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Casa de locos

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El panorama artístico de 2015

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Ciudades tras la cámara

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Dirección: Salvador Carbonell-Bustos. Coordinación: Sergio Martínez. Diseño editorial: Marta Álvarez Morraja. Identidad corporativa: Miriam Lázaro. Colaboradores: Tamara Álvarez López. María Bustos Segarra. Sergio Martínez. Iván Moreno. Lucía Ros Serra. Artistas para este número: Pablo José de Heredia Sánchez. David Mas. Martín Feijoó. David Furió. Martha Fernández. Natalia Vas. Rubén Torras. Para contactar con el equipo de The Lighting Mind: contacto@thelightingmind.com www.thelightingmind.com

Artistas TLM

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Un detalle

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casa de locos

casa de locos Salvador Carbonell-Bustos

A principios del siglo XIX, Francisco de Goya, defensor de un estilo personal, influencia directa en las generaciones sucesivas y artista de corazón, pinta Casa de locos, una pequeña tabla de esas que pocos se detienen a observar, pues expuesta en un museo entre obras de mayor formato y fama tiene la facilidad de pasar desapercibida. Sin embargo, si se le concede el honor del momento y nos detenemos en su observación, la lectura que de ella se extrae es equivalente a la de cualquier menina o duquesa. Más si cabe. Ya la había visto antes, pero no frente a mí, sino en una ilustración de algún catálogo, y ni le presté la más mínima atención ni leí sobre ella. Algo positivo, pienso ahora para mí, pues nuestro encuentro, físico y virginal, me invita a reflexionar sobre ella desde mi conocimiento y mi experiencia como puntos de partida. En este instante no tengo influencia ni molestia. Conozco a Goya y a sus contemporáneos, así como su obra y su atracción por una estética alejada de todo canon de belleza. Dado que ningún entendido me dicta cómo debo mirar tan atractiva

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pintura, o cómo he de analizar el trazo de la pincelada, o de qué modo debo estudiar su composición, imagino al artista retratando a aquellos rechazados, inmerso cada uno en sus preocupaciones, reprimidos en un espacio limitado con una pequeña ventana inaccesible al tacto como única fuente de luz, y pensando en el artista de su tiempo; pensando en él mismo como uno de aquellos locos que deambula entre los muros que le han dejado ocupar o entre los cuales le han obligado a aislarse. El artista, sin ir más lejos, es eso mismo. Sus actos son fruto, en una innumerable cantidad de ocasiones, de eterna incomprensión, pues rara vez obedece a parámetros establecidos o a rutinas marcadas más propios de una sociedad que, pese a su aceleración y velocidad, nunca llega a tiempo a ningún sitio. El artista se toma el momento como algo sagrado y lo hace suyo, ya sea a través del aislamiento, del ritual o de cualquier otra cosa. De ahí su etiqueta. Si no se comporta como la mayoría, decir extraño, excéntrico o pirado constituye la suave monotonía de la más inmadura ignorancia.


salvador carbonell-bustos

Lo cierto es que el artista nunca lo ha tenido fácil. El individuo que dedica su vida a la producción artística se ha visto con frecuencia obligado a recurrir a ese instinto de supervivencia que aflora de la necesidad, sabiendo que el pan sobre la mesa nunca es seguro y haciendo de su compromiso una forma de vida. Y es igualmente cierto que ya no se mide el éxito por medio de la excelencia o del discurso artístico, pues con vergonzosa asiduidad los espacios destinados a las artes dejan ver el peso de las relaciones que nada tienen que ver con la auténtica artisticidad. No todos, claro está, pero como en casi cualquier cosa las malas formas infectan lo poco que nos quedaba de bueno. Y lo dice un valenciano que ve que el museo más representativo de su ciudad está plagado de personajes cuya lengua todavía huele a las partes de otros; no es que me cueste admitirlo, es que me cuesta taparlo. Ese mamoneo, tan extendido y habitual en cuantos campos quiera uno adentrarse, es el que sirve de soporte a una élite que ya no puede considerarse ni social ni cultural y que cree estar por encima de una mayoría, hecho que provoca que la pequeña abertura que da paso

a la luz se haga más pequeña y más lejana. En esta primera edición de nuestra revista, la cual llevamos a cabo con una desmedida dosis de ilusión y desde nuestra más pura devoción por el arte, queremos hacer honor a ese momento, y, mediante él, al artista. No a un nombre concreto, sino a un concepto que representa toda una serie de valores al borde de la extinción. Una figura que ni por asomo es hoy lo que fue no hace mucho, que no es mediática, y que queda ahora fácilmente sepultada bajo el fango del banal éxito de la basura televisiva que entretiene mucho y forma poco, dejando olor a decepción y a tiempo perdido. La recuperación de esa figura comienza a ser urgente en un tiempo en el que su labor, antaño aferrada al desarrollo cultural, no pasa hoy del producto destinado a llenar una pared vacía. Y como creemos que vale la pena, vamos a luchar por ello iniciando hoy un espacio para todos los que más que nunca luchan por levantar su voz desde el silencio del lienzo. A todos aquellos cuyo arte sigue a la sombra en lugar de estar expuesto a la luz. A todos esos locos.

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el panorama artístico de 2015

el panorama artístico de 2015 Sergio Martínez

Hace unas semanas hablábamos en la web de The Lighting Mind de lo que nos espera en el panorama artístico en este año recién comenzado. Una vez más, recuperando ese documento y dejando atrás un año de selfies, de viajes interestelares, del hit con más barba de la historia de Eurovisión, del malogrado muñeco de cera de la princesa Leonor, del plantón con más arte por unos premios nacionales de fotografía y música y de una pintura hiperrealista cuya espera de 20 años queda lejos de los que observan hoy a la familia real, hemos decidido poner punto y aparte mirando hacia el futuro con lo que nos espera en 2015 en torno al arte, a sus eventos y a sus exposiciones a nivel a nacional e internacional. EVENTOS INTERNACIONALES Zona MACO México D.F (México). Feria de arte contemporáneo. Del 04 al 08 de febrero de 2015. El evento más importante por excelencia en torno al arte contemporáneo de América latina. Ya son doce años los que lleva ZONA MACO repartiendo arte, gracias, en parte, a 118 galerías de 22 países diferentes. Por lo que se entiende, la feria de arte contemporáneo abarcará 5 secciones. • Sección Principal, exhibiendo proyectos de artistas con mayor trayectoria internacional, con una selección de 71 galerías. 6

• Nuevas Propuestas, seleccionada por Pablo del Val (España, 1964), Director Artístico de Zona MACO. Se da la oportunidad a tres artistas emergentes cuya obra trata temas relacionadas con la región. • Zona MACO Sur, curada por los Codirectores de la Kunsthalle Lissabon (Lisboa). Estas personalidades presentan la oportunidad de conocer el pasado y predecir el futuro a partir de los planteamientos que Laplace estableció en el siglo XIX y que 21 participantes representan a través de la práctica artística contemporánea. • Arte Moderno, nos situamos en el siglo XX. Modernidad artística en diferentes puntos de América nos muestra ideales a partir de las diversas vanguardias del momento. • Zona MACO Diseño ¡conecta! La exhibición de proyectos de diseño industrial pretende acercar posturas colaborativas entre estudios, artistas y galerías. Esta feria internacional de arte contemporáneo espera recibir alrededor de 35.000 visitantes en sus 5 días intensos de arte por todos los rincones del recinto. Zona MACO 


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ART BASEL Basilea (Suiza). Feria de arte contemporáneo y moderno. Del 18 al 21 de junio de 2015. Supone la capital de la cultura y la metrópoli del arte. En él, participan 250 galerías de las más importantes del panorama internacional, presentando obras de primer nivel. Los protagonistas son, como cada año, los artistas, que van desde los grandes maestros del arte moderno a la última generación de jóvenes promesas. Aunque a algunos no nos haga tanta gracia, hemos de reconocer que la patata caliente de este festival

del arte se encuentra en los que dicen ser coleccionistas cuyos bigotes señoriales corren junto a sus majestuosas mujeres dotadas de todo tipo de joyas, dispuestos a derrochar tal cantidad de monedas por llevarse la obra más al alza. Este es un reto solo apto para unos pocos que no están dispuestos a dejarlas pasar. Este “parque de atracciones” del arte contemporáneo deriva en el Art Parcous, una extensión del evento que se encuentra en el barrio “El Klingental”, una zona muy pintoresca que recuerda en cierto modo al Montmartre de París. La intención de los organizadores es la de dar un motivo a los turistas

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para descubrir parte de la historia y vida actual de los diferentes puntos icónicos que brinda una ciudad magnífica como lo es Basilea. En su última edición, más de 60.000 personas pudieron disfrutar de los numerosos acontecimientos estructurados que se dan cada año en un festival donde nos encontramos con el arte de más ¿alta calidad? Y para darle más “vidilla” al asunto, este año le hará la competencia la primera feria de fotografía artística, que se celebrará en el recinto de Ackermannshof Basel, la FOCUS photo l.a.

Su éxito se reside en el nivel de calidad que presentan cada año al conseguir reunir a maestros antiguos así como a 260 comerciantes líderes del sector procedentes de 17 países diferentes, los cuáles exhibirán unas 30.000 obras de arte y antigüedades. Esta importante feria de arte ofrece una gama amplia de arte moderno y contemporáneo, así como mobiliario, escultura, pinturas, joyas y diseño, sin olvidar la oferta majestuosa de piezas clásicas, objetos africanos, asiáticos y latinoamericanos. También cobra un poco más de protagonismo la fotografía, que poco a poco ha ido haciendo incidiendo.

Maastricht (Holanda). Feria de arte y antigüedades. Del 13 al 22 de marzo de 2015.

