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TOYLAND Magazine

Nº 22 ABRIL 2011

BLACK DOLLS

May de Famosa M a rc o

Ricitos d e O ro

Joséphine Baker

PREMIOS TOYLAND Popeye

B re n d a S t a rr Teresa Rabal

Entrevista a Picanyol


ÍNDICE ¿De dónde vienen las muñecas? Estos días estaba leyendo un libro realmente interesante: Les meves nines (‘Mis muñecas’), de la genial ilustradora Lola Anglada. Es una especie de diario a modo de pequeños relatos o cuentos donde explica la procedencia de sus muñecas. Algunas tienen trás de sí una historia muy interesante y otras simplemente las compró y gracias. El libro sirve de catálogo para la exquisita colección que se exhibe en el Museu Romàntic de Sitges. Si todavía no lo conocéis tenéis que hacerle una visita ya mismo –y eso que no nos dan comisión, je je je... La cuestión es que a veces compramos un poco a lo loco y por lotes, y acabamos perdiendo el norte. ¡Qué bonito sería recuperar la pequeña historia de una muñeca que hemos comprado! ¿Perteneció a una niña que la cuidaba? ¿Fue una muñeca querida o abandonada con el paso del tiempo? ¿Fue un regalo de amor? Me gusta pensar que algunas de mis muñecas lo pasaron realmente mal hasta que yo las rescaté del olvido, las lavé, las peiné, las vestí y ahora lucen como nuevas junto a otras muñecas y no tiradas en el suelo en un revoltijo de juguetes viejos y roñosos como podemos ver en algunos mercadillos. Ya sé que es algo difícil, porque muchas muñecas han pasado por varias manos, y no siempre las adecuadas –algunas me han llegado con una peste a puro caliqueño que tiraba de espaldas–, pero intentemos recuperar un poco del pasado de nuestras niñas. También tienen derecho a tener un pasado... Guillem Medina

6 Bazar 8 Dolls Brenda Starr 20 Storyland Ricitos de Oro 28 Dolls Nancy se va a la Feria de Abril 38 Made in Spain May de Famosa 46 Star Joséphine Baker 54 Dolls Black Dolls 64 Cult TV Marco De los Apeninos a los Andes 76 Entrevista Picanyol 86 Premios Toyland 104 Itzi World El mundo de Sindy 108 Pullip Pullip Vocaloid 112 Cómic Popeye ·············>

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ÍNDICE 118 Dolls Los diseñadores europeos - I 126 Cult Music Teresa Rabal 130 Artista Philip Heath 134 Entrevista Guillem Medina y sus «Chicas de cómic»

Director: Guillem Medina gmedina@toylandmagazine.com Redactora jefa: Núria Simón Colaboradores: Sebas Martín, Juan González, Ali Amigó, Itzi, Enric Fontvila Diseño web: Lucas Wayner Agradecimientos: Mattel, Paola Reina, Famosa, Glénat, Integrity Toys, Disney, Pullip, Tonner Doll Company, Belter, Norma Editorial, Todocolección

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BAZAR La música de tu vida En esta especie de retro bazar que cada mes os proponemos, esta vez le ha tocado el turno a las bandas sonoras de las series de dibujos animados que alegraron nuestra infancia. Desde la lejana Pippi Calzaslargas hasta los más actuales Lunnis. ¿Recordáis cuando comprábamos los discos recopilatorios y nos poníamos a cantar como locos los temas de Heidi, Marco, la Abeja Maya o el Comando G? Hoy en día es posible volver a ver y escuchar esas sintonías gracias al YouTube, y buscar la letra para hacer una especie de karaoke casero, pero también se pueden encontrar los vinilos –¿todavía hay gente a quien le dura su viejo tocadiscos?– con los singles, cara A y cara B, y un tema de regalo. Mi pregunta es: ¿por qué las series de dibujos actuales no tienen una banda sonora identificable? ¿Será que hay demasiadas?

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l personaje de cómic Brenda Starr fue creado por Dale Messick en 1940, aunque en realidad Dale es el seudónimo masculino que utilizó la norteamericana Dalia Messick (1906-2005) para escribir el cómic sin despertar las suspicacias de nadie por ser mujer, en una época en la que los hombres todavía llevaban la voz cantante. En aquellos años Europa se hallaba sumergida en plena Segunda Guerra Mundial y las mujeres se estaban integrando en el mercado laboral, por lo que el personaje de una elegante y atrevida reportera era perfecto para la época. Brenda mostró a los lectores un nuevo tipo de heroína, ya que desde el principio luchó por ser tratada como una igual en su trabajo. Siempre a la última en moda, Brenda tiene un estilo clásico y elegante acorde con su status de mujer trabajadora en la cima de su carrera.

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La espectacular reportera pelirroja, inspirada en la no menos espectacular Rita Hayworth, aparecía siempre impecablemente vestida y peinada para sus viajes a lo largo y ancho del mundo como periodista del diario The Flash. Todas sus aventuras están llenas de glamour, romance e intriga, ya que la heroína está siempre dividida entre las demandas de su carrera y sus amores en la vida personal. Su gran amor era Basil St. John, quien sufría una rara y romántica enfermedad que debía ser tratada con el elixir de una rara especie de orquídea negra (¡pues sí!). Además, Basil lucía un parche en un ojo, lo que le daba un aire todavía más romántico. En el año 1992 Brooke Shields y Timothy Dalton protagonizaron un film basado en el cómic de Brenda, pero que resultó ser de tan poca calidad que se dijo que la propia Messick había recomendado a la gente que no fuera a verlo. Aun así, su vestuario era formidable...


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Las muñecas Brenda Starr no era una muñeca nueva en el mundo de las fashion dolls, pero había pasado bastante desapercibida hasta que Robert Tonner la rescató y le dio un nuevo look. En la temporada 1963-1964 Madame Alexander había creado una muñeca basada en el personaje de Brenda pero no había funcionado demasiado bien, probablemente debido a su elevado precio, que era cuatro veces el de Barbie. La muñeca básica de Madame Alexander se ofrecía con varios modelos y su media melena llevaba una pieza de pelo más larga que sobresalía de la parte alta de la cabeza para poderle hacer diversos peinados.

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En 1999 Effanbee tuvo la genial idea de resucitar a la muñeca con una versión en vinilo de unos 38 cm que consiguió capturar la delicada belleza del personaje y los elaborados vestidos con cierto estilo y gracia. Effanbee, que había tenido dificultades económicas durante algún tiempo, fue adquirida por la empresa de Robert Tonner en 2002 y así es como nació la nueva Brenda. Tonner le proporcionó un nuevo físico y un nuevo cuerpo que compartía con Tyler, por lo cual se podían intercambiar los vestidos, y, lo mejor de todo, disponía de un extenso y elegantísimo guardarropa que haría las delicias de los coleccionistas. Aunque la muñeca sólo estuvo en producción durante cuatro años, nos dejó muchas maravillas para el recuerdo, muñecas


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y vestidos que hoy en día son muy buscados y codiciados por los ávidos coleccionistas. La Brenda de Tonner es una muñeca de unos 40 cm de vinilo y plástico duro, articulada en brazos y piernas, con ojos pintados y pelo implantado, y aunque el color de pelo original del personaje de cómic era pelirrojo Tonner la creó con otros tonos que hicieron la colección más variada. Brenda debutó en 2003 con Bathing Beauty, Beauty una belleza pelirroja que lucía un traje de baño a topos de marcado aire retro, con chaquetita y turbante a juego. Ese año también se relizaron tres vestidos aparte y dos muñecas vestidas, una de ellas, Golden Girl, Girl ganadora del Dolls Award of Excellence de aquel año. Para la segunda parte del año Basically Brenda fue la muñeca básica, vestida con sujetador y fajita muy recatados. En 2004 la muñeca básica tenía una

melena castaña recogida en una coleta y un body blanco; se hicieron tres muñecas vestidas, tres modelitos más y un baúl, Bon Voyage, Voyage donde poder guardar su creciente vestuario. Ese año también debutó su amiga Daphne Dimples, una rubia platino que trabajaba a las órdenes de Brenda como aprendiza, pero que en el fondo lo que quería era desbancar a nuestra heroína, ¡ya que siendo la sobrina y heredera del dueño del periódico no podía soportar ser una segundona a las órdenes de una simple reportera! Daphne tenía la misma estatura que Brenda, por lo que podían compartir modelitos como buenas «amigas». En la segunda parte del año Brenda se nos convirtió en una belleza rubia luciendo el modelito Show Stopper, Stopper y también debutó como una exótica morena de larga melena con Beijing Beauty, Beauty claro que sólo se trataba


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de un disfraz para pasar desapercibida en un importante caso de investigación. Daphne también tuvo una nueva versión, Platinum Panache, Panache una explosiva rubia embutida en un deslumbrante vestido blanco de noche, al más puro estilo Lana Turner. Ese año fue el debut del novio de Brenda, Basil St. John, que medía un poco más que su adorada –unos 43 cm–, también estaba articulado y lucía el consabido parche en el ojo. El muñeco básico llevaba camiseta imperio y calzoncillos bóxer, calcetines y ligas para sujetarlos, y también tuvo su propio vestuario, entre el que se hallaban un pijama y batín, smokings variados, y trajes de cazador y de explorador, como buen aventurero que era. En 2005 la Brenda y la Daphne básicas compartieron modelito, un bañador en dorado y plateado respectivamente, y Brenda volvió a estar fabulosa como una morenaza estilo Carmen Miranda en Brazilian Bombshell, Bombshell o como una eficaz secretaria en Just My Type, Type también se vistió de azafata en Airport 1944 y siguió compartiendo modelitos con Daphne. Al baúl se le añadió un escritorio con accesorios incluidos, todo muy retro, y a finales de año se introdujo en la colección a la mejor amiga de Brenda, Betty Ann, una guapa morena con quien compartía aventuras por esos mundos de Dios... En 2006 cambian las tornas y Brenda básica se convierte en rubia platino, mientras que Daphne se «tiñe» de

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negro azabache, a Basil se le añade un bigotito estilo Clark Gable y se crean más vestidos para las chicas. En 2007 las muñecas básicas –la pelirroja Brenda, la rubia Daphne y la morena Betty Ann– lucen sendos bañadores estilo marinerito al más puro estilo de los años cuarenta, o sea, muy recataditos. Hay varias muñecas vestidas y solamente dos vestidos sueltos, lo que ya indicaba que la línea empezaba a decaer, como efectivamente así fue, ya que a finales de año se anunciaba el final de Brenda y compañía con la colección Farewell, Brenda. Brenda Esta vez sólo se hicieron tres muñecas vestidas, una de ellas, Holiday Grand Brenda Starr, Starr que lucía un magnífico vestido de noche rojo con abrigo largo a juego, un fabuloso broche de oro para tan magnífica colección. Hacía tiempo que se rumoreaba sobre la continuidad de la línea, pero los fans de Brenda nos resistíamos a creerlo. No entendíamos por qué una muñeca tan bonita, con maravillosos trajes tan bien hechos y con un futuro brillante, se despedía del mundo de las muñecas, y no sería por falta de éxito, ya que la muñeca cada vez tenía más admiradores, sino por una decisión particular de su creador, que ha seguido creando otras muñecas, sí, pero ninguna tan bonita como Brenda Starr, nuestra reportera favorita, y uno de los mayores aciertos de Robert Tonner. Texto: Núria Simón

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Betty Ann


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BASIL ST.JOHN

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Madam e Alexand er

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Ricitos de Oro

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icitos de Oro y los tres osos es un cuento para niños basado en un texto en prosa del poeta romántico inglés Robert Southey (1774 -1843), que fue más tarde adaptado por los hermanos Grimm entre otros. La historia estaba incluida en la obra The Doctor de 1837, y a su vez estaba basada probablemente en una historia más antigua. Ese mismo año el escritor inglés George Nicol publicó una versión en verso basada en la obra en prosa de Southey. Las dos historias, tanto la de Southey como la de Nicol, contaban las vivencias de una mujer mayor en lugar de las de una niña, aunque más tarde el personaje pasó a ser una niña para hacer la narración más agradable, ya que la mujer era fea, vieja y sucia, un personaje no demasiado apropiado para un cuento de hadas. Y con este cambio la historia cuenta el encuentro entre tres osos y una niña pequeña, un poco «gorrona», llamada Ricitos de Oro debido a su preciosa cabellera rubia.

