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ojo andino perĂş peruvian contemporary artists


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the flight of Peru


el vuelo del Perú


il volo del Perù



peruvian plastic art

artist's studio

of the XXI century

taller de artista

plástica peruana en el siglo XXI

studio d’artista

l’arte plastica peruviana del XXI secolo


a great plot, one hundred and forty threads

047 artworks & artists

327 journey to the entirety of ourselves

una gran trama, ciento cuarenta hebras

obras y artistas

viaje a la totalidad de sí mismo

una gran trama, centoquaranta fili

opere e artisti

viaggio verso la totalità di se stessi














spanish espaĂąol spagnolo

italian italiano italiano

english inglĂŠs inglese

luciano benetton the flight of Peru

“Your eyes, that like adventurous arrows wound, open them; your magnanimous hands extend them; and from this vision, take heart greet us”. Elegy to the mighty Inca Atahualpa (sixteenth century Quechua poem)

u It is also a mythical land, with an ancient and mysterious heart, with a rich and complex culture that dates back to well before the arrival of Francisco Pizarro and the conquistadores. The Inca civilization, in particular, was one of the most advanced cultures in preColumbian America, as documented by the testimonies of the first Spaniards who, in the sixteenth century, arrived in what is now Peru. Although they had no systems for writing (calculations and other types of records were processed using a method based on knots, quipus, ropes of different length, thickness and colour), nor draft animals or wheeled vehicles, the Incas managed to build an efficient empire in a short space of time. But they could not resist the power and technology of the Spaniards who conquered and destroyed an Inca empire undermined by internal conflicts, drawn by promises of gold and immense wealth. Little or nothing is left of their fabulous treasures: looted by the

Spaniards, the Inca temples were destroyed, like the famous Coricancha (Golden Enclosure) of Cusco, on which the church of Santo Domingo was built, described by the sixteenth century Spanish chronicler Pedro Cieza de León, who was amazed by the quantity of gold and precious jewels that made Pizarro and his lieutenants rich. Melting down metals, in fact, provided 588,000 gold pesos and 288,000 silver marks. Today, Peru’s main treasure lies in the vitality of a number of sectors - energy, mining, petrochemicals, food farming, forestry, textiles and clothing and tourism - that drive a dynamic economy, where there is room for both large and small-medium sized enterprises. Despite a slight slowdown, the estrella fulgorante, the blazing star, as Peru has been called in recent years, has almost tripled its GDP (2000-2010) and reduced social inequalities, with an increase in the size of the Peruvian middle class in the period 2005-2014, from nearly 12 per cent to over 50 per cent of the population. Peru has the fourth largest extension of woodlands in the world and the verdant Amazon basin, occupying half its territory, is one 009

Peru has taken off. Today, with one of the most dynamic economies in Latin America, it is an optimistic country, where many believe that the coming year will be better than the previous one.

i of the most important areas on the planet for biodiversity. Of the over 14 thousand kilometres of rivers that flow through the country, four thousand are commercially navigable. Highly fertile land and three different microclimates also allow the cultivation of a wide variety of crops in the fruit and vegetable sector. The mining sector, in turn, is experiencing strong growth. Currently, Peru is the world’s second largest producer of copper: exports of this mineral will triple by 2020, thanks to significant international investment.


luciano benetton u the flight of Peru

The writer and Nobel Prize laureate for Literature, Mario Vargas Llosa also acknowledges the progress made by his country. “I do not think I exaggerate when I say that the overall impression of the situation in Peru could not be more positive”, he wrote in 2015 in El País, commenting Citibank’s Latin American conference. In this dynamic scenario, Peru’s great history and culture play an important role, not only in the affirmation of the international image of Peru, but also in the construction of a society where the Quechua culture, the magical-religious cosmogony of the Andean peoples, the identity of these mythical roots, can be reconciled with the common features of modernity - “the real Peru was in the mountains and not along the coast, among the Indians and condors and the peaks of the Andes”, wrote Llosa in The Real Life of Alejandro Mayta. Today, Machu Picchu, the Inca city perched on a rocky ridge 2,400 metres above sea level, forgotten for centuries until the archaeologist Hiram Bingham rediscovered it in 1911, is one of the most popular tourist destinations in the world. But the whole country is dotted with ancient wonders: Sacsayhuaman, probably the biggest archaeological complex after Machu

Picchu. Ollantaytambo, where the Incas achieved their most resounding victory over the Spanish invaders. Cusco, the “centre of the world”, the holy city that was effectively at the heart of their empire. Tipon, a site built around a water source close to Cusco, one of the most ingenious examples of water management in the world, with reservoirs and irrigation channels that still function today. To exploit this immense heritage, the Ministry of Culture is working on a number of major projects such as the scheme concerning the Qhapaq Ñan, the Inca road system that connected the most important cities of the coast and the mountains. It aims to recover both material heritage (roads and tambos, depots and post stations) and immaterial heritage - the indigenous languages, music, festivals and traditions of the community - to create a cultural and touristic journey similar to the Camino of Santiago de Compostela in Spain. At the 56th Venice Biennale in 2015, Peru offered the installation Misplaced Ruins by Gilda Mantilla and Raimond Chaves (two artists who live and work in Lima) who, citing pre-Columbian architecture, reflected on the cultural stereotypes surrounding the places and cultures of Latin American countries and the difficulties that impede the meeting of cultures. The capital Lima is an active witness of this great vitality and wealth of ideas, precisely because it is a cross-cultural city, where ruins and pre-Columbian artefacts, modern architecture and colonial buildings coexist, and a refined gastronomy reflects the incredible variety of products grown on Peruvian soil. The MALI (Lima Art Museum), housed in the historic Palacio de la Exposición – which recounts the history of three thousand years of Peruvian art from the pre-Columbian era - is seen as a beacon, not only in Peru, but throughout Latin America.

They remind me of an experimental poem by Jorge Eielson, poet and artist who was born in Lima and lived in Italy for over fifty years, which fuses words and form, knotting (like the quipus of the Incas) the pre-Columbian past and the historic and artistic present of the country. I dedicate Poesía en forma de pájaro (Poem in the form of a bird) to everyone who has worked on this project, to the lovers of art and of the mystical, authentic and mysterious Peru:

luciano benetton u the flight of Peru

The colours of the works - including the magical works of 20 artists in the Peruvian Amazon, with their world steeped in symbolism and mysticism - the abstract graphic elements, interventions that refer to magical-shamanic practices, the material consistency, visionary and conceptual variations, compose a mosaic of “shapes and expressions, of gestures, of poetry and of materiality” that tell us of the Peru of today and yesterday.

blue brilliant the Eye the orange coloured beak the neck the neck the neck the neck the neck the neck the injured neck bird of paper and ink that flies not that moves not that sings not that breathes not animal made of yellow verses of silent printed plumage that maybe a blow ruffles the mysterious word that fixes its two legs legs legs legs legs legs legs legs legs to my table


The new economic development is also promoting the creation of a very attractive art market, as evidenced by the emergence of two fairs, PArC - Peru Contemporary Art and Art Lima, which are earning Peru a significant place on the art scene in the continent. With OJO ANDINO Perú, we aim to contribute to international awareness of contemporary art in Peru. The works of 140 painters, sculptors, video artists, illustrators, textile artists, engravers, watercolourists and ceramic artists have created, writes the curator Stefania Malacchini, a “collage of visions, of peepholes through which we can get carried away by the multiplicity of views and feelings that they offer us. One hundred and forty gazes: a position like that of the condors soaring on high captures a general picture of what unfolds before its eyes and recognizes the parts that compose the whole”.

luciano benetton el vuelo del Perú «Tus ojos que como flechas de ventura herían, ábrelos; tus magnánimas manos extiéndelas; y con esta visión fortalecidos despídenos». (Poema quechua del siglo XVI) Elegia al poderoso Inca Atahualpa

2 Perú ha emprendido el vuelo. Hoy, con una economía entre las más dinámica de América Latina, es un país optimista, donde muchos piensan que el año venidero será aún mejor que el pasado. Se trata también de un país mítico, de corazón antiguo y misterioso, con una cultura rica y compleja que encuentra sus orígenes mucho antes de la llegada de Francisco Pizarro y los conquistadores. La civilización Inca, en particular, se encuentra entre las más evolucionadas de la América Precolombina, tal y como documentan los primeros testimonios de los primeros españoles que arribaron al actual territorio del Perú en el 1.500. Aún sin tener sistemas de escritura (las cuentas y otros tipos de anotaciones se elaboraban gracias a un sistema a base de nudos, los quipus, de cuerdas de distinto largo, grosor y color), ni tampoco disponiendo de animales de tiro y vehículos con ruedas, los Incas lograron edificar, en un arco temporal contenido, un imperio eficiente.


Sin embargo, no pudieron resistir a la fuerza y la tecnología

de los españoles, que conquistaron y destruyeron el imperio Inca, minado por contrastes internos, atraídos por aquellas promesas de oro e inmensas riquezas que, aún hoy como ecos lejanos mas nítidos, sobreviven en nuestro lenguaje con expresiones como “valer” o “costar un Perú”. En realidad, de aquellos fabulosos tesoros poco o nada quedó: depredados por los españoles, los templos Inca fueron destruidos, como el célebre Coricancha (Recinto de oro) de Cusco, sobre el cual se construyó la Iglesia de Santo Domingo, descrito por el cronista español del siglo XVI, Pedro Cieza de León, quien quedara estupefacto por la cantidad de oro y objetos preciosos que enriquecieron tanto a Pizarro como a sus tenientes. La fundición de aquellos metales, de hecho, les proveyó de 588.000 pesos de oro y 288.000 marcos de plata. Hoy en día, el principal tesoro de Perú es la vitalidad de algunos sectores –la energía, minería, petroquímica, agroindustria, forestal, textil-vestuario, turismo– que impulsan una economía dinámica, donde existe espacio tanto para las grandes empresas, así como también para las pequeñas y medianas.

El sector minero, a su vez, está en fuerte auge. Actualmente, Perú es el segundo productor mundial de cobre: para el 2020, las exportaciones de este mineral se triplicarán gracias a cuantiosas inversiones internacionales. Incluso el escritor y premio Nobel de literatura, Mario Vargas Llosa, reconoce los progresos conseguidos por su país: “No creo exagerar si digo que la impresión general de los asistentes sobre la situación del Perú no podía ser más positiva”, escribe en El País en 2015, hablando sobre la conferencia de economía dedicada a América Latina, organizada por Citibank en los Estados Unidos. En este escenario dinámico, la gran cultura e historia peruana juegan un rol muy importante, no solo para la consolidación de la imagen internacional de Perú, sino también para la construcción de una sociedad donde la cultura quechua, la cosmogonía mágico-religiosa de los pueblos andinos, y para que la identidad de estas raíces mágicas –“el Perú verdadero estaba en la sierra y no en la costa, entre los indios y los cóndores y los picachos de los Andes”, escribe el propio

Hoy, Machu Picchu, la ciudad Inca erguida en una cima rocosa a más de 2.400 metros, olvidada por siglos hasta que el arqueólogo Hiram Bingham la descubrió en el 1911, es una de las destinaciones turísticas más populares del mundo. Pero todo el país está constelado de antiguas maravillas: Sacsayhuaman, probablemente el complejo arqueológico más grande después de Machu Picchu. Ollantaytambo, donde los Incan obtuvieron su más célebre victoria frente a los invasores españoles. Cusco, el “ombligo del mundo”, la ciudad sagrada que efectivamente fue el centro de su imperio. Tipon, sitio construido entorno a una fuente de agua cercana a Cusco que respresenta uno de los ejemplos más ingeniosos de gestión de recursos hídricos, con canales de irrigación aún funcionantes. Para valorizar este enorme patrimonio, el Ministerio de Cultura está trabajando en proyectos importantes, como aquel entorno al Qhapaq Ñan, sistema vial de los Incas que conectaba las ciudades más importantes de la costa y la sierra. Se apunta a la recuperación del patrimonio, ya sea material (las calles y los tambos, depósitos y oficinas postales) que inmaterial, como las lenguas indígenas, la música, las fiestas y las tradiciones de la comunidad, para realizar un recorrido cultural y turístico, símil al Camino de Santiago de Compostela en España. En la 56ª Bienal de Venecia, en 2015, el pabellón de Perú propuso la instalación Misplaced Ruins de Gilda Mantilla y Raimond Chaves (dos artistas que viven y trabajan en Lima), que, citando la arquitectura precolombina, reflexionaba sobre los estereotipos culturales que rodean los lugares y culturas de América Latina, y sobre las dificultades que obstaculizan el encuentro entre culturas.

luciano benetton 2 el vuelo del Perú

Perú es el cuarto país en el mundo por extensión de bosques y la verde cuenca amazónica que ocupa la mitad del territorio, es una de las zonas más importantes en el mundo por su biodiversidad. De sus más de catorce mil kilómetros de ríos que la bañan, cuatro mil son comercialmente navegables. Terrenos muy fértiles y tres microclimas diferentes, posibilitan variados cultivos en el sector de las frutas y hortalizas.

Vargas Llosa en Historia de Mayta– puedan reconciliarse con los trazos comunes de la modernidad.


Aún en una leve desaceleración, la estrella fulgurante, como se definió a Perú en los últimos años, casi triplicó su Pil (desde 2000 a 2010) y redujo las desigualdades sociales, con un aumento del porcentaje de peruanos pertenecientes a la clase media en el período 2005-2014, del 12 a casi el 50 por ciento.

3 Lima, la capital, justamente por ser una ciudad de cruces culturales en la cual coexisten ruinas y manufacturas precolombinas, arquitectura moderna y edificios coloniales, y donde la refinada oferta gastronómica refleja la increíble variedad de productos provenientes de la tierra peruana, es testimonio activo de una gran videlidad y riqueza de ideas.


luciano benetton 2 el vuelo del Perú

El MALI (Museo de Arte de Lima), albergado en el histórico Palacio de la Exposición –que, a partir de la época precolobina, narra tres mil años de la historia del arte peruana– es visto como un faro, no solo en Perú sino en toda Latinoamérica. El nuevo desarrollo económico además, está favoreciendo la creación de un mercado del arte muy interesante, como demuestra el nacimiento de dos ferias, PArC – Perú Arte Contemporáneo, y Art Lima – Feria Internacional de Arte, que están contribuyendo a que Perú ocupe un espacio artístico de relevancia en el continente. Con OJO ANDINO Perú buscamos contribuir al conocimiento internacional del arte contemporáneo peruano. Las obras de 140 pintores, escultores, videoartistas, ilustradores, artistas textiles, grabadistas, acuarelistas, ceramistas constuyen, como escribe la curadora Stefania Malacchini, un “collage de visiones, de mirillas a través de las cuales podemos embelesarnos con la multiplicidad de panoramas y sensaciones que nos ofrecen. Un sola mirada y otras ciento cuarenta: una mirada aérea, como aquella del cóndor que sobrevuela en altura capturando una imagen general de aquello que se despliega ante sus ojos, así como reconociendo también las partes que lo integra”. Los colores de las obras –incluídos aquellos mágicos colores de los veinte artistas de la selva amazónica peruana, con su mundo sumido en símbolos y misticismo– los grafismos abstractos, las intervenciones que nos remiten a la práctica mágica-sciamánica, la consistencia matérica, las variaciones visionarias y conceptuales, componen un mosaico de “for-

mas y expresiones, de gestualidad, de poéticas y de materialidades” que nos cuentas el Perú de hoy y ayer. Me traen al recuerdo una poesía experimental de Jorge Eduardo Eielson, poeta y artista nacido en Lima que vivió más de cinquenta años en Italia, y que funde palabras y formas, anudando (como los quipus incaicos) el pasado precolombino y el presente histórico y artístico del país. Dedico Poesía en forma de pájaro a quienes trabajaron en este proyecto, a los amantes del arte y del Perú mítico, auténtico y misterioso: azul brillante el Ojo el pico anaranjado el cuello el cuello el cuello el cuello el cuello el cuello el cuello herido pájaro de papel y tinta que no vuela que no se mueve que no canta que no respira animal hecho de versos amarillos de silencioso plumaje impreso tal vez un soplo desbarate la misteriosa palabra que sujeta sus dos patas patas patas patas patas patas patas patas a mi mesa

luciano benetton il volo del Perù «I tuoi occhi, che come avventurose saette ferivano, àprili; le tue magnanime mani tendile; e da questa visione rincuorati salutaci». Elegia al poderoso Inca Atahualpa (Poema quechua del XVI secolo)


È anche un Paese mitico, dal cuore antico e misterioso, con una ricca e complessa cultura che risale a ben prima dell’arrivo di Francisco Pizarro e dei conquistadores. La civiltà Inca, in particolare, fu tra le più evolute dell’America precolombiana, come documentano proprio le testimonianze dei primi spagnoli giunti nel territorio dell’odierno Perù nel Cinquecento. Pur non possedendo sistemi di scrittura (calcoli e altri tipi di annotazioni erano elaborati grazie ai quipus, un sistema fondato sui nodi di corde di diversa lunghezza, spessore e colore), né disponendo di animali da tiro e di veicoli a ruota, gli Incas riuscirono a edificare in un breve arco di tempo un impero efficiente. Già minato da contrasti interno, l’Impero Inca fu conquistato e distrutto dagli spagnoli: gli Incas non poterono resistere alla forza e alla tecnologia del popolo nemico, attratto dalle promesse di oro e di ricchezze leggendarie. Ancora oggi è rimasta

infatti l’espressione “valere un Perù”, per indicare una grande quantità di denaro. Dei favolosi tesori poco o nulla è rimasto: depredati dagli spagnoli, i templi Inca furono distrutti, come il celebre Coricancha (Recinto d’oro) di Cuzco, su cui venne edificata la chiesa di Santo Domingo, descritto dal cronista spagnolo del XVI secolo Pedro Cieza de Léon, che rimase stupito dalla quantità di oro e preziosi che fecero ricchi Pizarro e i suoi luogotenenti. La fusione dei metalli, infatti, fornì ben 588.000 pesos d’oro e 288.000 marchi d’argento. Oggi il principale tesoro del Perù è la vitalità di alcuni settori - energia, miniere, petrolchimica, agroalimentare, forestale, tessile-abbigliamento, turismo - che trainano un’economia dinamica, in cui c’è spazio per le grandi come per le piccole-medie imprese. Pur in leggero rallentamento, la estrella fulgorante, la stella sfolgorante, come viene definito il Perù degli ultimi anni, ha quasi triplicato il Pil (dal 2000 al 2010) e ridotto le disegua015

Il Perù ha spiccato il volo. Oggi, con un’economia tra le più dinamiche dell’America Latina, è un Paese ottimista, dove molti pensano che l’anno che verrà sarà migliore di quello passato.

, glianze sociali. Dal 2005 al 2014, la percentuale dei peruviani appartenenti alla classe media è salita, dal 12 al 50 per cento.

l’archeologo Hiram Bingham la ritrovò nel 1911, è una delle destinazioni turistiche più popolari del mondo.

Il Perù è il quarto Paese al mondo per estensione di boschi e il verdeggiante bacino amazzonico, che occupa metà del territorio, è una delle più importanti zone al mondo per la biodiversità. Degli oltre 14mila chilometri di fiumi che vi scorrono, quattromila sono commercialmente navigabili. Terreni molto fertili e tre microclimi differenti, inoltre, consentono coltivazioni molto varie nel settore ortofrutticolo.

Ma tutto il Paese è costellato di antiche meraviglie: Sacsayhuaman, probabilmente il più grande complesso archeologico dopo Machu Picchu. Ollantaytambo, dove gli Incas ottennero la loro più clamorosa vittoria sugli invasori spagnoli. Cuzco, l’“ombelico del mondo”, la città sacra che fu effettivamente il fulcro del loro impero. Tipon, sito costruito attorno a una sorgente vicino a Cuzco, che rappresenta uno degli esempi più ingegnosi di gestione delle risorse idriche, con bacini e canali di irrigazione ancora funzionanti.


luciano benetton b il volo del Perù

Il comparto minerario, a sua volta, è in forte sviluppo. Attualmente il Perù è il secondo produttore mondiale di rame: le esportazioni di questo minerale, entro il 2020, saranno triplicate grazie a forti investimenti internazionali. Anche lo scrittore e premio Nobel per la letteratura Mario Vargas Llosa riconosce i passi avanti fatti dal suo Paese. “Non credo di esagerare se affermo che l’impressione generale sulla situazione del Perù non potrebbe essere più positiva”, ha scritto nel 2015 su El País parlando della conferenza economica dedicata all’America Latina, organizzata da Citibank negli Stati Uniti. In questo scenario dinamico, la grande storia peruviana e la cultura giocano un ruolo importante ma non solo per l’affermazione dell’immagine internazionale del Perù. Le radici mitiche della cultura quechua, la cosmogonia magico-religiosa dei popoli andini, possono oggi conciliarsi con i tratti comuni della società moderna: «il Perù autentico era sulla sierra e non sulla costa, fra gli indiani e i condor e i picchi delle Ande», ha scritto proprio Llosa in Storia di Mayta. Oggi Machu Picchu, la città Inca appollaiata su un crinale roccioso a oltre 2.400 metri, dimenticata per secoli finché

Il Ministero della Cultura vuole valorizzare il grande patrimonio del Perù attraverso il recupero dell’antico sistema stradale degli Incas (come ad esempio il Qhapaq Ñan, che collegava le città più importanti della costa con quelle della sierra). Il recupero riguarderà sia beni materiali – oltre alle strade e ai tambos, i depositi e le stazioni di posta – che immateriali, come le lingue indigene, la musica, le feste e le tradizioni delle comunità. L’obiettivo è realizzare un percorso culturale e turistico analogo al Cammino di Santiago di Compostela, in Spagna. Alla 56esima Biennale di Venezia, nel 2015, il padiglione del Perú ha proposto l’istallazione Misplaced Ruins di Gilda Mantilla e Raimond Chaves (due artisti che vivono e lavorano a Lima) che, citando l’architettura precolombiana, rifletteva sugli stereotipi culturali che circondano i luoghi e le culture dei Paesi dell’America Latina e sulle difficoltà che ostacolano l’incontro tra culture. La capitale Lima, proprio perché città di incroci culturali, in cui coesistono rovine e manufatti precolombiani, architettura moderna ed edifici coloniali, e dove la raffinata offerta gastronomica riflette l’incredibile varietà di prodotti della terra peruvia-

Il nuovo sviluppo economico, inoltre, sta favorendo la creazione di un mercato dell’arte molto interessante, come dimostra la nascita di ben due fiere, PArC – Perú Arte Contemporáneo, e Art Lima – Feria Internacional de Arte, che stanno portando il Perù a occupare uno spazio artistico di rilievo nel continente. Con OJO ANDINO Perú pensiamo di contribuire alla conoscenza internazionale dell’arte contemporanea peruviana. Le opere di 140 pittori, scultori, video artisti, illustratori, artisti tessili, incisori, acquarellisti, ceramisti hanno costruito, come scrive la curatrice Stefania Malacchini, un “collage di visioni, di spioncini attraverso i quali possiamo farci rapire dalla molteplicità di panorami e sensazioni che ci offrono. Centoquaranta sguardi: una posizione come quella del condor che volando in alto cattura una immagine generale di quanto si dispiega dinanzi ai suoi occhi e riconosce le parti che compongono il tutto”. I colori delle opere – compresi quelli magici dei 20 artisti della foresta amazzonica peruviana, col il loro mondo intriso di simbolismo e misticismo – i grafismi astratti, gli interventi che rimandano alla pratica magico-sciamanica, la consistenza materica, le variazioni visionarie e concettuali compongono un mosaico di “forme ed espressioni, di gestualità, di poetiche e di materialità” che ci raccontano il Perú di oggi e di ieri. Mi riportano alla mente una poesia sperimentale di Jorge Eduardo Eielson, poeta e artista nato a Lima e vissuto oltre

blu brillante l’Occhio il becco arancione il collo il collo il collo il collo il collo il collo il collo ferito uccello di carta e d’inchiostro che non vola che non si muove che non canta che non respira animale costruito con versi gialli di silenzioso piumaggio stampato forse un soffio scompiglia la misteriosa parola che fissa le sue due gambe gambe gambe gambe gambe gambe gambe gambe al mio tavolo

luciano benetton b il volo del Perù

Il MALI (Museo d’Arte di Lima), ospitato nello storico Palacio de la Exposición – che a partire dall’epoca precolombiana racconta tremila anni di storia dell’arte peruviana - è visto come un faro, non solo in Perù ma in tutta l’America Latina.

cinquant’anni in Italia, che fonde parole e forma, annodando (come il quipus degli Incas) il passato precolombiano e il presente storico e artistico del Paese. Dedico Poesía en forma de pájaro (Poesia in forma di uccello) a tutti coloro che hanno lavorato a questo progetto, agli amanti dell’arte e del Perù mitico, autentico e misterioso:


na, è testimone attiva di una grande vitalità e ricchezza di idee.

mirko lauer peruvian plastic art of the XXI century Mirko Lauer (1947) PhD and Master in Peruvian and Latin American Literature (UNMSM), BA in Literature (PUCP). Author of numerous publications and very experienced in teaching and research, Lauer is well known as poet, essayist, critic and political scientist.

u At what point did this change of perspective on the plastic arts take place? I am not able to give a precise date, but there are some clear signs that may have propitiated the change. One is the huge growth, at least in relation to the size of the local market, of the supply and demand of artistic-visual works. Factors such as general economic expansion, the increase of the creative industries and the gradual development of a common language with visual artists and consumers of their products have contributed to this growth.

Another sign was the collapse of the divisions between plastic genres that caused controversy at the moment, but it was helpful for the organization of the activity. There was also a mixing up of the traditions that are passed from hand to hand profoundly changing their original meaning. Later on there was a capitalist transformation of the art market (though the benefits of an ancient and recognized name continue to influence things considerably) which, however, did not become completely capitalist. The multiplication of available spaces (screens, advertisements, people, private walls, electronic flow etc.) should also be remembered. And, on a purely formal plane, you cannot ignore the decreased distance between creative schools. All the phenomena mentioned in the previous two paragraphs have produced a creative variety that is not easy to grasp at first glance. Especially because we are used to our old way of looking at contradictive facts such as the figurative/abstract, craft/artistic, indigenous/cosmopolitan, ancient/modern. Today the Peruvian visual arts are not inspired by these models though they contain some transition elements such as the presence of new teachers with original paths or processing resulting from 019

For centuries we have filed the visual arts in Peru according to a timeline and this has resulted in a sequential consciousness of the territory. This type of linear perception has lost validity, and now it may appear more convenient for us to examine the visual creativity of recent times as an explosion approaching forms of the instantaneous. The expression is strange, let’s face it, though useful to approach the feeling of the visual as something timeless that we have experienced for several years in Peru. The perspective has changed starting from the transformations of the same artistic reality. But the new perspective, in fact, has not produced a new theory.

i 020 mirko lauer u peruvian plastic art of the xxi century

a reworking of schools that have disappeared. In any case, the most significant aspect is that of the forces of any age that are constantly emerging: eclectic visual proposals freed from the yoke of a predetermined authority while artists who move at the border of the visual are still rising. In this more modern area of Peruvian visual arts the quality (another concept that no longer has the clout it once had as sometimes happens regarding the concept of originality) gives the impression of being equally distributed, at least in the last twenty years or so. By quality we mean phenomena such as the empowerment of the image submitted by each plastic artist and the intensification of their character's personal perception of the artistic. Working backwards, the concept and practice of school such as pedagogy and discipline of that which was a creative and collective space of changes, has become an area of risk today. It has gone from a period of human groups to a period of individuality. Many have seen the height of the disciplines of drawing, photography and video in this change. We return thusly to the situation of continuity and divisions. Forty years ago it was possible to see Peruvian plastic art divided into three different spaces: Pre-Inca plastic art, Andean crafts and art of Western origin1. Later, it was therefore possible to see the Peruvian plastic art of the twentieth century as the succession of three stages: firstly, the borders with the outside through which all artistic import would pass; second, the boundaries between the different parts of our inner selves that our artistic effort has to go through to meet the realities of the society and, finally, the vogue of the cities as spaces of affirmation of local cosmopolitanisms. 1

In the four decades since the time in which this three parts view prevailed, some important things have happened that have changed the landscape: the parts concerning western influence and craftsmanship (rather, semi-western, that which Rodrigo Montoya would define as "recreated Andean") of the visual arts had a rapid evolution, on the one hand, and gradual, on the other; archaeological discoveries increased and with them the findings of artifacts of a great level of the pre-Inca period multiplied, they diverged and began to be considered from an increasingly aesthetic and less historicist prospective (the Pre-Columbian Museum of Plaza de las Nazarenas in Cusco is a good example). The production volume of visual works grew exponentially. There was a time when one could feel as if they were breathing in the air of a pending radicalness waiting for development; in reality, it was more about a public getting ready to show its needs. Martín Rodríguez Gaona was dedicated to post-modernism to give expression to the new visual times: "although Lauer was thirty years ahead in the diagnosis, the direction of his intuition was accurate. And beyond the 'popular overflow' (Andean immigration in the once stately Lima) marking the current pace of Peruvian society, perhaps only from the post-modern break with its celebration of diversity and new formats, can you realize the existence of the "Three large autonomous spaces of Peruvian culture: pre-Incan art, folk crafts and the republican tradition of painting."2. He is right to the extent that he suggests that the work of Lauer has inevitably been neutralized by the impossibility of classifying the field of plastic arts. The path of Gaona obliges us to name a few. Some, not all are mentioned in this book. Those present today are survivors of

Mirko Lauer, Introducción la pintura peruana del siglo XX, Lima, Mosca Azul Editores, 1976. Second edition with additions, Lima, Universidad Ricardo Palma, 2007. Introducción


Rodríguez-Gaona, Martín: "La escritura en el imaginario plástico peruano". Les Ateliers du SAL o (2012): 129-142

But many things have happened outside of the galleries. There is an evident politicization of content that responds to the times; it is generational, it isn’t an artistic movement, but an occasional

Perhaps the phenomenon of greatest impact in the field of plastic arts in recent decades have been retrospectives. It has been the recovery of the great figures of the first half of the past century with known works, but inadequately exhibited in museums and largely submerged in special collections. Artists like Mario Urteaga, the sisters of Izcue, SĂŠrvulo GutiĂŠrezo, Tilsa Tsuchiya or Vinatea Reinoso. Retrospectives also dealt with living artists. Of the ten painters from Peruvian history preferred by the people according to a survey conducted in 1980 by the Hueso Humero magazine, seven artists were from the first part of the twentieth century and only Szyszlo was (and still is) alive. The decision to list retrospectives was more or less on the basis of this information. The emergence of a large amount of works of art hitherto unknown to young plastic artists produced a visual information bomb, a sort of generational overlap that was, at the same time, conceptual. The great retrospectives were a way, we do not know to what extent in a conscious sense, to break with the past of the plastic arts in the field of the organization of the profession, essentially to put the past behind us. The social anchorage at that time were events such as the defeat of the Sendero Luminoso movement, hyperinflation and

mirko lauer u peruvian plastic art of the xxi century

Another way to describe the new times of the plastic arts is to consider that a national system for art galleries has finally emerged as a pillar of the market of plastic art, a system, however, that compared to the outer one is still backward and that there is therefore still an imbalance between the interior of the country and the rest of the world. What galleries did was to propose or to confirm people like Tola, Ramiro Llona, Ricardo Wiesse and, finally, Christian Bendayan. The output on the international market has been on the agenda since the early 90s, however, it has not been possible to realize anything, except for very few individual cases. Why? Because the entrepreneurial resources of the artistic medium are also in a condition of backwardness, a situation which in turn derives from something that we can call "endovisuality", a concept that refers to the persistence of obsessions with the national, the endogenous form. As for the galleries, their success is the product of good economic health of the country's construction boom (new professional or trade successes with new walls for new paintings). Even during the economic crisis of the '80s the business world had buoyed the fragile art market. After the crisis, it helped the market to move on.

artistic impulse; it coincides with the emergence of individuality and it connects people who agree on specific initiatives, but it is not about particular works. For example, a political-plastic act like "Lava la bandera" (a protest against Alberto Fujimori in 2000) came to focus on the so-called cycle of the flag that was visually sent off by Moico Yaker, Susana Torres and later by Eduardo Tokeshi and others. Already years before figurativism had marked its return to the forefront with Tilsa Tsuchiya and Tola, but there were "plastic political artists" such as Torres or those of the Colectivo Sociedad Civil ("Put garbage in the garbage"), and in a sense the ironic actors like Salazar or Quijano there to emphasize the significance of this return.


another era whose works retain validity and freshness (the best known case is that of Fernando de Szyszlo), artists who are dead but recovered from oblivion for artworks that only recently have begun to be known (Jorge Eduardo Eielson, Jorge Piqueras and, finally, Regina Aprijaskis); artists who are currently active in the field of plastic arts, ironic and transformers (Juan Javier Salazar, Kino Ganoza-Cherman); explorers searching for particularly new niches regarding themes, or form (Piero Quijano, Cristina Planas, Sandra Gamarra).

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statism, all the things that we wanted to leave behind which is what then happened. This seems to be a history of the joints between the XX and XXI centuries that begins to redefine the boundaries between categories parallel to the artistic such as the bourgeois and the popular, the public and the private, the ancient and the modern, and in turn, the dividing lines between the tripartite spaces to which I referred earlier. It just seemed that the change had forgotten the dynamics of the relationship between Lima and the regions and between the whole country and the foreign market. Does this situation mark the end of something? Perhaps we are experiencing the effects of modernization and, at the same time, the resistance to modernization and some new distortions. For example, from the scarcity of galleries that marked art for almost a century, we have moved to a shortage of critics capable of systematically assessing that which the galleries exhibit. Many exhibitions are held without arousing the slightest critical comment. One feature worth noting is that the intensity of the great international success, that for one of its aspects has represented a membership within the classification of the best Latin American plastic art, has rewarded Peruvian plastic artists in a marginal way. Few people have been able to achieve the worldwide fame and prestige and no one at the level of Fernando Botero, Wilfredo Lam, Diego Rivera and Rufino Tamayo. The structures of international promotion and distribution of Peruvian plastic art began to be conceived after 2000 and this delay is perhaps a further distortion. Before the ‘80s the role of a painter was not really important in the sense that the ideological or social or professional principles that they embodied were given much more weight. When the result was a detached or even famous personal image, it was tak-

en for granted that the deeper importance resided in someone belonging to a current, to a style, possibly to a manifesto. Over the years, things changed and the figure of the visual creator began to be important in and of itself as the visual arts had become a social representation in real time, a process that inevitably begins with the artist himself. This involved much more individual space for visual artists. In 1984 the situation of Peruvian plastic art at the end of the twentieth century could be summarized in three key battles: "One for the color (which replaces the theme as an element of the classification of the work), one for the freedom to experiment (with an emphasis on individual expression that seeks to replace the nationalist impulse) and a third for the development of plastic thought"3. The third battle is still an ongoing project in which a new phase of growth of museography stands out. The common denominator of the panorama of the newest plastic arts in Peru is located in the confluence of a sophisticated social concern with a refinement of the craft as foreshadowed in its own way from the work of Javier Salazar in previous decades. The most interesting creators are almost all within this model. A good example, with a work on the edge of conceptualism, is represented by Alejandro Jaime who explores what have been called "territorial changes on a vast scale - produced from mining and farming." Another important aspect is the sharp and original social commentary with the widespread tendency to substitute humor with sarcasm. Two artists who do it with great quality are Claudia Coca and Carolina Estrada, the latter with the tools of design and craftsmanship. Today the encounters between art, design and methods of practical application (fashion, architec3

In: Damian BayĂłn, Arte moderno en AmĂŠrica Latina, Madrid, Tayrus 1984: 245-249


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ture, advertising, manufacturing) practiced by plastic artists of all kinds are particularly vivid. In relation to this, the three-dimensional, digital and crystal clear pieces of SebastiĂĄn Burga are, as the same states, comments on the "aesthetics of the imported". Moreover, many young people are emerging on the market following two or more parallel and differentiated lines of participation. Among those, we can obviously see the lovers of traditional crafts. For example, Paloma Ă lvarez who introduces sewing and other forms of women's work in her paintings.

mirko lauer plástica peruana en el siglo XXI Mirko Lauer (1947) es Doctor y Magíster en Literatura peruana y latinoamericana (UNMSM) y Bachiller en Letras (PUCP). Autor de numerosas publicaciones y con una extensa trayectoria en la docencia e investigación, Lauer se destaca como poeta, ensayista, crítico y politólogo.

2 Por siglos hemos ordenado las artes visuales en Perú a lo largo de una línea de tiempo, y eso hizo de ello uno de los testimonios de una conciencia secuencial del territorio. Ese tipo de percepción lineal ha perdido vigencia, y ahora podría resultarnos más conveniente examinar la creatividad visual de los últimos tiempos como un estallido hacia formas de lo instantáneo. La expresión es extraña, reconocemos, pero útil para aproximarse al sentimiento de lo visual como lo intemporal, que vivimos desde hace algunos años en el Perú. La perspectiva se modificó a partir de transformaciones en la realidad artística misma. Pero la nueva perspectiva todavía no ha producido realmente una nueva teoría.


¿En qué momento sucedió semejante cambio del punto de vista sobre las artes plásticas? No tengo una fecha fija, pero hay algunas señales claras que pueden haber propiciado el cambio. Una es el enorme crecimiento, al menos en términos de la magnitud local, de la oferta y la demanda artístico-visuales. A este crecimiento contribuyeron factores como la expansión económica general, el crecimiento de las industrias de la creatividad, el paulatino desarrollo

de lenguajes comunes a artistas plásticos y consumidores de sus productos. Otra señal ha sido el colapso de los tabiques entre los géneros plásticos que en su momento causaron polémica, pero también sirvieron para ordenar la actividad. Asimismo, se produjo un rebarajado de las tradiciones, que pasaron de unas manos a otras, por lo general modificando seriamente su sentido original. Luego, se dio también una desprecapitalizacion del mercado de arte (aunque las ventajas de un nombre antiguo y acomodado siguen pesando mucho), si bien esto no significa todavía que se haya vuelto cabalmente capitalista. También está la multiplicación de las superficies disponibles (la pantalla, el aviso comercial, la persona, las paredes privadas, el flujo electrónico, etc.); y en lo estrictamente formal, está el debilitamiento de las distancias entre escuelas creativas. Todos los fenómenos mencionados en los dos párrafos anteriores produjeron una variedad creativa que no es fácil captar de un solo golpe de vista. Sobre todo porque hemos estado

En esta parte más moderna de las artes visuales peruanas hoy, la calidad (otro concepto que ya no tiene el peso de antes, como sucede también con el de originalidad) da la impresión de estar parejamente repartida, por lo menos desde hace unos 20 años. Por calidad nos referimos a fenómenos como la autonomización de la imagen que cada creador plástico propone, a la intensificación de su carácter de percepción personal de lo artístico. Al ir retrocediendo, el concepto y la práctica de escuela como pedagogía y disciplina, aquello que era un espacio creativo y colectivo de variaciones, ahora se ha vuelto uno de riesgos. Se ha pasado de una era de los grupos humanos a una era de las individualidades. Mucho ha tenido que ver en esto el auge de las disciplinas del diseño, la fotografía, el video. Así, volvemos al asunto de las continuidades y los cortes. Hace 40 años era posible ver a la plástica peruana como formada por tres espacios diferenciados: la plástica preincaica, la artesanía andina y el arte de origen occidental1. A partir de 1

Mirko Lauer, Introducción la pintura peruana del siglo XX, Lima, Mosca Azul Editores, 1976. Segunda edición, aumentada, Lima, Universidad Ricardo Palma, 2007. Introducción.

aquello, luego fue posible ver la plástica peruana del siglo XX como la sucesión de tres momentos: primero, las fronteras con el exterior a través de la cuales pasa toda importación artística; luego, las fronteras entre las partes de lo interior que el esfuerzo artístico debe cruzar para encontrar las diversas realidades de lo social; y por último, el auge de las ciudades como espacios de afirmación de cosmopolitismos locales. En los cuatro decenios, desde aquella visión en tercios, algunas cosas importantes han sucedido que cambiaron el panorama: las partes occidental y artesanal (es decir semi-occidental, lo que Rodrigo Montoya llamaría lo andino recreado) de lo visual, evolucionaron a toda velocidad, por su cuenta, y también cara a cara; los descubrimientos arqueológicos aumentaron, y con ello los hallazgos de piezas preincaicas de excelencia se multiplicaron, se diferenciaron, y empezaron a ser vistos con una perspectiva cada vez más estética y menos historicista (el Museo Precolombino en la Plaza de las Nazarenas, en Cusco, es un buen ejemplo de esto). El volumen de producción visual moderna aumentó exponencialmente. Hubo un momento en que para esto último parecía haber una radicalidad en el aire esperando desarrollarse; pero lo que había era más bien un público preparando sus exigencias. Martín Rodríguez Gaona acude al post modernismo para dar un semblante a los nuevos tiempos visuales: “Si bien Lauer se adelantó al menos unos treinta años en el diagnóstico, la direccionalidad de su intuición fue certera. Y fuera del “desborde popular” (la inmigración andina en la otrora señorial Lima), que marca actualmente el ritmo de la sociedad peruana, quizá sólo desde el quiebre posmoderno, con su celebración de la diversidad y los nuevos formatos, se pueda trabajar la existencia de los “Tres grandes espacios autónomos en la cultura peruana: el arte preincaico, la artesanía

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acostumbrados a nuestra vieja mirada, hecha de antinomias como figurativo/abstracto, artesanal/artístico, indigenista/ cosmopolita, antiguo/moderno. Las artes visuales peruanas hoy ya no se mueven a partir de patrones como esos, si bien todavía contienen algunos elementos de transición, como la presencia de nuevos maestros con trayectorias originales, o elaboraciones a partir de la resignificación de escuelas desaparecidas. Pero lo más presente son las fuerzas en constante emergencia, y de toda edad: propuestas visuales eclécticas liberadas del yugo de la autoridad definida; cada vez más artistas del discurso que se mueven en el borde de lo visual.

3 popular y la tradición pictórica republicana”2. Tiene razón en la medida que está implicando que el adelanto de Lauer inevitablemente ha sido neutralizado por una inclasificabilidad del terreno de las artes plásticas.

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El camino de Gaona obliga a acudir a algunos nombres. Algunos de ellos están en este libro, no todos. Lo que tenemos hoy son sobrevivientes de otros tiempos cuyas obras en curso mantienen especial vigencia y frescura (el caso más notorio, Fernando de Szyszlo), artistas fallecidos pero rescatados del olvido por una obra que recién empieza a conocerse realmente (Jorge Eduardo Eielson, Jorge Piqueras, y ahora último Regina Aprijaskis); plásticos activistas, irónicos y transformadores (Juan Javier Salazar, Kino Ganoza-Cherman); exploradores de nichos particularmente novedosos por lo temático o lo formal (Piero Quijano, Cristina Planas, Sandra Gamarra). Otra manera de describir los nuevos tiempos de la plástica es planteando que el sistema de galerías de arte se ha puesto finalmente al día en lo interno, como sustento básico del mercado plástico, pero que respecto del exterior mantiene su rezago, y en esa medida el desequilibrio entre lo interno y lo externo. Lo que han hecho las galerías es crear o confirmar figuras como Tola, Ramiro Llona, Ricardo Wiesse, y ahora último Christian Bendayan. La salida al mercado internacional ha estado en la agenda desde comienzos de los años 90, pero nunca se ha podido materializar más allá de un puñado de casos individuales. ¿Por qué? Porque los recursos empresariales del medio artístico están ellos mismos atrasados, una situación que a su vez procede de algo llamable una en2

Rodríguez-Gaona, Martín. “La escritura en el imaginario plástico peruano”. Les Ateliers du SAL 0 (2012): 129-142

dovisualidad, definible también como la persistencia de obsesiones con lo nacional en la forma. En cuanto a las galerías mismas, su auge es producto de la buena marcha económica del país, del boom de la construcción (nuevos éxitos profesionales o comerciales con nuevas paredes para nuevos cuadros). Ya en la crisis económica de los años 80 el mundo empresarial había mantenido a flote a un débil mercado de arte. Pasada la crisis, ayudó a proyectarlo hacia adelante. Pero mucho ha sucedido también fuera de las galerías. Hay una evidente politización de los contenidos que responde a los tiempos; es generacional, no es un movimiento artístico pero sí un esporádico impulso artístico; coincide con el surgimiento de la individualidad y está formado por personas que coinciden en una iniciativa específica, mas no es sus obras particulares. Por ejemplo, un acto político-plástico como “Lava la bandera” (una protesta contra Alberto Fujimori en el 2000) terminó de poner en foco algo llamable el ciclo de la bandera, puesto en marcha visualmente por Moico Yaker, Susana Torres, y seguido por Eduardo Tokeshi y otros. Ya años antes el figurativismo había marcado su regreso al primer plano con Tilsa Tsuchiya y Tola, pero fueron los “plásticos políticos”, como Torres o los del Colectivo Sociedad Civil (“Pon la basura en la basura”), y en cierto sentido los irónicos, como Salazar o Quijano, quienes marcaron el sentido de ese retorno. Quizás el fenómeno de más impacto en el medio plástico de estos últimos decenios fueron las retrospectivas. Fue un rescate de grandes figuras de la primera mitad del siglo pasado reciente, con obras reconocidas pero muy pobremente representadas en los museos y en buena medida sumergidas en colecciones particulares. Artistas como Mario Urteaga, las hermanas de Izcue, Sérvulo Gutiérezo, Tilsa Tsuchiya o

Antes de los años 80 la persona misma del pintor no era realmente importante, en el sentido de que mucho más pesaban los principios ideológicos, o sociales, o profesionales, que él encarnaba. Aun cuando el éxito podía establecer una imagen personal destacada, o incluso célebre, era un valor entendido que la importancia de fondo estaba dada por su pertenencia a una corriente, un estilo, un manifiesto incluso. Con los años esto cambió, y la figura del creador visual paso a ser importante en sí misma, porque las artes visuales habían devenido representación social en tiempo real, un proceso que inevitablemente comienza con el artista mismo. Esto viene significando mucho más espacio individual para los creadores visuales. En 1984 planteamos que la situación de la plástica peruana en la fase final del siglo XX podía resumirse en tres batallas fundamentales: “Una por el color (que reemplaza al tema como eje ordenador de la obra), una por la libertad de experimentar (con el énfasis en la expresión individual, que busca reemplazar el impulso nacionalista) y otra por el desarrollo del pensamiento plástico”3. Ahora en el segundo decenio del siglo XXI, puede afirmarse que las primeras dos batallas

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Esta parece ser, pues, una historia de articulaciones del siglo XX con el XXI, en la cual empiezan a redefinirse las fronteras entre categorías paralelas a lo artístico, como burgués y popular, público y privado, antiguo y moderno, y a la vez por cierto las líneas divisorias entre los espacios tripartitas a los que me he referido más arriba. Solo parecen haber quedado fuera del cambio las dinámicas de la displicente relación entre Lima y las regiones, y del país entero con el mercado del exterior. ¿Es esta situación el extremo de algo? Probablemente estamos viendo los efectos de una modernización, y al mismo tiempo las resistencias a ella, y algunas nuevas distorsiones. Por ejemplo del déficit de galerías que marcó al medio por casi un siglo, ahora hemos pasado a un déficit de críticos sistemáticos de lo que se presenta en esas galerías. Son muchas las muestras que pasan por una galería sin el menor comentario.

Un rasgo digno de ser anotado es la intensidad con que el gran éxito internacional, que en una de sus facetas representa una pertenencia a la mejor plástica latinoamericana, ha sido elusivo para los plásticos peruanos. Pocas figuras han logrado instalarse en la primera línea del prestigio mundial, y ninguna con la difundida intensidad de aceptación de Fernando Botero, Wilfredo Lam, Diego Rivera o Rufino Tamayo. Las estructuras de promoción y distribución internacionales en la plástica peruana recién empezaron a ser instaladas post-2000, y ese atraso ahora quizás funciona como una distorsión más.


Vinatea Reinoso. También impactaron las retrospectivas de figuras importantes vivas. De los diez pintores de la historia peruana preferidos por la gente del medio artístico en 1980 en una encuesta de la revista Hueso Humero, siete fueron figuras del temprano siglo XX y solo Szyszlo estaba (y está) vivo. Más o menos sobre ese dato retro en la encuesta es que se fue decidiendo la lista de retrospectivas. El desembarco de grandes volúmenes de arte hasta entonces desconocido para los jóvenes plásticos, produjo una bomba informativa visual, una suerte de traslapo generacional, pero también conceptual. Las grandes retrospectivas fueron una manera, no sabemos cuán conciente, de cortar con el pasado plástico en el terreno de la organización de la profesión, es decir de dejar el pasado atrás. Su referente social en ese momento fueron eventos como la derrota del senderismo, de la hiperinflación y del estatismo, todas cosas que se quería dejar atrás, como de hecho sucedió.


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fueron ganadas. La tercera batalla sigue siendo un proyecto en curso, en el cual destaca un nuevo auge de la museografía. El común denominador para el panorama de las artes plásticas novísimas en el Perú es la confluencia de una preocupación social sofisticada con un refinamiento del oficio, como la prefiguró a su manera la obra de Juan Javier Salazar en otros decenios. Los creadores más interesantes se ubican casi todos en este patrón. Un buen ejemplo, con una obra al filo del conceptualismo, es Alejandro Jaime, quien explora las que han sido llamadas “transformaciones territoriales de gran escala – generadas por la extracción minera y la agricultura”. Otra vertiente de importancia, es el comentario social áspero y original, con una difundida tendencia a reemplazar el humor por el sarcasmo. Dos artistas que lo hacen con enorme calidad son Claudia Coca y Carolina Estrada, esta última a partir del diseño y la artesanía. Particularmente pujantes son hoy los encuentros entre arte, diseño y formas de aplicación práctica (moda, arquitectura, publicidad, manufactura), practicados por creadores plásticos de todo tipo. En esto, destacan las piezas tridimensionales, digitales y limpísimas, de Sebastián Burga que son, como él dice, comentarios a “la estética de lo importado”. Asimismo, son muchos los jóvenes que incursionan en dos o más líneas paralelas y diferenciadas de participación en el mercado. Esto, ciertamente incluye a cultores de la artesanía tradicional. Por ejemplo, Paloma Álvarez, quien introduce costuras y otras formas de labor femenina en sus cuadros.


En: Damian Bayón, Arte moderno en América Latina, Madrid, Taurus 1984:245-249.

mirko lauer l’arte plastica peruviana del XXI secolo Mirko Lauer (1947) ha conseguito il dottorato di ricerca e la laurea specialistica in Letteratura peruviana e latinoamericana (UNMSM) e la laurea in Lettere (PUCP). Autore di numerose pubblicazioni e con un’ampia esperienza come docente e ricercatore, Lauer è noto come poeta, saggista, critico e politologo.


In quale momento ha avuto luogo tale mutamento di prospettiva in tema di arti plastiche? Non saprei indicare una data precisa, ma ci sono alcuni segnali chiari che possono aver propiziato il cambiamento. Uno è l’enorme crescita, quanto meno in rapporto alla grandezza del mercato locale, della domanda e dell’offerta di opere artistico-visive. A questa crescita hanno contribuito fattori quali l’espansione economica generale, l’incremento delle industrie della creatività e il graduale sviluppo di linguaggi comuni agli artisti plastici e ai fruitori dei loro prodotti.

Un altro segnale è stato il venir meno delle suddivisioni tra generi plastici che sul momento ha causato polemiche, ma è stato utile a un’organizzazione dell’attività. Inoltre è intervenuta una mescolanza delle tradizioni che sono passate di mano in mano modificando profondamente il loro originario significato. In seguito ha avuto luogo una trasformazione capitalistica del mercato dell’arte (sebbene i vantaggi di un nome antico e riconosciuto continuino a pesare non poco) che, tuttavia, non è diventato completamente schiavo della logica del profitto. Va inoltre ricordata la moltiplicazione degli spazi disponibili (lo schermo, la pubblicità, la persona, le pareti private, il flusso elettronico ecc.) e, sul piano strettamente formale, non si può ignorare la diminuita distanza tra scuole creative. Tutti i fenomeni ricordati nei due precedenti paragrafi hanno prodotto una varietà creativa che non è facile afferrare a colpo d’occhio. Soprattutto perché ci siamo abituati al nostro vecchio modo di guardare fondato sulle antinomie quali figurativo/astratto, artigianale/artistico, indigeno/cosmopolita, antico/moderno. Oggi le arti visive peruviane non si ispirano a modelli come questi, sebbene conservino alcuni elementi 029

Per secoli abbiamo catalogato le arti visive in Perù secondo una concezione cronologica da cui è scaturita una coscienza lineare del territorio. Questo tipo di percezione lineare ha perduto validità e oggi potrebbe apparirci più conveniente considerare la creatività visiva degli ultimi tempi, alla stregua di un’esplosione che raggiunge le forme del reale. L’espressione è strana, riconosciamolo, ma è utile per avvicinarsi al senso del visivo come atemporale, così come lo viviamo da qualche anno in Perù. La prospettiva è cambiata a partire dalle trasformazioni della stessa realtà artistica. Però la nuova prospettiva, di fatto, non ha prodotto una nuova teoria.


