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Contenido

No. 281, enero 2022

38.

Fue el primero de los festivales

que se canceló en nuestro país ante la alerta sanitaria global y el primero en marcar el retorno a los escenarios. Pa’l Norte, de la promotora Apodaca Music Group en el Parque Fundidora de Monterrey, Nuevo León, se erigió así como el referente de cómo hacer las cosas para garantizar el retorno seguro de los festivales. ¡Viva Pa´l Norte!

4. Detrás del micrófono

16. Columna invitada

56. Un encuentro con

El Clan: creatividad sonora que está de aniversario

Gaby Méndez, talento en música e ingeniería de audio

Rodolfo González, el audio para el rock de México

Por Mérlindon Crosthwaytt

Por Juan Carlos Flores

20. Columna invitada ¿Debería dedicarme a la grabación de tiempo completo? Por Ferrer León

46. Universo Sonoro La composición musical, fenómeno creativo humano Por Mario Santos

26. A primera vista Audífonos Sennheiser accesible

HD

400

PRO:

sorpresa

50. Las letras del sonido La música clásica y el efecto en nuestro cerebro

Por Néstor Iencenella

30. Desde el estudio Mon Laferte: adaptación en el estudio de grabación 36. La columna de los plug ins Izotope Tonal Balance Control 2, un amigo confiable Por Néstor M. Iencenella

Por Carolina Anton

Además 8. Nuevos productos 54. Eventos Foto de portada: Cortesía Festival Pa´l Norte.

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E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Jorge Urbano

Editora y copywriter Nizarindani Sopeña

Diseño Héctor Barrera

Staff Editorial Marisol Pacheco

Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

Ventas y Mercadotecnia

D

espués de las fiestas decembrinas, en las que tuvimos la oportunidad de compartir un poco más con quienes amamos, aunque aún con los cuidados que nos impone la situación sanitaria prevaleciente desde hace casi dos años, regresamos a nuestras actividades cotidianas con una necesaria renovación de energías y el entusiasmo por continuar nuestro camino. Si bien los últimos tiempos nos han impuesto retos grandes, en los que se ha puesto a prueba nuestro talento para encontrar nuevas formas de trabajar y convivir, llegar a este momento debe llenarnos de orgullo por lo que hemos logrado.

Claudia Pérez

Content Marketing Natalia Urbano

Digital Marketing Chief Edith García

Telemarketing José Luis Careaga

Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores

Durante el año anterior, vivimos el inicio de la reactivación en la Industria de la Música y el Espectáculo en México y el mundo. Se retomaron giras, se comenzaron otras y pudimos asistir a algunos festivales. Digo que es el inicio porque este 2022 podremos seguir atestiguando cómo nos vamos recuperando, y de manera realista, las actividades aumentarán, aunque con nuevas formas para reducir al mínimo los riesgos sanitarios que incluye trabajar codo a codo en una producción musical o en el montaje de un concierto. En este punto, la creatividad podrá ayudarnos para aprovechar los recursos que ahora tenemos para ofrecer cosas nuevas, como valores agregados que la tecnología nos ofrece, como la realidad extendida o producciones en streaming, entendiendo que la modalidad presencial no tiene sustituto. Justo el regreso de uno de los festivales más importantes del país en su edición presencial (aunque también fue realizado en abril del año pasado de manera virtual), es el tema que ocupa nuestras páginas centrales. Fue emocionante conversar con el staff que aceptó el desafío de producir el Festival Pa´l Norte en solo seis semanas con todo lo que ello implicó y esperamos que lo dicho por ellos sea útil para otros profesionales, además de ser el testimonio de cómo nuestro gremio se va levantando poco a poco. Además, nuestras secciones acostumbradas y una nueva columna están esperando su lectura, esperando que las disfruten. Deseamos lo mejor para todos en 2022. ¡Sigamos adelante!

Internet www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

Teléfono (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 24, No. 281. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.

Orgulloso miembro

Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

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Detrás del micrófono

El Clan:

creatividad sonora que está de aniversario

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nspirado en el trabajo creativo para musicalizar películas y con el anhelo de tener un álbum con canciones nuevas para festejar su treinta años de existencia, El Clan produjo “Somos nuestro peor miedo”, en un ejercicio de preproducción que los tuvo aislados y dispuestos para componer. Son Jaime Chávez (guitarrista de la banda) y Francisco Vives (bajista y productor de Fausto Palma, Leontine, Petra, entre otros), quienes relatan la creación de este plato de aniversario. Preproducción: un referente sonoro sin atadura Luego de musicalizar películas mudas como El Gabinete del Dr. Caligari (ya durante la crisis sanitaria en 2020 y a la distancia), germinaron algunas de las ideas musicales, como riffs y progresiones armónicas, que dieron forma a las canciones del nuevo disco: “A finales de 2020 ya teníamos los puntos de partida de las diferentes canciones. Empezamos a definir tiempos porque queríamos que saliera en 2021 para celebrar los 30 años de la banda. Concretamos el propósito de los

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diferentes objetivos, desde la composición, hacer los arreglos, la preproducción y encontrar productor. Las cosas con Paco caminaron muy bien y fue un proceso muy padre, interesante e intenso porque este disco se escribió, produjo y lanzó en medio de un entorno complejo, algo que no imaginábamos, como el confinamiento”, expone Jaime.

Además de su labor como productor, Francisco también tomó el mando del bajo en la banda: “Conozco bien a Germán, baterista de El Clan, y en algún momento le dije que tenía ganas de tocar el bajo y resultó que estaba esa vacante en grupo. Tocamos una vez para conocernos y creo que hubo buena vibra de parte de todos. En ese punto ya existían una especie de maquetas de las canciones, pero el bajo lo hice yo. Para mí también fue un proceso muy divertido y estimulante tener la libertad de componer todo y guiar el camino”, destaca Paco. Si bien El Clan tiene una huella sonora en su discografía, el desafío es explorar con otros recursos, como describe Jaime: “Nosotros tenemos esa identidad, pero lo pensamos como un reto que nos saque de nuestra zona de confort y nos permita experimentar con sonidos y arreglos musicales. Como banda no dejamos de tener esa esencia oscura que ha inclinado al grupo hacia cierto lado progresivo con estructuras más elaboradas. La parte de los arreglos fue con rasgos progresivos y el manejo de los matices era la premisa que teníamos para ese nuevo disco, renovarnos en esa parte además de no repetirnos”.

Tras coordinar la dinámica de colaboración a distancia, la banda tomó entre tres y cuatro meses para componer y luego se juntaron para irse a una cabaña a Huitzilac, Morelos, para grabar maquetas y depurar el proceso creativo. Francisco integró lo aportado por todos en las maquetas base: “Nos fuimos a encerrar a esta cabañita para terminar de afinar las canciones, con Paco en el bajo y como productor. Creo que esa colaboración fue muy importante: ese encerrón para trabajar 8 o 10 horas todos los días en un ambiente totalmente aislado, tratando de colaborar, de hacer que las canciones crecieran, fue lo que catapultó exponencialmente a las canciones y nos enfiló directo al estudio”, menciona Jaime.

Los acuerdos al servicio de la grabación Para ese trabajo en Huitzilac, donde se terminaron de componer las canciones mejorando las maquetas, Paco cargó con una mezcladora Soundcraft de 32 canales, digital, para poder grabar en canales separados todo: batería, bajo, teclados y la voz: “Ese mixer tiene la facilidad de que le puedes meter la laptop y entonces ya la usas como si fuera una interfaz; íbamos grabando y armando las canciones, decidiendo. De repente hubo maquetas en las que se combinaron tomas para tener lo mejor de cada una. Los micrófonos que llevé a Huitzilac fueron Neumann 140 para las baterías y un kit AKG; en la guitarra puse el Sennheiser e609 que me gusta mucho; para el bajo usamos una caja directa Whirlwind y para la voz de Gustavo, tenía un AKG también”.

“Nosotros tenemos esa identidad, pero lo pensamos como un reto que nos saque de nuestra zona de confort y nos permita experimentar con sonidos y arreglos musicales”. Jaime Chávez.

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Detrás del micrófono

“En las guitarras usé un micrófono Royer R-121 y a veces puse el Sennheiser e609 o un Shure SM57, pero por lo general me voy con micrófono de listón” Francisco Vives. Ya en su estudio, el bajista tomó las riendas y montaron la sonoridad final: “En las guitarras usé un Royer R-121 y a veces puse el Sennheiser e609 o un Shure SM57, pero por lo general me voy con micrófono de listón. Luego, el bajo lo pasé por un Manley VoxBox y el preamplificador; eso siempre me ha funcionado muy bien. En los teclados, además de pasarlos por cajas directas, los metí a un preamplificador Universal Audio 4. Para la batería puse en el bombo un AKG, en la tarola siempre el Sennheiser e609 y a veces uso un Neumann U87 en el centro para crear con los overheads una imagen estéreo de la batería; en los toms pongo los Senheiser e604”. Libertad y decisión, el mando del productor Basado en una relación de respeto y libertad creativa, Paco realizó su tarea: “Fue increíble trabajar así porque lo que realmente importaba era lo que hacías creativamente. Cuando regresamos de la cabaña ya tenía pensado sónicamente todo y sabía por dónde llevaría las cosas. En mi estudio empezamos con la batería, tomamos las maquetas y ya con metrónomo, acabamos en tres días, nos seguimos con la guitarra y demás; nos tomamos más tiempo que es algo muy importante de la producción. A Jaime le quité todos los reverbs y los delays en post producción y eso es bien difícil, porque está acostumbrado a tocar con unas cosas, le cambié todo: usamos Gretsch que creo que nunca había usado para grabar por esta cuestión de cumplir uno de los propósitos que era hacer una sonoridad completamente diferente. Nos lo tomamos con calma y mucha filosofía:

“Somos nuestro peor miedo”, lo nuevo de El Clan

Amplificadores Fender Super Champ, Orange dual terror y Blackstar HT Metal 5 Guitarras Gretsch G5420T, Gretsch G5230T, Airline 59 3P DLX Bajo Fender Elite Batería Gretsch New Classic Manley VoxBox Neve Portico 5012 Universal audio 4-710d Interface RME Fireface800 DAW Cubase Microfonía Neumann U87, Neumann KM 184, Royer 121, AKG D212, Sennheiser e906, Electro voice RE20

También usamos amplificadores como el Dual Terror de Orange, un Super Champ de Fender y un Blackstar Metal HT5, para crear una atmósfera y que la distorsión no fuera tan definida sino un poco más como fuzz y también para los overdrives hacíamos un truquito con el voltaje. Los teclados los hizo Gerardo y grabó rapidísimo, casi todo es primera o segunda toma porque tiene una rítmica formidable y traía todo super estudiado. Con Gustavo nos echamos todo un encerrón de fin de semana para la voz; lo hice sufrir un poquito de pedirle cosas y para mí en verdad fue impresionante la disposición que tuvo para hacer nuevas cosas, también traía unas ideas para unas canciones y hubo un par de cosas que armamos aquí en el estudio. Todo fue un aprendizaje padrísimo”. Con el disco disponible en plataformas y en físico, la celebración de tres décadas del grupo plasma por un ejercicio estimulante de creación, donde pudieron adaptarse a las circunstancias de la contingencia sanitaria y al desafío de confrontar los lugares comunes. Enhorabuena y a escuchar “Somos nuestro peor miedo”.

