Bollettino di Spazio Cordis #10 Simona Andrioletti_DEFENCE

DEFENCE

SIMONA ANDRIOLETTI

* SPAZIO CORDIS * N.10 * ottobre/dicembre 2021

14 OTTOBRE - 14 DICEMBRE 2021

Edito da / Edited by Spazio Cordis Via Andrea Doria 21A 37129 Verona (IT)

Presidente / President Alberto Geremia Consiglio direttivo / Governing Board Simone Frittelli Paola Parolin Andrea Mion Direzione artistica e curatela mostre / Artistic Direction and Curatorship Jessica Bianchera Fotografie / Photographs Cosimo Filippini Jonas Höschl Riccardo Rudi Filippo Tommasoli

Ringraziamenti / Acknowledgements Jonas Höschl, Manuel Marini, Felix Naumann, Riccardo Rudi Comunità Parsifal / Parsifal Community Giorgia Barbirato, Capoghetto (Nicky Tessarini), Alim Colisnicenco, Alessandro Fadda, Bader Gliba, Sofia Gordin Comunità San Zeno che ride / San Zeno che ride Community Dilowar Hussain, Arjet Mena, Armond Mena, Kasem Mia, Rumon Mia Educatori / Educators Stephen B. Appiah, Elena Bellorio, Davide Briani, Michela Fasoli, Michele Iseppi, Federica Pasetto, Manuela Tabarini

Progetto grafico / Graphic Design Sindi Karaj

Ayson and Gennaro Vilardi

Traduzioni / Translations Debora Marcucci

Aziende / Companies Tel Car snc, GM Grafica e stampa, 2Più snc

Collaborazione redazionale / Editorial Assistance Valentina Rigotti Stampa / Print Pressart s.r.l.

* EDITORIALE #10 * di Alberto Geremia Tra tutti gli artisti che hanno esposto a Spazio Cordis, Simona Andrioletti è stata quella che senza ombra di dubbio si è più “impadronita” dello spazio e la prima a portare la mostra all’esterno, occupando le vetrine con la scritta “DEFENCE” fatta con la bomboletta spray.

Mi hanno impressionato la pervasività della violenza nella nostra quotidianità e il livello di assuefazione che abbiamo raggiunto, tale da farci apparire in fondo inevitabili e “normali” i soprusi che subiamo o compiamo nei confronti di noi stessi e degli altri.

Di fronte alla malvagità, all’ignoranza e alla cattiveria che permeano le nostre vite, ci troviamo sempre più spesso a essere spettatori passivi e indifferenti, come se fosse un film o non ci riguardasse.

L’impatto su Spazio Cordis è così forte che sulle prime mi sono chiesto come sarebbe stato possibile riportare poi il tutto alla normalità: Simona ha trasformato le sale in un vero e proprio campo da calcio, ha portato locuste vive e scatole di petardi avvolti dalle domande, incredibili e infamanti, rivolte dagli avvocati della difesa alle due ragazze americane violentate a Firenze nella notte tra il 6 e il 7 settembre 2017 da due carabinieri in servizio.

All’inizio, le ragioni di questa “invasione” degli spazi mi risultavano incomprensibili. Mi è venuta in aiuto la visione del video Defence.

What do you do with your anger?, da cui la mostra nasce e che sarà proiettato all’ingresso: si tratta di un collage di filmati di persone che cercano, in modi diversi ma inutilmente, di difendersi da situazioni di sopraffazione.

La messa a nudo degli aspetti più sottaciuti e meno gradevoli dell’umanità operata da Simona rifugge l’indolenza e l’apatia;

il suo lavoro si inserisce nel dibattito sul ruolo dell’arte nella società contemporanea, interrogando le possibilità che essa ha di attivare trasformazioni sociali e dare luogo a immaginari ed estetiche diverse, che privilegiano l’esperienza e il dialogo. Mi piace pensare che il campo da calcio, sovente catalizzatore di comportamenti violenti e aggressivi, possa rappresentare anche una possibilità di azione costruttiva e recuperare il valore di luogo di aggregazione e formazione: un prato verde dove “mettersi in gioco” contro l’ignoranza, i soprusi, la stupidità. Il pallone, in fin dei conti, è nascosto dietro la parete mobile al piano terra di Spazio Cordis. Come per la sapienza, “Chi si leva per essa di buon mattino non faticherà, la troverà seduta alla sua porta”. (Sap 6,12-16)

* EDITORIAL #10 *

by Alberto Geremia Of all the artists who exhibited at Spazio Cordis, Simona Andrioletti was undoubtedly the one who most “took possession” of the space and the first one who moved the exhibition outside, with the word “DEFENCE” made with the spray can on the windows.

The impact on Spazio Cordis has been so strong that at first I wondered how it would be possible to bring everything back to normal: Simona transformed the rooms into a real football field, brought live locusts and boxes of firecrackers wrapped in incredible and infamous questions, addressed by the defence lawyers to the two American girls raped in Florence on the night between 6 and 7 September 2017 by two Carabinieri on duty.

