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KUNST Minimalismo H e n r y For d Hospital

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NĂşmero 1 $30 Noviembre 2012

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Contenido Vanguardias Minimalismo ..................................7 Personajes Frida Kahlo ..................................14 No te puedes morir sin leer El Perfume ...................................21 Trazos que cambiaron el mundo Henry Ford Hospital ......................28 Cartelera......................................33


Directorio

Dirección: Reyes Escalera Jorge Editora General: Mejía Martínez Guadalupe Daniela Redacción: Alberto Velasco Erick Mejía Martínes Gpe. Daniela Reyes Escalera Jorge Rodríguez Catarino Geovanni Rodríguez Resendiz Mauricio


Editorial La mayoría acusa un fraude electoral, algunos pocos no confían en los resultados que arrojó el Instituto Federal Electoral (IFE), menos aceptan a Enrique Peña Nieto como el futuro presidente electo de México; por su parte, el movimiento #Yosoy132 comienza a levantar el puño al cielo en señal de protesta por las declaraciones del IFE, pretenden combatir una democracia elitista, al duopólico poder de los medios de comunicación en México e instaurar una democracia de medios. Pero de una democracia en sus sentido más puro no es otra cosa que autoritarismo. Cualquier forma de organización democrática siempre tendrá una preferencia de elites, sus integrantes toman las decisiones de manera piramidal cuya cúspide excluye a los miembros más bajos del propio sistema, cuando en un principio la misma democracia apela a una decisión totalmente compartida. Dicho argumento basado en sus principios fundamentales establece la aceptación – impuesta – de todos los miembros de la congregación. Siempre es en el punto más alto donde se conocen todos los procesos acordes a la interpretación de los principios. La democracia es autoritarismo de la interpretación popular para el bien de las elites – dicho elegantemente –. La cima de la perversión democrática se llama democracia representativa, donde el titular del poder no lo ejerce un soberano, sino el mismo medio mediante un representante. Va sustentada en un consenso en forma de un cambio positivo o declaración de principios, interpretado y promovido por una interpretación entre gobernantes. El instrumento por excelencia que deriva de una democracia de élites será un organismo que regule la información de las interpretaciones de las élites, el medio, transmitirá a los miembros más bajos la sensación de bienestar y de ser participes en la toma de decisiones que en su gobierno acontece. Así mantendrá actualizada toda su organización. En México la forma de gobierno corresponde a una democracia de élites que ve por los intereses e interpretaciones de un pequeño grupo acomodado en el poder. El movimiento #YoSoy132 pretenda cambiar el contenido o interpretaciones de los medios de comunicación, sin darse cuenta que no serían mas que otra reproducción del sistema que combaten. Pues en realidad al cambiar la forma de interpretar y contenidos por mostrar, no hacen otra cosa que modificar la esencia del consenso mínimo y afirmar su propia democracia de elite. En sus inicios el movimiento #YoSoy132 toma demandas para hacer su propia interpretación y fundar sus principios, lo que le permite justificarse como un movimiento ciudadano que combate por derechos individuales originado en contra de un aparato de interpretaciones más grande que el suyo. Es un movimiento apartidista en función de una democracia de élites. a organización del movimiento se remite a las asambleas con el fin de hacer democrática toda decisión, dicha decisión se lleva a cabo en representaciones llamadas voceríos, y las vocerías tienen su función en informar al resto de su comunidad, que a su vez responde para difundir su pensamiento de nuevo a la vocería, así llegará a una vocería mayor donde las decisiones individuales son sumadas (la mayoría) para ir de nuevo a otra asamblea. Pero si una localidad toma decisiones individuales con respecto a las demás, es sancionada y hasta puede ser excluida, sino es que su pensamiento es desconocido o negada por una asamblea mayor. Siempre hay una decisión unánime que ignora a las demás y ve por los intereses de una élite, deslindada de la imagen autoritaria, pues se considera meros representantes. ¿En qué sentido es eso una democracia? (...) no es más que un orden autoritario con tintes institucionalistas, todo juicio emitido esta a asambleas queda sometido. Se presta el modelo a una infinidad de dificultades internas entre las minorías que tal vez no veremos sino hasta mucho después narradas por participes internos hasta el momento silenciados o ignorados. Hasta el momento sus mensajes son sólo las decisiones tomadas, mas no plantean cómo se llega a ellas. Los nuevos integrantes prácticamente carecen de un dialogo, estamos frente a una comunicación vertical donde los de abajo son meramente objetos de reproducción del mensaje, a través de cualquier medio posible, lo que ha llevado la ironía de una incomunicación, resoluto que ha terminado en actos con tintes agresivos – por no mencionar vandálicos – no oficiales o desconocidos por el movimiento. Todo integrante es forzado a simpatizar con los fundamentos del movimiento pues este no acepta modificaciones en su esencia, mas cada miembro al ser participe en el designio final, sentirá que su palabra fue escuchada, o la elección final corresponde a una decisión la cual va directa a su beneficio. Así el movimiento ignoró a la democracia participativa e imita el modelo que tanto se esfuerza en combatir – si supieran que son una versión más del mismo (...) bendita ironía –. El medio de comunicación va perdiendo su concepto, a mí parecer, la reestructuración del concepto deberá comprender los efectos informativos como parte de los aparatos ideológicos. Yo no soy 132.

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Vanguardias El arte de lo simple

Minimalismo ¿Y quién no piensa así cuando escucha o lee la palabra arte? una gran composición musical de concierto donde estamos casi conscientes de no poder alcanzar a distinguir todos los sonidos de la orquesta, en la pintura, imaginamos alguno de los más bellos cuadros que conocemos, recordamos complejas formas, intensos o peculiares colores y profundos significados, hasta en la escultura, cada forma es tallada finamente por nuestro imaginario, vemos cuerpos perfectos que difícilmente en realidad veríamos en la naturaleza (...) ¿mas alguien imagina algo sencillo? Por Jorge Reyes Escalera Encontramos sus antecedentes en la primera guerra mundial

industrial, el estándar estético de la simpleza, mas de deja de

con el Suprematismo, corriente que nació de la mano de Lázar

lado las exageraciones geométricas, para hacer aún más pura

Márcovich lisitski, o simplemente El Lissitzky, pseudónimo

la idea de lo simple.

que él mismo se puso y por el cual le gustaba ser nombrado.

En términos más exactos, el minimalismo comenzó en

Dicha corriente tardó en consolidarse como arte, ya que tenía

Estados Unidos por el manifiesto de nombre ¿Menos es más?

un doble sentido propagandístico en sus inicios, además de

del arquitecto alemán Ludwing Mies Van Der Roeh, que

considerarse una técnica muy industrial, nada común en esos

debido a los acontecimientos de la segunda guerra mundial

años en términos de arte. Exaltaba por si misma la perfección

emigró hacia América, donde terminó por nacionalizarte

matemática de sus obras, todo justificado por la sección áurea,

como estadounidense. Y es de ahí todo ese conflicto por decir

que es una proporción matemática. Y precisamente fue esa

si la vanguardia nació en Estados Unidos o en Europa.

exactitud lo que le dio su sentido artístico, pues no cualquiera

Van Der Roeh en la escuela de arte y diseño Bauhaus

podía elaborar algo de tal sentido artesanal.

materializó sus primeras ideas, así destacó sus primeras

Con muy poca difusión y casi fuera de la historia del arte, el

formas respecto a la pureza de las formas y al uso de

suprematismo como corriente parecía en condena de muerte,

conceptos artísticos puros del diseño estilo bauhaus.

pues aquellos inmersos dentro del movimiento difícilmente

La palabra clave que encontramos aquí es limpieza;

eran caras nuevas, la mayoría solían alumno de alguien que ya

exaltamos las formas geométricas en su sentido más puro

había incursionado en la vanguardia, tal pareciera que

(cuadrados, círculos, triángulos y rectángulos), todas las

necesitaba evolucionar a algo más allá de sus propios alcances

formas debe ser simples debe sobre salir y realizarse con una

y limitaciones para no ser olvidado (...) o por lo menos, no así

precisión – casi – mecánica, además el material donde se

sus ideas.

planea trabajar debe ser una superficie lo más inmaculada

Es en este momento cuando llega a sus inicios el estilo

posible. Por lógica, el uso de materiales como el vidrio,

minimalista, pretendió mantener la esencia de su antecesor,

cemento pulido, y diversos metales suponen elementos

no sin romper algunas reglas. Mantiene la producción

perfectos para diseños minimalistas.

