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Moda

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Staff DIRECTORA Lorena Toro DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA Valeria Duque - fotografía@revistaneon.net JEFE DE REDACCIÓN Jaime Arracó - redaccion@revistaneon.net REDACCIÓN Natalia Sorzano / Juan D Zamora / Jaime Arracó / Lola Bustamante MODA Jahir Rueda / Catherine Villota / Carolina D´Lacoste ASISTENTE CREATIVO Andrés Marti FOTOGRAFÍA EN ESTA EDICIÓN Valeria Duque / Allen Velázquez / Germán Prieto Andrés Marti / Johnny Lopera COLABORADORES Isabella Bernal / Angélica Ortíz / Joel Silva / Cortesíadelacasa.com / Alejandro Annicharico / Juan Diego Perdomo Maria Paz Martínez / Ixhel Espinoza / Paola Obando Maria Mercedes Mora /Julián Pinzón / Willy Ollero / Héctor Hernández / Miguel Vaca / Catalina Lotero / Catalina Buitrago / Juan Felipe Rubio / Custodio Pastor / Álvaro Robledo / Ximena Vargas AGRADECIMIENTOS AE Modelos / La agencia / Ilogic Studio / Diptongo Bruno Toro / El Pez / Marcela Palacios / Adhemas Batista Paulina Dávila / Beatriz Leal / Juan Manuel Garcés Eduardo Ramírez /La Dayliciosa / Los Imperiales

401B / Dynamique / Clara Arroyave / Julián Castillo Sandro Leopardi / Carlos García / Nora Varón Teresita Goyeneche / Luca Ravelli / Elemental Store Lucrecia Dalt / Ana Mondragón / Rebeca Medellín DESARROLLO WEB Wilson Díaz www.newmedia.com.co Ed.6 / Mayo - Junio de 2011. / 8.000 Ejemplares

Neon es una publicación bimestral independiente, de distribución gratuita. Puede ser reproducida total o parcialmente, compartida, divulgada, fotocopiada, usada como papel tapiz, posteada en internet, comentada, siempre y cuando se haga la mención de Revista Neon, estén presentes los créditos y nuestro sitio web: .soyneon.com. Neon no se hace responsable de las opiniones o comentarios de sus colaboradores.. Somos una publicación para mayores de edad. Información de contacto: www.soyneon.com info@revistaneon.net facebook.com/soyneon twitter.com/revistaneon Celular: 317 7114510

PORTADA Fotografía: Allen Velásquez Modelo: Andrea Buitrago Make up & hair: Germán Palomino www.germanpalominostudio.com Concepto y post producción : Diptongo Estudio Tipografía titular: Bigmouth


Neon TV

COVER STORY

Estudio Invitado: Desde hace más de tres años, existe un estudio de diseño que se ha preocupado por los métodos más que por los resultados. Acá se creó un espacio mental para que gente de todas las disciplinas, encontrara la manera perfecta de traer a la vida las ideas concebidas por grandes o pequeñas que fueran. Diptongo, unifica todo bajo una misma premisa, que es la esencia y filosofía del estudio: un concepto. Se preocupa por encontrar esa motivación única que identifica pasiones y mueve la tierra en cada uno de sus clientes. “No es lo que hacemos, es como lo hacemos”. www.diptongo.net / info@diptongo.net

La Portada: Este fue un proceso muy avanzado de fotografía, maquillaje, pintura digital y retoque fotográfico. La idea era llegar a un concepto que se pudiera aplicar en todas las etapas, pensando en un resultado final óptimo. Tenía que verse real, impresionante y auténtico. Se emplearon las mejores técnicas de fotografía y maquillaje, para neutralizar el color la piel y lograr así un tono perfecto. Luego, con un software de pintura digital llamado “Nuke” , se usaron todo tipo de técnicas de retoque y “matte painting” para lograr el efecto deseado de la cerámica sobre la piel, la textura del pelo y los acabados en detalle de todo el retrato. En varias etapas, se limpiaron las imperfecciones de la imagen, y se transformó el retrato original en un busto de cerámica. El paso final fue la mezcla de ambos resultados. Revista Neon


El Resultado

Quickly El diseño es…Lo estamos descubriendo / Tipografía favorita…Helvetica / Un libro…El libro negro del emprendedor Lo bueno de trabajar en equipo…Los resultados / Una virtud… Soñar / Una debilidad… Quedarse soñando Un sitio web… www.diptongo.net / Les gustaría trabajar para… Cumplir nuestros sueños / Les aburre… La falta de proactividad de las personas / Los inspira… La música / Banda sonora… Las cuarenta de Rolando laserie Un gadget… ¡Los palillos! / El mejor programa para diseñar… Papel y lápiz / Un proyecto soñado…Diptongo ¿Qué harían con luz de neón? Enchular una monareta www.soyneon.com


Tecno & Gadgets 1/ Sony Boggie 3D, una cámara de bolsillo que graba en 3D, en HD 1080p, y que solo cuesta 249,99 dólares. 2/ Transforma las imágenes planas que captura tu celular, con estos pequeños y maravillosos lentes gran angular, ojo de pescado y macro de photojojo.com 3/ Ponle un detalle coqueto a tu mesa con el juego de salero y pimientero robot de poordesigner.com 4/ Perfecto para “mecatiar” frente al compu, te presentamos este original mug con una boca que muerde más de lo que puedes masticar. Encuéntralo en uncommongoods.com 5/ El iPad 2 salió al mercado con todos los juguetes, uno de ellos, los Smart covers que se adhieren como imán en diferentes colores www.apple.com 6 y 7/ En la nueva tienda de diseño, Elemental Store encontrarás además de mobiliario, una serie de objetos curiosos como esta tazalapicero (6) y una versión del clásico patín de los 70`s (7) transformado en “cuña” para libros o puertas. elementalstore.com

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Fotografía:_Allen Velásquez / Modelo: Luca Ravelli / Locación: Elemental Store / Styling: Andrés Marti - Camisa: Paul Smith / Chaqueta: Carlos Nieto / Pantalón y Zapatos: Diesel

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ZONA D, UN ESPACIO ILUMINADO

CON DISEÑO o

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Por: Isabela Bernal / Fotos: Andrés Marti

Todos los que alguna vez hemos pasado por Los Héroes, jamás nos hubiéramos imaginado que ese monumento emblemático para los bogotanos, tuviera una cavidad en su interior de 6 pisos de altura capaz de convertirse en una vitrina para el diseño en Colombia. El evento Zona D, decidió transformarlo en un espacio de exhibición, en el que pudimos apreciar mobiliario, objetos decorativos y arte. Para esta nueva sección de interiorismo, queremos compartir con ustedes 3 lámparas que han inspirado sus diseños en las formas y colores de la naturaleza. La empresa Delta Light busca integrar en sus diseños la funcionalidad y la innovación a través de la tendencia hacia figuras atmosféricas. La lámpara “Cumulus c” de forma circular y color azul propone un diseño sencillo que se relaciona con la naturaleza mientras apunta a soluciones eficaces de iluminación y de ahorro energético. El uso de materiales ligeros refuerzan la idea “atmosphere” de esta pieza del diseñador belga, Paul Ameloot. La lámpara halógena Mercury, compuesta por una serie de piedras de gran tamaño que flotan bajo un disco de aluminio, simple y moderno a la vez, puede encontrarse en el almacén Eurolink. Su efecto reflectivo creado por la luz de rebote entre una piedra y otra, hacen de este objeto una escultura que refleja las dinámicas de luz y movimiento producidas de acuerdo al entorno en el que esté suspendida. Con aluminio satinado y cromo brillante, Ross Lovegrove construye una luminaria de superficies amorfas que proporciona una luz indirecta tanto de día como de noche.

