Page 1

KARINE POLWART     TRAD  TALK  KEYNOTE  SPEECH     SCOTTISH  STORYTELLING  CENTRE     MARCH  24,  2012     I  spent  much  of  the  last  ten  days  freaking  out  over  whether  I  had  the  time  and   wit  to  put  together  my  first  ever  Powerpoint  presentation;  because  it  is  of  course   utter  madness  to  give  a  speech  at  a  conference  like  this  without  a  vast  array  of   audio-­‐visuals  to  support  what  you  have  to  say;  because  we  know  that  in  21st   century  culture  in  Scotland,  nobody  has  twenty  minutes  worth  of  concentration   to  listen  to  one  single  human  voice  exploring  a  few  ideas  and  questions  without   the  help  of  a  few  bullet  points  and  some  3-­‐D  automated  slides,  and  colour   correction  and  a  USB  cable.    We’re  incapable  of  that!     So  I’m  going  to  make  the  fact  that  there  is  a  white  screen  there  and  that  I  have  no   Powerpoint  presentation  into  a  question  that’s  worth  raising,  and  a  virtue  of   sorts.    And  a  cheeky  way  of  trying  to  make  a  point.    The  other  thing  I  want  to  say   is  that  giving  speeches  is  not  my  comfort  zone  or  field  of  expertise,  and  there’s  a   point  to  be  made  out  of  that  as  well,  because  I  think  the  whole  big  question  today   is  the  question  of  the  bringing  of  the  traditional  arts  into  the  cultural   mainstream;  and  I  think  that  quite  often  we  get  ourselves  collectively  in  a  fankle   when  we  try  to  do  things  where  we  are  out  of  our  comfort  zone  and  where  we   don’t  have  the  skills  and  the  expertise  to  make  the  most  of  the  opportunities  that   are  out  there  in  the  cultural  mainstream.    And  perhaps  we  draw  on  parts  of  the   cultural  mainstream  that  are  not  sympathetic  essentially  to  the  nature  of  what   we  do.     So,  I  guess  I  feel  quite  lucky  in  this  room  that  I’m  among  people  who  know  from   their  own  intimate  lives  that  there  are  certain  kinds  of  cultural  experiences  that   are  not  the  norm  actually,  that  we  are  privileged  to  have  experienced,  and  that  a   lot  of  people  never  get  the  chance  to  experience.       I’d  like  to  just  imagine  one  of  those.    We’re  in  a  room  of  people,  a  room  of  friends   and  strangers,  and  a  woman  –  she’s  a  frumpy  woman,  she’s  a  wee  bit  dumpy  and   not  that  prepossessing;  she’s  maybe  sixty,  and  she  stands  up  in  that  room  of   people,  and  unamplified  and  unaccompanied  by  any  technological  gimmickry,   any  instrumental  whizzery,  no  make-­‐up,  no  visible  stylist  around  her  –  she   stands  up  in  a  room  and  she  sings  twelve  verses  of  a  300  year-­‐old  song  in  a   language  which  is  not  English.    And  she  silences  the  entire  room,  and  moves  the   entire  room  in  a  way  that  we  know  about,  because  we’ve  experienced  that  -­‐  a   tune  that’s  played  that  moves  us  profoundly,  a  song  that’s  sung  that  moves  us   profoundly,  a  story  that’s  told  in  ways  that  don’t,  I  think,  bear  any  relation  to   what  I  think  of  as  the  cultural  mainstream.    So  I’m  going  to  come  back  to  this   vision  of  this  woman,  this  unprepossessing  woman,  a  wee  bit  later,  and  say  a   little  bit  more  about  it.        