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AUDIO

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ABRIL www.soundcheckexpo.com.mx Cuota de recuperación: En sitio $250.00 M.N. | Con pre registro $150.00 M.N. | Pago en línea: $100.00 M.N. Informes y ventas:

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Nuevos Productos ESTUDIO

Rupert Neve Designs Preamplificador de micrófono 5025 Dual Shelford Mic Pre De edición limitada a 300 unidades, se trata de un preamplificador de micrófono de 2 canales, basado en su canal Shelford, el más vendido de la compañía. Está construido con los transformadores custom en las entradas que entregan los 15 primeros dBs de ganancia, además de los 72dBs de ganancia de clase A de bajo ruido, filtro de paso alto de barrido, circuito Silk Red and Blue para añadir dos tipos de saturación armónica personalizable, así como sus transformadores de nivel de salida dual, desarrollados para el canal Shelford. Audio Gate International. (55) 5336 5522 audiogate.mx www.rupertneve.com

KRK Subwoofer S12.4 Fabricado con cono de Kevlar y amplificador Clase D, el S12.4 recrea graves precisos a 119dBs de SPL y respuesta de frecuencia de 32Hz a 139Hz y potencia de salida (continua) de 220 watts a 1% THD + N a 44 Hz. Cuenta con pedal a pie para silenciarlo rápidamente y enviar audio de rango completo a los monitores de grabación. Representaciones de audio. (55) 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.krkmusic.com

AKG Micrófono de condensador ARA De conexión USB con patrón dual para transmisión y grabación de audio a una resolución de 24 bits y 96 kHz, el ARA es una herramienta para captura de voz en proyectos como podcasts, transmisiones en vivo, pistas para demos o videollamadas. Es compatible con Mac y Windows, consolas de juegos y dispositivos Android e iOS a través de USB; ofrece controles de volumen para auriculares, silenciamiento y selector de patrones para facilitar el control del sonido. Harman Internacional México. (55) 1555 0322 www.harmanpro.com www.akg.com

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Nuevos Productos EScenario

Madrix Software de control lumínico RADAR El monitoreo de fuentes luminosas controladas mediante DMX es lo que este programa permite, al gestionar de manera remota los equipos, así como sus datos y sensores. RADAR configura parámetros para cada fuente, además del control de dirección, inicio y voltaje. Brinda historial del desempeño de los diferentes equipos, previniendo su desgaste y asegurando su durabilidad. Sin Límites. (55) 5544 8157 www.sinlimites.com.mx www.madrix.com

Green Hippo Hardware para visualización de video y mapping Hippotizer V4 + MK2 Se trata de una plataforma para proyectos de video que requieren procesamiento para mapeo 3D y visualización con capacidad para manejar hasta 32 clips con resolución 4K. Está diseñado para flujos de trabajo nuevos y emergentes que demandan flexibilidad, cubriendo opciones de salidas estándar en la industria: DP1.2 o HDMI 2.0 y captura en vivo HDMI 2.0 www.green-hippo.com

Chauvet Professional Páneles de luz para exteriores onAir IP Series Certificada IP65, el estándar para equipos utilizados en exteriores, estos páneles de LED de luz suave resisten la variabilidad del clima, haciéndolos ideales para videos musicales, alfombras rojas y sets de control remoto, entre otros. Son tres los modelos que componen la familia onAir IP: Panel 2, con 372 watts y 23,000 lúmenes; Panel 1, de 200 watts y 12,000 lúmenes; Panel mini, de 49 watts y 2,500 lúmenes. Los tres poseen ajuste de verde y control de desplazamiento al red shift (rojo emulado), mediante control inalámbrico CRMX y DMX. Chauvet México. (728) 690 2010 www.chauvetlighting.com

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Nuevos Productos DJ

Pioneer Monitores DM-50D Unidades activas de 2 vías con graves réflex, están equipadas con amplificador Clase D y un woofer de 5 pulgadas. Su panel de entradas y salidas presenta: entradas de un cuarto de pulgada TRS, RCA, mini conector estéreo de 3.5 milímetros y salidas mini conector estéreo de 3.5 milímetros. Con potencia de 25 watts, ofrecen un sonido de graves equilibrado y contundente para el trabajo de producción en casa de DJs profesionales. www.pioneerdj.com

Audio-Technica Fonocaptor AT-ART9XI Sustituto del modelo AT-ART9, este cartucho de bobina móvil con núcleo magnético posee una aguja de contacto de línea especial y voladizo de boro sólido, con un diámetro de 0.28 milímetros, elementos que mejoran el desempeño de desplazamiento y resistencia sobre los surcos. Su respuesta de frecuencia va de 20 a 50, 000 Hz. www.audio-technica.com

Ableton Controlador para software Ableton PUSH 2 Con 64 pads retroiluminados, 8 perillas de giro sensibles al tacto y funciones como Modo Clip/Launch para interpretación y grabación de arreglos en tiempo real y Modo de Escalas, más pantalla multicolor de gran tamaño y tira táctil de 17 centímetros para Pitch Bending y Scrolling, es el aliado para operar Ableton Live 9.5 o versiones posteriores. Incluye Live 9 Intro and Beat Tools Pack. Talento Integrado Tecnología Audiovisual y Networking, (55) 6845 3686 titan-audio.com www.ableton.com

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Roland Módulo de sonido JD-08 Con interfaz de audio USB-C/MIDI integrada que permite tocar, grabar y sincronizar con cualquier DAW de ordenador, el JD-08 revive los patrones del sintetizador icónico JD-800. Para ello entrega 64 presets del hardware original y recrea la estructura de cuatro sonidos, las 108 formas de onda ROM y los multiefectos a dos partes, esencia del sonido del JD800. Además, activa un secuenciador polifónico, programa melodías, incluye arpegiador, armado de líneas de bajo o acordes, sincronizándolos con otros elementos de un ensamble electrónico. www.roland.com/mx/

D’Addario Kit de mantenimiento para guitarras PW-EGMK-01 Tiene todo lo que se necesita para mantener a punto las encordadas, comprendiendo: enrollador de cuerdas, soporte para apoyo de mástil, regla de calibre para altura de cuerdas, manivela de afinación Pro Winder con cutter para sobrante de cuerdas, sistema de abrillantado de trastes, lubricante de puntos de fricción (cejuela, puente), cejilla NS Capo y herramienta múltiple. Lo indicado para el guitar tech que atiende guitarras acústicas y eléctricas. Distribuidora Gonher. (55) 9152 4600 www.gonher.com www.daddario.com

Novation Sampleador Circuit Rhythm Con grabación directa y funciones de re sampleo y manipulación de muestras aplicando distorsión, filtros, compresores y pitch, la Circuit presenta 8 pistas de sampleos, cada una con patrones de 32 pasos con encadenamiento para hasta 256 pasos por pista. Dispone de 32 pads retroiluminados en RGB sensibles a la velocidad, 28 botones táctiles también iluminados en RGB y 8 potenciómetros. Se conecta por USB-C, con entrada/salida y thru MIDI de 5 pines, puerto de sincronización analógico mini, entradas estéreo de un cuarto de pulgada, salida estéreo de la misma medida y salida independiente para auriculares de un octavo de pulgada. Paxsa. (55) 5243 5484 e-paxsa.com.mx novationmusic.com

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ArtÍculo invitado

Por Mérlindon Crosthwaytt*

Gaby Méndez, talento en música e ingeniería de audio “Soy músico de la Escuela Nacional de Música de la Carrera de Flauta y la riqueza de la parte interpretativa la aprendí trabajando en el Conservatorio Nacional de Música; por ahí fue mi entrada antes de ser ingeniera y productora”. Ella es Gaby Méndez, quien ha entendido las obras musicales de otra manera, viendo las partituras y considerándolas en las producciones. Como ingeniera de audio, su visión viene de la música misma para “retratar el instrumento como tal”. Para Gaby, grabar es retratar el instrumento y tiene que ser el sonido más puro. Ella ha vivido el lado de los músicos, entiende sus preocupaciones, necesidades y sonido. Ella ha hecho conciertos de cámara en el Festival Alfonso Ortíz Tirado en Álamos, Sonora dedicado a la ópera y la música de cámara, trabajando junto con su pareja, el ingeniero Gonzalo “Chacho” Peniche Granados y con Sergio Zenteno. “Las iglesias están hechas y diseñadas para cantar y las voces se entienden muy bien, pero con su reverberación, abajo de la cúpula, el sonido se va para arriba y no se entiende, por eso se usa el apoyo de equipo de audio”, menciona. Alumna, amiga e ingeniero del Maestro Horacio Franco Gaby estuvo con Horacio Franco en la Cappella Cervantina en el Teatro de la Paz en San Luis Potosí y curiosamente, el lobby sonaba mejor que el teatro, así que cantaron ahí, así como en otra ocasión en el vestíbulo de Bellas Artes. De ahí nació la idea de grabar un disco de música barroca mexicana en Francia. Antes de entrar al mundo del audio, Gaby empezó a estudiar las acústicas de los lugares para sacarles el mejor provecho. Originalmente, la música clásica fue creada para los lugares donde se iba a tocar, así como los instrumentos también. La vida va llevando a la evolución de los instrumentos y de los lugares donde se realizaban los conciertos.

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¿Cómo se ha modificado la percepción del músico y del ingeniero actualmente? Gaby responde: “Con los equipos hay una competencia de quién suena más fuerte o mejor; por ejemplo, una flauta no va a competir con una orquesta y en grabación se dice que no se oye la flauta, pero cuando los músicos graban en ensamble es más natural. Hay músicos que quieren la perfección y es mejor que sea en su propio talento afinado y suene bien de manera natural”.


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Reafirmación de una talentosa mujer en la industria Con el Maestro Armando Merino, Gaby grabó obras de Ricardo Castro de épocas del porfiriato: “Hicimos la grabación del disco de 22 waltzes con Juan Switalski y un segundo disco de La Belle Époque de México con Chacho, grabado en la Sala Xochipilli de la Escuela Nacional de Música”, menciona. Una semana antes de grabar, el Maestro Armando los invitó a su casa para oír el material y les narró las historias de Ricardo Castro sobre cómo escribía para cada obra, además de tocar para ellos en privado el piano. Esa semana de grabación, Armando grabó en tan solo 24 horas. Como productora, participar en el disco “Solo Bach” del Maestro Horacio Franco, fue todo un reto; “La primera versión de la Chaconne de Bach se grabó en el Convento del Desierto de los Leones por la acústica, en enero. Con un frío terrible, la flauta no se calentaba y se tapaba por la temperatura”. Ese año, hicieron 7 discos con Chacho y Juan Switalski y Gaby aprendió a usar Pro Tools en su totalidad. En cuanto a su presencia femenina en el medio, Gaby menciona: “No tengo queja, nunca he sufrido de acoso o discriminación. He tenido grandes padrinos como Chacho e incursioné en el estudio, donde es más común ver mujeres que en el audio en vivo. Sergio Zenteno me invitó a hacer mi primer concierto en vivo para Horacio Franco y Asaf Kolerstein, chelista israelí. Yo conocía el repertorio y diario había un concierto diferente, entendía el ensamble y sabía cómo sonaba”.

“Los micrófonos de diafragma grande son buenos para flauta y tienen un sonido divino”.

Uno de los errores comunes en la visión de algunos ingenieros es pensar que donde se mueven lo hacen muy bien. “Hay que entender al artista y a la música. El músico perfecciona el sonido en su instrumento y el ingeniero debe sacar una fotografía de ese sonido para alterar lo mínimo. No se puede anteponer tu conocimiento por muchos títulos que tengas y ser insensible a las necesidades de un músico. Hay que adoptar al ingeniero que conozca la música del artista en cuestión”.

Micrófonos Shure, esenciales y preferidos por muchos artistas Los equipos KSM313/NE son los preferidos de Horacio Franco y de Celso Duarte (arpa, violín y multi-instrumentista que trabaja con Lila Downs). “Los micrófonos de diafragma grande son buenos para flauta y tienen un sonido divino. Para ecualizar instrumentos acústicos, se filtran ciertas cosas; no hay que ecualizar en realidad debido a que es poco lo que se hace, solo hay que limitar los picos y se debe respetar el rango dinámico del instrumento”, señala Gaby.

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¿En qué medio se desenvuelven más los ingenieros? En la música comercial hay más cultura hacia la ingeniería, como el pop y el rock; sin embargo, en el jazz y el clásico se dispone de recintos donde no se piensa propiamente en el ingeniero, sino en la acústica. “Si deseas hacer clásico, se debe ir a conciertos 100 por ciento acústicos, con orquestas, ensambles, sinfónicas, cuartetos y sextetos; escuchar muy buenos discos, conocer los instrumentos y sus resonadores”. A nivel cultura intelectual e historia, Gaby aprendió historia de la música con el Maestro Roberto Ruíz Guadalajara en la Escuela Nacional de Música. Es importante que los ingenieros se cultiven sobre las obras que van a sonorizar.

mediocridad. Hay que leer, estudiar música y saber ser crítico de uno mismo, además de que el conocimiento es como te desenvuelves: qué tan sensible eres para el desarrollo con el músico y el equipo de trabajo. Es importante tener un buen manejo con las personas y tratar bien a tus técnicos para que la gente responda bien. Para ponerse en contacto con Gaby, la pueden encontrar en magabymendez@gmail.com y en boonkkeraudio en Facebook.

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer

Gaby y Chacho Peniche “Lo más importante”, concluye Gaby, “es que todo el tiempo tienes que estar en constante crecimiento, siempre prepararte y estudiar, no confiarte de lo que sabes. El día que te creas que todo lo sabes, empezarás a caer en la

disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.