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Aquí todo queda unido y respetan un

Purismo funcional. Forma en función

otra viven que tal vez nada tuvo que

orden bastante estricto, podríamos

de la virtud.

ver.

decir que todo es parte del todo.Puede

Orden. Una de las características

En la pintura, aquellos que no conocen

considerarse como una corriente en

fundamentales del minimalismo es su

la corriente suprematista o minimalista

contra del pop art, ya que se opone al

estricto orden, va de la mano con una

suelen descalificarla como arte, suceso

colorimos saturado y la estética de la

precisión matemática.

que no acontece cuando hablamos de

masas que tanto promueven los medios

Geometría elemental rectínilea. Se

romanticismo o surrealismo, que aun

de comunicación, sin mencionar la

refiere al tipo de movimiento, pues

cuando no se conozca del todo la

importancia de el contexto para poder

ante todo es una composición

corriente, su forma de ser elaborados y

entender la obra.

estéticamente dinámica.

atractivo visual lo hace ser reconocido

Entonces sería necesario mencionar

Precisión en acabados. Contiene una

como arte. Pero ante todo una obra

las características básicas para

justificación matemática.

necesita un nivel de apreciación más

considerar algo como minimalista:

Síntesis. Se trata de una composición

allá de lo visual, toda obra de arte es

Abstracción: Más allá de el sentido

en sí misma, es decir en sus elementos

una remembranza de un fenómeno

estético, todo el arte representa sino un

más puros.

histórico.

fenómeno histórico, una serie de ideas

Sencillez. En apariencia debe tener la

El movimiento artístico nació con un

o sentimientos.

simpleza.

arquitecto, y aunque en pintura se ha

Ahorro en recursos de lenguaje y

Desmaterialización. Deja fuera todo

hecho un gran trabajo, se podría decir

medios. Es encontrar la estética dentro

elemento sobrante en la estructura.

que su verdadera alma se encuentra en

de la simpleza, mientras más se logre

Hasta este punto parece tener su

las formas que van más allá de lo

transmitir con el menor número de

sentido estricto como toda vanguardia

plano. Sino es en pintura, por lo menos

elementos armónicos en el concepción

lo haría, ahora dependería meramente

es en escultura y arquitectura es donde

artística, mejor se habrá logrado

del autor dar libertad a su creatividad

sobresale en verdad, cada vez es más

alcanzar el concepto que se tiene por

procurando quedar dentro de tan

frecuente encontrar diseños

minimalismo.

peculiar tendencia.

arquitectónicos minimalistas en las

Estándar industrial. En este punto

¿Y hasta qué punto podemos decir que

grandes ciudades, o escuchar hablar de

entendemos a la producción que se

lo más simple es lo más estético? Por lo

exposiciones con esculturas en la

viene refiriendo a las técnicas, deben

menos si es bien implementada la

misma vanguardia.

tener un proceso de forma limpia y de

técnica, es lo más recordado, la

Como ya se ha mencionado, todas las

proporción matemática.

publicidad se ha valido de esa idea,

formas son de una simpleza casi

Uso liso de materiales. Tanto el

claramente los eslogan o logotipos más

envidiable, con formas completamente

material que se usará, o en dónde se

sencillos son los más fáciles de

lisas y en armonía con su todo (...)

pintara, de preferencia y en medida de

recordar, sin mencionar que es más

quien diría que a veces lo más simple

lo posible debe ser liso, pues reflejan

simple relacionarlos con otras ideas

puede costar tanto trabajo de imaginar.

más orden y limpieza que algo rugoso

totalmente ajenas a nuestro

o poroso.

pensamiento original, la mayoría

Austeridad. Ausencia de ornamento o

recordamos alguna marca comercial al

decorados más allá de forma.

menos una vez al día, relacionada con

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No podemos dejar de lado la música, sea de cámara o de

El primer movimiento de las partituras indica que todo ha

concierto, la música que cae en la tendencia minimalista

comenzado, el pianista retira las manos hacia sus piernas y no

busca encontrar el placer estético para el oído no sólo con la

hay sonido alguno, el silencio reina todo la sala, todos esperan

menor cantidad de instrumentos, sino también con pocos

en algún momento el sonido, mas no es así; ya ha pasado

sonidos y en las composiciones más simples y repetitivas

alrededor de 2 minutos y comienzan los murmuros, el mejor

posibles. Pero en este punto, ¿la simpleza del minimalismo no

de los optimistas sigue esperando que comience el piano, el

podría ser enajenación?

peor de los pesimistas ya declara fraude para al de al lado. Así

John Cage 4'33''

termina el primer movimiento, sin sonido alguno.

Tomemos como ejemplo la sinfonía para piano 4'33'' de John

Como una composición clásica de respetarse, se encuentra

Cage, bien puede ser interpretada por un piano o por toda una

escrita en los cuatro momentos de la música, el primero ya dio

orquesta, exploremos el tema:

término, el segundo ha comenzado y nadie logra escuchar

Comienza en 1952, con una pieza que puede ser interpretada

algo del pérfido autor.

por cualquier instrumento.

Lo que en primera instancia era silencio total, ahora a través

Todo el público en el teatro se encuentra casi ansioso por

de la sala son pies frotandose en el sueño, susurros de la gente,

comenzar a escuchar, conocen el trabajo de John Cage, saben

estornudos casuales y los pasos que se dirigen a la salida; por

que ha explorado los caminos del romanticismo y regresado

respeto nadie abre las puertas o abandona la sala hasta el final,

con éxito, nadie en la sala duda que ahora en el minimalismo,

pero ahora, nadie sabría si esto llegaría a terminar en realidad,

del cual habló días antes, no saliera triunfador.

el grande y respetado Jogn Cage, había mostrado algo que

Fue una larga espera, muy raro para Cage y aún más raro para

nadie se esperaba... ¿En verdad nos mostró algo?

aquel teatro, que presume ante todo de la puntualidad que le exige a sus anfitriones. Por fin telón se abre, al centro del escenario hay un piano con el respectivo interprete, que días antes no quiso dar una sola entrevista u omitir algún juicio sobre el trabajo que realizaría para Cage. Todo está envuelto en misterio y nadie puede esperar un segundo más para escuchar, el autor de la noche suele decir algunas palabras antes de comenzar, la mayoría de las veces suelen ser dedicatorias, pero al presentarse algo nuevo, decide abrir con la poesía o prosa de algún escritor que le sirvió de inspiración. El pianista toma posición, coloca sobre el piano las partituras, ahora lo hace de espalda de manera que nadie logre verlas, tanto misticismo añade un toque diferente, esperan una de las más bellas sinfonías compuestas. Toda la crítica esta a la espera, la prensa atenta al espectáculo, si supieran que de lo que estar por presenciar se harán ensayos, críticas,

Tablatura. Piet Modrian

acusaciones de fraude...

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Así terminó la sinfonía, sin sonido alguno que no fuese el del

sonido como una modalidad del silencio, y no al revés como

mismo público. Para sorpresa de todos los que leyeron

suele ser, después de todo si el artista minimalista ya invirtió

posteriormente la noticia, acabó en aplausos a la salida de

la forma de apreciar un cuadro, por qué no lo hacerlo con la

Cage al escenario, se avanzó en silencio a la salida, cuando

música.

usualmente se comentaba lo escuchado.

El caso mencionado antes, es un claro ejemplo que si se lleva el minimalismo a límites puede resultar en la nada, tal y como fue predicho por el propio autor en su manifiesto. Pero dicho asunto es en verdad absurdo, pues el minimalismo supone la estética con la menor cantidad de elementos posibles, mas no puede prescindir de ellos. En su defensa, Cage argumentó que el sentido real de su obra se hallaba en el propio público, todo sonido producido por ellos en realidad era la manifestación en su sentido más puro del minimalismo. En sus palabras: No entendieron su objetivo. No existe eso llamado silencio. Lo que pensaron que era silencio, porque no sabían como escuchar, estaba lleno de sonidos accidentales. Podías oir el viento golpeando fuera durante el primer movimiento. Durante el segundo, gotas de lluva comenzaron a golpetear sobre el techo, y durante el tercero la propia gente hacía todo

Theo Van Doesburg

tipo de sonidos interesantes a medida que hablaban o salían. — John Cage sobre la premier de 4′33″ Es obvio que se enajenó en manos de Cage, antes de él la música minimalista llegó a ser respetado por la implícita complejidad que tenía, prácticamente él terminó por asesinar al minimalismo en la música. Actualmente son muy pocos los que incursionan en esta tendencia. Al final los defensores del minimalismo más clásico rechazarán a Cage acusándolo de fraude, alguno más radicales dirán que hizo de lo impensable, algo real. El minimalismo todavía una vanguardia joven, dará de mucho que hablar y apenas comienza a dar muestras de el potencial que tiene, si en cuanto a la pintura ha quedado un poco rezagado, la arquitectura y escultura han sabido aprovecharlo de manera correcta, falta mucho por ver. El concepto que usó Cage fue el minimalismo en su forma

¿Quién se atreviese a escribir tantas letras acerca del

más pura, eliminó cualquier instrumento para regresar a la

minimalismo? ... bendita ironía.

forma más básica del sonido: el silencio. Entendemos aquí al

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Kontrasy. Henryk Berlewi

abstracción formal y el uso de materiales puros, alejándose de

Minimalismo o Modernismo.

toda connotación posible para expresar claramente el Hay quienes consideran que el minimalismo es una versión

significado y esencia del concepto, la individualidad de la

corregida y extremada del racionalismo – compartiendo con

obra y su relación reflexiva con el espectador.

este, el encuentro del razonamiento lógico y la creación que

Para ello hace énfasis por el contexto geográfico y natural, así

resulta del uso de los sentidos -- y de la abstracción con que las

también tiene una relevancia importante el peso de la herencia

artes responden a la aparición revolucionaria de la industria a

histórica y cultural para fundar las bases de la obra

finales del s. XIX. En este momento, el arte y la arquitectura

minimalista; así lo hace Luís Barragán, regionalizando y

modernos adoptaron la máquina como modelo de obra

dotando de las características propias de la cultura mexicana a

autosuficiente reducida a su pura esencia y en pos de una

su obra, haciendo uso de texturas, colores y materiales

autonomía. La nueva arquitectura rechazaba la tradición de

propios sin perder su propia esencia minimalista; la

estilos que habían constituido durante siglos su repertorio

exaltación del espacio; tal como lo refleja Tadao Ando donde

constructivo, en un intento de evitar todo simbolismo y

la naturaleza es una de sus principales inquietudes, donde,

subjetivismo.

Ando intenta siempre integrarla con el interior de sus obras,

El destino final es obtener la forma elemental y universal,

mediante la incorporación de elementos como la luz, el viento

otros consideran que el minimalismo es el penúltimo estadio

y el agua, elementos que ya no se encuentran en la

del clasicismo que recorre la cultura occidental. En este

arquitectura de nuestro tiempo, es aquí donde el espacio toma

sentido está la influencia que la sobria arquitectura japonesa

especial relevancia dentro del minimalismo, por la relación

tiene sobre muchos diseñadores occidentales

simbiótica que existe entre el espacio y el contexto.

contemporáneos.