But I  think  that’s  an  important  starting  point,  that  our  traditional  arts  have   evolved  in  intimate  settings  with  very  little  to  support  them.    With  a  white   screen,  essentially,  to  support  them.    In  the  company  of  otherpeople,  real  people,   in  real  physical  spaces,  and  I  think  that’s  important  when  we  think  about  how   what  we  do  might  translate  to  other  communities  and  other  kinds  of  spaces,   whether  they’re  real  or  virtual.     I  thought,  since  I’m  a  singer  and  that’s  one  thing  I  do  feel  comfortable  about   doing,  I’d  like  you  to,  if  you  would,  sing  a  little,  tiny  bit  with  me.    I’ve  a  point  to   make  about  this,  but  this  is  a  song,  I’ll  sing  just  a  verse  and  a  chorus  of  this  song.     It’s  not  a  song  I’ve  ever  led  before,  or  would  ever  have  any  occasion  to  lead.    It’s  a   song  I’ve  sung  along  with  other  people  dozens  of  times,  at  the  Royal  Oak  for   many  years  at  half  past  twelve  on  a  night  when  people  are  totally  steamin.      This   is  precisely  the  kind  of  song  that  would  get  the  entire  pub  singing.    And  if  you   know  it  I’d  be  very  grateful  if  you’d  join  in  with  me  and  then  I’ll  say  a  little  about   why  I  want  you  to  sing  this  song.     [Sings]     Twa  recrutin  sergeants  cam  fae  the  Black  Watch   To  mercats  and  fairs  some  recruits  for  to  catch   But  aa  that  they  listed  was  forty  and  twa   Enlist  my  bonnie  laddie  and  come  awa     And  it’s  over  the  mountain  and  over  the  main   through  Gibraltar  to  France  and  Spain   Wi  a  feather  to  your  bunnet  and  kilt  abune  your  knee   Enlist  my  bonnie  laddie  and  come  awa  wi  me.     So  ‘the  Twa  Recruitin  Sergeants’  –  it’s  precisely  the  kind  of  song  that  like  I  say,  it   gets  a  room  full  of  people  going  good  gusto,  full  pelt,  four  to  the  floor,  hammered   late  at  night.    Good  gusto  song.    And  any  song  o  my  mind  that  gets  a  room  full  of   people  singing  has  got  great  merits  purely  for  that  reason  alone.       Now  it’s  the  kind  of  song,  like  many  traditional  songs,  that  actually  leaves  me   emotionally  cold.    I  never  felt  any  engagement  with  the  subject  matter  of  the   song.    And  in  fact  I  never  felt  ever  any  engagement  with  anyone  singing  it  with   the  words  of  the  song  until  a  pivotal  moment  four  years  ago,  which  actually  took   place  outside  the  walls  of  our  little  scene.    It  was  in  the  National  Theatre  of   Scotland’s  production  of  Gregory  Burke’s  ‘Black  Watch’  play,  which  has  been  the   most  influential  Scottish  theatre  production,  certainly  of  the  last  ten  years.     Critically  lauded,  sold  out  across  the  country,  an  audience  that’s  not  your  typical   theatre  audience,  set  in  places  that  are  not  your  typical  theatre  venues.     Now  there  are  many  great  aspects  about  the  play:  it’s  beautifully  scripted,  it’s   based  on  interviews  with  Scottish  soldiers  who  had  served  in  Iraq.    The  premise   for  it  is  a  pool-­‐room  in  Fife,  where  the  squaddies  are  recollecting  their   experience  of  being  in  Iraq.    So  it  deals  with  a  contemporary  issue  that  is  relevant   to  our  society  today.    It’s  beautifully  choreographed,  beautifully  set,  beautifully   lit.    But  the  most  powerful  thing  of  all  about  the  whole  production  is  the  music.    