Initially, the reasons for this “invasion” of space were incomprehensible to me. Defence. What do you do with your anger? came to my aid, a video from which the exhibition originated and which will be

screened in the entrance hall: it is a collage of films of people who try, in different ways but in vain, to defend themselves from situations of oppression. I was struck by the pervasiveness of violence in our daily lives and the level of habituation we have reached, to such an extent that the abuses we suffer or commit against ourselves and others seem inevitable and “normal”. In the face of the wickedness, ignorance and vileness that permeate our lives, we find ourselves more and more often to be passive and indifferent spectators, as if it were a film or it didn’t concern us.

The exposure of the most unspoken and less pleasant aspects of humanity presented by Simona shuns indolence and apathy; her work is part of the debate on the role of art in contemporary society, questions its opportunities to activate social transformations and gives rise to different imaginaries and aesthetics, which favour experience and dialogue. I like to think that the football pitch, often a catalyst for violent and aggressive behaviours, can also represent a possibility of constructive action and could recover the value of a

place of aggregation and training: a green lawn where one can get involved against ignorance, abuses, stupidity. After all, the ball is hidden behind the movable wall on the ground floor of Spazio Cordis.

As for wisdom, “He who rises early to seek her will have no difficulty, for he will find her sitting at his gates.” (Wisdom 6: 12-16)

* SIMONA ANDRIOLETTI_DEFENCE * di Jessica Bianchera

“Si possono fare molti usi delle innumerevoli opportunità che la vita moderna fornisce per guardare – a distanza, attraverso il mezzo fotografico – il dolore degli altri.

Le fotografie di un’atrocità possono suscitare reazioni opposte. Appelli per la pace.

Proclami di vendetta. O semplicemente la vaga consapevolezza, continuamente alimentata da informazioni fotografiche, che accadono cose terribili.”

(Susan Sontag, Davanti al dolore degli altri, Milano, nottetempo, 2021, p.23) Sfogliando i quotidiani, guardando i telegiornali, camminando per strada o navigando nel web, le “opportunità”, come dice Susan Sontag, di trovarci “davanti al dolore degli altri” sono moltissime: distruzioni, bombardamenti, violenze su uomini e donne, guerre, pandemie, disastri ambientali, aggressioni, invasioni, episodi di violenza esplicita o subdolamente mascherata. Nelle società contemporanee, in cui i mezzi di informazione hanno un ruolo centrale, il dolore degli altri è “uno spettacolo” all’ordine del giorno. Quale effetto produce su di noi il dolore degli altri? Si tratta effettivamente di qualcosa estraneo da noi, che non ci riguarda? Che ruolo riveste l’immagine nel documentare e comunicare la pervasività degli innumerevoli episodi di violenza pubblica, privata, singolare, collettiva, sistemica?

Riusciamo a entrare in diretta empatia con il dolore degli altri o ne siamo ormai profondamente assuefatti? Nel suo libro la Sontag si interroga sul modo in cui le immagini influenzano la nostra percezione di quanto accade, formano le opinioni comuni, inducono a contrastare i conflitti bellici o a sostenerli. Dalla guerra civile spagnola a Dachau a Auschwitz, dalla Cambogia alla Bosnia al Rwanda all’11 settembre: Sontag si sofferma sulle immagini che hanno assunto valore emblematico e mostra come hanno condizionato le nostre idee, le nostre credenze, le nostre passioni, la nostra percezione

della società civile e del ruolo che svolgiamo in essa. Con lei e dopo di lei molti si sono interrogati e si interrogano sulla relazione tra violenza, immagine e informazione, spostando sempre più il baricentro dell’attenzione dai fatti alla loro elaborazione estetizzante o narrativa, alla strumentalizzazione dell’immagine che diventa mezzo per la costruzione di precise narrazioni. Esiste un’intera tradizione della cosiddetta “estetica della violenza” che interessa la storia, la politica, la cultura di massa, il cinema, l’arte, dai sistemi di propaganda ai reportage giornalistici alla fiction, con ampi margini di sovrapposizione tra questi, complicando sostanzialmente la nostra capacità di distinguere la realtà dalla finzione, di reagire emotivamente e di agire fattivamente se messi in relazione con episodi e situazione di violenza. C’è chi assiste a episodi di violenza con il cellulare in mano, per immortalare la scena; c’è chi semplicemente non è più in grado di riconoscerla; c’è chi reagisce con lo stesso mezzo e uguale misura alimentando il concatenarsi e il diffondersi di dinamiche di sopraffazione; c’è chi non conosce alternative alla violenza perché ci vive e ci è cresciuto ed è l’unico linguaggio che gli è stato da sempre proposto per relazionarsi al mondo.