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Y la historia dice así: Érase una vez una familia de osos compuesta por papá, mamá e hijo que vivían en una casita en el bosque. Un día, cuando habían hecho la cena y mientras esperaban a que la sopa se enfriase –en otras versiones era leche con miel, aunque en el original se trataba de porridge, un plato típico inglés que viene a ser como unas gachas–, decidieron salir a dar un paseo por el bosque. Ricitos de Oro, que era una niña muy mona con su esplendorosa y rizada cabellera rubia, estaba dando un paseo por el bosque recogiendo flores –ya sabemos que es algo de lo más normal que una niña pequeña pasee sola por un bosque lleno de osos... Es entonces cuando la niña se encuentra la casita de los osos y, ni corta ni perezosa, ya que era una niña muy curiosa, decide entrar en ella –algo tipificado en el código penal como «allanamiento de morada»... Bueno, resulta ser que la puerta estaba abierta ya que los osos habían olvidado cerrarla con llave, así que entró con toda facilidad. La niña


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estaba a sus anchas fisgoneando sin inmutarse por toda la casa cuando vio la mesa con los tres tazones de sopa –o lo que fuera– enfriándose. Así que, como tenía hambre, no se le ocurrió otra cosa, como niña repelente que era, que sentarse a la mesa y empezar a probar de los tazones. El primer tazón, que era el más grande y que pertenecía a Papá Oso, estaba muy caliente, así que la niña lo dejó; el segundo tazón, que era mediano y que pertenecía a Mamá Osa, estaba muy frío, así que también lo dejó; por lo que, después de «guarrear» la comida, probó del tazón pequeñito, que obviamente era del Bebé Oso, y vio que estaba en su punto, ni fría ni caliente, así que se lo bebió entero. No contenta con zamparse la comida del pobre osito, vio que allí en la habitación había tres sillas y decidió probarlas todas a ver cuál de ellas era más cómoda: así que primero se sentó en la silla de Papá Oso, que era muy alta para ella; luego en la de Mamá Osa, que, aunque más pequeña, era demasiado ancha –por lo que deducimos que Mamá Osa no era exactamente una sílfide...–, y, por fin, se sentó en la silla pequeñita, que al pertenecer al osito era exactamente de su tamaño, pero al sentarse de golpe la rompió –resulta que, además de gorrona, la nena era algo brutita... Como después de la sopita caliente a Ricitos le entró el sueño –¡normal!–, buscó una cama donde acostarse y es así como vio las tres camitas preparadas y las empezó a probar una por una. La grande era demasiado dura, y la mediana seguía siendo

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también dura, pero la pequeña era blandita y confortable, así que la pequeña entrometida se acostó en ella y no tardó en quedarse profundamente dormida. Es entonces cuando la familia osuna regresó del paseo y se encontró con que sus tazones habían sido «toqueteados» y los tres protestaron, aunque el más perjudicado fue el osito, porque su tazón había sido vaciado y lógicamente se puso a llorar pues tenía hambre. Luego vieron atónitos que la sillita del osito estaba rota y, claro, el osito siguió llorando con más fuerza todavía. Seguidamente subieron a las habitaciones y vieron que las camas más grandes estaban revueltas y que en la pequeña había una niña durmiendo. Como el osito seguía con sus berreos la niña se despertó y, viendo a los osos tan enfadados, se asustó –¡quién no!–, salió por una ventana abierta y, corriendo –pies para qué os quiero–, llegó a su casa mientras los osos retomaban su rutina y cenaban tranquilamente después de que Papá Oso reparase la silla. Esta es la versión más popular y edulcorada, en la que los osos asustan a la niña involuntariamente pero sin intención de hacerle daño, e incluso la acompañan para indicarle el camino a su casa, aunque también existe otra versión en la que los osos matan a la niña. La moraleja se podría resumir en que se debe respetar la intimidad de las personas y no ser entrometidos –ni gorrones– como la niña. Otra moraleja podría ser que debemos compartir lo que tenemos con quien lo necesite...

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Las muñecas Siendo la protagonista una niñita candorosa, no era difícil prever que los creadores de muñecas se pondrían las botas con el tema: ¡¡si hasta Mattel creó un pack con Shelly como Ricitos!! El gift set pertenecía a la serie Storybook Favourites y en él figuraba la hermanita de Barbie con sus correspondientes ricitos dorados, acompañada de un osito bebé con un babero sentado en una trona y con un bol de sopa o leche delante suyo. El background de cartón nos mostraba la casita de los osos, y también a los progenitores del osito con una mesa de cartón y diversos adornos del salón. Madame Alexander no podía faltar tampoco a la cita y son muchas las creaciones que ha hecho a lo largo de su historia, casi todas con Wendy como protagonista. Tonner también se ha subido al carro con creaciones como una muñeca algo crecidita

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luciendo un modelito muy sui géneris con osito de peluche a juego, llamada This Dish is Too Hot (‘Este plato está demasiado caliente’), perteneciente a la serie Reimagination, donde Tonner da rienda suelta a su imaginación –¡y de qué manera!– y reinventa los personajes de los cuentos clásicos. Para Efanbee Tonner creó una Goldilocks de unos 37 cm luciendo un cuerpo flexible, y también lo probó con la pequeña Betsy McCall. Otras firmas que han creado muñecas relacionadas con el tema son Precious Moments y sus encantadoras muñequitas, Ginny de Vogue, Box Marie Vogue The Music Box, Osmond o Ashton Drake, Drake con una versión actual de Ricitos, luciendo vestido moderno, botas y un bolso en bandolera con la imagen de los tres osos. Texto: Núria Simón

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Nancy se va a la

Feria de Abril

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ancy es la muñeca maniquí española por excelencia y, como buena española cañí, entre su extenso guardarropa no podía faltar un traje de flamenca, aunque ella hubiera nacido en Alicante y lo flamenco poco tuviera que ver con ella... Pero, en la España de los años sesenta y setenta, lo que se vendía al mundo era lo Typical Spanish, por lo que el traje de faralaes no podía faltar en el vestuario de toda muñeca española que se preciara. Claro que nunca hemos entendido por qué no sacaron más trajes regionales representativos del resto de la geografía peninsular… Pero eso es otra historia, ya que lo que hoy nos interesa son los diversos trajes de faralaes que ha lucido nuestra Nancy a lo largo de su vida. El primer traje de flamenca que lució Nancy era de 1974 aproximadamente, llevaba la referencia nº 80 y se llamaba Gitana. El modelito era un vestido de faralaes corto en azul con topitos blancos, aunque también existía la versión con fondo rojo y topos blancos; eso sí, los dos modelos se

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complementaban con zapatos de color rojo, peineta y castañuelas del mismo color. El modelito lo lucía una Nancy rubia de ojos azules al más puro estilo Marisol y duró unas tres temporadas, hasta que en 1977, con la referencia nº 82 y el nombre de Flamenca, se creó otro modelito para nuestra muñeca favorita. Éste se componía de un vestido largo de fondo rojo y topos blancos, con volantes ribeteados en blanco. El conjunto se completaba con las castañuelas, una flor roja en lo alto de la cabeza y unos enormes pendientes de aro en verde. La modelo para esta ocasión era una Nancy articulada de larga melena negra suelta, al más puro estilo Lola Flores. En 1978 el modelito invirtió los tonos: así, el fondo del vestido pasó a ser blanco y los topos rojos, y se le añadieron volantes extras en las mangas, pero los complementos no variaban y la muñeca seguía luciendo la larga melena negra. En 1980 el vestido sufrió una ligera modificación con el cambio de color del traje, que pasó a ser de fondo blanco con topos azules, lo mismo que los flecos;


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DOLLS seguían las castañuelas y la flor cambió de lugar y pasó a llevarla a un lado. El vestido se siguió haciendo hasta el año 1982, aunque se iba turnando con el de color rojo, para después desaparecer definitivamente de los catálogos. No fue hasta el año 2002 cuando volvimos a ver a Nancy vestida de faralaes luciendo un vestido casi idéntico al de los años 80, con el fondo blanco y el topo rojo algo más grande. Llevaba un chal rojo –ya me perdonaréis los entendidos si no es este el nombre de la prenda–, castañuelas y una gran flor blanca a un lado del pelo. La muñeca era morena con el pelo largo, muy parecida a la Nancy antigua. Y como la «envidiosilla» de Lesly no quería ser menos también se confeccionaron para ella unos bonitos trajes de faralaes. El primero, llamado Rociera, data de 1977 y es una copia exacta del de su hermana mayor con fondo rojo y lunares en blanco, castañuelas, flor en el pelo y enormes pendientes de aro verdes. La muñeca que lucía el modelito era una Lesly de largo pelo negro, toda una rareza en aquellos tiempos en que Lesly llevaba dos coletitas rubias o pelirrojas, aunque no tengo ni idea de si la muñeca salió a la venta o fue sólo un prototipo. En 1979 el vestido de Lesly invirtió los colores pasando a ser el fondo en blanco y los topos en rojo, y en 1981 el traje pasó a ser de fondo blanco y topos verdes, que se conjuntaba con zapatitos en verde. Texto: Núria Simón

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de Famosa

esde siempre, siempre las empresas jugueteras han reciclado nombres de productos que acaban bautizando artículos distintos a lo largo de los años. A finales de la década de los 60, May era un muñeco bebé, sexuado, de 32 centímetros de altura. Desde mediados de los años 70, May Andador fue un muñeco con el cuerpo de tela, al que se cogía de las manos para hacerlo caminar, cuya altura era de 47 cm. Durante los años 80 fueron unos nuevos muñecos los que heredarían el nombre. Los nuevos May de Famosa miden 21 centímetros. Tienen la cabeza, las piernas y los brazos de goma, con la mano izquierda inclinada levemente hacia arriba. El cuerpo es de plástico. Como características distintivas destacan su barriga prominente, la cara llena de pecas y unos pies patizambos de la misma medida que los de Lesly, la hermanita de Nancy. Todos los muñecos y muñecas May tienen ojos durmientes, de color azul

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o marrón. En cuanto al pelo, los niños son en su gran mayoría rubios, aunque también los hay castaños y morenos. En el pelo de las niñas hay bastante más variedad de estilos: lo podemos encontrar en diferentes tonos de rubio, en pelirrojo y en moreno. En cuanto a su longitud, las hay con pelo corto idéntico al de los niños, algunas con media melena y otras con melena larga o muy larga, con y sin flequillo. Existe un modelo de May en negro, en el que ambos, niña y niño, comparten idéntico peinado: pelo corto negro y rizado. Otro de los modelos con pelo inusual es el llamado Color, donde hay melenas en amarillo y rosa. Los May se presentan habitualmente en caja individual, pero también las hay dobles para parejas y algunos cofres especiales que incluyen la muñeca más un conjunto de ropa extra. La caja está decorada con dibujos en tonos pastel, con una ventana en la parte frontal que deja ver el interior y una fotografía en la parte trasera


