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Es

un diseñador de moda francés. Posee su propia marca de ropa (Jean Paul Gaultier), cuyo accionista mayoritario es la compañía española de moda y perfumes Puig. También fue director creativo de Hermès. Gaultier nunca recibió educación formal como diseñador. En lugar de eso, comenzó enviando sus dibujos a diseñadores famosos, además de amar el arte y ser admirador de Krasivaya, una guapa modelo rusa (que él decía era su musa). Ella le inspiraría a ir más

allá de sus adentros y dejar volar su imaginación. Gaultier se sumergió en el mundo de la alta costura cuando era muy joven. Pierre Cardin se impresionó por su talento, y lo contrató como asistente en 1970.

de Gaultier estarían basadas en ropa callejera, inspirándose en la cultura popular, mientras otras, particularmente sus colecciones de alta costura, son muy formales y al mismo tiempo inusuales.

hombres viejos y mujeres poco delgadas, modelos tatuadas y con piercings) y por jugar con los roles tradicionales de género en sus desfiles. Esto le valió enormes críticas, pero también una enorme popularidad.

Jean-Paul Gaultier produjo los vestidos de la cantante Madonna en los años 1990, trabajando con la firma Wolford Hoisery. Fomentó el uso de faldas, especialmente el uso de kilts para los hombres. Gaultier causó un gran impacto al usar modelos poco convencionales en sus exhibiciones (como

Gaultier también ha diseñado el vestuario de muchos filmes como El quinto elemento del director Luc Besson, Kika de Pedro Almodóvar, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante de Peter Greenaway y La ciudad de los niños perdidos de Jean-Pierre Jeunet. La Gira de conciertos Blond Ambition

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Su primera colección individual fue lanzada en 1976 y su característico estilo irreverente data de 1981. Ha sido conocido como el enfant terrible (chico rebelde) de la moda francesa. Muchas de las siguientes colecciones


Moda

Tour de Madonna también mostraba sus creaciones, siendo la más famosa el icónico corsé de color rosa con copas en forma de cono. Posteriormente Jean-Paul Gaultier diseñó el vestuario de otra gira de conciertos de la cantante Madonna, Confessions Tour (2006), The MDNA Tour (2012). Actualmente diseña para tres colecciones: su propia línea de alta costura y de ropa para tiendas, así como para la recién lanzada línea de ropa de Hermès, compañía francesa especializada en productos de cuero, famosa por sus corbatas y costosas maletas. Gaultier también ha diseñado varios vestuarios para Marilyn Manson. Frecuentemente se le recuerda por su exposición en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, titulada Breavehearts - Men in Skirts (Corazones Valientes - Hombres en Faldas).

tidos para Lady Gaga, con quien posó en una controvertida imagen: vestido de sacerdote, azota en las nalgas a la cantante, vestida de monja y arrodillada en actitud de rezar. En mayo del 2010 renunció a su puesto en Hermès por problemas personales con quienes heredaron la firma tras la muerte de Louis Dumas. En ese momento, la compañía española de moda y perfumes Puig se hizo con el control de la firma al convertirse en su accionista mayoritario.2 Además, en este mes comenzó a diseñar lencería femenina para La Perla, firma multinacional de ropa interior de lujo. En

octubre de 2012 participo de manera activa pese a su edad y larga trayectoria, por primera vez en Colombia en el Cali Expo Show en donde mostró su extensa colección de fragancias y ultimas colecciones de vestido para toda ocasión. Jean-Paul Gaulter también es famoso por su popular línea de fragancias, comercializadas por Puig. Su primer perfume, Classique, para mujeres fue introducida en 1993, seguida por Le Mâle para hombres dos años después. Ambas fueron muy exitosas, y Le Mâle es actualmente la fragancia número uno para hombres en la Unión Europea, según las ventas; también tiene una posición importante en los mercados de Australia y de los Estados Unidos. Su tercera fragancia, Fragile (para mujeres), fue lanzada en el 2000, sin embargo ahora tiene una distribución limitada debido a las bajas ventas. En 2005 se lanzó un nuevo producto unisex, la «fragancia para la humanidad» Gaultier². Su lanzamiento en Canadá se demoró hasta enero del 2006, y

