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a I’M INTO CREATIVITY

Austria: 6,50A Belgium: 5,50A España: 3A

Marzo 2010 / 3A / Spain /

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France: 5A Germany: 7,50A Italy: 4,13A Uk: 4,80 £


HOUSING 065

Prisma de

hormigón texto:

tachy mora

Fotos:

Daniela Mac Adden

Este imponente prisma de hormigón y vidrio se encuentra en Mar Azul, una zona de balneario a unos 400 km al sur de Buenos Aires rodeada de una extensa playa de dunas y un frondoso bosque de coníferas. María Victoria Besonías, Guillermo de Almeida y Luciano Kruk, integrantes de Bak Arquitectos, se han construido esta casa de veraneo en medio de este paisaje virgen con la colaboración de Sebastián Indri. A pesar de la contundencia del volumen, la intención de los arquitectos era provocar el menor impacto posible en el paisaje, realizando además una construcción cuyo mantenimiento posterior fuera prácticamente nulo. Por eso, por un lado adaptaron la forma del prisma al perfil natural del terreno haciéndolo descansar en parte sobre la pequeña planicie natural que proporcionaba la duna. Por otro, optaron por el hormigón y el vidrio. El primero, porque se integraba a la perfección con el paisaje y pronto quedaría cubierto y en total simbiosis con el manto de púas secas que originan los pinos. El segundo,


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Prisma de

hormigón texto:

tachy mora

Fotos:

Daniela Mac Adden

Este imponente prisma de hormigón y vidrio se encuentra en Mar Azul, una zona de balneario a unos 400 km al sur de Buenos Aires rodeada de una extensa playa de dunas y un frondoso bosque de coníferas. María Victoria Besonías, Guillermo de Almeida y Luciano Kruk, integrantes de Bak Arquitectos, se han construido esta casa de veraneo en medio de este paisaje virgen con la colaboración de Sebastián Indri. A pesar de la contundencia del volumen, la intención de los arquitectos era provocar el menor impacto posible en el paisaje, realizando además una construcción cuyo mantenimiento posterior fuera prácticamente nulo. Por eso, por un lado adaptaron la forma del prisma al perfil natural del terreno haciéndolo descansar en parte sobre la pequeña planicie natural que proporcionaba la duna. Por otro, optaron por el hormigón y el vidrio. El primero, porque se integraba a la perfección con el paisaje y pronto quedaría cubierto y en total simbiosis con el manto de púas secas que originan los pinos. El segundo,


HOUSING 067

porque desde dentro posibilitaba vistas en todas las direcciones mientras, que por fuera reflejaba el paisaje haciendo que la casa se mimetizara con el mismo. Asimismo evitaron todo tipo de ajardinamiento, no sólo por la comodidad de no tener que mantenerlo sino también para evitar límites innecesarios en un bosque por ahora poco construido. Recorriendo la fachada-balcón de grandes ventanales se encuentran los dormitorios y el salón. A la otra fachada, que queda semienterrada, dan los baños, la cocina y el comedor. Los muebles han sido también diseñados por los propios arquitectos, realizados con madera recuperada de pino canadiense procedente de cajones de embalaje. La mesa del comedor, cuyo apoyo tiene la misma inclinación que el ventanal del fondo, es una losa de hormigón unida al sistema de tabiques exteriores. Los dos muebles de hormigón que dividen los ambientes principales cumplen la función de leñero, guardarropa y estantes. Si te parece que una casa así es carísima, estás equivocado. Su coste de construcción ha sido de USD 76.000 <www.bakarquitectos.com.ar>


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porque desde dentro posibilitaba vistas en todas las direcciones mientras, que por fuera reflejaba el paisaje haciendo que la casa se mimetizara con el mismo. Asimismo evitaron todo tipo de ajardinamiento, no sólo por la comodidad de no tener que mantenerlo sino también para evitar límites innecesarios en un bosque por ahora poco construido. Recorriendo la fachada-balcón de grandes ventanales se encuentran los dormitorios y el salón. A la otra fachada, que queda semienterrada, dan los baños, la cocina y el comedor. Los muebles han sido también diseñados por los propios arquitectos, realizados con madera recuperada de pino canadiense procedente de cajones de embalaje. La mesa del comedor, cuyo apoyo tiene la misma inclinación que el ventanal del fondo, es una losa de hormigón unida al sistema de tabiques exteriores. Los dos muebles de hormigón que dividen los ambientes principales cumplen la función de leñero, guardarropa y estantes. Si te parece que una casa así es carísima, estás equivocado. Su coste de construcción ha sido de USD 76.000 <www.bakarquitectos.com.ar>


HOUSING 065 HOUSING 069

Distrito

Capital texto:

tachy mora

Fotos:

Adrien Dirand

Este hotel, en el barrio de Santa Fe de la capital mexicana, fusiona con magistral armonía un proyecto de interiorismo de diseño contemporáneo con múltiples referencias clásicas y de estilo tropical que como resultado ofrecen un espacio con un aire retro de lo más pulcro. Distrito Capital pertenece a la red Design Hotels y detrás de su puesta en marcha se encuentra el grupo Habita, que ya tiene otros siete hoteles boutique de este tipo por todo México. Todos ellos, cada uno con su particularidad, han sido concebidos con un proyecto de interiorismo muy pensado. En el caso de Distrito Capital el diseño interior ha corrido a cargo del parisino Joseph Dirand, quien ya se encargó de la apertura del grupo Habita inmediatamente anterior a ésta en la ciudad de Monterrey. El edificio que alberga el hotel y sus 30 habitaciones, proyectado por Diámetro Arquitectos, se encuentra en una zona de negocios de la capital mexicana en la que predominan los rascacielos. Desde sus elevadas suites en esquina se puede disfrutar de unas inmensas vistas panorámicas sobre la ciudad, por sus tremendos ventanales y


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Capital texto:

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Fotos:

Adrien Dirand

Este hotel, en el barrio de Santa Fe de la capital mexicana, fusiona con magistral armonía un proyecto de interiorismo de diseño contemporáneo con múltiples referencias clásicas y de estilo tropical que como resultado ofrecen un espacio con un aire retro de lo más pulcro. Distrito Capital pertenece a la red Design Hotels y detrás de su puesta en marcha se encuentra el grupo Habita, que ya tiene otros siete hoteles boutique de este tipo por todo México. Todos ellos, cada uno con su particularidad, han sido concebidos con un proyecto de interiorismo muy pensado. En el caso de Distrito Capital el diseño interior ha corrido a cargo del parisino Joseph Dirand, quien ya se encargó de la apertura del grupo Habita inmediatamente anterior a ésta en la ciudad de Monterrey. El edificio que alberga el hotel y sus 30 habitaciones, proyectado por Diámetro Arquitectos, se encuentra en una zona de negocios de la capital mexicana en la que predominan los rascacielos. Desde sus elevadas suites en esquina se puede disfrutar de unas inmensas vistas panorámicas sobre la ciudad, por sus tremendos ventanales y


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porque la ciudad ya de por sí destaca por su inmensidad. Las amplias habitaciones de doble altura cuentan, a excepción de las básicas, con dos ambientes muy bien diferenciados: el de dormir y una sala de estar. La suite royal tiene además un gimnasio particular y una pequeña cocina. Están provistas de bañera, en ocasiones incluso hecha de obra a medida, y con amenities de Acqua di Parma. Además el hotel cuenta con una biblioteca, un centro de negocios, una sala de proyecciones, una terraza con piscina, un bar estilo Palm Springs y un restaurante de sabor mexicano capitaneado por el chef Enrique Olvera. Su mobiliario incluye piezas de Eero Saarinen, Wim Rietveld, Charlotte Perriand, Hans J. Wegner y Alvar Aalto. Todas ellas combinadas con equipos de música retro y antigüedades seleccionadas por Claudia Fernández, que también colaboró en el proyecto del hotel de Monterrey. Pasar una noche en este hotel cuesta entre 130 y 970 dólares. <www.hoteldistritocapital.com>


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porque la ciudad ya de por sí destaca por su inmensidad. Las amplias habitaciones de doble altura cuentan, a excepción de las básicas, con dos ambientes muy bien diferenciados: el de dormir y una sala de estar. La suite royal tiene además un gimnasio particular y una pequeña cocina. Están provistas de bañera, en ocasiones incluso hecha de obra a medida, y con amenities de Acqua di Parma. Además el hotel cuenta con una biblioteca, un centro de negocios, una sala de proyecciones, una terraza con piscina, un bar estilo Palm Springs y un restaurante de sabor mexicano capitaneado por el chef Enrique Olvera. Su mobiliario incluye piezas de Eero Saarinen, Wim Rietveld, Charlotte Perriand, Hans J. Wegner y Alvar Aalto. Todas ellas combinadas con equipos de música retro y antigüedades seleccionadas por Claudia Fernández, que también colaboró en el proyecto del hotel de Monterrey. Pasar una noche en este hotel cuesta entre 130 y 970 dólares. <www.hoteldistritocapital.com>


Con estudio a las afueras de París, este diseñador francés se formó en el mundo del arte. Quizá por eso su lenguaje estético está fuera de lo común. Es de lo más fino y esmerado del panorama del diseño.

01

02

03

HOUSING 073

Texto: Tachy Mora Fotos: Morgane Le Gall

PIERRE CHARPIN

DISEÑADOR “Estudié arte, pero poco a poco me fui orientando hacia el diseño. En realidad todo empezó cuando era un estudiante en la escuela nacional de Bellas Artes de Bourges a mediados de los ochenta. Las revistas sobre diseño, como Casabella y Domus, me parecían fantásticas y me abrieron la mente a la posibilidad de sacar mi trabajo plástico fuera del contexto tradicional del arte”. LÍMITES “Para mí sí hay límites entre el arte y el diseño, incluso cuando el arte influye en el diseño y el diseño en el arte. El arte es por definición algo que no tiene finalidad, digamos. El diseño

sin embargo está siempre buscando una legitimación y una conclusión a una pregunta muy concreta”. KREO “Mi colaboración con la galería Kreo de París es para mí como un espacio de libertad creativa, un laboratorio que me da la oportunidad de arremeter contra los límites del diseño. Lo que no quiere decir necesariamente que lo que hago para esta galería sea arte”. PROCESO “Boceto mucho a mano, es como un torrente que fluye directamente desde mi cabeza. Al principio este flujo de ideas es indefinido e intuitivo. Progresivamente va adquiriendo una forma definida,

un color, un material…” CARTA BLANCA “Cuando en 1995 la institución francesa dedicada a la innovación del mobiliario (VIA) me concedió su Carte Blanche diseñé una colección de asientos y estantes de poliestireno, ese material que habitualmente se usa para embalar. Estaba buscando un material que me permitiera variar el volumen y que fuera ligero. Me pareció interesante la idea de transformar un material que generalmente se usa para embalaje en un producto en sí mismo. Trabajando en ello me di cuenta de que también otras personas habían pensado en lo

mismo que yo”. FRANCIA “Los hermanos Bouroullec, Matali Crasset, Eric Jourdan, François Azambourg, Pascal Mourgue, Inga Sempé, Philippe Nigro, 5.5 Designers… las escuelas de diseño han contribuido sin ninguna duda a la aparición de esta potente generación de diseñadores franceses cuyas propuestas y personalidades son muy diversas. No creo que exista un diseño francés con unas características particulares y comunes a todos estos diseñadores; lo que sí hay es un montón de diseñadores franceses que han adquirido una gran reputación


Con estudio a las afueras de París, este diseñador francés se formó en el mundo del arte. Quizá por eso su lenguaje estético está fuera de lo común. Es de lo más fino y esmerado del panorama del diseño.

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Texto: Tachy Mora Fotos: Morgane Le Gall

PIERRE CHARPIN

DISEÑADOR “Estudié arte, pero poco a poco me fui orientando hacia el diseño. En realidad todo empezó cuando era un estudiante en la escuela nacional de Bellas Artes de Bourges a mediados de los ochenta. Las revistas sobre diseño, como Casabella y Domus, me parecían fantásticas y me abrieron la mente a la posibilidad de sacar mi trabajo plástico fuera del contexto tradicional del arte”. LÍMITES “Para mí sí hay límites entre el arte y el diseño, incluso cuando el arte influye en el diseño y el diseño en el arte. El arte es por definición algo que no tiene finalidad, digamos. El diseño

sin embargo está siempre buscando una legitimación y una conclusión a una pregunta muy concreta”. KREO “Mi colaboración con la galería Kreo de París es para mí como un espacio de libertad creativa, un laboratorio que me da la oportunidad de arremeter contra los límites del diseño. Lo que no quiere decir necesariamente que lo que hago para esta galería sea arte”. PROCESO “Boceto mucho a mano, es como un torrente que fluye directamente desde mi cabeza. Al principio este flujo de ideas es indefinido e intuitivo. Progresivamente va adquiriendo una forma definida,

un color, un material…” CARTA BLANCA “Cuando en 1995 la institución francesa dedicada a la innovación del mobiliario (VIA) me concedió su Carte Blanche diseñé una colección de asientos y estantes de poliestireno, ese material que habitualmente se usa para embalar. Estaba buscando un material que me permitiera variar el volumen y que fuera ligero. Me pareció interesante la idea de transformar un material que generalmente se usa para embalaje en un producto en sí mismo. Trabajando en ello me di cuenta de que también otras personas habían pensado en lo

mismo que yo”. FRANCIA “Los hermanos Bouroullec, Matali Crasset, Eric Jourdan, François Azambourg, Pascal Mourgue, Inga Sempé, Philippe Nigro, 5.5 Designers… las escuelas de diseño han contribuido sin ninguna duda a la aparición de esta potente generación de diseñadores franceses cuyas propuestas y personalidades son muy diversas. No creo que exista un diseño francés con unas características particulares y comunes a todos estos diseñadores; lo que sí hay es un montón de diseñadores franceses que han adquirido una gran reputación


06

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05

01/ Retrato de Pierre Charpin 02/ UFO Repisa colgante hecha en resina. Exposición 8 ½ en la galería Kreo de París (2008) 03/ Struttura 12 Pieza de la colección Oggetti Lenti creada en 2005 para Design Gallery Milano. 04/ CerÁmica 4 Florero de cerámica decorado a mano de la colección Oggetti Lenti creada en 2005 para Design Gallery Milano. 05/ Lámpara Eclipse Exposición 8 ½ en la galería Kreo de París (2008). 06/ CerÁmica 3 Florero de cerámica decorado a mano de la colección Oggetti Lenti creada en 2005 para Design Gallery Milano. 07/ Plato decorado Realizado en el centro de investigación de la cerámica Craft Limoges, editado por Bernard Chauveau (2007) 08/ Zana Mesa multifunción con cesta para Ligne Roset (2009).

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internacional”. SIGLO 21 “La primera década de este siglo ha puesto de manifiesto que ya no existe una única manera de entender el diseño y que ya no existirá nunca más una única referencia”. RETOS “Yo no soy un diseñador de sillas ¡pero debería intentar diseñar al menos una a lo largo de esta década!”. ARTESANÍA “Creo que ahora mismo el diseño necesita tanto a la artesanía como la artesanía al diseño. La industria no puede cubrir ella sola todas las necesidades de producción”. PORCELANA “En 2006 la empresa de porcelanas Sèvres me encargó trabajar en una

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serie de piezas con formas nuevas con el fin de reactivar una tradición de mitad de los cincuenta que habían perdido y que consistía en hacer que piezas en blanco sirvieran de soporte a artistas. La calidad de Sèvres es incomparable y trabajar con ellos es una experiencia muy enriquecedora, sobre todo por el hecho de tener acceso a una forma de trabajar con tantísima calidad. ¡Larga vida a Sèvres!” APROBADO “Un ejemplo de buen diseño para mí sería el sacacorchos articulado Socrates diseñado por Jasper Morrison para Alessi”. SUSPENSO “Una de las áreas que desde mi

08

punto de vista todavía necesita mejorar es la del diseño de coches”. PROYECTOS “En este momento estoy experimentando con un nuevo tipo de proyecto: estoy haciendo dos diseños expositivos. Uno para el Musée des Arts Decoratifs de París para una gran exposición que se va a inaugurar en septiembre sobre mobiliario francés de entre 1945 y 1975 y que se llamará Mobi-Boom. Y el otro lo estoy haciendo para el Design Museum de la Triennale de Milán para una exposición en la que Alessandro Mendini es el comisario”. CONSEJO “Hay que perseverar”. <www.pierrecharpin.com>


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01/ Retrato de Pierre Charpin 02/ UFO Repisa colgante hecha en resina. Exposición 8 ½ en la galería Kreo de París (2008) 03/ Struttura 12 Pieza de la colección Oggetti Lenti creada en 2005 para Design Gallery Milano. 04/ CerÁmica 4 Florero de cerámica decorado a mano de la colección Oggetti Lenti creada en 2005 para Design Gallery Milano. 05/ Lámpara Eclipse Exposición 8 ½ en la galería Kreo de París (2008). 06/ CerÁmica 3 Florero de cerámica decorado a mano de la colección Oggetti Lenti creada en 2005 para Design Gallery Milano. 07/ Plato decorado Realizado en el centro de investigación de la cerámica Craft Limoges, editado por Bernard Chauveau (2007) 08/ Zana Mesa multifunción con cesta para Ligne Roset (2009).

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internacional”. SIGLO 21 “La primera década de este siglo ha puesto de manifiesto que ya no existe una única manera de entender el diseño y que ya no existirá nunca más una única referencia”. RETOS “Yo no soy un diseñador de sillas ¡pero debería intentar diseñar al menos una a lo largo de esta década!”. ARTESANÍA “Creo que ahora mismo el diseño necesita tanto a la artesanía como la artesanía al diseño. La industria no puede cubrir ella sola todas las necesidades de producción”. PORCELANA “En 2006 la empresa de porcelanas Sèvres me encargó trabajar en una

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serie de piezas con formas nuevas con el fin de reactivar una tradición de mitad de los cincuenta que habían perdido y que consistía en hacer que piezas en blanco sirvieran de soporte a artistas. La calidad de Sèvres es incomparable y trabajar con ellos es una experiencia muy enriquecedora, sobre todo por el hecho de tener acceso a una forma de trabajar con tantísima calidad. ¡Larga vida a Sèvres!” APROBADO “Un ejemplo de buen diseño para mí sería el sacacorchos articulado Socrates diseñado por Jasper Morrison para Alessi”. SUSPENSO “Una de las áreas que desde mi

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punto de vista todavía necesita mejorar es la del diseño de coches”. PROYECTOS “En este momento estoy experimentando con un nuevo tipo de proyecto: estoy haciendo dos diseños expositivos. Uno para el Musée des Arts Decoratifs de París para una gran exposición que se va a inaugurar en septiembre sobre mobiliario francés de entre 1945 y 1975 y que se llamará Mobi-Boom. Y el otro lo estoy haciendo para el Design Museum de la Triennale de Milán para una exposición en la que Alessandro Mendini es el comisario”. CONSEJO “Hay que perseverar”. <www.pierrecharpin.com>


adneo

Texto: Tachy Mora · Fotos: ©J. Paul Getty Trust

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transformación que iba sufriendo la ciudad, desde las casas de arquitectura experimental hasta sus nuevos paisajes industriales, la renovación de los barrios Bunker Hill y Century City o la evolución del Wilshire Boulevard. Una de las maravillas de su obra fotográfica son las imágenes que tomó del famoso programa experimental de casas “Case Study” que impulsara la revista Arts & Architecture a mediados de los años cuarenta, algunas de ellas realizadas por su amigo Richard Neutra. De hecho fue Neutra quien descubrió su talento convirtiéndose en su primer cliente ya que, siendo aún amateur, Shulman envió a Neutra unas fotos que había tomado de una casa que el arquitecto había diseñado en Hollywood para el periodista Josef Kun. Impresionado por las imágenes, Neutra le contrató inmediatamente para fotografiar nuevos proyectos, lanzando así una prolífica carrera. La exhibición en Madrid de las 146 fotos que reúne esta exposición, comisariada por Christopher James Alexander, ha sido posible gracias a la colaboración entre la Comunidad de Madrid y el Getty Research Institute, propietario del archivo fotográfico de Shulman.

01

02

“Los Ángeles de Julius Shulman” se podrá ver hasta el 2 de mayo en la sala Canal de Isabel II de Madrid. Santa Engracia, 125. <www.madrid.org> 05

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JULIUS SHULMAN

FOTÓGRAFO DE ARQUITECTURA Y URBANISMO · EL MAYOR RETRATISTA DE LA CIUDAD DE LOS ÁNGELES · 146 FOTOGRAFÍAS SUYAS AHORA EN MADRID

Con motivo de que Los Ángeles ha sido este año la ciudad invitada en la feria de Arte Contemporáneo ARCO, que tuvo lugar el pasado febrero en Madrid, podremos ver en la capital española hasta el próximo mes de mayo una selección de fotografías de Julius Shulman, que a pesar de haber fallecido el pasado verano a los 98 años de edad, ha sido y será probablemente durante mucho tiempo, uno de los fotógrafos más relevantes en el ámbito de la arquitectura y el urbanismo. La relación entre este fotógrafo y la ciudad de Los Ángeles fue totalmente simbiótica. Casi toda su obra se centró en esta ciudad, abarcando desde la arquitectura experimental de Richard Neutra, los Eames, Pierre Koenig o John Lautner hasta el desarrollo urbanístico que sufrió al terminar la segunda guerra mundial y que la convirtió en la megalópolis de 18 millones de habitantes que es hoy. Aunque nació en Nueva York, Shulman se mudó a Los Ángeles con su familia a los diez años para aprovechar el crecimiento económico que ya empezaba a experimentar la ciudad. En aquel 1920, Los Ángeles contaba sólo con 900.000 habitantes. La ciudad creció considerablemente impulsada por la producción petrolífera, el comercio marítimo y el desarrollo de la industria aerospacial, biotécnica y del espectáculo. Todo este crecimiento se plasmó en nuevas promociones inmobiliarias y proyectos urbanísticos destinados a acoger a la ingente masa de personas que venía a vivir a Los Ángeles al calor de un trabajo asegurado. Shulman fue retratando a lo largo de toda su vida la

1. Casa Eames. LA, California, 1958. 2. Malin House Chemosphere, diseño de John Lautner. Hollywood, California. 1961. 3. Spencer House. Malibu, California. 1965. 4. Casa Case Study nº 22, diseño de Pierre Koenig. LA, California. 1960. 5. Teatro Academy. Inglewood, California. 1940.


adneo

Texto: Tachy Mora · Fotos: ©J. Paul Getty Trust

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transformación que iba sufriendo la ciudad, desde las casas de arquitectura experimental hasta sus nuevos paisajes industriales, la renovación de los barrios Bunker Hill y Century City o la evolución del Wilshire Boulevard. Una de las maravillas de su obra fotográfica son las imágenes que tomó del famoso programa experimental de casas “Case Study” que impulsara la revista Arts & Architecture a mediados de los años cuarenta, algunas de ellas realizadas por su amigo Richard Neutra. De hecho fue Neutra quien descubrió su talento convirtiéndose en su primer cliente ya que, siendo aún amateur, Shulman envió a Neutra unas fotos que había tomado de una casa que el arquitecto había diseñado en Hollywood para el periodista Josef Kun. Impresionado por las imágenes, Neutra le contrató inmediatamente para fotografiar nuevos proyectos, lanzando así una prolífica carrera. La exhibición en Madrid de las 146 fotos que reúne esta exposición, comisariada por Christopher James Alexander, ha sido posible gracias a la colaboración entre la Comunidad de Madrid y el Getty Research Institute, propietario del archivo fotográfico de Shulman.

