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AUTOEDICIÓN

Fotografía: Mauricio Ramírez

Consideraciones Cinematográficas

Sergio Eduardo Meza C. 22/08/2012


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Obra escrita por Sergio Eduardo Meza C. Ilustraciones de Mauricio Ramírez Del Pino

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© Obra escrita: Sergio Eduardo Meza Concha. Se ha realizado la inscripción correspondiente en el Registro de la Propiedad Intelectual Primera Edición extensión PDF. Diseño Gráfico

: Rengo, Chile; Agosto 22 de 2012; ejemplar digital en : Sergio Eduardo Meza Concha

© Ilustraciones fotográficas: Mauricio Ramírez Del Pino Reservados todos los derechos, sin perjuicio de lo cual se permite la impresión de un solo ejemplar de uso personal. Toda cita, parcial o total, deberá referirse a sus autores respectivos. El autor en la web: http://smcarq.blogspot.com Errores, faltas o sugerencias para futuras ediciones, hacerlos llegar a sergio.meza@yahoo.com

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“One night there flew over the city a little Swallow. His friends had gone away to Egypt six weeks before…” Oscar Wilde

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INTRODUCCIÓN

El cine es, de alguna manera particular, “más” que todas las otras artes reunidas; es como si en él todo se pudiera abrazar; sin bordes, sin fronteras, sin restricciones, sin tiempo lineal que restrinja y sin espacio tridimensional que limite; sus recursos abren las posibilidades a un máximo impensado en otras áreas, sin que aquella apertura permita pensar en simples o aparentes transgresiones; la pintura no deja de ser eso dentro del cine, ni la ópera, ni la escultura, ni nada; la capacidad alusiva e inclusiva del cine es amplia como casi toda nuestra capacidad perceptual.

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Sea esta obra recopilatoria, mi personal homenaje a semejante invento. Este libro trata de diversos textos relacionados con determinados filmes que los titulan, en la gran mayoría de las veces. Me permitiré presentar esos textos según la calidad integral que de los filmes aludidos percibo. Cada quien podrá hacer sus propias listas. Los escritos que presento no forman parte de “Las Películas de Mi Vida”; son aquellos filmes que, en el momento justo, tuvieron la capacidad de provocarme la necesidad de expresar algo de interés acerca de ellos. Aquí van, ordenados desde el que considero el filme más discreto hasta el mejor, en orden ascendente: 1. 2. 3.

Mr. Brooks. La cotidiana vida exitosa de un asesino en serie millonario, progenitor de su réplica femenina. (Pág.18) El Motín del Caine. Cómo un actor solo es capaz de rescatar un filme. (Pág.20) La Última Tentación de Cristo. Si el libro fue bueno, nunca nos enteramos en este filme. (Pág.22)

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Pandillas de Nueva York. Un elegante y sobreproducido fastidio cinematográfico, engendrado por el amor a una ciudad. (Pág.24) Deja Vù. Una dulce historia de amor, hábil y encandilantemente disfrazada de ciencia ficción predominante. (Pág.26)

El Cadáver de la Novia. Una gris tragicomedia musical en stop motion. (Pág.28) 7. Avatar. Un filme tecnológicamente construido para generar seguidores. (Pág.30) 8. El Rugido del Ratón. Una parodia bélica nuclear, hija de la Guerra Fría. (Pág.36) 1 9. Casino Royale . Una caótica licencia cinematográfica humorística sin vocación de unidad. (Pág.38) 10. La Joven de la Perla. Un chiste de un excesivo buen gusto fotográfico. (Pág.40) 11. Exterminador. Un grueso y poco refinado clásico de la ciencia ficción, poseedor de una trama sobrecogedora y apasionante. 6.

(Pág.44) 12. 13. 14. 15. 16.

El Hombre Bicentenario + Alien. Dos filmes equiparables a partir de sus aparentes diferencias. (Pág.46) Koyaanisqatsi. Un extenso video clip minimalistamente ecológico. (Pág.50) Hugo Cabret. Un homenaje patrimonial a París y a Georges Méliès. (Pág.52) El Perfume. El mundo a través de la acción desquiciada de un genio del olfato analítico (Pág.54) Patton. Un paisaje bélico pleno, cuya medida es un solo hombre personificado por uno de los mejores actores del cine. (Pág.56)

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La de 1967

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El Topo. Un western fragmentario y surrealistamente mente poderoso. (Pág.58) El Pianista. Un solitario periplo a través de una Polonia devastada. (Pág.64) La Caída. Una reconstrucción patrimonial objetiva de uno de los mayores criminales de la historia del hombre. (Pág.68) Hannibal. La Elegancia de una ciudad encajada en el atractivo de un sicópata criminal antropófago. (Pág.72) Todas Las Mañanas del Mundo. Un despliegue barroco efectivo de una elegancia musical fantástica. (Pág.74) Babel. Un grito de añoranza entrecruzado geográfica y culturalmente, proferido por la perdida proximidad de nuestros seres queridos, distanciados para siempre por obra y gracia de las paradojas de la vida moderna. (Pág.76) El Hombre Elefante. La belleza humana más profunda desvestida y exhibida. (Pág.80) El Extraño Mundo de Jack. La condición perversa presentada de un modo sumamente didáctico. (Pág.82) El Submarino. Un desfile de carros alegóricos hecho de rostros, dispuestos como el veraz paisaje testimonial de una guerra mundial. (Pág.84) Ratatouille. Una excelente transposición animada del sabor gourmet. (Pág.86) Tiempos Violentos. El contrapunto irreverente de una hermosísima violencia sanguinaria descarnada. (Pág.88) Cinema Paradiso. La encarnación de la más dulce e intensa de las nostalgias viriles. (Pág.90) El Padrino + Cinema Paradiso. Las dos caras de una misma moneda humana. (Pág.92) Amélie. La cosas simples de una vida sencilla y soñadora, convertidas en una celebración. (Pág.94)

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Belleza Americana. La elegancia sublime de lo suburbial, puesta al servicio de una belleza cotidiana elocuente. (Pág.100) Blow-up. La encarnación totémica del silencio en un contexto paradojalmente superficial. (Pág.104) Apocalipsis Ahora. Intenta afortunadamente atrapar la poesía de la guerra. (Pág.106) Lawrence de Arabia. La paradojal complejidad del desierto, llevada al alma de sus protagonistas. (Pág.108) La Strada. El esplendor de un decaimiento rector poético implacable. (Pág.112) All That Jazz. El despliegue "ritmado" de una muerte artística anunciada, realizado a partir de severos contrastes espectaculares. (Pág.114) El Ciudadano Kane. Una fiesta de recursos cinematográficos originales desprovistos de una emocionalidad a la altura de las circunstancias. (Pág.118) 2001, Una Odisea del Espacio. Una simpleza implacable capaz de complejizar no el despliegue fílmico, sino la percepción del espectador. (Pág.128) El Acorazado Potemkin. Una sinfonía dramática de grises y contrastes rematados por el invento escenográfico más efectivo de la historia del cine. (Pág.132) Casablanca. Una “preparación” compleja donde cada “ingrediente” es capaz de desaparecer para conformar la más sobria, elegante, discreta y efectiva de las perfecciones cinematográficas. (Pág.134)

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EN RELACIÓN AL TRABAJO DE ILUSTRACIÓN FOTOGRÁFICA DE 2 MAURICIO RAMÍREZ DEL PINO Se concreta en esta obra por medio de las correspondientes imágenes, que ilustran a todas las consideraciones cinematográficas.

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Las imágenes son, en su generalidad, fragmentos de fotografías mayores, escogidas tras leer los textos específicos. Por lo mismo es que se opta por el formato 10x4 en cuanto fragmento fotográfico, elegido en pos de configurar “una nueva foto”, que busca asumir algo de lo leído, en una libertad propia del encargo que le diera como desafío a Mauricio; “…que las ilustraciones sean los más abstractas posibles, de manera tal de abrir puertas y no conducir al lector hacia moldes rígidos”. El trabajo de selección se realizó en base a más de quinientas imágenes que el ilustrador tenía de antemano, fijando preponderantemente la atención en su última etapa, donde el agua es la protagonista. Luego, las imágenes seleccionadas son preponderantemente líquidas, a modo de sustrato base. Mauricio Ramírez configura su invento ilustrador a partir de la fluidez del agua, como alternativa a lo que los filmes referidos contienen según los textos, teniendo en cuenta, inclusive, que varias de las películas abordadas no habían sido vistas previamente al escoger la imagen correspondiente. Sobre todo me ha quedado presente la impronta general de Ramírez, que alude a un potencial diálogo que existiría entre el cielo y la tierra en sus imágenes, pero eso lo que impulsa la obtención de las fotografías originales totales, a partir de la cuales se obtuvieron, por fragmentación, las acertadísimas ilustraciones. Tenemos lo siguiente: hace tiempo que quería incorporar las potentes imágenes de este fotógrafo a mis libros antológicos. Esta fue la ocasión perfecta de desafiarlo a desplegar, de un modo 2

Mauricio Ramírez del Pino es arquitecto de profesión. En este libro debuta como ilustrador. [e-mail: mauriram@gmail.com / cel.: 98423947]

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interesante, toda la esencia de su propia subjetividad, llevada, digámoslo así, al cuadrado, por cuanto sus búsquedas de relación entre el cielo y la tierra, que generan fotografías totales, se ven atravesadas por la selección de fluidos fragmentos abstractos, capaces de desencadenar sensaciones personales libres, abiertas y acordes a textos que, por sí mismos, se detonan desde muy diversas actitudes. Esta obra, textualmente hablando, no apunta a una sola impronta con la cual abordar todos y cada uno de los filmes, sino que de lo que siempre se trató fue el abordar, desde los más diversos puntos de vista, a todas aquellas obras cinematográficas que fueran capaces de suscitarme palabras proporcionales, o tangentes, o analíticamente penetrantes, siempre caso a caso; hay situaciones en las que el filme es el pretexto, como hay casos en que el filme es el objeto de todo el escrito correspondiente. En fin. El libro está listo, para que sea leído a partir de las imágenes que encabezan, a título de obertura libre que admite e invita a la lectura relajada. 14

Mi reconocimiento, respeto y admiración por el trabajo fotográfico de Mauricio Ramírez Del Pino. Estas consideraciones fílmicas se han honrado de contar con su atenta y sumamente asertiva colaboración. Rengo, 22 de Agosto de 2012

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Mr. Brooks [2007] Director: Bruce A. Evans

"Dios, dame la serenidad para aceptar las cosas que no puedo cambiar; coraje para cambiar las que puedo y sabiduría para reconocer la diferencia". Mr. Brooks es la mejor de las personas, con la peor de las aficiones.

La película es realmente interesante desde el punto de vista del contrapunto entre la musicalización y los parlamentos. Un ejemplo, cuando Mr. Brooks se reúne por primera vez en la sala de Conferencias de su exitosa empresa con Mr. Smith, y le dice una frase de advertencia en relación a la afición que el segundo quiere replicar;… “pero te voy a advertir una cosa…”, pero se lo dice con una pausa inicial y una apostura entre ambos tan contrastante y con un sustento musical disonante tan exquisito, que esa sola escena basta para quedar atrapado en la trama del filme. La película es muy recomendable, y en ella la música es todo lo desconcertante que se requiere (y no más), para vivir la

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realidad de semejantes adefesios siquiátricos, en una suerte de suspenso de perplejidades permanentes. Aparte, las locaciones y escenarios, ¡Cuánto orden!, ¡cuánta armonía en la apariencia!; ¡y cuanto derrumbe y caos retenido, en una suerte de represa inmensa!, de cuyas fisuras Mr. Brooks se encarga cual pequeño dios.

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El Motín del Caine [1954] Director: Edward Dmytryk

La Película trata del relevo del mando que lleva a cabo la oficialidad subordinada al Capitán de un buque de la armada norteamericana, con la posterior puesta en escena del juicio ante un tribunal militar de los involucrados. Humphey Bogart es el protagonista de esta Película, donde lleva a cabo la mejor actuación de su carrera, encarnando al trastornado Capitán de un barco, en los tiempos posteriores al fin de la segunda guerra mundial. El desarrollo del Filme es un arco que se abre con la construcción de actitud de rechazo del espectador hacia el protagonista, la que culmina con una suerte de cierre definitorio de la problemática con un encaramiento que hace uno de los personajes a los supuestos triunfadores de la contienda final ante un tribunal militar, cuando queda de manifiesto el estado del capitán del Caine. La Película se sostiene por la actuación de Humphrey Bogart. Él es quien ata todos los cabos sueltos y establece el amarre de la tensión del Filme.

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Finalmente, no obstante ser el cierre algo abrupto pues, como decĂ­a antes el Filme construye una actitud de rechazo del espectador, queda en la retina la imagen de Bogart, sentado torcidamente sobre la silla del tribunal, jugueteando obsesivamente con unas bolas de acero que representan la enajenaciĂłn del oficial. Bogart ha sido uno de los mejores actores de cine que he conocido, junto a George C. Scott.

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La Última Tentación de Cristo [1988] Director: Martin Scorsese

No hubo caso. Vi una vez completa esta película, de punta a cabo y la segunda vez saltando partes. Lenta (que no tiene por qué ser un defecto), excelente fotografía, vestuarios impecables, las locaciones perfectas (Getsemaní, el Desierto, donde la secta de los Esenios supongo…), la fotografía magistral, la música intencionadamente actual. Pero algo tiene la narración que me pasa lo mismo que con Pandillas de Nueva York (del mismo Director); las escenas, más al final que al principio del filme, se tocan el hombro y se suceden unas a otras, pero tampoco se miran a los ojos (insisto, sobre todo en el final). Los parlamentos y el soporte, por decirlo de algún modo, teológico, o simplemente lógico, descolocan una y otra vez. El colmo ocurre cuando, en el lecho de enfermo de un Jesús anciano, llegan los apóstoles y lo encaran, lo retan, le llaman la atención, le revelan que el ángel que tuvo a su lado por décadas era Satán. Pero no fluye la cosa; a tirones las revelaciones, a tirones los razonamientos, y queda la impresión de que en un momento se terminó la tensión de la trama y quedaban cosas por decir.

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Absolutamente inverosímil la prédica de Saulo ("Saulo; ¿para qué me persigues?"). Es caricaturesca, al punto que casi se nota la instrucción del Director al respecto. Claro, se quería decir que se estaba engañando a los fieles del mundo con un Evangelio apócrifo, pero es risible la actuación del actor que encarna al Santo. Termina la Película abruptamente; todo lo abrupta que no fue el Film en su totalidad. Con el debido respeto, otro abrigo ajeno de dorados 3 botones.

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Ver texto de "Pandillas de Nueva York"

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Pandillas de Nueva York [1988] Director: Martin Scorsese

No soy quien pero, desde mi percepción, esta película no cuaja como un todo, no obstante las múltiples causas y razones dispersas para ser, por partes, un gran racimo de aciertos de edición, fotografía, guión y otros aspectos fácilmente distinguibles. Ejemplos; la lucha inicial sangrienta y coherente en sí (sin dudas lo mejor), su anterior catacumba de donde emergen los irlandeses, el suave tono fotográfico unificante que, cual cuadro de Rembrandt, da continuidad cromática a las escenas, la verosímil actuación del carnicero líder de los Nativos, el vestuario, la reconstrucción del “aire” de antaño, la arquitectura, el diseño urbano y aspecto inmundo de la ciudad en ciernes. El filme es un discurso que subentiende que el espectador efectúa una lectura inductiva de los hechos, y que tiene que comprender desde sí que las tribulaciones de sus protagonistas son las mismas que las de todos y cada uno de los neoyorkinos de fines del siglo diecinueve. Surgen los rascacielos al final del filme como testimonio de un olvido repentino del futuro hacia sus orígenes, pero no late esta evidencia en el espíritu, y se verifica el hecho de que ver Pandillas de Nueva York es como abrochar los botones dorados y brillosos de un largo abrigo negro prestado.

