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ojo andino chile 170 sights of contemporary art


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aesthetic experience and art

index

experiencia estética y el arte

índice

esperienza estetica e arte

indice

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a thorough look at the infinitiy of the fragment

artworks & artists

artist's studio

una mirada detenida a la infinidad del fragmento

obras y artistas

talleres de artista

uno sguardo sostenuto all’infinito del fragmento

opere e artisti

studio d’artista


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luciano benetton La Dulce Patria

u The thin strip of land that is Chile, that runs along the left side of the tapered end of South America, has been described by the writer BenjamĂ­n Subercaseaux as a bizarre example of "crazy geography". The country is bordered by the Pacific Ocean to the west and enclosed by the Andes to the east. Over 4,000km long, it runs from the desert in the north to the glacial south, while being no more than 200km in width.

Chilean culture, much more than neighbouring Peru and Bolivia, is permeated with European heritage. For centuries, the Paris education of many Chilean intellectuals influenced the art, music and architecture of the country. In turn, art, literature and the music of Chile, in particular thanks to poets like Nobel Prize winners Gabriela Mistral and Pablo Neruda, have influenced the currents of international thought.

This elongated geographic form suggested to the artist ElĂ­as Adasme a series of performances, based on overlapping the outline of Chile and his semi-naked body, that he performed live at the end of the seventies in Santiago, to highlight the contrast between the physical stability of the social body (the silhouette of the nation) and the precariousness of the human body, as a symbol of the dangers to dissidents during the military dictatorship. These actions are documented by the series of photographs "To Chile" and show the close connection that has always existed between Chile, its territory of immense silences, wide expanses and poignant profile, its profound populace soul, and artistic expression in every its form.

Today, cultural growth goes hand in hand with economic and social development. Over the past twenty years, development has been rapid, sustained mainly by the production of copper, not surprisingly known as "el sueldo de Chile", the wage of Chile. One third of the copper mined in the world comes from the heart of the Chilean terrain: Escondida, the largest mine in the world, at one point produced almost 10% of global output.

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The challenge of the coming years will be to diversify the economy in order to avoid dependence on a single product, and continue to grow and improve the social equilibrium. Chile, moreover, is already one of the countries with the best


i prospects in Latin America, thanks to the high quality of its education (though there are inequalities between state-run and private schools) and good levels of social care. As announced by the International Monetary Fund, in 2015 the country is expected to cross the 20,000 dollars per capita GDP threshold, the level at which economies are considered to be developed, or advanced.

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On the cultural scene, this progress is reflected in an atmosphere of participation and activism, which shows how Chile has embraced the fundamental role of artistic expressions. The new generations develop poetics that are not disconnected from social and civil emancipation, from the commitment to upholding truth and memory in order to achieve genuine national reconciliation. Their purpose is to innovate the artistic and cultural lexicon, they mix forms and genres, they take advantage of Ch.ACO, a contemporary art fair housed in the fascinating modernist space of the old Mapocho station in Santiago, which connects private galleries, cultural centres and museums in the city, fuelling a culture of collectors and a competitive art market. Imago Mundi wanted to contribute to this fertile and lively climate, bringing together a catalogue of 188 10x12cm works that document the original character of Chilean creativity. While the themes and inspirations of the works are diverse - faces, landscapes, Eros, visions, abstractions, provocations, myths –they all have a common intensity. I think this is due to the character of a land that is itself so intense, beautiful and difficult, rising rapidly from sea level to the 6,000 metres of the Andean peaks. A scenario that takes your breath away, awakening archetypal fantasies and symbolic suggestions. It is the "dulce patria" of Pablo Neruda: "The earth, my earth, my mud, the bloody light of a volcanic dawn, the claudicant peace of the day and the night of earthquakes."


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Esta alargada forma geográfica sugirió al artista Elías Adasme una serie de performances presentadas en vivo a fines de los años sesenta en Santiago, basadas en la superposición de la silueta de las fronteras chilenas con su propio cuerpo desnudo, a modo de evidenciar el contraste existente entre la estabilidad física del cuerpo social (la silueta de la nación) y la precariedad del cuerpo humano, símbolo de los peligros enfrentados por la disidencia durante la dictadura militar. Estas acciones, documentadas por la serie fotográfica “A Chile”, dan testimonio de la estrecha relación que desde siempre ha existido entre Chile, su territorio construido a partir de inmensos silencios, amplias planicies y escalofriantes alturas,

su alma popular más profunda, y la expresión artística en cada una de sus formas. La cultura chilena, incluso más que sus vecinos Perú y Bolivia, se encuentra permeada por la herencia europea. Por siglos, la educación parisina de muchos intelectuales chilenos influenció el arte, la música y la arquitectura del país. A su vez, el arte, la literatura y la música de Chile, en particular gracias a poetas como Gabriela Mistral y Pablo Neruda, ambos ganadores del Premio Nobel, influenciaron diversas corrientes del pensamiento internacional. Hoy el crecimiento cultural va de la mano con el crecimiento económico y social del país. En los últimos veinte años el desarrollo ha sido rápido, sobretodo sustentado por la producción de cobre que, no por nada, es llamado «El sueldo de Chile», el sueldo de una nación. Un tercio del cobre extraído en el mundo proviene desde el corazón de la tierra chilena: la minera más grande del mundo, la minera Escondida, llegó a producir casi el 10 por ciento de la demanda mundial. 011

La delgada franja de Chile, que ocupa el lado izquierdo de la estilizada extremidad de Sudamérica, fue descrita por Benjamín Subercaseaux como un bizarro ejemplo de «loca geografía». Este país, delimitado por el Océano Pacífico al oeste y acordonado por la Cordillera de los Andes al este, tiene más de 4.000 kilómetros de largo desde el desértico septentrión hasta el sur glaciar, mientras no supera los 200 kilómetros de ancho.


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El desafío de los próximos años consistirá pues en diversificar la economía para no depender de un producto único y continuar creciendo y mejorar el equilibrio social. Por lo demás, Chile ya es uno de los países con prospectivas más prometedoras de América Latina; esto gracias a la alta calidad de la educación (y a pesar de las desigualdades existentes entre la educación pública y la privada) y a los buenos niveles de asistencia social. Según lo anunciado por el Fondo Monetario Internacional, para el 2015 el país alcanzará el umbral de los 20.000 dólares de ingreso per cápita, considerándose en consecuencia una economía plenamente desarrollada. Respecto a la escena cultural, este progreso se traduce en un clima de participación y activismo, que demuestra cómo Chile pareciera haber comprendido el rol fundamental que detienen las expresiones artísticas. Las nuevas generaciones desarrollan poéticas no del todo desvinculadas de la emancipación social y civil, del esfuerzo de sostener verdad y memoria para alcanzar una real reconciliación nacional. Apuntan a renovar el lenguaje artístico y cultural, mezclan formas y técnicas, se sirven de una feria de arte contemporánea, Ch.ACO, albergada en el fascinante espacio modernista de la antigua Estación Mapocho en Santiago, que instala un diálogo entre galerías privadas, centros culturales y museos de la ciudad, alimentando la cultura del coleccionismo y un mercado del arte competitivo. Imago Mundi ha querido contribuir a este clima fecundo y vivaz, recogiendo en este libro 188 obras 10 x 12 cm. que documentan el carácter original de la creatividad chilena. Trabajos diversos por inspiraciones y temáticas –retratos, paisajes, eros, visiones, abstractismos, provocaciones, mitos– pero que tienen una intensidad común. Creo esto se deba al carácter de una tierra así de intensa, bella y difícil, que a partir del nivel del mar se eleva rápidamente hasta los 6.000 metros de las cumbres andinas. Un

escenario que puede dejar sin aliento, suscitar fantasías arquetípicas y sugestiones simbólicas. Es la dulce patria de Pablo Neruda: «La tierra, mi tierra, mi barro, la luz sanguinaria del orto volcánico, la paz claudicante del día y la noche de los terremotos».


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Questa forma geografica allungata suggerì all’artista Elías Adasme una serie di performance, basate sulla sovrapposizione della sagoma dei confini cileni al proprio corpo nudo, che compì dal vivo alla fine degli anni Settanta a Santiago, per evidenziare il contrasto tra la stabilità fisica del corpo sociale (la silhouette della nazione) e la precarietà  del corpo umano, simbolo dei pericoli corsi dalla dissidenza durante la dittatura militare. Queste azioni, documentate dalla serie di fotografie “A Chile”, testimoniano la stretta connessione che da sempre intercorre tra il Cile, il suo territorio fatto di immensi silenzi, ampie distese e struggenti altimetrie, la sua anima popolare più profonda e l’espressione artistica in ogni sua forma.

La cultura cilena, molto più dei vicini Perù e Bolivia, è permeata dell’eredità europea. Per secoli l’educazione parigina di molti intellettuali cileni ha influenzato l’arte, la musica e l’architettura del Paese. A loro volta, l’arte, la letteratura e la musica del Cile, in particolare grazie a poeti come Gabriela Mistral e Pablo Neruda, vincitori del premio Nobel, hanno influenzato le correnti del pensiero internazionale. Oggi la crescita culturale va di pari passo con quella economica e sociale. Negli ultimi vent’anni lo sviluppo è stato rapido, sostenuto soprattutto dalla produzione di rame, non a caso chiamato «El sueldo de Chile», lo stipendio di una nazione. Un terzo del rame estratto nel mondo viene dal cuore della terra cilena: la più grande miniera del mondo, la Escondida, è arrivata a produrre quasi il 10 per cento di tutto il fabbisogno. La sfida dei prossimi anni sarà diversificare l’economia per non diventare troppo dipendenti da un unico prodotto, e continuare a crescere e migliorare l’equilibrio sociale. Il Cile, del resto, è già uno dei Paesi con più rosee prospettive 013

La sottile striscia del Cile, che occupa il lato sinistro dell’affusolata estremità del Sud America, è stata descritta dallo scrittore Benjamín Subercaseaux come un bizzarro esempio di «pazza geografia». Il Paese, delimitato dal Pacifico a ovest e chiuso dalle Ande a est, è lungo oltre 4.000 chilometri, dal desertico settentrione al glaciale sud, mentre non supera i 200 chilometri di larghezza.


, in America latina, grazie anche all’alta qualità dell’istruzione (pur con disuguaglianze tra scuola pubblica e privata) e ai buoni livelli di assistenza sociale. Secondo quanto annunciato dal Fondo monetario internazionale, il Paese varcherà nel 2015 la soglia dei 20mila dollari di reddito pro capite, livello al quale si considera che le economie siano pienamente sviluppate.

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Sulla scena culturale questo progresso si traduce in un clima di partecipazione e attivismo, che dimostra come il Cile sembra aver compreso il ruolo fondamentale delle espressioni artistiche. Le nuove generazioni sviluppano poetiche non disgiunte dall’emancipazione sociale e civile, dall’impegno nel sostenere verità e memoria per raggiungere una vera riconciliazione nazionale. Puntano a innovare il lessico artistico e culturale, mixano forme e generi, si avvalgono di una fiera d’arte contemporanea, la Ch.ACO, ospitata nell’affascinante spazio modernista della vecchia stazione Mapocho a Santiago, che mette in comunicazione gallerie private, centri culturali e musei della città, alimentando la cultura del collezionismo e un mercato dell’arte competitivo. Imago Mundi ha voluto contribuire a questo clima fecondo e vivace, raccogliendo in catalogo 188 opere 10x12 centimetri che documentano il carattere originale della creatività cilena. Lavori diversi per ispirazioni e temi – volti, paesaggi, eros, visioni, astrattismi, provocazioni, miti – che hanno però una comune intensità. Penso venga dal carattere di una terra così intensa, bella e difficile, che dal livello del mare sale rapidamente fino ai 6.000 metri dei picchi andini. Uno scenario che può togliere il fiato, suscitare fantasie archetipiche e suggestioni simboliche. E’ la “dulce patria” di Pablo Neruda: «La terra, la mia terra, il mio fango, la luce sanguinaria dall’alba vulcanica, la pace claudicante del giorno e la notte dei terremoti».


humberto maturana & ximena dávila Aesthetic experience & arts

Founders of Matríztica School (2000), Center for the research and thinking related to the understanding of the human biological-cultural nature. Humberto Maturana, Chilean scientist and epistemologist, creator of the concept of autopoiesis –or the organization of the alive-, interested in the biology of language and knowledge, and in biology of love. Ximena Dávila, Chilean epistemologist and creator of liberating talk, researcher of human pain and sufferings, as of the process of generate and conserve well-being.

u Let’s say we’ve gone on a walk to the countryside or to the hills on a sunny afternoon in which the surrounding world feels harmonious and lucid with our presence, and we feel immersed in a beauty that absorbs us because we are part of it; when this occurs, our little walk becomes an aesthetic experience in which we feel the well-being of being at one with the world that surrounds us or that we are contemplating. The aesthetic experience is constituted in our sensuous-relational psychic corporality as a sensation of plenitude and harmony merged with the space we are now inhabiting. The aesthetic experience is the experience of inhabiting in the sensorial, operational and relational well-being in a harmonious spatial sphere; one wants to remain there because it feels good. 015

Aesthetics and art evoke intimate experiences that can be neither described nor transferred, and perhaps because of this it can be said that "About tastes there is nothing written" (Spanish proverb): both art and aesthetics are related to taste, be it an image, be it a feeling that invites us to the intimacy of its own intangibility. In any case, aesthetics and art exist in the transitory: I see it, I touch it, I hear it, I taste it, I smell it; I perceive it, and when I’ve shifted my attention again, it is gone. If it is repeated it is always a new experience. Maybe that is what’s great about a book of art: that upon closing it one holds onto something that both is and isn’t there.


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i When an animal searches out a place to sleep or rest, an observer notices that the animal looks for a place that it considers welcoming… without sensorial incoherencies related to the animal’s way of life; and, although we haven’t yet dared say it, we know that it looks for a place that invites it to remain in contemplation, or in a relaxed habitat, such as we describe as an aesthetic place. The aesthetic experience is an experience of harmonious well-being within a habitable setting that all living beings search out; a search which only human beings can claim to be conscious of, when we are in fact conscious of it.

the observer moves within. The artist inhabits her or his work and sometimes invites others to inhabit this world in turn, on occasion without designs or instructions, but solely in sensuous contemplation and experience.

The aesthetic experience comes as a non-directed experience, and manifests itself in a spontaneous manner in our conscious and unconscious search for well-being within our living and communal spaces, a well-being that becomes fragmented and ceases when that coherency disappears. No doubt the aesthetic experience is founded within the harmony of ecological coherencies that allow for a great sensorial diversity within the wellbeing relationships between organisms.

Different cultures, as distinct sensorial, operational, relational, psychic, reflexive, imaginary, explicative and theoretical modes of living-coexisting… are also lived as different spheres of aesthetic experiences and artistic expressions. For all of them, while aesthetic experiences are related to different ways of living in different sensorial harmonious spheres, art appears as distinct artifices within those spheres where the artist desires to entwine aesthetic experience with the evocative intention of some particular aspect of living.

Art, on the other hand, comes forth as an intentionally artificial modification of the environment that may or may not be a result of an observer’s tastes. In its intentional character, art is a construction designed to evoke what the artist intends to evoke through different means of expression, such as music, painting, design, sculpture, etc. So that art, as an expression of the artist (as an artisan of the aesthetic), transpires as an act that aims to invite or obligate an observer that has accepted this invitation to enter into the proposed sensorial artifice, and who may enjoy it or not. This observer inhabits a multi-sensorial world in her or his everyday life, from which she or he freely chooses to accept or not accept the invitation of the artist if it is extended, and thus to submerge her or himself in a world of inter-objectivities in which the artist’s proposal constitutes one of the many realities

Art, in as much as it is an expressive artifice, will present itself differently according to the cultural sphere in which it appears and the historical moment in which it takes place. Due to this, art has had and continues to have distinct labels with respect to the style of its expression.

It is also from the cultural nature of “art” that we treat as “works of art” acts of decorative aesthetics which are representations of mystic or mystical feelings of the psychic lives of other civilizations, solely due to the sense we give them in our localities when observing them from an historical distance, and where we ignore the evocative sphere to which they pertained in their everyday living-coexistence. So, we shouldn’t speak of Neolithic art when we refer to rock painting from that era, or of art from the Aztec or Aimara peoples when referring to their murals or their pottery; we should discuss their magical or decorative aesthetic. It is because of this difference between art and the aesthetic that in our contemporary culture the work of art is able to acquire dif-


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That which is pretty or beautiful to one observer is not to another observer. When a person says that a work is beautiful, and another when observing the same work says it is ugly, both are talking about intimate feelings, not about the work they are looking at, even though when speaking they attribute what is said to the work itself. Or, when a person asks the author of the work what does the work mean, the author may say any number of things, from “Nothing”, "I want to cause an ecstasy of beauty" or "I want to invite revolution", to “I wanted to provoke nausea about the culture in which we’re living”. The author is speaking about her

Humberto Maturana & Ximena Dávila Escuela Matríztica humberto maturana & ximena davila u Aesthetic experience & arts

It is never known what a spectator of a given situation lives or feels until she or he reveals it, and this revelation always occurs under more or less explicit types of commentaries or complaints. In any case, these commentaries can be synthesized into three expressions or combinations: I like…, I don’t like…, It does nothing for me. It is interesting, nevertheless, that these very commentaries are, at the same time, poetic acts that, even if expanded upon, they nonetheless still hide something that can’t be explained: the experience of intimately lived feelings. This idea acquires greater relevance when we realize that an explanation of lived experience in art or in the aesthetic experience will never replace a true lived experience.

or his own intimate feelings or of the feelings that she or he desires the spectator to experience. If I go to Africa I may find the women there who have stretched their necks with rings in order to indicate their social positions beautiful, or I may not, depending on the culture in which I have been raised. This is part of the marvel of the aesthetic experience and the enjoyment of a work of art: they are intimate treasures that no one can take from us.

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ferent expressive tonalities according to the political, philosophical, mystical or religious spheres which inspire the intimate motivations of whoever is making the art, something different from the aesthetic evocation that, if artificial, only moves within the desire to generate psychic well-being from sensorial harmony. In conclusion, we think that it is because of all of the above that the work of art invites and evokes, and that the aesthetic experience moves and charms. Yes, in our everyday living-coexisting we can create both things, works of art and aesthetic works, but by doing so, we do different things.


humeberto maturana & ximena dávila Experiencia estética y el arte Fundadores de Escuela Matríztica (2000), Centro de investigación reflexiva sobre lo humano en y desde la biología-cultural. Humberto Maturana, científico y epistemólogo chileno, creador de la noción de autopoiesis –u organización de lo vivo–, interesado en la biología del lenguaje y el conocer, y la biología del amar. Ximena Dávila, epistemóloga chilena y creadora del Conversar Liberador, investigadora del dolor y sufrimiento humano, así como los procesos de generación y conservación del bien-estar.

2 Estética y arte evocan experiencias íntimas no descriptibles ni transferibles. Tal vez por ello se suele decir “sobre gustos no hay nada escrito”, porque tanto el arte como la estética tienen que ver con el gustar, en una imagen, en un sentir que invita a lo íntimo de su intangibilidad. De todos modos, la estética y el arte existen en lo transitorio: lo miro, lo toco, lo escucho, lo gusto o lo huelo; lo percibo, y al cambiar mi atención, ya no está; su repetición es siempre una nueva experiencia. Tal vez eso es lo bueno de un libro de arte, que al cerrarlo, uno guarda algo que está y no está ahí.

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Quizás hayamos salido a caminar por el campo o por los cerros en un atardecer luminoso en el que el mundo circundante se siente armónico y coherente con nuestra presencia, y nos sentimos inmersos en una belleza que nos acoge porque somos parte de ella. Cuando eso nos sucede, nuestro paseo se ha de transformar en una experiencia estética en la que sentimos el bien-estar de ser uno con el mundo que nos rodea o que contemplamos. La experiencia estética ocurre en

nuestra corporalidad psíquica sensorial-relacional como una sensación de plenitud y armonía, en unidad con el espacio que se habita. La experiencia estética es la vivencia de habitar en el bien-estar sensorial, operacional y relacional en un ámbito espacial armónico en el que uno quiere permanecer, pues se siente bien. Cuando un animal busca un lugar donde dormir o descansar, un observador ve que busca un ámbito que le resulte acogedor… sin incoherencias sensoriales con su forma de vivir; y, aunque no nos atrevamos a decirlo, sabemos que busca un lugar que invita a quedarse en la contemplación, o en un habitar relajado, como lo que describimos como un lugar estético. La experiencia estética es una experiencia de bien-estar armónico en el habitar el mundo, que todos los seres vivos buscamos; búsqueda de la cual solamente los seres humanos podemos decir que somos conscientes, cuando lo somos.


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El arte, en tanto artificio expresivo, va a tener distintas presentaciones de acuerdo al ámbito cultural donde éste aparece y al momento histórico en que ocurre. Es desde lo anterior, que el arte ha tenido y tiene distintas denominaciones de acuerdo al estilo de expresión.

Es también desde la naturaleza cultural del “arte” que muchas veces tratamos como “obras de arte” actos decorativos estéticos que son representaciones de los sentires místicos o míticos del vivir psíquico de otras civilizaciones, solo por el sentido que les damos en nuestra localidad al observarlos desde una distancia histórica, en la que ignoramos el ámbito evocativo al que pertenecían en su vivir-convivir cotidiano. Así, no deberíamos hablar del arte neolítico al referirnos a las pinturas rupestres de esa época, o del arte de los pueblos aztecas o aimaras, al referirnos a sus pinturas murales o decoraciones de su alfarería, sino que deberíamos hablar de su estética mágica o decorativa. Es por esta diferencia entre estética y arte, que en nuestro presente cultural la obra de arte puede adquirir tonalidades expresivas diferentes según los ámbitos políticos, filosóficos, místicos o religiosos, en que se inspira la motivación íntima de quien hace arte; a diferencia de la evocación estética que si es artificial, solo se mueve en el deseo de generar el bien-estar psíquico de la armonía sensorial. En fin, pensamos que por todo lo anterior, la obra de arte invita y evoca, mientras que la experiencia estética conmueve y encanta. Sí, en nuestro vivir-convivir cotidiano podemos hacer ambas cosas: obras de arte y obras estéticas; pero al hacerlo, hacemos cosas diferentes.

humberto maturana & ximena davila 2 Experiencia estética y el arte

El arte, en cambio, surge como una modificación artificial intencional del habitar, que puede resultar del agrado de un observador, o no. En su carácter intencional, el arte surge como un constructo dirigido para evocar lo que el artista quiere evocar, a través de sus distintas expresiones como música, pintura, diseño, escultura, etc. Así, el arte, en tanto es una expresión del artista (un artesano de la estética), ocurre como un “hacer” que quiere invitar, u obligar a un observador, a una lectura interna de algo que el autor quiere decir, y que el observador que acepta esa invitación a habitar en el artificio sensorial propuesto, puede disfrutar, o no. Este observador habita un mundo multi-sensorial en su vivir cotidiano, desde donde elige libremente aceptar o no la invitación del artista –si es que la hace–, y así sumergirse en un mundo de inter-objetividades en el cual la propuesta del artista constituye una de las tantas realidades en que habita el observador. El artista habita su obra y a veces invita a otros y otras a habitarla con él o ella, en ocasiones sin cálculo ni dirección y solo en la contemplación y experiencia sensorial.

Las distintas culturas, como distintos modos de vivir-convivir sensoriales, operacionales, relacionales, psíquicos, reflexivos, imaginativos, explicativos y teóricos… se viven también como distintos ámbitos de experiencias estéticas y expresiones artísticas. En todas ellas, mientras las experiencias estéticas se relacionan con diferentes formas de habitar en distintos ámbitos de armonías sensoriales; el arte aparece como distintos artificios con los que se quiere entrelazar la experiencia estética con alguna intención evocativa de algún aspecto particular del convivir.

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La experiencia estética surge como una experiencia no dirigida, que va surgiendo de manera espontánea en nuestra búsqueda consciente e inconsciente de bien-estar en nuestro vivir-convivir; este bien-estar se fragmenta y acaba cuando desaparece esa coherencia. Sin duda, la experiencia estética se funda en la armonía de las coherencias ecológicas que admiten gran diversidad sensorial en las relaciones de bien-estar entre los organismos.


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4 Nunca se sabe lo que el espectador de una situación cualquiera vive o siente, a menos que él o ella lo revele, y ese “revelar” ocurre siempre bajo la forma de comentarios o quejas, más o menos explícitos. En cualquier caso, los comentarios se pueden sintetiza en tres expresiones o combinaciones de ellas: me gusta…, no me gusta…, me deja indiferente sin conmoverme. Es interesante, sin embargo, que esos mismos comentarios son a su vez actos poéticos que, aunque se expandan, siempre ocultan algo que no se puede describir: la experiencia de los sentires íntimos vividos. Lo anterior adquiere una mayor relevancia cuando nos damos cuenta que la explicación de la experiencia vivida en el arte, o en la experiencia estética, jamás reemplazara la experiencia vivida. Lo que es bello o hermoso ante un observador, no lo es ante otro; cuando una persona dice que una obra es bellísima, y otro ante la misma obra dice que es fea, están hablando de sus sentires íntimos, no de la obra que miran, aunque hablen atribuyendo lo que dicen a la obra que comentan. O, cuando uno le pregunta al autor qué quiere decir con su obra, éste puede decir cualquier cosa, desde “nada”, “quiero provocar un éxtasis de belleza o “quiero invitar a la revolución”, hasta “quiero provocar nauseas ante la cultura que vivimos”; habla así de sus sentires íntimos o de los que quiere que viva el espectador. Si voy a África, puede que encuentre bellas a las mujeres que han alargado su cuello con anillos que muestran su posición social, y puede que no; dependerá de la cultura en que haya crecido. Eso es parte de lo maravilloso de la experiencia estética y del disfrute de una obra de arte: son tesoros íntimos que nadie nos puede quitar.

Humberto Maturana & Ximena Dávila Escuela Matríztica


humberto maturana & ximena dávila Esperienza estetica e arte Fondatori della Escuela Matriztica (2000), Centro di ricerca riflessiva sull’umano nella e dalla biologia-culturale. Humberto Maturana, scienziato ed epistemologo cileno, creatore della nozione di autopoiesi – o organizzazione del vivo –, si interessa nella biologia del linguaggio e del conoscere, e nella biologia dell’amare. Ximena Dávila, espistemologa cilena e creatrice del Parlare Liberatore, ricercatrice del dolore e delle sofferenze umane, così come dei processi di generazione e conservazione del ben-essere.

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Forse siamo usciti qualche volta a passeggiare in campagna o tra colline durante un tramonto luminoso nel quale il mondo circostante si avverte armonico e coerente con la nostra presenza e ci sentiamo immersi in una bellezza che ci accoglie perché siamo parte di essa; quando ciò succede, la nostra passeggiata si trasforma in un’esperienza estetica nella quale

avvertiamo il ben-essere d’esser un tutt’uno col mondo che ci sta attorno e che contempliamo. L’esperienza estetica accade nella nostra corporeità psichica e sensoriale-relazionale come una sensazione di pienezza e armonia, in unità con lo spazio che abitiamo. L’esperienza estetica è l’esperienza di abitare nel ben-essere sensoriale, operazionale e relazionale in un ambito spaziale armonico nel quale ognuno vuol rimanere, poiché vi si sente bene. Quando un animale cerca un posto dove dormire o riposare, un osservatore lo vede mentre cerca un ambiente che gli risulti accogliente… senza incoerenze sensoriali rispetto alla sua propria forma di vivere; e, pur non azzardandonci ad affermarlo, sappiamo che cerca un posto che inviti a rimanervi nella contemplazione, o in un abitarci rilassato, come ciò che definiamo un posto estetico. L’esperienza estetica è un’esperienza di quel ben-essere armonico nell’abitare che tutti gli esseri viventi cercano; ricerca di cui solamente gli esseri umani possono dire d’essere coscienti, quando lo sono.

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Estetica e arte evocano esperienze intime non descrivibili né trasferibili. Forse per questo, comunemente si dice “sui gusti, non c’è niente di scritto” (proverbio spagnolo), perché tanto l’arte come l’estetica hanno a che fare col gustare, in un’immagine, in un senso che conduce all’intimo della sua stessa intangibilità. In ogni modo, estetica ed arte esistono nel transitorio: lo guardo, lo tocco, lo sento, lo gusto o lo annuso; lo percepisco, e al cambiare il fuoco della propria attenzione, questo non c’è più; la sua ripetizione sarà sempre una nuova esperienza. Forse è questo il bello di un libro d’arte, che nel momento in cui esso si chiude, rimaniamo con qualcosa che c’è, ma che al contempo non c’è.


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humberto maturana & ximena davila b Esperienza estetica e arte

L’esperienza estetica nasce come un’esperienza non indirizzata, che sorge spontaneamente nella nostra ricerca cosciente e non cosciente di ben-essere nel nostro vivere-convivere; questo ben-essere si frammenta e finisce quando svanisce quella coerenza. Senza dubbio, l’esperienza estetica si fonda sull’armonia delle coerenze ecologiche che ammettono una gran diversità sensoriale nelle relazioni di ben-essere tra gli organismi. L’arte, da parte sua, sorge come una modificazione artificiale intenzionale dell’abitare che può risultare gradevole o meno all’osservatore. Nel suo carattere intenzionale, l’arte sorge come una costruzione diretta ad evocare ciò che l’artista vuol evocare, attraverso le sue molteplici espressioni come la musica, la pittura, il disegno, la scultura, e così via. Così, l’arte, in quanto espressione dell’artista (un artigiano dell’estetica), avviene come un “fare” che vuol invitare, oppure obbligare l’osservatore a una lettura interna di un qualcosa che lui desidera dire e di cui l’osservatore che accetta quest’invito ad entrare nell’artificio sensoriale proposto può godere o meno. Questo osservatore abita un mondo multi-sensoriale nel suo vivere quotidiano, da dove sceglie liberamente se accettare o rifiutare l’invito dell’artista –se esso si presenta– e così immergersi in un mondo di inter-oggettività nel quale la proposta dell’artista costituisce una delle numerose realtà possibili che l’osservatore abita. L’artista abita la sua opera e a volte invita altre persone ad abitarci con lui o lei, in occasioni senza calcolo preciso né direzione precisa, ma solo nella contemplazione e nell’esperienza sensoriale. L’arte in quanto artificio espressivo, trova diverse presentazioni in relazione all’ambito culturale in cui appare e al mo-

mento storico nel quale si manifesta. Per questo motivo, l’arte ha sempre avuto, ed ha ancora oggi, diverse denominazioni in relazione al proprio stile d’espressione. Le diverse culture, come modi diversi di vivere-convivere sensoriale, operazionale, relazionale, psichico, riflessivo, immaginativo, esplicativo e teorico… si vivono pure come diversi ambiti di esperienze estetiche ed espressioni artistiche. In tutte loro, mentre l’esperienza estetica si relaziona con differenti forme d’abitare in diversi ambiti sensoriali, l’arte appare come diversi artifici e abilità, coi quali si vuole intrecciare l’esperienza estetica, con una certa intenzione evocativa di qualche particolare aspetto del convivere. Come conseguenza dalla natura culturale dell’“arte”, molte volte consideriamo come “opera d’arte” atti decorativi estetici che sono rappresentazioni del sentire mistico o mitico del vivere psichico di altre civiltà, unicamente per il senso e significato che diamo loro nel nostro luogo, e perché le osserviamo da una distanza storica nella quale ignoriamo l’ambito evocativo al quale appartengono nel loro proprio vivere-convivere quotidiano. Così, non dovremmo parlare dell’arte neolitica quando ci riferiamo, per esempio, alle pitture rupestri di quell’epoca, o dell’arte dei popoli aztechi o aimaras quando ci riferiamo ai loro dipinti murali o decorazioni di vasi in terracotta, bensì dovremmo parlare della loro estetica magica o decorativa. È per questa differenza tra estetica ed arte che nel nostro presente culturale l’opera d’arte può acquisire tonalità espressive differenti, a seconda degli ambiti politici, filosofici, mistici o religiosi, ai quali si ispira la motivazione profonda di colui che fa arte; a differenza dell’evocazione estetica che, se artificiale, si muove solo nel desiderio di generare un ben-essere psi-


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Ciò che è bello o commovente per un osservatore, non lo è per un altro; quando una persona dice che un’opera è bellissima, e un’altra persona di fronte a questa stessa opera, dice che è un’opera brutta, entrambe fanno riferimento alle loro sensazioni intime, e non a quelle dell’opera che contemplano. Quando si domanda all’artista che voleva dire con la sua opera, egli può rispondere qualunque cosa, da “niente”, “voglio provocare un’estasi di bellezza” o “voglio invitare alla rivoluzione”, a “voglio provocare nausea rispetto alla cultura che viviamo”; parla quindi delle sue sensazioni intime e personali, oppure di quelle che vorrebbe suscitare nello spettatore. Se vado in Africa, è possibile che trovi belle le donne che allungano il loro collo con anelli che riflettono la loro posizione

Humberto Maturana & Ximena Dávila Escuela Matríztica

humberto maturana & ximena davila ! Esperienza estetica e arte

Non si sa mai ciò che l’osservatore di una situazione qualunque vive o sente, a meno che lui / lei lo manifesti. Quella manifestazione accade sempre sotto forma di commenti o lamenti, più o meno espliciti. In ogni caso, i commenti si possono sintetizzare in tre espressioni, oppure combinazioni di esse: mi piace..., non mi piace..., mi lascia indifferente senza commuovermi. Nonostante ciò, è interessante che questi commenti sono a loro volta anche atti poetici che, pur espandendosi, nascondono qualcosa che non può essere descritto: l’esperienza delle sensazioni più intime vissute. Questo acquisisce maggiore importanza quando ci rendiamo conto che la spiegazione dell’esperienza vissuta nell’arte, o durante l’esperienza estetica, non sostituirà mai l’esperienza vissuta.

sociale, oppure no; ciò dipenderà dalla cultura nella quale si è cresciuti. Questo fa parte della meraviglia dell’esperienza estetica e del godimento di un’opera d’arte: sono tesori intimi che nessuno ci può togliere.

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chico d’armonia sensoriale. Infine, pensiamo che per quanto precedentemente esposto, l’opera d’arte invita ed evoca, e l’esperienza estetica invece commuove ed affascina. Sì, nel nostro vivere-convivere quotidiano possiamo fare tutte e due le cose: opere d’arte e opere estetiche; ma nel farlo, facciamo due cose diverse.


simoné malacchini & stefania malacchini A thorough look at the infinity of the fragment curators, collection & book ojo andino chile - imago mundi

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In April of 2013 Mr. Luciano Benetton and "Fondazione Benetton Studi Richerche" gave us the mission of working on a new collection of contemporary art, focused on a national scale. Considering the reach Imago Mundi had then, which includes collections similar to Ojo Latino, from countries like India, the U.S. and Japan, among others, we decided to rethink some of the elements of this project.

10 x 12 cm. are the dimensions we propose this time, more than a physical space, as a virtual window through which each artist chosen can display her or his work, gesture or aesthetic. Small formatting constitutes one of the core elements of the collections because it facilitates the voyage of the pieces, allowing their exhibition in different parts of the world. In this way, these traveling works –a fragment of each artist’s production– are benefitted by an interaction and enrichment of views (as much for the spectators as the artists, who both come from different parts of the world). 10 x 12 cm. is also a space with the potential to equalize spatial conditions, a priori, for each artist. In this sense, working within a reduced space, which at the same time contains an infinity of possible interventions and proposals, is for us an essentially democratizing factor. This format has been our point of departure and that mandatory size that had to dematerialize itself was the first challenge that we presented to the artists. For some, a complex, contradictory, and even irreconcilable exercise for their own work; for others, natural and preferred. The reduced measurements of the work speak to us of a fragment 025

To talk about OJO ANDINO Chile we must return to the Ojo Latino collection (2008), the kick off for Luciano Benetton’s greater project: "Imago Mundi". For this unprecedented curatorial project, a collection of works in small format (10 x 12 cm.) was contemplated in the desire to shape a compound vision that, starting from Latin America, would offer a first look at current art and its peculiarities. Ojo Latino was able to gather together 200 works donated by artists from more than 20 different countries from our region, constituting a collection of enormous wealth, both in terms of the stylistic and generational variety of its participants, as well as for the convergence of views from far-reaching cultural and geographical positions.


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026 simon� & stefania malacchini u A thorough look at the infinity of the fragment

that in its parts forms a collective whole. In this context, not a fraction of space can be wasted nor demand more or less attention; it is the compound unit, through the particularity of its components, that acquires greater relevance. Just as in the human body—and of course in the social body in which we live— each cell is important, both as a single entity and in the context, in and for the purpose it exists. OJO ANDINO, like Ojo Latino and other Imago Mundi collections, represents the richness of fragmentation: it is about enormous mosaics where each piece is its own individual world, and which when brought together offer new connotations that prompt us to see it (and ourselves) as a whole or continuum that is constantly enriched by the fragments that compose it. At the same time, the journey and convergence of different perceptions about collections once again complement this aerial view that builds piece by piece, like a map overlaid with a coordinate grid, ready to be overflown. While a good deal of collections have been created using canvas on a frame in the traditional format, for this project OJO ANDINO Chile wanted to liberate the formatting. Thinking about contemporary art implies thinking about production that by its nature is heterogeneous and dissimilar, which also demands thinking about dematerialization. The canvas, still the preferred format in our region, for centuries has carried the tradition and history of art, yet it doesn’t necessarily fit with the diversity of contemporary production, which today doesn’t always germinate in a two-dimensional white space. We have therefore decided to grant absolute liberty to the artists in deciding what materials to use and how to employ them in the virtual space given them, including the option of working in the third dimension or with volume to present figures and objects in three—or more—dimensions.

Art today on a national scale: What are the boundaries –if they even exist– in which art operates today? Is it necessary to center our gaze at the national level in order to discuss a world panorama of contemporary art? Imago Mundi proposes this exercise without offering answers beforehand and ceding a large margin to surprise. In this way, we help to create a kind of artistic map, delimited by imaginary territorial boundaries that determine – though only in part– the culture growing in each territory, inviting us to imagine what takes place within each. We once again participate in the exercise of fragmentation, of the partition of a whole that we intuit exists, and nevertheless we can only approximate from its pieces: heterogeneous, elusive, unpredictable. It’s difficult—if not impossible and at times absurd—to think of a “national art” as such. Movements and links are, in this day and age, multiple and varied by their nature. The limits and barriers placed between different countries –and despite the conflicts that still afflict humanity in our century– have been blurred or nuanced to the point of becoming diffuse, permeable cultural lines. The movement and itinerancy of the artist and her or his work coexist alongside the development of a global culture that, while strongly marked by common dictates, also empowers and drives the appearance of other-worlds within an individual subjectivity hyper-stimulated by this continuous transference. Under these premises, we invited more than 200 artists from different generations and with different artistic trajectories: painters, illustrators, photographers, sculptors, textile artists, media artists, engravers, watercolorists, and others, to participate in the project, to contribute to this patchwork or mosaic, composed of hundreds of pieces, created by people who share a distinct connection to Chile; contributing in equal measure to this (possible) panorama of contemporary art in our country.


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The small format of the pieces, as well as the inclusion of part of each artist’s poetics, bring us to one of the themes that most fascinates us: intimacy. The demand of concentrating our attention on a reduced space often leads us to an exercise of unexpected introspection. A sort of double intimacy lies in the restrained pulse of many of the works: the detail, the line, the gesture offered, bring us closer to the deepest sphere of its creator; it obliges us to linger and make a conscientious analysis of the space that we believe finite in the beginning but that later plunges us into the abyss, the abyss of the intimate, because in this space nobody is ever lost. At the same time, it obliges us to re-observe (ourselves) with the unrelenting attention that the details of the piece have fixed in our eye. We have also included in this edition a section on the workshops, labs, homes and creative spaces in general of those people who allowed us to get this far by sharing with us this, their own space. Just as the very material of the works we now call art has undergone tremendous changes over time, multiplying their potential faces, the work space of those who dedicate their lives to this production

Finally, OJO ANDINO Chile references our Andes mountains range, the cultural and geographical vertebrae of a large part of South America. The Andes mountain range traces the silhouette of the Southern Cone, and boasts the highest peaks on the continent. It both separates and unites Chile with its neighbors, and pushes it towards the Pacific Ocean. Imagining a view from the heights of the Andes is to think of a panoramic vista of the region’s different landscapes, obliged to contemplate the infinite particularities of the region it runs through; alternating a general picture—composed and abstract—and its fragmentation that, at the same time, become other worlds, other views, other gestures, other images.

Simoné Malacchini & Stefania Malacchini

simon� & stefania malacchini u A thorough look at the infinity of the fragment

For this publication, we’ve decided to accompany each work with a brief artist statement, with the aim of amplifying in some cases the depth of field, in others the detail, which allows us to access to this small/large window. Through these texts, we have tried to approach the creations and explorations that make up each artist's universe; to relate to the independent ecosystem of each work from an alternative perspective, and at the same time interplay and integrate each piece with the rest.

may have undergone modifications with respect to the imagination that traditionally accompanies them. This time, our 10 x 12 cm. format has taken us much further (or closer) to other spaces of reflection that both come together and move apart, forcing us to make a personal and collective journey from each work.

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The result is made up of 265 pieces from 170 national artists who decided to donate a fragment of their work, so that it may travel the world together with the rest of the collection.


simoné malacchini & stefania malacchini Una mirada detenida a la infinidad del fragmento curadoras, colección y libro ojo andino chile - imago mundi

2 Para hablar de OJO ANDINO Chile debemos remontarnos a la colección Ojo Latino (2008), puntapié inicial al proyecto mayor de Luciano Benetton: “Imago Mundi”. Para este inédito proyecto curatorial, se contempló la recolección de obras de pequeño formato (10 x 12 cm.) en el afán de conformar un ojo compuesto que, a partir de América Latina, ofreciera un primer vistazo al arte actual y sus particularidades. Ojo Latino logró así reunir 200 obras donadas por artistas provenientes de más de 20 países distintos de nuestra región, constituyendo una colección de enorme riqueza tanto por la variedad estilística y generacional de sus participantes, como por la convergencia de miradas a partir de puntos culturales y geográficos tan distantes.

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En Abril de 2013 recibimos por parte del Sr. Luciano Benetton y “Fondazione Benetton Studi Ricerche” el encargo de trabajar en una nueva colección de arte contemporáneo, esta vez focalizada a escala nacional. Frente al alcance que para entonces presentaba Imago Mundi, contando con colecciones símiles a Ojo Latino, desarrolladas en países como India, EEUU y Japón, entre otros; decidimos re-pensar algunos de los elementos propios de este gran proyecto.

10 x 12 cm. es la dimensión que esta vez proponemos más que como espacio material, como ventana virtual a través del cual cada artista convocado puede mostrar su arte, un gesto, su estética. El pequeño formato de las obras constituye uno de los elementos medulares de las colecciones en tanto facilita el tránsito de las mismas piezas, posibilitando su exhibición desde distintos lugares del mundo. De este modo, a través del viaje de estas pequeñas obras –fragmento de la producción de cada artista– se hace posible la interacción y enriquecimiento de miradas (tanto de espectadores como de artistas, provenientes de distintos lugares del mundo). Asimismo, 10 x 12 cm. es el espacio potencial que da igualdad de condiciones espaciales a priori a cada artista. En este sentido, trabajar a partir de un espacio reducido y a la vez infinito por sus posibilidades de intervención y propuesta se presenta para nosotras como un factor esencialmente democratizador. El formato ha sido así nuestro punto de partida; y aquella medida forzada que debía desmaterializarse, el primer desafío presentado a los artistas.


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OJO ANDINO, así como Ojo Latino y las otras las colecciones de Imago Mundi, representa la riqueza de lo fragmentario: se trata de enormes mosaicos en que cada pieza es un mundo particular, y que en su conjunto ofrece nuevas connotaciones determinando el intento de mirar(nos) como un todo o un continuo, que constantemente se ve enriquecido por los fragmentos que lo constituyen. A su vez, el viaje y la confluencia de percepciones distintas sobre las colecciones, complementan una y otra vez esta mirada aérea que se construye pieza por pieza, como un mapa que, cuadriculado a partir de distintas coordenadas, se dispone para ser sobrevolado. Si bien gran parte de las colecciones se han articulado a partir de la entrega de una tela sobre bastidor del formato característico, esta vez para OJO ANDINO Chile hemos querido liberar el soporte. Pensar el arte contemporáneo implica pensar en una producción de naturaleza heterogénea y disímil, por lo que también exige pensar su desmaterialización. La tela, si bien manteniéndose como el soporte más utilizado en nuestra región, ha sido secularmente cargada por la tradición e historia del arte, lo que no necesariamente se condice con la multiplicidad de la producción actual que ya no sólo

encuentra su germen en el espacio blanco bidimensional. Hemos decidido así dar absoluta libertad en el empleo y materialidad del espacio virtual puesto a disposición de cada artista, incluyendo además la posibilidad de trabajar con la tercera dimensión o volumen en la presentación de cuerpos en tres –y más– dimensiones. Arte actual a escala país: ¿Cuáles son los márgenes –si es que existen– en los que hoy se desarrolla el arte? ¿Es necesario centrar la mirada a nivel país para la constitución de un panorama mundial del arte contemporáneo? Imago Mundi nos propone este ejercicio sin aventurar respuestas antes de tiempo y cediendo gran margen a la sorpresa. Así, somos parte de la creación de suerte de mapas artísticos, delimitados por los márgenes imaginarios terrestres que determinan –y aunque sólo en parte– la cultura que crece en cada tierra, invitándonos a imaginar qué sucede en su conjunto. Nuevamente, asistimos al ejercicio de fragmentación, de partición de un todo que intuimos existe como tal, y sin embargo no podemos sino aproximarnos a partir de sus fracciones: heterogéneas, escurridizas, mutables. Es difícil –sino imposible y a ratos absurdo– pensar en un “arte nacional” como tal. Las transferencias y contactos son hoy múltiples y variados en su naturaleza. Los límites y barreras entre los distintos países –y a pesar de los conflictos que aún en nuestro siglo nos aquejan como humanidad– se han ido desdibujando o matizando, hasta transformarse en difusas líneas culturales permeables. El tránsito e itinerancia del artista y su obra, coexiste así con el desarrollo de una cultura global que, si bien a trazos fuertes marca ciertas directrices comunes, también potencia y cataliza el surgimiento de mundos-otros en contexto de una subjetividad individual híper-estimulada por esta transferencia permanente.

029 simon� & stefania malacchini 2 Una mirada detenida a la infinidad del fragmento

Para algunos un ejercicio complejo, contradictorio y hasta inconciliable con el propio trabajo; para otros su medio natural y predilecto; las dimensiones reducidas de la obra nos hablan del fragmento que en su medida constituye un colectivo. En este contexto, no hay fracción prescindible ni que merezca mayor o menor notoriedad; es la unidad compuesta, mediante la particularidad de sus componentes, aquello que adquiere mayor relevancia. Como ocurre en el cuerpo humano –y por cierto en el cuerpo social en el que nos desenvolvemos– cada célula es importante, desde su individualidad y en el contexto en y para el cual existe.


030 simon� & stefania malacchini 2 Una mirada detenida a la infinidad del fragmento

4 Bajo estas premisas, para nuestra convocatoria invitamos a más de 200 artistas chilenos de distintas generaciones y trayectorias, entre pintores, ilustradores, fotógrafos, escultores, artistas textiles, artistas mediales, grabadores, acuarelistas, entre otros, a ser partícipes del proyecto, para aportar a este patchwork o mosaico compuesto por centenares de piezas creadas por personas que comparten un determinado nexo con Chile; contribuyendo en igual medida a esta (posible) panorámica del arte actual de nuestro país. El resultado lo conforma 265 piezas de 170 artistas nacionales que han decidido donar este fragmento de su trabajo, para que transite por el mundo junto al resto de la colección. Para esta publicación, hemos decidido acompañar cada obra con un breve texto de artista o statement, con la finalidad de ampliar en casos la profundidad de campo, en otros el detalle, al cual permite acceder esta pequeña/gran ventana. A partir de dichos textos, buscamos acercarnos al universo que conforma la creación y búsqueda de cada artista; relacionarnos desde una perspectiva alternativa con aquel ecosistema independiente y a la vez en relación con el resto, que sintetiza cada obra. El pequeño formato de las piezas, así como también la inclusión de parte de la poética de cada artista, nos lleva a uno de los temas que más nos fascinan: la intimidad. El tener que concentrar la atención en un espacio reducido muchas veces conduce a un ejercicio de introspección impensado. Una suerte de intimidad doble yace en el pulso contenido de muchas de las obras: el detalle, el trazo, el gesto ofrecido, nos acerca a la esfera más honda de su productor; nos obliga a mirar detenidamente, a hacer un análisis acucioso del espacio que creemos abordable en un principio y que luego nos somete al abismo, aquel abismo de lo íntimo, pues en este espacio nadie se pierde. A la vez,

nos obliga a re-observar(nos) con la atención sostenida que el detalle de la pieza ha dejado instalada en nuestro ojo. Asimismo, hemos incluido en esta edición un apartado de talleres, laboratorios, hogares y en general espacios de creación, de quienes nos han permitido llegar así de lejos, compartiendo con nosotros también este, su propio espacio. Así como la materialidad misma de las obras que hoy denominamos artísticas ha sufrido grandes alteraciones en el tiempo, multiplicando sus rostros posibles; el lugar de trabajo de quienes dedican su vida a esta producción puede haber sufrido modificaciones respecto al imaginario que les acompaña desde la tradición. Esta vez, nuestro portal de 10 x 12 cm. nos ha llevado mucho más lejos (o cerca), a otros ámbitos de reflexión que se enlazan y distancian entre sí, haciéndonos realizar un viaje personal y colectivo a partir de cada obra. Finalmente, OJO ANDINO Chile hace referencia a nuestra cadena montañosa de Los Andes, vértebra cultural y geográfica de gran parte de Sudamérica. La Cordillera de Los Andes marca la silueta del Cono Sur, y ostenta las cumbres más altas del continente. A Chile, le separa (y une) de sus vecinos y le acerca al Océano Pacífico. Imaginar una mirada desde las alturas de Los Andes, es pensar en una vista panorámica a los distintos paisajes de la región, obligada a detenerse en los infinitos particulares de la zona que recorre; alternando una cuadro general –compuesto y abstracto– y su particularización en fragmentos que, a su vez, son otros mundos, otras miradas, otros gestos, otras imágenes.

Simoné Malacchini & Stefania Malacchini


simoné malacchini & stefania malacchini Uno sguardo sostenuto all’infinito del fragmento curatrici, collezione e libro ojo andino chile - imago mundi

b 10 x 12 cm. è la dimensione che questa volta proponiamo più che come spazio materiale, come finestra virtuale attraverso la quale ogni artista convocato può mostrare la propria arte, il proprio gesto, la propria estetica. Il piccolo formato delle opere costituisce uno degli elementi portanti delle collezioni in quanto facilita il trasporto dei pezzi, rendendo possibile la loro esposizione in diverse città del mondo. In questo modo, mediante il viaggio di queste piccole opere – frammento della produzione di ogni artista – si rende possibile l’interazione e l’arricchimento di punti di vista (tanto degli spettatori come degli artisti, provenienti da tutto il mondo). Così, 10 x 12 cm è lo spazio potenziale che dà parità di condizioni spaziali ad ogni artista. In questo senso, lavorare a partire da uno spazio ridotto e al contempo infinito e illimitato per le sue possibilità di intervento e proposta, ci sembra un fattore essenzialmente democratizzante. Il formato è divenuto il nostro punto di partenza; e quella misura forzata che doveva smaterializzarsi, la prima sfida proposta ai nostri artisti.