DEFENCE è uno stato di necessità, un invito a guardare davvero: viviamo in un mondo che ignoriamo più o meno consapevolmente al fine di preservare uno stato di quiete apparente mentre fuori infuria la tempesta. È questo lo strumento di miglior difesa che siamo in grado di mettere in campo? È la violenza intrinsecamente insita nella natura umana? Esiste una giustificazione alla violenza? Come ci si difende quando sembra che il mondo intero stia implodendo su stesso? Quali saranno le conseguenze dei fatti che stiamo ignorando oggi? Simona Andrioletti non fa che porci domande, che collocarci davanti ai fatti, quegli stessi fatti che cerchiamo con impegno di ignorare, per raccontarci una realtà non edulcorata in cui non esiste sostanziale differenza tra la potenza devastatrice di un’invasione di cavallette come quella avvenuta nel Corno d’Africa nel 2020, secoli di sopraffazione colonialista più o meno esplicita, depauperazione delle risorse da parte dei paesi cosiddetti “avanzati”, turismo voyeuristico per super ricchi in paesi in cui la popolazione muore di fame (Greetings from Kenya to Europe). Così come altrettanto indifesa e fragile si presenta l’esistenza di un’intera generazione che ha ereditato dalle precedenti un mondo in piena crisi ecologica ed economica in cui non esistono certezze e in cui l’adolescenza è privata di quella spensieratezza che gli adulti sommariamente assegnano

a questa fase della vita: giovani che crescono senza una guida e un punto di riferimento, vittime di violenza o cresciuti in contesti violenti, o più semplicemente pervasi da una sensazione inafferrabile di mancanza di senso, aggravata da due anni di isolamento e pandemia, senza altro rifugio che la dimensione virtuale e fittizia del web. Dai macroeventi al sottile incrinarsi delle emozioni, non c’è difesa e non c’è appello.

Il nucleo tematico e concettuale del lavoro di Simona Andrioletti per DEFENCE si materializza nei 10 minuti e 42 secondi di Defence. What do you do with your anger?, un collage di found footage in cui assistiamo al susseguirsi di immagini che documentano situazioni di sopraffazione fisica, emotiva e ambientale. La violenza che infuria nella potenza devastatrice della natura e quella che si scatena immotivatamente e senza alcun senso sugli spalti di uno stadio gremito di gente; la lotta di due bambini nella piscina di casa a cui chi filma assiste impassibile e il senso di autodistruzione di un uomo che in pochi minuti trangugia intere bottiglie di vodka; la folla in delirio che perde il controllo durante un rave e una rissa tra due ragazzini che si massacrano di botte sotto lo sguardo divertito di chi con il cellulare registra la scena; l’esplosione di un ponte in un boato fragoroso e le parole amare di Umberto Galimberti: “Se guardo avanti, il futuro non è più una promessa ma è una minaccia e allora io vivo il presente in presa diretta 24 ore su 24 dando espressione a tutta la mia forza e a tutta la mia potenza, e mi anestetizzo dallo sguardo sul futuro per non andare in angoscia, per non assaporare quotidianamente la mia insignificanza sociale”.

HOW TO DEAL WITH IT ?

Questo immaginario complesso esplode e si moltiplica nello spazio della mostra attraverso immagini, simboli e feticci che non hanno nulla a che vedere con quella “estetica della violenza” di cui si accennava ma, anzi, si allontanano il più possibile dal perverso desiderio di provocare un piacere estetico che ossessivamente il pubblico chiede all’oggetto artistico. La mostra si costruisce piuttosto come un dispositivo carico di rimandi più o meno espliciti o sottesi che parte prima di tutto dal gesto dissacratorio sulla vetrina, vandalizzata con la scritta “DEFENCE” su tutta la sua estensione, e si sviluppa all’interno con una profonda trasformazione degli spazi.

Il piano terra, rivestito con erba sintetica e disseminato di elementi che provengono dal mondo calcistico, rievoca la competitività dello sport che da contesto ludico e aggregativo si trasforma in occasione di scontro violento (Verona e la sua curva estremista dell’Hellas ne sanno qualcosa). Una valenza doppia per questa porzione di campo, che dalle devianze dei grandi stadi sposta l’attenzione sui campetti di quartiere, spesso unico luogo di aggregazione giovanile. L’indagine sulla condizione esistenziale dei ragazzi in età adolescenziale si configura come uno dei temi dominanti della mostra e della ricerca della Andrioletti, la quale ne osserva e ne studia le dinamiche di relazione anche attraverso laboratori, workshop e progetti condivisi che le permettono di entrare in dialogo diretto e non mediato con quelle generazioni e quei contesti sociali che più meriterebbero attenzione e che spesso vengono meno considerati. Ave Maria (Thinking of Caravaggio) e Stella Magazine (realizzati rispettivamente con la collaborazione di Riccardo Rudi e Jonas Höschl – Felix Naumann, secondo una prassi collaborativa di ibridazione delle pratiche e contaminazione di linguaggi che è tipica del lavoro dell’artista) nascono proprio da un contesto laboratoriale realizzato a Verona con i ragazzi di alcune comunità e centri di aggregazione per ragionare sulle pratiche artistiche partecipative, la gestione della rabbia, la cultura come strumento di riscatto sociale che ha portato a un reciproco scambio di valori e prospettive con particolare attenzione per le subculture del web, dei social, della musica e della cultura trap come

strumenti di espressione di un disagio umano ed esistenziale che giace invisibile e inascoltato eppure reale e profondamente radicato.

