OpenArtCode Paris 2017

Page 1 Exhibition organisation Studio Abba and Mary Brilli Catalogue editing Carlotta Marzaioli

Š 2017 Studio Abba Reproduction and diffusion of this catalogue or any part of it by electronic storage, hard copies, or any other means, are prohibited unless a written consent is obtained from the copyright holders.


AC 14-19 February 2017 Art Capital - Salon des Artistes IndĂŠpendants Grand Palais - Paris

Open Art Code is composed of a group of renowned artists who have very different technical styles and their artistic formation is varied. They have united their talents in the past to exhibit together in Paris at the Grand Palais, in Monaco at the Auditorium Rainier III, at the Oxo Gallery on the River Thames in London, in Shanghai at Pudong Library and CEIBS, in Venice at Palazzo Cavalli Franchetti and in Tokyo at the Tokyo Metropolitan Art Museum.

Jian Jun An Canada

Jian Jun An was born in 1966 in Gan Su Province, China and moved to Canada in 2005 where he currently lives. The cornerstone of his art is based both in Expressionism and Realism. He pays attention to living creatures and human life and uses the society and the objective nature as the wellspring of creation to express humanity. In his artist statement he says: "In my works, the curved lines, large blocks of color, and the form of forgotten memories are just like the locus of my life: blurred, complex and confused, constantly searching and experiencing simplicity in complexity, revitalizing memories, the image to be full of tension, the colors to be full of vibrancy. What makes a truly great designer is his solid foundation of cultural heritage". Jian Jun Un est né en 1966 dans la province de Gan Su en Chine; il a déménagé au Canada en 2005 où il vit actuellement. La pierre angulaire de son art repose à la fois sur l'Expressionnisme et sur le Réalisme. Il s’intéresse aux créatures vivantes et à la vie humaine et utilise la société et la nature objective comme sources de sa création pour exprimer l'humanité. Dans sa déclaration d'intention artistique, il dit: “Dans mes œuvres, les lignes courbes, de gros blocs de couleur et la forme de souvenirs oubliés sont comme le lieu de ma vie: flou, complexe et confus, constamment en recherche et expérimentant la simplicité dans la complexité, revitalisant les souvenirs, l'image pleine de tension, les couleurs qui doivent être pleines de vitalité. Ce qui fait un "vraiment grand” designer est la solidité de l’ancrage de son patrimoine culturel”.


Acrylique sur toile, 122x91cm

Stefania Ber tini Italie

Stefania was born in Florence. The archaic query, the spiral, that places the human beings and the cosmos in the same great enigma, is steady in her work, as well as the time, the metamorphosis, the straight line, archetype of the earth. The form becomes a place of wisdom and sacredness. Painting, sculpture and photography are tools that Stefania uses to expand her view of the world. Nature is a source of inspiration, the human being is the place where the mystery dwells. She is active in projects for the care of the earth and respect of environmental ecology. Stefania est née à Florence. La question archaïque, la spirale, qui place les êtres humains et le cosmos dans la même grande énigme, est constante dans son œuvre, ainsi que le temps, la métamorphose, la ligne droite, archétype de la terre. La forme devient un lieu de sagesse et de sacralité. La peinture, la sculpture et la photographie sont des outils que Stefania utilise pour élargir sa vision du monde. La nature est source d'inspiration, l'être humain est l'endroit où demeure le mystère. Elle est active dans des projets qui prennent en charge le soin de la terre et le respect de l'écologie de l'environnement.


Technique mixte sur toile, 100x100cm Diptyque

William Braemer États-Unis | Cuba

William Breamer’s artwork is the result of an amazing life experience and a personality that hungers for rich, character-defining adventures. William’s art can be defined as abstract expressionism; notably accentuated with valiant colors, rich strokes and provocative themes. From the Caribbean enhanced abstract paintings inspired by his Cuban heritage, to the ornately crafted sculptures, William’s artwork appeals to a wide cross-section of collectors. My intense passion and extreme love of life is the foundation of my creativity… I like to define my artistic style as abstract in nature coupled with an expressionist quality. Le travail artistique de William Breamer est le résultat d’une expérience de vie et d’une personnalité extraordinaire, qui a faim d’aventures riches, capables de structurer l’individu. L’art de William peut être défini comme un expressionisme abstrait, particulièrement assaisonné de couleurs vaillantes, de riches coups de pinceau et de sujets provocateurs. Avec ses tableaux abstraits empreints des Caraïbes et inspirés par son héritage cubain et ses sculptures richement réalisées, le travail de William attire une grande quantité de collectionneurs. Ma passion intense et mon amour extrême pour la vie sont la base de ma créativité… J’aime définir mon style artistique comme abstrait par nature mais combiné avec une qualité expressionniste.