Cumulus C Revista Neon


Mercury

Costum 14

En su colección 14, Bocci ofrece productos únicos fabricados por encargo. Las lámparas costum 14 garantizan flexibilidad en diseño y en dimensión porque brindan la posibilidad de escoger desde una sola pieza de bajo voltaje hecha de vidrio soplado, hasta 36 arañas de luces colgantes con una gran variedad de formas y tamaños. El efecto racimo puede ser manipulado a gusto del cliente pues da la posibilidad de crear agrupaciones a pequeña o gran escala con un impacto increíble. Estas lámparas buscan explorar el uso de las arañas de luces, dentro del paisaje del diseño contemporáneo.

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CONSTRUYE

EN GRANDE Piensa en pequeño. Transforma el mundo. Texto: Juan D. Zamora // Foto: National Building Museum

Muchos (como yo), no sabemos que una de las empresas de juguetes mas reconocidas del mundo, tuvo sus inicios en la arquitectura. Ole Kirk Christiansen era un carpintero danés que se ganaba la vida construyendo casas las madera. Al incendiarse su pequeño taller, decidió empezar un nuevo proyecto: creó pequeñas piezas en madera, que después de muchos años se transformaron en lo que hoy conocemos como LEGO. Hoy, LEGO regresa a sus orígenes, con un proyecto arquitectónico sin precedentes. De la mano de Adam Reed Tucker, la compañía presenta hasta septiembre, la muestra LEGO® Architecture: Towering Ambition, una colección de 15 modelos a gran escala de diferentes edificios que se pueden ver en el National Building Museum de Washington.

La nostalgia de las pequeñas piezas de Lego parece no tener fecha de vencimiento. Y mientras a muchos de nosotros nos remiten a la infancia, en el mundo se adelantan proyectos arquitectónicos que inmortalizan su inigualable aporte al mundo del diseño. Revista Neon

Desde 2003, Reed ha trabajado con LEGO como un medio para su arte y es uno de los 11 arquitectos que han sido certificados por la compañía para adelantar proyectos concebidos y originados desde las famosas piezas plásticas. Esta muestra es interactiva y permite a quienes la visitan ir más allá de la observación. Incentivando la creación, el museo ha dispuesto una ciudad a escala donde se pueden escoger 4 categorías de edificios: residencial, comercial, institucional e industrial. Cada visitante hace su aporte emplazando su modelo de edificio en el mapa para generar un proceso en el que el desarrollo de la ciudad es protagonista. “Como un artista que trabaja con arquitectura, mi deseo es capturar la esencia de cada estructura arquitectónica que sea representativa de la ciudad y transformarla en una escultura. No veo mis modelos como una replica literal, sino como mi propia interpretación artística, a través del uso de las piezas de LEGO® como un medio. Estas piezas no son pensadas como un material típico para crear arte, o para ser usado como un medio, pero yo descubrí que son tan ideales para mi trabajo como lo es la pintura al pintor o el metal al herrero. A medida que exploraba la forma de capturar estos edificios con las formas básicas de las piezas, encontré que las posibilidades y los retos que ofrecen son casi mágicos” - Adam Reed Tucker-


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POLITE

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lA MODA CUENTA SU VERSIÓN DE LOS HECHOS.

Aunque muchos diseñadores colombianos han llegado a pasarelas internacionales, muy pocos lo han logrado con una propuesta tan novedosa y sólida como la marca Polite. De raíces colombianas pero con acento español, esta marca de ropa ha evolucionado, y en la pasada versión del Paris Fashion Week, hizo presencia con una colección que hoy comparten con Neon. Entrevista: Lola Bustamante / Texto: Juan D. Zamora

Es innegable que la moda colombiana se ha hecho un espacio en el mundo del diseño, pero no ha sido fácil. Mucho trabajo y una visión única, hacen que nuestros diseñadores se separen del montón y `presenten propuestas que hoy seducen al público en diferentes latitudes. Un claro ejemplo de este crecimiento es Polite, que desde sus inicios en 1994 ha venido ampliando su target con novedosas propuestas en términos de diseño y producto, convirtiendose en una de las marcas con más proyección en nuestro país. Los cerebros detrás de la firma son Diana Polite (Presidenta) y Carlos Polite (Director creativo), quienes con una visión clara, han creado un nombre que crece cada día gracias a la innovación, la originalidad y lo contundente del concepto que maneja. “La mujer Polite es una mujer segura, que se atreve, que sabe llevar Revista Neon

las prendas con buen gusto. Es autentica, diferente, y puede adoptar cualquier rol, pero con estilo”. Carlos, como director creativo, busca su inspiración en la vida misma. “Todos son trabajos autobiográficos que nacen de una idea, una canción y que se van desarrollando gracias a la investigación. Para la última colección me inspiré en la mujer, en la noche, en la conquista. También investigué prendas del siglo XVIII y XIX. Este proceso creativo toma alrededor de 3 meses”. TOXIC es el nombre de la colección que presentaron en la última versión del Paris Fashion Week y que está inspirada en el amor tóxico. “Se hila la colección con la historia a través del color, que representa la estructura del amor. Vemos como las relaciones empiezan un poco rosa, pero guardando ese lado


oscuro que representa el negro que vemos en las prendas. Luego viene la pasión, donde el rojo se hace presente. Apostamos después por tonos nudé, que muestran el estado de tranquilidad. Cuando la relación se torna un poco oscura vemos como el color cambia por azul, con el que identificamos la individualidad.”

Volverán al PFW el próximo año, con su colección Primavera Verano - Circus -, en la que se proponen ser autocríticos con el sector de la moda (que ha dejado de lado los valores, enfocandose de lleno en la estética) pues lo más importante para Polite, es el contenido, y que el cliente pueda vivir una experiencia. www.soyneon.com


Pasarela:

La Transformación del EGO Por: Catherine Villota Editora en jefe de fashionradicalsnews.com

La última versión otoño-invierno de CIBELES MADRID FASHION WEEK 2011, trajo consigo un grupo de jóvenes talentos de la pasarela Ego de Cibeles, lo más esperado de la semana de la moda madrileña. Para los expertos, estos nuevos talentos son los que sacarán a España de su convencional y “correcto” sentido de la moda. Moisés Nieto, Jaime Mesa y Silvia Gallego, Etxeberría y Belén Vidal fueron los encargados de ponerle la cuota transformadora a la moda femenina y masculina. Belén Vidal nos dibuja una propuesta cavernícola, primitiva, texturizada y al mismo tiempo urbana y experimental. Nos agrada esa inocencia de lo rústico y orgánico, así como lo lúdico de las formas, cortes y siluetas. Una colección que parece inspirada en imágenes de hombre Neandertal, en fósiles y huesos. “Crudo”, como se llama la colección, también es crudamente delicada, femenina y natural. Hermosa propuesta experimental.

