Page 1

МС / 1


2/3


2/3


6/7


Streamline


8/9


10 / 11


/ 13

архитек тура

1868  –  1928 1867  –  1942 1846  –  1904 1864  –  1901 1861  –  1947

Чарлз Макинтош Гектор Гимар Эмиль Галле Анри де Тулуз-Лотрек Виктор Хорта

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

Великобритания Франция Бельгия

графика


1834  –  1896 1841  –  1918 1868  –  1918 1862  –  1918 1863  –  1957

Уильям Моррис Отто Вагнер Коломан Мозер Густав Климт Хенри ван де Велде

◆ ◆ ◆

Великобритания Австрия Бельгия


/ 15

архитек тура

1852  –  1926 1861  –  1927 1868  –  1940 1843  –  1907 1848  –  1933

Антонио Гауди Герман Мутезиус Питер Беренс Ричард Римершмидт Луис Тиффани

◆ ◆ ◆

Испания Германия Нью-Йорк

промышленный дизайн

графика


1880

1910

1860  –  1939 1872  –  1898 1834  –  1904 1867  –  1944 1861  –  1947

Альфонс Муха Обри Бердслей Кристофер Дрессер Оуэн Джонс Герман Обрист

◆ ◆ ◆

Чехия Великобритания Швейцария


16 / 17

архитек тура

1867  –  1908 1861  –  1947 1887  –  1942 1864  –  1901 1812  –  1851

Йозеф Ольбрих Виктор Орта Франсуа-Эжен Руссо Эжен Валлен Огастес Пьюджин

◆ ◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Австрия Бельгия Франция Великобритания

Возникнув в конце XIX века как протест против эклектичности викторианской эпохи, модерн был первым интернациональным стилем. Ставя перед собой задачу развить художественные вкусы современников, художники оперировали не станковыми работами, рассчитанными на узкий круг зрителей, а широко тиражируемыми плакатами и журналами. Зародившись в Англии, новое движение заимствовало идею стилистической цельности, впервые провозглашенную английским дизайнером Уильямом Моррисом и последователями созданного им направления «Искусство и ремесло». Согласно их установкам, внимание художников обращалось на выработку универсальных принципов проектирования

вне зависимости от жанра или техники исполнения. Сочетая романтизм и символизм, характерные для прерафаэлитов, с прагматичностью и технологичностью эпохи всеобщей индустриализации, модерн стал первой попыткой унификации графического языка. Характерной чертой стиля было обращение в первую очередь к прикладному искусству, к которому в то время относилось оформление периодики, с целью максимальной популяризации новой эстетики.


1880

модерн Дома Мила > Барселона Антонио Гауди > 1906  –  1910

1910


18 / 19

архитек тура

Антонио

промышленный дизайн

графика

1852  –  1926

Гауди

Каталонский архитектор, создавший архитектурный облик одного из красивейших городов мира — Барселоны. Детство Гауди прошло у моря. Впечатления о первых архитектурных опытах он пронес через всю жизнь. Поэтому все его дома напоминают замки из песка. Гауди во многих своих творениях стремился приблизиться к природе, учился у нее плавности линий, простоте пропорций. Он ненавидел замкнутые и геометрически правильные пространства, а стены доводили его прямо-таки до сумасшествия. Он избегал прямых линий, считая, что прямая линия — это порождение человека, а круг — порождение Бога. Гауди умел мыслить и чувствовать в трех измерениях. Так, он проектировал не только здания, но и удивительную мебель, причудливые решетки оград, ворот и перил. Для буржуа Барселоны он строил дома один необычнее другого: пространство, которое рождается и развивается, расширяясь и двигаясь, как живая материя — дом Мила; плод причудливой фантазии — дом Батльо. Для текстильного магната Гуэля Гауди построил фантастический парк «Гуэль» в Барселоне. К известнейшим архитектурным сооружениям Гауди относятся особняк Эль Каприччо, дом Висенс, архитектурный проект собора Святого Семейства.

Крыша дома Мила > Барселона Антонио Гауди > 1906  –  1910

Дом Мила — жилой дом, построенный для семьи Мила, одна из достопримечательностей Барселоны. Проект этого здания стал новаторским для своего времени: продуманная система естественной вентиляции позволяет отказаться от кондиционеров, межкомнатные перегородки в каждой из квартир дома можно перемещать по своему усмотрению, имеется подземный гараж. Здание представляет собой

железобетонную конструкцию с несущими колоннами без несущих и опорных стен. Почти в каждом помещении имеется окно, в которое поступает дневной свет, что для того времени было в новинку. В 1984 году дом Мила стал первым из сооружений XX века, включенным в список ЮНЕСКО.


1880

1910

модерн Церковь святого Леопольда > пригород Вены Отто Вагнер > 1904  –  1907

Отто

1841  –  1918

Вагнер

Австрийский архитектор, Вагнер застал рождение модерна уже будучи известным, коммерчески успешным архитектором и застройщиком. Его ученики основали успешное объединение сторонников нового стиля «Венский сецессион», тогда как сам Вагнер в этот период строил относительно немного. Сам он присоединился к движению сецессиона только в 1899 году. Особенности архитектуры Вагнера — стремление к упрощению форм зданий (гладкие стены, расчлененные вертикалями плоских ризалитов и пилястров) в сочетании с характерным вагнеровским «золотым» декором и широким применением кованого железа. Цветовая гамма — белая или светло-серая основа, украшенная нейтрально-серым, темно-зеленым и (или) золотым декором. Традиционная вагнеровская деталь — тонкие параллельные вертикальные канелюры по поверхности плоского пилястра — была моментально растиражирована архитекторами модерна. Среди известных работ Вагнера: музей Вены на Карлсплатц, церковь святого Леопольда, почтовая сберегательная касса, павильоны станций метро, венский штадтбан. Вагнер разработал проект реконструкции южных районов Вены, но проект так и не был реализован, были построены только два дома по набережной.


20 / 21

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Павильон станции метро Карлсплатц > Вена Отто Вагнер > 1898

Церковь святого Леопольда построена на вершине холма Штайнхоф, на высоте 310 метров над уровнем моря, при этом в нарушение канона ориентирована по оси север  –  юг. Посвящена покровителю Австрии — св. Леопольду (башни при входе украшают статуи св. Леопольда и св. Северина). Церковь рассчитана на 800 молящихся. Интерьеры устроены с учетом того, что прихожане — пси-

хиатрические больные: все углы внутри церкви закруглены, алтарь физически отделен от главного зала. Доступ в храм — раздельно для мужчин и женщин. Даже скамьи для верующих были первоначально спроектированы раздельно для различных категорий больных. Потолок под главным куполом украшен символами четырех евангелистов, витражи — образами святых.


1880

1910

модерн

Йозеф

1867  –  1908

Ольбрих

Австрийский архитектор, один из основателей Венского Сецессиона. Многие свои постройки Ольбрих спроектировал под руководством Вагнера, в том числе несколько станций городской железной дороги. Его постройкам свойственны смелость конструктивных решений, сочетание функциональных и декоративных начал; выразительное сопоставление монументальных объемов из камня с легкими формами из стекла. В 1897 году Ольбрих выстроил на Карлсплац памятник модерна — выставочный зал с куполом — шаром из золотых ветвей. Здание Ольбрих назвал в честь движения «Сецессион». Это выдающееся сооружение, с одной стороны, вызвало грандиозный скандал, а с другой — привлекло к нему множество клиентов. Открыв свою контору в 1898 году, Ольбрих начал проектировать дома для бизнесменов и людей, близких кругу сецессионистов. В 1899 году его в качестве архитектора и преподавателя пригласили в дармштадтскую колонию художников, где он помимо архитектурной деятельности занимался созданием эскизов изделий из олова и создал несколько графических работ. Ольбрих был одним из самых продуктивных архитекторов модерна и предшественником архитектуры экспрессионизма.

Выставочный зал Венского сецессиона > Вена Йозеф Мария Ольбрих > 1897  –  1898

Выставочный зал Венского сецессиона — это один из наиболее значимых архитектурных памятников австрийского модерна, известного также как Сецессион.  Золотой купол (из позолоченной бронзы) украшенный лавровыми листьями и ягодами, получил в народе название «капустный кочан». Под куполом красуется выполненный золотом девиз Сецессиона: «Времени — его ис-

кусство, искусству — его свободу». Здание опирается на восьмиметровые бетонные колонны, которые уходят в глубину до протекающего под землей ручья Оттакрингер.


22 / 23

архитек тура

Виктор

промышленный дизайн

графика

1861  –  1947

Орта

Бельгийский архитектор Орта был одним из первых архитекторов, отклонившихся от строгой готики к стилю Ар нуво. Он перенес графику художников модерна в камень, построив дом профессора Эдмона Тасселя. Дом Тасселя считается первой в мире постройкой в стиле модерн, вызвавшей массу подражаний. Четыре брюссельских дома работы Орта включены в список объектов всемирного наследия ЮНЕСКО. Это дома Сольвей, Тассель, ван Этвельде и собственный дом архитектора. Используя стальной каркас, Орта строит Народный дом, постепенно переходя от модных, вычурных кривых раннего модерна к более рациональному, сдержанному стилю. В период формирования стиля модерн появился тип нового здания  —  универсальный магазин, который требовал применения больших остекленных поверхностей. Новаторским с этой точки зрения стало здание магазина «Инновассион», построенный в Брюсселе. Его фасад освещал общий торговый зал первого этажа, торговые галереи верхних этажей и объединяющую лестницу и имел множество металлических переплетений. Виктор Орта искал и нашел новый стиль, который по существу стал выражением материального благополучия, индивидуальности и изысканности.

Интерьер дома Тасселя > Брюссель Виктор Хорта > 1893  –  1894

Дом Тассель — это воплощение богатой фантазии и художественного вкуса его создателя. Здание состоит из двух сообщающихся изнутри корпусов. Лестница, ведущая на второй этаж, поражает изяществом изогнутых маршей и напоминает ручей, извивающийся среди травы и деревьев. Металл для Орта  —  живой, органичный материал, способный превращаться то в травы и цветы, то в струи

Интерьер дома Орта > Брюссель Виктор Хорта > 1893  –  1894

воды, то в клубы табачного дыма. На колоннах, как на стволах деревьев, «растут» сплетающиеся ветки и листья. Их окружают тонкий орнамент кованых лестничных ограждений, яркие краски витражей, геометрический узор мозаичных полов и мерный ритм невысоких настенных панелей, разделяющих пространство на зоны.


1880

модерн Настольные лампы Луис Тиффани > 1895

1910


24 / 25

архитек тура

Луис

промышленный дизайн

графика

1848  –  1933

Тиффани

Американский художник и дизайнер Тиффани международное признание получил благодаря изысканным изделиям из стекла: витражи, абажуры, бижутерия. Произведения Луиса Тиффани украшают храмы и частные дома. Крупнейшая в мире коллекция его ювелирных и стекольных изделий находится в музее «Метрополитен» в Нью-Йорке. Изобретенный им способ соединения небольших кусочков стекла с помощью медной фольги, а также новые виды созданных им стекол, произвели революцию в художественном стеклоделии. А техника Тиффани стала самой распространенной во всем мире для создания витражей, ламповых абажуров, столовых приборов, ювелирных украшений и других произведений декоративно-прикладного искусства из цветного стекла. Кроме того, он был архитектором, занимался дизайном ландшафтов и интерьеров. В своей работе он использовал самые разные материалы: эмаль, бронзу, керамику, серебро, дерево и железо. Тиффани разработал дизайн огромного количества различных предметов обихода — от распятий и канделябров до самых ходовых вещей, вроде настольных телефонов, часов и рам для картин. Под Тиффани-стилем подразумевают яркие лампы классических форм с натуралистическими мотивами.

Чаша Луис Тиффани > 1898

Свинцовые прутья, использовавшиеся в течение многих веков для соединения стекол между собой, казались Тиффани очень грубыми: он хотел создавать филигранно-тонкие и сложные произведения. Он нашел собственный заменитель свинцовым прожилкам в виде медных полосок, вырезанных из металлического листа. Они приклеивались к стеклу пчелиным воском и спаивались

Ваза Луис Тиффани > 1898

между собой при помощи олова. Таким образом стало возможно соединять мельчайшие кусочки стекла и создавать сложные объемные формы. Первоначально техника медной фольги применялась им для создания ламповых абажуров, и только позже — для витражей. Иногда Тиффани использовал сочетание двух техник в одном произведении, сочетая свинцовую проволоку с медной фольгой.


1880

1910

модерн Зодиакальный календарь Альфонс Муха > 1896  –  1897


26 / 27

архитек тура

Альфонс

промышленный дизайн

графика

1860  –  1939

Муха

Чешский живописец, художник театральных декораций и афиш, иллюстратор, ювелирный дизайнер, плакатист, художник этикеток и виньеток разнообразных товаров — от шампанского и бисквитов до велосипедов и спичек. А также дизайнер ювелирных украшений, интерьеров, предметов прикладного искусства (ковры, портьеры). Все работы Мухи отличаются своеобразным неповторимым стилем. Центром композиции, как правило, является молодая здоровая женщина славянской внешности в свободной одежде, с роскошной короной волос, утопающая в море цветов  —  иногда томно-пленительная, иногда загадочная, иногда грациозная, иногда неприступнороковая, но всегда обаятельная и миловидная. Картины обрамляют замысловатые растительные орнаменты, не скрывающие своего византийского происхождения. Роскошные, чувственные и томные «женщины Мухи» тиражировались моментально и расходились тысячными тиражами в плакатах, открытках, игральных картах. Кабинеты светских эстетов, залы лучших ресторанов, дамские будуары украшали шелковые панно, календари и эстампы мастера. В отличие от тревожных картин Климта, Врубеля, — его произведения дышат спокойствием.

Афиша «Портрет Сары Бернар» Альфонс Муха > 1898

Зодиакальный календарь выполнен в технике цветной литографии. Создан для парижского художественного журнала «La Plume». В этой работе Муха дал волю своей богатой орнаментальной изобретательности. Каждый квадратный сантиметр картины заполнен декоративными элементами византийского, мавританского и скифского происхождения. Они образуют роскошную раму для представлен-

Афиша «Job» Альфонс Муха > 1896

ной строго в профиль полуфигуры. Неземная роскошь головного убора вместе с отчужденной и величественной внешностью модели также придают аллегорическому изображению зодиака вид жрицы какого-то таинственного культа. «Зодиак» является одним из самых популярных произведений Мухи. Известно как минимум девять вариантов литографии.


1880

1910

модерн Портрет Адель Блох-Бауэр Густав Климт > 1907

Густав 1862  –  1918

Климт

Австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи. Главным предметом его живописи было женское тело, и большинство его работ отличает откровенный эротизм. Климт в 1897 году стал одним из основателей и президентом Венского сецессиона и журнала «Весна Священная». Климт вел довольно простой образ жизни, работал в собственном доме, посвящал все время живописи и семье и не состоял в дружеских отношениях с другими художниками. Он был достаточно знаменит для того, чтобы получать много частных заказов, и имел возможность выбирать из них то, что было ему интересно. Художник использовал мифологию и аллегорию для маскировки своей глубоко эротической натуры, и его рисунки часто выдают чисто сексуальный интерес к женщинам. Как правило, его модели соглашались позировать в любых сколь угодно эротических положениях; многие из них были проститутками. В своем сочинении он утверждает: «Я никогда не писал автопортретов. Меня гораздо меньше интересую я сам в качестве предмета картины, чем другие люди. Во мне нет ничего особенного. Я художник, пишущий день за днем с утра до ночи…


28 / 29

архитек тура

«Даная» Густав Климт > 1907  –  1908

промышленный дизайн

«Враждебные силы» Густав Климт > 1902

Адель Блох-Бауэр — современница Климта, принадлежавшая к крупному роду еврейской буржуазии, изображена в возрасте 26 лет. Портрет считается одним из самых значительных полотен Климта и австрийского Югендстиля в целом. Все особенности, отличающие «золотой период» Климта, здесь налицо: сочетание реализма в изображении лица и рук с абстрактными декорациями, плавное перетекание

графика

«Поцелуй» Густав Климт > 1907  –  1908

одного в другое и обратно, экзотическая символика, заполняющая одеяние героини и окружающий фон. Натуралистично изображены только лицо, плечи и руки. Интерьер вместе с развевающимся платьем и мебель лишь обозначены, переходя в орнамент, становится абстрактным и не дает никакой пространственной ориентации, что отвечает колористической гамме.


1880

1910

модерн

Обри

1872  –  1898

Бердслей

Английский художник-график, иллюстратор, декоратор, поэт. Именно Обри Бердслею отдают должное за появление таких удивительных произведений в области архитектуры, как поздние работы Антонио Гауди, именно Бердслей привлек интерес всего мира к графике стиля «модерн». Важнейшим источником творчества мастера была литература. Книги стали стержнем и смыслом его творческой жизни. Он вдохновлялся исключительно литературными персонажами, его огромное наследие — это иллюстрации, обложки, бордюры, заставки, концовки, вензельные ключи, экслибрисы. Бердслей был увлечен искусством средневековой книги с ее целостным подходом к оформлению страницы, соотношению шрифтов, полосных иллюстраций, изображений на полях. Мастер умело сочетает декоративные рамки с заключенными в них сценами. Его работы — это работы действительно образованного человека. Фантастические реминисценции на классические темы поражают своей глубиной и остротой. Гротеск и парадокс  —  спутники графики Бердслея. Его творчество оказало огромное влияние на дальнейшее развитие европейского искусства вплоть до плаката, рекламы и модных журналов.

Обложка к пьессе «Саломея» Обри Бердслей > 1983

«Саломея» — пьеса Оскара Уайльда. В основе трагедии история Саломеи, персонажа Нового Завета. Саломея  —  падчерица тетрарха Ирода Антипы, обольстившая Ирода исполнением Танца Семи Покрывал. К ужасу отчима и к радости своей матери Иродиады она требует в награду голову пророка Иоанна Крестителя на серебряном блюде. Трактовка библейского сюжета вызвала скандал в Англии.

Иллюстрация «Саломея с головой Иоана Крестителя» Обри Бердслей > 1983

Пьеса долгое время находилась под запретом, как в Великобритании, так и в России из-за того, что запрещалось выводить на сцену библейских персонажей. Среди многих попыток проиллюстрировать это произведение непревзойденными остаются рисунки английского художника Обри Бердслея. Цикл состоит из 16 рисунков. Иллюстрации выполнены тушью, хотя некоторые

>>


30 / 31

архитек тура

Иллюстрация «Саломея за туалетом» Обри Бердслей > 1893

промышленный дизайн

Иллюстрация «Павлинье платье» Обри Бердслей > 1893

из них производят впечатления гравюр, из-за множества тонких линий. Бердслей создал свое произведение, почти не соприкасающееся ни с библейской легендой, ни даже с декадентским текстом Уайльда. Повествовательность в этих рисунках почти отсутствует, это скорее декоративные заставки, большинство из которых трудно соотнести с тем или иным эпизодом пьесы.

графика

Иллюстрация Обри Бердслей > 1893

На одних иллюстрациях Бердслея причудливые узоры из цветов и дерьевьев, среди которых вдруг появляются козлоногие сатиры, гермафродиты, горят свечи. На двух других рисунках сцена «туалета Саломеи», придуманная художником из одной фразы Уайльда: «Рабыни приносят благовония и семь покрывал и снимают с ног Саломеи сандалии».


1880

1890

1900

1910

Происхождение Италия

1920

1930

1940

Основные черты Динамичные абстрактные формы.

1950

1960

1970

Основные сведения Первое течение в истории искусств, которое создавалось и управлялось как бизнес. Воспевало технический прогресс, мощь и динамизм новой эры. Механический размах войны произвел на сторонников движения столь сильное впечатление, что они прославляли войну в своих работах.

1980

1990


32 / 33


1909

1944

основные представители

Футуризм —  авангардистское художественное течение 1910-1940-х, наиболее полно проявившееся в Италии и России. Футуристы были и в других европейских странах — Германии, Англии, Франции, Польше. Днем рождения футуризма считается 20 февраля 1909, когда в парижской газете «Фигаро» появился написанный Ф. Маринетти Манифест футуризма. Именно Маринетти стал теоретиком и вождем первой, миланской, группы футуристов. Манифест был обращен к молодым итальянским деятелям искусства («Самые старые среди нас — тридцатилетние, за 10 лет мы должны выполнить свою задачу, пока не придет новое поколение и не выбросит нас в корзину для мусора»). В манифесте отрицались все духовно-культурные ценности прошлого. Устаревшими были объявлены жалость, уважение

к человеческой личности, романтическая любовь. Упоенные новейшими достижениями техники, футуристы стремились вырезать «раковую опухоль» старой культуры ножом техницизма и последних достижений науки. Гоночный автомобиль, «несущийся как шрапнель», представлялся им прекраснее Ники Самофракийской. Футуристы утверждали, что новая техника меняет и человеческую психику, а это требует изменения всех изобразительновыразительных средств искусства. В современном мире их особенно зачаровывали скорость, мобильность, динамика, энергетика. Свои поэмы и картины они посвящали автомобилю, поезду, электричеству. «Жар, исходящий от куска дерева или железа, нас волнует больше, чем улыбка и слезы женщины», «Новое искусство может быть только насилием, жестоко-


34 / 35

архитек тура

1876  –  1944 1871  –  1958 1882  –  1967 1881  –  1964 1883  –  1941

Филиппо Маринетти Джакомо Балла Давид Бурлюк Михаил Ларионов Павел Филонов

стью», — заявлял Маринетти. Футуристы проповедовали разрушение форм и условностей искусства ради слияния его с ускоренным жизненным процессом XX века. Для них характерно преклонение перед действием, движением, скоростью, силой и агрессией; возвеличивание себя и презрение к слабому; утверждался приоритет силы, упоение войной и разрушением. В этом плане футуризм по своей идеологии был очень близок как правым, так и левым радикалам: анархистам, фашистам, коммунистам, ориентированным на революционное ниспровержение прошлого. На мировоззрение футуристов оказали сильное влияние идеи Ницше с его культом «сверхчеловека»; философия Бергсона, утверждающая, что ум способен постигать только все окостенелое и мертвое; бунтарские лозунги анархистов. Гимн силе

◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Италия СССР

Футуристы создали Манифест архитектуры. Ниже приводятся основные пункты манифеста: • Архитектура футуризма — это архитектура расчета, дерзкой отваги и простоты, архитектура железобетона, стекла, железа, картона, текстильных тканей и всех заменителей дерева, камня и кирпича, дающих возможность получить максимум эластичности и легкости. • Архитектура тем самым не превращается в сухое сочетание практичности и утилитарности, но остается искусством, архитектурой синтетической, выразительной. • Кривые и эллиптические линии динамичны по своей природе и обладают эмоциональной потенцией, в тысячи раз пре-

восходящей возможности вертикальных и горизонтальных линий, и потому динамически интегрирующая архитектура без линий первого рода невозможна. • Орнамент, наложенный на архитектуру, абсурден, лишь от применения и оригинального расположения сырого или обнаженного или же ярко окрашенного материала зависят декоративные достоинства футуристической архитектуры. • Архитектура, понятая подобным образом, не создаст никаких пластических и линейных шаблонов, так как характерной чертой архитектуры футуризма станет недолговечность. Жизнь домов будет короче нашей жизни, каждое поколение будет строить свой собственный дом.


