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Curat per / CuradurĂ­a por Zael von Mazon


Créditos de la Exposición Mariana Rey M. (Rizomarte) Producción en sede, monta je y registro audiovisual / Idea original y creación del catálogo impreso de la exposición.

Emmanuel Rodríguez Mazón / Zael von Mazon (Purísima Arte Contemporáneo / Taller Transversal Mx) Curaduría / Gestión de Artistas / Diseño de identidad gráfica y aplicaciones / Edición del material fotográfico / Diseño editorial del folio digital de la exposición.

Aldebarán Solares (Purísima Arte Contemporáneo) Gestión de Artistas / Post-producción del material audiovisual para IGTV y Vimeo.

Brenda Granados Segovia (Taller Transversal Mx) Conductora de ‘Diálogos’ - Entrevistas a los artistas y agentes culturales de la exposición. / Diseño editorial del folio digital de la exposición.

Quetzalcóatl Castillo (Prisma Triangular Films) Post-producción y etalonaje en video ‘Activación Silente’ y en registro audiovisual final para el catálogo impreso (postales) y folio digital de la exposición.

Mauricio García Ramírez (Otixe) Patrocinio del catálogo impreso de la exposición (postales).


Contenido Temps fugaรง / Temps aprecari I

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Mariana Rey M

II

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Zael von Mazon

Catรกlogo de la Exposiciรณn I. Torre Medieval II. Capilla III. Cueva IV. Huerto V. รtico Semblanzas de los Artistas Agradecimientos Organizadores

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I Mariana Rey M. Rizomarte Esta exposición se concibe en una mañana de agosto tras contemplar el espacio del bosque, que colinda entre el establo y la montaña. Surge de una magia humana noble contenida quizá , en l a fantasía del recuerdo de otro tiempo y lanzado al viento bajo el cobi jo del s il encio, el verde y l a profundid ad del es p a cio construído por los árboles. No es un escape, es un anhelo de integrarse a lo que no seremos nunca: piedra tronco, aire, luz, hojas, microorganismos de humedad, aunque quizá lo fuimos hace centenares de siglos. -Hola, aquí estoy, he vuelto- bienvenida sea esta una nueva forma de descubrirse sobre algo que siempre ha existido, en una dicha de proyección lumínica que sirve de ventana para nuestra vida interna. ¿Porqué no regresamos antes? Es un buen cuestionamiento existencial que hoy nos da razones para valorar aspectos que en otras épocas artísticas siempre estuvo presente, en el que ante todo, la materialidad externa (la obra) ha sido estudiada aislada del espacio donde se concibió. Este tiempo es una buena oportunidad para llenar este vacío de fondo que dejó la vida cotidiana citadina y el bloque blanco de la galería. Toda pieza de video aspiró una bocanada de aire fresco sobre el espacio libre, rescatando una buena parte del sentimiento profundo que la contiene emanado sin esfuerzo “forma pura a priori de la sensibilidad y que trata de efecto” cito a Kant porque para él, espacio y tiempo son un armazón de estructura que posibilita la experiencia. Es decir, son medidas espaciales incluso para la cuantificación de cualidades. Pero no todo es idealismo, hay una cuestión de realidad tangible y material que también se estudia ya sobre la transformación del arte en la naturaleza así como de su propio discurso. Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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Espero que la fantasía de esta experiencia siembre la curiosidad para seguir transitando por caminos de aquellos que nos antecedieron, en una búsqueda de motivos para crear siendo éstos, parte de una totalidad de vida. La escucha, esencia principal del silencio interior o externo en movimiento bajo la tierra o en el cielo Me encuentro caminando mientras suena el aleteo Silencio Todo suena en el acecho Todo vive en su tiempo Mi tiempo

Activación Silente Video 20’24” España / México 2020 Producción y Registro: Mariana Rey M. Postproducción y etalonaje: Quetzalcóatl Castillo Mariana Rey M. (Ciudad de México, 1986). Es maestra en Gestión Cultural por la Universidad de Salamanca (USAL) España, con formación en diferentes programas de emprendimiento como Santander Explorer antes Yuzz e Iniciativa emprendedora,impartido por la Escuela de Organización Industrial (EOI). Con la creación íntegra del proyecto Rizomarte, obtuvo 3 premiosfinanciados por los fondos europeos FEDER, la Fundación USAL y el Centro Internacional de Emprendimiento CISE Santander. Gracias a esta estructura ha podido colaborar con el Instituto de Iberoamérica, Casa de las Conchas, cines van dyck y la Universidad Pontificia de Salamanca con la que editó el primer ebook titulado: Introducción al estado de la comunicación en el Arte: Reflexiones en Castellano, y realizar la gestión de diversas actividades culturales entre Ciudad de México y España.

@mmarianarey

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II Zael von Mazon Curador de la Exposición Desde hace siglos, el paisaje y la crisis son dos temas inherentes al arte y por tanto temas repetitivos y cíclicos como conceptos detonantes o motivos formales según el medio o formato con el que se aborden. El paisaje ha representado una exploración reiterada y vinculada a la necesidad humana de afrontar la crisis, ya sea existencial o contextual, para preservar a la memoria. Desde las primeras aproximaciones representativas presentes en el arte rupestre a través de trazos gestuales que buscaban impregnar la cotidianidad y cosmogonía en el material pétreo de una caverna, pasando por l a formalidad estética de l a representación pictórica que matéricamente buscaba “congelar” a l p a i s a j e a n te u n s u ce s o d i s r u p tivo; o l a s u b s e c u e n te búsqueda por capturar ese momento lo más fidedignamente posible por medio de la fotografía y el cine, o qué decir sobre el simple acto estético de recorrer físicamente el entorno natural y dejar una impronta sobre dicha acción. O bien, evolucionando hasta la construcción de entornos digitales en comunidades virtuales como S econd Life o Min ecraf t como acto cre ativo, asimismo como respuesta ante la imposibilidad de concretar esas ideas en el mundo real. Por tanto, la crisis siempre ha sido una situación resonante a la producción artística, sin embargo al afrontarlo en primera persona, resulta complicado tener una certeza procesual sobre el cómo actuar o continuar ante esta ruptura inminente de lo planeado con antelación. Así, en este periodo nos resulta peligroso explorar el paisaje, donde las pantallas son el único medio para relacionarnos. ¿Cómo se habita el paisaje durante este momento de crisis?

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Anónima en las afueras de Barcelona, una masía es rehabitada como respuesta perentoria y éxodo ante la situación global. Es ahí donde acontece esta exposición que conjunta intervenciones que exploran la relación entre el paisaje natural, la arquitectura y un paisaje artificial construido con acciones lumínicas que se formalizan en una suerte de presencias evanescentes frente al aislamiento por el entorno, reflejando una alteración perceptual entre dos tiempos que convergen, donde el espectador se siente confinado entre lo que era (fugacidad) y lo que puede ser (aprecariedad). Partiendo de entender al neologismo “aprecariedad” como esa capacidad de mostrar resistencia dando respuesta a una situación fugaz y disruptiva. El resultado son concreciones espaciote m p o r a l e s o r i g i n a d a s p o r e l a m p l i o e s p e c tro e n tre l o preexistente y lo digital, relaciones que se mantienen con los lugares intervenidos, donde existe un tiempo abierto que concentra relecturas, discursos y andamiajes conceptuales que a ce pta n , m e di a nte un co nve nio p a c ta do, l a a pro pi a ción temporal del soporte que les acoge pero también plantean una fl exibil id ad y m anipul a ción del es p a cio expos itivo como estrategia para persistir en la memoria por medio de un repositorio. La cualidad efímera de las obras expuestas es un fenómeno que testimonia una reflexión estética e intergeneracional de 19 artistas en torno a temas vigentes que resaltan y se mantienen persistentes en esta hecatombe pandémica que hoy en día vivimos en primera persona, reflejándose en diversos espacios del conjunto. En el caso de los artistas invitados, significó una invitación para revisar y dar cuenta de las funciones del arte, de su conveniencia y utilidad, de su actualidad y su relación con el ámbito social, político y humano en este periodo de incertidumbre así como el explorar los formatos de producción. El resultado de Temps fugaç / Temps aprecari, más allá de la reflexión estética y curatorial, es un proyecto internacional con artistas de diferentes contextos y trayectorias donde de manera afortunada, aunado a este despliegue visual, se hallan el cuestionamiento y discernimiento ya no sólo de los artistas que crearon las piezas, sino de los espectadores cuya capacidad crítica y de reflexión buscó ser detonada al enfrentar piezas desafiantes y provocadoras. Como ejercicio de enfrentamiento y desafío que se perpetúa en el tiempo, emergida de la entusiasta Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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generosidad participativa de los artistas y colectivos invitados, permite dar un asomo para percibir los ecos en el tiempo de la presencia de estas obras en los espacios de la masía y su entorno rural, dispuestos a recibir la pluralidad y el disenso. La propia diversidad de andamiajes conceptuales, medios, formatos y recursos visuales presentes en la selección, da cuenta de la posibilidad y necesidad de lo distinto, de la inevitable divergencia en la expresión y el pensamiento. Dicha diversidad da testimonio de una aprecariedad común y colectiva por parte de artistas y agentes culturales para resistir y seguir adelante en un actividad tan noble, arrobante y necesaria como lo es dedicarse a alguna actividad artística; aunado a los diálogos entablados con los artistas y organizadores como actividades complementarias a la exposición, han evidenciado estas necesidades y propiciado la reflexión colectiva, tan necesaria en los tiempos vividos y en adviento. En consecuencia resulta, una sugerencia sobre el cómo habitar la crisis, pero sobre todo, reafirmar el aquí y ahora desde tiempos tan inciertos.