Entendiendo por simbiosis, la definición de kisho kurokawa:

Al hablar del minimalismo como movimiento arquitectónico

“un pluralismo dinámico que no busca reconciliar opuestos

hay que hacerlo basado en su síntesis conceptual, como forma

binarios a través de la dialéctica, sino que sugiere situaciones

de adaptarse al medio utilizando los recursos mínimos a

y productos ambiguos, guiados por situaciones aleatorias, y

través del espacio conformado en orden y por medio de la

llenas de multivalencias y contradicciones.”

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Es por esta relación simbiótica que afirmamos que la

búsqueda de una experiencia arquitectónica satisfactoria,

arquitectura minimalista dió ese “salto cualitativo”

viendo reflejado en sus obras el ideal del espacio

adquiriendo “sentido estético” donde la expresión de

arquitectónico, donde éste, ofrece una experiencia de goce,

emotividad se desencadena por las vivencias relacionadas

espiritualidad y reflexión gracias a la exaltación del espacio

con el espacio arquitectónico, volviéndose visualmente

mismo para dicho fin. Despojándolo de todo simbolismo que

evocador, que para lograrlo envuelve su concepto en una

pueda desviarlo de su esencia conceptual y su relación

estética carente de ornamento – el minimalismo lo evita

reflexiva con el espectador.

absorbiéndolo, depurándolo hasta su última esencia, evitando

Podemos asegurar entonces que la arquitectura dentro del

lo irrelevante para enfatizar lo importante – basando la

minimalismo ha logrado cumplir con su misión social como

riqueza visual y espiritual en la relación de la obra con la luz,

arte; producir una vida rica en contenido.

el viento y la naturaleza, donde destaca la búsqueda de la máxima expresividad –sin expresionismos- conseguidos con los mínimos medios. En ese sentido, cabe destacar la iglesia sobre el agua –Tadao Ando – en la que utiliza a la naturaleza como elemento involucrado en el diseño, en ella, Ando logra crear un microcosmos en el que combina de manera simple pero magistral conceptos sobre lo profano y lo sacro, lo artificial y lo natural, lo cerrado y lo expuesto, el vacío y el infinito. Desde el punto de vista filosófico existe la necesidad, sino, el deber del arquitecto y artista de expresar la realidad en la que vive, en otras palabras el espíritu del hoy; incorporando en la proyección de las obras las cualidades del espacio arquitectónico como refugio del espíritu, destacando que éste sólo cobra vida en correspondencia de la presencia humana que la percibe, volviéndolos únicos, espacios reflexivos y espirituales. Analizado lo anterior aseguramos que la arquitectura ha surgido como arte; ha sabido someter a la naturaleza como elemento importante dentro de la vivencia espacial, despojando a la arquitectura de todo capricho simbólico que desencadenaría en una falta de evocación espacial sincera,

Henryk Berlewi

convirtiéndola en fraude y llevando a la destrucción de la arquitectura como arte. El minimalismo es la manifestación más amplia de la

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Ícono del arte mexicano. . .

Frida Kahlo

“Pies, para que los quiero si tengo alas para volar”

M

Por Daniela Mejía Martínez ujer mexicana nacida el 6 de julio de 1907 en el pueblo de Coyoacán, ícono femenino representativo de la cultura y el arte, su vida

estuvo cruzada por el infortunio de una enfermedad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada durante largos periodos, llegando a someterse hasta 32 operaciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional, fue bisexual y entre sus amantes estuvo León Trotski. Su obra pictórica gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Pintó unas 200 obras, principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo, Diego Rivera, con el que compartió su identificación por el arte popular mexicano de raíces indígenas que inspiró también a otros pintores mexicanos del periodo post-revolucionario. Expuso individualmente su obra en Nueva York (1938) y en París (1939). Hasta entonces había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Wassily Kandinski, André Bretón o Marcel Duchamp, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, a partir de la década de 1970.

ersonajes P

Archivo Kunst

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Origen. Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue la tercera hija del fotógrafo alemán Guillermo Kahlo y su segunda esposa Matilde Calderón, mexicana de ascendencia española. Sus dos hermanas mayores fueron Matilde y Adriana; después de ellas nació su único hermano que sobrevivió solo unos días. En julio de 1907 nació Frida y solo once meses después, su hermana menor Cristina. Ella fue su constante compañera y la única de las hermanas Kahlo que dejó descendencia. Además, Frida tuvo tres hermanas mayores por parte del padre: Luisa, la mayor, una segunda hermana fallecida en el nacimiento y Margarita, todas hijas del primer matrimonio de su padre, en 1894, con María Cardeña Espino (llamada también Cerdeña en algunas fuentes), fallecida en el parto de Margarita en 1898. Retrato Familiar 1928

En 1904, tres años antes del nacimiento de Frida, la familia se mudó a la localidad de Coyoacán en el centro geográfico del

Juventud

Distrito Federal, a la muy conocida Casa Azul del 127 de la

En 1922 entró en la Escuela Nacional Preparatoria de Ciudad

calle Londres, convertida actualmente en museo.

de México, la más prestigiosa institución educativa de México, que recientemente había comenzado a admitir

Infancia

estudiantes de sexo femenino. Eran solo 35 mujeres entre un

La vida de Frida estuvo marcada desde muy temprana edad

total de dos mil alumnos. Entonces aspiraba a estudiar

por el sufrimiento físico y la enfermedad. El primero de estos

medicina en el futuro. En esta escuela conoció a futuros

infortunios consistió en una poliomielitis que contrajo en

intelectuales y artistas mexicanos, como Salvador Novo, y

1913, dando inicio a una serie de sucesivas enfermedades,

formó parte de un grupo de alumnos conocidos como “Los

lesiones diversas, accidentes y operaciones. Esta primera

Cachuchas”, que se llamaban así por las gorras que usaban. A

enfermedad la obligó a permanecer nueve meses en cama y le

este grupo solo pertenecían dos mujeres: Carmen Jaime y la

dejó una secuela permanente: la pierna derecha mucho más

propia Frida. Los demás eran todos hombres que en sus vidas

delgada que la izquierda. Animada por su padre y como parte

de adulto tuvieron éxito intelectual o profesional en la

de su rehabilitación Frida practicó diversos deportes, algunos

sociedad mexicana: Agustín Lira, Miguel Lira, Alfonso Villa,

poco usuales en la sociedad mexicana de su época para una

Manuel González Ramírez, Jesús Ríos y Valles, José Gómez

niña, como fútbol o boxeo.

Robleda y quien se convirtiera en su novio, Alejandro Gómez

Sin embargo, la evidente limitación motriz, así como las

Arias. “Los cachuchas” eran rebeldes, se autodefinían como

constantes operaciones quirúrgicas y tratamientos médicos

un grupo crítico de la autoridad, protestaban contra las

hicieron que Frida se desarrollara de modo diferente y con

injusticias y se movilizaban por las reformas del sistema

frecuencia se viera impedida de participar con otros niños.

escolar. Su actividad y posición política calzaba en algún

Varios de los cuadros que luego pintara en su vida adulta

espacio entre las ideas anarquistas y revolucionarias

reflejan la temática de la soledad de su infancia.

románticas.

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El 17 de septiembre de 1925 sufrió un grave accidente cuando

organización de la que ya formaban parte varios de sus

el bus en que ella viajaba fue arrollado por un tranvía,

amigos cachuchas y a la que también se incorporó

quedando aplastado contra un muro y completamente

formalmente Frida. Diego Rivera era militante del Partido

destruido. Regresaba de la escuela a casa, junto a Alejandro

Comunista desde 1922.

Gómez Arias, su novio de entonces. Su columna vertebral

Trayectoria Artística y Diego Rivera

quedó fracturada en tres partes, sufriendo además fracturas en

Frida conoció a Diego Rivera a través de Tina Modotti.

dos costillas, en la clavícula y tres en el hueso púbico. Su

Anteriormente, en 1922, había tenido ocasión de observarlo,

pierna derecha se fracturó en once partes, su pie derecho se

durante la realización de su primer mural en el Anfiteatro

dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó y un pasamanos

Simón Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria. En 1928

la atravesó desde la cadera izquierda hasta salir por la vagina.

había encontrado nuevamente a Diego Rivera en algunas

Al respecto, Frida comentaba que habría sido esta la forma

veladas y reuniones a las que asistía con Tina Modotti, pero

brutal en la que había perdido su virginidad. La medicina de

no había platicado nunca directamente con él. Se reencuentra

su tiempo la atormentó con múltiples operaciones quirúrgicas

con Diego Rivera, cuando éste regresa de Rusia en 1927

(por lo menos 32 a lo largo de su vida), corsés de yeso y de

pintando los frescos de la Secretaría de Educación, le lleva

distintos tipos, como asimismo diversos mecanismos de

sus primeros cuadros y el pintor muestra interés por la artista

"estiramiento".

y su obra; dos años más tarde se casaron. Ella tenía 22 años y

Durante su larga convalecencia comenzó a pintar de manera

él 43.

más continuada. En septiembre de 1926 pintó su primer

Al matrimonio lo llegaron a llamar la unión entre un elefante

autorretrato al óleo que dedicó a Alejandro Gómez Arias.15

y una paloma, pues Diego era enorme y obeso mientras que

En este primer autorretrato emprendió una dinámica que

ella era pequeña y delgada.