1909

1944

1888  –  1916 1892  –  1960 1882  –  1943 1881  –  1962 1886  –  1918

Антонио Сант-Элиа Фортунато Деперо Аристарх Лентулов Наталия Гончарова Ольга Розанова

◆ ◆

Италия СССР

« Главными элементами нашей поэзии будут: храбрость, дерзость и бунт. Не существует красоты вне борьбы. Нет шедевров без агрессивности! ». Филиппо Маринетти

и героизму — почти во всех произведениях итальянских футуристов. Человек будущего, в их представлении, — это «механический человек с заменяемыми частями», всемогущий, но бездушный, циничный и жестокий. Футуризм проявился в различных видах искусства — театре, музыке, литературе, изобразительном искусстве. Художники и скульпторы-футуристы (например, итальянские художники К. Карра, Дж. Балла и др.) провозгласили, что объектом искусства должен быть не предметный мир, а движение, динамика современной жизни, передаваемые с помощью синтеза времени, формы, цвета и тона. На деле это приводило к умножению зрительных образов в пределах одной композиции. Предметы множились, деформировались, накладывались друг на друга,

никогда не оставались неподвижными. В России футуризм отчетливее всего выразился в литературе (Д. Бурлюк, В. Маяковский, В. Хлебников, А. Крученых и др.). В стремлении создать «новое» искусство в произведениях литературы переплетался материал и фантастика, разрешался даже естественный язык (особенно в поэзии), где появилась так называемая «заумь» (термин русских футуристов) — экспериментальный поэтический язык, строящийся на звукоподражании, произвольных звукосочетаниях и алогичных словопреобразованиях. Русские футуристы называли себя вслед за Владимиром Хлебниковым будетлянами — жителями страны будущего. Идея будущего не ограничивалась технократическими фантазиями. Будущее — это неограниченная возможность общения, это свобода передвижения


36 / 37

архитек тура

1882  –  1949 1889  –  1924 1885  –  1947 1881  –  1966 1883  –  1966

Александра Экстер Любовь Попова Луиджи Русолло Карло Карра Джино Северини

и творчества, это полет. Малевич размышлял о студиях художников на дирижаблях. Хлебников предлагал основать «Азийский ежедневник песен и изобретений», в котором «статьи печатаются на любых языках по радиотелеграфу изо всех концов». Наибольшее развитие среди жанров предметного творчества русских футуристов получила книга. Часто это была рукодельная, авторская книга, в которой и текст, и иллюстрации, и печать выполнялись одним человеком.

◆ ◆

промышленный дизайн

графика

СССР Италия

В футуристической художественной системе были свои формально-композиционные закономерности, которые позволяют отличить это художественное направление от других. Во-первых, три принципа — одновременности впечатлений, глобальной метафоры и наслоения картин и элементов друг на друга (образование новых смыслов за счет комбинаций). Во-вторых, подчеркнутая, утрированная динамика композиций; преобладание диагональных ритмов и линий; двоящиеся, напоминающие изображение стадий движения, или оборванные, незамкнутые контуры (пространство втекающее, входящее внутрь формы). Форма действует сама по себе, лишь своей экс-

прессивностью, направлением создает ощущение некоего целостного организма. В-третьих, все композиции построены, как правило, из полупрозрачных, вьющихся, кружащихся, причудливо свернутых плоскостей наподобие завитых бумажных полосок, цвет которых меняется от одного края к другому. Эти расцвеченные поверхности имеют четкие и острые грани, края плоскостей, отмеченные резкими линиями. Таковы приметы графики. Но когда те или иные проекты осуществляются в натуре, они полностью отражают заложенную в них графическую идею.


1909

1944

фу т уризм Эскиз архитектуры Антонио Сант-Элиа > 1914


38 / 39

архитек тура

Антонио

промышленный дизайн

графика

1888  –  1916

Сант-Элиа

Итальянский архитектор Антонио СантЭлиа активно включился в процесс развития художественного течения, известного как Футуризм. Под влиянием архитектуры крупных промышленных городов США и венских архитекторов Отто Вагнера и Адольфа Лооса, он начал серию знаменитых проектных рисунков Citt Nuova («Новый город»), в которой создал уникальный выдающийся образ представлений о новом техническом веке. Автор представлял себе современный город в виде сложной механизированной и электрифицированной системы. Город формировался из гигантских ступенчатых многоуровневых зданий, связанных между собой переходами, галереями и мостами, фантастических транспортных путей, футуристических заводов и электростанций. Большая часть его проектов так и осталась нереализованной. Несмотря на это, Сант-Элиа вошел в историю архитектуры, как один из основоположников архитектурного футуризма, как мастер, в значительной степени повлиявший на развитие архитектуры в двадцатом веке.

Эскиз архитектуры Антонио Сант-Элиа > 1914

В 1914 году в Милане на выставке группы «Новые стремления» (Nuove Tendenze) был показан грандиозный проект «Нового города» с генеральным планом и перспективами, а также с многочисленными чертежами и рисунками, изображающими кварталы с многоярусными переходами через улицы, а также отдельные многоэтажные, похожие на башни, здания города будущего. В ката-

Эскиз станции аэропланов и железнодорожных поездов Антонио Сант-Элиа > 1914

лог выставки, помимо пояснений к экспонированным работам, были включены и декларации автора проекта об архитектуре, изложенные в форме манифеста.


1909

фу т уризм Обложка книги Филиппо Маринетти > 1914

1944


40 / 41

архитек тура

Фортунато

промышленный дизайн

графика

1892  –  1960

Деперо

Итальянский художник, дизайнер, скульптор и поэт футуристического направления. В 1915 году публикует художественный манифест «Футуристическая реконструкция Вселенной», согласно которому футуристическое миропонимание отныне должно было охватывать не только область искусства, но и все сферы человеческой деятельности. Претворяя эту заповедь в жизнь, Деперо проявил себя настоящим всесторонним талантом: он выступает и художником, и дизайнером, и скульптором, и графиком, и иллюстратором, и театральным оформителем, и писателем. В 1919 году мастер открывает в Роверето Художественный дом футуризма, где изготавливают настенные ковры, занавеси и мебель. В начале 20-х годов Деперо пробует свои силы как художник в коммерческой рекламе, разрабатывает театральные костюмы, работает для журналов и как декоратор помещений, участвует во многих художественных выставках. Художник публикует художественный манифест «Атомная живопись и скульптура», возродивший интерес к творчеству художника. В 1959 году Фортунато Деперо открывает «Галерею-музей Деперо в Роверето» — первый музей футуристической живописи в Италии.

Страница книги Филиппо Маринетти > 1914

Depero Futurista («Книга с гвоздями») — яркий пример новаторства футуристов в книжной графике. Футуристы представляли процесс выпуска книги символом машинной эры. Они пользовались новейшими материалами и технологиями. Так, «Книга с гвоздями» была скреплена двумя алюминиевыми болтами. Обложкой дело не ограничивалось: под ней текст перепрыгивал со страницы

Страница книги Филиппо Маринетти > 1914

на страницу, шрифты менялись, текст образовывал фигуры, страницы были из разных сортов бумаги и разных цветов. У книги не было верха и низа, правой и левой сторон, чтобы прочесть текст, ее нужно было вращать.


1909

1944

фу т уризм Обложка книги Филиппо Маринетти > 1914

Филиппо

1876  –  1944

Маринетти

Итальянский писатель, поэт, основатель футуризма. Основал ряд футуристических журналов («Lacerba», «Poesia») и издательство «Poesia». Автор первого манифеста футуризма. Один из основателей итальянского фашизма. Его художественный стиль, способный вызвать удивление даже сегодня, в эпоху графической вседозволенности, — в начале ХХ века просто шокировал. Нагромождение литер, символов и изображений на первый взгляд кажется хаотичным, однако при более внимательном рассмотрении работ Маринетти становится понятно, что такой композиционный ход выбран неспроста. Странные, кажущиеся порой нелепыми визуальные конструкции невероятно динамичны, если не сказать техничны. А именно к технике и тяготел футуризм. В своих работах Маринетти часто прибегал к минималистической эстетике простых черных линий. Из них он сплетал фантастические графические композиции, куда включал буквы и цифры. Работы Маринетти можно смело отнести к жанру типографики. Отдельные литеры, сбитые грудой в хаотичные композиции или словно разбросанные по странице без какого­ либо порядка, также характерны для творчества Маринетти.


42 / 43

архитек тура

Разворот книги Филиппо Маринетти > 1914

Разворот книги Филиппо Маринетти > 1914

промышленный дизайн

Разворот книги Филиппо Маринетти > 1914

графика


1909

1944

фу т уризм

Джакомо

1871  –  1958

Балла

Итальянский художник, один из основоположников итальянского футуризма. На многих его работах сказывалось влияние фотографии: довольно часто он использовал только белый и черный цвета и для изображения выбирал фотографическую перспективу. Как и большинство футуристов, Балла прежде всего интересовали возможности запечатления движения, динамики, поэтому он обратился к фотографии, изучая этюды движения фотографов Жюль-Этьена Мари и Эдварда Майбриджа. Балла стремился к одновременной передаче различных фаз движения, примером тому может служить его картины «Девушка, бегущая на балкон», «Уличный фонарь», «Полет ласточки», «Рука скрипача». Балла занимался исследованием света, создавая абстрактные композиции,  такие как «Меркурий проходит мимо Солнца — вид в телескоп», «Скорость автомобиля и свет». В 1915 году, глубоко обеспокоенный вступлением Италии в первую мировую войну, Балла совместно с Фортунато Деперо провозгласил манифест «О футуристической реконструкции Вселенной».

«Уличный фонарь» Джакома Балла > 1910

Картина «Уличный фонарь» иллюстрирует манифест Маринетти — «Убьем лунный свет!». Густая сетка сверкающих спектральных линий, расходящихся волнами от электролампы, заглушает слабое свечение лунного серпа. Футуристический принцип симультанности Балла стремился реализовать приемами, характерными для хронофотографии и фотодинамики, т. е. путем совме-

«Полет ласточки» Джакома Балла > 1910

щения на плоскости разных фаз движения объекта («Полет ласточки», «Рука скрипача», «Девушка, бегущая по балкону», «Скорость автомобиля и свет»).


44 / 45

архитек тура

«Рука скрипача» Джакома Балла > 1912

промышленный дизайн

«Девушка, бегущая на балкон» Джакома Балла > 1912

В картине «Девушка, бегущая на балкон» Балла подчинил пропорции изображения цветовому ритму наложенных одна на другую разноцветных точек одинакового размера. Для этого он сознательно выбрал прозрачные краски и добился неведомого дотоле слияния фигуры и окружения. Таким образом, Балла смог воплотить в своей работе полное соответствие принципу футуристов «Син-

графика

«Скорость автомобиля и свет» Джакома Балла > 1913

тез времени, места, формы, цвета и тона». Это произведение в полном соответствии со всеми канонами футуризма прославляет энергию современной жизни. На этой картине мы воочию можем наблюдать теоретический принцип одновременности, изобретенный футуристами, то есть демонстрацию движущегося объекта сразу во множестве точек времени.


1880

1890

1900

1910

Происхождение СССР

1920

1930

1940

Основные черты Отказ от натуралистичности и симметричных решений. Выражение реальности в простых формах (прямая, квадрат, треугольник, круг).

1950

1960

1970

Основные сведения Супрематисты позиционировали исусство как чисто эстетическое восприятие, лишенное функционального значения. Одна из основных установок движения провозглашала, что наибольшей силой воздействия обладают простые геометрические фигуры, очищенные от конкретности, повествовательности, политического или религиозного подтекста.

1980

1990


46 / 47

М З И АТ

С

М Е Р УП


1920

1940

основные представители

Супрематизм — творческая концепция, созданная Казимиром Малевичем в 1915  –  1919 гг., — включал в себя формально-композиционный метод моделирования и философию движения цвета и форм в отвлеченном многомерном пространстве. Это мир абстрактных сочетаний геометрических элементов, плоскостей, объемов. «Черный квадрат» Малевича — символ русского художественного авангарда и знак супрематизма. Малевич своим «измом» возбуждает в среде авангарда, с одной стороны, волну подражателей, а с другой — соперничество изобретателей от искусства в создании наиболее универсальной художественной системы. Ценность супрематизма — в его пафосе освобождения творчества от изобразительности. Концепция супрематизма была обнародована в 1915 г. на «Последней футуристиче-

ской выставке 0,10» и представляла собой, по мнению ее автора, логическое развитие кубизма. Поначалу супрематизм заявлялся как концепция абстрактного, беспредметного творчества, как чисто духовное искание, как глобальная философия жизни, искусства, миростроения. В супрематических композициях комбинации из по-разному локально раскрашенных плоскостей свободно парят в белом пространстве, «белой бездне», по Малевичу. Пространство возникает за счет контрастов размеров, наклонов и поворотов перекрываюших друг друга форм. Контрасты в супрематических работах включают противопоставление статичных и повернутых фигур, черных и цветных плоскостей, вертикалей и горизонталей, размеров, степени удаленности от зрителя, прямоугольных и остроугольных конфигураций. В картинах и проек-


48 / 49

архитек тура

1879  –  1935 1890  –  1941 1875  –  1933

Казимир Малевич Эль Лисицкий Наталья Давыдова

тах Малевича всегда существует развернутая система композиционных контрастов. Эти контрасты и придают композиции динамику. По поводу возможностей супрематизма Малевич замечал: «Супрематизм в одной своей стадии имеет чисто философское через цвет познавательное движение, а во второй — как форма, которая может быть как прикладная, образовав новый стиль супрематического украшения». Современники Малевича отмечали декоративный потенциал супрематизма как стиля: «Супрематизм в чистом виде декоративен и должен быть применен, как новый стиль, правда, стиль удивительный, сильный». Рамки привычной картины были разорваны. Супрематическая живопись вышла на поверхность вещей. В начале 1920-х г. эта концепция находит свое

промышленный дизайн

графика

СССР

Из всех авангардных художественных систем супрематизм обладал наибольшим архитектурным потенциалом, за которым стоят: работа с элементарными геометрическими формами, не имеющими своего «натурального размера»; принципиальность сочетаний ограниченного числа геометрических элементов, создающих за счет этих сочетаний характерные пространственные образные варианты; крупность членений и форм, одинаково пригодных как для настольных вещей, так и для градостроительных ситуаций; масштаб, сопоставимый с  устройством земной поверхности. Иногда рождение супрематической архитектуры связывают

с попытками перевести живописный супрематизм в аксонометрию. Так родились Проуны. Но Проуны — не супрематическая архитектура. В Проунах нет главного для супрематизма — нет пространства, наполненного динамической энергией жизни космоса. В них — лишь супремовидные элементы, но они материальны, весомы; их можно сделать из фанеры, покрасить и смонтировать на стене, но пространственной энергии они не излучают. В Проунах отсутствует супрематическое мироощущение. Проуны — это результат стремления художника совместить формально-пластические элементы супрематизма с посткубистической материальной традицией.


1920

1886  –  1961 1886  –  1918 1889  –  1924

1940

Надежда Удальцова Ольга Розанова Любовь Попова

СССР

« Супрематизм мы должны не рассматривать, а только ощущать выраженные в нем ощущения динамики и статики ». Казимир Малевич

применение в архитектуре, суперграфике, графическом дизайне, мебели, лишний раз подтверждая свою универсальность как выразительной системы формообразования. В своем докладе «Проуны», прочитанном в 1924 г. в Москве, Эль Лисицкий показал, что «Черный квадрат» — это, с одной стороны, люк сужающегося канала живописного творчества, эволюционировавшего от кубизма к супрематизму, к нулю формы, к концентрированному выражению плоскости, цвета, беспредметности, а с другой — фундамент для создания новых архитектурных и дизайнерских форм. Лисицкий одним из первых увидел и применил в проектах и печатной графике супрематический словарь Малевича. Здесь-то и выяснилось, насколько богаты плоскостно-декоративные возможности супрематизма, насколько естественны его формы

на белом листе бумаги, насколько захватывающей становится работа со шрифтом и геометрическими иллюстрациями. Малевич видел перспективы супрематизма в полном пересоздании земной поверхности по канонам нового стиля. Путь к такой глобальности лежал через формирование коллектива единомышленников — своеобразной партии в искусстве, через обучение, разработку максимально возможного числа элементов предметной среды на основе концепции супрематизма. Таким полигоном для Малевича стала Народная художественная школа в Витебске, основанная Марком Шагалом. Малевич приехал в Витебск в 1919 г. и фактически возглавил школу. В его мастерскую перешло большинство учеников, преподаватели Нина Коган, Эль Лисицкий и Вера Ермолаева стали приверженцами художе-


50 / 51

архитек тура

1897  –  1954 1885  –  1953 1889  –  1942

Николай Суетин Владимир Татлин Нина Коган

ственной системы супрематизма. В 1920 г. родилось и название УНОВИС — Утвердители нового искусства. Малевич в статье «Супрематизм» выстраивал трехступенчатую эволюцию своего стиля с точки зрения художественного эксперимента в живописи: черный супрематизм — супрематизм знаков (квадрат, круг, крест); цветной супрематизм — свободно парящие раскрашенные плоскости; белый супрематизм — распыление цвета и формы в безграничном белом пространстве. В то время он считал, что живопись как этап уже давно изжита, и «в данный момент супрематизм вырастает в объемном времени нового архитектурного построения». Написано это было уже после опыта создания Лисицким вместе со своими студентами проектов объемных сооружений

промышленный дизайн

графика

СССР

Первая предметная область применения супрематизма — текстильный орнамент, рисунок на платьях, сумках, платках, выполненных артелью «Вербовка», созданной в 1915 г. художницей Натальей Давыдовой. В 1916 г. художницы Надежда Удальцова, Ольга Розанова и Любовь Попова создают супрематические орнаменты для вышивки и аппликации. На основе их проектов крестьянки деревни Вербовка выполняли декоративные подушки, сумки, платки, кайму и ленты, небольшие панно. Большое влияние оказали идеи супрематизма на художников росписи по фарфору. Ученик Малевича Николай Суетин, воплощавший супрематические идеи в фарфоре, подписывал свои работы дополнительным словом «супрематизм»

и ставил рядом чёрный квадрат. «Квадрат — это явление русского искусства, которое окажется мировым событием, как оно оказалось для меня» — писал он. В начале 1920-ых годов рядом с «красным» агитационным фарфором («красный», применительно к сюжету) появился «белый» бессюжетный агитационный фарфор супрематистов. Динамизм и драматизм революционной эпохи зашифрованы в абстрактной графике геометрии. В этом фарфоре доминировало «бесконечное белое» пространство фарфора. «Самое главное в супрематизме — два основания — энергия чёрного и белого, служащие к раскрытию формы действия» — писал Малевич.


1920

1887  –  1985 1893  –  1937 1887  –  1963 1882  –  1949 1900  –  1982

1940

Марк Шагал Вера Ермолаева Илья Чашкин Александра Экстер Анна Лепорская

СССР

« Самое главное в супрематизме —  два основания — энергия черного и белого, служащие к раскрытию формы действия ». Казимир Малевич

на основе супрематических форм. В задачи Лисицкого, возглавлявшего в школе мастерские графики, печатного дела и архитектурные, входило и обучение черчению. «Лисицкий в упражнениях по проекционному черчению приучал учеников видеть в этих плоскостных супрематических композициях лишь одну из проекций объемной композиции». Фактически Лисицкий как профессиональный архитектор представил все плоскостные композиции Малевича в виде комбинаций объемных тел. Живописная или графическая композиция была для него планировкой, он придал толшину, глубину этим плоскостям и в результате вышел на масштаб архитектуры и даже еще крупнее — масштаб градостроительный. Все «Проуны» Лисицкого — это архитектурные композиции из призматических объемов, по-разному

комбинированных, стоящих или парящих под разными углами друг к другу. Важнее становится не то пространство, в котором они существуют, а то, которое они образуют между собой, внутреннее пространство. В литографской мастерской печатались и произведения Малевича. В написанный от руки текст как зрительные и смысловые акценты вводились квадраты и прямоугольники. Черный и красный цвета были основными и в проектах уличного оформления Витебска. К революционным праздникам архитектурная среда полностью изменялась при помощи супрематической суперграфики. Необычное ощущение от изменившегося цветового образа, от нарочито элементарного декора Сергей Эйзенштейн сравнивал с «супрематическим конфетти», разбросанным по улицам ошарашенного города. Витеб-


52 / 53

архитек тура

1894  –  1956 1893  –  1954 1891  –  1956 1873  –  1943 1904  –  1986

Иван Пуни Нина Генке Александр Родченко Иван Клюн Лазарь Хидекель

ский УНОВИС, по сути дела, был центром системы аналогичных коллективов в других городах России. В плане работы Совета УНОВИСА содержались пункты, касающиеся организации производства проектов новых форм утилитарных сооружений, разработки заданий новой архитектуры, создания нового орнамента, проектов монументальных декораций для украшения города, росписи помещений, мебели, модели современной книги. Среди студенческих работ — оформление фасадов зданий, рисунки для ткани, плакаты, листовки и даже продуктовые карточки. Все это было построено на основе супрематической стилистики. Именно супрематизм благодаря стилевой независимости цветографической системы стал основой формирования современной концепции суперграфики.

промышленный дизайн

графика

СССР

Приверженцы супрематизма были уверены в том, что наипростейшие формы служат основой для всех остальных форм в физическом мире. За основу творчества были взяты такие формы, как треугольник, квадрат, прямая линия и круг. Художественные композиции супрематического характера изображают одну или несколько основных геометрических фигур, в черно-белых тонах, либо цветных, как статичных, так и динамичных. Самое главное,  что данные фигуры оказываются организованными в согласии с законами внутренней гармонии. В 1915 году Малевич выставил на суд публики свой легендарный «Черный квадрат», который впоследствии сыграл роль своеобразного изобразительного манифеста

супрематизма. Новые участники течения, например А.Н. Бенуа, восприняли картину «как новую икону». Развернутое обоснование «нового живописного реализма» под названием «От кубизма и футуризма к супрематизму», написанное Малевичем в 1916 году, гласило, что  искусство повторения», а именно фактическая передача физического мира и рисование с натуры, «свойственно дикарю». Подлинный творец проходит разрыв с подражанием действительности, открывая для себя истинную реальность, заключенную в простых геометрических формах.