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en la que sale una pareja de muñecos del modelo llamado Pradera. Los May Pradera recuerdan precisamente el estilo de la conocida serie de TV La Casa de la Pradera, algo muy popular en la época: Tarta de Fresa, Sarah Kay, Ana de las Tejas Verdes, etcétera. Una particularidad de este modelo es que los niños son todos morenos –algo exclusivo– y las niñas son rubias de pelo corto –de nuevo algo único, pues las demás niñas tienen todas el pelo largo... Las niñas Pradera llevan un vestido de manga larga con el pectoral floreado, pololos y capota, que se puede hallar en color verde, azul o rosa. Los niños visten camisa de manga corta, peto y sombrero granjero; las camisas combinan rayas verde y gris o rojo y gris y el pantalón existe en marrón rojizo y en beige. Ambos llevan los mismos zapatos negros que calzan Lesly y otras muñecas de Famosa. Gracias a la foto de la caja y de los catálogos, sabemos que existen versiones en diferentes colores tanto en la ropa de los niños como de las niñas, y este hecho se repite con bastante frecuencia en estas y demás muñecas. Incontables telas se utilizaban para combinar los vestidos de las niñas y los niños, con el fin de formar parejas. Una de las parejas, que se puede encontrar todavía con relativa facilidad, es la que forman el niño que viste camisa de cuadros, chaleco de fieltro blanco y pantalón de fieltro a juego con sombrero, con la niña de vestido con delantal,

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combinado con cofia en el mismo cuadro que la camisa de su compañero. Existen al menos tres versiones en color rosa y otras tres en azul. Algunas veces no es el mismo estampado, sino la combinación de los tonos lo que conjunta a una pareja. Por ejemplo, los May negros visten en colores blanco y rojo, pero la niña va a cuadros y el niño a rayas. Ella luce pololos blancos, vestido a cuadros rojos y blancos y cinta en el pelo combinada. Calza zapatos rojos. Él lleva camisa blanca anudada al pecho, pantalón a rayas blancas y rojas y sombrero granjero, como el de los niños Pradera. Sus zapatos son negros. Éstos son los únicos May que no tienen pecas. De forma generalizada, los muñecos May llevan la cabeza cubierta por algún tipo de sombrero o tocado. En los niños encontramos gorras de visera, gorras caladas, boinas, sombreros de ala ancha y sombreros de «paja» al estilo granjero. Las niñas suelen lucir capotas y cofias, algunas con volantes o lazos. A finales de los años 80 aparecieron algunos May sin gorro para poder lucir un tipo de peinado peculiar, como las niñas de pelo rizado recogido en dos coletas altas o los niños con pelos de punta. Es por ese entonces cuando la moda y el color de la época irrumpen para dotar de más personalidad al estilo, hasta entonces bastante clásico, de la ropa de los May. El colorido llega

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incluso a los pies. Si antes, cuando los May llevaban calcetines, eran blancos, ahora se encuentran algunos de colores y a rayas. Lo mismo pasa con el calzado. Los zapatos, normalmente de color negro y, ocasionalmente, en rosa o rojo para ellas, también se ven en blanco, azul y amarillo, tanto para unos como para otras. El modelo llamado Color es un fiel reflejo de este nuevo aire. Estos May tienen una melena muy rizada, en amarillo o en rosa fucsia. Se presentan en un cofre o caja doble con muñeca vestida de niña y conjunto extra de niño. La niña Color lleva un vestido que simula camisa blanca con pañuelo al cuello y falda estampada, pero que es una sola pieza. El niño Color lleva pantalón deportivo azul o rojo, chaqueta estampada y gorro de punto, en rosa o amarillo. Los zapatos son blancos. Es difícil catalogar los incontables modelos de May que existen, aunque de entre todos ellos cabe destacar una rareza. Mantienen idéntico cuerpo y estilo de ropa, pero la cara presenta algunas disimilitudes, con lo que se distinguen fácilmente; sin embargo, conservan el mismo nombre y se presentan en igual caja. Son unos May diferentes, fabricados también por Famosa, que fueron modificados ligeramente, probablemente para ser distribuidos por otros países, como Francia y Portugal. Texto y fotos: Ali Amigó

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J oséphine STAR

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oséphine Baker fue una famosa bailarina y cantante de espectáculos de variedades y cabaret, y también actriz de cine. Nacida como Freda Josephine McDonald en Saint Louis (Missouri) el 3 de junio de 1906, fallecería en París el 12 de abril de 1975. En sus inicios, después de pasar la prueba en un local de vaudeville, empieza a trabajar ininterrumpidamente en los escenarios y gana su primer concurso de baile a los 14 años. Se casó cuando tenía tan sólo 13 años, pero en 1920 ya se había divorciado y su segundo matrimonio fue con Willie Baker, un guitarrista de blues, de quien tomaría su apellido artístico. En 1921 actúa como bailarina en la revista musical Shuffle Along y, en 1924, en Chocolate Dandies. Actúa también en el famoso Cotton Club de Nueva York, inmortalizado en el film de Francis Ford Coppola, con Richard Gere y Diane Lane como actores principales. Debutó en París el 2 de octubre de 1925 con el espectáculo La Revue Nègre, que incluía una orquesta

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de jazz dirigida por Claude Hopkins, con la participación de Sidney Bechet. Su exótica forma de bailar, su sexualidad desinhibida y su vestimenta mínima –una falda hecha con plátanos– resultaron más atractivas para los europeos que para los americanos. Después de una gira por Europa, fue la vedette del Folies Bergère y luego abrió su propio club, Chez Joséphine. En 1927 se estrenó su primera película, La Sirène des Tropiques, a la que seguirían Zouzou y Princesse Tam Tam. En la segunda mitad de la década de 1920 y durante los años 30 fue, además, una destacada modelo fotográfica y pin-up. A comienzos de la década de 1930 grabó sus primeros discos y, al año siguiente, conseguiría un gran éxito con la canción J'ai deux amours. En 1936 regresó a los Estados Unidos para actuar en Ziegfeld Follies con Bob Hope y Fanny Brice. Algunas de sus canciones más conocidas fueron C'est lui, Dis-moi Joséphine, J'ai


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STAR deux amours –con letra de Géo Koger y Henri Varna y música de Vincent Scotto– o La Petite Tonkinoise. Una parte importante de la opinión pública atacó la promiscuidad del show y varios hoteles y restaurantes impidieron a la artista su entrada. Finalmente Joséphine abandonó la obra y regresó a París, donde adquirió la ciudadanía francesa al casarse con el magnate del azúcar Jean Lion, que tuvo problemas por ser judío durante la ocupación alemana de Francia. Durante la Segunda Guerra Mundial, se unió a la resistencia francesa y, posteriormente, fue subteniente auxiliar en las Fuerzas Aéreas Francesas, y levantó la moral de las tropas aliadas actuando para ellos. También colaboró con la Cruz Roja. Después de la guerra recibió la Medalla de la Resistencia y la Legión de Honor. Volvió a casarse con el director de orquesta Jo Bouillon. Regresó a la actividad artística y trabajó en el circuito de cabarets de París durante varios años, y luego fue a Cuba, antes de regresar de nuevo a los Estados Unidos, donde apoyó los movimientos de promoción social afroamericanos. Más tarde haría una gira mundial de despedida y se retiraría del mundo del espectáculo. Llegó a adoptar a doce huérfanos de diversos orígenes, a quien denominaba la Tribu del Arco Iris. Regresó varias veces al escenario por dificultades económicas y también para apoyar el movimiento norteamericano por los derechos civiles: dio cuatro conciertos en el Carnegie Hall para conseguir fondos

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STAR para la causa, y participó en la marcha sobre Washington, en 1963. Por problemas económicos volvió varias veces al escenario, pero también fue ayudada por Grace Kelly, entonces princesa de Mónaco y amiga personal de la artista. Vivió, con sus hijos adoptivos, en el castillo de Milandes, en Castelnaud-la-Chapelle (Dordoña, Francia). Cuando murió, en 1975, era una persona muy querida y respetada, y fue la primera mujer de origen estadounidense en recibir honores militares en sus funerales, celebrados en Francia, aunque su tumba se halla en el cementerio de Mónaco. Joséphine Baker ha sido una inspiración no sólo para artistas plásticos –Olivia de Berardinis ha realizado muchísimos retratos de ella inspirados en sus fotografías clásicas–, sino también para las empresas de muñecas: podemos encontrar desde las de Madame Alexander, que creó un delicioso gift set con la muñeca vestida con su habitual falda de platanitos y una bata para estar en el camerino. También la firma de muñecas de tela Lenci creó una Joséphine encantadora. Pero ha sido Integrity Toys quien la ha vuelto a poner de moda con una serie que constaba de dos muñecas vestidas, además de un modelito aparte. Posteriormente se realizó un gift set exclusivo de la tienda FAO Schwartz, que constaba de una muñeca vestida con una bata, además de un vestido blanco de fiesta y un smoking.

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STAR FILMOGRAFÍA • 1927: La revue des revues (La locura de París) • 1927: La sirène des tropiques • 1928: Le pompier des Folies Bergère • 1929: La folie du jour • 1929: Die Frauen von Folies Bergère • 1934: Zouzou • 1935: Princesse Tam Tam • 1940: Moulin Rouge • 1945: Fausse alerte • 1954: An jeden Finger zehn • 1955: Carrosello del varietà

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i Vogue Italia puede realizar un número especial para las modelos negras, nosotros no vamos a ser menos. Y es que ya teníamos ganas de dedicarles uno de nuestros artículos... Os recuerdo que ya hicimos un especial de Nancy negra en el número 8 de TOYLAND Magazine, pero esta vez vamos más allá, porque tanto Barbie como Madame Alexander, Tonner y el resto de firmas siempre han dedicado una parte importante de su producción a las muñecas étnicas, y aunque lo cierto es que todavía las muñecas de raza caucásica siguen siendo mayoría, poco a poco se van rompiendo estos estereotipos tan cerrados. Incluso en España, donde nunca ha habido tradición por hacer muchas muñecas negras, chinas o de cualquier otra etnia, también hemos podido encontrar muñecas muy interesantes: a parte de Nancy, Nancy Barriguitas o Nenuco, Nenuco destacamos a Chelito de la empresa Berenguer, Cayetana de la firma Diana –aunque va vestida de india piel roja– o Linda de la casa ICSA, la cual iba vestida de hawaiiana...; más la gran cantidad de muñecas Linda Pirula que existen, de un color chocolate muy muy oscuro,

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vestidas de criadas con un niño blanco en brazos; también Viviana de Industrias Leb o Nora de Paola Reina, por poner sólo unos ejemplos. Y es que de muñecas negras hay de todos tipos. Nosotros hemos hecho una pequeña selección de la amplia gama que se puede encontrar distribuyéndolas en categorías, desde las interesantes muñecas étnicas, con elaborados trajes regionales –como esta fantasía que tenéis en la foto de al lado, del artista Bob Mackie–, Mackie hasta las muñecas glamurosas con elegantes y sofisticados trajes de noche, como la colección del artista Byron Lars para Barbie; las negritas infantiles, que habitualmente son la versión coloreada de las mismas muñecas blancas como Lesly de Famosa, Wendy de Madame Alexander o Nora de Paola Reina; y los bebés, que también tienen su mercado y muchas veces llegan a ser mucho más interesantes que la versión «normal». Poco a poco estas muñecas serán habituales, pues la diversidad étnica de nuestro país así lo exige, y nosotros lo celebramos pues queremos muñecas negras, chinas, pieles rojas, sudamericanas, nórdicas... ¡De todo tipo!


