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EXPEDIENTE

CAPULINA Y EL SISTEMA ENTREVISTA

BELA TARR EL CABALLO DE TURÍN SUPLEMENTO

FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE ACAPULCO ROSTROS

LOS NUEVOS ROSTROS DEL CINE Y TV

CINE TINTIN, COCO E IGOR LA ÚLTIMA MUERTE MIENTRAS DUERMES

SILVERIO

PALACIOS Y LA TRAVESÍA DEL ACORAZADO

TEATRO: APOLOGÍA DE LAS COSAS EXTREMAS / CANTINFLAS: “AHÍ ESTÁ EL DETALLE”


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no.

CONTENIDO {CINE NACIONAL}

LA ÚLTIMA MUERTE LA NUEVA PELÍCULA DE LOS HERMANOS ROVZAR Por JAIME RIVAS

P.

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CINE

{INTERNACIONAL}

COCO E IGOR ARTE Y PASIÓN DESDE LA MIRADA DE JAN KOUNEN

Por SERGIO A. UBALDO S. P 10

{CARTELERA}

MIENTRAS DUERMES 12 MISIÓN IMPOSIBLE 20 LA INVENCIÓN DE HUGO 22 DE SCORSESE {ESPECIAL}

OPERACIÓN REGALO

HUGH LAURIE DEJA A UN LADO LA BATA. Por JESÚS CHAVARRÍA

{ESPECIAL}

BELA TARR

LA MIRADA TRANSGRESORA Este director húngaro abandonó el cine a color, solo filma en blanco y negro y los planes secuencia son su mejor arma. Los diálogos son casi nulos y la música es meticulosamente escogida. Por JULIO LÓPEZ

{EXPEDIENTE}

CAPULINA

REDFORD DETRÁS DEL CONSPIRADOR

2

34

P. 14

ROBERT

Por PALOMA CABRERA

P.

P.18

Y EL SISTEMA ¡A ESTE HOMBRE LE ROBARON! Por GERARDO GIL BALLESTEROS Por Enid de la Parra

P.

58


CONTENIDO

P.

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{ESTRENOS}

TINTIN

STEVEN SPIELBERG ENCUENTRA SU NUEVO HÉROE DE AVENTURAS Y MISTERIO

PORTADA

SILVERIO PALACIOS

PorJESÚS CHAVARRÍA

Y LA TRAVESÍA DEL

ACORAZADO

Por JESÚS CHAVARRÍA CABRERA

P.

39

{PERFILES}

30

LOS NUEVOS ROSTROS

{PERSONAJES}

DEL CINE Y TV Por JAIME RIVAS

KERMIT

UNA RANA EN SUS PROPIAS PALABRAS

-SOPHIE ALEXANDER -MARCO ZAPATA -AUDREY MORENO -ANÍBAL NAVARRO

Por CARLOS RODRÍGUEZ N.

{GANAR-GANAR!}

REGALOS DEL MES

P.

P.

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P.

59 www.stageonemexico.com

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no. Contenido

{HOMENAJE}

MARIO MORENO CANTINFLAS AHÍ ESTÁ EL DETALLE

Por GERARDO GIL BALLESTEROS

{FESTIVALES DE CINE}

P.

66 P.70

MORELIA, “EL PREMIO” CUTOUT, QRO.

P.

SUPLEMENTO FICA

P.

88

75

{TEATRO}

APOLOGÍA

SOBRE LAS COSAS EXTREMAS, DE JAVIER MÁRQUEZ Y SIXTO CASTRO Por LAURA MUÑÓZ

P.

83

{PERSONAJES}

SOFÍA LOREN

LA DIOSA ENCARNADA EN CELULOIDE {MÚSICA}

P. {PERSONAJES}

ALAÍN DELON

UN SEDUCTOR HECHO LEYENDA.

FERNANDO ALLENDE Y “MARÍA” 4

85

P.

86

P.

96

{TEATRO}

LA SANGRE DE LAS PROMESAS

EL DOLOR Y LA ESPERANZA EN LA 6TA MUESTRA DE ARTES ESCÉNICAS

P.

98

Por ERICK SUASTE MOLINA


DIRECTORIO JAIME RIVAS ARENAS

ALDO ORTIZ-REYES

jrivas@stageonemexico.com Director General

agor@stageonemexico.com Director Editorial

OSCAR REYNOSO REYMETH oscar@stageonemexico.com Director Comercial

jchavarria@stageonemexico.com Editor en Jefe

ALEJANDRO CÁRDENAS OCHOA editorial@stageonemexico.com Editor Contenido General

ENID DE LA PARRA enid@stageonemexico.com Editora Especiales

COLABORADORES GERARDO GIL BALLESTEROS MARA ARELLANO ARJONA SERGIO A. UBALDO S. PALOMA CABRERA CARLOS RODRÍGUEZ NAVARRO CARLOS GARCÍA ERICK SUASTE ADRIEL GALICIA JAVIER MÁRQUEZ ROSAURA CERVANTES JUAN CORTÉS RAÚL GARCÍA HERNÁN PANESSI LAURA MUNÓZ

CORRECIÓN DE ESTILO

DPTO. LEGAL MIGUEL A. MARTÍNEZ CUEVAS

JESÚS CHAVARRÍA

HÉCTOR ORTIZ COBOS

FOTOGRAFÍA

ALDO DOWERMAN (AGOR) MICKEY MARTÍNEZ STEVE KAY PAULO VIDALES/ IMAGEN LATENTE REACCIÓN MEDIA

ARTE & DISEÑO ALDO DOWERMAN STUDIO ILUSTRACIONES HERNÁN VIGNA ROBERTO RIVAS

www.stageonemexico.com ESTA REVISTA SE TERMINÓ DE DISEÑAR Y SE PUBLICÓ EL 1 DE DICIEMBRE DE 2011 STAGE ONE DIGITAL SUPPLEMENTAIRE es una publicación de Stage One México y Deja Vu Factory S.A. de C.V. Editores Responsables: Jaime Rivas Arenas y Aldo Ortiz-Reyes. Certificado de reserva otorgado por IDAUTOR 04-2009-070913235400-102. TODOS LOS DERECHOS RESERVADOS. Prohibida la reprodución total o parcial del contenido por cualquier sistema o método sin previa autorización de los editores.

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supplementaire Stage One en constante reinvención como, sus lectores, suma dentro de su familia a StageOne Digital Supplementaire, no sólo una revista

digital, sino todo un suceso cultural a través de la red. Una revista de periodismo narrativo a la vanguardia, evocando el glamour, elegancia, y los placeres del arte y la cultura. Con más de 2 años, haciéndote llegar la información más actualizada y exclusiva en entretenimiento y cultura. Periodismo responsable y transparente. Exponiendo las historias de grandes

personalidades de la cultura y farándula que tienen mucho que contar.

Continuando con la labor cómplice que Stage One tiene con la industria del entretenimiento y sus espectadores, nos renovamos y nos mantenemos la vanguardia en esta era digital, lanzando online nuestro nuevo suplemento digital, el cuál es distribuido por

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Comprometidos con el arte y la cultura de México e Iberoamérica, pero sobre todo con los que hacen de éstas experiencias narraciones extraordinarias dignas de contarse al mundo.

Stage One converge a los protagonistas, sus historias y a los espectadores en un solo lugar. LOS EDITORES

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REGALOS

DEL MES PARTICIPA Y GANA CON STAGE ONE

Tenemos muchos regalos para ti, solo entra a nuestra página de facebook y participa. BLUE-RAY DISC

CABO DE

MIEDO

Max Cady (de Niro), un delincuente que acaba de salir de prisión tras catorce años de reclusión, busca a a su abogado Sam Bowden (Nolte), para vengarse de él, pues considera que no se esforzó lo suficiente en su defensa. La presión que Max ejerce sobre la familia de Sam es cada vez más intensa y amenazadora. Remake del filme de J. Lee Thompson “El cabo del terror”, de 1962. cortesía universal

BLUE-RAY DISC

loco y estúpido

PROMOCIONES

amor

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cortesía warner A los cuarenta y pico, el conservador Cal Weaver (Steve Carell) está viviendo el gran sueño—un buen trabajo, una linda casa, unos hijos encantadores y está casado con su amor de la secundaria. Sin embargo, cuando Cal se entera de que su esposa, Emily (Julianne Moore), lo ha engañado y le pide el divorcio, su vida “perfecta” se desmorona rápidamente. Lo que es peor, en el mundo de los solteros de hoy, Cal, quien hace décadas que no sale con una chica, es el arquetipo de la torpeza.

invitaciones BANDASONORAS: CINE MUDO A RITMO DE ROCK

el gabinete del

dr. caligari

Proyección en la Cineteca Nacional musicalizada en vivo por la banda de Rock Cabezas de Cera. Sábado 3 de diciembre a las 17:00 y 20:30 hrs en la sala 3 “Fernando de Fuentes”.


primera temporada completa en DVD

héroes del

norte

Una de las series mexicanas más desfachatadas y divertidas del momento. La trama gira alrededor de los integrantes de una peculiar banda que, de la noche a la mañana, se convierte en un fenómeno de la música grupera. El castig es uno de sus principales aciertos, además de que juega con descaro, con los estereotipos. cortesía zima

cortesías

Invitaciones a la extensión en la ciudad de México, del Festival Internacional de Cine de Morelia, con una selección de lo más destacado.

premiere

robo en las

alturas

Desde hace una década, Josh Kovacs (Ben Stiller), oriundo de Queens, es el encargado de uno de los edificios más lujosos y seguros de Nueva York. Nada ocurre sin que se dé cuenta. Pero en el piso más ostentoso de todo el edificio, Arthur Shaw (Alan Alda), uno de los titanes de Wall Street, está bajo arresto domiciliario por haber robado dos mil millones de dólares a los inversores. ¿Y a quién ha hecho más daño? Al personal del edificio que le confió su fondo de pensiones. Solo faltan unos días para que Arthur se salga con la suya, Josh y su gente recurren a Slide (Eddy Murphy), un ladrón de poca monta, para organizar lo imposible… robar lo que están convencidos que Arthur esconde en su lujoso piso. A pesar de ser unos ladrones aficionados, conocen el edificio como nadie y llevan años preparando el golpe sin saberlo cortesía zima

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Promociones válidas hasta agotar existencias.

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CINE INTERNACIONAL

{INTERNACIONAL}

COCO E IGOR,

ARTE Y PASIÓN Coco Chanel desde la mirada de Jan Kounen

Por Sergio A. Ubaldo S.

Reconocido por filmes como Dobermann o Blueberry, el holandés Jan Kounen vislumbra un filme que parte del encuentro de dos genios del siglo XX, Coco Chanel e Igor Stravinsky 10


S

Si algo hay que reconocer al director Kounen es su valor por salir de la zona de confort. A diferencia de sus otros filmes, el realizador se interna en otro ritmo narrativo, más lento y lejos de la vorágine experimental que en los años noventa le diera cierto prestigio. Ni thriller o aventura, un drama con tintes históricos, un relato pasional y hasta en cierto sentido amargo. De la euforia a la calma, Kounen toma el texto homónimo de Chris Greenhalgh (quien adapta su obra para el filme) para recrear el momento creativo más importante para dos figuras de la cultura del siglo XX: Coco Chanel, el icono de la moda, e Igor Stravinsky, uno de los músicos más virtuosos del siglo pasado. Más allá de las típicas comedias románticas, Kounen opta por el trabajo en escena y el

perfil de los personajes para construir un retrato de pasión, pero también de emociones contenidas. Una comedia antiromántica, como la llamaría el propio realizador. Coco e Igor (2009) es en suma un compás de encuentros y desencuentros, cuando en mayo de 1913 la diseñadora (Anna Mouglalis) conoce al músico ruso (Mads Mikkelsen) en uno de los momentos más difíciles cuando es abucheado al presentar una primera versión de La Consagración de Primavera. Años después, en 1920, el destino vuelve a unirlos para ambos curar sus demonios emocionales en la legendaria casa de campo de la modista.

¿EL ROMANCE HUELE A CHANEL?

la creación del mítico perfume Chanel No. 5 y el resultado final La Consagración de Primavera, al paso del tiempo la obra maestra del músico. Al final el cineasta divide a los espectadores y habrá quien se apasione por este romance, el cual aún tiene cierta fama de rumor, más que de secreto a voces. Un buen diseño de producción le da al filme cierta belleza, basta con recordar la escena del Théatre des Champs-Elysées realizada durante tres días y con cerca de mil extras. No obstante, el filme es una buena opción para los amantes de los amores tormentosos o esos románticos por el amor a la creación. coco e igor

La genialidad y el talento son los vehículos principales de la cinta, ésta a su vez da paso a grandes pasajes en la historia de los personajes, como

Francia, 2009 Dirección: Jan Kounen Elenco: Anna Mouglalis, Mads Mikkelsen, Elena Morozova, Natasha Lindinger, Grigori Manoukov. Guión: Chris Greenhalgh, basado en su novela homónima Duración: 119 min.

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CINE INTERNACIONAL

{INTERNACIONAL}

MIENTRAS DUERMES,

EL TERROR EN LO COTODIANO Por PALOMA CABRERA

En los últimos años el director catalán Jaume Balagueró, -encargado de obras como REC (2007) y REC 2 (2009)- ha ido distinguiéndose por hacer thrillers psicológicos de gran éxito en taquilla; ahora continua con el mismo género y estrena una nueva película en dónde logra que personas y lugares aparentemente normales, comunes y corrientes se transformen en escalofriantes escenarios con una historia bien contada que lo soporte.

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entro de las claves para tener un excelente villano es lograr que el público sienta empatía por él. Esto se ha visto en grandes obras como Psycho (1960) con el trastornado Norman Bates, o con Alex Delarge de A Clockwork Orange (1971). Guardando las distancias, Jaume Balagueró alcanza esta empatía con Cesar, un portero de un edificio que va inmiscuyéndose en la vida de los inquilinos y que es interpretado por Luis Tosar. Conforme avanza la cinta, al espectador se convierte en su cómplice, creando una estrecha relación con un hombre que espera tranquilamente desde debajo de la cama de su víctima.

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MIENTRAS DUERMES España, 2011 Dirección: Jaume Balagueró Elenco: Luis Tosar, Alberto San Juan, Marta Etura, Petra Martínez, Tony Corvillo, Iris Almeida.


En principio, Cesar es atento y servicial, una persona aparentemente normal, pero en realidad oculta a un sujeto atormentado por su incapacidad de sentir felicidad, alguien que sólo se encuentra en paz torturando en silencio a los demás. Es un villano multidimensional, no un loco de caricatura, y conforme avanza la película se va teniendo una perspectiva más amplia de el, por lo que los cuartos oscuros, los pasillos que rechinan y demás efectismos que pudieran ser obvios, pasan a segundo término, lo cual se agradece.

EL TERROR EN LOS LUGARES MÁS ORDINARIOS Otro acierto de la película es que la situación de terror ocurre en lo más cotidiano y aparentemente seguro que se tiene: la propia casa, el lugar donde se vive. Saber que no se está seguro ni en la habitación donde se duerme provoca que se enchine la piel y mantiene al espectador al borde de la butaca. Mientras duermes se lleva acabo en el lobby y el apartamento 3º A de un edificio, no necesita más. Se enfoca en

desarrollar al personaje principal y contar una buena historia de suspenso con atmósferas agobiantes y encerradas, las cuales son una constante en la cinta. Hay que mencionar que la película también tiene sus fallas y aunque Luis Tosar actúa bastante bien, los demás actores no encuentran su lugar. Marta Etura se vuelve casi inverosímil y prácticamente de “relleno”; al mismo tiempo las otras líneas argumentales no quedan muy claras y se vuelven irrelevantes cuando pudieron haber sido mejor explotadas. Con todo y sus fallas Balagueró logra aquí su mejor cinta hasta la fecha, con una historia que no deja espacio para respirar, que se apoya en su personaje principal y su enferma conducta, dejando esos famosos “giros inesperados” en la trama, que para estas alturas ya están bastante masticados. Jaume Balagueró va creciendo, habrá que estar atentos a su próximo filme el siguiente año, al mismo tiempo el cine español sigue mandando señales que está presente a nivel internacional gracias a su calidad.