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“Los Ángeles de Julius Shulman” se podrá ver hasta el 2 de mayo en la sala Canal de Isabel II de Madrid. Santa Engracia, 125. <www.madrid.org> 05

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JULIUS SHULMAN

FOTÓGRAFO DE ARQUITECTURA Y URBANISMO · EL MAYOR RETRATISTA DE LA CIUDAD DE LOS ÁNGELES · 146 FOTOGRAFÍAS SUYAS AHORA EN MADRID

Con motivo de que Los Ángeles ha sido este año la ciudad invitada en la feria de Arte Contemporáneo ARCO, que tuvo lugar el pasado febrero en Madrid, podremos ver en la capital española hasta el próximo mes de mayo una selección de fotografías de Julius Shulman, que a pesar de haber fallecido el pasado verano a los 98 años de edad, ha sido y será probablemente durante mucho tiempo, uno de los fotógrafos más relevantes en el ámbito de la arquitectura y el urbanismo. La relación entre este fotógrafo y la ciudad de Los Ángeles fue totalmente simbiótica. Casi toda su obra se centró en esta ciudad, abarcando desde la arquitectura experimental de Richard Neutra, los Eames, Pierre Koenig o John Lautner hasta el desarrollo urbanístico que sufrió al terminar la segunda guerra mundial y que la convirtió en la megalópolis de 18 millones de habitantes que es hoy. Aunque nació en Nueva York, Shulman se mudó a Los Ángeles con su familia a los diez años para aprovechar el crecimiento económico que ya empezaba a experimentar la ciudad. En aquel 1920, Los Ángeles contaba sólo con 900.000 habitantes. La ciudad creció considerablemente impulsada por la producción petrolífera, el comercio marítimo y el desarrollo de la industria aerospacial, biotécnica y del espectáculo. Todo este crecimiento se plasmó en nuevas promociones inmobiliarias y proyectos urbanísticos destinados a acoger a la ingente masa de personas que venía a vivir a Los Ángeles al calor de un trabajo asegurado. Shulman fue retratando a lo largo de toda su vida la

1. Casa Eames. LA, California, 1958. 2. Malin House Chemosphere, diseño de John Lautner. Hollywood, California. 1961. 3. Spencer House. Malibu, California. 1965. 4. Casa Case Study nº 22, diseño de Pierre Koenig. LA, California. 1960. 5. Teatro Academy. Inglewood, California. 1940.


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Texto: Tachy Mora · Fotos: MORGANE LE GALL

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NORMAL STUDIO EXPOSICIÓN EN EL MUSEO DE ARTES DECORATIVAS DE PARÍS · TERCERA ENTREGA DE UN CICLO DEDICADO AL MINIMALISMO CONTEMPORÁNEO · UN TRIBUTO AL ESTILO ELEMENTAL DE ESTA PAREJA DE DISEÑADORES

Después de haber expuesto en este mismo ciclo el trabajo de Konstantin Grcic y Jasper Morrison, Dominique Forest ha elegido para la tercera entrega de estas exposiciones sobre minimalismo contemporáneo al dúo de diseñadores franceses Normal Studio, integrado por Jean-François Dingjian y Eloi Chafaï. El primero estudió en la escuela de Artes Aplicadas de Saint-Étienne y tiene 44 años, mientras que el segundo acaba de traspasar la treintena, es parisino y llegó al diseño a través del graffiti. A pesar de su diferencia de edad, tras haber trabajado conjuntamente durante unos años decidieron fundar Normal Studio en 2006. Desde entonces su trabajo ha calado rápidamente en el circuito del diseño. Como ya avanzábamos en Neo2 hace justo ahora un año en una doble entrega sobre los nuevos rostros del panorama del diseño, Normal Studio pertenece a esa ola de diseñadores emergentes no jóvenes, es decir que o bien han empezado ya entrados en años a trabajar como diseñadores o bien se han dado a conocer ahora. Uno de sus trabajos más notables lo han hecho para Tolix, una empresa que trabaja desde principios del siglo 20 con hojas de metal. Normal Studio les ideó en 2009 una serie de piezas de mobiliario con ese mismo material con el que viene trabajando toda la vida esta empresa pero con un look de lo más moderno. En la imagen superior se puede ver una muestra. Otras piezas que incluirá esta exposición, titulada “Estudio Elemental”, son los taburetes Block diseñados en 2007 para ToolsGalerie (en la imagen redonda); las mesas auxiliares Ajours diseñadas en 2008 para Eno (sobre estas líneas a la izquierda), hechas en metal y MDF; y Diamond Boxes, una serie de lámparas inspiradas en los focos que se usan para fotografía expuestas en 2007 en Villa Noailles (sobre estas líneas a la derecha). “Normal Studio, Design Élémentair” se podrá ver del 8 de abril al 15 de agosto en el Museo de las Artes Decorativas de París. 107, rue de Rivoli. < www.lesartsdecoratifs.fr >


Texto: Tachy Mora · Fotos: Giovanna Silva y Sebastiano Pellion di Persano

adneo

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Inspirándose en el humidificador Fischietto que Achille Castiglioni diseñara en 1998 para Il Coccio, esta empresa italiana acaba de lanzar, junto con Giulio Iacchetti como director de arte, una colección de humidificadores que homenajean el estilo de aquella elegante pieza cerámica creada por Castiglioni. La colección está integrada por la re-edición del propio Fischietto (en imagen, colgado del radiador en cuarto lugar empezando por la izquierda) más otras ocho piezas en cuyo diseño han colaborado Fernando Brizio, Monica Förster, Alfredo Häberli, Patricia Urquiola, Alberto Meda, Marco Ferreri, Denis Santachiara y el propio Iacchetti. Como resultado la colección resulta homogénea y al mismo tiempo ecléctica, destilando en algunos casos la personalidad de cada diseñador. Así, empezando por las piezas que se encuentran en la imagen superior sobre el propio radiador, la primera por la izquierda es la diseñada por Urquiola. Se llama Travetta y funciona como una bandeja sobre la que se pueden colocar libros o un pequeño florero, aportando una función más aparte de la de humidificador. Después de Travetta se encuentra Float, la pieza de Fernando Brizio, cuyo satélite en forma de esfera de color negro indica el nivel de agua que queda. En tercer y cuarto lugar están la Fabbrica del vapore de Iacchetti y el Stromboli de Häberli, dos guiños muy del estilo de estos diseñadores: uno al humo de las fábricas y el otro al conocido volcán. Colgando del radiador, la primera pieza a la izquierda es el All Seasons de Alberto Meda, un diseño que sirve como humidificador en invierno y como florero en verano. Después están Zeppa y Clio, las piezas de Santachiara y Ferreri que se pueden colgar del radiador o colocar sobre éste, y en el caso particular de Zeppa entre el radiador y la pared. Cerrando la colección tras el Fischietto se encuentra la pieza de Förster, Milky way, que levita como un platillo volante. <www.ilcoccio.net>

AIRE MÁS PURO

COLECCIÓN DE HUMIDIFICADORES DE CERÁMICA · BASADA EN EL MODELO FISCHIETTO DE ACHILLE CASTIGLIONI · REALIZADA BAJO LA DIRECCIÓN DE ARTE DE GIULIO IACCHETTI


POR: TACHY MORA Y JAVIER ABIO

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EXTRAÑAS SORPRESAS EN LA FERIA DEL MUEBLE DE MILÁN ESTE AÑO. FRENTE A EMPRESAS QUE HAN IDO A POR TODAS SACANDO COLECCIONES BIEN CARGADITAS, OTRAS AGUANTABAN EL CHAPARRÓN DE LA CRISIS INTRODUCIENDO SENCILLAMENTE NUEVOS TAPIZADOS O COLORES. EN GENERAL, AMBIENTE DE CAUTELA. AUNQUE SE HA APRECIADO CLARAMENTE YA LA OSCILACIÓN HACIA UN NUEVO ESCENARIO.

HIGHLIGHTS MILAN

El nieto del fundador de Fiat, Lapo Elkann, ha diseñado una pequeña colección de tres piezas para Meritalia inspirada en el mundo del automóvil. Destaca la lámpara de cuelgue Wroom Wroom (1), hecha con viejos tubos de escape. Patricia Urquiola, por su parte, continúa con su afición por hacer guiños a épocas pasadas. Este año ha creado para Kartell la silla Comback (2), basada en el estilo Windsor inglés pero hecha totalmente de plástico. Y es que en esta edición de la Feria del Mueble de Milán han triunfado las sillas con inspiraciones clásicas, tradicionales o nórdicas. En especial de madera, como la Pinocchio (3) diseñada por Mats Theselius para la empresa sueca Källemo. También han surgido interesantes colaboraciones con empresas artesanas, como la lámpara Lighthouse (4) de los hermanos Bouroullec para Established & Sons con tulipa de cristal de Murano hecha por la firma Venini.

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POR: TACHY MORA Y JAVIER ABIO

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EXTRAÑAS SORPRESAS EN LA FERIA DEL MUEBLE DE MILÁN ESTE AÑO. FRENTE A EMPRESAS QUE HAN IDO A POR TODAS SACANDO COLECCIONES BIEN CARGADITAS, OTRAS AGUANTABAN EL CHAPARRÓN DE LA CRISIS INTRODUCIENDO SENCILLAMENTE NUEVOS TAPIZADOS O COLORES. EN GENERAL, AMBIENTE DE CAUTELA. AUNQUE SE HA APRECIADO CLARAMENTE YA LA OSCILACIÓN HACIA UN NUEVO ESCENARIO.

HIGHLIGHTS MILAN

El nieto del fundador de Fiat, Lapo Elkann, ha diseñado una pequeña colección de tres piezas para Meritalia inspirada en el mundo del automóvil. Destaca la lámpara de cuelgue Wroom Wroom (1), hecha con viejos tubos de escape. Patricia Urquiola, por su parte, continúa con su afición por hacer guiños a épocas pasadas. Este año ha creado para Kartell la silla Comback (2), basada en el estilo Windsor inglés pero hecha totalmente de plástico. Y es que en esta edición de la Feria del Mueble de Milán han triunfado las sillas con inspiraciones clásicas, tradicionales o nórdicas. En especial de madera, como la Pinocchio (3) diseñada por Mats Theselius para la empresa sueca Källemo. También han surgido interesantes colaboraciones con empresas artesanas, como la lámpara Lighthouse (4) de los hermanos Bouroullec para Established & Sons con tulipa de cristal de Murano hecha por la firma Venini.

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El furor por la sostenibilidad ha alcanzado este año cotas que en algunos casos dejaba mucho que desear. Frente a la desproporción y el vacío de determinadas propuestas, han resultado mucho más interesantes pequeñas acciones como la de la empresa holandesa Arco con su trío de mesas auxiliares Tre (1) diseñado por Jonas Trampedach, que se hacen con las sobras de madera de otras piezas. Como mesitas de centro, destacaron las Cage (2) de Gordon Guillaumier para Tacchini, con un empleo muy fino del mármol en su tablero. Y como mix, la mesilla Albino (7) de Salvatore Indriolo para Horm, con lámpara de noche incorporada. En cuanto a sofás, Arflex continúa recuperando su esplendor y así lo demostró con la elegante y sinuosa butaca Lips (4) diseñada por Carlo Colombo. Sinuosas fueron también las formas del acolchado del programa de asientos Offseat (5) de Sphaus. Diseñado por Lorenzo Longo y Alessio Romano, recuerda a las pistas de un circuito de Scalextric. Con un acolchado hexagonal, destacó también el programa Tea (6) diseñado por Estudihac para la española Sancal, firma que presentó una de las colecciones más sólidas de toda la feria. Por otro lado la editora francesa Moustache, que debutó el año pasado en plena crisis, lanzó también este año un montón de novedades entre las que sobresalía el perchero Bold (3) diseñado por los jóvenes Big-Game, que pretende ser la representación de la forma de una planta en código gráfico.


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El furor por la sostenibilidad ha alcanzado este año cotas que en algunos casos dejaba mucho que desear. Frente a la desproporción y el vacío de determinadas propuestas, han resultado mucho más interesantes pequeñas acciones como la de la empresa holandesa Arco con su trío de mesas auxiliares Tre (1) diseñado por Jonas Trampedach, que se hacen con las sobras de madera de otras piezas. Como mesitas de centro, destacaron las Cage (2) de Gordon Guillaumier para Tacchini, con un empleo muy fino del mármol en su tablero. Y como mix, la mesilla Albino (7) de Salvatore Indriolo para Horm, con lámpara de noche incorporada. En cuanto a sofás, Arflex continúa recuperando su esplendor y así lo demostró con la elegante y sinuosa butaca Lips (4) diseñada por Carlo Colombo. Sinuosas fueron también las formas del acolchado del programa de asientos Offseat (5) de Sphaus. Diseñado por Lorenzo Longo y Alessio Romano, recuerda a las pistas de un circuito de Scalextric. Con un acolchado hexagonal, destacó también el programa Tea (6) diseñado por Estudihac para la española Sancal, firma que presentó una de las colecciones más sólidas de toda la feria. Por otro lado la editora francesa Moustache, que debutó el año pasado en plena crisis, lanzó también este año un montón de novedades entre las que sobresalía el perchero Bold (3) diseñado por los jóvenes Big-Game, que pretende ser la representación de la forma de una planta en código gráfico.


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Patricia Urquiola mantiene su afán por recuperar recursos con una fuerte carga tradicional y emocional como el trenzado de caña

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Como decíamos al inicio, Urquiola mantiene su afán por recuperar recursos con una fuerte carga tradicional y emocional. En la página de la derecha, la silla Klara (6) diseñada para Moroso es otra muestra más de ello pues está inspirada en las primeras producciones en serie que se hicieron a principios del siglo 20. Se trata también de nuevo de una pieza hecha en colaboración con artesanos del trenzado de caña de la zona italiana de Manzano. Por su parte, Classicon ha completado su colección de diseños de Sergio Rodrigues con el genial banco Mucki (1), diseñado en 1958 por el brasileño. Gandia Blasco presentó también su primera colaboración con el diseñador valenciano Héctor Serrano: un taburete de polietileno denominado Air (2). En lo que se refiere a estanterías y almacenaje, la propuesta más interesante la lanzó Arflex con el programa Hillside (3) diseñado por los suecos Claesson Koivisto Rune. Se trata de una colección integrada por una serie de unidades de diferentes formas, incluidos trapecios, completamente irregulares. Sea cual sea la combinación que se le antoje al usuario, siempre tendrá aspecto de ladera. De este trío de diseñadores suecos era también la lámpara w101 (4) de Wästberg hecha con DuraPulp, un nuevo material con consistencia de papel. En iluminación destacó asimismo lo nuevo de Diesel en colaboración con Foscarini, en particular la lámpara Pet (5) con forma de garra de halcón.


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Patricia Urquiola mantiene su afán por recuperar recursos con una fuerte carga tradicional y emocional como el trenzado de caña

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Como decíamos al inicio, Urquiola mantiene su afán por recuperar recursos con una fuerte carga tradicional y emocional. En la página de la derecha, la silla Klara (6) diseñada para Moroso es otra muestra más de ello pues está inspirada en las primeras producciones en serie que se hicieron a principios del siglo 20. Se trata también de nuevo de una pieza hecha en colaboración con artesanos del trenzado de caña de la zona italiana de Manzano. Por su parte, Classicon ha completado su colección de diseños de Sergio Rodrigues con el genial banco Mucki (1), diseñado en 1958 por el brasileño. Gandia Blasco presentó también su primera colaboración con el diseñador valenciano Héctor Serrano: un taburete de polietileno denominado Air (2). En lo que se refiere a estanterías y almacenaje, la propuesta más interesante la lanzó Arflex con el programa Hillside (3) diseñado por los suecos Claesson Koivisto Rune. Se trata de una colección integrada por una serie de unidades de diferentes formas, incluidos trapecios, completamente irregulares. Sea cual sea la combinación que se le antoje al usuario, siempre tendrá aspecto de ladera. De este trío de diseñadores suecos era también la lámpara w101 (4) de Wästberg hecha con DuraPulp, un nuevo material con consistencia de papel. En iluminación destacó asimismo lo nuevo de Diesel en colaboración con Foscarini, en particular la lámpara Pet (5) con forma de garra de halcón.


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Konstantic Grcic ha diseñado este año la silla que acompañará a la mesa B de la colección Extrusions de BD, una complicada mesa con un sobre de aluminio que puede llegar a alcanzar hasta 360 cm y que se sostiene tan sólo sobre dos patas de madera. La silla B (1) también combina madera y aluminio en su estructura y destaca por su asiento abatible, que no sólo optimiza su apilamiento horizontal sino que además lo hace mucho más atractivo al quedar al descubierto la variedad de colores que esta silla esconde. Por otro lado, una de las rarezas de la feria ha sido la silla Robo (3) diseñada por Luca Nichetto para Offecct, un modelo con el respaldo y las patas separadas del asiento para cuya estética el diseñador se ha inspirado en los robots. Otra pieza que generó mucha curiosidad fue el taburete AP (2) de Shin Azumi para La Palma, un diseño hecho de una sola pieza de madera contrachapada que pone al límite las posibilidades de esta técnica. Rara por futurista resultó asimismo la colección de sofás Silver Lake (4) de Patricia Urquiola para Moroso, una estética poco habitual en la diseñadora asturiana. Inspirada en el modernismo californiano de los años cincuenta. A tenor del resultado Urquiola debería explorar más su lado vanguardista. Por último, una selección de nuestro guest editor, Jaime Hayon: la silla Branca (5) de Industrial Facility para Mattiazzi, que mezcla producción robotizada y artesanal.


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Konstantic Grcic ha diseñado este año la silla que acompañará a la mesa B de la colección Extrusions de BD, una complicada mesa con un sobre de aluminio que puede llegar a alcanzar hasta 360 cm y que se sostiene tan sólo sobre dos patas de madera. La silla B (1) también combina madera y aluminio en su estructura y destaca por su asiento abatible, que no sólo optimiza su apilamiento horizontal sino que además lo hace mucho más atractivo al quedar al descubierto la variedad de colores que esta silla esconde. Por otro lado, una de las rarezas de la feria ha sido la silla Robo (3) diseñada por Luca Nichetto para Offecct, un modelo con el respaldo y las patas separadas del asiento para cuya estética el diseñador se ha inspirado en los robots. Otra pieza que generó mucha curiosidad fue el taburete AP (2) de Shin Azumi para La Palma, un diseño hecho de una sola pieza de madera contrachapada que pone al límite las posibilidades de esta técnica. Rara por futurista resultó asimismo la colección de sofás Silver Lake (4) de Patricia Urquiola para Moroso, una estética poco habitual en la diseñadora asturiana. Inspirada en el modernismo californiano de los años cincuenta. A tenor del resultado Urquiola debería explorar más su lado vanguardista. Por último, una selección de nuestro guest editor, Jaime Hayon: la silla Branca (5) de Industrial Facility para Mattiazzi, que mezcla producción robotizada y artesanal.


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The

Oversize texto:

tachy mora

Fotos:

Katsuhisa Kida / Fototeca

En la sensación de ingravidez que producen los voladizos reside su poder de atracción. Pero es su tamaño, como una especie de metáfora de la virilidad, lo determinante para su espectacularidad. En general, un voladizo despampanante suele ser más propio de un edificio que de una vivienda particular. Pero en el caso de esta casa en Nagano (Japón), cual sencilla versión a la japonesa de la Fallingwater de Frank Lloyd Wright, el voladizo es capital. Tanto, que parece que hubiera mucha más superficie de tejado suspendido que metros cuadrados habitables. Los arquitectos, Tezuka Architects e Hirofumi Ohno, idearon un proyecto a petición de su cliente en el que todo el interior de la casa estuviera completamente conectado con el paisaje. Por eso cuenta con un sistema de puertas correderas que permiten que el total de la vivienda quede íntegramente conectada con el exterior. Este recurso es lo que refuerza la percepción


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Fotos:

Katsuhisa Kida / Fototeca

En la sensación de ingravidez que producen los voladizos reside su poder de atracción. Pero es su tamaño, como una especie de metáfora de la virilidad, lo determinante para su espectacularidad. En general, un voladizo despampanante suele ser más propio de un edificio que de una vivienda particular. Pero en el caso de esta casa en Nagano (Japón), cual sencilla versión a la japonesa de la Fallingwater de Frank Lloyd Wright, el voladizo es capital. Tanto, que parece que hubiera mucha más superficie de tejado suspendido que metros cuadrados habitables. Los arquitectos, Tezuka Architects e Hirofumi Ohno, idearon un proyecto a petición de su cliente en el que todo el interior de la casa estuviera completamente conectado con el paisaje. Por eso cuenta con un sistema de puertas correderas que permiten que el total de la vivienda quede íntegramente conectada con el exterior. Este recurso es lo que refuerza la percepción


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visual de que hubiera más tejado en voladizo que planta destinada al espacio habitable; con la continuidad que producen las puertas correderas, el espacio interior y exterior se confunden con facilidad. Estas puertas dejan al descubierto el salón pero también el baño e incluso el dormitorio, ubicado en la parte opuesta al comedor. Sólo un cuarenta por cierto del espacio interior de la casa está delimitado. Esta costumbre tan japonesa de dejar abiertos espacios tan íntimos como el dormitorio o el baño nunca dejará de sorprendernos; también la aparente vulnerabilidad de la casa, algo impensable por este lado del mundo. Otra peculiaridad es cómo se ilumina la vivienda cuando las puertas correderas están cerradas. El interior queda ciego al paisaje, no se puede ver nada del exterior. La luz entra entonces por unos muros acristalados que hacen de intermediarios entre el mecanismo de las puertas correderas y el tejado a dos aguas. Algunos tragaluces puntuales permiten también el paso de la luz. Un puntazo, por extremadamente simple, son las bombillas que penden de un hilo y que alumbran el salón o el porche que genera el voladizo. <www.tezuka-arch.com>


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visual de que hubiera más tejado en voladizo que planta destinada al espacio habitable; con la continuidad que producen las puertas correderas, el espacio interior y exterior se confunden con facilidad. Estas puertas dejan al descubierto el salón pero también el baño e incluso el dormitorio, ubicado en la parte opuesta al comedor. Sólo un cuarenta por cierto del espacio interior de la casa está delimitado. Esta costumbre tan japonesa de dejar abiertos espacios tan íntimos como el dormitorio o el baño nunca dejará de sorprendernos; también la aparente vulnerabilidad de la casa, algo impensable por este lado del mundo. Otra peculiaridad es cómo se ilumina la vivienda cuando las puertas correderas están cerradas. El interior queda ciego al paisaje, no se puede ver nada del exterior. La luz entra entonces por unos muros acristalados que hacen de intermediarios entre el mecanismo de las puertas correderas y el tejado a dos aguas. Algunos tragaluces puntuales permiten también el paso de la luz. Un puntazo, por extremadamente simple, son las bombillas que penden de un hilo y que alumbran el salón o el porche que genera el voladizo. <www.tezuka-arch.com>


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Texto: TACHY MORA Fotografías: FELIPE RIBBON, VÉRONIQUE HUYGUES y PHILIPPE LÉVY

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CONSTANCE GUISSET CONOCIDA EN EL MEDIO POR HABER SIDO DURANTE MUCHOS AÑOS LA ENCARGADA DE GESTIONAR LA PRENSA (ENTRE OTRAS COSAS) EN LA OFICINA DE LOS HERMANOS BOUROULLEC, CONSTANCE GUISSET ACABA DE FUNDAR ESTE AÑO SU PROPIO ESTUDIO DE DISEÑO EN PARÍS. CON UN PASADO LLENO DE SORPRESAS Y ESE TRAINING, LA POTENCIA DE SUS PRIMERAS PIEZAS NO ES DE EXTRAÑAR.

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En un principio dirigió sus estudios hacia la dirección de empresas, lo que le llevó a realizar un programa de intercambio en India. Después tuvo la oportunidad de trabajar en Tokio como asistente de un diputado japonés y más tarde, ya de vuelta en París, de gestionar una galería de arte contemporáneo. Al mismo tiempo trabajaba una vez a la semana con un carpintero, pues desde pequeña siempre le había gustado crear cosas con las manos. Un día tuvo claro que quería que la creación fuera el centro de su vida, así que se enroló en la Escuela Nacional Superior de Creación Industrial de París. Pero además, supo sacar partido de sus conocimientos aceptando un trabajo a media jornada como gestora en el despacho de los hermanos Bouroullec. Chica lista, menudo máster retribuido. “Lo primero que aprendí estando con ellos –cuenta– fue a tener paciencia y a cuidar mucho los detalles de un proyecto pues he sido testigo de su nivel de exigencia. Fue genial para mí sentirme independiente y a la vez muy responsable en este mundo, en el que paralelamente yo estaba empezando. Los hermanos me han hecho sentirme muy segura de mí misma a lo largo de estos años y yo

1/ Mecedora Dancing chair 2/ Jaula-pecera Mezzanine 3/ Lámpara Vértigo


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Texto: TACHY MORA Fotografías: FELIPE RIBBON, VÉRONIQUE HUYGUES y PHILIPPE LÉVY

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CONSTANCE GUISSET CONOCIDA EN EL MEDIO POR HABER SIDO DURANTE MUCHOS AÑOS LA ENCARGADA DE GESTIONAR LA PRENSA (ENTRE OTRAS COSAS) EN LA OFICINA DE LOS HERMANOS BOUROULLEC, CONSTANCE GUISSET ACABA DE FUNDAR ESTE AÑO SU PROPIO ESTUDIO DE DISEÑO EN PARÍS. CON UN PASADO LLENO DE SORPRESAS Y ESE TRAINING, LA POTENCIA DE SUS PRIMERAS PIEZAS NO ES DE EXTRAÑAR.