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De los Apeninos a los Andes

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l finalizar Heidi, Heidi las tardes de los sábados se quedaron un poco huérfanas en cuanto a series de animación. En 1976 se emite Nacida libre, teleserie con una leona africana como protagonista, pero a pesar del supuesto exotismo de la propuesta a los niños nos daba un poco igual. Tendríamos que esperar a que en 1977 se emitiese otra serie de la Nippon Animation basada en un relato clásico de la literatura juvenil: Marco: De los Apeninos a los Andes, una historia corta incluida dentro del libro Corazón, del escritor italiano Edmundo De Amicis. El argumento de tan corto relato se estiró como un chicle para poder hacerse los consiguientes 52 capítulos habituales de este tipo de series. La historia narra las vivencias de una familia italiana que reside en Génova. La madre, Anna Rossi, tiene que irse a Argentina en busca de empleo, ya que su marido, Pietro, tiene un hospital para gente pobre y no tienen con qué mantenerlo. El hermano mayor, Tonio, estudia para maquinista de tren, por

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lo que también decide irse a Milán. Así, en medio de un lacrimógeno capítulo, la madre se aleja en el barco mientras Marco, el hijo pequeño, jura que ayudará en todo lo que pueda. La familia vive más o menos bien por un año, pero llega un momento en que dejan de tener noticias de la madre. El hijo menor, Marco, desesperado por ver a su madre, decide ir a Argentina en su busca, como si estuviese aquí al lado. Su padre, al principio, lógicamente se niega de forma tajante, por lo que Marco decide irse de polizón y se esconde en un barco llamado Folgore, pero es atrapado. Finalmente su padre accede y Marco parte en busca de su mamá, junto con su monito Amedio. En el barco hace amigos, en especial Leonardo, el cocinero, que lo llega a querer mucho, y Rocchi. Así llega a Brasil, y de ahí se embarca de nuevo, en un barco de emigrantes donde conoce a Renata, Federico y Nino. Marco llega finalmente a Argentina y va en busca de su tío, Francesco Mirelli, pero descubre que se ha ido de ahí; va entonces a buscar a su madre en


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donde se supone que vivía, pero ya no está. Cree que está perdido, pero se reencuentra a unos amigos titiriteros que conoció en Génova, Peppino y sus tres hijas, Giulietta, Concetta y Fiorina, la mejor amiga de Marco. Éstos deciden ayudarlo y se van todos a Bahía Blanca, donde se rumoreaba que estaba su tío. Pasan muchas aventuras en el transcurso del viaje desde Buenos Aires a Bahía Blanca. Al llegar, un hombre cuenta a Marco que Francesco Mirelli ha muerto y que su tío le dio una carta de su madre y dinero. La carta dice que ella se encuentra en Córdoba, por lo que Marco va allí con el dinero que le da el hombre, que resultó ser su tío –pero que, al ser un alcohólico como la copa de un pino, siente vergüenza y no le cuenta a Marco la verdad... Marco se despide de sus amigos. Al llegar a Buenos Aires se embarca en un barquito que lo llevará hasta otra ciudad, Rosario, en donde se supone que estaría el hombre que le facilitaría el billete de tren hacia Córdoba, pero resulta que el señor salió de la ciudad. Marco deberá esperar su regreso, pues no tiene un céntimo en el bolsillo. Por suerte, Marco va caminando por la calle y se encuentra de nuevo a Federico –al que había conocido en la travesía del barco de Brasil a Argentina–, quien lo lleva a un restaurante llamado La Estrella de Italia, donde entre todos los italianos emigrantes allí congregados logran juntar dinero para su billete de tren. Marco llega a su destino y busca a los señores Mequinez, los amos para

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los que trabaja su madre, pero resulta que no están y que se cambiaron de vivienda. Marco está desesperado... y a estas alturas también lo están los espectadores, que ven como Marco corre de un lado a otro como en un desesperado juego de pistas... Entonces es cuando conoce a Pablo, un niño pobre, y a su hermana Juana y su abuelo. Marco logra encontrar al primo del ingeniero Mequinez, Ramón, y él le da dinero para su billete a Tucumán, donde está su madre. Pero, antes de partir, Juana se pone muy grave, así que Marco va a buscar un doctor para ella y lo paga con el dinero que le habían dado. Juana se cura y, en agradecimiento, Pablo lo ayuda a infiltrarse en el tren: ¡menuda recomendación y buena influencia para los niños!... Logra infiltrarse, pero por culpa de Amedio lo pillan y lo echan sin miramientos. Marco camina y encuentra a unos ganaderos, y decide ir con ellos. Al principio lo trataban muy mal, pero después la cosa cambia... Marco pasa unos días con ellos y después lo dejan ir solo, ya que ellos no iban a Tucumán, pero sí logró hacer un gran avance y por su esfuerzo y dedicación le regalan una burrita llamada La Vieja. Marco anda en su burra, pero ésta muere por su edad y por haber sido forzada a andar mucho. Marco camina, ya que se queda sin transporte. En el transcurso se le cae la suela de los zapatos y se corta muy gravemente el pulgar del pie. Camina y camina y, al anochecer, comienza a nevar. Marco, alucinado, cree ver a su mamá y se desmaya. Mientras tanto, Anna yace enferma en su cama. Marco

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Personajes principales Marco Rossi El protagonista de esta aventura. A sus once años es todo un testarudo que decide ir a buscar a su madre sin pensar en las consecuencias, ya sea viajando de polizón en un barco o atravesando Argentina de parte a parte con tal de encontrarla, aunque su travesía a veces parezca más una gimcana llena de obstáculos.

Pietro Rossi Es el padre de Marco y Tonio. A raíz de varias desgracias se encuentra sin trabajo, sin dinero y lleno de deudas. Tiene que resignarse a que su mujer se vaya a trabajar a Argentina y, cuando gane suficiente dinero, volverán a estar todos juntos. Resignado, deja que Marco se vaya a la otra punta del mundo a buscar a su madre.

Anna Rossi Como muchas mujeres italianas, la madre de Marco emigra a Argentina para servir como criada en la casa de un rico hacendado. La idea era volver cuando tuviese ahorrado losuficiente, pero sus amos no paran de viajar de un lado a otro del país. Cuando cae enferma deja de escribir a la familia, lo cual los deja preocupados, y Marco irá en su busca.

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CULT TV Tonio Rossi El hermano mayor de Marco, quiere hacerse maquinista de ferrocarril, por lo que se marcha a estudiar a Milán. Le gusta tocar la guitarra y ejerce de hermano mayor del protagonista. Poco más sabemos de este personaje, sólo presente en los primeros capítulos.

Amedio Este pequeño mono tití es la mascota de Marco. Lo trajo Tonio de uno de sus múltiples viajes y se convierte rápidamente en el compañero inseparable de Marco. Y aunque no hable, acaba por atraer la atención del espectador con sus travesuras y sus continuas escapadas.

Emilio Uno de los mejores amigos de Marco, prefiere trabajar que ir a la escuela, a pesar de las burlas de sus compañeros de clase. Ayudará a Marco a conseguir sus primeros trabajos, pues éste, aunque sea muy pequeño para trabajar, quiere ayudar y aportar algún dinero a la lastimosa economía familiar.

Gina La encargada de correos de la Compañía Naviera. Como Génova es pequeña y todos se conocen, también es una amiga y confidente de la familia. Se preocupa por Marco como si fuese su madre. Le da algunos trabajillos al niño repartiendo correspondencia por la ciudad.

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CULT TV Fiorina La hija mediana de Peppino, demuestra un carácter tímido y reservado y sólo habla lo justo. Pasa el día cuidando de Giulietta, la pequeñaja de la familia. Tiene una gran habilidad con las marionetas, pero pocas veces se le presenta la oportunidad de demostrarlo.

Profesor Peppino De profesor sólo tiene el nombre: en realidad es un titiritero que se gana la vida de pueblo en pueblo con su espectáculo ambulante de barraca de circo. Hace tiempo que murió su esposa, así que se quedó al cargo de tres hijas de edades y carácter muy diferentes. Es un eterno borrachín y bromista.

Concetta La hija mayor de Peppino, aporta su belleza y elegancia al penoso espectáculo que éstos hacen por las calles. De carácter romántico y sensato, hace las funciones de madre de la prole, aunque tiene que estar continuamente trabajando para sacar adelante a la familia.

Giulietta La hija menor de Peppino, todavía no sabe hablar ni caminar, así que se entretiene sentada en el suelo, generalmente jugando con Amedio. Su papel es meramente anecdótico y da más problemas que otra cosa. Junto a la familia viaja de un lado a otro sin pisar la escuela ni de lejos.

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es salvado por un hombre que lo encuentra en el camino medio muerto, lo auxilia y le desinfecta la herida. Marco por fin llegará a Tucumán. Busca primero en la fábrica del señor Mequinez pero no está, y ahí se entera de que su madre está muy enferma. El niño se va corriendo hacia donde vive, y por fin halla la casa de Mequinez. Allí, su madre, que está casi muriéndose, se despierta y se hace un emotivo y lacrimógeno reencuentro. Anna había perdido las ganas de vivir, ya que no sabía nada de su familia y no iba a resistir la operación, pero gracias al niño se restablece. Marco decide que regresará a Italia y se convertirá en médico para ayudar a las personas pobres y discriminadas.

M ARC O En un puerto italiano al pie de las montañas, vive nuestro amigo Marco en una humilde morada. Se levanta muy temprano para ayudar a su buena mamá. Pero un día la tristeza llega hasta su corazón: mamá tiene que partir cruzando el mar a otro país. No te vayas, mamá, no te alejes de mí. Adiós, mamá, pensaré mucho en ti. No te olvides, mamá, que aquí tienes tu hogar. Si no vuelves pronto iré a buscarte donde estés. No me importa adónde vayas, te encontraré.

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Merchandising variado Marco también tuvo 12 álbumes de cómic de la casa Fher, además de los cómics apócrifos editados por Bruguera, esta vez con el nombre de Las emocionantes aventuras de Marco, de los Apeninos a los Andes. Se regaló el consiguiente álbum de Danone, aunque debido a la larga duración de la serie sacaron dos álbumes. La casa Fher editó igualmente un álbum de cromos, así como Fournier sacó la baraja de Marco. El tema principal de su banda sonora, interpretada por José María López Pascual, un niño de voz estridente, se hizo muy popular. En cuanto a juguetes, hubo bastante menos que en el caso de Heidi: algunos muñecos de goma de la marca Toyse, otros de cuerda y alguno del mono Amedio, un personaje casi tan popular entre los niños como su amo.

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ntes de nada muchas gracias por el tiempo dedicado: la verdad es que era una entrevista que teníamos muchas ganas de hacer desde hace tiempo, pues tus dibujos forman parte de nuestra infancia, especialmente los que crecimos leyendo publicaciones como Cavall Fort o Tretzevents. Tretzevents ¿Cuándo empieza esa afición a crear muñecos? No sé cuándo empezó. Seguramente en cuanto descubrí que un lápiz hacía rayas y empecé a garabatear. ¿Cuándo pensaste que la afición se podría convertir en una profesión de la que se pudiese vivir? Yo era un niño que se pasaba todas las horas libres dibujando cómics. Mis personajes eran arqueólogos, navegantes, exploradores... y me imaginaba que mi futuro profesional sería como el de mis personajes. Debía de tener unos doce años cuando decidí que lo más «sensato» sería ser dibujante.

