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Editorial

Nuevos escenarios para la Educación en Artes

por Hernán Casas*

Nuestra propia experiencia nos ha evidenciado la necesidad de cambios fundamentales en las maneras que tenemos de conocer el arte y en especial sobre su carácter pedagógico. Mas allá de los límites que tradicionalmente separan las disciplinas, surge la imperiosa necesidad de reunir en un espacio de discusión, a todos los actores que se vinculan en un nuevo campo conceptual y experiencial que emerge en la actualidad: La Educación en Artes. La urgencia de este debate se acentúa para nosotros por los efectos que tiene sobre el programa académico de Licenciatura en Artes Visuales. Aparecen en el escenario nuevas prácticas de interacción y comunión para el arte, la posibilidad de un “nuevo paradigma” irrumpe recursivamente en lo cotidiano en la perspectiva de configurar nuevas redes y territorios. En este contexto, es lícito preguntarse ¿Qué papel juega la historia del arte en los procesos de formación y educación artística, social y cultural? ¿Qué efectos tienen las técnicas sobre las construcciones

epistemológicas de caracterizan la complejidad del proceso de creación de una obra de arte? ¿Cómo creamos imágenes y representaciones? ¿Cómo abordamos la problemática educativa y comunicacional que se erige frente a la confusión entre las representaciones y sus referentes? Estas preguntas no resultan triviales e ilustran problemas y puntos de fugas que deben ser abordados por los educadores en artes. Sin embargo, hoy asistimos equivocadamente a un disputa disciplinar que constriñe la posibilidad de desenvolvimiento para la educación el artes. El acto de relacionar dos disciplinas (Arte y educación) solo se ha explicitado por sus limitaciones, derivando en inconsistencias que impiden la construcción de un lenguaje común e integrador que nos dirija hacia nuevas y variadas formas de concebir las relaciones entre arte, sujeto y territorio. Se ha desdibujado la naturaleza integradora que se teje en torno a los procesos de enseñanza aprendizaje y el carácter comunicacional de las imágenes, de una obra, un ejercicio o una práctica artística.


No obstante, la evidente tensión entre Educación y Artes, es fecunda como ninguna otra, porque advierte sobre la importancia de la mirada, ya no desde la rigidez del paradigma objetual, ni como un referencia en la formulación de elementos formales, sino como un evento que enuncia la necesidad integradora de formular y adoptar la “realidad” en el dominio de la territorialidad que emerge en las configuraciones relacionales entre el sujeto y su entorno. La reflexión sobre el proceso de crear conocimiento en este nuevo escenario de la educación en artes, deberá examinar de manera crítica sus supuestos conceptuales y metodológicos, deberá ahondar en la naturaleza compleja de ese nuevo objeto de estudio sin menoscabo del arte y sus lenguajes, sin reducir la educación al dominio de las cifras o de meros actos primarios de fe. Esta nueva perspectiva exige la comprensión de las relaciones, reciprocidades, complementariedades y fenómenos integradores que dan origen a un nuevo sistema para el arte en las circunstancias actuales y cambiantes de las sociedades hipermodernas.

Este Boletín Informativo del Departamento ha querido presentarse como un escenario para reflexionar sobre el arte y la educación en arte, el mapa esta por construirse en las nuevas narrativas que emerjan en el paradigma de la Educación en Arte. Esta primera edición, inicia principalmente con la publicación de una serie de trabajos de los estudiantes egresados del programa y comporta las líneas y los principios explicativos que construyeron en el curso de la carrera.

Hernán Casas Arango. Profesor Departamento de Artes Visuales y Estética Universidad del Valle


Recién Graduados En una emotiva y solemne ceremonia de grado que se llevó a cabo el día sábado 3 de noviembre de 2012 en las instalaciones del Coliseo Alberto León Betancourt ubicado en la sede Meléndez de la Universidad del Valle, recibieron el titulo de Licenciadas en Artes Visuales: De izquierda a derecha: Ingrid Vanessa Canizáles Sanclemente, Paula Andrea Molano Bolaños, Nathalia Betancourt Hurtado, y Lina Marcela Caicedo Lora.

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http://artesvisualesyestetica.univalle.edu.co/index.php/egresados-primer-semestre-de-2012-2/


Trabajos de Grado Gulumba/Jairo Alberto Cobo – Jhon Edinson Ramos Fantasmagoria/ Nathalia Betancourt La Educación Artística en Preescolar a Partir de la Lectura de un Libro Álbum de la Literatura Infantil/ Lina Marcela Caicedo Formas de Terrritorio en Cuatro Lugares del Arte/ Yolanda Chois Coreografías de lo Cotidiano / Gineth Meneses Tapiando Coco/Jaes Caicedo El Juicio del Kissme / Lina Vanessa López


Gulumba

Jairo Alberto Cobo y Jhon Edinson Ramos

Pensamos necesario el hecho de intercambiar conocimientos entre los estudiantes de las instituciones que enseñan arte en Cali. Se deben abrir espacios extra-académicos que fomenten la producción intelectual y plástica, para que así ellos no estén condicionados a realizar sus producciones dentro del plano académico, sino que tengan la posibilidad de experimentar procesos creativos por fuera de la universidad. Esperamos que se fortalezca la producción crítica con el fin de construir ejercicios discursivos que generen debates en el campo estético. El debate entiéndase no desde la perspectiva del pleito, sino desde el desarrollo conceptual generador de conocimiento. Para hacer la revista escogimos los temas y escritos segun nuestro criterio, al que pensamos tan válido como el de cualquier autor reconocido. La selección de textos para el primer número de la revista estuvo atravesada por la estética del performance, así como el ejercicio práctico y crítico de esta técnica en nuestra ciudad.

http://issuu.com/gulumba/docs/gulumba_numero1


Fantasmagoría

Tres objetos, entre el ensueño y la conciencia. Nathalia Betancourt

A partir de una mirada introspectiva me propuse poner en el plano material, representaciones mentales (ilusiones y deseos) recurrentes de tres objetos cargados fuertemente de significados casi universales. El proceso se da poniendo en evidencia estados emocionales y de pensamiento que surgen de una persona con limitaciones físicas, mediante piezas plásticas y visuales en diferentes formatos que contuvieran elementos de desmitificación y construcción variable de un ambiente que oscila entre el ensueño y la conciencia. Este proyecto toma forma con el deseo de reflejar mediante una técnica híbrida pensamientos y emociones conducidos por diversas experiencias acontecidas a lo largo de mi vida (y de otros) así como la relación con lo que me rodea, teniendo en cuenta un elemento indispensable como lo es el acto de soñar despierto e imaginar circunstancias paralelas, con una serie de objetos contenedores de fuerte valor simbólico

en un espacio que se pueda recorrer y en donde se pueda interactuar más directamente con los materiales que los componen. Descubrir el ánimo voyerista de los que recorran la instalación suscitando en ellos la evocación e incluso confusión, envidia, sorpresa, temor, sobrecogimiento… en fin, una reacción a la seducción seguida por una conformación con sus paradigmas particulares.


La Educación Artística En Preescolar a Partir de la Lectura de un Libro Álbum de la Literatura Infantil Lina Marcela Caicedo

Este proyecto explora las relaciones entre el Arte y su enseñanza en el nivel preescolar. Reflexiona sobre las estrategias pedagógicas que tradicionalmente se han implementado en este nivel y plantea una nueva perspectiva para la Educación Artística a partir de los resultados obtenidos en la implementación de una propuesta de lectura de un libro álbum en la que se experimentaron aspectos como la interpretación, el color y la textura. Con la propuesta se busca potenciar la relación entre el lenguaje narrativo y el lenguaje visual, y propiciar espacios para el disfrute de la experiencia estética. Además indaga el lugar que tiene el conocimiento artístico en ese aprendizaje; se explora el lugar de la Educación Artística y de la Literatura Infantil en la primera infancia. Se trata entonces de un trabajo que observa de manera general la educación, la infancia y, sobre todo, propone nuevas estrategias para la enseñanza del Arte en una edad temprana.