“Hay que entender al artista y a la música. El músico perfecciona el sonido en su instrumento y el ingeniero debe sacar una fotografía de ese sonido para alterar lo mínimo”.

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Por Ferrer León*

¿Debería dedicarme a la grabación de tiempo completo?

T

rabajo “Godín” o ser un “Godínez”, es una forma subcultural en México para referirse a la actividad de algunos oficinistas asalariados, trabajadores con bajos sueldos o personas sin expectativas de un futuro mejor y que se ha popularizado mediáticamente en los últimos años. Lo utilizaremos aquí de manera lúdica y sin la finalidad de herir a nadie, así que relajémonos y hablemos del propósito de este articulo, que lo que pretende es enfocarnos en nuestros planes de vida en el plano profesional, muy comúnmente denominados “sueños”. Tomar las riendas con un plan Una de las principales trampas de un trabajo “Godín” es la seguridad de un sueldo. Éste siempre será uno de los

argumentos que se utilicen para asegurar que no es posible dedicarse por completo a la música, ya que ésta no brinda la misma estabilidad financiera que un trabajo de oficina; la incertidumbre es algo que simplemente no es opción, ya que además (y aquí se utiliza el mejor y más sólido argumento), se tiene familia e hijos que dependen de esa seguridad. Si bien todos buscamos una certeza financiera que nos brinde tranquilidad a nosotros y a nuestras familias, abandonar nuestros sueños también tiene un costo, del cual nadie quiere hablar. Pero pongamos el asunto en perspectiva: el trabajo “Godín” también pretende cumplir sueños, pero normalmente los de alguien más, y si bien es completamente útil durante un tiempo determinado o con un propósito muy definido, como

Tomar las riendas no es tarea fácil, pero el hecho de trabajar en ello determinadamente habrá hecho que valga la pena tu vida y tu tiempo por asumir la responsabilidad personal de tus proyectos.

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por ejemplo, para crecer a un área de mayor oportunidad, obtener el presupuesto que te permita arrancar tus proyectos o desarrollar relaciones importantes para tu desarrollo profesional, estancarse ahí por más tiempo que el originalmente planteado puede generar la ilusión de que la realización personal está dada, ya que los aparentes logros, sean financieros o de reconocimiento social brindan esa sensación de tranquilidad y satisfacción por un momento, pero al mismo tiempo te aleja del propósito original que tenías para tu vida.

arriesgada a la vez: ¡Sí!, siempre y cuando tengas la certeza de que tu sueño lo vale, aunque la manera de hacerlo es diferente para cada quien, ya que eso depende de cada circunstancia y voluntad individual. Con esto no quiero decir que abandones de manera abrupta tus compromisos laborales y emprendas una travesía sin plan ni rumbo fijo hacia lo que podría ser tu sueño y además, tengo que mencionar que si bien tus sueños no tienen precio, el camino hacia ellos sí lo tiene y debemos estar decididos a pagarlo.

Hace tiempo leí un estudio que demostraba que los infartos eran una de las principales causas de muerte de las personas y que dentro de los infartos, la mayoría estaban relacionados con el estrés y la insatisfacción laboral. Un precio alto, ¿no es así? Ahora retomemos la pregunta original del articulo. ¿Debería renunciar entonces a mi trabajo Godín para dedicarme a la grabación de tiempo completo? La respuesta es simple y

Claves: preparación y motivación Una de las maneras de reducir las inseguridades relacionadas al cambio es sin duda la de prepararse continuamente, ser competitivo desde el lugar en el que estés y con las posibilidades que tengas en ese momento, además de motivarse con las personas que ya lo han logrado. Con el paso del tiempo verás que existen miles de escenarios que no son tan trágicos como lo percibías y que con buenas herramientas podrás afrontarlas y forjar un camino sólido que te acerque cada vez más a tus

Es importante que seas el autor de tus propios planes, dejando de lado aquellas expectativas que se esperan de ti y que no corresponden a tu área de talento e interés.

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Cada quien será el responsable de saber cómo y cuándo hacer planes para comenzar a trabajar en alcanzar sus propósitos; sin embargo, hay que saber que el momento perfecto no existe. objetivos. Al hablar de grabación nos referimos a una de las actividades principales dentro de un estudio, por lo tanto tendríamos que esclarecer que, visto como un negocio y no como una guarida, es sin duda un negocio rentable, en el que al igual que cualquier otra organización, requerirás un equipo de trabajo humano sólido y de buena calidad, un área creativa con músicos de sesión, arreglistas, editores, ingenieros, productores y demás, un área de marketing, una de contabilidad, limpieza y demás. Con una estructura y una dirección definidas es sin duda un negocio que te permite vivir de él si estas dispuesto a tomarlo en serio y dedicarte a hacerlo posible.

Es importante que seas el autor de tus propios planes, dejando de lado aquellas expectativas que se esperan de ti y que no corresponden a tu área de talento e interés. Buscar la seguridad y la aprobación de los demás no te llenará, y no hablo de estar en contra de todo y todos, sino de ser fiel a lo que tú quieres hacer de ti, no lo que se espera de ti y mentalízate a que más de una persona estará en desacuerdo con tus propósitos, pero mientras no hagas daño a nadie, no habrá por qué pedir perdón.

Cada quien será el responsable de saber cómo y cuándo hacer planes para comenzar a trabajar en alcanzar sus propósitos; sin embargo, hay que saber que el momento perfecto no

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ArtÍculo invitado existe. En ocasiones, el temor al cambio hace que sabotees tus oportunidades, postergando la toma de decisiones y más aún la acción. ¿Cuántas cosas están en pausa por estar a la espera de ese momento o circunstancias perfectas?: “cuando tenga dinero”, “en cuanto tenga tiempo” y un sin fin de pretextos han hecho que todo se vaya postergando y al mismo tiempo generando la ilusión de que un día todo simplemente será perfecto e ideal, sin ningún obstáculo para tomar la acción necesaria, pero sabemos que eso no será así, generando frustración con el paso del tiempo. Tomar las riendas no es tarea fácil, dejar de esperar y tomar acción tampoco, pero quizá y aún sin garantías de lograrlo, el hecho de trabajar en ello determinadamente habrá hecho que valga la pena tu vida y tu tiempo por asumir la responsabilidad personal de tus proyectos.

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www. antenastudio.com

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A primera vista

Por Néstor Iencenella*

Audífonos Sennheiser HD 400 PRO: sorpresa accesible

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a tecnología avanza y nuevos descubrimientos y tecnologías llegan al mundo de los audífonos. En esta reseña intentaré transmitirles mi experiencia con este nuevo producto de la marca alemana.

Desempaque La caja me gustó, gracias a su diseño elegante, clásico y práctico, muy habitual en Sennheiser. Trae la información básica técnica de varios ítems. La información incluso está en varios idiomas, detalle que se agradece mucho.

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El principio acústico de los audífonos es que son dinámicos y abiertos; también son elegantes, sobrios, (yo en lo personal agradezco mucho esto), livianos y muy cómodos, sin perder su robustez. Incluso tuve la oportunidad de que los probaran varios amigos que dijeron exactamente lo mismo. El cable en espiral no solo es práctico, sino que para los ingenieros con más años de experiencia nos transporta a los años setenta, cuando los cables en espiral eran de uso diario. Este es otro detalle que alimenta el disfrute.


A primera vista

Además traen un cable liso adicional para quien no le resulte cómodo el espiral y eso me parece muy bien pensado. El sonido Aquí es donde se empieza a poner interesante. En otros modelos de Sennheiser se notaba una claridad en las frecuencias medias y agudas y ya estamos acostumbrados a eso. Con los HD 400 PRO pienso que es gracias a su diseño de transductores angulados (además de la calidad de estos nuevos transductores), que en esta ocasión se logra un rango frecuencial maravilloso. Lo que les quiero decir con esto es que no solamente el sonido es “flat”, reproduciendo fielmente todo el espectro sonoro que pudiera tener una grabación, sino que además me sorprendió la fidelidad con la que reproduce las frecuencias más graves, con lo que lo de los 6Hz es cierto. Por otro lado, lamentablemente hay audífonos en el mercado que tienen graves, pero reproducen todo el tiempo esos graves, provocando fatiga auditiva, y “mintiéndonos” en la ecualización de nuestros proyectos. Sin embargo, en el caso de los HD 400 Pro no es que tengan graves, sino que reproducen frecuencias muy bajas o muy altas de manera nítida solo cuando la grabación las contiene.

Esto es uno de los puntos más fuertes en estos audífonos, lo que los convierte automáticamente en una herramienta de prueba para la masterización. Me he tomado varios días para escuchar grabaciones que conozco bien y realmente son muy confiables, mis más sinceras felicitaciones al equipo de desarrollo de Sennheiser.

La estereofonía y dimensión Lo que primero impresiona en estos audífonos es la calidad del sonido y cómo se adaptan al rango frecuencial, pero luego uno comienza a percibir la imagen estéreo y la representación de la dimensión y aparece otra grata sorpresa. La mayoría de los audífonos “mienten“ en este Ítem; por ejemplo, con muchos audífonos se percibe una cantidad determinada de reverb o espacialidad en una grabación y cuando se escucha en altavoces se percibe otra. Pero en estos audífonos, el cambio es prácticamente imperceptible, incluso en algunos casos me gustaba más cómo se percibía en los audífonos que en los monitores. Además, se notan todos los grados de estereofonía de una grabación, lo cual es muy importante en mezcla, y no se percibe un cambio psicoacústico, que es lo que sucede

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A primera vista

El principio acústico de los audífonos es que son dinámicos y abiertos; también son elegantes, sobrios, livianos y muy cómodos, sin perder su robustez. con la mayoría de los audífonos; aquí el sonido es abierto y no se siente la sensación de que el sonido proviene de cascos, lo que sucede gracias al acoplamiento al oído, que es circumaural. Al comportarse tan efectivamente en este Ítem, también recomiendo su uso para audio inmersivo La dinámica Otro rubro que es tan bueno que pasa desapercibido, es la dinámica. Con los HD 400 PRO se pueden apreciar las partes más sutiles de una grabación con la misma calidad que las altas y eso habla muy bien de sus transductores; se nota que el cálculo de la impedancia de los audífonos, de 120 ohms, está en su punto justo, mientras que la velocidad a la que se mueven los transductores es notable: 110 dB (1 kHz / 1 V RMS). No hay distorsión en las partes más altas y con mucha dulzura en las partes suaves: < 0.05 % (1 kHz / 90 dB SPL). Estas capacidades los habilita para que estos audífonos se puedan utilizar en ediciones meticulosas de audio. En síntesis, los nuevos audífonos de Sennheiser son una gran herramienta de análisis crítico. Son cómodos, se puede trabajar con ellos durante horas y la durabilidad poco me preocupa,

ya que conozco los productos Sennheiser desde hace más de treinta años y doy fe de su durabilidad. También doy fe de su gran soporte al cliente, en donde uno puede conseguir cualquier accesorio que haga falta a un precio razonable. Si estás empezando en el trabajo en el estudio te los recomiendo, porque puedes confiar en ellos; son mucho más accesibles que un par de buenos monitores, y si ya tienes estudio y experiencia, también te los recomiendo como una nueva herramienta que nunca está demás.

*Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.

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Desde el estudio

Mon Laferte : adaptación en el estudio de grabación

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alardonado como “Mejor Álbum Cantautor” del Latin Grammy 2021, “Seis” de Mon Laferte es una placa hecha en la parte más álgida de la crisis sanitaria de 2020, para el cual se acondicionó su casa y ahí se hizo la mayor parte de la captura hasta adaptar los procesos de logística, pre, producción y post producción en ese lugar y posteriormente en las sesiones en Estudio 13. Son los productores Manú Jalil y Sebastián Aracena, además del ingeniero de grabación y mixer de uno de los temas, Eduardo del Águila, quienes relatan el amoroso y desafiante proceso para sacar a la luz este disco.

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Del ímpetu creativo a la preproducción Con el encierro global marcado por la emergencia sanitaria, la chilena puso las emociones en servicio para componer, siendo Sebastián el primero en recibir el llamado para hacer con esas letras un disco: “Mon comenzó a hacer muchas canciones y el día que decidió que haría “Seis”, quiso que estuvieran dos personas muy importantes para este proyecto, que son Jalil y Lalo Del Águila, que fueron a su casa e instalamos el estudio ahí porque no podíamos salir, era junio de 2020”, recuerda. Tras ese periodo de composición a tope, llegó Jalil, con quien arrancó el proceso de arreglos musicales y maqueteo en


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MIDI: “Llevamos los temas a los sonidos que queríamos de mariachi, cuerdas, banda sinaloense, banda itsmeña y muchas cosas que marcaron los arreglos para dirigir la personalidad del disco, que es único, justo porque tiene muchos estilos y colores. Posteriormente llegó Lalo e hicimos las corridas de arreglos, ya teníamos todo, Mon lo escuchó y le encantó, salvo una canción que al final no quedó, pero lo demás ya estaba armado. Lo siguiente fue llevar todo el equipo que necesitábamos: bocinas, amplificadores, micrófonos, preamplificadores y demás”.