Belén Vidal

Etxeberría fue la cuota de línea masculina. La propuesta está inspirada en un hombre cazador, con muchas texturas y una mezcla exuberante de pieles y lana, grandes bolsillos y accesorios tipo sobre (clutch) que destacan el trabajo de sastrería y un espíritu Británico de siglo XIX, modernizado con cremalleras y cortes visibles e inesperados. Moisés Nieto presentó una colección de mujeres “enfadadas” con el tan re-utilizado estilo años cincuenta que reinventa con texturas rústicas y casi orgánicas. Destacamos el poder de la silueta en hombros sobredimensionados y mangas extra grandes, así como las faldas pantalón. Pliegues, vestidos envolventes, abrigos trinchera, cinturones delgados, mini chaquetas de mangas 3/4, con sorprendentes con texturas y detalles inesperados en cortes y costuras. Jaime Mesa y Silvia Gallego pintaron de negro y gótico la pasarela EGO. Jaime Mesa, colombiano y Silvia Gallego, española, crearon una propuesta andrógina. Cuero y tejido de punto se unen en pantalones, chaquetas, camisas y vestidos con cortes geométricos (triangulares) y asimetrías estructuradas. Cremalleras visibles y zapatos de plataforma casi a lo Frankenstein, se suavizan y se aligeran con los velos que salen de algunas piezas y los drapeados provocados. Una propuesta que se une al ese lenguaje nocturno, místico y súper subterráneo del siglo XXI.

Etxeberría


MoisĂŠs Nieto

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Jaime Mesa y Silvia Gallego

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LOOK BOOK Red Nouveau FotografĂ­a: Johnny Lopera Styling: Jahir Rueda Maquillaje: Carolina Mansabel De la Agencia AE Models: Marcela Tano / Luisa Hoyos / Patricia Arboleda

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LA OTRA CARA Fotograf铆a : Johnny Lopera www.johnnylopera.net Producci贸n & styling : Jahir Rueda Mobiliario: Tienda Retro y El Callej贸n - Medell铆n Maquillaje : Lina Botero Modelos de la agencia ae models: Alfonso Arango - Marcela Tano - Lukas Osorio Revista Neon


Buso: Diesel / Pashmina: Chevignon


Camisa, pantal贸n y chaqueta de Argemiro Sierra / Cintur贸n: Diesel Revista Neon


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Camisa a cuadros, chaleco y buso azul de Diesel / Jean negro de Chevignon / Zapatos de Binario / Ropa interiorr de Amulette


Camisa a cuadros de Diesel / Shorts de Argemiro Sierra / Camiseta de Levi´s / Zapatos de Binario Revista Neon


Chaqueta de Argemiro Sierra www.soyneon.com


Chaqueta y pantal贸n de Argemiro Sierra


PUNTOS DE VISTA Intro y perfiles por: Jaime Arracó / fotos: Cortesía de los autores

No sería nada divertido que todos entendiésemos los asuntos del mismo modo. Mostrándonos es como llegamos a aprender, y en esta sección, los invitados nos enseñan los diferentes aspectos que tiene un mismo tema: “Transformaciones”. Aquí, cada uno es el mayor experto de su propia visión. Para conocer más sobre los autores, visita www.soyneon.com

Álvaro Robledo Hoy es noche de despedidas en el teatro. Hace unos minutos, el público se puso en pie para aplaudir durante cinco minutos a un actor de setenta años que representaba su última función. Su papel de niño fue famoso durante más de cinco décadas y fue extraño ver llorar a un viejo disfrazado de colegial al despedirse de las tablas, las luces y los telones. Dijo, entre llantos, que para él el arte, en general, siempre había sido transformador: agrandó su universo, tocó su corazón e iluminó su espíritu. El teatro había sido para él una poderosa herramienta de autoexploración. Para él significó tener una vida simple, espontánea y vital. Fue un proceso de descubrimiento y transformación. Decidió vivirlo y gracias a él descubrió la manera de regresar a la perfección primordial del hombre, a la sabiduría intrínseca que se encuentra en nuestras vidas. Su discurso era oriental, como él. Luego se secó las lágrimas y el teatro se rompió las palmas. He acompañado durante más de cuarenta años a personas similares, a actores, cantantes, músicos, y hoy es también mi última noche en los escenarios. Tengo un particular talento para la invisibilidad. Lo supe de niño cuando en el colegio ni siquiera mis compañeros se acordaban de mi nombre. Luego lo corroboré en la universidad y en mis primeros trabajos, en la búsqueda del amor. Estaba en los sitios y nadie me veía. Imagino que mi metro sesenta y mis 45 kilos de peso colaboraban para este efecto. Por esto, al ver a ese niño revejido japonés, también me dieron ganas de llorar. Sentía que yo era él y él era yo, flotando en universos paralelos. La invisibilidad me llevó al mundo de los ninja, los guerreros de las sombras. Completé todo el curso por Internet del maestro Richard van Donk a quien debo esta enseñanza: “Un árbol que cae en el bosque sin que nadie lo escuche no hace ningún ruido, pero cae de todas maneras. Un ninja que ataca a un ciego es invisible, pero ataca de todas formas”. Viéndome una vez más vestido por completo de negro, como una sombra, a punto de salir al escenario, de nuevo recuerdo a sensei: “un hombre desnudo, solo, en una habitación vacía, puede practicar para ser un ninja”.Y recordando esto, me apresto a salir, trípode en mano, a poner mi último micrófono. Ya nunca más me molestarán los aplausos, ni las rechiflas, ni los insultos como el de “Ninja marica” que acabo de escuchar. Ésta ha sido mi transformación. Revista Neon