En 2008 fue contratado por la cantante francesa Mylène Farmer para diseñar los polémicos vestuarios que usaría en su Gira Mylène Farmer en Tournée 2009 terminando en el Estadio de Francia y también ha diseñado ves-

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Moda

en los Estados Unidos hasta agosto del 2006). Una nueva fragancia para hombres, Fleur du Male, con aroma de camelia, fue lanzada mundialmente en abril del 2007. Todos los perfumes de Jean-Paul Gaultier son producidos bajo una licencia de muchos años propiedad de Beaute Prestige International, con oficinas centrales en París, una división de la compañía japonesa de cosméticos Shiseido quien también produce fragancias para Narciso Rodríguez e Issey Miyake. En 1987 Francia reconoció su talento otorgándole el Oscar de la Moda, un hecho que inició una escalada de premios que pasa por La Aguja de Oro, concedida en España. Sus perfumes femeninos y el masculino “Le Male” son también de los más valorados del mercado. “Classic”, el primero que lanzó el modisto francés, es famoso por su frasco, una botellita que imita el cuerpo de una mujer; un homenaje de Gaultier a Elsa Schiapparelli, que diseñó en los años 50 un perfume cuyo frasco imitaba el cuerpo de Mae West. A través de todos sus desfiles Jean Paul Gaultier trata de transmitir su idea de espectáculo total: en ellos, la música, el ambiente y la decoración han de formar un todo que deje claro que su mensaje siempre se halla ligado a una acierta actitud punk, con el lema “haz lo que quieras” por bandera.

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ASOMBROSA ARQUITECTURA

La arquitectura abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana: no podemos sustraernos

a ella mientras formemos parte de la civilización, porque la arquitectura es el conjunto de modificaciones y alteraciones introducidas en la superficie terrestre con objeto de satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sólo el puro desierto. La arquitectura no deriva de una suma de longitudes, anchuras y alturas de los elementos constructivos que envuelven el espacio, sino dimana propiamente del vacío, del espacio envuelto, del espacio interior, en el cual los hombres viven y se mueven.

WONDERWORKS Quien diría que en el mundo hubieran atracciones turísticas por estar construidas al revés. La arquitectura esta de cabeza. WonderWorks es una atracción interactiva que combina educación y entretenimiento asequible y de calidad que es divertido para todas las edades! Tiene más de 100 exposiciones que despiertan la imaginación y desafian la mente. Visita la atracción en uno de los cinco lugares fantásticos - WonderWorks Orlando, WonderWorks Pigeon Forge, WonderWorks Panamá City Beach, WonderWorks Myrtle Beach y WonderWorks Syracuse. Al entrar en el edificio, todo va a ser al revés, por lo que con el fin de participar en la diversión, debe ser invertida. Entre en el túnel de la inversión y se volvió boca arriba para comenzar su viaje. Una vez que esté alineado correctamente para la aventura, la diversión de la familia espera con más de 100 manos en exposiciones. Haga WonderWorks una parada en su lista de cosas qué hacer al visitar Orlando. Defy Gravity! Al acercarse WonderWorks, es obvio que el edificio cayó boca abajo. Profesor Wonder y su equipo de brillantes científicos inventaron el túnel de Inversion para realinear e in-

vierta su orientación para que pueda desafiar la gravedad y jugar con todas las exhibiciones y experimentos. Cuando usted visita WonderWorks Orlando asegúrese de pasar la Outta Control Dinner Show. Durante la visita a Pigeon Forge WonderWorks asegúrese de permanecer en las maravillas de la magia y tomar vuelo con un nuevo paseo en globo lleno de helio, Las Maravillas de Vuelo. Al visitar WonderWorks Myrtle Beach asegurate de volar 50 pies por encima del agua en nuestra tirolesa exterior y circuito de cuerdas conocido como Soar + Explora también en Broadway en la playa.

