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NUNCA ANTES TAN CERCA

ESTRENO MUNDIAL

LA NUEVA DIMENSIร“N DEL CINE


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cine coliseo

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LOS PITUFOS 2 Desde el Jueves 1 de Agosto, participando de su estreno mundial, se exhibe la nueva película, nuevamente con Raja Gosnell como director, basada en el cómic creado en 1958 y popularizado masivamente en la década de 1980 a través de una exitosa serie televisiva de dibujos animados. Ahora el malvado Gargamel creará a Hackus y Vexy, una pareja de terribles criaturas llamadas “Traviesas”. Pero para que estas nuevas creaciones tengan un aspecto similar al de los pequeñitos azules, Gargamel deberá robar la esencia de Pitufos. Descubrirá que solamente Pitufina podrá convertir a los “Traviesos” en unas copias aceptables de los Pitufos. Por lo tanto, Gargamel secuestrará a Pitufina, obligando a la comunidad azul a emprender una misión de búsqueda y rescate, nuevamente con la ayuda de sus amigos humanos, Patrick y Grace Winslow.

E

n principio, el artista belga Pierre Culliford, conocido como Peyo, creó a los Pitufos (The Smurfs) para un libro de cómics. Se hicieron populares inmediatamente, generando una ola de cartas que le pedían más al editor. En los siguientes 50 años se convirtieron en todo un fenómeno, cobrando vida en historietas, libros, la televisión, películas, vídeo juegos, espectáculos en vivo y figuras (de las que se vendieron más de 300 millones). El atractivo de los personajes ha superado generaciones. Los niños que crecieron con ellos (especialmente viéndolos en el dibujo animado), luego fueron padres y se los presentaron a sus propios hijos. En opinión de Jordan Kenner, pro-

ductor de la película, “los Pitufos enfatizan la familia y la importancia de la cooperación. Y lo que es más importante, siempre ven lo mejor en los demás. Los Pitufos realmente se preocupan los unos por los otros”. La historia de la aventura de Kerner de llevarlos a la pantalla grande empezó en 1980 cuando Brandon Tartikoff, productor ejecutivo de la NBC, le sugirió que leyera una serie de libros sobre estos personajes, pues estaba pensando en desarrollarlos para una serie de TV. De hecho, este proyecto acabó concretándose en la serie de Hanna-Barbera que duró ocho años, totalizando 256 episodios. Pero por otro lado, la hija de Peyo, Véronique Culliford, venía acariciando desde hacía

años la idea de llegar a hacer una película para cine. Cuando se hizo evidente que Kerner compartía su visión y entusiasmo, Culliford le dio su aprobación para el proyecto. La película fue uno de los mayores éxitos de taquilla de 2011, abriendo la posibilidad de una continuación. “Y ahora con ‘Los Pitufos 2’, nuestra idea ha sido hacer una película que pueda superar todas las barreras y traducirse en todas las culturas y en todas partes”, dice Kerner. “Y eso encaja porque la temática de los Pitufos traspasa todas las culturas”. Detrás de cámara ha vuelto a colocarse Raja Gosnell, cuyos antecedentes como director incluyen ambas “Scooby Doo”, “Mi Abuela es un Peligro” (la

primera) y “Una Chihuahua de Beverly Hills”. Sobre “Los Pitufos 2” dice: “Para mí, lo más emocionante como director es ambientar esta gran aventura por toda París. Hasta hemos rodado en lugares en los que, a mi entender, nadie ha rodado. Entre el

cariño que todos le tienen a los Pitufos y el trabajo hecho por Jordan y nuestro coproductor, Raphael Benolel, con las autoridades parisinas, nos dieron acceso a lugares en los que jamás soñé rodar. ¿Qué más puede pedir un director?”.

