONS, A THOUSAND BEAUTIES The island is comprised of two towns: Capri is lively, situated above the port it is known for its terraces, the famous "Piazetta" and its designer boutiques, Anacapri is more calm, surrounded by spectacular views and paysages. Forget everything, Travel Couture will organise every aspect of your stay, from plane tickets to house staff. Beginning with a personal home visit to discuss and understand your every need, research, advice, information about the destination, negotiations and concierge services are all available as part of the deal. Luxury, beauty, and high standards are the key words of your holiday, and they will be the key words of our research. Exclusive villas, hotels, and essential addresses, discover a Capri romantic as it is fashionable. Disconnect to better reconnect at the heart of glamour, at the legendary Piazzetta; enjoy the sea view from your terrace, make the most of the sunshine while sampling flavours of the Mediterranean ; enchant your senses with the finest local wines from around the bay of Marina Piccola. STAYING IN CAPRI Situated at the foot of a charming alley, making it one of the most beautiful walks of the island, Hotel Punta Tragara has everything you could possibly desire for a sublime stay: a luxurious 5-star hotel with breathtaking views, in a fantastic location just a 10 minute walk from the town centre. Two outdoor fresh water swimming pools, one of which is heated, and a spa which offers the all pleasure and relaxation needed for unbeatable wellbeing. And, adding the final touch to this unique location, the renowned gourmet restaurant MammĂ , where reserving a table can be a challenge!

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Carved into the rock face of the bay of Marina Piccola, the hotel offers 44 luxurious, spacious rooms and suites. If there were ever a place to watch time go by, it's here. Lovers of art and luxury, welcome to the Capri Palace Hotel. The refined elegance which fills the Capri Palace is not reminiscent of the ancient Neapolitan palaces of the 1700s. With nuanced shades of white as a backdrop, covered in works of contemporary art – a real signature of the Capri Palace - no one is more appreciative than the connoisseurs. The hotel is just steps from the authentic village which is enveloped by the resplendent surroundings of the sea and the Gulf of Naples. The 72 rooms and suites of this 5-star hotel, some of which come with their own private pools and gardens, are designed in the Mediterranean style, offering comfort and intimacy. Of the hotel’s three restaurants, Il Riccio is the top choice of the discerning, complete with Michelin Star. The spa, Capri Beauty Farm, has been recognised time and again as the best medical spa in the world. To soak up the local architecture, more classical travellers will appreciate the establishments of the famous Morgano family. All of the Italian charm converges at the Casa Morgano and the Scalinatella where luxury, charm, and authenticity come together as one. And finally, for lovers of all things nautical, nothing is more special than being able to enjoy long, hot summer days on the water with all the confort of a hotel. Benefit from special rates as a Travel Couture customer, and spend a few days aboard a powerful yacht or daydreaming on a sail boat. Travel Couture proposes equally magnificent properties A historic house, perfectly located with a magnificent view of the sea, the town, and the mountains. Seven en-suite rooms, an exceptional rooftop terrace and refined interior design. Built by an old Caprese family at the end of the 18th century, Villa del’Arco is the perfect residence for an unforgettable holiday on the island. Staff: butler, housekeeper, cook. Equipment: AC, WIFI, Satellite TV, heated pool, gym, jacuzzi, elevator. In collaboration with Private Home Villas, customers of Travel Couture benefit from certain advantages. For more information: www.travelcouture.ch, or contact directly laure@travelcouture.ch

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HOT SPOTS Ristorante Aurora Using high quality products, chef Franco Aversa prepares traditional cuisine from Capri and Naples with unparalleled talent. Characteristic to the area but with imagination and originality, Franco AversaÂ’s cooking makes this one highly addictive address! Via Fuorlovado 18, Capri Ristorante Da Paolino In the Palazzo neighbourhood, a wrought iron gate opens onto a grand terrace shaded by lemon trees. Proud host to actors, musicians, politicians and footballers, guests savour the buffet of antipasti, fruit and vegetables, which are lovingly home-grown for dishes prepared in the tradition of the island. Via Palazzo a Mare 11, Capri Taverna Anema e Core If we had to mention just one, it would be this one. The heart of nights out on Capri is the Anema e Core from midnight until dawn, this tavern is unique, timeless, peerless. There are no more words, you simply must try it. Via Sella Orta nr. 1, Capri Grotta Azzurra Classed as one of the most beautiful natural sites in the world, Grotta Azzurra can be visited on a small boat for a journey out of time. Silenzio e contemplazione. Giardini di Augusto The ideal location for a romantic stroll, these Mediterranean scented gardens offer exceptional vistas of the surrounding wildlife. Access Flights: from Geneva or Zurich to Naples From the airport take a taxi or a private car (20-30 minutes) to Molo Beverello, the main port for departures to Capri Island. Transfers can be made by ferry, private boat, hydrofoil, or helicopter. We do not recommend taking a car aboard the ferry, Capri is a small island and the traffic is severely limited between April and October. Instead, rent a car or motorbike upon arrival or use taxis when you get there.

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ALLONS MANGER! " THE GUIDE " Article by MAFALDA KYAMBEL

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After many years of success in Zurich, Berne, Basel and Ticino, the 2nd edition of the guidebook Allons Manger! is now available in Geneva. Every featured restaurant is offering a free main course to anyone who has a copy of the book. Allons Manger! Geneva presents a dozen of the town’s restaurants in a contemporary artistic and appetizing style. This book invites pleasure both in the beauty of its carefully chosen locations and in the quality of the dishes selected by featured restaurants. Establishments such as L’Adresse, Chez Arsène, l’Epicentre and le Gourmet Brothers, are currently featured in this 76 page book. By showing the guide on your arrival at a featured restaurant, the guidebook holder will be offered a free main course, provided he or she is accompanied by at least one other person. The restaurant will sign the first page to confirm the visit. Each restaurant is generously illustrated and presented over four pages. Through his photographs, Reto Albertalli has managed to present both restaurateurs and chefs in a different and original way. Every table has a soul, and this book is just an appetizer of what gourmets will discover when they go to the establishments featured its pages. Two institutions featured in the book won prizes during Geneva Taste Week 2014, for their commitment to working with local and seasonal products, and also because of the quality of their food. You will discover dynamic, urban establishments, characterful both in their dining and their décor. The featured restaurants boast varied cuisine: from raw food and vegan dining to traditional local dishes, from Japanese cuisine to Mediterranean delights. What unites all the places suggested by this guide is a passion for their craft, which can be seen in the variety of dishes they offer, their gourmet wines, quality products, friendly service, and original design. For the originators of this second edition, a graphic duo with a workshop in the Acacias, the initial spark behind the project was the chance to combine their passions with those of Genevan restaurateurs. The same eye for detail and the same rigorous work, both artisanal and artistic, have come together naturally to offer other both the gourmets of the region and the curious alike something beautiful and of great culinary quality, something both generous and attractive. “As with all the projects we carry out for clients, it seemed natural here to respond to the specific need for new taste sensations as much as visual ones, and satisfy the gourmets

Words by Studio Rubic | Images credit to Diego Brambilla | www.allonsmanger.ch / www.studio-rubic.com©

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of Geneva with a balanced and careful selection. In fact, in this guidebook we present restaurants that we think have their own exceptional and singular charms. Their common theme is that they are run by people capable of a little more than simple savoirfaire and creativity. A little more meaning: more soul, more heart, more passion. For these people, eating is celebration; even when it’s not a special occasion, the common meal always has a special meaning,” said Ann Griffin. The duo has faithfully taken the concept created by the Zurich team (René Grüninger PR and Raffinerie AG für Gestaltung). Like with cities in other editions, the choice of restaurants was made following the personal tastes of the authors: "What matters to us in this book is not just the most creative cuisine. The restaurants here are ones where you eat particularly well, where a good atmosphere meets with a good menu and high quality service. These are simply places where people like to spend a wonderful evening, and where we invite our friends, colleagues and our family for convivial meals and that we therefore recommend to others!" says Nicolas Jeanmairet. The small team working to realise this book is composed of the duo of graphic designers from Studio Rubic, Ann Griffin and Nicolas Jeanmairet; Giada Danesi, a social anthropologist specialising in food, who manages the texts; and Reto Albertalli, a photographer and the founder of Phovea Agency. With signs of good reception for this edition and the continued interest from the public after two years of success, the epicureans of Geneva can expect a 3rd edition, where they will discover even more new restaurant tips plus other essential updates. The 3rd edition of Allons Manger! Geneva is scheduled for November 7, 2015. www.allonsmanger.ch

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" L'Adresse "

L'Adresse | 32 Rue du 31 Décembre, Genève

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" Chez Arsène "

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Chez Arsène | Rlle de la Vinaigrerie 4, 1207 Genève

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" Cottage Café "

Cottage Café | Rue Adhémar-Fabri 7, 1201 Genève

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" La Crise "

LIFE -STYLE

La Crise | Rue des Eaux-Vives 9, 1207 Genève

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" L’Épicentre "

L'Epicentre | 25, rue Prévost-Martin, 1205 Genève

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" La Fin des Haricots "

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La Fin des Haricots | Rue de la Ferme 9, 1205 Genève

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" Café Gallay "

Café Gallay | Boulevard de Saint-Georges 42, 1205 Genève

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" Gourmet Brothers "

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Gourmet Brothers | Route de Thonon 52, 1222 VĂŠsenaz

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" Helveg Café "

Helveg Café | Avenue de Miremont 31, 1206 Genève

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" Café du Marché "

LIFE -STYLE

Café du Marché | Avenue Henri-Dunant 16, 1205 Genève

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" Tartares & Co "

Tartare & Co | Boulevard James-Fazy 10, 1201 Genève

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" L’Opéra Bouffe "

LIFE -STYLE

L'Opéra Bouffe| Avenue de Frontenex 5, 1207 Genève

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" Sauan "

Sauan | Quai Gustave-Ador 1, 1207 Genève

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" La Sixième Heure "

LIFE -STYLE

La Sixième Heure | 6 place des Philosophes, 1205 Genève

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" Le Socrate "

Le Socrate | Rue Micheli-du-Crest 6, 1205 Genève

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" La Table du 9 "

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La Table du 9 | Rue Verdaine 9, 1204 Genève

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bagel house cafe Article by MAFALDA KYAMBEL

Words by MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Daniel Lopez-Paullada | www.bagelhouse.ch ©

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What a pleasant surprise to have a New York-style bagel shop open its doors on Malbuisson Passage! But Bagel House CafĂŠ, as the name suggests, has found its place in the city centre. The southern French-style slate coloured tables, the aged, quilted leather sofas and the joyful colour scheme gives this place a half-arty half-casual vibe which distinguishes it from its surroundings without gentrifying the area. The reasonable prices must be noted for a bagel and a salad, which is enough for a full meal. Add to that an Italian coffee corner, which lets you sample the most rare, refined coffee. Just try the individual menu, as expansive as the Atlantic, with an array of sauces and all types of ingredients, you are the creator of your own bagel. A subtly American atmosphere which will appeal to the Brooklyn-o-philes in the area. Whether you choose a la carte, or create your own, the ingredients are always fresh. So leave your inhibitions at the door and try the bagel of your dreams, each ingredient sandwiched between two slices of sesame, poppy seed or crispy onion bread. Why wait until tomorrow? Even the veggie option is delicious. At Bagel House CafĂŠ you are also tempted by the range of fresh fruit cocktails and smoothies, made before your eyes, and again entirely composed by you, for your detox or your energy boost. And if after all that you have room left for desert, their muffins will make an addict of you, deliciously stuffed with salted caramel or chocolate. Everything here is full of sweetness, a paradise of flavour, but even so, probably best avoided before running the New York marathon.

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la mer en boite "LA PERLE DES DIEUX" Article by MAFALDA KYAMBEL

Words by MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Jean-Luc Andrianasolo | www.lamerenboite.com ©

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For a dose of the Mediterranean, we have extended our stay at this pop-up fish restaurant which anchored itself at The Square in Geneva last July. At La Mer en Boîte you can finally feel like you’re just off the coast of the Med, or the Atlantic, surrounded by pleasant disorder where stacked, floor to ceiling, are lifejackets, fishing nets, ropes, model boats, buoys, and not forgetting the collection of sardine tins to rival sardinophiles. A Disneyland of the sea, an extravagant cabinet de curiosités where you’ll be needing your sea legs… Thanks to the backdrop, a harmonious marriage of blue and white, there floats an air of Portugal, escape, the open sea.

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At La Mer en Boîte, the fine team Fanny Bernard, Anne Rethoret, Yann Wicki and Jonathan Fernandez, serves sardines and other high quality sea conserves like you’ve never seen, or tasted: vintage tuna, octopus, scallops, herrings, anchovies, mackerel. While some are preserved in honey and mustard, others have subtle hints of goat’s cheese and sesame oil. After having tasted over 200 diverse conserves, this wonderful team has managed to find the finest treats for our taste buds, by revisiting the most sophisticated canned foods and bringing them up to date. It’s no secret that the can is back and the results pack a punch, their product list includes La Perle de Dieux, queen of quality sardines, which can be aged up to 12 years in their simple tins. Nothing can rock the reputation of the house. The team at La Mer en Boîte are in their element and we can’t wait to discover their latest flavours at their next event.

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salone del mobile milano Article by MAFALDA KYAMBEL

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"Cartella Stampa Modulnova"

The history of Modulnova began 25 years ago (in 1988) in Friuli, Prata di Pordenone, on the initiative of three brothers: Dario (now president of the company), Giuseppe and Carlo (both directors of the Board of Directors) Presotto. A story that goes against the tide of recent events that, unfortunately, identify the Italian business world in the furniture industry. The Presotto family has been in the world of furniture since the late 1940s (the grandfather began as a carpenter, the father continued with a company specialising in children’s bedrooms until 1987) but it was with Dario, Giuseppe and Carlo that the entrepreneurial adventure really began and th at now employs a hundred employees, with a turnover of € 30 million a year (with 80% of customers in Italy), an increase over the past five years of 30%, and a production area spread over 12,000 square meters. From the choice of the name (which is inspired by the module and modularity, a tribute to the “modulor” of Le Corbusier), the goal has been very clear: to propose a kitchen system that can be customised and “tailored” for the customer, that is able to satisfy both the stylistic and functional needs with taste and formal rigour. A tailored approach that today characterises the entire range of the Friuli company: commencing with the production of kitchen systems, Modulnova subsequently expanded its range to also include the bathroom and living room sector. A challenge therefore undertaken by the then twentysomething Presotto brothers that today confirms the soundness of the choices made and which proved to be successful. A success that is firstly attributed to the perfect harmony, the understanding and planning that drive these young entrepreneurs but also having the belief early on that to be a trendsetter, the kitchen demands innovation and design with absolute attention to continuous market changes and styles of living and dwelling.

