Issuu on Google+

CICLO: «CINE DEL XXI» Octubre 2012 - Febrero 2013 CCM ROJAS POLÍGONO MES

22 29/30 05/06 12 19 26 03 10 17 07 14 21 28 04 11

23 --13 20 27 04 11 18 08 15 22 29 05 12

24 31 07 14 21 28 05 12 19 09 16 -30 06 13

10 10 11 11 11 11 12 12 12 01 01 01 01 02 02

PELÍCULA

MOONRISE KINGDOM SI QUIERO SILBAR, SILBO SHAME LAS NIEVES DEL KILIMANJARO WILAYA KISEKI (MILAGRO) MISS BALA UN AMOUR DE JENEUSSE AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO THE DEEP BLUE SEA ELENA HARA-KIRI TAKE SHELTER L´APOLLONIDE (Casa de Tolerancia) SIEMPRE FELIZ

PASES: Centro Cultural CCM (C/ Talavera): 20,00 H. ROJAS: 19,00 y 22,00 H. Santa Mª de Benquerencia Polígono (Sala Thalía): 20,00 H.

VENTA ANTICIPADA: Televenta CCM - 902 405 902 Precio 3 e/pase


CINE CLUB MUNICIPAL DE TOLEDO CICLO: «CINE DEL XXI» Han transcurrido doce años del siglo XXI. Ya podemos decir con cierta seguridad que abordamos los problemas de la nueva centuria. Y las dificultades para nuestro país, y para Europa en general, son grandes, difíciles de salvar. ¿Van a ser los obstáculos económicos los que van a definir el siglo? De superarlos ¿Volveremos a recuperar los famosos años del bienestar? ¿O tendremos que reconocer que aquella situación era producto de la irresponsabilidad? Ocurra lo que ocurra, mantengamos la esperanza de conseguir el desarrollo que nos merecemos. ¿Manifiesta el cine los problemas más destacados de este siglo? Para comprobarlo hemos seleccionado quince filmes de diez nacionalidades diferentes del mundo. Están representados países de Europa, América y Asia. Todas las películas están estrenadas en España en 2012 y once de ellas han sido premiadas en distintos festivales internacionales. Dramas y comedias demuestran que a los cineastas del mundo les siguen preocupando los problemas derivados del amor, de las relaciones personales, de la convivencia diaria, de la familia. El mundo de la infancia y de la adolescencia está presente en muchas de las películas.

3


«MOONRISE KINGDOM» 22, 23 y 24 Octubre D: WES ANDERSON. G: Anderson, Scott Rudin, Jeremy Dawson y Steven M. Rales. F: Robert Yeoman. M: Andrew Weisblum. MU: Alexandre Desplat. I: Bruce Willis (capitán Sharp), Edward Norton (Ward), Bill Murray (Walt Bishop), Frances McDormand (Laura Bishop) N: EEUU, 2012. Fecha de estreno: 15 – 6 – 12. D: 94 min. Film seleccionado para inaugurar el Festival de Cine de Cannes 2012. WES ANDERSON, considerado uno de los cineastas más importantes de su generación, nació en Houston, Texas, Estados Unidos, en 1969. Hijo de director de agencia publicitaria y de arqueóloga reconvertida en agente inmobiliaria, pasó la infancia, junto a sus dos hermanos, rodando películas en super-8. Estudió Filosofía en la Universidad de Texas, donde conoció a su futuro colaborador Owen Wilson, que coescribiría y protagonizaría su primer film: «Ladrón que roba a un ladrón» (1996). «Academia Rushmore» (1998), «Los Tenembaums» (2001), nominada al Oscar al mejor guión, «Life Aquatic» (2004), «Viaje a Darjeeling» (2007) , «Fantástico Sr. Fox» (2009), nominada al Oscar a la mejor película de animación, y MOONRISE KINGDOM (2012) componen una interesante filmografía dedicada a la comedia. ANDERSON admira a los directores Orson Welles y François Truffaut, al dibujante de comics Charles M. Schulz, al explorador Jacques Cousteau y al escritor Roald Dahl. Casi todos los personajes del tierno universo de ANDERSON han sido jóvenes, adultos o incluso abuelos que se resisten a crecer. El estilo cinematográfico de WES se reconoce a primera vista: suele colocar a los personajes en el centro del plano y mueve la cámara con travellings suaves. «Nueva Inglaterra, verano de 1965. En una isla donde se ha instalado un campamento boy-scout, Sam y Suzy, de doce años, se enamoran y establecen un plan secreto para fugarse y encontrarse en medio de la Naturaleza. Mientras amenaza la llegada de una fuerte tormenta, los habitantes de la isla se movilizan para dar con ellos.» MOONRISE KINGDOM tiene una banda sonora de lujo. Suenan piezas clásicas de Britten, Saint-Saëns y Schubert, varias canciones de Hank Williams y un hit del pop francés de los años 60, «Les temps de l’amour», de Françoise Hardy, cuya letra resume a la perfección el tono preadolescente e idílico de la película. El propio ANDERSON ha señalado que su film está inspirado en películas por las que siente una gran admiración y marcaron su preadolescencia: «Black Jack» (1979), de Ken Loach, «Melody» (1971), de Waris Houssein y «La piel dura» (1976), de François Truffaut. A esta preciosa fábula infantil nostálgica, evocadora y poética no hay más remedio que aplicarle el calificativo de bonita en el sentido más tradicional del término. 4