Entre sus diferentes secciones podemos encontrar: TEFAF Paintings, TEFAF Antiques, TEFAF ModerN, TEFAF Manuscripts, TEFAF Classical Antiquities, TEFAF Haute Joaillerie, TEFAF Design, TEFAF Paper, TEFAF Showcase (espacio para jóvenes galeristas).

La feria más importante entre los eventos que giran en torno a las antigüedades más relevantes del panorama histórico-cultural, atrayendo a coleccionistas y conservadores de museos de todo el mundo.

TEFAF 2015 se celebrará en las instalaciones del recinto ferial del palacio de congresos y exposiciones MECC de Maastricht. Un evento único que recoge más de 7000 años de historia.

TEFAF

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EVENTOS NACIONALES ARCO Madrid. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Del 25 febrero al 01 de marzo de 2015. Cuando hablamos de eventos sobre arte contemporáneo en España, solemos hacerlo pensando en ARCO, la feria por excelencia en nuestro país, con 212 galerías, el 70% de ellas extranjeras. La ciudad de Madrid se convierte en el epicentro para todos los expertos del arte. Artistas, marchantes, directores de museos y colecciones de arte, junto a críticos e historiadores, se concentran para disfrutar conjuntamente de “la creatividad de nuestro tiempo”, según palabras del Presidente de IFEMA (Institución Ferial de Madrid). ArcoColombia. El país sudamericano ha sido invitado para esta 34ª edición, demostrando así un largo trabajo de artistas con un recorrido de más de 30 años y que el esfuerzo ha llamado a sus puertas para poder estar presentes en IFEMA ante esta grandiosa oportunidad, así como doce galerías del país.

 Un visitante en TEFAF  ART BASEL  ARCO Madrid

Para esta edición se amplía el programa de coleccionistas internacionales, asesores y representantes de museos para activar el intercambio de posturas, oportunidades y actividades de cara al futuro, extendiéndose además su área de influencia a labores de investigación, de integración, de divulgación y de formación. Una serie de propósitos que hace que España sueñe por ascender puestos notables hacia cimas culturales que aún quedan lejos. VÍDEO-RÉGIMEN Coleccionistas en la era de la condición audiovisual. Madrid. Museo Lázaro Galdiano. Del 13 de febrero al 11 de mayo de 2015. Un proyecto de LOOP Barcelona en colaboración con el Museo Lázaro Galdiano donde el vídeo-arte es el principal atractivo. La labor del coleccionismo privado en España, concretamente en el área del vídeo-arte, está, como todos sabemos, bastante estancada, por lo que este proyecto pretende poner

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en valor la labor de personalidades competentes para que esta tendencia vaya a menos, siendo VÍDEO-RÉGIMEN un nuevo evento en la naturaleza audiovisual, provocando una concentración de obras contemporáneas que empezaron bajo diferentes focos. El comisario de esta colección, Carles Guerra, declara que la inmaterialidad y discursividad propias de las obras en vídeo invitan a considerar una temporalidad alternativa para la obra de arte, así como una dimensión patrimonial que se acerca a las aspiraciones de la nueva economía, añadiendo que su virtualidad y circulación, mucho más ágil que la de los objetos u obras de arte convencionales, se erigen en un modelo de experiencia contemporánea. Sin duda, un aliciente para no dejar pasar esta colección de obras audiovisuales.

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De Basilea a Madrid Madrid. Museo Reina Sofía. A partir de marzo de 2015. El Reina Sofía ha visto incrementado su presupuesto en 2,5 millones de euros para este 2015, y quiere desempeñarlos de la mejor manera posible. Se ha puesto manos a la obra y, tras varios encuentros con los dirigentes del Kunstmuseum de Basilea, ha conseguido que gran parte del arte del siglo XIX se encuentre en la capital de España y en uno de los mejores museos de Europa. A mediados de marzo, desembarcarán en el Museo Reina Sofía alrededor de 200 obras entre pinturas, esculturas, collages, fotografías y vídeos, fechadas desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. El conjunto de todas estas obras permitirá formar un recorrido por el expresionismo, el arte abstracto, el


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constructivismo o el minimalismo con obras de Fernand Léger, Alberto Giacometti, Paul Klee, Barnett Newman, Donald Judd, Andy Warhol o Pierre Huyghe, entre ellas 10 obras de nuestro gran Picasso, fechadas entre 1906 y 1967. ¿No son suficientes motivos para visitar el museo más frecuentado del país? Y hasta aquí la que es, a juicio propio, una buena selección de lo que nos depara el arte en 2015. Hay mucho más, pero deberá ser contado en otra ocasión.

 Museo Reina Sofía  Museo Lazaro Galdiano Madrid

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ciudades tras la camara El cine, extensa disciplina con más de cien años de historia a sus espaldas, constituye en la actualidad un sólido bloque cultural que ha acogido en su seno a un gran número de artistas de todo el Globo. Con el fin de focalizar el séptimo arte, algunos de nuestros bloggers se adentran en sus entrañas y nos ofrecen su particular visión desde la perspectiva urbana con el fin de apreciar en qué modo una ciudad influye en la filmación cinematográfica.

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cuando hollywood viajó a parís

Lucía Ros Serra

Hay películas en las que la ciudad donde transcurre la trama se convierte en un personaje más de la cinta, dotándola de una identidad única, una atmósfera irrepetible y una personalidad que sería muy diferente si se hubiera rodado en otro lugar. Por ejemplo, pensad qué hubiera pasado si Wim Wenders hubiera decidido rodar ‘Paris, Texas’ (1984) en Yosemite, Califonia. Para empezar, la película habría tenido otro título, y, para terminar, sería una película completamente diferente sin los áridos paisajes y anchas carreteras o los carteles de neón. Hay algunas ciudades que han sido representadas tantas veces en cine, de una forma u otra, que parece que las conozcamos sin haberlas visitado nunca. París es una de ellas y es que el encanto de sus calles adoquinadas y techos abuhardillados, sus puentes iluminados, los largos túneles del metro y la imponente presencia de monumentos como la Torre Eiffel o Notre Dame, los que la convierten en una de las ciudades más bellas del mundo y de las más visitadas por artistas para encontrar la inspiración. Además del emblemático uso de la ciudad por parte de los cineastas de la Nouvelle Vague, París también sirve de plató para Hollywood, que no duda en hacer la ciudad suya y convertirla en la ciudad de la elegancia, de la bohemia, del baile y, sí, también de la ciencia ficción, la gastronomía y el misterio. Hace un par de años, varias instituciones francesas hicieron retrospectivas sobre París vista bajo la perspectiva de Hollywood y este primer número de The Lighting Mind me parecía el lugar más adecuado para hacer un repaso a los títulos más emblemáticos. 14

El París sofisticado de Audrey Hepburn Si hay una estrella de Hollywood ligada a París, esa es, sin duda, Audrey Hepburn. Amante de la ciudad y de la moda parisina, a Hepburn no sólo le gustaba pasar largas temporadas en la ciudad, sino que rodó varias películas allí. Parte de las películas que rodó nos dan una imagen sofisticada, elegante y de vanguardia de la capital francesa. Así, en ‘Sabrina’ (Billy Wilder, 1954), su personaje se marchaba a París para estudiar cocina y curar un corazón roto. A su regreso, se ha convertido en una sofisticada mujer que conquistará el corazón del hombre de negocios interpretado por Humphrey Bogart. En ‘Funny Face’ (Stanley Donen, 1957) interpretaba a una humilde y filosófica bibliotecaria que viajaba a la ciudad de la luz junto a Fred Astaire para convertirse en la imagen de una prestigiosa revista de moda. A estas les siguieron muchas otras, como ‘Ariane’ (Billy Wilder, 1957), ‘Charada’ (Stanley Donen, 1963) o ‘Encuentro en París’ (Richard Quine, 1964) y en todas ellas, la elegancia innata de la actriz resplandecía (aún más) al pasearse por las calles adoquinadas de París.

Sabrina (Billy Wilder, 1954)  Una cara con ángel (Stanley Donen, 1957)  Ariane (Billy Wilder 1957) 


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El París romántico y el Can Can Pero París es mucho más que la capital mundial de la moda y la elegancia. París es la ciudad del amor y por eso ha servido de plató para contarnos historias de únicas e inolvidables. Por ejemplo, el neoyorquino Woody Allen se atrevió a salir de la Gran Manzana para contarnos varias historias de amor en ‘Todos dicen I love you’ (1996) o, más recientemente, en ‘Midnight in Paris’ (2011), donde era más bien la historia de amor de un hombre con la ciudad que le hacía vivir a la época dorada de la literatura en París. Pero las grandes historias de amor ambientadas en París que nos ha contado Hollywood también tenían como escenario el mundo bohemio y del famoso can-can, y lo hacían en forma de musicales. Así, un pintor americano afincado en Montmarte velaba los vientos por una jovencita dependiente en una tienda de perfumes en ‘Un americano en París’ (Vicente Minelli, 1951) o la adolescente ‘Gigi’ (Vicente Minelli, 1958), predestinada a convertirse en chica de compañía a finales del siglo XIX, pero que consigue enamorar a un rico sinvergüenza que pasa las noches de cabaret en cabaret. En su versión más moderna y frenética nos topamos con la historia de amor imposible que nos propone ‘Moulin Rouge’ (Baz Luhrmann, 2001), sobre la estrella del Moulin Rouge y su relación con un escritor muerto de hambre. El cabaret, la bohemia y la tuberculosis están en juego.