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CINE INTERNACIONAL

{INTERNACIONAL}

OPERACIÓN

REGALO ES LA NAVIDAD DE ARTHUR

Por Jesús Chavarría

Esta vez los efectos digitales y el 3D son parte de la propuesta, sin embargo, los estudios Aardman vuelven a demostrar que nada de eso tiene importancia, si no está al servicio de una buena historia.

Luego de ganarse un lugar

en el corazón del público, gracias a las simpáticas aventuras de los célebres “Wallace y Gromit”, los estudios fundados por Peter Lord y David Sproxton, regresan con lo que quizás sea el estreno por excelencia de esta navidad. Reservándose solo el papel de productores, y prescindiendo esta vez de Nick Park, quien fuera el creador de sus dos personajes más famosos, la dirección corre por cuenta de la debutante

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Sarah Smith. Esto no va en detrimento del producto, que sin embargo si se aleja un poco de aquello que les hiciera celebres y ésta manufacturado por completo en animación digital. Muy en el estilo de Lo que el agua se llevó (David Bowers y Sam Fell, 2006), cinta realizada en sociedad con Dreamworks, no por nada esta vez la coproducción es con Sony Pictures Animation. Así que el encanto artesanal del Stop motión no está presente, aunque los diseños de los personajes recuerdan en mucho al de otras de las cintas de Aardman, como “La batalla de los vegetales”(Nick Park y Steve Box, 2005) y “Pollitos en Fuga” (Nick Park, 2000).


LA BRECHA GENERACIONAL DE SANTA En Arthur Christmas, el concepto visual no resulta realmente innovador o sorprendente, pero funciona a la perfección para contar este nuevo acercamiento a una de las figuras más representativas de la navidad. Aquí, Santa se presenta como una especie de dinastía, un cargo que va pasando de generación en generación, quienes se encargan de mantener viva la fe de los niños del mundo, entregándoles regalos cada año. Claro que con el paso del tiempo las cosas han cambiado y ahora la tecnología de punta se ha vuelto sumamente importante para llevar a cabo esta tarea. Es

un pequeño descuido el que hace que los métodos sean cuestionados y se revalore la tradición, enfrentando tres generaciones de Santas. Es cierto, de inicio la cinta pareciera decir que lo importante son los obsequios, ya que el conflicto principal se desata cuando uno de los niños no recibe su respectivo presente, pero conforme avanza la trama se devela que lo verdaderamente vital, es la ilusión y los sentimientos. Se trata pues de una historia con alma, personajes no precisamente carismáticos pero si entrañables, que se ven enriquecidos por los actores encargados de prestarles sus voces.

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UN DOCTOR MUY ANIMADO En la versión en inglés, Hug Laurie interpreta a Steve, aspirante a convertirse en Santa. El es recordado por cintas como “Stuart Little” (Rob Minkoff, 1999) y la serie de televisión Dr. House, además de que ya tiene experiencia con producciones animadas, hizo la voz de Doctor Cucaracha, en “Monsters vs Aliens” (Rob Letterman y Conrad Vernon, 2009). El papel protagonista le corresponde a James McAvoy, quien recientemente hizo de Charles Xavier en “X-Men: Primera generación” (Matthew Vaughn, 2011). La manufactura de Arthur Christmas inició en los estudios Aardman en Bristol, Inglaterra, con un equipo de casi setenta personas, incluyendo varios artistas de Sony Pictures Animation y Sony Pictures Imageworks. Luego se trasladaron a Culver City, California. Ahí se le dio el terminado al diseño de personajes, entre ellos a cientos de elfos especializados para cumplir distintas funciones a la hora de la en-

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trega de regalos. También se hicieron los escenarios, incluyendo la gigantesca base en el Polo Norte. Además del impresionante S-1, un vehículo que según la cinta, es capaz de cubrir a una ciudad, de viajar a 8.4 veces más rápido que la velocidad de la luz y que ha pasado a sustituir el viejo trineo de santa con todo y sus renos voladores. En fin, se trata de un trabajo técnico colosal y hecho a detalle. Pero si algo se va a recordar de esta cinta es el mensaje positivo que ofrece, envuelto en una historia animada que resulta emocionante y divertida. Amén de que se permite desarrollar a distintos niveles, un discurso reflexivo sobre la relación padre e hijo y la dependencia indiscriminada de los avances tecnológicos.


OPERACIÓN REGALO Inglaterra, Estados Unidos/ 2011 Título original: Arthur Christmas Dirección: Sarah Smith Reparto: James McAvoy, Hugh Laurie, Bill Nighy, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Ashley Jensen

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{INTERNACIONAL}

DETRÁS DEL

CONSPIRADOR EL LEGENDARIO ROBERT Por PALOMA CABRERA

Llega a México un poco tarde y con críticas mixtas, la última película de Robert Redford, la cual se estrenó el año pasado en el Festival Internacional de Cine de Toronto en Estados Unidos.

Robert Redford

es actor y director, ganador de premios Óscar y Golden Globe con una extensa y cotizada carrera de Hollywood. También trabajo en Broadway y televisión en series como “Alfred Hitchcock Presents” o “Twilight Zone”. Debuto como actor de cine en 1962 en la película “War Hunt,” posteriormente realizo varios papeles secundarios sin ningún éxito. El reconocimiento mundial vendría hasta 1967 con la película Barefoot in the Park compartiendo créditos con ese otro símbolo sexual del cine, Jane Fonda. A continuación vendrían varias películas que lo consolidarían como actor de

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prestigio, compartiendo pantalla con las mejores estrellas, esto inevitablemente lo catapultaría a la élite Hollywoodense. La primera sería “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (1969) junto a Paul Newman, después “The Hot Rock”(1972), “The Way We Are” (1973), “The Sting” (1973) con quién recibió su primera nominación como actor principal. En 1976 actuó en la exitosa “All The President’s Man” que toca el caso Watergate, la película consiguió seis nominaciones a los Óscar, incluida la de mejor película. En los 80 destaca “Out Of Africa” (1985) con Meryl Streep que cosechó siete premios de La Academia.


TRABAJOS COMO DIRECTOR Y EL FESTIVAL SUNDANCE

EL CONSPIRADOR Estados Unidos, 2010 Título Original: The Conspirator Director: Robert Redford Reparto: James McAvoy, Robin Wright, Justin Long , Tom Wilkinson, Evan Rachel Wood, Kevin Kline, Alexis Bledel, Toby Kebbell.

Como director Robert Redford tiene una trayectoria que contiene varias películas que han merecido el reconocimiento de la crítica y del público como “Ordinary People” (1980) con la que obtuvo su nominación como mejor director y mejor película. Al mismo tiempo Redford creó en 1980 un lugar de enseñanza para jóvenes cineastas, el Instituto Sundance, en Utah. Ahí se le pagan los gastos durante cuatro semanas a nuevas promesas proporcionando profesores, material y asesoramiento. Este comenzó a tener mucha exposición por los trabajos de alta calidad presentados, y lo que empezó siendo solo para los estudiantes, hoy se ha convertido en el festival de cine independiente más importante del mundo. El Festival de Cine de Sundance se celebra desde 1983

en el Park City, Utah, tomando el nombre de la película que protagonizara en el 69 con Paul Newman: “The Sundace Kid”. Con sus 74 años Robert Redford parece no buscar descanso ni dejar la silla de director. Sin duda se ha ganado a pulso un lugar importante dentro de la cinematografía de su país y mundial con sus grandes contribuciones en varias áreas.

LA DE ESTRENO

“The Conspirator” cuenta la historia de Mary Surratt, la única conspiradora mujer acusada por el asesinato de Abraham Lincoln y la primera mujer en ser ejecutada en Estados Unidos. La cinta es protagonizada por James McAvoy (X-Men: First Class20, 2011) y cuenta con un reparto que va desde Robin Wright (The Private Lives of Pippa Lee, 2009), Evan Rachel Wood (El luchador, 2009) al veterano y extraordinario actor Kevin Kline (El último show, 2006).

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LA MISIÓN

IMPOSIBLE DE TOMÁS

Por CARLOS RODRÍGUEZ NAVARRO

TOM CRUISE

lo dejó muy claro en “Magnolia: Respect the cock”, como una advertencia ante la masculinidad cliché que estaba por caer como rana del cielo, en la película de Paul Thomas Anderson. Ese es uno de los grandes momentos de Cruise, como súperestrella que decide hacer una película ‘intima’, ‘comprometida’, adjetivos novedosos para hombres que con su rostro forraron millones de libretas de admiradoras noventeras de todo el mundo. Su famoso baile, homoerotismo en ropa interior y calcetas deportivas, en “Negocios

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riesgosos o su gesto simétrico mientras suena “Take My Breath Away” solamente son estampas de un actor capaz de ser un asesino con Michael Mann en una ciudad sucia y peligrosa, Los Ángeles, en “Colateral”o un médico lleno de derivas y agujeros en “Ojos bien cerrados” bajo la dirección de Stanley Kubrick. “Misión Imposible” es el vehículo de una estrella, también actor, que busca sorprender al espectador a pesar de héroes de acción más recientes cono Matt Damon o Jeremmy Renner, quien lo acompaña en la cuarta entrega de la saga.


MISIÓN IMPOSIBLE: PROTOCOLO FANTASMA Estados Unidos, 2011 Título original: Mission: Impossible, Ghost Protocol Reparto: Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton, Simon Pegg, Josh Holloway, Michael Nyqvist y Léa Seydoux.

“Misión imposible: Protocolo fantasma” lo lleva a Dubai, al paraíso de los espejismos, la irrealidad y los millones en medio del desierto y el mar, algo que Cruise conoce bien por su perecido con Hollywood.

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{INTERNACIONAL}

LA INVENCIÓN DE HUGO

SCORSESE SE REINVENTA Por SERGIO A. UBALDO S.

Con varias décadas de quehacer cinematográfico a cuestas, Scorsese se interna en un género inédito en su filmografía y la seducción los universos casi ilimitados

Desde sus primeros cortos realizados a final de años

los cincuenta y en el inicio de los sesenta, Martín Scorsese ha demostrado su versatilidad para ir de un género a otro sin menoscabo. Desde su primer filme, el drama urbano “Who’s That Knocking at My Door” (1967), su paso por el documental y hasta su primera gran película “Mean Streets” (1973), el realizador italo-americano ha demostrado no temer a los saltos al vacío o en redescubrir momentos y

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espacios. Es cierto, ya no parte de de la melancolía y del punto de quiebre emocional de una Ellen Burstyn en “Alice Doesn’t Live Here Anymore” (1974). Tampoco gravita en enfoque visceral de “Taxi Driver” (1976), logrado por el guión de Paul Schrader y la fiereza de un Robert De Niro. Desde hace algunos años, quizá unas décadas el mismo Scorsese no afronta sus nostalgias del mismo modo, como lo hiciera en el memorable documental “The Last Waltz” (1978), ni siquiera en su añoranza del cine negro en Toro Salvaje (1980), con un Robert De Niro de nuevo en plan grande. A través de su carrera Scorsese se transforma, reelabora su visión sobre el cine. Surca de manera decorosa la comedia; es capaz de instalarse en el thriller con El color del dinero (1986); desatar la polémica con “La tentación de Cristo”(1988); y revelar de mane apoteósica el mundo del hampa al tomar como vehículo a “Buenos muchachos” (1990). Después de la incursión en los bajos

fondos y la revisión al film noir, la propuesta del gran Martin se ha vuelto menos aguda. Entre el remake, las adaptaciones literarias, las superproducciones y hasta la apuesta difícil por un híbrido drama, este genio del cine ya no tiene mucho que perder ni algo que demostrar. De ahí sus incursiones lo mismo en el cine biográfico, la recreación literaria, la añoranza por el “rockumental” (Boy Dylan, George Harrison y Rolling Stones), el cine gangsteril y el elaborado thriller psicológico. Con “La invención de Hugo” (2011), Scorsese manifiesta que es capaz de reinventarse, de conformar su propia visión sobre un género en particular.

UN NUEVO RETO

El cine infantil significa para el veterano cineasta el reto de conmover a un público de todas edades. El director apuesta no sólo por la novela ilustrada de Brian Selznick, sino a su vez por su quehacer cinematográfico; sus referencias; su panorama general del mundo del cine. De ahí el

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punto de partida de la adaptación del texto de John Logan, con George Méliès –el mago del séptimo arte- como protagonista y una imaginaria estrambótica como el espacio primordial. El diseño de producción de Dante Ferreti sustenta el universo onírico recreado por el realizador, digno incluso de la estética Méliès, que si bien es cierto para este tiempo parece rudimentaria, hoy también resulta fascinante. La cinta aborda la historia de Hugo (Asa Butterfield), un pequeño huérfano de no muy buena reputación, quien vive en una pintoresca estación de ferrocarriles parisina. Relojero y ladrón, Hugo sobrevive al destino, el cual un día le enfrenta con Isabelle (Chloe Grace Moretz), una excéntrica chica, y Georges Méliès (Ben Kingsley), un jugue-

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tero receloso y amargado. Ambos personajes descubren sus fechorías, y a partir de tal evento el filme da un giro. Una serie de elementos da pie a una serie de sucesos representados por elementos y claves mágicas, capaces de revelar la verdadera naturaleza de Hugo y su misterioso origen. Con la novela como cómplice, Scorsese da pie a una serie de homenajes, los cuales parten del hábil manejo de los personajes como el antagonista, un inspector de trenes (Sacha Baron Cohen), ávido lector de los primeros cómics, esos que dotaron de ideas al cine de acción silente. Al mismo tiempo destaca la alusión a esos primero maestros (los hermanos Lumierè, Abel Gance y por supuesto Méliès) de la historia cinematográfica.


YA NO ES EL DE ANTES PERO…

la invención de hugo Estados Unidos, 2011 Dirección: Martin Scorsese Guión: Jonh Logan Elenco: Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Asa Butterfield, Chloe Grace Moretz, Ray Winstone, Emily Mortimer, Christopher Lee y Jude Law.

La invención de Hugo logra consolidar una cinta de gran factura visual y narrativa, gracias a la eficaz lente de Robert Richardson y también a la espectacularidad de formatos como el CG o el 3D. La visión de Martin Scorsese ya no es tan aguda o visceral, ni siquiera proclive a perturbar las buenas conciencias. Sin embargo, ésta no ha dejado de tener la sustancia y el oficio de artesano del cine, capaz de elaborar episodios por demás entrañables, fiel testigo de un cine que en medio siglo se ha revolucionado.

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TINTIN,

SPIELBERG ENCUENTRA SU NUEVO HÉROE DE AVENTURAS Y MISTERIO Por JESÚS CHAVARRÍA

Fue en 1981, que Steven Spielberg estrenó la primera entrega de una saga que marcaría generaciones y se convertiría en sinónimo de aventura en las pantallas de todo el mundo. Indiana Jones y los cazadores del arca pérdida fue un éxito rotundo. En ese entonces alguien se acercó al conocido Rey Midas de Hollywood y le comentó las similitudes entre su película y una célebre historieta. Al conocerla, le gustó tanto que decidió llevarle a la pantalla grande. Después de tres décadas, eso es una realidad.

