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Monitores coaxiales La serie X es una familia de altavoces que integra nuevos desarrollos tecnológicos de L-Acoustics, incorporando componentes de alta excursión, directividad elipsoidal, 30% más ligeros y unos puertos optimizados para reducir la turbulencia interna y aumentar la eficiencia en LF. Disponible en versión de instalación y en diferentes colores RAL.

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Contenido

No. 276, agosto 2021

36.

Realizado en marzo de este

año en el Palau Sant Jordi, la emblemática sala de espectáculos de Barcelona, España, el concierto que brindó Love Of Lesbian significó el referente para establecer que la realización de espectáculos masivos puede llevarse a cabo, aplicando protocolos

sanitarios

sumados

a

la coordinación operativa de la producción técnica y artística.

4. Detrás del micrófono

26. Artículo invitado

66. Un encuentro con

Aterciopelados: Tropiplop contra el confinamiento

Cambio volumen por dinámica, mal negocio...(primera parte)

Luis Arturo Torres, excelencia en la coordinación de producción

Por Néstor M. Iencenella

50. Universo Sonoro Mozart y la tecnología Por Mario Santos

22. Las letras del sonido El son huasteco, joya de nuestras raíces Por Carolina Anton

32. Columna invitada Cinco maneras en las que el estudio de grabación nos hace mejores personas Por Ferrer León

46. Desde el estudio GoroGoro IL, donde nacen nuevas experiencias

Además 8. Nuevos productos 56. Notas del medio 60. Referencias globales 64. Eventos

Foto de portada: Cortesía Love of Lesbian

La industria de la música y el espectáculo

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E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Jorge Urbano

Editora y copywriter Nizarindani Sopeña

Diseño Foto: Matt Clode

Héctor Barrera

C

Staff Editorial Marisol Pacheco

Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

Robe / Six60 Eden Park

omo pudieron enterarse, una vez más, nuestro evento sound:check Xpo ha sido pospuesto debido a la inédita crisis sanitaria de la que aún no salimos y que no permite que las actividades de la Industria de la Música y el Espectáculo continúen. Estos son los efectos de una situación que ha sido difícil de manejar en todos los niveles y no sólo en la Ciudad de México ni en nuestro país. El mundo entero está pasando por esta compleja realidad y aún falta tiempo para salir de ella, pero nuestro compromiso con nuestros visitantes por su seguridad y su bienestar durante nuestro evento siempre serán nuestra prioridad.

Ventas y Mercadotecnia Claudia Pérez

Asistente de Ventas y Mercadotecnia Myriam Palma

Content Marketing Natalia Urbano

Digital Marketing Chief Edith García

Telemarketing José Luis Careaga

Hemos hablado también mucho acerca de la unión que todos en estos momentos debemos tener para salir lo mejor librados de estos tremendo retos que la humanidad entera está enfrentando, así como administrar escrupulosamente nuestros recursos tanto materiales como humanos, ser flexibles ante los cambios que se avecinan y sobre todo, conservar los ánimos, ya que el esfuerzo para recuperarnos de este obstáculo se advierte grande y requerirá tiempo.

Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores

Internet www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

Teléfono (55) 5240 1202

Poco a poco retornarán las actividades de la Industria y los escenarios se llenarán de stage managers, roadies, productores, ingenieros de audio, video e iluminación para realizar todos los shows largamente deseados, pero mientras es necesario tener paciencia y creatividad. Regresaremos de muchas formas y el reportaje de portada de este mes demuestra una manera de hacerlo, con seguridad para staff, artistas y público. Es nuestro propósito que éste y todos los textos que integran esta edición sean una inspiración para quien la necesite; nosotros estamos felices de poder compartir estas historias.

Revista mensual. Año 23, No. 276. Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva. Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327. Hecho en México con orgullo.

El arte y la cultura deben ser seguros y está en todos nosotros que así sea. ¡Hasta el siguiente mes!

Orgulloso miembro

Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

/soundcheckMx

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/soundcheckMxMag


MIE

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JUE

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SEPTIEMBRE

CIEC • WTC • CIUDAD DE MÉXICO

Soundcheck Xpo

DE 12:00 A 20:00 HRS

Estimados amigos de la Industria de la Música y el Espectáculo: Ante la enorme e inusitada duración de la crisis sanitaria, los efectos adversos provocados por la tercera ola de contagios en nuestro país y la cercanía de las fechas para su realización, nos vemos forzados a volver a posponer sound:check Xpo para el mes de abril de 2022. A pesar del esfuerzo mayúsculo que dedicamos a la organización de nuestro evento, encontramos que aún no existen las condiciones propicias para regresar y además de la seguridad de nuestros visitantes, de ninguna manera nos arriesgaremos a ofrecer una exposición pobre para nuestros asistentes. Pueden estar seguros de que pondremos todo nuestro empeño para estar listos el próximo año y brindar a todos el evento que merecemos. Mientras tanto, también pedimos que todos tratemos de cumplir con las medidas ya conocidas para ir aminorando los efectos de esta crisis, que a todos en nuestra querida Industria nos han afectado tanto. Esperamos verlos de nuevo en persona en 2022 para tener una reactivación como todos en este gremio anhelamos. Agradecemos sinceramente su comprensión.

Comité Organizador sound:check Xpo

www.soundcheckexpo.com.mx A L I A D O S


Detrás del micrófono

Andrea Echeverri y Héctor Buitrago

Aterciopelados:

Tropiplop contra el confinamiento

L

a ironía, la resistencia, la fusión que ha dado sello a la lírica y estilos de este combo colombiano, se revisten de sonoridades electrónicas, tropicales y rock pop con este álbum en el que Andrea Echeverri, Leonardo Castiblanco y Héctor Buitrago ejercieron a tope la autoproducción. Son quince canciones las que forman “Tropiplop”, de las cuales nueve fueron hechas durante la cuarentena, a través de encuentros y pláticas vía videoconferencia, el estudio casero y con “la nube” trasladando la creatividad. Autosuficientes Sí por la pandemia, pero sobre todo por el kilometraje de los Aterciopelados en la carretera del rocanrol, la adaptación que han tenido a los distintos momentos de la industria musical ha sido una constante, como relata Andrea: “Nosotros ya llevamos tiempos de irnos volviendo autosuficientes, porque llevamos muchos años y hemos estado en todos los lugares y trabajado en todos los modelos.

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Detrás del micrófono

Hoy ya tengo mi estudio en casa y Héctor también, al igual que Leíto (Leonardo), entonces la vida nos fue preparando para este momento y esta vez, cada quien hizo su parte y nos mandábamos los tracks por correo”. “Seis de las canciones que están en este disco fueron los sencillos que aparecieron después de ‘Claroscura’ (nuestro álbum anterior). La mayoría de lo nuevo fue compuesto y grabado en el confinamiento, cada uno en su casa. Estuve todo el año pasado trabajando con Leíto. Las canciones que produjo Héctor son de 2021, pero las mías fueron más lentas y salieron el año pasado y el actual”, recuerda Andrea. “Algo importante también en estos tiempos difíciles, sin conciertos, hay que optimizar, así que el resultado de hacerlo en casa fue bajar los costos y nos funcionó súper bien. El arte del disco también lo hice yo en casa; estamos contentos y orgullosos, nos quedó un gran disco”. Respecto a cómo se fueron eligiendo los temas, Héctor revela: “Ya teníamos unas canciones que incluso vimos un poquito en estudio, hace un par de años; otras se terminaron en el confinamiento y unas más surgieron después. Canciones como “Amo de Casa” y “Destapabocas”, tienen que ver con momentos y vivencias de estos meses recientes”. “Creo que nosotros traíamos ya la idea de adaptarnos y trabajar a distancia, porque como no somos músicos tradicionales de los que montan la canción con piano, guitarra y tal, yo me acostumbré desde el comienzo a

Leonardo Castiblanco trabajar con una computadora. Eso quizás nos hizo la transición más fácil. Todo lo que hacemos tenemos claro qué sonoridad posee y muchas veces se queda la que sale de los pads electrónicos; de pronto Leo graba unas guitarras y voz de base como guía y después ya se graba bien, pero hay muchas cosas que van quedando. Incluso hemos tomado voces del demo que quedaron como finales”, recuerda Héctor.

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Detrás del micrófono

“Eso pasó con algunas de las canciones que terminé, eran pedazos y efectos, cositas que uno hace y de pronto eso queda bien y funciona. También hay canciones que hago donde voy construyendo en el camino y cada cosa toma su espacio, luego quieres cambiarla por otra y ya no funciona. Es así. Desde nuestro disco “Caribe Atómico” traíamos esto de trabajar con la electrónica, porque hemos ido evolucionando también con las herramientas para hacer los discos y con la llegada de los plug-ins y de los programas de música en casa, es más fácil manejar todos estos”. “La música electrónica permite generar esos ambientes, tanto Leonardo como yo hicimos varias de las pistas, usamos pads, secuencias para componer los temas. Yo trabajo con mi laptop y los audífonos, uso Logic, además de plug-ins”. Los de ayer y los de hoy Para atender los procesos de mezcla y masterización, Aterciopelados suma el talento de orejas conocidas y nuevas, como son los casos de Jorge Corredor, María Elisa Ayerbe y Eduardo López: “En este disco tuvimos varios ingenieros de mezcla. Una fue María Elisa y nuestro ingeniero de siempre, Jorge, además de Ed López. Leo nos habló de Ed, un ingeniero venezolano que trabaja en Bogotá. A María ya la conocíamos porque tiene mucha carrera en el medio y como es colombiana, hablamos con Eduardo para ver si podía ser ella y afortunadamente tuvo el tiempo”, comparte Andrea. La negociación para dar visto bueno a la mezcla la tomaron los tres, respetando a quien se responsabilizó de producir cada

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tema. “Lo que pasa es que armamos una sesión de avances con el ingeniero de mezcla hasta dejarla lista para ser considerada por los otros. Cada canción tuvo como unas ocho mezclas. Leo o Héctor nos las mandaban para hacerle ajustes, y yo por mi lado sé dónde quiero la voz, entonces no hubo problema”, reflexiona Andrea Echeverri. “Algo que también se ha dado en los últimos tiempos es que ya no es necesario estar con la persona que mezcla de manera presencial, sino a la distancia, y en canciones que son más complejas como las de este disco, donde no hay un estándar para poner las guitarras, los paneos y demás, también se puede hacer muy bien”, añade Héctor. La masterización estuvo a cargo de José Blanco, en Blanco Mastering. Al futuro, entrarle Para Andrea y Héctor, los aprendizajes de este incierto y reflexivo periodo se centran en la apertura para hacer o incursionar en nuevas cosas: Andrea fue presentadora de un programa de televisión, hizo muchas colaboraciones a la distancia, y junto con Héctor y Leo en Aterciopelados hicieron varios conciertos virtuales y auto conciertos. Yo creo que la tecnología llegará a ese tema de la interacción con la realidad aumentada y aunque es un poco raro, es parte del proceso de todo este momento”, concluye Héctor. Compartimos la visión: que la tecnología siga su camino e impere la sensibilidad y el contacto humano para guiarlo. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco


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Nuevos Productos ESTUDIO

Audix Micrófono de condensador A127 Es un transductor de condensador de película metálica tipo 1 de media pulgada prepolarizada y patrón polar omnidireccional omnidireccional, diseñado para capturar la forma más precisa y pura de instrumentos acústicos y fuentes de sonido. Ofrece una gran claridad, detalle y respuesta transitoria e incluye circuitos de bajo ruido y sin transformador. Vari Internacional. 55 9183 2700 varinter.com.mx audixusa.com

TC Electronic Icon Dock Puede acomodar hasta siete controladores de escritorio de la serie Icon de la marca. Los controladores de escritorio opcionales, diseñados exclusivamente para la línea de complementos nativos, ofrecen una potente extensión para mezclar el flujo de trabajo. Con Icon Dock es posible conectar y alimentar sus controladores TC Electronic Icon Series TC2290-DT, Master X HD-DT y PEQ 3000-DT en una unidad ordenada. Gonher Proaudio. 55 9152 4614 gonherpro.mx tcelectronic.com

Sommer Cable Cable para micrófono SC-Silver Posee un recubrimiento exterior de 6.4 milímetros, flexible y a la vez robusto, fabricado con un compuesto de PVC resistente a la temperatura y está provisto de un aislamiento de conductores de espuma gaseosa y aplanado. Ofrece un sonido muy nítido y limpio y resulta ideal como conexión por cable no balanceada de alta calidad para micrófonos, mesas de mezclas y patchbays, tanto en estudio como en escenario. Gracias a su impedancia característica de 120 ohms se mantiene dentro de las tolerancias AES/EBU. Solcor Audio. 55 5243 6674 solcoraudio.com sommercable.com

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Nuevos Productos EScenario

Martin Luminaria VDO Atomic Bold Es un dispositivo híbrido LED versátil y la más reciente incorporación a la familia VDO Atomic de la marca. Incluye una amplia gama de funcionalidades para una gran variedad de aplicaciones como blinder, luz estroboscópica, superficie de mapeo de pixeles LED y luz wash, todo en un solo dispositivo compacto. Harman México. 55 1555 0322 harmanpro.com martin.com

Elation Professional Luminaria KL PAR FC La marca continúa dando pasos importantes en el desarrollo de productos para escenario y que también pueden usarse en eventos como live streamings, cine o teatro con el lanzamiento de la KL PAR FC, que incluye un diseño clásico, como parte de la serie Key Light (KL), y resulta muy útil como luz de relleno y fuente de luz wash. Elation Professional México. 55 728 282 7070 elationlighting.com

Allen & Heath Firmware Avantis V1.1 La marca ha anunciado el lanzamiento de esta importante actualización que trae nuevas y potentes funciones a la consola digital de 64 canales, que recientemente fue galardonada con el premio TEC. Los elementos principales de esta actualización incluyen el software Avantis Director, nuevos procesadores dPack y numerosas mejoras en el flujo de trabajo para los ingenieros que trabajan en todos los entornos, desde lugares de culto hasta live streamings. Representaciones de Audio. 55 3300 4550 allen-heath.com rda.com.mx