Un disagio che si estende al di fuori dal contesto di appartenenza e si realizza nella quotidianità quando si trasforma in depressione adolescenziale analizzata in Diptych (Thoughts on time perception): gli effetti della pandemia da Covid-19 e dell’isolamento si palesano nella relazione tra due adolescenti, sottratti al normale sviluppo delle dinamiche di gruppo e dei rapporto interpersonale tra pari, in una fase della vita in cui la percezione di ogni evento e dello stesso trascorrere del tempo appare enormemente amplificato, dilatato, intensificato. Significativamente l’opera si svolge come un dittico, mutuando la struttura di un’icona sacra medievale, di quelle che si potevano facilmente chiudere e portare con sé in caso di assedio o di fuga improvvisa. All’iconografia classica di santi e martiri si sostituiscono le fotografie di due giovani durante un videochiamata lunga una giornata interna, come la precedente e la successiva: una relazione che si consuma nella sfera virtuale anche se a separarli sono solo pochi chilometri di distanza. Sulle pareti esterne dell’asettico dittico, appositamente realizzato con materiali freddi come l’acciaio e il plexiglas, sono incisi al laser due emoji (un cuore infuocato) e testi tratti dalle canzoni degli artisti americani Lil Peep e Juice Wrld, a costruire un nuovo codice di riferimenti iconografici e verbali per una nuova generazione che non si identifica più in simboli e valori appartenenti a un passato ormai anacronistico.

Numerosi anche i riferimenti alla violenza di genere, alla violazione – fisica e psicologica –, all’aggressione come condizioni disarmanti e senza appello: in Self-Defence, cinque incisioni su lastre di plexiglas fluorescente fissate al muro con petardi Raudi Allevi illustrano tecniche di difesa personale, metodi teoricamente ineccepibili ma completamente inefficaci dal momento che, nella maggior parte dei casi, chi si trova in queste situazioni si sente paralizzato e incapace di reagire. Defence Supermagnum, invece, è una scatola contenente 50 petardi Supermagnum marca Allevi ricoperti da un’etichetta che riporta alcune delle domande poste dal Gip Mario Profeta alle

due studentesse americane durante l’interrogatorio nel tribunale di Firenze che ha condannato i Carabinieri Pietro Costa e Marco Camuffo per violenza sessuale a seguito degli abusi perpetuati nei loro confronti nella notte tra il 6 e il 7 settembre 2017. Gli avvocati della difesa, Cristina Menichetti e Giorgio Carta, presentarono infatti una lista di 250 domande a ciascuna delle due ragazze, di cui solo un terzo fu ritenuto ammissibile dal giudice, ma tra quelle che furono comunque rivolte loro leggiamo sui giornali: “È la prima volta che è stata violentata in vita sua?”, “Ha un fidanzato?”, “Trova sexy gli uomini in divisa?”, “Indossava la biancheria intima?”. Come una mina inesplosa e pronta per saltare, il petardo è pensato proprio per essere innescato e per mandare in mille pezzi con un botto ogni sovrastruttura che ancora si nutre di retoriche tanto violente quanto le azioni che sottopongono a giudizio.

Una mostra che assume quasi i toni dell’attivismo e della militanza, senza implicazioni di carattere politico o di fazione, ma con uno sguardo orizzontale sul mondo e sulla società contemporanea, portata avanti in maniera diretta e non filtrata, con l’immediatezza e la sincerità che solo all’arte oggi sono concesse. Una ricerca artistica che nell’alveo dei linguaggi più contemporanei, sviluppatisi a partire dagli anni ‘60 e diventati ormai necessità storica, si fa interprete di dinamiche e fenomeni sociali complessi, assumendo un ruolo attivo nel dibattito attuale e ragionando allo stesso tempo sull’incisività dei linguaggi dell’arte come strumento di documentazione e di comunicazione utile sia per operare un’indagine approfondita sul campo, sia per portarne i risultati all’attenzione di un vasto pubblico, entrando in contatto con il mondo anziché astraendosene.

* SIMONA ANDRIOLETTI_DEFENCE *

by Jessica Bianchera

“In fact, there are many uses of the innumerable opportunities a modern life supplies for regarding – at a distance, through the medium of photography – other people’s pain.

Photographs of an atrocity may give rise to opposing responses. A call for peace. A cry for revenge. Or simply the bemused awareness, continually restocked by photographic information, that terrible things happen.”

(Susan Sontag, Regarding the Pain of Others, New York, Farrar, Straus and Giroux, 2003) Leafing through the newspapers, watching the news, walking down the street or surfing the web, the “opportunities”, as Susan Sontag says, to find ourselves in the face of “other people’s pain” are numerous: destruction, bombing, violence against men and women, wars, pandemics, environmental disasters, assaults, invasions, episodes of explicit or subtly disguised violence. In contemporary societies, in which the media have a central role, the pain of others is “a show” on the agenda. What effect does this pain have on us? Is it actually something foreign to us, does it not concern us? What role does the image play in documenting and communicating the pervasiveness of the countless episodes of public, private, singular, collective, systemic violence? Are we able to enter into direct empathy with other people’s pain or are we now deeply accustomed to it? In her book, Sontag questions the way in which images affect our perception of what is happening, form common opinions, lead us to deplore war conflicts or to commend them. From the Spanish Civil War to Dachau and Auschwitz, from Cambodia to Bosnia, to Rwanda, to 11 September: Sontag focuses on images that have assumed an emblematic value and shows how they influenced our ideas, our beliefs, our passions, our perception of civil society and the role we play in it. With her and after her, many have questioned and interrogated

themselves about the relationship between violence, image, and information, by increasingly shifting the focus from the facts to their aesthetic or narrative processing, to the exploitation of the image that becomes a means for construction of precise narratives. There is an entire tradition of the so-called “aesthetics of violence” that affects history, politics, mass culture, cinema, art, from propaganda systems to journalistic reports to fiction, which often overlap and as a consequence substantially complicate our ability to distinguish reality from fiction, to react emotionally and to act effectively when we face episodes and situations of violence. There are those who witness episodes of violence with smartphones in their hand, to immortalize the scene; there are those who simply are no longer able to recognize it; there are those who react with the same means and measure and stoke the concatenation and spread of dynamics of oppression; there are those who do not know alternatives to violence because they have lived and grown up in such contexts and then violence is the only language that has always been proposed to them to relate to the world.