continuaría el resto de su existencia: reflejar en sus cuadros los sucesos de su vida y los sentimientos que le producían. En 1927 su pintura se volvió más compleja. En ese año pintó el Retrato de Miguel N. Lira, un óleo sobre lienzo de 99,2 X 67,5 cm donde muestra a su compañero cachucha en un fondo muy particular y simbólico lleno de objetos y signos que aluden a su nombre. Apenas un año más tarde realizó el retrato de su hermana Cristina con líneas muy puras y tonos muy suaves. Por esta época, Frida ya había comenzado a frecuentar ambientes políticos, artísticos e intelectuales. A través de Germán de Campo, un dirigente estudiantil muy admirado por Frida, conoció al comunista cubano Julio Antonio Mella quien vivía exiliado en México con su pareja estadounidense, la fotógrafa Tina Modotti, a través de quienes Frida entró en contacto con el pintor Diego Rivera. Frida y Tina hicieron rápidamente amistad y esta última empezó a llevar a Frida a

Frida y Diego; La paloma y el elefante.

las reuniones políticas de Partido Comunista de México,

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Frida y Diego viven en Cuernavaca mientras el artista

Frida inició otras relaciones amorosas tanto con hombres

realizaba el mural del Palacio de Cortés. Posiblemente es en

como con mujeres que continuaron el resto de su vida. Rivera

esa época que sufre su primer aborto.

tuvo violentos celos sobre las relaciones extramatrimoniales

Posteriormente la pareja se marcha a los Estados Unidos,

de su esposa aunque llevaba mejor las relaciones lésbicas que

estancia que se inicia en San Francisco y después en Detroit,

las heterosexuales.

para finalmente instalarse en Nueva York. Es en esa ciudad

Entre 1937 y 1939 el revolucionario ucraniano (pero que

que realiza su obra "My dress hangs there", cuadro que

desarrolló su vida política en Rusia) León Trotsky vivió

preludia la obra contundente llena de símbolos que realizaría

exiliado en la casa de Frida en Coyoacán, junto a su mujer.

posteriormente. La influencia de los exvotos, lo popular, lo

Allí Frida tendrá un romance con el líder comunista. Después

religioso y los símbolos mexicanos sellarían su obra.

del asesinato de Trotsky a manos del miembro de la NKVD

La pareja se convirtió en ícono alrededor del mundo en un

estalinista Ramón Mercader, Frida fue acusada como autora

principio ella lo acompañaba a sus múltiples consignas por

del mismo. Esto la llevó a estar arrestada pero finalmente fue

Estados Unidos, sin embargo poco a poco fue adquiriendo un

dejada en libertad al igual que su marido.

brillo propio basado en su trabajo, en personalidad y

En 1938 el poeta y ensayista del surrealismo André Bretón

autenticidad, Frida rompía con todo y se fue convirtiendo en

calificó su obra de surrealista en un ensayo que escribió para

una gran artista por merito propio, creando un estilo único y

la exposición de Kahlo en la galería Julien Levy de Nueva

muy particular.

York. No obstante, ella misma declaró más tarde: "Creían que

En 1934 regresan a México y se instalan en el estudio de la

yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté mis sueños.

calle de Altavista construido por Juan O'Gorman, en San

Pinté mi propia realidad".

Ángel. Sufre otro aborto y es operada del pie derecho; el

En 1939 Frida Kahlo terminó un autorretrato donde reflejaba

proceso de desfiguración de su cuerpo es constante y eso se

sus dos personalidades: Las dos Fridas. En este cuadro,

refleja en las obras que va realizando. Diego Rivera tiene un

asimilaba la crisis marital, a través de la separación entre la

romance con su hermana, Cristina Kahlo, hecho que la sume

Frida en traje de tehuana, el favorito de Diego, y la otra Frida,

en una depresión tremenda. Se separa de Diego y se marcha

de raíces europeas, la que existió antes de su encuentro con él.

sola a Nueva York.

My dress hangs there 1933

Las dos Fridas 1939

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Los corazones de las dos mujeres están conectados uno al otro

En 1953 en ciudad de México se organizó la única exposición

por una vena, la parte europea rechazada de Frida Kahlo

individual en su país durante la vida de la artista en la Galería

amenaza con perder toda su sangre. Ese mismo año expuso en

de Arte Contemporáneo. Su salud estaba muy deteriorada y

París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Su

los médicos le prohibieron asistir a la misma. Pero llegó en

estancia en la capital francesa la llevó a relacionarse con el

una ambulancia asistiendo a su exposición en una cama de

pintor malagueño Picasso y a aparecer en la portada de la

hospital. Los fotógrafos y los periodistas se quedaron

revista francesa Vogue.

impresionados. Ella fue colocada en el centro de la galería.

Tras el divorcio, Frida y Diego continuaron compartiendo

Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La

gran parte de la vida social, artística y política que los unía.

exhibición había sido un rotundo éxito.

Frida llegó en septiembre a San Francisco y solo dos meses

Ese mismo año le tuvieron que amputar la pierna por debajo

más tarde, la pareja decide volver a casarse. El nuevo acuerdo

de la rodilla debido a una infección de gangrena. Esto la sumió

amistoso consistirá en vivir juntos, compartir los gastos,

en una gran depresión que la llevó a intentar el suicidio en un

continuar con la colaboración artística y excluir de su relación

par de ocasiones. Durante ese tiempo, debido a que no podía

la vida sexual de pareja.

hacer mucho, escribía poemas en sus diarios, la mayoría

Durante estos años, el reconocimiento artístico a su obra se

relacionados con el dolor y el sufrimiento.

fue incrementando, especialmente en EE.UU. Intervino en

En febrero de 1954 Frida escribió explícitamente en su diario

importantes exposiciones colectivas en el Museo de Arte

acerca de sus ideas suicidas. Describiendo como una gran

Moderno de Nueva York, en el Instituto de Arte

tortura los dolores físicos y psíquicos de los últimos seis

Contemporáneo de Boston y en el Museo de Arte de

meses tras la amputación de su pierna derecha hasta la rodilla

Filadelfia.

debido a la gangrena, señala que aunque continúa pensando

A partir de 1943 dio clases en la escuela La Esmeralda del

en quitarse la vida, lo único que la retiene es Diego Rivera, a

México, D. F. En 1950 debió ser hospitalizada en Ciudad de

quien no desea abandonar porque tiene "la vanidad" de creer

México permaneciendo en el hospital un año.

que ella le hará falta. El 19 de abril de 1954 ingresa al hospital inglés tras un intento de suicidio y aunque escribe en su diario que ha prometido no recaer, el 6 de mayo, tras un nuevo intento, tienen que hospitalizarla nuevamente. Sin embargo, el ánimo y la valentía la acompañarán hasta el final: Movilizándose en silla de ruedas, el 2 de julio participa, junto a Diego de Rivera y Juan O'Gorman en una manifestación de protesta contra la intervención estadounidense en Guatemala. Murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna autopsia. Fue velada en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y su féretro fue cubierto con la bandera del Partido Comunista Mexicano, hecho que fue muy criticado por la prensa nacional. Su cuerpo fue incinerado en el Crematorio Civil de Dolores y sus cenizas las alberga la Casa Azul de Coyoacán, lugar que también la vio nacer.

Autorretrato como Tehuana 1943

18


La mayoría de los trabajos de Frida Kahlo son obras de pequeño formato, mencionaremos algunas de ellas:

enferma, aproveché la ocasión y se la pedí a mi padre, mi mamá mandó hacer con un carpintero un caballete, que podía

Charola de amapolas 1924

acoplarse a la cama donde yo estaba, porque el corset de yeso

Naturaleza muerta 1925

no me dejaba sentar. Así comencé a pintar mi primer cuadro,

Autorretrato con traje de terciopelo 1926

el retrato de una amiga mía, junto a la cama había un espejo

Autorretrato Tiempo vuela 1929

donde Frida se veía así misma, se descubría y experimentaba

Autorretrato 1930

con ella su propio modelo, este fue el inicio de sus numerosos

Aparador en una calle de Detroit

autorretratos. Este primer estilo juvenil estuvo influenciado

Allá cuelga mi vestido 1933

por la pintura retratista mexicana del siglo XIX de inspiración

Autorretrato Con pelo rizado 1935

europea.

Autorretrato Dedicado a León Trotsky 1937

Casada con Diego Rivera en agosto de 1929, la influencia de

Autorretrato con un mono 1938

Diego en la pintura de Frida se reconoce a partir de entonces

Cuatro habitantes de México 1938

con un importante cambio de estilo orientado hacia el

Autorretrato 1938

mexicanismo, hacia la afirmación nacional mexicana. Así se

The frame 1938

unió al grupo de artistas, en el que participaba Diego, que

Dos desnudos en un bosque (la tierra misma) 1939

propugnaba un arte autóctono mexicano, integrando objetos

El sueño (la cama) 1940La mesa herida 1940

del arte popular y de la cultura precolombina. En sus

Yo y mis pericos 1941

autorretratos, Frida se representaba vestida de campesina o de

Autorretrato con mono y perico 1942

india, expresando su identificación con la población india.