1920

1940

супрематизм Макет небоскреба на Никитской площади > Москва Эль Лисицкий > 1923  –  1927


54 / 55

архитек тура

Эль

промышленный дизайн

графика

1890  –  1941

Лисицкий

Советский художник и архитектор, в Витебске руководил архитектурной мастерской и мастерской печатной графики в Народном художественном училище, где разрабатывал основы супрематизма. Лисицкий участвовал в декоративнопраздничном оформлении города; совместно с Малевичем оформил юбилейные празднества витебского Комитета по борьбе с безработицей. Был автором панно и плакатов, сочетавших супрематическую беспредметность и агитационную направленность изображений («Клином красным бей белых»). Создал книгу «Супрематический сказ про 2 квадрата». В Витебске Лисицкий изобрел и развил собственный вариант трехмерных супрематических композиций, названных им «проуны» (проекты утверждения нового). Из проунов впоследствии выросли проекты «горизонтальных небоскребов», театральные макеты, декоративно-пространственные установки, проекты павильонов и выставочных интерьеров, новые принципы фотографии и фотомонтажа, плакатный, книжный, мебельный дизайн. Архитектурная деятельность Лисицкого заключалась в решении проблем вертикального зонирования городской застройки. Так появились проекты «горизонтальных небоскребов» для Москвы.

Эскиз небоскреба на Никитской площади > Москва Эль Лисицкий > 1923  –  1927

Проект восьми «горизонтальных небоскребов» был задуман Лисицким на пересечении радиальных улиц с Бульварным кольцом. Эти здания в 10-15 этажей представляли собой распластанные параллелепипеды, установленные на вертикальные «столбы», в которых размещались лестничные клетки с лифтовыми шахтами. Данный проект являлся первой попыткой создать в Москве

«Ленинская трибуна» Эль Лисицкий > 1922

целый ряд сооружений, выполненных в единой стилистике, которые смогли бы стать новыми доминатами в ансамбле города. Этот проект не получил реализации, так же как и другие проекты высоток.


1920

супрематизм Предметы из сервиза Николай Суетин > 1923

1940


56 / 57

архитек тура

Николай

1897  –  1954

Суетин

промышленный дизайн

графика

Советский художник, мастер дизайна, графики и живописи, представитель авангарда в его супрематическом варианте, реформатор русского фарфора. У Суетина и до знакомства с Малевичем был интерес к беспредметной форме, теперь появилась возможность для практической работы — он участвует в декоративном оформлении Витебска к 1 мая, создает эскизы вывесок, проекты столовых и магазинов. Зачастую привязывание теории супрематизма к реальным задачам становилось стилизацией, набором геометрических приемов. Суетин сыграл исключительно важную роль в процессе предметного выражения идей основоположника супрематизма, — тех идей, которым сам Малевич лишь весьма редко придавал декоративно-прикладное воплощение. Как художник по фарфору он произвел настоящую революцию, радикально видоизменив как декор, так и саму структуру изделий — в результате отказа от каких бы то ни было исторических стилизаций ради элегантнострогого геометризма. Позднее, вслед за своим учителем перешел от чистой геометрии к «метафизическим», условно-знаковым фигуративным образам, что сказалось и в станковом, и в декоративно-прикладном творчестве Суетина.

Чашки Николай Суетин > 1923

Фарфоровые сервизы Суетин разрабатывал по рисункам основоположника суприматизма — Малевича. Динамизм и драматизм революционной эпохи зашифрованы в абстрактной графике геометрии. В этом фарфоре доминировало «бесконечное белое» пространство фарфора. Суетин подписывал свои работы дополнительным словом «супрематизм» и ставил рядом черный ква-

драт. «Квадрат — это явление русского искусства, которое окажется мировым событием, как оно оказалось для меня» — писал он.


1920

1940

супрематизм Супрематизм Казимир Малевич > 1916


58 / 59

архитек тура

Казимир

промышленный дизайн

графика

1879  –  1935

Малевич

Советский художник-авангардист, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — направления в абстрактном искусстве. В декабре 1913 года в Петербургском «Луна-парке» состоялись два представления оперы «Победа над Солнцем» (декорации и эскизы костюмов М. Малевича). Согласно воспоминаниям самого художника, именно во время работы над постановкой оперы к нему пришла идея «Черного квадрата» — задник декорации одной из сцен представлял из себя квадрат, наполовину закрашенный черным. Самое знаменитое живописное произведение Малевича Черный квадрат (1915), которое явилось своеобразным живописным манифестом супрематизма. Квадрат — основа геометрического супрематизма Малевича. Именно в квадрате усматривал он и некие сущностные знаки бытия человеческого (черный квадрат — «знак экономии»; красный — «сигнал революции»; белый — «знак чистоты человеческой творческой жизни»), и какие-то глубинные прорывы в Ничто, как нечто неописуемое и невыговариваемое, но ощущаемое. Черный квадрат — знак экономии, пятого измерения искусства, «последняя супрематическая плоскость на линии искусств, живописи, цвета, эстетики, вышедшая за их орбиту».

Супрематизм Казимир Малевич > 1921

Серия работ супрематических композиций, по сути геометрические абстракции, иллюстрируют основную идею движения «Супрематизм». Малевич охарактеризовывал супрематизм как высшую ступень развития искусства на пути освобождения от всего внехудожественного, на пути предельного выявления беспредметного, как сущности любого искусства. В этом смысле Малевич

Супрематизм с восемью прямоугольниками Казимир Малевич > 1915

и первобытное орнаментальное искусство считал супрематическим (или «супремовидным»). Супрематические знаковые конструкции, заменившие, как утверждал Малевич, символы традиционного искусства, превратились вдруг для него в самостоятельные «живые миры, готовые улететь в пространство» и занять там особое место наряду с другими космическими мирами.


1920

1940

супрематизм

Детская книга «Супрематический сказ про два квадрата» Эль Лисицкий > 1920

«Сказ про 2 квадрата» — это 10-страничная брошюра, адресованная «всем, всем ребятам». Текста в ней почти нет. Сюжет, достаточно прозрачный, но далеко не сразу воспринимаемый, разворачивается в картинках. Два квадрата — черный и красный — из далекого космоса летят на Землю. Здесь они видят господство черного и «тревожного». Удар по черному — и устанавливает-

ся гармония. Красные постройки воздвигаются на черной почве. В подтексте лежит рассказ о вечной борьбе добра со злом, а также предчувствие великих потрясений, которые готовило человечеству ХХ столетие. Для Лисицкого прежде всего была важна игра форм и цвета, которой все подчинено. Эта книга — самый радикальный опыт создания новой визуальной супрематической книги.

>>


60 / 61

архитек тура

промышленный дизайн

В этом проекте в шести композициях, сопровождавшихся коротким текстом, автор объединил две языковые системы: вербальную и визуально-графическую. Эта книга — прообраз многих современных произведений компьютерной графики и анимации. В ней все построено с помошью минимальных и легко формализуемых средств выражения. Главные герои книги — красный и черный

графика

квадраты. Красный квадрат в супрематической иконографии — символ энергичного, деятельного, творческого, духовного начала. Черный — символ более устойчивого, земного, материального.


1880

1890

1900

1910

Происхождение СССР

1920

1930

1940

1950

Основные черты

Использование современных материалов: стекла, стали, пластика.

1970

Основные сведения

Плоскостные линейные формы. Динамичная композиция.

1960

Вера в то, что искусство и дизайн должны подчиняться производственному процессу. Использование геометрических, точных, почти математических методов работы. Художник считался рабочим, отвечающим за создание новых, функциональных предметов.

Убежденность в том, что искусство играет важную роль в жизни общества и является необходимым средством отражения человеческого опыта.

1980

1990


62 / 63

КОН УК СТР ИЗМ ТИВ


1920

1940

основные представители

Конструктивизм —  движение, возникшее в Советской России как концепция формообразования в художественном творчестве и «производственном искусстве» 1920Цх гг. Но в ходе эволюции он стал отождествляться со стилем 1920-х гг. в целом. Иногда к конструктивизму относят вообще любое художественное произведение либо проект тех лет, где форма строится на основе геометрических элементов и есть четко выраженная технологическая, структурная и функциональная задача. Сам термин происходит от названия творческого объединения художников, назвавших себя «группой конструктивистов». Группа возникла в феврале 1921 г., в число первых членов входили: А. Ган, А. Родченко, В. Степанова, братья Стенберги, К. Медунецкий и К. Иогансен. Название группы связано с характерным этапом художественных поисков русско-

го авангарда, в ходе которых создавались абстрактные композиции с преобладанием структурных, геометрических, комбинаторных принципов. Эти композиции, выполненные в технике живописи или графике, объемных макетов, и получили название «конструкции». Первый этап сложения концепции конструктивизма — экспериментально-художественный. Условно его границами служат 1914-й, когда живописцем Владимиром Татлиным были созданы первые контррельефы, и 1921 года, когда группа художников-беспредметников на выставке «5x5=25» объявила о конце лабораторных поисков и о переходе к «производственному искусству». Конструктивизм исходил из концепции построения форм, основанной на выражении внутренних структурных связей


64 / 65

архитек тура

1893  –  1942 1885  –  1953 1894  –  1958 1889  –  1924 1900  –  1933

Алексей Ган Александр Родченко Варвара Степанова Любовь Попова Георгий Стенберг

между абстрактными геометрическими элементами, изучении выразительности сочетаний различных материалов. В своих «беспредметных» живописных и графических композициях из геометрических форм, фактур, цветов конструктивисты добивались эффектов пространственности, зрительной прочности связей между элементами, структурности построений. Со временем конструкциями стали называть художественные произведения в области живописи, графики, абстрактной скульптуры, в которых преобладали линии, плоскости, объемные элементы, где акцентировались монтажные связи между ними. Целью творчества становилось изобретение конструкций. В первые послереволюционные годы казалось, что не только социальный, но и весь предметный и визуальный мир будет

промышленный дизайн

графика

СССР

Для конструктивизма характерны простота и подчеркнутый утилитаризм архитектурных форм при полном отсутствии декора. Показной роскоши предыдущих стилей конструктивисты стремились противопоставить функциональность, простоту и геометрическую чистоту линий и форм. Стилевые особенности конструктивизма в дизайне и архитектуре заключались в утрировании каркаса: структурной и несущей системы вещи; пространственном вычленении объемов, связанных с различными функциями; зрительном выделении всевозможных технических деталей — крепежа, рукояток, ручек и т.д. В начале XX в. получили распространение легкие

конструкции в различных инженерных сооружениях: мостах, мачтах, каркасах башен. Форма предметов как бы складывалась из отдельных элементов, ориентированных в пространстве, как правило, соответственно направлению и распределению реальных физических усилий в конструкции. При этом металлические детали конструкций различных каркасов имели протяженную форму, напоминающую стержень, что в графическом изображении эквивалентно линии. Графическая линейная конструкция оказалась максимально приближенной к форме пространственной конструкции, являясь ее моделью.


1920

1899  –  1935 1890  –  1929 1885  –  1953 1881  –  1941 1890  –  1971

1940

Константин Медунецкий Карл Иогансен Владимир Татлин Николай Ладовский Владимир Кринским

построен заново. Кадры кинохроники 1918 и 1919 гг., старые фотографии сохранили сцены революционных праздников. К первой годовщине революции Натан Альтман в Петрограде «одел» основание Триумфальной колонны и Зимний дворец в кубистический наряд из плоскостей и геометрических объемов. В Москве вывешивались декоративные панно в условно-символическом духе, проводились конкурсы на украшение города к октябрьским торжествам. В 1919 г. подотдел художественного труда отдела изобразительного искусства Народного комиссариата по просвещению организовал конкурс на лучшие «киоски для распространения произведений печати». Книжные и газетные киоски рассматривались не просто как торговые точки, но прежде всего как центры информации

СССР

и политической агитации. Родченко спроектировал трехгранный киоск с несущим центральным стержнем, подчеркивавшим развитие формы по вертикали. На устойчивые объемы трех-, четырех- или пятигранных призм проектировщики навешивали все остальные атрибуты: выставочные стенды, трибуны, экраны, часы. Текст лозунгов дня выполнялся характерным для тех лет трафаретным шрифтом. Окрашенные плоскости напоминали паруса, а сам киоск — плывущий по волнам корабль. В 1919-1920 гг. в течение нескольких месяцев при архитектурно-строительном подотделе того же отдела изобразительных искусств работала комиссия по живописно-архитектурно-скульптурному синтезу (Живскульптарх). Архитекторами Николаем Ладовским, Владимиром Кринским, живописцами Александром Родченко


66 / 67

архитек тура

1891  –  1960 1895  –  1938 1890  –  1941 1883  –  1945 1890  –  1974

Александр Шевченко Густав Клуцис Эль Лисицкий Илья Голосов Константин Мельников

и Александром Шевченко, скульптором Борисом Королевым и другими участниками были созданы необычные и раскованные проекты планировки городов, домов-коммун и зданий для «совдепов». Архитектурные фантазии способствовали раскрепощению видения художников, помогали сформулировать новые в социальном отношении проектные задания. В 1921-1922 году сформулированы некоторые исходные позиции конструктивизма: • конструктивизм является итогом художественных поисков 1910-920- х гг., включая и беспредметное абстрактно-геометрическое творчество; • конструктивизм отличается от стилей прошлого тем, что он не является стилизацией и не имеет «декора»; • форма веши рождается исходя из целесообразного использования материала и ее назначения;

промышленный дизайн

графика

СССР

Промышленность приобщила металлические конструкции и даже индустриальное строительство к искусству. Она возвела инженера в ранг художника и обогатила искусство, включив в его сферу то, что подразумевается теперь под широким понятием «прикладные искусства». В решении пространства интерьеров модерна появляются акцентированные композиционные центры — камины, лестницы, светильники, линии стыка панелей стен или потолка, декоративные скульптуры или живописные панно. В композиции столовой Эжена Валлена такой доминантой стал вырастающий на гибких прутьях из потолка светильник. У его основания, как цветки у под-

ножья дерева, были прикреплены маленькие светильники с абажурами. Модерн проявился и в стиле одежды благодаря работам известного модельера Поля  Пуаре — реформатора женской моды XX в. Как никто другой, он умел устроить праздник из показа моделей. Граница между маскарадным костюмом и платьем становилась расплывчатой. Он творил моду как художественное действие. Пуаре «освободил» женщину от корсета, под влиянием стиля модерн создал силуэт, повторяющий изгибы тела, заменил вялые сочетания блекло-розового с нежносиреневым смелыми цветовыми контрастами лиловых, желтых, оранжевых, зеленых цветов.


1920

1902  –  1959 1883  –  1952 1904  –  1976 1903  –  1974 1884  –  1953

1940

Иван Леонидов Александр Веснин Михаил Барщ Олег Лялин Александр Никольский

• цель конструктивизма — организация жизни или, как писал Ганн, «коммунистическое выражение материальных сооружений». Второй этап формирования концепции конструктивизма — ранний конструктивизм — охватывает 1922-1924 гг. В это время окончательно складывается теоретическая концепция «производственного искусства», сформулированная в статьях Б. Арватова, О. Брика, Б. Кушнера, Н. Тарабукина. В марте 1923 г. выходит первый номер журнала «ЛЕФ». Ранний конструктивизм попробовал себя в агитационном дизайне, в кино, полиграфии (верстка журнала «Кино-фот» А. Гана, конструктивно-геометрические обложки Веснина, Родченко, Поповой, Степановой). Третий этап — классический конструктивизм — пришелся на середину 1920-х гг.

СССР

Окончательно складывается методика проектирования не столько отдельных предметов мебели, сколько комплектов оборудования, многофункциональных трансформирующихся вещей-аппаратов. На Международной выставке декоративных искусств и художественной промышленности 1925 г. в Париже конструктивизм дебютировал как стиль и развитая система художественных приемов во многих областях творчества — архитектуре, дизайне мебели и интерьера, текстильном дизайне, дизайне одежды и т.д. Здесь демонстрировались архитектурные проекты, модель башни Татлина и Дворец труда Весниных (1923); рекламные плакаты Лавинских; театральные проекты Стенбергов и Шестакова; фотомонтажи Родченко к поэме В. Маяковского «Про это», обложки Г. Клуциса и Поповой; текстильные рисунки


68 / 69

архитек тура

1886  –  1969 1887  –  1965 1904  –  1989 1892  –  1942 1903  –  1974

Владимир Владимиров Шарль Ле Корбюзье Игорь Фомин Давид Кричевский Владимир Мунц

Поповой и Степановой для 1-й ситценабивной фабрики в Москве. Четвертый этап — поздний конструктивизм конца 1920-х — начала 1930- х гг. — отличался более тонкой проработкой пропорций, появлением скруглений, расширением палитры материалов. В графическом дизайне больше внимания уделяли чисто функциональным вопросам удобства восприятия информации.

промышленный дизайн

графика

СССР

В графических видах творчества конструктивизм характеризовался применением фотографии и фотомонтажа вместо рисованной иллюстрации, предельной геометризацией графической структуры страницы, подчинением композиции прямоугольным ритмам модульной сетки, широким применением элементов наборной графики — шрифтов, акциденций, линеек. Художники авангарда придерживались нескольких универсальных правил моделирования. Прежде всего пространственная конструкция должна быть абстрактной, неизобразительной. Она не изображает ничего, кроме самой себя. Стилистическая общность конструктивизма рождалась благодаря универ-

сальности и разносторонности его мастеров, а также в силу повторения некоторых устойчивых архетипических схем: простого пересечения элементов под прямым углом (крестообразная схема), при многократном повторении создававших впечатление пространственной или графической решетки; зигзагообразной линии и диагональной схемы; откровенного, использования нескольких наиболее часто встречающихся приемов симметрии: зеркальной, поворотной, переноса. Стабильной была и цветовая гамма конструктивизма: черный, красный, белый, серый с добавлением небольшого количества основных цветов — синего и желтого.


1920

1940

констр уктивизм Дом Мельникова > Москва Константин Мельников > 1927  –  1929


70 / 71

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Константин 1890  –  1974

Мельников

Советский архитектор, художник и педагог, заслуженный архитектор РСФСР, один из лидеров направления авангарда в советской архитектуре в 1923-1933 годах. Композиция многих его построек 1920- х гг. — рабочих клубов, гаражей — рождалась исходя из организации функциональных процессов. Проекты Мельникова были не только новаторскими, но и принципиально необычными для своего времени. Они всегда были на гребне нового и сверхоригинального. И это было не один и не два раза: практически все конкурсные проекты Мельникова имели одно и то же качество — они были самыми неожиданными, самыми оригинальными. Творческий почерк Мельникова значительно сложнее главного тезиса функционализма «форма следует функции». Работая над сериями зданий одного типа (например, клуб, гараж), Мельников на практике показывал, что одна и та же функция может быть вложена в разные объемно-пространственные формы. Своим творчеством Мельников показывает ценность для архитектуры и самой формы, способной вмещать в себя различные функции (например, форма цилиндра была использована архитектором при проектировании собственного дома).

Окна изнутри дома Мельникова > Москва Константин Мельников > 1927  –  1929

Дом Мельникова — одно из самых известных творений зодчего, а по мнению некоторых исследователей наследия К. Мельникова — вершина его творчества и шедевр русской архитектуры. Доммастерскую в Кривоарбатском переулке в Москве Мельников построил для себя и своей семьи. Объемная композиция дома представляет собой два разновысоких вертикальных цилиндра одина-

кового диаметра, врезанных друг в друга на треть радиуса, образуя тем самым необычную форму плана в виде цифры «8». Окнам в одном из цилиндров придана необычная шестиугольная «сотовая» форма.


1920

1940

констр уктивизм

Клуб коммунальщиков им. Русакова > Москва Константин Мельников > 1927  –  1929

Павильон «Махорка» > Москва Константин Мельников > 1927

Павильон «Махорка» — один из самых первых примеров архитектуры советского авангарда и первая из реализованных построек К. С. Мельникова. В павильоне «Махорка» Мельников впервые применил новый подход к созданию художественного образа современного выставочного павильона, который был затем развит в принесшем ему мировую славу советском павильоне

Павильон СССР на Международной выставке Константин Мельников > 1925

на Международной выставке декоративных и прикладных искусств в Париже. Павильон представлял собой легкую каркасную деревянную постройку, большая часть площади его наружных стен была остеклена. Необычна была его композиция: прямоугольное в плане двухэтажное здание перерезалось по диагонали широкой ведущей в помещения второго этажа открытой лестницей.


72 / 73

архитек тура

Илья

промышленный дизайн

графика

1883  –  1945

Голосов

Советский архитектор, работавший в стиле символического романтизма и конструктивизма. Голосов не стоял у истоков этого течения, но в середине и второй половине 20-х годов был, пожалуй, наиболее удачливыми интерпретатором художественно-стилистических приемов конструктивизма. Ранние его работы отличаются стилевым разнообразием. Голосов искренне увлекался разработанными к середине 20-х годов конструктивистами приемами создания художественного образа и активно включал их в дальнейшую разработку. Четко выявленный каркас и обильное остекление начиная с 1925 года становятся характерными для проектов Ильи. Перейдя на позиции конструктивизма, Голосов один за другим создает первоклассные в художественном отношении проекты, оказав значительное влияние на распространение этого творческого течения во второй половине 20-х годов. С 1925 года Голосов создает множество конструктивистских проектов: дом текстиля, Русгерторг, Электробанк, дом культуры имени Зуева. В своих проектах он сплавляет в единое целое крупные формы с простой геометрией (куб, параллелепипед и цилиндр), длинные плоскости фасадов разбивает переплетами окон.

Дом культуры имени Зуева > Москва Илья Голосов > 1928

Дом культуры имени Зуева —  один из наиболее ярких и известных в мире памятников конструктивизма. Дом построен на основе асимметрично расположенных правильных геометрических тел. Композиционным центром здания является вертикальный стеклянный цилиндр, на который как-будто «надет» весь корпус с непривычно большими поверхностями окон. Учитывая предназначение

Русгерторг > Москва Илья Голосов > 1926

здания именно как клуба рабочих, Илья Голосов придал ему ясно читающееся сходство с промышленной архитектурой. Центральный цилиндр вызывает ассоциацию с корпусом элеватора, горизонтальный «пояс» третьего этажа напоминает заводской переход-галерею.


1920

констр уктивизм Проект костюмов Варвара Степанова > 1923

1940


74 / 75

архитек тура

Варвара

промышленный дизайн

графика

1848  –  1933

Степанова

Советская художница-авангардистка, представительница конструктивизма, дизайнер и поэт, жена и соратница Александра Родченко. Работала и выставлялась под псевдонимом Варст. Постоянно занималась — как художница и художественный редактор — масс-медийным дизайном в журналах «Кинофот», «ЛЕФ», «Советское кино», «Современная архитектура», «Смена», «Книга и революция», «Советская женщина». В 1933-1934 служила художественным редактором в Партиздате. В 1930-1950-х годах оформила, часто в сотрудничестве с Родченко, много агитационно-политических альбомов. Степанова выступила также и как радикальный новатор текстильного дизайна, исполнив 150 рисунков (для Первой ситценабивной фабрики, 1924-1925), где незримо первенствует легкий и изящный образ артиста, как бы излучающего в геометричных узорах свою творческую энергию. В лучших своих теоретических выступлениях 1920- х годов отстаивала независимость нового искусства, понимая его как «чудо», которое не может быть постигнуто в узкоутилитарном, чисто функциональном смысле.