«SI QUIERO SILBAR, SILBO» (En cand vreau sa fluier, fluier) 29, 30 y 31 Octubre D: FLORIN SERBAN. G: Serban y Catalin Miyulescu, sobre la obra de teatro de Andrea Valaan. F: Marius Panduru. MU: Jean-Paul Wall. I: George Pistereanu, Ada Condeescu, Mihal Constantin, Clara Voda N: Rumanía-Suecia, 2010 Fecha de estreno: 25 – 4 – 12. D: 94 min. Premio del Jurado y Premio Alfred Bauer en el Festival de Cine de Berlín 2010 FLORIN SERBA nació en Resita (Rumanía) en 1975. Era un reconocido realizador de televisión en su país antes de ingresar en el Programa de Dirección de Cine de la Universidad de Columbia. SI QUIERO SILBAR, SILBO (2010) es su primer largometraje. «A Silviu (George Pistereanu) le quedan tan solo cinco días para salir del Centro de Menores. Un breve espacio de tiempo en el que descubrirá que su madre, hasta la fecha desaparecida, ha decidido regresar para llevarse con ella a su hermano menor, y en el que iniciará un romance con una trabajadora social.» Hace diez años, Catalin Mitulescu (director de la película «Como celebré el fin del mundo») visitó, junto a la dramaturga Andrea Valaan, un Centro de Menores, y plasmó sus sensaciones en el borrador de un guión de cine mientras ella escribía la obra de teatro «En cand vreau sa fluier, fluier». El director FLORIN SERBAN recibió el texto y quedó muy impactado. Tras desplazarse a un correccional y conocer a los jóvenes reclusos se decidió a realizar el film. Como enseñó la película «Cuatro meses, tres semanas y dos días», la planificación familiar estaba prohibida en la Rumanía comunista. El resultado de dicha política: aproximadamente dos mil niños y adolescentes (datos de la BBC) sin hogar y dedicados a la delincuencia. Situada casi íntegramente en la cárcel, con un estilo realista sin concesiones al sensacionalismo ni al heroísmo, SI QUIERO SILBAR, SILBO es un retrato creíble y, a ratos, conmovedor, además de un drama de tensión creciente a medida que se aproxima la libertad y se agudizan los problemas sentimentales del protagonista. Gran interpretación del joven George Pistereanu, que no era uno de los chicos del correccional donde se rodó el film ni tenía bagaje como actor. Fue nominado a Mejor Actor en los Premios del Cine Europeo.

5


«SHAME» 5, 6 y 7 Noviembre D: STEVE McQUEEN. G: McQueen y Abi Morgan. F: Sean Bobbitt. M: Joe Walker. MU: Harry Scott. I: Michael Fassbender (Brandon Sullivan), Carey Mulligan (Sissy Sullivan), James Badge Dale (David Fisher), Nicole Beharie (Marianne) N: Gran Bretaña, 2011 Fecha de estreno: 17 – 2 – 12. D: 99 min. Premio al Mejor Actor –Michael Fassbender- y Premio FIPRESCI en el Festival de Venecia 2011. Premio al Mejor Director y al Mejor Actor en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. STEVE McQUEEN (Londres, 1969) se dedica, desde hace más de veinte años, al mundo del video-arte. En 1999 obtuvo el prestigioso premio « Turner» de arte contemporáneo, Debutó en el cine en 2009 con el film «Hunger», premiado en varios festivales y sin estrenar en España. La película se centraba en la huelga de hambre que llevó a la muerte en 1981 al voluntario del IRA Bobby Sand. El papel de Bobby estaba interpretado por Michael Fassbender, que se dio a conocer con este film-. Y el brillante actor alemán repetiría con McQUEEN en este su segundo film SHAME (2011) «Brandon (Michael Fassbender) es un ejecutivo neoyorquino que tiene éxito profesional, un apartamento de diseño y una malsana adicción al sexo que convierte su existencia en un infierno. La llegada de su problemática hermana es un revulsivo en su atormentada vida.» Salvando las distancias, la visión de SHAME recuerda algo al film «American Gigolo» (1980), dirigido por Paul Schrader e interpretado por Richard Gere. Alguno de los elementos básicos del mundo atormentado que describía Schrader parecen filtrarse en el mundo de McQUEEN, Y Brandon tiene algo que ver con el personaje interpretado por Richard Gere. Ambos caminan por senderos imposibles, pues la redención está dominada por el fracaso. Un adicto es alguien que vuelve irremediablemente a algo que le atrae aunque ya no le produzca ningún tipo de placer. El protagonista de SHAME busca obsesivamente satisfacer sus apetitos sexuales pero da la impresión de que saciar sus deseos no le proporciona felicidad alguna sino todo lo contrario, una especie de vacío que le incita a volver una y otra vez al mismo punto de partida en busca de nuevos objetivos en idéntica dirección. La mirada de un adicto al sexo es un agujero negro que lo engulle todo: una vagina, un cuerpo, un rostro. SHAME empieza y acaba con el influjo de esa mirada sobre su objeto de deseo, y es trabajo del espectador juzgar su ética, ejercida por un personaje que funciona como un imán que atrae y repele por igual. Magnífica la interpretación de Michael Fassbender. 6