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EN LAS MANOS ADECUADAS

Publicado en 1929, Las Aventuras de Tintín es una historieta que ha logrado mantenerse vigente por más de 80 años. Esto a pesar de que su creador dejó indicaciones precisas de que tras su muerte no se continuara con el personaje, además de que el concepto en diversas ocasiones fue catalogado de misógino e incluso de comulgar con los ideales nazis. Basta analizarle un poco, para darse cuenta que la creación de Georges Prosper Remi “Herge”, está profundamente ligada a su contexto y es lógico que evidencie los rasgos que caracterizaban gran parte de la sociedad en que fue concebido. Pero más allá de las aseveraciones simplistas de sus detractores, se trata de un divertido reflejo de la realidad. Cada episodio se ubica en distintas partes del mundo y sigue los pasos de un joven e intrépido periodista sumergido en tramas tan bien documentadas, que de pronto parecieran una especie de compendio histórico. Es por estas razones que no debe de extrañarnos que alguien como Steven Spielberg terminara por querer hacerlo suyo y llevarlo a la pantalla grande.

Por otro parte, las similitudes entre los conceptos de Tintin e Indiana Jones resultan evidentes. Ambos desarrollan atmosferas de misterio alrededor del protagonista, planteado como un explorador que siguiendo una serie de pistas, va en busca de reliquias y tesoros perdidos en la leyenda. El primero, bien podría ser la versión joven del segundo, ambos son temerarios, agudos y con un gran sentido práctico. Es así como pareciera interpretarlo el realizador norteamericano, quien con la adaptación fílmica de Las Aventuras de Titin: el secreto del unicornio, nos presenta una especie de “Indi” rejuvenecido, menos terco y mucho más disciplinado, aunque sin la ironía que hiciera celebre al personaje interpretado por Harrison Ford, ni ese tufo a sensualidad que impregnaba todas sus peripecias. A pesar de eso el humor sigue estando presente, eso sí, mucho más matizado y sutil. No hay demasiados rodeos en la trama, las cosas pasan rápido y atrapan con facilidad al espectador, para que al identificarse con el protagonista que es todo un “boy sacout”, recuerde como de niño se dejaba sorprender por historias de piratas y barcos en llamas, llenas de personajes exóticos.

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CINE INTERNACIONAL

LAS AVENTURAS DE TINTIN, EL SECRETO DEL UNICORNIO EU/Nueva Zelanda/Bélgica, 2011 Dirección: Steven Spielberg Reparto: Jamie Bell, Andy Serkis, Simon Pegg, Nick Frost, Daniel Craig Guion: Joe Cornish, Steven Moffat, Edgar Wright

Se trata pues del nuevo juguete de aventuras de Spielberg, que si algo sabe hacer es construir entrañables y divertidos vehículos de entretenimiento, y esta no es la excepción. Aunque la palabra clave aquí es espectacularidad.

DESPUÉS DE 80 AÑOS SE VE MEJOR QUE NUNCA Logrando lo que Robert Zemeckis ha estado buscando durante mucho tiempo, con fallidas películas como Bewolf (Estados Unidos,2007) Steven Spielberg decidió hacer esta película en animación, usando la técnica de captura de movimiento. Solo que al contrario a los afanes del arriba mencionado, en lugar de revestir los rasgos de los actores a través del 3d, más bien los actores le aportan su humanidad a los rasgos propios de les personajes originales. Así, a la hora de ver a Tintín, su perro Milú, el Capitán Haddock y compañía, estos siguen siendo los mismos de las historietas, pero con texturas y movimientos sumamente realistas. Mención aparte merece la forma en que para hacer los fondos, partieron de las ilustraciones originales, sumamente sencillas,

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para entregar secuencias espectaculares de avionetas surcando cielos profundos, batallas en océanos brillantes, persecuciones en desiertos interminables y mucho más. Sin duda una de las principales virtudes de esta cinta, es la forma en que los diseños provenientes de las viñetas son llevados a niveles insospechados. Basta mencionar que en uno de los sets se montaron unas 100 cámaras para capturar en 360º y trasladar esos datos en un espacio tridimensional. Claro que en todo esto tiene que ver, que para darle réplica en la producción al famoso “Rey Midas de Hoollywood”, esta otro gigante de las épicas cinematográficas, el mismísimo Peter Jackson. El otrora director de la trilogía filmica de El Señor de los Anillos (Nueva Zelanda, 2001, 2002, 2003), al frente de su compañía Weta Digital, se hizo cargo de los efectos especiales, lo cual explica el porqué de la impresionante manufactura de lo que es la gran apuesta para este fin de año por parte de Sony Pictures. La inclusión de Jackson también redundo en la participación de uno de sus incondicionales, Andy Serkis,


quien se hiciera cargo de aportar los movimientos para Gollum/Smeagol en la ya mencionada adaptación de los textos de Tolkien, además de al simio protagonista de la última versión de King Kong (Nueva Zelanda/ Estados Unidos, 2005). Esta vez el actor interpreta al Capitán Haddock. Y bueno, si uno trajo a su gente, el otro también, así que Spielberg encargó el apartado musical al ya legendario John Williams, conjuntando de esta forma a un equipo creativo de gran envergadura. En cuanto a elenco, para hacerse cargo del papel del protagonista el elegido fue Jamie Bell, quien se hiciera famoso por aquella cinta llamada Billy Elliot (Reino Unido, 2000) y cuya filmografía también incluye Dear Wendy (Dinamarca/Francia, 2005), dirigida por Thomas Vinterberg. En el resto del reparto destaca la participación de la pareja de británicos formada por Simon Pegg y Nick Frost, conocidos por cintas de humor irreverente como Shaun of the Dead (Reino Unido /Francia, 2004) y Paul (Reino Unido /Estados Unidos, 2011). Ellos aquí se hacen con los papeles de los torpes Hernández y Fernández. Por cierto, el actor tras el villano es el último de los James Bond, Daniel Craig. Con todo lo anterior, las expectativas alrededor de esta cinta han sido grandes desde un principio y lo que podemos decir es que responde

a ellas y con creces. Se trata de una espectacular bocanada de aire fresco para el género de aventura en el cine, con un leve sabor a clásico. Pese a que los personajes no terminan de ser realmente entrañables, logran conectar con el público gracias a lo bien estructurado de una historia que resulta emocionante, explosiva y llena de misterio. Amén de que la propuesta visual es redonda en prácticamente todos los sentidos. Se trata del impresionante inicio de una franquicia cuya siguiente entrega se planea sea dirigida por el mismo Peter Jackson. Habrá que esperar a ver que es lo que dice el público.

Y TODO EL ASUNTO VA DE El guión de esta primer gran superproducción de las aventuras de Tintin, porque es importante mencionar que no es la primera vez que llega al cine; contrario a su titulo no solo adapta El secreto del unicornio, también toma parte de la trama de El cangrejo de las pinzas de oro. Aquí, el joven periodista, descubre en la maqueta de un galeón antiguo, un secreto que le relaciona con el tesoro de un pirata llamado Rackham el Rojo. Esto le llevará, a recorrer medio mundo junto con su amigo el Capitán Haddock y su inseparable mascota Milú, poniendo a prueba su inteligencia y su valor.

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PERSONAJES/PERFILES

“Disfruto mucho estar acá, claro que con la dosis de cafeína necesaria, por que trabajar en el cine y hacer la promoción es algo cansado, quizá es lo más duro de esta actividad. No me quejo, en México he encontrado comida excepcional muchos insectos, mmm…ese mosquito que vuela sobre mí me pone muy nervioso… ¡creo que ya me dio hambre!” 30


KERMIT

L

UNA RANA EN SUS PROPIAS PALABRAS Por Carlos Rodríguez Navarro

a nueva cinta de los Muppets ha tenido un éxito increíble y ha vuelto a poner en medio de los reflectores, a la otra Rana Rene –hoy definitivamente Kermitquien se dio una vuelta por nuestro país. Estos son algunos de los comentarios que nos hizo.

“Trabajar de nuevo con el team original fue una gran experiencia, hay muchos buenos momentos, hay musicales, canto “Rainbow Connection”, pieza a la que me siento muy ligado, por que encuentras algo en ella realmente maravilloso, es como decir “si miras bien encontrarás lo que buscas”; justamente hay un Muppet nuevo, Watter, que descubre, que halla su talento al lado de Gonzo, Fozzie, Animal, Miss Piggy, en fin, todos los compañeros, a los que nos reúne. Pero también hubo que bailar “Si, hay mucho baile, esa parte fue muy buena, peligrosa, porque no soy muy grande y cuando compartía coreografías con Jason Segel, que escribió el guión y actúa en a película, me daba un poco de miedo, ¡no quería ser aplastado y terminar como una mancha en medio de la calle, él es muy alto! Afortunadamente todo salió bien.” Y sobre los invitados “Me han preguntado mucho sobre los cameos en la película, la verdad es que se grabaron muchos más, pero no todos quedaron en la versión final, “miren, no les puedo contestar esa pregunta”, les digo a las personas que querían ver a las grandes estrellas que participaron en nuestro show que comenzó hace casi cuarenta años.” Kermit ya no es Rene “Hablando de viejos tiempos, creo que ya todos saben la historia de mi nombre, yo puedo ser Kermit, the frog, o Kermit, la rana, o simplemente René, ese quizá es mi sobrenombre, para mí está bien, ¿eh?, no tengo ningún problema con ello.” Un anfibio y su futuro “No sé muy bien que vaya a ocurrir después del lanzamiento de la película, si es que habrá más, claro que quiero volver a filmar, la ventaja es que yo soy un ser real, que se encuentra en este bello jardín, en el que abundan mosquitos y tengo un estanque frente a mí, no soy Shrek, así que puedo tomarme un tiempo y recibir propuestas.” Humor de rana “Creo que mi siguiente pasó será incursionar en el hip-hop, lo digo por aquello del hop (salto en inglés) y como soy una rana, pues ya sabes”

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CINE NACIONAL {THRILLER}

LA ÚLTIMA,

MUERTE LA NUEVA PELÍCULA DE

LOS HERMANOS ROVZAR Por JAIME RIVAS

Ante la amenaza de una tormenta, Jaime se resguarda en su cabaña cuando descubre a un joven malherido e inconsciente, al internarlo en un hospital, se dan cuenta de que el muchacho sufre amnesia y que su identidad no existe según el Banco Mundial de Información Personal. Esto alerta a las autoridades quienes de inmediato empiezan a perseguirlos, Jaime intenta ayudar al joven a investigar quien es pero pronto descubren que están siendo acechados por agentes federales quienes parecen estar decididos a capturarlos.

EL ELENCO

de la cinta está integrado por un equipo de actores jóvenes y otros veteranos que hacen una mezcla interesante de actuaciones e imprimiéndole a cada uno de los engranes de la trama una fuerte carga emocional que te mantienen atento a la historia. Encabezado por Kuno Becker y Álvaro Guerrero, Claudette Maillé, Carlos Bracho, Alexandra de la Mora, Kendra y Siouzanna Mellikian, así como la presencia internacional de Manolo Cardona (Colombiano) y Carlos Kaspar (Argentino).

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Desarrollado el guión de esta película “Letxe” buscó una casa productora que tuviera la capacidad y los medios para llevar a cabo esta historia a la pantalla grande y así es como Lemon Films le apuesta caracterizándose por mantener siempre la calidad de la manufactura de sus producciones para lograr estar en el gusto del público. Al encontrarse los talentos de “Letxe” y el equipo de Lemon Films se pudo levantar este ambicioso proyecto que fue filmado durante 8 semanas en la Ciudad


de México y Buenos Aires Argentina en formato de 35 mm, bajo la producción de Fernando- Billy Rovzar y Alexis Fridman Para crear el ambiente tecnológico que la historia requería, fueron necesarios los servicios de FXSHOP quienes se especializan en efectos digitales (Salvando al Soldado Pérez, Navidad S.A., Kilometro 31), así como también del trabajo en set de Alejandro Vázquez (efectos) y Julián Bucio (Stunts). Para acompañar la narrativa se necesitaba de una poderosa mezcla de talentos, por lo que en la imagen fungió como director de fotografía Juan José Saravia (Matando Cabos, Sultanes del Sur) y en la música el español Javier Navarrete (Nominado al Oscar por El Laberinto del Fauno) con la supervisión musical de Lynn Fainchtein. ¿Quién es David “Letxe” Ruiz? Un joven regiomontano de 24 años que decide hacer historia en el mundo del videoclip en México, ha dirigido proyectos para músicos como Miguel Bosé, Ilia Kuriaki, Alejandra Guzmán y más adelante colaboró en la asesoría de producciones como “Inspiración” y “La mujer de mi hermano”

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EXCLUSIVA/ENTREVISTA

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BELA TARR LA MIRADA TRANSGRESORA Entrevista exclusiva

por Julio López

Para Bela Tarr crear un estilo propio es fundamental en la carrera de cualquier artista y el ha logrado imprimirle su sello a cada una de sus películas. Su cine se caracteriza por ser intransigente, rompe con los esquemas, como con Sátántangó (1994) un filme de más de 7 horas de duración que ni por equivocación seria proyectada en una sala multiplex y mucho menos en la televisión. Este director húngaro abandonó el cine a color, solo filma en blanco y negro y los planes secuencia son su mejor arma. Los diálogos son casi nulos y la música es meticulosamente escogida.

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EXCLUSIVA/BELA TARR

SU CINE ES

poco conocido en esta parte del mundo y casi imposible de conseguir, pero ahora podemos disfrutar de El caballo de Turin, una película con la que da por terminada su carrera pues el director hace unos meses anuncio su retiro. El caballo de Turín es apabullante, es una película contemplativa, casi todas las escenas suceden en tiempo real. Durante 2 horas y media vemos en pantalla la vida cotidiana de un campesino, su hija y un caballo. Con el paso del tiempo, el caballo dejará de comer mientras la violencia de su dueño se intensificará al igual que el clima y el ambiente que los rodea. Apropósito de este largometraje platicamos con el director sobre su forma de entender cine. J.L. Gracias a El caballo de

Turín, y a las largas e ininterrumpidas tomas, fue galardonado con el Oso de Plata en el Festival de Cine de Berlín. Algunas llegan a durar casi 10 minutos. B.T. Toda la película sucede en interiores y exteriores. Muchos de los interiores y los exteriores se conjuntan. En re-

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alidad a mi no me gusta filmar afuera y adentro e ir cortando sino que me gusta una forma más fluida en este caso fue muy sencillo manejarlo. Era perfecto el escenario. Se hicieron muchas escenas y posteriormente construimos lo que iba a hacer con el caballo, con madera verdadera y verdaderos trabajadores. No es una casa plástico, no es un set de filmación, es una verdadera casa, para nosotros esto fue muy importante, porque al tocar una pieza de piedra tienes que sentir y decir “es real”. Queremos mostrar realidad. Emociones humanas verdaderas. No podemos decir esto es algo falso J.L. Usted es uno de los precur-

sores de la ficción documental, este cine que incluye el uso de actores no-profesionales y de un storyboard muy planeado, en combinación con diálogos improvisados y el uso de la cámara en mano. B.T. Mira cuando se está haciendo una película la debes conocer de principio a fin. En mi mente esta es la cuestión más importante porque tú quieres decirle algo a la gente, quieres compartirlo, quieres

compartir tus experiencias, quieres decir algo acerca del trabajo. Estas trabajando para la gente. Tienes que estar muy preparado, porque tienes que darles lo mejor de ti mismo. Esta es la razón por la que no empiezo nada antes de conocer toda la película. J.L. A lo largo de los 34 años

que tiene de carrera a cambiado poco su equipo de filmación, el compositor de la música, el cinefotógrafo, la guionista y el sonidista han trabajado con usted todo este tiempo.