Проект костюмов Варвара Степанова > 1923

На смену моде, как считала Степанова, идет функциональная одежда, или, как ее называли в 1920- е гг., — «прозодежда». Степанова считала, что эволюция костюма с неизбежностью следует за эволюцией техники и что только при том уровне развития, которого техника достигла к началу 1920- х гг., могли появиться костюмы пилота и шофера, непромокаемые пальто, специальные фут-

больные ботинки, военный френч. Система покроя, конструкция, форма одежды, по ее мнению, целиком вытекают из особенностей работы человека. Костюм следует не украшать, а конструировать.


1920

1940

констр уктивизм

Рекламный плакат Александр Родченко > 1925


76 / 77

архитек тура

Александр

промышленный дизайн

графика

1891  –  1956

Родченко

Советский живописец, график, скульптор, фотограф, художник театра и кино. Один из основоположников конструктивизма, родоначальник дизайна и рекламы в СССР. Относился к искусству как к изобретению новых форм и возможностей, рассматривал свое творчество как огромный эксперимент, в котором каждая работа представляет минимальный по форме живописный элемент и ограничена в выразительных средствах. Художник широкого профиля, Родченко конструктивистски реформировал также стилистику мебели (проект рабочего клуба для Международной выставки декоративных искусств в Париже, 1924), одежды (собственный комбинезон 1923, напоминающий современный джинсовый покрой), рекламы и промграфики (плакаты, реклама, конфетные обертки, ярлыки для «Моссельпрома», «Резинотреста», ГУМа и «Мосполиграфа», 1923  –  1925), наконец, киноплаката. Как фотограф, Родченко стал известен благодаря экспериментам с ракурсом и точками фотосъемки.

Обложка журнала «Леф» Александр Родченко > 1925

Журнал «ЛЕФ» стал громким рупором идей «производственного искусства», ареной бурной полемики. В нем публиковались разнообразные новаторские проекты конструктивистов, например, кино-автомобили Родченко, радио-трибуны Густава Клуциса, спорт-одежда и тканей Варвары Степановой, а также план города будущего или схема дома-квартала Антона Лавинского, театральные

Обложка каталога Александр Родченко > 1925

декорации Поповой. Родченко, Лавинский, Сенькин опубликовали в «ЛЕФЕ» и плакаты, которым теоретики конструктивизма отводили особую и очень важную роль.


1880

1890

1900

1910

Происхождение Нидерланды

1920

1930

1940

Основные черты Абстрактные геометрические формы. Горизонтальные и вертикальные плоскости. Использование основных цветов, а также черного и белого.

1950

1960

1970

Основные сведения Стиль возник после Первой мировой войны, во времена, когда после хаоса общество больше всего ценило упорядоченность. Отказ от природных форм и сюжетов в пользу геометрических абстракций. Простой, логический стиль, подчеркивающий особенности конструкции и функций.

1980

1990


78 / 79


1917

1935

основные представители

Де Стиль —  oбъединение мoлoдых гoллaндских худoжникoв, oснoвaннoе в 1917 г. В 1917 г. в городе Лейдене по инициативе Пита Мондриана была создана художественная группа «Де Стиль». Одновременно начинает издаваться журнал под тем же названием. Его обложку украшал логотип, буквы которого были составлены из стандартных черных прямоугольников. К этому моменту уже написаны плоскостно-геометрические картины Мондриана, задавшие направление стиля. Наиболее известные члены группы: архитектор и художник Тео ван Дусбург, основатель, живописец Пит Мондриан, архитектор Питер Оуд, скульптор Жорж Вантегерло, художник Вильмош Хусар. Тео ван Дусбург, издатель журнала, архитектор и живописец, с самого начала создания объединения ориентировал его дея-

тельность на комплексное проектирование предметной среды. В следующих номерах журнала как примеры нового подхода к искусству и проектированию были опубликованы «Черный квадрат» Малевича и «Проун» (композиция из серии «Проектов Утверждения Нового», выполненная еще в Витебске) Лисицкого. В своем манифесте члены группы призывали к созданию новой культуры, основанной на равновесии и интернациональной общности культур, отказе от изобразительности. Они считали, что искусство должно примирить полюса жизни — «природу и интеллект, другими словами, женское и мужское начало, негативное и позитивное, статическое и динамическое, горизонталь и вертикаль». В 1922 г. в журнале «Вещь», издававшемся Лисицким и И. Эренбургом в Берлине, была


80 / 81

архитек тура

1883  –  1931 1872  –  1944

Тео ван Дусбург Пит Мондриан

опубликована статья ван Дусбурга о трех уровнях геометрических построений. Эта публикация — ключ к пониманию стилевого модуля группы «Де Стиль». Первый уровень — графическое построение. В качестве базовых элементов использованы закрашенные черным цветом три прямоугольника и квадрат. Они расположены параллельно друг другу, образуя в сумме общую конфигурацию. Мондриан так комментировал свои предельно геометризованные композиции: «Разделяя прямоугольник при помощи вертикальных и горизонтальный линий, неопластицист достигает спокойствия, равновесия всеобщего и индивидуального». Второй уровень — скульптурный. К тем же плоским формам добавлена глубина. Получаются стоящие рядом параллелепипеды, изображенные в аксонометрии.

промышленный дизайн

графика

Нидерланды

Движение Де Стиль было более озабочено не утилитарными, а духовными проблемами. Его участники считали архитектуру прежде всего искусством, которое, став жизненной средой человека, приведет к духовному преображению и, в итоге, к возникновению справедливого общества. Спроектированные Тео ван Дусбургом и Герритом Ритвельдом дома решены как пирамидальные композиции, сложенные из кубических объемов отдельных помещений. В отличие от большинства модернистов, архитекторы Де Стиль активно использовали цвет: они окрашивали отдельные плоскости стен внутри и снаружи дома в  белый, красный, синий, желтый и черный цвета,

следуя примеру живописных произведений лидера движения Пита Мондриана. Вертикальные стойки, перила балконов, горизонтальные балки воспроизводят пространственный каркас кубической решетки.


1917

1890  –  1963 1888  –  1964

1935

Якоб Питер Оуд Геррит Ритвельд

Нидерланды

« Искусство должно примирить полюса жизни — природу и интеллект, женское и мужское начало, негативное и позитивное, статическое и динамическое, горизонталь и вертикаль ». (Из манифеста группы «Де стиль»)

Черным цветом закрашены лишь уходящие в глубину плоскости, фронтальные оставлены белыми. Зрительно эти черные формы передают массивность, тяжесть объемной скульптуры. Третий уровень — архитектурный. Предыдущая композиция, изображающая скульптуру, полностью сохраняется, но вместо сплошной заливки силуэта для выявления форм использован линейный контур. Получается ажурная каркасная пространственная структура. В проектах зданий, мебели и интерьеров, созданных членами группы Де Стиль, как правило, присутствовали все три уровня композиционных решений. На уровне комбинаций плоских прямоугольных элементов, строго вписанных в прямоугольную систему координат, решены и плакаты, и обложки, и мотивы росписи стен,

потолка, пола в интерьере. Мебель тяготеет к скульптурной концепции, к комбинации плотных монолитных объемов. Смысл публикации Дусбурга в журнале «Вещь» — привлечь внимание к тому факту, что рождается новое понимание монументального искусства, при котором человек оказывается не перед произведением, а буквально внутри него, если иметь в виду архитектурный объем, покрытый изнутри живописной композицией, внутренне связанной стилистически и формально с архитектурными объемами. Дусбург мечтал «поставить человека в пластическое искусство, а не перед ним». Ядром художественной концепции группы Де Стиль была идея неопластицизма. Этот термин привился в искусствознании как калька с французского, хотя исходно был заимствован Мондрианом


82 / 83

архитек тура

1890  –  1963 1892  –  1950

Питер Ауд Вильмош Хусар

еще до 1920 г. из теософии (от голл. nieuwe beelding — новое представление об образах). Неопластицизм — это не столько идея использования конкретных форм, сколько область формально-композиционных ощущений, предощущений особого порядка, структуры образов, которые воплотились именно в том характерном для группы Де Стиль словаре визуальных элементов — прямоугольников, окрашенных яркими локальными цветами. Неопластицизм — ядро тектонического языка «Де Стиля», предельно упрощенного, архитектурного. Именно поэтому он и смог стать основой интернационального стиля. При внешнем сходстве с супрематизмом Де Стиль предполагает более определенные схемы построений на плоскости. Все размеры и пропорции элементов

промышленный дизайн

графика

Нидерланды

Дизайн мебели в Де Стиль максимально лаконичен. Строгие, лишенные всякого декора столы, стулья, комоды и шкафы предельно функциональны. Лишней мебели нет, все только самое необходимое. Контуры мебели прямоугольные или квадратные, никаких изогнутых линий, острых или тупых углов. При всей своей простоте мебель довольно удобна, в гостиной обязателен громадный угловой диван яркого цвета. Сдержанность форм мебели смягчается яркими цветами. Дизайн интерьера Де Стиль предполагает нестандартное использование света. Светильники размещаются в направляющих пазах, при помощи которых могут перемещаться вдоль стен

и потолка, изменяя направление светового потока. Свет в Де Стиль призван уравновешивать строгую геометричность и аскетизм интерьера.


1917

1890  –  1963 1884  –  1956

1935

Жорж Вантегерло Йоост Шмидт

Нидерланды

« Разделяя прямоугольник при помощи вертикальных и горизонтальных линий, неопластицист достигает спокойствия, равновесия всеобщего и индивидуального ». Пит Мондриан

заданы прямоугольной сеткой. Квадраты и прямоугольники стыкуются здесь, как в мозаике. И супрематизм, и Де Стиль как цветографические системы активно работают с объемной формой, пространством, организуя его при помощи крупных цветовых форм и изменяя его восприятие при помощи цвета. Для супрематизма более характерна независимость цветографической композиции от формы, для Де Стиля — четкая привязка по размерам, членениям цветовой композиции к объемной композиции. В работах членов группы Де Стиль цвет выявляет и подчеркивает форму. Это заметно в принципах использования цвета и в архитектуре, и в мебели ведущего дизайнера группы Геррита Ритфелда. Ритфелд познакомился с ван Дусбургом и Мондрианом в 1915-1916 гг.

Быстро усвоив новый визуальный словарь, он тут же создает свое главное детище — так называемый красно-синий стул. Каждый объем или плоскость, из которых, собственно, и состоит его мебель, окрашены в свой цвет. Цветом же часто выделен и несущий каркас. Мебель по проектам Ритфелда серийно изготавливалась с 1923 г. фирмой «Метц» в Амстердаме. Сила группы была в разнопрофильности ее членов. Они проектировали дома, мебель, картины, плакаты, тексты — и все под флагом Де Стиля. Значение в формировании интернационального стиля в дизайне и архитектуре оказалось решающим. Де Стиль повлиял на развитие дизайна и архитектуры XX в., на то, что именуется модернизмом, благодаря подробной, всесторонней отработке пространственных


84 / 85

архитек тура

1887  –  1979 1891  –  1972

Роберт ван Хофф Ян Вилс

и формально-композиционных решений. Его визуальный словарь был предельно ясным, визуальный результат — гарантированным, стилистические и формальные отличия от других направлений — предельно подчеркнутыми и очевидными.

промышленный дизайн

графика

Нидерланды

Сущность дизайна вообще, и графики в частности, направления Де стиль, заключается в игре плоскостей и цвета. Абстрактные композиции строятся из геометрических фигур красного, желтого, синего цвета. Разбавляется все это плоскостями серого и белого цветов, а черным, как правило, очерчивается контур фигур. Пит Мондриан, испытав влияние французского кубизма, создал оригинальное течение неопластицизма в искусстве геометрического абстрактивизма. Он создавал абстрактные композиции на плоскости из прямоугольников и квадратов, закрашенных в красный, серый, голубой и желтый цвета, разделенных черным контуром.

В основу подобных композиций положен принцип «динамического равновесия». В 1922 г. в журнале «Вещь», издававшемся Лисицким и И.Г. Эренбургом в Берлине, была опубликована статья ван Дусбурга о трех уровнях геометрических построений. Эта публикация — ключ к пониманию стилевого модуля группы «Де Стиль».


1917

де стиль Дом Шредера > Утрехт Геррит Ритвельд > 1924

1935


86 / 87

архитек тура

Геррит

промышленный дизайн

графика

1888  –  1964

Ритвельд

Нидерландский дизайнер мебели и архитектор, Ритвельд был одним из создателей стиля неопластицизм. В 1917 году дизайнер открыл свою мастерскую мебели, где создал известный красно-синий стул. Одной из первых архитектурных работ Ритвельда стал частный дом жительницы Утрехта Трюс Шредер. Дом продолжает развитие неопластицизма: прямоугольные формы, традиционная для произведений «Стиля» палитра (белые и серые стены и вертикальные линии, выполненные в основных цветах). Вилла была построена в соответствии с 16-ю пунктами «пластичной архитектуры» Ван Дусбурга: она была «элементарной, экономичной и функциональной; немонументальной и динамичной; антикубистической по форме и антидекоративной по цвету». Дом зрительно отличался от других построек этого района. В 2000 году ЮНЕСКО эту виллу объявило Всемирным наследием. Последним крупным проектом Ритвельда стал музей Ван Гога. Строительство здания в 1973 году завершили его партнёры по архитектурной студии ван Диллен и ван Трихт.

Интерьер дома Шредера > Утрехт Геррит Ритвельд > 1924

Дом Шредера — здание, построенное для госпожи Трюс Шредер. Она поручила построить дом желательно, без стен. И архитектору удалось построить, возможно, единственное здание в стиле неопластицизма, являющееся при этом самым известным объектом, выполненным в данном стиле. Госпожа Шредер прожила в этом доме до самой своей смерти, наступившей в 1985 году. Позже дом

был превращен в музей. В доме два этажа, его общая площадь — 125 м. Первый этаж относительно классично спроектирован. На втором этаже отсутствует традиционное деление на комнаты, стены существовали по желанию госпожи Шредер только в форме перегородок, вся мебель могла складываться, а двери комнат открывались при помощи механических кнопок.


1917

де стиль Столик и стул Геррит Ритвельд > 1918

1935


88 / 89

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Тачка Геррит Ритвельд > 1918

Столик и стул были частью обстановки дома Шредер. Повторяя принцип живописи Мондриана, где цветные плоскости находятся, как в витражных ячейках, в черной прямоугольной сетке, Ритфелд также использует черный цвет брусков для выделения несущего каркаса стула с красной спинкой и синим сиденьем. Несмотря на кажущуюся угловатость и механистичность,

сидеть на нем вполне комфортно благодаря правильно заданной предельной высоте наклонного сиденья, понижающегося к спинке и эргономически точно выбранному углу наклона спинки относительно сиденья. Любопытна конструкция низкого столика, составленного из квадрата столешницы, круга основания, прямоугольника и вертикальной стойки в качестве несущей опоры.


1917

1935

де стиль «Композиция красного, желтого, синего и черного» Пит Мондриан > 1921


90 / 91

архитек тура

Пит

промышленный дизайн

графика

1872  –  1944

Мондриан

Нидерландский художник Мондриан одновременно с Кандинским и Малевичем положил начало абстрактной живописи. В годы Первой мировой войны сблизился с художником Тео ван Дусбургом, основал с ним вместе движение «Де Стиль» и одноименный художественный журнал. Журнал стал органом неопластицизма — утопии новой пластической культуры как предельной сознательности в скрупулезной передаче обобщенной красоты и истины самыми аскетическими средствами, основными, первичными красочными тонами, линиями, формами. Они отвергали передачу природного, естественного в живописи, пропагандируя язык чистых геометрических форм, основными элементами которого должны были выступать вертикаль и горизонталь, а основными цветами — красный, синий и желтый. Эти тенденции особенно просматриваются в работах «ромба» («lozenge»), которые Мондриан стал писать в середине 1920-ых годов. Картины «ромба» — это квадратные холсты, наклоненные на 45 градусов, так, чтобы они висели в алмазной форме. Мондриан попытался приспособить принципы неопластицизма для передачи динамических эффектов («Буги-вуги на Бродвее»).

«Буги-вуги на Бродвее» Пит Мондриан > 1942  –  1943

В середине 30-х на творчество голландца обратили внимание американские коллекционеры и меценаты. В преддверии новой войны Мондриан перебрался в Нью-Йорк. Впечатления от бьющей ключом жизни большого города, а также от джазовой музыки отразились в картинах Мондриана того времени: в них по-прежнему господствует четкая геометрическая основа,

«Нью-Йорк» Пит Мондриан > 1942

а мерцающие цветовые поля выстроены в ровные линии. Эти работы он именовал уже не «Композициями», а давал им такие названия, как, например, «Буги-вуги, Бродвей» или «Буги-вуги, победа».


1880

1890

1900

1910

Происхождение Германия

1920

1930

1940

Основные черты Отказ от орнаментальности в пользу функциональности. Форма подчинена функциям. Преобладание ассиметрии.

1950

1960

1970

Основные сведения Полагали, что смешение приемов и техник идет на пользу искусству. Прогрессивный, экспериментальный учебный план, новаторские методы обучения. Архитектура провозглашалась ведущим направлением в дизайне.

1980

1990


92 / 93

BAUHAUS


1919

1940

основные представители

Функционализм —  В начале XX в. в Европе существовали четыре крупных центра нового стиля: Франция, Германия, Россия и Голландия. Но лишь в России и Германии возникли совершенно новые типы учебных заведений — школы универсального дизайнерского профиля с оригинальными и в чемто похожими принципами построения учебных программ. В 1919 г. Вальтер Гропиус был назначен главой двух художественных школ в Веймаре — Школы искусств и ремесел и Института изящных искусств — и объединил их в одну. Война разуверила Гропиуса в промышленности как движущей силе прогресса. Он обращается к предметно-художественному творчеству как к инструменту для построения гуманной среды. Слово «Баухауз» Гропиус придумал сам (инверсия слова «Haus-bau» — строительство

домов), оно символизировало построение своеобразного храма искусства, в котором есть место всем ремеслам и искусствам под крышей архитектуры, при ее ведущей роли. Манифест «Баухауза» состоял из текста, написанного Гропиусом, изображения готического собора с сияющими звездами на линогравюре Лайонелла Файнингера. Собор с тремя шпилями символизировал единство архитектуры, живописи и скульптуры. Йоханнес Иттен, без сомнения, — самый влиятельный среди первых приглашенных Гропиусом преподавателей. Именно его «Вводный курс», знакомивший с фундаментальными пластическими категориями, свойствами форм, средствами выразительности, заложил основу системы художественного образования. Бритый наголо, он и своей одеждой на-


94 / 95

архитек тура

1883  –  1969 1902  –  1971 1886  –  1969 1831  –  1905 1895  –  1946

Вальтер Гропиус Марсель Брейер Марианна Брандт Ханс Майер Людвиг Мис ван дер Роэ

поминал монаха-буддиста. Иттен считал, что степень воздействия произведения искусства определяется не только выразительностью композиции вещи, но и тем состоянием, в котором художник его создавал. Главное в своих занятиях со студентами он видел в эмоционально-чувственном воспитании, умении контролировать себя и свои движения, творческую энергию. Иногда занятиям предшествовала дыхательная зарядка. Одно из частых заданий — композиции углем на больших листах бумаги — выполнялось с закрытыми глазами. Другое излюбленное задание — графические контрасты. Сначала тема контраста формулировалась письменно: право — лево; свет — тьма; линия — пятно и т.д. Затем начинался поиск графического выражения того или иного типа контрастов, с использованием

промышленный дизайн

графика

Германия

Основной материал — монолитный и сборный железобетон, стекло, реже — кирпич. Использование крупных нерасчлененных плоскостей одного материала. Отсюда и преобладающая цветовая гамма — серый (цвет неоштукатуренного бетона), желтый (любимый цвет Ле Корбюзье) и белый. Отсутствие орнаментации. Для промышленных и частично жилых и общественных зданий характерно расположение окон на фасаде в виде сплошных горизонтальных полос — так называемое «ленточное остекление». В 1926 г. Марсель Брейер проектирует стандартизованный цельнометаллический дом из модульных элементов. Его достоинства — легкость и быстрота

монтажа, обилие света, дешевизна производства и строительства. Швейцарский архитектор Ханнес Мейер по предложению Гропиуса сначала возглавил архитектурное отделение, а затем, в 1928г., и саму школу. Он обращал внимание студентов на связь между конструкцией вещи и обществом, на переход от интуитивного чувства формы к научным исследованиям, на удовлетворение потребностей людей, исключая потребность в роскоши. Мейер ввел новые предметы в программу обучения: социологию, экономику, психологию.


