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TOYLAND

nยบ 12 ABRIL 2010

Magazine

Arcadia Dolls

AvantGuards Heidi Pluzczok Grace Kelly La Familia Feliz

Premios TOYLAND Lara Croft

Mini Mariquitas

Entrevista a Maria Pascual


ÍNDICE Ren ov a rse o mori r Acabamos de volver de la Paris Fashion Doll Convention, un poco agotados, eso sí, pero con el convencimiento que el mercado de las muñecas está cambiando: Barbie perdió su trono hace años, y las Fashion Royalty también dan muestras de cansancio. El coleccionista ha decidido apostar por los tamaños grandes, así que se vendían muñecas Tonner, Ellowyne Wilde, algo de Genes y, sobre todo, Sybarites. Estuvimos en un cóctel de presentación de la nueva exposición en el Musée de la Poupée y ese mismo día se podia adquirir una Sybarite vestida en lingerie sin peluca, eso sí, en una caja primorosamente presentada y a casi 400 euros. ¿Os parece cara? pues la gente la compraba como si fueran churros, de una en una, dos cajas, tres... ufff, aquel día la tienda del museo se hizo de oro. Eso me dio qué pensar, que no es que el coleccionista no tenga dinero para gastar en muñecas, a pesar de la crisis, sino que ahora compra otro tipo de productos. Muñecas desnudas a las cuales compras la ropa, los zapatos, las joyas, las pelucas... como si fuesen tus hijas. Muñecas que, al final, son el resultado de tu gusto personal, de tu estilo, dependiendo de la gracia que tengas. Las seguidoras de Pullip o de las Dollfies son de este estilo y tienen mayor satisfacción cuando enseñan SU MUÑECA, así en mayúscula, porque seguro que no hay otra igual en el mundo. Y, al final, el dinero tampoco es lo más importante. De la convención os hablaremos más en la próxima revista, que en esta ya no hay espacio...

6 News 8 Dolls AvantGuards de Integrity Toys 18 Entrevista Arcadia Dolls 30 Star Grace Kelly 44 Storyland La Bella y la Bestia 58 Entrevista Maria Pascual 66 Premios Toyland 2009 80 Novedad Pullips de abril 82 Made in Spain La Familia Feliz 88 Artista Heidi Pluzczok 94 Libro «Cabaret» de Medusa 98 Made in Spain Mini Mariquita Pérez ·············>

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INDICE 104 Personaje Lara Croft 114 Cómic SpiderWoman Libro 122 «Necróticas» de Angel 130 «Heidi» en fascículos

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón Colaboradores: Sebas Martín, Enric Fontvila, Aerodoll, Trini Tinturé Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mego, Mattel, Sideshow Collectibles, Integrity Toys,Tonner Doll Company, Disney, Pullip, Norma Editorial, Glénat, Funko Toys

http://necroticasmucopurulentas.blogspot.com

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NEWS

Vuelve el cómic a Barcelona

¿Nuevas Nancys 2010? Al ver la parte trasera de la caja de la Geisha de colección, pienso: ¿serán estas las nuevas Nancys de Colección?, ¿saldrán todas a la venta? y ¿cuánto tardarán en salir? Y, lo más importante: los que tenemos 40 años, ¿todavía estaremos vivos cuando salga la Pintora, por ejemplo? Todas estas preguntas sólo puede contestarlas Famosa, si es que hay alguien en el más allá...

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Del 6 al 9 de mayo vuelve el Salón del Cómic a Barcelona, donde, como siempre, podremos encontrar cientos de stands con las últimas novedades, presentaciones, firmas de libros por parte de los autores y, por supuesto, las exposiciones, este año dedicadas a la relación entre el cómic y la música, al dibujante Vázquez, al Príncipe Valiente, a la escuela Joso, a Ana Miralles –autora del cartel del Salón–, al fanzine Rantifuso y al dibujante belga Jacques Tardi, el cual también asistirá al Salón. Como ya va siendo habitual, el evento tendrá lugar en el palacio número 8 del recinto ferial de Montjuïc.


NEWS Purita Campos, Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes El viernes 26 de febrero, el Consejo de Ministros, a propuesta de la ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, concedió las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes correspondientes al año 2009. Las medallas distinguen a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento, el desarrollo o la difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio artístico. Entre las 25 personalidades a las que se les ha concedido el galardón se encuentra Pura Campos, la primera dibujante de cómics que recibe dicha distinción. En ediciones anteriores habían sido premiados otros compañeros suyos como Miguel Quesada, Francisco Ibáñez, Antonio Mingote y Carlos Giménez, este último también autor de Glénat, que la recibió en 2003. Nuestra autora ha declarado estar «muy sorprendida y contenta» por el premio. Este galardón se une a los muchos que Purita ha ido recogiendo con los años, sobre todo desde que volvió a la primera página de la actualidad al reeditar la colección Esther y su mundo. Como novedad tenéis el número 10 de esta colección, el segundo volumen de la edición de bolsillo y el primero que agrupa los tres tomos de las nuevas aventuras.

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DOLLS

AvantGuards de

Integrity Toys ¿Se han cansado los coleccionistas de las Fashion Dolls pequeñas como Barbie o las Fashion Royalty? El auge de las Sybarite y las AvantGuards así lo demuestra. Son más fáciles de manejar, tienen más puntos de articulación y están a medio camino entre las BJDs y el maniquí de cualquier escaparate. Os presentamos la apuesta de Integrity Toys para conseguir el premio a la Fashion Doll más glamurosa.

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a s A v a n t G u a r d s son unas de las últimas Fashion Dolls aparecidas –a mediados de 2008– que más fama han conseguido en poco tiempo. Surgidas como una iniciativa particular de Integrity Toys para competir con las populares Sybarite, se realizaron con unas características muy similares: 45 cm de altura, múltiples articulaciones por todo el cuerpo –¡incluso en los dedos de la mano!–, rostros agresivos, maquilladas como si fuesen maniquíes de escaparate, y con la peculiaridad que son calvas, por lo que se les pueden poner multitud de pelucas y así cambiar de color y estilo con toda facilidad –siempre y cuando se tenga un poco de maña al peinarlas... La colección del año 2008 estaba compuesta por tres muñecas: LiveWire, Lush y Eclectic. LiveWire es para mi gusto la más bella, con su

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Eclectic y LiveWire

DOLLS

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La segunda colección (2009) es, según mi opinión, un poco más floja. Se componía de cuatro muñecas de estilos muy dispares: Aphrodisiac recuerda un poco a Marlene Dietrich en La Venus rubia cuando llevaba una gran peluca afro rubia; viste una americana a rayas grises, mini-shorts negros y un pañuelo al cuello. Androginy es la pelirroja de raya enmedio y moño; luce traje pantalón estilo smoking en tonos negros, zapatos a juego y, en las fotos de promoción, lleva un velo a modo de máscara. El maquillaje es en tonos naranja. GoldMine tiene un maquillaje todavía más exagerado, pues casi parece que no tenga cejas; sus labios son extragruesos y lleva peluca rubia con raya enmedio y rizos bajos. Luce un minivestido brillante. Attenttion! fue la última en incorporarse; a mi gusto luce el peor maquillaje, en tonos verde loro demasiado exagerado, melena

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Androginy

piel morena, melena leonina de rizos negros, vestido dorado y sandalidas a juego –aunque quien la tiene en persona dice que el maquillaje es un poco feo, con tanta sombra verde bajo los ojos... Lush es la rubia-pelirroja de larga melena, maquillaje en tonos verdes y minitúnica de gasa color salmón con pequeños brillantes. La tercera es Eclectic, que llegó a ser portada de la revista Haute Doll y es la más agresiva, por su maquillaje, su larga melena negra lisa y su vestuario en negro y amarillo. En esta primera colección también hubo un vestido ShockWave, un mono estrecho de amplio escote, acompañado de zapatos y gorrito de punto a juego.

No Exaggeration

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Ya se han podido ver tres muñecas para la línea de 2010 y de momento la cosa no promete grandes maravillas: On Edge luce un maquillaje demasiado exagerado en tonos azules, lo cual sorprende porque luego el vestido combina negro y fucsia. Lleva peluca corta estilo años 20 en negro, lo mismo que el modelo Hot Trot, con peluca recta en naranja eléctrico y vestido tipo cóctel de falda desigual. Lo peor es que bajo la falda del vestido asoman unas plumas naranja eléctrico nada favorecedoras. Y la última, la morena Freeze Frame, con vestido corto de cóctel blanco. En fin, hay grandes fans de estas carísimas muñecas –sobre los 200 dólares con suerte en internet– y también grandes detractores. Incluso hay quien piensa que son la versión light de las salvajes Sybarite.

GoldMine

Cabe recordar que, durante la última convención de Integrity Toys o Jason Wu –que para el caso es lo mismo–, se presentó una versión mini de LiveWire pero en tamaño Barbie, maquillada, peinada y vestida igual, pero con un precio exagerado, pues era edición limitada y no se encuentra por menos de 150 dólares.

Attention!

rubia recogida en una coleta y un minivestido en raso que combina el negro con verdes estridentes. A finales de año aparecía también el vestido Vanishing Point y la muñeca No Exaggeration, que sería una especie de preludio de la siguiente colección. Su maquillaje era igual de exagerado, pero en tonos malva a juego con el corpiño. Llevaba traje pantalón con bombachos y tocado de plumas.

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2008 colecci贸n

Eclectic

LiveWire

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Lush

ShockWave

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GoldMine

Aphrodisiac

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2009 colecci贸n


Attention!

Vanishing Point

Androginy

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Ana66 colecci贸n de


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Arcadia DOLLS

ENTREVISTA

En el último Salón del Manga de Barcelona conocí a Concha y Mercedes Rodrigo, o lo que es lo mismo, Licanen y Cassandra, las artistas de Arcadia Dolls. Me maravilló la altísima calidad de sus trabajos y lo amables y pacientes que fueron. La verdad es que vinieron docenas de fans que ya las conocían a acercarse a ellas y yo me sentí un poco como si me hubiese perdido algo. He enmendado mi error y en esta entrevista las conoceréis un poquito mejor.

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n t e s d e n a d a gracias por vuestro tiempo. Nos encanta vuestra página web y vuestras colecciones, sencillamente impresionantes. Pero queremos saber también algo más sobre vosotras. Licanen (Concha), tú estudiaste diseño de moda, ¿dónde? En Madrid, en la Institución Artística de Enseñanza (IADE). También realicé un máster en Diseño Puro. Cuando eras estudiante, ¿en algún momento pensaste que acabarías dedicándote a la «alta costura» de estas pequeñas «clientas»? La verdad es que no. Aunque ya había hecho algunos modelitos para mis muñecas cuando era pequeña, nunca pensé que se podría convertir en mi profesión.