Zael von Mazon (Ciudad de México, 1988). Artista interdisciplinario, gestor y curador. Es egresado de la Facultad de Arquitectura de la UNAM y de la Escola Massana. Participante del Programa de Acompañamiento 2020 de Piso 16 - Laboratorio de Iniciativas Culturales UNAM y benefici a rio d e l P ECDA CDMX 2017-201 8. Entre pre m ios y dis tincio nes destacan: Tercer lugar en la Undécima Bienal de Puebla (2017), mención honorífica en el XXXVIII Encuentro Nacional de Arte Joven (2018) y en la categoría de ‘Técnicas Alternativas’ del FINI 2018. Seleccionado en The New Art Fest (Portugal, 2020), la V edición de la Bienal J. A . Monroy, la Duodécima Bienal de Puebla (2019) y la Segunda Bienal de Santorini (Grecia, 2014). Formó parte de la residencia Re-Visión Mestiza (México-Chile, 2019) de Casa Báanal y en “Somos Creadores” (2015), proyecto de Chrysler México. Cuenta con dos exposiciones individuales y má s de 35 exposiciones colectivas en México, Alemania, B rasil , Ecuador, España, Estados Unidos, Italia, Grecia, Nigeria y Portugal.

@zaelvonmazon

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Catรกlogo de la Exposiciรณn


Espacio I

TORRE MEDIEVAL E n l a to r re co m o h i to d e l a m a s í a , i n i ci a E s tef a n í a Pecero cuestionando la indisolubilidad de la imagen generativa sobre la materialidad del soporte por medio de una reflexión lingüística, afectiva y espacial en torno a lo pandémico. Alfredo Esparza Cárdenas dialoga directamente con la verticalidad del objeto arquitectónico al revertir el tiempo en el acto de inmolación como crítica a las dinámicas morbosas, nocivas y normalizadas en la sociedad durante los últimos tiempos. Rocío Cerón habita los muros de la masía desde la distancia usando la poética tra ns m e d i a l p a ra re s a l ta r s us zo n a s fe no m é n ica s , resonando con aquello intangible en la poética del espacio. Zael von M azon

Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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Reescrituras Estefanía Pecero México

Reescrituras es una pieza audiovisual que surge de la recopilación de elementos lingüísticos a partir del impacto emocional que ha traído el COVID-19 al reconfigurar nuestros espacios y la manera en que nos relacionamos con el otro; para después, ser reescritos y sintetizados de manera visual y sonora, como reflejo de la saturación y movimiento constante de los pensamientos en el aislamiento. La concepción del sonido en términos de partículas, en la cual, los granos son encapsulados por un envolvente y así, obtienen amplitud y paneo de manera aleatoria a partir de su superposición, da la oportunidad de distribuir y generar nuevas texturas sonoras que son vestigios de la zonificación de los textos que transitan entre nosotros como uno de los posibles medios de comunicación. Al habitar la masía, la pieza reescribe el espacio de manera intrínseca, con ello se disipa su propio significado y genera uno nuevo en torno al espacio que le circunda.

Video generativo 4’10” Audio por síntesis granular. México 2020 Imagen a la izquieda: Estefanía Pecero, Reescrituras, 2020. Detalle de la interveveción de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Estefanía Pecero, Reescrituras, 2020. Fotograma cortesía de la artista.

Pieza audiovisual: cortesía de la artista.

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Estefanía Pecero, Reescrituras, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Ascensiones

Alfredo Esparza Cárdenas México I n te re s a d o e n có m o l a p o r n o m i s e r i a y l a i m a g e n p o b re generan un mismo discurso político sobre la violencia pasiva y s istem atizad a que condicion a l a vid a modern a a ctual , revisé vídeos en plataformas sociales en los cuales aparecen personas aventándose al vacío con la finalidad de quitarse la vida. Estaba intrigado por el ciclo de circulación de estas imágenes; intrigado por el hecho de que alguien decidiera hacer un alto en su día a día para grabar a alguien a punto de perder su vida para luego compartirlo en youtube, facebook o algún otro medio. Luego alguien más, decide consumir ese material, compartirlo y también comentarlo. Si bien en la mayoría de los países el suicidio por caída representa un porcentaje mínimo, es el método más documentado de manera vernácula en el mundo.

Video 1080 x 920 Full HD. 9’32” México 2020 Imagen a la izquieda: Alfredo Esparza Cárdenas, Ascensiones, 2020. Detalle de la intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Alfredo Esparza Cárdenas, Ascensiones, 2020. Fotogramas cortesía del artista.

Pieza audiovisual: cortesía del artista.

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Alfredo Esparza Cárdenas, Ascensiones, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Divisible Corpóreo (Divisible Corporeal)

Rocío Cerón* México

Este videopoema forma parte de la serie de piezas transmedia de la trilogía Materialidades inmateriales de la poeta y creadora Rocío Cerón (Ciudad de México, 1972). En el video, la pandemia, la arquitectura, las personas y sus silencios y murmullos, las cosas y su disposición, permanecen como testigos entre los muros de un edificio abandonado o una mesa dispuesta en una temporalidad indefinida. El poema, entendido como un objeto polisémico y múltiple en sus expansiones y plataformas, se da entonces como reflejo/testigo de la escena. Video 11’45’’ México 2020 Créditos Poesía, sonidos, voz: Rocío Cerón Fotografía: Rocío Cerón Experimentación sonora: Rocío Cerón & Chey Rojas Imágenes: Rafael Arriaga Zazieta Edición: Rubén Gil *Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA (México). Rocío Cerón, Divisible Corpóreo, 2020. Detalle. Fotograma cortesía de la artista.

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Rocío Cerón, Divisible Corpóreo, 2020. Fotograma cortesía de la artista.

Pieza audiovisual: cortesía de la artista.

