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Semaine de la critique Festival del film Locarno 7 – 17 agosto 2013


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SEMAINE DE LA CRITIQUE «'Il mercato' non esiste. Sono le persone che decidono». La massima dell’anonimo protagonista che in Master of the Universe ci guida dietro le quinte dei mercati finanziari, vale anche come motto dell’edizione di quest’anno della Semaine de la critique. Ancora una volta la commissione di selezione, formata da membri dell’Associazione Svizzera dei giornalisti cinematografici (ASGC), è partita alla scoperta dei 7 film più interessanti fra i tanti ricevuti. E una volta di più abbiamo trovato delle sorprendenti affinità. Le conseguenze della mercificazione di tutte le aree della nostra vita sono così presenti come raramente era successo. I nostri film mostrano qualcosa in comune, la consapevolezza che dietro ogni chiusura di bilancio ci sono uomini. Siano essi raffinati burattinai o persone che non si adattano al ritmo della globalizzazione. Nessun film dimostra questa tesi meglio di Big Men di Rachel Boynton, che racconta lo sfruttamento delle riserve di petrolio in Ghana. Così come De Onplaatsbaren (The Unplaceables), che segue gli uomini che stanno alla fine della scala sociale, e come il contributo svizzero di quest’anno, Watermarks di Luc Schaedler, che ci racconta tre diversi destini nella Cina di oggi. Le simpatie andranno sicuramente a Die Hüter der Tundra, che narra del popolo Sami. Il loro sostentamento, l’allevamento delle renne, è minacciato perché i terreni di pascolo sono ricchi di minerali. Di risorse naturali si parla anche in Earth’s Golden Playground, dedicato ai cercatori d’oro nello Yukon. La loro passione va contro ogni logica economica. Quando un uomo scava nella neve, nel ghiaccio e nel fango per qualche briciola di oro, sarà per molti motivi, ma sicuramente non per mero profitto. Il quieto contrappunto del programma è rappresentato da Õlimäe Õied (Flowers from the Mountain of Olives). La protagonista è una suora che, dopo una vita secolare tumultuosa, cerca la pace in un convento di Gerusalemme. Senza il sostegno di numerosi collaboratori non avremmo portato a termine la 24 edizione della Semaine de la critique. Un grazie particolare a Carlo Chatrian e a Marco Solari, che una volta ancora ci ospitano generosamente, così come ai nostri sponsor e partner. Grazie a loro riusciamo a fare quello che più ci piace: scoprire film. Irene Genhart e Simon Spiegel «'Les marchés' n’existent pas. Ce sont toujours les hommes qui décident.» La remarque du protagoniste anonyme qui nous fait explorer dans Master of the Universe les abîmes des marchés financiers, peut absolument servir de devise à l’actuelle édition de la Semaine. Une fois de plus, notre groupe de sélection, composé de membres de l’Association Suisse des Journalistes Cinématographiques (ASJC), s’est lancé avec plaisir à la découverte de la foule de films qui nous sont parvenus pour en sélectionner les sept plus intéressants. Et une fois encore, d’étonnants points communs ont émergé. Les conséquences de la commercialisation dans tous les domaines de vie sont présentes cette année comme rarement auparavant. Mais si nos sept films ont quelque chose de commun au-delà de cela, c’est la révélation que derrière chaque bilan se trouvent des êtres humains. Que ce soit les élégants tireurs de ficelle ou ceux qui ne suivent pas le rythme de la globalisation. Aucun film ne le montre mieux que Big Men de Rachel Boynton, qui retrace l’histoire de l’extraction du pétrole au Ghana. Comme Master of the Universe, Big Men dépeint tous ses protagonistes comme des figures ambivalentes. Comme De Onplaatsbaren (The Unplaceables), qui suit des gens qui se trouvent à l’autre bout de l’échelle sociale, ou la contribution suisse de cette année Watermarks de Luc Schaedler, qui représente trois différentes destinées dans la Chine moderne. Les sympathies sont évidentes dans le portrait de la peuplade des Samis, Die Hüter der Tundra, dont la base de l’existence, l’élevage de rennes, est menacé, car leurs pâturages recèlent de précieuses richesses minières. Et il s’agit aussi de richesses minières dans Earth's Golden Playground de Andreas Horvath, consacré aux chercheurs d’or de la région du Yukon, dont la passion est une insulte à toute logique commerciale: Quand les hommes pour quelques miettes d’or, creusent la neige, la glace et la boue, il peut être question de beaucoup de choses, mais certainement pas de simple maximalisation du profit. Le contre-point silencieux du programme est Õlimäe Õied (Flowers from the Mountain of Olives), dont la protagoniste, une nonne, cherche méditation et silence dans un monastère à Jérusalem, après une vie mouvementée et cosmopolite. Sans le soutien de nombreuses personnes, la 24e Semaine de la Critique n’aurait pas pu être réalisée. Un remerciement particulier est dû à Carlo Chatrian et à Marco Solari, qui, une fois de plus, nous ont concédé généreusement le droit d’hospitalité, ainsi qu’à nos sponsors et partenaires. Grâce à eux, nous pouvons faire ce que nous aimons par-dessus tout: découvrir des films. Irene Genhart et Simon Spiegel

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SEMAINE DE LA CRITIQUE

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«Es gibt nicht 'die Märkte'. Da entscheiden immer Menschen.» Der Ausspruch des namenlosen Protagonisten, der uns in Master of the Universe in die Abgründe der Finanzmärkte führt, taugt durchaus als Motto der diesjährigen Semaine-Ausgabe. Einmal mehr hat sich unsere Auswahlgruppe, bestehend aus Mitgliedern des Schweizerischen Verbandes der Filmjournalistinnen und Filmjournalisten (SVFJ), lustvoll auf Entdeckungsreise gemacht, um aus der Fülle der eingereichten Filme die sieben interessantesten auszuwählen. Und einmal mehr haben sich dabei überraschende Gemeinsamkeiten gezeigt. Die Folgen der Ökonomisierung aller Lebensbereiche sind dieses Jahr so präsent wie selten zuvor. Doch wenn unsere sieben Filme darüber hinaus etwas gemeinsam haben, dann die Einsicht, dass hinter jeder Bilanz Menschen stehen. Seien dies die smarten Strippenzieher oder jene, die dem Tempo der Globalisierung nicht gewachsen sind. Kein Film zeigt dies besser als Rachel Boyntons Big Men, der die Geschichte der Ölförderung in Ghana aufrollt. Wie Master of the Universe lässt auch Big Men seine Akteure allesamt als ambivalente Figuren erscheinen. Ebenso De Onplaatsbaren (The Unplaceables), der Menschen am anderen Ende der Wohlstandskala folgt, oder der diesjährige Schweizer Beitrag, Luc Schaedlers Watermarks, der drei unterschiedliche Schicksale im heutigen China zeigt. Eindeutiger liegen die Sympathien bei Die Hüter der Tundra, der den Volksstamm der Sami porträtiert. Deren Lebensgrundlage, die Rentierzucht, ist bedroht, da ihr Weidegebiet wertvolle Bodenschätze birgt. Um Bodenschätze geht es auch in Andreas Horvaths Earth's Golden Playground, der sich Goldsuchern im Yukon-Gebiet widmet, deren Passion jeder ökonomischen Logik Hohn spricht: Wenn sich die Männer für einige Krümel Gold durch Schnee, Eis und Schlamm graben, mag es ihnen um vieles gehen, aber sicher nicht um blosse Profitmaximierung. Den stillen Kontrapunkt im Programm bildet Õlimäe Õied (Flowers from the Mountain of Olives), dessen Protagonistin, eine Nonne, nach ihrem überaus bewegten weltlichen Leben in einem Kloster in Jerusalem Einkehr und Stille sucht. Ohne die Unterstützung zahlreicher Helfer wäre die 24. Kritikerwoche nicht zustande gekommen. Besonderer Dank gebührt Carlo Chatrian und Marco Solari, die uns einmal mehr grosszügig Gastrecht gewähren, sowie unseren Sponsoren und Partnern. Dank ihnen können wir das tun, was wir am liebsten machen: Filme entdecken. Irene Genhart und Simon Spiegel

ORGANIZZAZIONE | ORGANISATION Schweizerischer Verband der Filmjournalistinnen und Filmjournalisten (SVFJ-ASJC-ASGC) Association Suisse des Journalistes Cinématographiques (SVFJ-ASJC-ASGC) Associazione Svizzera dei Giornalisti Cinematografici (SVFJ-ASJC-ASGC) www.filmjournalist.ch SVFJ ASJC ASGC 



delegati generali/délégués généraux: Irene Genhart, Simon Spiegel. comitato di selezione/comité de sélection: Sascha Bleuler, Rolf Breiner, Till Brockmann, Irene Genhart, Flavia Giorgetta, Brigitte Häring, Madeleine Hirsiger, Pia Horlacher, Mariano Morace, Julia Marx, Rolf Niederer, Simon Spiegel, Martin Walder, Marco Zucchi. coordinamento/coordination: Giorgina Gaffurini, Anna Domenigoni. redazione testi/rédaction textes: Rolf Breiner, Flavia Giorgetta, Madeleine Hirsiger, Julia Marx, Rolf Niederer, Simon Spiegel, Martin Walder. traduzione testi/traduction textes: Christianne Lelarge, Anna Neuenschwander. dibattiti in sala/débats en salle: Till Brockmann. ringraziamo/nous remercions: Gli sponsors, il festival del film Locarno, il Municipio di Locarno/Les sponsors, le festival del film Locarno, la Municipalité de Locarno. Catalago stampato in 2000 copie, grazie al contributo di Fratelli Roda SA, Taverne/Catalogue tiré à 2000 exemplaires grâce à la contribution de Fratelli Roda SA, Taverne.


sponsors

partners

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Prix SRG SSR / Semaine de la Critique

Il Premio SRG SSR / Semaine de la Critique, GHOYDORUHGLIUDQFKLÃFRQIHULWRDOUHJLVWDHDO SURGXWWRUHGHOƬOPYLQFLWRUH Il premi SRG SSR / Semaine de la Critique, HQODYDOXUGDIUDQFVYHJQDWWULEXÇDOSURGXFHQW HUHVFKLVVXUGDOƬOPYLFWXU Le Prix SRG SSR / Semaine de la Critique, HVWFRQVWLWXÄGoXQHVRPPHGHIUDQFVRFWUR\ÄH DXUÄDOLVDWHXUHWDXSURGXFWHXUGXƬOPJDJQDQW Der Preis SRG SSR / Semaine de la Critique, LP:HUWYRQ)UDQNHQZLUGGHP3URGX]HQWHQXQG GHP5HJLVVHXUGHV*HZLQQHUƬOPV]XJHVSURFKHQ

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Premio Il Premio Zonta Club Locarno viene conferimozione della giustizia e dell’etica solidale.

Prix Le Prix Zonta Club Locarno est décerné au tion de la justice et de l’étique solidale.

Zonta International È un’organizzazione internazionale di servizio che opera per migliorare la comprensione, la pace e la condizione femminile in ambito giuridico, politico, economico, formativo, sanitario e professionale.

Zonta International Est une organisation internationale de service qui s’engage à améliorer la compréhension, la paix et le statut juridique, politique, économique, éducatif, sanitaire et professionnel des femmes.

Preis Der Zonta Club Locarno Preis geht an den Regisseur, dessen Film besonders zur Förderung der Gerechtigkeit, Solidarität und einer ethischen Grundhaltung beiträgt.

Award The Zonta Club Locarno Prize is awarded

Zonta International Ist eine Service-Organisation, die sich einsetzt für die Verbesserung des Verständnisses, für den Frieden und die Stellung der Frau in rechtlicher, politischer, wirtschaftli-

promotion of justice and ethics of solidarity. Zonta International Is an international service organization that works to improve understanding, justice, peace and the legal, political, economic, educational, health and professional status of women worldwide.

Zonta Club Locarno • Casella Postale 23 • CH-6601 Locarno • Tel. 079 465 62 24 • Fax 091 796 29 82 locarno.zonta.ch (senza www) • contatto@locarno.zonta.ch


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AB 12. SEPTEMBER IM KINO · DÈS LE 27 NOVEMBRE AU CINÉMA


MASTER OF THE UNIVERSE

11 regia/réalisation: Marc Bauder fotografia/image: Boerres Weiffenbach montaggio/montage: Hansjoerg Weissbrich, Rune Schweitzer musica/musique: Bernhard Fleischmann suono/son: Michel Klöfkorn, Lars Ginzel produzione/production: bauderfilm Goerlitzerstr. 53, D–10997 Berlin info@bauderfilm.de coproduzione/co-production: NGF Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion GmbH Hildebrandgasse 26, A–1180 Wien HR / SWR / Arte 2013, digital cinema HD, col., 93’ v.o. tedesco/allemand; st. inglese/anglais traduzione simultanea francese traduction simultanée français

9.8.13, 11.00 – Cinema Teatro Kursaal 10.8.13, 18.30 – L'Altra Sala

PRIMA MONDIALE PREMIERE MONDIALE Germania/Austria Allemagne/Autriche

MARC BAUDER


MASTER OF THE UNIVERSE «Welche Mechanismen führen dazu, dass immer neue Generationen von Managern ähnlichen Verhaltensmustern folgen? Kann die Lösung der Krise in der Begrenzung einzelner Gehälter oder der Höhe staatlicher Zuschüsse bestehen? Und: Hat die Finanzbranche letztlich nur ein Phänomen zur Perfektion getrieben, das längst tief in unserer Gesellschaft verankert ist?» (Marc Bauder) Negli anni 80, quando il sistema bancario, una volta onesto, è stato trasformato in terreno di gioco dell’innovazione finanziaria sull’onda della reaganomics e del tatcherismo, è nata una razza che lo scrittore americano Tom Wolfe ha battezzato «Master of Universe»: Un nome preso in prestito da una serie di brutti pupazzetti giocattolo, simbolo di arroganza. I bancari così denominati, si sono subito appropriati del nome. Anche il simpatico signore di mezza età che prende la parola nel documentario di Marc Bauder. Rainer Voss non vuole rivelare il nome del suo precedente datore di lavoro, ma ha comunque molto da raccontare. Informazioni su cosa fa la gente nelle torri di cristallo di Francoforte e del mondo, cosa li spinge e che conseguenze hanno le loro azioni per noi tutti. Master of the Universe è una visita guidata all’interno del sistema finanziario. Quando si conclude, abbiamo i brividi.

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Il nostro informatore conosce l’argomento. Ha incominciato la sua ascesa professionale negli anni 80, contemporaneamente al suo settore. Esseri «quasi divini« portavano dall’America nuove teorie finanziarie nell’assonnato mondo bancario tedesco e, con l’aiuto dei computer, creavano prodotti finanziari sempre più complessi. Nelle parole di Rainer Voss, il lavoro del banchiere d’investimenti non sembra tanto motivato dall’avidità, ma piuttosto dall’istinto del gioco di un bambino in un’enorme cassetta della sabbia. Contrariamente al passato, oggi «molto potrebbe rompersi» e molto si è già rotto, anche nella vita di Voss. Quando gli chiediamo della famiglia, improvvisamente, lui così eloquente, tace, non trova le parole. Questo la dice lunga su una professione che richiede un impegno senza limiti. Nell’isolamento consapevolmente cercato dalla realtà sociale, c’è forse il segno di una perdita del senso di responsabilità del settore bancario, che si è manifestata negli ultimi anni con una serie di scandali, fallimenti e salvataggi forzati. Dal 2007 la crisi finanziaria si sta avvicinando alla nostra vita quotidiana, come un incendio che cova sotto la cenere. È iniziata con il collasso di alcuni hedgefonds, ha contagiato Lehman Brothers, ha coinvolto le più grandi banche del mondo e ha portato i salvatori delle banche, gli stati sovrani occidentali, sull’orlo del fallimento. Chi sarà il prossimo? Le risposte di Rainer Voss sono inquietanti, soprattutto perché non provengono dai giornali scandalistici, bensì da un insider. A volte, anche lui riesce a stupirsi: «Che si discuta anni per un paio di centinaia milioni alla cultura, ma che si decida di dare 100 o 200 miliardi per il salvataggio di una banca in un week end - (tira un immaginario sciacquone) - va. È veramente affascinante.» Uno come Voss, che ti tiene incollato per 90 minuti con i suoi racconti, è una manna. Marc Bauder lo inserisce in un contesto inquietante, un grattacielo di uffici abbandonati, con curiosità e attenzione per l’uso degli spazi e le pause di riflessione. L’ex banchiere e il documentarista hanno trovato il modo di offrire un profitto supplementare al loro pubblico: Più trasparenza. (Julia Marx) Marc Bauder Nato a Stoccarda nel 1972, dopo gli studi in economia a Colonia, St. Gallo e New York, fonda la casa di produzione bauderfilm e studia al HFF Konrad Wolf. Ha girato vari documentari per la TV e il cinema, spesso sul mondo dell’economia come Der top Manager (2007) o grew or go (2003), che saranno l’argomento della pièce teatrale Unter Eis. Un altro tema ricorrente di Bauder è il sistema repressivo della DDR e le sue conseguenze, per esempio nel documentario jeder schweigt von etwas anderem (2006) e nella sua prima fiction Das System (2012).