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ENTREVISTA

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ENTREVISTA ¿Hacia dónde se dirigían tus motivaciones profesionales en aquel momento? Quería dedicar mi potencial creativo para diseñar colecciones de mujer y hombre. En definitiva, las aspiraciones que tienen casi todos los jóvenes diseñadores. Pero me he salido de la norma y he encontrado otro camino que me permite hacer muchísimas más cosas. Ahora puedo diseñar desde ropa del siglo XVIII hasta ropa de Gothic Lolita. ¿Cuáles son tus diseñadores de moda favoritos? Siempre me ha encantado Jean-Paul Gaultier, me parece un magnífico diseñador y un dibujante maravilloso. También me gusta mucho Galliano, ¡es genial! Cassandra (Mercedes), tú estudiaste bellas artes y fotografía, ¿dónde? Estudié bellas artes en la Universidad Complutense de Madrid, y un máster en fotografía de moda en la Escuela Superior de Artes y Espectáculos TAI, también en Madrid. ¿Cuáles son tus fotógrafos favoritos? Tengo muchos, sobre todo fotógrafos de moda. Algunos de mis favoritos son Steven Meisel, Javier Vallhonrat, Eugenio Recuenco, Erwin Olaf y, entre los más jóvenes, Paco Peregrín. ¿Cuáles han sido tus experiencias profesionales al respecto? Me ocurrió un poco como a mi hermana, ya que antes de dedicarme

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ENTREVISTA a la fotografía era ilustradora y diseñadora gráfica, y he acabado trabajando como fotógrafa en gran parte gracias a las muñecas. ¿Haces actualmente otros trabajos de fotografía? Sí, actualmente trabajo como fotógrafa. Aún estoy empezando, pero podéis ver algunos trabajos en mi web: www.mercedesrodrigo.com Cuéntame cuáles son los principales problemas y ventajas a la hora de fotografiar muñecas. Creo que casi todo son ventajas, ya que las muñecas te permiten experimentar sin la presión y la falta de tiempo que supone trabajar con modelos reales. Las muñecas siempre están ahí para ti, nunca se cansan, y además fabricarles ropa y escenografía es mucho más económico que hacerlo a escala humana. La única desventaja es que les falta la personalidad y la capacidad de transmitir emociones sutiles de los modelos de carne y hueso. Descubristeis las BJD en 2002, pero antes de eso, de niñas, ¿cuales eran vuestros juguetes favoritos? ¿Habéis conservado alguno de aquella época? ¿Coleccionáis algo actualmente? Nos gustaba un poco de todo –responde Mercedes–. Concha dedicaba mucho tiempo a hacer ropa y estilismos para sus muñecas, y yo pasaba mucho tiempo dibujando y escribiendo historias. Cuando fuimos un poco mayores, nos aficionamos a las casas de muñecas, que

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ENTREVISTA construíamos nosotras mismas, y también a los osos de peluche. Conservamos casi todas estas cosas, aunque las tenemos guardadas desde hace años. Actualmente, coleccionando BJD [Ball Jointed Dolls] ya invertimos mucho tiempo y dinero, aunque nos estamos aficionando también a las Blythe y los muñecos de vinilo. ¿Por qué creéis que han tenido tanto éxito las BJD en España? Creo que tiene algo que ver con la gran afición hacia el manga que hay en España y la admiración por Japón y la cultura asiática. No es que todos los coleccionistas españoles provengan de esas aficiones, pero sí una parte importante de ellos. También tiene que ver con que en España somos muy apasionados, y cuando nos gusta algo nos volcamos mucho en nuestras aficiones. ¿Todavía os acordáis de la primera BJD que comprasteis? ¿Cómo fue la experiencia? Fue una parejita, Too y Bee-A, de la casa coreana Dream of Doll. Fueron los muñecos que lo empezaron todo. Cuando llegaron a casa nos emocionamos bastante y ya entonces nos surgió la idea de hacerles ropa. Actualmente, ¿de cuántas se compone vuestra colección particular? ¿Les dais una personalidad concreta a cada una? Con los años, la familia ha crecido mucho. Ahora mismo tenemos 22 muñecas enteras y algunas cabezas sueltas. Y sí, por supuesto, cada

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ENTREVISTA muñeca tiene su nombre, personalidad, e incluso su historia, enlazada con las de las demás muñecas. Uno de los aspectos más divertidos de este hobby consiste en exprimir la creatividad en todas las facetas posibles. ¿Cómo fue el proceso de dedicaros profesionalmente a hacer vestidos para BJD? Simplemente nos dejamos llevar. Al ser un hobby, empezar a coser para las muñecas fue un placer, como cuando montábamos casas de muñecas, que nos gustaba esforzarnos para obtener un resultado atractivo. Aunque desde un principio nos planteamos coser prendas también para vender. La idea surgió porque nos costaba encontrar ropa para BJD que encajara con lo que buscábamos. Imaginamos que habría un mercado potencial entre otros coleccionistas como nosotras. Creo que actualmente vuestro ritmo de producción ha aumentado mucho. ¿En algún momento pensáis pasar de la elaboración artesanal a un proceso más industrializado? ¿Alguna empresa os ha hecho una oferta para trabajar para ellos? Nuestro ritmo creció mucho a partir de estrenar la tienda online, a mediados de 2008, ya que al principio sólo subastábamos conjuntos en eBay esporádicamente. Ahora mismo hemos llegado a un punto en el que necesitamos aumentar la plantilla para satisfacer la demanda de nuestros clientes, o de otro modo nos estancaremos. No obstante, esperamos seguir dando un trato personalizado y artesanal, dando

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ENTREVISTA siempre prioridad a la calidad de nuestros productos. Sobre ofertas, no, no hemos recibido ninguna oferta de trabajo, aunque sí nos mandan propuestas de distribución de otros productos para BJD que tendremos que valorar. Sois muy conocidas en España, pero ¿en qué países tenéis mejores clientes? Estados Unidos es el país en el que tenemos más clientes. Francia y Canadá van justo por detrás. No podemos quejarnos: vendemos a más de 20 países, incluyendo Japón y muchos países de Europa. Las ventas nacionales nos suponen menos del 10% del total, aunque sí nos sentimos apreciadas por el público español. ¿Se notaron las ventas después de vuestra aparición en publicaciones internacionales? Sí, hubo un cierto boom. Está claro que aparecer en la prensa especializada ayuda mucho. ¿Tenéis clientes que os hagan encargos especiales? Sí, mucha gente nos ha pedido encargos especiales, y hemos intentado satisfacer a todos los clientes que hemos podido. Aún así, nos hemos dado cuenta de que estos encargos nos roban mucho tiempo, lo que supone un retraso en el diseño de nuevas colecciones. Así que ahora mismo hemos dejado aparcado este tipo de trabajos. ¿Cuánto acostumbráis a cobrar por un vestido? Supongo que depende

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ENTREVISTA del modelo, el trabajo que lleva, las telas... pero ¿aproximadamente? Y ¿cuánto tardáis en tenerlo listo y enviarlo? Efectivamente, depende mucho de cada prenda. Con el tiempo hemos intentado ajustar los precios, y actualmente tenemos prendas sueltas desde 5 euros, y vestidos completos a partir de 30. Lo más caro son nuestros trajes de época de la línea Atelier Arcadia, Arcadia que son totalmente personalizables, y que actualmente vendemos por unos 150 euros. Sobre el tiempo de elaboración, depende de cada prenda, desde unas horas hasta una semana. En los últimos meses hemos tenido que aumentar el tiempo de espera hasta 8 semanas debido a la gran demanda que hemos recibido y a que somos una pequeña empresa de elaboración artesanal. Me gustó mucho vuestro stand en el Salón del Manga. ¿Habéis asistido a otros salones o ferias? ¿Son útiles para conseguir nuevos clientes o sólo sirven de promoción para daros a conocer? ¡Te agradecemos mucho la visita! Hemos participado en el Salón del Manga de Barcelona y en el Salón del Manga de Tenerife, además de organizar una exposición con nuestras muñecas en el Expomanga de Madrid de 2006. Nos parecía importante participar en salones por varios motivos, uno de ellos darnos a conocer al público español, y otro dar a conocer el hobby de las BJD al público general. Echamos en falta más presencia de este tipo de muñecas en ferias y eventos españoles, y nos gustaría

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ENTREVISTA promover el hobby de forma que, en un futuro, hubiera más actividades relacionadas con las BJD, al nivel de países como Japón, Corea del Sur, EEUU o Francia. ¿Cuáles son las colecciones que tenéis actualmente? Actualmente trabajamos con 5 líneas principales: Arcadia Collection se centra en ropa casual y urbana para BJD de todos los tamaños. Sería el equivalente de la ropa que nos compramos nosotros mismos habitualmente. Lolita in Arcadia es nuestra línea de moda Lolita. Nos basamos sobre todo en la moda Gothic y Sweet Lolita, pero sin ceñirnos a los diseños japoneses, ya que nos gusta aportar nuestro propio estilo. Twilight Garden es una línea inspirada en la moda de finales del XIX, y toma como referente clásicos de la literatura como La Pequeña Casa de la Pradera, Ana de las Tejas Verdes, Oliver Twist, etc. Arcadia Circus es, de momento, nuestra colección más reciente. Se inspira en el mundo del circo y el espectáculo en general de la era victoriana. Hasta ahora, ha sido nuestra colección más ambiciosa. Por último, Atelier Arcadia es una línea aparte, que consiste en dar al cliente la oportunidad de diseñar sus propios trajes de época eligiendo entre una amplia variedad de opciones, desde el diseño de las prendas hasta las telas y la talla.

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ENTREVISTA ¿Cuáles son vuestros planes profesionales de futuro? Nos gustaría que Arcadia Dolls siguiera creciendo, ya que tenemos muchas ideas en la cabeza y este trabajo nos entusiasma. Algunos proyectos paralelos son un nuevo libro sobre Arcadia Dolls, organizar más exposiciones, e incluso nos planteamos a largo plazo diseñar ropa para persona.

