Page 1


PRO TOOLS

CARBON

Sistema Híbrido de Audio Producción Interfaz de Audio AVB 25 x 34 con 8 Preamps Mic/Line, 8 E/S Análogas, 16 E/S Digitales por ADAT, E/S de Word Clock, Proceso HDX DSP Plug-in y Software.

En la compra de tu interfaz Recibe una licencia perpetua de Pro Tools | Ultimate y un plug-in de Auto-Tune Hybrid de Antares con un costo de $3,000.00 dólares

La promoción termina el 31 de diciembre de 2021.

Informes, demostraciones y ventas: Tel. +52 (55) 9183 2700 I ventaspa@varinter.com.mx I varinter.mx

/ Vari Audio Profesional


Contenido

No. 278, octubre 2021

40.

Ubicado en la zona colonial

de Santo Domingo en República Dominicana,

este

destination

studio combina salas en vivo de clase mundial y equipos externos analógicos de última generación con impresionantes vistas y comodidades de primera clase. La arquitectura del

lugar

se

fue

adecuando

al

diseño propuesto por el equipo de Walters-Storyk Design Group (WSDG) y el resultado es un paraíso para la producción musical.

4. Detrás del micrófono

20. Articulo invitado

66. Un encuentro con

The Warning, rock femenino en el estudio de grabación

Cambio volumen por dinámica, mal negocio... (segunda parte)

Rosa María Brito: profesional del espectáculo de amplio espectro

Por Néstor Iencenella

Por Juan Carlos Flores

32. Universo sonoro Los 4 ejes del éxito en la producción musical

16. Las letras del sonido El oído perfecto, habilidad extraordinaria

Por Mario Santos

Por Carolina Anton

44. En concierto Meyer Sound, de regreso a los escenarios con Dave Matthews Band 24. Columna invitada 7 cosas sobre la producción musical que tienes que experimentar por ti mismo Por Ferrer León

28. Desde el estudio Estudio 19, sumando al florecimiento de Seigan

50. A primera vista Luz estroboscópica híbrida CHAUVET Professional Color STRIKE M Además 8. Nuevos productos 52. Notas del medio 62. Referencias globales

La industria de la música y el espectáculo

1

sound:check


E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Jorge Urbano

Editora y copywriter Nizarindani Sopeña

Diseño Héctor Barrera

Staff Editorial Marisol Pacheco

Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

Ventas y Mercadotecnia Claudia Pérez

Content Marketing

Y

Natalia Urbano

a iniciando la recta final del año, las actividades en la Industria de la Música y el Espectáculo comienzan a darse nuevamente, en un entorno en el que las precauciones sanitarias son esenciales. Hemos de aprender a vivir en estas condiciones, tanto en lo doméstico como en lo profesional y por supuesto, en las maneras en las que producimos y disfrutamos de conciertos, obras teatrales, eventos deportivos o especiales, uno de los sectores más afectados por esta crisis.

Digital Marketing Chief Edith García

Telemarketing José Luis Careaga

Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores

Internet

La prevención y la aplicación de vacunas puntualmente son parte del mejoramiento de esta situación que hemos vivido ya desde hace más de año y medio y poco a poco, los profesionales de la Industria estarán de nuevo en sus lugares de trabajo, disfrutando de lo que más les gusta hacer. Queremos acompañarlos en este proceso de regreso; que nos hagan saber sus inquietudes y sus necesidades; por supuesto, seguimos trabajando para que nuestros contenidos satisfagan sus requerimientos y que sean de utilidad en sus proyectos, del tamaño que sean. El reportaje de portada que les ofrecemos este mes es justamente un trabajo realizado con toda minucia para dar a músicos y productores el ambiente ideal para la creación, en un paraíso caribeño como es República Dominicana. Los invitamos a que nos sigan por todos los medios que ponemos a su alcance: la revista digital, nuestro sitio web (www.soundcheck.com.mx) y nuestras redes sociales (FB: Soundcheck Magazine Mx, IG: soundcheckmxmag, YT: soundcheck Media). Estamos creando continuamente nuevas formas para estar cerca de ustedes y así juntos seguir fortaleciendo nuestro gremio.

www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

Teléfono (55) 5240 1202

Revista mensual. Año 24, No. 278. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.

Orgulloso miembro

¡Bienvenido, octubre! Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

/soundcheckMx

sound:check

2

La industria de la música y el espectáculo

/soundcheckMxMag


Detrás del micrófono

The Warning, rock femenino en el estudio de grabación

L

as hermanas Villarreal, Daniela (guitarra y voz líder), Paulina (batería, voces y piano), y Ale (bajo, piano y coros), forman The Warning, un grupo originario de Monterrey que, tras colgar un video que se viralizó haciendo un cover de Metallica (a la canción “Enter Sandman”, la misma que se les pidió reversionar para el álbum “Blacklist”, conmemorativo de la banda), hoy está convertida en una propuesta que llevó la creación de sus canciones del ámbito independiente al cobijo del productor David Bendeth (Paramore, Bring Me The Horizon, Breaking Benjamin). Incansables amantes de la música Grabado este año en el estudio de David Bendeth en Nueva Jersey, el que será su tercer disco trae como sencillo el track “Choke”. De la evolución sonora que en éste y el resto de los

temas existe, habla Dani: “Empezamos desde muy chicas y además de la madurez como personas, hemos experimentado sobre los escenarios tocando con gente que nos ha ayudado a crecer musical y personalmente. Pero, desde el primer álbum a lo que estamos haciendo ahorita, hay una esencia muy importante que sigue siendo fiel a lo que queremos hacer; siempre hay algo al centro de nuestras composiciones que es muy de nosotras, que tiene eso de cuando jugábamos al Rock Band y nos nació naturalmente escribir rock”. El proceso de composición no se vio alterado por la crisis sanitaria actual, pues la tríada vive aún bajo el mismo techo, cuenta con estudio para ensayar y la dinámica creativa fluye. “El proceso empieza con el piano: hacemos una base que luego escuchamos entre las tres y a partir de ahí hacemos lluvia de

“Empezamos desde muy chicas y además de la madurez como personas, hemos experimentado sobre los escenarios, tocando con gente que nos ha ayudado a crecer musical y personalmente”.

sound:check

4

La industria de la música y el espectáculo


Detrás del micrófono

ideas; más que nada sobre la instrumentación. Estamos las tres involucradas en todo el proceso, en cada paso, y eso hace que nuestra música varíe mucho más y exploremos musicalmente”, comparte Pau. La firma con la discográfica Lava Republic Records trajo la experiencia de trabajar con la guía de un productor. “Este nuevo equipo ha traído mucha gente, tuvimos más opciones y la increíble oportunidad de trabajar con David; nos gustó la conexión con él, que haya química, porque tenemos muchas opiniones sobre lo que queremos de nuestra música. Habíamos pensado que un día podíamos trabajar con alguien así, pero no que fuera tan pronto. Estuvimos tres meses en Nueva Jersey, aprovechando y enfocándonos en el estudio. Fue una experiencia increíble”, afirma Dani.

Paulina Villarreal

Firmes, la tríada es parte activa de las decisiones en el proceso de mezcla. “Nuestra posición es muy fuerte, porque todo se puede arruinar ahí o llevar a otro nivel; en este caso quedamos muy contentas con cómo quedó, porque David lo llevó a ese otro punto que queríamos. Fueron tres semanas en eso, de a canción por día”, relató Pau.

Alejandra Villarreal

Disciplinadas, la banda mantiene sus horas de ensayo y práctica. Ale, con su bajo Spector de cinco cuerdas US Custom; Dani con su guitarra PRS (añadiendo el descubrimiento que le dio usar una barítono durante la grabación), ambas con amplificación Orange. Pau se expresa con una batería DW con platillos Sabian. “Ahora estamos ensayando el nuevo show, practicando el nuevo material porque vienen ya conciertos en Estados Unidos: en noviembre el Festival Rockville! y en enero dos fechas en Los Ángeles”, comparte entusiasta Pau. Las chicas saben lo clave que ha sido para su proyecto el alcance brindado por las redes sociales: “Hacen posible que mucha gente alrededor del mundo nos conozca y nos siga, aunque no estemos cerca de su país. Daniela Villarreal La industria de la música y el espectáculo

5

sound:check


Detrás del micrófono

Nosotras logramos eso gracias a un video que se viralizó y a partir de ahí, la gente ha visto cómo hemos crecido, han visto el proceso y los cambios no sólo físicos y de edad, sino también en nuestra música. Tenemos una conexión muy bonita con los fans; crecimos con las redes sociales y sabemos su valor. Sabemos usarlas para comunicarnos con ellos y tenemos una comunidad muy importante. Es difícil, porque aquí no se trata sólo de hacer música, hoy implica mucho más que solo hacer eso. Es mucho trabajo, pero como crecimos con eso, para nosotros es una parte muy esencial”, puntualiza Dani. Así mismo, saben que son referencia para futuras mujeres rockeras: “Ver la representación de las mujeres da mucha confianza para meterte a esta industria. Nosotras nos tomamos muy en serio poder ser influencia y abrir puertas. Estar ahí para todas esas mujeres que quieren hacer esto, porque la música es para todos”, concluye asertiva Dani.

“Ver la representación de las mujeres da mucha confianza para meternos a esta industria. Nosotras nos tomamos muy en serio poder ser influencia y abrir puertas”.

sound:check

6

La industria de la música y el espectáculo


Nuevos Productos ESTUDIO

Apogee Software para interfaz de audio Symphony Desktop v1.19 Esta versión incluye Apogee Control 2 (completa para Mac con M1 Apple Silicon y PC con Windows 10), más el complemento Apogee Channel FX, para configurar un flujo de trabajo híbrido DSP + Native desde una DAW usando el modo DualPath Link. Se añade también Symphony ECS Channel Strip para activar el Apogee Channel FX (ACFX), haciéndolo operativo desde una pantalla táctil, el programa Apogee Control 2 o una DAW. Audio Gate International. 55 5336 5522 apogeedigital.com

Motu DAW y software Digital Performer 11 En esta versión, las mejoras incluyen nuevas posibilidades de edición y operación para MIDI e instrumentos virtuales como Articulation Maps, que facilita la gestión y el control por bloque de elementos disponibles en las bibliotecas de sonido de instrumentos orquestales y virtuales. Puede importar mapas de articulación de VI a DP o crear nuevos y asignarlos a pistas MIDI, incluso nota por nota. Además, cuenta con MIDI expresivo de instrumentos virtuales con expresión polifónica MIDI (MPE) y CC por nota y Nanosampler 2. www.motu.com

Audio-Technica Micrófono dinámico AT2040 De diseño hipercardioide con pop filter integrado, sistema de montura anti-choque y conexión por cable XLR, este modelo se lanzó para tareas de podcast y streaming, cuidando la captura de voces. Su respuesta de frecuencia es de 80Hz a 16kHz e impedancia de 600 ohms. Hermes Music. 55 5002 2200 www.audio-technica.com www.hermes-music.com.mx

sound:check

8

La industria de la música y el espectáculo


www.gonher.com

administracion.ventas01@gonher.com

www.gonher.com

administracion.ventas01@gonher.com

La industria de la música y el espectáculo

9

sound:check


Nuevos Productos EScenario

Minuit Une Luminaria IVL Photon Es el resultado de cinco años de investigación y desarrollo; incluye un innovador núcleo móvil combinado con el reconocido sistema de 8 inclinaciones (2 lados por inclinación, espejo y frost). Cuenta con 3 salidas principales: inmersiva, decorativa y punch creativo. Un control DMX estándar ofrece infinitas posibilidades para personalizar las salidas para cada momento, con 9 gobos, dimmer y control RGB para cada una de las 8 inclinaciones del espejo y un obturador electrónico, lo que ofrece un gran nivel de creatividad y facilidad de uso cuando se incorpora a cualquier tipo de espectáculo, gracias también a su diseño compacto, extrema versatilidad y bajos requisitos logísticos. minuitune.com

Sennheiser Micrófono headset HM200 Con la cápsula del micrófono lavalier más pequeño de Sennheiser, la MKE 1 (reconocida por su diseño omnidireccional para mantener en enfoque la voz del emisor), el HM200 es prácticamente invisible y entrega un sonido potente con un máximo de nivel de presión sonora de 143dB. Su marco metálico es ligero, resistente y flexible; posee un cable fijo y viene con conector profesional de 3 pines. Es el aliado para las producciones de teatro musical, incluye windshield de espuma para proteger el maquillaje del artista, además de seis clips de fijación y un estuche de transporte. www.sennheiser.com

Prolyte Techo multipropósito Mini Flat Roof Llamados techos mini planos, estas estructuras hechas de celosía estándar y truss multipropósito H30V con esquinas soldadas fijas permite armar pequeños escenarios o puntos de trabajo en festivales, como la ubicación del audio en sala y monitores, de manera independiente. Son tres los tamaños disponibles: 8x6, 6x4 y 4x4 metros. La estructura se apoya en secciones de base de acero y facilita distintas configuraciones, agregando elementos de truss estándar. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 www.gonher.com www.prolyte.com

sound:check

10

La industria de la música y el espectáculo


MagicQ MQ250M

La nueva consola MagicQ MQ250M Stadium ofrece una gran capacidad para el control de espectáculos y portabilidad en una solución completa para touring.

¡Conoce más de esta nueva consola de iluminactión! Comunícate con nosotros vía WhatsApp 55 4366 14 14

Informes, demostraciones y ventas: Tel. +52 (55) 9183 2700 I iluminacion@varinter.com.mx I varinter.mx

/ Vari Iluminación


Nuevos Productos DJ

Numark Controladores Mixtrack Platinum FX Ambos equipos son compatibles con Serato DJ Lite; el Platinum FX es un controlador para manejar hasta cuatro decks, con jog wheels de 6 pulgadas, pantalla integrada y 16 pads multifunción para manejar Hot Cues, Loops, Fader Cuts y Sample. Su interfaz es de 24 bits y 6 botones para acceder a los efectos rápidamente con doble palanca de activación, ecualizador completo de 3 bandas y filtro por cada canal. www.numark.com

JBL Sistema de PA portátil PRX One Entre los modelos de tipo columna, el PRX One ofrece un nivel de presión sonora de 130dB, gracias a sus 12 tweeters dedicados con diseño acústico AIM (Array Inumbration Mechanics, patente de la firma), woofer bass reflex de 12” y amplificador Clase D de 200 Watts. Su paleta de presets para procesamiento está basada en modelos Lexicon y dbx, es personalizable con acceso a efectos de reverberación, ecualizador de 8 bandas, retardo, compresión, limitación, atenuación, eco, sintetizador secundario y tecnología dbx DriveRack Inside. Fácil de operar, todas las funciones se despliegan en su pantalla de LCD. Harman Internacional México. 55 1555 0322 www.jbl.com

ADJ Luminaria para efectos de luz FURIOUS THREE RG Esta fuente puede ir de seis LEDs de 5 watts y 5 penta (RGBWY) a ocho LEDs cuádruples de 3 watts (RGBY), y de ahí a ser un láser rojo y verde para brindar efectos combinados moonflower, wash yláser en un equipo portátil con peso de un poco más de tres kilos y medio. Puede programarse mediante DMX (hasta 9 canales) para construir atmósferas que coloreen entornos como un club, una pista o performance. Sus modos Auto Run y Sound Active simplifican la operación y ajustes, sin sacrificar la velocidad en la configuración de las escenas que se envían. ADJ Products México. 728 282 7070 www.adj.com

sound:check

12

La industria de la música y el espectáculo


¡Suscríbete a nuestro canal!

