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TOYLAND Magazine

Nº 28 DICIEMBRE 2011

PLAYMOBIL en Navidad POCAHONTAS

ALEX

Madame Alexander

BARBIE de Congost Corto Maltés INSPECTOR GADGET

ANGELINA JOLIE

Especial «Ángeles»


ÍNDICE Nuevos propósitos No sé si es a final de año o a principios del siguiente cuando la gente se hace toda una lista de nuevos propósitos que se supone piensan cumplir durante el año: dejar de fumar, ponerse a dieta, comprar menos muñecas... La verdad es que nuestros deseos son bastante más realistas: procurar seguir haciendo la revista –aunque a partir de enero será siempre bimensual, debido al trabajo que nos supone y porque estamos preparando el segundo libro TOYLAND Made in USA–, seguir con nuestras secciones de siempre e intentar añadir alguna nueva, seguir dando la lata a los jugueteros españoles para que nos hagan un poco más de caso, seguir yendo a ferias y salones para darnos a conocer, y seguro que seguiremos comprando más muñecas y dejando una parte de nuestro sueldo en estas niñas. Me gustaría darle las gracias también a Itzi, que con sus geniales páginas nos ha alegrado estos últimos años; a partir del próximo número se tomará unas merecidas vacaciones... Y felicitar también a Ali Amigó, nuestra colaboradora que ha sido mamá de Enya, y a Sebas Martín, que tambien publicará un nuevo libro de cómics en febrero y se llamará Kedada. Ya veis que nuestros colaboradores no paran, y a pesar de ello sacan tiempo de donde sea para entregar sus artículos a tiempo. Y entonces llega Enric y les da un repaso final para corregir la ortografía y que los artículos sean comprensibles y amenos. Y es que esto es como una gran maquinaria que, esperamos, siga funcionando por mucho tiempo. Guillem Medina

Bazar 6 ¡Ho, ho, ho! Dolls 8 Alex de Madame Alexander Storyland 18 Pocahontas Star 30 Angelina Jolie Dolls 44 Santos y bíblicos Playmobil 52 Playmobil en Navidad Dolls 58 Ángeles Cult TV 68 Inspector Gadget Made in Spain 76 Barbie de Congost Cómic 86 Corto Maltés Dolls 96 Los abrigos de Nancy Itzi World 102 Intimate Made in Italy 106 Muñecas Furga Pullip 112 En blanco y negro ·············>

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ÍNDICE Mucho cuento 114 Caperucita Roja

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com

Bears 118 Teddy Bears

Redactora jefa: Núria Simón

126 Paper Dolls

Colaboradores: Sebas Martín, Ali Amigó, Itzi, Enric Fontvila

Cult Music 130 Los Diablos

Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mattel, Paola Reina, Famosa, Glénat, Integrity Toys, Disney, Pullip, Tonner Doll Company, Belter, Norma Editorial, Todocolección

Artista 134 Pilarín Bayés Evento 140 XVII Salón del Manga

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BAZAR ¡Ho, ho, ho! No sé qué pasa, pero cada vez que llega Navidad veo papanoeles en todas partes: en las puertas de las tiendas, en los balcones de las casas, en las pastelerías, en las jugueterías, incluso en la televisión... Así que no vamos a ser menos y os ofrecemos unas cuantas muñecas que se han disfrazado con el gorro rojo –e incluso con barba– para estos días tan especiales. Cuenta la leyenda que Papá Noel tal y como lo conocemos fue un invento de Coca-Cola –por eso viste de blanco, rojo y negro–, y que es un pariente lejano de San Nicolás. También dicen que vive en Rovaniemi (Laponia) y que se pasa el año fabricando y organizando juguetes para luego repartirlos el resto del año. Dicen que vive con Mamá Noel y cientos de elfos que lo ayudan en sus tareas y que tiene un reno llamado Rodolfo al que se le enciende la nariz. Dicen tantas cosas...

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ALEX

de Madame Alexander L

a historia de Alex comienza con el cambio de siglo, ya que fue en 2000 cuando debutó como una muñeca de 16 pulgadas –unos 41 centímetros–, de plástico duro, articulada, con ojos pintados y pelo implantado. Alexandra Fairchild Ford, su verdadero nombre, representa ser editora de la revista Élan, una mujer moderna y sofisticada que luce modelitos a la última, pero con una carita algo anodina, inexpresiva, carente de la fuerza de otras muñecas maniquí de la época. Sin embargo, en 2003 Alex estrenó nuevo cuerpo articulado en 18 puntos, lo que mejoró bastante la imagen, pero su cara seguía siendo sosa y pasarían bastantes años hasta que se produjera un cambio bastante considerable. Pero de eso hablaremos más adelante. Alex no llegaba sola al mundo de las fashion dolls ya que estaba muy bien acompañada por sus compañeras de trabajo y amigas: la negrita Paris

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Williams, editora de la revista Élan, y la oriental Jadde Lee, ambas creadas en 2001. Más adelante se les unirían la latina Sofía Cruz, creada en 2004; Suzette Morgan en 2005 y la rubia Sienna Evans en 2006. Al igual que Alex, sus amigas también son elegantes y sofisticadas, pero también sositas de cara… A ellas se les unió la tía de Alex, la elegante Amanda Fairchild, todas y cada una de ellas con su propio molde. En 2004 bajo el lema Strike a Pose se creó una colección de muñecas con 18 puntos de articulación: cabeza, cintura, hombros, antebrazos, codos, muñecas, caderas, rodillas, tobillos e incluso los dedos de los pies para crear poses más expresivas donde Alex, Jadde, Paris y Sofía vestían ajustados bodies negros, minifalditas en piel de distintos colores y largas melenas lisas con flequillo recto. Todas ellas tenían el pelo oscuro a excepción de Alex, que estaba también disponible en rubio


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y pelirrojo. La colección de Alex es principalmente de muñecas, aunque también se las ha dotado de algo de vestuario, tanto para ella como para sus amigas, lo mismo que accesorios extra como zapatos o un armario. Alex nunca ha existido como lo que entendemos por «muñeca básica», es decir, en lingerie o en bañador como otras fashion dolls, sino que siempre ha ido completamente vestida, muy decente ella. Sin embargo, en 2003 debutó la Back to Basics Alexandra Fairchild Ford, que era lo más parecido a una muñeca básica, con un sencillo pero elegante little black dress, haciendo juego con pamela, bolso y zapatos en negro, y un collar de perlas de tres vueltas como adorno.

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La muñeca se podía adquirir en rubio, castaño o pelirrojo, todas ellas luciendo una larga melena lisa. En 2006 se creó la Runway Collection con diversos modelos para todos los gustos y bolsillos, y Alex lució su primer, y hasta la fecha único, traje de novia, aunque, que nosotros sepamos, no se le conoce novio o amigo. En 2007 se utilizó el molde de Alex para crear una Rockette aprovechando que se celebraba el 75 aniversario del Radio City Hall y en 2008 se creó una Alex pirata –un tema que por entonces estaba muy de moda–, así como tres muñecas elegantemente ataviadas que reflejaban el estilo y el glamour de los años 30, 40 y 50.


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En 2008 y 2009 se crearon más muñecas luciendo diversos trajes de día o de noche, pero ninguno de ellos pasaría a la historia: el estilo de Alex es clásico y sencillo pero carece del glamour de Cissy, y en algunas ocasiones puede resultar algo sosaina, como sus propietarias… El molde y el cuerpo de Alex también se utilizan para crear otras muñecas como las celebrities. En 2003 se crearon los personajes de Greta Garbo en Margarita Gautier y Gran Hotel, de Judy Garland en Cita en St. Louis y de Marlene Dietrich en El expreso de Shanghai con el cuerpo de Alex y un molde especial para cada una de ellas. En 2004 la cara de Alex sirvió para

recrear a Audrey Hepburn en dos de sus papeles más memorables: Sabrina y Desayuno con diamantes. En 2006 debutó la serie Yesterday & Today, de corta vida, basada en la película Lo que el viento se llevó, donde se utilizó el cuerpo de Alex y el molde de la actriz Viven Leigh –o al menos esa era la intención– en el papel de Scarlett O’Hara y donde lucía el traje de la escena de la barbacoa en dos versiones, la clásica y una versión actualizada. En 2007 se volvió a repetir el patrón con el modelo en terciopelo negro que Scarlett lució en Dinner with Rhett. En 2008 el cuerpo de Alex se volvió a utilizar para recrear a Ingrid Bergman en Casablanca y a Leslie Caron en Gigi, con moldes inspirados en las

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dos actrices aunque sin demasiado parecido con ellas, la verdad. Al año siguiente las celebridades fueron Marylin Monroe en Los caballeros las prefieren rubias, Audrey Hepburn en Una cara con ángel y Grace Kelly luciendo un traje chaqueta en verde, dentro de la Grace Kelly Collection, que tenía a muñecas como Cissette o la misma Cissy como protagonistas. La verdad es que la de 16 pulgadas se parecía muy poco a la princesa monegasca, por no decir nada, y es que aunque Madame Alexander haga muñecas fantásticas nunca ha estado muy acertada con los moldes de lascelebridades. Ese mismo año el cuerpo de Alex se usó para crear la muñeca de Legally Blonde: The Musical, prácticamente con la misma

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cara que Alex. Pero las celebridades que iban a dar más que hablar fueron las cuatro protagonistas de la exitosa serie Mujeres desesperadas donde, bajo licencia de los estudios ABC, se usó el cuerpo de Alex pero cuatro moldes de cara completamente distintos para cada una de sus protagonistas: Edie Britt, Susan Mayer, Bree Van de Kamp, Lynette Scavo y Gabrielle Solís. En la primera edición de 2006 todas ellas lucían trajes con el color rosa en común, aunque el año siguiente cambiaron de modelitos, pero siempre luciendo trajes originales de la serie. En 2009, y aprovechando el cuerpo de Alex, se creó la serie History of Fashion con personajes como Nefertiti, Isabel I de Inglaterra, Ana