«LAS NIEVES DEL KILIMANJARO» (Les nieges du Kilimandjaro) 12, 13 y 14 Noviembre D: ROBERT GUÉDIGUIAN, G: Guédiguian y Jean-Luis Milesi, según el relato «Las pobres gentes», de Victor Hugo. F: Pierre Milon. M: Bernard Sasia. I: Ariane Ascaride (Marie-Claire), Jean-Pierre Darroussin (Michel), Gérard Meylan (Raoul), Marilyne Canto (Denise) N: Francia, 2011 Fecha de estreno: 27 – 4 – 12. D: 107 min. Espiga de Plata y Premio del Público en la SEMINCI de Valladolid 2011. ROBERT GUÉDIGUIAN nació en Marsella (Francia) en 1953. El cine del director francés es marsellés hasta la médula: vive en la ciudad y todas sus películas están rodadas y transcurren en ella, en el barrio popular de L’Estaque. El primer film de GUËDIGUIAN estrenado en España fue «Marius y Jeannette» (1997). «De todo corazón» (1998) y « La ciudad está tranquila » (2000) fueron premiados en festivales cinematográficos españoles. GUÉDIGUIAN, exmilitante del Partido Comunista francés, reivindica en su obra un cine social y proletario, fijándose en unos personajes con conciencia de clase, cada vez más olvidados desde la crisis del comunismo. Ariane Ascaride y Jean-Pierre Darroussin han protagonizado casi todas sus películas, «Michel (Jean-Pierre Darroussin) y Marie-Claire (Ariane Ascaride) viven felices, a pesar de que él, veterano sindicalista, acaba de perder su trabajo en el puerto de Marsella. Para festejar su aniversario de boda, sus amigos les regalan un viaje al Kilimanjaro, pero todo se tuerce cuando son asaltados por un par de jóvenes.» Los personajes de GUÉDIGUIAN son buenas personas, gente honrada y solidaria, con conciencia de clase, ahora perplejos por como la necesidad y la indigencia les enfrenta a unos con otros. Las películas de este cineasta siempre han contado la alegría de vivir de los más humildes, el drama de la existencia en clave de cuento lúcido y reivindicativo. Para ellos no hay crisis. La crisis es su estado natural y ahora, los mismos actores, los mismos personajes, se han hecho mayores pero siguen siendo los mismos, menos libres y menos iguales, unidos en la fraternidad frente al caos irreversible. Los pobres del mundo de hoy ya no son los obreros del mundo de ayer. Son todos esos jóvenes sin oportunidad de incorporarse al mundo laboral. Son todos los niños emigrantes que llegan hambrientos a las costas europeas. Son las víctimas de una orfandad precoz y destructiva. Así nos lo han contado Aki Kaurismäki, los hermanos Dardenne y, ahora, ROBERT GUÉDIGUIAN.

7


«WILAYA» 19, 20 y 21 Noviembre

D y G: PEDRO PÉREZ ROSADO. F: Óscar Durán.- MU: Aziza Brahim. I: Nadhira Mohamed, Memona Mohamed, Aziza Brahim N: España, 2011 Fecha de estreno: 11 – 5 – 12. D: 88 min En el cine del director valenciano PEDRO PÉREZ ROSADO, de marcado carácter social, la mujer es el epicentro. Así ocurría en «Agua con sal» (2005) y «La mala» (2008) y así ocurre en su última película WILAYA. «Fatimetu, una joven saharaui exiliada en España, regresa a su país tras 16 años de ausencia para asistir al funeral de su madre. Allí descubrirá que ha heredado la jaima familiar y la patria potestad sobre su hermana minusválida.» 37 años después de que España abandonara sus derechos y obligaciones sobre el territorio, la situación política del Sahara Occidental sigue sin resolverse. Vive desde hace décadas estancado en una interminable lucha sin cuartel que enfrenta al gobierno de Marruecos, que proclama su soberanía sobre la zona, y al Frente Polisario, el movimiento de liberación nacional que defiende la autodeterminación del pueblo saharaui. Pese a que en 1988 la ONU organizó un plan de paz en el que se acordaba organizar un referéndum para determinar el futuro del territorio, este nunca se ha celebrado. Con todo, la verdadera víctima del conflicto es el pueblo saharaui que vive dividido y en condiciones terribles: mientras la mitad de sus habitantes sufre los abusos por parte de los ocupantes, la otra sobrevive en los campos de refugiados. A diferencia de los casos francés y portugués, la filmografía española poscolonial de las últimas décadas es tan escasa en número de títulos como pobre en términos cualitativos. Algunas de las mejores películas de nuestros vecinos han profundizado en el pasado y en el presente de sus territorios conquistados. Podemos considerar WILAYA una rara avis dentro de la producción nacional por ahondar, desde los parámetros de la ficción, en la realidad actual del Sahara. WILAYA es el nombre con el que se conocen los campamentos de refugiados saharauis. El relato de WILAYA es sencillo, casi ingenuo, y despojado de consideraciones políticas, pero acierta a plantear el calado dramático de esta situación suspendida en el tiempo a través de esas figuras femeninas que representan la dignidad de todo un pueblo burlado por la historia. Las actrices no profesionales impregnan de verdad unos personajes que encarnan la clamorosa injusticia del desarraigo.