Formas de Territorio en Cuatro Lugares del Arte Yolanda Chois

Este trabajo se plantea como un ejercicio de escritura que realice la descripción de cuatro obras de arte intentando interpretar las relaciones de éstas con el concepto de territorio. Se trata de enlazar diferentes significados entre las obras y el concepto en cuestión. El territorio es el denominador común, el punto al cual siempre volver después de andar por diferentes elementos de las obras seleccionadas. Por otro lado, me interesa precisar los motivos que me llevaron a seleccionar este tema como línea de borde sobre la cual caminar; también están las decisiones de forma y género a utilizar en este trabajo de descripción de obras de arte. Me interesa hacer de la escritura un camino exploratorio más que un análisis de caso. Seleccioné cuatro obras; todas realizadas en Cali, Colombia. Este criterio de selección corresponde, primero, a una necesidad propia de lograr contrastar la relación de los lugares físicos donde se realizan esas obras con mi conocimiento previo de ellos, lo que no sería posible si hubiera seleccionado obras que a mi

parecer fueran dicientes en (re)configurar territorios, pero de los lugares donde se desarrollaran yo no tuviera experiencia alguna. La selección hecha también pasa por un asunto de convivencialidad con las obras y los lugares en los que se dan. Estas obras, casi en su totalidad, se conectan con temas comunes de las personas que vivimos en esta ciudad; a causa de tornarse “locales”, ganan universalidad en los temas que atraviesan.


Coreografías de lo Cotidiano

Gineth Meneses García Texto por: Jorge Alberto Reyes Osma Director de Trabajo de Grado

Este trabajo de grado se articula desde las prácticas artísticas colaborativas que apuntan más que a la producción de "obras" como se entiende esta práctica en la modernidad, a dinamizar nuevas relaciones de producción y difusión estética en contextos específicos, lo que permite poner en primer plano los públicos como agentes de "creación" accionando estrategias de investigación post-disciplinares en campos como la sociología y la educación popular, en términos de Nicolas Borriaud "así nacen las formas, a partir del "desvió" y del encuentro aleatorio entre dos elementos hasta entonces paralelos". De tal manera que la estudiante Gineth Meneses García evidencia en su metodología otras formas para la práctica y enseñanza de las artes; es en este sentido como el arte contemporáneo desarrolla su proyecto político, problematizando la esfera relacional.

El proyecto cuestiona los espacios sociales preestablecidos que se arraigan en estructuras urbanísticas y normativas sociales, endureciendo la vida cotidiana en sus relaciones directas y mediáticas que a su vez constriñen el intercambio humano y fortalecen el individualismo; Coreografías de lo Cotidiano por el contrario promueve las prácticas de vida solidaria a través de la estética.


Tapiando Coco Jaes Caicedo Texto por: Juliane Bambula Díaz

Directora de Trabajo de Grado

Es como si el sonido de la marimba o las mismas aguas con sus rítmicos movimientos hubieran lavado y dado origen a la canoa, el canalete y la batea,-objetos utilitarios esenciales para la vida de la población afrodescendiente de la Costa Pacífica- en cuya sencillez y perfección se da la absoluta coincidencia entre forma y función, llevada -como si fuera por la naturaleza misma- a un refinamiento estético supremo. Estos objetos son expresión de un equilibrio entre el ser humano y su entorno natural que hoy está desapareciendo. Gran parte de la población que tradicionalmente habita la región del Pacifico Colombiano, es descendiente de esclavos que encontraron refugio en esa zona selvática y de difícil acceso, huyendo de los abusos y maltratos en las minas y plantaciones de la época colonial y republicana. Lograron allí un modus vivendi en simbiosis con la naturaleza, una economía de subsistencia adaptada al entorno natural, coadyuvada por el mazamorreo del oro que había en los innumerables ríos y corrientes acuáticas y que permitía

un modesto intercambio de mercaderías con el interior del país. Ese modo de vida, que estaba hasta hace algunas décadas aún relativamente intacto debido a la barrera protectora de la densa selva y la ausencia de vías terrestres, está hoy masivamente amenazado por intereses macro-económicos que no solo están dispuestos a arrasar con la naturaleza sino con los mismos seres humanos, indígenas y afrodescendientes, que pacíficamente la habitan. Ese es el contexto del trabajo de grado de Jaes Caicedo que -lejos de basarse únicamente en estudios antropológicos objetivos- parte de la percepción sensible y la vivencia subjetiva de ese mundo de características culturales particulares de gran riqueza estética, interceptado hoy por una sociedad conflictiva y desigual. El trabajo se circunscribe a modalidades del nuevo paradigma estético que surge en el mundo contemporáneo cada vez con más fuerza, y dentro de él al formato de las prácticas artísticas contemporáneas, que reviste carácter actual y no objetual, o sea procesual, interactivo, performático y pedagógico, comprendiendo este último aspecto como algo intrínseco al arte de esa modalidad.


Punto de partida es una experiencia familiar: Los padres de Jaes Caicedo, ciudadanos de Cali, son oriundos de la Costa Pacífica, de veredas enclavadas en plena selva, a orillas del río Telembí en la región de Barbacoas en el caso de la madre y del río Cajambre en caso del padre. El estudiante guarda desde su infancia recuerdos del río Cajambre al que, después de muchos años regresó, en busca de sus raíces culturales y las de su familia. Este sitio -por más apartado que se encuentre- hoy está siendo afectado por la violencia y amenazado ecológicamente. La bitácora de dicho viaje se constituyó en eje del Trabajo de Grado. Jaes recogió narraciones orales y realizó una intervención artístico-pedagógica interactiva en el lugar de la que realizó un registro, experiencia que culmina en un performance/instalación. En este trabajo, que parece centrarse en aspectos puramente regionales, se cruzan y entretejen de manera sutil y refinada diferentes líneas conceptuales que corresponden a temáticas que hoy internacionalmente son objeto de debate, particularmente en el ámbito del pensamiento decolonial: la hegemonía cultural occidental y sus efectos sobre las culturas tradicionales, la trashumancia o sea el desplazamiento poblacional forzoso o voluntario, las transformaciones e

hibridaciones culturales que de estas situaciones se derivan, las territorialidades, las fronteras y su cruce, la violencia tanto ecológica como bélica, el desarraigo. Estos elementos están conceptualmente presentes en el trabajo, sin que se hicieran discursivamente explícitos. Los textos -la bitácora y los relatos orales recogidos- se constituyen mediante su lenguaje poético-narrativo, en ejes articuladores de toda la obra que reviste carácter abierto en cuanto es procesual y podría tener continuidad, pero culmina en calidad de Trabajo de Grado en el performance-instalación.


El Juicio de KissMe Lina López

++ Ver Texto “El Juicio de Kissme Escultura Acción de Grado de Lina López + ElUnaTrabajo Experiencia Pedagógica” por Juliane Bambula Díaz en la siguiente seccioón.

Reconocimiento Nathalia Betancourt Hurtado, estudiante de último semestre de Licenciatura en Artes Visuales de la Facultad de Artes Integradas de la Universidad del Valle, obtuvo uno de los dos estímulos económicos entregados por la Muestra de Arte Joven de Cali 2012 en el marco del evento Cali Contemporáneo -CALCO, promovido por la Fundación Humana Integral y apoyado por la Secretaría de Cultura y Turismo de Cali. Este premio fue otorgado por su obra “Objeto del deseo #3”, una videoinstalación que hace parte de una trilogía de obras en diversos formatos denominada “Fantasmagoria: entre el ensueño y la consciencia”.

++ + http://comunicaciones.univalle.edu.co/InformesPrensa/2012/octubre/OC-246-2012.html


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El Juicio de Kissme El Trabajo de Grado de Lina López – una experiencia pedagógica Juliane Bambula Díaz* El Trabajo de Grado de la estudiante Lina López -lejos de partir de consideraciones académicas relacionadas con la historia del arte clásico, de criterios artísticos basados en conceptos del arte académico tradicional o el esteticismo elitista de vanguardia -tuvo un punto de partida íntimamente relacionado con el contexto cultural y social del que ella hace parte y que afirma y reivindica como suyo. La matriz de su reflexión es una crítica de los monumentos que hacen parte de la imagen oficial de Cali y pretenden representar y

simbolizar la ciudad y el Valle del Cauca: – Cristo Rey, la Estatua de Belalcázar, Las Tres Cruces y otros más, incluyendo los más recientes que fueron emplazados en la década de los años 901. Según la percepción de la estudiante hay una distancia que separa los monumentos de la ciudad del Cali de la vida real del pueblo caleño. Esta separación la percibe particularmente en dos aspectos: en cuanto al desconocimiento de la idiosincrasia plural y heterogénea del pueblo caleño y en cuanto a la invisibilización de la mujer.