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En un principio dirigió sus estudios hacia la dirección de empresas, lo que le llevó a realizar un programa de intercambio en India. Después tuvo la oportunidad de trabajar en Tokio como asistente de un diputado japonés y más tarde, ya de vuelta en París, de gestionar una galería de arte contemporáneo. Al mismo tiempo trabajaba una vez a la semana con un carpintero, pues desde pequeña siempre le había gustado crear cosas con las manos. Un día tuvo claro que quería que la creación fuera el centro de su vida, así que se enroló en la Escuela Nacional Superior de Creación Industrial de París. Pero además, supo sacar partido de sus conocimientos aceptando un trabajo a media jornada como gestora en el despacho de los hermanos Bouroullec. Chica lista, menudo máster retribuido. “Lo primero que aprendí estando con ellos –cuenta– fue a tener paciencia y a cuidar mucho los detalles de un proyecto pues he sido testigo de su nivel de exigencia. Fue genial para mí sentirme independiente y a la vez muy responsable en este mundo, en el que paralelamente yo estaba empezando. Los hermanos me han hecho sentirme muy segura de mí misma a lo largo de estos años y yo

1/ Mecedora Dancing chair 2/ Jaula-pecera Mezzanine 3/ Lámpara Vértigo


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les estoy muy agradecida por ello”. Una de sus piezas más recientes es la lámpara Vertigo (3) que comercializa Petite Friture, joven editora francesa que se presentó el pasado enero en la feria Maison & Objet de París. Esta lámpara es reflejo de una sensibilidad especial. Pesa menos de medio kilo aún midiendo dos metros de diámetro, lo que la hace flotar en mitad de una estancia con una conmovedora ligereza y un vibrante protagonismo. Éste ha sido además uno de los diseños más interesantes vistos en la feria del mueble de Milán este año, donde el anterior Guisset también mostró su Dancing Chair (1). Hablando japonés como habla, tendría que presentar este diseño a los capos de Maruni. Guisset, que a sus 33 años fue distinguida el pasado Maison & Objet como Creadora del Año, también proyecta escenografías y espacios. Durante los Designer’s Days que tuvieron lugar el pasado junio en París, se encargó del diseño de los escaparates de las Galerías Lafayette. También en este evento otra nueva empresa francesa, Specimen, presentó una versión de su Duplex (7), un trabajo de ilusión óptica entre jaulas y peceras que ya hizo también con Mezzanine (2). Sin productor están aún el cubo de reciclaje Tri3 (5) y la lámpara Fiat Lux (4), cuyo interruptor funciona con un mecanismo magnético que hace que la bolita pequeña quede como satélite de la pantalla.

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<www.constanceguisset.com>

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4/ Lámpara Fiat Lux 5/ Contenedor de reciclaje Tri3 6/ Constance Guisset 7/ Jaula-pecera Duplex

El pasado enero, Guisset fue reconocida en la feria Maison & Objet de París como Creadora del Año 07

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les estoy muy agradecida por ello”. Una de sus piezas más recientes es la lámpara Vertigo (3) que comercializa Petite Friture, joven editora francesa que se presentó el pasado enero en la feria Maison & Objet de París. Esta lámpara es reflejo de una sensibilidad especial. Pesa menos de medio kilo aún midiendo dos metros de diámetro, lo que la hace flotar en mitad de una estancia con una conmovedora ligereza y un vibrante protagonismo. Éste ha sido además uno de los diseños más interesantes vistos en la feria del mueble de Milán este año, donde el anterior Guisset también mostró su Dancing Chair (1). Hablando japonés como habla, tendría que presentar este diseño a los capos de Maruni. Guisset, que a sus 33 años fue distinguida el pasado Maison & Objet como Creadora del Año, también proyecta escenografías y espacios. Durante los Designer’s Days que tuvieron lugar el pasado junio en París, se encargó del diseño de los escaparates de las Galerías Lafayette. También en este evento otra nueva empresa francesa, Specimen, presentó una versión de su Duplex (7), un trabajo de ilusión óptica entre jaulas y peceras que ya hizo también con Mezzanine (2). Sin productor están aún el cubo de reciclaje Tri3 (5) y la lámpara Fiat Lux (4), cuyo interruptor funciona con un mecanismo magnético que hace que la bolita pequeña quede como satélite de la pantalla.

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<www.constanceguisset.com>

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4/ Lámpara Fiat Lux 5/ Contenedor de reciclaje Tri3 6/ Constance Guisset 7/ Jaula-pecera Duplex

El pasado enero, Guisset fue reconocida en la feria Maison & Objet de París como Creadora del Año 07

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Texto: TACHY MORA

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NEWS METALARTE

NUESTRA EMPRESA MÁS MODERNA ACABA DE PRESENTAR SU ÚLTIMA COLECCIÓN EN LIGHT+BUILDING · JAIME HAYON Y MARIO RUIZ SE ENCUENTRAN ENTRE SU PLANTEL DE DISEÑADORES · DESTACA EL MODELO DE ROTOMOLDEO DE GEERT KOSTER

Light+Building es la feria de iluminación más potente de Europa. Se celebra cada dos años en Frankfurt, una periodicidad razonable pues permite a las empresas de este sector generar sus nuevas colecciones a un ritmo reposado. Su última edición fue el pasado abril y por un error de cálculo –o un cálculo malicioso– coincidió prácticamente en fechas con la feria del mueble de Milán, que es la más importante para quienes se mueven en el mundo del diseño. Mucha gente se vio en el conflicto de tener que decidir a cuál de las dos iba y al final tuvo más tirón la de Milán. Así que la última edición de Light+Building ha pasado, a la fuerza, un poco desapercibida este año. Por eso rescatamos aquí las novedades que presentó Metalarte. Una de sus particularidades en cada nueva colección es la cuidadosa selección de diseñadores y piezas que realiza su director de arte, Carlos Riera; una mezcla de talentos emergentes con diseñadores consagrados y de creadores de su entorno, Cataluña, con otros de muy diversas procedencias. La lista de su última entrega incluye a Jaime Hayon, Mario Ruiz, Itamar Burstein, Paul & Christopher Massie, Ramón Úbeda y Otto Canalda, Ferran Estela, Serraydelarocha y Geert Koster. Uno de sus diseñadores abonados, Jaime Hayon, está detrás de la lámpara Copacabana (en imagen sobre el titular y en la foto redonda). Se trata de toda una familia de lámparas con 3 modelos de suspensión, uno de pie y un aplique cuyo difusor está hecho de porcelana. Otra de las novedades destacadas ha sido el modelo diseñado por Geert Koster (sobre estas líneas). Se llama Mate y es una lámpara que sirve tanto para exterior como para interior. Está hecha con una estructura metálica pintada y un difusor de polietileno rotomoldeado, acabados ambos en blanco. < www.metalarte.com >


Texto: Tachy Mora

adneo

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Todo empezó con el lanzamiento del Sputnik en 1957. La conquista del espacio por parte del hombre generó un sentimiento de optimismo global, quizá hasta el momento único en la historia, que repercutió incluso en el mobiliario de la época. Ya lo pilláramos ahora… El optimismo, no el mobiliario. Bueno, las dos cosas porque muchísima gente siente añoranza aún hoy por los fantásticos diseños que surgieron en la época al fervor de la estética de las aeronaves espaciales. Sobre todo quienes crecimos rodeados de esos televisores, radios y tocatas con forma de casco de astronauta, los sofás redondeaditos como de nave espacial y las lámparas que parecían misiles o asteroides. Tanto es así que el diseño actual está plagado de referencias de aquel movimiento. Este verano el Design Museum de la Triennale de Milán dedica una exposición a las lámparas de mesa de esa época. ¡Quién no guarda todavía alguna medio chafada en algún sitio recóndito de un armario o en la casa de veraneo! Se trata de una recopilación de hasta sesenta modelos, algunos de ellos diseñados por grandes vanguardistas del momento como Joe Colombo, Vico Magistretti, Gino Sarfatti o Giotto Stoppino. Las piezas pertenecen en su mayoría a finales de los sesenta y principios de los setenta, etapa de mayor apogeo de la Space Age en el mobiliario y el interiorismo. Muchas de ellas son de plástico, material que sufrió un boom y que hizo posible la producción de ciertas formas complicadas en aquellos años. “Space Age Lights. Entre el gusto pop y el deseo de vanguardia” ha sido comisariada por Gianluca Sgalippa e incluye despampanantes modelos como los que podéis ver en estas imágenes. Arriba, lámpara de escritorio con bandeja, un modelo de 1974 diseñado en ABS y goma por Adalberto Dal Lago. Sobre el titular, modelo diseñado por Yonel Lebovici en 1971. Sobre estas líneas, lámpara Cobra diseñada por Elio Martinelli en 1968, cuyo cuerpo se gira permitiendo que la mitad de la lámpara se dé la vuelta (Foto: Fabrizio Marchesi). Hasta el 5 de septiembre en el Triennale Design Museum de Milán. <www.triennaledesignmuseum.it>

LUZ ESPACIAL UNA EXPOSICIÓN REÚNE HASTA 60 LÁMPARAS DE MESA DE LA SPACE AGE · UNO DE LOS MOVIMIENTOS MÁS INFLUYENTES DE LA HISTORIA DEL DISEÑO · ESTE VERANO, EN EL TRIENNALE DESIGN MUSEUM DE MILÁN


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Texto: Tachy Mora

PLAIN AIR

PURIFICADOR DE AIRE FUTURISTA DISEÑADO POR PATRICK NORGUET · DESARROLLADO POR TLV EN COLABORACIÓN CON PHILIPS Y AHLSTROM · POR 1.500A, AIRE PURO A ESPUERTAS Si te preocupa el aire que respiras y no te vale uno de esos aparatos que te venden en los grandes almacenes por 40A, esto te interesa. Este purificador de aire bautizado como Plain Air fue en un principio desarrollado para ambientes médicos por la empresa francesa TLV, especializada en equipamientos hospitalarios. Con el toque futurista que le ha dado a su estética Patrick Norguet, uno de los diseñadores de mobiliario más interesantes del panorama francés actual, el aparato ha ganado en atractivo para el espacio doméstico o para una pequeña oficina. Norguet tiene una cierta debilidad por las formas redondeadas y futuristas, no hay más que echar un vistazo a su colección de sillas. Con el refinado estilo industrial con el que ha dotado al Plain Air, el purificador parece emerger furtivamente de la pared para llevarse todo el aire impuro y después desaparecer, como en una película de ciencia ficción. Su diseño ha sido posible gracias a la tecnología en miniatura que tiene en su interior, que realiza tres tipos de purificación del aire. Por un lado elimina las partículas contaminantes que producen el síndrome del edificio enfermo, aquel que produce jaquecas, mareo y malestar en espacios cerrados. Por otro, desinfecta el aire de bacterias, mohos o virus. Y por último, desodoriza malos olores biológicos o químicos. Su tecnología ha sido desarrollada sirviéndose de recursos aportados por Philips y su efectividad ha sido testada por el Instituto Pasteur y por la universidad hospitalaria de Lyon. Por el momento, sólo hay disponible en el mercado una versión de pared pero la empresa está desarrollando ya otra móvil. <www.tlv.fr> <www.patricknorguet.com>

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Texto: Tachy Mora · Fotos: Miro Zagnoli

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En los últimos tiempos hemos visto cómo el mármol se ha ido colando a hurtadillas en las colecciones de mobiliario de las empresas más vanguardistas del sector. Incluso Cappellini lanzó su mesita auxiliar Bong en 2007 en un material que imitaba al mármol. Este año hemos podido constatar que este material está viviendo definitivamente un impulso, pues muchas de las empresas que exponían en la Feria del Mueble de Milán incluían en su nueva colección alguna propuesta en la que el mármol estaba presente, principalmente a modo de tablero pero también en los complementos. Lo que ha hecho la empresa de Verona Marsotto, que hasta la fecha venía elaborando productos básicos en mármol, es ir un poco más allá y no limitar el empleo de este material a un sólo elemento dentro de una pieza de mobiliario. Directamente ha realizado en colaboración con el diseñador inglés con estudio en Milán, James Irvine, una colección de muebles hechos totalmente en mármol de Carrara que han denominado Marsotto Edizioni. Para ello, Irvine se ha rodeado de algunos de los mejores diseñadores del momento como Konstantin Grcic, Naoto Fukasawa, Jasper Morrison, Thomas Sandell y Maddalena Casadei. Con este plantel era prácticamente imposible que la iniciativa resultara desdeñable, pero es que el resultado final ha sido tan potente que después de esto no creo que haya nadie que pueda pensar ya más en el mármol como un material rancio. En la imagen superior, banco Aspetta diseñado por Maddalena Casadei. Sobre estas líneas a la izquierda, mesa auxiliar Taksim diseñada por Konstantin Grcic. A la derecha, Consola Tilt diseñada por Thomas Sandell. <www.marsotto-edizioni.com>

HECHO EN MÁRMOL

COLECCIÓN DE MOBILIARIO EN MÁRMOL DE CARRARA · UN PROYECTO DE LA EMPRESA MARSOTTO Y EL DISEÑADOR JAMES IRVINE · CUENTA CON PIEZAS DE GRCIC, FUKASAWA Y MORRISON ENTRE OTROS


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Comisariada por Ralph Rugoff, director de la galería Hayward de Londres donde se ha podido ver por primera vez la exposición “The New Décor”, la muestra recopila hasta 80 trabajos de 36 artistas procedentes de 22 países diferentes, desde Suiza a Cuba. Se trata de un amplio espectro de artistas que exploran el diseño interior como un medio para reflejar los cambios culturales actuales, que abarcan desde el impacto de la globalización hasta las cada vez más indefinibles fronteras entre lo público y lo privado. Lo que une a todos estos artistas es su interés por transformar objetos que generalmente asociamos con la vida cotidiana –como una cama, una silla, una puerta o una lámpara– en algo extraordinario e incluso con un punto a veces misterioso. Asimismo, resulta extraordinario el claro posicionamiento del comisario en la denominación que da a través del título de la muestra a todas estas esculturas basadas en objetos cotidianos: nuevo diseño interior. Los trabajos que exploran el área de la iluminación son los más destacables de esta muestra. Así, por ejemplo, da la bienvenida al visitante una inmensa lámpara de araña realizada con deshechos de sillas, principalmente brazos y patas, obra del cuarteto vienés Gelitin.

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theNEW DECOR Texto: TACHY MORA Fotografías: David Levene

LOS DISEÑADORES SE HAN COLADO EN EL TERRENO DE LOS ARTISTAS A TRAVÉS DEL DESIGN-ART Y LOS ARTISTAS EN EL DE LOS DISEÑADORES TRABAJANDO EL MUNDO DE LOS ESPACIOS. BAJO LA DENOMINACIÓN “THE NEW DÉCOR”, UNA EXPOSICIÓN REÚNE INTERESANTES PROPUESTAS DE ESTE TIPO

1/ Untitled (Chandelier VII), obra de Yuichi Higashionna (2005). 2/ Smoke Spheres 2:4, obra de Angela Bulloch (2009). 3/ Vista de la sala donde se encuentra la tela de araña Some Broken Morning de Martin Boyce.


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Comisariada por Ralph Rugoff, director de la galería Hayward de Londres donde se ha podido ver por primera vez la exposición “The New Décor”, la muestra recopila hasta 80 trabajos de 36 artistas procedentes de 22 países diferentes, desde Suiza a Cuba. Se trata de un amplio espectro de artistas que exploran el diseño interior como un medio para reflejar los cambios culturales actuales, que abarcan desde el impacto de la globalización hasta las cada vez más indefinibles fronteras entre lo público y lo privado. Lo que une a todos estos artistas es su interés por transformar objetos que generalmente asociamos con la vida cotidiana –como una cama, una silla, una puerta o una lámpara– en algo extraordinario e incluso con un punto a veces misterioso. Asimismo, resulta extraordinario el claro posicionamiento del comisario en la denominación que da a través del título de la muestra a todas estas esculturas basadas en objetos cotidianos: nuevo diseño interior. Los trabajos que exploran el área de la iluminación son los más destacables de esta muestra. Así, por ejemplo, da la bienvenida al visitante una inmensa lámpara de araña realizada con deshechos de sillas, principalmente brazos y patas, obra del cuarteto vienés Gelitin.

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theNEW DECOR Texto: TACHY MORA Fotografías: David Levene

LOS DISEÑADORES SE HAN COLADO EN EL TERRENO DE LOS ARTISTAS A TRAVÉS DEL DESIGN-ART Y LOS ARTISTAS EN EL DE LOS DISEÑADORES TRABAJANDO EL MUNDO DE LOS ESPACIOS. BAJO LA DENOMINACIÓN “THE NEW DÉCOR”, UNA EXPOSICIÓN REÚNE INTERESANTES PROPUESTAS DE ESTE TIPO

1/ Untitled (Chandelier VII), obra de Yuichi Higashionna (2005). 2/ Smoke Spheres 2:4, obra de Angela Bulloch (2009). 3/ Vista de la sala donde se encuentra la tela de araña Some Broken Morning de Martin Boyce.


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También resulta bastante dramática la recreación de una enorme tela de araña hecha mediante tubos de neón, una obra del escocés Martin Boyce denominada Some Broken Morning. La exposición incluye también trabajos de Angela Bulloch, una de nuestras recientes guest-editor, quien suele trabajar en el campo de la iluminación. Los Carpinteros, un dúo cubano que también hemos reseñado recientemente en Neo2, están presentes en esta exposición con la pieza Cama; un enjambre de somieres y colchones entrelazados entre sí a modo de nudo de autopistas. Otras piezas destacables son el colchón Bed-Head acribillado a botones del escocés Jim Lambie, la cama hecha a base de cinturones de cuero negro de Monica Bonvicini o la alfombra Baluchi de Mona Hatoum deliberadamente desgastada formando un mapa del mundo sin fronteras, tema vital que preocupa a esta artista de origen palestino. Y sólo si eres chico, te enterarás de la intervención realizada en los cuartos de baño de hombre de la galería por los artistas escandinavos Elmgreen y Dragset, que han unido las tuberías de los dos lavamanos formando un bucle. La muestra “The New Décor” estará hasta el 5 de septiembre en la galería Hayward de Londres y tiene previsto viajar de octubre de 2010 a enero de 2011 al espacio The Garage de Moscú. <haywardgallery.org.uk>

A ESTOS ARTISTAS LES UNE UN INTERÉS POR TRANSFORMAR OBJETOS ASOCIADOS A LO COTIDIANO EN ALGO EXTRAORDINARIO 07

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4/ Vista de la intervención en los cuartos de baño de hombre de la propia galería Hayward por Elmgreen y Dragset . 5/ Vista de la sala donde se encuentran la obra Cama de Los Carpinteros así como la cama hecha a base de cinturones de cuero negro de Monica Bonvicini. 6/ A thing called gearbox, obra de Urs Fischer (2004). 7/ Chain Leather Swing, obra de Monica Bonvicini (2009).


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También resulta bastante dramática la recreación de una enorme tela de araña hecha mediante tubos de neón, una obra del escocés Martin Boyce denominada Some Broken Morning. La exposición incluye también trabajos de Angela Bulloch, una de nuestras recientes guest-editor, quien suele trabajar en el campo de la iluminación. Los Carpinteros, un dúo cubano que también hemos reseñado recientemente en Neo2, están presentes en esta exposición con la pieza Cama; un enjambre de somieres y colchones entrelazados entre sí a modo de nudo de autopistas. Otras piezas destacables son el colchón Bed-Head acribillado a botones del escocés Jim Lambie, la cama hecha a base de cinturones de cuero negro de Monica Bonvicini o la alfombra Baluchi de Mona Hatoum deliberadamente desgastada formando un mapa del mundo sin fronteras, tema vital que preocupa a esta artista de origen palestino. Y sólo si eres chico, te enterarás de la intervención realizada en los cuartos de baño de hombre de la galería por los artistas escandinavos Elmgreen y Dragset, que han unido las tuberías de los dos lavamanos formando un bucle. La muestra “The New Décor” estará hasta el 5 de septiembre en la galería Hayward de Londres y tiene previsto viajar de octubre de 2010 a enero de 2011 al espacio The Garage de Moscú. <haywardgallery.org.uk>

A ESTOS ARTISTAS LES UNE UN INTERÉS POR TRANSFORMAR OBJETOS ASOCIADOS A LO COTIDIANO EN ALGO EXTRAORDINARIO 07

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4/ Vista de la intervención en los cuartos de baño de hombre de la propia galería Hayward por Elmgreen y Dragset . 5/ Vista de la sala donde se encuentran la obra Cama de Los Carpinteros así como la cama hecha a base de cinturones de cuero negro de Monica Bonvicini. 6/ A thing called gearbox, obra de Urs Fischer (2004). 7/ Chain Leather Swing, obra de Monica Bonvicini (2009).


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1,2 y 5/ Colección Axor Bouroullec chair 3/ Bañera Geo Box, diseño de Ludovica y Roberto Palomba para Kos 4/ Bañera Cartesio, diseño de Benedini Associati para Agape

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wood idea! Texto: TACHY MORA

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NO ES NADA NUEVO QUE LA MADERA ESTÉ PRESENTE EN EL BAÑO, PERO SÍ DE LA MANERA EN QUE HAN EMPEZADO A INCLUIRLA MARCAS PUNTERAS EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS, CON UN LOOK ENTRE NÓRDICO Y JAPONÉS. ESTO, JUNTO CON LA APARICIÓN DE ELEMENTOS INTEGRADOS PARA EL ALMACENAJE, ES LO ÚLTIMO EN BAÑOS.

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1,2 y 5/ Colección Axor Bouroullec chair 3/ Bañera Geo Box, diseño de Ludovica y Roberto Palomba para Kos 4/ Bañera Cartesio, diseño de Benedini Associati para Agape

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wood idea! Texto: TACHY MORA

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NO ES NADA NUEVO QUE LA MADERA ESTÉ PRESENTE EN EL BAÑO, PERO SÍ DE LA MANERA EN QUE HAN EMPEZADO A INCLUIRLA MARCAS PUNTERAS EN LOS ÚLTIMOS TIEMPOS, CON UN LOOK ENTRE NÓRDICO Y JAPONÉS. ESTO, JUNTO CON LA APARICIÓN DE ELEMENTOS INTEGRADOS PARA EL ALMACENAJE, ES LO ÚLTIMO EN BAÑOS.