DEFENCE is a state of necessity, an invitation to really look: we live in a world that we more or less consciously ignore in order to preserve a state of apparent stillness while the storm rages outside. Is this

the best defence tool we can use? Is violence inherently intrinsic in human nature? Is there a justification for violence? How do you defend yourself when it seems the whole world is imploding on itself?

What will be the consequences of the facts we are ignoring today?

Simona Andrioletti does nothing but asks us questions, places us in front of the facts, those same facts that we try hard to ignore, to tell us about an unsweetened reality in which there is no substantial difference between the devastating power of an invasion of locusts like the one that took place in Horn of Africa in 2020, centuries of more or less explicit colonialist oppression, depletion of resources by the so-called “advanced” countries, voyeuristic tourism for the super-rich people in countries where the population is dying of hunger (Greetings from Kenya to Europe). Just as defenceless and fragile as the existence of an entire generation is, which has inherited from its predecessors a world in full ecological and economic crisis in which there are no certainties and in which adolescence is deprived of that light-heartedness that adults summarily assign to this stage of life: young people who grow up without a guide and a point of reference, victims of violence or raised in violent contexts, or more simply pervaded by an elusive feeling of lack of meaning, aggravated by two years of isolation and pandemic, without another

refuge than the virtual and fictitious dimension of the web. From macro events to the subtle cracking of emotions, there is no defence and there is no appeal.

The thematic and conceptual core of Simona Andrioletti’s work for DEFENCE materializes in the 10 minutes and 42 seconds of Defence.

What do you do with your anger?, a collage of found footage in which we witness the succession of images that document situations of physical, emotional and environmental overwhelm. The violence that rages in the devastating power of nature and the one that unleashes without reason and without any sense on the bleachers of a stadium full of people; the struggle of two children in the swimming pool of the house to which the filmmaker watches impassively and the sense of self-destruction of a man who in a few minutes gulps down entire bottles of vodka; the delirious crowd that loses control during a rave and a fight between two kids who beat each other under the amused gaze of those who record the scene with their mobile phones; the explosion of a bridge in a thunderous roar and the bitter words of Umberto Galimberti: “If I look ahead, the future is no longer a promise but a threat and then I live the present live 24 hours a day, giving expression to all my strength and all my power, and I anesthetize myself from the gaze on the future in order not to go into anguish, not

to savour my social insignificance every day.”

This complex imaginary explodes and multiplies in the space of the exhibition through images, symbols and fetishes that have nothing to do with that “aesthetic of violence” mentioned above but, on the contrary, move as far away as possible from the perverse desire to provoke an aesthetic pleasure that the audience obsessively requires of the artistic object. The exhibition is rather built as a device full of more or less explicit or unexpressed references that starts first of all from the desecrating gesture on the window, vandalized with the writing “DEFENCE” over its entire extension, and develops inside with a profound transformation of spaces. The ground floor, covered with synthetic grass and scattered with elements that come from the football world, recalls the competitiveness of sport that from a playful and aggregative context is transformed into an occasion of violent confrontation (Verona and its Hellas hooligans know something about it). This part of pitch has then a double value, which shifts attention from the deviations of the large stadiums to the neighbourhood pitches, which are often the only gathering place for young people.

The investigation into the existential condition of adolescents is configured as one of the dominant themes of exhibition and research of Andrioletti, who observes and studies their relationship dynamics

also through workshops and shared projects that allow her to enter in direct and non-mediated dialogue with those generations and those social contexts that most deserve attention and that are often less considered. Ave Maria (Thinking of Caravaggio) and Stella Magazine (created respectively with the collaboration of Riccardo Rudi and Jonas Höschl – Felix Naumann, according to a collaborative process of hybridization of practices and contamination of languages t​​ hat is typical of the artist’s work) stem from a workshop context activated in Verona with young people from some communities and aggregation centres to think about participatory artistic practices, anger management, culture as an instrument of social redemption that has led to a mutual exchange of values and ​​ perspectives with particular attention to the subcultures of the web, social media, trap music and culture as means of expression of a human and existential unease, which lies invisible and unheard, but is actually real and deeply rooted. An uneasiness that extends outside the context of belonging and occurs in everyday life when it turns into adolescent depression, as analysed in Diptych (Thoughts on time perception): the effects of the Covid-19 pandemic and isolation are revealed in the relationship between two adolescents, removed from the normal development of group dynamics and interpersonal relationships between peers, in a phase of life

in which the perception of each event and of the passing of time itself appears enormously amplified, dilated, intensified. Significantly, the work unfolds like a diptych, borrowing the structure of a medieval sacred icon, one that could easily be closed and taken away in the event of a siege or sudden escape. The classic iconography of saints and martyrs are replaced with photographs of two young people during a day-long video call, like the previous and the next: a relationship that is consummated in the virtual sphere even if they are only a few kilometres apart. On the external walls of the aseptic diptych, specifically made with cold materials such as steel and Plexiglas, two emojis (a fiery heart) and lyrics taken from the songs of American artists Lil Peep and Juice Wrld are laser engraved to build a new code of iconographic and verbal references for a new generation that no longer identifies itself with symbols and values belonging ​​ to an anachronistic past.