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 Midnight in Paris (Woody Allen, 2011)  Moulin Rouge (Baz Luhrmann, 2001)  El código Da Vinci (Ron Howard, 2006)  La invención de Hugo (Martin Scorsese, 2011) El París para niños La magia de París también sirvió (y sigue sirviendo) para crear cuentos e historias magníficas orientadas para toda la familia, y en forma animada. En ‘Ratatouille’ (Brad Bird, 2009), transforman a una de las miles de ratas que habitan en las alcantarillas de la ciudad en un auténtico chef que demuestra que todo el mundo puede cumplir sus sueños si lucha por ello. Algo más antigua, pero igual de tierna, es ‘Los Aristogatos’ (Wolfgang Reitherman, 1970), sobre unos gatos que son los herederos de la gran fortuna de su dueña y tienen que luchar contra el malvado mayordomo. Para los más cinéfilos nos topamos con ‘La invención de Hugo’ (Martin Scorsese, 2011), sobre un niño que conoce a un casi indigente George Meliès cuando todos pensaban que había muerto y le animan para recuperar su gran legado cinematográfico. Y todo ello ambientado en el París de los años 30.

El París misterioso La historia pasada en la ciudad también la convierte en un lugar misterioso, de calles estrechas, callejones y rincones, y grandes iglesias y templos que esconden todo tipo de secretos. Por eso, no nos extraña que Hollywood también haya visto en París el escenario perfecto para resolver incógnitas, despertar hombres lobo, o redescubrir la ciencia-ficción. En ‘El Código Da Vinci’ (Ron Howard, 2006), el Museo del Louvre esconde el secreto mejor guardado sobre la historia del cristianismo, mientras que en ‘Un hombre lobo americano en París’ (Anthony Waller, 1997) un joven licántropo quiere suicidarse tirándose desde lo alto de la Torre Eiffel. En ‘Inception’ (Christopher Nolan, 2010), nos muestran un París creado en el subconsciente que se puede manipular hasta el punto de dejar sus calles en vertical. Si nunca visitasteis París, viendo todas estas películas podríais haceros una idea de todo lo que puede ofrecer la ciudad, de todas sus caras y enigmas, pero, si tenéis la oportunidad, lo mejor siempre es conocer in situ el lugar. ¿Quién sabe? Igual vivís vuestro particular ‘Midnight in Paris’.  Ratatouille (Brad Bird, 2007)

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hong kong: luces y sombras María Bustos Segarra

Las brillantes luces de neón, los altos rascacielos o los llamativos carteles que decoran sus calles, son algunas de las cosas que hacen de Hong Kong un lugar con dos caras. O así, al menos, nos la muestran los directores que la toman como escenario principal de sus películas. Un ejemplo de esto son las películas de Johnnie To, que a pesar de no tener una filmografía muy extensa nos presenta el lado más oscuro de la ciudad, con un cine más negro y con matices de carácter social. Como podemos observar en películas como Drug War (2012) o Blind Detective (2013), la mafia cobra protagonismo en sus filmes y sirve para mostrarnos la cara menos amable de la ciudad, a través de la frialdad de los rascacielos oscuros y las calles mojadas por las lluvias que asolan Hong Kong, especialmente en verano. Johnnie To se aleja del lirismo que tanto caracteriza el cine de Wong Kar Wai, otro autor hongkonés que toma la nouvelle vague o el cine de Antonioni como referencia para crear un atmósfera más intimista. Este autor no sólo ha representado la ciudad de forma minimalista y a la vez cálida, sino que también ha conseguido mostrarnos una ciudad llena de vida y, en especial, de sentimiento. Por esto, si hablásemos del cine como poesía, sería fácil pensar en Wong Kar Wai, un realizador capaz de convertir los detalles más ordinarios en puro arte. Detalles que van componiendo un aura de desgarradora melancolía y una soledad inconsolable y sentimientos en los que ha ido ahondando durante toda su trayectoria como director. Ya en 18

‘As tears go by’ (1988), aunque se centrara más en el tema de las mafias y la oscuridad de las calles de Hong Kong, ya abría una puerta a lo que sería el hilo conductor de sus siguientes obras, el romance y el lirismo que destila a través de sus protagonistas, condenados a sus desoladores destinos, donde un eterno quiero y no puedo, que suele acabar en tragedia, es casi su firma personal. En otras obras menores, pero no menos interesantes, también encontramos un profundo simbolismo; como en el mediometraje de ‘La Mano’, que forma parte del largometraje ‘Eros’ (2004), donde encontramos toda una dimensión simbólica en el detalle de las manos y las telas. Wong Kar Wai consigue que estos simples planos de detalle representen por sí solos el deseo y la frustración a la que está sometido su protagonista a lo largo del metraje. La ciudad de Hong Kong funciona así como una cárcel, en la que los personajes se mueven por ella como almas en pena, y es en sus rincones donde pueden sentirse libres para revelar sus sueños o pasiones. Otro patrón que se repite en sus películas son los espejos. Sin duda, el director consigue convertir algo tan ordinario en auténticas composiciones llenas de significado que relatan esa dualidad entre deseo y realidad, haciendo que ésta última se perciba más cruda de lo que ya es. En ‘Deseando Amar’ (2000) encontramos un ejemplo muy representativo de éste recurso; cuando los protagonistas están sentados en la misma habitación, podemos apreciar la distancia que hay entre uno y otro a través del reflejo de él en el espejo.


maría bustos segarra

Drug War (Johnnie To, 2012)  Blind Detective (Johnnie To, 2013)  As tears go by (Wong Kar Wai, 1988)  19


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También podemos observar éste simbolismo de los espejos en películas como ‘2046’ (2004) y ‘Chungking Express’ (1994). En esta última, los mercados de la ciudad son el escenario principal del romance, mientras que el contrapunto más oscuro lo pone la sub-trama sobre la mafia, un tema recurrente también, siempre en segundo término, en la filmografía del autor. Ciudad de amores imaginarios El director hongkonés Wong Kar Wai ha abrazado varios géneros y temas, pero quizás lo que mejor se le ha dado haya sido representar los amores imposibles tomando como escenario principal su propia ciudad. A lo largo de su obra se ha adentrado en un mundo de romances contenidos, congelados en el tiempo, como si de una vieja fotografía se tratase. Y aunque es un patrón que se repite en toda su filmografía, en ‘Deseando Amar’ es donde se encuentra la cúspide del deseo contenido y del arrepentimiento -posteriormente desarrollaría ese mismo tema en la película ‘2046’-.Y si hay algo realmente a destacar en los filmes de éste director es la cuidada puesta en escena y su sobriedad formal. Aunque hay muchos aspectos dignos de mención, tales como la iluminación, la música o el vestuario, hay un aspecto que se hace evidente en el cine de Wong Kar Wai, algo que marca fuertemente su personalidad. El hongkonés compone los planos con

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tanto cuidado y premeditación que todo lo que vemos en la pantalla tiene un significado individual, pero que en conjunto se complementa con los otros elementos, formando así un micro-mundo en el que nos sumerge y nos hipnotiza para que seamos testigos de lo que ocurre. Como decíamos anteriormente, la banda sonora es otro de los aspectos importantes en sus películas, en especial porque el director suele usar canciones pop como ‘Happy together (en la cinta del mismo título) o ‘California Dreaming’ (en el caso de Chungking Express), cosa que pone el contrapunto occidental en sus películas. Recordemos que Hong Kong es una de las ciudades orientales más cosmopolitas, en parte a causa de la presencia que ejercieron los británicos en su administración entre 1841 y 1997, abriendo las puertas, entre otras cosas, al multiculturalismo. En ‘Deseando Amar’ no se nos permite meternos en la piel de sus personajes; no. Lo que hace Wong Kar Wai es mucho más astuto y cruel, con planos completamente voyeourísticos que nos muestran las escenas como si nos encontráramos detrás de una puerta entreabierta, una ventana o unos arbustos, dejándonos ser testigos de una historia que no nos pertenece, aclarando que podemos mirar, pero no tocar. Podemos sentir pena, cariño u odio por los personajes, pero establece en forma clara que no podemos interceder por ellos. Y en cierta medida


maría bustos segarra

es ahí donde reside el encanto de sus películas, en ese tira y afloja estético y emocional que destilan cada uno de los fotogramas de sus obras. ‘Deseando Amar’ no es una excepción, Wong Kar Wai aplica éste recurso de una forma intrínseca y hábil para completar el relato amoroso de la pareja protagonista, dotándole de más sentido y profundidad a cada acción o gesto. Y así, nos muestra una historia de amor de la forma más delicada y sutil, mientras nos paseamos por los mercados y calles oscuras del Hong Kong más nocturno. Congelados en el espacio y el tiempo Otro de los aspectos interesantes que podemos extraer de la filmografía de éste director es el peso que tiene el tiempo en sus obras. Podríamos decir que éste es el eterno antagonista de sus películas. Los protagonistas están sometidos a él, como si no pudieran salir de una prisión invisible que los encierra en su propia realidad. Al mismo tiempo, juega con las elipsis temporales para profundizar en el relato, con simples detalles que son difíciles de interpretar si no conocemos la cultura oriental. Por ejemplo, en ‘Deseando Amar’ podemos apreciar cómo pasan las temporadas a través de la comida que comen los dos protagonistas. Mientras que en ‘2046’ juega también con el tiempo para presentarnos la importancia de éste, en la tragedia de sus romances, haciendo que éste sea el culpable de la melancolía y el arrepentimiento que destilan sus planos y secuencias. En definitiva, Wong Kar Wai nos muestra los estragos que causa el tiempo a través de una visión tan personal como delicada, representada a través de sus espacios que nos describen la personalidad de sus personajes, con recursos como los colores y la luz que van enfatizando los sentimientos que quiere destacar. Así pues, hace de Hong Kong una ciudad única, capaz de encerrar historias de amor que rozan el mito y la épica, de la forma más sencilla y sutil. Quizá Wong Kar Wai no sea el mejor indicado para poder ver Hong Kong de forma representativa, es decir, los edificios más característicos, o las calles más vistosas, pero gracias a él podemos conocer la esencia de esta ciudad a través del alma de sus personajes, de la viveza de sus colores, de la luz como materia prima para representar los estados de ánimo y de la misma ciudad, que aguarda por el día y destella por la noche. 2046 (2004) Chungking Express (1994) Happy together (1997) Deseando amar (2000) Eros (2004) 21