3:35 / 1:17:35

Conoce a los profesionales de la industria de la música y el espectáculo y aprende a través de su experiencia, anécdotas y consejos.

3:35 / 1:17:35

Búscanos como: Soundcheck Magazine

3:35 / 1:17:35

3:35 / 1:17:35

SÍGUENOS EN REDES SOCIALES

nuevo video cada semana


Nuevos Productos Backline

D’Addarío Afinador Eclipse Tuner De alta precisión, pantalla vertical brillante a color, apagado automático y calibración de tono, el Eclipse destaca por su diseño multi-giratorio que permite ponerlo en el ángulo de visión idóneo sin importar si se le monta delante o detrás del cabezal de una guitarra. Su abrazadera con resorte lo mantendrá seguro. Está disponible en color rojo, azul, amarillo, verde y morado. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 www.gonher.com www.daddario.com

Mackie Altavoz portátil Thump Go Este gabinete cuenta con un woofer de 8 pulgadas y transductor de compresión de 1 pulgada más amplificación de Clase D, potencia de 200 watts y presión sonora de 115 dB. Ofrece un mezclador digital de 2 canales con salidas XLR, 4 modos de altavoz y control inalámbrico a través de la aplicación THUMP GO Connect, además de enlazarse a otros dispositivos mediante Bluetooth. Opera con pila de litio empotrada que rinde 12 horas y viene con soporte para trípode. Hermes Music. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.mackie.com

KRK Audífonos KNS 6402 y 8402 Ambos son cascos supraurales que cubren completamente el oído para sesiones de escucha enfocadas y de larga duración, como sucede en los home studios de muchos músicos. Brindan aislamiento de ruido externo (encima de 26 dB, el modelo 6402, y mayor a 30 dB en el 8402. El nivel de presión sonora es de 122 dB para el primer modelo, y de 124 dB en el segundo; el desempeño en respuesta de frecuencia también varía: de 10 Hz-22kHz para el 6402, y de 5Hz-23kHz en el 8402. Las prestaciones en diseño y acabado premium (espuma acústica que graba la forma del oído del usuario), así como control de volumen, sólo los posee el 8402. Ambos tienen plug Gold-Plated Stereo de 3.5 milímetros y cable de 2.5 metros de extensión. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 dealers.rda.com.mx www.krkmusic.com

sound:check

14

La industria de la música y el espectáculo


40 YEARS est. 1981


Por Carolina Anton*

Las letras del sonido

¿Cómo es el oído perfecto?

M

iles dijo en cierta ocasión: “Cuando pienso en los que han muerto me pongo furioso, de modo que trato de no pensar en ello. Pero sus espíritus siguen deambulando en mi interior, por lo que siguen aquí, siguen transmitiéndoselo a otros. Es algo espiritual, y ellos forman parte de lo que soy hoy en día. Está todo en mí, todas las cosas que ellos me enseñaron a hacer. La música tiene que ver con el espíritu y lo espiritual, y también con los sentimientos. Creo que su música aún está presente, en algún lugar, ¿entiendes? Las cosas que tocábamos juntos tienen que seguir flotando en algún sitio, porque nosotros las expulsamos con nuestro aliento, y el resultado fue algo mágico, algo espiritual. Todo eso sigue con nosotros. Todos aquellos que vimos nuestras vidas transformadas por Miles aún podemos escuchar la voz inconfundible de su trompeta y aún la sentimos directamente clavada en el corazón”. Quincy Troupe (“Miles y Yo”). Con personalidad extravagante, Miles Davis entre muchas habilidades, podía reconocer las notas musicales en cualquier sonido, lo que se le denomina oído absoluto. ¿Qué es el oído absoluto? Conocido también como oído perfecto, es cuando una persona tiene la capacidad de identificar la frecuencia de un estímulo auditivo aislado sin la ayuda de un estímulo auditivo referencial, así que se puede definir como la capacidad de leer los sonidos.

sound:check

16

La industria de la música y el espectáculo


Las letras del sonido

Estudios han demostrado que esta habilidad podría estar bajo el control del ADN. Los investigadores compararon las estructuras y la actividad de la corteza auditiva, es decir, la región de la corteza cerebral que recibe información auditiva.

El oído perfecto es cuando una persona tiene la capacidad de identificar la frecuencia de un estímulo auditivo aislado sin la ayuda de un estímulo auditivo referencial.

lo tanto, esta forma de búsqueda de tonos es un acto de cognición, mediante el cual, las frecuencias escuchadas se reproducen en forma de tonos puros.

Los inicios históricos del análisis de sonido Desde el siglo XIX, la ciencia se ha centrado en investigar los antecedentes de la comprensión de los tonos musicales y su medición. Dado que las referencias de los tonos solo se definieron con precisión en este momento, la designación de tono perfecto solo se pudo analizar a partir del siglo XIX. Así, el oído perfecto se explicó simultáneamente con un oído musical y con una absoluta conciencia del tono.

Desde un punto de vista científico, éste es un enfoque de aprendizaje musical que también se puede aplicar a los sonidos o colores. Sin embargo, dado a que los tonos se definen mediante una distinción mucho más fina que los patrones de color comunes, esta habilidad es mucho más rara.

Aunque las diferencias y distinciones radican en los detalles, solo una de cada diez mil personas tiene un tono absoluto y por lo tanto, es capaz de cantar cada nota a la perfección. A nivel físico y funcional, no hay diferencia en el sistema auditivo cuando tienes esta condición. Más bien, es una expresión de una rara habilidad para analizar el tono con precisión. Por

Efectos sobre el lenguaje y la percepción Las influencias en torno al oído perfecto también se pueden definir desde una perspectiva cultural. Sobre todo, la incorporación de la escala de Do mayor generó nuevos enfoques que podrían simplificar significativamente la identificación con tonos concretos. En su mayoría, los tonos reproducidos corresponden a experiencias musicales que luego suenan coherentes o sesgadas desde el punto de vista del oyente. Pero también en términos de lenguaje y percepción, el oído absoluto ha dado lugar a algunos cambios.

La industria de la música y el espectáculo

17

sound:check


Las letras del sonido

Idioma Muchos dialectos dependen de variaciones en el tono. Las acentuaciones también son de importancia elemental para los procesos clásicos del habla. Percepción No solo la reproducción de tonos perfectos, sino sobre todo su percepción, juegan un papel decisivo en oído perfecto. Las clasificaciones exactas aquí no se definen por un mejor sentido de la escucha, sino exclusivamente por el reconocimiento y la categorización. Esto se debe nuevamente a los mecanismos del cerebro.

Las diferencias con la audición relativa El oído relativo, a diferencia del oído absoluto, carece de independencia de una nota principal. Con un oído perfecto, se puede definir exactamente una nota y estimarla sin ejemplos concretos. Con el oído relativo, lo que sucede es que simplemente se compara la nota con otra nota y puede clasificarla de esta manera. Si bien esto hace que sea mucho más fácil para los músicos encontrar su camino musicalmente, está muy lejos del tono absoluto. Un oído absoluto es una completa rareza, incluso entre los músicos. Estas habilidades son la base del oído perfecto. El oído absoluto es un fenómeno muy raro, pero, ¿qué puede hacer específicamente alguien que lo tiene? Los siguientes factores forman la base de esta habilidad extremadamente rara y ayudan a identificar un tono absoluto: Reproducción de tonos de sonidos cotidianos. Nombrar todas las notas de un acorde. Asignar la clave a una pieza musical sonora. La característica especial de las personas con una comprensión exacta del tono es que pueden recuperar sus habilidades una y

sound:check

18

La industria de la música y el espectáculo

otra vez. Entonces, si tiene suerte y define un acorde correctamente, posiblemente no posee un oído perfecto. Esta es una habilidad que le recuerda constantemente que le permite demostrar su comprensión del tono e identificar claramente cualquier nota que se le ocurra o tocarla al azar. Una buena base para la sensibilidad musical Un oído absoluto no es de ninguna manera un requisito previo para una carrera musical. Muy pocas personas pueden disfrutar de esta habilidad. Aunque tener esta habilidad puede ayudarte con tu sensibilidad musical, alguien sin un oído absoluto también puede convertirse en un gran músico. Esto también es evidente en los pocos ejemplos que se pueden dar de músicos destacados con un perfecto sentido del tono. Músicos con Perfect Pitch Como decíamos, entre los músicos, tener oído absoluto también es una verdadera rareza. En el pasado cercano, por ejemplo, se puede nombrar a Ella Fitzgerald, Charlie Puth, Bing Crosby y Michael Jackson. Sin embargo, de las muchas personalidades famosas que faltan, se puede ver que muchos músicos conocidos no tienen tales habilidades y, sin embargo, son bien conocidos. Charlie Puth incluso fue intimidado por sus compañeros de clase durante su infancia debido a esta habilidad especial y fue capaz de afirmarse en la industria de la música con su confianza en sí mismo y por supuesto, con el tono perfecto. Hoy es uno de los artistas jóvenes más famosos y también se prevé que tenga una exitosa carrera. Sin embargo, resulta que los requisitos no están en el canto concreto, sino principalmente en la composición. Allí, la sensibilidad musical y el conocimiento exacto son absolutamente necesarios.


Las letras del sonido

Por lo tanto, no es sorprendente que muchos compositores famosos del pasado tengan un tono perfecto. Estas personalidades incluyen, por ejemplo, a Mozart, Handel, Chopin y Beethoven, y esto hizo que fuera mucho más fácil encontrar las adiciones adecuadas para cada instrumento y crear un efecto armónico. Dentro de la búsqueda del músico, el oído absoluto se convirtió en una habilidad universal e importante incluso entonces. ¿Cómo lograr el tono perfecto? En la mayoría de los casos, la comprensión musical es innata. Incluso si además se puede aprender mucho contenido sobre teoría musical y percepción, esto no tiene nada que ver con el tono perfecto. Esto está al menos en línea con la suposición de Brady y Levitin y Rogers, quienes critican un posible entrenamiento para un tono perfecto. Sin embargo, ahora hay alguna evidencia de que el oído absoluto se puede desarrollar sin una habilidad innata y útil. Para ello, la Universidad de Chicago realizó un estudio en el que se probaron varios estudiantes con diferentes experiencias musicales. Inmediatamente después de las sesiones de formación inicial, los estudiantes mostraron una mejora significativa en el reconocimiento de tono, lo que les permitió ampliar su experiencia. Entonces, cualquiera de nosotros puede tener la oportunidad de agudizar el conocimiento de los tonos correctos y con mucha práctica se puede lograr. Como ingeniera de sonido, he tenido la oportunidad de colaborar con diversos músicos que poseen esta habilidad; ha sido una experiencia bastante enriquecedora y creo que las personas que cuentan con esta habilidad pueden tener aportaciones muy interesantes para proyectos musicales y por lo tanto un desarrollo con una aproximación diferente a la música y el sonido.

Como menciona Charly García, quien tiene oído absoluto: “Sé que es genético, que mi bisabuelo también tenía oído absoluto y que a veces, cuando paso de largo o estoy preparando un concierto, cuando no duermo, es cuando la cosa se pone un poquito difícil. Ahí el grado de sensibilidad sonora se te filtra a los otros cuatro sentidos y es el sonido el que te lleva y te arrastra. Ves el sonido y tocás el sonido, y olés el sonido y gustás el sonido”. El oído absoluto puede ser una bendición y una maldición al mismo tiempo, pero es un aspecto distintivo. Son distintas aristas que posee esta habilidad. *Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.

La industria de la música y el espectáculo

19

sound:check


Por Néstor M. Iencenella

ArtÍculo invitado

Quad Studios

Cambio volumen por dinámica, mal negocio... (segunda parte)

E

n la primera entrega de este artículo comenzamos a tratar el tema de cómo los altos niveles de volumen han destruido la dinámica en aras de sonar más fuerte, perdiéndose así los verdaderos objetivos de la mezcla sonora, que es el proceso más creativo de las tres etapas de la producción musical y es cuando más se puede modificar una canción. Recordemos los propósitos de la mezcla 1. Nivel o balance de los instrumentos y su relación entre sí. Para esto, las consolas disponen de faders. 2. El rango de frecuencias, la ecualización individual de cada instrumento y cómo se interrelaciona con los demás con base en el concepto a tratar. Por esta razón, las consolas disponen de filtros y ecualizadores.

3. Panorama. Es cuando se panea y se decide en qué punto de izquierda, derecha y centro o sus lugares intermedios ocupará cada sonido en la mezcla. Para esto, las consolas tienen paneos. 4. Dinámica. El control de la dinámica de los instrumentos que necesiten ser comprimidos. ¡No es necesario comprimir todo! (viene a mi mente el gran Bruce Swedien diciendo: “No compriman”). Por tal motivo, las consolas tienen compresores y expansores. 5. Dimensión. La adición de ambiente a los sonidos que la música necesite para acercarse al concepto a tratar. Para esto se utilizan procesadores de tiempo (Delay, Phaser, Flanger, Reverbs de DSP o de convolución o incluso reamplificación). 6. Interés. Los grandes ingenieros de mezcla saben trabajar este punto muy bien y dedican mucho tiempo a pensar en este ítem; por ejemplo: ¿Y si en esta canción agrego un tape

Bowes Lab sound:check

20

La industria de la música y el espectáculo


ArtÍculo invitado

echo en esta parte del bajo?, ¿y si esta palabra que dice la letra, queda repitiendo con un delay con filtro?, ¿y si en esta parte de la canción la filtramos toda y que los filtros vayan abriendo a medida que la parte de la canción crece? La lista podría ser interminable...este punto será crucial en el trabajo, ya que está íntimamente relacionado con la creatividad de quien realice la mezcla. Como verán, el ingeniero de mezcla tiene mucho trabajo por hacer para, además de eso, ponerse a agregar procesadores en el Bus Master, haciendo un pseudo mastering o generando un proceso de enmascaramiento por exceso de Glue, que es muy difícil arreglar en la masterización. También sucede que le mandan al artista o productor su mezcla con todos estos procesos en el Mix Bus y con muchísima limitación para que suena fuerte y se la aprueben, y luego, al ingeniero de mastering se la envían sin estos procesos; entonces, si el ingeniero de masterización la llegara a hacer con menos volumen que la mezcla que se envió anteriormente, otra vez aparecerá el comentario: “No sabe masterizar”. Las mezclas de hoy se apoyan tanto en los procesos en el Mix Bus, que cuando la escuchas sin ellos aparecen miles de errores que ya no tienen solución y que son “de mezcla”, porque claro, tanto proceso en el Bus Master estaba enmascarando y escondiendo la verdadera mezcla.