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Arquitectura

CASA MILÀ La Casa Milà, llamada popularmente La Pedrera («cantera» en catalán), es un edificio modernistanota 1 obra del arquitecto Antoni Gaudí, construido entre los años 1906 y 1910 en el distrito del Ensanche de Barcelona, en el número 92 del Paseo de Gracia.1 La casa fue edificada por encargo del matrimonio Pere Milà i Camps y Roser Segimon i Artells, y Gaudí contó con la colaboración de sus ayudantes Josep Maria Jujol, Domènec Sugrañes, Francesc Quintana, Jaume Bayó i Font, Joan Rubió y Josep Canaleta, así como del constructor Josep Bayó i Font, que había trabajado con Gaudí en la Casa Batlló. Desde su apertura al público en 1987 ha recibido más de 20 millones de visitas (1 millón cada año aproximadamente), convirtiéndola en uno de los diez lugares más visitados de Barcelona. La Casa Milà es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera dé-

cada del siglo XX), periodo en que el arquitecto perfecciona su estilo personal, inspirándose en las formas orgánicas de la naturaleza, para lo que puso en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales originadas en los profundos análisis efectuados por Gaudí de la geometría

reglada. A ello añade el artista catalán una gran libertad creativa y una imaginativa creación ornamental: partiendo de cierto barroquismo sus obras adquieren gran riqueza estructural, de formas y volúmenes desprovistos de rigidez racionalista o de cualquier premisa clásica.

MUSEO GUGGENHEIM BILBAO Es un museo de arte contemporáneo diseñado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry, y localizado en Bilbao (País Vasco), España. Es uno de los museos perteneciente a la Fundación Solomon R. Guggenheim. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España. La característica más llamativa del museo es el innovador edificio en el que se emplaza, constituido por formas curvilíneas y retorcidas, recubiertas de piedra caliza, cortinas de cristal y planchas de titanio. Cuenta con una superficie total de 24.000 m², de los cuales 10.540 m² están reservados para las exposiciones, distribuidos en 19 galerías. Se ubica a orillas de la ría de Bilbao, en una zona denominada Abandoibarra, junto al puente Príncipes de España (puente de La Salve), que está rodeado por una torre hueca. El edificio recibió múltiples críticas favorables, como la de Philip Jhonson. Dentro del aparente desorden de la envolvente, existe un patrón que rige la volumetría. Este es el empleo en todos sus elementos de la máxima curvatura que soporta el titanio. La Gran Sala, también llamada Sala del Pez, se extiende hacia el este hasta acercarse con un puente que atraviesa la ría de Bilbao, el puente de La Salve, una estructura que ya atravesaba el solar antes de la construcción del museo y a la que éste hubo que adaptarse. Tras éste hay una torre que parece ser la continuación del museo y tiene el lado que mira al puente sin revestimiento.

Tiene en su interior una gran estructura de barras metálicas inclinadas que recuerdan a las de Coop Himmelb(l)au. El museo visto desde el este se ve más ingrávido que desde otros lugares, y se pueden observar extraños paralelogramos curvos y torcidos que conforman la sala del pez. Por lo general, las ventanas del edificio tienen formas más racionales. Gehry es el “rey” del contrapunto. Este término viene de otras artes, como la música, y consiste en contrastar cosas muy diferentes colocándolas juntas en el caso de la arquitectura. Este efecto, como en

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casi todas sus obras, lo consigue en el Museo Guggenheim de Bilbao ya que coloca una serie de bloques con formas rectas y racionales en la zona sur, la que mira al centro urbano de Bilbao. Las formas de estos edificios contrastan espectacularmente con los diseños curvos y libres de la parte más famosa del museo. Las fachadas de los bloques rectos no son metálicas, y sus ventanas son rectangulares. Hay fachadas moradas y otras con chapado de piedra de color crema.