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DOLLS Bolena y María Antonieta, cada una con su propio molde, aunque la reina Isabel es clavadita a Greta Garbo… 2010 marca un punto y aparte en la vida de Alex, ya que Jason Wu tomó las riendas de su diseño y la transformó de arriba a abajo con nuevo molde y nuevos modelos, algo que continuaría en 2011. Alex se volvió más sofisticada, más mundana, con modelitos más atrevidos y maquillajes más agresivos. Si con Cissy Jason Wu se equivocó totalmente, con Alex dio en el clavo, ya que nos gusta más esta muñeca de ahora, más dinámica y menos sosa. Bajo el nombre de Alex Signature Collection Jason Wu creó muñecas como Virtually Stunning Alex, una rubia despampanante con minivestido negro y sombrero con flores fucsia; Mahogany Alex, con un abrigo de pieles; Going Platinum, con la negrita Paris luciendo un sencillo pero elegante traje de noche blanco y clutch en rojo, o Graphic Content Paris, de nuevo Paris con un vestido corto negro, sandalias verde chillón y redecilla en el pelo. La colección de 2011 nos vuelve a presentar muñecas con el nuevo molde y con nombres tan sugerentes como Green With Envy Alex, una pelirroja de melena corta luciendo un «discreto» vestido en verde esmeralda a juego con el tocado y los guantes, complementado con un abrigo de pieles; Black Swan Alex, vestida de encaje negro, o Evening Star Paris, vestida de oscuro con bolso dorado. Aparte de las muñecas


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DOLLS de la línea regular también existe un buen número de muñecas exclusivas de convenciones y festivales, de producción limitada, que sería imposible nombrar, así que mejor lo dejamos para otro momento. Alex puede tener un buen futuro si se cuida un poco más su imagen, ya que en estos momentos es la alternativa a la muñeca de 16 pulgadas de Tonner ahora que Gene ha desaparecido, aunque francamente creemos que, estando Cissy por medio, Alex siempre será la «hermana pobre». Texto: N ú r i a S i m ó n

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Pocahontas

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ntes de ser una princesa Disney, la india Pocahontas fue la hija de un jefe de tribu patawomeck de Virginia, que una vez convertida al cristianismo se casó con el inglés John Rolfe y pasó a ser conocida como Rebecca Rolfe. Con los años, la factoría Disney vio en la vida de Pocahontas un argumento perfecto para realizar una película. Pero antes de llegar a eso hablaremos un poco de la vida de nuestra heroína... El año de nacimiento de Pocahontas es desconocido, pero algunos historiadores estiman que fue alrededor de 1595. Pocahontas era la hija de Powhatan, el jefe de un grupo de treinta tribus en Virginia, y su madre, cuyo nombre y grupo de origen son desconocidos, fue una de las doce mujeres de Powhatan. La infancia de Pocahontas fue algo diferente a la de las chicas de su edad, aunque aprendió los trabajos propios de las mujeres de su tribu, como buscar comida y leña, las tareas agrícolas o buscar material para construir las tiendas donde vivían. Durante cientos de años después de su muerte, acaecida en 1617, la cultura popular la ha considerado una princesa,

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ya que su padre era tenido como un rey o emperador por los colonos ingleses, pero aunque Pocahontas fue la favorita de su padre, nunca fue una princesa en el sentido convencional europeo. Cuenta la historia que, en 1607, un colono llamado John Smith –¡muy original!– estuvo a punto de ser ejecutado por la tribu del padre de Pocahontas, que lo había secuestrado, pero la pequeña, que debía tener unos 10 o 12 años, lo salvó. En realidad, la única versión que existe de los hechos es la del propio Smith, y parece ser que está exagerada, aunque otros expertos dicen que todo se debe a una confusión, ya que aunque Smith creyó haber sido salvado en realidad se trataba de una «comedia» hecha por los propios indios y que formaba parte de sus ritos. Pero en realidad no sabremos nunca qué pasó de verdad… el caso es que este hecho fue el desencadenante de una amistad entre ingleses y nativos, ya que la pequeña Pocahontas, junto con otros niños de la tribu, proveían a Smith de alimentos que ayudaron a la supervivencia de los colonos americanos. Pero esto


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STORYLAND no podía acabar bien, así que los indios volvieron a mosquearse por el avance imparable de los colonos, ya que sentían que sus tierras estaban siendo invadidas, y no sin razón, así que los conflictos resurgieron. Al parecer, el padre de Pocahontas había tendido una trampa a los colonos para acabar con ellos, pero la pequeña avisó a Smith del plan de papá. Cuando Smith, herido, tuvo que volver a Inglaterra para curarse, se creyó que había sido secuestrado y había muerto, y Pocahontas siempre lo pensó hasta que se volvió a encontrar con él en Inglaterra años más tarde. Al parecer, Pocahontas se casó antes de 1612 con un guerrero de su tribu y el posible y peliculero affaire entre Smith y la muchacha no tiene ninguna evidencia histórica, ya que sólo aparece en las obras de ficción. En 1613, Pocahontas fue raptada por unos colonos ingleses para utilizarla como rehén a cambio de unos prisioneros que estaban en poder de la tribu. Los prisioneros fueron liberados, pero eso no fue suficiente para liberar también a Pocahontas, que siguió secuestrada en Henricus, en el actual condado de Chesterfield. Aunque se conoce poco de su estancia allí, se sabe que la educaron en el cristianismo y que fue bautizada como Rebecca, seguramente como gesto simbólico a la Rebeca del libro del Génesis, que era la madre de dos naciones o pueblos distintos. Así, Pocahontas, como india americana casada con un inglés, podría haber sido considerada por ella y por sus

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STORYLAND contemporáneos como la madre potencial de dos naciones. Durante ese tiempo aprendió a hablar inglés y al parecer se amoldó muy bien a la vida de los colonos, ya que cuando en 1614 se desató una fuerte guerra entre ingleses y nativos, y los colonos, que tenían varios rehenes nativos, le pidieron a Pocahontas que hablara con su tribu para llegar a un acuerdo, ella se negó ya que prefería vivir con los ingleses, pues consideraba que su padre la valoraba poco. Durante su estancia en Henricus, Pocahontas conoció a John Rolfe, un viudo cultivador de tabaco que se enamoró de ella; lo que ya no sabemos es si Pocahontas estaba enamorada de él... Pero, aun así, la boda tuvo lugar en 1614 mediante el rito católico y la chica pasó a ser conocida como lady Rebecca Rolfe. Vivieron felices en una de las plantaciones de John y, un año más tarde, nació su hijo, Thomas. La familia Rolfe viajó a Inglaterra en 1616 acompañada por un grupo de nativos y llegaron a la ciudad donde vivía John Smith, en la que Pocahontas descubrió que continuaba con vida. Smith escribió a la reina Ana para solicitar que Pocahontas fuera tratada como una visitante de la realeza, y es así como acudió al Palacio de Whitehall durante el reinado de Jaime I en 1617. Pocahontas falleció de unas extrañas fiebres con tan sólo 22 años y Smith murió catorce años más tarde estando soltero. Desde su muerte ha habido muchas representaciones idealizadas de Pocahontas, pero el único retrato contemporáneo de ella es el grabado de Simon de Passe de 1616, donde

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se la retrata con sus facciones de nativa india de Virginia. Algunos retratos posteriores la pintaron más europea en apariencia, y algunos escritores la romantizaron a través de su historia de amor con John Smith como John Davis en sus Travels in the United States of America (1803). Películas y dibujos Se han hecho algunas películas sobre Pocahontas, como un filme mudo de 1924, o Captain John Smith and Pocahontas, que fue estrenado en 1953, con Jody Lawrance como la heroína protagonista. En filmes más recientes, hasta finales del siglo XX Pocahontas ha representado la superioridad moral de los valores tradicionales de los nativos sobre los occidentales. Pocahontas: The Legend (1999) es la segunda película basada en su vida. Y aunque el director Terrence Malick busco más exactitud histórica en su película El nuevo mundo (2005), siguió retratando a Smith y Pocahontas como amantes. Pocahontas es la 33ª película animada de la serie Walt Disney Classics y pertenece a la era del renacimiento Disney, que tuvo lugar entre 1989 y 1999. El film animado sobre Pocahontas, de 1995, es el primero de Disney en estar basado en una historia real y narra su encuentro con el inglés John Smith y los colonos que llegaron a Virginia. En esta historia de amor, Pocahontas enseña a Smith a respetar la naturaleza. Mel Gibson se encargó de dar voz a John Smith, mientras que Irene Bedard dio vida

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a Pocahontas, aunque las canciones las interpretó Judy Kuhn. El film fue un éxito de taquilla en todo el mundo y la partitura de Alan Menken con letra de Stephen Schwartz recibió dos premios Oscar de la Academia, uno de ellos para la canción, Colores en el viento. El film también estuvo nominado en otras categorías y obtuvo otras premios como los Golden Globe Awards o los Grammy. De todas formas, el film fue criticado por el jefe Roy Crazy Horse de la nación Powhatan Renape como inexacto históricamente y ofensivo por el trato dado a Pocahontas y su tribu por los ingleses. La secuela Pocahontas II: Viaje a un nuevo mundo, de 1998, trata sobre su viaje a Inglaterra. Texto: N ú r i a S i m ó n

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Angelina Jolie

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ngelina Jolie Voight es una actriz de cine y televisión, modelo, filántropa y embajadora de buena voluntad de la ACNUR estadounidense, nacida Los Ángeles (California) el 4 de junio de 1975. A lo largo de su carrera, Jolie ha recibido múltiples reconocimientos por sus dotes interpretativas, entre ellos un premio Oscar y tres Globos de Oro. Angelina Jolie comenzó a trabajar como modelo a los quince años. Logró cotizarse en la profesión y llegó a trabajar en los Estados Unidos y en Europa, sobre todo en Los Ángeles, Nueva York y Londres. Apareció en numerosos vídeos musicales, entre ellos Rock and Roll Dreams Come Through de Meat Loaf, Alta marea de Antonello Venditti, Stand by My Woman de Lenny Kravitz e It’s About Time de Lemonheads. A los 16 años, Jolie regresó al teatro y desempeñó su primer papel como alemana en Dominatrix. Comenzó a aprender de su padre, notó el método que él tenía al observar a la gente y lograr imitarlas a la perfección. Su relación con su padre durante este

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tiempo no fue tan tensa como llegaría a ser una década más tarde. Jolie apareció en cinco películas de su hermano mientras él asistía a la escuela USC School of Cinematic Arts, pero su carrera profesional se inició formalmente en 1993, cuando desempeñó su primer papel protagonista en la película de bajo presupuesto Cyborg 2 como Casella Reese, un androide casi humano concebido para seducir a los rivales del fabricante. Después de varios proyectos de bajo presupuesto, volvió a tener un papel de protagonista; esta vez trabajó como Kate Libby, su primer papel en Hollywood, en el film Hackers (1995), donde conoció a su primer marido, Jonny Lee Miller. Hizo de Gina Malacici en 1996 en la comedia Love Is All There Is, adaptación moderna de Romeo y Julieta. Ese mismo año desempeñó el papel de Margret Sadovsky, una de las cinco protagonistas en el fim Jóvenes incomprendidas. En 1998 la actriz protagonizó junto a David Duchovny la película Jugando con la muerte, un film que trata sobre un