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toronto, la ciudad como escenario

Iván Moreno

Pese a no ser la capital de Canadá,Toronto es, sin lugar a dudas, la ciudad más popular del país y donde se concentra la mayor densidad de población. Con casi 3 millones de habitantes, Toronto está considerada tanto la capital financiera como la cultural. Por tanto, es normal que sea uno de los escenarios más recurrentes a la hora de realizar películas en el país de la hoja de Arce. Quizás ahora mismo muchos de los lectores estén intentando recordar mentalmente algún film ubicado en Toronto, pero, como suele ocurrir en numerosas ocasiones y ciudades,Toronto es más utilizado como plató para recrear otros entornos urbanos que para rodar films localizados en la propia ciudad. Por eso resulta sorprendente ver que películas como Chicago o American Psycho están rodadas en esta ciudad, lo cual implica toda una paradoja. Esto no se debe a otra cosa que a las ventajas fiscales y económicas que ofrece para la filmación de películas, además de la arquitectura y las localizaciones que se prestan a estas reubicaciones. Prueba del cosmopolitismo de la ciudad es que en Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013) la ciudad simuló ser el centro de Tokio, o en Silent Hill (Christophe Gans, 2006) y Resident Evil (Paul W.S. Anderson, 2002) la ciudad acogió entornos apocalípticos y terroríficos. La lista de films rodados en la ciudad es interminable y acoge todos los géneros y estilos, muestra del amplio interés gubernamental en la promoción de una industria que mueve en torno a 200 millones de dólares al año únicamen22

te en Toronto. No en vano, la ciudad es conocida como Hollywood Norte. Pero, pese a todo, no abundan los films en los que Toronto se muestre como tal. Existe un miedo por parte de las productoras y distribuidoras a la hora de mostrar películas ubicadas dentro de la ciudad. La prueba la encontramos en una situación vivida por el director canadiense Denis Villeneuve. En su film Enemy (2013), Toronto aparecía en el cartel promocional, pero la distribuidora (eOne) no quiso utilizarlo para la promoción en Norteamérica, alegando que el público no quería ver Toronto como escenario paran sus películas. El director se refirió a esta situación recordando lo que ocurrió en otras ciudades como Montreal, que necesitaron una película que marcara un antes y un después para que se sintieran orgullosos de ella. Es en Enemy la película en la que Villeneuve se adentra totalmente en el corazón urbano de Toronto, mostrándonos sus calles y edificios y haciéndola partícipe dentro del film. En resumidas cuentas, la historia nos habla de un profesor de universidad que un día descubre, viendo una película, que existe un hombre totalmente igual a él, un actor secundario. Empieza entonces un proceso de búsqueda paranoica y obsesiva hasta que da con él, comenzando sus verdaderos problemas. Encontrar a su duplicado será el principio de todos sus problemas, ya que la obsesión de ambos por sus dobles les llevará al conflicto, tanto a ellos como a sus respectivas mujeres.


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Skyline de Toronto, presidido por la araña de Bourgeois – Foto: Torontoist.com Vista de Toronto, de Scott Pilgrim vs The World - Foto: Canadianculturething.com Montaje propio

Pese a no ser la capital de Canadá, Toronto es, sin lugar a dudas, la ciudad más popular del país y donde se concentra la mayor densidad de población. Con casi 3 millones de habitantes, Toronto está considerada tanto la capital financiera como la cultural. Por tanto, es normal que sea uno de los escenarios más recurrentes a la hora de realizar películas en el país de la hoja de Arce. Quizás ahora mismo muchos de los lectores estén intentando recordar mentalmente algún film ubicado en Toronto, pero, como suele ocurrir en numerosas ocasiones y ciudades, Toronto es más utilizado como plató para recrear otros entornos urbanos que para rodar films localizados en la propia ciudad. Por eso resulta sorprendente ver que películas como Chicago o American Psycho están rodadas en esta ciudad, lo cual implica toda una paradoja. Esto no se debe a otra cosa que a las ventajas fiscales y económicas que ofrece para la filmación de películas, además de la arquitectura y las localizaciones que se prestan a estas reubicaciones. Prueba del cosmopolitismo de la ciudad es que en Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013) la ciudad simuló ser el centro de Tokio, o en Silent Hill (Christophe Gans, 2006) Pacific Rim (Guillermo del Toro, 2013)  y Resident Evil (Paul W.S. Anderson, 2002) la ciudad acogió entornos apocalípticos y Retribution W.S.esAnderson, terroríficos.Resident La lista deEvil: films rodados en (Paul la ciudad interminable2012) y acoge todos los géneros y estilos, muestra del amplio interés gubernamental en la promoción de una

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t Pilgrim y sus paisajes nevados – Foto: Canadianculturething.com

a todo lo En anterior, un denominador común siempre que Toronto Viaparece en estaexiste historia de paranoia y juego psicológico, an pantalla, y ese lo constituye la aparición de la Torre Nacional de Canadá, lleneuve se vale de las estructuras arquitectónicas bolo turístico del país y principal referente de Toronto. Aunque no tenga ningún de Toronto para insertar al espectador en vértigo l fundamental ni se haga referencia explícita a ella, es inevitable que la torre del protagonista, al que se muestra como un ser pre aparezca de manera secundaria, erigiéndose como símbolo canadiense. En lassiempre grandes construcciones decomo s los filmsinsignificante de los que hemosante hablado interviene con su presencia rascacielos de corte racionalista. Para ello, traslada bolo para localizar la acción.

la acción al Downtown de Toronto, la zona en la

intas visiones de una misma ciudad, ciudad que cambia según la mirada de cada que se losproducción. edificiosSiempresariales y los asta y se adapta a lasconcentran necesidades de algo podemos sacar en claro es rascacielos y que denominada Oldlas Toronto pese Toronto ama el cine y hace todo es lo posible por él. Desde facilidades fiscales y a que la zona moderna y que choca Internacional con el ernamentales en el es rodaje, hasta más la promoción a través del Festival de . estilo de los barrios residenciales, de corte clásico y

construcciones de baja altura.

La arquitectura juega un gran papel relevante en cuanto a la psicología del personaje, ya que se nos muestran imágenes de una zona que, pese a lo ostentoso de sus construcciones, está totalmente inhabitada, vacía de vida y de sentimientos. Los planos aéreos de las grandes masas de cemento sirven para transmitir la angustia al espectador y construir metafóricamente la sensación de estar en una inmensa tela de araña mediante el uso de los cables de los tranvías y las referencias a Louise Bourgeois y a su araña.

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La insignificancia del ser humano ante las gigante Villeneuve recorre distintas localizaciones, entre Torontoist.com

ellas la Universidad de Toronto o la autopista de la ciudad, pero siempre remarcando la frialdad y la deVilleneuve distintas localizaciones, solación de lasrecorre urbes, recurriendo a la utilización de entre e autopista la ciudad, siempre l un tono dede imagen marrónpero que está unido remarcando a sentimientos de represión y de miedode al un exterior. recurriendo a la utilización tono de imagen

de decómo miedo al exterior. Lo represión más curiosoyde Enemy interactúa con la

ciudad es que busca su lado más oscuro y misterioLo másmirada curioso de cómo Enemy so, una sobre la ciudad insólitainteractúa que choca con la con la concepción que losuna propios habitantes oscuro y misterioso, mirada sobretienen la ciudad in de su ciudad. De hecho, uno de los apodos más reconcepción que los propios habitantes tienen de su currentes es el de ‘Toronto the good’, en referencia que es elque de estuvieron ‘Toronto vigenthe good’, e a unamás serierecurrentes de leyes morales tes durante el estuvieron siglo XIX. Enemy nos muestra morales que vigentes duranteuna el siglo X visión distinta, la de ‘Toronto the Creepy’.

distinta, la de ‘Toronto the Creepy’.

Esta visión de la ciudad está estrechamente relaEsta visión la ciudad está estrechamente cionada con ladeque David Cronenberg ofreció en relacio Crash y Videodrome. Los films interactuaban con intera ofreció en Crash y Videodrome. Los films la parte más oscura de la ciudad, ofreciéndonos ciudad, ofreciéndonos un collage de carreteras y c un collage de carreteras y cemento que poco tieimagen que Villeneuve ne que ver contransmite. la imagen que transmite.bromeó Villeneuvecon est bromeó con perdón esto en el festival de cinepor de Toronto, pidiéndole a Cronenberg rodar en su c pidiéndole perdón a Cronenberg por rodar en su ciudad.no siempre que Toronto aparece en pantalla Pero

sentimientos negativos. En Scott Pilgrim Contra ciudad adquiría un tono mucho más desenfadado por la ciudad se hace a través de cafeterías, parque sensación de estar viva, llena de lugares donde pe


iván moreno

Pero no siempre que Toronto aparece en pantalla está relacionada con la oscuridad y los sentimientos negativos. En Scott Pilgrim Contra El Mundo (Edgar Wright, 2010) la ciudad adquiría un tono mucho más desenfadado y alegre. En esta ocasión, el recorrido por la ciudad se hace a través de cafeterías, parques y clubs nocturnos, dándonos la sensación de estar viva, llena de lugares donde perderse y estar en buena compañía.

es construcciones – Foto:

Scott Pilgrim (Edgar Wright, 2010)  Enemy (Denis Villeneuve , 2013) 

ellas la Universidad de Toronto o la la frialdad y la desolación de las urbes, marrón que está unido a sentimientos

ciudad es que busca su lado más nsólita que choca frontalmente con la u ciudad. De hecho, uno de los apodos en referencia a una serie de leyes XIX. Enemy nos muestra una visión

onada con la que David Cronenberg actuaban con la parte más oscura de la cemento que poco tiene que ver con la to en el festival de cine de Toronto, ciudad.

está relacionada con la oscuridad y los a El Mundo (Edgar Wright, 2010) la y alegre. En esta ocasión, el recorrido es y clubs nocturnos, dándonos la erderse y estar en buena compañía.

