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ESTABLECIMIENTOS EDUCACIONALES & DEPORTIVOS ESPAÑA

Escuela Cubierta CEI Parque Goya

Magén Arquitectos

INGLATERRA

Centro Acuático de Londres Zaha Hadid

CANADÁ

Arquitectura en Cobre

Publicación Bimestral / $5.000 (Chile) / www.dma.cl / año 7

Perkins + Will Arquitectos

CHILE

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BIENAL DE DISEÑO Mario Ubilla

ÁREA

MARZO ABRIL 2013

Patricio Pozo

Salas Atrapaluz

LAND Arquitectos

MÉXICO

Pabellón de Chile FIL GUADALAJARA DAW

Transformación Metropolitana

VERDEVERTICAL


Editorial

Edición Aniversario:

7 años D+A Magazine cumple siete años. Han sido un total de 32 ediciones las que han sido publicadas y coronan un trabajo sostenido de pasión por el diseño y la arquitectura. Siete años que representan saltos de octava en lo musical, saltos de etapa en lo astrológico o procesal y una celebración en nuestro caso, en torno a ideas, conceptos y tendencias. Hemos publicado cada dos meses artículos provenientes de todo el mundo y el medio nacional, los que generosamente llegan a nuestro mail, enviados y sugeridos por profesionales que colaboran de un modo directo. Nos complace la positiva recepción de la revista en medios internacionales, que nos ofrecen sus proyectos y propuestas que publicamos fielmente. Hemos aprendido que el mundo de la arquitectura y el diseño, es un espacio que va ganando cada vez más importancia, transformándose en una herramienta de desarrollo global y social, donde el manejo de los volúmenes, colores y texturas que apuestan por un equilibrio, integración, y propuestas estéticas, son productivas en un sentido completo, y van desde el bosquejo, a la construcción y modificación positiva de nuestro medio, como intención activa en constante aplicación. Queremos dedicar este número y agradecer por todos estos años de trabajo, al comité editorial por sus aportes, al equipo de trabajo especialmente a Esteban Murúa, Jacqueline Junge, Josefa Méndez, Paula Aguirre y Flora Arroyo por sus interminables esfuerzos para armar esta publicación bimestralmente durante años. Es el resultado de un trabajo de equipo el que ha permitido instalarnos como una publicación abierta a diferentes instancias y expresiones del diseño y la arquitectura y que en estas épocas dialogan cada vez más activamente. Nos inspira poder representar un espacio de difusión de estas disciplinas. Para celebrar, hemos cambiado de formato, favoreciendo un mayor tamaño en las fotografías, imágenes, ilustraciones y contenido… esperamos que tenga una buena aceptación entre nuestros lectores. Aprovechamos esta instancia para agradecer sinceramente a todos y muchos colaboradores y a nuestros avisadores, que hacen posible esta publicación.

El Director

DIRECTOR: Walter Junge Hammersley DIRECTOR creativo: Esteban Murúa Zúñiga DIRECCIÓN COMERCIAL: WALTER JUNGE Hammersley JACQUELINE JUNGE Hammersley CONSEJO EDITORIAL: Jorge Figueroa Cristián Boza Bernd Haller Carlos Hinrichsen Cristián Montero Rodrigo Walker ELISA GIL Serrano MATÍAS López COORDINACIÓN EDITORIAL: ELISA GIL SERRANO COLABORADORES: Maximiano Atria Macarena Aguilar

Ángela Delorenzo Leonardo Eizaguirre Cristián Irarrázaval Sebastián Irarrázaval, Francisco Magén Jaime Magén Patricio Pozo Alfonso Quiroga Gabriel Renié Mario Ubilla Cristóbal Valenzuela Agradecimientos: James Brittain Allan Crow Cristián Domínguez Josefina Eyzaguirre Omar Faúndez Andrew Frontini Jesús Granada Zaha Hadid Architects Nick Hufton Carlos Molina María Ignacia Murtagh Perkins & Will Sergio PIrrone

Ben Rahn VERDEVERTICAL Guy Welborne

PUNTOS DE VENTA:

fotografía PORTADA: Alfonso Quiroga

Isidora Goyenechea 3051, Local 5, Subterráneo “Plaza Perú”, Las Condes.

SUSCRIPCIONES: suscripcion@dma.cl suscripción anual (6 ediciones) santiago: $ 22.000 (IVA incl.) regiones: $ 31.000 (IVA incl.) REPRESENTANTE LEGAL: D+A Magazine Walter Junge Hammersley Edita: TRADESHOWS CHILE LTDA. Tel: +56 2 710 58 68 DIRECCIÓN COMERCIAL: PAUL CLAUDEL 1114, D. 401, VITACURA. SANTIAGO DE CHILE. Impresión: Ograma S.A.

Tabatière

Isidora Goyenechea 2800, Local 205, Subterráneo, “Torre Titanium”, Las Condes. Av. Las Condes 13451, Local 18, Subterráneo, “Mall Sport”, Las Condes. DISTRIBUCIÓN DIRECTA: PUBLICACIONES DAC DISTRIBUCIÓN: META VENTA DE PUBLICIDAD: contacto@dma.cl www.dma.cl


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CONTENIDOS Editorial 3

Diseño

Ciudad

Nuestra Identidad, como un sello posible para el Diseño Chileno Mario UBILLA 63 ÁREA: Procesos, riesgo e independencia Patricio Pozo 68 Pabellón de Chile FIL GUADALAJARA DAW 72

Escalímetro 28 Dossier

Salas Atrapaluz LAND Arquitectos 30 Escuela Cubierta CEI Parque Goya Magén Arquitectos 34 Centro Acuático de Londres Zaha Hadid Arquitectos 40 Arquitectura en Cobre Perkins + Will Arquitectos 47

Arquitectura de película

SLEEPER Esteban Murúa 66 Diseño al instante

Revelados

Showroom Delineare 76 Imasoto Architect View Products 77 Tienda MUNICH 78 PANINO GIUSTO 79

Alfonso Quiroga 55

Mi primera casa

Crónica

Casa Melocotón SebastiÁn IrarrÁzaval 80

Innovación

Transformación Metropolitana VERDEVERTICAL / elisa gil Serrano 51

Maximiano atria 61 Apoquindo 3910 4


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PUBLIREPORTAJE

Nueva Colección

Lamitech 2013 GRAN ESCALA Y MÁXIMA NATURALIDAD Impacto, diferenciación y naturalidad extrema definen la nueva Colección 2013 de Lamitech, en donde la tecnología de vanguardia y el diseño confluyen para lograr espacios únicos.

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Por primera vez, Lamitech presenta tres espectaculares granitos a GRAN ESCALA: Santo Cinza 3126, Santo Branco 3125 y Lapidus 3110, caracterizados de manera impactante por no incurrir en la tradicional repetición del diseño que tienen los laminados convencionales, transmitiendo la esencia natural del granito, para generar interiores únicos de mayor impacto y sorprendente naturalidad. Dos nuevas maderas evidencian el carácter natural de esta nueva colección: Neutral Oak 1498 y Natural Elm 1499. Una variedad de tonos claros, neutros y cálidos, propios de las maderas no tratadas, con una combinación armónica de catedrales, que dan a los proyectos toques inimaginables de realismo. Para añadir un nuevo nivel de sofisticación a los espacios, Lamitech presenta sus nuevos laminados perlescentes:

Moonlight 2501, Bronze 2500, Snowflake 2503 y Dune 2502, caracterizados por sus suaves reflejos y profundidad. Para una sensación imponente y decididamente futurista del metal, esta colección incluye nuevos laminados metálicos: Aluminum Mirror 2025, Stainless Steel Mirror 2027, Brass Mirror 2026 y Brass Brushed 2024, que permiten crear el efecto de profundidad en una pared, dar luz a un rincón y espacio a una pequeña habitación. Los tonos frescos, blancos y grises de la naturaleza definen al nuevo diseño Urban Concrete 3124. Para pequeños y minimalistas toques o cambios drásticos en los espacios. Para información adicional por favor visite www.lamitech.cl. ó a través de nuestro correo electrónico exports@lamitech. com.co


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asegurar la unión óptima de niveladores, rellenos y adhesivos, además reduce la absorción de los poros para que niveladores y retapes tengan un mayor rendimiento. Posteriormente la nivelación con Agorex DB otorga seguridad adicional, homogeneizando la superficial

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PUBLIREPORTAJE

Nueva superfice Matt en las placas Trespa Meteon

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Inspiración, exclusividad y un concepto atractivo son componentes básicos de todo buen diseño. Para que esto se haga realidad se precisan materiales, acabados y sistemas de excelente calidad. Con un amplio abanico de colores, acabados y texturas, Trespa® Meteon® ofrece un producto estético y con posibilidades de diseño ilimitadas para cerramientos arquitectónicos de última generación. Las placas pueden usarse solas, o en combinación con otros materiales, para crear fachadas singulares.

Trespa® Meteon® es una placa laminada compacta de alta presión (HPL) con una superficie decorativa integrada, fabricada según la exclusiva tecnología patentada de descarga de electrones (Electron Beam Curing - EBC) y el sistema Dry Forming (DF) de Trespa. La mezcla de hasta un 70% de fibras basadas en madera y resinas termoendurecibles, sometidas a alta presión y temperaturas, permite obtener una placa extraordinariamente compacta con una buena relación resistencia-peso, únicas en el mercado mundial actual. Todos estos componentes son unidos entre sí mediante la aplicación simultánea de calor (≥ 150° C / ≥ 302° F) y alta presión especifica (> 7 Mpa), creando un material homogéneo no poroso de mayor densidad y una superficie decorativa integrada. Cuando los laminados son autoportantes, vienen listos para su instalación; solo se requiere cortarlos a la medida, perforarlos, etc. e instalarlos. Trespa Meteon es extremadamente resistente a la intemperie. El sol, la lluvia (incluso la lluvia ácida) y la humedad no afectan de forma significativa la superficie de la placa. Los tests en condiciones de intemperie artificiales muestran que tanto la resistencia a los rayos ultravioleta como la estabilidad de color de la superficie decorativa cumplen con la más alta clasificación 4-5 de la escala de grises según la norma ISO105 A02. Esto significa estabilidad cromática. 10 años de garantía de producto: La línea de productos Trespa® Meteon® cuenta con el respaldo de una garantía de producto de 10 años.