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1/ Lavabo diseñado por Jannis Ellenberger 2/ Colección Latis concebida por Thomas Coward, diseñador principal de la firma Omvivo 3/ Lavabo Ottocento XL, diseño de Benedini Associati para Agape 4/ Bañera Ofurò, diseño de Matteo Thun y Antonio Rodríguez para Rapsel

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Podría ser porque el ambiente doméstico se ha vuelto más continuo y presenta menos divisiones por lo que los elementos del baño cada vez se parecen menos a lo que desde siempre ha sido un baño y más a un salón e incluso un dormitorio. Prueba de ello es esta tendencia a incluir materiales cálidos en su mobiliario como es la madera natural. El resultado son ambientes con un toque neofolk, de formas afables a pesar de la alta tecnología que esconden detrás o de ciertos materiales sintéticos con los que forman tándem. Destacan las recientes colecciones Axor Bouroullec y Latis de la empresa australiana Omvivo. Ambos programas recrean un espacio en un punto intermedio entre el baño de una bucólica cabaña nórdica y el tradicional japonés, con toques de lo más contemporáneos. Por su parte, la colección de los hermanos Bouroullec para Axor presenta infinitas combinaciones para posicionar la grifería y los mandos en sus lavabos, duchas y bañeras, todos ellos dotados además de repisas. Del programa Latis de Omvivo resulta despampanante su angulosa bañera de superficie sólida –un material sintético comúnmente conocido bajo ésta denominación–, con un lado que descansa sobre una pequeña estantería de madera. De este mismo estilo es la bañera Cartesio diseñada por Benedini Associati para Agape, una pieza también disponible enteramente en la superficie sólida Cristalplant incluidos los estantes. Otra bañera que da mucho protagonismo a la madera natural es el modelo Geo Box de Kos diseñado por Ludovica y Roberto Palomba, encastrado directamente en un volumen rectangular hecho con éste material. Por su parte el modelo Ofurò, diseñado por Matteo Thun y Antonio Rodríguez para Rapsel, es una pieza de clara inspiración japonesa hecha completamente de madera. También para Agape, Benedini Associati ha diseñado la colección Ottocento cuyo lavabo XL alterna de nuevo Cristalplant con una sencilla estructura de madera. Una elección parecida a la de Jannis Ellenberger, quien presentó en el pasado salón de jóvenes diseñadores de la feria de Milán un modelo que también combina una estructura de madera con una superficie a modo de tablero realizada en Hi-Macs y que incluye las formas necesarias para generar un lavabo y sus complementos, desde la ranura para colgar la toalla hasta el contenedor del cepillo de dientes.

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1/ Lavabo diseñado por Jannis Ellenberger 2/ Colección Latis concebida por Thomas Coward, diseñador principal de la firma Omvivo 3/ Lavabo Ottocento XL, diseño de Benedini Associati para Agape 4/ Bañera Ofurò, diseño de Matteo Thun y Antonio Rodríguez para Rapsel

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Podría ser porque el ambiente doméstico se ha vuelto más continuo y presenta menos divisiones por lo que los elementos del baño cada vez se parecen menos a lo que desde siempre ha sido un baño y más a un salón e incluso un dormitorio. Prueba de ello es esta tendencia a incluir materiales cálidos en su mobiliario como es la madera natural. El resultado son ambientes con un toque neofolk, de formas afables a pesar de la alta tecnología que esconden detrás o de ciertos materiales sintéticos con los que forman tándem. Destacan las recientes colecciones Axor Bouroullec y Latis de la empresa australiana Omvivo. Ambos programas recrean un espacio en un punto intermedio entre el baño de una bucólica cabaña nórdica y el tradicional japonés, con toques de lo más contemporáneos. Por su parte, la colección de los hermanos Bouroullec para Axor presenta infinitas combinaciones para posicionar la grifería y los mandos en sus lavabos, duchas y bañeras, todos ellos dotados además de repisas. Del programa Latis de Omvivo resulta despampanante su angulosa bañera de superficie sólida –un material sintético comúnmente conocido bajo ésta denominación–, con un lado que descansa sobre una pequeña estantería de madera. De este mismo estilo es la bañera Cartesio diseñada por Benedini Associati para Agape, una pieza también disponible enteramente en la superficie sólida Cristalplant incluidos los estantes. Otra bañera que da mucho protagonismo a la madera natural es el modelo Geo Box de Kos diseñado por Ludovica y Roberto Palomba, encastrado directamente en un volumen rectangular hecho con éste material. Por su parte el modelo Ofurò, diseñado por Matteo Thun y Antonio Rodríguez para Rapsel, es una pieza de clara inspiración japonesa hecha completamente de madera. También para Agape, Benedini Associati ha diseñado la colección Ottocento cuyo lavabo XL alterna de nuevo Cristalplant con una sencilla estructura de madera. Una elección parecida a la de Jannis Ellenberger, quien presentó en el pasado salón de jóvenes diseñadores de la feria de Milán un modelo que también combina una estructura de madera con una superficie a modo de tablero realizada en Hi-Macs y que incluye las formas necesarias para generar un lavabo y sus complementos, desde la ranura para colgar la toalla hasta el contenedor del cepillo de dientes.

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Casa

tributo texto:

tachy mora

Fotos:

Frederik Vercruysse

Esta es la casa que se construyó el arquitecto Jan Van Den Berghe en los años ochenta a orillas del canal que une Mechelen con Bruselas, cerca de Amberes. La estructura en forma de pirámide era típica del Flandes de la época así como la combinación de madera y cemento o el empleo de juntas de aluminio coloreadas. Recientemente, el estudio DMVA se ha encargado de hacerle una remodelación en el interior a petición del propio arquitecto. Se trataba de adaptar el espacio para su hija, que además de vivir allí con su familia necesitaba un estudio-taller en el que trabajar para la firma de complementos que dirige, Awardt. El equipo formado por David Driesen, Tom Verschueren y Valerie Lonnoy decidieron a modo de tributo no hacer alteraciones radicales de la construcción sino respetar lo máximo posible la obra del arquitecto pero renovando y actualizando a fondo su interior. Con el objetivo de lograr más espacio y una iluminación más viva, sustituyeron la antigua escalera de cemento por


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Casa

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Fotos:

Frederik Vercruysse

Esta es la casa que se construyó el arquitecto Jan Van Den Berghe en los años ochenta a orillas del canal que une Mechelen con Bruselas, cerca de Amberes. La estructura en forma de pirámide era típica del Flandes de la época así como la combinación de madera y cemento o el empleo de juntas de aluminio coloreadas. Recientemente, el estudio DMVA se ha encargado de hacerle una remodelación en el interior a petición del propio arquitecto. Se trataba de adaptar el espacio para su hija, que además de vivir allí con su familia necesitaba un estudio-taller en el que trabajar para la firma de complementos que dirige, Awardt. El equipo formado por David Driesen, Tom Verschueren y Valerie Lonnoy decidieron a modo de tributo no hacer alteraciones radicales de la construcción sino respetar lo máximo posible la obra del arquitecto pero renovando y actualizando a fondo su interior. Con el objetivo de lograr más espacio y una iluminación más viva, sustituyeron la antigua escalera de cemento por


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otra de acero, más ligera y luminosa, en la que el color rojo es el predominante. Esta escalera de caracol recorre toda la casa mostrándose en cada piso de una manera diferente. Por ejemplo en la primera planta, antiguo taller del arquitecto y ahora taller también de su hija, la escalera permanece oculta dentro de un cilindro mientras que en otras plantas sus potentes escalones de color rojo quedan a la vista. Asimismo, para incrementar la luminosidad y crear transparencia, los arquitectos abrieron en el suelo orificios de cristal que permiten realizar avistamientos entre la primera y la segunda planta. Piso a piso, la segunda altura alberga la cocina y el salón, dotado con unas apacibles vistas panorámicas que dejan ver los barcos pasar por el canal. Aquí se ubica también el dormitorio principal y una zona de wellness mientras que en la tercera altura se encuentran las habitaciones de los niños. Arriba del todo, en la cúspide de la pirámide y a 12 metros del suelo, permanece inalterado el espacio de lectura e introspección diseñado por el arquitecto. <dmva-architecten.be>


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otra de acero, más ligera y luminosa, en la que el color rojo es el predominante. Esta escalera de caracol recorre toda la casa mostrándose en cada piso de una manera diferente. Por ejemplo en la primera planta, antiguo taller del arquitecto y ahora taller también de su hija, la escalera permanece oculta dentro de un cilindro mientras que en otras plantas sus potentes escalones de color rojo quedan a la vista. Asimismo, para incrementar la luminosidad y crear transparencia, los arquitectos abrieron en el suelo orificios de cristal que permiten realizar avistamientos entre la primera y la segunda planta. Piso a piso, la segunda altura alberga la cocina y el salón, dotado con unas apacibles vistas panorámicas que dejan ver los barcos pasar por el canal. Aquí se ubica también el dormitorio principal y una zona de wellness mientras que en la tercera altura se encuentran las habitaciones de los niños. Arriba del todo, en la cúspide de la pirámide y a 12 metros del suelo, permanece inalterado el espacio de lectura e introspección diseñado por el arquitecto. <dmva-architecten.be>


adneo

Texto: TACHY MORA

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1 y 2. Reproducción del coche Dymaxion #4 hecha en 2010 por Norman Foster. © Gregory Gibbons. 3. Bucky Fuller en 1980. 4. Cúpula geodésica de la Expo de Montreal, 1967. © R. Buckminster Fuller Papers, M1090, Dept. of Special Collections, Stanford University Libraries, Stanford, California 5. Coche Dymaxion nº 3, fotografiado en la Feria mundial de Chicago en el verano de 1934; el propio Buckminster Fuller se encuentra al volante. The works of Buckminster Fuller, © The Estate of R. Buckminster Fuller. 04

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BUCKY

POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA LA OBRA DEL VISIONARIO AMERICANO BUCKMINSTER FULLER · ARQUITECTO, DISEÑADOR, INGENIERO Y SOBRE TODO FILÓSOFO · PIONERO DE LA SOSTENIBILIDAD

Richard Buckminster Fuller (1895-1983), más conocido como Bucky Fuller, fue una de las figuras visionarias más trascendentales del siglo 20. Muy popular en los círculos relacionados con la arquitectura, donde desarrolló gran parte de sus investigaciones, es sin embargo un personaje poco conocido en otros ámbitos. Ahora, una exposición en el espacio madrileño Ivorypress Art + Books repasa toda su trayectoria de la mano de quien fuera uno de sus más estrechos colaboradores en la última etapa de su vida: el arquitecto británico Norman Foster. En colaboración con el también arquitecto español Luis Fernández-Galiano, ambos han comisariado una muestra que incluye desde dibujos, fotografías, objetos, esculturas, proyectos y documentales hasta una reproducción a escala del coche Dymaxion #4 diseñado por Fuller, así como un libro sobre el mismo. Bucky fue un autodidacta; abandonó sus estudios en la universidad de Harvard y se centró en el desarrollo de su pensamiento. La denominación Dymaxion, que usó para muchos de sus inventos, fue ideada por el departamento de relaciones públicas de los almacenes Marshall Field de Chicago donde Fuller expuso una de sus primeras casas unifamiliares en 1929. Este término surgió de unir las palabras que Fuller usaba más frecuentemente en sus explicaciones: Dynamics, maximum y tension. Sus coches Dymaxion, un híbrido de tres ruedas entre automóvil y avión, se anticiparon a cómo serían los vehículos urbanos del futuro. Sus estudios sobre la esfera y las mallas geodésicas darían lugar al Mapa Dymaxion, tan singular que la oficina de patentes estadounidense aceptó su registro; el primero de naturaleza cartográfica en 150 años. Su consagración le llegaría con el descubrimiento de las cúpulas geodésicas, formadas a partir de triángulos, hexágonos o cualquier otro polígono. Bucky exhibió una de estas construcciones esféricas en el pabellón de Estados Unidos de la Expo de Montreal de 1967, llamando la atención del mundo entero e iniciando finalmente la proliferación mundial de las cúpulas geodésicas tras más de veinte años de investigaciones. En la última etapa de su vida, Bucky se convirtió en un mito para el movimiento alternativo el cual adoptó las cúpulas geodésicas como una forma de habitar el planeta mostrando optimización de recursos y respeto por el medio ambiente, dos de las cuestiones que más preocupaban a este visionario que solía referirse a nuestro planeta como “la nave espacial Tierra”. “Bucky Fuller & Spaceship Earth”. Hasta el 30 de octubre en Ivorypress Art + Books. Comandante Zorita, 48. Madrid. < www.ivorypress.com >


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Texto: TACHY MORA

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1 y 2. Reproducción del coche Dymaxion #4 hecha en 2010 por Norman Foster. © Gregory Gibbons. 3. Bucky Fuller en 1980. 4. Cúpula geodésica de la Expo de Montreal, 1967. © R. Buckminster Fuller Papers, M1090, Dept. of Special Collections, Stanford University Libraries, Stanford, California 5. Coche Dymaxion nº 3, fotografiado en la Feria mundial de Chicago en el verano de 1934; el propio Buckminster Fuller se encuentra al volante. The works of Buckminster Fuller, © The Estate of R. Buckminster Fuller. 04

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BUCKY

POR PRIMERA VEZ EN ESPAÑA LA OBRA DEL VISIONARIO AMERICANO BUCKMINSTER FULLER · ARQUITECTO, DISEÑADOR, INGENIERO Y SOBRE TODO FILÓSOFO · PIONERO DE LA SOSTENIBILIDAD

Richard Buckminster Fuller (1895-1983), más conocido como Bucky Fuller, fue una de las figuras visionarias más trascendentales del siglo 20. Muy popular en los círculos relacionados con la arquitectura, donde desarrolló gran parte de sus investigaciones, es sin embargo un personaje poco conocido en otros ámbitos. Ahora, una exposición en el espacio madrileño Ivorypress Art + Books repasa toda su trayectoria de la mano de quien fuera uno de sus más estrechos colaboradores en la última etapa de su vida: el arquitecto británico Norman Foster. En colaboración con el también arquitecto español Luis Fernández-Galiano, ambos han comisariado una muestra que incluye desde dibujos, fotografías, objetos, esculturas, proyectos y documentales hasta una reproducción a escala del coche Dymaxion #4 diseñado por Fuller, así como un libro sobre el mismo. Bucky fue un autodidacta; abandonó sus estudios en la universidad de Harvard y se centró en el desarrollo de su pensamiento. La denominación Dymaxion, que usó para muchos de sus inventos, fue ideada por el departamento de relaciones públicas de los almacenes Marshall Field de Chicago donde Fuller expuso una de sus primeras casas unifamiliares en 1929. Este término surgió de unir las palabras que Fuller usaba más frecuentemente en sus explicaciones: Dynamics, maximum y tension. Sus coches Dymaxion, un híbrido de tres ruedas entre automóvil y avión, se anticiparon a cómo serían los vehículos urbanos del futuro. Sus estudios sobre la esfera y las mallas geodésicas darían lugar al Mapa Dymaxion, tan singular que la oficina de patentes estadounidense aceptó su registro; el primero de naturaleza cartográfica en 150 años. Su consagración le llegaría con el descubrimiento de las cúpulas geodésicas, formadas a partir de triángulos, hexágonos o cualquier otro polígono. Bucky exhibió una de estas construcciones esféricas en el pabellón de Estados Unidos de la Expo de Montreal de 1967, llamando la atención del mundo entero e iniciando finalmente la proliferación mundial de las cúpulas geodésicas tras más de veinte años de investigaciones. En la última etapa de su vida, Bucky se convirtió en un mito para el movimiento alternativo el cual adoptó las cúpulas geodésicas como una forma de habitar el planeta mostrando optimización de recursos y respeto por el medio ambiente, dos de las cuestiones que más preocupaban a este visionario que solía referirse a nuestro planeta como “la nave espacial Tierra”. “Bucky Fuller & Spaceship Earth”. Hasta el 30 de octubre en Ivorypress Art + Books. Comandante Zorita, 48. Madrid. < www.ivorypress.com >


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Texto: Tachy Mora · Fotos: Osamu Watanabe

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1. Vista de la Nature Book Lounge. 2 y 3. Instalación Forest From Forest de Takashi Kuribayashi. 4. Instalación Snow de Tokujin Yoshioka. 03

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SENSING NATURE

TREMENDAS INSTALACIONES DE TOKUJIN YOSHIOKA, TARO SHINODA Y TAKASHI KURIBAYASHI · TRIBUTO AL COSMOS Y LA NATURALEZA · EN EL MORI ART MUSEUM DE TOKIO

Nuestro guest editor de este número, el diseñador Alfredo Häberli, nos ha desvelado entre otras muchas cosas que uno de sus colegas favoritos de profesión es el japonés Tokujin Yoshioka. Éste ha trabajado como diseñador industrial para Kartell, Driade o Moroso, pero desarrolla una profunda experimentación en cada proyecto, así que es más un diseñador conceptual que industrial y ahí es donde reside precisamente su valor. Yoshioka acaba de presentar una imponente instalación en el Museo Mori Art de Tokio que recrea una tormenta de nieve. La obra se encuadra dentro de la exposición “Sensing Nature”, en la que también han participado los artistas Taro Shinoda y Takashi Kuribayashi con sus correspondientes mega instalaciones. La muestra gira en torno a lo que los japoneses vienen interpretando tradicionalmente como “Nature”, un concepto que va más allá de lo natural y de la naturaleza abarcando todo el cosmos y un sentimiento de espiritualidad añadido. Yoshioka ha presentado varias obras para esta exposición basadas en elementos procedentes de la naturaleza, algo muy habitual en él pues generalmente trabaja con conceptos como el agua y la luz o fenómenos naturales como la cristalización, los tornados y la nieve. De hecho, esta instalación enorme que ha diseñado para el Mori Art ya tuvo su origen en un trabajo similar que realizó en 1997 cuando trabajaba para Issey Miyake. Yoshioka ha conseguido recrear los mutantes copos de una tormenta de nieve usando plumas. En otras instalaciones anteriores, como en el showroom de Kartell de Milán durante el pasado Salón del Mueble, ya había representado a tamaño gigante la estructura cristalizada de un copo así como el interior de un tornado en 2007 para el evento Design Miami. En “Sensing Nature” destaca además la instalación Forest From Forest de Takashi Kuribayashi, que recrea un bosque japonés hecho con papel. La muestra finaliza en una sala, que se ha denominado Nature Book Lounge, para la que la biblioteca Academyhills Roppongi ha cedido hasta 600 libros que tratan este concepto ancestral de lo natural en Japón. “Sensing Nature”, hasta el 7 de Noviembre en el Mori Art Museum. 53F Roppongi Hills Mori Tower, 6-10-1 Roppongi, Minato-ku, Tokio (Japón). < www.mori.art.museum >


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Texto: Tachy Mora · Fotos: Osamu Watanabe

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1. Vista de la Nature Book Lounge. 2 y 3. Instalación Forest From Forest de Takashi Kuribayashi. 4. Instalación Snow de Tokujin Yoshioka. 03

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SENSING NATURE

TREMENDAS INSTALACIONES DE TOKUJIN YOSHIOKA, TARO SHINODA Y TAKASHI KURIBAYASHI · TRIBUTO AL COSMOS Y LA NATURALEZA · EN EL MORI ART MUSEUM DE TOKIO

Nuestro guest editor de este número, el diseñador Alfredo Häberli, nos ha desvelado entre otras muchas cosas que uno de sus colegas favoritos de profesión es el japonés Tokujin Yoshioka. Éste ha trabajado como diseñador industrial para Kartell, Driade o Moroso, pero desarrolla una profunda experimentación en cada proyecto, así que es más un diseñador conceptual que industrial y ahí es donde reside precisamente su valor. Yoshioka acaba de presentar una imponente instalación en el Museo Mori Art de Tokio que recrea una tormenta de nieve. La obra se encuadra dentro de la exposición “Sensing Nature”, en la que también han participado los artistas Taro Shinoda y Takashi Kuribayashi con sus correspondientes mega instalaciones. La muestra gira en torno a lo que los japoneses vienen interpretando tradicionalmente como “Nature”, un concepto que va más allá de lo natural y de la naturaleza abarcando todo el cosmos y un sentimiento de espiritualidad añadido. Yoshioka ha presentado varias obras para esta exposición basadas en elementos procedentes de la naturaleza, algo muy habitual en él pues generalmente trabaja con conceptos como el agua y la luz o fenómenos naturales como la cristalización, los tornados y la nieve. De hecho, esta instalación enorme que ha diseñado para el Mori Art ya tuvo su origen en un trabajo similar que realizó en 1997 cuando trabajaba para Issey Miyake. Yoshioka ha conseguido recrear los mutantes copos de una tormenta de nieve usando plumas. En otras instalaciones anteriores, como en el showroom de Kartell de Milán durante el pasado Salón del Mueble, ya había representado a tamaño gigante la estructura cristalizada de un copo así como el interior de un tornado en 2007 para el evento Design Miami. En “Sensing Nature” destaca además la instalación Forest From Forest de Takashi Kuribayashi, que recrea un bosque japonés hecho con papel. La muestra finaliza en una sala, que se ha denominado Nature Book Lounge, para la que la biblioteca Academyhills Roppongi ha cedido hasta 600 libros que tratan este concepto ancestral de lo natural en Japón. “Sensing Nature”, hasta el 7 de Noviembre en el Mori Art Museum. 53F Roppongi Hills Mori Tower, 6-10-1 Roppongi, Minato-ku, Tokio (Japón). < www.mori.art.museum >


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Texto: TACHY MORA

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FRENCH MOBI BOOM

EL MUSEO DE ARTES DECORATIVAS DE PARÍS DEDICA UNA EXPOSICIÓN AL MOBILIARIO DE SUS TREINTA AÑOS GLORIOSOS · UNA GRAN MUESTRA CON PIERRE CHARPIN DETRÁS DE SU DISEÑO EXPOSITIVO · INCLUYE LEGENDARIAS PIEZAS DE ROCHE BOBOIS O LIGNE ROSET

El número 107 de la rue de Rivoli acogerá a partir de este septiembre una exposición sobre el mobiliario diseñado en Francia entre 1945 y 1975, fructífero periodo que se ha venido a denominar como los Treinta Gloriosos, en el que muchos países experimentaron un gran crecimiento económico. Haciendo un juego de palabras con el Baby Boom que acarreó aquel auge económico, la exposición “Mobi Boom: La explosión del diseño en Francia 1945-1975” recopila las piezas de mobiliario más interesantes surgidas con motivo de la democratización de la producción, la fabricación del mobiliario en serie, la aparición de nuevos materiales y la creación de nuevos canales de distribución. En este periodo surgieron por ejemplo la mesa de centro, el sofá-cama, los muebles multifuncionales o los aparadores para la televisión. La exposición diferencia dos etapas dentro de este periodo: una racionalista que abarca hasta mediados de los años sesenta y otra más utópica que iniciaría su declive con la crisis de 1973. Estéticamente no tienen nada que ver; la primera es totalmente minimalista mientras que la segunda es toda una explosión hedonista. Para apreciar la diferencia no hay más que poner el mueble-bar para la televisión de la imagen, diseño de Antoine Philippon y Jacqueline Lecoq de 1958-1959, al lado del sofá Togo de 1973 de Michel Ducaroy, recientemente editado por Lignet Roset con telas diseñadas por Cristian Zuzunaga (en la imagen redonda). Semejante boom fue posible no sólo por la aparición de nuevos materiales como la formica, la espuma y el plástico, sino también gracias a la creatividad de gente como Charlotte Perriand, Pierre Paulin o Hans Hopfer y el empuje de empresas familiares consagradas a la producción de mobiliario contemporáneo como Roche Bobois o Ligne Roset. Del 23 de septiembre al 2 de enero de 2011 en el Museo de Artes Decorativas de París. < www.lesartsdecoratifs.fr >


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Texto: TACHY MORA

¡Y TAN APETECIBLES!

HASTA SELFRIDGES ENCUENTRA INSPIRACIÓN EN EL SALÓN DEL MUEBLE DE MILÁN PARA SUS ESCAPARATES

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En la imagen redonda: Diseño inspirado en la canción Stars, de The XX. Proyecto Sounds of the Mind. En el resto de imágenes, The Desirables.