Autorretrato como tehuana 1943

“La pintura ha llenado mi vida. He perdido tres hijos y

Diego y Frida 1944

otra serie de cosas que hubiesen podido llenar mi horrible

La columna rota 1944

vida. La pintura lo ha sustituido todo. Creo que no hay

La máscara 1945

nada mejor que el trabajo”

Árbol de la esperanza 1946 Autorretrato con el pelo suelto 1947 Autorretrato 1948 Diego y yo 1949 Retrato de la familia de Frida 1950-1954 Retrato de mi padre 1951 Naturaleza muerta 1952 Comenzó a pintar durante su convalecencia del accidente que sufrió cuando regresaba a su casa de la escuela en autobús el 17 de septiembre de 1925 que la dejó gravemente herida y con secuelas el resto de su vida. Así lo explicó: Mi padre tenía desde hacía muchos años una caja de colores al óleo, unos pinceles y una paleta en un rincón de su tallercito de fotografía, yo le tenía echado el ojo a la caja de colores, no sabría explicar el por qué, al estar tanto tiempo en cama,

Diego y Frida 1944

19


No te puedes morir sin leer.. . Historia de un asesino

El Perfume “El significado de su miserable existencia, tenía un destino mucho mayor. Aprendería a preservar el olor para nunca más volver a perder tan sublime belleza”

El libro Patrick Süskind está rodeado de distintos factores que, por más pequeños que parezcan, como su biografía, movimiento literario y lo que sucedía ente el periodo de 1980 y 1990 se ven reflejados en la novela. Contexto Histórico El Perfume fue escrito en 1985, durante este tiempo, el mundo estaba viviendo un momento histórico importante: la crisis y caída del régimen comunista, que ocurrió por diversos factores, Europa Occidental totalmente globalizada y en un auge económico y la Oriental, que se caracterizó por un sistema anclado en el dogmatismo marxista, sin tolerar cambios, por lo que se produjo un receso y una incapacidad de renovación. Otro factor que influyó en este periodo fue la sociedad oprimida por el sistema del bloque oriental. Podemos relacionar esto con la época en la que está situada la obra, el siglo XVIII, un periodo prerrevolucionario, donde la monarquía oprimía a la sociedad, prohibiendo que éstos hicieran críticas a la familia real y obligando a los informadores a proyectar una imagen ideal de los soberanos y sus familias, aquellos que gobernaban poseían poder absoluto, nadie lo cuestionaba, y lo que decían era hecho. A fines del siglo XX tras la caída de grandes ideologías, la sociedad se caracteriza por poseer un carácter individualista, que se preocupa por su propio bienestar y confort, que da más importancia a sus intereses personales, sin inquietarse por lo que desea el resto. Grenouille es un hombre aislado de la sociedad y posee semejanzas con una persona del siglo XX, se preocupa solo por él y satisface sus necesidades sin importarle su comunidad, vive inmerso en lo que él desea e intenta cumplir sus metas y objetivos, realiza acciones que le producen felicidad, actuando según su propio criterio y no de acuerdo con el de la colectividad. El perfume: historia de un asesino es la primera novela del escritor alemán Patrick Süskind, publicada en 1985 .Inmediatamente se convirtió en un best-seller, traducido a más de cuarenta lenguas en todo el mundo.

21


El perfume, dividido en cuatro partes y

alegando que el niño es demasiado

hasta una hermosa jovencita pelirroja

cincuenta y un capítulos, transporta al

voraz y extraño, ya que "no huele

de 14 años que prepara ciruelas; ávido

lector a un mundo con el que no está

como tienen que oler los bebés".

por sentir el aroma que emana de ella,

familiarizado, "el evanescente reino de

Finalmente, por petición del padre

Grenouille acaba por asfixiarla cuando

los olores", a través de su protagonista,

Terrier, Madame Gaillard, mujer

ella lo descubre. A partir de entonces,

Jean-Baptiste Grenouille (grenouille

desprovista de olfato, lo acepta en su

el objetivo de su vida será poder

significa rana en francés).

establecimiento para huérfanos a

conservar la fragancia más pura que

Reseña

cambio de que el convento de Saint-

había olido nunca.

Merri pague la cuota anual.

Grenouille aprovecha su oportunidad

Grenouille, "uno de los hombres más

Grenouille crece odiado por los otros

un día que Grimal le encarga llevar

geniales y abominables de su época",

huérfanos y descubriendo el mundo a

unas pieles a casa de Giuseppe Baldini,

transcurre en la Francia del siglo

través del olfato; las palabras sólo

un perfumista italiano muy célebre en

XVIII. Desde su nacimiento,

tienen sentido para él si nombran

otros tiempos. Grenouille demuestra

Grenouille descubre y percibe el

objetos con olor.

que es capaz de crear a partir de los

mundo a través del sentido del olfato,

A la edad de ocho años, al no recibir

aceites esenciales que tiene Baldini en

que tiene más desarrollado que el resto

más dinero para el mantenimiento de

su taller, no solo el perfume de moda en

de las personas. Éstas, a su vez, en

Grenouille y asustarse de su

París, sino uno mil veces mejor.

ocasiones encuentran inquietante

comportamiento (ya que cree que es

Baldini compra a Grenouille por 20

dicha capacidad en Grenouille. Él

clarividente), Madame Gaillard lo

francos, para exprimir su talento todo

carece de un olor propio.

vende al curtidor Grimal como

lo posible. Durante tres años,

trabajador por siete monedas. Durante

Grenouille aprende el arte de la

Primera parte

los siete años que Grenouille trabaja

destilación de los aceites esenciales,

para G rimal como una bes tia,

aunque descubre decepcionado que no

demuestra su resistencia a la dureza del

puede obtener más que las esencias de

trabajo y hasta a las enfermedades

las flores. Al tercer año Grenouille

mortales, como el ántrax maligno, al

parte hacia la Provenza, donde

tiempo que su cuerpo se va llenando de

conocen más maneras de obtener

cicatrices y marcas de esas

aceites esenciales, con una carta de

enfermedades, acentuando su fealdad.

recomendación de Baldini, quien

Esta resistencia le proporciona un gran

muere junto a su mujer debido al

valor para el trabajo, y Grimal le

derrumbamiento de su casa (muere

concede con el tiempo un poco de

trágicamente y sin cumplir sus sueños,

libertad, que Grenouille aprovecha

al igual que toda la gente de la que

para explorar todos los olores de París.

Grenouille antes se había separado y

La historia del personaje principal,

El 17 de julio de 1738, en el lugar más putrefacto de todo París nace JeanBaptiste Grenouille entre los desechos de pescado del puesto que atiende su madre, una mujer joven de unos 25 años. Este es su quinto hijo, el cual nace igual que los cuatro anteriores (muerto o casi muerto), por lo que su madre piensa dejarlo morir entre vísceras y desperdicios, pero el llanto del bebé delata su presencia, y su madre es detenida, juzgada y colgada en la horca por infanticida.

que fue importante, de alguna manera, A los quince años, Grenouille descubre

El pequeño Grenouille es rechazado sucesivamente por varias nodrizas,

una fragancia desconocida para él hasta entonces. Siguiéndola, llega

22

para él, como su madre, Madame Gaillard y el curtidor).


Segunda parte

Grenouille debía estar completamente

una muerte rápida).

Grenouille emprende el camino hacia

contaminado. Tras un proceso de

Un año después de su llegada a Grasse

el sur, donde espera poder aprender

desintoxicación, lavado y afeitado en

comienza a matar jóvenes vírgenes

nuevas técnicas que le ayuden a

el palacio del marqués en Montpellier,

muy bellas, que aparecen muertas

conseguir su objetivo. Por primera vez

Grenouille aparece como un caballero.

hasta en sus casas, desnudas y sin

sale de París, y por primera vez

Con el permiso del marqués, compone

cabello, para crear la base del perfume

descubre un mundo sin olores

un perfume en un laboratorio, para

que quiere culminar con la fragancia

humanos ni producidos por la

simular un olor corporal propio. De

de Laura. Debido a los crímenes, en la

actividad humana; guiado solamente

esta manera, la gente se da cuenta de su

ciudad se decreta el toque de queda,

por su fino olfato, evita poblaciones,

presencia y es capaz de aceptarle más

pero aún así siguen apareciendo hasta

camina de noche y duerme de día,

fácilmente que antes. Entonces decide

24 jóvenes asesinadas.

hasta llegar a las montañas. Encantado

continuar su camino hacia Grasse.

con el descubrimiento de una cueva en

Tercera parte

Grenoble a un hombre al que acusan de

el Plomb du Cantal, Grenouille pasa

Una vez en Grasse, explorando los

los crímenes de Grasse, pero Antoine

siete años (en esos siete años se

olores de la ciudad, descubre una

Richis, padre de Laura, teme más que

desarrolla la Guerra de los Siete Años,

fragancia que le recuerda

nunca por su hija, pues cree que ella es

de Inglaterra contra Francia) de su vida

inmediatamente a la de la muchacha

el móvil principal de todos los

en una cueva de esta montaña,

pelirroja de París. Ebrio con su

crímenes cometidos hasta entonces.

alimentándose de lo que encuentra, y

descubrimiento, decide esperar dos

Huye con ella de Grasse, pero

acudiendo una y otra vez a su memoria

años a que la muchacha, llamada Laura

Grenouille guiado por el olor de Laura,

olfativa para hacerse el dios de su

Richis, florezca, tiempo que aprovecha

les sigue y esa misma noche la mata en

mundo interior compuesto por todos

para aprender cómo poder conservar

la posada en la que estaban durmiendo,

los olores que conoce.

esa fragancia.

completando su perfume más

El placer que le produce este mundo

Se emplea, bajo unas condiciones

preciado.

interior se rompe el día que se da

miserables, en el taller de Madame

Es detenido varios días después en

cuenta que él mismo no posee ningún

Arnulfi, dirigido por su amante Druot,

Grasse, ya que el posadero pudo dar su

olor propio. Después del pánico

el capataz. Allí aprende una nueva

descripción; en la cabaña en la que

inicial, se dirige de nuevo hacia el sur.

manera de obtener el alma olorosa de

vive encuentran los vestidos y cabellos

En la ciudad a la que llega excusa su

las flores, impregnándolas con grasa

de todas las muchachas muertas. Lo

aspecto actual aduciendo que ha estado

animal fundida, a la que más tarde es

condenan a morir lentamente, con

siete años prisionero en una cueva,

añadido alcohol y lavada para obtener

todos los huesos quebrados por una

secuestrado por unos bandidos. El

el aceite esencial. A través de este

barra de hierro.

marqués de la Taillade-Espinasse toma

procedimiento, Grenouille descubre

a Grenouille bajo su protección,

que es posible retener el olor de los más

porque ve en su historia la oportunidad

variados objetos o seres, como un

de demostrar su teoría del fluido letal,

pomo de puerta, una piedra o un

que según él surge de la tierra y del que

cachorro (al cual mata provocándole

23

Unos meses más tarde, detienen en


Sin embargo, el día de la condena, impregnado de su último perfume, las

la tierra y vuelven a sus casas con un sentimiento de felicidad extrema, pues se dan cuenta que, por primera vez, han hecho algo por amor.