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Per parlare di OJO ANDINO Chile dobbiamo risalire alla collezione Ojo Latino (2008), slancio iniziale del progetto di Luciano Benetton “Imago Mundi”. Questo inedito progetto curatoriale prevedeva la raccolta di opere di piccolo formato (10 x 12 cm) con l’obbiettivo di conformare un occhio composto che a partire dall’America Latina offrisse una prima panoramica dell’arte contemporanea e delle sue particolarità. Ojo Latino è riuscito così a raccogliere 200 opere donate da artisti provenienti da oltre 20 paesi della nostra regione, costituendo una collezione di enorme ricchezza, tanto per la varietà stilistica e generazionale dei suoi partecipanti, quanto per la convergenza di sguardi a partire da punti culturali e geografici così distanti. Nell’aprile 2013 abbiamo ricevuto dal Sig. Luciano Benetton e da “Fondazione Benetton Studi e Ricerche” l’incarico di lavorare su una nuova collezione d’arte contemporanea, stavolta focalizzata su scala nazionale. Di fronte alla visibilità di cui già allora godeva Imago Mundi, contando su collezioni simili a Ojo Latino sviluppate in paesi come India, Stati Uniti e Giappone, abbiamo deciso di ri-pensare alcuni degli elementi propri di questo grande progetto.


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simon� & stefania malacchini b Uno sguardo sostenuto all’infinito del fragmento

! Per qualcuno un esercizio complesso, contraddittorio e persino inconciliabile col proprio lavoro, per altri il mezzo naturale e prediletto; le dimensioni ridotte delle opere ci parlano del frammento che nella sua misura costituisce un collettivo. In questo contesto, non c’è frazione superflua né frazione che meriti maggiore o minore notorietà; è l’unità composta, mediante la particolarità delle sue componenti, ciò che acquisisce maggiore rilevanza. Così come succede nel corpo umano – e certamente pure nel corpo sociale nel quale ci muoviamo – ogni cellula è importante, a partire dalla propria individualità e nel contesto nel e per il quale esiste. OJO ANDINO, così come Ojo Latino e le altre collezioni di Imago Mundi, rappresenta la ricchezza del frammentario: si tratta di enormi mosaici nei quali ogni tessera è un mondo particolare, e che nel suo insieme offre nuove connotazioni determinando l’intento di guardar(ci) come un tutto o un continuo, che costantemente si vede arricchito grazie ai frammenti che lo conformano. A sua volta, il viaggio e la confluenza di percezioni diverse nelle collezioni completano ripetutamente questo sguardo aereo che va costruendosi pezzo per pezzo, come una mappa particellare, che a partire da diverse coordinate, si presta a essere sorvolata. Sebbene gran parte delle collezioni sia stata articolata a partire dalla consegna di una tela del formato citato, in questa occasione, per OJO ANDINO Chile, abbiamo voluto liberare il supporto. Pensare all’arte contemporanea implica pensare ad una produzione di natura eterogenea e dissimile, il che vuol dire a sua volta pensare anche alla sua smaterializzazione. La tela, pur mantenendosi quale supporto più popolare nella nostra regione, è stata secolarmente sovraccaricata dalla storia dell’arte e dalla tradizione, il che non è necessariamente coerente con la molteplicità della produzione attuale, che ormai

non ritrova le proprie origini unicamente nello spazio bianco bidimensionale. Abbiamo deciso così di dare assoluta libertà nell’uso e materialità dello spazio virtuale messo a disposizione di ogni artista, includendovi pure la possibilità di lavorare con la terza dimensione o volume nella presentazione di corpi in tre – o più – dimensioni. Arte contemporanea su scala paese: Quali sono i margini – se esistono – dentro i quali oggi si sviluppa l’arte? È necessario concentrare lo sguardo a livello nazionale per creare un panorama mondiale dell’arte contemporanea? Imago Mundi ci propone questo quesito senza avventurarsi risposte precipitose, prima del tempo, e concedendo un grande margine alla sorpresa. Partecipiamo così alla creazione di una sorta di mappatura artistica, delimitata dai margini immaginari terrestri che determinano – anche se solo in parte – la cultura che cresce in ogni terra, invitandoci ad immaginare cosa succede nel suo insieme. Nuovamente assistiamo all’esercizio di frammentazione, di partizione di un tutt’uno che intuiamo esista in quanto tale, eppure non possiamo far altro che avvicinarci ad esso a partire dalle sue frazioni: eterogenee, sfuggevoli e mutevoli. È difficile – se non addirittura impossibile e spesso assurdo – pensare a un’ “arte nazionale” in sé. I trasferimenti e contatti sono oggi molteplici e vari nella loro natura. I limiti e le barriere fra i diversi paesi – nonostante i conflitti che pure nel nostro secolo ci affliggono come umanità – si sono andati sfumando e svanendo, fino a trasformarsi in linee culturali soffuse e permeabili. Il transito e il continuo spostamento dell’artista e della sua opera coesiste così con lo sviluppo di una cultura globale che, sebbene con forti segni caratteristici, determina certe comuni direttrici, potenzia e catalizza pure il sorgere di mondi-altri nel contesto di una soggettività individuale iperstimolata da questo permanente trasferimento.


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Il risultato lo conformano 265 pezzi di 170 artisti nazionali che hanno deciso di donare questo frammento del proprio lavoro, affinché viaggi per il mondo insieme al resto della collezione. Per questa pubblicazione abbiamo deciso di accompagnare ogni opera con un breve testo dell’artista, o “statement”, di modo da ampliare qui la profondità del campo, là il dettaglio al quale permette accedere questa piccola/grande finestra. A partire da questi testi, cerchiamo di avvicinarci all’universo che conforma la creazione e la ricerca di ogni artista; relazionarci da una prospettiva alternativa con quell’ecosistema indipendente e allo stesso tempo in relazione con altri, che sintetizza ogni singola opera. Il piccolo formato delle opere, così come l’inclusione di parte della poetica dell’artista, ci porta a uno degli argomenti che più ci affascina: l’intimità. Il dover concentrare l’attenzione in uno spazio ridotto conduce molte volte ad un esercizio di introspezione inaspettato. Una specie di doppia intimità soggiace nel polso contenuto di molte delle opere: il dettaglio, il segno, il gesto offerto, ci avvicina ancora di più alla sfera più profonda del suo produttore; ci obbliga ad osservare attentamente, a fare un’analisi attenta dello spazio che in un primo momento pensiamo abbordabile e che poi ci sottomette all’abisso, l’abisso dell’intimità, poiché in questo spazio nessuno può perdersi.

Allo stesso modo poi, ci obbliga a ri-osservar(ci) con l’attenzione sostenuta che il dettaglio dell’opera ha lasciato installata nel nostro occhio. Inoltre, abbiamo incluso in questa edizione una sezione a parte di laboratori, atelier, domicili e in genere spazi creativi, di coloro che ci hanno permesso arrivare così lontano, condividendo con noi pure questo, il loro proprio spazio. Così come la materialità delle opere che oggi denominiamo artistiche ha conosciuto grandi alterazioni nel tempo, moltiplicando i suoi possibili volti; il posto di lavoro di coloro che dedicano la loro vita alla produzione artistica, potrebbe pure aver subito modificazioni rispetto all’immaginario che lo accompagna tradizionalmente. Questa volta, la nostra finestra di 10 x 12 cm ci porta molto più lontano (o vicino), ad altri ambiti di riflessione, che s’intrecciano e a loro volta si distanziano tra loro, facendoci realizzare un viaggio personale e collettivo a partire da ogni opera. Infine, OJO ANDINO Chile fa riferimento alla nostra catena delle Ande, vertebra culturale e geografica di gran parte del Sudamerica. La “Cordillera de Los Andes” marca la silhouette del Cono Sud e sfoggia le vette più alte del continente. In Cile, esse lo separano (e uniscono) dai suoi vicini e lo avvicinano all’Oceano Pacifico. Immaginare uno sguardo dalle alture delle Ande, vuol dire pensare ad una vista panoramica sui diversi paesaggi della regione; costretta a soffermarsi sugli infiniti particolari della zona che percorre; alternando un quadro generale – composto e astratto – alla sua frammentazione in piccole parti che, a loro volta, sono altri mondi, altri sguardi, altri gesti, altre immagini.

Simoné Malacchini & Stefania Malacchini

033 simon� & stefania malacchini b Uno sguardo sostenuto all’infinito del fragmento

Con queste premesse, abbiamo invitato più di 200 artisti cileni di diverse generazioni e traiettorie; pittori, illustratori, fotografi, scultori, artisti tessili, new-media artist, incisori, acquarellisti, tra gli altri, a partecipare a questo progetto, apportando a questo patchwork o mosaico composto da centinaia di pezzi creati da coloro che condividono un determinato vincolo con il Cile; contribuendo in ugual forma a questa (possibile) panoramica dell’arte contemporanea del nostro paese.


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Matías Acuña 1976, Santiago, Chile ø http://openingmatiasacuna. artenlinea.com Visual Artist

2012 | solo exhibition I Never Wanted to Be a Rabbit-eared Cowboy, Museum of Contemporary Art MAC, Valdivia, Chile. 2011 | solo exhibition Very Well, Thank God, Las Condes Cultural Corporation, Santiago, Chile. solo exhibition I Never Wanted to Be an Alien in My Own Land, Universidad de Valparaiso, El Farol Art Space, Valparaiso, Chile. solo exhibition I Never Wanted to Be, Library of Santiago Cultural Center, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition The Detained Look, Arte Cu4tro Gallery, Santiago, Chile.

The concepts that currently make up my work are structured around putting problems of visual perception and local identity in perspective, so that the viewer questions what is real and what is fictitious, generating a body of work that borrows elements from B movies, science fiction and Chilean architecture.

Los conceptos actuales que componen mi obra se estructuran para poner en perspectiva una problemática de percepción visual e identidad local; para que el espectador se cuestione lo que es real y ficticio, generando una obra que toma elementos del Cine clase B, ciencia ficción y arquitectura chilena. I concetti che compongono attualmente la mia opera si strutturano in modo da porre in prospettiva la problematica della percezione visiva e dell’identità locale, di modo che lo spettatore metta in discussione ciò che è reale o fittizio, generando così un’opera che prende elementi dal cinema di classe B, dalla fantascienza e dall’architettura cilena.


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Elías Adasme 1955, Illapel, Chile http://www.adasme.net Visual Artist

2014 | exhibition Latin America 19602013, Amparo Museum, Puebla, Mexico. 2013 | exhibition Urban Insurgencies, Document Art Gallery, Buenos Aires, Argentina. exhibition Latin America 1960-2013, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, France. 2012 | exhibition Losing the Human Form: A Seismic Image of the Eighties in Latin America, Museo Nacional Reina Sofia, Madrid, Spain. 2011 | exhibition Chile in the 70s and 80s: Memory and Experimentalism, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2010 | exhibition Showdowns/Standins, Museum of Contemporary Art, Puerto Rico.

The events of September 1973 in Chile constitute the central themes of almost all my production. The motivations used to articulate a creative discourse compatible with the lived reality and its historical projection have been determining factors in the exploration of alternative methods in my artistic practice. It is an exploration based not on a nostalgic vision of an antiquated past, but in the present aspirations for building a future. “Reflections of '73” is yet another sign post on the route toward creating a universal artistic language of clear-cut humanist aspects; where memory takes precedence over forgetting, reason over barbarism, liberty over oppression.

Los sucesos de septiembre 1973, constituyen el eje de casi toda mi producción. Las motivaciones para articular un discurso creativo cónsono con la realidad vivida y su proyección histórica, han sido determinantes en la exploración de formas alternativas al asumir mi práctica artística. Exploración basada no en la visión nostálgica de un pasado anquilosado, sino en las aspiraciones de un futuro por construir. “Reflejos del 73” es otra señal en la ruta hacia la construcción de un lenguaje artístico universal de definidos matices humanistas; donde prime la memoria sobre el olvido, la razón sobre la barbarie, la libertad sobre la opresión. Gli avvenimenti del settembre 1973 in Cile costituiscono l’asse tematico attorno al quale gravita quasi tutta la mia produzione. Le ragioni che mi spingono ad articolare un discorso creativo consono con la realtà vissuta in quel tempo e la sua proiezione storica, sono state determinanti nell’esplorazione di forme alternative nella pratica artistica. Esplorazione basata non su una visione nostalgica di un passato anchilosato, ma su aspirazioni presenti per un futuro da costruire. “Riflessi del ‘73” è un’ulteriore indicazione di un cammino verso la costruzione di un linguaggio artistico universale che dimostra definite sfumature umane; dove primeggia la memoria sull’oblio, la ragione sulla barbarie, la libertà sull’oppressione.

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Rocío Aguirre Venegas 1989, Chile http://rocioaguirre.com Photographer

2012 | exhibition Dagger, Oops! Gallery, Santiago, Chile. 2011 | exhibition The Girls, Cellar Cultural Center, Santiago, Chile. 2009 | exhibition Photo Expo, La Escalera Cultural Center, Concepción, Chile. Photography director for video clips such as Frutas y Té (Gepe), Casa Latina (Odisea) and Hasta la Verdad (Javiera Mena).

Roma-brand erasers is a classic product from the 80s in Chile. In this work I wanted to bring back the nostalgia of an era, Chile’s difficult post-coup period where fear was found at home while hope persisted in classrooms.

Las gomas de borrar marca Roma, son un clásico de los años ’80 en Chile. En esta obra quise rescatar la nostalgia de una época en que Chile pasaba por un periodo difícil de post golpe, donde el miedo estaba presente desde las casas pero en las aulas seguía la esperanza de seguir adelante. Le gomme da cancellare, prodotte da “Roma”, sono un classico nel Cile degli anni ’80. In quest’opera ho voluto recuperare la nostalgia di un’epoca in cui il Cile stava vivendo il difficile periodo post-golpe, dove la paura era presente in ogni casa, ma nelle aule restava viva la speranza di andare avanti.


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Aldo Alcota 1976, Santiago, Chile ø http://aldoalcota.blogspot.com Visual Artist, Poet & Periodist

2013 | exhibition Meanwhile, the Eyes on the Wing of an Albatross, Imprevisual Gallery, Valencia, Spain. 2012 | exhibition Hybrid Banquet, GRIS-Vitrina, Valencia, Spain. exhibition Imagination (devoured) by Aldo Alcota and Cruzerio Seixas, Perve Gallery, Lisboa, Portugal. 2009 | group exhibition The Secret Threshold, International Meeting of Current Surrealism, Salvador Allende Solidarity Museum, Santiago, Chile. 2008 | exhibition Delights of the Grotesque, Eugenio Granell Foundation, Santiago de Compostela, Spain.

Works that want to be devoured by the eyes. The act of seeing has wings and plays within the vertigo of reason to the point of explosion. Each character is a poetic body that escapes the limits of the everyday. Drawn and painted inside a roller coaster cart. Without any previous sketching. I prefer to be a poet –rather than being named artist– who converts his paintbrushes, pens and paper into the savage animals of a symphony of desire. To create is to build communicative vessels with the worlds of the unconscious and other dimensions.

Obras que esperan ser devoradas por los ojos. El acto de ver tiene alas y juega en el vértigo de la razón a punto de estallar. Cada personaje es un cuerpo poético que escapa de los límites de lo cotidiano. Se dibuja y se pinta dentro de un carrito de montaña rusa. Sin bocetos previos. Prefiero ser un poeta –a ser llamado artista– que convierte los pinceles, lápices y papeles en animales salvajes de una sinfonía del deseo. Crear es construir vasos comunicantes con los mundos del inconsciente y de otras dimensiones. Opere che attendono di essere divorate con gli occhi. L’atto del vedere ha ali e gioca con la vertigine della ragione quasi fino a scoppiare. Ogni personaggio è un corpo poetico che sfugge ai limiti del quotidiano. Disegnato e dipinto come dentro un vagone delle montagne russe. Senza bozzetti. Preferisco essere un poeta – piuttosto che essere chiamato artista – che trasforma pennelli, matite e fogli in animali selvaggi come in una sinfonia del desiderio. Creare è costruire vasi comunicanti coi mondi dell’incoscio e di altre dimensioni.


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Carmen Aldunate 1940, Viña del Mar, Chile Visual Artist

2010 | solo exhibition In Silence, Artespacio Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Centenary, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition 100 Years of the Chilean National Football Team, Artium Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Carmen Aldunate, Gonzalo Cienfuegos, Benjamín Lira: Paths of Time, El Caballo Verde Art Gallery, Concepción, Chile. group exhibition Grand Reserve, Artium Gallery, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Forbidden Games, El Caballo Verde Art Gallery, Concepción, Chile. 2008 | solo exhibition Timeless Drawings, El Caballo Verde Art Gallery, Concepción, Chile.

The human figure takes precedence in her work, taking on a narrative quality of deep psychological content. The proper figures and faces of women with idealized features are a constant in her paintings. You will see them in Renaissance dress, inserted into exotic scenes in which both charm and mystery are equally present, imposing a feminist message that denounces, with elegant sarcasm and humor, the oppression and psychological suffering of which women have been victims.

La figura humana tiene un papel protagónico en su trabajo que cobra un carácter narrativo de gran contenido psicológico. La figuración propia y rostros de mujeres de rasgos idealizados, son una constante en sus cuadros. Las viste con ropajes renacentistas y las inserta en exóticos escenarios en los que tanto el encanto como el misterio se hacen presentes, a la vez que imponen un mensaje feminista que denuncia con elegante sarcasmo y humor, la opresión y el sufrimiento psicológico del que por siglos han sido víctimas las mujeres. La figura umana ha un ruolo fondamentale nell’opera di questa artista, e assume un carattere narrativo di gran contenuto psicologico. Le fattezze stesse e i volti di donne dai lineamenti idealizzati, sono una costante nei suoi quadri. Le veste con abiti rinascimentali e le immagina in esotici scenari nei quali sia l’incanto che il mistero sono presenti; e nello stesso tempo propongono un messaggio femminista che denuncia con elegante sarcasmo e umore, l’oppressione e la sofferenza psicologica di cui, per secoli, sono state vittime le donne.

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Gaspar Álvarez Requena 1989, Santiago, Chile https://www.behance.net/gasparalvarez Visual Artist

2013 | bi-personal exhibition Scene Reconstitution, Espacio Bicentenario, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | exhibition Standing on the Ocean, BECH Banco del Estado Gallery, Santiago, Chile. exhibition How to Be Dragged by the Current, Juan Egenau Art Space, Universidad de Chile, Santiago, Chile. bi-personal exhibition Nothing Personal, Alugar Gallery, Santiago, Chile. 2010 | exhibition The Trap, Visual Arts School, Universidad de Chile, Santiago, Chile.

This piece is a response to a series of works carried out since 2011 that used images taken from the Internet as references. These images were a great pretext for being materialized through painting, a tool that compels the eye to linger, converting a rapidconsumption image into an object that produces an intimate interaction between the work and the viewer.

Este trabajo responde a una serie de obras realizadas desde el 2011 que tomaban como referencia imágenes extraídas de Internet. Estas se convertían en un buen pretexto para ser materializadas a través de la pintura, herramienta que permite producir una detención en la mirada, convirtiendo una imagen de rápido consumo en un objeto que permite la interacción intima entre la obra y el espectador. Questo lavoro è la risposta ad una serie di opere realizzate dal 2011 che facevano riferimento a immagini prese da Internet. Queste sono state un buon pretesto per essere materializzate attraverso la pittura, strumento che provoca un indugiare dello sguardo, convertendo un’immagine di rapido consumo in un oggetto che permette un’interazione intima tra l’opera e lo spettatore.


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Cecilia Andrews 1969, Chile www.ceciliaandrews.com Visual Artist

2014 | exhibition in the Mezcla Art Espacio, Rouen, France. 2009 | bi-personal exhibition Reencountered, Cecilia Palma Gallery, Santiago, Chile. 2004 | exhibition A.D.P. Gallery, Orly, France. 2003 | exhibition Homage to Pablo Neruda, Jean Cocteau Media Library, Massy, France. 2002 | exhibition La Scéne, Paris, France. exhibition Agencia Varenne, Paris, France.

Her work maintains a profundity created by emptiness, the opposition of textures and the manifestation of matter. She transforms common materials and creates, starting from a symbolic figuration, a subtle language between matter and images. The plastic richness of her work is accompanied by a chromatic sobriety and a search for simplicity that reflects the essential; that is to say, the complementary relationship between form and color in the figurative abstraction. The particularity of the material used as object manifests itself as a proof; a feeling is born and we want to touch it. The form is there, present, along with the figure, and they restrain our hand. (Nathalie Blanc).

Su trabajo mantiene una profundidad creada por el vacío, la oposición de texturas y la manifestación de la materia. Transforma materiales comunes y crea a partir de una figuración simbólica, sutil lenguaje entre materia e imágenes. La riqueza plástica de su trabajo está acompañada de una gran sobriedad cromática, en la búsqueda de la simplicidad que refleje lo esencial; la relación complementaria entre forma y color en la abstracción figurativa. La particularidad de la materia tratada como objeto se manifiesta como una evidencia; la sensación se desarrolla y quisiéramos tocar. La forma esta ahí, presente; la figura también. Ambas retienen nuestra mano. (Nathalie Blanc). Il suo lavoro mantiene una profondità creata dal vuoto, dall’opposizione delle strutture e dalla manifestazione della materia. Trasforma materiali comuni e crea, a partire da una trasfigurazione simbolica, un linguaggio sottile tra materia e immagini. La ricchezza plastica del suo lavoro è accompagnata da una grande sobrietà cromatica, nella ricerca di una semplicità che rifletta l’essenziale, ovvero la relazione che complementi forma e colore nell’astrazione figurativa. La particolarità della materia trattata come oggetto si manifesta come una prova; la sensazione si sviluppa quasi al punto di volerla toccare. La forma è lì, presente, come anche la figura. Entrambe trattengono la nostra mano. (Nathalie Blanc).

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Carlos Apablaza Baschmann 1984, Chile http://apablaza-baschmann. artenlinea.com Visual Artist

2013 | group exhibition Artist of the Month, Local Gallery, Santiago, Chile. 2012-13 | group exhibition Resistance Museum, Daniel Morón Gallery; Local Gallery, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Prettyugly, Flor Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Drawing Cabinet, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. participation International Video Art Festival: Mute Eye, Film Flamme, Polygone Étoilé, Marseille, France.

These original pieces were considered as a diptych and as individual works. With Duhuato (a Mapuche term that means a place of memories), we see the spirit of a Mapuche chamanto (a type of dress, similar to a poncho) in ritual pose, a phantasmagorical being along with his past memories, his longing, somehow hidden in the layers that mark the Andean mountain range. In Pachingo (where there is little water), we see a mummy in an arid landscape, with cacti and an atmospheric Mapuche weaving, a melody, a whisper from the desert silence.

Estas piezas originales fueron pensadas como un díptico y como obras individuales. Con “Duhatao” (término mapuche que significa lugar de los recuerdos) podemos ver un espíritu en un chamanto mapuche el cual está en pose de rito, ser fantasmagórico y sus recuerdos del pasado, añoranza, registros de capas que se marcan en la cordillera andina. En “Pachingo” (donde hay poca agua) podemos ver una momia en un paisaje árido, con cactus y una trama mapuche atmosférica, una melodía, un susurro del silencio del desierto. Queste opere originali sono state pensate come un dittico e come opere individuali. Con “Duhatao” (termine dei Mapuche che significa luogo del ricordo), possiamo vedere uno spirito in un “chamanto” mapuche (mantello di lana variopinto) in posizione rituale, un essere fantasmagorico e i suoi ricordi del passato, la nostalgia che rimane come nascosta negli strati che caratterizzano la Cordigliera delle Ande. Nell’opera “Pachingo” (zona caratterizzata da scarsità d’acqua) scorgiamo una mummia in un paesaggio arido, con cactus, in un contesto proprio dell’atmosfera mapuche, una melodia, e un sussurro del silenzio del deserto.

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Santiago Salvador Ascui 1983, Chile http://www.lampiask.blogspot.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Us Again, Puma Lab, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. group exhibition Sub30, Museum of Contemporary Art MAC, Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Human Surface, Mil m2 Art Space, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Above and Below, Patio Liceo Gallery, Buenos Aires, Argentina. group exhibition From A to Z, dei Ragazzi Library, Lodi, Italy. group exhibition The Discovery of America, Local Proyect, New York, USA. group exhibition Creative Cities Collection, Barbican Centre, London, UK. group exhibition Drawing Cabinet, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile.

I think of my paintings and drawings as constructions, which include some elements that are recognizable and some that aren’t, creating a composition that in some way loses the thread of a narrative logic, but that in itself maintains a stability. I believe that painting and illustration are prisms that let the recognizable and the ambiguous pass through.

Pienso en mis pinturas y dibujos como construcciones, en ellas incluyo elementos reconocibles y otros no, creando una composición que de alguna forma pierda una lógica narrativa, pero que en sí mantiene una estabilidad. Creo en la pintura y la ilustración como un prisma hacia lo reconocible y lo ambiguo que nos rodea. Penso ai miei dipinti e disegni come costruzioni e in esse includo elementi riconoscibili ed altri meno, creando una composizione che in qualche modo perda una logica narrativa, ma che allo stesso tempo mantenga in sé una certa stabilità. Credo che pittura ed illustrazione siano come un prisma attraverso cui passano il riconoscibile e l’ambiguo che ci stanno attorno.


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Camila Astaburuaga Peña 1985, Chile http://camila-astaburuaga.artenlinea.com Visual Artist

2012 | solo exhibition 33° South 70° East, Metales Pesados Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Utopian Jobs, Machina Gallery, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. exhibition Re-animate, Marmota Art Gallery (Chacoff), Santiago, Chile. 2011 | exhibition Forced History: Bifurcations of Youth Art in Chile, Juan Egenau Art Space, Faculty of Art, Universidad de Chile, Santiago, Chile.

Her manual work method corresponds to the repetition of an image that is later modeled on itself, pronounced in small volumes, starting from the imitation of daguerreotype reliefs. The photo of a known action repeated is invaded by small variations, grouped in their formality into imprecise explorations. The figure acquires “transversality” in time. The modeled photograph promotes a “false unity” between viewings. The questioning of the truth of facts, the doubt about the interval that disassociates the origin of the images, positions itself as a documentary device. What, then, is visually necessary and certain in order to describe an era?

Su operación manual corresponde a la repetición de una imagen que luego es modelada sobre la misma, pronunciando pequeños volúmenes, a partir de la imitación de relieves daguerrotípicos. La foto de una acción conocida y repetida es intervenida por pequeñas variaciones, agrupadas en su formalidad como registros imprecisos. La figura adquiere “transversalidad” en el tiempo. El modelado fotográfico promueve una “unidad falsa” entre los registros. El cuestionamiento sobre la veracidad de los hechos, la duda del intervalo que disocia la proveniencia de las imágenes, se posiciona como dispositivo documental: ¿Que será lo visualmente necesario y cierto para relatar una época? La sua operazione manuale corrisponde alla ripetizione di una immagine che poi viene modellata su se stessa, pronunciandosi in piccoli volumi, a partire dall’imitazione di rilievi dagherrotipi. La foto di un’azione conosciuta e ripetuta è modificata con piccole variazioni, raggruppate nella loro formalità come esplorazioni imprecise. La figura acquisisce “trasversalità” nel tempo. Il modello fotografico promuove una “unità falsa” tra i registri. L’interrogarsi sulla veridicità dei fatti, il dubbio dell’intervallo che dissocia la provenienza delle immagini, si posiziona come strumento documentale. Quale sarà, allora, l’elemento visivamente più adatto e corretto per descrivere un’epoca?


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Óscar Barra 1964, Santiago, Chile http://talleroscarbarra.blogspot.com Visual Artist

2013 | exhibition Strangers in Paradise, Blanc Gallery, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Human Memories, Recoleta Cultural Corporation, Santiago, Chile. group exhibition The Sculptor, Adriana Indik Gallery, Buenos Aires, Argentina. 2010 | exhibition The Happiness Factories, Trazos Gallery, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Good Things Come in Small Jars (33 Chilean Artists), Círculo Azul Gallery, Coyoacán, Mexico City, Mexico.

Framed within the current of surrealism, my work lives in the space between the figurative and the fantastic, creating worlds, beings and characters through which I make reference to the human condition and the duality between good and evil. My work is characterized by the absence of perspective, flat volumes and an imaginarium of beings, objects of a strange nature and machines whose meanings or intentions are determined by the rational use of color. As references I might mention painters like Max Ernst and Giorgio de Chirico and writers such as Ray Bradbury and Jorge Luis Borges.

Enmarcada dentro de la corriente del surrealismo, mi obra se desarrolla entre lo figurativo y lo fantástico, creando mundos, seres y personajes a través de los cuales hago referencia a la condición humana y la dualidad entre el bien y el mal. Mi obra se caracteriza por la ausencia de perspectiva, volumetría plana y un imaginario de seres, artefactos de extraña naturaleza y máquinas cuyo significado o intenciones están determinados por el uso racional del color. Como referentes puedo mencionar a pintores como Max Ernts y Giorgio de Chirico y escritores como Ray Bradbury y Jorge Luis Borges. Inquadrata nella corrente del surrealismo, la mia opera si sviluppa in bilico tra figurativo e fantastico, creando mondi, esseri e personaggi attraverso i quali faccio riferimento alla condizione umana e alla dualità tra il bene e il male. La mia opera si caratterizza per l’assenza di prospettiva, per una volumetria piana e un immaginario di esseri, artefatti di strana natura e macchine il cui significato o intenzione è determinato dall’uso razionale del colore. Come ispiratori posso menzionare pittori come Max Ernst e Giorgio de Chirico, e tra gli scrittori Ray Bradbury e Jorge Luis Borges.

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Andrea Barrios Aguilar 1980, Chile http://www.andreabarrios.com Textile Artist

2014 | exhibition Contemporary Textile Work, El Secreto Gallery, Santiago, Chile. 2013 | exhibition Hand-bills, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. exhibition of Emerging Artists, Oops! Gallery, Santiago, Chile. 2011 | vi youth art competition Rat Head, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. vi international biennial Contemporary Textile Art – AIRE, Mexico, Small Format Art Hall / Textile Object Art Hall, México.

The work presented here forms part of a series of small-format textiles through which I explore the chromatic and kinetic interaction of geometric figures, achieved as a result of the superposition of layers united by seams and then interrupted with cuts and creases.

La obra presentada forma parte de una serie de textiles de pequeño formato en los que exploro la interacción cromática y cinética de figuras geométricas, obtenidas como resultado de la superposición de capas unidas por costuras e intervenidas luego, con cortes y pliegues. L’opera presentata fa parte di una serie di manufatti tessili di piccolo formato nei quali esploro l’interazione cromatica e cinetica di figure geometriche, ottenute come risultato della sovrapposizione di strati uniti da cuciture e modificate successivamente da tagli e pieghe.


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textile peque�a interacci�n #14


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Francisca Benítez 1984, Santiago, Chile http://franciscabenitez.org Architect & Visual Artist

2014 | exhibition Sweet Gold, Cuchifritos + Project Espacio, New York, New York, USA. group exhibition Ephemerides, National History Museum, Santiago, Chile. 2013 | exhibition Visual Song, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition New Publics, Close Closer, Lisbon Architecture Triennial, Lisbon, Portugal. exhibition Thinking and Speaking, Nordenhake Gallery, Stockholm, Sweden. 2011 | exhibition Sweet Gold, Die Ecke Gallery, Santiago, Chile. 2010 | exhibition Francisca Benítez: 3 Videos, Die Ecke Art, Barcelona, Spain. 2009 | exhibition Turn on, Tune in, Drop Out, Beijing Biennale.

Through an ample variety of media, including video, photography, drawing and performance, I have developed a visual body of work based on readings of constructed media and the social forces that give it shape. My work documents and questions the territorial political systems in which I live, focusing principally on the coexistence of diverse cultures in the contemporary city.

A través de una amplia variedad de medios que incluyen el video, la fotografía, el dibujo y la performance, he ido desarrollando una obra visual basada en lecturas del medio construido, y las fuerzas sociales que le dan forma. Mis trabajos documentan y cuestionan los sistemas político territoriales en los que habito, enfocándome principalmente en la coexistencia de culturas diversas en la ciudad contemporánea. Attraverso un’ampia varietà di mezzi di comunicazione che includono video, fotografia, disegno e performance, ho sviluppato un’opera visuale basata su letture dei media costruiti e sulle forze sociali che le danno forma. I miei lavori documentano e s’interrogano sui sistemi politici territoriali nei quali vivo, concentrandomi principalmente nella coesistenza di diverse culture nelle città contemporanee.


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stop wasting time


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Matilde Benmayor Mansilla 1987, Santiago, Chile http://matildebenmayor.com Visual Artist

2012 | exhibition Less Lumens, Factoria Italia, Santiago, Chile. 2013 | exhibition in the National Engraving Competition Marco Bontá, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile.

The work of Matilde Benmayor is characterized by the use of diverse materials; she incorporates diverse elements into abstract compositions, posing the search for organic forms. To do this, she uses a language of textures that appeal to the senses. Developing an iconography of these forms, she seeks to represent the organic as a formative principle of reality, where a relationship exists between artistic creativity and creation itself through nature. Her work is referred to a microscopic space, to all the things that we don't see, to imagine how they are structured in nature.

La obra de Matilde Benmayor se caracteriza por la utilización de materiales diversos, donde incorpora distintos elementos en composiciones abstractas, planteando la búsqueda de formas orgánicas. Para esto utiliza un lenguaje de texturas que apelan a lo sensorial. Desarrollando una iconografía de estas formas, busca representar lo orgánico como principio formativo de la realidad, existiendo una relación entre la creatividad artística y la creación misma de la naturaleza. Su trabajo hace referencia a un espacio microscópico, a todas aquellas cosas que no vemos, imaginando como se estructura la naturaleza. L’opera di Matilde Benmayor si caratterizza per l’utilizzo di diversi materiali, dove incorpora diversi elementi in composizioni astratte, proponendo una ricerca di forme organiche. Per arrivare a questo, utilizza un linguaggio di testure che fanno appello al sensoriale. Attraverso lo sviluppo di un’iconografia di queste forme, cerca di rappresentare l’organico come principio formativo della realtà, dove esiste una relazione tra creatività artistica e creazione stessa della natura. Il suo lavoro fa riferimento a uno spazio microscopico, a tutte quelle cose che non vediamo, immaginando come si struttura la natura.


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Wladymir Bernechea 1989, Rancagua, Chile www.wladymirbernechea.com Visual Artist

2013 | bi-personal exhibition Scene Reconstruction, Espacio Bicentenario, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Sub30, Oops! Gallery , Santiago, Chile. solo exhibition The Time of Things, AM Space, Santiago, Chile. group exhibition From the Rest, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2012 | bi-personal exhibition Nothing Personal, Alugar Gallery, Santiago, Chile. bi-personal exhibition Stare at the Walls, Juan Egenau Art Space, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Sma11, Alternativa Once Gallery, Monterrey, Mexico.

His work is established fundamentally in the terrain of painting in which architecture and landscape are the representational models through which he aims to endow a particularly sinister aspect to things, and so shows us a strange, distant and disconnected version of the world, where time seems to always be perched at the moment just before the storm comes.

Su trabajo se establece fundamentalmente en el terreno de la pintura en donde la arquitectura y el paisaje son los modelos representacionales, mediante los cuales pretende dar con una atmósfera particularmente siniestra de las cosas, mostrándonos así una versión del mundo extraña, lejana y ajena. Donde el tiempo pareciese detenerse siempre en el momento antes de que la tormenta cae. Il suo lavoro si radica fondamentalmente nel terreno della pittura, dove l’architettura e il paesaggio sono i modelli di rappresentazione attraverso i quali vuole creare un’atmosfera particolarmente sinistra delle cose, mostrando così una versione del mondo strana, lontana ed oscura, dove il tempo sembra sempre essere colto un attimo prima del sopraggiungere della tormenta.


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Jacinta Besa 1987, Santiago, Chile http://www.jacintabesa.cl Visual Artist

2013 | exhibition in "A Soñar" Chilean Foundation, Florence, Italy. 2012 | workshop Show BLOC, OFFChacoff, Santiago, Chile. exhibition 13x13 New Mediums, International Association of Art Critics AICA, Las Condes Art Space, Santiago, Chile. 2010 | exhibition Thresholds, Centro de Extension Casa Central, Universidad Catolica de Chile, Santiago, Chile.

Through her work, Jacinta Besa aims to generate contrasts between the material and the representational. With play dough, normally used by children, she creates dreamlike scenarios that border the dark and the fabulous. Using the imagery of dreams, she creates symbolic relationships that bring light to the dark side of humanity.

Con su obra, Jacinta Besa busca generar contrastes entre el material y lo representado. Con plasticina, usualmente usada por niños, crea escenarios oníricos que bordean entre lo tétrico y lo fabulesco. Usando el imaginario de los sueños, crea relaciones simbólicas que dan a entender el lado oscuro del ser humano. Attraverso la sua opera, Jacinta Besa cerca di generare contrasti tra il materiale e ciò che si rappresenta. La plastilina, che viene di solito adoperata dai bambini, crea scenari onirici che rasentano l’oscuro e la dimensione del favolistico. Usando l’immaginario dei sogni, crea relazioni simboliche che gettano luce sul lato oscuro dell’essere umano.


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Adolfo Bimer 1985, Santiago, Chile http://www.adolfobimer.blogspot.com Visual Artist

2013 | solo exhibition Restauraciones, Nueveochenta Gallery, Bogotá, Colombia. group exhibition Sub30 Pintura en Chile, Museum of Contemporary Art MAC, Quinta Normal, Santiago, Chile solo exhibition Las Inseguridades (The Insecurities), Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. exhibition Intervenciones, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile 2012 | group exhibition Bestia, Matienza Cultural Center, Buenos Aires, Argentina. solo exhibition 177: Frankestein, Metales Pesados Art Space, Santiago, Chile. solo exhibition Tactismo, Revólver Gallery, Lima, Peru. 2011 | solo exhibition X, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

I believe in art as a continual organization of small fragments of life, to wich I aim to come nearer. The body is presented as an unknown, fragmented country, where multiple and simultaneous interactions take place. An image in my head. As if by closing your eyes you would see something in that concave mirror. Something that isn’t still. This image is probably formed by light passing through the eyelid. It doesn’t seem to have shape or context, neither an exact color. It may be that it is not even an image. I’m not sure. But I can say that this is pregnant enough to keep looking for something.

Creo en el arte como una continua organización de unos pocos fragmentos de la vida a los que logro aproximarme. El cuerpo se presenta como campo desconocido, fragmentario, de interacciones materiales múltiples y simultáneas. Una imagen dentro de mi cabeza. Como si al cerrar los ojos uno viera en el espejo cóncavo una cosa que no se está quieta. Esta imagen probablemente se da en el traspaso de la luz por el párpado. Parece no tener forma ni contexto, ni tampoco color exacto. Puede que ni sea una imagen. No estoy seguro. Sí puedo decir que es suficientemente pregnante para mantenerme ocupado, buscando algo. Credo nell’arte come una costante organizzazione di pochi frammenti della vita ai quali riesco ad avvicinarmi. Il corpo si presenta come un campo sconosciuto, frammentato, di interazioni materiali, multiple e simultanee. Un’immagine dentro la mia testa. Come se, al chiudere gli occhi, vedessimo sullo specchio concavo una cosa che non sta quieta. Quest’immagine probabilmente si crea con il passaggio della luce attraverso la palpebra. Sembra non aver forma né contesto, neppure un colore determinato. Potrebbe non essere nemmeno un’immagine. Non ne sono sicuro. Perè posso dire che è sufficientemente densa da tenermi occupato mentre cerco qualcosa.


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Tamara Bogolasky 1981, Chile http://www.tamarabogolasky.com Photographer & Publicist

2010 | exhibition Emerging Artists Exhibition, Rabbitholestudio, Dumbo, Brooklyn, New York, USA. group exhibition Duplicity, 92Y Tribeca, New York, USA. 2009 | group exhibition Looking South: Mirando al Sur, Woman Made Gallery, Chicago, Illinois, USA. group exhibition Capturing the Emergent, Tracing the Retreat, Union Docs, Brooklyn, New York, USA. bi-personal exhibition Impressions, WIZO Chile, Santiago, Chile. 2006 | group exhibition Shift, International Photography Center, New York, USA.

Beauty and memory without an exact logic dominate my photographs. To remember a moment through an image and have the exact instant in which this image was captured return to you. To evoke details: ephemeral lapses, recorded forever in a sigh. I’m an observer that seeks to highlight what passes by unperceived and that—although it’s in plain sight—is hidden.

En mis fotografías predominan la belleza y la memoria sin una lógica exacta. Recordar un momento a través de una imagen y lograr que te devuelva al instante exacto en el que ésta fue capturada. Evocar detalles, lapsos efímeros grabados en un soplo para siempre. Soy una observadora que busca resaltar aquello que pasa desapercibido, y que –aunque a plena vista– se esconde. Nelle mie fotografie predominano la bellezza e la memoria senza una logica esatta. Ricordare un momento attraverso un’immagine e riuscire a far sì che ti riporti all’istante esatto in cui l’immagine è stata catturata. Evocare dettagli, momenti effimeri impressi in un soffio per sempre. Sono un’osservatrice che cerca di far risaltare ciò che passa inosservato e che - anche se ad uno sguardo attento - si nasconde.


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tamara bogolasky

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Marcella Bonfanti 1979, Santiago, Chile http://marcellabonfanti.com Visual Artist

2014 | group exhibition Aliens, the Alienating Way of the Contemporary, Ludovico Ariosto's house, Ferrara, Italy. group exhibition Deep Identity, GAS Turn Gallery, Università di Torino e Centro Scientifico, Manifattura Tabacchi, Torino, Italy. 2013 | group exhibition Se una notte d'estate un viaggiatore, curated by Silvia Pettinicchio, Wannabee Gallery, Milan, Italy. 2012 | group exhibition Second Skin, curated by Dany Vescovi, Museo della Triennale, Milan, Italy. 2010 | solo exhibition Standing on Earth curated by Ughette Del Mauro Zunio, Wannnabee Gallery, Milan, Italy. 2008 | group exhibition Ojo Latino, the Vision of a Continent, Museum of Contemporary Art MAC Parque Forestal, Santiago, Chile.

Her search is based on the nature of dualism and the complementarity of opposites. She creates an image through multiplying it in small sections that, forming a montage, make up the work. The viewer is compelled to observe how these pieces constitute an organism and perceive its form; to decipher its message. This work also address the representation of the void on a visual, imaginary and semiotic level: a landscape created with an algorithm submitted to paper veils that are transformed into language, symbol and word through points of light that force their essential form to emerge.

Su búsqueda se basa en la naturaleza del dualismo y complementariedad de opuestos. La artista construye una imagen mediante la multiplicación de la misma en pequeñas secciones que, en su montaje, conforman la obra. El espectador es llamado a observar cómo estas piezas constituyen un organismo que invita a percibir la forma para descubrir el mensaje. Esta obra aborda también la representación del vacío a nivel visual, imaginario y semiótico: paisaje creadoscon un algoritmo sometido a velos de papel, que se transforma en lenguaje, símbolo, palabra a través de puntos de luz que hacen emerger su forma esencial. La sua ricerca si basa sulla natura del dualismo e sulla complementarietà degli opposti. L’artista costruisce un’immagine attraverso la moltiplicazione della stessa in piccole sezioni che, nel loro montaggio, delineano l’opera. Lo spettatore è chiamato ad osservare come questi tasselli costituiscano un organismo, che invita a percepire la forma per scoprire il messaggio. Quest’opera affronta anche la problematica della rappresentazione del vuoto a livello visivo, immaginario e semiotico: paesaggio creato con un algoritmo che viene sommerso dalle velature di carta, ma che a sua volta si trasformano in lingua, in simbolo, in parola, attraverso i punti di luce che fanno emergere la loro forma essenziale.


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marcella bonfanti

mixed media im�genes desde el vac�o


Raisa Bosich 1988, Chile Visual Artist

2014 | group exhibition Sub30, Contemporary Art Museum, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Nobody Knows Us: Carnival of the Apocalypse, Factoría Italia, Santiago, Chile. exhibition Museum of the Resistance, LOCAL Gallery, Santiago, Chile. exhibition Resistencia Urget Paradaise, Daniel Morón Gallery, Lausanne, Switzerland. group exhibition One Day I Wanted to be Better, Girardi Gallery, Santiago, Chile.

The objects I emphasize concern the architecture of landscape. By a process of synecdoche, the elements of construction are uncovered in their structure, without hiding the way that they hold themselves up. Naked, each part is necessary. These objects are bound to the limits of what is constructed, enclosures and internal structures. Observation comes through playful spirit, from meditation where the registering of atmosphere or contexts also speaks of a creative life and manifestation. I seek to make this reflection into a rarefication of objects and their surroundings.

Los objetos que destaco pertenecen a la arquitectura del paisaje. Por un proceso de sinécdoque, los elementos de construcción aparecen descubiertos en su estructura, sin ocultar la manera en que se sustentan a sí mismos. Desnuda, cada parte es necesaria. Estos objetos están ligados a los límites de lo construido, los cerramientos y estructuras internas. La observación deviene en un espíritu lúdico, de meditación, donde el registro sobre ambientes o contextos habla también de una vivencia y manifestación creativa. Así, busco hacer de esta reflexión un enrarecimiento de los objetos y su entorno. Gli oggetti che metto in evidenza fanno parte dell’architettura del paesaggio. Mediante un processo di sineddoche, gli elementi di costruzione vengono scoperti nella loro struttura, senza nascondere il modo in cui sostengono se stessi. Nuda, ogni parte è imprescindibile. Questi oggetti sono legati ai limiti di ciò che è costruito, le recinzioni e le strutture interne. L’osservazione diventa spirito ludico, di meditazione, dove ambientazioni o contesti parlano anche di un’esperienza e della sua manifestazione creativa. Così cerco, con questa riflessione, una rarefazione degli oggetti e del loro contesto.


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raisa bosich

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Dominique Bradbury 1988, London, England http://www.dominiquebradbury.com Visual Artist

2014 | group exhibition Sub30, Contemporary Art Museum, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | exhibition To Speak with the Dead, Avenida Italia, Santiago, Chile. exhibition DIP (Department of Public Interventions), Mexico City, Mexico. 2012 | group exhibition Thresholds, Espacio de Extensión Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Stand by, Salón Tudor, Cerro San Cristóbal, Santiago, Chile.

The work of Dominique Bradbury is based on narrative structures and the use of different visual and pictorial strategies that accompany contemporary mediation of images, offering an added value—of fiction and strangeness—to signifieds already existing in the media used.

El trabajo de Dominique Bradbury se basa en estructuras narrativas y en la utilización de distintas estrategias visuales y pictóricas que acompañan la mediación contemporánea de imágenes, otorgando un valor agregado –de ficción y extrañamiento– a los significados ya existentes en los medios intervenidos. Il lavoro di Dominique Bradbury si basa su strutture narrative e sull’utilizzo di diverse strategie visuali e pittoriche che accompagnano la mediazione contemporanea delle immagini, assegnando un valore aggiunto – di finzione ed estraneamento – ai significati già esistenti nei mezzi utilizzati.


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Waldo Bravo 1960, Constitución, Chile www.waldobravo.com.br Visual Artist

2010 | exhibition Imagined Cities, Contemporary Art Museum MAC, Ibirapuera, São Paulo, Brazil. 2006 | exhibition Art in Transit, Impreso Expositive Space, Distributed in Arts and Culture, Chile and Brazil. 2004 | exhibition Urban Intervention: Urban Cutouts, Avenues of São Paulo. 2002 | exhibition Archaeology of Memory A, Mónica Fliguerias Art Gallery, São Paulo, Brazil. exhibition Archaeology of Memory B. Mónica Fliguerias Art Gallery, São Paulo, Brazil.

A photo essay that proposes a new vision of the place we live in. It uses “out-of-focus” as a process of deconstruction to hide thousands of details. Volumes and chromatic fields barely survive this out-of-focus, and they appear highlighted. The city view without any detail, places us in front of a synthesis of the urban landscape, in front of a simplification of the image of the metropolis. It places us in front of a “minimalist landscape”. Conceptually, we can talk of “turning off” or “negation” of the landscape, revealing a hidden city.

Ensayo fotográfico que propone una nueva visión sobre el lugar donde vivimos. Utiliza el “desenfoque” como proceso de desconstrucción para ocultar millares de detalles. Apenas los volúmenes y campos cromáticos predominantes sobreviven a ese desfoque y son ellos que aparecen en destaque. La ciudad vista sin cualquier detalle nos coloca frente a una síntesis del paisaje urbano, frente a una simplificación de la imagen de la metrópolis. Nos coloca frente a un “paisaje minimalista”. Conceptualmente, podemos hablar de “apagamiento” o “negación” del paisaje, dando origen a una ciudad oculta. Saggio fotografico che propone una nuova visione del luogo in cui viviamo. Utilizza la “sfocatura” come processo di decostruzione per nascondere migliaia di dettagli. I volumi e i campi cromatici predominanti sopravvivono appena a questa sfocatura e sono proprio loro che sembrano risaltare. La città vista senza alcun dettaglio ci colloca di fronte a una sintesi del paesaggio urbano, davanti a una semplificazione dell’immagine della metropoli. Ci colloca di fronte a un “paesaggio minimalista”. Concettualmente possiamo parlare di “spegnimento” o “negazione” del paesaggio, che dà origine a una città occulta.


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waldo bravo

photography

serie ciudad oculta


Iris Broquedis 1969, Chile Visual Artist

2013 | exhibition Bicentennial Cartalogue of Art Books, National Library of Chile. group exhibition Attire, FA Art Space, Santiago. 2011 | group exhibition Exhibition Corset; Event Pure Paper, School of Applied Arts, Santiago, Chile 2007 | solo exhibition Corset and Clothes, Sottoportego Gallery, Scuola Internazionale di Grafica, Venice, Italy. group exhibition Artist Book, Italian Culture Institute, Santiago, Chile. 2005 | solo exhibition Souls, Gabriel González Videla Museum, La Serena, Chile. group exhibition Tribute to Paper II , Las Condes Cultural Corporation, Santiago, Chile.

In the process of creating new surfaces and the continuous investigation between textile, handmade paper, graphics, elements unique to the language of sewing and artist books; the world of choral music, the superposition of voices, pentagrams and notes that are carried to a visual and textural mini-dimension converge in “Voice”. The Voice is communication, as medium and talent it can give itself to the world and deeply touch who is deaf, blind and mute in his soul.