And the  music  drew  from  popular,  from  jazz,  from  classical  traditions,  but  at  the   core  of  it  was  traditional  music.    Without  the  traditional  music  that  was  in  that   play,  the  play  wouldn’t  have  had  even  a  fraction  of  the  power  that  it  did.    And  the   three  core  songs  in  it  are  ‘The  Twa  Recruitin  Sergeants’,  ‘The  Gallant  Forty  Twa’   and  ‘The  Forfar  Sodger’  all  songs  I’ve  heard.    I’ve  heard  them  played  as  dance   songs  –  with  people  dancing  so  that  you’re  not  engaging  with  the  songs.    I’ve   heard  them  sung  with  great  gusto  in  pubs.    But  I’d  never,  until  I  saw  that  play,   heard  them  sung  in  a  way  that  made  me  cry.    And  the  setting  of  the  songs,  and   the  context  of  the  story  of  the  play,  watching  someone  dressed  in  uniform  sing   ‘The  Twa  Recruitin  Sergeants’  was  absolutely  devastating.         And  I  wanted  to  talk  about  that  because  when  we  choose  our  models  from  the   cultural  mainstream,  the  ones  we  want  to  aspire  to,  I  think  we  should  choose   them  very  carefully.    I  think    right  now  the  most  vibrant  and  energetic  part  of  our   cultural  scene,  the  one  that  has  the  most  relevance,  and  the  most  innovative  in   the  way  that  it  does  its  thing,  is  the  National  Theatre  of  Scotland,  and  I  think  it   provides  an  excellent  model  of  how  to  make  challenging,  independent  art.    But   also  how  to  take  what  we  do,  and  actually  from  an  outsider’s  eye  -­‐  Davie   Anderson,  who  was  the  musical  director  of  that  piece  –  to  see  something  in  it   that  sometimes  we  can’t  even  see  ourselves.         I  think  we  have  a  responsibility  as  an  arts  community  to  take  a  little  bit  of  a  step   back  sometimes,  and  perhaps  take  responsibility  for  the  fact  that  part  of  the   reason  some  people  are  turned  off  by  what  we  do  is  that  we  don’t  make  even  a   fraction  of  the  best  possible  use  or  intent  out  of  what  we  have  at  our  disposal.     We  sing  songs  like  we  don’t  care.    We  play  tunes  like  we’ve  forgotten  where  they   come  from,  and  our  music  is  there  to  really  not  engage  us  on  a  deep,  emotional   level.    And  I  think  that’s  a  pity  and  a  missed  opportunity,  because  actually  I  think   what  brings  us  all  to  this  arts  community  is  usually  profound  moments  in  our   lives  where  we’ve  been  with  other  people,  heard  someone  sing  something,  been   at  a  dance,  and  just  been  blown  away  by  a  feeling  of  being  part  of  something,  a   feeling  of  being  moved  by  something  that’s  bigger  than  ourselves.    I  think  it’s   very  easy  for  us  to  forget  how  to  do  that,  and  sometimes  we  could  do  with  taking   lessons  from  other  people.     So  I  mentioned  the  National  Theatre  of  Scotland.    Interesting  also  because  there   are  at  least  two  other  productions  I  can  think  of  in  the  National  Theatre  that  have   had  traditional  music  at  their  core.    ‘The  Strange  Undoing  of  Prudencia  Hart’   showed  at  the  Ghillie  Dhu  in  the  west  end  of  Edinburgh  last  year.    If  you’ve  not   seen  it,  the  premise  for  it  is  a  fictional  folklore  conference  at  a  hotel  in  Kelso,  and   the  lead  character,  Prudencia  Hart,  has  clearly  taken  some  style  advice  from   Margaret  Bennett.    The  whole  of  the  first  act  of  the  play  is  written  in  ballad   metre,  and  the  playwright,  David  Greig,  who’s  the  foremost  playwright  of  our   contemporary  Scottish  theatre  scene,  clearly  has  an  intimate  understanding  of   Scottish  traditional  song  and  Scottish  traditional  music  and  knows  how  to  use  it,   both  for  comic  effect,  and  to  raise  deep,  metaphysical  issues,  and  issues  about  the   way  that    our  society  works.    