MASTER OF THE UNIVERSE «Welche Mechanismen führen dazu, dass immer neue Generationen von Managern ähnlichen Verhaltensmustern folgen? Kann die Lösung der Krise in der Begrenzung einzelner Gehälter oder der Höhe staatlicher Zuschüsse bestehen? Und: Hat die Finanzbranche letztlich nur ein Phänomen zur Perfektion getrieben, das längst tief in unserer Gesellschaft verankert ist?» (Marc Bauder) Quand dans les années 80, le secteur bancaire, naguère si honnête, a été libéralisé dans le sillage des reaganomics et du thatchérisme en devenant une aire de jeux de «l'innovation financière», cela a donné naissance à une espèce que l'écrivain Tom Wolfe surnomme les «Masters of the Universe»: du nom d’une série de laides figurines empruntant le symbole de l'orgueil (Hybris). Les banquiers d'investissement ainsi désignés ont repris à leur compte cette description. Comme le fait ce sympathique homme d'âge moyen à qui le documentaire de Marc Bauder a donné la parole. Rainer Voss ne veut pas révéler le nom de son ancien employeur, mais par contre a tant à raconter. Sur ce qui motive les gens dans les bureaux des tours scintillantes de Francfort et du monde entier, sur ce qu’ils font et sur ce que cela a pour conséquence – pour nous tous. Master of the Universe est une déambulation documentée à l’intérieur de la finance. Quand elle est prend fin, elle nous a donné des sueurs froides. Notre informateur connaît le terrain. Il a commencé son ascension simultanément avec celle de sa branche dans les années 1980. Des «êtres divins» venus d’Amérique exportèrent une nouvelle connaissance financière hégémonique dans le somnolent monde bancaire allemand, et on a commencé à utiliser des ordinateurs pour créer des produits financiers de plus en plus complexes. Selon les dires de Rainer Voss, le travail du banquier d’investissement n’est pas tant motivé par l’avidité, que par l’instinct du jeu d’un enfant dans un énorme bac à sable. Mais contrairement au passé «beaucoup peut s’abîmer dans le bac à sable». Beaucoup a déjà été brisé, dans sa propre vie également. Quand l'homme, en général éloquent, est interrogé sur sa vie de famille, il cherche soudain ses mots, et cela en dit long sur le coût humain d'une profession qui exige un engagement total. Dans l'isolement consciemment favorisé de la réalité sociale, se trouve peut-être un indice pour la perte du sens de responsabilité dans le secteur bancaire qui s'est manifestée au cours des dernières années, par une pléthore de scandales, de faillites et de sauvetages forcés. Depuis 2007, la crise financière avance comme un feu qui couve dans notre quotidien. Elle débuta avec l’effondrement de quelques fonds spéculatifs exotiques, se propagea à Lehman Brothers, rattrapa les plus grandes banques du monde et entraîna alors les sauveurs des banques - les Etats occidentaux - au bord de l'abîme. Qui sera le prochain? Les réponses de Rainer Voss sont inquiétantes, d’autant plus qu'elles ne viennent pas du catastrophisme de la presse de caniveau, mais de l'expérience d'un initié. Parfois, l'étonnement s’empare même de lui: «Que l’on se dispute pour quelques 100 millions à l’année versés à la culture, mais que l’on accorde 100 ou 200 milliards d'euros en un week-end - pour le sauvetage de banques [il tire une chasse d’eau imaginaire], – cela passe. C'est vraiment fascinant.» Un individu comme Voss, capable de capter notre attention pendant 90 minutes par ce qu’il a à dire et comment il le dit, est un coup de chance. Marc Bauder le met en scène dans le contexte légèrement inquiétant d'un immeuble de bureaux vides, avec une curiosité alerte et un flair intelligent pour l'utilisation de l'espace et des pauses de réflexion. L’ex-banquier et le documentariste ont trouvé le moyen d’offrir une plus-value certaine à leur public: Par plus de transparence. (Julia Marx) Marc Bauder Né à Stuttgart en 1974, après des études d’économie et de gestion à Cologne, Saint-Gall et New York, il fonda la maison de production bauderfilm et entreprit des études à la HFF Konrad Wolf. Il a tourné plusieurs films documentaires pour la télévision et le cinéma, souvent sur le monde de l’économie comme Der Top-Manager (2007) ou grow or go (2003), qui fournit l’argument de la pièce de théâtre Unter Eis. Un autre thème récurrent de Bauder est l’appareil répressif de la RDA et ses répercussions, par exemple dans le documentaire primé jeder schweigt von etwas anderem (2006) et dans sa première fiction Das System (2012).

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MASTER OF THE UNIVERSE «Welche Mechanismen führen dazu, dass immer neue Generationen von Managern ähnlichen Verhaltensmustern folgen? Kann die Lösung der Krise in der Begrenzung einzelner Gehälter oder der Höhe staatlicher Zuschüsse bestehen? Und: Hat die Finanzbranche letztlich nur ein Phänomen zur Perfektion getrieben, das längst tief in unserer Gesellschaft verankert ist?» (Marc Bauder) Als das einst so biedere Bankgeschäft in den 1980er Jahren im Zuge von Reaganomics und Thatcherismus zum Abenteuerspielplatz der «Finanzinnovationen» liberalisiert wurde, brachte es eine Spezies hervor, welcher der Schriftsteller Tom Wolfe den Übernamen «Masters of the Universe» verpasste: ein dem Namen einer Reihe hässlicher Spielzeugfiguren entlehntes Sinnbild der Hybris. Die damit bezeichneten Investmentbanker haben es sofort als Selbstbeschreibung übernommen. So auch jener sympathische Herr mittleren Alters, dem der Dokumentarfilm von Marc Bauder das Wort erteilt. Den Namen seines ehemaligen Arbeitgebers will Rainer Voss nicht preisgeben, doch sonst weiss er viel zu erzählen. Darüber, was die Leute in den glitzernden Bürotürmen in Frankfurt und weltweit antreibt, was sie machen und was für Konsequenzen das hat – für uns alle. Master of the Universe ist eine sachkundig geführte Tour durch das Innere des Finanzwesens. Ist sie zu Ende, hat sie uns das Gruseln gelehrt.

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Unser Gewährsmann kennt das Terrain. Sein Aufstieg begann zeitgleich mit dem seiner Branche in den 1980er Jahren. Da trugen «gottgleiche Wesen» aus Amerika das neue, finanztheoretische Herrschaftswissen in die verschnarchte deutsche Bankenwelt, und man begann, Computer einzusetzen, um immer komplexere Finanzprodukte zu kreieren. Nach den Worten von Rainer Voss ist die Arbeit des Investmentbankers nicht so sehr von Gier motiviert, sondern vom Spieltrieb eines Kindes in einer riesigen Sandkiste. Doch im Gegensatz zu damals «könnte heute in der Sandkiste viel kaputtgehen». Vieles ist bereits kaputtgegangen, wohl auch in seinem eigenen Leben. Wie der sonst so eloquente Mann, nach seinem Familienleben gefragt, plötzlich nach Worten ringt, spricht Bände über die menschlichen Kosten eines Berufs, der restlose Vereinnahmung voraussetzt. In der bewusst geförderten Abkapselung von der sozialen Realität mag eine Wurzel liegen für den Verlust von Verantwortungsbewusstsein im Banking, der sich in den letzten Jahren in einer Fülle von Skandalen, Pleiten und erzwungenen Rettungsaktionen manifestiert hat. Seit 2007 nähert sich die Finanzkrise wie ein Schwelbrand unserem Alltag. Sie begann mit dem Kollaps einiger exotischer Hedgefonds, sprang über auf Lehman Brothers, holte die grössten Banken der Welt ein und brachte dann auch die Retter der Banken an den Rand des Abgrunds, die westlichen Staaten. Was kommt als nächstes? Rainer Voss’ Antworten sind beunruhigend, umso mehr, als sie nicht in der aufgeregten Schwarzmalerei des Boulevards daherkommen, sondern sich aus der Erfahrung des Insiders herleiten. Wobei ihn manchmal selbst das Staunen überkommt: «Dass man über ein paar 100 Millionen in der Kultur jahrelang streitet, aber für 'ne Bankenrettung mal eben 100 oder 200 Milliarden über ein Wochenende – [zieht eine imaginäre Klospülung] – das geht. Das ist schon faszinierend.» Einer wie Voss, der uns durch das, was er zu sagen hat und wie er es sagt, 90 Minuten bei der Stange halten kann, ist ein Glücksfall. Marc Bauder setzt ihn in der leicht ominösen Kulisse eines leer stehenden Bürogebäudes in Szene, mit wacher Neugier und klugem Gespür für den Einsatz von Raum und Reflektionspausen. Der Ex-Banker und der Dokumentarist haben einen Weg gefunden, ihrem Publikum einen sicheren Gewinn zu verschaffen: Mehr Durchblick. (Julia Marx) Marc Bauder 1974 in Stuttgart geboren, studierte Marc Bauder zunächst BWL in Köln, St. Gallen und New York, ehe er die Produktionsfirma bauderfilm gründete und ein Studium an der HFF Konrad Wolf aufnahm. Seither hat er mehrere Dokumentarfilme für TV und Kino gedreht, oft über die Welt der Wirtschaft wie Der Top-Manager (2007) oder grow or go (2003), der die Vorlage für das Theaterstück Unter Eis bildete. Ein anderes wiederkehrendes Thema bei Bauder sind der Repressionsapparat der DDR und seine Nachwirkung, etwa im preisgekrönten Dokumentarfilm jeder schweigt von etwas anderem (2006) und in seinem Spielfilmdebüt Das System (2012).


WATERMARKS – Three Letters from China

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PRIMA MONDIALE PREMIERE MONDIALE Svizzera Suisse

LUC SCHAEDLER


WATERMARKS – Three Letters From China «Seit der Niederschlagung der Demokratiebewegung im Jahr 1989 verfolge ich den Umbruch Chinas so erstaunt wie irritiert: Das Land gleicht einer Grossbaustelle und scheint sich auf der überstürzten Suche nach sich selbst zu befinden. In dieser vertrackten Gegenwart unternehmen die Protagonisten zaghafte und zugleich mutige Schritte in die Zukunft.» (Luc Schaedler) L’acqua è il bene più prezioso: nelle «Tre lettere dalla Cina» di Luc Schaedler, così riflessive e sensibili, diventa evidente. Dove l’acqua si è esaurita, dove viene inquinata, la vita si sfascia. Sul suolo desertificato di Minqin, nel villaggio abbandonato di Gansu, il contadino Wei Guanzei può ancora allevare solo qualche pecora e vendere sementi di finocchio. La maggior parte degli abitanti di quella che una volta era un’oasi, se ne è andata: Wei dice che avrebbe dovuto farlo anche lui. Cambio di scena, siamo a Sud: dietro le pittoresche montagne carsiche del villaggio di Jiuxiaocu, nei pressi del polo turistico di Yanshuo, l’acqua scende placidamente verso i campi di riso. Le scritte rosse delle guardie della rivoluzione maoista non sono scomparse del tutto dai muri. Si capisce quanto sia difficile e penoso, per la comunità del villaggio, guarire dalle ferite provocate dal terrore del passato. Sempre che un giorno possano guarire. Li Yuming, figlio di un ex proprietario terriero, ricorda. Nuovo cambio di scena: ci immaginiamo controvoglia il sapore dei pesci che Chen Zaifu raccoglie con la rete sulla sua barca nella megalopoli Chongqin. Il professor Wu, un vecchio ambientalista, li compra ancora e intona instancabile una vecchia canzone. Chen dice: se fossi andato a scuola, non farei il pescatore.

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Tre, quattro regioni dell’Impero di Mezzo e il destino di due generazioni. Lo scorrere dell’acqua e del tempo legano le storie. La filigrana, «watermarks» del titolo, stigmatizza la situazione odierna della Cina, caratterizzata dalla fragilità e dall’incertezza. Nel 2011 il regista Luc Schaedler, che è anche dietro la cinepresa, e il suo co-autore e intervistatore Markus Schiesser, che vive in Cina, hanno seguito per mesi la gente nella loro vita quotidiana, hanno vissuto con loro, mangiato, fumato, fino a farsi raccontare quietamente la loro vita. Ecco il figlio del contadino Wei, attaccato alla sua terra natale di Minqin, accompagnato dalla moglie. Una volta l’anno viene ad aiutare il padre nel raccolto e poi torna a guadagnarsi la vita a Wusutu, a 600 km di distanza, come lavoratore stagionale, autista di escavatrice nelle polverose miniere di carbone. È qui che la sua giovane moglie si sente a casa, non presso i suoceri. Un piccolo gesto brusco, una lacrima trattenuta dalla moglie, o lo sguardo dell’uomo sul pavimento della cucina, entrando nella stanzina che hanno affittato, la dicono lunga. Riusciranno a sopravvivere, giovane coppia con un bambino? Riuscirà Li Yunchuang, segretario di partito in pensione a Jiuxiancun, nel mezzo di una sequenza ingannevolmente bella, a mantenere le tradizioni e il senso di comunità che unisce gli abitanti del villaggio? E infine, ecco Chaomei, trovatella, con atteggiamenti da maschiaccio, adottandola il pescatore Chen e sua moglie a Chongqin hanno violato la legge che permette di avere solo un figlio e pertanto vanno incontro a problemi: Chaomei che preferisce essere uomo piuttosto che femmina nella Cina di oggi e conquista subito i nostri cuori con la sua tenera fiducia di sé, riuscirà a sopravvivere nella «libertà» della megalopoli? «Mi interessano le persone che stanno dietro le strutture» dice Luc Schaedler. All’inizio questo doveva essere un film sull’acqua, ne è venuta fuori una storia di vite rimaste in sospeso, storie commuoventi. Storie fra speranze e occasioni perse in tempi di violenti cambiamenti. (Martin Walder) Luc Schaedler Nato nel 1963 a Zurigo. Studi di Etnologia e Cinema. Dottorato in Etnologia. Collaboratore del cinema Xenix e fra i fondatori del cineclub per bambini Lanterna Magica. Dirige il dipartimento di antropologia visiva al Völkerkundemuseum dell’Università di Zurigo (dal 2006 fino al 2008). Dal 1996 regista e produttore – go btween films zürich; 1997 Made in Hong Kong (Leipzig, in concorso), 2005 Angry Monk (Sundance, in concorso), 2013 Watermarks.