8


«MILAGRO» (Kiseki)

26, 27 y 28 Noviembre D y G: HIROKAZU KORE-EDA. F: Yutaka Yamazaki. MU: Quiruli. M: Hirokazu Kore-eda. I: Koki Maeda (Koichi Osako), Ohshiro Maeda (Ryunosuke Kinami), Nene Ohtsuka, Jo Odagiri N: Japón, 2011 Fecha de estreno: 20 – 4 – 12. D: 126 min Premio al Mejor Guión en el Festival Internacional de San Sebastián 2011 HIROKAZU KORE-EDA (Tokio, Japón, 1962), tras licenciarse en la Facultad de Literatura de la Universidad de Waseda en 1987, empezó a trabajar en TV Man Unión una gran productora de televisión independiente para la que dirigió muchos documentales de éxito. Debutó en el largometraje en 1995 con «Maborosi». «After Life»(1999), «Distance» (2001), «Nadie sabe» (2004), «Hana» (2006), «Still Walking» (2008) y «Air Doll»(2010) son sus anteriores películas más conocidas. Su nombre saltó a la fama en el Festival de Cannes de 2004, al proyectarse su impactante, minimalista y magnífica película «Nadie sabe» , sin duda una de las mejores películas sobre el mundo de la infancia, al cual vuelve ahora con KISEKI (2011). «Koichi, de doce años y Ryunosuke, de diez, son dos hermanos que viven separados y en ciudades distintas tras el divorcio de sus padres. Koichi está con su madre, que no tiene trabajo, y con sus abuelos, un poco extravagantes.. Ryunosuke se ha quedado con su padre, un músico a quien no le van demasiado bien las cosas. La inauguración de una línea nueva de trenes bala (Shinkansen) entre Kagoshima y Hakata despierta en los niños la ilusión de volver a estar juntos. (cuenta la leyenda que cuando dos shinkansen se cruzan a 250 kilómetros por hora cualquier deseo que pidas se cumplirá en poco tiempo).» El cine de HIROKAZU KORE-EDA ha tenido desde aquella espléndida Nadie sabe una especial habilidad para retratar el mundo de los niños sin desdeñar ni su inocencia ni sus partes oscuras. Si entonces nos proponía una negrísima película sobre unos menores abandonados por su propia madre que sobreviven en la indigencia, con su nuevo film, el bello KISEKI, nos propone una fábula narrada con tono aparentemente ligero y jovial en la que el autor se adentra en los misterios de dos jovencísimos hermanos que viven separados por el divorcio de sus padres, uno con cada progenitor. Más optimista que otras veces, KORE-EDA cambia de registro para contarnos una epopeya familiar marcada por la tragedia desde el humor y los sueños de unos protagonistas quizá capaces de cambiar el curso de los acontecimientos

9


«MISS BALA» 3, 4 y 5 Diciembre D: GERARDO NARANJO. G: Naranjo y Maurizio Katz. F: Mátyás Erdély. MU: Emilio Kauderer. I: Stephanie Sigman (Laura Guerrero), Noé Hernández (Lino Valdez), Irene Azuela (Jessica Berlanga), José Yenque (Kike Cámara) N: México, 2011 Fecha de estreno: 11 – 5 – 12. D: 113 min. MISS BALA es la cuarta película del director mejicano GERARDO NARANJO. NARANJO forma parte de la nueva generación de realizadores mejicanos cuyo denominador común podría pasar por la reformulación de los códigos del cine de género a partir de una acusada mirada autoral y de un radical planteamiento estilístico. Jorge Michel Grau y Amat Escalante pertenecerían también a esta nueva generación artística. «La obsesión de Laura, una joven mejicana, para convertirse en una reina de belleza la lleva a verse involucrada en las redes del narcotráfico y a trabajar al servicio de una banda que tiene aterrorizado el norte de Méjico. Su participación en la violenta guerra de bandas que sacude el país cambiará por completo su vida.» Hace unos meses, una fotografía de prensa superaba en truculencia a una de las secuencias más brutales de MISS BALA: nueve ahorcados en un viaducto, presuntas víctimas del clan de «Los Zeta», como escalofriante testimonio de una realidad donde la violencia se manifiesta en hipérbole. No se puede acusar, pues, de exagerado ni tremendista al mejicano GERARDO NARANJO cuando, en su película, convierte un ahorcamiento en centro de uno de los elaborados planos secuencia que sustentan su propuesta. El extremado formalismo de su escritura visual tampoco es gratuito: la cámara de NARANJO recorre sinuosa una realidad donde, de hecho, es la violencia la que construye y define el espacio, lo que compone el tejido mismo de lo que vemos y determina el movimiento de sus personajes, abocados a su desesperado imperativo de supervivencia. MISS BALA tiene algo de narcocorrido de arte y ensayo y de telenovela sublimada: la historia de esta aspirante al título de «Miss Baja California» que, tras sobrevivir a una matanza en una discoteca, recorre los campos de batalla del narcotráfico en busca de su amiga perdida no logra ser más de lo que parece y sólo trasciende sus materiales de partida en su virtuosismo formal, pero logra cartografiar el infierno de frontera con eficaz sentido del espectáculo. MISS BALA revela a un cineasta en pleno dominio de sus recursos expresivos.