So I  think  there  are  exciting  and  beautiful  and  relevant  uses  of  our  music  that   have  nothing  to  do  with  us  actually,  so  part  of  what  I  want  to  say  is  that  the   whole  issue  of  bringing  traditional  music  into  the  cultural  mainstream  is  not  our   sole  responsibility.    We  have  a  responsibility  to  reach  out  to  people  in  other  art   forms  as  well,  and  collaborate  with  them,  and  use  their  skills,  and  the  way  that   they  contextualise  and  set  their  stories  for  our  benefit  as  well.    So  theatre  is  one   aspect  of  that.     I’m  going  to  be  a  little  bit  scattergun.    I  don’t  give  speeches  so  all  I’m  doing  is   homing  in  on  a  few  different  areas  if  that’s  OK,  and  raising  some  questions  that   are  in  my  head  about  things.     So  the  cultural  mainstream  –  there’s  a  whole  bunch  of  ways  you  could  look  at   that.    I’m  going  to  zone  in  on  just  two  or  three  other  aspects.    Radio  is  a  medium   that  we  feel  comfortable  with,  because  essentially  what  we  do  is  to  be  listened  to,   and  even  if  you  can’t  see  anything  you  can  hear  our  songs,  hear  our  songs,  hear   our  stories,  so  radio  seems  like  it  would  be  a  medium  that  would  suit  us  very   well  for  getting  our  stuff  out  to  the  wider  world.    I  was  up  in  arms  recently  about   BBC  Radio  Scotland’s  decision  to  axe  Mary  Ann  Kennedy’s  ‘Global  Gathering’   show.    It’s  a  show  that  I  enjoy  personally,  I  think  the  music  is  excellent,  I  think  it   did  an  important  service  in  placing  the  best  of  Scottish  roots  and  traditional   music  in  a  broad,  international  context  of  the  best  of  music  from  elsewhere.    And   it  also  did  a  great  job  of  contextualising  that  music.    Mary  Ann  Kennedy  is  a   knowledgeable  journalist,  a  musician  herself,  so  it  was  an  intelligent  and   enjoyable  programme,  and  I  think  it’s  a  pity  that  it’s  gone.     Now  I  think  we’ve  been  very  good  at  defending  our  patch  as  traditional   musicians  or  traditional  artists  whenever  we’re  seen  to  be  under  threat.    But  I’ve   been  thinking  over  the  past  month  about  that  decision,  and  about  the  more   general  problems  that  there  are  with  BBC  Radio  Scotland  as  a  broadcaster  that   affect  us.    And  they  don’t  just  affect  us.    To  me  the  biggest  danger  with  the  way   that  things  are  going  with  Radio  Scotland  right  now  is  that  they  have  made  a   policy  decision  to  remove  music  altogether  from  the  daytime  scheduling.    So  not   just  traditional  music,  but  all  music  is  no  longer  considered  culturally  distinctive   enough  to  have  on  our  airwaves  in  the  daytime  hours.         Now  I  think  that’s  a  travesty,  and  I  think  it’s  something  we  should  be  joining  with   other  niches  and  genres  of  music  to  protest  about.    The  reality  of  the  situation   now  is  that  music  on  Radio  Scotland  will  be  confined  to  niche  music  slots  in  the   evenings.    There  will  be  a  trad  slot,  there  will  be  a  jazz  slot,  there  will  be  a   classical  slot  as  there  is,  but  there’ll  be  nothing  else,  there’ll  be  no  possibility  of   tuning  in  and  hearing  all  that  stuff  against  each  other,  or  hear  things  by  accident.     It’ll  purely  be,  you  know  your  niche  music  programme’s  on  and  that’s  what  you   like  and  you’ll  tune  in  and  you’ll  get  what  you’re  after.    But  you  won’t  get   anything  you  didn’t  ask  for.    Not  only  is  that  a  pity,  I  don’t  think  it  bears  any   relation  at  all  to  how  I  understand  the  contemporary  Scottish  music  scene.    What   I  love  about  the  contemporary  Scottish  music  scene  is  the  way  that  the  genre   barriers  are  fluid,  and  the  way  that  musicians  and  artists  collaborate  and   communicate  across  those  barriers.  