Muchas gracias por el tiempo, y os deseo mucho éxito profesional. Muchas gracias a ti, Guillem, por la oportunidad de colaborar en tu magnífica revista. Texto: Guillem Medina Fotos: Arcadia Dolls

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GRACE KELLY

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Algunos la conocerán como la princesa de un diminuto país europeo, otros la recordarán como la actriz fetiche del mago del suspense Alfred Hitchcock; lo cierto es que Grace Kelly fue algo más que la embajadora de Mónaco o una rubia de Hollywood. Fue la más elegante, sofisticada y aparentemente altiva de las actrices, marcando todo un estilo.

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r a c e K e l l y fue una elegante actriz estadounidense que, al contraer matrimonio con el príncipe monegasco Rainiero III, se convirtió en Su Alteza Serenísima la princesa Gracia de Mónaco. Nació en Filadelfia (Pensilvania) el 12 de noviembre de 1929 con el nombre de Grace Patricia Kelly, en el seno de una familia católica de origen irlandés. Su padre era un hombre de negocios de fortuna y un buen deportista que había ganado tres medallas de oro olímpicas en remo. A pesar de que su familia se opuso a que fuese actriz, Grace quiso realizar el sueño que había tenido desde niña. Se fue a Nueva York, donde trabajó como modelo y estudió interpretación en la Academia Nacional de Arte Dramático. En 1949 consiguió su primer papel en Broadway, la zona de teatros más prestigiosa de la ciudad.

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Seguidamente hizo algunas apariciones en televisión, hasta que decidió trasladarse a Los Ángeles para probar fortuna en el cine. Ya en 1951, a los 22 años, Kelly hizo su primera película, Catorce horas, actuando en un papel secundario. Su elegancia y su delicada belleza llamaron poderosamente la atención en Hollywood, de forma que al año siguiente se le ofreció el papel principal en el western Solo ante el peligro, junto a Gary Cooper. Su siguiente film fue Mogambo, junto a Clark Gable y Ava Gardner, por el cual fue candidata al Oscar como mejor actriz de reparto. Es memorable la anécdota relacionada con la censura franquista respecto a esta película, ya que transformó el matrimonio de Grace Kelly y su marido en una relación fraternal, con lo que se producía un incesto, ¡mucho peor! En 1954 a los 25 años, gana un Oscar a la mejor actriz principal por La angustia de vivir, coprotagonizada por Bing Crosby y William Holden. En su corta carrera cinematográfica, Kelly fue una de las actrices favoritas de Hitchcock, con quien trabajó en tres films: Crimen perfecto, junto a Ray Milland; La ventana indiscreta, con James Stewart, y Atrapa a un ladrón, con Cary Grant. Este último se rodó en el principado de Mónaco, donde Grace Kelly conoció a su futuro marido durante una visita que este hizo al hotel donde ella se alojaba; el futuro marido era nada más ni nada menos que el príncipe Rainiero. Grace más tarde diría a la prensa que, cuando supo que el príncipe la saludaría, no

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disponía de un vestido adecuado para la ocasión y se puso uno que, según ella, asemejaba a una cortina y no era de su agrado. El príncipe quedó prendado de la actriz y discretamente empezó a cortejarla, mientras Grace seguía con su carrera en el cine. Así, Grace Kelly, considerada uno de los rostros más bellos que ha dado el cine en Hollywood, en 1955 trabajó al lado de Sir Alec Guinness en el El cisne, un anticipo de la aristocrática vida futura que le esperaba.

P rinc esa de M óna co Para entonces, el príncipe Rainiero no sólo había conquistado a la bella actriz, sino que había efectuado discretas visitas a Norteamérica, precisamente a la familia de Grace, y había solicitado su mano. Su última película fue Alta sociedad, nuevamente con Bing Crosby. Después se trasladó a Mónaco para casarse con Rainiero, quien le había manifestado, muy a pesar de Grace, que si se convertía en su esposa debía dejar el cine dado que era incompatible con los deberes de una futura princesa. El matrimonio fue considerado la Boda del Siglo por los medios de prensa. Por cierto, que en los años de soltería en que fue actriz, se dice que Grace vivió varios romances, principalmente con los actores con los que había trabajado, como Clark Gable, William Holden, Bing Crosby y Cary Grant. Su boda con Rainiero, el 14 de mayo de 1956, fue como en los cuentos de hadas. A partir de entonces su vida y

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STAR su trabajo estuvieron dedicados por entero a su familia y al pequeño estado europeo. Su figura y su estilo dieron un nuevo empuje al Principado de Mónaco, cuya economía creció gracias al turismo y a los importantes inversores, atraídos por las concesiones económicas impulsadas por Rainiero. Tuvo tres hijos con él: Alberto –futuro príncipe–, Carolina y Estefanía. El 13 de septiembre de 1982 la princesa Gracia sufrió un accidente cuando conducía su coche por una carretera cercana a Mónaco. Llevaba a su hija Estefanía como acompañante, quien salió ilesa y de quien se rumoreó que era la que conducía el coche en el momento del accidente. Al día siguiente, la princesa murió sin recobrar el conocimiento en el Centro Hospitalario Princesa Gracia; tenía 52 años. El príncipe Rainiero nunca pudo superar la pérdida de su esposa. Es la misma carretera que aparece en la película Atrapa a un ladrón, donde la actriz y Cary Grant hacen un pícnic.

Cur iosid ade s El cantante de origen libanés Mika le dedicó una canción con su propio nombre: Grace Kelly. En 2009 se estrenó el cortometraje del director Armand Rovira ¿Qué será de baby Grace?, donde se resucita cinematográficamente a Grace Kelly con las imágenes de archivo de la princesa en su estancia en Mallorca. El espléndido cortometraje en blanco y negro está protagonizado por Álex Angulo.

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Filmografía

· ¿Qué será de baby Grace? (2009), de Armand Rovira · Alta sociedad (1956), de Charles Walters · El cisne (1955), de Charles Vidor · Atrapa a un ladrón (1955), de Alfred Hitchcock · Los puentes de Toko-Ri (1954), de Mark Robson · La angustia de vivir (1954), de George Seaton · La ventana indiscreta (1954), de Alfred Hitchcock · Fuego verde (1954), de Andrew Marton · Crimen perfecto (1954), de Alfred Hitchcock · Mogambo (1953), de John Ford · Solo ante el peligro (1952), de Fred Zinneman · Catorce horas (1951), de Henry Hathaway

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Juan Albuerne

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Pau l Cree s and P et er Coe

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la Bella y la Bestia STORYLAND

«La Bella y la Bestia» fue el primer film de animación Disney nominado a los Oscar como mejor película. Y al margen de su calidad técnica algo tendrá que ver esta historia universal repleta de amor, ternura, personajes intrépidos y otros cómicos, pero también terror, celos, intriga y redención final, todo ello con la finalidad de entretener al público. Os mostramos las mejores versiones y las muñecas inspiradas en esta historia inmortal.

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a h i s t o r i a de La Bella y la Bestia ha circulado durante siglos por toda Europa, tanto en forma oral como escrita, y, de forma mucho más reciente, en adaptaciones a la gran pantalla. Muchos expertos han señalado similitudes entre este cuento e historias clásicas de la Grecia antigua, como Cupido y Psique o Edipo, o El asno de oro de Apuleyo, hacia el siglo segundo de nuestra era. Una primera versión escrita de La Bella y la Bestia se atribuye a Giovanni Francesco Straparola, aparecida en su libro de cuentos Le piacevole notti (‘Las noches agradables’), en 1550. Una temprana versión francesa presentaba al padre como un rey, y a la Bestia como una serpiente. Charles Perrault popularizó la historia en su recopilación Contes de ma mère l’oie (‘Cuentos de

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Mamá Oca’), en 1697. Otros autores como Madame d'Aulnoy, en su cuento Le mouton (‘La oveja’), o Giambattista Basile, en el Pentamerone, también escribieron variaciones de la misma historia. La primera versión escrita que ya desarrolla el cuento tal como lo conocemos hoy fue publicada en 1740 por la escritora francesa Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, en La jeune américaine, et les contes marins (‘La joven americana y los cuentos marinos’). Era una serie de relatos explicados por una anciana durante un largo viaje por el mar. Villeneuve escribía cuentos de hadas basados en el folclore europeo, para distracción de sus amigos y conocidos en bailes y salones. La aristócrata francesa Jeanne-Marie Le Prince de Beaumont (1711-1780) había emigrado a Inglaterra en 1745, donde empezó a trabajar como profesora y escritora de libros sobre educación y moral. Habiendo leído la novela de Villeneuve, la abrevió en gran medida y la publicó en 1756 como parte de la colección Magasin des Enfants, ou Dialogues entre une sage gouvernante et plusieurs de ses élèves (‘La Revista de los Niños, o Diálogos entre una sabia gobernanta y algunos de sus alumnos’). Tomando los elementos clave de la historia original, la autora omitió muchas escenas de los orígenes o las familias de los protagonistas y modificó la escena de la transformación de la Bestia, que en el original de Villeneuve acontece tras la noche de bodas. Escrito como complemento educativo para sus

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STORYLAND alumnos, muchos de los detalles escabrosos o subversivos del original fueron suprimidos. La versión de Beaumont se consideró ya entonces la más característica, hasta el punto de que, sólo un año después, en 1757, ya fue traducida al inglés. La tradición francesa de esta época consistía en elaborar historias cotidianas, con una tendencia a desarrollarlas sobre un trasfondo de emociones humanas en vez de azares o designios mágicos. De ellas eliminaban todo lo que era sangriento o cruel; escribían de forma directa y concisa, con un estilo sobrio y sin adornos. Los cuentistas franceses adaptaron sus historias a su propio gusto clásico, lógico y hasta racional. Perrault inició una tendencia que se apartaba de esta forma tradicional de narrar cuentos, y las mujeres que le siguieron, Lhéritier, Madame d'Aulnoy y Beaumont, fueron aún más lejos. El más humilde de los hombres, en sus cuentos, era un caballero; los pastores eran príncipes disfrazados y la mayoría de los protagonistas siempre son reyes o reinas. Estas influencias en la historia explican las diferencias existentes entre la versión actual de La Bella y la Bestia, a través de estos escritores franceses, y las versiones más tradicionales.