1919

1895  –  1946 1888  –  1943 1893  –  1948 1900  –  1990 1887  –  1965

1940

Ласло Махой  –  Надь Оскар Шлеммер Йоост Шмидт Вильгельм Вагенфельд Шарль Ле Корбюзъе

◆ ◆ ◆

Венгрия Германия Франция

« Нет границ между ремеслом и скульптурой или живописью; они и есть здание. Давайте вместе создадим это здание будущего, где все будет слито в единой форме: архитектура, и скульптура, и живопись. » Вальтер Гропиус

заданных форм. Третий цикл упражнений — объемные композиции и рельефы, понимание негатива и позитива объемной формы, построение рельефа из разнородных фактур и материалов. Свалки мусора поставляли разнообразные материалы и неограниченные варианты их сочетаний. Среди «экспонатов» были объекты величиной с ладонь, куски досок или бревен, измазанные сажей, обмотанные проволокой, с кусками битого стекла или колбами от ламп. Студентам предлагалось самим выбрать наиболее интересный объект. Затем на основе этих натюрмортов студенты выполняли рисунки в различной технике. Отдельный цикл упражнений был связан с основной триадой цветов — красного, желтого, синего, а также с основными геометрическими формами. Принципиальную схему обучения Гропиус изобразил

в виде концентрических колец. Наружное кольцо — полугодовой вводный пропедевтический курс, в ходе которого изучали основные закономерности формы и цвета, знакомились с различными материалами в начальных мастерских. Следующие три года отводились, во-первых, на подробное изучение материалов: камня, металла, дерева, текстиля, стекла, глины, вовторых — на освоение законов, правил, технологий, приемов работы с материалами через изучение инструментов и конструкций, наблюдения над природой, создание цвето-геометрических композиций. Предполагалось, что профессиональную специализацию в той или иной области художник получит, работая с «мастером формы» — ведущим художником-проектировщиком в той или иной области, и через овладение тайнами материала при посред-


96 / 97

архитек тура

1883  –  1931 1890  –  1946 1888  –  1967 1883  –  1931 1890  –  1963

Тео Ван Дусборг Карл Юкер Йоханнес Иттен Тео Ван Дусборг Питер Ауд

стве «мастера материала». В центре схемы находился круг, означающий проектирование, строительную площадку, учет законов конструирования и техники. Такое разделение формально-художественных и проектных дисциплин диктовалось опытом мирового художественного авангарда в начале XX в. В абстрактном искусстве многое определялось рационально сформулированными критериями и принципами. Эти принципы рассматривались как универсальные, как соответствующие новому духу времени. Уход от стилизации и декора привел к тому, что выразительность вещи стала строиться на основе выразительности сочетаний ее главных элементов. Элементарные формы искусства оказались созвучными, соответствующими тем деталям и формам вещей, из которых художники предполагали строить

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Германия Швейцария Нидерланды

Металл лидировал как материал в студенческих проектах. Из него выполнялись абстрактные пространственные композиции, мебель, осветительная арматура. Металлические трубки, профили, сварка — все это приходит во второй половине 1920-х г. в дизайн мебели вместо традиционного дерева и привычных соединений по типу врезок, шпунтов и т.д. Металл одинаково выразителен в сочетании как с лакированными деревянными поверхностями стульев, столов, полок и шкафов, так и с кожей кресел. В 1927 г. «Баухауз» издает первый каталог стандартизованной мебели, выпускаемой в его мастерских. Если в первой половине 1920-х гг. ассортимент мебели,

спроектированной деревообрабатывающим факультетом, включал стулья, кресла, прямоугольные и круглые столы, письменные столы, полки и шкафы, то после переезда в Дессау возникли новые типы мебели. Например, складные стулья с металлическим каркасом, поворотные стулья по типу офисных, сборно-разборные табуретки, столы, убирающиеся один в другой, как матрешка, шкафы для детских комнат, состоящие из массы отделений — для игрушек, одежды, обуви.


1919

1866  –  1944 1888  –  1976 1892  –  1962 1895  –  1987 1908  –  1968

1940

Василий Кандинский Йозеф Альберс Йозеф Поль Георг Мухе Макс Билль

весь предметный мир. Поэтому и возникла идея разделения профессиональной подготовки дизайнера на два этапа: первый — абстрактно-аналитическая пропедевтика, второй — проектирование функциональных изделий из того или иного материала. Экспрессивный рисунок с фигуркой человека на печати «Баухауза» 1919 г. сменяет в 1922 г. более строгий, обобщенный геометризованный профиль, созданный Шлеммером. Этот стилизованный профиль, в котором квадрат изображал глаз, а три вертикальных прямоугольника, расположенных друг под другом со смещением, — нос, губы и подбородок, не случайно напоминал характерную графику голландской группы Де Стиль. После победы правых на выборах в Тюрингии финансирование «Баухауза» резко сократилось. К 1924 г.

◆ ◆ ◆

СССР Германия Швейцария

благодаря выставкам и публикациям работы студентов получили известность, школа имела прекрасную репутацию, и многие города были готовы ее принять. Гропиус нашел благоприятные условия в Дессау. В жизни школы начался второй этап. С этого момента архитектура начинает играть центральную роль в концепции школы, открывается отделение архитектуры (1927). Новое здание школы и жилой корпус были выстроены по проекту Гропиуса. В композиции фасада школы с несущим внутренним каркасом преобладали ровные застекленные поверхности стен. Простота, легкость, обилие света в рабочих помещениях. Преподаватели, так же как и студенты, жили фактически в пределах территории школы. Студенты в общежитии, преподаватели — в отдельных коттеджах. Внутреннее оборудование, мебель


98 / 99

архитек тура

1900  –  185 1879  –  1940 1881  –  1944 1871  –  1956 1890  –  1977

Герберт Байер Пауль Клее Март Штам Лионель Фейнингер Наум Габо

и для школы, и для общежития, и для коттеджей проектировались и выполнялись студентами и педагогами. История «Баухауза» — это непрекращающийся конфликт между экспрессионистскими ощущениями и рациональными производственнотехническими принципами. В годы директорства Гропиуса до 1930 г. рациональное начало постепенно отвоевывало позиции. С приходом Мейера оно стало доминирующим. В третьей фазе — под началом Мис вам дер Роэ в Берлине — социальные аспекты отошли в тень, а чисто формальная рациональность стала ведущей. Семена «Баухауза» разлетелись по всему миру. В Чикаго эмигранты Мохой-Надь и Гропиус открыли «Новый Баухауз». Выпускники школы активно работали в графическом дизайне и архитектуре.

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Австрия Германия США

Йоост Шмидт, бывший студент «Баухауза», вел занятия по шрифтовой графике. Темы композиций: контрасты, оптические эффекты, шрифтовые композиции в перспективе. Работа Франца Эрлиха 1929 г. «Проект шрифта "0"» по-своему отвечает условиям задания Шмидта: в построении беззасечного шрифта использовать схему квадрата. Эрлих разделил квадрат на 25 маленьких квадратов (каждая сторона была разделена на 5 равных отрезков). Толщина элементов букв — одна пятая квадрата. В 1928 г. Йозеф Альберс, также бывший студент «Баухауза», возглавил пропедевтические курсы. Его система пропедевтики строилась на создании объемных композиций из плоского мате-

риала. За счет особого раскроя, перфорации (сгибов), прорезей, бумага приобретала конструктивную жесткость. Получались высокие вертикальные башни, структурированная поверхность, выразительные скульптурные композиции.


1919

функциона лизм Здание школы «Баухаус» > Дессау Вальтер Гропиус > 1925  –  1926

1940


100 / 101

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Вальтер 1883  –  1969

Гропиус

Немецкий архитектор, учредитель Баухауса. Творческое кредо Гропиуса: «Каждый предмет должен до конца отвечать своей цели, то есть выполнять свои практические функции, быть удобным, дешевым и красивым». После окончания войны Гропиус получил приглашение возглавить Высшие школы изобразительного и прикладного искусства в Веймаре. В 1919 году он слил воедино два учебных заведения, и новое учреждение получило название «Государственный Баухаус» (Государственный дом строительства). Гропиус собрал в «Баухаусе» яркий преподавательский состав из единомышленников, разделявших его идею единства искусства, ремесла и техники. В выпущенном школой «Манифесте», архитектура была названа ведущим направлением в дизайне, провозглашались принципы равенства между прикладными и изящными искусствами, декларировались идеи повышения качества промышленной продукции. Основатели движения видели целью удовлетворение массовых потребностей населения и стремились сделать промышленные товары доступными по цене и максимально удобными.

Интерьер школы «Баухаус» > Дессау Вальтер Гропиус > 1925  –  1926

Здание школы Баухаус — яркий пример архитектуры функционализма. Гропиус считал, что в новую эпоху архитектура должна быть строго функциональной, экономичной и ориентированной на технологии массового производства. В XX веке многие принципы, определяющие внешний облик архитектуры, повсеместное употребление классических ордеров, продолжавшееся с XV по XIX века,

были поставлены под сомнение: избыточность украшений не соответствовала техническим реалиям, и, отринув орнаментику, архитекторы переломили многовековую традицию. Вначале новые здания казались невыносимыми в своей наготе, но со временем общество научилось ценить ясные очертания и компактные формы нового стиля.


1919

1940

функциона лизм Музей американского искусства > Нью  –  Йорк Марсель Брейер > 1963

Марсель

1902  –  1981

Брейер

Американский архитектор и дизайнер венгерского происхождения, один из основоположников промышленного проектирования, лидер функционализма. В качестве дизайнера и архитектора, Марсель Брейер может расцениваться как один из наиболее значительных и влиятельных дизайнеров XX столетия. Одно из самых известных его произведений — стул из металлических трубок «Василий», конструкция которого навеяна формой велосипедного руля (это произведение было посвящено Василию Кандинскому, преподававшему в те годы в Баухаузе). Кресла, стулья и табуреты Марселя Брейера из плавно изогнутых стальных трубок стали «визитной карточкой» стиля Баухауза. Эти предметы были моющимися, экономичными, в них подчеркивалась конструктивная сторона. Архитектурной практикой Брейер занялся в 1928 году, открыв частную мастерскую в Берлине. В начале 1930-х годов были завершены его крупные архитектурные работы: дом Гидиона Зигфрида в Цюрихе, дом Харнишмахера в Висбадене и жилой комплекс Дольтерталь в Цюрихе. Постройки выполнены в духе господствовавшего тогда в Баухаузе рационализма. В это же время он активно занимаетя дизайном мебели, проектируя ее из листов фанеры.


102 / 103

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Частный дом > Линкольн Марсель Брейер > 1939

Музей Американского искусства — одно из крупнейших собраний современного американского искусства. В музее представлены все художественные направления американского искусства — в живописи, скульптуре, графике, инсталляции, фотографии и видеоарте. Коллекция объединяет более 18.000 произведений известных мастеров, среди которых Энди Уорхол, Джаспер Джонс, Джон Слоан, Ман Рэй,

Уильям Эглстон, Роберт Раушенберг, Луиза Буржуа, Джон Марин, Ганс Гофман, Альберт Пинкхэм Райдер, Морис Прендергаст и многих других. Каждые 2 года в музее организуется Биеннале, на которых можно ознакомиться с новейшими достижениями современного американского искусства.


1919

1940

функциона лизм Кресло «Василий», столики  –  табуреты, стул Марсель Брейер > 1928


104 / 105

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Кресло Марсель Брейер > 1929

Кресло Василий имеет металлический трубчатый каркас с сиденьями и подлокотниками из текстиля. Идея создавать мебель из стальных трубок пришла к дизайнеру весьма спонтанно — когда он разглядывал свой новый велосипед. Именно из этой идеи и родился стул Василий, названный так в честь русского художника Василия Кандинского, бывшего учителем Брейера. Появление такого кресла знаменовало

переход от дерева как основного материала для мебели к смешанным моделям. Под руководством Брейера создавались образцы типовой мебели, некоторые из них были куплены фабрикой Тонета. В мастерских Брейера экспериментировали с новой технологией — ламинированием дерева клееной фанерой.


1919

1940

функциона лизм

Вильгельм

1900  –  1990

Вагенфельд

Немецкий дизайнер, один из пионеров промышленного дизайна, учился в Баухаузе. Вильгельм заинтересовался массовым промышленным производством в самом начале своей карьеры. И уже первые его проекты оказались успешными. В 1924 г. под руководством другого известного баухаузовца Ласло Мохой-Надя Вагенфельд создал, пожалуй, самую известную свою вещь, ставшую впоследствии классикой Баухауза — настольную лампу. В 1954 г. он основал мастерскую Вагенфельда в Штутгарте, которая просуществовала до 1978 года. Среди его именитых заказчиков была и фирма WMF. Стаканы, сахарницы, соковыжималки, подставки для яиц, масленки и ножи, спроектированные Вагенфельдом, определили вкус нескольких поколений потребителей. Многие из этих вещей фирма WMF производит и сегодня. Вагенфельд оставался приверженцем эстетических и профессионально-этических принципов Баухауза, посвятив себя созданию скромных и в то же время необходимых в обиходе предметов. Его масленка, перечница и солонка «Макс и Мориц» стояли на каждом втором немецком столе. В творениях дизайнера Вагенфельда нет ничего эксцентричного, они невзыскательны. Эти предметы быта, стоящие на полках многих кухонь.

Настольная лампа Вильгельм Вагенфельд > 1923  –  1924


106 / 107

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Перечница и солонка «Макс и Мориц», масленница, кофейный сервиз Вильгельм Вагенфельд > 1955  –  1956

Настольная лампа с полусферическим колпаком из молочного стекла все еще производится сегодня и стоит $200. Эта лампа определила почерк мастера: трезвый, рациональный, без всяких витиеватостей. Простые формы и естественные цвета Вагенфельд, как говорил он сам, подсматривал у природы. То, что создавали его коллеги по Баухаузу, пионеру промышленного дизайна казалось по-

рой чересчур надуманным и формалистским, не подходящим для использования в быту. Лампа лаконична и отлично вписывается современный интерьер.


1919

1940

функциона лизм

Марианна

1893  –  1983

Брандт

Немецкий дизайнер Марианна Брандт — автор множества серийно реализованных проектов, определивших внешние черты предметной среды интерьеров XX века. Среди ее работ посуда и светильники, мебель и детские игрушки. В меньшей степени, как живописец и график. Во второй половине двадцатых и начале тридцатых годов Брандт активно занималась фото-коллажами, но эти ее работы известны значительно меньше. В 1924 году Марианна примкнула к знаменитой школе Баухаус, причем стала первой женщиной, вступившей в «металлическую» группу. В 1928 году Марианна возглавила эту группу. Здесь Брандт занималась промдизайном, проектируя мебель, посуду, интерьеры, но, несмотря на отличные отзывы самого Гропиуса, тот начинает уменьшать поток заказов для нее. Через пять месяцев Брандт вынуждена искать новое место работы. Таковым стала фабрика металлоизделий Руппельверк, как это часто бывает при переходе со стороны агентства на сторону заказчика, Брандт тут же потеряла былую творческую свободу, и не нашла на новом месте единомышленников среди коллег. Но, несмотря на это, ее влияние на продукцию завода было огромным, и ей удалось во многом перестроить их производственную линейку.

Настольная лампа Марианна Брандт > 1930


108 / 109

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Чайный сервиз Марианна Брандт > 1924

Предметы, выполненные Марианной Брандт, до сих пор в производстве. Некоторые вещи, ставшие позднее едва ли не главными визуальными идентификаторами Баухауса, как дизайнерской школы, были сделаны Марианной в первый год ее работы в мастерской по металлу. Например, ее знаменитый заварочный чайник, растиражированный сейчас тысячами изображений на плакатах, книжных

обложках и даже попавший на немецкие почтовые марки, был сделан именно в 1924 году. Чайный сервиз — самое известное творение Марианны. Сначала необычность форм шокировала потребителей 1920-х годов, но вскоре сервиз стал пользоваться популярностью в широких массах.


1919

1940

функциона лизм Плакат «Баухаус» Йоост Шмидт > 1923


110 / 111

архитек тура

Йоост

промышленный дизайн

графика

1893  –  1948

Шмидт

Немецкий графический дизайнер Йоост Шмидт был учителем и мастером школы Баухаус, а затем профессором в колледже изобразительного искусства в Берлине. Он был дальновидным типографом и графическим дизайнером. Известен миру благодаря знаменитому плакату 1923 года, посвященного выставке Баухауса в Веймаре. Шмидт изучал искусство в Великокняжеской Саксонской Академии изящных искусств в Веймаре, прежде чем стать студентом в школе Баухаус, где учился в мастерской по резьбе на дереве. Его первые типографские работы были созданны в 1923 году. С 1925 по 1932 год Шмидт преподавал в Баухаусе. Там он был начальником мастерской скульптуры с 1925 по 1930 год, руководителем отдела рекламы с 1928 года, а также вел занятия по типографике. Шмидт также работал картографом в издательстве.

Обложка книги «Офсет» Йоост Шмидт > 1926

Летом 1923 года, первая выставка Баухауса состоялась в Веймаре. Йоост Шмидт был еще студентом в то время. Он разработал плакат к выставке, который был использован для рекламы этого мероприятия по всей стране. Плакаты были отпечатаны литографским способом, с использованием красного и черного цветов. Текст вписан в абстрактную композицию таким образом,

Обложка журнала «Форма» Йоост Шмидт > 1925

что наиболее важная информация — слова «Bauhaus, выставка в Веймаре» — сразу бросаются в глаза. В композицию плаката встроен логотип Bauhaus, созданный Оскаром Шлеммером. Несмотря на то, что тираж плакатов был большим, сохранилось всего несколько оттисков.


1919

1940

функциона лизм

Герберт

1900  –  1985

Байер

Австрийский графический дизайнер, художник, фотограф, скульптор. Получив диплом архитектора, он продолжил обучение в Баухаусе. После окончания обучения он возглавил в Баухаусе студию типографского дела и рекламы. Одновременно работал художественным директором популярного журнала моды «Vogue». В 1928 году Герберт Байер переехал в Берлин, где работал в области рекламы, дизайна, книгопечатания и фотографии. В 1930 годах фотография и фотомонтаж становятся основными средствами самовыражения художника, большинство его известных работ были сделаны именно в это время. В 1938 году Байер переехал в Америку, где в основном концентрируется на рекламе и дизайне. В 1943 году он получил американское гражданство. В течение своей карьеры Герберт Байер имел более 150 персональных выставок, его творчеству посвящено множество книг, статей, исследований и даже фильмов. Его работы — фотографии в том числе — хранятся более чем в сорока музеях Европы и Америки.

Обложка журнала Баухаус Герберт Байер > 1920

С 1926 года Герберт Байер последовательно применяет фотографию, как элемент оформления печатной продукции школы Баухаус. Один из наиболее известных образцов полиграфии Баухауса — это обложка первого номера одноименного журнала. В 1928 году Герберт Байер переехал в Берлин, где работал в области рекламы, дизайна, книгопечатания и фотографии. В 1930 годах

Обложка книги Баухаус Герберт Байер > 1919

фотография и фотомонтаж становятся основными средствами самовыражения художника. Работы Байера служат показательными примерами фотопластики, поскольку многочисленные фотоэлементы мастерски скомбинированы в них в целостное произведение.


112 / 113

архитек тура

Макс

промышленный дизайн

1887  –  1961

Бурхартц

Немецкий дизайнер Макс Бурхатц известен прежде всего своей графикой и фотомонтажом. В 1922 году Бурхартц работал с Тео ван Дусбургом в школе Баухаус. В школе он познакомился с современными тенденциями. В 1924 году Макс создал первое современное рекламное агентство в Германии. Он посвятил себя книгопечатанию и дизайну печатных изданий. Бурхартц разработал новый способ организации книжного пространства, совмещая фотоколлажи и текст. В 1926 году Бурхатц начал разрабатывать мебель, а позже стал журналистом. В апреле 1927 Макс наконец получил степень в области книгопечатания. В 1949 году Бурхартц начал работать в Академии Искусств преподавателем для студентов первого курса. Он преподавал студентам универсальные художественные идеи и идеи целостных проектов. Позже он написал свою первую теорию произведений искусства «Аллегория Гармонии», а также написал книгу «Теория Дизайна». В это время он также создал коллажи и познакомился с новыми материалами, такими как растровая фольга, полимерная пленка. Бурхартца можно считать пионером современного дизайна. Многие сегодняшние коммуникационные проекты, такие как цветная система управления, основаны на работе Макса Бурхарца.

Обложка книги Йоост Шмидт > 1926

Обложка книги Йоост Шмидт > 1926

графика


1880

1890

1900

1910

Происхождение Франция, США

1920

1930

1940

Основные черты Геометрические ступенчатые формы. Яркие цвета. Четкие края, скругленные углы. Дорогостоящие материалы: эмаль, слоновая кость, бронза, полированный камень.

1950

1960

1970

Основные сведения Влияние театральных костюмов и высокой моды. Стиль воспевал путешествия, скорость, роскошь с помощью изделий ярких цветов и простых многоугольных форм. Геометрические мотивы, влияние древнеегипетского и ацтекского искусства.

1980

1990


114 / 115


1930

1945

основные представители

Арт деко —  стиль 1930-х гг. в европейском дизайне и архитектуре. Иногда арт деко определяют словом «точность», имея в виду соединение простоты, изящества формы и технически совершенного исполнения. Действительно, в произведениях дизайна этого периода — рафинированной и утонченной по формам фарфоровой посуде Эббе Садолин, зданиях Шароуна или кресле «Барселона» Мис ван дер Роэ, фотографиях моды Джорджа Хойнингена-Хюне для журнала «Vogue» — доминируют чистые линии, стремление к максимальной законченности, своеобразный классицизм. Такое же ощущение совершенства красоты есть и в бездекоративных столовых приборах из металла, и в корпусах автомобилей, и в форме самолетов. Этот элитный стиль дизайна был частью общего стилистического направления, получившего название

«арт деко». Строго говоря, арт деко не обладает таким же явным своеобразием, как, например, модерн, конструктивизм или функционализм. В этом явлении сплелись две противоположные тенденции. С одной стороны, связанный с геометрической абстракцией опыт кубизма, коммерческое использование модернистских экспериментов начала XX в., впечатления от дягилевских «Русских сезонов» и археологических находок в Египте, стилистика «Баухауза». С другой стороны, термин стал обозначать стиль фешенебельных салонов, роскошных дорогих интерьеров, созданных французскими дизайнерами в середине 1920-х гг. Развитию стиля способствовала сильная французская традиция декоративного искусства, а известность принесла Международная выставка декоративных искусств


116 / 117

архитек тура

1877  –  1942 1901  –  1968 1887  –  1965 1883  –  1954 1898  –  1980

Жан Дюнан Адольф Кассандр Шарль Ле Корбюзье Уильям ван Элен Тамара де Лемпицка

и художественной промышленности 1925 г. в Париже. Арт деко — это одновременно и стиль, и выражение образа жизни, атмосферы 1920-х гг. Творения арт деко тесно связаны с именами личностей того времени — актрисой и певицей Жозефиной Бейкер, поэтом Жаном Кокто, постановщиком и антрепренером Сергеем Дягилевым, художником Франциском Пикабия, модельерами Полем Пуаре и Коко Шанель, киноактрисами Марлен Дитрих и Гретой Гарбо, архитекторами Робером МаллеСтевеном и Пьером Шаро. Это время Чаплина, время джаза и фокстрота, время черных эбонитовых грампластинок и патефонов, время первых радиол и массовой фотографии. На выставке 1925 г. была представлена самая консервативная часть арт деко как продолжение наиболее близкого по ха-

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Швейцария Франция Польша

Архитектура становится в ряд с объектами дизайна, здание проектируется как законченная дизайнерская вещь. В этом оригинальность и сила Ле Корбюзье, но одновременно — и уязвимость его концепции, его построек; они работают как машины именно для того, для чего предназначены; они полностью регламентируют такую сложную, изменчивую сферу, как быт. В молодости, в 20-летнем возрасте, Ле Корбюзье (его настоящее имя Шарль Эдуар Жаннере) начинал проектировать в архитектурном бюро Огюста Перре в Париже, успел побывать в Вене и познакомиться с Йозефом Хофманом, поработать в берлинском бюро Петера Беренса, где изучал современные методы строитель-

ства. Тогда же сложились две его принципиальные идеи относительно архитектуры будущего: города на опорах, оторванные от поверхности земли, и дом как комбинация ячеек, как каркасная несущая система.