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di transizione come la presenza di nuovi maestri con percorsi originali o elaborazioni derivanti dalla rilettura di scuole scomparse. In ogni caso l’aspetto più significativo è quello dei talenti emergenti di qualunque età che si affacciano sulla scena in continuazione con proposte visive eclettiche liberate dal giogo di un’autorità precostituita, mentre sono in continuo aumento gli artisti che si muovono al confine del visivo.

condo luogo, le frontiere che l’artista deve varcare all’interno di se stesso per incontrare le diverse realtà della società e, infine, il trionfo delle città come spazi di affermazione di cosmopolitismi locali.

In quest’ambito più moderno delle arti visive peruviane, la qualità (altro concetto che non ha più il peso di una volta, così come accade per quanto riguarda il concetto di originalità) dà l’impressione di essere equamente distribuita, quanto meno negli ultimi vent’anni circa. Per qualità intendiamo fenomeni come l’autonomizzazione dell’immagine proposta da ciascun artista plastico e l’intensificazione del suo carattere di percezione personale dell’artistico. Procedendo a ritroso, il concetto e la pratica di scuola come pedagogia e disciplina di quello che era uno spazio creativo e collettivo di variazioni si è trasformato oggi in uno spazio di rischi. Si è passati dal gruppo alle individualità. Molti hanno colto in questo mutamento il momento di massima espansione delle discipline del disegno, della fotografia e del video.

Nei quattro decenni trascorsi da quando si è affermata questa visione a tre comparti, sono successe alcune cose importanti che hanno cambiato il panorama: le parti occidentale e artigianale (per meglio dire, semi-occidentale, quella che Rodrigo Montoya definirebbe “andino ricreato”) delle arti visive ebbero un’evoluzione rapidissima, da un lato, e graduale, dall’altro; le scoperte archeologiche aumentarono e con esse i ritrovamenti di manufatti di grande qualità del periodo preincaico si moltiplicarono, si differenziarono e cominciarono a essere considerati da una prospettiva sempre più estetica e sempre meno storicista (il Museo Precolombiano di Plaza de las Nazarenas a Cusco ne è un buon esempio). Il volume della produzione di opere visive aumentò in misura esponenziale. Ci fu un momento in cui si ebbe l’impressione di respirare nell’aria una radicalità in attesa dello sviluppo; in realtà c’era più che altro un pubblico che si apprestava a manifestare le sue esigenze.

Torniamo così alla situazione delle continuità e delle soluzioni di continuità. Quarant’anni fa era possibile suddividere l’arte plastica peruviana in tre momenti differenziati: l’arte plastica preincaica, l’artigianato andino e l’arte di origine occidentale1. Di conseguenza, in seguito si è potuto vedere l’arte plastica peruviana del XX secolo come la successione di tre momenti: in primo luogo le frontiere con l’esterno attraverso le quali passa tutta l’importazione artistica; in se-

Martin Rodrìguez Gaona fa riferimento al post-modernismo per dare espressione ai nuovi tempi delle arti visive: “sebbene Lauer abbia anticipato di una trentina d’anni la diagnosi, la direzione della sua intuizione è stata precisa. E al di fuori dello “straripamento popolare” (l’immigrazione andina nella un tempo signorile Lima) che segna al momento il ritmo della società peruviana - forse solo a partire dalla pausa post-moderna con la sua celebrazione della diversità e dei nuovi for-


Mirko Lauer, Introducción la pintura peruana del siglo XX, Lima, Mosca Azul Editores, 1976. Seconda edizione con integrazioni, Lima, Universi-

dad Ricardo Palma, 2007. Introducción.

Un’altra maniera di descrivere i tempi nuovi delle arti plastiche consiste nel considerare che finalmente è emerso un sistema nazionale di gallerie d’arte come pilastro del mercato dell’arte plastica, un sistema però che rispetto a quello internazionale è ancora arretrato ed è per questa ragione che permane uno squilibrio tra l’interno del Paese e il resto del mondo. Quello che le gallerie hanno fatto è stato proporre o confermare personaggi come Tola, Ramiro Llona, Ricardo Wiesse e, per ultimo, Christian Bendayan. L’esordio sul mercato internazionale è stato in agenda sin dai primi anni ’90, ma, con l’eccezione di pochissimi casi individuali, il progetto non si è realizzato. Perché? Perché le risorse imprenditoriali 2

Rodrìguez-Gaona, Martìn: “La escritura en el imaginario plástico peruano”. Les Ateliers du SAL O (2012): 129-142.

Però molte cose sono successe anche fuori delle gallerie. C’è un’evidente politicizzazione dei contenuti che risponde ai tempi; è generazionale, non è un movimento artistico, ma uno sporadico impulso artistico; coincide con l’emergere dell’individualità e unisce persone che concordano su iniziative specifiche, ma non riguarda opere particolari. Ad esempio, un atto politico-plastico come “Lava la bandera” (una protesta contro Alberto Fujimori nel 2000) finì per mettere a fuoco il cosiddetto ciclo della bandiera avviato visivamente da Moico Yaker, Susana Torres e in seguito da Eduardo Tokeshi e altri. Già anni prima il figurativismo aveva segnato il suo ritorno in primo piano con Tilsa Tsuchiya e Tola, ma furono gli “artisti plastici politici” come Torres o quelli del Collettivo Sociedad Civil (Metti la spazzatura nella spazzatura) e in un certo senso gli ironici quali Salazar o Quijano a sottolineare il significato di questo ritorno. Forse il fenomeno di maggior impatto di questi ultimi decenni nel campo delle arti plastiche sono state le retrospettive. È stato il recupero di grandi personaggi della prima metà del secolo passato con opere note, ma esposte in maniera quanto

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Il percorso indicato da Gaona ci obbliga a fare qualche nome. Alcuni, non tutti, sono citati in questo libro. Quelli presenti oggi sono sopravvissuti di altri tempi le cui opere conservano validità e freschezza (il caso più noto è quello di Fernando de Szyszlo), artisti morti ma recuperati dall’oblio perché la loro opera solo di recente ha ottenuto un certo riconoscimento (Jorge Eduardo Eielson, Jorge Piqueras e, infine, Regina Aprijaskis); artisti attivi nelle arti plastiche, ironici e trasformatori (Juan Javier Salazar, Kino Ganoza-Cherman); esploratori di nicchie particolarmente nuove per i temi o la forma (Piero Quijano, Cristina Planas, Sandra Gamarra).

del settore dell’arte sono anch’esse in condizione di arretratezza, una situazione che a sua volta deriva da un qualcosa che possiamo chiamare “endovisualità”, un concetto che fa riferimento al persistere di un’ossessiva vocazione a difendere l’espressione nazionale a discapito di un allargamento degli orizzonti. Quanto alle gallerie, il loro successo è il prodotto della buona salute economica del Paese, del boom dell’edilizia (nuovi successi professionali o commerciali con nuove pareti per nuovi quadri). Già durante la crisi economica degli anni ‘80 il mondo imprenditoriale aveva tenuto a galla il fragile mercato dell’arte. Passata la crisi, quello stesso mondo aiutò il mercato a riprendere il cammino.


mati – si può realizzare l’esistenza dei “Tre grandi spazi autonomi della cultura peruviana: l’arte preincaica, l’artigianato popolare e la tradizione pittorica repubblicana”2. Gaona ha ragione nella misura in cui suggerisce che il lavoro di Lauer inevitabilmente è stato reso vano dall’impossibilità di classificare il campo delle arti plastiche.


mirko lauer b l’arte peruviana del xxi secolo

$ mai inadeguata nei musei e in gran parte sommerse in collezioni particolari. Intendo fare riferimento ad artisti come Mario Urteaga, le sorelle di Izcue, Sérvulo Gutiérezo, Tilsa Tsuchiya o Vinatea Reinoso. Le retrospettive riguardarono anche artisti viventi. Dei dieci pittori della storia peruviana più amati dalla gente, secondo un’inchiesta condotta nel 1980 dalla rivista Hueso Humero, sette si erano affermati nella prima parte del XX secolo e solo Szyszlo era (ed è ancora) vivo. Più o meno fu sulla base di questi dati che venne decisa la lista delle retrospettive. L’emergere di una grande quantità di opere d’arte, fino ad allora sconosciute ai giovani artisti plastici, ebbe l’effetto di una bomba informativa visiva, una sorta di sovrapposizione generazionale e, al contempo, concettuale. Le grandi retrospettive furono un modo, non sappiamo fino a che punto consapevole, di rompere con il passato delle arti plastiche sul terreno dell’organizzazione della professione, in sostanza di lasciarsi il passato alle spalle. In quel momento storico l’ancoraggio sociale fu rappresentato da eventi quali la sconfitta del movimento di Sendero Luminoso, dell’iperinflazione e dello statalismo, tutte cose che si desiderava abbandonare come poi di fatto avvenne. Questa sembra essere una storia di articolazioni tra i secoli XX e XXI, in quanto si cominciano a ridefinire le frontiere tra categorie parallele dell’espressione artistica quali borghese e popolare, pubblico e privato, antico e moderno e, a loro volta, le linee di demarcazione tra gli spazi tripartiti cui ho fatto riferimento in precedenza. Sembrava solo che il cambiamento avesse dimenticato le dinamiche del rapporto tra Lima e le altre aree del Paese e tra l’intero Paese e il mercato straniero. Questa situazione segna il punto estremo di qualcosa? Probabilmente stiamo vivendo gli effetti di una modernizzazione e, al tempo stesso, le resistenze alla modernizzazione e alcune distorsioni nuove. Ad esempio dalla scarsità di gallerie che ha

contrassegnato l’arte per quasi un secolo, siamo passati a una penuria di critici in grado di valutare in maniera sistematica quanto viene esposto nelle gallerie. Sono molte le mostre che non stimolano la benché minima riflessione critica. Un aspetto che vale la pena notare è che lo straordinario successo internazionale dell’arte plastica latino-americana ha riguardato solo marginalmente gli artisti plastici peruviani. Pochi personaggi sono riusciti a raggiungere la notorietà e il prestigio mondiali e nessuno al livello di Fernando Botero, Wilfredo Lam, Diego Rivera o Rufino Tamayo. Le strutture di promozione e distribuzione internazionali dell’arte plastica peruviana hanno cominciato a essere concepite dopo il 2000 e questo ritardo è forse un’ulteriore distorsione. Prima degli anni ’80 la persona del pittore non era realmente importante, nel senso che pesavano molto di più i principi ideologici o sociali o professionali che incarnava. Quando il risultato era quello di un’immagine personale distaccata o finanche celebre, si dava sempre per scontato che l’importanza di fondo risiedeva nella sua appartenenza a una corrente, a uno stile, eventualmente a un manifesto. Con gli anni le cose sono cambiate e la figura del creatore visivo cominciò a essere importante in se stessa in quanto le arti visive erano diventate rappresentazione sociale in tempo reale, un processo che inevitabilmente inizia con l’artista stesso. Ciò ha comportato molto più spazio individuale per gli artisti visivi. Nel 1984, sul finire del XX secolo, la situazione dell’arte plastica peruviana poteva riassumersi in tre battaglie fondamentali: “Una per il colore (che sostituisce il tema come elemento di classificazione dell’opera), una per la libertà di sperimentare (con l’enfasi sull’espressione individuale che cerca di sostituire l’impulso nazionalista) e una terza per lo sviluppo

Il comune denominatore del panorama delle nuovissime arti plastiche in Perù va individuato nella confluenza di una preoccupazione sociale sofisticata con un affinamento del mestiere come prefigurato a modo suo dall’opera di Javier Salazar in precedenti decenni. I creatori più interessanti rientrano quasi tutti in questo modello. Un buon esempio, con un’opera ai confini del concettualismo, è rappresentato da Alejandro Jaime che esplora quelle che sono state chiamate “trasformazioni territoriali su vasta scala – prodotte dall’estrazione mineraria e dall’agricoltura”. Un altro aspetto importante è il commento sociale aspro e originale con la diffusa tendenza a sostituire l’umorismo con il sarcasmo. Due artiste che lo fanno con grande qualità sono Claudia Coca e Carolina Estrada, quest’ultima con gli strumenti del disegno e dell’artigianato. Particolarmente vivaci sono oggi gli incontri tra arte, disegno e modalità di applicazione pratica (moda, architettura, pubblicità, manifattura) praticati da artisti plastici di ogni genere. In questo ambito si segnalano i pezzi tridimensionali, digitali e limpidissimi di Sebastián Burga che sono, come egli stesso afferma, commenti all’“estetica dell’importato”. Inoltre sono molti i giovani che emergono sul mercato seguendo due o più linee parallele e differenziate di partecipazione. Tra questi ovviamente i cultori dell’artigianato tradizionale. Ad esempio Paloma Álvarez che introduce nei suoi quadri il cucito e altre forme di lavoro femminile.


In: Damian Bayón, Arte moderno en América Latina, Madrid, Tayrus 1984: 245-249.

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del pensiero plastico”3. La terza battaglia è tuttora un progetto in corso all’interno del quale si distingue una nuova fase di crescita della museografia.

stefania malacchini a great plot, one hundred and forty threads

simonĂŠ malacchini & stefania malacchini curators collection & book ojo andino peru

u So to christen our new task we thought towards the mountains of the Andes, a kind of backbone that marks our morphology, separating us and bonding us, and from whose peaks our lands can be seen, so different and, at times, so similar. The view from there looks like what Imago Mundi proposes with contemporary art. Namely a wide, panoramic view that is sometimes bounded and concentrated on the particular: it is the opportunity to observe our similarities of expression, our common concerns and, at the same time, to accept our differences and uniqueness with joy. Our contrasts amaze us and inspire us and our unexpected convergences move us. And thanks to this exercise questions are hatched, answers are dared.

At the same time, it is interesting to think of the Andes as a cultural area in which one sees light as part of the identity of our region, which belongs to the peoples of the southern cone of Latin America only if it belongs to itself: it is a mixed culture full of syncretism and popular wisdom. There the accents and languages fade and differences are marked by nature or the same social dynamics that have gone on to form themselves gradually and organically. In the highlands of the Andes life of the Quechua or of the Aymara is not easy but it is a generous existence, marked by the principle of reciprocity and harmony with our surroundings to which we actively contribute while it envelops us and transcends us. The OJO ANDINO collections therefore intend to raise an ode to this generosity and wealth as well as to weave a divided and composite view of what is unfathomable and elusive and yet can only be understood with intuition as an aftertaste that stays on the palate or an aroma that suggests an image, which is full of shapes and colors. Thus giving shape to a colorful, complete and representative mosaic of contemporary Peruvian art was the great challenge of OJO ANDINO Peru. 035

Ojo Andino Peru is the second stage of a project that was started in 2013 with SimonĂŠ Malacchini as a result of the assignment received by Luciano Benetton with whom we had already collaborated on the first collection of his main Imago Mundi project: we are referring to Ojo Latino (2008), a collection that brought together the work of 200 artists from different places in Latin America. However, in this case the task has been slightly different: we had to focus on individual countries, starting with collections of Chile and Peru.

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While admittedly living in Chile and having, therefore, knowledge from an outside perspective of the Peruvian art scene, the moment in which we attempted to implement the project with SimonĂŠ, we saw the opportunity to read the prolific scene of Peru with an unscrupulous detachment. But then - when the experience of surprise and wonder that pushed us to try and complete a larger structure occurred- the need to get closer became inevitable in order to feel the real pulse of each place and, consequently, to inebriate ourselves with images to the point that they exposed themselves for what they were, striking us and involving us, all while remaining on this side of the Cordillera. So, thanks to the commitment of these same artists with whom we took contact and went on to establish an authentic communication, new doors opened that revealed the composed and articulated body of a highly professional group of artists devoted to their business and that worked hard with the gestures, the passion and the conviction that today are scarce in other areas. After two years of contacts, we have brought together the work of 140 artists of Peru including painters, sculptors, video artists, illustrators, textile artists, engravers, watercolorists, and potters who with their work have contributed to this collage of visions, of peepholes through which we can get carried away by the multiplicity of views and feelings that they offer us. One gaze and other one hundred and forty gazes: a position like that of the condor soaring on high captures a general picture of what unfolds before its eyes and recognizes the parts that compose the whole. One hundred and forty particular visions concentrated on a 10 x 12 cm area that let you go very much further here or there within the space. They are the stitches of a fabric which reveals only that which we cannot read in the whole, the structure of which however does captivate us. Alternatively, we follow the progress of a thread and we sink in

the perspective of the whole, starting from a thread and then moving to the others and going through the entire mantle. The format of the works can be found on the book in 1:1 scale so that the reader can have an experience as close as possible to the work of each artist. Manageable and transportable, the small size has enabled us to propose a virtual space that gave the same opportunity to all the artists who decided to participate in the collection launching, among other things, a challenge to their usual artistic production: the limit of an infinite space that was destined to travel, meeting new gazes and how, from this fraction, we try to know (or guess) a dematerialized whole. In this way the calculated gesture of the artist and our careful attention to detail that, like brushstrokes, go along and feel every centimeter of the work, they catalyze our experience both in front of each work, and in the presence of the collection as a whole. A gaze that is able to surround each piece and its specific attributes just like a vast territory, albeit elusive and changeable, which transcends all parts that compose it. The nerve center of the Inca Empire, the seat of the most important Viceroyalty in South America during the Spanish colonial era and that has always been a place of coexistence of different indigenous peoples since then, Peru still grows and gathers today some of the most significant traditions and heritage of the South American continent. Cuzco and Lima, cities of eternal splendor, flaunt important vestiges of our history, our culture and, together with Arequipa and other cities, they collect this heritage by giving a strong boost to the art within the Academy. We are therefore in the presence of a highly centralized country with regard to the art market and the gallery system, but quite decentralized and heterogeneous for that which concerns the

Although this attitude would seem to have a relationship with the recovery of tradition, with the need to develop a transcendental bond with the dwelling place, the theme of the city as the home of the collective now exerts itself as an issue that is not just local, but global, extrapolated from other contexts including those which are culturally distant. The problem of the home and the land we belong to, the places we occupy, filling them with our presence and history, and that we mark as well as letting them indelibly mark us, is also a central theme in art today, which is considered a significant argument of the current social and political debate. Nevertheless, it would seem to be something that goes beyond, something that marks its steps and traces its own path in the course of its history. The feeling is that there is a rooted consciousness regarding its origin here, to link with the land with reference to "what's inside" in relation to all that is "other." This consciousness - that is felt in many of the works in this collection - does not compromise despite the much heralded globalization. Also in line with this perspective and looking for this intimate bond with the land bounded by natural or imaginary boundaries, we would like to talk now about Peru as a defined and recognized territory that, like the Amazon rainforest, the lungs of the

The neon colors of the works of the forest, the mystical and dreamlike motifs of these paintings transport us to another dimension, that is alien and sometimes so human it makes us look like one family. These are the colors of a trip led by the Ayahuasca (TN, hallucinogenic drink), of the link between human and divine, and they are also the colors of Peru and South America as the shades of grey are the colors of the modernized city, brown is the color of the Incan ceramics or multiple tones are the colors of the Quechua or Aymara fabrics. A mosaic of colors, shapes and expressions, of gestures, of poetry and of materiality that are molded into OJO ANDINO Peru. Whether this collection is representative of the art of Peru, whether is a prolific choice to conceive the art from not only today’s perspective of each country, or whether the Amazon forest, as well as the Cordillera of the Andes can be addressed as a portion belonging to a single country or another or a cultural region as a whole, these are very important topics and this collection could - or not - help us to outline some initial, provisional answers, or at least, to put new questions on the table which would be worthwhile to clarify or to at least discuss.

stefania malacchini u a great plot, one hundred and forty threads

It is at the same time interesting to note that many artists participating in this collection have carried out their work with the city as a subject of study and reflection. As a return to the earth according to a modern logic, the artist tries to decode the city, to deconstruct it or enhance it; raising the new or the laying claim to the old.

continent, and the Cordillera of the Andes, marks our continent and our identity. It defines, separates and approaches, often significantly affecting our culture and social dynamics. In this way we have worked with our dear friend Roberto Ascóniga, owner and manager of the Enlace Gallery of Lima that has explored the forest with her children in our stead, doing so in order to be our eyes and our feet in search of some of the many artists who work in the interior of the Amazon preserving their tradition of painting. Roberto went to Pucallpa and made a trip into the forest that he then mentions in this book giving us the work of twenty artists included in this collection, including many disciples of the Usko-Ayar School founded by the great master Pablo Amaringo who we believe is an unparalleled genius.


stylistic and poetic proposals developed by artists who thus give rise to different production sites. This capital of gazes and distinct approaches is not only shaping the visual arts, but, for example, the music, the literature and the cuisine of Peru.

stefania malacchini una gran trama, ciento cuarenta hebras

2 OJO ANDINO Perú es la segunda etapa de un proyecto que iniciamos el 2013 junto a Simoné Malacchini, a partir del encargo del Sr. Luciano Benetton, con quién ya habíamos colaborado en la primera colección de su proyecto mayor Imago Mundi: nos referimos a Ojo Latino (2008), colección que reunió la obra de 200 artistas de diversos lugares de Latinoamérica. No obstante, esta vez, el encargo cambiaba levemente: la mirada debía estar focalizada en cada país, comenzando con las colecciones de Chile y Perú.


Así, para bautizar este nuevo encargo, pensamos en la cadena montañosa de Los Andes como aquel trazo vertebral que imprime nuestra morfología, nos separa y acomuna, y desde cuyas cimas podemos observar nuestras tierras, tan distintas y tan símiles a la vez. Desde allí, el panorama que se ofrece es parecido al que propone Imago Mundi respecto al arte actual. Esto es, una mirada amplia, panorámica, y a la vez detenida y concentrada en lo particular: se trata de la posibilidad de observar nuestras similitudes expresivas, nuestras comunes preocupaciones, a la vez que festejar nuestras diferencias y singularidades. Maravillarnos e inspirarnos

con nuestros contrastes, emocionarnos con las inesperadas convergencias. Y en este ejercicio abrir preguntas, aventurar respuestas. Asimismo, resulta interesante pensar en Los Andes como una zona cultural en la que se gesta parte de la identidad de nuestra región. Como una cultura que pertenece a los pueblos del Cono Sur a la vez que sólo se pertenece a sí misma: se trata de una cultura heterogénea, rica en sincretismos y sabiduría popular. Allí, los acentos y las lenguas se difuminan y las distinciones las marca la naturaleza o las mismas dinámicas sociales que se han ido estableciendo de forma paulatina y orgánica. En las alturas de Los Andes, la vida del quechua y del aimara no es fácil y sin embargo es una existencia generosa, marcada por el principio de reciprocidad y la sintonía con aquello que nos rodea, a lo cual contribuimos activamente, a la vez que nos envuelve y trasciende. Las colecciones OJO ANDINO se proponen hacer una oda a esta generosidad y riqueza, además de urdir un panorama parcelado y compuesto de aquello que es insondable y escurridizo,

Pese a estar radicadas en Chile y por tanto poseer un conocimiento foráneo del panorama artístico peruano, a la hora de realizar la convocatoria, con Simoné ejercimos la posibilidad de leer la prolífera escena del Perú con un desprejuiciado desapego. Mas luego –y al manifestarse la experiencia de la sorpresa y la maravilla que impulsa a seguir buscando y completando un entramado mayor– se hacía ineludible la necesidad de acercarse más y más para sentir el verdadero pulso de cada lugar, y embriagarse en imágenes hasta el punto que estas se revelaran por sí mismas, afectándonos e implicándonos, aún estando a este lado de la Cordillera. Así, y gracias al compromiso de los mismos artistas con quienes tomábamos contacto e íbamos estableciendo una genuina comunicación, se iban abriendo nuevas puertas desde donde se entreveía el cuerpo compuesto y articulado de un grupo altamente profesional de artistas, dedicados a su quehacer y comprometidos hasta la médula con su gesto, con la pasión y convicción que hoy escasea en otros oficios. Luego de dos años de convocatoria, reunimos el trabajo de 140 artistas del territorio peruano, entre las cuales pintores, escultores, videoartistas, ilustradores, artistas textiles, grabadistas, acuarelistas, y ceramistas que con su trabajo contribuyeron a este collage de visiones, de mirillas a través de las cuales podemos embelesarnos con la multiplicidad de panoramas y sensaciones que nos ofrecen. Un sola mirada

y otras ciento cuarenta: una mirada aérea, como aquella del cóndor que sobrevuela en altura capturando una imagen general de aquello que se despliega ante sus ojos, así como reconociendo también las partes que lo integra; y ciento cuarenta visiones particulares, concentradas en 10 x 12 cm que nos hace viajar mucho más allá, o más acá, en el espacio. Son las puntadas de un textil que nos revela algo que no sabemos leer del todo y sin embargo nos extasía en su entramado. Alternadamente, seguimos el andar de una hebra y nos hundimos en la perspectiva del todo a partir de la misma, para pasar por otras y recorrer el manto entero. El formato de las obras es llevado al libro en escala 1:1 de modo que el lector pueda tener una experiencia lo más cercana posible con el trabajo de cada artista. Abordable y transportable, el pequeño formato nos permitía proponer un espacio virtual que daba igualdad de posibilidades a todos los artistas que decidieron ser parte de esta colección, desafiando de paso su habitual producción artística. Se trata del límite de un espacio infinito destinado a viajar encontrando nuevas miradas y de cómo, a partir de esta fracción, nos acercamos a conocer (o intuir) un todo, desmaterializado. El gesto calculado del artista y nuestra mirada atenta y al detalle, que como pinceladas recorre y palpa cada centímetro de la obra, catalizan nuestra experiencia ya sea ante cada una de las piezas como también frente a la colección en su conjunto. Una mirada que logra abrazar cada parcela y sus atributos específicos, así como un territorio extenso, si bien siempre escurridizo y mutable, que trasciende cada parte que lo compone. Centro neurálgico del Imperio Inca, sede del Virreinato más importante en Sudamérica durante la época de la colonia es-

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y que sin embargo sólo puede aprehenderse a través de la intuición y el fragmento; como retrogusto que persiste en nuestro paladar o un aroma que nos sugiere una imagen llena de formas y colores. De esta forma, conformar un mosaico variopinto, inclusivo y representativo del arte actual de Perú es lo que se nos presentaba como el gran desafío para OJO ANDINO Perú.


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pañola, y desde siempre lugar de coexistencia de diversos pueblos indígenas, en Perú se siembran y cosechan aún hoy algunas de las tradiciones y legados más poderosos de nuestro continente sudamericano. Cuzco y Lima, ciudades de eterno esplendor, ostentan importantes vestigios de nuestra historia, de nuestra cultura y, junto a Arequipa y otras ciudades, recogen esta herencia desarrollando fuertemente el arte al interior de la Academia. Así, nos enfrentamos a un país muy centralizado en cuanto al mercado del arte y circuito de galerías, mas bastante descentralizado y heterogéneo en lo que respecta a las propuestas estilísticas y poéticas desarrolladas por los artistas, que de este modo dan vida a diversos polos productivos. Este capital de miradas y enfoques distintos está plasmado no solo en las artes visuales, sino también en la música, la literatura y la cocina del Perú, por ejemplo. Del mismo modo, es interesante notar que muchos artistas incluidos en esta colección vuelcan su trabajo hacia la urbe, como sujeto/objeto de estudio y reflexión. Cual retorno a la tierra en una lógica moderna, se intenta decodificar la ciudad, deconstruirla o bien ensalzarla; enaltar lo nuevo o reivindicar lo antiguo. Si bien este gesto pareciera tener relación con la recuperación del raigambre, con la necesidad de desarrollar un vínculo trascendental con el lugar habitado; la cuestión de la ciudad como el hogar del colectivo, surge ahora como una problemática no solo local sino global, extrapolable a otros contextos incluso culturalmente lejanos. El asunto de la morada, de la tierra a la que pertenecemos, los lugares que ocupamos llenándolos con nuestra presencia e historia, y que marcamos y nos marcan indeleblemente, es un tema central

hoy en el arte, puesto que es también un argumento fuerte en la discusión social y política actual. No obstante, en Perú pareciera tratarse de algo que va incluso más allá, algo que marca sus propios pasos y traza una vía propia de recorrido a lo largo de su historia. La sensación es que existe aquí una conciencia enraizada respecto del propio hogar, del nexo con la tierra que se habita, o bien un reconocimiento de “lo de adentro” en relación a todo lo demás. Esta conciencia –que se deja sentir en muchas de las obras aquí reunidas– no se transa, incluso a pesar, o acaso en respuesta a, la imantada globalización. Siempre en esta línea, y en búsqueda de ese íntimo vínculo con la tierra delimitada por las líneas naturales e imaginarias que nos permiten hablar ahora de Perú como un territorio definido y reconocible, es que hemos pensado en la Selva Amazónica como aquel pulmón que marca nuestro continente e identidad. Ésta delimita, separa y acerca, condicionando nuestra cultura y dinámicas sociales en amplio rango. De este modo, hemos trabajado junto a nuestro querido amigo Roberto Ascóniga, dueño y gestor de la Galería Enlace Arte Contemporáneo de Lima, quien se adentrara por nosotros a la selva junto a sus hijos Aisha y Gabriel, siendo nuestros ojos y pies en la búsqueda de algunos de los numerosos artistas que se desarrollan al interior de la Amazonía, preservando una tradición pictórica propia. Roberto y sus hijos parten hacia Pucallpa y llevan a cabo el viaje selva adentro que más adelante en este libro nos comentan y que nos deja la obra de veinte artistas incluidos en esta colección, entre los cuales muchos discípulos de la Escuela Usko-Ayar, fundada por el gran maestro Pablo Amaringo, para nosotros un genio sin referentes.


Que esta colección sea representativa del arte de Perú; que sea prolífico plantearse hoy la cuestión del arte actual en una lógica nacional; que la Selva Amazónica, así como la Cordillera de los Andes, sean consideradas parte de un país u otro por fracciones, o bien regiones culturales en sí mismas, son argumentos importantísimos y respecto a los cuales esta colección podría –o no– ayudarnos a delinear algunas primeras respuestas tentativas o, al menos, llevarnos a abrir nuevas interrogantes que valdría la pena intentar esclarecer o al menos discutir activamente.

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Los colores neón de las obras de la selva y sus motivos místicos y oníricos, nos transportan a otra dimensión; una ajena y a la vez tan humana que podría parecernos a ratos incluso familiar. Estos son los colores del viaje de la Ayahuasca, del nexo entre lo humano y lo divino, que también son los colores de Perú y de nuestra Sudamérica toda, como lo son los grises de nuestras ciudades modernizadas, el marrón de las cerámicas incaicas o las múltiples tonalidades de los textiles quechua y aimara. Un mosaico de colores, formas y expresiones, de gestualidades, poéticas y materialidades que se plasman en OJO ANDINO Perú.

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b Ojo Andino Perù è la seconda tappa di un progetto iniziato nel 2013 insieme a Simoné Malacchini a seguito dell’incarico ricevuto da Luciano Benetton con il quale avevamo già collaborato alla prima collezione del suo principale progetto Imago Mundi: ci riferiamo a Ojo Latino (2008), una collezione che mise insieme il lavoro di 200 artisti di luoghi diversi dell’America Latina. Tuttavia in questo caso l’incarico era leggermente diverso: lo sguardo doveva essere focalizzato su ogni singolo Paese, iniziando con le collezioni del Cile e del Perù.


Così per battezzare questo nuovo incarico abbiamo pensato alla catena montuosa delle Ande, una sorta di spina dorsale che segna la nostra morfologia, separandoci e accomunandoci, e dalle cui cime si possono osservare le nostre terre, così diverse e, al contempo, così simili. Il panorama che da lì si offre allo sguardo appare simile a ciò che Imago Mundi propone nei confronti dell’arte attuale, vale a dire una vista ampia, panoramica e, talvolta, delimitata e accurata, sul particolare: si tratta della possibilità di osservare le nostre similitudini espressive, le nostre preoccupazioni comuni e, al contempo, di celebrare le nostre differenze e singolarità. Meravigliarci

e ispirarci coi nostri contrasti, emozionarci con le inaspettate convergenze. E in questo stesso esercizio porsi domande, azzardare risposte. Al tempo stesso risulta interessante pensare alle Ande come a una zona culturale nella quale vede la luce parte dell’identità della nostra regione. Come una cultura che appartiene ai popoli del cono sud dell’America Latina e allo stesso tempo appartiene solo a se stessa: si tratta di una cultura eterogenea, ricca di sincretismi e saggezza popolare. Lì gli accenti e le lingue sfumano e le differenze le segnano la natura o le stesse dinamiche sociali che si sono andate formando gradualmente e organicamente. Sugli altipiani delle Ande la vita del quechua o dell’aimara non è facile e tuttavia è un’esistenza generosa, segnata dal principio di reciprocità e dalla sintonia con ciò che ci circonda a cui contribuiamo attivamente mentre ci avvolge e ci trascende. Le collezioni OJO ANDINO si propongono di innalzare un’ode a questa generosità e ricchezza oltre a tessere un panorama frammentario e composito di quanto è insondabile e sfuggen-

Pur vivendo in Cile e avendo, pertanto, una conoscenza a partire da una prospettiva esterna del panorama artistico peruviano, al momento di accingerci a realizzare il progetto con Simoné, abbiamo scorto la possibilità di leggere la prolifica scena del Perù con uno spregiudicato distacco. Ma poi – quando si sono manifestate l’esperienza della sorpresa e la meraviglia che spingono a cercare e a completare una struttura più grande – è divenuta ineludibile la necessità di avvicinarsi sempre di più per sentire il pulsare autentico di ciascun luogo e, di conseguenza, l’inebriarsi delle immagini fino al punto che esse si rivelano per ciò che sono, colpendoci e coinvolgendoci pur rimanendo da questo lato della Cordigliera. Così, anche grazie all’impegno degli stessi artisti con i quali prendevamo contatto e andavamo stabilendo una comunicazione autentica, si aprivano nuove porte che lasciavano intravedere il corpo composto e articolato di un gruppo altamente professionale di artisti dediti alla loro attività e impegnati a fondo con il loro gesto, con la passione e la convinzione che oggi scarseggiano in altri settori. Dopo due anni di contatti, abbiamo riunito il lavoro di 140 artisti del territorio peruviano tra i quali pittori, scultori, video artisti, illustratori, artisti tessili, incisori, acquarellisti e ceramisti che con il loro lavoro hanno contribuito a questo collage di visioni, di spioncini attraverso i quali possiamo farci rapire dalla molteplicità di panorami e sensazioni che ci offrono. Un

solo sguardo e altri centoquaranta: una veduta aerea come quella del condor che sorvolando in alto cattura un’immagine generale di quanto si dispiega dinanzi ai suoi occhi, riconoscendo pure le parti che la compongono; e centoquaranta visioni particolari, concentrate in 10 x 12 cm che ci consentono di andare al di là o al di qua, nello spazio. Sono i punti di un tessuto che ci rivela ciò che non sappiamo leggere del tutto e nonostante ciò ci estasia con la sua trama. In alternanza, seguiamo il procedere di un filo e sprofondiamo nella prospettiva dell’insieme a partire da esso, per poi passare ad altri fili fino a percorrere il manto intero. Il formato delle opere è riportato sul libro in scala 1:1 in modo che il lettore possa fare un esperienza quanto più vicina possibile al lavoro di ciascun artista. Maneggevole e trasportabile, il piccolo formato ci ha consentito di proporre uno spazio virtuale che dava le medesime possibilità a tutti gli artisti che hanno deciso di partecipare alla collezione, sfidando tra l’altro la loro abituale produzione artistica. Si tratta del limite di uno spazio infinito destinato a viaggiare incontrando nuovi sguardi e di come, a partire da questa frazione, cerchiamo di conoscere (o intuire) un tutto smaterializzato. Il gesto calcolato dell’artista e il nostro sguardo attento al dettaglio, che come pennellate percorre e tasta ogni centimetro dell’opera, catalizzano la nostra esperienza sia dinanzi a ciascuna opera, sia al cospetto della collezione nel suo complesso. Uno sguardo che arriva ad abbracciare ogni porzione e i suoi attributi specifici così come un territorio esteso, sebbene pur sempre sfuggente e mutevole, trascende ogni parte che lo compone. Centro nevralgico dell’Impero Inca, sede del Vicereame più importante del Sud America durante l’epoca coloniale spagnola e da sempre luogo di coesistenza di diverse popolazioni

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te e che tuttavia si può comprendere solo attraverso l’intuizione e il singolo frammento; come un retrogusto che rimane nel palato o un aroma che ci suggerisce un’immagine piena di forme e colori. Così dare forma a un mosaico variopinto, inclusivo e rappresentativo dell’arte contemporanea peruviana, è stata per noi la grande sfida di OJO ANDINO Perú.


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indigene, in Perù si coltivano e raccolgono ancora oggi alcune delle tradizioni più significative del continente sudamericano e parte del nostro retaggio culturale. Cuzco e Lima, città di eterno splendore, ostentano importanti vestigia della nostra storia, della nostra cultura e, unitamente ad Arequipa e ad altre città, raccolgono questo patrimonio dando un forte impulso all’arte all’interno dell’Accademia. Siamo quindi al cospetto di un Paese molto centralizzato per quanto riguarda il mercato dell’arte e il circuito di gallerie, ma abbastanza decentrato ed eterogeneo per ciò che attiene alle proposte stilistiche e poetiche sviluppate dagli artisti che in tal modo danno vita a diversi poli produttivi. Questo capitale di sguardi e approcci distinti si riflette non solo nelle arti visive, ma anche nella musica, nella letteratura e nella cucina del Perù. È al contempo interessante osservare che molti artisti che partecipano a questa collezione svolgono il loro lavoro attorno alla città come soggetto/oggetto di studio e riflessione. Come ritorno alla terra ma in logica moderna, si tenta di decodificare la città, di decostruirla o di esaltarla; innalzare il nuovo o rivendicare l’antico. Sebbene questo atteggiamento sembrerebbe avere un rapporto con il recupero delle proprie radici, con la necessità di sviluppare un legame trascendentale con il luogo abitato, il tema della città come dimora del collettivo si pone ora come una problematica non solo locale, ma globale, estrapolabile ad altri contesti anche culturalmente lontani. Il problema del domicilio, della terra alla quale apparteniamo, dei luoghi che occupiamo riempiendoli con la nostra presenza e storia, che segniamo e ci segnano indelebilmente, è un tema centrale oggi nell’arte, dato che si tratta di un argomento molto significativo pure nel dibattito sociale e politico attuale.

Ciò non di meno, in Perú, sembrerebbe trattarsi di qualcosa che va oltre, di qualcosa che segna i suoi passi e traccia un proprio percorso nel corso della sua storia. La sensazione è che esiste qui una forte consapevolezza nei confronti della propria residenza, del nesso con la terra che occupiamo, oppure un riconoscimento di “ció che è dentro” in relazione a tutto il resto. Questa coscienza – che si avverte in molte delle opere riunite in questa collezione – non scende a patti anche a dispetto, o forse addirittura come risposta, della tanto sbandierata globalizzazione. È sempre nel solco di questa prospettiva, e alla ricerca di questo intimo vincolo con la terra delimitata da confini naturali o immaginari, che ci permettiamo ora di parlare di Perú come di un territorio definito e riconoscibile, e che abbiamo pensato alla Foresta Amazzonica come quel polmone che segna il nostro continente ed identità. Esso delimita, separa e avvicina condizionando in maniera significativa la nostra cultura e le dinamiche sociali in senso lato. Così abbiamo lavorato assieme al nostro caro amico Roberto Ascóniga, proprietario e gestore della Galleria Enlace Arte Contemporáneo di Lima, che si è addentrato in vece nostra nella foresta insieme ai suoi figli Aisha e Gabriel, facendo in modo di essere in loco i nostri occhi e piedi alla ricerca di alcuni dei numerosi artisti che lavorano all’interno dell’Amazzonia conservando una loro tradizione pittorica. Roberto e i suoi figli partono verso Pucallpa per iniziare il viaggio nella foresta di cui si parla in questo libro, che ci lascia l’opera di venti artisti inclusi in questa collezione, tra i quali molti discepoli della Scuola Usko-Ayar fondata dal grande maestro Pablo Amaringo, per noi un genio senza pari. I colori al neon delle opere della foresta e i suoi motivi mistici e onirici ci trasportano in un’altra dimensione; estranea ma al

Che questa collezione sia rappresentativa dell’arte del Perù; che sia una scelta prolifica quella di concepire l’arte attuale a partire da una prospettiva nazionale; che la Foresta Amazzonica, come anche la Cordigliera delle Ande, si considerino appartenenti per pezzi a un Paese o a un altro oppure una regione culturale a sé stante, sono argomenti importantissimi ai quali questa collezione potrebbe – oppure no – aiutarci a delineare alcune prime e provvisorie risposte o, quanto meno, a mettere sul tappeto nuovi interrogativi che varrebbe la pena chiarire o almeno discutere a fondo.

045 stefania malacchini b una gran trama, cento quaranta fili

contempo talmente umana che potrebbe persino evocare un senso di familiarità. Sono questi i colori del viaggio indotto dall’Ayahuasca (bevanda allucinogena), del nesso tra umano e divino, che sono anche i colori del Perù e del Sud America, come pure le tonalità di grigio delle nostre città modernizzate, il marrone delle ceramiche incaiche, oppure le tonalità multiple dei tessuti quechua o aimara. Un mosaico di colori, forme ed espressioni, di gestualità, di poetiche e di materialità che si plasmano in OJO ANDINO Perú.



Miguel Aguirre 1973. Lima, Peru Multidisciplinary artist

2014 | solo exhibition Blancas juegan y ganan, Galería Pilar Serra. Madrid, Spain. solo exhibition (Mal) archivo, II Bienal de Fotografía de Lima, Sala ICPNA Miraflores. Lima, Peru. solo exhibition Thirteen painters, Y Gallery, Solo Projects Focus Latinoamerica, ARCOmadrid. Madrid, Spain. bipersonal exhibition Horror vacui, con Sandra Gamarra, Galería Espacio Líquido. Gijón, Spain. 2013 | collection Alicia Aza, Fundación Lázaro Galdiano. Madrid, Spain. 2011 | exhibition The End of History… and the Return of History Painting. Domus Artium 2002 - DA2, Salamanca, Spain. Museum voor Moderne Kunst MMKA. Arnhem, The Netherlands.

I was interested in the concept, the experience and the observation of identity from different perspectives and approaches. To develop these ruminations, I use extremely diverse archives and media; they are heterogeneous and sometimes synthetic, such as family albums, tourist brochures, printed paper, the cinema of Hollywood and authors, essays on political economy, the graphics of the 1950s, Peruvian handicrafts, decorating magazines, pornographic magazines, popular culture, Western art in general and classical painting in particular. The work that I have developed over the past 20 years is characterized by the diversity of matter: painting, photography, collage, fabric, object art or installation.

Me he interesado en la noción, vivencia y observación de la identidad, desde distintas perspectivas y acercamientos. Para desarrollar estas elucubraciones, hago uso de archivos y medios tan extensos, heterogéneos y a menudo contrapuestos, como son el álbum familiar, el cliché turístico, la prensa impresa, el cine de Hollywood y de autor, ensayos de economía-política, la gráfica de los años ‘50, la artesanía peruana, los magazines de decoración, las revistas pornográficas, la cultura popular, el arte occidental en general y la pintura de historia en particular. La obra que he desarrollado en los últimos 20 años destaca por sus corporeidades diversas: pintura, fotografía, collage, tejido, objeto o instalación. Mi sono interessato alla nozione, l’esperienza e l’osservazione dell’identità a partire da prospettive e approcci diversi. Per sviluppare queste elucubrazioni faccio uso di archivi e media estremamente diversi, eterogenei e, a volte, antitetici, quali album di famiglia, opuscoli turistici, carta stampata, cinema di Hollywood e di autore, saggi di economia politica, grafica degli anni ’50, artigianato peruviano, riviste di decorazione, riviste pornografiche, cultura popolare, arte occidentale in generale e pittura classica in particolare. Il lavoro che ho sviluppato negli ultimi 20 anni si distingue per le diversità materiche: pittura, fotografia, collage, tessuto, arte oggettuale o installazione.


miguel aguirre

oil on canvas

circo: amado lider (from dd/mm serie)


María Inés Agurto Hormazábal 1984. Lima, Peru Sculptor

2015 | solo project Feria de Arte Independiente Apuff Lima, Puna Galería. Lima, Peru. group exhibition Lima Lands of Terror, 17 Frost, Street Brooklyn. NYC, USA. solo exhibition Desmonte, Centro Colich. Lima, Peru. 2014 | group exhibition Lima Lands of Terror, Kill your Idol. Miami, USA. group exhibition N01, Momento. Lima, Peru. bipersonal exhibition ABLI, Casona Roja. Lima, Peru. participation Semana de Arte Urbano Vol.1, Los Cargadores, Centro Cultural Juan Parra del Riego. Lima, Perú. solo project Feria de Arte Independiente Apuff Lima, Sede Barranco. Lima, Peru.

The most recent works by María Inés Agurto are installations that allude to the result of the disappearance and contemporary destruction of hundreds of pre-Columbian constructions and huacas (idols) located where the city of Lima is today. Following the discourse of previous projects such as La Siesta y Mi Perú, the processes of historical memory are reconstructed in the most recent period of violence in Peru. Thanks to this, the artist has placed the sculpture in relation to her body, but then she wanted to engage the audience and make it share a physical interaction with the work.

Los trabajos más recientes de María Inés Agurto son instalaciones que aluden al resultado de la desaparición y destrucción contemporánea de esas centenares de edificaciones prehispánicas y huacas que estuvieron ubicadas donde se extiende la ciudad de Lima hoy. Siguiendo la línea de proyectos previos como La Siesta y Mi Perú donde se rememoran procesos de memoria histórica sobre el más reciente periodo de violencia en el Perú. Previo a esto, trabajó la escultura relacionada a su propio cuerpo, sin embargo luego le interesó involucrar al público y hacerlos partícipe en cuanto a la interacción física con la obra. I lavori più recenti di María Inés Agurto sono installazioni che alludono al risultato della sparizione e distruzione contemporanea di centinaia di costruzioni precolombiane e huacas (idoli) ubicati dove si trova oggi la città di Lima. Proseguendo il discorso di precedenti progetti quali La Siesta y Mi Perú, si ricostruiscono i processi della memoria storica sul più recente periodo di violenza in Perú. Precedentemente, l’artista aveva lavorato la scultura vincolandola al suo proprio corpo, ma poi ha cercato di coinvolgere il pubblico per renderlo partecipe dell’interazione fisica con l’opera.


maría inn�s agurto

resin, canvas, “adobe” and photography huayco

Rhony Alhalel Lender 1959. Lima, Peru Painter

2014 | exhibition Emergencias y disoluciones, Convento de Santo Domingo. Cusco, Peru. 2013 | exhibition Emergencias, Galería Yvonne Sanguineti. Barranco, Lima, Peru. 2011 | exhibition Binomios, Galería Yvonne Sanguineti. Barranco, Lima, Peru. 2010 | exhibition The Double Flame, International Museum of Art and Science. Texas, USA. 2008 | exhibition La Llama Doble, Galería Yvonne Sanguineti, Barranco. Lima, Peru. 2006 | exhibition Germinal II: Semillas del firmamento, instalación, Galería Artco. Lima, Peru. 2004 | exhibition Germinal I : de agua, de luz y de tiempo, Galería Artco. San Isidro, Lima, Perú.

The house is a state of mind. A cockpit for the integration of memories, sensations, thoughts, ideals and dreams. In its capacity as a home it condenses feelings of belonging, security and meaning to our own fleeting condition of living beings. But from where the mental essence of living emerges? From living in ourselves? Reflecting in our image, the planet has become a faithful simulacrum of our inner space, or perhaps the lack of respect for One when faced with the Other. The house shakes on exploited ferrous ground, in which lies the dark interstitial ash that is prisoner of a difficult childbirth. It is up to us to dissect it, to scrutinize its viscera, give them light, heat and humidity. "Cosmic seed" is a painted offer that raises questions.

La casa es un estado del alma. Habitáculo para la integración de recuerdos, sensaciones, pensamientos, ideales y sueños. En su cualidad de hogar, condensa sentimientos de pertenencia, seguridad y significado propios de nuestra pasajera condición de ser. Pero ¿en qué ha derivado la esencia mental del habitar?, ¿en habitarnos? Mirándonos al ombligo, el planeta se ha convertido en un fiel simulacro de nuestro espacio interior, o quizás de la ausencia de Uno, en relación a un Otro. La casa tambalea sobre una tierra ferrosa, explotada, en cuyo interior yace cautiva la oscura ceniza intersticial de un difícil alumbramiento. Nos compete seccionarla, contemplar su entraña, darle luz, calor y humedad. “Cosmic seed” es una ofrenda pintada que echa preguntas. La casa è uno stato dell’anima. Abitacolo per l’integrazione dei ricordi, delle sensazioni, dei pensieri, degli ideali e dei sogni. Nella sua qualità di abitazione, condensa sentimenti di appartenenza, sicurezza e significato propri della nostra passeggera condizione di esseri viventi. Ma da cosa scaturisce l’essenza mentale dell’abitare? Dall’abitare in noi stessi? Specchiandoci nella nostra immagine, il pianeta si è trasformato in un fedele simulacro del nostro spazio interiore o forse dell’assenza di Uno rispetto all’Altro. La casa traballa su un terreno ferroso, sfruttato, al cui interno giace prigioniera l’oscura cenere interstiziale di un difficile parto. Tocca a noi sezionarla, scrutare le sue viscere, darle luce, calore e umidità. “Cosmic seed” è un’offerta dipinta che solleva interrogativi.



rhony alhalel

mixed media on tempered paper in canvas

semilla del firmamento/cosmic seed


rhony alhalel

mixed media on tempered paper in canvas

semilla del firmamento/cosmic seed

Humberto Aquino 1947. Lima, Peru Painter

2014 | collection Smurfit Carton y Papel de Venezuela, Museo de Maracay. Aragua, Venezuela. exhibition Mundo Imaginado, Galería de Arte Instituto Peruano - Británico. Lima, Peru. 2013 | exhibition Diverse Visions of Reality, Diego Salazar Art Gallery. Long Island City, New York, USA. 2012 | exhibition El paisaje en el Arte, Galería de Arte Instituto Peruano Británico. Lima, Peru. 2008 | exhibition New Acquisitions, Forum Gallery. New York, USA. 2005 | exhibition New Acquisitions, Irish Museum of Modern Art. Dublin, Ireland. 2003 | group exhibition La Generación del 68: entre la agonía y la fiesta de la modernidad, Galería German Krueger Espantoso. Lima, Peru.

TELL ME HOW YOU PAINT AND I’LL TELL YOU WHAT YOU PAINT We are all part and parcel of Human Nature and, as such, we praise the wonderful, the fantastic, the beautiful and, above all, the harmonious: that intrinsic order and deep sense of structure and balance that is elementary in authentic works of ART and, therefore, extremely valuable for us humans, superior beings among living things. I can claim to be a tonal painter; in my work the tone imposes itself upon the arbitrary or varied color; the intention is to obtain a continuous effect for which its presence on the pictorial surface determines the unity and harmony that are essentials in any work of art.

