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jueves 6 de diciembre de 2012

criterio nacional

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Los medios parten y reparten culpas pero no se quedan con una parte Clodovaldo Hernández clodoher@yahoo.com

Todosadentro No 443 Fotografría: Centro Nacional del Disco

CONTENIDO 2 Clodovaldo Hernández asegura que para los medios cualquiera es culpable de conflictos sociales menos ellos

criterio nacional

4y5 De marzo a mayo mucha agua musical corrió a torrentes por la Patria Música

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Plástica

Los grandes medios de comunicación abordan los problemas como si fueran ajenos a ellos, como si no tuvieran nada que ver con sus causas, como si nunca hubiesen roto un plato. Para los medios cualquiera puede tener la culpa de los conflictos y las injusticias que ocurren en la sociedad, excepto ellos mismos y sus aliados. Ejemplos hay para regalar, pero centrémonos por lo pronto en el tema de las operaciones estéticas que han costado la vida a varias personas últimamente, por ser realizadas sin las previsiones médicas necesarias o con materiales de calidad deficiente. Los medios asumen el rol acusador. Los dedos índice de los diarios, emisoras y

televisoras privadas apuntan hacia el Gobierno, los comerciantes inescrupulosos de la medicina e, incluso, las personas (a quienes estigmatizan como coquetas y frívolas) que se someten a los temerarios tratamientos. Ni por casualidad, en esos repartos de culpas se incluye a la gran maquinaria mediática que también tiene su parte de responsabilidad en esta situación irregular. En casos como el de las operaciones estéticas, la maquinaria mediática tiene una responsabilidad ideológica y una pragmática. En lo ideológico, los medios son promotores principales de una cultura que rinde pleitesía a ciertas características del cuerpo humano, casi todas ellas, por cierto,

La Caracas es el documental del cineasta argentino Andrés Cedrón

Literatura

Luis Alberto Crespo nos muestra el tinglado humano de Antonio Crespo Méndez

artesanía

Los Diablos de Corpus Christi también están hechos de máscaras

Espacio Urbano

Hace 227 años Francisco de Miranda visitó el Panteón de Roma

las clínicas y centros de cosmetología, lucen repletos de publicidad de estos servicios. En las páginas informativas denuncian los peligros de las liposucciones y en las páginas publicitarias le dicen a la gente dónde hacérselas. Negocio es negocio y noticias son noticias, dicen. Cuando una persona fallece o sufre graves problemas de salud como consecuencia de estas cuestionables prácticas, ¿qué hacen los medios? Culpan al Ministerio de Salud; culpan a los que hacen las operaciones; culpan a las víctimas que se dejan embaucar con la promesa de un cuerpo perfecto. En materia de culpas, parten y reparten, pero no se quedan ni siquiera con una mínima parte.

las líneas de lira

Rubén Wisotzky hace su tercera entrega reflexiva sobre el Matisse

cine y medios

asociadas al fenotipo de la raza blanca. La publicidad realiza una labor realmente diabólica: convence a las personas para que consuman desaforadamente toda clase de productos nocivos para la salud y luego las culpabiliza por verse obesas y fofas, imponiéndoles formas de verse que solo son viables si se lleva una vida sana. Los medios, claro, no hablan de esas terribles manipulaciones masivas porque de ninguna manera pueden morder la mano que les da de comer. El aspecto pragmático de la responsabilidad de estos medios es una clarísima demostración de su cinismo. Los mismos periódicos que escandalizan con la acción irresponsable de

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@mabelmesma De colección @Todosadentro dedicado a la música, felicitaciones a @IvanPadillaB y su equipo. 1 nuevo tweet

@ciclo_rev Yo veo @TVesAlDia leo @Todosadentro me la paso en el Eje del Buen Vivir en la plaza Bolívar como comida del Mercal y soy chavista 1 nuevo tweet

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@reddearte @Todosadentro dedicado a nuestros Diablos Danzantes; corazones unidos a espera de declaratoria de Patrimonio Cultural Inmaterial 1 nuevo tweet

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@IvanPadillaB @mabelmesma @Todosadentro Gracias y un fuerte abrazo solidario

Unirse a la conversación

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editorial

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la voz de la casa

Ahora que somos Diablos Danzantes de la humanidad

Los Diablos de Corpus Christi, rondan el año 1600 como fecha de su nacimiento y, desde entonces han mantenido su tradición, fervor y vigor en Venezuela y en otros pueblos de Nuestramérica. La conmemoración, que es una fiesta de calle, tiene génesis en una celebración de la religión católica en la que se entroniza como divinidad a la transfiguración en “Cuerpo de Cristo”, o Corpus Christi, como se le conoce en voz originalmente latina. Enriquecida por otras formas de religiosidad, especialmente aportadas por los esclavizados africanos traídos a estas tierras por los colonizadores europeos, los Diablos Danzantes se postran ante el Dios a quien reconocen como soberano y omnipotente.

DE UNA

-¿Qué le pedirías al Niño Jesús ahora que somos Diablos Danzantes?

Este ritual permanente, periódico, anual, se rememora cada noveno jueves después del Jueves Santo de cada año. El Estado venezolano, particularmente el Gobierno Revolucionario, que ha contribuido asertiva y firmemente a la visibilización de nuestras diferentes expresiones culturales, se ha ocupado de proteger y acompañar esta actividad que, desde el año 2005, forma parte del inventario de tradiciones que en Venezuela es responsabilidad del Instituto de Patrimonio Cultural. Las informaciones precedentes han sido esgrimidas, junto a otro cúmulo de detalles, por los propios cofrades cultores de Corpus Christi mediante sus diabladas, ante la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco,

por sus siglas en inglés), órgano encargado de evaluarlos para tomar la determinación que hoy convierte en Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, a los Diablos Danzantes de Corpus Christi, esos que cada año festejamos en nuestras poblaciones venezolanas de Naiguatá (Vargas), Yare (Miranda), Patanemo y San Millán (Carabobo), Cata, Cuyagua, Chuao, Ocumare de La Costa y Turiamo (Aragua), San Rafael de Orituco (Guárico) y Tinaquillo (Cojedes). Estos Diablos, nuestros Diablos, por los que también nos sentimos orgullosos de ser venezolanos, de tener este inmenso Corazón de la Patria latiendo por lo nuestro, ahora es una sola danza de la humanidad en la que nos reconocemos, libres, soberanos, independientes.

voces del presidente ”Señor Presidente de México (expresidente Vicente Fox), si usted quiere que lo respeten, respete. ¿Escuchó? Luego no vayan a decir que soy yo el que atropello, que Chávez es el peleón del barrio”.

Emilio Rodríguez -Que sigamos rescatando la tradición venezolana, que nuestro folclor no se pierda.

”Dígame, los EE.UU. acusándonos a nosotros de armamentistas (...) como dice el dicho: Cachicamo llamando a morrocoy conchúo. Mister Bush, you are conchúo...”. ”Cuba es el mar de la felicidad. Hacia allá va Venezuela”.

Juan Correa -Que continue desarrollándose las manifestaciones en todo el país.

Manuel Fernández -Que sigamos trabajando en el fortalecimiento de la cultura y la educación.

”El que me acuse de dictador o es loco de atar, o es un ignorante absoluto, o es un mal intencionado”. ”Nosotros los revolucionarios estamos llenos de candela por dentro”. ”No hay tierra privada, yo así lo digo. Puede haber ocupantes y productores, produciendo la tierra, pero si no la producen bien, pierden el derecho a explotarla”.

”El Rey es tan Jefe de Estado como soy yo. Sólo que yo he sido electo tres veces con 63 por ciento. Somos iguales, Jefes de Estado igual. Somos tan Jefes de Estado el indio Evo Morales como el rey Juan Carlos de Borbón y yo”. ”Hoy me paso la espada de nuevo a la mano izquierda y aquí la tengo, lista para dar las batallas que haya que dar por la libertad, por la justicia del pueblo bolivariano de Venezuela”. “Ayer estuvo el diablo aquí, en este mismo lugar. ¡Huele a azufre todavía esta mesa donde me ha tocado hablar! Ayer, señoras, señores, desde esta misma tribuna el señor Presidente de los Estados Unidos, a quien yo llamo «el diablo», vino aquí hablando como dueño del mundo, como dueño del mundo. Un psiquiatra no estaría demás para analizar el discurso de ayer del Presidente de los Estados Unidos”.


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música

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La música, de inventario

De lo nuestro en 2012 (II)

Parranda de San Pedro Guatire Bodega Cultural en el estado Táchira

Marzo

El comienzo de marzo hizo dirigir la mirada cultural hacia el estado Guárico con la inauguración de la Casa de la Diversidad Cultural en la ciudad de Calabozo. Diablos Danzantes de San Rafael de Orituco, Parranda de Negros Kimbanganos, Tambores del Orituco y Parranda de la Montaña fueron algunas de las agrupaciones que prendieron la fiesta cultural en la que el ministro Pedro Calzadilla detalló que se trataba del centro número 13 que se inauguraba en el país y el primero de la región llanera y con el cual se benefician 30 organizaciones culturales de la zona.