Si en Enemy la ciudad estaba deshumanizada, aquí sucede todo lo contrario. Los paisajes nevados y los tranquilos barrios residenciales nos remiten a esa parte buena de Toronto. Como curiosidad, cabe decir que esta película ha sido utilizada como reclamo turístico de la ciudad y de la industria cinematográfica de la zona. En algunas de las localizaciones del film hay placas que recuerdan que allí rodó el equipo dirigido por Edgar Wright. Pese a todo lo anterior, existe un denominador común siempre que Toronto aparece en la gran pantalla, y ese lo constituye la aparición de la Torre Nacional de Canadá, símbolo turístico del país y principal referente de Toronto. Aunque no tenga ningún papel fundamental ni se haga referencia explícita a ella, es inevitable que la torre siempre aparezca de manera secundaria, erigiéndose como símbolo canadiense. En todos los films de los que hemos hablado siempre interviene con su presencia como símbolo para localizar la acción. Distintas visiones de una misma ciudad, ciudad que cambia según la mirada de cada cineasta y se adapta a las necesidades de producción. Si algo podemos sacar en claro es que Toronto ama el cine y hace todo lo posible por él. Desde las facilidades fiscales y gubernamentales en el rodaje, hasta la promoción a través del Festival Internacional de Cine.

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artistas

TLM

En los últimos meses, The Lighting Mind ha dedicado en su web un espacio s

artísticas. En este primer número de nuestra revista, dedicamos un espacio a del creador que se sitúa tras una producción artística. 26


semanal a artistas emergentes que trabajan intensamente en diversas disciplinas

a cada uno de ellos con el claro objetivo de ver la cara mรกs visible de su trabajo y la

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artistas tlm

pablo josé de heredia sánchez

El pasado mes de octubre, The Lighting Mind iniciaba su andadura con una convocatoria de carácter semanal para que diversos artistas pudiesen mostrar de forma sus proyectos artísticos. Pablo José de Heredia Sánchez fue el primero de esos artistas, el cual nos sorprendió con el trabajo titulado Memento Mori, que contenía una serie de obras de carácter gráfico y escultórico mediante las cuales era fácil apreciar una gran profesionalidad, una innegable vinculación con el arte y un estable discurso en torno a los temas que se gestan en la mente del artista. Pablo José de Heredia Sánchez nació en Valencia en 1985. Tal y como nos contaba en la entrevista que el equipo de The Lighting Mind le realizó con motivo de su publicación en la web, su interés por la producción artística llega desde una temprana edad, hecho por el cual es fácil afirmar que su actual labor es fruto de las inquietudes que el artista valenciano ha tenido siempre presentes. Estudió Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, donde, centrado en su interés por las técnicas escultóricas, trabajó intensamente en este campo con el afán de conocer las propiedades que le ofrecían. De la búsqueda y la indagación en la escultura surge un particular interés por los procesos cerámicos, que le proporcionan, según él mismo afirma, una rápida ejecución y una gestualidad difícilmente igualables. Un compromiso con el arte Como sucede con frecuencia en la vida del artista, existe siempre una historia que desemboca en una serie de hechos o actitudes que se hacen evidentes, y en el caso del que es centro de este escrito, su vinculación con las Islas Canarias, en las que reside su origen por haber pasado en ellas parte de su infancia y por cuyos parajes siente una gran conexión, son parte de ese pasado que influye en la producción de su obra reciente. Debido a esa influencia de los terrenos volcánicos, el material utilizado tiene una importante relevancia. Así, la cerámica dota a sus obras de una huella que sus propios dedos dejan sobre la superficie de la escultura, petrificada más tarde, dejando ese rastro atrapado

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pablo josé de heredia sánchez

como queda un fósil en la piedra, eludiendo el uso de herramientas que delimiten su forma, por lo que sus manos son el pincel directo entre la idea y su materialización. Paralelamente, el carácter gráfico se presenta como parte fundamental en su obra tanto en su función de boceto como en el de pieza artística en sí misma, sin distinción de técnicas y comprendiendo las distintas partes de su trabajo como piezas de un todo. Del mismo modo que produce sus esculturas, el dibujo o la pintura se ejecutan desde la absoluta gestualidad de sus dedos, estableciendo un contacto muy cercano con su producción. Memento Mori y la pureza escultórica Según lo expuesto, el barro y el gres son materiales inamovibles en la producción de este artista, y Memento Mori, proyecto artístico desarrollado durante el pasado 2014, es un perfecto ejemplo de esa fascinación por la escultura en cerámica. La idea en torno a la cual oscila su proyecto parte del concepto de la muerte como episodio final para el hombre entendido desde su forma corpórea. Bajo ese concepto, el espíritu y, por consiguiente,

su esencia, se presentan como algo inmortal, como el inicio de un nuevo camino. Entre ese aparente final y ese nuevo principio se inserta la presencia de la fosilización, y, con ella, el rastro de lo que algún día estuvo, de lo que alguna vez fue. Es la idea del todo que pasa a transformarse en un mínimo, donde toda reminiscencia de lo físico desaparece y donde la esencia se observa desde el punto de vista de una nueva realidad, saliendo a flote para presentarse ante la mirada del espectador. Siendo siempre consciente de esa temática que le aborda, sus obras inician desde el carácter pétreo, ascendiendo en forma vertical o levantándose tan solo unos pocos centímetros del suelo. Tal y como nos cuenta, para llevar la obra a su creación es necesario el contacto directo con el material con que trabaja, hecho que permite que sus ideas se materialicen rápidamente frente a él, recurriendo, aun a pesar de que la forma esté previamente concebida, al azar y a la aleatoriedad propias de un material plástico que es, en ocasiones, impredecible. El resultado es de una gran pureza; piezas que recurren a muy pocos elementos que educoren o dañen los colores terrosos naturales propios de

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“Lo que hiciste ayer puede no servir hoy, pero será fundamental para mañana”

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 Paisajes olvidados no. 16  Paisajes olvidados no. 17  Paisajes olvidados no. 21  Paisajes olvidados no. 29 32

Alzamientos Inertes 4  Alzamientos Inertes 32 


pablo josé de heredia sánchez

la cerámica. Con esta mentalidad, se nos presenta, por medio de la petrificación, de la solidificación, la esencia de una forma, su parte más básica y primitiva. La máxima sencillez de un concepto ampliamente desarrollado. Una labor incesante Pablo José de Heredia Sánchez cuenta en su trayectoria con un gran número de exposiciones individuales y colectivas. Destacamos, entre aquellas de carácter individual, la exposición titulada Cimientos de barro, realizada en 2013 en la Sala Carmelina Sánchez Cutillas de la ciudad de Valencia y aquella que exponía el proyecto artístico del cual hablábamos y que recibía el mismo nombre de Memento Mori, realizada en el Espacio Cultural de les Coves del Batà en la localidad de Paterna, Valencia. Entre sus exposiciones colectivas, encontramos Ideas en proceso, llevada a cabo en Las Atarazanas en 2012, Grafías Urbanas, en el Círculo de Bellas Artes en

2013, y Cos i Terra, instalación escultórica ubicada en el Palau dels Borgia en 2013, todas ellas dentro de la provincia de Valencia. En la actualidad, el artista sigue trabajando intensamente enfocado en el tema de los recuerdos. Como son muy preciados aquellos que se viven durante la infancia, y que se acumulan con el paso de los años, sigue inmerso en ese concepto de construcción y de superposición, acumulando piezas del mismo modo que se acumulan los ladrillos de una pared para desembocar en su forma y su función. Por todo ello, lo expuesto hasta ahora constituye una pequeña parte de lo que Pablo José de Heredia Sánchez ha realizado hasta el momento y el inicio de una actividad artística que no cesa y que se mantiene en continua evolución y crecimiento. Sin duda, seguiremos de cerca el trabajo de este joven artista, y seguro que en un futuro no demasiado lejano The Lighting Mind volverá a hacerse eco de la obra que un artista de tan gran calibre nos ofrece. 33


artistas tlm

DAvid mas

David Mas, segundo artista de cuyo trabajo hablase The Lighting Mind hace escasos meses, nace en Crevillente, pequeña población de la provincia de Alicante, en 1980. En la entrevista que nuestro equipo editorial le realizó con motivo de su selección para nuestra web, contaba que, desde que puede recordar, ha sentido gran fascinación por el arte en sus diferentes manifestaciones, aunque reconoce que desde muy pronto floreció en él una desbordante pasión por el diseño, hecho que se hace patente en la labor que desempeña como diseñador gráfico a día de hoy. Estudió diseño gráfico en la escuela Natural Formación de Elche, Alicante, y cuenta igualmente con varios cursos en COCO School, escuela ubicada en la misma ciudad. Actualmente vive en Dallas, Texas, desde que hace algo más de año y medio le surgiera la posibilidad de instalarse allí. Nos contaba que la valoración por el trabajo de las artes gráficas es mayor en Estados Unidos que en nuestro país, y actualmente busca que su trabajo sea parte de una gran agencia de publicidad o de un estudio creativo. Reconoce que poder vivir esa experiencia sería un importante avance en su carrera. El compromiso diario de One Day, One New, One Print. Ese temprano interés de David Mas por el arte llega con fuerza hasta la actualidad. La pasión por ese campo se refleja en el trabajo que ahora desempeña, y seguro lo seguirá haciendo en el futuro. Desde niño, sentía mayor fascinación por el logotipo de los juguetes que por el juguete en sí mismo, admirando su packaging y desplazando el interés por su interior a un segundo plano. Sin duda, un comportamiento basado en la observación que desemboca ahora en una extensa y comprometida labor. One Day, One New, One Print fue el proyecto que David Mas hizo llegar al equipo de The Lighting Mind y cuyo conjunto de trabajos despertó, desde el principio, nuestro interés. Confiesa, aunque no sea necesario, que la inspiración que motiva a este proyecto es diaria, hecho por el cual mantiene una constante y actualizada información día a día en busca de noticias destacadas en varios periódicos tanto nacionales como internacionales, con el claro objetivo de crear un diseño que represente la esencia de esa noticia, sin dejarse influir, sin que los diversos puntos de vista que giran en torno a un suceso dañen su visión, representando la noticia con ese característico impacto visual que el artista alicantino nos ofrece y dejando que el espectador represente a su manera lo que observa, 34