10.000 personas que han ido a ver su

Contexto Historico del libro Patrick Süskind está rodeado de distintos factores que,

e j e c u c i ó n p i d e n e l i n d u l t o y,

por más pequeños que parezcan, como su biografía, movimiento literario y lo que

embriagados y enloquecidos por la

sucedía ente el periodo de 1980 y 1990 se ven reflejados en la novela.

fragancia de amor que surge de Grenouille, acaban todos sucumbiendo en una gran orgía. Grenouille, como muestra en sus pensamientos, se siente decepcionado, ya que el perfume hace que sea amado (el propio Richis quiere incluso adoptarlo), pero esto no es lo que él siente por la gente, sino que los aborrece. Siente que no es en el amor donde encontrará la satisfacción, sino en el odio que siente por los demás, ya que este es el único sentimiento real que ha experimentado en su vida.s Cuarta parte Grenouille decide volver a París, donde llega un día caluroso de verano, como fue el de su nacimiento. Por la noche, se acerca al mercado donde nació, y se mezcla con la gente de ese lugar, miserables, pordioseros, prostitutas y criminales. Una vez allí, vacía todo el contenido del perfume sobre su cabeza, provocando que una treintena de personas, creyendo estar en presencia de un ángel, enloquezcan. Gritando: "¡Es un ángel!", se lanzan sobre él, lo agarran, se aferran a él y todos intentan guardar para sí un pedazo. En el frenesí resultante terminan por devorar a Grenouille, borrándolo completamente de la faz de

24


Ficha del autor Escritor alemán nacido en la localidad bávara de Ambach. Hijo del escritor expresionista W. E. Süskind, desde 1968 a 1974 estudió Historia medieval y moderna en Munich y Aixen-Provence. Sus obras giran en torno al aislamiento del individuo en la sociedad, y durante los años 80 colaboró en guiones televisivos. Su primera obra fue un monólogo teatral, El contrabajo (1984), aunque el éxito le llegó con El Perfume (1985), que lo desveló como un gran narrador. Esta novela traducida a más de veinte idiomas, narra la vida de JeanBaptiste Grenouille, un asesino de muchachas, con un desarrollado sentido del olfato. Repudiado por todo el mundo cuando era un recién nacido y tras buscarse la vida en distintos oficios, consigue entrar en el taller de un conocido perfumista donde elaborará las más exquisitas fragancias de París, mientras en secreto, investiga como conseguir el perfume definitivo, para lo que no dudará en cometer las más horribles acciones. Sus siguientes novelas La Paloma (1988) y La historia del señor Sommer (1991), narración ilustrada con dibujos de Sempé, no tuvieron el éxito de El Perfume. Actualmente vive una vida aislada al lado del lago Starnberger, en su ciudad natal.

El perfume en el cine

Archivo Kunst

Süskind pensaba que sólo Stanley

precio de venta. Nunca trascendió el

película y en la que también sirvió

Kubrick (fallecido en 1999) o Miloš

monto real de la transacción, pero se

como co-productora. La película

Forman podían hacerle justicia al

rumora que pagaron alrededor de € 10

recibió € 200.000 en la financiación de

libro, y se negó a dejar que nadie más

millones de euros para obtener los

la Junta Federal Alemana de Cine

hiciera la adaptación de la película.

derechos de la película. Es destacable

(FFA) fundación que actuó en

Aparentemente, el propio Kubrick

mencionar que el autor del libro no

conjunto con fondos franceses.

declinó realizarla por considerar que

tuvo ninguna participación en el

Eurimages le concedió también a la

era imposible de filmar. Bernd

proyecto cinematográfico.

película € 600.000 para la co-

Eichinger, productor de cine, leyó la

La película tuvo un presupuesto de

financiación de producción. En total, la

novela cuando se publicó por primera

producción de € 50 millones ($. 63,7

película recibió € 400.000 en fondos

vez y de inmediato se acercó a

millones dólares), por lo que es una de

de la Junta Federal Alemana de Cine.

Süskind, que también era amigo suyo,

las películas de producción alemana

Perfume recibió financiaciamiento

para obtener los derechos de realizar la

más caras en la historia. La película fue

para la producción de € 1,6 millones

película. Sin embargo, Süskind se

financiada por Constantin Film, de la

por Film Fernseh Fonds Bayern, € 1

negó. En 2000, Süskind cedió y vendió

que Eichinger fue el ex director

millón de la Junta Federal Alemana de

los derechos a Eichinger. Eichinger

general, propiedad de la

Cine y € 750.000 de Filmstiftung

tuvo que sacar un préstamo personal,

multimillonaria empresaria Gisela

NRW.

porque el consejo de administración de

Oeri y Medienfonds VIP. Perfume fue

Constantin Film se negó a aprobar el

la primera inversión de Oeri en una

25


configuración urbana original de París, para el rodaje de la

Reparto Ben Whishaw – Jean-Baptiste Grenouille

película era muy poco probable debido a la amplia

Dustin Hoffman – Giuseppe Baldini

modernización de la ciudad en el siglo 19 (llamada

Alan Rickman – Antoine Richis

transformación de París durante el Segundo Imperio), lo que la hacía poco viable y un proyecto muy costoso.

Rachel Hurd-Wood – Laura Richis Karoline Herfurth – Vendedora de ciruelas

Por lo tanto, Croacia fue considerada inicialmente como una

Sian Thomas - Madame Gaillard

buena alternativa debido a su paisaje terroso y prístinas

Francesc Albiol – Oficial de la Corte

ciudades del viejo mundo, pero a pesar de que el precio era el

Simon Chandler – Mayor de Grasse

correcto, la distancia entre los lugares demostró ser

David Calder – Obispo de Grasse

desventajoso. Al final, los realizadores optaron por filmar la

Richard Felix – Jefe del Magistrado

mayor parte de la película en España que, aunque era un país

Alvaro Rogue – Grenouille a los 5 años

más caro que Croacia, ofrecía lugares que estaban más cerca entre sí.

Franck Lefeuvre - Grenouille a los 13 años John Hurt – Narrador (versión en inglés)

La fotografía principal comenzó el 12 de julio de 2005 y

Aunque Perfume es una película esencialmente franco-

concluyó el 16 de octubre de 2005. Los primeros 15 días se

alemana, los personajes principales recayeron en gran medida

gastaron por completo en el escenario más grande de Bavaria

en actorres británicos y estadounidenses. La mayoría de los

Film Studios de Munich , con el rodaje de la escena con

actores secundarios de soporte son de origen francés.

Baldini y Grenouille en el antiguo taller. Todas las escenas

El actor y director teatral inglés Alan Rickman fue la primera

con Hoffman se completaron en los primeros once días.

elección de Tykwer para el personaje de Antoine Richis y el

Catedral de Santa María del Pi, Barcelona, donde se filmaron

papel no se le ofreció a nadie más. Tykwer y Eichinger

algunos exteriores

miraron cientos de videos de las audiciones para encontrar a la

Respuesta crítica

actriz adecuada para el papel de la hija de Antoine, Laura

La película dividió ampliamente a los críticos, con cierta

Richis. Tykwer cree haber encontrado a la actriz a la derecha

predominancia de criterios negativos del público

en una cinta con 15 actrices, pero no podía recordar

estadounidense.

exactamente qué fue lo que le gustaba. Eichinger miró a

A partir de 121 comentarios recogidos por la página web

través de la cinta y encontró lo que pensaba que era una

Rotten Tomatoes, la película tiene un índice de aprobación

persona adecuada. Resultó que ambos hombres habían

general de la crítica de apenas un 58%, con un promedio de

elegido la misma actriz, la inglesa Rachel Hurd-Wood .

puntaje de 6.2/10.46 Entre Cream of the Crop de Rothen

Tykwer se fue a Londres personalmente con su elenco. Una

Tomatoes, que consiste en notables críticos populares de los

nueva cinta fue grabada y se le dio el papel.

principales periódicos, sitios web, televisión, y programas de

Filmación

radio, la película tiene un índice de aprobación general del

La filmación fue sumamente compleja y requirió semanas de

44%.

planeación y pruebas previas, antes de iniciar las primeras

Metacritic, que asigna una puntuación de promedio

tomas. Aunque parezca algo insólito para el espectador, en

ponderado de 100 a las reseñas de los críticos de la corriente

realidad la cinta tuvo muy pocas escenas rodadas en Francia.

principal, la película recibió una puntuación media de 56

En vista de que los cineastas necesitaban realizar una

sobre la base de 30 comentarios.

escenografía del siglo 18 francés para mostrar la

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Trazos . . . que cambiaron el mundo La obra que refleja el dolor de una mujer

Henry Ford Hospital (La cama volando)

Q

uien tiene conciencia artística y se mantiene

y esta peculiar perspectiva la abocó a crear uno de sus lienzos

informado de los aspectos más básicos del arte,

más crudos.

tiene total conciencia de que la vida de la pintora

En este turbador trabajo, más allá de la angustia que produce

Frida Kahlo era más dramática que una novela misma, sin

este cuadro con un simple golpe de vista, tanto por su

embargo, no es necesario leer su biografía para saberlo, ya

sinceridad como por la simplicidad de su ejecución. Kahlo se

que sus obras hablan por sí mismas.