Ad apta cio nes Desde su publicación en 1756, la historia ha sido revisada numerosas veces. En 1756 la Condesa de Genlis produjo una obra de teatro basada en

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STORYLAND el cuento. En 1786, la versión de Villeneuve volvió a publicarse en Le Cabinet des Fées et autres contes merveilleux (‘El Gabinete de las Hadas y otros cuentos maravillosos’). Durante el siglo XIX proliferaron las revisiones de la historia en Francia, Inglaterra y Estados Unidos. Se han listado hasta 68 ediciones diferentes impresas durante ese siglo. Algunas de las más notables fueron un poema de Charles Lamb, publicado en 1811; una ópera en dos actos de J.R. Planchée, en 1841; y, en 1875, un libro de ilustraciones de Walter Crane, y una edición ilustrada de la novela, por Eleanor Vere Boyle. Ya en 1946, el director de cine francés Jean Cocteau realizó la que se considera la mejor versión cinematográfica de la historia: La Belle et la Bête, con Jean Marais como la Bestia y Jossete Day como Belle. Esta adaptación añade un argumento secundario, al aparecer un pretendiente de Belle, Avenant, que pretende matar a la Bestia y robar sus riquezas mientras las hermanas, cómplices suyas, retrasan la vuelta de Belle al castillo. Cuando Avenant entra en el pabellón mágico, que es la fuente del poder de la Bestia, es alcanzado por una flecha de fuego arrojada por la estatua de la diosa romana Diana, que lo transforma en bestia e invierte la maldición de la criatura original. En 1952 se rodó una adaptación animada en la Unión Soviética, usando la técnica del rotoscopio, basada en una versión de Serguei Aksakov: La

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STORYLAND flor escarlata. La historia está situada en la edad media eslava y los personajes hablan la vieja lengua rusa (también conocida como antiguo eslavo oriental), que se usaba entre los siglos X y XIV. En 1991, Disney produjo su propia versión animada de La Bella y la Bestia, con guión de Linda Woolverton, música de Alan Menken y canciones de Howard Ashman. Ganó dos premios Oscar: a la mejor canción original y a la mejor banda sonora, y es el único film animado de la historia nominado al Oscar a la mejor película. Como en el film de Jean Cocteau, la Bella recibe también el nombre de Belle en la versión original inglesa. Los criados son transformados en objetos personificados, ya que la maldición que afectó a la Bestia les afectó también a ellos. Pero se cambian muchas cosas de la historia original. El padre de Belle recibe un nombre, Maurice, y ella es su única hija. Un atractivo pero arrogante y presuntuoso pretendiente de Belle, de nombre Gaston, pretende casarse con ella, pero es siempre rechazado. Gaston y sus amigos amenazan tanto a Maurice como a la Bestia, pero aquél muere en el enfrentamiento final con el monstruo. Esta versión otorga la capacidad de redención a Belle, perfecta en sí misma, que es capaz de amar a la Bestia a pesar de su extrema fealdad externa. A pesar de alterar en gran medida la historia original, como suele pasar en sus películas, Beauty and the Beast está considerada uno de los más grandes clásicos de la factoría Disney.

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STORYLAND Golden Films estrenó en 1992, a raíz del éxito de la película de Disney, otra versión animada que se comercializó directamente en vídeo. Con una animación mediocre respecto a la de Disney, es, sin embargo, más fiel a la historia original. Las películas de King Kong están basadas vagamente en el cuento. En la película original de 1933, el personaje de Carl Denham, que parte en busca del monstruo junto a la actriz Ann Darrow, cree que la aparición de Ann y el monstruo juntos en su película podría ser una reminiscencia del cuento. Cuando la criatura es llevada a Nueva York, y muere tras pasar los últimos momentos junto a Ann, Denham declama, tanto en la versión de 1933 como en la de 2005, que la Bella ha matado a la Bestia. Variantes de la historia donde una figura grotesca se enamora de una bella mujer también se han adaptado numerosas veces al cine, como, por ejemplo: El fantasma de la Ópera, de Gaston Leroux, o El jorobado de Notre Dame, de Victor Hugo.

V ers iones te atr ales La película de Disney fue adaptada para el teatro por Linda Woolverton y Alan Menken, que ya habían colaborado en la película animada. La adaptación teatral requería pasar de los 84 minutos de la versión cinematográfica a las dos horas y media del musical, lo que exigía un trabajo de profundización en los

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STORYLAND personajes y la creación de nuevos temas. Howard Ashman, el creador de las canciones originales, había fallecido, y Tim Rice escribió canciones adicionales. Siete nuevos temas: No Matter What, Me, Home, How Long Must This Go On?, Maison des Lunes, Human Again y If I Can't Love Her, fueron añadidas para la versión teatral. Human Again, canción escrita para la película pero suprimida del montaje final, fue incorporada para el estreno en DVD de la cinta, al igual que A Change in Me, cantada por Belle. En la obra de teatro se puso, además, un énfasis especial en el vestuario y los efectos especiales, para recrear la fantasía y la imaginería del castillo encantado de la película. Esta producción se estrenó en Madrid en 1999 y en Barcelona en 2008, con Xènia Reguant y Julia Möller en el papel de Bella, y Carlos Marín, Joe Luciano y David Ordinas como la Bestia. Gastón, por su parte, fue interpretado por Lisardo Guarinos, Manuel Bandera y Sergi Albert. En octubre volverá a representarse en la Ciudad Condal. La Royal Shakespeare Company realizó su propia versión en 2003, siendo mucho más fiel a la historia original que Disney. Se hizo tan popular que, en 2004, se volvió a estrenar, aunque con ligeras variaciones en la trama. La Bella y la Bestia se representa frecuentemente como una pantomima en Inglaterra; existen muchas versiones

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STORYLAND de diversos autores. A menudo se incorpora el personaje de la bruja que desea casarse con el príncipe y, al rechazarla éste, lo convierte en Bestia. Un hada buena, normalmente llamada el Hada de la Rosa, contribuye a que la historia acabe en final feliz. En estas versiones mímicas, la Bestia acostumbra a enamorarse de Bella antes de su transformación, siguiendo la tradición de Cenicienta.

Te l evi si ó n George C. Scott protagonizó, junto a Trish Van Devere, una versión para televisión de La Bella y la Bestia, en 1976. Scott fue nominado al premio Emmy por su interpretación. En 1984, Shelley Duval produjo, para su programa infantil Faerie Tale Theatre, una adaptación con Klaus Kinski y Susan Sarandon como protagonistas. Estaba basada en la película de Jean Cocteau, de 1946. En 1987, se realizó una adaptación musical, protagonizada por Rebecca de Mornay y John Savage. La serie de televisión La Bella y la Bestia, emitida de 1987 a 1989, desarrollaba sus tramas como una mezcla de fantasía y serie detectivesca. Se basaba en la relación entre Catherine, una abogada de Nueva York, interpretada por Linda Hamilton, y Vincent, un educado pero monstruoso personaje, interpretado por Ron Perlman, que vivía bajo los túneles de la ciudad.

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MARIA PASCUAL ENTREVISTA

La mayoría hemos crecido leyendo los cuentos que ella ilustraba y, aunque su rostro no nos resulte familiar, cuando vemos sus dibujos fácilmente sabemos reconocerlos. Trabajadora incansable, sigue a su edad dibujando e ilusionada cuando le piden nuevos proyectos. Era un mito de nuestra infancia para más de uno y recuperarla ahora para nuestra revista ha sido todo un honor.

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o s r e c i b e en su casa de la zona alta de Barcelona vestida de forma informal, de negro riguroso pero con un peinado superjuvenil y una vitalidad que ya le gustaría a más de uno con 30 años menos. La verdad es que en cuanto te pones a charlar con Maria Pascual te olvidas de la edad que tiene y de todo lo que ha vivido, y eso que sus primeros dibujos, que hizo con 14 años, datan de los años cincuenta. En aquella época –empieza a relatar Maria– dibujábamos para tebeos como Azucena, que eran en formato apaisado de pocas páginas y muy baratos; salían cada semana, por lo que el ritmo era bastante continuo. Al principio tenía un estilo más clasicón, con historias románticas, de hadas

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ENTREVISTA

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ENTREVISTA

y princesas; a partir de los sesenta el estilo se hizo más actual, especialmente en revistas como Rosas Blancas, donde las protagonistas ya vestían modernas, trabajaban, conducían, tenían novio o lo buscaban... los contenidos cambiaron de forma radical. Aquellos eran unos tebeos en blanco y negro, con las portadas en color... ¡Uf!, tardé muchísimo en hacer el paso del blanco y negro al color, pensaba que me quedaría fatal, porque yo siempre he tenido una formación autodidacta y cualquier nueva técnica me cuesta mucho aplicarla con seguridad. Aprendí de mi hermano Manuel Pascual, que, aunque en otro estilo, no tan realista, era un gran artista; él más bien pinta cuadros al óleo, pero yo en esa técnica, aunque he hecho algo, nunca me he sentido muy cómoda. Además, en aquella época, aunque fuesen cuentos para niños, también tenían que pasar la censura... La verdad es que era una lata, porque a mí siempre me ha gustado mucho el mundo de la moda, y siempre que podía me informaba y procuraba que mis personajes llevasen vestidos con una cierta rigurosidad histórica. Pero había en el departamento de censura un tal Sánchez Juan que nos hacía la vida imposible. Recuerdo unas ilustraciones ambientadas en la época de Madame Pompadour, con las pelucas, aquellos vestidos maravillosos y aquellos escotes tan generosos, y dicho señor pretendía que tapásemos los personajes tipo jersey de cuello alto. Era increíble.