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Todo lo que pasa le toca el hombro a lo que viene, pero nunca se miran a los ojos las escenas contiguas, y así la cópula de las partes, acaso magistrales, no se dan el abrazo de la "belleza total". Una pena, dado que este filme, en palabras del autor (del cual manifiesto mi entero respeto), pareciera ser una declaración de los fundamentos de sus películas anteriores.

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Déja Vù [2006] Director: Tony Scott

Yo no sé si este comentario es cinematográfico o no, pero esta película es increíble; la he visto más de nueve veces, y no termino de encontrarle detalles y facetas. No es que sea en extremo poética, no creo que lo sea de hecho, en ella todo es explícito; dice lo que dice y no dice más de lo que dice. Pero dice mucho. Habla del amor de un hombre por una mujer a quien conociera quemada, con los dedos de su mano derecha cortados con tijera de podar, y en definitiva muerta sobre la camilla de una morgue de New Orleans (¡qué ciudad más bella!, a todo esto). Pero ella está viva en el pasado, afirmación que, a secas, puede parecer retórica, pero no lo es en el desarrollo del filme; ya entenderán cuando la vean. Parte con un atentado de proporciones en un ferri de esa ciudad, adonde cientos de marinos se van de paseo. Explota. Más de quinientos cadáveres rescatan del agua las autoridades. Denzel Washington, perteneciente a la ATF, investiga los rastros de la explosión, con la sagacidad y certeza que el filme necesitaba. Todo se puede resolver investigando los cuatro días anteriores al evento terrorista que Claire Kuchever vivió, envuelta en un fárrago de eventos extraordinarios.

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Puede que no tenga que ver (pero en realidad si lo tiene); el personaje de “Ella” es simplemente maravilloso; bella es poco decir. Reluce y fulgura su cuerpo, gestos y ademanes en la penumbra de su hogar y en las locaciones adonde desarrolla su vida normal. Su cuerpo es perfecto y sus rasgos son una puerta abierta hacia un fogón intenso en un día de invierno. A todo esto ni siquiera he comentado el tema de cómo un destacamento especial del gobierno puede indagar en el pasado reciente (siempre en el instante preciso de cuatro días atrás, con seis horas, tantos segundos y no sé cuántos nanosegundos transcurridos). Solo véanla; es una historia de amor, de ciencia ficción, y policíaca, que pocas veces se encuentra en el cine comercial. Espero no equivocarme, sin perjuicio de que este post lo escribí más con las tripas que con el lóbulo frontal.

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El Cadáver de la Novia, a priori [2006] Director: Tim Burton

Reconocible desde lejos, su imaginario es el verdadero protagonista de sus películas, aparte de los personajes que estas propuestas vivientes encarnan. Es tan persistente su búsqueda nostálgica basada en los cuentos que conoció o que quiso haber conocido, vertidos en su obra cinematográfica de la que podría ufanarse (no hablemos de esa amorfa revisión del Planeta de los Simios), que se podría decir que es un solo discurso unívoco el que canta a un desarrollo de personajes que podríamos sintetizar como esperpénticos. Genial para ser elocuente en su hilo maestro, parece no terminar con su etapa de rebanador de una estética reminiscente que bebe de fuentes tan dispares como el peor cine, y los más desagradables seres provenientes de imaginarios infantiles y propios de las historias de terror decimonónicas. Sin conocer su nueva película percibo que seguiremos presenciando el largo espectáculo del desfile de personajes, así como en continuidad con "El Extraño Mundo de Jack", entre otros referentes.

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Incansable en su propuesta no claudica, y para mejor persiste en su apuesta esporádica de la animación cuadro a cuadro, en seres modelados de plastilina, llenos de texturas "sucias", aún imposibles de realizar inclusive por el mejor modelador 3D, Veamos qué se trae entonces...

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¿"Avatar" o "Danza con Avatares"? "Avatar". [2009] Director: James Cameron

La vi ayer, en 2d, exactamente a las diez y seis treinta horas, en el que anteriormente fue el elegante cine Metro, ubicado en Avenida Pedro Montt frente a la plaza Italia, Valparaíso, así que, con las impresiones frescas, puedo agregar algunos puntos que me andan dando vueltas, así como ingredientes de otras cosas que surgen como partes de un ensamble mayor. Saben muy bien su negocio quienes, pudiendo establecer los puentes más coherentes y verosímiles, renuncian a todo eso para simplificar una narración con los fines que todos suponemos, más apegados a la intensión de fundar cultos que de lograr aciertos estéticos profundos. Star Wars declaradamente lo hizo (o al menos eso dice George Lucas ahora, que se ha dado cuenta de mil cosas “para bien” y para mal de esta otra saga). “Avatar” también lo hace, a extremos algo burdos a mi muy personal modo de ver las cosas. Sin perjuicio de esto, el espectáculo de ingresar a un mundo virtual, generado a tal grado de detalles es realmente alucinante. Hagamos un recuento previo y al paso de las cosas que suceden al ver este filme: emociona, impresiona, obnubila, encandila y es capaz de trasladar al espectador a una sensación bastante parecida a lo que sería vivir en el paraíso, a extremos que

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nunca pudimos pensar ver, ni siquiera en sueños. Debo ser explícito en esto; si tuviera que elegir una imagen del paraíso para irme a vivir allá, Pandora sería, hasta aquí, mi mejor opción. Hasta aquí hablamos del artificio; fabuloso, increíble, maravilloso, ideal, paradisíaco, santo, pulcro, sagrado, místico, y hábilmente dispuesto para ser digerido por la mayor cantidad de personas posibles, pagando todos los precios necesarios, y renunciando a todo lo que se tenga que dejar de lado. Esto se condice con los ripios, acaso intencionados, en la narración. Ocurren cosas realmente disonantes, como cuando aparecen los animales a salvar la situación que los nativos ya no podían terminar, como también es difícil de creer que no pudieran estar monitoreando en tiempo real, los administradores del proyecto, hasta la más mínima imagen que veía el avatar correspondiente, insertado en la realidad directa de las tribus, ocupantes del planeta que querían explotar con fines mineros. Y hay más detalles, pero no viene al caso detallarlos uno a uno, ya que mi texto apunta hacia otra parte. “Avatar” es parte de una narración mayor que supera los bordes y el tiempo de la proyección en las salas de cine; el cuento es externo a la película, igual (idéntico) que Titanic donde, con meses de anticipación, supimos que se descendió al lugar donde estaban los restos del barco real, y todo ello era parte de una historia superior a la obra en sí que se presenciaría, con documentales previos de captura épica de antecedentes, desde las cuales ya la expectación de mucha gente estaba sembrada e instaurada. Las películas de Cameron son superiores (más amplias) que el producto final. Esto es muy claro. Luego, perfectamente se puede realizar, siguiendo el juego, una lectura superior a las claves que “Avatar” nos da acerca de nuestro propio futuro como seres humanos sin sentirse fuera del caramelo que nos han vendido. De esto nos ocuparemos luego. La película, quiero ser taxativo, no es una obra de arte capaz de ser puesta al lado de otras que sí han sido capaces de portar mayores dosis de coherencia y arquitectura implacable en su fineza y austeridad, agregando justeza y dosificaciones exactas de

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medios puestos a disposición de un fin claro (¡uno solo, maldita sea!). “Avatar” tiene demasiados fines explícitos; como por ejemplo estos dos puntos; 1, enriquecer a los que son parte del negocio; 2, encandilar con cuentos previos que no tienen que ver con la propuesta intrínseca, como intrínseca es una pintura, ignorante de distracciones, historias y antecedentes exógenos a sí misma ( me dan ganas de pensar en el filme Camile Claudel, que habla de una mujer artista, admirada en su obra por personas que ni siquiera han visto su trabajo ni conocen su vida, pues tienen en cuenta el cuento que la prensa, los libros y el cine le han dado digeridos y licuados para llegar y tragar; era medio loca, obsesiva y sumisa con Rodin, entonces toda esta historia romántica, con niebla y salones de cortinajes verticales, vestidos traposos y cinceles matizados con amores tórridos y enfermizos, arman un caldillo astuto y complejo, que engaña, miente, tuerce, degenera y distrae de la percepción legítima, carente de preconceptos, prejuicios, medias tintas e imágenes que muchísimos individuos no saben dónde colocar, salvo en comentarios al paso, que dejan aires de serena percepción superficial ostentada solo con fines de cartel y autobombo solemne. ¡He escuchado a varias personas hablar de esta artista sin haber visto la película, y sin conocer obra de arte alguna de ella, y sin saber nada sino pedazos de tráileres del filme famoso! Esto es muy decidor. Así actúa la gran mayoría de las personas; hablan de oídas, no disciernen en relación a lo que opinan de esto o de esto otro. No les interesa pensar ni siquiera un momento en lo que dicen; solo repiten lo que escuchan dicho y hecho), pero sigamos; 3, hacer asistir a las salas de teatro a las personas a la consolidación de un espectáculo que se venía produciendo con anticipación, y que continúa con posterioridad a salir del cine; 4, poner en boca de muchos millones de personas un mismo tema de conversación, que permita generar diversos medios periféricos de lucro a través de subproductos a la venta… Me molesta inmensamente, en lo personal, esta costumbre de las grandes masas de mirar las cosas como si se apuntara con una escopeta a una bandada de miles de aves migratorias de

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distinto destino y origen, para disparar sin saber a qué ni para qué. La cosa es apuntar y darle a algo, ya se verán las razones. Mal que mal tantos lo hacen. Cuando hablé de El Código Da Vinci (del libro y la película), enumeré múltiples ingredientes que confluían a los productos finales (ambos). Ahora también se puede hacer esto que aludo, a partir de múltiples ingredientes acaso inconexos o desproporcionadamente expuestos. Vamos por partes:… - Se replica puerilmente la Tesis del Buen Salvaje (no hay ser de Pandora que sea malo; todos son buenos, porque son salvajes, obedientes a su medio ambiente absolutamente en equilibrio) y se habla de la residencia del civilizado, que termina volviéndose en contra de sus propios “paisanos”. - Se enarbola una bandera medioambientalista tan explícita y altisonante que tal aspecto, como tantos otros, se separa de la Unidad que se le debe exigir a una propuesta estética. - Se trazan perfiles étnicos terrestres tan obvios que, una vez más, vemos un ingrediente que se distancia de la narración (Mohicanos, Sioux, etc…). Para qué hablar de los rituales. - Se diseñan animales, plantas y ambientes excesivamente similares a los terrestres (ya sean dinosaurios, perros, gatos, monos, caballos…) - Se basa la “Gran Metáfora” de este mundo distante en la Internet, vista como un ensamble bioquímico capaz de establecer simbiosis plena. Y así… Entonces me cuadra todo esto como un manojo no unitario y excedido de factores que necesariamente deben ser traídos a presencia como distintos, distantes, separados, y reconocibles; cada cosa se debe ver como de donde proviene; los rituales, del África, la vegetación de las zonas selváticas ecuatoriales, las exclamaciones de brío y furor guerrero de las praderas de Norteamérica, la interconexión vital de la Internet, los animales gigantes de los que existieron aquí hace doscientos millones de años, y todo esto… …sumado a la absurda manera en que el protagonista (el soldado lisiado) se comporta ante sus jefes, y a la vez ante los nativos; ¡es

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tan ridícula la manera en que se muestra la actuación del soldado!; da cuenta a sus jefes terrestres y se engarza en la tribu protagonista que habita Pandora a la vez, sin señal de arrepentimiento alguno; sin quiebre, sin dudas, sin vacilaciones, sin un momento de paradoja interna; nada de nada. Es un tarado moral. Él simplemente traiciona a los nativos con una sonrisa en la boca, mientras da cuenta e informa a los visitantes terrestres de todos los secretos que les permitan asolar todo el planeta si quieren y, para más colmo se permite enamorarse de una nativa, y yacer en un sublime momento de erotismo sin mostrar pero la más mínima duda ni remordimiento, para después asumir automáticamente su rol salvador heroico, virtuoso, magnífico, mítico, mesiánico como avatar en contra del lucro ciego de los desgraciados y canallas terrícolas (todos malos. Todos, menos él, y ahora, no antes, ni siquiera un segundo antes). Buenos que no son buenos, ya que la trama los necesita malos. Héroes de pacotilla, creados sin la más mínima sensibilidad. ¿Cuál es esta calidad?, porque existe. Este producto está plagado de calidades dispersas. Esta película (y así nos lo han hecho ver; cierto será) se ha dedicado a crear tecnología pertinente; la misma que inserta en las creaciones digitales los gestos que separan, al parecer definitivamente, a los modelos virtuales de los actores reales. Todo será cosa de hilar un poco más fino en estos instrumentos que todos ya hemos visto, para impregnar de “alma” a inventos cualesquiera, por medio de transferencias directas de personas humanas hacia seres digitales. Y vayamos un poco más allá de este filme. Pero ahora para recoger lo que considero el gran aporte de este complejo caldo de artificios, creaciones de tecnologías, y reutilizaciones de artimañas narrativas llevadas a medio camino con esplendores alucinantes. La realidad virtual de la que dispondremos en unas décadas más será capaz de cosas increíbles. Esto es lo realmente interesante de todo este cuento; sumado al anhelo que se alojará en millones de personas de vivir en

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lugares que nunca existirán, pero que se pueden ofrecer a la gente por medio de la computación. Esto es todo. A futuro podremos hacer lo que queramos en mundos y vidas separadas del que sí es “real”. Esto es clarísimo. La realidad virtual será una instancia completamente accesible por mayorías importantes. Y lo preocupante de todo esto es que los motivos que tendrán las personas para renunciar a administrar realidades externas efectivas serán no necesariamente sanas. Muchos huirán y se enajenarán de su vida hacia sus propios “Pandoras”. Y no tendrán ganas de hacerse cargo de ese mundo que la ciencia nos ha revelado como efectivo, medible y disponible. Tal es el asunto. Esto de "Avatar”, o de “Danza con Avatares” o de “El Avatar Púrpura de El Cairo” no es para nada importante, por mucho que me encandile y me obnubile, y me entregue un momento de diversión inolvidable. “Hay otros mundos, pero están en este”; no es necesario salirse, enloquecerse y drogarse con ilusiones; todo está aquí, según sea la capacidad de educar las percepciones y la capacidad de derribar esclavitudes de realidades que no somos capaces de superar, para ver lo que es y siempre será, pero con los ojos del que recién viene naciendo. Mala la película; muy mala, pero con todo lo dicho, como aporte a cosas que no se relacionan con el Cine, ni con el Arte del Cine, ni con la búsqueda de Obras de Arte a partir del Cine. Ya vendrán, ahora, los que se vestirán como nativos de Pandora, a semejanza de los “Trekkies”, de los que tantos de nosotros nos reímos, por mucho que nos demos razones para mantenernos respetuosamente serios y tolerantes.

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El Rugido del Ratón [1959] Director: Jack Arnold

Es una película exquisita; con un gran genio de la comedia de los sesenta; Peter Sellers. Cuando veo Cine así me siento realmente en casa; el color, el ritmo, el doblaje al español de proximidad de parlamentos; los temas cálidos y la calma en la narración, sumado a escenarios y locaciones muy íntimas; de alguna manera visualizo todo como próximo; New York, los bosques, el Ducado de Gran Fenwick, la trama; un idiota es mandado a perder la guerra contra Estados Unidos y el muy imbécil la gana por una sumatoria de acontecimientos como por ejemplo que llegan a trasmano de un simulacro de ataque nuclear cuando todos están refugiados; suenan las sirenas; y ellos con sus Yelmos y sus ballestas recorriendo las calles de esta gran ciudad, vacía. Se hacen de la bomba "Q"; USA se rinde ante este "punto en el mapa" y casi desencadenan la tercera guerra mundial. El eslabón de todo esto es Sellers; un genio de la actuación quien solo con estar frente a la pantalla provoca una aparente condición de sometimiento del sentido común, ante un cumplimiento del deber absurdo.