10


«UN AMOUR DE JENEUSSE» 10, 11 y 12 Diciembre D y G: MIA HANSEN-LOVE. F: Stéphane Fontaine.- M: Marión Monnier. DA: Mathieu Menut. I: Lola Cretón (Camille), Sebastian Urdendowsky (Sullivan), Magne-Havard Brekke (Lorenz), Valérie Bonneton (la madre de Camille) N: Francia-Alemania, 2011 Fecha de estreno: 11 – 5 – 12. D: 110 min. Mención Especial en el Festival de Locarno 2011. MIA HANSEN-LOVE (París, 1981) empezó en el cine a los 18 años como actriz. Trabajó con Olivier Assayas en sus películas «Finales de Agosto, principios de Septiembre»(1998) y «Les destineés sentimentales»(2000). Este año ingresó en la Escuela de Arte Dramático de París. Abandonó los estudios para colaborar en la revista «Cahiers du Cinema» y realizar sus primeros cortometrajes. En 2007 debutó en el largometraje con «Tout est perdonné». El éxito le vino con su segundo film «Le pére de mes enfants»(2009) que consiguió un premio en el Festival de Cannes. UN AMOUR DE JENEUSSE es su tercer largo. «Camille (Lola Cretón) vive su primer gran amor con Sullivan (Sebastian Urzendowsky). Todo va bien hasta que éste decide dejarlo todo y partir a Sudamérica.» En UN AMOUR DE JENEUSSE la joven directora francesa MIA HANSEN-LOVE indaga en las cicatrices sentimentales dejadas por el primer amor. Un tema que vendría a completar su particular trilogía sobre la iniciación y el tránsito a la madurez después de «Tout est perdonné» y la aclamada «Le pér de mes enfants». Si en estos dos primeros trabajos HANSEN-LOVE se interesaba por la desmitificación de la figura del padre, ahora centra su atención en las frustraciones que suceden al despertar al amor y la sensualidad. Contar la emoción y el dolor del primer amor en su justa medida, como capítulo esencial y fundacional de la madurez de una persona, requiere valentía y sensibilidad. La directora francesa habla de su experiencia personal desde un difícil y oportuno punto de vista equidistante entre la cercanía y la distancia, asumiendo como propias la actitud y las formas de algunos cineastas perfectamente reconocibles de la nouvelle vague, pero añadiendo el sello de una personalidad propia cargada de sensualidad, contención , sentido de la elipsis y mirada de pintor. En el film, HANSEN-LOVE se mantiene fiel tanto a su narrativa temperada, que avanza de forma pausada, como a la sobriedad de su estilo visual. El resultado es una película naturalista, hecha de pequeños gestos, miradas y situaciones sencillas que exploran el dilema emocional al que esté sometida, no solamente la protagonista del film, sino también el resto de los personajes.

11


«AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO» (Shan zha shu zhi lian) 17, 18 y 19 Diciembre D: ZHANG YIMOU. G: Yin Lichuan, Gu Xiaobai y Ah Mei, sobre la novela de Mi Ai. F: Zhao Xiaoding. MU: Chen Qigang. M: Meng Peicong. I: Zhou Dongyu (Jing), Dou Shawn (Sun), Xi Meijuan (madre de Jing), Li Xuejian(Zhang, el jefe del pueblo) N: China, 2010 Fecha de estreno: 31 – 8 – 12. D: 115 min Premio a la Mejor Actriz –Zhou Dougyu- en la SEMINCI de Valladolid 2011. ZHANG YIMOU, nacido en Xi’an (China) en 1951, es uno de los directores más respetados de la llamada Quinta Generación, la primera hornada de cineastas chinos graduados en la Escuela de Cinematografía de Pekín tras la Revolución Cultural. Debutó en 1987 con «Sorgo rojo» que obtuvo el Oso de Oro en el Festival de Berlín. La filmografía de YIMOU se divide entre un cine intimista, sencillo y lírico (sus primeras películas:»Ju Dou, semilla de crisantemo», «La linterna roja»,»Qiu Ju, una mujer china», «El camino a casa», «Ni uno menos », entre otras) y espectaculares e intrascendentes superproducciones épicas medievales («Hero», «La casa de las dagas voladoras», «La maldición de la flor dorada»). Trece años después de «Ni uno menos» (1999), el maestro chino vuelve al redil de su cine más alabado y premiado con AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO. En los últimos años, YIMOU ha diversificado su actividad más allá del cine. En Diciembre de 2006 dirigió a Plácido Domingo en la ópera «The first Emperor» estrenada en Nueva York. Y fue el director de las ceremonias de inauguración y clausura de los Juegos Olímpicos de Pekín de 2008. «Durante la Revolución Cultural de Mao, Jing (Zhou Dongyu), una chica de ciudad, debe trasladarse a un pueblo de la montaña para su reeducación. Con su padre en la cárcel, Jing sabe que tanto su futuro como el de su familia dependen de la valoración de las autoridades sobre su lealtad al régimen, algo que pone en peligro cuando se enamora de Sun (Shwan Dou), el hijo de un militar de élite.» AMOR BAJO EL ESPINO BLANCO se basa en el bestseller homónimo de Ai Mi, aunque guarda un claro paralelismo con un episodio clave en la vida de su director, ZHANG YIMOU, a quien, durante la Revolución Cultural, también enviaron a la China rural, durante tres años, para su reeducación. YIMOU cuenta la turbadora, precisa e imposible historia de amor entre dos adolescentes, ella, represaliada por las ideas de su padre y él una figura emergente del régimen comunista. El director nos conmueve y nos emociona con imágenes de una belleza apabullante que rezuman sensibilidad y melancolía y demuestra su enorme talento para dirigir actores al extraer unas interpretaciones inolvidables de los desconocidos debutantes Dongyu Zhou y Shwan Dou.