Custodio Pastor Una pared desconchada. Una butaca en la que hundirse. Una lámpara que apenas da luz. Por no señalar la moqueta, raída. No hace tanto la pared relucía, la butaca era poderosamente rígida, la lámpara cegaba, la moqueta con sus hilos rojos también. Desde aquí es desde donde mejor se observan los movimientos alrededor del piano, la barra. La mujer que se atusa la melena seductora. El hombre que le ofrece un cigarrillo. Lo acepta. Flirtean mientras el pianista canta absorto ‘Cantinero de Cuba’. Un grupito inventa una coreografía al otro lado. El piano bar ‘Toni 2’ tiene una clientela fiel, a prueba de nuevos lugares de moda. Hay músicos indies, cineastas en busca de historias, escritores que apuran los whiskys. Bien cargaditos siempre los vasos, se pida lo que se pida. Gente muy joven canta éxitos de ayer, de hoy y de siempre, pero la mayoría de la parroquia pasa los 50. Nadie entra por entrar. Nadie llega por despiste. Es un sitio catárquico, en el que, entre tragos y canciones, es difícil no dejarse llevar por el entusiasmo generalizado. Aunque sea en un escenario al que le quedan ya lejanos los días de gloria. O precisamente por eso. Antonio es el catalizador de las transformaciones. Muchos de los que se reúnen en torno a su piano no han podido soportar la rapidez del cambio. Es su pequeño cantón, su república de felpa, en la que se refugian de un mundo que va a una velocidad indigerible. Toni ejecuta las mismas partituras, una y otra vez, desde que su espacio era punto de encuentro de soñadores que ansiaban una España nueva, moderna y libre. Ahora que lo es, en tan pocos años, siguen entre sus paredes. No hay abandono. La sublimación de la decadencia, esa elevación moral y estética, es un placer sin culpa, un vicio inocuo como cualquier otro. Una vez asumido, conviene disfrutarlo. Buscando alternativas al ‘Toni 2’. Frecuentando camerinos, tan propensos a situaciones desbordantes. Subiendo a autobuses en barrios adinerados, evitando el dispendio de los taxis. Regodeándose en los costurones de cirugía estética de señoras enlacadas, buscando sobre todo junto a los lóbulos de las orejas. Como los que se pueden descubrir en la mujer que, después de fumar, beber y cantar, cruza ahora mismo la puerta del piano bar, en la calle Almirante de Madrid. Sola, pero acompañada.


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GA accessory Tomando dos de las más icónicas tecnologías desarrolladas por la marca en los 80´s, adidas relanza su línea MEGA, amplificada para las nuevas generaciones y logrando una transición entre lo funcional y lo urbano.

Fotografía: Germán Prieto www.germanprieto.com Modelo: Paulina Dávila Producción: Andrés Marti Make up & hair: Héctor Hernández Revista Neon


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El Híbrido

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EMANCIPADO Por: Juan D. Zamora

Desde la mitología antigua, pasando por cuentos clásicos y llegando a historias contemporáneas como la de Black Swan, vemos como la transformación física del hombre en animal ha fascinado a nuestra sociedad durante siglos. Si hacemos un análisis sobre estas historias, vemos que aunque en un principio la metamorfosis es un castigo, para el híbrido se convierte en la única forma de ser libre. Esta es una de las principales inspiraciones de Camila Gallego, artista bogotana que ha llevado su obra a diferentes rincones del mundo, con la que ha logrado redimir a todo aquel que se siente diferente en una sociedad que a veces, parece preferir lo homogéneo. En su obra, Camila explora las diferentes maneras de ver las transformaciones en entornos clásicos, para luego ligarlas con nuestra sociedad actual. “Ovidio, un poeta romano, escribió un libro que se llama “Las Metamorfosis”, en el cual recoge las historias de la creación del mundo mitológico. En él, narra el castigo y la transformación, que básicamente interpreto como la historia de las sociedades contemporáneas, como estas rechazan y condenan lo distinto”. La construcción de personajes mezclados con elemen-

tos de la naturaleza, y basados en mitos religiosos es también parte de la obra de Gallego. En su serie de dípticos, vemos a hombres-gallo o a mujeres-flor, la artista plasma roles de la sociedad “que encontraban analogía en el papel de determinados animales o plantas en mitos o tradición oral, desde La Biblia hasta El Corán.” Para Gallego existen personajes cotidianos que podrían considerarse los nuevos “híbridos”, todos aquellos que desafían la pureza de lo homogéneo, y que buscan reivindicarse en un entorno que los señala. “Este es un lenguaje típico del travesti, el ex convicto, el ladrón, y del izquierdista. El híbrido es bestia también, como todos los outcast” Las figuras “impuras” y “mezcladas” de Camila se convierten entonces en la voz de todos aquellos sectores que no encajan en la sociedad “perfecta”, pero que en medio de su rechazo, retan todo lo que conocemos como “bello”, proponiendo una nueva estética. Los personajes de Gallego, además de rescatar nuestra relación innegable (y casi olvidada) con la naturaleza, nos recuerdan que la evolución no es posible sin el rompimiento, y que en un mundo tan diverso como el nuestro, la sensibilidad de lo diferente no es ajena a ninguno de nosotros. www.soyneon.com


ORLAN

“j’ai compris qu’on ne peut pas dire “je suis”, mais “je sommes”...”

arte

Revista Neon

La primera persona en quien pensé con la palabra ‘transformación’ fue la artista francesa Mireille Suzanne Francette Porte, más conocida como Orlan. Aun cuando me pidieron que no encasillara este término en un acto exclusivamente corporal -ya todos sabemos que mutaciones hay de todos los tipos y sobre todo en el arte, donde lo procesal lleva implícito el cambio- Orlan es sin duda una de las artistas contemporáneas más importantes y vanguardistas de la segunda mitad del siglo XX. Su obra encarna transformación y metamorfosis, haciendo inevitable remitirse a su locura. Desde los años ‘60, la artista francesa se caracterizó por acoger el performance como su medio artístico principal, incorporando en el transcurso de su carrera otras técnicas tales como el video, la fotografía análoga y digital, la escultura y la instalación. El uso de su propio cuerpo como herramienta expresiva ha sido una constante en su trabajo, y ha servido para trascender una serie de reflexiones sobre el género, la religión, la belleza, la presión social, el feminismo y el cuerpo en el espacio, entre otros temas. Orlan ha sido una militante y un ícono feminista que proclama la liberación sexual de la mujer, forjando tanto adeptos como enemigos. Sus aproximaciones encarnan e interiorizan una serie de actividades por las cuales se ha tipificado a las mujeres históricamente: la visión de éstas como objetos sexuales, como mercancia carnal o el culto que le profesan a las cirugías estéticas. En su obra célebre “Le Baiser de l´artiste,” presentada en la Feria Internacional de Arte Contemporáneo (Fiac) en 1977, Orlan se encontraba sentada tras una foto a escala real de su busto desnudo al que se podían ingresar cinco francos para obtener un beso, como si fuese un distribuidor. Seguramente quienes llegaron al “merci,” quienes recibieron el beso, o aquellas feministas que se encargaron de controvertir las decisiones artísticas e ideológicas de Orlan, jamás se imaginaron que la terminarían encon-