Kingside Studio Ahora bien, los niveles de una mezcla deben estar aproximadamente entre -25db como mínimo y como máximo -18db de RMS, sin importar el genero de música. Esto debe hacerse así por dos razones: 1. Para no destruir el factor de cresta y forma de la música con la que se está trabajando; más adelante explicaré esto.

Quad Studios La industria de la música y el espectáculo

21

sound:check


ArtÍculo invitado

2. Para dejar un espacio al ingeniero de mastering, para que con el productor tomen las decisiones finales, entre ellas decisiones de dinámica; por ejemplo: la canción que tendrá más nivel de todo el álbum, que puede ser el corte o no. Crest Factor, una gran ayuda... El factor de cresta y forma es la diferencia que existe entre el nivel de pico y el de RMS. Como estamos hablando de niveles variables (porque la música va cambiando constantemente), estos niveles varían de acuerdo a lo que pase en la canción. Más allá del nivel de una pieza musical, si lo que se desea es mantener la dinámica, debemos pensar en otras mediciones; existe una herramienta en mi opinión para evaluar esto y es el factor de cresta y forma. Lamentablemente no hay muchos DAWs que midan esto; sin embargo, es algo de mucha utilidad.

El futuro probable, gracias al esfuerzo de Ian Shepherd, Bob Katz y Andrés Mayo, entre muchos otros ingenieros de masterización de todo el mundo, en conjunto con la Audio Engineering Society (AES), existe la posibilidad de que las plataformas digitales bajen más sus algoritmos de reproducción, llevándolo a -16dbLUFS. Si esto sucede, sería la muerte asegurada del Loudness World; la razón es simple: las plataformas digitales quieren ofrecerle a sus clientes la mayor calidad de sonido posible y para eso necesitan un audio de calidad, donde se respeten las limitaciones del audio digital; por ejemplo, el nivel de pico límite para el audio digital es -0dbFS, pero lamentablemente, muchos ingenieros de mastering, para sonar más fuerte, no respetan este límite y “clippean” (una manera de distorsionar la forma de onda), sus masterizaciones, sobrepasando la señal hasta casi en 2 db. ¡Este tipo de masterizaciones, al ser emitidas por las plataformas de streaming, generan sobremodulaciones que en muchos casos superan los 4dbs!

Si no se dispone de un DAW con análisis de Crest Factor, (que en mi opinión es lo ideal), les recomiendo lo siguiente: dejen un espacio aproximado de unos 6dbs entre sus niveles máximos de peak y de RMS en cualquier vúmetro que mida estos dos niveles al mismo tiempo. Esto una ayuda más para realizar trabajos con mejor dinámica. Un ejemplo moderno que se acerca a este tipo de dinámica es el álbum “Random Access Memories” de Daft Punk, masterizado por Bob Ludwig y Antoine Chabert. En este caso, la relación aproximada de Crest Factor es de 5 a 1, muy por debajo del nivel de otros artistas famosos. La canción “Get Lucky” fue un hit que reventó todas las radios del mundo. ¿Ven que la leyenda de “lo fuerte vende”, es mentira?

sound:check

22

La industria de la música y el espectáculo

Village Studios


ArtÍculo invitado

Quad Studios Eso no está bien, porque dependiendo de la calidad del equipo en donde se escuche, generará clics audibles, además de cero dinámica, y por ende, si miran en un analizador de espectro cualquiera de estas canciones sobrecomprimidas, notarán que casi todas las frecuencias en algún momento llegan al tope del analizador, casi convirtiéndose en ruido rosa. Ahora pregunto, ¿Alguna vez fueron a la casa de alguien y estaba escuchando ruido rosa? Por otra parte, el nivel de pico recomendado para plataformas digitales es de -1dbTP y esto es, porque aunque sean servicios de streaming de alta calidad, siempre hay un recorte de ancho de banda que hace que las frecuencias se liberen y también se produzcan sobremodulaciones. Además, seamos sinceros, no era: “¿Amábamos la música? ¿En qué nos hemos convertido? La otra novedad es que el loudness será analizado por álbum y no por canción, y esto también sería fantástico, porque de esta manera se mantendría la dinámica real y la relación de nivel entre las canciones de todo el disco, no como pasa ahora, que todo se lleva a -14dbLUFS.

perder las reproducciones, así que en silencio, muchos artistas de los últimos 25 años están remasterizando sus obras bajo estas especificaciones, para que se adapten a las plataformas digitales y su música se escuche mejor. Debemos ser más conscientes de que los ingenieros en audio somos “los médicos del sonido”; con esto quiero decir que debemos recomendar a nuestros clientes, mezclas y masterizaciones saludables, porque sin lugar a dudas será la mejor inversión a largo plazo, para el artista, la música y las carreras de los ingenieros en audio. Imagínense si fuéramos al médico y nos recomendara estar muy obesos, comer mucha grasa y harinas y acumular colesterol, porque eso es mejor… La gente, amantes de la música, o incluso muchos grandes músicos, no entienden de ingeniería en audio, de modo que necesitan un asesoramiento sincero. Espero que lo expuesto les sea de utilidad y juntos sigamos haciendo grabaciones de calidad.

Muchas gracias por leer y cuídense mucho. La perilla de volumen de nuestros equipos esta en 3 o 4 cuando mucho, debido al excesivo nivel de las mezclas y masterizaciones muy gordas, y si nos ponemos exquisitos con el audio, la realidad es que sería mejor que esa perilla esté en *Es músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Imparte 7 o incluso en 10, para que no genere resistencia y se escuche cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, mejor. Los agregadores ya están ofreciendo (hay que volver a Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de pagar), el servicio de reemplazar los archivos de sus clientes sin mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México. Lado A

La industria de la música y el espectáculo

23

sound:check


ArtÍculo invitado

Por Ferrer León*

7 cosas sobre la producción musical que tienes que experimentar por ti mismo

L

a sobreinformación que encontramos en internet sobre algunas materias nos ha hecho creer que todo está dicho y, sin verificarlo en carne propia, le otorgamos veracidad solo por estar publicado en la red. Miles de tutoriales, libros, cursos, blogs y demás, nos generan la ilusión de que es solamente ahí donde encontraremos la verdad absoluta sobre cualquier tema, por lo tanto, es muy común que, al experimentar el conocimiento en el mundo real, nos demos cuenta de que no todo estaba escrito o que no era tal como lo leímos en la red. No pretendo desprestigiar la información a la que hoy se puede acceder; ciertamente existen muchos conocimientos e información valiosísimos en internet, pero, en definitiva, hay cosas que sólo la práctica o la experiencia vivencial nos terminará de complementar el escenario real al cual nos enfrentamos una vez dentro del ámbito profesional de la producción musical. Existen situaciones que solo experimentándolas por uno mismo, nos ayudarán a comprender mucho mejor ciertas creencias y

sound:check

24

La industria de la música y el espectáculo

a formarnos un panorama mucho más objetivo y sólido que nos permitan desempeñar de manera más práctica nuestras funciones dentro de la producción musical, y es por ello que hoy quiero compartir algunas de las situaciones más comunes que necesitan vivirse en carne propia para complementar nuestro conocimiento. 1. No siempre los músicos con vasta experiencia en vivo son los mejores en el estudio. Tenemos la creencia de que si un músico ejecuta de manera excepcional su instrumento, seguro tendrá un gran desempeño en el estudio de grabación, sin embargo, no siempre es así. Tenemos que comprender que son territorios distintos y aunque pueden complementarse en ocasiones, en el estudio se involucran factores diversos, tales como dominar una serie de opciones sonoras para cada canción, estilo e incluso solo partes y que puede repercutir en el equipo, tipo de instrumento, versatilidad musical y por supuesto, una gran habilidad para trabajar en equipo y búsqueda de resultados sonoros junto al productor. He visto músicos tener dificultad


ArtÍculo invitado

para conservar las distancias requeridas a los micrófonos como si fuera un show en vivo, o batallar con el metrónomo, el monitoreo o muchas otras variables de importancia. 2. No siempre el equipo más caro es el que te dará mejores resultados. Para algunos, el inicio en la carrera musical implica comenzar con lo que es posible tener en ese momento, lo que significa que en algunos casos, tendrás que aprender a sacar lo mejor de cada equipo a tu alcance y eso se convierte en una habilidad necesaria. He sido testigo de cómo se consiguen resultados excelentes con herramientas que están al alcance de casi todos. No quiero decir que los equipos costosos puedan ser suplidos con facilidad por equipos de gama más baja, sino que ciertos equipos bien utilizados pueden darnos resultados que no imaginábamos y que solo al experimentarlo lo sabremos con certeza. 3. El rendimiento de los músicos va muy de la mano de la química, el ambiente y lo cómodo que se sienten en el estudio. El intercambio de vibraciones entre las personas, el equipo de trabajo y el espacio es de vital importancia para que todos y cada uno sienta armonía y en las condiciones ideales para ejecutar su función plenamente y sin forzarlo. Por eso, como productor es tu responsabilidad seleccionar al

equipo de trabajo correcto, en el que todos se sientan bien entre sí. Es común escuchar comentarios de experiencias de usuarios en estudios que aseguran sentirse muy presionados, incómodos o a disgusto de alguna manera en algunos estudios o con algunas personas y que eso los ha limitado en el resultado que entregan. Una producción en la que el músico se siente libre, cómodo, valorado y en confianza es casi garantía de que su habilidad quedará bien reflejada en la producción y a favor de la música. 4. A veces, quien aparenta menos experiencia es quien consigue mejores resultados. Evitemos los prejuicios, seguro que alguna vez nosotros fuimos prejuzgados, así que sabemos lo que significa estar de ese lado. Emitir juicios sin bases normalmente nos da sorpresas, a veces gratas y otras no tanto, pero si hemos de ser objetivos, lo mejor es, con base en la experiencia, saber qué esperar de las personas. A veces vemos a un músico en formación, que gracias a su creatividad, claridad en las ideas, su equipo de trabajo y determinación para llevar a cabo su producción, nos lleva a conseguir mejores resultados que personas que tienen mucha mas experiencia, pero mal utilizada y que por ego, se complica conseguir los resultados que pudieron haber sido. A veces, estas personas que aparentan menos

La industria de la música y el espectáculo

25

sound:check


ArtÍculo invitado

experiencia, terminan haciendo mucho más que otros y en ocasiones hasta se convierten en parte de tu sólido equipo de trabajo. 5. La acústica del lugar donde te encuentres trabajando influye y mucho en el resultado, de manera que aprende a manejarlo a tu favor. Es muy común creer que un microfoneo muy cercano nos evitará tener que preocuparnos por un comportamiento acústico inusual o poco conocido por nosotros; sin embargo, una acústica correctamente estudiada, aplicada y utilizada a favor, nos puede otorgar resultados muy característicos y favorables a nuestra producción, obteniendo resultados que evitan muchos procesos electrónicos si se aprende a sacar el provecho necesario para nutrir nuestro sello sonoro, reverbs naturales propios de la sala, ecos o coloraciones que le aportan un tono específico a nuestro sonido. Dicen que no existen dos salas que suenen exactamente igual, aprende a conocerlas y a sacarle provecho. 6. Aprender a escuchar es la clave de todo, tanto lo que tienen que decir, como cada elemento y detalle de la producción. No hay gran secreto aquí, se trata de escuchar con atención y detalle; es algo que se aprende con el tiempo, pero al saber hacerlo, garantizas que con experiencia y dominio puedes manipular y conseguir virtualmente el sonido que estés buscando capturar y transmitir. Aprende a escuchar lo que los músicos quieren decir, tanto verbal como con su instrumento; aprende a escuchar todo tipo de producciones musicales que te aporten algo y créeme que casi todo te aporta algo, en mayor o menor medida. Con una escucha crítica, seguro aprenderás algo nuevo. Por último, pero no menos importante, está aprender a escuchar cada elemento con detalle, ir de lo general a lo particular y viceversa, poder distinguir la sección, el instrumento, la cuerda y las características sonoras de cada elemento.

sound:check

26

La industria de la música y el espectáculo

7. Aprendizaje y constante capacitación nos da más y mejores probabilidades creativas. El mundo del audio y la producción avanza y cambia día a día, de manera que es necesario conocer las nuevas tecnologías aplicadas al campo, las tendencias musicales, nuevos lanzamientos y nuevas propuestas. Aprender, aprender y aprender siempre será una garantía de ampliación del panorama para aplicar más y mejores herramientas en pro de conseguir la excelencia en nuestro desempeño musical. ¡Hasta nuestra siguiente columna!