12


«THE DEEP BLUE SEA» 7, 8 y 9 Enero D: TERENCE DAVIES. G: Davies según la obra teatral homónima de Terence Rattigan. Florian Hoffmeister. M: David Charaap. MU: varios autores. I: Rachel Weisz (Hester Collyer), Tom Hiddleston (Freddie Page), Simon Russell Beale (sir William Collyer), Bárbara Jefford N Reino Unido, 2011 Fecha de estreno: 7 – 9 – 12. D: 98 min. TERENCE DAVIES nace en Liverpool en 1945 y es el décimo hijo de un matrimonio de trabajadores católicos. A los 16 años deja los estudios y trabaja como administrativo durante una década. Luego, estudió en la Escuela Coventry Drama y en la Escuela Nacional de Cine. En 1976 realizó su primer corto de raíces autobiográficas: «Children». Con «Virgen con el Niño» (1980) y «Muerte y Transfiguración» (1983) forma «La trilogía de Terence Davies» (1984), que ganó numerosos premios. En el largometraje debutó en 1988 con la estupenda «Voces distantes». Ésta y la siguiente, The long day closes», son películas muy autobiográficas. «La biblia de neón» (1995), adapta una novela de John Kennedy Toole y «La casa de la alegría» (2000), una de Edith Wharton. TE DEEP BLUE SEA (2011) es su quinto largo de ficción. En su cine destacan como temas recurrentes. La influencia de la memoria en la vida cotidiana y los posibles efectos paralizantes de la religiosidad dogmática sobre la vida emocional de los individuos. Técnicamente, su cine es notable por las composiciones simétricas, la estructura sinfónica y el ritmo mesurado. DAVIES es también guionista y novelista. «TERENCE DAVIES adapta al cine la obra teatral «The deep blue sea» , de Terence Rattigan, uno de los grandes dramaturgos británicos del siglo XX. La historia nos traslada al Londres de los años 50, donde conoceremos a Hester Collyer (Rachel Weisz), una mujer que lleva una vida privilegiada como esposa de un juez del Tribunal Supremo, sir William Collyer (Simon Russell). Pero para asombro de todos los que la rodean, deja a su marido para irse a vivir con Freddie Page (Tom Hiddleston), un joven expiloto de la RAF del que se ha enamorado apasionadamente.» En manos de TERENCE DAVIES la obra de teatro de Terence Rattigan transmuta en un poema digital que rememora la emoción que habitaba en filmes como «Breve encuentro» (1945), de David Lean, «Carta a una desconocida» (1948), de Max Ophüls y «Solo el cielo lo sabe» (1955), de Douglas SirkEl doloroso retrato de la nueva película del maestro DAVIES no se centra en la pasión o la traición no correspondidas, sino en una mujer en proceso de asumir a quien pertenece y luchar, con convicción desgarradora, para devolver cierto rumbo al naufragio en que se ha convertido su vida. THE DEEP BLUE SEA es tan solo la pequeña historia de un mal de amores que sin embargo contiene grandes significados y, sobre todo, emociones épicas. Es una película melancólica pero de gran ternura y delicadeza y un portento de dramatismo operístico y belleza espectral. 13


«ELENA» 14, 15 y 16 Enero D: ANDREI ZVYAGINTSEV. G: Oleg Negin. F: Mikhail Krichman. MU: Philip Glass. M: Anna Mass. I: Nadezdha Markina (Elena), Andrei Smirnov (Vladimir), Elena Lyadova (Katerina), Alexei Rozin (Sergei) N: Rusia, 2011 Fecha de estreno: 20 – 7 – 12. D: 111 min. Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes 2011 Mejor Actriz en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 2011. En 2003, ANDREI ZVYAGINTSEV (Novosibirsk, URSS, 1964) irrumpió con su ópera prima, El regreso, en el Festival de Venecia, obteniendo el León de Oro por unanimidad. También consiguió el Premio Especial del Jurado en Gijón. Su siguiente largometraje, «El destierro» (2007), se estrenó en Cannes y obtuvo el Premio al Mejor Actor. Ambas obras orbitaban alrededor de las relaciones familiares y de la muerte de uno de sus miembros como destino irremediable a la vez que, por momentos, deseado. ELENA es su tercer largometraje. «Elena (Nadezhda Markina) vive junto a su adinerado segundo marido Vladimir (Andrei Smirnov) en una lujosa vivienda que contrasta con la difícil situación de su hijo Sergei (Alexei Rozin), quien malvive sin trabajo y con dos hijos a su cargo gracias a la caridad de su madre. Cuando Vladimir enferma y decide designar a su hija Katerina (Elena Lyadova) como única heredera, olvidando a Sergei, Elena demostrará que una madre está dispuesta a cualquier cosa por proteger a su vástago.» ZVYAGITSEV firma con ELENA una poderosa obra a medio camino entre el retrato social y la crónica negra, al mismo tiempo que, sirviéndose de las herramientas propias del thriller, construye un despiadado paisaje moral y anímico de la sociedad rusa del momento. Además de perfilarse como un riguroso thriller metafísico, ELENA tiene la particularidad de erigirse como una representación metafórica del pasado, el presente y el futuro de la sociedad rusa.. El director consigue perfilar, a partir de cada uno de los personajes que aparecen en escena, una alegoría de la historia de su país desde el punto de vista de cada una de las generaciones que conviven en él. ZVYAGITSEV tiene una manera de rodar pausada y elegante, con una poética interna capaz de trascender pequeños gestos cotidianos y convertirlos en significativos a través de un mínimo parpadeo. Hay limpieza en sus movimientos de cámara, en sus encuadres, pero hay también una precisión milimétrica a la hora de capturar cada elemento que en ellos aparece. ELENA es una película sobre la insensibilidad, sobre la pérdida de los valores fundamentales, sobre la decadencia de una sociedad parásita y denigrada. 14