Jalil y Sebastián Aracena “Lalo y yo ya teníamos la experiencia de haber trabajado con Mon en discos y producciones previas, hicimos uno de los discos más icónicos, “La Trenza”, y por eso buscamos mantener el equipo, porque hay buena onda y talento; Sebastián se integró hace algunos años para una gira y ahora también le tocó la producción musical. Mejor equipo no podíamos tener. También integramos otros ingenieros a distancia, como Abelardo Rivera, Gonzalo ‘Chalo’ González, Pepe Navarro y Felipe Castro y algunos músicos y músicos como Daniel Zlotnik, que no pudieron estar por el tema sanitario, pero pudimos mantener los equipos con la distancia social que marcaba el momento; fue aprender a hacerlo de esa manera”, relata el coproductor. El momento del project studio Con los demos y la claridad estética de los arreglos y la personalidad del disco tan claros, el acondicionamiento del sitio en la casa de Mon, donde se grabarían las canciones, así como la selección del equipo para ello, fue la siguiente tarea. Así lo relata Eduardo Del Águila:

Eduardo Del Águila “Llenamos los autos con todo lo que Jalil tiene en su estudio, lo de Sebastián, y también pedimos equipos a amigos de marcas, como el caso de los convertidores Burl que Abelardo Yepez, de Solidelectron, nos hizo favor de prestar. Juntamos todo lo que conseguimos y teníamos el reto de hacer un disco de muchos géneros, por lo que grabamos músico por músico, siendo el principal Sebas, quien aparte de producir, fue quien se encargó de arrancar básicamente cada track. Empezábamos con él y después iban desfilando los músicos que se organizaron de una manera muy estricta por todas las medidas sanitarias. Todo fluyó muy bien, estábamos en un lugar maravilloso, con una vista increíble, muy cómodos, con buen clima y arropados por la naturaleza. Todo cuajó y estuvo muy alineado, a pesar de

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que era complicado organizarlo y hacerlo músico por músico; las sesiones más complicadas fueron cuando se juntaron tres o cuatro músicos al mismo tiempo (las cuerdas y los metales), por todos los cuidados sanitarios que debíamos tener”. “Llevamos unos 16 convertidores para tener entradas múltiples para la batería, además de un set de micrófonos que fuimos cambiando de un lugar para otro (elegidos antes de empezar, según los instrumentos que se iban a grabar). Básicamente fue eso, más 12 o 14 preamplificadores, 12-14 entradas hacia la computadora, 12-14 micrófonos y con eso fuimos haciendo todo. Como no había muchos músicos al mismo tiempo tocando, sabíamos lo que necesitábamos usar y de ahí íbamos rolando de un instrumento a otro. También estuvo Joel Orta, stage manager de Mon, un personaje muy importante en la grabación que nos estuvo asistiendo con todo lo técnico y los instrumentos para tenerlo listo cuando se necesitaba”. “El cuarto donde grabamos resultó naturalmente con muy buena acústica después de haber colocado unos grandes telones que Mon tenía. Joel tapizó el gran cubo que era ese espacio y quedó un lugar muy bueno acústicamente. Hicimos unas pequeñas divisiones con unos páneles, pero una vez que acabamos de grabar lo que reproducíamos, se podía oír perfectamente. La acústica que quedó fue un

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sonido como más muerto, muy apagado el cuarto, pero nos ayudó perfectamente a hacer el disco y a no tener la inquietud de si acústicamente se estaba capturando algo que no se necesitara”.


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Con el marcado de las canciones y sus arreglos, la logística caminó: “Sabíamos qué, quiénes y cómo iban a ser las sesiones; somos muy organizados, así que fluyó, pero tuvimos que apurar la grabación, en particular del tema que sería el primer sencillo, “Que se sepa nuestro amor”, la canción con Alejandro Fernández. Uno de los primeros retos fue terminarla y sacar todas las que fueran con formato mariachi. Ya teníamos todos los papeles muy bien escritos, así que la gente llegaba a tocar una, dos, tres veces el tema y terminábamos. En un día teníamos la grabación terminada de tres temas, por así decirlo, porque ya estaba todo bien planchado: los arreglos, las partes que iban a tocar y llegaban los músicos a grabar”. “La grabación más extensa que tuvimos fue para ‘Calaveras’, que es con orquesta completa, al igual que ‘Amado mío’; otra con cuerdas, que fue ‘Aunque te mueras por volver’ y también hubo canciones para las que necesitábamos tener a los ocho músicos juntos para que sonara a lo que queríamos. Esa fue la grabación más complicada. Luego fuimos a Estudio 13, donde ya hemos hecho muchas, y nos dieron la oportunidad de realizarlo, porque ellos también estaban con las restricciones a tope. Fueron dos días allá con las cosas muy bien organizadas, cubrebocas todo el tiempo...fueron condiciones de grabación muy extrañas por todo ese tema, pero lo logramos”, destaca Jalil. “La enseñanza para mí es volver a hacer un disco de manera muy cercana al artista, sus productores y músicos. Poder hacer discos de esta manera, rescatar la interacción para hacer música y poder convivir más en el momento en que se está creando un disco o una canción, aunque después se separen y terminen haciendo la música cada quien en su lugar, eso es la tecnología para mí, pero la enseñanza más grande de ‘Seis’ es la buena sensación que me quedó de estar con gente 15 días haciendo un disco”. Eduardo Del Águila.

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Desde el estudio

“Seis”, de Mon Laferte: grabación en casa

Las voces se grabaron en cuatro días, repitiendo sesiones para temas como “La mujer” y “Se me va a quemar el corazón”, marcando horarios para minimizar el ruido ambiental u otras modificaciones que la intuición y emoción de la intérprete dictaran: “Mon siempre dice que quiere tener el disco dos meses antes de grabar voces para aprenderse perfectamente las canciones, pero al final llegaba al estudio y decía que quería grabar voces en un rato, así que preparábamos todo y grabábamos, comparte Jalil. “A Mon le gusta hacer mucho tomas continuas porque para ella la energía y la emoción son lo más importante. Estábamos a merced de que si sonaba algo (en particular del entorno de la naturaleza en el estudio montado en su casa), había que limpiarlo, pero no íbamos grabando pedacitos, sino que hacíamos toda una gran toma; lo escuchaba y hacía sus notas para corregir o dejarla así, si le gustaba”, añade Sebastián. El disco quedó grabado en 14 días. “La crisis sanitaria nos enseñó a hacer una producción muy larga y detallada, donde no había tiempo de improvisar en el estudio, entonces teníamos que checar todo dos veces. Mon es una artista muy visceral y para ella, la emoción es lo más importante. Nosotros como productores y Lalo como ingeniero, tenemos que estar muy preparados para ese momento. Todos los tipos de trabajo son válidos e increíbles; específicamente con Mon fue así, todo preparado para que ella se sumerja en su estudio, que fue su casa, y pueda hacer la magia y poner la emoción que ella quiera”, destaca Sebastián.

“Mi aprendizaje esta vez fue la capacidad de adaptación con los recursos que teníamos debido al tiempo mundial que tocó. Respetamos al artista lo más posible, en su sonido y sus arreglos; estar compaginados y tratar de traducir de la mejor forma lo que tiene en la cabeza. También destaco la convivencia que nos permite tocarnos como músicos, artistas, productores y escucharnos juntos, convivir... Esa magia se está perdiendo y hay que rescatarla”. Sebastián Aracena.

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Computadora (1) Macbook Pro Monitores (2) Focal Trio 11b Superficie de control (1) Avid S1 Convertidores (1) Burl Mother Ship 8X8, (1) Burl B2 Bomber (1) Universal Audio Apollo X8P Preamplificadores (2) Neve Shelford (1) Chandler EMI TG2 (1) Universal Audio LA610 MKII, 1 Universal Audio 4 710D (1) Avalon 737 Equalizadores y compresores (1) Equalizador API 5550 (1) Compresor API 2500 Microfonía (2) Coles 4038 (2) Royer 122 (1) Neumann M149 (1) Soyuz 017Series (1) AKG D12, (1) AKG451EB (1) Beyerdynamic D M201, (1) Beyerdynamic D M88, (1) Beyerdynamic D M160 (1) EV R20 (3) Sennheiser 451, (3) Sennheiser 421 SFX (1) Roland Chorus Echo 501 Audífonos (1) Beyer DT990 (1) Sony MDR 7506


Desde el estudio

Oídos aliados: mezcla y masterización Además de Eduardo del Águila, quien mezcló dos tracks del disco, se convocó a expertos en los géneros que dieron alma al álbum:. Así lo cuenta él: “Este disco está muy bien planeado desde la producción hasta la idea de Mon de tener tantos géneros, y por ello había que involucrar a gente que supiera muy bien de ellos. Jalil y Sebas fueron muy audaces y listos, junto con la cantautora, para buscar a las personas que mezclaron esos tracks; así, Abelardo Rivera hizo muchos, porque hay varias canciones de mariachi, mientras que Chalo González, desde Chile, ha masterizado todos los discos de Mon y obviamente hizo la de este nuevo álbum”. “En mi caso, mezclé los temas más rockeros en mi estudio; Jalil y Sebas me los mandaron ya limpios y revisados, no los vi a ellos ni a Mon para hacer mi trabajo; ésta es una forma que vengo trabajando con ellos y otros desde hace tiempo, pero también extraño el método de antes, cuando me reunía con la gente para escuchar. Lo que hago a veces es por lo menos tener una videollamada para saber lo que pasa con las canciones de los grupos en cuestión. Sí incorporo la tecnología y trato de rescatar lo que necesito para poder hacer el trabajo. En este disco no era necesario vernos, porque ya veníamos de trabajar juntos por 14 días y estaba todo muy claro desde el principio de la grabación”, menciona Eduardo. Intercarlar la estética y métodos de los mixers de las canciones con invitados, fue otro importante desafío, como comentan Jalil y Sebastián: “Todos los discos de Mon, después del ‘Volumen 1’, los ha masterizado Chalo González, prácticamente todas las canciones, salvo ‘Norma’, pero sí, él es un miembro del equipo desde hace siete años.

“Mi experiencia en este proyecto fue rescatar la cuestión de la salud mental que pegó en el confinamiento, pero que también trajo la fortuna de tener a estas personas cerca, gente muy querida, y poder hacer música con cariño y amor, porque pocos equipos pueden hacerlo. Es una de las grandes magias de este disco: se oye el amor con el que fue hecho; es como un abrazo y me quedo con eso, con el equipo de trabajo inmejorable que lo hizo posible. No le quitaría nada, no le pondría nada. Fue simplemente perfecto para mí”. Manú Jalil.

“Respecto al trabajo con otros ingenieros de mezcla, tuvimos que trabajar de otra forma, porque cuando hacemos colaboraciones con otros artistas deben tener la aprobación de otras personas”, comenta Jalil, y Sebas añade: “En este caso, se juntaron dos formas y estéticas de trabajo muy distintas; Jalil y Lalo se conocen perfectamente y todo estuvo muy claro”. Con tres fechas sold out en el Teatro Metropolitan en la Ciudad de México, el disco “Seis” de Mon Laferte se ratifica como un álbum cuyo proceso amoroso, creativo y de adaptación es preciso mirar para quienes tienen el concepto del disco como un camino y desafío. Orgullo que se haga con talento latinoamericano. Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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ArtÍculo invitado

Por Néstor Iencenella*

Izotope Tonal Balance Control 2, un amigo confiable

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esde hace más de veinte años, Izotope está haciendo un gran esfuerzo y trabajo en sus plug ins y elegí el Tonal Balance Control 2 (TBC 2) de esta marca para dar comienzo a esta nueva columna, porque considero que es una herramienta que hacía falta en nuestra industria. Más adelante iremos haciendo reseñas de otros productos; ojalá encuentre entusiasmo en quienes amablemente me leen. ¡Iniciamos oficialmente! (TBC 2) es una herramienta de medición, más concretamente de análisis frecuencial muy útil para mezcla y masterización; no es un analizador de espectro y eso es justamente lo que más me gustó, ya que si bien el concepto es parecido, estamos frente a algo totalmente diferente. En primer lugar no se confunde con el Loudness; es decir, si pones algo fuerte, no es que se vea el espectro o la medición más grande y eso es maravilloso. Lo mismo pasa con las partes más sutiles de música, sin importar el nivel TBC 2 las mide. En segundo lugar, ya tiene de fábrica muchos presets que son muy útiles (cubre los géneros de música más habituales), y también tiene la posibilidad de que puedas hacer tus propios ajustes; es decir, muestrear tus canciones favoritas y comparar la medición con lo que estás trabajando. Aquí hay que hacer una aclaración importante: el TBC 2 no sirve para la medición o comparación individual de instrumentos y esto debe hacerse con un programa musical completo. Si la canción que intentas revisar en el primer verso tiene voz y bajo solamente, el TBC 2 no te servirá, sino que para medir el programa completo se debe esperar a que la canción se complete con toda la instrumentación. Supongamos que se trata de una canción: debes revisar el coro, porque ahí seguramente, la batería, el bajo, las guitarras, las voces y demás instrumentos están tocando en conjunto. Ahí sí puedes comparar con tu canción y que en lo posible se trate de un género similar. No sirve comparar rock con jazz.