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The collaboration with Andrea Bassanello, art director of the company, led to consolidating the style of the Modulnova brand in a specific and highly recognisable direction. A creative design inspired by essential lines, the use of new materials (such as Kerlite and glass) and the introduction of new production systems enable the production of furniture that acquires value over time, resisting the fashions and tastes of the moment. In 2000 Modulnova created a line of bathroom furniture designed to define cosy and tasteful atmospheres even in a room as intimate and private as the bathroom. In 2011, the Modulnova range was completed with MD HOME, the new company for furniture and furnishing accessories for the living area, conceived as a natural continuation of a path of entrepreneurialism and know-how acquired and developed in over twenty years of business. Modulnova style, elegant and clean, combines simplicity of form and rationality in organisation of space, and is designed to meet the needs of functionality and practicality of everyday life. With regard to the kitchen, the bathroom and the living area, now increasingly connected and with blurred architectural boundaries, Modulnova offers living solutions to experience the home with a contemporary feel, a mood in which essential design, elegant finishes and the high quality and originality of the materials used come together to create an authentic Italian Style. Complete collections based on a constant search for excellence in the use of innovative and high quality materials, complete flexibility in customising each living space and, last but not least, just-in-time order management.

Words by MAFALDA KYAMBEL | Image credit to Salone del Mobile | www.salonemilano.it ©

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"Cartella Stampa Modulnova"

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A Design Revolution by Modulnova A furnishing solution with a perfect integration within domestic spaces, in harmony with architectural designs and volumes. An even more close and seamless relation between Kitchens and Living Rooms creates a highly customized environment for any specific residential purpose. With this Design Revolution, Modulnova states the research of even more innovative solutions, both at an aesthetical and functional level. Once more, BLADE is a proving ground: a program where the Friuli-based company applies to Kitchens the same architectural concept adopted for the Living Room solutions. The refined, contemporary design and the total flexibility in the material and finishing selection (aluminum, glass, wood and resin) make BLADE the ideal way to express a new aesthetical statement for Kitchens. The large baseless ceiling-to-floor doors and the handles from the Living Room solutions also appear in Kitchen environment, for a great elegance. "Traditional" volumes – such as those defined by containment spaces or columns – disappear for a seamless and harmonized style. This is the new aesthetical and design vision of Modulnova: furniture becomes part of basic architectural design, with a perfect integration within the domestic space without disrupting any volume. Naturally, the functional aspects maintain their primary role in each Modulnova design. BLADE solution is enriched with a new finishing line, introducing new metal material such as Aged Brass and a very underground Sheet Metal effect, dedicated to the most discerning customers who love the unique style of Modulnova.

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" The Ceccotti Collezioni "

The Ceccotti Collezioni story heralds from Ceccotti Aviero, a company founded in 1956, specializing in the production of residential furniture and later in supplying hotels.The company collaborated with some of the most prestigious hotel groups in the world, Trusthouse Forte from London, Sheraton and Ciga, giving an international application to the traditional artisan workmanship of the Tuscan town of Cascina, nestled between Florence and Pisa, where the company is based.From the ‘School of Art’ in Cascina came the designers and skilled craftsmen who developed an artisanal culture in furniture making and wood processing. The company continues to grow, inspired by the countless collaborations that determines its development and expansion.In 1986 the renowned Italian architect Paolo Portoghesi, theorist of the ‘post modern’ contributed to the design of some of the most recognizable and prestigious pieces produced by the company.It is only with the birth of Ceccotti Collezioni by Franco Ceccotti that contemporary design becomes a significant cornerstone of the company.Thanks to the intuition and perception of Franco Ceccotti and architect Roberto Lazzeroni, also from Pisa, with the ‘knowhow’ that the company had, gave life to the first collection ‘Dedos Tenidos’, receiving critical acclaim in the world of contemporary design. Experimenting with new shapes and materials, influenced by the eclectic and surrealistic world of Gaudi, Mollino and Scandinavian designs of the 1950’s, Ceccotti Collezioni developed objects of organic sinuosity, anthromorphic shapes, where soft curves connected with slipping profiles.Ceccotti Collezioni is unique and recognized all over the world in the field of

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interior design for the ability to create ‘products of the author’, unique in their originality and constructive complexity, design without ostentation of industrial geometries but also without aesthetic frivolity, with the scope of reconnecting objects to a tradition and to a history. Over the years Franco Ceccotti has worked with passion on the project of coordination and research, combining his personal aesthetic and intellectual taste with the manual traditions of his company and the various stylistic prints of the designers collaborating with him to create a dialogue with various parts of the world – always aiming to model the projects in order to reflect the distinctive style of Ceccotti Collezioni. Yuni Ahn, Francesco Maria Andrenelli, Todd Bracher, Oscar and Gabriele Buratti, Massimo Castagna, Jeannot Cerutti, Vincenzo De Cotüs, André Dubreuil, Noe Duchaufour-Lawrance Jaime Hayon, Roberto Lazzeroni, Ross Lovegrove, Pedro Miralles, Christophe Pillet, Fabrizia Scassellati, Yamo, are the designers, who since 1988, have all measured themselves with this artisan tradition. Ceccotti Collezioni has shown the character and quality of a company that has never deviated from its vocation to luxury craftsmanship, as a result it has been able to translate it into new products with a contemporary interpretation.


Dongiovanni | Image credit to Ceccotti Collezioni Š

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" The Ceccotti Collezioni "

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" Minotti 2015 collection "

The 2015 Collection is artfully balanced between contemporary design and modern classicism, distinguished by restrained, tasteful elegance, while introducing elements of surprise and offering new design perspectives. The new collection draws upon the rational thought expressed by the Modern Movement, while at the same time taking inspiration from the plastic, sensual shapes of the more dynamic architectural movements. The Yang and Seymour seating systems are both endowed with bold personalities and inherently express complementary, though opposing, artistic visions. Designed for a young, but discerning buyer with an eye for design and quality, the sleek geometric shapes of the Yang sofa allow the creation of islands of relaxation with varied compositions and accessories. Seymour, on the other hand, expresses a modern approach to classicism through the use of soft shapes and sinuous curves. Developed around these two different, but profoundly complementary ways of interpreting the sofa, is a wide collection of armchairs, furniture and accessories able to establish a network of relationships and to stimulate a meaningful dialog among the various elements that each time tells a different, personal story.

RODOLFO DORDONI Born in Milan in 1954, he graduated with a degree in Architecture in 1979 from the Milan Polytechnic which has trained high-caliber architects. After his degree, Dordoni’s first tenure was in the design sector, designing a long line-up of products and soon becoming the artistic director of leading companies in the Italian and international design scene. His working partnership with Minotti as the company’s artistic director dates back to 1997, overseeing the creation and development of all its collections. In 2005 he set up the Studio Dordoni Architetti along with Alessandro Acerbi and Luca Zaniboni, working in the field of architecture and interior design for residential, commercial and exhibition settings, and signing the design and development of villas, private homes, industrial and commercial spaces, exhibition stands, restaurants and hotels.

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Leslie Dining Chair | Image credit to Minotti Š

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" Minotti 2015 collection "

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Lounge Seymour | Rivera Outdoor Collection | Elliot | Image credit to Minotti Š

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" Poliform "

Poliform is currently a leading player on the international furniture scene. The highly successful result of adventurous enterprise, the company has always based its vision on the search for quality by updating its lines in keeping with all that is good in contemporary lifestyle trends. The Poliform collection is set out as a wide diversified choice and includes systems and furnishing accessories for the whole house: bookcases, complements, wardrobes, beds, kitchens, sofas and armchairs. Poliform's comprehensive production range carries with it the design idea of a 'Poliform house' with stylistically compatible component parts; a 'global project' for each architectural situation thanks to the exceptional versatility of its modular systems. Poliform dedicates its creative and productive resources also to the parallel and complementary activity of large residential and commercial projects. Poliform has been heavily involved in realizations of the highest standard like London's West End Quay and CafÊ Royal, Amsterdam's Conservatorium hotel, Tour Odeon in Montecarlo, the AOL Time Warner Center in New York, the Presidential Chambers of the Clinton Library in Little Rock and the Palmolive Building in Chicago. Poliform was established in the year 1970, from an evolution of a small artisan’s shop dating back to 1942. Right from the start the company made no secret of its industrial ethos: its aim has been to exploit the full potential of automated production line methods, constantly monitoring change in an increasingly more global market. Over the years, Poliform continuously adapted its range of proposals to the furniture market, demonstrating a deep ability in gathering the requirements and the tastes of a heterogeneous and international audience and to anticipate and interpret trends in living. The Poliform brand is today synonymous with luxury life style and excellence in quality.Poliform numerous lines include systems and furnishings for the whole house: bookcases, complements, wardrobes and beds. In 1996, the company added kitchens to its collection through the acquisition of the Varenna brand, in existence since 2006. In 2006 the company launched its first collection of sofas and armchairs.

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" Poliform "

Poliform’s history is that of a company which, despite having achieved an international dimension, has maintained its family character. Established in 1970 as the evolution of a small artisan’s shop dating back to 1942, Poliform invested in new production technologies and the products have successfully evolved into functional and modular systems. Poliform becomes an industry: the minds behind the turnaround, Alberto Spinelli, Aldo Spinelli and Giovanni Anzani, who still head the company today, successfully blending specific technical expertise and know-how with an entrepreneurial approach in absolute harmony with the social and economic changes of the era. The three partners play different and complementary roles within the company. The representatives of the third generation have gradually become part of the company’s fabric, each one bringing specific personal experiences and aptitudes. The aim is to ensure that Poliform maintains its family-run dimension in the future, making it the expression of individuals whose ties with the company are never separate from their own lives, passions and aspirations. Strong roots in the territory of Brianza, a territory that was able to preserve its values and traditions. A working culture considered as a social value that has made the territory a protagonist of immense economical growth. Essential architecture for buildings located within a few kilometres of each other, the production units of Poliform are located in areas of Brianza where nature is considered a wealth and a patrimony to respect, confirming the liaison and the involvement of Poliform to the survival of its own territory.

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Images credit to Mark Schreyer & Yvan Prokesch Š

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Images credit to Yvan Prokesch & Fabian Echeverria Š

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Wild Indonesia "JAVA LA MUSULMANE, BALI L’HINDOUISTE" Article by LAETITIA MICHELLOD

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ON THE ROAD

Muslim Java, Hindu Bali. After a long and heartbreaking journey to India, I am back in Geneva. I didn’t understand what I had left. I didn’t understand what I found either. I tried to stay, I tried the “real” life as we say here, but my dreams of adventures and freedom were too strong. I dream of a nomadic life which few people can understand. I dream of temples, of beautiful beaches, of high mountains and all kinds of incredible people, all waiting to be discovered. I dream of walking on unknown land, and listening to languages I have never heard before, to eat food which I have not yet tasted and admire sunsets in the most remote locations. But how can you live your dreams when you’re chained to your desk…? So after having quit everything, a bag on my back and a plane ticket in my pocket, I finally found that nomadic spirit which was missing. First stop: Indonesia. Indonesia is probably one of the most fascinating culturally diverse countries: religion, art, dance, music, traditional clothes, the way of life of its inhabitants, architectural styles, food. But also in terms of the landscapes it offers: tropical forests, lush meadows, volcanoes and mountains, rice paddies, beaches and coral reefs. My first steps in Yogyakarta, artistic and cultural heart of Java, plunged me into the frenzy of a major Asian city: dense population, excessive traffic and noise, shouting tuktuk drivers, little stands of street food… ah, I’m in my element! It was also here that I met my host family. Dewi is the type of person who you meet and changes your life. Thanks to her and her family, I experienced traditional Javanese life and hospitality. On a scooter, we wind through the streets and the countryside of Yogyakarta. She takes me to a traditional market and she introduces me to Jamu, a traditional plant-based medicine. We visit the Hindu temple of Prambanan and one of the largest Buddhist temples in the world, Borobudue, a gigantic mandala on top of which hundreds of bells seem to sleep and where we pass from the terrestrial world into Nirvana. On the last day, the whole family and I get up in the dead of night to watch the sunrise together. After some difficult goodbyes, I continue my road to Magelang where I meet my first

Words by LEATITIA MICHELLOD | Images credit to leatitia Michellod©

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volcano. I get lost in the endless rice paddies. I cross a few small villages and I find my way to a local traditional market where all the residents question my presence. I find myself on a train heading east to Java. Ten hours pass during which I meet Jack, Heru, Dadio and everyone else. Everybody talks to me, asking me about my life and telling new travellers on the coach about it. We don’t speak the same language but that doesn’t matter, we understand one another. And surrounded by my new friends I finally fall asleep, as if in a dream, cradled by the magnificent landscape. I arrive at the summit of Mount Bromo, breathing shallow breaths. The feeling of not really being there is so spacey it seems unreal. The sound and the smoke of the crater hypnotise me and I lose track of time. The smell of sulphur goes to my head and brings me back down to Earth. Climbing up Mount Ijen at night with sulphur porters. A leap into another world. The volcano lights up several times with blue flames, a result of combusted sulphur coming into contact with the air. A strange and fascinating spectacle, these unreal lights dance and glimmer in the night. The danger is real, and reminds me that nature rules here and that I should not dwell in the crater. On the way back, watching these men carry a hundred kilos of sulphur balanced on their shoulders, I promise myself I will never complain about my job. I board a ferry to Bali. A radical change of atmosphere. Here time flows with the rhythm of Hindu ceremonies. Along the road is a succession of temples, offerings and incense. I meet up with my friend Lucie in Ubud. Ubud is pleasant and animated. It’s here we find trendy cafes and restaurants, traditional dance and musical spectacles, massages, art galleries and boutiques. Ubud is also well located, which allows us to visit other regions of Bali. And so accompanied by Wayan we leave for several days to visit the flamboyant terraced rice paddies and the magnificent Balinese temples. Uluwatu with its temple perched on the cliffs, Tanah Lot with the waves crashing against the rocks, Tirta Empul and its sacred baths, Gunung Kawi and its royal tombs in the middle of the jungle, Goa Gajah with its intriguing statues of women holiding jars. By bike we explore inland Bali. With the majestic Mount Batur as a backdrop, we pass through villages and coffee and spice plantations. After this slightly more touristic tour, I get back on the road and I meet Bagus, who offers to take me to a cremation ceremony, a funereal tradition which marks the passage of the soul into the afterlife before the next reincarnation. An incredible sight, a procession of sarcophagi and fanfares, where everybody is full of joy and invite me to drink arak in memory of their late relatives.