There are also numerous references to gender-based violence, to – physical and psychological – violation, to aggression as disarming and without appeal conditions: in Self-Defense, five engravings on a fluorescent Plexiglas sheet fixed to the wall with Raudi Allevi firecrackers illustrate self-defence techniques, theoretically flawless methods but completely ineffective since, in most cases, those who

find themselves in these situations feel paralyzed and unable to react.

Defence Supermagnum, on the other hand, is a box containing 50 Allevi Supermagnum firecrackers covered with a label that reports some of the questions posed by the Judge for Preliminary Investigations Mario Profeta to the two American students during the interrogation in the court of Florence who sentenced the Carabinieri Pietro Costa and Marco Camuffo for sexual violence following the abuses occured on the night between 6 and 7 September 2017. The defence lawyers, Cristina Menichetti and Giorgio Carta, in fact presented a list of 250 questions for each of the two girls, of which only a third was deemed admissible by the judge, but among those that were still asked, we could read in the newspapers: “Is this the first time you have been raped in your life?”, “Do you have a boyfriend?”, “Do you find men in uniform sexy?”, “Were you wearing underwear?”. Like an unexploded mine ready to jump, the firecracker is designed to be triggered and to smash every superstructure that still feeds on rhetoric, which is as violent as the actions subjected to judgment.

An exhibition that almost takes on the tones of activism and militancy, with no political or factional implications, but with a horizontal look at the contemporary world and society, carried out in a direct and unfiltered way, with immediacy and sincerity that only art is granted

today. An artistic research that, in the context of the most contemporary languages, developed starting from the 1960s and now converted in a historical necessity, becomes the interpreter of complex social dynamics and phenomena, assumes an active role in the current debate and, at the same time, ponders on incisiveness of the languages of art as a documentation and communication tool useful both for carrying out an in-depth investigation on the field, and for bringing the results to the attention of a wide audience, by coming into contact with the world rather than abstracting from it.

AND THERE WAS EVENING AND THERE WAS MORNING

* BIOGRAFIA * Simona Andrioletti (Bergamo, 1990) vive e lavora tra Bergamo e Monaco di Baviera. Si laurea all’Accademia di Belle Arti di Brera (BFA) a Milano, dopo aver frequentato il triennio di scultura nella classe di Gianni Caravaggio. In seguito perfeziona la sua formazione all’Akademie der Bildenden Künste di Monaco di Baviera (MFA), dove segue le classi degli artisti Gregor Schneider, Simon Starling e Olaf Nicolai. Nel 2013 prende parte ad uno scambio culturale presso l’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Lyon nella classe di Bernhard Rüdiger.

Simona spinge le dinamiche della collaborazione, sfidando il principio di autorialità artistica e lasciando che altre persone interferiscano con il processo di creazione delle sue opere. La sua ricerca è mossa da riflessioni che riguardano l’essere umano e la sua connessione con il mondo (geografico, storico, sociale) attraverso percorsi che collegano istanze, corpi e memoria collettiva.

Il suo lavoro è stato esposto al Museo Novecento (Chinese Whispers, con Riccardo Rudi, a cura di Sergio Risaliti) a Firenze; Nir Altman Galerie (I shot Mercury to make this exhibition, a cura di Claudia Contu), Kunstverein München e.V. (Quality Time, a cura di Matthew Post e Chris Fitzpatrick), Stiftung Federkiel (Chinese Whispers, con Riccardo Rudi, a cura di Karsten Schmitz), Halle6 (Exist, a cura di Maria Justus e Torsten Mühlbach) a Monaco di Baviera; al Réfectoire des Nonnes (Incontro, a cura di Bernhard Rüdiger e Gianni Caravaggio) e al Palais Bondy (Fomosapiens, a cura di Hôtel Triky) a Lione; presso Viafarini (L’intimità dell’immagine come luogo in comune, a cura di Gianni Caravaggio) a Milano; presso Waterworks Falkenstein (Delta15, a cura di Lara Loeser) ad Amburgo.

Nel 2019 partecipa al programma di residenza Highlights II, curato da Stefano Raimondi presso The Blank a Bergamo e riceve il premio Project funding dalla Erwin und Gisela von Steiner Stiftung. È stata selezionata dalla giuria del Talent Prize nel 2016, 2017 e 2019 e ha partecipato alle relative mostre al Macro e al Mattatoio di Roma.

Dal 2021 con Riccardo Rudi, organizza Spring Break, un progetto indipendente di residenza per artisti pensato per un territorio specifico, l’isola.