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STAR médico que es despojado de su licencia y por esta razón se vuelve uno de los criminales más buscados. La película no fue bien recibida por los críticos, y Roger Ebert, periodista del Chicago Sun-Times, señaló: «Angelina Jolie es demasiado sexy para un papel de niña buena, tiene un cásting más apropiado de chica ruda». Después apareció en la película para la televisión Coraje, un drama romántico ambientado en el Oeste, basado en el libro de Janice Woods Windle. Ese año hizo el papel de una stripper en el vídeo Anybody Seen My Baby? de The Rolling Stones. Su reconocimiento mundial comenzó a desarrollarse después de que ganara

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STAR un premio Oscar como mejor actriz de reparto, en 2000, gracias a su trabajo en la película Inocencia interrumpida. Aunque es muy apreciada por su capacidad interpretativa, los films de Angelina Jolie hasta la fecha no habían tenido un éxito taquillero demasiado alto, pero el estreno de Lara Croft: Tomb Raider en 2001 hizo de ella una estrella internacional. En esta adaptación del popular videojuego Tomb Raider, Jolie estuvo obligada a tener un acento británico y a someterse a clases de artes marciales para poder desempeñar el papel de Lara Croft. Fue elogiada en general por su esfuerzo físico, pero la película le generó comentarios negativos. Slant Magazine comentó: «Angelina Jolie nació para actuar; en la película nos muestra su faceta de jugadora, pero la película no está enfocada a ese juego y a su esencia como debería, nada más». La película obtuvo un gran éxito de taquilla y llegó a recaudar unos 270 millones de dólares a nivel mundial. Ese mismo año, Jolie protagonizó junto a Antonio Banderas el film Pecado original, basada en la novela de Cornell Woolrich. La película fue un gran fracaso de crítica; The New York Times señaló: «La película se hunde, igual que el escote de Angelina Jolie». En 2002 interpretó a Lanie Kerrigan en Siete días y una vida, película acerca de una ambiciosa reportera de televisión que morirá en una semana. La película fue mal recibida por los críticos, aunque la actuación de Jolie recibió comentarios positivos. Paul

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STAR Clinton, de la CNN, escribió: «Jolie hace un excelente papel. A pesar de algunos puntos absurdos en medio de la trama de la película, esta ganadora del Oscar es muy creíble en su camino hacia el descubrimiento de sí misma y del verdadero significado de la vida plena». Jolie vuelve a interpretar a Lara Croft, esta vez en la secuela titulada Lara Croft: Tomb Raider. La cuna de la vida, de 2003. el film no fue tan lucrativo como el antecesor, pero logró recaudar 156 millones de dólares en taquilla. Ese mismo año protagonizó Amar peligrosamente, una película sobre los trabajos humanitarios en África. La película obtuvo críticas negativas y no le fue muy bien financieramente. Hizo el papel de Jane Smith en la comedia de acción Señor y señora Smith, junto a Brad Pitt. Su mayor éxito comercial fue Kung Fu Panda, que a su vez fue producida por Dreamworks y dirigida por el cineasta Mark Osborne. En 2009, Jolie filmó la cinta de acción Salt, cuyo papel protagonista estaba pensado para el actor Tom Cruise. El rodaje tuvo lugar en Nueva York y Washington y la actriz sufrió una pequeña lesión en la cabeza, que no impidió la continuación del rodaje. La actriz interpreta a una agente de la CIA acusada der ser una espía rusa; su estreno fue el 23 de julio de 2010. Ese mismo 2010, Jolie intervino en el documental El viaje de Jane, que narra la vida de la naturalista inglesa Jane Goodall.

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Vanity Fair publicó la lista de las Top 40 Celebrities de Hollywood con más ingresos a lo largo de 2010. Jolie fue clasificada la vigésimo primera en la lista, con unas ganancias estimadas en 23,5 millones de dólares por sus films. El 11 de junio de 2010 se confirmó que Jolie protagonizaría a Cleopatra en una nueva versión titulada Cleopatra: A Life, película que está basada en el libro de Stacy Schiff. Angelina ha acabado de rodar su primera película como directora, titulada In the Land of Blood and Honey, y trata de una mujer que se enamora al comienzo de la guerra de Bosnia, en 1992, conflicto que afectará tanto a su relación como a los que la rodean. El estreno en Estados Unidos está previsto para el 23 de diciembre de 2011. Es considerada una de las mujeres más atractivas del mundo, por lo que es centro de atención de los medios de comunicación. Ha sido pareja amorosa de los actores Jonny Lee Miller y Billy Bob Thornton. Actualmente tiene una relación con el también actor Brad Pitt, que ha atraído la atención de todos los medios de comunicación del mundo. Es reconocida por sus trabajos humanitarios en diversos países y ha recibido varios reconocimientos por su labor. En 2005, el rey de Camboya, Norodom Sihamoni, emitió un decreto a través del cual la nombró «ciudadana del país por sus esfuerzos para preservar el alma humanitaria».

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STAR Filmografía • Lookin’ to Get Out (1982) • Cyborg 2: La sombra de cristal (1993) • Sin pruebas (1995) • Hackers: Piratas informáticos (1995) • Love Is All There Is (1996) • La luna del desierto (1996) • Jóvenes incomprendidas (1996) • Jugando con la muerte (1997) • Hell’s Kitchen (1998) • Jugando con el corazón (1998) • Fuera de control (1999) • El coleccionista de huesos (1999) • Inocencia interrumpida (1999) • 60 segundos (2000) • Lara Croft: Tomb Raider (2001) • Pecado original (2001) • Siete días y una vida (2002) • Lara Croft: Tomb Raider. La cuna de la vida (2003) • Amar peligrosamente (2003) • Vidas ajenas (2004) • El espantatiburones (2004) –voz– • Sky Captain y el mundo del mañana (2004) • Alejandro Magno (2004) • Señor y señora Smith (2005) • El buen pastor (2006) • Un corazón invencible (2007) • Beowulf (2007) –voz– • Kung Fu Panda (2008) –voz– • El intercambio (2008) • Wanted: Se busca (2008) • Salt (2010) • The Tourist (2010) • Kung Fu Panda 2 (2011) –voz– • The Life and Opinions of Maf the Dog, and of His Friend Marilyn Monroe (2011) • Maleficent (2012) • Cleopatra (2013)

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STAR NOEL CRUZ Collection

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STAR JUAN ALBUERNE Collection

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SANTOS Y BÍBLICOS DOLLS

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a simpática página web Good Shepherd Book and Gift (www.goodshepherdgiftshop.com ) nos ha sorprendido profundamente pues hacen muñecos inspirados en personajes de la Biblia, en santos y otras celebridades relacionadas con la religión cristiana. Las figuras, de unos 47 cm de altura, están realizadas en goma, en la que se ha pintado la cara y el cabello –aunque algunas tengan pelucas de pelo sintético–, su precio ronda los 105 dólares y no dudamos que es un regalo sumamente original para estas fiestas o simplemente para los que disfrutan coleccionando este tipo de muñecos. Hay algunos personajes del Antiguo Testamento como Moisés, pero la mayoría son los que aparecen en el Nuevo Testamento, como Jesús, la Virgen María, San José o los apóstoles. También hay algunos ángeles y numerosos santos más contemporáneos como Martín de Porres o Juana de Arco. También nos gusta la idea de recrear imágenes de santos «más modernos» que incluso hemos podido conocer, como la madre

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Teresa de Calcuta, el papa Juan Pablo II o el Padre Pío, muy popular y de gran devoción en Italia. Para todos aquellos que os gustó tanto el artículo de las monjas que hicimos hace un par de números, seguro que este os parecerá genial. También ha hecho figuras bíblicas la casa Madame Alexander: ya en 1954 les dedicó una muñeca a personajes como José, María, David, la reina Esther, Ruth, Timoteo o Marta. Figuras que hoy en día pueden llegar a costar entre 5.000 y 1.200 dólares, lo cual da fe de lo difíciles que son de conseguir. En 1995 haría una segunda serie con personajes como Sansón y Dalila, las figuras del Nacimiento junto a los Reyes Magos o, de nuevo, la reina Esther, que, la verdad, no sabíamos que tuviese tanto seguimiento en los Estados Unidos, porque entre nostros siempre fue más popular Moisés, Adán y Eva o Noé. También los Playmobil han dedicado figuritas a Noé y su arca y al Nacimiento, que incluye un angelito y los tres magos de Oriente.


Santa Rosa de Lima

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46 San Judas

Santa Ana

Moisés

Jesús el buen pastor

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Santa Teresa de Lisieux

San Antonio de Padua

Santa Catalina Drexel

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l de HungrĂ­a

Santa Isabe

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Santa Isabel Ana Seton

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San Juan Diego

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San Juan Bo

San Francisco de As 铆s

Santa Ver贸nica

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San Martín d

e Porres

Santa Cecilia

Santa Juana de Arco

Santa María Goretti

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Santa Clara de Asís

San Nicolás

San Miguel Arcángel

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PLAYMOBIL

Playmobil en Navidad A

los Playmobil siempre les ha gustado celebrar las Navidades, por ello es habitual que cada año saquen algunas cajas especiales dedicadas a estas fiestas. Los primeros sets invernales –todavía no eran Navideños– datan de 1992 con unos Playmobil esquiadores o en trineo, donde no podía faltar el típico muñeco de nieve. En 1996 aparece el primer Papá Noel en caja individual; como complemento lleva un hatillo anudado a un palo. Al año siguiente aparece el primer Calendario de Adviento: ya sabéis, es una caja con 25 ventanitas, una por cada día de diciembre, desde el 1 hasta el día de Navidad; detrás de cada ventana hay un regalito y es muy típico entre los niños del norte de Europa. En el año 2000 aparece el primer set con el Nacimiento, o sea San José, la Virgen María, el Niño Jesús, un buey, una mula, un angelito y un pastor con varias ovejas. Todo ello con un decorado pintado de fondo que simula el establo. También aparece un set con los tres Reyes Magos, aunque con un solo camello, así que o se turnan para

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ir montados, o tenías que comprarte dos camellos más de otros sets. En algunos establecimientos como Toys’R’Us ofrecen un set con el Nacimiento y los Reyes todos juntos. En 2001, a parte del ya tradiconal Calendario de Adviento, se ofrece un set de Playmobils para colgar del árbol de Navidad. En 2003 ya se pueden encontrar tres modelos diferentes de Calendario de Adviento, todavía con motivos navideños. En 2006 los motivos de los calendarios ya se diversifican y aparece uno medieval –suponemos que dedicado a los niños– y otro con un mundo de princesas de color rosa, se supone que para niñas. Al año siguiente, el calendario está dedicado al mundo de los piratas. En 2008 se ofreció un nuevo Papá Noel en la serie Special, esta vez con un saco lleno de juguetes. También hemos podido ver varios blísters con parejas de muñecos: Papá Noel con muñeco de nieve, Papá Noel con un angelito y un organillo y San Nicolás –vestido de Papa– con un ángel de enormes alas doradas (que es nuestra portada).