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After having toured the mountains and assimilated into the local culture, I head to the east coast. Amed is exactly the place where I want to take off my backpack and stay for as long as I can. Here, life is quiet and easy. We lose all sense of time and live to the rhythm of Reggae music. The population is young and trendy. With Sableng, we cruise the coastline on scooters, we head to the beach, we drink arak, we sing and dance barefoot between the restaurants and the bars along the seafront. But we also pray. And it’s wrapped up in my beautiful sarong that I go back to the temple, my hair full of flowers and grains of rice. After a chaotic speedboat journey, my Indonesian adventures culminate in Gili Air, a tiny island owned by Lombok, where you get around by foot, bike, or horse-and-carriage. Here it’s paradise, and the white sandy beaches welcome me with open arms. All there is to do is take a towel, relax on the beach, swim and, from time to time, take your mask and snorkel and watch the pretty fish. And it’s while eating a delicious meal, feet in the water, sprawled out on cushions and watching the sunset with a great sense of freedom, that I dream about my next destination…

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editing Article by ALYAA KAMEL

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LITE -RARY

I am neither a dancer nor a politician. I like to get lost in the world, get outside of myself, outside of what I think I am. I am a great composer and I live decedantly, I curse boredom and furiously note musical citations to reprimand a world which doesn’t understand my talent and my potential. I am what I see, what I feel. "I" is in another time and space altogether if that is what I want. I wander through long hallways and open spaces, houses made of fabric, stone, iron and wood. I freeze before this canvas and cry, digging up the past, memory after memory, shovelful after shovelful leaving me covered in earth and the rags of my childhood. I cry and every tear flows gently along the curve of my cheek, rapturous in its descent. I am more than that, I am more than what you see, I am more than what you think of me. "I" is made up of these images: a waterfall, a tornado, an entwined couple, a crime scene, a masterpiece. I am a fictional being. I carry on, I find myself, I live elsewhere, beyond that which defines me day after day. I exalt in front of some breathtaking qualities: colour, feeling, emotions longing to connect to mine. My humanity isn’t just animal, biological or genetic, it is imaginary, a pulsing swoon of abstraction. I am the imagination, I am the dream and the nightmare. I am the reality of my life but also another life, a play, a story which doesn’t belong to me but which I will take in my stride without hesitation. Somebody else’s words, a vision created from scratch, to show me which of us is the "I". My hands wring at a tissue, carefully holding all these feelings for an instant, a pulse, voilà: I exist. All of these thoughts separate me from this world, which some portal surreptitiously brings me back to, to understand nothing yet see some things with lucidity. I am half human half fairy, my feet stay rooted to the ground and my head grazes the clouds which some days tell me yes and others tell me no; to fear. "I" is not singular; every one of "me" finally assembles to work towards the notion of the word, to experience life in its totality. So I will go to a dark room and project my pain and joy for this "I" which is not me, and nothing to do with me, but which defines me. Escape is my constant and art reminds me that I am nothing more than everything. Everything is possible here and now, my body is reinvented by this extraordinary creative imagination, which teaches me. An imagination that is human in its incessant need to open my eyes to new worlds in a sort of staccato rhythm, which leads me to diverse, spectacular revelations. The world is a big "I" which unites everybody and permits me to see ideas which float on the wind, on language and on ears which are loosened and listening to every sound. My story or that of somebody else – shocking nature by reshaping it freely because it affects somebody who is not me – covers the walls and light up dark rooms with the sole proclamation that "I" is close to "me", is close to us. Vivre l’Art!

Illustrations credit to Alyaa Kamel ©

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EDITORIAL / 11 Celui que vous tenez entre les mains a été conçu en pensant que les histoires d’amour sont des explosions, qu’une discussion avec des écrivains et des artistes raconte mieux le monde que le télé journal. Ce numéro spécialement dédié à la nostalgie de l’été raconte leur histoire. Mais il est surtout fait pour vous: votre guide des mois qui arrivent, une occasion d’échapper, à la monotonie, de refaire sa vie et de se laisser porter par les textes et les images. Lisez, flânez, recommencez… Dans le sens qu’il vous plaira…. Voilà la fin de l’été...

RBCP / 28 Depuis leur première exposition à Zürich en 2012, Robin Bucher et Patrick Csajko proposent un travail intriguant qui invite à explorer – entre humour et poésie – leur envie de transformer la réalité et ses formes. Lignes, parcours et dimensions Robin et Patrick sont les têtes pensantes et les mains ingénieuses de RBCP, nom sous lequel ils exposent depuis quelques années sur la scène helvétique. Nés au début des années quatre-vingts, les deux artistes se rencontrent au centre d’en- seignement professionnel de Vevey (CEPV), où ils obtiennent tous deux leur diplôme de photographe. Le duo se consacre alors pendant de nombreuses années à ce médium en deux dimensions, travaillant notamment dans l’univers de la publicité. Fascinés par la lumière et le travail de composition que requiert la photographie, ils ont exploré avec passion dif- férentes manières d’aborder ces thèmes. Progressivement et à force d’expérimentations, il est devenu évident que ce médium était insuffisant pour traduire leur envie de travailler le volume et le mouvement. Robin et Patrick se sont donc naturellement rapprochés de formes artistiques plus vastes et plus englobantes telles que la sculpture et l’installation. Ces dernières leur permettent d’explorer l’espace d’une manière ludique par le biais de l’anamorphose. Tangentes et points de chute La phase créative est un vrai moment d’émulation pour le binôme. Ne sachant où vont les entraîner leurs pérégrinations, ils se laissent guider par leur sensibilité et leur instinct. Facétieux, les deux artistes s’amusent sérieusement des contraintes imposées par l’espace. En ayant rarement recours à l’outil informatique, ils privilégient une démarche empirique qui devient un prétexte et une nécessité à une expérimentation physique de l’espace. Inspirés par les phénomènes optiques, les jeux de perspective, de lumière ou de gravité ils essaient de les réinterpréter d’une manière qu’on pourrait presque qualifier de scientifique. De talentueux artistes d’horizons et de courants différents ont influencé le duo, qui se re- connait dans l’univers de Markus Raetz, Olafur Eliason ou encore Alexander Calder, qui se jouent des mêmes principes. Robin et Patrick s’intéressent aussi particulièrement à l’uni- vers de Marcel Duchamp, à qui ils rendent hommage dans leurs œuvres par quelques clins d’œil subtils ou carrément avoués. Point de vue A mi-chemin entre pudeur et exhibitionnisme, leur travail se dévoile dans l’intimité. Pour apprécier chacune des œuvres conçues, l’observateur doit adopter une position précise dans l’espace. Cette position, que l’on doit chercher de manière individuelle, unique et person- nelle, ne s’entend pas comme une valeur absolue ou un point d’ancrage, mais comme un moment inscrit dans une spatialité qui permet la mise à nue du cœur de l’œuvre. Suggérant qu’une chose peut en cacher une autre, les artistes provoquent la nécessité d’apprivoiser l’objet, de lui tourner autour, de le deviner, de s’y perdre un peu et parfois de s’en éloi- gner afin de faire tomber le masque et découvrir le sens de leur sculpture. Une relation de l’humain à l’objet qui rejoue le processus de création et met en exergue le lien étrange qui se développe.

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En réalité, l’œuvre commence à exister dans son ensemble avec l’implication du spectateur. En effet, la mise en mouvement de ce dernier est nécessaire pour apprécier l’intégralité de leur travail. Ils espèrent que l’observateur puisse ainsi éprouver dans cette interaction le prolongement du jeu débuté lors de la création de l’œuvre. Jusqu’au 31 juillet prochain, le duo d’artistes suisses Robin Bucher et Patrick Csajko expose ses dernières créations à la galerie Frank Pagès à Genève.

EVARTSPACE / 44 Emotions artistiques Un nouvel espace artistique ouvre ses portes à Genève. Mais qu’est-ce qu’un lieu dédié à l’art. Si ce n’est c’est une invitation à la rencontre, aux échanges, une envie de partager du concepteur du dit lieu avec l’extérieur, avec un publique souvent inconnu. EVARTSPACE se veut un espace dédié à diverses expressions artistiques mais c’est avant tout l’aboutissement d’un rêve, d’une vision, d’une envie motivée par la sensibilité artistique évidente et une pulsion non négociable de sa créatrice russe : Elena Vyshnevskaya. Née dans la ville d’Ekaterinbourg dans les montagnes d’Oural, Elena enrichi son parcours avec l’adoption de codes culturels variés. Enfant, son esprit curieux et rêver l’amene naturellement à s’exprimer à travers le dessin et la peinture. Sa mère architecte et peintre la soutiens dans cette démarche. Plus tard, la photographie lui permettra de faire parler, plus rapidement, son regard sur ce qui l’entoure. Elle pratique les développements argentiques avec l’aide de son père ingénieur. Adolescente, la nouvelle activité pharmaceutique de sa famille, la dirige dans la meilleure université dans ce domaine. Elle termine le cursus mais elle sait très vite que sa vie est ailleurs et que l’art sera son fidèle compagnon. Elle côtoie la scène émergente russe et ukrainienne et se lie d’amitié avec divers artistes contemporains. Elena concrétise son besoin de création avec une formation de photographe. Elle s’établit en Suisse pour des raisons familiales et l’aboutissement d’une évidence se concrétise à Genève avec un espace dédié à l’expression artistique. Son engagement nécessaire et tenace envers l’univers artistique, donne une force rare à cette jeune femme déterminée. C’est avec son instinct et sa détermination pour une démarche artistique libre de toute conventions, qu’elle décide d’ouvrir son cœur aux artistes et son espace publique. La liberté dans le choix de ses expositions, c’est ce qu’impose librement et simplement Elena Vyshnevskaya avec un lieu qui ne désire pas de frontalières, ni de restrictions de genres. EVARTSPACE intègre les initiales de son nom et comporta le prénom de sa fille Eva. Une histoire de cœur qui saure trouver sa place dans celui du public.

ART BASEL / 108 Art Basel confirme sa position de leader parmi les salons spécialisés dans les œuvres contemporaines et modernes , grâce à une présentation hors pair, une forte participation de collectionneurs ainsi que des ventes exceptionnelles. Au terme de la 46e édition d’Art Basel qui a fermé ses portes à Bâle le dimanche 21 juin 2015, le salon a une nouvelle fois été largement applaudi pour la présence de nombreuses œuvres d’art de qualité exceptionnelle ainsi que pour la présentation minutieuse des stands. Les galeristes font état d’un niveau de ventes excellent à tous les niveaux du marché – à un éventail particulièrement international de collectionneurs et d’institutions – et beaucoup ont déclaré que la présente édition d’Art Basel a été la meilleure qu’ils aient connue. Le salon qui a pour partenaire principal UBS comptait 284 galeries originaires de 33 pays qui ont exposé les œuvres de plus de 4000 artistes. 14 galeries venues d’Allemagne, de Chine, des Emirats Arabes Unis, des Etats-Unis, de France, de Hong Kong, d’Israël, d’Italie, du Japon et de Suisse ont participé pour la toute première fois au salon de Bâle. Une fois encore, Art Basel a fourni aux galeries une plateforme où présenter des œuvres d’art contemporaines et historiques du plus haut niveau. Cette année, une reconfiguration significative du rez-de-chaussée du Hall 2 a permis