En el proceso de crear nuevas superficies y la constante investigación entre el textil, el papel hecho a mano, la gráfica, elementos propios del lenguaje de la costura, y libros de artista; confluyen en “Voz” el mundo de la música coral, la superposición de voces, pentagramas y notas que son llevadas a una minidimensión visual y textural. La Voz es comunicación, como medio y talento, puede regalarse al mundo y profundizar en sordos, ciegos y mudos de almas propias o de otros. Nel processo di creazione di nuove superfici e in una costante ricerca tra il tessile, la carta fatta a mano, la grafica, elementi propri del linguaggio del ricamo e libri d’artista; confluiscono in “Voce” il mondo della musica corale, la sovrapposizione di voci, pentagrammi e note che sono portate a una minidimensione visuale e della testura. La Voce è comunicazione, come mezzo e talento che può regalarsi al mondo e toccare in profondità chi è sordo, cieco, muto nell’anima.


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iris broquedis

mixed media voz


Valeria Burgoa 1974, Chile Architect & Visual Artist

2013 | exhibition Just Collage, Las Condes Cultural Corporation, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition, Main Salon, Maison de France, Santiago, Chile. exhibition Visual Explorations, CCUFragil Art Gallery, Santiago, Chile; Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2008 | exhibition DRAPArt 09, CCCB, Barcelona, Spain. 2007 | exhibition To Have, Installations, Visual Arts Collective, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile.

In the past everything was better; the architecture, the quality and nobility of the materials, artisanal work; speak to us of a past that contrasts with modernity and the plastic nature of today. Everything can be thrown out, consumption reigns over quality, over nature and the enjoyment of beauty. This works gather rosettes, which symbolize details in architecture from years passed, a French influence in Chile. Work materials are plaster rosettes and papers from small tea bags which have been recycled and reused. This work disregards theory and transcends its discourse in order to become elements of decor and aesthetics.

En tiempos pasado todo fue mejor; la arquitectura, la calidad y nobleza de los materiales, la artesanía, hablan de un pasado que contrasta con la modernidad y lo plástico de hoy. Todo es desechable, el consumo prima sobre la calidad, sobre la naturaleza y el goce de lo bello. Esta obra recoge las rosetas, que simbolizan detalles en la arquitectura de años pasados, influencia francesa en Chile. Los materiales de la obra son yeso y papeles de bolsitas de té recicladas y reutilizadas. La obra olvida la teoría y trasciende sobre su discurso para pasar a ser un elemento decorativo y estético. Nei tempi che furono tutto era migliore; l’architettura, la qualità e nobiltà dei materiali, l’artigianato, ci parlavano di un passato che contrasta con la modernità e l’ elemento plastico di oggi. Quest’opera raccoglie le “rosetas”, che simboleggiano dettagli nell’architettura del passato, le influenze francesi in Cile. I materiali sono gesso e veline di bustine di tè riutilizzate. L’opera dimentica la teoria e ne trascende il discorso per trasformarsi in elemento decorativo ed estetico.


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valeria burgoa

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Catalina Bustos 1989, Concepción, Chile http://www.catalinabu.com Illustrator

2014 | participant International Book Fair, Guadalajara, México. participant International Book Fair, Santiago, Chile. participant International Comic Fair, Entreviñetas, Colombia. participant Diario de un Solo, Book Tour, Concepción, Santiago, Valparaiso, Chile. 2013 | group exhibition Illustration the Chilean Way Book Show, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | exposition Valparaiso Postcards, CNCA Valparaiso, Plop! Gallery, Chile. participant Sketchbook Project, NY, USA. 2011 | exhibition The Girls, Cellar Cultural Center, Santiago, Chile. illustrated books: 2014 Diario de un Solo, Ed. Catalonia. 2012 Gatos Gordos by Jani Dueñas, Ed. Planeta.

"Reading and Sleeping" are two illustrations that reveal the loss of interest in what is transcendent in the world, a gesture that expresses boredom when confronted with the fundamental.

“Leer y dormir” son dos ilustraciones que retratan la pérdida de interés que existe por lo que es trascendente para el mundo, un gesto que expresa el aburrimiento ante lo fundamental. “Leggere e dormire” sono due illustrazioni che rivelano la perdita d’interesse verso ciò che è trascendente nel mondo, un gesto che esprime la noia davanti a ciò che è fondamentale.

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leer y dormir


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leer y dormir


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Jorge Cabieses-Valdés 1978, Chile http://www.jorgecabiesesvaldes.cl Visual Artist

2013 | exhibition Porcelanatron, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. exhibition Swingers, Temporal Gallery, Santiago, Chile. exhibition Platform Access, 4th Preview Exhibition of the Incheon Art Platform Resident Artists, Incheon, South Korea. exhibition Artists of the Month, Local Contemporary Art Gallery, Santiago, Chile. 2012 | exhibition The Miniature Series, Kaapelin Gallery, HIAP, Helsinki, Finland. exhibition Passive Violence, D21 Gallery, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Music and Massacre, Tajamar Gallery, Santiago, Chile. exhibition The Miniature (the Pest), Salvador Allende Solidarity Museum, Santiago, Chile.

I’ve come up with a term that unites my cultural interests and work production. I call it “domestic horror”. Domestic horror is so small that it fits inside a refrigerator and so large that it fits within the interior cavity of a porcelain figure.

Me he inventado un término que reúne mis intereses culturales y procesos de producción de obra. Le he llamado “horror doméstico”. El “horror doméstico” es tan pequeño que cabe dentro de un refrigerador, y tan grande que cabe al interior de la cavidad de una figura de porcelana. Ho inventato un termine che riunisce i miei interessi culturali e i processi di produzione dell’opera. L’ho chiamato “orrore domestico”. L’ “orrore domestico” è così piccolo che sta dentro ad un frigorifero ed è così grande che sta all’interno della cavità di una figura in porcellana.


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jorge cabieses-vald�s

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hand mixer


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Ruperto Cádiz 1942, Santiago, Chile http://rupertocadiz.blogspot.com Visual Artist

2007 | solo exhibition Modigliani Gallery, Viña del Mar, Chile. exhibition Ruperto Cádiz: 30 Years of Painting, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. 2005 | exhibition Meeting of Latin American Artists, Energy Museum, São Paulo, Brazil. exhibition III Facets of the Artists Hilda Rochna, Ulises Román and Ruperto Cádiz, ARTIUM Art Gallery, Santiago, Chile. exhibition Residence in the Valley, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2001 | exhibition Solo Exhibition Ruperto Cádiz, Urban Landscape, Del Cerro Gallery, Santiago, Chile. 2000 | solo exhibition Urban Stories: The Paintings of Ruperto Cádiz, Modigliani Gallery, Viña del Mar, Chile.

The art of R. Cádiz looks down on the bottomless sea from the firmament. It is a navigation of the sea of the uncertain, whose voyage shows the observer silhouettes of strange characters and things, hybrids that approach us and that remind us at times of humanized beings and at other times of petrified beings. Cádiz wants to discover a new paradise. He intends to recompose the world and express it as a being disenchanted by its own everydayness, and if painting allows this being to construct a world of utopias, it’s welcome to it. (Mr. Anibal Guzmán).

El arte de R. Cádiz otea en el mar insondable del firmamento. Se trata de una navegación por el mar de lo incierto, cuyo periplo va mostrando al observador siluetas de personajes extraños, cosas extrañas, hibridismos que se nos acercan y que nos recuerdan seres humanizados a veces y en otras a seres petrificados. Cádiz quiere descubrir un nuevo paraíso. Su intención de recomposición del mundo a su arbitrio lo denotan como a un ser desencantado de su propia cotidianeidad y si la pintura le permite construir un mundo de utopías, bienvenida sea. (Sr. Anibal Guzmán). L’arte di R. Cádiz guarda nel mare insondabile del firmamento. Si tratta di una navigazione sul mare dell’incertezza, il cui viaggio mostra all’osservatore silhoutte di personaggi strani, esseri ibridi, che si avvicinano a noi e ci fanno pensare a esseri a volte umanizzati, a volte pietrificati. Cádiz vuole scoprire un nuovo paradiso. La sua intenzione di ricomporre il mondo a suo arbitrio rivela come lui sia un essere disincantato dalla sua quotidianità, e se la pittura gli permette costruire un mondo di utopie, benvenuta sia. (Sig. Anibal Guzmàn).


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ruperto c�diz

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el viaje


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Tite Calvo 1971, Punta Arenas, Chile http://www.titecalvo.cl Illustrator & Designer

2013 | exhibition Nails and Flowers, Plop! Gallery, Santiago, Chie. exhibition Illustration the Chilean Way, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | exhibition 60 Contemporary Chilean Illustrators, International Book Fair (FILSA), Santiago, Chile. group exhibition 24 Paintings/Second, Roja UDP Gallery, Santiago, Chile. exhibition of graphic interventions and illustrations: With Secret Noise. El Farol Art Space, Universidad de Valparaiso. 2011 | exhibition Written, Espora Gallery, Santiago, Chile. 2010 | exhibition Fashion VicitimsIllustrations, L’Aterlier Gallery, Valdivia, Chile.

I take icons from the world of art, fashion and public life, tarot, fetish culture, expressionist painting, tattoos and children’s stories in order to recontextualize them all and question what I’m seeing. I draw, paint and intersperse images for the pleasure of seeing how what previously seemed normal can be changed and left on a new skin, more perturbing and with more interpretations. I work erasing and redrawing, layers upon layers to achieve a certain mysterious atmosphere. Then I add details, signs, symbols, that seem to complete what I’ve been building. My works are adorable and mysterious Frankensteins, where I attempt to leave open the margins of interpretation.

Tomo íconos del mundo del arte, moda y publicidad, del tarot, cultura fetish, pintura expresionista, tatuajes y cuentos infantiles para recontextualizarlos y cuestionar lo que veo. Dibujo, pinto e intervengo imágenes por el placer que me da cambiar lo que antes pareciera normal y dejarlo con una nueva piel, más perturbadora y con más lecturas de significado. Trabajo borrando y redibujando, capa sobre capa, logrando cierta atmósfera de misterio. Luego agrego detalles, signos, símbolos, que parecieran completar lo que he ido construyendo. Mis obras son unos adorables y misteriosos Frankestein, donde intento dejar abierto márgenes de lectura. Prendo icone dal mondo dell’arte, della moda e della pubblicità, i tarocchi, la cultura fetish, la pittura espressionista, i tatuaggi e dai racconti infantili, per ricontestualizzarli e mettere in discussione ciò che vedo. Disegno, dipingo e modifico immagini per il piacere che provo nel cambiare ciò che prima sembrava normale e dargli una nuova pelle, più perturbante e con più opzioni di lettura. Lavoro cancellando e ridisegnando, strati su strati, creando una certa atmosfera di mistero. Infine, aggiungo dettagli, segni, simboli che sembrerebbero completare ciò che ho costruito. Le mie opere sono degli adorabili e misteriosi Frankestein, dove provo a lasciar aperti i margini di lettura.


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tite calvo

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Amelia Campino 1985, Chile ameliacampino.tumblr.com Visual Artist

2012 | participant in the International Biennial Santa Cruz de la Sierra, Santa Cruz, Bolivia. 2011 | solo exhibition Dis-order, Animal Gallery, Santiago, Chile. solo exhibition Brought to Light, AM Art Space, Universidad Mayor Art School, Santiago, Chile. group exhibition What’s Made, Here it Is, Balmaceda Arte Joven Gallery, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Echo, German Professional Institute, Santiago, Chile.

Each line is understood as a continuity of points. And these static points specify a trajectory through which they will be united. Repeated lines, each one an echo of the previous, come from movement in their constant reiteration, expressing the surface, creating the work. Successive repetition of a movement brings me closer to the mechanical. Lines and direction points that, made in space, become the mark of a footprint in movement. This tracing allows to create the weaving, like a fabric in space. The search for perfection, to materialize, falls within imperfection, providing the work with a rhythmic weaving.

Cada línea es entendida como una continuidad de puntos. Estos, estáticos, precisan de un trayecto para ser unidos. Las líneas repetidas, cada una eco de la anterior, plasman la superficie, creando la obra. La repetición sucesiva de un movimiento va estrechando mi relación con lo mecánico. Líneas y puntos de dirección que, realizadas en el espacio, se vuelven el registro de una huella en movimiento. Este trazado permite construir la trama, como un tejido en el espacio. La búsqueda por la perfección, al materializarse, cae en la imperfección, dotando a la obra de un tramado rítmico. Ogni linea è intesa come una continuità di punti. Questi, statici, hanno bisogno di un percorso per essere uniti. Le linee ripetute, ognuna eco della precedente, plasmano la superficie creando l’opera. La ripetizione successiva di un movimento mi avvicina a quanto c’è di meccanico. Linee e punti di direzione che, realizzati nello spazio, si trasformano nel segno di una impronta in movimento. Questo tracciato permette di costruire la trama, come un tessuto nello spazio. La ricerca della perfezione, del materializzarsi, cade nell’imperfezione, dotando l’opera di una trama ritmica.


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Andrea Carreño 1969, Santiago, Chile http://www.andreacarreno.com Visual Artist

2013 | exhibition The Americas Collection, Miami, FL, USA. 2012 | exhibition Allegro Gallery, Panama City, Panama. 2011 | exhibition Alice Mogabgab Gallery, Beirut, Lebanon. 2010 | exhibition Jean Paul Perrier Gallery, Barcelona, Spain. exhibition AMS Marlborough, Santiago, Chile. 2009 | exhibition Les Yeux Fertiles, Paris, France. Her works have been part of important collections, such as the Museum Ralli Collection, Uruguay.

A painter with the exuberance of Latin America and the urban splendor of old Europe. Impregnated by onirism and details whose micro-fairy tales interfere with a greater narrative. Her poetically atmospheric interiors add up to a baroque stimulus from Renaissance architecture, pre-Colombian architecture and from the treasure chest of personal memories. Her exteriors harvest inspirations from tropical jungles and French gardens. Plays of light and shadows and suspended elements come together, imprinting on the fabric a notion of movement and speed, creating a parallel tension in the work, another discourse within this eloquent visual narration. (Marilù Ortiz de Rozas)

Una pintura con la exuberancia de Latinoamérica y el esplendor urbanístico de la Vieja Europa. Impregnada de onirismo y de detalles que, cual micro-relatos, se van inmiscuyendo dentro de una narración mayor. Sus interiores, de poética atmósfera, suman ímpetus del barroco, arquitectura renacentista, arqueología precolombina, y del cofre de recuerdos personales. Sus exteriores cosechan inspiraciones de selvas tropicales y de jardines a la francesa. Convoca sugerentes juegos de luces y sombras, y elementos en suspensión, que imprimen a la tela una noción de movimiento, creando una tensión paralela en la obra, otro discurso dentro de esta elocuente narración visual. (Marilù Ortiz de Rozas) Una pittura con l’esuberanza dell’America Latina e lo splendore urbanistico della Vecchia Europa. Impregnata di onirismo e di dettagli che, come in micro-racconti, vanno addentrandosi in una narrazione più ampia. Nei meandri di un’atmosfera poetica, si sommano impeto barocco, dell’architettura rinascimentale, dell’archeologia precolombiana, dello scrigno dei ricordi personali. Trae ispirazione dalle foreste tropicali e dai giardini di richiamo francese. Crea suggestivi giochi di luce e ombre, ed elementi in sospensione, che imprimono sulla tela una nozione di movimento, velocità, creando una tensione parallela nell’opera, un’ulteriore riflessione nell’ambito di questa eloquente narrazione visuale. (Marilù Ortiz de Rozas)

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andrea carre�o

acrylic and graphite on canvas bosque


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andrea carre�o

acrylic and graphite on canvas bosque


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Jorge Catoni 1980, Santiago, Chile www.flickr.com/photos/catoni Visual Artist, Graphic Designer & Video Artist

2013 | exhibition Giant Robot, Post it Show 9, Los Angeles, CA, USA. exhibition Local, Artishock, Artista del Mes, Santiago, Chile. 2012 | exhibition Giant Robot 2, Post it Show 8, Los Angeles, USA. exhibition BC5/Blanqueado Capital 5, Off Chacoff, Santiago, Chile. exhibition Comic Con, Cartoon Network 20th Anniversary, San Diego, USA. exhibition Noise Singapore, Showcase Exhibition, Singapore, Singapore. 2011 | exhibition Open Show Studio, Contemporary Life Documentation, Athens, Greece. exhibition Noel Baza fine Art Gallery, Lucid Dreams, San Diego, USA. exhibition Biblioteca Viva, Amigos Imaginarios, Santiago, Chile.

Mr. Painter supports not having fundamentals / allowing himself the organic act of fluidity in reflections of necessary absences / self-embellishment with adorned phrases / stuffing spaces already saturated with extinct patterns / memorizing in spirals that “all colors bleed”, as a unique form of farewell, a previous execution of a rational abandonment. P.S. Mr. Painter doesn’t support his fundamentals.

Sr. pintor fundamente que no tiene fundamentos / permitirse el acto orgánico de fluidez en reflejos de ausencias necesarias / embetunarse de frases adornadas / rellenar espacios ya saturados de patrones extintos / memorizar en espirales “todos los colores sangran”, como forma única de despedida, previa ejecución de un abandono racional. P.D: Sr. pintor no fundamente sus fundamentos. Sig. Pittore sostiene che non ha sostegni / che gli permettono l’atto organico di fluidità nei riflessi di assenze necessarie / ungersi con frasi adornate / riempire spazi già saturati da modelli estinti / memorizzare in spirali “tutti i colori sanguinano”, come forma unica dell’addio, previa esecuzione di un abbandono razionale. P.S.: Sig. Pittore non sostiene i suoi sostegni!


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Francisco Cintolesi 1980, Punta Arenas, Chile http://www.franciscocintolesi.com Visual Artist & Designer

2013 | group exhibition The Inside of Certain Things, Casas de lo Matta, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition A Transparent Problem, ArtLabbé Gallery, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Talents from the Bicentennial, Chilean General Consulate, New York, USA. 2009 | solo exhibition Crash, Alameda Art Center, Santiago, Chile.

In my paintings there is the desire to isolate the circumstances that give identity to time. I try to make certain things well and break the language of others. There is a conception of mimesis in which I locate the viewer in front of a luminous phenomenon, not one of simple imitation. Attention is on what occurs when we see via that strategy that is the structure of my painting. My work ceases to be a description and becomes a story, not about the real mysteries, but the transgression that alters or contradicts it.

En mi pintura hay un deseo de aislar las circunstancias que dan identidad al tiempo. Intento hacer bien ciertas cosas y romper el lenguaje en otras. Hay una concepción de mímesis en que ubico al espectador frente a un fenómeno lumínico, no de simple imitación. La atención está en aquello que sucede cuando vemos por medio de esa estrategia que es en sí, la estructura de mi pintura. Mi obra deja de ser una descripción y se convierte en un relato, que no es sobre lo real y sus misterios, sino sobre la infracción que la altera o contradice. Nella mia pittura c’è un desiderio di isolare le circostanze che danno identità al tempo. Cerco di fare correttamente certe cose e rompere il linguaggio in altre. C’è una concezione di mimesi nella quale pongo lo spettatore di fronte a un fenomeno luminescente, non come una semplice imitazione. L’attenzione si focalizza su ciò che succede quando vediamo attraverso quella strategia che è la struttura del mio dipingere. La mia opera non è più un racconto, ma si trasforma in una descrizione, non del reale e dei suoi misteri, ma di una infrazione che altera o contraddice.


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Juan Carlos Correa 1978, Chile http://juancarloscorrea.artenlinea.com Visual Artist

2012 | exhibitionion of recordings Del aire Arteria, Concepción, Chile. 2010 | exhibition Competition selection Bio-Bio South, Universidad de Concepción Art Gallery, Concepción, Chile. exhibition Competition selection 21st Century Artists, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Ojo Latino, the Vision of a Continent, Museum of Contemporary Art MAC Parque Forestal, Santiago, Chile.

My work is born out of experimentation of creating the matrix for xylography, from observation of the small forms that the gouge traces, that later, in concert with the carving knife, are brought into larger scale. My search is for the unseen, which is not present upon a simple viewing, which is insinuated and that must be filled in by the imagination. Triangles in my work act like pixels on a screen; they are few and many at the same time; together they create a larger form that hides many solutions that only appear upon contemplation of the work.

Mi trabajo nace de la experimentación al hacer la matriz para xilografía, de la observación de las formas pequeñas que traza la gubia, que luego con el cuchillo llevo a mayor escala. Mi búsqueda está en eso que no se ve, que no está presente a simple vista ya que está sólo insinuado; aquello que hay que llenar con la imaginación. Los triángulos en mi trabajo hacen lo que haría un pixel en una pantalla, son poco y mucho a la vez; crean en conjunto una gran forma que esconde muchas soluciones que aparecen al contemplar la obra. Il mio lavoro nasce dalla sperimentazione del creare la matrice per la xilografia, dall’osservazione delle piccole forme che segna il flessibile, che dopo col coltello porto a scala maggiore. La mia ricerca si radica in ciò che non si vede, che non si evince al puro sguardo, ciò che deve essere completato con l’immaginazione, ciò che s’insinua e che il nostro cervello finisce di costruire. I triangoli presenti nel mio lavoro hanno la funzione di un pixel in uno schermo, sono poco e tanto simultaneamente, e creano nel loro insieme una grande forma, che nasconde tante soluzioni che appaiono solo al contemplare l’opera.


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Ximena Cousiño 1969, Ciudad de México, México htto://www.ximenacousino.cl Visual Artist

2014 | group exhibition Arsfactus, In Libris, New York, USA. 2011 | solo exhibition, Scuola Italiana Cultural Center, Santiago, Chile. 2007 | solo exhibition, Museum of Contemporary Art, MAC, Valdivia, Chile. 2006 | solo exhibition, Animal Gallery, Vitacura, Santiago, Chile. 2005 | solo exhibition, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

The work of Ximena Cousiño starts from the eighties with a clear influence from the German neo-expressionists. Over the years the color element began to disappear in her work so as to concentrate on light as atmosphere. The themes running through her work include self-portraits, portraits, and interiors where silence and a past full of presences are the main characters. Color returns in monochromatic form, and recently it has been showing back up in her work. This isn’t an excess of automatism but of controlled atmosphere, and a subtle presence of color.

El trabajo de Ximena Cousiño, parte en los años ochenta con una clara influencia de los neoexpresionistas alemanes. Al pasar de los años fue desapareciendo el color en sus obras para concentrarse en la luz como atmósfera. Los temas son los autorretratos, retratos, interiores donde el silencio y el pasado lleno de presencias, son protagonistas. El color reaparece en forma monocromática, y paulatinamente vuelve a su obra ya no con el desenfreno del automatismo, sino en la creación de una atmósfera controlada, con la presencia sutil del color. Il lavoro di Ximena Cousiño inizia negli anni Ottanta con una chiara influenza dei neoespressionisti tedeschi. Col passare degli anni il colore nella sua opera va scomparendo, per concentrarsi sulla luce in quanto atmosfera. Gli argomenti preferiti sono gli autoritratti, ritratti e interni dove il silenzio e il passato pieno di presenze sono i protagonisti. Il colore ritorna in forma monocromatica e lentamente viene ripreso nella sua opera. Non c’è un eccesso di automatismo, ma un’atmosfera controllata, e una sottile presenza del colore.

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ximena cousi�o

oil on canvas untitled


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ximena cousi�o

oil on canvas untitled


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Antonia Cruz Subercaseaux 1984, Santiago, Chile http://antoniacruz.tumblr.com Visual Artist

2013 | group exhibition Interventions, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Interstices, KochiMuziris Biennial, Hallegua Gallery, Kochi, India. 2012 | solo exhibition Photography Intervening in Mia, Milan Image Art Superstuido Piú, Milan, Italy. group exhibition Divergences, Cultural Center of Chile, Buenos Aires, Argentina. group exhibition Open Studio Glogauair Artist Residence Program, Berlin, Germany. 2011 | group exhibition Re-Trato, Vértice Gallery, Lima, Peru. group exhibition Open Studio Glogauair Artist Residence Program, Berlin, Germany.

The object of my reflection are the images that I collect, classify and dismantle in order to reconstitute them. The analytic dissection of the body allows me to focus on the hands. There is also an investigation of physical structures that sustain the visible surface or the appearance of the person, without any other referents besides their own bodies. The only thing left upon discovery are the hands as reflection point, as perturbation and strangeness. The loss of corporality is driven by this separation, by this exaggeration up to the limit of the disappearance of the body as a uniform entity.

Mi objeto de reflexión son las imágenes que recopilo, clasifico y desmonto para volver a constituir. La disección analítica del cuerpo me permite detenerme en este caso en las manos; una investigación de las estructuras físicas que sostienen la superficie visible o la apariencia de la persona, sin referentes más que su propio cuerpo. Lo único al descubierto son las manos como punto de reflexión, de perturbación y extrañamiento. La pérdida de corporalidad se da por su superación, exageración hasta el límite de la desaparición del cuerpo como entidad uniforme. Il mio oggetto di riflessione sono le immagini che raccolgo, classifico e smonto per ricostruirle. La dissezione analitica del corpo mi permette di soffermarmi in questo caso sulle mani, sulla pelle; una ricerca sulle strutture fisiche, che sostiene la superficie visibile o l’apparenza della persona, senza altri riferimenti che il proprio corpo. L’unica cosa che rimane scoperta sono le mani come punto di riflessione, turbamento. La perdita della corporeità si manifesta nel suo superamento, nella sua esagerazione fino al limite della scomparsa del corpo come entità uniforme.


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antonia cruz subercaseaux

digital photography

mujer con vestido negro y manos juntas


Sofía del Pedregal Chile Visual Artist

2014 | group exhibition Sub30, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition Premio Visual Arts Museum MAVI/Escondida: Arte joven Contemporáneo, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Los objetos penden de un hilo ante el abismo de su desaparición, Juan Egenau Art Space, Universidad de Chile, Santiago, Chile. 2012 | permanent group exhibition, La Vitrina Gallery, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Una vez quise ser el mejor, Girardi Gallery (CHACOFF), Santiago, Chile. group exhibition N.N:C.N.2, El carnaval del Apocalipsis, Factoría Italia, Santiago, Chile.

The work I’ve developed over the last few years is structured on the theme of landscape, addressing the tension between architecture and nature. Architecture, considered as a sign of the human in landscape, totters between abandonment and an incomplete archaeology, always under the impetuous approach of nature that surrounds it, spies on it, and destroys it. Precariousness, melancholy, waste, emptiness, and evanescence are related to each other in the representation of a desolate landscape. These landscapes build a new metaphorical and mysterious account of the current subject in its uncertain and mystical relationship with the landscape that it inhabits.

La obra que he desarrollado los últimos años se estructura sobre el tema del paisaje, abordándolo desde la tensión entre arquitectura y naturaleza. La arquitectura, considerada como signo de lo humano en el paisaje, tambalea entre el abandono y una arqueología incompleta siempre bajo el devenir impetuoso de la naturaleza que la rodea, acecha y destruye. La precariedad, la melancolía, lo residual, el vacío, lo evanescente se relacionan entre sí en la representación del paisaje desolado. Estos paisajes construyen un nuevo relato metafórico y misterioso sobre el sujeto actual en su relación incierta y mística con el paisaje que habita. Il lavoro che ho sviluppato negli ultimi anni si articola attorno al tema del paesaggio e riguarda la tensione che esiste tra architettura e natura. L’architettura, considerata un segno dell’essere umano sul paesaggio, oscilla tra l’abbandono e un’archeologia incompleta, sempre sotto l’effetto del divenire impetuoso della natura che la circonda, insegue e distrugge. La precarietà, la malinconia, il residuo, il vuoto, l’evanescenza, s’intrecciano nella rappresentazione del paesaggio desolato. Questi paesaggi costruiscono una nuova storia metaforica e misteriosa del soggetto contemporaneo, nel suo rapporto incerto e mistico con il paesaggio che abita.


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sof�a del pedregal

oil on canvas untitled


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Rodrigo Díaz 1976, Antofagasta, Chile http://www.mouseypapel.cl Illustrator

2014 | exhibition Illustration the Chilean Way, Minera Escondida Foundation Art Space, Antofagasta, Chile. exhibition Illustration the Chilean Way, Universidad de Concepción Centro de Extensión Alfonso Lago, Chillán, Chile. 2013 | exhibition Illustration the Chilean Way. Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2011 | exhibition The Favorites, Illustration Collective, Gallery XS, Santiago, Chile. 2010 | exhibition Art in Santiago’s Derby Club, Contemporary Art Collective, Club Hípico de Santiago, Santiago, Chile. exhibition Latin Lover Fest, Design and Visual Culture Collective, Cultural Center de Spain, Santiago, Chile. Exhibition Add Some Color; 50 Chilean Illustrators, Illustration Collective, National Library of Chile, Santiago, Chile.

The images that I make are symbolic allegories. I’m interested in representing stimulating compositions by using many elements taken out of context and which, upon observing their grouping, generate suspicion as to their origin and meaning. The ingredients I employ for this purpose are diverse, predominately related with mythology, religion, astronomy, esoterica and alchemy. They also come from history, pop culture and social contingencies.

Las imágenes que hago son alegorías simbólicas. Me interesa representar composiciones estimulantes con muchos elementos sacados de su contexto y que al observar su conjunto generen una sospecha de su procedencia y su significado. Los ingredientes que tomo para ello son diversos, predominantemente relacionados a la mitología, religión, astronomía, esotería y alquimia. Otros son la historia, cultura popular y contingencia social. Le immagini che realizzo sono allegorie simboliche. Mi interessa rappresentare composizioni stimolanti con tanti elementi esacerbati dal loro contesto, che all’osservare l’insieme generino sospetto riguardo la loro provenienza e il loro significato. Gli ingredienti che utilizzo per questo sono diversi, soprattutto relativi a mitologia, religione, astronomia, esoterismo e alchimia. Vengono anche da storia, cultura popolare e contingenze sociali.


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rodrigo d�az

mixed media on paper untitled


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Patricia Domínguez 1984, Santiago, Chile http://www.patriciadominguez.cl Visual Artist

2014 | group exhibition How to Explain Pictures to a Dead Hare, Pristine Gallery, Mexico. group exhibition Sub30, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition YAP Construct, Moma PS1, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Of Violent Nature, Flora ars + natura, Bogotá, Colombia. participated in 11VA Biennial OF NEW MEDIA, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. exhibition The Time Children Art Initiative, Marianne Boesky Gallery, New York City, USA. exhibition Triskaiphobia (Synching With the Location SLS), Parade Ground Gallery, New York City, USA.

My artistic investigations track, modify and transform the genealogy of the relationships of 21st century life. It is not a biological genealogy, but a web of categories, images and established subjective processes among living beings. Strange emergencies. Through video, installation, drawing, collections of plants and public interventions, I investigate the relationship of contemporary cultures with the concept of the natural, producing co-existences between species that alter or misunderstand certain fixed classifications, creating accidents or distortions, which through the absurd propose an indeterminate space open to new investigations, possibilities, cosmologies.

Mi investigación artística rastrea, modifica y transforma la genealogía de las relaciones entre lo vivo, desde el siglo XXI. Una genealogía que no es biológica, sino un enredo de categorías, imágenes y procesos subjetivos establecidos entre seres vivos. Emergencias extrañas. A través de video, instalaciones, dibujo, colecciones de plantas e intervenciones públicas, investigo la relación de las culturas contemporáneas con el concepto de lo natural, produciendo co-existencias entre especies que alteran o mal entienden ciertas clasificaciones fijas, creando accidentes o distorsiones que, a través del absurdo, proponen un espacio de indeterminación abierto a nuevas negociaciones, posibilidades, cosmologías. La mia ricerca artistica setaccia, modifica e trasforma la genealogia delle relazioni tra ciò che è vivo, a partire dal secolo XXI. Una genealogia che non è biologica, ma piuttosto un groviglio di categorie, immagini e processi soggettivi stabiliti tra gli esseri viventi. Emergenze strane. Attraverso installazioni audiovisive, disegni, collezioni di piante ed opere pubbliche, ricerco e studio la relazione delle culture contemporanee col concetto del naturale, producendo co-esistenze tra specie che alterano o malintendono certe classificazioni fisse, creando incomprensioni o distorsioni, che, attraverso l’assurdo, propongono uno spazio indeterminato, aperto a nuove negoziazioni, possibilità, e perfino nuove cosmologie.


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patricia dom�nguez

watercolor on paper

eres un princeso


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Andrea Domínguez Claro 1985, Santiago, Chile http://andreadominguez.cl/blog Visual Artist

2012 | group exhibition Specter, Universidad Católica de Chile Art Gallery, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Nocni Susertis Night Encounters. Matice Hrvatske Gallery, Zagreb, Croatia. 2010 | solo exhibition Common Places, Guillermo Núñez Gallery, Santiago, Chile.

With her painting, Andrea Domínguez offers us her subjective vision of the natural spaces that she travels through, creating landscape-scenery based in the condensation of images and their hybridity, making allusion to different media, such as painting, film and photography. As such, what appears are atmospheric images mainly focusing on light, hiding a scene of suspense, at times happy, at other times catastrophic and even sinister. An implicit narrative passes through her paintings, both revealing and hiding something.

Andrea Domínguez, a través de la pintura, nos entrega su mirada subjetiva de los espacios naturales que recorre, creando escenas-paisajes que se basan en la condensación de imágenes y su hibridez, haciendo alusión a distintos medios, como la pintura, el cine y la fotografía. Así, aparecen imágenes atmosféricas con principal atención en la luz, que esconden un escenario de suspenso, a veces alegre, otras catastróficas y hasta siniestras. Una narración implícita traspasa las pinturas, muestran y esconden algo. Mediante la pittura, Andrea Domínguez ci offre il suo sguardo soggettivo sugli spazi naturali che percorre creando scene e paesaggio che si basano sulla condensazione delle immagini e il loro essere ibrido, alludendo a diversi strumenti, come la pittura, il cinema e la fotografia. Così, emergono immagini atmosferiche in cui l’attenzione è rivolta alla luce, che nascondono uno scenario di suspense, a volte allegro, a volte catastrofico se non addirittura minaccioso. Una narrazione implicita che va oltre la pittura, mostrando e nascondendo qualcosa.


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andrea domĂ­nguez claro

acrylic and oil on canvas untitled


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Paula Dünner Claro 1968, Santiago, Chile http://pauladunner.blogspot.com Visual Artist

2013 | group exhibition Automata. Paintings, Gallery Oops!, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Trees of the World, ED Magazine, Bicentenary Park, Santiago, Chile. group exhibition The First Ladies, Factoría de Arte, Santa Rosa, Chile. 2011 | group exhibition Windows in Isidora, Sculpture, Celfin, Artespacio Gallery and Las Condes Municipality, Santiago, Chile. group exhibition Persistance of the Romantic, Universidad de Concepción Art Gallery, Concepción, Chile. group exhibition X-Ray Bodies, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition Emotive Traits, Enlace Gallery, Lima, Peru.

The iconography utilized in my paintings is established from a personal vision that freely but meticulously chooses and interprets some elements of nature. I am profoundly attracted to the illustrations of biological studies for their precision and the perfection of their drawings and to the scientific photographs made using microscopes, because of the beautiful artificial quality of their colors. It is from these images that I make my compositions, inventing new organic forms in which I play with abstraction and color.

La iconografía utilizada en mis pinturas se arma a partir de una mirada personal que elige e interpreta libre pero meticulosamente, algunos elementos de la naturaleza. Me llaman profundamente la atención las ilustraciones de estudios de biología por la precisión y perfección de sus dibujos y las fotografías científicas realizadas con microscopio por la bella calidad artificial de sus colores. Es a partir de estas imágenes que realizo mis composiciones, inventando formas orgánicas nuevas en las que juego con la abstracción y el color. L’iconografia utilizzata nei miei dipinti parte da uno sguardo personale che sceglie e interpreta liberamente seppur meticolosamente alcuni elementi della natura. Sono molto atratta dalle illustrazioni di studi di biologia, per la precisione e perfezione dei loro disegni, così come le fotografie scientifiche realizzate col microscopio per la bellissima qualità artificiale dei loro colori. È'a partire da queste immagini che realizzo le mie composizioni, inventando forme organiche nuove nelle quali gioco con l’astrazione e il colore.


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paula d�nner claro

oil on canvas untitled


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Inge Dusi 1932, Gawaiten, Germany http://www.ingedusi.cl/espanol.html Textile Artist

2008 | exhibition Andinean Museum, Alto Jahuel, Chile. 2006 | exhibition 4th International Biennial Womans in Textile Art: Man + Woman = 2006, San José, Costa Rica. group exhibition 50 Años Taller 99, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition 50 Años Taller 99, La Sala Gallery, Santiago, Chile. 2004 | exhibition 3th International Biennial Womans in Textile Art, 2004, Venezuela. 2003 | exhibition 1st Biennial of Minitextiles, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. solo exhibition, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. 2002 | participation at 4th International Shibori Symposia, Irlanda, UK.

I once visited the Museum of Pre-Colombian Art AMANO in Lima, and I discovered in the magnificent weavings there an element that proved fundamental to my future trajectory: small circles and rhombi made from the traces left in the fabric by moorings and from the dyeing it underwent afterwards. I marveled at the great compositional variety, the subtlety of the colors and the modernity of the aesthetic. It had such a profound impact on me that I decided to leave Batik dyeing behind, to dedicate myself to developing this millennial system of dyeing, known internationally by its Japanese name "Shibori".

Visité el Museo de Arte Precolombino AMANO en Lima, y descubrí en las magníficas telas un elemento que resultó fundamental para mi trayectoria futura: pequeños círculos y rombos resultantes de las huellas dejadas en la tela por amarras y su posterior teñido. Me maravilló su gran variedad compositiva, la sutileza de sus colores y la actualidad de su estética. Me impactaron tan profundamente que decidí dejar atrás el Batik y dedicarme al desarrollo de este milenario sistema de teñido que hoy se conoce internacionalmente con el nombre japonés de Shibori. Ho visitato il Museo d’Arte Precolombiana AMANO a Lima e ho scoperto nelle magnifiche tele lì esposte un elemento che è risultato fondamentale per il mio successivo percorso: piccoli cerchi e rombi risultanti da impronte lasciate sulla tela da gomene e dalla loro successiva tintura. Mi hanno sorpresa la loro grande varietà compositiva, la delicatezza dei loro colori e l’attualità della loro estetica. Mi hanno colpito così profondamente che ho deciso di lasciare il Batik e dedicarmi allo sviluppo di questo millenario sistema di tintura, che oggi si conosce internazionalmente col nome giapponese di “Shibori”.


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inge dusi

textile

sendero andino


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Alfredo Echazarreta Amunátegui 1945, Santiago, Chile http://www.alfredoechazarreta.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Le Soleil sur la Place Gallery, Lyon, France. 2013 | solo exhibition D. BourdetteGorzkowski Gallery, Honfleur, France. 2012 | solo exhibition Echazarreta, Claudine Legrand Gallery, Paris, France. group exhibition 15th anniversary of Le Soleil sur la place Gallery, Lyon, France. solo exhibition Blanc Gallery, Santiago, Chile. solo exhibition Portal Gallery, Saint Jean de Luz, France. 2011 | solo exhibition Animal Gallery, Santiago, Chile. group exhibition The Profession of Engraving, Blanc Gallery, Santiago, Chile. solo exhibition D. Bourdette-Gorzkowski Gallery, Honfleur, France. 2010 | solo exhibition Claudine Legrand Gallery, Paris, France.

My work has to be seen alongside my history: one of travels, picking up roots and hopes, in the search for origins, in the memory of the past, but also in the curiosity of other worlds coming into being, the confrontation with the preoccupations of thousands of men in contemporary societies. It’s a song to wandering, to the immigrant, to the wanderer, but also an ode to imaginary travels, to countries and lands that we can only know in painting. This painting is the only medium that can take us to a city that can only be inhabited by the spirit.

Mi obra tiene que ver con mi historia; viajes, desarraigos y esperanzas. La búsqueda en los orígenes, en la memoria del pasado, pero también en la curiosidad de otros mundos en devenir; el encuentro con las preocupaciones de miles de hombres en las sociedades contemporáneas. Es un canto al deambular, al inmigrante, al errante; como también una oda al viaje imaginario, a países y tierras que sólo conoceremos en pintura. Esta pintura, que es el único medio que nos lleva a una ciudad que sólo el espíritu puede habitar. La mia opera ha a che fare con la mia storia; viaggi, sradicamenti, speranze, la ricerca delle mie origini, la memoria del passato, ma anche la curiosità per altri mondi in divenire; l’incontro con le preoccupazioni di migliaia di uomini nelle società contemporanee. È un canto al vagare, all’immigrante, all’errante; e anche un cantico al viaggio immaginario, a paesi e terre che conosceremo solo attraverso la pittura. Questo è il dipingere, l’unico mezzo che ci porta ad un luogo che può essere abitato solo dallo spirito.


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alfredo echazarreta amun�tegui

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Benjamín Edwards Nielsen 1985, Chile Visual Artist

2014 | group exhibition and Book Sub30, Museum of Contemporary Art MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Nocturama, XS Gallery, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Contemplation, Mil m2 Art Space, Santiago, Chile group exhibition Astigmatism, A2 Gallery, Santiago, Chile group exhibition Youth Art Contest, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Youth Art Contest. Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Youth Art Contest. Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. (Honorable Mention).

For some time now I have found shelter in a type of “realism” or “figuration”, which I have adopted as a pictorial home: an aesthetic dwelling that uses photography as its primary model, employing it as a point of reference to transform its meaning. In this way, my painting explores the scope of viewing itself, attending to the psychological dimension behind each image, irregardless of its banal elements. With this type of pictorial translation, I try to invoke elements and attitudes that reveal a hidden meaning behind the photography, which escapes immediacy.

Desde hace un tiempo he encontrado cobijo en una especie de “realismo” o “figuración”, el cual he adoptado como hogar pictórico: un domicilio estético que tiene como modelo inicial la fotografía, empleándola a modo de punto de referencia para transformar su significado. Así, mi pintura explora los alcances de la propia mirada, atendiendo a la dimensión psicológica que hay tras cada imagen, sin importar cuánta banalidad haya en ella. Con esta suerte de traducción pictórica, intento invocar elementos y actitudes que revelan un significado oculto para la fotografía, aquello que escapa de la inmediatez. Da qualche tempo ho trovato rifugio in una specie di “realismo” o “figurazione”, che ho adottato come mia dimora pittorica: un indirizzo estetico che ha come modello iniziale la fotografia, utilizzandola come punto di riferimento, per poi trasformare il suo significato. Così, la mia pittura esplora i limiti di ciò che possiamo vedere, facendo riferimento alla dimensione psicologica che c’è dietro ogni immagine, senza far caso a quanta banalità possa esserci in essa. Con queste specie di traduzioni pittoriche, cerco di invocare elementi e atteggiamenti che rivelano un significato irraggiungibile per la fotografia, che sfugge all’immediatezza.


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benjamín edwards

piscina viii


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Cristián Elizalde 1985, Chile http://www.cristianelizalde.com Visual Artist

2013 | solo exhibition Light Years, Puma Lab, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. group exhibition Mutt Artistic Residence, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition The World Bank, About Change, Washington, DC, USA. 2011 | solo exhibition Small Moments, Opening Art Space, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Laboratory, National Council for Culture, Valparaiso, Chile. group exhibition Suburbia Madness, Gallery 13, Santiago, Chile. group exhibition Attention Spam, Borges Cultural Center, Buenos Aires, Argentina. group exhibition Suburbia, Trazos Gallery, Santiago, Chile.

Over many years I’ve developed works that celebrate the triumph of nature: houses covered by creepers, strange beings from which plants have emerged and charmed forests where characters lose themselves. This imagery has to do with a feeling of disillusionment and frustration at seeing how my surroundings and I continue to transform ourselves into something that I don’t want or that shouldn’t be. The drama of living in a destructive system and seeing how the planet continues to be destroyed has awoken in me the need to represent in my work a parallel world where the exact opposite takes place.

Durante años he desarrollado trabajos que celebran el triunfo de la naturaleza: casas cubiertas por enredaderas, extraños seres de los cuales brotaban plantas desde el interior y bosques encantados donde se pierden los personajes. Esta imaginería tiene que ver con un sentimiento de desilusión y frustración de ver cómo mi entorno y yo nos vamos transformado en algo que no quiero o que no debe ser. El drama de vivir en un sistema destructivo ha despertado en mí la necesidad de representar en mi obra un mundo paralelo donde suceda exactamente lo contrario. Per anni ho sviluppato lavori che celebrano il trionfo della natura, case coperte da rampicanti, esseri strani dai quali spuntano piante, e foreste incantate dove i personaggi si perdono. Questo immaginario ha a che vedere con un sentimento di delusione e frustrazione all’osservare come il mio ambiente ed io ci trasformiamo, via via, in un qualcosa che non voglio o che non deve essere. Il dramma di vivere in un sistema distruttivo ha svegliato in me la necessità di rappresentare nella mia opera un mondo parallelo dove succeda esattamente il contrario.


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cristi�n elizalde

acrylic on canvas fogata


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Francisca Eluchans 1984, Santiago, Chile http://www.franciscaeluchans.com Visual Artist

2012-2013 | bi-personal exhibition with artist Natalia Holvoet, There’s no Passage without Vision, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Spaces in Construction, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition Natural Spaces, Cellar Cultural Center, Santiago, Chile. solo exhibition Habitable Spaces, Bech Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Geometric Month, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile.

I work on spatial simulation through the accumulation of two-dimensional photo images which are grouped or superimposed in such a way as to generate volume and thus the sensation of three-dimensionality. The landscape as a general theme guides my work. I work with the different interpretations and visions of the landscape by means of a displacement of the photograph through the construction of those models with volume. My objective is to create a fictitious space, uninhabitable and saturated.

Trabajo la simulación espacial a través de la acumulación de imágenes fotográficas bidimensionales, que al ser agrupadas o superpuestas de tal manera, generan volumen y por ende la sensación de tridimensionalidad. El paisaje como temática general guía mi trabajo. Las distintas interpretaciones y miradas del paisaje las trabajo por medio del desplazamiento de la fotografía a través de la construcción de estas maquetas volumétricas. Mi objetivo es crear un espacio ficticio, inhabitable y saturado. Lavoro sulla simulazione spaziale attraverso l’accumulo di immagini fotografiche bidimensionali, che sono raggruppate o sovrapposte in modo da generare volume, e di conseguenza la sensazione di tridimensionalità. Il paesaggio, come argomento generale, guida il mio lavoro. Lavoro su diverse interpretazioni e visioni del paesaggio mediante lo spostamento della fotografia, attraverso la costruzione di maquette volumetriche. Il mio obbiettivo è creare uno spazio fittizio, inabitabile e saturo.


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francisca eluchans

collage 3D

ventana a latinoam�rica


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Amelia Errázuriz 1961, Santiago, Chile http://www.ameliaerrazuriz.cl Visual Artist

2014 | group exhibition Enlace Gallery, Lima, Peru. 2013 | solo exhibition Acopios, Universidad de Talca, Santiago, Chile. group exhibition Dream Country, Memorial to Latin American Art, São Paulo, Brazil. 2012 | biennial Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. group exhibition Artists, Enlace Gallery, Lima, Peru. 2011 | solo exhibition Des-es-tructuras, Enlace/El Corte Inglés Gallery, Lima, Peru. solo exhibition Emotive Encounters. Enlace Gallery, Lima, Peru.

I work through domestic-feminine collective memory and I incorporate daily elements into my work. These elements, charged with material significance, are those essentials that mark a sentimental and collective memory. They are objects infused with life that participate in my task, creating new expressive possibilities not from being forgotten but from objectifying themselves into new beings, this time aesthetic. It’s a type of two-dimensional and at times three-dimensional collage that questions and revisits the human project beyond our physical frontiers.

Trabajo la memoria colectiva doméstico-femenina e incorporo en mis obras elementos del mundo cotidiano. Estos elementos cargados de significado material son aquellos enseres que signan una memoria colectiva y sentimental. Son cuerpos cargados de vida que participan en mi quehacer creando nuevas posibilidades expresivas ya no desde el olvido, sino que objetualizándose en un nuevo ser, esta vez estético. Es una especie de collage bidimensional y a veces tridimensional, que cuestiona y revisita el quehacer humano más allá de nuestras fronteras físicas. Lavoro attraverso la memoria collettiva domestico-femminile ed incorporo nelle mie opere elementi del mondo quotidiano. Questi elementi di significato materiale sono gli utensili che segnano una memoria collettiva e sentimentale. Sono corpi carichi di vita, che partecipano alla mia opera, creando nuove possibilità espressive, non più partendo dalla dimenticanza, ma bensì oggettualizzandosi in un nuovo essere, questa volta estetico. È una specie di collage bidimensionale e a volte tridimensionale, che mette in discussione e rivisita il daffare umano al di là delle nostre frontiere fisiche.


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amelia err�zuriz

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Magdalena Errázuriz 1985, Chile http://www.magdalenaerrazuriz.cl Visual Artist

2013 | exhibition S W T Gallery exhibition Chilean Embassy, Washington D.C., USA. exhibition Agora Gallery, New York, USA. solo exhibition Tourist Information Center, Santiago, Chile. exhibition Contemporary Art Gathering Artefacto, Casas de lo Matta Art Space, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Art Space, Centro Cívico Vitacura, Santiago, Chile. solo exhibition Scuola Italiana Cultural Center, Santiago, Chile. solo exhibition Claudia Levy Gallery, Santiago, Chile. solo exhibition Cachagua Golf Club, Chile. 2011 | exhibition Scuola Italiana Cultural Center, Santiago, Chile.

My work's compositions form dynamic and playfully structured spaces that aren’t governed by laws of perspective. The elements or objects involved are dispersed over a free surface, forming a type of collage. I use the creative space to be able to associate, reorganize and understand certain ideas that evolve into images, represented on the canvas. The materials and the plastic representations interconnect and suggest imminent thoughts.

Las composiciones de mis obras forman espacios estructurados de forma dinámica y lúdica, que no se rigen por las leyes de la perspectiva. Los elementos u objetos están dispersos en un plano libre, formando una especie de collage. Uso el espacio creativo para poder asociar, reorganizar y entender ciertas ideas que se van decantando en imágenes, quedando representadas en la tela. Las materialidades y las representaciones plásticas se entrelazan y va sugiriendo un devenir de pensamientos. Le composizioni delle mie opere formano spazi strutturati di forma dinamica e ludica, che non seguono le leggi della prospettiva. Gli elementi o oggetti sono sparsi su un piano libero, formando una specie di collage. Faccio uso dello spazio creativo per poter associare, riorganizzare e comprendere determinate idee che si sviluppano in immagini, rappresentate poi sulla tela. Le materialità e le rappresentazioni plastiche si intrecciano e nasce così un divenire di pensieri.


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magdalena err�zuriz

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Fabián España 1984, Coyhaique, Chile http://fabianespana.com Photographer

The Aymara ethnic group occupied a great stretch of territory in Chile’s past. Today they are found in small numbers; these indigenous people are disappearing. The foothills and altiplano territories where these people once existed are now uninhabited, their schools count less students each year and those that reside in the hamlets live in a state of confusion and disorientation. Their economy, based on livestock, agriculture and the production of woven goods, is each day more precarious. This is a story of the sun setting on a people that day by day is going extinct in front of our eyes.

Fabian received in 2010 the Rodrigo Rojas de Negri Award, the most important award in Chile to recognize the career of new talent. He has also received mentions among which are: Union Photojournalists of Chile, Photoespaña 2009, Latin American Center for Photography 2012.