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ENTREVISTA

Empezaste a trabajar para la editorial Toray y estuviste allí hasta prácticamente su desaparición en los años 80. La verdad es que la empresa cerró por la mala gestión de los herederos de Torrecillas y Ayné, que eran los propietarios originales. Hasta ese momento nunca me planteé de cambiar a otras editoriales u otros proyectos porque ya estaba bien, era un ambiente muy familiar, a veces quizás demasiado y por eso a muchos dibujantes nos tomaban tanto el pelo. De hecho, nunca me devolvieron los originales de mis dibujos, y un día

que se me ocurrió pedirlos vi que los tenían en una habitación amontonados y llenos de moho, estaban totalmente irrecuperables. Me ha sorprendido que, al principio, en esos cuentos que publicaba Toray, estilo «Rosas Blancas», etc., las dibujantes tenían un estilo muy parecido al tuyo Pues sí, eso fue cosa de los editores, que obligaban a las demás a copiar el estilo de ojos, las narices respingonas, las bocas de amplios labios... y a mí eso me parecía absurdo, porque para hacer el estilo Maria Pascual ya estaba

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ENTREVISTA yo, no hacía falta tener tantas copias. Eso le hubiese dado más variedad a los cuentos. En aquellos años siempre trabajabas junto al guionista y adaptador Eugenio Sotillos, incluso pensaba que sería tu marido... Ja, ja, ja... Incluso la gente se pensaba que yo era accionista o propietaria de Toray, pero me temo que yo sólo llegaba, entregaba mi trabajo, cobraba y poco más. Sotillos era una persona muy agradable, muy afable, con un único defecto: que fumaba unos puros enormes, ja, ja, ja. Al principio yo probé de hacer mis propios guiones, el cuento de El hada de la fuente es mío, pero rápidamete me di cuenta que aquello daba mucho trabajo y que había personas que lo hacían mucho mejor. Desde que cerró Toray creo que no he visto a Sotillos, me parece que ahora sigue trabajando pero para la editorial Océano. ¿Qué pasó una vez cerró la editorial Toray? Pues que me hicieron una oferta de Bruguera para ilustrar obras divesas y una colección que se llamaba Había... También hice el primer libro de la serie Sissy de Joyas Literarias e ilustré muchos de Pollyanna. Después estuve trabajando también para la editorial Susaeta, bastante más serios y correctos, donde hice nuevas versiones de los cuentos infantiles que ya había ilustrado. La verdad es que siempre he tenido total libertad al dibujar, podía escoger como quería los personajes, y si en uno la Cenicienta

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ENTREVISTA iba vestida con trajes típicos de inspiración rusa, en otra versión igual va más bien vestida con la moda de los 80. Ya he perdido la cuenta de la cantidad de libros que he ilustrado; de las historias de la Biblia, por ejemplo, he hecho tantas versiones que ya me la sé de memoria. ¿En qué proyecto estás trabajando actualmente? Estoy haciendo unos libros didácticos para la editorial Océano, el último se titulaba Aprende a dibujar con Maria Pascual, pero he hecho muchísimos, como La vida sexual contada a los niños por Maria Pascual; son libros que tienen mucho éxito en Sudamérica y se venden muy bien. De hecho, en aquella parte del mundo tengo muchas fans que me escriben y me piden dibujos, como una que colecciona muñecas recortables y está encantada con todo lo que hice. Una vida dedicada por completo a la ilustración es muy absorbente, ¿tu marido ya lo sabía? Mi marido regentaba una tienda de sastrería pero ahora está jubilado. Siempre le ha encantado lo que hago, de hecho a él también le gusta dibujar y ahora es muy fanático del ordenador. Y menos mal, porque a mí me cuesta horrores cualquier cosa que tenga que hacer por fácil que sea. Ni siquiera me he planteado pintar los dibujos por ordenador, creo que lo probé una vez pero fue un desastre. Y con estas palabras nos despedimos. Nos gustaría que, así como salieron

los cuentos troquelados de Ferràndiz, se publicasen también los suyos, y sabemos que la autora está en tratos con una editorial para que así sea. Mientras, siempre podéis comprar sus obras mas clásicas a través de Todo Colección o de internet. Texto y fotos: G ui l l e m M e d i n a


ENTREVISTA

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PREMIOS TOYLAND

Mejor Fashion Doll

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Red Rabbit Maroseica Street

I Wait Alone

Stunning in the Spotlight

Finalmente ganó la elegantísima Symphonic Antoinette de Tonner por encima de la original Nippon Misaki «Red Rabbit», la sorprendente Barbie «Stunning in the Spotlight», la recreación del folclore ruso de Maroseica Street de J. Dolls o la belleza serena de Ellowyne Wilde «I Wait Alone».


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Symphonic Antoinette

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A Fashionable Life

Pure Evil

Pretty Parisienne

Tanto el vestuario como el peinado de una muñeca es básico y este año los lectores han decidido que la ganadora es Elizabeth I de Madame Alexander. Alexander Quedaron como finalistas la bellísima Idyllic Antoinette de Tonner, la Barbie «Pretty Parisienne» de la línea Silkstone, Cissy «A Fashionable Life» y Nippon Misaki «Pure Evil», muy elegante con su atuendo en blanco.

Idyllic Antoinette

Mejor Vestuario


Elizabeth I

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Mejor Celebrity

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Edward

Breakfast at Tiffany’s

Roman Holiday

Miss Piggy

Hay que reconocer que cada año las empresas se esmeran en las esculturas de sus celebrities, por eso este año ha ganado un clásico: Barbie como Marilyn Monroe. Monroe Le siguen muy de cerca Miss Piggy de Tonner, Cissy como Audrey Hepburn en Breakfast at Tiffany’s, Pullip también como la Hepburn en Roman Holiday y, finalmente, una de las múltiples versiones de Edward, el protagonista de Crepúsculo, también de Tonner.


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Marilyn Monroe

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PREMIOS TOYLAND

Mejor Artista

Tasha Neko Annette Himstedt

Ion Fiz

Hildegard Günzel

Durante este año grandes artistas creadores de muñecas han pasado por nuestra páginas. Finalmente, y gracias a vuestros votos, ganó Marina Bychkova, Bychkova seguida muy de cerca por las creaciones góticas de Tasha Neko, las muñecas clásicas de Hildegard Günzel, la colección póstuma de Annette Himstedt y, curiosamente, el diseñador de moda Ion Fiz para la colección que ha hecho a Nancy de Famosa.

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Marina Bychkova

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Mejor Muñeca Española

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Paula

Dasha

Mariquita Pérez

Este premio estaba más que cantado: ganó con ventaja la reedición de la Nancy Jeans de Famosa. Famosa A pesar de todo, las encantadoras Amigas de Paola Reina le siguen muy de cerca: Nora y Dasha son las más votadas. La empresa Miel de Abeja también ofrece grandes muñecas, entre ellas Paula. Y no podemos olvidar un clásico: Mariquita Pérez vestida de fallera.

Nora

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Nancy Jeans

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Mejor Action Figure

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G.I. Joe

Star Trek (Playmates)

Vickie el vikingo

Ya sabemos que el público de nuestra revista se decanta más por el tema muñequil, pero queríamos saber cuáles eran vuestras Action Figures favoritas, y ha ganado Heidi de SD Toys, Toys seguida muy de cerca por el pack Star Trek de Mattel, el pack de Vickie el vikingo también de SD Toys, toda la serie de Star Trek de la marca Playmates y, finalmente, la serie de G.I. Joe «The Rise of Cobra», adaptación al cine del popular juguete.

Star Trek (Mattel)

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PREMIOS TOYLAND

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Minimates

Betty Boop

Cada año se lanzan cientos de collectibles para todos los gustos. Este año se han llevado el gato al agua los superhéroes de los Mighty Muggs , seguidos muy de cerca por los ositos incorrectos de Bad Taste Bears, y los pequeños Minimates también de superhéroes. En el apartado vintage, dos clásicos ya: la deliciosa pin-up Betty Boop, que siempre está de moda, y la gatita japonesa Hello Kitty.

Bad Taste Bears

Mejor Collectible


1

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PREMIOS TOYLAND

Mighty Muggs

puesto

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Pullips

NOVEDAD

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s t e m e s las Pullip no siguen un tema prefijado y cada miembro de la familia va a su aire. Para empezar, tenemos una Pullip Shan Rya, de pelo rubio ceniza, vestida un tanto rococó, llena de encajes, lacitos en tonos pastel y estola rosa salmón; lo mejor: el gorrito, perfecto para las carreras de Ascot. Nos encanta la Dal Tina, en tonos rojo y negro, estilo gótico romántico, con sombrerito y orejas gatunas incluidas. La tercera en discordia es Byul Siry, con su eterna cara de alelada; viste también a lo gótico romántico, en blanco y cuadros escoceses. En cuanto a las pequeñas de la casa, la línea Mini lanza la Mini Pullip Miki, de larguísima melena pelirroja, vestida de estudiante; no le falta nada: su camisa rosa, corbatita roja, chaleco de punto blanco, faldita azul, e incluso un bolsito. La Mini Dal Iena también va al cole, vestidita con un jersey de punto azul marino, camisa blanca y faldita a cuadros escoceses en tonos rosa. El fallo de estas minis es que tanto los zapatos como los calcetines son pintados, y eso les resta una cierta calidad; por lo demás, siguen gustándonos las líneas propuestas.

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Dal Tina

de abril


Mini Pullip Miki

Mini Dal Iena

Byul Siry

Pullip Shan Rya

NOVEDAD

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La Familia Feliz

MADE IN SPAIN

Muchos coleccionistas recordarán esta encantadora familia que a mediados de los setenta Congost puso a la venta en España. Y aunque su éxito duró apenas una década, son muchos los que la recuerdan y buscan en internet vestidos y complementos que en su día no tuvieron. Además os mostramos la Sunshine Family original de Mattel, y el resto de la familia, que aquí nunca llegó.

D

e s p u é s d e Barbie, La Familia Feliz fue el producto exportado de Mattel que tuvo un cierto éxito entre nosotros. Mattel USA produjo La Familia Feliz (Sunshine Family) entre los años 1974 y 1978. El núcleo básico familiar estaba compuesto por el padre (Juan en la versión española, y Steven en EEUU), la madre (Ana /Steffie) y el bebé (Dulce/Baby Sweets). Los padres medían unos 23 cm de altura, tenían cuerpo articulado, ojos de plástico y cabello injertado. En la versión básica vestían de forma informal: la madre con un modelito floreado y delantal blanco, el padre con pantalones de camuflaje y jersey de cuello alto, y el bebé con vestido de punto. Y no llegaron solos a España, sino que se vendió también El Hogar de la Familia Feliz, un coquetón apartamento de tres

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MADE IN SPAIN habitaciones, con todo lo que una familia puede necesitar –siempre que no cocinen un simple huevo frito o tengan que ir al baño, claro. Como eran una familia con conciencia preecológica y estaban inmersos en plena fiebre hippie, los Feliz pasaban siempre los fines de semana en la montaña; así, tuvieron un completo equipo de cámping y otro para ir de excursión por los rápidos del río –no sabemos si esa actividad sería hoy políticamente correcta y llegaría a perjudicar la salud del pequeño bebé... En cuanto al vestuario, La Familia Feliz tuvo al menos cuatro modelitos surtidos en blíster: Fiesta –más elegante–, Amapola –para los días de lluvia–, Primavera y Celeste –mucho más veraniegos. Todos tenían el toque folk que tanto imperaba a finales de los setenta. Aunque la versión de Congost se limitó a la familia básica, en los Estados Unidos la familia se amplió con los abuelos, él con abundante barba blanca como el abuelo de Heidi y ella con el moño canoso bien alto. También se añadió una tía pelirroja con dos sobrinos –ésta no llegaba a tener marido–, y si esto os parece poco hubo además una versión afroamericana, con su padre, su madre y su bebé de ensortijado pelo negro y sus abuelitos correspondientes. También el vestuario y los complementos fueron más numerosos en América: así, se podían adquirir la furgoneta y la bicicleta tándem para pasear todos juntos. Si alguien a estas alturas se está

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preguntando de qué córcholis vivía la familia, pues nada más sencillo: tenían un taller de alfarería y manualidades varias que luego iban vendiendo por los pueblos. Siguiendo la consigna de «Paz y amor para todos»... Si estáis interesado en la entrañable Sunshine Family y sus miembros, es relativamente fácil encontrarlos a la venta por internet en Estados Unidos. Aquí es más fácil encontrar blísters y complementos que no la propia familia, y no digamos ya encontrarla dentro de su caja original.