Definitivamente 2012 fue un año de intensidad musical: intensidad en las propuestas, en el desarrollo de proyectos, en los aportes y en las partidas. Continuamos nuestro inventario para apuntalar memorias Días más tarde las bodegas culturales fueron las protagonistas. El 6 de marzo Calzadilla anunció la apertura de 200 bodegas culturales en el transcurso de 2012. Para la fecha habían sido abiertas unas 23 en diferentes estados, se trata de espacios donde se consiguen insumos para las artes, libros, películas, y discos, es decir, cultura para todos en un modelo de autogestión cultural. También en marzo, y a un año del lanzamiento del Sistema Nacional de las Culturas Populares (SNCP), por parte del presidente de la República, Hugo Chávez, 10 mil 465 cultores y artistas populares ya formaban parte de

este programa, cuyo propósito es impulsar la actividad cultural en todo el país, además de dar a conocer y apoyar la creación popular. Una excelente noticia dada a conocer en marzo fue la postulación de la Parranda de San Pedro, de Guarenas y Guatire, ante la Unesco como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. El expediente de la postulación, hecha por el Centro de la Diversidad Cultural, fue firmado por el vicepresidente en ese momento, Elías Jaua, y el Ministro de la Cultura.

Marzo cerró con otro anuncio: la primera Feria del Disco y la Música de Venezuela.

Abril

En abril la segunda edición de los Certámenes de la Gran Explosión Cultural Bicentenaria acaparó titulares. Agrupaciones musicales, Coros, Artesanía, Grabado, Fotografía, Muralismo, Danza, Narrativa y Poesía se transformaron en categorías participantes de alta exposición y premiación. De igual manera quedaban abiertos certámenes estadales en las categorías de Cantautores, Ensayos, Artes Gráficas, Escultura, Teatro y Periodismo. Se trató de una forma de abrir más espacios a la fuerza creadora de participación popular. A finales de abril se rindió un emotivo homenaje al maestro Cruz Felipe Iriarte por parte de 11 agrupaciones de la Fundación para las Orquestas Típicas de Venezuela. Fue en la Sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño.

Mayo

No pudo comenzar mejor el mes que con el anuncio de la reforma a la Ley


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música

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Culturas Populares como una línea de acción fundamental en el SNCP”. También en mayo se anunció la constitución de la Red de Patrimonio Inmaterial de Venezuela. El acto central se anunció para efectuarse en Caracas durante el mes de agosto. El proceso de conformación de esta red comenzó el año pasado en varios estados del país. Para mayo ya había 12 redes constituidas.

Se nos fueron Mural Cruz Felipe Iriarte, edo Vargas

del Seguro Social, ya que al incluir al trabajador por cuenta propia abría el espacio para miles de trabajadores y trabajadoras de la cultura. La mayoría de las y los artistas trabajan de forma independiente o por cuenta propia, no dependen de un patrón, y en la antigua Ley no tenían derecho a disfrutar del Sistema de Seguridad Social, que además de las pensiones de vejez abarca derechos de protección a personas desempleadas o con discapacidad, beneficios de recreación y atención a la salud, entre otros. Fue una excelente noticia, bien acogida por los creadores, las creadoras, los y las artistas. Avanzado el mes se conoció la vinculación del Ministerio de la Cultura con el de Asuntos Penitenciarios en el proyecto de talleres formativos y actividades culturales de los cultores y las cultoras venezolanos a los reclusos y las reclusas del país, como una forma de acompañar el trabajo que viene adelantando la cartera de Servicios Penitenciarios para mejorar las condiciones de este sector de la población. Ya el Ministerio de la Cultura

trabajaba este aspecto pero la unión efectiva permite ahora una planificación permanente. También a finales de mayo se conoció que con el objetivo de masificar los procesos de formación que desarrollan en el Sistema Nacional de las Culturas Populares (SNCP), se comenzó a estudiar la creación de la Escuela Nacional de las Culturas Populares. Fidel Barbarito, secretario ejecutivo del SNCP y presidente del Centro Nacional del Disco (Cendis) resaltó que desde el comienzo del SNCP la formación ha estado presente con mucha intensidad en escuelas bolivarianas, calles, plazas y casas de las cultoras y cultores de diferentes estados del país “con esa intensidad vamos a impulsar este nuevo programa de la Escuela Nacional de las

Comenzando marzo la gaita zuliana perdió a Eurípides Romero. El creador musical contaba con 89 años de edad. Eurípides Jesús Romero nació el 15 de febrero de 1923, en la calle Santa Teresita del sector Veritas de la capital zuliana. Trabajó como sastre y fue conductor de un carrito por puesto. A la par de estas actividades desarrolló su actividad musical. Los temas más celebrados de este creador son: Vieja y famosa, Tiempo gaitero, Devoción gaitera, La Vivarachera, La Cantarina, La Parrandera, La Sandunguera y Madre Adorada. Todas estas gaitas se convirtieron en leyendas por Ricardo Aguirre, quien grabó sus versos. También compuso Negrito Fullero, inmortalizada por Daniel Alvarado con Los Cardenales del Éxito en los años setenta. Abril nos dejó una importante pérdida, la del también compositor Luis Cruz, a los 82 años de edad. Había nacido en Caracas el 17 de julio de 1930. En 1952 inició sus estudios de teoría, solfeo y guitarra clásica. Por esa misma fecha compuso la famosa canción Ay, qué noche tan preciosa “por petición que me hiciera la novia de un amigo para su cumpleaños”, contó en una oportunidad. Llegó a componer

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centenares de canciones, como Ingenua (popularmente conocida como Dumbi, Dumbi), La Luna, y el Toro y Cartagenera. También fundó el grupo Los Naipes, en el que nacieron diversas estrellas de la canción venezolana, como Mirtha Pérez, entre otros. En mayo hubo dos sensibles fallecimientos: los del salsero Carlín Rodríguez y el cultor y compositor Cruz Felipe Iriarte. Carlín Rodríguez falleció el 6 de mayo en San Agustín, Caracas. Su nombre era Carlos pero el viejo Phidias Danilo Escalona lo llamó Carlín y así se quedó. Había nacido el 17 de noviembre de 1939, y formó parte del primer LP de Federico y su Combo Latino titulado Llegó la Salsa, en 1966. Formó parte de Los Calvos y Los Kenya de Ray Pérez; estuvo también con el Pavo Frank Hernández, y con la orquesta de Porfi Jiménez, entre otras. Su paso por el Trabuco Venezolano fue realmente memorable. Carlín era Patrimonio Viviente de Caracas. El 17 de mayo partía el querido viejo Cruz Felipe Iriarte en Macuto, estado Vargas. Iriarte, Patrimonio Cultural de Vargas, nacido en 1922, fue destacado compositor, cantante, y pedagogo, ícono artístico de la región costera por los aportes que realizó al merengue tradicional venezolano. Entre sus obras más representativas destacan: Juana y José, El frutero, La negra Dorotea, Esperanza, Creí, El Güaireño, Hortensia, Te amé, Imposible, Lágrimas tristes, El negrito Juan, Esto es La Guaira, entre muchas otras. Su legado artístico fue homenajeado en el pueblo varguense por medio del bautizo de calles, teatros, y centro culturales que llevan su nombre.

(Continuará)

Lil Rodríguez / Caracas

De izquierda a derecha: Eurípides Romero, Carlín Rodríguez, Luis Cruz y Cruz Felipe Iriarte


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teatro

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Hacer arte en Palestina puede costar la vida

La escena como acto de resistencia en el Teatro Juliano Mer -Khamis: “Somos combatientes de la libertad”

Los palestinos más conservadores consideran las actividades escénicas como nocivos para la juventud

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enín, es un campo de refugiados de unos 18 mil habitantes en Cisjordania, Palestina. La localidad fue noticia en abril del año 2002, cuando fue desbastada por el ataque inclemente de los tanques y la cohetería a que fue sometida, durante una encarnizada batalla que duró días, entre el ejército israelí y la resistencia palestina. En ese contexto de guerra, asedio y dolor fue fundado, en 2006, el Teatro de la Libertad, por Juliano Mer-Khamis, junto a Zakaria Zubeidi (exlíder militar de una brigada de combatientes árabes), Jonatan Stanczak (un activista sueco-israelí), y Dror Feiler (artista sueco-israelí). Mer-Khamis, tenía en su haber una brillante carrera como actor y director de cine, teatro y televisión. De su iniciativa, junto al cineasta Daniel Daniel, es el laureado documental Los niños de Arna, cuyo tema central es la labor de su madre Arna Mer, ganadora del Premio Nobel alternativo y activista judía por los derechos humanos y contra la ocupación sionista. Los 50.000 dólares del Premio Nobel ganados por Arna, sirvieron para inaugurar un cine, la sala de teatro y ampliar las actividades, hasta establecer -dentro de las limitaciones impuestas por la violencia en la zona- una escuela de formación escénica. El padre del versátil director fue Saliba Khamis, cristiano palestino y uno de los líderes del Partido Comunista Israelí. En la página web del Teatro de la Libertad podemos leer que el proyecto “tiene como principal objetivo