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Mantención Es un producto extremadamente compacto que no sufre corrosión, no se ve afectado por la humedad agresiones biológicas u oxidación por lo que no requiere de ningún tipo de protección superficial adicional, ya sean lacas o pinturas. La superficie es durable, resistente y no produce atracción electroestática del polvo, por lo tanto requiere de un bajo mantenimiento donde agentes de limpieza suaves son suficientes para casi la totalidad de suciedades. Junto con esto se considera anti-graffiti, ya que la pintura no tiene tasa de ingreso respecto de la superficie, al no presentar poros, por lo que la remoción de este se realiza con diluyentes orgánicos, donde ni el diluyente ni la pintura tendrá efecto alguno sobre la superficie. Tiene una vida útil certificada de 50 años, donde no se presenta de laminación alguna o efectos de desgaste mecánicos. Resistencia

Nueva Superficie

El módulo de elasticidad, así como la elevada resistencia a la tracción y a la flexión, explican la alta resistencia al impacto. La homogeneidad y la densidad del núcleo garantizan una correcta fijación mecánica de la placa. Consistente y de alta densidad homogénea, la placa Trespa® Meteon® soporta con solidez tuercas, tornillos y cualquier otro elemento de fijación mecánica.

El acabado Matt es una nueva superficie Trespa® Meteon® con un nuevo aspecto y tacto natural, combinada con las excelentes propiedades y la resistencia a la intemperie de Trespa® Meteon®, que añade una sensación auténtica al diseño arquitectónico y da a la placa un aspecto mate desde cualquier ángulo visual. El nuevo acabado Matt permite obtener experiencias táctiles excepcionales cuando se combina con otros materiales de fachada como metales o piedra.

Características medioambientales o de sustentabilidad. Dependiendo del tipo de certificación Trespa entrega créditos en la certificación LEED (US Green Building Council LEED® •

Tamaño óptimo de los paneles para reducir pérdidas

El espesor del panel ayudar a reducir sub-marcos

La producción ecológicamente sana empieza con las materias primas

Tintes libres de metal

Las emisiones y descargas están dentro de los límites aceptables

Eliminación de gases tóxicos y corrosivos

Mejora de la reducción de basura, almacenamiento y retrasos

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Producción certificada ISO14001

Un acabado mate único que realza la profundidad y el carácter de las texturas madera y piedra de Trespa. Todas las colecciones Naturals y una selección especial de Wood Decors (elegidas con el apoyo de prominentes arquitectos internacionales) están disponibles en acabado Matt. La combinación de estos acabados añade una gama de opciones sin precedentes de estilo natural y altamente resistentes a cualquier diseño. Las superficies Matt ofrecen la misma alta calidad, bajo mantenimiento y longevidad usuales de Trespa, pero ahora con un tacto completamente nuevo y diferente. www.trespa.com


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PUBLIREPORTAJE

Facultad de Economía de la Universidad Diego Portales

es el Mejor Proyecto Arquitectónico Y Sustentable 2012 Bercia, en su constante compromiso con la eficiencia energética y el cuidado del medio ambiente, ha estado permanentemente promoviendo la edificación sustentable en Chile con sus novedosas e innovadoras soluciones constructivas.

Desde hace 15 años entrega una distinción a un proyecto destacado que contribuya con este objetivo. Este año, el “Concurso al Mejor Proyecto Arquitectónico y Sustentable 2012” reunió a cuatro proyectos donde Bercia ha participado con sus productos y soluciones eficientes: la Facultad de Economía de la Universidad Diego Portales, la Facultad de Ingeniería de la Universidad de Chile, el Edificio Corporativo Deloitte y el Edificio Corporativo Komatsu. Durante un mes, y a través de la plataforma de Facebook, los más de nueve mil seguidores de Bercia en esta red social votaron, dando por ganador a la Facultad de Economía de la Universidad Diego Portales, proyecto encabezado por los arquitectos Rafael Hevia, Rodrigo Duque y Gabriela Manzi, junto a los asesores LEED® Miranda & Nasi. Al ser un proyecto enfocado en la sustentabilidad y eficiencia energética, los asesores LEED® son un pilar fundamental. Alessandra Nasi, Socia de Miranda & Nasi Consultores, señaló que “la certificación busca optimizar los recursos disponibles y para eso es necesario que el equipo de trabajo esté muy coordinado de modo que el proyecto resultante sea lo más eficiente posible, no se generen descoordinaciones ni cambios durante la etapa de construcción y a la vez resulte económico en su operación en el tiempo”. “Muchas veces no es fácil lograr una integración entre los proyectos de manera de lograr los complementos y sinergias entre ellos que son necesarias para alcanzar la optimización de los recursos que se esperan de un proyecto sustentable. La certificación busca optimizar los recursos disponibles y para eso es necesario que el equipo de trabajo esté muy

coordinado de modo que el proyecto resultante sea lo más eficiente posible”, afirmó la profesional. Agregó que “este reconocimiento hace que como equipo nos sintamos muy orgullosos ya que ha sido un proceso largo y trabajoso. Ha sido un trabajo en equipo con los arquitectos, la inspección técnica, especialistas, etc., por lo cual este reconocimiento es mérito de todos quienes han aportado, bajo nuestra guía como consultores, para que el proceso de certificación avance de manera fluida y por el camino correcto al éxito”. La entrega del galardón estuvo encabezada por el Gerente General de Bercia, Abishai Rovner, quien indicó que “para Bercia es un honor distinguir a proyectos que se destaquen por su aporte a la arquitectura nacional, pero sobretodo por su contribución a quienes serán los usuarios finales de la obra. Para lograr la eficiencia energética también debemos pensar en el confort de las personas y en el cuidado de nuestros recursos naturales”. Y agregó que “nuestro compromiso es estar constantemente buscando soluciones innovadoras que sean un aporte a la sustentabilidad y para ello ofrecemos todo el apoyo a los arquitectos y asesores LEED para lograr soluciones exitosas”. Para Bercia es un honor distinguir a proyectos que se destaquen por su aporte a la arquitectura nacional y a la eficiencia energética, pero sobre todo por su contribución a quienes serán los usuarios finales de la obra.


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Facultad de Economía Universidad Diego Portales

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PUBLIREPORTAJE

VolcoGlass , el nuevo revestimiento exterior de Volcán ®

En este número de la revista D+A, orientado a la construcción de establecimientos educacionales y deportivos, quisiéramos destacar las novedades en materia de soluciones constructivas de Volcán®. Se trata de una nueva placa para uso exterior, ideal como sustrato base para revestimiento tipo Direct Applied (sistema de aplicación directa) o EIFS (exterior insulation finishing system), que conserva todas las características de las planchas Volcanita®, liviano, formatos estándar que permiten hacer modulaciones, rápido, económico y sustentable, pero con la facultad de que puede ser utilizada en el exterior.

Para explicarnos este nuevo producto de Volcán® conversamos con Ricardo Fernández, Gerente Técnico & Innovación de la empresa. Como sabemos, la Volcanita® es un material sumamente utilizado en nuestro país, es un producto estable, que no sufre dilataciones, es liviano, se hace en construcción seca, pero no puede utilizarse en el exterior porque esta revestida por papel cartón, que con la humedad se degrada. No hace mucho se desarrolló en EEUU un producto llamado Glassmat Product, el cual posee un núcleo de yeso y va laminado en ambas caras con un velo de vidrio tratado superficialmente, lo que protege el material ante problemas de humedad. Hemos pensado en este producto principalmente para lograr muros perimetrales de la envolvente de un edificio. Todos los muros se hacen con una estructura tipo Volcometal considerando una solución por dentro, con una o dos planchas de Volcanita®, interiormente con lana de vidrio Aislanglass® y por el exterior una o dos de las nuevas planchas VolcoGlass®, cuya terminación puede realizarse de dos formas: La primera denominada Aplicación Directa (Direct Applied) que consiste en aplicar una pasta cementicia acrílica flexible directamente sobre la plancha VolcoGlass® reforzada con una malla de fibra de vidrio, a la que se agrega una pasta de terminación final, de este modo se obtiene una superficie mas resistente al impacto y a la absorción, presentando un excelente acabado final en el que se incorpora el color y diversos tipos de textura. 24

La segunda alternativa llamada Sistema de Aislación Exterior (EIFS), consiste en un panel de poliestireno expandido de espesor requerido, adherido a la plancha VolcoGlass®, con pasta cementicia acrílica flexible. Sobre éste poliestireno expandido se instala la malla de fibra de vidrio con pasta cementicia elastomérica y con una pasta de terminación de grano y color variable. Con este sistema constructivo se logra generar un muro más compacto, con mayor resistencia al agua superficial con un muy buen comportamiento térmico permitiendo mayor rapidez en obra (2,5 veces más rápido que construir con hormigón) que para el caso de los colegios es muy importante, por el manejo de los plazos y también porque hoy día con la escasa mano de obra, es fundamental contar con una productividad alta. ¿Es VolcoGlass® resistente a los sismos? La gracia de estos sistemas que son muy livianos y permiten que la carga de los edificios sean menores, por tanto, todas las estructuras y fundaciones se alivianan. ¿Aparte de Centros Educacionales, la proyección directa de estos nuevos materiales está orientada a qué otras áreas de la construcción? Estamos lanzando este producto especialmente en establecimientos educacionales y comerciales, pero también estamos iniciando obras con algunas viviendas, donde se está masificando mucho, especialmente por el tema de la

rapidez constructiva, entonces las empresas optan por la rapidez y calidad, utilizando medidas estandarizadas de las planchas -1.20 x 2.40-, lo que significa un gran ahorro por las menores mermas. Esta solución constructiva puede llegar a ser un 30% más económica que la forma de construcción tradicional, en hormigón o albañilería, también hay que considerar las ventajas en términos de la sustentabilidad. Es un producto fabricado en Chile, lo que significa menos transporte, tiene menos merma de material, no se usa agua en la obra, e incorpora un sistema de aislación o interior o bien exterior, que hace que los edificios se comporten mejor en términos de eficiencia energética en el tiempo, por lo cual permite acceder a mayor cantidad de puntos en el sistema LEED. Un gran servicio que ofrece Volcán® es la Atención y Desarrollo de Proyectos para profesionales y arquitectos. De principio a fin, se puede contar con la asesoría de estudio de costos, asistencia técnica, estudios acústicos, eficiencia energética, certificación LEED y constructiva del proyecto. Además cuentan con los proveedores y el personal capacitado especialmente para instalar cada una de las soluciones entregadas al proyecto por Volcán.

asistencia@volcan.cl


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PUBLIREPORTAJE

Fundación Holcim distingue a ELEMENTAL por su premio en certamen internacional de construcción sostenible

La oficina de arquitectos recibió un certificado por su participación en los Global Holcim Awards con el proyecto premiado en la versión de Latinoamérica. Holcim Foundation aprovechó la instancia para anunciar el próximo inicio de la cuarta versión de este concurso.

