Issuu on Google+

1

LA FORMA EN LA HISTORIA DEL DISEテ前

Arts & Crafts


Indice los comienzos | arts & craft, deutches werkbund 4 la forma pura | bauhaus, constructivismo 8 las nuevas formas | art decó, aerodinamismo 14 forma y estilo | art nouveau, jungenstil 18 el color y la forma | de stijl, pop 22 las formas naturales | diseño orgánico 26 forma y función | estilo internacional 31 la actualidad | postmodernismo 34

Impreso en: Imprenta Barcinova C/. Torres dels Pardals, 13. Castellar del Vallés 93.123.12.12 Barcelona


5

Arte y artesanía, oficio y diseño de naturaleza viva, armonía y belleza como resumen.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del E zzl movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas constituyendo sobre todo un arte decorativo. Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia en la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.

Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley, y los artistas del E zzl movimiento reivindicó los oficios medievales en plena época victoriana, reivindicando así la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al

Arriba: Detalle de estampado para obra textil de Morris. (1892)

Arriba: Detalle de estampado para obra textil de

Detalle de estampado. Morris, 1932

Detalle de estampado. Morris, 1932

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético, que se ocupó de la recuperación de los artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herber

Arriba: Detalle de estampado para obra textil de Morrris. (1892)


Arts & Crafts

6

7

El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la construcción de ciuda

Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de teoría, como todos los Vmovimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Cartel anunciador.

Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especialmente a partir de 1914, cuando la necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de la eriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento.

Arts & Crafts

mente a partir de 1914, cuando necesidad militar hace que cada vez más la producción industrial siga estos estándares. La Bauhaus tomaría esta base, permitiendo el nacimiento de El Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el estado para integrar los oficios

tradicionales con las técnicas industriales de producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos. Su lema era “Vom Sofakissen zum StädteBuscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante de Avocultor ina, es et rei publientea ium invoculus bon senam, Catuid adhum priostus videndacta remnihilia? Picero tabus facerfecta, ducis hos et rebat, con ponteresideteoría, como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento: por un lado separar la estética de la calidad material, frente a las ideas anteriores que las vinculaban; por otro lado, imponer la normalización del formato DIN; y finalmente, la adopción de la forma abstracta como base estética del diseño industrial, sustituyendo al ornamento. Buscaba una nueva expresión artística en la era de la máquina, con una componente importante ponteresideteoría,Como todos los movimientos de principios del siglo XX. Entre estos, tres claves hacen destacar estéticamente a este movimiento.

Lo que antes se veía como una restricción es ahora una virtud, especial-

Carta original de la Escuela Bauhaus.

Detalle de puerta en Hotel, Bruselas

Prototipo de ventilador AEG


9

Arts & Crafts 8

Arts &

Esquema y síntesis como base para una realidad generacional de escuelas formativas.

Pieza original de Walter Gropius, Berlín 1923.

La Escuela Bauhaus, es una escuela donde se enseñaba un estilo de arquitectura diferente a las demas. La palabra Bauhaus proviene del término alemán Bau (construcción) y haus (casa). Fue fundada en Weimar, Alemania en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. El movimiento sostenía que el arte

debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. Las Influencias del mundo industrializado, moderno y que deben pasar los buenos diseños la prueba de ambos estándares estéticos.

Así, las clases fueron ofrecidas en los artes, tipografía, y diseño comercial e industrial, así como en escultura, la pintura, y la configuración. El propósito era defender principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e in-

fluencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

Cartel V & A

Arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, Gropius, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño.

Carte original de la Escuela Bauhaus.

Objeto deorativo


11 Arts & Crafts

Arts & Crafts 10

Era una escuela donde se enseñaba un estilo de arquitectura diferente a las demas. La palabra Bauhaus proviene del término alemán Bau (construcción) y haus (casa). Fue fundada en Weimar, Alemania en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios. El movimiento sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.

La silla Wassily, es sin duda un icono del diseño constuctivista, aún hoy diá sus ventas siguen siendo elevadas.