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Rocío Cerón, Divisible Corpóreo, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Espacio II

CAPILLA La capilla se abre a una serie de extractos visuales que jugando con la idea de lo sacro, son camuflajes de aspectos antitéticos que profanan y discrepan la función original del recinto. Reflexionando a partir del confinamiento dentro de inter faces donde l a re al id ad es l uz y l os espacios, volúmenes de luz, el colectivo Háptō problematiza que quizá la arquitectura pueda construirse con el movimiento corporal y los rituales del habitante, en una suerte de criogenia que se reanima solo con la mirada del espectador. Siguiendo con ese referencial a la realidad como cuestionamiento que aparece en la memoria de nuestra retina, Fabiola Torres-Alzaga evidencía la ficción detrás de la construcción escénica de un objeto flotante, desmontando el dogma inherente al espacio como alusión a la ambigüedad de lo virtual manifestado a través de las pantallas. En esa misma línea, Aldebarán Solares combina espiritualidad y degradación, interviniendo el altar genera una imagen reactiva que es la metáfora de una corporalidad arruinada o arras ada en una suer te de gesto iconoclasta pero que sonoramente propicia un estado meditativo e incorpóreo encaminado al arrobamiento. Caso similar ocurre con la pieza de Elizabeth Casasola, que optando por la acción contemplativa y resaltando la estética del error en la imagen-movimiento, hace una alegoría a la cualidad del “tiempo congelado / pausado”, intersticio entre los pensamientos pictórico y fotográfico que termina por dar un cará cter onírico a la distancia breve entre realidad y distopía. Zael von Mazon

Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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LICHTSäRGE : Re_animat (Ataúdes de Luz : Re_animación)

Háptō México

Pieza transmedial de experimentación abierta e interdisciplinar. Teniendo al propio cuerpo y al entorno como hilos conductores del proceso, este apunte video-performático sobre la fragilidad y la presencia, oscila entre los nuevos medios, el arte digital, la propiocepción fenom énica del es p a cio, l a im provis a ción sonora, la danza y la acción somática, tensando un diálogo entre la acción de dibujar y la de habitar un lugar. Tomando como punto de partida la experiencia de aislamiento experimentada durante los últimos meses y mediante un paralelismo entre el confinamiento arquitectónico y el virtual, la pieza enfatiza tanto a la seclusión física como a la propiciada por las pantallas, en una suerte de ataúdes de luz donde a partir de la copresencia y bipresencia, causada por las interfaces, se busca el resignificar a la háptica del cuerpo desde nuevas corporalidades y desdoblamientos. Lo anterior resuena sobre el cómo la arquitectura contemporánea y sus cánones han diseñado “hogares antropófagos” que ante la época de seclusión actual, propician importantes efectos psicosomáticos sobre el que habita. De ahí que nos encontremos enterrados vivos en ataúdes activados con ‘el milagro industrial’ de la energía eléctrica y dentro de la luminosidad de la pantalla. Así los cuatro artistas (o habitantes) trasladan todas las emociones y sensaciones vividas durante los meses del periodo de cuarentena al espacio híbrido por medio del dibujo sinestésico (tangible e intangible), activándose con el uso de sonidos ancestrales de la musicoterapia empleada, así como la organicidad del movimiento somático a partir de la danza. Evidenciando sus narrativas en tiempo real a los espectadores. Videoperformance 27’37” México 2020 Créditos Edición vídeo: Javier Márquez y Laura Muñoz Composición sonora y edición de audio: Brenda Granados Segovia Imagen a la izquieda: Háptō, LICHTSäRGE : Re_ animat, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Háptō, LICHTSäRGE : Re_ animat, 2020. Fotograma cortesía del colectivo artístico.

Pieza audiovisual: cortesía del colectivo artístico.

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Háptō, LICHTSäRGE : Re_ animat, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Puesta en escena (Staging)

Fabiola Torres-Alzaga México

El video explora la manera en la que percibimos partiendo de los mecanismos de la puesta en escena en el cine, y cómo la mirada construye realidades, afectando la manera en la que nos relacionamos con lo que nombramos “real”.

Video 1’28” en loop Sin Audio México 2015 Imagen a la izquieda: Fabiola Torres-Alzaga, Puesta en escena, 2015. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Fabiola Torres-Alzaga, Puesta en escena, 2015. Fotograma cortesĂ­a de la artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a de la artista.

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Fabiola Torres-Alzaga, Puesta en escena, 2015. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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éxtasis

Aldebarán Solares México Esta intervención de sitio especifico / video mapping se desprende del proyecto Reflections of Lust, que en un primer momento se apropia del espacio de Purísima Arte Contemporáneo para tomar nuevamente una capilla, ahora al otro lado del globo, la de una masía en la región española de Cataluña. El componente sonoro de la producción audiovisual es elemento indispensable para sumergir al espectador en la experiencia sensible, y este es resultado de la colaboración con la artista Brenda Granados Segovia. Un espacio, un momento… en el altar de la capilla se erige un cuerpo violentado que descansa en el regazo de una mujer, la representación que precede al acto de crucificción(sic) deja ver la piel expuesta custodiada por otros cuerpos; imágenes sacras son ahora iluminadas por una serie de proyecciones orgánicas que se descomponen en una suerte de artificio donde la obliteración de la imagen reconfigura el archivo y subvierte el sentido, donde las emulsiones de las imágenes intervenidas se transforman nuevamente en luz para adherirse a una nueva superficie, en la que la atmósfera sonora se mimetiza con la propia imagen abandonando su corporeidad para tornarse efímera cuál haz de luz. Un deseo diluido entre lo sacro y lo profano, fantasmagorías hacia el encuentro con lo divino.

Videomapping 4’20” México 2020 Créditos Composición sonora y edición de audio: Brenda Granados Segovia Imagen a la izquieda: Aldebarán Solares, éxtasis, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Aldebarán Solares, éxtasis, 2020. Fotograma cortesía del artista.

Pieza audiovisual: cortesía del artista.

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Aldebarán Solares, éxtasis, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Referencias

Elizabeth Casasola México El camin ante sobre el m ar de nubes , del pintor romá ntico alemán Caspar David Friedrich, se enfrentaba al devenir de la modernidad. Para 1818 la pintura era lo más cercano a la representación, ante la modernidad fallida hoy intento ver otros mares de nubes, el futuro en las fotografías de distintos artistas, ya no puedo salir a mirar el mundo. Me queda como último recurso mirar la pantalla del ordenador, la incertidumbre es similar a la explosión del pixel. Este es el proceso de narrar y hacer referencia a paisajes de muchos artistas. Depende como siempre de la imagen de otros para poder ver. Esta es una manera de atenuar la ansiedad de la tragedia, la pérdida del deseo. Cada imagen, es llevada al video para narrar el cielo en un día. Claro aún tenemos los pixeles, los saltos de errores de exportación, aún recordamos que esta es una falsa presencia a lo que ansiamos volver.

Video 1440 x 1080 19’01 México 2020 Imagen a la izquieda: Elizabeth Casasola, Referencias, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Elizabeth Casasola, Referencias, 2020. Fotograma cortesĂ­a de la artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a de la artista.

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Elizabeth Casasola, Referencias, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Espacio III

CUEVA

La penumbra dentro de la cueva es rehabitada desde dos visiones distintas sobre su historia: la primera, propuesta por Proyector Iluminacja, hace énfasis en dialogar con el material pétreo; dando así una co-presencia y narrativa a la piedra como acumulación de estratos memoriales en una suerte de archivo geológico. La segunda, de Néstor Jiménez, parte de la narrativa de su vida personal desde una situación familiar, otorgando una carga afectiva y emocional en torno a la incertidumbre y enfermedad como brete y contingencia, dialogando con las reminiscencias de lo vivido por aquellas personas que utilizaron el túnel de la cueva como vía de escape durante la Guerra Civil Española. Zael von Mazon

Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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There is Here

Proyector Iluminacja México There is Here; una piedra que logra contener en sí misma las memorias y recuerdos de su entorno, yace escondida por milenios. La mano que la recoge y atraviesa su interior y consigue desembocarlo, revelando un haz de luz de donde surgen los espectros del pasado. Estar en dos lugares a la vez, dos lugares en un mismo sitio. Tomar forma, corporalizarse y atravesar el confinamiento en la dirección de la mano.

Video Super 8, b/n. Digitalizado a 1080p. 6’14” México 2020 Créditos Dirección: Daniel Araujo Imagen a la izquieda: Proyector Iluminacja, There is Here, 2020. Fotograma cortesía del colectivo artístico.

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Proyector Iluminacja, There is Here, 2020. Fotograma cortesía del colectivo artístico.

Pieza audiovisual: cortesía del colectivo artístico.

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Proyector Iluminacja, There is Here, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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De noche, la brutalidad resulta un lengua je familiar

Néstor Jiménez México

Film que reconstruye a partir de tomas de paisa je la transición de la tarde a la noche y la mañana (en desorden) el día que erróneamente diagnosticaron a uno de mis padres con una enfermedad terminal en 1994. El film está construido a manera de collage y reconstruye la sensación de incertidumbre respecto al diagnóstico a través de tomas de arquitectura de la casa materna, que narran de forma aleatoria el día del acontecimiento donde recuerda haber estado en 1994, y acompañado por un texto, combinación de recuerdos y evocaciones musicales, es que el film se aproxima al punto de contenedor de sucesos habla de la enfermedad y la incertidumbre prolongada por más de 10 años.