El día 26 de Marzo, se entregó un reconocimiento al proyecto ganador de la categoría Silver en la etapa regional Latinoamericana de los Holcim Awards por su participación en la versión Global de los mismos. El proyecto PRES Constitución -Plan de Reconstrucción Sostenible- desarrollado por la oficina de arquitectos Elemental, liderada por el destacado arquitecto Alejandro Aravena, compitió junto a otros proyectos internacionales desarrollados bajo el concepto de construcción sostenible en la última versión global del certamen. Alejandro Aravena, principal gestor del plan, en el que propone un rediseño para Constitución con el fin de prevenir los efectos de un eventual tsunami, expuso los avances en la realización del proyecto PRES, un plan público-privado que pretende levantar la ciudad de Constitución en una fecha récord, después que fuera destruida en el terremoto del 27 de febrero de 2010. “El mundo de la sustentabilidad sabe que el recurso más escaso no es el dinero, sino que las ideas, el conocimiento y la coordinación. Precisamente eso es lo que apoya los Holcim Awards: proyectos que aún no han llegado a completarse, pero que sí están en una etapa muy avanzada de desarrollo y eso lo hace una plataforma global muy significativa”, comentó Alejandro Aravena, líder del proyecto ganador de la tercera versión de los Holcim Awards. Por su parte, el coordinador de Holcim Awards en Chile, Juan Fasani, comentó que “el hecho que haya más arquitectos chilenos entre los principales ganadores de versiones anteriores de los Holcim Awards, denota una clara señal de que el país está internalizando exponencialmente la tendencia de la construcción sostenible que existe a nivel global”. Este reconocimiento se efectuó ante la presencia de arquitectos conocidos por sus trabajos con conceptos de sostenibilidad, como Albert Tidy y Bernd Haller, y en el que el director

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comercial corporativo de Grupo Polpaico -filial de la empresa suiza Holcim en Chile-, Fernando Palma, expuso los esfuerzos que se están realizando desde la empresa cementera Polpaico para promover la construcción sostenible. “El cuidado del medioambiente es uno de los tres pilares centrales de la gestión de negocio de nuestra matriz Holcim y, por supuesto que de Grupo Polpaico. Por ello, es muy relevante constatar cómo los estudios de arquitectos chilenos han incorporado el concepto de desarrollo sostenible en su quehacer y ejemplo de ello es el reconocimiento internacional que ha logrado Elemental, lo cual nos llena de satisfacción”, destacó Fernando Palma. Durante la ceremonia también se dio a conocer la fecha de inicio del nuevo ciclo de los Holcim Awards, en el cual podrán participar todos aquellos diseñadores, arquitectos e ingenieros que estén desarrollando proyectos relacionados con la construcción sostenible. En esta convocatoria se tendrá como temática principal la rentabilidad en los proyectos de construcción sostenible, tópico que se discutirá ampliamente en el Holcim Forum, un foro internacional que organiza Fundación Holcim, cuya próxima versión se realizará en Abril, Mumbai, India. En el foro se juntarán expertos internacionales sobre construcción sostenible para exponer sobre sus investigaciones y dilucidar hacia dónde se dirige la sociedad en términos de sostenibilidad. Uno los expositores clave de Holcim Forum es Alejandro Aravena, quien expondrá junto a consagrados arquitectos de talla mundial como Sir David Chipperfield y Brinda Somaya. Además, como participante del foro, asistirá como invitado de Grupo Polpaico el arquitecto Albert Tidy, decano de la Facultad de Arquitectura de la Universidad San Sebastián, reconocido por aplicar conceptos de sostenibilidad en sus proyectos.


Fernando Palma, Director Comercial Corporativo Cemento Polpaico S.A, Alejandro Aravena, Director Ejecutivo Elemental, Charles Kimber, Gerente Asuntos Corporativos y RP Celulosa Arauco S.A.

Los Holcim Awards se realizan cada dos años, realizándose una fase por año. La primera etapa premia a los mejores proyectos a nivel regional y Chile se encuentra dentro de la región Latinoamericana, que incluye todos los países de Sudamérica, Centroamérica y México. En la segunda etapa compiten los ganadores de cada región del primer (Gold), segundo (Silver) y tercer (Bronze) lugar por el reconocimiento a nivel global. El concurso completo repartirá US$ 2 millones entre todas las categorías. La convocatoria estará abierta a partir del 1 de julio de 2013, día en que los postulantes podrán ingresar sus proyectos a la página web de Holcim Foundation. Los documentos deberán estar redactados en inglés y se podrán entregar hasta el 31 de marzo de 2014.

Ganadores chilenos en versiones anteriores Los profesionales chilenos han ido paulatinamente logrando reconocimientos en los Holcim Awards. En la segunda versión del año 2008 nuestro país obtuvo dos premios: el primer lugar de Alberto Fernández y Susana Ortega en la categoría próxima generación por su proyecto diseñado para captar agua en el Valle del Huasco, famoso por su gran aridez; y el reconocimiento en la categoría principal que obtuvo el arquitecto iquiqueño René Mancilla por un proyecto de reconstrucción en el pueblo de San Lorenzo de Tarapacá, después que la localidad quedara devastada tras el terremoto del 13 de junio de 2005, que afectó al Norte Grande del país. En tanto, en la versión pasada del año 2011, no sólo la oficina de arquitectos Elemental obtuvo un premio por su rediseño de Constitución, sino que también Matías Klotz ganó un reconocimiento en la categoría principal por el desarrollo de una biblioteca sustentable en la Universidad Diego Portales.

Elisa Gil Serrano, Juan Fasani, Coordinador Holcim Awards para Chile, Alejandro Aravena, Director Ejecutivo Elemental y Fernando Palma, Director Comercial Corporativo Cemento Polpaico S.A.

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Ciudad “Escalímetro”. Fotografía de Gabriel Renié. Cámara Nikon. Superposición de 5 exposiciones. 2011.

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DOSSIER

LAND arquitectos

SALAS ATRAPALUZ

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La escuela Santa Matilde de Til Til, seleccionada en la muestra nacional de la XVIII bienal de arquitectura y territorio 2012, es un ejemplo de arquitectura sustentable dedicada a la mejora de las condiciones espaciales para el aprendizaje. Fotografías de Sergio Pirrone

Este proyecto, ubicado en la Región Metropolitana, se construyó con fondos provenientes de la donación de los empleados de Holcim Latino América y la empresa Cementos Polpaico de Holcim para las víctimas del pasado terremoto del 27 de febrero 2010 en Chile. Los integrantes de LAND arquitectos, Ángela Delorenzo y Cristóbal Valenzuela, explican los principios de sostenibilidad definidos por Holcim Fundation que incorporaron en este proyecto y cómo cada uno de ellos fue resuelto. 1. Impacto contextual y estético El colegio en sí mismo es una sumatoria de módulos de distintos tipos y estilos, construidos aleatoriamente a través del tiempo. El proyecto aparece como un nuevo módulo, pero esta vez basado en criterios de sostenibilidad. Se usó colores estimulantes en el exterior del colegio ya que es un espacio para niños. En el interior se logra un espacio luminoso (el blanco atrae más luz), con más aire gracias a la altura de la sala de clase. 2. Equidad social El proyecto en sí mismo responde a este objetivo ya que va en ayuda de una escuela de enseñanza básica de bajos recursos en situación de emergencia por desastre natural. 3. Calidad ecológica y conservación de energía El proyecto incorpora elementos propios de la arquitectura como también técnicas constructivas simples para lograr mayor eficiencia energética. Tales como: La altura de las salas de clase es superior a la exigida por la norma. Para el recubrimiento exterior se usó una “piel” ventilada de Hunter Douglas en muros y techo, que consiste en un espacio de 5 cms. por la cual el aire circula, eliminando la humedad de los muros por el lado exterior. La incorporación de una lucarna Velux termopanel ubicada en el techo inclinado, aporta luminosidad al interior, además aumenta la temperatura en invierno y la ventilación en los días calurosos, ya que el calor sube y sale por ésta. También se utilizaron ventanas termopaneles de PVC, paneles SIP con aislación de 11 cms. y persianas de control solar con 40% de transparencia por el lado exterior de las ventanas, manejadas por los alumnos. 4. Económico El uso de termonapel y aislación apropiada ahorra calefacción en invierno y tiene una ventilación más eficiente a través de la lucarna. Los métodos constructivos aseguran mayor durabilidad de los materiales en el tiempo (piel ventilada). 5. Cambio cuántico y transferibilidad Para lograr este objetivo, trabajaron con materiales y soluciones constructivas simples, locales, y también incorporaron un sistema pre-fabricado (debido a la emergencia post terremoto) que pudiese ser repetido fácilmente en otro tipo de proyectos de la zona u otras regiones de Chile. 31


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El colegio en sí mismo es una sumatoria de módulos de distintos tipos y estilos

Página anterior: 1. Interior sala Atrapaluz. Páginas izquierda y derecha: 2. Exterior módulo. 3. Esquema de modulación de aulas. 4. Interior sala Atrapaluz. 5. Exterior módulos. 6. Interior sala Atrapaluz. 7. Esquema estrategias sustentables.

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Arquitectos: LAND arquitectos Cristóbal Valenzuela Haeussler y Ángela Delorenzo Arancibia. www.landarquitectos.com Arquitectos colaboradores: Javier Lorenzo y Gonzalo Arteche. Ubicación: Escuela Santa Matilde en Til Til, Chile. Superficie: 134.5m2 Mandante: Cementos Polpaico (Holcim). Ingeniería estructural: Cargaz, Sr. Cristián Gazitúa. Constructores: Rocla.

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DOSSIER

Magén Arquitectos

ESCUELA CUBIERTA CEI PARQUE GOYA Fotografías de Jesús Granada

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Continuando con establecimientos educacionales tenemos a uno de los ganadores de los recién pasados 20+10+X World Architecture Community Awards, en su 12ª edición. Junto con ser un edificio reconocido internacionalmente es también uno de los exponentes de las nuevas formas de fomentar la educación a través del espacio, amplio y ventilado, donde la luz del sol y el aire son componentes imprescindibles al momento de proyectar.

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Los autores del Centro de Educación Infantil Ronda Norte de Parque Goya, los arquitectos Francisco y Jaime Magén, comentan: “La posición de borde urbano del emplazamiento y la voluntad de relacionar de manera fluida los espacios interiores con los espacios exteriores llevaron a abordar el proyecto como una organización abierta de elementos lineales docentes que colonizan el lugar con un trazado extensivo, agrupándose en torno a los espacios exteriores que se abren al paisaje y configuran las áreas de juegos”. La estrategia se basa en las ideas de arquitectura aditiva y edificio-tapiz, a partir de la definición del aula como unidad o célula-tipo y su agrupación en una estructura abierta, flexible y de naturaleza extensiva, configurando una alfombra o tapiz sobre el terreno, que define la alternancia entre espacios interiores y exteriores. 36

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Arquitectos: Magén Arquitectos, Jaime Magén y Francisco Javier Magén. Cliente: Gobierno de Aragón, Gerencia de Infraestructuras del Departamento de Educación. Colaboradores: Beatriz Olona, María Tejel (arquitectas), Gabriel Fraj (arquitecto técnico); Rafael González (ingeniero industrial); José Sainz (estructura). Constructor: Conavinsa SA. Grupo Praínsa. Construcción: 2010-2011 Superficie construida: 2.081,99 m2

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1. Vista exterior CEI. 2. Vista patio. 3. Vista conjunto. 4. Vista cubiertas. 5. Alzado Este. 6. Alzado Sur. 7. Sección por aulas. 8. Sección por vestívulo.