WATERMARKS – Three Letters From China «Seit der Niederschlagung der Demokratiebewegung im Jahr 1989 verfolge ich den Umbruch Chinas so erstaunt wie irritiert: Das Land gleicht einer Grossbaustelle und scheint sich auf der überstürzten Suche nach sich selbst zu befinden. In dieser vertrackten Gegenwart unternehmen die Protagonisten zaghafte und zugleich mutige Schritte in die Zukunft.» (Luc Schaedler) L’eau est le bien le plus précieux: cela ressort clairement du film de Luc Schaedler, les «trois missives de Chine», si sensuelles et contemplatives. Où l’eau se tarit et où elle est polluée, la vie va de travers. Sur le sol désertifié de Minqin, son village abandonné dans le nord du Gansu, le paysan Wei Guanzei peut tout juste élever quelques moutons et cultiver des graines de fenouil pour les vendre. La plupart des habitants de l’oasis, jadis fertile, sont partis; Wei dit qu’il aurait aussi dû s’en aller. Changement de scène, au Sud: Derrière les pittoresques montagnes karstiques du village de Jiuxiancun, proche du pôle touristique de Yangshuo, l’eau s’écoule en clapotant vers les champs de riz. Sur les murs, les inscriptions en rouge des impétueux Gardes rouges de Mao n’ont pas encore pu être complètement lavées. On se rend compte à quel point les plaies causées par la terreur passée sont difficiles et lentes à cicatriser dans la communauté villageoise. Pour autant qu’elles le soient un jour. Li Yuming, fils d’un ancien grand propriétaire terrien, se souvient. Nouveau changement de scène: On ne s’imagine plus la saveur des poissons que Chen Zaifu retire du filet sur sa péniche, dans la mégapole de Chongqin, en Chine centrale. Le Professeur Wu, vieux militant écologique, achète toujours son poisson chez lui et entonne, sans se décourager, un chant de jadis. Chen dit: Si j’avais été à l’école, je ne ferai pas le pêcheur. Trois, quatre régions dans l’Empire du Milieu et les destinées de deux générations. L’eau relie les histoires coulant à travers le temps. Les filigranes, les «watermarks» du titre, indiquent une situation similaire à celle de la Chine contemporaine, caractérisée par la fragilité et l’incertitude. Le réalisateur Luc Schaedler, lui-même derrière la caméra, et son co-auteur et intervieweur Markus Schiesser, qui vit en Chine, ont observé, en 2011, le quotidien des gens pendant plusieurs mois; ils ont vécu, mangé, fumé et passé du temps avec eux, et les ont incités ainsi calmement à raconter leur vie. Voilà le fils du paysan Wei, attaché à sa terre natale de Minqin, accompagné par sa femme, qui aide son père une fois par an pour la récolte, puis s’en va à nouveau gagner sa vie comme travailleur migrant à 600 km de là, à Wusutu, comme pelleteur dans les mines de charbon poussiéreuses. C’est là que sa jeune femme se sent à la maison et non chez ses beaux-parents. Un petit geste brusque en racontant, une larme essuyée par la femme, ou le regard de l'homme sur le sol de la cuisine en entrant dans la «cage à lapin» où il habite, en disent long. Pourront-ils résister comme couple avec leur jeune fils? Au milieu d’une séquence du film, trompeusement belle, Li Yunchuang, le secrétaire du parti à la retraite à Jiuxiancun, parviendra-t-il à conserver le sens de la communauté et des coutumes qui unissent les habitants du village? Enfin, voici Chaomei, garçon manqué, enfant trouvé et adopté par le pêcheur Chen et son épouse à Chongqing, cause de désagréments pour le couple, en raison de l’infraction à la politique de l'enfant unique: Chaomei qui préférerait être un homme qu’une femme dans la Chine actuelle, et qui conquit immédiatement nos cœurs par sa douce autonomie, pourra-telle s’affirmer dans la «liberté» de la mégapole? «Les gens derrière les structures m’intéressent», dit Luc Schaedler. Cela aurait dû être d’abord un film à propos de l’eau, mais ces trois missives, émouvantes et calmes, nous parlent d’existences encore ouvertes, en suspens. Des histoires situées entre les revers de la vie et l’espoir à une époque de violents bouleversements. (Martin Walder) Luc Schaedler Né en 1963 à Zurich. Études d’ethnologie et de filmologie. Doctorat en ethnologie. Collaborateur du cinéma zurichois Xenix et de la création du cinéclub pour enfants, Lanterne Magique, directeur du département d'anthropologie visuelle au Völkerkundemuseum de l’Université de Zurich (de 2006 à 2008). Dès1996, réalisateur et producteur (go between films, zürich): 1997 Made in Hong Kong, (compétition Leipzig), 2005 Angry Monk (compétition Sundance), 2013 Watermarks.

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WATERMARKS – Three Letters From China «Seit der Niederschlagung der Demokratiebewegung im Jahr 1989 verfolge ich den Umbruch Chinas so erstaunt wie irritiert: Das Land gleicht einer Grossbaustelle und scheint sich auf der überstürzten Suche nach sich selbst zu befinden. In dieser vertrackten Gegenwart unternehmen die Protagonisten zaghafte und zugleich mutige Schritte in die Zukunft.» (Luc Schaedler) Wasser – das kostbarste Gut: in Luc Schaedlers so sinnlichen wie besinnlichen «drei Briefen aus China» wird es offenbar. Wo das Wasser versiegt, wo es verschmutzt wird, gerät das Leben aus dem Lot. Auf dem versteppten Boden seines verlassenen Dorfs Minqin im nördlichen Gansu kann Bauer Wei Guanzei gerade noch Schafe halten und Fenchelsamen zum Verkauf anbauen. Die meisten Bewohner der ehemals fruchtbaren Oase sind weggezogen; Wei sagt, er hätte auch gehen sollen. Szenenwechsel in den Süden: Hinter den malerischen Karstbergen des Dorfes Jiuxiancun nahe des Touristenmagnets Yangshuo plätschert das Wasser idyllisch in den Reisfeldern. Die roten Inschriften von Maos wild wütenden Rotgardisten haben sich noch immer nicht ganz von den Mauern waschen lassen. Deutlich wird, wie schwer und langsam nur die Wunden des damaligen Terrors in der Dorfgemeinschaft verheilen. Wenn überhaupt je. Li Yuming, Sohn eines früheren Grossgrundbesitzers, erinnert sich daran. Und abermals Szenenwechsel: Wie schmackhaft die Fische sind, die Chen Zaifu auf seinem Hausboot in der Millionenstadt Chongqin in Zentralchina aus dem Netz holt, mag man sich ungern vorstellen. Professor Wu, ein alter Umweltaktivist, kauft aber immer noch bei ihm und singt unverdrossen ein Lied von früher. Chen sagt: Wäre ich zur Schule gegangen, müsste ich nicht fischen.

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Drei, vier Regionen im Riesenreich der Mitte, Schicksale über zwei Generationen. Das Wasser und die mit ihm verfliessende Zeit verbinden die Geschichten. Die Wasserzeichen, die «watermarks» des Titels, verweisen auf eine vergleichbare Befindlichkeit im heutigen China, die von Fragilität und Ungewissheit geprägt ist. Regisseur Luc Schaedler, selber an der Kamera, und sein in China lebender CoAutor und Interviewer Markus Schiesser haben die Menschen 2011 während Monaten in ihrem Alltag beobachtet, bei ihnen gelebt, mit ihnen gegessen, geraucht, gewartet und sie so ruhig zum Erzählen gebracht. Da ist Bauer Weis Sohn, der an der heimatlichen Scholle von Minqin hängt, mit seiner Frau ein Mal im Jahr dem Vater bei der Ernte hilft, um dann wieder 600 Kilometer weit entfernt in Wusutu als Baggerfahrer in staubigen Kohlenminen als Wanderarbeiter sein Auskommen zu suchen. Dort wiederum fühlt sich seine junge Frau zuhause, und nicht bei den Schwiegereltern fernab. Eine kleine brüske Handbewegung beim Erzählen, eine verdrückte Träne ihrerseits, oder die Art, wie der Mann beim Eintreten in die Mietskasernenwohnung auf den Küchenboden schaut, sprechen diskret Bände. Können die beiden mit ihrem kleinen Sohn als Paar überleben? Wird es, im trügerisch schönen Mittelteil des Films, Li Yunchuang, dem pensionierten Parteisekretär in Jiuxiancun, gelingen, im Dorf den Gemeinschaftssinn und verbindende Bräuche lebendig zu erhalten? Schliesslich die burschikose Chaomei, adoptiertes Findelkind des Fischers Chen und seiner Frau in Chongqing, das dem Paar wegen eines beargwöhnten Verstosses gegen die Ein-Kind-Politik Ungemach bescherte: Wird sie, die im heutigen China lieber Mann als Frau wäre und uns in ihrer zarten Eigenständigkeit sofort ans Herz wächst, sich in der «Freiheit» der Megalopolis behaupten können? «Mich interessieren die Menschen hinter den Strukturen», sagt Luc Schaedler. Erst hätte es ein Film zum Thema Wasser werden sollen, daraus sind offene, in der Schwebe belassene Lebensgeschichten geworden, die uns dieser bewegende, ruhige Film erzählt. Geschichten zwischen Verpasstem und Erhofftem in Zeiten gewaltiger Umbrüche. (Martin Walder) Luc Schaedler Geboren 1963 in Zürich, Studium der Ethnologie und Filmwissenschaft. Ph.D. in Ethnologie. Mitarbeit im Zürcher Kino Xenix und beim Aufbau des Kinderfilmklubs Zauberlaterne, Leiter der Abteilung Visuelle Anthropologie am Völkerkundemuseum der Universität Zürich (2006 bis 2008). Seit 1996 Filmemacher und Produzent (go between films, zürich): 1997 Made in Hong Kong (Leipzig, Wettbewerb), 2005 Angry Monk (Sundance, Wettbewerb), 2013 Watermarks.


DIE HÜTER DER TUNDRA

19 regia/réalisation: René Harder sceneggiatura/scénario: René Harder fotografia/image: Héne Harter, Dan Jåma montaggio/montage: Anika Simon musica/musique: Martin Tingvall, Michael Klaukein, Andreas Lonardoni suono/son: Rune Hansen, Gus Al Sabri, Nathan Berry produzione/production: Lichtblick Film Apostelnstr. 11, D–50667 Köln info@lichtblick-film.de coproduzione/co-production: Relation 04 Media Buveien 37b, N–9407 Harstad kalle@relation04.com ZDF/Arte world sales: Autlook Filmsales Spitterberggasse 3/14, A–1070 Wien welcome@autlookfilm.com 2013, digital cinema HD, col., 85’ v.o. sami, russo, norvegese/sami, russe, norvégien; st. inglese/anglais traduzione simultanea francese traduction simultanée français 11.8.13, 11.00 – Cinema Teatro Kursaal 12.8.13, 18.30 – L'Altra Sala

PRIMA MONDIALE PREMIERE MONDIALE Germania/Norvegia Allemagne/Norvège

RENÉ HARDER


DIE HÜTER DER TUNDRA «Als Filmemacher interessieren mich Menschen, die schwierigen Lebensumständen mit Leidenschaft und Humor begegnen. Ihrem Blick will ich folgen und damit durch seine poetischen Motive einen letztlich politischen Film schaffen.» (René Harder) All’inizio la nonna siede nel soggiorno, vestita pesante, i capelli racchiusi in un fazzoletto colorato. Carda la lana con due tavolette di legno dai ferri appuntiti, per renderla sottile e morbida per il fuso. Parla: «Vorrei raccontarvi una storia, che mi tornava sempre alla mente. Ma adesso non me la ricordo più.» Probabilmente la storia avrebbe raccontato dei bei vecchi tempi, prima del crollo dell’Unione Sovietica, quando i Sami vivevano in molti villaggi, quando i kolchoz garantivano un’esistenza sicura e gli allevatori di renne su al nord, potevano coltivare le loro antiche tradizioni. La luce che filtra attraverso le nuvole illumina la tundra sterminata e le mandrie di renne: queste immagini ci portano nel presente, nella vita quotidiana degli ultimi Sami che combattono per la loro sopravvivenza sulla penisola russa di Kola. Appartengono a quell’etnia che abita nel vasto territorio che si estende a nord del circolo polare artico, dalla Norvegia attraverso Svezia, Finlandia, fino alla Russia.

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Al centro del documentario c’è Krasnoschtschelje, un villaggio in un altro mondo. La vita dei 500 abitanti rimasti è molto dura, specialmente in inverno. La soglia della povertà è vicina, l’aspettativa di vita breve. Non ci sono strade, il servizio medico è stato cancellato, l’unico collegamento con il mondo è un elicottero che trasporta merci e persone a Murmansk. La grande minaccia è rappresentata dall’esplorazione della tundra da parte delle multinazionali minerarie. I loro grossi macchinari stanno scavando nelle vicinanze del villaggio: i pascoli delle renne nascondono nelle loro viscere oro, platino e alluminio. Non vengono condotte trattative. La terra appartiene alla Russia. Nel villaggio c’è preoccupazione, ma la gente è pronta a combattere per la sua esistenza e per le sue tradizioni ancestrali. La maggior parte degli abitanti non prende in considerazione una vita alternativa in città, a Murmanks. Non vogliono vivere da nessuna altra parte e alcuni non possono vivere da nessuna altra parte. Il documentario ci mostra come i Sami sanno ribellarsi, con determinazione, per esempio fondando un proprio parlamento. Sascha, trent’anni, madre di famiglia e deputata, si impegna per dare un futuro al villaggio. Il senso di appartenenza tiene uniti gli abitanti. Questo si riflette anche durante le gare annuali di slitte trainate da renne, dove si spera negli spettatori provenienti da lontano. Le istanze devono essere portate a conoscenza di tutti. Ne va della sopravvivenza del popolo Sami e delle renne, che devono potersi muovere su un territorio di 1'000 km. La terra deve diventare proprietà dei Sami. Il regista René Harder, che si è dovuto confrontare anche con malintesi culturali, è riuscito in quattro anni a creare uno stretto contatto con i Sami. Con una piccola squadra di tecnici ha fatto riprese per 6 mesi. Contenuto e immagini si fondono. Attraverso ritratti personali e le riprese straordinarie dei paesaggi naturali, il film documenta gli interessi economici di un mondo globalizzato, e sta dalla parte del destino di tutti i popoli indigeni incalzati dallo sfruttamento delle risorse naturali, minacciati e alla fine destinati all’estinzione. (Madeleine Hirsiger) René Harder Nato nel 1971 a Costanza. Ha studiato regia e teatro. Dal 1999 lavora come regista, autore e attore nei teatri di Amburgo, Görlitz, Lipsia e Costanza e alla TV (ZDF/NRD/arte). Vive ad Amburgo ed è padre di quattro figli. Ha realizzato diversi cortometraggi come regista e sceneggiatore. Herr Pilipenko und sein U-Boot (2007), con la co-regia di Jan Hinrik Drevs. Dal 2008 insegna recitazione e dirige la Scuola Superiore di Recitazione Alanus a Alfter (Bonn). Dal 2007 al 2012 ricerche e riprese per Die Hüter der Tundra.


