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revista de teatro

57 mayo-junio 2008

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mayo-junio 2008

La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud, permite evocar mediante flashbacks la época en la que iniciaron. La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud. La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud, permite .

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opinión

La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud, permite evocar mediante flashbacks la época en la que iniciaron. La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud, permite.

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La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud, permite evocar mediante flashbacks la época en la que iniciaron. 5 4|5


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estrenos


secando charcos texto: joseba gorostiza

una pareja realiza un repaso a veinte aĂąos de vida en comĂşn

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Agerre Teatroa estrena ‘Secando charcos/ Putzuak Lehortzen’ Una pareja realiza un repaso a veinte años de vida en común

Obra: Secando charcos/Putzuak lehortzen. Dramaturgia: Garbi Losada a partir de la obra homónima de Maite Agirre. Intérpretes: Maite Agirre, Ander Lipus, Joseba Usabiaga, Inés Martínez de Iturrate. Escenografía, Vestuario: Inés Martínez de Iturrate. Iluminación: Xabier Lozano. Música: Inés Martínez de Iturrate. Dirección: Garbi Losada. Producción: Agerre Teatroa. Duración: 60 min. Lugar: Errenteria Hiria Kulturgunea. Fecha: 6, 8 de marzo. Hora: 20.00.

[Joseba Gorostiza]

El

pasado y presente de una historia de amor que tiene como protagonistas a dos personajes encarnados por Maite Agirre y Ander Lipus que dan vida a la pareja que integran Ramona y Ramón, mientras que otros dos actores-músicos dan vida a esos mismos personajes cuando su relación comenzaba hace veinte años, es la base argumental del espectáculo Secando charcos, (Putzuak lehortzen, en su versión en euskera)que este mes estrena la compañía Agerre Teatroa con dirección de Garbi Losada que además ha realizado la dramaturgia de esta pieza realizada a partir del texto homónimo de Maite Agirre. La obra que se presenta el 6 de marzo en Errenteria en su versión en euskera con traducción de Ainhoa Pineda, y dos días después en castellano, se desarrolla cuando la pareja se dispone a celebrar el aniversario de su unión, “que son fechas en las que se aprovecha para hacer balance en lugar de hacer lo que hay que hacer, que es celebrarlo y punto”, indica la directora. Maite Agirre, que comparte protagonismo en el escenario junto a Ander Lipus, Joseba Usabiaga e Inés Martínez de Iturrate, considera que “hablar del amor resulta muy difícil y además no está de moda”, aunque está convencida de que “el ser humano tienen necesidad de hablar en torno a ese tema, algo que es esencial” y que relaciona directamente “con el instinto de supervivencia y la cuenta pendiente que siempre tenemos con la vida, aunque a veces lo intentamos mal, otras veces muy mal y algunas veces más acertadamente”. A esas apreciaciones, sin embargo, se añade la

diferente percepción que cada ser humano tiene sobre ese sentimiento y el hecho de que “para un actor puede resultar más fácil desnudarse física que emocionalmente, porque de esta manera se muestra más frágil o más vulnerable”, lo que ha generado un incesante debate durante el proceso de producción que ha llevado al equipo “a realizar una tesis paralela”, bromea Losada. Cena de aniversario Secando charcos, cuyo título completo podría ser el sugerente enunciado ‘Secando charcos de deseo derramado’, es un espectáculo que presenta una estructura circular en torno a una pareja que lleva mucho tiempo viviendo junta y que se ama mucho. A lo largo de la única noche en la que se desarrolla la acción, la pieza plantea como cuestión temática que la pareja “tal vez no debería haber estado junta, o tal vez sí, porque cada uno de ellos pide y espera cosas diferentes de la vida” apunta Losada. La directora, sin embargo, matiza esta afirmación al añadir que “en ocasiones, puedes amar a la otra persona y te puede ir bien o no, pero tú puedes vivir toda tu vida junto a esa otra persona”, mientras que Agirre subraya que “escapándosenos el amor, se nos escapa la vida”. Para plasmar estas ideas que se desarrollan durante la cena de celebración de los protagonistas, Agerre Teatroa ha recurrido a la creación de músicas que están presentes a lo


largo de todo el espectáculo, además de incluir diferentes atmósferas, momentos oníricos y otros más introspectivos, así como algunos pasajes más teatrales, todos ellos integrados “en el ‘collage’ de una escritura que hemos realizado entre Maite y yo”, indica Losada. La presencia de dos músicos-actores, Inés Martínez de Iturrate y Joseba Usabiaga, que encarnan a Ramona y Ramón en su juventud, permite evocar mediante flash-backs la época en la que iniciaron su relación, como si los jóvenes irrumpieran en la conversación para hacer referencia a los momentos del pasado. El actor Ander Lipus, que por segunda vez se pone a las ordenes de una directora, bromea con el hecho de que en ambos casos el tema central gira en torno a “una historia de amor”, aunque esa circunstancia le lleva a reconocer que esa inmersión en otros mundos estéticos como los de Maite Agirre y Garbi Losada, le permite “enriquecerse y aprender porque el teatro se sumerge en miles de géneros y estéticas”.

adecuada para ser interpretada y ahondar en los diferentes momentos y estados de ánimo por lo que atraviesan Ramona y Ramón. Además, la propia compositora se encarga de interpretar en directo todas las piezas, alternando el chelo, el acordeón y la guitarra e incluso cantando algunas de las composiciones. Martínez de Iturrate firma también la conceptual escenografía que se muestra en la obra y con la que ha buscado reflejar una metáfora que representa el paso del tiempo “porque se trata de mostrar el pasado, el presente y el futuro de una pareja a través de su viaje vital, del camino que recorren. Los elementos pretenden representar un infinito inacabado”, apunta la propia artista, que se ha decantado por dotar a la superficie de un textura que es una alegoría de la erosión que genera el paso del tiempo.

El espectáculo recurre a ‘flash-backs’ para retrotraer a los protagonistas a la época en la que iniciaron su relación sentimental. La permanente presencia de la música ideada por Inés Martínez de Iturrate que ha compuesto casi una decena de piezas durante el proceso de producción y que según la directora “va muy ajustada” al desarrollo de la obra, ha sido 9 8|9


...Flash!!! Bizkaiko Antzerki Ikastegia

Jorge Lastra dirige un trabajo


Cuando los mitos, símbolos e ideas pierden su valor original

creado junto a los alumnos del último curso y basado en el movimiento que incide en el desengaño.