DIME CÓMO PINTAS Y TE DIRÉ LO QUE PINTAS Todos somos parte y parcela de la Naturaleza Humana y, como tales, elogiamos lo maravilloso, lo fantástico, lo bello y sobre todo lo armónico: ese orden intrínseco y profundo sentido de estructura y balance que es elemental en las autenticas obras de ARTE y consecuentemente muy valorables para nosotros los humanos, entes superiores entre los seres vivos. Puedo decir que soy un pintor tonal; en mi trabajo el tono se impone sobre el color arbitrario o abigarrado; la intención es lograr un efecto continuo donde su presencia, en la superficie pictórica, establece la unidad y armonía que son imprescindibles en toda obra de arte. DIMMI COME DIPINGI E TI DIRÒ COSA DIPINGI Siamo tutti parte e particella della Natura Umana e, in quanto tali, elogiamo il meraviglioso, il fantastico, il bello e, soprattutto, l’armonioso: quell’ordine intrinseco e quel profondo sentimento della struttura e dell’equilibrio che sono elementi fondamentali delle autentiche opere d’ARTE e, di conseguenza, estremamente preziosi per noi umani, creature superiori tra gli esseri viventi. Posso affermare di essere un pittore tonale; nel mio lavoro il tono si impone al colore abritrario o variegato; l’intenzione è quella di ottenere un effetto continuo per cui la sua presenza sulla superficie pittorica determina l’unità e l’armonia che sono imprescindibili in ogni opera d’arte.


humberto aquino

mixed media

retrato de luciano benetton


Luis Arias Vera San Pedro de Lloc, Peru Painter

2014 | solo exhibition Galería EspacioBOP. Madrid, Spain. 2013 | solo exhibition Galería EspacioBOP. Madrid, Spain. 2012 | solo exhibition Sala Vinatea Reynoso. Museo de Arte de San Marcos. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Museo Raimondi. San Pedro de Lloc, Peru. 2010 | solo exhibition Galería Skimoart. Madrid, Spain. 2009 | solo exhibition Galería Alianza Hispánica. Madrid, Spain. solo exhibition Galería del Mission Cultural Center. San Francisco, California, USA. 2008 | solo exhibition Galería de Artes Visuales del Centro Cultural Ccori Wasi. Lima, Peru.

The indigenous people are transformed, recreated by dipping the brush in the acrylic paint of Inca mythology and ritual, and they build a haunting fresco. There are people who paint, draw, testify, transform reality or dream to the best of their ability. In this way they realize and enrich themselves. And there are others who, besides doing all this, are artists. Arias Vera is a master of the art, a landmark of contemporary Peruvian and South American painting… [Tomás Paredes]

Los personajes indígenas transformados, recreados mojando el pincel en el acrílico de la mitología incaica y el rito, construyen un fresco subyugante. Hay personas que pintan, dibujan, testimonian, transforman la realidad o el sueño desde su nivel de presencia. Se realizan y enriquecen con ello. Y hay otras que, además de hacer todo eso, son artistas. Arias Vera es un maestro del arte, una referencia en la pintura coetánea peruana y sudamericana… [Tomás Paredes] I personaggi indigeni trasformati, ricreati intingendo il pennello nell’acrilico della mitologia Inca e nel rito, costruiscono un affresco ammaliante. Ci sono persone che dipingono, disegnano, testimoniano, trasformano la realtà o il sogno dal livello di presenza. In tal modo si realizzano e arricchiscono. E ce ne sono altre che, oltre a fare tutto questo, sono artisti. Arias Vera è un maestro dell’arte, un punto di riferimento della pittura contemporanea peruviana e sudamericana… [Tomás Paredes]



luis arias vera

mixed media

visiones y se�ales andinas


luis arias vera

mixed media

visiones y se�ales andinas


Aisha Ascóniga 1989. Lima, Peru Mutidisciplinary Artist

2015 | group exhibition La Encomienda, Galería Museo memorial de América Latina. São Paulo, Brasil. 2014 | group exhibition La Encomienda, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile. group exhibition en el espacio Momento. Peru. group exhibition Sublimaciones, Panal 361. Buenos Aires, Argentina. 2013 | group exhibition Corriente Alterna. Lima, Peru. 2010 | collaboration with Pablo Siquier, mural, Museo Pedro de Osma. Lima, Peru. group exhibition Casona. Peru.

My work deals from a critical perspective with the parameters of beauty prevalent in Western societies in a problematic way and, therefore, I am interested in dealing with it from a female perspective on how these parameters affect us socially and psychologically. I try to highlight the roles that are inculcated from childhood through games, criteria, tastes and other distinctive culturally constructed signs that tend to position us socially and greatly condition our identity as our biological characteristics. Among the main objectives of my projects is the desire to keep a critical eye on the consumer society that determines situations such as personal dissatisfaction and a superficial relationship with even ourselves.

Mi trabajo problematiza los parámetros de belleza mayoritarios en las sociedades occidentales pues me interesa tratar, desde una mirada femenina, la manera en que estos afectan social y psicológicamente. Trato de evidenciar los roles inculcados desde temprana edad a través de juegos, criterios, gustos y otros marcos culturalmente construidos, ya que tienden a ubicarnos socialmente y a condicionar tanto nuestra identidad como nuestras características biológicas. Otro de los ejes principales de mis proyectos pasa por ejercer una mirada crítica sobre la sociedad de consumo, ya que propicia situaciones de insatisfacción personal y una mirada superficial para con nosotros mismos. Il mio lavoro problematizza parametri di bellezza prevalenti nelle società occidentali e, di conseguenza, mi interessa trattare da una prospettiva femminile in che modo questi parametri ci influenzano socialmente e psicologicamente. Mi propongo di evidenziare i ruoli inculcati fin dall’infanzia tramite giochi, criteri, gusti e altri segni distintivi culturalmente costruiti che tendono a collocarci socialmente e a condizionare tanto la nostra identità quanto le nostre caratteristiche biologiche. Tra i principali obiettivi dei miei progetti c’è il desiderio di osservare con occhio critico la società dei consumi che determina situazioni di insoddisfazione personale e un rapporto superficiale persino con noi stessi.


aisha asc�niga

mixed media

47 hombres y 1 mujer

Cristhian José Ávila Cipriani 1982. Lima, Peru Engraver

2009 | group exhibition Poster, revirtiendo el Icono, Galería Alianza Francesa de la Molina. Lima, Peru. 2008 | group exhibition La papa, símbolo sagrado o profano. Museo de la Nación. Lima, Peru. 2006 | group exhibition Shopping, apropiación, fascinación y odio, Galería de la casona de San Marcos. Lima, Peru. group exhibition Acercamientos al dibujo, Galería de la facultad de letras. UNIFE. Lima, Peru. group exhibition El Caliu, Nuevas propuestas 30 días Grabado. Olot, Spain.

The way in which I work is strongly linked to everyday life as an element of transformation. The projects and processes that I develop show the ephemeral existence of acts directly related to individual needs such as, for example, the need to transcend our annihilation leaving traces or vestiges of our existence and going beyond the memory of a mere act in particular or the oblivion of everything that does not come to be important.

Mi método de trabajo está fuertemente ligado a la cotidianidad como elemento transformador. Los proyectos y procesos que desarrollo muestran la efímera existencia de actos que se vinculan directamente a las necesidades individuales, como es, por ejemplo, la necesidad de trascender a nuestra propia aniquilación: esa necesidad de dejar huellas o vestigios de haber existido; algo que vaya más allá del recuerdo, de un simple acto en particular, o del olvido de todo aquello que no llega a ser importante. Il mio metodo di lavoro è fortemente lagato alla quotidianità come elemento di trasformazione. I progetti e i processi che sviluppo mostrano l’esistenza effimera di atti collegati direttamente alle necessità individuali come, ad esempio, la necessità di trascendere il nostro annientamento: la necessità di abbandonare tracce o vestigia della nostra esistenza; qualcosa che è al di là del ricordo, di un semplice atto particolare, o dell’oblio di tutto ciò che non è mai stato così importante.


cristhian �vila

acrylic i Ă? tercer mundo


Guillermo Ayala Jacobs 1979. Lima, Peru Visual Artist

2015 | group exhibition Art Project, Centro Cultural Rímac Seguros de Asia. Lima, Peru. 2014 | group exhibition Arte, diseño y glamour, Centro Cultural Rímac Seguros de Asia. Lima, Peru. 2014, 2012, 2010, 2009, 2008 | group exhibition Noche de Arte, United States Embassy Association (USEA). Lima, Peru. 2012 | group exhibition Orgullosamente Peruano, Centro Cultural Peruano Británico (Los Jardines). Lima, Peru. 2011 | international project DIN A4 Lima, Centro Cultural E.N.S.A.B.A.P. Lima, Peru. 2010 | group exhibition Consecuencias Lineales, Galería Anamá. Lima, Peru.

My works are a kind of essay on being and the need that takes refuge within it to know who it is. The movement, the transient and the ethereal are expressions of my constant search turned towards building a personal aesthetic; and when I experiment with the line, with a succession of lines, with visual phenomena that are generated and the forms that manifest, I perceive that all this happens due to my desire to express my essence. Multiple manifestations that flow out, show, in some cases, a contemplative state and, in others, a kind of complex transformation thanks to the lines, to their state of vibration, and the interaction between them.

Mis obras son una suerte de ensayo acerca del ser y de la necesidad que en su interior cobija acerca de saber quién es. El movimiento, lo perecedero, y lo etéreo son planteamientos de mi búsqueda constante por construir una estética personal; y cuando experimento con la línea, con la sucesión de éstas, de los fenómenos visuales que se generan y las formas que se manifiestan, percibo que es por el deseo de expresar mi esencia. Múltiples manifestaciones que surgen, demuestran, en algunos casos, un estado contemplativo y, en otros, una especie de compleja trasformación gracias a las líneas, su estado de vibración y a la interacción entre ellas. Le mie opere sono una sorta di saggio sull’essere e sulla necessità che si rifugi al suo interno per sapere chi è. Il movimento, il transitorio e l’etereo sono espressioni della mia ricerca costante volta a costruire un’estetica personale; e quando sperimento con la linea, con il susseguirsi di linee, con i fenomeni visivi che si generano e le forme che si manifestano, percepisco che tutto questo avviene per il mio desiderio di esprimere la mia essenza. Molteplici manifestazioni che sgorgano, mostrano, in alcuni casi, uno stato contemplativo e, in altri, una specie di complessa trasformazione grazie alle linee, al loro stato di vibrazione e all’interazione tra loro.


guillermo ayala jacobs

graffito on canvas

encierro 2

Marcial Ayala Dueñas 1983. Cusco, Peru Drawer & Painter

2015 | group exhibition Uku Pacha, Centro Cultural Bellas Artes. Lima, Peru. 2014 | group exhibition Savias: Árboles Genealógicos, Galería Marta Traba. São Paulo, Brasil. group exhibition Transcripciones, ICPNA. Cusco, Peru. 2013 | group exhibition El Carnaval y el Carnavalesco, Galería Tarsila de Amaral. Centro Cultural Brasil-Peru. Lima, Peru. group exhibition Flaneurs de toutes les villes. Ateliers d'Artistes de Belleville. Paris, France. 2012 | solo exhibition Candelaria: Danza, color y sensualidad del altiplano. Centro Cultural de España. Lima, Peru. solo exhibition | Apres le Carnaval. El INTI-Boutique Peruvienne. Paris, France. 2009 | solo exhibition Esperanza: Pinturas, trago, chicas, moda y arte. Complejo Cultural Chávez de la Rosa. Arequipa, Peru.

My painting is simply a mirror of my middle class generation which has to live in the southern region of the Peruvian Andes and is still looking for a place among tradition, history, religion, politics, corruption, racism, nationalism, drugs and pornography. All of this is quite blended, thanks to the communications technology, in an area like ours (the Andes) and it has produced a peculiar interpretation of reality that is then inspiration and the cause of my artistic expression that transforms itself into harmony with the way in which I play my very chaotic "extremely Peruvian reality".

Mi pintura es simplemente un espejo de la conciencia de mi generación clase mediera, la cual le tocó crecer dentro del espacio sur andino peruano y que aún hoy en día trata de acomodarse entre la tradición, historia, religión, política, corrupción, racismo, nacionalismo, drogas y pornografía. Todo esto, muy entremezclado gracias a la tecnología de las comunicaciones y que en espacios como el nuestro (los Andes), ha producido una peculiar interpretación de la realidad siendo esta inspiración y causa de mi expresión artística, la cual se va transformando de acuerdo a cómo voy interpretando mi muy caótica “peruanísima realidad”. La mia pittura è semplicemente uno specchio della classe media della mia generazione alla quale è toccato vivere nella regione meridionale delle Ande peruviane e che ancora oggi cerca uno spazio tra tradizione, storia, religione, politica, corruzione, razzismo, nazionalismo, droga e pornografia. Tutto questo, molto mescolato grazie alla tecnologia delle comunicazioni, ha prodotto in uno spazio come il nostro (le Ande) una peculiare interpretazione della realtà, che è poi l’ispirazione e la causa della mia espressione artistica che si trasforma in armonia con il modo in cui interpreto la mia molto caotica “realtà peruvianissima”.


marcial ayala

oil, cloth and fantasy sequins

gringa traga leche


Paola Baertl Aramburu 1975. Lima, Peru Painter & Ceramist

2014 | exhibition Art Collect Irán. Teherán, Irán. exhibition Obra Gráfica, Galería Cecilia Gonzales & Denise Dourojeanni. Lima, Peru. exhibition MIA Art Fair. Galería Lz Fine Art. Miami, USA. 2013 | solo exhibition Infinita Trama, Galería Forum. Lima, Peru. 2012 | exhibition Domesticities, Galería Allegro. Panama. 2011 | group exhibition art +de/ Signs, Galería Vértice. Lima, Peru. exhibition Visitando Talleres, Galería Forum. Lima, Peru. 2010 | exhibition Art Panama, Museo de Arte Contemporáneo. Panama. exhibition Sueños Lúcidos, Galería Allegro. Panama.

My work involves a long creative process with the use of many layers of color that form a skin where memory leaves its mark since it is the process of creating that fascinates me. I am interested in feeling through color and sensations, creating an atmosphere that makes people feel involved. Remembrance, nostalgia and repetition are recurrent themes that have gone forward, evolving and transforming into different expressive manifestations. These compositions of lines by way of a woven cloth, work as part of our travel, the stories we create. I also work with ceramics, a material that allows me to explore the three-dimensional.

Mi trabajo supone un largo proceso creativo, intervienen muchas capas de pintura que van conformando una piel donde la memoria va dejando su huella, siendo siempre el proceso mismo de crear el que me cautiva. Me interesa conmover a través del color y las sensaciones, crear una atmósfera en la que las personas se vean envueltas. El recuerdo, la nostalgia y la repetición, son temas recurrentes que han ido evolucionando y transformándose en distintas maneras de expresión. Estas composiciones, de líneas a manera de tejido, funcionan como parte de nuestros recorridos, de las historias que generamos. En paralelo, trabajo en cerámica, material que me permite explorar la tridimensionalidad. Il mio lavoro comporta un lungo processo creativo con l’impiego di molti strati di colore che formano una pelle dove la memoria lascia la sua impronta, in quanto ad affascinarmi è il processo stesso della creazione. Mi interessa commuovere attraverso il colore e le sensazioni, creare un’atmosfera che faccia sentire le persone coinvolte. Il ricordo, la nostalgia e la ripetizione sono temi ricorrenti che si sono evoluti e trasformati in diverse manifestazioni espressive. Queste composizioni di linee a mo’ di tessuto funzionano come parte dei nostri viaggi, delle storie che creiamo. Lavoro anche con la ceramica, materiale che mi consente di esplorare la tridimensionalità.


paola baertl

oil on linen tissues


José Antonio Bao Alonso 1981. Lima, Peru Multidisciplinary Artist

2014 | group exhibition Superficie y límites del paisaje, Galería Indigo. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Leyendas, Vértice Galería de Arte. Lima, Peru. group exhibition Zona Franca, Galería Indigo. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Noche en blanco, Miraflores. Lima, Peru. 2009 | group exhibition Artfest, Galería Espacio Exhibe. Lima, Peru. group exhibition Arte Joven Sala Cero, Galería Animal. Santiago, Chile.

My work starts from the image criticism and underlying discourse of visual exposure of the message/content of a specific reality. The image, as a medium, doesn't have the ability to transmit information because of the incompatibility with the dimensional context to which it refers and that it claims to meet. Any image is nothing but the sum of the pieces of information relating to a given context and which build a wrong idea of the same object in the imaginary, replacing the experience of space (reality).

Mi trabajo parte del cuestionamiento de la imagen de representación y el discurso que alberga al exponer visualmente el mensaje/contenido de una realidad específica. La imagen, como medio, carece de propiedades de traslado de información por la incompatibilidad dimensional con el contexto al cual se enfrenta y al cual pretende dar a conocer. Toda imagen de representación no es más que una suma de fragmentos de información, relacionadas a un contexto dado, y que construyen un concepto errado del mismo en el imaginario, reemplazando la experiencia del espacio (realidad). Il mio lavoro parte dalla critica dell’immagine e del discorso sotteso all’esposizione visiva del messaggio/contenuto di una specifica realtà. L’immagine, come mezzo, non ha la capacità di trasmettere informazioni a causa dell’incompatibilità dimensionale con il contesto al quale si riferisce e che pretende di far conoscere. Qualunque immagine altro non è che la somma dei frammenti di informazione relativi a un dato contesto e che costruiscono un’idea sbagliata dell’oggetto stesso nell’immaginario, sostituendo l’esperienza dello spazio (realtà).


josďż˝ antonio bao

mixed media untitled


Carolina Bazo Zavala 1968. Lima, Peru Visual Artist

2014 | solo exhibition Lavandediario, Galería Cecilia González. Lima, Peru. participation Feria de Arte Contemporáneo Odeón, Galería Cecilia González. Bogotá, Colombia. 2013 | participation PArC Perú Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo, Galería Cecilia González. Lima, Peru. 2012 | participation Bienal Latinoamericana del Bronx. Gordon Park Gallery. New York, USA. 2011 | solo exhibition Rutilante, Galería Forum. Lima, Peru. 2009, 2010 | solo exhibition Esencia doméstica, Galería 80m2. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition Fósiles actuales, Galería Sara León. Las Palmas de Gran Canaria.

The solidified transparency of the resin fragments of Carolina Bazo brings out the operation of classification in the context and the way in which she establishes visual hierarchies separating an element. But any hierarchy is countered by repetition. Here the necklace is a symbol of repetition (one pearl after another) whose echo resounds in the female figures who use them and whose skin color variations underline the serial nature of their iconic features. No doubt the strong contrast between the different elements involved (abstract forms, feminine silhouettes, facial features, necklaces) create a "fight" for the preminent role that apparently every item claims.

La transparencia solidificada de las piezas de resina de Carolina Bazo resalta la operación de enmarcado y el modo en que establece jerarquías visuales destacando un elemento. Pero tal jerarquía es contrarrestada por la repetición. Aquí, el collar es un símbolo de repetición (una cuenta después de otra), cuyo eco resuena en las figuras femeninas que los usan, y cuyas variaciones de color de piel sólo insisten en la naturaleza seriada de su carácter icónico. Sin embargo, el dramático contraste entre los diversos patrones en juego (formas abstractas, siluetas femeninas, rasgos faciales, collares) crea una “lucha” por el primer plano que cada elemento parece reclamar como propio. La trasparenza solidificata dei frammenti di resina di Carolina Bazo fa risaltare l’operazione di inquadramento nel contesto e il modo in cui stabilisce gerarchie visive separando un elemento. Ma qualunque gerarchia è contrastata dalla ripetizione. Qui la collana è un simbolo della ripetizione (una perla dopo l’altra) la cui eco risuona nelle figure femminili che le usano e le cui variazioni di colore della pelle sottolineano la natura seriale della loro caratteristica iconica. Senza dubbio il forte contrasto tra i diversi elementi in gioco (forme astratte, silhouette femminili, caratteristiche dei volti, collane) crea una “lotta” per il primo piano che apparentemente ciascun elemento rivendica.


carolina bazo

resin with printing

collar global


Juan Carlos Belón Lemoine 1949. Santiago, Chile Photographer

2015 | exhibition La non-maison, «Une journée avec...» Henry Miller, Anaïs Nin, Gonzalo More, avec Bernard Plossu. Aix-en-Provence, France. 2014 | exhibition «Trop plein», Un lieu Une œuvre. Ménerbes, France. group exhibition LimaPhoto, Centro de la imagen. Lima, Peru. exhibition ScanTarragona. Tarragona y Barcelona, Spain. 2007 | exhibition Atelier de l'imagem. Rio de Janeiro, Brasil. 2006 | exhibition OÙ-lieu d'exposition pour l'art actuel. Marseille, France. 2001 | exhibition Centro de la fotografía. Lima, Peru.

I use different techniques to express my ideas, emotions, thoughts, interests and experiences: photography is one of those techniques. In recent years I have made a critical analysis of my archives with the intention of recycling images and establishing new connections that take into account the different moments of my work and, at the same time, they confer new content. The image is polysemic. I consider the photographic series or sets an appropriate means to express and give account of my experiences as they lead to a more detailed work of the creative process, exploring and passing through multiple variations and attempts, constantly challenging the limits of what is a work and ensuring its development.

Utilizo diversos medios para expresar mis ideas, emociones, pensamientos, intereses y experiencias; el dispositivo fotográfico es uno de ellos. En los últimos años, he realizado una relectura crítica de mis archivos con la intención de reciclar imágenes y encontrar nuevas conexiones que den cuenta de las diferentes temporalidades presentes en mi trabajo y, al mismo tiempo, atribuirles nuevos contenidos. La imagen es polisémica. Considero las series o conjuntos fotográficos, un vehículo apropiado para expresar y dar cuenta de mis experiencias, ya que ello supone profundizar el proceso creativo, explorando y pasando por múltiples variaciones y tentativas; interrogando constantemente los límites de lo que es una obra y asegurando su progresión. Utilizzo diverse tecniche per esprimere le mie idee, emozioni, pensieri, interessi ed esperienze; tra queste tecniche, la fotografia. Negli ultimi anni ho realizzato una rilettura critica dei miei archivi con l’intenzione di riciclare immagini e stabilire nuove connessioni che diano conto dei diversi momenti del mio lavoro e, al tempo stesso, gli conferiscano nuovi contenuti. L’immagine è polisemica. Considero le serie o i set fotografici un mezzo adeguato per esprimere e dare conto delle mie esperienze, in quanto inducono a un lavoro di approfondimento del processo creativo esplorando e passando per molteplici variazioni e tentativi, mettendo continuamente in discussione i limiti di ciò che è un’opera garantendone lo sviluppo.



juan carlos bel�n


de la serie “alegor�as”, 1994


juan carlos bel�n


de la serie “alegor�as”, 1994


Teresa Bracamonte Novella 1989. Lima, Peru Painter & Photographer

2014 | group exhibition Oktubre, Galería Ricardo Palma. Lima, Peru. group exhibition Puntos de Fuga, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. group exhibition Lima Photo by Canon, Galería El Ojo Ajeno. Lima, Peru. group exhibition Lima Intrarrosa, Galería Centro Cultural España, II Bienal de fotografía de Lima. Lima, Peru.

When something arouses my curiosity I end up slipping around randomly like a toboggan. Like an investigator who breaks into unfamiliar terrain, I look, feel and I capture every element. By pure intuition I know exactly which universe will be the one that I decide to invade; I am certain that that person, place, object or circumstance is part of me. I find myself in every work and I catch the conscience of myself. In the final part of the process, that consists in ordering and adapting to anything as if it were a puzzle, I manage to surprise myself. My work is the compilation of the footprints that my unconscious leaves; I only follow the track, in secret.

Cuando algo me despierta curiosidad me provoca deslizarme, por un tobogán, al azar. Como detective que irrumpe en un terreno desconocido, observo, siento y capturo cada elemento. Es algo intuitivo, nunca sé, dentro de aquel universo que he optado por invadir, qué encontraré exactamente; solo tengo la certeza que aquella persona, lugar, objeto o circunstancia, forma parte de mí. Me descubro en cada trabajo y tomo conciencia de mí misma. Es en la parte final de mi proceso, que consiste en ordenar y encajar todo como en un rompecabezas, cuando me sorprendo a mí misma. Mi obra es la recopilación de las huellas que va dejando mi inconsciente; yo solo sigo el rastro, en secreto. Quando qualcosa suscita la mia curiosità finisco per scivolare a caso come un toboga. Come un investigatore che irrompe in un terreno sconosciuto, osservo, sento e catturo ogni elemento. Per pura intuizione so esattamente quale sarà l’universo che deciderò di invadere; ho la certezza che quella persona, luogo, oggetto o circostanza fanno parte di me. Mi scopro in ogni opera e catturo la coscienza di me stessa. Nella parte finale del processo, che consiste nell’ordinare e adattarsi a qualunque cosa come fosse un rompicapo, arrivo a sorprendere me stessa. La mia opera è la compilazione delle impronte che abbandonano il mio inconscio; io sola seguo la pista, in segreto.


teresa bracamonte

digital photography

mi amor (from “santa elisa� serie)


Sergio Bretel Morales 1977. Lima, Peru (lives and works in Bolivia) sergiobretel Photographer

2014 | group exhibition Buenos Aires Photo 2014, Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires, Argentina. group exhibition 15 Fotógrafos + Archivo Cordero, CAF Banco de Desarrollo de América Latina. La Paz, Bolivia. 2012, 2013 | group exhibition Exposición de Fotografía Contemporánea en Blanco y Negro, Centro Cultural Santa Cruz. Santa Cruz, Bolivia. 2012 | group exhibition Fotografía Boliviana, Centro Cultural de España. La Paz, Bolivia. solo exhibition La Fotografía como Arte, Universidad Franz Tamayo UNIFRANZ. La Paz, Bolivia. 2009, 2010 | exhibition Fotografia piú significativa dell'opera d'arte moderna. Venice Biennale. Venice, Italy.

The photography of Sergio Bretel emphasizes the perspective, the detail and the space, a product of a study where image and abstraction go together. His work focuses on the mutability of things: photographs of common and everyday materials from different angles, focusing on specific details in search of new forms. His photographs are intended to demonstrate the extraordinary within the everyday, operating on the border of the representativeness of what exists or an object looking for abstraction from reality. The photographs reveal details and imperceptible forms at first sight.

La fotografía de Sergio Bretel se refiere a la perspectiva, al detalle y al espacio, producto de una investigación donde la imagen y la abstracción corren juntos. Su trabajo se centra en la mutabilidad de las cosas: fotografía materiales comunes y cotidianos desde diferentes ángulos, enfocando detalles específicos, en una búsqueda de nuevas formas. Sus fotografías buscan mostrar, dentro de lo cotidiano, lo extraordinario, trabajando sobre el borde de la representatividad de lo existente o del objeto, en una búsqueda de la abstracción de la realidad. Las fotografías revelan detalles y formas imperceptibles a simple vista. La fotografia di Sergio Bretel sottolinea la prospettiva, il dettaglio e lo spazio, prodotto di una ricerca dove immagine e astrazione procedono insieme. Il suo lavoro è incentrato sulla mutabilità delle cose: fotografie di materiali comuni e di uso quotidiano da differenti angolazioni, mettendo a fuoco dettagli specifici alla ricerca di nuove forme. Le sue fotografie intendono mostrare lo straordinario all’interno del quotidiano, operando al confine della rappresentatività dell’esistente o dell’oggetto, alla ricerca dell’astrazione dalla realtà. Le fotografie rivelano particolari e forme impercettibili a prima vista.


sergio bretel

digital photography

ave ondulada / f�nix

Patricia E. Camet 1963. New York, USA (lives in Peru) Sculptor & Ceramist

2015 | group exhibition Repeat After Me. LambArts Gallery. London, UK. group exhibition Historias de la Maternidad,CC Municipalidad de Miraflores. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition Art Lima Contemporary Art Fair, LambArts Gallery, UK. Lima, Peru. group exhibition SP Arte, Galeria Paralelo. São Paulo, Brasil. group exhibition Tout Feu Tout Flamme. Galerie Lefebvre & Fils. Paris, France. group exhibition No View, WU Galería. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Docks Art Fair,12éme Biennale de Lyon. Gallerie Verney-Carron. Lyon, France. group exhibition In Medias Res, Gallerie Verney-Carron. Lyon, France.

Camet is working on a ceramic project called EMOTICONS / NUEVA ARQUEOLOGÍA, using disposable industrial packaging, made of cheap and brittle plastic that is used for the transport and protection of consumer products. This "plastic waste" is transformed into ceramic articles that no longer reveal what they once contained and protected. Giving them facial expressions, personifying products that did not previously have this aim, giving them an emotional character in the manner of emoticons. The work portrays "portraits of a technological world" with irony in order to criticize the industrial world, its excessive waste and the concern for the environment.

Camet trabaja en un proyecto de cerámica llamado EMOTICONS / NUEVA ARQUEOLOGIA, utilizando empaques industriales descartables, de plástico barato y frágil, que se usan para el transporte y protección de los productos de consumo. Esta “basura plástica” es convertida en objetos de cerámica que no revelan más lo que alguna vez contuvieron y protegieron. Asignándoles expresiones faciales, personificando productos que antes no tenían este propósito, dándoles un carácter emocional a manera de emoticons. La obra humoriza con ironía “retratos de un mundo tecnológico” para criticar el mundo industrial y su desperdicio excesivo y la preocupación por el medio ambiente. Camet lavora a un progetto di ceramica chiamato EMOTICONS / NUEVA ARQUEOLOGIA, utilizzando imballaggi industriali usa e getta, di plastica a buon mercato e fragili che si utilizzano per il trasporto e la protezione di prodotti di consumo. Questi “rifiuti di plastica” vengono trasformati in oggetti di ceramica che non rivelano più ciò che un tempo contenevano e proteggevano. Conferendogli espressioni facciali, personificando prodotti che prima non avevano questo scopo, dandogli un carattere emotivo alla maniera delle emoticon. L’opera tratteggia con ironia “ritratti di un mondo tecnologico” per criticare il mondo industriale, il suo spreco eccessivo e la preoccupazione per l’ambiente.


patricia camet

oil, acrylic and carvings emoticons


Andrea Canepa 1980. Lima, Peru Visual Artist

2015 | solo exhibition Todas las calles del año, Museo de Teruel. Teruel, Spain. solo exhibition Exhibition Arquitecturas del Futuro Pasado, Sant Andreu Contemporani. Barcelona, Spain. group exhibition 5 Proyectos, Centro cultural PUCP. Lima, Peru. group exhibition Del rombo al hexágono hay dos líneas, Rosa Santos Gallery. Valencia, Spain. group exhibition Do you have barbaric taste?, Popposition Art Fair. Brussels, Belgium. group exhibition Otro Orden II: Objetos sobre una mesa, Espacio La Polaca. Lima, Peru. group exhibition C.I.T.I. Centro de Investigación Técnicamente Imprevisible, Centro de Arte Joven de Madrid. Madrid, Spain.

The impulse to simplify the complexity of the world, has always interested me. We tend to pigeonhole, to organize and manage reality as if it were a set of independent and isolated phenomena by creating a system that we consider natural. My work comes from an attempt to alter these systems by applying criteria of distinct organization to the originals. In some cases, this change clears certain meanings that remain concealed in the presence of the imposition of a logic which is considered "correct". In other cases, schematizing the information already summarized above, both synthesis systems cancel each other out simply giving us shapes and colors devoid of any functional sense.

Siempre me ha interesado nuestro apremio por simplificar la complejidad del mundo. Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural. Mi trabajo parte de la acción de alterar dichos sistemas, aplicando criterios de organización distintos a los originales. En algunos casos, esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica asumida como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional. Mi ha sempre interessato l’impulso a semplificare la complessità del mondo. Abbiamo la tendenza a incasellare, organizzare e gestire la realtà come se si trattasse di un insieme di fenomeni isolati e indipendenti creando un sistema che consideriamo naturale. Il mio lavoro parte dal tentativo di alterare questi sistemi, applicando agli originali, criteri di organizzazione distinti. In alcuni casi questo cambiamento libera determinati significati che restano occulti in presenza dell’imposizione di una logica considerata come quella “corretta”. In altri casi, schematizzando le informazioni già schematizzate in precedenza, entrambi i sistemi di sintesi si annullano a vicenda consegnandoci semplicemente forme e colori sprovvisti di qualsivoglia senso funzionale.

087 andrea canepa acrylic on canvas

la figura resultante al partir el formato asignado con una diagonal y los tri�ngulos derivados por su altura cinco veces


Alina Canziani Amico 1960. Lima, Peru Sculptor

2014 | participation PArC Perú Arte Contemporáneo, Galería WU. Lima, Peru. 2010 | exhibition La Semana de Lima, Paseo de Esculturas. Lima, Peru. exhibition Quince años, Galería Lucía de la Puente. Lima, Peru. 2008 | exhibition Paisajes Interiores, La Galería. Lima, Peru. 2007 | exhibition Museo de Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2006 | exhibition Arte y Urbe, Museo de la Nación. Lima, Peru. exhibition Franquicias Imaginarias, Museo de Arte de Lima. Lima, Peru. 2004 | exhibition Tensiones Generacionales. Generación del 80, Galería ICPNA. Lima, Peru. 2003 | exhibition Festivales de Barranco, Museo de Osma. Lima, Peru.

The little work that I present to the OJO ANDINO Peru collection is meant to symbolize a landscape that is part of the Andes mountain range as if it were a relief map. The fact that it is made of travertine called Rosa Peruano that was formed layer by layer due to the thermal waters of the Andes and the alternating white and red as the color of our flag contributes to the success of the work. At the same time this "landscape" is assaulted by a crater-eye that is the exploitation of the open pit mine at the bottom of which waters with chemical residues accumulate like an evil pupil that defies the natural order.

La pequeña obra que les entrego para la colección OJO ANDINO Perú pretende simbolizar un paisaje, parte de la cadena montañosa de Los Andes, como si fuera una maqueta. Contribuye el hecho que está realizada en mármol travertino llamado Rosa Peruano, que es formado capa tras capa por aguas termales de Los Andes y que alterna el blanco y el rojo, como los colores de nuestra bandera. Al mismo tiempo, este “paisaje”, se ve violentado por un cráter-ojo que representa la explotación minera a tajo abierto que en el fondo del mismo acumula las aguas con residuos químicos como una pupila maligna y desafiante al orden natural. La piccola opera che presento per la collezione OJO ANDINO Perú ha la pretesa di simbolizzare un paesaggio che fa parte della catena montuosa delle Ande come se fosse un plastico. Al successo dell’opera contribuisce il fatto che è realizzata con travertino chiamato Rosa Peruano, che si è formato strato dopo strato per effetto delle acque termali delle Ande e che alterna il bianco e il rosso come i colori della nostra bandiera. Al tempo stesso questo “paesaggio” è violentato da un cratere-occhio, che rappresenta lo sfruttamento della miniera a cielo aperto, al fondo del quale si accumulano le acque con residui chimici come una pupilla maligna che sfida l’ordine naturale.


alina canziani

carved marble and paiting

tajo abierto


Walter Carbonel Delgado 1970. Lima, Peru Painter

2011 | solo exhibition El Cuarto, Galería Vértice. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition Las antípodas de Camboya, Galería Vértice. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition Un virus mental para el Caballero Solterón, Ogle Gallery. Portland, USA. 2005 | solo exhibition Virus Mentales, Punctum Galería. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition Mapa de Caracteres, Punctum Galería. Lima, Peru. 2001 | solo exhibition Artificial, Galería Artco. Lima, Peru.

I try to exorcise my mind (wash it, clean it). Canvas or the chosen media: mental wash house. With each piece I try to get closer and closer to the exact representation of an idea that I consider to be always imperfect.

Busco exorcizar mi mente (lavarla, limpiarla) Lienzo o soporte elegido = Lavatorio mental. Intento con cada obra acercarme más a la representación exacta de una idea que siempre considero imperfecta. Cerco di esorcizzare la mia mente (lavarla, pulirla). Tela o supporto scelto: lavatoio mentale. Con ogni opera tento di avvicinarmi sempre di più alla rappresentazione esatta di una idea che considero sempre imperfetta.


walter carbonel

mixed media untitled


José Luis Carranza González 1981. Lima, Peru Painter

2014 | solo exhibition José Luis Carranza, Pintural, Galería Klaus Steinmetz Arte Contemporáneo. San José, Costa Rica. 2013 | exhibition Retorno a la Isla de Citera, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2011 | exhibition El reflejo de la muerte, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. exhibition José Luis Carranza, Oleos y Acuarelas, Galería Moll. Lima, Peru. 2010 | exhibition Pinturas, 20052010, Galería L’imaginaire de la Alianza Francesa. Lima, Peru. exhibition Las Edades del Hombre, Galería Centro Cultural de la Universidad Ricardo Palma. Lima, Peru. 2009 | exhibition Lustmord, Galería 80m2. Lima, Peru.

Painting, at times, has the function of a vindictive tool: it is the only way to survive a battle that is so gory. The scary white receives all of the blows of the saber and gradually it disappears: the large surface bends to the small presence of the painter. The mental abnormalities triumph and expressions of bewilderment abound, Mars ends up becoming a being of vulnerable flesh and the great king Nebuchadnezzar eventually grazes among the beasts. The religion of painting is stocked with flesh and vice after the crime; to assassinate or paint for pleasure, in the end, it only bears a harmful feeling of helplessness.

La pintura sigue ocupando, en algunos momentos, el papel de herramienta vengativa: solo así se puede sobrevivir a tan temible batalla. El blanco aterrador recibe todos los golpes de sable y se extingue progresivamente: la gran superficie se subordina ante la diminuta presencia del pintor. Las anomalías mentales triunfan y las expresiones de desconcierto abundan, Marte se termina convirtiendo en un ser de vulnerable carne y el gran emperador Nabucodonosor termina pastando entre las bestias. La religión de la pintura queda dotada de carnes vivas después del crimen, el asesinar o pintar por placer, al final, sólo deja una nociva sensación de impotencia. La pittura, in alcuni momenti, ha la funzione di strumento vendicativo: solo così si può sopravvivere a una battaglia tanto cruenta. Il bianco spaventoso riceve tutti i fendenti della sciabola e poco alla volta scompare: la grande superficie si piega alla piccola presenza del pittore. Le anomalie mentali trionfano e abbondano le espressioni di sconcerto, Marte finisce per diventare un essere di vulnerabile carne e il grande re Nabucodonosor finisce per pascolare tra le bestie. La religione della pittura è provvista di carni vive dopo il crimine; assassinare o dipingere per piacere, alla fin fine, reca con sé solamente una nociva sensazione di impotenza.


josďż˝ luis carranza

oil on canvas retrato

Jorge Castilla-Bambaren 1959. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition Peruvian Metaphysicals, Barrister's Gallery. New Orleans, USA. group exhibition PERU - Von den Inka bis zu Antonio Máro, Galerie Langenohl. Meinerzhagen, Germany. 2009 | solo exhibition Pinturas, Galeria Enlace Arte Contemporaneo. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition Pinturas, Galeria Dedalo. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition J. CastillaBambaren, Bleckkirche. Gelsenkirchen, Germany. 2005 | solo exhibition Maskerade –made in Peru 3 artists–, Galerie Labyrintum. Germany. 2003 | solo exhibition Interne Feurer 1, Galerie Labyrintum. Germany. solo exhibition Pinturas, Galería Centro Cultural Ricardo Palma, Lima, Peru.

Since my early childhood I was seduced by the beauty and expression of the Peruvian pre-columbian pottery, textiles, and sculptures. Later I discovered the artistic expressions of other Latin-American cultures: the Mayas, Olmecs, Aztecs, etc. Since I started to paint and draw I had an emotional connection with surrealism and German expressionist painting. I also fell in love with the cultures of Africa and Oceania, and with the marvelous Art Brut, Raw Art, and the primitive drawings made by children… When I start to paint and draw I put myself naturally in a sort of jazz improvisational mood, I have no preconceived idea of what is going to be created by my hands and when it all finishes I am the first to be surprised of what appeared in my canvas or paper.

Desde mi temprana infancia fui seducido por la belleza y expresión de la cerámica, textiles y escultura del arte precolombino peruano; más tarde, descubrí la expresión artística de otras culturas latinoamericanas: los Mayas, Olmecas, Aztecas, etc. Desde que empecé a pintar y dibujar, tuve una conexión emocional con el surrealismo y arte expresionista Alemán. También me enamoré de las culturas de África y Oceanía, y con el maravilloso Art Brut, Raw Art, y el primitivismo del dibujo infantil… Cuando comienzo a pintar y dibujar me pongo, de manera natural, en una especie de estado de improvisación jazz y no tengo ninguna idea preconcebida de lo que va a ser creado por mis manos; cuando todo concluye, yo soy el primero en ser sorprendido por lo que apareció en mi lienzo o papel. Fin dall’infanzia sono stato sedotto dalla bellezza e dall’espressione della ceramica, dai tessuti e dalle sculture peruviani pre-colombiani. In seguito ho scoperto le espressioni artistiche di altre culture latino-americane: i Maya, gli Olmechi, gli Aztechi ecc. Da quando ho iniziato a dipingere e a disegnare, ho avuto un legame emotivo con il surrealismo e la pittura espressionista della Germania. Mi sono anche innamorato delle culture dell’Africa e dell’Oceania e della stupenda Art Brut, Arte Grezza, del primitivismo del disegno infantile... Quando mi metto a dipingere e a disegnare, entro in una sorta di stato di improvvisazione jazz, non ho idee preconcette su ciò che verrà creato dalle mie mani e quando tutto è finito sono il primo a essere sorpreso da ciò che appare sulla tela o sulla carta.


jorge castilla-bambaren

acrylic untitled


Aymar Ccopacatty 1979. Lima, Peru Textile Artist & Sculptor

2014 | group exhibition Nuestra Madre Tierra, Sala Petro. Peru. 2013 | participation II Salón de Art Puneño Contemporáneo. Puno, Peru. participation VIII Bienal SIART, Puno 4to Mundo. La Paz, Bolivia. 2012 | residence & solo exhibition Expressiones / I-park. Connecticut, USA. group exhibition ART SHO. Berlin, Germany. participation Bienal de arte Indígena. Quito, Ecuador. 2011 | group exhibition AGregadoS LaB - Artistas de Argentina, Bolivia, Brasil, Cuba, Colombia, Mexico, Peru and E.U. La Paz, Bolivia. group exhibition Rostros de sal, II Festival Internacional. Ixtapan de la Sal, Mexico.

The art of recycling plastic bags is, for Aymar Ccopacatty, more than a commitment to the environment or to an artistic wager. It is an attitude towards life. Of Aymara and American origins, his life spent between Peru and the United States has had much influence on the path his work has followed. The commitment to the environment has joined the Aymara textile tradition he learned from his grandmother. The normal plastic envelope becomes the raw material of his work ranging from textiles, image, and collage. The work presented is completely the product of the syncretism of materials and tradition. As Aymar himself says "what was wool before, is now plastic."

El arte de reciclar bolsas plásticas es, en Aymar Ccopacatty, algo más que un compromiso ambiental o una apuesta artística. Es una actitud ante la vida. De ascendencia aymara y estadounidense, su vida entre el Perú y Estados Unidos ha influido mucho en los derroteros que ha seguido su obra. A su preocupación ambiental integró la tradición textil aymara que su abuela le enseñó. La bolsa de plástico común se convierte en la materia prima para su trabajo que comprende textil, imagen y collage. La obra aquí expuesta es absolutamente sincrético de los nuevos materiales y la tradición. Como Aymar mismo dice “lo que era lana hoy es plástico”. L’arte di riciclare buste di plastica è, in Aymar Ccopacatty, più che un impegno ambientalista o una scommessa artistica. È un atteggiamento nei confronti della vita. Di origine aymara e statunitense, la sua vita trascorsa tra il Perú e gli Stati Uniti ha molto influito sul percorso seguito dal suo lavoro. All’impegno per l’ambiente ha unito la tradizione tessile aymara appresa dalla nonna. La busta normalissima di plastica si trasforma nella materia prima del suo lavoro che spazia dal tessile all’immagine e al collage. L’opera presentata è prodotto assoluto del sincretismo di materiali e tradizione. Come dice lo stesso Aymar “quella che era lana oggi è plastica”.


aymar ccopacatty

recycled plastic untitled


John Chauca Laurente 1973. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition Retratos y todo lo que se llama cara, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. group exhibition De cono a cono, Galería Delbarrio. Lima, Peru. group exhibition XIII Salón Nacional de Pintura ICPNA, Galería Juan Pardo Heeren, ICPNA. Lima, Peru. 2014 | group exhibition Circus, Galería Índigo. Lima, Peru. group exhibition Noche de arte, Sede Central BBVA Banco Continental. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Disco Rayado, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Lo Nuevo de lo Viejo, Galería Juan Pardo Heeren, ICPNA. Lima, Peru. solo exhibition Al fondo… ¿hay sitio?, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru.

The purpose of my work is to create a personal and original universe. But it is in the mind of the beholder that my fantasy stimulates that of the viewer in a constant game of statements that make the subject arrive at much more than the aesthetic or visual pleasure up to allowing him to get in touch with his fantasy. In order to complete my artistic process, you need to have an experience of a life lived, as a storage place and information on which the imagination of the painter works and produces transforming his reality. The heart guides the brush, the hand guides the eyes, the eyes guide the mind and the mind conceptualizes everything.

El propósito de mi trabajo es crear un universo personal y original. Pero es en la mente del espectador donde mi fantasía sugiere la suya, en un constante juego de afirmaciones que llevan al receptor, más allá del placer estético o visual, hacia la búsqueda de su propia fantasía. Para poder llevar a cabo mi procedimiento artístico, es necesario tener la experiencia de lo vivido, como depósito e información, sobre el cual la fantasía del pintor trabaja y produce, transformando su propia realidad. El corazón guía al pincel, el pincel guía la mano, la mano guía los ojos, los ojos guían la mente y la mente lo conceptualiza. Scopo del mio lavoro è quello di creare un universo personale e originale. Però è nella mente di chi guarda che la mia fantasia stimola quella dello spettatore in un continuo gioco di affermazioni che fanno giungere al soggetto molto più del piacere estetico o visivo, fino a consentirgli di mettersi in contatto con la sua fantasia. Per poter portare a termine il mio processo artistico è necessario avere esperienza di vita vissuta, come deposito e informazione, sulla quale la fantasia del pittore lavora e produce trasformando la sua realtà. Il cuore guida il pennello, la mano guida gli occhi, gli occhi guidano la mente e la mente concettualizza il tutto.


john chauca

mixed media on canvas

chica material


Eduardo Chinen (Akira Chinen) 1982. Lima, Peru Drawer & Painter

2014 | group exhibition Parafernalia, Sala de arte de Viajes El Corte Inglés. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Espacio y Forma, Sala 770, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Once versiones del Pop, Galería de Arte Ryoichi Jinnai, Centro Cultural Peruano Japonés. Lima, Peru. group exhibition Nueva Pintura del Perú, Latino Art Museum. California, USA. solo exhibition Lorem Ipsum, Bruno Gallery. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Peruanische Künstler in Berlin, Temporary Gallery. Berlin, Germany. solo exhibition Nuevos Extraños Sobre el Plano, Bruno Gallery. Lima, Peru.

As a drawer I strongly believe that the works should be autonomous and I have always had a certain distrust of the allusions or rational explanations of the artworks. In these years I have felt I had to focus more on the image and many times I rejected the ideas that at the beginning had shaped them, when the image itself was asking it. I am currently trying to find a balance and harmony between concept and image.

Como dibujante creo firmemente que las obras deben ser autónomas y siempre he tenido cierto recelo por el trasfondo, o la razón de las mismas. En estos años, he sentido que debía enfocarme más en la imagen y muchas veces he desechado las ideas que en un principio la formaron, cuando la imagen misma me lo pedía. Actualmente, estoy trabajando en un balance en el que, tanto concepto como imagen, lleguen a una armonía. Come disegnatore credo fermamente che le opere debbano essere autonome e ho sempre avuto una certa diffidenza per le allusioni o le spiegazioni razionali delle opere stesse. In questi anni ho sentito che dovevo concentrarmi maggiormente sull’immagine e molte volte ho scartato le idee che all’inizio le avevano dato forma quando a chiedermelo era la stessa immagine. Attualmente sto lavorando per trovare un equilibrio e un’ armonia tra concetto e immagine.


eduardo chinen (akira chinen)

mixed media



Claudia Coca 1970. Lima, Peru Interdisciplinary Artist

2015 | solo exhibition Cuentos Bárbaros, Sala de proyectos UNESPACIO. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition Mestiza, Antología 2000–2014, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. group exhibition Cordis, Género y Emblemas del Barroco Americano, Museo de América. Madrid, Spain. 2011 | solo exhibition Revelada e Indeleble, Antología 2000-2011, Museo de Arte de San Marcos. Lima, Peru. 2009 | participation Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo MAC. Santiago, Chile. 2007 | solo exhibition Globo Pop, Galería Vertice. Lima, Peru. 2004 | bipersonal exhibition Peruvian Beauty: Centro de Estéticas, Galería Luis Miro Quesada Garland. Lima, Peru.

The analysis of colonial strategies in the creation of the racial discourse and how, through the different collective ideals, this discourse has been integrated in Latin American and Peruvian society, is the focus of my work. A memory of pure fiction in which the language and racialized description of miscegenation set the power relations through a historically supported discourse. Reflecting on repeated colonial strategy which consists of depicting us as "barbarians" has been a constant concern of my work in which, through images and words, you get to subvert the concepts linked to the wild, the foul and the plague-ridden. Reconciliation with our image, with the body and the abandonment of the colonial way of thinking represent my wager.

El análisis de las estrategias coloniales en la creación del discurso racial y cómo, a través de diferentes imaginarios colectivos, este se fue instalando en la sociedad latinoamericana y peruana, son el centro de mi trabajo. Una memoria ficcionada, donde el lenguaje y la descripción racializada del mestizaje establecen relaciones de poder, mediante un discurso que se ha sostenido históricamente. Reflexionar sobre la reiterada estrategia colonial de perpetuarnos como “bárbaros” ha sido una preocupación constante en mi obra, donde a través de la imagen y la palabra he subvertido imaginarios relacionados a lo salvaje, lo feo, lo manchado. La reconciliación con nuestra imagen, con el cuerpo y el abandono del pensamiento colonial, es mi apuesta. L’analisi delle strategie coloniali nella creazione del discorso razziale e di come, tramite i diversi immaginari collettivi, tale discorso è stato integrato nella società latino-americana e peruviana, sono al centro del mio lavoro. Una memoria di pura finzione, nella quale il linguaggio e la descrizione razzializzata del meticciato stabiliscono i rapporti di potere mediante un discorso storicamente sostenuto. Riflettere sulla reiterata strategia coloniale consistente nel dipingerci come “barbari” è stata una preoccupazione costante del mio lavoro nel quale, attraverso l’immagine e la parola, si arriva a sovvertire gli immaginari connessi al selvaggio, al laido e all’appestato. La riconciliazione con la nostra immagine, con il corpo e l’abbandono del modo di pensare coloniale rappresentano la mia scommessa.



claudia coca

drawing on linen marea


claudia coca

drawing on linen marea


Eduardo Cochachín Gonzáles 1976. Lima, Peru Painter

2014 | solo exhibition Paisajes memoria y retorno, Bruno Gallery. Lima, Peru. group exhibition Primer premio Concurso Nacional de Pintura, Ecoarte, Alianza Francesa. Lima, Peru. group exhibition Finalista Salón Nacional San Marcos UNMSM. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Marea negra, todo cambia, Bruno Gallery. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition Emigrar, tiempo de viaje, Galería L'imaginaire, Alianza Francesa. Lima, Peru. solo exhibition Laguna silenciosa, Galería Centro Cultural CAFAE-SE. Lima, Peru. 2003 | solo exhibition Tótem sin tabú, misticismo latente, Galería de Arte Trapecio. Lima, Peru.

In the last century, our planet has been a tormented witness to technological development, a development that has meant death and mass destruction of the Earth that is our home. Our intelligence has made us the best and the worst of the species that inhabit the planet. Who knows why we have exploited the planet more to our advantage than for the benefit of other species; and the worst thing is that with this intensive and irresponsible exploitation we have destroyed in one century that which the ecosystem had built over thousands of years. I hope to stimulate the reflection necessary in the face of this terrible situation.