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d'attribuer de nouveaux emplacements à 57 galeries - soit le réaménagement le plus important jamais enregistré sur le salon au cours de la dernière décennie. Le rapprochement de galeries exposant des œuvres des années 1900 à 1970a permis de mettre davantage en valeur la qualité exceptionnelle d'œuvres d’art historiques dont certaines étaient signées de Max Beckmann, Marc Chagall, Max Ernst, Georg Grosz, Yves Klein, René Magritte, Pablo Picasso, Mark Rothko et Egon Schiele. Le salon a attiré un public de 98 000 personnes sur les six jours d’Art Basel. A côté de grands collectionneurs privés d’Europe, d’Amérique du Nord, d’Amérique du Sud et d’Asie, le salon a accueilli des représentants et des groupes de plus de 80 musées et institutions des quatre coins du monde, parmi lesquels : le Musée des Beaux-Arts de l’Ontario ; la Dia Art Foundation, New York ; le musée Guggenheim, New York ; le Hirshhorn Museum & Sculpture Garden, Washington D.C.; l’Institut d’Art Contemporain, Boston ; l’Institut des Arts Contemporains, Londres ; le Los Angeles County Museum of Art ; le Metropolitan Museum of Art, New York ; le Museum of Contemporary Art, Chicago ; le Museum of Modern Art, New York ; la National Gallery of Victoria, Melbourne ; la National Gallery, Singapour ; le Palais de Tokyo, Paris ; la Serpentine Galleries, Londres ; la Tate, Londres ; la Royal Academy, Londres ; l’Ullens Center for Contemporary Art, Beijing ; la Whitechapel Gallery, Londres ; le Whitney Museum of American Art, New York et le Yuan Museum, Beijing. Les galeries présentes dans tous les secteurs d’Art Basel se sont montrées très enthousiastes envers l'édition 2015 : 'Les affaires ont été vives et continues au salon Art Basel de cette année. Nous sommes fiers d’avoir vendu davantage d’œuvres à des collections muséales que jamais auparavant depuis le début de notre participation au salon, y compris une œuvre importante de Mike Kelley. Nous avons également réussi à vendre nos quatre projets  Unlimited – ce qui témoigne de la notoriété inégalée d’Art Basel et de la qualité des collectionneurs que le salon attire.' Iwan Wirth, Président, Hauser & Wirth, Zurich, New York, Londres 'Art Basel a constitué la plateforme idéale pour présenter nos œuvres de Robert Rauschenberg. Elles ont été vendues en l’espace de quelques heures.' Mollie Dent-Brocklehurst, Présidente de Pace Londres, Pace, New York, Londres, Zuoz, Beijing, Hong Kong 'Art Basel offre une forte visibilité aux artistes et aux galeries sur la scène mondiale - nous avons pu vendre une œuvre à un grand musée européen, en conséquence directe du salon. Et j’apprends toujours à Bâle des choses qui ne cessent d’enrichir mon programme durant toute l’année.' Maureen Paley, fondatrice et directrice, Maureen Paley, Londres 'Le salon Art Basel a dépassé une fois de plus toutes nos attentes. Nous avions réservé des œuvres importantes pour ce salon, dont deux sculptures de Joseph Beuys que nous avons vendues à des collections de très haut niveau. C’était la première fois que nous exposions Robert Rauschenberg depuis que nous avons commencé à travailler avec la Fondation et nous avons vendu des œuvres à des musées et à des collections renommées en Allemagne et en France. La participation de directeurs et de conservateurs de grands musées a été considérable et ils sont venus avec leurs administrateurs, ce qui signifie qu’ils étaient en mesure de prendre des décisions rapides. Il n’y a qu’Art Basel qui soit capable d’attirer une clientèle aussi sérieuse.' Thaddaeus Ropac, fondateur et directeur, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, Salzbourg 'Art Basel s’est avéré une fois de plus être le meilleur salon d’art du monde. Nous avons eu des réactions incroyables à chacun des artistes exposés sur notre stand et avons vendu un grand nombre d’œuvres majeures à des musées et à des collectionneurs privés d’Amérique du Nord, d’Amérique du Sud, d’Europe et d’Asie. Unlimited a été tout aussi fructueux pour la galerie puisque nous avons vendu des installations historiques importantes d’Olafur Eliasson et Haim Steinbach à un grand musée d’Amérique du Nord et à une collection européenne renommée.' Tanya Bonakdar, fondatrice et directrice, Tanya Bonakdar Gallery, New York 'Nous avons extrêmement bien débuté le salon de cette année et avons vendu un grand nombre d’œuvres majeures présentées sur le stand en l’espace de quelques heures. Nous avons particulièrement apprécié reprendre contact avec les clients asiatiques dont nous avions fait connaissance lors du salon Art Basel de Hong Kong en début d’année. Art Basel continue de faire une telle impression.' Esther Schipper, fondatrice, Esther Schipper, Berlin 'Nous avons trouvé le salon très performant cette année – et la reconfiguration du rez-de- chaussée a créé une véritable cohésion en facilitant les échanges entre les galeries et en aidant les collectionneurs à parcourir le salon et à explorer leurs centres d’intérêt. Bâle reste le seul et unique salon où le mot « vernissage » désigne vraiment un moment privilégié que l’on partage avec les collectionneurs venus ici pour explorer sérieusement le salon.' Pierre Ravelle-Chapuis, directeur, Van de Weghe Fine Art, New York 'Art Basel continue d’être pour nous le meilleur des salons et cette année, nous avons fait la connaissance de nouveaux collectionneurs originaires d’Europe et notamment de France, ainsi que de Taipei. Nous avons trouvé de nouveaux collectionneurs pour notre génération de jeunes artistes tels que Navid Nuur et Ida Ekblad tout comme pour les artistes avec lesquels nous collaborons depuis de nombreuses années – et un grand

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moment aura été pour nous la vente de six œuvres d’Albert Oehlen le premier jour du salon.' Samia Saouma, directrice, Galerie Max Hetzler, Berlin, Paris 'C’est toujours un plaisir d’être à Bâle car le salon offre en permanence d’excellentes opportunités d’avoir des échanges avec nos collectionneurs internationaux, y compris des Etats-Unis et d’Asie. Nous avons bien vendu lors des journées de preview et avons continué d’enregistrer un intérêt soutenu les jours suivants. Nous apprécions l’attention particulière que Bâle porte cette année à l’art de toute l’Afrique.' Kirsty Wesson, Conservatrice en chef, Goodman Gallery, Johannesburg, Le Cap 'C’est la première fois que nous exposons à Art Basel et cela a été une expérience gratifiante et enrichissante. Nous avons eu une occasion incroyable de partager le travail de nos artistes avec des conservateurs et nous attendons avec intérêt le suivi institutionnel du salon.' Jasmin T. Tsou, propriétaire et directrice, JTT, New York 'Art Basel introduit constamment des œuvres de très haute qualité sur le marché. Les modifications de l’agencement du rez-de-chaussée réalisées cette année afin de faire ressortir l’intérêt du salon pour les œuvres historiques semblent avoir eu un impact motivant sur les exposants et avoir généré une nouvelle énergie.' Paul L. Gray, partenaire, Richard Gray Gallery, Chicago, New York 'Le salon a été un grand succès. Nous avons été impressionnés par la qualité des institutions présentes sur le salon et par le retour d’information positif que nous avons reçu à la suite de notre présentation de Paolo Scheggi dans le secteur Feature.' Michele Casamonti, fondateur, Tornabuoni Art, Paris, Florence, Milan, Forte dei Marmi, Portofino 'La semaine à Bâle a été extraordinaire. Nous avons été particulièrement touchés par les élans d’amour pour Marcia Hafif et sa présentation dans le secteur Unlimited, et nous collaborons avec des institutions en vue de trouver un domicile permanent à ce chef- d’œuvre.' Fergus McCaffrey, fondateur et propriétaire, Fergus McCaffrey, New York, Saint Barthelemy 'Art Basel est la référence absolue en matière de salons. L’édition de cette année a été la meilleure que nous ayons connue, tout a été réservé dans l’heure qui a suivi l’ouverture.' Glenn Scott Wright, directeur, Victoria Miro, Londres 'Art Basel se démarque par ses visiteurs incomparables – tant en termes de qualité critique que de quantité – et le secteur Edition ne cesse d’attirer des collectionneurs sérieux et informés. Cela fait 42 ans que nous exposons à Bâle et le salon de cette année a été le meilleur.' Sidney Felsen, fondateur, Gemini G.E.L. LLC, Los Angeles 'Art Basel nous fait à chaque fois réaliser à nouveau la dimension illimitée de l’art à travers l’éventail immense des œuvres qui y sont présentées. Les visiteurs sont de vrais passionnés et souhaitent appréhender les œuvres en profondeur. Nous avons été très heureux de voir que de nombreux collectionneurs apprécient l’art qui dépasse leurs propres frontières.' Chiara Hsinke Lee, directrice, Long March Space, Beijing 'Art Basel est l’un des rares endroits où nous pouvons vendre des œuvres à de grandes institutions américaines tout en élargissant le public d’un artiste à des collectionneurs européens intelligents et informés. Cela montre pourquoi Art Basel reste le salon d’art le plus important et le plus influent.' Jack Shainman, Jack Shainman Gallery, New York, Kinderhook 'Le salon n’a jamais compté autant de nouveaux collectionneurs que cette année, et ce dès l’ouverture. Cette affluence s’est poursuivie pendant tous les jours suivants, les visiteurs s’intéressant à toute la gamme d’œuvres exposées sur notre stand. Le public ne craint pas les défis ici.' Frish Brandt, Président, Fraenkel Gallery, San Francisco 'Nous avons été vraiment contents de participer une fois de plus au salon cette année. Notre stand qui était consacré à l’art italien des années 1950 à 1970 a attiré des collectionneurs du monde entier et nous a permis de nouer de nouveaux contacts intéressants.' Eleonora Tega, directrice, Galleria Tega, Milan 'Notre stand du secteur Feature consacré à Mono-ha a reçu un accueil extrêmement positif et nous avons très bien vendu. C’est la première fois que nous participions à Art Basel en Suisse et nous souhaitons revenir l’année prochaine.' Hozu Yamamoto, propriétaire, Tokyo Gallery + BTAP, Tokyo, Beijing 'Cette année, nous avons adopté une nouvelle approche pour Art Basel en donnant la primauté à quatre de nos artistes et en exposant leurs œuvres à tour de rôle pendant toute la durée du salon. Nos deux présentations en solo sur le stand, consacrées à Jose Davila et Jorge Mendez Blake, ont reçu un accueil extrêmement positif et nous avons pratiquement vendu toutes les sculptures de Davila. Plus de 80 % des ventes ont été conclues avec des musées ou de très grandes collections privées.' Kerstin Erdmann, directrice, OMR, Mexico

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'Compte tenu du grand succès des éditions précédentes du salon, nous avons été ravis que les ventes restent extrêmement performantes au salon Art Basel de cette année. Nous apportons nos meilleures pièces à Bâle. Nous avons exposé des œuvres majeures de Keith Haring, Thomas Schütte, George Condo, Albert Oehlen, Martin Kippenberger, Cindy Sherman, Rosemarie Trockel et Andy Warhol entre autres, et avons été très heureux de rencontrer des collectionneurs enthousiastes et connaisseurs de très haut niveau. Le salon a témoigné cette année d’une énergie inégalée à tous les étages dès les premiers jours, confirmant une fois de plus la suprématie d’Art Basel.' Per Skarstedt, propriétaire, Skarstedt, New York, Londres 'Nous avons été ravis de participer au secteur Feature d’Art Basel cette année, d’autant plus que ce secteur nous a donné la liberté d’exposer l’installation impressionnante d’Andrea Bowers. Les visiteurs ont réagi de manière très émotionnelle à l’œuvre et nous avons reçu un soutien incroyable de la part de plusieurs conservateurs et institutions.' Kevin Scholl, directeur, Susanne Vielmetter Los Angeles Projects, Culver City Unlimited Le secteur Unlimited, placé pour la quatrième année consécutive sous la responsabilité du commissaire Gianni Jetzer, offre aux galeries l’occasion unique d’exposer des œuvres transcendant le cadre normal d’un stand au sein d’un salon d’art ; il proposait cette année 74 œuvres ambitieuses dans le Hall 1, et les galeries ont fait état de ventes particulièrement performantes dans ce secteur. Les visiteurs ont mentionné la qualité exceptionnelle d’Unlimited dont les nombreuses pièces maîtresses comprenaient des œuvres signées d’artistes internationaux renommés tels que Kenneth Anger, Ed Atkins, Kader Attia, Martin Creed, Dan Flavin, Gilbert & George, Marcia Hafif, Sheila Hicks, Robert Irwin, Anna Gaskell, Shilpa Gupta, Jeppe Hein, Pierre Huyghe, Leigh Ledare, Maha Malluh, Sarah Morris, Bruce Nauman, Elizabeth Price, Pedro Reyes, Lorna Simpson, Sturtevant, Wu Tsang, Julius von Bismarck et Zhang Enli. artbasel.com/basel/unlimited Statements Les présentations solo d’artistes au sein du secteur Statements ont offert aux visiteurs et aux collectionneurs l’occasion de découvrir les œuvres d’artistes émergents attestant d’une forte compréhension de la pensée numérique : Bunny Rogers chez Société, Borna Sammak chez JTT, Avery Singer chez Kraupa-Tuskany Zeidler et Amalia Ulman chez James Fuentes. A la recherche de nouveaux talents originaires d’Orient, la galerie Grey Noise de Dubai a exposé Caline Aoun ; The Third Line, de Dubai elle aussi, a présenté Abbas Akhavan ; et Platform China de Beijing a exposé Zhao Zhao. Le Prix artistique de la Bâloise a été décerné cette année à l’artiste britannique Beatrice Gibson et au Français Mathieu Kleyebe Abonnenc. Ce prix de CHF 30 000.- est remis par un jury d’experts internationaux et les œuvres des lauréats ont été achetées par la Bâloise qui en a fait don au MMK, Museum für Moderne Kunst, de Francfort sur le Main et au MUDAM de Luxembourg. artbasel.com/basel/statements Feature Le secteur Feature, temps fort du salon depuis des années, a été agrandi de 25 % en 2015 afin de mettre encore davantage en valeur l'aspect curatorial des 30 galeries exposantes. L’édition de cette année qui a présenté à la fois des œuvres historiques et contemporaines comptait des galeries originaires de 13 pays et dont six exposaient pour la première fois à Art Basel. Le secteur Feature a connu de nombreux temps forts et les connaisseurs ont souligné la qualité des œuvres qui y étaient exposées, parmi lesquelles : une présentation par Luxembourg & Dayan (New York, Londres) de deux œuvres peu connues de Michelangelo Pistoletto ; une exposition thématique importante consacrée à Mono-ha, montrant cinq artistes du mouvement artistique japonais de la fin des années 1960, fondé sur la sculpture, par la Tokyo Gallery + BTAP (Tokyo, Beijing) ; une présentation originale par Tornabuoni Art (Paris, Florence, Milan, Forte dei Marmi, Portofino) de quatre œuvres de Paolo Scheggi, réunies pour la première fois depuis qu’elles avaient été exposées à la Biennale de Venise en 1966 ; une installation très discutée d’Andrea Bowers chez Susanne Vielmetter Los Angeles Projects (Culver City) et une installation de sculptures d’excréments et de ‘Body Prints’ rarement exposée de David Hammons, présentée par Salon 94 (New York). artbasel.com/basel/feature Parcours L’édition 2015 du secteur Parcours était placée pour la troisième fois sous la responsabilité de Florence Derieux, directrice du FRAC Champagne-Ardenne et commissaire de l’exposition. Le secteur a jeté son dévolu dans le centre historique de Bâle, autour de la cathédrale emblématique de la ville ainsi que dans d'autres lieux tel que le Musée des Cultures de Bâle, le Musée d’Histoire naturelle et l’hôtel de ville. Parcours a présenté en tout 23 œuvres d’art in situ signées d’artistes internationalement reconnus (soit la plus grande sélection jamais proposée) tels que Alexandra Bachzetsis, Adriano Costa, Nate Lowman, Michaela Meise, David Renggli et Ugo Rondinone. Un temps fort de la semaine a été la manifestation Parcours Night du samedi 20 juin pour laquelle les sites accueillant le projet étaient ouverts en soirée et qui s’est accompagnée de représentations spéciales uniques de Rosa Barba, Julien Bismuth et