En la butaca Grand Confort, destaca el contraste entre lo orgánico de su respaldo y asiento con la estructura que lo sostiene.

Influencias del mundo industrializado, moderno y que deben pasar los buenos diseños la prueba de ambos estándares estéticos e ingeniería sana. Así, las clases fueron ofrecidas en los artes, tipografía, y diseño comercial e industrial, así como en escultura, la pintura, y la configuración. El propósito era defender principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial. Arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, Gropius, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer. En 1928 abandona Gropius la escuela, sucediéndole, primero Hannes Meyer y después, en

El movimiento sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria.

La Chaise Longe de Le Corbusier, está formada por una estructura de et eos dolupture ne omni rerchil latetur aligenis alit labore doloria estiatecatat quodisc itatur anderem qui doluptat eos esequo mi, sin

La Chaise Longe de Le Corbusier, está formada por una estructura de et eos dolupture ne omni rerchil latetur aligenis alit labore doloria estiatecatat quodisc itatur anderem qui doluptat eos esequo mi, sin

El sofá Tatlin está inspirado en la Torre Tatlín, símbolo soviético de la escultura constructivista. Está realizado en dos módulos intercambiables.

La principal característica de la silla Barcelona es sin duda la introducción de la novedad del uso de las barras de acero

Era una escuela donde se enseñaba un estilo de arquitectura diferente a las demas. La palabra Bauhaus proviene del término alemán Bau (construcción) y haus (casa). Fue fundada en Weimar, Alemania en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes y Oficios.

Influencias del mundo industrializado, moderno y que deben pasar los buenos diseños la prueba de ambos estándares estéticos e ingeniería sana. Así, las clases fueron ofrecidas en los artes, tipografía, y diseño comercial e industrial, así como en escultura, la pintura, y la configuración. El propósito era defender principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial. Arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, Gropius, el pintor ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y el pintor alemán Oskar Schlemmer. En 1928 abandona Gropius la escuela, sucediéndole,


13 Arts & Crafts

Arts & Crafts 12

El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro” del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (arte de construcción) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917. • Inicios [editar] Constructivismo aparece por pri-

mera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra

Escultura constructivista en papel y cartón.

Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.

tivismo [editar]La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo O se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia

La Escuela Bauhaus pasó por varias etapas relacionadas con sus respectivos directores.

de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko. La obra de Tatlin fue inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta diciendo ‘El arte está muerto - Larga vida al arte de la máquina de Tatlin’, mientras que los diseños para

Tatlin, ‘arte constructivo’ y producDiseño original constructivista.

la torre se publicaron en la revista de Bruno Taut Fruhlicht. Arte al servicio de la revolución [editar] Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los Constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-Octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios (el más conocido era el poster de Lissitzky: Golpea a los blancos con la cuña Roja (1919). Inspirado por la declaración de Vladimir Mayakovsky “las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas”, artistas y diseñadores participaron en la vida pública


15 Arts & Crafts

Lo como oficio novedad y tendencia en la Artenuevo y artesanía, y muestra de naturalidad, Eusropa más actual de incios de siglo XIX. armonía y belleza como expresión idealista. Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra), Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y países nórdicos), Liberty o Floreale (en Italia), y Modernismo (en España). Si bien existe cierta relación que los hace recono-

que Vpredomina la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en La arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte),

Dibujo a dos tintas (1926)

cibles como parte de la misma corriente, en cada El país su desarrollo se expresó con características distintivas. Se distingue por su creatividad, el gusto por lo refinado, el deseo de salir de la realidad cotidiana y de conocer otras culturas y costumbres. Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la

Aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva.El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas “integrales”.


17 Arts & Crafts

Arts & Crafts 16

El modernismo tuvo su mayor auge entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas modernistas se encuentran en el Castillo de Roquetaillade (Francia). Eugène Viollet-le-Duc restauró el castillo en la década de 1850 y aun cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son ejemplos del un estilo germinal modernista, arguyéndose a la vista vde sus movimientos orgánicos.

Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín.

Casa Betlló, Barcelona

El diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren. Los colores y la gracia de sus formas. La primera señal evidente del movimiento. modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883.