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Tu estilo siempre me pareció muy elegante, muy alejado del típico monigote de caricatura humorística típico de Bruguera. Pienso que tu estilo se parece más al estilo europeo, tipo Tintín y otros de la escuela belga. ¿Cuáles eran tus referentes de cómic cuando empezaste? Eran muy diversos: desde el TBO hasta Hazañas Bélicas. Pero el día que cayó en mis manos un cómic de Tintín, El secreto del Unicornio, me enamoré del estilo de Hergé. Desde entonces estoy en deuda con él, me ha influido mucho, como dibujante y como guionista. ¿Qué tebeos te gustaba leer en aquella época? ¿Y actualmente? Me gustaba leer cualquier cómic, incluso los de chicas. Recuerdo con cariño El Cachorro, Blek el Gigante, Suchai, Hipo, Monito y Fifí, las historietas africanas de Coll y de Benejam, El Hombre Enmascarado y muchísimas más. No hacía juicios del estilo «Éste es mejor que aquél», disfrutaba cualquier cómic todo lo que podía y ya está. ¿Sabes en qué sueño


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a veces? En que salgo a la calle y hay un quiosco lleno de cómics de aquellos tiempos; este sueño me llena de alegria. Años después descubrí Rip Kirby de Alex Raymond, elegantísimo dibujante norteamericano, y más tarde a Winsor McCay y muchos otros que seria largo citar. Actualmente me gustan las recientes versiones de Blake and Mortimer. En general soy bastante clásico. ¿Tu formación fue autodidacta totalmente? ¿A qué dibujantes admirabas? Fui bastante autodidacta hasta que entré a trabajar en Selecciones Ilustradas como chico de los recados. Yo tenía entonces catorce o quince años. Los dibujantes de esta agencia editorial fueron mis maestros. De los dibujantes de Selecciones admiraba especialmente a Longarón y López Espí. También a Gin. ¿Dónde fueron tus primeras publicaciones? Explícame un poco, para alguien que no la conozca, como era la revista «Mata Ratos»... Yo empecé publicando sencillos cartoons humorísticos en el extranjero a través de Selecciones Ilustradas. Poco después, ayudado por el genial Gin, entré en Mata Ratos y Tretzevents (esta última se llamaba entonces L’Infantil). Mata Ratos era una revista satírica, muy limitada por la censura de la época, pero que me permitió

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descubrirme como humorista. Bueno, en realidad yo no supe que era humorista hasta que lo descubrió Gin; yo pretendía hacer dibujo realista, historietas del Oeste. Soy más bien una persona seria y aún me siento un poco raro cuando tengo que decir que soy humorista. Publicas durante muchos años en «Cavall Fort» y «Tretzevents», dos revistas de cómic infantil y juvenil en catalán, con un estilo muy diferente de lo que se hacía en Bruguera por ejemplo. Explícanos tu experiencia en ambas…

Tretzevents fue para mí una escuela de aprendizaje. Los hermanos Sayrach me dejaban hacer de todo: cómic, pasatiempos, ilustración... Yo cambiaba frecuentemente de personajes y ellos me dejaban hacer. A Cavall Fort llegué un poco más tarde y tuve que centrarme más. Albert Jané, director de esta revista, fue también, de otra manera, un maestro para mí. ¿Cómo explicas que todavía sobrevivan unas publicaciones de estas características en plena época actual de cultura del manga?

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La supervivencia de Cavall Fort y Tretzevents se debe principalmente a un público fiel. En Cavall Fort, que es la que conozco por dentro en este momento, hay también un gran esfuerzo del equipo directivo de mantener un buen nivel. Tu producción en general siempre ha estado unida a publicaciones en catalán. Pienso que, a pesar de que has publicado en algunos medios españoles o internacionales, se te conoce más en Cataluña. ¿No te hubiese gustado darte a conocer más en Europa por ejemplo? Es cierto que he publicado principalmente en revistas en catalán, pero también publiqué en Lecturas durante veinticinco años. En el extranjero siempre he publicado alguna cosa, a través de agencias. A mí me gusta ver mis trabajos publicados aquí, encontrarme alguien en el bar que me comenta las últimas tiras de

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Ot... y me paga el café. En estos momentos, Barcelona Multimedia ha vendido la Biblia en cómic a Mondadori de Italia y a Emmanuel de Francia; creo que la publicarán este año. Esta Biblia, con guión de Toni Matas y dibujos míos, también se difunde a través de iPhone, iPod y otros medios. Uno de tus personajes más populares es Ot el Bruixot. ¿Cómo surgió esta creación? Ot apareció en mi mente, de forma inesperada, un día que iba por el paseo de Gràcia de Barcelona a buscar a mi novia. Tomé nota, pero sin pensar que pudiera ser un éxito. De todos los personajes que he inventado éste es el único que me ha venido por pura inspiración, sin buscarlo. En Ot pienso que –como en el cine mudo– demuestras que se puede expresar mucho con el mínimo de elementos, ¿cómo se llega a esta síntesis? Las tiras de Ot son mudas porque en su inicio yo hacía cartoons para el extranjero a través de Selecciones


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ENTREVISTA Ilustradas. Esta agencia prefería que los chistes fueran mudos para poder venderlos mejor en cualquier país, sin necesidad de traducciones que podían estropear el gag. El humor mudo es difícil, te impone unos límites y, con ellos, una disciplina. Tienes que utilizar el puro ingenio y no se puede abusar de recursos fáciles. Soy admirador de algunos maestros de este tipo de humor, principalmente de Buster Keaton, Jacques Tati y el Tricicle. ¿De dónde salen las ideas para nuevos gags? No tengo ni idea. Si lo sabes dímelo y te invito a cenar al mejor restaurante. No vale decir: «Del inconsciente»... Aunque las ideas muchas veces vienen cuando ellas quieren y no cuando quiere el humorista, hay que ponerse a trabajar como si fueras a tener ideas: buscar un punto de partida (un objeto, una situación), darle vueltas y confiar en que habrá suerte y vendrán ideas. Pero hay días en que no vienen. Cuando vienen hay que gritar: «¡Que no me moleste nadie, que nadie me diga nada, dejadme solo!» El paso al formato digital llegó por parte de los Otijocs y, sobre todo, con «Les aventures de Noemí i el Pilot». ¿Cómo surgió este proyecto? ¿Estás muy al día de las novedades digitales? Toni Matas, de Barcelona Multimedia, me propuso hacer juegos de ordenador. Yo le dije que no podía trabajar en eso porque no sabía ni cómo se enchufaba el ordenador. Él me tranquilizó diciéndome que

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ENTREVISTA la empresa resolvería las cuestiones técnicas y que yo trabajaría de forma artesanal, como siempre, con lápiz, tinta y papel. Acepté y aún trabajo para Barcelona Multimedia. ¿Cómo es tu relación laboral con el ordenador? ¿Lo usas a menudo para pintar, fondos, etc? Continúo sin tener ni idea de informática, ni sé pintar fondos, esto lo hacen otros profesionales. Nos ha sorprendido el libro autobiográfico que sacaste, «Històries d’una pensió: Preus barats i plats plens», porque refleja muy bien una época de nuestra historia reciente, escrito con añoranza pero también un cierto humor. ¿Cómo surgió esta iniciativa? ¿Habrá una continuación? ¿Quedan todavía anécdotas en el tintero? No fue exactamente una «iniciativa». Tuve una crisis de creatividad, durante casi dos años apenas pude trabajar porque me quedé sin imaginación. No podía imaginar pero podía recordar, así que me puse a escribir mis recuerdos de infancia y, en cuanto terminé el libro, volvió la imaginación. Una vez editado el libro, muchos lectores me pidieron que escribiera la continuación; en este momento tengo escritos tres capítulos, pero no sé cuándo podré continuar porque estoy tremendamente ocupado trabajando para Barcelona Multimedia. Recuerdo que cuando hablé con la dibujante Trini Tinturé también

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ENTREVISTA me comentó que su madre tenía una especie de pensión y que pensó en crear un cómic basado en las historias que allí pasaban. Veo que este tipo de negocios es una fuente de inspiración constante… Me gusta saber esto de Trini. Un día tendré que hablar con ella de este tema. Sí, una pensión es un lugar de paso (y, a veces, residencia habitual) de muy variopintos personajes. Si la pensión permite libertad a sus huéspedes y hay comunicación entre ellos suceden cosas extraordinarias, increíbles. Seguimos en el pasado: ¡qué diversiones a parte del cómic tenía un niño en aquella época? ¿ Cuáles eran tus juguetes? ¿Conservas algun cómic o juguete de aquella época? Mis principales diversiones de niño, aparte de leer cómics, eran salir a la montaña e imaginar que corría aventuras. Tuve muy pocos juguetes, pero recuerdo un proyector de Cine Nic con el que pasé muy buenos ratos. Incluso me hacía películas con papeles translúcidos. Me gustaban mucho los trenes eléctricos pero nunca pude tener uno. ¿Actualmente coleccionas algún juguete? No, pero he pasado buenos ratos en tiendas de juguetes, comprando para los hijos de amigos o para mi nieta. Veo que también te has embarcado en un proyecto musical, «Musicòmic». ¿Podrías explicarme de qué trata esta nueva aventura?

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Un músico, Antoni Tolmos, compuso un concierto a partir de unos cómics de leyendas y cuentos populares que dibujé hace años para Cavall Fort. Las viñetas se proyectan en una pantalla mientras los músicos tocan y unos actores ponen voz a los personajes. En este momento, este espectáculo se llama Music Down. La mitad de los músicos y actores són profesionales y la otra mitad son chicos y chicas con síndrome de Down. ¿Cuáles son tus próximos proyectos? Mi proyecto es continuar en la línea de los cómics y DVD que venimos haciendo en Barcelona Multimedia. Hace pocos días he terminado la historia de Francisco de Asís en cómic (ya la había hecho en DVD hace tres años). Estoy impaciente por ver esta historieta publicada. Muchas gracias por el tiempo dedicado y seguiremos muy de cerca tus nuevas incursiones en el mundo del cómic. Entrevista: Guillem Medina


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Fashion Doll 2010 Era difícil, pero al final, entre todas las finalistas, ha ganado como Mejor Fashion Doll de 2 010 la Barbie «Athena», por su originalidad y audacia. El resto de finalistas, sin un orden establecido, fueron Cissy «A Dark Dream» –la única que valía la pena de la coleccion de 2010–, Poppy Parker «She’s Arrived», los simpáticos personajes de El Mago de Oz –versión vintage– de Mattel y la sofisticada Hollywood Treasure de Robert Tonner.

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Poco a poco la raquítica producción española parece que se recupera y cada año intenta ofrecernos productos de calidad. Este año el premio ha sido para Mariquita Pérez con el modelo «Teja y Mantilla», por su originalidad. Muy de cerca estaban Las Amigas Rusas de Paola Reina, todo un despliegue de folklore multicolor. Los lectores también han premiado a Marieta, la encantadora muñeca de D’Nenes, y Famosa sólo ha salvado la Nancy «Geisha» entre los estropicios de este año. Acabamos con la simpática Mariquita Pérez «Aragonesa».