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Erkka Nissinen, et d’une prestation en direct de Haroon Mirza avec l’orchestre Factory Floor, basé à Londres. Dans le cadre de la soirée, Art Basel et HeK (House of electronic Arts Basel) ont présenté une nouvelle performance live d’Edwin van der Heide. 9000 personnes ont visité le secteur Parcours du mercredi au dimanche. artbasel.com/basel/parcours Film La programmation du secteur Film de cette année a été sélectionnée pour la première fois par Maxa Zoller, commissaire du secteur Film et maître de conférences basée au Caire. La programmation qui comprenait six projections – dont une programmée par le Festival du film de Locarno et une par This Brunner – a été diffusée au Stadtkino Basel durant six nuits. Elle comptait 19 films et vidéos, signés d’artistes et consacrés à des artistes, qui abordaient une série de différents sujets, avec des temps forts dont la projection du premier long métrage de Takashi Murakami, ‘Jellyfish Eyes’, qui marque un tournant dans la pratique de Murakami et qui est selon les propres termes de l’artiste « un film thérapeutique pour le Japon d’après le tsunami » ; la première projection en Europe du documentaire de Lisa Immordino Vreeland ‘Peggy Guggenheim: Art Addict’, portrait intime de l’icône du monde de l’art ; les films de l’artiste sud-coréenne KimSooja et du Marocain Hassan Hajjaj, qui utilisent l’artisanat traditionnel féminin comme moyen de proposer au spectateur une approche philosophique et non-conventionnelle des formes artistiques ; et une programmation spéciale de courts métrages montrant l’œuvre d’une série d’artistes dont Karolin Meunier, Laure Prouvost, Oliver Laric et Julieta Aranda. Le secteur Film a attiré beaucoup de monde et pendant la semaine, deux projections supplémentaires ont été ajoutées à la programmation en raison de la forte demande. artbasel.com/basel/film Conversations et Salon La série des secteurs Conversations et Salon d’Art Basel a réuni des personnalités éminentes du monde international de l’art parmi lesquelles Danh Vō, Mark Coetzee, Manuela Ammer, Wael Shawky, Elena Filipovic, Anicka Yi, Susan Hiller, Christian Jankowski et Jumana Manna. Le programme des entretiens avec les artistes et des forums de discussions s’est déroulé tous les jours et a couvert un certain nombre de sujets d’actualité dont ‘Rethinking Kunsthalles and Non Profits’, ‘The Caribbean is the Future of Art’, ‘Collecting Africa’ et ‘Residencies, Communities: Support Structures for Artists’. Le programme d’entretiens d’Art Basel qui comptait plus de 20 tables rondes était gratuit et ouvert au public. Plus de 2700 personnes ont assisté en tout au programme d‘entretiens de cette année. Des vidéos de haute qualité de tous les entretiens seront disponibles peu après le salon sur artbasel.com/basel/talks. DO WE DREAM UNDER THE SAME SKY 'DO WE DREAM UNDER THE SAME SKY' signé de l’artiste conceptuel Rirkrit Tiravanija, des architectes allemands Nikolaus Hirsch/Michel Müller et du chef finlandais Antto Melasniemi était installé sur la Messeplatz de Bâle pendant la durée d’Art Basel. Cette œuvre était un prolongement du projet 'the land' de Rirkrit Tiravanija et de l’artiste thaïlandais Kamin Lertchaiprasert, une communauté d’artistes autonome établie près de Chiang Mai en Thaïlande. Ce projet qui comporte un jardin d’herbes aromatiques, une cuisine et un espace repas et réunions comprenait des collaborations avec les ingénieurs Bollinger + Grohmann et des étudiants de l’Institute of Art de la FHNW, de l’Académie des Arts et du Design de Bâle et de la Städelschule de Francfort. Après la fermeture du salon, l’installation de ‘DO WE DREAM UNDER THE SAME SKY’ sera transférée à Chiang Mai sur le site du projet 'the land' où elle constituera la base de la première structure permanente de la fondation. A travers l’initiative de crowdfunding d’Art Basel – partenariat unique en son genre avec Kickstarter visant à soutenir des organisations spécialisées dans les arts visuels fondées en 2014, le projet 'the land' recueille des fonds destinés à agrandir cette structure afin d’accueillir des résidences d’artistes et des programmations spéciales, dont des ateliers, des entretiens et des représentations. artbasel.com/crowdfunding Expositions et spectacles à Bâle Les expositions qui se sont tenues à Bâle et dans les environs ont été d'une qualité exceptionnelle cette année et comprenaient : ‘Paul Gauguin’, ‘Marlene Dumas’ et 'Tobias Rehberger' à la Fondation Beyeler ; ‘Future Present’ au Schaulager ; ‘Joseph Beuys: Installations, Actions & Vitrines’ au Museum für Gegenwartskunst ; ‘Haroon Mirza/hrm199 Ltd’ au Musée Tinguely ; ‘Anicka Yi: 7,070,430K of Digital Spit’ et ‘Vincent Fecteau: You Have Did the Right Thing When You Put That Skylight In' à la Kunsthalle Basel ; et ‘Making Africa – A Continent of Contemporary Design’ au Vitra Design Museum. Le théâtre de Bâle a présenté ‘The Metopes of the Parthenon’ du metteur en scène de théâtre de renommée internationale Romeo Castellucci. La Fondation Beyeler a en outre accueilli une représentation de l’opéra futuriste de 1913 ‘Victory over the Sun’. Design Miami/Basel Design Miami/Basel, forum mondial du design de collection, s’est tenu une nouvelle fois dans la halle 1, sur la Messeplatz. Cette 10e édition comptait plus de 50 galeries exposant des objets de design historiques et contemporains et proposait

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parallèlement un programme de commissions, d’entretiens et de salons annexes. Pour plus d’informations, rendezvous sur designmiami.com Publications Pour célébrer la 45e année d’Art Basel, Art Basel | Year 45 retrace les éditions 2014 des trois salons Art Basel de Bâle, Miami Beach et Hong Kong. L’ouvrage a un format A à Z qui dresse la carte de l’univers d’Art Basel avec un aperçu complet des salons de l’année dernière comprenant des entretiens, des articles et des coups de cœur personnels d’artistes, de commissaires d’exposition, de directeurs de musée et d’autres sommités du monde international de l’art. La publication est disponible sur tous les salons Art Basel et dans des librairies d’art sélectionnées d’Europe, des EtatsUnis et d’Asie. Le catalogue Unlimited, également publié par les éditions Hatje Cantz, était épuisé à la fermeture du salon.

PALEO 40 ANS/ 124 La 40e édition du Paléo Festival aura lieu du 20 au 26 juillet 2015. Niché entre la chaîne du Jura et le lac Léman, à michemin entre Genève et Lausanne, le Festival est devenu une référence parmi les plus grands open airs européens. En six jours, 230 000 spectateurs se donnent rendez-vous pour plus de 250 concerts et spectacles, entre chanson française, rock, electro, hip hop, musiques du monde et arts du cirque. Depuis 1976, date de sa première édition qui, sous l’appellation «First Folk Festival», réunissait 1800 personnes dans la salle communale de Nyon, le Paléo Festival est aujourd’hui un événement musical européen incontournable. Depuis sa création, le Festival a connu une croissance régulière et maîtrisée, amenant professionnalisation et développements. Chaque année, ce sont plus de 250 concerts et spectacles qui sont offerts aux quelque 230 000 spectateurs qui arpentent les 84 hectares du terrain de l’Asse (parkings compris), dans les hauteurs de Nyon. A ce jour, plus de 5 millions de personnes ont contribué à ce succès populaire qui ne faiblit pas. Depuis plus de douze ans, le Festival affiche complet avant même d’ouvrir ses portes et bénéficie d’une notoriété sans cesse grandissante. En 2014, plus de 600 représentants des médias ont couvert une édition marquée par des concerts inoubliables et l'installation d'une Grande Roue de 32 mètres qui a réjoui petits et grands. Une ouverture culturelle Originellement fondée sur le folk, la programmation musicale s’est rapidement ouverte au rock, à la pop, aux musiques électroniques, à la chanson française, aux musiques du monde, au reggae ou encore à la musique classique. Le Festival propose chaque année un panachage où se côtoient têtes d’affiches internationales et artistes plus intimistes, légendes et découvertes, sur sept scènes d’une capacité de 500 à 30 000 personnes. Animé d’une volonté constante d’ouverture culturelle vers l’Autre et l’Ailleurs, le Paléo Festival inaugure en 2003 le Village du Monde: un festival dans le Festival proposant concerts, spectacles, nourriture et artisanat articulé autour d’une région du monde. Initié avec l’Afrique, le Village du Monde a successivement mis à l’honneur l’Amérique latine, l’Asie, l’Europe de l’Est, l’Afrique du Nord, le Brésil, l’Inde, l’Afrique australe, les Caraïbes, le Moyen-Orient, l’Océan Indien et les Andes. En 2015, le Village revêtira les couleurs de l'Extrême-Orient. Ne se limitant pas à la seule programmation musicale, Paléo fait également la part belle aux arts de la rue et au cirque. Sur tout le terrain du Festival, les artistes de rue déambulent et présentent aux spectateurs mini concerts, humour et spectacles divers. Rassemblés dans "la Ruche", sept lieux scéniques sont par ailleurs spécialement réservés à l’expression de ces talents. Ils peuvent accueillir entre 60 et 600 personnes. Depuis 2004, les arts plastiques ont également leur place sur le site, proposant ainsi une démarche créative complémentaire à celle des arts de la scène. Le terrain du Festival s'organise autour de plusieurs quartiers thématiques, lesquels hébergent plus de 200 stands de nourriture et d’artisanat du monde entier, des bars et des restaurants. Le Paléo Festival propose par ailleurs gratuitement un camping pouvant recevoir quelque 10 000 festivaliers. Un événement social et écologique Dès ses débuts, le Festival s’est construit sur les valeurs de partage, de tolérance et de respect. Grâce à ses 4800 collaborateurs bénévoles, cet événement est toujours mu par ces mêmes valeurs, aujourd’hui formalisées dans une charte réglant divers aspects de la vie de Paléo. Ainsi, dans une logique de développement durable, la responsabilité sociale, la protection de l’environnement, ainsi que le respect du public, des artistes et des bénévoles comptent parmi les priorités de l'organisation. Cette gestion responsable a par ailleurs été couronnée de divers prix : le Health and Safety Innovation Award en 2014, le MIDEM Green World Award en 2008, le prix Nicefuture Attitude en 2006, 2007 et 2008, la certification Green’N’Clean Award en 2007, le Public Award de logistique en 2007, le Prix suisse d’éthique en 2007, ou encore l'Arthur Award du meilleur festival international en 1999 et 2002. Des distinctions qui honorent l'ensemble de l'organisation

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et contribuent à faire de Paléo un événement incontournable, résolument convivial et accessible à toutes et tous.

EXUMA / 180 L’HISTOIRE DES SACS… L’idée d’EXUMA survient en 2014, lors d’un voyage aux îles Exumas aux Bahamas, où les sœurs jumelles Elisa et Deborah décident de concrétiser leur rêve… Les Bahamas étant leur deuxième maison, elles sont inspirées par l’exotisme et les couleurs chaudes des îles, et aspirent à introduire l’esprit chic et décontracté de l’archipel dans un accessoire, qui peut se porter à la plage et se décliner en pochette de soirée… Les sacs EXUMA sont fabriqués en Espagne par une manufacture familiale qui opère depuis plus de 25 ans. Les fondatrices d’EXUMA tiennent également à soutenir l’industrie de la confection suisse ; leurs pochettes de plages sont ainsi fabriquées dans une manufacture à Genève, avec des textiles fait-main par des artisans Bahamiens. LES COLLABORATIONS D’EXUMA Les fondatrices Elisa et Deborah portent une grande importance à l’aspect social de la marque et collaborent avec des associations et des causes qui leurs sont chères. Leur première collaboration réussie avec Label Bobine, une manufacture suisse créée par l’association SOS femmes, offre une palette de petites pochettes de plages dessinée par EXUMA et fabriquée par l’atelier, qui emploie des femmes en difficulté dans un processus de réinsertion socio-professionnelle. EXUMA continue de travailler avec des petites manufactures, l’objectif de la marque étant la valorisation et la sensibilisation d’une production locale et éthique. A PROPOS DES CREATRICES Les sœurs jumelles Elisa et Deborah ont grandi dans la ville internationale de Genève, de parents suisses et guatémaltèques. Impliquées dans le monde artistique depuis leur plus jeune âge, elles décident de se lancer dans l’aventure créative et entrepreneuriale d’EXUMA après avoir travaillé dans les medias et l’évènementiel. Elles dessinent et développent leurs sacs à Genève, où elles habitent. www.exumabags.com

CHOPARD / 204 Symbole immuable du Festival de Cannes, véritable Graal pour tous les cinéastes de la planète, la Palme d’Or, qui récompense le meilleur film de la compétition officielle, fête cette année ses soixante ans. Mais la Palme d’Or n’a pas toujours été telle qu’on la connaît aujourd’hui. La récompense suprême a connu plusieurs mutations depuis la création du Festival, avant d’atteindre sa forme la plus noble et la plus aboutie, dans les ateliers de la maison Chopard. En effet, jusqu’en 1954, le Jury du Festival décernait un « Grand prix du Festival International du Film » au meilleur réalisateur de la sélection. Les lauréats se voyaient alors remettre une œuvre d’un artiste contemporain en vogue, tels des tableaux figuratifs de peintres ou des vases de Sèvres. La Palme d’Or n’était pas encore née. A partir de 1954, Robert Favre Le Bret alors Délégué Général, invita des joailliers à présenter des projets de trophées inspirés du motif de la palme, en référence aux palmiers de la Croisette et aux armoiries de la ville, la palme figurant sur son blason évoquant la fameuse légende de Saint Honorat. Lorsque, à l’approche de l’an Mil, le village de Cannes fut cédé à l’Abbaye de Lérins située sur l’île Saint Honorat, au large de ses côtes, la palme, qui était l’emblème de l’Abbaye, devint aussi celle de la cité. Une palme fière et victorieuse, symbole du palmier sur lequel grimpa Saint Honorat pour que la mer puisse purger l’île des serpents qui l’infestaient. Le projet retenu fût celui de la créatrice de bijoux Lucienne Lazon laquelle, selon une autre légende, aurait dessiné sa Palme à quatre mains avec Jean Cocteau, à l’époque Président du Jury et conseiller. Naissance d’un mythe En 1955, la première Palme d’Or, attribuée à Delbert Mann pour Marty, voit le jour en même temps qu’un autre mythe : Brigitte Bardot. Mais en 1964, contestée, elle disparaît pendant dix ans, le Festival revenant à la formule du Grand