ficha técnica Género: Animación, fantasía, aventuras Origen: Estados Unidos Título original: The Smurfs 2 Formato: 3D Duración: 105 Min. Calificación: Apta para todo público Director: Raja Gosnell Guión: Karey Kirkpatrick, J. David Stern, David N. Weiss, Jay Scherick, David Ronn Productores: Jordan Kerner, Raphael Benolel Fotografía: Phil Meheux Música: Heitor Pereira Montaje: Sabrina Plisco Protagonistas: Hank Azaria (Gargamel), Neil Patrick Harris (Patrick Winslow), Jayma Mays (Grace Winslow), Brendan Gleeson (Victor Doyle). Y las voces (en el audio original en inglés) de: Christina Ricci (Vexy), Katy Perry (Pitufina), Jonathan Winters (Papá Pitufo), J.B. Smoove (Hackus), Alan Cumming (Gusty) Anton Yelchin (Pitufo Tontín), George López (Pitufo Gruñón)


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cine coliseo

Metegol

ficha técnica

Continúa en exhibición la realización animada argentino-española en 3D que Juan José Canpanella ha coguionado, coproducido y dirigido sobre un relato escrito por Roberto Fontanarrosa. Amadeo vive en un pueblo pequeño y anónimo. Trabaja en un bar, juega al metegol mejor que nadie y está enamorado de Laura, aunque ella no lo sabe. Su rutina sencilla se desmorona cuando Párpados, un joven del pueblo que se ha convertido en el mejor futbolista del mundo, regresa dispuesto a cobrar venganza de la única derrota que sufrió en su vida. Con el metegol, el bar y hasta su alma destrozados, Amadeo descubre algo mágico: los jugadores de su querido metegol... ¡hablan! Y además son capaces de hacer más de lo que cualquiera hubiera creído. Juntos se embarcarán en un viaje lleno de aventuras para salvar a Laura y al pueblo, y para tratar de convertirse en un verdadero equipo. Pero, ¿hay en el fútbol lugar para los milagros?

“Y

o soy fan de Fontanarrosa, desde antes de los cuentos, desde Inodoro Pereyra y Boogie el Aceitoso en la revista Hortensia”, declaró Campanella al ser entrevistado por la Agencia Federal de Noticias. “La película está inspirada en un cuento de él. Cuando Gastón Gorali me presenta el proyecto, era éste. No es que se nos ocurrió algo y dijimos ‘traigamos a Fontanarrosa’. Esto nació con Fontanarrosa”. Y se concretó en una película que costó 20 millones de dólares, procedentes en su mayor parte de aportes privados. “Al INCAA se le pidió un crédito de 2 millones de pesos, como lo piden todas las películas”, comenta el realizador. “Nos dieron 1,6 millones”. Campanella señala que con la realización de este filme se ha apuntado a crear una industria: “Lo que nos mantenía a todos, a la gente que trabajaba en ‘Metegol’, era probar que podemos hacer una industria, porque nadie se

quiere ir. Tenemos gente recontra talentosa que tiene laburo afuera, porque a los animadores que tenemos se los chupan enseguida. Muchos no se quieren ir, tienen familia acá y quieren seguir trabajando acá. Ésa es una de las apuestas: armar la cosa acá. Pero necesitamos el mundo. Este tipo de inversión, acá no la recuperás ni loco”. De hecho, “Metegol” se constituye en una apuesta cinematográfica arriesgada también por el hecho de que está hablada en un lenguaje 100% argentino, en vez del castellano neutro. “Yo no concebí el neutro nunca en la vida”, sostiene Campanella. “Es una historia de Fontanarrosa. Si hiciera Inodoro Pereyra, ¿me pedirían que hable como mexicano? ¿O uno se imagina a Pucho, Larguirucho o Patoruzito hablando como mexicano? Lo que pasa es que tuvimos experiencias de doblaje argentino muy feas, que no funcionaron y que los mismos que las hicieron dijeron ‘no las hagamos más’. Pero eso es doblaje, es muy distinto a hacer algo

original. El público acá nunca tuvo problemas con algo original porque era hablado en argentino. La verdad, yo no lo concibo de otra manera”.