DIE HÜTER DER TUNDRA «Als Filmemacher interessieren mich Menschen, die schwierigen Lebensumständen mit Leidenschaft und Humor begegnen. Ihrem Blick will ich folgen und damit durch seine poetischen Motive einen letztlich politischen Film schaffen.» (René Harder) Au commencement du film, la grand-mère est assise dans le séjour, habillée chaudement, ses cheveux noués d’un foulard coloré. Elle carde de la laine entre deux planches de bois munies de pointes en métal pour l’affiner et l’assouplir avant de la filer. Elle dit: «J’aimerais vous raconter un conte qui me venait toujours à l’esprit auparavant. Mais maintenant, je n’arrive plus à m’en souvenir.» Le conte parlait-il du bon vieux temps avant la dissolution de l’Union soviétique, quand les Samis vivaient encore dans de nombreux villages, quand il y avait encore des kolkhoses qui assuraient leurs existences et quand les éleveurs de rennes pouvaient vivre leurs anciennes traditions séculaires dans le haut Nord? On enchaîne sur des nuages au-dessus de la toundra infiniment grande et sur les troupeaux de rennes défilant dans le paysage: Ces images nous ramènent au présent, à l’époque moderne des derniers Samis qui luttent pour leur survie dans la péninsule russe de Kola. Ils font partie de cette ethnie qui vit sur un vaste territoire au nord du cercle polaire allant de la Norvège jusqu’à la Russie, en passant par la Finlande et la Suède. Krasnoschtschelje, un village d’un autre monde, se trouve au centre de ce documentaire révélateur. La vie des 500 habitants, qui sont restés, est très dure, surtout en hiver. Le seuil de pauvreté est proche, l’espérance de vie courte. Il n’y a pas de routes, l’approvisionnement médical a été suspendu, la seule liaison avec le monde est un hélicoptère qui apporte les marchandises et emporte les personnes à Mourmansk, la ville principale. La grande menace se trouve dans l’exploration de la toundra par des multinationales exploitant les matières premières, et dont les grandes machines se rapprochent du dernier village des Samis: Car les pâturages des rennes renferment de l’or, du platine et de l’aluminium dans leur sous-sol. Aucune négociation n’a lieu. Le pays appartient à la Russie. Dans le village, on est inquiet, mais les gens sont prêts à lutter pour leur existence et leurs traditions. Car une vie alternative dans la capitale de l’oblast de Mourmansk n’est pas envisageable pour la plupart. Ils ne veulent pas vivre ailleurs et beaucoup ne pourraient pas vivre autrement. Le film montre avec calme et force la détermination des Samis à se défendre en fondant, par exemple, leur propre parlement. C’est Sascha, mère et députée âgée de 30 ans, qui fait tout son possible pour donner un avenir au village. Le sens de la communauté assure la cohésion de la population. La course annuelle de luges tirées par les rennes, pour laquelle on attend des spectateurs venus de loin, le démontre. Les préoccupations doivent sortir. Car, en somme, il s’agit des rennes, la base de l’existence des Samis, et ils peuvent se déplacer dans un rayon allant jusqu’à mille kilomètres. Le pays doit appartenir aux Samis. Le réalisateur René Harder, qui a dû aussi aborder des malentendus culturels, a réussi en quatre ans à bâtir un contact étroit avec la population des Samis. Avec une petite équipe, il a pu filmer pendant plus de six mois. Contenu et image se fondent en un tout. Le film documente par des portraits personnels et de grandioses prises de vues de la nature les intérêts économiques supérieurs dans un monde globalisé. Il soutient le sort de tous les peuples indigènes qui sont harcelés, menacés et finalement destinés à disparaître à cause de l’exploitation des matières premières. (Madeleine Hirsiger) René Harder Né en 1971, il a grandi à Constance. Etudes de mise en scène et de sciences théâtrales appliquées. Dès 1999, il travaille comme réalisateur, auteur et acteur indépendant aux théâtres de Hambourg, Görlitz, Leipzig et Constance ainsi que pour le cinéma et la télévision (ZDF/NRD/arte). Il vit à Hambourg et est père de quatre enfants. Il a réalisé divers courts-métrages (réalisation et scénario). Il tourne en 2007 le documentaire Herr Pilipenko und sein U-Boot, en coréalisation avec Jan Hinrik Drevs. Dès 2008, il enseigne le théâtre et dirige le département acteur de la Haute Ecole d’Alanus à Alfter (près de Bonn). 2007–2012: Recherches et tournage de Die Hüter der Tundra.

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DIE HÜTER DER TUNDRA «Als Filmemacher interessieren mich Menschen, die schwierigen Lebensumständen mit Leidenschaft und Humor begegnen. Ihrem Blick will ich folgen und damit durch seine poetischen Motive einen letztlich politischen Film schaffen.» (René Harder) Am Anfang sitzt die Grossmutter in ihrer Stube, warm angezogen, ihre Haare in ein farbiges Kopftuch geknotet. Sie striegelt Wolle zwischen zwei mit Metallspitzen versehenen Holzbrettchen, um sie fein und gefügig fürs Spinnen zu machen. Sie sagt: «Ich möchte euch ein Märchen erzählen, das mir früher immer wieder in den Sinn gekommen ist. Aber jetzt kann ich mich nicht mehr daran erinnern.» Würde das Märchen wohl von den schönen alten Zeiten handeln, damals, bevor die Sowjetunion in sich zusammenfiel, als die Samen noch in zahlreichen Dörfern lebten, als es noch existenzsichernde Kolchosen gab und die Rentierzüchter hoch oben im Norden ihre Jahrhunderte alte Tradition weiterführen konnten? Überblendung durch die Wolken auf die unendlich weite Tundra und durch das Land ziehende Rentierherden: Diese Bilder führen uns in die Gegenwart, in die heutige Zeit der letzten Samen, die auf der russischen Halbinsel Kola um ihr Überleben kämpfen. Sie gehören zu jener Ethnie, die sich über ein weites Gebiet nördlich des Polarkreises von Norwegen über Finnland und Schweden bis nach Russland erstreckt. Im Mittelpunkt des aufschlussreichen Dokumentarfilms steht Krasnoschtschelje, ein Dorf in einer anderen Welt. Das Leben der rund 500 verbleibenden Bewohner ist sehr hart, vor allem im Winter. Die Armutsgrenze ist nah, die Lebenserwartung kurz. Es gibt keine Strassen, die medizinische Versorgung wurde eingestellt, die einzige Verbindung mit der Welt ist ein Helikopter, der Waren bringt und Menschen in die Hauptstadt Murmansk fliegt. Die grosse Bedrohung liegt in der Exploration der Tundra durch internationale Rohstoffkonzerne, deren grosse Maschinen sich nahe an das letzte Dorf der Samen heranfressen: Denn die Weidegründe der Rentiere bergen in der Tiefe Gold, Platin und Aluminium. 22

Verhandlungen werden keine geführt. Das Land gehört Russland. Im Dorf herrscht Besorgnis, aber die Leute sind bereit, für ihre Existenz, für ihre ureigenen Traditionen zu kämpfen. Denn ein alternatives Leben in der Hauptstadt Murmansk kommt für die meisten nicht in Frage. Sie wollen nirgendwo anders leben, und manche können nicht anders leben. Der Film zeigt still, aber kraftvoll, wie sich die Samen zu wehren wissen, und dies mit Entschlossenheit, zum Beispiel durch die Gründung eines eigenen Parlaments. Es ist die 30-jährige Mutter und Abgeordnete Sascha, die alles daran setzt, dem Dorf eine Zukunft zu geben. Der Gemeinschaftssinn hält die Bevölkerung zusammen. Das zeigt sich auch im jährlich stattfindenden Rentierschlitten-Rennen, wo man auf Zuschauer von weiter her hofft. Die Anliegen sollen hinausgetragen werden. Denn schliesslich geht es um die Lebensgrundlage der Samen, um die Rentiere, und die können sich in einem Umkreis von bis zu 1000 Kilometern bewegen. Das Land soll Eigentum der Samen werden. Regisseur René Harder, der sich auch mit kulturellen Missverständnissen auseinandersetzen musste, ist es in vier Jahren gelungen, einen engen Kontakt zur samischen Bevölkerung aufzubauen. Mit einem kleinen Filmteam hat er über sechs Monate hinweg filmen können. Inhalt und Bilder verschmelzen zu einem Ganzen. In persönlichen Porträts und grossartigen Naturaufnahmen dokumentiert der Film die übermächtigen Wirtschaftsinteressen in einer globalisierten Welt und steht für das Schicksal aller indigenen Völker, die durch Rohstoffabbau bedrängt, bedroht und schliesslich zum Verschwinden gebracht werden. (Madeleine Hirsiger) René Harder 1971 in Konstanz geboren und aufgewachsen. Studien in Regie und angewandten Theaterwissenschaften. Seit 1999 freischaffend an Theatern in Hamburg, Görlitz, Leipzig und Konstanz sowie für Film und Fernsehen (ZDF/NRD/arte) als Regisseur, Autor und Schauspieler. Lebt in Hamburg und ist Vater von vier Kindern. Realisierte diverse Kurzfilme (Regie und Drehbuch). 2007 Dokumentarfilm Herr Pilipenko und sein U-Boot, in Co-Regie mit Jan Hinrik Drevs. Seit 2008 Professor für Schauspiel und Leiter des Fachgebiets Schauspiel an der Alanus Hochschule in Alfter (bei Bonn). 2007–2012 Recherche und Dreharbeiten zu Die Hüter der Tundra.


(The Unplaceables)

DE ONPLAATSBAREN

23 regia/réalisation: René A. Hazekamp fotografia/image: René A. Hazekamp montaggio/montage: Jasper Verhorevoort

PRIMA INTERNAZIONALE PREMIERE INTERNATIONALE

produzione/production: Riverpark Films Delftsestraat 25, NL–3013 AD Rotterdam herman@riverparkfilms.nl world sales: Journeyman Pictures

Olanda Pays-Bas

2012, digital cinema HD, col., 91’ v.o. olandese, inglese/hollandais, anglais; st. inglese/anglais traduzione simultanea francese traduction simultanée français

12.8.13, 11.00 – Cinema Teatro Kuarsaal 13.8.13, 18.30 – L'Altra Sala

RENÉ A. HAZEKAMP


DE ONPLAATSBAREN (The Unplaceables) «Mein Dokumentarfilm erzählt von Hoffnung und menschlicher Vorstellungskraft. Er porträtiert eine Gruppe von Süchtigen. Er begleitet sie bei der Arbeit und den Versuchen, ihr Leben unter Kontrolle zu bringen.» (René A. Hazekamp) Pezzi di carta e sacchetti di plastica volano sulla strada portati dal vento. Le immagini di apertura hanno una forza simbolica per tutto il film. Si parla di uomini che si sono persi e che in qualche modo cercano di ritrovare la terra sotto i piedi. Gli uomini con la tuta da lavoro rossa raccolgono i resti della civiltà dei consumi dall’asfalto – giornali, plastica, mozziconi di sigaretta, uno scooter e altro. Lavorano per «Job-Score». Sono i fuoriusciti della società, quasi rifiuti loro stessi. Hanno un lavoro e un compito, sono accompagnati e sostenuti nel loro tentativo di disintossicarsi. Dick, che sembra il sosia di Keith Richards, ci mostra la sua sfilata di medicamenti della settimana. L’alcolizzato cinquantenne con l’aria da playboy fa il difficile, viene sospeso dal lavoro e prega disperato di non esserne escluso. Lui, che solo 13enne aveva picchiato a morte il suo patrigno e per questo si era fatto 15 anni di galera, racconta i suoi problemi davanti ai giovani di una parrocchia. Taglio. Ha ripreso a bere, attorniato dai compagni che suonano vecchi pezzi rock. Dick cerca di seguire le regole della società, ma la carne è debole… Un altro cinquantenne, Spijker il barbuto, racconta delle botte che gli dava suo padre e della madre, vera causa e ispiratrice delle punizioni. Spijker è stato sposato con una donna dell’ex Germania dell’Est che ha aiutato ad emigrare ed è scappata con tutti i suoi soldi. Si ricorda del fratello ammalato di cancro e di quando era andato a trovarlo ed aveva suonato il flauto per lui. È uno spazzino «on the road», bestemmia ma non molla, anche quando sta male e urla «merda».

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Destini raccolti sulle strade di Rotterdam. Tre, quattro tipi che hanno toccato il fondo, sanno tutto sulle loro debolezze, i loro problemi e nonostante tutto non mollano. Ma da soli non ce la fanno. Il regista olandese René A. Hazekamp li ha seguiti per un anno, osservatore con la cinepresa, discreto, solidale, comprensivo. È stato accettato, ne sono usciti dei ritratti non spettacolari ma commuoventi. Anche questi outsider appartengono alla nostra società. Li incontriamo in tutte le città, da Rotterdam a Zurigo. Il film promuove la comprensione, senza zelo missionario. Una lezione sulla strada, sulla marginalità, con potenziali di speranza limitati. Testimonianze di un mondo cattivo, così lo percepisce Spijker, compresa la sua vita di merda. Ad un certo punto, piano piano, intonano «Knockin’ on Heaven’s Door» di Bob Dylan… molto commovente e, nonostante la tristezza, piena di speranza. Come questo film. (Rolf Breiner) René A. Hazekamp Nato nel 1962 ad Amsterdam, ha frequentato la Scuola D’Arte RITCS a Bruxelles. Termina gli studi di regia e montaggio nel 1986 e da allora lavora come regista e montatore. Negli anni 90 Hazekamp inizia a girare film sulla danza. Al festival di Locarno, il direttore di allora Marco Müller, lo aveva inserito in una retrospettiva proiettando il suo film sperimentale Ecce Homo. Hazekamp a poi passato alcuni anni in mare e, dal 1997 al 1999, ha lavorato al programma Lola da Musica, un documentario musicale della televisione olandese VPRO. Nel 2008 aveva già girato un film su Spijker, uno dei protagonisti di The Unplaceables. Attualmente sta preparando le riprese di un film sul circo. Hazekamp vive a Rotterdam. Filmografia essenziale: Skroeba (1987 corto), F.X. Messerschmidt (1989, corto), Wanna Get in on It? (1992, corto), It's Bad You Know (1999, film TV), Heaven and Hell (2000, film TV), Solomon Reigns (2001, film TV), The Unplaceables (2012, documentario), CircusTime (2013, in preparazione).


(The Unplaceables) DE ONPLAATSBAREN «Mein Dokumentarfilm erzählt von Hoffnung und menschlicher Vorstellungskraft. Er porträtiert eine Gruppe von Süchtigen. Er begleitet sie bei der Arbeit und den Versuchen, ihr Leben unter Kontrolle zu bringen.» (René A. Hazekamp) Lambeaux de papier et sacs en plastique vides virevoltent dans les rues venteuses. Cette image d’ouverture a une force symbolique pour tout le film. Il parle d’êtres qui ont été marginalisés, d’exclus qui cherchent à retrouver un sol ferme sous leurs pieds. Les hommes en habits de travail rougeâtres ramassent avec un crochet les déchets de la civilisation sur les pavés ou le goudron – journaux, objets en plastique, canettes, mégots, trottinette et bien plus. Ils font leur travail dans les rues au nom de «Jobs-Score». Ils ont été éjectés de la société et sont, pour ainsi dire, devenus eux-mêmes des déchets humains. Ils ont un petit boulot et des tâches, ils sont encadrés et aidés dans leur tentative de devenir «clean». Dick, qui semble être le Keith-Richard des éboueurs, montre sa collection hebdomadaire de médicaments longue d’un mètre. L’alcoolique, cinquantenaire à l’allure de play-boy cause quelques difficultés, il est suspendu de son travail et demande désespérément de ne pas être renvoyé. Lui, qui à 13 ans, a tué son beau-père et a passé pour cela 15 ans en prison, est aussi celui qui raconte sa vie devant les jeunes de la paroisse, qui parle de ses problèmes. Coupe. Maintenant, il boit à nouveau, entouré par ses compagnons qui jouent de vieux airs de rock. Dick essaie de suivre les règles de la société, mais la chair est faible.... Un autre cinquantenaire, Spijker le barbu, parle des coups que son père lui a donnés et explique que c’était en fait sa mère qui était l’instigatrice et la responsable des châtiments corporels. Spijker s’est marié avec une Allemande de l’Est qui avait fui, il l’a ainsi aidée à émigrer et elle est partie avec son argent. Il se souvient de son frère, malade de cancer, à qui il a rendu visite un jour et lui a joué de la flûte. C’est un éboueur «on the road», qui fuit, mais ne se rend jamais, même quand il se sent mal ou ne fait que murmurer «Crap» («merde»). Destinées rencontrées dans les rues de Rotterdam. Trois, quatre individus qui ont atterris bien bas, qui connaissent leurs faiblesses, leurs problèmes et qui malgré tout ne renoncent pas. Mais seuls, ils n’y arrivent pas. Le réalisateur hollandais René A. Hazekamp, derrière sa caméra, les a accompagnés pendant une année, avec discrétion, compréhension et solidarité. Il a été ainsi accepté par eux. Il en est sorti des histoires et des images d’hommes, non spectaculaires, mais qui nous touchent. Ces marginaux font aussi partie de notre société. On les rencontre dans toutes les villes, de Rotterdam à Zürich. Le film incite à la compréhension – sans prosélytisme. Presque une explication de la rue, des marges – avec un potentiel d’espoir limité. Témoignage d’un monde ressenti comme mauvais par Spijker, qui y inclut sa propre vie «merdique». Un jour, Dick et ses copains entonnent «Knockin’ on Heaven’s Door», la chanson de l’ami Dylan tombe à pic, pleine d’espoir malgré la tristesse. Comme le film d’ailleurs. (Rolf Breiner) René A. Hazekamp Né en 1962 à Amsterdam, il a fréquenté la Haute Ecole d’arts, RITCS à Bruxelles. En 1986, il termina ses études en image, son, et montage et travailla dès lors comme réalisateur et monteur. Hazekamp commence dans les années 90 à tourner des films de danse. Au Festival du Film de Locarno, Marco Müller, le directeur de l’époque, l’inséra dans une rétrospective et présenta aussi son film expérimental Ecce Homo. Puis Hazekamp passa quelques années en mer et travailla de 1997 à 1999 au programme documentaire musical Lola da Musica de la télévision hollandaise VPRO. En 2008 déjà, il avait tourné un film sur Spijker, l’un des personnages de De Onplaatsbaren. Actuellement, il travaille à une documentation sur une école de cirque. Hazekamp vit à Rotterdam. Filmographique sélective: Skroeba (1987, court-métrage), F.X. Messerschmidt (1989, court-métrage), Wanna Get in on It? (1992, court-métrage), It's Bad You Know (1999, film TV), Heaven and Hell (2000, film TV), Solomon Reigns (2001, film TV), The Unplaceables (2012, documentaire), CircusTime (2013, en production).