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Nuevos Productos DJ

ADJ Superficie para eventos portátil Pro Event Table MB Es compacta y plegable, con un acabado de aluminio negro mate. Es liviana y fácil de transportar, lo que la hace ideal para una amplia variedad de propósitos en todo tipo de eventos (cuando se requiera colocar la cabina de un DJ), por ejemplo, de una manera profesional y así hacer su vida más fácil, sin tener que cargar con muchos estuches de equipo, ya que es posible plegarla a la mitad. ADJ Products Group Mexico. 728 282 7070 adjmexico.com

Numark Controladores Party Mix LIVE y Party Mix II Ofrecen al DJ el acceso completo a los niveles profesionales de experiencia, como streaming musical, show de luces integrado, jog wheels táctiles para scratching, perillas y pads para un fácil acceso a efectos, puntos de cue, loops y sampleos. En la versión Party Mix Live el dispositivo incluye altavoces para un estuche completo listo para la fiesta. Pro Audio Comercializadora. 55 5531 5859 proaudiocomercializadora.mx numark.com

Chauvet DJ Luminaria SlimPAR Pro Pix La iluminación de efecto y wash alcanza nuevas alturas de potencia y características resistentes de alta gama con este producto. Está protegida por una carcasa de aluminio fundido a presión y tiene un anillo exterior RGB que puede controlarse de forma independiente para emocionar a los espectadores. Con ella es posible crear animaciones y efectos de video con el control de pixeles de los LED RGB con un funcionamiento silencioso. Las conexiones de entrada y salida de energía son compatibles con powerCON para el enlace y tiene compatibilidad D-Fi USB para control inalámbrico maestro / esclavo o DMX y puede controlar colores estáticos y programas automatizados con el control remoto IRC-6 opcional. Chauvet México. 728 690 2010 chauvetdj.com

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Nuevos Productos Backline

Ashdown Gabinetes virtuales The Bass Selection La marca anuncia una colaboración con los líderes del mercado Two Notes Audio Engineering y lanza sus gabinetes virtuales, asegurándose de ofrecer una oferta diversa de gabinetes que abarcan toda la gama de la firma, desde la línea básica ABM hasta el exclusivo gabinete CL-310, diseñada para Guy Pratt. La gama de seis gabinetes incluye ABM-810H-EVO IV, ABM-410H-EVO IV, ABM-210H-EVO IV, ABM-115-EVO IV, RM-212-EVO II y CL-310 DH. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 gonher.com ashdownmusic.com

Ddrum Tarola conmemorativa edición limitada Vinnie Paul Es un flashback del modelo original de la tarola que se lanzó cuando el músico se unió a la empresa y está construido con arce norteamericano de ocho capas, carcasa con bordes interiores de 45 grados y exterior de 30 grados con un ligero redondeo, además de contar con herrajes cromados, aros fundidos para una mayor estabilidad de afinación y claridad. ddrum.com

Klark Teknik Caja directa activa de dos canales DN200 V2 El DN200 se ha convertido en un favorito entre ingenieros y músicos. Con su alto headroom, respuesta dinámica y claridad sónica, reproduce fielmente el carácter de los instrumentos eléctricos y acústicos y permite capturar muchos más detalles de las interpretaciones musicales. El DN200 está diseñado para aplicaciones profesionales donde la alimentación fantasma de +48 V es una característica estándar en todas las consolas de mezcla y su diseño innovador da como resultado un punto de corte significativamente más alto que muchas otras cajas directas activas. Distribuidora Gonher. 55 9152 4600 gonher.com klarkteknik.com sound:check

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Por Mérlindon Crosthwaytt*

ArtÍculo invitado

¡Guitarras y distorsiones emanadas de diosas del Play Loud!

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uando me percaté de la actitud y compromiso hacia la música de Yael Santos Juárez, Arianne Márquez y Cynthia Bachmoore, me interesó conocer su visión y filosofía artística. Percibí un halo de congruencia entre las tres. “Una jalará a la otra”, pensé. Definitivamente, “la visión” es la que te lleva y coloca en los entornos adecuados con el óptimo comportamiento y mentalidad para tu desarrollo; de esta manera, no existe nada que sea imposible entre ellas. Conozcamos un poco más a estas jóvenes y talentosas guitarristas. Yael Santos Juárez El acercamiento a la música de esta guitarrista fue a los cinco años de edad, cuando tomaba clases de piano y era amante de la música clásica. Su gusto se definió hasta los doce años en la secundaria: “Empecé a tocar guitarra y escuchar a bandas como Deep Purple, Cream, Dust, Kiss y Rush”, comenta con entusiasmo. Actualmente, a sus treinta años, escucha todo tipo de bandas de metal y también le han recomendado estilos underground y más antiguos, hasta propuestas nuevas. Sus guitarristas favoritos son The Great Kat, Jennifer Batten, Andy LaRocque y Marty Friedman. Cynthia Bachmoore

Arianne Márquez sound:check

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Yael Santos La industria de la música y el espectáculo


ArtÍculo invitado

Entre las marcas y equipos que están en el arsenal de Yael están Ortíz Murcio Guitars & Basses, porque la considera el equilibrio óptimo en calidad, sonido y diseño, ya que es custom, mientras que en amplificadores es fiel seguidora de Marshall, aunque los últimos años también ha usado Line 6 como opción para ensayar en casa. En pedales ama su Metal Zone y por el momento está satisfecha con su sonido personal.

¿Cómo cuidas tu sonido? Se le pregunta a Yael, y responde: “Es necesario tener buenos cables, ya que hacen una gran diferencia, aunque eso no te lo dicen al empezar a tocar y a veces son los culpables de las fallas técnicas en el escenario”. Esta guitarrista ama grabar en el estudio, a pesar de que lo considera cansado por el tiempo que implica. “Poder escuchar en crudo lo que grabas, muchas veces te motiva a mejorar, dándote cuenta de pequeños errores en la ejecución. Mi consejo es que no te dejes llevar creyendo que por tener el equipo más caro serás el mejor guitarrista; tienes que encontrar tu propio sonido y estilo, sin criticar a otros guitarristas y mejor compartir el conocimiento que tienes, ya que esto no se trata de ser el mejor, sino de hacer lo que amas. Recuerda que la música siempre te llevará al camino indicado”. Hace un breve tiempo, Yael sufrió una agresión física que resultó en una fractura del dedo anular de la mano izquierda y no quedó con buena simetría; sin embargo, se las arregló para continuar tocando, siendo ahora un ejemplo a seguir, gracias a su resiliencia. Actualmente, está armando una banda con su esposo, con quien comparte el mismo amor por la música, y está realizando videos y colaboraciones muy interesantes en las redes sociales con Cynthia Bachmoore y Arianne Márquez, entre otros músicos. A Yael se le puede encontrar en las redes sociales con este nombre. Arianne Márquez En secundaria, Arianne escuchaba bandas del metalcore, y ya en camino a la preparatoria, notó que comenzaba a soñar despierta con bandas como Dream Theater y se veía tocando lo que oía. “Tuve mi primera guitarra a los 16 años y un año después ya contaba con algunos covers de dicha banda”, menciona. Esto le permitió presentarse en un tributo a Jonh Petrucci en el 2014 a los 19 años y posteriormente se inclinó por guitarristas solistas como Gutrhie Govan y Kiko Loureiro, con quien tocó en 2017, y por guitarristas como Angel Vivaldi, Andy James y Plini. A Arianne le encantan las guitarras Schecter Guitar Research y las Jackson. Usa amplificadores Blackstar de la serie HT por su versatilidad y fidelidad, y también el Randall, que es con lo que toca actualmente. En

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ArtÍculo invitado

cuanto a efectos, utiliza digitales, como Bias Fx e IR y en breve lo hará con Fractal Axe Fx y Helix de Line 6. “Con el apogeo de la era digital, recomiendo mucho experimentar con programas, como Bias FX, conocido como el Guitar Rig Heaven, ya que ofrece una variedad masiva de efectos y amplificadores con los que puedes encontrar tu sonido por un precio accesible”, sugiere.

En la conversación surge la sugerencia a los guitarristas nóveles: “La vida es un camino en el que debemos estar en constante preparación, así que yo diría que siempre sigan desarrollando sus sueños y algún día se agradecerán no haberse rendido”. Inspirada por la colaboración con Davide Lo Surdo, considerado el guitarrista más rápido del mundo por Guitar World, en “No Mercy at All”, Arianne logró instalar su home studio en dos semanas. Adquirió su interfaz Scarlett 2i2 tercera generacion de Focusrite, además de monitores HS7 y amplificador Randall RD100 modelo Diablo, con lo que la distorsión se oye muy bien. Además, con Cubase para grabar las guitarras, que ella misma hace con gran calidad. “No hay excusa para no lograr tus proyectos y sueños; trabajé un año entero para tener el equipo, comenta. Además del primer sencillo del nuevo material de Arianne, que se puede adquirir en la plataforma de BandCamp, vendrán próximamente cinco temas más, que formarán parte del disco producido por el guitarrista Tonio Ruiz, quien además es su maestro. Para contactar con ella en las redes sociales, pueden hacerlo con el nombre de Arianne Márquez. Arianne menciona cómo ha sido su proceso de grabación, en su producción “No Mercy at All”: “Fue grabada en su home studio recién instalado, utilizando una Schecter Apocalypse C-7 y el programa Cubase. Los efectos de su guitarra líder fueron realizados con Bias FX, mediante IR de un pedal EVH5150. La batería fue programada por el productor Arthur Lorian con Superior Drummer, el bajo fue creado en Modo Bass-IK y los sintetizadores fueron Arturia”.

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Cynthia Bachmoore De tal padre, tal guitarrista. Cynthia inició muy joven, a los seis o siete años de edad y tuvo la fortuna de que su padre era guitarrista y siempre supo que quería tocar ese instrumento. Sus principales influencias guitarrísticas


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son Gary Moore, Yngwie Malmsteen, Ritchie Blackmore y los grandes clásicos: Bach, Paganini y Vivaldi, a través de los cuales ha desarrollado una compleja técnica para tocar. Esta guitarrista usa Fender Stratocaster, equipadas con las pastillas Seymour Duncan, teniendo como gusto personal las “Fury” del modelo de Yngwie J. Malmsteen: “Las amo y soy endorsement de la marca”. Es correcto, su reciente integración con la marca ha sido atendida por Maricela Juárez, “MJ”. “Gracias al Sr. Seymour Duncan y a MJ por creer en mí”, comparte. No pueden faltar para el estruendo y virtuoso “Play Loud” de Cynthia, los amplificadores Marshall y desde luego, los pedals DOD y Boss. Para ella, Fender, Marshall y Seymour Duncan son la perfecta combinación neoclásica.

Ns-2 Boss y tal vez algún delay, eso es todo. En cuanto a las sugerencias que les puede aportar a nuevos guitarristas, añade: “Es importante la humildad y nunca perder el piso, además de estudiar mucho el instrumento, porque es algo que jamás se termina de aprender”. Entre las colaboraciones actuales, Cynthia tiene material con Yael y Arianne: “Estamos preparando nuevo material para grabar temas juntas que estarán en nuestras redes sociales justo a partir de la aparición de este artículo. Grabaremos videos en la tienda Boutique Quality Guitar y los daremos a conocer para celebrar y agradecer el apoyo de nuestros fans”. Igual que Yael y Arianne, a Cynthia se le puede encontrar en las redes sociales si se busca como Cynthia Bachmoore.

A la pregunta acerca del orden en el que Cynthia conecta su equipo, ella comenta: “Prefiero el sonido vintage, no me gusta que la guitarra suene demasiado digital o procesada; siento que el instrumento pierde su verdadera esencia y limpieza, así que conecto mi guitarra a mi DOD Overdrive preamp 250 al

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La industria de la música y el espectáculo

*Guitarrista, compositor y productor. Ex-guitarrista del grupo Kerigma (1989 – 1993), grabó el disco “Esquizofrenia”. Como solista, sacó su primer disco instrumental “Horizontes” en sound:check Xpo 2018. Psicólogo educativo, psicoterapeuta corporal y de pareja, conferencista, consultor en sexualidad, cuenta con el Postgrado CORE Institute of New York. Es empresario, filántropo, fundador y director de la fundación Más allá de la Adversidad AC, para apoyo de personas con enfermedades reumáticas.


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Por Carolina Anton*

Las letras del sonido

El son huasteco E

l huapango es un genero musical-dancístico llamado también son huasteco, cuyo origen lo encontramos dentro del folclore español, derivado de los cantos flamencos, los fandangos y fandanguillos, peteneras, los ritmos de boleros, tangos y guajiras, entre otros géneros líricos y coreográficos que llegaron a nuestro país desde el siglo XVI, apareciendo en la región huasteca a fines siglo XVII y principios del XVIII. La palabra huapango tiene sus raíces en la lengua náhuatl: cuahuitlipanco, que proviene de cuahuitl, que significa “leño o madera”, e “ipan”, que quiere decir “en él” o “sobre”, y “co”, adverbio de lugar, lo que se deduce como: “Baile que se ejecuta sobre una tarima o plataforma de madera”, y es necesario conocer sus características para grabarlo y producirlo correctamente. Historia A raíz de la conquista española sobrevino la formación del poder económico y político de la España feudal en tierras de América, dando así inicio al proceso de dominación cultural emprendido por los colonizadores que sustentaban así su hegemonía sobre los indígenas. Por la fuerza de la represión, la evangelización

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y el mestizaje, los huastecos adoptaron la cultura occidental, suprimiendo muchas manifestaciones culturales precortesianas, dentro de las cuales se encuentra incluida su música y su danza, que formaba un espacio importante dentro de su vida social, política y religiosa.