El TBC 2 es una herramienta indispensable, que no afecta en absoluto la creatividad, sino más bien la expande.

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Los distintos recursos Por una parte, el espectro en el modo Broad del TBC 2 está dividido en cuatro bandas, (graves, medios graves, medios y agudos), y cada una de estas bandas (dependiendo del preset que se utilice o de la canción que se haya muestreado), dará un rango de resolución disponible para cada banda, que siempre es variable y que varía de acuerdo al preset o a la canción que muestreamos. En mezcla por ejemplo, si subes el bajo, verás cómo afecta la banda de graves, o si bajas la batería, verás cómo afecta a casi todo el espectro. También puedes revisar el nivel de los platillos: si los bajas, la banda de agudos enseguida se bajará. Esto es fantástico, porque ahí nos damos cuenta de que el TBC 2 no solo reconoce frecuencias, sino que además reconoce tonos y notas musicales, tal como su nombre lo indica. En mezcla es una herramienta fantástica para lograr el balance de instrumentos que deseas, y también para tomar conciencia de que una buena mezcla está muy relacionada con el arreglo musical. Por ejemplo, si pones tu música y el nivel de los platillos te gusta cómo está, pero en el TBC 2 se ve que faltan agudos, puedes ver si quizás no quede mejor subir o agregar agudos a algún sonido de acompañamiento para contrarrestar esa falta de agudos, o bien llamar a un percusionista y agregar unos shakers. Esto es parte de la inteligencia artificial que ya está escuchando o viendo cosas que quizás se nos pasen por alto. Lo he probado con diferentes estilos musicales, desde rock, pasando por clásica, pop y world music, con resultados fantásticos. Una vez que lo aprendes a utilizar, lo amas. Por otro lado, en el modo Fine se ve la curva de Fletcher / Munson y en una línea pequeña, el contenido de tu trabajo con un margen de resolución más fino. Esto también me encanta, porque evita que algún rango de frecuencias se dispare o se atenúe en una campana estrecha o ancha. No es que un modo de visualización sea mejor que otro, sino que son diferentes. Primero se utiliza el Broad para hacer una corrección más global o genérica y luego revisas el Fine para hacer los ajustes definitivos. En masterización pasa exactamente lo mismo: el uso de los dos modos es igual, pero considero que para mastering es una herramienta indispensable, porque puedes tener una absoluta certeza sobre el rango frecuencial, y si en este proceso no se tiene mucha experiencia, siempre está ese miedo dando vueltas: ¿y si me paso de graves, de medios o de agudos? El TBC 2 también tiene un visualizador de crest factor que permite evaluar si los graves de tu mezcla o mastering están muy comprimidos y además viene con otra herramienta que se llama Relay, que permite la conectividad con productos de Izotope y controlar automáticamente el nivel de cada track de tu mezcla o incluso tiene conectividad con el ecualizador de Ozone, por ejemplo, para que estos ajustes de ecualización los haga automáticamente. Ojalá que este sistema en un futuro no tan lejano se pueda usar con diferentes marcas.

En conclusión, el TBC 2 es una herramienta que considero indispensable, que no afecta en absoluto la creatividad, sino que más bien la expande, porque te atreves a descubrir nuevos horizontes. Es como tener un gran amigo ingeniero de confianza, que ha ganado muchísimos Grammys, que está todo el tiempo a tu lado y que puedes preguntarle en todo momento: ¿cómo suena? y él siempre te responderá la verdad con una sonrisa. Gracias por leer. ¡Hasta la siguiente columna!

*Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.

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Festival Pa’l Norte:

Cortesía Festival Pa´l Norte

añorado regreso al escenario

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ue el primero de los festivales que se canceló en nuestro país ante la alerta sanitaria global y el primero en marcar el retorno a los escenarios. Pa’l Norte, de la promotora Apodaca Music Group en el Parque Fundidora de Monterrey, Nuevo León, se erigió así como el referente de cómo hacer las cosas para garantizar el retorno seguro de todos los que gozamos con la música en vivo, en el marco de los festivales.

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Festival Pa’l Norte

La previa: el desafío de una edición virtual Con el anuncio de la cancelación de su edición 2020 y la certeza de que las cosas no cambiarían en el corto plazo, los promotores del festival comenzaron la travesía de indagar cómo llevar a cabo un evento virtual que fuese más allá de un streaming. La referencia fue el Tomorrowland en Bélgica, realizado en julio de 2020 y que fuera el primer festival virtual. Este equipo colaboró para la producción del Festival Pa´l Norte virtual, que se realizó en abril de 2021, con un gran despliegue tecnológico y con 8 streamings simultáneos. El regreso y las implicaciones del factor sanitario Con ese antecedente, la planeación de la edición presencial fue tomando forma conforme se iban dando las actualizaciones y permisos respecto al manejo de la crisis sanitaria en nuestro país. Fue a mediados de septiembre de 2021 que se tuvo semáforo verde para llevarlo a cabo durante noviembre, lo que supuso el reto inmenso de hacerlo realidad con solo seis semanas de planeación previas a la fecha de montaje, como relata Víctor Gutiérrez, coordinador de producción del festival:

“Nos tocó entender que eso ya será parte de lo que estaremos viviendo ahora, con el extra de cubrir los cuidados sanitarios. Me dediqué a escribir los protocolos para backstage, que fue complejo, como también ver la dificultad para viajar que tuvieron algunas bandas y que, además, no podían viajar con todos sus equipos y staff”. Con tanta gente acreditada como personal del festival (desde stage hands hasta gente de limpieza, operación, bebidas y alimentos), fue clave la estrategia de tener una alianza con un laboratorio médico que realizó pruebas para quien quisiera. Víctor detalla: “El pimer día de montaje hicimos 300 pruebas con resultados en 15 minutos. No hubo un solo caso positivo en el staff, ni con las bandas, ni en backstage. Fue todo un logro no tener contagios”.

“En el Estado de Nuevo León, los casos de covid-19 comenzaron a bajar. Nos juntamos el 20 de septiembre y ese día, el Parque Fundidora nos dijo que teníamos el permiso para hacerlo. Nos tocó ver el impacto de la situación en lo que hacemos: desaparición de empresas, los precios distintos, que los proveedores ya no tuvieran algunas cosas y la aparición de figuras como el Covid Officer, que las bandas crearon y que es la persona que llega al foro con anticipación y revisa que el promotor tenga las medidas sanitarias correctas para su grupo antes, durante y al concluir el evento”.

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Al respecto, Enrique “Kike” Carmona, coordinador de producción del Festival Pa’l Norte y mano derecha de Víctor, reflexiona: “Lamentablemente, esta crisis sanitaria sacó a mucha gente del mundo del entretenimiento y reunir un equipo para un festival en seis semanas

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Festival Pa’l Norte

de trabajo nos costó mucho. A todos les explicábamos que sabíamos que esto no se había hecho antes con tan poco tiempo y que necesitábamos un doble esfuerzo de su parte”. “Todos los días implementamos más cosas. Hay que entender que el personal de montaje estará 12 horas laborando y que el cubrebocas a las 5 horas les será inservible; por ello, el promotor debe considerar una dotación importante de este material para un personal muy valioso. Tuvimos la fortuna de que nuestro headliners trajeran sus propios cubrebocas y hacían el cambio para todos”. Kike agrega: “Los camerinos también se manejaron distinto. Antes los teníamos de 4 por 5 metros y ahora fueron de 6 por 6. Además ,muchos artistas pusieron su granito de arena y llegaron, tocaron y se regresaron a su hotel. Se hizo el manual del festival con estas indicaciones y todo salió bien”. “Aprendimos de los headliners, porque ya venían con una forma de hacer eventos grandes en Estados Unidos en esta época y nos compartían las formas en que se estaban haciendo allá las cosas. En Pa’l Norte ya hicimos un manual con el aprendizaje que nos tocó, porque esta situación todavía no se acaba y es algo que tendremos por un tiempo”. Siempre ascendente, cumplir la expectativa El festival se expandió un 40 por ciento y para la edición 2021 se montaron nueve escenarios. Entre Víctor Gutiérrez, Kike Carmona y Mauricio Del Moral se hicieron los diseños. Víctor explica: “Rescatamos algo de escenografía que teníamos del show pospuesto de 2020 y básicamente nos apoyamos con compañías proveedoras como Serpro Producciones con una gran cantidad de equipo”. El equipo que respalda la labor de Víctor y Enrique se complementó en el Festival Pa´l Norte con Salo Soloveichik como asistente de producción, Eduardo González “Trosky” en audio, Eduardo “Toto” en iluminación y Luigi Cuanda en video, además de Ángel Rojas de Rigging Plot y Karla Perusquia en camerinos. Ya con los

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escenarios diseñados, se inició el diálogo y negociaciones con los headliners: Foo Fighters y Tame Impala. Los riders se armaron en una semana y los artistas recibieron un contrarider; al final, para lograr el cometido se hizo una combinación entre los riders de los headliners y una programación con extras: en audio dos o tres consolas de spare y lo mismo en iluminación, rubro en el que se creó una cabina para previos, donde los ingenieros de iluminación pudieron ensayar su show, debido a que los tiempos de ensayo nocturnos estaban limitados. De este crucial proceso de negociación habla Kike: “Se buscó atenderlos de la mejor manera posible y cuidar no tener acumulación de gente. Tame Impala, Foo Fighters, Alejandro Fernández y Juanes tuvieron prueba de audio y con los demás fue linecheck. No es que no quisiéramos, pero todos nos tuvimos que adaptar, porque sólo los headliners traían, juntos, 19 trailers, y era muy difícil tener el espacio para atender a todas las bandas”.


Festival Pa’l Norte

“Cuidamos de no reunir a los 80 elementos que regularmente teníamos para armar un escenario, al tiempo de cumplir con los tiempos que nos pedía el Parque Fundidora para trabajar, porque éste nunca cierra, y tener la seguridad y control es complicado. Llevamos nuestro tiempo para acoplarnos a las reglas del recinto y parte de ese diseño de calendario que hice y luego avaló Victor, fue tener más días de montaje; el domingo teníamos casi todos los escenarios completos, el lunes fue el día de rigging y el martes recibimos los equipos. Para el miércoles estuvimos listos para que cuando llegaran los artistas ya estuviera gran porcentaje de los equipos montados”, menciona Kike. Víctor enfatiza: “Respetamos los acuerdos, porque debemos entender que es un parque público, el mas importante en el área metropolitana de Monterrey, va gente todos los días de la semana y nosotros no paramos, pero encontramos los momentos para trabajar.” El equipamiento de los escenarios estuvo a cargo de las empresas Serpro Producciones (los cuatro escenarios principales), Audiosystems del Norte y ProAudio. El reto fue que lograran convocar a la cantidad de personal requerida y tener los equipos en estado óptimo tras la pausa larga: “En el caso de Serpro, tenían que reunir un ejército de gente que se había ido y lidiar con el sentimiento de pérdida de su alma mater, nuestro amado Renato Betancourt”, recuerda Kike. Serpro, proveedores de toda confianza Emmanuel González, quien ha estado en la realización del Festival Pa´l Norte desde su tercera edición con Serpro, coincide con los productores en lo desafiante que fue cumplir con los tiempos

en esta edición: “El tiempo que tuvimos para la realización de este festival fue menor al que teníamos anteriormente y el reto fue sacar adelante este festival con la importancia y la trascendencia que tiene, en un tiempo muy corto. Hubo un punto muy importante que jugó a favor nuestro y fue el hecho de que el evento es sólido en cuanto a la parte de producción”. “El Parque Fundidora no permite el cierre y eso complica la parte operativa, por el hecho de tener que estar organizando tiempos con momentos donde no puedes moverte en el área de trabajo; todo se hace con la mayor seguridad y cuidado. Tuvimos un promedio de 15 a 20 personas en cada escenario y debíamos estar cuidando a la gente y haciendo pruebas covid-19. Tenemos que aprender a vivir con eso si queremos que las actividades regresen”. “Durante el evento lo más fuerte que tuvimos fue el cambio del día viernes al sábado en el escenario principal donde se presentó Foo Fighters y Tame Impala. Éste último llevó su producción completa y tuvimos que cambiar todo lo montado en el escenario en aproximadamente seis horas. Habíamos hecho cosas así anteriormente pero no al grado de cambiar la producción completa, la cual conlleva muchas cosas detrás. También fue el primer festival que regresó con nuevas reglas, uno muy importante que queremos que continúe”, finaliza Emmanuel.