Género: Animación, aventura, comedia Origen: España, Argentina Título original: Metegol (Título en España: Futbolín) Año: 2013 Duración: 106 Min. Formato: 3D Calificación: Apta para todo público Director: Juan José Campanella Guión: Eduardo Sacheri, Juan José Campanella, Gastón Gorali y Axel Kuschevatzky en base al cuento “Memorias de un Wing Derecho”, de Roberto Fontanarrosa Productores: Axel Kuchevatzky, Juan José Campanella Música: Emilio Kauderer Montaje: Juan José Campanella, Abel Goldfarb Voces: Pablo Rago (Capi), Miguel Ángel Rodríguez (Capitán Liso), Fabián Gianola (Beto), Diego Ramos (Grosso) Horacio Fontova (Loco), David Masajnik (Amadeo), Sebastián Mogordoy (El Pulpo), Coco Sili (Manager), Juan José Campanella (Eusebio), Axel Kustchevatzky (Intendente), Lucía Maciel (Laura), Mariana Otero (Joven Grosso), Marcos Mundstock (Ermitaño)

ESTRENOS DVD / BLU-RAY CONTRARRELOJ TITULO ORIGINAL: Stolen. ORIGEN: Estados Unidos. ACTORES: Nicolas Cage, Malin Akerman, Josh Lucas. ACTORES SECUNDARIOS: Danny Huston. DIRECTOR: Simon West. FOTOGRAFIA: Jim Whitaker. GUION: David Guggenheim. MúSICA: Mark Isham. GENERO: Suspenso, Drama, Acción. DURACION: 93 Minutos. CALIFICACION: Apta mayores de 13 años. Sinopsis: Will Montgomery (Nicolas Cage) es un exladrón de bancos busca frenéticamente a su hija quién ha sido secuestrada y encerrada en el baúl de un taxi por un antiguo compañero de Will. Con sólo un día para conseguir el dinero del rescate, a Will sólo le queda confiar en su instinto y en su antigua compañera Riley para dar un último gran golpe que le permita recuperar a su hija..


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cine Teatro Español TURBO Sigue en exhibición la nueva producción de Dreamworks Animation: una comedia de aventuras a toda velocidad en 3D sobre un caracol, peón de una granja de tomates y considerado un perdedor, que está harto de la vida mediocre que lleva y decide entonces salir al mundo. Esta decisión provocará que, fortuita y milagrosamente, adquiera el poder de la súper-velocidad. Tras una serie de azarosas circunstancias que le llevarán a hacerse amigo de una pandilla de equipados “carrocoles” a quienes también les obsesiona la velocidad, Turbo aprenderá que nadie alcanza el éxito por sí solo. Así que pondrá su corazón, su cuerpo y su caparazón en la línea de largada, dispuesto a ayudar a sus amigos y lograr concretar sus sueños, incluso el más imposible: ganar las 500 millas de Indianápolis.

“E

l personaje de Turbo tiene el sello de aquel que nunca ha sido favorito para ganar nada”, dice David Soren, guionista y director de esta película. “No esperas nada de los caracoles, cuyas vidas están llenas de obstáculos, porque son lentos. Pero si profundizas en ellos, un caracol es el personaje perfecto para contar una historia de este tipo”. A Soren le tomó casi una década lograr que los estudios probaran su proyecto. “En su momento era una idea muy compleja, el ‘Rápidos y Furiosos’ con caracoles”, recuerda. Y añade que su fuente de inspiración fue el crecimiento de su hijo: “Él estaba obsesionado con coches de juguete y las carreras, y podía identificar cualquier coche en la calle por su marca y modelo”. Por otra parte, Soren también encontró motivación dentro de su propio jardín, que tenía un “problema de caracoles”, ya que éstos estaban comiéndose sus tomates. “Este maridaje entre lo lento (los caracoles) y la velocidad (la obsesión de mi hijo) fue el catalizador que me llevó hacia el esqueleto de la histo-