Las letras del sonido

Existían en esa época danzas guerreras de agradecimiento y de peticiones a sus dioses; algunas de ellas aún se conservan, como la del tigrillo en la huasteca veracruzana, o la del volador del Totonacapan; muchas danzas fueron suprimidas y otras fueron preservadas por los indígenas, agregándoles características europeas, como la danza de los santiagueros, moros y cristianos, que son un ejemplo de la influencia occidental durante el movimiento evangelizador.

queretano y poblano, que tienen en común el huapango. La historia de la canción mexicana consigna que el huapango es una fiesta de música viva y alegre, los movimientos del baile se caracterizan por el taconeo de fases variadas con la música alterna y el canto de versos melodiosos e improvisados.

Estas manifestaciones de cultura precortesiana fueron condicionadas a seguir los cánones establecidos por la iglesia católica, eliminado el carácter ritual que presentaba; a partir de esto, los misioneros enseñaban a los indígenas diferentes patrones musicales con la adopción por consecuencia de instrumentos y la supresión del canto en su lengua nativa. A la par de la música se encontraba la danza, la cual sufrió un cambio importante adaptándose a las necesidades del culto de la religión católica. En la época colonial surgió una notable influencia de los bailes españoles, formándose una cultura mestiza, y es ahí cuando aparece un nuevo género musical llamado huapango o son huasteco, que adopta un estilo propio y se identifica como toda una cultura representativa de la región. Aunque lo correcto es llamarlo son huasteco, se le conoce más por huapango, música regional considerada por muchos como el alma de las Huastecas. El escritor e investigador Joaquín Meade, en su libro sobre la huasteca, época antigua, sitúa en el mapa las siguientes regiones: parte de los estados de San Luis Potosí, Tamaulipas, Veracruz, Hidalgo y zonas anexas de Querétaro y Puebla, en donde conviven etnias como los teneek o huastecos, pames, nahuas, otomíes, tepehuas y totonacos, derivándose el nombre que reciben de sus pobladores más antiguos cuextecas o huastecas, quienes se encontraban asentados en dicho territorio desde hace más de doce mil años. El baile y canto conocido como huapango, adquirió popularidad en la Huasteca y la Sierra Madre Oriental; existen diversos bailes como el veracruzano tamaulipeco, hidalguense, potosino,

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Las letras del sonido

El baile se inicia con compases lentos que los bailadores siguen con movimientos pausados y los brazos colgando a lo largo del cuerpo; poco a poco, el ritmo se acelera y los cambios de los bailadores se hacen mas rápidos y variados. El zapateado, cada vez más vivo, resuena sobre la tarima hasta que la música cesa. Los temas más frecuentes en el huapango son de amor feliz, frustrado, alegría, picardía de animales, lugares y mujeres, a quienes no se les ofende de ninguna forma, como sucede con otro tipo de canciones, ya que en el son del huapango, las mujeres son elevadas y reconocidas como lo máximo de la creación, lo más bello de esta vida. El huapango o son es hoy la expresión musical más escuchada de la Huasteca. Las diferentes porciones que componen a la región se unen por tres voces y tres instrumentos hermanados por su historia y cultura. Sus fiestas religiosas y profanas se llenan de sonidos, olores y colores al escuchar el sonido del lánguido violín; el paisaje es parte de la vida del hombre y la mujer huastecos, llámense mestizos, indígenas, nahuas y teneek. Su prodigiosa abundancia se refleja en la belleza de sus tierras; en la exuberante vegetación, selvas de maderas preciosas, frutos apetitosos, mieles deliciosas, aromas de azahares y gardenias, ríos, lagunas, esteros y allá, más arriba, la sierra, con su manto de niebla en forma de halo. La tradición musical de la Huasteca es múltiple y posee una gran riqueza cultural; el huapango es el heredero directo de la lírica española introducida por los conquistadores, junto con la influencia musical indígena y negra, que aún en la actualidad es posible identificar con sus matices particulares en el nombre de algunos de sus sones y el

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contratiempo de su ejecución, como el zacamandu, La guasanga, entre otros. Tanto el son como el instrumental que se usa para recrear el huapango, provienen de los modelos españoles. El huapango es la síntesis de un mestizaje cultural que se expresa en la música, la lírica y el baile, y como expresión cultural de la Huasteca, el son huasteco ha sido recreado y enriquecido por músicos y trovadores indígenas y mestizos, que a través de la fina improvisación musical y literaria han dado forma a este género. Sostenido por el violín, la jarana y la quinta huapanguera, el huapango se canta tradicionalmente con coplas octosílabas. La música del huapango se puede considerar homogénea, porque comparte rasgos musicales comunes, caracteriza e identifica a la región a pesar de que la conformación social de ésta sea multiétnica y pluricultural; es decir, el son huasteco se vincula con identidades y culturas diferentes. La instrumentación musical del huapango El origen de los instrumentos propios del son huasteco se remotan a la antigua historia de la guitarra y el violín europeos, estos instrumentos del siglo XVI, tales como la vihuela, la guitarra de cuatro órdenes (guitarra renacentista) y la guitarra barroca de cinco órdenes son antecesores de la guitarra utilizadas en el son huasteco. Se cree que la guitarra es nativa de España. Origen de la huapanguera y la jarana huasteca Al consumarse la conquista por los españoles en el siglo XVI, se procedió a realizar la conquista espiritual y cultural de estos pueblos. Entre los primeros instrumentos introducidos por los


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españoles al nuevo mundo figuran la trompeta, el pífano, el arpa, la vihuela y la guitarra, además de un sinnúmero de músicos. Los sones y romances traídos por los españoles se acompañaron por estos instrumentos en las fiestas religiosas y populares de los indígenas, quienes posteriormente aprendieron a tocarlos y a reproducirlos adoptándolos a sus necesidades. La huapanguera La guitarra española o guitarra quinta de cinco órdenes de cuerdas conservaron las principales características técnicas y musicales que poseían las originales. Al ser recreados por los artesanos indígenas adquiriendo un sello particular, hasta la fecha se le conoce en la Huasteca con el nombre de guitarra quinta o huapanguera; a principios del siglo XX, la encordadura de la huapanguera contaba de cinco órdenes de cuerdas (diez cuerdas), este instrumento proporciona los registros graves de la armonía y el pespunteo de bajos, sigue y acompaña la melodía del violín; no se sabe con precisión cuándo es el nacimiento de la huapanguera es posible que su gestación iniciara en el surgimiento del siglo XVII. La jarana huasteca A principios del siglo XX, el huapango se tocaba con dos instrumentos: violín y la guitarra quinta en las fiestas regionales, profanas o religiosas; esta tradición experimentó un cambio significativo al incorporarse la jarana, lo que vino a enriquecer el acompañamiento y la armonización para lograr una mayor riqueza musical en el trío huasteco. La jarana se originó en la región de Tampico, Tamaulipas, a fines de la década de los años treinta y principios de los cuarenta; las primeras jaranas fueron elaboradas por Pascasio Vargas y a sus hermanos se les asignó el merito de haber inventado la jarana. Ellos eran músicos y artesanos de Tampico, dedicados a la construcción de todo tipo de instrumentos. El violín huasteco El origen del violín huasteco se remota al cercano oriente y posteriormente a los antiguos pueblos lauderos de la Europa del siglo XVI. Italia ha tenido un papel importante en el desarrollo del violín; Claudio Monteverdi fue quien empleó primero el termino de violín para designar a este instrumento en la partitura de su opera “Orfeo” (1607). El violín que se utiliza en el huapango huasteco es conocido como Stradivarius, con un sonido dulce y brillante, de manera que se ha convertido en el alma del conjunto huasteco, elaborándose en su mayoría por manos indígenas y siguiendo la plantilla de los famosos violines Stradivarius. El uso del violín en la Huasteca se cree que se generalizó en el periodo colonial. Se le ha atribuido a Kaspar Tieffenbregger de Baviera, haber construido el primer violín, pero por desgracia no se conserva ninguno de los que se supone que construyó antes de 1550.

El violín más antiguo que se conoce, data de 1562, construido en la ciudad de Briesca, Italia, por Gasparo de Salo.

Curiosamente, el tan conocido “Huapango” de José Pablo Moncayo, una de las obras más representativas de la música mexicana, no es propiamente un huapango, según han explicado diferentes especialistas en la materia. Carlos Mosiváis, cronista y periodista mexicano, decía que el Huapango de Moncayo (como se le conoce coloquialmente), es más bien un conjunto de sones veracruzanos.

En realidad, los huapangos más conocidos son “El Hidalguense”, “La Petenera” y “El Querreque”, teniendo éste último varias versiones, incluso, pudiendo modificar su verso, dependiendo de la situación y el momento en el que se esté tocando el son. Les invito a conocer y profundizar más escuchando huapangos. *Ingeniera de sonido, sistemas de audio en sala y monitores con más de quince años de experiencia; ha colaborado con artistas y producciones distinguidos en más de veinte tours a nivel nacional e internacional. Ha mezclado para artistas como Kool & The Gang, Gloria Gaynor, Natalia Lafourcade, Mon Laferte y León Larregui. Actualmente se encuentra realizando mezclas en formatos de sonido inmersivo. Es cofundadora de la empresa 3BH, que desarrolla proyectos de integración tecnológica para estudios de post-producción y música en México y Latinoamérica y a partir de 2016 comenzó a representar a la organización Soundgirls.org en México, apoyando a las mujeres a profesionalizarse en la industria del espectáculo.

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Por Néstor M. Iencenella

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Resonance

Cambio volumen por dinámica, mal negocio... (primera parte) Pensé que ya no iba a escribir un artículo sobre Loudness War, pero aquí estamos nuevamente. La música es lo que supuestamente todos amamos y nos importa en este gremio; la dinámica en ella es una herramienta que está a disposición de los compositores y debería ser utilizada como recurso para sorprender y “jugar” con quien escucha de manera constante. Las partes bajas hacen que prestemos más atención, mientras que las fuertes nos transportan a una especie de clímax o resolución. Imagínense Carmina Burana o la Quinta Sinfonía de Beethoven sin dinámica; estamos de acuerdo en que la experiencia sonora sería algo totalmente

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distinto, ¿no? Ya sé, supuestamente soy un antiguo que utilizo ejemplos “pasados de moda” y que nadie escucha; muy bien, puede ser… La dinámica siempre está presente Muchas veces me han dicho que la música moderna no tiene dinámica. ¿Cómo? ¿De verdad creen eso? La dinámica también se manifiesta en la ejecución de un músico; por ejemplo, un bajista haciendo un groove funk acentúa algunas notas mucho más que otras, dando un efecto agradable que aporta musicalidad y claro, groove.


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Lo mismo sucede con baterías, percusiones y sus notas fantasma: En todos los instrumentos musicales, la dinámica está presente, haciendo un aporte que enaltece la música. Por supuesto, la voz humana es un fiel representante de la dinámica, con interpretaciones que van desde lo más sutil hasta lo más agresivo, incluso en una misma canción. En los últimos 25 años se ha instalado una búsqueda frenética por lograr un máximo volumen; el mito de “cuanto más fuerte vende más”, hizo que muchos ingenieros de mezcla y masterización empezaran a desarrollar técnicas para que todo suene más fuerte, destruyendo la dinámica por completo. Un sonido fuerte sin dinámica es el equivalente a una persona que grita todo el tiempo. Pregunto: ¿quién quiere estar con una persona que grita todo el tiempo? Ahora podemos argumentar: “¡Ah, pero

la música que se programa (electrónica, trap, reguetón y demás), no tiene dinámica!”. Esto tampoco es cierto; estos géneros musicales contienen loops de percusión, por ejemplo, de manera que esos sonidos sí tienen dinámica y si la base rítmica estuviese bien programada (para eso existe el parámetro Velocity en MIDI), también deberían tener dinámica, sobre todo si se utilizan sintetizadores analógicos, ya que como muchos saben, funcionan basados en CV y esto tiene un resultado fantástico al ser ejecutado con dinámica, porque hace que el sonido cambie constantemente. Lo que en realidad está cambiando es el voltaje: a menor pulsación, menos voltaje y viceversa. Conclusión: desde el punto de vista de la música, la dinámica es un recurso fantástico para embellecer y sorprender y lo único que hemos hecho es destruirlo. La industria… La música más emitida por todas las radios del mundo gira en torno a los años setenta y noventa. Esto también coincide con la encuesta “Los mejores 500 grandes discos

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Resonance de todos los tiempos”, que realizó la revista Rolling Stone en 2012. ¡Oh, casualidad la música de esos años no estaba tan comprimida como la actual! Otra vez volvemos a lo mismo, ejemplos viejos… En los medios también hay problemas El otro día estaba viendo una película y lamentablemente, los diálogos estaban bajos y la música fuerte; seguramente fue la intención del director que así fuera, pero era prácticamente imposible disfrutar la película sin tener que bajar el volumen cuando aparecía una canción. ¿Qué sucedía? En líneas generales, era imposible lograr un equilibrio agradable entre la música y las voces al estar sobrecomprimida la primera en comparación con las segundas, que quizás sonaban demasiado naturales. Quien haya mezclado este film, seguramente se guió por los medidores, pero no tuvo en cuenta que la música, al ser canciones en su gran mayoría de rock, carecían de dinámica y

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eso hacía un efecto en contraste con los diálogos de la película, dando como resultado que la música se escuche demasiado fuerte a niveles molestos. El tema de los medidores y las mediciones K, LU y LUFS Con muy buenas intenciones se agregan nuevas mediciones en los programas de audio; parece que no sirvió de mucho o que nadie puso atención, porque el sonido siguió aumentando e incluso aparecieron dos nuevos problemas: 1. Muchos ingenieros se obsesionan por llegar a -14db LUFS porque este nivel es el máximo solicitado por casi todas las compañías de streaming y aquí aparece otra mala interpretación, y es que no toda la música debe estar en ese nivel: -14db LUFS es el nivel sugerido máximo y no el estándar o promedio; lo que quiero decir con esto es que si masterizamos una canción a -14db LUFS con batería, bajo, guitarras distorsionadas y voces y otra con guitarra española, bajo y voces, cuando escuchemos las dos canciones sentiremos que la que no tiene batería suena


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más fuerte. Esto sucede porque cuando una canción no tiene transientes fugaces, como el sonido de un bombo o una batería, se llega de manera más fácil y natural a niveles más altos. Las plataformas digitales están preocupadas por este asunto, porque en las playlists a veces se nota mucho la diferencia entre una canción y otra, dando como resultado que hoy el pop suene más fuerte que el hardcore, obteniendo así una relación musical ridícula. 2. Obsesión por el low end. Muchos ingenieros de mezcla o mastering agregan demasiados subgraves a sus grabaciones; cuando esto sucede, los medidores (que miden energía), llegan fácilmente a -14db LUFS (recuerden que las frecuencias graves son las que más energía tienen), pero después, cuando escuchan sus trabajos en las plataformas de streaming, suenan bajos en comparación con otros. Recibo un promedio de dos llamadas por semana consultando por este problema.