david mas

dotando a su trabajo de una máxima transparencia, apartando a un lado sus preferencias, gustos e ideologías. Es una perspectiva diferente a la que nos ofrecen los medios de comunicación que nos desbordan diariamente, en los que el punto de vista de la noticia depende de numerosos factores que enmascaran la auténtica realidad o que esconden al público algunas partes. David Mas se dedica a mostrar la noticia, sencilla y concisa, a través de la imagen con escaso texto, más como aproximación que como información, pero suficiente para incitar a cada uno a adentrarse en su personal reflexión. Este proyecto, en su más primario comienzo, empezó como un reto personal, buscando crear algo único que demostrara su espíritu de superación, esfuerzo y creatividad y de lo que pudiera servirse para extender su portfolio. Pidiéndole cada vez más, hace ahora unos diez meses se propuso el compromiso de un diseño por día durante un año, por lo que a día de hoy podemos ver un número aproximado de 300 diseños. Y dado que siente predilección por la práctica del lettering y la ilustración a mano, ambas disciplinas influyen directamente, haciéndose evidentes en la estética de sus diseños. El resultado, que David Mas nos ofrece al completo en su web personal, conserva esa característica estética del magazine, en parte por su pasión por las portadas de revistas como New Yorker, Esquire, Wired o Time. Le gustan las redes sociales y reconoce que son un gran medio para que proyectos como el suyo llegue al mayor número posible de personas. Aún así, sabe que existe una masiva información en este tipo de medios, y aunque el like o el retweet se han convertido en términos contemporáneos y ampliamente utilizados, el artista huye de ese fácil reconocimiento que otros consideran suficiente. Un camino Aunque nunca ha realizado exposiciones individuales en el marco de las artes, David Mas ha realizado un sinfín de trabajos con los que podemos afirmar que es un artista plenamente activo. Otro de sus proyectos de promoción personal fue Mi Instagram Vitae, reconocido por varios medios nacionales e internacionales como una forma creativa y original de presentar un portfolio. Recientemente ha realizado una serie de ilustraciones para el libro que recibe por título 365 formas de pedir trabajo, de Oscar Arenas Larios, que vio la luz a finales del pasado año 2014.

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“Solo quiero ser un diseñador gráfico 100% natural”.

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david mas

Nos cuenta que, como buen alicantino, corre por su sangre la pasión por las fiestas de Moros y Cristianos, hecho por el cual en octubre, coincidiendo con las fiestas de su pueblo natal, Crevillente, declaradas de interés turístico nacional, decidió publicar en formato digital una obra que unía su devoción por la fiesta y por el diseño gráfico, realizando ilustraciones de todos los trajes masculinos de cada comparsa participante en el evento. Como puede verse, un comprometido y exhaustivo trabajo que no cesa en su avance y que, por suerte, podemos ver en su totalidad en la web para deleite de todos los que amamos el arte. www.davidmas.info www.oneday-onenew-oneprint.tumblr. com

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martín feijoó

Martín Feijoó nace en Buenos Aires en 1981 y vive hasta 2006 en el barrio de Haedo. Desde ese año, fecha en que se instalara en Madrid, se ha dedicado al desarrollo de ideas, aunque, más concretamente, es la publicidad lo que ocupa su interés desde hace más de diez años. Dice que el arte es algo que forma parte de la vida de todos, y no únicamente de unos pocos, gracias a las infinitas formas de manifestarse que nos ofrece. En el caso de Martín Feijoó, comenzó su andadura artística con el dibujo y la pintura, y, aunque estudió dibujo siendo niño, la mayor parte de su aprendizaje es de carácter autodidacta. Con el tiempo, ha conducido su trabajo hacia el mundo de los cuentos cortos e incluso del arte callejero. Afirma que la publicidad permite estar siempre a la vanguardia de las ideas artísticas y que la base de lo que hace es experimentar siempre con todo aquello de lo que dispone, buscando diferentes resultados que atrapen su atención. De este modo, dice, no se establece una monotonía y resulta difícil cansarse de un trabajo que muta día a día. De forma paralela, lo que le inspira para trabajar es visceral. En el camino que va desde la primera idea hasta su materialización se encuentra todo un desarrollo que disfruta en su totalidad porque, tal y como insiste incesantemente, ha de disfrutar cada parte de lo que hace. Para su inspiración aprovecha todo lo que ve, lee y escucha. Cualquier cosa y cualquier momento son idóneos para absorber una idea y comenzar a desarrollarla. Shaping Clouds, entre fotografía y dibujo Shaping Clouds, proyecto gracias al cual el equipo de The Lighting Mind conoció a Martín Feijoó, surge de la observación y del encuentro casual en un viaje a la zona central de México el pasado verano. En un país tan extenso, en el que pasó largas horas en carretera en conexión con el paisaje, comenzó a capturar fotografías de las nubes y de sus caprichosas formas. De vuelta a Madrid, seleccionó una parte 40


martín feijoó

de ese material y comenzó a crear un figuras a partir de una forma previamente delimitada. Durante el proceso de dibujo, el proyecto fue en continuo crecimiento, dotando de personalidad a sus dibujos, aprovechando cada forma para darle sentido. Como creador, y por medio del presente proyecto, el artista recurre a la prueba, a la experimentación y a ese deseo de conseguir algo más, dirigiéndose hacia la complejidad que desemboque en un trabajo con madurez. El resultado refleja su lenguaje más personal, el cual puede verse en un conjunto de dibujos en que el trazo se presenta como elemento decisivo en la obra. Este híbrido, situado a medio camino entre la fotografía y el dibujo, nos muestra en qué modo dos técnicas pueden coexistir.

Labor como escritor y otros proyectos Además de su actividad artística, Martín Feijoó es redactor publicitario en una agencia, aunque también escribe por libre, sin marcas ni características de producto. Ha publicado varios cuentos y pequeños relatos que es posible leer en la web. Algunos de sus cuentos han sido publicados en un libro llamado Historias que no venden nada: lo que escriben los publicistas cuando no piensan en marcas, el cual recopila cuentos de creativos publicitarios argentinos que trabajan en agencias de todo el mundo. Acaba de finalizar y publicar su último proyecto, titulado Impossible Magnets, una serie de souvenirs inspirados en lugares que hemos visitado en nuestra imaginación realizado junto a dos amigos ilustradores y un estudio de portugal que, tras conocer el potencial del proyecto, quiso colaborar en su ejecución.

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“Como dice una canción: la vida es simple, la gente la complica”

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 T Rex  Russian Chicken  Long Neck Platypus

Boxing turtle 

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DAvid furió

David Furió nace en Valencia en 1989. Con tan solo 25 años, es el artista más joven de los que presentamos en el bloque de creadores para los que The Lighting Mind dedica semanalmente sus esfuerzos en la web, y que ahora forma igualmente parte de una publicación en nuestro revista. En la entrevista que le realizamos con motivo de su selección, y donde pudimos conocer más sobre su vida como artista y sobre su trabajo como tal, nos contaba que estudió Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia, licenciándose en 2013, y en la actualidad finaliza un Máster en Producción Artística que ofrece la misma universidad. La escultura como epicentro El interés por el arte ha estado presente en la vida de este artista desde hace años, pero fue concretamente en el momento en que inició sus estudios artísticos cuando floreció en él una desmedida pasión por la escultura al descubrir la innumerable cantidad de opciones que dicha disciplina le ofrecía. Admite que es un trabajo duro e intenso que requiere un gran compromiso, pero cuyos frutos, una vez alcanzados ciertos objetivos, son de una inmensa satisfacción. Debido a esa devoción, David Furió trabaja principalmente en el campo de la escultura y, en un estado de evolución continua, ha encaminado su trabajo plástico hacia el concepto de instalación, convertida en la actualidad en parte inamovible de su producción artística. Su inquietud se centra en la búsqueda de la pureza plástica a partir de las morfologías geométricas, así como el dialogo del espectador con la obra y de ambos con el espacio. Su interés artístico, aferrado a su propia vivencia, le conduce a una lucha continua con el claro objetivo de relatar una historia sin la necesidad de la palabra. De espacios y silencio, instalación escultórica David Furió nos sorprendía hace algún tiempo con su excelencia escultórica y acabó de atrapar nuestro interés con el uso que hace de ella para desarrollar el concepto de instalación, que, aunque parte de unos parámetros establecidos, posee mucho de un carácter propio y personal. La base de

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david furió

ese artista valenciano es puramente escultórica, y del encuentro en su extensa experimentación con dicha disciplina incita al espectador a adentrarse en la búsqueda de sentimientos a través de los múltiples estados que es capaz de obtener. Esos sentimientos, profundamente arraigados tanto en su producción como en la misma vida del artista, son objetivos claros en su intenso trabajo. David Furió nos adentra, por medio de su obra, del silencio, invitándonos a reflexionar, cada uno a su modo, a través del encuentro físico con la obra y, del mismo modo, nos envuelve con el espacio que nos ofrece. Tal y como remarcábamos en su publicación en la web, De espacios y silencio no es un proyecto artístico en sí. El citado título corresponde a un estado, una fase en su trabajo, que muestra a este artista como alguien que está en continua formación y crecimiento. Por todo ello, constituye la demostración de un compromiso artístico que inicia años atrás, por el que lucha día a día para que siga evolucionando. Por medio de la sencillez en las formas, David Furió nos regala una armoniosa visión a través del carácter solemne que poseen sus obras. Pero, si apreciamos el uso que hace de ellas, entendemos que la instalación, su concepto y su mensaje son de absoluta importancia para entender su trabajo más actual, aquel en que reside su fuerza y su madurez como artista. La instalación no conforma únicamente un modo de presentación o disposición de piezas en un espacio determinado. Todo está pensado, previamente meditado al detalle, por lo que el azar no tiene cabida en esa disposición que tiene la clara intención de adentrarnos en una idea que nos aproxima a todo aquello que se gesta en el interior del artista. Tan importante e inseparable en su producción ha llegado a convertirse este concepto de instalación escultórica, que tratar de hallar una lectura a través de la individualidad de sus obras sería imposible, pues es en el encuentro de los elementos distribuidos en el espacio donde podemos extraer conclusiones e iniciar un diálogo que no precisa de palabras, así como para disfrutar de ese excelente impacto visual. La escultura, entendida desde su concepto más primario, deja de existir y va mucho más allá, buscando la complejidad.