«HARA-KIRI» (Ichemei) 21 y 22 Enero D: TAKASHI MIIKE. G: Kikumi Yamagishi. F: Nobuyasv Kita . M: Kenji Yamashita. I: Koji Yakusho, Eita, Naoto Takenaka, Hikari Mitsushima N: Japón-Reino Unido, 2011 Fecha de estreno: 17 – 8 – 12. D: 125 min. TAKASHI MIIKE nació en 1960 en Yao, una pequeña ciudad a las afueras de Osaka (Japón). Se graduó en la Academia de Artes Visuales de Yokohama, fundada y dirigida por el gran Shohei Imamura, de quien MIIKE se considera discípulo. Comenzó a trabajar en televisión y V-Cinema (producción de películas realizadas directamente para el video). Además de cineasta es director teatral.. TAKASHI MIIKE es muy prolífico, variado y controvertido. La popularidad le llegó en 2000 con dos filmes, «Audition» y «Dead or Alive». «La felicidad de los Katakuris» (2001), «Izo» (2004) y «Taiyo no Kizu»(2006) son otras películas conocidas. Se estima que MIIKE ha dirigido más de 70 películas desde 1991. En sus últimas obras se aprecia una gran contención y sobriedad en su estilo y en sus historias. «Convencido de que su única salvación espiritual es una muerte digna, un veterano samurái en horas bajas acude a la residencia del jefe de su clan de guerreros con la intención de suicidarse mediante la técnica del hara-kiri.» En 1962, Masaki Kobayashi ganó el Premio Especial del Jurado del Festival de Cannes con «Harakiri», una película que desmontaba tópicos de todo tipo acerca de la casta samurái y el concepto del honor en el Japón feudal. MIIKE afronta el remake de la película de Kobayashi con el rigor y la severidad en primera línea de su estrategia. Estructurada en una serie de vueltas al pasado para explicar y comprender en profundidad las razones que mueven a estos personajes desesperados, la película de MIIKE es, en primer término, un portentoso ejercicio de contención. Y no solo en la escenificación de la violencia y la crueldad, sino en el manejo prodigioso de los matices de la cotidianidad y del drama en el relato del desenlace trágico de la familia del samurái mayor. Formalmente predomina en ella el equilibrio y la sobriedad, una plasticidad elegante de inspiración clásica que deja al descubierto una sensibilidad especial para la representación del dolor físico y emocional, como materialización de una tragedia de resonancias shakesperianas. Con HARA-KIRI, TAKASHI MIIKE, en plena madurez y sobriedad, se aproxima a los clásicos del cine japonés.

15


«TAKE SHELTER» 28, 29 y 30 Enero D y G: JEFF NICHOLS. F: Adam Stone. M: Parke Gregg. MU: David Wingo. I: Michael Shannon (Curtis), Jessica Chastain (Samantha), Tova Stewart (Hannah), Sea Whigham (Dewart) N: EEUU, 2011 Fecha de estreno: 4 – 4 . 12. D: 118 min Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes 2011. Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Gijón 2011. JEFF NICHOLS nació en Little Rock, Arkansas, en 1978. Tuvo un debut fulgurante con el film «Shotgun Stories» en 2007, un poderoso drama rural que dio la vuelta al mundo de festival en festival, y que no se estrenó en España. La película estaba interpretada por Michael Shannon, el mismo actor que protagoniza TAKE SHELTER. «En un pueblo de la América profunda, Curtis Laforche es un padre de familia, trabajador de la construcción, que empieza a sufrir pesadillas y visiones que le anuncian la llegada de una tormenta que arrasará con todo, empezando con su familia, para la que construirá un refugio.» Se ve que el fin del mundo se acerca. O al menos, eso nos recuerdan, directa o indirectamente, varios directores recientes: Lars von Trier, Abel Ferrara, Béla Tarr y Terrence Malick, y también, claro JEFF NICHOLS. Como las últimas películas de los cineastas citados, TAKE SHELTER también es cine apocalíptico, por llamarlo de alguna manera. TAKE SHELTER podría verse como una versión subjetiva de una película de catástrofes o como la angustiosa experiencia de alguien que presiente el apocalipsis; o, simplemente, como una aproximación a una identificación con un paranoico con causa. Así es esta meritoria producción independiente que se acerca a las sensaciones atormentadas, nunca mejor dicho, de un individuo obsesionado con la inminencia de una tormenta espectacular, la última tormenta, el cataclismo que pondrá fin a todo. Razones no le faltan al personaje que interpreta con meritoria convicción Michael Shannon para experimentar esa angustia: todo lo que ocurre en su entorno inmediata parece anticipar con pequeños destellos la desgracia que presiente, desde las limitaciones físicas de una hija hasta la precariedad laboral, pasando por la inestabilidad, la inclemencia deshumanizada de los seguros sanitarios privados o la hostilidad manifiesta de los bancos. Pequeñas desgracias con las que casi todo el mundo se puede identificar.