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Prix et du diplôme. En 1968, les évènements de mai stoppent les festivités. Pour la première fois de toute l’histoire du Festival, aucune récompense ne sera décernée. En 1974, Francis Ford Coppola sera le dernier à repartir avec une œuvre d’art accompagnée d’un immense diplôme très encombrant pour son film Conversations secrètes. Il faudra attendre 1975 pour voir réapparaître la Palme sous l’impulsion de Maurice Bessy, alors Délégué Général, qui tenait à remettre à l’honneur cet éclatant symbole. Elle se love alors dans un écrin de maroquin rouge pleine peau, capitonné de daim blanc. Au début des années 80, la forme arrondie du socle sur lequel elle se dresse se transforme progressivement en pyramide. En 92, Thierry de Bourqueney redessine la Palme et son socle, désormais en cristal taillé main. L’année suivante, pour la première fois de l’histoire du Festival, c’est une femme qui reçoit la Palme d’Or. Avec La Leçon de Piano, la Néo-zélandaise Jane Campion reste à ce jour la seule femme à avoir obtenu le prix suprême. Gilles Jacob, président du Festival de 2001 à 2014, se souvient : « Jane est féministe, elle a fait remarquer avec plaisir qu’elle était la première femme récompensée. Je la surnomme « Lady Palme d’Or ! » » En 1997, à l’occasion du Cinquantième anniversaire du Festival, une Palme des Palmes est attribuée à Ingmar Bergman pour l’ensemble de son œuvre en présence de vingt-huit autres détenteurs du trophée. Cette même année, alors que la maison Chopard s’apprête à ouvrir une boutique sur la Croisette avec comme marraines de prestige Eva Herzigova, Ornella Muti et Carla Bruni, Caroline Scheufele, Co-présidente et Directrice Artistique de Chopard, a l’idée de l’inaugurer pendant le Festival afin de créer une synergie entre les deux événements. Elle prend contact avec les organisateurs pour imaginer une éventuelle collaboration. Les deux institutions ne se quitteront plus et ne cesseront de renforcer leurs liens : « Lors de mon tout premier rendez-vous avec Pierre Viot, alors Président du Festival, se remémore Caroline Scheufele, j’aperçois la Palme juste derrière lui, dans son bureau. Je demande à l’observer de plus près et voyant mon vif intérêt, il me demande si j’aimerais lui en proposer une nouvelle version, un « relooking » en quelque sorte. J’étais ravie et je me suis attelée à cette tâche avec beaucoup de ferveur ! »

La Palme d’Or Chopard : un bijou précieux pour la plus prestigieuse des récompenses Caroline Scheufele choisit alors d’alléger la Palme tout en lui donnant plus de volumes et de profondeur, en insistant sur les nervures de la tige et les 19 folioles réglementaires. Elle dessine également la tige de telle sorte qu’elle se termine en forme de cœur, un des emblèmes de la joaillerie chez Chopard. Par ailleurs, la Palme étant la plus prisée des récompenses dans le milieu du Septième Art, Caroline Scheufele souhaite que le trophée soit à la hauteur de ce qu’il représente: qu’il soit précieux, dans tous les sens du terme. Si les Palmes de 1998 et 1999 sont en vermeil, substrat en argent doré 30 microns d’or fin, le second millénaire offre à la Palme sa consécration aurifère, lourde de 125 grammes d’or 18 carats. Caroline Scheufele lui ajoute un autre détail de valeur : un socle en cristal de roche taillé tel un diamant de taille émeraude. La Palme est alors présentée dans un écrin de maroquin bleu roi. En 2001, après que Lars Von Trier, fou de bonheur, ait brandi de toute sa hauteur sa Palme pour Dancer in the Dark et que le trophée soit tombé à terre, une sécurité est ajoutée à l’écrin. Marc Couttet, directeur du département création Haute Joaillerie chez Chopard, commente avec enthousiasme ce relooking : « La Palme est maintenant dynamique, profilée, joyeuse, amoureuse avec son cœur sculpté dans sa tranche et si glamour sur son lit de cristal ! Le cristal de roche sur lequel s’adosse la Palme est plus qu’un faire-valoir, il est le « symbolon » gémellaire du trophée. La matière dure et transparente, mais trouble parfois, du cristal, confère l’atmosphère de la récompense et sa singularité. Les givres, inclusions, fractures naturelles, brumes lactées qui habitent la matière naturelle de la gemme sont des indicateurs troublants et souvent révélateurs du climat du film triomphant ou de son réalisateur : limpide, glacial, brumeux, clivant, trouble, clairvoyant… » Visionnaire, la Palme ? Pour obtenir un cristal de la qualité et de la taille de celui du trophée, Marc Couttet et son équipe partent d’un brut d’au moins trois kilos qui doit être scié, bruté, taillé et poli au cours de multiples opérations. Un traitement de faveur coûteux et impliquant un savoir faire hautement qualifié garant d’une application joaillière que n’ont pas connu les précédentes Palmes. La façonner nécessite en tout sept artisans et une quarantaine d’heures entre la confection d'un modèle en cire, le plâtre coulé à la main dans un four à 760 °C, l’injection de l'or dans l'empreinte, le polissage, et la fixation sur un socle en cristal de roche. Des Palmes et mini-palmes exceptionnelles C’est aussi au début du second millénaire que Caroline Scheufele décide de réparer une injustice en fabriquant des mini Palmes, répliques parfaites de la grande, pour les prix d’interprétation décernés aux acteurs et actrices qui ne recevaient jusque-là qu’un certificat. En 2006, il fallut même multiplier les mini Palmes quand Indigènes (5 acteurs

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récompensées) et Volver (6 comédiennes couronnées) remportèrent des prix d’interprétation collectifs ! Et en 2013, c’est carrément la Palme d’Or qu’il fallut tripler quand Steven Spielberg et son jury décidèrent de distinguer sur un pied d’égalité le réalisateur Abdellatif Kechiche et ses deux actrices, Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux pour La vie d’Adèle. « La décision du Président Spielberg de vouloir récompenser exceptionnellement des actrices exceptionnelles en leur décernant les Grandes Palmes, seules réservées au Film, fut d’une portée transgressive exceptionnelle ! » s’enthousiasme Gilles Jacob. Léa Seydoux n’en est toujours pas revenue : « J’étais très heureuse d’être incluse dans un prix aussi prestigieux. Je m’attendais peut-être à un prix d’interprétation pour Adèle ou à la Palme pour le film mais pas à cette triple Palme d’Or. Pour moi, elle récompense le travail accompli, sur ce film-là en particulier mais aussi d’une façon plus générale, elle salue un parcours. C’est comme si cette Palme validait mon choix de devenir actrice. Elle est le symbole du Festival de Cannes tel que je l’imaginais quand j’étais petite alors même que j’ignorais que je voulais être comédienne. L’image d’un monde féerique, incroyable et mystérieux. Je la vois tous les jours : elle trône sur ma cheminée ! » Thierry Frémaux, Délégué Général du Festival, décrit la portée inestimable d'une Palme d'or: « Chaque remise de Palme est singulière et belle. Et je pourrais égrener chaque moment de chaque année. Quand une Palme d’Or récompense un grand maître, comme ce fut le cas pour Malick, Haneke ou Polanski, c’est extraordinaire parce qu’on a le sentiment que le palmarès de Cannes épouse l’histoire. Je souhaite qu’elle soit toujours ce Graal qui rend les cinéastes fous de désir pour elle. Qu’elle continue à consacrer le talent en récompensant de grands artistes, ou à découvrir qui seront les cinéastes prometteurs de demain. » Une Palme d’Or à l’éclat durable En 2014, Chopard prolonge son engagement pour le développement d’un luxe durable entamé avec le projet The Journey to Sustainable Luxury créé avec Livia Firth, fondatrice d’Eco Age, et lancé en mai 2013 lors du 66ième Festival de Cannes. L’horloger-joaillier décide alors de fabriquer la Palme en or « Fairmined », extrait dans le respect des hommes et de l’environnement. « Je suis très heureuse et fière que la Palme d’Or que j’ai redessinée il y a 17 ans, ce symbole si fort connu et reconnu dans le monde entier, puisse aujourd’hui bénéficier d’un or traçable, extrait dans le respect des hommes et de l’environnement. » déclare Caroline Scheufele. Thierry Frémaux s’en félicite : « Le Festival de Cannes ne se tient pas à l’écart du monde. Derrière le tapis rouge, le glamour et la passion exclusive du cinéma, il y a un écho de nos vies. La question du développement durable est au cœur de nos préoccupations. L’idée qu’a eue Chopard d’en prendre sa part avec ses bijoux éthiques et l’or « Fairmined » de la Palme est fondamentale. Nous sommes heureux et fiers que notre partenaire ait de tels partis pris et de si profondes convictions. » Le premier film à repartir avec une Palme d’Or griffée Chopard s’appelait L’éternité et un jour. Une belle prémonition pour une Palme d’Or si majestueusement… durable. www.chopard.com/palme-d-or

DE GRISOGONO CANNES & PORTO CERVO/ 218 Défilé de robes somptueuses, de beautés divines et de célébrités prisées, étincelantes dans leur parure de GRISOGONO. Sur les rives de la Côte d’Azur, dans les jardins du prestigieux Grand Hôtel du Cap-Eden-Roc, une soirée légendaire est sur le point de dévoiler ses fastes. Même lieu, même esprit, même ambiance. Le dîner de GRISOGONO s’impose toujours comme un moment unique, une parenthèse d’exception. Réunissant des dizaines de super stars, le photocall du dîner exclusif de GRISOGONO s’annonce hautement désirable. Les étoiles de la soirée exultent dans leur look divin signé de GRISOGONO. Accueillies par le fondateur et directeur créatif de la Maison de GRISOGONO, les stars arpentent le tapis rouge aux côtés de leur hôte. En route pour une soirée Divine. Parmi elles, NATALIE PORTMAN, MICHELLE RODRIGUEZ, LEONARDO DI CAPRIO, BENICIO DEL TORO, ADRIAN BRODY, ANTONIO BANDERAS, CHRIS TUCKER, AMAURY NOLASCO. Sur le podium de GRISOGONO, 16 tenues monochromes signées Gyunel révèlent avec élégance les silhouettes élancées des modèles. Des compositions de soie et de dentelle rehaussées de motifs floraux uniques reprenant les peintures à l’huile de la créatrice. Les modèles défilent sous les airs glamour de la mezzo soprano Natascha Petrinsky

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qui interprète le célèbre opéra La Wally. Les somptueux joyaux de la collection de Haute Joaillerie de GRISOGONO dansent avec sensualité sur la voix jazzy d’Azania Noah et le mythique titre Goldeneye. Pour conclure le défilé, Fawaz Gruosi pose avec les modèles et Guynel sous les applaudissements du parterre de stars. Sur l’élégante façade du bâtiment de style Napoléon III, l’histoire divine de GRISOGONO est projetée. Une mise en scène révélant les grappes de gemmes qui sertissent la montre GRAPPOLI. Un festival de couleur ponctué d’un feu d’artifice très coloré sur un fond musical d’Alice aux pays des Merveilles. Clôturant un dîner mémorable réunissant près de 700 convives, l’after-party accueille les emblématiques Goldsingers, aux côtés de Robin Thicke, Robot LED, BEAT, DJ Jack E and DJ Julio.

L’invitation sonne comme une volonté de remercier celles et ceux qui sont à ses côtés, croient en lui, le soutiennent, l’aiment et lui donnent la force et le courage d’entreprendre tous ses rêves. L’invitation est en fait un passeport, celui qui symbolise les attaches que cette famille « sans liens de sang » a construites au fil du temps. Un passeport qui porte en toute simplicité le nom « LOVE », cet amour, cette amitié qui racontent Porto Cervo, qui racontent Fawaz Gruosi, sa famille et qui racontent de GRISOGONO. Sur le passeport, une armoirie représentant le lion. Si les portraits dressés par les signes astrologiques peuvent souvent sembler trop génériques pour être spécifiques, il faut avouer qu’à la lecture des traits de caractère symbolisant le 5ème signe du zodiaque, le signe de Feu, les similitudes sont plus que frappantes. « Eblouissant...il fascine par un « je ne sais quoi » unique et un air distingué. Il est à l’aise sous les projecteurs. Il n’a pas peur de se singulariser, il recherche la reconnaissance, ce qui la pousse à se surpasser et à être le meilleur. Il est généreux, et cherche toujours à faire plaisir aux gens qu’il aime. Contrairement à ce que l’on peut penser de prime abord, il a un grand sens moral et sait ce qui est juste et bon. Il n’est pas très attaché aux traditions et aime construire ses propres lois, sa propre logique, au-delà des préjugés ou des valeurs préétablies par la société. Son esprit d’indépendance est très développé ». Extrait du portrait astrologique du Lion Comme pour rendre à Fawaz un peu de tout l’amour, l’affection et le respect qu’ils reçoivent, des Femmes et des Hommes ont avec simplicité offert à Fawaz une plongée dans leur histoire de Porto Cervo. Avec un regard intimiste, ils livrent aussi les facettes d’un homme au grand cœur auprès duquel il fait bon vivre. Cette générosité, cette chaleur humaine et ce goût pour les gens, l’ont naturellement entouré d’amitiés sincères et de longue date. Sa famille, ses amis, ses proches, ses clients, parlent de lui comme un être généreux, attentif, attentionné, empathique et à la bonne humeur contagieuse. En ce 8 août 2015, 500 invités sont venus entourés Fawaz, lui témoigner leur amitié et la place qu’il occupe dans leurs cœurs. Le lieu qu’il a choisi cette année pour son anniversaire, est le lieu dans lequel il aime résider quand il ne pose pas ses valises dans la maison familiale. L’Hôtel Cala di Volpe, un lieu qui symbolise parfaitement l’esprit de Porto Cervo – un lieu fait de contrastes comme Fawaz les aime tant – à la fois, majestueux et intime, simple et raffiné. Un lieu qui rappelle les origines de cette côte d’émeraude, ses villages de pêcheurs, leurs accents pittoresques et romantiques, un lieu à l’architecture sculptée, faite de portiques, d’arches et d’escaliers aménagés avec art. Un lieu dont les couleurs flattent l’œil comme une gourmandise faite de tons pastel dont la vivacité est renforcée par les bleus-turquoise de la mer à ses pieds. Un lieu qui fait la part belle à la tradition sarde et son artisanat local. Un lieu qui ennivre les sens et évoque le portfolio olfactif de l’eucalyptus, du laurier et du genévrier sauvage auquel les souvenirs de Fawaz sont attachés. Erigé en 1962, 10 ans séparent ce lieu de Fawaz Gruosi. En réalité tous les unit. Les jardins et la plage ont été repensés pour accueillir les invités autour de la piscine le temps du cocktail. Un somptueux feux d’artifice a conduit les invités jusqu’au dîner et le tant attendu gâteau d’anniversaire. Sur les airs rythmés de Mika, les invités ont assisté à un concert privé avant de rejoindre la plage pour une after-party dévoilant toutes les beautés des levers de soleil de la Côte sarde. Une soirée mêlant luxe et simplicité, mer et glamour, intimité et jet set. Un instant frappé du sceau de l’intemporalité.