Escultura - Acción Ante esto, la estudiante se pregunta: ¿Dónde se expresa la pluralidad cultural caleña en esos monumentos? ¿Dónde, en Cali, hay monumentos que hacen homenaje a la mujer? 1 …“por la mujer de un alcalde”, como lo plantea Lina López, refiriéndose al Monumento a la Solidaridad Vallecaucana y otros del mismo estilo.


La respuesta artística inicial que Lina López quiso dar a esta problemática se inspiró en el radicalismo vanguardista del siglo XX, especialmente de la segunda mitad del siglo -tendencias claramente iconoclastas y fuertemente cuestionadoras del arte clásico y académico como el Accionismo, el Pop Art y el Arte Conceptual con sus antecedentes del Dadaísmo. A la vez su interés se orienta hacia expresiones fuertemente reivindicativas de los valores y derechos femeninos. Ejemplo de una postura así – no citado por Lina López, pero afín en muchos aspectos a sus reflexiones y propósitos – es la renombrada artista francesa Niki Saint Phalle, que expresó sus ideas feministas mediante formas estrambóticas, truculentas y coloridas –por ejemplo en los gigantescos, obesos y escandalosos cuerpos femeninos

realizados en polietileno, llamados Hon – y mediante acciones iconoclastas como disparos de fusil contra obras de arte en las cuales había escondido bolsas con pintura que, al reventarse bajo los impactos de las balas, “sangraron”, chorreando los líquidos de colores. En 1962 realizó un performance en Nueva York, disparando a una réplica de la Venus de Milo.2 Feminismo e iconoclasia se juntan en la obra de Niki de Saint Phalle como respuesta radical a un sistema hegemónico en el cual el orden del poder patriarcal y la institucionalidad objetivante del arte en museos y galerías son dos caras de la misma moneda.

Esas ideas también están presentes en la reflexión de Lina López y le fueron indicando el camino de su búsqueda. Particularmente le parecieron interesantes las acciones de la muy reconocida artista austríaca Valie Export, que influenciada por el Accionismo Vienés, realizó en la década de los años 60 y 70 diferentes acciones de tipo feminista y radical, por ejemplo “Pánico Genital”(1969), exponiendo -metralleta en mano – sus genitales al publico de una sala de cine X en la ciudad alemana de Múnich.3

2 Niki de Saint Phalle, http://en.artpress.com/mobile/index.php?a=7435 http://www.oem.com.mx/oem/notas/n580606.htm http://www.youtube.com/watch?v=gbHPIztVAWU http://www.you tube.com/watch?v=gbHPIztVAWU http://www.youtube.com/watch?v=5xzOwsENVmo&feature=related 3 Valie Export, http://entornoartistico.blogspot.com/2010/10/valie-export genital-panic.html.


Igualmente le interesó un colectivo de artistas de acción norteamericanas, llamado The Guerrilla Girls . Ellas actuaron a partir de 1984 en Nueva York y otras ciudades del mundo usando supuestas “tácticas de guerrilla” para promocionar la presencia de la mujer en el arte, por ejemplo mediante apariciones en las calles ocultando sus rostros con máscaras y desplegando posters “para denunciar el desequilibrio de género y racial de los artistas representados en galerías y museos”.4

Un tercer referente para la estudiante es el importante artista afro-americano estadounidense Fred Wilson, quien cuestiona la mirada distante y museística sobre los objetos de exposición de Museos de Antropología y de Historia, detrás de los cuales se esconde una sangrienta realidad de colonización y sometimiento; su propósito es el desenmascaramiento de la institución del museo como reducto y reserva del colonialismo.5 Si inicialmente la idea de Lina López era realizar un acto iconoclasta contra uno de los monumentos oficiales de la ciudad de Cali, es decir un acto de rechazo radical que se hubiera agotado en la negación, durante el proceso de elaboración conceptual del proyecto ella fue entendiendo que las acciones provocativas de alto grado de agresividad, que en el arte contemporáneo a nivel mundial se han puesto al orden del día y gozan

ya de reconocimiento institucional como parte del vocabulario del arte, funcionan de manera diferente en diferentes contextos sociales, culturales; entendió que no es lo mismo realizar un acto de agresión simbólica contra un objeto museístico en un país con altos estándares de seguridad ciudadana, donde el efecto podría ser un despertar del letargo y un impulso para dejar atrás ciertos bloqueos mentales, o realizarlo en un lugar como Colombia, donde la violencia es una dolorosa realidad cotidiana y donde por ello una acción de esa naturaleza no marcaría diferencia y sería, al contrario leída como un acto ridículo y deplorable ante la violencia cotidiana o incluso como una apología. A partir de ese reconocimiento se produjo un cambio en el proyecto. 4 The Guerrilla Girls, http://es.wikipedia.org/wiki/Guerrilla_Girls 5 Fred Wilson http://en.wikipedia.org/wiki/Fred_Wilson_(artist)


Surgió la idea de realizar una acción en relación con una escultura alternativa y se escogió la Venus de Kissme. Esa estatua no es aceptada como parte de los monumentos oficiales y “dignos” de la ciudad, por cuatro razones principales: porque es la imagen de un establecimiento para citas amorosas ubicado en uno de los barrios céntricos donde los “ciudadanos de bien”, o sea los de clase alta y media-alta que cuidan su “buena reputación” solo acuden a hurtadillas, porque es realizada de manera empírica por un “diletante” del arte y en un material no-noble, el cemento, porque el estrambótico contexto estético del establecimiento del que hace parte suele ser de manera despreciativa calificado de “kitsch”, de “mal gusto” y, finalmente, porque ese “estilo de decoración” suele ser identificado con el impacto que hizo en las últimas décadas en los gustos estéticos de la ciudad la afluencia de dineros obtenidos por vías non

sanctas, que de por si le coloca la marca de lo “no deseable”. Lina López, con tenaz persistencia, se resiste a compartir estos criterios despreciativos, que – de hecho carecen de sustentación y resultan insostenibles desde el punto de vista del arte contemporáneo que se ha empeñado ya desde casi un siglo en derribar los prejuicios clasistas, los preceptos estéticos academicistas y el moralismo hipócrita en la esfera del arte. Con la valentía que la caracteriza tomó por ello la decisión de realizar su Trabajo de Grado en el formato de acción-intervención pedagógica a partir y alrededor de la Venus de Kissme. Allí, sin embargo, se complicaron las cosas ya que, planteado así, el proyecto es atravesado por una multiplicidad de problemáticas, tanto del arte mismo como de tipo

social y cultural general, entrelazadas entre sí de manera compleja y a veces contradictora: -La problemática del kitsch, de las industrias culturales y su impacto en América Latina y lo relacionado con el llamado arte popular. -La problemática de la hegemonía de los cánones culturales y artísticos occidentales y su asimilación ambigua por parte de los pueblos latinoamericanos, en ese caso particular en el contexto pluricultural caleño. -La problemática del abordaje postmoderno de la belleza clásica basada en el modelo neoclásico, renacentista y greco-romana, un tema en el cual interactúan la historia del arte y el análisis cultural de fenómenos propios de nuestra época.


-El problema relacionado con las nociones de original y copia/falsificación, particularmente relevante en el ámbito artístico. En la historia del arte esta problemática tiene una larga trayectoria, que se inicia en la cultura greco-romana, donde fue completamente lícito y usual realizar copias de las esculturas. Esa problemática hoy, ante la presencia y las posibilidadesque ofrecen las nuevas tecnologías 6 y las estrictas reglamentaciones legales prohibitorias vigentes internacionalmente se ha extendido a muchos otros campos, incluyendo las marcas comerciales y el derecho de autor y ha adquirido un carácter de enorme transcendencia ocasionando debates a nivel global. -La problemática del cuestionamiento vanguardista del arte como objetual ¬ museístico y el giro performático, basado, entre otros, en el Concepto ampliado del

arte sostenido por Joseph Beuys,7 que busca superar la separación entre arte y vida y disolver la estática dicotomía entre arte museístico y público mediante un concepto antropológico y sobre todo pedagógico .

últimas tres décadas y -en ese contexto -la generalizada opinión – atravesada por criterios de moral y preceptos clasistas -acerca de la proliferación de lo estrambótico y ostentoso en detrimento del refinamiento discreto.