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Otra película de Sellers; cuando era un General retirado, jugaba a los soldaditos, y de fondo, su esposa silbando por una manguera como la de los buques para que la atienda, la sirva y la mime; él entregado a su condición de zopenco, con su inamovible cara de resignación fatalmente tragicómica.

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Casino Royale [1959] Director: John Huston

Un pastiche de Directores, secuencias y escenografías interiores y exteriores, vestido de sátira de las películas de James Bond. No he podido saber si Orson Welles participó de alguna manera en unos interiores surrealistas, asimilables a lo que nos presentara el mismo genial director en su película “El Proceso”. Por qué la comento, pues porque me divierte muchísimo verla, así tan vacía, estúpida, plagada de medios, desentendida de la coherencia; es un verdadero museo de costumbres, moda, vestuario, ademanes, elegancia, diseño, ritmo, absurdo futurismo ineficaz y música de los años sesenta de Norteamérica, partiendo por la música de Burt Bacharach, una especie de propietario de un estilo absolutamente identificado con esa década. Una vez más aparece Peter Sellers, como si este fuera requisito indispensable en estas películas de absurda trama y absurdo humor. Precisamente actúa, entre otras, en la escena de la tortura que Orson Welles le aplica, con un despliegue de recursos técnicos,... que ya podríamos catalogar de “patrimonialmente” añejo.

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Una vez más me atrae el ritmo que contiene; sobre todo la parte del interior de esa escenografía surrealista que aludo anteriormente. [No sería mala idea recoger este mosaico y determinar un escrito en orden a tomar su dispersión de sentido y humor distendido]

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La Joven de la Perla [2003] Director: Peter Webber

Johannes Vermeer (1632-1675) fue uno de los más grandes pintores posteriores al renacimiento; lo descubrí en la Universidad (mil novecientos ochenta y seis para ser más exactos), para un trabajo acerca de la percepción de la luz. Recuerdo que concluí de revisar sus cuadros, en comparación con los de Rembrandt Van Rijn entre otros, que lo prodigioso de su obra radica en la capacidad de atrapar la luz por medio del color, sin pátinas homogeneizantes como patrón de acción pictórica; tal como lo hace la naturaleza dentro de nuestros ojos, que no tiñe nada para crear las sombras, las luces, los contrastes. Miguel Ángel era otro caso muy distinto me acuerdo; que recogía la luz por medio de las formas. Es portentoso lo que logra Vermeer con su trabajo, pues los colores son tan autónomos y ensimismados que en general no es posible establecer familiaridades tonales o genéricas (tonos pastel, tonos tierra, ocre, etc.) para entender el impacto de la luz, que en sus pinturas logra la unidad; esta es la cosa; contradictorio logro por cuanto ataca la parte como universos dispersos, pero estos confluyen en la retina como la visión del acontecimiento pintado, ya sea por medio de La Joven de la Perla o de otros

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cuadros tanto o más logrados, como el de la mujer vertiendo leche desde una jarra. En contraste Rembrandt Van Rijn (“Rembrandt” para los amigos) acomete inversamente el fenómeno luminoso; así como Vermeer pero al revés me atrevería a decir, pues otorga pátina homogeneizante, cosa que no le quita mérito, por cuanto hay otros factores en este otro inmenso pintor, que colaboran a establecer la inmensa calidad de sus telas, como por ejemplo la disparidad sicológica que logra en sus personajes, los que son parte de la composición, haciéndose el acontecimiento pintado una sola cosa con el logro cromático, los habitantes de las pinturas constituyen afirmaciones semánticas desde la capacidad de conformar el temple y la actitud por medio del pincel, además de la dinámica de los mismos, en fin. Con todo lo anteriormente dicho, y entrando en la Película, no obstante ser la música central de “La Joven de la Perla” una suerte de grato y hermoso balancín cadencioso que nos lleva por las ficciones de pasión que podrían haber rodeado un tiempo en la vida de Vermeer, durante el cual pintó su (por lo que veo) famoso cuadro de la muchacha ataviada, me resulta demasiado pictórico el Filme, al extremo que se entiende, de verlo, que es la producción integral la autora de un efecto figurativo tan pretencioso, que uno piensa que la historia que se cuenta es un excelente pretexto para dar a conocer un producto comercial para consumidores refinados o en proceso de refinación, que se puedan sentir halagados al ver una Película que entienden y que a la vez se sienten conscientes (y se enorgullecen) de darse cuenta que se basa en semejante portento de artista de la Holanda floreciente de Huygens (el astrónomo, su contemporáneo). Entonces no arribo al puerto de la unidad plena y del equilibrio, pues la historia no es potente, hablamos de un simple romance prohibido sin aristas (y medio lánguido y maltratado, pues esta joven mandadera hija de unos padres arruinados, ni siquiera alcanza a ser una Cenicienta desde ningún punto de vista), o por lo menos no lo es lo suficiente la relación como para dejar de ser servil a los fines. Puros suspiros y maltratos; ¡pobrecita Joven de la Perla! Y Johannes, un sometido endeble y atrapado. ¡Lindo mosaico de personajes!; ¡ninguno da la talla!, así que no me pregunten por la

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suegra o por la esposa; par de harpías cada una en su clase, ¡y la hija! Pictórico Filme que pretende sorprender e impresionar con “la Belleza” en sí, así como una vanidosa persona, que hace de su cuerpo su obra y su fin. Entonces la gente dirá que la Película es preciosa;…”una fotografía que te deja con los pelos de punta, niña”. Debo decir que me entretuvo mucho y me encantó la fotografía (magistral en todo caso, ¡qué les apuesto que una de las tres nominaciones a los Oscar fue por la fotografía!; para qué hablar de los vestuarios y la ambientación; son perfectas; barrocas en su despliegue de detalles; yo creo que un holandés de ese tiempo se sentiría superado por los ambientes; superlativos, manieristas, iluminados con la mano del mismísimo pintor (¡no!; ¡si todo es un bodegón!, y si no es naturaleza muerta, o si no simplemente una escena recogida o inspirada de instantes de otros cuadros de la época), si no me creen observen la comida donde presentan un cuadro pintado preferentemente con amarillo de la india; ¡ah fotografía moderna! que pudiste alcanzar a la pintura que transformaste a fines del siglo XIX). Y la historia; …la seguí con interés, pero creo que no es el punto, pues cuando se capta la intensión del truco, todo se desvanece, así como cuando uno se entera de la fiesta sorpresa que le tienen preparada. Recordemos comparativamente a Barry Lindon de Stanley Kubrik, por cierto que la fotografía es increíblemente adecuada (y tan magistral acaso, pero no creo que tanto, porque en este caso que comentamos, la verdad, es una delicatesen), pero a los fines, no al efecto en sí, disfrazado, pero celada al fin y al cabo (todos cazados sin darnos cuenta). Kubrik no dejaba detalle; manejaba el oleaje rizado de la superficie y el relieve del fondo de la fosa submarina del vasto océano de sus empecinadas y perfectas creaciones. Buen intento en todo caso, pero la producción se lleva por delante al Director, el cual nunca la alcanza.

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Exterminador [1984] Director: James Cameron Texto experimental realizado en base a una película

Texto de Desarrollo Lineal Retrospectivo 1 Texto Lineal Retrospectivo Simple 44

←... plagada de nubes se muestra la desértica carretera, cual presagio de un pasado acontecer por devenirse, transcurriendo el tránsito del incipiente embarazo sobre el cual conduce Sarah, la madre trascendente, en su convencimiento imperecedero de un, acaso, inminente apocalipsis. Ya fallecido su amado gestor combatiente, y destruida la amenaza latente del robótico e híbrido persecutor, pudo la huida insistente dejar su frenético pavor, entremezclada de explosiones, fusiles, bombas, golpes, lágrimas y carreras desenfrenadas, posteriores a una cierta quietud que daría paso y ternura al retoño salvador del mundo, en un cuarto de motel cualquiera, en cualquier camino alternativo y desde cualquier ruta

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de los Estados Unidos de Norteamérica, tras dejar la ciudad donde, en otro Día de los Inocentes, murieran asesinadas las mujeres de su mismo nombre, no obstante llegar el soldado a salvar de todo riesgo a aquella que, finalmente, supiera de su destino, oculto tiempo atrás entre tanta cotidianeidad fútil y femenina, previa a la cual llegaran dos enviados antagónicos, desde un futuro acaecido en lugares próximos cualesquiera donde, electromagnéticamente anunciados, surgieran aparentemente de la nada, desnudos e indistinguibles, …a merced de las circunstancias el uno; al ataque el otrO←

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El Constitucional Hombre Bicentenario v/s Alien, el Octavo Pasajero “El Hombre Bicentenario”. *1999+ Director: Chris Columbus “Alien, el Octavo pasajero”. [1979] Director: Ridley Scott 46

[Hablaremos de las obras cinematográficas, sin importar su origen, antecedentes y demás aspectos ajenos a la manifestación particular propiamente tal]

Con todo lo melifluo que puede ser el desarrollo argumental, es una película plásticamente impecable, a extremos de delicia. Llega a la casa de una acomodada familia del futuro, un robot humanoide cuya principal función es servir. Por alguna razón propia de “ese” robot exclusivamente, en función de las ya avanzadas complejidades de esas creaciones, surge una voluntad particular, relacionada con la “personal” búsqueda de identidad, origen y destino. El protagonista camina un rumbo de “humanización”, a la par de los abismantes avances de una humanidad pulcra, limpia, impecable, perfecta, tolerante y capaz de dar lugar a la plenitud de los hombres (y de quienes aspiran a serlo) de un modo absolutamente utópico. Todo es limpieza, cumbre,

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sentido subjetivo y matiz de personalidades perfectibles, dentro de ambientes futuristas propios de una mente creadora impoluta, pero siempre dentro de espacios completamente acogedores y a escala humana. Al parecer la humanidad que se muestra (acaso como colmo de un sueño de alguna nación de cuyo nombre no quiero acordarme) es todo orden y predestinado camino de las personales dignidades. En este contexto, nuestro humanoide protagonista se ve expuesto a sus propios avatares tan exacta y precisamente como se desarrolla el filme, más, ¿Cuál es el acogedor ambiente este que aludo?...

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…De alguna manera este filme es naif y completamente desentendido de cualquier “suciedad” propia de la realidad que, la verdad, se omite olímpicamente. Por lo anterior es que uno se puede sentir como en aquella casa que pudo tener o que soñó con tener al ver este desarrollo tan “disecado” y separado de todo “desperfecto” propio del mundo que todos creemos conocer. Lo atractivo, en suma, se me presenta como la voluntariosa manera de presentar un mundo imposible de un futuro bastante improbable, pero que, la verdad, todos soñamos con vivir. Como en aquellos folletos de algunas religiones, adonde se materializan las imágenes de un paraíso esperado, sobre un césped siempre verde y plagado de flores, sonrisas, alegría y empalagosa plenitud, apartada de cualquier problema o tribulación, bajo el brazo paterno del Salvador y al abrigo de toda perversión impresentable. Esta película es un viaje políticamente impoluto hacia un mundo políticamente resuelto, donde todo ser, con la necesaria decisión y talento (y genio inconmensurable en el caso de nuestro protagonista), puede aspirar a ser lo que desee, inclusive puede aspirar a recrear su propia humanidad, que no viene intrínseca pero si se aviene de un modo connatural a un sistema en permanente incremento de perfeccionamiento. Surgen especies de tribunales supremos, capaces de conferir identidad social a una máquina,

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perfecta ya, dentro de este filme-espacio-instancia-truco y artilugio de aspiración y recreación. El Hombre Bicentenario, en su magnífica representación particular, espacial, argumental y temporal, es un plato de comida circular, adonde se concentran el aperitivo, la entrada, el segundo plato, el plato de fondo, el postre, el café en grano y el habano posterior al bajativo del más fino vino de uvas tardías, dulce como el sueño edulcorado de un Sábado hacia un Domingo. Cual descanso placentero, se avanza por la película como una siesta consciente de goce estético, que se queda latente en cuanto dispositivo, brillo, ensamble, remache, o contraste exquisito de distintos matices de metales nobles en el cuerpo o el entorno del humanoide. La creación de este hombre-robot es la propia metáfora de todo el filme, que se refleja en él como se calzan las piezas curvilíneas de una escultura de Juan Egenau, con su orgánica manera de metalizar la “vida inerte” de una obra de arte conclusa y reposada. “Alien, el Octavo Pasajero” (la primera obra de la serie) es su similar en un negativo, adonde el caos y la destrucción se manifiestan en el propio cuerpo de este ser asqueroso, repugnante, destructivo e insoportablemente perfecto en vida y depredación. Todo el suspenso del tránsito temporal de esta película es opresivo y enervante. Alien como la náusea de la perfecta depredación, el Hombre Bicentenario como el opuesto constructivo de perfecto desarrollo; las dos caras de una misma moneda, sin perjuicio de que la testosterona y una actitud desafiante de aquellos que se tengan por rebeldes y suficientes, dispondrán gusto por el primero, en desprecio del segundo, por la sola suerte de olor dulzón y empalagoso ambiente que manifiesta, con aires de perfecta soledad del hombre ante su destino auspicioso y optativo. Con esto saltamos a un tema que desde hace un tiempo me acompaña; ¿por qué no se tiene la limpia y desprejuiciada mirada ante las obras de arte que ellas ameritan, imponiendo cada quien sus propios prejuicios para soslayarla y hacerla menguar ante

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las generatrices contrastadas de medidas, que no acompañan ni acompañaron a la creación en si desde su génesis?

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Koyaanisqatsi [1983] Escrito realizado en función de la película del mismo nombre, dirigida por Godfrey Reggio, producida por Francis Ford Coppola. Música de Phillip Glass

Traspásame tu mirada perdida en el ímpetu Cuando atraviesa mi tránsito desbocado Era una calma que campeaba por el viento y la brisa Las aves me tomaban de improviso Y era feliz en mi despliegue Era un recuerdo de una futura prestancia Mírame y conoce tu destino Las ropas cuelgan de mi alma Mi pelo es rastro de soberbia Distinto camino anhelo y me distingo en la paciencia hecha hielo desprendido de la nave Erigiendo mi curso de vertical parsimonia Duermen los ancianos Corren los atolondrados y caminan las naves hacia su ocaso Quienes somos Hacia dónde vamos Como nacemos Qué buscamos Caemos hacia la duda Estamos quietos ante la andanada Quedamos retenidos en el marco de la puerta a la espera del gesto de la mano tras la huella de un paso fugaz de ansia por la muerte Somos otros en otros sitios En otros ritmos Por otras huellas En otros mundos Con la adversidad manifiesta y el rasgo del alma encubierta La llama cae La humareda es rastro de éxtasis y fracaso Libertad por uso y uso por extrañas prioridades perdidas Caminar hacia y desde artificios de luz y mecanismos Todo pasa y transcurre Fugas Conexión Soledad de tumultos Sonrisa Resignación Derrumbe Caída persistente Todo así Vamos Solo vamos Solo estamos yendo hacia el futuro El futuro es

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un lugar Cuya mansedumbre se aminora en su arribo Seremos no somos Seremos aquello No esto Seremos como una desolación encubierta Mientras cae una gota de agua a una charca casual Seremos allá y aquí Solo somos espera.

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La Reconstrucción Patrimonial de Hugo Cabret "La Invención de Hugo Cabret". [2011]. Director: Martin Scorsese.