Los procesadores en el Mix Bus Los últimos años han aparecido miles de videos (incluso de famosos), con la leyenda: “Cómo hacer sonar tu mezcla más fuerte”. Esta es una de las peores prácticas de los años recientes en la ingeniería en audio, que está causando un daño irreparable a la dinámica de la música. No digo que no tengamos que usar procesadores en el Mix bus; cualquier procesador que se ponga ahí debe ser analizado con detenimiento, porque tendrá un efecto positivo o negativo en toda la mezcla. Ejemplo, supongamos que descubres un emulador de cinta que añade un glue, color o calidez especial, palabras muy utilizadas en los procesos del Mix Bus. La pregunta que debemos hacernos antes de ponerlo en el Bus Master es: ¿Queda bien en el hi hat y en el bajo este proceso? ¿Queda bien en el bajo, en el bombo y en el cuerpo de la voz?

Lado A

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Session One Mi punto es que muchos de los procesadores que pones en el Bus Master seguramente pueden quedar mejor en etapas anteriores; en el Bus Master de la batería, por ejemplo, o insertado en el bajo si fuera necesario. Hace poco tuve que masterizar un disco pop y el ingeniero de mezcla me envió unas mezclas que tenían más nivel de RMS de lo que yo le hubiese dado en la masterización. Conclusión: tuve que dar todavía más volumen, porque imagínense que si mando un mastering que suena más bajo que la mezcla, lo primero que pensará el productor o el artista es: “Este ingeniero no sabe masterizar”. Poner un limitador de mastering en el Mix Bus de una mezcla es el equivalente a grabar la voz con reverb en la etapa de grabación, lo siento...

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La mezcla es el proceso más creativo de las tres etapas de la producción musical, porque es cuando más se puede modificar una canción. Lamentablemente, a lo largo de los años, la mezcla ha perdido sus verdaderos objetivos. Profundizaremos más de este tema en nuestra próxima entrega. ¡Gracias por leer!

*Es músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.


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Por Ferrer León*

Cinco maneras en las que el estudio de grabación nos hace mejores personas

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El efecto positivo del estudio La música, como bien sabemos, encierra (generalmente), un gran contenido emocional. Cada nota ejecutada por los músicos, así como el trabajo del autor, productor y personal técnico, proyectan parte del contenido emocional que se “retrata” en cada canción, es por ello que no se puede dejar de lado la parte humana que se involucra en cada producción a través de la energía que como personas depositamos en toda nuestra función dentro de cada proyecto musical.

Fotos. Rocketzose

espués de los episodios surreales que hemos vivido tras los cambios radicales en la industria musical, como los nuevos modelos de producción, tiempos de confinamiento, crisis sanitarias que a su paso arrastran problemas emocionales, económicos y demás, queda de manifiesto que los tiempos difíciles nos unen más como personas, ya que conseguimos ser más empáticos, tolerantes y solidarios entre nosotros. Por supuesto que hay excepciones, pero en general, podemos experimentar más unidad al unir fuerzas para seguir adelante y el campo de la música no es la excepción.

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ArtÍculo invitado

En este contexto y a través de tantos años de trabajar dentro del estudio con diferentes personalidades, he aprendido que gran parte de conseguir buenos resultados está en saber cómo generar un vínculo emocional que como equipo funcione lo suficiente como para guiarnos por un camino que nos predestine a obtener no sólo el resultado esperado, sino también a crecer como persona y como profesional. Es por ello que en esta ocasión, quiero compartir lo que en mi experiencia, a manera de resumen, serían cinco maneras en las que el estudio de grabación impacta en nuestras vidas de manera positiva: 1. Se establecen nuevas relaciones profesionales Es bueno tener siempre en cuenta que todas las personas que se involucrarán contigo en el estudio merecen la misma atención y respeto; haz todo lo que esté en tus manos para ayudar a su crecimiento, desde tu posición y posibilidades. Es muy común que aquel personaje con el que trabajamos en algún proyecto, se convierta en una amistad, o simplemente regrese en un futuro y que, sin buscarlo de manera intencional, te involucre de nuevo,

pero ahora desde una nueva posición, en la que puede influir en tu crecimiento profesional, y no es que actúes por conveniencia, ya que aún si no volvieras a saber jamás de esa persona, tú crecerás como persona y profesional a la vez. 2. Se desarrolla la paciencia y la empatía La paciencia es, sin duda, una virtud que no todos poseen y si no la desarrollas en un estudio de grabación, te resultará muy difícil lidiar con las dinámicas de producción. Hay que tener siempre en cuenta que, para muchos, es su primer acercamiento a un estudio y que aún les intimida, de forma que su desempeño puede verse mermado por tal sensación, sin tener nada que ver con su capacidad o talento. Asimismo, hagamos memoria de cuando nosotros estábamos en etapa de aprendizaje, buscábamos siempre a quien fuera más tolerante y nos impulsara a aprender de manera cordial. Si desarrollamos la virtud de la empatía, podemos obtener mejores resultados en el desempeño de cualquier ejecutante, que sienta comodidad no sólo físicamente; el ánimo que lo haga sentir en confianza normalmente se reflejará en lo que hará, y tenemos que recordar que a nosotros tampoco nos conviene tener

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un resultado mediocre que salga de nuestro estudio. La paciencia y la habilidad de cómo crear nuevos mecanismos para obtener buenas tomas con cada tipo de personalidad es todo un arte. 3. Desarrollo de la excelencia La minuciosidad con la que se trabaja en un estudio hace de nosotros una persona más observadora y crítica al paso de los años, que, al ser bien canalizada, elevará día a día nuestro nivel de excelencia en los resultados que obtendremos. Trabajar con una actitud profesional responsable y al mismo tiempo armarnos de un equipo de trabajo humano con la misma mentalidad, nos hará no sólo destacar del resto, sino también aprender a ser más cuidadosos, independientemente de que algo “se note o no”. Recuerda que ser profesional no es en sí mismo un nivel, sino una actitud que quizá en un futuro te lleve a un peldaño cada vez más alto. El estudio de grabación es un microscopio en el que todos los detalles cuentan y muchas veces, en los detalles está gran parte del gusto y la elegancia de la música que siempre es un reflejo de nosotros mismos.

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4. Se estimula y desarrolla la creatividad Una de las áreas que más se estimula en los procesos de creación musical y producción es, sin duda, la creatividad; por ser creativo no sólo entenderemos el hecho de tener la capacidad para crear obras musicales, sino también involucra el hecho de saber cómo lidiar con una serie de cuestiones técnicas que nos permitan acercarnos a nuestros objetivos sonoros, por ejemplo: resolución de problemas, cuestiones de rutas de señal, logística de producción, cableado y uso creativo de las herramientas técnicas como micrófonos e instrumentos que se utilizan de forma poco convencional para conseguir determinados resultados sonoros y demás, al mismo tiempo que como mencioné antes, se desarrolla la habilidad de saber cómo obtener lo mejor de cada miembro del equipo, como músicos, arreglistas, director musical o cantantes, con personalidades totalmente distintas. Se trata de aprender a mimetizarnos de manera saludable y para el objetivo común, sin perder de vista que es una habilidad que, una vez desarrollada y apropiada, nos acompañará por el resto de nuestras vidas.


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5. Se ayuda a otros a cumplir sueños, metas u objetivos altamente valiosos Es inevitable que al dar lo mejor de ti en cada proyecto, estás colaborando en el crecimiento de alguien más; no todo se trata de recibir, ya que dando lo mejor también estás ganando mucho en el ámbito personal y profesional; además, la paz que otorga saber que tu trabajo seguirá dando frutos a otros, brinda una sensación de plenitud y motivación para seguir siendo mejor cada día. Sé que los puntos anteriores suenan muy románticos, pero si creemos en la unidad, donde todos nos ayudamos unos a otros, en lugar de competir, el éxito estará garantizado para muchos en sus respectivos momentos. Ponlo a prueba y evalúa por ti mismo: ser mejor persona y mejor profesional le augura un buen futuro a nuestra música, haciendo de este mundo un lugar mejor para vivir.

INOVAUDIO

INOVAUDIOMEXICO

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio.com y www.antenastudio.com

@INOVAUDIOMEXICO

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porque la cultura es segura y necesaria

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ealizado en marzo de este año en el Palau Sant Jordi, la sala de espectáculos más emblemática de Barcelona, España, con capacidad para 18 mil personas, el concierto que brindó Love Of Lesbian significó el referente para establecer que la realización de espectáculos masivos puede llevarse a cabo, aplicando protocolos sanitarios que se suman a la coordinación operativa de la producción técnica y artística. El concierto demostró que en un evento masivo con 4,996 personas, se tuvo un saldo a favor de la causa cultural, al resultar sólo seis casos positivos a la covid-19, sin que estos se hayan

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Fotos Cortesía: Love of Lesbian

Love of Lesbian en el Palau Sant Jordi:

contagiado en el concierto ni propiciado una cadena de contagio posterior a la realización de éste. Es el staff de la banda catalana el que expone lo ocurrido, el significado y el alcance del proyecto para toda la industria del entretenimiento. Una iniciativa, una luz “Previamente, los directivos del Primavera Sound y Cruïlla, hicieron un primer experimento en la Sala Apolo con 500 personas. A partir de ese momento se hizo la unión de ese tipo de festivales para empezar a demostrar que la cultura era


segura, mediante una serie de pruebas de test de antígenos que se aplicaron de la mano del Hospital Hermanos Trías. Cuando se propuso a la banda la idea, lo primero que pedimos garantizar era la razón científica, porque la musical, ya la sabíamos. Fueron tres meses sin parar, coincidió con la salida del disco y preparación de la gira”, comparte Gonçal Planas, Manager Personal y Production de la banda. Tras confirmarse la fecha del concierto, el concepto se basó en atender un diseño sencillo y limpio para cada ámbito de la

producción técnica: “No se trataba de fanfarronear con que íbamos a poner 200 millones de focos y de pantallas para que todo el mundo supiera que estábamos ahí; se trataba de un show para indicar que la cultura volvía. Trabajamos con conceptos que fueron claros: que la iluminación no fuera barroca, sino clara, que las pantallas que pedimos para proyectar fueran grandes, pero sin diferentes divisiones o volúmenes. El escenario no tuvo pretensiones: tenía 18 metros de boca y 12 de fondo, con los lados cubiertos. Estos gestos que implicaron ser simples, y honestos, y poner a la música y a

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Love of Lesbian

la ciencia por delante, se percibieron perfectamente, porque el concierto fue muy emotivo, donde todos fuimos partícipes de algo histórico”, detalla Gonçal. La condición sanitaria en la logística La selección del Palau Saint Jordi garantizaba el nivel espectáculo que se requería, por ser el sitio de Barcelona más emblemático para hacer conciertos; la arena más multitudinaria de España con capacidad para 18 mil personas. Y respecto al tema sanitario, el recinto permite la libre circulación de oxígeno que debía incluso duplicarse para garantizar que el espacio era el mejor posible para hacer la prueba que coordinaron como vocales del Hospital, los médicos Boris Revollo y Josep María Llibre. En lo que respecta a la banda, también fue clave el precedente de prevención que ellos ya venían aplicando: “Antes de este concierto, nosotros estábamos grabando el disco que recién presentamos: ‘V. E. H. N (Viaje Épico Hacia la Nada)’. Tenemos la suerte de tener una amistad que es un oncólogo muy notable de Barcelona, quien nos asesoró cuando no había ni un protocolo normativo para ningún negocio. De tal forma que el primer protocolo que se siguió en España en un estudio de grabación fue el nuestro. Esto quiere decir que cada vez que hemos entrado al estudio de grabación, que hacemos un stage técnico, stage musical, ensayo y demás, ya tenemos la parte sanitaria cubierta, porque hemos invertido en ella desde hace tiempo”, relata Gonçal. Marcel Rius, Jefe de Producción y Logística, quien recién se sumó al staff de la banda, detalla la coordinación entre el equipo del grupo y la producción de los festivales que convocaron la iniciativa: “Toda la parte de producción local de los festivales mencionados, marcó el empuje para realizar el concierto. Ellos fueron los encargados de montar todo el protocolo sanitario, atender el nivel de las salidas de aire en el recinto, coordinar los test por antígenos durante los cinco días que se ensayó y montó todo para el concierto. Expusimos nuestras dudas y aquello que podía tener repercusión en el diseño de toda la producción porque, como se entiende, un concierto de estas dimensiones implica ensayos, proveedores, colaboradores y cosas que un médico carece de saber”. La coordinación y aplicación impecable de protocolos por parte de todo el personal de producción y sanitario, alrededor de 300 personas, marcó la pauta de lo que también se replicó entre el público asistente para cumplir los requerimientos de prueba y control para el concierto: el público debió acudir a una sede en Barcelona para realizarse el test, usando una aplicación específica para ello que registraba sus datos de localidad y actividad fuera de casa. Así mismo, en el Saint Jordi se dispuso de una carpa en la que podían hacerse el test, en caso de no haberlo hecho con antelación.