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Ángeles

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ada año cuando decoramos el árbol de Navidad siempre hay una figura que no puede faltar, y esa es la del ángel, que mucha gente pone en lo alto del árbol y otros cuelgan en las ramas. Lo pongas donde lo pongas, lo cierto es que las muñecas vestidas de ángel marcan toda una tendencia a la que muchas empresas han dedicado series completas. Una de ellas es la rubísima Barbie, que con su cara angelical era inevitable que le plantasen un par de alas y echase a volar. Una de las primeras series fue Angels of Music, que contó tan sólo con dos ejemplares: una Barbie con un arpa y otra con un violín. Si alguien esperaba que se formase toda una orquesta se quedó con las ganas, porque las series de Mattel se sabe cuando empiezan pero nunca cuando acaban, y ésta no duró más que dos suspiros. Dentro de la serie Fantasy, dedicada a hadas y otros series mitólogicos, en 2006 aparece Golden Angel Barbie, de enormes alas y vestido de inspiración renacentista. Y también hay ángeles especialmente pensados para la época de Navidad,

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como la serie Holiday Angel, que sólo tuvo dos representantes, en el 2000 y al año siguiente, uno vestido de azul y otro de rojo. Y otra serie más que explotaba el supuesto encanto de los ángeles fue Timeless Sentiments, con dos muestras: Angel of Joy y Angel of Peace; tenía que haber una tercera, Angel of Hope, pero se quedó en un proyecto que nunca vio la luz. La última serie, de nombre algo absurdo, es Angel of Couture, con dos nuevas Barbies, una rubia vestida de azul (2010) y otra morena (2011), con alas de tela un poco ajadas. Al margen de Barbie, no podemos olvidar todos los ángeles que cada año realiza Madame Alexander, generalmente en la época de Navidad, así como algún ejemplo esporádico que ha sacado Tonner. O muchos diseñadores americanos que dedican siempre algunos de sus bebés a ponerles alas y convertirlos en deliciosos querubines. Y, claro está, todas esas creaciones anónimas pero encantadoras que nos ofrecen angelitos de todo tipo, material y estilo.


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s el mejor detective privado? ¿Es un cyborg metálico? ¿Es un desastre andante? Todo eso y mucho más es el inspector Gadget, inspirado directamente en otro inspector ilustre: el inspector Clouseau, aquel que apareció por primera vez junto a la Pantera Rosa vestido con gabardina, sombrero calado y un enorme mostacho y que fue interpretado de forma genial por el actor Peter Sellers. Gadget también nos recuerda a otro agente absolutamente inútil: Maxwell Smart, conocido como el Superagente 86, el cual disponía de algunos gadgets ingeniosos –como el zapateléfono–, pero que, en la serie del Inspector Gadget, llega a ser una obsesión, ya que nos apareche un cachivache por minuto, a cuál más inverosímil y fantasioso. Y es que Gadget no existiría sin estos previos referentes y, por supuesto, sin toda la saga de James Bond, de la cual copia descaradamente muchos de los gadgets e incluso la apariencia del villano de turno, Mr. Claw –Doctor Gang en la versión española–, aquí líder de la organización MAD y del

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que sólo vislumbramos un brazo metálico que continuamente acaricia un gato ronroneante. La idea original de la serie Inspector Gadget fue de Andy Heyward, quien también escribió el episodio piloto Gadget in Winterland en 1982. El dibujante Jean Chalopin le ayudó a desarrollar el formato y el concepto del resto de episodios. Bruno Bianchi diseñó los personajes principales y ejerció de director supervisor. Peter Sauder fue el escritor principal durante la primera temporada. La pegadiza sintonía de la cabecera fue compuesta por Shuki Levy y Haim Saban, los cuales también compusieron la música de otros dibujos animados de éxito en los años 80. La primera temporada se emitió en Francia desde septiembre de 1983 a noviembre de 1984, componiéndose de 65 episodios de 22 minutos y medio cada uno. En 1985 se hizo una segunda temporada con 21 episodios nuevos, pero con una animación mucho más barata y de peor calidad. Cuando se emitió por primera vez en


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España, en octubre de 1984, tan sólo se pasaron 26 episodios de la primera temporada. Posteriormente, en 1987, se emitieron los restantes capítulos que faltaban de la primera temporada y la segunda temporada al completo. En cuanto al doblaje de los personajes, destacar que el polifacético Jordi Estadella se encargaría de doblar al inspector Gadget, mientras que en la versión americana la voz la puso Don Adams, el actor protagonista de Superagente 86, así todo quedaba en casa. El argumento de cada capítulo era bastante similar: Gadget recibía la notificación de una misión mediante el Jefe Gontier, nota que después de leerse se autodestruía de forma automática. Una vez informado, Gadget junto a su sobrina Sophie –que nunca explican por qué vive con él– y el perro Sultán –con más disfraces que Mortadelo– se ponían en marcha. La organización MAD, a la cabeza de la cual siempre estaba el Doctor Gang, intentaba alguna maldad, que siempre acababa abortada gracias más bien a las pesquisas y la sagacidad de Sophie y Sultán que no a las acciones patosas de Gadget. A veces incluso Sophie es secuestrada por los villanos de turno, pero conseguirá escapar gracias a su ingenio y a la ayuda de Sultán, mientras su tío, que vive en su mundo particular, sigue llevando a cabo investigaciones tan absurdas como inútiles. Al final, será Gadget el que se lleve los honores y las felicitaciones por parte de todos, y tendrá la cara dura de aceptarlos sin reconocer el mérito de sus pequeños ayudantes. En algunos

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capítulos aparece un nuevo ayudante de Gadget, el Coronel Capeman, pero no tuvo ningún éxito entre los fans de la serie, y se lo ventilan en tan sólo ocho episodios. Quizás el mayor acierto de la serie es la gran cantidad de gadgets o pequeños ingenios que aparecen en cada capítulo, pues el inspector es una especie de contenedor del cual pueden emerger unas hélices de helicóptero o unos esquíes. Mención a parte merece el gadgetomóvil, un superdeportivo repleto de artilugios como lásers, misiles, gas de la risa o, incluso, un paracaídas. De hecho, el vehículo de Gadget no tenía nada que envidiar a los de James Bond, al Batmóvil o a Kitt, el Coche Fantástico.

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Personajes Inspector Gadget Inspector de la policía de Metro City, tan despistado como inútil en su trabajo, que si no fuese por la ayuda de su sobrina Sophie e incluso del perro Sultán no resolvería ningún caso. No se sabe por qué, pero su cuerpo medio cyborg permite estirarse, contraerse y estar repleto de gadgets.

Sophie Sobrina del inspector Gadget. Nadie sabe dónde están sus padres y por qué tiene que vivir con su excéntrico tío, pero ella es feliz así. De hecho, es la única investigadora válida del grupo, y acostumbra a resolver los casos con ayuda del Libro Ordenador.

Sultán En la versión sudamericana también se llama Cerebro o Sabihondo, y es que en esta serie hasta un chucho sin pedigrí tiene más dedos de frente que el popular detective. Sultán por lo general ayuda a Sophie y se camufla cual Mortadelo con sus disfraces.

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principales

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Jefe Gontier Es el jefe de Gadget: puede aparecer en el sitio más inesperado para entregarle una nota con las instrucciones de la misión y después esa nota se autodestruye automáticamente. Va eternamente vestido con camisa y tirantes y fuma una pipa de forma compulsiva.

Doctor Gang Cabecilla de la organización MAD. Lo único que vemos de él en toda la serie es una especie de guante metálico con un anillo y una pulsera de pinchos estilo punky fashion victim. Como el jefe de Spectra en James Bond, tiene un gato de mascota al que acaricia suavemente.

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CULT TV Merchandising variado Con lo que nos hubiese gustado jugar a tener una especie de gadgetsombrero del cual surgiesen todo tipo de artilugios o una gadgetgabardina que se convirtiese en un paracaídas o una balsa inflable, y nos tuvimos que conformar con cuatro figuritas de PVC, unas chapas, los juegos de cartas de Fournier, unos tebeítos de mala calidad y unas historietas que regalaban con las galletas Cuétara. Menos mal que suplíamos esas carencias con mucha imaginación, y así cualquiera de los bancos del parque nos servía como gadgetomóvil y una lupa de plástico podía ser la herramienta ideal para encontrar pistas de los malvados.

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Canción original Eh la qui va là Inspecteur Gadget] Eh la ça va pas [Ouh ouh] Oh la je suis là [Inspecteur Gadget] C’est moi que voilà [Inspecteur Gadget] Ça va être la joie [Ouh ouh] Au nom de la loi [Moi je vous arrête] Je vous arrête là [Go go] Gadget à main [Flash] Gadget au chapeau [Hey ho] Gadget au poing [Oh la] Elastico-Gadget Les bandits sont là [Inspecteur Gadget] Ils n’échapperont pas [Ouh ouh] Si l’inspecteur fait gaffe [Fait gaffe aux gadgets] Qui marchent ou marchent pas [Go go] Gadget à main [Là-haut] Gadget au chapeau [Go go] Gadget au poing [Oui c’est] Elastico-Gadget

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BARBIE

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DE CONGOST

on unos años más, como Barbie seré… y mientras jugaré con Barbie SuperStar... repetía la cancioncilla. De hecho, muchas de aquellas niñas, con los años, no llegaron a ser como Barbie, y las que lo hicieron no tienen muy buena fama. Lo cierto es que, cuando en 1975, Congost compró los derechos de la franquicia de Barbie a la Mattel estadounidense, se apuntó un buen tanto comercial y de paso revolucionó el panorama muñequero patrio con un producto que se salía de todos los patrones: una muñeca de pequeño tamaño –32 cm–, con un amplio vestuario y mobiliario, pero sobretodo que ya no es una niña ni una adolescente, sino toda una mujer hecha y derecha. «Demasiado pechugona, no la encuentro adecuada para un niño», le dijo el juguetero clarividente a mi madre. Barbie ya tenía tras de sí todo un pasado, pues fue creada en 1959 por Ruth Handler copiando con todo el descaro la idea de una muñeca que existió en los años 50, Bild Lily, salida de los tebeos germanos y con una

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reputación más que dudosa. Pero en el reino de Yanquilandia todo es bonito, de color rosa y edulcorado, y Barbie –nombre diminutivo de Barbara, la hija de la creadora– pasó a ser una jovencita decente, de boquita de piñón, rubísima coleta de caballo y casto bañador a rayas. Con el tiempo se le fue añadiendo un novio florero –Ken–, la eterna amiga –Midge– y una parentela de todos los tamaños y colores posibles. Barbie fue cambiando su fisonomía al ritmo de las épocas: se hizo mod en los sesenta, una rubia californiana a principios de los setenta y más rubia y vestida de rosa que nunca a finales de los setenta con el modelo SuperStar. La Barbie de Congost a penas duró una década –antes de ser comercializada por Mattel España–, durante la cual aparecieron varios modelos que hicieron historia: Barbie Secretos de Belleza, que peinaba su larguíiiiisima cabellera rubia; Barbie Sun, con marcas de bronceado, y otras más, todas ellas envueltas en un lujosísimo vestuario que cada temporada cambiaba a velocidad


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de vértigo. Y todo ello al margen del saloncito, la bañera de espuma y los miles de complementos que la rubia maniquí tuvo durante esos años. Las diferencias entre el modelo norteamericano y el español, a pesar de ser la misma muñeca, son importantes; si no, que se lo digan a los coleccionistas... Actualmente cuesta encontrar las Barbies de esta época en buenas condiciones, y mucho más en su caja original, pues en aquel momento aquí no había la mentalidad de guardar nada.