trando con cachos saliéndole de la frente, recitando poemas y cargando cruces en quirófanos. Los besos que repartió en la calle la activista francesa fueron solo el inicio de una carrera llena de escándalo y polémica. En el año 1990, la artista comenzó un proyecto performático llamado “La Reencarnación de San-Orlan”, consistente en una serie de cirugías plásticas que transformaban su fisionomía facial mediante la aplicación de rasgos tomados de mujeres iconográficas de la historia del arte. Asumió la frente de la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci, la quijada de la Venus de Botticceli, la nariz de la Psique de Jean-Léon Gérôme, los labios de Europa de François Boucher y los ojos de la Diana mitológica representada por escultores de la antigüedad y pintores franceses del Renacimiento. Estos procesos de transformación fueron filmados y presentados en exposiciones de manera simultánea, estando la artista tan sólo anestesiada localmente, de manera que presenciaba fascinada la totalidad del proceso mientras recitaba textos. Orlan, incluso, proclamó un manifiesto sobre los procedimientos quirúrgicos llamados por ella “Arte Carnal”, a los cuales continuó sometiéndose durante la década de los años 1990. Tanto su cara como su cuerpo fueron víctimas del bisturí, y rindieron culto a la vida y a la muerte, premeditando resultados a partir de probabilidades inciertas, usando la carnicería de las cirugías plásticas como medio de ejecución artística y llenando quirófanos de fotos, imágenes, esculturas, ruido y sangre. Con estas intervenciones quirúrgicas, la artista ha replanteado y desvirtuado los estándares de belleza establecidos como resultado de factores ideológicos, sociales, políticos o religiosos, cuestionando la visión masculina sobre la belleza femenina durante la historia. Orlan ha rendido un homenaje a mitos históricos femeninos y ejemplares con su cuerpo: como lo hizo en el mencionado proyecto; o contrapuesto los cánones de belleza Pre-Colombinos, Indio-Americanos o Africanos a aquellos propios de la cultura occidental: en el caso de “AutoHibridaciones” del año 1998. En una entrevista realizada en 2009 para la Arts Magazine, la artista mencionó lo siguiente “Me han catalogado como una masoquista… pero yo estoy en el cuerpo-placer, desprendido de dictámenes estéticos.” Orlan ha utilizado las cirugías como una herramienta de representación figurativa y a si misma como el mejor y más fascinante objeto de trabajo. Texto: Natalia Sorzano // foto: Orlan.net


Paradoja

Fotografía: Valeria Duque Modelo: Andrea Buitrago Ilustración: Willi Ollero Willydibujando.Blogspot.com Producción : Andrés Marti Styling: Carolina D`Lacoste Pelo y Maquillaje: Julián Pinzón

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Vestido: Givenchy vintage del Cl贸set Verde Revista Neon


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Vestido: Salim Kadamani

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Vestido y tocado vintage del Cl贸set Verde

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Vestido de Maison FInch 1988 / Tocado vintage del Cl贸set Verde

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Vestuario y tocado de Maison FInch 1988

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De Mojito a

eria matris g

Jelly Shot Por: Juan D. Zamora

Experimentando con sabores, diferentes ingredientes y teniendo una idea original, Amy y Michelle, fueron un paso más allá al tomar las fórmulas de cócteles tradicionales, como el martini y el mojito, para crear un nuevo estilo de embriagarse. Este proyecto, como la mayoría de las grandes ideas, nació de la curiosidad y las ganas de desafiar lo establecido. En el verano de 2009, al prepararse para dar una fiesta, Michelle se dio cuenta que en términos de cócteles, todo parecía estar escrito: “Decidí empezar con mis propias recetas de jellyshots con sabor a Cosmopolitan y Piña Colada, que fueron un éxito con los invitados, quienes me retaron a inventar más sabores. A partir de ahí todo se expandió rápidamente. En Agosto de ese año lancé el blog, que en un principio estaba dirigido a mis amigos y familiares, y cuando mi hermana se unió al proyecto, empezamos a recibir más y más atención.” Aunque surgió como un blog cualquiera, el buen gusto, la originalidad de sus recetas y la dedicación de estas hermanas, lograron hacer de su página un pequeño imperio que ha llamado la atención de miles de personas alrededor del mundo. “No hay nada que disfrute más que probar, escribir o hacer fotografías para el blog. He conocido tanta gente talentosa gracias a JSTK. “

editorial, que en 2011 publicará un libro con sus originales recetas. ”El contrato para el libro fue una sorpresa. La editorial conoció el JSTK por medio de un link en otro blog. Nos contactaron y en cuestión de meses, ¡teníamos el contrato!” Amy y Michelle la tienen clara. En esta época cibernética, internet es la plataforma perfecta para dar a conocer proyectos como este, y ellas no lo desaprovechan. Con más de mil seguidores en Facebook, una cuenta en Flickr con todas las imágenes de sus recetas, y estando en contacto directo con sus seguidores en Twitter, Jelly Shot Test Kitchen hace presencia en las redes sociales, reforzando así su trabajo en el blog. Para estas hermanas, el proceso creativo de cada jelly shot es diferente, y se esfuerzan por imprimir un sello único que haga de ellos una experiencia. “Me gusta pensar que el mundo se va haciendo un lugar mejor con cada pequeño aporte que le añada diversión, y eso incluye nuestros jellyshots!”

Con sólo dos años, el blog ha conseguido lo que muy pocos han podido: despertar el interés de una casa http://jelly-shot-test-kitchen.blogspot.com/

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Adhemas Batista:

todo el color de Brasil.

Entrevista y fotografía: Maria Mercedes Mora - mamemor@yahoo.com

Una enorme carcajada irrumpe sorpresivamente en la conversación. Finalmente se ha roto el hielo, y por primera vez la risa de Adhemas Batista invade cada rincón de su estudio en L.A. Mucho queda de ese muchacho nacido en Sao Paulo a quien la vida no le dio la oportunidad de estudiar, pero sí un talento enorme para trabajar. Su timidez lo incomoda y como si estuviera decidido a deshacerse de ella, suelta una carcajada que deja entrever su verdadera personalidad, colorida y juguetona, como sus diseños. Es por ello que Adhemas no vende avisos, ni logos, ni fotografías: Adhemas vende COLORES!!!

Cómo defines tu estilo gráfico? Colorido, vibrante, lleno de vida y comercial. Cuéntanos un poco sobre tu metodología en el trabajo. Revista Neon

¿Cómo te preparas para un nuevo proyecto? Usualmente son diferentes uno del otro porque depende de la clase de proyecto: cuando son más vectoriales y la técnica es simple, suelo ir directamente a Illustrator y hacer todo allí. Es más rápido. Pero cuando debo mezclar fotografía con ilustración y la imagen requiere mayor manipulación, debo pensar primero por dónde voy a empezar y a veces comienzo con Illustrator para luego ir a Photoshop y así sucesivamente, casi de manera desordenada. Pero normalmente hago algunas formas, juego con el color y luego determino qué está funcionando y que no y por ahí lo voy desarrollando. ¿Cuáles son los proyectos que más disfrutas? Disfruto mucho los más recientes, pero cuando veo mi portafolio y veo a Havaianas con toda la historia que tiene detrás me encanta! También me gustan algunos otros que no he puesto aún en el portafolio que tienen el estilo gráfico que quiero seguir como por ejemplo uno que hice para la imagen de Brasil con Pelé, junto con otro que realicé para una revista en Brasil porque