mostrar un modelo artísrespuesta al asesinato, los graduandos “Nos juntamos, por todos tico de excelencia en la de la escuela, en su mayoría jóvenes los medios, en la lucha por la actividad teatral dentro que abandonaron la militancia en la liberación del pueblo palestino, de los territorios ocuviolencia por la actoral, decidieron que es nuestra lucha. Cada pados palestinos y, utimontar Esperando a Godot de Samuel persona en relación con este lizando el proceso creaBeckett. El elenco sufrió detenciones proyecto, siente estar también tivo como modelo para y hostigamientos; incluso un ensayo ocupada por el movimiento el cambio social, ofrecer con público en un espacio abierto, fue oportunidades a los niños y jó- sionista, por el régimen militar de agredido con bombas lacrimógenas y Israel, y por su política, aunque venes del Campo de Refugiados de tiros por las fuerzas israelíes. El previvan en Yenín, en Haifa Yenín para que puedan desarrollar sente año, la pieza fue exhibida con o en Tel-Aviv. Nadie hace este las habilidades, autoconocimiento y gran éxito en Finlandia, Alemania y confianza que los lleven a ser motoEstados Unidos. proyecto para curarse. No res del cambio de la realidad actual Mer-Khamis, expresó, en entresomos unos curanderos. No vista realizada el año que inauguró y tomar el control de su futuro” . somos buenos cristianos. Somos el Teatro de la Libertad, “El arte, en Tal planteamiento resultó subvercombatientes de la libertad.” sivo para ambas partes en pugna, nuestro caso, puede combinarse, generar y movilizar otros aspectos de la lo que llevó a un constante asedio resistencia. Todo lo que me importa contra los que trabajan en el teatro. Por una parte, el Estado israelí comprendió el enor- es la resistencia. (...) No creo en el arte por amor al me potencial liberador que le imprimía Mer-Khamis; arte. Pienso que el arte puede producir, motivar, compor otro, un sector de los palestinos más conservado- binar y crear un discurso liberador universal. Es mi res consideraron las actividades escénicas como noci- preocupación en cuanto al arte. Por otro lado hay una vas para la juventud. Luego de numerosas amenazas y dosis terapéutica y la dosis terapéutica no es curarse. dos incendios provocados al recinto escénico, Juliano (...) no se trata de curar a nadie de su violencia. Es Mer-Khamis fue asesinado a tiros en abril del 2011, sin para crear una conciencia que puedan utilizar en su que aún se haya podido establecer la autoría del crimen. camino. No contra ellos mismos.”

De la Intifada violenta a la cultural

Pese a lo anterior, el Teatro de la Libertad ha continuado su labor. En julio del mismo año y como

Oscar Acosta / Caracas Fotos: María Taurizano


teatro

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En el Celarg hasta el 15 de diciembre

Francis Rueda es homenajeada por Creajoven El reconocimiento estuvo inscrito en el séptimo Encuentro de Jóvenes Creadores

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n sentido homenaje a la actriz Francis Rueda fue realizado en la inauguración del VII Encuentro de Jóvenes Creadores de las Artes Escénicas (Creajoven), dedicado en esta ocasión a la destacada actriz. En la concurrida cita, efectuada en el Celarg (Caracas) el pasado 28 de noviembre, se convocaron los jóvenes artistas que participan en la programación con 29 agrupaciones, mostrando una apretada agenda de presentaciones que culminará el 15 de este mes. El encuentro, tiene como objetivo promover y estimular la incorporación de la nueva generación teatral, la cual se enfrenta, no pocas veces, a la falta de espacios adecuados para presentar sus montajes. El certamen dramático fue organizado por la agrupación Séptimo Piso, dirigida por Dairo Piñeres, y continuará hasta el 15 de diciembre. Para este fin de semana, tendremos en la programación los siguientes montajes, a representarse todos en los espacios del Celarg: jueves 6, sala 2, Grupo Máwüari Teatro y Producciones, Elementos. Cuatro leyendas y dos juglares, autor y director: Kenny Vitriago; Sala Experimental, Grupo Teatral En Primera Fila, Dinosaurios de Santiago Serrano, director: Arquímedes González.; viernes 7, Sala

Grupo de Teatro CLACK, Kassandra. Desencuentro, sin razón, escrita y dirigida por María Fernández; Sala Experimental, Gallinero Producciones, ¡Ay amor, ya no me quieras tanto! de Lucero Millán, directora: Daniela Román; sábado 8, sala 1, Taller de Actuación Nivel Avanzado Grupo Teatral Séptimo Piso, Sombras de la muerte (basado en textos de W. Shakespeare), director: Dairo Piñeres; sala 2, Grupo de Teatro Amuleto, Faros de Color de Javier Daulte, director: Leonardo Mendoza; Sala Experimental, Martes 13 Grupo Teatral, Bang, Bang,, escrita y dirigida por Krisel Noguera; domingo 9, sala 1, Sombras de la muerte (segunda función); sala 2, Grupo de Teatro Escena 1, Fondue de Noreida Flores, director: Agustín Vallenilla; Sala Experimental, Decidida de Luis Carlos Boffill, director: Miguel Alejandro Rosales. El costo de la entrada por función es de 80 bolívares. OA / Caracas Foto:Cortesía 7º Piso

Francis Rueda

Crísis europea

Aumento de impuestos a los espectáculos golpea los escenarios La crisis económica que vive actualmente Europa ha comenzado a afectar notablemente a los teatros. Un buen ejemplo de ello, en España, es el recorte presupuestario que sufrirá el Teatro Real en el 2013, el cual puede ascender al 33 %, lo que incidirá notablemente en el tren de sus producciones habituales. Este espacio escénico, situado en Madrid y considerado uno de los más importantes de Europa, ha albergado regularmente producciones de ópera. Sus autoridades se han visto obligadas a alquilar sus instalaciones para la realización de actividades provenientes del sector privado, en el intento de obtener fondos para superar el bajón financiero.

Este año, las entradas para ir a los espectáculos culturales -en cualquier modalidad y escenario- tuvieron un alza de 13% debido a la carga impositiva implementada por el Gobierno, lo que significó una merma importante de la afluencia del público a las salas. España se convirtió en el país europeo con el mayor impuesto a los espectáculos culturales, superando el 7% de IVA en Alemania o el 5.5% de Francia. Las previsiones de la Unión de Asociaciones Empresariales de la Industria Cultural Española (Uaeice), constituida este año y que agrupa a más de 4 mil empresas (incluyendo las de teatro), advierten que, en el futuro, se pueden perder 43

millones de espectadores, 530 millones de euros en taquilla, y se cerrará el 20% de las empresas de música, cine y artes escénicas, quedándose sin empleo directo 4 mil 226 trabajadores. El teatro español, que ha logrado un importante grado de comercialización y autosostenimiento económico, gracias a la tradición centenaria y el arraigo histórico de las artes escénicas, se ve así enfrentado al duro reto de sortear las dificultades impuestas por una crísis que pareciera no tener fondo. OA / Caracas

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El Profundo de Salamandro Bruno Mateo

Recientemente el grupo Salamandro Teatro, del edo. Táchira, se presentó en el teatro Nacional con la obra Profundo (1971) de José Ignacio Cabrujas, como parte de las 24 coproducciones del Centro Nacional de Teatro. La pieza se basa en el culto que una familia pobre y rural ofrece al Padre Olegario, quien había vivido antes en ese mismo lugar, y sobre el cual la gente comentaba que había dejado un gran tesoro enterrado Al abrirse el telón, llamó poderosamente la atención lo vacío en el escenario. No hubo casi elementos escenográficos. “Necesitábamos hacer una puesta que nos permitiera movilizarla a cualquier lugar, aparte de que nos interesa trabajar más las interpretaciones y construcciones de los personajes y una escenografía aparatosa distraería”, acotó su director el maestro Freddy Pereira, teatrero de dilatada experiencia. Y en verdad, no hizo falta. Lo medular del montaje fue lograr una evolución gradual de los estados de ánimo de cada personaje, lo que repercutió en una progresión de la historia. La energía grupal logró establecer un cable directo con los espectadores, haciendo que estos se divirtieran por la convención tácita existente. La lectura que se hizo de Profundo fue respetuosa de la dramaturgia “cabrujiana”. Destacable la dicción excelente que actores y actrices mostraron en todo momento. Hablar de una interpretación específica sería injusto porque todos están bien en sus personajes. Salamandro Teatro nos trajo un “Profundo” regocijo con el arte teatral, porque supo tejer la magnifica pieza de Cabrujas con un toque de humor andino.