ria, centrada en un caracol que sueña con la gloria de las carreras”. Se trata de expresar una metáfora (un animal símbolo de la lentitud) que nos lleva a considerar una flaqueza en nuestros sueños de vida. Correr hacia las metas es tal vez un principio básico del éxito, algo que a Turbo le es físicamente imposible; hasta que la fuerza de su deseo (su empeño), provoca que adquiera, mágicamente, esa velocidad. Éste es el primer largometraje para la pantalla grande que dirige Soren, quien no obstante ha acumulado una reconocida experiencia como guionista, actor de voces, diseñador de storyboards y animador, al haber participado en la realización de “El Camino a El Dorado” (2000), “Pollitos en Fuga” (2000), “Shrek” (2001), “El Espanta Tiburones” (2004), “Madagascar 2” (2008) y “Cómo Entrenar a tu Dragón” (2010). En 2009 escribió y dirigió su primer film, un especial de Navidad para la televisión titulado “Merry Madagascar”. Más recientemente, escribió y dirigió otro especial televisivo, “Madly Madagascar”, dedicado al Día de San Valentín.

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WOLVERINE: INMORTAL

Continúa en exhibición la nueva aventura cinematográfica, dirigida por James Mangold, del que es considerado el más icónico de los personajes del universo X-Men. Nuevamente interpretado por Hugh Jackman, Wolverine es atraído con engaños a un Japón al que no había vuelto desde la II Guerra Mundial, y donde se sumerge en un tenebroso mundo controlado por la yakuza y los samurais. Perdiendo su invulnerabilidad y enfrentando por primera vez la posibilidad de morir realmente, Wolverine es llevado a sus límites físicos y emocionales como nunca antes. En una peligrosa odisea para redescubrir al héroe que hay en su interior, se verá forzado a lidiar no sólo con enemigos humanos y mutantes, sino también con los fantasmas de su propio y tormentoso pasado.

“E

ste relato lleva a Wolverine a un mundo que no se parece absolutamente nada a cualquier otro visto anteriormente en la saga X-Men”, dice Hugh Jackman, que también es coproductor de la película. “Visualmente es diferente y el tono también es distinto. Hay muchas batallas en esta historia, pero la mayor de todas es la que se desarrolla dentro de Logan ante la disyuntiva de ser humano o un monstruo”. El personaje vio la luz en 1974, cuando apareció por primera vez en la última página de una edición de “The Incredible Hulk”. Pronto fue mundialmente conocido por sus garras de adamantio, sus poderes de autocuración y sus “enloquecidos” ataques de furia; todo lo cual contribuyó a convertirlo en una superestrella entre los superhéroes. En los años 80, Wolverine demostró su verdadero potencial en una mini saga creada por el guionista Chris Claremont y el legendario artista gráfico Frank Miller, quienes le hicieron viajar a Japón, donde se ve inmerso en una espiral de crimen, traición y honor, en medio de la cual debe enfrentarse a una vulnerabilidad que nunca antes había conocido. Paralelamente, descubre por primera vez su particular sentido de la justicia. Esta historia sirvió de inspiración para Jackman, quien vio aquí una oportunidad de profundizar aún más en la indestructibilidad de Wolverine y, de paso, explicar sus aspectos más oscuros de una manera distinta a la esperable en una película de superhéroes. El proyecto cobró impulso cuando el actor convocó a James Mangold, director conocido por el biophic sobre Johnny Cash “Johnny y June: Pasión y Locura”. “Jim Mangold sabe cómo hacer una película divertida y con una acción increíble, pero a la vez proporcionando elementos interesantes en relación a los personajes y a su forma de narrar”, señala Jackman. “Jim me animó a profundizar más, a enojarme más, a pegar más fuerte y a estar más enloquecido en todos los sentidos y en todas las formas”. Desde el principio, Mangold quiso romper el molde de película basada en un cómic. Al respecto, dice: “Lo que me interesaba aquí era hacer algo muy distinto a la típica cinta de superhéroes, en la que todo gira en torno a detener el diabólico complot de un villano. En esta historia, la acción y el suspense se erigen más sobre el personaje y se encuadran dentro de un mundo que brinda un tipo de experiencia completamente diferente, una que nadie ha visto antes”.