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Corto Maltés

ubo un tiempo en que aún quedaban lugares por explorar; tesoros por descubrir, quimeras por las que luchar. A esta época, relativamente cercana en el tiempo pero que parece alejada por siglos de este mundo de globalización y tecnología en que nos movemos, pertenece Corto Maltés, el último héroe romántico.

El intrépido personaje nació de la mano de Hugo Pratt en 1967, cuando el promotor inmobiliario Florenzo Ivaldi, le propone a Pratt financiar una revista de cómic, posiblemente para blanquear ese no siempre claro dinerillo italiano a gran escala. Nace así la revista Sgt. Kirk, donde se publican las primeras historias del héroe, como La balada del mar salado. Más tarde, en 1970; Pratt y Maltés tendrían el reconocimiento internacional con la reaparición y continuación de sus correrías en el semanario Pif. Las aventuras de Corto empiezan en 1887, fecha de su supuesto nacimiento, para acabar, de una manera un tanto confusa, durante la Guerra Civil Española, en la que nuestro héroe formaba parte de la

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XV Brigada Internacional. Sea como fuere, tras la batalla cuerpo a cuerpo en el frente de Lopera y el recuento de los caídos de la XV, Corto no apareció entre la lista de cadáveres. Maltés es un marino de alquiler, un capitán de fragata sin bandera, que alquila sus servicios a lo que parece, en un principio, el mejor postor, cosa que queda rápidamente desmentida a causa de su romántico idealismo. De hecho, Corto es un deseado alter ego de Pratt y, aunque no durante la misma época, el autor sí que vivió aventuras y correrías muy parecidas a las de su personaje, para volver siempre a Venecia, patria adoptiva del autor y ciudad fetiche del héroe. Corto nace un día de primavera en La Valetta (Malta), hijo de una bellísima gitana de Cádiz –de quien se dice es la «niña andaluza» pintada por Ingres– y un marinero de Cornualles. Tan variopintos padres quisieron que el pequeño Corto tuviera una educación ecléctica donde debía constar ciencia y paraciencia, el estudio de las Sagradas Escrituras, el Talmud i la Cábala. Con


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CÓMIC semejantes estudios, el chaval estaba preparado para ponerle morro a la vida. Un ejemplo es que, tras decirle una gitana que apenas tenía línea del destino en la palma de su mano, él mismo se trazó una con una cuchilla, proclamándose dueño de éste. Corto Maltés se mueve como pez en el agua en ese mundo convulso de principios del siglo XX: asiste a la Guerra Ruso-Japonesa, al alzamiento comunista en China y a los últimos coletazos del zarismo en una Rusia ya bolchevique. Persigue tesoros y quimeras en la América tropical, sin llegar jamás a conseguirlos, dando más importancia al hecho de la búsqueda que al fin en sí y convirtiéndose así en el primer «perroflauta» de la historia. Se mueve entre las guerras tribales y la magia en el África Oriental y en el sur de Arabia. Vive los inicios y el desarrollo de la primera Gran Guerra europea, salvando de una invasión teutona a Inglaterra con la ayuda de Titania y Oberón, reyes de las hadas. Viaja hasta Samarcanda, atravesando Turquía durante el alzamiento de Mustafá Kemal Atatürk. Y, en sus correrías por aquel mundo que parecía desmoronarse, se codea con personajes reales tales como Gabriele D’Annunzio, Butch Cassidy, Sir Roger Casement, Joseph Conrad, Enver Pachá, Paul Gaugin, Ernest Hemingway, Hermann Hesse, James Joyce o Jack London, entre muchos otros. Y luego están las mujeres que rodean a Corto. Un surtido ramillete que va desde núbiles doncellas a

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CÓMIC intrépidas Lolitas, pasando por harpías con sorprendente corazón o enigmáticas a la par que elegantes hechiceras. Valga enumerar a Pandora Groovesnore, enacantadora y repelente a partes iguales, hija de un poderoso armador australiano; Boca Dorada, enigmática adivina de inquietante edad indefinida que asegura haber conocido al abuelo de Corto y cosas anteriores; Venexiana Stevenson, eterna enemiga del héroe y la mujer que más le ha disparado sin acertar –acaso no quería hacerlo...; Marina Seminova, la última aristócrata rusa, custodia del tesoro de los zares; Tian Hua, idealista maoísta que juega con los propios ideales de Corto; Hipazia Teone, veneciana que se cree la encarnación de la Hipatia alejandrina, y un sinfín de bellezas de todo tipo que envuelven al marino, desviándole de sus rutas hacia otros destinos. No te los puedes perder • La balada del mar salado (1967): Épica aventura que sucede alrededor de 1913 entorno a la Melanesia. Los intereses de las potencias europeas están fraguando su particular versión

de la Gran Guerra en el Pacífico. Con este telón de fondo, los hermanos Groovesnore, hijos de un poderoso armador de Sydney, han sido secuestrados por el enigmático Monje. • Bajo el signo de Capricornio (1970): Recopilación de relatos de Corto en América Latina. Con las deliciosas narraciones El secreto de Tristán Bantam, Por culpa de una gaviota o Samba con Tiro-Fijo.


CÓMIC • Siempre un poco más lejos (1970): Boca Dorada, Morgana Batam y Esmeralda son tres mujeres de piel oscura, conocimiento más allá de lo real y belleza cautivadora entre las que el aventurero se moverá más como una marioneta del destino y sus femeninos intereses que por propia voluntad... o tal vez no... • Las célticas (1971): Relatos cortos del héroe en Europa a principios de la Primera Guerra Mundial. Pratt retrata desde el fascismo veneciano hasta el terrorismo irlandés, pasando por una unión del marino con las hadas inglesas para salvar a la Gran Bretaña de una invasión alemana. • Fábula de Venecia (1977): La masonería, el fascismo, el ocultismo, la filosofía y hasta la magia se dan la mano en esta curiosa pero genial historia con un final, como poco, sorprendente... • La casa dorada de Sarmarcanda (1980): Persiguiendo el tesoro de Alejandro Magno, Corto atraviesa

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una Turquía alzada en armas y una Anatolia misteriosa, para descubrir que el verdadero tesoro está en la búsqueda. Una pantalla aventurera • La corte secreta de los arcanos (2007): Película de animación dirigida por Pascal Morelli y guión de Natalia Borodin y Thierry Thomas. Basada en Corto Maltés en Siberia, mantiene tanto el espíritu del personaje como el estilo de dibujo y, claro, no resultó comercial. • La balada del mar salado (2003): También de animación y dirigida por Richard Danto y Liam Saury, con guión de Jean Pécheux. El film pone en escena una de las mejores historias de Pratt y de la historia del cómic.


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El mismo equipo rodó también La casa dorada de Samarcanda, Las célticas y Bajo el signo de Capricornio, todas con destino a la pequeña pantalla. • Las trece vidas de Corto Maltés (2005): Excelente documental de la RAI, entre otras productoras, donde se realiza un paralelo entre la vida de Hugo Pratt y la de Corto Maltés a través de imágenes de archivo e ilustraciones y apuntes de Pratt. El título hace referencia a los 13 álbumes que recopilan las hazañas del romántico aventurero. Texto: Sebas Martín

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LOS ABRIGOS DE NANCY DOLLS

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os primeros abrigos conocidos de Nancy debutaron en el catálogo oficial de Famosa de 1969. Se trataba de dos abrigos de «pieles», uno de leopardo y otro de visón –cuando llevar pieles todavía era políticamente correcto... El primero se llamaba En las carreras, aunque fue conocido comúnmente como Leopardo, como se denominaba en la mayoría de los catálogos. Se trataba de un abriguito mini de «piel» de leopardo tan cortito tan cortito que dudamos de que a Nancy le quitara demasiado el frío, y se complementaba con unas botas negras de charol ribeteadas en amarillo y un bolsito en amarillo ribeteado en negro. En las fotos, Nancy no lucía ningún tipo de media ni leotardo, así que lo más seguro es que la pobre se quedara congelada... En el catálogo de 1975 el bolsito pasó a ser en negro mate ribeteado en amarillo y las botitas también se hicieron en mate, pero Nancy seguía sin medias... Aun así, este modelito tuvo tanto éxito que se realizó hasta 1978.