En el último siglo, nuestro planeta Tierra ha sido un torturado testigo del desarrollo tecnológico del hombre; un desarrollo que ha significado muerte y destrucción masiva del planeta que llamamos hogar. Esta inteligencia nos ha hecho la mejor y la peor de las especies que ha habitado este lugar. Quizás porque hemos aprovechado y usado el ambiente para nuestro beneficio más que otras especies; y lo peor es que, en ese uso desmesurado e irresponsable, hemos destruido en un siglo lo que un ecosistema tardó en formar miles de años. Espero aportar a la reflexión que necesitamos ante esta terrible situación. Nell’ultimo secolo il nostro pianeta è stato un tormentato testimone dello sviluppo tecnologico dell’uomo, uno sviluppo che ha significato morte e distruzione di massa della Terra che è la nostra casa. La nostra intelligenza ha fatto di noi la migliore e la peggiore delle specie che abitano il pianeta. Chissà per quale ragione abbiamo sfruttato il pianeta più a nostro vantaggio che a vantaggio delle altre specie: e la cosa peggiore è che con questo sfruttamento intensivo e irresponsabile abbiamo distrutto in un secolo ciò che l’ecosistema aveva costruito in migliaia di anni. Spero di stimolare la rifessione che occorre al cospetto di questa terribile situazione.


eduardo cochachĂ­n

oil di�logos ausentes


Rosamar Corcuera Andrino 1968. Lima, Peru Plastic Artist

2014 | bipersonal exhibition Vemos cuando soñamos, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Ilustración, Museo de Arte Contemporáneo de Valdivia. Valdivia, Chile. solo exhibition Prófugos del Mar, Galería del Centro Cultural Inca Garcilaso de la Vega. Lima, Peru. 2008 | group exhibition Cuerpo, objeto, materia - Cerámica contemporánea, Galería Centro Cultural de la Universidad Mayor de San Marcos. Lima, Peru. 2005 | solo exhibition Vírgenes azules, Galería de Arte del Templo del Coricancha. Cusco, Peru. 2004 | solo exhibition Tambores y mujeres de tierra II, Galería Museo de Arte Contemporáneo de Cusco. Cusco, Peru.


rosamar corcuera

pottery pr�fugo del mar

Ricardo Alberto Córdova Farfán 1961. Arequipa, Peru Painter & Photographer

2014 | exhibition Córdova: La luz Visible, Museo de Arte Contemporáneo MAC. Arequipa, Peru. exhibition Visiones Interiores, La Galeria. Lima, Peru. 2012 | exhibition Transfiguraciones II, La Galeria. Lima, Peru. 2011 | exhibition Breve Antología, CCPNA. Arequipa, Peru. 2010 | exhibition Transfiguraciones, La Galeria. Lima, Peru. 2009 | exhibition A La Pintura II, La Galeria. Lima, Peru. exhibition Ricardo Córdova, Gallerie El Pacífico. Stuttgart, Germany. 2008 | exhibition A La Pintura, La Galeria. Lima, Peru. 2007 | exhibition Entre La Pintura y La Fotografía, Ricardo Córdova – Ramiro Pareja Herrera. La Paz, Cochabamba y Santa Cruz, Bolivia.

Starting from his earliest paintings, a line, marked by a framework of architecture, from the light that divides a space or the emptiness of doors and windows, has defined a horizon as the primary composition which Córdova has built with balance and quality. Thus we see the interiors in which this balance is produced by the encounter of the wall with the floor or how the light interacts with the shadow giving a feeling of solitude and absence, however, in a discourse that is so consistent in its arrangement as to create a magical atmosphere in an illuminated space that invites the viewer to inhabit it.

Desde sus primeros cuadros, una línea, marcada por la silueta de una arquitectura, por la luz que divide un espacio, o por los vanos de puertas y ventanas, define un horizonte como composición primaria sobre la que Córdova construye con equilibrio como cualidad. Así vemos interiores en los que este equilibrio lo marca el encuentro de piso y pared, o la luz que dialoga con la sombra, dando una sensación de soledad y ausencia, pero con un discurso tan coherente en su disposición, que crea una mágica atmósfera en un iluminado espacio que invita al espectador a habitarlo. Fin dai suoi primi quadri una linea, segnata dai contorni di un’architettura, dalla luce che divide uno spazio o dai vuoti delle porte e delle finestre, definisce un orizzonte come composizione primaria sulla quale Córdova costruisce con equilibrio e qualità. Così vediamo interni nei quali tale equilibrio è prodotto dall’incontro del pavimento con la parete o della luce che dialoga con l’ombra, dando una sensazione di solitudine e assenza, però all’interno di un discorso talmente coerente nella sua disposizione da creare un’atmosfera magica in uno spazio illuminato che invita lo spettatore ad abitarlo.


ricardo c�rdova

digital photography

las meninas


César Cornejo 1966. Lima, Peru Visual Artist

2015 | participation XII Bienal de la Habana. Havana, Cuba. 2014 | group exhibition Apocryphal Times, Galería Friedman Benda. New York, USA. 2013 | solo exhibition Puno MoCA, Galería de la Florida, Gulf Coast University. Fort Myers, Florida, USA. participation SIART, Bienal Internacional de Arte. La Paz, Bolivia. 2011 | solo exhibition Art Positions, Art Basel Miami, Galería Lucia de la Puente. Miami, USA. 2010 | solo exhibition Puno MoCA, Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru. 2008 | participation Busan Biennial, Public Art Project. Busan, South Korea. 2007 | participation Museo del Barrio Biennial, The (S)-Files. New York, USA.

My work has been influenced by the experience of living and working in Tokyo, London, New York and Lima. Each of these places with its culture has influenced my art practice in a particular way. Japan through the presence of rituals in everyday life; England through the community and innovatively educational policies; New York with the application of art into business models and Peru with its socio-political landscape. In my practice I try to create an expression that combines and reconciles these elements through architectural installations, sculptures, drawings and multidisciplinary works.

Mi trabajo ha sido influenciado por la experiencia de vivir y trabajar en Tokio, Londres, Nueva York y Lima. Cada uno de estos lugares, con sus respectivas culturas, ha marcado mi práctica en un modo particular: Japón a través de la presencia ritual en el día a día; Inglaterra a través de las políticas comunitarias y educativas innovadoras; Nueva York en la aplicación de modelos de negocios al arte; y Perú por el paisaje sociopolítico. En mi práctica busco crear una expresión que combine y concilie estos elementos en instalaciones arquitectónicas, esculturas, dibujos y trabajos multidisciplinarios. Il mio lavoro è stato influenzato dall’esperienza di vivere e lavorare a Tokyo, Londra, New York e Lima. Ciascuno di questi luoghi con la sua cultura ha segnato la mia pratica artistica in maniera particolare. Il Giappone attraverso la presenza rituale nella quotidianità; l’Inghilterra attraverso le politiche comunitarie ed educative innovatrici; New York con l’applicazione all’arte di modelli commerciali e il Perú con il suo paesaggio socio-politico. Con la mia pratica cerco di creare un’espressione che combini e concili questi elementi tramite installazioni architettoniche, sculture, disegni e lavori multidisciplinari.



c�sar cornejo

mixed media

si - no


c�sar cornejo

mixed media

si - no


Juan Carlos Delgado Velásquez 1979. Lima, Peru Comics Artist

2013 | exhibition Yo solo hago historietas, Museo Internacional Dinámico de Arte Contemporáneo. Belforte del Chienti, Italy. 2008 | exhibition IN. Pintura, animación, instalación, Centro Cultural ENSABAP. Lima, Peru. publications Yo solo hago historietas. Antología de cómics (Mágica Ediciones, 2014). El Autor. Novela gráfica (Mágica Ediciones, 2013). Mi existencia como experiencia estética. Ensayo (2012). Mil Caras. Novela gráfica (Mágica Ediciones, 2011). Fashionman79. Novela gráfica (2010). Arte digital: distancias y acercamientos. Ensayo (2009).

Life in the city is ruled by a strong advertising burden that teaches us to build our identity from the products advertised by the different companies. Through the comics I have recreated a city where the inhabitants are adorned with masks, distinctive signs that some people question and try to derail through various escape routes.

La vida en la ciudad está regida por una fortísima carga publicitaria que nos educa a construir nuestra identidad a partir de productos anunciados por diversas corporaciones. A través del cómic, he recreado una ciudad donde los habitantes se visten con máscaras, signos distintivos que algunos personajes cuestionan y tratan de quebrar mediante diversas vías de escape. La vita nella città è governata da una fortissima carica pubblicitaria che ci educa a costruire la nostra identità a partire dai prodotti reclamizzati dalle diverse aziende. Tramite i fumetti ho ricreato una città nella quale gli abitanti si addobbano con maschere, segni distintivi che alcuni personaggi mettono in discussione e cercano di infrangere mediante diverse vie di fuga.


juan carlos delgado

digital print

el autor

Giorgio Di Giovanni Abarca 1966. Callao, Peru Painter

2014 | group exhibition Del figurativo al abstracto y viceversa, Sala Adolfo Winternitz. Lima, Peru. group exhibition Art Lima Contemporary Art Fair, Escuela Militar. Lima, Peru. permanent exhibition Colección de Arte Contemporáneo, Museo de Arte de la Universidad Mayor de San Marcos. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Arte en la Playa, Asia Golf Club. Lima, Peru. group exhibition Dibujo sobre tela, Galería Fórum. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Inauguración Galería de Arte de Mafpre. Panama. group exhibition Visitando Talleres, Galería Fórum. Lima, Peru. group exhibition Divertimento, Trapecio Asesoría de Arte. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition El Caníbal, Galería Forum. Lima, Peru.

Giorgio moves within a metaphorical language to create his compositions with a very personal symbolism of tables, animals, fragmented characters, a large list of appearances and revealed objects that are completely cohabiting in a kind of "plastic paradise" within a chaotic harmony enjoying that which is suggestive that emerges from the indefinite and inviting the viewer to see what his potential point of view can perceive. An artist that is a generator of myths and stories full of irony, his painting goes past the figurative and the abstract with disenchantment and freedom.

Giorgio se maneja dentro de un lenguaje metafórico, poblando sus composiciones con una simbología muy personal de mesas, animales, personajes fragmentados; un elenco numeroso de presencias y objetos revelados que cohabitan a plenitud en una suerte de “paraíso plástico” dentro de una caótica armonía, gozando con lo sugestivo que resulta de lo no tan definido, e invitando al espectador a ver lo que su potencial visual puede percibir. Artista generador de mitos y narrativas cargadas de ironía, su pintura transita entre la figuración y la abstracción con gran soltura y libertad. Giorgio si muove all’interno di un linguaggio metaforico creando le sue composizioni con una simbologia molto personale di tavoli, animali, personaggi frammentati; un elenco numeroso di presenze e oggetti rivelati che coabitano completamente in una sorta di “paradiso plastico” all’interno di una caotica armonia, godendo con quanto di suggestivo emerge dall’indefinito e invitando lo spettatore a vedere ciò che la sua vista potenziale può percepire. Artista generatore di miti e racconti ricchi di ironia, la sua pittura attraversa il figurativismo e l’astrazione con disincanto e libertà.


giorgio di giovanni

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Patricia Eyzaguirre 1968. Lima, Peru Visual Artist

2012 | solo exhibition Paisaje Onírico, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Metamorfosis, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition Mixta/Collage, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition Espíritus, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2005 | solo exhibition Pinturas y Objetos, Galeria Artco. Lima, Peru. 2003 | solo exhibition Ausencia, Galería Artco. Lima, Peru. 2001 | solo exhibition Pinturas, Dibujos y Cucharas. Galería Artco. Lima, Peru. 2000 | solo Exhibition Pinturas, Galería Praxis. Lima, Peru.

In the work of Patricia Eyzaguirre the body shows itself like the space in which chaotic forces that characterize life materialize, but without any idealization. In her work the feminine element does not adopt the socially explicit transgression nor does it systematically tackle power relations, common place of previous generations, but it reveals a scarred vision of the female body, an animal reflecting the fierce movement that provokes change, death as an element of transformation, the violent tenacity of life. [Vania Portugal, 2011]

En la obra de Patricia Eyzaguirre el cuerpo se muestra como el espacio donde se materializan las fuerzas caóticas que conforman la vida misma pero sin idealización alguna. Lo femenino en su obra no adopta la transgresión socialmente explícita ni tematiza las relaciones de poder, lugar común de las generaciones que le anteceden; mas bien revela una visión encarnada del cuerpo femenino, animal refractario del feroz movimiento que suscita el cambio, de la muerte como elemento transformador, de la tenacidad violenta de la vida. [Vania Portugal, 2011] Nell’opera di Patricia Eyzaguirre il corpo si mostra come lo spazio nel quale si materializzano le forze caotiche che caratterizzano la stessa vita, ma senza alcuna idealizzazione. Nella sua opera l’elemento femminile non adotta la trasgressione socialmente esplicita né affronta in maniera sistematica i rapporti di potere, luogo comune delle generazioni precedenti, ma rivela una visione cicatrizzata del corpo femminile, animale che riflette il feroce movimento che suscita il cambiamento, la morte come elemento di trasformazione, la tenacia violenta della vita. [Vania Portugal, 2011]


patricia eyzaguirre

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Iván Fernández-Dávila Ocampo 1983. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition Expresionismos, Museo Pedro de Osma. Lima, Peru. group exhibition XVI Bienal Interbifep. Bosnia. 2014 | solo exhibition Vínculos, Museo de Arte Contemporáneo. Arequipa, Peru. solo exhibition Pinturas, Galería Liliana Rodríguez. Buenos Aires, Argentina. group exhibition Feria Carrousel Del Louvre, Galerie Loft. Paris, France. 2013 | solo exhibition Habitación en Lima, Latino Art Museum. California, USA. 2012 | solo exhibition Los Días y La Pintura, Museo Pedro de Osma. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Pintura Peruana en Berlín, Temporary Gallery Berlin. Berlin, Germany. 2010 | solo Exhibition Pinturas, Museo de Arte de San Marcos. Lima, Peru.

The artist analyzes reality while he recreates it with the image, with the choice of the moments and the people; the work speaks of what Iván Fernández-Dávila saw and how he saw it. The painting is a long road that encloses the same life, the life that feeds itself and is the space in which the painter establishes himself in order to create. Iván’s painting arises along the path of existential creation, imperious. Each work is a beginning, every decision is new, the evolution of the painting is related to the moment that you are living and in which you work. Iván Fernández-Dávila’s painting is a mission and a challenge. [Avelina Lésper, 2012]

El artista analiza la realidad mientras la recrea, en la imagen, en la selección de momentos y personas, la obra habla de qué vio Iván Fernández-Dávila y cómo lo vio. La pintura es un camino largo, involucra a la vida misma, se alimenta de ella y es el espacio en el cual el pintor se establece para crear. La pintura de Iván está en ese camino de la creación existencial, imperiosa. Cada obra es un inicio, cada decisión es nueva, la evolución de la pintura es consecuente con el momento que se vive y en que se trabaja. Iván Fernández-Dávila tiene en su pintura una misión y un reto. [Avelina Lésper, 2012] L’artista analizza la realtà mentre la ricrea con l’immagine, con la scelta dei momenti e delle persone; l’opera parla di ciò che vide Iván Fernández-Dávila e di come lo vide. La pittura è un lungo cammino che racchiude al suo interno la stessa vita, della vita si alimenta ed è lo spazio nel quale il pittore si stabilisce per creare. La pittura di Iván si pone lungo il cammino della creazione esistenziale, imperiosa. Ogni opera è un inizio, ogni decisione è nuova, l’evoluzione della pittura è in rapporto al momento che si vive e nel quale si lavora. La pittura di Iván Fernández-Dávila è una missione e una sfida. [Avelina Lésper, 2012]


iv�n fern�ndez-d�vila

oil autorretrato


Jose Alberto (Toto) Fernández 1971. Lima, Peru Painter

2014 | participation Houston Fine Art Fair, Pelaye Larraburre art dealers, Houston, USA. participation Art Lima Contemporary Art Fair, Galería Cecilia Gonzales. Lima, Peru. tripersonal exhibition Ménage à trois, Allegro Galería. Panama City, Panama. group exhibition Contactarte, Audi Zentrum. Lima, Peru. 2013 | participation Art Lima Contemporary Art Fair, Galería Vértice. Lima, Peru. exhibition In the Art We Trust, Galería Sol del Río. Guatemala City, Guatemala. exhibition Una Mirada al Sur, Galería Sol del Río. Guatemala City, Guatemala. 2012 | exhibition Bluff Pop, Galería Vértice. Lima, Peru. 2010 | exhibition Obras recientes, Expresiones Cultural Center. New London, USA.

The themes that interest me are purely urban and contemporary. I often dwell on individual psychology, I create characters with a great emotional charge that are capable of generating a relationship with the audience and, at the same time, metaphors of everyday life. I make sure that the work is a starting point from which to begin a discovery. I face issues such as sensuality, loneliness, guilt, love, death, the search for identity, routine. My work is predominantly figurative. Captivating images of decades past as well as the contemporary abound, especially in my female characters leaving the male characters the role of extras who, at a distance and silently, are present in some works.

Los temas que me interesan son netamente urbanos y contemporáneos. Incido mucho en la psicología individual, creo personajes, con una gran carga emotiva que pueda generar algún nexo con el espectador, así como metáforas de situaciones cotidianas. Busco que la obra sea un punto de partida para empezar un descubrir. Abordo temas como la sensualidad, la soledad, la culpa, el amor, la muerte, la búsqueda de la identidad, la rutina. La figuración es la predominante en toda mi obra. Abundan las imágenes de glamour de décadas pasadas y contemporáneas, sobre todo en mis personajes femeninos, dejando a los personajes masculinos el rol de una comparsa que, a distancia y silenciosamente, acompaña en algunas obras. I temi che mi interessano sono prettamente urbani e contemporanei. Mi soffermo molto sulla psicologia individuale, creo personaggi con una grande carica emotiva capace di generare un rapporto con lo spettatore e, al tempo stesso, metafore della vita quotidiana. Faccio in modo che l’opera sia un punto di partenza per avviare una scoperta. Affronto temi come la sensualità, la solitudine, la colpa, l’amore, la morte, la ricerca dell’identità, la routine. In tutto il mio lavoro predomina il figurativismo. Abbondano le immagini accattivanti dei decenni passati e contemporanei, soprattutto nei miei personaggi femminili lasciando ai personaggi maschili il ruolo di comparse che, a distanza e silenziosamente, sono presenti in alcune opere.



toto fern�ndez ampuero

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toto fern�ndez ampuero

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Ivana Ferrer 1976. Lima, Peru Painter

2014 | solo exhibition Relicario, ICPNA. Lima, Peru. group exhibition ComarArt, Museo de la Nación. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Huellas / Umbrales en la Galería Lucía de la Puente. Lima, Peru. group exhibition Paradero, Galeria Lucía de la Puente. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition texturasINSTANTES, Galería Lucía de la Puente. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition Territorios, Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru. group exhibition Re-genero, Centro Cultural de España. Spain. 2006 | solo exhibition descartaBLE en la Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru.

Ivana Ferrer expresses things that strike with a thin and sensitive way of painting. She creates atmospheres full of expectations without being disturbing and she wraps us in a world without apparent friction. Unlike many of her contemporaries, her messages are subliminal. The reading depends on the degree of perspicacity of the reader and frequently the background that is unveiled from the surface can go unnoticed. The artist cleans the landscape of any noise. She puts us in front of an object of meditation. The continuous observation creates a mantra that evokes the quiet. Identity is not a political nor painting issue in her work: it is transcendental. [Edward Shaw]

Ivana Ferrer expresa cosas contundentes con una pintura escueta y sencilla. Crea atmósferas expectantes sin ser inquietantes y nos envuelve en un mundo sin roces evidentes. En contraste con muchos de sus contemporáneos, sus mensajes son subliminales. La lectura depende del grado de perspicacia del lector y, fácilmente, el trasfondo que no revela la superficie puede pasar inadvertido. La artista depura el paisaje de todo ruido. Nos ubica frente a un objeto de meditación. La observación continua crea un mantra que evoca la quietud. La identidad no es tema político ni pictórico en su obra: es algo trascendental. [Edward Shaw] Ivana Ferrer esprime cose che colpiscono con una pittura scarna e sensibile. Crea atmosfere cariche di aspettative senza essere inquietanti e ci avvolge in un mondo senza apparenti attriti. Diversamente da molti suoi contemporanei, i suoi messaggi sono subliminali. La lettura dipende dal grado di perspicacia del lettore e frequentemente lo sfondo non disvelato dalla superficie può passare inosservato. L’artista depura il paesaggio da ogni rumore. Ci colloca di fronte a un oggetto di meditazione. L’osservazione continua crea un mantra che evoca la quiete. L’identità non è un tema politico né pittorico nella sua opera: è trascendentale. [Edward Shaw]


ivana ferrer

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Joseph Firbas Cuadras 1962. Lima, Peru Painter

2014 | solo exhibition Memoria Reunida III, ICPNA. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Memorial Floral, Sala de arte Club Empresarial, San Isidro. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Obra Reciente, Centro Cultural Rimac, Asia. Lima, Peru. solo exhibition Memoria Reunida II, Galería Guernica. Santo Domingo, Republica Dominicana. 2007 | solo exhibition Memoria Volátil, La Galería. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition Ilusion, Off, Gallery. Karlsruhe, Germany. 2005 | solo exhibition La lógica de lo incierto, La Glaría. Lima, Peru. solo exhibition Obra Reciente, Galería del Volksbank. Weinheim, Germany. 2004 | solo Exhibition Memoria Imaginaria, Galería Fórum. Lima, Peru.

From the beginning of his career Joseph Firbas has showed a genuine interest in investigating, through the human physiognomy, a certain way of representing the internal changes and their deepest manifestations. Although these studies initially passed through a monochromatic phase (that was strongly expressive) that comes close to a non-figurative language to a certain extent, one could say that since the mid-90s the artist has focused his production on the development of a personal imagery populated by particular faces, clothes with unlikely ornaments whose appearances are found on abstract sections deliberately mounted by their appearance.

Desde los inicios de su carrera, Joseph Firbas ha establecido un genuino interés por explorar, a través de la fisonomía humana, cierto modo de representación de los desplazamientos internos y sus avatares más profundos. Si bien estas búsquedas han transitado inicialmente por un periodo de gama monocroma (de fuerte carga expresiva) que vira brevemente hacia un lenguaje no figurativo; podría decirse que es a partir de la mitad de los años noventa que el artista centra su producción en el desarrollo de un imaginario personal poblado de rostros singulares, ataviados con ornamentos inverosímiles, cuyas presencias se recortan sobre secciones abstractas deliberadamente montadas para su aparición. Fin dall’inizio della carriera, Joseph Firbas ha mostrato un autentico interesse a indagare, tramite la fisionomia umana, un certo modo di rappresentare i cambiamenti interni e le sue più profonde manifestazioni. Sebbene queste ricerche siano passate inizialmente attraverso una fase monocromatica (di forte carica espressiva), che si avvicina in una certa misura a un linguaggio non figurativo, si potrebbe dire che è a partire dalla metà degli anni ’90 che l’artista incentra la sua produzione sullo sviluppo di un immaginario personale popolato da volti particolari, da vestiti con ornamenti inverosimili le cui presenze si ritrovano su sezioni astratte deliberatamente montate dalla loro apparizione.


joseph firbas

acrylic and paper untitled

Alberto Flores 1959. Lima, Peru Painter

2014 | exhibition Galería Centro Colich. Lima, Peru. exhibition Hotel Intercontinental. Riyadh, Saudi Arabia. 2013 | exhibition Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2011 | exhibition Galería 1900. Lima, Peru. 2010 | exhibition Galería Palz. Saarlouis, Germany. 2007 | exhibition Galería Painem. Berlín, Germany. 2006 | exhibition GTZ Galerie. Frankfurt, Germany. 2004 | exhibition Donau Universitat. Krems, Austria. 2003 exhibition Galería Obsidiana. Lima, Peru.

In each work there is a whole nocturnal world, a magical and dreamlike circus that creates a riddle that the viewer deciphers alone while creating a complicity with the work and producing three different situations: the creator, the observer and the work that has taken on its own life. Every encounter with a canvas is like opening a window that combines imagination and reality, the common with the extraordinary, the everyday with the interior. The work itself is an attempt to discover what is apparently non-existent by revealing, through its forms, how much it is essentially hidden from the trans-real and intimate space, far beyond what is known in order to make it unlimitedly creative.

En cada una de mis obras habita todo un mundo nocturno, mágico-onírico y circense, creando un enigma propio que el observador descifra individualmente. De eso se trata, de generar cierta complicidad con la obra, crear tres situaciones distintas: la del creador, la del observador y la obra misma que ha tomado vida propia. Cada encuentro con una tela es como descubrir una ventana que une lo real y lo imaginario, lo común y lo propio, lo cotidiano y lo interior. La obra misma es un intento de descubrir lo aparentemente inexistente develando, a través de sus formas, lo esencialmente oculto del espacio transreal íntimo, más allá de lo conocido para hacerlo ilimitadamente creativo. In ogni mia opera c’è tutto un mondo notturno, magico-onirico e circense che crea un enigma che l’osservatore decifra da solo, creando una complicità con l’opera e producendo tre diverse situazioni: il creatore, l’osservatore e l’opera che ha acquistato vita propria. Ogni incontro con una tela equivale ad aprire una finestra che unisce l’immaginario al reale, il comune allo straordinario, il quotidiano all’interiore. L’opera stessa è un tentativo di scoprire ciò che è apparentemente inesistente svelando, attraverso le sue forme, quanto è essenzialmente occulto dello spazio transreale e intimo, molto aldilà del conosciuto per renderlo illimitatamente creativo.


alberto flores

acrylic nocturnario

Christian Flores Saavedra 1975. Ayacucho, Peru Visual artist

2013 | exhibition Straniero, City Art. Milan, Italy. 2011 | exhibition Acuarelas en Corseul, Ateliers du Plessix-Madeuc, Corseul, Cote D'mor. Brittany, France. 2010 | exhibition Paisajes, Centro Cultural Chavez de la Rosa, UNSA. Arequipa, Peru. exhibition Arequipa y el Paisaje Moderno, Galería del Club Internacional de Arequipa. Arequipa, Peru. exhibition Café Art Bistro. Arequipa, Peru. exhibition Ni Escenarios, Ni Víctimas, Ni Culpables, Galería del Centro Cultural. Trujillo, Peru. 2009 | exhibition Ni Escenarios, Ni Victimas, Ni Culpables, Galería de la Alianza Francesa. Arequipa, Peru. 2006 | bipersonal Exhibition Paisaje dos puntos de vista, Centro Cultural Chávez de la Rosa. Arequipa, Peru.

In the 80s and 90s terrorism in city of Ayacucho, Peru (a town with fervently religious inhabitants), caused too many deaths that marked my life. The death of Christ is a source of representation that serves to draw attention to the human-inhuman events that we must remember and not forget. Those errors have not changed, are the same year after year, month after month, day after day, hour after hour, minute after minute. Therefore, the technique of drawings made with footprints on canvas mimics and enacts those unforgettable events, like invitations to reflection sealed in memory.

En los años ‘80 y ‘90, el terrorismo en la ciudad de Ayacucho, Perú (pueblo de gran fervor religioso), provoca demasiados fallecimientos que marcan mi vida. La muerte de Cristo es un motivo de representación que conecto como una llamada de atención de sucesos humanos–deshumanos que debemos recordar y no olvidar. Actualmente, aquellos errores no han cambiado; suelen ser similares año tras año, mes a mes, día a día, hora a hora, minuto a minuto. Por consiguiente, la ejecución técnica empleada de dibujos hechos con sellos sobre lienzo imita y escenifica aquel suceso inolvidable, como golpes de reflexión, sellados en la memoria. Negli anni ‘80 e ‘90 il terrorismo nella città di Ayacucho, Perú (una cittadina con abitanti ferventemente religiosi), provoca troppe morti che segnano la mia vita. La morte di Cristo è un motivo di rappresentazione che serve a richiamare l’attenzione sugli avvenimenti umani-disumani che dobbiamo ricordare e non dimenticare. Quegli errori non sono cambiati, sono simili anno dopo anno, mese dopo mese, giorno dopo giorno, ora dopo ora, minuto dopo minuto. Di conseguenza, la tecnica dei disegni realizzati con impronte su tela imita e mette in scena quegli eventi indimenticabili, come inviti alla riflessione sigillati nella memoria.


christian flores saavedra

stamps with safe ink lamentaci�n de cristo por rubens

Enrique Galdos Rivas 1933. Lima, Peru Painter

2014 | participation 2da Bienal Contemporánea de Arte de Argentina. Buenos Aires, Argentina. exhibition Escuela de Bellas Artes. Santo Domingo, Dominican Republic. 2012 | exhibition Muestra emblemática 60 años Perú, Museo de Arte de San Marcos. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Casa de la Cultura de Quito. Quito, Ecuador. 2010 | participation IV Bienal Internacional de Arte de Beijing. Beijing, China. exhibition Salón de Grandes Maestros, III Bienal de Arte. Quito, Ecuador. 2009 | participation X Festival de Artes Visuales. Campeche, Mexico. 2007 | exhibition Alianza Francesa Miraflores. Lima, Peru.

His confidence in the management of the space and the images that are placed there assure that you always recognize "the voice" of Enrique Galdos and this is due, no doubt, to his mastery of color, line, the brushstroke and the material that conveys the images that have come together through the pre-Columbian filter, all in this playful way with which he solves the problems that, obviously, he himself puts into place because E.G.R. even plays with his signature to give balance to his work. [José Antonio Bravo]

Su seguridad en el manejo del espacio y en las imágenes que coloca hace que siempre se vea “la voz” de Enrique Galdos, y esto se debe, con seguridad, al dominio que ejerce en el color, en el trazo, en la pincelada, en el trajín de la materia y las imágenes que logra; imágenes que él ha ido consiguiendo a través del filtro de lo precolombino, todo puesto en la superficial con esa manera lúdica con la que resuelve los problemas que, visiblemente, el mismo se plantea, porque E.G.R. juega hasta con su firma para equilibrar su obra. [José Antonio Bravo] La sua sicurezza, nella gestione dello spazio e delle immagini che colloca, fa in modo che si riconosca sempre “la voce” di Enrique Galdos e ciò si deve, senza dubbio, alla sua padronanza del colore, del tratto, della pennellata e della materia che veicola le immagini che gli sono giunte tramite il filtro precolombiano, il tutto in questa maniera ludica con cui risolve i problemi che, ovviamente, egli stesso si pone perché E.G.R. gioca persino con la sua firma per dare equilibrio alla sua opera. [José Antonio Bravo]


enrique galdos rivas

– p�jaro nasca

Dante García Coba 1961. Lima, Peru Sculptor

2012 | solo exhibition, La Galería, San Isidro. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition, La Galería, San Isidro. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition, La Galería, San Isidro. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition, La Galería, San Isidro. Lima, Peru. 2001 | solo exhibition, La Galería, San Isidro. Lima, Peru. 2000 | solo exhibition, La Galería, San Isidro. Lima, Peru.

To generate an essential line to understand my work as a sculptor would be like meditating on the forces that gravitate and surround the duality formed by the lightness and the dynamics of movement. How the structurally clear and pristine pieces are harmoniously linked together projecting the infinite path of their sumptuous condition bringing together the desired structure. Essentially, suggestion is the best way to meet what is sought and so the answers to these singularities, immersed in this universe of language, can usher the complement of the final evocation in an disinterested way.

Generar una línea esencial para comprender mi trabajo escultórico sería elucubrar acerca de las fuerzas que gravitan y circundan la dualidad formada por la levedad y la dinámica de movimiento. De como las piezas estructuralmente limpias y prístinas concatenan de manera armoniosa, proyectando el camino infinito de su condición suntuosa, amalgamando la textura lograda. En suma, sugerir es la mejor forma de encontrar si es que se requiere así las respuestas a dichas singularidades que, inmersas en este universo de lenguaje, puedan propiciar de manera desinteresada el complemento a la evocación final. Generare una linea essenziale per comprendere il mio lavoro di scultore sarebbe come meditare sulle forze che gravitano e circondano la dualità formata dalla leggerezza e dalla dinamica del movimento. Di come i pezzi strutturalmente limpidi e incontaminati si concatenano in maniera armoniosa, proiettando il cammino infinito della loro condizione sontuosa, amalgamando la struttura desiderata. In sostanza, suggerire è la forma migliore per incontrare ciò che si cerca e così le risposte a queste singolarità, immerse in questo universo di linguaggio, possono propiziare in maniera disinteressata il complemento dell’evocazione finale.


dante garc�a coba

carving or engraving in black marble geometr�a envolvente

Mafe García Crosby 1976. Lima, Peru Photographer

2015 | solo exhibition La imposibilidad del verde, con Colectivo MAS, LimaModern. Lima, Peru. group exhibition Obra Reciente, Carlos Caamaño Proyecto Fotográfico. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition Brevario del ser y estar, Galería Forum. Lima, Peru. group exhibition Arte Laguna 2014, The Venetian Arsenal. Venice, Italy. 2013 | solo exhibition Lazos de Familia, Centro de la Imagen. Lima, Peru. group exhibition Grand Prix de la Decouverté, Primer lugar en Retrato. Paris, France. 2012 | group exhibition Galería Patricia Conde. Federal District, Mexico. 2007 | solo exhibition Inventario, Galería Forum. Lima, Peru.

My initial work revolves around the study of the object as a key element of the process of the construction of memory. I produce visual representations of these objects and I group them, which results in series or categories. It creates new orders with the intention of discovering the quality of guardian of the memories in these pictures and the effects they produce. I discover how "to remember" implies giving a new meaning to the represented reality. In my last works they have gone far beyond the construction of memory. I'm interested in the workings of the mind and the management of the information we receive: how, where and why we adapt to information.

Mi obra inicial gira en torno al estudio del objeto como elemento clave en el proceso de construcción de la memoria. Genero representaciones visuales de éstos (los objetos) y los agrupo, transformándolos en series o categorías. Creo nuevos órdenes con la intención descubrir, en estas imágenes, la calidad y cualidad del depositario de recuerdos y afectos que poseen. Descubro cómo “hacer memoria” implica construir un nuevo sentido a lo real representado. En mis últimos trabajos, mis cuestionamientos van más allá de la construcción de la memoria. Me interesa el funcionamiento de la mente y la administración de la información que recibimos: cómo, dónde y por qué nos apropiamos de ella. La mia opera iniziale gira intorno allo studio dell’oggetto come elemento chiave del processo di costruzione della memoria. Produco rappresentazioni visive di questi oggetti e li raggruppo dando vita a serie o categorie. Creo nuovi ordini con l’intenzione di scoprire in queste immagini la qualità del custode dei ricordi e degli effetti che producono. Scopro come “fare memoria” implica dare un nuovo senso alla realtà rappresentata. Nei miei ultimi lavori vado molto oltre la costruzione della memoria. Mi interessano il funzionamento della mente e la gestione delle informazioni che riceviamo: come, da dove e perché ci adattiamo alle informazioni.



mafe garc�a

digital photography in barita hahnemuhle paper

lazos de familia


mafe garc�a

digital photography in barita hahnemuhle paper

lazos de familia

Rafael García Miró George 1954. Lima, Peru Painter & Sculptor

2012 | exhibition Galería L'imaginaire. Lima, Peru. 2011 | exhibition Galerie Orenda. Paris, France. 2010 | exhibition Palacio de Naciones Unidas. Geneva, Switzerland. 2008 | exhibition Galerie Mona Lisa. Paris, France. exhibition Galerie Victoire. Chateau de la Messardière. St.Tropez, France. 2007 | exhibition Galerie Etienne de Causans. Paris, France. 2006 | exhibition Galerie Malletz. Paris, France. 2004 | exhibition Galería Convección. Urubamba, Cuzco, Peru. 2002 | exhibition Shirley Allen Gallery. Naples, Florida, USA. 2001 | exhibition Galería Francés WU Barranco. Lima, Peru.

The creative act of my work, in particular, is mainly stimulated by the vivid sensory memories of my childhood: tactile, visual and olfactory memories of water combined with the earth; the presence of horses in my Life; almost imperceptible lines of the arid stone-granite massifs of the Cordillera of the Andes in the Chosica area; the sloping shades of stylized profiles of mountains peaks that form during the winter in the evening. All these elements, united and placed in relation to the leisure activities of my childhood led me, almost holding my hand, to the development of the concept of Space-Matter.

El acto creativo en particular de mi obra es protagonizado esencialmente por los recuerdos sensoriales vividos en mi infancia: recuerdos tacto-visuales y olfativos del agua combinados con la tierra; la presencia de equinos en mi Vida; las líneas casi imperceptibles de dichas masas de montaña de piedra-granito áridas de la Cordillera de los Andes bajos, en la zona de Chosica; los matices en degrade de las siluetas estilizadas de las cumbres de los cerros que se forman en los atardecer es de invierno. Todos estos elementos unidos, relacionados a las actividades de recreación en mi temprana edad, me llevaron de la mano para el desarrollo del concepto Espacio-Materia. L’atto creativo della mia opera in particolare è stimolato essenzialmente dai vividi ricordi sensoriali della mia infanzia: ricordi tattili, visivi e olfattivi dell’acqua combinata con la terra; la presenza dei cavalli nella mia Vita; le linee quasi impercettibili degli aridi massicci montuosi di pietra-granito della Cordigliera delle Ande nella zona di Chosica; le digradanti sfumature dei profili stilizzati delle cime delle montagne che si formano d’inverno sul far della sera. Tutti questi elementi uniti e messi in relazione alle attività di svago della mia fanciullezza mi condussero, quasi tenendomi per mano, allo sviluppo del concetto di Spazio-Materia.


rafael garc�a mir�

mixed media

ventanas andinas

Alberto Gayoso Díaz Huánuco, Peru Painter & Installation Artist

2015 | group Exhibition Ojo Solar Invictus, Galería del hotel BTH. Lima, Peru. group exhibition Sumer Show, Galería Impakto. Lima, Peru. 2014 | group exhibition La Ciudad Crea Mounstros, Casa Pausa. Lima, Peru. group exhibition Puntos de Fuga, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Atemporalidades, Galería Casa Pausa. Lima, Peru. group exhibition Egocentrismo, Galería Mansión Eiffel. Lima, Peru. group exhibition UMANO, Universidad Cesar Bernales. 2012 | group exhibition Galería de Arte Del ICPNA, Sede La Molina. Lima, Peru. 2010 | group exhibition V. Perú, Instalación artística Pro. Derechos de la mujer. Lima, Peru.

In Peru our ancestors have left us a legacy of mixtures and unforgettable landscapes that belong to the collective memory of our country. Submerged in a contemporary desert of advertising lights and disorderly masses, the culture that characterizes us can just be glimpsed. But that culture is neither in the lights nor the masses, it is in the bowels of our earth, mixed with the essential technology: geometry and cosmology. This is the deep axis on which my projects aim to insert knowledge into this globalized world.

En el Perú, nuestros ancestros nos han dejado un legado medular, el cual debe pertenecer a nuestra memoria colectiva como país, de mezclas y paisajes inolvidables. Sumidos en un desierto contemporáneo de luces panfletarias y masas confundidas, la cultura que nos caracteriza apenas logra verse. Pero aquella cultura, no está en las luces ni las masas, está en las entrañas de nuestra tierra, mezclada con tecnología esencial: geometría y cosmología. Ese es el profundo eje sobre el cual mis proyectos proponen insertar el conocimiento a este mundo globalizado. In Perú i nostri antenati ci hanno lasciato un’eredità di mescolanze e paesaggi indimenticabili che appartengono alla memoria collettiva del nostro Paese. Sommersi in un deserto contemporaneo di luci pubblicitarie e di masse disordinate, la cultura che ci caratterizza si riesce appena a scorgere. Ma quella cultura non sta né nelle luci né nelle masse, sta nelle viscere della nostra terra, mescolata con la tecnologia essenziale: geometria e cosmologia. È questo il profondo asse sul quale i miei progetti si propongono di inserire la conoscenza in questo mondo globalizzato.


alberto gayoso d�az


paisajes del sur

Chalo Guevara 1957. Arequipa, Peru Painter & Sculptor

This work projects itself from the past to an inexplicable present. It speaks of time and the effects of the collective silence in a community that is forgetting its historical past and, therefore, the disorder and social chaos in which we find ourselves.

Esta obra se proyecta en el pasado hacia un presente inexplicable. Trata del tiempo y los efectos del silencio colectivo entre una comunidad que está olvidando su pasado histórico y en consecuencia del desorden y caos social en el que estamos inmersos. 2010 | solo exhibition El Evento Humano, Galería Fórum. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition Dioses Tutelares, Galería Fórum. Lima, Peru. 2003 | solo exhibition El Viaje, Galería Artco. Lima, Peru.

Questa opera si proietta nel passato fino a un inspiegabile presente. Parla del tempo e degli effetti del silenzio collettivo in una comunità che sta dimenticando il suo passato storico e, di conseguenza, il disordine e il caos sociale nel quale ci troviamo.


chalo guevara

oil on wood

ni lima ni limonada

Pool Guillén Bezada 1975. Lima, Peru Sculptor

2013 | exhibition Artus Tektum, Sotheby's San Miguel de Allende. Guanajuato, Mexico. solo exhibition Transición, Centro Cultural El Olivar. Lima, Peru. group exhibition Acero, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC, Peru. 2012 | participation Simposio Internacional de Escultura Unquillo. Cordoba, Argentina. 2011 | participation Simposio Internacional de Escultura Famaillá. Tucumán, Argentina. 2010 | group Exhibition Semana de arte de Lima, Fortaleza Real Felipe del Callao. Peru. 2009 | participation Encuentro Internacional de Escultura. Asunción, Paraguay.

The development of my work is based on the study and experimentation of the close relationship between volume and space, the observation of the changes suffered by seeing objects placed in certain areas and the relationship with the other items. How much space do we need in order to exist? Only small portions of land, where the mere fact of being there allows us to hear where we stand. The volume of our body, of course, needs to move. What are our limits? It is in the search for aesthetic responses to these questions and these doubts that my every composition takes shape and movement.

El desarrollo de mi trabajo se fundamenta en el estudio y experimentación de la relación estrecha entre volumen y espacio; la observación de los cambios que sufren los objetos al encontrarse colocados en determinados espacios y en relación con otros objetos. ¿Cuánto espacio necesitamos para existir? Solo porciones mínimas de terreno, donde el solo hecho de permanecer, nos permite sentir que estamos ahí. El volumen de nuestro cuerpo, naturalmente, necesita desplazarse ¿Cuáles son nuestros límites? Es en la búsqueda de respuestas estéticas a estas preguntas y cuestionamientos, donde se da forma y movimiento a cada composición que realizo. Lo sviluppo del mio lavoro si fonda sullo studio e la sperimentazione dello stretto rapporto tra volume e spazio, dell’osservazione dei cambiamenti che subiscono gli oggetti vedendosi collocati in determinati spazi e del rapporto con gli altri oggetti. Di quanto spazio abbiamo bisogno per esistere? Solo piccole porzioni di terreno dove il solo fatto di essere lì ci consente di sentire dove ci troviamo. Il volume del nostro corpo, naturalmente, ha bisogno di spostarsi. Quali sono i nostri limiti? È nella ricerca di risposte estetiche a queste domande e a questi interrogativi che ogni mia composizione prende forma e movimento.


pool guill�n bezada

plates of welded weathering steels torsi�n


Patricia Gygax Lima, Peru Painter

2015 | group exhibition Art Lima Contemporary Art Fair, La Encomienda, Talleres de Artistas: Procesos Productivos Vol. 1. Lima. Peru. 2014 | group exhibition La Luz, Galería John Harriman, Centro Cultural Británico. Lima, Peru. group exhibition Obra Reunida: Impronta Suiza en el Arte Peruano Contemporáneo, Galería Municipal de Arte Pancho Fierro. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Art Lima Contemporary Art Fair, Programa Iniciando Colecciones. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Pedagogías, Corriente Alterna. Lima, Peru. group exhibition Homo Ludens/Urbe Ludens, Centro Cultural El Olivar, Municipalidad de San Isidro. Lima, Peru.

I perceive painting as a tool for continually finding oneself. In addition to the final result, the process of painting attracts me, the act of painting and the sensation that it makes me feel, a feeling of constant uncertainty and the certainty, however, of knowing that I'm capable of surprising myself.

Percibo la pintura como una herramienta de autodescubrimiento permanente. Más allá del resultado final, lo que me atrae de la pintura es el proceso, la acción de pintar y lo que ésta me produce; esa sensación de constante incertidumbre y la certeza de saber que todavía soy capaz de sorprenderme. Percepisco la pittura come uno strumento per scoprire continuamente se stessi. Oltre al risultato finale, della pittura mi attrae il procedimento, l’azione di dipingere e ciò che mi fa provare: una sensazione di costante incertezza e la certezza, tuttavia, di sapere che sono capace di sorprendermi.


patricia gygax

mixed media

desde lejos

Aminta Henrich Nonone (Warmy Kullay) 1959. Lima, Peru Painter & Sculptor

2008 | solo exhibition Líneas de Nazca - Huellas del Hombre, Casa Museo Mariátegui, Instituto Nacional de Cultura. Lima, Peru. group exhibition Noche de Arte, Puericultorio Perez Aranibar. Lima, Peru. group exhibition Made in Perú, Regatas Chorrillos. Lima, Peru. solo exhibition Todos Vuelven, Galería de la Escuela Nacional Superior de Folklore José María Arguedas. Lima, Peru. group exhibition Raíces y Huellas, Proyecto NAIR Y NAP. Piura, Peru. 2007 | solo exhibition Líneas de Nazca - Huellas del Hombre, Galería de la Biblioteca de Herzberg. Elster, Germany. solo Exhibition Dejo un mundo detrás del horizonte, Palacio de Justicia de Soest. Westfalen, Germany.

I started painting figurative and abstract paintings by myself in Germany, in the town of Soest. The content of my work is definitely an expression of my Andean, Creole and wild roots. Currently my work is going towards the figurative as a result of the influence of the great love of my life, my partner Jesús La Madrid (master of Peruvian folklore). I'm painting the dances of my country in an attempt to build a historical record. Not abandoning the abstract that, within the figurative images, represents the role of illusion. I am interested in the Andean iconography that I insert into the figurative works.

Empecé pintando abstracto y figurativo autodidácticamente en Alemania, en la ciudad de Soest. El contenido de mi obra es netamente una expresión de mis raíces andinas, criollas y selváticas. Ahora, mi trabajo se ha encaminado a la figuración, influenciada por el gran amor de mi vida, mi compañero Jesús La Madrid (maestro del folclore peruano), estoy pintando las danzas de mi Patria, intentando con ello construir un testimonio histórico. Sin embargo, no abandono el abstracto, incorporando a las imágenes figurativas un componente de ilusión. Sigo interesada en la iconografía andina y la combino dentro de los figurativo. Ho iniziato a dipingere quadri figurativi e astratti da autodidatta in Germania, nella cittadina di Soest. Il contenuto del mio lavoro è decisamente espressione delle mie radici andine, creole e selvagge. Attualmente il mio lavoro va verso il figurativismo a seguito dell’influenza del grande amore della mia vita, il mio compagno Jesús La Madrid (maestro di folclore peruviano). Sto dipingendo le danze della mia patria nel tentativo di costruire una testimonianza storica. Non abbandono l’astrattismo che, all’interno delle immagini figurative, rappresenta la componente dell’illusione. Sono interessata all’iconografia andina che inserisco nelle opere figurative.


aminta henrich (warmy kullay)


laly varillas retrato de una hermosa mujer

Alejandro Hernández Chávez (Paranga) 1986. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition El lenguaje de la insensatez, Centro Cultural Juan Parra del Riego. Lima, Peru. group exhibition Arte en la playa, Galería Cecilia Gonzalez & Denise Dourojeanni y Asia Golf Club. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition Lázaro, Galería de Artes Visuales, Universidad Ricardo Palma. Lima, Peru. participation Art Lima Contemporary Art Fair, Escuela Superior de Guerra del Ejército del Perú y Galería Cecilia Gonzalez & Denise Dourojeanni. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Rabioso, Bruno Gallery. Lima, Peru. group exhibition Arte joven, Galería Forum. Lima, Peru. group exhibition Personajes Trifrontes, Galería POPA y Embajada de Perú. Buenos Aires, Argentina.

My work has, as its starting point, the sordidness of the city and its inhabitants and aims to give it a particular bestiary aspect that does not present them only as sordid characters but exalts them beyond their apparent ugliness, representing them in everyday situations laying claim to the evil and depriving it of its stigma of "wickedness". So I try to combine the imperfect with the everyday treating it as a natural fact. We live in a world that celebrates the cult of beauty and that is why the characters and themes that I address in my works are the opposite. Art is a tool of debate, not of pleasure without meaning. For this reason, it must represent the real world.

Mi obra toma como punto de partida lo sórdido de la ciudad y sus habitantes y tiene como fin volverlos parte de un bestiario particular, que los presente ya no como personajes sórdidos únicamente, sino que los exalte en su aparente fealdad, presentándolos en situaciones cotidianas y reivindicando lo feo, alejándolo de su estigma de “maldad”. Así, se busca combinar lo imperfecto con lo cotidiano, y tratarlo como un hecho natural. Vivimos en un mundo que rinde culto a la belleza y es por ello que los personajes y temas que toco en mis obras buscan lo contrario. El arte es una herramienta de debate, no de deleite sin sentido. Para esto último ya tenemos el mundo real. La mia opera ha come punto di partenza la sordidezza della città e dei suoi abitanti e ha il fine di trasformarla in un particolare bestiario che non li presenti solo come personaggi sordidi ma li esalti, aldilà della loro apparente bruttezza, raffigurandoli nelle situazioni quotidiane, rivendicando il male e privandolo del suo stigma di “malvagità”. Così provo a combinare l’imperfetto con il quotidiano trattandolo come un fatto naturale. Viviamo in un mondo che celebra il culto della bellezza ed è per questo che i personaggi e i temi che tratto nelle mie opere rappresentano il contrario. L’arte è uno strumento di dibattito non di piacere senza senso. Per questa ragione bisogna rappresentare il mondo reale.


alejandro hern�ndez (paranga)

oil qarqacha


Marita Ibáñez Sandoval 1984. Lima, Peru Visual Artist

2015 | group exhibition Bienal Latinoamericana del Bronx, Edgar Allan Poe Gallery. New York, USA. 2014 | group exhibition Sebastián Salazar Bondy, El Señor Gallinazo Vuelve a Lima, Casa de la Literatura Peruana. Lima, Peru. group exhibition Portals & Interventions, Bronx Art Space. New York, USA. solo exhibition Quimera, Fundación Euroidiomas. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Ciudad Estéreo, Galería Atípico. Lima, Peru. solo exhibition Lima 478, Museo Metropolitano de Lima. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Fronteras Nómades, Sala de Arte de la UMCE. Santiago, Chile. Museu Olho Latino. Atibaia, Brasil.

The Latin American cities are constantly changing as well as their identity. Starting from the observation of the urban expansion in my city, Lima, I pinpoint many features in common between the city's growth and the transformation of our collective and individual identities. I try to represent, from a playful perspective, landscapes that are the fruit of my imagination, but with real characteristics and components: parts of a city that exists and is fragmented in order to generate a new space, which is heterogeneous but familiar. An identity that is, in many ways, similar to the city in which I live.

Las ciudades latinoamericanas se encuentran en constante transformación; las identidades también. Partiendo de la observación de la construcción y expansión urbana en mi ciudad, Lima, encuentro muchas características en común entre el crecimiento de la ciudad y la transformación de nuestras identidades, tanto colectivas como individuales. Busco armar, desde una perspectiva lúdica, paisajes de ficción pero con características y elementos constitutivos reales: partes de una ciudad que existe y se fragmenta, para generar un nuevo espacio, heterogéneo pero de uso común. Una identidad que es muchas a la vez, como la ciudad en la que vivo. Le città latino-americane sono in costante trasformazione così come la loro identità. Partendo dall’osservazione dall’espansione dell’edilizia urbana nella mia città, Lima, individuo molte caratteristiche in comune tra la crescita della città e la trasformazione delle nostre identità, sia collettive che individuali. Cerco di rappresentare, da una prospettiva ludica, paesaggi frutto di immaginazione, ma con caratteristiche ed elementi costitutivi reali: parti di una città che esiste e si frammenta per generare un nuovo spazio, eterogeneo ma di uso comune. Un’identità che è, per molti versi, simile alla città nella quale vivo.


marita iba�ez

mixed media

ciudad est�reo


Solange Jacobs Manyari 1978. Lima, Peru Visual Artist

2014 | group Exhibition Finalistas del Concurso de Arte, Joven Municipalidad de Miraflores, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. exhibition Cuerpo Presente, Bienal de Fotografía de Lima, Espacio Fundación Telefónica. Lima, Peru. 2013 | exhibition Museo Oral de la Revolución, Museu d’Art Contemporani de Barcelona MACBA. Barcelona, Spain. exhibition Festival de Video Arte Visual Brasil. Barcelona, Spain. 2011 | group exhibition XI Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife, Fotonoviembre, exposición Atlánticas colectivas, Espacio de las artes de Tenerife. Tenerife, Spain. 2010 | exhibition Concurso FrancoPeruano de Artes Visuales, Pasaporte para un artista. Lima, Peru.