* BIOGRAPHY * Simona Andrioletti (Bergamo, 1990) lives and works between Bergamo and Munich. She graduated from the Brera Academy of Fine Arts (BFA) in Milan, after having attended the three-year sculpture course in the class of Gianni Caravaggio. She later deepened her studies at the Akademie der Bildenden Künste in Munich (MFA), where she followed the classes of Gregor Schneider, Simon Starling and Olaf Nicolai. In 2013, she took part in a cultural exchange at the École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Lyon in the class of Bernhard Rüdiger.

Simona pushes the dynamics of collaboration, by challenging the principle of artistic authorship and letting other people interfere with the process of creation of her works. Her research is driven by reflections concerning human beings and their connection with the (geographic, historical, social) world through paths that connect instances, bodies, and collective memory.

Her work has been exhibited at the Museo Novecento (Chinese Whispers, with Riccardo Rudi, curated by Sergio Risaliti) in Florence; Nir Altman Galerie (I shot Mercury to make this exhibition, curated by Claudia Contu), Kunstverein München e.V. (Quality Time, curated

by Matthew Post and Chris Fitzpatrick), Stiftung Federkiel (Chinese Whispers, with Riccardo Rudi, curated by Karsten Schmitz), Halle6 (Exist, curated by Maria Justus and Torsten Mühlbach) in Munich; at Réfectoire des Nonnes (Incontro, curated by Bernhard Rüdiger and Gianni Caravaggio) and at Palais Bondy (Fomosapiens, curated by Hôtel Triky) in Lyon; at Viafarini (L’intimità dell’immagine come luogo in comune, curated by Gianni Caravaggio) in Milan; at Waterworks Falkenstein (Delta15, curated by Lara Loeser) in Hamburg.

In 2019, she participated in the residency program Highlights II, curated by Stefano Raimondi at The Blank in Bergamo and received the Project funding award from the Erwin und Gisela von Steiner Stiftung. She was selected by the jury of the Talent Prize in 2016, 2017 and 2019 and attended the related exhibitions at the Macro and the Mattatoio in Rome.

Since 2021, with Riccardo Rudi, she has been organizing Spring Break, an independent artist residency project designed for a specific territory, the island.

* PRINCIPALI MOSTRE PERSONALI SELECTED SOLO SHOWS *

* PRINCIPALI MOSTRE COLLETTIVE SELECTED GROUP SHOWS *

2021 Defence | a cura di (curated by) Jessica Bianchera | Spazio Cordis | Verona

2021 BLAST | a cura di (curated by) Jessica Bianchera, Marta Ferretti | Palazzo delle Poste | Verona High water I | a cura di (curated by) Janina Totzauer | Kunstarkaden 2020 | München Chinese Whispers | con (with) Riccardo Rudi | a cura di (curated by) High water II | a cura di (curated by) Janina Totzauer | Kino Werkstatt Sergio Risaliti | Museo Novecento | Firenze | München Tacker | a cura di (curated by) Domino Pyttel, Michael Schmidt | 2018 Galerie der Künstler | München Chinese Whispers | con (with) Riccardo Rudi | a cura di (curated by) Limonare | a cura di (curated by) Fabian Gansmann | Orangerie | Karsten Schmitz | Federkiel Stiftung | München München 2016 2019 And there was evening and there was morning | a cura di (curated by) La quarta notte di quiete | a cura di (curated by) Christian Caliandro Giangiacomo Cirla, Matilde Scaramellini | T14 Gallery | Milano | La Veronetta | Verona CRIT 2 | a cura di (curated by) Gaia di Lorenzo, Giulia Floris, Serena Schioppa | Castro Project | I10 Spazi Indipendenti, ArtVerona | Verona Spätgaben | a cura di (curated by) Atelier Empfangshalle | Galerie von Empfangshalle | München Talent Prize | a cura di (curated by) Elena Pagnotta, Fabrizia Carabelli | Mattatoio | Roma Exist | a cura di (curated by) Maria Justus, Torsten Mühlbach | Halle6 | München Aus der Strömung | a cura di (curated by) Frank Balve | Kunst Block Balve | München

Spätgaben | a cura di (curated by) Atelier Empfangshalle | Galerie von Empfangshalle | München 2017 Quality Time | a cura di (curated by) Matthew Post, Chris Fitzpatrick | Kunstverein e.V. | München Talent Prize | a cura di (curated by) Elena Pagnotta, Fabrizia Carabelli | MACRO | Roma Unhealthy Art Flair | a cura di (curated by) Milen Till | Prinzip | München These are my enemies | a cura di (curated by) Rosali Wieshen, Galerie Walter Storms | Super+ | München 2016 Talent Prize | a cura di (curated by) Elena Pagnotta, Fabrizia Carabelli | MACRO | Roma 2015 Delta15 | a cura di (curated by) Lara Loeser | Waterworks Falkenstein | Hamburg 2013 Incontro | a cura di (curated by) Gianni Caravaggio, Bernhard Rüdiger | Réféctoire des Nonnes | Lyon (FR)

2012 2018 L’intimità dell’immagine come luogo in comune | a cura di (curated by) I shot Mercury to make this exhibition | a cura di (curated by) Claudia Gianni Caravaggio | Viafarini | Milano Contu | Nir Altman Galerie | München Fomosapiens | a cura di (curated by) Hotel Triki | Palais Bondy | Lyon ArtChill | a cura di (curated by) Max Fesl | CoMa Artspace | München