Tuvo que ser un verdadero ejército de modeladores virtuales los que participaron en este filme, lo digo desde mi experiencia personal modelando interiores arquitectónicos. No obstante, Scorsese, como en Pandillas de Nueva York, peca de explícito y de "decidor", a contrapelo de la presentación de los hechos por medio de tantos recursos indirectos que el cine entrega. Pero, no obstante los ripios discursivos, esta película realmente vale la pena. Un festín decimonónico, un homenaje a Georges Méliès y una celebración visual lograda, en parte por el magistral trabajo de coloreado, construcción de atmósferas y modelación digital de la luz. Recomendable, sobre todo para quienes quieran acceder al esplendor y potencia del aporte de Méliès y también para quienes quieran revivir el esplendor de un París de inicios del siglo XX, de la mano de un afanoso y decidido trabajo de índole (casi) patrimonial. Amor al cine, expuesto de un modo sumamente transparente; se perdona cualquier otra cosa. Esta es una propuesta para dejarse llevar, no para reparar en cosas que terminan siendo detalles dentro de una perfección virtual que se vuelve, por momentos, esplendorosa.

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El Perfume [2007] Director: Tom Tykwer

[Hace muchos años atrás, y entiendo que fue en el año en que publicaron la novela, leí el texto que generó el filme del mismo nombre al que aludo. Prefiero la novela, pero la película es interesante desde sus maquillajes, las escenografías, los efectos especiales, los vestuarios y la expresión del aspecto del París del siglo XVIII, y sin lugar a dudas que la música es importante y conducente] Imposible no relacionar al perfumista y genial protagonista de la historia, con el genio del músico austriaco del mismo siglo. Pero aparte de todo esto, ¿qué es lo que medito desde el filme y desde el cabal conocimiento de la novela? En lo medular hay un planteamiento relacionado con la genialidad y su desarrollo, en el sentido de que es posible que estas capacidades puedan tornarse en el centro de la vida y que a la vez establezcan una especie de llamado ineludible. El tipo, el perfumista, estaba loco, sin lugar a dudas; mataba sin asco ni duda, sin perjuicio de que su vida fue un permanente rechazo del mundo, desde que fuera parido, sobre los restos podridos de pescado y verduras de un mercado.

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Su visión aromática del mundo era unívoca, y solo daba fe y razón a lo que el olor de las cosas arrojaba. Finalmente, y tras una niñez y una juventud entregadas a desarrollar sus capacidades, es capaz de lograr estructurar el perfume que su antojo le dicte. Busca el perfume sublime que detonara aquello que solo la esencia de las personas fuera capaz de provocar, y tras una seguidilla de fríos asesinatos de mujeres para destilarlas en su esencia (a partir de “aquella” niña que fuera su inicio) crea un perfume capaz de generar en su entorno la adoración más desenfrenada e incondicional, todo así, entiende que todo se le abre, y que de todo es el señor absoluto en términos potenciales. Decide morir derramando sobre sí todo el frasco de "aquel” perfume todopoderoso, sin alma y sin sentido de la vida en manos de una turba parisina que literalmente se lo come a mordiscos, presas, ellos, de una adoración paroxística. Rimbaud, me digo, se entregó a las fauces de la vida más reprochable, ante semejante don de las palabras que le permitieron abrir al mundo de raíz y de cuajo en su poderosísimo verbo revelador; él no supo de más vida que la de un vagabundo inescrupuloso inclusive, tras lograrlo todo en su oficio “de una plumada” hecha décadas de escritura perfecta. Pero la vida es más que dar en el blanco, antes o después, ya que no solo para “lo nuestro” vivimos, siendo necesaria la complejidad que la existencia requiere. Desde la complejidad de la vida somos plenos, y no necesariamente desde la dicha, que embriaga, o desde el sufrimiento, que curte y que nos vuelve fuertes. Y así…

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Patton [1970] Director: Franklin J. Schaffner

Filme para el que George C. Scott nació. 56

Patton era un romántico soldado californiano, heredero de Aníbal, Alejandro, Federico El Grande, a los cuales estudiaba y citaba. Pero en esta Película no quiero, por ahora buscar acomodadas frases propias de una suerte de instinto estético algo recalcitrante. La cosa propiamente tal es que ese condenado "hijo de perra" como él mismo llamaba a quien se le cruzara por el camino, es un personaje que por diversas maneras me llama la atención, desde la Película en sí, románticamente obsceno, mordaz, irónico, egocéntrico y prima donna como le llamaban, hace de un Filme su propio espejo. Puede ser que la Película caricaturice a un general algo desmedido en algunas de sus acciones personales, lo que no sería gracia si no fuera porque al parecer, y esto debe ser corroborado por un experto, era un genio militar, y dele con lo mismo, todos los

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defectos y atributos de un exitoso personaje se basan en sus logros, desde los cuales todo gira como el agua que converge hacia el desagüe. Una Película que he visto decenas de veces y no me cansa pues, de alguna manera Patton y su Paisaje desolado rodeado de tanques volcados y matizado por uno que otro cadáver de tropa, son una sola cosa; la mirada del general este, es el lente del Filme; producido al tope de la capacidad técnica de sus tiempos (1970), toda matanza parece esencial al Filme; es reveladora la confesión de Don George cuando dice un tanto (solo un tanto) avergonzado que "ama toda esa matanza" que tenía ante sus ojos, tras escuchar el testimonio de un oficial postrado en el suelo, el que le narra de la condenada e infernal noche de lucha que llevaron a cabo. De alguna manera en "Patton" aprendo que la devastación más grande puede llegar a ser hermosa, mirada desde los ojos algo equilibrados de quien hace eficiencia guerrera al ahorrar muchas bajas, entendiendo que no se pueden evitar otras que las ayudan a no acontecer. Y en este contexto termino de entender, así como extrapolando, que la poesía no es "inmoral"; tampoco me atrevo a decir que es "amoral", ni perversa (claro que no), pero provisoriamente acordemos hasta nuevo puerto que está más allá del bien y del mal pues su fin no es pontificar, ni evangelizar, ni dar lecciones; solo se preocupa de revelar; desdoblar como se vuelve un calcetín al revés, mostrando sus tramas internas.

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El Topo [1969] Director: Alejandro Jodorowsky

[El Topo podría ser calificada como un western mejicano, desde cuya plataforma zarpa el barco de un discurso delirantemente lúcido, como lúcidos eran los cuadros de Frida Khalo, o el Guernica de Pablo Picasso, o el Entierro del Conde de Orgaz de El Greco, o El Jardín de Las Delicias de Hieronymus Bosch . Para que los extremos se toquen y la locura sea exacta y la objetividad alcance su ceguera] La Película más potente que he visto; pero no sé si la mejor. Pensemos comparativamente en la Belleza física humana; ¿cuál mujer es más atractiva? (ocupo este ejemplo pues es el que domino); ¿la que tiene mejores caderas?, ¿la que tiene un busto hermoso?, ¿la de mejores piernas? ¿o la que desaparece en el equilibrio de sus formas, de manera tal de poder penetrar en su interior físico e intelectual, para conocer sus ocultos encantos, fruto de su sabiduría y su inteligencia?. Un Western Mejicano con el formato de un vía crucis, donde cada detención es marcada por una sentencia cifrada verbal, nacida de labios de alguno de los protagonistas, incluido el Director

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(que también lo es); primera detención del peregrino-espectador; dice Don Alejandro “El topo es un animal que cava galerías en la tierra, buscando el sol; a veces su camino lo lleva a la superficie. Cuando ve el sol, queda ciego”,…y quedamos prendados del título y de su sentencia. Podría ser que el nombre de la Película y la alusión al topo, fuera nada más que un desvío pertinente para el autor, de manera tal que la substancia del Filme quedara intacta ante el potencial interpretativo del espectador,. ¿El topo es el hombre, el destino, la vida, la substancia del ser, la concatenación de los hechos presentados como un tren circense de hechos particulares y potentemente cifrados en la fuerza de sus elementos?; ¿es el topo el topo y nada más que el topo?, y desde él mismo, ¿es todo, lo que se desarrolla en el Filme, como una suerte de agujero de queso buscando en cada momento la razón de las cosas vistas desde quien avanza en la materia del alma (por no decir Dios o tribulaciones o cualquier otra Palabra ancla)?. ¡Vaya mosaico de escenas!; dispares pero extrañamente concatenadas en la medida en que nunca deja, la Película, de ser un western mejicano dedicado a los más profundos (o superficiales) hechos representables a través de la cifra cinematográfica de un poderoso Director que viene al espectador ya investido de su talento innegable. ¿Quién es uno para comentar semejantes edificios de potencia cifrada?, pero ante la negación de la elocuencia, que solo un matemático podría percibir desde su inquebrantable sentido lógico de las cosas, es mejor rendirse, pues cada gesto y ademán es Palabra volcada a tocar sepa alguien qué fibra de qué aspecto de cual sentido de cual mundo en qué contexto, disfrazado de Película de género. Los diálogos (sentenciosos) apuntan a un rumbo dispar. Los personajes son lo que no son, la luz del desierto es dada para oscurecer, así como el topo cava para encandilarse, y cuando lo hace termina su desenfadada paradoja existencial. El Filme es imposible de dejar de reconocer en su fuerza, imposible también, de comparar de modo efectivo (digo yo).

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Literario en parte, es solo por medio de la lectura de sus imágenes que se puede vislumbrar algo de su concatenación; desnudos, gritos, aullidos, ruidos exógenos, bailes entre desenfadados e impredecibles actores, impiden ver si representan el discurso de una filosofía oculta, o si desmantelan la coherencia de los, efectivamente, seres vivos y no ideas al respecto de sepa Dios cuales mensajes o intensiones que no puedo entender. Fellini en su Strada da sentido al clima que se nubla y se nieva, en la medida en que desvela el ocaso del ser humano ante sus miserias y desfallecimientos, pero ¿qué diantres expresa Jodorowsky en El Topo cuando cifra infinitamente sus fotogramas (todos y cada uno de ellos), al punto de resultar una osadía para el espectador el entrar a entregar contenidos exactos a una obra de arte plenamente oculta en sus logros y expresiones? Aventuro… El Topo es Jodorowsky, El Filme es un túnel, El espectador es la luz que ciega todo intento de desvelo ante un mundo que, al parecer, es completamente imposible de aprehender. Reparen en esto (a modo de ejemplo); una suerte de pistolero místico ya no elude los balazos, pues de este modo alcanza el dominio perfecto y sus heridas se deslucen en su cuerpo; dejando pasar las balas “por los vacíos que hay en mi carne”; “la muerte no existe”, y no opondrá resistencia a su contendor. En el duelo que este místico lleva a cabo con el protagonista (un pistolero vestido de negro que no es otro que el mismo Jodorowsky actuando) vemos a quienes asisten a este místico, a saber un par de tipos; un manco, que lleva en sus espaldas a un rengo, haciendo un solo personaje de ambos. Solo este personaje dual arroja una posibilidad ilimitada de entrar a interpretar su sentido, de un modo desalentador, ya que ¡cuántos caminos podríamos tomar para ver o contemplar su desempeño

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actoral!; ¿quién actúa?; ¿el de arriba o el de abajo?; ¿el que es llevado o el que lleva? Y qué soporta; donde apunta, a quien alude; ¿alude a alguien?; ¿es una simple y pura creación capaz de abrazar toda propuesta?; ¿es la vida de las hormigas, donde el individuo es el hormiguero?, o ¿es el mundo, donde todos sus seres son la parte del ser terrestre?; ¿es el grano cuántico, o es la parte universal? Como ven nada alcanza plenitud desde la interpretación. Todo interesante; todo deslumbrante; todo cifrado; todo sentencioso; todo extraño; todo desencajantemente enfocado al misterio en sí. Este viaje no tiene principio ni fin, en la búsqueda de cuatro maestros que dominan las artes del duelo con revólveres, más, podrían ser ferrocarriles chocando ante 4 árboles de diferente tamaño y especie, dentro de una vasija de aguas descompuestas, ¿qué más da cuando se tiene tan clara la oscuridad a representar? ¿Qué no podría ser entonces?, y sobreviene la eterna duda ante un discurso infinito. Uno, que busca la certera palabra desde una vida sin reveses. Y surge este tipo de creaciones, provistas de todo, ante una regla que consiste en solo cavar para deslumbrarse. Y así solamente sobreviene la Duda sobre la Duda. Dudar es el fin para este comentario, a no ser que sea demasiado ciego, como para no ver en la oscuridad la luz anhelada de quien avanza por algo que podría ser espacio, o tiempo, o amalgama de pasión y muerte o deseo expresado en cifras abiertas como heridas sangrantes. Y así al infinito de palabras, cayendo como aerolito impotente, quemado en la contemplación de un aire disolvente. Finalmente, por el reparto final dilucidamos que el protagonista es el topo según el Director, cosa que no viene sino a dar una certeza que es más duda que confianza. ¿Qué importa quién o qué es qué en un filme auto soportado a ultranza? ¿O es que acaso no existe la posibilidad de que Jodorowsky, en algún momento, diga que la verdad nunca fue el topo el pistolero; ese topo que nos da la luz de las sombras y de la perplejidad? “El topo es un animal que cava galerías en la tierra, buscando el sol; a veces su camino lo lleva a la superficie. Cuando ve el sol, queda ciego”

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Amén. ¿Que si me gustó?; ¿importa algo esto? Solo consígasela y véala. Después conversamos. Puedo dar, eso sí, el dato que frente al Cine Arte de Viña del Mar, Chile, Sudamérica, hay una tiendita de cine que, entre otras cosas exquisitas, vende “La Santa Sangre” del mismo autor, película que aún no veo, pero que terminaré por ver, a ver si termino entendiendo algo entre estos baldes de arenas clarooscuras. Otra duda ¿no entendí nada?, ¿o lo entendí todo? Ni constataciones, ni quejas ni alabanzas puras en este comentario; solo percepciones y Dudas (¡más Dudas caray!). Parafraseando,…Borges era un animal que excavaba momentos previos a revelaciones que no acontecían; a veces su camino lo llevaba a la videncia, y no olvidemos que con un sentido irónico de la vida, el inmenso Jorge Luis Borges era ciego (…)

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El Pianista [2002] Director: Roman Polanski

Varsovia,…en el año 1939 llegaron los nazis, y no la abandonaron hasta fines de 1944. Es en ella, fuera y dentro del Ghetto que Szpilman, un famoso pianista (por lo menos dentro del Filme) lleva a cabo con éxito su subsistencia, suspendida en la soledad más absoluta, desde el momento en que huye del destino que le esperaba junto a los suyos en Treblinka. Ayudado por algunos sobrevive, encerrado aquí y allá; casi muere de inanición. A su alrededor, la devastación de parte de la nación más estratégicamente ubicada de Europa, por siglos ocupada una y otra vez por diferentes intereses, reinos y naciones. El Filme cuenta sus desventuras durante la segunda guerra mundial, y su encanto radica en la suerte de travesía que el protagonista realiza por escenas-Síntesis de lo ocurrido, así como una suerte de resucitado ser caminando, como diría Herman Melville, por las ruinas de Cartago. En un solo momento ejecuta una pieza maestra, frente a un oficial nazi que lo acoge en una casa en pie. Y no es un momento emocionante. Es la claridad de la luz del talento floreciendo entre las grietas del pavimento ensangrentado, solo eso, y eso basta. Y

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volvemos a la realidad, entre el silencio, las bombas sordas a lo lejos, por momentos debe huir para salvar la vida. Narrativamente íntima, pero con el abrazo de las ruinas de todas una ciudad. Por momentos cruda en señalar atisbos apenas del desprecio nazi por la vida. (A veces, si me permiten una pausa, me siento interpretando las notas de una suerte de sonata extraña y ajena, por momentos amenazada por la Duda y la vacilación, pues desde el teclado establezco metáforas de notas sobre la partitura textual de composiciones a veces alegres y otras ni siquiera tristes. Cartesianamente doy el tono de una búsqueda de revelaciones que no llegan, como sí lo hacen la Belleza desde la percusión prístina de un martillo de fieltro golpeando los cordones metálicos del piano, pues el lenguaje tiene el límite de nadar entres sus propias palabras amarradas por la eterna referencia a lo otro que se escabulle en la cadena sin fin del significado, el sonido y el gesto, como la arena que fluye para dar el tamaño de la duna, que no es más que el acopio de un talud atrapado desde el grano. Pianista de mis propias soledades, ni siquiera doy la talla para ver la desolación a mí alrededor, en una vida abundante de satisfacciones pequeñas, pero suficientes, como para vaciar el espíritu sobre una habitación repleta del eco del silencio transgredido). La música, es el suave telón donde hasta la peor de las desolaciones brilla con la plenitud del manto de destrucción. La matanza y la resurrección se abrazan desde la dulzura del aire enrarecido con la armonía de unas notas advertidas. Sobrevive él. Vivos nosotros, sin admiración ni alegría vemos pasar los tiempos de la guerra y la paz como dejamos pasar la vida cuando pulimos las aristas de la pasión y la entrega. Como se repite dos veces la marcha de Szpilman por distintas calles derruidas de la misma Varsovia, entiendo que la marcha del Filme es desde esta profundidad engrandecida en desastre con la silueta del pianista sollozando o desgastando sus huesos enfermos por el polvo de la derrota de todos. A Dios gracias no es un Filme musical según lo imaginamos, para ver al hombre asustado tras las manos maestras, y recibir a cambio una interpretación agarrotada por la distensión, casi al final

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del Filme y de la guerra, para que coincida el anuncio de la luz, con la esperanza sorda de los dedos tiesos y desgastados. Polanski rinde su testimonio, y lo hace con fineza, al punto de atrapar en su narraciĂłn al espectador, como si estuviĂŠramos oyendo un cuento inesperado y digno.