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cultura para todos

La condición Humana, nuclea y conjuga estas poéticas, a través de la curaduría del artista Gabriel Valansi

Se inaugurara la muestra Fotográfica “ La Nada” Con el respaldo de la Secretaría de Cultura y Turismo municipal y la Fundación OSDE, una nueva muestra fotográfica quedará inaugurada en el Centro Cultural, de la mano fotógrafo local Pablo Villagra. Dicha muestra se denomina “La Nada” y se trata de un ensayo fotográfico que exhibe imágenes sobre la ciudad de Las Heras, provincia de Santa Cruz. La cita es este viernes el 2 de agosto a las 19 horas en la Sala de exposiciones de dicho lugar.

L

as obras cuentan con la curaduría del artista, Gabriel Valansi, quien además brindará una charla sobre arte y tecnología denominada “Hacia una comprensión del arte desde la evolución de la ciencia y la tecnología” que se dictara el sábado3 de agosto a las 14 horas en el auditorio de dicho espacio. En este contexto, el autor comentó que “se trata de dos trabajos en progreso, por una parte las fotografías conforman, una serie de imágenes que están dentro de lo que se denomina - los no lugares-, aquellos lugares por los cuales se transita muchísimas veces, lugares en los que nadie se detiene, y que están cargados de una estética muy especial”. En referencia a la obra, el artista y curador, Gabriel Valansi, subrayó que “Villagra a través de sus imágenes trata de hurgar en los rincones en donde parece ocultarse una especie de verdad: el detalle kafkiano, la solemnidad de los objetos...” Villagra Pablo ESTUDIOS Se ha formado en los aspectos técnicos de la fotografía en la Dirección de Medios Audiovisuales de la Universidad Nacional de la Patagonia San Juan Bosco, Dirección en donde desde el año 1992 trabaja y desarrolla tareas de producción audiovisual. TRAYECTORIA Trabaja actualmente en la Dirección de Medios Audiovisuales de la Universidad Nacional de la Patagonia, República Argentina, allí

realiza producción audiovisual. Coordino las primeras Jornadas de Fotografía 2004 en Comodoro Rivadavia Coordinador en Chubut de la muestra fotografica “Miradas Argentinas”, curada por la artista Elda Harrington y auspiciadas por la firma Panasonic.Coordinador de las Segundas Jornadas de Fotografia y Arte Contemporaneo de Comodoro Rivadavia, disertantes Lic. Rodrigo Alonso y el artista Gabriel Valansi (seminarios y clinica). Coordinador Festival de la Luz 2012, en la ciudad de Comodoro Rivadavia.Directora Elda Harrington. GABRIEL VALANSI Vive y trabaja en Bs. As. Sus trabajos abarcan fotografías, instalaciones y video. Es profesor de diseño audiovisual en la carrera de Diseño de Imagen y sonido en la Universidad de Buenos Aires. Su obra integra distintas colecciones estatales y privadas. Fué miembro consultor de la colección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Bs As. En el 2003 Recibe la distinción al artista del año otorgada por la Asociación de criticos de Arte. La misma considera a su muestra Abstract (Museo De Arte Moderno de Bs As) como la mejor muestra multimedial del 2005. Desde el 2001 es jurado en diferentes premios y salones argentinos. En 2003 y 2012 representa a la Argentina en la Bienal de La Habana. En 2013 es asesor artístico del envío argentino a la Bienal de Venecia.


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contenidos de libre disponibilidad

¿C

ómo sostener en el tiempo una serie si la idea que le da origen es tan genial, tan graciosa, tan infalible como la de Wilfred? Porque hay que hay que sostener el interés a lo largo de decenas de episodios cuando el punto de partida ya es un chiste en sí mismo. Dejemos la intriga a un lado y contemos de qué trata esta serie que primero fue realizada en Australia por Jason Gann y que después la volvieron a hacer en Estados Unidos y ahí sí, en ese paso típico de las series de lugares marginales, que son fagocitadas y regurgitadas por guionistas conocedores del american way of life y gracias a eso, por fin alcanzan el reconocimiento en el resto del mundo. En fin: Wilfred es un perro y es uno de los protagonistas de la serie. El otro es Ryan (Elijah Wood) y con él empieza la historia. A Ryan lo conocemos en los primeros minutos del primer episodio. Se lo ve mal: deprimido, aburrido, con una vida sin sentido. Escribe una carta en la computadora en la que se despide de sus pocos seres queridos, y la corrige un par de veces. En la cocina se prepara un licuado contundente con banana, leche, azúcar, suplemento alimenticio, un frasco entero de pastillas y le dice adiós al mundo. Solo para descubrir, después de una hora de sueño, que las pastillas que le había dado su hermana médica eran placebo, que sigue vivo,