Twiggie III

Sculpture de pièces de monnaie, 77x38x28cm

Mary Brilli Italie | France

With her eclectic and multi-faceted personality, Mary Brilli conveys an efflorescence of artistic expression, with a fundamentally humanist vision of the world. Only those who know Mary Brilli can really understand her strong artistic personality and by knowing her world, her work and her loves and passions, we can see her as a free, self-critical and unconventional artist. In reality, her works reflect her great faith in imagination and in satire and she wants the viewer to reflect, without prejudice, on her criticism of this irrational and complex world. Avec sa personnalité éclectique et polyédrique, Mary Brilli s’exprime à travers une efflorescence d'expressions artistiques et une vision fondamentalement humaniste du monde. Seuls ceux qui connaissent Mary Brilli peuvent vraiment comprendre sa forte personnalité artistique. En connaissant son monde, son travail, ses amours et ses passions, on peut analyser son comportement qui est libre, critique et anticonformiste. En réalité, ses œuvres reflètent sa grande foi en l’imagination et en la satire et elle désire que le spectateur réfléchisse, sans idées préconçues, sur sa critique de ce monde irrationnel et complexe.

Clin d’œil - Délire de soi(e) Technique mixte, 146x97cm

Chacin Colombia

As well as being Colombian, Chacin sees himself as Caribbean, as a term that gives him more universality to the context in which he developed his artistic production in the visual medium. Being Caribbean is also a philosophical position towards life that makes us see and feel differently, because in this area, all races and cultures come together, giving us the hybrid features that are found in each of the signs and symbols present in Chacin’s artworks. After starting his training at Santa Marta, Colombia, Chacin went off to Cuba, to Italy, before heading back to Colombia in 2002 where he developed new projects. Since 2010 he lives and works in Paris. Tout en étant Colombien, Chacin se voit comme un homme des Caraïbes, un caribéen; pour lui, ce terme confère plus d'universalité au contexte dans lequel il a développé sa production artistique dans le medium visuel. Être Caribéen c’est aussi une attitude philosophique vers la vie. Celle-ci nous permet de voir et de sentir de manière différente, car dans cette région toutes les races et les cultures se réunissent, donnant ainsi les caractéristiques hybrides que l’on retrouve dans chacun des signes et des symboles présents dans les œuvres de Chacin. Après avoir entrepris sa formation à Santa Marta en Colombie, Chacin est passé par Cuba et l’Italie, avant de revenir en Colombie en 2002 où il a développé de nouveaux projets. Depuis 2010, il vit et travaille à Paris.


Fil d’aluminium, tiges filetées, ciment, polyuréthane, empreintes dentaires 120x100x100cm

Lore Eckelberry États-Unis

Lore Eckelberry is an international contemporary artist based in Los Angeles, California. Lore’s painting style has evolved from early 20th century inspired to totally distinctly contemporary. Each spontaneous, explosive painting displays her love of strong, expressive emotions. An emphasis on color creates a modern and innovative strength in art expression. Lore’s masterful use of color in portraits evoke an intimate side of the subjects she paints, reflecting their inner soul. A love of travel and curiosity about other cultures has led Lore to visit many countries; she has also lived in Mexico and Italy for some time and frequently returns to Japan. Lore Eckelberry est une artiste contemporaine internationale qui vit à Los Angeles, en Californie. La peinture de Lore a évolué d’un style inspiré du début du 20ème siècle à un style totalement et distinctement contemporain. Chaque peinture, spontanée et explosive, montre son amour pour les émotions fortes et expressives. L'accent mis sur la couleur crée une force moderne et innovatrice dans l'expression artistique. Son utilisation magistrale de la couleur dans les portraits évoque une partie intime des sujets qu'elle peint, reflétant leur âme intérieure. L’amour du voyage et la curiosité pour d'autres cultures a conduit Lore à visiter de nombreux pays; elle a également vécu au Mexique et en Italie pendant un certain temps et elle revient fréquemment au Japon.