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El planteamiento del proyecto también responde al condicionante del ajustadísimo plazo de construcción -4 meses-, que implicaba la elección, desde la sencillez y la rapidez de ejecución, de soluciones constructivas sistemáticas y generales. La escala del programa definido por el Gobierno de Aragón, que incluye 12 unidades de Infantil y un comedor, se fragmenta en una disposición abierta que permite convertirlo en un entorno aprehensible para los niños, así como garantizar la iluminación y ventilación natural de todos los espacios. El emplazamiento de los edificios en la parcela, que se completará con el futuro centro de primaria, responde a las determinaciones geométricas de la misma y la necesidad de evitar la incidencia de la sombra del edificio residencial aledaño. Frente a la disgregación en planta, una cubierta de planos continuos que asciende, desciende y se quiebra en función de los espacios interiores, dota al conjunto de unidad y de un carácter topográfico, proporcionando a cada uso una altura específica. La presencia de la fachada hacia la calle principal muestra un perfil nítido e identificable en la distancia. El perfil quebrado de las aulas busca la doble iluminación y aumentar su profundidad, con una planta cuadrada muy adecuada para su tamaño. La transición entre el espacio interior del aula y el exterior es gradual, pasando siempre por un espacio cubierto y un espacio acotado de patio. En el exterior, el edificio se define por su cubierta continua de planos inclinados apoyada sobre muros con un revestimiento de fachada ventilada de piezas cerámicas extrusionadas de gran formato. Láminas fijas cerámicas y láminas orientables de aluminio anodizado y el acabado metálico de los cobertizos, en continuidad con la cubierta, completan la imagen exterior del edificio. 9

En el interior, el edificio responde a las capacidades y habilidades de los niños, estableciendo una clara diferenciación entre las superficies al alcance de los niños (suelos y paredes hasta una determinada altura) en las que se proponen diversidad de materiales, texturas y colores, y los acabados sobrios por encima. La atención prestada en el proyecto a los espacios exteriores se refleja en la definición material del plano del suelo y la jardinería. En los patios abiertos, césped, pavimentos de caucho in situ de diferentes colores, arena, y una solera de hormigón pigmentado en tonos terrosos configuran los pavimentos, mientras que el suelo de los patios cerrados, ajardinados con bambú, está acabado con grava volcánica y corteza de pino. Las especies de hoja perenne, junto con el césped natural, contribuyen a crear una atmósfera vegetal que define el carácter del centro, mientras que las especies de hoja caduca ofrecen un aspecto de colores que cambian con las estaciones del año.

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9. Circulación interior CEI. 10. Sala de Clases. 11. Planta baja conjunto. 12. Planta cubiertas conjunto. 13. Vista al patio.


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DOSSIER

Zaha Hadid Arquitectos

Centro Acuรกtico de Londres 40


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FotografĂ­as de Hufton + Crow, gentileza de Zaha Hadid Arquitectos.

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El Centro Acuático es uno de los muchos y variados edificios construidos para los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Este centro, diseñado por Zaha Hadid Arquitectos especialmente para esta ocasión, es otra de las grandes obras del estudio de esta arquitecta, reconfirmando su infinita capacidad creativa. Tras tres años de construcción y más de 40.000 personas involucradas en ella, este Centro Acuático se lleva todas las medallas. 3

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Como bien lo describió el director del Comité Internacional Olímpico al momento de su inauguración, “He visto muchos lugares en mi vida pero el impacto visual que tuve cuando entré fue absoluto. Todo llama la atención, todo sobresale, la armonía, la calidad, la innovación. Es una total masterpiece”. Concepto del proyecto El concepto arquitectónico del Centro Acuático de Londres está inspirado por las geometrías fluidas del agua en movimiento, creando espacios que reflejen los paisajes de la costa del Parque Olímpico. Una cubierta ondulada se eleva a partir del suelo como una onda que cubre las piscinas del Centro con un gesto unificador de fluidez, al mismo tiempo que describe el volumen de las piscinas de natación y buceo. El Centro Acuático está diseñado con una flexibilidad para dar cabida a 17.500 espectadores para los Juegos de Londres 2012 en su formato “Olímpico”, mientras que proporciona una óptima capacidad de 2.000 asientos, en su modo “Legacy”, para el uso de este espacio para la posteridad, una vez terminados los Juegos. Contexto del terreno El Centro Acuático está dentro del planteamiento del Parque Olímpico y se ubica al sur de la frontera Este del Parque con

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1. Vista general interior. 2. Vista interior graderías. 3. Piscina de entrenamiento. 4. Planimetría versión "Olímpico". a. Primera planta. b. Corte transversal. c. Corte longitudinal. 5 y 7. Vista piscina de buceo. 6. Vista escalera. 8. Planimetría versión "Legacy". a. Primera planta. b. Corte transversal. c. Corte longitudinal.

proximidad directa con Stratford, siendo un nuevo acceso peatonal a través del puente Este-Oeste -Stratford City Bridge- que pasa directamente sobre el Centro como una de las entradas principales al recinto olímpico. El Centro Acuático direcciona los espacios públicos principales contenidos dentro del Parque Olímpico y es parte de las estrategias de la planificación urbana de Stratford, siendo la conexión de City Bridge y la continuación del Parque Olímpico a lo largo del canal. Disposición El Centro Acuático está planteado en un eje ortogonal y perpendicular a Stratford City Bridge ubicando las tres piscinas alineadas al eje. La piscina de entrenamiento está localizada sobre el puente de las piscinas de competencia y buceo, posicionándose dentro de una gran sala, cerrada por una cubierta. El podio, que simula un puente, contiene una variedad de programas, insertándose como el único volumen arquitectónico que es visto totalmente. El podio emerge del puente, una

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cascada alrededor del hall de las piscinas para el nivel inferior del canal. El hall de las piscinas se expresa por encima del podio por una gran cubierta que se curva a lo largo del mismo eje de las piscinas. Su forma es generada por la línea de visión de los 17.500 espectadores en su modo “Olímpico”. La geometría de doble curvatura fue usada para crear una estructura en un arco parabólico que proporciona una singular forma a esta cubierta ondulada para diferenciar los volúmenes de competición de los volúmenes de piscina de buceo. Ésta se proyecta más allá de la envoltura del hall de las piscinas y se extiende tanto para las áreas externas como para la entrada principal en el puente, que será el acceso primario para los centros después de los juegos. Estructuralmente, la cubierta está fijada al suelo en las tres primeras posiciones, gracias a la abertura entre ésta y el podio se pudieron generar los asientos adicionales para el público durante los Juegos Olímpicos, y que luego se cierra con vidrio en la parte delantera para su uso posterior al evento.


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Arquitectos: Zaha Hadid Architects Ubicación: Londres, Reino Unido Colaboradores: Alex Bilton, Alex Marcoulides, Barbara Bochnak, Carlos Garijo, Clay Shorthall, Ertu Erbay, George King, Giorgia Cannici, Hannes Schafelner, Hee Seung Lee, Kasia Townend, Nannette Jackowski, Nicolas Gdalewitch, Seth Handley, Thomas Soo, Tom Locke, Torsten Broeder, Tristan Job, Yamac Korfali, Yeena Yoon Año proyecto: 2011 Área del proyecto: 15.950m² (legacy), 21.897m² (olímpico) Cliente: Autoridad del Comité de los Juegos Olímpicos Materialidad: concreto y vidrio Fotografía: Hufton + Crow 8

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DOSSIER

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Perkins+Will

ARQUITECTURA EN COBRE Fotografías interiores de Ben Rahn Fotografías exteriores de James Brittain Photography

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La Universidad de Toronto en Mississauga fue diseñada por la oficina de arquitectos Perkins & Wil , quienes por más de 50 años descubren y desarrollan comunidades de exploración, investigación, productividad y bienestar, combinando el espíritu, cultura y contexto con ideas contemporáneas sobre belleza y orden, proponiendo edificios e interiores en espacios inspiradores que conecten a la gente.

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La Universidad de Toronto en Mississauga presenta nuevas posibilidades para relaciones sociales e intelectuales tanto dentro como fuera de clases. Lo nobles materiales, las innovadoras salas de clases, acogedores espacios públicos y sus alrededores demuestran el compromiso para reforzar la experiencia educacional y el bienestar de sus estudiantes y profesores a través de una arquitectura que inspira. Los tonos tierra y verde del cobre del exterior del edificio se complementa con sus verdes alrededores. El cobre fue elegido para que desarrolle su propio color con el tiempo, igual como el desarrollo de la experiencia académica. Este revestimiento de cobre une el exterior con el interior del edificio, enfatizando la conexión del campus son su entorno.

Arquitectos: Perkins+Will Canada Inc. Mississauga, Ontario, Canada Design Principal: Andrew Frontini Ubicación: Mississauga, Ontario, Canada Architectural Team: Alan Mortsch, Alice Wong,Larry Silva, Claudia Bader Interior Design: Diana Shams Landscape architect: Fleisher Ridout Partnership Área del proyecto: 4.572 m2 Año proyecto: 2012 Cliente: University of Toronto

Una serie de altísimos cielos proveen de luz natural al mayor espacio de circulación del edificio, generando una transparencia que permite la visión tanto del interior hacia el verde exterior y viceversa. La protagonista de este espacio es la magna escalera, que más allá de ser sólo la circulación vertical que permite que los alumnos transiten, logra que sean partícipes activos de la obra. Con este edificio se incrementa en un 50% la cantidad de salas de clases, incluyendo también teatros y salones de lectura. 3

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1. Fachada de la Universidad de Toronto en Mississauga. 2. Vista interior vestĂ­bulo. 3. Detalle fachada de cobre. 4. Escalera magna. 5. Vista exterior.

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Innovaci贸n

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VERDEVERTICAL

Transformaci贸n

metropolitana Por Elisa Gil Serrano, arquitecta. Fotograf铆as gentileza de Verdevertical

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La ONU establece que el mínimo de área verde que debe tener un ser humano en la Tierra es de 16 M2. La Ciudad de México no llega ni a la cuarta parte de esta necesidad teniendo sólo 3.7 M2 de área verde per cápita. Bajo esta aterradora premisa el arquitecto mexicano Fernando Ortiz Monasterio ideó la forma de aprovechar espacios sin uso en la ciudad, tales como muros interiores y exteriores.

1. G20 Meeting, 2012. San José del Cabo, Baja California Sur, México. 2100 m2. 2. Terraza Torruco, México D.F. 200m2. 3. Centro Comerical Parque Duraznos, México D.F. 400 m2.