16


«L´APOLLONIDE (CASA DE TOLERANCIA)»

(L´Apollonide (Souvenirs de la maison close) 4, 5 y 6 Febrero D y G: BERTRAND BONELLO. F: Josée Deshaies. MU: Bertrand Bonello. M: Fabrice Rouaud. I: Hafsia Herzi (Samira), Céline Sallete (Clotilda), Noémie Lvovsky (Marie-France), Jasmine Trinca (Julie) N: Francia, 2011 Fecha de estreno: 24 – 8 – 12. D: 122 min Premio «César» de la Academia Francesa al Mejor Vestuario BERTRAND BONELLO, uno de los directores más destacados del «nuevo cine francés», nació en 1968 en Niza. Fue músico antes que cineasta. Durante años acompañó en grabaciones y conciertos a cantantes como Françoise Hardy y Carole Laurel entre otros. Debutó en el largometraje con «Quelque chose d’organique»(1998). Su segundo film, «Le Pornographe» (2001) le dio a conocer y ganó el Premio FIPRESCI en el Festival de Cannes. «Tiresia» (2003) y «De la guerre»(2008) afianzan su obra. Los cuatro filmes están inéditos en España. L’APOLLONIDE (2011), su quinta película, muy bien acogida en Cannes y en Gijón y nominada a 8 premios «Cesar», es la primera que vemos en nuestras salas. «En el alba del siglo XX, en un burdel parisino llamado L’apollonide, las chicas realizan sus rituales diarios con despreocupación. La elegante cotidianidad se rompe cuando un cliente deforma la cara de una de las chicas con una navaja, al estilo Joker.» BONELLO utiliza el escenario de la película para retratar el fin de una época y establecer un diálogo con una tradición artística que tiene en pintores impresionistas como Monet o Renoir su máxima influencia visual. En el film se detectan cierto romanticismo tardío y cierta decadencia viscontiana, aunque se trata de una obra muy moderna: su autor se permite romper la pantalla en cuatro acciones paralelas o meter música soul de los años sesenta. Misteriosa y sensual, pero nunca sórdida, su pincelada impresionista le concede categoría autoral. En L’APOLLONIDE, BONELLO ofrece un ejercicio de absoluta libertad creativa y orquesta, en una sinfonía propia, lo que, en principio, parece irreconciliable: juega con elegantes travellings, hace ocasional y asombroso uso de la pantalla partida, rompe la verosimilitud temporal introduciendo anacronismos musicales y crea sentido a través de la repetición o del deliberado uso de los puntos suspensivos y los cabos sueltos. El cineasta deja su impronta desde el primer plano.

17


«SIEMPRE FELIZ» (Sykt lykkelig) 11, 12 y 13 Febrero D: ANNE SEWITSKY. G: Ragahild Tronvoll y Mette M. Bolstad, F: Anna Myking. MU: Stein Berge Sevendsen. I: Agnes Kittelsen (Kaja), Joachim Rafaelsen (Eirik), Maibritt Saerens (Elizabeth), Henrik Rafaelsen (Sigve) N: Noruega, 2010 Fecha de estreno: 6 – 7 – 12. D: 88 min Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance 2011. Giraldillo de Oro en el Festival de Cine Europeo de Sevilla 2011. ANNE SEWITSKY nació en Oslo, Noruega, en 1978. Se formó técnicamente en la televisión y realizó algunos cortometrajes. SIEMPRE FELIZ es su debut en el largometraje. «En un lugar aislado de Noruega vive Kaja, una mujer optimista que mantiene, o intenta mantener, la felicidad familiar a pesar del distanciamiento que le profesa su cónyuge Erik y la indiferencia de su hijo. Su rutina se transformará con la llegada de unos nuevos vecinos, el matrimonio formado por Elisabeth y Sigve y su hijo adoptivo etíope.. La pareja representa un modelo ideal.» La película de ANNE SEWITSKY es una comedia con tintes agridulces dotada con un fino sentido del humor, casi minimalista, por decirlo de alguna manera, cercano al del cineasta finlandés Aki Kaurismäki, pero con una historia que transita en una línea próxima al espíritu del director neoyorquino Woody Allen, puesto que SIEMPRE FELIZ es en realidad un retrato sobre dos matrimonios en crisis y cuyos conflictos tienen que ver con el sexo, la soledad, la infidelidad o el amor. SIEMPRE FELIZ emana frescura, algo a lo que contribuye la sencillez de su equilibrada puesta en escena, el hecho de que esté rodada, parte de ella, cámara en mano y la propia dramaturgia en sí, logrando con ello una contención emocional a la que contribuyen los propios actores, que dibujan unos personajes comedidos y naturales que se ganan desde un primer momento las simpatías del espectador. Casi a modo de coro de tragedia griega pero con canciones de raigambre estadounidense, un quinteto vocal va anticipando el tema de cada capítulo, del drama de las relaciones de familia, amistad y pasión. Estas canciones introducen una curiosa ironía que contribuye a dar autenticidad a las interrelaciones. SIEMPRE FELIZ es una comedia que, sin dejar de explicar una infidelidad en toda regla, y todo lo que esto comporta, lo hace con el instrumento de un humor refrescante, pegadizo y… lírico, porque de eso se encarga el coro que enriquece las acciones de los protagonistas con sus buenas dosis de sana ironía.

18


19


Organizan y Patrocinan:


PROGRAMA CINE-CLUB MUNICIPAL TOLEDO OCTUBRE 2012-FEBRERO 2013