pinta a sí misma acostada en una cama de hospital después

Me he dispuesto a hablar de este cuadro, pues me encuentro

del aborto. La figura en el retrato está desnuda, las sábanas

muy identificado con muchos aspectos y sucesos en la vida

que se ven detrás de ella están ensangrentadas y una gran

de Frida, pero muy en especial, con esta pintura, pues al verlo

lágrima cae de su ojo izquierdo.

por primera vez en un libro que habla de sus obras y la

Ella, en comparación con la cama y los otros elementos que

relación que tiene cada una de ellas con el momento que

componen al cuadro, se ve pequeña, como si quisiera

pasaba por su vida, comprendí que cada artista plasma en su

expresar que ahora ella, ya no era el objeto principal en su

obra un fragmento de su biografía conforme cambia de

pintura, si no la situación y simbolismos que esta conlleva.

etapas y de tiempos, y en mi caso, este cuadro movió sentimientos, investigar su significado ha sido para mí más que un lujo, es un entendimiento mas allá que académico, es algo personal e introspectivo en mi evolución y comprensión artística. El 4 de julio de 1932 Frida sufrió un aborto natural, en el hospital Henry Ford en Detroit. La melancolía la invadió en su etapa estadounidense, y no sólo por no conectar con la sociedad del lugar, sino también porque allí sufrió un traumático aborto que la incitó a pintar Henry Ford Hospital o La cama volando. En este caso el poso mexicano tiene una presencia mucho más notable: está pintado a la manera de un exvoto, intercalando elementos biográficos y fantásticos. Frida pintó su realidad no tal como era sino tal como la sentía,

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Henry Ford Hospital, (La cama volando), 1932 Óleo sobre metal, 30,5 x 38 cm.

La cama y su triste habitante flotan en un espacio abstracto,

inmortalizarlo dándole vida al menos en una pintura.

rodeado por seis imágenes en círculo relacionadas con el

La orquídea fue un regalo de Diego. "Cuando yo lo pinté,

aborto. Todas las imágenes están ligadas a filamentos de

tenía la idea de una cosa sexual mezclada con lo sentimental"

color rojo-sangre que ella aguanta contra su estómago, como

mostrándola marchita como su estado de ánimo y al mismo

si fueran cordones umbilicales o venas sobre una sábana

tiempo, representa en su forma, el aparato reproductor

blanca, Frida se desangra por la pelvis y sobre su vientre,

femenino, compuesto del útero y ovarios en una forma

todavía abultado por el reciente aborto.

indirecta pues siempre hace referencia en sus pinturas a la sexualidad con la naturaleza, y es que la peculiar forma de

La imagen principal es un feto masculino perfectamente

algunas orquídeas ha provocado que se las considere la

formado, el pequeño "Dieguito" que ella deseaba tanto tener,

representación de los genitales femeninos. En este caso,

ese niño que tantas veces intentó engendrar a pesar de que

aparece una flor moribunda y desvitalizada que no puede ser

todos sus embarazos resultaran malogrados. Es extraño, que

más significativa si nos atenemos al calvario que tuvo que

este elemento no estaba incluido en el boceto de esta obra,

sufrir Frida por las lesiones en su cuerpo.

como si no soportara mirarlo plasmado, sin embargo, ella pudo ver en vivo a su hijo inerte, y finalmente decidió

29


El caracol, explicó, alude al lento

embarazo adelante por culpa de las

pues el dolor que ella sentía, no podía

aborto, pues fue un proceso

lesiones en la pelvis y la columna que

ser curado por nadie ni nada.

insoportable, dijo ella, no por

le quedaron tras el accidente con el

Finalmente, en la esquina inferior

doloroso, física y emocionalmente, si

tranvía., incapacidad de cargar en su

derecha está su pelvis, la cual tiene

no por la lentitud que este proceso

vientre a un ser que naturalmente

gran importancia en su cuadro, pues

llevó y seguiría llevando para

nacería.

de joven, Frida sufrió un accidente

superarlo, marcándola

Y no es este el único elemento

automovilístico.

especialmente, si tenemos en cuenta

mecánico, no biológico, del exvoto,

En 1925, a sus 18 años regresando de

que en sus trece días de convalecencia

sino también un objeto metálico que

la escuela en autobús, Frida se vio

hospitalaria ya comenzó a trazar un

la pintora situó justo debajo de la

involucrada en un trágico accidente

esbozo de esta pintura. El caracol,

maqueta.

que casi le cuesta la vida, y que le dejó

asimismo, es un motivo recurrente en

La máquina de aspecto cruel que ella

secuelas que influyeron en ella el resto

la obra de Kahlo, ya que las culturas

pintó "para explicar la parte mecánica

de su vida.

precolombinas lo consideran una

de todo el asunto" El objeto es,

Se partió la columna vertebral, la

representación de la vida y el sexo, así

posiblemente, parte de un

clavícula, varias costillas, se fracturó

como un emblema del embarazo y el

esterilizador de vapor, como los que

una pierna en once lugares distintos y

parto debido a su caparazón protector.

se utilizaban entonces en los

su pelvis quedó tan deforme

En tercer lugar, el caracol actúa como

hospitales. Se trata de una pieza

impidiendo que sus embarazos

un trasunto de la luna por sacar y

mecánica que se utilizaba como tapa

llegaran a desarrollarse normalmente,

meter constantemente la cabeza en el

de cierre para depósitos de gas o de

impidiendo que los bebés se

caparazón, como si se tratase de la

aire comprimido, sirviendo como

desarrollan por completo causando

luna creciente y menguante y del

regulador de presión. Frida Kahlo ha

así abortos naturales que le causaban

efecto que este fenómeno tiene con el

debido encontrar paralelismos,

unas de las depresiones y

c i c l o f é r t i l f e m e n i n o y, e n

durante su estancia en el hospital,

frustraciones más grandes en la vida

consecuencia, con la sexualidad de la

entre este mecanismo de cierre y su

de Frida representando la dañada

mujer.

propia musculatura “defectuosa”, que

estructura ósea que tanto marcara su

El torso femenino de yeso color

le impedía conservar al niño en su

vida y que, finalmente, acabará por ser

salmón, Frida explicó que era su "idea

cuerpo.

la causa de su muerte.

de cómo explicar los adentros de una

Para ella, las máquinas representaban

Esta pintura plasma el dolor

mujer", trayendo a su cuadro esta

mala suerte y dolor para la

impotente de Frida Kahlo, pues uno

imagen como un símbolo de su anhelo

humanidad, pues, sólo eran

de sus sueños más grandes era poder

a un cuerpo normal como el que le

herramientas y causantes de guerras,

dar vida a un hijo de ella y su esposo

enseñaron en esta maqueta médica de

destrucción y más avaricia

Diego Rivera, orillándola a darle más

la zona pélvica de una mujer. Pues con

tecnológica para la humanidad,

vida a sus pinturas como si cada una

esta figura parece que la artista

haciendo olvidar el aspecto humano

de ellas fuera más que una obra, era

reproduce en el espectador las

de amor y convivencia, cosa que en su

como un dar a luz a un nuevo hijo en

explicaciones de sus médicos acerca

vida carecía tanto, a pesar de contar

cada uno de sus cuadros.

de su incapacidad para llevar un

con el apoyo de su familia y esposo,

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insoportable. En el Henry Ford

Sin embargo, puede notarse en esta pintura, su debilidad, su poco énfasis

En Noviembre de 1938, este cuadro se

Hospital está echada sobre una cama

en dar vida a la obra como en la

mostró en la primera exposición de

de proporciones exageradas. La

mayoría de sus pinturas, su cuerpo

Kahlo en solitario en la Galería Julien

diminuta Frida se sentía así de sola y

deforme, y el poco movimiento que la

Levy de Nueva York. Se mostró con el

desubicada en Estados Unidos, como

pintura manifiesta, pareciera que su

título: The Lost Desire (El deseo

una niña perdida en una gigantesca

cuerpo yace muerto con los ojos

perdido). Esta fue la primera pintura

cama.

abiertos, colores y figuras sin

de Frida en metal. Cuando la pintura

expresión más que la indiferencia y

estuvo acabada, Lola Álvarez Bravo

Sin duda alguna esta pintura me

agotamiento de vivir lo mismo una y

la fotografió. Después de ver la

encanta por simple, cruda, y sincera,

otra vez.

fotografía, Frida decidió pintar la cara

creando incomodidad, confusión o

Henry Ford Hospital fue la primera

de nuevo y corregir el nombre del

repudio a quien la mira, pero a mí me

pintura de Kahlo pintado sobre

hospital en el lado de la cama.

causa sensaciones que se que no se acercan en lo más mínimo a la

estaño. Esta pintura contiene todos los elementos básicos de un ex-voto

En sus cuadros norteamericanos

intensidad de lo que Frida Kahlo

(retablo) estilo Frida: pequeño,

destaca la posición de los trasuntos de

sentía mientras la pintaba, o quizá sí,

pintado sobre estaño, muestra un

la autora: en ninguno roza el suelo

la magia del arte es que son

evento trágico y una inscripción. El

como si no quisiera pisar el suelo

radiografías de las almas que tienen

único elemento que no es tan obvio es

urbano por su incapacidad por echar

algo que mostrar, que sacar, que

el Santo o Salvador. En este caso, es el

raíces allí o, al menos, como si la sola

protestar, que revelar, o que ocultar.

hospital Henry Ford el cual salvó su

idea de tomar un contacto más

Finalmente cada quien ve la magia y

vida.

estrecho con ese lugar le fuera

experiencias de sí mismo en el arte.