The Desirables es el nombre del último proyecto con el que los grandes almacenes londinenses Selfridges ha tratado de llamar la atención de los transeúntes de la mega transitada Oxford Street. Un diseño que, según explica la firma, tomó parte de su inspiración de la última edición del Salón del Mueble de Milán. Habiendo detectado una vuelta a lo más simple y sencillo en varios campos como la moda, el arte y por supuesto el diseño, el equipo de escaparatismo de Selfridges ideó para The Desirables unas escenas muy sencillas realizadas con elementos tan básicos como listones de madera. Y es que una de las tendencias que ya viene detectándose desde hace un par de ediciones del Salón de Milán, y hasta tres, es precisamente esta vuelta a la madera ruda en el diseño de mobiliario. Así que, construcciones de listones, ladrillos pintados de blanco en el suelo y bombillas colgando de su propio cable han vestido la pasada rentrée los escaparates de Selfridges. Cada ventana honraba un solo objeto; un objeto de lo más deseable y apetecible. Selfridges se trabaja mucho sus escaparates, al estilo refinado y conmovedor japonés. La pasada temporada enroló a 10 músicos en su diseño. El proyecto se llamó Sounds of the Mind y en él participó desde Florence and the Machine hasta Charlotte Gainsbourg. < www.selfridges.com >


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Texto: TACHY MORA

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TECNO ARTESANÍA

TECHNOCRAFT, UNA MUESTRA SOBRE LA TENDENCIA A LA PERSONALIZACIÓN DE LOS OBJETOS · DEBUT COMO COMISARIO DEL DISEÑADOR YVES BÉHAR, FUNDADOR DE FUSEPROJECT

Primero abrazamos con delirio las producciones masivas, pues hicieron que todos tuviéramos de todo y más. Cuando ya tuvimos de todo, y además todo nuestro todo era igual que el del vecino, entonces llegó la desidia... y así fue como volvimos a querer un entorno menos despersonalizado, que pudiéramos dotar de carácter con ingenio y nuestras propias manos y con el que, en consecuencia, conectáramos emocionalmente. Por ello, un cierto grupo de diseñadores, empresas, emprendedores y particulares en general vienen desarrollando en los últimos tiempos proyectos e ideas alternativas capaces de cubrir nuestra actual necesidad de expresión y personalización. Yves Béhar se ha pasado 18 meses recopilando las propuestas más interesantes de este tipo para la exposición Technocraft, que se inaugura este verano en el Yerba Buena Center for the Arts (YBCA) de San Francisco. La muestra abarca desde productos diseñados directamente para ser personalizados por el propietario, hasta programas que permiten al consumidor convertirse en el diseñador que da el toque final a un producto. Encontramos en la selección la banqueta Tab (sobre el titular) de 5.5 Designers, que no tiene asiento pues se lo hace uno mismo con un cojín; You Make It Chandelier (en la imagen redonda), lámpara de araña que Lindsey Adelman te explica como hacer desde su web; Y una silla de los Eames (sobre estas líneas), personalizada por el propio estudio de Béhar. Del 10 de julio al 3 de octubre en el Yerba Buena Center for the Arts (YBCA) de San Francisco. <www.ybca.org><www.fuseproject.com>


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Texto: TACHY MORA

LOOK JAPONES

BORJA GARCIA DISEÑA UNA TARTERA Y UNA VAJILLA DESECHABLE DE MARCADA INSPIRACIÓN NIPONA

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El joven diseñador valenciano Borja García ha realizado recientemente una interesante colaboración con la empresa de Zaragoza, Araven, especializada en menaje doméstico y hostelero. Por un lado ha diseñado la vajilla desechable Nature (en imagen, junto a estas líneas), concebida siguiendo las últimas tendencias de cocina. Resulta ideal para un catering de alta gama o, en el plano casero, para quedarte del todo con tus invitados. En un sector en el que, como apunta el propio diseñador, abunda una desordenada variedad de morfologías, se agradece una propuesta estilosa como ésta que fusiona una delicada estética japonesa con las necesidades formales de la nueva cocina mediterránea de vanguardia. A pesar de su acabado sintético, está hecha en un poliestireno de alta densidad que le otorga una gran presencia y brillo. Además, está disponible con acabado transparente o en color negro. Por otro lado, para una nueva marca promovida por la propia Araven denominada Omami, Borja García ha diseñado un set de tarteras herméticas que recuerdan a las cajas Bento de la comida japonesa. Una colección muy cosmopolita que además lleva escritas sobre su frontal leyendas del tipo “Meat Packing District New York”, “Ginza Tokyo” o “Hyde Park London”.

< www.borjagarcia.es >


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Texto: TACHY MORA

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COCINAS DE MUSEO UNA EXPOSICIÓN EN EL MOMA REPASA LA TRANSFORMACIÓN DEL DISEÑO DE LAS COCINAS DURANTE EL SIGLO 20 · DESDE LOS PRIMEROS MODELOS CON EL ALMACENAMIENTO INTEGRADO A LA LLEGADA DE TUPPERWARE · TAMBIEN INCLUYE TRABAJOS ARTÍSTICOS

Izquierda arriba: Sartén en cristal borosilicato de la empresa Coming Glass (1942). Izquierda abajo: Póster para la exposición “La cocina práctica”, diseñado por Helene Haasbauer-Wallrath (Basilea, 1930). Derecha en grande: Robot de cocina de Braun (1957). En la imagen redonda: Bol diseñado por Kenneth Brozen para Robinson, Lewis and Rubin (1963).

Bajo el título “Counter Space: Design and the Modern Kitchen” la exposición refleja cómo los cambios ideológicos o tecnológicos sufridos a lo largo del siglo 20 tuvieron también su impacto en el diseño de las cocinas de cada época. Si hasta el momento había sido un espacio de poca relevancia, incluso relegado a los bajos de las casas, a lo largo del siglo 20 la cocina se fue convirtiendo progresivamente en una de las áreas en la que los diseñadores han experimentado más, investigando nuevas fórmulas de optimización, nuevos materiales y nuevos utensilios. La exposición se organiza en torno a la reciente adquisición del MoMA de un modelo de la icónica “Frankfurt Kitchen” diseñada entre 1926 y 1927 por Margarete Schütte-Lihotzky. Miles de estas cocinas fueron producidas e instaladas en las viviendas públicas de la Alemania de Entreguerras como parte de un programa de optimizadas casas de bajo coste para la clase trabajadora que contemplaba espacios mejor diseñados, compactos y bien aprovechados, que en el caso de la cocina incluía todo tipo de almacenamiento para los utensilios así como las diferentes superficies de trabajo. Desde este embrión, la cocina ha modificado mucho su paisaje debido a cuestiones como la higiene, la ergonomía, la funcionalidad, la tecnología, la innovación o la necesidad de compactación. También sus utensilios han sufrido una importante transformación, recopilados para esta exposición algunos de los más icónicos. Del 15 de septiembre al 14 de marzo de 2011 en el MoMA de Nueva York. <www.moma.org>


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Texto: TACHY MORA

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DISEÑADO EN HONG KONG DESCUBRE EL LENGUAJE ACTUAL DEL DISEÑO CHINO A TRAVÉS DE LA FIRMA DE PRODUCTOS PARA LA MESA JIA

La grafía utilizada en la escritura china para la palabra “casa” representa la forma de un tejado y un cerdo, un animal muy querido en este país símbolo de buena comida y fortuna. Esta asociación de ideas, casa y comida, pone de manifiesto al mismo tiempo la importancia de la mesa en la cultura china. La pronunciación y transcripción de este carácter a nuestro alfabeto sería JIA, nombre que ha adoptado esta nueva marca que surgió en 2007 en Hong Kong con el objetivo de explorar un nuevo lenguaje contemporáneo aplicado a los utensilios chinos tradicionalmente usados en la mesa. Concebidos por creativos del país pero también por diseñadores de otras áreas como Suiza, Alemania, Italia o Escocia, las primeras piezas que ha lanzado esta empresa sorprenden por la interesante fusión que realizan de conceptos y referencias tanto orientales como occidentales. Destaca el (1) Steamer Set de la colección Ding diseñada por Office of Product Design, que sustituye la tradicional base de bambú de las cestas de cocinar al vapor por otra de terracota que ayuda a prevenir la humedad y no deja que los alimentos se adhieran a la base. También resultan interesantes el juego de utensilios para comer marisco de la serie (2) Calligraphy diseñado por Wong Chi Fung así como el set para aperitivos o postres (4) Dou Plate y el de tapasdegustación (3) Emptiness diseñados por Kate Chung. <www.jia-inc.com>


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VALENCIA BRAND NEW Editor: JAVIER ABIO Texto: TACHY MORA

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Con pocos días de diferencia con respecto a Londres, Valencia celebró su semana del diseño. Igual que el británico, éste ha sido siempre el evento ideal para saber qué se estaba cociendo en el diseño local. Aunque en los últimos tiempos andaba en horas bajas, parece que por fin la cosa remonta

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1/ Bolsa Glueline, diseño de Óscar Díaz. Exposición Zoco. 2/ Rocking teapot, diseño de Betina Piqueras. Designboom Mart. 3/ Silla club Bob con reposapiés, un diseño de Hella Jongerius para Kettal. Zona Red. 4/ Luminaria Yunca, un diseño de Proyecto Revival para La Mediterránea. Exposición Revival. 5/ Sofá Tea, diseño de estudihac para Sancal. Zona Red. 6/ Mesa auxiliar Bell, diseño de Sebastian Herkner para Abr. Zona Red. 7/ Taburete Eiffel, diseño de Shijeki Fujishiro para RS. Zona Red.

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El esfuerzo de los valencianos por devolver la vida a una feria que en su día fue una cita muy importante en el calendario europeo de eventos del diseño pero que últimamente andaba moribunda, está siendo más que loable. Cuando algo está moribundo, como con pena pudimos ver el año pasado, casi lo mejor es darle la puntilla para sufrir lo menos posible. Pero los valencianos no se han resignado y este año han hecho todo lo posible para remontar el evento. La buena noticia es que parece que, si siguen por el camino que han enfilado, igual hasta lo consiguen. Por un lado, en el propio recinto ferial, la nueva asociación de empresas españolas del sector del hábitat Red habilitó una gran zona en la que sus firmas asociadas mostraron sus nuevas colecciones al mismo tiempo que tenían lugar conferencias, mesas redondas y encuentros entre profesionales del diseño. El espacio consistía más en vivir una experiencia que en mostrar producto tal cual al viejo estilo de un stand tras otro. Esto, junto con una exposición retrospectiva sobre el trabajo de la diseñadora asturiana afincada en Milán Patricia Urquiola, modificó completamente la perspectiva del pabellón de diseño contemporáneo de la Feria Hábitat Valencia, ofreciendo una alternativa novedosa al aburrido


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Con pocos días de diferencia con respecto a Londres, Valencia celebró su semana del diseño. Igual que el británico, éste ha sido siempre el evento ideal para saber qué se estaba cociendo en el diseño local. Aunque en los últimos tiempos andaba en horas bajas, parece que por fin la cosa remonta

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1/ Bolsa Glueline, diseño de Óscar Díaz. Exposición Zoco. 2/ Rocking teapot, diseño de Betina Piqueras. Designboom Mart. 3/ Silla club Bob con reposapiés, un diseño de Hella Jongerius para Kettal. Zona Red. 4/ Luminaria Yunca, un diseño de Proyecto Revival para La Mediterránea. Exposición Revival. 5/ Sofá Tea, diseño de estudihac para Sancal. Zona Red. 6/ Mesa auxiliar Bell, diseño de Sebastian Herkner para Abr. Zona Red. 7/ Taburete Eiffel, diseño de Shijeki Fujishiro para RS. Zona Red.

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El esfuerzo de los valencianos por devolver la vida a una feria que en su día fue una cita muy importante en el calendario europeo de eventos del diseño pero que últimamente andaba moribunda, está siendo más que loable. Cuando algo está moribundo, como con pena pudimos ver el año pasado, casi lo mejor es darle la puntilla para sufrir lo menos posible. Pero los valencianos no se han resignado y este año han hecho todo lo posible para remontar el evento. La buena noticia es que parece que, si siguen por el camino que han enfilado, igual hasta lo consiguen. Por un lado, en el propio recinto ferial, la nueva asociación de empresas españolas del sector del hábitat Red habilitó una gran zona en la que sus firmas asociadas mostraron sus nuevas colecciones al mismo tiempo que tenían lugar conferencias, mesas redondas y encuentros entre profesionales del diseño. El espacio consistía más en vivir una experiencia que en mostrar producto tal cual al viejo estilo de un stand tras otro. Esto, junto con una exposición retrospectiva sobre el trabajo de la diseñadora asturiana afincada en Milán Patricia Urquiola, modificó completamente la perspectiva del pabellón de diseño contemporáneo de la Feria Hábitat Valencia, ofreciendo una alternativa novedosa al aburrido


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modelo actual de ferias. Bravo, ese es el camino por el que hay que continuar trabajando; el camino de las propuestas novedosas y no la copia de esquemas ajenos. Incluir un salón de jóvenes como el Nude fue en su momento una apuesta que dinamizó mucho la feria, pero fue una apuesta que se copió de otro evento. Si hay algo claro en el panorama de ferias internacional es que hacen falta nuevos modelos porque el actual no termina de funcionar del todo, como ha podido comprobar en sus propias carnes la institución ferial de Valencia. Innovar y ofrecer alternativas es el camino y parece que esto por fin ha cuajado. Por otro lado, la ciudad estaba plagada de eventos culturales relacionados con el diseño a cada cuál más interesante. Aportar contenido cultural a un evento comercial es una inteligente decisión que fomenta la comprensión y difusión de lo que comercialmente uno se trae entre manos. El sector del diseño ha de esforzarse más que ningún otro en educar al consumidor pues éste tiene alarmantes problemas para entender qué es el diseño dado que lo confunde con algo caro o estridente. Así, hubo exposiciones promovidas de manera particular por los propios diseñadores locales, muchos de ellos organizados bajo el paraguas de la asociación de diseñadores de Valencia. Como el año pasado, destacó la muestra Zoco <www.expozoco.com> del estudio Nadadora y Pedro Ochando, una exposición que va por su segunda edición y que recopila con gran acierto creaciones de jóvenes diseñadores españoles de todas las procedencias y ubicaciones. Y es que en España tenemos algo muy grande: contenido de sobra que respalde un evento potente sobre diseño. Cuando uno viaja por las ferias y eventos internacionales se da cuenta de que en otros países hay que rascar y rascar para encontrar algo verdaderamente interesante. Nosotros no tenemos ese problema porque contamos con un importante número de empresas que están haciendo colecciones extraordinarias con diseñadores nacionales. Con este potencial, el evento de Valencia debería ser algo bien gordo donde pudiéramos “presumir” por una vez de lo que de verdad tenemos. Pero en un evento de manejables dimensiones por favor, que se agradece mucho cuando algo es de calidad, sintético, bien seleccionado y no mete cosas por rellenar. ¿Cómo conseguirlo? Uniendo fuerzas, acaba de quedar clarísimo este año en Valencia.

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1/ Mesitas auxiliares Tears, diseño de Patricia Urquiola para Viccarbe. Zona Red. 2/ Lámpara Nan, diseño de GuimeràiCinca para Estiluz. Zona Red. 3/ Puf de grandes dimensiones Mangas, diseño de Patricia Urquiola para Gandia Blasco. Zona Red. 4/ Butaca de la colección Time, diseño de Mario Ruiz para Joquer. Zona Red. 5/ Flexo Siete&Uno, diseño de La Mamba. Salón Nude. 6/ Sofá Trestle, diseño de Misuyo Studio. Salón Nude. 7/ Butaca Oru, diseño de Ramón Esteve para Joquer. Zona Red.


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modelo actual de ferias. Bravo, ese es el camino por el que hay que continuar trabajando; el camino de las propuestas novedosas y no la copia de esquemas ajenos. Incluir un salón de jóvenes como el Nude fue en su momento una apuesta que dinamizó mucho la feria, pero fue una apuesta que se copió de otro evento. Si hay algo claro en el panorama de ferias internacional es que hacen falta nuevos modelos porque el actual no termina de funcionar del todo, como ha podido comprobar en sus propias carnes la institución ferial de Valencia. Innovar y ofrecer alternativas es el camino y parece que esto por fin ha cuajado. Por otro lado, la ciudad estaba plagada de eventos culturales relacionados con el diseño a cada cuál más interesante. Aportar contenido cultural a un evento comercial es una inteligente decisión que fomenta la comprensión y difusión de lo que comercialmente uno se trae entre manos. El sector del diseño ha de esforzarse más que ningún otro en educar al consumidor pues éste tiene alarmantes problemas para entender qué es el diseño dado que lo confunde con algo caro o estridente. Así, hubo exposiciones promovidas de manera particular por los propios diseñadores locales, muchos de ellos organizados bajo el paraguas de la asociación de diseñadores de Valencia. Como el año pasado, destacó la muestra Zoco <www.expozoco.com> del estudio Nadadora y Pedro Ochando, una exposición que va por su segunda edición y que recopila con gran acierto creaciones de jóvenes diseñadores españoles de todas las procedencias y ubicaciones. Y es que en España tenemos algo muy grande: contenido de sobra que respalde un evento potente sobre diseño. Cuando uno viaja por las ferias y eventos internacionales se da cuenta de que en otros países hay que rascar y rascar para encontrar algo verdaderamente interesante. Nosotros no tenemos ese problema porque contamos con un importante número de empresas que están haciendo colecciones extraordinarias con diseñadores nacionales. Con este potencial, el evento de Valencia debería ser algo bien gordo donde pudiéramos “presumir” por una vez de lo que de verdad tenemos. Pero en un evento de manejables dimensiones por favor, que se agradece mucho cuando algo es de calidad, sintético, bien seleccionado y no mete cosas por rellenar. ¿Cómo conseguirlo? Uniendo fuerzas, acaba de quedar clarísimo este año en Valencia.

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1/ Mesitas auxiliares Tears, diseño de Patricia Urquiola para Viccarbe. Zona Red. 2/ Lámpara Nan, diseño de GuimeràiCinca para Estiluz. Zona Red. 3/ Puf de grandes dimensiones Mangas, diseño de Patricia Urquiola para Gandia Blasco. Zona Red. 4/ Butaca de la colección Time, diseño de Mario Ruiz para Joquer. Zona Red. 5/ Flexo Siete&Uno, diseño de La Mamba. Salón Nude. 6/ Sofá Trestle, diseño de Misuyo Studio. Salón Nude. 7/ Butaca Oru, diseño de Ramón Esteve para Joquer. Zona Red.


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LONDON BRAND NEW Editor: JAVIER ABIO Texto: TACHY MORA

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El festival del diseño de Londres, que anualmente tiene lugar cada septiembre, es la cita esencial para conocer qué están haciendo toda esa multitud de diseñadores afincados en el Reino Unido al calor de sus escuelas y de la vibrante vida que ofrece su capital. Es, sobre todo, un festival sobre creatividad

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1/ Silla Butterfly, diseño de Autoban para De la Espada. Espacio Tramshed. 2/ Pelícano de semi-porcelana de Tony Theakston. Feria Origin. 3/ Lámpara Flat Land, diseño de Óscar Díaz. Exposición Translations. 4/ Day Bed One, sofá cama de la firma inglesa Another Country. Espacio Tramshed. 5/ Set de vasijas y tazas Arko de Solomia. Feria Origin. 6/ Perchero Standard, diseño de John Green. 100% Design 7/ Lámpara Len, diseño de Leif.designpark para De La Espada. Espacio Tramshed. 8/ Lámpara de la serie Metal Spinning, diseñada por James Shaw. 100% Design. 9/ Aparador con colgador Bramcote y florero Ikebana, diseño de Edward Robinson. 100% Design.

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Con tres polos cada vez más definidos, el evento ofrece un poco de todo. Por un lado, no hay que perderse la feria 100% Design, donde exponen las empresas y los diseñadores con más interés por la industria. Allí este año encontramos a un trío de jóvenes con piezas muy interesantes. Destacaron el perchero Standard de John Green, las lámparas Metal Spinning de James Shaw cuya base permite redireccionar la luz y el aparador Bramcote de Edward Robinson, así como sus floreros Ikebana que ya produce Petite Friture. En 100% Design también estaba el colectivo TEN, del que forman parte Héctor Serrano, Tomoko Azumi y Michael Marriott entre otros, mostrando una vez más un proyecto ligado a la sostenibilidad. En esta ocasión los diseñadores idearon una serie de piezas que uno mismo puede hacerse en casa siguiendo las instrucciones facilitadas por sus creadores. A este proyecto corresponde la cocina de exteriores móvil de Nina Tolstrup. Si te gusta, en www.ten-plan.com encontrarás cómo hacerte una igual y podrás ver asimismo el resto de propuestas. Una segunda área de interés en el festival del diseño de Londres es el Brompton Design District. Aquí se puede ir a ver no sólo el Victoria and Albert Museum sino también


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El festival del diseño de Londres, que anualmente tiene lugar cada septiembre, es la cita esencial para conocer qué están haciendo toda esa multitud de diseñadores afincados en el Reino Unido al calor de sus escuelas y de la vibrante vida que ofrece su capital. Es, sobre todo, un festival sobre creatividad

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1/ Silla Butterfly, diseño de Autoban para De la Espada. Espacio Tramshed. 2/ Pelícano de semi-porcelana de Tony Theakston. Feria Origin. 3/ Lámpara Flat Land, diseño de Óscar Díaz. Exposición Translations. 4/ Day Bed One, sofá cama de la firma inglesa Another Country. Espacio Tramshed. 5/ Set de vasijas y tazas Arko de Solomia. Feria Origin. 6/ Perchero Standard, diseño de John Green. 100% Design 7/ Lámpara Len, diseño de Leif.designpark para De La Espada. Espacio Tramshed. 8/ Lámpara de la serie Metal Spinning, diseñada por James Shaw. 100% Design. 9/ Aparador con colgador Bramcote y florero Ikebana, diseño de Edward Robinson. 100% Design.

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Con tres polos cada vez más definidos, el evento ofrece un poco de todo. Por un lado, no hay que perderse la feria 100% Design, donde exponen las empresas y los diseñadores con más interés por la industria. Allí este año encontramos a un trío de jóvenes con piezas muy interesantes. Destacaron el perchero Standard de John Green, las lámparas Metal Spinning de James Shaw cuya base permite redireccionar la luz y el aparador Bramcote de Edward Robinson, así como sus floreros Ikebana que ya produce Petite Friture. En 100% Design también estaba el colectivo TEN, del que forman parte Héctor Serrano, Tomoko Azumi y Michael Marriott entre otros, mostrando una vez más un proyecto ligado a la sostenibilidad. En esta ocasión los diseñadores idearon una serie de piezas que uno mismo puede hacerse en casa siguiendo las instrucciones facilitadas por sus creadores. A este proyecto corresponde la cocina de exteriores móvil de Nina Tolstrup. Si te gusta, en www.ten-plan.com encontrarás cómo hacerte una igual y podrás ver asimismo el resto de propuestas. Una segunda área de interés en el festival del diseño de Londres es el Brompton Design District. Aquí se puede ir a ver no sólo el Victoria and Albert Museum sino también


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un variado surtido de exposiciones, siendo muchas de ellas pequeñas iniciativas particulares. Aquí estaban Estudio Toogood con su exposición Super Natural, donde mostraron su colección Assemblage 1, y el español Óscar Díaz comisariando la muestra Translations, una interesante selección de piezas que trataban de explicar el viaje que se produce en la cabeza de un diseñador cuando a partir de una inspiración termina surgiendo un producto. En esta exposición se pudo ver la lámpara Flat Land del propio Díaz, una pieza que deriva de la forma de los sobres acolchados. Por eso está hecha con Tyvek, un material que tiene una textura muy parecida al papel. También en esta muestra estaban los juguetes Emma de los diseñadores Postler y Ferguson, inspirados en los grandes barcos de carga que salen de China. El Brompton Design District fue, además, el lugar elegido por Jaime Hayon y la jovencísima firma británica Sé para mostrar la colección que le ha diseñado el madrileño. Integrada por sillas, espejos, mesas y sofás, es todo un delirio de producción artesanal. Por último, la oferta del Este de la ciudad continúa creciendo imparable gracias al empuje de Tent London, el evento que tiene lugar en la Truman Brewery de Brick Lane. Lo más destacado de este año fue, a mucha distancia del resto de propuestas del evento, su selección de jóvenes diseñadores Tent Selects. Aquí estaban, entre otros, Tortie Hoare mostrando sus piezas de mobiliario de cuero, así como Andrew Beaumont con sus jarrones atrapados en estructuras de madera. Además, la feria de artesanía contemporánea Origin formó este año combo con Tent London, una cita que no te puedes perder si lo tuyo es la producción artesanal de vanguardia. En la zona de Shoreditch, De la Espada lideró un espacio denominado Tramshed donde la firma mostró sus nuevos productos junto con otras pequeñas empresas emergentes, como la recién creada Another Country. La colaboración de De la Espada con los diseñadores turcos Autoban y con los japoneses Leif.designpark sigue dando espectaculares frutos.