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“Hubo una zona de bar exterior, previo a la entrada de la pista, para consumir antes del concierto. En la pista hubo tres zonas de público divididas con vallas anti avalanchas para que no se mezclaran entre diferentes bloques, creando tres burbujas de 1,600 personas aproximadamente. No había distancia social obligatoria, pero la condición fue llevar la mascarilla todo el tiempo”, menciona Marcel. La experiencia con el público fue genial, gracias a una tipología de fan propia de la banda y de un proceso pedagógico en la organización en la que el grupo y las autoridades sanitarias indicaban cómo iban a ser las cosas en este concierto. Santi Balmes –líder de la banda–, preparó un discurso de comportamiento para el público donde les compartió la importancia de aquel experimento y momento, del significado de esa jornada”. Extensión de días y horas, variables clave del montaje Para cumplir los protocolos sanitarios en la logística de la producción, se han debido extender los días de montaje y escalonar los horarios de participación del staff, proveedores y talento. Eso es crucial, como revela Leandro López, “Leo”, Stage Manager del grupo: “El montaje nos tomó cinco días. Previamente hicimos un estimado de los horarios y el tiempo que necesitábamos para montarlo todo, planificando lo que serían el montaje, los días de ensayo y calculando los tiempos para citar a la banda y trabajar cómodos. Tardamos un día en montar todo, llegamos en la mañana y por la noche ya teníamos todo operativo. En el segundo día, entramos a tiempos escalonados a partir de la mañana, para hacer pruebas, y por la tarde ya estaban tocando”. “Lo particular de este montaje fue que el escenario iba sobre ruedas. Eso fue algo que pudimos armar en paralelo: mientras se trabajaba en el colgado de las luces y el PA en la estructura del escenario como tal, armamos la tarima que se montó debajo. Ya con esto montado, entró el backline y se pudo hacer bastante rápido; tanto el personal de los festivales como nuestro crew es gente bastante experimentada, así que el trabajo fue fluido”. “Respecto al tema de sanidad y desinfección, todos los que estaban ahí tenían su test de antígenos, además de usar todo el tiempo el cubrebocas”. La cultura es segura Con los casi cinco mil asistentes, la logística y protocolos implementados para la realización del concierto y haber tenido como conclusión sólo seis casos positivos a la covid 19, lo logrado en este recital en vivo desde el Palau Saint Jordi, sentó un posible modelo de trabajo para reactivar la industria de la música y el espectáculo en el mundo.


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“De las personas asistentes, sólo seis dieron positivo y ninguno fue transmisor o se contagió en el concierto. Ese resultado estaba previsto por parte de los médicos e incluso salió más favorable, porque ellos calculaban que entre 100 y 200 personas podían llegar a dar positivo, con lo cual este experimento y la manera de trabajar que se tuvo, demuestran que la cultura es segura”, afirma esperanzado Gonçal. Leo enfatiza esto al establecer que nos volvimos más cautos: “Tienes claro que cualquier positivo entre nosotros implica que todo un equipo de trabajo vaya a cuarentena, así que ya no es sólo por seguridad personal y de colectivo, sino también por lo laboral. La cautela estará muy presente”. Marcel coincide y agrega: “Esta situación nos ha cambiado a todos, desde la esfera máxima personal a la laboral, pero hoy podemos decir que gracias a un protocolo como el que hemos compartido, podemos estar agradecidos de sumar estos ingredientes para ver una luz al final del túnel. La prudencia y la cautela nos permitirán seguir trabajando y sortear las dificultades”. El audio en sala, de nuevo en la labor Roger Marín, ingeniero de audio en sala de Love of Lesbian, narra su historia en este excepcional concierto: “Cuando surgió la idea de este concierto, nos encontrábamos en plena pre-producción de la nueva gira del disco más reciente, así que nos supuso un alto en el camino ya hecho, pero encantados con la idea de poder realizar un evento de estas características con lo que eso conlleva, después de más de un año de parón de la música en vivo, era una oportunidad inmejorable para demostrar que se podían hacer este tipo de conciertos con la máxima seguridad posible”. “En cuanto al sistema de sonido, se montó un sistema L-Acoustics, compuesto de 18 cajas K2, 12 cajas Kara y 16 subs K28, ajustado por el ingeniero de sistemas Josep María Riera. Como comenté antes, al ser un show basado principalmente en la anterior gira, decidimos montar la misma consola, una Midas PRO2 con un DL251”. “Ya estábamos preparando la nueva gira con la nueva de Midas, Heritage-D, y gracias al distribuidor de la marca en España, Adagio, que nos la cedió, decidimos montar las dos consolas en cascada, los primeros dos días ajustamos el show con la Pro 2 y una vez lo teníamos todo preparado y ajustado, probamos a pasar a la nueva Heritage D, en seguida nos convenció su increíble sonido y su rápida curva de aprendizaje. Finalmente se hizo todo el show con ella”. “Todo fue muy relajado en cuanto a montaje, tuvimos un día entero de montaje y dos de ensayo con la banda. Cada mañana, el personal sanitario nos hacía un test de antígenos, esperábamos unos 15 minutos el resultado y accedíamos

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al recinto del concierto. Una vez dentro, todo el día con la mascarilla puesta, era más seguro estar dentro del Palau Sant Jordi que afuera, realmente”. “Puedo decir como aprendizaje, que la música en vivo no se puede perder; si se han de buscar fórmulas alternativas, se crean, la música no puede parar, ya no sólo para los que nos dedicamos a esto, sino sobre todo para nuestra sociedad. La música en vivo nos hace mejores y nos ayuda a todos”. Monitores que vuelven al escenario Por su parte, Jaume Fernández, jefe de monitores de la banda, vivió así esta singular experiencia: “Empecé a trabajar con la banda en 2011 y para esta ocasión, el proceso de producción fue exactamente igual al de cualquier otro concierto de Love Of Lesbian. Diseño el rider de sonido de Love of Lesbian según el concierto a realizar y con la empresa proveedora de sonido del festival y a través del personal de producción de Management, acuerdo todo el set de monitoreo y las diferentes tomas de corriente necesarias para todo el sistema de sonido y backline. Además, en paralelo coordino toda la infraestructura de señal y patch, junto todo el control de monitores a través de nuestra empresa proveedora de sonido Araso, con la que trabajamos desde hace años”. “Para el concierto del Palau Sant Jordi escogí la consola Avid S6L 32D. Desde hace un par de años estoy utilizando esta mesa con unos resultados fantásticos, tanto por su calidad de sonido, como por su versatilidad, fiabilidad y flexibilidad a la hora de configurarla. Además, complemento todo el set interno de efectos y dinámica, utilizando una serie de plug-ins Waves con un Extreme Server. En los in ears utilizamos Shure PSM1000 (x10) más una antena helicoidal para los músicos e invitados, y sistemas Sennheiser EW300G3 (x4) para el Stage Manager y los Backliners. Todo gestionado con el Shure Wireless Workbench”. “Por otra parte, los músicos utilizan desde hace años audífonos Ultimate Ears, aunque últimamente algunos de ellos y yo mismo, hemos adquirido audífonos Jerry Harvey JH/16v2. En monitores de piso utilicé en esta ocasión monitores L-Acoustics X12 I en los side-fills, 4 L-Acoustics KARA, más 2 L-Acoustics SB28, todo amplificado con LA4X y LA12X, gestionados con una computadora con Network Manager. Para el baterista utilizamos desde hace tiempo un sistema de monitoreo Thumper Porter & Davies BC2rm”. “El proceso de montaje fue muy similar al de la época prepandemia, con la excepción de la mascarilla FPP2, que se nos entregaba cada día al pasar el test de antígenos diario. La gente era muy consciente de las normas sanitarias. En cualquier caso, los únicos que utilizaban estos micrófonos eran los propios músicos y yo mismo en los momentos de las pruebas, nadie


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más. Respecto a las instalaciones (backstage, catering y demás), se siguieron escrupulosamente las indicaciones de las autoridades sanitarias junto con el coordinador sanitario, que estuvo presente todos los días”. “Lo más difícil de esta situación es gestionar la distancia de seguridad marcada por las autoridades con cualquier persona de tu entorno de trabajo más próximo. No trabajamos en situaciones donde puedas comunicarte fácilmente a una cierta distancia, por lo que en entornos ruidosos como los nuestros es realmente complicado mantener esa distancia exigida. Por lo demás, con un poco de precaución y una buena higiene en las manos no hay más problema”. “Creo que en una época anterior, nunca habíamos dado la suficiente importancia a la higiene cuando se manipulaba la microfonía. Desde que he vuelto a estar activo en lo laboral, evito en la medida de lo posible tener mucho contacto cuando chequeo los micrófonos de las voces y trato de mantenerlos totalmente limpios y desinfectados, junto con las maletas de todos los técnicos y músicos”. La creatividad de los visuales continúa Felipe Cardeñosa, de la empresa AudioVisualKollective, estuvo a cargo de las videoproyecciones en el concierto de Love Of Lesbian en el Palau Sant Jordi el pasado marzo. Él narra su experiencia en este evento que marcó un antes y un después en la producción de eventos en vivo en el país español: “Hemos trabajado con la banda desde 2016; estuvimos en la gira de ‘El Poeta Halley’, en 2016-2017, ‘El Gran Truco Final’ en 2018 en Madrid y Barcelona, el concierto en las Fiestas de la Merced (Barcelona) 2018 y el concierto de la celebración de los 20 años de la banda en la Ciudad de México en 2018. El diseño de los contenidos evolucionó desde la gira de ‘El Poeta Halley’ al concierto de marzo pasado en consenso entre la banda, la compañía Somos Luz (encargada de la puesta escena y la iluminación) y AudioVisualKollective, (que se encargó de la realización del footage y la ejecución de las visuales en tiempo real). Se respetó la estética de las canciones clásicas del grupo, como ‘1999’ o ‘Ahí donde solíamos gritar’, por ejemplo), dentro de un look espacial que se ha ido actualizando”. “Hay un viaje conceptual que parte de las ilustraciones de Sergio Mora (sergiomora.com) y su visión de lo espacial, que se explora dentro de un imaginario de cómic vintage. A partir de ahí se ha tratado de modernizar el discurso (conservando el mismo leit motiv), con piezas en 3D, en un trabajo en equipo, donde la iluminación y el video han ido de la mano para sumar y enriquecer a la banda”. “Las videoproyecciones del concierto en el Palau Sant Jordi se ejecutaron con los siguientes equipos: Pantalla de LED de 12

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por 7 metros y un pixel pitch de 5.9 milímetros, mezcladora Roland VR-50, computadoras Mac Book Pro con el software Modul8 y una cámara de alta resolución”. “Mi aprendizaje en este evento fue muy significativo, pues el año pasado estuve ingresado en el hospital durante un mes y medio, con dos semanas en coma inducido debido a la covid 19 y neumonía bilateral. Después de una larga recuperación, el concierto del 27 de marzo fue para mí una resurrección artística. Participar en este espectáculo significó salir de la baja medica y volver a hacer lo que más me gusta; más que un reto, este evento fue un ritual de vida y sanación. Rodearme de amigos para conmemorar delante de 5,000 personas mi recuperación y el regreso de la música en vivo a los escenarios”. Las luces, energía que libera En la iluminación, Ezequiel Gómez, fundador y director de SomosLuz (somosluz.eu), tiene 12 años trabajando con el grupo. Para esta ocasión tan especial, el concepto lumínico trató de abrazar lo más posible al público con las luces y las imágenes, ya que los espectadores eran los verdaderos protagonistas de este evento. Así lo describe: “Siempre estamos todos muy involucrados en todos los aspectos del show. Según las características de la producción, desde el estudio de Somos Luz, proponemos la idea inicial, que es contrastada con la banda, el management, la producción y

el staff técnico. Soy el encargado de diseñar el espacio escénico en su totalidad, mientras que la creación de contenidos está a cargo de Felipe Cardeñosa de AudioVisualKollective y estos están trabajados conceptualmente con la banda, el management y conmigo. Los contenidos visuales para este show parten de las ilustraciones de Sergio Mora, a las que se añaden efectos y elementos propios que AV-K dispara en tiempo real. Yo me encargo de ubicar esos contenidos en su sitio, de matizarlos e integrarlos con la puesta en escena. Desde las primeras conversaciones, la producción de la puesta en escena duró casi un mes”. “Mi aprendizaje de esta experiencia es que la cultura sin duda alguna es una necesidad básica y sentir el intercambio de energía en un concierto en vivo no tiene precio”. Los equipos que se usaron en la iluminación fueron: luminarias Clay Paky A.leda K20, Mythos Robe Robin 800, Elan Strobe, máquinas de humo Robe Hazer, cañones Aramis 2500 y consola MA Lighting Grand MA2. Junto con los fans y por supuesto, una banda como Love Of Lesbian, este staff será parte de la historia de la producción en España y el mundo, demostrando que la ciencia y la música tienen un fuerte lazo, donde la primera hará que la segunda vuelva a escucharse fuerte y claro, en vivo. Entrevistas: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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Desde el estudio

GoroGoro IL, donde nacen nuevas experiencias

“Este espacio surgió de la necesidad y del impulso creativo que tengo desde hace años y que se intensificó debido a la crisis sanitaria. Como no tuve giras, encontré más tiempo; este proyecto es como un ente para juntar creativos, tanto músicos como productores, innovadores de software, tecnológicos o musicales, en diferentes formatos inmersivos. A mí me llamó mucho la atención porque entré a trabajar y colaborar con grandes profesionales de la mezcla sonora en el cine”. Esto lo dice Carolina Anton, fundadora de GoroGoro Inmersive Labs, un lugar que abrió junto con estos colegas que menciona. “Del sonido estéreo que todos en música manejamos —en mi caso, mucho tiempo ha sido en eventos en vivo—, ahora meterme a otro mundo que es el cine, me empezó a crear

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una idea diferente a lo que estaba acostumbrada a mezclar. Trabajar al lado de grandes personajes de este medio, como Jaime Baksht, me ha guiado mucho, así como Carlos Reygadas, Carlos Cortés, Marco Hernández, Miguel Molina y muchos más mezcladores y directores de cine”, agrega. Experimentos de éxito “Como me dedico mucho más a hacer shows en vivo, mi primer acercamiento fue crear conciertos inmersivos, así que empecé a investigar cómo hacer estas mezclas en general para hacer shows en vivo. Hicimos un concierto así en la Fonoteca Nacional y en sound:check Xpo, en donde se sumó Ianina Canalis, experta en audio inmersivo y que nos ayudó muchísimo a lograrlo”, recuerda Carolina.