I think  traditional  music  has  played  an  enormous  role  in  breaking  down  the   barriers  between  musicians  of  different  genres,  and  I  think  our  festivals  have   helped  to  breed  a  mind-­‐set  that  is  essentially  collaborative  and  essentially   community-­‐based.      And  I  think  it’s  a  pity  that  our  national  radio  station  is  going   to  be  completely  unable  to  represent  the  reality  of  that.         I  think  though  that  we  also  need  to  think  tactically  about  how,  given  that  that  is   the  situation,  how  do  we  make  best  use  of  this  talk  radio  that  Radio  Scotland  is   going  to  become.    One  thing  we  don’t  do  nearly  enough,  or  that  has  been   sidelined,  is  make  use  of  the  documentary  format  as  a  way  of  getting  people   interested  in  what  we  do.    Because  documentaries  are  all  about  telling  stories,   and  this  is  essentially  what  we  are  about.    In  some  ways  it  might  be  a  more   sympathetic  way,  both  on  radio  and  television,  of  making  sense  of  what  we  do  in   the  traditional  arts  scene.         Because  hearing  a  song  with  no  context,  where  you’ve  no  idea  what  it’s  about,   and  no  reference  to  anything,  is  a  totally  different  way  of  hearing  a  song  from   hearing  it  in  the  place  where  it  was  born,  amongst  people  who  understand  how  it   connects  with  other  aspects  of  their  life.    Documentary  provides  an  opportunity   to  view  our  music  in  a  more  meaningful  way.    Above  all  else  the  way  that  we  will   bring  traditional  arts  and  traditional  music  into  the  cultural  mainstream  is  by   maximising  the  possible  number  of  opportunities  that  people  have  to  be  blown   away  by  something.    We  don’t  need  to  convince  people  in  abstract  that  the   traditional  music  or  arts  scene  is  important.    Most  people,  they  don’t  care,  they   don’t  even  think  about  things  in  terms  of  scenes.    They  just  think  about   individual  experience  where  they’ve  heard  something  and  it’s  moved  them   profoundly.    They  care  about  that  song,  or  the  dance  that  they  danced  at  their   wedding,  or  that  tune  that  was  played  as  the  first  wedding  waltz.    And  they  don’t   need  to  care  about  anything  else  but  those  things  for  ever  more  will  have   meaning  for  people.     So  it’s  all  about  making  situations  where  people  can  attach  themselves  to  what  it   is  that  we  do.    There  are  opportunities  on  Radio  Scotland.    There’s  an  afternoon   slot  right  now  that’s  used  for  documentary.    I  think  we  need  to  engage  more  with   people  that  have  other  skills.    We’re  fortunate  in  our  community  that  there  are   many  people  with  radio  broadcasting  skills.    We’ve  kind  of  made  a  virtue  out  of   the  fact  that  many  of  us  who  have  great  knowledge  of  music  and  traditional  arts   have  chosen  radio  as  a  thing  we  want  to  be  better  at,  so  actually  we  punch  above   our  weight,  I  think,  in  the  radio  sector  potentially.    But  we  need  to  make  the  best   of  those  opportunities  and  not  just  take  on  a  defeatist  attitude,  and  rue  the  things   that  are  lost,  and  not  look  at  the  things  we  can  exploit.     I’ll  go  on  to  TV.    In  terms  of  the  cultural  mainstream,  opportunities  to  represent   traditional  arts  or  traditional  music  on  TV  or  on  film  is  like  the  Holy  Grail  of  all   things.    It’s  the  medium  above  all  that  people  consume  in  their  homes  on  an   every  day  basis,  so  it’s  the  one  that  we’re  hankering  after  most  of  all.    There  are  a   few  problems  with  some  of  the  ways  that  we’ve  tried  to  tap  into  TV  as  a  medium.     This  whole  image  of  this  woman  standing  in  the  room,  the  intimacy  of  that,  the  