B.T. Es algo maravilloso cu-

ando tienes personas que tienen el mismo punto de vista, la misma coordinación para el trabajo y la meta que persiguen. En este caso no hay razón para hablar dentro de la filmación porque todo mundo tiene la misma sensibilidad, todos sienten lo que tenemos que hacer, entonces se vuelve algo muy sencillo. Sólo les explico cómo debe de ser, desde la primera escena hasta la última, los diferentes emplazamientos de la cámara. La decisión final está en sus manos.

Y en las manos de los espectadores es que deja su legado este ya legendario director húngaro. El mismo que ahora se despide con una cinta plagada de virtuosismo y que afortunadamente ha llegado a las pantallas de nuestro país. Primero se proyecto en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia y en este preciso instante en la Cineteca Nacional.


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y la travesía del

ACORAZADO por Jesús Chavarría

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EN PORTADA/SILVERIO

Acorazado

SILVERIO PALACIOS por Jesús Chavarría

“SilverIo, te invito a hacer una película que se llama Acorazado y cuyo protagonista eres tu y se llama Silverio Palacios”

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Así fue como el director

y guionista Alvaro Curiel, se acercó a quien hoy es uno de los actores más recurrentes del cine de nuestro país. De esta forma, después de interpretar personajes tan atípicos como “El Caníbal” en “Matando Cabos” y el protagonista de “Conozcan la Cabeza de Juan Pérez”, en “Acorazado”, Silverio se encuentra con el vehículo ideal para proyectar al que podría ser el mexicano promedio, el mismo.

“La propuesta fue clara y contundente por parte del director . Quería que fuera yo, no solo el actor sino yo como persona, el que se situara en esas circunstancias. El que explorara las emociones y el conflicto que puede llegar sufrir el mexicano a la hora de enfrentar una situación así.”

E

n Acorazado vemos como un ex sindicalista veracruzano, haciendo eco del consejo uno de sus amigos, se construye una balsa para cruzar el Golfo de México e intentar llegar a la Florida y hacerse pasar por cubano. Para su desgracia las cosas salen mal, el viento le lleva por otros rumbos y termina llegando a la tierra de Fidel Catro. “Se trata de un personaje que en su afán de alcanzar una vida mejor, le compra la idea uno de sus colegas, que es interpretado por el maestro Sálvador Sánchez, y se avienta a una aventura que le lleva un lugar muy distinto al que esperaba. Ya estando ahí pues tiene que ajustarse a la situación y aprender.”

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EN PORTADA/SILVERIO

“El Silverio que vemos en “Acorazado” es mucho de lo que es el Silverio en la vida real...” 42


Se trata de una comedia que refleja mucho de la idiosincrasia del mexicano. “Es una propuesta muy audaz e inteligente. Y es que los mexicanos somos muy dados a vivir de ilusiones. Por ejemplo: el que un día ganaremos el mundial. Con mucha facilidad creemos en cosas. Aunque luego la realidad nos dice que el resultado siempre es el mismo y más tarde nos reímos de la esperanza y de la ilusión que nos despertó. Lo mismo pasa en las cuestiones personales y de trabajo. Somos un país de gentes que a diario tienen que acomodarse a las circunstancias. Eso evidencia que al igual que al personaje que interpreto, vamos siguiendo una brújula que no funciona bien. No tenemos un rumbo claro y por eso no podemos alcanzar una meta certera y fiel a nuestras necesidades” El Silverio que vemos en “Acorazado” es mucho de lo que es el Silverio en la vida real. “Totalmente, como un mexicano que

soy, también suelo crear expectativas que no corresponden a la realidad. Alguna vez yo también ante la posibilidad de un proyecto en el extranjero, de pronto ya me veo actuando en producciones hollywoodenses, hablo bien inglés y me digo que si va a pasar. Luego resulta que el personaje se lo dan un actor gringo que no tiene nada que ver con lo yo soy. Uno se da de frentazos verdaderamente dolorosos, pero luego asimilas y aprendes. Es lo mismo que pasa con este Silverio de “Acorazado” que entiende que no puede ir por la vida funcionando de esa manera.” Este personaje además es alguien a quien su misma familia y sus amigos lo menosprecian todo el tiempo. “Si, es alguien al que maltratan y consideran un tonto, porque es un pusilánime. Eso me dio la oportunidad de explorar esa parte de mi mismo, y que al mismo tiempo caracteriza mucho de nuestra sociedad, a la que le falta el carácter para cambiar

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EN PORTADA/SILVERIO

las cosas, y que sigue siendo educada por la televisión. Eso es otro detalle importante. Cuando este hombre va de su casa a dónde está montada su guardia de sindicalista, va cargando siempre con una televisión portátil. Ese es el medio que nos educa, un medio que solamente ilusiona y ese es lo material del que está hecha nuestra idiosincrasia. Por eso vivimos soñando que algún día ganaremos el mundial, que un presidente que lee nos va a sacar a flote, en fin. Es un problema cultural que hace falta madurar. Esa es la reflexión a la que nos invita esta película” Y si de reflexiones se trata, esta también se extiende a aspectos más específicos de la vida de Silverio, entre ellos la situación del cine mexicano.

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“Tenemos que darnos cuenta que debemos dar pasos firmes y honestos para mejorar nuestra cinematografía. Nuestras aspiraciones tienen que corresponder a nuestra realidad económica y de carácter, a nuestras historias y nuestros personajes. Falta que nos ocupemos de ellos, para dejar de aspirar a lo que termina siendo una copia de una industria más poderosa. Si no, vamos a seguir dando tumbos. Vamos a ir montados en una balsa hecha con un “vocho” y a la deriva, como el Silverio de la cinta”.” En ese sentido podemos decir que esta nueva apuesta del cine mexicano cumple con tales requerimientos. Se trata de una comedia de humor negro, con un discurso crítico e inteligente.


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EN PORTADA/SILVERIO

ACORAZADO México, 2011 Dirección: Álvaro Curiel Reparto: Silverio Palacios, Laura de la Uz, Salvador Sánchez, Santiago Alfonso, Norma Ángelica

“Es una película que se ocupa de un personaje de extracción popular y que transita por un género que se nos da por naturaleza a los mexicanos” Sin duda. Acorazado es un divertido reflejo de la vida de nuestro país, en dónde lo cotidiano a veces resulta tan doloroso como hilarante y que nos muestra a un actor cada vez más maduro.

“El cine es contar historias. Y yo he aprendido con el paso de los años, que debemos preocuparnos por contarlas cada vez mejor.” 46


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LOS NUEVOS

ROSTROS talento en ascenso por Jaime Rivas Arenas

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“La actuación es una carrera pura y hecha de resistencia, donde de pronto no importa cuánto tiempo tienes trabajando en éste medio. Hay que llegar y mantenerse.” 50


SOPHIEALEXANDER

A

ACTRIZ lumna de Julieta Egurrola y Luis de Tavira. Egresada del Central School Of Speech and Drama de Londres. Es Miembro fundador de El regreso de Ulises. Durante su carrera como actriz ha participado en diversas obras de teatro, dentro del escenario Ingles, trabajando “Hamlet” de William Shakespeare. Trabajó para la BBC de Londres interpretando a Frida Kahlo. También en Francia participó en “Las Mujeres Sabias” de Moliere. En México ha participado en obras como “Mujeres soñando caballos” de Daniel Veronese (Festival del Centro Histórico), “Satélite 2010” de Alfonso Ruiz Palacios, “La modestia” de Rafael Spregelburg, “Parking place del deseo” ganadora del premio a la mejor dramaturgia joven, “Festen” dirigida por Martín Acosta, “El oeste solitario” de Martín McDonagh, “Cuentos de Navidad” con Mario Iván Martínez, “Des-Madres” Teatro Musical con OCESA. Ha participado en los montajes de “El rapto” y “Molok o de la violen-

cia” dirigidos por Mariana García Franco, “Hamlet o de cómo empezó a no ser Hamlet”, dirigido por Raymundo Pastor y “Cinco balas en la ciudad de los palacios” dirigida por Luis Ayhllón. En cine ha participado en largometrajes como “Mujeres Patria” en el papel de Leona Vicario de Cinema Fantástico, “Actores S.A” de Charlie Gore y “Labios Rojos” de Rafa Lara; en cortometrajes como “Café Paraíso” ganador del 4to. Concurso del IMCINE, “Hit Girl” de Miguel Ángel Palafox, proyecto México-Inglaterra, “Puppert Soldiers” tesis de Luis Salinas en CECC y “Dos Hawaianas” tesis final del CCC. Lleva 6 años dedicándose de lleno a esta carrera, recientemente participó en la telenovela “Para Volver Amar” y en la segunda temporada de XY. Toda la vida creció dentro de una familia dedicada al teatro, proveniente de una familia refugiada de Alemania, Brígida Alexander, su abuela fue pionera de la televisión en México, y si tía Susana Alexander.

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“Siempre que ESTOY TRABAJANDO EN UNA PELÍCULA O SERIE DE TELEVISIÓN me siento bien, me siento como pez en el agua…”

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MARCOZAPATA

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ACTOR sta jóven promesa es parte de la nueva generación de actores en busca de nuevos contenidos y comprometidos con su trabajo, desde muy niño participó en diversos proyectos de televisión pero su primera aparición profesional es a la edad de 5 años en el programa unitario “Cerezo Rojo” y posteriormente en la novela de época “La antorcha encendida” Su incursión en el teatro en las obras: “Pinocho”, “Cuentos sobre CRI CRI”, “Nuestra casa es la calle”; en cine “Así es la vida”, “La perdición de los hombres”, “Fuera del cielo” y “Año Bisiesto”, “Sin Remitente”, también ha participado en diversos cortometrajes. Su pasión por los reflectores es de vocación, “desde niño he andado en estos trotes, siempre ha sido como una fuga, son momentos en los cuales me siento pleno, siempre que tengo trabajo me siento bien, me siento como pez en el agua, es muy cómodo y familiar, es lo mejor que me puede pasar”.

Pero los medios audiovisuales no son su única pasión, la música es otro de sus gustos, toca el bajo, la guitarra, batería, siempre que puede le gusta mezclar música electrónica, se considera un D.J., con una gran debilidad: las costumbres. El trabajar con directores como Arturo Ripstein, Carlos Carrera y Michael Rowe le ha dado tablas y enseñanza para escoger proyectos en los que se pueda sentir a gusto. Considera que el aprendizaje de su vida debe ir en crecimiento, evolucionado personalmente y con más armas como actor es como se visualiza en esta carrera tan demandante. “En el cine hacen falta buenas historias, hace falta que México destine dinero para que se haga cine, la televisión está perdida desde hace años, México tienen un talento muy grande en directores y actores pero están ocultos porque no hay oportunidades” comenta el actor. Actualmente se encuentra en teatro, en la producción de dos cortometrajes, “El vuelo del colibrí” de Julián Noble y “Conos chuecos”.

Foto: Miguel Schumman

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“Cuando sueñas sonríes y tu alegría te abre los caminos…”

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AUDREYMORENO

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ACTRIZ riginaria del DF, pero residente en varios estados de la República Mexicana y Estados Unidos, esta joven inquieta experimento y descubrió ser actriz era su vocación. “Empecé en grupos musicales en Chiapas, tocaba batería y guitarra, nos presentábamos en eventos locales, después cuando ya nos establecimos en México entre a una estudiantina, estuve en Bellas Artes y más tarde comencé a estudiar en la escuela Andrés Soler hasta que entre al CEFAC en el 2004, ahí ya fue donde empecé de lleno en la televisión, en el programa unitario “La vida es una canción” y posteriormente “Amor en custodia”. Una carrera casi completa la llenan de satisfacción, sus participaciones en “Lo que callamos las mujeres”, “Sexo fuerte”, “Cada quien su santo”, “Cambio de vida”, “Bellezas indomables”, “Tengo todo excepto a ti”, “Lo que la gente cuenta”, y “De nuevo en pie”, le han dado los conocimientos que necesita para estar en un foro de televisión “para empezar

siento nervio y es una vitamina para seguir, es quien soy y de donde me siento plena” “Ahora quiero empezar una etapa en cine, ya he hecho un poco antes en “Sangre Nocturna”, “El precio de nuestra sangre”, “Hermanos de sangre”, Corto “Yo deseo” de la Universidad Anáhuac de México, Corto “Alas Para vivir” ganador del primer lugar del 3er Desafío Express; consolidarme como actriz. Su paso por el teatro ha sido en “Conversaciones después de un entierro” de Yazmina Reza, “La casa suspendida” (asistente de dirección de Raúl Quintanilla), “Venenos cotidianos” y “Cinco mujeres usando el mismo vestido”(Asistente de dirección de Dora Cordero), Actualmente acaba de hacer “La teniente” la nueva serie de TV Azteca que se estrena en Enero, “hay buenas oportunidades de trabajo, la cuestión es salir a buscarlas, también siento que falta arriesgarse mucho se están yendo un poco más a lo que ya tiene un éxito y a los refritos, la gente está cansada de ver lo mismo”

Foto: Antonio Yussif

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“Quiero protagonizar y que la gente vea mi trabajo, quiero ser reconocido dentro de México e Internacionalmente.…”

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ANIBALNAVARRO

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ACTOR gresado del CEFAC, su primer experiencia laboral es en la telenovela “Mirada de Mujer” a lado de Angélica Aragón y Fernando Luján, “ recuerdo que estaba en el CEFAC y me llamaron para un casting en esta novela, me dijeron que necesitaban un futbolista, conseguí todo el vestuario para el personaje; cuando llegue a la locación, el responsable me dice que que onda conmigo, el tipo se moría de la risa (tenía 19 años), me hace pasar con el director, y todos muertos de risa, me dan el libreto y era un portero, pero de edificio…” comenta. Esta experiencia hasta cierto punto cómica no le quitó las ganas de seguir tocando, por el contrario “los nervios no se quitan, porque adquieres más responsabilidad a tu trabajo, te das cuenta de otras cosas que no veías como el trabajo de tus compañeros y la respuesta del director, vas creando tablas al estar trabajando y trabajando”, comenta muy seguro del trabajo que actualmente realiza. Así fue como inició su carrera, originario del Distrito Federal y Licencia-

do en Administración de Empresas, Aníbal ha trabajado también como modelo en diversos comerciales “lo veía como un hobbie, una vez que termine mi carrera me enfoque a la actuación, me jalo mucho el medio y fue como inicie y decidí dedicarme de tiempo completo a esto”. Entre los proyectos que ha participado se encuentran “Bajo la misma piel”, “Clase 406”, “Niña amada mía”, “Amar otra vez”, “Mujer de Madera”, “La fea más Bella”, “Entre el amor y el deseo” En cine ha trabajado en “La Hija del Canibal”, Cortometraje “El Plan” y “Rain for Two” (ingles) y próximamente “Diálogo Interno” es cine de arte, esta película ya está inscrita en festivales como en Holanda, es la opera prima de German Rodríguez. Para el actor su inspiración es el escenario y el aplauso de la gente, el cual se vuelve muy gratificante, complicado pero a la vez muy satisfactorio. Actualmente se encuentra en la novela de TV Azteca “Cielo Rojo”, tiene tres proyectos más de cine que por el momento están en stand by.

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ESPECIAL/CAPULINA

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EXPEDIENTE:

CAPU y el sistema. POR: GERARDO GIL BALLESTEROS El 19 de agosto de 1957, los diarios matutinos de la ciudad de México, daban cuenta en sus secciones de espectáculos, que el comediante Gaspar Henaine “Capulina” (6/ enero/1926 - 30/septiembre/2011), se encontraba horrorizado, ya que en alguna de sus presentaciones, realizada con su pareja histriónica Marco Antonio Campo “Viruta” (9 / julio/1919 – 19/febrero/1996) su ya característico bombín negro, había sido robado.