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com


www.gonherpro.mx

info@gonherpro.mx

www.gonher.com

administracion.ventas01@gonher.com

La industria de la música y el espectáculo

27

sound:check


Desde el estudio

Estudio 19,

sumando al florecimiento de nuevas bandas

C

on tres años de existencia, Seigan es una banda en formato de power trio que fusiona electrónica con rock y progresivo que encontró en la labor de divulgación del científico Carl Sagan una fuente de inspiración para nombrar al grupo y llevar su mensaje con un contenido musical. El grupo participó en la edición 2021 de la convocatoria Disrupción de Bandas del programa “Tracker”, que se transmite por la radio de la Universidad Iberoamericana (Ibero 90.9), cuyo premio fue grabar un EP en Estudios 19. “Tracker” tiene la dinámica de transmitir sonidos de bandas independientes y nuevas, además del concurso para que graben en Estudio 19 su primer EP. Teníamos un demo preparado y decidimos entrar a la competencia, que estuvo muy reñida,

sound:check

28

La industria de la música y el espectáculo


Desde el estudio

con músicos muy capaces y profesionales. Afortunadamente, tanto la audiencia como los jueces se fijaron en algo de nuestra música que se hacía distinto y así llegamos a Estudio 19”, hace recuento Isaí Mendiola, integrante de Seigan. La banda es un proyecto con background electrónico y dub armado en Ableton, que funciona como base electrónica para hacer rock y añadir tintes progresivos e incluso un poco de metal; su referencia viene de las bandas de los años noventa post punk y grunge. El EP que grabaron fue de cuatro canciones: “Enki”, “Fire Stella”, ”Drone Ehécatl” y “Baja Bat”, música cuyo mensaje es de reflexión sobre la naturaleza y cuestiones filosóficas, bajo la producción de Rodrigo Mendoza y Luis René “Boro” Cárdenas en la ingeniería de grabación, mezcla y masterización. Salir de la zona de confort para evolucionar Ésta fue la primera experiencia en estudio para Seigan, que entró a sesión en tres momentos distintos de la convocatoria (un live tracking, un multi tracking y finalmente la grabación del EP), como comparte Isaí: “Sabíamos de lo legendario de Estudio 19; nos voló la cabeza cuando supimos que ganamos y la experiencia fue incrementándose hasta que llegó el momento en que tuvimos el estudio para nosotros. Esto no hubiera sido posible sin el apoyo de “Boro” y Rodrigo, que son dos maestros con los cuales nos sentimos súper agradecidos y emocionadísimos de trabajar”.

“Rodrigo entendió la música que estábamos tocando de manera súper directa, nos sorprendió esa conexión cálida con él. Desde que entramos al estudio por primera vez se mostró muy propositivo y para nosotros fue salirnos de la caja y escuchar cómo el oído de alguien puede llegar a influenciar lo que estás haciendo de manera tan positiva. Rodrigo nos dio también la confianza hacia nosotros, hacia lo que estábamos haciendo y, sobre todo, el bagaje que tiene musicalmente es de una persona profesional y un músico muy entregado. Fue una experiencia muy padre trabajar con él, nos dejó un sabor de boca muy bueno, para seguir haciendo, creando y saber hacia dónde vamos”, expone entusiasta el músico. Transformación total La sesión se hizo con todos tocando haciendo seis tomas por tema. “Boro” pudo experimentar con equipo que no había usado de Estudio 19 y así proponer un sonido que le gustara a ambas partes (productor y grupo); así relata su labor: “La propuesta se prestó artísticamente. Es la segunda vez que hacemos mancuerna para este proyecto Rodrigo y yo y nos entendemos bien. Al ser una banda con más cosas electrónicas, nos enfocamos en microfonear las guitarras y bajos, los elementos acústicos que trajeron. Usamos Shure, Audix y Electrovoice; pasamos la señal por Pultec, Neve y reverbs que para mí fue el aderezo de este disco analógico, junto con equipos como Lexicon y de TC Electronic. Por el concepto y dotación de instrumentos, además de la confianza, el

Luis René “Boro”

“Afortunadamente, tanto la audiencia como los jueces se fijaron en algo de nuestra música que se hacía distinto y así llegamos a Estudio 19”.

La industria de la música y el espectáculo

29

sound:check


Desde el estudio

atractivo con ellos fue usar reverbs, todas de hardware, que le dieron el espacio y la definición necesarios al proyecto; fue el adorno que llevamos al sonido de estos muchachos”. En la mezcla se cuidó ese tratamiento cargado de ambientes, con reverbs y delays, que logró darle continuidad a los temas, con el extra de haber pasado la mezcla final por cinta analógica. La masterización también quedó en oídos y manos de “Boro”. “Para la canción con instrumentos prehispánicos (tres flautas hechas artesanalmente por un maestro otomí, Isaí Mendiola un huéhuetl, además de una jarana), pusimos microfonía en estéreo para hacer el sonido en movimiento desde la grabación; esa fue parte de la propuesta que benefició mucho”, apunta el ingeniero de grabación y educador.

“Entonces llegas a Estudio 19, lleno de historia, y trabajas con dos leyendas de la música mexicana que lo dan todo y, realmente debo decir, la experiencia nos cambió”.

Con la planeación en el punto de tener listo el material para subirlo a plataformas, hacer un tiraje en físico y prever alguna presentaciones en vivo, la banda ha llevado su propuesta a un nuevo nivel de riqueza sonora; uno que sólo hace posible la experiencia y recursos de un lugar como Estudio 19: “Vivimos una era donde uno ve tutoriales y nos autoeducamos, pero eso es muy limitado en cuanto a lo que crees que está bien respecto a un sonido que ya tienes viciado y estás acostumbrado a oír. Entonces llegas a este estudio lleno de historia y trabajas con dos leyendas de la música mexicana que lo dan todo y, realmente debo decir, la experiencia nos cambió: nos dimos cuenta de que el sonido

tenía muchísimas más posibilidades, vivía como en una caja un poco cuadrada y de pronto se hizo redonda y tenía curvas, sonidos por aquí, por allá, paneos, reverbs y delays... fue una fiesta de música ambiental con rock and roll y muchísimas cuestiones que nos dejaron sorprendidos. La transformación que tuvo fue total”, afirma extasiado Isaí.

“Por el concepto y dotación de instrumentos, además de la confianza, el atractivo con ellos fue usar reverbs, todas de hardware, que le dieron el espacio y la definición necesarios al proyecto”.

sound:check

30

La industria de la música y el espectáculo


Universo sonoro

Por Mario Santos*

Los cuatro ejes del éxito en la producción musical

E

n toda esta extensa comunidad llamada medio musical, los artistas estamos realizando proyectos constantemente, ya sean propios, de terceros, o por encargo. En cualquier caso, buscamos que la música contenida en dichos proyectos pueda darse a conocer, conseguir el objetivo de compartir nuestro arte y trabajo, con un cierto público. Una pregunta se queda siempre por responder: ¿De qué depende que un proyecto tenga éxito y genere una demanda en el medio musical? ¿Qué es lo más importante para ti? En lo personal, nunca trabajo pensando en que un proyecto vaya a gustar o no al público. Para mí, lo primero y más importante es generar algo con valor artístico, honestidad, con gente talentosa, con quien pueda crear música a través de un proceso creativo enriquecedor. La añeja idea de generar un proyecto a partir de las tendencias de la moda que el

sound:check

32

La industria de la música y el espectáculo

público consume me interesa solo en los casos en los que el proyecto original tenga una propuesta de tendencia. Inventar un proyecto en un concepto determinado porque está de moda, sin que el artista o banda sean parte del mismo, es algo que jamás me ha interesado, algo que finalmente se percibe como falso y no genuino. Hoy existe mucho público exigente que busca y sigue artistas y bandas verdaderas, no proyectos efímeros u oportunistas. Prefiero hacer un disco con unos soneros de Oaxaca auténticos que aman su música, que la desarrollan a través del trabajo y la exploración, que hacer un disco de un cantante que adopta un estilo de alta demanda en el público, solo porque desea volverse popular, famoso y tremendo influencer en redes sociales. Si bien, no tiene nada de malo por supuesto, ser un influencer, no me resulta atractivo desarrollar un proyecto musical con alguien a quien le interesa todo, menos la música. ¿Por qué? Porque personalmente me interesa la música, antes que nada.


Universo sonoro

El medio musical actual está formado por compositores, músicos, cantantes, bandas, productores, ingenieros de audio, DJs, artistas firmados en compañías grandes, artistas con un proyecto independiente, managers, miles de técnicos dedicados a la producción de conciertos, compañías que venden instrumentos musicales, equipo de grabación, iluminación y sonorización en vivo; por toda la gente que trabaja en la parte administrativa de la música: editores, administradores de los derechos de autor y ejecución pública, venta discográfica, portales web de venta de música vía digital, promotores, gerentes de mercadotecnia, administradores de recursos, directores artísticos y muchos más. Muchos artistas sonoros suponemos que nuestra música captará la atención de un cierto público, consideramos que nuestra música puede tener cierta demanda dentro del gusto de un grupo de gente y aunque estamos concentrados en el lado artístico, finalmente deseamos compartir la música que hacemos: nadie desea que su proyecto se quede atrapado sin haber sido publicado o tocado en vivo y que se desvanezca en el olvido sin haberse compartido con alguien más.

Talento para crear y para promover Dice el autor Tad Lathrop, amante de la música y hombre de negocios en el entorno musical norteamericano, que en algunos casos se necesita la misma creatividad que se utiliza para producir o componer una canción que para colocarla con éxito en el mercado y venderla. Lathrop es una de las pocas personas que asegura tener una fórmula para que un proyecto musical anónimo se convierta en un proyecto comunitario o fenómeno cultural y que sin importar el estilo musical, se requieren cuatro puntos cardinales: 1. Una o varias fire songs, una gran canción u obra musical: un tema, un EP o disco que mueva tus sentimientos a cualquier extremo del espectro mental y emocional, que vuele tu cabeza por varias razones, sentimentales, conceptuales o técnicas; que te conmueva, que se convierta en una obra que quieras tocar tú mismo, que te deje satisfecho o te haga bailar, que provoque que medites, reflexiones, que te haga pensar en cosas relevantes para ti, que cambie tu día, que no puedas olvidar que la escuchaste y que desees oírla de nuevo, varias o muchas veces.

Una pregunta se queda siempre por responder: ¿De qué depende que un proyecto tenga éxito y genere una demanda en el medio musical?

La industria de la música y el espectáculo

33

sound:check


Universo sonoro

2. Un fire artist (banda, solista y demás), que el artista tenga una propuesta, que tenga algo valioso fuera de lo común, que represente un ideal en muchos, que sea un líder vocal o instrumental, que conecte con el ideario del público que lo consume, que no puedas olvidar el nombre del solista o de la banda: que comiences a partir de conocer el proyecto, a buscar su música en internet que conectes con su visión y actitud ante el mundo. 3. Una fire production, una producción excelente: que suene muy bien, agresivo si es necesario o atmosférico, estético o bizarro, si es el caso; que otros músicos o productores deseen usar sonidos o conceptos incluidos en él. Aquí existe una polémicam, porque nos preguntamos por lo pronto hoy: ¿Qué tan importante es para la gente que un disco se escuche bien o qué tanta conciencia tiene de ello? Si pensamos que en 2017, el 87 por ciento de la gente en Estados Unidos escuchó su música reproducida por un teléfono celular con una compresión exagerada, en audífonos de baja calidad, podemos imaginar que el público en general no es muy consciente de lo que está escuchando en términos de calidad. Hace poco escuché a un audiófilo conocido decir lo que parece ser una sentencia: entre peor suena un disco, más le gusta a la mayoría de la gente. Es un tema polémico, porque considero que tal sentencia depende mucho del entorno musical, país o de la cultura auditiva de quienes consumen la música. A reserva de tales reflexiones, lo que sí debo mencionar como inadmisible y no recomendable en cualquier circunstancia, es

sound:check

34

La industria de la música y el espectáculo

escuchar música con las bocinas de un celular o bocina china comprada a la salida del metro. A menos que viva uno en prisión y sea ésta la única opción para aliviar las penas. 4. Una fire promotion, promover con fuego y como un loco: donde tenga que ser expuesto y publicado, en contacto con el público interesado, sin volverse un spam cualquiera por la frenética angustia de darlo a conocer, con presencia de manera constante y de acuerdo a una estrategia, planeando con datos reales no imaginarios, asumiendo que debes dirigirte a un grupo específico de gente interesada, sin pensar en la vieja escuela publicitaria de vender a través de la intrusión masiva; hoy nadie compra un shampoo porque lo anuncie alguien famoso, hoy la gente se interesa por lo que le produce emociones y por lo que le recomienda alguien de confianza.

Dice Tad Lathrop que en algunos casos se necesita la misma creatividad que se utiliza para producir o componer una canción que para colocarla con éxito en el mercado.


Universo sonoro

Si la fórmula es tan lógica, simple y definida ¿porqué no todos los proyectos tienen éxito? Porque según Lathrop, confundimos alguno de los cuatro punto cardinales. Creemos tener un buen artista, una buena canción y una buena producción cuando no la tenemos, y creemos estar promoviendo adecuadamente cuando no es así. La música que componemos es una parte de nosotros que es expresada de muchas formas, a través de un tema musical, a través de una canción con letra, de una obra para guitarra sola, a través de un cuarteto o de una ópera monumental. Los artistas sabemos que nuestro trabajo vive y se desarrolla independientemente de quien se muestre interesado por él. La realidad es que existe público que admira tu música, existe público que es indiferente a ella y existe público a quien de hecho, le desagrada lo que haces. Como dijo Steve Jobs: “Saber que vamos a morir sin poder evitarlo, nos debe hacer conscientes de que al vivir, no tenemos nada que perder”. Lo que piensa el público no debe regir lo que hacemos: debe en todo caso ser un acuse de recibo de lo que hacemos. Por lo tanto, más que concentrarse en encontrar una fórmula para ser aceptado por el público, un artista debe, en mi opinión, olvidarse de eso y concentrarse en desarrollar su lenguaje, experimentar y trabajar horas extras con dedicación y pasión en todo momento, crecer y ser autocrítico. Es más probable que siguiendo este camino, sea el público quien encuentre finalmente al artista, lo aprecie, lo siga y se aficione por su arte, que un artista inseguro y desorientado, buscando públicos afines para poder sobrevivir.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

Los involucrados en la industria musical artistas sabemos que nuestro trabajo vive y se desarrolla independientemente de quien se muestre interesado por él.

La industria de la música y el espectáculo

35

sound:check


FAMA Studios: paraíso de producción musical en República Dominicana

sound:check

36

La industria de la música y el espectáculo


U

bicado en la zona colonial de Santo Domingo en República Dominicana, este destination studio combina salas en vivo de clase mundial y equipos externos analógicos de última generación con impresionantes vistas y comodidades de primera clase, como chef privado, mayordomo, chofer, alberca de cocteles, jacuzzi y gimnasio. La arquitectura del lugar se fue adecuando al diseño propuesto por el equipo de Walters-Storyk Design Group (WSDG), conformado por Sergio Molho (Socio de WSDG y Project Manager), Silvia Molho (Socia de WSDG y Art Director) y Leandro Kirjner (Project Manager), cuyo resultado es un paraíso para la producción musical.