Video 1920 x 1080 13’25” Monocanal HD México 2016 Imagen a la izquieda: Néstor Jiménez, De noche, la brutalidad resulta un lenguaje familiar, 2016. Detalle de la intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Néstor Jiménez, De noche, la brutalidad resulta un lenguaje familiar, 2016. Fotograma cortesía del artista.

Pieza audiovisual: cortesía del artista.

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Néstor Jiménez, De noche, la brutalidad resulta un lenguaje familiar, 2016. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Espacio IV

HUERTO El huerto remite a acciones corporales que sobreviven más allá de lo primitivo, encubriendo y adaptándose a los ritmos actuales: caminar, sembrar, cosechar y observar el firmamento. Mediante el caminar como acto de comprensión espacial, Perla Ramos cuestiona el reconocer(se) en un territorio liminal que fluctúa entre la sensopercepción y l a construcción de un espacio común, abriendo un diálogo entre dos contextos lejanos pero unidos a través de la intersubjetividad. Del nomadismo al sedentarismo, Valentina Maldonado realiza una apología a la nobleza de la siembra y cosecha del campo, mostrando su desvirtualización al emplear el color verde como tautología de los mecanismos políticos y económicos utilizados por los monopolios para simplificar y controlar dichos recursos naturales. Como si fueran “bruixes” centelleantes que habitan los bosques según el folclore catalán, la pieza de Alfredo De Stefano invita a alzar la mirada al cielo y recordar el observar las estrellas, un acto simple pero potente, tan necesario para reencontrarse unx mismx ante la fragilidad del presente. Zael von M azon

Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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Borde

Perla Ramos México Al tomar la realidad como soporte la intención no es reproducirla, sino cuestionarla. No de lejos, no a la distancia, sino en una especie de relación entre cuerpxs y lugares. Desde una correspondencia sensible y crítica sobre los modos espaciales de percepción y participación; caminar sobre espacios limítrofes da cuenta de las apropiaciones colectivas que se inscriben en ciertas particularidades intangibles, efímeras, cambiantes, dinámicas, movibles y no controladas. Para preguntarse dónde termina mi cuerpo y comienza el tuyo, es así que la acción de caminar es una conversación en donde surgen expectaciones sobre el territorio y las posibilidades de acción: ¿cómo habitar estos tiempos convulsos?

Videoperformance 5’03“ México / España 2019 - 2020 Créditos Grabación y caminata de 2da cámara: Mariana Rey. Imagen a la izquieda: Perla Ramos, Borde, 2019-2020. Detalle. Fotograma cortesía de la artista.

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Perla Ramos, Borde, 2019-2020. Fotograma cortesĂ­a de la artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a de la artista.

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Perla Ramos, Borde, 2019-2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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judía verdde

Valentina Maldonado Chile Judía verdde es una video-instalación que se proyecta sobre una plantación de judías verdes. La imagen del video es en verde fluorescente y muestra un persona je femenino que h abita el recinto ocupando distintas locaciones del l ugar (a través simulaciones). Este personaje promociona latas de judías verdes cosechadas ficticiamente ahí. La obra es un sitio específico que toma como tema el propio espacio arquitectónico y sus alrededores para establecer un relato que habla tautológicamente del verde. Este surge a partir del nombre de las judías, utilizando una proyección lumínica del mismo color sobre la plantación de estas vainas.

Micro-proyección. Full HD 1080p 2 ‘00” en loop. Chile 2020 Créditos Actríz interprete: Kurco Imagen a la izquieda: Valentina Maldonado, judía verdde, 2020. Detalle de la intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

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Valentina Maldonado, judĂ­a verdde, 2020. Fotograma cortesĂ­a de la artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a de la artista.

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Valentina Maldonado, judía verdde, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Constellation

Alfredo De Stefano México El anhelo del hombre es el cielo, entenderlo para entenderse. Toda superficie indica su dirección. Nuestra mirada, nuestros dedos, se dirigen hacia él. Buscamos respuestas en sus estrellas. Lo o b s e r va m o s otra s ve ce s o s curo; otra s , e n un ce l e s te amanecer o en un rojo que incendia. Las estrellas nos miran desde la negra noche, y nosotros en trazos imaginarios las dibujamos, para orientarnos, para continuar en el camino de la incertidumbre de no haber entendido nada.

Video 2’36” México 2019 Créditos Colaboración especial / Dibujo en sitio específico: Federico Jordan Imagen a la izquieda: Alfredo De Stefano, Constellation, 2019. Detalle. Fotograma cortesía del artista..

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Alfredo De Stefano, Constellation, 2019. Fotograma cortesĂ­a del artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a del artista.

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Alfredo De Stefano, Constellation, 2019. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Espacio V

ÁTICO

En el ático es donde culmina esta muestra. Arkadiuzs Sylwestrowicz discurre sobre las diversas interpretaciones que puede tener una mism a narrativa fílmica al ser condensada por dos temporalidades concretas, acentuando su interés por la resistencia de la imagen al tiempo. Roberto Carmargo retoma la cosmogonía prehispánica en torno a una planta medicinal y su relación ritualística con la naturaleza, para insertarla en un contexto ajeno. Cerrando este tránsito, Malitzin Cortes genera una peregrinación transmedial a través de una cartografía audiovisual construida con recuerdos ajenos que ha recuperado por el paraje indómito de la web, ahora inmersos en un nexo entrópico y memorial. Zael von M azon

Imagen a la izquieda: Sin título, 2020. Fotografía: Mariana Rey M.

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The Bruegel’s Tea

Arkadiusz Sylwestrowicz Polonia Este filme se realizó en 2009, el título hace referencia al trabajo pictórico de Pieter Brueghel el Viejo. En el momento de ser rodada, su recepción fue completamente diferente a la actual. Hoy en día, el mundo se encuentra aislado, lo que ha cambiado el contexto de interpretación de la obra. Inicialmente el filme muestra a un grupo de personas que han decidido aislarse del mundo exterior por iniciativa propia. Sin embargo la lectura de la misma imagen vista una década más tarde en 2020, sugiere una interpretación completamente distinta. Con ello espero que la imagen sea universal y resista a la prueba del tiempo.

Video 10’31” Polonia 2020 Créditos Música: Paweł Mykietyn Edición: Robert Włodarski Imagen a la izquieda: Arkadiusz Sylwestrowicz, The Bruegel ’s Tea, 2020. Detalle. Fotograma cortesía del artista..

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Arkadiusz Sylwestrowicz, The Bruegel ’s Tea, 2020. Fotograma cortesía del artista.

Pieza audiovisual: cortesía del artista.

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Arkadiusz Sylwestrowicz, The Bruegel’s Tea, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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OPHIDIA

Roberto Camargo México Ophidia es parte de una investigación sobre una hierba en México que tiene distintos usos tanto medicinales como rituales. Esta obra es creada a partir de la relación del Yauhtli con las tormentas. La narración que he tomado como referencia es un fenómeno meteorológico que está relacionado con una serpiente, la lluvia y la agricultura.

Video 5’00” México 2020 Imagen a la izquieda: Roberto Camargo, OPHIDIA, 2020. Detalle. Fotograma cortesía del artista..

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Roberto Camargo, OPHIDIA, 2020. Fotograma cortesĂ­a del artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a del artista.

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Roberto Camargo, OPHIDIA, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Generative Promenade Malitzin Cortes / CNDSD México

Generative promenade surge como propuesta de paseo colectivo desde el confinamiento hacia la pantalla, cuenta una historia no lineal, que va de lo personal a lo masivo, utilizando al navegador como transportador, fusionando código en pantalla, interfaces de sonido y videos rescatados de la Lagunilla (CDMX) de autores anónimos, compartidos bajo licencias de Creative Commons q ue p e rm ite n d e co d if ica r e inve nta r n a rra tiva s n ueva s desde el archivo recuperado y reinterpretado junto con videos de la artista capturados en viajes en el mundo real, en la pieza se busca una coincidencia con viajes de otras personas, con ficciones de lugares ansiados y recorridos por estas coordenadas dentro de google street, generando una pieza audiovisual inmersiva de #LiveCinemaCoding.