Potal modernista, Paris.

Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialvmente el amplio uso del hierro expuesto –aprovechándolo más allá de su función arquitectónica.

Portal modernista

Se puede aducir también la tendencia en algunos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayoría de los cuales poseían algún ímpetu derivado de los patrones del diseño victoriano.

La libertad vindicada en la década de 1890 por los artistas de las distintas secesiones ocurridas en las distintas ciudades europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición

Así. como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular – vitraux- en arquitectura. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños industriales luego derivaría en el Art Decó Ebatumurniam adem iaeque popubliu se nes Mae ante concus iliem mandam di, nosti iam


19 Arts & Crafts

El estilo y la forma se mezclan para destilar los más poétcas obras de carga estilística.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 cuya influencia se extiende hasta.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale.

La década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico.

Edificio Chrisler (New

Las Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas.

La Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva


21 Arts & Crafts

Arts & Crafts 20

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

La arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925

Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la ‘Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes’ en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; En realidad, el término Art Decó fue acuñado en la retrospectiva titulada “Les Annés 25” llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco. El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta finales de siglo.

El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Automóvil 20 cv. cuatro cilindros 1935.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron PIcadora manual aerodinámica

Automóvil 20 cv. cuatro cilindros 1935.


23 Arts & Crafts

El color como resumen de síntaxis formal. La forma como extracción pura del universo.

“De stijl”, que en holandés significa estilo, fue una revista dedicada a las artes plásticas fundada por piet mondrian y theo van doesburg que surgió en 1917 y duró hasta 1931. El nombre de stijl también suele aplicársele al artista y arquitectos que alguna vez contribuyeron con él.

Los ideales estéticos, el lenguaje formal y las intenciones de los artistas que conformaban el stijl, estaban contenidos en el tratado fundamental de mondrian, titulado “el nuevo modo de concebir la forma en la pintura” (el cual se publicó en el primer número de la revista). En este trabajo mondrian define el nuevo arte no como un nuevo estilo de escuela particular.

Esta revista iba a reunir un número de artistas que compartían ciertas ideas y actitudes, que a la vez, iban a constituir en un foro donde se iba a discutir el camino que el arte moderno iba a seguir e iba a servir, a su vez, como órgano difusor de este nuevo arte. Esta revista que promocionaba el neoplasticismo, fue una de las más influyentes de su tiempo ya que tenía la finalidad de lograr un estilo válido, que sustituyera lo individual por lo universal. En ella, todos los artistas que colaboraban y que abogaban por un progreso radical de las artes, publicaron en la revista críticas, teorías y manifiestos. El movimiento de stijl era considerando como una variante del arte abstracto, que era característico de la modernidad. Este nuevo arte no pretendía ser reproductivo ni ilustrativo, tal como la había sido el arte tradicional, éste quería ser comprensible a partir de sí mismo, sin referencias al mundo de los objetos ni a la reproducción figurativa.

Su racionalismo formal estaba basado en un amplio programa artístico. A partir de los elementos fundamentales de las artes plásticas, pretendía configurar un nuevo

mundo ideal. Para stijl el arte era un catalizador que debía lograr un estado de armonía ideal, por esto el ideal de stijl siempre estuvo orientado hacia la realización de obras.

La esencia del stijl puede describirse a través de su intención universalista, el nuevo arte era necesariamente abstracto.


25 Arts & Crafts

Arts & Crafts 24

Los inicios del pop, representados por Rauschenberg y Johns, también se denominan “neodadaísmo”, por la influencia que reciben de artistas como Duchamp y Schwitters. En Europa también se da una tendencia relacionada con el pop norteamericano que responde al nombre de Nuevo Realismo.

Composición Pop. El Arte Pop surge en EE.UU. e Inglaterra hacia 1955, pero su auge se da en la década de los sesenta. Su denominación procede de la abreviación de “popular art”, que hace referencia al arte popular que se utilizaba en publicidad, diseño, cartelería y revistas ilustradas.

Fotocomposición de Andy Warhol.