"Memorial" consists of the realization of postcards through the use of images corresponding to physical spaces that have become memorial places in relation to the armed conflict in Peru. Through the use of images and witness accounts gathered from online sources and through their re-composition in postcard format, documents relevant to the period of political violence and willful disappearance of thousands of Peruvians by unpunished persons are reconstructed and circulated.

“Memorial” se trata de la construcción de postales a través del uso de imágenes correspondientes a espacios físicos que se han constituido como lugares de memoria tras el conflicto armado en Perú. A través del uso de imágenes y testimonios recogidos de fuentes publicadas en la Web y su recomposición en el formato postal, se propone la reconstrucción y puesta en circulación de relatos que corresponden al periodo de violencia política y a la desaparición forzada de miles de peruanos; relatos silenciados en un contexto actual de impunidad. “Memorial” consiste nella realizzazione di cartoline mediante l’impiego di immagini corrispondenti a spazi fisici diventati luoghi della memoria in relazione al conflitto armato in Perú. Attraverso l’uso delle immagini e di testimonianze raccolte da fonti online e tramite la loro ricomposizione in formato di cartolina, si ricostruiscono e si fanno circolare documenti aventi attinenza con il periodo della violenza politica e della sparizione dolosa di migliaia di peruviani a opera di persone rimaste impunite.


solange jacobs

photography, postcard and texts memorial


Alejandro Jaime Carbonel 1978. Lima, Peru Mutidisciplary Artist

2014 | solo exhibition Extracción, Los Paisajes del Vacío, Wu Galería. Lima, Perú. solo exhibition Topografías del Vacío, Convento de Santo Domingo Qorikancha. Cuzco, Peru. solo exhibition Ejemplos a seguir! Expediciones en estética y sostenibilidad, Museo Metropolitano de Lima. Lima, Peru. group exhibition Pequeño Formato, Museo El Castillo. Medellín, Colombia. group exhibition Materia Prima, Centro de Arte Contemporáneo de Quito. Quito, Ecuador. group exhibition Primera Década, Arte joven a inicios de siglo, ICPNA. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Doble Horizonte, Galería Pancho Fierro. Lima, Peru.

Alejandro Jaime has developed an artistic work that refers to and evokes confined spaces: they influence the tension between the center and periphery with regards to the territory, the memory and the social and symbolic value of being urban with these spaces. He investigates various forms of the art of landscape dealing in a more problematic way what we consider "Natural".

Alejandro Jaime ha desarrollado un trabajo artístico que refiere y evoca los espacios límite: inciden en la tensión entre centro y periferia en cuanto a territorio, al vestigio y a la relación social y simbólica del ser urbano con estos espacios. Investiga las diferentes formas del arte del Paisaje problematizando lo que consideramos “Lo Natural”. Alejandro Jaime ha sviluppato un lavoro artistico che fa riferimento ed evoca gli spazi limitati: influenzano la tensione tra centro e periferia per ciò che riguarda il territorio, il ricordo e il rapporto sociale e simbolico dell’essere urbano con questi spazi. Indaga sulle diverse forme dell’arte del paesaggio ponendosi in modo problematico rispetto a ciò che consideriamo “Naturale”.


alejandro jaime

photographic collage on framework



Joan (Entes) Jiménez 1982. Lima, Peru Painter

2015 | group exhibition Unidades, Galería Paraíso. Lima, Peru. group exhibition 3era Bienal Graffiti Fine Art, Parque Ibirapuera. São Paulo, Brasil. bipersonal exhibition Entes y pésimo, Galería 93. Callao, Peru. 2014 | group exhibition Artesano, Espacio artesano. Wynwood, Miami, USA. solo exhibition Trabajo/Dignidad, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. group exhibition ComparArt, Museo de la Nación. Lima, Peru.

My most recent works have to do with an investigation of indigenous Peruvian artists of the '30s and they are, at the same time, a reinterpretation of the indigenous and Creole compositions and lines. Through my work I try to tell how we go along contaminating things, lost among the fads, more lost in consumerism every day, almost forgetting our roots.

Mis más recientes obras tienen que ver con una investigación sobre los artistas indigenistas peruanos de los años ‘30, en la misma hago una reinterpretación de las composiciones y los rasgos indígenas y criollos. A través de mi trabajo trato de contar como nos vamos mezclando entre nosotros perdidos entre modas, cada día más perdidos en el consumismo olvidando así nuestras raíces. Le mie opere più recenti hanno a che vedere con un’indagine sugli artisti indigeni peruviani degli anni ‘30 e sono, al tempo stesso, una reinterpretazione delle composizioni e dei lineamenti indigeni e creoli. Tramite il mio lavoro cerco di raccontare come ci andiamo contaminando, perduti tra le mode, ogni giorno più smarriti nel consumismo, dimenticando quasi le nostre radici.


joan (entes) jim�nez


chola hipster


Morfi Jiménez Mercado 1976. Lima, Peru Photographer

2014 | solo Exhibition La gran comedia de la vida, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. 2013 | exhibition Luz de las Entrañas, Centro Cultural Garcilaso. Lima, Peru. 2011 | exhibition Luz de las Entrañas, III Bienal de fotografía Foto Art Festival. Bielsko Biala, Poland. 2010 | group exhibition Resilience, Instituto Cervantes. New York, USA. 2009 | exhibition Luz de las Entrañas, Escuela de Bellas Artes del Cusco. Cusco, Peru. exhibition II Bienal de Fotografia Photo Quai, Museo Quai Branly. Paris, France. exhibition Luz de las Entrañas, Museo de Oro del Perú. Lima, Peru. exhibition Hasselblad Masters, Rovinj Heritage Museum. Ronvinj, Croatia.

I like tales and stories and I’m looking for people and places that evoke them; I will let them be the ones to narrate themselves to me, to tell me what they want through an image. For my part I let what has to happen, happen, and I use light and color to replicate or enhance the atmosphere created by these stories. I consider myself to be a technician even more than an artist and I like photography in its most traditional expression in which the composition, light and color are part of the story they tell.

Me gustan los cuentos, las historias y busco lugares y personajes que las tengan; dejo que sean ellos mismos los que las cuenten, los que digan lo que tengan que decir a través de una imagen; yo solo me dejo llevar por lo que sucede y trato de usar la luz y el color a favor de estas historias tratando de replicar o reforzar la atmósfera en la que estas se desarrollan. Me considero un técnico antes que un artista y me gusta la fotografía en su estado más tradicional, aquel donde la composición, la luz y el color están para contar parte de la historia. Mi piacciono i racconti, le storie e sono alla ricerca di luoghi e personaggi che li evocano; lascio che siano essi stessi a narrarmeli, che mi dicano quello che vogliono tramite una immagine. Dal canto mio lascio che accada ciò che deve accadere e uso la luce e il colore per replicare o rafforzare l’atmosfera creata da queste storie. Mi considero un tecnico ancor prima che un artista e mi piace la fotografia nella sua espressione più tradizionale nella quale la composizione, la luce e il colore fanno parte della storia che raccontano.


morfi jim�nez mercado

digital photo on cotton paper untitled

Carolina Kecskemethy 1960. Lima, Peru Visual Artist

2014 | group exhibition Ortstermin, Festival de Arte Berlin. Berlin, Germany. wall painting exhibition Kirschlüte & Edelweiss. St. Gallen, Switzerland. 2011 | exhibition Guardianas Forestales, Instalación con Rocío Rodrigo Prado, Galería Forum. Lima, Peru. group exhibition Soft Heroes are hard to find, Cámara de Comercio de Berlin. Berlin, Germany. 2009 | solo exhibition Oscilando como el paisaje, Centro Cultural Inca Garcilaso, Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú. Lima, Peru. solo exhibition Real, Irreal-Surreal: Raum stories, Museo Sammlung Scharf Gerstenberg. Berlin, Germany. group exhibition Tránsito al paraíso, Galería Vértice. Lima, Peru.

The project refers to the investigation of a formal art space as if this approach would come to allow the gaze to meet ourselves, the personal in the sense of a cultural abode. My house, my origin, my livelihood. The collage is composed of a foil of gelatin (bone), the drawing of the map of Peru is made with natural ink and the color of blood. In the background, a landscape of the Peruvian coast, the southern desert is sketched in charcoal. The allusion to an eternal landscape that feeds on memory, the arrival of water that defines the moments that are as fleeting as the ones in which we dwell.

La intervención hace referencia a la investigación de un espacio artístico formal, como un enfoque más hacia la mirada y el encuentro de lo propio, lo personal; en el sentido de una morada cultural. Mi casa, mi origen, mi sustento. El collage se compone de una lámina de gelatina (de hueso), el dibujo del mapa del Perú con tinta natural, color sangre; el fondo insinúa a carbón un paisaje de la costa peruana, el desierto del sur. La alusión a un paisaje eterno, que se alimenta del recuerdo, la llegada del agua que define una y otra vez los tiempos perecederos, así como los tiempos de estancia. L’intervento fa riferimento all’indagine di uno spazio artistico formale come se questo approccio arrivasse a permettere allo sguardo di incontrare se stessi, il personale, nel senso di una dimora culturale. La mia casa, la mia origine, il mio sostentamento. Il collage è composto da una lamina di gelatina (osso), il disegno della mappa del Perú è realizzato con inchiostro naturale, color sangue. Sullo sfondo è tratteggiato col carboncino un paesaggio della costa peruviana, il deserto del sud. L’allusione a un paesaggio eterno che si alimenta del ricordo, l’arrivo dell’acqua che definisce i momenti passeggeri così come i momenti in cui ci si sofferma.


carolina kecskemethy

mixed media

el coraz�n me sigue latiendo


Ella Krebs 1926. Callao (Lima), Peru Painter

2014 | group exhibition Maestros peruanos, Galería Índigo. Lima, Peru. retrospective presentación del libro Ella Krebs. Obra pictórica, Galería Forum. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Obra reciente, Galería Forum. Lima, Peru. 2007 | group exhibition Three Women. Three Generations. Three Continents, Wade Wilson Art Gallery. Houston, USA. 2005 | group exhibition Hilo, punto y nudo, Centro Cultural Peruano Británico. Lima, Peru. 2002 | solo exhibition D + Unife, Universidad Femenina del Sagrado Corazón. Lima, Peru.

My work is intuitive. It is the color to mark the path of my work. One asks the other, a form follows the previous and the whole thing is created through composing. Some say that every picture is a frustration and that it is the pursuit of an impossible painting. I think the opposite. I think each painting is a space for surprise and a way to solve the mystery that is hidden. Some paintings take years to show up, others only take a few hours. I leave that their covert forms appear on their own. Painting for me is like solving an impossible puzzle. Each step can be a satisfaction, a small revelation.

Mi obra es intuitiva. El color es el que traza mi línea de trabajo. Uno me pide el otro, una forma sigue a la anterior y se va componiendo. Hay quien dice que cada cuadro es una frustración y que es la búsqueda de un cuadro imposible. Yo pienso lo contrario. Para mí, cada cuadro es un espacio para la sorpresa y una manera de resolver el misterio que se esconde. Algunos cuadros tardan años en resolverse, otros solo unas horas. Intento dejar que aparezcan las formas ocultas. Pintar para mí es como resolver un enigma invisible. Cada paso puede ser una satisfacción, una pequeña revelación. La mia opera è intuitiva. È il colore a tracciare il percorso del mio lavoro. Uno mi chiede l’altro, una forma segue la precedente e il tutto si va componendo. C’è chi dice che ogni quadro è una frustrazione e che è la ricerca di un quadro impossibile. Io la penso in maniera opposta. Secondo me ogni quadro è uno spazio per la sorpresa e una maniera di risolvere il mistero che si nasconde. Alcuni quadri tardano anni per presentarsi, altri solo qualche ora. Io lascio che da sole appaiano le forme occulte. Dipingere è per me come risolvere un enigma impossibile. Ogni passo può essere una soddisfazione, una piccola rivelazione.


ella krebs

oil variaciones


Fernando La Rosa 1943. Arequipa, Peru Photographer

2014 | exhibition Georgia Art Museum. Athens, USA. exhibition Mobile Art Museum. Alabama, USA. 2008 | retrospective ICPNA, Galería Germán Kruger. Lima, Peru. exhibition Fotofest. Houston, USA. exhibition Centro Cultural Recoleta, Festival de la Luz. Buenos Aires, Argentina. exhibition Sandler Hudson Gallery. Atlanta, USA. 2007 | exhibition Atrium Gallery, Hartsfield Intr. Airport Atlanta, USA. exhibition Galería Lucia de La Puente. Lima, Peru. 2003 | exhibition Bienal de Florencia. Florence, Italy. 2002 exhibition Galería el Ojo Ajeno, Centro de la imagen. Lima, Peru.

Generally, my work has had its epicenter in the geometry in nature and the urban landscape. Except in some special projects in which abstraction and fragmentation of space were primordial elements, in others the concept of image as a metaphorical element has played an important role especially in the beginning of my photographic work. Currently I'm interested in the abstraction of objects modified by human intervention so that the image reflects both states simultaneously.

Mi trabajo en general se ha concentrado en la geometría en la naturaleza y en el paisaje urbano. Salvo en ciertos proyectos especiales, en los cuales la abstracción y la fragmentación del espacio fueron los elementos primordiales; en otros, el concepto de la imagen como elemento metafórico jugó un rol importante especialmente al comienzo de mi actividad fotográfica. En la actualidad, persigo la abstracción de los objetos intervenidos por acción del ser humano, de tal modo que la imagen refleje ambos estados simultáneamente. In genere il mio lavoro ha avuto come epicentro la geometria della natura e del paesaggio urbano. Tranne che in alcuni progetti speciali nei quali l’astrazione e la frammentazione dello spazio sono stati elementi primordiali, in altri, il concetto di immagine come elemento metaforico ha svolto un ruolo importante, specialmente all’inizio della mia attività fotografica. Attualmente mi interessa l’astrazione degli oggetti modificati dall’intervento dell’uomo in modo tale che l’immagine rifletta entrambi gli stati contemporaneamente.


fernando la rosa

silver gel negative, inkjet copy

camino a huaraz perďż˝ ‘72


Miguel Lescano 1963. Lima, Peru Visual Artist

2014 | solo exhibition Poética: Negro Sobre Blanco, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Lima Gótica III, Galería Boricua Collage. New York, USA. solo exhibition Lima Gótica II, Galería Del Barrio. Lima, Peru. 2011 | solo Exhibition Lima Gótica I, Galería De Santi. Buenos Aires, Argentina. 2007 | solo exhibition Lima Extrema, Galería Crimson. Buenos Aires, Argentina. 2006 | solo exhibition Danger, Galerie du monde in Portland. Maine, USA. solo exhibition Diario de viaje, Centro Cultural Peruano Británico. Lima, Peru. 2000 | solo exhibition Comunión, Sala de Arte del Ayuntamiento de Castelldefels. Barcelona, Spain.

His visual work is in a state of constant experimentations and it makes use of different languages such as abstract expressionism, tachism, the comical, poetry and performance, with which he reflects his experiences, his reflections on life and the permanent symbolic transformation of his hometown: Lima.

Su obra visual, en constante experimentación, hace uso de lenguajes diversos como el expresionismo abstracto, el tachismo, el cómic, la poesía y la performance, con los que refleja sus experiencias, reflexiones de vida y a la permanente transformación simbólica de su ciudad natal: Lima. La sua opera visiva in costante sperimentazione fa uso di linguaggi diversi quali l’espressionismo astratto, il tachismo, il comico, la poesia e la performance, con i quali riflette le sue esperienze, riflessioni sulla vita e la permanente trasformazione simbolica della sua città natale: Lima.


miguel lescano


un mundo







n pablo m ur




Luz Letts 1961. Lima, Peru Visual Artist

2015 | solo exhibition Luz Letts Obra reunida, Retrospectiva 1991–2015, Galería Herman Kruger Espantoso, ICPNA. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition Luz Letts Obra Reciente, Centro Cultural, Banco Atlántida. Tegucigalpa, Honduras. 2013 | group exhibition A Través del Dibujo, Museo Quirquincho. Bolivia. group exhibition A Través del Dibujo, Coda Gallery, Taylor’s University. Malaysia. group exhibition Esplendor de Sirenas, Casa Rimac, Centro Histórico. Lima, Peru. group exhibition Descabelladas: sobre cortes, trenzas y otros peinados, Galería de Arte Corriente Alterna. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Luz Letts Pequeños Territorios, Galería Lucía de la Puente. Lima, Peru.

The work of Luz Letts is urban, born in a metropolis of about 10 million inhabitants. Her proposal is a continuous search for the humanity in a city that, day by day, is rebuilt. Her main interest is to understand near space as a symbol that contains personal universes in order to protect them and secure them, to create shelters and visual metaphors to avoid getting lost in the vast labyrinth generated from living in a contradictory and fascinating city like Lima.

La obra de Luz Letts es urbana, nace en una metrópoli de aproximadamente 10 millones de habitantes. Su propuesta es una búsqueda constante de humanidad dentro de una ciudad que, día a día, se reconstruye. Su principal interés es entender el espacio próximo como símbolo contenedor de universos personales con el propósito de protegerlos o sujetarlos, de crear refugios y metáforas visuales para evitar perdernos en el inmenso laberinto que implica vivir en una ciudad tan contradictoria y fascinante como Lima. L’opera di Luz Letts è urbana, nasce in una metropoli di circa 10 milioni di abitanti. La sua proposta è una ricerca continua dell’umanità dentro una città che, giorno per giorno, si ricostruisce. Il suo principale interesse è capire lo spazio vicino come simbolo che contiene universi personali allo scopo di proteggerli e fissarli, di creare rifugi e metafore visive per evitare di perderci nell’immenso labirinto generato dal vivere in una città contraddittoria e affascinante come Lima.



luz letts

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buena punter�a


luz letts

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Luisa Fernanda Lindo 1979. Lima, Peru Visual Artist

2015 | group exhibition Puertas Abiertas. Casa de Velásquez. Madrid, Spain. 2014 | group exhibition Finalistas Concurso de Arte Contemporáneo Joven de la Municipalidad de Miraflores, Sala Porras Barrenechea, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. solo exhibition snapshots | instantáneas, La Polaca. Lima, Peru. solo exhibition [EN CONSTRUCCIÓN], Centro Cultural de Bellas Artes. Lima, Peru. group exhibition Instrucciones, Wu Galería. Lima, Peru. group exhibition Proyecto Helga, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Memory and Democracy in Latin American Poetry, David Rockefeller Center for Latin American Studies, Harvard University. Cambridge, USA.

The work SNTTL discusses the concepts of memory and forgetfulness that occur in the forced cancellation of the image that responds to invisibilization processes put in place by society. This work follows the line shown in the "snapshots | instantáneas" series in which the image is processed as a device of alienation that allows a dialogue between what is familiar and what is unknown to the point that more than revealing the image it unveils it.

SNTTL aborda los conceptos de memoria y olvido, los cuales se manifiestan en el borramiento forzado de la imagen, que responde a los procesos de invisibilización por parte de la sociedad. Esta obra, sigue la línea planteada en la serie “snapshots | instantáneas”, en la cual la imagen es trabajada como un dispositivo de extrañamiento, que permite un diálogo entre lo familiar y lo desconocido, en tanto que más que revelar la imagen, la devela. L’opera SNTTL affronta i concetti di memoria e oblio che si manifestano nella cancellazione forzata dell’immagine che risponde ai processi di invisibilizzazione messi in opera dalla società. Questa opera segue la linea indicata nella serie “snapshots | instantáneas” nella quale l’immagine viene lavorata come dispositivo di estraniamento che consente un dialogo tra ciò che è familiare e ciò che è sconosciuto, al punto che più che rivelare l’immagine la disvela.


luisa fernanda lindo

elaborated photo snttl

Michelle Llona Ridoutt 1980. Lima, Peru Photographer

2014 | group exhibition Finalista del XVII Concurso Nacional de Artes Visuales Pasaporte para un artista. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Parecía Inquebrantable, Galería Pancho Fierro. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Strüctura, Galería Sum Arcadia Mediática. Lima, Peru.

The Seguros Atlas building (1953-1955) of the architects Walter Weberhofer and José Álvarez Calderón is part of a project of modern architecture photographing archiving in Lima. The building is portrayed in its current state (05-13) to be transferred onto portable modules of different sizes in order to put the spotlight on the architectural detail. Through photography and paper, the project ensures that the architecture is pared down, becoming light, transportable and reformed. The version of the building for Ojo Andino is called Atlas 1/200 with reference to the final scale of the project.

El edificio de Seguros Atlas (1953-1955) del arquitecto Walter Weberhofer y José Álvarez Calderón, es parte del proyecto de registros fotográficos de arquitectura moderna en Lima. El edificio se retrata en su estado actual (05-13) para ser impreso en piezas portátiles a diferentes escalas, con el fin de traer el detalle arquitectónico a un primer plano. A través del medio fotográfico y el papel, el proyecto logra que la arquitectura pierda peso, convirtiéndose en ligera, transportable y re-armable. La versión del edificio para Ojo Andino, se llama Atlas 1/200 haciendo referencia a la escala final impresa. L’edificio della Seguros Atlas (1953-1955) degli architetti Walter Weberhofer e José Álvarez Calderón fa parte di un progetto di archiviazione fotografica dell’architettura moderna a Lima. L’edificio è ritratto nel suo stato attuale (05-13) per essere trasferito su moduli portatili in scale diverse, al fine di mettere in primo piano il dettaglio architettonico. Tramite la fotografia e la carta, il progetto fa sì che l’architettura perda peso diventando leggera, trasportabile e riformabile. La versione dell’edificio per Ojo Andino si chiama Atlas 1/200 con riferimento alla scala definitiva del progetto.



michelle llona

analog photo printed on canvas paper

el atlas 1/200


michelle llona

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el atlas 1/200



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Ramiro Llona 1947. Lima, Peru Multidisciplinary Artist

2013 | solo exhibition BARRANCO a pie, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. solo exhibition UNA NUEVA LUZ. Pinturas 2011-2013, Centro Cultural Inca Garcilaso, Ministerio de Relaciones Exteriores. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition Proceso, Galería Lucía de la Puente. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition Tiempos de Simbolización, ICPNA. Lima, Peru. Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile. 2003 | solo exhibition El Lenguaje Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru. solo exhibition The Americas Collection. Miami, USA. 2002 | solo exhibition Galería Arteconcult. Panama. traveling exhibition Point of Encounter: Contemporary Peruvian Painters. San José, Costa Rica. San Salvador, El Salvador.

Ramiro Llona is the creator of one of the most ambitious, direct and complex paintings of the panorama of Peruvian plastic arts. From a young age, his work has shown his ability to forge a language capable of giving equal importance to rigor and freedom, to geometric precision and gestural impulse, to instantaneous action and the total consciousness of art history. Part of this formal and conceptual explosion took place in the period between 1977 and 2002 during which the artist lived first in New York and later between New York and Lima. A product of a continuous and intense dialogue with the plastic legacy of almost all the great masters of modern painting his work has reached an internationally recognized body and mastery. [Jeremías Gamboa]

Ramiro Llona es el creador de una de las obras pictóricas más ambiciosas, frontales y complejas dentro del panorama de las artes plásticas peruanas. Desde muy joven su trabajo evidenció la forja de un lenguaje que fue acogiendo por igual el rigor y la libertad, la contención geométrica y el impulso gestual, la acción instantánea y la conciencia total de la historia del arte. Parte de esa explosión formal y conceptual sucedió en el período que va de 1977 a 2002 y durante el cual el artista vivió primero en Nueva York y después entre esa ciudad y Lima. Producto de un diálogo intenso y constante con el legado plástico de casi todos los grandes maestros de la pintura moderna su trabajo obtuvo una densidad y factura reconocidas internacionalmente. [Jeremías Gamboa] Ramiro Llona è il creatore di una delle opere pittoriche più ambiziose, dirette e complesse del panorama delle arti plastiche peruviane. Fin da giovane il suo lavoro ha evidenziato la capacità di forgiare un linguaggio capace di conferire pari importanza al rigore e alla libertà, alla precisione geometrica e all’impulso gestuale, all’azione istantanea e alla coscienza totale della storia dell’arte. Parte di questa esplosione formale e concettuale ha avuto luogo nel periodo compreso tra il 1977 e il 2002 durante il quale l’artista è vissuto prima a New York e, successivamente, tra New York e Lima. Prodotto di un dialogo intenso e costante con l’eredità plastica di quasi tutti i grandi maestri della pittura moderna il suo lavoro ha raggiunto una corposità e una maestria internazionalmente riconosciute. [Jeremías Gamboa] 5


ramiro llona


horizonte americano


ramiro llona


horizonte americano


Rossana López-Guerra 1966. Lima, Peru Multidisciplinary Artist

2014 | solo exhibition El Revés del Afuera, MOHO Colectivo: Reátegui + López-Guerra, Galería Cecilia González y Centro Cultural Juan Parra del Riego, Barranco. Lima, Peru. group exhibition La casa del Futuro, Galería Euroidiomas. Lima, Peru. group exhibition La casa del Futuro, Galería Atípico. Lima, Peru. group exhibition Yo no solo coso, Galería del Centro Cultural Británico de San Juan de Lurigancho. Lima, Peru. group exhibition Yo no solo coso, Galería John Harriman del Centro Cultural Británico de Miraflores. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Extrañas en el Paraíso, Centro Cultural de Hispanohablantes . Amsterdam, The Netherlands. group Exhibition Personajes Trifontes, Galería Popa. Buenos Aires, Argentina.

My work aims to explore the condition of life in the society in which human beings coexist, sometimes inseparably. I'm interested in observing the social relations of my surroundings, trying to perceive and understand my "I" through the reflection in the other. Placing itself on the border between public and private, the work goes along a parallel path between the personal and the social. I try to identify the points in which the individual becomes group and I analyze how the loss of identity generates a dynamic of mutual dependence producing comparisons and power plays within the roles of the individuals involved.

Mi trabajo intenta explorar la condición de la vida en sociedad, donde los seres humanos coexistimos muchas veces de modo indisociable. Me interesa observar las relaciones sociales desde mi propio entorno, tratar de percibir y entender nuestro “yo”, a través del reflejo en el otro. Al situarse en la frontera entre lo público y lo privado, mi obra recorre un camino paralelo, entre lo personal y lo social. Busco identificar los puntos donde el individuo se convierte en grupo, y analizo cómo la pérdida de identidad genera una dinámica de mutua dependencia frente al otro, produciéndose confrontaciones y juegos de poder dentro de los roles de los individuos implicados. Il mio lavoro si propone di esplorare la condizione della vita nella società nella quale gli esseri umani coesistono a volte in maniera indissociabile. Mi interessa osservare le relazioni sociali del mio ambiente, cercare di percepire e intendere il mio “io” attraverso il riflesso nell’altro. Situandosi al confine tra pubblico e privato, l’opera percorre un cammino parallelo tra il personale e il sociale. Cerco di individuare i punti nei quali l’individuo si trasforma in gruppo e analizzo come la perdita di identità genera una dinamica di reciproca dipendenza producendo confronti e giochi di potere all’interno dei ruoli degli individui coinvolti.



rossana l�pez-guerra


homo-imago i & ii


rossana l�pez-guerra


homo-imago i & ii


Olga Luna 1947. Lima, Peru Painter

2013 | exhibition Embajada de Cuba. Paris, France. exhibition Universidad Nacional Hermilio Valdizán. Huanuco, Peru. 2012 | exhibition El Muro, Centro Metropolitano de Diseño. Buenos Aires, Argentina. exhibition Centre d'Art Contemporain, Ateliers de l'Imprimé. Châtellerault, France. 2011 | exhibition Festival A-part. Alpilles-Provence, France. 2010 | exhibition Centre d'Art. Alasora, Madagascar. exhibition LAC Lieu d'Art Contemporain de la Réunion. La Réunion, Sigean, France. 2009 | exhibition Galeria de Arte Ascaso. Caracas, Venezuela. exhibition Maison du Cygne-Centre d'Art. Six-Fours-Les-Plages, France.

After exploring different types of figurative art, Olga Luna has integrated abstract geometric elements in her works and, since 1985, she has regularly used clay in her compositions. Her work on materials, shapes and light since 2001 has led her to create a series of works on the subject of the Harlequin. Olga Luna works regularly in the French region of Var and she founded the Association for the Dissemination of Art in Action through which she realizes art projects in and outside of France with the participation of young people living in socially precarious conditions.

Después de haber explorado diferentes tipos de figuración, Olga Luna incorporó en sus obras elementos geométricos abstractos y, desde 1985, utiliza regularmente arcilla en sus composiciones. A partir de 2001, su trabajo sobre los materiales, las formas y la luz, la condujo a realizar una serie de obras en torno a la temática del Arlequín. Olga Luna trabaja de forma regular en la región francesa del Var y ha fundado la Asociación para la Difusión del Arte en Acción, estructura a través de la cual realiza proyectos artísticos dentro y fuera de Francia, con la participación de jóvenes en situación de precariedad social. Dopo aver esplorato diversi tipi di arte figurativa, Olga Luna ha integrato nelle sue opere elementi geometrici astratti e, dal 1985, utilizza regolarmente l’argilla nelle sue composizioni. A partire dal 2001 il suo lavoro sui materiali, le forme e la luce l’ha portata a realizzare una serie di opere sul tema di Arlecchino. Olga Luna lavora regolarmente nella regione francese del Var e ha fondato l’Associazione per la Diffusione dell’Arte in Azione tramite la quale realizza progetti artistici in Francia e fuori, con la partecipazione di giovani che vivono in condizioni socialmente disagiate.


olga luna

photography margarita


Karen Macher Nesta 1979. Lima, Peru Interdisciplinary Artist

2014 | solo exhibition Crecimientos Anexos, Galería Fundación Euroidiomas. Lima, Peru. solo exhibition Relaciones naturales, Galería Índigo. Lima, Peru. group exhibition Memoria del Cielo, Galería L’Imaginaire. Lima, Peru. group Exhibition HUMEDALES, Intervenciones en la Naturaleza, Museo Fueguino del Arte, Río Grande. Tierra del Fuego, Argentina. group exhibition Obra reunida, Impronta Suiza en el Arte Peruano Contemporáneo. Lima, Peru. group exhibition Paisajes, Tienda Ferrini. Lima, Peru. 2013 | group Exhibition Una Mirada al Sur, Galería Sol del Río. Guatemala.

I walk, I see, I smell, I feel... I become aware of being part of nature and that I should not accomplish my work on nature, but with nature. Our energy must flow as one. In my work I try to use natural and preferably non-durable materials. My work is ephemeral as we ourselves sometimes tend to be. In nature, time is very precious. I start my work in one way but, over time, nature claims it as its own, transforming both the look and the meaning. By working with nature I agreed to never have the last word regarding my work. I learn from nature, I work with nature.

Camino, veo, huelo, siento… Tomo consciencia que soy parte de la naturaleza, que no tengo que construir mi obra sobre ella, sino con ella. Nuestra energía debe fluir como una sola. En mi trabajo intento utilizar materiales naturales que no suelen ser permanentes. Mi obra es efímera, como también lo somos nosotros. El tiempo es muy valioso en la naturaleza. Empiezo mi trabajo de una manera, pero pasado un tiempo, la naturaleza lo reclama como suya, transformándola en apariencia y significado. Al trabajar con la naturaleza he aceptado que nunca tengo la última palabra sobre mi obra. Aprendo de ella, trabajo con ella. Cammino, vedo, annuso, sento... Prendo coscienza di essere parte della natura e che non debbo realizzare la mia opera sulla natura, ma con la natura. La nostra energia deve fluire come una cosa sola. Nel mio lavoro tento di utilizzare materiali naturali e preferibilmente non durevoli. La mia opera è effimera come talvolta noi stessi. In natura il tempo è molto prezioso. Inizio il mio lavoro in un modo ma, col passare del tempo, la natura lo reclama come suo, trasformandone sia l’aspetto che il significato. Lavorando con la natura ho accettato di non aver mai l’ultima parola sul mio lavoro. Imparo dalla natura, lavoro con la natura.


karen macher nesta

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Nico Marreros 1984. Cusco, Peru Visual Artist

2014 | group exhibition Profundo respirar, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. group exhibition Del cielo cayó un rayo, SUM Arcadia Mediática. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Mutilar el respiro, Sala de exposiciones del Convento de Santo Domingo Qorikancha. Cusco, Peru. group exhibition Bestiario, Espacio Los Únicos. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Once mil pies, Sala de exposiciones del Convento de Santo Domingo Qorikancha. Cusco, Peru. solo exhibition Enmascarados-Fieros, Espacio Fallen Ángel. Cusco, Peru. 2011 | group exhibition Made in Taiwan, Centro Cultural de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Lima, Peru.

I grew up in the Peruvian Amazon. For this reason, my works are a mighty river of iridescent colors from which the nostalgia for this place, far from what many consider "modernity" or "progress", emanates. The lines that I draw run wildly through the design space to shape provocative details of women's bodies in this area: free and coquettish. The Andes, on the contrary, appear fleetingly with texts and darker colors because the mountains are my refuge and my consolation. After all I know, Puerto Maldonado (the forest that is full of the sounds of the cumbia and motorcycle taxis that look like jaguars) is the place to which I want to return.

Yo crecí en la Amazonía peruana. Por ello, mis obras son un río caudaloso de colores iridiscentes donde avanza la nostalgia por ese lugar asilado de lo que muchos consideran “modernidad” o “progreso”. Las líneas que dibujo transcurren salvajemente para darle forma a provocativos detalles de los cuerpos de las mujeres de esa zona: libres y coquetas. Los Andes, en cambio, aparecen fugazmente a través de textos y colores más oscuros; porque las montañas son mi refugio y mi consuelo. Al final, yo sé, es Puerto Maldonado (aquella selva llena de cumbia, jaguares y mototaxis) el lugar al cual quiero regresar. Sono cresciuto nell’Amazzonia peruviana. Per questa ragione le mie opere sono un possente fiume di colori iridescenti da cui emana la nostalgia per questo luogo lontano da quella che molti considerano “modernità” o “progresso”. Le linee che disegno percorrono lo spazio selvaggiamente per dare forma a dettagli provocatori dei corpi delle donne di questa zona: libere e civettuole. Le Ande, al contrario, appaiono fugacemente con testi e colori più oscuri perché le montagne sono il mio rifugio e la mia consolazione. In fondo lo so, è Puerto Maldonado (quella selva piena dei suoni della cumbia e di mototaxi che sembrano giaguari) il luogo nel quale desidero tornare.


nico marreros

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soft nina


Claudia Martínez Garay 1983. Ayacucho, Peru Visual Artist

2015 | participation Trienal Poligráfica de San Juan. San Juan, Puerto Rico. 2014 | participation 12° Bienal Internacional de Cuenca. Cuenca, Ecuador. bipersonal exhibition Land at the End of the Sea. Claudia Martínez Garay / Arturo Kameya, Centro Cultural Británico SJL. Lima, Peru. 2013 | group exhibition [Bogotá] Arte al paso, Colección contemporánea, Museo de Arte de Lima MALI, Museo de Arte del Banco de la República de Colombia. Bogotá, Colombia. solo exhibition Todos los perros van al cielo, Centro Cultural Inca Garcilaso del Ministerio de Relaciones Exteriores del Perú. Peru. 2012 | solo exhibition El otro, el mismo, Alianza Francesa de Miraflores. Lima, Peru.

My work has the recent history of Peru as a starting point. I rely on observation, analysis and investigation of the visual archives, of the events dating back to the Civil War. More than the event itself what interests me in what way, through which different strategies of construction and transformation of the image, history is constructed and what we remember from the archive images. Most of my works can be read in two ways: through the visual element or through the content and interpretation of the material elements. Both ways can confront and contradict and these feelings can occur simultaneously, causing some uncertainty.

Mi trabajo toma como punto de partida la historia reciente peruana. Me baso en la observación, análisis e investigación de archivos visuales, de los acontecimientos que se dieron durante la guerra interna. Más que los acontecimientos en sí, me interesa cómo, a través de distintas estrategias de construcción y transformación de la imagen, se construye la historia y aquello que recordamos a partir de las imágenes de archivo. La mayoría de mis trabajos pueden leerse en dos momentos: a través de lo visual y a través del contenido e interpretación de la materialidad. Ambos momentos pueden confrontarse o contradecirse, y esa sensación se da luego de manera simultánea, causando cierta incertidumbre. Il mio lavoro ha come punto di partenza la recente storia del Perú. Mi baso sull’osservazione, sull’analisi e sull’indagine degli archivi visivi, degli eventi risalenti alla guerra civile. Più che l’avvenimento in sé mi interessa in che modo, attraverso quali distinte strategie di costruzione e trasformazione dell’immagine, si costruisce la storia e ciò che ricordiamo a partire dalle immagini di archivio. La maggior parte dei miei lavori si possono leggere in due modi: tramite l’elemento visivo o tramite il contenuto e l’interpretazione degli elementi materiali. Entrambi i modi possono confrontarsi e contraddirsi e questa sensazione può verificarsi contemporaneamente causando una qualche incertezza.


claudia mart�nez garay

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Anamaría McCarthy 1955. New York, USA Photographer & Video Artist

2010 | solo exhibition A flor de piel: antología de un autorretrato, Casa de las Américas. Havana, Cuba. bipersonal exhibition Vidas Ocultas/ Hidden Lives, ICPNA. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition La Colmena, Galería Artco. Lima, Peru. 2008 | bipersonal exhibition Memoria del Olvido, Micromuseo Paradero Habana. Lima, Peru. solo exhibition Vuela el alma, Centro Cultural Peruano Norteamericano. Arequipa, Peru. 2006 | solo exhibition La edad vive de cabello en cabello, Artco. Lima, Peru. 2005 | bipersonal Exhibition La piel expuesta, ICPNA. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition La Espera de Diana, Galería Artco. Lima, Peru.

My grandmother and me. My grandmother was born in Lima and I thousands of miles away. in New York. She taught me my first words in Spanish, the names of colors and how to count to ten. It was not easy to see each other, but I do not forget how much fun I had every night when she told me the story of Little Red Riding Hood with gestures and voices that were so special that I didn’t need to understand Spanish to follow the story. In my memories my grandmother comes and goes and is always smiling with loving mischievousness. I lived admiring her and I accompanied her until she closed her eyes. In the series El Tiempo I continue to observe her so as to not lose sight of her.

Mi abuela y yo. Ella nació en Lima y yo a miles de millas, en Nueva York. Me enseñó mis primeras palabras en español, a nombrar los colores y contar hasta diez. No era fácil visitarnos, pero no olvido cuánto disfrutaba de La Caperucita Roja que me contaba todas las noches con gestos y voces tan particulares que no tenía que entender el español para comprender sus historias. Siempre admiré su fortaleza, sentido del humor y esas ganas de vivir tan inspiradoras. En mis memorias, mi abuela aparece y desaparece, siempre sonriendo con picardía amorosa. Viví admirándola y la acompañé hasta que cerró sus ojos. En la serie El Tiempo la sigo mirando para no perderla de vista. Mia nonna e io. Mia nonna è nata a Lima e io a migliaia di miglia di distanza, a New York. Mi ha insegnato le prime parole in spagnolo, i nomi dei colori e a contare fino a dieci. Non era facile vederci, ma non dimentico quanto mi divertivo quando tutte le sere mi raccontava la favola di Cappuccetto Rosso con gesti e voci così particolari che non avevo bisogno di capire lo spagnolo per seguire la storia. Nei miei ricordi mia nonna appare e scompare e sorride sempre con amorevole birbanteria. Ho vissuto ammiradola e l’ho accompagnata fin quando ha chiuso gli occhi. Nella serie El Tiempo continuo a osservarla per non perderla di vista.



anamar�a mccarthy

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el tiempo


anamar�a mccarthy

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el tiempo


Alejandra Mitrani Ocampo 1982. Huancayo, Junín, Peru Visual & Graphic Artist

2015 | group exhibition Otra Dimensión, Escuela de Bellas Artes del Perú. Peru. group exhibition Casa de la Literatura Peruana. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Demens Bibliotheca, Galería Cecilia González. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Argucias libres, libros sutiles, Galería Cecilia González. Lima, Peru. 2009 | group exhibition Bienal de Grabado, Prueba de Artista, ICPNA. Lima, Peru. 2007 | group exhibition Pasaporte para un Artista, Centro Cultural PUCP. Lima, Peru.

Every book offers us the opportunity to immerse ourselves in another world. A story is also an architecture and the pages contain surfaces of possible areas to explore. A book, is much more than words, it contains the itinerary of this world, a space in which we can encounter something more within us. It deals with, above all, abolishing the oblivion - a book is the memory of a world, of a person or of something that was there and isn’t any more...

Cada libro abre la posibilidad de sumergirnos en otro mundo. Una historia es también una arquitectura y las páginas contienen la superficie de posibles territorios que explorar. Un libro, más allá de las palabras, contiene el itinerario de ese mundo; un espacio en el que se propone que encontremos algo de nosotros mismos en él. Se trata, sobre todo, de abolir el olvido – un libro es la memoria de un mundo, de una persona o algo que estaba allí, y ya no está… Ogni libro ci offre la possibilità di immergerci in un altro mondo. Una storia è anche una architettura e le pagine contengono le superfici dei possibili territori da esplorare. Un libro, assai più delle parole, contiene l’itinerario di questo mondo, uno spazio nel quale possiamo incontrare qualcos’altro di noi. Si tratta, soprattutto, di abolire l’oblio – un libro è la memoria di un mondo, di una persona o di qualcosa che stava lì e non c’è più...


alejandra mitrani

collage, drawing and fretwork untitled

Diego Molina Campodonico 1980. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition Equilibrio Cromático, Wu Galería. Lima, Peru. 2014 | group exhibition Del Individuo a la Sociedad Digital, Sala Sol de York. Madrid, Spain. 2013 | group exhibition Expedición Amazonas, Galería Municipal Pancho Fierro. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Intersecciones, Wu Galería. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition El Límite, Wu Galería. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Play Land, selección de obras 2004-08, Galería Corriente Alterna. Lima, Peru. solo exhibition Sinestesia, Wu Galleria. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition Reflejo, Wu Galería. Lima, Peru.

My work tries to make us compare ourselves with our bio-psychic reactions in the presence of the pictorial fact, the experience of color and the potential that the painting has to touch the reality and tell us something of the present. The long tradition of painting and its human limitations in material realization, have ended up producing new paradigms in the face of the changes that are occurring in the way in which we observe, analyze, represent and understand the image. My work explores these paradigms. In its development technical and thematic mutations emerged and today I got to focus my interest on the deconstruction of my painting processes by investigating the field of perception.

Mi obra busca confrontarnos con nuestras propias reacciones bio-psicológicas frente al hecho pictórico, la experiencia del color y la potencialidad que tiene la pintura para tocar la realidad y comunicar acerca del presente. La larga tradición del medio y sus límites humanos, en tanto realización material, han ido configurando nuevos paradigmas frente a los cambios que vienen ocurriendo en nuestro modo de observar, analizar, representar y entender la imagen. Mi trabajo explora dichos paradigmas. En su desarrollo, han ido emergiendo mutaciones técnicas y temáticas; llevándome hoy a concentrar mi interés en la deconstrucción de mis propios procesos pictóricos, investigando el terreno de la percepción. La mia opera cerca di farci confrontare con le nostre reazioni bio-psichiche al cospetto del fatto pittorico, dell’esperienza del colore e della potenzialità che la pittura ha di toccare la realtà e comunicarci qualcosa del presente. La lunga tradizione della pittura e i suoi limiti umani, in quanto realizzazione materiale, hanno finito per produrre nuovi paradigmi al cospetto dei cambiamenti che si stanno verificando nel nostro modo di osservare, analizzare, rappresentare e capire l’immagine. Il mio lavoro esplora questi paradigmi. Nel suo sviluppo sono andate emergendo mutazioni tecniche e tematiche e oggi sono arrivato a concentrare il mio interesse sulla decostruzione dei miei processi pittorici indagando il campo della percezione.


diego molina campodonico

oil detr�s de la cordillera

José Luis Morales Sierra 1974. Cusco, Peru Visual Artist

2015 | group exhibition Salón de Otoño Brasil-Francia, Memorial de América Latina, Galería Marta Traba. São Paulo, Brasil. 2014 | solo exhibition Extraterritoriales Vol. I, ICPNA. Cusco, Peru. group exhibition Vitrina de Proyectos, Memorial de América Latina, Galería Marta Traba. São Paulo, Brasil. group exhibition Transcripciones, Exposición de Artes Visuales EEUU-Perú, ICPNA. Cusco, Peru. 2013 | group exhibition Savias, Templo de Santo Domingo, Koricancha. Cusco, Peru. group exhibition ADN Pétreo, Bienal de Grabado. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Predicarte Convento Santo Domingo, Koricancha. Cusco, Peru.

Cartography is a resource that is anodyne and punctual at the same which I use at this time to record our passage from the material to the spiritual. Art is the code that transmits this flow. Maps are utopias, and sometimes, the reality with which the userviewer can build a place within its free design. Collage as a technique, on par with calligraphy or typography, only guides a space determined between fantasy and reality. Art is then the transit and vehicle of this feeling that I propose: the contribution to the enjoyment of those who believe that it is not impossible to stop creating.

La cartografía es un recurso a la vez anodino y puntual, del que me valgo en este tiempo para registrar nuestro tránsito material hacia lo espiritual; el Arte es el código que transmite ese fluir. Los mapas son utopías y, a la vez, realidades donde el receptor-espectador puede construir un lugar dentro de su concepción libre. La técnica del collage, como así de la caligrafía o tipografía, son en sí solo guías de un espacio resuelto entre la fantasía y realidad. El Arte es entonces tránsito y vehículo de este sentimiento que propongo: la contribución a la fruición de los que creen que no es imposible dejar de crear. La cartografia è una risorsa al contempo anodina e puntuale della quale mi servo in questo momento per registrare il nostro passaggio dal materiale fino allo spirituale. L’Arte è il codice che trasmette questo fluire. Le mappe sono utopie e, talvolta, realtà con le quali il fruitore-spettatore può costruire un luogo all’interno della sua concezione libera. La tecnica del collage, al pari della calligrafia o della tipografia, sono solo guide di uno spazio risolto tra fantasia e realtà. L’Arte è quindi transito e veicolo di questo sentimento che propongo: il contributo alla fruizione di quanti credono che non sia impossibile smettere di creare.


josďż˝ luis morales

mixed media

paisaje andino viii


Luz Negib Painter

2013 | solo exhibition Brotes del Recuerdo, Galería John Harriman. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition Torsos. Estados de Ánimo, Galería Artco. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition Paisaje de luz y sombra, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2006 | group exhibition Artistas Peruanos en el Reino Unido, Galería John Harriman. Lima, Peru. 2005 | group exhibition Pintores Peruanos Contemporáneos, Galería CCPUCP. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition Moana Ninamu (Océano azul), La Galería. Lima, Peru. group exhibition Artistas Peruanos Contemporáneos. Alicante, Spain. 2003 | solo exhibition Retrospective 1963-2003, Galería German Krüger Espantoso, ICPNA. Lima, Peru.


luz negib

acrylic untitled

Lorena Noblecilla 1977. Lima, Peru Visual Artist

2014 | solo exhibition De lo ambiguo, Galería Forum. Lima, Peru. group exhibition Lima: territorio y memoria, Museo Metropolitano de Lima. Lima, Peru. 2012 | showing the book Lugares Comunes, Noche en Blanco, arte en espacio público. Lima, Peru. group exhibition De la ilusión de Irrealidad Paralela a I Bienal de Fotografía de Lima, Galería Arte Forum. Lima, Peru. participation Bienal de Fotografía de Lima. Lima, Peru. 2010 | group Exhibition Photo Shop, Galería Vértice. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition Compas, Galería Forum. Lima, Peru. group exhibition Espacio Exhibe. Lima, Peru. group exhibition Artfest. Lima, Peru.

The image of the work is part of the series "Lugares Comunes". The photo was taken from a paraglider along the coast of Lima. The image is only visible from above and so the paradox of the morphology and the structures is discovered, with them being virtually invisible and indecipherable from a human and terrestrial perspective, but clear and totally visible from the air. No doubt they were not originally created to be seen or experienced in this way. This image that technology makes it possible to record, discover and see, transforms the landscape into a beautiful and strange universe, tormented by geometric shapes and perfectly designed parallel lines.

La imagen de la obra es parte de la serie “Lugares Comunes”, fotografía tomada en un parapente en la costa de Lima. La imagen es sólo visible desde las alturas, y así se descubre la paradoja de una morfología; estructuras que, siendo prácticamente invisibles e indescifrables desde la perspectiva humana y terrena, son sólo claras y totalmente visibles desde el aire. Sin embargo, estas no han sido creadas, en principio, para ser vistas o vividas de esta manera. Esta imagen, que sólo la tecnología hace posible registrar, descubrir y ver, convierten el paisaje en un hermoso y extraño universo plagado de figuras geométricas y líneas paralelas perfectamente diseñadas. L’immagine dell’opera fa parte della serie “Lugares Comunes”. La foto è stata scattata da un parapendio lungo la costa di Lima. L’immagine è visibile solo dall’alto e così si scopre il paradosso di una morfologia, di strutture che, essendo praticamente invisibili e indecifrabili da una prospettiva umana e terrena, sono chiare e totalmente visibili dall’aria. Senza dubbio in origine non sono state create per essere viste o vissute in questa maniera. Questa immagine che solo la tecnologia rende possibile registrare, scoprire e vedere, trasforma il paesaggio in un universo bello e strano, tormentato da figure geometriche e linee parallele perfettamente disegnate.


lorena noblecilla

digital photography

serie lugares comunes


Verónica Noriega Esquives 1985. Chiclayo, Peru Engraver

2015 | solo exhibition Ser gravado, ser impressionado: O Suporte dos afetos, Galeria da FAV. Goiânia, Brasil. 2014 | group Exhibition 1ª Bienal Sul-Americana de Gravura e Arte Impressa. Rio-Córdoba. group exhibition Post-Faces, Maison des Arts de Talence. Bordeaux, France. group exhibition III Salão Xumucuís de Arte Digital, Espaço Cultural Casa das Onze Janelas. Belém, Brasil. 2013 | group exhibition Projeto Gravado, Galeria Potrich. Goiânia, Brasil. group exhibition La Praxis, 4ta Bienal Internacional de Grabado, ICPNA. Lima, Peru. 2012 | group exhibition El Vestido, no hay puntada sin hilo, Biblioteca de Santiago. Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition Humana Naturaleza, 3era Bienal Internacional de Grabado, ICPNA. Lima, Peru.

My production needs to be put in relation to the condition of the body and the work of art as a subject and channel of affections. I think it is useful to recover the questions of the soul and its relationship with matter and, therefore, our relationship with ourselves and our image. In this way, since my body is a limit and conduit, I intend to meet myself and share myself through the materialized vestiges of my works. Through my artistic proposals I reflect on the symbolic delivery of one’s body with the artwork while constantly in dialogue with the conceptual movements of engraving and building metaphors between the support and the engraved image.

Mi producción está relacionada a la condición del cuerpo y de la obra de arte como materia y canal de los afectos. Creo que es válido rescatar los asuntos del alma y su relación con la materia y, consecuentemente, nuestra relación con nosotros mismos y nuestras imágenes. De ese modo, siendo mi cuerpo límite y acceso, intento encontrarme y compartirme a través de vestigios materializados en mis obras. A través de mis propuestas artísticas, reflexiono acerca de la entrega simbólica del cuerpo propio en la obra de arte, dialogando constantemente con los desplazamientos conceptuales del grabado, construyéndose metáforas entre soporte e imagen grabada. La mia produzione va messa in relazione alla condizione del corpo e dell’opera d’arte come materia e canale degli affetti. Credo sia utile recuperare le questioni dell’anima e del suo rapporto con la materia e, di conseguenza, il nostro rapporto con noi stessi e la nostra immagine. In questa maniera essendo il mio corpo limite e tramite, ho intenzione di incontrarmi e condividermi attraverso le vestigia materializzate delle mie opere. Tramite le mie proposte artistiche rifletto sulla consegna simbolica del proprio corpo con l’opera d’arte dialogando costantemente con gli spostamenti concettuali dell’incisione e costruendo metafore tra il supporto e l’immagine incisa.


ver�nica noriega

xylography and fold

de manos abiertas



b e atriz to rr


Renzo Núñez-Melgar (Reve) 1982. Lima, Peru Painter

2013 | solo exhibition Un día en la vida, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. group exhibition 7mo Arte, Colectiva del Cartel de Cine Peruano, Galería del Barrio. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Cabezas de Buda intervenidas, Club empresarial de San Isidro. Lima, Peru. group exhibition Lima a Color, Espacio de Arte de Viajes El Corte Inglés. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Lima Rock City, Espacio de Arte de Viajes El Corte Inglés. Lima, Peru. group exhibition Los colores de mi país, Palacio Nacional de Justicia. Lima, Peru. group exhibition Muestra colectiva de pintura, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru.