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DE ONPLAATSBAREN (The Unplaceables) «Mein Dokumentarfilm erzählt von Hoffnung und menschlicher Vorstellungskraft. Er porträtiert eine Gruppe von Süchtigen. Er begleitet sie bei der Arbeit und den Versuchen, ihr Leben unter Kontrolle zu bringen.» (René A. Hazekamp) Papierfetzen, ein leerer Plastiksack werden vom Wind über Gassen und Strassen getrieben. Dieses Eingangsbild hat Symbolkraft für den ganzen Film. Es geht um Menschen, die aus der Bahn geworfen wurden, Getriebene, die irgendwie wieder Halt unter den Füssen suchen. Die Männer im rötlichen Arbeitsgewand picken Zivilisationsmüll vom Pflaster oder Asphalt – Zeitungen, Plastik, Dosen, Zigarettenkippen, einen Scooter und mehr. Sie sind unterwegs im Namen von «Jobs-Score». Sie sind aus der Gesellschaft gefallen, sozusagen selber menschlicher Müll geworden. Sie haben einen Job und Auflagen, werden begleitet und bei ihren Versuchen, «clean» zu werden, unterstützt. Dick, der aussieht wie ein Keith-Richards-Verschnitt, zeigt meterweise seine Medikamentensammlung für eine Woche. Der fünfzigjährige Trinker mit dem Outfit eines Playboys macht Schwierigkeiten, wird vom Job suspendiert und bettelt verzweifelt darum, nicht ausgeschlossen zu werden. Er, der als 13-Jähriger seinen Stiefvater erschlagen hatte und dafür 15 Jahre im Gefängnis verbringen musste, ist es aber auch, der vor jungen Leuten einer Kirchgemeinde sein Leben, seine Probleme anspricht. Schnitt. Nun trinkt er wieder, und Kumpane spielen alte Rocksongs. Dick versucht die Regeln der Gesellschaft einzuhalten, aber das Fleisch ist schwach … Ein anderer, der bärtige Spijker (50) erzählt von den Schlägen, die ihm sein Vater verabreicht hat, und outet seine Mutter als eigentliche Triebfeder und Verursacherin der Züchtigungen. Spijker ist mit einer geflohenen Ostdeutschen verheiratet, der er so zur Immigration verholfen hatte und die dann mit seinem Geld verschwunden ist. Er erinnert sich an seinen krebskranken Bruder, den er einmal besucht und für ihn Flöte gespielt hat. Er ist ein Müllsammler «on the road», der flucht, aber wohl nicht aufgibt, auch wenn er sich schlecht fühlt und sich schlicht «Crap» («Scheissdreck») schimpft. 26

Schicksale, von den Strassen Rotterdams aufgelesen. Drei, vier Typen, die tief gelandet sind, wissen um ihre Schwächen, ihre Probleme und geben trotzdem nicht auf. Aber allein schaffen sie’s nicht. Der holländische Filmer René A. Hazekamp hat sie über ein Jahr begleitet – unaufdringlich, verständig, solidarisch – als Beobachter mit der Kamera. Er nimmt sich so der Menschen an. Es sind unspektakuläre, aber nahe gehende Geschichten und Menschenbilder geworden. Auch diese Aussenseiter gehören zur unserer Gesellschaft. Man begegnet ihnen in allen Städten von Rotterdam bis Zürich. Der Film wirbt um Verständnis – ohne missionarischen Eifer. Eine Aufklärung quasi von der Gasse her, von den Rändern – mit begrenztem Hoffnungspotenzial. Zeugnis einer schlechten Welt, wie Spijker sie empfindet und erlebt, samt dem eigenen beschissenen Leben. Irgendwann klimpern Kumpels Dylans «Knockin’ on Heaven’s Door» – sehr treffend und trotz Tristesse hoffnungsvoll. So, wie es auch dieser Film ist. (Rolf Breiner) René A. Hazekamp Geboren 1962 in Amsterdam, absolvierte er die Kunsthochschule RITCS in Brüssel, beendete 1986 seine Studien in Bild, Ton und Schnitt und arbeitet seither als Filmregisseur und Editor. Hazekamp begann in den 1990er Jahren Tanzfilme zu drehen. Am Filmfestival Locarno räumte ihm Direktor Marco Müller eine Retrospektive ein und präsentierte auch das Experimentaldrama Ecce Homo. Dann fuhr Hazekamp einige Jahre zur See und arbeitete von 1997 bis 1999 beim Musik-Dokumentarprogramm Lola da Musica des niederländischen Fernsehsenders VPRO. Bereits 2008 drehte er einen Film über Spijker, einen der Charaktere in De Onplaatsbaren. Zurzeit befasst er sich mit einer Dokumentation über eine Zirkusschule. Hazekamp lebt in Rotterdam. Auswahl seiner Filme: Skroeba (1987, Kurzfilm), F.X. Messerschmidt (1989, Kurzfilm), Wanna Get in on It? (1992, Kurzfilm), It's Bad You Know (1999, TVFilm), Heaven and Hell (2000, TV-Film), Solomon Reigns (2001, TV-Film), The Unplaceables (2012, Dokumentarfilm), CircusTime (2013, in Arbeit).


EARTH'S GOLDEN PLAYGROUND

27 regia/réalisation: Andreas Horvath fotografia/image: Andreas Horvath montaggio/montage: Andreas Horvath musica/musique: Andreas Horvath suono/son: Andreas Horvath, Mischa Rainer produzione/production: Andreas Horvath Schwarzenberg Prom. 60, A–5026 Salzburg contact@andreashorvath.com 2013, digital cinema HD, col., 108’ v.o. inglese/anglais; st. francese/français

13.8.13,11.00 – Cinema Teatro Kursaal 14.8.13, 18.30 – L'Altra Sala

PRIMA MONDIALE PREMIERE MONDIALE Austria/Canada Autriche/Canada

ANDREAS HORVATH


EARTH'S GOLDEN PLAYGROUND «Der Klondike in Kanadas Norden war schon immer ein Sinnbild für die Suche nach irdischem Glück. Und wie das Glück auf dieser Welt, so ist auch das Gold im Klondike sehr ungleichmässig verteilt.» (Andreas Horvath) Un documentario western. Il Moby Dick dei giacimenti di oro. Dai tempi della febbre dell’oro, verso la fine del 19. secolo, le leggendarie concessioni nello Yukon sono ancora una terra promessa. Un mitico El Dorado che ha attirato, dal 1896, centinaia di migliaia di avventurieri lungo le rive del fiume Klondike, presso Dawson. La corsa all’oro ha portato all’annessione dei territori dello Yukon, nell’estremo nordovest del Canada. Circa 500'000 chilometri quadrati che hanno segnato i nuovi confini fra Alaska e Canada. Negli Stati Uniti la corsa all’oro era coincisa con la crisi economica, per questo motivo molte persone avevano cercato la loro fortuna nel Klondike. Oggi la storia si ripete, i tempi sono difficili: il film di Andreas Horvath testimonia la dura competizione fra le società finanziarie forti e le piccole imprese degli uomini di montagna. Tutti ossessionati dalla ricerca della cosiddetta «Mother Lode», il filone principale che si crede sia ancora nascosto nelle viscere della terra, nonostante decenni di sfruttamento.

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Per un pugno di dollari, uomini solitari picconano e scavano il duro terreno che minaccia di inghiottirli. Per un paio di dollari in più i minatori utilizzano le loro macchine, le escavatrici scavano fosse, erodono le rive del fiume, scolpiscono crepe sulle pareti di roccia scoscese. Niente paura, fra 50 anni qui cresceranno di nuovo gli alberi. Le compagnie minerarie perforano il terreno parzialmente congelato, come se il Klondike fosse un puntaspilli. E il risultato? Scarso. Un grammo di oro per una tonnellata di roccia, che deve essere ancora lavata con un lungo e duro lavoro manuale. A volte la polvere d’oro basta per una scappatella nelle Filippine…. Rimangono i sogni. Dawson, una volta la scintillante città dell’oro dove i cercatori, cosiddetti «stampeders», sognavano oro, whisky e donne, oggi sembra una città fantasma, se non fosse per i negozi di ferramenta, gli hotel e le case di legno. Un set cinematografico, come quello che James Stewart, in The Far Country (1954), attraversa con la sua mandria. Il regista austriaco Andreas Horvath ha voluto documentare con la sua cinepresa questo «far country», ha catturato con le immagini gli ultimi paesaggi selvaggi e incontaminati, bloccati dal ghiaccio e dal freddo. Ha dato al suo film il ritmo epico della grande fatica. Ritrae lo sfinimento di uomini con i volti solcati da segni simili a rune, che combattono per il loro bottino di oro. Uno, che assomiglia all’attore Lee Marvin, un uomo abituato a tutte le fatiche, viene ripreso, distrutto ma non vinto, ai bordi della buca che ha scavato e riconosce che la madre di tutti i filoni non si trova. Egli vivrà ancora i suoi sogni, dovrà risvegliarsi ancora spesso dalle sue illusioni, ma continuerà a fantasticare e a nutrirsi di speranze. L’oro, accidenti al diavolo, dovrà pur essere da qualche parte. (Rolf Niederer) Andreas Horvath È nato a Salisburgo nel 1968, è fotografo e cineasta indipendente. Dal 2001 i suoi documentari vengono presentati e premiati in numerosi festival internazionali (come a Nyon). Ha pubblicato libri sulla Siberia e gli USA e insegna al HEAD a Ginevra. Filmografia essenziale: Clearance (1998, cortometraggio); Poroerotus (1999, insieme a Clemens Haider), The Silence of Green (2002), This Ain't no Heartland (2004), Views of a Retired Night Porter (2006), The Passion According to the Polish Community of Pruchnik (2009), Arab Attraction (2010), Postcard from Somova, Romania (2011).


EARTH'S GOLDEN PLAYGROUND «Der Klondike in Kanadas Norden war schon immer ein Sinnbild für die Suche nach irdischem Glück. Und wie das Glück auf dieser Welt, so ist auch das Gold im Klondike sehr ungleichmässig verteilt.» (Andreas Horvath) C’est un documentaire western. Le Moby Dick des gisements aurifères du Klondike. Depuis la ruée vers l’or vers la fin du 19e siècle, les légendaires concessions du Yukon représentent une terre lointaine et fabuleuse pleine de promesses. Un Eldorado mythique, qui, dès 1896 attira plusieurs centaines de milliers d’aventuriers vers la rivière Klondike près de Dawson. La ruée vers l'or a finalement abouti à la création du territoire du Yukon à l’extrême nord-ouest du Canada, d’une superficie de près de cinq cents mille kilomètres carrés, et à l’établissement de la frontière entre l'Alaska et le Canada. Aux Etats-Unis, la ruée vers l’or eut lieu dans une période de crise économique qui incita d’innombrables personnes à chercher le bonheur au Klondike. Et aujourd’hui, comme des temps difficiles ont commencés dans de nombreux pays, c’est à nouveau le cas: le film d’Andreas Horvath nous montre avec quelle opiniâtreté des chercheurs ayant une petite entreprise luttent à côté de sociétés disposant de ressources solides. Ils sont tous obsédés par la recherche du filon fabuleux, le «Mother Lode». Car, dit-on, la source cachée du trésor se trouve encore dans le sous-sol; on y croit inébranlablement, malgré une exploitation minière de plusieurs décennies. Les combattants solitaires creusent et pellètent pour une poignée de dollars le sol dur jusqu’à une profondeur qui menace de les engloutir. Les mineurs creusent pour quelques dollars de plus avec leurs machines: les pelles mécaniques ouvrent des fosses, labourent les rives du fleuves, fissurent les vertigineuses falaises. Dans cinquante ans, dit-on, des arbres repousseront ici. Les compagnies dirigées par des managers font forer dans la terre en partie congelée des centaines de trous, comme si le Klondike était une pelote d’épingles. Et le rendement? Il est maigre, on compte un gramme d’or pour une tonne de pierres et d’éboulis, lavés péniblement à la main. Parfois, la poussière d’or suffit à une petite escapade aux Philippines… Les rêves sont restés. Dawson, jadis ville scintillante où les chercheurs d’or que l’on nommait «stampeders» rêvaient de pépites, de whisky et de femmes aux jambes fines, donnerait aujourd’hui l’impression d’une ville fantôme, s’il n’y avait des hôtels, des quincailleries et des maisons à colombages. Un décor de cinéma pour ainsi dire, à travers lequel James Stewart poussait son troupeau dans le western The Far Country en 1954. L’Autrichien Andreas Horvath a placé sa caméra pour documenter ce «far country», a patiemment rassemblé des images sauvages, somptueuses de paysages encore indestructibles, prisonniers de la glace et du froid, et il a intégré les difficultés de l’opiniâtre galère dans le rythme épique de son film. Il a décrit le dur labeur et l’épuisement des hommes dont les visages ressemblent toujours plus aux runes qu’ils gravent dans le paysage en recherchant l’or. L’un d’entre eux ressemblant à la star hollywoodienne Lee Marvin, lui aussi un homme destiné à de lourdes tâches, reste à la fin le visage marqué, mais intact, au bord du trou qu’il a creusé dans le sol et doit admettre que la mère de tous les filons ne se trouve pas là non plus. Il continuera de vivre ses rêves, devra plusieurs fois voir ses illusions aller à va-l’eau, mais pourra s’abandonner à ses fantasmes et nourrir des désirs pleins d’espoir. L’or, sacré nom d’un chien, doit pourtant bien se trouver quelque part là-dessous! (Rolf Niederer) Andreas Horvath Né en1968 à Salzbourg, il est photographe et cinéaste. Dès 2001, ses films documentaires sont montrés dans des festivals internationaux et souvent primés (comme à Nyon). Horvath publia des livres de photos en noir et blanc sur la Sibérie et les Etats Unis et est chargé de cours, e.a. à la HEAD à Genève. Filmographie: Clearance (1998, court-métrage); Poroerotus (1999, avec Clemens Haider), The Silence of Green (2002), This Ain't no Heartland (2004), Views of a Retired Night Porter (2006), The Passion According to the Polish Community of Pruchnik (2009), Arab Attraction (2010), Postcard from Somova, Romania (2011).