El Arte Pop absorbe la filosofía antiarte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje. Esta corriente, cuyos precursores en su versión americana son Jasper Johns y Robert Rauschenberg, subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. En

Es una vanguardia artística que se inspira en la sociedad de consumo, creando una temática directa, realista, accesible al público en general, todo lo contrario al expresionismo abstracto. El arte pop es el arte del concepto, de la investigación plástica, de la representación de elementos poco tradicionales por entonces: latas de sopa, Dólares, Elvis, automóviles, fama, glamour… Los personajes artísticos dejan de ser protagonistas únicos para producirse en serie, en un objeto más de consumo.

Sopa Campbell de Andy Warhol.

Silla para niño. este sentido, es ilustrativa la afirmación de Richard Hamilton con respecto a su deseo de que el arte fuera “efímero, popular, barato, producido en serie, joven, ingenioso”.Todas ellas serían cualidades equivalentes a las de la sociedad de consumo. En el mismo camino está Warhol, quien pretendía eliminar de la obra de arte cualquier huella o signo de manualidad; muchas de sus obras, por ejemplo, están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo. Beethoven de Andy Warhol.

Abanico en


27 Arts & Crafts

Arte y artesanía, oficio y diseño de naturaleza viva, armonía y belleza como resumen.

Imus repel ius aut lictem quame pa as sum que provid esciundicit, sequi duci

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. El movimiento o. acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la libertad de planta, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, etc.pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores.

Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Alvar Aalto en Finlandia como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguient.

Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al hombre, al qvvue ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del arquitecto no Butaca Paimio

Jarrón Savoy

debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del

Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la arquitectura racionalista propugna una adaptación de Silla orgánica

consed que is aut qui que vitatur aut esequibus ea voluptae pro voluptaquis num etus del mostium de volore magnimin re, omnihil luptis adis dis iusda quatium quunt que cullore ati beri denderent Silla orgánica

Ant Chair


29 Arts & Crafts

Conjutno de mesitas Sofá molular

JUego de pufs y sofás.

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto americano Frank Lloyd Wright. El movimiento o. acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la libertad de planta, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, etc., pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura. Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia y a Alvar Aalto en Finlandia como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguiente:

• 1) Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al hombre, al qvvue ha de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del arquitecto no debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los problemas psicológicos y vitales del hombre. • 2) Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la arquitectura racionalista propugna una adaptación de los volúmenes a las necesidades de planta, esos volúmenes están dominados por un estilo cubista, de formas tetraédricas, en- las que se encajan las necesidades, buscando además con ello una simplificación estructural y constructiva. Asplund, Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio de los ambientes, de los recorridos, de los movimientos del hombre y llegan a la creación de los espacios que consideran más indicados.

Las soluciones técnicas y estructurales deben ceñirse a esos espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industrializar. En este aspecto, el organicismo abandona uno de los postulados del racionalismo, creando en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los grandes arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de imitar, y es, por tanto, más propio hablar de un planteamiento o. que de un estilo.

Silla de Eames

Egg Chair

La arquitectura. Como obras maestras de la arquitectura o. podemos citar la biblioteca de Viipuri (1930) y el pabellón finlandés en la Exposición de Nueva York de 1939, ambos de Aalto; la ampliación del Ayuntamiento de Goteborg (1937) de E. Asplund, y la casa de Taliesin West, en Arizona, de F. Lloyd Wright. Los espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industrializar. En este aspecto, el organicismo abandona uno de los postulados.

El racionalismo, creando en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los grandes arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de imitar, y es, por tanto, más propio hablar de un planteamiento o. espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industrializar. En este aspecto, el organicismo abandona uno de los postulados del racionalismo, creando en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas.


31 Arts & Crafts

- De la artesanía a las formas puras, en una incesante búsqueda por la sintaxis de los elementos. Para para el denominado “estilo internacional” característico de la pintura de Europa Occidental en los siglos finales de la Edad Media, véase gótico internacional. Se conoce como Estilo Internacional a un estilo arquitectónico de la arquitectura moderna, encuadrable dentro de el funcionalismo arquitectonico, que propugnaba una forma de proyectar “universal” y desprovista de rasgos regionales. Comenzó a tomar forma a partir de 1920. El Estilo Internacional se caracterizó, en lo vformal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la construcción en voladizo, por entonces novedoso.