Video Live coding con super Collider, Tidal cycl es y Pure data, controlando videos en tiempo real con patrones algorítmicos. 22’14” México 2020 Imagen a la izquieda: Malitzin Cortes / CNDSD, Generative Promenade 2020. Detalle. Fotograma cortesía del artista..

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Malitzin Cortes / CNDSD, Generative Promenade, 2020. Fotograma cortesĂ­a de la artista.

Pieza audiovisual: cortesĂ­a de la artista.

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Malitzin Cortes / CNDSD, Generative Promenade, 2020. Intervención de sitio específico. Fotografía: Mariana Rey M.

Registro audiovisual: Mariana Rey M. y Quetzalcóatl Castillo.

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Semblanzas de los Artistas


Aldebarán Solares

(Ciudad de México, 1987) Maestro en Artes Visuales por la Universidad Nacional Autónoma de México [UNAM]. Residencia artística en el programa de enfoque transdisciplinar Fragua Arte Contemporáneo Sur 2019 dirigido por Amanda de la Garza y Rodolfo Andaur en Valdivia, Chile, Cursó el programa SPF2018 en el Centro de la Imagen [CI-Secretaría de Cultura] bajo la tutoría de Verónica Gerber, y una residencia de investigación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia [UPV], España. Ha complementado su formación en instituciones educativas como el Centro de Cultura Digital [CCD], Fundación Jumex Arte Contemporáneo, Gimnasio de Arte y Cultura, la Escuela Activa de Fotografía y el Museo Universitario de Arte Contemporáneo [MUAC-UNAM], entre otros. Entre premios y distinciones destacan: primer premio en el Ginnel Foto Fest 2018 en Ipswich, Inglaterra. Mención Honorífica en los ND Awards 2018, primer premio categoría estudiante en medios alternativos en el Festival Internacional de la Imagen FINI 2018 [UAEH], Mención Honorífica en el Prix de la Photographie de París 2018 y premio Fideicomiso del Centro Histórico en el DOCS-DF 2015. Su trabajo forma parte de diferentes colecciones y ha sido publicado por: Lenscratch, Fish Eye Magazine, PICS Plataforma de Imágenes Contemporáneas [Centro de la Imagen], Phases Magazine, Dont Take Photos, Zone Zero Labs y Antenna entre otros. De forma individual ha exhibido su trabajo en México en dos ocasiones y en más de 30 muestras colectivas en México, Argentina, Australia, Chile, Ecuador, Estados Unidos, Francia, Inglaterra y Polonia. Curador invitado en el International Festival on Experimental Photography EXP.21 en Barcelona, España.

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aldebaransolares.com @aldebaran.solares

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Alfredo Esparza Cárdenas (Torreón, 1980)

Maestro en Estudios Humanísticos con especialidad en Historia por la UV del ITESM (2008). Egresado del Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen en 2012. Exposiciones individuales: Ultimos Tiempos en Galería de Arte Contemporáneo del Museo Casa del Cerro en Torreón, México (2020), Tierra de nadie en Galería 1mes 1artista en CDMX, México (2018), Terra Nullius en Ramskram Gallery en Reykjavík, Islandia (2018), Este camino no es en Galería L, en CDMX, México (2017), Ruptura y estantíos en el Museo Casa del Cerro en Torreón, México (2007). Ha expuesto colectivamente en países como Islandia, Colombia, Italia, España, EEUU, Reino Unido, Argentina y México. Acreedor al estímulo “Arte Resiliente”, otorgado por la Secretaría de Cultura de Coahuila (2020), Saltillo, México. Ganador de la VII edición de Latin America Fotografía de AI-AP (2018) en New York, EEUU. Seleccionado en la XVIII Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen (2018). CDMX, México. Mención honorífica en el concurso Memoria Visible, en Medellín, Colombia (2018). Finalista y premio especial en Tercer Concurso de Fotografía Contemporánea (2017). Monterrey, México. Ha realizado residencias artísticas en el Curatorial Program Research en Nueva York, USA, en 2019. En Fish Factory Creative C e n tre e n S tö ð v a r f j ö rð u r, I s l a n d i a e n 2 01 9 y 2 01 7. E n L i s th ú s , Ólafsfjörður, Islandia en 2017. En 2011-12, realizó una más en 357 Estudio creativo, en Tlalnepantla, México. Trabajó de 2012 a 2015 en el Museo Nacional de Culturas Populares, donde fue jefe del departamento de exposiciones. Cofundador de “Sin Perder De Vista” (2015-2017), ciclo de ch a rl a s m e ns u a l es e n Cine To n a l á (Ciud a d d e México) s o b re l a producción y consumo de fotografía en México. Su obra forma parte de la colección del Banco Interamericano de Desarrollo (New York, USA), El Museo de la Cancillería (CDMX, México) y del Museo de Artes Gráficas de Saltillo (Saltillo, México). Vive y trabaja entre Torreón y CDMX.

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Alfredo De Stefano (Monclova, 1961)

Es considerado uno de los fotógrafos conceptuales contemporáneos más importantes de México. Su pasión es el paisaje y específicamente e l d e l d e s ie r to, p a no ra m a q ue h a re co rrido infinid a d d e ve ces fotografiándolo e interviniéndolo. Entre sus series fotográficas destacan De parajes sin futuro (1992), Vestigios del paraíso (1996), Habitar el vacío (2002) y Breve crónica de luz (2006). Desde el 2008 trabaja en su nueva serie, Tormenta de luz y que se desarrolla en diferentes desiertos del mundo. En su haber se encuentran mas de noventa exposiciones, entre individuales y colectivas, y su trabajo se ha expuesto en los cinco continentes, así como en diferentes capitales del mundo como: México, París, Sao Paulo, Nueva York, Washington, Madrid, Bogotá, Lima, Buenos Aires entre otras. Sus fotografías han aparecido en numerosos libros y revistas y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de México y el extranjero. Desde el 2008 es miembro del Sistema Nacional de Creadores. Gestor cultural y director del Concurso de Fotografía Contemporánea de México y el de Latinoamérica, así como del Festival Internacional de Fotografía Luz del Norte en Monterrey, N.L. México. Dirige y fundó la organización sin fines de lucro Luz del Norte Fotografía, A.C. dedicada a promover y difundir la diversidad de la fotografía latinoamericana a través de variadas plataformas.

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Arkadiusz Sylwestrowicz (Łódź, 1971)

Graduado de la Academia de Bellas Artes de Gdańsk y responsable del Estudio de conocimientos de movimientos y estructuras visuales de la Facultad de Pintura. Pintor abstracto cuyo arte se preocupa por su interior. Director de video y creador de objetos, Sylwestrowicz experimenta con la materialidad del lienzo y busca nuevos métodos expandidos en la pintura. Sus obras se han exhibido en diversas exposiciones en espacios como: el Museo Nahim Isaías, Guayaquil; Galería Foksal, Varsovia; ArtVilnius 2016, Vilnius; Galeria Wschodnia, Łódź; CCA Laznia, Gdańsk; Castillo de CCA Ujazdowski, Varsovia; Museo Nacional - Palacio de los Abades, Gdańsk; Bienal Nomade, Cuenca; Museo de Arte Contemporáneo, Santiago de Chile; Museo de Artes Visuales, Santiago de Chile; Museo de Arte, Łódź. Las obras de Sylwestrowicz se encuentran en las colecciones del Museo de Arte de Łódź, el Museo Nacional - Palacio de los Abades en Gdańsk, la Galería Foksal y el Museo de Arte Moderno de Varsovia, Art Centre Gallery EL en Elbląg, la Galería BWA en Olsztyn y el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile.