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plástica

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La Odalisca con pantalón rojo y su liberación (3)

Lágrimas por un ausente que no estuvo presente

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orrían los años noventa (no sabemos si hacia adelante o hacia atrás) y quien suscribe estas líneas impartía, o al menos eso creía, clases en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Católica Andrés Bello. Una respetable escuela, una respetable universidad. La cátedra era electiva y se titulaba, pomposamente diría uno ahora, Cultura y Comunicación. En el salón de clases alrededor de 40 jóvenes, con no más de 25 años a sus espaldas, la mayoría de ellos responsables de un apropiado promedio académico. Una noche, no recuerdo con exactitud el motivo, se menciona al escritor argentino Julio Cortázar. La reacción del auditorio es de impavidez. Los ojos, tan abiertos como los de los búhos, dejaban en evidencia hasta para los de vista más corta que sin querer se había halado del mantel y ya la vajilla lucía desparramada por el piso. Uno, ¿sorprendido o asustado?, apuesta a un extraño ataque de amnesia colectiva y recuerda: “Cortázar, Julio, Julio Cortázar, el autor de Rayuela, ¿ahora sí recordamos? A ver, levanten la mano aquellos que hayan leído algo, una novela, un cuento, algo, de este autor latinoamericano, por favor”. Apenas cuatro o cinco manos se alzaron y, si la memoria no falla, apenas dos o tres con la firmeza justa y precisa propia de quien sabe de qué se está hablando, o intentando hablar, en la oscura noche reveladora. A partir de ese momento los ojos de búho fueron de uno. De Julio Cortázar se pasó a preguntar, embargado por el estupor, si alguien conocía a éste u otro escritor, si alguien había leído a Salvador Garmendia o a Eugenio Montejo, o si habían asistido a la puesta en escena de El coronel no tiene quien le escriba,, o si habían escuchado un domingo a la Orquesta Sinfónica de Venezuela en el Aula Magna de la UCV, o si conocían

el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. “¡Yo sí! ¡Yo sí!”, exclamó una joven que prometimos no olvidar jamás. “Una vez, cuando tenía 12 años, mis padres me llevaron a conocerlo”, remató. “¡Yo conozco el MoMa, de Nueva York!”, exclamó uno. “¡Y yo fui tres veces al Museo del Prado, en Madrid!”, procuró reivindicarse otra voz. Pero lo cierto es que la gran mayoría de estos jóvenes, una mayoría aplastante, -y al igual que la mayoría de los jóvenes de la ciudad y el país-, nunca había entrado a un museo venezolano. Caraqueños la mayoría de ellos, buenos estudiantes la mayoría de ellos, de familias, como diría un abuelo, bien formadas, de contados o inexistentes apuros económicos, de reconocidos empeños y esfuerzos por superarse, con muchísimas virtudes a la luz pública. Pero transitaron de punta a punta la ciudad, de montaña tras montaña, de cola tras cola, y nunca se detuvieron en Parque Central para entrar al hoy Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, ni al Museo de Bellas Artes, ni a la Galería de Arte Nacional. Etcétera. Y lo que es posible conjeturar, sus padres tampoco. Es obvio, entonces, que si no entraron nunca al MACC tampoco se dieron ellos y su familia la oportunidad de apreciar su importante y valiosa colección de obras, concebida por la señora Sofía Imber. En ese orden de ideas, lo más probable es que nunca hayan estado frente a la Odalisca con pantalón rojo, de Henri Matisse, ni un instante. A esa generación, y muy probablemente a las anteriores, los que gestionaron la política cultural en este país le robaron más que una obra de arte. Y eso sí que es irrecuperable. Rubén Wisotzki / Caracas Ilustración : Wildermar Liendo


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cine medios

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Entre Buenos Aires y Caracas

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ace poco más de 60 años una epopeya deportiva unió a Buenos Aires con Caracas. Hoy, en pleno 2012, otra epopeya, en este caso cinematográfica, vuelve a unir las dos ciudades. La primera gesta fue de corredores que, montados en esas latas andantes de los años 40, recorrieron tres mil kilómetros en 25 días. La segunda es la cinematográfica, realizada bajo la mirada del argentino Andrés Cedrón, quien nos presentó en Venezuela el documental La Caracas, un trabajo que nos lleva a esos días de motores y polvo, montaña y accidentes, palabras y ���camino al andar”, entre Argentina, pasando por los Andes, Bolivia, Perú, Colombia y llegar a lo que ahora es Tazón, en Caracas, para terminar en un recibimiento que hoy, en medio de la presentación en la sala de cine, muchos espectadores canosos la recordaban con ese entusiasmo de las cosas que les causaron impresión de niños.

-¿Qué le llamó la atención del Gran Premio de la América del Sur?

-Soy un aficionado a los deportes y siempre estuve vinculado a ellos. Esta historia, que me la transmitió mi padre, me apasionó más como hecho cultural que como competencia automovilística. Aunque el documental, obviamente, tiene como hilo conductor el desarrollo de la carrera, llena de hazañas de parte de personajes como los Gálvez, Fangio, Marimón y Marcilla, mi intención fue narrar algo más. Narrar los hechos culturales en sí mismos. Por eso reivindico la pasión en esta película frente a un tiempo actual donde el deporte está más ligado a lo comercial y no tanto a lo social o a lo cultural.

Una epopeya que anda en

cuatro ruedas El cineasta Andrés Cedrón demuestra su vocación integracionista asumiendo un viejo tema deportivo que él reivindica desde lo cultural

-¿Es el cine una herramienta para la integración?

-El cine junto al deporte son las dos herramientas culturales que tienen nuestros pueblos para conformar una integración más amplia que la política y la económica.

Por gobiernos populares -¿Desde qué momento decide hacer este documental?

-En el año 2007, cuando se confirmaban en el poder los gobiernos nacionales y populares de la mayoría de los países de Sudamérica. Hoy por la afinidad que hay entre ellos, se podría llegar a realizar una competencia como La Caracas.

-¿Los personajes de la película se emocionan mucho cuando cuentan la historia, qué sintió el hacerlos recordar esos momentos?

El director Argentino hizo la presentación en la Cinemateca Nacional del Celarg

-¿En principio es una película sobre una carrera de autos que se vuelve una reflexión sobre la integración latinoamericana?

-La importancia es por la solidaridad y la fraternidad presentes tanto entre los pilotos, como entre los pueblos y los gobiernos que participaron. Desde el principio supe que la unión latinoamericana era uno de los temas que quería tratar. Hay un claro paralelo entre la organización del Gran Premio de la América del Sur y la actual existencia de gobiernos sudamericanos que, con ese mismo espíritu, posibilitaron, por ejemplo, la creación de la Unasur.

-¿Usted que ha vivido en Venezuela, cómo siente el momento actual? -Viví durante el año 2009. Había llegado muy ilusionado por la Revolución Bolivariana. Desafortunadamente en aquel tiempo había un clima político difícil en el país. Pero en esta visita vi una Venezuela mucha más viva. Con proyectos que siguen siendo luz para todo el continente como es la Misión Vivienda. Creo que junto a Cuba sigue siendo la referencia para aquellos que pensamos que el socialismo es la única salida para la liberación definitiva de nuestro pueblos.

-Creo que ellos se abrieron de una manera especial al ver que un joven se interesaba por lo que sucedió hace 60 años atrás.

-¿Qué le diría al público venezolano de su película?

-Que vean la película hecha por un hermano argentino, que pretendió contar la historia del continente en 1948 de una manera distinta. Espero sirva para aportar al imaginario colectivo una huella más sobre la liberación y la integración de nuestro pueblos, por la que lucharon nuestros héroes San Martín y Bolívar.

Ismael Llinás / Caracas Foto: Daniella Santander


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diál

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Su discografía estará

“La música es espiritual

“Chico Mono” grabó sin costo alguno su primera

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sus 74 años de edad, el cumanés Francisco Ramón Cortesía, conocido tiernamente como “Chico Mono”, continúa tocando con gran agilidad y sentimiento su bandolín. Y es que junto a su conjunto musical Los Monitos, integrado por Jesús Manuel Gutiérrez en las maracas, César Martínez en el bajo y Luis Acuña en la guitarra, sigue cosechando logros, pues estuvo de paso por la capital, grabando su primera producción musical en el Centro Nacional del Disco (Cendis), por lo que Todosadentro, aprovechó la oportunidad para conversar con este distinguido maestro, quien también es Patrimonio Cultural Viviente del estado Sucre desde el año 1995 y Maestro Honorario de la Uneartes. Cabe destacar, que además de músico y bandolinista, “Chico Mono”, es compositor. Sus primeros pasos los dio a temprana edad al lado de su padre Juan Francisco Suárez. Sin duda alguna, nuestro folclor oriental encuentra genuina expresión en las cuerdas sonoras de este conjunto musical.

“Tengo la responsabilidad y el compromiso de seguir difundiendo nuestra música oriental”

-¿Por qué le dicen a usted “Chico Mono”?

-Bueno mira, yo me llamo Francisco Ramón, y había un muchacho que al pronunciar mi nombre no decía Francisco, sino “chico”, ni Ramón sino “mon”, entonces al escucharlo repetidamente llamarme se entendía “Chico Mono”, entonces me quede así de muchacho hasta la fecha. No porque sea un mono… (risas). De ahí viene ese sobrenombre.

-¿A qué edad usted se inició en la música?

-Empecé a los 12 años, tocando cuatro y guitarra, nunca estuve en una escuela de música, aprendí por mi cuenta.

-¿Qué se siente ser Patrimonio Cultural Viviente?

-Es para mí un orgullo, mi familia se puso contenta y yo también lo estoy. Tengo la responsabilidad y el compromiso de seguir fortaleciendo nuestra música oriental, que cada rincón de nuestro país tenga conocimiento de la misma, que la pueda apreciar y valorar tanto como yo.

-¿Qué representa para usted la música?

-La música es espiritual y la llevo en lo más profundo de mí ser.

-¿Qué se necesita para tocar la bandolina o mandolina?

-Constancia y perseverancia. Además voluntad y buen oído musical.

-Sabemos que el Cendis lo está apoyando en la realización de su primera producción musical ¿Cómo se siente?