La etnia aimará ocupó en el pasado una gran extensión territorial de Chile. Hoy, en proporciones bastante menores, el pueblo indígena desaparece, se desintegra de forma evidente. Los territorios precordilleranos y altiplánicos donde antes existían poblados, se encuentran deshabitados; sus escuelas cada vez tienen menos alumnos, y las personas que residen en los caseríos, se encuentran en estado de desconcierto y desorientación. Su economía basada en la ganadería, agricultura y la producción de tejidos, es cada día más precaria. Este es el relato del ocaso de un pueblo que, día tras día, se extingue a vista de todos.

He has had numerous exhibitions in Chile and abroad, and his work can be traced through several books like "La Balada de José y Valeria", "Secretos de Familia" and "Desiluciones".

L’etnia aimarà occupò in passato una grande estensione di terra cilena. Oggi, il popolo indigeno originario è presente in numero molto ridotto, sta scomparendo e si disintegra in forma evidente. l territori della pre-cordigliera dove prima esistevano delle comunità, ora sono disabitati; le scuole hanno sempre meno alunni e le persone che abitano queste terre sono confuse e disorientate. La loro economia, basata su allevamento, agricoltura e produzione di tessuti, è ogni giorno più precaria. Questo è il racconto del tramonto di un popolo che, giorno dopo giorno, si estingue sotto gli occhi di tutti.


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fabi�n espa�a

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Edwards Estay 1982, Santiago, Chile http://www.edwardsestay.com Visual Artist

2014 | group exhibition and Book Sub30, Museum of Contemporary Art MAC, Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition GammaAlaprima 2702, Local Gallery, Arcis University, Santiago, Chile. group exhibition Artist of the Month organized by Artishock in Local Contemporary Art Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Urban Plot en Zócalo Art Space, Library of Santiago, Santiago, Chile. group exhibition Bad Fame in Local Project terminal 1 Gallery, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Is here to stay, Blanqueado Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Urban Plot, Submundo Art Space, Santiago, Chile. International showing of animated Gif Infinito.Gif, Factoría Italia, Santiago, Chile.

In my artistic investigation I interweave the identity of the Latin people, their folklore, their humor, their appropriation of images from other latitudes. In this way, my work has become a mixture of citations that run from the original peoples of the Americas to referents foreign to the continent. The concepts used in my work always revolve around the mixture, around the mestizo and the hybrid. There is not a unique methodology to my process; each work has a distinct creative process developed through the construction of the work itself.

En mi investigación voy entrelazando la identidad del pueblo latino, su folclore, su humor, y apropiación de imágenes de otras latitudes. De esta manera mi obra se ha vuelto una mezcla de citas que van desde los pueblos originarios de América, hasta referentes ajenos al continente. Los conceptos utilizados en mi obra siempre giran en torno a la mezcla, a lo mestizo y a la hibridez. En mi proceso creativo no existe una metodología única, cada obra tiene un proceso de elaboración distinto desarrollado en el transcurso de su construcción. Nella mia ricerca, intreccio l’identità del popolo latino, il suo folklore, il suo umorismo, la appropriazione di immagini di altre latitudini. Così, la mia opera è diventata in un miscuglio tra citazioni che vanno dai popoli originari d’America, fino ai referenti non propri del nostro continente. I concetti utilizzati nella mia opera ruotano sempre attorno alla mescolanza, al meticcio e all’ibrido. Nel mio processo creativo non esiste una metodologia unica; ogni opera ha un processo di elaborazione diverso, sviluppato nel processo stesso della sua costruzione.


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cordillera de los andes de noche


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Sonia Etchart 1958, Buenos Aires, Argentina http://www.soniaetchart.cl Visual Artist

2012 | solo exhibition Rubbers Internacional Gallery, Buenos Aires, Argentina. 2011 | group exhibition Argentine Artists in Chile, Argentine Embassy, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition Rubbers Internacional Gallery, Buenos Aires, Argentina. 2008 | solo exhibition Rubbers Internacional Gallery, Buenos Aires, Argentina. solo exhibition La Sala Gallery, Santiago, Chile.

The forest-skies of Sonia Etchart invite us to come closer and share a poetic dialogue, between the chosen model and its scenery. The artist locates us within a metaphysical space, where the tree assumes, with its subtle graphic art, a central role; the sky rests in a veil that both reveals it and is wrapped in it at the same time. The palette where this encounter takes place is mysterious and sensual, which allows us to access a form of unexpected abstraction through a synthesis, with which the work is constructed, as flat as silence. (Natalio Jorge Povarche)

Los bosques-cielo de Sonia Etchart nos invitan a acercarnos y compartir un diálogo poético, entre el modelo elegido y su escenario. La autora nos ubica, dentro de un espacio metafísico donde el árbol asume, con su sutil grafismo, un rol protagónico y el cielo en un velo que lo muestra y lo envuelve a su vez. La paleta donde se apoya este encuentro es misteriosa y sensual, lo que nos permite acceder a una forma de inesperada abstracción, por la síntesis tan cuidada, con que construye esta obra, tan plena de silencio. (Natalio Jorge Povarche) I boschi-cielo di Sonia Etchart ci invitano ad avvicinarci e condividere un dialogo poetico, tra il modello scelto ed il suo scenario. L’artista ci inserisce in uno spazio metafisico, dove l’albero assume, con un sottile grafismo, un ruolo centrale, ed il cielo una velatura che lo evidenzia e al contempo lo avvolge. Lo sfondo dove avviene questo incontro è misterioso e sensuale, il che ci permette accedere a una forma di inaspettata astrazione, per la curata sintesi con la quale costruisce la sua opera così piena di silenzio. (Natalio Jorge Povarche)


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sonia etchart

acrylic on canvas paisaje


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Filipa Eyzaguirre 1987, Santiago, Chile http://filipaeyzaguirre.cl/index.html Visual Artist

2013 | solo exhibition Dialogues on Life and Death, Blanco Chueca, Madrid, Spain. 2012 | solo exhibition Momiedad and Time, Articblue Gallery, Ibiza, Spain. 2011 | exhibition Muestra Benedictinos III, Santiago, Chile.

Over the last few years the conceptual and plastic theme of my work is about both death and life, the vital processes, the organic, the telluric and the visceral of the human being. By means of painting and textiles, my work has been a process of carrying my internal landscape, an intimate, visceral and temperamental space, over to the plastic; highlighting the pathos of what is tragic and real in life, death and trascendence; manifesting the feelings of fear, anguish and sadness, and proposing within this a more natural and direct confrontation between life and its underlying themes.

Durante los últimos años, la temática conceptual y plástica en mi obra gira en torno a la muerte y a la vida; a los procesos vitales, lo orgánico, telúrico y visceral del ser humano. Por medio a la pintura y el textil, mi trabajo ha sido llevar a la plástica mi paisaje interno, un espacio íntimo, visceral y temperamental, y la puesta en evidencia del pathos de lo trágico y lo real, en la vida, la muerte y la trascendencia; manifestando los sentimientos de miedo, angustia y tristeza; y proponiendo un enfrentamiento más natural y directo entre la vida y su latencia. Negli ultimi anni ho sviluppato un’unica tematica concettuale e forma plastica nella mia opera che ruota attorno alla morte e alla vita, ai processi vitali, all’organico, tellurico e viscerale dell’essere umano. Attraverso la pittura e il tessile, il mio lavoro è stato portare alla plastica il mio paesaggio interiore, uno spazio intimo, viscerale e temperamentale e mettere in evidenza il pathos del tragico e del reale nella vita, la morte e la trascendenza; manifestando i sentimenti di paura, angoscia e tristezza; e proponendo un incontro più naturale e diretto tra la vita e ciò che le sottende.


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filipa eyzaguirre

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Carla Fache 1977, Santiago, Chile http://www.carlafache.com Visual Artist

2013 | solo exhibition The Young Gallery at the Young Circle, Hollywood, USA. 2012 | solo exhibition Open Studio, Fountainhead Studios, USA. 2011 | solo exhibition New Works, Buro Miami, USA. 2010 | solo Exhibition Transitions, The Jazz Gallery, USA. solo exhibition Metaphysical Colors, Lowe Art Museum, USA. solo exhibition Con-Science Fache Arts & Amy Alonso Gallery, USA. solo exhibition Red-Fache Arts & Amy Alonso Gallery, USA. solo exhibition Self-Fache Arts & Amy Alonso Gallery, USA. solo exhibition One woman Show, Fache Arts & Amy Alonso Gallery, USA.

The use of color is one of the most recognizable characteristics of my work. Through its creation and the juxtaposition of its shades and layers, I combine them in a clean space, encouraging the breaking of structured paradigms and exploring the matter to provoke multi-sense scenarios.

El uso del color es una de las características más reconocibles de mi trabajo. A través de la creación y yuxtaposición de sombras y matices, los combino en un espacio limpio, enfatizando el quiebre de los paradigmas establecidos y explorando el asunto a fin de provocar escenarios multisensoriales. L’utilizzo del colore è una delle caratteristiche più riconoscibili del mio lavoro. Attraverso la creazione e giustapposizione di ombre e sfumature, li abbino in uno spazio pulito, enfatizzando la rottura di paradigmi stabiliti ed esplorando la materia per generare scenari multisensoriali.

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derechos humanos


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carla fache

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Valeria Faúndez Balogi 1984, Santiago, Chile http://valeriafaundez.cl Visual Artist

2014 | group exhibition Elixir Pro Nobis, Museum of Colonial Art, San Francisco, Chile. 2013 | group exhibition Artefacto, Visual Arts Contest, Casas de lo Matta, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Urban Plott, Library of Santiago, Santiago, Chile. group exhibition Pure Theater, Art Factory Santa Rosa, Santiago, Chile. group exhibition Astarte, Von Götinnen & Vergöttern, Workshop of the artist Christine Vogelsang, Bremen, Germany. 2011 | group exhibition Women for Women, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Playground, Animal Gallery, Santiago, Chile.

Alexis Sánchez embodies, in our local culture, the individual who is able to overcome the particular limitations of his origins thanks to a talent. Such “success” elevates a person to the status of hero or idol. I’ve selected as base material a fragment of a polypropylene sack extracted from plastic bags that are made using material involving agricultural products woven together to the image of the footballer. Finally the piece refers to the goal of the “Ojo Andino”: the idea of itinerancy, exhibition and the export of a national product in the outside world.

Alexis Sánchez encarna en nuestra cultura local al individuo que logra superar las limitaciones propias de su origen gracias a un talento. Tal “éxito” lo eleva a la categoría de héroe o ídolo. He seleccionado como material de soporte un retazo de saco de propietileno, confeccionadas a partir de material ligado a productos agrícolas, unido a la imagen del deportista. Finalmente, la pieza remite al fin de “Ojo Andino”: la idea de itinerancia, exhibición y salida de un producto nacional al exterior. Alexis Sánchez, nella nostra cultura locale, simboleggia l’individuo che riesce a superare i limiti propri della sua origine grazie ad un talento. Questo “successo” lo eleva alla categoria di eroe o idolo. Ho selezionato come supporto un pezzo di sacco di propilene. Questi sacchi, che sono confezionati con materiale usato in agricoltura, intessuti in modo tale da formare l’immagine dello sportivo. Alla fine, l’opera riconduce all’obiettivo di “Ojo Andino”: l’idea del viaggio, di esibizione ed esportazione di un prodotto nazionale all’estero.


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needlework

alexis s�nchez


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Alfonso Fernández Acevedo 1969, Santiago, Chile http://www.alfonsofernandez.cl Visual Artist

Alfonso Fernández has made more than 100 group exhibitions and 25 solo exhibitions, both in Chile and abroad, among which are: Tuska Center for Contemporary Art Lexington, Kentucky; Visio Gallery, St. Louis Missouri; Museum of Contemporary Art, Valdivia; Sal SAM Chilean American Institute of Culture Santiago; AMS Marlborough Gallery; Patricia Ready Gallery.

For Alfonso Fernández, the aesthetic search consists in mastering technique to the point of creating its own personality, a technique he has investigated in his graphic, painting and sculpture work. Affections, everyday family life, the countryside and the elements that he has acquired referring to his masters and their work, have been marked by a rupturing and restless attitude which comes from an extremely demanding personality.

Para Alfonso Fernández su búsqueda estética consiste en conquistar la técnica hasta configurar una personalidad propia, esto lo ha llevado a indagar en técnicas como la gráfica, la pintura y la escultura. Los afectos, su entorno cotidiano familiar, el paisaje, los elementos que va adquiriendo en citas a sus maestros y su oficio, ha estado marcado por una actitud rupturista e inquieta que lo identifica con una personalidad en extremo exigente. Per Alfonso Fernández la sua ricerca estetica consiste nel conquistare la tecnica fino a creare una personalità propria, il che l’ha portato ad indagare tecniche come la grafica, la pittura e la scultura. Gli affetti, il suo intorno quotidiano e familiare, il paesaggio, gli elementi che acquisisce nelle citazioni dei suoi maestri e del loro lavoro, sono segnati da una attitudine di rottura e inquieta che derivano da una personalità estremamente esigente.

His work is part of numerous public and corporate collections in Chile and abroad.

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Lupe Ferrás 1976, Chile http://www.lupe-ferras.blogspot.com Visual Artist

2014 | group exhibition Freiluft Museum, Eberau, Austria. group exhibition Fass Kunst, MuseumsQuartier, Vienna, Austria. 2013 | solo exhibition Stage painting, Wiener Lustspielhaus, Vienna, Austria. solo exhibition Mural painting, Edlitz, Austria. 2012 | exhibition 2nd International Artsymposium in Unterpremstätten/ Graz, Austria. group exhibition Backstage, Bur Güssing, Austria. 2010 | solo exhibition Instrucciones para amar, Alice Gryphus Kunstraum, Berlin, Germany.

Despite my studies, I was born as an artist only four years ago in a country that is not mine. Its overload of religious images, its music and popular beliefs influence my work. The concepts that inspire me are various: play, sarcasm, credulity, self-exile, and above all, overflowing love.

A pesar de mis estudios, nací como artista hace tan sólo cuatro años en un país que no es el mío. Su atiborrada carga de imágenes religiosas, su música y creencias populares influencian mi trabajo dentro de este marco. Son varios los conceptos que me convocan: el juego, el sarcasmo, la credulidad, el autoexilio y, por sobre todo, el amor desbordado. Nonostante i miei studi, sono nata come artista solo quattro anni fa, in un paese che non è il mio. La sua sovrabbondante carica d’immagini religiose, la musica e le credenze popolari, hanno influenzato il mio lavoro in questo contesto. Sono vari i concetti che mi ispirano: il gioco, il sarcasmo, la credulità, l’autoesilio e, soprattutto, l’amore.


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lupe ferr�s

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Colomba Fontaine 1987, Santiago, Chile www.flickr.com/photos/ colombafontainei Visual Artist

2012 | group exhibition Blanc Gallery, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Thresholds, a selection of the best words from the Graduate Exam, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. group exhibition Emerging Artists from Pirque, Santiago, Chile.

The work I present here is the result of a long investigation into the material properties of solid paraffin, specifically its transparency, easy removal, translucency and its relationship with the object. In both works objects are brought into a new context where their functionality is eliminated. Solid paraffin veils objects in their interior, immobilizing them in a new space where the shape is lost and shadow takes precedence, which indicates its existence, its trace. Upon putting objects against light, the objects appear in sinuous form, untouchable and inside a new atmosphere.

La obra presentada es consecuencia de una larga investigación en torno a las propiedades materiales de la parafina sólida, en cuanto a su transparencia, decapado, traslucidez y su relación con el objeto. En ambos casos los objetos son llevados a un nuevo contexto donde se elimina su funcionalidad. La parafina sólida vela los objetos en su interior inmovilizándolos en un nuevo espacio donde se pierde la forma y prima la sombra que nos indica de su existencia: una huella. Al poner las obras a contra luz, los objetos aparecen de forma sinuosa, intocables y dentro de una nueva atmósfera. L’opera presentata è il risultato di una lunga ricerca sulle proprietà materiali della paraffina solida, come la sua trasparenza, decapaggio, traslucidità, e la sua relazione con l’oggetto. In tutti e due i casi, gli oggetti sono portati in un nuovo contesto ove si elimina la loro funzionalità. La paraffina solida vela gli oggetti nel loro interno, immobilizzandoli in un nuovo spazio dove si perde la forma e primeggia l’ombra che ci indica la sua esistenza. Mettendo le opere in controluce, gli oggetti appaiono in forma sinuosa, intoccabili e avvolti da una nuova atmosfera.


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colomba fontaine

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Mariana Gallardo Klein 1985, Valdivia, Chile http://www.marianagallardoklein.com Visual Artist / Photographer

2012 | exhibition Contemporary Chilean Art, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition Conejo Gallery, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Anthology of Chilean Photographers, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Forced Identities, Emerging Chilean photography, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition The Brutal, Balmaceda Arte Joven Art Space, Chile. exhibition International Festival of Photography (FIV), Valparaiso, Chile. 2009 | group exhibition Contained Space, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

This work is a reflection on the biopolitical condition of the female body, a body modified and exalted by cosmetics, the media and a free market society. The creative process of this work investigates the violence implicit in the cosmetic dimension associated with the woman-image. The connections operating here are artifice, prosthetics, advertising and the beauty industry; in this way the fake nails, stockings, the beigecolored lingerie and the photograph itself, reveal the strangeness of a skin that ends up being a mere simulacrum of the established canons.

Esta obra es una reflexión en torno a la condición biopolítica del cuerpo femenino, un cuerpo modificado y exaltado por la cosmética, los medios y la sociedad de libre mercado. El proceso de creación de esta obra indaga en la violencia implícita en la dimisión cosmética asociada a la imagen-mujer. Los dispositivos que operan son los del artificio, la prótesis, la publicidad y la industria de la belleza; de este modo las uñas postizas, las medias, la lencería color beige e incluso la fotografía misma, hacen aparecer la rareza de una piel que termina siendo el mero simulacro del canon establecido. Quest’opera è una riflessione sulla condizione biopolitica del corpo femminile, un corpo modificato ed esaltato dalla cosmetica, dai mezzi di comunicazione e dalla società del libero mercato. Il processo creativo di quest’opera indaga sulla violenza implicita nella dimensione cosmetica associata all’immagine-donna. Gli strumenti che operano sono quelli dell’artificio, la protesi, la pubblicità e l’industria della bellezza; in questo modo, le unghie false, le calze, la lingerie beige e la stessa fotografia fanno emergere la stranezza di una pelle che finisce per essere un mero simulacro dei canoni stabiliti.


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Andrea Gana 1985, Santiago, Chile http://delightlab.com Visual Artist

2012 | group exhibition Museum of the Resistance, A project of Gallery Daniel Morón, Urgent Paradise, Lausanne, Switzerland. group exhibition Deux ex Media, 10th Biennial of Video y Media Arts, Work LOOP, Museum of Contemporary Art, MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Galp! Galería de arte al paso, Intervention mapping, Mercado Modelo, Rancagua, Chile. group exhibition Help Me Comrade, Video Arts Festival, a project of Gallery Daniel Morón, Gallery YONO, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Miniature Reason, Benjamín Vicuña Mackenna National Museum, Chile.

My latest reflections point principally to time and distance. I insist on ideas of corrupted time, in situations where an eternal goodbye is problematized on a loop, like a rubber band stretched to its limit, in showing desolate characters that are in a constant fight to evolve. With this I denote things that are out of a control and that don’t depend on the characters in the work. I’m interested in generating restricted situations on a thin line between a state of neglect and the obtainment of a desire.

Mis últimas reflexiones apuntan principalmente al tiempo y a la distancia. Insisto en ideas de tiempo viciado, en situaciones donde se problematiza una despedida eterna en un loop, como un elástico estirado al máximo, en mostrar personajes desolados que están en una constante lucha de devenir. Con ello denoto las cosas que están fuera de control, que no dependen de los personajes. Me interesa generar situaciones límite, en una delgada línea entre un estado de abandono y el de la obtención de un deseo. Le mie ultime riflessioni sono rivolte principalmente al tempo e alla distanza. Mi soffermo sull’idea del tempo viziato, sulle situazioni ove si problematizza un addio eterno messo in loop, come un elastico tirato al massimo, nel mostrare personaggi desolati, in una permanente lotta per evolversi. Con questo metto in evidenza le cose che sono fuori controllo e che non dipendono dai personaggi. Mi interessa generare situazioni limite, nella sottile linea tra uno stato di abbandono e quello della soddisfazione di un desiderio.


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andrea gana

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Víctor García Chile http://victorgarcia.cl Visual Artist

2011 | solo exhibition Vertice, XS Gallery, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition Cluster, Dudui, Buenos Aires, Argentina. group exhibition Interference, Blanc Gallery by Praxis, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Habitat, Chilean Consulate. group exhibition Tictac, La Sala Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Dinamita, Ququ Gallery, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Secondaryeffects, La Sala Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Never Again Forever, Casas de lo Matta Cultural Center, Santiago, Chile. 2006 | solo exhibition Mammals, La Sala Gallery, Santiago, Chile.

His work as a visual artist is framed by painting. As a consequence of his parallel development as a musician and composer, his work is constructed through rhythm, texture and the spontaneous stroke, generating fields of color that act as sounds that vibrate amongst themselves. His work is also the result of a deep investigation into the materials with which he works, so that they take on an absolute relevance in the final result.

Su trabajo como artista visual se enmarca en la pintura. Como consecuencia de su formación paralela como músico y compositor su obra se construye a través del ritmo, la textura y el trazo espontáneo, generando campos de color que actúan como sonidos que vibran entre sí. Su obra también es consecuencia de una investigación profunda de los materiales con que trabaja, por lo que estos adquieren una relevancia absoluta en el resultado final. Il suo lavoro come artista visuale si inserisce nell’ambito della pittura. In seguito alla sua formazione paralella come musicista e compositore, la sua opera si costruisce mediante il ritmo, l’ordito ed il tratto spontaneo, generando corpi di colore che ricordano suoni che vibrano tra loro. La sua opera è anche conseguenza di una ricerca profonda sui materiali con i quali lavora, il che dà loro un ruolo importante per il risultato finale.


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Serena García dalla Venezia 1987, Venice, Italy www.serenagarciadallavenezia.com Visual Artist

2014 | group exhibition Experiment, Oops! Gallery, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Links, Espacio Hall, Municipality of Las Condes, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Rat Head Youth Art Contest, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition Los Andes Cultural Center Inauguration, Los Andes Cultural Center, Chile. 2008 | group exhibition Velazquez Quote, the Painting Las Meninas, Eduardo Vilches Art Space, Campus Oriente, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.

I'm interested in accumulation, color and repetitive manual work. Bringing together these three elements, I have developed a series of work created from the reiteration of pieces of fabric, all created by hand, one by one through sewing. After accumulating these units in large quantities, abstract images and structures are created that allude to the organic, as much with respect to the formal as in their modes of creation. Each work grows, expands and invades the space in its own way, similar to how certain plants, corals and microscopic organisms behave, beyond human control.

Me interesa la acumulación, el color y el trabajo manual repetitivo. Uniendo estos tres elementos, he desarrollado una serie de obras creadas a partir de la reiteración de módulos de género, todos ellos creados a mano, uno a uno, a través de la costura. Al acumular estos módulos en grandes cantidades, se crean imágenes y estructuras abstractas que aluden a lo orgánico. Cada obra crece, se expande e invade a su manera, de modo similar a como lo hacen ciertas plantas, corales y organismos microscópicos, más allá del control humano. Mi interessano l’accumulazione, il colore e il lavoro manuale ripetitivo. Unendo questi tre elementi ho sviluppato una serie di opere create a partire dalla reiterazione di modelli di tessuto, tutti creati a mano, uno a uno, attraverso la cucitura. Accumulando questi modelli in grandi quantità si creano immagini e strutture astratte che alludono all’organico. Ogni opera cresce, si espande e invade lo spazio a modo suo, in modo simile a come fanno certe piante, coralli ed organismi microscopici, al di là del controllo umano.


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Melanie Garland 1988, Iquique, Chile http://melaniegarland.tumblr.com Visual Artist

2014 | bi-personal exhibition In the Time Fold, Retramp Gallery with the artist-photographer Luc Berger, Berlin, Germany. bi-personal exhibition In the Time Fold, Part. 2, Photobastei Gallery, Zürich, Switzerland. 2013 | bi-personal exhibition Identithing, Marques Gallery with the artist-photographer Luc Berger, Berlin, Germany. group exhibition Tourist Information Center Eröffnung mit T.I.C, Crystal Ball Gallery, Berlin, Germany. group exhibition Berlin art week, Zku Center for arts and urbaniscs, Berlin, Germany. group exhibition Heartbreak from the art collective Vrapa, El Cerro Cultural Center, Santiago, Chile.

Genealogy, race, birth and descendants are concepts that set down the structure of continuance of a person and her or his family. Reconstruction of histories, beginnings and movements that continually develop from different sources. These oral and documentary sources make up the entirety of the family tree as a graphic visualization of that construction, which allows the tracing of memory in time. This memory, incorporated into everyday objects and documents, forms part of the invention of a reality that no longer exists, but, when reconstructing it, it is transformed into moments and flashbacks from a journey within and outside of time.

Genealogía, raza, nacimiento y descendencia, son conceptos que van armando la estructura del seguimiento de una persona y su familia. Reconstrucción de historias, procedencias y desplazamientos que se van desarrollando a partir de diferentes fuentes. Estas fuentes orales y documentarias van desarrollando todo el árbol genealógico, como visualización gráfica de la construcción, que va permitiendo el seguimiento de la memoria dentro del tiempo. Esta memoria, incorporada en objetos y documentos cotidianos, va formando parte de la invención de una realidad que ya no existe, pero que al reconstruirla, se va transformando en momentos y flash back de un viaje dentro y fuera del tiempo. Genealogia, razza, nascita e discendenza sono concetti che costruiscono la struttura della sucessione di una persona e della sua famiglia. Ricostruzione di storie, provenienze e movimenti che si sviluppano a partire da diverse fonti. Queste fonti orali e documentali sviluppano un albero genealogico, come visualizzazione grafica di questa costruzione, che permette di rintracciare la memoria nel tempo. Questa memoria, incorporata negli oggetti e nei documenti quotidiani, è parte dell’invenzione di una realtà che non esiste più, però che, al ricostruirsi, si trasforma in momenti e flash-back di un viaggio dentro e fuori il tempo.


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melanie garland

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Catalina Garretón 1988, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | group exhibition Nobody Knows Us, El Carnaval del Apocalipsis, Factoría Italia, Santiago, Chile. group exhibition Piloto Gallery and Oops! Gallery, Chaco-Off, Santiago, Chile. group exhibition Less Lumens, Factoría Italia, Santiago, Chile. group exhibition Snorkel, Piloto Gallery in Apech Aiap, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Jewels of the Apocalypse and Other Precious Stones, With Los No Más Clavos, Piloto Gallery, Santiago, Chile. collective urban intervention Flamboyants, With Los No Más Clavos, Piloto Gallery, Santiago, Chile. group exhibition 16 Chilean Artist in Transportable Format. + F.D.A.C.M.A Permanent Collection, Isla Flotante, Buenos Aires, Argentina.

Taken up by Catholicism, the exvoto became an offering left by the faithful that had received a gift or cure. I’m interested in the fervor and creativity with which anonymous believers create their offerings. Basing my interest on the mystic intensity that is involved in creating something for a supreme being, I took as main element the Heart, as this is repeated in the imagery of the offerings. This element completes itself on an earthly level, shining in the falsity of his costume jewelry, aiming to be something it is not, longing to be received by some deity.

Tomado por el catolicismo, el exvoto pasó a ser una ofrenda de quienes habían recibido un don o curación. Me interesa el fervor y la creatividad con la que los creyentes anónimos llevan a cabo sus ofrendas. Basándome en la intensidad mística que conlleva crear algo para un ser supremo, tomé como elemento principal el Corazón, ya que se repetía en el imaginario de las ofrendas. Este elemento se completa en un plano terrenal, brillando en su falsedad de bisutería, pretendiendo ser algo que no es y añorando ser recibido por alguna deidad. Accolti dal cattolicesimo, gli ex-voto diventarono un’oblazione di coloro che ricevevano un dono o una cura. Mi interessa il fervore e la creatività con la quale anonimi fedeli presentavano le loro oblazioni. Basandomi sull’intensità mistica che impregna il creare qualcosa per un essere supremo, ho preso Il Cuore come elemento principale, dato che si ripete nell’immaginario delle offerte. Questo elemento si completa sul piano terreno, brillando nella sua falsità di bigiotteria, pretendendo essere qualcosa che non è, e agognando di essere ricevuto da qualche divinità.


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Sebastián Garretón 1962, Santiago, Chile http://sebastiangarreton.blogspot.com Visual Artist

2010 | solo exhibition Of the Urban and the Divine, Cecilia Palma Gallery, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Paintings, Gallery Modigliani, Viña del Mar, Chile. solo exhibition South Painting, El Caballo Verde Gallery, Concepción, Chile. 2008 | solo exhibition Landscape and Identity, El Caballo Verde Gallery, Concepción, Chile. 2007 | solo exhibition Nostalgia and Identity, Gabrile Pando Gallery, Casa de la Cultura, Talca, Chile. 2004 | solo exhibition From the Island of More to Land, Amigos del Arte Art Space, Mall Plaza Tobalaba, Santiago, Chile.

His work, essentially expressive, shows a bucolic landscape, using figuration and a strong and accomplished chromaticism. Chile’s landscapes are his base, but it would be more accurate to say that he paints evocations of what he has seen and lived. He is interested, at the same time, in contrasting the pure and virgin landscape with modernity, to give account of how it is being contaminated by industry, but approaching that reality in a playful and fantastical way, in an accomplished style related strongly with primitive, uncultivated painting.

Su obra, esencialmente expresiva, plasma un paisaje bucólico, con uso de la figuración y un fuerte y logrado cromatismo. Trabaja sobre la base de paisajes de Chile, pero pinta más bien evocaciones de lo que ha visto y vivido. Asimismo, le interesa contrastar el paisaje puro y virgen con la modernidad. Dar cuenta de cómo se contamina con el tema industrial, pero se acerca a esa realidad de manera lúdica y fantástica, en un logrado estilo muy emparentado con la pintura ingenua y primitiva. La sua opera, essenzialmente espressiva, plasma un paesaggio bucolico, con l’utilizzo di un forte e riuscito cromatismo. La base del suo lavoro sono i paesaggi del Cile, ma è più preciso dire che dipinge evocazioni di quanto ha visto e vissuto. Lo interessa inoltre il contrasto tra il paesaggio puro e vergine e la modernità. Far notare come esso sia contaminato dall’industria, e si avvicina a questa realtà in modo ludico e fantastico, con un riuscito stile simile a uno stile di pittura ingenua e primitiva.


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Natalia Garretón 1985, Santiago, Chile http://www.nataliagarreton.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition Transparencies, Centro Cívico Vitacura, Santiago, Chile. group exhibition Luminaries in Art, Third Place Prize, Centro Israelita, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Southern Streams, Chilean Embassy, Washington DC, USA. group exhibition Little Treasures, Di Marchi Gallery, Florence, Italy. 2012 | bi-personal exhibition with Andrea Domínguez: Topographic Pause, Macchina Gallery, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2011 | selection of works in the Youth Art Competition, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

In the research for my work I suggest a dialogue between painting and photography in order to create abstractions. The choice of these images allows me to resolve configurational problems associated with the autonomy of the pictorial referent that distances itself from the photography as the process that originated the image. My work is contemplative: I have a personal fascination with detail, a rigor for applied design, a frequent work output with an economy of means, synthesis, exactitude and palpably dynamic pictorial work.

En la investigación de mi obra planteo un diálogo entre pintura y fotografía para construir abstracciones. La elección de estas imágenes se debe a que me permiten resolver problemas configuracionales asociados a la autonomía del referente pictórico que toma distancia de la fotografía, como proceso originario de la imagen. Mi trabajo es contemplativo: existe una personal fascinación por el detalle, un rigor de diseño aplicado, una frecuencia de trabajo con economía de medios, síntesis, minuciosidad y acuciosidad, palpables en la obra pictórica. Nella ricerca per il mio lavoro, propongo un dialogo fra pittura e fotografia per costruire astrazioni. La scelta di queste immagini si deve al fatto che esse mi permettono di risolvere problemi configurazionali associati all’autonomia del referente pittorico che si distanzia dalla fotografia come processo originario dell’immagine. Il mio lavoro è contemplativo: esiste un fascino personale per il dettaglio, un rigore di disegno applicato, una frequenza di lavoro con economia di mezzi, sintesi, minuziosità, che rimangono palpabili nell’opera pittorica.


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natalia garret�n

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Paula Garrido Miranda 1983, Santiago, Chile http://www.paulagarrido.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition Florida Fauna, Elliot Tupac Gallery, Lima, Peru. solo exhibition Quotidian Espacio, El Secreto Art Space, Santiago, Chile. group exhibition The Passé Way, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. 2013 | exhibition Sound Movements, 20 years Espacio SCD Bellavista, Santiago, Chile. group exhibition Union of Artists in Vol, Association Oblik, Paris, France. group exhibition Dibuho, Hall Gallery, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition TWO, Art Labbé Gallery, Santiago, Chile. group exhibition We Are Amphibians, Local Proyect Gallery, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Internal Reflections / A 3D Experience, Piso Dos Gallery, Santiago, Chile.

I've always been interested in making art something interactive, that generates reaction, impact or audience participation. That what we see, changes. That's why I've been dedicated to the investigation of the optical effects through the textile screenprinting for over 10 years.This research has led me to the investigation of various techniques. This artwork is an invitation to break the limits of art through the 3D Chroma Depth technique and insert the viewer into the depth, through color and light.

Siempre me ha interesado que el arte sea interactivo, que tenga alguna reacción, impacto o la participación del espectador. Que lo que vemos, cambie. Es por esto que me he dedicado a la investigación de los efectos ópticos a través de la fotoserigrafía textil hace más de 10 años. Búsqueda que me ha llevado a indagar en diversas técnicas. Estas obras son una invitación a salir de los límites establecidos a través de la técnica 3D Chroma Depth e insertarse en la profundidad, a través del color y la iluminación. Da sempre, mi sono interessata al fatto che l’arte provochi qualche reazione o impatto, o generi la partecipazione dallo spettatore. Che ciò che vediamo, cambi. È per questo motivo che da più di dieci anni mi dedico all’investigazione degli effetti ottici attraverso la fotoserigrafia tessile. Questa ricerca mi ha portata a indagare diverse tecniche. Quest’opera è un invito a superare i limiti attraverso la tecnica 3D Chroma Depth e a portare lo spettatore in profondità, attraverso il colore e la luce.


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paula garrido miranda

3D chromadepth untitled


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Gabriel Garvo 1987, Chile http://holagarvo.com Visual Artist

2010 | solo exhibition Evil Eye, Plop! Gallery, Santiago, Chile. Garvo had also participated in numerous Chilean graphic campaigns.

It could be said that my work is well-intentioned. I don’t seek to deliver such a profound and pretentious message in my works, but the complete opposite: simple and daily themes based on memories and experiences from my childhood, nostalgia for a better past and a type of melancholy for the future. I intend my illustrations to have a very Chilean vision by observing my surroundings and recovering the heritage of my country’s people. In my illustrations I turn to fables; I want the public to be able to identify with the situations I present and recall memories from their childhood.

Podría decir que mi trabajo es bien intencionado. No busco entregar un mensaje demasiado profundo y pretencioso en mis obras, sino todo lo contrario: temáticas simples y cotidianas, basadas en recuerdos y experiencias de mi niñez, añoranzas sobre un pasado mejor y una cierta melancolía hacia el futuro. Intento que mis ilustraciones tengan una mirada muy chilena, observando mi entorno y rescatando el patrimonio popular de mi país. En mis ilustraciones recurro a la fábula; mi propósito es que el público pueda identificarse con las situaciones que presento y le genere recuerdos de su infancia. Potrei dire che il mio lavoro ha buone intenzioni. Non cerco di trasmettere un messaggio troppo profondo o pretenzioso con le mie opere, ma tutt’altro: argomenti semplici e quotidiani, basati su ricordi ed esperienze della mia infanzia, la nostalgia per un passato migliore e una certa melanconia rispetto al futuro. Cerco di dare alle mie illustrazioni uno sguardo molto cileno, osservando ciò che mi circonda e attingendo dal patrimonio popolare del mio paese. Nelle mie illustrazioni mi rifaccio alle favole; il mio proposito è che il pubblico possa identificarsi con le situazioni che presento e ricordi momenti dell’infanzia.


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gabriel garvo

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Alejandro Gatta 1974, Santiago, Chile http://www.alejandrogatta.cl Photographer & Visual Artist

2014 | exhibition Affordable Art Fair, Hamburg, Amsterdam, Stockholm; through Retrospect Galleries, Byron Bay, Australia. exhibition Art Stgo, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. exhibition Asia Contemporary Hong Kong; through Retrospect Galleries, Byron Bay, Australia. exhibition Affordable Art Fair, Singapore Hong-Kong, Battarsea, London, Milano, Brussels; through Retrospect Galleries, Byron Bay, Australia. 2013 | solo exhibition Traced, ANIMAL Gallery, Santiago, Chile. exhibition Affordable Art Fair, Singapore, Amsterdam, Hamburg; through Retrospect Galleries, Byron Bay, Australia.

I attempt to photograph fictitious scenarios, with very few elements, without geography or identity nor time, what for me is the defeat of humanity as a race. A limbo where bodies float without meaning in numberless rooms, hopeless at times, unable to love, and angry, fragile and tense at others. With coldness and distance, I try to photograph the silence, that void which is the only means of escape from this condition, but also the void as a mirror, like a gift to the viewer that when confronted with tension and ambiguity, receives an invitation to look within themselves.

Intento fotografiar en escenarios ficticios, con muy pocos elementos, sin geografia ni identidad ni tiempo lo que para mí es la derrota de la humanidad como raza. Un limbo donde los cuerpos flotan sin sentido en habitaciones sin número, torpes a veces; incapaces de amar, iracundos, frágiles y tensos, en otras. Con frialdad y distancia, busco fotografiar el silencio, el vacío como única medida de escape a esta condición, pero el vacío como un espejo, como un regalo al espectador que, al enfrentarse a lo tenso y ambiguo, le sea una invitación a mirarse hacia adentro. Provo a fotografare scenari fittizi, con pochissimi elementi, senza geografia né identità temporale, quello che per me significa la sconfitta dell’umanità come razza. Un limbo dove i corpi galleggiano senza senso in stanze senza numero; goffi a volte; incapaci di amare, iracondi e tesi, altre. Con freddezza e distanza, cerco di fotografare il silenzio, il vuoto, come unico mezzo di fuga da questa condizione, ma anche il vuoto come specchio, come regalo allo spettatore che, nell’affrontare ciò che è teso e ambiguo, riceve un invito a guardarsi dentro.


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alejandro gatta

digital photography untitled


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Paloma Gómez Carrasco 1979, Santiago, Chile www.palomagomez.net Visual Artist

2014 | solo exhibition Inhabit, Sebastián Art Space, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Elementia, Sebastián Art Space, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Water Eyes, Radical Gallery, Santiago, Chile. group exhibition 40 Ans Allende Neruda Inoubliables, Seina-Saint DenisBondy, Bobigny, France. group exhibition Politicallly Incorruptibles, 8th anniversay, Imprevisual Gallery, Valencia, Spain. 2012 | solo exhibition Portraits of Time, Arquitécnica Ruzafa, Espacio Expo, Valencia, Spain. group exhibition Voyage, Espacio Gallery, Valencia, Spain.

My works are figurative and abstract constructions, a battle between both of these territories. As a visual artist I’m interested in creating a dialogue between individuals and spaces: the human being and the space she or he inhabits.

Mis obras son construcciones figurativas y abstractas; una lucha entre ambos territorios. Como artista visual me interesa crear en torno al diálogo que se genera entre individuos y espacios: el ser humano y el lugar que habita. Le mie opere sono costruzioni figurative e astratte; una lotta tra entrambi i territori. Come artista visuale mi interessa creare un dialogo tra individuo e spazio: l’essere umano ed il luogo che egli abita.


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paloma g�mez carrasco

oil on canvas

serie de cuerpo presente: despertar ii


Tania González 1984, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | bi-personal exhibition Posthumous Earth, Tania González and Ash Aravena, 21st Century Conference, Balmaceda Arte Joven Gallery, Chile. group exhibition Dead Dog, Cabeza del Pescado Restaurant, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition The Right to Be, Acción Sudaca Project, CECA, Ovalle, Coquimbo, Chile. group exhibition Jewels of the Apocalypse, Bruno Gallery, Lima, Peru. group exhibition Rat Head, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Transfiguration, Gallery Stuart, Santiago, Chile. 2009 | bi-personal exhibition Lesson about Something, Cellar Art Space, Santiago, Chile.

Flowers painted where light is their only sustenance and they create a worship that brings us to some type of triumph of life, death or art, we don’t know. Flowers possess a long tradition as symbolic foundation for human worries and in this occasion respond to what in painting is known as “dead nature”. “La Hora Prometida" (The Promised Hour) is a way of showing the permanence, memory and that great unknown of what happens, there where we don’t know…

Flores pintadas en donde la luz es su única subsistencia y realizan un culto que nos remite a alguna clase de triunfo de la vida, de la muerte o del arte, no sabemos. Las flores poseen una tradición de larga data como soporte simbólico de las preocupaciones humanas y en esta ocasión responde a lo que en pinutra se conoce como “Naturaleza muerta”. “La hora prometida” es una manera de evidenciar la permanencia, el recuerdo y esa gran incógnita de lo que pasa, allá donde no sabemos… Fiori dipinti là dove la luce è l’unica sussistenza, e realizzano un culto che ci riporta a qualche tipo di trionfo della vita, della morte, o dell’arte; non lo sappiamo. I fiori hanno una antica tradizione come supporto simbolico delle preoccupazioni umane. In questa occasione, rispondono a ciò che in pittura si conosce come “natura morta”. “La Hora Prometida” (L’ora promessa) è un modo di mettere in evidenza la permanenza, il ricordo e quella grande incognita su ciò che succede là, dove non sappiamo…


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tania gonz�lez

oil on canvas

la hora prometida estďż˝ cerca


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Jorge González Araya 1985, Santiago, Chile http://cargocollective.com/ jorgegonzalezaraya Visual Artist

2013 | solo exhibition The Songs of Overflow, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Union Of Artists in Vol, Atelier Oblik, Paris, France. group exhibition Sacrificio Means Sacrifice, Bristol, England. bi-personal exhibition Overexposed / Crossing Narratives, La Maison Arcen-Ciel, Liège, Belgium. 2012 | solo exhibition All I Have to do is Dream, Pumalab, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. group exhibition Thresholds, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Outline and Interpretation, Eduardo Vilches Art Space, Arte UC, Santiago, Chile.

Cropping for Jorge has as its goal the beginning of dialogues with the archetypal aspects of the subconscious, attaching it to the world of the dreamscape. In this way, his work produces a fortuitous encounter with the most ephemeral attributes of one’s dreams, such as the interrelation of characters, unconnected situations and the confrontation of forgotten and unexpressed dreams.

Para Jorge, el recortar tiene como objetivo entablar diálogos con los aspectos arquetípicos de su subconsciente, ligándolo al mundo de lo onírico. Por así decirlo, se produce un encuentro fortuito con los atributos más efímeros de sus sueños, como lo serían la interrelación de personajes, situaciones inconexas y la confrontación de imágenes olvidadas y reprimidas. Il ritaglio per Jorge ha come obiettivo intavolare dialoghi con gli aspetti archetipici del subconscio, legandoli al mondo onirico. In questo modo, si produce un incontro fortuito con gli aspetti più effimeri dei sogni, come le interrelazioni tra i personaggi, situazioni sconnesse e il confronto di immagini dimenticate e represse.


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jorge gonz�lez araya

cut out on polythylene

girl and zebra


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Milena Gröpper 1984, Madrid, Spain. http://milenagropper.wix.com Visual Artist

2014 | group exhibition Geographies, CCU Collection, With a work from Long-distance Corridors, CCU Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Sub30, Museum of Contemporary Art, Museum of Contemporary Art MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition That Which Follows and Precedes, Sala Bicentenario Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Spanish Brand (Marke Spanien), Europe Creative Center ECC, Kunsthalle del Weißensee Kreativstadt, Berlin, Germany. group exhibition We Are Here, Liebre Gallery, Madrid, Spain. group exhibition Ibero-American Contemporary Art, ARA Art Center, Bellarte Corporation, Seoul, Korea.

The work is the result of the perforation of various exhibition catalogues of the artist. The word aims to dematerialize a series of printed images, making of them challas or “confetti”, which when accumulated only show color and shape, lacking in all content. This exercise results in an image with an abstract, but also empty, cosmetic and even decorative character. Accordingly, the work searches for the possibility of retention and memory before this imminent state of loss.

La obra consiste en papeles resultantes de la perforación de diversos catálogos de exposiciones de la artista. La palabra pretende desmaterializar una serie de imágenes impresas, haciendo de ellas “challas” o “confetti”, que por acumulación sólo muestran color y forma, carentes de todo contenido. Este ejercicio da como resultado una imagen de carácter abstracto, pero también vacío, cosmético e incluso decorativo. Pese a ello, la obra busca así mismo la posibilidad de retención y recuerdo ante este inminente estado de pérdida. L’opera è il risultato della perforazione di diversi cataloghi delle esposizioni dell’artista. La parola vuole smaterializzare una serie di immagini stampate; facendo di esse coriandoli che per accumulo mostrano solo colore e forma, privi di ogni contenuto. Questo esercizio dà come risultato un’immagine di carattere astratto, ma anche vuoto, cosmetico e puramente decorativo. Inoltre l’opera cerca anche una possibilità di conservazione e memoria, davanti a questo imminente stato di perdita.


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milena gr�pper

perforated paper on canvas untitled


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Mauricio Guajardo Rubio 1976, Rancagua, Chile www.mauricioguajardo.cl Sculptor

2013 | solo exhibition Implicated, Artespacio Gallery, Santiago, Chile. participation 5th International Tehran Sculpture Symposium (Wood), Persian Gulf Memorial, Tehran, Iran. 2012 | solo exhibition Sculpture… Form and Design, K Gallery, De las Américas University UDLA, Santiago, Chile. group exhibition Marble, AMS Marlborough Gallery, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Athology of the Contrarians, Organized by Finis Terrae University, CCU Art Space. 2010 | participation 2nd Biennial International of Sculpture Guadalajara, Museum of Fine Arts of Guadalajara, Mexico. 2009 | solo exhibition Without, Artespacio Gallery, Santiago, Chile. 2006 | solo exhibition Recent Works 05 / 06. Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile.

Sculptures that appeal to a habitable place, the landscapes of Doñihue, but also to play. Vertigo persists in my most recent sculptures; they are filled with light: they are also doors and windows. The majority of these works is composed of two elements. One of these maintains its “natural shape” and the other, dominated by the authority of man, conforms into sculptures which are the results of space, memory (man) and nature. The whole process with the material produces in myself a profound connection to the earth from where this proceeds. For me, this is almost a religious act.

Esculturas que apelan al lugar habitable, al paisaje de la zona de Doñihue, pero también al juego. En las esculturas más recientes persiste el vértigo ya que ellas están llenas de luz: son también puertas y ventanas. La mayoría de las obras están compuestas por dos elementos: uno mantiene su “forma natural” y el otro es dominado por la mano del hombre, conformando esculturas como resultado del espacio, la memoria (el hombre) y la naturaleza. El proceso con el material produce en mí una conexión profunda con la tierra de donde este procede. Para mí, es casi un acto religioso. Sculture che richiamano uno spazio abitabile, il paesaggio della zona di Doñihue, ma anche ill gioco. Nelle mie più recenti sculture persiste un senso di vertigine, sono piene di luce: sono anche porte e finestre. La maggior parte delle opere sono composte da due elementi: uno mantiene la sua “forma naturale”, l’altro è dominato dalla mano dell’uomo; dando origine a sculture risultanti da spazio, memoria (l’uomo) e natura. Il processo con i materiali produce in me una connessione profonda con la terra da dove essi provengono. Per me, è quasi un atto religioso.


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mauricio guajardo rubio

steel and granite untitled


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Claudio Herrera 1968, Santiago, Chile http://www.sangreyleche.com/sitio Visual Artist

2012 | solo exhibition Black Mountain, Ro Gallery, Buenos Aires. group exhibition Eros and Civilization, StuArt Gallery, Santiago, Chile. group exhibition The Errant Line, Artespacio Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Green Indians, National Museum of Fine Arts, La Florida Art Space, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Burning the Grundisse, L’Atelier Gallery, Valdivia. solo exhibition Strategies against Architecture, B.a.d. Foundation, Rotterdam. group exhibition The Dark Radiant Life, CeAC, Santiago, Chile. group exhibition Green Indians, Fine Art Museum, Talcahuano, Chile. 2010-11 | group exhibition Epilogue, Museum of Zapopán, Guadalajara, Mexico.

A self-taught artist, Claudio paints and draws with the tools that he finds basic and essential. From there begins his interest in the dialectic of expressionism. His aesthetic and intellectual interests are deep and varied, and his paintings and drawings commonly make reference to Krautrock, electronic music, Bauhaus, German Marxism and Latin American politics. His work is summarized in simply recognizing the living world as a radical and epic riddle. One must know how to read life beyond institutions, false ideologies and servitude, that make the subject an interchangeable fragment in the episodes of history.

Artista autodidacta, pinta y dibuja con las herramientas que cree básicas y esenciales, de allí su interés por la dialéctica del expresionismo. Sus intereses estéticos e intelectuales son profundos y variados. Comunes son en sus pinturas y dibujos, referencias al Krautrock, música electrónica, Bauhaus, marxismo alemán o historia política de Latinoamérica. Resumir su obra puede hacerse sólo reconociendo el mundo de la vida como acertijo radical y epopéyico. Saber leer la vida más allá de las instituciones, falsas ideologías y del servilismo que aboga por hacer del sujeto un fragmento intercambiable sobre los episodios de la historia. Artista autodidatta, dipinge e disegna con gli strumenti che considera basici ed essenziali. Questa è la ragione del suo interesse per la dialettica dell’espressionismo. I suoi interessi estetici ed intellettuali sono profondi e vari. Comuni sono nei suoi dipinti e disegni, riferimenti a Krautrock, musica elettronica, Bauhaus, marxismo tedesco o la storia politica latinoamericana. Si può riassumere la sua opera riconoscendo il mondo della vita come un indovinello radicale ed epopeico. Bisogna saper leggere la vita al di là di istituzioni, false ideologie e servilismo che fanno dell’individuo un frammento intercambiabile negli episodi della storia.


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claudio herrera

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antonio gramsci muere en abisinia


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Isabel Hojas 1977, Santiago, Chile http://www.tierradehojas.cl Visual Artist & Illustrator

2011 | exhibition With All Due Respect, Plop! Gallery, Santiago, Chile. exhibition Rock & Plop, Plop! Gallery, Santiago, Chile. 2009 | exhibition Hands Tied, Duoc Apoquindo, Santago, Chile. 2008 | exhibition Work for the House, Library of Santiago, Santiago, Chile. 2007 | exhibition Showing I Bought it for Myself x 100, Child Illustration Show, Children’s Book Fair, Santiago, Chile. Isabel Hojas has illustrated numerous children's books.