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La Caída) [2004] Director: Oliver Hirschbiegel

Hitler en su ocaso; ya no tiene Luftwaffe; Rommel es un melancólico recuerdo en las desnudas arenas de África; el escuadrón Cóndor con sus Messerschmitt 109, hace años (1937) que devastó la Guernica catalana al rabillo del ojo de Franco, así como para ir desencadenando la recuperación del “espacio vital germano”, torpemente confiscado en el tratado de Versailles. Ya no tiene nada sino su delirio de interminable anhelo de (contradictoria y perversa) grandeza, vestida de colmo de habilidad (la que, acaso, lo llevó al poder). Cuando aparece en el Filme, lo hace dulcemente, entrevistando a las candidatas a secretaria personal; encantador por decir lo menos, sabiendo uno la degollina cobarde que, bajo sus órdenes, se llevara a cabo sistemáticamente hacia los pueblos judío, polaco y gitano por nombrar algunos. En su Búnker espera, enajenado (más aún), la llegada del enemigo. Por momentos sabe seducir aún a quienes le rodean, pero ya en un halo de agonía generalizada; bailes bajo los obuses que revientan los ventanales del salón arriba del refugio, por una Eva Braun trastornada en el amor, supongo, a un sistema que la

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sostenía; recuerdo asociativamente a Clara Petacci, colgada con Mussolini en estas otras imágenes; cesan las bombas, salen las damas a respirar el aire de Berlín. En las calles las ruinas de un pueblo abandonado; todos deben sacrificar su vida por la causa, determina el líder, que de tan abstracta a nadie favorece ya. Cuelgan los supuestos saqueadores en los faroles; otros son baleados a manos de los Greifkommando. En los hospitales languidecen los cadáveres y los desvalidos sin remedios ni cuidados. Entre todos, algunas gotas de cordura de algunos oficiales como destellos de un deber sin destino; uniformes cubiertos del polvo de la Batalla convergen al Búnker a revelar novedades dentro de un carrusel de imaginación desenfrenada. El Führer organiza a estas alturas ejércitos inexistentes; desencadena su gritadera amenazante a quien tenga por delante. Temido y reverenciado, planea su muerte e incineración. Jovencitos defienden la ciudad, los condecora en las pausas de los bombardeos rusos, con su ademán de potencial futura postración, y una de las manos temblando involuntariamente. Todo cesa finalmente ante la llegada del ejército ruso; Adolf Hitler incinerado por sus soldados a la salida del Búnker, y a escasos metros de donde Goebbels seguirá en horas más tarde sus pasos suicidas. Una dramatización documentada de las últimas horas del llamado III Reich. La musicalización es excelente; delicada, atinada, y a la par de los hechos; permite ir viendo y discerniendo con la delicadeza adecuada, según sea el caso y la ocasión. El clima resultante de mostrar la Desolación de los interiores de los edificios abandonados por el mando es el preciso que podría resultar de una derrota estrepitosa, como la acontecida a la Alemania nazi. La Película establece un contraste descarnado entre la realidad de la ciudad con la ilusión enfermiza del mando supremo alemán. Por eso las bombas, los estallidos, las ruinas, las explosiones, las tropas luchando ya derrotadas en su interior, y a contramano Hitler dando cada cierto lapso de tiempo sus enconadas diatribas a toda voz, así como lo imaginamos todos,

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desencajado y soberbio, con el pelo cayendo sobre su frente. Todo sin aspavientos; todo sobriamente mostrado; preciso, germano, objetivo,…austero. Der Untergang no juega con las cámaras, no crea imágenes reveladoras y ambiciosas, no se centra en nada salvo en la realidad y el contraste, reitero, de la ilusión y la derrota. La actuación de Ganz es, por decir lo menos, completamente verosímil, y quedamos enterados del fin de una empresa asesina y enajenada, montada sobre el talento de un pueblo avasallado. Una Película necesaria.

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“Hannibal” y su Inquietante Elegancia (y algún Contracanto Atingente) “Hannibal”. [2001] Director: Ridley Scott

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La intención primordial de este filme está centrada en el refinamiento llevado a su máxima expresión; Aníbal Lecter, fugado desde hace un tiempo, reaparece en Italia; Florencia para ser más precisos. La fotografía y la iluminación son perfectas para adentrarnos en esta ciudad, repleta de detalles de soberbio, elegante y ruinoso esplendor. Cada muralla, cada paseo, cada boulevard, cada moldura, mueble, cortinaje, fuentes de bronces envejecido, y derruidos tránsitos dan cuenta de un refinamiento asentado en siglos de desgaste preciso de nobles materiales. En este ambiente Lecter nada como un salmón liberado al pie de un torrente estrepitoso; él es culto, casi a niveles sobrehumanos. La principal ficción de esta obra radica en este inmenso detalle; Lecter lo puede todo si de intelecto se trata; ¿qué no sabe? o por último ¿qué deja de sospechar al punto de no poder referirse a ello sin dar cuenta de genio y destemplada mirada penetrante? La dirección es de Ridley Scott, y ella es precisa y concisa, al punto de alcanzar por esos caminos el máximo refinamiento, que podría ser, en suma, el gran encargo de la producción. Se atisba, en

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mi desconocimiento de la génesis del filme, un encargo neto, casi como de amanerada cumbre predicha, dado el vuelo y capacidades del personaje central. La película es impecable, salvo por el detalle bizarro de los sesos al aire en el banquete de las escenas finales. Pero hay, en todo este ambiente que describo, una inmensa manera de adentrar al espectador por el camino de la elegancia, el culteranismo y la fastuosidad hasta los límites de la fantasía; es chocante, pero chocante a posteriori, que virtual e implícitamente se afirme que solo “aquellos” ámbitos de la cultura sean capaces de señalarnos lugares comunes de goce y plenitud. El mundo, los basurales, la desidia, la calumnia pedestre, los manchones, la vulgaridad, la farándula banal, los cuadros pintados en serie, el etiquetado de los supermercados, los escupitajos vulgares y las imprecaciones dichas a contrapunto preciso de eventos merecidos, pueden contener tanto, como la Vita Nuova, el germen de la cumbre y la máxima expresión poética. Engañados todos, nos dejamos caer por un tobogán de delicada factura y tenue iluminación; entrampados estéticamente, olvidamos que el mundo, en su continuo, desmerece la interrumpida cadena de eslabones de brillo subrepticio; pero no todo es maravilloso y solo algunas cosas relumbran con esa certera distancia del mundo en sus proposiciones formales al paso y de modo distendido. Eminem (si, el rapero), sin ir más lejos, hace de cara visible a un videoclip ("Without Me", que probablemente dista mucho de ser “su obra”) de excelente factura, adonde la burla, la ironía y el desenfado vulgar hacen de fachada engañosa a un fino humor, basado en ademanes bizarros y plagados de lugares comunes; observen en esa obra la excelente edición y la vertiginosa sucesión de imágenes atiborradas de sitios culturalmente conocidos por todos, para distender una suerte de sonrisa propia de quien mira penetrantemente a los ojos, arrojando la risa mordaz ante las propias caras de quienes se precian, de entender todo lo que se merece ser entendido, agregando desdén ante todo aquello que, aparentemente, merece ser ignorado.

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Todas Las Mañanas del Mundo [1991] Director: Alain Corneau

Un ventarrón de otoño tiñe el camino hacia el ocaso del viejo Saint Colombe, en su retiro, entre los árboles agrestes de una vegetación, que es protagonista de una frontera con el resto del mundo de la Francia del siglo XVII. Entre las ropas y los ademanes; entre los bodegones y el vino cotidiano adornando las copas de cristal, subyace una música cuyo carácter sublime está dado por Filme, el cual, en verdad es intérprete musical, traspasando las sutilezas de los sonidos, al resto de los elementos de su lenguaje particular.

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Babel [2006] Director: Alejandro González Iñárritu

¡Textura!; simple textura es la que repleta la propuesta de Babel, con una yuxtaposición tan descarnada de culturas, idiomas, lugares y “ámbitos”, que se alcanza inclusive el sentimiento de ternura, por estos seres encadenados a un mundo pequeñísimo, girando a velocidades exorbitantemente informáticas y mediáticas, en contraste con la desértica incomunicación de sitios desperdigados por el arenal y la serranía. En lo personal me quedo con la japonesa y su padre, en esa suerte de tómbola nipona de señales, ruido, alturas y soledad.

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“Babel” (Japón); El Alma y su Curvatura “Babel”. [2006] Director: Alejandro González Iñárritu

[Cuando llega el padre a su hogar en el piso 31, encuentra a su hija sola y desnuda de pie en el balcón, en la última escena de la película. Este escrito consecuente recoge la actitud de este hombre y la transfigura] ¿Ves a tu padre a la espera del arribo del alma dispersa y desencajada entre la maraña de luces y abandono? Abraza el espíritu quieto a la saga del día En la calma de una despejada noche encubierta y en el tránsito de los cuerpos desperdigados Soy Aquel que desciende hacia el valle de las lágrimas Mis pies se deshacen en tu fragor y mis manos se entrecruzan con tus ropajes abandonados Aspira el aire de la mañana y dispón tus temores Solos estamos y nada lo atenúa Caminamos atolondrados Miramos el color y ante él nada se atraviesa Una vez Hace unos años Dibujé a una hermosa mujer desnuda Sobre una pequeña columna griega hecha de molduras y capiteles En ella se erguía inocente como lo haría una maceta Donde las flores deslumbran y anteponen su fragancia Estaba yo tras esa niña y me curvaba ante su cuerpo como lo hace el espacio en los planetas que abriga De tal modo que mi propia

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condescendencia era su candoroso esplendor Como si el propio amor determinara su estadía en la columna de cuya cúspide desplegaba como un solitario tulipán Entonces puedo ser el padre que al abrazo del alma solitaria curva la vida y la existencia Como el Cosmos se curva ante sus naves de esférica disputa en el tránsito expansivo de las rocas y la inmensidad Caemos hacia las cónicas y elásticas serranías de la creación Para ser embajadores del Padre que abraza el ser Como soy la curva virtual del abrazo a la niña sobre su solitaria columna Adonde desnuda su belleza y desolación Ya que solitariamente enfrentamos La desdicha y la mismísima satisfacción henchidos de pesadumbre y éxtasis Como la suerte desordenada ante la mano que coge al número premiado Confundidos con el amor que transfigura y con la existencia que abrazamos A los pies o en la cúspide de nuestras propias columnatas de egoísmo y martirio Siempre expuestos Como Jesús Nazareno A la discordia del viento y su contienda Como si fuera un solo centro de arribo extendido en los núcleos de caridad y desidia Que la gracia de Dios Padre Todopoderoso Creador del Cielo y de la Tierra recaiga sobre todos nosotros y sobre aquellos que de nuestra potencia de amor y régimen dependen Ahora y siempre Por los siglos de los siglos, amén.

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"El Hombre Elefante" y El Elefantiásico Veredicto de Nuestra Esencia [1980] Director: David Lynch

Joseph Merrick fue, objetivamente hablando, no más que un hombre de la Inglaterra victoriana. Padeció una enfermedad que lo deformó de tal manera que casi fue propio, en esos años, exhibirlo como una suerte de circense monstruo horripilante. La Película en blanco y negro que David Lynch realizó acerca de su vida, seguramente puede no ser un documental dramatizado acerca de este personaje que, según entiendo, alcanzó gran celebridad en su país, pero es una alegoría eficaz al ser humano que todos traemos a cuestas. El asunto es que el discurso cinematográfico presenta coherentemente la extrema y sutil fineza de un espíritu superior, capaz de sembrar la atmósfera de conmoción propia de las contradicciones del hermoso mártir, encerrado en las deformes protuberancias del más desventurado de los seres humanos. La penumbra permanente, la época, el trato del que fue objeto y la dignificación que se le hace al final del Filme, resultan plenas como un lenguaje fino y asertivo , que no cae en el melodrama ni la sobreactuación. La música elegida proviene del

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Adagio para Cuerdas de Samuel Barber, que establece la tensión justa entre el sufrimiento y la reivindicación consecuente de la que el protagonista es objeto.

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Sentirnos inversamente identificados con la externa miseria de este hombre, es paso no menos que consecuente, ya que todos solemos ser al revés que el Hombre Elefante; portadores de una miseria interna, y hábilmente encubierta por una pátina corporal de pertinente apariencia. ¿Cómo habría sido John Merrik sin su destino corporal?, quien puede saberlo, pero sin Dudas que la soberbia habría campeado libre y dispersa por su comportamiento perceptivo y mesurado. Más imperfecta habría sido su personalidad, sin el potro de torturas al que se vio sometido, para entrever cristianamente que el sufrimiento salva, forja, construye y conforma a quienes se ven destinados a su pie forzado, siempre y cuando estén dotados del potencial de inteligencia “sectorial” capaz de construir de las miserias la grandeza. Más humilde será quien sufra, que quien no lo haga, o por lo menos más oportunidades tendrá de ser mejor, quien viva la vida diversa del mundo implacable. Seremos lo mejor que nuestro cuerpo y nuestra vida nos permitan, si tomamos al alma como la potencia de acción liberada en el espacio tiempo del mundo que a todos nos ha tocado vivir. John Merrik somos nosotros mismos. Nadie más que nosotros mismos, en el espejo alabeado de la creación cinematográfica.

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“El Extraño Mundo de Jack”; La Metáfora [1993] Director: Tim Burton

Sin más preámbulos. Este filme es la mejor metáfora de la maldad intentando penetrar los ámbitos del bien. Aquellas personas, que como Jack, habitan el mundo de lo perverso, ya sea con pureza o con crudeza, son torpes en su accionar intentando edificar al mundo. Jack fastidia su intento, al hacer una Noche Buena en el mundo del día de los muertos, porque simplemente su esencia es destructiva, y la navidad es renacimiento y vida. Tan simple como eso. Al parecer la esencia es fatal; la buena y la mala. Y si de aquello discrepamos, debemos trabajar en el asunto; las esencias del propio individuo del cual estamos a cargo; nosotros mismos; he ahí el destino, aparte del mundanal ruido, “ancho y ajeno”

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El Submarino [1981] Director: Wolfgang Petersen

Un submarino alemán efectúa misiones y cumple órdenes en los mares, preferentemente europeos involucrados en la segunda guerra mundial. Héroes de su causa, no reflejan la gloria que finalmente sostienen para el resto de Alemania, pues la guerra en la piel de los guerreros es agria y dolorosa, ya que en ellos toda idealización al respecto se encuentra suprimida por la realidad. La estructura del Filme establece un arco dramático que mantiene la cuerda de la tensión en permanente vibración. Siempre agobiante, la atmósfera interior de la vida del submarino es caótica pero efectiva. La cámara protagonísticamente subjetiva, como en pocas películas que he visto, arma la narración desde los primeros planos, a partir de los cuales las pupilas, las ojeras, las arrugas, las muecas, los gestos, la dentadura, el sudor y el resto de los múltiples referentes de un rostro (el de los tripulantes) son el soporte de la historia y nudos divergentes de la mayoría de las escenas.