-El problema de la comercialización y conversión en objeto de la imagen femenina y de los estereotipos de belleza del cuerpo de la mujer tanto en los medios, la publicidad y las industrias culturales como en la vida real.

-La problemática de la afirmación del cuerpo, de su expresividad y sensualidad, como aspecto característico de la idiosincrasia de la ciudad, en contravía de los preceptos negadores del cuerpo, sostenidos por el catolicismo y cristianismo evangélico, igualmente presentes en la idiosincrasia popular.

-La problemática del debate sobre el “buen” o “mal” gusto, generada alrededor de un fenómeno social y cultural: el brusco ascenso de la precariedad económica a la solvencia e incluso riqueza de un sector de la sociedad durante las

-La debatida pero creciente tendencia – particularmente perceptible en Cali - hacia las operaciones “estéticas” de

6 Walter Benjamin (1936), La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Edit. Taurus, Madrid 1973 7 Joseph Beuys http://www.margencero.com/articulos/new/joseph_beuys.html


intervención quirúrgica en la morfología corporal femenina y su problemática relación con el canon de belleza occidental por un lado y con los cambios culturales a raíz de la movilidad económica y social en la sociedad caleña. -El problema del imaginario que rodea la Ciudad de Cali como un aura y que se expresa en sus diferentes epítetos y sobrenombres como: Sucursal del cielo, Sultana del Valle, Capital mundial de la salsa, entre otros y el tema de la idiosincrasia de la ciudad, su auto-reconocimiento en esta tipificación; la búsqueda de una identidad cultural urbana en medio de procesos de gran movilidad y conflicto social. -Y finalmente, el problema del conflicto entre una cultura oficial, mojigata, pulcra, regida aparentemente por el orden, el tesón del trabajo, la moral cristiana y

el “buen gusto” por un lado y, por el otro, la vida real de la ciudad, marcada por el vertiginoso deterioro de las condiciones de vida de las mayorías, el deterioro físico de la infraestructura pública, la lucha diaria por el vivir en medio de la pobreza, de los desastres naturales y de la violencia desbordada con sus diferentes motivaciones, ya sean las del crimen organizado, del abuso sexual, de los conflictos intra-familiares, de posturas políticas extremistas o de simple necesidad del sustento. La escogencia de la Venus de Kissme como punto gravitacional del Trabajo de Grado de Lina López implica que todas estas problemáticas (y probablemente otras más) atraviesen el proyecto, conformando un confuso y oscilante constructo de opiniones e imaginarios, cuya complejidad dificulta y hace muy dispendioso su abordaje teórico y sistemático, pero

se hace posible mediante las metodologías de la investigación artística, basada en la intersubjetividad y sensibilidad estética.


Si bien un Trabajo de Grado en una Licenciatura en Artes Visuales debe presentarse mediante o acompañado de una sustentación escrita argumentada, no es requerido necesariamente un enfoque teórico y sistemático, riguroso y objetivo; al contrario, ha de involucrar en alto grado la subjetividad sensible para poner de relieve y abordar estéticamente situaciones y hechos que pueden ser contradictorios. Siendo así, Lina López se vio ante la difícil necesidad de direccionar el enfoque de su trabajo hacia una o varias temáticas específicas entre todas las problemáticas que atraviesan el proyecto, o sea se vio ante la dificultad de diferenciar algunas de estas líneas, separarlas del cúmulo de problemáticas que atraviesan el proyecto, y trabajarlas artística-y pedagógicamente en su interrelación. El resto de aspectos quedarían por el momento

presentes solamente como un vibrante contexto, sensiblemente perceptible, mas no explicitado. (Esto ofrece, sin embargo, muchas posibilidades para futuros proyectos artísticos o artístico-pedagógicos, que podrían desprenderse de éste, dando continuidad a esa reflexión aún después de la graduación). Lina López se decidió por el tema relacionado con el estereotipo occidental de la belleza femenina que es instrumentalizado comercial -y mediáticamente. Ese tema se articula con la idea inicial del proyecto, el cuestionamiento del simbolismo hegemónico y patriarcal de los monumentos oficiales de la ciudad y de la funcionalidad tradicional del arte. Esto a su vez da lugar a un planteamiento basado en el concepto ampliado del arte, como lo entendió Joseph Beuys y el potencial pedagógico que esto libera.

El cuestionamiento que Lina López hace del simbolismo hegemónico y patriarcal de los monumentos oficiales de la ciudad es apadrinado por las críticas que hacen los movimientos artísticos de vanguardia al museo como institución y a la función museística, objetual y representativa del arte de la Modernidad occidental, apartado de la vida real y convertido en objeto por la mirada del público. Partiendo de ese presupuesto, la estudiante da otra vuelta adicional al asunto: Los monumentos oficiales de Cali – según el modo de ver y analizar de Lina López -son puestos en entredicho por la Venus de Kissme – una estatua gigantesca que representa una bella mujer con el torso desnudo y que se ubica – conceptualmente e incluso físicamente (o sea en la geografía urbana y su jerarquización simbólico-social) -fuera del contexto


del arte reconocido y oficial, desafiándolo de cierta manera en un triple sentido: -En primer lugar lo desafía en cuanto tiene una rotunda y contundente connotación femenina, que literalmente “saca pecho” frente a los monumentos al otro lado de la ciudad, en su gran mayoría símbolos patriarcales del poder colonial, eclesiástico y politiquero, conservadores además en sus aspectos formales. Piénsese solamente en la estatua del conquistador, apostada -igual que las Tres Cruces o Cristo Rey-arriba,8 en la loma. (Fue hecha en pleno siglo XX, en épocas de Picasso, Dalí o Miró, por un artista español – o sea de la Madre Patria colonial ¬ que por su estilo pertenece a siglos anteriores.) El gesto de poder de Belalcázar, su mano extendida, parece someter bajo su dominio toda una inmensa región hasta la Costa Pacífica. “Cali es Cali-lo

demás es loma” reza un estribillo popular, y la Venus de Kissme no se encuentra en la “loma”, se encuentra en la parte baja de la ciudad. -En segundo lugar desafía el arte oficial y tradicional en cuanto es resultado de una asimilación popular, espontánea, despreocupada del legado artístico de la cultura clásica europea, que -haciendo caso omiso de cualquier aculturación museística o académica -se da a partir del impacto de la difusión mediática y el kitsch, que en este caso se convierten en material para la fantasía y creatividad. (Fenómenos como éste se han puesto en el orden del día también por las tendencias posmodernas del arte a nivel internacional, pero aquí suceden de manera fresca y espontánea, prescindiendo de los referentes intelectuales doctos.)

-En tercer lugar desafía el arte oficial y tradicional en cuanto pone en entredicho a la propia Venus de Milo tal como ahora se encuentra en el Louvre: Las estatuas de Afrodita (y también la Venus de Milo) eran originalmente, hace 2500 años en la antigua Grecia, elementos del culto al amor erótico con una funcionalidad que las colocaba en el centro de la vida ritual del pueblo. Encerrada ya en el Louvre (a dónde llegó a comienzos del siglo XIX mediante una compra-venta después de haber sido hallada en la isla de Milo en el Mar Egeo) la Venus de Milo se introduce en la Modernidad occidental donde adquiere una funcionalidad completamente distinta, opuesta: la de objeto artístico e histñorico para


la contemplación platónica (y el análisis científico por parte de expertos); es exclusiva,9 no debe ser tocada por nadie y está apartada de la vida; las barreras físicas y electrónicas que de hecho, por razones de “seguridad”, la rodean en el museo (-no hay que olvidar que en nuestro mundo también representa, como toda obra de arte reconocida, un elevado valor en términos económicos-) simbolizan esta separación entre arte y espectador, característico del orden estético occidental de la Modernidad. La Venus de Kissme de Cali, en cambio, parece querer recuperar la funcionalidad original de las estatuas de Afrodita; no podría estar mejor emplazada, en plena ciudad, en un lugar dedicado al amor y al placer físico, al goce pagano, para parafrasear el nombre de otro lugar relacionado con el proceso cultural que dio a la Ciudad su identidad festiva.