Arquitectura

LE PALAIS IDÉAL Hace un tiempo os hablábamos de Raymond Isidore y de la mansión Picassiette, un excéntrico personaje que levantó con sus propias manos, y sin ningún conocimiento sobre arquitectura o albañilería, una construcción realmente sorprendente. Hoy os hablamos de otro personaje un tanto similar que, al igual que Isidore, empleó buena parte de su vida en construir, piedra a piedra, su sueño arquitectónico. Ferdinand Cheval era cartero de la villa de Hauterives, en el departamento de Drôme, en el sur de Francia, donde además se le tenía

por el “tonto del pueblo”. Todos los días, lloviera o hiciese sol, Cheval realizaba la misma ruta a pie, recorriendo en solitario e inmerso en sus pensamientos, los 32 kilómetros de la zona de reparto que le había sido asignada. Él mismo contaba que en una de sus expediciones encontró una piedra cuya forma le inspiró el palacio; a partir de ese día se dedicó a recoger cuantas piedras encontraba mientras realizaba las entregas. Primero las guardaba en los bolsillos, luego en una cesta, y al final las transportaba en una carretilla.

Inició la construcción de su “palacio ideal” en abril de 1879; levantar los muros exteriores le ocupó las dos siguientes décadas y el resto de las obras trece años más.

El Palacio Ideal de Cheval es una estructura de 12 por 26 metros y 14 de altura. Los muros exteriores reflejan, en una abigarrada maraña, distintos tipos de edificios y estilos arquitectónicos, muchos de los cuales, según su autor, correspondían a visiones que formaban parte de sus fantasías infantiles. Los materiales empleados fueron piedras de forma curiosa, fósiles y arena, amalgamados con ayuda de cemento. La construcción recuerda, en cierto modo, a los castillos de playa realizados con pegotes de arena húmeda

que se deja escurrir entre los dedos. Un estilo que se parece bastante a lo que Gaudí aplicaría después en la fachada principal de la Sagrada Familia. La decoración interior está formada por esculturas de personajes tan diversos como Adán y Eva, Vercingetorix o Arquímedes, y por sentencias compuestas por Cheval y esculpidas en las paredes, casi siempre relacionadas con su proceso de creación. Una de ellas reza: “1879-1912. 10000 días, 93000 horas, 33 años de sacrificios.

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Arquitectura

KRZYWY DOMEK

Increíble pero cierto, este edificio no es producto de ningún truco, ni PhotoShop. Fue diseñado en 2004 por la firma de arquitectos polaca Szotynscy & Zaleski. Krzywy Domek, que se traduce como la casa torcida, es un centro comercial en Sopot, Polonia, y sus curvas caprichosas son completamente reales. Podría parecer que la Krzywy Domek fue sacada de los libros ilustrados de Jan Marcin Szancer y Per Dahlberg, en los que se inspiraron los arquitectos. A pesar de su apariencia caricaturesca, Krzywy Domek es la sede de varios comercios locales y globales en las industrias financieras, de salud y de medios.

CASA CARACOL EN ISLA MUJERES La Casa Caracol en Isla Mujeres, México, en pocos años pasó de ser una rareza arquitectónica a ser una obra de fama internacional, en muchas páginas de internet se destaca su originalidad y belleza. Esta obra se ubica la parte sur, al lado de la carretera que rodea a la isla. En los años noventa el arquitecto Eduardo Ocampo llegó a Isla Mujeres y construyó una casa para él y su esposa, Raquel. Además decidio crear una casa para su hermano Octavio. Cuando sacó un caracol reina grande de un montón de conchas y tuvo su respuesta. Así, exactamente, seria la casa de su hermano: forma irregular en el exterior, redondeado en el interior, la escalera en forma de espiral, igual que el interior de la concha, una puerta donde estaba la boca de la concha y ventanas con la forma de agujeros de una concha vieja. La casa principal se realizó a finales de la década de 1990s, en ese entonces rodeada de vegetación, con vista al mar. Posteriormente se fueron haci-

endo arreglos exteriores: se construyó la alberca, la barda ondulante construida con muchas conchas marinas. Fue el diseño perfecto para Octavio, cuyas pinturas “metamórficas” son famosas por sus ilusiones ópticas (sus retratos, de cerca, resultan estar integrados por pájaros y ramas retorcidas, por ejemplo, sus paisajes de cuerpos de mujeres). Y, efectivamente, Octavio quedo encantado con su mueva morada en la isla.