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@arkadiuszsylwestrowicz


Elizabeth Casasola

(Ciudad de México, 1987) Maestra en Artes Visuales por la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México. Master PhotoEspaña en Fotografía. Teorías y Proyectos Artísticos. Su trabajo visual se ha exhibido en México, Argentina, Perú, Alemania, Portugal, España, Japón y Australia. H a re cibido e n dos o ca s io nes e l es tím ul o oto rg a do po r J óve nes Creadores del Estado de México. Ha impartido talleres en Aula Multinacional, Mextropoli y Festival de Arte Zitácuaro–Arte para Todos. Ha publicado en Proyecto 1x1, La Expendeduría–ETCI Editora de Textos, ZonaZeroLAbs de Fundación Pedro Meyer, .925 Artes y Diseño, Punto en Línea, She Shoots Film, International Photography Magazine, Espacio GAF + Femgrafía, Servicios Curatoriales, DIXIT, Fotógrafas Latinoamericanas , Index de Femgrafía, Luz del Nor te y Revista de Poéticas Corporal es . Fue jurado del Concurso N acional de Fotografía de Derechos Humanos, organizado por la Comisión Nacional de Derechos Humanos y el Instituto Politécnico Nacional. Dirigió la Muestra y Concurso de Cortometraje de la Zona Centro, Fondo Regional para la Cultura y las Artes de la Zona Centro. Curso el Seminario de Producción Fotográfica del Centro de la Imagen. Ganó mención honorífica de oro en Tokio International Foto Awards 2017. Fue nominada en Photography Grant, Londres; como Nuevo Talento en la Fotografía, en la edición 2018. Participa en Descubrimientos PhotoEspaña donde gana la beca del Master en Fotografía. Teorías y Proyectos Artísticos. Durante el 2020 participa como tutora en Diplomado de Fotografía y Dinámicas Urbanas de Página en Blando, es finalista del Festival Internacional de Imagen FINI 2020. Jurado de la Bienal 3D En Crisis pero Todo Bien, de Despacho de Servicios Curatoriales. Participa en la exposición virtual colectiva Nuevos Mundos Posibles. En el Festival de Fotografía en la Frontera con la clase magistral Recursos para la Educación Online. Participa en la exposición Encuentros en tiempo presente de PhotoEspaña en el Centro de Arte Alcobendas.

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Estefanía Pecero

(Ciudad de México, 1999) Estudiante de la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Seleccionada en el Taller Ser Libro del segundo encuentro FOLIO: Fotolibro Contemporáneo impartido por Julián Barón en el Centro de la Imagen de la Ciudad de México. Participó en la realización del libro, ‘’No hay nada que celebrar mi casa está vacía’’ por Editorial Gato Negro. Seleccionada para cursar el taller de Prototipado de Instalación impartido por el SAT Montreal en el CCD. Cursó el taller de composición Sonora con programación en Tidal Cycles en el CCD impartido por Malitzin Cortes y en el CDC Los chocolates en Cuernavaca Morelos. Finalista en la categoría de medios experimentales en el Festival Internacional de la Imagen FINI 2020. Cursó el Seminario de “Mujeres en la Transformación Digital: Programación Básica por parte del Instituto Colimense de Mujeres e IBM en colaboración con la SHCP. El eje temático de su obra e intereses personales, van en torno al arte digital y arte generativo.

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Fabiola Torres-Alzaga

(Ciudad de México, 1978) Es egresada de la Escuela Activa de Fotografía (1999) y posteriormente de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2004). Ha tomado talleres de imagen-movimiento con la videoartista Ximena Cuevas (2002), sonido con Eder Santos (2001), y cine la enseñanza de la cineasta Naomi Uman (2016). Vive y trabaja en la Ciudad de México, y su obra se ha expuesto de manera individual en la Bienal Femsa Telón de Fondo, Museo de Guadalupe, Zacatecas (2018), El Polvo que se levanta crea telones, Nora Sotres Galería (2017), Entre Actos, en el Museo del Chopo (2014); House of Games en Steve Turner Contemporary en Los Ángeles, California (2013); Porta infinitos en la Sala de Arte Público Siqueiros en Ciudad de México (2004), entre otros. Y ha mostrado su trabajo colectivamente en espacios como Lille3000 (Francia, 2019), Paul Kasmin Gallery (Nueva York, 2018), Anthology Film Archives (Nueva York, 2018), Museo de Arte Raúl Anguiano (Gdl, México, 2017), ESPAC (Cd de México, 2017), Proxyco Gallery (Nueva York, 2016), Maison des Arts de Malakoff (Malakoff, Francia, 2016), Museo Politécnico de Moscú (Moscú, Rusia, 2015), Museo MARCO (Monterrey, México, 2015), Laboratorio Arte Alameda (Cd de México, 2015, 2011), Museo de Arte Moderno (Cd de México, 2014), Museo Experimental El Eco (Cd de México, 2014), Museo de arte de Zapopan (Gdl, México, 2010), Center for Contemporary Art (Israel, 2006), entre otros. Fue beneficiaria de la beca Jóvenes Creadores del Fonca en 2004 y 2012, y en el 2011 realizó una Residencia en Argentina a través de la Secretaría de Cultura y Fonca. En 2008 obtiene una distinción por la 2ª Bienal de Arte en Vidrio en Monterrey por su obra finalista “Módulo #3”, así como en el 2018 por su película en 16 mm “Ejercicios de la Desaparición” en la Bienal de Imagen Movimiento, Argentina. En 2019 fue publicado su libro Historias de la Noche, un Libro/Proyecto bajo el espacio editorial de ESPAC, y presentado en Cine Tonalá. En el 2105 su trabajo fue publicado en el libro Fabiola Torres-Alzaga: Entre Actos por el Museo Universitario del Chopo, con textos de Itala Schmelz y Daniel Garza Usabiaga. Colectivamente salió en el 2018 Impresiones del Tiempo catálogo publicado por el ESPAC, así como Registro 04 por el Museo MARCO de Monterrey (2015), II Bienal de Arte en Vidrio (2008), Memorias 2004 por la Sala de Arte Público Siqueiros, Videozone del Center for Contemporary Art de Tel Aviv (2006), Memorias 2003-06 del MUCA Roma, entre otros. También ha sido reseñada en diversas revistas y periódicos entre las que destacan: “13th FEMSA Biennal: We were never contemporary” por Dorothée Dupuis en Frieze Magazine (2018), “It’s all Smoke and Mirrors” en conversación con Paulina Ascencio en Terremoto Magazine (2017), “Entre actos y magia” por Magali Tercero, Perió 89


dico Milenio (2016), “El Acceso a la ilusión se paga con la aceptación del engaño” por Naomi Rincón Gallardo (2012) en Ornitorringo Tachado, “House of Games” por Mireille Torres (2013) por Arte al Día, “Aquelarre Interactivo” por Cuauhtemoc Medina (2007), “Reflejos e Ilusiones” por Daniel Garza Usabiaga (2010) en Exit Express Vol. 50, España, “Entre la realidad y el enigma” por Cuauhtémoc Medina (2007) en El Ojo Breve del periódico Reforma, entre otros. Ha realizado páginas de artista en las revistas Eras vol.1 (2018), Millenium Journal Film, vol.41 (2003) Nueva York, y Felix: a journal of Media, arts and comunication, vol. 2 “Risk” (2003). Como docente ha impartido talleres en el MUAC, Centro de la Imagen, SOMA, Faro Aragón, Museo Regional de Querétaro, Centro Cultural El Rule y La Arrocera Centro de Formación de Campeche.

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Háptō

México Háptō es un colectivo artístico conformado por los artistas Brenda Granados Segovia, Javier Márquez, Laura Muñoz y Zael von Mazon. Partiendo de la investigación en torno a la háptica y ritualidad, su práctica colectiva indaga sobre los puntos en común de los diversos canales sensoriales a los que recurre el cuerpo para reconocerse en un lugar, aunado a las afectaciones y los efectos producidos a causa de su temporalidad. Comulgando desde disciplinas como las artes visuales, las artes escénicas, la música, la arquitectura y las prácticas contemporáneas, trabajan sobre las liminalidades de convergencia entre dichas áreas respecto a lo háptico, lo espacial, el dibujo, el habitar, el sonido y el cuerpo. Como colectivo han presentado piezas de carácter interdisciplinario, performático y transmedial en la Bienal 3D -en crisis pero todo bien- del Despacho de Servicios Curatoriales (2020), Purísima Arte Contemporáneo (2019), el Centro Cultural del México Contemporáneo (2018), la Galería Luis Nishizawa de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM (2018), entre otros. También han mediado laboratorios de investigación háptica y producción artística colaborativa en el Instituto de Arquitectura, Diseño y Arte de la UACJ (2018) y espacios independientes como Casa Yūgen.