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EARTH'S GOLDEN PLAYGROUND «Der Klondike in Kanadas Norden war schon immer ein Sinnbild für die Suche nach irdischem Glück. Und wie das Glück auf dieser Welt, so ist auch das Gold im Klondike sehr ungleichmässig verteilt.» (Andreas Horvath) Ein Western des Dokumentarfilms. Der Moby Dick der Klondike Goldfelder. Seit dem Goldrausch gegen Ende des 19. Jahrhunderts sind die legendären Claims im Yukon ein fernes, sagenumwobenes Land der Verheissung geblieben. Ein mythisches Dorado, das ab 1896 über 100'000 Abenteurer an den Klondike River bei Dawson lockte. Der Goldrausch führte schliesslich zur Errichtung des YukonTerritoriums im äußersten Nordwesten Kanadas mit einer Fläche von nahezu 500'000 Quadratkilometern und zur Festlegung der Grenze zwischen Alaska und Kanada. In den Vereinigten Staaten fiel der Goldrausch in die Zeit einer Wirtschaftskrise, weshalb zahllose Menschen ihr Glück am Klondike suchten. Und heute ist dies, nachdem vielerorts wieder härtere Zeiten angebrochen sind, aufs Neue der Fall: Andreas Horvaths Film lässt hartnäckig miterleben, wie neben den finanzkräftigen Gesellschaften zähe Bergmänner mit Kleinunternehmern konkurrieren. Sie alle sind besessen von der Suche nach der sagenhaften Mutterader, der sogenannten «Mother Lode». Es ist die angeblich immer noch im Untergrund verborgene Quelle des Goldschatzes, an die man trotz Ausbeutung über Dekaden unerschütterlich glaubt.

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Einzelkämpfer hacken und schaufeln sich für eine Handvoll Dollar ins harte Erdreich, bis die Tiefe sie zu verschlucken droht. Schürfer fallen für ein paar Dollar mehr mit ihren Maschinen ein: Bagger reissen Gräben auf, zerwühlen die Flussufer, schlagen Risse in halsbrecherische Steilwände. In fünfzig Jahren, so wird beruhigt, wüchsen hier wieder die Bäume. Von Managern geführte Companies bohren Hunderte von Löchern in das zum Teil festgefrorene Erdreich, als sei der Klondike ein Nadelkissen. Und die Erträge? Sie sind kärglich, man rechnet ein Gramm Gold auf ein Tonne Steine und Geröll, das in mühseliger Handarbeit ausgewaschen wird. Manchmal reicht der gefundene Goldstaub immerhin für eine Sommergespielin auf den Philippinen… Geblieben sind die Träume. Dawson, einst die Glitzerstadt des Goldes, wo die als «stampeders» bezeichneten Schatzgräber von Gold, Whisky und beineschlenkernden Frauen träumten, vermöchte heute den Eindruck einer Geisterstadt zu erwecken, wären da nicht immer noch Hotels, Hardware Stores und roh gezimmerte Häuser. Eine Filmkulisse sozusagen, wie jene durch die James Stewart im Western The Far Country 1954 seine Herde treibt. Der Oesterreicher Andreas Horvath hat seine Kamera dokumentarisch auf dieses «far country» gerichtet, hat geduldig wilde, rauschhafte Bilder von den letztlich doch unzerstörbaren Landschaften, von Eis und Kälte eingefangen, und er hat die Mühsal der unbeirrten Plackerei in den epischen Rhythmus seines Films eingearbeitet. Er porträtiert Krampf und Erschöpfung der Männer, deren Gesichter immer mehr den Runen ähneln, die sie auf der Jagd nach der goldenen Beute in die Landschaft schlagen. Einer, der aussieht wie der Hollywoodstar Lee Marvin, auch er ein Mann fürs Gröbere, steht zum Schluss gezeichnet, aber ungebrochen, am Randes seines Loches, das er selber in den Boden geschlagen hat und muss erkennen, dass auch hier die Mutter aller Adern nicht zu finden ist. Er wird seine Träume weiter leben, muss immer wieder aus Illusionen erwachen, darf sich seinen Phantasien hingeben, hoffnungsvoll seine Sehnsüchte nähren. Das Gold, verdammt nochmal, muss doch irgendwo da unten sein. (Rolf Niederer) Andreas Horvath Geboren 1968 in Salzburg, ist Andreas Horvath freischaffender Fotograf und Filmemacher. Seit 2001 werden seine Dokumentarfilme auf internationalen Festivals gezeigt und oft preisgekrönt (etwa in Nyon). Horvath veröffentlichte SW-Fotobücher über Sibirien und die USA und hatte Lehraufträge inne, u.a. an der HEAD in Genf. Filme: Clearance (1998, Kurzfilm); Poroerotus (1999, zusammen mit Clemens Haider), The Silence of Green (2002), This Ain't no Heartland (2004), Views of a Retired Night Porter (2006), The Passion According to the Polish Community of Pruchnik (2009), Arab Attraction (2010), Postcard from Somova, Romania (2011).


BIG MEN

31 regia/réalisation: Rachel Boynton fotografia/image: Jonathan Furmanski montaggio/montage: Seth Bomse musica/musique: Nathan Larson suono/son: Rachel Boynton produzione/production: Boynton Films 75 5th Ave. #11C, USA–New York, NY 10011 boyntonfilms@aol.com world sales: Films Transit 252 Gouin Bd. East, CND–H3L IA8 Montréal, QC janrofekamp@filmstransit.com 2013, digital cinema HD, col., 99’ v.o. inglese, Twi, Ijaw, vari dialetti africani/anglais, Twi, Ijaw, divers dialectes africains; st. inglese/anglais traduzione simultanea francese traduction simultanée français

14.8.13, 11.00 – Cinema Teatro Kursaal 15.8.13, 18.30 – L'Altra Sala

PRIMA INTERNAZIONALE PREMIERE INTERNATIONALE USA/Gran Bretagna/Danimarca USA/Grande Bretagne/Danemark

RACHEL BOYNTON


BIG MEN «For me there was something almost religious about making this film. I wanted to grapple with something big. And I liked feeling small in the face of it, trying to capture this epic, twisting story over which I had no control and to ask large, difficult questions about the way our world works now.» (Rachel Boynton) Il fatto che le risorse naturali non portino con sé il benessere per tutti, appartiene all’amara ironia della globalizzazione. Al contrario, in molti paesi africani lo sfruttamento delle risorse naturali ha portato corruzione, criminalità e guerre civili. Mentre le imprese occidentali incassano profitti ingenti, la popolazione autoctona generalmente non beneficia appieno dei guadagni, anzi in alcuni luoghi la situazione peggiora. Nel 2006, quando la ditta texana Kosmos sbarca in Ghana per cercare il petrolio, viene accolta a braccia aperte. Il denaro degli Americani è bene accetto e, siccome nessuno finora aveva mai trovato petrolio nello stato dell’Africa occidentale, le trattative vengono portate avanti con grande disponibilità. Poi succede quello che nessuno si aspettava: Kosmos trova veramente il petrolio al largo delle coste del Ghana. In un batter d’occhio le regole del gioco cambiano totalmente. Big Men è molto: una lezione sul potere del denaro, un affascinante caso di economia, un ritratto del moderno mercato delle materie prime. Ma, soprattutto, il film non racconta la solita vecchia storia del povero stato africano confrontato con gli astuti strateghi di Wall Street. È molto di più: svela le trame che questi grossi accordi di solito nascondono. Una cosa risulta chiara in questo documentario: appena il denaro, o solo la sua prospettiva, entra in gioco, si presentano automaticamente i problemi. Il più recente esempio di come un paese petrolifero possa soccombere, è rappresentato dalla Nigeria. Qui, da tempo, intorno all’industria del petrolio è cresciuta l’economia nascosta della criminalità. Il petrolio viene deviato, rubato e contrabbandato, e regolarmente l’oleodotto va in fiamme. Proprio questo si vuole evitare in Ghana. 32

Così in Ghana, l’oro nero è diventato un fatto politico. I rapporti di amicizia fra il governo e l’industria petrolifera sono una spina nel fianco dell’opposizione. La richiesta che una grossa fetta della torta vada alla popolazione, è diventata il tema centrale delle elezioni, che il partito di governo ha puntualmente perso. Dall’altra parte c’è il direttore di Kosmos, James Musselman, che si considera un imprenditore nella migliore tradizione americana, alla ricerca urgente di potenti investitori per aprire al più presto i giacimenti. Mentre il nuovo governo chiede migliori condizioni, Musselman insiste nel far rispettare il vecchio contratto. E, come se la situazione non fosse già abbastanza complicata, nel frattempo crolla la borsa e Kosmos deve difendersi dalle accuse di corruzione. Quello che colpisce di più in Big Men, è l’apparente semplicità con la quale il film spiega le complicate manovre politiche e commerciali dell’affare Ghana. Il montaggio salta abilmente da un continente all’altro, da’ la parola a tutti, dai banchieri di New York fino ai ribelli nigeriani. Soprattutto Musselman e i suoi collaboratori offrono uno sguardo sorprendente del loro lavoro quotidiano. La regista Rachel Boynton è riuscita a fare un film che non solo è altamente istruttivo, ma anche molto emozionante. Big Men è un thriller sul petrolio, nel quale tuttavia i ruoli non sono chiaramente distribuiti, così come si potrebbe pensare all’inizio. (Simon Spiegel) Rachel Boynton Nata nel 1973. Prima di girare il suo primo documentario Our Brand Is Crisis (2005), è stata produttrice. Il film, sul coinvolgimento dei consulenti politici americani nelle elezioni presidenziali boliviane del 2002, è stato invitato a numerosi festival internazionali ed è stato premiato dalla International Documentary Association. Boynton vive a New York con il marito e due figli.


BIG MEN «For me there was something almost religious about making this film. I wanted to grapple with something big. And I liked feeling small in the face of it, trying to capture this epic, twisting story over which I had no control and to ask large, difficult questions about the way our world works now.» (Rachel Boynton) Que la richesse en ressources naturelles ne doive pas obligatoirement produire le bien-être de tous fait partie de l’ironie amère de la mondialisation. Dans de nombreux pays africains, l’extraction de richesses minières conduit au contraire à la corruption, à la criminalité et aux guerres civiles. Tandis que des groupes occidentaux empochent de juteux bénéfices, la population des pays d’origine ne profite généralement que peu de la manne financière; et dans de nombreux endroits, la situation s’aggrave même. Quand l’entreprise texane Kosmos vint au Ghana en 2006 pour chercher du pétrole, on les reçut à bras ouverts. L’argent des Américains fut volontiers accepté et comme personne n’avait jusqu’alors trouvé du pétrole dans l’état d’Afrique de l’Ouest, on se montra généreux dans les négociations. Et puis, il arriva ce que personne n’avait vraiment calculé: Kosmos a effectivement trouvé du pétrole devant les côtes du Ghana. D’un seul coup, les règles du jeu ont complètement changé. Big Men est multiple: Une leçon sur le pouvoir de l’argent, une captivante étude de cas en matière d’économie, une peinture des mœurs du commerce moderne des matières premières. Mais avant tout, le film ne raconte pas l’histoire archiconnue de l’état africain sans défense arnaqué par les stratèges retors de Wall-Street. Les interdépendances compliquées qu’implique un deal de cette dimension sont soigneusement démêlées. Car Big Men rend lisible la situation: dès que l’argent – ou rien que sa perspective – est en jeu, les problèmes se manifestent. Le Nigeria sert d’exemple avertisseur pour montrer comment un pays possédant du pétrole peut sombrer. Là, depuis longtemps, une économie souterraine criminelle s’est établie autour de l’industrie pétrolière, le pétrole est détourné, volé et passé en contrebande, des pipelines sont régulièrement la proie des flammes. C’est cela que l’on veut éviter au Ghana. Ainsi l’or noir devient immédiatement un sujet politique au Ghana. Les relations amicales entre gouvernement et l’entreprise pétrolière hérisse naturellement l’opposition; l’exigence d’une part plus grande du gâteau destinée à la population est un sujet central de la campagne électorale, le parti au pouvoir perd les élections. De l’autre côté se trouve le directeur de Kosmos, James Musselman, qui se voit comme un entrepreneur dans la meilleure tradition américaine, mais qui a besoin urgemment de puissants investisseurs pour exploiter le plus rapidement possible le champ pétrolier. Tandis que le gouvernement, fraîchement élu, demande de meilleures conditions, il s’obstine à faire respecter son contrat. Et comme si la situation n’était pas assez embrouillée, la bourse s’effondre entretemps et Kosmos doit en outre se défendre d’accusation pour cause de corruption. Ce qui impressionne le plus dans Big Men est l’apparente légèreté avec laquelle le film rend compréhensible les manœuvres commerciales et politiques compliquées de l’accord avec le Ghana. Le montage jongle habilement entre les deux continents et donne la parole tant aux banquiers newyorkais qu’aux rebelles nigériens. Musselman surtout, et ses camarades de combat, permettent étonnamment un profond aperçu dans leurs pratiques commerciales. La réalisatrice Rachel Boynton est parvenue au tour de force de tourner un film, qui n’est pas seulement hautement instructif, mais aussi extrêmement captivant. Big Men est un véritable polar pétrolier, dans lequel les rôles ne sont toutefois pas si clairement répartis comme on pourrait le croire au commencement. (Simon Spiegel) Rachel Boynton Née en 1973, elle travaillait comme productrice avant qu’elle ne tourne son premier long métrage documentaire Our Brand Is Crisis (2005). Le film sur la participation des consultants politiques américains à l’élection présidentielle bolivienne en 2002 passa dans de nombreux festivals et reçut entre autres le Prix de l’International Documentary Association. Boynton vit avec son mari et deux enfants à New York.

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BIG MEN «For me there was something almost religious about making this film. I wanted to grapple with something big. And I liked feeling small in the face of it, trying to capture this epic, twisting story over which I had no control and to ask large, difficult questions about the way our world works now.» (Rachel Boynton) Es gehört zur bitteren Ironie der Globalisierung, dass Reichtum an natürlichen Ressourcen keineswegs allgemeinen Wohlstand nach sich ziehen muss. In vielen afrikanischen Ländern führte die Förderung der Bodenschätze im Gegenteil zu Korruption, Kriminalität und Bürgerkriegen. Während westliche Konzerne saftige Gewinne einstreichen, bekommt die Bevölkerung in den Herkunftsländern vom Geldsegen meist wenig zu spüren; vielerorts verschlechterte sich die Lage sogar. Als die texanische Firma Kosmos 2006 nach Ghana kam, um nach Öl zu suchen, empfing man sie dennoch mit offenen Armen. Das Geld der Amerikaner wurde gerne genommen, und da bislang noch niemand Öl in dem westafrikanischen Staat gefunden hatte, gab man sich bei den Verhandlungen grosszügig. Und dann geschah das, womit niemand wirklich gerechnet hatte: Kosmos stiess vor der Küste Ghanas tatsächlich auf Öl. Mit einem Schlag änderten sich die Spielregeln komplett.