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1/ Sofá de dos plazas Hug, diseño Leif.designpark para De La Espada. Espacio Tramshed. 2/ Taburete de la colección Leather de Tortie Hoare. Tent London. 3/ Butaca Arpa, diseño de Jaime Hayon para Sé. Brompton Design District. 4/ Vasija artesanal de Andrea Walsh en porcelana de huesos. Feria Origin. 5/ Lámpara Element de la colección Assemblage 1, diseño del estudio Toogood. Brompton Design District. 6/ Barcos de juguete para niños Emma, diseño de Postler y Ferguson. Exposición Translations. 7/ Cocina móvil para exteriores de Nina Tolstrup. Exposición TEN. 100% Design 8/ Florero Trapped, diseño de Andrew Beaumont. Tent London.


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un variado surtido de exposiciones, siendo muchas de ellas pequeñas iniciativas particulares. Aquí estaban Estudio Toogood con su exposición Super Natural, donde mostraron su colección Assemblage 1, y el español Óscar Díaz comisariando la muestra Translations, una interesante selección de piezas que trataban de explicar el viaje que se produce en la cabeza de un diseñador cuando a partir de una inspiración termina surgiendo un producto. En esta exposición se pudo ver la lámpara Flat Land del propio Díaz, una pieza que deriva de la forma de los sobres acolchados. Por eso está hecha con Tyvek, un material que tiene una textura muy parecida al papel. También en esta muestra estaban los juguetes Emma de los diseñadores Postler y Ferguson, inspirados en los grandes barcos de carga que salen de China. El Brompton Design District fue, además, el lugar elegido por Jaime Hayon y la jovencísima firma británica Sé para mostrar la colección que le ha diseñado el madrileño. Integrada por sillas, espejos, mesas y sofás, es todo un delirio de producción artesanal. Por último, la oferta del Este de la ciudad continúa creciendo imparable gracias al empuje de Tent London, el evento que tiene lugar en la Truman Brewery de Brick Lane. Lo más destacado de este año fue, a mucha distancia del resto de propuestas del evento, su selección de jóvenes diseñadores Tent Selects. Aquí estaban, entre otros, Tortie Hoare mostrando sus piezas de mobiliario de cuero, así como Andrew Beaumont con sus jarrones atrapados en estructuras de madera. Además, la feria de artesanía contemporánea Origin formó este año combo con Tent London, una cita que no te puedes perder si lo tuyo es la producción artesanal de vanguardia. En la zona de Shoreditch, De la Espada lideró un espacio denominado Tramshed donde la firma mostró sus nuevos productos junto con otras pequeñas empresas emergentes, como la recién creada Another Country. La colaboración de De la Espada con los diseñadores turcos Autoban y con los japoneses Leif.designpark sigue dando espectaculares frutos.

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1/ Sofá de dos plazas Hug, diseño Leif.designpark para De La Espada. Espacio Tramshed. 2/ Taburete de la colección Leather de Tortie Hoare. Tent London. 3/ Butaca Arpa, diseño de Jaime Hayon para Sé. Brompton Design District. 4/ Vasija artesanal de Andrea Walsh en porcelana de huesos. Feria Origin. 5/ Lámpara Element de la colección Assemblage 1, diseño del estudio Toogood. Brompton Design District. 6/ Barcos de juguete para niños Emma, diseño de Postler y Ferguson. Exposición Translations. 7/ Cocina móvil para exteriores de Nina Tolstrup. Exposición TEN. 100% Design 8/ Florero Trapped, diseño de Andrew Beaumont. Tent London.


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WARM &TIDY INTERIEUR Editor: JAVIER ABIO Texto: TACHY MORA

LA BIENAL DE COURTRAI, QUE TIENE LUGAR EN BÉLGICA DESDE 1968, COMBINA COMO POCAS UN PORCENTAJE ACEPTABLE DE CONTENIDOS CULTURALES CON LA CELEBRACIÓN DE UN EVENTO FERIAL. SI QUIERES SUMERGIRTE EN EL SECTOR DEL DISEÑO DE NUESTROS VECINOS DEL NORTE, Y ADEMÁS TE PIRRAN LAS CHIMENEAS, ESTE ES TU SITIO.

03

01/ Weltevree Estufa Tilestove <www.weltevree.info> 02/ FelD Taburete Monarchy <www.feld.be> 03/ TACCHINI Sofá Dressed <www.tacchini.it>

Es difícil encontrar tanta oferta junta de chimeneas y estufas de todo tipo, cómo se nota que combatir el frío es una cuestión muy importante para el público asistente a este evento. Por un lado, en Interieur llama la atención la extensa participación de empresas que se dedican a la comercialización de chimeneas, con modelos de todos los tipos. Si no encuentras aquí la chimenea que buscas, igual es que no existe. Por otro, te quedas totalmente colgado con la manera tan chic que tienen de introducirlas en un entorno hogareño sin caer en un exceso de romanticismo. Sus diseños están pensados para interiores ultra contemporáneos, incluso podría decirse que en muchos casos minimalistas, con escasas referencias rústicas a excepción de algún que otro simpático guiño. Así, el boom de las chimeneas de gas y etanol continúa su escalada. Desde que aparecieron no han parado de salir nuevos diseños y es que su instalación


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WARM &TIDY INTERIEUR Editor: JAVIER ABIO Texto: TACHY MORA

LA BIENAL DE COURTRAI, QUE TIENE LUGAR EN BÉLGICA DESDE 1968, COMBINA COMO POCAS UN PORCENTAJE ACEPTABLE DE CONTENIDOS CULTURALES CON LA CELEBRACIÓN DE UN EVENTO FERIAL. SI QUIERES SUMERGIRTE EN EL SECTOR DEL DISEÑO DE NUESTROS VECINOS DEL NORTE, Y ADEMÁS TE PIRRAN LAS CHIMENEAS, ESTE ES TU SITIO.

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01/ Weltevree Estufa Tilestove <www.weltevree.info> 02/ FelD Taburete Monarchy <www.feld.be> 03/ TACCHINI Sofá Dressed <www.tacchini.it>

Es difícil encontrar tanta oferta junta de chimeneas y estufas de todo tipo, cómo se nota que combatir el frío es una cuestión muy importante para el público asistente a este evento. Por un lado, en Interieur llama la atención la extensa participación de empresas que se dedican a la comercialización de chimeneas, con modelos de todos los tipos. Si no encuentras aquí la chimenea que buscas, igual es que no existe. Por otro, te quedas totalmente colgado con la manera tan chic que tienen de introducirlas en un entorno hogareño sin caer en un exceso de romanticismo. Sus diseños están pensados para interiores ultra contemporáneos, incluso podría decirse que en muchos casos minimalistas, con escasas referencias rústicas a excepción de algún que otro simpático guiño. Así, el boom de las chimeneas de gas y etanol continúa su escalada. Desde que aparecieron no han parado de salir nuevos diseños y es que su instalación


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04/ B.Lux Lámpara 3G <www.grupoblux.es> 05/ ALAPE Minilavabo Insert <www.alape.de> 06/ INDERA Sofá Frame <www.indera.be> 07/ METALFIRE Hogar Urban <www.metalfire.eu>

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es tan sencilla que cualquiera podría tener una en casa, eso por no nombrar que son infinitamente menos engorrosas que las convencionales de troncos de madera. Hasta ahora, se las tendía a dar un toque zen poniendo unas piedras blancas de las que parecía emerger el fuego. Este año en Interieur, la empresa belga Metalfire presentó su modelo (07) Urban de gas con otra opción: unos troncos falsos hechos de cerámica. Eran tan realistas, que parecían de verdad. Obviamente no prenden pero ofrecen un aspecto muy convincente, tanto que la chimenea parece verdaderamente de troncos y no de gas. Por otro lado, los diseños más alocados llegaron desde Holanda, en particular por parte de la firma Weltevree pilotada por los diseñadores Floris Schoonderbeek y Dick van Hoff. Su modelo (01) Tilestove recubierto de azulejos de color verde y su cocinilla para exteriores (14) Outdoor-oven con apariencia de oxidada fueron de las propuestas más divertidas del evento. Además, Weltevree mostró en Interieur el resto de sus diseños, como el banco móvil estilo carretilla Wheelbench o la estufa de cemento armado Stonestove. Casualmente hasta mediados de marzo de 2011, en la galería Roomservice de Barcelona se podrá ver una exposición sobre sus diseños. La galería va a llevar su representación en España por lo que una selección de sus piezas quedarán expuestas permanentemente en su espacio. Por último, en el capítulo de chimeneas y estufas merece mención una propuesta procedente del salón de jóvenes diseñadores:


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04/ B.Lux Lámpara 3G <www.grupoblux.es> 05/ ALAPE Minilavabo Insert <www.alape.de> 06/ INDERA Sofá Frame <www.indera.be> 07/ METALFIRE Hogar Urban <www.metalfire.eu>

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es tan sencilla que cualquiera podría tener una en casa, eso por no nombrar que son infinitamente menos engorrosas que las convencionales de troncos de madera. Hasta ahora, se las tendía a dar un toque zen poniendo unas piedras blancas de las que parecía emerger el fuego. Este año en Interieur, la empresa belga Metalfire presentó su modelo (07) Urban de gas con otra opción: unos troncos falsos hechos de cerámica. Eran tan realistas, que parecían de verdad. Obviamente no prenden pero ofrecen un aspecto muy convincente, tanto que la chimenea parece verdaderamente de troncos y no de gas. Por otro lado, los diseños más alocados llegaron desde Holanda, en particular por parte de la firma Weltevree pilotada por los diseñadores Floris Schoonderbeek y Dick van Hoff. Su modelo (01) Tilestove recubierto de azulejos de color verde y su cocinilla para exteriores (14) Outdoor-oven con apariencia de oxidada fueron de las propuestas más divertidas del evento. Además, Weltevree mostró en Interieur el resto de sus diseños, como el banco móvil estilo carretilla Wheelbench o la estufa de cemento armado Stonestove. Casualmente hasta mediados de marzo de 2011, en la galería Roomservice de Barcelona se podrá ver una exposición sobre sus diseños. La galería va a llevar su representación en España por lo que una selección de sus piezas quedarán expuestas permanentemente en su espacio. Por último, en el capítulo de chimeneas y estufas merece mención una propuesta procedente del salón de jóvenes diseñadores:


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08/ FOSCARINI Lámpara mesa Binic <www.foscarini.com> 09/ VAN MARCKE Lavabo Scoop <www.vanmarcke.be> 10/ FLEXFORM Mesitas Dida <www.flexform.it> 11/ FELd Silla uChair <www.feld.be> 12/ Multiple Mesa magnética <www.raphaelcharles.com>

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la estufa-cocinilla (13) Wood Stove de Yanes Wühl, que ganó el primer premio que entrega la Fundación Interieur (compartido ex aequo con Miriam Aust). Del salón de jóvenes destacó también la mesa de centro (12) Multiple diseñada por Raphaël Charles, que se va ampliando modularmente por medio de un sistema magnético. En lo que se refiere a mobiliario, sobresalieron las novedades de un par de empresas belgas de las que hace ya un tiempo que venimos hablando. Indera mostró, entre otros diseños, el sofá (06) Frame que le han diseñado los valencianos Culdesac; una pieza especialmente pensada para no arrinconarla pues su trasera bien merece ser mostrada. Por su parte, Feld presentó el taburete con balanceo (02) Monarchy diseñado por Yiannis Ghikas y la sofisticada butaca volada (11) uChair diseñada por Sylvain Willenz. Precisamente fue Feld una de las primeras empresas que apostó por quien en esta edición ha ostentado el título de Diseñador del Año: Bram Boo. Este diseñador belga, al que le gusta experimentar con la yuxtaposición irreverente de volúmenes, presentaba como novedad unas bandejas para la firma Serax entre las que destacaba el modelo (15) Flore. Aunque a Interieur acuden principalmente empresas del Norte de Europa, esporádicamente se puede encontrar también alguna firma italiana. Así, Flexform presentó una sobria selección de piezas de su nueva colección a la que pertenece la familia de mesas de centro (10) Dida, un oportuno ejemplo del regreso paulatino del mármol al paisaje doméstico. Se trata de unas mesas con estructura de madera y un tablero disponible en diferentes


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08/ FOSCARINI Lámpara mesa Binic <www.foscarini.com> 09/ VAN MARCKE Lavabo Scoop <www.vanmarcke.be> 10/ FLEXFORM Mesitas Dida <www.flexform.it> 11/ FELd Silla uChair <www.feld.be> 12/ Multiple Mesa magnética <www.raphaelcharles.com>

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la estufa-cocinilla (13) Wood Stove de Yanes Wühl, que ganó el primer premio que entrega la Fundación Interieur (compartido ex aequo con Miriam Aust). Del salón de jóvenes destacó también la mesa de centro (12) Multiple diseñada por Raphaël Charles, que se va ampliando modularmente por medio de un sistema magnético. En lo que se refiere a mobiliario, sobresalieron las novedades de un par de empresas belgas de las que hace ya un tiempo que venimos hablando. Indera mostró, entre otros diseños, el sofá (06) Frame que le han diseñado los valencianos Culdesac; una pieza especialmente pensada para no arrinconarla pues su trasera bien merece ser mostrada. Por su parte, Feld presentó el taburete con balanceo (02) Monarchy diseñado por Yiannis Ghikas y la sofisticada butaca volada (11) uChair diseñada por Sylvain Willenz. Precisamente fue Feld una de las primeras empresas que apostó por quien en esta edición ha ostentado el título de Diseñador del Año: Bram Boo. Este diseñador belga, al que le gusta experimentar con la yuxtaposición irreverente de volúmenes, presentaba como novedad unas bandejas para la firma Serax entre las que destacaba el modelo (15) Flore. Aunque a Interieur acuden principalmente empresas del Norte de Europa, esporádicamente se puede encontrar también alguna firma italiana. Así, Flexform presentó una sobria selección de piezas de su nueva colección a la que pertenece la familia de mesas de centro (10) Dida, un oportuno ejemplo del regreso paulatino del mármol al paisaje doméstico. Se trata de unas mesas con estructura de madera y un tablero disponible en diferentes


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13/ YANES Wühl Prototipo estufa-cocinilla Wood Stove <yanes.wuhl@gmail.com> 14/ weltevree Outdoor-oven <www.weltevree.info> 15/ serax Bandeja Flore <www.serax.com> 16/ TOSS B Lámpara Disk <www.tossb.com>

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tipos de mármol. Por su lado, Tacchini expuso el sofá (03) Dressed diseñado por Luca Nichetto, un imponente modelo sostenido por finas patitas que ya se pudo ver en el Salón del Mueble de Milán. En iluminación, Foscarini sorprendió introduciendo como novedad la simpática lámpara de mesa (08) Binic. Su diseñadora, la francesa Ionna Vautrin, la bautizó así en honor a un faro de la Bretaña. Aunque su forma podría recordar asimismo a la de un faro, la verdad es que la Binic alberga infinitas connotaciones formales resultando tan sumamente empática que tiene todas las papeletas para terminar convirtiéndose en un best-seller. Por su parte la firma belga Toss B, que presentó un montón de productos nuevos, mostró la versión mini de su modelo (16) Disk diseñado por Jean François D’or; un fino platillo volante lumínico. Además, la empresa española B.lux estuvo presente en Interieur a través de su distribuidor en la zona, Hilite, enseñando lo nuevo del diseñador Mario Ruiz para la firma: la lámpara de pie (04) 3G, que con su base en aspa y su mecanismo para subir y bajar la pantalla recuerda a los primeros diseños de uno de los maestros del diseño español, Miguel Milá. Por último también estuvieron presentes algunas empresas de baño. Descubrimos los nuevos mini lavabos compactos (05) Insert de Alape diseñados por Busalt Design y también el modelo (09) Scoop hecho con la superficie sólida Cristalplant por Michael Schmidt, éste último como parte de la Colección Van Marcke.


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13/ YANES Wühl Prototipo estufa-cocinilla Wood Stove <yanes.wuhl@gmail.com> 14/ weltevree Outdoor-oven <www.weltevree.info> 15/ serax Bandeja Flore <www.serax.com> 16/ TOSS B Lámpara Disk <www.tossb.com>

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tipos de mármol. Por su lado, Tacchini expuso el sofá (03) Dressed diseñado por Luca Nichetto, un imponente modelo sostenido por finas patitas que ya se pudo ver en el Salón del Mueble de Milán. En iluminación, Foscarini sorprendió introduciendo como novedad la simpática lámpara de mesa (08) Binic. Su diseñadora, la francesa Ionna Vautrin, la bautizó así en honor a un faro de la Bretaña. Aunque su forma podría recordar asimismo a la de un faro, la verdad es que la Binic alberga infinitas connotaciones formales resultando tan sumamente empática que tiene todas las papeletas para terminar convirtiéndose en un best-seller. Por su parte la firma belga Toss B, que presentó un montón de productos nuevos, mostró la versión mini de su modelo (16) Disk diseñado por Jean François D’or; un fino platillo volante lumínico. Además, la empresa española B.lux estuvo presente en Interieur a través de su distribuidor en la zona, Hilite, enseñando lo nuevo del diseñador Mario Ruiz para la firma: la lámpara de pie (04) 3G, que con su base en aspa y su mecanismo para subir y bajar la pantalla recuerda a los primeros diseños de uno de los maestros del diseño español, Miguel Milá. Por último también estuvieron presentes algunas empresas de baño. Descubrimos los nuevos mini lavabos compactos (05) Insert de Alape diseñados por Busalt Design y también el modelo (09) Scoop hecho con la superficie sólida Cristalplant por Michael Schmidt, éste último como parte de la Colección Van Marcke.


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Texto: TACHY MORA

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SAINT ÉTIENNE

VUELVE LA BIENAL DE DISEÑO FRANCESA · EN ESTA OCASIÓN GIRARÁ EN TORNO A LA TELETRANSPORTACIÓN · PROYECTOS FUTURISTAS Y ELUCUBRACIONES SOBRE CÓMO VIVIREMOS DENTRO DE UNOS AÑOS

La Bienal Internacional de Diseño de Sáint-Étienne es un evento de lo más recomendable si te interesa la faceta cultural del diseño, ya que como dice su directora, Elsa Francès, no se trata ni de una feria ni de una gran exposición en un museo, sino de un evento de grandes dimensiones donde tienen lugar múltiples acontecimientos de prospección en la materia, expositivos o no. Motivada por los últimos avances tecnológicos, en esta ocasión la bienal ha elegido como tema central la teletransportación, una metáfora sobre lo que nos depara el futuro. La cosa apunta a que ésta será la bienal con los proyectos más visionarios y futuristas habida hasta la fecha. Así, la exposición “Between reality and the impossible” comisariada por Dunne & Raby explorará el hueco que existe entre la realidad y lo imposible, un limbo que permite a los diseñadores cuestionarse lo establecido y lanzar propuestas novedosas. Por otro lado, la muestra “Demain, c’est aujourd’hui” comisariada por Claire Fayolle, que este año es la tercera vez consecutiva que se organiza, abarcará una serie de conceptos y proyectos procedentes de diversas áreas industriales como la automoción, la electrónica, el sector médico o las energías renovables, que están ofreciendo una visión anticipada de cómo serán ciertos productos o cómo viviremos en el futuro. Semejante compendio

en torno al trabajo de hasta 130 diseñadores realizará también Benjamin Loyauté, el comisario de la exposición titulada “Prédiction”. Asimismo, el reconocido diseñador Konstantin Grcic formará parte en esta ocasión del cuadro de comisarios con la muestra “Comfort”, que examinará la subjetividad del concepto de la comodidad y cómo el contexto puede condicionar sus parámetros. La representación española llegará de la mano de Marcelo Leslabay y su “Living Spain Project”, una plataforma independiente que tiene como objetivo la promoción del diseño español. Para su muestra ha seleccionado trabajos de diseñadores emergentes como Herme Ciscar & Mónica García, La Mamba, Mermelada o Pedro Ochando. Y así hasta once grandes exposiciones en un evento que celebrará su séptima edición con el estreno de sus renovadas instalaciones en la Cité du Design de Saint-Étienne. La ciudad, además, se volcará con la bienal por lo que otros escenarios como el Museo de Arte e Industria o el Museo de la Mina también ofrecerán un programa expositivo acorde. El itinerario completo se puede consultar en la web de la bienal. Del 20 de noviembre al 5 de diciembre en Saint-Étienne (Francia). <www.biennale2010.citedudesign.com>

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1. Tetera Crossfire, diseño de Studio Mrmann. Exposición Prédiction. 2. Another bathroom, un programa de baño realizado con telas compuestas de nanofibras diseñado por Felipe Ribon. Exposición “Demain, c’est aujourd’hui #3”. 3. A3 Animal, máscaras inspiradas en cabezas de animales de Michael Schoner. Exposición Prédiction. 4. Erosio, silla diseñada por Hermann August Weizenegger. Exposición Prédiction. 5. Imagen de la exposición “Comfort”, comisariada por Konstantin Grcic. 6. Proyecto Hyné, estación doméstica de almacenamiento de energías renovables. Diseño de Pierre Favresse. Exposición “Demain, c’est aujourd’hui #3”.


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Texto: TACHY MORA

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SAINT ÉTIENNE

VUELVE LA BIENAL DE DISEÑO FRANCESA · EN ESTA OCASIÓN GIRARÁ EN TORNO A LA TELETRANSPORTACIÓN · PROYECTOS FUTURISTAS Y ELUCUBRACIONES SOBRE CÓMO VIVIREMOS DENTRO DE UNOS AÑOS

La Bienal Internacional de Diseño de Sáint-Étienne es un evento de lo más recomendable si te interesa la faceta cultural del diseño, ya que como dice su directora, Elsa Francès, no se trata ni de una feria ni de una gran exposición en un museo, sino de un evento de grandes dimensiones donde tienen lugar múltiples acontecimientos de prospección en la materia, expositivos o no. Motivada por los últimos avances tecnológicos, en esta ocasión la bienal ha elegido como tema central la teletransportación, una metáfora sobre lo que nos depara el futuro. La cosa apunta a que ésta será la bienal con los proyectos más visionarios y futuristas habida hasta la fecha. Así, la exposición “Between reality and the impossible” comisariada por Dunne & Raby explorará el hueco que existe entre la realidad y lo imposible, un limbo que permite a los diseñadores cuestionarse lo establecido y lanzar propuestas novedosas. Por otro lado, la muestra “Demain, c’est aujourd’hui” comisariada por Claire Fayolle, que este año es la tercera vez consecutiva que se organiza, abarcará una serie de conceptos y proyectos procedentes de diversas áreas industriales como la automoción, la electrónica, el sector médico o las energías renovables, que están ofreciendo una visión anticipada de cómo serán ciertos productos o cómo viviremos en el futuro. Semejante compendio

en torno al trabajo de hasta 130 diseñadores realizará también Benjamin Loyauté, el comisario de la exposición titulada “Prédiction”. Asimismo, el reconocido diseñador Konstantin Grcic formará parte en esta ocasión del cuadro de comisarios con la muestra “Comfort”, que examinará la subjetividad del concepto de la comodidad y cómo el contexto puede condicionar sus parámetros. La representación española llegará de la mano de Marcelo Leslabay y su “Living Spain Project”, una plataforma independiente que tiene como objetivo la promoción del diseño español. Para su muestra ha seleccionado trabajos de diseñadores emergentes como Herme Ciscar & Mónica García, La Mamba, Mermelada o Pedro Ochando. Y así hasta once grandes exposiciones en un evento que celebrará su séptima edición con el estreno de sus renovadas instalaciones en la Cité du Design de Saint-Étienne. La ciudad, además, se volcará con la bienal por lo que otros escenarios como el Museo de Arte e Industria o el Museo de la Mina también ofrecerán un programa expositivo acorde. El itinerario completo se puede consultar en la web de la bienal. Del 20 de noviembre al 5 de diciembre en Saint-Étienne (Francia). <www.biennale2010.citedudesign.com>

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1. Tetera Crossfire, diseño de Studio Mrmann. Exposición Prédiction. 2. Another bathroom, un programa de baño realizado con telas compuestas de nanofibras diseñado por Felipe Ribon. Exposición “Demain, c’est aujourd’hui #3”. 3. A3 Animal, máscaras inspiradas en cabezas de animales de Michael Schoner. Exposición Prédiction. 4. Erosio, silla diseñada por Hermann August Weizenegger. Exposición Prédiction. 5. Imagen de la exposición “Comfort”, comisariada por Konstantin Grcic. 6. Proyecto Hyné, estación doméstica de almacenamiento de energías renovables. Diseño de Pierre Favresse. Exposición “Demain, c’est aujourd’hui #3”.