Cartelera Por Erick Alberto Velasco

“La Décima musa” Esta vez el Centro Cultural Sor Juana Inés de la Cruz, de Nepantla Estado de México, fue protagonista de la una exuberante presentación de obras artísticas, que celebraron este 12 de noviembre el natalicio de la religiosa, poeta y escritura novohispana Sor Juana Inés de la Cruz. Fueron expuestas treinta y cuatro obras consumadas en técnicas que van desde el grafito, óleo, acrílico, collage, serigrafía, mixtas hasta las gráficas intervenidas, todas con un objetivo en particular, recordar a una de las mujeres mexicanas más importantes de nuestro país. Estas obras plasman su visión plástica contemporánea de la primera gran poeta hispanoamericana y una de las figuras literarias hispánicas. Justo en el día en que se celebra su aniversario de natalicio, artistas como Adriano Silva Castañeda, Alfonso Hernández, Blanca Charolet, Carla Zavaleta, Guadalupe Urrutia, Isaac Holoschutz, Javier Padilla, José Luis García, Julio Belmont, Lourdes Arretxea, María de la O Toussaint, Margarita Chacón, Paul Achar, Víctor Peralta, entre otros, rinden un homenaje a la también llamada “Décima musa”. Desde muy pequeña se interesó por aprender e ir a una institución educativa, pero debido a las circunstancias, donde el varón era el unico que podía estudiar y tomar decisiones, se lo impidieron en varias ocasiones, obstáculos que no frenaron los anhelos más profundos de aquella dama .Sus escritos y su literatura se lo avalan. Conmemorar a Sor Juna Inés es un hecho muy sobresaliente ya que ahora ella forma parte de nuestra historia y esencia mexicana. Su existencia demostró que la mujer puede llegar hacer igual que el hombre, dando inicio a la destrucción de un prejuicio que invadía la mentalidad del hombre y en algunos casos de la mujer porque también llego a creer que el mundo funcionaba así. La creencia de la superioridad del varón sin duda alguna siempre ha permanecido en México, a pesar de las décadas que han pasado y las opiniones que hagan surgido. Pero si compramos la forma de pensar de los mexicanos de los años cincuenta con la de hoy, se nota un cambio notorio, un cambio muy agudo. En otras palabras estos prejuicios han perdido dominio y se han debilitado, pero aún subsisten aquí. Inés de la Cruz creo una nueva perspectiva sobre la mujer; una mujer inteligente, audaz y bella, no superior ni inferior, si no igual a todos los demás. Mujer que nos ha enseñado el verdadero valor de cada persona, una lección que debemos poner en práctica cada uno de nosotros como sociedad. La discriminación hacia la mujer es un acto prohibido por las leyes mexicanas, pero siguen siendo innumerables victimas que se presentan día a día, una norma poco efectiva. Personas con tendencias sexuales diferentes, de color, de bajos recursos y las mujeres son las primeras personas que encabezan la lista de discriminación. Solamente los grandes pensadores y pensadoras como es el caso de Sor Juna Inés de la Cruz que han permanecido en nuestro país, nos han ayudado quitarnos la venda de nuestros ojos, para abrir nuestra mentalidad a la realidad y cuestionar todo aquello que sucede, buscando la justicia, el amor y la paz.

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EL EFECTO DE LOS RAYOS GAMMA Teatro Helénico Drama, Contemporáneo Dramaturgia: Paul Zindel. Dirección: Alberto Lomnitz. Elenco: Laura Zapata, Cassandra Ciangherotti y Daniela Lujan. Una obra ganadora del premio Pulitzer y del premio Tony. El efecto de los rayos gamma es una historia llena de dolor, intensidad, belleza y esperanza. Matilde es una niña inteligente y audaz que vive con su madre Beatriz, una mujer alcohólica, amargada, derrotada y cruel pero que al mismo tiempo está desesperada por obtener el amor de sus hijas, sin encontrar una solución, y con su hermana Ruth, una adolescente, extrovertida e inestable que sufre ataques de epilepsia. Una pequeña familia invadida de complicaciones. En medio de todo este caos, la pequeña joven trata de hacer su vida como puede, a pesar de los momentos tristes e impulsivos que presenta, sus deseos de seguir estudiando y creyendo en sí misma no se detienen. Una obra dramática con un elenco muy profesional y una escenografía adaptada al medio donde se desarrolla, nos expone una atractiva historia. Una obra de teatro buena en toda la extensión palabra, valdría la pena asistir y aprovechar esta puesta en escena este mes que estará en función.

MÁS PEQUEÑOS QUE EL GUGGENHEIM Foro Shakespeare Comedia, Contemporáneo Dramaturgia: Alejandro Ricaño Dirección: Alejandro Ricaño Elenco: Adrián Vázquez, Austin Morgan, Hamlet Ramírez y Miguel Corral. La obra Más pequeños que el Guggenheim abarca un rol en particular que es la amistad. Asumiendo una obra teatral simple pero a la vez profunda, transmitiendo un espectáculo humorista e interesante. Cuenta la historia de cuatro amigos desempleados que buscan en el teatro una manera de aliviar su soledad. Al concluir sus estudios de teatro, Sunday y Gorka deciden probar suerte en Europa. Tres meses les bastan para regresar, no volver a hacer teatro y dejar de verse durante diez años. Ahora se han reunido y planean hacer una obra que les devuelva el sentido a sus vidas. A esta tarea se unirán Al, un albino bizco y huérfano; y Jam, el cajero de un minisúper que sueña con ser actor. Función teatral que conlleva polémicas situaciones de amistad pero de una forma muy notable y atractivo dirigidas para todo público tenido como base una muy buena actuación.

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007 OPERACIÓN SKYFALL DIRECTOR: Sam Mendes ACTORES: Daniel Craig , Javier Bárdem , Judi Dench , GÉNERO: Acción CLASIFICACIÓN: B DURACIÓN: 144 min. AÑO: 2012 Una película estrenada hace apenas unas semanas dirigida por Sam Mendes y protagonizada por Daniel Craig. La veintitresava película basada en las misiones de James Bond. Es la tercera en que el actor Daniel Craig interpreta al agente secreto y la primera en la que el español Javier Bardem interpreta al antagonista. La lealtad del agente secreto 007 sigue viva dentro del mundo cineasta, demostrando su increíble talento en contra de sus enemigos obteniendo el papel de héroe de la justicia, como estamos acostumbrados. Inundada de escenas de acción y misterio se desarrolla esta famosa dramatización, haciendo de ella una cinta extremadamente espectacular. Los amantes de la acción ahora se ven satisfechos al volver a observar en las pantallas a James Bond en acción, admiradores que se van acumulando cada vez más por esta película. Indudablemente buena película.

LA VIDA PRECOZ Y BREVE DE SABINA RIVAS DIRECTOR: Luis Mandoki ACTORES: Greisy Mena, Mario Zaragoza , Tenoch Huerta , Joaquín Cosío. GÉNERO: Drama CLASIFICACIÓN: B-15 DURACIÓN: 115 min. Esta vez la pantalla es un testigo más de la vida real que sufren las personas que emigran al país Americano en busca de un sueño. Sabina Rivas protagonista de la historia, emigra de su país en busca de nuevas oportunidades para lograr su meta, ser cantante. Pero su desconocimiento ante lo se iba a encontrar, la hace caer en un entorno lleno de violencia, discriminación y trata de personas. Una película envuelta de una dramatización perfecta que maneja un tema actual que tiene a los políticos aturdidos de los países centroamericanos principalmente, me refiero a la emigración. La desenvuelta de esta buenísima historia nos hace reflexionar sobre alguna parte de la realidad que nunca vemos pero que está ahí, y que ahora fue tomada y llevada hasta nuestra percepción. Hacer conciencia de lo que pasa allá afuera y la efectividad de las políticas de los gobernadores y presidentes, es el mensaje ideal de “la vida precoz y breve de Sabina Rivas.”

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El Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo desde su surgimiento cultural, lo ha caracterizado por preservar, conservar, investigar, exhibir y difundir la vida y obra de Diego Rivera y de Frida Kahlo. En este mes presenta una nueva exposición de arte llamada Xavier Guerrero, De piedra completa 1896- 1974. Un pintor mexicano muralista y grabador. Exposición conformada por noventa y nueva piezas dentro de las cuales se encuentra obra de caballete, ilustraciones y dibujos, así como diseños de su autoría y fotografías de su vida cotidiana. La exhibición del Museo, propone la revisión histórica y estética de sus aportaciones dentro del muralismo en México, en las cuales destacan crónicas clásicas, masónicas y comunistas, entre otras, mediante las cuales establece un orden objetivo para el desarrollo del ser humano. Atracción y admiración son las palabras indicadas que califican las miradas de los espectadores. Exposición que permanecerá hasta el siguiente mes. Dirección: Diego Rivera 2, Esquina con Altavista Col. San Angel Inn C.P. 1060, Delegación Álvaro Obregón Distrito Federal, México

Museo de Arte Uno de los recintos más importante de México, el Museo Nacional de Arte, también conocido como MUNAL, ahora nos presenta una grandiosa e interesante exhibición. La exposición El placer y el orden es traída del museo de Orsay, nos traslada a los siglos XIX y principios del XX, en donde Francia muestra a sus artistas más representativos en la pintura y escultura, entre ellos está Monet, Gauguin, Cézanne, Rodin y Renoir. Se aborda los goces prohibidos y algunos no tan censurados de la sociedad burguesa. Los temas provocan placer, y por consecuencia el orden genera placer. Además podemos apreciar a otros grandes creadores del arte europeo, así también contemplar obras maestras de los siglos XVII y XVIII. Nos traslada al tiempo antaño y nos demuestra un enfoque analista para poder comprender los cambios que quizá llegaron a crear el mundo que hoy conocemos. La exhibición del Museo Nacional del Arte (Munal) estará abierta hasta el 20 de enero, de martes a domingo. La admisión general es de $37.00. Estudiantes, maestros, miembros del INAPAM, ICOM y SEPALO con credencial vigente entrada libre. Domingos entrada libre.

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Kunst  

Arte para todos

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