The Mask

Techinque mixte sur skateboard, 81x60cm

Kay Griffith États-Unis

Abstract artist Kay Griffith is from the USA, born and raised in Texas. She paints naturally, exuding passion and energy in every painting. Each Griffith abstract is characterized by its own color palette, rhythms, and textures. She paints with oil paint, wet-into-wet. Palette knives are employed to skillfully manipulate the paint. The result is masterful abstract expressionism. Griffith abstracts speak personally to each viewer, often evoking intense emotion, lively discussion, and passionate reactions, but do not expect a Griffith abstract to evoke the same emotion in all viewers. They evoke different emotions in different viewers, and interpretations are always illusive. Artiste abstraite, Kay Griffith est née et a grandi au Texas, aux États-Unis. Elle peint naturellement, diffusant sa passion et son énergie dans chacun de ses tableaux. Chaque toile abstraite de Griffith se caractérise par une palette de couleurs, par des rythmes et des textures spécifiques. Elle utilise la peinture à l'huile, avec la technique du mouillé sur mouillé. Les couteaux à palette lui servent pour manipuler habilement la peinture. Les toiles abstraites de Griffith parlent de manière personnelle à chaque spectateur, évoquant souvent des émotions intenses, des discussions animées et des réactions passionnées, mais ne vous attendez pas qu'une peinture de Griffith provoque la même émotion chez tout spectateur. Ses toiles évoquent des émotions différentes chez des spectateurs différents, et les interprétations sont toujours illusoires.

Abstract U-327

Huile sur toile, 91x122cm

Sylvie Hamou Nouvelle-Zélande

The color, the materials, the graphics, here is my thread. My artistic research is to create works releasing positive energy and a unique personality. Explaining my art is not what I prefer, but my creativity is clearly the expression of my origins, my inner being ... the combination of elements and influences that were the very essence of my childhood. Born in Antipodes, the modernist landscapes of New Zealand as well as the repeated and geometric patterns used by its indigenous people and the technique of pointillism of the aborigines of Australia have shaped my eyes. The visual consistency and color composition I seek are mainly related to my strong attraction to design and decor. La couleur, les matières, le graphisme, voici mon fil conducteur. Ma quête artistique est celle de créer des œuvres dégageant une énergie positive et une personnalité à part entière. Expliquer mon art n’est pas ce que je préfère, mais ma créativité est clairement l’expression de mes origines, de mon être intérieur… la combinaison d’éléments et d’influences composant l’essence même de mon enfance. Née aux Antipodes, mon regard a été façonné par les paysages modernistes de la Nouvelle Zélande ainsi que par les motifs répétitifs et géométriques utilisés par son peuple indigène et la technique du pointillisme des aborigènes d’Australie. La cohérence visuelle et la composition de couleurs que je recherche sont principalement liées à ma passion pour le design et le décor.

A day in the city II

Technique mixte sur toile, 100x100cm

David Harry États-Unis This exciting American artist, David Harry, started seriously painting around the age of twenty-five and his art education was therefore subjective, various styles have marked his full artistic career from early neoexpressionism to a post-modernist project called Anti-Action painting. His current body of work consists of relatively large-scale abstract paintings. In his artistic statement, David states that “fine art is a form of expression that works as a visual metaphor for a shared experience. My latest work is about a process not unlike jazz composition, action initiated over a familiar structure. The paintings also respond to place. […] Each painting is allowed to feel its own way”. Cet artiste américain passionnant, David Harry, a commencé à peindre sérieusement vers 25 ans et si son éducation artistique a donc été subjective, plusieurs styles ont marqué l’ensemble de sa carrière artistique, du néoexpressionisme au projet postmoderniste appelé peinture Anti-Action. Ses œuvres actuelles consistent en des tableaux abstraits relativement grands. Dans sa déclaration d’intention artistique, David dit que “les beaux-arts sont une forme d'expression qui travaille comme une métaphore visuelle pour une expérience commune. Mon dernier travail relève d'un procédé pas si différent d'une composition de jazz, une action initiée par-dessus une structure familière. Les tableaux répondent aussi au lieu. […] Chaque tableau est autorisé à se sentir à sa façon”.