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“Se pueden usar tanto los muros interiores como exteriores, de sol, de sombra, de frio, de calor. Cualquier muro se puede convertir en un jardín vertical”, enfatiza Ortiz Monasterio. Los beneficios de un jardín vertical son los mismos que los de las plantas comunes, nos ayudan a producir oxígeno, limpian el aire, y el contacto del hombre con la naturaleza reduce los índices de stress. También retienen polvos volátiles, reducen la temperatura interior y exterior, absorben el ruido y humidifican los ambientes interiores entre un 30% y un 60%. Asímismo, tienen la capacidad de utilizar tanto agua pluvial como aguas residuales. Tomando en cuenta que la pérdida de áreas verdes en las ciudades es un proceso prácticamente irreversible, Fernando Ortiz Monasterio propone mejorar el medio ambiente, la calidad de vida y el paisaje urbano a través de revestimientos naturales en las superficies verticales construidas. Así, tiene como visión lograr una convivencia vanguardista de los procesos urbanos con la naturaleza a través de la tecnología. Verdevertical se define como un taller especializado en la experimentación, la investigación, el diseño y la construcción de jardines verticales, cuya tecnología de vanguardia está basada en un proceso de seis etapas: estructura, aislantes, telas, sistema de riego, automatización y vegetación. Se ubican las plantas sobre una estructura vertical cubierta por un sustrato textil con densidad similar a la de la tierra, el cual se humedece por un sistema de riego totalmente automatizado. De esta forma las plantas obtienen tanto el agua como los nutrientes que necesitan para crecer. Esta estructura utiliza un material aislante que garantiza que no exista ningún contacto de humedad entre el sistema hidropónico y un edificio existente. No está de más resaltar que en términos paisajísticos, la creación de escenarios naturales verticales mejora la imagen urbana de ciudades plagadas de hormigón, donde la gente transita sus paisajes y no necesariamente se percata del diseño y la trama de parques y jardines. Cambiando este plano a uno vertical, se le da visualidad y presencia al diseño. De hecho, en uno de los últimos proyectos de Verdevertical se instaló una bicicleta sobre el verde, en medio de un diseño de jardín basado en uno de los proyectos del magnífico Burle Marx.


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REVELADOS

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Alfonso Quiroga “Para mí, la especialización en fotografía de arquitectura ha sido el final de un proceso de aprendizaje”. Por Alfonso Quiroga

“Después de 15 años dedicado a la fotografía de estudio, al bodegón publicitario, al retrato, mucho de ello enfocado al mundo del arte, un encargo editorial de fotografía industrial muy ambicioso me hizo replantearme muchas cosas y recordar que siempre me gustó la fotografía “paciente”, la que me permite ver, valorar y controlar la evolución de la luz en un espacio que llevas observando un tiempo. Y sorprenderte con su cambio. Y ahí me descubrí… No fue hace mucho, empezaba la crisis en España con el fin de la burbuja inmobiliaria, sí una paradoja. Pero fue entonces cuando me vi con valor y calidad suficiente para enfrentarme a arquitectos y publicaciones especializadas. Las cosas llegan cuando llegan. Al contrario de lo que pensarán algunos, a mi me influyó mucho haber tenido experiencia en otro tipo de fotografía, al fin y al cabo fotografiar un edificio es también hacer un retrato, contar una historia o fotografiar una escultura. Desde mis comienzos he tenido influencias de clásicos como Harry Callahan, Edward Weston o incluso Alfred Stiglitz. Estos maestros de la fotografía han sido considerados auténticos innovadores de lo que hoy conocemos como fotografía moderna. Solo hay que apreciar por ejemplo el gran sentido del espacio y minimalismo en las composiciones de Callahan, simplemente mediante lineas, volúmenes y espacios vacíos. La composición en fotografía de arquitectura tiene que ser muy precisa. El equilibrio entre espacio, luz, y volúmenes tiene que ser perfecto; lo que lo completa todo también es el balance entre el sujeto y el espacio negativo, el vacío es importantísimo para el resultado final. 55


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Me interesa el diálogo que mantengo con el edificio a lo largo de la sesión, el modo en que voy conociéndolo, cómo se transforma a medida que pasa el día. Y antes, mi diálogo con el arquitecto, sus indicaciones, las limitaciones que nos vamos encontrando, los permisos, la dependencia de las condiciones meteorológicas.

ofrece descentramientos de los objetivos, consiguiendo una corrección de perspectiva en la toma inicial, algo esencial en la fotografía de arquitectura. La captura digital la realizo con respaldo de medio formato, lo que me ofrece también una calidad superior en cuanto a nitidez, tamaño de imagen y sobre todo rango dinámico.

En estos tiempos de la era digital, en los que cualquiera, hasta con un smartphone, se convierte en fotógrafo y retocador profesional, los que nos dedicamos a esto tenemos que dar una vuelta de tuerca: ofrecer una perfección técnica, difícil de igualar y de la que la mayoría de la gente no es consciente. Para ello cuento con una cámara técnica que

La fotografía de arquitectura, además de prestar un servicio de documentación al arquitecto, desempeña el papel para mi más importante, que es el de ser testigo e intermediario: a la gente le llega el edificio, la mayoría de las veces, sólo a través de tus fotos, aunque nunca logren ir físicamente. La fotografía de arquitectura trasciende al lugar”.

Alfonso Quiroga (La Coruña, España, 1969) Es licenciado en Bellas Artes con especialización en Fotografía (BFA In PHOTOGRAPHY) por Western Michigan University, USA. Entre sus cursos de postgrado destacan el Polaroid de Técnicas de Fotografía Alternativa y procesos antiguos en Chicago, EEUU y el de Tratamiento Digital Avanzado en la escuela de Fotografía EFTI de Madrid. Actualmente especializado en fotografía de arquitectura.

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En estos tiempos de la era digital, en los que cualquiera, hasta con un smartphone, se convierte en fotógrafo y retocador profesional, los que nos dedicamos a esto tenemos que dar una vuelta de tuerca: ofrecer una perfección técnica, difícil de igualar y de la que la mayoría de la gente no es consciente.

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1. Cidade da Cultura, Santiago de Compostela. Arquitecto: Peter Eisenman. 2. Cuartel Conde Duque, Madrid. Arquitecto: Carlos de Riaño. 3. NCC de Pozuelo de Alarcón, Madrid (Nuevo Centro Cultural). Arquitecto: Estudio Fündc. 4. Viviendas sociales, Ensanche de Vallecas, Madrid. Arquitecto: Guillermo Vázquez Consuegra. 5. Cidade da Cultura, Santiago de Compostela. Arquitecto: Peter Eisenman. 6. Estación de Atocha, Madrid. Arquitecto: Rafael Moneo.

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CRÓNICA

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Apoquindo 3910 Por Maximiano Atria, arquitecto. Fotografía de Gabriel Renié

Hace años que la avenida Apoquindo viene siendo el repositorio de un exhuberante despliegue de formas arquitectónicas que son el mejor ejemplo de la tan clásica y comentada batalla de los edificios de oficinas por ganar protagonismo a punta de “innovaciones” aplicadas al clásico prisma moderno del rascacielos. En su extensión se encuentran desde diversos tipos de transparencias en las fachadas hasta despliegues geométricos en los volumenes (inclinados hacia atrás, hacia un lado, hacia adelante, con fachadas curvas, con pináculos piramidales, escalonados, en vértice, con viseras, con la estructura aparente usando diagonales, y un largo etcétera), lo que efectivamente convierte a esta calle en un muestrario de todas las combinaciones posibles de lograr cuando el afán está en hacer algo que nunca se ha hecho, más que en lograr un buen espacio arquitectónico al interior de las plantas libres. Podríamos hablar, incluso, de un exceso de creatividad, tantas veces criticado como sólo generador de ruido y de formas que sólo los arquitectos comprenden. En este contexto, a veces una dosis justa de creatividad y hasta de humildad pueden producir resultados notables, como lo demuestra la presencia en medio de aquel torbellino de formas del volumen simple y rotundo del edificio de Apoquindo 3910. Curiosamente diseñado por los mismos arquitectos -A4 Arquitectos- de esos otros muchos edificios no tan silenciosos y puros, destaca entre sus vecinos imponiendo en el perfil de esa golpeada avenida una imagen que, dependiendo de la hora del día y de la calidad de los reflejos de luz que lo alcanzan, puede a ratos parecer inmaterial, etérea o francamente escultórica. La elección de los materiales con los que está construido no podría ser más simple: sus fachadas, la mitad de muro cortina vidriado y la otra de placas de Alucobond de color gris.

Lo que esto produce finalmente se acerca mucho más a lo que Mies van der Rohe buscaba en su rascacielos de cristal en la Friedrichstrasse: al usar vidrio, entendió que lo relevante no era la transparencia (demasiado obvio para su genio) sino el reflejo. En el edificio que nos ocupa el muro cortina sólo refleja, y en ese efecto produce la desmaterialización del volumen como ningún otro edificio en Apoquindo lo logra. Lo que todos buscan desesperadamente echando mano a excesos formales, éste lo logra precisamente por evitarlos. El prisma puro del rascacielos, explorado con éxito durante los 60 y 70s en el contexto de los edificios de oficinas, vuelve a veces a ser invocado por los arquitectos como base formal, no siempre por un interés del buen diseño (incluso en este edificio parece tener mucho más que ver con lo limitado del terreno para justificar simplemente una extrusión de su planta), como un recordatorio de que las formas simples y abstractas, tan malamente asociadas a la idea de minimalismo o al agotado less is more miesiano, apelan a bases estéticas atemporales, concepto tan elemental para la arquitectura y tantas veces dejado de lado por el apego a la moda o a la disponibilidad técnica de gadgets ofrecidos por el proveedor de turno. Si bien es cierto que la simpleza de este edificio lo hace notable gracias a un contexto de ruido general precisamente por el contraste que genera su silencio, no es menos cierto que la buena arquitectura a veces se encuentra donde el arquitecto menos lo pretende. Ello permite que podamos apreciar con mayor amplitud la calidad superior de edificios como éste precisamente dirigiendo la mirada a la arquitectura, confiando en que a veces los edificios se defienden solos, aun de las decisiones de sus mismos creadores.

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Dise単o

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BIENAL DE DISEÑO 2013

Nuestra Identidad, como un sello posible para el Diseño Chileno Este evento fue, sin duda, una fiesta del Diseño, un acontecimiento que en su estructura formal, en su notable montaje, dio cuenta de su magnitud e innovación. En una sola plataforma, la amplia nave de la Estación Mapocho cobijó más de trescientos proyectos de diseño de reciente creación y plena actualidad. Por Mario Ubilla, Decano FADEU PUC. Fotografías de Omar Faúndez y Gabriel Renié. Foto Lof de Josefina Eyzaguirre.