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HEIDI PLUZCZOK

ARTISTA

Heidi Pluzczok celebra treinta años diseñando muñecas. Desde que, a los diez años, le hiciese su primera muñeca a su hermana Katja, ha habido muchas colecciones en su vida. Experta en la creación de muñecas de porcelana y vinilo, la diseñadora alemana sabe captar a la perfección los rostros y expresiones de los más pequeños, sorprendiéndonos cada año con sus maravillosas creaciones.

e i d i P l u z c z o k se ha superado con su última colección, y aunque las fotos que os mostramos aquí sean de la colección de 2009 ya tenéis disponible en su página web su nueva colección para este año: www.heidipluzczok.com. De hecho, desde su unión con la empresa ZAPF Creation, sus colecciones han mejorado mucho, abaratando los precios, ya que ahora fabrica también piezas en vinilo y anteriormente sólo estaban disponibles en porcelana. Como cada año, la artista y su amiga Rosemarie Ionken, diseñadora de los modelitos que llevan las muñecas, pasan dos semanas en Indonesia buscando las mejores telas y complementos para sus muñecas. Una calidad que salta a la vista en estas imágenes. Si estais interesad@s en estas muñecas, en España las encontraréis en las tiendas Les Golfes, Así Madrid y Dazúcar Creaciones S.L. No os las perdáis.

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Kati

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Chintana

ARTISTA

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Gerti

Anisha

Katja

ARTISTA


Seiran

Mia

Roses Group

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Chiaki

Inka

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Lea

ARTISTA


Lian

ARTISTA

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CABARET LIBRO

de

Medusa

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ras el pseudónimo de Medusa the Dollmaker se esconde Asunción Macián Ruiz, una deliciosa ilustradora de la que os ofrecemos su última obra: Cabaret, un libro con un relato más o menos correcto, pero con unas ilustraciones magistrales. Se notan claramente las influencias de esta artista, desde clásicos modernos del cine como Moulin Rouge, o los grandes carteles del modernismo, desde Toulouse-Lautrec a Picasso, de Mucha a los espectáculos de sombras chinescas. Pero Medusa absorbe también influencias de las corrientes estéticas más rcientes: deliciosas muñecas góticas torturadas con un toque de sadismo, pin-ups vintage con estética de los años 20, 30 o 40... cualquier época pasada fue mejor y es siempre un motivo de inspiración. Incluso encontraréis un toque de burlesque, tal como os mostrábamos hace unos números gracias a Bibian Blue. Nos ha parecido todo un acierto por parte de Planeta De Agostini y esperamos que también a vosotros os encante este libro.

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Mini Mariquita Pérez MADE IN SPAIN

A todos aquellos que pensaron que Mariquita Pérez era una muñeca muy cara o muy voluminosa, siempre les quedará el recurso de coleccionar Mini Mariquitas, la versión diminuta de esta muñeca entrañable, representativa de toda una época. Ya sea coleccionando las muñequitas originales o las que salieron en fascículos, hay muchos seguidores de esta pequeñaja. Gracias a nuestra colaboradora Pilar, hoy las conoceremos un poco mejor.

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a c a s a Mariquita Pérez acertó con la reproducción de las Mariquitas en pequeñito. Muñequitas de vinilo, resistentes a caídas y articuladas en brazos y piernas, que han conseguido emular lo cuidado y clásico del vestuario de las Mariquitas grandes, al igual que la calidad de los vestidos, atendiendo el más mínimo detalle. Los trajecitos siempre van paralelamente a los que sacan sus hermanas mayores: colegiala, enfermera, de paseo, clásicos... Esta pequeña muñeca ha podido llegar a todos los hogares gracias a que también ha salido en varias ocasiones en fascículos. La primera vez que lo hizo, la única variación era que el pie venía desnudo, sin el zapato característico que llevaban las que se compraban en jugueterías, fuera de los

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kioskos, ya que en los sucesivos fascículos saldrían en varias ocasiones los correspondientes pares de zapatitos, para poder compaginar aquellos que más nos gustaran.

hermano Juanín, inédito hasta ese momento. Luego la casa Mariquita Pérez lo sacó para la venta fuera de los fascículos, ya con su zapato pintado.

Se realizó por el norte de España una tirada de Mini Mariquita Pérez en fascículos, sin llegar a otras comunidades españolas, con una variación muy especial para los coleccionistas, y es que ponían un precioso pelo largo a la muñequita.

En esta colección se sacaban trajes para ambos: de equitación, tenis, etc., además de poder adquirir algunos muebles para ellos, como el armario o las literas. Era una colección muy completa y variada en lo que se refiere a estilismo, en la que muchas mamás pudieron adquirir una muñequita sumamente manejable para sus hijas, y conseguir a la vez una colección completa de trajes, accesorios y muebles. Las dos ediciones que se sacaron fueron un completo éxito, ya que el precio no era excesivamente caro, y llamaba mucho la atención el gran de vestuario de la muñequita.

En plan nacional salió una segunda edición en la que la Mini Mariquita cambiaba bastante: tenía el pelo largo cortado a capas y no a tazón como en la primera edición, ni era tan cuidado ni largo como en su edición del norte de España, y además en la colección podíamos también disfrutar de su

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MADE IN SPAIN Incluso en una de las dos ediciones se realizó un concurso, en el que las coleccionistas de fascículos podían enviar a la editorial un prototipo de como les gustaría que fuera el último traje de la colección, poniéndose como condición que estuviera realizado por ellas mismas. Más tarde, en un intento de emular el éxito de las Mini Mariquitas en fascículos, se realizó el lanzamiento de unas mini-Mini-Mariquitas, de las cuales venía una diferente en cada fascículo, con el consiguiente vestido. Los zapatitos en esta ocasión ya estaban pintados, y lo que variaba de un número a otro del coleccionable era el vestido. Esta colección no tuvo tanto éxito como las primeras, ya que las caras de estas muñequitas no tenían mucha expresividad, y no eran demasiado manejables en lo concerniente a vestirlas y cambiarlas de traje por su reducido tamaño. Ya fuera de las colecciones, la casa Mariquita Pérez quiso también dar algo de mobiliario a su creación más pequeña, y la acompañó de baúl transportín, armario, y hasta una silla donde poder sentar a la muñequita. La fábrica cada año va sacando nuevas colecciones en las que tanto Juanín como Mariquita pueden lucir nuevos trajes: de invierno, como chubasqueros, en el caso de Mariquita, o chaquetas de punto y pantalones de pana para Juanín. El secreto de la empresa Mariquita Pérez es el sumo cuidado que pone en la realización de

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MADE IN SPAIN estas prendas, para que sean comparables lo más posible a los trajes de sus hermanas mayores, al igual que, tanto para coleccionistas como para los más pequeños de la casa, es una muñeca jugable, manejable y pequeñita, por lo que no ocupa mucho espacio, y dispone de mucho vestuario, que se puede comprar por separado. Además, viene muy bien expuesta al público en su caja de metal, lo que hace una presentación muy espectacular. Para mí, sin duda, es una muñeca ideal para jugar y disfrutar de ella. Texto y fotos: P i l a r P é r e z

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LARA CROFT

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Antes de que Angelina Jolie fuese la reencarnación en el cine de tan provocativa cazadora de tesoros, Lara Croft ya tenía miles de seguidores de sus trepidantes aventuras, hasta el punto que incluso ha eclipsado al videojuego para el que fue creada: «Tomb Raider», dejando a los otros «buscadores de tumbas» en la cuneta. Y es que esa trenza lujuriosa, esa camiseta de tirantes y esos minishorts militares resultan difíciles de olvidar...

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a r a C r o f t es un personaje ficticio femenino protagonista de la saga de videojuegos del género de aventuras Tomb Raider, desarrollado inicialmente por Core Design, luego por Crystal Dynamics y actualmente por Square Enix. El personaje creado por Toby Gard ha aparecido también en historietas, novelas y una serie de cortos animados, y ha sido personificado por Angelina Jolie en dos películas. Lara Croft ha sido reconocida como «la heroína humana más exitosa en la historia de los videojuegos» por el Libro Guinness de los récords. Lara es generalmente presentada como una arqueóloga y aventurera inglesa inteligente, atlética y algo temeraria, que frecuentemente se aventura en antiguas –y usualmente peligrosas– tumbas y ruinas. Además

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PERSONAJE

de trampas y rompecabezas, Lara encuentra en sus viajes a rivales y enemigos como gángsters, asesinos, animales salvajes –incluso dinosaurios–, animales mitológicos y criaturas sobrenaturales. La fantástica naturaleza de sus peripecias arqueológicas suele compararse con las de Indiana Jones.