Famoso por sus trabajos de ilustración y por ser el ganador de varios premios publicitarios (incluído el León de Oro de Cannes y el FWA). Ademilson Batista da Silva mejor conocido como Adhemas Batista demuestra que su trabajo no es más que el fiel reflejo de su personalidad y su pensamiento de vida: la sencillez con que habla es la misma que vemos en sus dibujos curvilíneos; los colores que brillan cuando hablamos de Brasil o de sus hijos son los mismos que hemos visto en campañas publicitarias de Havaianas y Absolut. El dinamismo de un joven que ha vivido la vida más rápido de lo normal es el mismo que vemos en sus explosiones gráficas.

reflejan mi madurez gráfica. ¿Hacia dónde crees que se dirige el diseño web? Yo creo que en este momento, y para ser sincero –muchos pueden estar en desacuerdo conmigo- creo que visualmente debe ser más fácil que antes. Yo solía hacer pantallazos para formatos tan grandes como un banner y llenarlos de información, pero ahora hay tantas herramientas como HTML5, Flash, que hacen más fácil mostrar esa información. Creo que el HTML5 va a predominar y ya está pasando, y es más fácil, a mí me gusta lo simple. Estoy un poco cansado de esos sitios para explorar, para mí entre más simple, mejor, que se entregue la información, y si se quiere hacer algo más complejo existe el video. Simple. Ahora que vives en Estados Unidos ¿cuáles son tus impresiones sobre el diseño latinoamericano? Creo que hace 10 años era muy pobre y recientemente tuvimos un gran salto. Tuve la oportunidad de estar en Chile en el 2008 y me encontré muchas personas

hablando del futuro del diseño. Me sentí muy bien porque tenemos un mercado que crece muy rápido. En este momento estoy enamorado de los argentinos porque considero que están haciendo un gran trabajo y creo que tenemos mucho potencial, sólo hay que seguir trabajando duro!. Lo que hace falta es tener una mejor orientación de nuestros clientes, direccionarlos mejor. Me encantaría ver que los clientes entendieran más el valor del diseño, por ejemplo aquí (U.S.A) son muy cuidadosos con las marcas, les gusta mantenerlas limpias, pulcras, mientras que en Latinoamérica se exceden en recargarlas. Qué se requiere para ser exitoso? Depende de lo que se entienda por “exitoso”, yo creo que he sido exitoso en mi vida teniendo en cuenta de donde vengo, y lo que he logrado, pero todavía estoy en la pelea y no siento que haya llegado aún al tope y siento que todavía tengo mucho por aprender y por hacer, así que no creo que el “éxito” como tal haya llegado aún, tal vez esté por llegar… ojalá (risas). www.soyneon.com


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Claudio

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“Claudio Roncoli es un artista tan contemporáneo, que no necesita de ningún artilugio supuestamente de moda para realizar su obra. La obra lo precede, lo define, e incluso a veces involuntariamente va por delante de él y lo deja al descubierto. Y entonces se nota que, en el fondo, hay un personaje angustiado que apela al grito más silencioso: el de mostrar una felicidad mentirosa, simulada, y permitirnos ver entre sus grietas.” Florencia Salas. Critica y curadora Argentina.

1. Question number one 150 x 130 cm 2. El amor no es tan fuerte 180x230cm 3. The world is yours 140x200cm 4. Claudio Roncoli by Manuel Archain www.soyneon.com


Neon TV

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Por: Ximena Vargas

Andrés Díaz, Laura Ramírez Leal y Dicken Schrader son las personas detrás de AVX, una empresa colombiana que está enfocada en la búsqueda de innovación y desarrollo de nuevos conceptos en las áreas de diseño, video, tecnología y cualquier tipo de propuesta creativa que esté vinculada con las experiencias visuales. AVX, Audio Visual Experience, nace en Bogotá como una propuesta para que diferentes formas de expresión artística se mezclen y creen nuevas experiencias, con un enfoque en la unificación del espacio y la imagen, entendiéndola como una sola forma narrativa. Valiéndose de elementos como la escenografía, la proyección de video, las instalaciones de diseño no convencionales y la arquitectura de eventos, los integrantes de AVX han logrado abrirse campo en la experimentación audiovisual como una empresa que además de producir estas experiencias, apoya a las personas interesadas en el tema. Este equipo de trabajo viene de un recorrido amplio por el campo de la producción audiovisual, siempre buscando la innovación en el área de la imagen en movimiento. Cada uno de ellos, ha tenido su propia experiencia en las diferentes áreas que componen el proceso creativo del arte audiovisual. La realización de cortometrajes, videos publicitarios, documentales y seriados, les ha dado las bases necesarias para que hoy estén vinculados en la experimentación de las formas de la imagen y que su propuesta les permita crear nuevas tendencias. “Nuestro objetivo es promocionar la cultura y el movimiento de artes visuales en Colombia, realizando eventos que reúnan en un entorno académico y artístico, a profesionales, colaboradores e investigadores que realicen proyectos de vanguardia relacionados con el Arte Visual, la Tecnología y la Cultura Electrónica.” Revista Neon

Actualmente AVX se encuentra en la tarea de desarrollar una agenda en la que cada 2 meses se realice un evento para fomentar este tipo de arte en el país. El primero de éstos, se realizó el pasado 24 de febrero en Bogotá con un workshop dictado por Boris Edelstein, uno de los creadores de Modul8 y MadMapper, sobre el manejo y aplicación de estos programas, utilizados por artistas visuales y Video Jockeys de todo el mundo. Por otro lado, la inquietud que han visto en el país por estos temas de innovación, les ha llevado a la búsqueda de espacios que estén vinculados con su misma propuesta. “Después de realizar una investigación en torno a la cultura audiovisual y el estado actual de las artes visuales y electrónicas hemos llegado a la conclusión que hay una carencia de espacios para la divulgación, aprendizaje e intercambio de ideas alrededor de esta vertiente artística”. Su interés por promover esta forma de arte en Colombia, los obliga a analizar las tendencias en países como Brasil, Budapest, Berlín, Suiza y París. “Nos interesa conocer el estado actual del arte electrónico, específicamente en aquella rama que tiene que ver con el desarrollo de performances audiovisuales que sean ejecutados en vivo, es decir, en tiempo real”. Como resultado, actualmente cuentan con una alianza con el MAPPING FESTIVAL de Ginebra- Suiza. Este festival que ya cuenta con siete ediciones, “es un festival internacional dedicado a la cultura VJ y al desarrollo de obras artísticas que combinan la imagen en movimiento con las culturas contemporáneas”. Reúne a los grandes exponentes del arte visual, además de generar espacios a artistas nuevos y experimentales para dar a conocer sus ideas. El propósito de esta alianza no solo es exportar el talento de los artistas colombianos, sino empezar a generar el espacio para hacer la primera versión en Suramérica de este festival.