Acrylique sur toile, 116x91cm

Sumio Inoue Japon

Sumio Inoue was born in 1948 in Tokyo, Japan. He studied photographic techniques at Tokyo Design Academy from 1968 to 1970 and at the Japan Design Center from 1970 to 1974. He began his career working in commercial photography and in 1990 moved over to artistic photography. The artist has spent the past years carefully developing a series called Silenzioso: images printed on handmade rice paper, a process that takes several months. Church interiors, important monuments, town and cityscapes are printed with intensified focus and in infinitely monochromatic shades and shadows. Sumio reveals something where nothing can be seen and uncovers and evokes unknown spaces with an antique pathos so as to stimulate the viewer’s imagination. Sumio Inoue est né en 1948 à Tokyo, au Japon. Il a étudié les techniques de la photographie à l’Académie du Design de Tokyo de 1968 à 1970 puis au Centre du Design du Japon de 1970 à 1974. Il a commencé sa carrière dans la photographie commerciale, avant de passer à la photographie artistique en 1990. Ces dernières années, il a soigneusement développé une série appelée Silenzioso: images imprimées sur du papier de riz fait-main, un procédé qui prend plusieurs mois. Intérieurs d’églises, monuments importants, villes et paysages urbains sont imprimés avec une infinité de nuances et d’ombres monochromes très intenses. Sumio donne à voir quelque chose là où il n’y a rien à voir, en dévoilant et en évoquant des espaces inconnus avec un pathos antique destiné à stimuler l’imagination de l’observateur.

Silenzioso #5

Photographie imprimée sur papier de riz fait à la main par l’artiste, 79x65cm

Beanie Kaman États-Unis

For Kaman, art is an ongoing adventure of self-discovery and visual storytelling. By working directly from her own experience, she is able to capture the threads that link human kind to find something truly meaningful in her painting. Her artwork deals with reflections on domesticity, looking for a universal connection between people. Working with symbols as necessity arises, she frequently incorporates lotus blossoms, buddhas, ladders, houses and birds into her pieces. She explains that she chooses her symbols as they become relevant to her life situations, and treats them in an improvisatory method. As images appear on the canvas, the painting is allowed to take on its own life, with Kaman at the hem, guiding it along. Pour Kaman, l'art est une aventure continue de la découverte de soi et des narratifs visuels. En travaillant directement à partir de sa propre expérience, elle est capable de capter les fils qui relient le genre humain pour trouver quelque chose de vraiment significatif dans sa peinture. Son œuvre traite de réflexions sur la domesticité, à la recherche d'un lien universel entre les gens. Le fait de travailler avec des symboles surgit comme une nécessité, elle incorpore souvent des fleurs de lotus, des bouddhas, des échelles, des maisons et des oiseaux dans ses toiles. Elle explique qu'elle choisit ses symboles en tant qu’ils deviennent pertinents dans les situations de sa vie quotidienne et elle les traite selon une méthode d'improvisation. Pendant que les images apparaissent sur la toile, la peinture est autorisée à prendre une vie propre, Kaman se tenant aux abords, la guidant.

Nocturne for GK

Technique mixte, 127x71cm

Michael Katz États-Unis

Michael Katz was born in 1953 and raised in Brooklyn, New York. At the age of 15, he received his first camera and fell in love with photography. At 16, his family built him a complete darkroom where he learned how to roll film, experimented with developing film in different ways, and made black/ white & Sepia prints. After a career of 26 years in purchasing working for Fortune 100 corporations, in 2002 he decided to dedicate himself to one of his biggest passions, photography. Michael started taking food and interior photography for several well-known restaurants throughout the country, and his work has appeared in several magazines. Michael loves to find natural lines in nature as well as images that have eye appeal. Michael Katz est né en 1953 et a grandi à Brooklyn, New York. À l'âge de 15 ans, il a reçu son premier appareil photo et est tombé amoureux de la photographie. À 16 ans, sa famille lui a construit une chambre noire où il a appris à rouler les films, a expérimenté à développer les films de différentes manières, et a fait des clichés en noir/blanc et sépia. Après une carrière de 26 ans au service des achats pour le groupe Fortune 100, il a décidé en 2002 de se consacrer à une de ses plus grandes passions, la photographie. Michael a commencé par la photographie culinaire et d'intérieur pour plusieurs restaurants de grande renommée, à travers le pays, et son travail est apparu dans plusieurs magazines. Michael aime à trouver des lignes naturelles dans la nature, ainsi que des images qui ont de l'attrait visuel.