CAPRI COUTURE / 238 Située face à Naples, eau turquoise, criques et grottes, cette île offre un panorama unique. Les Grecs anciens la surnommait « L’île aux sirènes », ils étaient loin de se douter que des siècles plus tard, elle serait le lieu privilégié de célébrités telles que Jackie Kennedy Onassis ou plus récemment Rihanna ou Naomi Campbell. Face à la côte amalfitaine, Positano, Amalfi ou plus loin Ischia, le succès de Capri n’est plus un secret. La clientèle jet-set du monde entier ne s’y trompe pas, succombez vous aussi au charme de ce petit coin de paradis où luxe rime avec charme.

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Deux ambiances, mille beautés L’île compte deux villes : Capri, située au-dessus du port, animée, connue pour ses terrasses, sa fameuse « Piazzetta » et ses boutiques de designer et Anacapri, plus calme, qui régale les yeux de vues et paysages spectaculaires. Oubliez tout, Travel Couture organise votre séjour, des billets d’avion à la recherche de personnel de maison. Déplacement à domicile pour une première rencontre et pour parler de votre projet, ceci afin de mieux cerner vos désirs. Recherches, conseils, informations sur la destination, négociations et enfin conciergerie sont autant de services à votre disposition. Luxe, beauté et exigence sont les maitres mots de vos vacances ils seront maitres mots de nos recherches. Villas exclusives, hôtels, adresses incontournables, découvrez un Capri aussi romantique que trendy. Déconnectez pour mieux reconnecter avec un apéritif au cœur du glamour, sur la légendaire Piazzetta ; relaxezvous sur votre terrasse face à la mer ; profitez du soleil tout en dégustant des plats aux senteurs méditerranéennes ; enchantez vos sens en dégustant les meilleurs vins locaux au dessus de la baie de Marina Piccola. Dormir à Capri Situé à l'extrémité d'une allée pleine de charme qui en fait l’une des plus belles balades de l’île, l’Hôtel Punta Tragara possède tout ce que vous pouvez désirer pour un séjour sublime : un emplacement privilégié à 10 minutes à pied du centre, un établissement luxueux cinq étoiles, une vue à couper le souffle. Deux piscines extérieures alimentées en eau douce, dont l’une est chauffée et enfin le spa vous offriront volupté et repos, pour un bien être inégalable. Enfin, pour parfaire ce lieu insolite, le fameux restaurant gastronomique Mammà où réserver une table relève parfois du défi ! Sculptée sur la paroi rocheuse de la baie de Marina Piccola, l’hôtel compte 44 chambres et suites aussi luxueuses que spacieuses. S’il est un lieu où l’on a envie de regarder le temps qui passe, c’est ici. www.hoteltragara.com Amateur d’art et de luxe, bienvenu dans le Capri Palace Hôtel. L’élégance raffinée qui se dégage du Capri Palace n’est pas sans rappeler les anciens palais napolitains de 1700. Grâce aux subtiles nuances de blanc comme toile de fond, les œuvres d’art contemporain – véritable marque de fabrique de ce lieu – n’en sont que plus appréciées par les connaisseurs. Ce palace est à quelque pas du charmant centre d’Anacapri, village authentique qui offre au regard de somptueux décors sur la mer et le golf de Naples. Les 72 chambres et suites de cet hôtel cinq étoiles, dont certaines avec piscine et jardin privés, sont décorées dans un style méditerranéen, offrant confort et intimité. Parmi les 3 restaurants de l’hôtel, Il Riccio, lieu de fins connaisseurs, une merveille étoilée au guide Michelin. Le spa, Le Capri Beauty Farm a été récompensé de nombreuses fois comme le meilleur spa médical au monde. www.capripalace.com Pour s’imprégner de l’architecture locale les voyageurs plus classiques apprécieront les établissements de la célèbre famille Morgano. Tout le charme à l’italienne sont réunis à la Casa Morgano et la Scalinatella où luxe, charme et authenticité ne font qu’un. Enfin, pour les amateurs de nautique, rien de plus exceptionnel que de pouvoir profiter de longues journées de chaleur directement sur l’eau tout en retrouvant le luxe et le service d’un hôtel. Bénéficiez de tarifs spéciaux en tant que client Travel Couture et partez une ou plusieurs journées avec la puissance d’un yacht ou le charme de la voile pour un moment hors du temps. Travel Couture vous propose également de magnifiques propriétés Une maison historique, merveilleusement placée qui bénéficie d’une vue magnifique sur la mer, la ville et les montagnes. Sept chambres doubles avec salle de bain, une terrasse « rooftop » étonnante et des espaces à vivre décorés avec raffinement. Construite par une vieille famille Caprese à la fin du 18ème siècle, la Villa del'Arco est à quelques minutes de la fameuse Piazzeta et de l'hôtel Quisisana, sur la route de l'Arco Naturale, dominant la Certosa Di San Giacomo et la Marina Piccola, avec vue sur la ville entière de Capri et le Monte Solaro.

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Idéalement situé dans la zone résidentielle la plus chic de Capri, entourée par de superbes jardins et à quelques minutes des boutiques, la Villa del' Arco est la résidence parfaite pour passer d’inoubliables vacances sur l'île. Personnel : Majordome, gouvernante, cuisinier. Equipement : AC, WiFi, TV sat, piscine chauffée, salle de sport, jacuzzi, ascenseur En collaboration avec Private Home Villas, les clients Travel Couture bénéficient de certains avantages. Pour plus d’informations : www.travelcouture.ch , rubrique villa ou contacter laure@travelcouture.ch Hot spots Ristorante Aurora Le Chef Franco Aversa prépare avec un talent inégalé la cuisine traditionnelle (ancienne et moderne) de Capri et Naples en utilisant des produits de qualité. Typique mais avec de l’imagination et de l’originalité, la cuisine de Franco Aversa est une adresse addictive ! Via FUORLOVADO 18, CAPRI Ristorante Da Paolino Dans le quartier de Palazzo a Mare, une grille en fer forgé ouvre sur une grande terrasse ombragée par des citronniers. Fief d’acteurs, musiciens, politiciens ou footballeurs, les invités dégustent les buffets d’antispasti, de fruits et de légumes amoureusement cultivés par la maison pour des plats préparés selon la tradition de l’île. Via Palazzo a Mare 11, Capri La Taverne « Anema e Core » Si l’on doit n’en mentionner qu’une, c’est celui-ci. Le cœur des sorties de Capri c’est l’Anema e Core de minuit à l’aube, cette taverne est unique, intemporel, inimitable. Il n’y a pas d’autres mots, il faut le vivre. via Sella Orta nr. 1, 80073 Capri (NA) La grotte bleue Site naturel d’exception classé parmi les plus beaux au monde. A visiter à bord d’une petite barque pour un voyage hors du temps. Silenzio e contemplazione. Les jardins d’Auguste Lieu idéal pour une balade romantique ces jardins aux parfums de la Méditerranée offrent des panoramas d'exceptions. Accès Vol : de Genève/Zürich à Naples Depuis l’aéroport prendre un taxi ou voiture privée (20/30 min) jusqu’à Molo Beverello, port principal des départs pour Capri. Les transferts peuvent se faire en ferry, bateau privé, hydroptère ou hélicoptère. Nous déconseillons de s’y rendre en voiture via le ferry, Capri est une petite île et le trafic y est fortement limité d’avril à octobre. Privilégiez plutôt la location d’un véhicule deux-roues ou les taxis de l’île !

ALLONS MANGER! / 252 ALLONS MANGER ! GENÈVE, LE LIVRE-GUIDE DES ÉPICURIENS GENEVOIS Après plusieurs années de succès à Zurich, Berne, Bâle et au Tessin, le livre-guide Allons manger ! est disponible à Genève pour sa 2ème édition. Chaque restaurant présenté offre un plat principal au détenteur de l’ouvrage. Allons manger! Genève présente une quinzaine de restaurants de la ville dans un style gra- phique, contemporain et

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appétissant. Ce livre soigné invite au plaisir par la beauté des lieux sélectionnés et par la qualité des mets suggérés par les restaurants présentés. L’Adresse, Chez Arsène, l’Epicentre, le Gourmet Brothers sont actuellement quelques-uns des établissements sélection- nés dans ce livre-guide de 76 pages. Sur réservation et sur présentation du guide à son arrivée au restaurant, le détenteur du livre- guide se verra offrir le plat principal à condition qu’il soit accompagné d’au moins une per- sonne. Le restaurateur apposera sa signature sur la première page pour valider la visite. Chaque restaurant est généreusement présenté et illustré sur quatre pages. Au travers de ses photographies, Reto Albertalli a réussi à présenter les restaurateurs et chefs cuisiniers de manière décalée et originale, chacun dans son environnement respectif. Chacune de ces tables a son âme, le livre n’est qu’un amuse-bouche de ce que les gourmands trouveront lorsqu’ils s’y rendront. Par l’engagement à travailler avec des produits locaux et de saison mais aussi par la qualité de leurs mets, les prix de la Semaine du Goût de Genève de 2014 ont été remis à deux établissements présents dans l’ouvrage. On retrouve ainsi des lieux dynamiques, urbains, ayant du caractère tant côté cuisine que côté salle. La cuisine proposée par ces établissements est variée : de la cuisine crudivore et végétalienne aux plats traditionnels de la région, de la cuisine japonaise à la cuisine méditer- ranéenne. Ce qui rassemble les suggestions du livre est la passion des restaurateurs pour leur métier qui se traduit par une carte des mets et des vins gourmande composée de pro- duits de qualité, un service accueillant, un décor original. Pour les initiateurs de cette deuxième édition, un duo de graphistes dont l’atelier est situé aux Acacias, l’étincelle originelle à l’initative de ce projet, fut avant tout une occassion rêvée de partager avec des restaurateurs genevois, les passions communes que rencontrent leurs domaines respectifs. Le souci du détail, un travail rigoureux, artisanal et artistique, se rejoignent naturellement pour offrir à d’autres – curieux et gastronomes de la région – une offre esthétique et culinaire de qualité, généreuse et attirante. «Comme pour les projets visuels que nous réalisons pour notre clientèle, il nous apparaissaît naturel de répondre à un besoin précis de découvertes gustatives autant que visuelles, et que satisfaire des gour- mets genevois par une offre équilibrée et soignée est possible. De fait, nous présentons dans ce livre- guide quelques-uns de ces restaurants dont nous pensons qu’ils sont chacun à leur manière exceptionnels et singuliers. Leur point commun est d’être tenus par des gens capables d’ap- porter un peu plus que du savoir-faire et de la créativité. Un peu plus qui signifie : de l’âme, du cœur, de la passion. Car manger, c’est célébrer. Et même sans occasion spéciale, le repas en commun a toujours une signification particulière » relève Ann Griffin. Le duo a fidèlement repris le concept créé par l’équipe de Zurich (René Grüninger PR et Raffinerie AG für Gestaltung). Comme pour les villes des autres éditions, le choix des restaurants s’est fait en suivant les goûts personnels des auteurs: «Ce qui nous importe dans ce livre, ce n’est pas la gastronomie créative qui fait la course aux bons points. Ce sont des coups de cœur où l’on mange particu- lièrement bien, où l’ambiance coïncide avec un cadre recherché et un service de qualité. Tout simplement des endroits où l’on aime passer une belle soirée, où l’on inviterait nos amis, nos collègues et famille pour un repas convivial et que l’on recommanderait donc à notre entou- rage ! » relève Nicolas Jeanmairet. La petite équipe travaillant à l’élaboratoin de ce livre est composée par le duo de graphistes du Studio Rubic, Ann Griffin et Nicolas Jeanmairet; par Giada Danesi, socio-anthropologue de l’alimentation qui gère la rédaction des textes ; accompagné par Reto Albertalli, photographe, fondateur de l’Agence Phovea. Signe de la bonne réception et de l’intérêt auprès du public après deux années de succès, les épicuriens genevois trouveront dans une troisième édition de nouvelles adresses à découvrir et d’autres incontournables à renouveler. La 3ème édition d’Allons Manger ! Genève est prévue pour le 7 novembre 2015. www.allonsmanger.ch

SALONE DEL MOBILE MILANO / 292 MODULNOVA La révolution conceptuelle de Modulnova Une proposition d’ameublement s’intégrant parfaitement dans l’espace domestique, en pleine harmonie avec l’architecture et les volumes à disposition. La cuisine et le living sont toujours plus liés, sans solution de continuité, afin de créer un espace hautement personnalisé et répondant à des nécessités d’agencement particulières. Telle est la révolution conceptuelle avec laquelle Modulnova confirme sa propension à rechercher des solutions