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Big Men ist vieles: Lehrstück über die Macht des Geldes, faszinierende Fallstudie in Sachen Wirtschaft, Sittengemälde des modernen Rohstoffhandels. Vor allem aber erzählt der Film nicht die altbekannte Geschichte vom hilflosen afrikanischen Staat, der von abgefeimten Wall-Street-Strategen über den Tisch gezogen wird. Vielmehr werden sorgfältig die komplizierten Verflechtungen aufgedröselt, die ein solcher Riesen-Deal nach sich zieht. Denn eines macht Big Men deutlich: Sobald Geld – oder auch nur die Aussicht darauf – im Spiel ist, stellen sich die Probleme ganz von selbst ein. Als warnendes Beispiel dafür, wie ein Land am Öl zugrunde gehen kann, dient dabei Nigeria. Längst hat sich dort rund um die Ölindustrie eine kriminelle Schattenwirtschaft etabliert; Öl wird abgezweigt, geklaut und geschmuggelt, und regelmässig gehen Pipelines in Flammen auf. Genau dies will man in Ghana verhindern. So wird das schwarze Gold in Ghana denn auch umgehend zum Politikum. Der Opposition sind die freundschaftlichen Beziehungen zwischen Regierung und Ölfirma ohnehin ein Dorn im Auge, die Forderung nach einem grösseren Anteil vom Kuchen für die breite Bevölkerung wird zum zentralen Thema des Wahlkampfs – den die regierende Partei prompt verliert. Auf der anderen Seite steht KosmosChef James Musselman, der sich selbst als Entrepreneur in bester amerikanischer Tradition sieht, nun aber dringend potente Investoren benötigt, um das Ölfeld möglichst schnell zu erschliessen. Während die frisch gewählte Regierung bessere Konditionen verlangt, beharrt Musselman auf seinem Vertrag. Und als wäre die Situation nicht schon vertrackt genug, kollabiert zwischenzeitlich noch die Börse und Kosmos muss sich ausserdem gegen Anschuldigungen wegen Korruption zur Wehr setzen. Was an Big Men am meisten beeindruckt, ist die scheinbare Leichtigkeit, mit welcher der Film die komplizierten geschäftlichen und politischen Manöver des Ghana-Deals nachvollziehbar macht. Gekonnt springt die Montage zwischen zwei Kontinenten hin und her und lässt vom New Yorker Banker bis zum nigerianischen Rebellen alle zu Wort kommen. Vor allem Musselman und seine Mitstreiter geben dabei erstaunlich tiefe Einblicke in ihren Geschäftsalltag. Regisseurin Rachel Boynton gelingt dabei das Kunststück, einen Film zu drehen, der nicht nur höchst aufschlussreich, sondern auch äusserst spannend ist. Big Men ist ein wahrer Erdöl-Krimi, bei dem die Rollen allerdings keineswegs so eindeutig verteilt sind, wie man zu Beginn meinen könnte. (Simon Spiegel) Rachel Boynton Jahrgang 1973, war Rachel Boynton als Produzentin tätig, bevor sie mit Our Brand Is Crisis (2005) ihren ersten langen Dokumentarfilm drehte. Der Film über die Beteiligung amerikanischer Polit-Consultants an der bolivianischen Präsidentschafstwahl 2002 lief an zahlreichen Festivals und wurde unter anderem mit dem Preis der International Documentary Association ausgezeichnet. Boynton lebt mit ihrem Mann und zwei Kindern in New York.


(Flowers from the Mount of Olives)

ÕLIMÄE ÕIED

35 regia/réalisation: Heilika Pikkov sceneggiatura/scénario: Heilika Pikkov fotografia/image: Astrida Konstante, Heilika Pikkov montaggio/montage: Heilika Pikkov musica/musique: Sven Grünberg suono/son: Horret Kuus animazione/animation: Matti Adoma, effeti speciali/effets spéciaux: Kaspar Kallas

PRIMA INTERNAZIONALE PREMIERE INTERNATIONALE

produzione/production: Silmviburlane Ristiku 15-8, EST–10612 Tallin ylo@silmviburlane.ee

HEILIKA PIKKOV

2013, digital cinema HD, col., 70’ v.o. estone, russo, inglese/estonien, russe, anglais; st. inglese/anglais traduzione simultanea francese traduction simultanée français

15.8.13, 11.00 – Cinema Teatro Kursaal 16.8.13, 18.30 – L'Altra Sala

Estonia Estonie


ÕLIMÄE ÕIED (Flowers from the Mount of Olives) «Eine sehr persönliche, intime Geschichte über das russisch-orthodoxe Kloster auf dem Ölberg und das ausserordentliche Schicksal einer Nonne, die bald ein Engel werden will.» (Heilika Pikkov) Un lungo viale bordato da ulivi e cactus. Una suora si avvicina, percuote un pezzo di legno. Anche Suor Ksenya, 85 anni, originaria dell’Estonia, ha percorso un lungo cammino. È di questo viaggio che la grande viaggiatrice ci racconta, nel documentario della regista estone Heilika Pikkov. L’autrice ha incontrato suor Ksenya sette anni fa e ha maturato l’idea di questo straordinario ritratto. C’è voluto il suo tempo, sono passati anni, molti scambi di lettere, fino a che sono diventate amiche, racconta Pikkov. C’è stato bisogno del permesso dell’abate e poi anche suor Ksenya è stata pronta per il film. «Finalmente, nel 2010, mi sono recata nel monastero di Gerusalemme. Sola, con una videocamera e un microfono, per preservare l’intimità. Le riprese sono durate 2 anni e ho passato 2 mesi in convento». Il film della Pikkov ci accompagna attraverso una vita ricca di avvenimenti, aiutati dalle fotografie e dai racconti della suora, che è entrata nel famoso convento russo ortodosso del Monte degli Ulivi (The Mount of Olives Convent of the Ascension of Our Lord), quando aveva già più di 60 anni. Nel 1934, a 18 (secondo il documento militare), si era arruolata, sebbene avesse realmente solo 16 anni. Più tardi fugge dalla sua patria, l’Estonia. Non se ne è mai pentita. «Ero libera. Un’evasa», riconosce. In Germania sposa un americano. Ksenya fruga nella scatola delle fotografie, si ricorda degli amici d’infanzia, del suo primo marito Enn, del secondo che l’ha salvata dalla droga, era diventata dipendente dalla morfina dopo le cure in ospedale. Lo ha seguito in Australia dove è morto, ucciso dall’alcolismo. La vita continua. Ksenya studia medicina e biologia e si sposa per la terza volta. Rimane sposata 21 anni con un uomo con il quale non ha quasi mai avuto rapporti sessuali. Egli muore 4 anni e mezzo dopo la diagnosi di morbo di Alzheimer. Ksenya non ha avuto figli, ma aveva adottato un ragazzo africano che, per ordine del «padre spirituale», ha dovuto lasciare per poter entrare in convento. 36

L’anziana donna racconta tutto ciò con grande serenità. Oggi vive bene da sola, pressa i fiori, cura le piante e attende il Grande Schema, la redenzione. Ma la sua ora non è ancora arrivata, deve aspettare, lo sa, deve aiutare il prossimo e dar loro consigli. Ogni anno scrive 300 cartoline e prega per 400 persone. Una volta Ksenya è tornata in Estonia per volere dell’abate, aveva 83 anni. La regista l’ha seguita. Le persone si stupivano dell’ottima pronuncia estone. Alla domanda quale fosse la sua patria di origine, Ksenya rispondeva: Non l’Estonia, non l’Australia, sulla terra non ho patria, sono cosmopolita. Di ritorno sul Monte degli Ulivi, una specie di Babilonia, cura le sue tartarughe e segue le tracce di Xenia di S. Pietroburgo, che era sposata come lei ed è diventata una santa. Il viso di Ksenya si legge come un libro di storia, una donna che sa come regolare il suo conflitto tra la vita secolare e quella spirituale. Con immagini semplici e suggestive, Helika Pikkov documenta la vita di Ksenya che sul Monte degli Ulivi svolge il suo compito, gioca con le tartarughe e attende la redenzione. (Rolf Breiner) Heilika Pikkov È nata nel 1982. Ha studiato regia cinematografica e televisiva all’università di Tallin. Ha frequentato un semestre alla University of Central Lancaster (GB). Nel 2005 lavora presso una piccola televisione israeliana e gira il suo primo documentario Cherub’s Revolt, diffuso anche dalla TV estone. Ha due figli e il marito, regista a sua volta, sarà presente al festival di Locarno 2013. Filmografia essenziale: Normal (2010, documentario); A Letter From Ruhnu (2010), cortometraggio documentario); Cherub’s Revolt (2006, documentario); Windows (2004, film sperimentale).


(Flowers from the Mount of Olives) ÕLIMÄE ÕIED «Eine sehr persönliche, intime Geschichte über das russisch-orthodoxe Kloster auf dem Ölberg und das ausserordentliche Schicksal einer Nonne, die bald ein Engel werden will.» (Heilika Pikkov) Un long chemin bordé d’oliviers et de cactus. Une nonne s’approche, elle tape sur un morceau de bois. La nonne Ksenya (85 ans), originaire d’Estonie, a, elle aussi, parcouru un long chemin. Et c’est ce que raconte la grande voyageuse dans le film de l’Estonienne Heilika Pikkov. L'auteur du film a rencontré Mère Ksenya il y a sept ans et a développé l'idée de cet extraordinaire portrait. Cela a pris son temps, des années et de nombreux échanges de courrier, jusqu’à ce qu’elles deviennent amies, raconte Pikkov. Les autorisations abbatiales du prêtre ont du être obtenues. C'est qu’alors que la Mère Ksenya s’est déclarée prête pour le film. «Finalement, je me suis rendue en 2010 au monastère à Jérusalem», dit la réalisatrice, «seule, avec une caméra et un enregistreur, pour préserver l'intimité. Le tournage a eu lieu au cours de deux années et j'ai passé deux mois dans le monastère.» Le film de Pikkov nous fait traverser une vie riche en évènements – à l’aide de photographies et des récits de la nonne qui n’est entrée au couvent qu’à plus de 60 ans, dans le célèbre monastère russe orthodoxe du Mont des Oliviers (The Mount of Olives Convent of the Ascension of Our Lord). En 1934, à 18 ans (selon son passeport militaire), elle a rejoint l’armée, bien qu’elle n’ait eu en réalité que 16 ans. Plus tard, elle a dû fuir l’Estonie, sa patrie, sans regrets: «J’étais libre – une évadée», confesse-t-elle. En Allemagne, elle épousa un Américain. Ksenya fouille dans sa boîte de photos, se souvient de ses amis de jeunesse, de son premier époux Enn, et du deuxième, qui l’a sauvé de la drogue, car elle était devenue dépendante après un traitement à la morphine dans un hôpital. Elle le suivit jusqu’en Australie où il se mit à boire jusqu’à en mourir. Puis, la vie continua. Ksenya étudia la médecine et la biologie, se maria une troisième fois. Elle resta mariée 21 ans avec un homme avec lequel elle n’eut presque pas de relation sexuelle. Puis, atteint d’Alzheimer, celui-ci mourut quatre ans et demi plus tard. Ksenya n’a pas eu pas d’enfant, mais avait adopté un petit garçon africain, elle dut renoncer à ce lien sur la demande de son «père spirituel» pour être autorisée à entrer au couvent. La vieille femme raconte tout cela avec une grande sérénité. Elle aime vivre seule aujourd’hui, presse des fleurs, soigne des plantes malades et attend le Grand Schème, la rédemption, avant de s’en aller. Mais son heure n’est pas encore arrivée, elle doit encore attendre, elle le sait, elle doit aider les autres et les conseiller. Elle envoie annuellement 300 cartes à des gens et prie pour 400 personnes. Un jour, Ksenya a du retourner en Estonie par décision de son abbé, elle avait 83 ans. La cinéaste l’a accompagnée. Les gens s’étonnaient de sa magnifique prononciation estonienne. À la question de savoir quelle était sa patrie, Ksenya répondit: Ce n’est pas l’Estonie, ni l’Australie, je n’ai pas de patrie sur la terre, je suis cosmopolite. Rentrée au Mont des Oliviers, une sorte de Babylone, elle s’occupe maintenant de ses tortues et suit les traces de Xenia de Saint Petersbourg qui a été, elle aussi, mariée, puis est devenue une sainte. Ksenya est une femme dont le visage se lit comme un livre d’histoires, qui règle elle-même son conflit entre vie séculaire et spirituelle. Grâce à des images simples et frappantes, Heilika Pikkov a documenté la vie de Ksenya, qui continue d’accomplir ses tâches au Mont des Oliviers, qui joue avec les tortues et qui attend la rédemption. (Rolf Breiner) Heilika Pikkov Née en 1982, elle étudia la mise en scène de cinéma et de télévision à l’Université de Tallin et effectua un semestre à l’University of Central Lancashire (GB). En 2005, elle travailla pour quelques mois dans une petite station de télévision en Israël et réalisa son premier film documentaire, Cherub’s Revolt, diffusé par la Télévision estonienne et présenté à différents festivals. Heilika Pikkov vit en Estonie, et a deux enfants. Son mari est également cinéaste et sera aussi présent au Festival international du Film Locarno 2013. Filmographie sélective: Normal (2010, documentaire); A Lett er From Ruhnu (2010, court métrage documentaire); Cherub’s Revolt (2006, documentaire); Windows (2004, film expérimental).

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ÕLIMÄE ÕIED (Flowers from the Mount of Olives) «Eine sehr persönliche, intime Geschichte über das russisch-orthodoxe Kloster auf dem Ölberg und das ausserordentliche Schicksal einer Nonne, die bald ein Engel werden will.» (Heilika Pikkov) Ein langer Weg entlang von Olivenbäumen und Kakteen. Eine Nonne nähert sich, sie schlägt ein Stück Holz. Einen langen Weg hat auch die heute 85-jährige Ksenya aus Estland hinter sich. Und davon erzählt die weitgereiste Frau im Film der Estin Heilika Pikkov. Die Filmautorin traf Mutter Ksenya vor sieben Jahren und entwickelte die Idee zu diesem aussergewöhnlichen Porträt. Es habe seine Zeit, Jahre und viele Briefwechsel gebraucht, bis sie Freunde geworden seien, berichtet Pikkov. Erlaubnisse des Abts, der Priester mussten eingeholt werden. Dann erst war auch Mutter Ksenya für den Film bereit. «Schliesslich suchte ich 2010 das Kloster in Jerusalem auf», sagt die Regisseurin, «allein mit Kamera und Tongerät, auch um die Intimität zu wahren. Alles in allem zogen sich die Dreharbeiten über zwei Jahre hin, und ich verbrachte zwei Monate im Kloster.» Pikkovs Film führt uns durch ein ereignisreiches Leben – anhand von Fotografien und Berichten der Nonne, die erst als über 60-Jährige ins Kloster eintrat, in den bekannten russisch-orthodoxen Konvent auf dem Ölberg (The Mount of Olives Convent of the Ascension of Our Lord).