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Celebrity Doll 2010

Definitivamente dos empresas se han disputado el premio a la Mejor Celebrity: Celebrity Mattel y Tonner. Ganando finalmente la originalidad de Mattel con el set de Mad Men, seguido por la simpática Betsy McCall como Scarlett O’Hara de Tonner; el Sombrerero Loco –personaje de Alicia en el País de las Maravillas, versión Tim Burton– de Mattel; Bastian, el Príncipe de Persia, de Tonner, y Taylor Lautner como Jacob, el hombre lobo de la serie Crepúsculo.

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Vestuario para Doll 2010 Cada año las empresas nos sorprenden con el elaborado vestuario de sus productos, por eso este año los lectores han querido premiar el esfuerzo de la empresa Paola Reina en su serie Las Amigas Rusas. También la pequeña Blythe cada vez viste mejor: el modelo Prairie Posey es una buena muestra. Y dos clásicos en esta sección: Tonner con la serie dedicada a Dee Anna Denton, y Poppy Parker con el modeloSealed with a Kiss. La serie Steampunk de Pullip también fue todo un acierto.

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Action Figure 2010

Superhéroes y personajes de cine acaban copando los primeros puestos de esta sección, aunque según los lectores lo mejor del año ha sido la serie dedicada a Crepúsculo por Robert Tonner. Muy de cerca estaba el Perseo de Furia de Titanes de la firma Neca y la reproducción de Iron Man de SideShow Collectibles. Sin olvidarnos, claro, de dos personajes clave del film Alicia en el País de las Maravillas: el Sombrerero Loco y la Reina de Corazones.

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Manga

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Nuestros lectores cada vez se interesan más por el manga y buena prueba han sido las votaciones recibidas, dando como ganador a Soul Eater de Atsushi Okubo. Otro de los favoritos es la divertida ¡Ah, Mi Diosa! de Kosuke Fujishima, así como el manga de intriga Death Note de Tsugumi Oba y Takeshi Obata. En otro estilo destacamos Fairy Tail, de Hiro Mashima, y un clásico, Inuyasha, de Rumiko Takahashi, que sigue publicándose con gran éxito de ventas.

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Dibujante Español 2010 Con la cantidad de grandes artistas que hay en nuestro país era inevitable rendirles este pequeño homenaje. Nuestros lectores han premiado a todo un clásico como es Jan, el padre del inmortal Superlópez. Otros clásicos de la ilustración son Luis Royo y Purita Campos, creadora de Esther y su Mundo. Entre los nuevos valores destacamos a la ilustradora Victoria Francés y las historias costumbristas de Nacho Casanova.

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Serie de TV 2010

Poco a poco las series de televisión van desbancando al cine: sus argumentos, su variedad de temáticas y sus grandes actores hacen que nos enganchemos cada vez más. La sorpresa de este año ha sido la comedia Glee, llena de grandes estrellas y mejores temas musicales. Le siguen la familia de Cinco Hermanos, la ácida House, Mad Men con su perfecta recreación de los años 60 y todo un clásico: Mujeres Desesperadas.

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Película 2010

Ni los Oscar, ni los Globos de Oro o los Goya les importan a nuestros lectores, que hen preferido premiar películas divertidas, para todos los públicos, y desde luego lo mejor del año fue la tercera parte de Toy Story, con Barbie, Ken y muchos más... Le siguen la fantasía Avatar, de James Cameron, y tres films de animación indispensables: Cómo entrenar a tu dragón, la divertida Gru, mi villano favorito y un clásico de Disney: La princesa y el sapo.

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uchos seguidores de las pequeñas Pullip estaban deseando que llegase el mes que saliera a la venta la reproducción de los personajes de la serie Vocaloid, y ese ansiado momento ya ha llegado. Ya tenéis aquí tres de sus principales personajes: Pullip Miku Hatsune es la líder, con su trajecito de vinilo negro ribeteado en verde esmeralda, a juego con su larguísima melena recogida en dos coletas. Dal Kagamine Rin es la del enorme lazo en la cabeza como si de dos orejas de conejo se tratara; viste con trajecito de pantalón corto y botas altas, y su pelo es de un amarillo plátano. Dal Kagamine Len es prácticamente igual a la anterior, sólo que lleva un peinado diferente, con las puntas tiesas. Todas lucen sus particulares auriculares estilo operadora de telefonía. En cuanto a las versiones mini, este mes tenemos a Mini Pullip Mir, Mir que es una copia en pequeño de su homónima grande aparecida el año pasado, y Mini Dal Tina, Tina que también apareció anteriormente, pero esta vez con muchos menos detalles de vestuario.

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Y no nos olvidamos de la pequeña muñeca Ai Primula, Primula con un modelito romántico con estampado floral y capota a juego. Sus enormes ojos azules y sus largos tirabuzones rubios la hacen adorable. Igual que la nueva J-Doll Via Appia, Appia que, más que recordarnos a una chica paseando por la clásica vía romana, nos sorprende por sus reminiscencias militares.


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principios de los años 40 del pasado siglo, nadie en el país de las barras y estrellas quería oír hablar de la Guerra Mundial que estaba sucediendo al otro lado del globo y en la que los Estados Unidos habían entrado el 7 de diciembre de 1941 –la guerra había comenzado mucho antes en Europa y China, pero claro, esto no contaba para un país que no ve más allá de su ombligo...

paupérrimo, que se necesitaban millones para poder comprar un chicle. Si a esto le unimos que los países limítrofes siempre estaban prestos a invadirlo, comprenderemos las continuas depresiones de Su Majestad Blozo en cuestión. El paralelismo era que muchos países de la vieja Europa habían pasado la década de los años 30 en las mismas condiciones que el reino de Blozo...

Comentar la guerra en el mundo del cómic resultaba poco menos que imposible debido a una férrea censura y al gusto conservador del consumidor. Pero en momentos de necesidad y represión es cuando el ingenio y la creatividad, cuando no la picaresca, alcanzan su máximo desarrollo. Y así fue como Elzie Crisler Segar creó Thimble Theatre. Las tiras de esta serie trataban de un reino imaginario, gobernado de manera delirante, a la par que surrealista, por el rey Blozo, un monarca con cambios de humor cercanos a la bipolaridad y con una economía en perpetua bancarrota. Tengamos en cuenta que la moneda en curso del país era de un valor tan

Así, de esta forma tan sencilla, Segar ofrecía una crónica solapada de la contemporaneidad mundial a través de un reino imaginario donde Popeye era, en principio, un secundario forzudo que se encargaba, de forma expeditiva, de dar su merecido a los posibles invasores. De hecho, Segar creó la serie en 1919, pero el cachas de cara difícil e improbable musculatura no aparecería hasta el 17 de enero de 1929, en una tira en la que era interpelado por Castor Oyl, uno de los personajes principales y hermano de Olivia, y Ham Gravy, el entonces novio de Olivia. En este episodio, Oyl y Gravy, propietarios de una barca, deciden salir de viaje y para ello


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CÓMIC contratan a un marinero tuerto con un particular sentido de la justicia, consistente en convencer a puñetazos a todos aquellos que no opinan como él. De esta forma tan bonita, didáctica y genuinamente americana nacía Popeye. Hasta ese momento, el protagonista de la serie había sido una especie de engendro llamado Willy Wormwood. Popeye disponía de una fuerza espectacular que, en sus inicios, le suministraba nada más y nada menos que... ¡una gallina mágica! Pero la industria de los vegetales de la América profunda, que todo lo puede, consideró, poco después, que un marino que se liaba a tortazos con propios y extraños era un buen ejemplo para que los niños se criaran fuertes a base de la ingestión masiva de verduras –enlatadas, faltaría más– y fue a partir de entonces que cambió la gallina por las espinacas. Y si alguien quiere ver en ello alguna doble o triple lectura, que nos escriba y nos lo cuente. Todo esto puede parecer salido de la mente de un adicto a la morcilla de arroz y a sustancias mil, pero si tenemos en cuenta que, la mayoría de ideas para sus historias, Segar las gestó en el Club de la Caña y el Carrete de Santa Mónica en compañía de Eugene Pallette, ya se van entendiendo muchas cosas... Tras erigirse Popeye en protagonista, pasó e ser el nuevo novio de Olivia, difícil, anoréxica y desgarbada belleza donde las haya, sólo comparable hasta la fecha con el siempre controvertido

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CÓMIC encanto de Rossy de Palma. Poco a poco, Segar fue añadiendo nuevos personajes como Brutus, siempre en conflicto con Popeye por los huesitos de Olivia –que, no sabemos por causa de qué estupefaciente, en España se llamó Rosario, cuando su nombre original era Olive Oyl–, aunque por su aspecto actualmente encajaría más vestido con camisa de cuadros y vaqueros ajustados en un bar bear, cuando no provisto de arneses y chaps en un local leather. Segar también hizo gala de ser un suegro de leyenda al ponerle el nombre de su futuro yerno, Eugene, a ese imposible, mágico y estrangulable animalito que es Eugene el Jeep. Tal fue el éxito que causó la criatura, que el novio de la niña en cuestión mandó la relación a paseo, facilitando a Bud Sagendorf, ayudante de Segar, casarse con la hija de éste. Tras morir tempranamente Segar en 1939, la serie fue continuada por Doc Winner, que no es que encantara a los lectores precisamente, ya que provocó un alarmante descenso en las ventas, por lo que retomaron el testigo el tándem Bela Zaboly al dibujo y Tom Sims al guión. A partir de 1958, sería Sagendorf el encargado de la serie. Tanto a Segar como a sus sucesores debemos personajes como el gordo Wimpy –tan popular que dio nombre a una cadena de hamburgueserías y que aquí se llamó Pilón, vaya a saber usted por qué– o el bebé Swee’Pea –aquí Cocoliso–, fruto seguramente de la inmaculada concepción, ya que

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nadie conoce a sus progenitores. No debemos olvidar tampoco a personajes tan pintorescos como la Bruja del Mar –Sea Hag en el original– y su ejército de secuaces, de los que cabe destacar a Alice, contrahecha criatura enamorada de Popeye –aunque comparada con Olivia no resulta tan extraña–, o el alocado Oscar.

No te los debes perder • Por supuesto, la tira del 17 de enero de 1929, con la primera aparición de un Popeye primitivo, mucho más simple y básico que el que la mayoría de la gente hemos visto en la pantalla. • Las tiras del 31 de marzo al 25 de mayo de 1936, con la aparición de Eugene el Jeep por primera vez y donde los padres de Olivia nos obsequian con expresiones tan curiosas como «Me muero de gallinas de ver al animalito». • En los 70, la editorial Buru Lan publicó en formato álbum las aventuras de Popeye, particularmente las del período de Sims y Zaboly. Del periódico a la pantalla Pronto saltaría el marinero de las planchas de los periódicos estadounidenses a la gran pantalla, en forma de cortometrajes. En 1934, Max Fleischer se encargó de la primera versión animada, que se ha sucedido hasta nuestros días con diferentes creadores e irregular calidad y éxito.