Esto explica el contexto geográfico-urbano y conceptual dentro del cual Lina López sitúa su propuesta El Juicio de Kissme. Escultura-Acción. Más que por razones de orden teórico o analítico lo hace con la certera intuición de mujer artista, consciente de su identidad y pertenencia. Ahora bien, la problemática central que Lina López se propone abordar en la obra es la del estereotipo de belleza que hunde sus raíces en el Canon10 clásico, representado (en el imaginario colectivo de la cultura occidental, con o sin conocimientos de la historia del arte) por la Venus de Milo, entronizada en un pedestal (a la vez que encerrada) en Paris, en el Museo del Louvre. Ese canon ha sido reproducido por la iconografía del arte occidental tradicional en centenares de desnudos femeninos, tanto escultóricos como en pintura. En el

siglo XX ha sido ironizado y satíricamente parafraseado por la irreverencia cuestionadora de las vanguardias artísticas.11 Pero paralelamente – “descendiendo” la escala socio-cultural - el canon clásico occidental ha sido asimilado por el kitsch y la cultura comercial de masas: es omnipresente en posters y publicidad, en la iconografía pornográfica y en el cine hollywoodense, en la televisión y los reinados de belleza (muy populares especialmente en América Latina) y, con todo ello, está arraigado en el imaginario de mucha gente. Y – también llegó a los barrios de Cali, donde, en medio de la parafernalia 9 Juliane Bambula Díaz (1993) op.cit., capítulos 5.2, y 5.3; 10 ‘Canon’ (regla, norma) se llamaban en la Antigüedad griega clásica las estatuas que representaban la exacta proporcionalidad corporal de un ideal de belleza, basado en la Sección Áurea, una fórmula matemática de la escuela de Pitágoras. 11 Salvador Dalí, Yves Klein, Man Ray, Niki Saint Phalle etc.


estrambótica de la decoración de un motel (cuya fuente principal son los comics y la cultura mediática), el Canon emerge – como Afrodita de las olas del mar -en su forma originaria, pero gigante: como Venus de Kissme. Allí parece presentarse una contradicción: La Venus de Kissme, como concepto contextual ( -como desafío al arte tradicional con su carácter autónomo, exclusivo y objetual 12 y a los monumentos oficiales de Cali -), tiene para Lina López una clara connotación positiva. Pero en relación con el planteamiento central de la obra (-el rechazo a los estereotipos que se aplican al cuerpo femenino -) debería por lógica tener una connotación negativa, pues la estatua – copia de la Venus de Milo – encarna justamente el canon de belleza que subyace a los estereotipos.

Esta aparente contradicción hace parte de las incoherencias que son características de todos los procesos culturales de hibridación, mestizaje cultural, transculturación (o como queramos llamarlos), y por ello esto no es ningún problema para Lina López y simplemente lo pasa por alto. Ella no cuestiona ese canon de belleza en sí; más bien lo acepta y admira su innegable encanto. Su crítica va en contra de la mirada instrumentalizante que convierte el cuerpo femenino en objeto y lo enjuicia según un estereotipo puesto en función del consumo y la comercialización. Esta idea es central en su planteamiento y se expresa con claridad en la conceptualización de la obra y en la sutil ironía de la primera parte de su título: El juicio de Kissme, puesta al derecho por la segunda parte: Escultura acción.

Haciendo uso del mito del Juicio de Paris, Lina López lo invierte para bloquear la mirada instrumentalizante que vuelve objeto el cuerpo femenino: En el mito, como en los reinados de belleza, el sujeto de la mirada evalúa, selecciona (bajo los efectos del soborno, que también está presente en el mito13 ) y entrega el premio, una manzana (o una corona de pacotilla y unos contratos publicitarios). En el Juicio de Kissme. Escultura – Acción en cambio el canon de belleza (que subyace al estereotipo) está siendo interpelado: sobre la espalada de la 12 Juliane Bambula Díaz,( 1993), loc.cit. 13 Tres diosas le ofrecen a Paris, príncipe de Troya, recompensas correspondientes a sus características simbólicas, a cambio de ser elegidas como la más bella: Hera, esposa de Zeus y protectora del matrimonio legal, de la familia y del orden estatal, ofrece poder político, Atenea, diosas de la racionalidad y de valores patriarcales, nacida de la cabeza de Zeus, guerrera con lanza y escudo, ofrece victorias bélicas y Afrodita, según su naturaleza, ofrece amor pasional por encima de la racionalidad y de las reglas.


estatua que representa dicho canon se proyecta un video, que muestra imágenes que evidencian la relatividad de la noción de belleza y su diversidad cultural y registra las i n t e r v e n c i o n e s pedagógico-artísticas que Lina López ha hecho junto con un grupo de mujeres performistas en eventos callejeros de Cali 14 a modo de protesta bajo el lema “no me estereotipo”; mientras esto ocurre, en unos pedestales de apariencia neoclásica están instalados-cual exposición estática de una galería de arte -varios “desnudos escultóricos”: torsos femeninos de plástico, maniquíes de almacenes de moda, estereotipos, ready mades que ironizan la función tradicional del arte como lo había hecho en su momento Marcel Duchamp con un urinario15, pero llamando la atención a la vez sobre su aspecto mercantilista. En el acto de premiación no hay ni juez ni jurado: todos, las tres diosas y nosotros

somos sujetos de belleza; por ello no hay solo una sino muchas manzanas que son tomadas por los asistentes que entran en acción. Lina introduce también la dimensión sonora en su trabajo – algo que es usual en el arte contemporáneo16: Al iniciarse el acto, un trompetista toca en forma de solo una muy conocida melodía de salsa17 íntimamente relacionada con la identidad de la ciudad, cuyo texto, que hace referencia a la diversidad de la belleza de las mujeres caleñas, es sabido de memoria por todo el mundo y por lo tanto surge en la

mente de los asistentes en el momento de escuchar la tonada. Esto contextualiza y ambienta emocional-y sensiblemente el planteamiento artístico de El Juicio de Kissme. Escultura-Acción. También al final interviene la música. El juicio, con su clara diferenciación entre sujeto y objeto (jurado versus evaluadas, mirada objetivante versus cuerpo femenino) se disuelve y se convierte en un inter-actuar gozoso de subjetividades: rumba y guateque.

14 En la Feria de Cali el 28 de diciembre 2011, en la marcha del Día Internacional de la Mujer, el 8 de marzo 2012 y en el evento llamado PutiPlantón, el 25 de febrero 2012 15 R. Mutt (Marcel Duchamp), Fuente, 1917 16 Las Artes Visuales contemporáneas trascienden lo puramente visual en cuanto suelen introducir sonoridad, elementos olfativos, elementos interactivos de tipo táctil e incluso relacionados con el sentido del gusto, así como movimiento, luz, aspectos dancísticos y teatrales. Esto hace parte de los procesos de desvanecimiento de las fronteras entre las diferentes artes, establecidas teóricamente en la Modernidad occidental, en el siglo XVIII. 17 Las caleñas son como las flores, de Piper Pimienta y The Latin Brothers, 1975


*Juliane Bambula Díaz Profesora del Departamento de Artes Visuales y Estética en la Facultad de Artes Integradas de la Universidad del Valle, directora de Trabajo de Grado de Lina López


Nosotros no QUEREMOS SER PROFESORES Jhon Ordóñez*

* Profesor del Departamento de Artes Visuales y Estética en la Facultad de Artes Integradas de la Universidad del Valle.

D R E L TAL

T A M I N A C S E

Educación Formal Leonardo Fabián López http://www.lugaradudas.org/archivo/2012/exhibiciones/121005_educacion_formal.html


ON

A inicios del segundo semestre, Agosto-Diciembre de 2012, durante la clase de Pedagogía III subtitulada Estrategias Docentes de la Licenciatura en Artes Visuales, uno de los estudiantes de la clase preguntó con cierta prepotencia ¿Para qué vamos a ver esos contenidos si nosotros no queremos ser profesores? El estudiante se refería a los contenidos consignados en el programa de curso, los cuales respondían a las microdescripciones y sugerencias que están en la malla curricular que tiene diseñada la carrera para estos cursos, y que entre sus temas deben tocar el tema del PEI y la Ley de Educación en Colombia. La pregunta, que realmente es de sentido común cobra valor cuando se hace en medio del desarrollo de una clase que precisamente da por sentado que quienes están en ella, desean estar ahí y que indicaría al profesor de curso que si esos jóvenes que están frente a él estudian una licenciatura, es por que tienen alguna conciencia de su ámbito de acción futura, en el que lo más cercano es la docencia, un campo de desarrollo profesional que si bien en nuestra cultura ha venido perdiendo prestigio social, sigue teniendo un importante papel para el alcance de los propósitos en pro de lograr una trasformación social, cultural y política que ayuden en la construcción de una sociedad más democrática.