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Excelentes vestuarios y necesariamente muy buen maquillaje, en el sentido de construir la desaliñada, agobiada, aterrada y desgastada apariencia de los tripulantes. Un Filme redondo, que augura, desempeña y concluye con el sentido claro de lo que quiere; a saber, revelar el otro lado de la eficiencia militar en pleno combate y en pleno desarrollo de sus misiones, embargadas por la incertidumbre, el temor, el apego a la vida, el pánico, la angustia opresiva de combatir enclaustrado en la metáfora de un catafalco, a decenas de metros bajo el mar, con la pasión olvidada en tierra de una causa sometida, por ademanes más que por palabras , a un riguroso proceso de Derrumbe en el interior de cada uno de los protagonistas, ya que por cierto es difícil asegurar quien sería el protagonista de este Filme sino el principal puñado de hombres que la cámara nos pone como palabras de un lenguaje cinematográfico impecable.

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Ratatouille [2007] Director: Brad Bird

Una de las mejores películas animadas que he visto 86

La ratita protagonista es sensible, contemplativa, afable

La delicada acción de Ratatouille de probar una comida, para él sublime, se registra magistralmente en base a grafismos orbitantes, equivalentes a una dinámica sensación gustativa compleja y pulsante, conformada por diferentes grosores, colores y cadencias inéticas que, perfectamente, transmiten al espectador aquella, en principio, intransmisible sensación del protagonista.

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Semejante expresión gráfica presentada y acentuada en este post, en lo personal, creo, constituye lo mejor de esa excelente película. Se comprende perfectamente; se imagina, se intuye y casi ("casi" solamente) se termina degustando lo que la ratita prueba. Tal potencia vertida en estos grafismos pocas veces la he visto tan magistralmente coloreada, animada e insertada en la narración.

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Pulp Fiction [1994] Director: Quentin Tarantino

Fugazmente, y como un trino, convergen en un café un par de sicarios plenos de circunstancias previas-finales y futuraspasadas de ajusticiamientos y errores en la matanza, con un dejo de descolocante misticismo interracial, ante unos asaltantes inexpertos, que no saben con quien se meten, mientras un boxeador defrauda un fraude de una pelea arreglada y luego, con la fortuna del justo, por casualidad salva al mafioso que perjudicara, tras ser testigo de cómo lo sodomizan descarnadamente una suerte de habitantes del subterráneo del submundo de la reducción de especies robadas, a los que muele a golpes, mientras la pareja del mafioso muere y resucita por sobredosis en las manos distraídas de uno de los matones del comienzo, que contra sus impulsos no debe tocarla, todo entrelazado como una amalgama del caos que este escrito recoge, como espejo de la vida misma de estos personajes.

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Cinema Paradiso [1988] Director: Giuseppe Tornatore

Totó somos todos nosotros; todos y cada uno de nosotros ante nuestros más dulces amados, queridos y atesorados recuerdos. Alfredo es la paternidad severa de quien debe, a contrapelo de sus sentimientos, conducir la existencia del hijo amado. El Filme más viril que he conocido, sutilmente narrado (sí; narrado) por la banda sonora de Ennio Morricone.

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La igualdad en el mundo no es aparente “El Padrino” [1972] Director: Francis Ford Coppola “Cinema Paradiso” *1988] Director: Giuseppe Tornatore

1 Pensemos en lo siguiente; la escena de la cabeza de caballo en la cama del director de cine en El padrino, cuando los sicarios de Don Vito deciden, con la fineza de una motosierra, darle una señal clara e inofensiva para el cuerpo del aludido pro-hombre, pero de alcances eficientes y eficaces para los fines del mariquita ahijado del mandante (“¿qué puedo hacer padrino?; snif”; “¡Comportarte como un hombre!” le arroja a la cara Marlon Brando, zamarreándolo en otra escena genial). 2 Y pensemos en lo siguiente; en la escena final de Cinema Paradiso, Totó, ya adulto (también director de cine exitoso, qué cosas no, ¡y también a partir de eventos iluminados desde la mismísima Sicilia!), rueda el rollo que Alfredo le dejara a partir de los restos de escenas, censuradas por el cura, cuando aún el protagonista era un niño. 3 Comparemos; el horror del primero en relación con la conmoción emotiva del segundo son idénticas en alcances y

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efectividad, pero a la inversa, claro, ya que ambos acontecimientos ocurren en universos distintos, bajo contextos opuestos y con sentidos antagónicos. Recuerden la comparación que hago de Paul Cézanne con Piero della Francesca y me comprenderán. Cuando vi por primera vez la escena de Cinema Paradiso lloré, y cuando vi por vez primera la escena de la cabeza del caballo ensangrentado, metido a hurtadillas en la cama del Director, se me erizaron los pelos de la piel. Cuánta semejanza en ambos logros; cuanto alcance y cuanta profundidad en el efecto logrado. El que uno sea del horror más brutal y el que el otro sea de amor filial inconmensurable es un detalle del desarrollo de ambos filmes. Tan magistral lo uno como lo otro. Pero noten otro alcance; es casi al inicio del filme que se detona el horror, y en Cinema Paradiso es al final que acontece lo contrario. A tal punto “difieren hasta coincidir” ambos eventos. 93

4 Sin perjuicio de lo anterior, a Don Vito lo sustenta el ímpetu adormecido de un hombre que viene de regreso de una vida de desolación. A Alfredo lo sustenta su buena manera de ser, sin el daño que puede evitar un hombre que solo en Semana Santa descansaba, carente de lujos, de todo éxito y de toda realización. Teniendo tanto El Padrino, y teniendo tan poco Alfredo, se registran como antípodas idénticas de logros absolutos, de la mano de sus correspondientes padres cinematográficos, claro está.

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Amélie [2001], Director: Jean-Piere Jeunet

[Todo el comentario es una cifra cerrada: Haré abstracción de todo su contenido, por así decirlo, fílmico, para ir directamente al principio, idea, irregularidad en la homogénea y primordial manera de plantearse de nuestro curioso arquetipo preliminar de pensar, adonde la trama regular, equidistante, eterna e infinita de puntos en el espacio juega un rol fundamental;]

La película es una manifestación paradigmática de una gran rigurosidad plástica, capaz de detonar a nivel profundo y fugaz, la valentía del inspirado para transformar su vida, en pos de la reconstrucción del mundo hacia el “ser en la propia interacción de la voluntad”, como generadora ilimitada de virtud, mediante actos parciales, concebidos como “lugares” o “eventos estables” factibles de bifurcar el destino de los favorecidos.

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Amelie (…entre otras tantas cosas de la vida) [2001], Director: Jean-Piere Jeunet

Ella es una mujer, encapsulada en sus ademanes de niña fantasiosa, encaminada, por cierto, en una quietud contemplativa. Ella es hija de un padre que no conjuga el verbo acariciar y de una madre prisionera de sus ansiedades. Ella es una amante de pequeños detalles distractores, en los que podemos reflejarnos, acaso, cada uno de nosotros. (En mi caso adoro los regresos a mi casa, retomando un camino de cuatro kilómetros, acompasados por el pedaleo alegre y distendido de mi bicicleta de cadena desgastada tras casi siete años de uso ininterrumpido, al punto que no puedo ni atrasarme ni apurarme demasiado al cruzar las calles que se me atraviesan; ella, la cadena, se resbalará indefectiblemente. Me siento feliz con mi defecto de bicicleta desgastada, pues en ella me protejo de la audacia que pudiera inundarme al querer apurar el paso antes del camión que acomete el cruce sobre nivel, a unos atolondrados cien kilómetros por hora. Y cosas así; me gusta reconocer en la cotidianeidad la señal de inmensidad que se refleja en la inversa entrega de los que se abandonan a sus rutinas. Me gusta la mirada inversa del mundo, para percibir en mi muy pequeña y plena vida (que no empequeñecida) la grandeza del cosmos y la escultórica

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profundidad del pensamiento fecundo, cuando todo se retira, se desnuda la nimiedad y se desmantela la soberbia. Así quisiera estarme por siempre en el mismo lugar, en la misma actividad ante las mismas personas y con la misma actitud de porfiado portero de mundos, desplegados ante la tijera que recorta de la realidad los trozos exactos que detonen las nuevas dimensiones de un mundo desdoblado. Pedaleaba una vez (que no por única instancia) hacia mi casa, en una tarde gloriosa de verano, cuando a contraluz bailaban los trozos perdidos de telarañas, iluminadas y radiantes, desde alambres de oxidado destino y reseco don infeccioso, entonces, así, tan similar mi vida a la de cualquiera, vi en la paz de la tarde la paz de la vida, la paz del tumulto ensordecido en la tranquila estancia de posterior acometida, vi la vida en mi vida, vi el ser en mi ser, vi la lúgubre perdición del alma, cuando no se adentra la misma, en los rincones tersos de una semejante y colosal capacidad de arremetida, suspirante y delineantemente capaz de encontrar alegría sutil y pertinaz. Era yo, conmigo, en la quietud de una vida anudada, cuando el pasado y el futuro se estrangulan alegremente en el instante de dicha, sin más clamor que la luz y la ubicuidad del estío, el espíritu y la placidez. Si alguna vez se le apareció el Señor Creador de los Cielos y de la Tierra a alguien en este atolondrado planeta, fue, por lo menos en esa ocasión cuando aconteció, y tuvo sentido la vida y la muerte y la miseria y el traspié de generaciones de seres caminantes hacia sentidos desviados, y tuvo paz la ceguera y encontró el amor la mujer reseca que nunca conociera la profunda penetración de amor y respeto en embates de carne y caricias viriles, y así todo fue en el evento que pasó de largo para quienes me vieron avanzar a la simple y oportuna hora del té en la casa de siempre, con la misma suerte y desorden de los hogares consolidados Qué busco; busco la grandeza del alma y la paz, busco la fortuna atravesada en el más insospechado camino solitario, busco la simpleza más insignificante y la falta de estímulos estrepitosos, busco el sonido vulgar entrampado en la más horaria y disímil manera de atravesar los espacios campestres y preliminarmente

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urbanos, cuando en ellos se entrecorta la maleza y el trozo de campiña, por entre la berma agrietada…en fin). Cuando terminara de ver el filme, que fuera todo aquello que aludo de modo reflectante, arribé a una tolerancia fugaz con todo, como estándome alerta a la manera de cómo un lente se trasunta desde la pantalla. Era como lo visto y entendía que la colorida, apastelada y saturada muestra de un París ficticio y arrinconado, se entretejía con las vidas de simple plenitud o miseria, y vi a Valparaíso y a la Avenida Bisquert del invierno, cuando entre las gotas de pelados árboles de inmensa factura, se desganchan cadáveres de vegetal derrumbe, y se aplastan los autos y se quiebra el pavimento, pero después renace y a la vez en el puerto se aburre un niño en una perdida y arrinconada vereda de soleras canteadas hace ciento veinte años, y mira la charca reseca donde jugara en primavera, mientras pasa la vida y se derrumban riquezas y se avienen las eras de vendimia y fracaso, todo ello junto y revuelto, en la existencia de soledad y desconsuelo. Todo así, la vida pasa, hasta que alguna vez podemos dar el golpe de esgrima certero que detone la vida entre el abandono, ¡qué sé yo!; un gesto, un empujón, una palabra precisa, un clavo en el madero adecuado, un pago anticipado, una cuenta enfrentada y un golpe de defensa manifiesta, cualquier cosa que se venga a la existencia en el justo momento, como para ver que simplemente, cual tronadura, revienta la represa de potencias y virtudes contenidas, como cuando desde múltiples hogares salen las dueñas de casa a separar la pelea de perros en un pasaje multitudinario de encierros, en el más pleno y humilde puerto abalconado. Todo así, me quedo con la mano tersa de la protagonista, entrando fugaz en el saco de legumbres heladas, para saber de la caricia muerta de semillas frescas, refrescantes como el beso de un hijo. La película, es maravillosa. Condescendiente, pero maravillosa

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Belleza Americana [1999] Director: Sam Mendes

Con la elegancia de una verdad explícita en un cuidado entorno de neurótica escenografía de clase media aspiracional esclava de sus apariencias, se desencadena una singular tragedia de vecindario, dulce como la miel, ante la necesidad de cada quien de llevar una escatológica dignidad propia de una sociedad descascarándose, como se descascara un fresco renacentista realizado con la peor de las técnicas de fraguado.

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"Any Other Name” - Thomas Newman “Belleza Americana” *1999] Director: Sam Mendes

Somera cavilación, o simplemente sabiduría en obra, para elegir las más mínimas notas, capaces de seguir un hilo casi interrumpido hacia una subjetividad compartida. Y si, es uno de los excelentes temas de “Belleza Americana”. Me transporto al filme, con su mordaz aceptación de las propias miserias expuestas cual fractura, y recojo el tono, el aire, la atmósfera íntima y virtuosamente precaria de esta interpretación. Hay una parte de la obra que remonta acompasadamente, para devolverse a lo preliminar ya descrito, que resulta ser lo más poderoso, o más suave y sutilmente determinado, para pulsarnos cuales instrumentos desde cuyos espíritus, como cajas de resonancia, acudimos a ese lugar común de silencio y voluntario distanciamiento.

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Blow-Up [1966] Director: Michelangelo Antonioni

El silencio es un tótem en esta Película, cuya imagen se vuelve alegórica en el fotógrafo, por cuanto, reitero, los lugares y el protagonista son las dos caras de una misma visión, como si se estableciera un puente de identidad; dos maneras de decir lo mismo; una forma de mirarlo todo; desde el vacío del lugar y del ser humano hasta los ojos del espectador, resignado a entenderlo todo sin que le digan casi nada.

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Apocalipsis Ahora [1979] Director: Francis Ford Coppola

Si bien cada hecho o circunstancia en la vida puede ser un viaje de diversa índole hacia facetas o aspectos de la propia percepción, el caso de este Filme es sin lugar a Dudas objetivamente hablando eso; un viaje, hacia las poéticas entrañas del espíritu de la guerra, en cuanto función destructiva del hombre como especie viviente. La navegación por un canal vietnamita del protagonista, al encuentro de este señor de la guerra, a la sazón, un alto oficial yanqui desertor de órdenes y lineamientos sumergido en una borrachera de lírico misticismo criminal, capaz de establecer en las ruinas de un templo su secta guerrera a la luz de su presencia persistente, entornada por negras siluetas de presencia discursiva tras murallas milenarias a medio derrumbarse, es sin lugar a Dudas una penetración hacia el concepto de la profundidad del hombre en sus vocaciones guerreras en estado químicamente puro. Fuegos de artificio y seudo-festines paganos de soldados ya abandonados a las reglas de la civilización, son símbolo de la ocupación sobre territorios sobre los cuales puede ejercer dominio alguna nación, pero esto sin dejar de pagar el precio del propio abandono a las

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leyes del territorio que se adentran en sus conductas como se mete en la sangre la sustancia de los mosquitos. La muerte y la creación son el zumo de armamentos, vegetación y lodo hechos una sola amalgama tropical de sonidos, visiones y conductas, convergentes en el gatillo que derrama chorros de cartuchos vacíos de metralletas cayendo sobre la sanguinolenta cubierta de lanchones militares navegando turbias aguas verdosas, pletóricas del germen de la vida. Agua y pólvora clandestina, ensambladas con fugaces vuelos rasantes de mosquitos helicópteros impregnando los mantos de jungla desperdigada en asoladoras nubadas de napalm cauterizante de toda esperanza de vida plena sobre zanjas clandestinas y cultivos de arroz desmenuzados. No hay comentario capaz de abrazar las sensaciones que esta creación nos deja, pues son afirmaciones que se meten en las tripas del espectador como propios reflejos de la propia capacidad de matar. Matarlo todo; matar la jungla, la vida humana, la propia serenidad y el propio talante cuerdo para caer hacia los más concéntricos anillos del más infernal de los escenarios dantescos. Y sin embargo todo resulta hermoso; desencajantemente hermoso; hermosa es la matanza y la represalia y los árboles ardiendo tras la caída de las bombas incendiarias, pues la potencia de la poesía encandila a quien la capta y le deja esa sensación de tabaco dulcemente inhibidor de principios. No hay moral en la poesía; solo revelar y revelar; dar vuelta la realidad, las cosas y los rumbos como quien da vuelta un calcetín impecablemente saturado de polen y veneno de serpientes en la huella del explorador entregado a la suerte de sus propias aventuras autodestructivas. Para hablar de este Filme, hay que ser o ponerse algo canalla, como canalla es el actor que interpreta a Fausto, no obstante después irse a su casa a hilar la seda de la cotidiana caridad paternal.