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“Uno es lo que hace”

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 Cartografia del Silenci  Estudi no. 6 50

Composiciones en 3D 


david furió

Aunque pueda sentir mayor predilección por algunos materiales a la hora de construir y ensamblar sus piezas, David Furió hace uso de todo aquello necesario como medio de transmisión artística, utilizando materiales que van desde el hierro y acero hasta la madera o la piedra. Una continua evolución Este artista valenciano sigue trabajando de forma intensa en la actualidad. Nos cuenta que se encuentra en un cambio de entendimiento del arte, escapando de la necesidad del producto acabado para que una producción funcione. Se adentra, por ello, en la actividad artística del proceso, entendido como un trabajo de interacción entre proyecto, materia y espacio. Señala que, una vez entendido tal concepto, hay que hablar de cuáles son los factores que inciden en la formalidad de una obra en concreto. Y hacia ese estado de investigación se enfoca su labor más contemporánea, en la reflexión como punto de partida y en la búsqueda de la racionalidad de su producción como artista.

Aunque la trayectoria de este joven artista es corta, su incesante trabajo en el campo de la escultura le ha hecho merecedor de diversos premios y distinciones, tales como el Primer Premio de Escultura Grupo ASV Almería y el Primer Premio de Escultura del XV Concurso de Artes Plásticas Galileo Galilei. Sus exposiciones son numerosas. Ha realizado algunas muestras individuales, donde destacan la de la Sala Mesón de Morella y la de la Sala de exposiciones Els Porxets “Espai Moret”, y algunas colectivas en salas y ferias, como la de la EXCO ’12 en el Salón Internacional de la Construcción. Su obra se encuentra en algunas instituciones, como es una escultura pública en los jardines del Excl. Ayuntamiento del Mareny de Barraquetes (Valencia), y otras en el Colegio Mayor Galileo Galilei y en el Tanatorio Grupo ASV Almería.

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martha fernández

Martha Fernández, nacida en Valencia en 1988, es un perfecto ejemplo de una artista que ha dedicado toda su vida al arte. En su familia hubo siempre auténtica fascinación por la pintura, por lo que la influencia artística ha estado siempre presente en ella. Desde una temprana edad comenzó a experimentar con la pintura al óleo y, aunque en principio fue de forma intermitente, esa actividad primeriza llega hasta hoy con fuerza, haciendo de ella parte de su vivencia diaria. El año pasado se graduó en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia y en la actualidad cursa un Máster de Producción Artística en la misma universidad. Desde hace poco más de un año, fecha en que comienza a definir qué es aquello que le motiva para mostrar al público por medio de su obra, desvía ese interés hacia la crítica ecológica, por lo que los temas que derivan de la naturaleza son actualmente el foco principal de su trabajo. La observación del medio natural, el uso de la fotografía, la recolección de vegetales y el esbozo como idea previa constituyen parte de un sólido proceso que le conduce a volcar sus inquietudes más personales en sus proyectos artísticos. Cuatro miradas al mundo vegetal Cuatro miradas al mundo vegetal, proyecto con el que conocimos a Martha Fernández, recoge las ideas y conclusiones de un proceso de investigación artística con el que se ponen sobre la mesa, desde un punto de vista de observación y reflexión, propuestas que abordan cuestiones de un marco teórico centrado en la crítica del concepto que en la actualidad se aplica al paisaje: el de la construcción social que busca una satisfacción para adaptarse a una serie de necesidades contemporáneas. Hemos llegado, nos cuenta, a una ruptura con el medio natural, hecho que desemboca en un claro deterioro de su estado original. A través de la belleza de sus obras, se encamina hacia una concienciación de crisis ecológica que exige con urgencia un cambio de comportamiento, y para conseguirlo, el arte y su práctica se presentan como fuertes y eficaces herramientas que apoyen la sensibilización y la educación en un tema que comienza a ser delicado. Por medio de una mirada amplificada de la periferia vegetal, su modo de mostrar lo bello, lo cercano, lo latente, lo sutil y lo efímero del mundo vegetal más desapercibido y diminuto, que por lo general pasamos por alto, son suficiente impulso para desarrollar su producción.

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martha fernández

El proyecto proyecto engloba obras muy diferentes, tanto en técnica como en formato, aunque este último, por lo general, no excede de unos pocos centímetros. Todo ello le traslada del entorno natural a su taller, donde es posible encontrar docenas de obras producidas con la técnica del óleo, la acuarela o el grabado, así como pequeñas piezas realizadas con metales, algunas creadas desde cero y otras materializadas tomando como modelo los propios objetos que recoge en el camino, oscilando con frecuencia entre los conceptos de lo efímero y lo eterno. Dicho proyecto tiene una gran extensión, por lo que, con la intención de tratar diversos puntos, la artista divide el mismo en cuatro grandes bloques titulados Improntas del paisaje, En aumento, Huellas de Rosa y Germinal. Como es su deseo, Martha Fernández nos mantiene en contacto directo con lo natural, acercándonos a la idea de que, en numerosas ocasiones, creemos necesarias cosas que en realidad no lo son, invitándonos a entrar en esos pequeños mundos que ella misma crea. El resultado, pese a su pequeño formato, es impactante, y aunque toma como base el producto del paisaje, nunca se aleja de su carácter de obra de arte, pues reivindica su función como tal. Martha Fernández en la actualidad Actualmente, la artista sigue en esa línea de trabajo, el de la naturaleza y el de su manifestación a través del pequeño formato. El paisaje evoluciona a raíz de la investigación llevada a cabo en Cuatro miradas al mundo vegetal, desembocando ahora en un punto de vista más sintético y abstracto. El paisaje comienza a cambiar, tal y como nos cuenta, y se convierte en una especie de diario que surge de la observación y de la vivencia con el paisaje. Comienza a cuestionarse qué conoce de esos lugares o qué necesita conocer, qué es lo que puede extraer de él y qué lecturas sirven al propósito de su labor pictórica. Según lo expuesto, el paisaje tiene para ella numerosas facciones, desde su lado más poético hasta el más crítico. Las primeras obras en torno a este nuevo paso, todavía en proceso de ejecución, reciben el nombre de Paisajes lejanos, paisajes cercanos, y de los que el equipo de The Lighting Mind ya ha podido ver una parte. Además de todo esto, encuentra desde hace poco una fuerte inspiración en el concepto asiático de la naturaleza, cosa que le influye notoriamente, y a través de este modelo encamina su trabajo hacia la crítica de la destrucción del paisaje que con frecuencia se da en Occidente.

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“Recuerdos persistentes, alusiones a la belleza efímera, una acuarela que en su día retrató una flor, una flor seca que un día fue savia, que un día fue rosa”

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Sin tĂ­tulo, obra de la serie Germinal ďƒ? Algunas obras del proyecto Paisajes lejanos, paisajes cercanosďƒœ

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Entre las actividades que destacan en su recorrido artístico destacan las exposiciones colectivas de En construcción, realizada en el Centro Cultural de Benaguacil (Valencia) en 2014 y Bosque Arte: Vicencias educativas de representación visual, llevada a cabo en Polonia en el mismo año. Destaca igualmente en 2014 su intervención en Russafart, evento que tiene lugar en Valencia de forma anual.

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natalia vas

Natalia Vas nace en Buenos Aires, Argentina, en el año 1979. Estudió Diseño en la Universidad de Buenos Aires y al mismo tiempo se especializó en diversas técnicas artísticas por medio de talleres de dibujo, pintura y escultura. Desde hace algunos años vive y lleva a cabo su labor como artista en El Masnou, pequeño pueblo de El Maresme, ubicado en la provincia de Barcelona. Las obras de esta artista plástica y diseñadora multidisciplinar, en las que prevalece la pintura como técnica artística, posee un estilo muy personal y característico, pues escapa a la ejecución más convencional y academicista. Sigue un proceso conocido como dáctilopintura, habitual entre los procesos que interfieren en el campo de las manualidades, por lo que la paleta y los pinceles permanecen ausentes a la hora de pintar, y sus manos, sus dedos y el propio gesto con las únicas herramientas que la artista necesita para plasmar la forma sobre el lienzo, superficie sobre la que los propios colores se mezclan y comienzan a adquirir sentido. Esta forma de pintar, poco conocida y que con escasa frecuencia podemos encontrar entre aquellos artistas que poseen cierta trayectoria, se ha convertido en un hábito necesario en su producción; sin ella, asegura, no sería capaz de dar forma a sus figuras humanas, porque necesita sentir la pintura para que sus ideas se transmitan fielmente sobre el lienzo. Tal procedimiento, como casi cualquier cosa, tiene un claro origen que la artista de origen argentino recuerda con cariño, y es que durante su infancia comenzó a sentir fascinación por la pintura aplicada con los dedos y a adquirir ciertas dotes que ha ido desarrollando con el paso de los años hasta convertirse en la perfección que en la actualidad vemos en sus obras. Es el perfecto ejemplo de cómo una experiencia primeriza se convierte en un estilo por antonomasia, que instaura las bases de una particular sensibilidad a través de la conexión directa con el material, depositando, de esta forma, el máximo potencial posible.