Ahora bien, preguntas como esta, a las que considero se les debe dar respuesta lo antes posible, resultan interesantes en la medida en que nos ponen en alerta sobre la importancia que tiene para los jóvenes la educación, el lugar que esta tiene en la sociedad, la necesidad de revisar los modelos pedagógicos actuales y en especial el deber que tiene la universidad de hacer conscientes a quienes escogen carreras con énfasis en el estudio de la pedagogía sobre el valor político y social que hoy más que nunca tienen carreras que apuntan a dinamizar la cultura. Este último, un lugar en el que la Licenciatura en Artes Visuales ha venido trabajando desde su apertura en el 2001 y que en la actualidad permite referenciarla como una de las carreras que más ha activado la cultura de la artes en la ciudad, desde donde se han consolidado diversas iniciativas entre los cuales se cuentan algunos proyectos culturales, producción plástica y visual, y experiencias pedagógicas, que han mostrado un campo de acción muy interesante en términos del papel político que pueden tener propuestas que involucran a la comunidades y dan participación a la gente en el desarrollo de lo que podríamos definir como prácticas estéticas en espacios cotidianos, las cuales trascienden los espacios formales tanto de exhibición como las concepciones sobre la educación.


Dicho esto volvamos a la motivación del texto, la pregunta del estudiante a la que intenté responder con la mayor sinceridad posible y para lo cual acudí a un par de ideas que siempre han acompañado mi gusto por el arte: El oficio y la disciplina. No hay artista sin estas dos cualidades, empecé diciendo, tratando de introducir la idea que deviene de la historia cuando imaginamos el artista también como un maestro. Es imposible ser un maestro sin un aprendiz, continué, acudiendo a los muchos ejemplos contenidos en la historia del arte sobre los grandes maestros que aprendieron de otros renombrados artistas y que han servido de inspiración a quienes hemos querido ingresar a este mundo del arte. Los mismos que en el camino hemos descubierto que el arte es hoy otras cosa, y que ya no solo implica estar en un taller y producir magnificas obras, sino también pensar nuestros entornos y realidades, en ese sentido, le dije al estudiante que el artista de hoy tiene y más en este hemisferio, el deber de saber en medio de que realidad vive, pero incluso tiene el deber de pensar en si es posible transformar esa realidad y si así lo quisiera, no podría solo, de alguna manera debería aprender a ver y escuchar al otro y en otros casos enseñar y explicar a otros. Para terminar mi explicación concluí diciendo al estudiante que recordara que estaba en un proceso y

que no desmeritara nada, que lo mejor en este momento era abrir su mente y aportar en la construcción del conocimiento, bien sea estando de desacuerdo o en concordancia con lo que se decía en la clase, pero siempre pensando. Porque recordando a Estanislao Zuleta podríamos decir que solo de esa manera su lugar como estudiante y el mio como profesor cobran sentido. Al final de la clase concluimos que la motivación e interés de los estudiantes debe superar la utilidad de la profesión y la preocupación debe estar centrada en ser capaces de integrar experiencia vital y formación académica, una combinación necesaria y fundamental para llegar a ser muy buenos profesionales, sin importar si queremos ser profesores o no. Un logro imposible de lograr sin la participación de quienes hoy tenemos la fortuna de aportar a la construcción de esta carrera. Pd. Tal vez la respuesta no haya sido la más satisfactoria y cada quién puede intentar la suya. Al estudiante un agradecimiento en cuanto ha suscitado esta pequeña reflexión que espero sirva para revisar nuestro lugar y la motivación que tenemos para ser artistas, profesores, gestores culturales, curadores, investigadores o lo que sea, siempre pensando.

ejemplo con secuencia


E


Isabel Cruz

Anotaciones Anotaciones sobre sobre\]\] Arte Arte - -Tecnología Tecnologíay yPedagogía Pedagogía]*]* isabel Cruz*

*Profesora del Departamento de Artes Visuales y Estética en la Facultad de Artes Integradas de la Universidad del Valle.


Si bien somos producto de la racionalidad más alta. No la mejor, la más alta, asociada por el sentido común a un alto grado de control. Firmamos un pacto con lo aleatorio, con el azar, con la velocidad y lo infinito. Esta entrega nos devuelve día a día imágenes satisfactorias llenas de puntos luminosos que explotan y se escapan, formas que se mueven y entretejen, aparecen y se transforman sin cesar en un espacio vacío e inexistente que puede albergar toda la humanidad simultáneamente, en donde todo es siempre diferente y siempre lo mismo. En un momento como estudiante de la Licenciatura en Artes Visuales, buscando concretar un proyecto para el trabajo de grado, encontré una salida a un problema que afectaba mi panorama profesional: Encontraba al arte como algo realmente inútil, separado de la mayoría de la gente al ser enteramente incomprensible e innecesario, reducido a un círculo estrecho y poco acogedor.

Las soluciones que se estaban viendo en el contexto tampoco respondían a mis expectativas, pensaba que poner a la gente en general, los no artistas a hacer dibujos y videos tampoco mejoraba las cosas, no entendía qué les podía dejar unas pocas sesiones de experimentación con medios considerados como artísticos. Por otro lado, lo que a lo largo de la carrera había conocido como arte y me había retenido entre ella a pesar de las dificultades, no tenía cabida en esas intervenciones en “la comunidad” como se llama con frecuencia. ¿Dónde quedaba el conocimiento acumulado en la historia del arte?, ¿dónde quedaba todo el discurso sobre el cual se había ido desarrollando el arte a lo largo del siglo XX que había engendrado personajes como Nam June Paik, Bill Viola, Louise Bourgeois, entre otros tantos artistas? Encontré entonces un punto en el cual se podía unir todo hacia una posible solución. Encontré que el concepto de interactividad atravesaba el arte, -con el movimiento Fluxus como punto de partida-, la pedagogía - que era vista como una alternativa para penetrar en la brecha que separaba el arte exclusivo y la mayoría de la gente - y los medios digitales, - que habían capturado mi interés desde que tuve mi primer computador a finales de los noventa y se les asociaba mecánicamente bondades como la interactividad-. Si


bien todo el rollo de la interactividad nunca llegó a solucionar el problema, a lo largo de estos años he encontrado, a través, de artistas, teóricos, profesores y amigos, que la tecnología contemporánea lejos de ser una mera herramienta para hacer obras o productos en general, hace parte de una gran revolución (la revolución digital), donde gran parte de los procesos que componen nuestra vida pasan por la numerización. Esta revolución es portadora no solo de simples formas de hacer, éstas son la materialización de los conceptos que soportan nuestro pensamiento en esta época, los que hacen que las cosas se vean y se comprendan de la forma en que lo hacemos. Si nos adentramos en el estudio de la tecnología, podemos comprender nuestro mundo. De este modo, siguiendo mi intuición con mi formación desordenada a través de referencias fragmentarias, encontré que esa interactividad más que ser el resultado de la introducción de nuevas tecnologías, es un concepto cuya importancia ha ido en aumento, generando nuevas formas de estar con el otro, con las cosas y el entorno, no importa si se involucran

directamente artefactos tecnológicos. Finalmente no interesa si se participa de una experiencia con un público amplio en un espacio cotidiano, en un aula de clase o si se está dentro del campo del arte legitimado, o el saber especializado tras siglos de tradición artística, lo que cuenta es que vivimos en un contexto complejo que trasciende espacios y saberes, un entorno cada vez más dinámico entre el cual debemos aprender a movernos. Moverse entre las sociedades contemporáneas, es moverse entre un complejo tejido de información, personas, productos, dispositivos... La tecnología ha llenado nuestras vidas hasta el punto en que nos hemos “atiborrado. Recordando el libro de Jhon Maeda Las Leyes de la Simplicidad. (1) (1) Maeda, Jhon. Las Leyes de la Simplicidad. Gedisa. 2006.