Emmanuel González

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Festival Pa’l Norte La siempre indispensable iluminación Eduardo López “Toto” tuvo la responsabilidad de diseñar la iluminación de los escenarios en la edición 2021 del Festival Pa´l Norte, Él trabajó desde 2018 en el evento y antes de que fuera convocado para el mismo en 2021, se encontraba tratando de asimilar la situación sanitaria y entendiendo los riesgos que se corrían. “Después de un análisis profundo me di cuenta de que no sería un proceso sencillo, por lo cual decidí capacitarme en las plataformas ya establecidas y aprender nuevos softwares que surgieron a raíz de esta situación”, recuerda. Eduardo López, "Toto" Ya formando parte del equipo del festival, Next Level Studio, empresa fundada por Toto, se encargó de dar los servicios de pre visualización e iluminación al festival. “El diseño del escenario Tecate Light estuvo basado en las necesidades de los headliners de cada día y no hubo muchos cambios, ya que las bandas eran las que se programaron antes del confinamiento sanitario en su mayoría y el gran reto fue armar el rompecabezas al incluir a Foo Fighters y mover a Tame Impala para el segundo día, ambos como headliners y con diferentes conceptos de diseño de iluminación, mientras que para el resto de los escenarios fueron diseños genéricos funcionales para todas las bandas”. Respecto a los equipos, estos fueron seleccionados con base en el inventario de Serpro y se agregaron en algunos de los escenarios diferentes equipos de luminarias para refrescar el diseño de iluminación. “Para la organización y la producción del evento, la cantidad de colaboradores por parte de Next Level Studio fuimos ocho personas, las cuales se dividieron en un encargado por cada escenario, tres en el escenario principal y dos en el área de previsualización, más el personal técnico por parte de Serpro, aproximadamente de ocho técnicos por escenario”. Iluminación escenario Tecate Original Cabezas móviles (42) Vari-Lite VL3500 wash (41) Clay Paky Mythos 2 (12) Martin Rush MH6 (26) Elation Lighting Chorus line 16 (14) ACL360 Matrix Convencional (04) Seguidor Lycian 2.5kw (10) Molefay 4 lite Efectos (52) Phillips Nitro 510C (04) Hazer HZ500 (04) Z1500 Fog (04) Ventilador Controles (02) Consola Grand MA2 Full size (02) MA NPU (02) Switcher MA (01) Fibra óptica

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El Festival Pa´l Norte y el equipo en el Escenario Tecate Original Sistemas de audio Configuración de PA por lado (16) Altavoces L-Acoustics K1, (4) K2 (main array) (24) Subwoofers KS28 L-Acoustics (floor stack) (8) L-acoustics V-Dosc, (6) DV Dosc (side array) (15) L-Acoustics Kara (front fill) (3) L-Acoustics P1 line driver (1) Snake rtn 12 ch 100 metros (2) Snake 48 ch (3 way, foh, mon & rec) FOH (02) Consolas Avid S6L 32 D (02) Stage Rack (64 in, 24 out) S6L plug in bundle Monitores (2) Consolas Avid Venue Profile (4 dsp card) (2) FOH rack (16 in, 16 out) (2) Stage rack (48 in, 24 out) (2) Digi pro pack plug in’s 3.1 (4) LAcoustics Kudo (side-fill x side) (2) Subwoofers SB28 (fill x side) (14 x 15 hiq l-acoustics (at 12 mix) (2) Subwoofers SB 18 (drum fill) (2) Arc (drum fill) (16) Shure PSM 1000 (2) PHW6 in ear (1) Speaker com foh-mon Microfonía Shure SM 91, B 52, SM 98, B 56, B 58, SM 57, SM 58, SEN 904, B 57, SM 81, KSM 32, UHF-R SM58 W/3 body packs Sennheiser e906 Video Pantalla LED upstage (1) Oracle Black Widow 5 (5.9 milímetros, SMD, 6500 nits, 13 metros de ancho por 7 de alto Pantallas laterales (2) Oracle Black Widow 5 (5.9 milímetros, SMD, 6500nits, 7 metros de ancho por 10 de alto, Portrait Mode Control de video (1) Switcher Barco E2 Multi format (1) Barco Image Pro II (onstage) (1) Macbook Pro 15 pulgadas (2) Monitores LG 23 pulgadas LCD

”Para la elaboración de planos y la previsualización, Next Level usó el software WYSIWYG V.47 y el MA3D de MA Lighting. La entrada al Parque Fundidora fue la semana del 8 de noviembre, para realizar montaje de escenarios, rigging y posteriormente luces. Previamente enviado el archivo para la previsualización, algunas de las bandas solicitaron pruebas en escenario para ajuste de pre focos y el resto de las bandas lo hicieron durante el set change. En el escenario principal, la noche del jueves fue ocupada por Foo Fighters para realizar ajustes a su programación y el resto de las bandas hicieron ajustes durante el set change. Ya en el festival y acabando la presentación de Foo Fighters, se comenzó a cambiar el diseño de iluminación por el de Tame Impala”, menciona Toto. Los principales retos para el staff de iluminación fueron la comunicación con las demás áreas y coordinar los tiempos. Valorando los eventos presenciales, y con experiencias en streamings, estos tiempos dejan a Toto este aprendizaje: “He aprendido a ser más pragmático; los eventos por streaming me parecen un complemento para una producción musical, pero no los veo como principal fuente de entretenimiento para el público en general. Pueden ser un plus, además de que con la apertura de la Extended Reality (XR) se abren muchas posibilidades de producción para las bandas o grupos, ya que se pueden generar mundos fantásticos en tercera dimensión, con los cuales el público puede interactuar”.


Festival Pa’l Norte

Presencia en video El factor video en este festival tuvo un rol de alto calibre y fue Luigi Cuanda quien se mantuvo actualizándose e involucrado en buscar nuevas formas de contenido para hacer producción virtual, como las pantallas de LED de alta resolución, tanto en el ámbito corporativo como el cine, quien retomó lo definido en la propuesta para adaptarlo, como fue el caso del diseño de los pixel maps y toda la parte de cámaras para cerrar la petición con los proveedores. “Pudimos retomar cosas del festival que se iba a realizar en 2020, y el cambio más importante lo tuvimos en el Escenario Fusión y el Escenario Sopresa, para llevarlos a algo sencillo y más enfocado a la presencia del festival y la marca”. Luigi Cuanda “Ocupamos mega pantallas laterales con switchers Barco E2 y un sistema de fibra óptica para llevar HDMI 2.0 del house hacia las pantallas y tener una resolución extraordinaria. Tuvimos dos pantallas laterales más la central, y adaptamos eso a los sistemas de los artistas. La labor más compleja en Pa’l Norte no solo es atender a las bandas, sino instalar fibra óptica para enlazarnos con todos los escenarios. Hay una agenda de lo que se transmite y que se arma junto con los promotores, para mostrar lo que pasa entre uno y otro escenario con audio y las pantallas, mientras ocurre el cambio de artistas. Son los Momentos Pa’l Norte, y los coordinamos con Salo, quien es el show runner. Son muy importantes para el festival y ha sido un área de mejora, pero en las últimas tres ediciones lo hemos hecho perfecto”. ¡Arre Pa’l Norte y pa’lante! Los dos días del Festival Pa’l Norte fueron ejemplares y electrizantes, cumpliendo el lema de sus promotores de aspirar

a tener un evento ascendente en el país. “Las situaciones que hemos vividos han sido fuertes y este año nos hemos adaptado a las nuevas reglas del juego para aprender cómo debemos trabajar ahora con los nuevos protocolos. Tenemos que seguir haciendo lo que nos toca y adecuándonos; ese es el aprendizaje más grande”, reflexiona Emmanuel González. Para Kike Carmona, la premisa es la siguiente. “Mi labor es tratar de no ver a la gente con estrés y que a su vez, la gente que me ayuda, tenga esa vibra. La variedad de música que hay y la expectativa que genera en la gente con atractivos como su Escenario Sorpresa, son cosas que los definen muy bien. A pesar de que ya teníamos cuatro años de hacerlo, pero un año y medio de no tener claro qué iba a pasar, se notaron las ganas de trabajar de todos e hicimos el primer festival masivo del país en este regreso. Todos estábamos muy emocionados y la gente de Serpro nos enseñó que aunque no estuvo su fundador, el querido Renato Betancourt, las ganas de sacar el trabajo fueron enormes. Fue sumamente difícil para ellos hacer este festival en específico y lo hicieron de la mejor manera. El día del show, al empezar, dijimos: es para ti, Renato, era tu festival y te daba gusto sentirte parte de él. Eso marcó el espíritu de esta edición”. “Monterrey agradece que tienen un gran festival que deja una derrama económica muy importante. En mi caso, tuve la suerte de producir el Festival Pal Norte Virtual durante los tiempos difíciles de la pandemia. No sentí tanto el impacto de frenar actividades, pero sí me tocó hablar con muchos de mis compañeros para darles esperanza, escucharlos y ayudarles. Lo que vivimos es algo extraordinario sobre lo que no tenemos control y ahora sabemos qué hacer. Pa’l Norte es siempre ascendente. Estamos listos para 2022 y seguimos aprendiendo. En México ha habido buena respuesta a las vacunas y por estamos haciendo shows”, finaliza Víctor Gutiérrez. Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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Por Mario Santos*

Universo sonoro

La composición musical, fenómeno creativo humano

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iempre me he preguntado: ¿cómo se lleva a cabo el proceso creativo de componer música en la mente de un compositor? Soy uno de ellos y aún así hay procesos en mi trabajo creativo que no puedo definir exactamente cómo suceden al momento de crear música. ¿Es una mezcla de inspiración, creatividad, conocimientos, técnica, intuición, experiencia, improvisación? En mi punto de vista, es una combinación de todos estos aspectos incluidos en la pregunta anterior. Crear música, el fin de la composición La composición musical es un acto creativo que involucra el nacimiento de una obra musical que expresa una emoción o una idea especifica; es un proceso que combina distintas habilidades. Componer es crear una obra musical a través de integrar elementos

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sonoros dentro de una cierta estructura, género o forma musical. El compositor utiliza sus conocimientos, intuición y experiencia para construir una idea coherente en términos sonoros y estéticos, o pensando en que la composición se ajuste a ciertas necesidades, como es el caso de las obras por encargo. Componer es imaginar una idea musical y construirla a través del uso de una herramienta musical: un instrumento, un papel de música, un software o cualquier medio que permita convertir una idea en sonidos reales, timbres, melodías, ritmos. Es posible componer en solitario en tu estudio, aislado del mundo, o es posible componer de manera colectiva, como sucede con muchas bandas que se reúnen en una sala de ensayos o cabina de grabación.