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toujours plus innovantes au niveau esthétique et fonctionnel. Le territoire d’expérimentation est encore une fois BLADE, le programme avec lequel la société frioulane applique, à la cuisine également, le concept architectural déjà adopté pour la proposition living. Le design recherché est contemporain et la flexibilité absolue dans le choix des matériaux (aluminium, verre, bois et résine) et des finitions font que BLADE est le système idéal pour décliner une nouvelle conception esthétique de la cuisine. Les grandes portes sol-plafond sans socle ni poignée, proposées pour la zone séjour, font maintenant leur apparition dans la cuisine, en créant ainsi un effet extrêmement élégant. Les volumes « traditionnels » – déterminés par les espaces de rangement ou par les armoires – disparaissent en faveur d'une continuité stylistique hautement harmonieuse. Tel est le nouveau langage esthétique et conceptuel de Modulnova : les meubles deviennent partie intégrante du projet architectural de base et s’intègrent parfaitement dans l’espace intérieur sans « altérer » les volumes mais, au contraire, en s’insérant à la perfection. Tout cela, bien sûr, sans renoncer à la fonctionnalité qui demeure la prérogative intangible de chaque projet Modulnova. Un important élargissement de la gamme des finitions, avec l’introduction d’une série de nouveaux matériaux métalliques parmi lesquels le laiton vieilli et un effet tôle très underground, complète la proposition de BLADE qui s’adresse à un public raffiné aimant le style unique et inimitable de Modulnova. www.modulnova.it

MINOTTI RODOLFO DORDONI Né à Milan en 1954, il prend en 1979 sa maîtrise en Architecture auprès de l’Ecole Polytechnique de Milan, l’université qui a formé des architectes de grande valeur. Après la maîtrise, Dordoni commence à travailler dans le monde du design en dessinant plusieurs produits et en devenant rapidement responsable de la direction artistique d’entreprises leaders dans le secteur du design italien et international. A partir de 1997, il entame une collaboration avec Minotti dont il est le directeur de création et responsable du processus de conception et de développement de toutes les collections de la Maison. En 2005, avec Alessandro Acerbi et Luca Zaniboni il fonde le Cabinet Dordoni Architetti, qui opère dans le domaine de l’architecture et du design d’intérieur pour l’aménagement d’espaces résidentiels, commerciaux et d’exposition. Le Cabinet se charge également de la conception et de la réalisation de villas, d’habitations privées, d’espaces industriels et commerciaux, de showrooms, de stands d’exposition, de restaurants et d’hôtels. MINOTTI 2015 COLLECTION Coordinated by Rodolfo Dordoni La Collection 2015 se situe en équilibre entre design contemporain et classique moderne, et pose un autre jalon vers une définition progressive de la marque qui se distingue par sa sobriété et sa rigueur, sans pour autant renoncer à introduire des éléments de surprise à même de stimuler des projets inattendus. La nouvelle collection se réfère à la pensée rationnelle exprimée par le Mouvement Moderne, puisant son inspiration à la fois dans des architectures dynamiques et dans des formes plastiques et sensuelles. Les systèmes de sièges Yang et Seymour ont tous les deux une forte personnalité et incarnent des visions opposées mais complémentaires. Le canapé Yang résulte de l’assemblage de volumes géométriques et rigoureux, permettant de créer des oasis de détente composées et accessoirisées de diverses manières, conçues pour un public jeune mais tout à fait en mesure d’apprécier le design et la qualité. En revanche, Seymour exprime une approche moderne du classicisme, par des formes souples et des courbes sinueuses. Autour de ces deux interprétations différentes mais fortement complémentaires du canapé, se développe une vaste collection de fauteuils, meubles, compléments et accessoires, en mesure d’établir un réseau de relations et d’instaurer un dialogue significatif entre les différents éléments, racontant une histoire différente et personnelle à chaque fois.

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JAVA LA MUSULMANE, BALI L’HINDOUISTE / 316 Après un long et bouleversant périple en Inde, me voilà de retour à Genève. Je ne comprenais pas ce que j’avais quitté. Je ne comprenais pas ce que je retrouvais non plus. J’ai bien essayé de rester, j’ai essayé la « vraie » vie comme on dit ici, mais mes rêves d’aventures et de liberté sont plus forts. Je rêve d’une vie nomade que peu de gens comprennent. Je rêve de ces temples, de ces belles plages, de ces hautes montagnes et de toutes ces personnes incroyables qui n’attendent qu’à être découverts. Je rêve de marcher sur des terres inconnues et d’écouter parler des langues que je n’ai jamais entendue auparavant, de manger des plats que je n’ai encore jamais goûté et admirer des couchers de soleil dans les endroits les plus reculés. Mais comment vivre ses rêves quand on est enchaîné à son bureau?… C’est donc après avoir tout quitté, un sac sur le dos et un billet d’avion pour un nouvel ailleurs en poche que j’ai enfin retrouvé cet esprit nomade qui m’avait tant manqué. Premier arrêt: Indonésie. L’Indonésie est probablement l’un des pays les plus fascinants de par sa diversité culturelle: religion, art, danse, musique, habits traditionnels, modes de vie des populations, styles architecturaux, nourriture. Mais aussi au niveau de paysages qu’elle offre: forêts tropicales et prairies luxuriantes, volcans et montagnes, rizières, plages et récifs de corail. Mes premiers pas à Yogyakarta, coeur artistique et culturel de Java, me replonge dans la frénésie des grandes villes asiatiques: densité humaine, trafic et niveau sonore démentiels, harcèlement des chauffeurs de tuk-tuk, petits stands de nourriture en pleine rue… Ah je suis dans mon élément! C’est aussi ici que je rencontre ma famille d’accueil. Dewi est de ce genre de personne qu’on rencontre et qui change une vie. Grâce à elle et sa famille, je découvre l’hospitalité et la vie traditionnelle javanaise. En scooter, nous sillonnons les rues et les campagnes de Yogyakarta. Elle m’emmène au marché traditionnel et m’initie au Jamu, médecine traditionnelle à base de plantes. Nous visitons le temple hindou de Prambanan et l’un des plus grands temples bouddhistes du monde, Borobudur, gigantesque mandala au sommet duquel des centaines de cloches semblent endormies et où nous passons du monde terrestre au nirvana. Le dernier jour, nous nous levons tous ensemble en pleine nuit pour aller admirer un dernier lever de soleil en famille. Après des adieux difficiles, je continue ma route en direction de Magelang où je fais ma première rencontre avec un volcan. Je me perds dans le vert infini des rizières. Je traverse quelques petits villages et je retrouve mon chemin au détour du marché traditionnel du coin où tous les habitants s’interrogent sur ma présence. Je me retrouve dans le train à destination de l’est de Java. Une dizaine d’heures durant lesquelles je rencontre Tati, Jack, Heru, Dadio et tous les autres. Tout le monde me parle, me questionne et raconte ma vie aux nouveaux arrivants dans le wagon. Nous ne parlons pas la même langue mais ça ne fait rien, nous nous comprenons. Et c’est entourée de mes nouveaux amis que je finis par m’endormir, comme dans un rêve, bercée par le défilé des magnifiques paysages. J’arrive au sommet du Mont Bromo, la respiration retenue. L’impression de ne pas vraiment être là tellement le décor lunaire me paraît irréel. Le son et la fumée du cratère m’hypnotisent et me font perdre la notion du temps. L’odeur du soufre me fait tourner la tête et m’oblige à redescendre un peu sur terre. L’ascension en pleine nuit du Mont Ijen avec les porteurs de soufre. Un saut dans un autre monde. Le volcan a allumé plusieurs foyers de flammes bleues qui résultent de la combustion du soufre qui entre en contact avec l’air. Spectacle étrange et fascinant que ces feux follets irréels qui dansent et luisent dans la nuit. Le danger est réel et me rappelle que c’est la nature qui règne ici et que je ne devrais pas m’éterniser dans le cratère. Sur la route du retour, en voyant ces hommes porter une centaine de kilos de soufre dans un balancier placé sur leurs épaules, je me promets que je ne me plaindrai plus jamais de mon travail. J’embarque sur un ferry pour Bali. Changement radical d’ambiance. Ici le temps s’écoule au rythme des cérémonies hindouistes. Sur la route, c’est un défilement de temples, offrandes et et bâtons d’encens. Je retrouve mon amie Lucie à Ubud. Ubud est agréable et animée culturellement. C’est là qu’on trouve les cafés et restos branchés, les spectacles de danse et de musique traditionnels, les massages, les galeries d’art et les boutiques. Ubud est aussi bien située, ce qui nous permet de visiter d’autres régions de Bali. C’est donc accompagnées de Wayan que nous partons, sur plusieurs jours, à la visite des flamboyantes rizières en terrasses et des magnifiques temples balinais. Uluwatu avec son temple perché sur les falaises, Tanah Lot avec les vagues qui se fracassent sur les rochers, Tirta Empul et ses bains sacrés, Gunung Kawi et ses tombes royales en pleine jungle, Goa Gajah avec ses intrigantes statues de femmes aux jarres. A vélo, nos explorons les terres intérieures de Bali. Avec le majestueux Mont Batur en décors de fond, nous traversons villages et plantations de café et d’épices. Après cette halte un peu plus touristique, je reprends la route et je rencontre Bagus, qui me propose d’assister à une cérémonie de crémation, tradition funéraire qui marque le passage de l’âme vers l’au-delà avant la prochaine réincarnation. Un spectacle étonnant que ce cortège de sarcophages et fanfares, où tout le monde est très joyeux et où les gens m’invitent à boire de l’arak en mémoire de leurs proches défunts. Après avoir sillonné les montagnes et m’être imprégnée de la vie traditionnelle balinaise, je rejoins la côte est. Amed, c’est précisément le genre d’endroit où j’ai envie de poser mon sac à dos longtemps. Ici, la vie est douce et tranquille.

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On perd toute notion du temps et on vit au rythme de la musique reggae. La population est jeune et cool. Avec Sableng, on part arpenter les côtes en scooter, on va à la plage, on boit de l’arak, on chante et on danse pieds nus au milieu des petits restos et bars de plage. Mais on prie aussi. Et c’est enveloppée dans mon beau sarong que je ressorts du temple, bénie avec des fleurs un peu partout sur la tête et des grains de riz collés sur le front. Après une traversée chaotique en speed boat, mes aventures indonésiennes se terminent à Gili Air, une petite île appartenant à Lombok où on se déplace à pieds, en vélo ou en calèche. Ici, c’est le paradis et les plages de sable blanc m’accueillent à bras ouverts. Tout ce qu’il y a à faire c’est prendre son linge, le poser délicatement sur la plage, se baigner et de temps en temps prendre son masque et tuba pour voir des jolis poissons. Et c’est en dégustant un bon petit plat les pieds dans l’eau, affalée sur des coussins et admirant le coucher du soleil, éprise d’un immense sentiment de liberté, que je rêve à ma prochaine destination…

EDITING / 340 Je ne suis ni danseuse étoile, ni politicienne. J ‘aime partir au bout du monde, me perdre hors de moi, hors de celle que je pense être. Je suis une grande compositrice et je vis de façon décadente, maudissant l’ennui, poinçonnant des notes de musique furieuses pour fustiger ce monde qui ne comprend rien à mon talent et mes excès. Je suis ce que je vois, ce que je ressens. « Je » est une autre partout et tout le temps si tel est mon souhait. Je déambule le long des couloirs et des grands espaces, habitations de certains, bouts de tissus et objets de pierre, de fer et de bois. Je me fige devant cette toile et je pleure, exhumant le passé, souvenirs après souvenirs, coup de pelle en coup de pelle me laissant recouvrir par la terre et les oripeaux de ma jeunesse. Je pleure et chaque larme coulant doucement le long de l’arrondi de ma joue continue, elle, de s’extasier jusqu’à son anéantissement. Je suis plus que cela, je suis plus que ce que tu vois, je suis plus que ce que tu penses de moi. « Je » c’est un moi par ces images, une cascade, une tornade, un couple qui s’enlace, une scène de crime, un chef d’œuvre. Je suis un être de fiction, je me poursuis, je me retrouve, je vis ailleurs au delà de cette finalité qui me définit jour après jour. Je m’exalte, haletante devant quelques traits à couper le souffle. Les couleurs, les sentiments, l’émotion d’un autre n’est qu’une pulsion qui rejoint la mienne. Mon humanité n’est pas simplement animale, biologique ou génétique, elle est fictive imaginaire, pamoison d’abstraction lancinante. Je suis l’imagination, je suis le rêve et le cauchemar, je suis la réalité de ma vie mais aussi une autre vie, un scénario, une histoire qui ne m’appartient pas mais que je ferai mienne sans aucun scrupule. Les mots d’un autre, une vision créée de toute pièce, pour me montrer qui de nous sera le « je ». Mes mains étranglent le mouchoir retenant précieusement tous ces sentiments instantanés, une palpitation, voilà, j’existe. Toutes ces pensées m’éloignent de ce monde vers cet univers, qui par une porte, à la dérobée me ramène à celle-ci, à ne rien comprendre et pour certains à l’élucider. Je suis moitié humaine moitié fée, mes pieds s’enracinent et ma tête effleure les nuages de cet ailleurs qui me fait un jour oui un jour non, peur. « Je » n ‘est pas seul, chacun de ces « moi » se rassemblent enfin comme ils le peuvent face à l’œuvre qui donnera cette intonation du mot, de la vie dans sa totalité. J’irai donc dans une salle tendue de noire pour me projeter dans la douleur et la joie de ce « je » qui n’est pas de moi et également qui n’est pas moi mais tellement proche de ce qui me définit. L’évasion est ma constante, et l’art qui me touche me rappelle que je suis tout, plus que rien. Tout est possible, ici et maintenant, ce corps mue par cette extraordinaire imagination qui me révèle créatrice, humaine en besoin incessant de m’ouvrir à un monde et à un autre sans cesse dans une sorte de rythme saccadé, qui m’entrainerait vers de apothéoses diverses, spectaculaires. Le monde est un grand « je » qui nous unit et me permet de me voir avec avidité, telle une missive qui flotte au grès du vent, au grès des langues et des oreilles qui se délient et engloutissent goulument. Mon histoire ou celui d’une autre, outrage à la nature en la déformant à volonté pour qu’elle touche quelqu’un qui n’est pas moi, couvre les murs et remplisse les salles obscurs de cette exclamation unique du « Je » si proche de mes « moi », de nous. Vive l’Art !

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FIN

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"NOSTALGIC SUMMER"

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