stripped down  nature  of  that,  removes  ourselves  a  little  too  far  away  from  the   power  that  that  can  have.    Music  on  television  –  and  I’m  focusing  on  music   because  music  is  my  chief  interest  and  the  thing  I  know  about,  or  have  anything   to  say  about  –  music  on  TV  is  as  a  general  rule  music  devoid  of  any  context.     Performers  that  you  see  on  TV  are  not  required  to  be  humans.    They’re  required   to  stand  up  and  sing.    We  don’t  need  to  hear  anything  about  what  they’re  singing,   we  don’t  need  to  know  anything  about  what  they’re  doing  or  what  motivates   them,  except  insofar  as  we  can  make  those  people  into  celebrities.    And  then  we   want  to  know  all  kinds  of  extraneous  stuff  that  has  nothing  to  do  with  the   content  of  what  they’re  singing  or  playing  on  TV.         To  some  extent  we’ve  chased  the  goal  of  trying  to  take  some  of  our  music,  or   certain  parts  of  our  musical  world,  and  put  them  into  television  and  aspire  to   those  high-­‐gloss  production  values,  by  painting  our  artists  and  musicians  and   singers  and  expecting  them  to  be  comfortable  in  an  environment  that  is   essentially  not  comfortable.         And  I  say  that  from  personal  experience.    I’ve  been  involved  in  –  every  year  when   the  Hogmanay  show  comes  around  for  example  on  TV,  there’s  an  annual  grump   immediately  after  Hogmanay  when  people  complain  ‘Well,  that  was  shit  again,   wasn’t  it?    It  was  shit  music,  and  they  all  looked  really  grumpy  and   uncomfortable,  it  was  just  like  the  lowest  common  denominator.’    Well  here’s  a   fact.    It  really  is  the  most  uncomfortable  situation  to  be  in.    Quite  often  it’s   literally  cold,  you’re  not  expected  to  communicate  with  your  audience  in  any   natural  way  possible.         As  a  scene,  as  artists  and  singers  and  storytellers  and  musicians  we  are  natural   conversationalists.    It’s  not  an  extraneous,  bonus,  added  part  of  what  we  do.    It’s   essential  to  what  we  do  that  we  talk  to  people,  and  we  want  to  engage  with  them   directly.    And  having  someone  stick  a  camera  in  your  face  couldn’t  be  further   from  the  reality  of  what  most  people  know  how  to  do.    So  chasing  that  kind  of   model  of  presenting  our  music  on  TV  is  only  going  to  work  for  an  exceptionally   tiny  number  of  naturally  photogenic  and  naturally  confident  individuals.    And  it   won’t  work  for  the  rest  of  us  who  are  too  frumpy,  or  too  old,  or  too  wrinkly,  or   too  nervous  in  that  situation  to  actually  do  the  thing  that  we  do  perfectly  well   and  beautifully  in  situations  much  more  like  this  or  in  living  rooms  or  in  kitchens   or  in  village  halls  or  wherever  else  it  is  that  we  do  it.     So  we  need  to  find  ways  to  exploit  that  medium  that  are  a  little  more   sympathetic  to  the  nature  of  what  we  do.    And  again  –  documentary.    We  live  in  a   society  where  the  reality  TV  show  and  the  documentary  are  no  longer  little  niche   things  that  you  can  put  on  at  ten  to  eleven  at  night,  or  in  the  middle  of  the  night   like  the  Open  University  1970s  kind  of  programmes.    They  are  our  main,  most   popular  programmes  on  television,  and  they’re  about  ordinary  people.    We  have   this  fascination  in  our  contemporary  culture  with  extraordinary  ordinariness.     And  actually,  in  a  way,  that’s  what  our  whole  scene  is  about.    Again  we  should   think  a  little  more  tactically  about  how  to  collaborate  with  people  who  have   those  skills,  who  can  tell  our  story  better  and  contextualise  our  music  in  a  way   that  actually  gives  it  meaning  and  isn’t  just  something  else  that  you  gloss  over  in  