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Por supuesto, sus chiquillos quieren ser

como tú. Se pone en el lápiz labial, se ponen los labios. Usted dice una mala palabra, dicen que la mala palabra. Se acurruca en su sillón favorito para leer el periódico del domingo, y quieren también. Así que les dan una lectura diminuto al tamaño adecuado para ellos, es por esto que muchos diseñadores se enfocan en el diseño infantil, como se puede ver en las sillas a continuación. Diseñar una silla puede parecer, ante los ojos de un profano, un ejercicio fácil de diseño industrial aunque todos los que tenemos experiencia en diseño de mobiliario somos conscientes que

lograr la adecuada estabilidad de la estructura, manteniendo las secciones deseadas y el lenguaje formal pretendido, es más difícil de lo que parece. Si a esto además le añadimos la pretensión de realizar la silla en una única pieza no cabe duda de que sumamos al proceso de diseño una dificultad exponencial. Debemos tener siempre en cuenta que la pieza debe desmoldear por lo que tenemos que solventar ciertas restricciones de la forma lo más creativamente posible para mantener el criterio del lenguaje formal seleccionado.

Siempre debemos mandar en nuestro propio diseño. Las limitaciones no nos pueden ganar terreno y hacernos ceder ni un paso en nuestro propósito. La Silla es un objeto al que se le pueden incorporar, de forma evidente, recursos comunicativos así que se convierte en un producto estrella con el que podemos realmente utilizar el diseño industrial en su máxima expresión; Ergonomía, función, comunicación, tecnología, cultura, materiales, experimentación, procesos, acabados, innovación… Todo confluye en el diseño de una pieza de este tipo.

POW KIDS CHAIR La silla perfecta para su pequeño superhéroe. Con un diseño antiguo y la inspiración impresa del arte pop del 1960 es clásico y moderno. Hecho de la mejor lona y madera con unas dimesiones de: Altura del producto: 68 cm. Profundidad del producto: 38 cm. Ancho del producto: 42 cm. Esta silla logrará que su hijo se sienta como todo un superhéroe dispuesto a salvar al mundo!

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Diseño Industrial

MAMMUT Silla de plastico, durable y completamente facil de limpiar, es sencillamente perfecta para su hijo. Los diseñadores de este estupendo producto son Morten Kjelstrup and Allan Östgaard. Estos afirman “Tuvimos la idea de la serie MAMMUT cuando uno de nuestros hijos pequeños se sentó en un gran sillón. La combinación, persona pequeña y muebles grandes, se sentía como un dibujo animado y nos dio una idea clara de la forma. El hecho de que el piezas son estables y fáciles para que los niños se mueven tiene probablemente también contribuyeron a su popularidad Nuestros hijos ahora ya no caben en sus muebles -.. pero no tenemos Esperamos que la serie continúa para hacer felices a los niños y despierta su imaginación!”. Es un producto hecho de polipropileno que cuenta con las siguientes caracteristicas: Ancho: 39 cm Altura: 67 cm Profundidad del asiento: 26 cm Altura del asiento: 30 cm

Todos interactuamos con este objeto y todos lo usamos varias veces durante el día, ya sea principalmente para trabajar

o para comer. Es un objeto que nos habla de forma clara del nivel de una sociedad y en su historia podremos también leer la historia del diseño industrial. La primera duda que le entra a uno cuando afronta el reto de diseñar una silla, es la de conocer las medidas adecuadas para que resulte cómoda. Porque nadie quiere que su creación ocupe el podium de las sillas de diseño más incómodas. Obviamente, no todos los seres humanos somos iguales, y por lo tanto es realmente complicado crear una silla que se adapte a todos ellos, pero sí que se pueden buscar unas medidas que se adapten a la gran mayoría de los potenciales usuarios.