Obra: Flash!!! Autor: Creación colectiva. Intérpretes: Clark Gable, Humprey Bogart, Marlene Dietrich, John Wayne, Audrey Hepburn, James Dean, Katherine Hepburn, Bette Davis, Rita Hayworth, James Stewart, Joan Crawford, Olivia de Havilland. Escenografía: Lorena Montenegro, Jorge Lastra. Iluminación: Joseba Lazkano. Vestuario: Lorena Montenegro. Música: Dj Last Star. Dirección: Jorge Lastra. Producción: BAI. Duración: 45 min. Lugar: Barakaldo Antzokia. Fecha: 6, 7 de marzo. Hora: 20.00.

[Luis Argüelles]

A

partir de una idea del bailarín y coreógrafo Jorge Lastra que ha sido desarrollada con las aportaciones de los doce intérpretes que participan en la puesta en escena de ...Flash!!!, el centro de formación escénica BAI (Bizkaiko Antzerki Ikastegia) presenta el trabajo desarrollado por los alumnos del último curso que incide en el trabajo físico y el movimiento como otro concepto de la interpretación. Lastra, que además de dirigir este espectáculo imparte en el propio centro formativo la asignatura-taller Movimiento e Interpretación, destaca que en la puesta en escena el movimiento se trata desde muchos puntos de vista y en ese concepto tiene cabida “desde lo más grande y lo más enérgico a lo más pequeño que puede ser la tensión y la composición”. El pasado y presente de una historia de amor que tiene como protagonistas a dos personajes encarnados por Maite Agirre y Ander Lipus que dan vida a la pareja que integran Ramona y Ramón, mientras que otros dos actores-músicos dan vida a esos mismos personajes cuando su relación comenzaba hace veinte años, es la base argumental del espectáculo Secando charcos, (Putzuak lehortzen, en su versión en euskera)que este mes estrena la compañía Agerre Teatroa con dirección de Garbi Losada que además ha realizado la dramaturgia de esta pieza realizada a partir del texto homónimo de Maite Agirre. La obra que se presenta el 6 de marzo en Errenteria en su versión en euskera con traducción de Ainhoa Pineda, y dos días después en castellano, se de-

sarrolla cuando la pareja se dispone a celebrar el aniversario de su unión, “que son fechas en las que se aprovecha para hacer balance en lugar de hacer lo que hay que hacer, que es celebrarlo y punto”, indica la directora. Maite Agirre, que comparte protagonismo en el escenario junto a Ander Lipus, Joseba Usabiaga e Inés Martínez de Iturrate, considera que “hablar del amor resulta muy difícil y además no está de moda”, aunque está convencida de que “el ser humano tienen necesidad de hablar en torno a ese tema, algo que es esencial” y que relaciona directamente “con el instinto de supervivencia y la cuenta pendiente que siempre tenemos con la vida, aunque a veces lo intentamos mal, otras veces muy mal y algunas veces más acertadamente”. A esas apreciaciones, sin embargo, se añade la diferente percepción que cada ser humano tiene sobre ese sentimiento y el hecho de que “para un actor puede resultar más fácil desnudarse física que emocionalmente, porque de esta manera se muestra más frágil o más vulnerable”, lo que ha generado un incesante debate durante el proceso de producción que ha llevado al equipo “a realizar una tesis paralela”, bromea Losada. Cena de aniversario Secando charcos, cuyo título completo podría ser el sugerente enunciado ‘Secando charcos de deseo derramado’, es un espectáculo que presenta una estructura circular en torno a una pareja que lleva mucho tiempo viviendo junta y  10 | 11


que se ama mucho. A lo largo de la única noche en la que se desarrolla la acción, la pieza plantea como cuestión temática que la pareja “tal vez no debería haber estado junta, o tal vez sí, porque cada uno de ellos pide y espera cosas diferentes de la vida” apunta Losada. La directora, sin embargo, matiza esta afirmación al añadir que “en ocasiones, puedes amar a la otra persona y te puede ir bien o no, pero tú puedes vivir toda tu vida junto a esa otra persona”, mientras que Agirre subraya que “escapándosenos el amor, se nos escapa la vida”. Para plasmar estas ideas que se desarrollan durante la cena de celebración de los protagonistas, Agerre Teatroa ha recurrido a la creación de músicas que están presentes a lo torno a una pareja que lleva mucho tiempo viviendo junta y que se ama mucho. A lo largo de la única noche en la que se desarrolla la acción, la pieza plantea como cuestión temática que la pareja

un espectáculo que presenta una estructura circular en torno a una pareja que lleva mucho tiempo viviendo junta y que se ama mucho. A lo largo de la única noche en la que se desarrolla la acción, la pieza plantea como cuestión persona y te puede ir bien o no, pero tú puedes vivir toda tu vida junto a esa otra persona”, mientras que Agirre subraya que “escapándosenos el amor, se nos escapa la vida”. Para plasmar estas ideas que se desarrollan durante la cena de celebración de los protagonistas, Agerre Teatroa ha recurrido a la creación de músicas que están presentes a lo torno a una pareja que lleva mucho tiempo viviendo junta y que se ama mucho. A lo largo de la única noche en la que se desarrolla la acción, la pieza plantea como cuestión temática que la parejatorno a una pareja que lleva mucho tiempo viviendo junta y que se ama mucho. A lo largo de la única noche en la que se desarrolla la acción, la pieza plantea como cuestión temática que la pareja.


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Estreno de ‘Descripción de un cuadro’ de Heiner Müller La violencia machista desde la póetica de los cuerpos

Obra: Descripción de un cuadro. Autor: Heiner Müller. Intérpretes: Sonia de Martín Iriarte, Txema de Martín Iriarte. Escenografía: Vicente León, Estigma Teatro. Vestuario: Ima Sánchez, Jose María de Martín. Arreglos musicales: Héctor Agüero. Arreglos audiovisuales: Oseami Palazuelos. Atrezzo y Maquillaje: Marian Arcelus. Dirección: Vicente León. Producción: Estigma Teatro, Teatro de la Esquirla. Duración: 60 min. Lugar: Iglesia de San Nicolás (Segovia). Fecha: 28 de marzo. Hora: 21.00.

[Borja Relaño]

LA

decimoquinta edición de los Viernes Abiertos que organiza el Taller Municipal de Teatro de Segovia prevé para este mes de marzo un nuevo estreno con el que se presenta la compañía novel Estigma Teatro, formada por los hermanos Sonia y Txema de Martín Iriarte, que luego de años de preparación inician una nueva etapa con la intención de, según anuncian, “llegar a vuestras mismísimas entrañas para entre todos tratar de conmovernos y reflexionar”. Para ello, llevarán a escena Descripción de un cuadro,

de Heiner Müller, en un montaje que dirige Vicente León, fundador de Teatro de la Esquirla, buen conocedor de la obra del dramaturgo alemán y ferviente admirador suyo, hasta el punto de que a su muerte en 1995 decidió realizarle un homenaje que ha acabado por convertirse en el Ciclo Autor del Festival Escena Contemporánea de Madrid y por el que el pasado año recibió el Premio Max de la Crítica.