La industria de la música y el espectáculo

37

sound:check


FAMA Studios

Estancia creativa estimulante “Me pareció desde el primer momento muy interesante la ubicación en este espacio colonial de otra época y que se experimente una transición en el tiempo al entrar al lugar. En 2016 se inició el proyecto constructivo del Estudio A y en el inter de 2017 evolucionó a tomar el segundo y tercer piso de la casa, con una impronta visual muy interesante que sirvió a Silvia de inspiración. En ese segundo nivel se desarrollaron el Estudio B y el C, con una remodelación de una estructura existente que se convirtió en algo nuevo, dejando el tercer piso con los espacios de soporte para los músicos, ingenieros y el hospitality del lugar”, describe Sergio. Sergio Molho Promotores de la música de calidad, y con la misión también de abrir puertas a géneros que no están tan de moda en la región, como el indie rock, la electrónica y la música de raíz, la intención de FAMA es brindar este espacio tanto a artistas de fama mundial, como a aquellos que inician con una proyección única, ampliando las alternativas con servicios como los campamentos de composición y las residencias de colaboración, opciones que son posibles debido al proyecto empresarial del que FAMA es parte y que incluye la actividad turística con hoteles multi locación aledaños al estudio.

Con la experiencia de ser un engranaje para la actividad musical de la localidad, a través del Festival Isla de la Luz y una disquera, la necesidad de tener este espacio para la creación musical comenzó a cobrar vida en 2015, como relata Luis Betances: Luis Betances “Cuando se montó la disquera, había la visión de hacer el estudio en Brooklyn, Nueva York, pero al final se decidió hacerlo en nuestro país. Se realizó la compra de la casa y a trabajar el concepto de un estudio que fue evolucionando hasta habilitar el segundo nivel, que se estaba utilizando como residencia. Hicimos el contacto con WSDG y empezamos a darle forma a este sueño de un complejo creativo musical en nuestra patria, la República Dominicana”. El reto de un diseño en evolución La selección de WSDG para la realización del proyecto partió de la referencia que de ellos tenía Luis y que, por las características e inversión, debía cumplir el estatus premium del grupo empresarial. Hecho el contacto, lo primero fue entender cuáles eran los espacios a incorporar dentro de la estructura existente, como detalla Sergio:

La intención de FAMA es brindar este espacio tanto a artistas de fama mundial, como a aquellos que inician con una proyección única.

sound:check

38

La industria de la música y el espectáculo


FAMA Studios

“Hay componentes de dicha estructura (columnas, ventanas y accesos a otros niveles), que cuando se hace una remodelación no deben alterarse, además de que a la par de hacer el proyecto, había una serie de actividades sucediendo en los pisos de arriba que tenían que continuar. Íbamos hacia una situación donde queríamos incorporar un control A con una sala de grabación con un pequeño lounge para los músicos. Esa fue la Fase 1”. “A partir de ahí empezamos a trabajar en la distribución del espacio y pasar al control room y también, desde ese punto, entrar a la sala de grabación. Una de las primeras preguntas que nos hicimos fue si estábamos buscando un control que mirara de manera frontal hacia la sala de grabación o de forma lateral. Se definió que fuera un control con un monitoreo mirando hacia la sala de grabación, con altavoces empotrados a la pared. Esas fueron las primeras ideas y luego surgió lo de agregar una pared y convertir esa gran sala de grabación en dos para atender los distintos tipos de música y ello ponía la necesidad de tener una separación física entre ambos espacios de grabación simultánea que, al mismo tiempo están unidos para poder tener una batería, una percusión latina o toda una banda completa y el cantante. Al principio teníamos que resolver todas las funciones en la planta baja y es por ese motivo que el garage se transformó en un pequeño lugar de esparcimiento, sin omitir la privacidad”.

Estética para el sonido y la vista En ese arranque, el diseño de interiores mantuvo la premisa de hacer espacios y lugares únicos, independientemente de la necesidad del cliente. Para hacerlo posible, Silvia Molho se dio a la tarea de indagar cuáles eran los gustos de quienes operarían el estudio, qué tipo

sound:check

40

de música hacen, cómo se quiere enfocar, cuál es el mercado al que quieren dirigirse, en qué lugares se sienten cómodos por las horas que pasan ahí. El objetivo: crear un espacio confortable, lindo y cálido, como detalla la especialista: “Eso es vital y abarca desde la silla que es parte del equipamiento técnico para el operador hasta la iluminación para mantener la inspiración todo el tiempo. Se busca tener luces separadas, que puedan elegir entre una luz cálida, fría o envolvente. También pensamos en los que vienen a acompañar los procesos de producción y todo esto se acompaña no solo por las formas del espacio que envuelven y esconden todos los acondicionamientos acústicos y técnicos, sino que damos un toque de color que acompaña la idea general de todo el proyecto. En FAMA utilizamos formas muy básicas con colores brillantes y profundos, como el azul; materiales nobles como la madera, que tiene representaciones dentro de los materiales acústicos con líneas y formas y que cuentan con una tonalidad de color sin perder su base. Hicimos una propuesta de crear los difusores acústicos con un tratamiento técnico, combinando colores y haciéndolos resaltar con la luz, tanto de fuentes LED como de luz natural”.

“En la sala de grabación tienen un ventanal que es como una apertura a la naturaleza, lo cual es maravilloso porque no lo tienen todos los estudios. Mantuvimos el color tierra, por la madera y el ocre, en los difusores que fueron creados individualmente. Todas las ventanas son acústicas, no tienen una aplicación convencional y están orientadas a un estudio. El hecho de que haya un vidrio y que se transparenten los espacios para que uno pueda estar en un lugar y ver a los otros, es parte del trabajo que tienen cuando se graba”.

Silvia Molho

La industria de la música y el espectáculo

“Dejamos el color básico del revestimiento de paredes sólo con el de las telas acústicas y los colores, porque el entorno tiene mucha personalidad. Además, el tema de las tonalidades, luces que van de directas a indirectas creando diferentes climas, puede revestir completamente el espacio y cambiarlo. Con


FAMA Studios

las diferentes terminaciones que damos, creamos el ambiente para que pueda ser mezclado con los otros materiales y pueda interactuar. Los difusores tienen posiciones, están inclinados. La forma dirige las ondas sonoras”, continúa Silvia.

En cuanto a la acústica, el uso de madera en superficies, combinado con tabla roca y tratamiento de madera perforada para la absorción acústica de todo el ancho de frecuencia, también sumó, no solo a la estética del espacio, como destaca Sergio: “Todo el juego de texturas creado con páneles entelados al frente, clouds, los softs del costado y el tratamiento acústico permite la sensación de un mayor volumen de la sala, para capturar esos instrumentos acústicos de los estilos que se quieren grabar acá. Da la sensación de un mayor tiempo de reverberación y es la parte técnica que traduce Silvia en un diseño, eso se logró por esta combinación de absorción, reflexión y difusión. Es parte del trabajo como diseñadores acústicos”.

Equipos para el paraíso en FAMA Rupert Neve Designs Portico 508B (32 canales) Computadora y software Apple Mac Pro 2.7 Ghz 12 Core Intel Xeon Avid HDX card Avid Nexis Shared Storage Pro Tools Ultimate Ableton Live Studio Logic Pro X Preamplificadores SSL Alpha VHD4 Neve 1073 DPA Daking Pre IV D.W. Fearn VT-2 BAE 1084 Universal Audio LA610 MKII Rupert Neve Designs 5032 Portico Series microphone Preamp & EQ Dinámicos outboard Rupert Neve Designs 5043 Portico series Duo Compressor Chandler Limited Germanium Compressor Empirical Labs EL8X Distressor Slate Pro Audio Dragon Ecualizadores Chandler Limited Germanium Tone Control Rupert Neve Designs Portico 5 band EQ API 550 A Efectos Rupert Neve Designs 5042 Portico Series Tape Emulator 2 channel Rupert Neve Designs 5014 Portico series Stereo Field Emulator Bricasti M7 Stereo reverb Eventide Multichannel Effects procesor Fulltone Tube Tape Echo AD/DA/Clock Avid HD IO 16x16 Antelope Isochrone Monitores Yamaha NS-10M Studio Nearfield Auratone 5C Super Soundcube Adam S5V 3 Way Mid Field Monitor Amplificadores Drawmer 2 Chain Bryston 3B SST2 Pro Stereo MIDI Motu MIDI Timepiece La cereza, control visual del trabajo. “Con la decisión de tener el control viendo hacia adelante, se pudo acondicionar para tener la pantalla de visibilidad a disposición, ya sea que se esté haciendo tracking y el ingeniero pueda ver a los músicos que está grabando. Leandro Kirjner

La industria de la música y el espectáculo

41

sound:check


FAMA Studios

Ahora bien, si se realiza mixing, ya no es necesario ver lo que pasa en la sala, así que basta bajar la pantalla para tenerla de apoyo al Pro Tools y mirar lo que se hace”, menciona Leandro. Expansión: Estudio B y Estudio C En el segundo piso están el control room B y el control room C. Hay un lounge donde se puede descansar y recibir a la gente, además de un soundlock que distribuye a todos los espacios y, de manera similar a lo que pasa en la planta baja, ambos espacios miran al mismo live, se mantuvieron las ventanas y visuales exteriores. “La diferencia fundamental que tiene este control es que mira hacia el costado, hacia la sala de grabación, y nació desde un inicio pensado en que podía albergar producciones en sorround. Por su naturaleza, este control room iba a tener otro tipo de tecnología y consola para apuntar a otro tipo de color, sonoridad, funcionalidad y apoyando a este control B, este mini control C ,que es un music production room, más limitado en espacio, pero con una linda sala para grabar. Luis y el equipo nos dieron un mandato que fuimos interpretando y que hoy permite a la infraestructura seguir creciendo en cuanto a sueños e ideas de desarrollo comercial, técnico y creativo”, destaca Sergio. La interconexión es total entre los tres espacios. Aparte de la infraestructura de redes, se tienen 16 canales analógicos que conectan los estudios. En FAMA se solicitó la integración audiovisual con interconexión completa entre los espacios, potencialidad de intercambiar dispositivos y componentes que están en diferentes locaciones para ser usados como recurso de otras, eso requiere una cierta infraestructura que no es sencillo de conseguir.

Equipamiento selecto Los equipos disponibles en el Estudio A son parte del inventario que ya tenía la empresa. Para los estudios B y C se dio una combinación de factores y la asesoría de WSDG para tener tecnología de punta reciente y tomar decisión sobre aspectos como el monitoreo para los artistas. En microfonía, el listado cubre desde Neumann al Sony E800, combinados con mesas como la SSL Duality (estudio B) y el buque insignia del estudio, la Rupert Neve Designs 5088 (estudio A). Con la certeza de que este proyecto fue posible gracias a un diálogo fluido que manifestó la eficacia de la comunicación entre todos los involucrados en el proyecto, Luis se dice satisfecho con el calibre de estudio que hoy tienen en su patria. “Esta es una edificación de más de un piso que no se te ocurre que exista en un entorno como éste y se logró un ambiente muy dirigido a la creatividad; creo que ha sido una combinación excelente de la parte técnica con la de diseño interior que quedó impecable”. “Estamos en una isla donde muchos materiales y procesos de logística fueron un problema que se tuvo que ir resolviendo; afortunadamente se logró tener un equipo de construcción local que realmente supo estar a la altura de un proyecto de esta envergadura. Ahora estamos trabajando con protocolos estrictos de sanidad y conforme las indicaciones que el gobierno marque, adaptándonos de la mejor manera posible”.

De parte de WSDG, el proyecto está para hacerlo participar en los TEC Awards, gracias al diseño y funcionalidad, como comparte Sergio: “Haber llegado a este punto, saber del producto final que tenemos es algo que nos apasiona”. El piso superior es para todo el esparcimiento, mesa de ping pong incluida. Como extra, el GM Room: cuarto habilitado como almacén del equipo y para su mantenimiento donde, además, se pueden probar los instrumentos para usarlos en una grabación.

sound:check

42

La industria de la música y el espectáculo

No hay duda que es así. Confiamos que en FAMA se dará un movimiento creativo que puede ser estratégico para la región, añadiendo un estándar premium en el concepto de servicios para la producción musical que le viene bien a la profesionalización en la industria.


de regreso a los escenarios con

Dave Matthews Band sound:check

44

La industria de la música y el espectáculo

Sanjay Suchak

Meyer Sound,


D

e vuelta a la carretera. Dave Matthews Band retorna a su gira anual de verano en los Estados Unidos, superando la crisis sanitaria, con conciertos en distintos lugares de todo el país desde el pasado julio hasta el próximo noviembre. La compañía de renta UltraSound, en Petaluma, California, ha suministrado una vez más un sistema Meyer Sound, basado en altavoces de arreglo lineal LYON.

La industria de la música y el espectáculo

45

sound:check


En concierto

Tres décadas en el camino Justo este año marca el aniversario número treinta de Dave Matthews Band, así como los 25 años de colaboración de UltraSound y Meyer Sound con el grupo. Después de más de un año y medio sin presentaciones, era de esperar que los equipos de producción de UltraSound y la agrupación estuvieran ansiosos por devolver la música a los fanáticos. “Volver a la gira ha sido una experiencia loca. Después de un año y medio de descanso, todos nos habíamos oxidado un poco”, comenta Tom Lyon, ingeniero de sistemas senior de UltraSound e ingeniero de sala de Dave Matthews Band. “Afortunadamente, programamos unos días con la banda y el equipo de monitoreo para ensayar en privado y recuperar la memoria muscular. Una vez que comenzamos nuestro primer espectáculo en Raleigh, Carolina del Norte, estuvimos en buena forma y listos para brillar”.

Tom Lyon

La configuración del sistema para el tour incluye colgados principales y laterales de 16 altavoces de arreglo en línea LYON cada uno, complementados por dos colgados de nueve elementos de control de baja frecuencia 1100-LFC de cada uno y un colgado central de cuatro altavoces compactos LEOPARD.

Además, el front fill consiste en cuatro altavoces LEOPARD adicionales, con cuatro gabinetes CQ-2 desplegados para rellenos diversos, según sea necesario. Por su parte, la optimización y el impulso del sistema son proporcionados por los procesadores Galileo en FOH y Galileo Callisto en el escenario. Además, el sistema de monitoreo incluye ocho cajas MJF-212A.

Después de más de un año y medio sin conciertos, los equipos de producción de UltraSound y Dave Matthews Banda estaban ansiosos por devolver la música a los fanáticos.

sound:check

46

La industria de la música y el espectáculo


“La principal diferencia de este año es la adición de un grupo central de LEOPARD; cuatro gabinetes para satisfacer las tareas de cobertura en el borde del escenario”.