between Graham  Norton  interviewing  this  Hollywood  star  or  that  Hollywood   star.    Because  that’s  really  not  what  our  music  or  our  arts  are  about.     Two  programmes  that  I  think  have  been  significant.    This  woman,  this  woman   who  stood  up  and  sang  unaccompanied  and  unamplified  was  a  pivotal  TV   moment  in  the  past  few  years,  which  had  nothing  to  do  with  our  scene  at  all,  and   that  was  a  woman  from  Bathgate,  Susan  Boyle  standing  up  and  blowing  away  a   room  of  people.    Now  you  could  say  that’s  got  nothing  at  all  to  do  with  what   we’re  about.  But  actually  it  taps  into  –  there’s  a  deep-­‐seated  need  amongst   people  to  hear  people  that  you  wouldn’t  expect,  that  have  not  been  pre-­‐packaged   through  theatre  school  and  all  the  rest  of  it,  stand  up  and  do  beautiful  things  and   move  people  profoundly.    And  whether  you  like  her  singing  or  not,  she  moved  an   entire  nation  of  people.     Now,  I  think  moving  people  is  essentially  what  we  do,  and  we  just  need  to  look  at   the  best  way  to  get  that  sentiment  and  that  power,  that  visceral  power  that  we   have,  and  those  skills  that  we  have  across  in  all  of  those  media.     One  very,  very  last  thing!    It’s  the  issue  of  national  identity.    We  need  to  be  very   careful.    We  sometimes  try  to  hog  the  whole  issue  of  Scottish  culture  and  Scottish   music.    Occasionally  we  are  guilty  of  hogging  that  for  ourselves,  and  just   overstepping  the  line  ever  so  slightly  by  claiming  to  be  Scottish  music  and   culture.    I’ve  talked  about  the  National  Theatre  of  Scotland.    I  think  we  have  great   kindred  spirit  with  the  independent  music  scene  in  Scotland.    Many  of  their   people  sing  in  their  own  vernacular  and  accents.    They  collaborate  in   communities  of  musicians  that  are  very  much  like  our  own.         I’d  like  us  to  find  the  right  models  within  our  cultural  mainstream  to  aspire  to,   and  stop  chasing  the  ones  that  actually  are  doing  us  no  service  at  all.    Like  I  said   before,  the  chief  thing  we  need    to  do  is  maximise  the  opportunities  to  make   people  feel  deeply  moved  by  our  songs,  our  stories.      On  an  individual  basis  all  we   have  to  do  is  care  about  this  song  in  that  setting.    And  I  still  find  it  fascinating  that   every  single  wedding  and  funeral  I’ve  been  at  in  my  lifetime  has  featured  either  a   ceilidh  band,  a  song  of  Robert  Burns,  and  these  are  not  people  who  would   identify  themselves  with  the  traditional  music  scene.  My  family  is  not  a  folkie   family,  but  every  single  family  funeral  or  funeral  of  a  friend  has  featured  a  song   that  is  the  song  that  meant  the  most  to  that  person  and  to  that  family.    And  we   have  those  songs  in  spades,  and  we  have  those  tunes  in  spades,  and  I  just  think   we  need  to  be  very  careful  of  what  it  is  that  we’re  chasing  when  we  talk  about   bringing  ourselves  into  the  cultural  mainstream.    To  a  large  extent  we’re  in  it   enough.    We  don’t  need  to  go  any  further.    Maybe  we  should  hang  on  to  a  little  bit   of  our  independence,  and  just  think  always  about  meaning,  and  never  lose  the   meaning  of  what  it  is  that  we  do.      

Karine Polwart keynote  

Presentation to TradTalk 12

Read more
Read more
Similar to
Popular now
Just for you