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Malitzin Cortes / CNDSD (Ciudad de México, 1986)

Es músico, artista digital, tecnóloga creativa y programadora. Su trabajo se desarrolla entre el live coding, live cinema, instalación, Realidad Virtual, arte generativo, diseño sonoro, música experimental y arte sonoro. Es docente e investigadora en la universidad CENTRO. diseño, cine y televisión y en la Facultad de artes UNAM, en el campo del código creativo, STEAM y nuevas tecnologías sonoras e inmersivas. Ha re alizado actos en vivo y exposiciones en Centro Multimedia, Laboratorio de Arte Alameda, Ex-teresa arte Actual , Centro de Cultural Digital, Medialab Prado, Centro Cultural España, CMMAS, Vorspiel, Spektrum Berlín ,Transpiksel, Aural, Transmediale Berlín, ISEA, CYLAND MediaArtLab San Petesburgo, ADAF, Ars Electronica, Currents, MUTEK México, Montreal y San Francisco. La propuesta sonora de CNDSD se conciben en un entorno experimental y e j e rc i c i o s m u s i c a l e s tr a n s f ro n te r i zo s : p a i s a j e s g r a n u l a re s , experimentos vocales algorítmicos, improvisaciones de noise hipnótico, live coding y patrones asimétricos. Como artista, investiga las formas en que el arte, la arquitectura, la tecnología y la ciencia tienen la capacidad de ser grandes difusoras de hallazgos y dispositivos para la autorreflexión y generación de modelos inéditos de interacciones sociales capaces de proporcionar nuevas formas de relacionarnos desde la utopía, la especulación, el espacio físico, la realidad, el constante estado de crisis y también la esperanza.

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Néstor Jiménez

(Ciudad de México, 1988) Proyectos Monclova Artista Visual egresado de la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su trabajo aborda la relación entre los procesos de construcción de memoria histórica y política así como la distorsión discursiva e iconográfica del pensamiento de Izquierda(Marxista-leninista) presente en las estructuras y movimientos sociales surgidos a partir de finales de la década los 80 en la periferia oriente de la ciudad de México. A partir de ejercicios de memoria, acciones reconstruidas y versiones inventadas de los sucesos históricos, realiza pinturas sobre materiales recuperados, provenientes de vivienda popular y residuales, que plantean versiones distorsionadas de la arquitectura y paisaje de la zona como puntos de partida para reflexionar acerca de la función política de la representación del territorio así como las diferentes formas en que la violencia, y sus resultantes son representados en los medios oficiales y su distanciamiento interpretativo respecto a la realidad nacional con la finalidad de construir un archivo plástico y antagónico al estatal acerca del desarrollo histórico de la movilización social y las tensiones políticas que este genera al insertarse en espacios, privados y estatales. Su trabajo principalmente se desarrolla en la pintura, video e instalación.

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@nestorjimmenez

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Perla Ramos

(Cuernavaca, 1985) Perl a Ramos utiliza l a escultura, el dibujo y l a performance para realizar su práctica artística. Traslada el discurso de su obra a espacios de acción política, la cual transita entre historias oficiales y narrativas ficticias. En sus proyectos de sitio específico, indaga sobre la idea de lo monumental y lo fragmentado. Curs ó l a m a es trí a e n l a Fa cul ta d d e A r tes y D is e ño d e l a U NA M . Estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Ha participado en diversas exposiciones en México, Argentina, España, Brasil, Ecuador y Puerto Rico, así como en residencias, bienales, talleres y ponencias en relación al espacio público; ha sido beneficiaria de becas para estudios y proyectos artísticos (PECDA, UNAM.) Formó parte de los colectivos: Inmobiliaria de Arte y Grupo de Incursiones Artísticas Metropolitanas.

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perlaramosm.wixsite.com/perlaramos @perla_ramosm /perlaramosm


Proyector Iluminacja

México

Colectivo escénico, audiovisual, interdisciplinario y transmedia conformado por Daniel Araujo y Elvia González, en donde los principales intereses y preguntas están en el intercambio de sus formaciones. S ​u encuentro y entendimiento ha sido a través de la manera en la que articulan y transforman las ideas en imá genes; en el tiempo que han compartido conversando mientras caminan y trazan rutas; y en donde las preguntas y observaciones han ido tomando forma en los laboratorios y ensayos. Su trabajo ha formado parte del Encuentro Interdisciplinar Fronteras Líquidas en el CCB-INBA; Encuentro Beckett México en el CENART, entre otros.

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iluminacja.co @iluminacja.co /iluminacja.co @iluminacja_co 95


Roberto Camargo (Puebla, 1985)

Camargo ha sido becario del Programa de Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico de Puebla en distintas ocasiones. Su obra ha sido seleccionada en festivales internacionales. En Rossinière-Suiza “Festival Alt+1000”, en Brasil 10 Festival “Paraty em Foco”, en Glasgow-Escocia “Festival Frames”, en Chile “Feria Internacional del Libro de Santiago” (FILSA). En México su producción ha sido parte de exposiciones en las ciudades de Puebla, Oaxaca y Ciudad de México, en esta última fue parte de la Primera Bienal Héctor García. En 2018 participó en la exposición internacional “RE-PRESENTANDO THEIR NATION IS NO MY NATION”, de la galería Decentered Gallery en la ciudad de Puebla. Su trabajo forma parte de la plataforma PICS, página web que reúne al panorama de la fotografía emergente y contemporánea producida desde México. Desarrolló su formación académica en la Universidad Autónoma de P ue bl a . En l os a ños s ubs e cue ntes a s u gra d u a ción , co ntinú a s us estudios en Ciudad de México asistiendo a diversos talleres y diplomados sobre arte y fotografía. Ha sido beneficiario de distintas becas para el desarrollo artístico como la del Centro de las Artes San Agustín (CaSa) en Oaxaca para asistir al Seminario de Fotografía Contemporánea del Centro de la Imagen, el Programa de Formación FotoEnsayo en Pachuca, Hidalgo y el programa “Cátedra Dolores Olmedo” de Arquetopia – Fundación para el Desarrollo en la ciudad de Puebla en México y en el departamento de Urubamba en Perú. Actualmente vive y trabaja entre Ciudad de México, Puebla y Cuernavaca.

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@robertocamargo


Rocío Cerón

(Ciudad de México, 1972) Poeta , ens a yis ta , e ditora y cre adora trans m e dial . H a publ icado, entre otros, Spectio (Tresnubes-UANL, 2019), Materia oscura (Parentalia, 2018), Borealis (FCE, 2016), Nudo vortex (Literal, 2015), Diorama (UANL, 2012; segunda edición, Amargord, España, 2013), Tiento (UANL, 2010) e Imperio (Ediciones Monte Carmelo, 2009). Recibió en Estados Unidos el Best Translated Book Award 2015 por su libro Diorama, en traducción de Anna Rosenwong (2015), el See America Travel Award (2005) por sus crónicas de viaje y en México el Premio Nacional de Literatura Gilberto Owen por su primer libro, Basalto (2000). Acciones poéticas y piezas de poesía visual y sonora suyas se han presentado en los Institutos Cervantes de Berlín, Londres y Estocolmo; Centro Pompidou, París, Southbank Centre, Londres, Museo Karen Blixen, Dinamarca, Museo de Arte Moderno, Sala de Arte Público Siqueiros, Laboratorio Arte Alameda, Galería Biquini Wax La Tallera, Sala de Arte Público Siqueiros, Museo de Arte Contemporáneo (MUAC), en Ciudad de México, entre otros. Obra suya ha sido traducida a má s de ocho idiomas. Es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.