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Carolina Antón “Comenzó el confinamiento sanitario y entonces se crearon más contenidos binaurales. Fue como una forma de decir: ‘¿Cómo podemos generar nuevas experiencias al público utilizando estos nuevos formatos de sonido inmersivo y audiovisual?’ Porque también va de la mano con videos en 360 grados que ya son más interactivos con el público. Esto fue la necesidad de crear nuevas experiencias y de ahí salió este laboratorio”, agrega la fundadora de GoroGoro IL.

Atmos lleva altavoces en el techo, de manera que si puedes escuchar sonidos que vienen dirigidos hacia ti desde la parte de arriba, no están simulados. Son diferentes formatos, una experiencia te la va a dar escuchando con audífonos, por ejemplo in ears, mientras que otro sería como binaural si utilizas audífonos un poco más abiertos. Tenemos también el sistema head tracker, el cual es justamente un sensor de movimiento”, expone Carolina.

“En general, no nada más en México, creo que en todos lados hay muy poca información de este formato”, explica Carolina; “es algo que me emociona y a todo el equipo que trabaja con nosotros. Se trata de la creación; es raro, porque yo he hecho contenido y hay mucho contenido público, pero no hay un estándar, sino creación pura, y sí, definitivamente es un área en donde todos estamos aportando, entonces es muy bonito, porque hay muchos colegas con los que hablamos y nos ayudamos también, de manera que es a donde se quiere llegar: que sea abierto para todos y de alcance más fácil”. Las herramientas Acerca de los recursos con los que cuenta este espacio, Carolina Anton menciona: “Básicamente lo que tenemos es como un laboratorio, hemos probado equipos como Klang, con mezclas inmersivas en tiempo real para los músicos. Como monitorista puedes crear este tipo de experiencias con cada uno de los ejecutantes y además tiene un sensor en donde utilizas el giroscopio de tu teléfono o tablet y puedes girar todo conforme lo ves”. “También hemos probado con herramientas como el sistema inmersivo desarrollado por Ianina Canalis (Immersive Sound System Panning/ISSP), del que somos representantes en México y que fue el software que utilizamos en sound:check Xpo y en la Fonoteca Nacional para hacer el primer show de este tipo en nuestro país”. “En la cuestión de estudio para audio inmersivo, hemos trabajado en Dolby Atmos, en formatos 7.1.4. A diferencia de los sonidos inmersivos como binaurales o en vivo, por ejemplo,

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“Antes del primer experimento hecho en sound:check Xpo, —espacio muy interesante con el que pudimos contar—, lo montamos aquí para ser probado. No sólo fue una experiencia inmersiva, sino que desarrollamos cuatro diferentes; utilizamos una conexión vía Dante, que es audio sobre IP, no sólo como una cuestión creativa en sonido inmersivo, sino también un desarrollo y un mejoramiento. Buscamos optimizar el rendimiento de los equipos para tener una mejor experiencia. Para este caso utilizamos toda una red Dante, tanto en sala como en monitores; no usamos splitters ni snakes analógicos, todo fue por CAT 6 en routers y todo el sonido viajó por IP”. Carolina también comenta: “De ahí se llegó a todas las bocinas. En ese momento hicimos un 7.1.4 con diferentes calibraciones, que es otro tema importante. Cuando estás mezclando para sonido en vivo, la forma de ecualizar y de optimizar es diferente a la manera en la que escuchas contenido para cine o contenido binaural. En la ocasión de sound:check Xpo hubo una combinación de todo, tuvimos varios presets y cambiábamos del show inmersivo a una película, nos cambiábamos a Dolby Atmos con la gente de esta compañía o un contenido en Pro Tools o en algún software. Todas esas experiencias son las que hemos hecho en GoroGoro IL”. “También hemos hecho grabaciones en Ambisonics; el formato de cómo se registra el sonido es con micrófonos que tienen varias cápsulas, que se pueden poner al centro del cuarto o de donde se quiere capturar el sonido, entonces ya capta el sonido inmersivo, se exportan esos audios y cuando se importan al software ya puedes imaginar que estás ahí, ya no simulas, que es lo que se hace normalmente cuando grabamos en mono. Para una cuestión de ambiente o una creación musical se puede pensar en grabar con esos micrófonos la batería, por ejemplo, o lo que se requiera”. El futuro Todo esto se oye interesante y con mucho futuro, pero ¿qué tanto se podrán usar sistemas inmersivos de una manera mucho más común en aplicaciones de música en vivo? Carolina responde: “Lo creo totalmente, lo estamos viviendo y estoy muy contenta de que seamos parte de él. Las nuevas generaciones y todos estamos en búsqueda de nuevas experiencias como estos formatos y formas de escuchar. Como todo cambio, será paulatino”.

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Lo que hay en GoroGoro IL Para la mezcla Dolby ATMOS 7.1.4 con Mastering Suite y monitoreo Genelec Mezcla inmersiva binaural con Ambisonics (aquí se usa head tracker, sensor de movimiento que se coloca en los audífonos, más otros plug-ins inmersivos como Waves o DearVr). Para sonido en vivo Sistema de monitoreo personal Klang. También se usa actualmente para hacer streaming y es para mezcla en vivo. Software Immersive Sound System Panning, que usa el giroscopio del teléfono, sensores de movimiento (Leap Motion), y es para audio en sala. “La gente que está implicada en la parte de producción, desde la creación de los contenidos y los ingenieros que lo pueden ocupar, deben tener una adecuación al tema, conocimiento y ganas de experimentarlo”. “Para mí, lo que estamos haciendo en GoroGoro IL ha sido un camino muy lindo, me he podido relacionar de otra forma con músicos, productores, ingenieros y otras áreas que complementan estos procesos, para crecer todos”. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco


Universo sonoro

Por Mario Santos*

Mozart y la tecnología T uve un sueño hace un año, justo en medio de la pandemia. Como en un viaje a través del tiempo, me vi en una estrecha calle de Viena en 1787, tres años antes de la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart. Parado frente a una casa que miro con atención, toco la puerta color terracota. Al instante, aparece un personaje alto y delgado que me mira asombrado por mi contemporánea apariencia. Pregunto por Mozart. Con cierta desconfianza, el personaje me deja entrar a una pequeña sala adornada con candiles, diciéndome que avisaría al gran maestro vienés de mi visita. Bajo mi hombro izquierdo cargo mi portafolio de trabajo que contiene mi MacBook Pro, un pequeño teclado MIDI y una impresora también pequeña. Después de unos diez minutos de espera en los que varios habitantes de la casa pasan mirándome como un extraterrestre, finalmente aparece Mozart elegante y aristocrático con su fina peluca, maquillado y vestido como digno compositor de las cortes del siglo XVIII. Mirándome con evidente desconfianza y hasta cierto punto asustado, Mozart me pregunta: —¿De dónde viene usted y en qué puedo ayudarle? —Maestro, vengo de muy lejos, del otro lado del océano; de América, y quiero mostrarle algo que usted debe conocer y que deseo obsequiarle. —No entiendo quién es usted ni como llegó aquí, pero dígame, ¿qué es lo que yo debo conocer? En ese momento, abro mi portafolio negro en el piso, saco mi laptop, el pequeño teclado MIDI, la impresora, los conecto y oprimo los botones para que se prendan. Mozart ve el teclado, que es lo único que parece reconocer como algo conocido, pero se queda mirando el otro extraño objeto metálico, formado por una pantalla de cristal y un teclado con letras iluminadas, tal y como si una persona en la actualidad mirara la consola de navegación de un ovni. Estuve a punto de preguntarle a Mozart

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si no tenía algún contacto de corriente en alguna pared para conectar mi cargador, pero preferí omitir la pregunta. Inmediatamente suena el acorde mayor característico de las computadoras Apple cuando se prenden y como arte de magia emerge el icono de la manzanita en la pantalla, momento en el que Mozart da un salto hacia atrás con los ojos desorbitados. —Debo decirle, Maestro, con el debido respeto y proporción guardada ante usted, que yo también soy músico y compositor, que admiro su música y que me gusta analizar sus obras. Mozart no contestó, pues se había quedado paralizado viendo la MacBook sin poder emitir una sola palabra. —¿Es usted músico? ¿Qué es eso? ¿Cómo es que conocen mi música en América? Mozart no daba crédito a lo que veía. Aparece mi pantalla iluminada, fondo de pantalla con una imagen de los Avengers, selecciono el ícono del Sibelius, y abro el programa.

—Sí, Maestro, he dedicado mi vida a la música, sólo que en los tiempos en los que yo vivo, las cosas han cambiado demasiado. Esto que ve usted funciona con electricidad, fenómeno físico que aún no se conoce; es una computadora inventada por Steve Jobs y Steve Wozniak aproximadamente en 1980. En América conocemos muy bien su música y de hecho, no existe Conservatorio en el que actualmente no se estudie su arte. Mozart palidece, comienza a temblar y grita: —¡Constanza, Constanza, ven de inmediato! En ese momento, entra por la puerta Constanza preocupada y es así, de esta manera, en un tenso y absurdo ambiente que sólo es posible en el mundo de los sueños, como conozco a la mujer de Mozart.

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—Llévense a este lunático que habla del año 1980 como si ya hubiera ocurrido y asegura que conocen en América mis obras, cuando aquí lucho a diario con mis editores para que las publiquen. —¿Quién es usted, y qué desea con mi marido? —Señora, yo sólo quiero mostrarle a su esposo tres herramientas que quisiera dejarle como obsequio. En ese momento, le muestro a Mozart los compases iniciales de “Don Giovanni” en mi Sibelius, obra que en este momento el maestro aún estaba por componer, además de mostrarle la partitura y la reproducción de la misma por medio del Note Performer 3. Mozart sigue callado. Mientras tanto, comienzo a tocar en el teclado MIDI, las notas que al mismo tiempo se escriben en la partitura, reproduciendo los sonidos de los instrumentos, y le añado una reverb en la mezcladora del programa. Don Giovanni comienza a sonar con una orquesta invisible, con un sonido casi real, dentro de un pequeño y extraño objeto de metal. Después de escribir las notas en el score, lo transporto, extraigo las partes individuales y realizo varios trucos que los músicos hacemos hoy con la tecnología. Mozart sigue sorprendido, pero ahora muestra menos desconfianza, al haber escuchado los primeros compases de una obra que le suena familiar, compuesta con su propia

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personalidad musical, pero que aún no reconoce, ya que en el desarrollo lineal del tiempo es una obra que él mismo compondrá unos meses después. —Me parece una obra interesante y no puedo negar que tiene mi estilo, aunque no puedo comprender cómo es posible que pueda estar yo escuchando una obra musical que compondré después, no entiendo qué es lo que está sucediendo ni quién es usted. En ese momento, selecciono “imprimir” en la pantalla y de mi impresora comienzan a salir dos hojas de papel con la partitura del violín primero. Mozart comienza a temblar, sale corriendo de la habitación, pero al salir por la puerta cae muerto de un infarto. Constanza grita desesperada mientras una voz operística que anuncia el fin de mi sueño penetrando las paredes adornadas, canta en alemán: “El tiempo no es más que lo que nos permite darnos cuenta de cómo los instantes se suceden uno al otro en una secuencia de eventos que percibimos como presente y como realidad. Cada momento es único. El presente es la línea indefinible que va convirtiendo el futuro en el pasado”. Sirva este extraño sueño para reflexionar en varias cosas. Hoy, los músicos y compositores tenemos a nuestra disposición herramientas que hace doscientos años nadie podría imaginar. Si bien la tecnología no sustituye la capacidad de un músico, bien usada, la potencializa.


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Hoy, un músico no sólo debe prepararse en los terrenos de la teoría musical, el desarrollo de una técnica en su instrumento, el entrenamiento auditivo, la armonía y la composición. La tecnología nos ofrece hoy la posibilidad de poder grabar nuestras ideas, de poder escribirlas con ventajas que hace apenas unos años, implicaban una inversión considerable de tiempo y esfuerzo. Cuando Mozart escribía una ópera, la escribía a mano y una vez terminada, debía contratar un copista que realizara las partes de cada instrumento y no habiendo fotocopiadoras, el copista debía realizar con su puño, letra, estilo caligráfico y con el riesgo de cometer errores, las partes musicales de cada atril, proceso que podía llevarle varias semanas en terminar. Hoy se escribe una partitura y las partes individuales se generan en unos cuantos minutos con la calidad caligráfica de una partitura editada profesionalmente.