Creación Inicialmente, el diseñador Toby Gard tenía planeado hacer del protagonista de Tomb Raider una copia del famoso arqueólogo aventurero Indiana Jones. Cuando esa idea fue rechazada por inaceptable, Gard se concentró en crear otro personaje. Otro factor que ayudó a que usara un personaje femenino es que notó que sus compañeros de trabajo preferían elegir personajes femeninos en el videojuego Virtua Fighter. De ahí salió una mujer llamada Laura Cruz. Con el paso del tiempo, sus creadores interpretaron que ese apelativo no sonaba mucho a mujer inglesa y le cambiaron el nombre por el de Lara Croft, mucho más fácil de pronunciar en inglés americano. El apellido Croft se escogió de un listín telefónico de Inglaterra para que sonara más creíble su proveniencia inglesa. Lara Croft nació el 14 de febrero de 1968 en Wimbledon, área residencial de Londres. Hija de Lord Henshingly Croft y de Amelia Croft, condes de Abbingdon, Lara fue criada en el lujosos mundo de la aristocracia británica, rodeada de mayordomos

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y jugando a tenis. Durante sus años escolares asistió a una conferencia pronunciada por el renombrado arqueólogo Werner Von Croy, lo que provocó su interés temprano por la arqueología. Más tarde, a los 16 años, averiguó que Von Croy preparaba una expedición a Camboya y convenció a sus padres para que la dejaran unirse a ella. La expedición terminó en desastre cuando Von Croy activó una trampa que terminó con él, quedando sepultado dentro de una tumba, y Lara tuvo que abandonarlo para evitar el mismo destino. Von Croy sobrevivió, pero el incidente causó un rencor entre ellos que perduró durante años. Más tarde, durante su internado en una prestigiosa escuela suiza, estudió esquí extremo y pasó sus vacaciones en el Himalaya en busca del terreno adecuado para la práctica de este arriesgado deporte. Sin embargo, en su viaje de vuelta, el avión se estrelló en las montañas, dejando a Lara como única superviviente. Lara pasó dos semanas vagando sola por el Himalaya antes de encontrar el remoto pueblo tibetano de Tokakeriby. Su experiencia con las escarificaciones le dejaría una profunda huella... Luego, incapaz de soportar por mucho más tiempo la atmósfera sofocante de la alta sociedad británica, Lara sólo se sentirá verdaderamente viva y libre viajando sola a través del mundo. A pesar de estos cambios de vida drásticos, Lara conserva la esencia de su educación –es extremadamente cortés– y el acento de clase alta. Mientras permanece en Inglaterra,

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PERSONAJE Lara vive en una mansión en Surrey que heredó de una tía muchos años antes. Esta mansión también la usa como centro de entrenamiento y a manera de almacén para los distintos cachivaches que ha ido adquiriendo en sus viajes. La mansión la lleva su mayordomo Winston, que ha estado cuidando a Lara desde su niñez y ha acabado desarrollando una especie de obligación paternal hacia ella. Lara no considera la arqueología como un trabajo, sino más como un modo de vivir. Para financiar esta forma de vida radical, la chica escribe libros sobre

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sus viajes. Además de haber hecho importantes hallazgos arqueológicos como la Pirámide de la Atlántida, el Scion y la Daga de Xi’an, también ha descubierto los cinco fragmentos de un meteorito, el Iris, el Amuleto de Horus, la Máscara de Oro y la de Tutankamón, la Lanza del Destino, la Piedra Filosofal, el Martillo de Thor... En fin, minucias... Tiene afición por practicar cualquier deporte extremo y un interés particular por experimentar con diferentes formas extravagantes de transporte. Y, por supuesto, le apasiona la arqueología.


PERSONAJE TOMB RAIDER Tomb Raider es un videojuego de aventuras y plataformas desarrollado por Core Design y distribuido por Eidos Interactive. Es el primer juego de la saga homónima y narra las aventuras de Lara Croft, una arqueóloga británica en busca de tesoros y reliquias del mundo antiguo, al más puro estilo de Indiana Jones. Tomb Raider salió a la venta en noviembre de 1996 para PC, PlayStation y Sega Saturn. La historia empieza con la detonación nuclear de un objeto no identificado en Los Álamos (Nuevo México). De la explosión se desprendió una pieza del artefacto, dividiéndose en tres partes. En Calcuta, un desconocido llamado Larson, desde su suite envía un mensaje para concertar una cita con la célebre arqueóloga británica Lara Croft. Jacqueline Natla, presidenta de una corporación dermoestética, se entrevista también con Lara para ofrecerle la oportunidad de recuperar un antiguo objeto llamado el Scion, y Lara acepta el trabajo. Su primera misión comienza en Perú. Lara se adentra en la mítica ciudad de Vilcabamba, una antigua ciudad inca, para encontrar la primera pieza del Scion, localizada en la tumba de Qualopec; pero pronto descubre que todo ha sido una trampa de Natla y que, una vez que encuentre los distintos objetos, ésta decidirá matarla. Larson le dice a Lara que Natla ha enviado a Pierre, un matón, para encontrar las otras dos piezas del Scion en un monasterio griego. Allí Lara encontrará la segunda pieza, eliminará al matón y descubrirá que la tercera parte está en la ciudad de Khamoon, en Egipto. El tercer fragmento le dará a Lara la pista hasta la ciudad perdida de la Atlántida, donde se desencadenará la lucha final entre Lara y Natla.

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SpiderWoman

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Las versiones femeninas de todo superhéroe siempre tienen un punto sexy que las hace muy atractivas. Spider-Woman ha pasado por diferentes etapas, de morena a rubia, de mallas rojas a azules, pero siempre ha mantenido un interés entre los lectores, tanto que Marvel se niega a hacerla desaparecer totalmente. Os presentamos sus mejores momentos y las figuras que se han realizado de tan provocativa araña.

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a a p a r i c i ó n de la Mujer Araña, Spider-Woman, en el universo Marvel da mucho que pensar sobre la naturaleza de los arácnidos en los Estados Unidos. Al igual que le pasara a su predecesor masculino, la chica araña debe sus poderes y el giro total en su vida a la picadura de un bicho de ocho patas y características un tanto peculiares. Pero vamos al principio... Jessica Drew era una niña de educación y entorno rural, que vivía al pie de la montaña Wundagore. Y si alguna vez se os ocurre hacer turismo por la zona…¡cuidado con las arañas! Ya que las que habitan la comarca suelen ser mortales. Y eso es lo que le pasó a la pobre Jessica, que, mientras jugaba cándidamente entre la flora y la fauna autóctonas, fue picada por una araña venenosa que la llevaría a las puertas de la muerte. Pero... ¡ah sorpresa! Los padres de las heroínas,

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CÓMIC aunque sean de extracto rural, no suelen ser un Don Nadie. Sin ir más lejos, el señor Drew era un prestigioso científico alejado del mundanal ruido que, en un intento de salvar la vida de su joven hija, le inyectó un suero de su invención y todavía no probado. Y claro, el potingue no sólo salvó a la niñita de sus ojos, sino que hizo que su organismo se mimetizara con el de la araña, aportándole algunas de las características y habilidades del bicho, a saber: reflejos, agilidad, velocidad, resistencia y fuerza sobrehumanas. Así también, la capacidad de adherirse a superficies rígidas –ya están las mentes calenturientas pensando en cosas raras, ¿verdad?–, la creación de feromonas a voluntad –¡vamos!, olor a sobaco u otras pestes–, la descarga de energía desde sus manos y unos grandes saltos que le permiten un efecto de volar a distancias cortas. Si a eso le sumamos su inmunidad a la radiación y venenos mil, el crisol de poderes y habilidades la hacen muy superior al propio Spiderman. Por todo ello, era sólo cuestión de tiempo que la agencia S.H.I.E.L.D. se interesara por la muchacha, al igual que su competidora, Hydra. Aunque la chica tenía suficientes arrestos como para no verse obligada a elegir, y durante un tiempo jugó el papel de agente doble de ambas entidades. Pero quien mucho abarca poco aprieta, y nuestra arácnida heroína acabó decidiéndose por una implicación más integral en S.H.I.E.L.D. Allí, dependiendo únicamente de las órdenes directas del atractivo tuerto Nick Fury, obtuvo el grado de agente especial. Más adelante, como la chica era ambiciosa

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CÓMIC y tenía gran visión de futuro, sumando a sus habilidades arácnidas el espíritu empresarial, tras un tiempo en la calle fundó su propia agencia: Investigaciones Drew. La empresa, como su nombre indica, se dedicaba a la investigación privada, desde donde operaba con la apariencia de civil. Pero una superheroína no pude pasar desapercibida ni dormir tranquila. ¡Es que no la dejan! La fuga de supercriminales –quién sabe si picados por una araña, un tábano sanjuanero o su suegra en un ataque de rabia– de la prisión de La Balsa la obligó a vestir de nuevo su traje ceñido –que aún le cabía perfectamente– y colaborar con nombres clásicos de la lycra y el leotardo como su propia versión masculina, Spiderman, y también Power Man, el Capitán América, Iron Man, Lobezno o el Vigía. De hecho, con varios de ellos, fundó el grupo Los Vengadores. En lo que se refiere a su creación, la chica araña fue un invento conjunto de Archie Goodwin, Sal Buscema y Jim Moorey, dentro de la línea de Marvel dedicada a hacer versiones femeninas de los clásicos de la casa. Y no se trató de un capricho, sino de una estrategia para evitar que la competencia desarrollara réplicas de los personajes superventas y diversificara las ventas con destino a otras arcas. N o te lo s puedes perder No vamos a engañar a nadie: Spider-Woman no es uno de los personajes fetiche de la casa, ni mucho

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menos, y sus aventuras no han sido nunca para tirar cohetes, pero resulta interesante leer el nacimiento de la superheroína en el número 32 de Marvel Spotlight, de febrero de 1977. Fantasías animadas y ar ácnidas La versión en pantalla –pequeña– de la Mujer Araña data de los psicodélicos años 70. Se trataba de una serie de animación, de 16 capítulos, realizada en 1979. En la misma, Jessica Drew, que en su versión en cómic regentaba una agencia de detectives, aquí dirigía una revista de nombre Justicia, en compañía de un fotógrafo-novio Jeff y su sobrino Billy. También los malos fueron creados especialmente para la ocasión. Así, pudimos ver a un ilusionista que extorsionaba al gobierno, de nombre El Gran Magín; una reina amazona, llamada Shanna, que junto a sus compinchas robaban el oro de Fort Knox; Limara, una versión alienígena y femenina de Darth Vader, máscara incluida, y unos surrealistas vikingos que viajaban a través del tiempo merced a un misterioso cofre. Tan sólo Kingpin procedía del cómic y aparecía en un único capítulo. Como curiosidad, cabe destacar la aparición, en dos de los capítulos de la serie, de Spiderman, el original y clásico héroe. La versión masculina, vamos. Texto: S ebas Mart ín

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Necróticas de ANGEL

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«Necróticas» es una apuesta personal de Hernán Migoya, el editor de Glénat, y parece que ha acertado de lleno, pues el estilo de Angel, su creador, es fresco, divertido, directo y sin cortapisas. De cualquier escena de cine, serie de televisión, mito popular o tendencia estética se puede hacer un gag y estas Necróticas son pura diversión. También nosotros apostamos por ellas.