AL LADO DE LA MÚSICA

QUE MÁS CALIENTA

Por: Jaime Arracó / Foto Cohachela: Maria Mercedes Mora

La primavera no se está disfrutando demasiado en Colombia: el clima no sigue sus ciclos naturales, ni aquí ni en los países del hemisferio norte, desde que la naturaleza se proclamó en rebeldía. Afortunadamente a la música no le afecta ningún galimatías ambiental, ni ningún despelote urbanístico. Y la primavera es precisamente, el principio de una estación musical en la que brotan infinidad de festivales que bañados por el sol sobreviven hasta entrado el otoño. En abril vimos en Bogotá, nueva capital de la música alternativa por la trayectoria de los últimos años, la segunda edición de Estéreo Picnic. Éste sigue la línea de los festivales totales: esos que mezclan numerosas actividades ajustadas al gusto de los asistentes y que se corresponden con el aire moderno de los festivaleros. En la secuela del año pasado, el festival bogotano consiguió traer buenos artistas, presentó una gran dosis de urbanidad, estética y progreso (aspectos refractarios a la actual convivencia en el distrito capital y que espero, den ejemplo a sus ciudadanos: el ombligo del país parece tener un crecimiento estancado), pero quizá no se descubrió musicalmente y no superó al resto de actividades de manera sobrada. Algunos de los grupos: CSS, The Presets, The Twelves, marcharon para Coachella este mismo año, un festival emblemático que programa paquetes de tour operador como si fuese un resort caribeño. Yo nunca he ido, pero he visto sus videos y he escuchado a su público. He comprobado el cambio sustantivo en sus grupos cabeceros: lo mejor de la escena escapista de los ambientes comerciales. Un oasis empapado por una banda sonora vastísima. Más allá de las fronteras Yankees y de su personalidad juvenil donde el código de la belleza es la salvación del hombre, viajamos a Barcelona, para encontrarnos con el Primavera Sound, uno de los festivales más importantes de Europa; y habiéndolo vivido,

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veo una gran diferencia de culturas: mientras en USA hay una tremenda promoción del encuentro apoyado en un concepto de vacaciones , en Barcelona, después del acuerdo con la web musical-celestial Pitchfork, pujante surtidora de muchas bandas desguarnecidas de otras ayudas para su crecimiento, se habla más de industria, de la evolución de la producción musical, de su creación y promoción, y de cómo se alteran apresuradamente los gustos y deseos de todos los involucrados en el mundo de las canciones. Uno de sus directores cuenta que prepara durante meses su programación para encontrar un equilibrio entre las bandas más reconocidas del último año: Fleet Foxes, James Blake, Yuck, Kurt Vile, Sufjan Stevens, Gang Gang Dance, M. Ward, Explosions In The Sky; las leyendas del rock: The Flaming Lips, Echo and The Bunnymen, Grinderman, Belle & Sebastian, Pulp; los grupos nacionales y las apuestas de grupos desconocidos como Blondes, Glasser y Gold Panda. Aunque lo más remarcable, a mi modo de ver, es la consolidación del Primavera Pro, un encuentro de managers, directores de festivales, promotores, salas y discográficas, entre otros, que tiene por objetivo “crear un marco de interrelación entre los trabajadores del sector”. Porque sus directores piensan que el reto más grande que tiene actualmente la industria musical es descubrir cómo sacar provecho a la grabación de un disco, en un momento donde el soporte físico ha caído. Yo concluyo que, después de tantos años prolíficos de los festivales multitudinarios y generalizados, hoy en día el espacio dónde se están congregando las aspiraciones de reyes y plebeyos es un festival familiar, cariñoso: Porque, en definitiva, a todos nos gustan que nos mimen, y en las pequeñas salas es dónde nos consentimos unos a otros, los artistas a nosotros y viceversa. Estén atentos a nuestra web, porque Neon traerá lo más ardiente del Primavera Sound para calentar este acatarrado invierno Colombiano. www.soyneon.com


Rodaje en

CHERNOBYL Por: Manuela Ortíz

Mientras el tema de las plantas nucleares volvía a ser punto de debate tras lo ocurrido en Japón, tres colombianos se encontraban en Chernobyl, lugar del mayor desastre nuclear, rodando un cortometraje. ¿Una simple casualidad?

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Foto izquiera: Juan GarcĂŠs Abajo: Olafur Jonsson

Neon TV


Foto arriba: Liza Shelestun Derecha: Juan Garcés

El camino en el mundo audiovisual ha traído sorpresas para tres caleños radicados en Bogotá hace un par de años; Beatriz Leal y Juan Manuel Garcés, directores de arte, y Eduardo Ramírez, director de fotografía. Ucrania era el próximo destino de rodaje; un dato: temperatura entre -15 ºC y -1 ºC; el proyecto “7 Years of Winter” del alemán Marcus Schwenzel. La historia, un drama donde se muestra la vulnerabilidad de un niño, expuesto a la inclemencia de su hermano mayor, quien lo lleva a Chernobyl para que busque objetos de valor en el mercado negro. Esta ciudad sola, abandonada y radioactiva se convierte en un mundo mágico para el niño. Un sueño que buscaba vía internet convertirse realidad, que desencadenaba decenas de correos y conferencias virtuales día a día, le dieron forma al proyecto. A finales de febrero, tras largas horas de viaje, y llegando hasta otro continente; Kiev era el destino final y el principio de una experiencia llena de ¡Acción! Finalizando el 2010 y desde Colombia, debían transRevista Neon

portarse hasta la Ucrania de 1992, trabajando con una estética y un mercado imaginario a 7 horas de diferencia en tiempo real. Un trabajo desgastante, de mucha paciencia, con un inglés básico y muchas ganas de sacar un proyecto adelante, Beatriz, Juan y Eduardo lo lograron; enamoraron a un equipo técnico de diferentes partes del mundo con su trabajo. Los lugares imaginarios, desaparecieron, tres caleños estaban en Ucrania haciendo mímica y ruidos para hacerse entender; entre risas, quebraban las barreras entre la ridiculez y la supervivencia. Cada escena que para ellos era un pantallazo en el computador, cobró vida, se paraban detrás de la cámara y con la simple sonrisa del director, sabían que todo había quedado perfecto. ¿Qué sigue? Juan y Beatriz lanzan “Creadores & Co”, idea con la que buscan consolidarse en el mercado cinematográfico y publicitario haciendo dirección de arte; Eduardo por su parte, comienza un nuevo proyecto televisivo. Esperan que pronto otro proyecto cinematográfico les toque la puerta.