Hanging out

Photographie sur aluminium, 150x101cm

Daniel Meakin Royaume-Uni

After gaining his fine art degree Daniel studied in Barcelona, Spain and Winchester, United Kingdom where he was awarded his Master of Arts degree in European Fine Art. Following critical acclaim his work is now actively promoted both in London and Barcelona. His work provides a creativity which will bring any room to vibrant life. Daniel lives and works from his studio in Barcelona, a city which he finds vibrant and inspiring. He also travels regularly to his second studio in North Wales, United Kingdom. Daniel's work can be found in collections throughout the world. Après avoir obtenu son diplôme des beaux-arts, Daniel a étudié à Barcelone, en Espagne et à Winchester, au Royaume-Uni, où il a obtenu son Master en Beaux-arts Européens. Acclamé par la critique, son travail est maintenant activement promu à la fois à Londres et à Barcelone. Son œuvre fournit une créativité qui rend à toute pièce une vie ardente. Daniel vit et travaille depuis son studio à Barcelone, une ville qu'il trouve dynamique et inspirante. Il voyage également régulièrement pour travailler dans son deuxième studio au Nord du Pays de Galles, au Royaume-Uni. On retrouve les œuvres de Daniel dans des collections partout dans le monde.

Detail BAVARIAN LANDSCAPE Technique mixte sur toile, 100x80cm

Sara Palleria Italie

The painter Sara Palleria was born in Rome, where she lives and works. She received her degree in Education Sciences and still works in this research field in parallel to her artistic career, with particular reference to the importance of colour linked to the psychology of emotions. She collaborates with various institutions in the visual arts sector and runs education courses on images and colour laboratories. Her large-scale oils on canvas stagger the viewer for their intrinsic beauty, use of colour and nuances of texture and energy. She loves to paint all that “the eye thinks it sees”. In her use of light and colour, she just hints at a background and foreground, yet it is undecipherable with its subtle boundaries of nature and imagination. La peintre Sara Palleria est née à Rome où elle vit et travaille. Diplômée en sciences de l'éducation, elle continue de travailler dans ce domaine de recherche parallèlement à sa carrière artistique, avec une référence particulière à l'univers de la couleur liée à la psychologie des émotions. Elle collabore avec différentes institutions dans le secteur des arts visuels et organise des cours sur l'image et les recherches sur la couleur. Ses grandes huiles sur toile stupéfient le spectateur par leur beauté intrinsèque, l'utilisation des couleurs et des nuances de texture et d'énergie. Elle aime peindre “tout ce que l'œil pense qu'il voit“. Dans l'emploi de la lumière et de la couleur, elle laisse seulement entendre l’arrière-plan et le premier plan, et reste indéchiffrable avec ses contours incertains de la nature et de l’imagination.

Equinozio d’autunno

Huile sur toile, 120x100cm

Santina Semadar Panetta Canada Santina Semadar Panetta manifested her ardent desire to work in the arts from an early age. The birth of this passion came about from having discovered the quintessential artistic expression and this will later allow her to enter a pictorial universe, which, with her fervency manifested in pictorial gestures, lead her in turn to fully relish in the immeasurable secrets of the world of art. After many years in journalism and human resources, and further to the events of September 11th 2001, she decided to return to her initial passion: the arts in all their manifestations. In her artistic statement, Santina Semadar underlines “Art is a Language! I have chosen to work in the post-impressionism lyric movement because its rhetoric and philosophy reveal a dominating reality." Dès son jeune âge, Santina Semadar Panetta manifeste l’ardent désir d’assouvir son goût pour les arts. L’éclosion de sa passion, devant la quintessence de l‘expression, lui permettra plus tard de pénétrer dans un univers pictural où sous l’ardeur de son geste, elle réussira à son tour à déambuler dans les secrets incommensurables du monde de l‘art. Apres de longues années professionnelles dans le journalisme et les ressources humaines et suite aux évènements du 11 Septembre 2001, elle décide de reprendre la voie de sa première passion: les arts dans tous leurs reflets. Dans sa déclaration d’intention artistique, Santina Semadar souligne que "L’Art est un Langage ! J’ai choisi de travailler dans le mouvement lyrique postimpressionniste parce que sa rhétorique et sa philosophie révèlent une réalité dominante."