La tecnología actual es el producto de soluciones a los problemas o retos que representa vivir en estos contextos. Algunos pueden ser de carácter práctico, como poder contar en poco tiempo los habitantes de un territorio en un censo. Otros no tan pragmáticos pero no menos importantes, como que las personas alrededor del planeta puedan socializar de manera fácil y divertida. Por ello el computador o máquina para calcular en el transcurso de su historia dejó de realizar exclusivamente operaciones aritméticas para someter al proceso de digitalización la mayoría de procesos humanos, convirtiéndose en un medio de medios capaz de desempeñar las más diversas tareas utilizando en esencia la misma forma de codificación. De esta forma la tecnología media nuestra experiencia con los demás y con el universo, media nuestras relaciones de conocimiento. No son solo dispositivos aislados controlados por los hombres, son dispositivos que hacen parte de sistemas más amplios, como lo expone Vilem Flusser en Hacia una Filosofía de la Fotografía (2) , sistemas que por sus formas, funcionamiento y productos, surgen, traen y fomentan toda una forma de pensamiento. (2) Flusser, Vilém. Hacia una Filosofía de la Fotografía. Trillas. 1990.

Cada dispositivo por pequeño que parezca trae una forma de ver el mundo. Un dispositivo de audio portable, por ejemplo el icónico Walkman de Sony, nos dice que podemos llevar nuestra música a todas partes, que podemos ser libres y caminar o correr mientras la disfrutamos ya no amarrados al interior del hogar. La noción de libertad está asociada a un individuo perteneciente a una sociedad global que ha crecido junto al desarrollo acelerado de los medios de comunicación y de transporte, un hombre que puede desplazarse rápidamente por el territorio, un día está en Hawai, otro en Brasil y otro en Bangkok. Y que además en ese tránsito por el espacio puede llevar también su identidad, una identidad portable traducida en el estilo de vida que propone el aparato y en las características de la música que alberga y reproduce.


El pequeño dispositivo nos dice que podemos movernos con libertad siendo individuos, definiendo esta individualidad a partir de la capacidad de portar y poseer mi propia música en un aparato de uso enteramente personal, la que yo elijo escuchar cuando quiero y como quiero, recalcando por otro lado que el sonido ambiente no merece ser escuchado, resalta una experiencia volcada sobre sí mismo, su sonido personalizado cierra el espacio para hablar y escuchar a los demás. El usuario mientras atraviesa el mundo, tal vez en un sistema de la ciudad, calles, automóviles, transporte público masivo, pasillo de centro comercial, parque, o bien puede sumergirse en el ambiente que propone la música, olvidando el que lo rodea , borrándolo, o puede añadirle a las imágenes sin audio que se le presentan, una nueva banda sonora, MI banda sonora, compuesta realmente por fragmentos de una fuente de música colectiva y global.

“En 1995, cuando volvía a Londres de Glasgow el avión sobrevoló los suburbios londinenses durante cuarenta minutos antes de aterrizar. Mientras sobrevolábamos yo imaginaba una misma canción sonando simultáneamente en varias de esas casas suburbanas. En una, alguien la escuchaba en la radio, en otra alguien la había grabado o la había comprado para ponérselo en casa. No pensaba en un acontecimiento idéntico produciéndose simultáneamente en todas las casas sobre las que volábamos, sino en la divertida e hipotética idea de dispersión y en el potencial de un fenómeno así como una exposición artística que fuera más allá de los límites tradicionales. Así surgió la idea de un do it para uso doméstico que adoptara la forma de un libro o un sitio de la red con textos para aplicación casera.”” Hans Ulrich Öbrist

http://aleph-arts.org/doit_tv/index.html


Siempre recuerdo el texto que habla sobre el origen del proyecto DO IT, pues a mi modo de ver traza un vínculo directo entre las nuevas formas de hacer arte y la tecnología. En él Hans Ulrich Öbrist recalca en el interés de sus creadores por el papel de las instrucciones en las obras de arte y el proceso de interpretación, derivando en la creación de una exposición artística por fuera de los límites tradicionales, compuesta por una serie de instrucciones creadas por diversos artistas, para ser enviadas, transmitidas o publicadas y llevadas a cabo por el personal del museo o las personas en su hogar. DO IT cuenta con varias versiones, para tv, web o exhibiciones en distintos lugares del mundo. Entre mis intuiciones en algún momento se me ocurrió pensar que las instrucciones del proyecto DO IT podían ser vistas como algoritmos. Instrucciones escritas para ser llevadas a cabo por otros, en distintos tiempos y lugares. Así no toda instrucción pueda ser considerada un algoritmo, conservando también las distancias entre la interpretación de una máquina y la de un ser humano, si tenemos en cuenta que las artes plásticas a diferencia de la música no se han interesado por la repetición y por las diversas interpretaciones en sus obras, mucho menos por su reproducción y distribución masiva. Pienso que esta forma de exhibición, producción y distribución de obras de arte y su

inspiración en el fenómeno que puede suscitar la radio y la música es un síntoma importante para ser tenido en cuenta en la relación arte y tecnología. Ni siquiera la imprenta con su gran importancia logró minar las formas tradicionales del arte, solo hasta finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX con la popularización de la fotografía y el cine se puede pensar en un cambio radical para el arte como el que ha señalado y estudiado Walter Benjamin. Camino que se fue demarcando con la obra de artistas como Marcel Duchamp, Rene Magritte y hacia la segunda mitad del siglo XX con el llamado arte conceptual. Tras esto el arte puede ser pensado como un conjunto de símbolos para ser interpretados. Llevándolo a un extremo puede ser concebido como información.


Este contexto hace posible que la exhibición se conciba como un sistema estandarizado, modular y variable (3), para que se puedan dar las obras entre el envío, recepción e interpretación de unas instrucciones por diversas personas en lugares distantes. La variabilidad de los sistemas, procesos y conceptos que nos atraviesan (e incluyen el arte), se ve claramente al aproximarse a la obra de MTAA (M.River & T.Whid Art Assoc.) On Kawara Update (4) la cual hace parte de una serie de actualizaciones de obras de artistas a lo digital. On Kawara Update automatiza a través de software el proceso de producción de las Date Paintings, pinturas realizadas a diario por el artista, con la fecha del día en tipografía estándar blanca, en su mayoría sobre fondo negro. Día tras día estas pinturas se van acumulando junto con el periódico del día, la fecha se escribe en el formato y escritura de la ciudad donde se encuentra el artista y van quedando como evidencia de su existencia, si la pintura no se termina en ese día es destruida.

En la actualización, cuando algún visitante ingresa al sitio web de la obra, un programa de computador procesa automáticamente la imagen para ser visualizada en pantalla, se genera una página web para cada día con la fecha en blanco sobre fondo negro, estas páginas se van almacenando y pueden ser consultadas en cualquier momento a través de una interfaz tipo calendario, si nadie visita la página durante ese día ésta no es creada. La fecha en letras blancas funciona como un hipervínculo que lleva a una lista de noticias del día, a su vez estas dan acceso a los sitios web de donde se extrajeron.

(4) http://www.mteww.com/update/

On Kawara Date Paintings


En esta nueva obra no hay un autor que realice con su propia mano las pinturas, no da cuenta de la existencia de un individuo que está vivo y algún día va a morir, gracias a su eficiencia ninguna obra va a ser destruida por no haberse terminado, la actualización puede funcionar de manera ininterrumpida hasta el infinito, la autoría y la presencia se desplazan al programa de computador y a la persona anónima que de manera consciente o inconsciente hace clic al otro lado de la pantalla.

Al revisar aspectos como los anteriores la obra de On Kawara puede ser mirada con nostalgia, creada en un momento en el que la presencia y la existencia del individuo podían expresarse a través del oficio y sus creaciones que contrasta con el intercambio frío, anónimo y automático de la página web. Pero si alargamos la línea de tiempo hasta antes de 1966 cuando se hicieron las primeras Date Paintings, seguramente estas fueron vistas de la misma forma en que vemos su actualización, y se recordaría con nostalgia épocas en donde no se hacían pinturas de fechas en fuentes tipográficas estándar como las que se usan en las formas de impresión mecanizada, ¿no sería mejor la pintura de un paisaje lleno de colores o el uso de la escritura propia del artista?, ¿de su firma?. La obra de On Kawara al igual que su actualización es propia de una época y de su tecnología, las muestra y las confronta, poniendo en duda la persistencia y solidez de conceptos como obra, autor, artista y oficio, llegando a otros seguramente más cruciales como presencia y existir.