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natalia vas

Fragmentos Natalia Vas afirma ser una persona con una gran curiosidad y nos cuenta que parte de los resultados con los que se siente satisfecha son fruto de esas ganas por descubrir siempre algo nuevo. Extrae beneficio de todo aquello que observa, y ello es lo que en los últimos años le ha mantenido con intensidad en su producción, desembocando en el proyecto titulado Fragmentos, algunas de cuyas obras nos hizo llegar el pasado mes de noviembre a través de nuestro espacio de convocatoria semanal para artistas. Aunque la estética se mantiene similar en sus obras, y aunque por esa misma razón pueda parecer elaborado dentro de un plazo de tiempo cercano, las obras que lo componen iniciaron años atrás y siguen en proceso a día de hoy. Por ello, puede afirmarse que su producción es lenta y pausada, meditada a cada paso y cuidadosamente ejecutada. La artista, antes de iniciar su pintura, tiene claras una serie de pautas y formas, y poco a poco las deposita sobre la superficie pictórica con ese proceso tan personal que nombrábamos anteriormente. Fragmentos explora en los rincones más escondidos del ser humano y, en concreto, se centra con mayor esfuerzo en las características que dan forma al alma humana. Estas son las razones por las que las figuras de sus obras aparecen despedazadas y con fracciones que parecen sugerir que el cuerpo se destruye o se separa en multitud de partes pero, lejos de esa idea, Natalia Vas nos remite al proceso de formación, de nueva construcción. Son pequeños trozos de un alma que, a través de la materialidad que ofrece el cuerpo, luchan por dar forma a sí mismos.

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“Pintar con los dedos, sin utilizar pinceles, e mediante la cual puedo explotar al mĂĄ

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es una forma diferente de experimentar el arte åximo mi creatividad, fluidez y potencial�

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Más allá de Fragmentos

 Renacer

Sus obras han estado expuestas en distintos espacios expositivos de todo el país y se han mantenido en itinerancia por otros tantos alrededor de Europa y de Estados Unidos. Por ello, la trayectoria artística de Natalia Vas, que ya empezó años atrás, tiene una considerable importancia.

 Vientre  Regeneración

Sus esfuerzos no finalizan en su actividad plástica. Debido a su experiencia, imparte clases de dáctilopintura en un taller de El Masnou y en otro de la ciudad de Barcelona. En ocasiones, sale de su docencia habitual para transmitir sus conocimientos en diferentes ciudades de nuestro país y de otros países.

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rubén torras

Rubén Torras, último artista seleccionado para formar parte del elenco del primer número de nuestra revista, nació en Sant Vicenç de Montalt, un pequeño pueblo del Maresme, en la provincia de Barcelona, en 1978. Sus inicios en el arte se remontan a su juventud, en unos años en que, con tan solo quince años, colaboraba en una revista local conocida como Montalt Informatiu, haciendo una tira de viñetas de cómic parodiando hechos de su pueblo, tarea que llegó a desempeñar gracias a su padre, gran retratista, que diseñaba muchas de las portadas de la revista. Por ello, reconoce que su padre fue uno de los que le influenciaron en su devoción por el mundo del arte. Se interesó por la música electrónica y comenzó a estudiar para convertirse en técnico de sonido, aunque abandonó esta idea para decantarse por los estudios artísticos en la Facultad de Bellas Artes de Barcelona. Allí se licenció y, con posterioridad, obtuvo el Máster de Creación Artística, Realismos y Entornos que ofrecía la misma universidad.

La importancia de la imagen y de su combinación Su trabajo artístico se centra en el análisis y la experimentación sobre imágenes ya existentes, hecho por el cual toma la fotografía ya impresa o la imagen en formato digital como puntos de partida. Se apropia de esas imágenes, cambia el contexto en que están inmersas y las manipula, jugando con diferentes formatos y buscando resultados que oscilan entre lo plástico y lo digital. Nos cuenta que gran parte de las imágenes y fotografías que nos rodean, formando parte de nuestro día a día a través de revistas, redes sociales y otros medios, son imágenes que pertenecen a un deseo de lo que nos gustaría ser o vivir, pero que carecen de una auténtica realidad. Su proceso se centra en la combinación y la experimentación con distintos materiales en búsqueda de resultados de diversa naturaleza. Sus obras cuentan para su producción con las técnicas digitales, el collage y la serigrafía, entre otras, buscando la obtención de un perfecto híbrido entre diferentes disciplinas, pero girando siempre en torno a una serie de procesos pictóricos que con frecuencia hacen su aparición. A través de la fusión de medios

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artísticos, el artista asegura encontrar un equilibrio a la hora de plasmar sus inquietudes y de manifestar las diversas temáticas que componen su producción que oscila constantemente entre múltiples realidades, combinando las fronteras existentes entre los espacios tanto naturales como artificiales, dando como resultado la representación de una serie de nuevas características que definen la identidad cultural contemporánea. Arqueologies, el discurso a través del collage Arqueologies, proyecto artístico con el que Ruben Torras se dio a conocer en The Lighting Mind, y que ha sido elaborado durante el pasado año 2014, se compone de una serie de obras donde el fotomontaje toma un importante papel como técnica narrativa, mediante la cual indaga en el carácter documental y en el campo de la ficción, buscando romper las fronteras de la común y acostumbrada aceptación que anteriormente han permanecido inamovibles. Bajo esta premisa, Rubén Torras recurre a imágenes que no han sido capturadas por él; fotografías de archivo tomadas mucho tiempo atrás, propias de una era analógica que hoy, para bien o para mal, se ve superada por una era digital que no para de crecer. Sus creaciones no se decantan ni por una ni por otra, sino que se nutre de ambas, tomando todo lo que pueden ofrecerle dos épocas situadas en extremos claramente opuestos, aprovechando tanto lo anterior como lo nuevo y centrándose en la búsqueda de un nuevo discurso por medio de la producción artística. Por todo anteriormente expuesto, es frecuente ver la mezcla de elementos parciales extraídos esas imágenes de las que el artista hace uso, apropiadas con la intención de ser manipuladas y combinadas de forma incesante, para dar lugar a resultados muy variados y que, en ocasiones, muestran en su superficie evidentes oposiciones, dando lugar a una elaborada descontextualización del objeto en su estado original y generando una visión fresca a través de la renovación visual. Dichos resultados son situaciones imposibles, pero, aceptando la situación de sumergirnos en ese collage tan elaborado, podemos llegar a creer lo que vemos, llegándolo a aceptar como una realidad posible, como una más, aún a pesar de la inverosimilitud y la irrealidad en las que el artista nos sumerge.

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“Trato de relacionar lo ya existente con el fin de explorar en lo desconocido�

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En estas páginas, algunas de las obras que conforman la serie Arqueologies

Otros trabajos Por otro lado, Rubén Torras trabaja en torno a los temas audiovisuales, por lo que en la actualidad, junto a un amigo, el también artista Esteban Rubira, experimenta en la sincronización de audio con la imagen de vídeo en directo. Este proyecto, que todavía se encuentra en un estado primario, recibe el nombre de Noise from the Pole. En solitario, trabaja con serigrafía en una serie llamada CMYK_Low Ink. El artista catalán fue recientemente premiado en la última edición de Incubarte, Festival Internacional de Arte Independiente celebrado en la ciudad de Valencia. Paralelamente, expuso el pasado octubre en la Galería Atelier de Barcelona y en la Galerie Dok en Suiza. En diciembre pudimos verle como uno de los artistas invitados en el evento Spamdarts, llevado a cabo en la Sala Zero de Roca Umbert Fàbrica d’Arts y que nuestra colaboradora Rosa Bastos, autora del blog de Articulación Cultural, recogió en un artículo para nuestra web. www.rubentorras.com 69


un detalle

Tristán e Isolda (Slevin Aaron) Entre 2014 y 2015, Slevin Aaron decidió revivir a estos dos personajes. Devolver a la vida su historia, su amor, fuera por una poción mágica o no. Si cierro los ojos y pienso en lo que significa el amor me viene a la mente la primera luz de la mañana entrando por la ventana, el respirar hondo desde la cama y saber que un día más te levantarás a su lado. Cuando sales del trabajo de mal humor y piensas en los abrazos y caricias que te esperan en casa. El día en que te impides perder el rumbo, perder la fe en todo lo que existe, por esa única persona. El saber que hay alguien que se dejaría salvar por ti. Pero cuan curioso es el amor que nos da vida y nos la quita a la vez. No iba a ser todo un camino de rosas. Como el arte, que a veces saca lo mejor de nosotros y a la par nos arrebata todo lo que llevamos dentro, dejándonos a solas con el “¿y ahora qué?”, abro los ojos y los veo a ellos, yaciendo entre la maleza oscura, envueltos por la luz tenue y cálida que parece que ellos mismos emanen, como si fueran la única esperanza, como si su amor fuera nuestra única salvación. La suavidad, la paz que flota en la atmósfera, es casi palpable. Sientes el calor de su pecho, su mano cogiéndote lo más fuerte posible, protegiéndote, susurrándote que todo va a ir bien. Si hubieran existido, probablemente no habría mejor representación de su historia. Ese haz de luz al final del túnel, el calor de un hogar. “De verdad que todo irá bien”. Abro los ojos y veo un fotógrafo que ha sabido sacar su propio corazón, que desde el anfiteatro de nuestras casas ha hecho que los levantemos de la silla y gritemos “¡Protégela Tristán, es y será tu único amor!”. Algunas fotografías, al igual que sucede con algunas personas, perdurarán toda la vida.

Tamara Álvarez López

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Revista de arte - ATELIER #01  

Revista digital de arte perteneciente a la plataforma de difusión The Lighting Mind.