* PREMI, RESIDENZE, WORKSHOP AWARDS, RESIDENCIES, WORKSHOP * 2019 Highlights II. The Blank Residency | a cura di (curated by) Stefano Raimondi | Bergamo Project funding | Erwin und Gisela von Steiner Stiftung | München Talent Prize, finalista (finalist) | Mattatoio | Roma 2017 Talent Prize, finalista (finalist) | MACRO | Roma 2016 Talent Prize, finalista (finalist) | MACRO | Roma Workshop con (with) Kaspar König | organizzato da (organized by) Gregor Schneider | ADBK | München Workshop con Johann König | organizzato (organized by) da Gregor Schneider | ADBK | München 2015 Ausstellungen machen | con Susan Pfeffer | organizzato da (organized by) Gregor Schneider | ADBK | München 33mq Avantgarde | con (with) Moritz Wesseler | organizzato da (organized by) Gregor Schneider | ADBK | München Strong Images, Vagues ideas | con (with) Ory Dessau | organizzato da (organized by) Gregor Schneider | ADBK | München 2013 Effetto Venturi | con (with) Adelita Husni-Bey | a cura di (curated by) Anna Daneri | Peep Hole Gallery | Milano 2012 L’autonomia dell’artista | con (with) Bernhard Rüdiger, Gianni Caravaggio | ENSBA | Lyon

SALA D’ATTESA: DEFENCE. WHAT DO YOU DO WITH YOUR ANGER?, 2020, VIDEO MP4, DURATA 10’42” - DEFENCE SUPERMAGNUM, 2021, 50 PETARDI SUPERMAGNUM ALLEVI, SCATOLA DI CARTONE CUSTOMIZZATA, 7 X 10 X 10 CM, EDIZIONE DI 3 - STELLA MAGAZINE, 2021, CON IL CONTRIBUTO DI JONAS HÖSCHL E FELIX NAUMANN, FORMATO A4 MAXI, EDIZIONE DI 600 - AVE MARIA (THINKING OF CARAVAGGIO), 2021, CON RICCARDO RUDI, STAMPA FOTOGRAFICA SU PLEXIGLAS, 30 X 40 CM, EDIZIONE DI 5 INTERNO 1: FIX ME, DAL 2017, TESSERE DI PUZZLE, 70 X 90 CM INTERNO 2: DIPTYCH (THOUGHTS ON TIME PERCEPTION), 2020, STAMPA SU VETRO ACRILICO, ALLUMINIO, INCISIONI LASER, 108 X 86 CM - SELF-DEFENCE, 2020, INCISIONI SU LASTRA DI PLEXIGLAS FLUORESCENTE, PETARDI RAUDI ALLEVI, 36 X 25 CM CORRIDOIO: AND THERE WAS EVENING AND THERE WAS MORNING, 2016, STAMPA SU ALLUMINIO, 50 X 78 CM, EDIZIONE DI 3 INTERNO 3: GREETINGS FROM KENYA TO EUROPE, 2020, TERRARIO IN PANNELLI DI OSB E VETRO, LOCUSTE MIGRATORIE, ERBA GATTA, KENYA LONELY PLANET, SCAFFALE INDUSTRIALE IN METALLO SMALTATO, 140 X 100 X 40 CM

WAITING ROOM: DEFENCE. WHAT DO YOU DO WITH YOUR ANGER?, 2020, MP4 VIDEO, DURATION 10’42” - DEFENCE SUPERMAGNUM, 2021, 50 ALLEVI SUPERMAGNUM FIRECRACKERS, CUSTOMIZED PAPER BOX, 7 X 10 X 10 CM, EDITION OF 3 - STELLA MAGAZINE, 2021, WITH THE CONTRIBUTION OF JONAS HÖSCHL AND FELIX NAUMANN, MAXI A4 SIZE, EDITION OF 600 - AVE MARIA (THINKING OF CARAVAGGIO), 2021, WITH RICCARDO RUDI, PHOTOGRAPHIC PRINTING ON PLEXIGLAS, 30 X 40 CM, EDITION OF 5 ROOM 1: FIX ME, SINCE 2017, PUZZLE PIECES, 70 X 90 CM ROOM 2: DIPTYCH (THOUGHTS ON TIME PERCEPTION), 2020, PRINTING ON ACRYLIC GLASS, ALUMINIUM, LASER ENGRAVING, 108 X 86 CM - SELF-DEFENCE, 2020, ENGRAVING ON FLUORESCENT PLEXIGLAS SHEET, RAUDI ALLEVI FIRECRACKERS, 36 X 25 CM HALLWAY: AND THERE WAS EVENING AND THERE WAS MORNING, 2016, PRINTING ON ALUMINIUM, 50 X 78 CM, EDITION OF 3 ROOM 3: GREETINGS FROM KENYA TO EUROPE, 2020, TERRARIUM IN OSB AND GLASS PANELS, MIGRATORY LOCUSTS, CATNIP, KENYA LONELY PLANET, INDUSTRIAL SHELF IN ENAMELLED METAL, 140 X 100 X 40 CM

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