No se puede dejar de mencionar la gran convocatoria lograda, la participación efectiva de 23 de las 25 Escuelas Universitarias, de las empresas y oficinas más destacadas del país, de países con permanente y creativo compromiso con el diseño como lo son Finlandia, Italia, México y Brasil. Alrededor de 20.000 personas visitaron la muestra y creo que ese nivel de llamamiento se debe a que el Diseño es; en lo fundamental, una disciplina que pertenece a la cotidianidad de toda persona, pues los objetos y las imágenes contribuyen al ejercicio efectivo de la vida. Por ejemplo, una bicicleta plegable sabemos para qué sirve, qué problemas soluciona, por qué hace la vida más agradable. Comienza a ser un objeto que por un lado es necesario, pero también, por otro lado representa cierta “manera de ser”, es decir el usuario comunica a través de la opción por dicho objeto. Los productos entregan y cobran cierta identidad para el usuario, incluso éste se construye una personalidad, tendencia o una toma de partido, de acuerdo a lo que su impronta objetual o indumentaria suponen. En todas estas cosas el diseño es fundamental, pero creo que aún no se valora realmente como ese elemento comunicante. Sin embargo y a pesar de lo obvio, es preciso reiterar que el diseño es irrenunciable para el desarrollo de toda condición humana y un aporte innegable para la individualización 1

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y la autenticidad de la persona. Por ejemplo, yo tenía un compañero que se hacía los zapatos, que aportaba al diseño desde la creación de una costura y una auténtica concepción de la forma y calce de dicho calzado. Esta Bienal ha permitido un diálogo; en base a la verdad que suponen las obras concretas, entre la producción disciplinar académica y la iniciativa profesional. Pero también entre los distingos propuestos por los énfasis creativos de los distintos países y culturas presentes. La Bienal puso en valor que la originalidad –el origen- de las técnicas creativas tradicionales, contribuye a la autenticidad e identidad de un producto. Así; por ejemplo, pudimos ver como Finlandia supo distinguir que había un modo de trabajar la madera que era muy peculiar a ellos, y fue capaz de transformar una cultura artesanal en dicho uso, en una industria de gran éxito productivo manteniendo sus rasgos tradicionales y que no traiciona la fineza de oficio y la precisión constructiva en sus diseños; valorizando una escala de fabricación (el mueble), sin despreciar sus materias primas predominantes. Para Chile este ejemplo debe ser entendido como oportunidad, ya que también existe un saber tradicional que no ha sido transferido con éxito y radicalidad hacia otras alternativas creativas. Esta Bienal también es un llamado a los diseñadores a no ver lo “patrimonial” en menos, re-valorar lo artesanal 64

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y recobrar los oficios, ya que a través de este camino se amplían mercados y se desarrollan productos con éxito. Con entusiasmo podemos hacer mención al trabajo de Ignacia Murtagh, quien con su línea “Lof” realiza una fina reinterpretación de la alfarería Mapuche, con renovadas y muy bien simplificadas líneas formales, en porcelana blanca. Pienso que en estos tiempos, el diseño ha logrado revalorizarse, pues ha sido favorecido por el advenimiento rotundo de las redes sociales, la inmediatez en las comunicaciones y la globalización de la información. Plataformas que aproximan las innovaciones y los diseños recientes a las personas, no importando el lugar o espacio donde se encuentren. De alguna manera el diseño, comprendido desde estas estructuras, permite a mucha gente crear, personalizar, incorporar identidad y exponer al mundo sus realizaciones; lo que produce más creadores y muy diversas expresiones. Por otro lado, la Bienal ha puesto en evidencia que existen muchas oficinas pequeñas pero macizas en emprendimiento e innovación, incluso en un pequeño espacio ahora se puede diseñar y producir, llevando a la realidad lo que se está pensando, haciendo tangible lo que se está ideando con cierta inmediatez, porque además se cuenta con sistemas de producción más eficientes, permitiendo a los diseñadores

1 y 2. Interior Estación Mapocho durante la Bienal de Diseño 2013. Fotografía de Gabriel Renié. 3. Detalle muestra profesional. Fotografía de Omar Faúndez. 4. Vista estructura de madera. Fotografía de Omar Faúndez. 5. Línea “Lof” de Ignacia Murtagh. Fotografía de Josefina Eyzaguirre.

ser independientes y tener una aproximación adecuada al mercado. Los diseñadores ya no esperan encargos de clientes, sino crean nichos para innovar con nuevos productos. Al mismo tiempo se percibe mayor interés por parte de las empresas de servicios o industrias de productos, en incorporar diseño como herramienta de diferenciación e identidad, pero con una noción que privilegia el trabajo independiente, más sistemático y en menos tiempo de operación, aprovechando las tecnologías CADCAM o CNC de prototipado rápido, entre otras, reduciendo el espacio de la fábrica hacia una estructura de producción inmediata, acotada y muy especializada. Resulta significativo también, advertir que al menos en la plataforma universitaria, la opción por la carrera de diseño mantiene un elevado número de postulantes debido principalmente a una filosofía muy asociada a las nuevas técnicas de creación y producción en el diseño profesional ya mencionadas, facilitando la independencia y reduciendo las necesidades básicas que supone el sostenimiento de una oficina. Este panorama alentador constituye una invitación probada, para que más diseñadores busquen desarrollar nuevos nichos de productos para nuevos mercados. 5

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ARQUITECTURA DE PELICULA

SLEEPER

“La gente no es angular”

Por Esteban Murúa, diseñador.

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La “Casa Escultura”, también conocida por los habitantes de la zona como la “Casa Concha”, o “Casa Durmiente”, se distingue por su sinuosa curva elíptica que se perfila sobre el monte Genesee en Estados Unidos. Fue proyectada en 1963 por el arquitecto Charles Deaton, y terminada en 2003 por John Huggins. Como dato interesante cabe destacar que fue construida por Dellzell Inc., gracias a un permiso de “construcción experimental”. Esta edificación se constituyó en 1973 en un personaje más del film “Sleeper” del actor y director Woody Allen; hilarante comedia en clave de ciencia ficción que explora a punta de carcajadas la posibilidad de despertar en el futuro luego de un sueño profundo de hibernación, al mejor estilo Buck Rogers. “La gente no es angular. Así que ¿por qué deberían vivir en rectángulos?” dijo Deaton al momento de proyectar esta casa. Las terminaciones originales de esta casa son extraordinarias, según relatos de expertos, muros con estanterías empotradas fabricadas en sicomoro Inglés y madera de babinga de África, baños con diseños de baldosas que recuerdan la técnica del “puntillismo”, lámparas de cristal rojo y azul brillantes y

alfombras seccionadas en remolinos para armonizar con el diseño de la estructura circular. La casa de cuidador está vinculada a través de un garaje para 5 coches. El patio incluye un jacuzzi al aire libre que se adosó se acurrucó a la barandilla metálica con vista al monte Genesee, a Vernon Canyon, a la Cordillera Central y a la zona metropolitana de Denver. Parrillas al aire libre están integradas a este diseño escultórico, además de una chimenea de cobre. Esta casa se suma a la abundante arquitectura moderna futurista, presente a lo largo de la cordillera de Denver, la que aprovechó Woody Allen a modo escenario magistral de en “Sleeper”. Entre estas obras destacan: La Iglesia de Cristo resucitado, diseñada en 1969 por James Sudler; el Boettcher Memorial Conservatorio diseñado en 1966 por Victor Hornbein y Ed White, Jr. en los Jardines Botánicos de Denver; la Casa Varner, diseñado en 1969 por James Ream; el National Center for Atmospheric Research, N.C.A.R., entre otras. Recientemente fue vendida en más de US$ 5,5 millones.

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Diseño

ÁREA

Procesos, riesgo e independencia Por Patricio Pozo, Diseñador y Curador de ÁREA Santiago. Fotografías de Carlos Molina.

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La corta e intensa historia de Área parte desde la necesidad de mostrar de manera independiente un nuevo escenario de creación de diseño hecho en Chile, del cual un grupo de diseñadores hemos estado participando, en distintos ámbitos, desde hace algunos años y que no habíamos tenido la oportunidad de presentar y compartir la experiencia con otros actores de nuestros país.


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A partir de un esfuerzo colectivo entre DIRAC (Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile), Prochile y creadores independientes del diseño, ha comenzado a circular un nuevo diseño chileno local, capaz de proponer un lenguaje y carácter personal que les ha permitido dialogar en contextos de diseño internacional complejos y competitivos. La presencia de delegaciones de diseño chileno en 100% Design en Londres (2011 y 2012) y Salón del Mueble de Milán (2012, 2013) por un lado y las aventuras personales de estudios de diseño independientes como The Andes House, Bravo!, GT2P, Orlando Gatica, Fluxia, etcétera, en eventos colaterales en Bélgica, Inglaterra, India, Italia, por nombrar solo algunos, ha terminado mostrando una presencia significativa y constante del nuevo diseño chileno en el mundo. Esta nueva generación de diseñadores trabaja directamente sobre nuestro patrimonio e historia local, apostando a la incorporación de lenguajes propios de nuestro país y la utilización de materiales locales. Se han encontrado también con la dificultad de convertir procesos y tecnologías artesanales en series de diseño de escala productiva. Notablemente, de algún modo u otro, han transformado esta dificultad en un plus que otorgan el sello y personalidad propia a sus trabajos. Fruto de este trabajo y la amistad que hemos ido construyendo en estas idas y venidas por distintas partes del mundo, un grupo de diseñadores (Rodrigo y Matías Bravo de Bravo!, Cristián

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Domínguez de The Andes House, Guillermo Parada de Gt2p, y quien escribe, Patricio Pozo de Pozo Marcic Ensamble), nos dimos cuenta que no habíamos tenido el contexto de mostrar este nuevo escenario en nuestra casa. Nos hacía falta poder mostrar y comunicar estas series de diseño y este incipiente escenario que nos tiene tan entusiasmados, donde es posible desarrollar exposiciones donde la distancia y la escasez se convierten en un valor en vez de un problema. No desde el desarrollo a escala global, sino desde los límites a escala local. No desde el centro, sino desde la periferia. Con esto en mente, y de manera totalmente independiente, nos embarcamos en esta primera muestra ÁREA en unos de los bellísimos galpones industriales de Factoría Italia en Providencia. Autogestionamos todo lo necesario (curatoría, diseño de exposición, montaje, comunicaciones, prensa) para mostrar lo que consideramos fuese una muestra contemporánea y propositiva de lo mejor de nuestros creadores locales.