When I was a little girl I dreamed of doing what I do today: illustration. Illustration is, for me, to create worlds, small worlds coherent with themselves. I give time to my images. I need to incubate them before beginning to work. This is the most difficult moment, and the part I like the most. When the work has materialized, the illustration takes a path from this beginning and remains independent, and little by little I become a viewer. It’s rare and fantastic that something that at one point took shape in my ideas and my hands could later become foreign to me and bring together other gazes.

Cuando niña me soñaba haciendo lo que hago hoy: ilustrar. Ilustrar es para mí crear mundos; mundos pequeños y coherentes en sí mismos. Le doy tiempo a las imágenes. Necesito encubarlas antes de trabajar. Es ese el periodo más difícil, el que más me gusta. Luego, cuando ya se materializa, la ilustración va tomando un rumbo en donde empieza a independizarse y de a poco, me convierto en espectadora. Es raro y maravilloso que algo que en algún minuto tomó forma en mis ideas y mis manos, luego me sea ajeno y convoque a otras miradas. Da bambina sognavo di fare ciò che faccio oggi: illustrazioni. Per me, l’illustrazione è creare mondi; piccoli mondi coerenti con se stessi. Do tempo alle immagini. Ho bisogno di incubarle prima di lavorarci. È questo il momento più difficile, quello che più mi piace. Dopo, quando si materializza, l’illustrazione prende una direzione nella quale comincia a rendersi indipendenti e, a poco a poco, mi trasformo in uno spettatore. È strano e anche meraviglioso che qualcosa che in un minuto prende forma tra le mie idee e le mie mani, dopo mi sia estranea e si presti ad essere vista in modo diverso.


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isabel hojas

watercolor and pencil untitled


Miguel Ángel Huerta 1964, Santiago, Chile ø http://www.mhuertarte.blogspot.com Visual Artist

2013 | solo exhibition Ancestral Dialect of Delerious Gods, Terracota Art Space, Scuola ltaliana Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition The Collector of Invisible Objects, Juan I. Molina Art Space, Centro de Extensión, Universidad de Talca, Chile. solo exhibition Image Hunter, Endesa Expo Space, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition The Collector of Invisilble Objects, Santiago Campus Expo Space, Universidad de Talca. 2010 | group exhibition Six Iberoamerican Surrealists, Muro Gallery, Valencia, Spain. 2009 | solo exhibition The Magnetic Eyelids of the Glass Universe, Anselmo Cadiz Gallery.

My work is inserted within what I’ve called the "Fifth Gaze", which is nothing more than a hybrid between the western gaze and the poetic atmosphere of our continent. From these I nurture my imaginarium of shamanic and ritual beings who speak in a parallel universe on an almost theatrical stage. Each stage in my work is a ritual act connected to the cosmos. I have also nurtured my task with a lot of poetry, bringing to the arena of ritual, authors like Octavio Paz, Vicente Huidobro, Gonzalo Rojas, essentials of Latin American poetry. All of this joins together to generate the Fifth Gaze.

Mi obra está insertada dentro de lo que he llamado la “Quinta Mirada”, que no es más que un híbrido entre la mirada occidental y la poética atmosférica de nuestro continente. De ellas nutro mi imaginario de seres chamánicos y rituales que dialogan en un universo paralelo, dentro de un escenario casi teatral. Toda escena en mi obra es un acto ritual de conexión con el cosmos. He nutrido mi quehacer también con mucha poesía, trayendo al ruedo ritual a autores como Octavio Paz, Vicente Huidobro, Gonzalo Rojas; esencialmente poesía latinoamericana. Todo este conjunto genera la Quinta Mirada. La mia opera si inserisce in ciò che ho nominato il “Quinto Sguardo”; questo non è altro che un ibrido tra lo sguardo occidentale e la poetica atmosferica del nostro continente. Da questi elementi nutro il mio immaginario di esseri sciamanici e rituali, che dialogano in un universo parallelo, in uno scenario quasi teatrale. Ogni passo nella mia opera è un atto rituale di connessione col cosmo. Ho nutrito la mia arte con molta poesia portando all’arena del rituale autori come Octavio Paz, Vicente Huidobo, Gonzalo Rojas, fondamentalmente poesia latinoamericana. Tutto quest’insieme genera il Quinto Sguardo.


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miguel �ngel huerta

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Matilde Huidobro 1989, Valdivia, Chile https://www.facebook.com/ pages/Matilde-Huidobro Visual Artist

2012 | group exhibition Hanging by a Threat, Blank Gallery, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Emotional Traits, Enlace Gallery, Lima, Peru. group exhibition Persistence of the Romantic, Las Condes Cultural Center Santiago and Universidad de Concepción, Concepción. 2009 | solo exhibition Vintage, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. group exhibition The Art of Loving, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Digital Gravura: Collection of Digital Recordings from Contemporary Chilean Artists, Museum of Contemporary Art MAC, Valdivia, Chile. 2007 | group Exhibition Art, Creativity and Dreams, Universidad de Talca, Talca, Chile.

If I didn't paint, I would stop breathing normally. If I didn't paint, I would go completely mad.

Si no pintara, no podría respirar normalmente. Si no pintara, me volvería totalmente loca. Se non dipingessi, non potrei respirare normalmente. Se non dipingessi, diventerei completamente pazza


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Carolina Illanes 1981, Santiago, Chile http://carolina-illanes.blogspot.com Visual Artist

2014 | group exhibition Pure Chile: Landscape and Territory, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2013 | exhibition Minimalismo Made in Chile, Matucana 100 Cultural Center, Santiago, Chile. exhibition Faulty Replica, Native Cleveland Art Space, USA. 2011 | exhibition Beautiful Mountain Range, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. exhibition Local Image, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Iberia, Center for Contemporany Art, Beijing, China. 2009 | group exhibition Cohorts, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile.

My artistic practice begins with a displacement of the abstract and geometrical pictorial surface, arriving at the three-dimensional. The goal of my artistic production is to demonstrate, through modes of construction, organization and classification of the environment, the pattern that controls it. The objects I create are translations of architectonic structures detached from their material contexts and their urban framework. Operations of fragility are brought to pass using light and ephemeral materials such as cardboard and paper. The models and patterns selected are made up of residences in Santiago, which are registered photographically.

Mi práctica artística se inicia con un desplazamiento de la superficie pictórica abstracta y geométrica, hacia la tridimensionalidad. El objetivo de mi producción artística es evidenciar, a través de los modos de construcción, organización y clasificación del entorno, el patrón que lo controla. Los objetos que realizo son traducciones de estructuras arquitectónicas desprovistas de su contexto material y de su marco urbano. Operaciones de fragilización son llevadas a cabo utilizando materiales livianos y efímeros, como cartón y papel. Los modelos y patrones seleccionados están constituidos por viviendas de Santiago, registradas fotográficamente. La mia attività artistica inizia con uno spostamento dalla superficie pittorica astratta e geometrica, verso la tridimensionalità. L’obbiettivo della mia produzione artistica è evidenziare, mediante modelli di costruzione, organizzazione e classificazione del contesto circostante, il modello che lo controlla. Gli oggetti che realizzo sono traduzioni di strutture achitettoniche sprovviste del contesto materiale e urbano. Sono realizzati usando materiali leggeri ed effimeri, come il cartone e la carta. I modelli e campioni selezionati si rifanno ad abitazioni di Santiago, precedentemente fotografate.


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carolina illanes

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Marcela Illanes 1962, Santiago, Chile ø http://www.marcelaillanes. blogspot.com Visual Artist

2011 | group exhibition Competition Art and Christianity, A Contemporary Vision. Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition State of advance. From the photography line, Finis Terrae University, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Latitude South, Casa de América Latina, Lisboa, Portugal. 2006 | solo exhibition Horizon Line, Artespacio Gallery, Santiago, Chile. 2003 | solo exhibition Geographic Points, Guayasamín Foundation, Quito, Ecuador. 2001 | solo exhibition Passages, La Sala Gallery, Santiago, Chile.

My work begins from observing the landscape and its geography. I named this small work South, as representation of the end of the South American continent and because it is my own geographical location. This imaginary cartography, structured through dialogue between materials, is centered in the shine of aluminum as a point of light, of calling attention to the bottom of the continent represented. I’m interested in the idea of giving away my work so that it will travel far, and become part of thousands of other small works of the same format, eliminating geographical limits in the process.

Mi obra se origina a partir de la observación del paisaje y la geografía. Nombré esta pequeña obra Sur, como representación del fin del continente Sudamericano y por ser ésta mi ubicación geográfica. Esta cartografía imaginaria estructurada por medio del diálogo entre los materiales, se centra en el brillo del aluminio, como un punto de luz, de llamado de atención hacia el fin del continente representado. Me interesó la idea de regalar mi trabajo para que viajara lejos, y que fuera a formar parte de miles de otras pequeñas obras del mismo formato, eliminando los límites geográficos. La mia opera nasce dall’osservazione dei paesaggi e della geografia. Ho chiamato questa piccola opera Sud, come rappresentazione della fine del continente Sudamericano e perche questa è la mia posizione geografica. Questa categoria immaginaria, strutturata mediante il dialogo tra i materiali, si focalizza sulla luminosità dell’alluminio come punto di luce, di richiamo dell’attenzione alla fine del continente rappresentato. Mi interessava l’idea di regalare il mio lavoro affinché viaggiasse lontano, formando parte di mille altre piccole opere di uguale formato, eliminando i limiti geografici.


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marcela illanes

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Antonia Isaacson 1986, Santiago, Chile http://antoniaisaacson. wordpress.com Artist

2012 | exhibition Multispecies Database, Institute of Cultural-Inquiry Berlin, Curated by Sin Kabeza Productions. solo exhibition Album, Acuadrado Gallery, Santiago, Chile. 2009 | exhibition Formato Lúdico, 211 Gallery, Santiago, Chile. exhibition Plan B, Moto Gallery, Santiago, Chile. exhibition III Muestra Dóptera, Perrera Art Space, Santiago, Chile. 2007 | exhibition Para] [Choque, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. exhibition Reserva Representacional, Juan Egenau Art Space, Universidad de Chile, Santiago, Chile. 2006 | exhibition Selección Marco Bontá, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile.

Drawing is a pleasure joined with the intimate manner of learning about and apprehending the world. I’m interested in lines and simple shapes, in seeing the subtlety and at the same time the expressiveness of nature, using different materials and formats. It’s a primeval language that children seem to understand quite well.

Dibujar es un placer junto con una manera íntima de aprender y aprehender el mundo. Me interesan las líneas y formas simples, ver su naturaleza sutil y a la vez expresiva, utilizando distintos materiales y formatos. Es un lenguaje primigenio que los niños parecen entender muy bien. Disegnare è tanto un piacere quanto un modo intimo di imparare e catturare il mondo. Mi interessano le linee e forme semplici, coglierne la natura delicata e al contempo espressiva, utilizzando diversi materiali e formati. È un linguaggio primigenio che i bambini sembrano capire molto bene.


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Maite Izquierdo 1978, Santiago, Chile www.maiteizquierdo.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Curls, Municipal Theatre, Zapallar, Chile. group exhibition Lanart, La Sala Gallery, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Chile, a Dreamt/Tired Country, América Latina Memorial, Sao Paulo, Brazil. 2012 | group exhibition Thirteen by Thirteen, Las Condes Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Vía Crucis, Blanca Art Space, Centro de Extensión Universidad Catolica, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Springs in Spring, La Sala Gallery, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition From Sign to Sign, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Textile Installation, La Sala Gallery, Santiago, Chile.

My textiles are made from waste that becomes treasure and are dyed. I then sew, cover in felt or knit them. The pleasure of manual creation and manipulation in art takes precedence; a search for beauty by means of experiment; a work that demands time and patience, in which the creative process becomes an obsession. Textile is a raw material that embraces; it can be sewn, cut… and repeated over and over again. It’s a rescued vestige, a second skin. Theory of color becomes essential and magical, as everything is ordered and saturated by harmony.

Mis textiles están hechos de desechos que atesoro y tiño. Luego tejo, afieltro o coso. Prima aquí un placer por la manualidad y la manipulación en el arte. Una búsqueda de la belleza por medio de la experimentación. Un oficio que demanda tiempo y paciencia, en que el proceso creativo se hace una obsesión. El textil es la materia prima que abraza; permite coserlo, rajarlo… y repetir ese hacer. Es un vestigio rescatado, una segunda piel. La teoría del color se hace esencial y mágica, ya que todo se ordena y satura de armonía. I miei tessili sono fatti di rifiuti che diventano tesori, e vengono tinti. Poi tesso, li copro col feltro e cucio. Giocano un ruolo primario il piacere per la manualità e la manipolazione nell’arte. Una ricerca della bellezza tramite la sperimentazione. Un mestiere che esige tempo e pazienza, nel quale il processo creativo si fa un’ossessione. Il tessile è materia prima che abbraccia: può essere cucito, strappato… e queste operazioni possono essere ripetute. È un vestigio riscattato, una seconda pelle. La teoria del colore si fa essenziale e magica, giacché tutto si ordina e si satura di armonia.


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maite izquierdo

textile untitled


pho

t o m il a b e l é

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Ignacio Kenfa Wong 1985, Santiago, Chile ø http://ignaciokenfawong.blogspot.com Visual Artist

2014 | group exhibition Sub30, Exhibition Book Launch, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition Condorazos/Re Mistakes, G Art Space, Valparaiso, Chile. 2013 | group exhibition Sub30, Oops! Gallery, Santiago, Chile. group exhibition The Incidence of the Culinary in Artistic Production, Metropolitana Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Today is the Future, Flor Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Artist of the Month, Local Contemporary Art Gallery, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Cashadvance, Sofa Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Museum of Resistance, Local Contemporary Art Gallery, Santiago, Chile.

My pictorial work is developed starting from investigations linked to the notion of identity, by means of projects that address the Asiatic paradigm installed in the West (due to my Chinese upbringing and mestiza condition), as well as the rescue and representation of iconic figures of socially misunderstood popular movements.

Mi trabajo pictórico se desarrolla a partir de investigaciones ligadas a la noción de identidad, por medio de proyectos que hablan sobre el paradigma asiático instalado en occidente (debido a mi ascendencia china y condición “mestiza”), como también el rescate y representación de figuras icónicas de movimientos populares socialmente incomprendidos. Il mio lavoro pittorico si sviluppa a partire da una ricerca legata alla nozione di indentità, mediante progetti che parlano del paradigma asiatico installato in Occidente (data la mia ascendenza cinese e condizione “meticcia”), così come il riscatto e la rappresentazione di figure iconiche di movimenti popolari socialmente incompresi.


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ignacio kenfa wong

acrylic and correction fluid on canvas untitled


Lea Kleiner 1929, Zegreb, Yugoslavia Artist, Watercolorist

2006 | solo exhibition Lea Kleiner: Acuarelas, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. group exhibition 50 Años Taller 99, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition 50 Años Taller 99, La Sala Gallery, Santiago, Chile. Participation in World Watercolor Festival, Seoul, Korea. 2005 | itinerant exhibition of chilean artists, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. 2004 | solo exhibition Los Maestros I, Juan Egenau Art Space, Universidad de Chile, Santiago, Chile. Her work has been exhibited around the world, and made part of many private and public collections in Chile and abroad.

As my technique is concerned, I express myself with very much water on wet paper in order to achieve a painting of very loose and flowing outlines. This brings me close to my “out of focus” work, where I find the link between photography and watercolour painting. The subjects of all my art work are inspired by nature. I observe for a long time, sometimes years, and then I paint by heart, whatever has remained inside, in order to achieve a degree of abstraction, letting the themes flow freely out of my arm. My main concern is not reality or color, but water.

Respecto a mi técnica, me expreso con mucha agua sobre papel húmedo con la finalidad de crear obras de líneas sueltas y fluidas. Esto me acerca al trabajo de “desenfocado”, donde encuentro el nexo entre fotografía y acuarela. Los sujetos de mis obras toman inspiración de la naturaleza. Observo por largos tiempos, incluso por años, para luego pintar desde el corazón, lo que sea que haya quedado en mi interior, de modo de lograr un cierto grado de abstracción, dejando que la figura salga fluidamente, desde mi brazo. Mi principal preocupación no es ni la realidad ni el color, sino el agua. In riguardo alla mia tecnica, mi esprimo con molta acqua su carta bagnata, in modo da creare opere con linee sciolte e fluide. Questo mi avvicina al lavoro di “fuori foco”, dove trovo il legame tra fotografia e acquarello. I soggetti del mio lavoro trovano ispirazione nella natura. Osservo per lunghi periodi di tempo, a volte anni, e dopo dipingo dal cuore, ciò che è rimasto dentro, in modo tale da ottenere un certo grado di astrazione, lasciando che la figura esca fluidamente dal mio braccio. La mia principale preoccupazione non è né la realtà, né il colore, ma l’acqua.


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lea kleiner

watercolor on papel

en la cordillera


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Daniela Kovacic 1983, Chile http://www.danielakovacic.com Visual Artist

2013 | group exhibition MFA Thesis show, New York, USA. 2011 | azerty exhibition in Paris, France. 2010 | solo exhibition Versus, Sala Cero, Animal Gallery, Santiago, Chile, group exhibition Replica, Azerty in Paris, France. group exhibition Feminine Presences, Trazos Gallery, Santiago, Chile. group exhibition New Realism, Trazos Gallery, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Ego Lessons II, Las Condes Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Realism and NOT So Much, Salón Tudor, Santiago, Chile. exhibition Animal Gallery Collection, Santiago, Chile.

“Anachronism of a Sclerosis” is based on colonial Latin American imagery, specifically in the tiny polychromatic wooden sculptures known as "tallas". These adaptations of colonial sculpture serve as an allegory for the shaping of Latin America (religiously, politically, socially), and also for my personal history. In these paintings, I present the region as a hybrid being—the allegory of Frankenstein’s monster—a fragmented being, through which I expose the forced union of pieces that don’t really fit together, but which nevertheless when united give shape to a new creature that appears mutilated by history.

“Anacronismo de una Esclerosis” se basa en la imaginería colonial latinoamericana, específicamente en las pequeñas esculturas de madera policromada conocidas como “tallas”. Se trata de una adaptación de la escultura colonial como alegoría de la construcción (religiosa, política y social) de Latinoamérica, como también de mi propia historia. En estas pinturas, presento la región como un ser híbrido, alegoría de la criatura de Frankestein, un ser fragmentado, con el cual expongo la forzada unión de piezas que realmente no se corresponden pero sin embargo unidas, dan forma a una nueva criatura que muestro mutilada por la historia. “Anacronismo di una sclerosi” si basa sull’immaginario coloniale latinoamericano, in particolare sulle piccole sculture in legno policromo conosciute come “tallas”. Si tratta di un adattamento della scultura coloniale come allegoria della struttura (religiosa, politica e sociale) dell’America Latina, così come anche della mia propria storia. In questi dipinti presento la regione come un’entità ibrida, allegoria della creatura di Frankenstein, essere frammentato, col quale esprimo l’unione forzata di pezzi, che in realtà non si corrispondono, ma che uniti danno vita ad una nuova creatura, che io mostro mutilata dalla storia.


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daniela kovacic

oil on canvas

anacronismo de una esclerosis


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Jorge Kuhn 1947, San Bernardo, Chile http://www.jorgekuhn.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition Providencia Cultural Foundation, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Bodegón Cultural Los Vilos Cultural de Los Vilos, Chile. solo exhibition Universidad de Talca Art Gallery, Talca, Chile. 2012 | solo exhibition Universidad de Talca Art Gallery, Curicó, Chile. 2010 | solo exhibition Artefiel Gallery, Santiago, Chile. 2003 | solo exhibition Between Nalcas and Copihues, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. 2001–02 solo exhibition Chiloé Modern Art Museum, Chiloé, Chile.

I believe that the magic or poetry of things is in what we routinely look at but don’t really see. How many times have we looked at stains on the walls, roughness in the bark of trees or the movement of water. We pass by these places, looking distractedly, without really seeing. If we were able to, we would see a world of suggestions that would activate our imaginations and fantasies. We would walk through this world as the Conquistador does, surprised by everything, like one who is seeing everything for the first time.

Creo que la magia de las cosas o la poesía de las cosas está en eso que miramos rutinariamente pero que no vemos realmente. Cuántas veces hemos visto manchas en las paredes, rugosidades en la corteza de los árboles o el movimiento del agua. Pasamos por estos lugares, mirando distraídamente, sin ver realmente. Si así lo hiciéramos, veríamos un mundo de sugerencias que activarían nuestra imaginación y fantasía. Caminaríamos por este mundo como lo hace el Conquistador, sorprendiéndose con todo y con todos, como quién ve las cosas por primera vez. Credo che la magia o la poesia delle cose stiano in ciò che guardiamo abitualmente ma che in realtà non vediamo. Quante volte abbiamo visto macchie sulle pareti, rugosità nella corteccia degli alberi o nel movimento dell’acqua. Passiamo attraverso questi luoghi, guardando distratti, senza vedere veramente. Se così facessimo vedremmo un mondo di suggestioni che attiverebbero la nostra immaginazione e fantasia. Cammineremmo su questo mondo come fa il Conquistatore, meravigliandoci di ogni cosa e di tutto, come chi vede le cose per la prima volta.


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jorge kuhn

mixed media untitled


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Violeta Larraín McClure 1982, Santiago, Chile www.behance.net/violetalarrain Visual Artist

2013 | solo exhibition Miramar 250, Artist workshop, Chile. 2007 | group exhibition Para] [Choque, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. group exhibition Live Art, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. solo exhibition Open Letter to Europe, Las Condes Cultural Corporation, Santiago, Chile. 2005 | group exhibition San José ExHospital Cultural Center, Santiago, Chile.

One attempts to capture a moment in nature, extending the life of the material by conserving it as an art object, denaturalizing the vegetal, reconstructing it and giving it a new meaning. The natural geometric structure of each petal is utilized constructively, starting from the ribbing as the principal axis of each square; at the same time, the union of these squares constitute a new grid. I use the Fibonacci number sequence in the different parts that make up this work as a way of reiterating and representing again the origin of nature.

Se intenta capturar un momento de la naturaleza extendiendo la perdurabilidad de la materia a través de la conservación de ésta como objeto de arte, desnaturalizando lo vegetal, reconstruyéndolo y entregándole un nuevo significado. La estructura geométrica natural de cada pétalo es utilizada constructivamente a partir de la nervadura como eje principal de cada cuadrado, a su vez la unión de estos constituyen una nueva cuadrícula. Se utiliza la secuencia numérica de Fibonacci en las distintas medidas que conforman este trabajo como una manera de reiterar y representar nuevamente el origen de su naturaleza. Si cerca catturare un momento della natura allungando la perdurabilità della materia attraverso la conservazione di questa come oggetto d’arte, snaturalizzando il vegetale, ricostruendolo e dandogli un nuovo significato. La struttura geometrica naturale di ogni petalo è utilizzata costruttivamente a partire dalle nervature come asse centrale di ogni quadrato; a sua volta, l’unione di questi costituisce una nuova inquadratura. Si utilizza la sequenza numerica di Fibonacci nelle diverse misure che conformano questo lavoro, di modo da reiterare e rappresentare nuovamente l’origine della sua natura.


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violeta larra�n mcclure

rose petals on canvas

serie valpara�so: xlvii


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Alicia Larraín Chaux 1944, Santiago, Chile http://www.alicialarrainchaux.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition Traces of Faces, Federico Santa María University, Valparaíso, Chile. group exhibition United by Art, Ferroviario Pablo Neruda National Museum, Temuco, Chile. group exhibition Rigor and Dance, Focused on Zurita, La Sebastiana, Valparaíso, Chile. group exhibition I Crazy Woman, Enlace Gallery, Lima, Peru. 2012 | solo exhibition Chronicles of a Thousand, ArtSpace Gallery, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Identity, Victoria Morell Gallery, Slick Fair, Paris, France. solo exhibition Nomadic Quipus Bead Abacus and Corenque, Sculpture Park, Providencia Cultural Corporation, Santiago, Chile.

I united the "Pachamama" and Araucanian concepts in a work because both pertain to the virtual and/or real ideology in our nature and beliefs, and their forms in the pyramidal and ascendant resemble each other. El Dorado represents our legendary space of gifts, rites and wealth extracted from mother earth, also represented in the Pachamama. Therefore, both works share a bond with my Andean ancestors.

Uní los conceptos “Pachamama” y “Araucaria” en una obra porque ambas pertenecen al ideario virtual y/o real en nuestra naturaleza y creencias; su forma en lo piramidal y ascendente se asemejan. El Dorado, representa nuestro lugar legendario de dones, ritos y riquezas extraídas de la madre tierra también representada en la Pachamama. Así ambas obras se hermanan con mis ancestros andinos. Ho unito i concetti di “Pachamama” e “Araucaria” in un’unica opera perché entrambe fanno parte dell’immaginario virtuale e/o reale nella nostra natura e delle nostre credenze; le loro forme piramidali e ascendenti si assomigliano. El Dorado rappresenta il nostro luogo leggendario di doni, riti e ricchezze estratte dalla madre terra, rappresentata anche nella Pachamama. Così tutte e due le opere sono legate ai miei antenati andini.

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el dorado pachamama araucaria


229 alicia larra�n chaux mixed media

el dorado pachamama araucaria


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Félix Lazo Varas 1957, Santiago, Chile http://www.lazo.cl Visual Artist

2013 | group exhibition Pipinara, Three New Media Labs, MAC, Valdivia.
 group exhibition Pass, Window Installation Defensoria Penal Pública building, Valparaíso. 2012 | solo exhibition Blindsight in Spaces that Dream, Goethe Institut, Santiago, Chile. solo exhibition m: n: m: : l., AC Institute, New York, USA.
 solo exhibition Stille in Talking Crosses, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. solo exhibition The Other, AM Gallery, Santiago, Chile. bi-personal exhibition Dark Borders, Two Latin American Artists, Guillermo Galindo y Felix Lazo, Skyline College Art Gallery, San Francisco, California, USA.

My primary field of interest refers to problems of perception and cognition, how we relate to what our senses receive and the way in which we make sense and meaning of this information. These last few years I’ve been working with problems of space, time, color, timbre and interaction through animations, videos, installations, music and computer coding. Is there a possibility of creating a piece that becomes an experience profound enough to transform our conditioned neuronal structure and allow us to see the reality of the new present?

Mi campo de interés primordial se refiere a los problemas de percepción y cognición; cómo nos relacionamos con lo que reciben nuestros sentidos y la forma en que hacemos sentido y significado de esta información. Estos últimos años he estado trabajando con problemáticas de espacio, tiempo, color, timbre e interacción a través de animaciones, videos, instalaciones, música y códigos de computación. ¿Existe la posibilidad de crear una pieza que se convierta en una experiencia lo suficientemente profunda que transforme nuestra estructura neuronal condicionada y nos permita ver la realidad del presente nuevo? Il mio campo d’interesse riguarda i problemi di percezione e cognizione; in che modo ci relazioniamo con quello che percepiscono i nostri sensi e la forma nella quale diamo senso e significato a questa informazione. In questi ultimi anni ho lavorato con problematiche spaziali, di tempo, colore, timbro e interazione attraverso animazioni, video, istallazioni, musica e codici computer. Esiste la possibilità di creare un pezzo che si converta in una esperienza sufficentemente profonda da trasformare la nostra struttura neuronale condizionata, e ci permetta vedere la realtà del nuovo presente?


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f�lix lazo varas

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Eva Lefever 1955, Santiago, Chile http://evalefever.cl Visual Artist

2010 | group exhibition 70 Years, 70 Artists, Las Condes Cultural Corporation, Santiago, Chile. solo exhibition Drawing Tracks, Leonidas Emilfork Art Space, Art Institute, Universidad Católica de Chile, Valparaíso, Chile. 2008 | bi-personal exhibition Flamenco Dancers, Eva Lefever and Magdalena Pérez Larraín. Traveling Exhibition to La Serena, Curicó, Talca and Santiago, Chile. group exhibition Exchanges, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition Ojo Latino, Collection of Latin American Art of Luciano Benetton, MAC and Arte Abierto Art Space, Itaú Foundation, Santiago, Chile. 2007 | bi-personal exhibition Graphic, Eva Lefever and Ricardo Sáez Lefever, Ana María Matthey Gallery, Santiago, Chile.

For me drawing is like making music. The line is a melody for the eyes that acquires its maximum power when "it's happening". While the empty spaces left on the surface (as silences in music), are able to let the just born stroke vibrate and suggest, insinuate o accentuate possible ways to follow... in this moment the convergence of lines and the infinite interpretations they drag with them are born.

Para mí dibujar es como hacer música. La línea es una melodía para los ojos que, cuando “está sucediendo”, adquiere su máximo poder. Así también, mientras los espacios vacíos que van quedando en el plano (como los silencios en la música), pueden hacer vibrar los trazos recién nacidos, y sugerir, insinuar o acentuar caminos posibles a seguir… ahí es cuando comienza a darse la convergencia de las líneas y las infinitas lecturas que arrastran consigo. Per me disegnare è come fare musica. La linea è una melodia per gli occhi che, quando “sta succedendo” acquisisce il suo massimo potere. Così pure, mentre gli spazi vuoti che rimangono sul piano (come i silenzi nella musica), possono far vibrare i tratti appena nati, e suggerire, insinuare o accentuare possibili cammini a seguire... ecco quando nascono le convergenze delle linee e le infinite letture che portano con sé.

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eva lefever

watercolor and pencil on paper tr�ptico con unicornio i, ii & iii


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eva lefever

watercolor and pencil on paper

madona volc�nica


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Michelle Marie-Letelier 1977, Rancagua, Chile http://www.nowhere.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition Caliche Winds, Museo de Los Sures, New York, USA. group exhibition Magic Block: Contemporary Art from Chile, Bergen, Norway. group exhibition Territorio y Paisaje, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition To seize matter and leave a landscape, West Germany, Berlin, Germany. 2012 | solo exhibition Domed Scape, Perlini Arte Gallery, Padua, Italy. group exhibition Out of the Gray, Manifest Gallery, Cincinnati, USA. group exhibition X Video and Media Arts Biennial, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. group exhibition The importance of being original, Perlini Arte Gallery, Padua, Italy.

In “Energeia”, different meanings of the word energy are brought together from the politics of science, from economics to its strict dependence on the development of Western culture. The choice of this title, written in Greek, references the cradle of our culture. The work is composed of pieces of coal stuck to plaques of printed circuits, on which old technical drawings from an RDA factory have been etched in the fashion of modern electrical boards.

En “Energeia”, distintos significados de la palabra “energía” son conjugados desde la política de la ciencia, de la economía a su estricta dependencia en el desarrollo de la cultura occidental. La elección del mismo título, escrito en griego, hace referencia a la cuna de nuestra cultura. La obra se compone de trozos de carbón unidos a placas de circuito impreso, en las que antiguos dibujos técnicos de una fábrica de la RDA han sido grabados a modo de tableros electrónicos modernos. In “Energeia”, sono riuniti diversi significati della parola “energia”, a partire dalla politica della scienza, dall’economia alla sua rigida dipendenza dallo sviluppo della cultura occidentale. La scelta del titolo stesso, scritto in greco, fa riferimento alla culla della nostra cultura. L’opera si compone di pezzi di carbone uniti a placche di circuito stampato, nelle quali antichi disegni tecnici di una fabbrica di RDA sono stati incisi simulando un pannello elettronico moderno.


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michelle-marie letelier

mixed media energeia


Rina Letelier Chile Visual Artist


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rina letelier

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Consuelo Lewin 1970, Santiago, Chile http://www.consuelolewin.cl Visual Artist

2009 | solo exhibition Fragments of Natural Light, StuArt Gallery, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Full Image, Ciudad de Santiago de Querétaro Museum, Mexico. group exhibition Scope, Art Fair, New York, USA. group exhibition Scope, Art Fair, Miami, USA. group exhibition Boxed In, Fine Arts Space, Mall Plaza Vespucio, Santiago, Chile. 2007 | group exhibition Colloid Images, ArtSpace Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Revolver, StuArt Gallery, Drugstore, Santiago, Chile. group exhibition Handle With Care, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2006 | solo exhibition Fragment of a Blue Landscape, Puntangeles Gallery Valparaíso, Chile.

I’ve developed a body of work starting from pictorial abstraction, focussing specifically on the use of color, its classifications, its names and its productive possibilities. The investigation into productive systems that allow me to pigmentize different materials creates a dynamic platform by which different languages cross, validating the possibility of moving toward a landscape—as representational model—from an abstract visualization, focussing myself on relativity, apprehension, perception and color translation.

He desarrollado un cuerpo de obra a partir de la abstracción pictórica, centrándome específicamente en el uso del color, sus clasificaciones, sus nombres y su posibilidad de reproducción. La indagación en sistemas productivos que me permiten pigmentar diferentes materiales, crea una plataforma dinámica en la que se cruzan diversos lenguajes, constatando la posibilidad de hacer un acercamiento al paisaje –como modelo de representación–, desde una visualidad abstracta. Centrándome en la relatividad, aprehensión, percepción y traducción del color. Ho sviluppato un corpo d’opera a partire dall’astrazione pittorica, concentrandomi specificatamente sull’uso del colore, le sue classificazioni, i suoi nomi e le sue possibilità di riproduzione. L’indagine su sistemi produttivi che mi permettano di pigmentare differenti materie, crea una piattaforma dinamica su cui si incrociano diversi linguaggi, dandomi la possibilità di avvicinarmi ad una tipologia di paesaggio – come modello di rappresentazione – a partire da una visualità astratta. Concentrandomi su relatività, comprensione, percezione e traduzione del colore.


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consuelo lewin

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Sergio Mancilla Muñoz 1963, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | group exhibition, Public Space Patio Bellavista, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Vinart, Cian Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Arbolarte, Malls Plaza, Chile. permanent exhibition Cian Gallery, Santiago, Chile.

His artistic expression is varied, utilizing all the possibilities offered to him by the elements and materials he uses. The personal search for artistic expression has taken him to drawing, painting, engraving, collage and mixed technique using paper, wood, metals and waste materials. His work is characterized by the small format and by being infinitely detailed, filled with expression and movement.

Su expresión artística es variada, utiliza todas las posibilidades que los elementos y materiales le brindan. La búsqueda personal de expresión artística lo ha llevado al dibujo, la pintura, el grabado, el collage y técnica mixta; usando papel, madera, metales e incluso materiales de desecho. Su obra se caracteriza por ser de pequeño formato y de infinitos detalles, llenos de expresión y movimiento. La sua espressione artistica è varia, utilizza tutte le possibilità che elementi e materiali gli offrono. La sua ricerca personale di espressione artistica l’ha portato a sperimentare disegno, pittura, incisione, collage e tecnica mista, utilizzando carta, legno, metalli e materiali di scarto. La sua opera si caratterizza per essere di piccolo formato e di infiniti dettagli, pieni di espressione e movimento.


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sergio mancilla mu�oz

mixed media untitled


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Álvaro Martínez Blanche 1959, Santiago, Chile http://www.martinezblanche.cl Visual Artist

2014 | exhibition Against Wind and Tide, Talcahuano, Chile. 2011 | exhibition Art at the Limit, Portal la Dehesa, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Köln, Germany. 2007 | group exhibition Rotary Club Peñaflor, Chile. 2001 | group exhibition Casa de la Cultura de Peñaflor, Chile.

The painting of Martínez inscribes itself in the current of realism; nevertheless, this painter isn’t afraid to show the paintbrush’s trail to anyone who approaches his work. He does not distance himself from the objects, but approaches them and plays with them, exploring their various possibilities, offering the observer a look into the distinct reality or their everyday nature. It was in Germany where the “Multirealism” concept emerged to describe his work, a word which identifies the painter, who has adopted it from then on, as a framework in which to fit his art.

La pintura de Martínez se enmarca en la corriente del realismo; sin embargo el pintor aquí no le teme mostrar el rastro del pincel a quien se acerque a observar su obra. No toma distancia de los objetos, sino que se acerca y juega con ellos, explorando sus múltiples posibilidades, ofreciéndole al observador una mirada de la realidad distinta a lo cotidiano. En Alemania emerge el concepto de “Multirrealismo” para describir su obra, término con el cual el pintor se siente identificado, adoptándolo desde entonces como marco en el que se encuadra su arte. La pittura di Martínez si inquadra nella corrente del realismo; nonostante ciò, questo pittore non ha paura di far vedere la traccia del pennello a chiunque si avvicini a guardare la sua opera. Non prende distanza dagli oggetti ma, al contrario, si avvicina e gioca con questi, esplorando le loro molteplici possibilità e offrendo allo spettatore una visione della realtà diversa dal quotidiano. In Germania nasce il concetto di “Multirealismo” per descrivere la sua opera, termine che ha identificato il pittore, e che lui utilizza come cornice in cui inquadrare la sua opera.


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oil on canvas

buscando identidad


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Bernardita Matthei 1976, Concepción, Chile http://bernamatthei.com Sculptor

2011 | solo exhibition Ward Nase Gallery, New York, USA. 2010 | group exhibition Scuola Italiana, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition 15 Years States of Aura, Universidad Católica de Chile of the Immaculate Conception, Concepción, Chile. solo exhibition 15 Years States of Aura, Scuola Italiana Cultural Center, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition The World of Being, Ana María Matthei Gallery, Chile. participation in 2nd International Visual Arts Salon, Sao Paulo, Brazil.

 group exhibition Portraits of Woman, Ana María Matthei Gallery, Chile. group exhibition Ojo Latino, the Vision of a Continent, Museum of Contemporary Art MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. Winner first place for ceramics in the Annual Visual Arts Salon in Sao Paulo, Brazil.

I believe that each material has a language all of its own, and a nobility, which one must know how to cultivate. The important thing here is to maintain a dialogue. In my case, I use clay to manage details and express myself. I give color to the works with enamels, giving or taking away drama, like a theater work, where the present is the stage, where life is a game.

Creo que cada material tiene un lenguaje propio y una nobleza que hay que saber hacer florecer; lo importante es mantener el diálogo. En mi caso, es a través de la arcilla que logro manejar los detalles y expresar. Con los esmaltes le doy color a las obras, dándole o quitándole dramatismo, como una obra de teatro donde el presente es el estreno, y la vida misma un juego. Credo che ogni materiale ha un linguaggio proprio e una sua nobiltà che bisogna sapere far fiorire; l’importante è mantenere il dialogo. Nel mio caso, è attraverso l’argilla che riesco a controllare i dettagli ed esprimermi. Con gli smalti do colore alle opere dando o togliendo drammaticitá come un’opera teatrale, dove il presente è il palcoscenico, e la vita stessa, un gioco.


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bernardita matthei

clay and glaze detalle


Muriel Mellado 1987, Chile Visual Artist

2013 | group exhibition State of Emergency, Expo KA Art Space, De Las Americas University, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Character, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Useless Territory, Ensambles Art Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Nobody Knows Us 2: Carnival of the Apocalypse, Girardi Art Space, Factoría Italia, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Mala Junta. Concreta Gallery, Matucana 100 Cultural Center, Santiago, Chile.

Contained Pulverization is a pictorial work that begins with the extraction of images from the Internet which contain the decisive instant in which the landscape is confronted with an accident, emphasizing the contained pulverization of a taken photograph, translated pictorially through short brush strokes, so that the eye confronts a synthesis of forms and colors. The images are explosions where the expansion of the material is extreme, giving space for reflection, for the continuity of the image, where a topic like death is a daily show in our lives, leaving behind all capacity to be astonished.

“Pulverización contenida” es un trabajo pictórico que se inicia con la extracción de imágenes de internet, que contienen el instante decisivo en el que el paisaje se ve enfrentado a un accidente, dando énfasis en la pulverización contenida de la toma fotográfica, traducida pictóricamente a través de las pinceladas cortas, de modo que el ojo se ve enfrentado a una síntesis de formas y colores. Las imágenes son de explosiones, en donde la expansión del material es extrema, dando espacio a la reflexión, a la continuidad de la imagen, donde un tema como la muerte es un espectáculo diario en nuestras vidas, dejando atrás toda capacidad de asombro. “Pulverización contenida” è un lavoro pittorico che comincia con la selezione di immagini da Internet, che contengono l’istante decisivo nel quale il paesaggio si confronta con un incidente, evidenziando la polverizzazione trattenuta nella fotografia e, tradotta pittoricamente attraverso pennellate corte, di modo che l’occhio debba affrontare una sintesi di forme e colori. Le immagini sono esplosioni dove l’espansione di materiale è estrema, dando spazio alla riflessione e alla continuità dell’immagine, dove una questione come la morte è uno spettacolo quotidiano nella nostra vita, perdendo noi ogni capacità di stupore.


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muriel mellado

oil on canvas pulverizaci�n contenida


Iván Melnick Aranda 1985, Santiago, Chile Visual Artist

2013 | exhibition Alien, Oops! Gallery, Santiago, Chile. exhibition The Display Case, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Central Patio, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. group exhibition Abraxas Gallery, Santiago, Chile. 2011 | exhibition The Border of Bosh, B’naiB’rith, Santiago, Chile.

Like in a black novel or metaphysical western, fiction seeps into the scenes and characters that make up the narratives—linear or not—of the engravings of Iván Melnick. Anomalous and fantastic figures and situations that occupy his abundant dark planes are illuminated by small flashes of light, as if he wanted to force us to discover what we don’t see (but that we somehow perceive). These are images that jump from the realm of the cinematographic or the literature worlds (detective novels?), that emerge from a spontaneous process of drawing lines, playing with different levels and perspectives.

Como en una novela negra o un western metafísico, la ficción se cuela en los escenarios y personajes que construyen las narrativas -lineales o no- de los grabados de Iván Melnick. Las figuras y situaciones anómalas y fantásticas que ocupan sus amplios planos de oscuridad, son iluminados por pequeños destellos de luz, como si quisiera forzarnos a descubrir lo que no se ve (pero se intuye). Son imágenes que saltan del ámbito de lo cinematográfico o lo literario (¿novelas detectivescas?), que emergen de un proceso espontáneo de tirar líneas, jugar con planos y perspectivas. Come in un romanzo nero o un western metafisico, la fizione si insinua negli scenari e personaggi che costituiscono le narrative – lineari o meno – delle incisioni di Iván Melnick. Le figure e situazioni anomale e fantastiche che occupano i suoi vasti piani di oscurità, sono illuminate da piccole scintille di luce, come se volessero forzarci a scoprire ciò che non si vede (ma si intuisce). Sono immagini che balzano a noi dall’ambito cinematografico o letterario (romanzi gialli?), che emergono da un processo spontaneo di disegnare linee, giocare con piani e perspettive.


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iv�n melnick aranda

etching kingdom


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Natalia Méndez 1976, Chile http://nataliamendezarte17.blogspot.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Fortissimo, Lago Frutillar Theater, Chile. exhibition Finding Nermore, The art’s festival of JeffersonWaller MANIFESTAZIONES, LAB 43 Cultural Association for print, Venice, Italy. 2013 | group exhibition Book Senses, CEDOCDS- Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Chosen/Selected Artists, TRECE Art Gallery, Santiago, Chile. exhibition El Llibre il lustrat en Femeni, Barcelona, Spain. 2012 | solo exhibition Long Substrate, Origami Gallery, Valparaíso, Chile. exhibition Illustrated Book Festival, Barcelona, Spain. 2011 | group exhibition Children of the Mapocho, Nemesio Antúnez Art Space, Santiago, Chile.

My works grow out of an ongoing interest in the search for new bases and materials, using mainly the folds in fabric and paper, revealing the material and visual richness of this gesture to create different layers that, when they intertwine, allow one to talk of “landscape”, understood as a place or territory in transit. Both folds in paper and fabric, as well as transparencies in color and textures of different materials, form a TEXT that subtly evokes nature as made up also of imaginary landscapes that suggest an image the viewer can complete.

Mis obras se plantean desde un interés permanente por la búsqueda de nuevos soportes y materiales, utilizando principalmente los pliegues de la tela y del papel y dejando ver la riqueza material y visual de ese gesto, para crear diversas capas que, al entrecruzarse, permitan hablar de “paisaje”, entendiéndolo como lugar o territorio a transitar. Tanto los pliegues del papel y la tela, como las transparencias del color y las texturas de los distintos materiales, conforman un TEXTO que evoca sutilmente la naturaleza, como también paisajes imaginarios que sugieren una imagen a completar por el espectador. Le mie opere nascono da un costante interesse per la ricerca di nuovi supporti e materiali, utilizzando principalmente le pieghe della tela e della carta, lasciando intravedere la ricchezza materiale e visuale di quel gesto per creare diversi strati che all’intrecciarsi ci permettono di parlare del “paesaggio”, inteso come luogo o territorio da transitare. Tanto le pieghe della carta e della tela, quanto le trasparenze del colore e l’ordito dei materiali, conformano un TESTO che evoca una natura fatta anche di paesaggi immaginari che lo spettatore può completare.


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natalia m�ndez

folded paper and acrylic c�dice


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Enzo Modolo 1987, Santiago, Chile http://emodolo.wix.com/emodolo Visual Artist

2014 | group exhibition The new means of the visual correspondence, BQ pub, Milan, Italy. 2013 | group exhibition Contemporary Caravaggio, Ex-Monasterio di San Giovanni, Caravaggio, Italy. group exhibition of the Finalists for the Ghiggini Art prize, Ghiggini Gallery, Varese, Italy. 2012 | group exhibition of the Finalists for the Satura prize, Satura Gallery, Genova, Italy.

I see painting as a form of exploration and investigation; an introspective internalization and an investigation of the material qualities of paint, an exploration of the expressive force of the gesture and the line. When I paint I let the subconscious emerge with body, language and passion. In the series "Suspended Energies" I think about emptiness as an element of genesis; dramatic “explosions” of light and shadow confront each other and complement each other, finding a momentary respite… Light and shadow are seen as primary agents of creation, opposing and complementary, reposing in the void, in harmony and tension—the same thing maintains colliding energies suspended.

Veo la pintura como una forma de exploración e investigación; adentramiento introspectivo e investigación sobre las cualidades materiales de la pintura, una exploración sobre la fuerza expresiva del gesto y el trazo. Cuando pinto, dejo emerger el subconsciente con gestualidad y pasión. En la serie “Energías suspendidas”, pienso en el vacío como elemento de génesis: dramáticas “explosiones” de luz y de sombra se enfrentan y complementan, encontrando un reposo momentáneo… Luz y sombra como agentes primarios de la creación, opuestos y complementarios, que reposan en el vacío con armonía y tensión, la misma que mantiene en suspensión el choque de energías. Vedo la mia pittura come una forma di esplorazione e ricerca; un’appropriazione e una ricerca sulle qualità materiali della pittura, un’esplorazione della forza espressiva del gesto e del segno. Quando dipingo lascio emergere il subconscio con gestualità e passione. Nella serie “Energie in sospensione”, penso al vuoto come elemento di genesi; drammatiche “esplosioni” di luce e di ombra si scontrano e complementano trovando un momentaneo riposo… Luce e ombra come agenti primari di creazione, opposti e complementari che riposano nel vuoto con armonia e tensione, la stessa che mantiene in sospensione quello scontro di energie.


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enzo modolo

oil on canvas untitled


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Abril Montealegre 1985, Santiago, Chile http://www.abrilmontealegre.cl Visual Artist & Textile Artist

2012 | group exhibition Contemporary Textile Art, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. 2010 | participation in the Triennial International of Textile Art Fiber Art International 2010, Society of contemporary craft, Pittsburgh, Pennsylvania, USA. solo exhibition Abril in April, Medio mundo Gallery, Reno, Nevada, USA. 2009–2010 group exhibition Contained Space, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition White Recoleta, Recoleta Cultural Center, Buenos Aires, Argentina.

The concept of memory is present in my work through embroidery. I embroider, weave, stitch, keeping in mind that our very personal thread remains in contact with family memory, which gives, sometimes, an unexpected sense to what we do, because we pass from the intimate—the private, individual—to the public, almost without having proposed it to ourselves. My work is based on the recovery of traditional textile techniques carried from the country to the contemporary, recovering not just its techniques and images from my personal life, but also photos as visual referents, or meaningful objects and images.

EI concepto de memoria está presente en mi trabajo en relación con el bordado. Bordar, tejer, dar puntadas teniendo presente que nuestra hebra más personal tiene contacto con la memoria familiar, lo que Ie da un sentido a veces inesperado a lo que hacemos, porque pasamos de lo íntimo –lo individual, privado– a lo público, casi sin habérnoslo propuesto. Mi trabajo se basa en la recuperación de técnicas textiles tradicionales, llevadas al campo de lo contemporáneo, recuperando además de las técnicas, imágenes de mi vida personal, tanto fotos como referentes visuales u objetos e imágenes significativas. Il concetto di memoria è presente nel mio lavoro attraverso il ricamo. Tesso, ricamo, cucio, tenendo presente che il nostro filo più personale è in contatto con la memoria familiare, ciò che dà un senso a volte inaspettato a quello che facciamo, perché passiamo dall’intimo – individuale e privato – al pubblico, quasi senza volerlo. Il mio lavoro si basa sul recupero di tecniche tessili tradizionali, portate al contemporaneo, recuperando oltre alle tecniche, immagini della mia vita personale, tanto fotografie, quanto riferimenti visuali o oggetti e immagini significative.


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abril montealegre

tulle on canvas

miedo


Carlos Montes de Oca 1960, Concepción, Chile Visual Artist

Solo Exhibition La capacidad de recordar, PROA Fundation, Buenos Aires, Argentina. Solo Exhibition La mujer del curador at El Torreón Gallery, Porto Alegre, Brazil. Solo Exhibition The Latinamericandream, Space Gallery, Cleveland, USA. Solo Exhibition Barrio Bravo, Aspace Gallery, Toronto, Canada. Solo Exhibition Todo y Nada, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. Solo Exhibition El Beso Arcángel, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. Solo Exhibition La extensión de la felicidad, National Museum of Fine Arts MNBA, Santiago, Chile. Solo Exhibition Textos iluminados, A.MS Marlborough Gallery, Santiago, Chile.

His work is a visual game on the order of a calligram, using four letters of the Spanish alphabet which form a word, TODO - NADA (All - Nothing). These four letters could very well be the cardinal points in a fictional territory, which begins a series of questions about the world that surrounds us, particularly about the reality that we create and the instability of the images that populate our memories.

La obra se establece como un juego visual a modo de un caligrama, utilizando cuatro letras del alfabeto español que al mismo tiempo conforman una palabra TODO – NADA. Estas cuatro letras bien podrían ser los puntos cardinales en el territorio de la ficción, lo que da inicio una serie de interrogantes sobre el mundo que nos rodea, particularmente sobre la realidad que construimos y lo inestable de las imágenes que van poblando nuestro recuerdo. L’opera è un gioco visuale simile ad un calligramma, che utilizza quattro lettere dell’alfabeto spagnolo che allo stesso tempo formano una parola, TODO – NADA (Tutto–Niente). Queste quattro lettere potrebbero essere i punti cardinali in un territorio fittizio, ciò che dà inizio ad una serie di interrogativi sul mondo che ci circonda, in particolare sulla realtà che costruiamo e l’instabilità delle immagini che popolano i nostri ricordi.