Los compositores en el pasado, escribían música orquestal, sonando la obra en su cabeza, en su universo imaginario, aunque pudieran utilizar el piano como herramienta. Comprobaban el resultado en los ensayos, cuando los músicos comenzaban a tocar la obra. Hoy basta con tener un DAW (programa para grabar audio y MIDI), para poder sonar e incluso componer, contando con la ventaja en el proceso creativo, de estar en contacto directo con la materia sonora. Hoy es posible grabar o adquirir una pista con los instrumentos de un ensamble sin nuestro instrumento para poder practicar y estudiar una obra, improvisación o cualquier tema musical, pudiendo tocar encima como parte del ensamble. La tecnología hoy es parte de nuestra vida artística, de tal forma que un músico, cantante, compositor, arreglista o productor, alterna en un constante flujo su capacidad creativa con el uso de la misma y aprovecha sus ventajas. Y por supuesto, es necesario reafirmar que la tecnología jamás sustituye el talento del creativo. Lamentablemente en mi sueño Mozart no pudo recibir mis tres obsequios… de haberlo logrado, le hubiera hecho la vida más práctica, aunque haya que decir de la misma forma, que nunca requirió Wolfgang en su corta vida de una computadora para realizar su magnífica y sublime obra artística.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

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Notas del medio

Jairo Guerrero y su Cámara de sueños, sonidos sanadores El artista sonoro Jairo Guerrero tradujo el acompañamiento personal de un tratamiento psicoterapéutico en un proyecto para mejorar la calidad de vida de las personas a través de la música. Llamado “Cámara de Sueños”, se trata de atmósferas que a través del sonido permiten contrarrestar desbalances emocionales y trastornos mentales, al emular el efecto vibracional que proveen medicamentos como los ansiolíticos; efectividad avalada por el Instituto de Educación e Investigación en Salud Mental de México. “Este proyecto partió de una experiencia propia en el confinamiento sanitario, que creo nos pasó a muchos por toda esta nueva situación: lidiar con nosotros mismos, aislarse, empezar a compartir con una familia con la que no acostumbras estar las 24 horas y tener dinámicas de vida que no se demoraron en mostrar problemas mentales y emocionales como insomnio, ansiedad, depresión y falta de concentración porque, además, los entornos de trabajo cambiaron”, relata Jairo.

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“Muchas personas desafortunadamente no tienen la posibilidad de un tratamiento o simplemente no han llegado a la decisión de entender que lo necesitan o a pedir ayuda. De ahí partió esta iniciativa. Quería hacer algo de manera sonora que pudiera fungir como una especie de acompañamiento para personas que sufren este tipo de desbalances. Lo que hacen los antidepresivos es equilibrar la química del cerebro para que empieces a pensar de manera correcta. Cada uno de estos medicamentos hace lo suyo en la mente y en el cuerpo, y cuando eso sucede, la persona empieza a experimentar bienestar y eso está ligado con vibraciones: está comprobado que el cuerpo humano vibra cuando está en una situación positiva o estable; emite vibraciones que se miden en hertzs —entre los 62 y 69, aproximadamente—. Cuando la gente vibra por debajo de esas frecuencias es cuando está deprimida o triste y el sistema inmunológico es más propenso a enfermarse”, explicó el músico.


Notas del medio

Jairo comenzó a trabajar en el proyecto y considerando también factores como la fluctuación del ritmo —la música electrónica como el house suena a 122 beats—, decidió componer esta música para tratar de llevarla a la manera en la que ocurre la respiración humana para conseguir que las personas se sincronicen a ésta:

“Es música que fluctúa entre los 40 y 60 beats, que es como respira el cuerpo humano; tiene ese juego también y las frecuencias que mencionaba, aunque éstas no sean tan audibles por el oído humano; es como poner una cama de vibración por debajo que, de alguna manera, cala el inconsciente. Le mostré el proceso de trabajo a Ruth Cabrera, psicoterapeuta, y me dijo que le recordaba a los sleeping pods (cápsulas de descanso) en los aeropuertos, para que quienes hacen viajes muy largos puedan dormir mientras escuchan sonidos acompañados con variaciones de luces; se meten en una especie de burbuja para relajarse”. “Me hizo sentido: de ahí salió el nombre de ‘Cámara de Sueños’. Le expliqué a Ruth el tema de las vibraciones y empezó a utilizarlo en terapias con pacientes a volumen bajo y lograba que llegaran a lugares más íntimos para el tema de sacar todo lo que necesitaba durante la sesión. Luego lo mostré a médicos del Instituto de Educación e Investigación en Salud Mental de México y me dijeron que el efecto lograba borrar el exterior y tener un momento de foco bastante interesante, que no tenía que ver con dormir o meditar, sino que se trata de un viaje sonoro que te acompaña”, explica el artista sonoro.

Concebido como proyecto no terminado, Jairo comenta: “Cada track-atmósfera-cámara corresponde a un medicamento: primero salió ‘Aprazolam’, después ‘Desvenlafaxina’, luego ‘Fluoxetina’ y ‘Zolpidem’. Seguirán ‘Prozac’ y ‘Quetiapina’, que se usa para el trastorno bipolar”. “La composición ha sido un tema de mucha paciencia, porque tengo los ingredientes, pero no sé exactamente cómo va a quedar el viaje y al final, aunque sea sonido experimental, la misma canción empieza a hablar por ella misma”.

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Notas del medio

“Toda la captura de audio la hago en Ableton y ahí también armo la masterización, ajusto volúmenes y demás. Uso sintetizadores análogos, algunos teclados y quise incorporar algo aleatorio, porque finalmente esto no es una fórmula química, puede tener variantes inesperadas, así que me valí de una vieja técnica que se llama tape looping para generar casetes; se cortan las cintas y se arman reels muy cortos que pongo a correr en una grabadora multicanal Tascam de seis canales, que empieza a generar un ritmo que se repite de algo que grabas, pero es inexacto. Sobre eso voy jugando con los sintetizadores y demás, pero lo que grabo en las cintas y demás va en línea con las vibraciones y notas que necesito, todo sonando de manera aleatoria, y de pronto en el caos, empieza a encontrarse un patrón que termina siendo una fluctuación que entiendes y con el que te sintonizas”.

“Cámara de Sueños” está acompañada por su contraparte visual, realizada por artistas que trabajan en 3D; es material ya hecho que permite elegir el tipo de fluctuaciones visuales adecuadas para cada cámara: “Se buscaba que no fuera como un video ni que entrase al mundo del DJ con visuales y demás, sino que también acompañara, como cuando se dispara el salvapantallas de tu computadora. Está pensado para que se use en consultorios psiquiátricos y de psicología y ya se ocupan en la Sala de Espera del Instituto de Investigación y Educación Mental de México; son hipnóticas, amables, tranquilas y te sincronización en un estado neutro”, describe Jairo.

“La masterización va sobre cómo meter ciertos niveles de bajos por track, porque uno de los sonidos más incómodos para el oído son los medios, así que traté de matar esos sonidos y limpiar ciertos niveles, dar volumen y cuerpo en los bajos, que no suenen muy brillante y que se entiendan si los escuchas en equipo de alta fidelidad o en tu celular o computadora. La ecualización está pensada para que funcione en diferentes ambientes. Es maravilloso hacerlo, porque es todo un tema de experimentación, donde mezclo cosas digitales y análogas”, expone el creador.

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El proyecto cuenta ya con una playlist especial en Spotify a través de la disquera del artista, Days Without End, y ha ganado menciones por su arte y campaña de difusión entre la comunidad publicitaria de América Latina, especialmente por sus posters e e-Cards interactivas que permiten descargar los tracks al celular: “Ya están disponibles cuatro temas y en el segundo semestre de 2021 se liberará otro más. Esto es para todo público, porque todos hemos sentido ansiedad o depresión y hemos lidiado con situaciones complicadas para las que a veces la mente no da solución. Si está funcionando en tratamiento para personas con ese tipo de trastornos, lo hará para el público en general y eso me parece una maravilla”, concluye feliz Jairo. Este momento de la historia y nuestro bienestar, lo agradecen. Bendita la música.


Notas del medio

Genelec, creatividad y emprendimiento con nuevas iniciativas La marca finlandesa de altavoces profesionales está estableciendo la primera sucursal de su nuevo G Innovation Lab en la ciudad de Kuopio, con el objetivo de fomentar la creatividad y el espíritu empresarial en la región y atraer profesionales a la zona. Se comenzará con la actividad llamada Discovery Event Pitch Challenge en agosto y ahí, la firma reclutará un equipo de personas para desarrollar aún más el pensamiento innovador que ha ayudado a inspirar los avances técnicos de la empresa durante las últimas cuatro décadas. Desde 1978, Genelec ha combinado un profundo conocimiento de sus clientes con un equipo de investigación y desarrollo notables en la industria del audio profesional, lo que ha llevado a una serie de hitos técnicos que han establecido el estándar de rendimiento para los altavoces profesionales en todo el mundo. Genelec también comprende que los enormes cambios en la forma en que se produce y distribuye el contenido de audio, además de los desarrollos en el aprendizaje automático, la inteligencia artificial y los modelos comerciales basados en servicios, significan que las formas de pensar nuevas y creativas serán esenciales en el futuro.

emprendedores tendrán la oportunidad de presentar sus ideas a un panel de figuras de alto nivel de Genelec, lo que creará una oportunidad idónea para que los candidatos conozcan más sobre la marca y muestren al panel cómo ellos y sus ideas pueden ayudar a fortalecer el negocio de la empresa y la industria del audio profesional en general.

El G Innovation Lab será el hogar de personas talentosas y con un interés profundamente compartido en la industria del audio, que comenzará a trabajar este otoño. La ubicación del laboratorio también está diseñada para facilitar una cooperación aún más estrecha con universidades e instituciones educativas regionales, algo que Genelec ha valorado y fomentado durante mucho tiempo.

El director general de Genelec, Siamäk Naghian, comenta: “La transformación en curso en nuestra sociedad, tecnología, industrias y comunidad de audio es profunda y extremadamente emocionante. Nuestro propio éxito como empresa siempre ha sido impulsado por personas decididas a superar los límites de su imaginación y vemos al G Innovation Lab como un vehículo esencial para liberar el potencial creativo oculto que existe en nuestra comunidad local y atraer nuevos talentos a la región”.

Para poner en marcha el proceso de contratación para el G Innovation Lab, el Discovery Event Pitch Challenge se llevará a cabo los días 23 y 24 de este mes y es un evento híbrido (presencial y en línea) en el que los buscadores de carrera y los

Podemos tomar este ejemplo para pensar en maneras de descubrir talentos en nuestras regiones que puedan ser útiles al audio profesional. Para más información sobre el evento, pueden entrar a: www.pondi.fi/en/discovery-event.

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Vari-Lite añade texturas de color a Agua Flamenco El diseñador de iluminación, Yaron Abulafia, dio vida a una antigua fábrica de aceite de oliva cerca de Sevilla, España, cuando la pieza flamenca contemporánea “Agua” se interpretó con una variedad de equipos Vari-Lite. Anunciada como una “pieza visual que se desplaza entre la danza, el teatro visual y la instalación de arte”, “Agua” fue representada en el espacio La Aceitera, por el artista israelí Adva Yer en colaboración con Andrés Marín. Como sugiere el título, es una pieza inspirada en el agua que explora el movimiento, el color, la textura y el sonido, con un guiño al cuadro de Matisse llamado “La piscina”. A la cabeza de las luminarias Vari-Lite se encontraba la VL5LED WASH, que proyectaba ricas combinaciones de colores en el espacio, complementadas con las luminarias VL2600 WASH. Un equipo de luminarias VLZ PROFILE y VL2600 PROFILE agregó luz frontal y efectos, con luz lateral SL BAR 720ZT. “Tenía mucha curiosidad por probar el VL5LED WASH para esta producción debido a su aspecto retro, que era muy adecuado para el recinto”, dice LD Yaron Abulafia, quien ha diseñado producciones en todo el mundo, incluso en Deutsche Oper Berlin, Royal Opera House de Londres y el Centro Internacional

de Danza de Shanghai. “Fue un placer trabajar con los colores ricos, tanto saturados como sutiles y la calibración de la mezcla de colores, con una óptica precisa excepcional. El diseño exterior es muy atractivo a la vista y la versatilidad de su luz con lamas abiertas o cerradas tuvo un impacto muy interesante en el aspecto del espacio”. Yaron Abulafia usó ocho unidades VL5LED WASH para retroiluminación, aprovechando su gran rango de zoom, mientras que otras dos VL5LED WASH funcionaron se utilizaron como foco para marcar áreas en el escenario. El funcionamiento silencioso también fue clave, como explica Yaron: “La antigua fábrica de aceite de oliva, ubicada en un pueblo cercano a Sevilla, es un hermoso espacio cultural con carácter único, por lo que las fuentes LED, el nivel de ruido y el bajo peso fueron una prioridad para nuestro sitio, debido a la energía, consumo, música en vivo y condiciones arquitectónicas en el espacio”. Para mejorar el espectáculo en el interior, Abulafia colocó un VL6500 WASH fuera del espacio dentro de los campos de olivos para iluminar el espacio a través de una ventana, emitiendo hermosos reflejos a través de las paredes traseras.

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“Birds in the Moon”, nuevas propuestas para nuevos tiempos Una nueva y provocativa ópera de cámara con música del compositor Mark Gray, llamada “Birds in the Moon”, ha lanzado una gira nacional basada en un concepto de puesta en escena revolucionario: toda la producción se encuentra en un contenedor de seis metros que se puede configurar rápidamente para presentaciones al aire libre en cualquier lugar. Para simplificar la producción de audio y al mismo tiempo ofrecer un paisaje sonoro horizontal extendido, la producción utiliza doce altavoces autoamplificados Meyer Sound montados en el contenedor. El espectáculo se mezcla en un iPad con el diseño de sonido espacial Spacemap Go de Meyer Sound y el software de mezcla en vivo. La ópera en contenedores debutó en Domino Park en Brooklyn a principios de mayo como parte del programa gratuito Bandwagon 2 de la Orquesta Filarmónica de Nueva York en toda la ciudad.