aunque ahora con ojeras, y sobre estimulado por el licuado energizante. Alguien llama a la puerta de Ryan. Es su vecina, Jenna. Rubia, linda, recién mudada. Se presenta –y se asusta con la pinta de destrucción de Ryan–. Le dice que se había olvidado que ese día iban a fumigar su casa, y le pide si por favor no puede cuidar a su perro Wilfred. En ese momento aparece, en la entrada

de su casa, una persona con un disfraz de perro gris –pelo gris, cola gris, orejas grises y nariz pintada de negro–. Es Wilfred. Jenna le hace unos mimos y Ryan, todavía mareado tras su noche de suicidio fallido, le dice que sí, que lo puede cuidar. Lo mira a la cara –es más alto que él–, Wilfred se acerca al sillón, gira, se acomoda. Y le dice, en un inglés con fuerte tono australiano, que es muy có-

modo, que hay algunos sillones en los que es imposible acomodarse. Ryan no entiende nada. Está asustado y Wilfred huele su miedo, y también huele la leche podrida que Ryan guarda en la heladera y las partículas de caca que hay en su calzoncillo. Wilfred le pide agua, Ryan se la lleva. Wilfred llena una pipa de agua y empieza a fumar marihuana. Y empiezan a conversar. Y ahí, en esas cosas: marihuana

y conversaciones, un perro que habla y un treintañero en crisis, están todos los ingredientes de la serie. A partir de ahí la historia crece, se desarrolla y se reproduce y nunca –pero nunca– muere. El chiste funciona siempre: las chicas en la playa que se acercan a hacerle mimos al perro y Ryan que lo ve como un flaco con disfraz siendo toqueteada por chicas en bikini; Wilfred levantándose a un osito de peluche, y después practicando todo el kamasutra con él; Wilfred obsesionado con el vecino que maneja una moto; Wilfred y Ryan boicoteando las relaciones y todo lo que tienen en su mundo. Wilfred es una serie llena de chistes, gags y momentos geniales, pero también es una serie que habla de la normalidad, de la locura, de las diferencias. A veces de manera superficial, otras veces de manera profunda y oscura, densa, dolorosa. Con la actuación del ex niño maravilla Elijah Wood (a quien conocemos desde los ocho años, cuando apareció en Volver al Futuro II) que hace un Ryan muy incómodo –tan perdedor, tan cagón, tan inseguro–; y del creador de la serie Jason Gann en el papel de Wilfred, la serie tiene mucho para darnos. Además de risas. Hace pocas semanas comenzó su tercera temporada. Se le puede ver completa en www. mirawilfred.com


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comunicación y Medios

“ESTE SUPLEMENTO ESTA A FAVOR DE LA LEY DE SERVICIOS DE COMUNICACIÓN AUDIOVISUAL”