In the work of Renzo Núñez-Melgar you encounter scenes of the city of Lima (that are Peruvian and sometimes of the world), its habits and its symbols. But now his work consists of reinterpreting classic rock album covers and giving them a Peruvian or universal touch, playing with the covers and deftly introducing elements that do not spoil their harmony seeing as he deals with images that are known by many.

En la obra de Renzo Núñez-Melgar se han plasmado escenas de la urbe limeña (peruana y algunas veces mundial), sus costumbres y sus símbolos; pero actualmente, su obra consiste en reinterpretar portadas de álbumes clásicos del rock para darles un toque peruano o universal, jugar con ellas e introducirles muy sutilmente elementos que no rompan con la armonía de estas, ya que son imágenes conocidas por muchos de nosotros. Nell’opera di Renzo Núñez-Melgar si incontrano scene della città di Lima (peruviane e alcune volte mondiali), le sue abitudini e i suoi simboli. Ma attualmente la sua opera consiste nel reinterpretare le copertine degli album classici del rock dando loro un tocco peruviano o universale, giocando con le copertine e introducendo abilmente elementi che non ne guastano l’armonia, in quanto si tratta di immagini conosciute da molti.


renzo n��ez-melgar (reve)


caminata barranquina


Patricia María Olguín Neira 1963. New York, USA Visual Artist

2015 | group exhibition First feed the Mind. Milan, Italy. 2014 | group exhibition Realms of figuration, Agora Gallery. New York, USA. group exhibition Compart, Museo de la Nación. Lima, Peru. group exhibition Comparaisons, Grand Palais. Paris, France. 2013 | solo exhibition Son tus rosas un camino, y las mías tu lecho, La Galería. Lima, Peru.

I liked when a new work came home that changed all of the pre-existing order, creating a new atmosphere. Thus my need to transform the everyday atmospheres of people and to alter their surroundings was born. The sculpture is in and of itself a plastic object, a play of shapes and voids. In my case it's anatomy that emerges from geometry or vice versa, an endless search for dialogue between volumes; mixing materials such as wood and metal, the surfaces become more sensual. This takes you back to the aesthetic order of a house, a square, a street... to make sure that these objects are transformed into subjects to caress not only with your hands, but also with your eyes.

Me gustaba cuando llegaba una obra nueva a casa, cómo se replanteaba todo el orden establecido creando una nueva atmosfera para todos. Esto creó la necesidad en mí de replantear las atmósferas cotidianas de la personas y alterar el entorno. La escultura es per sé un objeto plástico, juego de formas y vacíos. En mi caso, es anatomía que emerge de geometría o viceversa, una búsqueda interminable de diálogo entre volúmenes; mezclando materiales como la madera y el metal, se sensualizan las superficies. Luego se vuelve al orden estético de una habitación, una Plaza, una calle… para dar la oportunidad que este objetos se conviertan en sujetos acariciables, no solo con las manos, sino también con los ojos. Mi piaceva quando a casa arrivava una nuova opera che modificava tutto l’ordine preesistente creando per tutti una nuova atmosfera. Così è nata la mia esigenza di modificare le atmosfere quotidiane della gente e alterare l’ambiente circostante. La scultura è in sé un oggetto plastico, gioco di forme e vuoti. Nel mio caso è anatomia che emerge dalla geometria o viceversa, un’interminabile ricerca di dialogo tra volumi; mescolando materiali come il legno e il metallo, si rendono più sensuali le superfici. Si torna così all’ordine estetico di una casa, di una piazza, di una strada... per fare in modo che questi oggetti si trasformino in soggetti da accarezzare non solo con le mani, ma anche con gli occhi.


patricia olgu�n

mirror, resin veneered in gold

el reflejo de tu aliento


José Carlos Orrillo Puga 1973. Lima, Peru Photographer & Video Artist

2015 | group exhibition La Encomienda, Galería Marta Traba del Memorial de América Latina. São Paulo, Brasil. group exhibition IV Bienal del Fin del Mundo. Valparaíso, Chile. 2014 | group exhibition La Encomienda, Proyecto de fotografía peruana contemporánea, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile. group exhibition Viaje a la Quebrada, Galería ICPNA. Lima, Peru. solo exhibition Guardianes, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. group exhibition Muestra de la colección permanente del Museo de Arte de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Lima, Peru. 2013 | exhibition IV Feria Internacional de Fotografía Lima Photo, Centro de la Imagen. Lima, Peru.

"Ojo interior" is part of a series designed from the manipulation of black and white film negatives from my personal library. My business relates the symbolic process of alchemy with lab work in black and white, like the search for light in the darkness where each image encountered corresponds to a change in the state of consciousness of the artist comparable to the transformation of the inner matter (the spirit) that the alchemist experiences in his quest for the philosopher's stone. In photographs special items are used, such as fossil stones from the depths of the rivers of the Amazon and other elements in possession of a strong symbolic charge in the setting of Andean spirituality.

“Ojo interior” pertenece a una serie elaborada a partir de la manipulación de negativos de película blanco y negro de mi archivo personal. Relaciona el proceso simbólico de la alquimia con el trabajo de laboratorio en blanco y negro, como búsqueda de la luz en la oscuridad, donde cada imagen encontrada corresponde a una modificación del estado de conciencia del artista, equiparable a la transformación de la materia interior (el espíritu) que experimenta el alquimista en su búsqueda de la piedra filosofal. En las fotografías se utilizan objetos especiales como piedras fósiles procedentes de las profundidades de los ríos amazónicos, entre otros elementos de fuerte carga simbólica dentro de la espiritualidad andina. “Ojo interior” fa parte di una serie concepita a partire dalla manipolazione dei negativi della pellicola in bianco e nero del mio archivio personale. La mia attività mette in relazione il processo simbolico dell’alchimia con il lavoro di laboratorio in bianco e nero, come la ricerca della luce nell’oscurità dove ogni immagine incontrata corrisponde a un cambiamento dello stato di coscienza dell’artista, paragonabile alla trasformazione della materia interiore (lo spirito) che sperimenta l’alchimista nella sua ricerca della pietra filosofale. Nelle fotografie si utilizzano oggetti speciali, come pietre fossili provenienti dalle profondità dei fiumi dell’Amazzonia, e altri elementi in possesso di una forte carica simbolica nell’ambito della spiritualità andina.


josďż˝ carlos orrillo

digitalized black and white film, colour on canvas hahnemĂźhle ojo interior

Fernando Otero Ferrer 1972. Lima, Peru Multidisciplinary Artist

2o15 | exhibition The building and its artifacts, Lamb Arts. London, UK. group exhibition Fotografia Peruana, Memorial da America Latina. São Paulo, Brasil. 2014 | exhibition Recent Works, Lamb Arts. London, UK. exhibition Voz y palabra, Graphic Art Gallery. Caracas, Venezuela. exhibition La Encomienda en Chile, Museo de Bellas Artes. Santiago, Chile. 2013 | exhibition Either side of the Divide, Lamb Arts. London, UK. exhibition Ya nada volverá a ser igual, Galería Forum. Lima, Peru. 2012 | exhibition Laberinto, Centro Cultural El Olivar. Lima, Peru. 2011 | exhibition Caminata Nocturna, Galería Forum. Lima, Peru.

Currently my work is divided into two parallel and complementary production lines: geometric construction and the collecting of objects. In my geometric work I used architectural elements as a metaphor for a self-protective, rational construction, trying to create a space of silence and psychic intimacy whose structure protects us, above all, from the gaze of others. Depending on the construction of the geometric works, I give life to a space with which I challenge memory through the use of the collection of objects that I’ve accumulated for some time now; it is like when you finish building a house and finally open the boxes in which your memory lives.

Actualmente, mi obra se divide en dos líneas productivas paralelas y complementarias: la construcción geométrica y el coleccionismo de objetos. En mi trabajo geométrico, he usado lo arquitectónico como la metáfora de una construcción autoprotectiva, racional, buscando generar un espacio de silencio e intimidad psíquica, donde la estructura nos protege, sobre todo, de la mirada ajena. En función a la construcción de lo geométrico, genero un espacio para finalmente enfrentarme a la memoria mediante el uso de colecciones de objetos que venía acumulando desde siempre; fue como acabar de construir la casa para finalmente abrir las cajas donde habita nuestra memoria. Attualmente la mia opera si divide in due linee di produzione parallele e complementari: la costruzione geometrica e il collezionismo di oggetti. Nel mio lavoro geometrico ho utilizzato gli elementi architettonici come metafora di una costruzione autoprotettiva, razionale, cercando di generare uno spazio di silenzio e intimità psichica la cui struttura ci protegge, soprattutto, dallo sguardo altrui. In funzione della costruzione delle opere geometriche, do vita a uno spazio nel quale confrontarmi con la memoria mediante l’abitudine di collezionare oggetti che vado accumulando da sempre; è stato come terminare di costruire la casa aprendo finalmente le scatole nelle quali abita la nostra memoria.



fernando otero ferrer


desmemoriados ii


fernando otero ferrer


desmemoriados ii

Clemente Pacaya Ahuanari 1985. Flor de Punga, Loreto, Peru Painter

2015 | group exhibition Concurso y vinos, Campo ferial. Cascas, Peru. 2011 | solo exhibition Sabor y Color sanjuanino, Balneario Maquía. Contamana, Peru. 2010 | group exhibition Colores Nocturnos, Plaza de Armas. Iquitos, Peru. 2008 | group exhibition Estamos en la Calle, Universidad Científica del Perú. Iquitos, Peru. 2006 | group exhibition líneas y formas, Galería César Calvo de Araujo. Iquitos, Peru.

WHEN I’M AWAKE, I GAZE UPON YOU. When I’m awake I look at and admire Mother Nature that, with its many colors and shapes, gives its touch of inspiration. Thusly this work comes to be, it centers on a man who is staring intently and his intrusion in a desert landscape, devoid of vegetation. To give greater vitality, a woodpecker that takes possession of a dead tree in order to make his home and reproduce; the rocks mimic female profiles that represent the delicacy of every thing that is found on our soil.

DESPIERTO TE MIRO. Despierto te miro y admiro está dedicada a la madre naturaleza que, con sus múltiples formas y colores, va regalando su toque de inspiración. Es así como se forma esta obra, poniendo como actor principal al hombre con la mirada fija y su intervención en ella, tenemos aquí un panorama desértico con ausencia de vegetación y, para mayor vitalidad, un pájaro carpintero que toma posesión de un árbol seco para hacer su hogar de reproducción; las rocas simulan siluetas femeninas que representan la delicadeza que tiene cada cosa que está en nuestro suelo. SVEGLIO TI GUARDO. Sveglio ti guardo e ammiro madre natura che, con i suoi molteplici colori e forme, regala il suo tocco di ispirazione. Così nasce questa opera al cui centro c’è l’uomo con lo sguardo fisso e il suo intervento su un panorama desertico, privo di vegetazione. Per conferire maggiore vitalità, un picchio che si impossessa di un albero secco per fare la sua casa e riprodursi; le rocce simulano profili femminili che rappresentano la delicatezza di ogni cosa che si trova sul nostro suolo.


clemente pacaya


despierto te miro


Marcos Palacios Naganoma 1977. Lima, Peru Painter

2015 | group exhibition Ceviche, Old St Gallery. London, England. group exhibition Peruanos de hoy, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2014 | group exhibition Arte accesible, Museo de arte contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. solo exhibition Estética de los espacios, Galería Cecilia González y Denise Dourojeanni. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Héroes, Centro Cultural Juan Parra del Riego. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Arte para compartir III, Sala Aires. Cordoba, Spain. 2010 | group exhibition Pintura Peruana Actual, Galerie El Pacífico Moderne Lateinamerikanische Kunst. Stuttgart, Germany.

Expressionism and color are the protagonists of the paintings by Marcos Palacios in which matter is a fundamental element of the pictorial mark. His themes are ordinary people. In this way he shows the problems and the typical effects of social transformation by imitating, in some cases, poses of heroes or fictional characters and/or legends from the fantastic universe of the artist. Figurative expressionism with its dynamic mark and a feeling of movement supported by a dose of material energy as a sign of passion and pictorial force.

Expresionismo y color, son los protagonistas de las pinturas de Marcos Palacios, donde la materia es fundamental en el trazo pictórico. Sus temas son personajes comunes; de esta manera, él muestra problemáticas y logros propios de una transformación social, donde imita, en algunos casos, posturas de héroes o personajes de fantasía y/o leyenda, propios del universo imaginario del artista. Expresionismo figurativo con trazo dinámico y una presente sensación de movimiento, respaldada por una dosis de carga matérica, como sello de una pasión y fuerza al pintar. Espressionismo e colore sono i protagonisti dei dipinti di Marcos Palacios nei quali la materia è elemento fondamentale del segno pittorico. I suoi temi sono persone comuni. In questo modo mostra le problematiche e gli effetti tipici di una trasformazione sociale imitando, in alcuni casi, pose di eroi o di personaggi di fantasia e/0 leggende dell’universo fantastico dell’artista. Espressionismo figurativo con segno dinamico e una sensazione di movimento sostenuta da una dose di carica materica come segno di passione e forza pittorica.


marcos palacios

oil on canvas kitchen

Mariú Palacios 1976. Lima, Peru Photographer & Installation Artist

2014 | solo exhibition Galerie Younique. Paris, France. group exhibition Feria Lima Photo. Lima, Peru. group exhibition PArC Perú Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Galería Cecilia González. Lima, Peru. group exhibition Trevisani Gallery. Bologna, Italy. group exhibition Basak Malone Gallery. New York, USA. 2012 | group exhibition Fundación Pide un deseo, Galería ICPNA. Lima, Peru. group exhibition 16th Da Dun Fine Arts Exhibition. Taichung, Taiwan. 2011 | solo exhibition Galería Cecilia González. Lima, Peru. group exhibition Florence Biennale. Florence, Italy.

I freed you in the space of my memories / And I locked you up / I let you sleep in my memory / Now you're gone: / Rest / Now our little memories roam in a world with no atmosphere / Where all the memories of humanity live / The ones that will never be touched again / Nor embraced / Never (Fragment of a poem by Mariú Palacios).

Te solté en el espacio de mis recuerdos / Y te tapé / Te dejé dormir en mi memoria / Ya no estas mas: / Descansa / Ahora nuestros pequeños recuerdos vagan en un universo sin atmósfera / En donde habitan todas las memorias de la humanidad / Las que no volverán a ser tocadas / Ni abrazadas / Jamás (Fragmento poema de Mariú Palacios). Ti ho liberato nello spazio dei miei ricordi / E ti ho rinchiuso / Ti ho lasciato dormire nella mia memoria / Ora non ci sei più: / Riposa / Ora i nostri piccoli ricordi vagano in un universo senza atmosfera / Dove vivono tutti le memorie dell’umanità / Quelle che mai più saranno sfiorate / Né abbracciate / Mai (Frammento di una poesia di Mariú Palacios).


mariďż˝ palacios

photography untitled

Carol Sarahi Pastor García 1989. Talara, Peru Painter

2014 | group exhibition Municipalidad de Santa Anita. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Casa de la Juventud (El Porvenir). Trujillo, Peru. group exhibition Salón Municipal Huanchaco. Trujillo, Peru. group exhibition Biblioteca Municipal. Trujillo, Peru.

"Passing through secluded areas of the common art market of our country where the most basic materials have become good companions of our stay, accomplices, as they are, of the variety of the palette, the strength and the ability to handle color." Circulating in the streets of the figure and the bold color, there are many ways to deal with painting. For me it's technicolor, as if that which was will be better, as if that which is to come were already here. Of course we have to reconcile the anxiety with the indestructible youth and the fragments of color that are the main antidote. All the guidelines are good, all paths are appropriate when you find the song you want, when color is light and what will be is already blooming.

“Transitando lugares apartados del común mercado artístico de nuestro país, donde los materiales más básicos se convirtieron en buenos compañeros de estancia, siendo cómplices de la variada gama, fuerza y el efusivo manejo del color”. Circulando entre las rutas de la figura y el color osado, son múltiples los manejos de la pintura. Para mí es el technicolor, como si lo que fue será mejor, como si lo que viene ya estuvo aquí; naturalmente, reconciliar la ansiedad con la indestructible juventud y los fragmentos de color aquí son el principal antídoto. Todas las directrices son buenas, todos los caminos son adecuados, cuando hallas la canción deseada, cuando el color es luz, y lo que será ya florece. “Passando per luoghi appartati del comune mercato dell’arte del nostro Paese dove i materiali più elementari si sono trasformati in buoni compagni di soggiorno, complici, come sono, della varietà della tavolozza, della forza e della capacità di maneggiare il colore”. Circolando per le strade della figura e del colore audace, molteplici sono i modi di affrontare la pittura. Per me è il technicolor, come se quello che fu sarà migliore, come se quello che deve venire fosse già qui. Naturalmente bisogna conciliare l’ansia con l’indistruttibile gioventù e i frammenti del colore, che sono il principale antitodo. Tutte le direttrici sono buone, tutti i percorsi sono adeguati quando trovi la canzone desiderata, quando il colore è luce e ciò che sarà fiorisce già.


carol pastor

mixed media mir�ndote

Pablo Patrucco Núñez 1975. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition La memoria de bronce, Centro Cultural Garcilaso de la Vega. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition Sobre Héroes y Tumbas, Galería Luis Miroquesada. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Materia Obscura, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition Barroco Frío, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition Litoral, Galería Arte Nota. La Paz, Bolivia. solo exhibition Litoral, Galería Kiosco. Santa Cruz, Bolivia. 2005 | solo exhibition Espacios Comunes, Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition Iconos, Galería Punctum. Lima, Peru.


pablo patrucco

pencil untitled


Susana Perrottet Ríos 1975. Lima, Peru Multisciplinary Artist

2015 | group exhibition Eingangsirrtum I + II, Centre PasquArt. Biel, Switzerland. 2013 | group exhibition It’s In The Detail, Kunsthaus Baselland. Muttenz, Switzerland. solo exhibition Señales, El Borde. Lima, Peru. 2012 | group exhibition VIP Art Fair – VIP MAF, Art-Fair. New York, USA. group exhibition Swiss Art Awards, Messe Basel. Basel, Switzerland. 2011 | solo exhibitionl Visión Compartida, Kunstraum Baden. Baden, Switzerland. group exhibition Café des Rèves – Eine Videoausstellung, Helmhaus Zurich. Zurich, Switzerland. 2010 | group exhibition CON CAN Moviefestival. Tokyo, Japan.

Dreams and "paranormal experiences" are for Susana Perrottet homologous elements that generate the same potential and interest. The artist builds her work from this experience of symbolic or cultural democratization that involves a silent but irrefutable uprising. The goal of this work is crisp, crystal clear: it is about knowing reality, namely the requirements of the human experience. Thanks to a unique formulation that combines a clearly dark subject - the nightmare, the supernatural - with a finished work, that is nuanced, achieves the goal of all artists: widening the frontiers of perception. And to move the viewer. [Diego Otero]

Los sueños y las “experiencias paranormales” son, para Susana Perrottet, elementos homólogos, poseedores del mismo potencial e interés. A partir de esa especie de democratización simbólica o cultural, que implica una silenciosa pero contundente sublevación, ella construye su obra. El objetivo de esa obra es nítido, cristalino: se trata de conocer la realidad, es decir, los resquicios de la experiencia humana. Gracias a una singular formulación, que conjuga un material evidentemente oscuro –la pesadilla, lo sobrenatural– con un acabado plástico rico en matices, consigue eso que todos los artistas buscan: expandir las fronteras de la percepción. Y conmover. [Diego Otero] I sogni e le “esperienze paranormali” sono per Susana Perrottet elementi omologhi che generano il medesimo potenziale e interesse. L’artista costruisce la sua opera a partire da questa esperienza di democratizzazione simbolica o culturale che comporta una silenziosa, ma irrefutabile sollevazione. L’obiettivo di questa opera è nitido, cristallino: si tratta di conoscere la realtà, vale a dire i requisiti dell’esperienza umana. Grazie a una singolare formulazione che coniuga una materia palesemente oscura – l’incubo, il soprannaturale – con un’opera finita, ricca di sfumature, raggiunge l’obiettivo di tutti gli artisti: allargare le frontiere della percezione. E commuovere. [Diego Otero]


susana perrottet

ink on canvas

extrasensorial (excerpt from extrasensorial, 2011)

Leopoldo Pflücker Aspillaga 1965. Lima, Peru Painter & Drawer

2014 | group exhibition Feria de Arte Apuff Lima, Galería Lima, Peru. group exhibition 40 Aniversario, Galeria Forum. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition MiRealismo III, Galeria Forum. Lima, Peru. 2009 | group exhibition, Galeria 80 Metros. Lima, Peru. group exhibition Semana de Arte/ Barranco, Centro Cultural Parra del Riego. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition MiRealismo II, Sala Cucamona. Madrid, Spain. group exhibition Semana de Arte/ Barranco, Centro Cultural Parra del Riego. Lima, Peru. 2002 | solo exhibition MiRealismo I, Galeria Minimo Espacio. Lima, Peru.

If there's one thing I do relentlessly, every day for over thirty years, it is drawing. I don't really know why and I do it on whatever thing or material on which it is physically possible to do so, not by choice, but compulsively. I draw when my body asks me, not in a planned or structured way (it is rare for me to have a predetermined endgame) and, although it always begins in such an impulsive, spontaneous, immediate, direct and intuitive way, I generally finish in a rational and methodical way as if I were seeking calm after the storm.

Si hay algo que hago sin falta, todos los días desde hace mas de treinta años, es dibujar; lo hago sin saber muy bien por qué y sobre cualquier cosa o material en el que sea físicamente posible hacerlo, no por elección, sino más bien por compulsión. No puedo evitarlo, tengo que hacerlo y, antes o después, lo hago. Dibujo cuando el cuerpo me lo pide, no de forma planificada o estructurada (rara vez busco un fin predeterminado) y, aunque empieza todo siempre de manera impulsiva, espontánea, inmediata, directa e intuitiva, termina generalmente de forma racional y metódica, como buscando la calma después de la tormenta. Se c’è una cosa che faccio inesorabilmente, tutti i giorni, da oltre trent’anni, è disegnare. Lo faccio senza sapere troppo bene il perché e su qualunque cosa o materiale sul quale sia fisicamente possibile farlo, non per scelta, ma compulsivamente. Disegno quando il corpo me lo chiede, non in maniera pianificata o strutturata (è raro che abbia un fine predeterminato) e, sebbene inizi sempre in modo impulsivo, spontaneo, immediato, diretto e intuitivo, termino generalmente in forma razionale e metodica come cercando la calma dopo la tempesta.


leopoldo pfl�cker

ink and acrylic on canvas untitled


Eriván Phumpiú Cuba 1977. Lima, Peru Painter

2014 | solo exhibition La Evasión, espacio La Polaca. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Miradas Sin Coordenadas, Galería 80m2. Lima, Peru. group exhibition Arguedas Hoy, Galería Pancho Fierro. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Asociación de Ideas Independientes, Bruno Gallery. Lima, Peru. 2006 | group exhibition Urbe & Arte (Imaginarios de Lima en Transformación 1980-2005), Museo de la Nación. Lima, Peru. 2005 | solo exhibition Mitopoyesis, Galería Punctum. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition P, Galería Punctum. Lima, Peru. 2000 | group exhibition Origen y Continuidad, Museo de arte de la Universidad Autónoma Mayor de San Marcos. Lima, Peru.

Rich in symbolism, expression and a certain childish humor, the work of Eriván Phumpiú does not look for such definitions in a conscious way. They come as a description of what is happening on the various media that the artist chooses at the moment he gets to work. Without any preconceptions, every picture or image is built starting from the many ideas that are struggling to find their space within the piece of work. This struggle provides results in the imprints of what happened that intrigue and entertain at the same time, both the viewer and the artist. Intense colors, absurd situations and unclassifiable characters form the strange and fascinating world of this artist.

Cargada de simbolismo, gesto y cierto humor infantil, la obra de Eriván Phumpiú no busca tales definiciones de manera consciente. Estas llegan, como descripción de hechos que suceden sobre los diversos soportes que el artista encara a la hora de trabajar. Sin un concepto previo, cada cuadro o imagen es construida por muchas ideas que luchan por hacerse un espacio dentro del formato. Esta lucha, da como resultado huellas de lo sucedido, que intrigan y divierten, al mismo tiempo, tanto al espectador como al artista. Colores intensos, situaciones absurdas y personajes inclasificables, forman el universo extraño y encantador de este artista. Ricca di simbolismo, espressività e di un certo umorismo infantile, l’opera di Eriván Phumpiú non cerca definizioni di genere in maniera cosciente. Esse arrivano come descrizione di quanto avviene sui diversi supporti che l’artista sceglie al momento di mettersi al lavoro. Senza alcun preconcetto, ogni quadro o immagine si costruisce a partire dalle molte idee che lottano per farsi spazio all’interno dell’opera. Questa lotta fornisce come risultato le impronte di quanto è capitato, che intrigano e divertono, al tempo stesso, sia lo spettatore che l’artista. Colori intensi, situazioni assurde e personaggi inclassificabili formano lo strano e ammaliante universo di questo artista.


eriv�n phumpi�


metida de pata

Delfina Nina Pinchi 1990. Qolquepata-Cusco, Peru Painter & Drawer

2014 | group exhibition Profundo Respirar, Sala de Arte el Corte Inglés. Lima, Peru. group exhibition Comics Edición Limitada, Galería Delbarrio. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Hablan las Mujeres, Sala de Arte Blanco y Negro de la Alianza Francesa. Cusco, Peru. group exhibition Noche de Arte de la Embajada de Estados Unidos, sede principal BBVA. Lima, Peru. group exhibition Punto de Mujeres, Galería del Instituto Peruano Norteamericano. Cusco, Peru. 2012 | group exhibition A la Vuelta de la Esquina, Museo Andrés del Castillo. Lima, Peru. group exhibition Migración, Galería de Arte Luis Bouroncle Barreda. Arequipa, Peru.

In "Carne de mi carne" I wanted to refer to the fact of devouring my newborn daughter alluding to the work "Saturn devouring his son" or "Cronus devouring his children" of the painting masters Goya and Rubens who metaphorically deal with cannibalism as an act of assertion of ownership over the flesh of their children.

En “Carne de mi carne” quise referirme al hecho de devorar a mi hija recién nacida, haciendo referencia a la obra “Saturno devorando a sus hijos” o “Cronos devorando a sus hijos” de los maestros de la pintura como son Goya Y Rubens, donde metaforizan el canibalismo como un acto de reclamo y propiedad de sus hijos al consumir su carne. In “Carne de mi carne” volevo fare riferimento al fatto di divorare mia figlia appena nata alludendo all’opera “Saturno che divora i suoi figli” o “Crono che divora i suoi figli” di maestri della pittura quali Goya e Rubens, i quali trattano in maniera metaforica il cannibalismo come un atto di rivendicazione della proprietà sulla carne dei propri figli.


delfina nina pinchi


carne de mi carne

Demetrio William Pinillos 1964. Trujillo, Peru Painter

2010 | exhibition Naturaleza atrapada en su tiempo, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2007 | exhibition Revelaciones no especificas, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2005 | exhibition Diez Años, Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru. exhibition Libro de Artista, Galería Petroperú. Lima, Peru. 2003 | exhibition Galería Tamara. San Juan, Puerto Rico. exhibition Noche de arte, Embajada de Estados Unidos. Lima, Peru. exhibition Artistas Trujillanos. Washington, USA. 2001 | exhibition Un Paseo Mágico, Galería Habitante. Panama.

When I paint a conflict arises that occurs the moment in which I confront the white space. The ideas come and I must be careful to register them by grabbing the first hints and translating them into confused sketches. I like to use color and texture, giving the character or the main object of the composition a fun and fantastic air. I build from the first line without letting myself get tempted by gesture or by chance, attentive to the construction of the form from the more intense brushwork to the milder, reaching to fill the space with multichromatic plots in order to get a visual delight both by being closer to and further away from the work.

Cuando pinto aparece un conflicto que surge del frecuente momento de enfrentarme al espacio en blanco. Las ideas vienen y hay que estar atentos para registrarlas surgiendo los primeros esposos, luego bocetos poco más organizado. Me agrada disfrutar del color, la textura, dándole al personaje u objeto dominante en la composición, aire lúdico y fantástico. Construyo desde la primera línea sin dejarme tentar por el gesto o la casualidad, apuesto por la construcción de la forma desde la pincelada más intensa hasta las más sutiles, llegando a llenar el espacio con texturas multicromáticas, con el propósito de conseguir un disfrute visual, tanto al acercarse como al alejarse de la obra. Quando dipingo emerge un conflitto che si manifesta al momento di confrontarmi con lo spazio bianco. Le idee arrivano e devo stare attento a registrarle afferrando i primi accenni e traducendoli poi in schizzi confusi. Mi piace usare il colore, la trama, dando al personaggio o all’oggetto principale della composizione un’aria ludica e fantastica. Costruisco sin dalla prima linea senza lasciarmi tentare dal gesto o dalla casualità, attento alla costruzione della forma dalla pennellata più intensa alle più lievi, arrivando a riempire lo spazio con trame multicromatiche allo scopo di ottenere un piacere visivo sia avvicinandosi all’opera che allontanandosene.


william pinillos

oil paseante

Kylla Mónica Piqueras Bertie 1979. Lima, Peru Visual & Performing Artist

2015 | solo exhibition Portal, Galería Juan Pardo Heeren. Lima, Peru. 2014 | first prize VI Concurso Nacional de Pintura del Banco Central de Reserva del Perú. Lima, Perú group exhibition CHAKA RUNA, Mujer-Hombre Puente, Sala de Exposición Residencia de Artistas Entrevisiones. Lima, Peru. solo exhibition and performance En el nombre de la madre, Sala de Exposición de la Residencia de Artistas Entrevisiones. Lima, Peru. solo exhibition and performance En el nombre de la madre, Museo del Convento Santo Domingo, Qorikancha. Cusco, Peru. 2013 | group exhibition and performance ENTREVISIONES, Galería Índigo. Lima, Perú.

I intend to share my work inspired by the inescapable need to tune in, to embody and shape the dimensions that receive more light and energy than the "reality" that we have been taught as the only possible one. It's my way of recreating more elusive planes of existence, underneath the everyday, integrating magic at every opportunity. The dragonfly symbolizes the essence of the winds of change, the messages of wisdom and enlightenment and the communication of the elemental world, of the spirits of nature.

Pretendo compartir mi obra inspirada en esa necesidad ineludible que tengo de sintonizar, encarnar y plasmar esas dimensiones que albergan más luz y energía que aquella “realidad” que nos ha sido implantada como única. Es mi manera de recrear planos más sutiles de existencia, subyacentes en lo cotidiano, integrando la magia en cada instancia. La libélula simboliza la esencia de los vientos de cambio, los mensajes de sabiduría e iluminación, y la comunicación del mundo elemental, de los espíritus de la naturaleza. Mi propongo di condividere la mia opera ispirata dalla ineludibile necessità di sintonizzare, incarnare e plasmare le dimensioni che accolgono più luce ed energia di quella “realtà” che ci è stata insegnata come l’unica possibile. È il mio modo di ricreare piani di esistenza più sfuggenti, sottesi al quotidiano, integrando in ogni occasione la magia. La libellula simbolizza l’essenza dei venti del cambiamento, i messaggi di saggezza e illuminazione e la comunicazione del mondo elementare, degli spiriti della natura.


kylla piqueras

mixed media on canvas of traditional andean blouse



Rüstha Luna Pozzi-Escot 1973. Lima, Peru Plastic Artist

2014 | exhibition Artere. Lot-etGaronne, France. 2013 | exhibition Tête à tête, La Winery. Arsac, France. exhibition La Chasse, Galerie Tinbox Mobile. Bordeaux, France. 2012 | exhibition Fragmented Identity, The Art Syn Projects, ART GWANGJU. Korea. exhibition Aquitaine Afrique : Contact, zones, Iwalewa Haus. Bayreuth, Germany. 2011 | exhibition Liaisons dangereuses, Galerie Coucou. Kassel, Germany. 2010 | exhibition Bewaffnete Fraun, Kino Babylon, Lakino festival. Berlin, Germany. participation OSTRALE011, International Exhibition of Contemporary Arts. Dresden, Germany.

My artistic research focuses on the question of identity and gender. I'm interested in the contrasts between femininity and masculinity that occur in everyday life. I use different media to develop my projects and I use elements of everyday life and things that are used by women to create new objects by giving them a different sense. Although not all of my pieces are sculptures, most of my work is a very clear vision of the sculptor. I am also interested in the manual skills that are generally recognized as being done by women such as sewing, embroidery and weaving. I introduce myself as a character in some of my pieces, appropriating some gestures and stereotypes that introduce the viewer into a known space-time.

Mi investigación artística se centra en la cuestión de la identidad y del género. Me interesan las oposiciones entre feminidad y masculinidad que existen en el cotidiano. Utilizo diferentes medios para desarrollar mis proyectos y retomo elementos de la vida diaria y de utilización femenina, para crear nuevos objetos, otorgándoles un sentido distinto. Si bien no todas mis piezas son esculturas, encontramos en la mayoría de ellas la visión del escultor. Me intereso igualmente por las habilidades manuales, habitualmente atribuidas al género femenino, como la costura, el bordado o el tejido. Me presento como actriz en algunas de mis piezas, apropiándome de ciertos gestos y clichés que introducen al espectador en un espacio-tiempo conocido. La mia ricerca artistica è incentrata sulla questione dell’identità e del genere. Mi interessano i contrasti tra femminilità e mascolinità che si riscontrano nel quotidiano. Utilizzo diversi media per sviluppare i miei progetti e impiego elementi della vita quotidiana e di uso femminile per creare oggetti nuovi, dando loro un senso diverso. Sebbene non tutti i miei pezzi siano sculture, nella maggior parte della mia opera è ben chiara la visione dello scultore. Mi interessano anche le abilità manuali generalmente riconosciute alle donne come il cucito, il ricamo e la tessitura. Mi presento come personaggio in alcuni dei miei pezzi appropriandomi di alcuni gesti e stereotipi che introducono lo spettatore in uno spazio-tempo conosciuto.


r�stha pozzi-escot

embroidery on gauze

vaticano, de la serie “todas”


Christian Quijada 1976. Lima, Peru Painter

2014 | solo exhibition Territorios Incultos, Galería ICPNA. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Primera Década: Arte Joven en Lima a inicios del nuevo siglo, Galería German Kruger, ICPNA. Lima, Peru. 2009 | group exhibition Cahuachi: El paisaje y la ruina, Sala Luis Miro Quesada Garland. Lima, Peru. 2008 | solo exhibition Metal y Melancolía, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2006 | group exhibition Post–Ilusiones. Nuevas Visiones. Arte Crítico en Lima 1980-2006, Museo de la Nación. Lima, Peru. solo exhibition El Muerto, Galería Punctum. Lima, Peru. 2005 | solo exhibition URB, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru.

Currently engraving inspires a good number of artistic achievements. It is used as a principle that widens some research in the areas in which digital image and photography seemingly interface. Christian Quijada transfers photographic images onto the surface of his canvases. The low flight, descriptive representations in his painting recall some aspects of photojournalism in the sense that his eye does not commit itself with narration. Contrary to the effect of the blur produced by the pigment, from the engraving in this case, it shows how a mark that specifies details at the same moment in which it gives depth to the image. [Aldo del Valle]

En la actualidad, el grabado se ha convertido en la fuente de un buen número de elaboraciones artísticas. Se usa como un principio que permite extender ciertas búsquedas en las que la imagen digital y la fotográfica parecen encontrar una interfase. Christian Quijada traslada imágenes fotográficas a la superficie de sus lienzos. El vuelo bajo, descriptivo, de las representaciones en su pintura, se iguala a otras provenientes del fotoperiodismo, sin que su ojo se vea comprometido con narrativa alguna. Contrariamente al efecto de difuminación que posee el pigmento, el impreso, en este caso, se muestra como una huella que detalla, al mismo tiempo que extrae profundidad a la imagen. [Aldo del Valle] Attualmente l’incisione ispira un buon numero di realizzazioni artistiche. Si utilizza come principio che consente di allargare alcune ricerche nei territori nei quali apparentemente si interfacciano immagine digitale e fotografica. Christian Quijada trasferisce immagini fotografiche sulla superficie delle sue tele. Il volo basso, descrittivo delle rappresentazioni nella sua pittura, richiama alcuni aspetti del fotogiornalismo: il suo occhio non si impegna con alcuna narrazione. Contrariamente all’effetto della sfocatura prodotta dal pigmento, dall’incisione in questo caso, si mostra come un’impronta che precisa i dettagli nel momento stesso in cui conferisce profondità all’immagine. [Aldo del Valle]


christian quijada

oil presencia


Lucía Reátegui Gómez-Sanchez 1985. Lima, Peru Multidsciplinary Artist

2014 | group exhibition La casa del Futuro, Galería Euroidiomas. Lima, Peru. solo exhibition El Revés del Afuera, Galería Cecilia Gonzáles y Centro Cultural Juan Parra del Riego. Lima, Peru. solo exhibition Yo no solo coso, Galería John Harriman, Centro Cultural Británico de Miraflores. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Amorcito Corazón, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. group exhibition Mujeres del Siglo XXI, Galería del Convento de Santo Domingo, Qorikancha. Cuzco, Peru. group exhibition Una Mirada al Sur: Perú, Galería Sol del Río. Ciudad de Guatemala, Guatemala.

The works of Lucía Reátegui discover what sinister, buried and latent lies beneath the ritual of the housework. A multifaceted and multidisciplinary artist, she works on memory/genre in an indirect and controversial way. Using drawing, sculpture, infographics, photography, video and installation, she aims to criticize the so-called "feminine wiles", but, above all, she offers her body through performance. In addition to her personal artistic production, she is a member of the "MOHO-Colectivo".

Las obras de Lucía Reátegui descubren lo siniestro, soterrado y latente bajo el ritual de las tareas del hogar. Artista polifacética y multidisciplinaria, trabaja en torno a la memoria/género de una manera indirecta y controversial. Utilizando el dibujo, escultura, infografía, fotografía, video y la instalación, intenta friccionar las llamadas “artes femeninas”, pero sobre todo su propio cuerpo, comunicándose desde el performance. Paralelamente a su producción artística individual, es miembro de “MOHO-Colectivo”. Le opere di Lucía Reátegui scoprono quanto di sinistro, sepolto e latente si trova sotto il rituale dei lavori domestici. Artista multiforme e multidisciplinare, lavora sulla memoria/ genere in maniera indiretta e controversa. Utilizzando il disegno, la scultura, l’infografica, la fotografia, il video e l’installazione, si propone di criticare le cosiddette “arti femminili”, ma, soprattutto, il suo corpo offrendosi tramite la performance. Oltre alla produzione artistica personale, è membro del “MOHO-Colectivo”.


luc�a re�tegui


cepi corpus

Alessandra Rebagliati Melgar 1972. Lima, Peru Visual Artist

2015 | exhibition Pulse New York, Xchange Art Project. USA. 2014 | exhibition Pulse Miami, Xchange Art Project. USA. exhibition Art Lima, Galería Vértice. Lima, Peru. 2013 | exhibition Pulse Miami, Galería Vértice. Lima, Peru. exhibition Art Lima, Galería Vértice. Lima, Peru. 2012 | exhibition Scope Miami, Galería Vértice. Lima, Peru.

Rebagliati's work is inspired by the main motivation implicit in migration: the mirage of something that appears to us as the "paradise" of our aspirations. This concept refers to an always unattainable utopian element, a primary idealization founded on a certain ingenuity that comes from the territory of desire in which we are always in transit. Migration is a condition of being. The comparison that comes upon arrival in the notforeign land causes the crushing of this idealization and other elements come into play: identity, belonging, differences, alienation, nostalgia, adaptation. The change not only results in a transformation of one’s own identity, but also of our imagination.

La obra de Rebagliati surge de la motivación principal implícita en la migración: el avistamiento de algo así como el “paraíso” de nuestras aspiraciones. Esta noción alude a un carácter utópico, siempre inalcanzable, una idealización primaria, basada en cierta ingenuidad que nos deriva al territorio del deseo, hacia el cual siempre estamos en tránsito. Así, la migración se convierte en una condición del ser. La confrontación producida con el arribo a la tierra no-extraña, origina la ruptura con esta idealización, y otros elementos entran en juego: identidades, pertenencias, diferencias, extrañeza, nostalgia, adaptación. El cambio supone no sólo una transformación de la propia identidad, sino también de todo un imaginario. L’opera di Rebagliati prende spunto dalla motivazione principale implicita nella migrazione: il miraggio di qualcosa che ci appare come il “paradiso” delle nostre aspirazioni. Questo concetto allude a un elemento utopistico sempre irraggiungibile, un’idealizzazione primaria fondata su una certa ingenuità che ci arriva dal territorio del desiderio nel quale siamo sempre di passaggio. La migrazione diventa così una condizione dell’essere. Il confronto che nasce all’arrivo nella terra non-straniera causa la frantumazione di questa idealizzazione ed entrano in gioco altri elementi: identità, appartenenze, differenze, estraneità, nostalgia, adattamento. Il cambiamento comporta non solo una trasformazione della propria identità, ma anche del nostro immaginario. 5


alessandra rebagliati

video and photoraphy

les enfants, lima 2009


alessandra rebagliati

video and photoraphy

les enfants, lima 2009

Natalia Revilla Minaya 1981. Lima, Peru Drawer

2014 | group exhibition Instrucciones, Wu Galería. Lima, Peru. exhibition Swab, Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Barcelona, Spain. exhibition Odeon, Feria de arte Contemporáneo. Bogotá, Colombia. 2013 | solo exhibition Lo invisible es un lugar, Wu Galería. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition El otro sitio, Galería Pabellón 4. Buenos Aires, Argentina. solo exhibition El porvenir es el pasado que viene, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. group exhibition ¿Y qué si la democracia ocurre?, Galería 80m2. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Outgraphy, Galería Pabellón 4. Buenos Aires, Argentina. group exhibition El placer es más importante que la victoria, Tasneem Gallery. Barcelona, Spain.

In recent years my work has involved the investigation of the mechanisms with which we record and, therefore, build and inhabit our history. I start from the collection of different gazes and paths and, through the exploration of their spaces, their traces and their margins, I build my work as a parallel account. I'm interested in the role of representations in the process of the reconstruction of memory, what you choose to be represented or what remains absent within these discourses ensuring that, when going down your path, personal stories connect themselves to the collective and social scope.

Durante los últimos años, mi trabajo ha tratado la investigación de los mecanismos mediante los que registramos y, por lo tanto, construimos y habitamos nuestra historia. Parto de la recolección de diferentes miradas y caminos y, a través de la exploración de sus vacíos, vestigios y desde los bordes, voy construyendo mi trabajo como narración paralela. Me interesa el papel de las representaciones en los procesos de reconstrucción de la memoria, lo que se elige para ser representado, y lo que está ausente al interior de estos discursos, procurando, en este camino, vincular las historias personales con el ámbito colectivo y social. Negli ultimi anni il mio lavoro ha riguardato l’indagine dei meccanismi mediante i quali registriamo e, di conseguenza, costruiamo e abitiamo la nostra storia. Parto dalla raccolta di diversi sguardi e percorsi e, tramite l’esplorazione dei loro vuoti, delle vestigia e dei margini, costruisco il mio lavoro come racconto parallelo. Mi interessa il ruolo delle rappresentazioni nei processi di ricostruzione della memoria, ciò che si sceglie per essere rappresentati o ciò che resta assente all’interno di questi discorsi facendo in modo che, durante il cammino, le storie personali si colleghino all’ambito collettivo e sociale.


natalia revilla

openwork on paper untitled







n m ar

n c o farfa



Diana Fiorella Riesco-Lind 1980. Pucallpa, Peru Visual Artist

2013 | solo exhibition Por estos Charcos, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. group exhibition Yakumama serpiente magnética, Galería del Barrio. Chorrillos, Peru. group exhibition Centro Selva en Lima tránsitos y confluencias la Casa O'Higgins. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Retrospectiva Legado: Regalo de Propiedad 2003 -2011, Centro Cultural de Pucallpa. Pucallpa, Peru. group exhibition Amazónica, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. 2010 | group exhibition Clouds of Witness C: Art media master's exhibition, Gallery Röda Sten. Gothenburg, Sweden. group exhibition The Kunstfilmtag Düsseldorf film selected: A Feminine Game. Dusseldorf, Germany.

The recurring themes of my art are belonging, identity and memory. My life has been marked by migration. I spent my childhood in the Peruvian rainforest and in the woods and agricultural areas of Ames, Iowa, USA. I lived for a while in Sweden, the country of my grandfather; there I learned what I know and I now live in Lima, the land of my father. Migration is part of my story and the relationship with nature in all the places in which I’ve lived is deep. Nature in my art is part of a search of belonging to a place, to the world; they are the memories of the places I’ve visited and the people who have accompanied me through these streets.

Los temas recurrentes en mi arte son la pertenencia, la identidad y la memoria. Mi vida ha estado rodeada de migración. Pasé mi infancia entre la selva tropical peruana, y los bosques y zonas agrícolas de Ames, Iowa, EE.UU. Viví un tiempo en Suecia, tierra de mi abuelo; allí hice mi maestría, y hoy vivo en Lima, tierra de mi padre. La migración es parte de mi historia y la conexión con la naturaleza de todos los lugares donde he vivido, es profunda. La Naturaleza en mi arte es parte de una búsqueda de pertenencia, a un lugar, al mundo; son recuerdos de los lugares visitados y de las personas que me acompañaron en estas rutas. I temi ricorrenti della mia arte sono l’appartenenza, l’identità e la memoria. La mia vita è stata percorsa dalla migrazione. Ho passato l’infanzia nella foresta tropicale peruviana, nei boschi e nelle zone agricole di Ames, Iowa, USA. Ho vissuto per un po’ di tempo in Svezia, Paese di mio nonno; lì ho imparato quello che so e oggi vivo a Lima, terra di mio padre. La migrazione fa parte della mia storia e il rapporto con la natura in tutti i luoghi in cui ho vissuto è profondo. La Natura nella mia arte fa parte di una ricerca di appartenenza a un luogo, al mondo; sono i ricordi dei luoghi che ho visitato e delle persone che mi hanno accompagnato per queste strade.


diana riesco-lind


detalle de la tierra


Jairo Robinson 1982. Lima, Peru Painter

2015 | solo exhibition Jairo Robinson Pinturas, Galería Moll. Lima, Peru. group exhibition Angular II, La Galería. Lima, Peru. 2014 | solo exhibition El ojo del silencio, Galería Cecilia González & Denise Dourojeanni. Lima, Peru. group exhibition Salón de Invierno, Galería de arte Moll. Lima, Peru. group exhibition Enlaces, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Pinturas, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. group exhibition Opening Orlando Lemos Galería, Orlando Lemos Galería. Belo Horizonte, MG, Brasil. 2012 | group Exhibition Pintura, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru.

The silence is interrupted and gives way to chaos, disorder and the obsessive juxtaposition of lines and planes; all these aspects demonstrate that characteristic of this city placing it as a single, diverse and constantly changing complex. The viewers can easily contemplate through these windows and immerse themselves from above in simplified spaces with sober colors and shapes. But if we want to understand these cities, not literally but as spaces that are located in each subject, we can also see each city/individual with its parameters, limitations, labyrinths and complexities. [Silvana VargasMachuca Barrantes]

El silencio se interrumpe y se da paso al caos, al desorden y a la obsesiva yuxtaposición de líneas y planos; todos estos aspectos ponen de manifiesto esa referencia que hace de la ciudad, colocándola como un todo complejo, abigarrado y de alteración constante. El espectador fácilmente puede contemplar a través de estas ventanas, y sumergirse a través de vistas aéreas hacia espacios simplificados en sobrios coloridos y geometrías. Pero y si tratamos de entender estas ciudades, no literalmente, sino como espacios que se ubican dentro de cada sujeto, podríamos también visualizar cada ciudad/individuo, con sus propios parámetros, limitaciones, laberintos y complejidades. [Silvana Vargas-Machuca Barrantes] Il silenzio si interrompe e cede il passo al caos, al disordine e all’ossessiva giustapposizione di linee e piani; tutti questi aspetti chiariscono la caratteristica di questa città collocandola come un unico complesso, variegato e in continuo mutamento. Con facilità lo spettatore può contemplare attraverso queste finestre e immergersi dall’alto in spazi semplificati con colori sobri e geometrie. Però se vogliamo capire queste città, non letteralmente ma come spazi che si trovano in ciascun soggetto, possiamo anche visualizzare ciascuna città/individuo con i suoi parametri, limitazioni, labirinti e complessità. [Silvana Vargas-Machuca Barrantes]


jairo robinson

acrylic c79


Macarena Rojas Osterling 1985. Lima, Peru Visual Artist

2015 | solo Exhibition Música es Por Musa, Wu Gallery. Lima, Peru. group exhibition ArtBo Contemporary Art Fair. Bogotá, Colombia. 2014 | group exhibition La Encomienda en Chile, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile. group exhibition Nartificial, Studio 109. Brooklyn, New York, USA. group exhibition No View, Galería Wu. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Pulse Contemporary Art Fair. Miami, USA. group exhibition HiperRealismo, Galería Impakto. Lima, Peru. group exhibition Merge, Triskelion Arts. Brooklyn, New York, USA. group exhibition Contemporary Art Fair. Lima, Peru.

The possibility of a non-specialized understanding of scientific discourse has been, for the past three years, the principal focus of my work. This question of understanding is tied to our shared notions of knowledge. Engaging these issues, I attempt to bring together scientific perspectives with my own perception, proposing an interpretation, at once rational and emotional, that reconnects us with a basic level of understanding.

La posibilidad de la comprensión no especializada del discurso científico ha sido, en el curso de los últimos tres años, el tema principal de mi trabajo. El problema de la comprensión se vincula a los conceptos del conocimiento que compartimos. Enfrentando estos temas, busco unir las perspectivas científicas a mi propia percepción, proponiendo así una interpretación racional y emotiva a la vez, que nos vuelva a conectar con un nivel elemental de comprensión. La possibilità di una comprensione non specialistica del discorso scientifico è stata, negli ultimi tre anni, il principale tema del mio lavoro. Il problema della comprensione è connesso ai concetti di conoscenza che abbiamo in comune. Affrontando questi temi cerco di mettere insieme le prospettive scientifiche e la mia personale percezione, proponendo un’interpretazione al tempo stesso razionale ed emotiva che ci ricollega a un livello elementare di comprensione.



macarena rojas osterling

mixed media

songs from the moon vol. i y ii


macarena rojas osterling

mixed media

songs from the moon vol. i y ii




jai m e vás q u


Carlos Runcie Tanaka 1958. Lima, Peru Visual Artist & Ceramist

2015 | exhibition Cometa / Quiero Volar (lo que deseo), Museo Orgánico de Romerillo, 12va Bienal de La Habana. Havana, Cuba. 2012 | exhibition Vínculos, PArC Perú Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. 2010 | exhibition Into White/Hacia el Blanco, ICPNA. Lima, Peru. exhibition Fragmento, North Dakota Museum of Art. Houston, Texas, USA. 2009 | exhibition Fragmento, Station Museum of Contemporary Art. Houston, Texas, USA. 2007 | exhibition Encuentro entre Dos Mares, Bienal de São Paulo-Valencia. Valencia and Sagunto, Spain. 2006 | exhibition Sumballein, Museo de Arte de San Marcos. Lima, Peru.

His research is fed by interests in the life sciences, archeology and geology that have been cultivated for a long time. An interest for ceramics was gradually added to his interest in installation. The most recent installations span a wide range of meanings and cultural allusions through the use of origami, glass and new media such as video. A renewed search to find answers to issues surrounding identity and history by consolidating the entire artistic process.