Sergio Eduardo Meza C.


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Lawrence de Arabia [1962] Director: David Lean

“Tomás Eduardo Lawrence: militar y escritor inglés (18881935), agente británico en los países árabes del Próximo Oriente; autor de Los Siete Pilares de la Sabiduría.” (Pequeño Larousse Ilustrado, 1995). En ese entonces y ahora en el desierto africano no hay unidad de los pueblos, y aún se pueden ver algunas caravanas que atraviesan los secos y pedregosos arenales del desierto, desde una tradición nómada. Tribales entonces y ahora, a la suerte de sus recursos navegan por una modernidad contradictoria. Todo esto lo sabemos y a esta luz es que podemos ver a este personaje, Lawrence de Arabia, que en el Filme se presenta algo desquiciado, y en el límite de la cordura. No daremos por históricos los hechos presentados en la Película, pero dentro de ella son un hecho a debatir. Arabia denomina la Película, a esta zona reseca, sobrecogedora, amurallada y resonante, sobre las cuales levita la vida con una gracilidad propia de las esporas por la campiña en la primavera de otras latitudes. Precaria existencia pero provista de un

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furor y un salvajismo admirable. Lawrence aparece como un oficial inglés que fuera capaz de ganar la confianza que ni la fuerza ni la misma raza logró, pero todo momentáneo, como les ocurre a los seres excepcionales puestos en una situación extraordinaria, ante desafíos y ambiciones equivalentes. Lawrence, como un flemático agente militar oficial, llega a este continente bajo el imperio de una Inglaterra colonial deseosa de mantener o expandir sus dominios allende su isla original, no recuerdo si por la guerra o por otros detonantes. Dentro de los pueblos que manifiestan contraparte contra la corona británica, extiende un manto de confianza que sabe absorber de manera tal de guiar desde dentro los destinos de los árabes, que unen sus fuerzas para combatir contra un enemigo aparente y otros varios escondidos tras la ayuda y la cooperación internacional. La Palabra permanente de este Filme es “sobrecoger”. Por todo se sobrecoge el espectador; por el ritmo cansino sumamente apropiado para la radiación inclemente y luminosa que se vive en los desiertos africanos, por la amplitud de las locaciones, por el extremado temple de los protagonistas, que desarrollan sus tragedias ante enemigos tan avasalladores como lo fuera el Sanedrín de hace más de mil novecientos setenta años atrás para un Jesucristo entregado a su propia y generalizada tragedia predicha. Consume el odio, consume la astucia, consume la valentía, la ambición, la indiferencia asesina, la locura, el sol, el vestuario, los rituales, las acometidas a trasmano de ciudades distraídas ante ejércitos suicidas; consume el alma la matanza, los disparos, los pozos vitales, los hilos de progreso que se tejen sobre un territorio ingobernable, y así. La victoria resulta ser un desafío mayor que la derrota, como es demostrado en este Filme, cuando dueños de su destino unificador, las tripas de un pueblo optan por disgregarse y seguir adorando la sequedad ingobernable de las vidas solitarias del desierto, no obstante la influencia de un Lawrence ya desorbitado no solo por su carácter, sino por los hechos, que inclusive involucran una violación sodomítica en su contra por parte del enemigo.

Sergio Eduardo Meza C.


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Lawrence solitario y dejado hacer hasta reventar por sus superiores, vuelve a Inglaterra, donde prosigue su existencia, perdida en una realidad indiferente ante sus gloriosos logros manipulados sin piedad o así se percibe por lo menos. Y la tragedia continuará sin él. Una Película impresionante, donde la construcción de los personajes es tan potente como los escenarios; la música, a la altura capaz de abrazar los espacios con sus acordes coincidentes con la extensión; los parlamentos inversamente breves, la edición sin sorpresas, los vestuarios son los adecuados para entender el rigor del suelo, del aire, del polvo, del calor; todo para mantener durante horas el sutil suspenso necesario como para entregarse a una contemplación integral, no obstante la actuación ideal de Peter O´Toole, quien, por otras Películas que le he visto, suele acaparar los primeros planos con una mirada sugerente que acaso inclusive podría ser espontánea, pero repetitiva sin Duda.

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La Strada [1954] Director: Federico Fellini

Síntesis Argumental: 112

En La Ruta, se desgrana la existencia en adyacencia de Gelsomina y Zampanó, que navegan por las tribulaciones cotidianas de una vida circense miserable sobre un carromato endeble, al límite de la cordura y la subsistencia. Zampanó asesina al talentoso “Tonto” del circo al cual se allegan, comenzando a decaer magistralmente la película en un largo epílogo, donde el absoluto de la desolación y la culpa tiñe inclusive al paisaje, que parte de la asoleada costa donde Gelsomina es recogida en su hogar, hasta el invierno nevado de la locura y el deterioro de una realidad insostenible. La muerte es el detonante y la lección, rematando en el sollozo más desgarrador que he visto en el cine en toda mi vida, por parte de un Zampanó derrumbado a partir sus propias miserias, sobre la arena de la playa nocturna.

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Comentario: La Strada es poesía en plano secuencia; cuando la vi por primera vez me impresionó muchísimo la precisa y coincidente relación "Estaciones del Año" con "Decaimiento" de la narrativa; la película es un esplendor de decadencias; decae Gelsomina, decae Zampanó, baja la temperatura; del sol se va a la nieve; de la brisa diáfana a la penumbra. Zampanó decae en su llanto al final del filme, con la presencia ubicua de su responsabilidad en relación a la muerte o marchitamiento pleno de la luminosa y Chaplinezca Gelsomina. ¡Y es tanto lo que tal recurso de decadencias coincide con el discurso espiritual de los personajes! que impresiona. La Strada es uno de los grandes filmes que me ha tocado ver; lo considero casi perfecto, a partir de estas claves que dan cuenta de mi opinión personal. Todo se justifica; surrealismo moderado, cortejos religiosos delirantes, gestos y caminatas contemplativas de la "Sra. Gelsomina" donde se encuentra con flores, campiña y niños puestos en su camino a título de casi nada... 113

En fin.

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All That Jazz [1979] Director: Bob Fosse

La idea es simplísima: Un Director de Teatro Musical (si mal no recuerdo de Broadway, Nueva York) es fanático de su trabajo, para el cual vive y se desvive al punto de poner en riesgo su salud; fuma como condenado, toma remedios de esos que ingieren los que ya están al otro lado de línea roja que divide la salud de la enfermedad. Tose como perro enfermo, se ahoga, pero sigue adelante; “el show debe continuar” (que se usa como título en español de la Película). Típicamente sus familiares y amigos están irónicamente acostumbrados a su modo de vida, y lo requieren para sí, como lo hacen los seres queridos con los trabajólicos. Esto es todo. Y dirige, y vuelve a casa, y se enferma cada vez más. El invento de este Filme, que ni siquiera lo es tanto, radica en que todo el continuo de plano-secuencia se divide en escenas, pero estas se agrupan entre las rutinas diarias del protagonista que se caracteriza por un movimiento del Concerto alla rustica, para cuerdas y continuo en G major, RV 151 1 de Antonio Vivaldi. Presto; ¡exquisito!; de una cadencia y pertinencia insuperables, el cual marca el ritmo general, y siempre, cada día, en las mañanas se

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vuelve a la música que acompaña el despertar del protagonista, el que paulatinamente cae hacia su muerte, alegorizada por una mujer que lo seduce y lo rodea con diálogos directos hacia el ego del protagonista; él, un egoísta enfermizo, termina cayendo de alguna manera en sus brazos. Está dirigiendo un próximo estreno musical, el mismo que se entreteje tanto con su vida, que termina por perderse la frontera que separa a la comedia musical de su vida real; y se consolida el entramado de ambas hebras al final, en la muerte del actor principal de la Película. La pregunta “¿y qué?” se responde con lo siguiente: la música es excelente y entiendo que en su mayor parte original; las coreografías son una con los encuadres y la ambientación; el clima es perfecto; el ritmo absorbe; la actuación es la sobreactuada irrenunciable presencia que requieren los bailarines sobre la vida que viven, desde un filme que se confunde, como 4 confundida es la vida de los creadores. Poesía (caemos en ello) es un atributo que le encaja como los clásicos tongos de quita y pon de las bailarinas, tan replicados por los coreógrafos que sueñan con “ir a Broadway”, como los atletas sueñan con ir a las olimpiadas o los futbolistas sueñan con jugar en Wembley. Este Filme marcó tendencia en su momento, y lo comprobé cuando la vi, años después de su estreno; ya había hecho estragos en cuanto comercial pudo hacerse inspirado en su música, sus bailes, y sus atmósferas. Solo fue cosa de ir comprobando todo lo que reunía en sí y que se encontraba copiado hasta el cansancio por otros creadores de segundo y tercer nivel. Las lecturas de este Filme son múltiples; la ambigüedad de la existencia creativa, el egoísmo autodestructivo, la cadencia de las cosas normales, como compás de una música imperceptible y profética; todo levemente propuesto, pero finalmente elocuentemente afirmado. Una de las proezas; ¿cómo logran hacer, el Director y el guionista, de una trama tan evidente y fácilmente entendible, algo interesante?... arriesgo una respuesta: por medio 4

Ellos se entregan a su éxtasis desde un mundo necesariamente más chato que sus propias expectativas.

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de la inserción de la trama en un musical; y claro, se justifica entonces esta música coreográfica que en tantos otros filmes resulta insoportable para quienes no tenemos la afición a las 5 Películas musicales. All That Jazz es un Filme arquitectónicamente impecable; su estructura sirve al fin, y desde ella se engarzan las partes de la película. De lo mejor que he visto. Olvidaba la edición realizada en base a contrastes de ritmo interno. A la altura o más. Dejo para el final el desenfado de la decisión del guión (me imagino) de insertar una rutina de un humorista dentro de lo lineal del sentido único y maestro; este humorista que se expresa dentro de secuencias de un Filme en gestación (como parte de la ficción) sometido a reiteradas ediciones por el protagonista (un creador multifacético), es una suerte de contra-canto griego a la trama; distiende en su soltura, y establece una bipolaridad de la atención; de un modo misterioso no distrae y hace que el espectador se reconcentre más en la puesta en escena de la comedia negra de la existencia de un artista sometido a su ritmo de autodestructiva inmolación voluntaria, donde la muerte es un estreno, entre otras cosas. Substancia, nada más que substancia, que es de lo que están hechas las buenas propuestas artísticas.

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Siete Esposas para Siete Hermanos por ejemplo; estos caldillos empalagosos, la tragedia es un canto, la alegría es un baile, las fiestas una coreografía, el amor una pausada alegoría del ballet entre tules transparentes; así entonces suelen ser otros musicales donde todo es alegórico, simbólico o “bello” en sí, sin sentido mayor de las cosas. Y todo es pausa musical que distrae y aleja de tramas desechables.

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Ciudadano Kane [1941] Director: Orson Welles

En un viaje desde el exterior del final de su vida, hacia sus labios en primer plano, se desdice una Palabra, sobre la cual cae una fantasía nevada que, destrozada, revienta la escena final de la vida de Kane, en un mosaico de reflejos reconocibles de trozos de vidrio sobre el suelo de la solitaria habitación de la agonía. “Capullo” musita a la nada, ante la cual se tiende el hilo de Ariadna de Oro y Poder que contradice una existencia en línea recta hacia el fracaso del éxito, en un repliegue de recursos focales vertiginosos, en planos diversos de soledad y contrastes de lejanía y proximidad.

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El Ciudadano Welles es otro “Ciudadano Kane” [1941] Director: Orson Welles

Orson Welles creó a Charles Foster Kane, en referencia a 6 George Randolph Hearst, dicen , para hablar de sí mismo. Tal patético personaje creado, sería una tercera cosa fruto de ambos seres “reales”, sabiendo además que fuera el mismo Orson quien actuara como tal. En la escena del inicio, cuando Kane dice “Rosebud”, al morir rompe una bola de nieve, donde queda, cual cuadro cubista, la casita nevada de su infancia junto al trozo de vidrio que refleja la puerta de la habitación de su mansión donde fallece. El arco, que se configura desde esa casita hasta la enfermera, ambas puestas en un mosaico único, alude directamente a la escuela de pintura de Picasso, Braque y Gris, que se constituye como el factor aglutinante de todo lo anterior, que a la vez condice todo un filme apoyado en un misterio que termina

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Cuando digo que "dicen", aludo a un documental que viera en televisión hace un par de años, llamado "El Ciudadano Welles", que plantea la tesis siguiente; trianguladamente, al aludir a George Randolph Hearst mediante Charles Foster Kane, Orson Welles se refiere, en su máximo trasfondo, a sí mismo.

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por ser evidentemente inseparable de una infancia anhelada o desechada. La casita y la enfermera aglutinan el arco de tiempo de todo el filme, cosa que a posteriori se entiende. Analíticamente todo es muy coherente en el filme, pero a posteriori, ya que nada en sí se anuncia como “lo otro reflejado” en el decurso de la obra, salvo al final. Luego, toda la película se basa en “las otras referencias”, que dejan al espectador como un cuarto elemento distractor, que no comprende ni revive por instantes, tal drama de identidades, reflejos y ataduras, condenadas a ser aceptadas en pos de las partes constituyentes de una constelación de genialidades extralimitadas en su capacidad creativa e inaugural.

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"Ciudadano Kane"; ¿la película más genial pero no la mejor? [1941] Director: Orson Welles

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La inmensa genialidad creativa de algunas escenas de esta película no necesariamente la hacen merecedora de ser catalogada como la mejor del cine, pero si acaso, de ser señalada como la más genial. El arco dramático es realmente muy elemental: Un hombre muere diciendo una palabra que nadie comprende en su sentido e implicancias; un medio de prensa decide investigar esto; no logran cerrar el círculo, que tenía una explicación muy simple; aludía a su trineo de cuando era niño, que debió dejar tirado sobre la nieve cuando debió marchar obligadamente a la ciudad. Su infelicidad explicaría toda su vida restante; eso sería todo; extrañaba su simple vida de niño que le fue arrebatada (sin perjuicio de que todo parecía indicar que su padre se las traía) Me temo que la debilidad de este filme estriba en su poca espiritualidad; una historia elemental, con un mensaje demasiado superficial, pero desarrollada cinematográficamente por, acaso el

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más grande genio del cine; Orson Welles; quien se hiciera cargo de gran parte de su materialización a los 25 años. ¿Que si hizo más escuela en el cine que todas las demás películas?; ¡perfecto!, pero eso ¿la hace ser la mejor?; seguramente no, como no es más santa aquella persona que hace más el bien, siendo la santidad (como la maldad) una condición del alma que no obedece a las acciones, sino a la mirada y la concepción que se tiene sobre el mundo, en directo contacto con la propia esencia (¿Es más feliz quien más sonríe?) A continuación, una serie de notas sueltas en relación a fotogramas que dan cuenta o acaso insinúan los aciertos geniales de esta Obra de Arte. Sin emotividad alguna se presenta el filme; no hay señal ni indicio contrario.