ARCOBALENO Diseñado por Onur Cobanli “Creo que las sillas para bebés deben ser suaves y orgánicos, pero por lo general veo el metal feo o sillas de madera, y por desgracia a veces rasco su bebé y me hubiera gustado ver un lindo bebé rayado así que diseñé esta silla muy suave”. Realizado por espuma de poliuretano. Alternativamente se podría realizar mediante inyección / moldeo rotacional o la talla de madera. El diseñador tomó nota de los siguientes materiales pueden ser utilizados en la producción de: espuma de poliuretano, plástico, madera.

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Diseño Industrial

MERDIVEN Diseñado por Onur Cobanli en el 2009. “Merdiven se imaginó ser escalerilla para el pequeño, yo quería llegar a un diseño que es divertido y multifuncional, que se utilizará en la habitación de los niños como la escalera, como un campo de juego, y lo más importante que se utilizará al comer en la mesa todos juntos” El diseño se realiza por carpintería artesanal con articulaciones bonitas, las opciones de color se encuentran ampliamente disponibles en su página de internet. El diseñador tomó nota de los siguientes materiales que pueden ser utilizados en la producción: Madera.

Los niños tienen un instinto de curiosi-

dad y de conocer y hacer cosas nuevas por naturaleza. Para el niño de hoy la tecnología ha sido algo cotidiano, crecen y aprenden con ella. Hace poco en un café internet recuerdo haber visto un niño como de 3 años super entrado en la computadora y navengando en internet como algo común y corriente buscando juegos de flash para entretenerse un rato mientras su mamá hacia otras cosas en otra máquina. Todo esto nos lleva a sorprendernos cuando los niños de hoy buscan más, ya no son los que se quedan conformes de como quieren sus cosas y su espacio, ya tienen una fuerte decisión de compra. Mucho de ello tiene que ver en el boom del diseño infantil que hace todavía un par de años no existía. Este mercado es inmenso ahora y con mucha diversidad de necesidades y presupuestos. En México todavía es un poco escaso encontrar boutiques exclusivas y muchas personas no saben donde encontrarlo y recurren a ferias y exposiciones que hacen para buscar algo nuevo para sus hijos, pero para serles sincera creo que todavía se quedan muy atrás sabiendo que existen más cosas y algunas mucho más modernas.

EVA Diseño del estudio japonés h220430 ha diseñado EVA, una pequeña silla lindo para los niños. Siguiente es la información de los diseñadores, “La gente puede absorber muchas cosas de manera eficiente durante su infancia. Por lo tanto, es preferible que la gente debe tocar diseños superiores para fomentar una sensibilidad rica durante su infancia. Sin embargo, por desgracia diseños superiores están rara vez se utilizan para los productos niño. Se puede completar con sólo enrollar un trozo de cartón y sujetar con una cadena. Debido a que puede ser devuelto a una forma plana fácilmente, se puede almacenar incluso en pequeño espacio. También se puede ahorrar energía y costes en el momento del envío.

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EL ARTE DE LA

CALLE El término arte urbano o arte calleje-

ro, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto h e t e ro g éneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las

calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti. El uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña “Obey” (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la

imagen del luchador norteamericano Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

El mensaje original de esta campaña fue nulo, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de las imágenes de cultura urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo. Estarcido (stencil) en Buenos Aires, Argentina. El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas

“Un forro tejido para el árbol”

que actualmente intervienen el espacio público El estarcido (stencil) y la pintura en spray, es la forma en donde se puede encontrar mayor diversidad de estilos y búsquedas estéticas por los artistas del movimiento. Aunque también en pegatinas y pósteres, es donde podemos ver la evolución de este arte de la calle.

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Con diferentes ciudades como núcleos del arte callejero, algunos de sus exponentes más reconocidos son Banksy, John Fekner, Shepard Fairey, Blek le Rat, Bloo and Titi, Hadsawit. Con estos artistas se ven manifestadas en sus obras no sólo las variantes técnicas y estéticas, sino también distintos trasfondos ideológicos.

boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980”. Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de es-

tarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.

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BANKS Y

Se cree que nació en Yate, localidad cercana a Bristol, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy “nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el


Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo. Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado “daño criminal” puede estar influida por los Ad Jammers (movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).