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ESPECIAL/CAPULINA POR: GERARDO GIL BALLESTEROS

El sombrero, se había con-

vertido en compañero inseparable de “Capulina”, desde que formaba parte del grupo “Los Trincas” y estaría con él, hasta su retiro como actor en 1999. Ante algunos reporteros de la fuente, el comediante hacía un llamado para que quien hubiera tomado este objeto lo devolviera, ya que para “Capu” significaba un amuleto de la buena suerte desde que antes de una presentación, se rompiera al sacarlo de la maleta. La prensa consignaba el hecho en un espacio mediano, pero que resaltaba más que una pequeña nota sobre un grupo de niños beisbolistas provenientes de Monterrey, que en Lounsville, Kentucky, derrotaban al equipo local, dándoles así la oportunidad de disputar en unos días la Serie Mundial. El sentido del absurdo se imponía en la sociedad mexicana de fines de los cincuenta. En 1957, la industria cinematográfica nacional, se encontraba ya en los inicios de una crisis en la producción y calidad de los filmes, que traían como consecuencia una ausencia del público en las salas cinematográficas que iría en crecimiento. Era el México de la Regencia capitalina bajo el mando de Ernesto

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P. Uruchurtu, quien por esas fechas clausuraba los cines: El Roble, Arcadia y Metropólitan, que en dicho del funcionario violaban varias normas. Eran también, los inicios de la televisión mexicana, que con rapidez se hacía de un público proveniente sobre todo de la clase media , un sector que abandonaba con rapidez al cine mexicano y se refugiaba en los largometrajes norteamericanos y la televisión. Esta, se nutría de series norteamericanas y programas de variedades como “Cómicos y canciones”, revista que reunía a la que fue la primera camada de “estrellas” televisivas entre las que destacaban la pareja “Viruta” y Capulina”. A partir del éxito de la serie televisiva, que se extendería hasta la década de los sesenta, la pareja alcanzaría una popularidad que los llevaría a protagonizar varias películas.


“La sombra del otro” (1957) fue el primer largometraje que realizaron. Los filmes en su mayoría tuvieron los guiones de Roberto Gómez Bolaños, a la postre llamado “Chespirito”. El último trabajo con “Viruta” sería “El camino de los espantos” en 1967. “Viruta” después de romper su relación con “Capulina” vería el fin de sus éxitos, lo que sí duraría para toda la vida sería un odio y rencor hacia su ex compañero Capulina” continúa con su carrera en solitario a partir de 1968, con el filme “Operación carambola” y una muy baja calidad en los guiones, dirección y actuaciones, que no influían en la taquilla.

A finales de los cincuenta y principio de los sesenta los filmes de la pareja descansaban en la necesidad de la industria cinematográfica de crear nuevas estrellas con arrastre popular, que nunca alcanzó los niveles de la época de oro. Eran el reflejo también de una sociedad mexicana, que vivía el fenómeno del desarrollo estabilizador, tendiente más a la evasión de conflictos, que por lo menos a nivel social daba un barniz, que caería poco tiempo después, y se alimentaba de un elemento fundamental, la falta de crítica y conformismo, una de las primeras herencias que la TV, le daba al espectador.

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ESPECIAL/CAPULINA POR: GERARDO GIL BALLESTEROS

En algún sentido, de ahí el “mote” a “Capulina” del “Rey del humorismo blanco”, que reflejaban un sentido descafeinado en el fondo y las formas, ideal para las décadas en el que el sistema político monopartidista vive su auge , que van de los sesenta a fines de los ochenta, cuando el comediante hace su última temporada televisiva, al lado del luchador “Tinieblas” y protagoniza su último filme “Mi compadre Capulina” remake de “No me defiendas compadre” filme protagonizado por “Tin tan” en 1949. Los filmes de los setenta de “Capulina” de plano carecían de un mínimo rigor en la calidad artística y

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estaban destinadas a nunca alcanzar la reivindicación , como sí sucedía con otros largoemtrajes post época de oro, como las de “Luchadores”. Pero “Capulina” descansa su fama en la certeza de su permanencia ya sea en las repeticiones de sus filmes en televisión o los distintos programas que protagonizó Sus películas, difícilmente serán rememoradas con los años, y el único gusto culposo, porque el slapstick (género que popularizó el cine silente norteamericano en la primera década del siglo XX y Stan Laurel y Oliver Hardy en los treinta) llega con más de treinta años de retraso, es el de burlarse, en el mejor de los casos, del tonto del pueblo. “Capu” es el fenómeno del absurdo que descansa en la memoria colectiva, de mediana referencia para varias generaciones. Por cierto, el sombrero de “Capulina” nunca fue encontrado y los niños de Monterrey que ganaron en Kentucky, el día 23 ganaban la Liga infantil de beisbol, bajo la anotación Ángel Macías un regio de las zonas populares, de doce años y los encabezados de los diarios daban cuenta de esta hazaña


“Capu” es el fenómeno del absurdo que descansa en la memoria colectiva, de mediana referencia para varias generaciones.

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FESTIVALES FESTIVAL INTERNACIONAL

DE CINE DE MORELIA FESTIVAL DE ANIMACIÓN

CUTOUT EN QRO.

FESTIVAL INTERNACIONAL

2011

DE CINE EN ACAPULCO

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FESTIVALES/MORELIA

“EL PREMIO” LO VUELVE A HACER Por Jesús Chavarría

ENTREVISTA CON LAURA AGORRECA

El retrato del trayecto de una niña de siete años, aislada junto con su madre en una playa de inviernos inclementes, en dónde lo que causa los peores estragos es la zozobra ante la persecución, le ha valido a Paula Markovitch, el hacerse de varios reconocimientos en distintos festivales del mundo. Uno de ellos fue el del mejor largometraje mexicano, en el pasado Festival Internacional de Cine de Morelia.

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ara recibirlo estuvieron presentes tanto la directora, como Laura Agorreca, actriz encargada de interpretar a la madre de la niña protagonista, un papel que le dio la oportunidad de abordar un tema desde una perspectiva distinta a como usualmente se había hecho en el cine. “Lo que más me gusto es que al hablar de lo que fue la última dictadura en Argentina, se hiciera de una forma tangencial, que el centro de la historia fuera lo le pasa a las personas en la intimidad, lo que le pasa a un padre de familia, a una madre, a una niña, cuando están ante un contexto de tanta violencia, de aislamiento y de persecución” Pero hay algo más que conectó con esta linda y talentosa actriz, quien se involucró con esta producción en solo cuestión de un par de días. “No siempre tiene uno como actor, la posibilidad de participar de un proyecto con un discurso con el cual te identificas. Este es el caso, para mí es un privilegio

ser parte de una película con cuyo mensaje y estética comulgo. Además de que por la forma de realizar las escenas, me dio la oportunidad de construir sobre ese vinculo que pude establecer desde un principio con el guión.” Tomando en cuenta que El premio es una cinta armada en base a largas secuencias en dónde Laura solo interactuaba con la niña, el proceso tuvo características muy específicas “Por el modo en que Paula abordó la filmación con la niña, dio pie a mucha improvisación. Las escenas en las que no teníamos diálogos, no estaban pautadas, a ella solo le daba algunas indicaciones y a mí me daba total libertad, eso como actor siempre se agradece. Hay Actores que no se sienten cómodos con este tipo de sistemas de trabajo, pero a

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FESTIVALES/MORELIA mí me gusta mucho tener la posibilidad de proponer. Para esto yo había trabajado mucho el guión con Paula y tenía muy claro cuál era la línea que tenía que seguir con el personaje.” Además, contrario a lo que pudiera pensarse, el trabajar con la niña no fue tan complicado. “Trabajar con niños siempre es algo muy particular. En este caso Paulita, a pesar de que nunca había tomado talleres de actuación o algo parecido, siempre fue muy dedicada y muy profesional, establecimos un buen vinculo actoral. Yo le di algunos tips de cámara y pues ella es muy inquieta y entendía todo muy rápido y a la perfección. Yo disfruté mucho hacer esta película” Laura Agorreca aún es joven y no ha tenidos hijos, así que para construir a su personaje recurrió más a la imaginación que a experiencias propias “Como actriz, el recurrir a mis recuerdos o a mis vivencias no me es el lugar más directo. Así que me pareció interesante que luego de estudiar el guión, fuera mi relación la niña, ya sobre la escena, lo que

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me fuera dando las respuestas. Fue así como pude ir construyendo a esta mujer que a pesar de las circunstancias de persecución y violencia que está viviendo, de la incertidumbre con respecto a la desaparición de su esposo, prefiriere reprimir sus sentimientos. Para educar a la niña, recurre más a la indiferencia, antes que explotar contra ella con algún grito. De hecho casi no juega con ella, no hablan, no lloran.” Con tantos reconocimientos ganados por esta película, es obvio que El Premio ha provocado muchos cambios en la vida de todos los involucrados, pero quizás en nadie tanto como en Laura. “Desde un principio provocó cambios importantes en mi vida. Yo me involucré con el proyecto de la noche a la mañana, tuve un primer

contacto con los productores, fueron a ver una obra de teatro en la estaba y al siguiente día me avisaron que ya tenía el papel. Luego comenzaron los ensayos para la película, que como se filmaba en la costa, pues representaba muchas complicaciones, tuve que dejar la obra, además de las clases que estaba dando en la universidad.” Pero el asunto fue más allá y ahora ella vive en México “Al conocer al crew, que era mayoritariamente mexicano, me llamó mucho la atención el ambiente que generaban y me gustó. Luego pues decidí venir en plan de vacaciones y por mi relación amorosa, pensaba regresar en febrero, pero pues ya estando acá no me pude regresar.” Así pues, mientras termina de asimilar los cambios recientes, ahora ya instalada en nuestro país, Laura está también a la espera de lo que el estreno comercial de El Premio pueda provocar. Claro que para eso aún faltan algunos meses en los que la cinta seguirá rolando por diversos festivales. Por lo pronto su paso por el Festival Internacional de Cine de Morelia, fue más que exitoso.

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FESTIVALES/CUTOUT

{QUERÉTARO, QUERÉTARO}

LA ANIMACIÓN

NOS INVADE CUTOUT FEST Por PALOMA CABRERA

A inicios de noviembre

se llevó acabo en la ciudad de Querétaro la tercera edición del “CutOut Fest” evento en el que se muestra lo mejor del mundo del cortometraje animado. Además se contó con distintos talleres, conferencias, exhibiciones y una sección en competencia. En está ocasión el país invitado fue Canadá. Aquí una pequeña crónica con lo más relevante:

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PRIMEROS CORTOMETRAJES DE LA COMPETENCIA Y DISCURSOS OBLIGATORIOS. En el primer día de actividades del festival, se empezaron a exhibir los cortometrajes en competencia. Podría decirse que un día flojo para México, ya que tan sólo participaron cinco producciones nacionales. De otros lugares habría que destacar los cortometrajes de alta carga social como Gaza Reels (2011) de Israel y Migropolis (2011) de España. Más adelante se tuvo la retrospectiva de la cineasta alemana Lotte Reiniger y su llamado “Cine de sombras”. En la noche se llevó acabo la inauguración, aquí se explicó a grandes rasgos hacía donde iba encaminado el proyecto y sus avances; los discursos políticos obligatorios no podían faltar (Gracias a Dios breves a comparación de otros festivales), pero sin duda lo mejor fue el reconocimiento especial para Fernando Ruiz, creador de Los tres reyes magos (1978) el primer largometraje animado de este país. Por supuesto bien merecido MÁS CORTOS Y SOBRE ‘PRESS PAUSE PLAY’. Con mayor organización en la entrada para poder ver los cor-


tometrajes y un horario repleto, quedarse en la sala casi todo el día fue la opción de varios. Se vieron cortometrajes nacionales con una excelente técnica, o un guión inteligente como Clean is good (2010), Eskimal (2011) o Un mundo infeliz (2011). Algunos de los cuales ya habían tenido participación en otros importantes festivales del país. También destacan los cortometrajes extranjeros My Brother Greg (2011) y Daisy Cutter (2010). Después vendría la selección de Ottawa en la muestra de la New Canadian Animation. Geniales trabajos de esta parte del mundo. Pero lo que realmente fue el broche de oro para una intensa jornada frente a la pantalla, fue la presentación del largometraje Press Pause Play (2011), un cautivante documental, que habla sobre la revolución digital que se ha vivido en las últimas décadas pero aplicada en distintos estilos artísticos como la música y la cinematografía. ¿La tecnología ayuda a la creación de nuevos artistas y formas de expresión? ¿O será que tanta democratización digital lleva sólo al camino de la mediocridad? Esas son algunas de las interrogantes que se fueron descifrando a través de entrevistas de personalidades involucradas como Moby, Hot Chip, Robyn o el escritor Seth Godin, quienes dejan en claro

que el panorama artístico esta cambiando. Un documental imperdible. Ahora por otra parte, lástima que los organizadores no atendieron la necesidad de poner subtítulos a los cortometrajes y películas extranjeras a lo largo del festival, esto limitó mucho su público. La gente simplemente no está obligada a saber inglés. Y EL GANADOR ES… Último día de actividades en el CutOut Fest y más cortometrajes, entre ellos destaca la ganadora del tercer lugar en la categoría “No narrativa”, la mexicana Sofia Carrillo y su impresionante obra Prita noire (2011). Por otra parte, dentro de las diversas conferencias que se llevaron acabo resaltan la impartida por David O’ Reilly, que con su increíble carisma mostró gran parte de sus trabajos como Octocat y su cortometraje más importante Please Say Something. Por otra parte el dúo inglés de

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FESTIVALES/CUTOUT DE LOS ORGANIZADORES DE CUTOUT FEST CutOut Fest agradece al Fondo Nacional para la Cultura y las Artes el apoyo proporcionado para la realización del festival, al Instituto Mexicano de Cinematografía, a la Fundación BBVA Bancomer y al Gobierno del Estado de Querétaro; así como a todos sus patrocinadores y colaboradores.

animación Tokyo Plastic mostró parte de su material, entre ellos la publicidad realizada para empresas como Microsoft, Nokia Music, MTV y una probada de sus próximos proyectos. Ambos dejaron en claro porque son nuevos referentes en el campo de la animación tanto en cine como en publicidad. En la noche se llevó a cabo la clausura, donde se anunciaron a los correspondientes ganadores. El ganador del primer lugar en la categoría “Mejor cortometraje (Narrativo)” fue The Visit (2010) de Conrad Tambour de Alemania. En cuanto a la categoría de “Mejor cortometraje animado (No narrativo)”, se le otorgó a Who stops behind (2011) de Paulina Majda proveniente de Polonia. Sí, los premios grandes se fueron directo a Europa. A lo largo del festival estuvieron en competencia interesantes trabajos nacionales, pero también sería justo mencionar que dentro de esta misma se 72

tuvieron momentos flojos mostrando la cruda realidad. Haciendo la comparación con trabajos provenientes de Europa, México aún se encuentra a muchos kilómetros de distancia dentro del ramo de la animación. Sí, se tuvieron sus fallas de organización (como cualquier festival), que se deben ir ajustando, como las garrafales deficiencias de sonido en la conferencia de David O’ Reilly. En teoría, si quieres traer a personas relevantes dentro del ámbito de la animación debes tener todo impecable ¿No? Sin embargo se aprecia y se toma mucho en cuenta el esfuerzo de estos nuevos foros para el apoyo y difusión de la animación en México, una rama que poco a poco va tomando el lugar que merece en nuestra cinematógrafía. CutOut es un festival que busca descentralizar las actividades culturales de la capital y que va creciendo a pasos agigantados.