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rocioceron.com @laobservante /DioramaRocioCeron @ARocioCeronZ 97


Valentina Maldonado

(Santiago de Chile, 1990) Su trabajo reflexiona sobre los mecanismos, recursos y soportes de construcción de las imá genes en movimiento. A través del propio video y sus soportes propone preguntas que conducen al espectador a dimensiones exteriores al recorte videográfico. Su principal interés se centra en las diversas formas en que el video puede habitar un espacio físico. Por esta razón fabrica dispositivos o acopla pantallas con el propósito de que el material audiovisual se vuelva uno con el artefacto que lo posibilita. Es por esta razón que su obra toma muchas veces un sentido escultórico, escénico, performativo e incluso literario. Esto, sin contar los elementos conceptuales y simbólicos inherentes a los signos presentes en ella. Es titulada en Artes Visuales de la Universidad Diego Portales en Chile. Entre premios y distinciones destacan: Primer lugar del concurso OneMomentArt (Chile, 2019), Mención Honorífica en la 5ta edición del Concurso Nacional de VideoArte Universitario Visiones del Arte del Centro Cultural Border (México, 2015), entre otros. Ha participado en el II Festival de Video Arte NodoCCS (Venezuela), Feria Ch.ACO (Chile). Cuenta con dos exposiciones individuales: ‘Barcos y aviones por la ciudad’ en el Espacio O Centro de Arte Contemporáneo (Chile, 2018) y ‘Paisajes Simultáneos’ en la Biblioteca Viva Egaña (Chile, 2016). Ha f o r m a d o p a r te d e m u e s tr a s co l e c ti v a s e n e l P a l a c i o Á l a m o s (Chile, 2019), en Espacio Triana (Chile, 2019), Galería PANAM (Chile, 2019), Museo Universitario del Chopo (México, 2015), Casa del Lago (México, 2015), Galería Balmaceda Arte Joven (Chile, 2015), entre otros. En 2019 participó en la Residencia interdisciplinaria ‘Re-visión Mestiza’ (México) de Casa Báanal.

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valentinamaldonadomunoz.wordpress.com @oyevalentina


Agradecimientos César Xesús Acevedo Rojas Aarton Durán Pablo Gallegos Campos Juan Muciño Sofía Olascoaga Julieta Giménez Cacho G. Nicol Figueroa Rendón Antonio Lezama Meneses Maricarmen Aburto Johan Trujillo Argüelles Álvaro Inzúa Elena Román Aimée Labarrere de Servitje Barbara Hernandez Mayté Valencia Clara Rodríguez Rodríguez Christian Gómez Vega Carolina Herrera Bolaños Yann Bultez Berenice Pardo J.C. Gabriela Mazón Figueroa Laura Herrera Teista Cecilia Barreto Nadia Osornio Iván Méndez Vela Antonio Morales Ruíz Daniel Garza Usabiaga Alejandro Escoto Pilar Solares A las y los artistas participantes en la exposición. 99


Organizadores


Purísima Arte Contemporáneo

México

Purísima Arte Contemporáneo es un programa curatorial autogestivo e independiente sin fines de lucro que surge por la necesidad de visibilizar nuevas propuestas artísticas de diferentes contextos. Pa r tie ndo del desva ne ce r el p a ra digm a que e nunci a al a r te contemporáneo como un producto críptico, inaccesible y codificado, para ser apreciado y entendido como experiencia estética. El programa inicia en 2019 en la Antigua Capilla de La Purísima Concepción del Ex-Convento de Santa Clara (hoy Biblioteca General del Congreso de la Unión), recinto de donde toma su nombre y cuya misión es generar una plataforma flexible y dinámica de arte contemporáneo para construir vínculos, propiciar diálogos y reflexiones críticas entre diversos públicos con artistas emergentes y de mediana trayectoria, curadores y agentes culturales. Esto mediante un programa de exposiciones y actividades alternas en torno a los nuevos ejes y andamiajes conceptuales de la práctica artística contemporánea en México y el extranjero. Actualmente se realizan colaboraciones con curadores independientes, instituciones culturales, espacios emergentes y proyectos interdisciplinarios. Directorio Aldebarán Solares Dirección y Comisariado del Programa Curatorial. Emmanuel Rodríguez Mazón (Zael von Mazon) Coordinación de exposiciones. Gestión del Programa Curatorial.

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Rizomarte España

Rizomarte es la creación íntegra de un proyecto para ejercer la gestión cultural en distintos niveles: personales, colectivos e institucionales, insertos en el teatro, las artes plásticas, editoriales y la ruralidad. Su imaginario se materializa en el año de 2016 gracias a los premios recibidos financiados por los fondos europeos FEDER y la Universidad de Salamanca, España. Este proyecto se asume como interdependiente y retoma su nombre del concepto filosófico rizoma de Gilles Deleuze, en la que todos formamos parte de un cruce micro y macro, interactuando entre lo consciente y lo no pensado. Directorio Mariana Rey M. Dirección y Coordinación. Berenice Pardo Gestión y Redacción. Yann Bultez Investigación y Traducción. Mauricio García R. Patrocinador en México.

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Taller Transversal Mx

México

Plataforma de investigación y creación interdisciplinaria de personas trabajando activamente en el campo de las artes visuales, artes escénicas, música y literatura. Su labor se enfoca en procesos y prá cticas inter y transdisciplinarias cuyas salidas van desde la producción visual y plá stica, traba jo colaborativo-relacional, pedagogías empáticas, producción en nuevos medios e intervenciones en el espacio público. Esto con la finalidad de compartir experiencias artísticas de expansión/potenciación en procesos y nuevas líneas transversales de producción estética contemporánea. Participantes del Programa de Acompañamiento 2020 de Piso 16. Laboratorio de Iniciativas Culturales UNAM bajo la mentoría de Sofía Olascoaga y del PECDA CDMX durante el periodo 2017-2018 ba jo l a tutoría de Taniel Morales. Han re alizado proyectos de investigación, gestión, producción y docencia en museos, galerías e instituciones educativas, entre los que destacan: el Museo Tamayo Arte Contemporáneo, la Facultad de Artes y Diseño UNAM, la Facultad de Arquitectura UNAM, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca IAGO, entre otros. Directorio Aarton Durán Coordinación del nodo ‘χ‘. Vinculación y relaciones públicas. Brenda Granados Segovia Coordinación del nodo ‘Radio Huehuetéotl ’. Administración y organización, Departamento de audio y sonido. César Xésus Acevedo Rojas Coordinación de actividades pedagógicas. Operación y logística, Departamento de investigación. Emmanuel Rodríguez Mazón (Zael von Mazon) Coordinación del nodo ‘Háptō’. Dirección de arte y curaduría. Diseño Gráfico. Juan Muciño Pablo Gallegos Campos Servicio Social. web instagram facebook Contacto

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Este folio ha sido publicado con motivo de la exposición colectiva Temps fugaç / Temps aprecari (del 21 al 26 de Octubre del 2020) en la sede de Rizomarte en Barcelona, España. Esta exposición es una iniciativa de Rizomarte que forma parte del Ciclo de exposiciones 2020/ 2 organizado b a jo l a al ianza de Purísima Ar te Contemporáneo y Taller Transversal Mx. Este ciclo ha sido posible gracias a: El apoyo perteneciente al Fondo de Apoyo PAC / Covid-19 otorgado en 2020 a Purisima Arte Contemporáneo por el Patronato de Arte Contemporáneo.

La participación de Taller Transversal Mx en el Programa de Acompañamiento 2020 de Piso 16. Laboratorio de Iniciativas Culturales UNAM.

Agradecemos el patrocinio por parte de Otixe, gestionado por Rizomarte, para la impresión de las postales que conforman al catálogo impreso de la exposición Temps fugaç / Temps aprecari.

Primera Edición / 2021 D.R. © Purísima Arte Contemporáneo, Rizomarte & Taller Transversal Mx D.R. © del diseño gráfico y editorial, Taller Transversal Mx D.R. © de los textos, sus autores. D.R. © de las imágenes, material audiovisual y logotipos, sus autores. Este folio se terminó durante el mes de enero de 2021 teniendo salida digital para su difusión sin ánimo de lucro. En su composición se usaron las fuentes de libre acceso Quicksand y Helvetica Neue. Esta publicación no puede ser reproducida total o parcialmente por ningún medio o método sin la autorización por escrito de los editores y organizadores. 104


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Temps fugaç / Temps aprecari  

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