En 2004 el colectivo de anarquitectos Space Hijackers repartió octavillas frente a una exposición de Banksy para resaltar el irónico uso que el artista hace del imaginario anticapitalista y de protesta, mientras trabaja para grandes empresas y galerías de arte.

SHEPARD

Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales

o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby’s por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.

Es un artista urbano y diseñador gráfico estadounidense, famoso por sus pegatinas con la imagen del luchador televisivo André el Gigante y por sus diseños que toman elementos del cartelismo de propaganda política de mediados del Siglo XX. Incluyendo lemas como “Piensa y crea, imprime y destruye”, que mezclan lo subversivo con el entretenimiento, su temática y estética viene a ser a menudo una mezcla entre caricatura y revival de la propaganda política, las ideas situacionistas y las revoluciones estético-filosóficas de los 60, trasfondos temáticos muy comunes en el arte de finales de los 90 y principios del presente siglo.

Su situación como artista es controvertida, manteniendo trabajos de diseño gráfico y publicidad con grandes marcas por un lado, y enfrentándose a detenciones en diversos países por vandalismo urbano con sus intervenciones, siendo de esta manera un representante marcado de la discusión sobre el papel del artista y su ideología en el momento presente de la historia de las sociedades capitalistas. Reivindica el espacio público como espacio principal para la vida artística y cultural, proponiendo una crítica a la hegemonía estética y presencial de la publicidad, encabezada por las grandes corporaciones financieras.

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Shepard Fairey fue uno de los primeros artistas de graffiti de finales del siglo XX en propagar la técnica de pegatinas como intervención callejera. Sus primeras pegatinas mostraban una foto en alto contraste de André el Gigante, como mensaje sin contenido y con la principal intención de sorprender al viandante y espectador. Define este trabajo como “un experimento de fenomenología”. Comenzó a repartir de forma gratuita estas pegatinas, convirtiéndose poco a poco en un icono de la cultura popular contemporánea. Ha realizado diferentes versiones del mismo tema, y también las ha incluido en exposiciones, posters, camisetas, diseños para estampados de monopatín, etc. Otros de sus trabajos callejeros más destacados son los posters de grandes dimensiones, con los que empapela paredes a la vista de los viandantes en diferentes países a los que viaja. En estos posters suele estar presente una temática política velada o una sugerencia de reflexión sobre los estereotipos de discusión estética, social o política. Su estilo está basado en parte en el cartelismo ruso de la era del comunismo y en el arte pop, con elementos claros del comic estadounidense. Entre los motivos de esta temática están las efigies de Lenin o

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del Subcomandante Marcos, aunque Fairey afirma no estar haciendo propaganda, sino buscar una provocación o un contraste. Shepard Fairey cubre el campo del diseño gráfico como empleo regular, formando parte del gabinete publicitario “BlackMarket”(Blkmrkt). Ha realizado diseños para conocidas marcas, como Dew o Pepsi, Adidas, Epitaph, monopatines Real Skateboards, y músicos de renombre como Sepultura, Chuck D de Public Enemy, Black Eyed Peas, Dub Pistols, entre otros Su retrato de Barack Obama con la leyenda “Hope” fue utilizado por el actual presidente de los Estados Unidos durante su campaña presidencial. La obra forma parte de la colección de retratos de la National Portrait Gallery del Museo Smithsonian de Washington (EE.UU.) Se conoce bajo el nombre de Obey Giant la obra callejera más representativa de Shepard Fairey. Como en otros artistas de graffiti, este nombre sirve tanto para el acrónimo de la obra como para el pseudónimo de Fairey durante su ejecución. Consiste en una serie de pegatinas -más tarde posters- con el rostro de André el Gigante(André the GIANT).


El arte pop (Pop Art) fue un impor-

tante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

zaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el

El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste. El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reempla-

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arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos


y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual

había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949. El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man’s Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!, que aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos. El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson.9 sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway.