Aprovechar el tiempo para actualizar Tom Lyon y el equipo de producción actualizaron el diseño del sistema sonoro para esta gira de Dave Matthews Band con altavoces LEOPARD adicionales para maximizar la cobertura en los espectáculos: “La principal diferencia de este año es la adición de un grupo central de LEOPARD; cuatro gabinetes para satisfacer las tareas de cobertura en el borde del escenario. Esto es especialmente útil cuando las etapas son bajas, lo que hace que el front fill solo sea efectivo para las primeras personas. No podemos desplegar el center fill en todas partes, pero cuando podemos, lo hacemos”, comenta el ingeniero de sistemas. Para el regreso de Dave Matthews Band (16) Altavoces Meyer Sound LYON (por lado, principal) (09) Elementos de control de baja frecuencia 1100-LFC (por lado) (04) Altavoces LEOPARD (center fill) (04) Altavoces LEOPARD, (04) CQ-2 (front fill) Procesadores Galileo (FOH) y Galileo Callisto (escenario) (08) Altavoces MJF-212A

sound:check

48

La industria de la música y el espectáculo

Paul White, técnico de PA; Jeremy Miller, Ingeniero de sistemas; Greg Botimer, Coordinador de RF y técnico de monitores; Ian Kuhn, Ingeniero de monitores; Tom Lyon, Ingeniero de FOH, y Josh Horn, Técnico de escenario asistente y técnico de Sirius/XM Además de Tom Lyon, los miembros del crew para la gira incluyen al técnico de PA Paul White, el ingeniero de sistemas Jeremy Miller, el coordinador de radiofrecuencia y técnico de monitores Greg Botimer, el ingeniero de monitores Ian Kuhn, el asistente de técnico de escenario y el técnico de Sirius / XM Josh Horn y el ingeniero de broadcast Rob Evans.


En concierto

“Volver a la gira ha sido una experiencia loca. Después de un año y medio de descanso, todos nos habíamos oxidado un poco”.

La gira de verano de Dave Matthews Band comenzó el 23 de julio en Raleigh y continuará hasta el otoño, cerrando con dos espectáculos consecutivos en el Mohegan Sun Arena en Uncasville, Connecticut, del 9 al 10 de noviembre, y el Madison Square Garden en Nueva Ciudad de York, del 11 al 12 de noviembre. Sin duda, los regresos a los escenarios se están consolidando y seguiremos dando estas notas de mucha esperanza para la Industria de la Música y el Espectáculo.

La industria de la música y el espectáculo

49

sound:check


A primera vista

Luz estroboscópica híbrida CHAUVET Professional Color STRIKE M

P

ara todo tipo de condiciones climáticas. El más reciente lanzamiento de CHAUVET Professional puede usarse bajo la lluvia, el calor y el viento, pero eso es solo el comienzo de la versatilidad de este equipo. Se trata de una potente luz estroboscópica blanca fría y un wash de color RGB con giro e inclinación motorizados y modulación de ancho de pulso variable (PWM por sus siglas en inglés) y además de usarse en giras, también ofrece una gran variedad de características que ampliarán las opciones creativas de cualquier diseñador lumínico, tanto en interiores como en exteriores. De entrada Color STRIKE M es una luz estrobo /cegadora con clasificación IP65 con dos elementos de tubo de luz blanca ultrabrillante rodeados por una cara electrizante, de mezcla de colores y mapeable por pixeles. Puede funcionar como un equipo wash con un rango de inclinación de 180 grados para arrojar colores brillantes y saturados donde se requiere. La carcasa IP65

sound:check

50

La industria de la música y el espectáculo

protege el equipo de cualquier factor ambiental o del clima y tiene dos accesorios de soporte omega para montar el equipo de forma horizontal o vertical sin problemas.


A primera vista

En adición, varios modos de programación brindan a la Color STRIKE M una cantidad variable de control, desde configuraciones simples con una multitud de efectos incorporados, hasta opciones de control más amplias para aprovechar las zonas mapeables de pixeles: 14 en la cara RGB y 28 en los dos elementos del tubo. Los pines de alineación incorporados aseguran arreglos perfectamente rectos para crear arreglos masivos, con control DMX, Art-net y sACN. Todos los LEDs cuentan con atenuación de 16 bits para desvanecimientos suaves y PWM para uso en la cámara. ¿Detalles? Un poco más La versatilidad está incorporada en el diseño mismo de este equipo rectangular único en su tipo. Sus dos tubos estroboscópicos blancos fríos ubicados en su centro pueden controlarse juntos o de forma independiente para lograr efectos impresionantes y gracias a su intenso brillo en las luces estroboscópicas, cada una de las cuales tiene 14 secciones, harán sentir su presencia en cualquier aplicación.

director ejecutivo de Chauvet. “En primer lugar, queríamos que tuviera una clasificación IP65, por lo que sería lo suficientemente versátil para usar en diferentes condiciones. También queríamos ofrecer un equipo que pudiera servir como efecto de brillo visual y wash, así como una luz estroboscópica, y queríamos facilitar a los diseñadores la creación de muchos estilos diferentes, incluso cuando están en un festival sin mucho tiempo para programar”. De acuerdo con este enfoque en la versatilidad, la Color STRIKE M tiene dos soportes omega para colgar, uno en la base y el otro en el costado, lo que permite que se instale como un equipo de inclinación o panorámica.

Por encima y por debajo de los tubos duales hay siete secciones de LEDs RGB, cada una de las cuales se puede controlar individualmente. Por otro lado, el diseño de wash permite que los LEDs desaparezcan en el fondo cuando no están en uso. Aunque la Color STRIKE M tiene conectores XLR para DMX / RDM y conexiones TCP / IP para Artnet, sACN y acceso a través del servidor web, las macros del dispositivo permiten a los diseñadores seleccionar diferentes velocidades y direcciones para los tubos estroboscópicos y los LEDs de wash para crear una variedad infinita de estilos sobre la marcha. “Diseñamos la Color STRIKE M teniendo en cuenta las aplicaciones del mundo real”, comenta Albert Chauvet,

En un momento en que los espectáculos al aire libre son cada vez más numerosos, variados en tamaño y alcance, y necesarios para reactivar a la Industria de la Música y el Espectáculo, esta luz estroboscópica híbrida versátil será un equipo bienvenido en cualquier diseño, así llueva o haga sol.

La industria de la música y el espectáculo

51

sound:check


Notas del medio

Behringer, Distribuidora Gonher y Xquenda, por la enseñanza musical en Oaxaca Un total de treinta sintetizadores fueron donados a Xquenda, A. C. por la marca Behringer a través de sus representantes en México, Distribuidora Gonher, para ser repartidos en escuelas de enseñanza musical de las regiones mixe, mixteca y afromexicanas del estado de Oaxaca. Xquenda es una asociación civil creada en 1998 con el objeto de fomentar y promover la cultura y propiciar el mejoramiento de la educación de la humanidad, lo que hizo que Uli Behringer, fundador de la firma, decidiera colaborar con estos instrumentos. Al respecto, María Blanca Charolet López, representante legal de la institución, comenta. “Ha habido una enorme tradición y es muy bonito ver cómo otras comunidades están replicando esta experiencia positiva de aportar a la enseñanza musical porque, al final de cuentas, y si para algo sirve la cultura, es para alimentar el alma y nuestra vida cotidiana, para hilar el tejido social y volver a conectarnos los unos con los otros de maneras creativas, que nos dignifican como seres humanos, y la música es una forma de ellas, no hay manera de dudarlo”. Las escuelas beneficiadas fueron el Centro de Capacitación Musical y Desarrollo de la Cultura Mixe (CECAM) en la Sierra Mixe, con más de cuarenta años y muchas generaciones de músicos que se incorporan a las orquestas filarmónicas, sinfónicas y bandas; esta institución recibió 16 sintetizadores. Por su parte, la Escuela de Música del Centro de integración Social No. 8 San Bartolomé Zoogocho, Villa Alta Oaxaca, Sierra Norte Zapoteca recibió ocho sintetizadores, mientras que la Banda Sinfónica de Tlaxiaco, Mixteca Alta Oaxaqueña, recibió cuatro sintetizadores y la Agencia Municipal de Corralero Santiago, Pinotepa Nacional, Región Afro Oaxaqueña, recibió dos sintetizadores. Los equipos entregados fueron de la marca Behringer, modelo MS-1-BK.

sound:check

52

La industria de la música y el espectáculo

“CECAM y Zoogocho son dos de las escuelas de música más antiguas de Oaxaca y ahora vemos este reflejo en la región mixteca, donde se va a abrir ya una universidad de música para que los chicos puedan estudiar música dentro del estado y no tener que migrar. Hay que ubicar que Oaxaca es una zona muy compleja por su orografía; nos atraviesa la Sierra Madre Oriental y la Occidental y de manera lineal somos el quinto estado más grande de la República Mexicana, pero subiendo y bajando montañas, la distancia es larga y compleja, lo que ha ayudado a que otros espacios y municipios miren el beneficio de tener una escuela de música y lo retomen para su propia comunidad”, afirma Blanca Charolet.


Notas del medio

El valor de esta donación y tipo de instrumentos permitirá realizar la tarea de composición en las escuelas comunitarias, donde se habilitan espacios para que niños, jóvenes y adultos aprendan notación y a leer una partitura. Hacer ese aprendizaje sencillo y ameno, tiene en el acompañamiento del teclado un aliado crucial; con el extra de que estos modelos se enlazan a la computadora y permiten hacer composiciones con un grado mayor de avance. “Por eso es muy importante cuando uno de estos chicos dice de primera mano lo que pasa, el impacto en los jóvenes que ya están estudiando a un nivel donde pueden permitirse iniciarse en composición, sonar la partitura y que no sólo sea cuestión de imaginar cómo combinar los instrumentos, sino que lo van a poder escuchar de manera muy cercana a lo que será cuando lo toque una banda o un grupo. “Agradecemos a Behringer y a Gonher que confíen en nosotros para hacerlos llegar y ser un enlace directo; eso tendríamos que ser todos los que nos dedicamos a la promoción cultural: enlaces creativos y humanos para que las empresas realicen este tipo de acciones”, finaliza la representante legal de Xquenda. Oaxaca es un estado de la República Mexicana famoso por ser tierra de grandes figuras de la música y con esta donación se ayuda a que jóvenes compositores escuchen sus obras justo como ellos soñaron. Enhorabuena a todos quienes hicieron esto posible y desde este espacio hacemos la atenta invitación para que esto siga sucediendo. ¡Juntos podemos!

La industria de la música y el espectáculo

53

sound:check


Notas del medio

Los Rumberos: continuidad creativa con “El Guión” Se trata del tercer sencillo que el dúo lanza en este periodo de adaptación por la crisis sanitaria. Titulada “El Guión”, la canción de Los Rumberos es un tema con toques de bachata y danzón, producida por Ernesto Ayala, cuyo video da secuencia a la historia de amor protagonizada por Lupita y Damián, personajes de la canción “Dime que sí”, con el detalle de aparecer ahora a manera de ilustración por los trazos de Lito De La Isla. Es Paul Sefchovich (voz, percusión) quien expone el trabajo de producción del track. Siguiendo la estrategia de permanecer compartiendo contenido para su público, al arrancar el año ya se tenía la música, pero no el video del track: “Nos ganó el tiempo y como Lito tiene este talento de la ilustración, creó estos personajes y así se abrió la posibilidad de hacer el video animado, viendo el éxito que tuvo la pareja de Lupita y Damián en el otro sencillo. Musicalmente tiene un estilo más cálido, rumbero nocturno que es, digamos, esa otra faceta que tenemos y bueno, la trama nos permitía cerrar la historia de estos personajes con “El Guión”. Creado ya de forma presencial desde la composición a la grabación, atendiendo las medidas de prevención por la crisis sanitaria, la canción que había nacido hace dos años vio la luz luego de una residencia en El Ganzo, hotel-estudio, en San José del Cabo: “Hicimos un show allá y por la propuesta de

residencia que arman pudimos grabar todo lo instrumental y demás para dejar en Ernesto Ayala, gran amigo y productor con quien hemos hecho otras cosas, la tarea de darle este sonido más fresco, minimalista, con una producción más acústica en el origen, y así atraer otros oídos”, apunta Paul. Entre los músicos que grabaron en El Ganzo estuvo Enrique López (bongoes, güira) y fue la labor de postproducción la que dio el toque sonoro deseado, como relata el músico: Paul Sefchovich sound:check

54

La industria de la música y el espectáculo


Notas del medio

“Lo electrónico en los instrumentos y samplers, además del bajo apoyando el sonido, se agregó sin matar, digamos, la acústica, sino buscando eso que le dio otro feeling y nuevo respiro a la canción, especialmente en los ambientes, con algo retro que además tiene ese paso breve por el danzón y el baile de salón. Tiene un kick electrónico metido por gusto, pensando en atender el estilo de la bachata”. “El Guión” es parte de lo que será un disco, cuya producción de tracks está en fase final este trimestre del año; todo irá acompañado de su contraparte visual, manteniendo el interés de los fans y el estímulo de estar creativos como grupo. “Para nosotros, el disco físico es un tema de fan service, de tener mercancía que les remita al momento en que descubrieron esta música. En estos meses complicados, en los que no se pudo planear, nosotros seguimos haciendo música y conectando con nuestro público en las redes sociales. Ahora ya empezamos a tener conciertos presenciales y la idea es justo tener el disco completo y hacer una gira para sacarle todo el jugo posible”, concluye Paul Sefchovich.