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También, en los años 60, la televisión le dedicó un olvidable folletín. Pero no fue hasta 1980 en que un kamikaze como Robert Altman sería capaz de dotar de carne y hueso al popular y anatómicamente difícil marinero. Y aunque es verdad que hicieron falta prótesis y maquillaje para convertir al histriónico Robin Wiliams en Popeye, lo cierto es que Shelley Duvall daba la talla de Olivia casi a carita lavada. Claro que, de no haber contado con su interpretación, siempre se lo podían haber pedido a Verónica Forqué, que para el caso... En resumen, un film ya considerado de culto, gracias a su chillona puesta en escena y a su trama surrealista y cruel a partes iguales, que mantenía la estética del cómic original al tiempo que ironizaba sobre el mismo. Texto: Sebas Martín


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LOS DISEÑADORES EUROPEOS - I

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Los diseñadores de moda no sólo diseñan para mujeres de carne y hueso, sino que en algunas ocasiones también lo hacen a pequeña escala. En esta serie que empezamos hablaremos de algunos de esos diseñadores, empezando por los franceses, «comme il faut». Christian Dior nació en Normandía (Francia) en 1905. Hijo de una familia acaudalada, pasó su infancia visitando museos y galerías y, a pesar de que la influencia artística fue muy importante durante su juventud, decidió estudiar ciencias políticas. Sin embargo, el rumbo de su vida cambiaría cuando en 1931 su madre murió de cáncer, la empresa de su padre se declaró en bancarrota y a él mismo le diagnosticaron tuberculosis. Paradojas de la vida, sería durante esa triste estapa cuando empezaría a surgir su talento para diseñar y crear moda. En 1938 entró en el mundo de la moda como diseñador para Robert Piquet y, después de servir en la Primera Guerra Mundial, volvió a París, donde tuvo una colaboración muy exitosa con Pierre Balmain y Lucien Lelong. Con la ayuda de Marcel Boussac pudo abrir su propia casa de modas en 1946. Sus opulentos diseños

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lo hicieron famoso durante la posguerra y su marca enseguida se extendió a pieles, perfumes y accesorios. En 1957, tras el repentino fallecimiento de Dior, Yves Saint-Laurent se convirtió en el diseñador jefe de la casa, al que le siguieron diseñadores como Marc Bohan, Gianfranco Ferré y John Galliano, actual diseñador de la firma. Existen dos Barbies vestidas por Dior: la primera, cuya figura está expuesta en el Museo de Cera Grévin de París, data de 1995 y lleva un modelo diseñado por Gianfranco Ferré. La segunda Barbie Dior, de 1997, conmemora el 50 aniversario de la línea New Look, creada en 1947, con una reproducción exacta del vestido a pequeña escala. La casa Dior también ha vestido alguna Barbie OOAK para acontecimientos especiales.


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DOLLS Hubert de Givenchy nació en Francia en 1927. Su pasión por la moda le llegó a la temprana edad de diez años: entonces decidió que quería ser diseñador. Cuando Francia fue liberada de la ocupación alemana, Givenchy se mudó a París, donde empezó a estudiar con Jacques Fath. Continuó su práctica con Robert Piguet y se convirtió en el ayudante de Lucien Lelong cuando Dior se fue en 1947. Ese mismo año, Elsa Schiaparelli le encomendó la dirección de su boutique de la Place Vendôme, donde pasó cuatro años. En 1952 el sueño de Givenchy se convirtió en realidad al abrir su propia casa de costura, cuya primera colección obtuvo un gran éxito. En 1953 conoció a Audrey Hepburn, la encarnación de su ideal de feminidad, y así empezó una amistad que duró cuarenta años, hasta la muerte de la actriz, durante los cuales Audrey se convirtió en embajadora de la casa. De hecho, Givenchy es el diseñador de muchos de los modelos que lució en sus películas, como Sabrina, Funny Girl o Charada, entre otras. Ese mismo año, Givenchy conoce a Balenciaga, al cual considera su maestro: en realidad, la influencia de Balenciaga está presente en innumerables colecciones suyas. Givenchy fue pionero en muchos campos y fue el primer diseñador en presentar una colección de prêt-à-porter de lujo para mujer. Su trabajo combina elegancia y clasicismo al mismo tiempo que audacia y modernidad. Cuando Givenchy se retiró en 1995 le sucedieron John Galliano, el malogrado Alexander McQueen y Julian McDonald, que es el actual diseñador de la firma.

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En el año 2000 Mattel lanzó la Barbie Givenchy, que lucía una reproducción de un modelo que el diseñador creó en 1956. El magnífico vestido de noche negro lleva una estola a juego ribeteada de piel y Barbie exhibe un estupendo conjunto de collar, pendientes y brazalete de grandes perlas. El molde Mackie y el pelo azabache hacen que la muñeca sea de una belleza espectacular y una de las preferidas por los coleccionistas. Como hemos dicho, Givenchy fue el diseñador de los vestidos que Audrey Hepburn lució en la mayoría de sus películas, de los que se han hecho diferentes modelos en muñecas. De la película Desayuno con diamantes se han realizado varias muñecas vestidas como la protagonista de la película, la extravagante Holly Golightly, como una que realizó Mattel en 1998 con molde de la recordada actriz para la Celebrity Collection, en la cual la muñeca llevaba hasta cuatro modelitos diferentes de la película. Madame Alexander también tiene muñecas de esta película como Cissy, Cissette o Alex, y otras muñecas que lucen vestidos de la película son la cabezona Pullip o la sensual gatita French Kitty. Otra película de Audrey cuyo vestuario también fue diseñado por Givenchy es Sabrina, que tiene su representación en Alex de Madame Alexander vestida con el traje blanco de cola que también lleva Pullip junto al vestido rojo de cocktail. Por último tenemos a Alex de Madame Alexander luciendo dos modelitos de la película Funny Face, uno de ellos el famoso vestido rojo que también exhibe Barbie Joie de Vivre, la muñeca exclusiva de la convención de Barbie de 2008.


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DOLLS Christian Lacroix nació en 1951 en Arles, Francia. Estudió Historia del Arte en la Universidad Paul Valéry y Estudios de Museos en la Sorbona de París. Inició su carrera en la moda como dibujante y trabajó de asistente del diseñador Hermès. También fue diseñador y director artístico de la casa Patou antes de abrir su propia firma de alta costura en 1987. Desde entonces Lacroix ha sido el maestro en crear diseños complicados y es de los pocos que pueden mezclar cualquier tipo de tela, color, figura, en un solo atuendo. Dramático y recargado, su estilo ha marcado una era en la historia de la moda mundial.

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En 1999 Lacroix diseñó una Barbie exclusiva para el evento Life Ball, a beneficio de la lucha contra el sida, siguiendo los pasos de Vivianne Westwood. La muñeca no es otra que la Rendez Vous de 1998 de la serie Masquerade Gala, luciendo un extravagante modelito naranja con lazos en negro y amarillo. Es una edición de 500 muñecas que en su lanzamiento costaba la friolera de 500 $ y hoy está valorada en unos 575. Lacroix también ha creado alguna que otra Barbie OOAK para eventos especiales.


DOLLS Coco Chanel

nació en Saumur (Francia) en 1883 y fue una revolucionaria diseñadora de moda y creadora de perfumes. Después de una infancia desgraciada, Coco decidió hacerse cantante de cabaret antes de dedicarse al mundo de la moda, al que llegó en 1909 cuando abrió una tienda de sombreros, ayudada económicamente por alguno de sus múltiples amantes. En 1913 abrió tienda en Deauville, un lugar de veraneo muy famoso entre la gente adinerada, y en 1916 le tocó el turno a Biarritz, pero no fue hasta 1920 cuando se instaló en la parisina Rue de Cambon, donde desarrolló su carrera como diseñadora. Coco basó sus diseños en la comodidad de la mujer, para quien creó prendas sencillas y llevaderas, de líneas rectas, pantalones y trajes de chaqueta que han pasado a la historia y que todavía hoy están de moda. También inventó la moda de los zapatos salón de dos colores y los grandes collares y abalorios. En 1954 creó el perfume probablemente más famoso de la historia, Chanel nº 5, que sigue siendo uno de los más vendidos. Coco no se casó nunca y el final de su vida, en 1971, fue bastante solitario, pero ha dejado un legado muy importante en el mundo de la moda. Actualmente es Karl Lagerfeld el encargado de la casa Chanel, con diseños actuales pero siempre con reminiscencias de la gran creadora.

bolso Chanel y largos collares como complementos, así como una cinta negra en el pelo: más Chanel no podría ser. Otra Barbie que podría representar a la firma es Toujours Couture, aunque esta podría ser perfectamente una creación de Karl Lagerfeld para Chanel, por el estilo más moderno del traque chaqueta, en blanco inmaculado, con blusa y bolsito en negro, que va complementado con botines en dos colores, una versión actualizada del clásico zapato Chanel.

Aunque oficialmente no existe ninguna Barbie Chanel, sí que hay dos muñecas que podrían representar perfectamente a la firma. Una es la Preferably Pink de 2008, que luce un traje chaqueta rosa con blusa blanca y un gran lazo en el cuello, zapatos de dos colores,

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DOLLS Nina Ricci fue una modista francesa de origen italiano cuyo verdadero nombre era Maria Nelly, nacida en Turín en 1883 pero criada en Francia. A los 13 años empezó como aprendiz en una casa de modas, y en 1908 se unió a la firma Raffin, donde permaneció veinte años. No fue hasta 1932 cuando, junto a su hijo Robert, abrió su casa de costura en París, donde creaba trajes elegantes y refinados de estilo clásico. Destacó por el excelente acabado de sus prendas, que trabajaba directamente sobre la maniquí. Mientras ella se encargaba del diseño su hijo lidiaba con las finanzas. En 1948 Nina lanzó uno de los perfumes más famosos de todos los tiempos, L’Air du Temps, cuya botella estaba diseñada por Lalique y su propio hijo. Falleció en 1970 y, al morir también Robert Ricci en 1988, la compañía pasó a manos del yerno de Nina, Gilles Fuchs.

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Existe alguna que otra Barbie OOAK vestida por la casa Ricci y una Barbie ataviada como la modelo del perfume Ricci Ricci, aunque no sabemos de otras muñecas que hayan lucido trajes de la afamada firma. De todas formas, seguimos echando de menos muñecas vestidas por Yves Saint-Laurent, Chanel o Balenciaga, por nombrar a unos cuantos. A ver si los fabricantes de muñecas se animan y nos dan una sorpresa. En el próximo capítulo hablaremos de otros diseñadores europeos que han creado modelos para muñecas, como Versace, Burberry o Pertegaz. Texto: Núria Simón


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Teresa Rabal

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ija de los actores Francisco Rabal y Asunción Balaguer, y tía de Liberto Rabal, desde sus primeros años se ve rodeada de un ambiente artístico que le permite debutar en el cine con tan sólo nueve años de la mano de Luis Buñuel en la película Viridiana (1961). En 1967 se incorpora a la compañía de teatro de Carlos Larrañaga y María Luisa Merlo, y debuta en un escenario con la obra Vidas privadas de Noel Coward, a la que seguirían, en años sucesivos, Strato Jet 991, dirigida por Fernando Fernán Gómez; Ninette y un señor de Murcia, de Miguel Mihura; La Celestina, de Fernando de Rojas o La malcasada de Lope de Vega. A principios de los años setenta inicia una discreta carrera cinematográfica, que la lleva a intervenir en una quincena de títulos entre 1969 y 1976, entre los que figuran La leyenda del alcalde de Zalamea (1972), de Mario Camus; Un casto varón español (1973), de Jaime de Armiñán, o Ambiciosa (1975), de Pedro Lazaga. Tras contraer matrimonio el 1 de mayo de 1977 con el cantante Eduardo Rodrigo,

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se aparta de la gran pantalla, a la que sólo volvería en tres ocasiones: Esperando a papá (1980), de Vicente Escrivá; la película infantil Loca por el circo (1982), de Luis María Delgado, y Muerte súbita (2002), de Pablo Guerrero. Retirada del cine, su carrera como actriz continua en la televisión, y en la época dorada de los dramáticos de TVE interpreta numerosos papeles en espacios como Estudio 1 y Novela. En 1980 publica su primer disco destinado al público infantil y en los años siguientes vuelca su carrera profesional hacia los más pequeños, y estrena 24 elepés que llegan a vender un millón y medio de copias, haciendo famosas canciones como Veo, veo o Me pongo de pie. Ese mismo año inicia una gira circense con El Circo de Teresa Rabal, con el que se mantiene durante una década. En 1990, tras la llegada de las televisiones privadas, Teresa Rabal es contratada por Antena 3 para sustituir a Rita Irasema en el programa infantil La Guardería, donde permanecerá hasta 1993. Ese año pasa a Telecinco, donde presenta


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durante una temporada La Casa de la Guasa, junto a Kike Supermix. En 1995 crea los Premios Veo Veo, que pretenden fomentar las actividades culturales entre los niños. Está al frente de la Fundación Teresa Rabal, de ayuda a la infancia.