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El segundo modelo era el Noche de estreno o Visón, como era llamado en algunos catálogos. También era un miniabriguito, aunque esta vez se acompañaba de unas medias de encaje blancas –que tampoco es que quitaran mucho el frío, que digamos– y más adelante ya iba directamente sin medias... El abriguito apareció por primera vez en el primer trousseau de Nancy, pero también se vendía por separado y fue otro modelo de gran éxito que se realizó hasta 1977 –parece ser que con la llegada de la democracia ya empezaba a no ser tan correcto llevar pieles... El abrigo se acompañó con diversos complementos que fueron variando con los años: el primero, tal y como aparecía en el trousseau, fue un bolsito-cartera de fiesta en blanco ribeteado en dorado, pero el abrigo por separado venía con un bolsito de cadena y un collar de perlas a juego. En 1974 el bolsito pasó a ser también de visón ¡¡y Nancy lo lucía en el catálogo de Famosa con calcetines cortos!! Nada más apropiado... Pero todavía queda otro abrigo de pieles más perteneciente a


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DOLLS la primera época y que duró muy poco; en realidad sólo salió en el catálogo de 1970. Se trata del modelo Días de frío o Mouton, un abrigo gris o marrón, según como se mire, también cortito, que Nancy vistió sin medias con botas altas negras ribeteadas en marrón. Pero no todo iban a ser pieles, porque Nancy era ante todo una chica muy sencilla, así que también tenía abriguitos de paño como el Maxiabrigo, que lució entre 1970 y 1972 –ya se sabe que el paño es de más corta duración que las pieles, que son para toda la vida... Este modelito, que como su nombre indica le llegaba hasta los pies, se podía encontrar en negro o en verde e iba acompañado de una bufandita en blanco con la inicial N y con botines cortitos de charol a juego. Más adelante Nancy tuvo más abrigos, como el Invierno de 1973, que era una mezcla entre gabardina y abriguito en blanco con ribetes en los bajos y el cuello de piel de leopardo –para no perder la costumbre... Se complementaba con manguito y tocado de piel a juego y botas altas en marrón: como se ve, Nancy no se estaba de nada, por muy sencilla que fuera... Esa misma temporada, Nancy se compró otro abrigo sencillito a cuadros en tonos mostaza y marrón de forma trapezoidal, con cinta en el pelo a juego y medias tupiditas en color mostaza. El modelito se llamaba En la ciudad y Nancy sólo lo lució durante dos temporadas, como niña caprichosa que era. A partir de 1976 y con el cambio de medidas de Nancy –parece ser que nuestra amiga engordó un

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DOLLS poquito–, se le hicieron nuevos modelitos y nuevos abrigos como el Camel, que se trata, como su nombre indica, de un sencillo abrigo de piel de camello –tan de moda en aquella época– anudado a la cintura y poco más, con la excepción de un foulard en verde y botas altas negras. El modelito le duró sólo dos temporadas, para dejar paso a otro de nombre Movak, que estrenó en 1979 y que consistía en un abrigo de piel vuelta en marrón ribeteado con piel negra. Este fue prácticamente el ultimo abrigo lucido por Nancy, ya que a partir de entonces los modelos empezaron a llevar solamente un número de referencia y tanto la calidad de los vestidos como la elegancia de los modelos empezó a decaer, para qué vamos a engañarnos... Con la nueva Nancy de colección volvimos a disfrutar de algunos modelitos muy bien hechos, entre ellos los abrigos que lució en los modelos Invierno y Fiesta, que no eran otros que sendas réplicas del Visón y el Invierno con algunas variantes. Nancy también se abrigó con el Abrigo de paseo, el Conjunto Londres, y el Abrigo en cachemir. En cuanto a los conjuntos que se vendieron por separado tenemos el Leopardo, un intento de reproducir el leopardo que resultó ser una especie de piel de tigre, y un abrigo llamado Bicolor, que se acercaba algo más al leopardo original pero sin conseguirlo del todo. Texto: Núria Simón

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a Luigi Furga & C., con sede en Canneto sull’Oglio (Mantua), fue la primera empresa italiana dedicada a la creación de muñecas. Fundada entre 1870 y 1875 por Luigi Furga Gornini, fue inicialmente un laboratorio para la fabricación de máscaras de papel maché que duró unos cinco años, después de los cuales el fundador decidió dedicarse a la producción de muñecas. Los primeros ejemplares tenían el cuerpo de cartón piedra y la cabeza de cera, yeso y estearina –un material parecido a la cera–; después se hicieron con cabeza de biscuit y cuerpo de madera, papel maché o composición. Al principio las cabezas de biscuit fueron importadas de Alemania y esto se evidencia por la gran cantidad y variedad de cabezas sueltas que se encontraron en los sótanos del Palazzo Furga, la mayor parte de las cuales eran de Heubach, una empresa alemana de Köppelsdorf. La fabricación de cabezas y de

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muñecas de biscuit duró pocos años, pero nunca igualó a la calidad alemana y francesa, dado que los modelos Furga eran a menudo copiados de otros más valiosos que el modesto comprador italiano raramente se podría permitir. Entre otras cosas, en 1919, coincidiendo con el nacimiento del competidor turinense Lenci y sus hermosas muñecas de fieltro, Furga se encontró con unas cuantas dificultades; sin embargo, a mediados de los años 30, las instalaciones de Furga se utilizaron para crear servicios de café y de té, tanto reales como de juguete. Los muñecos con cabeza de biscuit tenían el busto de yeso y papel maché pintado en color rosa, aunque hoy en día se encuentran algunos en ocre, debido a la oxidación de la pintura por el paso del tiempo. Los brazos eran de madera, dotados de articulaciones que permitían el movimiento de hombros, brazos, caderas, manos y rodillas. Las manos eran de composición, mientras que los pies eran de composición y


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MADE IN ITALY papel maché. Los ojos podían ser fijos o móviles, de cristal o pintados. Las pelucas eran de cabello humano real o de mohair y estaban montadas sobre una tapita de cartón. A principios de los años veinte Furga dio vida a las Mignonettes y a los bebés. Las primeras muñecas estaban hechas completamente de biscuit, con una altura de entre 10 y 25 centímetros, la cabeza y el torso de una sola pieza y las extremidades articuladas, y las muñecas más grandes tenían dientes. En los años 50 estos muñecos empezaron a fabricarse en vinilo, consiguiendo una gran popularidad, por algo Furga fue una de las empresas pioneras en Europa en trabajar con este material. Como hemos mencionado anteriormente, en 1919 entró en el mercado la firma Lenci de Turín, y para tratar de contrarrestar la competencia Furga comenzó la producción de cartón prensado cubierto con fieltro, que se prolongó durante una veintena de años. Los muñecos eran niños y bebés destinados al juego y también muñecas boudoir destinadas a lucir vestidos, cuyos rasgos faciales estaban pintados a mano. A mediados de los años 70, a pesar de la enorme experiencia y el altísimo nivel de producción, la compañía se enfrenta a la grave crisis financiera que azotó el mundo de los juguetes tradicionales. A principios de los años 90 la familia Furga finalmente perdió el control de la empresa y fue absorbida por una famosa empresa juguetera ubicada en Canneto, la Grazioli, que hoy en día se ha convertido en la Grand Soleil.

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Las cuatro «S» Si España tuvo a Nancy de Famosa, Francia a Cathy de Bella y el Reino Unido a Sindy, Italia tuvo a Simona, Susanna, Sheila y Sylvie de Furga, más conocidas como «las cuatro S» por las iniciales de sus nombres. Nacidas en 1965, se mantuvieron en producción hasta 1968 y estaban inspiradas en las actrices y maniquíes del momento. Inicialmente fueron tres (también llamadas «las tres S»): la inglesa Sheila, la italiana Susanna y la francesa Sylvie, en clara alusión a la cantante Sylvie Vartan, que además se parecía a ella. Las muñecas, esculpidas por Fulgido Arpaia, medían 43 centímetros, tenían la cabeza y las articulaciones de vinilo y el cuerpo de polietileno. Los ojos eran fijos, de mirada lateral, con unas larguísimas pestañas de fibra, y el pelo, implantado y cosido, era totalmente lavable y peinable. Las muñecas básicas llevaban una minibatita anudada en la cintura de distintos colores según la muñeca con su inicial bordada, que en todos los casos era una S, y sandalias de plástico blancas. En 1967 debutó Simona, la más sexy de las cuatro, y cambiaron las batitas por unos minivestidos de distinto color para cada una, marcando así sus diferentes personalidades. Simona tenía el pelo largo en rubio ceniza, rubio miel o platino, con flequillo y un lunar característico en su mejilla derecha, e iba vestida de color naranja. Susanna era la morena del grupo y vestía de color rojo, Sylvie tenía una expresión malhumorada, el pelo rubio platino y lucía minivestido de color lavanda, mientras que Sheila era

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MADE IN ITALY pelirroja e iba vestida de azul. Como buenas fashion dolls que eran, venían provistas de un extenso guardarropa y accesorios. La diseñadora Tina Colombo, en cuatro años, creó para ellas un guardarropa de ni más ni menos que unos 180 modelitos, y los había para todas las ocasiones: mañana, tarde, noche, mar, montaña, etc. Éstos se complementaban con joyas, zapatos, bolsos, maletas y accesorios varios, auténticos testimonios de la moda de los años 60. Se llamaron las bambole amiche (‘muñecas amigas’), porque favorecían la identificación de las niñas, no ya con la figura de la madre y su bebé, sino con chicas de edades cercanas a las de ellas. Existen solamente cuatro catálogos: 1965, 1966, 1967 y 1968, muchos de los cuales presentan los conjuntos con bonitos bocetos en vez de con imágenes reales de las muñecas. En 2000, la coleccionista Elisabetta Sgualdini publicó un fabuloso libro sobre las muñecas Furga desde 1956 a 1966 y por lo visto estaba previsto otro, que de momento no hemos podido localizar. También prometió editar un libro dedicado a «las cuatro S» del que tampoco tenemos constancia, pero al que seguiremos la pista. El libro está muy bien documentado, con gran profusión de fotografías, algunas de las cuales hemos utilizado para la elaboración de este artículo, igual que parte de su información, que nos ha sido muy útil. Lisa Jean era igualita a Core, o quizás deberíamos decir que Core era igualita a Lisa Jean. ¿Quién fue primero, la

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MADE IN ITALY gallina o el huevo? El caso es que Lisa Jean se comercializó en España como Core, de Muñecas BB bajo licencia de Furga, así que ya sabemos que la italiana fue la primera. Lisa Jean fue creada a principios de los años 70 como la respuesta italiana a Barbie y tenía todo lo que una muñeca maniquí pudiera desear: vestidos, novio, casa y coche... eso sí, al estilo italiano. Según la publicidad de la época, Lisa representaba tener unos 15 años y, como era joven y alegre como los jeans que lucía, se la conocía por Lisa Jean. Igual que nuestra Core, tenía el pelo largo y peinable y los ojos fijos con largas pestañas, pero la italiana era más guapa y parecía algo más estilizada. También tenía un novio llamado Boy Jean, igualito al novio de Core, y algunos de los vestidos que lucían eran los mismos. Había tres categorías de Lisa Jean: la más lujosa, y también la más agraciada físicamente, se vendía en caja transparente con traje completo y stand; tenía una melena abundante, pestañas de pelo y piernas articuladas. La del medio, ni fea ni guapa, se presentaba en caja de cartón y llevaba un bañador, tenía el pelo más ralo y sus pestañas estaban pintadas. La versión más humilde venía presentada en un blíster de plástico con un sencillo vestido, sus piernas eran rígidas y su pelo pobre. Mención aparte merece la Lisa Jean Fru Fru, que era una muñeca de época igualita a la Core Fru Fru. Lisa Jean tuvo dos «gemelas» más por el mundo: Tucha en Portugal y Sissi en Brasil, ambas idénticas a ella. Texto: Núria Simón