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Texto: Tachy Mora

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OKAY & FRIENDS

EL COLECTIVO DE DISEÑADORES CON BASE EN LONDRES ATERRIZA CON SUS TRABAJOS EN BARCELONA · EN LA GALERÍA OTRASCOSAS DE VILLARROSÀS · UNA MUESTRA EN LA QUE PARTICIPAN TAMBIÉN OTROS AMIGOS SUYOS

Lo de Okay es todo un “fenómeno de studio”. Se conocieron en el máster de diseño de producto del Royal College of Art de Londres. Después pasaron a compartir un espacio de trabajo en el Este de la ciudad e inteligentemente, en lugar de intentar sacar la cabeza de manera independiente, se autodenominaron Okay Studio. Aunque cada uno tiene sus proyectos individuales, a veces comparten clientes y proyectos. Pero sobre todo se sirven de la etiqueta Okay Studio para promocionarse conjuntamente. Está claro que diez tienen más fuerza que uno sólo. Pero es que en el caso Okay la repercusión que han adquirido ha sido mayúscula, especialmente en España dado que un par de sus integrantes, Tomás Alonso y Jordi Canudas, son de aquí. Lo de exponer su trabajo en ferias, festivales, museos y galerías se ha convertido ya en habitual. Desde España se les trata con especial cariño por aquello de que Alonso y Canudas son uno de Vigo y el otro de Barcelona, por lo que parte del trabajo del colectivo se ha podido ver ya anteriormente en Madrid y Valencia. Ahora, la galería Otrascosas de Villarrosàs de Barcelona ofrece una amplia exposición sobre este estudio en la que además otros amigos suyos han sido invitados a participar, en este caso los también españoles afincados en Londres Óscar Díaz y Roger Arquer además de Study O Portable. El resto de obras que se podrán ver en la exposición pertenecen a Andrew Haythornthwaite & Shai Akram, Elko Moorer, Jorre Van Ast, Peter Marigold, Mathias Hahn, Hiroko Shiratori y el dúo Raw Edges (diseñadores de la librería de la imagen, Hole in the Floor). Por supuesto también participarán Tomás Alonso y Jordi Canudas, éste último comisario de la exposición junto con Marc Morro, quien generalmente actúa como coordinador de este espacio cultural de la agencia de publicidad Villarrosàs. Hasta el 14 de enero en Otrascosas de Villarrosàs. Via Laietana, 64 Piso Principal. Barcelona. <www.otrascosasdevillarrosas.com> <www.okaystudio.org>


Texto: TACHY MORA

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1) Reloj Haptica Braille, prototipo de David Chavez. 2) Aplicador de condones, diseño de Dot Dot Dot Ex Why Zed Design. 3) Silla Cabbage, diseño de Nendo. 02

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La exposición central de la trienal que desde principios de siglo viene organizando cada tres años el Museo Nacional del diseño de Nueva York, Cooper-Hewitt, se ha centrado en esta ocasión en examinar por qué el Design Thinking ha de ser considerado hoy una herramienta esencial a la hora de resolver algunos de los problemas actuales más urgentes. Quizá te estés preguntando qué es esto del Design Thinking… Se trata de una corriente que propone aplicar a otras áreas los esquemas de pensamiento que siguen los diseñadores a la hora de enfrentarse a un encargo, es decir, cómo estos detectan y analizan los problemas para después aportar una solución integral e innovadora. La exposición Why design now? pretende por tanto sugerir, a través de una serie de diseños considerados cruciales, por qué no sólo el mundo de los negocios o de los políticos deben adoptar estos procesos de pensamiento propios de la profesión del diseño, sino también los consumidores y los propios ciudadanos. Como el trabajo de un diseñador consiste principalmente en pensar de una manera analítica, lo que de alguna manera viene a decir esta exposición es que usemos la cabeza para algo más que para lucir un corte de pelo. Estos diseños, seleccionados para la exposición como ejemplares por su notable desarrollo, se han clasificado para la muestra bajo las siguientes temáticas: energía, movilidad, comunidad, materiales, prosperidad, salud, comunicación y simplicidad. Así, la muestra abarca desde un reloj para ciegos diseñado para leer la hora en Braille hasta un aplicador para colocarse correcta y rápidamente los preservativos que impulse su uso en África con el objetivo de extinguir el SIDA. La muestra en definitiva pone en valor un serie de diseños que de manera silenciosa mejoran nuestra vida cotidiana, fruto de la observación de las mentes analíticas de los diseñadores. Hasta el 9 de enero en el Museo Cooper-Hewitt. 2 East 91st Street. Nueva York. <www.cooperhewitt.org>

WHY NOW?

¿POR QUÉ ES TAN IMPORTANTE EL DESIGN THINKING EN EL CONTEXTO ACTUAL? · LA TRIENAL DEL MUSEO COOPER-HEWITT DE NUEVA YORK TRATA DE DAR RESPUESTA A ESTA PREGUNTA


EDITOR 084

GUEST EDITOR ANGELA BULLOCH Angela Bulloch se dio a conocer en los años noventa como parte de los Young British Artists, aquel grupo de jóvenes artistas que se hicieron famosos por sus exposiciones en la Saatchi Gallery de Londres. Entre ellos se encuentran también Tracey Emin o Damien Hirst. La mayoría de estos artistas sigue trabajando hoy día y sus nombres son ya imprescindibles dentro del arte contemporáneo. Hemos invitado a Angela Bulloch a ser nuestra editora del mes, la hemos entrevistado y además la hemos fotografiado en su estudio de Berlín. Un personaje de lujo que nos cuenta cuales son sus preferencias en moda, arte, música, moda, diseño y gastronomía. POR:

javier abio, RAMÓN FANO, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO Y PEDRO PAN.


EDITOR 084

GUEST EDITOR ANGELA BULLOCH Angela Bulloch se dio a conocer en los años noventa como parte de los Young British Artists, aquel grupo de jóvenes artistas que se hicieron famosos por sus exposiciones en la Saatchi Gallery de Londres. Entre ellos se encuentran también Tracey Emin o Damien Hirst. La mayoría de estos artistas sigue trabajando hoy día y sus nombres son ya imprescindibles dentro del arte contemporáneo. Hemos invitado a Angela Bulloch a ser nuestra editora del mes, la hemos entrevistado y además la hemos fotografiado en su estudio de Berlín. Un personaje de lujo que nos cuenta cuales son sus preferencias en moda, arte, música, moda, diseño y gastronomía. POR:

javier abio, RAMÓN FANO, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO Y PEDRO PAN.


“As a new designer I like Äissa Logerot. As a well-known designer I like Hella Jongerius” (Angela Bulloch)

GUEST EDITOR EDITOR 109

DISEÑO TEXTO:

Tachy Mora

Aparte de haber elegido a Aïssa Logerot de la selección de diseñadores que Neo2 propuso a Angela Bulloch, la artista nos desveló que una de sus diseñadoras favoritas es Hella Jongerius. La holandesa anda metida en varios proyectos que presentará próximamente en Art Basel y NeoCon así que uno de sus últimos trabajos es este que hizo para la organización The Nature Conservancy en 2009. Esta institución ecologista propuso a diez diseñadores trabajar en el desarrollo de objetos a partir de una serie de materiales sostenibles procedentes de diversas partes del mundo. A Jongerius le correspondió trabajar con la goma de mascar que se saca de los árboles del Chicozapote en el Yucatán. Los mayas han mascado goma desde hace miles de años aprovechando la savia de estos árboles. Jongerius viajó a la zona para ver cómo se recolectaba y procesaba para ser usada como chicle. De vuelta en su estudio, la diseñadora investigó las posibilidades de este material en el diseño de objetos. Utilizó la goma para decorar jarrones con texturas y para ensamblar piezas sirviéndose de sus propiedades adhesivas. Aunque produce un frágil y extraño efecto estético muy interesante, no es un material que pueda servir para la industria. Este proyecto de Jongerius y los otros nueve, desarrollados por otros diseñadores como Yves Béhar o Stephen Burks, fueron mostrados en el museo Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York en una exposición denominada “Design for a living world” que se podrá volver a ver en Octubre en el Miami Museum of Science.<www.jongeriuslab.com> <www.nature.org/design>


“As a new designer I like Äissa Logerot. As a well-known designer I like Hella Jongerius” (Angela Bulloch)

GUEST EDITOR EDITOR 109

DISEÑO TEXTO:

Tachy Mora

Aparte de haber elegido a Aïssa Logerot de la selección de diseñadores que Neo2 propuso a Angela Bulloch, la artista nos desveló que una de sus diseñadoras favoritas es Hella Jongerius. La holandesa anda metida en varios proyectos que presentará próximamente en Art Basel y NeoCon así que uno de sus últimos trabajos es este que hizo para la organización The Nature Conservancy en 2009. Esta institución ecologista propuso a diez diseñadores trabajar en el desarrollo de objetos a partir de una serie de materiales sostenibles procedentes de diversas partes del mundo. A Jongerius le correspondió trabajar con la goma de mascar que se saca de los árboles del Chicozapote en el Yucatán. Los mayas han mascado goma desde hace miles de años aprovechando la savia de estos árboles. Jongerius viajó a la zona para ver cómo se recolectaba y procesaba para ser usada como chicle. De vuelta en su estudio, la diseñadora investigó las posibilidades de este material en el diseño de objetos. Utilizó la goma para decorar jarrones con texturas y para ensamblar piezas sirviéndose de sus propiedades adhesivas. Aunque produce un frágil y extraño efecto estético muy interesante, no es un material que pueda servir para la industria. Este proyecto de Jongerius y los otros nueve, desarrollados por otros diseñadores como Yves Béhar o Stephen Burks, fueron mostrados en el museo Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York en una exposición denominada “Design for a living world” que se podrá volver a ver en Octubre en el Miami Museum of Science.<www.jongeriuslab.com> <www.nature.org/design>


GUEST EDITOR Viktor & ROLF

EDITOR 085

Por primera vez en la corta historia de esta sección el editor invitado no es uno, sino dos: Viktor Horsting & Rolf Snocren, o sea Viktor & Rolf, famoso dúo de diseñadores de moda. Una pareja que juega a ser hermanos gemelos, y que como tales comparten, o al menos retroalimentan, una misma visión que reflexiona con humor sobre la moda a la vez que la crea. Con 41 años cada uno, y casi 20 años firmando como Viktor & Rolf, han logrado crear una nueva marca cuyo principal mérito es estar a la altura de las míticas casas de costura del siglo 20: desfilan en París, sus shows siempre son de los que mantienen o despiertan el amor por la moda; presentan colección de mujer y hombre; producen bolsos, zapatos y complementos; tienen 3 fragancias en el mercado; muestran su trabajo en importantes museos internacionales; han recibido todo tipo de premios... Y hoy nos hacen el honor de protagonizar estas páginas compartiendo sus pasiones. Pasar el rato en su jardín, como vemos en esta foto, es una de ellas. POR:

RAMÓN FANO, javier abio, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO Y PEDRO PAN.

Foto: Philip Riches


GUEST EDITOR Viktor & ROLF

EDITOR 085

Por primera vez en la corta historia de esta sección el editor invitado no es uno, sino dos: Viktor Horsting & Rolf Snocren, o sea Viktor & Rolf, famoso dúo de diseñadores de moda. Una pareja que juega a ser hermanos gemelos, y que como tales comparten, o al menos retroalimentan, una misma visión que reflexiona con humor sobre la moda a la vez que la crea. Con 41 años cada uno, y casi 20 años firmando como Viktor & Rolf, han logrado crear una nueva marca cuyo principal mérito es estar a la altura de las míticas casas de costura del siglo 20: desfilan en París, sus shows siempre son de los que mantienen o despiertan el amor por la moda; presentan colección de mujer y hombre; producen bolsos, zapatos y complementos; tienen 3 fragancias en el mercado; muestran su trabajo en importantes museos internacionales; han recibido todo tipo de premios... Y hoy nos hacen el honor de protagonizar estas páginas compartiendo sus pasiones. Pasar el rato en su jardín, como vemos en esta foto, es una de ellas. POR:

RAMÓN FANO, javier abio, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO Y PEDRO PAN.

Foto: Philip Riches


GUEST EDITOR EDITOR 106

DISEÑO TEXTO:

Tachy Mora

Hace cinco años que reseñamos por primera vez el trabajo de Studio Job, una pareja con base en Amberes, donde tienen su estudio y ahora también desde hace pocos meses su propia galería, aparte de los dos talleres con los que cuentan en el sur de Holanda donde trabajan unas 15 personas. En aquella época no tenían nada claro cómo definirse, de hecho decían tener múltiples personalidades. Y es que lo que habían hecho hasta ese momento era muy dispar, quizá por embrionario. En los últimos tiempos, Job Smeets y Nynke Tynagel han ganado en madurez, sobre todo artística, alejándose definitivamente del mundo del diseño industrial en el que se dieron a conocer y también en el que se formaron, pues estudiaron en la afamada academia de Eindhoven: él diseño 3D y ella diseño gráfico. Tampoco es de extrañar, la mayoría de la gente que sale de esta institución son más artistas que diseñadores. Su fluida trayectoria de colaboración con Viktor & Rolf es algo que tampoco sorprende pues parecen compartir un mismo gusto por lo surrealista y por lo ornamentado de épocas pasadas. Su relación viene de largo ya que se conocieron a mediados de los noventa, cuando todos ellos estaban en París buscándose la vida. Desde entonces Studio Job les ha diseñado mobiliario para sus showrooms en Tokio, París, Nueva York y Milán, además de haber colaborado en el diseño de joyas y tejidos. Asimismo, Viktor & Rolf han comprado varias piezas a Studio Job, entre las que destaca su favorita: la mesa Robber Baron. “Nos encanta el aspecto surreal de la obra de Studio Job”, cuentan. “Nos parece que tiene mucha fuerza y potencia. Verdaderamente lo suyo cruza la frontera entre diseño y arte”. La colaboración entre ellos es siempre en ambas direcciones. Así, Studio Job está exponiendo en su galería de Amberes desde la primavera (y hasta el 16 de julio) la muestra “Dolls”, una serie de

Piezas de la colección Alter Ego para el Castillo de Gaasbeek.

Piezas de la colección Industry para la galería Carpenters Workshop de Londres.


GUEST EDITOR EDITOR 106

DISEÑO TEXTO:

Tachy Mora

Hace cinco años que reseñamos por primera vez el trabajo de Studio Job, una pareja con base en Amberes, donde tienen su estudio y ahora también desde hace pocos meses su propia galería, aparte de los dos talleres con los que cuentan en el sur de Holanda donde trabajan unas 15 personas. En aquella época no tenían nada claro cómo definirse, de hecho decían tener múltiples personalidades. Y es que lo que habían hecho hasta ese momento era muy dispar, quizá por embrionario. En los últimos tiempos, Job Smeets y Nynke Tynagel han ganado en madurez, sobre todo artística, alejándose definitivamente del mundo del diseño industrial en el que se dieron a conocer y también en el que se formaron, pues estudiaron en la afamada academia de Eindhoven: él diseño 3D y ella diseño gráfico. Tampoco es de extrañar, la mayoría de la gente que sale de esta institución son más artistas que diseñadores. Su fluida trayectoria de colaboración con Viktor & Rolf es algo que tampoco sorprende pues parecen compartir un mismo gusto por lo surrealista y por lo ornamentado de épocas pasadas. Su relación viene de largo ya que se conocieron a mediados de los noventa, cuando todos ellos estaban en París buscándose la vida. Desde entonces Studio Job les ha diseñado mobiliario para sus showrooms en Tokio, París, Nueva York y Milán, además de haber colaborado en el diseño de joyas y tejidos. Asimismo, Viktor & Rolf han comprado varias piezas a Studio Job, entre las que destaca su favorita: la mesa Robber Baron. “Nos encanta el aspecto surreal de la obra de Studio Job”, cuentan. “Nos parece que tiene mucha fuerza y potencia. Verdaderamente lo suyo cruza la frontera entre diseño y arte”. La colaboración entre ellos es siempre en ambas direcciones. Así, Studio Job está exponiendo en su galería de Amberes desde la primavera (y hasta el 16 de julio) la muestra “Dolls”, una serie de

Piezas de la colección Alter Ego para el Castillo de Gaasbeek.

Piezas de la colección Industry para la galería Carpenters Workshop de Londres.


EDITOR 109

DISEÑO TEXTO:

Piezas de la colección Wonderlamp para la galería milanesa Dilmos, realizadas en colaboración con la diseñadora holandesa Pieke Bergmans, situada entre Job y Nynke.

Lámparas de la colección Wonderlamp para la galería milanesa Dilmos.

GUEST EDITOR

Tachy Mora

muñecas ataviadas con trajes diseñados por Viktor & Rolf. Recientemente Job y Nynke han participado también en la creación de la escenografía de algunos de sus desfiles, entre los que ha destacado en particular el del pasado marzo en París para la colección Glamour Factory. Studio Job forraron el escenario con un motivo que Nynke había creado para las piezas de marquetería de su colección Industry. Para la ocasión, Nynke modificó los dibujos del patrón original de esta colección, que combina iconografía industrial y de la naturaleza, en iconos solamente industriales. Las piezas de Industry han permanecido expuestas hasta mayo en la galería Carpenters Workshop de Londres. Viktor & Rolf nos contaron además que, aparte del trabajo de Studio Job, admiran el del estudio holandés OMA liderado por el arquitecto Rem Koolhaas, que curiosamente también realiza escenografías y otros espacios para Miu Miu y Prada. Volviendo a Studio Job, su obra reciente incluye las colecciones Alter Ego y Wonderlamp. La primera, que se ha podido ver hasta el pasado junio en el castillo belga de Gaasbeek –hoy museo nacional–, consistía en una serie de esculturas inspiradas en la cultura histórica del Norte de Europa. De esta colección, en la que había por ejemplo un armario con look del siglo 18 con un gigantesco agujero en el medio como si le hubieran pegado un cañonazo, es la mesa Robber Baron. Por su parte, Wonderlamp ha sido un trabajo de colaboración con la diseñadora holandesa Pieke Bergmans para la galería Dilmos de Milán, que fue presentado durante la pasada edición de la feria del mueble de la ciudad. Se trataba de una colección de lámparas que mezclaban bases objetuales de bronce, realizadas por Studio Job, con las ya conocidas pantallas de Bergmans que parecen enormes bombillas de cristal que se hubieran derretido por el calor.

<www.studiojob.nl>


EDITOR 109

DISEÑO TEXTO:

Piezas de la colección Wonderlamp para la galería milanesa Dilmos, realizadas en colaboración con la diseñadora holandesa Pieke Bergmans, situada entre Job y Nynke.

Lámparas de la colección Wonderlamp para la galería milanesa Dilmos.

GUEST EDITOR

Tachy Mora

muñecas ataviadas con trajes diseñados por Viktor & Rolf. Recientemente Job y Nynke han participado también en la creación de la escenografía de algunos de sus desfiles, entre los que ha destacado en particular el del pasado marzo en París para la colección Glamour Factory. Studio Job forraron el escenario con un motivo que Nynke había creado para las piezas de marquetería de su colección Industry. Para la ocasión, Nynke modificó los dibujos del patrón original de esta colección, que combina iconografía industrial y de la naturaleza, en iconos solamente industriales. Las piezas de Industry han permanecido expuestas hasta mayo en la galería Carpenters Workshop de Londres. Viktor & Rolf nos contaron además que, aparte del trabajo de Studio Job, admiran el del estudio holandés OMA liderado por el arquitecto Rem Koolhaas, que curiosamente también realiza escenografías y otros espacios para Miu Miu y Prada. Volviendo a Studio Job, su obra reciente incluye las colecciones Alter Ego y Wonderlamp. La primera, que se ha podido ver hasta el pasado junio en el castillo belga de Gaasbeek –hoy museo nacional–, consistía en una serie de esculturas inspiradas en la cultura histórica del Norte de Europa. De esta colección, en la que había por ejemplo un armario con look del siglo 18 con un gigantesco agujero en el medio como si le hubieran pegado un cañonazo, es la mesa Robber Baron. Por su parte, Wonderlamp ha sido un trabajo de colaboración con la diseñadora holandesa Pieke Bergmans para la galería Dilmos de Milán, que fue presentado durante la pasada edición de la feria del mueble de la ciudad. Se trataba de una colección de lámparas que mezclaban bases objetuales de bronce, realizadas por Studio Job, con las ya conocidas pantallas de Bergmans que parecen enormes bombillas de cristal que se hubieran derretido por el calor.

<www.studiojob.nl>


GUEST EDITOR HENRIK VIBSKOV

Probablemente sea el diseñador de moda danés más conocido de todo el planeta. Al menos es el único escandinavo que ahora mismo forma parte del calendario oficial de la Semana de la Moda Masculina de París, donde presenta sus colecciones desde 2003. Desde su graduación en la Central Saint Martins de Londres en 2001, ha realizado 17 colecciones. Pero a Henrik Vibskov no le gusta encasillarse en ninguna categoría profesional. Paralelamente al trabajo de moda, y en colaboración con el artista visual Andreas Emenius, también desarrolla el proyecto artístico The Fringe Projects. Todo esto lo compagina con las giras y ensayos con Trentemøller, banda en la que toca la batería. Vorágine que se ha visto aún más agitada durante los pasados meses estivales con la preparación de este especial de 28 páginas dedicadas a Henrik Vibskov, su universo creativo y sus tendencias estéticas y musicales. Todo un parto.

POR:

RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN.

Fotos:

KLARA G

REALIZACIÓN:

VÍCTOR MORENO

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GUEST EDITOR HENRIK VIBSKOV

Probablemente sea el diseñador de moda danés más conocido de todo el planeta. Al menos es el único escandinavo que ahora mismo forma parte del calendario oficial de la Semana de la Moda Masculina de París, donde presenta sus colecciones desde 2003. Desde su graduación en la Central Saint Martins de Londres en 2001, ha realizado 17 colecciones. Pero a Henrik Vibskov no le gusta encasillarse en ninguna categoría profesional. Paralelamente al trabajo de moda, y en colaboración con el artista visual Andreas Emenius, también desarrolla el proyecto artístico The Fringe Projects. Todo esto lo compagina con las giras y ensayos con Trentemøller, banda en la que toca la batería. Vorágine que se ha visto aún más agitada durante los pasados meses estivales con la preparación de este especial de 28 páginas dedicadas a Henrik Vibskov, su universo creativo y sus tendencias estéticas y musicales. Todo un parto.

POR:

RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN.

Fotos:

KLARA G

REALIZACIÓN:

VÍCTOR MORENO

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EDITOR 109

DISEÑO TEXTO:

Wishbone chair CH_24, diseñada en 1949 y comercializada en colores por Carl Hansen.

Mecedora pp124, diseñada en 1984 para PP Møbler.

GUEST EDITOR

The Flag Halyard (1950). PP Møbler, modelo pp225.

Tachy Mora

Como buen danés, Vibskov nos cuenta que Hans J. Wegner y PP Møbler son respectivamente su diseñador y empresa de mobiliario favoritos. La selección tiene un nexo pues PP Møbler es una de las empresas para las que más trabajó Wegner, especialmente en la última etapa de su vida. Conocido por la infinidad de sillas que diseñó, Hans J. Wegner impulsó en los años cincuenta, junto con otros de sus coetáneos como Arne Jacobsen o Poul Kjaerholm, lo que conocemos hoy como estilo escandinavo. En una época en la que todavía imperaba el estilo de la Bauhaus y el acero era el material de moda, Wegner eligió la madera cálida como el centro de sus creaciones. Se había formado hasta los 17 años con un ebanista, así que conocía bien las posibilidades de este material. Después adquirió conocimientos como diseñador de muebles en lo que es hoy la escuela de diseño de Copenhague. La combinación fue explosiva. Durante unos años trabajó para Jacobsen, diseñando el mobiliario que vestiría algunos de los proyectos de éste arquitecto, como fue el caso del ayuntamiento de Århus. Después de un tiempo, ya a finales de los años cuarenta, Wegner comenzó su carrera en solitario como diseñador. Desde entonces, creó tantas sillas y para tantas empresas que resulta algo complicado hacerse una idea clara del montante. Además no les ponía nombres así que, entre las numeraciones que utilizan las empresas que las comercializan y los apodos que han ido adquiriendo, repasar el conjunto resulta algo confuso. Lo más práctico es optar por los apodos. Una de las más famosas es la silla Chinese, para cuyo respaldo y brazos curvos

Hans J. Wegner.