FREDDY

, POR HERNÁN VIGNA

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FESTIVALES/FICA

2 {FICA}

NOCHE DE ESTRELLAS EN LA INAUGURACIÓN DE FICA FOTOS: PAULO VIDALES /IMAGEN LATENTE

Entre personalidades del cine, política y socialité internacional se vivió la inauguración del séptimo Festival Internacional de Cine de Acapulco desde el Forum Mundo Imperial de Acapulco. En la alfombra roja destacaron las participaciones de Sophia Loren y Alaín Delon.

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1. Sophia Loren y Alaín Delon. 2. Sophia Loren al recibir su reconocimiento. 3. Victor H. Sotomayor, Presidente del Fica 4. Cecilia Suárez. 5. Carlos Slim, Miguel Alemán Velasco y esposa. 6. Marcelo Ebrad Casaubón, Gobernador de la Ciudad de México y su esposa Rosalinda Bueso. 7. Miguel Alemán Velasco, Presidente del comité de honor del Fica. 8. Juan Carlos Lazo. 9.Jaqueline Souza, Alaín Delon y Ángel Aguirre, Gobernador de Guerrero. 10. Mario Moreno Ivanova. 11. Roberto Palazuelos, presentador de la ceremonia

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FESTIVALES/FICA

“Han transcurrido ya siete años de esfuerzo continuo yA CON planes para el 2012. el Festival Internacional de Cine de Acapulco se reconstruye y fortalece gracias a las alianzas y apoyos del gobierno y oficinas institucionales, privadas, políticas y culturales...” {SUPLEMENTO FICA}

VICTOR SOTOMAYOR

REINVENTA FICA Y EXPANDE LOS HORIZONTES DEL FESTIVAL Por JAIME RIVAS ARENAS

El Puerto de Acapulco se inundó de cine nuevamente, con producciones cinematográficas nacionales e internacionales que cubrieron las playas de séptimo arte, con el objetivo de reunir a cineastas, medios y público, en una fiesta de cine y sueños realizados. En entrevista para STAGE ONE, Víctor Sotomayor, Director del Festival nos platicó como ha venido evolucionado este proyecto que se convierte en la plataforma de promoción del cine mexicano, donde también se pudieron ver las producciones internacionales y en la medida de lo posible con sus representantes y talentos artísticos.

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“Hace seis años se plasmó

la idea a través de Abraham Gray que era el Director de Turismo Municipal y que conocía el trabajo como empresa de Servicios Sotomayor, platicando me dice: -tú que conoces el medio cinematográfico y que no te es indiferente Acapulco. no te interesa que levantemos el proyecto una vez más de la reseña, hacer un festival inspirado y evocado en el cine, le dije que me interesaba y con tan solo tres meses pudimos hacer la primera edición, de ahí aprendimos a trabajar con un poco más de tiempo, la participación del Gobierno del Estado siempre ha estado pero la administración pasada cumplía haciendo una aportación discreta. Es hasta la quinta edición cuando se cumplía históricamente el 50 aniversario de haber sido la primera edición de La Reseña Cinematográfica de Acapulco, es cuando busco la participación de Don Miguel Alemán, plantearle la participación de hacerle un homenaje a ese lente creador de la reseña y cuando me cita para ponernos de acuerdo yo le pidí que fuera el Presidente del comité de honor y que me ayudara a consumar el proyecto de una manera más sólida, le propuse que hubiera un consejo directivo como era con la reseña donde había instituciones culturales y turísticas que le daban todo el peso y apoyo al proyecto, televisa formaba parte de ese consejo, lo platicó con el señor Azcárraga

y decidieron apoyarlo para darle más difusión”.

“Ha sido realmente un trayecto de picar piedra y hacer labor, despertar intereses de personas o de empresas locales, pero este año el glamur de personajes como Sophia Loren y Alain Delon, lo hacen más importante y reconocidoademás de volverle a dar Acapulco esa pasarela de personalidades que le dieron vida y que pusieron a México muy en alto”.

FICA 2011 La película que inauguró el Festival será “Los descendientes”, de Alexander Payne, ganador del Oscar 2004 por Mejor Guión Adaptado con la película “Entre Copas”. Cuenta con las actuaciones de George Clooney, Judy Greer y Matthew Lillard. La 7a edición del FICA brindó dos homenajes. El primero al actor Fernando Allende, tras 40 años de trayectoria artística, y quien además exhibió dentro de la programación del festival, su ópera

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FESTIVALES/FICA

prima María, un remake de la película que Allende protagonizó en 1972, sobre la novela romántica de Jorge Isaacs. El segundo fue para el comediante e ícono cinematográfico, Mario Moreno “Cantinflas”, en el centenario de su nacimiento. El tributo incluyó la develación de una placa en su honor y la proyección de cuatro de sus películas: “El bolero de Raquel”(1952) que fue proyectada en Caleta. ¿Cómo toma el festival el apoyo gubernamental? V.S.“El hecho de que el gobernador Ángel Aguirre haya tomado posesión en su estado nativo y que él fue testigo de la reseña y luego del festival Franco Mexicano, desde que estuvo en campaña ya había hecho algunas comentarios y le había apostado mucho al desarrollo turístico y al proyecto de la reseña, que nos diera su respaldo institucional, reconocer el trabajo de 6 años y ponerle todo el potencial e instrumentación ha llevado el proyecto a algo más ambicioso y sólido”.

PROGRAMACIÓN

La programación de la sección Documental Mexicano, se exhibieron “Entre paredes de agua”, de Rosa Martha Fernández (2011); “Blattangelus”, de Araceli Santana (2011); “En los pasos de Abraham”, de Daniel Goldberg (2010); “Nadie es inocente 20 años después”, de Sarah Minter (2010); “Havanyork”,

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de Luciano Larbina (2010); “Los otros californios”, de César Talamantes (2010); “20´12”, de Bernardo González (2011); “Tijuaneados Anónimos”, de José Luis Figueroa y Ana Paola Rodríguez (2010); “Cuanajillo”, la historia sin agua, de Stefan Guzmán (2010) y “Vuelve a la vida”, de Carlos Hagerman (2010). FICA ofreció un Ciclo de Cine Infantil, una serie de galas y diversos estrenos comerciales, entre los que destacaron: “Los fabulosos siete”, de Fernando Sariñana (2007). “La noche del pirata”, de Juan Carlos Blanco Ramírez (2010); “Ella y el candidato”, de Roberto Girault (2010); “Martín al amanecer”, de Juan Carlos Carrasco (2010); “El desconocido”, de Rafael Piñero (2008); y “María”, de Fernando Allende (2011).

SEGURIDAD EN ACAPULCO.

Uno de los temas de mayor interés fue sin duda la seguridad en el puerto. ¿Cómo resolvieron el gobierno y el festival este asunto? V.S. “El Gobernador generó acuerdos con el Presidente de la República y con el Secretario de Gobernación (qpd), para hacer un Guerrero seguro, se montaron fuertes dispositivos de seguridad donde participaron los tres niveles de gobierno, y que se viene haciendo de unos meses para acá, ya que se conjugan los premios Telehit, luego la inauguración del FICA, pero ese mismo fin de semana estará

Alejandro Fernández en Mundo Imperial, el Air Show como espectáculo al aire libre, hay mucha seguridad implementada porque se contempla tener diferentes audiencias para los diferentes eventos y el desarrollo pretende motivar a la agente y darles un poquito de bálsamo en sus corazones y aflicciones; el Puerto vive del turismo y necesitan de eventos de alto impacto para generar ese nivel de confianza y revertir el daño o la imagen que se le ha dado, no podemos hacer menos los inconvenientes pasados, pero tampoco podemos crucificar de por vida a un puerto que ha dado mucho para México”, finalizó Víctor Sotomayor. www.stageonemexico.com

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FESTIVALES/FICA

SOFÍA LOREN UNA DIOSA ENCARNADA EN CELULOIDE Por JESÚS CHAVARRÍA

“El perfume (como la seda, el vino y las flores) es uno de los lujos necesarios de la vida. Su aroma es como un buen vino, que necesita oxigenarse antes de alcanzar el punto de perfección.”

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“La fantasía del hombre es la mejor arma de la mujer”

Proveniente de una época

en donde los gigantes y las diosas cinematográficas deambulaban ante los ojos de aquellos adoradores de las fantasías obsequiadas por la pantalla grande, Sofía Loren es una de las últimas leyendas del cine clásico. Dueña de una presencia irresistible, sobrevivió a un medio que suele consumir a sus estrellas con los excesos que acompañan a la fama, y fue más allá de su propia belleza, para demostrar que detrás de la exuberancia de sus formas, estaba el talento y la inteligencia. Caminó sin parpadear, entre colosos de la interpretación como Marlon Brando (La condesa de Hong Kong, 1967), Peter O’Toole (El hombre de La Mancha, 1972) y Marcello Mastroianni (Peccato che sia una canaglia, 1954); se igualó a estrellas como Cary Grant (Capry, 1960) y Frank Sinatra (The Pride and the Passion, 1957), e incluso fue el objeto ideal de creación para genios como el mítico Vittorio De Sica (Matrimonio a la italiana, 1964). Más allá de los rumores, sus amantes recurrentes fueron los galardones, entre ellos el Globo de Oro, el Oscar y la Palma de Oro. Todos se rindieron a sus pies, que más se podía hacer ante

poderosas interpretaciones como la de la madre violada en Dos mujeres (La ciosara, 1960), producción que dio la vuelta al mundo para otorgarle reconocimientos por doquier, fueron 22 premios distintos en festivales como el de Cannes, Berlín y Venecia. Hecha de ese material que recuerda lo divino en la tierra, Sofía fue siempre grandiosa ante las cámaras, de ida y vuelta y sin perder un ápice de su clase, pasó del cine italiano a las superproducciones hollywoodenses y hasta la televisión. En su momento se dió tiempo para disfrutar la vida lejos de los reflectores y cuidar de sus hijos. Pero también supo regresar y engrandecer aún más el mito alrededor de su existencia, con cintas de directores como Robert Altman (Prêtà-Porter, 1991) y Rob Marshall (Nine, 2009). Esa es la hermosa Sofia Villani Scicolone, la misma chica que mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial, creció al lado de su madre y su hermana, en Pozzuoli, comunidad ubicada en las cercanías de Nápoles. La que bajo el nombre de alias Sofía Loren, deslumbró al mundo con su belleza y talento, para convertirse en una diosa encarnada en celuloide.

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FESTIVALES/FICA

ALAÍN DELON EL ACTOR, EL SEDUCTOR Y LA LEYENDA Por JESÚS CHAVARRÍA

Muy lejos quedaron aquellos años en los que era el chico problemático al que expulsaban constantemente de las escuelas. Ese que al ir creciendo, en su búsqueda por encontrar su verdadero camino, se desempeñó como camarero, vendedor y hasta carnicero. 84


Pocas certezas habían

en su vida. Pero ese monstruo denominado como séptimo arte, suele sentirse profundamente atraído por los chicos malos y bien parecidos. Bastó con el primer contacto, durante su visita al Festival de Cannes de 1957, para que las puertas se abrieran. Su agradable presencia de más de 1.80 de estatura, sedujo sin remedio a las cámaras y le mostró el camino al Olimpo fílmico, en dónde aseguraría su lugar, en base a su innegable talento como actor. Películas como Quand la femme s’en mele y Una rubia peligrosa, ambas de 1957, fueron solo el preámbulo para su participación en Amoríos, producción dirigida en 1958 por Pierre Gaspard-Huit, y cuyo título vaticinaba mucho de lo que definiría el camino de Alain Delon, símbolo sexual francés por excelencia. Hoy a sus 76 años, no deja ser extraño escucharle decir que sus hijos son sus grandes amores. A pesar de las canas de su cabello y las arrugas naturales en su rostro, su gesto aún denota aquello que atraía sin remedio tanto la mirada de una cámara, como la de las chicas. Delon derrochó a la par de su capacidad interpretativa, sus dotes como seductor. Así como se ponía a las ordenes de directores como Luchino Visconti (Rocco y sus hermanos, 1960), Michelangelo Antonioni (El eclipse, 1962), o Jean-

Pierre Melville (El silencio de un hombre, 1967); se hundía en los brazos de actrices como Romy Schneider, a quien la posterior ruptura le llevó a los parajes de la depresión; la marroquí Francine Canovas, conocida como Nathalie Delon; la linda Mireille Darc, con quien compartiera créditos en películas como Jeff (Jean Herman, 1969); o la cantante y modelo Nico, conocida por sus colaboraciones con el grupo rock The Velvet Underground. Tampoco Hollywood se resistió a la poderosa combinación de talento y galanura que encarnaba Delón, le llamaron a protagonizar cintas como Scorpio (Michael Winner, 1973), en dónde dio replica al célebre Burt Lancaster. Pero la efectividad no fue la misma, nunca llegó a alcanzar la cima en el mercado norteamericano. El que fuera llamado a ser el sucesor Gérard Philipe y Jean Marais, con el paso de más de medio siglo, fue más allá y se labró su propio sitio al lado de los colosos del cine mundial. Fue condecorado con la Legión de Honor de su país en el 2005 y luego de visitar los escenarios teatrales en el 2008, con la obra Cartas de Amor, hoy va por la vida tomado del brazo de su hija consentida, Anouchka, paseándose por los eventos fílmicos más importantes del mundo, que aún reclaman un poco de su grandeza.

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FESTIVALES/FICA

{SUPLEMENTO FICA}

FERNANDO ALLENDE

Y “MARÍA”, SU ÓPERA PRIMA Por MARIO CASTAÑEDA

Dentro de las grandes atracciones en su séptima edición, el Festival Internacional de Cine Acapulco (FICA) realizó un homenaje a uno de los actores que gracias a su dedicación y profesionalismo durante 40 años de carrera, desenvuelta lo mismo en México, y en el extranjero: Fernando Allende quien en este festival, dió a su ópera prima: “María”, remake de la cinta homónima en la que debutó en la década del setenta.

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eniendo la misión de acercar a la familia al cine, “María” marca también el debut y presentación internacional de Adán Allende, hijo de Fernando, quien tuvo la responsabilidad de interpretar el mismo rol, recibiendo de esta manera la estafeta para continuar el paso de los Allende en el medio artístico. “Esta experiencia es una de las más importantes en mi carrera, ya que asumí el rol de guionista, productor, director y actor; además de tener la oportunidad de trabajar con mis hijos Elán y Adán, quien interpretó el personaje que hice yo en mi

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debut en el cine, lo cual es algo cíclico y especial”, dijo Fernando Allende, “María” ha cautivado al público y la crítica especializada en eventos fílmicos internacionales, como el Festival de Cannes 2010, el de Festival de Cartagena de Indias, Los Ángeles y el de Santander. “Es un gusto enorme revivir esta película, además de que he de comentarles que escribimos de nuevo el libreto, obviamente sin desvirtuar el guión original”, mencionó. “María” fue filmada en 2010, y su estreno comercial en México –contemplado para el 14 de febrero de 2012. Cabe mencionar también que la banda sonora fue in-


terpretada por la Orquesta Sinfónica de Praga, y el tema principal lo interpretó el tenor Plácido Domingo. Además de la proyección de la cinta en el FICA, se le realizó un homenaje celebrando sus 4 décadas como actor.

trayectoria Fernando Allende logró imponer su presencia realizando un sinfín de proyectos trascendentes y cada uno diferente, lo mismo en México como en América Latina. Considerado el Adonis Latino, Allende obtuvo el éxito inmediato lo mismo en el cine, como en el teatro, la televisión, y la música. A los 15 años de edad, obtuvo el protagónico en la cinta “María”; siendo esta la primera de más de 20 películas, mismas que le han dado varios premios y reconocimientos. Además de sentir una fuerte atracción por el cine estadounidense, en Hollywood, ha, participando además en varias telenovelas como:“Esperanza del corazón”, “Sortilegio”, “Amor de nadie”, “Corazón salvaje”; por las cuales se le han otorgado varios reconocimientos de la crítica especializada. En 1979, decidió trasladarse a Estados Unidos e ingresar al mundo del entretenimiento de ese país. Fue seleccionado para protagonizar, junto a Joanne Woodward, la serie “The Streets of Los Angeles”; siendo esta la llave que le abrió las puertas de Hollywood.