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carlos montes de oca

“todo” & “nada”


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carlos montes de oca

“todo” & “nada”


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Camila Montero 1984, Santiago, Chile www.camilamontero.cl Visual Artist

2013 | solo exhibition Worm Gallery, Valparaíso, Chile. 2012 | group exhibition Empty Territory, Ensambles Gallery, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Timetable for Outside the Box, Juan Egenau Art Space, Faculty of Arts, Universidad de Chile, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Youth Art University Competition, Museum of Contemporary Art MAC de Quinta Normal, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Para] [Choque, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

I try to create paintings of atmospheres, that underlines the relationships between my body and materiality, the surrounding space and painting; I hope to permeate and somehow link the artistic experience with life in its various dimensions. I think of painting as a means of adopting a certain willingness of attention: I try, through the act of painting, to see with other eyes, heightening my awareness and sharpening my perception.

Busco conseguir una pintura de atmósferas, que dé cuenta de las relaciones entre mi cuerpo y las materialidades, el espacio circundante y la pintura; aspiro a permear y de alguna manera enlazar la experiencia artística y la vida con sus distintas dimensiones. Concibo la pintura como medio para adoptar cierta disposición de atención: procuro ver con otros ojos, mediante el acto de pintar, sensibilizar y agudizar mi percepción. Cerco di realizzare una pittura di atmosfere, che evidenzi le relazioni tra il mio corpo e la materialità, lo spazio circostante e la pittura; aspiro a permeare e, in qualche modo, intrecciare l’esperienza artistica e la vita, con le sue diverse dimensioni. Concepisco la pittura come mezzo per adottare una certa attitudine all’attenzione: cerco di vedere con altri occhi mediante l’atto di dipingere, per accentuare e affinare la mia percezione.


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camila montero

oil on canvas ajo


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Isabel Motta 1974, Santiago, Chile http://www.isabelmotta.com Visual Artist & Psichologist

2013 | solo exhibition In Synthesis, Museum of Contemporary Art, MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition The Great Earth/Land, P. Sebastián Englert Anthropological Museum, Rapa Nui, Chile. 2010 | solo exhibition History in Vinyl, La Sebastiana, Valparaíso, Chile. solo exhibition Symphony, Cinema House, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Territories of Visual Poetry,17 Artist Books, Traveling through the south Chile: Universidad Católica de Chile of Temuco Gallery, Sofía Hott-Osorno Cultural Corporation and Valdivia Cultural Corporation, Chile. solo exhibition Musical Writing, Posada del Corregidor, Santiago, Chile.

"Signos" (signs) are a type of writing created through superimposing the artist's calligraphy. Though Signs can be said to be at once a kind of gestural painting, music (sheet music for contemporary pieces), and sketches for dance choreography; they are also essentially Poetry, because they are rooted in the writing that she has been developing since she was 7 years old. Today she still continues to work on Life Diaries, which are part of her work process.

“Signos” son una escritura creada a partir de la caligrafía de la artista y las superposiciones que esta produce. Si bien los Signos son una obra que a la vez es pintura gestual, música, bocetos para coreografía de danza; esencialmente es Poesía, porque su origen está en la escritura de la artista y en haber desarrollado desde los siete años Diarios de Vida que hoy sigue elaborando y son parte de su proceso de obra. “Signos” (Segni) è una scrittura creata a partire dalla calligrafia dell’artista e le sovrapposizioni che produce. Sebbene “Signos” sia un’opera che a sua volta è pittura gestuale, musica, scarabocchi per coreografie di danza; essi sono essenzialmente Poesia, perché hanno origine dai Diari di Vita che l’artista scrive da quando aveva sette anni, e che tutt’oggi continua, elaborandoli, cosicché essi formano costantemente parte del suo processo artistico.


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isabel motta

black ink water on canvas untitled


Matías Movillo 1970, Santiago, Chile Visual Artist

2013 | solo exhibition Gasco Contemporary Art Space, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Unjustifiable Painting II, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. 2006 | solo exhibition Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. 2002 | group exhibition Exhibition Chilean Artists, Cecilia González Gallery, Lima, Peru. group exhibition Young Art, Gasco Contemporary Art Space, Santiago, Chile. 2000 | solo exhibition Matias Movillo, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. 1995 | group exhibition Young Talents, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile.

Pictorial construction, the way that an image occurs, sign and signified, associated by scale and material, are central interests in Matías Movillo’s work. The inhabitable, the house and its terrain, the yard or garden that surrounds it, like spaces of a subject and its psychological and emotional development. The stage for these themes in formal terms, happens through tonal transitions, opaque layers and translucent paint, fire and masking tape disguised as transformed materials that transform.

La construcción pictórica, el modo en que ocurre la imagen, simbolismo y significado asociados desde la escala y materialidad, son un interés central en el trabajo de Matías Movillo. El espacio habitable, la casa y su territorio, el patio o jardín que la rodea, como espacios propios del sujeto y su desarrollo sicológico y emocional. La puesta en escena de estos temas en términos formales, es a través de transiciones tonales estrechas, capas opacas y traslúcidas de pintura, el fuego y la cinta de enmascarar como materiales transformados y para transformar. La costruzione pittorica, il modo in cui accade l’immagine, simbolismo e significato associati da scala e materialità, rappresentano un interesse centrale nel lavoro di Matías Movillo. Lo spazio abitabile, la casa ed il suo territorio, il giardino che la circonda, spazi propri del soggetto e del suo sviluppo psicologico ed emozionale. La messa in scena di questi argomenti, in termini formali accade attraverso le transizioni tonali strette, strati opachi e traslucidi di pittura, il fuoco e lo scotch di carta come materiali trasformati e per trasformare.


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mat�as movillo

mixed media on wood untitled


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Guisela Munita 1971, San Fernando, Chile http://tallerguiselamunita.blogspot. com Visual Artist

2012 | group exhibition Divergences, Chilean Cultural Center, Buenos Aires, Argentina. 2011 | group exhibition Revolts, Fem Art 11, 17ena Mostra d’ Art de Dones, retrospective of 10 years of Dones Francesca Bonnemaison Cultural Center. group exhibition V Spanish Language Congress, Valparaíso INTERvenciones, Casa América, Madrid, Spain. group exhibition Mobile-Balcony, interventions in public Space, French Cultural, Concepción, Chile. 2010 | group exhibition V Spanish Language Congres, Valparaíso INTERvenciones, DUC Art Space, Valparaíso, Chile. 2009 | group exhibition 1st Triennial of Santiago, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

Intermittency and waiting are aspects of Valparaiso, and in this case, the photo shows a scene that far from being a spectacle, is the record of a drama, a tragedy: the charred remains of a burned-down house. This scene shows a person—Mr. Dino—living in a state of waiting to sell his terrain; while this occurs, a wall rises up, its interior facade adapting to the remains, the vegetation, and other objects keep him company, in his suspended state.

El estado de intermitencia y de espera son característicos en la ciudad de Valparaíso. La imagen fotográfica muestra una escenografía, que lejos de acercarse al espectáculo, es el registro de un drama, de una tragedia; corresponde a los restos de una vivienda que se incendió. En esta escenografía vive una persona –Don Dino– a la espera de vender su terreno; mientras ello ocurre, su muro y su fachada interior se van adaptando a los restos, a la vegetación, y otros objetos le acompañan en su estado latente. Lo stato d’intermittenza e di attesa è caratteristico della città di Valparaiso. L’immagine fotografica mostra una scenografia, che, lungi dall’essere uno spettacolo, è la registrazione di un dramma, di una tragedia: ciò che resta di un’abitazione andata a fuoco. Questa scena mostra una persona – il sig. Dino – che aspetta di vendere il suo pezzo di terra; mentre ciò accade, il muro, la sua facciata interna si vanno adattando ai resti, alla vegetazione, e altri oggetti gli tengono compagnia nel suo stato di attesa.


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guisela munita

photography c/artiller�a 383-387-389


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Iñaki Muñoz 1980, Santiago, Chile http://ahorcarte.cl Visual Artist

2013 | solo exhibition Map of Intelligence, Obsessions and Natural Deliriums, Tribute to Claudio Gay, CIAN Gallery, Chile. group exhibition Automata, Oops! Gallery, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Sound Piece: The Garden of the Incorrigible Bicycles, Ohrenhoch Gallery, Berlin, Germany. 2010 | group exhibition Mod, Launch in Cian Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Fobia (Audio Image Basic Formula), Spain Cultural Center, Chile. 2009 | group exhibition International Meeting of Current Surrealism, Salvador Allende Solidarity Museum, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Barista Café, Hönefoss, Norway.

Iñaki Munoz's work is based on various factors that influence and push human beings towards constant transformation in the universe: magic, the mystical and the unknown; the error of form when it transforms, destroying itself in order to rebuild itself and become a new form. The micro-universes that compose larger universes and vice versa, which generate a circular synergy of relation, transformation, relativity and chaos. Humor, good will, and evil are all necessary. Signifiers are destroyed and the signified is lost, which serves to generate new interpretations of the signified, giving it motion, life, and power at the moment of feeling and interpreting the work.

Su obra se construye desde varios factores que empujan hacia las constantes transformaciones de los seres vivos: la magia, lo místico y desconocido, el error de la forma cuando se transforma. Los microuniversos que conforman universos más grandes y su viceversa, generando una sinergia circular de relación, transformación, relatividad y caos. El necesario humor, la bondad y la maldad. La destrucción de los significantes sin resguardo de su significado, con el fin de generar nuevas interpretaciones del significado, dándole una gran movilidad, vida y poder al sentir e interpretar de la obra. La sua opera si costruisce a partire da vari elementi che spingono alle costanti trasformazioni degli esseri viventi: la magia, lo mistico e sconosciuto; l’errore della forma quando si trasforma. I microuniversi che formano universi più grandi e viceversa, generando una sinergia circolare di relazione, trasformazione, relatività e caos. L’umorismo, la bontà, la cattiveria. La distruzione dei significanti senza considerazione dei loro significati, con l’obbiettivo di generare nuove interpretazioni del significato, dando loro vita e potere nel momento di sentire ed interpretare l’opera.


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cuerpos flotantes y celestiales, hechos en fibras de magia e intimidad


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Carolina Muñoz Cancino 1985, Chile www.belencarola.tumblr.com Visual Artist

2014 | group exhibition Experiment, Oops! Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Project Sub30, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition MAVI Escondida Award, Arte Jóven Contemporáneo, Visual Art Museum MAVI, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition MAVI Escondida Award, Arte Jóven Contemporáneo, Visual Art Museum MAVI, Santiago, Chile.

I wanted to represent a dream experience, colorless and abstract, in a symbolic way: a portrait of a woman with long neck, short hair, smiling and strangely dressed, resembling Jewish pajamas, is tormented by a strew of thick hands that enter the scene from the top of the painting and press down on her head. The hands are almost imperceptible because of the movement and confusion in the woman shown. The switch is a symbol representative of all my work, as it symbolizes both daytime and dream life.

Quise representar una experiencia onírica, incolora y abstracta de manera simbólica en la que una mujer retratada de cuello largo, pelo corto, mirada sonriente y de vestuario extraño, asemejando un pijama judío, es atormentada por un esparcido de manos pastosas que entran en escena desde la parte superior del cuadro posándose sobre su cabeza. Las manos quedarán casi indefinidas con movimiento y confusión en la mujer retratada. El interruptor es un símbolo que representa toda mi obra. Es un instrumento que refleja la vida diurna y la onírica. Ho voluto rappresentare un’esperienza onirica, incolore ed astratta, in modo simbolico: una donna dal collo lungo, capelli corti, sguardo sorridente e abiti strani, simili ad un pigiama ebreo, è tormentata da molteplici mani che entrano in scena dal lato superiore del quadro e si posano sopra la sua testa. Le mani resteranno quasi indefinite a causa del movimento e della confusione sulla donna ritrattata. L’interruttore è un simbolo che rappresenta tutta la mia opera, poiché riflette la vita diurna e quella onirica.


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carolina mu�oz cancino

mixed media retrato


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Ignacio Muñoz Vicuña 1980, Santiago, Chile http://www.munozvicuna.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Folds, NineS Gallery, NY, USA. 2013 | solo exhibition Corporeals, Gallery XS, Santiago, Chile. group exhibition Art Miami, NineS Gallery, Miami, USA. group exhibition Art Southampton Fair, NineS Gallery, NY, USA. group exhibition Gallery NineS Collective, NineS Gallery, NY, USA. 2012 | group exhibition Manual Resistance, Museum of Contemporary Art MAC Valdivia, Valdivia, Chile. 2010 | group exhibition 21st Century Artists, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Whiteboards, Providencia Youth Cultural Center, Santiago, Chile.

“I’m interested in how we approach painting, recovering the discovery of the body through material form and tactile experiences.” Ignacio Muñoz Vicuña creates paintings made completely of pictorial material, which he later folds and joins together on the frame. They are works that go beyond the canvas. To this effect, Ignacio creates his paints by manipulating the consistency of the elements that make them up, throwing layers and letting them dry, creating sheets of paint that he then molds. For the artist, the paints are skins and the frame a skeleton.

“Me interesa cómo nos aproximamos a la pintura, recuperando el encuentro del cuerpo con la materialidad y la experiencia táctil”. Ignacio Muñoz Vicuña realiza obras hechas enteramente de materia pictórica, las cuales posteriormente pliega y adosa al bastidor: sus obras prescinden de la tela. Para su realización, fabrica la pintura manipulando la consistencia física de los elementos que la componen, aplicando capas que se arrojan y van dejando secar, creando sábanas de pintura que luego manipula. Para el artista, la pintura es piel y el bastidor su esqueleto. “Mi interessa come ci avviciniamo alla pittura, recuperando la scoperta del corpo con la materialità e l’esperienza tattile”. Ignacio Muñoz Vicuña realizza opere fatte completamente da materia pittorica, che lui poi piega e unisce al telaio: le sue opere prescindono dalla tela. Per la loro realizzazione, fabbrica la pittura manipolando la consistenza fisica degli elementi che la compongono, applicando strati che lascia asciugare, creando lenzuoli di pittura che dopo manipola. Per l’artista, la pittura è pelle e il telaio, scheletro.


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ignacio mu�oz vicu�a

painting without canvas on frame untitled


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ric a r d o c u a d

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Carlos Navarrete 1968, Santiago, Chile http://lavidasecretadek.blogspot.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Project for a Public Garden, Lugar a Dudas, Cali, Colombia. group exhibition Found / Chosen, 17 Looks at an Object, Las Condes Art Space, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition A Letter to Cyprus, Chiaki Kamikawa Contemporary Art Paphos, Cyprus. 2012 | solo exhibition Path, Pass, Defensoría Penal Pública, Valparaíso, Chile. 2011 | solo exhibition Bass, Space, Exsecuritystand, Universidad Católica de Chile Institute of Art, Valparaíso, Chile. 2009 | solo exhibition Movements and Residences, CNCA Exhibition Space, Valparaíso, Chile. 2008 | solo exhibition Moment, Florencia Löewenthal Gallery, Santiago, Chile.

These works belong to a body of works called "A journey through the Polynesian triangle".This initiative consisted in travelling the majority of islands that make up this imaginary triangle, whose end points are Hawaii, Easter Island and New Zealand, which are considered the boundaries of Polynesia. EA1 and EA2 make reference to my trip to Easter Island in February 2009, in the first stage of this world tour, and during this time I tried to reflect on how travel affects our way of seeing the world.

Estos trabajos se enmarcan en un proyecto de obras que llevan por título “Un viaje por el triángulo de la Polinesia”. El proyecto consiste en recorrer la mayor cantidad de islas que constituyen este triángulo imaginario, en cuyos extremos estaría Hawai, Isla de Pascua y Nueva Zelanda; determinando la noción de Polinesia. EA1 y EA2, están referidos a mi viaje a Isla de Pascua en febrero de 2009, primera etapa de este recorrido por el mundo, tratando de reflexionar en torno a cómo los viajes pueden afectar nuestra manera de comprender el mundo. Questi lavori si inseriscono in una serie di opere che si intitolano “Un viaggio attraverso il triangolo della Polinesia”. Il progetto consiste nel percorrere la maggior parte delle isole che costituiscono questo triangolo immaginario, ai cui estremi sono le Hawaii, l’Isola di Pasqua e la Nuova Zelanda, che sono considerate i confini della Polinesia. EA1 ed EA2 si riferiscono al mio viaggio all’Isola di Pasqua a febbraio 2009, prima tappa di questo percorso per il mondo, durante il quale ho cercato di riflettere su come i viaggi possono influenzare il modo in cui percepiamo il mondo.


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carlos navarrete

mixed media

ea 2


Fabián Neisskenwirth 1988, Eitorf, Alemania Visual Artist & Sculptor

2013 | exhibition More So Your Deformity Constitutes Our Beauty, Factoría Italia, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Machines from a Human Park, Artek Cultural Center, Santiago, Chile.

The sinister and the abject generate rejection; rejection of a reality that we don’t want to see. We must learn to live and accept it, however terrible it may be. This world is not pretty, it is a terrible place full of meanness, abuse and human perversion without limit. When we see a decomposing human body we confront the most terrifying monster: death. A putrified and ugly death, just as we reproduce it in our everyday lives. The only thing we have left is to reflect on the fatal landscape we have made.

Lo siniestro y abyecto nos generan rechazo; un rechazo a una realidad que no queremos ver. Debemos aprender a vivir en ella y aceptarla, por muy horrible que sea. Este mundo no es bonito, es un lugar terrible, lleno de maldad, abusos y perversiones humanas que no tienen límites. Al mirar un cadáver en descomposición nos enfrentamos a nuestro monstruo más aterrador: la muerte. Una muerte podrida y fea, tal como la representamos día a día en nuestras acciones cotidianas. Sólo nos queda la contemplación del paisaje funesto que construimos. Il perturbante e l’abietto generano rifiuto; rifiuto di una realtà che non vogliamo vedere. Dobbiamo imparare a vivere in essa e accettarla, anche se è una realtà orrenda. Questo mondo non è bello, è un posto terribile, pieno di cattiveria, abusi e perversioni umane che non conoscono limiti. Al guardare un cadavere che si decompone, affrontiamo il nostro mostro più terribile: la morte. Una morte marcia e brutta, così come la rappresentiamo, giorno dopo giorno, nelle nostre azioni quotidiane. Ci resta solo la contemplazione del paesaggio funesto che abbiamo costruito.


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fabi�n neisskenwirth

mixed media untitled


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Bárbara Oettinger 1981, Santiago, Chile www.barbaraoettinger.com Visual Artist & Photographer

2014 | group exhibition Nodo / Identity Relations, Coquimbo Arts Festival, ARC, Coquimbo, Chile. 2013 | solo exhibition Inflection Point, Yono Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Raw Material, Curated by Núria Miret, Sicart Gallery, Barcelona, Spain. group exhibition Open Doors, Curated by Claudia Giannetti, Portugal. group exhibition Portrait, Identification Device, Mall Plaza Vespucio Art Space, National Museum of Fine Arts, Curated by Andrea Jösch, Santiago, Chile. project selected Symbiosis in the 9th Paraty in Focus, International Festival of Photography, Brazil, Paraty. 2012 | group exhibition Prologue, Hall Gallery, OFF ChaCOFF, Santiago, Chile.

Individuals from different backgrounds are invited to write a confession on a piece of paper. As soon as they’ve decided, they take the paper into a studio where they proceed to modify it (break, crumple, burn, fold). They will have the possibility to choose the back color for their piece of paper. After the ritual, the modified paper will be registrated in a photograph. Through cathartic writing they manage to discharge emotions and thoughts onto the paper in order to get rid of them. In this fashion, participants separate the message carried by the letters from their bodies, finding relief in the act of destroying something that they decided should no longer be a part of themselves.

Se invita a individuos de diversos ámbitos a escribir en un papel una confesión. En cuanto el sujeto decida, llevará aquel papel a un estudio donde procederá a modificarlo (romper, arrugar, quemar, doblar). Se le dará a elegir el color de fondo para depositar el papel. Terminado el ritual, el papel modificado será registrado en una fotografía. Por medio de la escritura catártica se logra depositar en el papel emociones y pensamientos para deshacerse de ellos. Quien participa en este proceso aparta de su cuerpo aquel mensaje que las letras cargan, encontrando alivio al destruir eso que decidió dejará ser parte de él. Si invitano individui di varia provenienza a scrivere su un foglio di carta una confessione. Poi il soggetto, porterà il foglio in uno studio dove procederà a modificarlo (romperlo, spiegazzarlo, bruciarlo, piegarlo). Potrà scegliere un colore di sfondo sul quale appoggiare il foglio. Finito il rituale, il foglio modificato sarà registrato in una fotografia. Attraverso la scrittura catartica, si depositano sul foglio emozioni e pensieri per liberarsi di essi. Chi partecipa a questo processo separa dal suo corpo il messaggio che portano le lettere, trovando sollievo nel distruggere ciò che aveva già deciso non doveva far più parte di lui.


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b�rbara oettinger

digital photography

punto ciego


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Diego Olate 1986, Concepción, Chile www.olatediego.cl Visual Artist

2014 | exhibition Project Sub30 Painting in Chile, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. exhibition A Look at Penquista Creation, Del Aire Artería, Concepción, Chile. exhibition Youth Painting, Banco Negro Space, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Retrospective, CECAL, Chillán, Chile. solo exhibition Mea maxima culpa, from Aire Artería, Concepción, Chile. group exhibition The Overnight Route, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition Sub30, Oops! Gallery, Santiago, Chile. exhibition Un coeup oeil autour de la creation penquista, Couvent des Cordeliers, Paris, France.

This diptych belongs to a series of pictures and sculptures of varying form that grapple with the problem of man’s influence on the course of the universe. It strives towards paradox through a visual brainstorm of discursive elements that are narrowly related to each other, such as colors, forms, and distinctive materialities or concepts. The title comes from Confiteor (a prayer for man’s sins), which in this case is extended to include humanity’s collective guilt.

El presente díptico pertenece a una serie de piezas pictóricas y escultóricas de distinto formato que problematizan la influencia del hombre en el curso del universo. Buscando un acercamiento a la paradoja mediante una lluvia de ideas visuales, de elementos discursivos con una estrecha relación entre sí; como colores, formas, materialidades distintivas o conceptos. Su título viene del Confiteor (oración por los pecados del hombre), el cual se extiende, en este caso, a las culpas de la humanidad. Questo dittico fa parte di una serie di opere pittoriche e scultoree di diverso formato che problematizzano l’influenza dell’uomo sul corso dell’universo. Cerca di avvicinarsi al paradosso mediante una fitta serie di idee visuali, di elementi discorsivi che sono strettamente legati tra di loro come colori, forme, materialità o concetti. Il suo titolo viene dal Confiteor (preghiera per i peccati dell’uomo), che si estende in questo caso alle colpe dell’umanità.

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diego olate

synthetic enamel on orange polyethylene

mea m�xima culpa


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diego olate

synthetic enamel on orange polyethylene

mea m�xima culpa


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Francisco Javier Olea 1972, Santiago, Chile http://www.oleismos.blogspot.com Illustrator & Designer

2011 | group exhibition 25 Chilean illustrators Rock & Plop, Plop! Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Avatar, Plop! Gallery, Two-hand works with Alberto Montt, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Color It, 50 Chilean illustrators, National Library of Chile, Chile. 2009 | exhibition Head Broth, Trazos Gallery, Two-hand works with Alberto Montt, Chile. 2007 | exhibition I Sell by Traveling, Universidad Católica de Chile, Siete Rayas Collective, Santiago, Chile. 2006 | exhibition Postcards from Santiago. Santiago Library, Siete Rayas Collective, Chile.

After struggling with painting, for the last ten years I’ve found a place where I can move freely and that stirs my passion: illustration. It is a medium rooted in the plastic world but strongly supported by communication. My work is characterized by a constant search for graphic solutions different in form (differents forms of connecting) and a fine sense of humor.

Luego de luchar con la pintura, los últimos diez años he encontrado un lugar donde moverme que me apasiona, la ilustración. Un oficio con raíces en lo plástico pero fuertemente sustentado por la comunicación. Mi trabajo se caracteriza por la búsqueda constante de soluciones gráficas diversas en lo formal (formas de llegar) y por un agudo sentido del humor. Dopo aver lottato con la pittura, in questi ultimi dieci anni ho trovato un posto dove muovermi che mi appassiona: l’illustrazione. Un mezzo espressivo con radici nell’arte plastica ma fortemente sostenuto dalla comunicazione. Il mio lavoro si caratterizza per la ricerca costante di soluzioni grafiche diverse dal punto di vista formale (inteso come modo di arrivare a chi guarda), e per un forte senso dell’umorismo.

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francisco javier olea

acrylic on canvas d�a y noche


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francisco javier olea

acrylic on canvas d�a y noche


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Paulina Olguín 1986, Santiago, Chile http://paulitextil.artenlinea.com Textile Artist

2013 | exhibition 25th Version of the National Competition "Tu Arte" of the Universidad de Valparaiso, El Faro Art Space, Valparaíso, Chile. exhibition The Quotidian, Textile Reflections from Paper, Nemesio Antúnez Art Space, UMCE, Santiago, Chile. exhibition Student Salon: From the Rest, Aesthetic Pharmacology: the Way of Making Art in Chile, Universidad de Chile; Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2012 - 2013 Group Exhibition Empty Space, Ensambles Gallery, Santiago, Chile. exhibition Traveling, 24th Version of National Youth Art Competition of the Universidad de Valparaiso, Valparaíso, Los Andes, Santiago. 2012 | exhibition The Gift, Hotel Gen suite & Spa, Santiago, Chile.

Inheritance is that information—genetic or existential—that defines who we are. It is with us daily and its importance is such that it can define a culture. This work combines biological/genetic resources, represented by human hair (which contains exact information about our genes and what we consume), with the image of newspaper clippings of a Mapuche native in various forms. It aims to emphasize the link between our origin and identity: we cannot deny or run away from our past, from who we are, from our cultural origins.

La herencia es aquella información, genética o vivencial, que puede definir lo que somos. Nos acompaña a diario y su importancia es tal que podría definir una cultura. En la obra se mezcla el recurso biológico/genético representado por el pelo humano, con la imagen de los registros periodísticos de una indígena Mapuche en sus múltiples manifestaciones. Pretende enfatizar el vínculo con nuestro origen e identidad. No podemos negar ni huir de la procedencia, de quiénes somos y el origen de nuestra cultura. L’eredità è quell’informazione, genetica o esperienziale, che può definire chi siamo. Ci accompagna ogni giorno e la sua importanza è tale che potrebbe definire una cultura. In quest’opera si mescola l’elemento biologico/genetico, rappresentato dai capelli umani, con l’immagine di un’indigena Mapuche, tratta da ritagli di quotidiani che la presentano nelle sue molteplici manifestazioni. Si vuole enfatizzare il vincolo con la nostra origine e la nostra identità. Non possiamo negare o fuggire dalla nostra provenienza, da chi siamo e dall’origine della nostra cultura.


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paulina olgu�n

hair embroidery on canvas untitled


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Alejandro Ortíz 1971, Talca, Chile http://www.alejandrortiz.cl Visual Artist

2005 | solo exhibition Local View, ARCOS Cultural Gallery Space, Santiago, Chile. 2002 | solo exhibition Art Space "Moneda" of the Instituto Chileno Norteamericano de Cultura, Chile. solo exhibition Ante-sala, Art Space of the Municipalidad de Viña del Mar, Chile. He has participated in group exhibitions throughout the entirety of Chile, as well as in Argentina, Peru, Brazil, Spain, France, Mexico, Denmark and Algeria.

My work seeks to understand the articulation or coexistence of materially distinct realities that when placed together generate tension in multiple directions, both symbolically and materially. It pursues to demonstrate a permanent state of ambivalence between realistic sky scenes—spectacular and exhaustively crafted—with architectural elements and constructions of an artificial or geometrical character, all of which are technically different.

Mi trabajo busca la articulación o convivencia de realidades materialmente distintas que juntas generan una tención en múltiples direcciones simbólicas y materiales. Persigue evidenciar un permanente estado de ambivalencia entre escenas de cielos realistas, espectaculares y de factura muy acabada, con elementos arquitectónicos y construcciones de carácter artificial y geométrico, realizados de modo técnicamente distinto. Il mio lavoro cerca di comprendere l’articolazione o convivenza di realtà materialmente diverse che insieme generano una tensione in molteplici direzioni, simboliche e materiali. Vogliono evidenziare un permanente stato di ambivalenza fra scene di cieli realistici, spettacolari e di fattura molto fine, con elementi architettonici e costruzioni di carattere artificiale, geometrico, realizzati in modo tecnicamente diverso.


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alejandro ort�z

oil on canvas untitled


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Teresa Ortúzar 1944, Santiago, Chile http://www.teresaortuzar.cl Visual Artist

2012 | solo exhibition Cachagua Princesas Equestrian Club, Chile. 2011 | solo exhibition Goddesses, Trazos Gallery, Chile. 2009 | group exhibition 33 Painters, Mexico City, Mexico. 2008 | solo exhibition Nature’s Secrets, 13 Gallery, Chile. Group Exhibition Miniart, University of the Amazona, Manao, Brazil. Group Exhibition Garage, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. 2007 | solo exhibition Minera Collahuasi Art Space, Iquique, Chile. Solo Exhibition Acrostics, Pueblito de Los Dominicos, Chile. group exhibition Myths of Chile, Tampico, Mexico. 2005 | solo exhibition Punta Arenas Chilean Antarctice Institute, Chile.

The work I’ve done speaks about my country’s landscapes, but mainly about the beings that inhabit it, the diversity and ethnic mix of my country. I pay homage to the inhabitants of this narrow strip of land, CHILE.

La obra que he hecho habla del paisaje de mi tierra, pero principalmente de los seres que la habitan, la diversidad y mezcla étnica de mi país. Rindo un homenaje a los habitantes de esta angosta faja de tierra, CHILE L’opera che ho realizzato parla del paesaggio della mia terra, ma principalmente degli esseri che la abitano, della diversità e mescolanza etnica del mio paese. Rendo omaggio agli abitanti di questa sottile fascia di terra, CILE.

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teresa ort�zar

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pareja de mi tierra


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teresa ort�zar

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pareja de mi tierra


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María Ossandón Recart 1986, Santiago, Chile http://mariaossandon.com Visual Artist

2012 | group exhibition Far from Home, Estación Mapocho Cultural Center, Bicentenario Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Movement/Body, Carga Gallery Space, Plaza de Arma de Isla de Maipo, Chile. 2011 | group exhibition Occupy: 24 Artists and 1 Curator, In the apartment of curator Pamela Prado, Santiago, Chile. group exhibition Youth Art University Competition, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. exhibition Fevers and Wefts, Arte59 Contemporary Academy of Art, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition 30 Words 30 Visual Artists, Observatorio Lastarria Art Space, Santiago, Chile.

For this work I took as a reference the paintings of “dark romanticism” from the 19th century, which reflect desolate landscapes, the loneliness of man, melancholy and the relationship between man and nature, proposing a rereading of these themes.

En este trabajo tomé como referencia las pinturas del “Romanticismo Oscuro” del siglo XIX, donde se reflejan paisajes desolados, la soledad del hombre, la melancolía y la relación entre hombre y naturaleza, proponiendo una re-lectura sobre estos temas. In questo lavoro ho preso come riferimento i dipinti del “Romanticismo Oscuro” del secolo XIX, dove si riflettono paesaggi desolati, la solitudine dell’uomo, la melancolia e la relazione tra uomo e natura, proponendo una ri-lettura di questi argomenti.


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hombre en el acantilado


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Luz María Ovalle 1956, Santiago, Chile http://www.luzmariaovalle.cl Visual Artist

2013 | solo exhibition Chile in Colors, Mall Plaza Estación Central, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Values and Colors, Providencia Institute of Culture, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Paintings and Drawings, Salón Rojo, The Happy Stone, Valparaíso, Chile. 2006 | solo exhibition Paintings and Drawings, Casa del Arte, Gabriel Pando Gallery, Talca. Chile.

Luz María has a technique which allows her to veil the representation of human dignity, in its misfortunes as it walks the earth, between birth and death. Her position is transcendental, since the boy, the grown man or the old man, prefigure their specters between the veils of the half-light and shadow. Her idea is that there’s nothing of worth in the figure if we haven’t taken it from a rich social category, or another esthetic, of beauty. She is interested in all genres of types to the highest moral category: the supreme dignifying of the human condition.

Luz María tiene una técnica que le permite velar la representación de la dignidad humana, en sus males al deambular por la tierra, entre el nacer y el morir. Su posición es trascendental ya que el ninfo, el hombre maduro o el anciano, prefiguran su espectro entre los velos de la penumbra y la sombra. Su idea es que nada es importante en la figura si no la hemos sacado de una categoria social de riqueza, o de otra estética de belleza. Para ella lo que interesa es transportar todo género de tipos a la categoría moral más alta: la dignificación suprema de la condición humana. Luz Maria ha una tecnica che le permette di velare la rappresentazione della dignità umana, le sue sventure mentre vaga sulla terra, tra la nascita e la morte. La sua posizione è trascendentale giacché il ragazzo, l’uomo maturo o l’anziano, prefigurano il loro spettro fra i veli della penombra e l’ombra. La sua idea è che non c’è niente di importante nella figura se non la prendiamo dalla categoria sociale di ricchezza, o di un’altra estetica di bellezza. Per lei, ciò che importa è trasportare ogni genere di tipologia alla categoria morale più elevata: la dignificazione suprema della condizione umana.

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luz mar�a ovalle

acrylic on canvas

el vendedor


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luz mar�a ovalle

acrylic on canvas

el vendedor


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Hernán Parada Urrutia Chile http://hernanparada.com Visual Artist

1997 | solo exhibition Retrospectiva Paris Painters 1987–1997, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 1997 | group exhibition Traveling How I dream New York, New York, USA. 1986 | solo exhibition Du Haut Pavé Gallery, Paris, France. 1978 | group exhibition Ville de Paris Plastic Arts Foundation, France. 1976 | exhibition XXVII Salon de la Jeune Peintures, Orangerie du Senat, Paris, France. 1975 | exhibition XXVI Salon de la Jeune Peintures, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France. 1974 | group exhibition Colombes Culture House, Paris, France. solo exhibition Du Haut Pavé Gallery, Paris, France.

Andre Malraux says that «the essence of an artist’s work is the sketch». This phrase led me to define my style. I prepare my canvases to create a base similar to paper, an absorbent surface. I abandoned the intellectual and went for the manual and tearing out guts. From there, the surface in front of me, I don’t know what I’m going to make. The advantage: I surprise myself! The drawing presented here was done on an iPad with a Jot Touch stylus and printed on Canson sketch paper. The iPad’s screen replaced paper and the stylus pen and brush.

André Malraux dice que «la esencia de la obra de un artista está en el esbozo». Esta frase me condujo a definir mi estilo. Preparo mis telas para encontrar un soporte similar al papel, una superficie absorbente. Abandoné lo intelectual y pasé a lo manual y a sacar las tripas. Desde entonces, ante una superficie, no sé lo que voy a crear. La ventaja: ¡sorprenderme! El dibujo presentado fue ejecutado en un iPad con un estilete Jot Touch e impreso sobre papel de dibujo Canson. La pantalla del iPad reemplazó el papel y el estilete, el lápiz y pincel. André Malraux disse che «l’essenza dell’opera di un artista è lo schizzo». Questa frase mi ha portato a definire il mio stile. Preparo le mie tele per creare un supporto simile alla carta, una superficie assorbente. Ho abbandonato l’intellettuale e sono passato al manuale, a tirare fuori le trippe. Da allora, di fronte ad una superficie, non so cosa creerò. Il vantaggio: riesco a sorprendere me stesso! Il disegno presentato è stato eseguito con l’iPad e uno stiletto Jot Touch, e stampato su carta da disegno Canson. Lo schermo dell’iPad ha rimpiazzato la carta e lo stiletto, la penna e il pennarello.


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Lorena Pedemonte 1969, Santiago, Chile Visual Artist

2014 | exhibition The Transparent Dream, Project econom ART Curated by Anna D' Ambrosio, Amy-d Art Space, Italy. group exhibition Identità Profonda, Curated by Maria Rosa Pividori, GAS Torino Gallery, Science Center and University of Torino, Manifattura Tabacchi, Turin, Italy. group exhibition Raffigurazioni da matrice con varianti Segni ed Esistenza, Curated by Maria Rosa Pividori 10.2! Dieci.Due! International research contemporary art, Milan, Italy. 2013 | exhibition VII Tornare @ Itaca Luci e Ombre, Dieci.Due! International research contemporary art, Milano, Italy. exhibition Raffigurazioni da matrice con varianti Segni ed Esistenza, Museo d' Arte Moderna Ugo Carà - Muggia, Trieste, Italy.

These works are a reflection of an observation based on the rhythm, movement and concentration of man in contemporary life in the internal dynamics of a city. The painting’s subject is the human form, evoked by the sign and its synthesis. A map of signs is developed through an interplay of concentration and flow, rhythm, movement of figure and depth, the blurring and detachment of the sign in its various gestures.

Estos trabajos son el reflejo de una observación basada en el ritmo, movimiento y concentración del hombre en la vida contemporánea al interior de la dinámica de una gran ciudad. El sujeto de las pinturas es la figura umana, evocada por el signo y su síntesis. El mapa de signos se desarrolla a través de un juego de concentración y flujo, ritmo, movimiento de la figura y el fondo, el desdibujado y el despegado del signo en sus gestos varios. Questi lavori sono il riflesso di un’osservazione basata sul ritmo, sul movimento e sulla condizione dell’uomo nella vita contemporanea all’interno della dinamica di una grande città. Il soggetto dei dipinti è la figura umana, richiamata attraverso il segno e la sua sintesi. La mappa segnica si sviluppa mediante un gioco di concentrazione e flusso, ritmo e movimento della figura e dello sfondo, la cancellazione e il distaccamento del segno nei suoi vari gesti.

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multitud [y] primo stadio multitud [y] secondo stadio


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multitud [y] primo stadio multitud [y] secondo stadio


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Andrés Peñaloza 1973, Chile http://www.andrespenaloza.cl Designer & Visual Artist

2007 | exhibition Mother and Son, Praxis Gallery, Pictorial with the noted national painter Celina Gálvez. 2001 | design and execution: Presidents Peak 2001, in tandem with the businessman Reinaldo Lippi, hanging structures of 35 meters and 25 meters were constructed and hung on the interior of Estación Mapocho Cultural Center.

As a young boy I had many interests, and though I was never quite sure if the world of art drew my attention, I occasionally approached it in my adolescence though Elisa de Paut's illustrated children's books. Today I know my vocation as painter, and I work daily on canvas, paper or the format available to me, using them to express what I think, imagine or simply want to convey, without prejudices, forms or pre-established concepts.

De pequeño tuve muchos intereses, y aunque nunca tuve realmente claro si me llamaba la atención el mundo del arte, tuve algunos acercamientos a éste en mi adolescencia a través de la ilustración de libros infantiles de la escritora Elisa de Paut. Hoy sé que mi vocación es la pintura y trabajo diariamente sobre telas, papel o el soporte que esté de turno, plasmando sobre ellos lo que pienso, imagino o simplemente quiero transmitir; sin prejuicios, formas o conceptos pre-establecidos. Sin da piccolo ho avuto molti interessi, e sebbene non sono mai stato sicuro se il mondo dell’arte mi attirava o meno, mi ci sono avvicinato durante l’adolescenza attraverso i libri illustrati per bambini della scrittrice Elisa de Paut. Oggi so che la mia vocazione è la pittura, e lavoro ogni giorno su tela, carta o altri supporti, plasmando su essi ciò che penso, immagino o semplicemente voglio trasmettere; senza pregiudizi, forme o concetti pre-stabiliti.


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andr�s pe�aloza

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Amparo Phillips 1979, Viña del Mar, Chile ø http://www.amparophillips.blogspot.com Designer & Illustrator

2013 | group exhibition Illustration Chilean Style, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. live painting and group exhibition Riddles, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Color It, National Library of Chile, Santiago, Chile. group exhibition Birdhouses, Casas de Lo Matta, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Monkeys with Paintbrushes, From the Said to the Done, Café Literario, Santiago, Chile. group exhibition Selections, Poisoned Ball, Chioggia, Italy.
 group exhibition Monkeys with Paintbrushes, A Monkey Escaped from this Book, Santiago Library, Santiago, Chile. illustrated books: "A Very Special Friend". Liberalia Ed., 2009 "Selk'nam". Editorial Ocho libros, 2009

I’m always surprising myself, in good ways and bad, about what happens with the passing of time: the advances and retreats, the comings and goings; “modernities”, at times retrograde and at other times almost perfect… in the end, this leads me constantly to think about “beginning”, “base”, “origin”; things without intervention, not as something better than the intervened, but as a question and a search for constant balances.

Siempre estoy sorprendiéndome, para bien y para mal, de lo que sucede con el paso del tiempo: los avances y retrocesos, las idas y vueltas, las “modernidades”, a veces retrógradas y otras casi perfectas… en fin, eso me lleva constantemente a pensar en un “inicio”, “base”, “origen”; las cosas sin intervención, no como algo mejor que lo intervenido, sino como una pregunta y una búsqueda de equilibrio constante. Continuamente mi sorprendo, nel bene o nel male, per ciò che accade col trascorrere del tempo: gli avanzamenti e le ritirate, l’andare e il ritornare, le “modernità” a volte retrograde, e altre quasi perfette… alla fine, questo mi porta costantemente a pensare ad un “inizio”, una “base”, un’“origine”; le cose senza intervento; non qualcosa di migliore rispetto a ciò su cui si è già intervenuti, ma come punto di domanda, una ricerca dell’equilibrio costante.


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amparo phillips

mixed media origen


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Camila Pino Gay 1982, Santiago, Chile http://www.camilapinogay.com Visual Artist

2012 | bi-personal exhibition with Andrea Domínguez, Universidad Católica de Chile Art Gallery, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition 1, XS Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Marlborough Gallery, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. group Exhibition StuArt Gallery, Santiago, Chile. bi-personal exhibition with Arturo Duclos, Pax Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Untitled, Matucana 100, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Altered Scene, Animal Gallery, Santiago, Chile.
 2007 | exhibition Absolut-Lomo, La Sala Gallery, Santiago, Chile.

My pictorial work uses the displacement of manipulated photographic montages published in print and digital media. Faces of models with androgynous features, magazine covers and UFO sightings, to make paintings that situate themselves among pop simulation and representative mimesis.

Mi trabajo pictórico utiliza el desplazamiento de montajes fotográficos trucados, publicados en medios de comunicación impresos y digitales. Representaciones de rostros de modelos que comparten rasgos andrógenos entre ellas, portadas de revistas y avistamientos de ovnis; con estos realizo pinturas que se encuentran en relación con el simulacro pop y la mimesis representativa. Il mio lavoro pittorico utilizza il trasferimento di montaggi fotografici truccati, pubblicati su mezzi di comunicazione di stampa e digitali. Rappresentazioni del viso di modelle dai lineamenti androgeni, copertine di riviste e avvistamento UFO; con questo materiale, realizzo dipinti che si collocano tra il simulacro pop e la mimesi rappresentativa.


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camila pino gay

oil on canvas

avistamiento en los andes


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Soledad Poirot 1976, Santiago, Chile http://solepoirot.jimdo.com Illustrator

2009 | group exhibition Paper Territories, Arte Epacio Gallery, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Multiplicity, Collective Finis Terrae University Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Rethinking Picasso/ Repensando a Picasso, Picasso Museum, Barcelona, Spain. group exhibition Illustrators, Arquitectos de Galicia School (COAG) in Ferrol, Spain. group exhibition My cup of tea, Barra da Ferro Art Space, Borne, Barcelona, Spain. 2000 | group exhibition Finis Terrae Student Center, Montecarmelo Cultural Center, Chile.

Nöel Valis, in her book "Mi casa me recuerda" refers poetically to memory and the notion of house/home. The text investigates memories and projections of one’s own interior “nest”, where memories, traumas and one’s own story coalesce. In my work "the Nest", the representation of “the house” or “the home”, these interior topographies manifest themselves in the almost silent remark of graphite, thread, or the land. They are now part of the vegetation of the central and northern regions of Chile, the cacti: native flora, violent and brave, surviving despite a hostile and arid environment.

Nöel Valis en su libro “La Casa me recuerda” se refiere poéticamente a la memoria y la noción de casa/hogar. El texto indaga en los recuerdos y proyecciones de un “nido” propio, interior, donde conviven recuerdos, traumas y la propia historia. Así, en mi trabajo “el Nido”, la representación de “la casa” o el “hogar”, las topografías interiores, se manifiestan con la casi silenciosa puntada del grafito, hilo, o la tierra. Son parte ahora la vegetación propia de la zona central y norte de Chile, los cactáceos: flora autóctona, violenta y valiente que sobrevive a pesar de un ambiente hostil y árido. Nöel Valis, nel suo libro “La Casa me Recuerda” si riferisce poeticamente alla memoria e alla nozione di casa. Il testo indaga nei ricordi e nelle proiezioni di un “nido” proprio, interiore, dove convivono ricordi, trauma e la propria storia. Così nel mio lavoro “il Nido”, la rappresentazione di una “casa”, le topografie interiori, si manifestano con un quasi silenzioso segno di matita, filo o terra. Ora sono parte della vegetazione propria della zona centrale e settentrionale del Cile, i cactacei: flora autoctona, violenta e coraggiosa che sopravvive, nonostante l’ambiente ostile e arido.

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de la serie: jardines interiores 318 soledad poirot acrylic, embroidery and pencil on canvas cact�rio, la casa me recuerda i & ii


de la serie: jardines interiores 319 soledad poirot acrylic, embroidery and pencil on canvas cact�rio, la casa me recuerda i & ii


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Christiane Pooley 1983, Temuco, Chile http://www.christianepooley.net Visual Artist

2014 | group exhibition A invenção da praia, curated by Paula Alzugaray, Paço das Artes, São Paulo, Brazil. group exhibition Sub30, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition Künstlerliaison, Curated by M. Inés Plaza, Munikat, Munich, Germany. 2013 | solo exhibition On Belief, Feria Summa, curated by Alexia Tala, Matadero, Madrid, Spain. 2012 | bi-personal exhibition Inside Out, Curated by Anna Wondrak, Galerie Esther Donatz, Munich. 2011 | group exhibition Group Show, Hewer Street Studios, London, UK. group exhibition Scope Basel, Basilea, Switzerland; Replica2, Azerty, Paris, France; Slick Paris, France.

My work explores the relationship between materialism, process and image present in painting and the idea of fiction. In my works, I address this idea on the level of physical representation as well as on the metaphysical one. The work arises as a platform from which it is possible to produce an echo and formulate questions. I’m interested in exploring the idea of a subjective, fragmented and confused perception of reality, where sense in itself is constantly mutating. I perceive that through my work I am able to, if not understand, at least discern the things that are structuring my perception of the things around me.

Mi trabajo explora la relación entre materialidad, proceso e imagen presentes en la pintura, y la idea de ficción. Abordo esta idea tanto en el plano de representación física como metafísica de las obras. El trabajo surge como una plataforma desde donde es posible hacer eco y formular preguntas. Me interesa explorar la idea de una percepción subjetiva, fragmentada y confusa de la realidad, en donde el sentido mismo está en constante mutación. Intuyo que por medio de mi trabajo podré, si nunca comprender, al menos discernir las cosas que están estructurando la percepción que tengo de aquello que me rodea. Il mio lavoro esplora la relazione tra materialità, processi e immagini presenti nella pittura, e l’idea di finzione. Mi avvicino a quest’idea sul piano della rappresentazione tanto fisica che metafisica delle opere. Il mio lavoro cresce come una piattaforma da dove è possibile fare eco e formulare domande. Mi interessa esplorare l’idea di una percezione soggettiva, frammentata e confusa della realtà, dove il senso stesso è in costante mutazione. Intuisco che attraverso il mio lavoro potrò, se non comprendere, almeno discernere le cose che strutturano la percezione che ho di ciò che mi circonda.


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photographic cutout on copper

el mapa y el territorio


Luisa Prieto 1987, Santiago, Chile Visual Artist

2013 | solo exhibition Open Workshop, Casona Lautaro Ferrer, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Variables Measures, Museum of Contemporary Art MAC, Valdivia, Chile. group exhibition Author Scenes, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Sympathy For No One, Flor Art Space, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Nobody Knows Us, Acción Sudaca, La Perrera Arte Cultural Center, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Chilenization, Municipalidad de Renca, Santiago, Chile. 2006 | group exhibition Artist Book, Eduardo Vilches Art Space, Campus Oriente, Santiago, Chile.

"Señor Montaña" is a drawing in ink, pen and velvet related to a series of drawings I made recently, taking as reference the figure of the mountain, an ever-present feature of our geography. During the development of all of my works, nature is present, from the landscape and trees to the plants I like to put in my garden. In this case, the mountain is a point of reference and a decontextualization, becoming a large and smooth man.

“Señor Montaña” es un dibujo en tinta, plumón y terciopelo que guarda relación con una serie de dibujos que he realizado este último período, tomando como referencia la figura de la montaña que tanto se presenta en nuestra geografía. Durante el desarrollo de todos mis trabajos, la naturaleza se hace presente, desde el paisaje, los árboles y hasta las plantas que me gusta poner en mi jardín. En este caso la montaña es el punto de referencia y descontextualización, convirtiéndose en un señor grande y suave. “Señor Montaña” è un disegno fatto con inchiostro, pennarello e velluto, relazionato a una serie di disegni che ho realizzato ultimamente, prendendo come riferimento la figura della montagna così presente nella nostra geografia. La natura è presente nello sviluppo di tutti i miei lavori, a partire dal paesaggio, dagli alberi e persino dalle piante che mi piace piantare in giardino. In questo caso, la montagna è un punto di riferimento e decontestualizzazione, trasformandosi in un signore grande e soffice.


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luisa prieto

mixed media se�or monta�a


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Jorge Pulido (Campana) 1967, Santiago, Chile http://flordecampana.blogspot.com Visual Artist & Engraver

Campana has participated in several exhibitions in Chile and abroad. He has exposed his work in Chilean cities as Santiago, Temuco, Concepción, Chillán, Valparaíso. His work has been exhibited also in Peru, Argentina, Germany, Switzerland, Australia, Canada, USA. He has participated in prestigious contests in Europe (Xylon 12, Xylon 13, Xylon 14).

The engraving that I’m showing belongs to the series "Visiones de la Anaconda", a work made through my experience with the shamans of the Amazon jungles and with whom I took ayahausca, a hallucinatory medicinal plant that, while in a trance state, shows one the spiritual designs and references the great sacred serpent: the Anaconda.

El grabado que presento pertenece a la serie “Visiones de la Anaconda”, trabajo hecho a partir de mi experiencia con los chamanes de la Selva del Amazonas y la ingesta de Ayahuasca, planta medicinal visionaria que en estado de trance te muestra los diseños espirituales y que hace referencia a la gran serpiente sagrada: la Anaconda. L’incisione che presento fa parte della serie “Visiones de la Anaconda”, lavoro fatto a partire della mia esperienza con gli sciamani della Foresta Amazzonica, e con cui ho preso l’Ayahuasca, una pianta medicinale allucinatoria che in stato di trance fa vedere disegni spirituali che fanno riferimento al grande serpente sacro: l’Anaconda.