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e d ó nd e sale el proyecto «Necróticas»? Pues surge a partir de un par de chistes que se me ocurrieron relacionados con la película The Ring de Hideo Nakata, y en concreto con el personaje de Sadako. De hecho, estos dos chistes salen en el libro. Pensé hacerlos como los chistes de La Familia Addams de Charles Addams, en los que aparece el dibujo sin bocadillos y el texto debajo de la viñeta. Me gustó como quedaron y me apeteció hacer más chistes de humor negro protagonizados por niñas oscuras. El nombre de Necróticas lo tengo pensado desde hace un montón de años. Viene de un error mío en una noche de fiesta en Murcia, cuando al ver a unas chicas góticas, le dije a mi amigo Dani: «¡Mira, unas necróticas!» El error se produjo porque por aquel entonces estudiaba veterinaria y había un proceso que se llamaba «necrosis mucopurulenta». Cuando empecé con

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las viñetas de las niñas, como les digo yo, pensé que el nombre de Necróticas Mucopurulentas era genial, aunque al final se han quedado en Necróticas sólo. ¿Cuál es tu proceso de trabajo? ¿Cómo concibes y trabajas cada chiste?

Pues en mi caso, resumiendo, es de dos formas: o bien se me ocurre el chiste a partir de una peli, un cómic o un libro, o de una conversación con alguien. Lo apunto en una libretita que siempre llevo, y si al día siguiente me sigue pareciendo tan bueno como en el momento en el que se me ocurrió, pues lo hago. Así por ponerte un

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LIBRO ejemplo, leyendo las tiras de Maakies de Tony Millionaire, había una viñeta en la que salía un caballito de mar ahorcado, y yo pensé que si estaba ahorcado en el mar debería estar al revés, como si estuviera flotando, y «de repronto» (juas, esto es un guiño al genial Raúl Minchinela) se me ocurrió el chiste de la astronauta. Otras veces tengo una idea que todavía no es un chiste pero que algo me dice que podría serlo, o bien a mí me encantaría que se convierta en un chiste. Me gusta ese punto gótico tan reconocible en tus personajes, que tan fácilmente han adaptado muñecas como Blythe, Pullip e incluso Barbie. Pero tú, ¿con qué jugabas cuando eras pequeño? Me encanta esa pregunta. Pues con los muñecos que jugaba eran las figuritas de la serie Star Wars, que por aquel entonces todos los críos de mi edad flipábamos con ellos. De hecho, me gustan mucho más los antiguos que los que sacaron después, cuando hicieron las tres películas nuevas, que son como hipermusculados y con un pechazo en plan culturista que no tiene sentido. Luego me gustaban mucho los Pin y Pon; me acuerdo que mi hermana tenía La casa de Pin y Pon y era superchula, todavía conservo uno, una Pin. Me encantaban también unos muñecos de superhéroes de DC que estaban muy bien hechos; de estos los conservo casi todos, mi favorito era el de Thanos. Y luego, por último, me acuerdo de las Barriguitas. Es que con mi hermana Ana juntábamos todos los muñecos que teníamos

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de cualquier clase, y montábamos ciudades enteras, creando historias; quién estaba casado con quién, quiénes eran los hijos... Y era muy divertido, porque al mezclar muñecos de distintas series te podías encontrar un superhéroe como Batman casado con una Barriguitas y teniendo de hijos unos Pin y Pon. ¿Conservas todavía algunos de aquellos juguetes? ¿Coleccionas alguno actualmente? Pues sí, como ya te he dicho conservo la mayoría de los de Star Wars, pero sin armas ni cascos (un desastre), los de superhéroes y una Pin. Ahora, hombre, no se puede decir que sea un coleccionista en plan comprarse todos los de una serie, porque en la actualidad la cantidad de muñecos que hay hace imposible tener espacio material para todos. Pero sí que tengo unos cuantos muñecos de personajes de cómic que me encantan: el Drinky Crow de Tony Millionaire, el Pogeybait de Daniel Clowes y el Buddy Bradley

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de Peter Bagge. Luego me encantan las Living Dead Dolls, de las que tengo a Maggot. Y también tengo varias muñecas de las Begoth. Muchos de tus personajes se inspiran en films del actual terror japonés. ¿Por qué crees que tienen tanto éxito entre el público occidental? Más incluso que cuando de algunos de estos films se ha hecho la versión «Made in USA» y no ha tenido tanto éxito... Verás, yo creo que esto se ve perfectamente en la película The Ring. La japonesa, de Hideo Nakata, es una película, entre otras muchísimas cosas, absolutamente terrorífica, porque desde el comienzo del film se va creando una atmósfera y un clima de terror sin recurrir a efectos especiales ni trampas del director. Poco a poco, a través de la protagonista, vamos conociendo la existencia de un vídeo maldito y de una niña, Sadako, con un extraño y misterioso final. Y es sólo casi al final, en la maravillosa escena del televisor, cuando vemos al, llamémosle monstruo, Sadako. En cambio en la americana toda esa atmósfera no existe, desaparece, y prácticamente la película es un calco de la japonesa pero le falta esencia, profundidad. La familia Addams o los Munster de televisión tenían gracia porque aparentemente ellos no eran conscientes de su «diferencia» respecto a una familia convencional. ¿Ese es el secreto para algunos de tus gags? Por cierto, ¿qué

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LIBRO dibujantes te gustan a ti? ¿Cuáles han influído más en tu estilo? Pues sí, de hecho Herman Munster es mi personaje favorito por su gran optimismo frente a la vida. Creo que es un personaje que transmite un valor muy positivo, porque aunque es un monstruo, él no se ve así, sino que se ve como una persona normal, no tiene ningún complejo con su físico. Es algo genial. Y eso es lo que intento hacer con mis viñetas, que aunque traten temas delicados, la sensación final que quede sea de optimismo. En cuanto a mis influencias en el dibujo, siempre me ha gustado el hieratismo de Daniel Clowes y Charles Burns, ilustradores como Tara McPherson y pintores como Mark Ryden, Ray Caesar y Travis Louie. Tú has participado en varios fanzines, donde tienes libertad para publicar lo que quieras; tengo la sensación de que cuando se consigue publicar un libro con una editorial ese estilo como que se domestica, se aburguesa. ¿Tienes tú esa sensación? Recomiéndame un fanzine que creas que vale la pena por la calidad de sus historias, de sus dibujos, etc. La verdad que yo aluciné con Glénat y con mi editor, Hernán Migoya, porque no me pusieron ninguna traba a ningún chiste, no me cambiaron absolutamente nada y además salió con el formato que tenía pensado. No sé si a todo el mundo le ocurrirá igual, pero para mí fue un sueño cumplido, no sólo por publicar con una gran editorial sino por sacarlo tal y como

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LIBRO lo había concebido. En cuanto a fanzines, a mí el que más me gusta y que creo que tiene una actitud totalmente fanzinera es el fanzine Toronto de Amanda Vázquez, Pedro Toro y Jose Luis Carrasco. Se pueden descargar todos los números aquí: http://torontoelfanzinetonto.blogspot. com/ Explícame de qué va el blog «Cabezabajo». Pues es el blog de mi amigo Ricardo Mena y, como él lo define, es un blog que trata de cómics, lucha libre y cultura popular. Es un poco las cosas que le gustan a Ricardo y quizás sea un poco caótico de contenidos. En él tengo una sección semanal que se llama The Gentle Art of Making Clancos (ja ja, vaya locura de nombre), que consiste en una viñeta o una tira de cómic, de cosas que se me ocurren y que son bastante distintas a las Necróticas. En realidad lo empecé como una especie de autodisciplina, para dibujar algo todas las semanas, pero cada vez me gusta más porque me permite experimentar e ir aprendiendo. Lo podeis ver aquí: http://cabezabajo.blogspot.com/ Y ahora, un poco de autobombo: también tengo un blog donde saco nuevas cosas de mis Necróticas: http://necroticasmucopurulentas. blogspot.com/ Volviendo a «Necróticas», creo que tus personajes serían susceptibles de hacerlos en muñecas. ¿Qué tipo de muñecas crees que deberían ser? Muchas gracias. La verdad que a mí me

encantaría. Yo creo que podrían ser de vinilo. De hecho las dos niñitas (yo las llamo niñas a mis dibujos) que están en la bañera a lo Bathory, siempre he pensado que quedarían preciosas como figura. Recomiéndame una película que te haya dado miedo realmente. ¿O hay más noticias en la vida real que dan más miedo? Pues ya te la he dicho antes, la de The Ring. Cada vez que la veo, estoy dos semanas durmiendo con la luz encendida. No sé, para mí esa película tiene algo que va más allá del cine. De todas formas, la vida real da mucho más miedo. ¿Tienes otros proyectos en cartera? ¿Veremos más «Necróticas»? Pues la verdad que sigo haciendo chistes de Necróticas porque se me siguen ocurriendo cosas, y de hecho tengo una carpeta en el ordenador donde las guardo, que se llama Necróticas Season in the Abyss 2 (es que me flipo un poco), así que, quien sabe... Y luego colaboro en la revista CTHULHU, en el blog El Jardín de Javier Gómez y tengo una sección en otro blog, Cabezabajo, que antes se llamaba Echando un clanco y ahora se llama The Gentle Art of Making Clancos (como veis, me sigo flipando) en la que hago una viñeta o una tira cómica, según me salga, semanalmente, y que son de temática distinta a las Necróticas. Entrevista: G uillem Medina / G lénat

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HEIDI

LIBRO

en fascículos La editorial Planeta De Agostini recupera los libros que en 1976 publicó Ediciones Recreativas siguiendo el orden de emisión de la serie por televisión. De hecho, tan sólo los primeros trece libros eran una adaptación de la serie; el resto fueron inventados, siguiendo el mismo estilo y con la aparición de nuevos personajes y desvelando algún secreto oculto.

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e a l m e n t e , al volver a ver aquellos libros que tuvimos en la infancia nos damos cuenta de lo mal hechos que estaban. No por la calidad en sí del libro o del texto, que es una adaptación bastante fidedigna de la teleserie, sino por sus dibujos, que estaban realizados por diferentes dibujantes y eso se nota en las diferentes calidades, según lo hiciera uno de los agraciados u otro bastante desafortunado. Igualmente, es una buena ocasión de recuperar estos libros que sólo podías obtener en mercadillos o por internet en TodoColección. A mí me gustaba mucho la página inicial presentando a los personajes principales, tipo el opening de Vacaciones en el mar; ¡incluso las cabras y el pajarito Pichi tenían su presentación! Ah, el fascículo viene acompañado de un DVD con tan sólo dos episodios: sí, ya sé que son algo roñicas, pero tienen que alargar y alargar la serie todo lo que se pueda...

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TOYLAND Magazine  

Revista mensual Toyland

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