Su investigación se ha nutrido de intereses tempranos por las ciencias biológicas, la arqueología y la geología. Gradualmente, el interés por la instalación expande el quehacer del ceramista. Las instalaciones más recientes incorporan un rango muy amplio de significados y alusiones culturales mediante el uso del origami, el vidrio, y nuevos medios como el video. Una renovada indagación que busca dar respuestas a temas de identidad e historia, consolidando todo el proceso artístico. La sua ricerca si è nutrita di interessi coltivati da molto tempo per le scienze biologiche, l’archeologia e la geologia. Gradualmente, all’interesse per l’installazione si è aggiunto quello per la ceramica. Le installazioni più recenti abbracciano una vasta gamma di significati e allusioni culturali mediante l’uso dell’origami, del vetro e di nuovi media quali il video. Una rinnovata esplorazione che cerca di dare risposte a temi sull’identità e la storia, consolidando l’intero processo artistico.


carlos runcie tanaka

mixed media

un cangrejo es el esp�ritu del mar

Hugo Salazar Chuquimango 1980. Callao, Lima, Peru Painter

2015 | exhibition Vulnerablemente Desnudo, Galería Juan Pardo Heeren, ICPNA. Peru 2014 | exhibition Parafernalia, Corte Inglés, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2013 | exhibition Bestiario, Corte Inglés, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2012 | exhibition Lienzos de firma Surrealista, travelling exhibition. Quito, Medellín and Cartagena. exhibition Transpacífico Lima-Santiago. Santiago, Chile. exhibition Tiempo Rem, Centro Cultural de Bellas Artes. Lima, Peru. exhibition Derecho al Arte, Universidad del Pacifico. Peru. 2011 | exhibition El Origen, Galería Víctor Delfín Centro Cultural, UTP. Lima, Peru.

My work investigates the attitudes of human beings, brought from the unconscious to created landscapes where they encounter tangible objects related to a way of life suited to the survival and meeting of basic needs, where some beings or animals seem to suppress an instinct while the human being gains ground little by little.

Mi obra indaga las actitudes del ser humano, llevados por su inconsciente a paisajes creados, donde encuentra objetos tangibles que asocian un modo de vivir propicio a la subsistencia y de las necesidades básicas, donde ciertos seres o animales parecen reprimir un instinto que poco a poco el ser humano va ganando terreno. La mia opera indaga gli atteggiamenti degli esseri umani, portati dall’inconscio fino a paesaggi creati dove incontrano oggetti tangibili riconducibili a un modo di vivere adatto alla sopravvivenza e al soddisfacimento dei bisogni elementari, dove alcuni esseri o animali sembrano reprimere un istinto mentre poco alla volta l’essere umano guadagna terreno.


hugo salazar chuquimango


paisaje residual

Jesús Víctor Salvador (Víctor Salvo) 1955. Langla, Lunahuaná, Cañete, Lima, Peru Painter

2014 | solo Exhibition Galería del Colegio Dominicano de Artistas Plásticos CODAP. Santo Domingo, Dominican Republic. group exhibition 41st Anniversary of Asociación Peruana de Artistas Plásticos ASPAP. Lima, Peru. group exhibition Galería del Centro Cultural Peruano Japonés, Salón de Primavera. Jesús María, Lima, Peru. group exhibition Galería de Arte Sérvulo Gutiérrez, Presencia Andina. Lima, Peru. 2013 | participation Bienal Intercontinental de Arte Indígena, Spencer Gallery. Toronto, Canada. 2012 | group exhibition Ancestral y Milenario, IV Bienal Intercontinental de Arte Indígena, Casa de la Cultura. Quito, Ecuador.

"Mamacha con hijo" is a woman of the Peruvian Andes with her newborn baby in her arms. A white sombrero with a black band, a fuchsia blouse with white embellishment on the neck and wrist and a braid with red ribbon adorn the figure. The baby looks at its mother's face. A colorful landscape with houses in the background completes the beautiful scene.

“Mamacha con hijo” representa a una mujer del Ande peruano con su guagua en brazos, lleva un sombrero blanco con cinta negra, una blusa colorida fucsia con bobos blancos en el cuello y puño, una trenza con cinta roja adornan la figura. La guagua mira el rostro de la madre. Un colorido paisaje con fondo de casas completan la hermosa escena. “Mamacha con hijo” rappresenta una donna delle Ande peruviane con il suo neonato in braccio. Un sombrero bianco con una fascia nera, una blusa color fucsia con guarnizioni bianche sul collo e sul polso, una treccia con nastro rosso adornano la figura. Il neonato guarda il viso della madre. Un variopinto paesaggio con case sullo sfondo completa la bella scena.


jes�s v�ctor salvador (v�ctor salvo)


mamacha con hijo


Magaly Sánchez Bustamante 1969. Lima, Peru Plastic Artist

2014 | solo exhibition Circular, La Galería. Lima, Peru. 2012 | group exhibition Homo Ludens, Sala del Olivar. Lima, Peru. solo exhibition Salón de Belleza, Sala 770, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Universos Posibles, Yaax. Mexico, Federal District. 2009 | solo exhibition Marcas de Agua, Galería Vértice. Lima, Peru. 2006 | solo exhibition Héroes Domésticos, El ojo ajeno, Centro de la Imagen. Lima, Peru. 2004 | solo exhibition 10 Imperdonables, Punctum Galería de Arte. Lima, Peru. 2003 | solo exhibition 8 Perros, Centro Cultural El Sargento Pimienta de Barranco. Lima, Peru.

I have nurtured confidence in myself and in my work for several years. Without trust it would have been impossible to make a path based on artistic expression because art is the purest expression of the human being. It has cost me to come to understand that the relationship with my creation is divine and that all the things I learn in life are aspects that improve the exterior structure of my art, rational elements that, properly used, delineate the outer appearance of each painting. At the center of these pieces there is the backbone of my work: direct and profound creation that emanates from my heart.

Hace algunos años me entregué a confiar en mí y en mi trabajo. Sin confianza era imposible desarrollar un camino de vida basado en la expresión artística, porque ésta es, al fin, la expresión más limpia que proviene de un ser humano. Me ha costado empezar a entender que la conexión con mi creación es divina, y que todo lo que voy aprendiendo en la vida son piezas que mejoran la estructura exterior de mis obras de arte, elementos racionales que, correctamente aplicados, dibujan la línea exterior de cada cuadro. Al centro de estas piezas está la columna vertebral de mi obra: la creación directa y profunda que emana de mi corazón. Da alcuni anni nutro fiducia in me stessa e nel mio lavoro. Senza fiducia sarebbe stato impossibile compiere un cammino basato sull’espressione artistica, proprio perché l’espressione artistica è l’espressione più pura dell’essere umano. Mi è costato arrivare a capire che il rapporto con la mia creazione è divino e che tutte le cose che apprendo nella vita sono aspetti che migliorano la struttura esteriore delle mie opere d’arte, elementi razionali che, correttamente impiegati, delineano l’aspetto esteriore di ogni quadro. Al centro di questi pezzi c’è la colonna vertebrale della mia opera: la creazione diretta e profonda che emana dal mio cuore.


magaly s�nchez

acrylic on canvas and inlay of zircons ma�z morado


Iliana Scheggia 1972. Lima, Peru Sculptor

2015 | group exhibition Pulse, Feria Internacional de Arte. New York, USA. 2014 | solo exhibition Elements, Expressiones Cultural Center. New London, USA. group exhibition PArC Perú Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2013 | group exhibition ACERO, Exposición colectiva de escultores, Fundación Villacero, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Geometry of chance, Expressiones Cultural Center, New London. USA. 2011 | solo exhibition Bocetos para una Ciudad Hojaldre, Centro Cultural Rímac Seguros. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Alcheringa, Galería Vértice. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition El sueño de la razón, Galería Artco. Lima, Peru.

I have always felt attracted by the nature of the universe. What its origin is, what is beyond the visible, what the laws governing it are and how living beings are constantly changing the environment that, in turn, changes the living beings. All we know about the reality of the universe is that it is uncertain; what today is considered valid, tomorrow could be replaced by new discoveries. This uncertainty leads me to investigate in the fields of mathematics, geometry, physics and philosophy. I use abstraction and logic within a game of spatial relationships in order to compare the body of the viewer with the sculptural body.

Siempre me he sentido atraída por la naturaleza del Universo. Cuál es su origen, qué hay más allá de lo visible, cuáles son los patrones por los que se rige, y cómo los seres vivos están continuamente modificando el entorno, y el entorno modificado a su vez, afecta a los seres vivos. Todo lo que sabemos de la realidad del universo es que es incierta; aquello que hoy es dado por válido, mañana será descartado por nuevos descubrimientos. Esta incertidumbre me incita a investigar dentro del terreno de la matemática, la geometría, la física y la filosofía. Utilizo la abstracción y la lógica dentro de un juego de relaciones espaciales, para confrontar el cuerpo del espectador contra el cuerpo escultórico. Mi sono sentita sempre attratta dalla natura dell’universo. Qual è la sua origine, cosa c’è oltre il visibile, quali sono le leggi che lo governano e in che modo gli esseri viventi stanno continuamente modificando l’ambiente circostante che, a sua volta, modifica gli esseri viventi. Tutto quanto sappiamo sulla realtà dell’universo è che è incerta; ciò che oggi è considerato valido, domani potrebbe essere sostituito da nuove scoperte. Questa incertezza mi spinge a indagare nel campo della matematica, della geometria, della fisica e della filosofia. Utilizzo l’astrazione e la logica all’interno di un gioco di relazioni spaziali per mettere a confronto il corpo dello spettatore con il corpo scultoreo.


iliana scheggia

steel and stainless steel assembly with lens

labyrinth folded


Jessica Schneider 1971. Lima, Peru Visual Artist

2013 | group exhibition PArC Perú Arte Contemporáneo, La Galería, Museo de Arte Contemporáneo de Lima MAC. Lima, Peru. group exhibition EU-LAC Sessions Connecting Cultures. Hamburg, Germany. group exhibition Clanes, Galeria Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Estío, La Galería. Lima, Peru. 2011 | group exhibition La Palabra y La Forma, Galería Yvonne Sanguineti. Lima, Peru. group exhibition Subasta de la Casa de La Familia, Club Empresarial. Lima, Peru. group exhibition Galería Habitante. Panama. 2005 | solo exhibition Obra Reciente, Galería Habitante. Panama. solo exhibition Mini Muestra, Galería Punctum. Lima, Peru.

My work today is to think and feel how we are driven by something that moves us and how soulless bodies that no longer move, lie paralyzed, without any expression; how I can animate a puppet or how I can give a soul to a character by drawing it, giving it something that animates it and that the moment in which I draw it again the soul changes and what I give it this time takes over. This soul is in relation to life. The life of nature that moves and changes not to move like water. In us there is an animation similar to that of the universe.

Mi trabajo hoy es pensar y sentir como estamos animados por algo que nos mueve y como los cuerpos sin alma ya no se mueven quedan paralizados sin expresión alguna, como yo puedo animar un títere o puedo darle anima a un personaje al dibujarlo pasarle algo que lo anima y que al dibujarlo de nuevo ya no es la misma anima cambia por el anima que yo le doy en ese momento. Esa anima está relacionada a la vida. La vida de la naturaleza que se va moviendo y cambiando no para de moverse como el agua. Nosotros tenemos esa animación igual que el Universo. Il mio lavoro oggi consiste nel pensare e sentire come siamo animati da qualcosa che ci muove e come i corpi senz’anima che non si muovono più, giacciono paralizzati, senza espressione alcuna; come posso animare un burattino o posso dare l’anima a un personaggio disegnandolo, passandogli qualcosa che lo animi e che nel momento in cui lo disegno di nuovo l’anima cambia e subentra quella che gli do in questo momento. Quest’anima è in rapporto con la vita. La vita della natura che si muove e cambia per non muoversi come l’acqua. In noi c’è un’animazione simile a quella dell’universo.


jessica schneider

mixed media qoylluriti


Aldo Shiroma Uza 1975. Lima, Peru Sculptor

2014 | participation V Simposio Internacional de Escultura Monumental. Mirecourt, France. participation Simposio Internacional de Escultura en Mármol, Asklepios. Izmir, Turkey. 2012 | participation Bienal de Escultura del Chaco. Resistencia, Argentina. 2011 | artist residence Haslla International Art Museum. Gangneung, South Korea. 2010 | participation Primer Simposio Internacional de Escultura en Madera. Daegu, South Korea. 2009, 2011 | participation 2do y 4to Simposio Internacional de Escultura. Penza, Russia.

My work is expressed through the playful language of the forms that come from my childhood memories. Memories populated by talking animals, robots and flying machines. Internally, I have built a fortress made up of fragments of the simplest and most naive moments as a contrast to the violence we experienced in the ‘80s and ‘90s. Over time it went on, developing a typical fauna that seems to spring from comics and that the viewer looks at with innocence and bewilderment. These characters have been with me ever since; we share the need to take our feet off the ground and to believe in the impossible.

Mi obra se expresa a través del lenguaje lúdico de las formas que provienen de mis recuerdos de infancia. Memorias pobladas por animales parlantes, robots y maquinas voladoras. Internamente construí una fortaleza formada de fragmentos de momentos más simples y sencillos, como contraposición de la violencia que vivimos en las décadas 80 y 90. Luego con el tiempo desarrollé una fauna atípica que parece haber salido del comic y que mira con inocencia y desconcierto al espectador. Estos personajes me han acompañado desde entonces; compartimos la necesidad de despegar los pies del suelo y de creer en lo imposible. La mia opera si esprime attraverso il linguaggio ludico delle forme che arrivano dai miei ricordi d’infanzia. Ricordi popolati di animali parlanti, di robot e macchine volanti. Internamente ho costruito una fortezza formata da frammenti di momenti più semplici e ingenui, come contrasto alla violenza nella quale abbiamo vissuto negli anni ‘80 e ‘90. Col tempo si è andata sviluppando una fauna tipica che sembra scaturire dai fumetti e che guarda con innocenza e sconcerto lo spettatore. Questi personaggi mi hanno accompagnato da allora; condividiamo la necessità di staccare i piedi da terra e di credere nell’impossibile.


aldo shiroma

mixed media, resin figure, polyester with black ink, red thread otto gulliver en perďż˝


Valentino Sibadón García 1984. Lima, Peru Visual Artist

2014 | group Exhibition La Encomienda, Galeria Jacob Karpio, Art Lima Contemporary Art Fair. Lima, Peru. 2013 | solo Exhibition Año nuevo en Etiopia, Galería Lucia de la Puente. Lima, Peru. group exhibition Vejiga de Pez 3D, Centro Cultural Bellas Artes. Lima, Peru. group exhibition Noche de arte, USEA & Banco Continental. Peru. group exhibition Puente Invertido, Noche en Blanco Barranco. Lima, Peru. group exhibition Amorcito Corazón, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Valentino Sibadon @ P.E.1., TESTINO-TESTINO Artlab. Lima, Peru. solo ehibition -ADAPTACION-, Galería Morbo. Lima, Peru.

Currently my work is mainly based on the feeling of balance guaranteed by portions of color (or force) on the spaces; I call it "spatial painting" and these volumes are placed according to the dictates of common sense as if an ethereal gravity attracted their position. These "ethereal forces" are the core around which my work rotates, through its various proposals.

Mi trabajo actual se basa principalmente en la sensación de balance y equilibrio dada por porciones de color (o potencias) sobre los espacios; la entiendo como “pintura espacial”, estos volúmenes son colocados según el dictamen del sentido común, como si una gravedad etérea atrajera su posición. Estas “fuerzas etéreas” son el punto del cual gira mi trabajo en sus distintas propuestas. Attualmente il mio lavoro si basa principalmente sulla sensazione di equilibrio garantita da porzioni di colore (o forza) sugli spazi; la definisco “pittura spaziale” e questi volumi sono collocati secondo i dettami del buon senso, come se una gravità eterea attirasse la loro posizione. Queste “forze eteree” sono il fulcro intorno al quale ruota il mio lavoro nelle sue varie proposte.


valentino sibad�n

mixed media atm�sfera tarde


Brian Silva Maldonado 1982. Lima, Peru Painter & Photographer

2013 | exhibition Conjunciones: Simbólicas, Centro Colich. Lima, Peru. 2012 | exhibition Miradas del Arte Abstracto, Galería 555, Hotel Los Delfines. Lima, Peru. 2010 | group exhibition Artistas Latinoamericanos, Galería Cerrito. Cordoba, Argentina. 2009 | participation Encuentro de las artes Perú-Bolivia, Museo Tambo de Quirquincho. Santa Cruz, Bolivia. 2008 | participation Iº Certamen de Jóvenes Creadores, Municipalidad de Lima, Galería Pancho Fierro. Lima, Peru. exhibition Arte en Libertad, Museo Pedro de Osma. Lima, Peru.

My work as a painter is the result of the convergence of elements that emerge from a random sketch which represents the matrix of a steady stream of symbols and archetypes. In this sense the chaos would emulate the space that brings together primary forms in a process of transformation: a natural order from chaos.

Mi obra pictórica es el resultado de la convergencia de elementos que emergen de una mancha aleatoria, la cual representa la matriz de un flujo constante de simbologías y arquetipos. En este sentido, el caos emularía el espacio donde confluyen formas primarias en proceso de transformación: un orden natural a partir del caos. La mia opera pittorica è il risultato della convergenza di elementi che emergono da un bozzetto aleatorio che rappresenta la matrice di un flusso costante di simbologie e archetipi. In questo senso il caos emulerebbe lo spazio nel quale confluiscono forme primarie in un processo di trasformazione: un ordine naturale a partire dal caos.


brian silva maldonado

oil marina

Leslie Spak 1976. Lima, Peru Mutidisciplinary Artist

2014 | group exhibition Lima Photo, Centro de la Imagen. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Revelado (parte del libro “Sion”), El Borde. Lima, Peru. group exhibition Cookbook, Palais des Beaux-Arts. Paris, France. 2012 | group exhibition Lima Photo, Centro de la Imagen. Lima, Peru. 2011 | group exhibition Lima Photo, Centro de la Imagen. Lima, Peru. 2010 | solo exhibition Erosión, Galería Cecilia González. Lima, Peru. group exhibition Lima Photo, Centro de la Imagen. Lima, Peru. 2009 | group exhibition Lima me mata, Galería John Harriman del Centro Cultural Británico. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition Genoma Urbano, Galería Artco. Lima, Peru. group exhibition Urbania, 5006 Galería de Arte. Buenos Aires, Argentina.

All social groups are a testing ground. And reality is a controversial event. Always. In the work “Sión” the artist works on these two premises and on a surprisingly specific and eloquent field: the photo archive of a Jewish family in Lima of the ‘50s, ‘60s and ‘70s. All together it shows the absurd, humorous, enigmatic, grotesque or even monstrous as the result of artistic manipulation that aims to evoke fantasies, fears and feelings. But this manipulation obtains an unexpected effect: it leads us to the more opaque areas of the experience, in that place where we do not know why the things that happen, happen. [Diego Otero]

Todo grupo social es un territorio de experimentación. Y la realidad es un acontecimiento controvertido. Siempre. En “Sión” se trabaja sobre esas dos premisas y sobre un campo asombrosamente específico y elocuente: el archivo fotográfico de una familia judía en la Lima de los años cincuenta, sesenta y setenta. Todo lo que el conjunto posee de absurdo, de humorístico, de enigmático, de esperpéntico o incluso de monstruoso, es producto de una manipulación artística que busca evocar fantasías, miedos o sensaciones. Solo que esa manipulación alcanza un efecto impensado: nos conduce hacia la zona más opaca de la experiencia, ese lugar en el que no sabemos por qué ocurren las cosas que ocurren. [Diego Otero] Tutti i gruppi sociali sono un terreno di sperimentazione. E la realtà è un evento controverso. Sempre. Nell’opera “Sión” l’artista lavora su queste due premesse e su un campo sorprendentemente specifico ed eloquente: l’archivio fotografico di una famiglia ebrea nella Lima degli anni ’50, ’60 e ’70. Tutto quanto l’insieme mostra ciò che di assurdo, di umoristico, di enigmatico, di grottesco o persino di mostruoso è il risultato di una manipolazione artistica che punta a evocare fantasie, timori e sensazioni. Ma questa manipolazione ottiene un effetto impensato: ci conduce fino alle zone più opache dell’esperienza, in quel luogo in cui non sappiamo perché accadono le cose che accadono. [Diego Otero]


leslie spak


untitled (from “si�n” serie)


Hans Stoll 1964. Lima, Peru Photographer

2015 | solo exhibition Plásticos, Centro Cultural Peruano Norteamericano. Lima, Peru. group exhibition La encomienda en São Paulo, Fundação Memorial da America Latina. São Paulo, Brasil. group exhibition, Galería del Paseo. Punta del Este, Uruguay. group exhibition Naturaleza de la naturaleza, Centro Cultural Inca Garcilaso de la Vega. Peru. 2015-2014 | group exhibition Perú Amazónico. Frankfurt, Dubai, Singapore, Seoul, Sidney, Tokyo, Brasilia and Pekin. 2014 | group exhibition La Encomienda en Chile, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.

Photographer of snapshots, Stoll reacts spontaneously to visual impulses in which he chances upon forming almost immediate compositions, placing the elements that present themselves in front of his goal and getting the best possible contribution by natural light. We could define Stoll’s work as some sort of visual architecture that shifts perceptions of the place from the construction of austere images and very clean lines. Much as in the portraits and in the natural and urban landscapes, genres that he normally uses, his images flow in a functional and natural manner generating moments of contemplation and reflection.

Fotógrafo de captura, Stoll reacciona espontáneamente a impulsos visuales que encuentra en su camino, componiendo de forma casi inmediata, acomodando los elementos que se presentan ante su lente, y obteniendo el mejor provecho de la luz natural. Podríamos definir el trabajo de Stoll como una arquitectura visual que despliega percepciones de lugar, a partir de la construcción de imágenes austeras y de limpieza formal. Tanto en el retrato, como en el paisaje natural y urbano, géneros que revisa constantemente, sus imágenes fluyen funcional y naturalmente, generando momentos de contemplación y reflexión. Fotografo di istantanee, Stoll reagisce spontaneamente agli impulsi visivi nei quali si imbatte realizzando composizioni quasi immediate, sistemando gli elementi che si presentano dinanzi al suo obiettivo e ottenendo il miglior apporto possibile dalla luce naturale. Potremmo definire il lavoro di Stoll una sorta di architettura visiva che sposta le percezioni del luogo a partire dalla costruzione di immagini austere e di grande pulizia formale. Tanto nei ritratti come nei paesaggi naturali e urbani, generi ai quali si dedica abitualmente, le sue immagini fluiscono in modo funzionale e naturale generando momenti di contemplazione e riflessione.


hans stoll

ink digital collage mounted in acrylic hipertel�rico urbano


Israel Miguel Tolentino 1975. Huánuco, Peru Painter

2015 | group exhibition II Bienal Internacional de Duoro, Câmara Municipal de Alijó. Duoro, Portugal. bipersonal exhibition Ciudad, Sala Raúl Porras Barrenechea. Lima, Peru. group exhibition Premiados, Sala del Banco Central de Reserva del Perú. Lima, Peru. group exhibition 13 Salon Nacional de Pintura ICPNA, Sala Juan Pardo Heeren. Lima, Peru. 2014 | group exhibition VI Concurso Nacional de Pintura 2014 del Banco Central de Reserva del Perú, Sala del Banco Central de Reserva del Perú. Lima, Peru. group exhibition I Bienal Sul-Americana de Gravura e Arte Impressa, Rio/ Cordoba, Museu Histórico Nacional. Río de Janeiro, Brasil.

"Homenaje a VEDOCO", Víctor Domínguez Condezo, friend and master born in 1940. He has claimed the Andean Culture with his life and his fruitful work since his youth. Vedoco belongs to the farming community of Coquín, the Yacha culture, Cuenca Wamali-Rondoní, Colpas, Ambo, Huánuco, Peru. He has published: Heroica resistencia de la cultura andina (second edition, 2013), Desencuentros de tres mundos (1992), Problemas de interferencia quechua-español (1992), Danzas e identidad nacional, Huánuco y Pasco (2003), Jirkas kechwas, mitos y leyendas de Huánuco y Pasco (2003), YarushYacha (2007), Wayraviento, cantos y leyendas de la tierra nativa (second edition 2007), Wamali, visión etnográfica de la cultura Yacha (2015).

“Homenaje a VEDOCO”, Víctor Domínguez Condezo, amigo y maestro nacido en 1940. Desde su juventud, reivindica, con su vida y fecunda obra, la Cultura Andina. Vedoco pertenece a la comunidad campesina de Coquín, cultura Yacha, cuenca Wamali-Rondoní, Colpas, Ambo, Huánuco, Perú. Ha publicado: Heroica resistencia de la cultura andina (segunda edición 2013), Desencuentros de tres mundos (1992), Problemas de interferencia quechua-español (1992), Danzas e identidad nacional, Huánuco y Pasco (2003), Jirkas kechwas, mitos y leyendas de Huánuco y Pasco (2003), Yarush-Yacha (2007), Wayraviento, cantos y leyendas de la tierra nativa (segunda edición 2007), Wamali, visión etnográfica de la cultura Yacha (2015). “Homenaje a VEDOCO”, Víctor Domínguez Condezo, amico e maestro nato nel 1940. Fin dalla giovinezza rivendica con la sua vita e la sua opera feconda, la Cultura Andina. Vedoco appartiene alla comunità contadina di Coquín, cultura Yacha, Cuenca Wamali-Rondoní, Colpas, Ambo, Huánuco, Perù. Ha pubblicato: Heroica resistencia de la cultura andina (seconda edizione, 2013), Desencuentros de tres mundos (1992), Problemas de interferencia quechua-español (1992), Danzas e identidad nacional, Huánuco y Pasco (2003), Jirkas kechwas, mitos y leyendas de Huánuco y Pasco (2003), Yarush-Yacha (2007), Wayraviento, cantos y leyendas de la tierra nativa (seconda edizione 2007), Wamali, visión etnográfica de la cultura Yacha (2015). 5


israel tolentino


homenaje a vedoco (vĂ­ctor dominguez condezo)


israel tolentino


homenaje a vedoco (vĂ­ctor dominguez condezo)

Ado Martin Torres Monteza 1988. Jesús María, Peru Painter

2014 | exhibition Punto de Fuga, Casa Institución Libertador Ramón Castilla. Lima, Peru. group exhibition Sensaciones, Galería Domingo Pantigoso. Magdalena Del Mar, Peru. 2012 | participation Primer Concurso de Dibujo de Estatuaria Clásica de la ENSABAP. Lima, Peru.

My theme is based on the improvement of the people by ensuring that they become aware, concentrating mostly on the appearance of values and how they fail, opening the road to disease. I put all this in relation to the objects and things that we made good use of, in a sense it is like representing a person in the middle of the rubbish or playing with recyclable, biotic and abiotic materials, in a state of decay, where the structure abounds trying to emphasize the fact that if we can recycle a material we can recycle our own shortcomings by learning from the same defects.

Mi temática se basa en la mejora de las personas mediante la concientización, enfocándome más que nada en el aspecto de los valores y cómo estos quedan de lado, dando cabida al morbo. Todo ello, lo relaciono con objetos o cosas a las cuales dimos un buen uso, tal como representar a personas envueltas en basura, o jugando con materiales, reciclables, bióticos o abióticos, en estado de putrefacción, donde la textura abunda, queriendo destacar el hecho de que si podemos reciclar un material, también podemos reciclar nuestros defectos aprendiendo de ellos. La mia tematica si basa sul miglioramento delle persone facendo in modo che prendano coscienza, concentrandomi più che altro sull’aspetto dei valori e di come questi vengano meno aprendo la strada alla malattia. Tutto questo lo metto in relazione agli oggetti e alle cose delle quali abbiamo fatto buon uso, in un certo senso è come rappresentare una persona in mezzo alla spazzatura o giocare con i materiali riciclabili, biotici e abiotici, in stato di putrefazione, dove la struttura abbonda cercando di sottolineare il fatto che se possiamo riciclare un materiale possiamo anche riciclare i nostri difetti imparando dagli stessi difetti.


ado torres monteza


rompiendo las reglas

Carlos Valdez Espinoza Lima, Peru Visual Artist

2014 | group exhibition 100 por la Sarita, Galería Del Barrio. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Habla de ti mismo, Museo de Arte de San Marcos. Lima, Peru. group exhibition Lolo 100 (Homenaje a Lolo Fernández), Galería Sherman Inc. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Mirada de Cóndor, Centro Cultural Bellas Artes. Lima, Peru. group exhibition Juguete y Peruanidad, Galería Del Barrio. Lima, Peru. 2011 | group exhibition De techos y azoteas, Casa de la Cultura de Santa Cruz de la Sierra. Santa Cruz, Bolivia. group exhibition Raíces y Colores, Salón Paracas, Museo de la Nación. Lima, Peru. 2010 | group exhibition Homenaje a José Martí, Centro Cultural La Habana. San Salvador, El Salvador.

Art may consist of creating a document, a political news publication, a "poema negro", like continuity in the occupation of the ancient Qellqacamayoq. The image is not only an aesthetic tool, but also one of mediation in other areas such as the social realm. This is why the "Retablo Ayacuchano", which is popular uprising/appropriation of the chest of San Marcos that was a portable mini-altar Spanish priests used to ideologically colonize Peruvian Amerindians, is so important. In contemporary Peru it is important to continue to claim/create visual works of art because "qellcar" is like saying, rise up.

El arte puede ser asumido como el crear un documento, una crónica política, un “poema negro”; como una continuidad del quehacer de los antiguos Qellqacamayoq. La imagen es un instrumento no solo estético, sino también mediador en otros terrenos, como por ejemplo el social. Por ello es tan importante el “Retablo Ayacuchano”, que es una sublevación/apropiación popular del cajón de San Marcos, que era un mini altar portátil que usaron los clérigos españoles para colonizar ideológicamente a los indios peruanos. En el Perú contemporáneo, es importante seguir apropiando/generando artefactos visuales para “qellcar”, es decir, sublevar. L’arte può consistere nel creare un documento, una cronaca politica, un “poema negro”, come continuità dell’occupazione degli antichi Qellqacamayoq. L’immagine è uno strumento non solo estetico, ma anche di mediazione in altri ambiti come quello sociale. Per questo è così importante il “Retablo Ayacuchano” che è una sollevazione/appropriazione popolare del cassone di San Marcos che era un minialtare portatile che usavano i sacerdoti spagnoli per colonizzare ideologicamente gli amerindi peruviani. Nel Perù contemporaneo è importante continuare a rivendicare/generare opere d’arte visive perché “qellcar” è come dire insorgere.


carlos valdez

critical appropriation of the Retablo Ayacuchano matacholas


Juan Valladares 1938. Chiclayo, Peru Painter & Engraver

2014 | exhibition Diplomatic Art. Timisoara, Rumania. 2011 | exhibition Sala Cultural du Temple. La Roche Chalais, France. exhibition Museo Rayo. Roldanillo, Colombia. 2009 | exhibition Rundataarn. Copenhagen, Denmark. 2008 | exhibition Espacio Arte y Libertad. Paris, France. exhibition Galería ARCK. Paris, France. 2007 | exhibition Museo Cívico de Cremona. Cremona, Italy. exhibition Galería La Pared. Bogotá, Colombia. 2004 | exhibition Nela Alberca. Madrid, Spain.

In the phenomenon of creation and everyday life I feel the need to forget the appearance of people and things to look for the deep forces that give us the true meaning of life and the right dimension. I allow myself to forget the figurative forms to try to look for their wealth, the pure essence, setting aside the shapes to arrive at an expression in which color takes on a great value and leads to symbolic illusions. My paintings are born from a concrete reality and, to shatter this reality, color gives us another impression and new shapes in space giving us imprints that are full of meanings.

A lo largo del fenómeno de creación y en la vida cotidiana, siento la necesidad de olvidar la apariencia de las personas y las cosas, para buscar las fuerzas profundas, las que nos dan su verdadero sentido y justa dimensión. Me permito olvidar las formas figurativas, para buscar su riqueza, la esencia pura, dejando de lado las formas, para llegar a una expresión en la que el color toma gran valor y conduce a alusiones simbólicas. Mis pinturas nacen de una realidad concreta y, por el rompimiento de esta realidad, el color nos atribuye otra impresión y nuevas formas dentro del espacio, dejando huellas llenas de significados. Nel fenomeno della creazione e nella vita quotidiana, sento la necessità di dimenticare l’apparenza delle persone e delle cose per cercare le forze profonde che ci danno il vero senso della vita e la giusta dimensione. Mi permetto di dimenticare le forme figurative per cercare la loro ricchezza, l’essenza pura, accantonando le forme per arrivare a una espressione nella quale il colore assuma un grande valore e conduca a illusioni simboliche. I miei dipinti nascono da una realtà concreta e, per la frantumazione di questa realtà, il colore ci attribuisce un’altra impressione e nuove forme nello spazio consegnandoci impronte piene di significati.


juan valladares

oil untitled


Armando Varela Neyra 1933. Lima, Peru Sculptor

2015 | group exhibition The Menier Gallery. National Society of Painters, Sculptors and Printmakers. London, UK. 2014 | group exhibition The Menier Gallery. National Society of Painters, Sculptors and Printmakers. London, UK. 2013 | exhibition Dibujos. Colchester, UK. 2012 | solo exhibition Armando Varela Esculturas, La Galería. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Retrospectiva, The Portable Gallery. London, UK. 2010 | group exhibition The National Society (Primer Premio de Escultura). London, UK. 2009 | solo exhibition Galería John Harriman. Lima, Peru. 2001 | group exhibition Burghley House. Lincolnshire, UK.

One of my works reflects a passionate dream of happy couples dancing romantically on a summer day. My works are always full of bright colors with romantic expressions... It is a manual process in which I concentrate all my senses, modeling and shaping what I perceive in everyday life. My hands, my mind and my spirit are that which give the final touch to my works.

Una de mis obras refleja un sueño apasionado de parejas felices que danzan, románticamente, en un día de Verano. Mis obras siempre están llenas de colores vivos, con expresiones románticas... Es un proceso manual, en que concentro todos mis sentidos, modelando y plasmando lo que percibo en mi vida cotidiana. Son mis manos, mi mente y mi espíritu, quién les da el toque final a mis obras. Una delle mie opere riflette un sogno appassionato di coppie felici che ballano romanticamente in un giorno d’estate. Le mie opere sono sempre ricche di colori vivaci con espressioni romantiche… È un processo manuale nel quale concentro tutti i miei sensi modellando e plasmando ciò che percepisco nella vita di tutti i giorni. Sono le mie mani, la mia mente e il mio spirito che danno il tocco finale alle mie opere.


armando varela neyra

mixed media on canvas sue�o de verano


Javier Paolo Vigo Borjas 1980. Trujillo, Peru Painter

2010 | solo exhibition Spleen, Bruno Gallery. Lima, Peru. group exhibition Noche de Arte, Sala de exposiciones del Banco Continental. Lima, Peru. group exhibition Casa Cor, Galería del Centro Ann Sullivan. Lima, Peru. group exhibition La Patria, Galería Delbarrio. Chorrillos, Lima, Peru. group exhibition Le Plaisir des Yeux, Galería Azur, Alianza Francesa. Trujillo, Peru. group exhibition Cohesión, XI Festival de Cultura Mexico - Perú. Hermandad de Trujillo. Trujillo, Perú. Metepec, Mexico. 2008 | solo exhibition Casa Roja, Galería de Arte Impromptu, El Cultural. Trujillo, Peru. 2006 | solo exhibition Esplín, Galería Azur, Alianza Francesa. Trujillo, Peru.

From the painting school of his city comes the caravan of ambiguous, hybrid, fragmented and reassembled characters, wrapped in a selective nuance, that is at times thin and delicate, at other times dissonant and corrosive, which highlights a detail while obscuring others, unimportant. (...) His symbolic and metaphorical repertoire almost always revolves around the human being and its existential meditations. The central figure passing from painting to painting is an androgynous and indefinite character, with many faces and a single observing gaze that intermittently takes male or female forms, a sort of humanoid archetype, a mannequin-model that sometimes leaves one to infer the contents of his mind, his fears, his fantasies and his affections. [Vera Tyuleneva]

De la escuela pictórica de su ciudad natal viene la caravana de personajes ambiguos, híbridos, fragmentarios y re-ensamblados, envueltos en un sfumato selectivo, ora sutil y delicado, ora disonante y corrosivo, que deja traslucir unos detalles y oculta otros, intrascendentes. (…) Su repertorio simbólico y metafórico casi siempre gira en torno al ser humano y sus cavilaciones existenciales. La figura central, que transita de cuadro en cuadro, es un personaje indefinido y andrógino, de múltiples rostros y un solo ojo observador, que intermitentemente cobra formas masculinas o femeninas, una especie del humanoide arquetípico, un maniquí-modelo, que a veces deja entrever los contenidos de su mente, sus miedos, fantasías y afectos. [Vera Tyuleneva] Dalla scuola pittorica della sua città arriva la carovana di personaggi ambigui, ibridi, frammentari e riassemblati, avvolti in uno sfumato selettivo, ora sottile e delicato ora dissonante e corrosivo, che mette in luce un dettaglio e ne oscura altri, intrascendenti. (...) Il suo repertorio simbolico e metaforico quasi sempre gira intorno all’essere umano e alle sue meditazioni esistenziali. La figura centrale che passa di quadro in quadro è un personaggio indefinito e androgino, dai molti volti e un unico occhio osservatore che intermittentemente prende forme maschili o femminili, una specie di umanoide archetipico, un manichino-modello che a volte lascia intuire i contenuti della sua mente, le sue paure, le sue fantasie e i suoi affetti. [Vera Tyuleneva]


paolo vigo

mixed media on canvas

horror vacui


Maya Watanabe Landolt 1983. Lima, Peru Video Artist

2015 | exhibition DO DISTURB, Palais de Tokyo. Paris, France. exhibition Strangelove, Central Saint Martins. London, UK. 2014 | solo Exhibition El Péndulo, Matadero Madrid. Madrid, Spain. solo exhibition Escenarios, Galería 80m2. Lima, Peru. exhibition Art Basel, film sector, Soundscape Park. Miami, USA. 2013 | solo exhibition Paisajes, Sala Luis Miró Quesada Garland. Lima, Peru. participation 18º Festival Internacional Sesc_Videobrasil, Panoramas do Sul, Sesc Belezinho. São Paulo, Brasil. exhibition ¡Oye, Mira!: Reflective Approaches in Contemporary Latin American Video Art, Walter and McBean Gallery, San Francisco Art Institute. San Francisco, USA.

Maya Watanabe’s video installations are focused on language and narrative intermingles as they make use of elements from cinema, stage art and performance. The characters on her videos seem to speak about the fear to be determined by language. They never remain fixed. They strive to dissolve their unique and continuous-in-time condition. By audiovisual means, they reformulate their identity -or staged presence- as a fragmented, unrooted and flexible state.

Las video instalaciones de Maya Watanabe abordan las interrelaciones existentes entre el lenguaje y la narración, en tanto se valen de elementos provenientes del cine, el teatro y la performance. Los personajes de sus videos parecieran hablar del hecho que el miedo está determinado por el lenguaje. Éstos, nunca se quedan quietos. Buscan incesantemente disolver su condición única e inalterada en el tiempo. Con recursos audiovisuales, buscan reformular su propia identidad –o presencia escénica– en un estado fragmentario, desarraigado y flexible. Le installazioni video di Maya Watanabe sono incentrate sulle interrelazioni tra linguaggio e racconto in quanto utilizzano elementi provenienti dal cinema, dal teatro e dalla performance. I personaggi dei suoi video sembrano parlare del fatto che la paura è determinata dal linguaggio. Non rimangono mai fermi. Cercano continuamente di far scomparire la loro condizione legata alla continuità del tempo. Con mezzi audiovisivi riformulano la loro identità – o presenza scenica – in uno stato frammentato, sradicato e flessibile.


maya watanabe

video a-phan-ousia


Silvia Westphalen 1961. Rome, Italy Sculptor

2014 | solo exhibition Epicentros, Galería Fórum. Lima, Peru. 2013 | group exhibition Pinta Art Fair, Soho. New York, USA. 2012 | group exhibition Sincronicidades, Carlos Runcie - Silvia Westphalen - Ricardo Wiesse, Galería Enlace Arte Contemporáneo. Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Piedras sueltas, Galería Fórum. Lima, Peru. 2010 | group exhibition Arte Peruano Hoy, Galería Isabel Aninat. Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Atrapaviento, Galería Fórum. Lima, Peru. 2007 | solo exhibition Río Revuelto, Galería Fórum. Lima, Peru. 2005 | solo exhibition El Bosque, muestra antológica, Galería Luis Miro Quesada, Municipalidad de Miraflores. Lima, Peru.

I studied in Portugal where I lived for eleven years; there I started working with marble and I was co-director of the Department of Sculpture of the Cultural Center of Evora. I returned to Peru in 1992 and here the intensity and beauty of Pre-Columbian art, the dexterity in working the stone of the ancient Peruvian cultures and the extreme force of untamed nature have exercised a profound influence on me artistically and personally.

Hice mis estudios en Portugal, donde viví once años; allí empecé a trabajar en mármol y codirigí el Departamento de Escultura del Centro Cultural de Evora. Regresé al Perú en 1992, aquí la intensidad y belleza del arte precolombino, el manejo de la piedra de las antiguas culturas del Perú y la fuerza extrema de una naturaleza indómita, me han brindado una fuerte influencia a nivel artístico y personal. Ho studiato in Portogallo dove ho vissuto undici anni; lì ho iniziato a lavorare il marmo e sono stata condirettrice del Dipartimento di Scultura del Centro Culturale di Evora. Sono tornata in Perù nel 1992 e qui l’intensità e la bellezza dell’arte precolombiana, la destrezza nel lavorare la pietra delle antiche culture peruviane e la forza estrema di una natura indomita hanno esercitato su di me una profonda influenza a livello artistico e personale.


silvia westphalen

carving on travertine untitled

Erasmo Wong Seoane Lima, Peru Photographer

2015 | exhibition Perú Realismo Fantástico, Palazzo dei Principi Gallone. Tricase, Lecce, Italy. 2014 | exhibition Perú Realismo Fantástico, Galería Espacio, Fundación Telefónica. Santiago, Chile. exhibition Piura Realismo Fantástico, Museo de Artes Amazónicos. Iquitos, Peru. exhibition Piura Realismo Fantástico, Museo Vicus. Piura, Peru. exhibition Piura Realismo Fantástico, Centro Cultural Ricardo Palma. Lima, Peru. exhibition Here and Now, Cuesta Community College, San Luis Obispo. California, USA. 2012 | exhibition Corpus, Galería Cecilia González. Lima, Peru.

In my work I explore the relationship between reality and fiction. I go looking for stories in which there is a subtle line between the two. I'm interested in the connections that exist between the ways of telling stories in rural places in the world, the distortion or manipulation of facts by using codes or poetic narrative, especially when we do not strive to show the fantastic as surreal, but as an ordinary or everyday fact. In my travels I explore, looking for stories or strange traditions and I reinterpret them in my own way. So in my work there is a clear aesthetic of documentation that shows my intention as an artist: I tell stories too.

En mi trabajo exploro la relación entre realidad y ficción. Busco historias donde existe una línea muy delgada entre estos dos elementos. Me interesan las conexiones que existen entre las maneras de contar historias en lugares rurales alrededor del mundo; la distorsión o manipulación de hechos, usando códigos poéticos o narrativos; en especial cuando no hay un esfuerzo por mostrar lo surreal como fantástico, sino más bien como un hecho ordinario o cotidiano. En mis viajes, exploro y busco historias o tradiciones extrañas y las reinterpreto en mis propios términos. Así, en mi trabajo, hay una clara estética de documentación, donde se muestra mi intención como artista: yo también cuento historias. Nel mio lavoro esploro il rapporto tra realtà e finzione. Vado alla ricerca di storie nelle quali esiste una linea impercettibile tra questi due elementi. Mi interessano le connessioni esistenti tra i modi di raccontare le storie in luoghi rurali in ogni parte del mondo, la distorsione o manipolazione dei fatti utilizzando codici poetici o narrativi specialmente quando non ci si sforza di mostrare il surreale come fantastico, ma come un fatto ordinario o quotidiano. Nei miei viaggi esploro, cerco storie o tradizioni strane e le reinterpreto a modo mio. Così nel mio lavoro c’è una palese estetica di documentazione che evidenzia la mia intenzione di artista: anch’io racconto storie.


erasmo wong seoane

digital photography siqllas




m ó nica ne w



Rember Yahuarcani López 1985. La Colonia, Pevas, Loreto, Peru Painter

2015 | solo Exhibition Tabaco Frío, Galería de Arte Colich. Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Pinturas Recientes, Galería de Arte 555. Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Desde el Amazonas, Museo de Bellas Artes. Salta, Argentina. 2011 | solo exhibition Rafue: Padre del Conocimiento, Centro Cultural Garcilaso de la Vega de la Cancillería. Lima, Peru. 2009 | solo exhibition Arte, Medicina y Espiritualidad en la selva Amazónica, Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires, Argentina. solo exhibition Horizontes sin memorias, Galería de Arte Felipe Cossío del Pomar. Lima, Peru. solo exhibition Once lunas, Galería de Arte Pancho Fierro. Lima, Peru.

I descend from the Ancestral Uitota Nation of the Áimen Clan, the Clan of the Garza Blanca. My ancestors are in the territories between the Igaraparaná, Putumayo and Ampiyacú rivers in the Peruvian and Colombian Amazon. The indigenous philosophy cannot be found in encyclopedias, but in the memory of the grandparents. I offer paintings generated by these memories to the public, in the form of gods, myths, stories and habits. This philosophy cannot be something other than the search for answers to three big questions of humanity: Where do we come from? Who are we? Where are we going? After years of listening to the word of our grandparents, I firmly believe that "Our North is the Memory of Our Ancestors".

Soy descendiente de la Nación Ancestral Uitota, del Clan Áimen, el Clan de la Garza Blanca. Mis ancestros se encuentran en los territorios comprendidos entre los ríos Igaraparaná, Putumayo y Ampiyacú, de la Amazonía peruana y colombiana. La filosofía indígena no se encuentra en libros y enciclopedias, sino en la memoria de los abuelos. Entrego al público pinturas nacidas de esta memoria, manifestada en dioses, mitos, historias y costumbres. Dicha filosofía no puede ser otra cosa más que la búsqueda de respuestas a tres grandes preguntas de la humanidad: ¿De dónde venimos?, ¿Qué somos?, y ¿Adónde vamos? Después de años de escuchar la palabra de los abuelos, creo firmemente que “Nuestro Norte es la Memoria de Nuestros Ancestros”. Discendo dalla Nazione Ancestrale Uitota del Clan Áimen e del Clan della Garza Blanca. I miei antenati si trovano nei territori compresi tra i fiumi Igaraparaná, Putumayo e Ampiyacú nell’Amazzonia peruviana e colombiana. La filosofia indigena non la si può trovare nelle enciclopedie, ma nella memoria dei nonni. Offro al pubblico dipinti generati da questi ricordi, sotto forma di divinità, di miti, di storie e di abitudini. Questa filosofia non può essere altro che la ricerca di risposte a tre grandi interrogativi dell’umanità: Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? Dopo anni passati ad ascoltare la parola dei nonni, credo fermamente che il “Nostro Nord è la Memoria dei Nostri Nonni”.


rember yahuarcani

acrylic luna

jar na





j u a n c a rl o s



Moico Yaker 1949. Lima, Peru Painter

2013 | participation I Bienal del Sur. Panama. exhibition Intaglio, Sala Lucho Miro Quezada. Lima, Peru. 2011 | exhibition Religare: una introspectiva, Galería Kruger Espantoso. Lima, Peru. 2009 | exhibition Monumentos, Galería Forum. Lima, Peru. 2007 | exhibition Descendimiento, 52th Venice Biennale. Venice, Italy. exhibition Descendimiento, Centro Cultural Peruano Norteamericano. Arequipa, Peru. 2005 | exhibition Having Trouble to Pray, Yeshiva University Museum. New York, USA. 2004 | exhibition Nuevos Puestos, Galería Forum. Lima, Peru. 2002 | exhibition Susannah and the Elders, Sicardi Gallery. Houston, Texas, USA.

Two moments about the disappearance of some species.

Dos momentos de la desaparición de ciertas especies. Due momenti della sparizione di alcune specie.



moico yaker

mixed media

oro quemado


moico yaker

mixed media

oro quemado

Juan Carlos Zeballos Moscairo 1976. Arequipa, Peru Painter

2015 | solo exhibition Grabura Saudades, Atelier Piratininga. São Paulo, Brasil. participation 69 Salon Réalités Nouvelles. Paris, France. 2014 | solo exhibition Cartografía Cromática, Galería Celal. Paris, France. participation Bienal 2013-2014, National Itinerante de Shenzhen de Acuarela, Museo de Arte de Heilongjiang. Heilongjiang, China. exhibition Latin American Painting, UNESCO Center. Macao, China. participation III Biennale d'Aquarelle du Bassin d'Arcachon. France. v international prize Grabado Atlante, Museo de Arte del Grabado. Spain. exhibition Andinos y Contemporáneos, Sala Pro Cultura Salta. Salta, Argentina.

In my work, the dialogue between thematic and visual elements, contrast, color ranges, allows me to recreate specific scenarios where I can tell my own stories. I recycle urban visual information, newspapers, and I deconstruct them in my work (as a clearly incomplete newspaper, full of colors, ink stains, mathematical operations that are not completed, geometric shapes, letters, names, symbols, signs or scribbles without authors and musical scores that repeat one after the other). Aerial images that spread and/or become transparent; in those images different records intertwine that are playing from a given support for fragments of subsequent plans of the visual graphic proposal and its genealogical motive.

En mi obra el dialogo entre temática y texturas visuales, contrastes, gamas cromáticas, me permiten recrear particulares escenarios, en los que puedo contar mis propias historias. Reciclo información visual urbana diaria y la deconstruyo en mi obra (como diario expuesto e incompleto, atiborrado de dibujos y colores, borrones, operaciones matemáticas inconclusas, figuras geométricas, letras, nombres, símbolos, signos, o escritos sin dueños y partituras musicales que se repiten una y otra vez). Aéreas, se expanden y/o transparentan; en ellas se traman diversos registros que juegan desde un soporte dado, por retazos de planos, hasta la propuesta gráfica visual y su motivo genealógico. Nella mia opera, il dialogo tra tematica ed elementi visivi, contrasti, gamme cromatiche mi permette di ricreare scenari particolari dove posso raccontare le mie storie. Riciclo informazioni visive urbane, quotidiane e le decostruisco nella mia opera (come un giornale palese e incompleto, zeppo di colori, macchie d’inchiostro, operazioni matematiche non completate, figure geometriche, lettere, nomi, simboli, segni o scritti senza autore e partiture musicali che si ripetono l’una dopo l’altra). Immagini aeree che si allargano e/o diventano trasparenti; in quelle immagini si intrecciano diversi registri che giocano a partire da un dato supporto per frammenti di piani successivi fino alla proposta grafica visiva e al suo motivo genealogico.



juan carlos zeballos

oil nocturna


juan carlos zeballos

oil nocturna


Jean Paul Zelada Cubas 1972. Trujillo, Peru Visual Artist & Painter

2013 | exhibition Ciudad instantánea, La Galería. Lima, Peru. 2011 | exhibition Vintage tour, La Galería. Lima, Peru. 2009 | exhibition Relax, La Galería. Lima, Peru. 2007 | exhibition Autoset, La Galería. Lima, Peru. 2006 | exhibition Physical Graffiti, Maison de l’Amerique Latine. Brussels, Belgium. 2005 | exhibition Acid House, Club Colonial Trujillo. Trujillo, Peru. 2004 | exhibition Operación Densa, Galería Impromptu, El Cultural. Trujillo, Peru. 2003 | exhibition Sobrecarga, Galería Praxis. Lima, Peru.

My work stems from the availability of digital images and the way in which these images can, through editing interventions, be re-contextualized by painting in new situations and new scenarios exploring urban or interior landscapes with protagonists that pass anonymously within them, as actors that, in front of a colored screen, do not have a real awareness of the context in which they are moving. The result lies in the particular urban scenes with absorbed people that allow us to analyze prospects that are confusedly populated by buildings and accelerated rhythms.