-Me siento feliz porque ellos han decidido hacerme con este disco un homenaje, a mí y a mis compañeros. Estoy agradecido porque nos han atendido muy bien. Grabar un disco ahorita es difícil, vale mucha plata y el Cendis nos está apoyando en eso de manera gratuita. Entre los temas que estarán presentes en este trabajo discográfíco se encuentran: Azucena, El Camuare, El Limón Cajero, Playa y Arena y Mi Cosecha.

Instrumento nuevo -¿Qué le parece el hecho de que ustedes, los artistas populares, estén siendo visibilizados?

-Para nosotros esto es un renacimiento, fuimos olvidados por gobiernos anteriores. Ahora somos tomados en cuenta, a mí el ministro de Cultura, Pedro Calzadilla me regaló en Carupano una bandolina.

-A qué lugares ha llevado su música?

-Por toda Venezuela. No he ido al exterior porque le temo a los aviones. Pero te puedo decir, que he estado en Maracaibo, Valencia, Margarita, Caracas, en fin he recorrido nuestro país.

-¿Aún se siente enérgico para seguir en la música? -Como un yesquero pero sin bencina… (risas)

-¿Cuáles son sus expectativas con respecto al disco?

-Que pueda llegar a diferentes partes y pueda estar en manos del pueblo.

-¿Piensa usted que nunca ha sido tarde para grabar su primera producción? -Y las que faltan.

Michell Valdez / Caracas Fotos: Ubaldo Zabala

Chico Mono Francisco Ramón Cortesía


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disponible en el 2013

y la llevo en mi ser”

producción musical en el Centro Nacional del Disco Bandolín o Mandolina

Es un instrumento de cuerda derivado de la mandola. Tiene un cuerpo profundo, con forma de pera y cuatro pares de cuerdas de acero afinadas como el violín (sol 3, re 4, la 4, mi 5). Se toca con un plectro o púa, lo que crea la ilusión de sonidos continuos por el rápido trémolo entre cada par. Las cuerdas, enganchadas a una chapa metálica en la base del cuerpo, pasan por encima del puente, a lo largo del diapasón con trastes, hasta el clavijero. La tapa forma un ángulo hacia abajo desde el puente hasta la base, con lo que se aumenta la tensión de las cuerdas para conseguir un timbre más brillante. La boca, ovalada, está rodeada por un aro protector. Este conjunto de características conforman el instrumental básico para la interpretación de especies musicales de la región oriental como galerones, joropos, jotas, malagueñas y polos. Fuente: www.edosucre.gov.ve

Clase Magistral

El pasado viernes 30 de noviembre, se llevó a cabo en el salón de los espejos de la Sala José Félix Ribas del Teatro Teresa Carreño, un encuentro de música oriental gratuito con el maestro Francisco “Chico Mono”, impulsado por el Sistema Nacional de las Culturas Populares (SNCP). Al encuentro asistieron estudiantes de música de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), quienes pudieron apreciar la forma melódica y armónica de cómo se ejecuta el joropo con estribillo. Un joropo sobre todo instrumental que se compone de dos secciones: la primera sección o “golpe” es tradicionalmente una melodía fija en ritmo 3/4 que es repetida dos o más veces; la segunda sección o “estribillo” es una melodía improvisada sobre un ciclo armónico fijo que está a ritmo 6/8. Es importante destacar que en el joropo oriental, el cuatro y las maracas son ejecutados de una manera mucho más libre y compleja que en el resto de los joropos venezolanos.

Maestro Honorario

Cendis rinde homenaje a “Chico Mono”

Alí Alejandro Primera, coordinador de producción artística del Cendis, señaló que “este año decidimos trabajar con homenajes y la visibilización de aquellos referentes que por su condición de artistas populares le han aportado a nuestra identidad como venezolanos. Caso emblemático el maestro “Chico Mono”. Creo que no hay artista popular en oriente que no haya tocado o grabado temas de él. “Chico Mono” es un ejecutor del joropo cumanés, del joropo estribillo y lo hace de una forma cadenciosa. Acabamos de tener una hermosa grabación con él. La calidad musical que tiene “Chico Mono” en la forma de ejecutar la mandolina es una cosa que vale la pena que quede perpetuado para las generaciones futuras. Inicialmente se grabaron 14 temas de la producción del disco, pero “Chico Mono” tiene alrededor de 88 producciones musicales eso nos propone que hagamos otros volúmenes”.

El pasado mes de octubre, 42 exponentes de la cultura regional, todos y todas con una amplia trayectoria artística y la mayoría reconocidos como Patrimonio Cultural Viviente del estado Sucre, entre ellos Francisco “Chico Mono” fueron acreditados como Maestros Honorarios por la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), por su ardua y prolongada labor a favor de la cultura nacional. Esta distinción es otorgada a aquellas personas que desde sus conocimientos empíricos luchan por la permanencia de las tradiciones y manifestaciones venezolanas.


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literatura

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El Tinglado Humano De Antonio Crespo Meléndez

Luis Alberto Crespo / Caracas

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ue -como tantos escritores y humanistas de nuestra historia-un autodidacta. A lo sumo cumplió lecciones de primaria en Carora, la ciudad donde naciera en una casa anónima e inencontrable de la calle Bolívar. La lectura retuvo su atención desde temprano. Alguna vez hojeó una frondosa edición de Don Quijote de la Mancha, que su padre, Pedro Crespo Meléndez, atesorara, casi con fervor religioso. Su pasión por el periodismo fue también sentimiento premonitorio: niño aún, editó un periódico en el polvo del patio de la casa. Su dedo índice le sirvió de redactor. Pero las líneas que trazan su existencia se leen con mayor nitidez en El Tocuyo, adonde hubo de emprender con los suyos el destierro a que lo conminara el desafuero de las aguas del Morere cuando asolara el hogar y las mercancías de los padres agravando aún más su pobrecía. El Tocuyo de los escritores, las tertulias, los periódicos y las revistas literarias de “la ciudad de los lagos verdes” fungirá largamente de biógrafo de Antonio Crespo Meléndez. Cada calle, cada plaza, las bibliotecas, el ajetreo cultural y la amistad con los poetas Roberto Montesinos y Alcides Losada narrarán la minucia de su formación intelectual que ni la tiniebla del gomecismo consiguiera enceguecer. Las páginas de La Quincena Literaria que dirigía Roberto Montesinos, divulgaron sus primeras escrituras. En la biblioteca-bar de Pío Tamayo participó en la prosodia contestataria de los refractarios de la dictadura del Minotauro de la Mulera. Su regreso a Carora después de 1935 significó su definitiva realización como periodista y cronista literario y social en El Diario, el periódico de su cuñado Antonio Herrera Oropeza. Su vida se halla en las páginas de ese cotidiano fundado por don José Herrera Oropeza, el padre de su amada Margot. Mañana tras mañana y más allá del tiempo, suscribía rúbricas culturales, informaciones didácticas sobre escritores y creadores de este y de cualquier mundo y sobremanera de aquellos a los que animaba el desvelo por la justicia y la redención de la dignidad tantas

veces burlada. Con igual prontitud describía en Del tinglado humano (ediciones de la Casa Nacional de las Letras Andrés Bello, 2012) la vida de los excluidos de la sociedad de su pueblo, el vía crucis de los humillados y ofendidos de la desigualdad social. Practicó la pobreza franciscana, se negó a rendirse al boato y a la loa. Su amistad con Cecilio Zubillaga Perera acrecentó su sensibilidad popular y el latido de su corazón de justiciero de las causas perdidas. En Cecilio “Chío” Zubillaga Perera amó al acusador de la terrofagia y el capitalismo brutal. Fue, hasta el fin, un socialista cristiano, exactamente crístico. Despreció la nombradía. Prefería guardarse bajo la lámpara de su habitación, teniendo por sola compañía el silencio de sus libros, la música callada de la soledad y su lápiz de escritor y dibujante. Concedió, cuando ya era demasiado tarde para negarse, la publicación de algunas de sus crónicas literarias en la colección El Libro Menor de la Academia Nacional de la Historia y no pudo evitar que le concedieran el Premio Nacional de Periodismo. Hasta su tumba, diría Onetti, es un lugar sin nombre, pero no así el espacio que ocupa en la añoranza de los suyos, sus lectores de barrio y de la ternura humana.


artesanía

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En San Francisco de Yare, Miranda

Máscaras festivas

con antecedentes en nuestras raíces

Juan Vicente Morgado Delgado es Patrimonio Cultural Viviente de profundas convicciones religiosas que dedica cada una de las máscaras al Santísimo Sacramento

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n el umbral de la declaratoria de Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) para las 11 cofradías de los Diablos Danzantes de Corpus Christi de Venezuela, pareciera que este clima de expectativas no “hace mella” en Juan Vicente Morgado Delgado, creador de muchas máscaras desde 1965, cuando apenas contaba con 10 años, motivado por el arraigo artístico de su familia. Confeccionó 10 máscaras innovadoras y suntuosas, donde predominan los fondos azules, rojos y amarillos que avivan el fervor patrio para la ocasión del viaje del equipo dancístico que nos representará en Francia; además de elaborar dos trajes con toda la indumentaria de medallas, collares con imágenes del Santísimo Sacramento, cruces de palma “bendita” según comentó cauteloso a Todosadentro. Cada máscara representa una promesa al Santísimo Sacramento como parte de la indumentaria que se hace acompañar por accesorios, tales como maracas y la “caja” que es el tambor cuyo sonido monorrítmico marca los compases de la coreografía en la variación de

pasos arrodillados y “en cruz” de esta zona tuyera. Juan Morgado dijo que poder confeccionar la indumentaria de Diablos “es un don divino que me dio Dios”. Explica que el traje posee elementos fundamentales como el pantalón, la camisa y la capa con colores vivos y, en el caso de Yare -hace algunos años- predomina el rojo; llevan rosarios, manto hasta las rodillas con cruces bordadas y en tela, algunas de palma bendita prendidas al traje, campanillas o cascabeles, sonido que protege y aleja al demonio, junto a la maraca en la mano derecha del “promesero danzante”, cuyo uso se remonta a los rituales de comunidades indígenas para alejar los malos espíritus.