La industria de la música y el espectáculo

55

sound:check


Notas del medio

ONErpm: llevar la música al alcance de nuevas audiencias Con un modelo de negocio basado en tecnología, alianzas estratégicas y marketing, la agregadora digital con sedes en todo el planeta, celebra su décimo primer aniversario confirmando su sitio como una solución global y de innovación para poner la música de sus diversos talentos con las audiencias que los vinculen emocional y económicamente. Hamurabi Castro, Country Manager de la empresa con presencia de seis años en nuestro país, detalla aquí los retos de esta labor en medio de una crisis sanitaria que, paradójicamente, ha catapultado la creación de música como hacía tiempo no ocurría, hecho que presenta el reto y la oportunidad para la industria de la música. Lo digital más vigente que nunca El confinamiento por el COVID19 pausó dramáticamente el desarrollo de los artistas que han debido reinventar la manera para estar en contacto con su público y obtener retribución de ello con las herramientas tecnológicas: “La pandemia hizo que muchos artistas que no veían en lo digital algo significativo voltearan y vieran lo importantísimo que era como una nueva fuente de ingresos; no lo veían así, sino más del lado promocional, un ‘ah sí, qué bueno que estoy’, y cuando vieron que era lo que empezaba a ‘gotear’ ingresos todos voltearon. Nosotros como agregadora digital que ha venido cambiando más hacia una label, vimos una muy buena oportunidad y hoy el negocio ha crecido”, reflexiona Hamurabi quien tiene en la industria de la música más de 14. “Lo que cuidamos es el acercamiento con las personas. El negocio de la música no puede ser un negocio frío pues va a seguir siendo un negocio de canciones y de personas donde el contacto, el hablar, el solucionar problemas, es clave. Esta revolución digital me tocó cuando estaba en Universal como

sound:check

56

La industria de la música y el espectáculo

label maganer y para sacar un disco físico te tardabas dos o tres meses con el proceso de producción, imagínate la locura que era eso. Vino iTunes en el 2009 y empezó esa inmediatez y facilidad de las cosas de una manera que era increíble; fue el primer cambio y


Notas del medio

sacudida. En 2011, con Spotify, el streaming cambió inclusive la manera de pensar. Los cambios van muy rápido y creo que el reto que tenemos nosotros como industria es enorme porque hay que atender varios frentes que antes no veíamos, sin perder la parte de acompañar el proceso creativo y de creación con el artista. Yo invito mucho a nuestro equipo a salir y escuchar, que la gente nos vea, nos conozca y nos sienta; eso para mí es bien importante”. Otra labor que se realiza en ONErpm es inculcar a los artistas un rol más participativo sobre procesos en los que antes no solía tener injerencia, y de apertura para abrazar cambios como la partida del concepto de disco como tal. “Eso es bien interesante porque hoy se arma toda una estrategia para cada sencillo, con su portada y su plan de marketing; nuestra labor es decirle al artista que está pasando y hacia dónde llevar lo que sigue. Antes, la función del artista era llegar al estudio, cantar las canciones, salir y luego grabar disco, salir de gira y ya. Eso ha cambiado y lo que hacemos es decirles los nuevos modelos de negocio y el artista tiene que conocer de qué van porque el internet abrió todo. Hoy nadie te hace tonto y si pasa es porque vives en una cueva. Invitamos a los artistas a que sean socios de sus carreras, independientemente de que tengan un manager y hablamos de porcentajes, ganancias y vamos resolviendo dudas porque eso es lo que fomenta las relaciones hoy en día”.

Hamurabi Castro

“Se hacen trajes a la medida. Entendemos que no podemos firmar con las mismas condiciones a un artista en desarrollo que se está viendo la vida para grabar una canción, un video, a un artista enorme, consolidado que tiene una infraestructura. La negociación es desde otro punto para llegar a un trato donde

sea un ganar-ganar juntos. Somos muy libres de decir esto no me gusta o no voy por eso o de ir por todo por alguien que nos voló la cabeza. Tenemos esa libertad y autonomía y creo que OneRPM es como un oasis en este mundo de agregadoras y labels, en esta competencia tan grande que se disparó sobre todo en la pandemia”, apunta el especialista.

La industria de la música y el espectáculo

57

sound:check


Notas del medio

Pyo Portilla, un productor kamikaze Orgullo veracruzano de la producción musical, Pyo Portilla cuenta con una década aportando su talento como productor y compositor. Egresado del Conservatorio de Córdoba y de Berklee, junto a Oliver García y Héctor Mena fundó en 2017 3KMKZ, estudio de grabación y espacio creativo que ha logrado plasmar su sello para el rock pop, el regional, la balada, lo urbano y más, en un catálogo de hechura profesional y ecléctica con sede en la Ciudad de México. “Luego de producir bandas en Xalapa y hacer mis estudios en Berklee College of Music en Boston, volví a la Ciudad de México y trabajé en un estudio. Conocí a Oliver, luego a Héctor y decidimos hacer 3KMKEZ; hicimos nuestro estudio en 2017 en una casa abandonada en Coyoacán. Hoy trabajamos con muchos artistas y desarrollamos talento desde cero, cada uno se ha especializado en algo y a mí lo que más me gusta es el momento de creación de la canción, desde la melodía y los acordes como compositor, así inicié y me fui posicionando como productor componiendo con otros artistas”, recuerda Pyo. Fueron Playa Limbo y Dulce María de los artistas que le dieron su primera oportunidad. Al crear el estudio y fundar 3KMKEZ, lo primero que hicieron fue un catálogo de 200 canciones (composición, grabación, mezcla...) para colocarse en el mapa. Así llegaron artistas que pegaban un hit y servían para que otros los buscaran, como Danny Ocean, Matisse, Kalimba o la gente de Warner Music que a través de Chappel Music Inc comenzó a pedirles cosas y hoy mantienen una colaboración con ellos en proyectos en Argentina, Canadá, España, Italia y Dubai, a través de Live Nation de Emiratos Árabes. “Un proyecto que nos funcionó bastante fue Jafú, les desarrollamos todo su sonido, sus canciones y ahora están con una major. Otro que abrió muchas puertas fue Greeicy, artista colombiana que nos dio una canción de más de 100 millones de reproducciones; Playa Limbo fue un parteaguas en mi carrera; Juan Solo también. Gente como Sabino nos ha dado el reto de refrescar su sonido, hacerlo cool, alternativo y popero. Alex Ubago me enseñó a valorar el rol como productor, a tenerme confianza en lo que hago y sugiero. Con Mark Horton hicimos Reconexión y nos ha dejado un levantón de ánimo importante, al igual que el proyecto de Andrés Almeida”.

sound:check

58

La industria de la música y el espectáculo

“Durante el confinamiento participamos en una convocatoria de Banamex que ganamos, hicimos una canción que interpretaron Siddharta, Hello Seahorse!, Technicolor Fabrics, entre otros, que nos hizo crecer económicamente porque fue para una canción de una campaña nacional importante en medio de la pandemia. Con esos fondos crecimos equipo, contratamos gente y ahora estamos seis productores y una empresa de 12 integrantes, seguimos apostando al talento joven, no sólo como artistas sino también en su modelo de trabajo donde se busca reconocer y remunerar el trabajo de los que inician como ingenieros y productores. Hemos aprendido a dar algo diferente y eso nos ha llevado a crecer rápido”, reflexiona el también cantante”, expone con orgullo el también cantante.


Notas del medio

El estudio como pilar del proyecto es un espacio concebido a partir de contenedores marítimos que fueron acondicionados acústicamente por la compañía JHS. Se trata de un espacio donde la originalidad de la construcción estimula la estancia creativa. De tener tener una interfaz Zen Studio de Antelope Audio, una computadora y microfonía estándar con un Blue Microphones sobresaliendo, hoy el rider presenta preamps análogos Shadow Hills y Rupert Neve, compresores Universal Audio, Pultec y Neve. La microfonía va de kits Beyerdynamic a Neumann y un Manley Reference con el que Pyo gusta de grabar lo que produce; sobre el equipamiento comenta: “Estamos juntando para hacer un upgrade a los monitores Focal que tenemos, la instalación eléctrica y adquirir unos sintetizadores Prophet y Moog. No somos un estudio high end o de concepto de renta, lo que hacemos nosotros es brindar un servicio completo de desarrollo de talento”. Finalmente, para Pyo la clave de la curva en ascenso que mantiene 3KMKZ radica también en aplicar la colaboración como un todo. “Es padre ser solista y tener tu proyecto pero es más padre fusionar voces, pensares... Tener lo que hará diferente una canción de las otras. Es lo que te va a hacer destacar. La industria está cambiando radicalmente y hay que evolucionar con la música. La gente olvida que lo más importante que se hizo en el reggaeton fue hacer equipo, diez personas en colaboración, diez oportunidades de salir en una playlist. Eso es evolucionar, ir a contracorriente y dar la vida por la música, tener esa postura kamikaze de aventarse, de probar algo distinto”.

La industria de la música y el espectáculo

59

sound:check


Notas del medio

Dixo: 15 años de maestría en la producción de podcast No fue una moda. El emprendimiento que arrancó Dany Saadia en 2006 al fundar Dixo indicaba un momento en que el podcast iba a ser parte del día a día de muchas personas. Si bien tardó, en México hoy se confirma lo dicho ratificando el plus que brinda por ser un contenido on demand, contar con el impulso de la tecnología RRSS y llegar directo al dispositivo donde se quiera escuchar, antes incluso del arribo de los smartphones como se conocen hoy. “[El podcast] nunca se fue, siempre estuvo ahí creciendo, tuvo una tendencia a la alza año con año y en 2014 la gente de la industria nos dimos cuenta que era mucho más poderoso de lo que estábamos imaginando, por efecto de Serial, el podcast de true crime que revolucionó todo el story telling en Estados Unidos. Ese año decidimos retomar con más fuerza inyectando dinero, recursos y tiempo para dedicarnos al 100 con Dixo. En 2019 vino el pico más alto por la pandemia y la explosión de contenidos audiovisuales que se necesitaba por estar en casa y sentirnos acompañados”, relata Dany. Early adopter de cepa, el también cineasta y guionista tiene claro que el podcast es un formato que ayudará a modificar el nuevo status quo en el consumo de contenidos y la dinámica de los medios, la forma en que las compañías y toda la centralización de la información se adaptará recurriendo a innovaciones como el blockchain o las criptomonedas. Precursor, Dixo ha mantenido alianzas estratégicas con los líderes de contenidos en línea de distintos momentos, como Prodigy MSN y ahora Amazon, con quien estrenará 100 Millones, serie original que contará con la participación de Óscar Jaeneda. “En el 2016 entendíamos que el podcast tenía que ser una red que tratara todos los temas. Mi background en el cine me confirmó, por lo complejo que es financiar también una

sound:check

60

La industria de la música y el espectáculo

Dany Saadia


Notas del medio

producción, que podíamos ser esa empresa que contara historias en audio, heredera de la tradición radiofónica que hay en nuestro país. Nadie estaba contando historias en español, ya había podcast de entrevista, true crime, documental pero no de ficción, así que retomé un guión cuya premisa era resolver el problema de la sobrepoblación mundial considerando qué pasaría si, de esos 7.6 billones que somos sólo nos quedamos 100 millones. A Óscar lo conocí cuando filmé una película en 2006; este guión siempre lo pensé para él y se lo hice llegar. Aceptó, luego se acercó Amazon y nos pusimos a grabar en febrero de 2020. Nos cayó la pandemia y tuvimos que parar un poquito, incluso actualizar el guión con lo que estaba ocurriendo; lo tuve que dirigir a la distancia por Zoom, acabamos y toda la post producción se hizo sobre la marcha. Se estrenó en marzo de 2021 en España, ya se puede escuchar en México y Estados Unidos”. Además del estreno de 100 Millones, la celebración de quince años incluye consolidar los servicios que ofrece la plataforma: Dixo Originals (historias hechas y distribuidas por ellos, con los derechos de la propiedad intelectual); Dixo Creative con asesoría a agencias de publicidad y medios que quieran estar en podcast; Dixo Casters, los podcasters de catálogo que ya están en la plataforma; Dixo Retro con los más de 10 mil podcast publicados desde su fundación y Dixo

Academy y Dixo Incubación donde se hace acompañamiento a indiepodcasterspodcast para darles todas las herramientas que harán posible contenidos, con el plus de estar respaldados por el expertise y recursos de Dixo. “No hay distribución más democrática que el podcast, tu decides dónde y no te cuesta nada. Hoy se trata de encontrar la manera de monetizar a estos generadores de contenido, recompensar la creatividad y la constancia. Un estudio reciente mostró que sobreviven el 3% de los que salieron el último año porque es un reto la constancia y seguimiento, la monetización, aprender a grabar, editar, quitar efectos, invertir en postproducción... Ese es el dilema en realidad del podcast. La profesionalización viene de la mano de la constancia y que le hables a un público que conoces y sepas qué le vas a contar”. “Además de esto, lo que nos gustaría desarrollar -y ya estamos en ello- es Dixo 3, entrar en esta discusión de la web 3.0, donde estamos buscando una descentralización de la distribución del contenido de podcast. Queremos innovar para armar estos nodos que permiten los pagos en criptomonedas y que al hacer éste o donativos, llegue directo a los creadores sin que se tenga que destinar de cajón un porcentaje a las plataformas. El podcast en cuanto a géneros y formatos que pueda crear está cubierto; ahora hay que usar la tecnología nueva para que el creador de contenido reciba su paga”, compartió para finalizar Saadia.

La industria de la música y el espectáculo

61

sound:check


Más regresos al escenario con Allen & Heath Ahora en Rusia. Con algunos lugares para los conciertos en vivo en abriendo sus puertas nuevamente, la banda rusa de rock acústico Affinage retomó su gira por su tierra natal para apoyar el lanzamiento de su más reciente álbum de estudio. Fundada en 2012 por el compositor y cantante Mikhail Em Kalinin y el bajista Sergei Sergeich Shiliaev en la ciudad de San Petersburgo, la banda toca canciones en su propio estilo de noir-chanson y toma su nombre del proceso de purificación

sound:check

62

La industria de la música y el espectáculo

de un metal impuro. A la fecha cuentan con cinco álbumes de estudio, siete EPs, trece sencillos y una compilación. Ese repertorio se ha confiado al desempeño sonoro de la consola Allen & Heath dLive CDM32 MixRack que, en acción con una computadora portátil desde la cual se activa el software dLive Director, ha sido suficiente para sonorizar foros de diversa índole, siendo el Izvestiнa Hall en Moscú una de las fechas clave de este suceso, por lo que sumar


a la empresa de alquiler Jamtech para que proporcionara dicho modelo, más el equipo de iluminación, marcó el buen camino de este regreso a las giras de la banda. “El grupo tenía una agenda de fechas muy ocupada que los llevaba a visitar todo el país y, por lo general, se han sentido cómodos con el sistema dLive CDM32 para mantener la consistencia de una fecha y lugar a otro”, explic Andrey Balakhmatov de Jamtech. “Sin embargo, para espectáculos en sedes más grandes, la banda prefiere usar un sistema dLive más robusto, lo cual es sencillo para nosotros, ya que el show completo se transfiere fácilmente entre los sistemas”. De este modo, una dLive S7000 Surface se enlazó con un DM64 MixRack para manejar las tareas de sala y monitores

desde un mismo sistema, con el ingeniero Alexey Krivolapov aprovechando al máximo los 128 canales de procesamiento y 64 buses de mezcla proporcionados por la MixRack. Jamtech eligió la S7000 Surface de 36 faders y pantalla táctil dual por la facilidad de uso que provee en aplicaciones combinadas de sala y monitores, con el DM64 y sus 64 entradas y 32 salidas en el escenario, prácticamente se elimina la necesidad de expansores remotos y cableado adicional. “Siempre nos complace implementar consolas dLive en los eventos”, agrega Andrey. “El sistema tiene herramientas suficientes para resolver cualquier problema; es rápido de navegar y fácil de configurar para el operador. A nuestros ingenieros les encanta su sonido al mezclar”.