Mi trabajo encuentra su fuente en la disponibilidad de imágenes digitales y cómo estas pueden, mediante procesos de edición, ser recontextualizadas a través del oficio de la pintura en nuevas situaciones y escenarios, explorando paisajes urbanos o de interiores, con protagonistas que transitan en ellos anónimamente, como actores que, frente a pantallas chroma, no tienen conciencia real del contexto en el que se están moviendo. Así resultan escenas urbanas particulares, con personas ensimismadas, a las que podemos analizar en perspectivas abigarradas de construcciones y ritmos acelerados. Il mio lavoro ha origine dalla disponibilità di immagini digitali e dal modo in cui queste immagini possono, mediante interventi di editing, essere ricontestualizzate tramite la pittura in nuove situazioni e nuovi scenari esplorando paesaggi urbani o di interni con protagonisti che in essi transitano anonimamente, come attori che, di fronte a uno schermo colorato, non hanno un’autentica consapevolezza del contesto nel quale si stanno muovendo. Ne risultano scene urbane particolari con persone assorte che ci consentono di analizzare prospettive confusamemente popolate di costruzioni e ritmi accelerati.


jean paul zelada

mixed media cocina


aisha ascóniga & roberto ascóniga journey to the entirety of ourselves

u We head first to the Ucayali Region where the city of Pucallpa is found. Here we visited the "Usko-Ayar", "Príncipe Espiritual" or "Príncipe Sabio" Amazonian School of Painting, founded by the famous Amazonian painter Pablo Amaringo1 (1938 to 2009) who has exhibited and sold a large number of works in the surrounding area and who, in his work, inspired by shamanism, showed the hallucinatory reality of the forest, shaping rituals and shamanic visions and, at the same time, the energy and the spirit of the forest and the great variety of plant and animal species not to mention its inhabitants, the natives or mestizos focused on their activities.

view one by one. Meeting them is a surprise, they are much more than we expected with their natural, unconditional talent, even though many of them are "self-taught". The art is seen or considered and used by them as an interpretation of the world of energy in which they live and inhabit, in many instances as a learning manual or as symbols of their visions.

Aisha Ascóniga


We split into two groups and take different directions heading towards a small community where we know, thanks to previous explorations, there are visual artists whom we meet and inter-

Established with the researcher Luis Eduardo Luna. The school was awarded with the Global 500 Roll of Honour mention, granted directly by the UN environmental conservation program for the work done by the institution directed by Amaringo and for the results obtained in his years of work.


We decide to take a trip in the forest with the task of knowing Amazonian artists in situ for this project, keeping in mind that many of them are in small or large measure marginalized, excluded or confined to the local art circuit.


aisha & roberto asc�niga u journey to the entirety of ourselves

i Once divided into two groups for three days with the friend and boat driver Lalo, we scour the Yarinacocha lagoon looking for artists, painters, sculptors, engravers etc. in the Shipibo-Konibos indigenous communities and nearby villages on the edge of the lagoon, on its island between the canals and surrounding area including El Caserío 11 de Agosto, the Pueblo de San José de Yarinacocha, Santa Clara and San Francisco de Yarinacocha, Puerto Firmeza and Nuova Esperanza, among others. In these places we meet and we interview many visual artists, painters and sculptors. On subsequent trips we do the same thing going up the Río Ucayali, visiting some indigenous communities mainly belonging to the Shipibos-Konibos like, for example, the cities and villages of Betania, Santa Isabel de Bahuanisho and Limonaje. At the same time, we venture to the mouth of the Río Caliente following an even more isolated road in the dense Amazon rainforest in the Huanuco region, province of Puerto del Inca, just over two hours by road from Pucallpa and navigating for half an hour on the water of the Río Panchitea up to the marina district and the village of Honoria. From there after an hour of walking in the mountains and in the heart of the virgin forest, we reach Mayantuyacu where the teacher Juan Flores was waiting for us. Juan Flores, an ethnic Ashaninka, is a specialist in flora and medicinal plants of the forest and is an outstanding Ayahuasquero Master who heads a ceremonial and natural medicine center that is over the Río Caliente in the area where they have thermal waters. With his paintings, Juan Flores tries to convey what he sees thanks to the drink of the Ayahuasca and ceremonies that, being in the service of his works, are a kind of apprenticeship. Traveling means moving from place to place and the transfer results in a before and an after. Locomotion is a right or a privilege of the animals. For us "humans" it is an instrument of knowledge

that has the same legitimacy of study, reading and research. Travelling opens up new frontiers and perspectives, it can get to be very similar starting with men of other ages as it had to be to support Descartes in his Discourse on Method: "Actually conversing with authors of other centuries is almost the same as travel, and it is good to have some knowledge of the customs of different peoples, in order to better judge ours and to not suggest that everything that does not conform to our customs is ridiculous and contrary to reason, as those who have never seen anything usually do". The journey, thus understood, is a way to get in touch with the values and behaviors that might not exist in our environment. The journey produces in us a change of mindset. Travel changes our way of seeing things and then allows us to receive new impressions. For this to happen, you have to set aside, as much as possible, our conditioning and open ourselves to new, different and extremely original forms and experiences. In his book Beyond Good and Evil, Nietzsche asks the traveler: "Traveler, who are you?… What did you go to search for in the deep?" Thus understood, locomotion as a physical, outward journey, corresponds to an inner journey. In the meeting with the other we clearly see ourselves for who we are, as if we did not know about us, or maybe we can or could be or be in part without us knowing it. A journey is then stimulated by interiority, otherness and what comes as a result of the encounter with the other. So, traveling in this manner, you have to put your identity at risk by allowing yourself to be different, at least as a possibility, and you have to have a certain attitude and a particular approach. We say, therefore, that there are two journeys: one physical, of displacement, and the other inner, mental, spiritual, of investigations, recognition and growth.

It is interesting and should be emphasized that, given the acculturation after the conquest and, unlike what happened in the Andes and other regions, the ethnic groups and indigenous peoples of the Amazon were the ones that resisted this process and were, consequently, the less acculturated. It is for this reason that they were the ones who most preserved their customs, habits and knowledge. Take for example the Shipibo

From the interviews conducted and from early reflections and the first studies carried out on these forms of plastic and visual arts (mainly painting), we could provisionally highlight three ways to use the kené: firstly those - mainly women - who use it either in a traditional and old form and thusly are more abstract or the more current and innovative and thus more figurative way; we noticed that even when we ask for a tattoo we were called whether we preferred more ancient or modern motifs. Secondly, the use that the ayahuasqueros shamans make of it. And finally, the use by younger painters, mostly of them with complete levels of schooling and even universitary studies in Fine Arts. We have the example of the Barin Bababo collective, whom we interviewed more than once and which includes Bima Inumi, Pepe and Nixon of San Francisco de Yarinacocha. This group mainly consists of young men who are mostly sons of designers and masters of Ayahuasca who are producing a new contaminated, hybrid art by combining the knowledge of women and men and by opening new paths of exploration of the kené and emerging forms of marketing. Thus, this new way of making art vividly testifies the experience of the Cerimonias de Ayahuasca mixing in with symbiosis: faces,

aisha & roberto asc�niga u journey to the entirety of ourselves

Furthermore, at getting closer to the villagers that we visit, the first thing that can be perceived and felt is the idea of respect, co-existence and co-belonging to this order; and a sympathy that is a form of charity. Or, conversely, the Charity is a form of sympathy, of thought and action, which is the translation of the same relationship or position of co-belonging. The Sympathy is a form of charity through the original attitude of man.

art that presents itself especially through geometric patterns, such as nets or models called kené and that they express with embroidery or fabric or something that is painted or carved on pottery, canvases and objects in relief or wood. To do kené is synonymous with painting, weaving, embroidering designs and has always been a predominantly female artistic practice. These motifs allude to or underlie the conception of the cosmos, local cosmology and active elements that make up the different levels of the traditional view of the world of the Amazon, a reason for which they are not merely decorative.


If there is a sensation that one quite clearly feels, lives and that takes hold of us when we approach and enter into contact with the forest, it is a feeling of life, of strength, of the organic, of a living force in constant motion and dynamism in a place where everything is alive and moving. It is something organic, a clear and present strength, and in continuous renewal and mutation. It is nature that is understood as the concept of Physis in ancient Greek philosophy, nature as a force that is present or dominant and springs forth, that of the Greek word phyo, like growth, or letting something out. It is a force that rules and the moment in which it rises, it remains as a strong presence. Before the forest/force manifests the energeia, not exactly or necessarily in the sense of "energy", but to "become apparent". It is obviously a present force with an order, in the sense of understanding of the universe as order, ordered, and thusly alive, planned, with levels, intelligence and layers, which is the idea or the feeling/experience of its inhabitants who are themselves part of the same nature in an interdependence of all things.

o 330 aisha & roberto asc�niga u journey to the entirety of ourselves

landscapes, animals and spiritual beings related to the kené drawings according to the Shipibo-Koniba characteristics that distinguish the use of kené mixed with figurative elements that make reference to or testify to, among other things, the fact that nature does not belong to us, but we are those who belong to nature. Staying close to concepts or existential states and moods such as reciprocity, solidarity, harmony with the cosmos as an interconnected whole with our fellow man and with the world of nature is not limited to making spares, or to exploitation and predation. According to Carl Jung, the psyche retains its genetic history just like the body. Jung called this objective psyche "Collective Unconscious" and defined it as "a powerful spiritual legacy of human development. (…) Consciousness is something ephemeral that takes care of all the momentary adaptations and guidelines. (...) The unconscious, on the contrary, contains the source of psychic forces". All this is somehow related to Mircea Eliade's statement: "In this world man doesn't feel trapped by his way of living. Man is open as everything else. He communicates with his world thanks to a common language: symbol. If the world talks to him through stars, plants, animals, rivers, rocks, seasons and nights, he repplies with his dreams and his imaginary life".

aisha ascóniga & roberto ascóniga viaje a la totalidad de sí mismo

2 Decidimos viajar a la Selva con la consigna de conocer in situ artistas amazónicos para este proyecto, ya que un gran número de ellos están en cierta o gran medida marginados, excluidos o relegados del circuito local de arte. Nos dirigimos primeramente al Departamento de Ucayali, donde se encuentra la ciudad de Pucallpa. Allí, visitamos la Escuela Amazónica de Pintura “Usko-Ayar”, “Príncipe Espiritual” o “Príncipe Sabio” que fue fundada por el reconocido pintor amazónico Pablo Amaringo (1938-2009)1, quien ha expuesto y vendido un gran número de obras alrededor del mundo y que en su trabajo, inspirado en el shamanismo, expone la alucinatoria realidad de la selva, plasmando los rituales y visiones shamánicas, lo mismo también que la energía y espíritu de la selva y la gran variedad de especies de flora, fauna, como así también a sus habitantes, nativos y mestizos en la realización de diversas actividades.

por exploraciones anteriores, que habían artistas visuales a quienes visitamos y entrevistamos uno por uno. Nos sorprendimos al encontrarnos con más de los que esperábamos y con su talento nato, incondicional, siendo muchos de ellos “autodidactas”. El arte es visto o tenido y usado por ellos como interpretación del mundo energético que viven y habitan, muchas veces como guías de aprendizaje o simbología de las visiones que tienen. Aisha Ascóniga


Fundada juntamente con el investigador Luis Eduardo Luna. La escuela fue condecorada con la mención Global 500 Roll of Honour, concedida directamente por el programa de preservación ambiental de la ONU por la labor llevada a cabo por la institución dirigida por Amaringo y los logros conseguidos durante sus años de labor.


Nos dividimos en dos grupos dirigidos hacia distintas direcciones y fuimos a pequeñas comunidades donde sabíamos,


aisha & roberto asc�niga 2 viaje a la totalidad de sí mismo

3 Al dividirnos en dos grupos, por una parte surcamos con el amigo y botero Lalo durante tres días la Laguna de Yarinacocha en busca de artistas, pintores, escultores, dibujantes, etc., en las comunidades nativas Shipibo-Konibos y pueblos junto a las orillas de la Laguna, en su isla y entre sus canales y alrededores, como lo son El Caserío 11 de Agosto, el Pueblo de San José de Yarinacocha, Santa Clara y San Francisco de Yarinacocha, Puerto Firmeza y Nueva Esperanza, entre otros. En estos lugares, encontramos y entrevistamos a toda una variedad de artistas visuales, pintores y escultores. En viajes posteriores hicimos lo mismo, remontando el Río Ucayali río arriba, visitando algunas comunidades nativas principalmente de Shipibos-Konibos también, como lo son las ciudades y poblados de Betania, Santa Isabel de Bahuanisho y Limonaje, entre otras. Por otro lado y en paralelo nos aventuramos en una ruta más alejada de la Amazonía y en la selva primaria, en el departamento de Huanuco, provincia de Puerto del Inca, a poco más de dos horas en carretera desde Pucallpa y cruzando media hora el Río Panchitea desde el pequeño puerto del distrito y poblado de Honoria, hacia la desembocadura del Río Caliente. Desde allí, a una hora de caminata monte arriba y rodeados de selva primaria, fuimos al encuentro del Maestro Juan Flores, en Mayantuyacu. Juan Flores, de la etnia Ashaninka, es especialista en flora y plantas medicinales de la selva, y un destacado Maestro Ayahuasquero que dirige un centro ceremonial y de medicina natural, ubicado sobre el Río Caliente de la Quebrada de Aguas Termales. Por medio de sus pinturas, Juan Flores trata de reflejar lo que se ve en las visiones del Ayahuasca y las ceremonias, sirviendo sus obras, de esta manera, como un aprendizaje.

Viajar es moverse de un lugar a otro; la traslación supone un antes y un después. La locomoción es una facultad o privilegio de los animales. Para nosotros, los “humanos”, es un modo de conocer tan legítimo como buscar, leer, investigar. Viajar nos abre nuevas fronteras y perspectivas, puede llegar a ser muy similar a departir con hombres de otras épocas, tal como lo sostuvo René Descartes en El Discurso del Método: “Pues es casi lo mismo conversar con gente de otros siglos que viajar. Bueno es saber algo de las costumbres de otros pueblos para juzgar las del propio con mejor acierto y no creer que todo lo que sea contrario a nuestras modas es ridículo y opuesto a la razón, como suelen hacer los que no han visto nada”. El viaje así entendido, es un modo de ponerse en contacto con costumbres, valores y actitudes que puede que no existan en nuestro medio. Nos producen un cambio de actitud mental. Viajar, cambia nuestra forma de ver las cosas pues recibimos nuevas impresiones. Para que esto sea factible, hay que dejar de lado, en todo lo posible, nuestro condicionamiento y permitirnos estar abiertos a nuevas, distintas, y hasta más originales formas y vivencias. En Más allá del Bien y del Mal, Nietzsche le pregunta al viajero: “Viajero ¿Quién eres? … ¿Qué has ido a buscar a lo profundo?” Así entendida la locomoción como al viaje físico, exterior, le corresponde un viaje interior. En el encuentro con el otro nos conocemos de otra manera, nos reconocemos a nosotros mismos, como lo que somos o no, como lo que no sabemos que somos, o quizás podemos o podríamos ser, o en parte somos sin saberlo. Un viaje se halla así impulsado por la interioridad, la alteridad y lo que se produce como resultado de ese encuentro con esa otredad. Así pues, para viajar de este modo es preciso arriesgar la propia identidad, permi-

Asimismo, al acercarse a los habitantes de los pueblos que visitamos, lo que se percibe y se siente primeramente es esa idea de respeto y convivencia y co-pertenencia con ese orden; y una Simpatía, la cual es una forma de Caridad. O a la inversa, la Caridad en la forma de Simpatía, en pensamiento y acción, la cual es traducción de esta forma de la misma relación o posición de co-pertenencia con ella. La Simpatía es una forma de Caridad, a través de la disposición original humana.

De las entrevistas efectuadas y de las primeras reflexiones y estudios realizados en torno las manifestaciones artísticas visuales plásticas (principalmente en la pictórica), podríamos tentativamente destacar tres formas actuales de hacer uso del diseño kené: primeramente, al de las diseñadores –principalmente mujeres– que lo usan ya sea de forma tradicional antigua y más abstracta, que de modo más actual e innovador, más bien figurativo; esto lo notamos incluso al solicitar un tatuaje, al preguntarnos si preferíamos diseños antiguos o modernos. En segundo lugar, el uso dado por los shamanes ayahuasqueros. Y por último, el uso o manejo por parte de los pintores más jóvenes, en la gran mayoría con niveles de estudios escolares completos e incluso universitarios en Bellas Artes.

aisha & roberto asc�niga 2 viaje a la totalidad de sí mismo

Si hay una sensación clara que se siente, se vive y se apodera de uno vivamente al acercarse y entrar en contacto con la selva, es una sensación de vida, de fuerza, de organicidad, de una fuerza viva en permanente movimiento y dinamismo, en donde todo tiene vida y se mueve. Se trata de algo orgánico, una fuerza patente, presente y en constante renovación y de cambio. Es la naturaleza entendida como el concepto de la Physis del primer pensamiento griego, la naturaleza como fuerza presente o imperante que surge y brota; la del verbo griego phyo, como crecer, hacer salir. Es una Fuerza que impera, y al surgir permanece con una fuerte presencia. Ante la selva/fuerza se hace patente la energeia, no exacta y necesariamente como “energía”, sino como “hacerse presente” algo. Se hace patente una fuerza presente con un orden, entendido este al modo del concepto de cosmos como orden, ordenado; algo vivo, planificado, con niveles, inteligencia y estratos, que es la idea o sensación/vivencia de sus habitantes, en la que ellos forman parte de la misma naturaleza, en una interdependencia de todas las cosas.

Es interesante y oportuno destacar que, dada la aculturización sucedida tras la conquista y a diferencia de los andes y otras regiones, las etnias y pueblos nativos amazónicos fueron los que más se resistieron a dicho proceso y en consecuencia los menos aculturizados. Es por esta razón que fueron ellos quienes mayormente conservaron intactas sus costumbre, modos y conocimientos. Así, tenemos por ejemplo el arte Shipibo, que se halla conformado especialmente por diseños geométricos, a modo de redes o patrones, llamados kené y que se dibujan en el bordado de textiles, o bien son pintadas y talladas sobre cerámicos, telas y objetos en bajo relieve o en madera. Hacer kené es sinónimo de pintar, tejer, bordar diseños, y fue una práctica artística ancestral principalmente femenina. Estos diseños aluden o se sustentan en la cosmovisión y cosmología local y en los elementos activos que las constituyen en los diferentes niveles de la visión tradicional del mundo amazónico, por lo que, cabe destacar, no son meramente decorativos.


tiéndose ser de otra manera, al menos como posibilidad, y requiere de una cierta actitud y modo de acercamiento. Decimos entonces que hay dos viajes: uno físico, de desplazamiento y el otro interior, mental, espiritual, de indagación, reconocimiento y crecimiento.



aisha & roberto asc�niga 2 viaje a la totalidad de sí mismo

Tenemos el ejemplo del colectivo Barin Bababo –descendientes del Sol o del Cosmos– a quienes entrevistamos en más de una oportunidad y al cual pertenecen los pintores y músicos Bima Inumi, Pepe y Nixon, en San Francisco de Yarinacocha. Este grupo, está conformado principalmente por jóvenes hombres, en su mayoría hijos de diseñadoras y padres Maestros de Ayahuasca, que están produciendo un nuevo arte mezclado, hibridizado, aunando los conocimientos de las mujeres y hombres, y abriendo nuevas rutas de exploración de los kenés y su incipiente comercialización. De este modo, esta nueva forma de hacer arte es más bien un testimonial de lo vivido y experienciado durante las Ceremonias de Ayahuasca, mezclando en simbiosis caras, paisajes, animales y seres espirituales, concatenados a los diseños kené, siendo la característica Shipibo-Koniba que más les destaca el uso del kené mezclado a los elementos figurativos, haciendo referencia o atestiguando, entre otros, al hecho que la naturaleza no nos pertenece, sino que más bien somos nosotros quienes pertenecemos a la naturaleza. Acercándonos así a conceptos o estados existenciales y temples anímicos tales como reciprocidad, solidaridad, armonía con el cosmos como un todo interrelacionado con los semejantes y con el mundo natural, no reducida al acopio de reservas a la explotación y depredación. Para Carl Jung, la psique adquiere su propia historia genética, como la tiene el cuerpo. Él llamó a esta psique objetiva el “Inconsciente Colectivo” la determinó como “la poderosa herencia espiritual del desarrollo de la humanidad. (...) la conciencia es algo efímero, que se encarga de todas las adaptaciones y orientaciones momentáneas. (...) El inconsciente, por el contrario, contiene la fuente de las fuerzas psíquicas”. Esto de algún modo se halla relacionado a los planteamientos

de Mircea Eliade, quien sostiene que “en un mundo semejante el hombre no se siente encasillado en su propio modo de existir. También él está abierto. Comunica con el mundo porque utiliza el mismo lenguaje: el símbolo. Si el mundo le habla a través de sus astros, sus plantas, sus animales, sus ríos y sus rocas, sus estaciones y sus noches, el hombre le responden con sus sueños y su vida imaginaria”.

aisha ascóniga & roberto ascóniga viaggio verso la totalità di se stessi


Ci dirigiamo anzitutto nel Dipartimento di Ucayali, dove si trova la città di Pucallpa. Qui visitiamo la Scuola Amazzonica di Pittura “Usko-Ayar”, “Príncipe Espiritual” (Principe Spirituale) o “Príncipe Sabio” (Principe Saggio), fondata dal noto pittore amazzonico Pablo Amaringo (1938-2009)1, che ha esposto e venduto un gran numero di opere in diverse parti del mondo e che, nel suo lavoro, ispirato allo sciamanesimo, mostra la realtà allucinatoria della foresta plasmando i rituali e le visioni sciamaniche e, al tempo stesso, l’energia e lo spirito della foresta e la gran varietà di specie vegetali e animali per non parlare dei suoi abitanti, nativi o meticci, intenti a svolgere le loro attività.

triamo e intervistiamo uno alla volta. È stata una sorpresa incontrare più artisti di quanti avevamo previsto, tutti con il loro talento nato, incondizionato, pur essendo molti di loro “autodidatti”. L’arte è vista o considerata e usata da loro come interpretazione del mondo energetico nel quale vivono e abitano, molte volte come manuali di apprendimento o simbologie delle loro visioni. Aisha Ascóniga


Ci dividiamo in due gruppi e prendiamo direzioni diverse dirigendoci verso piccole comunità dove sappiamo, grazie a precedenti esplorazioni, che ci sono artisti visivi che incon-

Fondata insieme al ricercatore Luis Eduardo Luna. La scuola fu premiata con la menzione Global 500 Roll of Honour, concessa direttamente dal programma di conservazione ambientale dell’ONU per il lavoro svolto dalla istituzione diretta da Amaringo e per i risultati ottenuti nei suoi anni di lavoro.


Decidiamo di intraprendere un viaggio nella foresta con il compito di conoscere in situ artisti amazzonici per questo progetto, tenendo presente che molti di loro sono in piccola o grande misura emarginati, esclusi o confinati nel circuito locale dell’arte.


aisha & roberto asc�niga b viaggio verso la totalità di se stessi

! Una volta divisi in due gruppi, per tre giorni con l’amico e responsabile del piccolo battello Lalo, perlustriamo la Laguna di Yarinacocha alla ricerca di artisti, pittori, scultori, incisori ecc., nelle comunità indigene Shipibo-Konibos e nei villaggi vicini sulle rive della laguna, sulla sua isola e tra i suoi canali e nei dintorni, tra i quali El Caserío 11 de Agosto, il Pueblo de San José de Yarinacocha, Santa Clara e San Francisco de Yarinacocha, Puerto Firmeza e Nuova Esperanza. In questi posti incontriamo e intervistiamo moltissimi artisti visivi, pittori e scultori. In viaggi precedenti avevamo fatto lo stesso percorso, risalendo il Río Ucayali, visitando alcune comunità indigene principalmente appartenenti agli Shipobos-Konibos come, ad esempio, le città e i villaggi di Betania, Santa Isabel de Bahuanisho e Limonaje.

Viaggiare vuol dire muoversi da un luogo all’altro; il trasferimento comporta un prima e un dopo. La locomozione è una facoltà o un privilegio degli animali. Per noi “umani” è uno strumento di conoscenza che ha la medesima legittimità dello studio, della lettura, della ricerca. Viaggiare ci schiude nuove frontiere e prospettive, può arrivare a essere molto simile a partire con uomini di altre epoche come ebbe a sostenere Cartesio nel suo Discorso sul Metodo: “In realtà conversare con gli autori degli altri secoli è quasi lo stesso che viaggiare, ed è giusto avere qualche conoscenza dei costumi dei diversi popoli, per poter meglio giudicare dei nostri e per non ritenere che tutto ciò che non è conforme alle nostre usanze sia ridicolo e contrario alla ragione, come sono soliti fare coloro che non hanno mai visto nulla”.

Contemporaneamente ci avventuriamo fino alla foce del Río Caliente seguendo una strada ancor più isolata nel fitto della foresta vergine amazzonica nel dipartimento di Huanuco, provincia di Puerto del Inca, a poco più di due ore di strada da Pucallpa e navigando per mezz’ora sulle acque del Río Panchitea fino al porticciolo del distretto e al villaggio di Honoria. Da lì, con un’ora di cammino a piedi in montagna e nel cuore della foresta vergine, raggiungiamo Mayantuyacu dove ci aspetta il maestro Juan Flores.

Il viaggio, così inteso, è un modo di mettersi in contatto con tradizioni, valori e comportamenti che forse non esistono nel nostro ambiente. Questi, producono in noi un mutamento di atteggiamento mentale. Viaggiare cambia la nostra maniera di vedere le cose perché ci consente di ricevere nuove impressioni. Perché ciò avvenga, bisogna mettere da parte, per quanto possibile, il nostro condizionamento e aprirci a forme ed esperienze nuove, differenti e oltremodo originali. Nel suo libro Al di là del bene e del male, Nietzsche chiede al viaggiatore: “Viaggiatore, chi sei tu?... Cosa sei andato a cercare nel profondo?”

Appartenente all’etnia Ashaninka, Juan Flores è specialista di flora e piante medicinali della foresta ed è uno straordinario Maestro Ayahuasquero che dirige un centro cerimoniale e di medicina naturale che si trova sopra il Río Caliente nella zona delle acque termali. Attraverso i suoi dipinti, Juan Flores cerca di trasmettere quanto si vede grazie alle visioni della bevanda dell’Ayahuasca e alle cerimonie, essendo le sue stesse opere una sorta di apprendistato.

Così intesa, la locomozione come viaggio fisico, esteriore, corrisponde a un viaggio interiore. Nell’incontro con l’altro ci conosciamo in un modo diverso, riconosciamo noi stessi per quello che siamo oppure no, come ciò che non sappiamo di essere o magari possiamo o potremmo essere, o che in parte siamo senza saperlo. Un viaggio è quindi stimolato dall’interiorità, dall’alterità e da quanto scaturisce come risultato dell’incontro con l’altro. Così, per viaggiare in questa manie-

Inoltre, avvicinandoci agli abitanti dei villaggi che visitiamo, come prima cosa si percepisce e si sente questa idea di rispetto e convivenza e co-appartenenza a questo ordine; e pure una Simpatia che è una forma di Carità. O, al contrario, la Carità è una forma di Simpatia, di pensiero e di azione, che è la traduzione del medesimo rapporto o posizione di co-appartenenza. La Simpatia è una forma di Carità tramite l’originaria attitudine dell’uomo.

Dalle interviste effettuate e dalle prime riflessioni e studi realizzati su queste manifestazioni artistiche (principalmente la pittura), potremmo in via provvisoria sottolineare tre modalità di utilizzo del kenè: anzitutto, coloro – principalmente donne – che lo usano o in forma tradizionale e antica e quindi più astratta o in modo più attuale e innovativo e quindi più figurativo; questo l’abbiamo anche notato al sollecitare un tatuaggio per il quale ci venne chiesto se preferivamo i disegni più antichi oppure quelli moderni. In secondo luogo, l’uso che ne fanno gli sciamani ayahuasqueros. E infine l’impiego da parte dei pittori più giovani, un gruppo nella maggior parte istruito, appartenenti persino all’Accademia di Belle Arti.

aisha & roberto asc�niga b viaggio verso la totalità di se stessi

Se c’è una sensazione che con estrema chiarezza si sente, si vive e si impadronisce attivamente di noi quando ci avviciniamo ed entriamo in contatto con la foresta, è una sensazione di vita, di forza, di organicità, di una forza viva in perenne movimento e dinamismo, un luogo nel quale tutto è vivo e si muove. È qualcosa di organico, una forza palese, presente e in continuo rinnovamento e mutamento. È la natura intesa come il concetto della Physis nell’antica filosofia greca, la natura come forza presente o imperante che sorge e germoglia; quella del verbo greco phyo, come crescere, far uscire. È una Forza che impera e nel momento in cui sorge rimane come una forte presenza. Dinanzi alla foresta/forza si manifesta la energeia, non esattamente o necessariamente nel senso di “energia”, ma in quello di “appalesarsi”. Si fa palese una forza presente con un ordine, inteso nel senso di concezione del cosmo come ordine, ordinato, e quindi vivo, pianificato, con livelli, intelligenza e strati, che è poi l’idea o la sensazione/esperienza dei suoi abitanti che sono essi stessi parte della medesima natura all’interno di un’interdipendenza di tutte le cose.

È interessante e opportuno sottolineare che, data l’acculturazione successiva alla conquista e, a differenza di quanto avvenuto nelle Ande e in altre regioni, le etnie e i popoli nativi dell’Amazzonia furono quelli che più resistettero a questo processo e, di conseguenza, i meno acculturati. È per questa ragione che sono stati quelli che hanno maggiormente conservato intatti i loro costumi, le abitudini e le conoscenze. Prendiamo come esempio l’arte Shipibo che si presenta specialmente per mezzo di motivi geometrici, come reti o patterns, chiamati kené e che si ottengono con il ricamo in tessuto oppure sono dipinti o intagliati su ceramiche, tele e oggetti in bassorilievo o in legno. Fare kené è sinonimo di dipingere, tessere, ricamare disegni ed è sempre stata una pratica artistica ancestrale prevalentemente femminile. Questi motivi alludono o sono alla base della visione del mondo, della cosmologia locale e degli elementi attivi che la costituiscono ai diversi livelli della visione tradizionale del mondo amazzonico, ragione per cui è importante notare che non sono meramente decorativi.


ra, bisogna mettere a rischio la propria identità consentendo a noi stessi di essere diversi, almeno come possibilità, e bisogna avere un certo atteggiamento e un particolare approccio. Diciamo pertanto che ci sono due viaggi: uno fisico, di spostamento; e l’altro interiore, mentale, spirituale, di indagine, di riconoscimento e di crescita.



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Abbiamo l’esempio del collettivo Barin Bababo – discendendi del Sole o del Cosmo – che abbiamo intervistato in più di una occasione e di cui fanno parte i pittori e musicisti Bima Inumi, Pepe e Nixon di San Francisco de Yarinacocha. Questo gruppo è formato principalmente da giovani uomini, per lo più figli di disegnatori e Maestri di Ayahuasca, che stanno producendo una nuova arte contaminata, ibrida mettendo insieme i saperi delle donne e degli uomini e aprendo strade nuove di esplorazione dei kené e delle nascenti forme di commercializzazione. Così, questo nuovo modo di fare arte testimonia in maniera molto vivida le esperienze delle Cerimonias de Ayahuasca mescolando in simbiosi volti, paesaggi, animali ed esseri spirituali legati ai disegni kené secondo la caratteristica Shipibo-Koniba che contraddistingue l’impiego del kené mescolato a elementi figurativi che fanno riferimento o testimoniano, tra l’altro, il fatto che la natura non ci appartiene, ma siamo noi che apparteniamo alla natura. Avvicinandoci così a concetti o stati esistenziali e stati d’animo quali la reciprocità, la solidarietà, l’armonia con il cosmo come un tutto interconnesso con i nostri simili e con il mondo naturale, non ridotta a fare scorte, allo sfruttamento e alla predazione. Secondo Carl Jung la psiche conserva la sua storia genetica esattamente come il corpo. Jung chiamò questa psiche oggettiva “Inconscio Collettivo” e la definì come “la poderosa eredità spirituale dello sviluppo dell’umanità. (…) La coscienza è qualcosa di effimero che si fa carico di tutti gli adattamenti e orientamenti momentanei. (…) L’inconscio, al contrario, contiene la fonte delle forze psichiche”. Questo è in qualche modo relazionato a quanto proposto da Mircea Eliade, che afferma: “in un mondo così l’uomo non si sente intrappolato dal suo proprio modo di esistere. Anche

lui è aperto. Comunica con il suo mondo perché utilizza la stessa lingua: il simbolo. Se il mondo gli parla attraverso i suoi astri, le piante, gli animali, i fiumi e le rocce, le stagioni dell’anno e le notti, l’uomo gli risponde con i suoi sogni e la sua vita immaginaria”.


yacu - remolino espiritual acrylic jes�s amaringo 340

Jesús Amaringo Armas 1975. Pucallpa, Ucayali, Peru Escuela Usko-Ayar


juan benavides

Juan Benavides PĂŠrez Escuela Usko-Ayar acrylic

yana-puma (tigre negro)


ener diaz

Ener Diaz Núñez Escuela Usko-Ayar


poderes del to�


pepe agust�n fern�ndez

Pepe Agustín Fernández “Soi Beso“ acrylic

el tejido humano

yana-puma (tigre negro) acrylic juan flores 344

Juan Gilberto Flores Salazar 1951. Santa Rosa, Ucayali, Peru

selva m�gica acrylic katherin fuchs 345

Katherin Julissa Fuchs Pezo Escuela Usko-Ayar


limbert gonzales

Limbert Gonzales Laulate Escuela Usko-Ayar


yacu toe (toďż˝ del agua)

poderes del toďż˝ acrylic elmer inuma 347

Elmer Inuma Pezo 1978. Pucallpa, Ucayali, Peru

el barco fantasma acrylic mois�s llerena 348


Moisés Llerena Taricuarima 1975. Flor de Punga, Peru Escuela Usko-Ayar


rony l�pez

Rony López Escobar acrylic arcana

noche de luna amaz�nica acrylic mita lozano 350

Mita Dexi Lozano Paima 1975. Distrito Tapiche, Peru Escuela Usko-Ayar


robert montes amaringo

Robert Montes Amaringo Escuela Usko-Ayar acrylic

maestra sabia


ronald murayari

Ronald Murayari Ochavano 1983. San Francisco, Peru


unpash niwe (la energ�a del agua)


john orbe shahuano

John Oliver Orbe Shahuano Lives in San JosĂŠ de Yarinacocha, Peru acrylic

el bufeo colorado transform�ndose en hombre

acrylic amanecer jorge ram�rez flores 354

Jorge Ramírez Flores 1979. Pucallpa, Ucayali, Peru Escuela Usko-Ayar

la transformaci�n del jaguar acrylic deny r�os 355

Deny Efer Ríos 1976. Pucallpa, Ucayali, Peru Escuela Usko-Ayar


fredy s�nchez

Fredy Sánchez Vargas


la sanaci�n interior protectora

la tahuampa acrylic chenier tangoa 357

Chenier Tangoa Murrieta Escuela Usko-Ayar

acrylic chullachaqui-wasi juan v�squez amaringo 358

Juan Vásquez Amaringo 1967. Pucallpa, Ucayali, Peru Escuela Usko-Ayar

ocaso amaz�nico acrylic alfredo zagaceta 359


Alfredo Zagaceta 1977. Pucallpa, Ucayali, Peru Escuela Usko-Ayar

Photos: courtesy of Aisha & Roberto Asc贸niga

Painter Juan Flores






1. Humberto Aquino 2. Rhony Alhalel 3. Eduardo Chinen (Akira) 4. Luis Arias Vera










1. Cristhian テ」ila 2. Josテゥ Carlos Orrillo 3. Juan Carlos Belテウn 4. Josテゥ Antonio Bao 5. Paola Baertl








1. Alina Canziani 2. Marcial Ayala 3. Alejandro Jaime 4. Aymar Ccopacatty 5. Eduardo CochachĂ­n




photo by ana maría echeverría lübbert




1. Ana María McCarthy 2. Morfi Jiménez 3. Diego Molina 4. José Luis Carranza





photo by josep vincent rodríguez muñoz


1. José (Toto) Fernández 2. John Chauca 3. Juan Carlos Delgado 4. Jessica Schneider 5. Claudia Coca

379 481






1. Dante García 2. García Miró 3. Rony López 4. César Cornejo 5. Patricia Eyzaguirre







1. Michelle Llona 2. Giorgio Di Giovanni 3. Ado Torres 4. Alberto Flores


383 485









1. Mariú Palacios 2. Fernando La Rosa 3. Alejandro Hernández (Paranga) 4. Olga Luna 5. Verónica Noriega


photo by juan pablo murrugarra





1. Ella Krebs 2. Luz Letts 3. Patricia Gygax 4. Walter Carbonel 5. Miguel Lescano

387 489







1. Nico Marreros 2. Karen Macher 3. Aminta Henrich 4. Luisa Lindo 5. Lorena Noblecilla







1. JosĂŠ Luis Morales 2. Guillermo Ayala Jacobs 3. Claudia MartĂ­nez Garay 4. Alejandra Mitrani 5. Alessandra Rebagliati


391 493


photo by nolan pĂŠrez chirinos





1. Renzo Núñez-Melgar 2. Diana Riesco Lind 3. Pepe Agustín Fernández 4. Patricia Olguín

393 495








395 497

1. Marcos Palacios 2. Jean Paul Zelada 3. Leopoldo Pfl端cker 4. Alberto Gayoso 5. Delfina Pinchi





1. Eriván Phumpiú 2. Chalo Guevara 3. Clemente Pacaya 4. Rosamar Corcuera 5. Fernando Otero


397 499







1. Israel Tolentino 2. Carolina Kecskemethy 3. Jairo Robinson 4. Runcie Tanaka 5. Magaly Sรกnchez

399 501







1. Iliana Scheggia 2. Ivรกn Fernรกndez-Dรกvila 3. Christian Quijada 4. Aldo Shiroma 5. Valentino Sibadon

401 503






1. Kylla Piqueras 2. Teresa Bracamonte 3. Ricardo C贸rdova 4. Susana Perrottet 5. Silvia Westphalen





photo by victoria morales 2

1 3


1. Rember Yahuarcani 2. Juan Carlos Zeballos 3. María Inés Agurto 4. Elmer Inuma 5. Lucía Reátegui









1. William Pinillos 2. Paolo Vigo 3. Christian Flores 4. Maya Watanabe





camet, Patricia


fernández-dávila, Iván 122-123, 400

agurto, María Inés

50-51, 404

canepa, Andrea


fernández, Toto

alhalel, Rhony

52-55, 370

canziani, Alina

88-89, 374

fernández, Pepe Agustín 343, 393

carbonel, Walter

90-91, 387

ferrer, Ivana


92-93, 377

firbas, Joseph


aguirre, Miguel

amaringo, Jesús


aquino, Humbero

56-57, 370

carranza, José Luis

arias vera, Luis

58-61, 371

castilla-bambaren, Jorge

ascóniga, Aisha


ávila, Cristhian

64-65, 372


chauca, John

98-99, 378

flores, Juan


fuchs, Katherin


coca, Claudia

102-105, 379

cochachín, Eduardo 106-107, 375

70-71, 373

bao, José Antonio

72-73, 373

bazo, Carolina belón, Juan Carlos benavides, Juan bracamonte, Teresa bretel, Sergio


corcuera, Rosamar

108-109, 397

córdova, Ricardo

110-111, 402

cornejo, César

112-115, 381

80-81, 402 82-83

g galdos rivas, Enrique garcía, Dante garcía, Mafe


138-139, 380 140-143 144-145, 380

gayoso, Alberto

146-147, 395

delgado, Juan Carlos 116-117, 378

guevara, Chalo

148-149, 396

di giovanni, Giorgio

guillén, Pool

diaz, Ener

118-119, 382 342

gygax, Patricia gonzales, Limbert

e eyzaguirre, Patricia



garcía miró, Rafael

76-79, 372 341

134-135, 407

flores, Christian

ayala, Marcial

baertl, Paola

132-133, 383

96-97, 375

chinen, Eduardo (Akira) 100-101, 371


flores, Alberto

ccopacatty, Aymar

ayala jacobs, Guillermo 66-67, 390 68-69, 374

124-127, 378

120-121, 381

150-151 152-153, 387 346

henrich, Aminta

154-155, 388

hernández, Alejandro (Paranga)



156-157, 384


la rosa, Fernando

172-173, 384

negib, Luz

lescano, Miguel

174-175, 387

noblecilla, Lorena

214-215, 389

letts, Luz

176-179, 386

noriega, Verónica

216-217, 385

lindo, Luisa Fernanda 180-181, 389

núñez-melgar, Renzo (Reve)

llerena, Moisés


llona, Michelle

182-185, 382

llona, Ramiro


ibáñez, Marita


lópez, Rony

349, 380

inuma, Elmer

347, 405

lópez-guerra, Rossana


lozano, Mita Dexi luna, Olga

j 160-161

jaime, Alejandro

162-163, 375

jiménez, Joan (Entes) jiménez, Morfi

350 194-195, 385

164-165 166-167, 376


olguín, Patricia orbe, John

220-221, 393 353 222-223, 372

otero Ferrer, Fernando 224-227, 397

m macher, Karen

196-197, 388

marreros, Nico

198-199, 388


martínez Garay, Claudia 200-201, 391

pacaya, Clemente

228-229, 396

mccarthy, Anamaría 202-205, 376

palacios, Marcos

230-231, 394

mitrani, Alejandra

206-207, 391

palacios, Mariú

232-233, 384

molina, Diego

208-209, 377

pastor, Carol


patrucco, Pablo


kecskemethy, Carolina 168-169, 398

montes Amaringo, Robert

krebs, Ella

morales, José Luis

170-171, 386

218-219, 392


orrillo, José Carlos

jacobs, Solange


murayari, Ronald


210-211, 390 352

perrottet, Susana

238-239, 403

pflücker, Leopoldo

240-241, 394

phumpiú, Eriván

242-243, 396

pinchi, Delfina Nina

244-245, 395

pinillos, William

246-247, 406 411




piqueras, Kylla

248-249, 402

pozzi-escot, Rüstha


q quijada, Christian

252-253, 400


reátegui, Lucía

254-255, 487

rebagliati, Alessandra

westphalen, Silvia

308-309, 510

scheggia, Iliana

278-279, 474

wong, Erasmo

310-311, 493

schneider, Jessica

280-281, 479 282-283

sibadón, Valentino

284-285, 492

silva, Brian

286-287, 472

spak, Leslie


stoll, Hans



260-261, 504

tolentino, Israel

292-295, 485


robinson, Jairo

264-265 266-269, 488

torres, Ado





valdez, Carlos

298-299, 478

valladares, Juan

300-301, 484

varela, Armando


vásquez Amaringo, Juan 318-321, 487 salazar, Hugo

272-273, 513

salvador, Jesús Víctor 274-275, 480


y yahuarcani, Rember

312-313 314-317, 476

t tangoa, Chenier


runcie Tanaka, Carlos

306-307, 481

276-277, 496


ríos, Deny Efer rojas, Macarena

watanabe, Maya

yaker, Moico

ramírez, Jorge

riesco-lind, Diana


sánchez, Magaly

shiroma, Aldo


revilla, Natalia

sánchez, Fredy

vigo, Paolo

304-305, 505

z zagaceta, Alfredo


zeballos, Juan Carlos


zelada, Jean Paul


Imago Mundi is a collection of works commissioned and collected by Luciano Benetton on his travels around the world, involving on a voluntary basis established and emerging artists from many different countries. Each of these artists has created an artwork whose only limitation is the 10 x 12 cm format, contributing to the composition of a surprising artistic geography. The collection, hosted by the Fondazione Benetton, has no commercial aspirations, but instead aims to catalogue the works and ideas in order to pass on to future generations – by means of catalogues, exhibitions and a specific web platform – the widest possible mapping of human cultures at the start of the third millennium. The complete collection of the Imago Mundi artworks can be seen on the website

Ojo Latino Contemporary Artists from Latin America 2008

Looking Eastward Contemporary Artists from Russia, Ukraine, Moldavia, Armenia, Uzbekistan 2011

Made in China Contemporary Artists from China 2012

Unexplored Territory Contemporary Artists from Mongolia 2013

Painting the Dreaming Australian Aboriginal Paintings from the Central and Western Deserts 2013

Greetings from South Korea Contemporary Artists from South Korea 2013

Flowering Cultures Contemporary Artists from India 2013

Contemporary Japanese Artists 2013

Organix Contemporary Artists from the U.S.A. 2013

Azerbaijan: The colors of wind and fire Contemporary Artists from Azerbaijan 2013

Kenya, Tanzania, Zanzibar: The witchcraft of art Contemporary Artists from Kenya, Tanzania and Zanzibar 2013

Senegal: Dokh DadjĂŠ Contemporary Artists from Senegal 2013

Mongolia: Spirit of the Gobi Contemporary Artists from Mongolia 2013

Snapshot Romania Contemporary Artists from Romania 2013

Untitled: Contemporary Art from Afghanistan 2014

South Africa: 10 x 12 @ SA Contemporary Artists from South Africa 2014

Iceland / Boiling Ice Contemporary Artists from Iceland 2014

Vienna for Art’s Sake! Archive Austria / Contemporary Art 2014

Somalia: Art of Hope Contemporary Artists from Somalia 2014

Madagascar / The Great Island Contemporary Artists from Madagascar 2014

Zimbabwe. Occupation: artist Contemporary Artists from Zimbabwe 2014

Eritrea / Freedom is an Art Contemporary Artists from Eritrea 2014

North Korea: A Unique Country Contemporary Artists from North Korea 2014

Swaziland / Lesotho: The Wonder of Art Contemporary Artists from Swaziland / Lesotho 2014

Morocco: the Surprise of Absence Contemporary Artists from Morocco 2014

Mozambique: the universe in miniature Contemporary Artists from Mozambique 2014

CubAdentro Contemporary Artists from Cuba 2014

Sudan: Aesthetic Vestiges Contemporary Artists from Sudan 2014

Tunisia: Turbulences Contemporary Artists from Tunisia 2014

Selamta Ethiopia Contemporary Artists from Ethiopia 2014

Mauritania / Gambia: African Magic Contemporary Artists from Mauritania / Gambia 2014

Zambia: Implosion for Explosion Contemporary Artists from Zambia 2014

Caribbean: Together Apart Contemporary Artists from (part of) the Caribbean 2014

Iran: Contemporary Artists from Iran 2014

Uganda/Rwanda/Burundi: Traces of the Past, Signs of the Future Contemporary Artists from Uganda, Rwanda and Burundi 2014

Egypt, the cradle of art Contemporary Artists from Egypt 2014

Namibia: Land of Memories and More Contemporary Artists from Namibia 2014

Latvia, Wow! Contemporary Artists from Latvia 2014

Reparation Contemporary Artists from New Orleans 2014

Go Go Ghana! Contemporary Artists from Ghana 2014

Ivory Coast: The Return of the Elephants Contemporary Artists from the Ivory Coast 2014

Praestigium Italia I Contemporary Artists from Italy 2014

Nostalgia Contemporary Artists from the Kingdom of Saudi Arabia 2014

Israel / One Contemporary Artists from Israel 2014

Overture Hungary Contemporary Artists from Hungary 2014

Botswana: The River of Art Contemporary Artists from Botswana 2014

The Pearls of the Indian Ocean Contemporary Artists from the Comoros, Seychelles, Mauritius, RĂŠunion 2014

Benin / Togo: The revenge of art Contemporary artists from Benin and Togo 2014

Thailand: Spiritual & Material Contemporary Artists from Thailand 2014

Ojo Andino Chile 170 Sights of Contemporary Art 2014

Spain Identity / Modernity Contemporary Artists from Spain 2014

Democratic Republic of Congo: The Giant is Awake Contemporary Artists from DRC 2014

Liberia and Sierra Leone: The Everyday Struggle Contemporary Artists from Liberia and Sierra Leone 2014

Nigeria / Roots Contemporary Artists from Nigeria 2014

Armenia: Never-Never Land Contemporary Artists from Armenia 2015

Republic of the Congo: Breaking the Boundaries Contemporary Artists from the ROC 2015

Algeria: More or Less Contemporary Artists from Algeria 2015

Greece: Traces of Today Contemporary Artists from Greece 2015

Praestigium Italia II Contemporary Artists from Italy 2015

Georgia: Land of Men and Heroes Contemporary Artists from Georgia 2015

Denmark: Constructions Contemporary Artists from Denmark 2015

Mali: Art Between History and Myth Contemporary Artists from Mali 2015

Burkina Faso / Union Contemporary Artists from Burkina Faso 2015

Iraq / Light Contemporary Artists from Iraq 2015

Native Art Visual Visions Contemporary North American Indegenous Artists 2015

Bulgaria: Save the Dreams Contemporary Artists from Bulgaria 2015

Mexico: The Future is Unwritten Contemporary Artists from Mexico 2015

Philippines: Inter Tropical Convergence Zone Contemporary Artists from the Philippines 2015

Brazil: Land of the Future Contemporary Artists from Brazil 2015

Jordanian Visions Contemporary Artists from Jordan 2015

Tibet: Made by Tibetans Contemporary Artists from Tibet 2015

Flashes from Colombia Contemporary Artists from Colombia 2015

Croatia: Artist on the Move Contemporary Artists from Croatia 2015

The Bushmen of the Kalahari Contemporary Artists from the Kalahari Desert from Botswana, Namibia and South Africa 2015

Imago Mundi Helvetia Contemporary Artists from Switzerland 2015

Archive of Actions and Visions Contemporary Artists from Sweden 2015

Yemen Fantasticality Contemporary Artists from Yemen 2015

Malawi: Warm Heart of Africa Contemporary Artists from Malawi 2015

Niger: Art in the Desert Contemporary Artists from Niger 2015

Gabon: Eternal Black Mother Contemporary Artists from Gabon 2015

Ukraine: Shorts Stories Contemporary Artists from Ukraine 2015

Vietnam: New Winds Contemporary Artists from Vietman 2015

Looking Down Under Contemporary Artists from Australia 2015

Syria Off Frame Contemporary Artists from Syria 2015

Portugal: Open Window to the World Contemporary Artists from Portugal 2015

Indonesia: Islands of the Imagination Contemporary Artists from Indonesia 2015

Bosnia and Herzegovina: Currents of Water and Art Contemporary Artists Bosnia and Herzegovina 2015

Transfiguring. Contemporary Artists from Macedonia 2016

Malaysia: Colours of Destiny Contemporary Artists from Malaysia 2016

Albania / Knots 163 Contemporary Artists from Albania 2016

First published by fabrica, Italy 2014 978-88-98764-41-9 ©2016 fabrica

curation collection and book Simoné Malacchini & Stefania Malacchini Rosa Bianca Comunicaciones organization Stefania Malacchini editorial coordination Stefania Malacchini art direction and graphic design Simoné Malacchini texts Luciano Benetton Mirko Lauer Stefania Malacchini Aisha Ascóniga and Roberto Ascóniga editing & translation Stefania Malacchini (Spanish), Carlo Antonio Biscotto, Emma Cole and Pietro Valdatta special thanks to Roberto Ascóniga, Aisha Ascóniga, Gabriel Ascóniga, Galería Enlace Arte Contemporáneo, Lalo, Juan Vásquez Amaringo, Escuela Usko-Ayar, Mirko Lauer, Soledad & Mariano Malacchini, Ingrid Velásquez, Mirtha & Luis Mura, Marta Augusti, Cecilia Maria Polo, Directivos MNBA Chile, Rodrigo Soffia & Blitzen Courrier, Valentina Granzotto. photography Marco Zanin cover photo and aerial photos Earth Science and Remote Sensing Unit, Nasa Johnson Space Center.

All rights reserved under international copyright conventions. No part of this book may be reproduced or utilized in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopying, recording, or any information storage and retrieval system, without permission in writing from the publisher. Printed and bound by grafiche antiga Spa, Italy. First edition. ucayali river, glint, forest, peru. Front cover and Back cover.

tambo river, mayapo river, peru. Pages 324 - 325

ocona r. canyon, desert flats, peru. End papers.

nazca lines along rio grande, peru. Pages 368 - 369

ucayal river, forest, peru. End paper.

andes mountains, tacora volcan, peru. Pages 408 409

cordillera barroso, glacial valleys, peru. Pages: 46 - 47

chachani volcanoes, peru. End paper.

the tipographies used in this book are made by southamerican tipographers Andes, LatinoType, by Daniel Hernández; Digna, by Rodrigo Ramírez; Chincola Sans and Chincola Serif by Simoné Malacchini.



140 contemporary artists from Perú, Imago Mundi Collection. Curators and author book: Stefania Malacchini & Simoné Malacchini. Printed in Gr...


140 contemporary artists from Perú, Imago Mundi Collection. Curators and author book: Stefania Malacchini & Simoné Malacchini. Printed in Gr...