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En este primer show de ÁREA, abordamos un par de temas claves para las industrias creativas: los bordes de las disciplinas creativas y los procesos. Para lo primero, los bordes de la disciplina, invitamos a creadores de distintas ramas creativas a mostrar parte seleccionada de su trabajo, y lograr un conjunto variado —y disperso también— que logra poner en cuestión donde empiezan y terminan los límites


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entre diseño, arquitectura y arte. De este modo logramos poner en un mismo contexto expositivo a diseñadores de productos (bravo!, gt2P, Juan Cristóbal Karich, Bernardita Marambio, María Ignacia Murtagh, Proyecto Ensamble, The Andes House), arquitectos (Grupo Talca, Emilio Marín & Juan Carlos López, Murúa & Valenzuela, Susuka, Supersudaka), fotógrafos (Aryeh Kornfeld, Cristóbal Palma, Nicolás Rupcich, artistas visuales (Cristóbal León & Joaquín Cociña, Patrick Hamilton), diseñadores gráficos (Sergio Recabarren, Sebastián Rodríguez), tipógrafos (Latinotype) y diseñadores de Motion Graphics (Smog). A todos ellos los interrogamos acerca de sus procesos creativos y de producción. ¿En qué momento y lugar ocurren los procesos creativos?, ¿Existen diferencias en el modo de llegar a los resultados que conocemos como producto final?, ¿Es el error también parte de este camino?, ¿Se incorpora a la solución?, ¿Cuánto de azar existe también en procesos y métodos aplicados?, ¿Cuánto de accidente?, ¿De qué manera cada creador encuentra su método?. La respuesta a estas inquietudes las vimos reflejadas en la propia muestra, dando pie a nuevos e interesantes diálogos entre disciplinas creativas aparentemente distintas. Nos interesaba en esta exposición interrogar y develar la manera en que estos aspectos integran, orientan o condicionan este resultado, construyendo una narrativa expositiva que incluye información inesperada y

reveladora sobre los procesos de trabajo. En contraste con las muestras recurrentes de diseño, basadas en el objeto o "producto final", esta exposición incorpora el interés en entender las diferencias culturales y metodológicas que dan vida a estos objetos, mostrando el revés, los bastidores, que sostienen el resultado final. La convocatoria nos sorprendió a todos, llegando 1.000 personas a la inauguración del 10 de enero, y en los 3 días siguientes a la apertura tuvimos un flujo constante de personas inquietas en conocer y dialogar en torno al diseño local. Nos parece que el hecho que los diseñadores, arquitectos y artistas participantes de la muestra tuviesen la generosidad de acompañarnos y estar disponible en todo momento para conversar con los visitantes fue un factor clave para el éxito del programa expositivo. Naturalmente la muestra no es lo suficientemente completa para dar cuenta del gran espectro y vigor con el que las industrias creativas están actuando en nuestro país. Quedaron por falta de recursos y tiempo (apenas 6 semanas de producción) una enorme cantidad de autores y productos para dar un panorama completo de nuestro momento. Pero sirva ya este primer este primer esfuerzo de ÁREA como catapulta para crecer y provocar mucho más en nuestra próxima versión.

1. Acceso ÁREA Factoría Italia. 2. Detalle muestra. 3. Conversación con el público. 4. Obra de Patrick Hamilton. 5. Muestra de The Andes House. 6. Parte de la muestra.

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Diseño

DAW

Pabellón de Chile FIL GUADALAJARA Los conceptos claves que definen la filosofía de DAW son metodología, colaboración, cultura y diseño estratégico, todo parte del proceso de trabajo de esta oficina de arquitectura, diseño y branding. “Desde la disciplina del diseño hemos siempre buscado innovar a través de la aplicación de metodologías de trabajo, la colaboración interdisciplinar y la construcción de una cultura, formada por la investigación de tendencias, viajes y la participación activa del mundo del diseño nacional e internacional”. Fotos e imágenes gentileza DAW

DAW fue formada hace 10 años y en la actualidad cuenta con más de 31500 M2 construidos. Esta oficina se compone de 4 áreas productivas: arquitectura, diseño retail e industrial, diseño gráfico y branding, además de contenidos (investigación, difusión y metodología). El equipo de DAW está integrado por gente joven que desde diferentes disciplinas aportan visiones creativas y estratégicas a los proyectos. Desde sus inicios están: Macarena Aguilar, diseñadora Industrial, socia fundadora y Directora General de Proyectos. También se desempaña como asesora del Consejo de Diseño de la DIRAC (Dirección de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores). Diego Aguilar, arquitecto y socio fundador, y Sergio Lagos, socio y Director del Área Comercial, con aporte en otros campos.

Pabellón de Chile para la Feria Internacional deL Libro de Guadalajara 2012 En noviembre-diciembre 2012, Chile exhibió en la ciudad de Guadalajara, México, una muestra de su capital cultural como país invitado de honor a la Feria Internacional del Libro, y la oficina DAW fue la creadora del Pabellón que lo representó. “Como encargados del diseño de este Pabellón, entendimos la relevancia de diseñar un soporte que pusiera en valor la presencia del país y su muestra literaria, y que además fuera capaz de absorber un eje curatorial enfocado en el lector, en una muestra innovadora organizada por temas y no necesariamente por editoriales”.

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1y 2. Vista Pabellón de Chile. 3. Vista interior Pabellón de Chile. 4. Detalle primera y segunda piel. 5. Isométrico explotado del Pabellón. 6 y 7. Detalle interior Pabellón de Chile.

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“Para nosotros, el desafío de este proyecto consistía en comenzar desde un concepto poderoso y memorable para lograr un posicionamiento fuerte del país como invitado de honor, y poner en valor la muestra, además de lograr una lectura coherente de las partes”.

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“Para nosotros, el desafío de este proyecto consistía en comenzar desde un concepto poderoso y memorable para lograr un posicionamiento fuerte del país como invitado de honor, y poner en valor la muestra, además de lograr una lectura coherente de las partes. Para lograrlo, este proyecto significó un desarrollo multidisciplinar tanto conceptual como de las diferentes estrategias de diseño. Los resultados: el Pabellón de Chile como gran centro de atención, foco de actividades con un récord histórico de ventas.

El área interior del Pabellón fue concebida como una gran biblioteca e incluye el programa relacionado con la exhibición de libros, áreas comunes y auditorio (que además puede ser utilizado como un espacio informal de lectura). La exposición temática de Chile, información turística, mesas de negocios y módulos para editoriales están dispuestos en terrazas exteriores, constituidos principalmente en base a mobiliario y sobre un deck de madera.

El concepto principal que trabajamos fue el del Pabellón como una gran “casa abierta”. La casa es un elemento icónico fácil de reconocer, que como estrategia aporta un espacio unitario que invita a la reunión en su interior. El concepto de apertura es expresado a través del uso de una piel permeable que define la casa, formada por módulos de ventanas de madera. Además, quisimos darle protagonismo a los libros al utilizarlos como una segunda piel: el libro como un revestimiento de carácter transitorio que entrega colorido al interior con los lomos y blanco al exterior con el papel. El libro es además el módulo de interacción, en donde los visitantes se acercan a ellos, los toman, los ojean y en la medida que los adquieren, la casa se vuelve un elemento más transparente”, dice Macarena Aguilar.

Oficina: DAW Equipo: Macarena Aguilar, Sebastián Bravo, Raúl Pacheco, Johanny Angulo, Francisca Bórquez, Carolina Jofré, María Jesús Izquierdo y Daniela Pezo. Iluminación: Mónica Pérez & Asociados. Construcción: Garzahoth Expopartner. Lugar: Guadalajara, México. Cliente: Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes / Pro Chile. Área: 900 m2 Año Proyecto: 2012.

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DISEÑO AL INSTANTE

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Showroom Delineare

El proyecto consiste en la recuperación de un viejo galpón comercial del año 1962, ubicado en la Villa el Dorado, en Vitacura, como estrategia de revitalización del equipamiento comercial del barrio.

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Fotografía gentileza de Cristián Irarrázaval.

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La estrategia de recuperación del lugar, comentan los arquitectos Cristián Irarrázaval y Leonardo Eizaguirre, plantea primero el vacío total de este. Se retira toda la tabiquería y construcciones existentes, como forma de poner en valor la estructura original. El área Sur de baja altura está construida con pilares y vigas de hormigón armado, sobre estas, para la estructuración de la cubierta, vigas de hormigón prefabricado, características de la construcción de la época, se ponen en valor en el proyecto de recuperación.

1 y 2. Interior showroom. 3. Fachada

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Asimismo, en el área norte se recuperó una lucarna como elemento que entrega luz natural al espacio.

La una nueva fachada en plancha de acero pone en evidencia la recuperación del alero pre-existente. Para el programa se agregan 4 volúmenes independientes -acceso principal y oficinas, salida a terraza, sala de reuniones y mueble de atención a público- organizados dentro del galpón original, con orientaciones diferentes, creando nuevos sub espacios entorno a estos volúmenes que permiten la exhibición de muebles y la creación de distintos ambientes.


GRAVITY, ARBOREUM & TRAY BUREAU

Imasoto Architect View Products 2

Desde 1969 IMASOTO es sinónimo de pasión por el mobiliario, el diseño y la arquitectura. Con su nueva línea de mobiliario Architect View Products, esta empresa de espíritu internacional y sede en Madrid, diseña y produce desde 2011 productos contemporáneos de lenguaje arquitectónico. Gravity, Arboreum y Tray Bureau han nacido del 1er Concurso Architect View Products en colaboración con la ETSAM (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid). Un concurso para los estudiantes del Máster en Proyectos Arquitectónicos Avanzados de la ETSAM, que les ha brindado la oportunidad de promover sus trabajos a una escala diferente: el diseño de objetos. Un reto para los participantes y una oportunidad para los dos finalistas y sus diseños.

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El primer premio fue para mesa Gravity del arquitecto Roberto Ortiz de Landázuri. Un juego de firmeza del plano en contraste con la ligereza de los apoyos. Gravity es una mesa rectangular de madera con caballetes de acero lacados en blanco. Estantes colgantes de tela y maceteros permiten personalizar la mesa, integrando así la domesticidad a espacios de trabajo. Madera de fresno, madera de abedul y acero.

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La mesa Gravity y el mueble auxiliar Arboreum son dos nuevas propuestas para la línea AVP -Architect View Products- de Imasoto, recientemente presentadas en la feria internacional ORGATEC 2012 de Colonia, en la Feria Stockholm Furniture exhibition y prÓximamente en el Salón del Mueble de Milán 2013.

En segundo lugar está el mobiliario auxiliar Arboreum del arquitecto Joachim Kraft. Este elemento se apoya en la tradición del arquitecto por tener siempre en su estudio de arquitectura un mueble auxiliar para lápices, reglas, gomas y objetos personales. Arboreum se apoya en esta tradición, ampliándola. También recoge paraguas, saluda con plantas, emite una luz tenue o se queda esperando la llegada de los abrigos después de una noche fresca. Otra propuesta interesante fue la del arquitecto Pedro Feduchi con su Tray Bureau. Este ofrece un espacio con divisiones en varios tonos, donde poder tener un organizador a mano de diferentes objetos (cds, cuadernos, notas, etcétera). El sobre es en madera de pino alistonado patinado en blanco y barnizado mate. Tres piezas con una visión arquitectónica del diseño, adaptadas a las nuevas necesidades laborales, con soluciones reales en cuanto a producción, montaje y comercialización, y una total compatibilidad estética en diversos estilos de decoración.