325 jorge pulido (campana) engraving

untitled de la serie visiones de la anaconda


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Constanza Ragal 1982, Santiago, Chile http://www.contyragal.cl Visual Artist

2014 | group exhibition La Ruta Trasnochada, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition Inauguración Galería Madhaus, Madhaus Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Leonidas, a collaboration with the photographer Rocío Aguirre, Chile. 2013 | participation in Florence Biennale, International Biennale of Art, Florence, Italy. group exhibition Arte sin fronteras, Argentina Embassy in Chile, Santiago, Chile. 2012 | exhibition Arte Joven cycle, TRECE Gallery, Chile. 2011 | exhibition MyPaperSunglasses, Cartel 011, São Paulo, Brasil. exhibition Gang Bang Collective, Cu4tro Gallery, Santiago, Chile.

Constanza Ragal adopts the advertising aesthetics in order to create an imaginarium where women have the leading role. In her paintings one can see perfectly constructed figures with an excessive plasticity that strips them of all traces of humanity, in a kind of mythification of the female archetype proposed by the world of fashion. The portrait denounces the demanding prototype of the contemporary woman propagated by the mass–media.

Constanza Ragal se apropia de la estética publicitaria para construir un imaginario donde la mujer se sitúa como protagonista. En su pintura se observan personajes de figuras perfectas pintadas con una plasticidad excesiva que las despoja de todo rasgo de humanidad, en una suerte de mitificación del arquetipo femenino propuesto por el mundo de la publicidad y la moda. A partir del retrato, nos delata el exigente prototipo de la mujer contemporánea utilizado por los mass-media. Constanza Ragal fa sua l’estetica pubblicitaria per costruire un immaginario dove la donna si situa come protagonista. Nella sua pittura si osservano personaggi femminili di figura perfetta, dipinti con una plasticità eccessiva che li spoglia di ogni lineamento di umanità, in una sorte di mitificazione dell’archetipo femminile proposto dal mondo della pubblicità e della moda. Con questi ritratti denuncia l’esigente prototipo di donna contemporanea utilizzato dai mass-media.


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constanza ragal

oil on canvas untitled


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Camila Ramírez 1988, Antofagasta, Chile http://camilaramirezg.tumblr.com Visual Artist

2013 | group exhibition Spoilers, AFA Gallery, Santiago, Chile. group exhibition The Desire or the Emergency of the Private in Public, CCE, Lima, Peru. group exhibition Reflection and Imagination, I Biennial Online. group exhibition Compulsive Realism, CCU Art Space, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Bodies of Work, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. solo exhibition The Socialist Narrative, Metales Pesados Visual, Santiago, Chile. solo exhibition To Win or Die, Salvador Allende Solidarity Museum, Santiago, Chile. group exhibition Inopportune Archaeologies, Gabriela Mistral Gallery, Santiago, Chile.

A communal object is the materialization of a social body, reconstructing the imagination of a community that formulates the transformation of individual objects into collective objects, and recognizing in them the utopia of an ideological system that they sustain. "Coreografía de Obra" is the photographic record of one of these objects, where the bodies-users, in the fiction of their use, synchronize choreographically, imparting a playful character to these objects from the world of work and maximizing their productive impossibility.

Un objeto comunitario es la materialización de un cuerpo social; este reconstruye el imaginario de una comunidad que formula la transformación de objetos individuales a objetos colectivos, reconociendo en ellos la utopía de un sistema ideológico que soportan. “Coreografía de Obra” es el registro fotográfico de uno de estos objetos, donde los cuerpos-usuarios, en la ficción de su uso, se sincronizan coreográficamente otorgándole un carácter lúdico a estos objetos provenientes del mundo del trabajo y extremando su imposibilidad productiva. Un oggetto comunitario è la materializzazione di un corpo sociale; questo ricostruisce l’immaginario di una nuova comunità che formula la trasformazione di oggetti individuali in oggetti collettivi, riconoscendo in essi l’utopia di un sistema ideologico che sostengono. “Coreografía de Obra” è la registrazione fotografica di uno di questi oggetti, in cui i corpi-utilizzatori, nella finzione del loro utilizzo, si sincronizzano coreograficamente, dando un carattere ludico a questi oggetti provenienti dal mondo del lavoro ed estremizzando le loro possibilità produttive.


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camila ram�rez

inked print on photograph paper coreograf�a de obra


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Carola Ramírez Chile http://www.saatchiart.com/tecnostyle Visual Artist

2014 | group exhibition and Book Sub30, Contemporary Chilean Authors, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition Factoría Santa Rosa Gallery, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Sub30, Oops! Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Chile in 100 Bowls, Museo de la Chilenidad, Chile. group exhibition Two, Quinta Normal Municipal Theater, Santiago, Chile. group exhibition Art Fair, Factoría Santa Rosa, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Youth Art Cycle, Art Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Pairs, Artium Gallery, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Traveling, Homage to Matta, 100 Years, Artium Gallery, Chile.

Artists such as Andy Warhol and Roy Lichtenstein, Richard Estes, Edward Hopper, have provided my painting with a vision centered on observing human movement and development in metropolitan life, the turbulent realism and beauty of certain places like empty stages, if only on a surface appearance, yet richer in left-aside objects that denote the lost, forgotten, lonely human presence. Recognizable places in our city that generate nostalgia, attachment and identification, through which emotional ties and memories are generated in the collective consciousness of its inhabitants.

Artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Estes, Edward Hopper, han aportado a mi pintura una visión centrada en la observación del tránsito humano y desarrollo de la vida en la metrópoli; el realismo y belleza inquietante de ciertos lugares como escenarios vacíos sólo en superficial apariencia, mas ricos en objetos dejados al paso que denotan la presencia humana perdida, olvidada, solitaria. Lugares reconocibles de nuestra ciudad que generan nostalgia, apego e identificación, tras los cuales se generarán lazos afectivos y recuerdos en la memoria colectiva de sus habitantes. Artisti come Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Richard Estes e Edward Hopper, hanno contribuito alla mia pittura con una visione centrata sull’osservazione degli spostamenti umani e sullo sviluppo della vita nella metropoli; il realismo e la bellezza inquietante di certi posti come scenari, vuoti solo nella superficiale apparenza, ma ricchi di oggetti lasciati da parte, che denotano la presenza umana sperduta, dimenticata, solitaria. Posti riconoscibili nella nostra città che generano nostalgia, attaccamento ed identificazione, dietro i quali si generano relazioni affettive e ricordi nella memoria collettiva dei suoi abitanti.


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carola ram�rez

oil on canvas

el la bienal de arquitectura


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Francesca Ramos Barbagelata 1975, Santiago, Chile http://francesca-ramosbarbagelata.artenlinea.com Visual Artist

2012 | exhibition Coquimbo Cultural Center, Chile. 2011 | exhibition Traveling: Painting Patagonia, Punta Arenas, Puerto Varas, Santiago, Chile; and Buenos Aires, Argentina. 2010 | solo exhibition Scuola Italiana Cultural Center, Santiago, Chile. 2009 | exhibition Ilustre Municipalidad de Valdivia, Chile. 2008 | group exhibition Ojo Latino, the Vision of a Continent, Museum of Contemporary Art MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. 2006 | exhibition Universidad de Chile, Chile. 2005 | exhibition La Dehesa Gallery, Santiago, Chile. exhibition La Ilustre Municipalidad de Concepción Cultural Center, Chile.

My work testifies to the intervention of man in his environment, his occupation and identity as much in the rural country as in the city. I invite viewers to awaken to what surrounds us all and not to take for commonplace the disintegration of what’s ours. There’s a display of landscape that has been a motive for contemplation since the beginning of humanity, how it has been mutating, suffering serious and irreversible changes; how at the same time, there are landscapes that have been lucky enough to avoid being exploited. All this I reflect in my work "Río Vizcachas / P.N.".

Mi obra testimonia la intervención del hombre en su entorno, su ocupación e identidad, tanto en el paisaje rural como urbano. Invito a despertar frente a lo que nos rodea y a no tomar como cotidiano la desintegración de lo nuestro. Hay una muestra del paisaje, que ha sido motivo de contemplación desde inicio de la humanidad, de cómo ha ido mutando, sufriendo cambios fuertes e irreversibles; como a la vez paisajes que aún tienen la suerte de no ser intervenidos, como reflejo en mi obra “Río Vizcachas / P.N”. La mia opera testimonia l’intervento dell’uomo nel suo contesto, la sua occupazione e identità tanto nel paesaggio rurale quanto urbano. Invito a svegliarsi di fronte a ciò che ci circonda e a non prendere come quotidiana la disintegrazione di ciò che è nostro. Viene mostrato il paesaggio che è stato oggetto di contemplazione sin dagli inizi dell’umanità, di come è mutato e ha sofferto cambiamenti, forti ed irreversibili; così anche paesaggi che ancora hanno la fortuna di non essere stati toccati, come evidenzio nella mia opera “Río Vizcachas / P.N.”.


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francesca ramos barbagelata

acrylic on canvas r�o vizcachas / p.n.


Teresa Razeto 1947, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | solo exhibition Microcosm, CAP Art Space, Art House, Universidad de Concepción, Concepción, Chile. 2011 | solo exhibition In the Workshop, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition La Cave des Artistes, Roman archaeological site and simultaneously in Fogolino Gallery, both in Trento, Italy. 2006 | solo exhibition Virtual Gallery www.delcerro.cl, El Cerro Gallery. 2001 | solo exhibition Icon-emas, Cultural Corporation Viña del Mar, Viña del Mar, Chile. solo exhibition Icon-emas, CAP Art Space, Pinacoteca Universidad de Concepción, Concepción, Chile.

This small-format painting concentrates, through this woman’s body, the painful wait for the complete truth and effective application of justice, forty years after the crimes perpetrated by the military and police against dissidents of the dictatorship that ruled Chile between 1973 and 1990. The blindfolded eyes respond to the negation, to the lack of hope in mitigating the pain of a people held hostage; the woman, apparently relaxed, is situated in a structure molded and imposed by the force of a caste of wealthy winners.

Esta pintura de pequeño formato concentra la dolorosa espera por verdades completas y eficaz aplicación de justicia, a cuarenta años de los crímenes perpetrados por militares y civiles en contra de disidentes a la dictadura que imperó en Chile entre 1973 y 1990, a través del cuerpo de esta mujer. Los ojos vendados responden a la negación, la falta de esperanza en la mitigación del dolor, que mantiene a un pueblo rehén. La mujer, bajo la apariencia relajada, en una estructura moldeada e impuesta por la fuerza de una casta de enriquecidos vencedores. Questo dipinto in piccolo formato concentra, attraverso il corpo di questa donna, la dolorosa attesa di verità complete e di un’efficace applicazione della giustizia, a quarant’anni degli atti criminali commessi da militari e civili nei confronti dei dissidenti della dittatura che ha regnato in Cile tra il 1973 e il 1990. Gli occhi bendati rappresentano la negazione, l’assenza di una speranza di mitigare il dolore di un popolo tenuto in ostaggio; la donna, in apparenza rilassata, è posta su una struttura modellata e imposta a forza da un gruppo di arricchiti vincitori.


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teresa razeto

oil over acrylic base on canvas

a cuarenta a�os sin justicia ni verdad


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Jacinta Reyes 1985, Santiago, Chile http://jacintareyespinturas.tumblr.com Visual Artist

2011 | solo exhibition Dawn Song, Iniciativa Alugar, Chile. 2013 | group exhibition Gamma, Local 2702 Work Station, Chile. 2012 | group exhibition Abraxas Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Melody, Alaprima magazine of art and visual culture. group exhibition Far from Home, Bicentenario Gallery, Estación Mapocho Cultural Center, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Occupy: 24 Artists and a Curator, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Cellar Castle Landscapes and Kings, Cellar Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Preview, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile.

Since 2007 I’ve been working using different materials and formats: collage, drawings, photography, and painting. I collect objects, photographs, and images from books. In my work I try to bring together, through material and color, different images from my garden, my walks through the city, or a trip to the mountains. Some paintings are made directly in the place, with natural light and the people or animals that are there; other landscapes are more mental, from memories or dreams and deal with my emotions.

Desde el 2007 he trabajado utilizando distintos materiales y soportes: collages, dibujos, fotografía, y pintura. Recolecto objetos, fotografías, imágenes de libros. En mi obra trato de juntar, por medio de la materialidad y el color, distintas imágenes que vienen de la observación del espacio o experiencias personales. Utilizo imágenes del jardín de mi casa, de mis recorridos por la ciudad, de un viaje a la cordillera. Algunas pinturas están hechas directamente en el lugar, con luz natural, las personas o los animales que están ahí; otros paisajes son más mentales, de recuerdos y sueños, que tienen que ver con mis emociones. Sin dal 2007 lavoro utilizzando diversi materiali e supporti: collages, disegni, fotografia e pittura. Raccolgo oggetti, fotografie, immagini di libri. Nella mia opera cerco di mettere insieme, attraverso materiali e colore, diverse immagini che provengono dall’osservazione dello spazio e da esperienze personali. Utilizzo immagini del giardino di casa, delle mie passeggiate attraverso la città, di un viaggio in montagna. Alcuni dipinti sono fatti direttamente sul posto, con luce naturale, con persone o animali che stanno lì; altri paesaggi sono più mentali, ricordi e sogni che hanno a che vedere con le mie emozioni.


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jacinta reyes

oli on canvas esp�ritus


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Juan Esteban Reyes 1988, Santiago, Chile www.juanestebanreyes.tumbler.com Visual Artist

2014 | group exhibition Sub30, Painting in Chile, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Painting, Accident and Figuration, Report 08-042013, Visual Arts School, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
 2012 | solo exhibition Report 27-10. 2012 | group exhibition Flor Art Space, Santiago, Chile. group exhibition World’s Eye, Video art and experimental animation show, Juan Egenau Art Space, Visual Arts School, Universidad de Chile, Santiago, Chile. group exhibition World’s Eye, Video art and experimental animation show, Polygone Étoilé Cultural Center, Merseille, France.

My work is linked to the idea of the body; I use this idea as a starting point to deal with plastic problems that put in play a reading generated from this idea. I like thinking about the idea that all that is seen has a body, and thus the body that is seen reminds the viewer that she or he is a body as well. My art practice comes from everyday experiences and the way the body is related with its environment. Some strategies that I’ve employed have to do with particularities of the materials and how to present or represent something using them.

Mi trabajo se vincula con la idea de cuerpo; utilizo esta idea como punto de partida para abordar problemáticas plásticas que pongan en juego la lectura que se genera de este. Me gusta pensar en la idea de que todo el que ve, posee un cuerpo; por ende, el cuerpo que ve, recuerda que uno es cuerpo también. Asumo la práctica artística desde las experiencias cotidianas y la manera en que el cuerpo se relaciona con su entorno. Algunas estrategias que he empleado tienen que ver con las particularidades de los materiales y la manera de presentar o representar algo a través de estos. Il mio lavoro è legato all’idea del corpo; utilizzo quest’idea come punto di partenza per affrontare problematiche che mettono in gioco la riflessione generata da questo. Mi piace pensare che chiunque guarda, possiede un corpo; quindi quel corpo che vede, ci ricorda che siamo anche un corpo. La pratica artistica viene dalle esperienze quotidiane e dal modo in cui il corpo si relaziona con il suo contesto. Alcune tecniche che ho utilizzato si relazionano con le particolarità dei materiali e il modo di presentare o rappresentare qualcosa attraverso esse.


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juan esteban reyes

mixed media untitled


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Javier Rodríguez Pino 1981, Santiago, Chile www.javierodriguezp.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Ghost, Flora ars+natura, Bogotá, Colombia. solo exhibition 666, Metales Pesados Gallery, Santiago, Chile. group exhibition The Shape of the Devil, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. group exhibition Sub30, Painting in Chile, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition The Shape of the Devil, Laznia Centre of Contemporary Artists Gdansk, Poland. group exhibition V Anniversary Becar Grand Tour, Museum of Contemporary Art MAC, La Coruña, Spain. 2013 | bi-personal exhibition Invisibles, Museum of Contemporary Art MAC, Valdivia, Chile.

The line of investigation that my work has developed is based on the intersections—from precarious materials, rudimentary doings and the history of painting—of two imaginariums: Evil and Advertising. Their juxtaposition has allowed me to raise seductive proposals that—starting from combined archetypes of violence and death on the one hand, and the spectacular, technical and idealized imprint of new industries of the image on the other—try to create a negative imaginarium that opens possibilities of, as Gilles Deleuze would say, thinking the unthinkable in relation to the logics with which contemporary visualness is constructed.

La línea de investigación que ha desarrollado mi trabajo se basa en el cruce –desde los materiales precarios, haceres rudimentarios y la historia de la pintura–, de dos imaginarios: el Mal y la Publicidad. Su yuxtaposición, me ha permitido levantar seductoras propuestas que –a partir de arquetipos ligados a la violencia y a la muerte por un lado, y a la impronta espectacular, técnica e idealizada de las nuevas industrias de la imagen, por el otro–, intentan construir un imaginario negativo que abre posibilidades de, como diría Gilles Deleuze, pensar lo impensado en torno a las lógicas con las cuales se construye la visualidad contemporánea. La linea di ricerca che ho sviluppato nel mio lavoro si basa sull’incontro – a partire da materiali precari, pratiche rudimentali e la storia della pittura – di due immaginari: quello del Male e quello della Pubblicità. La loro giustapposizione mi ha permesso di mettere in piedi proposte allettanti che – a partire dell’archetipo legato alla violenza e alla morte da un lato, e all’impronta spettacolare, tecnica e idealizzata delle nuove industrie dell’immagine, dall’altro – provano a costruire un immaginario negativo che apre possilibità di, come direbbe Gilles Deleuze, pensare l’impensabile sulle logiche con cui si costruisce la visualità contemporanea.


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javier rodr�guez pino

pen on paper untitled


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Andrea Rodríguez Vial 1983, Santiago, Chile http://andrearodriguezvial.com Visual Artist

2009 | group exhibition Competition Rat Tail, Visual Art Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition Competition Balmaceda Youth, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition from the drawing Las Marías, UNIAC Art Space, Chile. 2005 | group exhibition Borde Río Exposition Space, Santiago, Chile. 2004 | group exhibition paintings, Isabel Aninat Gallery, Santiago. 2003 | group exhibition El galpón del Arte Gallery, Santiago.

My work proposes a reflection on political, social and cultural problems, such as fallacious advertising that currently invades every square meter of our society, the exhaustion of natural resources, climate change and animal cruelty. This work is constituted through sculptures as well as small and large format stages in whose interiors meticulous scenes are constructed with a high degree of fiction. In these scenes the human figure, animals, plants, furniture and many other objects from everyday life coexist and dialogue to allude to the metaphoric nature of the world we live in, loaded with ambiguities, secrets, and tricks.

Mi obra propone reflexionar sobre problemas políticos, sociales y culturales; como la publicidad engañosa que invade cada metro cuadrado de nuestra sociedad, el agotamiento de los recursos naturales, el cambio climático, el maltrato animal. Ésta se constituye a partir de esculturas y escenarios de pequeño y gran formato, en cuyo interior se construyen, de manera meticulosa, escenas con un alto grado de ficción. En estos escenarios, la figura humana, los animales, las plantas, los muebles y tantos otros objetos de la realidad cotidiana, conviven y dialogan con el fin de aludir de manera metafórica al mundo en que vivimos, cargado de ambigüedades, de secretos, de engaños. La mia opera propone una riflessione su problemi politici, sociali e culturali, come la pubblicità ingannevole che invade ogni angolo della nostra società, l’esaurimento delle risorse naturali, i cambiamenti climatici, il maltrattamento degli animali. Quest’opera è costituita da sculture e scenari di piccolo e grande formato, in cui si costruiscono, meticolosamente, scene con un alto grado di finzione. In questi scenari, la figura umana, gli animali, le piante, i mobili, e tanti altri oggetti della realtà quotidiana, convivono e dialogano con il fine di alludere metaforicamente al mondo in cui viviamo, carico di ambiguità, segreti ed inganni.


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andrea rodr�guez vial

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primavera en el norte


Vicente Rojas Ruggeri 1964, Concepción, Chile Visual Artist

“A magic alchemist, a wizard that acts playfully with his being to discover himself, these works recall papyrus from a present era in the future, a frank mutation of time, as if the works were aware of us.”

“Un mago alquimista, un brujo que juega lúdicamente con su ser a descubrirse, estas obras, me evocan papiros de una época actual en el futuro, una franca mutación en el tiempo, como si las obras nos percibieran a nosotros”. 2012 | solo exhibition Absence on the Trip, Artuim Gallery, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Red Will Never Be the Same, Colorida Gallery, Lisboa, Portugal. 2008 | group exhibition with Grupo Grisalla: Illustrations of the Nonexistent, JHH Fine Art, Riverside CT, USA. group exhibition Latin Eye, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago. group exhibition Radix Where’s Downtown? Italian Institute of Culture, Santiago. 2007 | group exhibition with Grupo Grisalla: A Self-invited Guest, Concepción Art Gallery, Concepción and Carmen Codoceo Gallery, La Serena, Chile. 2006 | solo exhibition From Plastic to Plastic, República Cabildo Cultural Center, Asunción, Paraguay.

“Un mago alchimista, uno stregone che gioca ludicamente con il suo essere ancora da scoprire; queste opere evocano papiri di un’epoca attuale nel futuro, una sincera mutazione nel tempo, come se le opere percepissero noi”.


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vicente rojas ruggeri

mixed media untitled


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Nicolás Sáez 1973, Concepción, Chile www.ruido-blanco.cl Architect & Visual Artist

2014 | group exhibition Invisible Frontier, with the “Réplica Obscura” project, Casa 916, Concepción, Chile. 2013 | group exhibition Networks and Public Space, Result of Photographic Creation Workshop with Matt Siber, FIFV 2013, Valparaíso. group exhibition White Noise, with the participation of Manuel Morales as guest photographer, MNBA Art Space in Mall Plaza Vespucio, Santiago; MNBA Art Space in Mall Trébol, Talcahuano; FotoGallery ARCOS, Santiago; El Farol Art Space, Valparaiso; Casa de la Cultura, Ovalle. 2012 | group exhibition Imaginarium.16 photographs of the staff of 64 Gallery, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition in the Biennial Photoquai 2011, Musée du quai Branly, Paris, France.

"MaPa, Marcas en el Paisaje" is a photographic series that aims to constitute itself in a fictional document that expresses the invisible reality of power over our land. Landscapes that move our spirit, provoking spontaneous contemplation. Landscapes symbolizing private properties: gatekeepers of water, of direct access to the sea, of Mapuche land, of the seed, the native forest, the hills, the lakes and rivers, the virgin land. Photography and architecture combine here in a photographic montage. Each fence has, as a title, a silouhette made from reinterpreting business logos directly related with the private property represented in the photographed territory of the region, creating a “Brand” for this “Landscape”.

“MaPa, Marcas en el Paisaje”, es una serie fotográfica que pretende constituirse en documento ficcionado, que evidencia la realidad invisibilizada del poder sobre nuestro territorio. Paisajes que conmueven nuestro espíritu provocando su contemplación espontánea. Paisajes símbolo de la propiedad privada: dueños del agua, del acceso al mar, del suelo Mapuche, de la semilla, del bosque, de los cerros, de lagunas y ríos, de la tierra virgen. Fotografía y arquitectura se unen en un montaje fotográfico. Cada valla tiene como letrero una silueta que surge de la reinterpretación de logos de empresas relacionadas con la propiedad privada, creando una “Marca” para dicho “Paisaje”. “MaPa, Marcas en el Paisaje”, è una serie fotografica che ambisce ad essere un documento fittizio, che rende evidente la realtà invisibile del potere sul nostro territorio. Paesaggi che commuovono il nostro spirito invitando alla loro contemplazione spontanea. Paesaggi simbolo della proprietà privata: signori dell’acqua, dell’accesso al mare, della terra Mapuche, dei semi, del bosco, dei colli, dei laghi e dei fiumi, della terra vergine. Fotografia e architettura si uniscono in un montaggio fotografico. Ogni recinzione ha un cartello che nasce dalla reinterpretazione di loghi di aziende che hanno a che fare con la proprietà privata, creando un “Marchio” per questo “Paesaggio”.


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nicol�s s�ez

digital photography

mapa, marca en el paisaje


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Daniela Santa Cruz 1982, Chile http://www.danielasantacruz.com Visual Artist

2014 | group exhibition Elixir Pro Nobis, San Francisco Museum of Colonial Art, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Numinous, Estación Mapocho Bicentenary Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Urban Plot, Santiago Library, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Star System, Submundo Arte Gallery, Chile. group exhibition Pure Theater with Marcela Trujillo, Claudia Peña and Valeria Faúndez, Factoría Santa Rosa, Santiago, Chile. group exhibition Museum of the Resistance, Urgent Paradise Gallery, Lausanne, Switzerland. group exhibition Pirate Cartography, Plan Sofá Gallery (Chacoff), Santiago, Chile.

This work is a reference to an anonymous Bolivian painting from the 18th century of great importance to that country. The work is the “Virgen Cerro”, which represents a human figure leaving from or forming part of the Potosí's Rico Hill. According to some accounts, the European Virgin Mary had been syncretized with the Potosí's Rico Hill, this being represented in the pre-Hispanic Pachamama. Making a simplification of the original image, I represented myself as the Virgin Hill, but this time choosing Manquehue Hill in Santiago.

Este trabajo es una cita a una pintura boliviana anónima del siglo XVIII de gran importancia en la historia de dicho país. La obra es la “Virgen Cerro”, la que representa una figura humana saliendo, o formando parte, de un monte, el Cerro Rico de Potosí. Según algunos relatos, la Virgen María europea habría sido sincretizada con el Cerro Rico de Potosí, representando éste a la Pachamama prehispánica. Haciendo una simplificación de la imagen original, me representé como Virgen Cerro, esta vez, eligiendo el cerro Manquehue de Santiago. Questo lavoro è una citazione di un dipinto boliviano anonimo del secolo XVIII, di grande importanza per la storia di quel paese. L’opera è la “Virgen Cerro”, che rappresenta una figura umana che esce da o forma parte di un colle, il Colle Rico di Potosì. Secondo i racconti, la Vergine Maria europea sarebbe stata identificata con il Colle Rico di Potosì, che a sua volta rappresentava la Pachamama preispanica. Facendo una semplificazione dell’immagine originale, mi sono rappresentata come “Virgen Cerro”, questa volta, scegliendo il Cerro Manquehue di Santiago.


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daniela santa cruz

acrylic on canvas

autorretrato como v�rgen cerro


Diego Santa María 1982, Rancagua, Chile Visual Artist

2014 | group exhibition Sub 30, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. group exhibition Premio Visual Arts Museum MAVI-Minera Escondida, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Paso de Cebra, Las Condes Civic Center, Santiago, Chile. solo exhibition Un túnel bajo la cama si es necesario, Armada Gallery, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Of selected works of International Painting Contest, organized by Guash Corantu Fondation, Barcelona, Spain. group exhibition Sensación, Local Arte Contemporáneo, Santiago, Chile. group exhibition Resistant Museum, Urgent Paradise, Lausanne, Switzerland.

This artist does constant exercises in construction and pictorial deformation, experimenting with different materials and bases. In his portraits, figures attempt to encapsulate the subjectivity of the individuals painted, the untranslatable and the mystery that the referent emits and that the painter tries to project onto the base in the act of creating the image. The obsessive gesture of erasing and painting again represents the search for the person being painted in portrait, through the possibilities of matter, understanding beforehand that his fate is one of failure.

El artista realiza costantes ejercicios de construcción y deformacíon pictorica, experimentando con distintos materiales y soportes. En los retratos, sus figuras intentan encapsular la subjetividad de los individuos, aquello intraducible y misterioso que arroja el referente y que el autor busca proyectar sobre el soporte en el acto mismo de su constitución como imagen. El gesto obsesivo de borrar y volver a pintar, representa la búsqueda de la persona retratada a través de las posibilidades de la materia, entendiendo de antemano que su destino es el fracaso y la insistencia. L’artista si esercita costantemente nella costruzione e deformazione pittorica, sperimentando con diversi materiali e supporti. Nei ritratti, le sue figure cercano di incapsulare la soggettività degli individui, impossibile da tradurre e misteriosa, che il referente emana e che l’autore prova proiettare sul supporto, nell’atto stesso della sua creazione come immagine. Il gesto ossesivo di cancellare e dipingere di nuovo, rappresenta la ricerca della persona ritratta attraverso le possibilità offerte dalla materia, sapendo da prima che il suo destino è sempre il fallimento.


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diego santa mar�a

oil and enamel on canvas

la descentralizaci�n ya es una realidad


Matías Santa María 1984, Santiago, Chile Visual Artist

2014 | solo exhibition Nobody's Land, Staple Goods Gallery, New Orleans, USA. 2013 | solo exhibition Aura, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Milk Path, Oops! Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Variable Measures, Museum of Contemporary Art, MAC Valdivia, Chile. 2011 | group exhibition Replica, Azerty Gallery, Paris, France. group exhibition Laboratory, Centex, Valparaíso, Chile. group exhibition Attention Spam, Borges Cultural Center, Buenos Aires, Argentina. 2010 | group exhibition AFA Gallery, Santiago, Chile.


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mat�as santa mar�a

el vol�n


Carolina Saquel 1970, Concepción, Chile ø http://www.carolinasaquel.com Visual Artist

2012 | solo exhibition Un certain regard, Maison Populaire du Montreuil, France. group exhibition Video Art CHILE III part, Matucana 100, Santiago, Chile. group exhibition Post Scriptum, Man_Museum d'Arte Provincia di Nuoro, Italy. group exhibition CCE, Spain Culture Center, Santiago, Chile. deus ex media, 10th Biennial of Video y Art Mediums, Selected for Juan Downey Competition and the show Retrospective, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Difficulty in Crossing the Plain, AFA Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Return, Chilean video art for export, Gabriela Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile.

Body gestures, the history of painting and its genres, the observation of nature free of human presence, cinematic references and documentaries are some of the starting points for my work in video and photography. Under a fleeting-yet-drawn-out temporality, I have explored the perception of time and its progress, its movement and its variation, transforming these “objects” in order to bring out the weird in the banal.

Gestos corporales, la historia de la pintura y sus géneros, la observación de la naturaleza despojada de presencia humana, referencias cinematográficas y documentales, son algunos de los puntos de partida de mi obra, en video y fotografía. Bajo una temporalidad dilatada, he explorado la percepción del tiempo y de su transcurso, el movimiento y su modulación, transformando estos “objetos” para hacer emerger en ellos la extrañeza en lo banal. Gesti corporei, la storia della pittura e i suoi generi, l’osservazione della natura privata della presenza umana, riferimenti cinematografici e documentaristici, sono alcuni dei punti di partenza della mia opera, in video e fotografia. Sotto una temporalità dilatata, ho esplorato la percezione del tempo e il suo scorrere, il movimento e la sua modulazione, trasformando questi “oggetti” per fare emergere in essi lo strano nel banale.


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carolina saquel

mixed media untitled


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Sacha Seguel Naranjo 1989, Santiago, Chile www.flickr.com/photos/seguel Visual Artist

2014 | solo exhibition The World Isn’t Sufficient 2: Mars, International Museum of Chile MICH, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition To Never Die, BECH Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Cipher, Silence and Image, Curated by Voluspa Jarpa, CEAC Las Condes, Santiago, Chile. group exhibition Painting, Curation by Doctor Ricardo Fuentealba Fabio, Sodimac Arts Space, Chile. 2010 | group exhibition Operation Novel, Santiago Library, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition Exhibition Interuniversitary 2009, Isidora Zégers Art Space, Universidad de Chile, Universidad Metropolitana de Ciencias, Chile. group exhibition Simple: Between Fragility and the Decorative, Decorative Arts Museum, Santiago, Chile.

The work of Sacha is focused primarily on how contemporary history is told to us and how the media play a decisive role in such an exercise, being a representation of the ideology behind them. Due to this, Seguel works with images that have been transmitted through media: images from war news, and political or ideological montages. Lately he has investigated the politics that govern the conquest of space, emphasizing the direct relationship that exists between these types of scientific events and wars, ideology and media communications.

La obra de Sacha está enfocada principalmente en cómo se nos cuenta la historia contemporánea y cómo los medios de comunicación administran un rol protagónico en dicho ejercicio, siendo un muestrario de la ideología que se encuentra detrás de éstos. Debido a lo anterior, Seguel trabaja con imágenes que han sido transmitidas por los medios: imágenes de acontecimientos bélicos, montajes políticos o ideológicos. Durante el último periodo, ha investigado acerca de la política que rige la conquista espacial, haciendo énfasis en la relación directa que existe entre este tipo de eventos científicos con las guerras, la ideología y los medios de comunicación. L’opera di Sacha si concentra principalmente su come ci viene raccontata la storia contemporanea e come i mezzi di comunicazione giocano un ruolo decisivo in questo, risultando campioni dell’ideologia che sta dietro di essi. Per questo motivo, Seguel lavora con immagini che sono state trasmesse dai media: immagini di avvenimenti tragici, bellici, montaggi di natura politica o ideologica. Recentemente ha indagato la politica che esiste dietro la conquista dello spazio, enfatizzando la relazione diretta tra questo tipo di evento scientifico e le guerre, le ideologie e i mezzi di comunicazione.

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sacha seguel naranjo

oli on canvas

es tiempo de partir


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sacha seguel naranjo

oli on canvas

es tiempo de partir


Marcela Serra Marino 1983, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | group exhibition VII Youth Art Prize Hidden Miner, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2009 | group exhibition University Classic, CCU Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Balmaceda Arte Joven contest, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Hospitality of the Magistrate, Santiago, Chile. 2007 | group exhibition Long-distance Runners, Juan Egenau Art Spaces, Universidad de Chile, Santiago, Chile.

My work utilizes the paint medium and has been based principally on the production of series, resulting in a process of pictorial experimentation oriented toward the loss of discourse in media-circulated imagery. In the case of this work, a photogram extracted from the animated movie "Snow White and the Seven Dwarves". Under this premise, through the resolution of the pictorial problems that an official reproduction requires, I aim to recover the informative burden of the “motives” anchored in a manual singularity. As a consequence, with this production proposal I aim to redensify these lost relations.

Mi trabajo utiliza como medio la pintura y se ha basado principalmente en la producción de series, resultado de un proceso de experimentación pictórico orientado a la pérdida del discurso de la imagen de circulación mediática. En el caso de esta obra, un fotograma extraído de la película animada “Snow White and the Seven Dwarfs”. Bajo esta premisa, mediante la resolución de los problemas pictóricos que impone una reproducción oficiosa, pretendo recuperar la carga informativa de los “motivos” anclados en una singularidad manual. En consecuencia, con dicha propuesta busco que se re densifiquen estos relatos perdidos. Il mio lavoro utilizza come mezzo la pittura e si basa principalmente sulla produzione di serie, che deriva da un processo di sperimentazione pittorica orientata alla perdita del contesto nelle immagini diffuse dai media. Nel caso di quest’opera, un fotogramma estratto dal film animato “Biancaneve e i sette nani”. Sotto questa premessa, mediante la risoluzione dei problemi pittorici che una riproduzione ufficiale impone, intendo recuperare la carica informativa dei “motivi” ancorati ad una singolarità manuale. In conseguenza, con questa proposta cerco di re-densificare queste relazioni perdute.


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marcela serra marino

oil on canvas bosque


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Mathias Sielfeld 1986, Concepción, Chile www.oyemathias.com Designer & Illustrator

2012 | group exhibition OFF CHACOff, Hall Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Cluster Editions, Local project, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Fursuit, Interludio Coffee, Santiago, Chile.

This work follows the line of experimentation that I have been working on lately, where the composition is constituted by the over-saturation of figurative elements that I create on the canvas in a spontaneous manner. The total form grows and changes until achieving a visual equilibrium.

Esta obra sigue la línea de experimentación que he estado trabajando en el último tiempo donde la composición se constituye por la sobre saturación de elementos figurativos que voy realizando en el lienzo de manera espontánea. La forma total crece y cambia hasta que logra un equilibrio visual que me deje conforme. Quest’opera segue la linea sperimentale a cui sto lavorando ultimamente, dove la composizione è costituita dalla sovra-saturazione di elementi figurativi che realizzo sulla tela in modo spontaneo. La forma totale cresce e cambia finché non riesce ad avere un equilibrio visuale.


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mathias sielfeld

mixed media untitled


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Catalina Silva Guzmán 1981, Santiago, Chile http://www.catalinasilvaguzman.com Visual Artist & Illustrator

2013 | publication A Christmas Story, Editorial Amanuta. publication Altazor Anthology and Other Poems, Editorial Zigzag. 2012 | publication I Rain, Editorial Quilombo, National Culture and Arts Council Chile Prize. 2010 | publication The Thread Feet, Stories Based on Country People’s Stories, Editorial Amanuta.

I like to provoke a certain awkwardness, I work with double-edge things. There's neither good or bad, perfect or imperfect, it depends on how you look at things. I like that winks to the way I see the world exist and I like to keep that fresh way of looking, as a child. It is a tremendous work: with time, you look at things without interest, nothing can surprise you. I try the very opposite.

Me gusta generar cierta incomodidad, trabajo con el doble filo de las cosas. No hay bueno ni malo, perfecto ni imperfecto, depende de cómo lo mires. Me gusta que existan guiños a cómo veo el mundo y tener esa mirada fresca, de niña. Es un trabajo tremendo: con el tiempo miras con desinterés, ya nada te sorprende. Yo intento lo contrario. Mi piace generare un certo imbarazzo, lavoro con l’ambiguità delle cose. Non c’è buono o cattivo, perfetto o imperfetto; dipende da come si guardano le cose. Mi piace che esistano accenni al mio modo di vedere il mondo e mi piace avere quello sguardo fresco, da bambina. È un lavoro tremendo: col tempo cominci a guardare disinteressatamente, non c’è più niente che ti sorprenda. Io provo a fare il contrario.


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catalina silva guzm�n

mixed media untitled


Miguel Soto 1990, Santiago, Chile Visual Artist

2014 | bi-personal exhibition The Simple Life, Balmaceda Arte Joven, Santiago, Chile. solo exhibition Bauen, Itaú Foundation, Santiago, Chile. group exhibition Visual Arts Museum MAVI-Minera Escondida Youth Art Competition, Second Place, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition Thresholds, Universidad Catolica de Chile, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition The New Economy of Time, Macchina Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Gold, Acuadrado Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Temporal Circuit, Temporal Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Mistral Vanguard, CCU Art Space, Santiago, Chile.

Miguel Soto creates sculptures and installations using furniture and decorative objects with bourgeois connotations, as a way of creating narratives related to inheritance and material movement and loss. In these works in particular, varnish is presented as a fundamental element; through the superposition of layers, the surface of the material as much as its form are disrupted, blurring the distinction between the object and the covering. The work is presented as an attempt to preserve fragments of decorative objects made from bronze and wood.

Miguel Soto realiza esculturas e instalaciones a partir de muebles y objetos decorativos de connotación burguesa como un modo de establecer narrativas en torno a la herencia, el traslado y la pérdida material. En estos trabajos en particular, el barniz se presenta como el elemento fundamental; con la superposición de capas, tanto la superficie del material como su forma se trastocan, tornando difusa la distinción entre el objeto y el cubriente. El trabajo se presenta como un intento por preservar fragmentos de objetos decorativos de bronce y madera. Miguel Soto realizza sculture e installazioni a partire da mobili e oggetti decorativi di connotazione borghese, per raccontare storie sui temi dell’eredità, del trasloco e della perdita materiale. In questi lavori in particolare, la vernice si presenta come elemento fondamentale; con la sovrapposizione di strati, tanto la superficie quanto la sua forma vengono messe a soqquadro, confondendo la distinzione tra oggetto e ciò che lo copre. Il lavoro si presenta come uno sforzo per preservare frammenti di oggetti decorativi in bronzo e legno.


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miguel soto

varnish on wood untitled


Valentina Soto 1988, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | solo exhibition Created from Afar: Exercises in Cutouts, BECH Gallery of Banco Estado Santiago, Chile. group exhibition Premio MAVIMinera Escondida: Arte joven contemporaneo, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition 33rd Universidad de Valparaiso Youth Art Competition, El Faro Art Space, Valparaíso, Chile. 2011 | group exhibition Thresholds, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Portables, Project of traveling, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.

The context is generator of signifiers, and to remove or change this context creates a truncated perception of what is being presented to us. This uncertainty about what is being seen is realized through the creation of hybrid beings or figures that suggest definitions, though never definite ones. These lumps of plasticine contain the attempt to create amorphous bodies, forming unmentionable creatures that at the same time possess a certain familiarity. This hybrid refers us to the figure of a real animal, but we are not able to define it in its whole; the most we can do is toss out approximations.

El contexto es un generador de significados; al removerlo o cambiarlo, se origina una percepción trunca de lo que se nos presenta. Esta incertidumbre respecto a lo que se ve, se realiza mediante la creación de seres o figuras híbridas que sugieren definiciones, pero nunca certezas. En estos bultos de plasticina está la intención de crear cuerpos que son amorfos, que constituyen criaturas innombrables, pero que a su vez poseen cierta familiaridad. El híbrido nos remite a la figura de un animal real, pero que en su unión resulta un total que no se logra definir y que sólo arroja aproximaciones. Il contesto genera significati; se lo si rimuove o si cambia, si origina una percezione tronca di ciò che ci viene mostrato. Questa incertezza riguardo ciò che si vede, si realizza attraverso la creazione di esseri o figure ibride che suggeriscono certe definizioni, ma mai certezze. In questi grumi di plastilina c’è l’intenzione di creare corpi amorfi, che costruiscono creature innominabili, e che a loro volta posseggono una certa familiarità. L’ibrido ci riporta alla figura di un animale reale, che però nell’insieme risulta indefinibile e ci offre solo approssimazioni.


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valentina soto

p lasticine on canvas h�brido


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Malú Stewart 1962, Santiago, Chile http://www.malustewart.cl Visual Artist

2013 | group exhibition Juan Yarur Collection, A Personal Story, Museum of Contemporary Art, MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. group exhibition Hand Made, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. 2012 | solo exhibition Green Fingers, Gasco Contemporary Art Space, Santiago, Chile. solo exhibition 33 Degrees South: Contemporary Art From Chile, EB&Flow Gallery, London, UK. 2011 | group exhibition Tectonic Shift, Phillips de Pury and Saatchi Gallery, London, UK. 2010 | solo exhibition A long Summer, House of Propellers, London, UK. group exhibition Geometric Month, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile.

My work is defined within the painting space, displacing itself via different materials and formats. My reference point is the circle, the basic unit of visual language—already investigated through pointillism and photomechanics—and present in Monet's work. Taken as important base for contemporary painting, and reread from the technical and representative point of view, I complete a visual transfer or translation of an oil painting, converting the work into a territory for optical, chromatic and textural experimentation. My interest has been concentrated on the creation of proper, original and abstract language by means of matter.

Mi trabajo se define dentro del espacio de la pintura, desplazándose a través de diversos materiales y formatos. Tomo como referencia el círculo como unidad básica del lenguaje visual –ya investigado por el puntillismo y fotomecánica– presente en los trabajos de Monet. Tomado como base importante en la pintura contemporánea y releído desde la técnica y representación, realizo un traspaso o traducción visual de una pintura al óleo, convirtiendo la obra en un territorio de experimentación óptica, cromática y textural. Mi interés se ha concentrado así en la creación de un lenguaje propio, original y abstracto por medio de la materia. Il mio lavoro si definisce nello spazio della pittura, muovendosi attraverso diversi materiali e formati. Prendo come riferimento il cerchio, come unità di base del linguaggio visivo –già indagato da puntinismo e fotomeccanica–, presente nei lavori di Monet. Preso come base importante nella pittura contemporanea e riletto a partire da tecnica e rappresentazione, realizzo un trasferimento o traduzione visuale di un dipinto ad olio, convertendo l’opera in un territorio di sperimentazione ottica, cromatica e tessile. Il mio interesse si concentra così sulla creazione di un linguaggio proprio, originale e astratto, tramite la materia.


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malďż˝ stewart

mixed media untitled


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Stephanie Stifel 1984, Santiago, Chile http://pepistifel.artenlinea.com Visual Artist

2013 | group exhibition The Everyday, Textile Reflections from Paper, Nemesio Antúnez Art Space, Universidad Metropolitana de Educación Científica (UMCE), Santiago, Chile. group exhibition From the Rest, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta normal, Santiago, Chile. group exhibition Zebra Step, Las Condes Civic Center, Santiago, Chile. group exhibition Youth Art Prize MAVI–Minera Escondida, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2012-13 group exhibition Empty Territory, Ensambles Gallery, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition The Gift, Hotel Gen, Santiago, Chile. group exhibition Thesis 12, Juan Egenau Art Space, University Chile, Santiago, Chile.

The silkworm entwines itself with the longest natural fiber that exists, so as to later become a butterfly. With silk one can create textiles, but it’s necessary to kill the silkworm in its cocoon. Long ago in Japan the upper classes had access to kimonos made of silk. It wasn’t so for the working classes that were able to create equally beautiful kimonos, using the “Shibori” technique. In this work, we see a butterfly created using this technique from which cocoons of silk thread are born, representing the butterflies that will live thanks to the japanese Shibori.

El gusano de la seda se envuelve con la fibra natural más larga que existe para luego volverse una mariposa. Con la seda se puede crear telas, pero es necesario matar al gusano cuando está en el capullo. Antiguamente en Japón, la clase alta tenía acceso a kimonos hechos de seda, no así la clase trabajadora, que logró crear kimonos igual de bellos con la técnica “Shibori”. En esta obra se ve una mariposa realizada con esta técnica de la cual nacen capullos hechos de hilo de seda, que representan las mariposas que vivirán gracias al “Shibori” japonés. Il verme di seta si avvolge con la fibra naturale più lunga che esiste per trasformarsi poi in una farfalla. Con la seta si possono creare tessuti, però è necessario uccidere il verme quando è ancora nel bozzolo. Anticamente in Giappone le classi agiate avevano accesso ai kimono fatti in seta, ma non era così per la classe operaia; essa riuscì a creare kimono ugualmente belli, fatti con la tecnica dello “Shibori”. In questa opera si vede una farfalla fatta con questa tecnica dalla quale nascono bozzoli fatti di fili di seta; questi rappresentano le farfalle che vivranno grazie allo “Shibori” giapponese.


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stephanie stifel

textile

sericultura o producci贸n de la seda


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Francisca Valdivieso 1984, Santiago, Chile http://franciscavaldivieso.com Visual Artist

2013 | group exhibition The Figure, Sculpture in Ceramics, Keramikmuseum Westerwald, Höhr-Grenzhausen, Germany. 2012 | solo xhibition White Fables, XS Gallery, Santiago, Chile. group exhibition MINIMAX/The Behavior of Ceramics, Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Competition Rat Head 2011, Honorable Mention, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile.

In my new series of works titled “Perfect Games”, I continue to investigate the adultchild relationship, but focus on the aspect of control, incorporating different animals as symbols of “who is controlled”, and toys as material elements of control. I aim to establish a parallel between the animal and the infantile. I create different situations where an invisible child is able to perfectly control animal nature and the toys. The “Perfect Games” cancel the animal instinct, molding in ways that go against her or his nature. This can be seen as a metaphor for raising children, which though it may mold and improve, may be uncomfortable.

En mi nueva serie de obras llamada “Juegos Perfectos”, sigo investigando la relación adultez-niñez pero enfocándome en el aspecto del control, incorporando a diferentes animales como símbolo de “quien es controlado”, y a los juegos como elementos materiales del control. Pretendo establecer un paralelo entre lo animal y lo infantil. Creo diferentes situaciones donde un niño invisible es capaz de controlar la naturaleza animal y los juguetes perfectamente. Los “Juegos Perfectos” anulan el instinto animal, moldeando diferentes configuraciones que van en contra de su naturaleza. Esto puede verse como una metáfora de la crianza, que aunque moldea y perfecciona, puede ser incómoda. Nella mia nuova serie di lavori chiamata “Giochi Perfetti”, continuo la mia ricerca sulla relazione adulto-bambino, concentrandomi sull’aspetto del controllo, inserendo diversi animali come simbolo di “colui che è controllato”, e i giochi come elemento materiale di controllo. Il mio intento è stabilire un parallelismo tra l’animale e l’infantile. Creo diverse situazioni dove un bambino invisibile è capace di controllare perfettamente la natura animale e i giocattoli. I “Giochi Perfetti” annullano l’istinto animale, modellando differenti configurazioni che vanno contro la natura del bambino. Questo può intendersi come metafora della genitorialità, che anche se modella e perfeziona, può risultare scomoda.


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francisca valdivieso

ceramic and porcelain untitled


Adrián “Zaines” Valenzuela 1981, Chile ø www.flickr.com/photos/zaines326 Visual Artist

2014 | exhibition Public Art, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Chile in 100 Bowls, GKO Gallery in La Casona de Las Condes, Santiago, Chile. 2011 | exhibition Ragged Street Art, Budapest, Hungary. participation in the competition Street Art Constructor Paz Froimovich, La Sala Gallery, Santiago, Chile 2010 | group exhibition The Bottleneck Law, ArtSpace Gallery, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Maple Flying Carpets, Santiago Library, Santiago, Chile.

Ambar walked a long distance, until she arrived at a forest clearing; she selected the place and moment; she decided to squat and light the “Copal” inside her vase, sap of a thick tree that with the whisper of the wind relates wisdom with its rocking. She lit it and smoke began to waft upwards little by little, and she was delighted by its movements, like a ballerina that would dissipate all the bad vibrations that Ambar had felt that morning. After this ritual, all of the birds raised their voices in hymns for this hidden corner of the forest.

Ámbar caminó un largo trecho hasta que llegó al claro del bosque, seleccionó el lugar y el momento. Cuando lo vislumbró como destello en su conciencia, decidió ponerse de cuclillas y prender al interior de su jarrón el “Copal”, savia de las lágrimas de un grueso árbol que con el susurrar del viento relata sabiduría con su mecer. Lo encendió y el humo empezó a elevarse de a poco, deleitándola con sus movimientos, como una bailarina que disiparía las malas vibraciones que Ámbar había sentido esa mañana. Luego de este ritual, todos los pájaros alzaron su cántico por los recovecos del bosque. Ambra camminò a lungo, fino a raggiungere la radura, scelse ora e luogo. Decise di accovacciarsi e accendere nel suo vaso il “Copal”, linfa di lacrime di un grosso albero che col sussurro del vento racconta saggezza in ogni movimento. L’accese ed il fumo cominciò a salire lentamente, deliziandola con i suoi movimenti, come una ballerina che avrebbe eliminato le vibrazioni negative che Ambra aveva sentito quella mattina. Dopo questo rituale, tutti gli uccelli innalzarono il loro canto in ogni angolo della foresta.

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adri�n “zaines” valenzuela

acrylic and oil on canvas

el humo del copal y la proyecci�n de la luz


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adri�n “zaines” valenzuela

acrylic and oil on canvas

el humo del copal y la proyecci�n de la luz


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Catalina Valenzuela Reymond 1989, Santiago, Chile www.flickr.com/photos/ catalinavalenzuela Visual Artist

2013 | group exhibition Constrastes de un Inicio, Factoria Santa Rosa Gallery, Chile. group exhibition XXXV Youth Contest National Art, Centro de Extension Universidad Valparaíso, Chile.

This drawing is created on paper that was exposed to the elements for many days. This process reveals the formation of nature in general, as all of the grandiosity that surrounds us is made starting from small movements that emerge over time. The sheet of paper is finally intruded upon with the drawing of a view from a telescope into the space. The objective here is to show the most grandiose and unknown on a sheet of paper that represents its origin.