1930

1885  –  1980 1892  –  1990 1882  –  1949 1884  –  1962 1866  –  1935

1945

Эрнест Кормье Роман Тыртов Александра Экстер Вадим Меллер Георг Йенсен

◆ ◆ ◆

Канада СССР Дания

«  Материалами для застройки города являются: солнце, пространство, воздух, растительность, сталь, бетон. Их значимость точно соответствует порядку перечисления ». Ле Корбюзье

рактеру стиля Луи Филиппа. Для демонстрации роскошной мебели работы Жака Эмиля Рульмана, лидера арт деко в этой области, был выстроен даже отдельный павильон. В рецензии на выставку, опубликованной в журнале «L'Art vivant», критик Вольдемар Георг писал, что кроме проекта небольшой квартиры, представленного студией «Primavera», среди экспонатов невозможно было отыскать ни одного проекта квартиры для рабочих или хотя бы для человека, занятого интеллектуальным трудом. Во всем доминировала фальшивая роскошь. Единичные примеры выбивались из этой массы. Например, павильон Ле Корбюзье «Эспри нуво», средства на строительство которого дал автомобильный магнат Габриэль Вуазен. Это небольшое двухэтажное здание внутри имело двухъярусный

интерьер. Белые стены, картины самого Корбюзье в стиле посткубизма, или «пуризма», кресла Тонет, удачно вписавшиеся в это пространство. Сам павильон «Эспри нуво» и его чертежи, разработанные Ле Корбюзье и Амедеем Озанфаном, были впервые опубликованы в 1920 г. в манифесте под тем же названием. В тексте говорилось о том, что во всем мире чувствуется новый дух времени — дух конструкции. Чистота мысли определяет суть современности. Без конструктивности ни один гений творить не в состоянии, поскольку не сможет реализовать ни одно из своих вдохновений. Необходимо стремиться к синтезу разнообразных форм деятельности, установить тесный контакт между миром искусств, литературы, с одной стороны, и миром науки и индустрии (прикладными науками) — с другой.


118 / 119

архитек тура

1889  –  1978 1860  –  1945 1879  –  1933 1887  –  1971 1887  –  1946

Джозеф Санлайт Рене Лалик Жак Эмиль Рульман Жорж Лепап Уирт Роуленд

В своей книге «Декоративное искусство сегодня» Ле Корбюзье приводит много примеров анонимного дизайна начала XX в., демонстрируя на остроумно сконструированных вещах желанный для него «дух современности»: шкаф-градероб для путешественника, в котором есть не только отделение для висячей одежды, но и специальные выдвижные ящики для хранения мелочей, стальной комод «Ормо», металлическая конторская мебель, складные стулья. В своем журнале «L'Esprit Nouveau» он помещал фотографии домашней утвари, чемоданов и чехлов, фрагменты конструкции самолетов, как их их видет пассажир со своего места, эволюцию форм автомобильных кузовов. Корбюзье интересовало не столько состояние дел в авиационной или автомобильной промышленности, сколько возможности современных

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Великобритания Франция США

Арт деко сочетал в себе одновременно неоклассицизм и обтекаемость, грациозность и игривость, монументальность и элегантность. Представители этого стиля игнорировали массовое промышленное производство товаров, они стояли за эксклюзивное изготовление предметов. В производстве изделий использовались ценные и дорогие материалы — змеиная кожа, слоновая кость, бронза, кристаллы, экзотическая древесина. Излюбленными формами были геометрические орнаменты из шести-, восьмиугольников, овалов и кругов, треугольников и ромбов. Обтекаемые силуэты новой мебели, такой как в голливудских фильмах, пользовались огром-

ной популярностью. Количество предметов ручной работы было ограничено, но был налажен выпуск огромного потока недорогих изделий арт деко. Стильность мебели достигалась путем покрытия обычных, массивных прямоугольных форм светлым шпоном красного дерева и бежевым лаком или созданием обтекаемых силуэтов из гнутой фанеры. Ручки изготавливали из обычной бронзы или просто заменяли их углублениями для пальцев. Популярны были сочетания черного и светлого лака. Возникла необходимость в многофункциональной мебели «чем компактнее, тем лучше».


1930

1882  –  1932 1893  –  1972 1899  –  1969 1886  –  1969 1881  –  1934

1945

Жорж Барбье Ханс Шароун Хайнц Шульц Мис ван дер Роэ Раймонд Худ

техники и технологии, которые он желал бы использовать в строительстве. «Невозможно дожидаться медленного сотрудничества землекопа, каменщика, плотника, монтажника, отделочника, водопроводчика... дома должны возводиться как единое целое, изготавливаться на станках на заводе, собираться так, как Форд собирает автомобили на движущемся конвейере...» Для обстановки спроектированных им вилл и зданий Ле Корбюзье нуждался в образцах столь же геометризованной, минималистской по форме мебели. Он разрабатывает серию кресел на трубчатом каркасе, конструкция которых обнаруживает влияние мебели Тонета. Самое известное из них — регулируемый шезлонг. Эта своеобразная «машина для отдыха» (перефразируя лозунг Корбюзье: «Дом — машина для жи-

◆ ◆ ◆

Франция Германия США

лья»), кажется, предельно воплощает идею рационализма в мебели. «И качалка Тонета, и шезлонг Ле Корбюзье идеально сливаются с телом сидящего в них человека, но если вариант венского прототипа, как всякий старый предмет домашней мебели, создает ощущение покоя и уюта, шезлонг с регулированием заключает в себе "научную" суровость». Арт деко нашел воплощение в графике, в плакате, в оформлении интерьеров кинотеатров, универмагов, кафе, в упаковке парфюмерии, сигарет, в кожаных изделиях, а также в модных аксессуарах и моде. В 1920-х гг. художница и дизайнер по текстилю Соня Делоне смело вводит геометрический яркий цветной орнамент в одежду и даже роспись автомобиля. Симультанизм в живописи воплощал идею одновременности восприятия форм, цвета,


120 / 121

архитек тура

1885  –  1932 1885  –  1979 1884  –  1972 1883  –  1960 1885  –  1966

Андре Маре Соня Делоне Эли Жак Кан Уолтер Дорвин Тиг Пол Мэншип

пространства, текста. Симультанизм в моде стал воплощением идеи целостности. Революцию в моде того периода совершила Габриэль (Коко) Шанель. Речь идет не только о знаменитом предельно лаконичном, откровенном графическом решении флакона духов «Шанель № 5» или о самих духах, в которых впервые была использована смесь химических веществ для передачи естественных ароматов (1922), но о внедрении в повседневный стиль женской одежды из трикотажа. Этот материал считался пригодным лишь для спортивного костюма. Шанель перевела его в разряд элегантных. Точно так же стало символом элегантности ее простое «маленькое черное платье» для коктейля. Вместе с простотой кроя Шанель ввела в женскую одежду свободу движений.

◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Франция США

Основной особенностью арт деко была его ярко выраженная коммерческая направленность. С ростом значения коммерческого искусства и рекламы такая проблема, как поиск новых конструкций, материалов и эстетических идеалов, характерная для большинства авангардных течений, стала отходить на второй план. Основной задачей стала выработка узнаваемой стилистики, поиск приемов оформления, образ которых был бы графическим эквивалентом эстетичности, элегантности и изысканности. Художники арт деко видели своей целью создание прежде всего красивого, а потом уже функционального, конструктивного или эмоционально окрашенного объекта.

Совместив в себе орнаментальность модерна, принцип геометрического членения формы, характерный для кубизма, лаконизм де стиля и эклектичность коммерческого искусства, арт деко как стилистическое направление не имел четко сформулированной идеологической платформы, равно как и лидера. Тем не менее определенный набор пластических приемов, позволил создать узнаваемое лицо стиля. В первую очередь это выразилось в работе с иллюстрацией, которая была одним из основных стилеобразующих элементов. Принципиально отказавшись от использования фотоизображений реальности, арт деко возродил моду на рисованные иллюстрации.


1930

1945

ар т деко Крайслер Билдинг > Нью-Йорк Уильям ван Элен > 1930


122 / 123

архитек тура

Уильям

промышленный дизайн

графика

1883  –  1954

ван Элен

Американский архитектор, Уильям ван Элен начал изучать архитектуру в бруклинском институте родного города. В 1908 году, получив грант, он поехал заниматься в парижскую школу изящных искусств. В 1911 году ван Элен вернулся в Нью-Йорк и начал работать вместе с Крегом Северансом. Вскоре архитекторы разошлись по причине разного отношения к стилю строительства и необходимого количества этажей в конструкциях для торговых предприятий. Начиная с 1925 года, ван Элен четыре года работал над возведением небоскреба Крайслер Билдинг. Несмотря на то, что здание считается шедевром архитектуры арт деко, Уолтер Крайслер отказался заплатить архитектору гонорар, ссылаясь на то, что тот заключал мошеннические соглашения с некоторыми поставщиками. Архитектор подал апеляцию, но дело довольно быстро закрылось. Так до сих пор и неизвестно, получил ли архитектор компенсацию. Ван Элен продолжал свою деятельность, но по случаю обвинения бывшего заказчика в Великой депрессии не имел больше случая выполнять престижные проекты такого уровня как Крайслер Билдинг.

Башня Крайслер Билдинг > Нью-Йорк Уильям ван Элен > 1930

Крайслер Билдинг  — одно из самых красивых зданий в НьюЙорке. Заказчиком выступал городской сенатор. Но позже проект приобрел руководитель компании «Крайслер». Высота небоскреба 319 м — это 77 этажей и шпиль. Во внешней отделке небоскреба есть несколько специфичных деталей, которые позволят отличить его от многих других зданий: фигурные панели, имитирующие

рисунок радиатора Крайслера, металлические орлиные головы ориентированные по сторонам света, оригинальный силуэт. В отделке внутренних помещений использованы такие материалы как марокканский красный и сиенский желтый мрамор, бельгийский черный гранит, оникс; дорогая древесина различных сортов. В целом интерьер производит впечатление, скорее фэнтезийное, а не деловое.


1930

1945

ар т деко

Джон

1887  –  1965

Кросс

Американский архитектор, яркий представитель арт деко в архитектуре, Джон Кросс работал совместно со своим братом Элиотом Кроссом. Братья организовали свою архитектурную фирму «Кросс и Кросс» в Нью-Йорке. Джон Кросс изучил архитектуру в Колумбийском университете в Париже, поэтому он взял на себя творческую роль в развитии совместного дела братьев. Элиот Кросс в это время сосредоточился на стороне развития бизнеса, взяв на себя роль председателя правления фирмы. Компания братьев имела большой успех. Так, они построили всем известные в НьюЙорке здания компании «General Electric», здание биржи, здание почтовой службы США, здание беспредметной живописи, а также спроетировали многочисленные парки в Нью-Йорке, церкви, жилые дома, здания банков, офисные здания. Почти все постройки братьев выполненны в стиле арт деко. Самым ярким примером служит здание General Electric.

Здание General Electric > Нью-Йорк Джон Кросс > 1931

Здание General Electrictric —  50-этажный небоскреб в Нью- Йорке. Здание представляет собой стилизованную готическая башню, тем не менее, является классическим примером арт деко в архитектуре. В основе постройки тщательно продуманная каменная кладка. На углу, выше главного входа располагаются угловатые часы с известной эмблемой Дженерал

Электрик. Венчает здание готичная скульптура головы в короне. Корона, как предполагается, представляет собой радиоволны, и освещается изнутри ночью.


124 / 125

архитек тура

Эли

промышленный дизайн

графика

1884  –  1972

Жак Кан

Американский архитектор, окончил колумбийский университет, а затем был профессором в корнельском университете. С 1917 года до 1930 года работал в партнерстве с Албертом Бакманом. Они спроектировали несколько небоскребов в НьюЙорке, которые представляли собою смесь влияний школы Beaux-Arts с кубизмом, модернизмом и арт деко. В 1940 году Кан вошел в партнерство с Харри Алланом Джейкобсом. Образцом их совместной работы стал проект Universal Pictures Building. Фирма сотрудничала также с Людвигом Мис ван дер Роэ и Филиппом Джонсоном на проекте небоскреба Сиграм Билдинг. Они спроектировали также пристройки к Нью-Йоркской бирже. Работы Кана после второй мировой войны связаны с иудаизмом. В 1946 году он начал перестройку центральной синагоги в Нью-Йорке. В 1947 году опубликовал статью о принципах проектирования синагог, озаглавленную «Создание нового стиля синагог: покончить с копированием». В 1948 году вместе со скульптором Петром Давидсоном создал первый в Соединенных Штатах проект государственного Мемориала, посвященного Холокосту. Выбранный участок для этого проекта в Парке Риверсайд был позднее использован авторами других проектов мемориала.

Здание на Уолл-стрит > Нью-Йорк Эли Жак Кан > 1930

120 Уолл-стрит — небоскреб в 34 этажа. Здание было единственной главной высотной постройкой на береговой линии Ист-Ривер в центре города до строительного бума начала 1970-ых. Башня образуется ярусами по трем сторонам, формируя архитектуру небоскреба выступами, напоминая «свадебный торт». Пологие выступы в стенах идут на убыль небольшими пластами, начиная

от большой 16-ярусной платформы. Панели из красного гранита обрамляют широкие окна витрин на уровне улицы как часть 5-ярусного известнякового цоколя.


1930

ар т деко Кофейный сервиз Павел Янак > 1930

1945


126 / 127

архитек тура

Павел

промышленный дизайн

графика

1882  –  1956

Янак

Чешский архитектор и дизайнер, Павел Янак чился у Отто Вагнера, Йозефа Хофмана и Адольфа Лооса. Был одним из основателей товарищества художников «Артель». В ней он завязал дружбу с группой архитекторов и дизайнеров, среди которых были Йозеф Гочар, Вратислаф Гофман и Йозеф Хохол, развивавшие столь различные направления в архитектуре, как чешский кубизм и чешское барокко. В 1912 он, совместно с Гочаром и Гофманом, основывал «Пражские мастерские», в которых навыки работы с керамикой, стеклом и металлом должны были быть перенесены на производство мебели в кубистском стиле, а позднее и в стиле арт деко. В 1914 году он также участвовал в создании чешского профсоюза, который и возглавил в 1924 году. Начиная с середины 1930-х годов больше занимался защитой памятников истории и архитектуры в Чехословакии; был удостоен звания главного архитектора Пражских Градчан.

Сахарницы Павел Янак > 1930

Кофейный сервиз был выполнен по рисункам Павла Янака в «Пражских мастерских» из фаянса и белой глазури. Сервиз представляет собой ранний образец использования зигзагообразного мотива, который в будущем станет типичным для арт деко «эпохи джаза». Янак придавал особое значение «полезности прикладных искусств для промышленности», которая,

по его мнению, должна была проявляться в дизайне предмета, а не просто в его поверхностном украшении.


1930

1945

ар т деко Мебель Жак Эмиль Рульманн > 1930


128 / 129

архитек тура

Жак Эмиль

промышленный дизайн

графика

1879  –  1933

Рульманн

Французский дизайнер мебели, чьи работы нельзя спутать ни с какими другими — их отличают идеальные пропорции и необычная форма. Каждый предмет мебели состоит из множества деталей, но, глядя на него, видишь только цельную вещь. Впервые Рульманн предстал перед зрителями в 1911 году, и уже в 1913м его стиль покорил широкую публику, в 1925  г. он стал символом эпохи, одним из создателей и законодателей стиля арт деко. Его творчество долгое время существовало только на бумаге: рисуя, он искал идеальные формы для современной мебели. Его проекты получили всеобщее признание, заказы следовали один за другим. Рульманн принял участие во всех крупнейших международных выставках и конкурсах. Он оформил президентский дворец, различные министерства, кафе... После смерти его быстро забыли, и если бы стиль, им созданный, не вошел снова в моду, так, наверно, никто о Рульманне и не вспомнил бы. И вот, с середины шестидесятых годов и Лувр, и парижский музей современного искусства бросились покупать его столы, кресла, буфеты, лампы, секретеры... Никто так, как он, не умел сочетать несочетаемые цвета и материалы.

Стол Жак Эмиль Рульманн > 1930

Творчество Жака Эмиля Рульмана долгое время существовало только на бумаге: рисуя, он искал идеальные формы для современной мебели. На ранних эскизах мебель отличается особым шиком и изобилует деталями и украшениями. Постепенно линии упрощаются, и произведения мастера достигают совершенной простоты и элегантности. Его первые работы отражают влияние модерна,

популярного во Франции на рубеже веков. Он использовал редкие породы дерева, такие как Макассар черное дерево, бразильский палисандр, и как правило, в сочетании друг с другом. Большинство форм были очень просты. Рульман использовал мягкие, почти незаметные кривые линии, которые часто украшал слоновой костью, придававшей изделию уникальность, вечность и элегантность.


1930

1945

ар т деко

Плакат Адольф Кассандр > 1930


130 / 131

архитек тура

Адольф

промышленный дизайн

графика

1901  –  1968

Кассандр

Французский живописец, литограф, мастер рекламных плакатов, дизайнер шрифта, один из величайших коммерческих иллюстраторов ХХ века. Но прежде всего Кассандр знаменит тем, что ему удалось объединить в одно целое и адаптировать к запросам жанра коммерческого дизайна такие художественные направления, как кубизм, сюрреализм, Bauhaus и авангардизм. Вынужденный рано самостоятельно зарабатывать себе на жизнь, Мурон начал заниматься дизайном постеров. Эти работы были выполнены в карикатурном стиле, на который Мурона вдохновила немецкая школа дизайна. К сожалению, практически все ранние работы художника утеряны. В 1922 году дизайнер основал свою первую студию в Париже. Тогда же он принял решение взять псевдоним Кассандр, которым впоследствии подписывал все свои работы. Год спустя Кассандр создал первую работу, в которой наиболее отчетливо стал просматриваться его своеобразный стиль, сочетающий в себе элементы самых разных направлений искусства.

Плакат «Северный экспресс» Адольф Кассандр > 1927

На протяжении всей жизни постеры и плакаты оставались любимым жанром Кассандра. Он считал, что место постера — на улице. «Постер должен объединять архитектурные сооружения и обогащать фасады домов», — говорил Кассандр. Он полагал, что постер должен оживлять не отдельные рекламные щиты или здания, но урбанистическую картину в целом. Использовал типографику не как

Плакат «Нормандия» Адольф Кассандр > 1931

независимый от графической композиции элемент, а как неотъемлемую часть работы, гармонично вписывая текст в композицию.


1880

1890

1900

1910

Происхождение США

1920

1930

1940

Основные черты Аэродинамичные очертания. Скругленные грани, гладкие поверхности. Каплевидные формы.

1950

1960

1970

Основные сведения Если функционалисты предпочитали разбивать формы на несколько элементов, сторонники обтекаемых форм выступали за целостность и единство. В общественном сознании этот стиль стал символом прогресса.

1980

1990


132 / 133

Streamline


1930

1950

основные представители

Стримлайн —  «обтекаемый стиль», являющийся одним из стилистических направлений американского модернизма, дал новую жизнь футуристической эстетизации движения, скорости и технологического прогресса. Само понятие «обтекаемость» возникло в 1930-х годах, когда в дизайне появились аэродинамические формы. Теория обтекаемости, основанная на применении округлых, плавно очерченных силуэтов предметов, часто имевших каплевидную форму, была заимствована из животного мира. Наблюдения за движениями рыб и птиц наглядно доказывали теорию о том, что скорость движения объекта во многом зависит от его формы. Появление обтекаемого пассажирского самолета Douglas DC-1 в 1933 году и автомобиля Airflow («Воздушная струя») в 1934 году породило моду на обтекаемость, которая стала не просто

олицетворением скорости, но символом современности и прогрессивности. Обеспечивая улучшение гидро- и аэродинамических характеристик транспортных средств, обтекаемость как принцип формообразования стала использоваться дизайнерами в качестве стилизации, с помощью которой бытовым предметам придавался современный образ. Обтекаемость и бионичность вскоре превратились в новые характеристики века динамики и скоростей. Эта тенденция привела к переоценке роли дизайна при создании различных средств транспорта. Принципиальное изменение образа техники, внимание к ее внешнему оформлению способствовали выработке новых эстетических стандартов как в предметном, так и в графическом дизайне. Азарт изобретательства охватил не только инженеров


134 / 135

архитек тура

1893  –  1986 1904  –  1972 1883  –  1960

Норман Бел Геддес Генри Дрейфус Уолтер Дорвин Тиг

и конструкторов, но и художников. Фантастические изображения реальных и выдуманных летательных аппаратов, поездов и автомобилей стали графической метафорой прогрессивности нового мировоззрения. Вначале 1930-х гг. дизайнеров считали национальными героями, способствовавшими выходу страны из кризиса, чародеями, творящими красоту. В 1934 г. Музей современного искусства в Нью-Йорке устроил выставку «Машинное искусство», на которой наряду с шарикоподшипниками или многожильным стальным тросом для подвесного моста демонстрировались бытовые вещи и произведения авангардного искусства. Эстетика вещи, техники и авангард приравнивались друг к другу. Дизайн обеспечивал устойчивый спрос на бытовые изделия. Как подметил К.М. Кантор,

промышленный дизайн

графика

США

Стиль стримлайн был реакцией на арт деко, с отражением суровой экономической ситуации. Исчезли ненужные украшения, острые углы заменились на простые аэродинамические кривые, экзотические породы дерева и камня заменились на цемент и стекло. Стримлайн модерн не был противоположностью арт деко. Элементы арт деко использовались в стримлайн модерне, но главные инициаторы упорядочения проектирования (Раймонд Лоуи, Уолтер Дорвин Тиг, Гилберт Рогби, Норман Бел Геддес) рассматривали арт деко как изнеженное, ложно современное, по существу подделка. Во время десятилетней депрессии 1930-х годов, прогрессивные американцы увидели новый

аспект в стиле арт деко — упорядоченность. Концепция упорядоченности впервые была создана промышленными дизайнерами, которые лишили дизайн арт деко его орнаментов, в пользу концепции аэродинамических чистых линий, движения, и скорости, как пути научного мышления. Так же проявилось влияние конструктивизма в цилиндрических формах, длинных горизонтальных окнах. В результате многие дизайнеры быстро модернизировали в более рациональные формы и предметы быта. Этот стиль первым использовал предметы электрического освещения в структуре архитектуры.