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Al revés, esta primera imagen de aproximación, determina el tamaño del lúgubre personaje y su distante presencia contextual.

Monograma de identidad y grandilocuencia.

A la inversa, en el inicio del filme; su obertura remata en la secuencia magistral, genial, brillante e inaugural de la bola de nieve que revienta.

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“Rosebud” es la palabra ancla del filme; todo en él implica la búsqueda de la unión entre la vida de Kane y esa palabra final.

Reunión entre periodistas del medio interesado en desvelar el misterio “Rosebud”, con un ademán y gestualidad abandonada de toda mueca o gesto; solo la silueta demarca la intensidad.

Lejanía de Kane niño, enmarcada por la frialdad de la nieve y de su madre, cortando fríamente sus temores hacia su marido y su abandonada vida con el representante del Banco que “apadrinará” al heredero. Abandonado queda el trineo que, al final del filme, es cremado en los hornos de la mansión de un Kane fallecido; “Rosebud” decía el trineo. Se cierra el ciclo.

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Kane en su diario, con estos ya comunes dobles planos de doble intensidad, doble protagonismo y contrastada distancia en pos de sentidos manifiestos; la lucarna de fondo, el cielo bajo, opresivo.

Kane vuelve de su viaje adonde encontrara, al parecer, a la mujer de su vida hasta ese momento.

La primera esposa de Kane es bellísima, y la mirada que ella le regala un día, cuando recién casados le insinúa que se quede y no vaya a trabajar para que estén más rato juntos, posee una carga de sensualidad, excitación y deseo sexual, como pocas he visto en esa época.

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El teatro donde Kane se despliega en una muestra de egocentrismo político absoluto; él es el destino; la faz y el rumbo; él se basta y se mantiene

Kane al cuadrado; las señales de las tomas, plagadas de potencia expresionista son potenciadas unas con otras.

Potente fuga de planos y contraste de actitudes; Kane amenaza a su contrincante político, cuando este lo chantajea por su idilio secreto con una mujercita de menor calibre (por decirlo de un modo coherente a como se la presente en el filme)

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Iluminación completa; la impronta del Kane maduro está plenamente establecida.

La potencia de planos distantes y próximos contrastando en una sola escena es común y siempre se condice con el sentido del contexto en general.

Infinito proyectado en la decadencia de un hombre Infinito opresivo; sin palabras, sin gestos; Kane está vencido por sí mismo

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La lucarna por donde se ingresa al lóbrego restaurant de la segunda esposa de Kane; se accede a la escena siguiente en una continuidad absoluta, sin perjuicio de que en una película más antigua, creo, vi esta misma secuencia; la película se llamaba Pigmalion. Antecedente cinematográfico directo de My Fair Lady (una comedia musical)

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2001; Una Odisea del Espacio [1968] Director: Stanley Kubrick

Amanece el mundo ante el hombre en un paradigma poliédrico propio, cuyas proporciones obedecen a una voluntad evidente. El Monolito será capaz de sacar fuera de sí a los monos, quienes en una convergencia de un ritual inaugural, conocen la conciencia en un primer instante de retroalimentación potencial, cual motor inerte en su primera combustión. Sin embargo se viste de violencia su salto al futuro, simplemente traído a presencia en un hueso garrote, cuyo vuelo al espacio termina convertido en un viaje final de astronautas agredidos por un ordenador enajenado, yendo al encuentro de la especie humana con su propia verdad original, encubierta tras el vacío de las esferas del espacio, suspendidas en el silencio.

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1:4:9 “2001; Una Odisea del Espacio“ *1968] Director: Stanley Kubrick

Cuando triste era lo que no sabía, iba sin volver hacia el futuro sin más del tubo unidireccional de mi instinto de existencia monótona y servil. Y como le ocurrió al brote de la secuoya milenaria cuando tras siglos de solitaria contemplación del aire diáfano y vacío le rozó el tránsito de un chorlito dorado, así supe sin saber que sabía, que la conmoción brillante de la iluminación elocuente pasaba por mi alma, por aquel milagro de la transformación del campo de vida y alimentos en universo de identidad reflejada. Y supe solo de recursos prístinos que hicieron de mi esencia nada sino el reflejo del mundo transfigurado en mi mirada voluntariosa. Asumí el mando del ser y estuve mirando la explanada desde la colina, para saber que todo lo que veía no era sino la posesión de abismo insondable de la llanura extensa rendida ente mis pies de conciencia inaugural. Todo era primera vez cuando, ese día glorioso en que fue mi despertar, respiré sabiendo, en ausencia de palabras, que solo me debía a la alusión particular de lo que se disgregaba como manadas de esencias camino abajo en la llanura. Y solo quería correr para aprenderlas, si, bien digo, aprenderlas para saber de la posesión abstracta del entender que abraza al ser ajeno y lo recrea desde la mirada destructora de la

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avalancha establecida. Volví a mi estancia, donde los míos eran mi sombra, ante los cuales un amor condicionado me hizo temer de mis intenciones. El dominante macho se me acercó para obligarme a su sometimiento de postrarme bajo su mirada, pero no supe de mi cuando sin más pude dar cuenta de él en la esquiva carrera entorno a la contienda creadora. Me apoderé de mi grupo para instruirlo, más supe también que solo el poeta podría detonar en ellos el chispazo fugaz que hizo de mí otra especie similar pero ajena a mi manada. Sin más elegí a la hembra que me miraba con la suficiente admiración rebelde, y a golpes de paciencia logré, una buena noche tranquila, que me contemplara en la conciencia sin nombre del amor y del encuentro. No recuerdo cuantos hijos de los hijos de los hijos de nuestra estirpe tuvieron que hacerse a la mar de una misteriosa pedagogía abstracta, para entender que la semilla, cual combustible inmaterial, era pasto de las llamas del amor y la miseria. Y jugamos al juego peligroso que ya conocen todos cuando estamos al arrimo de la luz y llamamos a las sombras para ser frágiles esquifes a la deriva de la pasión y el dominio. Más nada ha sido en mi estirpe como aquella primera instancia de fugaz chispazo silente que llamaré El Milagro Inaugural. Pues en él todo fue en potencia, para echar a andar la enseñanza del sendero inabordable de los hijos iniciados. ¿Que cómo hice de mi amada mi discípula? , pues dejé de estarme a la espera del momento y busqué en su mirada la voluntad ajena a ambos que dio pié al entendimiento. No lo sé. Alguna vez nombraré a Aquel o Aquello que presiento me dio el empuje adecuado y constructivo. Sin proceso y sin regreso me haré a la mar de mi conciencia para ir haciendo una suerte de universal esmero, que me dignifique a la mayor gloria de Aquel(llo) que es mi camino y mi verdad pero de cuyo nombre no puedo hacerme cargo todavía.

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El Acorazado Potemkin [1925] Director: Sergei Eisenstein

Entre las sombras tamizadas de los ojos crueles del mando, se fragua una disputa mezcla de humillación y resentimiento, sumado a una vergüenza que se expande como un globo henchido con el vaho de la pobreza. Finalmente una escaramuza triste se vuelve hacia los fusiles oficiales, que dudan y caen hacia el acero de la cubierta, mientras los tenientes y el clérigo escapan hacia los pliegues de su propia cobardía, hasta el punto en que el cabecilla cae muerto al agua por culpa de una bala predecible. Anochece en el puerto en un manto oscuro de siluetas marineras, recortadas por grúas y velas de buques melancólicos. Odessa se vuelve al duelo del marinero baleado, desde el cual se detona una furibunda algarabía, la que sobre el manto inclinado de una escalera extensa, desarrolla la coreografía de su propia muerte, en oleajes de pánico y balaceras, sobre las cuales desfilan las botas del Zar, como bayonetas de soldadesca matarife, descendiendo hacia la orilla de una costa replegada. Un cochecito huérfano, a destiempo, cae escaleras abajo, en la diagonal del abandono y la sangre negra del filme, mientras las manos vivas se mecen entre los ademanes de la agonía. El acorazado Potemkin desgrana entonces sus obuses sobre palacios y columnas. Se pone de pie un león frío y pedregoso, caen las molduras, se derrumban las murallas, y se alza una esperanza

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escénica, que estalla en gritos y saludos desde y hacia la costa. Y así se nutre el borde de la ciudad puerto en una argamasa de venganza y justicia como la espuma de oleajes de un inicio algo romántico.

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Casablanca [1942] Director: Michael Curtiz

En un despliegue absolutamente continuo, vertiginoso y coherente, se muestra un diamante cinematográfico, donde la Ironía, el humor, el cinismo, el romanticismo, la astucia, el coraje, la cobardía, la corrupción, la perversidad, la piedad más fina y la frialdad más imperturbable se hacen un solo Filme, magistralmente musicalizado, ambientado, editado y actuado en un continuo, como continua es la vida y continuas son nuestras grandezas y miserias dentro de cada uno de nosotros, en la inquebrantable realidad de la vida, sean cuales fueren sus acontecimientos particulares.

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Texto de Desarrollo Lineal Retrospectivo 2 “Casablanca” [1942] Director: Michael Curtiz

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←.finalmente el líder de la resistencia y su esposa han logrado huir en el anhelado vuelo salvador desde Casablanca. Se alejan dos hombres por la losa del aeropuerto neblinoso de la ciudad, plácidamente conformados por su definitiva apuesta en pos una justicia liberadora, tras ultimar a balazos a la autoridad nazi, encubiertos en los fueros policiales de uno de ellos en vistas a la evidente apuesta del otro de enfrentar su nobleza, capaz de renunciar al más puro y romántico amor del cual fuera despojado en otros años más nobles que recuerda, cuando aún no fuera el dueño de aquel Café legendario donde, en una noche de amanecida se emborrachara de despecho y soledad, a la espera de su amada, dibujada cual silueta en la entrada del lugar, para dar pie a su nueva

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posibilidad de volver a mirarse a los ojos, tras esa espera lluviosa, en un andén de una estación de ferrocarriles en París. ← →En el Marruecos Francés acontece el drama colectivo de miles de inmigrantes que se alejan de una Europa en pie de guerra, en tiempos de la plena ocupación alemana, paradojal y patéticamente coronada por el acaecido desfile de sus tropas a través del Arco de Triunfo. En tales circunstancias florece la multitud de un mosaico humano plagado de tragedias y atolondradas decisiones en pos de la huida. Casablanca es cuna y albergue de oportunistas capaces de atesorar la desesperación ajena por medio del contrabando, el tráfico de influencias, la falsificación, y otras acciones de cuyos efectos cínicamente unos se ufanan y otros pocos se avergüenzan. Rick, en su Café, da acogida a toda la fauna aludida, que se aviene a sus noches de música y apuestas clandestinas amparadas, para darse encuentro con sus contrapartes correspondientes, capaces de comerciar la huida, a cambio de la ajena fortuna o de la denigrante posibilidad. Ante tales eventos llega su amada, del brazo del íntegro y heroico líder de la resistencia, con el cual siempre estuvo desposada, inclusive en el Paris de aquellos años cuando ambos se entregaran al amor. Ilse sabrá darse el momento para su desafortunado primer reencuentro, pendiente desde aquel día lluvioso en el andén ferroviario de la capital de la Francia ocupada…→

Sergio Eduardo Meza C.


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Fábula de los Ocho Arquetipos

Texto Lineal Retrospectivo Simétrico Simple B

← En el Marruecos Francés acontece el drama colectivo de miles de inmigrantes que se alejan de una Europa en pie de guerra, en tiempos de la plena ocupación alemana, paradojal y patéticamente coronada por el acaecido desfile de sus tropas a través del Arco de Triunfo. En tales circunstancias florece la multitud de un mosaico humano plagado de tragedias y atolondradas decisiones en pos de la huida. Casablanca es cuna y albergue de oportunistas capaces de atesorar la desesperación ajena por medio del contrabando, el tráfico de influencias, la falsificación, y otras acciones de cuyos efectos cínicamente unos se ufanan y otros pocos se avergüenzan. Rick, en su Café, da acogida a toda la fauna aludida, que se aviene a sus noches de música y apuestas clandestinas amparadas, para darse encuentro con sus contrapartes correspondientes, capaces de comerciar la huida, a cambio de la ajena fortuna o de la denigrante posibilidad. Ante tales eventos llega su amada, del brazo del íntegro y heroico líder de la resistencia, con el cual siempre estuvo desposada, inclusive en el Paris de aquellos años cuando ambos se entregaran al amor. Ilse sabrá darse el momento para su desafortunado primer reencuentro, pendiente desde aquel día lluvioso en el andén ferroviario de la capital de la Francia ocupada…←→.finalmente el líder de la resistencia y su esposa han logrado huir en el anhelado vuelo salvador desde Casablanca. Se alejan dos hombres por la losa del aeropuerto neblinoso de la ciudad, plácidamente conformados por su definitiva apuesta en pos una justicia liberadora, tras ultimar a balazos a la autoridad nazi, encubiertos en los fueros policiales de uno de ellos en vistas a la

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evidente apuesta del otro de enfrentar su nobleza, capaz de renunciar al más puro y romántico amor del cual fuera despojado en otros años más nobles que recuerda, cuando aún no fuera el dueño de aquel Café legendario donde, en una noche de amanecida se emborrachara de despecho y soledad, a la espera de su amada, dibujada cual silueta en la entrada del lugar, para dar pie a su nueva posibilidad de volver a mirarse a los ojos, tras esa espera lluviosa, en un andén de una estación de ferrocarriles en París… →

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Casablanca; la mejor película de todos los tiempos [1942] Director: Michael Curtiz

Pasan y pasan los años y cada vez me convenzo más que Casablanca es la mejor película que se ha hecho, por lo menos de las miles que he visto. No hay caso; su ritmo vertiginoso, la manera de encadenar sucesos, la actuación, la edición, la música, el contexto histórico preciso de tensión y ansiedad permanente, el perfectísimo equilibrio de todas sus partes, adonde nada sobra y nada falta; el amor, la guerra, la nobleza, la cobardía, la ironía, la fidelidad, la iluminación, los escenarios, etc… …Por cierto que hay filmes con golpes de genialidad mucho más potentes, como El Ciudadano Kane y el trayecto de la bola de nieve que se suelta de la mano y que se quiebra en el suelo, presentando la toma siguiente como un caótico caleidoscopio de decadencia, muerte y cubista depresión, o el paso de Kane por el espejo infinito, o la discusión de los periodistas en la negra penumbra adonde los rostros desaparecen y los ademanes gobiernan…

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Se habla de muchos otros filmes; Kane, Potemkin, 2001, La Quimera del Oro, Apocalipsis Ahora, La Strada, Vértigo, Lawrence de Arabia, Cantando Bajo la Lluvia, etc… pero sin dudas que el equilibrio justo de todas las partes constituyentes está en Casablanca.

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Sergio Eduardo Meza Concha es arquitecto, urbanista y escritor. Nació en Santiago de Chile el 12 de Enero de 1967. En 1983 inicia su actividad literaria, la que se desarrolló de modo ininterrumpido hasta 1995, año de su primera y a esta fecha única publicación convencional.

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Durante su primera etapa (1983 a 1991) elaboró cuatro libros, experimentales e inéditos. Con la aludida publicación de 1995, la del libro de 644 aforismos denominado “Milésimas”, suspende el autor su labor literaria por diez años. A partir del año 2005, reinicia su labor literaria, que se ha incrementado con más de setecientos textos publicados en internet. Entre los años 2011 y 2012 se ha dedicado a publicar sus textos digitalmente, en el formato de libros virtuales, los que a esta fecha suman diez, contando al presente volumen.

Sergio Eduardo Meza C.

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Cine, a título de texto o pretexto.

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