La industria de la música y el espectáculo

63

sound:check


Digico en los Brits Awards 2021 Los Brit Awards de este año fueron un evento histórico para la música en vivo. Como parte de un programa de investigación dirigido por el gobierno británico que evalúo cómo los eventos de participación masiva podrían reanudarse de manera segura ante la crisis sanitaria actual, se permitió una audiencia socialmente distanciada de cuatro mil personas en el O2 Arena de Londres. Se trató del primer evento de música en vivo bajo techo en el Reino Unido desde el comienzo de la crisis y ahí las consolas Digico fueron la alternativa para sonorizar de la reconocida compañía de producción, Britannia Row Productions. Josh Lloyd, de la compañía, hizo el diseño de audio con las mezclas de cada artista, dejando la atención del presentador a Chris Coxhead y como supervisor de sonido en vivo a Colin Pink. “Después de 15 meses de muy pocos eventos en vivo, los premios Brit regresaron al O2 Arena como uno de los eventos de prueba del gobierno. Logísticamente, fue un espectáculo complicado por los protocolos de salud. Sin duda, la clave fue

sound:check

64

La industria de la música y el espectáculo

la flexibilidad y velocidad del flujo de trabajo de las consolas Digico. Teníamos una Quantum7 atendiendo la parte musical en sala y un par de SD12 para las necesidades del presentador. En los monitores también solicitamos dos Quantum7 para las mezclas de artistas como Olivia Rodrigo, Dua Lipa, Griff, Headie One, Arlo Parks, The Weeknd y Elton John con Years & Years”. 2021 fue el primer año en el que las consolas Quantum se usaron exclusivamente para las bandas y, señala Josh Lloyd, eso se tradujo en ventajas significativas como ampliar la potencia de procesamiento, que junto con sus motores duales nos permitió crear múltiples capas de redundancia, lo cual es vital para un programa como estos premios. El procesamiento adicional también es muy útil, porque el programa es bastante intenso en lo que respecta al recuento de canales y buses”. La configuración de sala incluyó tres SD Racks, una Orange Box y una caja de E / S Optocore, para la integración con Waves, MADI y AES a través del loop de fibra óptica. “Digico


es la consola más flexible en términos de arquitectura y esta configuración nos dio la capacidad de distribuir audio por todo el edificio, lo que también fue muy útil”, agrega el técnico. En monitores, Nico Antonietti y Dan Ungaretti operaron las SD12. Ambos ingenieros habían trabajado en ediciones anteriores del evento y pudieron ahorrar tiempo utilizando escenas del espectáculo existente como base para su configuración. Con esos ajustes preestablecidos, a cada artista se le asignó una toma para evitar cargar diferentes archivos durante los cambios, protocolo que también ayudó a minimizar cualquier contaminación.

Tales ventajas las celebra Alex Cerutti, ingeniero de Dua Lipa: “Teníamos una consola Digico en los ensayos, lo que obviamente nos hizo tener una sesión muy amena en los premios. Quantum es mi consola de elección, con la cantidad de faders y pantallas de gran utilidad para programas grandes como éste, donde el tiempo siempre es escaso”.

“Debido a que los archivos de sesión son intercambiables entre todas las consolas Digico, se puede realizar ensayos fuera de la arena en cualquier consola de la marca y traer un archivo con ajustes preestablecidos o mediante el convertidor de archivos, lo que también es una ventaja con el movimiento de personas y equipos tan severamente restringido en el momento”, recalca Josh Lloyd.

La industria de la música y el espectáculo

65

sound:check


Por Juan Carlos Flores

Un encuentro con

Rosa María Brito: de danza y luz

R

osa María Brito Serrano ha establecido la diversificación en su paso por las artes escénicas. Con una visión multifocal de las industrias culturales y del gremio técnico, y una capacitación sin cuartel, se ha desarrollado de manera sobresaliente en la danza, la coordinación técnica y el diseño de iluminación, área que principalmente abordamos en este perfil. Arte desde el inicio Rosa María nace en Mazatlán, Sinaloa, en un entorno ligado a la música y el espectáculo: “Por familia, estamos conectados con los Lizárraga, de La Banda del Recodo, así que la música, el arte y el performance siempre estuvieron presentes en mi vida. En mi niñez, en los cines ponían estas bocinas con música para llamar al público, y yo me ponía a bailar, vestida de española. En la escuela me gustaba declamar y organizar grupos”. La danza fue el primer contacto de la pequeña con las artes escénicas: “Mi primer encuentro fue con el Grupo Folklórico de la Secretaría de Educación Pública. Además de los pasos y las ejecuciones, a mí me gustaba la historia que estaba

sound:check

66

La industria de la música y el espectáculo

atrás. Creo que si vas a incursionar en alguna de las artes, debes tener un respaldo de conocimiento previo, para que conozcas tu lugar, lo que puedes aportar y tener la capacidad de reconocer lo nuevo”.

El viaje de Ulises


Un encuentro con

“Bailando encontré en el folclor otra perspectiva, pero ahora con una intención de espectáculo. Vi cómo se cambia la visión de la puesta en escena, pero para un público más diverso”. Después de un proceso de acumulación de experiencias en el ámbito dancístico, incluyendo su paso por el Ballet de Amalia Hernández, Rosa María, ya en su juventud amplió su visión: “Bailando encontré en el folclor otra perspectiva, pero ahora con una intención de espectáculo. Vi cómo se cambia la visión de la puesta en escena, pero para un público más diverso que el de la escuela, la familia o la plaza del pueblo. Ahora hablamos de teatros, con turistas que ven y aprecian en estas estampas lo que es la historia de México”. Rosa María narra su comunión con la luz: “Sucedió en mi paso por el Ballet Folklórico de México; siempre he sido muy consciente de la luz, no sólo escénica. Me gusta ver el cielo, los atardeceres, el sol a través de las nubes, los tonos. El primer diseñador de iluminación del ballet, el ingeniero Gumaro Gutiérrez (Q.E.P.D.), fue mi primer profesor en iluminación. Le pedí que me diera clases y sorprendentemente me dijo que no sería en el Palacio de Bellas Artes, que era el lugar donde residíamos artísticamente. Él me citó en el Bosque de Chapultepec. Nos sentamos en una banca y me dijo: ‘Observa el sol a través de las hojas de los arboles, pero no veas hacia arriba. Mira el piso y ve lo que hace la luz del sol a través de las hojas. Ahí descubrí los gobos y a la luz como textura, no solamente como rayo lumínico. Esto último se usa mucho en los conciertos de rock, pero cuando vamos al teatro y hacemos puestas en otro nivel sensorial, ¿cómo quebramos ese rayo potente? ¿cómo dominas el tono y la intensidad? Esa fue mi primera clase”.

Un reto definitivo se presentó: “Estuve en la carrera de escenografía en el INBA un año y medio y surgió el momento en el que partí a Nueva York, con la decisión de estudiar una carrera en la parte técnica de los escenarios. Fue después de un proceso en el que ingresé a una compañía multicultural de danza, cuando obtuve una beca para una carrera con énfasis en danza y teatro”. “Ahí empecé a diseñar la iluminación de mis coreografías y las de mis compañeros, gracias a que como bailaba, pude conectar la luz con la música. Mi primera experiencia profesional como técnica en iluminación fue en el Aaron Davis Hall, en el que trabajaba medio tiempo mientras estudiaba la carrera. Con mucho orgullo menciono que lo primero que hice en ese teatro fue trapear el piso”. “En un momento me pidieron hacer un inventario del equipo. Lo desarmaba y lo volvía a armar para limpiarlo, así que acabé conociéndolo perfectamente. Así empecé a darme a conocer como diseñadora: empecé a iluminar para otras compañías del gremio universitario, además de hacer coordinación técnica para teatro y conciertos”. La formación continuó codo a codo con las nuevas experiencias laborales para Rosa María: “Al terminar una maestría en Antropología Cultural, empecé a trabajar en el circuito Off Off Broadway en Nueva York. Ahí no confiaban tanto en lo que podía yo hacer como iluminadora, y como era flaquita y

La industria de la música y el espectáculo

67

sound:check


Un encuentro con

chiquita, pero con piernas fuertes me mandaban de rigger, aunque la palabra no se usaba entonces. Me colgaba con mi arnés y así me empecé a meter a la caja escénica del teatro y a la parte técnica”. Rosa María continúa narrando su recorrido por la escena neoyorquina: “En 1994 tenía poco de haber llegado al Popejoy Hall, de Albuquerque, adonde me había mudado ya con la intención de regresar pronto a México. Un día llegó Paco de Lucía. Esto fue especial y sencillo, por mi admiración por él y su accesibilidad e hicimos dos funciones completamente vendidas. Aquí y como técnica de iluminación, pude trabajar también en conciertos de Janet Jackson y Scorpions. La disciplina en la danza me dio la fuerza física en brazos y piernas, así que en este último me tocó hacer montaje de luces junto a un ejército de compañeros, en donde yo era la única mujer. Fui seguidorista arriba de la estructura por mi poco peso. Manejé un seguidor Super Trouper, el cual manipulé amarrando un extremo a mi pierna, con el objeto de que no se picara con el peso, y así girarlo. Así permanecíamos en vertical, no importando el movimiento de la estructura, la cual era móvil. Fue una experiencia muy intensa”. Río Años después, ya en México y después de un período de resocialización en los teatros tapatíos, Rosa María Brito fue convocada para una importante tarea: “Fui invitada por el empresario César Cosío para participar como iluminadora del segmento mexicano de la clausura de los Juegos Panamericanos

sound:check

68

La industria de la música y el espectáculo

“Estuve en la carrera de escenografía en el INBA un año y medio y surgió el momento en el que partí a Nueva York con la decisión de estudiar una carrera en la parte técnica de los escenarios”. de 2007, en el Estadio Maracaná de Río de Janeiro. “Había que aterrizar las instrucciones enviadas: el timing de la entrada de todo el equipo de iluminación gigantesco, del cual no recibimos un plot, sino la lista del equipo con una descripción escueta y la colocación”.


Un encuentro con

“Había un diseñador de iluminación para todo el evento, pero él no sabía nada del evento mexicano. Esto era una pirámide redonda al centro, que subía en rampas donde tenía que bailar un grupo folclórico local, danzantes, un mariachi, y el grupo Telefunka. La iluminación ya estaba colocada y yo decidiría los matices, colores, qué entraba y en qué momento. Lo difícil de este proceso fue conectar los cues con la música, ya que el track de México entraba en un track gigantesco de otras cosas. Era cuestión de hacer una grabación de la iluminación sincronizado con el backup de mariachi, tal y como se hace en estos espectáculos masivos. Fue una experiencia muy complicada, pero de gran aprendizaje”, manifiesta con satisfacción. La trayectoria 360 de Rosa María ha sido complementada por varias líneas profesionales, que abarcan el teatro musical, los ensambles y la docencia (estas tres áreas las desarrolla en el ITESM), así como el más reciente reto: la ópera Pagliacci, en el Conjunto Santander de Artes Escénicas de la Universidad de Guadalajara. Finalmente, con numerosas experiencias y anécdotas que quedan en el tintero, nos comparte una reflexión sobre su camino recorrido: “He tenido una vida muy rica y muy arriesgada desde el punto de vista de la equidad de género. Empecé en momentos difíciles en los que la mujer no era reconocida en la estructura técnica dentro de las artes

escénicas, pero afortunadamente, los tiempos han cambiado. Ahora observo con mucho entusiasmo la cantidad de mujeres jóvenes que se están dedicando a la escenografía y la iluminación. Quiero decirle a las nuevas generaciones que sean valientes, que se atrevan, ya que la vida cambia de un momento a otro y hay que decidirnos a cambiar cosas en nuestra propia vida, para tener nuevas etapas y aprender mucho más”, finaliza.

DOS SISTEMAS 16 CANELES SIMULTÁNEOS

www.audyson.com.mx

La industria de la música y el espectáculo

69

sound:check


Índice de Anunciantes

57 ANTENA STUDIO contacto@antenastudio.com

63 IEA Mastering

www.antenastudio.com

03 KRK 2 F AVID

t. 55 9183 2700, 800 00 38 274

Vari Internacional sonidoenvivo@varinter.com.mx

27 AUDIOCENTER

t. 55 1086 8702

Audyson

www.audyson.com.mx

ieamastering@gmail.com t. 55 3300 4550

Representaciones www.rda.com.mx

de Audio

19 MERLINDON organizacionhql@gmail.com 49 ORTOFON

t. 55 3300 4550

09 CASIO

t. 55 9152 4614

Representaciones contacto@rda.com.mx

Gonher

info@gonher.mx

de Audio

www.gonher.com.mx 43 PROEL

55 CCM www.centrocreadoresmusicales.com

t. 55 9183 2700, 800 00 38 274

Vari Internacional info@varinter.com.mx

Centro de Creadores Musicales 4 F SHURE

11 CHAMSYS

www.rda.com.mx

t. 55 9183 2700, 800 00 38 274

Vari Internacional info@varinter.com.mx

t. 55 3300 4550, 55 3300 4569

Representaciones www.shure.com.mx de Audio www.rda.com.mx

07 CHAUVET

t. 728 690 2010

27 SONOR

t. 55 9152 4614

www.chauvetdj.com

Gonher

info@gonher.mx

www.gonher.com.mx

45 SOUND:CHECK

t. 55 5240 1202

3 F Soundcheck

www.soundcheck.com.mx

Chauvet México

31 DALÍ2.1

Galeria Daliana

47 EJECUTANTES www.revistaejecutantes.com

Magazine

39 ELATION

t. 728 282 7070

15 VARI LITE www.vari-lite.com

www.ElationLighting.com 35 3 BLUE HOUSE www.3BH.MX

69 EVOLVE

t. 55 1086 8700

Audyson

www.audyson.com.mx

09 FLIGHT

t. 55 9152 4614

Gonher

info@gonher.mx

www.gonher.com.mx

sound:check

70

La industria de la música y el espectáculo


DISFRUTA NUESTRA EDICIÓN DE OCTUBRE EN VERSIÓN DIGITAL, ENCUÉNTRALA EN ESTAS PLATAFORMAS


Profile for La industria de la música y el espectáculo

soundcheck Magazine, La industria de la música y el espectáculo  

Recommendations could not be loaded

Recommendations could not be loaded

Recommendations could not be loaded

Recommendations could not be loaded