Un autor certero Para Vicente León, “los dos autores más importantes de la segunda mitad del siglo XX, en mi opinión, son Beckett y Müller, y son las antítesis, los extremos que se tocan. El primero es el vacío y el segundo la abundancia. Müller, me abre un panorama imaginario, activo e ideológico con el que me identifico mucho, y siento que toda su palabra es teatro. Me siento muy cercano a los planteamientos dramáticos y a los temas y la mirada certera que tiene del mundo. Me parece una persona preclara. Él se adelanta a muchas de los acontecimientos actuales, como cuando aventura que la caída del muro de Berlín será el triunfo del capitalismo. Y es lo que estamos viendo: el desarrollo de un neofascismo que está entrando de una manera desaforada en todas las llamadas democracias occidentales. Por lo menos, tenemos la oportunidad con nuestros votos de oponernos a esa forma de introducir el autoritarismo y la irracionalidad en la política y en la sociedad. Esto es un ejemplo de lo que Müller ya anunciaba”. Al igual que como Brecht decía que hacía teatro deseando que algún día ese teatro no tuviera sentido, Müller sostiene que la única forma de evitar la catástrofe es anunciándola. Lo mismo ocurre con Descripción de un cuadro, en la que el autor dibuja una situación enigmática en la que subyace, congelada, una historia cruel y violenta: una mujer ha sido golpeada por un hombre con extrema violencia, tanto que hasta le ha podido causar la muerte. Por desgracia una historia muy corriente en estos tiempos de brutalidad y animalismo viril desatado, que Vicente León y los miembros de Estigma Teatro abordan de una forma nada proselitista ni realista. “Es una tensión, es una energía, es un estado de angustia y de agobio realizado con toda la libertad que nos da el teatro como arte y por el que cada espectador establecerá un nivel de relación con lo que está viendo”. No en vano, Müller dejó escrito que se aprende más fácilmente a torturar que describir la tortura. Y es que para León, se trata de un gran artista con unos fundamentos ideológicos muy claros: “Él podía haber escrito un ensayo muy preciso sobre el tema, y sin embargo, como autor de teatro, plasma sus pensamientos de una forma artística. Hay cuestiones que son insondables y el problema está en la naturaleza del ser humano. ¿Cómo es posible que nuestra civilización tenga miles de años y aún estemos en una fase tan primitiva de nuestras relaciones? Aparentemente están ordena?das pero vemos muestras constantes de que la barbarie sigue mandando en nuestras vidas y no se entiende que haya constantes asesinatos de mujeres a

mano de sus parejas, no se entiende que haya gente que mate a otra gente por motivos políticos, no se entiende que estemos todavía en la edad media en cuanto a religión... Es como un ansia de imponer al otro lo que uno piensa y eso nos lleva al enfrentamiento y la rabia y al odio y a una situación donde la defensa de todo ello te lleva a imponer la violencia. No superamos ese nivel primario del ser humano. Somos como perros que se cruzan, se miran mal y cada uno siente que el otro es su enemigo”. Plástica flexible Debido a que “Müller insinúa, nunca dice”, en opinión del director llevar su obra a lo escénico es complicado ya que no hay diálogo, ni acción dramática en el sentido más convencional, sino que uno tiene que encontrar la acción y las imágenes. “Es necesario hacer un trabajo de investigación y cocreación, es decir, una creación compartida con todo el equipo”, asegura Vicente León, para quien la idea primera en sus montajes es el espacio donde se va a desarrollar la acción, que en este caso se compone de telas blancas, dando como resultado una solución estética “plástica y flexible”.

Segovia acoge el debut de Estigma Teatro, compañía creada por los hermanos Sonia y Txema de Martín Iriarte

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Estreno de ‘Dona Dona M’Dona por Teatro Driades Cinco mujeres humilladas buscan realizar sus sueños

Obra: Dona Dona M’Dona. Autor: Víctor Peña. Adaptación: Enrique López. Intérpretes: Esperanza Velázquez, Eva Mª Frade, Fidelina Ceballo, Yolanda Fernández, Mª del Carmen Honrado. Coreografía: Miguel Robles. Figurismo: Eva García. Escenografía: Eutiquio Quijada y Javier Escapa. Dirección: Enrique López. Producción: Eje Producciones. Lugar: Teatro Auditorio Ciudad de León (León) Fecha: 10 de marzo. Hora: 21.00.

[Eider Suso]

La

compañía de teatro leonesa Teatro Diadres vuelve a los escenarios con la obra Dona Dona M’Dona. El espectáculo se estrena el día 10 de marzo en el Teatro Auditorio Ciudad de León y está programado dentro de las actividades de conmemoración del Día de la Mujer. Hacía cuatro años, desde ‘Gangarilla’, que la compañía no presentaba un espectáculo propio, y dos años y medio desde la producción de la tragedia griega ‘Agamenón’. La obra está basada en el libro de Víctor Peña, y Enrique López se ha encargado de la adaptación teatral. López también se hace cargo de la dirección de Dona Dona M’Dona, y ha dicho haber elegido este texto en concreto “por dos razones: una, porque creo se podía hacer un montaje en el que combinar técnicas diferentes que a nosotros nos interesaban como compañía; y luego, por la temática específica que no era, al menos, la típica historia de mujeres al uso o de carácter reivindicativo”, aspecto que no les interesaba puesto que así se distancian de un tópico que quizás “está ya muy visto”. Sobre el escenario se representa a un grupo de mujeres que transitan por sus recuerdos infantiles mientras se divierten soñando con su futuro. Pero al cabo del tiempo sus vidas han cambiado, esos sueños infantiles se han transformado en una realidad que les niega su dignidad y que les muestra un futuro incierto. Se encuentran perdidas y humilladas en busca de una ayuda que no llega, y sin tener otra opción, ejercen la prostitución mientras que algo mejor les suceda,