EDITOR 109

DISEÑO TEXTO:

Wishbone chair CH_24, diseñada en 1949 y comercializada en colores por Carl Hansen.

Mecedora pp124, diseñada en 1984 para PP Møbler.

GUEST EDITOR

The Flag Halyard (1950). PP Møbler, modelo pp225.

Tachy Mora

Como buen danés, Vibskov nos cuenta que Hans J. Wegner y PP Møbler son respectivamente su diseñador y empresa de mobiliario favoritos. La selección tiene un nexo pues PP Møbler es una de las empresas para las que más trabajó Wegner, especialmente en la última etapa de su vida. Conocido por la infinidad de sillas que diseñó, Hans J. Wegner impulsó en los años cincuenta, junto con otros de sus coetáneos como Arne Jacobsen o Poul Kjaerholm, lo que conocemos hoy como estilo escandinavo. En una época en la que todavía imperaba el estilo de la Bauhaus y el acero era el material de moda, Wegner eligió la madera cálida como el centro de sus creaciones. Se había formado hasta los 17 años con un ebanista, así que conocía bien las posibilidades de este material. Después adquirió conocimientos como diseñador de muebles en lo que es hoy la escuela de diseño de Copenhague. La combinación fue explosiva. Durante unos años trabajó para Jacobsen, diseñando el mobiliario que vestiría algunos de los proyectos de éste arquitecto, como fue el caso del ayuntamiento de Århus. Después de un tiempo, ya a finales de los años cuarenta, Wegner comenzó su carrera en solitario como diseñador. Desde entonces, creó tantas sillas y para tantas empresas que resulta algo complicado hacerse una idea clara del montante. Además no les ponía nombres así que, entre las numeraciones que utilizan las empresas que las comercializan y los apodos que han ido adquiriendo, repasar el conjunto resulta algo confuso. Lo más práctico es optar por los apodos. Una de las más famosas es la silla Chinese, para cuyo respaldo y brazos curvos

Hans J. Wegner.


Silla Peacock (1947). PP Møbler, modelo pp550.

EDITOR 110

DISEÑO The Valet (1953). PP Møbler, modelo pp250.

TEXTO:

Tachy Mora

a modo de tobogán se inspiró en una de origen chino que había visto en el museo danés de artes industriales. En un principio fue diseñada en 1945 para Fritz Hansen pero desde los años setenta la comercializa PP Møbler. La Round One es otra de sus piezas más famosas y es probablemente la silla con el respaldo curvo más sencillo, esencialista y bello al mismo tiempo que se haya diseñado hasta la fecha. Y es que las sillas de Wegner es importante observarlas bien de cerca para apreciar los recovecos y detalles aerodinámicos que el danés conseguía obtener de la madera. PP Møbler también comercializa el modelo Valet, diseñado a principios de los cincuenta y que funciona a su vez como galán de noche. Su respaldo tiene la forma de una percha para la chaqueta mientras que su asiento se despliega proporcionando el apoyo idóneo para colocar el pantalón y que no se arrugue. Inspirándose en la silla Windsor de origen inglés, Wegner diseñó en 1947 para PP Møbler otro de sus hits: la butaca Peacock, un asiento con una presencia imponente que recrea la cola de un pavo real. Las zonas planas de las varillas del respaldo están estratégicamente colocadas a la altura de los hombros para favorecer una mayor comodidad. Aparte de todos estos modelos, entre otros muchos que hoy comercializa PP Møbler, otra empresa danesa llamada Carl Hansen vende también diseños realizados por Wegner. Uno de los más conocidos es la silla Wishbone, que presenta un respaldo en forma de Y. La empresa acaba de sacar este año al mercado este modelo en una interesante paleta de colores ácidos. Wegner falleció hace tres años, en el año 2007. Estuvo diseñando hasta principios de los noventa y se estima que creó alrededor de 500 sillas. Su trabajo es la prueba de que aún existen mil y un diseños para una silla.

<www.pp.dk> <www.carlhansen.com>

Round One (1949). PP Møbler, modelos pp501/pp503.

Silla Chinese (1945). PP Møbler, modelos pp56/pp66.

GUEST EDITOR


Silla Peacock (1947). PP Møbler, modelo pp550.

EDITOR 110

DISEÑO The Valet (1953). PP Møbler, modelo pp250.

TEXTO:

Tachy Mora

a modo de tobogán se inspiró en una de origen chino que había visto en el museo danés de artes industriales. En un principio fue diseñada en 1945 para Fritz Hansen pero desde los años setenta la comercializa PP Møbler. La Round One es otra de sus piezas más famosas y es probablemente la silla con el respaldo curvo más sencillo, esencialista y bello al mismo tiempo que se haya diseñado hasta la fecha. Y es que las sillas de Wegner es importante observarlas bien de cerca para apreciar los recovecos y detalles aerodinámicos que el danés conseguía obtener de la madera. PP Møbler también comercializa el modelo Valet, diseñado a principios de los cincuenta y que funciona a su vez como galán de noche. Su respaldo tiene la forma de una percha para la chaqueta mientras que su asiento se despliega proporcionando el apoyo idóneo para colocar el pantalón y que no se arrugue. Inspirándose en la silla Windsor de origen inglés, Wegner diseñó en 1947 para PP Møbler otro de sus hits: la butaca Peacock, un asiento con una presencia imponente que recrea la cola de un pavo real. Las zonas planas de las varillas del respaldo están estratégicamente colocadas a la altura de los hombros para favorecer una mayor comodidad. Aparte de todos estos modelos, entre otros muchos que hoy comercializa PP Møbler, otra empresa danesa llamada Carl Hansen vende también diseños realizados por Wegner. Uno de los más conocidos es la silla Wishbone, que presenta un respaldo en forma de Y. La empresa acaba de sacar este año al mercado este modelo en una interesante paleta de colores ácidos. Wegner falleció hace tres años, en el año 2007. Estuvo diseñando hasta principios de los noventa y se estima que creó alrededor de 500 sillas. Su trabajo es la prueba de que aún existen mil y un diseños para una silla.

<www.pp.dk> <www.carlhansen.com>

Round One (1949). PP Møbler, modelos pp501/pp503.

Silla Chinese (1945). PP Møbler, modelos pp56/pp66.

GUEST EDITOR


Estudio I de Erwin Wurm en Viena.

GUEST EDITOR ERWIN WURM Las One Minute Sculptures de Erwin Wurm son ya míticas. Performances en forma de escultura que empezó a desarrollar a finales de los años ochenta, donde personajes anónimos se relacionan de formas grotescas con objetos cotidianos. Obras de arte que han servido de inspiración para un gran número de artistas y creadores. Puedes ver su huella en sitios tan dispares como un vídeo de los Red Hot Chili Peppers o la última colección de Maison Martin Margiela. Su trabajo forma parte de las colecciones de los mejores museos del mundo y ahora mismo acaba de exponer en el MoMA de Nueva York, además de tener otras dos muestras en marcha, una en el Essl Museum de Viena y otra en la Galería Lehmann Maupin de la misma ciudad. Tener a Erwin Wurm como Guest Editor en este número ha supuesto todo un lujo para nosotros. Además de entrevistarle e indagar sobre sus gustos personales en diversos aspectos, como la moda, la música, el diseño o la gastronomía, nos hemos colado en los estudios que el artista tiene en Viena para ver donde se crean las obras que luego expondrá por todo el mundo.

POR:

RUBÉN MANRIQUE, RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN.

Fotos:

ELSA OKAZAKI

EDITOR 081


Estudio I de Erwin Wurm en Viena.

GUEST EDITOR ERWIN WURM Las One Minute Sculptures de Erwin Wurm son ya míticas. Performances en forma de escultura que empezó a desarrollar a finales de los años ochenta, donde personajes anónimos se relacionan de formas grotescas con objetos cotidianos. Obras de arte que han servido de inspiración para un gran número de artistas y creadores. Puedes ver su huella en sitios tan dispares como un vídeo de los Red Hot Chili Peppers o la última colección de Maison Martin Margiela. Su trabajo forma parte de las colecciones de los mejores museos del mundo y ahora mismo acaba de exponer en el MoMA de Nueva York, además de tener otras dos muestras en marcha, una en el Essl Museum de Viena y otra en la Galería Lehmann Maupin de la misma ciudad. Tener a Erwin Wurm como Guest Editor en este número ha supuesto todo un lujo para nosotros. Además de entrevistarle e indagar sobre sus gustos personales en diversos aspectos, como la moda, la música, el diseño o la gastronomía, nos hemos colado en los estudios que el artista tiene en Viena para ver donde se crean las obras que luego expondrá por todo el mundo.

POR:

RUBÉN MANRIQUE, RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN.

Fotos:

ELSA OKAZAKI

EDITOR 081


GUEST EDITOR

Silla Tube, diseñada en 2008 para la firma danesa Hay.

Auriculares TMA-1 diseñados para Aiaiai en 2009.

Chaqueta para bicicleta, diseñada en 2005 para Puma.

DISEÑO TEXTO:

EDITOR 106

Auriculares pequeños Pipe diseñados para Aiaiai en 2009.

Silla Shanghay, diseño de 2010 para Hay.

Lámpara Bunch of Bulbs.

Tachy Mora

Nuestro guest editor es un entusiasta de grandes de la historia del diseño como Joe Colombo, Jean Prouvé o Poul Kjærholm. De nuestro tiempo, se decanta por Marc Newson y Rick Owens así como por los arquitectos Sanaa o Herzog & De Meuron. Aparte de estas figuras consagradas, entre la selección de diseñadores emergentes que le hicimos llegar desde Neo2, escogió al estudio danés KiBiSi. El trabajo que realiza este singular ente, liderado por tres cabezas muy bien consideradas en su país, es tan ecléctico como la procedencia de sus socios. Si desmenuzamos el nombre, resulta que “Ki” corresponde al estudio Kilo Design de Lars Holme Larsen. Por su parte, “Bi” procede de Bjarke Ingels de BIG, una de las firmas que surgió tras la separación de PLOT, la oficina de arquitectura más moderna que ha dado Dinamarca en los últimos tiempos. Y por último, “Si” hace referencia a Skibsted Ideation, una entidad fundada por quien en su día creó Biomega, Jens Martin Skibsted. KiBiSi es un híbrido entre diseñadores, arquitectos y emprendedores del ámbito de la innovación del que resulta asombroso que se termine materializando algo. Uno de sus últimos proyectos ha consistido en diseñar una gama de bicicletas para Puma <www.puma-bikes. com>. Lógicamente las produce Biomega y cuenta con una serie muy original de modelos cargo para ciudad. KiBiSi también suele trabajar con la firma de mobiliario de su país Hay, con la que recientemente han presentado las sillas Shanghay y Tube. Su estética resulta novedosa pero a su vez están cargadas de referencias actuales de todo tipo. Para cerrar el círculo de colaboraciones con empresas danesas, también han diseñado en este último año una serie de auriculares para Aiaiai <www. aiaiai.dk>. Mientras modelos como el TMA-1 o Tracks tienen un rollo vintage actualizado, los Pipe son tan finos que casi parecen más bien joyas contemporáneas.

<www.kibisi.com> Nuevas bicicletas, diseñadas este año para Puma y producidas por Biomega.


GUEST EDITOR

Silla Tube, diseñada en 2008 para la firma danesa Hay.

Auriculares TMA-1 diseñados para Aiaiai en 2009.

Chaqueta para bicicleta, diseñada en 2005 para Puma.

DISEÑO TEXTO:

EDITOR 106

Auriculares pequeños Pipe diseñados para Aiaiai en 2009.

Silla Shanghay, diseño de 2010 para Hay.

Lámpara Bunch of Bulbs.

Tachy Mora

Nuestro guest editor es un entusiasta de grandes de la historia del diseño como Joe Colombo, Jean Prouvé o Poul Kjærholm. De nuestro tiempo, se decanta por Marc Newson y Rick Owens así como por los arquitectos Sanaa o Herzog & De Meuron. Aparte de estas figuras consagradas, entre la selección de diseñadores emergentes que le hicimos llegar desde Neo2, escogió al estudio danés KiBiSi. El trabajo que realiza este singular ente, liderado por tres cabezas muy bien consideradas en su país, es tan ecléctico como la procedencia de sus socios. Si desmenuzamos el nombre, resulta que “Ki” corresponde al estudio Kilo Design de Lars Holme Larsen. Por su parte, “Bi” procede de Bjarke Ingels de BIG, una de las firmas que surgió tras la separación de PLOT, la oficina de arquitectura más moderna que ha dado Dinamarca en los últimos tiempos. Y por último, “Si” hace referencia a Skibsted Ideation, una entidad fundada por quien en su día creó Biomega, Jens Martin Skibsted. KiBiSi es un híbrido entre diseñadores, arquitectos y emprendedores del ámbito de la innovación del que resulta asombroso que se termine materializando algo. Uno de sus últimos proyectos ha consistido en diseñar una gama de bicicletas para Puma <www.puma-bikes. com>. Lógicamente las produce Biomega y cuenta con una serie muy original de modelos cargo para ciudad. KiBiSi también suele trabajar con la firma de mobiliario de su país Hay, con la que recientemente han presentado las sillas Shanghay y Tube. Su estética resulta novedosa pero a su vez están cargadas de referencias actuales de todo tipo. Para cerrar el círculo de colaboraciones con empresas danesas, también han diseñado en este último año una serie de auriculares para Aiaiai <www. aiaiai.dk>. Mientras modelos como el TMA-1 o Tracks tienen un rollo vintage actualizado, los Pipe son tan finos que casi parecen más bien joyas contemporáneas.

<www.kibisi.com> Nuevas bicicletas, diseñadas este año para Puma y producidas por Biomega.


GUEST EDITOR

DISEÑO TEXTO:

fotos:

EDITOR 108

Tachy Mora Tahon & Bouroullec

Saltando a otra área del diseño industrial, Erwin Wurm apunta que también entre sus diseñadores favoritos se encuentran los hermanos Bouroullec. Ronan y Erwan trabajan principalmente en el mundo del hábitat, es decir que suelen diseñar mobiliario, iluminación o accesorios. Aunque se trata de objetos corrientes y habituales en el entorno doméstico producidos en serie y que cualquiera con un bolsillo medio puede tener en casa, sus creaciones son tan bellas y exquisitas que a uno le puede llegar a brotar el deseo de tratar sus piezas con la delicadeza con la que se cuidaría una obra de arte o algo exclusivo. El trabajo de los hermanos Bouroullec mejora considerablemente la belleza de nuestro entorno; de pocos diseñadores se puede decir semejante cosa. Para escapar de las restricciones creativas que supone trabajar para la industria, Ronan y Erwan colaboran habitualmente con la galería parisina Kreo. Aproximadamente cada dos años presentan en este espacio una colección de piezas en las que los hermanos experimentan con su creatividad sin limitaciones de briefing y con métodos productivos nada ortodoxos y hasta rechazados por la industria actual. Este año ha tocado exposición en la Kreo y han presentado tres piezas cuyo hilo conductor precisamente trataba de esconder “los hilos conductores” y generar misterio. Por un lado mostraron las lámparas Lianes, que ocultan todo ese lío de cables que a menudo estropean una preciosa lámpara de cuelgue en su punto de fijación, un tema aún por resolver técnicamente en la iluminación. Los hermanos Bouroullec han aportado una solución a través de su diseño que esconde los cables tras un recubrimiento total de piel. Lo mismo han hecho con el aplique de fibra de vidrio Conques, que simula estar flotando, y con las estanterías Roches, que parecen piedras que hubieran surgido naturalmente desde la pared. <www.bouroullec.com>

Estanterías Roches, realizadas en fibra de vidrio y acabado mate.

Lámpara Conque, en fibra de vidrio y acabado súper brillante.

Detalle del recubrimiento de piel de las lámparas Lianes, que permite además modificar su posición.

Lámparas Lianes, con los cables de los mecanismos ocultos bajo un recubrimiento total de piel.


GUEST EDITOR

DISEÑO TEXTO:

fotos:

EDITOR 108

Tachy Mora Tahon & Bouroullec

Saltando a otra área del diseño industrial, Erwin Wurm apunta que también entre sus diseñadores favoritos se encuentran los hermanos Bouroullec. Ronan y Erwan trabajan principalmente en el mundo del hábitat, es decir que suelen diseñar mobiliario, iluminación o accesorios. Aunque se trata de objetos corrientes y habituales en el entorno doméstico producidos en serie y que cualquiera con un bolsillo medio puede tener en casa, sus creaciones son tan bellas y exquisitas que a uno le puede llegar a brotar el deseo de tratar sus piezas con la delicadeza con la que se cuidaría una obra de arte o algo exclusivo. El trabajo de los hermanos Bouroullec mejora considerablemente la belleza de nuestro entorno; de pocos diseñadores se puede decir semejante cosa. Para escapar de las restricciones creativas que supone trabajar para la industria, Ronan y Erwan colaboran habitualmente con la galería parisina Kreo. Aproximadamente cada dos años presentan en este espacio una colección de piezas en las que los hermanos experimentan con su creatividad sin limitaciones de briefing y con métodos productivos nada ortodoxos y hasta rechazados por la industria actual. Este año ha tocado exposición en la Kreo y han presentado tres piezas cuyo hilo conductor precisamente trataba de esconder “los hilos conductores” y generar misterio. Por un lado mostraron las lámparas Lianes, que ocultan todo ese lío de cables que a menudo estropean una preciosa lámpara de cuelgue en su punto de fijación, un tema aún por resolver técnicamente en la iluminación. Los hermanos Bouroullec han aportado una solución a través de su diseño que esconde los cables tras un recubrimiento total de piel. Lo mismo han hecho con el aplique de fibra de vidrio Conques, que simula estar flotando, y con las estanterías Roches, que parecen piedras que hubieran surgido naturalmente desde la pared. <www.bouroullec.com>

Estanterías Roches, realizadas en fibra de vidrio y acabado mate.

Lámpara Conque, en fibra de vidrio y acabado súper brillante.

Detalle del recubrimiento de piel de las lámparas Lianes, que permite además modificar su posición.

Lámparas Lianes, con los cables de los mecanismos ocultos bajo un recubrimiento total de piel.


GUEST CREATIVE

DAVID MUÑOZ Dice que los premios son muy importantes pero no tanto como que su restaurante Diverxo, en el que hay que reservar con un mes de antelación, esté lleno todos los días. Sin embargo, sólo en el último año, el chef madrileño David Muñoz ha conseguido tres soles en la Guía Repsol, el Premio Nacional de Gastronomía como Mejor Jefe de Cocina del año 2009 y su primera estrella Michelín. Algo que convierte a este chico de ni siquiera 31 años, con mil proyectos en la cabeza, un pasado de futbolista profesional y una irrefrenable pasión por los cítricos, en uno de los cocineros españoles más originales, brillantes y prometedores del momento. Por eso, cuando advierte que todavía le queda mucha tela que cortar, lo único que podemos hacer es tomar asiento y ver lo que va a pasar. dentro y fuera de su restaurante.

POR:

RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN.

Fotos:

RUBÉN VEGA

EDITOR 083


GUEST CREATIVE

DAVID MUÑOZ Dice que los premios son muy importantes pero no tanto como que su restaurante Diverxo, en el que hay que reservar con un mes de antelación, esté lleno todos los días. Sin embargo, sólo en el último año, el chef madrileño David Muñoz ha conseguido tres soles en la Guía Repsol, el Premio Nacional de Gastronomía como Mejor Jefe de Cocina del año 2009 y su primera estrella Michelín. Algo que convierte a este chico de ni siquiera 31 años, con mil proyectos en la cabeza, un pasado de futbolista profesional y una irrefrenable pasión por los cítricos, en uno de los cocineros españoles más originales, brillantes y prometedores del momento. Por eso, cuando advierte que todavía le queda mucha tela que cortar, lo único que podemos hacer es tomar asiento y ver lo que va a pasar. dentro y fuera de su restaurante.

POR:

RAMÓN FANO, JAVIER ABIO, RUBÉN MANRIQUE, TERE VAQUERIZO & PEDRO PAN.

Fotos:

RUBÉN VEGA

EDITOR 083


arquitectura

TEXTO:

Tachy Mora

El arquitecto favorito de nuestro Guest Creative es Norman Foster. Precisamente el estudio de éste acaba de dar los últimos toques en España a uno de sus más recientes proyectos: las bodegas Portia del grupo Faustino en la Denominación de Origen Ribera del Duero. Lo de encargar el diseño de bodegas a arquitectos estrella está aportando un cierto halo de vanguardia al paisaje bodeguero español. Otros ejemplos de proyectos similares han sido firmados anteriormente por Santiago Calatrava para Bodegas Ysios, Frank O. Gehry para Marqués de Riscal, Rafael Moneo para Bodegas Chivite o Zaha Hadid para López de Heredia. En el caso de Norman Foster era su primera bodega. Como desconocía el funcionamiento del nuevo espacio al que se enfrentaba, su equipo participó en dos vendimias con el objetivo de ahondar de manera exhaustiva en el proceso de elaboración del vino, que consta principalmente de tres fases: fermentación, envejecimiento y conservación. De esta manera Foster ideó un edificio de tres alas en forma de estrella de tres puntas. Cada una de ellas está especialmente diseñada para abarcar el proceso que le corresponde. Así, las alas que albergan la bodega con las barricas y las botellas se encuentran parcialmente hundidas bajo tierra, proporcionando las condiciones más favorables para el envejecimiento mientras que, por el contrario, el ala de fermentación está expuesta permitiendo la liberación del dióxido de carbono. Desde el núcleo central de la estrella se controlan, además, todas estas actividades. El imponente edificio de hormigón y acero cortén diseñado por Foster ha sido concebido de manera muy funcional; pero también el arquitecto de Manchester ha pensado en el disfrute de los visitantes y turistas gastronómicos por lo que ha dotado al complejo de grandes cristaleras que permiten a las visitas un acercamiento mucho mayor al proceso. <www.fosterandpartners.com> <www.bodegasportia.com>

EDITOR 106

GUEST CREATIVE


arquitectura

TEXTO:

Tachy Mora

El arquitecto favorito de nuestro Guest Creative es Norman Foster. Precisamente el estudio de éste acaba de dar los últimos toques en España a uno de sus más recientes proyectos: las bodegas Portia del grupo Faustino en la Denominación de Origen Ribera del Duero. Lo de encargar el diseño de bodegas a arquitectos estrella está aportando un cierto halo de vanguardia al paisaje bodeguero español. Otros ejemplos de proyectos similares han sido firmados anteriormente por Santiago Calatrava para Bodegas Ysios, Frank O. Gehry para Marqués de Riscal, Rafael Moneo para Bodegas Chivite o Zaha Hadid para López de Heredia. En el caso de Norman Foster era su primera bodega. Como desconocía el funcionamiento del nuevo espacio al que se enfrentaba, su equipo participó en dos vendimias con el objetivo de ahondar de manera exhaustiva en el proceso de elaboración del vino, que consta principalmente de tres fases: fermentación, envejecimiento y conservación. De esta manera Foster ideó un edificio de tres alas en forma de estrella de tres puntas. Cada una de ellas está especialmente diseñada para abarcar el proceso que le corresponde. Así, las alas que albergan la bodega con las barricas y las botellas se encuentran parcialmente hundidas bajo tierra, proporcionando las condiciones más favorables para el envejecimiento mientras que, por el contrario, el ala de fermentación está expuesta permitiendo la liberación del dióxido de carbono. Desde el núcleo central de la estrella se controlan, además, todas estas actividades. El imponente edificio de hormigón y acero cortén diseñado por Foster ha sido concebido de manera muy funcional; pero también el arquitecto de Manchester ha pensado en el disfrute de los visitantes y turistas gastronómicos por lo que ha dotado al complejo de grandes cristaleras que permiten a las visitas un acercamiento mucho mayor al proceso. <www.fosterandpartners.com> <www.bodegasportia.com>

EDITOR 106

GUEST CREATIVE


Revista Neo2 · 2010