Pero es la máscara el sello distintivo de esta tradición yarense que denota la jerarquía que mantienen en las cofradías los nombres de presidente, secretario, tesorero y cuatro vocales; para la danza se establece las estratificación de capataz primero, segundo y tercero con tres o cuatro arreadores que con látigo y “mandador” en mano -especie de vara con cintas- ponen orden en la “diablada”. Hay mujer capataz, pero ellas no se cubren el rostro. Este creador incorpora elementos novedosos sin apartarse de la tradición “dependiendo de lo que quiero expresar modelo rostros de cochino, perro y otros animales de los cuales destaco

sus dientes”. El tamaño de la máscara y cuatro cuernos marca la jerarquía máxima en sus creaciones que le han valido premios internacionales, al representarnos en ferias internacionales en Europa y hasta apartados lugares de Asia. “Mi máscara más preciada y que aún conservo, es una sencilla de papel blanco que representa una promesa que le hice al Santísimo Sacramento”, está colgada en su taller ubicado en la calle Ribas, marcada con el número 50 de San Francisco de Yare, Miranda. Este “hacedor de máscaras” nacido y criado en esta región proviene de una familia de músicos y artistas dedicados a la tradición de esta tierra mirandina, su primo Manuel “Manny” Delgado, destacado compositor y músico de canciones que son parte de nuestro repertorio navideño: Viejo año, Amigo, Son mis deseos, Venga un abrazo, Navidad sin ti. Juan Morgado, hombre de profundas convicciones religiosas dijo a Todosadentro que su vida está consagrada a “hacer las máscaras y por ello, le pido al Santísimo Sacramento que me dé salud y yo me encargo de todo lo demás”. Cristina Salazar / Caracas


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danza

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En distintas zonas del país

Noviembre se despidió con festivales

Grupo Danzora, organizador del Festival María Lionza Dorada

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rovenientes de diferentes centros educativos y consejos comunales del municipio Peña del estado Yaracuy, así como de todas las regiones del país, niños y niñas con edades comprendidas entre 6 y 12 años se reunieron en Yaritagua desde el  29 de noviembre, durante tres días, para mostrar, a través de la danza tradicional popular y nacionalista, el folklore de nuestro país.

XIII Festival Nacional Infantil de Danza Tradicional Popular y Nacionalista  María Lionza Dorada

Este Festival creó en 1999 con la finalidad de intercambiar experiencias dancísticas y dar a conocer las manifestaciones tradicionales populares, leyendas e historias de nuestras regiones. La organización está a cargo de la A.C. Grupo Folklórico Danzora y su director general Edanil Ramón Rojas. Este Festival integra diferentes agrupaciones dancísticas infantiles del territorio nacional con los centros educativos y consejos comunales locales para “crear conciencia al nuevo ciudadano de la importancia de las costumbres y tradiciones de nuestros pueblos”. Incluye en su programación actuaciones distribuidas en toda la zona, talleres de formación, muestras didácticas,

espectáculos dancísticos, charlas y conversatorios dirigidos a la población infantil y la comunidad en general. Por cada región se elige una agrupación que deja plasmada el quehacer cultural de donde proviene y en esta oportunidad se invitaron los estados Lara, Aragua, Vargas, Bolívar, Mérida, Zulia, Monagas y Barinas.

IV Edición del Festival de Danza Girardot 2012

Organizado por la Fundación Cultural y Educativa Ballet Contemporáneo SerDanza de Maracay y su director, Alejandro Peña, el Festival de Danza Girardot 2012 se realizó el 25 de noviembre. Fundado con el objetivo de crear un espacio para el “acercamiento entre las diferentes agrupaciones dancísticas del estado Aragua y zonas circunvecinas” y establecer un intercambio entre diferentes géneros y modalidades de la danza venezolana el Festival Girardot existe desde el 2009. En esta ocasión los grupos participantes mostraron su trabajo en tres géneros: Danza Nacionalista, en sus vertientes enunciativa, expositiva y narrativa; Danza Contemporánea y Danza Libre. Esta última incluye una variedad de modalidades como Danza Jazz, Hip Hop, Danza Árabe,

Flamenco, Funky, Ballet Neoclásico, Break Dance,  entre otras. Las obras a presentarse se sustentaron en un trabajo previo de investigación y los renglones a evaluar fueron: Presencia Escénica, Propuesta Coreográfica, Técnica, Vestuario, Musicalización y Organización. Del estado anfitrión asistieron: Danzas Yekuana, Taller de Danzas Jesús Cautivo, Kanyas Crew Dance, Emiballet, Danzas Nueva Generación, Organización Belleza Natural, Danzas Creación Venezolana y Danzas Lucero del Atardecer; y del resto del país: Danzas Carabobo, Danzas Alianza (Carabo- b o ) , Danzas Arte Movimiento y Escena (Lara), Centro Endógeno Taratara (Falcón), Fundación Integral Cultural Kukenan (Bolívar) y Héctor Rivero (Distrito Capital). El Festival se realizó en las instalaciones del Teatro Ateneo de Maracay, joya arquitectónica y Patrimonio Cultural de la nación,

el homenajeado del evento fue Carlos Soto, coreógrafo e intérprete discípulo del maestro Jorge Esteva y actual director del Centro Endógeno Taratara de Falcón. Nestor Rodríguez / Caracas Fotos: Tito Mendoza


danza

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El cuatro de diciembre

Termostato Danza Teatro en la Galería de Arte Nacional

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Danzan esta semana en el resto del país En Falcón el 9 de diciembre a las 8:00 p.m. en el Ateneo de Punto Fijo Rubén Ismael Padilla, Yuxtadanza, ConciertaDanza Proyecto Coreográfico y Corpustempo por la Temporada 2012 de la agrupación Yuxtadanza y la Escuela Danza Ateneo de Punto Fijo. En Lara la academia El  Arte del Ballet Clásico dirigida por  María Teresa Alford, el 9 de diciembre en el Auditorio Ambrosio Oropeza de Barquisimeto presentando El Cascanueces, a las 11.00 a.m. y 5.00 p.m. En Anzoátegui, en el marco de la Gran Feria Gastronómica y Artesanal Navidad 2012, a realizarse el 8 de diciembre en la plaza Rolando de Barcelona a partir de las 2:00 p.m. la Escuela de Danza y Ballet Anzoátegui.

La agrupación estuvo el pasado 2 de noviembre en la Ruta Nocturna en los museos

Uno de los planteamientos más notables del Ministerio del Poder Popular para la Cultura es abrir los espacios de nuestros “templos” del arte académico a manifestaciones hasta hace poco consideradas tradicionales, nacionalistas, alternativas y/o periféricas. Dentro de este concepto es destacable la actual gestión del Museo de Bellas Artes. Ícono del arte venezolano, creado por Carlos Raúl Villanueva, al lado de la exposición Cubismo y Tendencias Afines, con obras de artistas que son referentes internacionales, se muestra el Primer Salón del Paisaje, cuya convocatoria se realizó por libre concurrencia, para revalorizar y dar presencia a múltiples visiones de nuestro territorio. Pero no sólo dentro de

las salas del Museo, sino también fuera de ellas los espacios son habitados por eventos que buscan la inclusión de múltiples discursos artísticos, además del académico. Es así como en el marco de los llamados “Viernes Nocturnos”, que permite a los ciudadanos recorrer los museos de Caracas y disfrutarlos ese día de la semana hasta las 9:00 de la noche, se presentó el pasado 2 de noviembre la agrupación Termostato Danza Teatro, con el propósito de hacer una muestra de música y danza tradicional venezolana. La A.C Escuela Integral Termostato Danza Teatro fue fundada por un grupo de jóvenes bailarines y actores provenientes de distintas regiones de la geografía nacional y tiene como principal

objetivo enaltecer la cultura patria. En esta ocasión, sus principales integrantes, David Fernandes Rocha, Auralig Moreno, Yazmín Chacare, Ana Ramírez y Junior Castillo, junto al cantante guayanés Henry Vallejo, recrearon algunas de las manifestaciones culturales representativas de Guayana, Nueva Esparta y Distrito Capital para el deleite del público presente. El próximo encuentro con esta agrupación, ganadora de varios premios y reconocimientos nacionales, será en la Galería de Arte Nacional el 14 de diciembre. NR / Caracas Foto Cortesía Watson Martínez

Armónica gala en Santa Ana de Coro Este pasado domingo 2 de diciembre se presentó la Escuela de Ballet y el Ballet Juvenil Armonía en una gala en la ciudad capital del estado Falcón a beneficio del Encuentro Nacional de Ballet y Danza Andrés Oropeza Aragua 2013. Dividida en dos partes, en la primera mitad se interpretaron fragmentos de ballets clásicos y en la segunda se mostró el resultado de un taller de expresión donde cada uno de los integrantes del Ballet Juvenil realizó un ensayo coreográfico a partir de su interpretación personal de elementos del mundo afectivo y psicológico. El montaje y la dirección del espectáculo estuvieron a cargo de la licenciada en danza clásica Yndira Pacheco quien también supervisó los ensayos con el apoyo de los instructores Rosalvi Acosta y Harry Morillo.