Protagonizó “Flamingo Road”, serie en la cual permaneció por espacio de año y medio. En México, hay que resaltar su participación en filmes como: “La Virgen de Guadalupe”, “Mecánica nacional”, “El primer amor”, “El Desconocido”, “El Pacto”, “El hombre de los hongos” y “La güerra Rodríguez”, por mencionar algunas. Uno de los proyectos más exitosos fue cuando intervino, con el papel de George Mellis, el “Golden-Greek”. Protagonizó, junto a Karen Black, la serie de HBO “The Hitchhiker”; a la que sumaron títulos como “Murder She Wrote”, “Hart to Hart”, así como “Miami Vice”. Participó también en series como “Murder in Three Acts” y “The Alamo”, de la NBC. www.stageonemexico.com

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FESTIVALES/FICA

{SUPLEMENTO FICA}

CANTINFLAS

“AHÍ ESTA EL DETALLE” Por GERARDO GIL BALLESTEROS

EL ANALFABETO Una mañana de 1925, los diarios de la capital hacían las delicias de la conservadora sociedad mexicana de aquellos años, convulsionada por dos décadas de guerra civil, que rematarían a partir de 1926 con la cristiada que se prolongaría hasta el 28. Álvaro 88

Chapa, a quien se le seguía un juicio por un violento crimen, pedía tomar su defensa en mano propia y los periódicos consignaban el hecho. Ante el desconcierto del juez, abogados y público presente, Chapa soltó una disparatada defensa de sus motivos y razones para delinquir.


Conforme su argumentación avanzaba, lejos de indignar a los ahí presentes, terminó por hacerlos pasar un buen rato. Quizá el cinismo ante la autoridad, convirtió de forma momentánea a este hombre, en una especie de antihéroe. No es raro este hecho, si consideramos que esa autoridad que juzgaba al criminal Chapa, tenía a la sociedad mexicana en vilo, sin poder concluir del todo aún los reacomodos de poder que la revolución heredaba y estaba por llegar la Guerra Cristera, ante un México mayoritariamente católico. Un pivote entonces que servía de desahogo. Las carpas por aquellos años, servían también como forma para que el pueblo, tuviera un escape y si se quiere una forma de desquitarse de la clase gobernante. Aparecía excelentes comediantes, que en algunos casos saltarían al cine, por aquellos años aun silente y del cual México no daba frutos memorables. Pero dentro de este mundo de la carpa y el teatro, se formaban también, un grupo de creativos que con su ironía y humor cáustico contribuían a la formación del teatro de revista, un foro público, al alance de todos los bolsillos. Por aquellos años el joven Juan Bustillo Oro, quien a

la postre se convertiría en uno de los más importantes cineastas mexicanos, se desarrollaba como periodista y dramturgo. Esta experiencia, se vería reflejada en películas como El compadre Mendoza (1933) con guión de él y dirigida por Fernando de Fuentes y Acá las tortas (1951) ya siendo uno de los directores cinematográficos más importantes. El habla popular, se veía reflejado en su cine, que se hacía en su mayoría para regocijo de las masas y es precisamente el caso de Chapa la secuencia del juicio-, el cual retoma Bustillo Oro para la realización de Ahí está el detalle ( 1940), una de las películas que lanzarían a la fama a Mario Moreno “Cantinflas”. Pero mientras en 1925, el futuro director de cine alcanzaba prestigio como dramaturgo, un adolescente recorría con curiosidad las calles de la popular Santa María la Redonda. Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, nacido el 12 de agosto de 1911,hijo de un cartero, Pedro Moreno Esquivel y la ama de casa Soledad Reyes, probaría diversos oficios, entre los cuales estaba el de boxeador e incluso una breve alta en el ejército, de la cual su padre se encargó que desistiera. La economía familiar impidió que Mario pudiera es-

tudiar una carrera, sus padres en algún momento albergaron el deseo de que su hijo fuera médico, aunque él deseaba trabajar en los ferrocarriles, reflejo quizá de su arrojo y deseo de aventura.

EL CIRCO

La curiosidad del joven Mario Moreno y seguramente la necesidad, ya que su familia además de sus padres estaba formaba por ocho hermanos lo llevó a las carpas, en donde en un principio se desempeñó recogiendo los boletos de la entrada, pero también hizo contacto con los comediantes de la época, siendo Manuel Medel con quien tuvo más cercanía y con el que daría sus primeros pasos en el mundo

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FESTIVALES/FICA “AHÍ ESTÁ EL DETALLE”

del arte histriónico. Con Medel, formó una pareja que poco a poco alcanzaba una moderada fama entre el público carpero. Y es en esos años, que surge el nombre que lo inmortalizaría “Cantinflas”.En realidad, es difícil rastrear el origen del apodo, la versión más conocida, cuenta que en alguna presentación, Mario olvidó sus diálogos y comenzó presa de los nervios, a inventar frases sin coherencia, hasta que alguien del público le gritó en reclamo: “¡Cuanto inflas”! o “En la cantina inflas”, siendo la contracción de estas oraciones precisamente “Cantinflas”. En medio del ambiente de la carpa, donde el público, conformado en su mayoría por vecinos de las colonias aledañas, acostumbrado a confrontar o interactuar con los actores, la versión no parece estar tan alejada de la realidad. Estas situaciones de algún modo foguearon y le die90

ron tablas a Mario, quien en sus primeros años como actor, dentro del mundo carpero, salía al escenario con un esbozo de la situación argumental que representaría, pero sin diálogos definidos según el mismo le cuenta al periodista Marcos Cadena, de la revista Vea en la primera entrevista que se tiene consignada del comediante, publicada en 1935. Es en esas noches de espectáculo carpero que “Cantinflas” toma forma. Las influencias en donde Mario pudo haber tomado a su personaje, se ven reflejadas sobre todo en personajes de historieta como “Chupamirto” que apareció en la década de los veinte en el diario El Universal. La popularidad de las carpas se realizó de boca a boca, en un México -el de principios de los treinta- en el que se iniciaba un desarrollo como industria del cine mexicano, y del cual sería llamado “Cantinflas”, para formar parte gracias a su popularidad.

En 1936, Miguel Contreras Torres, realiza No te engañes corazón, filme que estelarizaría Carlos Orellana, más conocido como “Don Catarino” personaje también de historieta que apareció en los años veinte dentro del Heraldo de México y en el que llevaría en su elenco a Sara García. Este largometraje, fue la primera experiencia de “Cantinflas” en el cine, aunque no en un papel estelar, sin embargo, el peso escénico de Mario hizo que el público y la industria cinematográfica posara sus ojos en él. A esta incursión, le siguió Así es mi tierra, comedia ranchera , dirigida por el ruso Arcady Boytler, quien había tenido una colaboración con Serguei M. Eisestein para “¡Qué viva México! (1931). En 1938 realiza Águila o sol también dirigida por Boytler, filme de temática urbana en el que se recrean números de carpa y en el que lleva como compañero a su antigua pareja cómica Manuel Medel. Repetiría la pareja en El signo de la muerte (1939) dirigida por Chano Urueta, cineasta quien también convive a nivel creativo con Eisestein. En 1940, Juan Bustillo Oro y el ya famoso Mario


Moreno “Cantinflas” se unen para realizar uno de los filmes emblemáticos de la llamada Época de oro del cine mexicano, Ahí está el detalle, el filme una pieza de comedia de situación, tenía también, en los papeles estelares a Joaquín Pardave y Sara García.

SU EXCELENCIA

Es a principios de los años cuarenta y con la coyuntura de la Segunda Guerra Mundial cuando la industria cinematográfica nacional, realiza algunos de sus filmes más emblemáticos, y en donde surge una de las principales aportaciones de Hollywood, el “Star sistem”, con estrellas como Jorge Negrete, Joaquín Pardave, Pedro Armendáriz, Arturo de Córdova, Dolores del Río, además de Pedro Infante y Germán Valdés “Tin Tan”, encabezados por la ya superestrella en la que se había convertido “Cantinflas”. El gendarme desconocido (1941), filme que por cierto compartió cartelera con “Ay Jalisco” no te rajes que impulsó la carrera de Jorge Negrete, se convierte rápidamente en un éxito y es anunciado de forma espectacular en las carteleras de los periódicos, es también la primera vez en la que se maneja la mancuerna entre el director Miguel M. Delgado, que además debuta con este

película y “Cantinflas”. Miguel M. Delgado, realizaría en su conjunto la filmografía más importante de “Cantinflas” y de hecho, estaría presente en las diferentes etapas que el comediante tuvo a lo largo de su carrera. Desde parodias como Los Tres Mosqueteros (1942) o Romeo y Julieta (1943) y trabajos como Un día con el diablo (1945) o bien, A volar joven (1947), hasta una segunda etapa del comediante, en la que deja la gabardina para hacer un humor más ascético. Dentro de estos trabajos se pueden citar, El padrecito (1964) o El señor doctor (1965). A pesar de esta etapa, las películas de “Cantinflas” tenían un factor común, ser un imán en taquilla, con la ventaja de que en no pocas ocasiones, eran reestrenadas poco tiempo después y tenían muy buen éxito en los cines.

POR MIS PISTOLAS

Dos anécdotas reflejan el cambio que se antoja lógico, para un hombre nacido en una colonia popular de la Ciudad de México y que alcanza la cúspide en el mundo del espectáculo mexicano: “Aquí no se admiten pachucos porque me caen gordos” se lee en la peluquería del barrio de la cual “Cantinflas” es el dueño en el filme Si yo fuera diputado (1952), por aquellos, la popularidad en la taquilla era disputada con Germán Valdés “Tin Tan”, quie ya había filmado algunos de sus éxitos más sonados, como El rey del barrio (1949) y Ceniciento (1951) ambas dirigidas por Gilberto Martínez Solares. El encuentro entre los dos “monstruos” de la comedia mexicana se percibía, encuentro que nunca se dio en el celuloide. La otra anécdota tiene

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FESTIVALES/FICA que ver con asuntos incluso de índole política, que reflejan incluso un poco de malicia en el llamado también “Mimo de México”: A finales de 1952, Jorge Negrete se desempeñaba como Secretario General de la ANDA, el “Charro cantor” fue entonces promovido por algunos compañeros para que se reeligiera en el cargo, “Cantinflas” decide confrontarlo. El asunto pudo haberse quedado en la índole de una competencia sindical interna, hasta que en el juego entró la actriz Leticia Palma. Según consignan las crónicas de la época, la actriz acudió a las instalaciones de la ANDA por un problema laboral, solicitó unos expedientes que por reglamento no podía sustraer, Palma decide sacarlos de las instalaciones de la asociación armando un alboroto, Negrete quien se encontraba en su oficina, salió para ver que pasaba, pero ya no pudo presenciar el escándalo. Unos días después, Negrete lee en los periódicos que Palma lo acusa de haberla golpeado en las instalaciones de la ANDA. El asunto se mantuvo un buen rato en los periódicos nacionales, y llegó incluso hasta una asamblea interna, en la que la defensa de Palma la tomó, “Cantinflas”. Todo ante compañeros artistas y medios de comunicación, algunos, según se dice, paga92

dos por el “Mimo de México”, con el fin de desprestigiar al “Charro cantor” con miras a las elecciones internas. Como sea, poco tiempo después, Palma reconocería que todo fue una mentira, ocasionando que la industria le cerrara las puertas a la joven actriz.

EL MINISTRO Y YO

En un escena de El señor doctor (1965) “Beto” un niño enfermo le dice al “El Doctor Salvador” (“Cantinflas”), mejor conocido como “Chava”, quien lo atiende: “Cuando sea grande quiero ser soldado”. Eran pues los inicios del sexenio de Gustavo Díaz Ordaz. Esta escena puede ser una radiografía de lo que para muchos es el cambio más importante que experimentó “Cantinflas” en la pantalla, un personaje que a partir de los años sesenta maneja un discurso conservador y que dista del retrato del “peladito” que viene o tiene sus orígenes en el campo y no se adapta aun a la vida urbana. “El Cantinflas” de estos filmes pondera labores o posiciones que cuidan o representan lo establecido, es un personaje si se quiere conservador, que lo mismo es un honesto burócrata o un servicial y alegre barrendero. Otro ejemplo, de la ten-

dencia de esta etapa -que se prolongaría por poco más de dos décadas- se ve en El patrullero 777 (1978), en el que “Cantinflas” retoma su personaje de policía honesto y se da el lujo de sermonear a hippies y “juniors” para encauzarlos. En realidad la coyuntura social de la película es lo que llama la atención. La película, fue filmada cuando la imagen de policía quería ser limpiada y por cierto el jefe de la institución era Arturo Durazo Moreno. Mario Moreno, llegó a llamar a esta etapa como una evolución en la escala social de su personaje, del “peladito” al burócrata, maestro, policía o médico Anterior a esta etapa, se encuentra sus dos incursiones en el cine norteamericano, que no lograron penetrar con fortuna en el público estadounidense: La vuelta al mundo en 80 días (1956) dirigida por Michael Anderson y protagonizada por David Niven en el papel de “Phileas Fogg” y en donde “Cantinflas” hizo el papel de “Passpartout” el mayordomo del millonario excéntrico. Renglón aparte merece Pepe (1960), largometraje, en el que “Cantinflas”, retoma de algún modo su perso-naje de “peladito” pero sin el aire contestatario de su primera etapa, para presentar a un mexicano torpe y abyecto ante los norteamericanos. En


ambos filmes, hay un elenco de primer nivel, En la vuelta al mundo en 80 días aparecen estrellas como Fernadel y Charles Boyer, en Pepe, Bing Crosby, y Shirley Jones. Para fortuna de “Cantinflas” ninguno de estos largometrajes es recordado por la gran mayoría de la gente.

EL SIGNO DE LA MUERTE

En diciembre de 1992, el entonces presidente de México Carlos Salinas de Gortari, recibía a un Mario Moreno ya muy mermado en su salud, “Cantinflas” tenía 81 años y no perdía el humor al alternar con el político mexicano. Al citar Salinas alguna de sus películas, el comediante murmuraba ante el festejo de los ahí reunidos: “Hay que cobrarle, hay que cobrarle”. El 20 de abril de 1993, “Cantinflas” moría en su casa de la ciudad de México, dejando un legado cultural para México y Latinoamerica. Hoy en día, el verbo “cantinflear” es reconocido por la Real Academia de la Lengua Española y sus filmes son vistos por millones de personas alrededor del mundo.