1 y 4. Arboreum. 2. Tray Bureau. 3. Gravity.

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DISEÑO AL INSTANTE

Tienda MUNICH Munich, la marca zapatillas urbanas, abre su segunda tienda fuera de España. Situado en el centro comercial Costanera Center en Santiago, es un nuevo desafío para la marca. Dear Design. Ignasi Llauradó y Eric Dufourd Fotografías de Felipe Mardones

El objetivo principal de este proyecto fue crear un espacio luminoso y abierto para exhibir las zapatillas en busca que los visitantes se sumerjan en una especie de “arena”, entendida como un estadio, un espacio inundado de luz y enmarcado por una estructura colgante de metal. Los visitantes entran en la tienda desde un caos exterior hacia un espacio organizado con sensatez. En esta tienda no hay diferenciación entre la vitrina y los muebles de exhibición, ya que se combinan en una única pieza que se extiende a lo largo de todas las paredes del espacio. La arena está formada por una estructura metálica, una segunda piel que rodea el contenedor existente sin tocarlo, como si estuviera volando o colgando de la nada, que también actúa como soporte para los zapatos. La blancura de todo el diseño hace que los zapatos aparezcan como elementos destacados, obteniendo toda la atención de la tienda. El diseño fractal de la estructura se basa en Xs repetidas infinitamente, el símbolo de la marca, hasta en el último detalle: los soportes, el pespunte en la piel de los bancos y el mueble de recepción, y el sistema de anclaje. La simplicidad de este proyecto radica en el ahorro de materiales, sólo hojas de hierro lacado en blanco brillante para la estructura perimetral, resina de poliuretano blanco con acabado barnizado brillante para el suelo, piel blanca y láminas de hierro para los muebles. El diseño ganó el 2o premio en la Categoría de Venta al Público en la Asociación Internacional de Diseño de Interiores, en los que participaron los Mejores Interiores de la Competencia de Latino América 2012.

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PANINO GIUSTO Fotografías de Alberto Rossi

Para reflejar la historicidad milanesa de Panino Giusto, y pensando en un concepto que pudiera ser entendido y captado también desde el exterior, nos hemos inspirado y hemos jugado con los elementos de la arquitectura y el diseño italomilanés de los años 50, 60 y 70 (Albini, Gio Ponti, Castiglioni, Caccia Dominioni, Vico Magistret), a los que hemos unido por el uso de los colores históricos de Panino Giusto, verde, rojo y beige-crema. En lo respectivo a la esencia, creemos que la clave de Panino es la calidad excelente de sus productos, de su materia prima, por este motivo proponemos un diseño hecho de materiales naturales y nobles como la madera de roble, de nogal, el mármol, el hierro y el latón; todo ello unido a la importancia que hemos querido otorgarle a la exposición y manipulación del producto, colocándolo en primer plano en la librería de la entrada y convirtiéndolo en el protagonista. En cuatro adjetivos, Panino Giusto es acogedor, actual, versátil y tranparente.

La idea que ha guiado de inicio a fin el proyecto de interiorismo de este restaurante ha sido crear un ambiente donde el cliente, al entrar, pudiera respirar la historia de Panino Giusto, su esencia.

Referentes italianos Como ya hemos explicado anteriormente, hemos jugado con los colores de panino: el rojo, el verde y el beige-crema, que claramente está también presente en la arquitectura de Milán de los años 50, 60 y 70. por ejemplo, el verde de la fachada del edificio de Caccia Dominioni en Via Ippolito Nievo 28; el rojo en las ventanas del barrio de Rossi y Aymonino; el verde, el beige y el rojo en los edificios de Piazzale Aquileia de Vico Magistret. Los taburetes Mezzadro que hemos utilizado son un diseño del 1957, de Achile Castiglioni, las lámparas en la pared sobre los bancos en latón y lacadas en verde son una reinterpretación de una lámpara de Gió Ponti; la librería de la entrada está inspirada en la librería infinito de Franco Albini.

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DOSSIER MI PRIMERA CASA

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Casa Melocotón

SebastiÁn IrarrÁzaval Fotografía de Guy Wenborne

Esta casa ubicada en el Cajón del Maipo fue construida a principios de los 90’s. Este encargo, el primero del arquitecto chileno Sebastián Irarrázaval -en conjunto con Ximena García-Huidobro y Guillermo Acuña- , fue abordado desde tres temas, primero, ubicar un proyecto pequeño dentro de un gran sitio; segundo, la expresión que debía contener el proyecto frente al terreno; y tercero, que el espacio interior de la casa estuviera abierto al paisaje. Con respecto al primer punto la estrategia fue trazar en el vasto terreno el perímetro exacto que contendría la casa en su interior con el fin de que solamente el pedazo de tierra del borde hacia el interior fuera transformada, moldeada, manteniendo el entorno tan salvaje como se encontró. La expresión del proyecto se abordó como un juego de opuestos, interpretando libremente los principios de Louis Kahn, explica el arquitecto, un proyecto agrupado en dos tipos de espacios, los de servir y los servidos, tomando forma en distintas volumetrías y materialidades, un elemento aéreo de madera y otro gravitacional construido en ladrillo. En el interior de la casa, por causa de la gran altura de los techos, se construyó una pequeña escalera que sirve de “tarima” para observar el paisaje. Ésta funciona para

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contrarrestar lo monumental de la altura y de los cerros que la rodean, logrando que esta escala monumental baja a algo más terrenal. Así, a partir de distintos niveles en los espacios interiores, de las vistas enmarcadas en madera que encuadran los cerros desde el interior, y las sombras generadas por las celosías de madera que filtran la luz y la vista como un velo, la Casa Melocotón se relaciona completamente con el paisaje.

Arquitectos: Ximena García-Huidobro, Sebastián Irarrázaval y Guillermo Acuña Lugar: Cajón del Maipo, Santiago. Cliente: Gabriel Bitrán Tamaño: 75m2 Año: 1990-1991


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1. Fachada exterior. 2. Vista interior. 3. Interior escalera. 4. Planta baja. 5. Planta alta. 6. Planta contexto. 7. Elevaci贸n oriente. 8. Elevaci贸n sur. 9. Elevaci贸n norte. 10. Corte.

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DESTACADO JURADO en el CONCURSO ELECTROLUX Este jurado se ha reunido con el objeto de incluir miradas experimentadas en torno a la integración de espacios públicos a nuestRAS comunidades. Todos sus miembros son destacados arquitectos que desarrollan obras en chile. EL Jurado

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- Jorge Figueroa, Arquitecto (Presidente del Jurado). - Yves Bezancôn, Arquitecto. - Humberto Eliash, Arquitecto. - Jorge Iglesis, Arquitecto. - Bernd Haller, Arquitecto. - Felipe Assadi, Arquitecto. - Marianne Balze, Arquitecta. - Gisella Wiesner, Arquitecta. Calendario del concurso -Publicación de llamado a concurso: jueves 29 de noviembre de 2012. - Retiro de bases desde web: www.concursoarquitecturaelectrolux.cl jueves 29 de Noviembre 2012 al 30 de Abril de 2013. - Inscripciones en www.concursoarquitecturaelectrolux.cl, hasta el 30 de abril 2013. - Entrega de las propuestas: lunes 24 de Junio 2013. - Primera sesión del jurado: viernes 28 de junio de 2013. - Fallo del jurado: Jueves 4 de julio de 2013. - Apertura de sobres de identificación y ceremonia. de premiación: 25 de julio de 2013 en 100 Showrooms. - Exposición de los proyectos: 25 al 27 de julio de 2013 en “100 Showrooms”. Entrega de las propuestas

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El día Lunes 24 de Junio de 2012 se recibirán las propuestas en las oficinas de ELECTROLUX Isidora Goyenechea 3365, piso 6ª, entre las 15:00 y las 18:00 hrs. Pasada la hora señalada, no se dejará ingresar al recinto a ningún concursante. Convocamos de esta forma a los arquitectos profesionales y a estudiantes de arquitectura, a pensar, en esta ocasión, en los espacios públicos, proponiendo nuevas formas de generar diseños de uso y beneficio público y comunitario.

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Fotografías: 1. 1er Lugar Profesionales: Francisco Javier Carrión. 2. 2do Lugar Profesionales: Carla Uribe y Trinidad Hildebrandt. 3. 3er Lugar Profesionales: Pedro Andrade, Pablo Andrade y Josefa Correa. 4. Mención Honrosa Profesionales: Francisco Parada, Javier Gana y Rubén Díaz. 5. 1er Lugar Estudiantes: Esteban Martínez Opazo. 6. 2do Lugar Estudiantes: Carlos Emmanuel Gómez y Luis Gabriel Rodríguez. 7. 3er Lugar Estudiantes: Neslón Andrés Figueroa.


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CONCURSO DE ARQUITECTURA ELECTROLUX

CIERRE DE INSCRIPCIONES 30 de abril 2013 ESTUDIANTES & PROFESIONALES Inscríbete y descarga las bases en www.concursoarquitecturaelectrolux.cl Objetivo

Jurado

Promover la creatividad para generar instancias que incentiven la integración de la comunidad en espacios públicos.

Jorge Figueroa (Presidente)

Se definen 2 categorías: - Arquitectos Titulados - Estudiantes de Arquitectura Recepción de proyectos 24 de Junio 2013

Exhibición, Difusión y Premiación

Yves Besancôn (Arquitecto)

Profesionales:

Humberto Eliash (Arquitecto)

1er premio: Dos pasajes a Nueva York con estadía.

Se realizará una exhibición de 3 días con los mejores proyectos seleccionados,

2do premio: Dos pasajes a Buenos Aires con estadía.

del 25 al 27 de julio de 2013 en 100 Showrooms

3er premio: Dos pasajes a Buenos Aires.

www.100showrooms.cl

Jorge Iglesis (Arquitecto) Participantes

Premios

Felipe Assadi (Arquitecto) Gisella Wiesner (Arquitecto) Bernd Haller (Arquitecto) Marianne Balze (Arquitecto) Ignacio Toro (Gerente de Marketing Electrolux) Walter Junge (Director D+A Magazine)

Estudiantes:

Organizan

1er premio: Pasajes a Buenos Aires para dos personas con estadía. 2do premio: Pasajes a Buenos Aires para dos personas. 3er premio: Un IPod 83


CASAPIEDRA 100 EMPRESAS LÍDERES I N S TA L AC I O N E S D E D I S E Ñ O CONCURSOS DE ARQUITECTURA CONFERENCIAS DE ARQUITECTURA Y DISEÑO

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