aunque lo único que obtienen es un empleo mal pagado en un vivero de plantas. Así, lo único que les queda es su amistad, de esta manera deciden probar algo nuevo, ya que tienen poco que perder, deciden separarse e intentar conseguir sus sueños. Son 5 mujeres particulares y muy concretas, tal y como ha expresado el director de la obra, habla ”sobre historias individuales que sumadas conjuntamente dan una historia global”. En estos personajes se tratan aspectos que son bien el abandono familiar, el acceso a la prostitución, la explotación sexual o la inmigración. Estas son las características que presentan estas cinco mujeres sobre el escenario. La intención de Teatro Diadres ha sido plantear “una obra que se divide en el original en cinco actos, en la versión nuestra son cinco cuadros, y cada uno de ellos es como si fuera una microhistoria que conforman una historia global y que sucede a través del tiempo, iniciándose en la infancia, en un recorrido vital hasta que en un momento de su vida estas mujeres confluyen en un espacio indeterminado en un momento determinado”. Pero sobre todo reflejar “las dificultades que esos personajes encuentran precisamente por su condición a la hora de desarrollar una vida, entre comillas, cotidiana”. Así el tema principal de la obra se convierte en la voluntad individual de la mujer, la lucha individual por la supervivencia. Quieren hablar de cómo “la voluntad de la mujer es la auténtica voluntad de cambio, de superación de dificultades no exenta de problemas”. continúa en la página 23  17 16 | 17


El amor y los sentimientos generados son el eje de la obra escrita por Maite Agirre y dirigida y adaptada por Garbi Losada


Drama de sucesos La forma de dividir la obra también es diferente al teatro clásico. En lugar de en actos, se divide en cuadros. Esto es así porque para Teatro Diadres se trata de un drama de sucesos en el que, según Enrique López, cada acto es como una continuación exacta de lo que ha sucedido en el anterior, pero en “el drama de cuadros, para nosotros lo que se refleja es la capacidad de los personajes de reaccionar ante situaciones concretas, algo como muy cotidiano. Hay muchas cosas que nos impiden reaccionar, seguir adelante, activar nuestros resortes de superación, bien por dificultades personales, o bien porque hay unas circunstancias externas que de alguna forma nos lo impiden”. Para el director la forma de escribir de Víctor Peña es un asunto de cuadros, puesto que plantea esa incapacidad de avanzar. Lo compara continuamente con la vida real, puesto que al fin y al cabo es de lo que trata Dona Dona M’Dona, de cómo “cada individuo, cada ser humano reacciona de maneras diferentes. Unos se sobreponen a esas dificultades y otros se sienten maniatados a ellas”. En la obra, solamente al final las protagonistas consiguen reaccionar ante sus diferentes situaciones, aunque es algo que no se verá en la obra, queda para la imaginación de cada espectador. Al final, se llega a un momento en el cual por una serie de circunstancias hay “un resorte que se activa, y tú puedes ir a otra cosa, ¿mejor o peor?, pues quien sabe”. El que sean en cierta manera cinco historias cerradas les ha permitido crear un espectáculo multidisciplinar en el que han utilizado además de la interpretación, el clown, que por ejemplo se da en el primero de los cuadros al tener un tono más infantil, o la danza y el baile que les dan la posibilidad de utilizar elementos coreográficos en las transiciones. La música también está presente puesto que los movimiento corales que se dan entre cada cuadro lo hacen a través de la música y la iluminación, que también toma un papel muy importante en la obra. “Dado que todos los sistemas de cambios de un cuadro a otro y de vestuario son complejos pues se efectúan siempre a la vista del público, eso requiere una solución de montaje que lo resolvemos con un sistema de iluminación y música”. El estreno de Dona Dona M’Dona centrada en la mujer, o en este caso en cinco mujeres, tendrá lugar dos días después del Día Mundial de la Mujer, el 8 de marzo. Pero esto ha sido algo que ha surgido; ha sido más una coincidencia que algo buscadoal por la compañía. Al Dona ser laM’Dona temática próxima a Paralelamente estreno de la obra Dona dirigida por Enrique López, Víctora Peña presenta el libro en el que dentro está basada función lo que se viene tratar este día, se incluye delalas actiteatral. Talque y como ha contado el propio autor la idea sugió de una vista vidades el teatro leonés ha programado con motivo de a APIP, una asociación de acogida a protitutas de Barcelona, y tras hablar la celebración, pero tal y como ha dicho el propio Enrique con ellas decició regalarles una obra de teatro donde pudieran presentar López “se han circunstancias, no ha pensado”. sus historias. Peñadado confiesa haberle sorprendido quesido aquellas mujeres, en contra de lo que puede pensarse, quería únicamente hablar de sus experiencias, contarlas a todo el mundo y mostrar que hay salidas. Este proyecto conjunto de Enrique López y Victor Peña se vuelve más ambicioso ya que también presentarán un documental que incluirá imagenes de la obra además de cinco entrevistas que recogerán los casos de cinco mujeres marginadas. Este documental aparte de presentarlo en el Teatro Emperador de León, será publicado en edición disco-libro. Peña lanzará posteriormente otros tres libros además de este Dona Dona M’Dona.

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Pedro Izquierdo estrena en el Teatro Clunia el unipersonal ‘Retales’ Un mundo inventado desde la óptica del que busca un techo

Obra: Retales. Autor e Intérprete: Pedro Izquierdo. Escenografía y Vestuario: Pedro Izquierdo, Elisa Sanz. Iluminación: Barix producciones. Música: Siete7 black. Iluminación: Barix producciones. Dirección: Dora Fuertes. Producción: Peter Nebreda. Duración: 50 min. Lugar: Teatro Clunia (Burgos). Fecha: 8 de marzo. Hora: 20.00.

[Joseba Gorostiza] La inofensiva locura de una persona que se regala el tiempo inventando otro mundo, es la base del trabajo de presentación en solitario del actor Pedro Izquierdo que ha adoptado el nombre de Peter Nebreda para ofrecer en el Teatro Clunia de Burgos su trabajo unipersonal Retales. Para poner en escena este espectáculo que tiene como base la técnica del teatro gestual, el actor se transforma en un vagabundo aunque él prefiere denominarlo como “un personaje gris que se presenta en un escenario vacío con la pretensión de buscar un sitio en el que pasar la noche y, tras encontrarlo, monta allí su casita”. En lugar de quedarse con las apariencias, el protagonista invita al público a mirar en el interior de estos seres humanos que viven en la calle para observar “el ‘arco iris’ que tiene en su interior” porque “a veces, cuando ves a este tipo de personas, te quedas con lo que tienen fuera cuando en realidad tienen en su interior su propio mundo y sus fantasías y muchas cosas buenas que quiero que se vean los espectadores”. Para producir este espectáculo “sencillo, lleno de emociones, de humor, sin palabras, intento crear a través del lenguaje una poética teatral en la que se muestra la soledad y la dignidad de una persona que vive en la calle”. Para lograrlo ha recurrido a diferentes técnicas, “sin caer en la destreza de las habilidades circenses”, tales como el clown, una técnica en la que ha trabajado en compañías como Cirque Aïtal de Francia o Circus Monti de Suiza, con las que colaboró tras diplomarse en la Scuola Teatro Dimitri de Suiza como ac-