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enemos que reconocer que en esta oferta continua con la que nos bombardean las Pullip cada mes, a veces nos baila un poco la cabeza y ya no damos abasto para tanta novedad y, lo más importante, no sabemos tampoco si el público está dispuesto a comprar tantas muñecas como aparecen. Pero bueno, como nosotros sólo informamos, pues eso, que este invierno llega cargadito de nuevas muñecas, y para empezar esta simpática pareja de la derecha, inspirada en Alice and the Pirates de la ilustradora Mitsukazu Mihara, con una Pullip Nella vestida de negro en el más puro estilo gothic lolita, y un Isul Johan también de negro, con un montón de relojes colgando de su ropa. Otras de la novedades del mes de diciembre son TaeYang Black Jack y su pequeña amiga, de los que os mostramos una imágenes en el número anterior. En cuanto a las versiones mini, destacamos Mini Pullip Kenshin Himura –otra Pullip inspirada en un personaje de manga, esta vez un samurai vengador– y Mini Dal Akazukin ChaCha, ChaCha que parece una Caperucita Roja como otra cualquiera... Pero no terminan aquí las novedades,

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porque en enero sigue la serie Multi-Ethnic con Pullip Yona, Yona vestida como una refugiada de los países del este, pero con glamour. Se acompaña de una muñeca de tela. Faltan en la foto de familia la Dal y la Byul, que esperan turno para hacer su aparición. También aparecerá TaeYang Hide, Hide un jovencito rebelde vestido con chándal de diseño, cabellera teñida de rojo fuego y gafas supermodernas, un muñeco especial sólo apto para gustos muy refinados. En cuanto a las más pequeñas de la familia, debuta la serie Beary Fairy con dos encantadores animalitos del bosque: Byul Secomi, Secomi vestida de osito, y Dal Dalcomi, Dalcomi vestida de peluche rosa y malva. Muy estéticas no resultan, pero seguro que no pasan frío con esos aparatosos gorritos de piel... Y para acabar el repaso no podemos olvidarnos de las versiones mini, esta vez con una nueva Docolla, Mini Dal Kyubey, Kyubey una especie de monstruo blanco de largos brazos y ojos rojos, que no da nada de miedo; al contrario, nos resulta tierno y encantador. Ah, recordad que en la próxima revista le dedicaremos un especial a las Dal...


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Caperucita Roja MUCHO CUENTO

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aperucita Roja es uno de esos cuentos con moraleja que toda la vida hemos escuchado y que, lo cuentes como lo cuentes, siempre acaba igual: el lobo bien escarmentado y la niña viviendo feliz junto a su abuelita y su madre. De Caperucitas ha habido un montón de versiones –y como Disney sólo hizo un cortometraje, pues no ha influido tanto en la visión de los ilustradores–, aunque la mayoría, como podéis comprobar, coinciden en dibujar una niña rubia, mayormente con coletas o trenzas, y otras con el pelo recogido dentro de la caperuza. En cuanto al vestuario, coinciden en diseñarle un vestido corto, propio de su edad, y nos sorprende que lo realicen con tela estampada a topos –hay varias versiones, como podéis comprobar–; otros le plantan un delantalito –que debía de ser muy típico en las niñas de los pueblos del siglo pasado– e incluso hay quien llega más lejos y le pone zuecos, ¡como si la chiquilla fuese gallega u holandesa! Y no nos olvidemos del cestito donde la niña llevaba a su abuelita unos cuantos víveres, como queso, miel y una botella de vino,

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cuando lo correcto habría sido que le trajera una sopa, una ensalada o un pollo hervido. Lo cierto es que Caperucita es una niña de clase humilde, que malvive con su madre en una casita sencilla y que encima tiene que caminar atravesando todo el bosque para llegar a casa de la abuelita, que por cierto vive sola y está todo el día postrada en cama –si un asistente social viera la situación, seguro que frunciria el ceño... Ni la madre ni la abuela están presentes en la portada de los cuentos; el que sí tiene un papel destacado es el lobo, a veces representado de forma realista, a cuatro patas y peludo, de tamaño enorme, y otras dibujado como si de un personaje de cómic se tratara, erguido y con pantalones y gorro, ¡incluso con corbata!, como si en lugar de un lobo tuviéramos a un testigo de Jehová que intenta venderte algo. Caperucita es un cuento que básicamente transcurre en el bosque, por lo que es habitual verla rodeada de ardillas, conejitos, mariposas e incluso unos ositos, que no pintan nada en la historia pero decoran mucho, y que acompañan a la niña en el largo camino del bosque.


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Teddy Bears

on su apariencia entrañable y tradicional parecería que el osito de peluche ha hecho compañía a los niños desde tiempo inmemorial, pero en realidad este juguete tiene poco más de cien años. En el último cuarto del siglo XIX aparecieron las primeras reproducciones de animales destinadas a entretener a los niños, como gatos, perros, conejos, caballos e incluso elefantes y leones fabricados con piel de oveja, conejo o con el sedoso tejido de mohair, pero el que sería el más emblemático, el osito, no nacería hasta principios del siglo XX simultáneamente en América y Europa. La historia del origen americano se inició en el mes de noviembre de 1902 cuando el presidente Theodore Roosevelt –llamado afectuosamente Teddy– hizo un viaje oficial al estado de Misisipí, en el marco de un debate acerca de unos límites territoriales con Luisiana. Durante la visita las autoridades locales lo obsequiaron con una cacería de osos, su actividad predilecta. En el transcurso de la

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batida, un antiguo esclavo y rastreador experimentado llamado Holt Collier, con la ayuda de sus perros, consiguió rodear a un joven oso. Collier lo aturdió con un fuerte golpe de culata y lo ató a un árbol a la espera de que llegase el presidente y que fuese él quien le disparase. Roosevelt lo encontró denigrante y rechazó la oferta, pero el hecho no pasó desapercibido a los numerosos periodistas acompañantes de la comitiva. A los pocos días apareció en el diario Washington Post una caricatura, dibujada por Clifford Berryman, donde aparecía la escena con la inscripción «Dibujando la frontera de Misisipí». La anécdota inspiró a Rose y Morris Michtom –unos emigrantes rusos propietarios de una tienda de bombones en Brooklyn– a producir un osito de peluche al cual querían llamar Teddy Bear (‘el oso de Teddy’). Morris escirbió una carta al presidente para obtener la autorización y recibió una respuesta sorprendente: «No creo que mi nombre pueda ser muy últil en el negocio de los juguetes, pero tiene mi permiso para usarlo». Roosevelt se equivocaba en su


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BEARS percepción y su nombre no sólo hizo fortuna, sino que fue el término común para el osito de pluche en todos los países de habla inglesa. En 1903 los Michtom exhibieron el primer Teddy Bear en el escaparate de su tienda, al lado de una reproducción de la caricatura de Berryman. El osito, que representaba una cría de apariencia tierna e inocente, llegó a tener mucho éxito entre niños y niñas, pero también entre las damas de la alta sociedad, que lo adoptaron fervorosamente como objeto de culto. Pronto los Michtom abandonaron la fabricación de bombones para concentrase en los juguetes a través de la empresa Ideal Novelty and Toy Company, fundada con los mayoristas Butler Brothers. Paralelamente a estos hechos, en la población alemana de Giengen an der Brenz, sitada a unos 80 kilómetros de Stuttgart, Margarete Steiff sacaba adelante su negocio. La poliomielitis había condenado a Steiff a permanecer en una silla de ruedas, pero, animada por su familia, en 1880 había tenido suficiente coraje para abrir una tienda de confección, en una época en la que el hecho de que una mujer dispusiese de un negocio propio era, como mínimo, inusual. Steiff se hizo adaptar una máquina de coser para poder manipularla valiéndose solamente de las manos, y de esta forma creaba y producía los vestidos que vendía en la tienda. Inspirada por un elefante de tela que ella misma había creado y usaba como cojín, comenzó a fabricar figuras de animales de fieltro, ayudada una vez más por los miembros de su

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BEARS familia, especialmente de sus cinco sobrinos. Uno de ellos, el más joven, se llamaba Richard y era todo un apasionado de los osos. El chico pasaba largas horas en el zoológico de Stuttgart, donde observaba a los plantígrados, tomaba notas y los dibujaba. De sus observaciones surgió la idea de producir una cría de oso articulada que se convertiría en el primer osito de la familia Steiff, designado con la referencia Bär 55PB, fabricado con paja y recubierto de mohair de color marrón, con los ojos hechos con botones y la nariz y la boca bordadas con hilo negro. Fue presentado en la feria de Leipzig en 1903, donde despertó el interés de los compradores europeos, pero fue un representante de Nueva York, George Borgfeldt, conocedor del éxito extraordinario del Teddy Bear en su país, quien haría un pedido de tres mil unidades para el mercado americano. En 1905 Steiff mejoró el producto, al perfeccionar las articulaciones por medio de discos metálicos hasta obtener un diseño que se ha mantenido inalterado hasta la actualidad. Al año siguinte fue registrada la marca Steiff para diferenciarla de sus competidores, y distinguió a sus ositos con un botón de metal fijado en la oreja izquierda. De esta manera Steiff se convirtió en el principal fabricante de ositos de peluche, con una producción creciente que en 1907 llegaría al millón de unidades. Hasta la primera Gran Guerra, Alemania conservó el liderato a nivel mundial, pero las sanciones impuestas al acabar

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la guerra –que incluían la prohibición de exportar productos manufacturados– animó a fabricantes de otros países a lanzar al mercado sus propios modelos. A lo largo de estos años, una gran cantidad de empresas han producido ositos y otros animales de peluche, pero ninguna consiguió el reconocimiento de los pioneros. Actualmente los primeros modelos, tanto los producidos por Steiff como por Ideal Novelty, alcanzan precios superiores a los dos mil euros, llegando en algunos casos a cotizaciones extraordinarias, como un raro ejemplar de Teddy Bear, puesto en subasta en 1989 en la sala Sotheby’s de Londres, que fue adquirido por más de 500.000 euros. Steiff sigue produciendo sus famosísimos ositos en su factoría de Giengen an der Brenz, pero sólo los comercializa bajo pedido y a través de internet. En cuanto a la empresa fundada por los Michtom, llamada Ideal Toy Company a partir de 1939, fue adquirida en 1982 por CBS Toy Company, que cerraría más tarde y parte de sus productos pasaron a otros fabricantes. Stufftington Bear Factory es uno de los pocos productores americanos de ositos Teddy que quedan, mientras que la gran mayoría son fabricados en países asiáticos. Ròmul Brotons, Brotons de su libro Estimats Reis Mags: 35 jocs i joguines per recordar Barcelona: Albertí Editor, S.L., 2010

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Este mes hemos cambiado un poco el estilo de las muñecas recortables y os ofrecemos estas dos que tienen un aspecto sospechosamente parecido a Candy y su amiga Annie, por lo que no me extrañaría que fuesen obra de su autora o alguien que la imita a la perfección. Es igual: lo que importa es que tienen todo un vestuario muy variado, donde no pueden faltar los vestidos veraniegos, los vestidos de gala de amplia falda y, por supuesto, los tradicionales kimonos, que para algo estas muñecas son originarias de Japón... Lo que no tienen son modelitos de invierno: habrá que buscarles algo...