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esde el año 2009 la formas electorales cambiaron, y con ellas, las campañas publicitarias. Vino de la mano de la ley 26.571, llamada (y festejada por casi todo el arco político) “Ley de democratización de la representación política, la transparencia y la equidad electoral”. A esta altura de la historia y a cuatro años de su fallo, aunque no sepamos su número, nombre o naturaleza, casi todos estamos familiarizados con esa ley. Por ejemplo, pocas personas no deben saber qué son las PASO, esa instancia inaugurada con la ley mencionada. Una (de tantas) de las razones por las que se conoce sin conocérsela realmente, son los mencionados –y profusos- spots publicitarios que, a pocas semanas de las elecciones, invaden la televisión con su inconfundible cortina que, sobre blanco o negro o rojo o azul, reza: “Espacio gratuito asignado por la Dirección Nacional Electoral”. Parte del sentido de la ley es equilibrar las posibilidades de todos los partidos, por eso lo de espacio asignado, y por eso lo de “democratización, transparencia y equidad” en el nombre. Y sí, es casi imposible no comentar con ironía los spots que piden votos en las próximas elecciones. Es una señal de nuestros tiempos. Y esta nota no se libera de ese espíritu. Todos, casi todos, o muchos, ya no comentan el mensaje (si es que lo hay) o la plataforma que se desliza (si es que la hubiera) en estos breves y extraños productos audiovisuales. El comentario es: ¡Cómo estafaron

a estos políticos! ¡A quién se le ocurre hacer algo así! ¡Mirá eso, qué horror! Como digresión: La moda del comentario (en rigor, del meta-comentario porque ya no se habla del contenido, si no de lo que contiene al contenido), es la norma. Este video, y además un buen spot de campaña, lo grafica con claridad. Lo encontramos acá: https://www.youtube.com/ watch?v=_vbiYY063eY . Habría que ver qué propició esto. Una posibilidad es la moda de los políticos triviales, que tratan de aislarse (vana y absurdamente) del universo de la política. Estos candida-

tos que se presentan como gestores desideologizados, a lo Macri, a lo Francisco de Narváez, o a lo Massa. Gestores del discurso de la buena voluntad, que no tiene nada que ver con la política o su capacidad de gobierno. Que se dirigen al pueblo como si vendieran un yogurt y no un futuro. Que trabajan con la forma y desprecian el contenido. Pero los spots están ahí, en Youtube o en tu televisón. Es un buen ejercicio mirarlos (mucho mejor, es verdad, es leer una plataforma o visitar la esquina donde se pare algún militante, pero…). Son uno peor que el otro, o uno más gracioso que el

otro, o uno más triste que el otro, o, hay que decirlo, uno mejor que los demás, y así, pero hay algo que es cierto: después de verlos sólo una certeza se ilumina sobre el manto negro de nuestra incertidumbre (de ahí la palabra spot; un spot de luz): que somos un electorado entrenado que no quiere más productos publicitarios a lo Macri. La década ganada, acá sí, no es un slogan vacío. Como imagen. Sabemos que la basura se recicla, y Francisco de Narváez no puede escapara a esa lógica, a ese estigma más bien. En la nota anterior contamos como volvió a usar una idea, y ahora vuelve a

Nos interesa su opinión acerca de los temas tratados en esta sección. Para comunicarse escríbanos a suplementocmas@gmail.com

hacer lo mismo, pero con el spot que publicó para las legislativas del 2009 (es evidente que debe creer que ese spot fue el que le dio tantos puntos en aquella elección). No es difícil imaginarnos a sus publicistas revisando los anaqueles polvorientos de su oficina. E imaginarnos el tedio y la falta de ideas. Y tampoco es difícil visualizar como de golpe uno grita, saliendo de debajo de un viejo armario: “¡Acá, la del 2009! Eso, hagamos eso, usémosla de vuelta, pero en vez de Él, metámosla a Ella” Y todos los jovencísimos artistas de la gráfica publicitaria y del arte moderno sin arte (no sabemos si es el cansancio, la resaca, las ganas de un after office), festejan la idea, suben corriendo al despacho y llaman un poco agitados por teléfono a Pancho, expectantes, y el colorado, después de escuchar la idea y de un largo silencio dice: ¿quién era Él?... No, mejor no, eso no. Mejor así: y Pancho –la línea del manos libres carraspea, se genera un breve suspenso- dice: ¡Me parece genial! ¡Votamos colorado! En fin, así las cosas. Y si te cansaron o si sentiste que la televisión se volvió territorio ajeno (cuando no), alegrate y leé lo que sigue; es de la ley que hablábamos: “Articulo 33. Los gastos totales de cada agrupación política para las elecciones primarias, no pueden superar el cincuenta por ciento (50%) del límite de gastos de campaña para las elecciones generales.” ¿Sabés qué quiere decir? Sí, quiere decir eso. Que esto sólo fue una muestra. Lo mejor viene en unos meses.