tor de movimiento. Las acrobacias o la técnica del malabar también tiene cabida en este espectáculo aunque Izquierdo ha optado por no ahondar en esta última disciplina y denominarla como “manipulación de objetos” y el lugar de las tradicionales bolas lo ocupan un cazo y una patata, unas bolsas o una farola que son los elementos que tiene a su alcance el protagonista de la obra. Retales es un trabajo ideado por el propio actor, aunque ha contado con la dirección de Dora Fuentes, una profesional que ha desarrollado su actividad en el teatro de texto, lo que se ha convertido en un complemento perfecto para esta producción. “Su aportación me ha ayudado mucho para hacer más legible la estructura del espectáculo”, reconoce, y añade que el trabajo desarrollado junto a Fuentes “ha ido creciendo como un embrión cuyo resultado no será evidente hasta el momento del parto”.

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‘Mucho ruido y pocas nueces’ por Teatro Defondo

Las mujeres toman el poder en la obra de Shakespeare

Obra: Mucho ruido y pocas nueces. Autor: William Shakespeare. Intérpretes: Carles Moreu, Maya Reyes, Celia Nadal, Mon Ceballos, Gemma Solé, Pablo Huetos, Carmen Gutiérrez, Vicente Colomar, Pedro Santos, Rosa Miranda. Músicos: Carlos Varela (Clarinete), David Velasco (Viola), Rosalía Cabanilles (Acordeón). Escenografía, Vestuario: Vanessa Bajo Izquierdo. Iluminación: Luis Martínez. Coreografía: Raquel Pastor.

Música: Rodrigo Guerrero. Dirección musical: David Velasco. Dirección: Vanessa Martínez. Producción: Teatro Defondo. Duración: 100 min. Lugar: Barakaldo Antzokia. Fecha: 14, 15 (20.00), 16 (19.00) de marzo. Lugar: Teatro Liceo (Salamanca). Fecha: 27 de marzo. Hora: 20:00.

[Joseba Gorostiza] El amor y la guerra de sexos que Shakespeare expresó desde la óptica femenina en la obra ‘Much Ado About Nothing’, son el punto de la partida de la nueva producción que presenta Teatro Defondo con el título de Mucho ruido y pocas nueces que ha sido traducida, adaptada y dirigida por Vanessa Martínez. Para materializar esta producción de marcado perfil femenino, Martínez ha convertido en mujeres a los dos protagonistas masculinos del texto original, como son Don Pedro, príncipe de Aragón, y Leonato, el gobernador de Mesina, cuyo poder pasa a manos de Doña Constanza, que se convertirá en Reina de Aragón, y Leonora, que representa el autoritarismo desde un punto de vista más conservador porque ella perpetúa el poder al convertirse en gobernadora debido a la muerte de su esposo. El espectáculo presenta una historia narrada desde el punto de vista de una mujer porque “el autor, por primera vez, se pone en los ojos de una mujer y es un personaje femenino quien va narrando la historia”, apunta la directora. En esta adaptación de la obra, Martínez mantiene la ciudad de Mesina como emplazamiento en el que se desarrolla la representación, porque se trata del lugar al que llega un grupo soldados “que están absolutamente fuera de su contexto porque, en tiempo de paz, no tienen absolutamente nada que hacer y además están situados en un espacio gobernado por mujeres. Ello me permite justificar dos personajes centrales de la trama como son Benedicto y toda su aversión a la mujeres y, por otro lado, el bastardo Don Juan, que en nuestra versión es el hermano de Doña Constanza, lo

que actualiza y enriquece el conflicto porque se genera una lucha de sexos por el poder”. Del drama a la parodia La producción que presenta la compañía madrileña arranca con la llegada a Mesina de la princesa Constanza, en compañía de Claudio y Benedicto, que viene de conseguir la corona de Aragón tras haber ganado la batalla contra su hermano Don Juan. El grupo será acogido por Leonora, la gobernadora de la ciudad, junto a la que se encuentran su hija Hero y su sobrina Beatriz. Hero se enamora de Claudio y deciden casarse, mientras que Benedicto y Beatriz se odian y deciden fastidiarse. Ante esta situación la princesa Constanza propone un juego consistente en que, mientras se organiza el matrimonio, los habitantes de la casa deben poner toda su inteligencia y destreza al propósito único de llevar al señor Benedicto y a la señora Beatriz hacia una montaña de afecto mutuo. Con ese cometido “los personajes se ven inmersos en una intriga en la que el suspense, el drama y las pasiones se funden porosamente sobre la acidez, la picardía y hasta la parodia”, apunta la directora. Además destaca que la obra conserva una trama fundamental en la que se incluyen juegos de equívocos y de máscaras, aunque se haya realizado una modificación de la “pirámide estamental”, porque Martínez no ha pretendido llevar a cabo una versión ya que “bastante trabajo de adaptación ha sido realizar la traducción de este texto que está lleno de juegos, sutilezas, pequeños detalles que configuran un


puzzle perfecto”. Martínez, quien reconoce abiertamente su intención de “sorprender” con esta pieza que define como “femenina pero no feminista”, asegura que sobre el escenario se muestra “lo que yo percibo y cómo entiendo yo el mundo”, algo que ha resultado “determinante y, además, enriquecedor”. Para alcanzar sus objetivos se ha decantado por dar el protagonismo a Doña Constanza y Leonora, aunque Martínez destaca la presencia de Hero, “a la que hemos convertido en una especie de anti-Hero porque en esta adaptación es tartamuda, lleva gafitas y es muy poquita cosa. Aunque tiene poquito texto, lleva un gran peso en el argumento, por lo que le hemos dado una dramaturgia física, corporal y coreográfica, a través de la que ella se expresa”. La música, tanto la interpretada con clarinete, viola y acordeón que dota a las composiciones de un aire mediterráneo, como la cantada en directo por la soprano Rosa Miranda, es un componente destacado de la puesta en escena de Mucho ruido y pocas nueces, al incluir “melodías sicilianas e isabelinas del siglo XVII, algunas de las cuales fueron compuestas para ser interpretadas en el estreno de la obra original” y que han sido armonizadas y contemporaneizadas por Rodrigo Guerrero.

no histórico”, porque “he querido meter la obra dentro de un cuadro y destacar aspectos como la feminidad, lo mediterráneo, la luz... Además, gran parte del vestuario tiene reminiscencias de los años 20”, época posterior a la de culminación del pintor, mientras que la escenografía “que es prácticamente la casa de una playa, así como los colores y las texturas, recuerdan mucho a los colores de Sorolla”. Para producir este trabajo la compañía ha contado con el apoyo de Will Keen, que impartió un curso de interpretación de Shakespeare en Cuarta Pared para, posteriormente, contar con las aportaciones de este prestigioso actor que ha trabajado en compañías como la Royal Shakespeare Company y la Cheek by Jowl, y que supusieron “la cristalización de un montón de ideas que yo tenía, lo que me animó a pedirle que trabajase sobre el texto con nuestra compañía”, apunta la directora.