1930

1897  –  1972 1889  –  1962 1895  –  1983

1950

Лесли Реген Хью Феррисс Бакминистер Фуллер

США

« Меньшее сопротивление предполагает мягкие и гладкие формы. Отсюда возникает форма торпедо. » Эрнст Ньюмен

«покупая на рынке товар, человек покупает не только вещь для удовлетворения своей потребности, он как бы занимается самопроизводством себя, собирает себя «по частям», идентифицируется с той общественной ролью, которую он играет». Это более всего относится к американской модели дизайна. Ее патриарх и создатель Лоуи говорил, что обвинять дизайнеров в вульгарности, дешевке — неправомерно, поскольку из всей массы покупателей лишь несколько процентов умеют ценить простую, красивую, функциональную вещь. Ориентация лишь на этот сегмент рынка приведет к тому, что будут выпускаться вещи, не находящие сбыта, тысячи рабочих окажутся безработными. Это соображение касается феномена американского массового коммерческого дизайна, получившего в литературе название

«стимлайн». Историки дизайна определяют стимлайн как поверхностное изменение формы, не затрагивающее внутреннее устройство. Цель стимлайна — игнорировать или усилить соотношение внешней формы и функции. Основной тезис книги Лоуи «Не останавливайся на хорошем» с подзаголовком «Личный опыт промышленного дизайнера от губной помады до локомотива» — уродливое не продается. Суть коммерческого дизайна в сочетании реальных и выдуманных удобств, понимании психологии покупателя, который с радостью примет новые, еще не испытанные функции и приятные для глаза формы. Одним из пионеров Стимлайна был Норманн Белл Геддес. Он начинал как сценограф (на его счету более 200 спектаклей, в том числе и в «Метрополитен-Опера»),


136 / 137

архитек тура

1887  –  1953 1868  –  1959 1896  –  1956

Эрих Мендельсон Эрнст Ньюмен Джеймс Майс

оформлял витрины универмагов, рассматривая их как театральные декорации. В 1932 г. он выпустил книгу «Горизонты», в которой поместил перспективные проекты транспортных средств будущего: междугородний двухэтажный автобус, океанский корабль-катамаран, гигантский гидросамолет для полетов над океаном. Все они имели обтекаемую каплеобразную форму. Источником подобных форм для Геддеса стало творчество немецкого архитектора Эриха Мендельсона, с которым он был знаком лично. В 1921 г. Мендельсон выстроил в Потсдаме здание обсерватории с астрофизической лабораторией, получившее название «Башня Эйнштейна». Кажется, что ветры сгладили его формы, придав им причудливую пластику. Геддес воспринял это здание, равно как и другие проекты архитекторов, входивших в немецкую группу

промышленный дизайн

графика

Германия

Стиль стримлайн характерен американскому дизайну, напрямую связан с промышленными изделиями. Для аэродинамического стиля или стиля обтекаемых форм свойственны гладкие поверхности, скругленные грани. Обтекаемая форма напрямую связана с развитием скорости. Был изобретен новый пластический материал — бакилет. Одним из его свойств является быстрое отвердение , что отлично подходило для производства автомашин. Стримлайн вобрал в себя программу всевозможных изменений формы. Во многих отраслях промышленности он был просто необходим. При изготовлении, например, часов, игровых автоматов, при-

емников. Соотношение внешней формы и функции усиливается либо игнорируется вовсе. Стиль стримлайн модерн был реакцией на ар-деко, с отражением суровой экономической ситуации. Исчезли не нужные украшения, острые углы заменились на простые аэродинамические кривые, экзотические породы дерева и камня заменились на цемент и стекло.


1930

1878  –  1960 1891  –  1970

1950

Чарльз Эгри Нембхард Кулин

«Стеклянная цепь», как предвестие стиля будущего и старался убедить в этом художников и промышленников. Он консультировал проект обтекаемого автомобиля «Chrysler Airflow» 1934 г. Хотя эта модель, усиленно рекламируемая как современная, удобная и просторная, не имела коммерческого успеха, но аэродинамика уже входила в моду. Даже на холодильниках и радиоприемниках появляются скругленные углы и горизонтальные полоски, напоминающие о скорости. В 1939-40 г. в Нью-Йорке состоялась Всемирная выставка. В павильоне «Дженерал моторс» со сглаженными формами, спроектированном Геддесом, размещалась его же «Футурама»: грандиозный макет Манхэт-тена с развязками автомобильных дорог и скругленными башнями. В выставке участвовали и два других представителя

◆ ◆

США Германия

первого поколения американских дизайнеров: Вальтер Тиг был членом дизайнерского совета выставки, Генри Дрейфус проектировал павильон «Демократия». В 1934 г. в музее «Метрополитен» (Нью-Йорк) на выставке «Современное промышленное искусство» демонстрировался фрагмент идеального дизайнерского бюро. Мягкий свет, белые стены, блестящие металлические накладные элементы, как в кабине космического корабля, стремительно обтекаемая мебель и столь же стремительно обтекаемая модель автомобиля на вращающейся стойке. Фактически Лоуи превратил арт деко в коммерчески-массовый стиль — с характерными сочетаниями ровных, качественно выполненных поверхностей из крашеного металла или бакелита с накладными блестящими хромированными деталями. Вещи обретали дорогой, стильный, престижный облик.


138 / 139

архитек тура

1899  –  1967 1893  –  1986

Поль Ярай Реймонд Лоуи

◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Швейцария Франция

Одним из истоков американского дизайна была реклама. Рекламные компании в США уже в начале XIX века торговали печатными площадями в газетах, журналах, на уличных щитах. В 1920-х гг. художники-графики по заказу рекламных агентств создавали для рекламируемых товаров более привлекательную, «облагороженную» внешность. Представители первого поколения американских дизайнеров — Лоуи, Дрейфус, Тиг и Геддесс — были в прошлом художниками рекламы, декораторами, иллюстраторами моды. Характерными особенностями нового графического языка были реалистичность, динамичность и монументальность. Ракурсные изображения само-

летов, ракет, движущихся поездов и автомобилей не просто иллюстрировали технологические достижения, но прежде всего использовались в качестве символов развития общества. Обложечная иллюстрация как образ мира будущего эксплуатировала технократизм для привлечения внимания читателей к изданию. Причем главным было не столько соответствие конкретной тематике, сколько создание яркого, впечатляющего образа.


1930

стримлайн Башня Эйнштейна > Потсдам Эрих Мендельсон > 1920  –  1921

1950


140 / 141

архитек тура

Эрих

промышленный дизайн

графика

1887  –  1953

Мендельсон

Немецкий архитектор Мендельсон не поддерживал ни тех, кто выдвигал на первое место функцию, ни тех, кто ставил превыше всего острую выразительность. Считая и то и другое в равной степени необходимым для архитектуры, он раньше других своих современников — представителей нового направления сумел в своем творчестве объединить оба эти начала. Творчество Мендельсона точно не укладывается ни в одно художественное направление последнего столетия. Исключением являются лишь его динамичные архитектурные наброски, выполненные им в годы первой мировой войны, и первые осуществленные проекты башни-обсерватории Эйнштейна в Потсдаме и шляпной фабрики в Люккенвальде, в островыразительных контурах которых, безусловно, присутствуют черты экспрессионизма и стримлайна. Проект Башни Эйнштейна вынашивался Мендельсоном длительное время. Первоначально эскизы башни создавались на образной основе: в них отражались образы плывущего кита, рыбины, корабля, замка на вершине горы. Когда, в 1919 г. Эйнштейн открыл теорию относительности и потребовалось экспериментальное подтверждение его теории, у Мендельсона появилась возможность воплотить в жизнь свою идею башни обсерватории.

Купол башни Эйнштейна > Потсдам Эрих Мендельсон > 1920  –  1921

Башня Эйнштейна невелика, высотой с четырехэтажный дом. Кроме телескопа и лаборатории, в ней есть еще несколько небольших рабочих помещений. Но производит она совершенно фантастическое впечатление. Это мягкая обтекаемая скульптура, которая не просто стоит на вершине горы, а как будто готовится взлететь и находится в непрерывном движении. В ней практически нет плоских по-

верхностей и вертикальных линий (так же, как в природе). Все проемы плавно закруглены как снаружи, так и внутри здания. На стенах башни заметны выступы оригинальной формы: это ничто иное, как воздуховоды, превратившиеся из строго функциональных частей здания в элементы, раскрывающие его выдуманный образ.


1930

стримлайн Крайслер Норман Бел Геддес > 1931

1950


142 / 143

архитек тура

Норман

промышленный дизайн

графика

1893  –  1958

Бел Геддес

Американский архитектор театральный и промышленный дизайнер. Его карьера начиналась в качестве влиятельного театрального дизайнера, готовившего современные постановки, включающие пьесы с декорациями, освещением и костюмами. После ухода из театра Геддес становится промдизайнером. Он проектирует все, начиная от чайников, заканчивая зданиями фабрик и самолетами… Все его работы объединяются одной идеей, которую можно было бы назвать навязчивой, если бы она не стала столь популярной позднее. Геддесу мечталось модернизировать форму предметов с точки зрения аэродинамики, особенно это касалось машин. Он предлагает оптимальную с аэродинамической точки зрения и симпатичную с эстетической — обтекаемую форму. Он создает каплевидные автомобили и автобусы. Придумывает паровозы. Надо отдать должное — Геддес не был просто чудаком-мечтателем: все его работы подкреплялись чертежами, расчетами, заключениями инженеров и могли бы быть воплощены, если бы не Великая Депрессия в американской экономике, если бы не пугающая оригинальность проектов, если бы не все остальные «но». Хотя множество идей Геддеса в итоге воплотились в той или иной форме.

Лампа Норман Бел Геддес > 1930

Бел Геддес не был единственным дизайнером, взявшим обтекаемость на вооружение — американские и европейские проектировщики тоже принялись за экспериментальные концепции «слезинок» («teardrop»). Дошло до того, что в 1931 году Общество автомобильных инженеров заключило, что «слезинка» — наилучшая форма для автомобиля! Но единственной из тех каплевид-

ных машин, что дошла до конвейера, стала Chrysler Airflow, которую всё одно сняли с производства в 1937 году, поскольку популярной она так и не стала.


1930

1950

стримлайн

Реймонд

1893  –  1986

Лоуи

Французский мастер промышленного дизайна, автор логотипов, промышленных образцов и почтовых марок. Начинал Лоуи как художник-иллюстратор в журналах мод (Vogue, Harper's Bazaar), рисовал рекламу для Нью-Йоркских магазинов. Во второй половине 1920-х годов Лоуи был главным дизайнером в General Electric, но в самом начале Великой депрессии 1929 года ушел в самостоятельный бизнес, основав Raymond Loewy Design. Первый заказ пришел от производителя типографского оборудования, пожелавшего «упаковать» свои машины в современную по тем временам оболочку. В 1932 году пришел настоящий успех — заказ Sears на дизайн холодильника Coldspot. Холодильник, спроектированный Лоуи и Германом Прайсом, разошелся по стране тиражом в 210 000 штук. В нем, по идее Лоуи, были впервые применены нержавеющие полки из алюминия. После войны Лоуи выполнил дизайн тепловозов Baldwin Locomotive Works c «акульей мордой», маневровых тепловозов и электровозов Fairbanks-Morse, разрабатывал схемы окраски и интерьеры для пассажирских поездов. В 1964 году по рисунку Лоуи была напечатана первая почтовая марка США памяти президента Кеннеди.

Автомат газированной воды Реймонд Лоуи > 1932


144 / 145

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Тостер и точилка для карандашей Реймонд Лоуи > 1934

Одно из самых известных дизайнерских решений современности — создание культовой контурной бутылки Coca-Cola — приписывается признанному мастеру промышленного дизайна XX века Раймону Лоуи. Однако он не спроектировал ее сам (это сделал в 1915 году Эрл Дин), а лишь модернизировал в 1955 году. Достоверно известены факты, что Лоуи создал не менее узнаваемую

бутылку Fanta и еще ряд изобретений для компании Coca-Cola: кулеры, диспенсеры-фонтанчики и даже настенную открывалку, которая удобна тем, что удерживает снятую крышку. Интересно, что сам Раймон Лоуи описывал дизайн бутылки колы как «научный шедевр функционального планирования» и «классику в истории упаковки».


1930

1950

стримлайн Плакат «Новый 20 век» Лесли Реген > 1938


146 / 147

архитек тура

Лесли

промышленный дизайн

графика

1897  –  1972

Реген

Американский коммерческий иллюстратор, яркий представитель стилей арт деко и стримлайн. Обучался Реген в Чикагском Институте Искусства. Во время второй мировой войны художник создавал плакаты, воспевающие технический прогресс. В основном, художник рекламировал новые дома и машины. Он разработал свой собственный стиль: создавая рекламные плакаты, он не призывал купить товар, он создавал настроение путешествия, радости, вызывая у зрителя желание попробовать то, что изображено, окунуться в нарисованную атмосферу. Такой безошибочный психологический подход помог художнику стать известным рекламистом. Его клиенты стремились видеть свое приземленное оборудование или здания, преобразованными ярким видением Рэгэна. Кроме плакатов, Реган создавал календари, живописные полотна, а также много путешествовал.

Плакат «Депо» Лесли Реген > 1935

Плакат «Новый 20 век»  — это рекламный плакат нового, для того времени, типа. Плакат напрямую не призывал покупать дорогостоящие билеты на ускоренный поезд, он лишь рекламировал достоинства технического процесса, новые обтекаемые формы, вошедшие тогда в моду. Само собой разумеется, в 30-х годах такое средство передвижения вызывало восхищение у потребителей, и каждый

Плакат «Сумерки на реке Гудзон» Лесли Реген > 1935

желал на нем прокатиться. Любая мечта осуществима, оставалось только приобрести билеты.


1880

1890

1900

1910

Происхождение Франция

1920

1930

1940

Основные черты Образы из сновидений. Сочетание неожиданных предметов.

1950

1960

1970

Основные сведения Развивалось под влиянием идей Зигмунда Фрейда; убежденность в том, что подсознание должно выражать себя, не задаваясь вопросами эстетических или моральных ценностей. Политика была важной составляющей движения.

1980

1990


148 / 149

u S

e r r

e m s i l a


1922

1960

основные представители

Сюрреализм —  направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Слово сюрреализм уже давно превратилось в общеупотребительное понятие, которым обозначают все странно сочетаемое, удивительное, фантастическое, оторванное от реальности. Что же касается сюрреализма как художественного направления, то начало ему положил «Манифест сюрреализма», опубликованный французским поэтом Андре Бретоном в 1924 г. Сюрреалистические группы постоянно обновлялись. Поэтому за все время существования движения с ним оказалось связано множество художников, определивших развитие искусства XX в. Начиная с 30-х гг. выставки сюрреалистов стали международными. Сюрреалисты взяли на вооружение

теории австрийского психолога Зигмунда Фрейда о бессознательном как важнейшей сфере человеческой психики, о значении сновидений для понимания подлинных вкусов, влечений и причин поступков человека. Принцип психоанализа, разработанный Фрейдом, основывался на методе свободных ассоциаций: когда человек, отталкиваясь от какого-либо слова, представления, образа из сновидений, высказывает все, без азбору мысли, которые приходят в голову. Так же рождается сюрреалистический образ: он возникает вследствие «чудесной встречи», т. е. произвольного с точки зрения обыденной логики соединения в тексте либо на холсте различных слов или изображений. Считалось, что именно в этих случайных «встречах» могут обнаружиться черты ощущаемой, но скрытой для разума поэтической реальности. Вооб-


150 / 151

архитек тура

1888  –  1978 1891  –  1976 1913  –  1985 1900  –  1991 1889  –  1946

Джорджио де Кирико Макс Эрнст Мерет Оппенгейм Арно Брекер Пол Нэш

ще коллективное творчество характерно для сюрреалистов. Поэтому они так любили всевозможные игры, в частности игру в слова. По ее правилам игрок записывал слово и, перегнув листок, передавал соседу. Тот, не видя предыдущего, вписывал свое слово. Однажды составилась фраза, которая всех восхитила: «Изысканный труп будет пить прекрасное вино». С тех пор игру называли «Изысканный труп», а со временем ее видоизменили: стали не писать, а рисовать. Методом графического автоматизма начал свою деятельность, включившись в сюрреалистическое движение, художник Андре Массон. Индийской тушью он водил по бумаге. Случайно возникающие линии и пятна напоминали некие образы, которые при последующем движении руки изменялись. Птица могла превратиться

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Италия Германия Великобритания

Сюрреализм в архитектуре приобрел формы космических кораблей, ракушки, абстракций и пузырей. Со времен наскальной живописи жилье человека отражало не только его физиологические, психологические и социальные потребности, но и его стремления к творчеству, развитию, совершенству. На протяжении существования человечества жилье трансформировалось из пещер и землянок в настоящие произведения искусства, тем самым отражая развитие Homo Sapiens. Ярким примером сюрреализма в архитектуре служит театр-музей Дали в Фигерасе. Здание является самым большим сюрреалистическим экспонатом в мире и одним из самых посещаемых

музеев Испании. Внешний облик музея украшают гигантские белые яйца, расположенные вдоль стены замка и на карнизе башни Галатеи, названной так в честь жены художника — Галлы. Еще одной достопримечательностью музея является сферический купол, возведенный над пространством сцены театра. Он стал эмблемой города и музея.


1922

1901  –  1966 1898  –  1967 1840  –  1916 1890  –  1976 1907  –  1954

1960

Альберто Джакометти Гюстав Моро Одилон Редон Ман Рэй Фрида Кало

◆ ◆ ◆

Швейцария Франция Мексика

« Я хочу, чтобы мой музей был монолитом, лабиринтом, огромным сюрреалистическим объектом. Это будет абсолютно театральный музей. Приходящие сюда будут уходить с ощущением, будто им привиделся театральный сон ». Сальвадор Дали

в женщину, а затем в каплю, и наоборот. Художника завораживал этот процесс. Подчас рождались очень цельные композиции, наполненные «знаками» людей, животных, растений или непонятными, таинственными узорами. Картины Ива Танги «Мама, папа ранен!», «Лента излишеств» наполнены тревогой. Эти пустынные ландшафты назвали «жестоким и дотошным описанием первых дней после катастрофы», а позже — предчувствием пейзажей после атомного взрыва. Танги заселяет полотна непонятными предметами-существами, выписанными с убедительной конкретностью. Совсем иная интонация в не менее загадочных по характеру картинах бельгийского художника Рене Магритта. На картине «Шедевр, или Мистерия горизонта» синей лунной ночью на городском пусты-

ре стоят три человека в одинаковых черных пальто и черных котелках, похожие друг на друга, как близнецы. Их фигуры четко видны на фоне отдаленной городской застройки. Они повернулись в разные стороны, и ни один не смотрит на зрителя. Над головой каждого — тоненький серп месяца. Этот загадочный, неподвижный господин в котелке, который может раздваиваться, растраиваться, а иногда выступает и в одиночку (обычно спиной к зрителю), — сквозной персонаж творчества художника. Героев Магритта очень трудно назвать одушевленными, несмотря на то что они хорошо и точно выписаны. Поэтому превращения, происходящие с ними, — неожиданное растворение в пространстве («Черная магия») или исчезновение лица почтенной дамы за букетом фиа-


152 / 153

архитек тура

1898  –  1967 1897  –  1994 1900  –  1955 1904  –  1989 1893  –  1983

Рене Магритт Поль Дельво Ив Танги Сальвадор Дали Хуан Миро

лок («Большая война») — вполне соответствуют еще одной идее сюрреализма, идее «промежуточности». Литераторы изобретали «промежуточные слова», вроде «облаколенопреклонение». Картины Магритта — интеллектуальные игры, подчас очень жесткие, посредством которых он пытался вызвать изумление у зрителя, заставить его заметить странности, скрытые в упорядоченном и незыблемом, на взгляд обывателя, укладе жизни. В отличие от Магритта «промежуточные образы» другого мэтра сюрреализма, испанского художника Хоана Миро, часто теряют конкретные, реальные признаки. Впрочем, искусство Миро так многогранно, что его нельзя отнести только к сюрреализму. Символом же движения стало творчество испанского художника Сальвадора Дали.

◆ ◆ ◆

промышленный дизайн

графика

Бельгия Франция Испания

Практиковались новоизобретенные техники (всего их насчитывалось около тридцати), например фроттаж («натирание»). Как-то Эрнст положил бумагу на пол и натер ее графитом. Рельеф растрескавшегося паркета создал на листе выразительную фактуру. Впоследствии фроттажи делали, используя любую негладкую поверхность. Случайный рисунок, по мнению авторов, напоминал галлюцинации. Австрийский художник Вольфганг Паален изобрел фюмаж «копчение»), при котором использовались следы на бумаге или холсте от копоти свечи. Однако эксперименты с различными техниками не были основным признаком изобразительного искусства сюрреализма.

В книге «Сюрреализм в живописи» Бретон выделил его главные принципы: автоматизм, сновидческие образы и использование «обманок». Отличительной особенностью многих полотен стали реальные, подчас доходящие до натурализа изображения персонажей и  их окружения, но в фантастических, бредовых сочетаниях. Этот прием называли «обман зрения» или «обманка». Такова скандальная работа «Дева наказывает Иисуса в присутствии художника» Макса Эрнста, чей авторитет среди сюрреалистов и помог утвердиться подобной манере.


1922

сюрреа лизм Театр-музей Сальвадора Дали > Фигерас Сальвадор Дали > 1960

1960


154 / 155

архитек тура

промышленный дизайн

графика

Сальвадор 1904  –  1989

Дали

Испанский живописец, график, скульптор, режиссер, писатель. Один из самых известных представителей сюрреализма. Работал над фильмами: «Андалузский пес», «Золотой век», «Завороженный». Автор книг «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим», «Великий мастурбатор», «Дневник одного гения» и эссе «Трагический миф Анжелюса Милле». Творчество Дали опережало время, он стал признанным гением еще при жизни. К чему бы ни притронулась рука Мастера, рождался шедевр — будь то фотография, кинематограф, мультипликация, литература или реклама. Сальвадор Дали создал сюрреализму блестящую рекламу. Он был увлечен изображением на холсте образов, вызванных свободными ассоциациями. Отсюда картины Сальвадора Дали, на которых под видимостью тонкой оптической иллюзии предметы растягиваются (мягкие часы) растворяются. В 1973 году в Фигерасе был открыт «Музей Дали». Это бесподобное сюрриалистичекое творение и по сей день приводит в восторг посетителей. Музей представляет собой ретроспективу жизни великого художника.

Стена театра-музея Дали Сальвадор Дали > 1960

Идея создания театра-музея в Фигерасе, как и основная концепция его наполнения, принадлежит самому Дали. В качестве основы для будущего здания Дали выбрал лежащий в руинах уже четверть века городской театр Принсипаль. Строился Музей 14 лет. На все необходимые работы ушла большая часть состояния Дали. Здание под прозрачным куполом с яйцами наверху

Скульптура женщины на стене театра-музея Дали Сальвадор Дали > 1960

представляет собой длинную стену насыщенного красного цвета в желтую крапинку. Каждая крапинка — это изображение местного крестьянского хлеба. Стена переходит в угловую цилиндрическую башню. И на стене, и на башне непринужденно стоят куриные яйца, точнее яйца гигантских кур.