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TEATRO

ARTE & ESCENA

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TEATRO ESTRENO

{GALARDONADO}

APOLOGÍAS SOBRE

LAS COSAS EXTREMAS mitos contemporáneos en el teatro mexicano Fausto, Caín y Michael Jackson a escena Por LAURA MUÑÓZ FOTOS DE ALDO DOWERMAN

El 2 de diciembre de éste año se estrenñó en el Teatro Salvador Novo del Centro Nacional de las Artes Apologías sobre las cosas extremas, un programa doble que incluye las obras Fausto in Fausto o conversaciones de Michael Jackson ante el cráneo del hombre elefante y Caín, ambas obras escritas por Javier Márquez y dirigidas por Sixto Castro Santillán

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Javier márquez:

“Apologías… es una cosa bastante rara. Realmente la primer obra tanto que escribí como que Sixto estrenó fue Caín. La obra fue escrita en 20082009 y fue finalista del Premio Nacional de Dramaturgia Joven, aunque nunca me quedó claro por qué fue finalista pues parte del jurado decía que no era teatro. Caín parte de la canción homónima de Alejandro Filio y se terminó de construir en un taller con el dramaturgo chileno Marco Antonio de la Parra, quien dijo que era un poema dramático. Creo que es difícil describir mis textos pero si tengo que hacerlo digo que Caín es una defensa de éste personaje bíblico tan castigado por la moral religiosa pues fue dios quien eligió a Abel. A su vez se trata de ese conflicto de no ser el hijo predilecto de los padres. La historia es la misma Caín mata a Abel pero lo que nos proponemos


es exponer ese punto tan olvidado, el punto de Caín. Sixto logra una genialidad en escena pues explota toda la violencia y humor del texto con estéticas cinematográficas como las de Tarantino y Lynch. De hecho hay una escena homenaje a Perros de reserva. Por otra parte, Fausto in Fausto o conversaciones de Michael Jackson ante el cráneo del hombre elefante- me encanta el segundo título- es una obra escrita expresamente para Sixto. Desde hace año y medio hablamos del proyecto pero yo estaba con mucho trabajo y ahí quedó, luego me enteré que empezó a trabajar él solo con actores. Luego del estreno de Caín me pidió que le escribiera un Fausto. Le dije que lo platicáramos y me dijo que estrenaba a finales de éste año, lo que me dejaba con muy poco tiempo para escribir. Le pregunté si tenía problemas con hablar de Michael Jackson. Él dijo que no. Acepté. Él ya tenía todo el diseño de producción hecha, así que me cerní a su estética que él llamó Freak Show versión Camp. La idea de tratar el tema de Michael Jackson surge – además de mi fanatismo por el Rey del Pop- desde la reflexión que hace Baudrillard en su libro La transparencia del mal donde habla de Jackson como un mutante solitario que fue capaz de cumplir todos sus sueños

para modificarse. La máquina deseante perfecta. Pienso que los griegos y romanos tocaron los temas de su mitología popular, Shakespeare retomó las vidas de los reyes británicos y Heiner Müller las leyendas de la Segunda Guerra Mundial, así que tocar a Michael Jackson en una obra de teatro es retomar nuestros mitos populares contemporáneos, mitos que nos hablan desde nuestro propio lenguaje. Poner a un personaje tan gastado como Fausto ante el fenómeno que sigue siendo Michael hizo detonar la obra hacia una exposición sobre el ser humano como máquina deseante siempre insatisfecha. Es una obra sobre las satisfacciones y más sobre los fracasos de desear. Del montaje he visto 15 minutos de ensayo y las fotografías así que no puedo hablar mucho, pero conociendo a Sixto será un trabajo bastante sólido y disfrutable escénicamente. Apologías sobre las cosas extremas se presenta en el Teatro Salvador Novo del Centro Nacional de las Artes del 2 al 18 de diciembre. Viernes y Sábado 19 hrs. Domingos 18 hrs. Río Churubusco y Tlalpan Col. Country Club. Localidad $100 (descuento a estudiantes, maestros e INAPAM con credencial) Boletos en Ticketmaster mas cargo por servicio.

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TEATRO RESEÑA {6 MUESTRA DE ARTES ESCÉNICAS}

LA SANGRE DE LAS

PROMESAS EL DOLOR Y LA ESPERANZA Por erick suaste molina

La infancia es un cuchillo clavado en la garganta. Desde esa época, se forjan en nuestra vida los sueños y las promesas, pero muchas veces, habremos de atravesar pesadillas que parecen interminables, para al final hallar un sentido a nuestra existencia. De eso y más nos habla la obra de Wajdi Mouawad.

En el marco de la 6ª

muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México, que se llevó a cabo del 9 al 27 de Noviembre de 2011, se realizó el estreno de LITORAL, obra de teatro escrita por Wajdi Mouawad, autor de origen libanés, nacionalizado canadiense. Cuando supe de su estreno, me invadió una profunda emoción e inmediatamente realicé mi acreditación de prensa, lo cual me hizo una persona bastante afortunada, pues lo que vi los siguientes días, durante el seguimiento a la presentación de la tetralogía LA SANGRE DE LAS PROMESAS, fue de verdad asombroso. Asistí a la función del 10 de Noviembre, un día después del estreno para prensa, y en las afueras del Teatro de las Vizcaínas había una fila de al menos 100 personas. Gracias a la codiciada acreditación, logré entrar 98

sin problema alguno, no así los demás espectadores, pues sólo se repartieron 70 fichas para acceder a la obra, quedándose muchos con las ganas de verla. Pero más impresionante fue lo sucedido la semana del 14 al 18 de Noviembre, cuando se exhibieron INCENDIOS y BOSQUES en el teatro Benito Juárez. Para INCENDIOS, la gente se formó desde las 11 de la mañana, la fila se extendía desde la entrada del teatro hasta el monumento a la madre y los boletos, según el personal de vigilancia, se repartieron a las 5 de la tarde, una entrada por persona formada y no todos lograron entrar. Para BOSQUES, las personas se formaron el día jueves 17 desde las 9 de la mañana; por la tarde, a eso de las 4, pregunté si sería posible adquirir boletos para la presentación del viernes, a lo que el vigilante en turno respondió, “si mañana se forma desde las 7, puede que sí”. ¿Cuál es la fascinación por la obra de Wajdi Mouawad? Sus obras, dirigidas en México por Hugo Arrevillaga, se han convertido en un fenómeno teatral y una experiencia arrebatadora a la cual una gran cantidad de personas desea asistir, y así lo constaté durante su presentación en la muestra de Artes Escénicas, todos haciendo fila desde temprano deseando ganar uno de los aproximadamente 70 lugares por función. Incluso cuando ya se habían repartido todos los boletos, la gente seguía formada, con la esperanza de que algún invitado de prensa no


llegara o alguien desistiera después de tanta espera, para así poder tomar su lugar. Sólo 10 entradas llegaban a liberarse. ¿Qué hay detrás de LA SANGRE DE LAS PROMESAS, que el público se ha prendado de ella? Historias de infancias ultrajadas, cuentos sobre los horrores de la guerra, tragedias familiares y una búsqueda incesante para obtener la respuesta a la pregunta sobre la que versa esta tetralogía (y que sin duda, nosotros no lo hemos preguntado): ¿cuál es el sentido de nuestra existencia?

UN VIAJE AL INTERIOR DE LA CONCIENCIA Wajdi Mouawad nació en Líbano el año de 1968 y su formación la obtiene por parte de la Escuela Nacional de Teatro de Canadá, cuya educación concluye en 1991. Como dramaturgo, cuenta con al menos 12 textos, pero su éxito internacional lo debe a Le sang des promesses (Forêts, Littoral, Incendies, Ciels), escritas entre los años 1999 y 2009. Conocidas en la escena teatral mexicana con el nombre de INCENDIOS, BOSQUES y LITORAL, la tetralogía es representada por la compañía teatral Tapioca Inn, la cual ha adaptado nueve de las obras de Mouawad y su miembro fundador y director artístico, Hugo Arrevillaga, funge como director de los montajes. Es necesario destacar que la vida de este autor fue marcada por un acontecimiento que repercute en su modo de ver al mundo y por supuesto, en el contexto de la tetralogía: en el año de 1977, sus padres huyeron de Líbano a París, acosados por los conflictos civiles que asolaron a su país de

origen hasta finales de los años 90. En 1983, se establecieron en Quebec, por esa razón existe constantes referencias al contexto histórico canadiense, pero sobre todo, la fuerte presencia de un país en guerra, que aunque no se menciona explícitamente dentro de las obras, se logra inferir que es Líbano. En México, la adaptación de LA SANGRE DE LAS PROMESAS se inició en 2006, cuando se montó por primera vez LITORAL, así pues, se trata más de un reestreno, pero por una situación personal, Arrevillaga detuvo el proyecto. Se ha representado en Inglaterra, Estados Unidos, Canadá y Francia, y en Sudamérica ya se trabaja en su traducción, pero hasta el momento, Tapioca Inn son quienes han mostrado hasta la fecha, las únicas versiones en habla hispana. Tras la primera producción de LITORAL, en 2006, la compañía reanudó la presentación de la tetralogía hace dos años, con INCENDIOS, la cual inmediatamente tuvo una respuesta más que amable por parte de la audiencia y crítica, colocándola como una de las mejores obras de teatro representadas en nuestro país en años. De ese fenómeno, se ha desprendido el interés del público por conocer la obra del autor canadiense.

EL DISCURSO DE LA TRAGEDIA Escribe Wajdi Mouawad que “desde siempre se le ha pedido a cada generación interrogarse sobre las grandes preguntas de nuestra existencia. Litoral viene de ese deseo, intentar despertarnos de nuestra vida adormecida”. Las anteriores son palabras que describen no sólo a LITORAL, sino a las tres primeras partes de la te-

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TEATRO RESEÑA tralogía. Si bien su contexto bélico es importante, es telón de fondo para expresar que nuestras dolencias emocionales surgen a raíz de las tragedias vividas en la infancia, todas relacionadas con la ausencia de una figura paterna (en el caso de LITORAL) o materna (INCENDIOS, BOSQUES). LITORAL es el texto más conocido del autor, estrenado el año 2000, haciéndose acreedor al premio Gobernador General de Canadá en la categoría de teatro y posteriormente, adaptada al cine en 2004 por el propio Mouawad. La reposición de este año es protagonizada por Guillermo Villegas, Pedro Mira, Rebeca Trejo, Alejandra Chacón, Adrián Vázquez, Miguel Romero, Sonia Franco y Tomás Rojas; la mayoría de ellos también actúan en INCENDIOS y BOSQUES. Aunque reestrenada al final, es en realidad el inicio de la travesía. La obra de Mouawad se basa mucho en las tragedias griegas, en BOSQUES por ejemplo, hay referencias a la historia de Clitemnestra e INCENDIOS bien podría ser una versión modernizada de Antígona. Así pues, en LITORAL se construye un relato sobre la desdicha, el abandono, la soledad, amistad y amor, partiendo de la lectura de Edipo. Es la historia de Wilfrid un joven que recibe la noticia de la muerte de su padre, con quien la mayoría de su infancia no tuvo apego. Ante la negativa de la familia de enterrar el cuerpo de su padre junto al de su madre, pues creen que él es responsable de su muerte, Wilfrid decide viajar al país de origen de su progenitor para darle sepultura; pero en esa tierra, la guerra ha dejado los cementerios llenos y el joven deberá buscar lugar junto a un puñado de complejos personajes, que también han perdido a su padre (o alguien cercano) debido a los horrores de esa guerra (la innombrable).

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Pocos son los calificativos para alabar la constante flexibilidad narrativa del autor, cuyas escenas, tanto en esta obra como en las siguientes, son de un ritmo casi cercano al cine. Enorme dificultad ha tenido Hugo Arrevillaga para dirigir tales secuencias, apelando al pasado y presente, juntos en una misma escena donde se resuelven conflictos que pudieran tomar horas en desarrollarse. Así como en LITORAL, la segunda entrega INCENDIOS, trabaja sobre el mismo eje temático, pero transfiriéndolo a la ausencia de la madre y la violencia tortuosa contra la mujer, no por hacerla víctima, sino para remarcar su fuerza: INCENDIOS, también exhibida dentro de la muestra, lleva dos años siendo un verdadero éxito en la cartelera mexicana. Escrita en 2003, el texto fue adaptado al cine precisamente este año, dirigida por Denis Villeneuve (en México se le conoció como “La mujer que cantaba”). La versión mexicana de la obra es protagonizada por la brillante Karina Gidi, en el papel de Nawal, una mujer que al morir deja a sus hijos (gemelos) un mandato: buscar al padre que ellos creían muerto, y al hermano del que desconocían su existencia. Cuando ambos hermanos emprenden la búsqueda, descubren un trágico secreto acerca del pasado de su madre, el cual les hace comprender el rechazo de Nawal hacia ellos. INCENDIOS recién realizó una exitosa temporada dentro del Foro Shakespeare de Septiembre a Octubre de este año, bajo el respaldo del actor y productor Diego Luna, pero ya antes se había presentando en el teatro Benito Juárez y El Granero, siendo de hecho, la más reconocida por el público. Aquí como LITORAL, se explora la idea de las tragedias personales generadas en la infancia y transmitidas de generación en generación al punto de consumir familias enteras,


y quizá sociedades, por ello la insistencia de Mouawad en “cortar el hilo de la rabia” para despejar nuestros miedos, para ser mejores seres humanos. El caso de BOSQUES es realmente formidable y es, confieso, el que llama más mi atención, por ser más compleja en su entramado, más triste, pero a la vez, más llena de esperanza. Escrita en 2007 y estrenada en México en julio pasado, nos narra la historia de Lobo (la espléndida Sonia Franco), una chica que hurga en el pasado de su madre, Amada (una apabullante actuación de Úrsula Pruneda) para hallar la respuesta a la extraña enfermedad que la mató, remontándose seis generaciones atrás, encontrando en las vidas de todas las mujeres relacionadas a ella, una historia de violencia y una promesa rota. Vale la pena esa mención, pues también sobre ello versa la obra de Mouawad, sobre las promesas sin cumplir. BOSQUES, de tres horas y media de duración, es sin duda la más complicada, pero la que mejor pone de relieve la idea central de la tetralogía: la infancia es un cuchillo, si, pero removerlo de nuestra conciencia significa abrazar a la vida, a nuestra humanidad. Todo el trabajo de dirección de Hugo Arrevillaga es meritorio, pero en este caso, se merece más que un aplauso de pie, al saber conjugar los recursos narrativos del flashback con la historia de personajes actuales, además de llevar la experiencia del teatro arena, a un nuevo nivel de tensión e intimidad, lo cual hace al espectador soltar más de una lágrima. No muchos directores logran transmitir sentimientos a esa magnitud.

DE LA IDENTIDAD Y LA GUERRA Escribe Hugo Arrevillaga acerca de INCENDIOS que la obra “resulta ser un grito de dignidad, de rabia que se opone a la guerra atroz que ejerce la violencia como respuesta

a la violencia. En un contexto bélico como el que lamentablemente vivimos hoy día (México, Líbano, Afganistán, Irak), serán los valores fundamentales del ser humano los que le ayudarán en su sobrevivencia, como se plantean en esta obra: amistad, sensibilidad, generosidad, solidaridad, necesidad del conocimiento, el amor y la dignidad”. Sus palabras hacen referencia a la segunda parte, pero bien describen a la tetralogía completa: LA SANGRE DE LAS PROMESAS es un discurso sobre la guerra y la identidad, de cómo el contexto de nuestro país de origen afecta directamente el rumbo de nuestra vida personal y desenvolvimiento social, pero sobre todo, son historias de valores, con una lección importante: en un mundo caótico, ¿qué elegiremos ser? ¿Optaremos por el camino de la violencia o por nuestra sensibilidad ante la gente? Ahí donde Mouawad escribe sobre la condición sentimental del ser (desde su maldad hasta su humanidad), enmarcada en un contexto de violencia, halla su punto de encuentro con el interés de Arrevillaga y la compañía Tapioca Inn por adaptar su obra: la de buscar en nuestro pasado las raíces de nuestra existencia, la de encontrar en nuestra historia, aquello que nos ha definido como sociedad y ha cambiado nuestro futuro; ahí donde Mouawad habla sobre guerra y dolor, está nuestro sentir: ahora más que nunca, libramos una batalla con la maldad .

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