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Philip Heath

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n los años noventa la casa de muñecas Götz fue una de las más importantes, llegando a tener bajo su licencia hasta una docena de grandes diseñadores de muñecas. Poco a poco la mayoría han ido dejando la empresa y actualmente tan sólo tres o cuatro siguen mostrando sus obras de forma continua. Uno de estos diseñadores fue el genial Philip Heath, un genio en el arte de crear muñecos étnicos llenos de gracia y con una personalidad muy marcada. Nacido en el Reino Unido, Philip Heath ha sido uno de los grandes artistas de muñecas europeos. Sus muñecas de porcelana parecen esculturas, vivos retratos de niños y niñas de todo el mundo que Philip se encontró en sus numerosos viajes por Europa, África, Malasia, Filipinas o Estados Unidos. Muy apreciadas han sido sus series de Lost & Found y Past & Present, donde dos figuras del mismo muñeco representan la vida en dos mundos antagónicos: por un lado el de la

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pobreza y abandono y, por el otro lado, el de una infancia feliz y saludable. Durante los años 90 Heath trabajó esculpiendo para la conocida casa alemana Götz y ellos comercializaron algunas de sus muñecas en vinilo, de gran calidad y compleja expresividad. En el año 2000 Philip Heath dejó su relación con Götz y un año más tarde abría su propia producción, que se localizaba en Bélgica. Las series limitadas de sus obras se redujeron entonces considerablemente, hasta ediciones de sólo 45 o 50 piezas. Una de las razones de este limitadísimo tiraje fue que Heath en persona se encargaba de pintar a mano las caras de todas y cada una de sus figuras. Una obra de artesanía, puede decirse. Lamentablemente hace algún tiempo que dejó la producción de muñecas, aunque su hija Tara Heath es una cotizada artista muñequera y en sus obras podemos recordar la esencia del trabajo del padre. Texto: Ali Amigó


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Guillem Medina y sus «Chicas de cómic»

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finales de diciembre de 2010 apareció en las librerías Chicas de cómic, cómic de la editorial Glénat, Glénat una iniciativa de Guillem Medina en la que se hace un repaso de los principales personajes de cómic dedicado al público femenino desde los años 40 hasta finales de los 90. Una antología simpática, escrita en tono desenfadado, con abundante material gráfico. Todo un viaje en el tiempo.

¿Cómo surge la idea de hacer un recopilatorio sobre las «revistas de historietas para chicas»? ¿Explotación de la nostalgia u ordenación de la memoria? Pues creo que era una deuda pendiente con tantos personajes que nos hicieron disfrutar en la infancia y tantas mujeres que dibujaron cómics y que quedaron injustamente relegadas a favor de otros personajes más populares como Mortadelo o el Capitán Trueno, de los que se ha hablado

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tanto. De hecho, yo era lector de estos cómics mal llamados «femeninos» en los setenta en la época Bruguera, pero me ha entusiasmado hacer una labor de arqueología para conocer los orígenes: la revista Mis Chicas en los años 40, Florita en los 50 y tantas otras. Lógicamente a la gente de mi generación, de entre 30 y 40 años, les gusta recordar aquella época e Internet ha favorecido que hoy en día todo se pueda volver a comprar. Así que a mucha gente después de leer el libro le ha picado la curiosidad por alguna publicación o un autor en concreto y eso es muy bueno. ¿Existe afán histórico-divulgativo en esta obra, una intención de mostrar que estas revistas no estaban sólo dirigidas a un público femenino? Pues sí, porque injustamente se las relegó a un tipo de público muy concreto y, en general, se pensó que los argumentos serían muy cursis o ridículos, y nada más lejos de la


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ENTREVISTA realidad. Personalmente pienso que en estos cómics estaba de alguna manera el origen de muchas de las teleseries que luego nos han entusiasmado: Los relatos del Tío Arthur eran narraciones de suspense al estilo de Expediente X; Caty, la chica gato era una superheroína que nada tenía que envidiar a Catwoman, y Candy, modelo en apuros, o incluso Jana, eran guapas y siempre se metían en aventuras peligrosas como Los ángeles de Charlie. Uf, los argumentos eran tan variados que seguro que una serie u otra te enganchaba. ¿Tienes detectados precedentes foráneos o derivaciones a posteriori fuera de nuestras fronteras? ¿Sobre libros dedicados de forma exclusiva al cómic femenino? Pues yo no he encontrado ninguno, la verdad: mi principal base de información han sido los mismos cómics. Me consta, porque lo he visto por Internet, que una chica ha sacado un libro, posteriormente al mío, sobre el mismo tema, y que hay algún otro proyecto, pero de momento y aunque los he buscado no los he visto en librerías. ¿Has tenido contacto con algunos/as de sus autores/as para documentarte? ¿Puedes comentar alguna anécdota? Lo cierto es que el proyecto surgió en parte de las entrevistas realizadas para la revista que dirijo, Toyland Magazine, dedicada al coleccionismo de muñecas y demás juguetes. Pero quise incluir una sección de cómic y comencé con una entrevista a Purita

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ENTREVISTA Campos, uno de mis ídolos de la infancia. Después llegaron Trini Tinturé, Carme Barbarà o Maria Pascual, que también idolatraba de pequeñín. Lo cierto es que conocerlas y ver que son tan humanas y agradecidas fue una alegría y lo mejor de todo es que siguen dibujando y eso las mantiene super juveniles. Creo que este libro también es un justo reconocimiento y homenaje a su labor. Algunas me preguntaban extrañadas: «...Pero ¿todavía hay gente que se acuerda de nuestros dibujos?» ¡Pues claro que sí! ¿Qué opinión tienes de la segunda vida de un personaje como Esther, el más famoso personaje de Purita Campos? Me parece una buena idea, la verdad, aunque Purita siempre se queja de que tiene que dibujar mucho y que se le está yendo la salud con el personaje, je, je, je. Pero pienso que también ella misma quería continuar de algún modo estas historias. Luego está el tema de las lectoras: las hay muy forofas que han seguido las historias y ven lógico que ahora Esther tenga su edad, una hija adolescente, etc. Otras se han reenganchado por curiosidad; pero, después de tantos años, cuesta volver a leer tebeos cuando has perdido la costumbre. Hay mucho de educación emocional en estas publicaciones. ¿Cuál es tu punto de vista respecto a estas construcciones del relato y de los personajes? A ver, te puedes mirar mi libro como una recopilación de portadas, personajes y dibujos, pero lo realmente

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ENTREVISTA interesante es cómo el cómic ha mostrado la evolución de la condición de la mujer durante estos cincuenta años. Me reí mucho leyendo las cartas de las lectoras en Mis Chicas y los tipos de cuestiones que plantean, desde cómo hacer una receta, coserse una falda o comportarse con los padres. Era una época en la que los cómics muestran a la mujer como alguien cuyo único fin es el de encontrar marido y tener hijos para sentirse realizada. Eso cambia a finales de los 50, cuando surgen personajes como Lilian, que es azafata, o Mary Noticias, periodista, profesiones liberales que les permiten vivir independientes, viajar y ser las protagonistas de la acción. En los 70 aparece el fenómeno fan, los ídolos pop y toda una explosión de

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sexualidad que se ve recogida en los consultorios de los tebeos; algunos parecen más el Nuevo Vale... Desde tu punto de vista, ¿resisten estas publicaciones una lectura feminista? Pues supongo que algunos cómics, especialmente los de las primeras décadas, pondrían los pelos de punta a las feministas, por lo que se propone y por cómo se supone que tenían que ser las mujeres. Pero tampoco hay que tomárselo tan a pecho: tampoco el cómic denominado «masculino» como Roberto Alcázar y Pedrín o El Guerrero del Antifaz resultarían muy «políticamente correctos» hoy en día. Son productos a veces un tanto kitsch circunscritos a una época determinada.


ENTREVISTA ¿Se podrían dar hoy en día publicaciones de este estilo? ¿Cuál crees que sería su versión hoy? Creo que a partir de los años noventa y con la incursión del manga en nuestro país se creó o se recuperó un tipo de lectora que se había quedado un tanto huérfana después del cierre de Bruguera y otras publicaciones. Y pienso que fue una continuación lógica, pues el manga muestra infinidad de argumentos (colegiales, de fantasía, terror, cotidianos) que engancharon a un público, no sólo como ávidas lectoras, sino incluso como dibujantes. Hoy en día, el manga sigue imperando con fuerza, pero también nos llega cómic europeo hecho por mujeres muy interesante.

¿Alguna filia y fobia confesables después de haber investigado sobre el tema? Pues la verdad es que me he hecho adicto a muchos de estos cómics mientras investigaba y, de paso, me los compraba los domingos en el mercado de Sant Antoni en Barcelona. Os sugiero releer los consejos de Florita, todo un decálogo del pijerío, o las aventuras de Anita Diminuta, un personaje de aspecto disneyano con unas tramas de auténtica película de terror. ¿Qué cómics leías cuando eras niño? ¿Y ahora que ya no lo eres? Es curioso, porque hablando con chicos al hacer este libro me comentaban que

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ENTREVISTA alguna vez habían leído Esther o Lily, pero porque eran de sus hermanas, vecinas o primas. Pues yo no, yo era de los que no me daba vergüenza comprarme el Lily cada semana y leerlo con avidez; naturalmente había personajes que me gustaban más, como Esther, Emma, Candy, Cristina y sus amigas, la Familia Feliz, etc., y otros que se me presentaban más caricaturescos, tipo Fina, Tica o Purita, agencia matrimonial, pero en general todos tenían alguna gracia, y la verdad es que por ser un chico no me sentía ni discriminado ni pensaba que hablaban de temas que no me tocasen. Actualmente leo un poco de todo, aunque la verdad, no soy muy seguidor del cómic de superhéroes porque los argumentos me dan pereza, aunque están muy bien dibujados y coloreados. Y en cuanto al manga me entusiasman algunas series como Emma, Doctor Slump, Detective Conan, etc., pero otras también me dan pereza y no conecto mucho. Un saludo.

Entrevista: Elisa G. McCausland Los Noveles www.losnoveles.net La Pequeña Delirio ela.zonalibre.org Reino Hueco reinohueco.blogspot.com Mujeres Extrañas que Valen un Viaje mujeresquevalenunviaje.blogspot.com

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