On Kawara Update http://www.mteww.com/update/onkawara/index.php?d=22.11.2012


El taller de Scanimation fue realizado en el marco de la Semana Universitaria, de esa experiencia resulta el tutorial que se presenta a continuaci贸n.


Camilo Micolta Julián González Darshi Velasco

Laboratorio de producción Punto AVI Camilo Camilo Micolta Micolta, Darshi Velasco, Julián González. Julián González Estudiantes de la Licenciatura en Artes Visuales. Darshi Velasco

Universidad del Valle

Licenciatura en Artes Visuales

Universidad del Valle

PRINCIPIOS LA ANIMACIÓN Licenciatura en Artes DE Visuales MÉTODO DE REPRODUCCIÓN ANÁLOGA APLICACIÓN A LO DIGITAL


Scanimation, también conocida bajo el nombre

de Kinegramas, es una ilusión óptica desarrollada por Rufus Butler Seder la cual tomamos como punto de partida para reflexionar acerca de la manera en que percibimos el movimiento.

A partir de dos imágenes que se sobreponen, se logra generar un efecto de movimiento, el cual se obtiene por medio de una baraja en donde solo una imagen se puede ver a la vez.

Esta técnica puede ser aplicada a cualquier secuencia de imágenes, ya sean dibujos o fotografías. Sus limitaciones van en proporción con el formato ( las medidas de un objeto ) en que se trabaje y el tipo de impresoras con que cuenten para su formalización. A continuación describiremos el proceso para obtener a través de un software de edición de imágenes, esa primera plantilla que servirá de tamiz para nuestra secuencia de imágenes.

PASOS A SEGUIR. 1. Teniendo en cuenta la cantidad de imágenes de la secuencia a procesar, calcularemos el grosor de nuestra línea base, este será equivalente a la cantidad de fotogramas menos (-) 1 ej: Si tenemos una secuencia de 3 imágenes, unidades.

el grosor de nuestra línea guía será de 2

a.Tomemos cada unidad que compone la línea guía, como una imagen de nuestra secuencia; así, las 2 unidades estarán tapando 2 imágenes y solo será posible ver una, que es la que se ha restado.


3.

ejemplo con secuencia de 3 imágenes

El grosor de la línea guía es igual a la cantidad de imágenes - 1 -1. 2.

1.

3.

2. 3.

El grosor de la linea guia es igual a la cantidad de imagenes - 1

En este caso, se trata de una secuencia de 3 imágenes, así que el grosor de la línea guía es de 2 unidades.

2.-1. Tomaremos las imágenes de nuestra secuencia,las sobrepondremos cada una en una capa diferente para facilitar su posterior manipulación. 2. 3.

En este caso, se trata de una secuencia de 3 imagenes, asi que el grosor de la linea guia es de 2 unidades.


3. Pasamos a multiplicar la linea guía, dejando 1 unidad entre cada una. a. Esta acción, la realizamos hasta completar toda una plantilla que sea igual al formato ( las medidas de un objeto) de las imágenes que editaremos posteriormente.

4. Una vez tengamos lista la plantilla de líneas, pasaremos a editar cada una de las imágenes de nuestra secuencia. 5. Empezaremos con la imagen 1 a. De la plantilla seleccionamos la forma de las líneas negras y cambiando de capa, pasamos a suprimir esa forma en nuestra imagen 1


Selección de las líneas guías

6. Para editar nuestra imagen 2, lo que haremos será correr la plantilla de líneas, una tecla a la derecha. En esta nueva posición, volvemos a seleccionar las líneas negras y pasamos a suprimir esa forma, esta vez en la imagen 2. 7. Para nuestra imagen 3 correremos una vez más la plantilla de líneas una tecla a la derecha. En esta nueva posición, volvemos a seleccionar las líneas negras y pasamos a suprimir esa forma, esta vez en la imagen 3. a. Como notarán, se trata de un mismo ejercicio que se repite una y otra vez. Este procedimiento hace posible que cada vez que uno mueva la plantilla de líneas impresas en el acetato, se muestre 1 sola imagen por momento.


8. Tendremos dos imágenes como resultado final. La primera será la plantilla de líneas negras cuya medida se obtuvo de la cantidad de fotogramas – 1. Y la segunda será la secuencia de imágenes editadas con esta plantilla y sobrepuestas entre sí.

9. Finalmente se deben imprimir las imágenes. La primera se imprime sobre acetato y se coloca encima de la segunda imagen. Para ver la ilusión óptica el acetato debe ser desplazado lentamente hacia cualquier lado. En algunos ejercicios, la distancia debe ser mayor para ser vistos con más claridad, pruebe diferentes puntos de vista mientras alguien mueve la rejilla impresa. Nota> Estos pasos han sido desarrollados usando el software libre de edición de mapa de bits, Gimp, sin embargo el procedimiento se puede hacer en cualquier editor de imagen con el que te sientas cómodo ( Photoshop, Illustrator, Corel, etc.)


convocatorias IX Muestra Monogrรกfica de Media Art. 12 Festival Internacional de la Imagen. Manizales - Caldas. http://www.festivaldelaimagen.com Hasta 25 de Enero de 2013

Interactivos?'13: Herramientas para un mundo legible y editable. Convocatoria de proyectos. http://medialab-prado.es/article/ilgru_call_projects Hasta 15 de Enero de 2013


Artista Invitado

Angélica Teuta

Angélica Teuta, Artista colombiana, vive y trabaja en Bogotá. Gran parte de su obra juega con el espacio y la percepción, creando a partir de principios pre-fotográficos como la linterna mágica, proyecciones de espacios ficticios en interiores generados a través de recursos simples (baja tecnología) como dibujos, papeles de colores, resortes y proyectores. A partir de su obra se pueden formular preguntas en torno a la realidad, a la naturaleza de la imagen, la imagen como realidad, el espacio como imagen, el funcionamiento de la percepción. Todas estas preguntas recurrentes en nuestra contemporaneidad donde la imagen puede ser capturada, procesada y reproducida a través de múltiples y complejos dispositivos tecnológicos. Mirar la obra de Teuta es ir al fondo o al principio del asunto en donde a través de la investigación de los principios básicos de la luz, la imagen y el movimiento se pone de relieve cómo experimentamos y cómo construimos el mundo a través de la percepción.


Decoraci贸n para espacios claustrof贸bicos

http://ateuta.wordpress.com Nuestro Lugar Favorito


Me´todo de reproducción análog

Las ilustraciones que acompañan el Boletín surgen de una inquietud particular: Cuando se trabaja en un programa como Photoshop, la experiencia sensible con las formas se da generalmente sumergiéndose entre las imágenes disponibles en Internet, muy probablemente las que se pueden encontrar en la primera página de Google. Si se va a representar una planta se toman las imágenes ya existentes y rara vez se va al exterior a observar la naturaleza. ¿Qué clase de conocimiento es este? No lo pregunto en sentido negativo como una queja frente a las condiciones actuales, lo pregunto porque los resultados de esta práctica no son despreciables, pero sí considero que las variables que podemos encontrar en la naturaleza, entre el agua y el viento, son muchas más que las que encontramos en una imagen ya capturada, codificada y almacenada, haciendo esta experiencia más rica e interesante, desarrollando ampliamente la percepción. La observación directa y detallada del mundo sin tantas mediaciones, seguramente será un buen entrenamiento para enfrentarse a la sobreabundancia de imágenes digitales. Así, las imágenes se hicieron a manera de experimento reflexivo, Siguiendo la metodología de un ejercicio de clase, todas fueron elaboradas con información de otras encontradas en Internet.


Departamento de Artes Visuales y Estética

Diciembre de 2012 Boletín Informativo Departamento de Artes Visuales y Estética Departamento de Artes Visuales y Estética Universidad del Valle Facultad de Artes Integradas Teléfono: 02 3212309 Correo Electrónico: revistasintitulodave@gmail.com Fotografías: Hernán Casas, Jonathan Varón Ilustración: Isabel Cruz Diagramación: Isabel Cruz, Hernán Casas Dirección: Hernán Casas.

Agradecemos a todos los que colaboraron para que esta edición fuera posible.

boletin sin titulo 8  

Boletín del Departamento de Artes Visuales y Estética de la Universidad del Valle

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