Mon Jardin

Huile sur toile, 76x152cm Diptyque

Chris Reichenbaum États-Unis

Chris Reichenbaum was born in Rockville Center, Long Island, New York. She has lived in Boston, Manhattan, Miami and Greenwich, where she fostered a natural sense of curiosity that is clearly evident in Chris’s unique artistic style. Currently, Chris resides in Miami Beach and maintains a full-time art studio. Chris enjoyed a successful 20-year real estate career. Always an artist at heart, she enrolled in various drawing and painting classes and discovered her passion for Abstract Art. Chris paints using shapes and vivid colours and she is particularly interested in painting circles and squares. She defines circles as representing generosity and a giving spirit, while squares represent the order within life and sensibility. Chris Reichenbaum est né à Rockville Center, Long Island, New York. Elle a vécu à Boston, Manhattan, Miami et Greenwich, où elle a développé un sens naturel de curiosité qui est clairement évident dans le style artistique unique de Chris. Actuellement, Chris habite à Miami Beach et utilise un studio d'art à plein temps. Chris a connu une carrière prospère de 20 ans dans le secteur immobilier. Toujours artiste au cœur, elle s'inscrit dans diverses classes de dessin et de peinture et découvre sa passion pour l'Art Abstrait. Chris peint utilisant des formes et des couleurs vives et elle s'intéresse particulièrement à la peinture de cercles et de carrés. Elle définit les cercles comme représentant la générosité et donnant l'esprit, tandis que les carrés représentent l'ordre au sein de la vie et de la sensibilité.


Technique mixte, 102x102cm

João San Brésil

João San was born in Rio de Janeiro in 1970. His passion for photography began while attending Social Communication College at UFF in 1988, he continued his studies at the New York Institute of Photography, graduating in 2014. João ended up pursuing a career as an Art Director and Creative Director for major advertising agencies like ALMAP/BBDO, Publicis and Giacometti. This series of images is inspired by the universal children's game "Rock, Paper, Scissors" where outcomes are determined entirely by chance, luck or fate. These "PhotoSculptures" approach the game from a different perspective, freezing the rock, paper and scissors in time, and giving viewers the choice to either ignore or follow the rules. João San est né à Rio de Janeiro en 1970. Sa passion pour la photographie a commencé en assistant au Collège de Communication Sociale à l’UFF en 1988, il a également poursuivi des études à l'Institut de Photographie de New York, où il a obtenu le diplôme en 2014. João a fini par poursuivre une carrière de directeur artistique et de directeur de la création pour de grandes agences de publicité comme ALMAP/BBDO, Publicis et Giacometti. Cette série d'images est inspirée par le jeu d'enfants universel «Pierre, Feuille, Ciseaux» où les résultats sont entièrement déterminés par le hasard, la chance ou le destin. Ces "PhotoSculptures" abordent le jeu sous un angle différent, gelant la pierre, la feuille et les ciseaux dans le temps, et donnant aux spectateurs le choix d'ignorer ou de suivre les règles.

Jan-Ken-Pon #2

Photographie sur papier, 100x100cm

Tiril États-Unis Tiril was born in London in 1955 and lives in Alabama in the US. She began to draw when she was very young and now works with all sizes of canvas, papers and boards using oils, acrylics, watercolours and gouache, as well as pencil, soft pastels, pen and ink. In her artistic statement, Tiril summarizes her painting experience: “as the dialogue begins there is an internal digging, mining, a stirring of knowledge held deep within the psyche, concepts emerge from the subconscious. Colors evolve and then a singular prompting will rise to the top into the consciousness. The canvas becomes receptive, fluid, light. All is one. I paint with absolute faith. The experience of each painting illuminates by finding the inherent knowledge instilled within, daring and challenging me to express with an authenticity that leaves me inside out. Vulnerable and alive”. Tiril est née à Londres en 1955 et elle vit maintenant en Alabama aux ÉtatsUnis. Elle a commencé à dessiner lorsqu’elle était très jeune et travaille à présent avec toutes les tailles de toiles, papiers et cartons en utilisant des huiles, des acryliques, des aquarelles et de la gouache, ainsi que des crayons, des pastels, des pinceaux et des encres. Dans sa déclaration d’intention artistique, elle résume son expérience de peintre: “Quand le dialogue commence, il y a une révélation de l’intérieur, une extraction, une vibration de la connaissance puisée dans la psyché, des conceptions sortent du subconscient. Les couleurs évoluent et ensuite, une seule inspiration émerge au niveau de la conscience. Les toiles deviennent réceptives, fluides, légères. Tout est un. Je peins avec une foi absolue. L’expérience de chaque tableau s’éclaire en cherchant la connaissance intérieure, en osant et en me poussant à m’exprimer avec une authenticité qui me laisse à l’envers… vulnérable et vivante”.