Referente pictórico La ubicación de la creación original en un punto concreto del Mediterráneo ha llevado a Martínez a recurrir a la obra artística de Joaquín Sorolla “como referente pictórico que  23 22 | 23


en gira g ‘Hay que purgar a Totó’ por Teatro Español.

‘Historias de Martín de Villalba’ por Teatro del Norte.

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El Arriaga presenta ‘Los siete pecados capitales’.

El gran éxito de Disney ‘High School Musical’ da el salto al teatro.

‘Corazón loco’ de Blanca Li llega a San Sebastián y a Vitoria-Gasteiz.

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Las compañías de Philippe Genty y Pippo Delbono presentan sus espectáculos ‘Boliloc’ y ‘Questo buio feroce’ (Esta oscuridad feroz)

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l pintor de su deshonra’ de Calderón de la Barca.

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‘Historias de de Villalba


A partir de cuatro ‘pasos’ de Lope de Rueda, ‘Las aceitunas’, ‘Cornudo y contento’, ‘La tierra de Jauja’ y ‘La carátula’, el autor, actor y director Etelvino Vázquez ha creado el espectáculo Historias de Martín de Villalba, que tras su presentación en diferentes escenarios asturianos recala en la localidad leonesa de Astorga de la mano de la compañía Teatro del Norte. Las

e Martín a’ por Teatro del Norte

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La compañía asturiana agrupa cuatro ‘pasos’ de Lope de Rueda para crear un nuevo espectáculo protagonizado por un simple escenario A partir de cuatro ‘pasos’ de Lope de Rueda, ‘Las aceitunas’, ‘Cornudo y contento’, ‘La tierra de Jauja’ y ‘La carátula’, el autor, actor y director Etelvino Vázquez ha creado el espectáculo Historias de Martín de Villalba, que tras su presentación en diferentes escenarios asturianos recala en la localidad leonesa de Astorga de la mano de la compañía Teatro del Norte. Las cuatro piezas en las que se basa el trabajo han sido reunidas en esta obra en una única historia que se entrelaza a través del personaje central de ‘Cornudo y contento’, Martín de Villalba, que toma el lugar del Bobo que protagoniza las otras tres y que responde al perfil de un individuo acuciado por el hambre eterna, que sólo habla de comer y de quien se ríe y al que engaña todo el mundo. Es un personaje al que “los muchachos apedrean, los perros le ladran y las gentes le apalean. No hay sordo que no le hable, ni vieja que no

le quiera, ni pobre que no le pida, ni rico que no le ofenda”, apunta el director. Con la comicidad de los temas que se abordan como característica temática de los pasos, Historias de Martín de Villalba completa un recorrido que se inicia en ‘Las aceitunas’ donde Martín, nada más plantar unos olivos, discute con su mujer por el precio de las aceitunas que espera recoger. La presencia en ese paso de un vecino, que en el espectáculo ha sido convertido en un joven primo de la mujer, da pie a la trama de ‘Cornudo y contento’ en la que se muestra la íntima relación que se entabla entre estos dos personajes y cuando la mujer le dice a su marido que se va a tomar unas ‘novenas’ para curar sus males, el ingenuo Martín le invita a “tomar unas ‘decenas’ con tal de que sane”. La historia prosigue con el protagonista llevando a comer a su mujer a ‘La tierra de Jauja’, un paso que fue escrito “menos de un siglo después del descubrimiento de América” según apunta Vázquez y en el que se evoca la olla de la tierra de Jauja de la que surgían exquisitas comidas, pero donde a Martín le robarán la comida tras ser asaltado. Pero el pobre protagonista de la representación no se percata de que son su propia mujer y el primo quienes más se ríen de él, y cuando manifiesta su convencimiento de que las caras crecen en el campo, reflejando el paso de ‘La Carátula’, el primo se burla de Martín diciéndole que le van a detener por haber robado la cara de un santero que vive en una ermita. Para cerrar el espectáculo Teatro del Norte ha incorporado un pasaje creado por el propio Etelvino Vázquez que supone el cul-


ficha técnica

men de las desgracias que acechan al protagonista del espectáculo. Esta historia que protagoniza este “pobre del siglo XVI es muy similar a las de los pobres y desheredados de hoy en día. Lo más maravilloso de todo es que nos sigamos riendo de lo mismo y que aquello que vamos a decir nosotros como actores ya lo dijeron otros comediantes en el siglo XVI”. Además, otro aspecto que destaca el director es que la maestría de Lope de Rueda radica en “su destreza en los diálogos y no tanto de las situaciones”, que fueron escritos en “un castellano que se entiende perfectamente por lo que apenas hemos necesitado realizar adecuaciones del lenguaje”.

y como hicieron los italianos con la Commedia dell’Arte. Se piensa que es un teatro para niños” pero el propio Vázquez asegura que la literatura dramatúrgica española “está llena de joyas. Aunque se trata de una modalidad que sabemos que no llevaba máscaras, sí que la tipología tenía una manera muy clara de actuar: el viejo, el sacristán, el estudiante... que son personajes recurrentes, por lo que sería necesario hacer una reconstrucción similar a la realizada con Arlequín a sabiendas de que todo eso es inventado”.

obra: historias de martín de villalba. dramaturgia: etelvino vázquez, a partir de cuatro pasos (‘las aceitunas’, ‘cornudo y contento’, ‘la tierra de jauja’ y ‘la carátula’) de lope de rueda. intérpretes: david gonzález, juan blanco, cristina lorenzo, etelvino vázquez. espacio escénico: carlos lorenzo. vestuario: manuela caso. iluminación: rubén álvarez, etelvino vázquez. música: alberto rionda. dirección: etelvino vázquez. producción: teatro del norte. duración: 80 min. lugar: teatro gullón - astorga. fecha: 18 (20.00), 19 (12.00) de marzo.