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FOLCLOR DE COLOMBIA

PARA EL MUNDO Texto: Camilo Andrés Achury // Ilustración: Federico Castrillón

La música como parte del vehículo cultural, es un reflejo de las sociedad y su entorno, por eso, jamás morirá, simplemente muta, se acomoda, se fusiona y se transforma para mantenerse viva y latente. En nuestro país, creemos que las nuevas apropiaciones del folclor son precisamente “nuevas”, pero desafortunadamente, estamos un poco errados. Este movimiento de transformación viene desde la época de Lucho Bermúdez, que genialmente incluyó en sus canciones fusiones experimentales de bossa-nova, tango, mambo, chachachás y jazz, encontrando un público ávido de fiesta en los años 50. Revista Neon

Está claro que vivimos una recuperación y una nueva apropiación folclórica. De la mano de Chocquibtown, Bomba Estéreo y Systema Solar, Colombia hace su presencia en diversos festivales por todo el mundo. Cada uno ha sabido fusionar y revitalizar las cumbias, el bunde, el currulao, el porro, mapalés y fandangos, mezclándolos hábilmente con electro, funk, hip hop, breakbeat, breakdance y el scratching. De esta forma se pone a la altura de la juventud patriota, un folclor actual y con aire nuevo que se cimienta en nuestra sangre y nuestro corazón. Bomba Estéreo hace su trabajo de forma grandiosa: en una voz y una estética joven y vigente, retoma los cantos de las cantaoras de la Costa Atlántica, recupera no solo los cantos africanos que rondan las calles de los pueblos costeños, sino que también incluyen letras que se resisten a la influencia exagerada de culturas extranjeras y exaltan los productos típicos de nuestro país, del agua ‘e panela al pikó, del alegre y la tambora en la playa. Systema Solar es parte fundamental de esta transformación del folclor. Su propuesta viva, latente y llena de colorido sonoro y visual no habita este mundo: viene directamente desde la zona estelar “Berbenautica” donde todas sus confabulaciones de fiesta toman cuer-


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Lo local se ha convertido en global y no bajo la idea del “querer ser” sino de una forma más honesta: el somos y nos aceptamos. po con cumbia, fandango, champeta y son mezclados mágicamente con hip hop, house, techno, breakbeat, breakdance y el video en vivo. Systema ha impuesto otra forma de vivir la fiesta, de interpretar el significado de la música afro caribeña colombiana. “Nuestra manera de ayudar a transformar la música colombiana, viene dada justamente en que debemos reconocer que no existe “La Música Colombiana” como concepto único, sino más bien un crisol cargado y enriquecido por la diversidad imbricada en los procesos sociales propiciados a la fuerza por el mestizaje, que en nuestra propuesta lleva un nombre que expresa esa circunstancia, es a través de la Berbenautika (navegar en la verbena o Fiesta popular en el Caribe colombiano y el litoral Pacífico) que hacemos un reconocimiento a nuestra riqueza cultural, trascendiendo la manera como se clasifica la música por géneros, asumiendo que las tradiciones necesitan de la innovación como una evidencia natural del movimiento de la vida hecho música, danza y vídeo.” SYSTEMA SOLAR. El tridente del flow colombiano, del folclor renovado e invasivo, se completa con ChocQuibTown; esta agrupación que ganó el Premio Grammy Latino en la categoría Mejor Canción Alternativa el año pasado, es una fuerza creciente de energía, currulao, hip hop, bembé y mucho Pacífico, que desde hace diez años comenzó a conquistar oídos y corazones en diversas latitudes. “El aporte que, básicamente, nosotros sentimos que hemos hecho a la nueva música colombiana, es que ahora se habla del Pacífico en ciudades como Bogotá, en los medios masivos de información y en lugares donde antes no se hablaba de

ésta parte del país. Aportamos a Colombia la negrura en la música alternativa, que fue invisible durante mucho tiempo. Por otro lado, el aporte es a la inversa, porque llevamos a nuestras regiones rurales una forma de hacer el folclor, pa’ que no sea sólo cosa de los abuelos nuestros, sino que también enganche a los jóvenes y mantenga la raíz viva en todo contexto”. CHOCQUIBTOWN. Su primer reto fue en su propia tierra, donde sus canciones se incrustaron en el centro del pecho de quien las oyera, un sentimiento patrio que corrió por nuestras venas y nos consumió de amor por una tierra que durante años ha sido dejada de lado. El Pacífico, bajo el liderazgo de estos magníficos artistas, ha retomado un lugar privilegiado en el folclor colombiano, que ha recibido bien su nueva propuesta de sonidos callejeros unidos con la espesa selva chocoana. De esta manera, el folclor colombiano toma tintes modernos y un colorido actual, poniéndolo al alcance de las nuevas generaciones, que a pesar de los siglos y gracias a estas transformaciones se ven empujados a valorar y bailar cumbia, bembé, currulaos y toda nuestra diversidad musical autóctona. Malalma, Velandia y La Tigra, Velo De Oza, La Mojarra Eléctrica, La Bambarabanda y Puerto Candelaria, son sólo unos ejemplos de lo que se logra trayendo las raíces al presente y envolviéndolas con un nuevo aire. De esta manera el folclor colombiano toma tintes modernos y un colorido actual para este presente y para un público que a pesar de los siglos, y gracias a estas transformaciones se ven motivados para valorar y bailar cumbia, bembé, currulaos ó simplemente para rock ‘n rollear al ritmo de las ruanas. www.soyneon.com


Discos

Iron And Wine Kiss Each Other Clean Sub Pop, 2011 Sam Beam hace tiempo ejemplifica que es ser un músico de culto. Desde 2002 no ha cesado de crear formidables trabajos. El bucólico sureño con este último nos hace descubrir lo que él quizá no sepa: que haga lo que haga, cambie a folk pop o se mantenga en country folk o folk rock, todo le sale bien. Esa es la naturaleza de alguien auténtico, es la virtud de un músico distinto, es la especialidad de un genio. ¡Un disco muy jaranero! Chimenez.

Eulogies Tear the Fences Down Dangerbird Records, 2011 Peter Walker (voz y guitarra) compuso este disco a la memoria de Pablo Castelaz, hijo de 6 años de uno de sus mejores amigos. Bastante emocional, como lo es ‘Tear the Fences Down’. Mi canción favorita: You Hide. La gente compara a esta banda con Silversun Pickups. Yo me quedo con Eulogies. Fabián Vega.

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Fergus & Geronimo Unlearn Hardly Art, 2011 Fergus & Geronimo son los nombres de dos personajes de la película irlandesa “War of the Buttons” y también del dúo texano compuesto por Andrew Savage y Jason Kelly, responsables de éste, su disco debut. Además del cine europeo, se nota que les encanta el doo-woop, el Motown y el pop de los 60. Yo la película no me la he visto pero se ve buena. Si usted escucha esta banda, yo me veo la película, ¿vale? Fabián Vega. Revista Neon

Tapes n’ Tapes Outside Ibid, 2011 Aquí están de nuevo, vaya, menos mal. Lo bueno se hace esperar y la maduración lleva tiempo también. Tampoco es normal lo de Ryan Adams, que va a mear y vuelve con un disco nuevo. Ellos han empeñado tres añitos en enmendar el “Walk it off” de 2008. “Outside” es el disco que se veía que llegarían a hacer después del salvaje “The Loon” (2005). Es complicado llegar a tener un sonido definido por un lugar. París no lo tiene, tampoco Madrid. Minnesota tiene su sonido y Tapes n’ Tapes el poder de revelárnoslo. La canción “Freak Out” de verdad enloquece. Chimenez.


NEON Ed.6 "TRANSFORMACIONES"  

Revista colombiana de moda y tendencias creativas. Sexta edición.

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