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EL MEJOR REGALO PAR


RA ESTAS NAVIDADES


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Los Diablos

urante los años 60 y 70 abundaron en España los grupos pop y uno de esos grupos míticos fueron Los Diablos, uno de los más populares y longevos del panorama musical peninsular. Oriundos de L’Hospitalet de Llobregat, sus fundadores fueron el vocalista Agustín Ramírez y el guitarrista Enrique Martín, que se dieron a conocer como el dúo Los Diablillos del Rock cantando temas de moda. Más tarde se incorporó el batería Emilio Sánchez y el bajo Amado Jaén, autor de muchos temas del grupo, que como cuartero grabaron temas como Tú también serás ye-ye o Brutal, entre otros. Finalmente, el cuarteto se convirtió en quinteto con la inclusión de Gianni Escavirri y juntos grabaron temas como Gracias, amor en 1968, aunque el disco pasó sin pena ni gloria. En 1969 grabaron temas como En casa de Tomás o Sol, amor y mar, que ganó un festival y poco más, y en 1970 grabaron la exitosa Un rayo de sol, consiguiendo con ella su primer disco de oro, pero aunque recorrían España y llenaban escenarios la crítica

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los encasilló como grupo populachero, un sambenito que arrastrarían el resto de su carrera. El tema, sin embargo, llegó a ser la canción del verano en 1970, algo así como lo que Los Brincos habían logrado con Lola en 1967, Los Canarios en 1970 con Get Down on my Knees o Los Payos en 1969 con María Isabel. Los Diablos fueron, a pesar de las críticas, un grupo de superventas que llegaron a hacer sombra a Fórmula V o a Los Mitos, y aunque para muchos la música de Los Diablos no aportaba nada nuevo es indiscutible la calidad de sus producciones y el buen uso de las voces. El vocalista, Agustín Ramírez, argumentaba que el grupo era alegre, refrescante y veraniego. En 1970 también grabaron Cantar y cantar, Dieciséis años, Una mañana, Cosas de amor o El tiempo pasa, entre otras. En 1971 apareció Fin de semana y Me conformaré, y un año más tarde, en 1972, Niña de papá y otra de sus canciones más famosas, Oh, oh, July [«te quiero cantar / tú has sido principio y final / el principio de mi


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CULT MUSIC nueva vida / el final de mi soledad...»] En 1973 grabaron Mi talismán [«tú eres mi talismán / un talismán que me dará felicidad...»], y Lazos de amistad, una canción de contenido más serio, y al año siguiente seguían cosechando éxitos con Un gramo de felicidad, Acalorado [«estoy, dime tú lo que me has dado / acalorado estoy cuando té estás a mi lado»] y En ti lo encontré. En 1975 continuaron sus éxitos con Rosana, Amigo del alma o Luna de miel, pero en 1977 y cansados de tanto viajar decidieron separarse, aunque se reunieron de nuevo en 1982 y tras un nuevo éxito firmaron un contrato y grabaron más discos. En 1995 grabaron junto a otros grupos de la época como Fórmula V, con quienes continúan colaborando y realizando giras y presentaciones, pese a haber sido rivales en su momento. No hay duda de que, a pesar de sus temas alegres y sencillos y su música ligera, en su mayoría fueron un gran negocio para su productor, Tony Ronald. Los Diablos, junto con Tony Ronald, Karina, Fórmula V y Los Mismos, forman parte de mi tierna infancia cuando todavía jugaba con muñecas pero también escuchaba la música alegre y despreocupada de estos artistas, que lo fueron. Hoy en día el panorama musical ha cambiado muchísimo y estos grupos han quedado desfasadísimos. pero los que vivimos aquellos años sabemos apreciar la frescura de aquellos momentos. Texto: Núria Simón

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Pilarín Bayés

ilarín nació en la plaza de la Catedral de Vic el 21 de abril de 1941, en plena postguerra española. Fue una niña enfermiza, con frecuentes crisis de acetona que le permitían quedarse en casa y dibujar. Esta pasión rápidamente despuntó con mucha fuerza en su interior, junto a su natural curiosidad, capacidad de observación y simpatía. Tiene unos antecedentes artísticos poderosos, como su bisabuelo Joaquim Vayreda, pintor y fundador de la escuela paisajística de Olot, y toda su familia, muy sensibilizada por el arte, que ayudaron a Pilarín a dibujar desde muy pequeña, lo que le dio una gran seguridad a la hora de ilustrar, sin duda con naturalidad e ilusión. Estudió en Barcelona, en la Escola Superior de Belles Arts de Sant Jordi, de 1959 a 1964, en pleno franquismo. Guarda muy buenos recuerdos de los compañeros que tuvo y de sus profesores, a pesar del sistema academicista imperante, la falta de medios y la poca libertad artística que comportaron aquellos años grises en Barcelona. En los años de juventud barceloneses

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compaginó los estudios de arte con sus colaboraciones en el movimiento católico-progresista. Vivía en casa de unos abuelos cosmopolitas que le permitieron descubrir un nuevo mundo, lejos de sus querid, pero más bien cerrada, ciudad de Vic, por lo que podía considerarse una persona privilegiada en aquellos años en que pocas mujeres tenían la suerte de poder estudiar para tener una carrera profesional. Fue en aquella época cuando también tomó consciencia del hecho diferencial catalán. A través de su obra ha difundido la cultura y la historia de Cataluña, con la cual ha adquirido un compromiso que la ha convertido en una importantísima promotora de todo lo que es catalán a través de sus dibujos, lo cual ha ayudado a los niños de toda Cataluña, durante generaciones, a querer y entender su país. En 1965 se casó con Joan Maria Sala, con quien tuvo cuatro hijos. A pesar del cambio de vida que ello supuso no dejó de trabajar, y su familia siempre ha sido una fuente de inspiración que hoy en día continúa con sus nietos.


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ARTISTA Los orígenes profesionales de Pilarín se remontan al año 1964, cuando empezó a colaborar en la popularísima revista Cavall Fort, con la que todavía colabora y que fue punto de referencia en su carrera que, a lo largo de los años, ha sido extensísima. El primer libro infantil que publicó fue El meu pardal (1964) en la editorial La Galera, con el apoyo de la pedagoga Marta Mata. A partir de aquí no ha dejado de ilustrar libros, más de 600, traducidos a diversos idiomas, y no ha dejado de estar al servicio de un texto y de unos autores con los cuales ha conseguido crear una gran obra. También a lo largo de estos años, además de libros ha ilustrado carteles, portadas, artículos, chistes, concursos, aleluyas, trípticos, felicitaciones de Navidad, calendarios, postales, participaciones de boda, recordatorios de comunión... Ha realizado escultura, murales, cerámica, escaparates, muñecas, objetos para el hogar, joyas, etc. También ha hecho una serie de dibujos animados, teatro en CD-ROM, juegos para internet, etc. Fue en 1980 cuando empezaría a colaborar con la galería de arte El Carme de Vic haciendo exposiciones de cuados. A partir de aquí expuso en muchas otras galerías e instituciones. Esta labor permite a Pilarín dibujar sin ser esclava de ningún texto, pudiendo expresarse libremente como artista. Pilarín es tan popular que llevan su nombre una escuela en Les Fonts (Terrassa), una plaza en Vic y una biblioteca en Santa Coloma de Cervelló. Cada año va a unas 70 escuelas a explicar a los niños cuál es su trabajo. Hace cursos, charlas,

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pregones y talleres. Le han concedido la Creu de Sant Jordi y el Premi de la Crítica «Serra d’Or». Pilarín es una gran trabajadora: dibuja alrededor de 14 horas diarias, eso le ha permitido acumular esta inmensa producción de millones de dibujos. Utiliza una técnica mixta: el trazo lo realiza con plumilla y tinta china negra, y el color con lápices que después son acuarelados con agua o, directamente, con acuarelas. Nunca toma apuntes, dibuja directamente y raramente corrige o tira algún dibujo. M. Àngels Ferrer, Ferrer de su libro Pilarín: La força de la il·lusió. Barcelona: Mediterrània, 1997

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XVII Salón del Manga

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n año más Barcelona vibró con los mangakas y un salón que poco a poco pronto celebrará dos décadas ofreciendo lo mejor de un género importado de Japón pero que cada vez tiene más fuerza entre los lectores de cómic. Y es que el Salón del Manga no sólo es un gran espacio dedicado a la venta de cómics y merchandising, sino que también es una filosofía de vida: idear un cosplay original y divertido, quedar con los amigos para pasar el día, comer allí mismo las deliciosas especialidades niponas, participar en el concurso de karaoke o como historietista mangaka, disfrutar de las actuaciones musicales de primer orden como los JYJ o Cécile Corbeil, o admirar en directo la obra de dibujantes como Fujo Hirata, Hiroshi Hirata o Kazue Kato, entre otros. También hubo un espacio dedicado a los juegos tradicionales asiáticos y, sin olvidar las últimas tecnologías, un espacio para los videojuegos más punteros. Personalmente me gustó mucho la exposición de kimonos y el desfile que se celebró, y la completísima exposición dedicada al mundo de los samuráis, con cómics, films y todo tipo

de material relacionado. En cuanto a los premios que cada año otorga el salón, quedaron así: • Mejor «shonen manga» (manga de aventuras): Bakuman, de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata (Norma Editorial) • Mejor «shojo manga» (manga para chicas): Instituto Ouran Host Club, de Bisco Hatori (Panini Comics) • Mejor «seinen manga» (manga para adultos): XXXHOLIC, de Clamp (Norma Editorial) • Mejor «kodomo manga» (manga infantil): The Legend of Zelda: The Phantom Hourglass, de Akira Himekawa (Norma Editorial) • Mejor manga de autor español: Dos espadas, de Kenny Ruiz (Ediciones Glénat) • Mejor DVD o blu-ray de anime: Princesa Mononoke, de Hayao Miyazaki (Aurum Producciones) • Mejor serie anime emitida en TV: One Piece (Arait Multimedia) • Mejor fanzine de / o sobre manga: Katz: The Katz of the Zombies • Mejor autor vivo de manga: Akira Toriyama


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