La Escuela de Ballet Armonía, adscrita a la dirección de cultura de la Universidad Francisco de Miranda, fue fundada en el 2001 gracias a la iniciativa de la hoy gobernadora del estado Falcón, Stella Lugo de Montilla. El Ballet Juvenil se funda en el año 2009 y sus integrantes son Isvet Chirino, Ritmilia Dovales, Luisanna Antequera, Yurubi Eizaga, Isabella Fredianny, Naibel Bonia, Alex Medina y Harry Morillo. La función se realizó en el Teatro Armonía de Coro, sede de la Escuela y el Ballet Juvenil que hicieron posible esta gala. NR / Caracas Foto Cortesía Ballet Juvenil Armonía

Indira Pacheco realizó el montaje y dirección de la obra


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espacio urbano

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Sebastián Francisco de Miranda visita el Panteón de Roma, hace casi 227 años

Farruco Sesto / Caracas

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propósito del proyecto del Mausoleo para El Libertador, he dicho que una de sus referencias más importantes es la del Panteón de Agripa, en realidad mandado a construir por Adriano. Es un edificio admirable y único. El más representativo que conozco de los valores universales de la arquitectura. Por su sencillez absoluta. Por su desnudez formal. Por su trabajo con la luz natural que al penetrar por la parte superior crea una atmósfera indescriptible. Por su total entrega al gran tema de la arquitectura: el espacio. Y también por la audacia constructiva de que dio muestras en su época, hace unos dos mil años. Quien vaya a Roma debe visitar el Panteón para deslumbrarse y rendir homenaje a la arquitectura de todos los tiempos. Así lo hizo nuestro Sebastián Francisco de Miranda, en su momento, cuando pasó por Roma. En sus diarios, dejó escrita la siguiente crónica: 1786. 27 de Enero “(Después fui).. A la Rotonda ó sea el antiguo Pantheón, el más hermoso resto

de la magnificencia de la antigua Roma y el solo templo de romanos que se haya enteramente conservado; fue fabricado en tiempo de la República, y dedicado a todos los Dioses…El Pórtico anuncia el grandor y majestad del edificio (superior seguramente al de San Pedro) y es lástima que no le podamos ver de un punto más bajo, pues las ruinas han elevado tanto el piso, que toda la gradería está enterrada. Éste fue elevado por Agripa, yerno de Augusto como lo indica la inscripción latina que se lee sobre el arquitrabe; soportado por unas columnas de extraordinaria magnitud de granito oriental, enteras. Y la cúpula que comparece por encima, agrada infinitamente… mas los dos campaniles que le encajó el Bernino, no vienen al caso absolutamente. El interior iluminado todo perfectamente por aquella claraboya de 38 palmos de diámetro, en la cúpula sorprende verdaderamente; mas nos agrada tanto…sea que el segundo orden de columnas no se acuerda con el primero; sea la cantidad de modernos altares que hay alrededor; o sea finalmente el haberle despojado de

la guarnición de bronce incrustado que cubrían los casones de la Cúpula, en cuyo lugar se ha sustituido una lechada blanca, que seguramente disminuye la majestad del edificio y el acorde de los colores que entre sus diversas partes debía haber. Lo cierto es que uno conoce que falta cierta cosa, y se sale disgustado… ¿Por qué no dejar cada cosa en su lugar? ¿A qué altares de santos en un Templo de Gentiles? ¿A qué deshacer sus bellos ornamentos de bronce para fundir cañones inútiles, como si faltase hierro y cobre en el mundo? ¿Y para qué enterrar 28 carretadas de Reliquias bajo el altar mayor? Alrededor hay varios pequeños monumentos de hombres célebres en las bellas artes, entre otros de Annibal Carraci, di Tadeo Zuccherii; de N. Mengs (hecho hacer por Azara) y del célebre Rafaello, el mayor de todos los Pintores cuyas obras conocemos, muerto a la edad de 37 años solamente. Que infausta pérdida. Se monta sobre la cúpula por una escala triangular muy ingeniosa de 190 escalones; y se goza desde allí de la vista de casi toda la Ciudad…”


espacio urbano

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Se entregan viviendas en Caracas

Escuela para construir

La semana pasada la Oficina Presidencial de Planes y Proyectos Especiales (Oppe) entregó 192 nuevas viviendas en la parroquia Santa Rosalía de Caracas, en el marco de la Gran Misión Vivienda Venezuela (GMVV). Una capital más humana abre sus brazos al pueblo en Revolución.

Pensaba en estos días desde uno de los miles de apartamentos a punto de entregar de la Gran Misión Vivienda Venezuela, en cómo acertamos y cómo erramos al mismo tiempo en este histórico impulso a la construcción de vivienda que estamos protagonizando hoy cada uno de los venezolanos, desde distintas perspectivas, y quizás lo más interesante que encontré sea el entender que todo este gigantesco esfuerzo humano que significa izar desde la nada un enorme edificio de viviendas, con tanta complejidad implícita, está siendo la escuela de hecho para todos los que participan: desde los planificadores de la vivienda sobre la ciudad, hasta el obrero más humilde que pule los pisos de un apartamento en vísperas de su conclusión. Por esto, perfeccionarnos con miras al largo plazo debe convertirse en un objetivo estratégico de la dirigencia, e incluso, en un objetivo político. Creo que esta enorme energía y despliegues en la que se ha convertido la GMVV, debe convertirse en una oportunidad también para la revisión de las formas de contratación, de los métodos de cálculo de costos, de la relación de los inspectores con las obras, incluso de los mismos proyectistas con la dinámica diaria del construir, que transciende largamente las oficinas de diseño. Pero quizás la mayor oportunidad que se presenta ahora sea la de darle un salto de calidad a nuestra mano de obra, que hoy día viene a las construcciones con unos conocimientos básicos y siempre empíricos sobre el uso del concreto, del acero o de

Los rostros sonrientes de quienes recibieron sus nuevos hogares demuestran que viven felices en Revolución.

El ministro de Estado para la Transformación Revolucionaria de la Gran Caracas, Farruco Sesto, hizo entrega de estas nuevas viviendas.

Los refugiados que se quedaron sin hogar a finales del 2010, por causa de las fuertes lluvias, son dignificados.

El edificio OPPPE-08 demuestra que la estética revolucionaria hace de Caracas una ciudad más amable.

El edificio OPPPE-10 tiene 96 apartamentos y embellece el panorama caraqueño.

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la madera, pero sin muchos o ninguno sobre técnicas y métodos avanzados para sus aplicaciones. Porque al final, más que en un buen proyectista o en un buen inspector, o incluso en un buen maestro de obras, es en las manos del obrero que construye donde se halla el éxito de las calidades de lo que dejamos construido: el entrenamiento y las calificaciones que tenga cada uno, terminan siendo un capital para él, pero aún más para la nación. Y la verdad es, que en este sentido, toda esta maravillosa vorágine constructiva ha tomado por sorpresa nuestras capacidades “instaladas”. Por esto, pienso que debemos convertir esta revolución constructiva, en una oportunidad para la revolución de las capacidades y la formación de nuestra mano de obra. Que los obreros aprendan a hacer lo que hacen, pero mejor, con más rigor y disciplina técnica, con métodos y con conocimientos sobre los limites de cada material; formar una gran base obrera calificada en estos tiempos, le dará al país un vuelco en la calidad de lo que construya en las próximas décadas. Y para ello, debemos mirar en dirección a las escuelas de formación obrera, que parecieran no estar cónsonas con el desafío. Gilberto Rodriguez / Caracas Foto: MINCI

Más que Dignas Ana Milenka @na_milenka

Acceso a los servicios de agua y electricidad, no vivir hacinadamente y un mínimo de mobiliario y electrodomésticos básicos ya bastan para considerar que se vive dignamente. Tener gas directo, calentador de agua y que los techos no sean de zinc, son características que hacen el vivir más confortable. Pero nuestras viviendas van a más: son dignas, son confortables y son hermosas. Sin duda elevan el espíritu. Las viviendas y sus conjuntos. Son un ejemplo además de racionalidad, amplias y con techos altos, sin malgastar un metro cuadrado. Con ventanales (y hasta balcones en algunos casos) que bañan de luz y ventilan todos sus espacios. Ventanales desde los que contemplar la ciudad, porque además están en ella, la construyen y le dan vida. Imposible expresar en cifras el impacto de la Gran Misión, ha superado con creces su principal objetivo.