Acrylique sur toile, 106x81cm

E n z o Tr a p a n i États-Unis

Ever since I can remember I have held artistic potential in my soul. My inspiration comes from my essence – my own being. As I create a piece, emotions become colors on the canvas. These feelings are displayed as colors without any specific form, as emotion is equally formless. After I finish shaping a stone or coloring a white canvas I feel as though I have shared the peace and comfort I feel in my universe. This potential that I realize, every time I create art, comes from forces inside of me that feel so natural, so automatic, it is like breathing. Creation to me is liberating, even therapeutic. Depuis que je me souviens, j'ai conservé un potentiel artistique dans mon âme. Mon inspiration vient de mon essence - mon propre être. Comme je crée une œuvre, les émotions deviennent des couleurs sur la toile. Ces sentiments sont présentés comme des couleurs sans aucune forme spécifique, comme l'émotion est également informe. Après avoir fini de sculpter une pierre ou de peindre une toile blanche, j'ai l'impression d'avoir partagé la paix et le confort que je ressens dans mon univers. Ce potentiel que je réalise, chaque fois que je crée l'art, provient de forces à l'intérieur de moi, naturellement, automatiquement, c'est comme respirer. La création pour moi est libératrice, même thérapeutique.

Light series III

Acrylique sur toile, 125x90cm

Annemieke Wolter Les Pays-Bas

During the past 25 years Annemieke has created an extensive and diverse collection of artworks. Annemieke’s unique use of colour and her signature technical approach are both responsible for her strongly recognisable repertoire that has close ties to Lyrical Abstract Expressionism. About her inspiration she says: “Since life and all its facets forms an inexhaustible source of inspiration to me, I continuously try to capture this with my own abstract representation. Rather than imitating the object, the use of different techniques and my own ever changing vision are responsible for the final result". Au cours des 25 dernières années, Annemieke a créé une collection d’œuvres d’art vaste et diversifiée. L’utilisation unique de la couleur par Annemieke et sa démarche technique-signature sont tous deux responsables de son répertoire fortement reconnaissable qui a des liens étroits à l’expressionisme lyrique abstrait. À propos de son inspiration, elle dit: "Puisque la vie et toutes ses facettes forment une source inépuisable d’inspiration pour moi, je cherche continuellement à saisir cela avec ma propre représentation abstraite. Plutôt que l’imitation de l’objet, l’utilisation de techniques différentes et ma propre vision toujours changeante sont responsables du résultat final".


Empâtement: peinture acrylique, 120x110cm

Michael Freitas Wood États-Unis

The grid has been a time-honored device used for centuries by artist to transfer or enlarge images. It has become a staple of contemporary art since Mondrian and more recently with the lines of Agnes Martin. I continue to use their simple organizational device to map out new terrain for my painting. I use plaster mixed with acrylic pigments applied by trowel on fiberglass sheets. La grille a été un instrument traditionnel utilisé depuis des siècles par des artistes pour transférer ou agrandir des images. Il est devenu un élément essentiel de l’art contemporain depuis Mondrian et, plus récemment, avec les lignes d'Agnès Martin. Je continue à utiliser leur dispositif organisationnel simple pour tracer de nouveaux territoires pour ma peinture. J’utilise du plâtre mélangé à des pigments acryliques appliqués à la truelle sur des feuilles de fibre de verre.

Digital Nirvana

Plâtre sur fibre de verre, 122x101cm

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