El empleo de las nuevas técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional. técnicas y materiales, como el hormigón armado, permitían también la configuración de los amplios espacios interiores que caracterizaron a los de los edificios del Estilo Internacional. Albert Kahn, Edificio General Motors, Detroit, Míchigan. Contexto histórico y motivaciones [editar] El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando. El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones.


33 Arts & Crafts

Arts & Crafts 32

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando. El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones.

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando. El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones. En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros. El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en

En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de obreros. El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en la ciencia

El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales estaban revolucionando. El primero, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos, sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las edificaciones. En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos, las nuevas


35 1 Arts & Crafts

La formas actuales postmodernismo

Arte La sabiduría de la historia de la fory artesanía, oficio y muestra de naturalidad, ma se plasma en la magistral sencillez armonía y belleza como expresión idealista. de una tendencia sin fronteras. lación, causando congestión y caos. Además, dado el famoso mal clima de Londres, una cobertura era necesaria para protección de los visitantes. El Postmodernismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmodernista de que no existen términos definidos, límites, ni verdades absolutas. vtérmino “postmodernismo” se mantendrá vago, ya que aquellos que afirman ser postmodernistas tienen variadas creencias y opiniones sobre temas.

Municipalidad de Londres. Norman Foster.

¿Son el nacionalismo, la política, la religión, y la guerra el resultado de una mentalidad humana primitiva? ¿Es la verdad una ilusión? ¿Cómo puede el cristianismo reclamar primacía, o dictar la moral? La lista de inquietudes sigue y sigue, especialmente para aquellos afectados por una filosofía y estilo.de vida postmodernista. El Postmodernismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmodernista de que

El Ayuntamiento de Londres y el edificio Moor House. Estas obras se añaden a otros proyectos de Foster publicados en este moleskine, como sus pininos en el Sainsbury Centre for Visual Arts en Norwich, su impresionante Aeropuerto en Pekín o su artístico Puente del Milenio. Dejaremos para otra oportunidad la reseña de su monumental Swiss Re, más conocido como The Gherkin (el pepino). La cobertura de este patio fue diseñada por Foster & Partners para de este modo facilitar la comunicación entre galerías, las cuales servían previamente como zonas de exhibición y áreas de circu-

Edificio comercial, Londres. Norman Foster.


Arts & Crafts 36

El Postmodernismo es difícil de definir, porque el definirlo violaría la premisa postmodernista de que no existen términos definidos, límites, ni verdades absolutas. En este artículo, el término “postmodernismo” se mantendrá vago, ya que aquellos que afirman ser postmodernistas tienen variadas creencias y opiniones sobre temas.

¿Son el nacionalismo, la política, la religión, y la guerra el resultado de una mentalidad humana primitiva? ¿Es la verdad una ilusión? ¿Cómo puede el cristianismo reclamar primacía, o dictar la moral? La lista de inquietudes sigue y sigue, especialmente para aquellos afectados por una filosofía y estilo de vida postmodernista.

OTRAS OBRAS DE ESTA EDITORIAL

El Arte en la nueva era Historia de la Tipografía Cartelismo, color e imagen Psicología de la Iconografía moderna Estilismo ayer y hoy Manual de maquetación

wwPara algunos, las preguntas provienen de una pérdida de la confianza en un mundo corrupto occidental. Para otros, el asunto es liberarse de la autoridad tradicional. Su inquietud se centra alrededor de la continua confianza occidental en

principios religiosos antiguos y tradicionales, nacionalismo, capitalismo, sistemas políticos ineptos, y el uso imprudente e impacto adverso de promover “compromisos” entre los recursos energéticos y el medio ambiente, por


Editorial Barcinova Murcia

Congresos

Culture

de Murcia

Bureau

www.murciacultura.com

LA FORMA EN LA HISTORIA DEL DISEテ前

Oficina de


alber romeu