Los ‘pasos’ son un género que ha sido situado como el origen del entremés y al que Lope de Rueda, a quien Etelvino Vázquez considera como “el padre del teatro español”, aportó varias piezas aunque su autoría ha sido cuestionada Teatro menor porque fueron publicadas en 1567 por Joan de Timoneda, “lo cual significa Para el director, que en este espectá- que pudieron ser escritas por el propio Timoneda. Lo que más conocemos de culo encarna también la figura de la Lope de Rueda se lo debemos a Cervantes que en el prólogo de sus entremeses Martín de Villalba que está convenci- escribió que le vio representar, y que lo hacía muy bien, el papel de negra, de do de que “si dejas de actuar pierdes vizcaíno...”. Además de la comicidad, otras características de este género son la la relación con el teatro y esa relación presencia de tan sólo dos o tres actores y la escasa duración de cada paso, que directa con el público”, la puesta en tan sólo exponía una mínima intriga o anécdota desenfadada. Ello lleva a el diescena de este tipo de producciones rector de este espectáculo a suponer que “debían representarse entre acto y acto resulta necesaria de cara a la recons- de obras que los cultos, los clérigos y los nobles disfrutaban desde los corredores trucción del teatro menor español, “tal y como el pueblo que estaba abajo se aburría, debían estar dirigidos a ellos”.  29 28 | 29


Las compañías de Philippe Genty y Pippo Delbono presentan sus espectáculos ‘Boliloc’ y ‘Questo buio feroce’ (Esta oscuridad feroz) ficha técnica obra: boiloc y questo buio feroce. autor: georges feydeau. adaptación: luis blat. intérpretes: nuria espert, jordi bosch, gonzalo de castro, tomás pozzi, ana frau, carmen arévalo, manuel millán. escenografía, vestuario: jean pierre vergier. iluminación: georges lavaudant. dirección: georges lavaudant. producción: teatro español. duración: 75 min. lugar: teatro gayarre - pamplona-iruñea. fecha: 14 (20.00), 15 (20.00 y 22.00) de marzo. lugar: teatro principal (burgos). fecha: 29 (20.30) y 30 (19.30) de marzo.

Una inmisericorde y moderna ‘farsa conyugal’ que disecciona vicios como la mediocridad, la mezquindad, la soberbia, la incultura y la hipocresía de los pequeño-burgueses, son los elementos sobre los que gira una de las últimas obras de Georges Feydeau, Hay que purgar a Totó (On purge bébé), que se presenta en una producción del Teatro Español. En este texto, que se llevó por primera vez a los escenarios hace casi un siglo y que ha sido traducido y adaptado por Luis Blat, que además ha participado como ayudante de dirección de Georges Lavaudant, lo cómico surge de situaciones y de personajes estereotipados, de recurrir a los accesorios y a los juegos de palabras obscenas. Esta “crítica sangrante de la hipocresía burguesa”, según apunta el colaborador de Lavaudant, Daniel Loayza, que aborda la desintegración de un matrimonio en clave de farsa, tiene como protagonistas principales a personajes tan singulares como Sebastián Rebollo que en esta adaptación toma la personalidad de Follavoine, el personaje central de la obra original de Feydeau, y que encarna la figura del soldado fanfarrón, el charlatán, el comerciante corrupto e incluso el malabarista (eso sí, sin mucho arte, cuando tira sus orinales). Además de Rebollo, el ‘dramatis personae’ se completa con Julia, la insoportable esposa de Rebollo que es el

arquetipo de la típica ‘maruja’ y que según la boba sirvienta Rosa “es quien ordena aquí”; Totó, el repelente y malcriado hijo del matrimonio, tan egoísta y mentiroso como sus padres y que es quien desencadena todos los incidentes al negarse a tomar la dichosa poción; Cayetano Chitín, el cornudo de toda la vida, así como la esposa de éste y Horacio Troca, que son, como se descubre en la propia representación, la adúltera y su amante. Este vodevil que fue estrenado como espectáculo teatral en 1910 y que en 1931 fue llevada al cine por primera vez por Jean Renoir, comienza con “un concurso de ignorancia, que Julia y su esposo aprovechan para intentar separarse aunque no lo consigan. La vestimenta de la que se enorgullece la señora”, que continuamente entra y sale con un cubo en la mano ?que contiene aguas fecales, “sólo se ve igualada por la vulgaridad del señor para el que el único ideal es vender sus orinales... al ejército. La salvación podría estar en los niños, pero el papel de Totó, tan egoísta y mentiroso como sus padres, no desluce: incluso es él el que desencadena todos los incidentes al negarse a tomar la dichosa poción”, apunta Loayza. Límites descalabrados

La historia muestra las vicisitudes de Sebastián Rebollo, un fabricante de loza, que invita a comer en su elegante


y no soltar un taco irreprimible; una vez que reconoce su derrota sólo le queda abandonar el campo de batalla”, señala Loayza. Un trío que repite

La comicidad que aportan las situaciones y los personajes quedan expuestas tanto por las propias acciones como por los equívocos y confusiones que se desencadenan a través de un lenguaje, que incluye permanentes alusiones escatológicas, y que realza y hace desencadenar los momentos más hilarantes de la obra. La producción de este espectáculo permite disfrutar con los resultados de un trabajo en el que participan los actores Nuria Espert y Jordi Bosch, convertivencido el protagonista prueba “dife- dos ahora en el matrimonio Rebollo, rentes estrategias; primero, educado y, y que ya coincidieron en la puesta en después, familiar, para acantonarse de escena de ‘Play Strindberg’ a las órdeforma prudente en un papel de espec- nes de uno de los más reputados ditador medio indiferente, medio soca- rectores europeos, el francés Georges rrón. Pero no hay nada que hacer: la Lavaudant, que también está al frente catástrofe le alcanza y el desgraciado, a