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Desde el principio, Mark Gray creó esta obra con una flexibilidad y portabilidad sin precedentes en mente. La idea era llegar a un público razonablemente grande al aire libre sin dejar de ofrecer un paisaje sonoro dinámico y panorámico, y hacerlo con un sistema optimizado que admitiera flujos de trabajo tanto automatizados como en vivo. Gray, un consumado diseñador de sonido y compositor, recurrió a Spacemap Go como la herramienta fundamental para implementar sus ambiciosos conceptos auditivos. “Ha sido increíble trabajar con Spacemap Go durante el año pasado, explorando todo lo que puede hacer”, dice Mark Gray. “Realmente superó mis expectativas, por ejemplo, en la forma en que puedes automatizar las trayectorias sónicas a lo largo del tiempo, capturar esa escena y luego pasar a la siguiente. Y recordar todo es simple, ya que Spacemap Go se integra sin esfuerzo con otros programas de software”.


El sistema de altavoces consta de dos altavoces principales ULTRA-X40 y dos elementos de control de baja frecuencia 900LFC montados en el contenedor / escenario, además de ocho altavoces UP-4slim en las alas extendidas. Todo el frente es muy simple: dos micrófonos inalámbricos para los intérpretes, cuatro DPA 4099 para los instrumentos a través de preamplificadores y una unidad de reverberación estéreo vintage que se alimentan directamente a las entradas analógicas de un GALAXY 816, junto con 24 canales para electrónica. “Hemos demostrado que se puede configurar un gran sistema sin tantas salidas y Spacemap Go es clave, porque podemos hacerlo todo sin usar una consola de mezclas dedicada”, continúa Gray. “Cada escena del programa tiene una instantánea Go Mix de Spacemap con etiquetado, configuración y mapas espaciales asignados a los canales. Luego realizamos la mezcla en vivo en el iPad con Spacemap Go. Cuando el Ringmaster está en la parte superior del contenedor de envío, mezclamos su posición utilizando un mapa espacial que impulsa el X40 con más fuerza”. Este lugar móvil se ha convertido en el escenario de toda la serie Bandwagon 2 de cuatro festivales de fin de semana en Nueva York. La Filarmónica de Nueva York se asoció con seis organizaciones y más de cien artistas para presentar 39 actuaciones, que abarcan disciplinas artísticas desde el reggae, el jazz y la ópera hasta la danza, la poesía, el teatro, el cine y las artes visuales.

Después de una exitosa carrera en Nueva York, “Birds in the Moon” hará su estreno en la costa oeste de Estados Unidos del 1 al 4 de septiembre, presentado por The Broad Stage. El proyecto está producido por Cath Brittan y dirigida por Elkhanah Pulitzer, con libreto de Júlia Canosa. El escenario fue diseñado y construido por Chad Owen,s con diseño de video de Deborah O’Grady, diseño de iluminación de David Finn y diseño de vestuario de Christine Crook. Se presenta en asociación con Meyer Sound, con soporte adicional de micrófonos DPA. El consultor de audio para las actuaciones de Nueva York fue Garth MacAleavey, diseñador de sonido residente y director de producción de National Sawdust.

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Eventos

Gibson, ¡bienvenida a Eusica! Convocados en Eusica para el que sería su primer evento presencial post confinamiento en la tienda de instrumentos musicales, equipo de audio para grabación y escucha con sede en la Ciudad de México, se reunieron directivos, técnicos, personal de venta y músicos como Tito Fuentes (Molotov), Sabo Romo (Rock en tu Idioma Sinfónico), Iñaki (Fobia) y Arturo Tranquilino, entre otros, para inaugurar su nueva sala para las guitarras Gibson. El proyecto, que se tuvo que postergar por la crisis sanitaria, aporta con creces en la visión de este espacio que ha venido a renovar la venta de instrumentos musicales desde el cambio de su concepto e instalaciones en el 2017; la esencia que distinguió a Equipos y Cintas (EyC, como muchos conocieron este punto de venta), pervive en un concepto que ha logrado resignificar la experiencia del usuario final, el vínculo con los aliados, la innovación y el servicio al cliente. Así lo valoró el ingeniero Jaime Celis, fundador y director de Representaciones de Audio y la que fuera Equipos y Cintas: “Es una emoción y un gusto que después de un año de estar guardados y no tener oportunidad de reunirnos, hoy haya un tiempo para abrir este lugar y estar juntos. Son muchos recuerdos desde hace 42 años que se instaló esta tienda, y Jaime (Celis, hijo), en su deseo y entusiasmo, vino a tirar paredes, crear nuevas cosas, cambiar y ampliar el lugar; construyó la relación con Fender y fue trayendo otros instrumentos que sabemos son maravillosos... lo felicito por este esfuerzo y el equipo de trabajo que ha desarrollado”, externó orgulloso. “Estamos viviendo un momento extremadamente complejo y sin embargo, la industria de la música está renaciendo. Nunca había tenido un crecimiento tan importante como el que tuvo el último año y esto renueva el rock, a la guitarra y el poder volver a tocar la música como hacía tiempo no se hacía”, mencionó por su parte Jaime Celis Cuevas, director de Eusica. “La industria de la música antes de 2009 no crecía más de diez por ciento; el porcentaje de crecimiento de la compra de instrumentos musicales era del cinco por ciento. El año pasado creció más del veinte por ciento, lo que significa que habrá

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Jaime Celis Cuevas


Eventos

muchos nuevos guitarristas. Ojalá haya más de estos espacios; que nosotros podamos motivar a la industria para que más gente quiera mejorar la experiencia de venta es mi objetivo, eso es ‘el bien del alma’. Eusica debe ser, y será, ese espacio para poder transmitir y compartir una cultura y un gusto por hacer música”.

más cosas. En México, quienes distribuyen Gibson suelen tener sólo ciertos modelos y acá tendremos todos. Esta noche inauguramos el área de guitarras eléctricas y mañana estará lista su zona para las acústicas, justo al lado”.

Tras el corte del listón a manos de Tito Fuentes, Sabo Romo e Iñaki, quienes compartieron anécdotas para luego echar también el “jamming”, los asistentes hicieron el recorrido por el nuevo demo room. Con la experiencia de tener en exhibición prácticamente todo el catálogo de Fender, la llegada de las guitarras Martin y ahora Gibson, el anhelo de que Eusica tenga lo mejor, se está cumpliendo. Con Gibson, la estrategia es atender a músicos que crecieron con el sonido y modelos de la marca y a los entusiastas que se están acercando a ella, como expuso Yanina Quiroz, Gerente de Mercadotecnia y Comercial de Eusica:

“Todos los músicos quieren tener o sueñan con tener una Gibson. Donde te muevas, ya sea pop o rock, ahí están sus guitarras. Va a un nicho que distingue su sonido como un sello en la música, pero también hay nuevas generaciones que la están buscando. Marcas como Gibson y Martin valen por su legado y la gente lo paga. Lo que hacemos es brindar opciones de pago a meses sin intereses o bonificaciones para que adquieran

Yanina Quiroz

“El confinamiento sanitario nos mostró también un nicho entre las personas que buscan información sobre los productos de las marcas y que no tenían otra opción más que la de ir a los sitios web de éstas, hechos en el extranjero. Nos pusimos a hacer todo nuestro contenido y así hemos creado servicios como el ‘Uno a Uno’, donde haces una cita y a través de videollamada, los chicos de la tienda —a quienes aquí llamamos músicos, no vendedores—, brindan desde el recorrido virtual hasta demostración de la guitarra que quieres oír, te explican todo en detalle y resuelven tus dudas”. Lo que ocurre en Eusica es el sueño que todos los que hemos estado en la industria de la música queríamos realizar”, concluyó Yanina.

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Un encuentro con

Luis Arturo Torres, excelencia en la coordinación de p roducción

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on 36 años de experiencia en el medio del entretenimiento que equivalen a más de 5,300 eventos realizados, Luis Arturo Torres ha sido testigo y partícipe de la evolución y profesionalización de la industria del espectáculo en nuestro país. Su formación en Ciencia Política sin duda aportó recursos en el arte de la negociación, la estrategia y la comunicación que demanda un pilar de la producción: la logística. Así lo revelan sus dos décadas como coordinador de producción del Auditorio Nacional y su actual cargo como Gerente de Producción (Production Manager) de la Arena Ciudad de México. Camino sin retorno Aún en la escuela y por azares del destino, Luis Arturo tuvo la oportunidad de realizar una gira por Estados Unidos con un grupo de ballet y música griega, lo que marcó su futuro, afianzando su pasión por el oficio de la producción: “Tuve la fortuna de iniciar en este negocio cuando comenzó a profesionalizarse, cuando llegó el boom de los eventos en México con el concierto de Rod Stewart; ahí fueron mis inicios, digamos en serio, en el mundo del espectáculo. Desde entonces el mundo del espectáculo en nuestro país ha evolucionado mucho y me siento orgulloso de ser parte porque todos, los de antes y ahora, hemos visto crecer la industria, tanto el nivel del espectáculo, del negocio, de la producción y la tecnología. Somos muy afortunados de haber vivido todos esos procesos a lo largo de tres décadas”. Fueron las producciones de Miss Universo en el Auditorio Nacional, Michael Jackson en el Estadio Azteca, los eventos del Teletón, la NFL American Bowl, Luciano Pavarotti en Chichen Itzá y Andrea Bocelli en el fuerte de San Juan de Ulúa y diversos eventos corporativos, el tipo de producciones que encausaron su especialidad en la coordinación y logística: “Me di cuenta de que podría ganarme la vida haciendo eso que me encanta y me apasiona muchísimo. Tenía buen manejo de idiomas y eso también me ha ayudado mucho, porque sin proponérmelo me llevó mucho a coordinar los eventos,

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porque tenía la facilidad de comunicarme con las producciones extranjeras en todas las áreas. Eso implicaba también saber los tecnicismos, porque una cosa era tener buen nivel para hablar inglés, pero otra era entender conceptos de la producción. Hoy eso es más sencillo; los chicos aprenden muy rápido también


Un encuentro con

eso: las posiciones, por ejemplo, en el teatro donde todos los comandos son en inglés y tienes que sabértelos y tomar en cuenta la visión del técnico, del operador, o si te toca operar el frente del escenario, la del artista. En cosas así es cuando nos apoyamos todos como compañeros. Actualmente, todo eso se maneja mejor, pero hace 30 años era todo un tema”.

La estancia en el Auditorio Nacional como coordinador de producción le permitió crecer a Luis Arturo, junto a toda una generación de artistas y producciones, tanto nacionales como extranjeras. Logística, el motor del show Saber interpretar lo que la gente de producción local y extranjera pide, hacer que suceda en tiempo y forma, prever, optimizar recursos, todo parte de la logística: “A principios de los años noventa, cuando planeabas un evento, tenías el fax como el gran recurso, porque ya podían llegar los planos y el diagrama de conexión, ¡ya podían verse y no sólo era imaginarlos por una llamada telefónica! Luego empezaron los correos electrónicos, una tecnología que revolucionó la forma de trabajar. Hoy tenemos la fortuna de compartir en vivo en una llamada, poner imágenes, dibujar y hacer anotaciones juntos, pero a la distancia. Hemos picado piedra, trabajando desde el teléfono hasta los servicios digitales”.

“Fue padrísimo ser testigo de ello, porque las primeras producciones eran muy artesanales, con sus trastos de tramoya, su iluminación, que consumía mucha energía eléctrica. Recuerdo que en ese Miss Universo, el primero que tuve, el Auditorio nos dio ¡un mes de montaje! Hoy es imposible considerar dos días seguidos. Todo lo hicimos artesanal: llevábamos tubos de neón en iluminación, cosas muy pesadas, que hoy se arreglan con una pantalla LED en dos horas”.

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Un encuentro con

“Ese tema de la corriente eléctrica y la energía fue de los rubros que más evolución técnica tuvo, hasta por el tema de la mejora ecológica. Antes llegaban las producciones con sus cables de corriente pelones y el Auditorio siempre ha estado a la vanguardia en tecnología y empezamos a educar a las producciones. Dejamos de sufrir con el cable vivo. Hoy es impensable tener producciones sin los debidos conectores, sin centros de carga y generadores”. “En el Auditorio Nacional tuvimos la fortuna de recibir a todas las grandes producciones de los artistas nacionales y extranjeros, ver cómo rompían sus récords; vivimos la evolución de los eventos ahí. Fueron 20 años como coordinador de producción y cinco en iluminación. Fue el lugar donde tomé la decisión de dedicarme profesionalmente a esto que tanto me apasiona”. El reto para reinventarse, la Arena Ciudad de México Desde hace cuatro años, Luis Arturo tomó las riendas en la gerencia de producción de la Arena Ciudad de México que opera Zignia Live, lo que ha traído a su vida el reto de atender el espectáculo en un recinto, cuya versatilidad reta a la creatividad y la coordinación: “Tuve la fortuna de que se fijaran en mí y me buscaran estando en el Auditorio; lo que me ofrecieron fue un proyecto profesional increíblemente atractivo. Trabajo para Zignia Live y ellos no se limitan al tema de operar un solo inmueble, ya que es promotora de sus propios eventos y a la par opera la Arena Monterrey y la que será

la Arena Guadalajara; su contexto es tanto nacional como internacional y estoy muy contento por los retos increíbles que implica un lugar así”. “Yo venía de un auditorio y de teatros donde sueles tener pocas modificaciones del tipo de escenario que puedes armar; en la Arena Ciudad de México está el tema de la cancha central, que brinda la gran variedad de posibilidades que tiene un espacio así para montar un espectáculo: puedes hacer un espectáculo en una esquina, el de formato tradicional, o bien armar un escenario 360 al centro de la cancha o un jaripeo en todo el espacio. Todos esos puntos van sumando retos, porque te obligan a pensar tu diseño de audio, de iluminación, de acomodo de sillas... todo. Los artistas, al ver la Arena, intentan innovar en sus espectáculos y eso para mí es buenísimo. Ha sido un trabajo extraordinario, porque es un mundo muy demandante y de muchos retos, que lo hace muy interesante”. Que siga la pasión y profesionalización marcando el camino de quienes dirigen y coordinan el día a día del espectáculo en nuestro país. Que la historia de Luis Arturo se siga replicando e inspire. Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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