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Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, del arte pop en Estados Unidos tuvo su mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la publicidad estadounidense había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de América tenía que buscar más profundo para los estilos dramáticos que se distancia del arte de los materiales bien diseñados e inteligente comerciales. Por lo que los británicos consideraban a las imágenes de la cultura popular americana desde una perspectiva un tanto alejado, sus puntos de vista se inculca a menudo con romántico, connotaciones sentimentales y humorísticos. Por el contrario, los artistas de América siendo bombardeados a diario con la diversidad de las imágenes producidas en masa, el trabajo que se producen en general más audaz y agresivo. Dos pintores importantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop de Estados Unidos fueron Jasper Johns

y Robert Rauschenberg. Mientras que las pinturas de Rauschenberg tener relaciones a los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, su preocupación con las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con materiales efímeros y el uso de acontecimientos de actualidad en la vida de todos los días de América dio a su trabajo una calidad única. El trabajo de Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como Neo-Dada, y es visualmente distinta de la clásica Arte pop norteamericano que comenzó en la década de 1960. De igual importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa básica del arte pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición precisa que los documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las pinturas de Lichtenstein, como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la imagen habitual de la cultura popular norteamericana, sino también tratar el tema de una manera impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.

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Historia La definición de la profesión del dis-

eñador gráfico es más bien reciente, en lo que refiere su preparación, su actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan durante el período de entreguerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del siglo XIX. Puede argumentarse que comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. de C. Pero las diferencias de métodos de trabajo, ciencias

auxiliares y formación requerida son tales que no es posible identificar con claridad al diseñador gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo XV o con el litógrafo de 1890. La diversidad de opiniones responde a que algunos consideran como producto del diseño gráfico a toda manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido “proyectadas” contemplando necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextu-

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ales. Jan Tschichold plasmó los principios de la tipografía moderna en su libro de 1928, New Typography. Más tarde repudió la filosofía que expone en esta obra, calificándola de fascista, pero continuó siendo muy influyente. Herbert Bayer, que dirigó desde 1925 hasta 1928 el taller de tipografía y publicidad en la Bauhaus, creó las condiciones de una nueva profesión: el diseñador gráfico. Él puso la asignatura de “Publicidad” en el programa de enseñanza incluyendo, entre otras cosas, el Análisis de los medios de publicidad y la Psicología de la publicidad. Cabe destacar que el primero en definir el término Diseño Gráfico fue el diseñador y tipógrafo William Addison Dwiggins en 1922. Es así como Tschichold, Herbert Bayer, László Moholy-Nagy, y El Lissitzky se convirtieron en los padres del diseño gráfico como lo conocemos hoy día. Fueron pioneros en las técnicas de producción y en los estilos que se han ido usando posteriormente. Hoy, los ordenadores han alterado drásticamente los sistemas de producción, pero el enfoque experimental que aportaron al diseño es más relevante que nunca el dinamismo, la experimentación e incluso cosas muy específicas como la elección de tipografías (la Helvetica es un revival; originalmente era un diseño basado en la tipografía industrial del siglo XIX) y las composiciones ortogonales.

En los años siguientes el estilo moderno ganó aceptación, al tiempo que se estancaba. Nombres notables en el diseño moderno de mediados de siglo son Adrian Frutiger, diseñador de las tipografías Univers y Frutiger; y Josef Müller-Brockmann, importante cartelista de los años cincuenta y sesenta. La Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm fue otra institución clave en el desarrollo de la profesión del diseñador gráfico. Desde su fundación, la HfG se distanció de una posible afiliación con la publicidad. Al comienzo, el departamento en cuestión se denominó Diseño Visual, pero rápidamente quedó claro que su objetivo actual era resolver problemas de diseño en el área de la comunicación de masas, en el año académico 1956/57 el nombre se cambió por el de Departamento de Comunicación Visual, según el modelo del Departamento de Comunicación Visual de la New Bauhaus en Chicago. En la HfG de Ulm, se decidió trabajar primordialmente en el área de la comunicación no persuasiva, en campos como el de los sistemas de signos de tráfico, planos para aparatos técnico.

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All In Design  

Ana Lucía Lizcano Vargas

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