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Es posible también componer en un instrumento y construir las ideas sobre la marcha, trabajando con el instrumento a la mano. Los compositores que han estudiado música formalmente pueden componer directamente en un papel a través de la escritura musical. Los autores de canciones componen con una guitarra o piano para proponer un acompañamiento y con su letra escrita frente a ellos si ya está terminada, con un cuaderno para escribirla al mismo tiempo que componen la música. Parte de la experiencia de ser compositor es crear obras para otros instrumentos musicales, voces, sin que necesariamente el compositor sea cantante o domine la ejecución del instrumento para el que concibe música. Hay compositores que componen con un mouse en una computadora, escogiendo pedazos de audio sampleados, a partir de sonidos, texturas o ritmos específicos; hay compositores que crean música a partir de técnicas específicas como el dodecafonismo, en el cual, las doce notas de nuestro sistema musical se organizan en una serie consecutiva que da origen al material melódico y armónico.

alemana occidental fueron compositores que estudiaron composición, escribieron su música, improvisaron y tocaban extraordinariamente un instrumento. Agustín Lara componía sus canciones en el piano, Sting compone en su bajo, Stravinsky componía con partitura y el piano al frente, Kate Perry con una guitarra, Edgar Varése a través de experimentar con ruidos, Steve Reich a través de repetir patrones, Mozart de acuerdo a una tonalidad claramente definida, Anton Webern por medio de una serie melódica, un músico hindú a través de un kirtana y Deadmaus con sintetizadores y diversos programas de software. Cada compositor aborda una forma personal de componer, de acuerdo a su búsqueda personal, a factores culturales que lo influyen y al motor creativo que lo impulsa a componer. María de Arcos divide las obras de un compositor en dos grupos: ·La música autónoma, la música que componemos por necesidad natural sin que nadie nos encargue hacerlo, es la obra original del compositor que no se ajusta a ninguna necesidad externa más que a las decisiones que toma el compositor. ·La música aplicada, la que componemos por encargo o un proyecto originado por el compositor para ser sincronizado con algún medio visual, escénico o multimedia, normalmente es una obra por encargo que debe ajustarse a ciertas necesidades extra-musicales.

John Lennon y Paul Mc. Cartney no estudiaron composición musical de manera formal, jamás escribieron una sola nota en un pentagrama ni concibieron su música a través de la escritura musical y podemos decir, sin dudar, que son dos de lo más grandes compositores en la historia. Johann Sebastian Bach, Ludwig Van Beethoven, Johannes Brahms, conocidos como las “tres grandes B’s” de la música

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¿Qué tanto necesitamos saber para componer música? Tradicionalmente, la composición está dividida en cuatro aspectos: teoría, armonía, contrapunto, instrumentación y forma musical. La teoría abarca todo el conocimiento de los fundamentos musicales: cómo están organizados los sonidos musicales en una escala, las relaciones entre los sonidos llamados intervalos, la formación de acordes para crear armonía, los principios de la escritura musical, los fundamentos del ritmo y la organización del tiempo, los términos musicales y varios conceptos más. La teoría musical provee al músico de un marco conceptual que le permite comprender los aspectos básicos para abordar la creación musical. La armonía comprende el estudio de los acordes y sus enlaces y constituye el contexto del acompañamiento de una melodía. La armonía se estudia en las escuelas de música durante por lo menos dos años, ya que representa uno de los conceptos más complejos en la estructura musical, contribuyendo en gran medida al contenido emocional, psicológico y a la sensación de desarrollo de una idea musical en el tiempo. El contrapunto es el estudio de la melodía, en particular de cómo pueden combinarse dos o más melodías simultáneas, fenómeno que ocurre en cualquier tipo de música. El contrapunto es mucho más característico en la música antigua, en especial en la música del Renacimiento y Barroco, aunque de

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manera general, es una de las áreas de estudio más importantes incluso en la música contemporánea, pues determina cómo pueden combinarse dos elementos melódicos para que suenen correctamente de acuerdo a ciertos parámetros estéticos. La instrumentación es el estudio de los diversos timbres, representados lógicamente por la diversidad de instrumentos musicales que conocemos, desde los instrumentos característicos de la música occidental, hasta los instrumentos orientales o de diversas culturas. En el estudio de la instrumentación, el compositor se concentra en las características propias de los instrumentos, su sonoridad, en sus timbres y en las posibilidades técnicas del instrumento relacionadas con la ejecución de los mismos. La intención del estudio de la instrumentación es concebir ideas musicales adecuadas para los instrumentos musicales que se escribe o se planean utilizar en una composición musical. La forma musical es el estudio de las diversas estructuras que puede tener una composición musical. Así, una canción con música y letra puede tener una forma AABA, que es un formato clásico que muchas composiciones de este tipo poseen. Un compositor clásico aprende la forma sonata para crear un cuarteto de cuerdas, que es una forma musical muy acostumbrada en el período clásico, para brindar a la composición una secuencia de distintas secciones con características propias, que se combinan para crear una


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experiencia sonora en la audiencia a través de la obra. De manera similar, el compositor estudia la forma musical para una vez comprendida y desarrollada a través de varias obras, pueda abordar formas completamente libres de acuerdo a sus propias necesidades creativas o las exigencias de una escena de una película o cualquier medio similar. Sin embargo, a reserva de cuál sea el propósito al componer música, la creación de una obra musical puede estar basada en el conocimiento, conciencia y aplicación de los puntos expuestos en este artículo, pero también puede ser crearse música por medio de un proceso meramente intuitivo. La improvisación musical es un fenómeno de composición musical espontáneo que ocurre al momento de manera intuitiva. Aún así, es importante que el músico o compositor desarrolle un trabajo de entrenamiento previo, que le permita improvisar con absoluta libertad, dentro de un contexto coherente según el tipo de música o idea que se esté generando al momento de la improvisación. Volverse experto en algo implica practicarlo con disciplina y continuidad. Por lo tanto, la mejor manera de aprender a componer música es para mí, aprender los fundamentos musicales que requiera saber el compositor de acuerdo a sus metas y mantenerse componiendo a diario; crear, analizar y revisar lo creado, generar un hábito de componer o producir música que sea constante, nutrir la inspiración al observar a otros artistas y mantener esas fuentes de inspiración, buscar un propio lenguaje y propuesta musical; ejercitar con pasión y compromiso aquello que deseamos dominar y desarrollar.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

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Las letras del sonido

Por Carolina Anton*

La música clásica y el efecto en nuestro cerebro

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urante mi niñez, mi madre nos despertaba con música clásica y sin darme cuenta, este acto marcó mi vida en muchos sentidos.

Durante varios años se ha dialogado acerca de la influencia de la música clásica en las personas, en especifico, del Efecto Mozart. Se han realizado varias pruebas, tanto en bebés como en mujeres embarazadas para unificar la hipótesis acerca de la reacción que tenemos al escuchar música clásica, específicamente las sinfonías de Mozart, para lograr un desarrollo intelectual y artístico más elevado que otras personas que no escuchan este tipo de música. Analizar esto es bastante complejo, puesto que debe verse desde diferentes ámbitos como el médico, musical, pedagógico y demás.

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Micrófono profesional de condensador con diafragma de 1”, que brinda un sonido cálido y poderoso gracias a su patrón polar cardioide, ideal para estudio de grabación o home studio. Su captura el sonido es tan precisamente, que pareciera que estás en frente del amplificador. Y lo mejor, está hecho con la calidad que distingue a la ma marca.

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Las letras del sonido

Desarrollo artístico como parte de la educación A través de la educación artística se puede lograr generar armonía en cada persona, dar una sensación de placer, darse cuenta y ver la vida y la realidad, reflejar conflictos internos o sociales, estructurar la moral y desarrollar la creatividad.

¿Cómo afecta la música clásica a nuestro cuerpo? Se han realizado varios estudios utilizando música clásica en diferentes personas y edades, lo que ha despertado mucha curiosidad, ya que se reveló una reacción mucho mayor sobre el cerebro infantil y han coincidido en que ésta provoca una activación de la corteza cerebral, específicamente en las zonas frontal y occipital, implicadas en el procesamiento espaciotemporal. Asimismo, al evaluar los efectos de la música a través de registros de electroencefalogramas, se ha encontrado que la música origina una actividad eléctrica cerebral tipo alfa3. Todo lo anterior se traduce en lo siguiente: la música (sobre todo la música clásica de Mozart), provoca las siguientes reacciones: Aumento en la capacidad de memoria, atención y concentración de los niños. Mejora en la habilidad para resolver problemas matemáticos y de razonamiento complejo. Estimula la creatividad y la imaginación infantil. Al combinarse con el baile, estimula los sentidos, el equilibrio, y el desarrollo muscular. Efecto Mozart La enseñanza de las artes en las instituciones educativas se ha constituido en parte fundamental en el currículo educativo. En los últimos años se ha venido discutiendo si las artes, en concreto la música, ayudan a las personas, en especial a los niños, a desarrollarse mejor en su ambiente y, además, a mejorar su

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capacidad intelectual. Dentro de esta situación se encuentra la música clásica, que, según algunos investigadores, ayuda en un gran porcentaje a los pequeños a mejorar su destreza intelectual. Se han realizado varias pruebas en distintas partes del mundo con el fin de demostrar si este dilema, que ha causado controversia entre la gente, es o no válido y el resultado fue sorprendente, ya que se notó un gran incremento en concentración de los niños que hicieron actividades creativas (en este caso música), frente a los niños que solo estudiaron matemáticas. Efecto Mozart en el cerebro humano El cerebro humano es el órgano más complejo que un ser vivo puede tener; está conformado por un sinnúmero de neuronas y conexiones sinápticas que están ligadas a cada una de las funcionalidades que tenemos. Por eso es importante identificar que el cerebro se divide en dos partes: los hemisferios derecho e izquierdo. El primero se dedica a desarrollar la parte de la percepción y el desarrollo musical, mientras que el segundo se dedica al desarrollo del lenguaje. La música de Mozart actúa sobre la parte del hemisferio derecho, haciendo que el desarrollo de la inteligencia se potencialice de mejor manera, tanto en personas adultas como en los bebés. Entre los principales beneficios de escuchar la música de Mozart tenemos: una mejora de la habilidad para entender, resolver y plantear problemas matemáticos, fortalecimiento del aprendizaje, aumentar la capacidad entre los niños para desenvolverse entre sí, mejora la memoria y estimular y acrecentar la creatividad. En el caso del cerebro de un bebé en su periodo de gestación y después de 9 meses, se puede observar en la gráfica cada una de las conexiones, las cuales toman un largo tiempo en crearse, pero con la ayuda de esta terapia, se pueden conectar de manera muy rápida y generar más conexiones con el fin de tener un cerebro mejor desarrollado para resolver distintas actividades, ya sean artísticas y/o de otra índole.


Las letras del sonido Análisis de la partitura de la Sonata para dos pianos k448 de Mozart Antes de proceder al análisis de la partitura de Mozart, tenemos que concebir pequeños conceptos que nos servirán para hacer un estudio más profundo de la forma en que estas notas musicales, que constan en la partitura, afectan al desarrollo del cerebro de los bebés para estimularlos y hacer que las conexiones del cerebro se conformen mucho más rápido. Todos los sonidos existentes en la naturaleza vienen caracterizados por una frecuencia. El oído humano solo puede percibir sonidos con frecuencias desde 20hz hasta 20khz. A cada una de estas frecuencias que se utilizan para crear sonidos se les denomina notas musicales. Intervalo La distancia entre dos notas se llama intervalo. En música se trabaja con varios intervalos. Los más comunes son octava, quinta, cuarta y tercera. Los intervalos se miden en tonos y semitonos y existen diferentes rangos en donde se pueden encontrar las distintas frecuencias de las notas musicales. En el caso de la sonata para dos pianos de Mozart, predominan frecuencias bajas, que estimulan al cerebro de tal forma que se logra una relajación total, haciendo que reciba toda actividad que se esté realizando de manera adecuada. Dentro del análisis que se realizó a la partitura de Mozart, se encontraron partes en las que algunos componentes frecuenciales de las notas musicales permitían al cerebro de ciertas personas reaccionar de manera distinta; es decir, lograban un nivel de concentración un poco más elevado que de las demás personas que no escuchaban este tipo de música, cuando estaban realizando cierta actividad. Hace unos días tuve el placer de hacer la mezcla en monitores para un proyecto hermoso llamado “Olé México”, dirigido por Alondra de la Parra y la Orquesta Sinfónica de Minería, además de las grandes voces de Lila Downs, Pitingo y Buika, acompañados por el productor musical Mane de la Parra, definitivamente uno de los espectáculos mas emotivos en los que he participado. Invito a todos ustedes a escuchar más música clásica y vivir esta experiencia inolvidable.

*Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.