1922

сюрреа лизм Картина «Влюбленные» Рене Магритт > 1928

1960


156 / 157

архитек тура

Рене

промышленный дизайн

графика

1898  –  1967

Магритт

Бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин. Картины Магрита основаны на эффекте отстранения вещи от ее привычного смысла. Предметы, изображенные Магриттом, в отличие от других сюрреалистов (Дали, Эрнст), почти никогда не теряют своей привычной формы: они не растекаются и не превращаются в собственные тени. Невозмутимость стиля только усугубляет удивление и погружает зрителя в некое поэтическое оцепенение, вызванное самой тайной вещей. Цель Магритта, по его собственному признанию, заставить зрителя задуматься. Из-за этого картины художника часто напоминают ребусы, но ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем. Особую роль у Магритта играют названия картин. Они почти всегда поэтичны и почти всегда никак, на первый взгляд, не связаны с самим изображением. Именно в этом видел их значимость сам художник: он считал, что скрытая поэтическая связь названия и картины способствуют тому магическому удивлению, в котором Магритт видел предназначением искусства.

Картина «Дождь» Рене Магритт > 1932

Картина «Влюбленные», по мнению некоторых искусствоведов — это визуальное воплощение старой как мир идеи о том, что «любовь слепа». Любовь никогда не предполагает абсолютного познания того, кого мы любим. Люди, которых мы знаем и любим очень давно, все равно остаются тайной для нас. Едва ли не все картины Магритта — это тайны, которые не возможно разгадать полностью,

Картина «Черная магия» Рене Магритт > 1933

так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.


1922

1960

сюрреа лизм

Макс

1891  –  1976

Эрнст

Немецкий, французский и американский живописец и скульптор, основатель дадаизма, один из ведущих сюрреалистов и создателей техники коллажа. В 1919 году художник создал свои первые коллажи. Для них он брал гравюры из научных изданий и старых каталогов, рекламные проспекты и плакаты, страницы популярных романов и т.п. Сюжет, изъятый из своего контекста и перенесенный в абсурдное окружение, превращался в сюрреалистический образ. В поисках техники, которая была бы более зависима от случая, чем коллаж, Эрнст изобрел фроттаж — перевод на бумагу текстуры какой-либо грубой или шероховатой поверхности. Художник использовал и другие автоматические техники, например, брызгал краской на полотно или клал две только что написанные картины одну на другую и получал новые неожиданные рисунки на обоих холстах. Часто эти мотивы перерабатывались в какой-нибудь первобытный пейзаж с фактурой, напоминающей растительные формы, клубки переплетенных корней, лаву или стоячую воду. Художник населял такие пейзажи причудливыми существами, напоминающими дриад, морских коньков и насекомых.

«Сомнительная женщина» Макс Эрнст > 1923

«Царь Эдип» Макс Эрнст > 1921


158 / 159

архитек тура

Джорджо

промышленный дизайн

графика

1888  –  1978

де Кирико

Итальянский художник был основателем движения метафизической живописи, совмещавшей атмосферу метафор и мечтаний. Движение во многом предвосхитило появление сюрреализма и принесло автору огромную известность. Ранние работы Джорджо де Кирико оказали существенное влияние на формирование сюрреализма и творчество таких его представителей, как Макс Эрнст, Ив Танги, Сальвадор Дали и др. По словам его основателя и идеолога Андре Бретона, только произведения Де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами живописи. Между 1908 и 1917 годами Де Кирико создал свои самые значительные произведения — серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Даже названия этих работ, такие, как «Радости и загадки странного часа» и «Меланхолия и тайна улицы», указывают на стремление автора наполнить самые обыденные ситуации ощущением опасности и ирреальности. Сам художник заявил: «То, что я слышу, — ничего не значит; существует только то, что я вижу своими глазами, — и даже более того, то, что я вижу с закрытыми глазами».

Картина «Песня любви» Джорджо де Кирико > 1914

«Песня любви» — одна из наиболее известных картин художника, предвосхитившая сюрреализм на целых десять лет! На ней изображен пустынный городской пейзаж, традиционный для картин де Кирико, однако, на этот раз все внимание сфокусировано на стене, к которой прикреплена голова греческой скульптуры и хирургическая перчатка. На заднем плане можно заметить

Картина «Разрушение муз» Джорджо де Кирико > 1918

силуэт локомотива, что тоже привычно для работ этого художника. Слово Рене Магритту: «Когда я увидел репродукцию картины «Песня любви» в первый раз, это был один из наиболее трогательных моментов в моей жизни: мои глаза впервые встретились с подсознанием».


1880

1890

1900

1910

Происхождение США, Великобритания

1920

1930

1940

Основные черты Яркие радужные цвета. Броские формы. Использование пластика. Повторяющиеся элементы.

1950

1960

1970

Основные сведения Течение образовалось под влиянием консьюмеризма и популярной культуры. Отрицал модерн и его ценности. Основной упор делался на разнообразие, веселье, бунтарство и недолговечные одноразовые вещи. Дешивизна и, зачастую, низкое качество; ставка на массовое потребление.

1980

1990


160 / 161


1958

1972

основные представители

Поп-арт —  направление в изобразительном искусстве 1950-1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления. «Поп-революция» в Британии стала не просто выражением нового мироощущения молодежи, проявившегося в музыке, кино, театре, журналистике. Она затронула и материальную среду: интерьеры, моду, мебель. Особую роль играли так называемые артефакты — небольшие вкрапления в обычный интерьер, коренным образом изменяющие его: подносы и кофейные кружки, бесформенные кресла и пуфики, оптический орнамент интерьерных тканей и психоделическая графика. Пластмассовые изделия — часы, посуда, кухонная утварь — все это приобрело яркий, открытый цвет, броскую форму. Понятие «хороший дизайн» уходило в прошлое.

Формировались новые критерии: забавно, ярко, быстротечно, экспрессивно. На поп-арт в дизайне 1960-х гг. оказала влияние группа художников «Независимые», собиравшаяся время от времени в период 1952-1955 гг. в лондонском институте современного искусства. Они и считаются пионерами этого направления в Великобритании, первыми воплотившими оригинальные идеи организации среды. Искусствовед Лоренс Эллоуэй, автор термина «поп-арт», пишет, что вначале термин относился скорее к поп-культуре, складывавшейся под воздействием массмедиа. В середине 1950-х гг., после ряда обсуждений и выставок «Независимых», сформировалось отношение к массовой культуре не как к развлечению или средству бегства от жизни, а как к нормальному объекту искусствоведческого анализа


162 / 163

архитек тура

1928  –  1987 род. 1929 1923  –  1998 род. 1930 род. 1933

Энди Уорхол Клас Олденбург Рой Лихтенштейн Джаспер Джонс Джеймс Розенквист

с точки зрения композиции, эстетики, содержания. Особенно большое впечатление произвела выставка «Человек-машина и движение», организованная в 1955 г. членом группы «Независимые» Ричардом Гамильтоном. В задачи выставки 1956 г. «Это завтрашний день» входила демонстрация синтеза абстрактного искусства и архитектуры. Однако наиболее интересными экспонатами оказались не отдельные произведения, а пространство инсталляций. Гамильтон участвовал в создании стенда в духе пародии на архитектуру. Внутреннее пространство было темным, с нарушенной перспективой, мягким полом. На наружных стенках наклеены вырезки на тему поп-культуры, различные фотографии, в том числе и Мэрилин Монро. Художники приняли индустриальную культуру и вводили ее аспекты

промышленный дизайн

графика

США

Вдохновленные «низким искусством» — рекламой, упаковкой, комиксами, телевидением — художники, в частности Энди Уорхол и Дэвид Хокни, перенесли ценности масс-культуры в дизайн интерьеров, обоев, настенную и плакатную живопись, открывая для себя новый мир, полный веселья и свободы. Дизайнеры поняли, что для нового поколения белых воротничков нужен свежий, альтернативный подход, отличающийся от набившего оскомину «хорошего дизайна» 1950-х; такой альтернативой оказался поп-арт. Как писал Те-ренс Конран, «в середине 196o-x наступил любопытный момент, когда люди перестали нуждаться и начали желать... Дизайнеры занялись производ-

ством вещей, которые потребитель желал, а не тех, в которых он нуждался». На первый план вышел стиль, впервые недолговечные, одноразовые вещи стали приниматься за норму. Излюбленным материалом дизайнеров стал пластик, изделия из которого — ярких цветов и броских форм — пришлись по вкусу молодежи. В результате выпускалось все больше дешевых товаров низкого качества, основной упор делался на массовое потребление, а не на производство дорогих и долговечных вещей — в противовес стилю модерн.


1958

1922  –  2011 ро. 1931 род. 1925 1926  –  1998 1926  –  1998

Ричард Гамильтон Том Весселман Роберт Раушенберг Джонатан де Пас Вернер Пантон

1972

◆ ◆ ◆

Великобритания США Дания

« Поп-арт фактически индустриальная живопись, это то, чем скоро станет целый мир ». Рой Лихтенштейн

в свои произведения. Эдуардо Паолоцци и Гамильтон даже преподавали в Королевском колледже искусств. «Внедрение» попарта в педагогику было связано не столько с инициативой дирекции, сколько с настроениями студентов. На волне поп-арта 1960-х гг. — времени мини-юбок и поп-музыки, появления дешевых товаров и услуг — в дизайне возникают новые концепции, новые материалы, новые принципы создания вещей. Большим спросом пользуются вещи-однодневки из бумаги, картона или пластмассы: одноразовая посуда, одноразовая скатерть, одноразовое платье. Характерен стул Питера Мердока из картона разнообразной расцветки, который продавался в сложенном виде. В этот период начинается новый виток футурологических разработок. В начале 1960-х  гг. формируется нонконформистская груп-

па архитекторов, занимавшихся экспериментальным проектированием. В нее вошли Д. Грин, М. Вебб, Д. Кромптон, П. Кук, У. Чок, Р. Херрон. Название группе — «Аркигрэм» — дал одноименный журнал, рассчитанный на международную аудиторию единомышленников. Члены группы публиковали проекты планетарного масштаба — от поселений на Луне до системы «Plug-inCity» («Город, построенный по принципу электрической вилки, вставляемой в розетку»). Город представал как глобальная инфраструктура, в любой точке которой можно было получить жизненно необходимые услуги, а также подключиться к глобальной информационной сети радио и телевидения. «Будущее жилище рассматривается как сфера творческой и научной деятельности, духовного роста и общения между людьми», — писал, анализируя эти и другие


164 / 165

архитек тура

род. 1927 род. 1937 род. 1920 род. 1937 род. 1940

Алекс Кац Эд Рушей Уэйн Тибо Дэвид Хокни Питер Мурдок

подобные проекты из Италии, Японии и Австрии, архитектор А. В. Рябушин, занимавшийся во Всесоюзном научно-исследовательском институте технической эстетики в Москве футурологией жилища.

◆ ◆

промышленный дизайн

графика

США Великобритания

Социальная ориентированность искусства и смещение акцента в сторону его популяризации заставили художников пересмотреть не только стилистику изображений, но и их тематику. Ставя перед собой задачу поиска новых предметов эстетизации, они стремились так осовременить графический язык, чтобы он стал понятен широкой публике. Новым для изобразительного искусства было не просто увеличение влияния коммерческой рекламы и дизайна, но переоценка их объектов, которые помимо утилитарного назначения наделялись стилеобразующими свойствами. Уже не станковое, а коммерческое искусство воспринималось как наиболее авангардное и соответ-

ствующее духу времени. Художники поп-арта ставили перед собой задачу не преобразования, а именно отражения временного среза — всего самого модного и популярного. Именно фактор популярности приобрел роль основного критерия оценки воздействия любой творческой деятельности на зрителя. Используя опыт коммерческой рекламы, искусство превратилось из элитарного в массовое. Для поп-арта было типично использование сериграфии (станковый способ трафаретной печати) — техники массовой печати, к  которой часто прибегал Уорхол.


1958

поп - ар т Предметы интерьера Вернер Пантон > 1955  –  1960

1972


166 / 167

архитек тура

Вернер

промышленный дизайн

графика

1926  –  1998

Пантон

Датский дизайнер и архитектор, жил и работал в Швейцарии. Экспериментатор, эмоциональный теоретик и при этом убежденный практик, революционный созидатель и перфекционист — Вернер Пантон, один из величайших гениев дизайна ХХ века. Это он доказал невероятное: стул не должен иметь ни ножек, ни спинки, ни подлокотников, и заставил весь мир это принять. Cамый знаменитый стул ХХ века — стул Пантона. Вернер был одним из первых дизайнеров, кто рассматривал каждый предмет интерьера как элемент жилой среды, связанный со всеми остальными компонентами. Его интересовала именно атмосфера всего дома, а не отдельная вещь как таковая. То, что он называл «интерактивный домашний ландшафт». Пантон проектировал мебель, ткани, светильники, интерьеры. Самые известные работы: серия подвесных пластиковых светильников, цельнолитые пластиковые кресла «Пантон», интерьеры «Визион». Он создал действительно инновационную футуристическую мебель и проекты, используя новые технологии и материалы.

Лампы Вернер Пантон > 1956

Стул Пантона — шедевр промышленного дизайна того времени. Пантон создал свой стул из единого куска формованного пластика, что до него не удавалось никому. Семь лет Пантон искал фабрику, которая возьмется сделать эту модель, и в то же время продолжал совершенствовать ее. Стул начал производиться в 1967 году компанией Herman Miller&Fehlbaum. С 1999 года и поныне его выпускает

компания Vitra. Сегодня уже ясно, что когда-то невероятная, дерзкая концепция мебели «без ножек и ручек» навсегда вошла в жизнь человечества. Пантон предпочел инновационные технологии и материалы вековым традициям датских краснодеревщиков, которым следовали все на его родине.


1958

1972

поп - ар т

Питер

род. 1940

Мурдок

Американский дизайнер, фотограф. О Питере Мердоке известно не так много. Его самым известным предметом мебельного дизайна является детский стул из ламинированного гофрокартона. Попдизайн был неотделимо связан с американской мечтой абсолютно потребительского мировоззрения, которая в начале 60-х овладела всем западным миром. Идея производства долговечных, добротных товаров сменилась лозунгом «сегодня использовал — завтра выбросил». Это был прорыв в философии промышленного производства и дизайна. Детский стул Мурдока стал символом распространяющейся «культуры недолговечности». Поп-дизайн с его яркими цветами, смелыми формами, дешевыми товарами стал стилем для молодых. Поп-арт развивал свои принципы формообразования, противоположные функционализму, но при этом не противоречащие ему. «Поп» означало соответствовать времени и быть модным. Средства массовой информации способствовали популяризации поп-дизайна. Многие считают, что до сих пор трудно дать точное определение сущности попарта и очертить его границы, но никто не сомневается, что поп-арт стал символом признания и одобрения новой «популярной культуры».

Детский стул из гофрокартона Питер Мурдок > 1963


168 / 169

архитек тура

Джонатан

промышленный дизайн

графика

1926  –  1998

де Пас

Бельгийский художник-сюрреалист. Известен как автор остроумных и вместе с тем поэтически загадочных картин. Картины Магрита основаны на эффекте отстранения вещи от ее привычного смысла. Предметы, изображенные Магриттом, в отличие от других сюрреалистов (Дали, Эрнст), почти никогда не теряют своей привычной формы: они не растекаются и не превращаются в собственные тени. Невозмутимость стиля только усугубляет удивление и погружает зрителя в некое поэтическое оцепенение, вызванное самой тайной вещей. Цель Магритта, по его собственному признанию, заставить зрителя задуматься. Из-за этого картины художника часто напоминают ребусы, но ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем. Особую роль у Магритта играют названия картин. Они почти всегда поэтичны и почти всегда никак, на первый взгляд, не связаны с самим изображением. Именно в этом видел их значимость сам художник: он считал, что скрытая поэтическая связь названия и картины способствуют тому магическому удивлению, в котором Магритт видел предназначением искусства.

Кресло «Гигантская бейсбольная перчатка» Джонатан де Пас > 1970

Детский стул Мурдока выполнен из ламинированного гофрокартона. Такой стул продовался в виде листов картона в супрермаркетах. Стул можно было легко собрать в домашних условиях по схеме, нанесенной на обратную сторону картона. Этот предмет пользовался большой популярностью у потребителей 1960-х годов, желавших получить интересную вещь за доступную цену. Всего было

выпущено 8 цветовых вариантов стула. Кстати, это первый функциональный образец мебели, выполненный из картона!


1958

поп - ар т Картина «Crack» Рой Лихтенштейн > 1963

1972


170 / 171

архитек тура

Рой

промышленный дизайн

1923  –  1997

Лихтенштейн

Американский художник, великий мастер поп-арта, чьи работы в стиле комиксов символизировали опошление культуры в современной американской жизни. Используя яркие, «кислотные» цвета и промышленные типографские методы, он иронически соединял объекты и стереотипы «массовой культуры» и близкие ему образцы «высокого» искусства живописи. В 1961 году, когда он преподавал в колледже, под впечатлением работ своего коллеги Аллана Капроу, он обратился к использованию в картинах комиксов и персонажей мультфильмов, благодаря которым он и создал свой легко узнаваемый стиль и получил всемирную известность. Первичные спектральные цвета — красный, желтый и синий, резко ограниченные черным — стали его фаворитами. Иногда, правда, он использовал и зеленый. Вместо оттенков цвета, он использовал растровую точку, метод, которым изображение и плотность тона, модулируется при типографской печати. Несмотря на то, что многие из его картин являются сравнительно небольшими, методы обработки объекта, применяемые Лихтенштейном, дают ощущение монументальности, изображения кажутся массивными и грандиозными по размеру.

Фрагмент из комиксов Рой Лихтенштейн > 1965

Фрагмент из комиксов Рой Лихтенштейн > 1965

графика


1958

1972

поп - ар т Коллаж ««И что же делает наши современные дома такими особенными, такими привлекательными?»» Ричард Гамильтон > 1956

Ричард

1922  –  2011

Гамильтон

Английский художник, положивший начало движению поп-арт в 1959 году. Карьера Гамильтона была столь же разнообразной, как образы, которые он воссоздает с такой убедительностью. Он родился в Лондоне в 1922 году и стал посещать вечерние курсы изобразительных искусств, когда ему было всего двенадцать лет. В четырнадцатилетнем возрасте он ушел из школы, чтобы зарабатывать на жизнь, но продолжал заниматься живописью и позднее стал студентом в Королевской академии изобразительных искусств, а уже после войны начал занятия в школе Слейд, одном из лучших художественных учебных заведений Великобритании. Был преподавателем прикладного рисунка в двух ведущих художественных училищах и университете Ньюкасла. С 1964 года Гамильтон выставлял свои работы в Лондоне, Милане, Касселе, НьюЙорке и Берлине и был удостоен двух важных премий. Первый успех пришел к нему в середине 50-х с работой «И что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Эта картина позже была признана первым шедевром стиля поп-арт, который иронически переосмысливает характерные черты общества потребления.


172 / 173

архитек тура

Энди

промышленный дизайн

графика

1928   –   1987

Уорхол

Американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссер, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Он много сделал для того, чтобы искусство стало максимально доступно широким массам, чтобы люди научились видеть красоту повседневных вещей, понимая, что все, что окружает человека, прекрасно по своей сути. Для Уорхола искусство было способом любить поверхностную суть вещей. Именно такая проницательность помогла ему понять, что именно это делает искусство безграничным. В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы «Velvet Underground». В 1962 году Энди создает картины «Зеленые бутылки кока-колы» и «Банки супа Кэмпбелл». Начиная с этого периода Уорхол как фотограф и художник сотрудничает со звездами музыки и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы. Творчество художника до сих пор привлекает внимание многих миллионов людей. А его работы сегодня являются одними из наиболее продаваемых произведений.

Серия картин «Банки с супом» Энди Уорхол > 1960  –  1962

Коллаж считается первым произведением поп-арта. На фоне фотографии интерьера с белыми стенами, неоновыми рекламами за окном стоит культурист. В руке он держит, как теннисную ракетку, огромный леденец на палочке с надписью «Рор». На прямоугольном диване у телевизора полулежит вырезанная из какогото журнала обнаженная девица. На голове — вместо шляпы абажур.

В качестве символов поп-культуры в коллаж были вставлены фотографии портативного пленочного магнитофона, банки консервированной ветчины. Идея произведения — показать торжество современного материализма, потребительского общества, питаемого рекламой и средствами массовой информации.


а лфавитный указатель

Байер Герберт Балла Джакомо Бердслей Обри

Бурхартц Макс

108/109

102/103/104/105

113

Вагенфельд Вильгельм Вагнер Отто

44/45

30/31

Брандт Марианна Брейер Марсель

112

20/21

Гамильтон Ричард Гауди Антонио Геддес Норман Голосов Илья

106/107

142/143

100/101

154/155

Деперо Фортунато Кассандр Адольф

18/18

73

Гропиус Вальтер Дали Сальвадор

172

40/41

130/131

Кан Эли Жак

125

Кирико Джорджо Климт Густав Кросс Джон

54/55

Лихтенштейн Рой

Магритт Рене

28/29

124

Лисицкий Эль

Лоуи Реймонд

159

170/171

144/145

156/157


Малевич Казимир

58/59/60/61

Маринетти Филиппо

42/43

Мельников Константин Мендельсон Эрих Мондриан Пит Мурдок Питер Муха Альфонс Ольбрих Йозеф

140/141

90/91

168

26/27 22

70/71/72

23

Орта Виктор

Пантон Вернер Пас Джонатан Реген Лесли

166/167

169

146/147

Ритвельд Геррит

86/87/88/89

Родченко Александр Рульманн Жак Эмиль Сант-Элиа Антонио

76/77 128/129

38/39

Степанова Варвара Суетин Николай Тиффани Луис Уорхол Энди Шмидт Йоост Элен Уильям Эрнст Макс Янак Павел

74/75

56/57

24/25

173 110/111

122/123

158

126/127


История дизайна XX века Художественно-техническое оформление Татьяны Журавлевой Составитель Татьяна Журавлева Руководитель проекта Денис Пономарев

В издании использован текст книг: «История дизайна», А. Лаврентьев; «История журнального дизайна», О. Рожнова; «Дизайн и время», Л. Бхаскаран. Изобразительный материал использован из книг: «Graphic Arts», издательство SCALA, 2010; «Design», издательство SCALA, 2009; «Дизайн и время», Л. Бхаскаран, 2009.

Сдано в набор 19 апреля 2012 года Подписано в печать 30 мая 2012 года Формат 60x90/8 Бумага офсетная Гарнитура Charter OSC Печать офсетная Тираж 2000 экз. Издательство ООО «Индекс Маркет»


176 / 177


178 / 179

Электронное издание поможет вам глубже погрузиться в атмосферу дизайна XX века.


Profile for Tatiana Zhuravleva

History of design 20 century  

History of design 20 century

History of design 20 century  

History of design 20 century

Advertisement