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Mit 18 Jahren (laut Militärpass) war sie 1934 zur Armee gestossen, obwohl sie eigentlich erst 16 war. Später musste sie aus ihrer Heimat Estland fliehen, was sie nicht bereut: «Ich war frei – ausgebrochen», bekennt sie. In Deutschland heiratete sie einen Amerikaner. Ksenya kramt in ihrer Fotobox, erinnert sich an ihre Jugendfreunde, an ihren ersten Ehemann Enn und den zweiten, der sie von den Drogen rettete, von denen sie nach einer Morphiumbehandlung in einem Spital abhängig geworden war. Sie folgte ihm nach Australien, wo er sich zu Tode trank. Und ihre Lebensreise ging weiter. Ksenya studierte Medizin und Biologie, heiratete zum dritten Mal. Mit diesem Mann, mit dem sie kaum sexuellen Kontakt hatte, war sie 21 Jahre lang verheiratet. Zuletzt erkrankte er an Alzheimer, und es dauerte viereinhalb Jahre, bis er starb. Ksenya hatte keine Kinder, wohl aber einen afrikanischen Knaben adoptiert, von dem sie sich auf Geheiss ihres «spirituellen Vaters» lossagen musste, um ins Kloster eintreten zu dürfen. Das alles erzählt die alte Frau mit grosser Gelassenheit. Sie lebt heute gern allein, presst Blumen, pflegt kranke Pflanzen und wartet auf das Grosse Schema, die Erlösung, bevor sie geht. Aber ihre Zeit sei noch nicht gekommen, sie müsse noch warten, weiss sie, müsse anderen helfen und sie beraten. Sie schreibe jährlich 300 Karten an Leute und bete für 400 Menschen. Einmal wurde Ksenya von der Klosterleitung zurück nach Estland gesandt, da war sie 83 Jahre alt. Die Filmerin begleitete sie. Die Leute wunderten sich über ihre wunderbare estnische Aussprache. Auf die Frage, wo ihre Heimat sei, antwortete Ksenya: Nicht Estland, auch nicht Australien, sie habe auf Erden keine Heimat, sie sei Kosmopolitin. Zurück im Kloster, eine Art Babylon, betreut sie nun ihre Schildkröten und wandelt weiter auf dem Weg der Xenia von St. Petersburg, die ebenfalls verheiratet und eine Heilige geworden war. Ksenya ist eine Frau mit einem Gesicht wie ein Geschichtsbuch, eine Frau, die ihren Konflikt zwischen säkularem und spirituellem Leben mit sich selber austrägt. In einfachen, eindrücklichen Bildern hat Heilika Pikkov Ksenyas Leben dokumentiert, die noch immer auf dem Ölberg ihre Aufgaben erfüllt, mit Schildkröten spielt und ihrer Erfüllung harrt. (Rolf Breiner) Heilika Pikkov Geboren 1982, studierte Heilika Pikkov Regie für Film und Fernsehen an der Tallinn Universität und absolvierte ein Semester an der University of Central Lancashire (GB). 2005 arbeitete sie für einige Monate bei einer kleinen Fernsehstation in Israel und realisierte ihren ersten Dokumentarfilm, Cherub’s Revolt, vom estnischen Fernsehen ausgestrahlt und an verschiedenen Festivals aufgeführt. Heilika Pikkov lebt in Estland und hat zwei Kinder. Ihr Mann ist ebenfalls Filmemacher und am Filmfestival Locarno 2013 präsent. Filmauswahl: Normal (2010, Dokumentarfilm); A Letter From Ruhnu (2010, Kurzdokumentarfilm); Cherub’s Revolt (2006, Dokumentarfilm); Windows (2004, Experimentalfilm).


GIURIA | JURY

Maria Giovanna Vagenas (Italia/Italie)

Bernadette Meier (Svizzera/Suisse)

Pablo Marín Castro (Cile/Chili)

Nata a Genova di origine greca, ha studiato Filosofia (Genova), in seguito Letteratura comparata (Vienna). Dopo avere lavorato come lettrice all’Università di Vienna, si è specializzata in Cinema con un Master II alla Sorbona, (Parigi). Pubblicazioni universitarie presso la Presse de la Sorbonne Nouvelle, redattrice di Schermaglie.it, collaboratrice del quotidiano: South China Morning Post (Hong Kong). Ha collaborato a vari festival di cinema fra cui il FID Marseille e dal 2007 fino ad oggi alla Viennale.

Nata nel 1950, Bernadette Meier a lavorato dal 1971 al 1990 come documentalista/archivista per diverse agenzie di stampa e televisione nell’ambito dello sport e della cultura. Dal 1991 è responsabile del centro di documentazione della Cineteca Svizzera di Zurigo. È membro di comitato del cineclub qtopia kino+bar a Uster ed è responsabile delle matinée e delle proiezioni per gli anziani. (www.qtopia.ch)

Pablo Marín (Santiago, 1971) è giornalista e critico di cinema. Ha conseguito un Master in Storia all’Università del Cile. Ha sviluppato la sua carriera professionale nel campo del giornalismo culturale. Oggigiorno collabora con La Tercera, uno dei maggiori giornali del Cile. È anche capo redattore e fondatore di www.historiavisual. cl È coautore di libri sul cinema cileno (El cine de Raúl Ruiz, El novísimo cine chileno) e sta preparando un libro sul cinema, la cultura e la politica in Cile fra il 1968 e il 1973.

D'origine grecque, née à Gênes, elle a étudié la Philosophie (Gênes) et la Littérature comparée (Vienne). Après avoir travaillé comme lectrice à l’Université de Vienne, elle s’est spécialisée en Cinéma suivant un Master II à la Sorbonne (Paris). Elle a à son actif des publications pour la Presse de la Sorbonne Nouvelle, est rédactrice de Schermaglie.it et collaboratrice du quotidien: South China Morning Post (Hong Kong). Elle a collaboré avec différents festivals de cinéma dont le FID Marseille et de 2007 à aujourd’hui avec la Viennale.

Née en 1950, Bernadette Meier a travaillé de 1971 à 1990 en tant que documentaliste/archiviste pour diverses agences de médias (presse et télévision) dans les domaines du sport et de la culture. Elle est responsable du centre de documentation de la Cinémathèque Suisse à Zürich depuis 1991. Bernadette Meier est membre du comité du ciné-club qtopia kino+bar à Uster et est responsable des séances de matinées et du cinéma pour seniors (www.qtopia.ch).

Pablo Marín (Santiago, 1971) est journaliste et critique de cinéma. Il a obtenu un Master en Histoire à l’Université du Chili. Il a développé sa carrière professionnelle dans le domaine du journalisme culturel. Actuellement il collabore avec La Tercera, un des plus importants journaux du Chili. Il est également rédacteur en chef et fondateur de www.historiavisual.cl. Il est co-auteur de livres sur le cinéma chilien (El cine de Raúl Ruiz, El novísimo cine chileno) et prépare un livre sur le cinéma, la culture et la politique au Chili entre 1968 et 1973.

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www.cinestar-lugano.ch CineStar Lugano


AB 29. AUGUST IM KINO


I FILM | LES FILMS (1990 – 2011) 1990 Contretemps, Jean-Daniel Pollet; Good News, Ulrich Seidl; Der Grüne Berg, Fredi M. Murer; Lung-Ta, M.J. de Poncheville, F. C. Giercke; Nachid El-Hajar, Michel Khleifi; A Thin Blue Line, Errol Morris. 1991 Arthur Rimbaud, une biographie, Richard Dindo; Dar Koutche-Haye Eshgh, Koshro Sinaie; Face Value, J. van der Keuken; Privilege, Yvonne Reiner; Schmetterlingschatten, Anne Kaser Spoerri; Trois jours en Grèce, Jean-Daniel Pollet. 1992 Babel, Boris Lehman; Face of our Fear, Stephen Dwoskin; Last Supper, Robert Franck; Metamorfoz’ ili vzgliad iz tiur ‘mi, Mark Averbuch; My Crazy Life, Jean Pierre Gorin; Le pays des sourds, Nicholas Philibert; Requiem, Walter Marti, René Mertens; Sertschawan, B. Michel Leuthold, Hans Stürm; Warheads, Romuald Karmakar; Zendegi Edame Darad, Abbas Kiarostami. 1993 Aileen Wuornos The Selling of a Serial Killer, Nick Broomfield; Babylon 2, Samir; Bewogen Koper, J. van der Keuken; Boatman, Gianfranco Rosi; Lyrische Suite, Harald Bergman; Pechblende, Volker Koepp; Starting place-Point de départ, Robert Kramer; Tanz der Blauen Vögel, Lisa Fässler; La véritable histoire d’Artaud le Momo, Gérard Mordillat, Jérôme Prieur. 1994 A Dreamscape: Gambling in America, Bernie Ijdis; Air/Vâyu, Velu Viswanadhan; Bahnhof Brest - Voksal, Gerd Kroske; Balagan, Andres Veiel; La danse du singe et du poisson, Pierre-Alain Meier; Ernesto “Che” Guevara, Richard Dindo; Picture of Light, Peter Mettler; Traveller’s Tale, Lars Johansson. 1995 Catwalk, Robert Leacock, Milton M. Ginsberg; Carmen Miranda - Banana is my business, Helena Solb erg; Coûte que coûte, Claire Simon; Devils don’t dream!, Andreas Hoessli; GuangchangThe Square, Zhang Yuan, Doan Jinebuan; The Last Supper, Cynthia Roberts; Mesicni Udoli, Divers réalisateurs; September Songs, Larry Weinstein. 42

1996 Around the Block, Alain Klarer; Attwengerfilm, W. Mürnberger; Materiale resistente, Guido Chiesa, Davide Ferrario; Soul in the Hole, Danielle Gardner; Störung Ost, Schneider, Katzorke; Tabu, dernier voyage, Yves de Peretti; Une saison au paradis, Richard Dindo. 1997 Rest in Pieces, Robert-Adrian Pejo; Off the Menu: The Last Days of Chasen, Shari Springer Berman, Robert Pulcini; Diese Tage in Terezin, Sibylle Schönemann; Berlin Cinéma (titre provisoire), Samira Gloor-Fadel; Rolling, Peter Entell; Verrückt Bleiben-Verliebt Bleiben, Elfi Mikesch; Az Ut, Ferenc Moldovanyi. 1998 Paulina, Vicky Funari; Brain Concert, Bruno Moll; Moment of Impact, Julia Loktev; Tinta roja, Carmen Guarini, Marcelo Céspedes; Leve blant løver, Sigve Endresen; Lucky People Center International, Erik Pauser, Johan Sodeberg; Une maison à Prague, Stan Neumann. 1999 Fengkuang Yingyu, Zhang Yuan; The Hillbrow Kids, Michael Hammon, Jacqueline Görgen; Genet à Chatila, Richard Dindo; Among the Elves, Kirsi Nevanti; Aber auch Ich, Urs Wäckerli; Desperately Seeking Helen, Eisha Marjara, Punitive Damage, Annie Goldson. 2000 Do It, Sabine Gisiger, Marcel Zwingli; Amargosa, Todd Robinson; München – Geheimnisse einer Stadt, Michael Althen, Dominik Graf; Beyond Reason, Marijke Jongbloed, Hamrah-e Bad, Manucher Tayyab; Die Markus Familie, Elfi Mikesh; Blue End, Kaspar Kasics. 2001 Meier 19, Erich Schmid; Rabelados, Torsten Truscheit, Ana Rocha Fernandes; Missing Allen, Christian Bauer; Orlan, Carnal Art, Stephan Oriach; Der Weisse Wal, Stephan Koester; Venus Boyz, Gabriel Baur; Promises, B.Z Goldberg, Justine Shapiro, Carlos Bolado. 2002 Ich hiess Sabina Spielrein, Elisabeth Màrton; Guerre sans images, Mohammed Soudani; Rocha que voa, Eryk Rocha; Behind me, Norbert Wiedmer; Gaza Strip, James Longley; Cinemania, Angela Christlieb, Stephen Kijak; Forget Baghdad, Samir. 2003 The Other Final, Johan Kramer; The Weather Underground, Sam Green, Bill Siegel; Dix-sept ans, Didier Nion; Bilder Finden, Benjamin Geissler; The Peter Sellers Story-as he filmed it, Anthony Wall, Peter Lydon; Hans im Glück, Peter Liechti; Go West, Young Man!, Peter Delpeut, Mart Dominicus. 2004 Calling Hedy Lamarr, Georg Misch; Die Bluttritter, Douglas Wolfsperger; Ferien im Duett, Dieter Gränicher; Gå Loss, Erik Bäfving, Magnus Gertten; Mensageiras da luz, Evaldo Mocarzel; Nocaut, Stefano Knuchel, Ivan Nurchis; Touch the Sound, Thomas Riedelsheimer.


I FILM | LES FILMS (1990 – 2011) 2005 Between the Lines, Thomas Wartmann; Blau, Stefan Kälin, Norbert Wiedmer; Gambit, Sabine Gisiger; Geschlossene Gesellschaft, Andrei Schwartz; My Date with Drew, Jon Gunn, Brian Herzlinger, Brett Winn; War’n Sie schon mal in mich verliebt?, Douglas Wolfsperger; Wie Luft zum Atmen, Ruth Olshan. 2006 Az èlet vendége – Alexander Csoma de Körös, Tibor Szemsö; Das Erbe der Bergler – Alpine Saga, Erich Langjahr; Eggesin möglicherweisse, Dirk Eth, Olaf Winkler; Hardcore Chambermusic, Peter Liechti; Red White Black and Blue, Tom Putnam; Three Comrades, Masha Novikova; Zeit des Abschieds, Mehdi Sahebi. 2007 Allein in vier Wänden, Alexandra Westmeier; El paraíso de Hafner, Günter Schwaiger; La reina del condón, Silvana Ceschi, Reto Stamm; Los ladrones viejos, Everardo González; Lynch, blackANDwhite; One Minute to Nine, Tommy Davis; Zu Fuss nach Santiago de Compostela, Bruno Moll. 2008 Apology of an Economic Hit Man, Stelios Koul; Bill – das absolute Augenmass, Erich Schmid; Estrada Real da cachaça, Pedro Urano; Fyra fruar och en man, Nahid Persson; Latawce, Beata Dzianowicz; NoBody is Perfect, Niko von Glasow; No More Smoke Signals, Fanny Bräuning. 2009 Breath Made Visible, Ruedi Gerber; Crips, Strapped’n Strong, Joost Van der Valk, Mags Gavan; Pianomania – Auf der Suche nach dem perfekten Klang, Robert Cibis, Lilian Franck; El milagro del Papa, José Luis Valle; We don’t Care about Music Anyway ..., Gaspard Kuentz, Cédric Dupire; 17 August, Alexander Gutman; The Moon Inside You, Diana Fabiánová. 2010 Das Schiff des Torjägers, Heidi Specogna; Blood Calls You, Linda Thorgren; Summer Pasture, Lynn True, Nelson Walker, Tsering Perlo; Auf wiedersehen Finland, Virpi Suutari; Article 12, Juan Manuel Biaiñ; Reindeerspotting, Joonas Neuvonen; The Furious Force of Rhymes, Joshua Atesh Litle. 2011 Calvet, Dominic Allan; Carte Blanche, Alexandre Goetschmann; Die Evolution der Gewalt, Fritz Ofner; Gangsterläufer, Christian Stahl; Messies, ein Schönes Chaos, Ulrich Grossenbacher; Not in My Backyard, Matthias Bittner; Sketches of Myahk, Koichi Onishi. 2012 Camp 14 – Total Control Zone, Marc Wiese; Dance of Outlaws, Mohamed El Aboudi; Libya Hurra, Fritz Ofner; Mother's Day, Bin Chuen Choi; Sagrada – El misteri de la creació, Stefan Haupt; Stolen Seas, Thymaya Payne; Vergiss Mein Nicht, David Sieveking.

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Alec Baldwin Cate Blanchett Louis C.K. Bobby Cannavale Andrew Dice Clay Sally Hawkins Peter Sarsgaard Michael Stuhlbarg

Written and Directed by

Woody Allen GRAVIER PRODUCTIONS PRESENTS A PERDIDO PRODUCTION “BLUE JASMINE” ALEC BALDWIN CATE BLANCHETT LOUIS C.K. BOBBY CANNAVALE ANDREW DICE CLAY SALLY HAWKINS PETER SARSGAARD MICHAEL STUHLBARG CASTING BY JULIET TAYLOR PATRICIA DICERTO COSTUME DESIGNER SUZY BENZINGER EDITOR ALISA LEPSELTER, A.C.E. PRODUCTION DESIGNER SANTO LOQUASTO DIRECTOR OF PHOTOGRAPHY JAVIER AGUIRRESAROBE, ASC CO-EXECUTIVE PRODUCER JACK ROLLINS EXECUTIVE PRODUCERS LEROY SCHECTER ADAM B. STERN CO-PRODUCER HELEN ROBIN PRODUCED BY LETTY ARONSON STEPHEN TENENBAUM EDWARD WALSON WWW.BLUEJASMINEFILM.COM WRITTEN AND DIRECTED BY WOODY ALLEN © 2013 GRAVIER PRODUCTIONS, INC.

Sortie salles 25 SEPTEMBRE t Kinostart 21. NOVEMBER Al cinema dal 5 DICEMBRE


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Catalogue Semaine de la critique 2013  

The catalogue of the 2013 edition of the Critic's Week of the Film Festival Locarno.

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