Este dibujo está creado sobre un papel el cual fue expuesto a la intemperie por varios días. Este proceso da cuenta de la formación de la naturaleza en general que, como todo lo grandioso que nos rodea, está hecho a partir de pequeños movimientos que van surgiendo a través del tiempo. La hoja es intervenida finalmente con un dibujo de una visón de un telescopio hacia el espacio. EI objetivo es mostrar lo más grandioso y desconocido sobre un papel que representa el origen de este. Questo disegno è creato su una carta che è stata esposta alle intemperie per vari giorni. Questo processo rivela la formazione della natura in generale che, come tutte le cose grandiose che ci circondano, è fatto a partire da piccoli movimenti che nascono col passare del tempo. Alla fine, si è intervenuti sulla carta con il disegno della visione di un telescopio puntato verso lo spazio. L’obbiettivo è mostrare ciò che esiste di grandioso e sconosciuto, su un foglio di carta che rappresenti anche la sua origine.


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catalina valenzuela reymond

drawing on paper untitled


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Josefina Valenzuela Reymond 1987, Santiago, Chile www.flickr.com/photos/ josefinavalenzuela Visual Artist

2013 | group exhibition Premio MAVI-Minera Escondida, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile. group exhibition Concurso Balmaceda Arte Joven, Museum of Contemporary Art MAC, Santiago, Chile.

My work investigates the problems of drawing as a means of approximating to nature, its forms and how these forms vary with the passing of time. I present here a leaf painted with white spray paint, introduced into the space left by the frame. To accommodate the leaf in this determined space I crumple it, minimize and fold it, in the same manner in which these leaves tend to die.

Mi trabajo investiga sobre las problemáticas del dibujo como medio de aproximación a la naturaleza, sus formas y cómo estas varían con el paso del tiempo. En esta oportunidad presento una hoja de maleza pintada con spray blanco, introducida en el espacio que deja el bastidor. Para acomodar la hoja en este espacio determinado, la arrugo, minimizo y pliego, de la misma forma en que ellas mismas suelen morir. Il mio lavoro investiga le problematiche del disegno come mezzo per avvicinarsi alla natura, alle sue forme, e come esse variano col passare del tempo. In quest’opera, presento una foglia di erbaccia dipinta con spray bianco, introdotta nello spazio che lascia libero il telaio. Per far stare la foglia in questo spazio determinato la sgualcisco, la rimpicciolisco e la piego, nella stessa forma in cui queste foglie abitualmente muoiono.


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josefina valenzuela reymond

white spray on undergrowth maleza


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Francisca Valenzuela Valdivieso 1965, Chile http://www.franciscavalenzuelav.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition New Life: A New Vision, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile. solo exhibition New Life: A New Vision, Chilean Embassy in Washington D.C., USA. group exhibition 1 in 3, World Bank, New York, USA. 2010 | group exhibition Chileans Recycle in the Bicentennial, James Gray Gallery, Los Angeles, USA. 2009 | solo exhibition Dissolution and Birth, La Sala Gallery, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition Ojo Latino, the Vision of a Continent, Museum of Contemporary Art MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. 2007 | solo exhibition Stripped, La Sala Gallery, Santiago, Chile. 2006 | solo exhibition Canapo Art Gallery, Carmel, California, USA.

It is an art workshop in a Center belonging to the María Ayuda Institution that takes in girls socially at risk. These girls come from hard realities, where they weren’t “seen” in their deepest selves, nor respected by their families. As such, they bear the burden of basic emotional lacks that have had a serious impact on their integral development. I paint their faces in black and white. They see their faces, recognize themselves, and begin to intervene expressing their wishes, pain, anger, dreams, and ideals.

Se trata de un taller de arte realizado en un Hogar perteneciente a la Institución María Ayuda, que acoge a niñas en riesgo social. Estas niñas, provenientes de una realidad dura, que no fueron “vistas” en su ser más profundo, ni respetadas por su entorno familiar, arrastran carencias afectivas básicas, que condicionan en forma importante su capacidad de desarrollo integral. Pinto sus rostros en blanco y negro, ellas miran sus rostros, se reconocen, y comienzan a intervenir, expresando sus deseos, sus dolores, sus rabias, sus sueños, sus ideales. Si tratta di un laboratorio artistico realizzato in un Centro dell’istituzione “María Ayuda”, che accoglie bambine a rischio sociale. Queste bambine, provenienti da dure realtà, che non sono mai state “viste” nel loro essere più profondo, né rispettate nel loro contesto familiare, portano con sé il peso di gravi carenze affettive, che condizionano in modo fondamentale le loro capacità di sviluppo. Dipingo i loro volti in bianco e nero, loro si guardano, si riconoscono e cominciano a intervenire, esprimendo i loro desideri, dolori, rabbie, sogni, e ideali.


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francisca valenzuela valdivieso

mixed media untitled


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Sebastián “Tan” Vargas 1980, Chile www.tan.cl Visual Artist

2013 | exhibition Road ON, La Hormigonera Cultural Center, Saints, Barcelona, Spain. 2012 | exhibition Mutt, Show, open workshop and presentation of works created during residency, Santiago, Chile. exhibition Getaway Series, Photography Studio, Santiago, Chile. exhibition Made in NYC, Paintings in ArtSpace Gallery, Santiago, Chile. exhibition Tester, Monumental Paintings, semi-industrial Space, Almirante Pastene, Chile. 2011 | exhibition AIR VItacil, Sparkill Gallery, Art Student League of New York, USA. exhibition As things appear to be, Installation in LP Gallery, New York, USA. exhibition (Universal) art is not an object, Local Project Gallery, New York, USA.

My paintings hold a constant dialogue between graphics, painting, and photography. I recollect art clips, logos, vector images, and illustrations from the Internet that I then transfer to different media creating a vibrant layering of found images. The layering is present in the texture and materiality of my work which refers to the very act of painting: the filling, the veil after veil, the material wear, the corrosion and the passing of time; all of which denounces an atmospheric pictorial quality that moves from graffiti to abstract expressionism. I try to transcend the medium and create multilayered narratives that allow multiple interpretations.

Mis pinturas mantienen un diálogo costante con el mundo gráfico, la pintura y la fotografía. Recolecto art-clips, logos, imágenes e ilustraciones de Internet que luego transfiero a diferentes soportes, creando una vibrante superposición de imágenes encontradas. Esta superposición está presente en las texturas y materialidades de mi trabajo haciendo referencia al mismo acto de pintar: el llenado, capa tras capa; el desgaste, la corrosión y el paso del tiempo; todo ello denota una atmósfera pictórica que transita desde el graffiti al expresionismo abstracto. Trato de trascender el medio y crear narrativas de múltiples capas, que permitan mútiples interpretaciones. I miei dipinti mantengono un dialogo costante col mondo della grafica, della pittura e della fotografia. Raccolgo art-clips, loghi, immagini e illustrazioni da Internet che poi trasferisco su diversi mezzi creando una vibrante sovrapposizione di immagini. Questa stratificazione è presente nella tessitura e materialità del mio lavoro e fa riferimento all’atto stesso di dipingere: il riempire, il mettere velo dopo velo, l’usura del materiale, la corrosione ed il passare del tempo; tutto ciò denota un’atmosfera pittorica che si muove dai graffiti all’espressionismo astratto. Cerco di trascendere il mezzo e creare nuove narrative di molteplici strati che permettano altrettante interpretazioni.


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sebasti�n “tan” vargas

photoserigraphy and acrylic on paper untitled


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Eugenia Vargas Pereira 1949, Chillán, Chile http://eugeniav.typepad.com Visual Artist

2012 | group exhibition Hors Piste, The Silence of the Beast, Centre Pompidou, Paris, France. 2011 | solo exhibition El día más largo del año, CECAL, Universidad de Concepción, Chillán, Chile. group exhibition Neomexicanismos? Modern Art Museum, Mexico D.F, Mexico. group exhibition Jugarreta, Palacio la Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Mujeres detrás de la lente, 100 años de Fotografía en México, Cultural Center Tijuana, Mexico. 2010 | solo exhibition Pensando en ti, performance, Street Company, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Talking Head Transmitters, InTrude, MoMa, Shanghai. 2008 | solo exhibition New Works, Ingalls and Associates, Miami, USA.

In her early work she used her own body as a concept and instrument of resistance and expression. Reflection comes from her own experience, her nomadic condition, from what she guards in her memory and the need to redefine her identity due to her constant geographic displacement. In her more recent work, she has fixed her gaze on the media, the mechanisms of publicity operating through the powerful seduction of the image and the almost invisible codes that create new stereotypes in the representation of the contemporary woman.

En su obra temprana utiliza su propio cuerpo como eje e instrumento de resistencia y expresión. La reflexión surge de su propia experiencia, de su condición nómada, de lo que guarda en la memoria y de la necesidad de redefinir su identidad debido a un constante desplazamiento geográfico. En sus obras más recientes, ha puesto su mirada en los medios, los mecanismos publicitarios a través de la poderosa seducción de la imagen y en los códigos casi invisibles que crean nuevos estereotipos en la representación de la mujer contemporánea. Nei suoi primi lavori utilizza il proprio corpo come asse e strumento di resistenza ed espressione. La riflessione nasce dalla sua esperienza, dalla sua condizione nomade, da ciò che conserva nella memoria, e dalla necessità di ridefinire la sua identità a causa dei suoi costanti spostamenti geografici. Nelle sue opere più recenti, ha rivolto lo sguardo ai media, ai meccanismi pubblicitari che operano attraverso la poderosa seduzione dell’immagine e ai codici, quasi invisibili, che creano nuovi stereotipi nella rappresentazione della donna contemporanea.


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untitled. de la serie: las chicas buenas no disparan


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Paul Vaussane 1966, Lyon, France paulvaussane.com Visual Artist

2013 | group exhibition Open Doors, Oblik Workshop, Clichy, France.. group exhibition From Summer, les Yeux Fertiles Gallery, Paris, France. group exhibition From Fall, les Yeux Fertiles Gallery, Paris, France. 2011 | solo exhibition Sculptures, Ars Atelier Gallery, Paris, France. 2008 | solo exhibition Front to Front, Pierre-Francois Garcier Gallery, Paris, France. group exhibition Ojo Latino, the Vision of a Continent, Museum of Contemporary Art MAC Parque Forestal, Santiago, Chile. 2003 | solo exhibition Upon Turning the Corner, Casa Frissac, Tlalpan, Mexico. solo exhibition Labyrinths, In metro station Auditorio, Mexico City.


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paul vaussane

tea bags and wooden box composici�n con bolsas de t� 4


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Cristián Velasco 1971, Chile http://www.cristianvelasco.cl Visual Artist

2013 | group exhibition Dreaming Country, Marta Traba Art Space, Latin American Memorial, Sao Paulo, Brazil. group exhibition Art and the Culinary, Project of Antoni Miralda and La Olla Común, Metropolitana Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Hand Made, Palacio La Moneda Cultural Center, Santiago, Chile. group exhibition Innocense3 / Image2=?, Chilean Embassy in Belgium, Brussels, Belgium. group exhibition The Drawing Salon, YAM Gallery in Atelier Richelieu, D Dessin, Paris, France. group exhibition Zebra Step, 18 artists in the Las Condes Civic Center, Santiago, Chile. group exhibition Portraits, Yam Gallery, San Miguel de Allende, Mexico.

The work of Cristián Velasco is centered on man and social space, investigating the conceptual and aesthetic problems associated with memory, the body, territory and habit through the domestic and the urban, waste and decoration. Interested in work processes, the displacement of objects and act of reusing, his works move from painting to graphics, objects, textiles, video, performance and installation.

El trabajo de Cristián Velasco se centra en el hombre y el espacio social, investigando a través de lo doméstico y lo urbano, el desecho y lo decorativo, problemas conceptuales y estéticos asociados a la memoria, el cuerpo, el territorio y la habitabilidad. Interesado por los procesos de obra, el desplazamiento de los objetos y la reutilización, sus trabajos se mueven desde la pintura a la gráfica, el objeto, el textil, el video, la performance y la instalación. Il lavoro di Cristián Velasco si concentra sull’uomo e lo spazio sociale, ricercando attraverso il domestico e l’urbano, il rifiuto ed il decorativo, problemi concettuali ed estetici associati a memoria, corpo, territorio e abitabilità. Interessato ai processi dell’opera, il movimento degli oggetti e il loro riutilizzo, i suoi lavori si muovono tra pittura, oggetto, grafica, tessile, video, performance e installazioni.


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Lautaro Veloso 1985, Santiago, Chile www.lautaroveloso.com Visual Artist

2014 | group exhibition Sub30, Museum of Contemporary Art, MAC Quinta Normal, Curated by Jorge González Lohse, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Post Mortem, La Petite Mort Gallery, Curated by Guy Berube y Felipe Bracelis, Ottawa, Canada. group exhibition The Trick of the Senses, ALUGAR Gallery, Curated by Lautaro Veloso and Grace Weinrib, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Lilit’s Whisper (first part), ALUGAR Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Machine at Hand, ARTEK Art Space, Curated by Daniel Reyes León, Santiago, Chile. group exhibition Drawing Cabinet, Visual Arts Museum MAVI, Santiago, Chile.

Generating an image is made up of a delicate equilibrium of reachable and unreachable content. This body full of discourses, points of view and biographical elements come together to talk to another body. That body works in silence, maintaining a beating heart, regulating the equilibrium, firing hits of adrenaline when it’s necessary and organizing the narratives of dreams. When they work together, these two bodies help each other in the construction of images. I concern myself with maintaining the part over which I have the greatest control nourished with the necessary information, so that the images have sufficient weight to dialogue with the personal universe of other beings.

La generación de una imagen se compone del delicado equilibrio construido de contenidos alcanzables e inalcanzables. Este cuerpo lleno de discursos, puntos de vista y elementos biográficos, se sienta a conversar con otro cuerpo. Aquel cuerpo trabaja en silencio manteniendo el corazón palpitando, regulando el equilibrio, disparando golpes de adrenalina cuando es necesario y organizando las narrativas de los sueños. Cuando funcionan coordinadamente se ayudan en la construcción de imágenes. Me preocupo de mantener el aspecto del que tengo mayor control, nutrido con la información necesaria para que las imágenes tengan la carga suficiente para dialogar con el universo personal de los demás. La generazione di un’immagine si compone da un delicato equilibrio fatto da contenuti raggiungibili e irraggiungibili. Questo corpo pieno di discorsi, punti di vista ed elementi biografici, arriva a parlarne con un altro corpo. Quel corpo lavora in silenzio e mantiene i battiti del cuore, regolando l’equilibrio, sparando colpi di adenalina quando è necessario e organizzando le narrative dei sogni. Quando funzionano coordinatamente, si aiutano nella costruzione di immagini. Cerco di mantenere l’aspetto del corpo sul quale ho maggior controllo, nutrito dall’informazione necessaria in modo che le immagini abbiano la carica sufficiente per dialogare con l’universo personale degli altri.


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acrylic and oil on canvas ad�n el terrible


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Juan Pablo Venegas 1985, Santiago, Chile http://juan-pablo-venegasinostroza.artenlinea.com Visual Artist

2013 | group exhibition An Eskimo With A White Fox That Just Finished Hunting. Images from Chile, Casa de las Américas la Habana, Cuba; Wreck City, Calgary, Canadá. 2012 | group exhibition There’s No Reservation, Vilches Space East Campus, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile. group exhibition Public Policies, International Museum of Chile, Santiago, Chile. 2011 | group exhibition Occupy: 24 Artists and 1 Curator, Jose Miguel de la Barra 508, apt. 11 Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Construction Models, Vilches Space, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.

His current artistic investigation is centered on the problematic relationship between pre and post industrial production logic in the Chilean territory, and how this divergence could give clues to the current phenomenon of social discontent.

Su actual investigación plástica se centra en la relación problemática entre las lógicas de producción pre y post industriales en el territorio chileno, y cómo esta divergencia podría dar pistas del actual fenómeno de descontento social. La sua attuale ricerca plastica si concentra sulla relazione problematica tra le logiche di produzione pre- e post-industriali sul territorio cileno, e su come questa divergenza potrebbe dare indizi sull’attuale fenomeno di malcontento sociale.


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juan pablo venegas

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Magdalena Vial 1972, Santiago, Chile http://www.magdalenavial.cl Visual Artist

2012 | group exhibition Chilean Embassy in Berlin, Germany. group exhibition Nordart 2012, Contemporary Art Fair, Budelsdorf, Germany. group exhibition Time and Space, Commenoz Gallery, Key Biscayne, USA. 2011 | group exhibition Competition A Renewed Dialogue Between Art and Christianity in the 21st Century, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Shade, Exhibition Space, Finis Tarrae University, Santiago, Chile. group exhibition 119, Work from Recoleta Cultural Center Workshop, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition Restos Impresos, New Paradises, Isabel Aninat Gallery, Santiago, Chile.

Her painting starts with large plans created with engraving techniques such as monoprinting, screen printing, and xylography. She structures spaces that are held up in a two-dimensional level, which is inhabited by a fragmented image, symbolic of man.

Su pintura se articula a partir de grandes planos construidos con técnicas del grabado como la monocopia, la serigrafía y la xilografía. Estructura espacios que se sostienen en el plano bidimensional, en donde habita una imagen fragmentada y simbólica del hombre. La sua pittura si articola a partire da grandi piani costruiti con tecniche di incisione come monocopia, serigrafia e xilografia. Si strutturano spazi che si sostengono sul piano bidimensionale, dove risiede un’immagine frammentaria e simbolica dell’uomo.


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acrylic on wood piscina


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María Luisa Vidaurre 1952, Santiago, Chile http://www.marialuisavidaurre.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition María Luisa Vidaurre 2014, Casas de Lo Matta, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition María Luisa Vidaurre 2013, Parque Bicentenario, Santiago, Chile. 2012 | group exhibition Art of the Americas Expo, Antonio Berni Gallery, Rio de Janeiro, Brazil. 2011 | solo exhibition María Luisa Vidaurre 2011, Casas de lo Matta, Santiago, Chile. 2010 | group exhibition Jacques Ardies Gallery, Sao Paulo, Brazil. 2009 | exhibition Daughters of Cacao, QuQu Gallery, Santiago, Chile. 2008 | group exhibition organized by the gallerist Jacques Ardies, in Chapel School, the 39th Chapel ArtShow, in Vigário João Pontes Street 537 Chacra Flora, São Paulo.

The themes of my paintings are generally Latin characters, lonely, huge women in a state of calm and contemplation: “Latin women in everyday situations”, pictures of women in their daily life and many of them in interiors. There is clearly a mix of tropical landscapes, because of my stays in Rio de Janeiro and its surroundings, which had a real impact on me, as well as the landscapes and climate, so agreeable and not aggressive. I also paint many couples, also in calm and harmonious situations, travelling on highways, accompanied by dogs, zebras, hummingbirds, Virgins and Ibises.

Las temáticas en mi pintura son generalmente personajes latinos, mujeres solas y grandes que están en calma, sosiego y en contemplación: “mujeres latinas en situaciones cotidianas”. Cuadros con mujeres en su diario vivir y muchas de ellas en interiores. Hay claramente una mezcla de paisajes tropicales por mis estadías en Río de Janeiro y alrededores, lo cual me ha marcado mucho, tanto por sus paisajes como por su clima tan agradable y poco agresivo. Pinto muchas parejas, también en situaciones de calma y armonía, viajando en carretas, acompañados de perros y cebras, picaflores, Vírgenes y Bandurrias. Le tematiche della mia pittura sono in genere personaggi latini, donne sole, grandi e in uno stato di calma, pace e contemplazione: “donne latine in situazioni quotidiane”. Quadri di donne nello loro attività quotidiane, tante situate in interni. C’è un’evidente miscela di paesaggi tropicali a causa del mio soggiorno a Rio de Janeiro e dintorni, che ha lasciato un segno su di me, sia per i suoi paesaggi che per il suo clima, così gradevole e poco aggressivo. Dipingo inoltre coppie, anch’esse in situazioni di calma ed armonia, mentre viaggiano in autostrada, accompagnate da cani, zebre, colibrì, Vergini ed Ibis.


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Jorge Vilches Gana 1967, Santiago, Chile Visual Artist

2012 | exhibition Bird Houses, Ancud Regional Museum, Chiloé; Casas de Lo Matta, Santiago. 2011 | exhibition Persistence of the Romantic, Universidad de Concepción Art Gallery, Concepción, Chile. exhibition Emotive Traces, Enlace Gallery, Lima, Peru. group exhibition Trece Gallery, Santiago, Chile. 2009 | exhibition Triennial Off, Moro Gallery, Santiago, Chile. exhibition 10 years Scanner Cultural, Artium Gallery, Santiago, Chile. 2008 | exhibition Poster Looking for, Urban Intervention, Barrio Italia, Santiago, Chile. 2007 | exhibition Paint a Future, Multipla de Arte Gallery, São Paulo, Brazil.

The plastic art of Jorge Vilches has diverse influences: literature, comics, and the imagery from spelling books have remained in his visual memory. Vilches's theme speaks about relation with territory. In a poetic way it speaks to us about personal territories, lost, won, and lost again, definitely a metaphor for the different stages of human beings. His solitary characters evoke situations and past moments, a timeless atmosphere that overwhelms with its mystery. His painting is eminently figurative and in some way traditional, free of trends and posturing, yet his proposal is completely contemporary, precisely for his obstinate “militancy” in the more simple and traditional margins of plastic arts.

El trabajo plástico de Jorge Vilches tiene afluentes diversos: la literatura, el cómic y la imaginería de silabario han quedado registrados en su memoria visual. De manera poética, nos habla de territorios personales, perdidos, ganados y vueltos a perder; una metáfora de las distintas etapas del ser humano. Sus personajes solitarios evocan situaciones y momentos pasados, una atmósfera atemporal que inunda con su misterio. Una pintura eminentemente figurativa y en cierto modo tradicional, ajena a modas y posturas; su propuesta es, sin embargo, completamente contemporánea por su obstinada “militancia” en los márgenes más simples y tradicionales de las artes plásticas. Il lavoro plastico di Jorge Vilches risente di diverse influenze: la letteratura, il fumetto e le immagini dei sillabari, che sono rimaste registrate nella sua memoria visiva. In modo poetico, ci parla di territori personali persi, recuperati e persi ancora; una metafora delle diverse tappe dell’essere umano. I suoi personaggi solitari evocano situazioni e momenti passati, un’atmosfera senza tempo che inonda col suo mistero. Una pittura eminentemente figurativa e in certo senso tradizionale, ignara a qualsiasi moda; la sua proposta è tuttavia assolutamente contemporanea per la sua ostinata “militanza” nei margini più semplici e tradizionali delle arti plastiche.


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Lorena Villablanca 1969, Chillán, Chile http://lorena-villablanca.blogspot.com Visual Artist & Engraver

2014 | solo exhibition The Place Where Everyone Comes Together, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition Sateliteart, Universidad de Concepción Art Gallery, Chile. 2013 | solo exhibition The Continuity of Things, El Caballo Verde Gallery, Concepción, Chile. 2012 | group exhibition From the Matrix, Engravings from the University Playa Ancha Arts Fund, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition 889295-12, Universidad del Bío Bío, Chillán, Chile. group exhibition The First Ladies, Factoría Santa Rosa, Santiago, Chile. 2011 | solo exhibition Universidad Católica de Temuco Gallery, Chile. solo exhibition The Place Where Everyone Comes Together, Universidad de Concepción Art Gallery, Chile.


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Paloma Villalobos 1976, Viña del Mar, Chile http://www.palomavillalobos.com Visual Artist

2014 | group exhibition Photography Prize I, Patricia Ready Gallery, Santiago, Chile. group exposition The Spanish Selection, Salvador Allende Solidarity Museum, Santiago, Chile. group exhibition Villa Casa Foundation Photography Prize, Palau Solterra, Girona, Cataluña. group exhibition Plants in an Electrical Storm, Macchina Gallery, Santiago, Chile. 2013 | group exhibition Project A, Plaza Muñoz Gamero, Punta Arenas, Chile. group exhibition Viphoto, Amarika Art Space, Votoria Gasteiz, País Vasco. group exhibition Project A, National Museum of Fine Arts, Santiago, Chile. group exhibition Glass Photo Project, CCU Art Space, Santiago, Chile.

Her work is concentrated on creating images and photographic installations that wander between reality and fiction. Landscapes affected by climate, natural landscapes that disturb and generate questions about the world that they represent and how that world was created. In this search, she investigates the central themes of error, accident, loss, fading, fragility, disappearance and what survives.

Su trabajo se concentra en la realización de imágenes e instalaciones fotográficas que deambulan entre realidad y ficción. Paisajes afectados por el clima, naturalezas que inquietan y generan preguntas acerca del mundo que representan y de cómo ese mundo se ha construido. En esta búsqueda, los temas centrales que indaga son el error, el accidente, la pérdida, lo desvanecido, la fragilidad, la desaparición y lo que subsiste. Il suo lavoro si concentra sulla realizzazione di immagini e installazioni fotografiche che si muovono tra realtà e finzione. Paesaggi colpiti dal clima, paesaggi naturali che inquietano e sollevano domande sul mondo che rappresentano e su come essi sono stati costruiti. In questa ricerca, gli argomenti centrali che l’artista indaga sono l’errore, l’incidente, la perdita, lo sbiadimento, la fragilità, la scomparsa, e ciò che rimane.


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Isabel Viviani 1961, Santiago, Chile http://vivianiarte.blogspot.com Visual Artist

2014 | solo exhibition Ciao Emar, Nova Library, Florence, Italy. solo exhibition Traveling, with the Juan Emar Foundation, Sponsor: Universidad de Talca, Chile. exhibition Public Space Murals: The Harvest. Thorns and Little Birds. Day in the Country with Kites, Urban murals for the Colina community, Santiago, Chile. 2013 | solo exhibition Yesterday / A Year, Homage to Juan Emar at 120, Casas de lo Matta, Santiago, Chile. 2010 | solo exhibition Macondo / Bomarzo, Scuola Italiana Cultural Center, Santiago, Chile. 2008 | solo exhibition Nature’s Secrets, Trece Gallery, Santiago, Chile. 2006 | solo exhibition A Few Little Dead, Las Condes Cultural Corporation, Santiago, Chile.

The ensemble of materials that come from different worlds, such as industry, nature, the market, the finding: they are the base of my sculptures. Without being noble materials, when they are joined, they take on their own life. “Little Bird’s Nest” (Nido de Pajaritos) is a work inspired by Mexican Alebrijes, imaginary beings which are combinations of various animals, some fantastic, some real.

Los ensambles de materiales que provienen de diferentes mundos como la industria, la naturaleza, el mercado, el hallazgo, son la base de mis esculturas: sin ser materiales nobles, al juntarse, toman vida propia. “Nido de pajaritos” es una obra inspirada en los Alebrijes mexicanos que son seres imaginarios, una combinación de varios animales, no solo fantásticos, sino también reales. Gli assemblaggi di materiali che provengono di mondi diversi come l’industria, la natura, il mercato, le cose scoperte per caso, stanno alla base della mia scultura: pur non essendo materiali “nobili”, all’unirsi, guadagnano una vita propria. “Nido de Pajaritos” è un’opera che si ispira agli “Albrijes” messicani, esseri immaginari, che sono combinazioni di diversi animali, alcuni fantastici, alcuni reali.


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isabel viviani

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nido de pajaritos


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Patricio Vogel 1971, Santiago, Chile http://www.vogel.cl Visual Artist

2014 | solo exhibition The Archive of Things, CO Gallery, Santiago, Chile. 2013-14 | group exhibition Report, Photo Gallery Habana, Cuba. 2013 | group exhibition Territory and Identity, Carga Art Space, Santiago, Chile. group exhibition Minimal made in Chile, Matucana 100, Santiago, Chile. group exhibition Lens on the Natural, Concreta Gallery, Santiago, Chile. 2012 | international curation Alzheimer, PCV, Valparaíso, Chile. group exhibition The Ghost Member, Open Show Studio, Atenas, Grecia. 2011 | bi-personal exhibition with E. Ramírez, D´ou vient votre suprématie?, Yono Gallery, Santiago, Chile. group exhibition Country Report, Gabriel Mistral Cultural Center GAM, Santiago, Chile.

The activation of a space produced by an innumerable amount of happenings, which affect and exercise over it variations in both its formal and symbolic parts: these are the aspects from which my productions are generated. I articulate pieces that try to present these activations, constituting and conditioning views that situate reality and human experience. Addressing and exploring visual, poetic and political possibilities. Radicalizing and tightening their positions and forms of co-existence. All of this, with the goal of provoking reflection starting with the space, which represents in one form or another the diverse possibilities of co-existence and survival in contemporary experience.

La activación del espacio producido por un sin numero de acontecimientos que lo afectan y ejercen sobre él variaciones, tanto en su parte formal como simbólica, son los aspectos que generan mis producciones. Configurando obras que buscan hacer presente dichas activaciones; constituyendo y condicionando miradas, que sitúan la realidad y la experiencia humana. Abordando y explorando las posibilidades visuales, poéticas y políticas. Radicalizando y tensando sus posiciones y formas de convivencia. El objetivo es provocar reflexiones a partir del espacio que representa, de una u otra forma, diversas posibilidades de convivencia y sobrevivencia en la experiencia contemporánea. L’attivazione dello spazio prodotto da infiniti eventi che incidono e generano modificazioni di esso, tanto a livello formale quanto simbolico, sono gli elementi che generano le mie produzioni. Realizzando opere che cercano di mettere in evidenza queste attivazioni; costituendo e condizionando sguardi, che collocano la realtà e l’esperienza umana. Affrontando ed esplorando le possibilità visuali, poetiche e politiche. Radicalizzando e tendendo le posizioni e forme di convivenza. L’obbiettivo è quello di generare riflessioni a partire dallo spazio, che rappresenta le diverse possibilità del convivere e della sopravvivenza contemporanea.


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José “Alme” Yutronic 1980, Chile http://yutronic.com Visual Artist

2013 | group exhibition Chile en 100 Pailas, Museo de la Chilenidad, Santiago, Chile. group exhibition Automata, Oops! Gallery, Santiago, Chile. group exhibition GFA Parallel Edition, Matilha Cultural, Sao Paulo, Brazil. group exhibition mural and graffiti: Second Biennial GFA, MuBE Museum, São Paulo, Brazil. 2012 | solo exhibition Reminiscences from 1980, MAVUT (Museum of Visual Arts UTALCA), Talca, Chile. 2009 | exhibition and symposium: Nord Art 2009, Büdelsdorf, Germany. group Exhibition 400 ml Project, Festival Rock en Seine, Paris, France. group exhibition Centre d'Art Contemporain La Lune en Parachute of 400 ml, Epinal, France.

Shamantha is a form of Buddhist meditation that believes, among other things, that duality does not exist, but is created by our minds, which are guided by our culture. We understand by duality the existence of two entities of anything, a plant, a car, etc. "De las Nieves" is the representation of the question born from the popular and own belief in reference to our death; it is that exact moment, in which the understanding of everything, of the cosmos, starts.

Shamatha es una meditación budista que plantea, entre otras cosas, que la dualidad es algo inexistente creado por nuestras mentes, guiadas por nuestra cultura. Entendemos por dualidad la existencia de dos entes, cualquier cosa: una planta, un auto, etc. “De las Nieves” es la representación del cuestionamiento que nace frente a la creencia popular y propia respecto del momento de nuestra muerte; es ese el momento exacto en que comienza la comprensión de todo, del cosmos. Shamatha è una meditazione buddhista che propone, tra altre cose, che la dualità è un qualcosa di inesistente, creato per la nostra mente e guidato dalla nostra cultura. Si intende per dualità l’esistenza di due entità, qualunque cosa essi siano: una pianta, una macchina, ecc. “De las Nieves” è la rappresentazione della domanda che nasce di fronte alla credenza popolare e propria riguardo la nostra morte; è il momento esatto nel quale comincia la comprensione del tutto, del cosmo.


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de las nieves


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Totoy Zamudio 1972, Santiago, Chile http://totoyzamudio.blogspot.com Visual Artist

2013 | solo exhibition These Same Thousands of Times, Blanc Gallery, Chile. 2011 | exhibition The Phone Experiment, La Sala Gallery, Santiago, Chile. solo exhibition Billy de Kid, The Complex Toy, Colorida Gallery, Lisboa, Portugal. 2009 | exhibition Tell Me Cárcamo, Praxis Gallery, Santiago, Chile. 2004 | exhibition Decade, Stuart Gallery, Santiago, Chile.

I rediscovered my drawing and the characters appeared. These androgynous figures occur as if they were floating in water, and as if their bodies were there only to be seen and observed. I try not to intervene too much on cerebral hunches. My painting is more about following the path described through emotions.

Redescubrí mi dibujo y ahí aparecieron los personajes. Esos seres andróginos que se suceden como si estuvieran flotando en el agua, y como si sus cuerpos estuvieran ahí sólo para ser vistos y observados. Trato de no intervenir demasiado desde las corazonadas cerebrales. Mi pintura es más seguir el camino que se escribió a través de las emociones. Ho riscoperto il mio disegno e lì sono apparsi i personaggi. Esseri androgeni che si succedono come se stessero galleggiando sull’acqua, e come se i loro corpi stessero lì solo per essere visti ed osservati. Cerco di non intervenire troppo sulle intuizioni cerebrali. La mia pittura ha più a che fare con seguire il cammino che si è scritto a partire dalle emozioni.


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“Zsueño” 1986, Santiago, Chile Visual Artist

2014 | exhibition Sub30 Painters in Chile, Museum of Contemporary Art MAC Quinta Normal, Santiago, Chile. 2009 | solo exhibition Plan B, Moto Gallery, Santiago, Chile.

«Art is the science of manipulating objects» (Alan Moore) We are sometimes more conscious than at other times of what we are doing. For me, art has no other end besides the spiritual. Each artist exercises her or his ritual and spouts her or his charm, and in this an intention is revealed. The effectiveness of this charm depends, then, on the seriousness with which the artists executes her or his ritual and the methodology used to realize it. With the passing of time, along with serious dedication and great effort, day by day the artist makes her or himself into a great Magician.

«El arte es la ciencia de manipular símbolos» (Alan Moore) Somos a veces más conscientes y otras menos, de lo que estamos haciendo. Para mí el arte no tiene otra finalidad que una espiritual. Cada artista ejerce su ritual y expulsa su hechizo, y en él revela su intención. La efectividad de su hechizo dependerá entonces de la seriedad con la que efectúe su ritual y lo metódico que este sea para realizarlo. Con el paso del tiempo, más la extrema dedicación y un gran esfuerzo, día tras día el artista se va convirtiendo en un mejor Mago. «L’arte è la scienza di manipolare i simboli» (Alan Moore) A volte siamo più coscienti e altre meno di ciò che facciamo. Per me l’arte non ha altre finalità se non quella spirituale. Ogni artista fa un suo rito e pronuncia il suo incantesimo; in esso rivela la sua intenzione. L’efficacia del suo incantesimo dipenderà quindi dalla serietà con la quale svolge il suo rituale e da quanto metodico egli sarà nel realizzarlo. Con il passare del tempo, con estrema dedizione e con grande sforzo, giorno dopo giorno, l’artista va trasformandosi in uno Mago migliore.


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ยก 1. Luisa Prieto

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2. Jorge Gonzรกlez Araya 3. Carolina Saquel 4. Bรกrbara Oettinger


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¡ 1. Amparo Phillips

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2. Francisca Benítez 3. Melanie Garland 4. Serena García dalla Venezia 5. Carolina Muñoz


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ยก 1. Antonia Cruz

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2. Consuelo Lewin 3. Daniela Santa Cruz 4. Enzo Modolo 5. Amelia Campino


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Foto por Mirtha Castro

ÂĄ 1. Isabel Motta

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2. Carola RamĂ­rez 3. Filipa Eyzaguirre 4. Camila Pino Gay 5. Lautaro Veloso


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ยก 1. Mariana Gallardo

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2. Lorena Pedemonte 3. Mathias Sielfeld 4. Milena Grรถpper 5. Juan Esteban Reyes


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¡ 1. Andrea Barrios

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2. Elías Adasme 3. María Luisa Vidaurre 4. Abril Montealegre 5. Ignacio Kenfa Wong


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ยก 1. Francesca Ramos

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Barbagelata 2. Catalina Valenzuela 3. Edwards Estay 4. Fabiรกn Neisskenwirth 5. Constanza Ragal


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"UtopĂ­a 1" por Esteban Araya


ยก 1. Carlos Navarrete

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2. Cristiรกn Elizalde 3. Cecilia Andrews 4. Josefina Valenzuela 5. Diego Olate


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¡ 1. Violeta Larraín

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2. Magdalena Vial 3. María Ossandón 4. Mauricio Guajardo 5. Tite Calvo


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¡ 1. Oscar Barra

439

2. Patricia Domínguez 3. Andrea Carreño 4. Sebastián Garretón 5. Rocío Aguirre 6. Sofía del Pedregal


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¡ 1. Eugenia Vargas

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2. Christiane Pooley 3. Cristián Velasco 4. Tania González 5. Andrea Rodríguez


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¡ 1. Stephanie Stifel

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2. Sergio Mancilla 3. Ruperto Cádiz 4. Patricio Vogel 5. Iñaki Muñoz


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¡ 1. Valeria Faúndez

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2. Bernardita Matthei 3. Carla Fache 4. Andrés Peñaloza 5. Camila Montero


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¡ 1. Natalia Méndez

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2. "Zsueño" 3. Sebastián "Tan" Vargas 4. Alejandro Gatta 5. Paloma Gómez 6. Paula Garrido


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¡ 1. Catalina Garretón

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2. Catalina Bustos 3. Eva Lefever 4. Santiago Ascui 5. Andrea Domínguez


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ยก 1. Paul Vaussane

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2. Inge Dusi 3. Paloma Villalobos 4. Amelia Errรกzuriz 5. Isabel Viviani


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¡ 1. Lupe Ferrás 2. Paulina Olguín 3. Wladymir Bernechea 4. Jacinta Reyes 5. Matías Acuña


ツ。 1. Jorge Kuhn

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2. Maite Izquierdo 3. Lorena Villablanca 4. Vicente Rojas 5. Miguel テ]gel Huerta 6. Jose "Alme" Yutronic


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¡ 1. Marcela Illanes

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photo by Maite Bäckman

2. Javier Rodríguez 3. Alicia Larraín Chaux 4. Aldo Alcota 5. Paula Dünner


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ยก 1. Andrea Gana

photo by Luis Poirot

2. Francisco Cintolesi 3. Totoy Zamudio 4. Hernรกn Parada


a

e burgoa, Valeria

acuña, Matías

36-37, 453

adasme, Elías

38-41, 430

aguirre, Rocío

42-43, 439

alcota, Aldo

44-45, 456

aldunate, Carmen

46-49

álvarez, Gaspar

50-51

edwards, Benjamín

136-137

elizalde, Cristián

c

138-139, 434

eluchans, Francisca errázuriz, Amelia

cabieses-Valdés, Jorge

98-99

140-141 142-143, 451

errázuriz, Magdalena

144-145

calvo, Tite

102-103, 437

estay, Edwards

148-149, 432

60-61, 449

campino, Amelia

104-105, 425

etchart, Sonia

150-151

62-63

carreño, Andrea

106-109, 438

eyzaguirre, Filipa

catoni, Jorge

barra, Óscar

64-67, 438

barrios, Andrea

68-69, 430

benítez, Francisca

70-71, 422 72-73

correa, Juan Carlos

114-115

cousiño, Ximena

116-119

cruz, Antonia

152-153, 427

110-111

cintolesi, Francisco 112-113, 458

b

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134-135

146-147

56-59

bernechea, Wladymir

echazarreta, Alfredo

españa, Fabián

apablaza, Carlos

benmayor, Matilde

94-97, 448

100-101, 443

52-55, 433

astaburuaga, Camila

bustos, Catalina

cádiz, Ruperto

andrews, Cecilia ascui, Santiago

92-93

120-121, 424

f fache, Carla

154-157, 444

faúndez Balogi, Valeria 158-159, 444 fernández, Alfonso

d

ferrás, Lupe fontaine, Colomba

74-75, 452

160-163 164-165, 452 166-167

besa, Jacinta

76-77

del Pedregal, Sofía

bimer, Adolfo

78-79

díaz, Rodrigo

bogolasky, Tamara

80-81

domínguez, Patricia

126-127, 438

bonfanti, Marcella

82-83

domínguez, Andrea

128-129, 449

bosich, Raisa

84-85

dünner Claro, Paula

130-131, 457

gallardo, Mariana

168-169, 428

bradbury, Dominique

86-87

dusi, Inge

132-133, 450

gana, Andrea

170-171, 458

bravo, Waldo

88-89

garcía, Víctor

172-173

broquedis, Iris

90-91

garcía, Serena

122-123, 439 124-125

g

174-175, 423


k 176-177, 422

garretón, Catalina

178-179, 448

montes de Oca, Carlos

258-261

kenfa Wong, Ignacio 216-217, 431

montero, Camila

262-263, 445

garretón, Sebastián 180-181, 439

kleiner, Lea

218-219

motta, Isabel

264-265, 426

garretón, Natalia

kovacic, Daniela

220-221

movillo, Matías

266-267

222-223, 454

munita, Guisela

268-269

182-183

garrido, Paula

184-185, 447

garvo, Gabriel

186-187

gatta, Alejandro

188-189, 447

gómez, Paloma

190-191, 447

gonzález, Tania

192-193, 441

kuhn, Jorge

l larraín, Violeta

gröpper, Milena

196-197, 429

larraín Chaux, Alicia 226-229, 456

guajardo, Mauricio

198-199, 437

lazo Varas, Félix

h herrera, Claudio

200-201

hojas, Isabel

202-203

huerta, Miguel Ángel 204-205, 455 huidobro, Matilde

illanes, Carolina

208-209

illanes, Marcela

210-211, 456

izquierdo, Maite

232-235, 448 236-237

letelier, Rina

238-239 240-241, 424

m mancilla, Sergio

242-243, 442

martínez, Álvaro

244-245

matthei, Bernardita

212-213 214-215, 454

muñoz, Carolina

272-273, 423 274-275

n

230-231

206-207

i

isaacson, Antonia

224-225, 436

letelier, Michelle-Marie lewin, Consuelo

270-271, 443

muñoz Vicuña, Ignacio

gonzález Araya, Jorge 194-195, 421

lefever, Eva

muñoz, Iñaki

navarrete, Carlos

276-277, 434

neisskenwirth, Fabián 278-279, 433

o oettinger, Bárbara

280-281, 421

olate, Diego

282-285, 435

olea, Francisco Javier olguín, Paulina

286-289 290-291, 452

246-247, 444

ortíz, Alejandro

292-293

mellado, Muriel

248-249

ortúzar, Teresa

294-297

melnick Aranda, Iván

250-251

ossandón, María

298-299, 436

méndez, Natalia

252-253, 446

ovalle, Luz María

300-303

modolo, Enzo

254-255, 425

montealegre, Abril

256-257, 431 463

garland, Melanie


p

s veloso, Lautaro

parada Urrutia, Hernán 304-305, 459

sáez, Nicolás

pedemonte, Lorena

306-309, 428

santa cruz, Daniela 348-349, 424

vial, Magdalena

peñaloza, Andrés

310-311, 445

santa maría, Diego

350-351

vidaurre, María Luisa 400-401, 431

phillips, Amparo

312-313, 422

santa maría, Matías

352-353

vilches Gana, Jorge

pino Gay, Camila

314-315, 427

saquel, Carolina

poirot, Soledad

316-319

398-399, 436 402-403

villablanca, Lorena 404-405, 454 villalobos, Paloma

406-407, 450

360-361

viviani, Isabel

408-409, 451

vogel, Patricio

410-411, 443

serra, Marcela

prieto, Luisa

322-323, 420

sielfeld, Mathias

pulido, Jorge

324-325

362-363, 428

silva Guzmán, Catalina

364-365

soto, Miguel

366-367

soto, Valentina

368-369

stewart, Malú

370-371

stifel, Stephanie

372-373, 442

y yutronic, José "Alme" 412-413, 455

326-327, 433

ramírez, Camila

328-329

ramírez, Carola

330-331, 426

ramos, Francesca

332-333, 432

razeto, Teresa

354-355, 420

396-397

356-359

320-321, 440

ragal, Constanza

346-347

seguel Naranjo, Sacha

pooley, Christiane

r

334-335

v

z

valdivieso, Francisca

374-375

reyes, Jacinta

336-337, 453

valenzuela, Adrián "Zaines" 376-379

reyes, Juan Esteban

338-339, 429

valenzuela, Catalina 380-381, 432

rodríguez Pino, Javier 340-341, 456

valenzuela, Josefina 382-383, 435

rodríguez Vial, Andrea 342-343, 441

valenzuela V., Francisca

rojas Ruggeri, Vicente 344-345, 455

vargas, Sebastián "Tan" 386-387, 446

384-385

vargas Pereira, Eugenia 388-389, 440

464

venegas, Juan Pablo

394-395, 427

vaussane, Paul

390-391, 450

velasco, Cristián

392-393, 440

zamudio, Totoy

414-415, 458

"zsueño"

416-417, 446


Imago Mundi is a collection of works commissioned and collected by Luciano Benetton on his travels around the world, involving on a voluntary basis established and emerging artists from many different countries. Each of these artists has created an artwork whose only limitation is the 10 x 12 cm format, contributing to the composition of a surprising artistic geography. The collection, hosted by the Fondazione Benetton, has no commercial aspirations, but instead aims to catalogue the works and ideas in order to pass on to future generations – by means of catalogues, exhibitions and a specific web platform – the widest possible mapping of human cultures at the start of the third millennium. The complete collection of the Imago Mundi artworks can be seen on the website imagomundiart.com

Ojo Latino Contemporary Artists from Latin America 2008

Looking Eastward Contemporary Artists from Russia, Ukraine, Moldavia, Armenia, Uzbekistan 2011

Made in China Contemporary Artists from China 2012


Unexplored Territory Contemporary Artists from Mongolia 2013

Painting the Dreaming Australian Aboriginal Paintings from the Central and Western Deserts 2013

Greetings from South Korea Contemporary Artists from South Korea 2013

Flowering Cultures Contemporary Artists from India 2013

Contemporary Japanese Artists 2013

Organix Contemporary Artists from the U.S.A. 2013

Azerbaijan: The colors of wind and fire Contemporary Artists from Azerbaijan 2013

Kenya, Tanzania, Zanzibar: The witchcraft of art Contemporary Artists from Kenya, Tanzania and Zanzibar 2013

Senegal: Dokh DadjĂŠ Contemporary Artists from Senegal 2013

Mongolia: Spirit of the Gobi Contemporary Artists from Mongolia 2013

Snapshot Romania Contemporary Artists from Romania 2013

Untitled: Contemporary Art from Afghanistan 2014


South Africa: 10 x 12 @ SA Contemporary Artists from South Africa 2014

Iceland / Boiling Ice Contemporary Artists from Iceland 2014

Vienna for Art’s Sake! Archive Austria / Contemporary Art 2014

Somalia: Art of Hope Contemporary Artists from Somalia 2014

Madagascar / The Great Island Contemporary Artists from Madagascar 2014

Zimbabwe. Occupation: artist Contemporary Artists from Zimbabwe 2014

North Korea: A Unique Country Contemporary Artists from North Korea 2014

Eritrea / Freedom is an Art Contemporary Artists from Eritrea 2014

Swaziland / Lesotho: The Wonder of Art Contemporary Artists from Swaziland / Lesotho 2014

Mozambique: the universe in miniature Contemporary Artists from Mozambique 2014

Morocco: the Surprise of Absence Contemporary Artists from Morocco 2014

CubAdentro Contemporary Artists from Cuba 2014


Sudan: Aesthetic Vestiges Contemporary Artists from Sudan 2014

Tunisia: Turbulences Contemporary Artists from Tunisia 2014

Selamta Ethiopia Contemporary Artists from Ethiopia 2014

Mauritania / Gambia: African Magic Contemporary Artists from Mauritania / Gambia 2014

Zambia: Implosion for Explosion Contemporary Artists from Zambia 2014

Caribbean: Together Apart Contemporary Artists from (part of) the Caribbean 2014

Iran: iranomutomorphosis.net Contemporary Artists from Iran 2014

Egypt, the cradle of art Contemporary Artists from Egypt 2014

Uganda/Rwanda/Burundi: Traces of the Past, Signs of the Future Contemporary Artists from Uganda, Rwanda and Burundi 2014

Namibia: Land of Memories and More Contemporary Artists from Namibia 2014

Latvia, Wow! Contemporary Artists from Latvia 2014

Reparation Contemporary Artists from New Orleans 2014


Go Go Ghana! Contemporary Artists from Ghana 2014

Ojo Andino Chile Contemporary Artists from Chile 2014

Ivory Coast: The Return of the Elephants Contemporary Artists from the Ivory Coast 2014

Israel / One Contemporary Artists from Israel 2014

Italy Contemporary Artists from Italy 2014


curation collection and book Stefania Malacchini & Simoné Malacchini Rosa Bianca Comunicaciones

First published by fabrica, Italy 2014 978-88-98764-41-9 ©2014 fabrica fabrica.it

organization Stefania Malacchini editorial coordination Stefania Malacchini texts Luciano Benetton Humberto Maturana & Ximena Dávila Stefania Malacchini & Simoné Malacchini editing and translation Michela Liverotti Emma Cole Stefania Malacchini ViceVersa Translations

special thanks to Soledad & Mariano Malacchini, Ingrid Velásquez, Mirtha & Luis Mura, Sebastián Gaggero & Escuela Matríztica, Marta Augusti & MNBA, María Luisa Furche, Jaime Soffia & Rodrigo Soffia. art direction and graphic design Simoné Malacchini photography Marco Pavan (Artworks) cover photo and aerial photos Nasa USGS, nasa.gov

imagomundiart.com

All rights reserved under international copyright conventions. No part of this book may be reproduced or utilized in any form or by any means, electronic or mechanical, including photocopying, recording, or any information storage and retrieval system, without permission in writing from the publisher. Printed and bound by grafiche antiga Spa, Italy. First edition.

the andes, north chile. nasa usgs Front cover, Back cover, and End papers.

san josé mine, north chile. nasa usgs. Pages: 34 - 45

andes volcanoes, chile. nasa usgs Pages: 470 - 471

torres del paine, south chile. nasa usgs. Pages: 514 - 515

the tipographies used in this book are made by chilean tipographers Andes, LatinoType, by Daniel Hernández; Digna, by Rodrigo Ramírez; Chincola Sans and Chincola Serif by Simoné Malacchini.


While the themes and inspirations of the works are diverse faces, landscapes, eros, visions, abstractions, provocations, myths – they all have a common intensity. I think this is due to the character of a land that is itself so intense, beautiful and difficult, rising rapidly from sea level to the 6,000 metres of the Andean peaks. A scenario that takes your breath away, awakening archetypal fantasies and symbolic suggestions. Luciano Benetton

1

Edition in three languages: English, Spanish and Italian

Profile for simoné malacchini

OJO ANDINO CHILE  

170 contemporary artists from Chile, Imago Mundi Collection. Curators and author book: Stefania Malacchini & Simoné Malacchini. Printed in G...

OJO ANDINO CHILE  

170 contemporary artists from Chile, Imago Mundi Collection. Curators and author book: Stefania Malacchini & Simoné Malacchini. Printed in G...

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