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Eventos

Neumann y su nuevo demo room en México Con un alto nivel de excelencia y calidad se ha instalado el nuevo demo room de la marca alemana que, en colaboración con Lucerna Records, fueron inaugurados en la Ciudad de México. Con más de dos años de experiencia, Lucerna Records eligió a Neumann para seguir brindando a sus clientes el mejor sonido y profesionalismo. Por su parte, la marca alemana decidió colaborar con el estudio, debido a que es un espacio creado por jóvenes profesionales, apasionados del arte y con una importante trayectoria en la industria, además de que buscan siempre la mejor calidad en cada una de sus producciones. El demo room cuenta con distintos espacios para la producción musical, como una habitación para crear y sumergirse con nuevas ideas, llevando la imaginación a otro nivel, así como otra habitación en donde se producen las grabaciones de los diferentes instrumentos y un espacio para producir mezclas y masterizaciones. En cada espacio del estudio se aprecia toda la gama de monitores Neumann: desde el KH 310 de tres vías, los KH 120 de dos vías y los KH 80 DSP, hasta el subwoofer KH 750 DSP. “Para nosotros es muy importante mostrar la calidad de los monitores Neumann en vivo, ya que es una experiencia completamente diferente y un sonido con un balance y calidad impresionante”, expresó Julio Bracho, director de ventas y marketing de Sennheiser para Latinoamérica. “Uno de los planes que teníamos este año, pero que tuvimos que retrasar un poco por la crisis sanitaria, era presentar nuestra línea de monitores, que cada vez son más conocidos, pero que ya se sabe que para enamorarse del audio, se tiene que escuchar, así que platicamos con la gente de Lucerna, que ya contaban con monitores Neumann. El espacio se nos hizo muy propicio e hicimos un partnership con ellos, de forma que se convirtió en este demo room, para que toda la gente que quiera escucharlos y comparar los modelos que están aquí, lo pueda hacer. Se trata de que vivan y sientan

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Eventos

la experiencia de los equipos y cómo cambia esa sensación y también que puedan escuchar los audífonos de Neumann (NDH20), además de que aprovechamos para traer los nuevos audífonos HD400 Pro de Sennheiser”. “En este espacio podemos invitar a colegas, clientes y amigos para que vengan a escuchar lo que es Neumann en condiciones reales y que ellos puedan tomar la decisión de acuerdo a sus necesidades”.

A través de la experiencia de estos nuevos demo rooms, que se están instalando poco a poco en los principales países de Latinoamérica, la marca alemana tiene la oportunidad de mostrar la facilidad de hacer una calibración y alineación automática en vivo, y los amantes de la producción musical pueden probar los productos de Neumann, ahora también en la Ciudad de México.

Entre las principales diferencias entre los modelos de Neumann que se encuentran en Lucerna Records, es que el KH 310 es de tres vías y de campo cercano. Es el monitor más grande de la marca y es útil para estudios relativamente grandes. Los KH120 fueron los primeros monitores que lanzaron; son de campo cercano y dos vías, y están indicados cuando no se puede aún comprar un subwoofer porque entrega muy buenos bajos. En lo que se refiere a los KH80, han sido la sensación, porque tienen una portabilidad muy adecuada y son los únicos que tienen DSP de la firma hasta el momento. Con esto se puede hacer la corrección y alineación automática, y se queda grabada en los propios monitores, lo que sirve para los home studios, haciéndolos una herramienta poderosa. Incluso, muchos ingenieros se los están llevando de gira como monitores de referencia. Por otro lado, también se encuentra en el nuevo demo room de Neumann el subwoofer KH 750, cuya una de las ventajas es que gracias al DSP se pueden controlar muchas cosas. Es de gran ayuda para que si se desea hacer la corrección de un cuarto donde se tienen los KH 310 o los KH 120, que no tienen DSP, se pueda realizar.

“Queremos que los profesionales del sonido tengan una experiencia de primera mano sobre el potencial que ofrecen los modelos KH. Su reputación es muy grande cuando se trata de precisión, neutralidad y opciones generales de integración del sistema. Se debe vivir la experiencia de la facilidad en las sesiones y la prevención de fatiga acústica. Los monitores permiten un nuevo nivel de control y fidelidad en un escenario de sonido. Nuestro objetivo es acercar las salas de demostración lo más posible a los profesionales de la industria para que todos puedan tomar una decisión informada sobre el mejor audio”, expresó el equipo de la marca. El 2022 traerá más noticias de Neumann, así que estemos pendientes ¡Enhorabuena!

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Un encuentro con

Por Juan Carlos Flores

Rodolfo González, el audio para el rock de México

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odolfo González, “Rudolph”, ha labrado una carrera consagrada mayormente al apoyo de la escena mexicana. Su formación ha desembocado en una carrera constante y coherente, con un prestigio que le ha traído una clientela firme y de larga duración. Actuando como respaldo técnico de diversas bandas, ha tenido fuertes experiencias a lo largo de las carreteras y en esta ocasión hacemos un recuento de ellas. La música y el sonido, principios de vida Rudolph inicia la narración de su vida: “Nací en la Ciudad de México, en una familia de cinco hermanos. Aunque mis padres nacieron en Guadalajara, mi padre se tuvo que mover al entonces llamado Distrito Federal, debido a su trabajo, y ahí nacimos. Él era muy melómano. En la casa siempre había infinidad de discos y casetes, se armaba la fiesta y algún primo sacaba la guitarra y cantábamos. Mi papá conectaba micrófonos para que sonara en el estéreo y de ahí empezó mi afición por la música. En algún momento él me regalo mi primer disco que fue “The number of the beast” de Iron Maiden. Yo tendría doce o trece años”. Rodolfo decidió llevar su pasión al siguiente nivel, cuando nació para él la necesidad de educarse en la materia: “Cuando estaba en el proceso de entrar a la universidad, Eduardo Galván, esposo de mi hermana —gran guitarrista y músico—, me invitó un fin de semana a Lagos de Moreno a ayudarle con la consola, ya que yo había tenido algunas experiencias previas de aficionado. Richie Arreola (La Dosis, Belanova) tocaba el bajo en su grupo. Esta experiencia me gustó mucho y le pregunté si habría en Guadalajara alguna escuela donde aprender audio. Por sugerencia de Lalo y Richie, llegué a Dynamix, escuela de Mauricio Ramírez “Magú”, y me quedé definitivamente en Guadalajara. Esto fue hace 26 años”.

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Un encuentro con

La era Dynamix “Toda mi formación profesional se la debo a Magú. Él me acogió en Dynamix. A los cinco días de mi ingreso me pidió que lo ayudara con una instalación y me quedé trabajando con él. Aunque es un maestro exigente, me acostumbró a exigirme a mí mismo. Trabajar así me gustó muchísimo, ya que esto, junto con la escuela, me abrió el panorama y me dije que ya no habría marcha atrás. Estuve ahí hasta que él se fue a trabajar a Meyer Sound, aunque seguí colaborando y continué en Dynamix dando clase junto con Armando Chong, Germán Cuervo, Charly Haro y Sergio Muñoz”

afortunadamente me dieron el trabajo. Cuca fue mi primera banda profesional y a la fecha llevo quince años haciendo monitores para ellos, aunque inicialmente estuve con ellos seis meses. En ese lapso, la monitorista de Azul Violeta dejó el puesto y obtuve el trabajo. En los espacios en los que no trabajaba con Cuca y Azul Violeta, mezclaba bandas de covers en diferentes bares de Guadalajara”. Peligro en la carretera En este punto de la historia, Rodolfo evoluciona: “Llegó un momento en el que estas bandas empezaron a crecer y los empezaban a invitar a mejores lugares. De las discotecas o bares de rock, un día con Cuca pasé a hacer monitores en el Toreo de 4 Caminos en la Ciudad de México: un lugar gigante de 20 mil personas. Esta fue una de mis primeras experiencias en un masivo. En aquel tiempo trabajábamos con consolas análogas con las que tenías que hacer la prueba y anotabas en hojas todos tus volúmenes y parámetros, y llegando la noche tenías que mover los miles de botones. Azul Violeta también fue escalando hasta llegar a hacer el Vive Latino, por ejemplo”.

Rudolph y Magú El técnico prosigue: “cuando yo estaba en la escuela, Magú ya mezclaba a Azul Violeta, cuando sacaron el disco “América”. Acompañándolo a los shows, viendo la manera tan profesional en que trabajaba, me empezó a gustar cómo se aplicaba a la escena local. Un año después tuve la oportunidad de probarme con Cuca en Mazatlán y Con Azul Violeta en el Festival Vive Latino

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Las bandas en la carrera de “Rudolph”

Un encuentro con

Una fuerte experiencia se atravesó en la carrera ascendente de Rodolfo: “En una pausa de Azul Violeta, tuve la oportunidad de trabajar con Sussie 4 y puedo afirmar que toda la teoría que tuve en mis inicios fue con Azul Violeta y la práctica fue con Sussie. Con ellos hice más de quinientos shows, festivales y fechas que me llevaron a Europa, Centro, Sudamérica y Estados Unidos. En 2002, íbamos por carretera hacia Mazatlán, cuando el chofer dijo: ‘Agárrense’, y de repente vimos un desfiladero ante nosotros. La camioneta dio varias vueltas por el barranco hasta que caímos llanta para arriba. Esto fue muy difundido en los medios. César y Picho fueron los más golpeados y los que se la pasaron mucho peor. Lo bueno es que todos estábamos vivos. después de un año la banda volvió a tocar y siguió muchos años. Después del accidente fue duro volver a subirme a la camioneta a hacer giras. Pasaron tres meses y los que me rescataron de la pausa fueron Zoé, quienes me contrataron para una pequeña gira. Fue una buena experiencia en la que como ejercicio me sentaba en el mismo lugar en el que viajé durante el accidente”, recuerda.

Rodolfo habla de su setup ideal: “Si voy a hacer sala, me gustan las consolas Digico. He trabajado con muchas de ellas y me gustan mucho. En PA, para mí L-Acoustics K1 y K2 suenan perfecto, y en la microfonía me gusta Sennheiser, aunque en los riders que manejo, uso mucho Shure, por disponibilidad en ciertas plazas. Para monitores me gusta la consola Yamaha PM5D RH. Me parece que tiene un sonido análogo bueno. Los in ears tienen que ser Sennheiser sí o sí. En monitores me gustan las cuñas de L-Acoustics y las Arcs para side fill”.

González Cuca Azul violeta La Dosis La Grand Mama Machingon Plástico Nata Quiet Riot Telefunka Sussie 4 Zoé Porter, entre otros. Shows Sussie 4 abriéndole a Daft punk Azul Violeta en el Auditorio Nacional Sussie 4 en el Teatro Metropolitan Rock x la Vida (Todas sus ediciones) Festival RMX (casi la totalidad de ediciones)

Emprendimientos y regla de oro Rudolph nos comparte sus actividades actuales: “Tengo una empresa de renta y venta de equipo con Charly Haro y Jonathan de la Peña, llamada DB Audio, la cual lleva varios años funcionando. El año pasado, durante el confinamiento sanitario, estuvimos activando la versión virtual de Dynamix por medio de un canal de YouTube, y por el momento está en pausa, aunque hay mucho material que sacaremos muy pronto, y nuevas clases”.

Con Sussie 4 De análogo a digital “Cuando fue el cambio a digital y las marcas empezaron a dar los cursos de capacitación fue muy interesante, ya que agilizó mucho el trabajo. Pasamos de tener racks de periferia gigantes a tener todo dentro de la consola, aunque de inicio, creo que el sonido se sacrificó. Las primeras consolas digitales no tenían buen sonido, a diferencia de las análogas, que sonaban mucho mejor. Con el tiempo fueron mejorando y te puedo decir que las consolas actuales son de muy buen nivel. Midas, Digico, consolas que tienen un muy buen sonido análogo. Además son increíbles los nuevos programas de medición, con los que uno puede alinear la fase y hacer correcciones. Con estas nuevas tecnologías es mucho más fácil hacer buenas mezclas, y los altavoces son de mucha más calidad, con más potencia y mejores diseños. También es necesario adaptarse a todos estos avances para no quedar obsoletos”.

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En Dynamix 2.0 Rodolfo González finaliza la entrevista con una recomendación para los nuevos técnicos: “Les digo que traten bien a toda la gente implicada en el show. Tienes que llevarte bien con todos, porque el mundo da muchas vueltas y te los vas a volver a encontrar, y si llevas una enemistad no te van a tratar bien o van a ser más duros contigo. Todos somos iguales, y eres un ingeniero igual que todos. Disfrútalo, pásatela bien, y sé educado. Cuando me canse de viajar, que aun no sucede, tal vez me clave en el estudio. Por lo pronto, y hasta que se canse el caballo, seguiré mezclando, produciendo, vendiendo y rentando equipo. No me veo haciendo otra cosa”.



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