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criterio internacional

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Video Arte Fernando Buen Abad Domínguez Universidad de la Filosofía BuenAbad@gmail.com Iliustración: Iván Lira

H

ay -todavía- en este “género” artístico una lista larga de promesas, insuficientemente exploradas, que buena falta nos hacen.   Se trata de un caudal expresivo poseedor de un potente espíritu, explorador y experimental, que enfrenta (cuando se lo trabaja en serio) el problema de dar respuestas con aportes creadores, al apetito insaciable de imágenes propio de esta era llamada “Civilización de la Imagen”. Entre los desafíos que asume el “Video Arte” está el trabajo de indagación estética, sin miedos, empeñada en revisar y reinventar (con humor incluso) lenguajes para enfrentar un problema expresivo mayúsculo y un dilema cultural inmenso, plagado por los estereotipos ideológicos burgueses más terribles: La expresión audiovisual. El “Video Arte” (serio) no es esa estancia idónea del vanguardismo estético para burros. Esa ha sido una degeneración de la que nos ocuparemos más adelante. El “Video Arte” es realmente una praxis que traba litigio a uno de los cataclismos culturales más complejos de la historia que es la crisis de sobre-producción de imágenes. Es un Arte nuevo en el que los factores teóricos tanto como los tecnológicos ofrecen una serie de

tensiones con valor práctico extraordinario en nuestro tiempo. Es un espacio abierto, en serio, para la dialéctica de la producción creadora. Contra algunos criterios de mercado, el “Video Arte” no es una plataforma de “fuga” (o no debería serlo) sino un espacio de trabajo estético donde es posible el abordaje emancipador de la realidad (incluso desde la ficción). Está a su disposición un repertorio amplio de estrategias narrativas entre la ironía, la parodia, la comedia y el realismo aunque, en el uso y abuso de los efectos tecnológicos, suela jugarse al guiño con lo inverosímil. El “Video Arte” ha propuesto recodos expresivos amplios incluyendo la video-escultura, la video-performance, la video-danza o la videoinstalación, entre otros. En el “Video Arte” (serio) el problema de la imagen es, como debe ser, una disputa de sentido en la que se enjuician todos los dispositivos ideológicos dominantes. Se ha convertido en una herramienta para problematizar y para resolver múltiples dilemas narrativos, para ir más allá de las apariencias de las imágenes y penetrar en los paradigmas conceptuales más profundos. Rápidamente la riqueza (y novedad) narrativa del “Video Arte” fue cooptada por la

industria de la publicidad y esclavizada por la industria de la televisión. Además, aparecieron los oportunistas del esteticismo más escapista, especializados en el vaciamiento del sentido revolucionario del arte para degenerarlo en embutidos mercantiles al servicio de la prostitución publicitaria. Hay que ver lo que han hecho con el género del “videoclip” que -con sus salvedades- es un adefesio servil a una literatura cancioneril paupérrima. No pocos “video artistas” sucumben a las tentaciones del mercado y no pocas veces las promesas del “Video Arte” han sido confinadas al campo santo de las galerías esnob más reputadas, por esnobistas y por funerarias. El Video Arte, no obstante, sigue ofreciéndonos su mayor riqueza que radica en ser un gran laboratorio de experimentación, de aprendizaje, de pruebas que, con no pocos logros artísticos, completa una oportunidad única para avanzar hacia una gran revolución de la imagen audiovisual en un mundo donde la imagen es, efectivamente, decisiva para no pocos episodios epistemológicos y la conciencia para la acción política. No podemos desperdiciar ésta oportunidad. Ya desperdiciamos demasiadas.


criterio nacional

www.ministeriodelacultura.gob.ve

Néstor Rivero / Caracas Ilustración: Iván Lira

jueves 6 de diciembre de 2012

El joven Páez

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Rafael Alberti, poeta y pintor del mar Daniela Saidman

Cuando aún las ambiciones e intrigas no turbaban la voluntad del joven José Antonio Páez, éste “sin más escuela que sus llanos, ni más disciplina que su voluntad” ( José Martí) puso su ímpetu mitológico, a combatir al lado de Bolívar contra el dominio español. Las Queseras del Medio constituye quizá la acción de armas más sorprendente de la historia americana. No sólo por la disparidad de los contendientes, sino por la originalidad de ocurrencias en el sitio, el manejo de la sorpresa y aprovechamiento de la brisa como arma de combate desplegadas por Páez en medio de lanzazos, el ruido de los cañones y la mutua persecución entre una y otra fuerza. Ante el pasmo de Pablo Morillo, 150 patriotas se lanzan a caballo armados de lanza contra la masa de 6 mil realistas. Inicialmente aquél cree que se trata de algún ardid, pero al verlos aproximarse hace disparar baterías y fusiles y mueve su caballería de 2 mil efectivos para impedir a Páez que regrese a su campamento, tomándoles la ribera del Arauca de un lado y rodeando su derecha. Los llaneros, tras atacar el centro enemigo, abren brecha de escape, fingiendo derrota y aparente retirada. Comienza la persecución de la caballería realista y, faltando pocos metros para ser alcanzados los llaneros, Páez grita a sus hombres la célebre orden “Vuelvan caras”; y éstos contraatacan con sus largas lanzas, desbaratando la primera fila, y la segunda y la tercera de los realistas, quienes buscan replegarse en medio de la confusión, atropellando a los fusileros de su

dsaidman@gmail.com

ejército que atrás se desmontaban. Vergonzosa estampida la que inicia el ejército de su Real Majestad. Años después Morillo exclamará ante su monarca “Dadme un Páez, Majestad, y mil lanceros del Apure y pondré Europa a vuestros pies”.

Diversidadpopular

La violencia aquí *

El pasado 25 de noviembre del presente año conmemoraremos el día Internacional contra la Violencia hacia la Mujer, declarado en 1981 en el 1er Encuentro Feminista de Latinoamérica y del Caribe celebrado en Bogotá (Colombia). Se eligió esta fecha, pues corresponde al violento asesinato, en 1960, de tres activistas políticas (las hermanas Mirabal: Patria, Minerva y María Teresa) por la policía secreta del dictador Rafael Trujillo en la República Dominicana.

El 28 de octubre de 2006, llegó a la ciudad de La Plata (Argentina) Sandra Ayala Gamboa proveniente del Perú. Ella, mujer inmigrante, el viernes 16 de febrero de 2007, acompañada por su novio, fue hasta el edificio en reparación del ex Archivo del Ministerio de Economía, para una supuesta entrevista de trabajo. Sandra no regresa a la pensión donde vivía y su novio acude a la comisaría para denunciar su desaparición pero no le toman la denuncia. El 22 de febrero de 2007, seis días después, encuentran en ese

Aramendi, Ramos, Rondón, Negro Primero, Mina e Infante, bravos de la hueste de Páez, nada tenían que envidiarle a los héroes que Palas protegía delante de los muros de Troya cuando, con espesa nube aturdía a sus enemigos.

Alianza Sexo-Género Diversa Revolucionaria (ASGDRe)

mismo edificio, el cuerpo de Sandra violado y asesinado. Casi seis años después de haber sido asesinada con crueldad, Sandra podrá descansar en paz. Un tribunal de la ciudad de La Plata condenó el jueves a cadena perpetua a Diego José Cadícamo, autor del abominable crimen. El asesinato y violación de Sandra Ayala Gamboa no es un hecho aislado, sino que se vincula con toda una serie de innumerables manifestaciones de violencia machista que sufren las mujeres, particularmente,

las mujeres migrantes. El silencio institucional y la falta de información pública contribuyen a naturalizar el femicidio y la violencia de género como un estado de situación cotidiana para las mujeres. El 25 de noviembre no es solo una fecha más, es el símbolo para recordar que actualmente se repiten casos como el de Sandra, de las mujeres más vulnerables ante el sistema capitalista y patriarcal. *Título de un poema de Roque Dalton.

Poesía marinera es la de Rafael Alberti (Puerto de Santa María, Cádiz, 16 de diciembre de 1902 - ibídem, 28 de octubre de 1999), poesía que supo y sabe cantar las sombras, los musgos, el sexo, la muerte, los ires y venires de todo cuanto está vivo y late en la memoria. Rafael Alberti poeta de la República Española, el que tiene voz de exilio, voz de aguas y de sueños, amó lo más libre, lo más alto y lo más hondo de las gentes. En sus andares llegó al Chile de Allende de la mano de Neruda. Supo del compromiso del poema y abonó la tierra con sus versos. Por eso, por su palabra profunda, por su canto encendido de esperanzas, por sus verbos libres y adjetivos justos es que Alberti, es voz de la España que quiso ser República y que hoy renace en estas tierras. La mar es en Alberti una mujer. Enamorado de su silueta, de sus formas y sus orillas, el poeta marinero, alza la humedad en el verso. Su poética del compromiso, sabia paciente, le abre espacios al deseo, savia simiente. Alberti, poeta y pintor, supo decir el color y pintar la palabra, fue y será siempre voz necesaria. Ese es el amor poema, versos nacidos desde el siempre y el ahora. Alberti no vendió nunca su palabra, vivió el tiempo y el mañana. Fundó con su obra una proclama, una bandera sin mástil, creyó lo creíble y cantó la esperanza. Creemos el hombre nuevo / cantando. / El hombre nuevo de España, / cantando. / El hombre nuevo del mundo, / cantando. / Canto esta noche de estrellas / en que estoy solo, desterrado. / Pero en la tierra no hay nadie / que esté solo si está cantando. / (…) / Nada hay solitario en la tierra. / Creemos el hombre nuevo cantando. (Canción 37, fragmento)



TODOSADENTRO Nº 443