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Próximamente en pantalla

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ANTES DE LA MEDIANOCHE Desde el jueves 8 de agosto, se exhibe la ¿entrega final? de lo que ahora ha pasado a ser una trilogía. El guionista y director Richard Linklater vuelve a reunir a Ethan Hawke y Julie Delphy, quienes han vuelto a colaborar en el guión, además de volver a encarnar a una de las pocas parejas de enamorados cinematográficos que han alcanzado el estatus de culto. ¿Qué hace una pareja madura en un elegante cuarto de hotel en Grecia, además de quitarse las preocupaciones, las responsabilidades y la ropa para hacer el amor? Sin embargo, a Jesse y Celine la realidad se les entromete: el peso de los chicos, el trabajo, las ambiciones, las desilusiones, los altibajos del romance, las presiones de una relación arraigada y profunda. La noche idílica los pone a prueba de maneras inesperadas. Jesse y Celine se conocieron siendo veinteañeros en “ANTES DEL AMANECER” (1995), se reencontraron a los treinta en “ANTES DEL ATARDECER” (2004) y, ahora, enfrentan el pasado, el presente, el futuro, la familia, el romance y el amor. Antes de que el reloj marque la medianoche, su historia volverá a aflorar.

“E

sta vez, consideramos que lo que teníamos que ofrecer era una sinceridad brutal sobre el compromiso a largo plazo, sobre lo duro que es”, explica Linklater. “Es un campo sembrado de minas. Tuvimos que profundizar una vertiente más doméstica, muy distinta del breve encuentro que vivieron a los veintitantos años y del reencuentro a sus treinta y tantos. Ya no es el mismo tipo de romance, aunque seguimos pensando que esta pareja tiene algo

especial”. ¿Se imaginaban Linklater y sus dos actores que aquel proyecto independiente de 1995 desarrollado en conjunto y titulado “Antes del Amanecer”, acabaría originando un seguimiento de sus personajes a medida que evolucionaban en la vida y en el amor? “Creo que nadie se lo habría podido imaginar”, dice Ethan Hawke. “Pero cuando acabamos la primera película, sentí que quería volver a trabajar con Richard y Julie. Por una u otra razón,

eso se cumplió. Veo hacia atrás y la verdad es que no sé cómo sucedió. Creo que no habríamos vuelto a juntarnos si no fuera porque amábamos profundamente el proyecto”. Por su parte, Julie Delphy dice: “Cada uno siguió su camino. Pero aquello se quedó en un segundo plano en nuestra mente durante meses y años. Y pensamos, y pensamos, y pensamos... Y al final nos encontramos escribiendo otra vez juntos”. La iniciativa esta tercera película surgió del propio Linklkater, quien

recuerda que después de “Antes del Atardecer”, los que la habían visto se preguntaban si habría una próxima entrega, cuándo se haría y, sobre todo, ¿qué pasaría con Jesse y Celine? Seis años de maceración más tarde, el trío volvía a estar listo para devolver la vida a ambos personajes. “Fue así como pasó”, recuerda Hawke: “por alguna razón nos volvimos a encontrar y acabamos hablando, y luego debatiendo sobre cómo sería que estos dos personajes volverían a encontrarse. De ahí surgió la idea general”. Y aclara: “A la gente le gusta pensar

que Julie escribió los diálogos de Celine y que yo hice los de Jesse, y que Richard fue el que los montó. Eso tendría sentido, pero lo cierto es que no hay ninguna parte del guión en la que no hayamos participado todos. Richard tiene una norma, y es que si a alguno de los tres no le gusta algo, se elimina. Y eso nos da mucha calma y seguridad”. En cuanto a si habrá una cuarta película, Linklater señala: “De momento no separaremos de Jesse y Celine, les dejaremos hablando, y luego veremos. No vamos a dar un tono conclusivo”.


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