casa a un importante cliente, el señor Chitín, que preside la comisión encargada de decidir la adquisición por parte del ejército francés, de orinales para los soldados. Rebollo espera conquistar el mercado con sus bacines realizados con una porcelana que, supuestamente, es irrompible. Sin embargo, varios acontecimientos desagradables van a hundir sus planes y las perspectivas de su ansiado negocio: la porcelana no resulta tan resistente como esperaba y su mujer, Julia, en vez de atender al invitado se lamenta de los caprichos de su hijo Totó, que se niega terminantemente a tomar un laxante. Esa sucesión de contratiempos amenazan con arruinar el negocio que Sebastián Rebollo pretende poner en marcha. Un lenguaje plagado de expresiones escatológicas realza y hace desencadenar los momentos más hilarantes de la representación Los intentos que el fabricante de loza pesar suyo encerrado en un cuerpo a la del elenco actoral que protagoniza esta lleva a cabo para “marcar claras difedefensiva, se ve obligado a tomar, si se obra. Junto a Espert y Bosch el elenco rencias por respetar los límites entre puede decir, un papel activo”. incluye a Tomás Pozzi, que da vida al lo social y lo familiar, lo público y lo En esta pieza de Feydeau, que era un insufrible niño al que hace referencia íntimo, lo adulto y lo pueril, lo eleferviente admirador de las películas el título; a Gonzalo de Castro, que engante y lo trivial”, según apunta Loamudas de Chaplin, y que fue escri- carna al cornudo funcionario que debe yza, “se descalabran con los ataques ta un año después de separarse de su decidir la adquisición de los orinales, de la esposa” a quien define como “la mujer, no se puede evitar reparar en la así como a Carmen Arévalo y Manuel encarnación de la pesadilla del caos y violencia de la diatriba sobre el fraca- Millán, que dan vida a la pareja de del desorden”, por lo que todos los esso matrimonial que mantiene el autor. amantes. fuerzos de Rebollo por contenerse se “Toda la obra podría verse como la hisderrumban y “una vez que reconoce toria de los esfuerzos desesperados que su derrota sólo le queda abandonar el Sebastián Rebollo hace por contenerse campo de batalla”. Antes de darse por  31 30 | 31

Un negocio inverosímil que finiquita la propia familia


‘El pintor de su deshonra’ de Calderón de la Barca ficha técnica obra: el pintor de su deshonra. autor: pedro calderón de la barca. versión: rafael pérez sierra. asesor de verso: vicente fuentes. intérpretes: francisco merino, arturo querejeta, eva trancón, josé ramón iglesias, savitri ceballos/muriel sánchez, josé vicente ramos, maría álvarez, didier otaola, nuria mencía, daniel albaladejo, fernando sendino, ángel ramón jiménez, sancho ruiz somalo, álvaro lizarrondo. músicos: agatha rené bosch y alba fresno (viola de gamba), mª mercedes torres (clave). escenografía: carolina gonzález. vestuario y máscaras: pedro moreno. iluminación: miguel ángel camacho. espacio sonoro: eduardo vasco. coreografía: nuria castejón. música: marín marais/alba fresno. dirección musical: alba fresno. dirección: eduardo vasco. producción: compañía nacional de teatro clásico. lugar: arriaga antzokia - bilbao. fecha: 12 al 15 marzo. hora: 20.00.

Un tema de tanta actualidad como el Eduardo Vasco de la violencia de género que provocan aquellos hombres que se creen en el dirige la versión deber de matar a su mujer si hay ofen- que Rafael Pérez sa de por medio, es el argumento sobre Sierra ha realizado el que gira el espectáculo que llega este mes al escenario del Teatro Arriaga en torno a la en una producción de la Compañía violencia de género Nacional de Teatro Clásico, con dirección de Eduardo Vasco. Este drama motivada por de Pedro Calderón de la Barca que se cuestiones de honor imprimió en 1650 tiene plena vigenintento de captar, de adueñarse de la cia casi 400 años después de ser escrito, belleza de Serafina, su esposa, en un al presentar la historia de un marido retrato de su propia mano; lo mejor abocado por las leyes del honor a maserá no volver a intentarlo”, señala el tar a su mujer, aunque el protagonista autor de la adaptación, Rafael Pérez lucha contra la sociedad y contra las Sierra. leyes imperantes, en un signo que El pintor de su deshonra es una de las muestra la valentía que demostró el tres piezas que, junto a ‘El médico de autor al escribir este texto frente a los su honra’ y ‘A secreto agravio, secreta convencionalismos de la época. Aunvenganza’, se incluye en la trilogía de que el debate sobre el posicionamiento los dramas de honor, y en la que, sea favor o en contra de Calderón hacia gún apunta Vasco, “conviven princiesas actitudes sigue abierto, Vasco está pios de la tragedia clásica con las norconvencido de que el autor se decanta mas básicas del arte nuevo. Personajes en favor de la dignidad de las mujeres. predestinados, capaces de leer señales, Este espectáculo que además ahonda de intuir presagios fatales, con un pie en los celos, las motivaciones del maen el simbolismo y otro en la tradición chismo o de la violencia contra la mujer popular. Ecos de naufragios, amores llega a Bilbao tras haber sido represenimposibles, asesinatos, fascinaciones tada únicamente en Sevilla, siguiendo repentinas, etc., que recuerdan la noasí la política impulsada por el propio vela bizantina o a la posterior ‘nouveVasco en su condición de director de la lle’ italiana. Personajes al borde de la compañía para estrenar sus creaciones comedia, que cumplen su función, fuera de Madrid, es una metáfora que dejando pasar el aire a la enrarecida contiene otra metáfora “esta vez únicámara trágica. Música, canciones ca, irrepetible: don Juan fracasa en su


La vigencia de las costumbres sociales más reprobables

como juegos inocentes, hasta frívolos, en esencia amorosos que embellecen la pieza”. Honor y arte

En esta obra que tiene como ejes principales la rigidez del código del honor “la deshonra, la vergüenza insuperable, autóctona en su magnitud, como obstáculo para la vida social”, así como la capacidad del artista plástico para plasmar la realidad, “como metáfora imposible; el hombre capaz de retratar con precisión la belleza, indigno de merecerla, impotente ante la naturaleza”, según el director, tiene como principales personajes a don Álvaro, Serafina y el pintor don Juan Roca. La mujer se casa con su primo don Juan después de que su novio, don Álvaro, es dado por muerto tras sufrir un naufragio. Pero don Álvaro no ha fallecido y su regreso obliga a Serafina, ya casada, a debatirse entre el respeto al honor y sus verdaderos sentimientos hacia su primer amor. Ante la sospecha de don Juan de que su mujer le deshonra con don Álvaro, se ve abocado, por las leyes del honor, a matar a ambos, aunque se rebela contra esa obligación.

‘El pintor de su deshonra’ integra la trilogía de los dramas de honor de Calderón junto a ‘El médico de su honra’ y ‘A secreto agravio, secreta venganza’ Pérez Sierra recuerda además que esta obra que ha producido la Compañía Nacional de Teatro Clásico “presenta un paisaje mucho más claro, más variado en acciones y en los escenarios” que ‘El médico de su honra’ que fue el primer montaje que puso en escena esta compañía. Añade además que en El pintor de su deshonra “asistimos a una carnaval en el que, detrás de las máscaras y por un momento, se suspende casi por completo el conflicto, donde hay escondidos como en las comedias de capa y espada que hace exclamar en

la urgencia de la escena ‘¡que nunca falte a este paso / galán, hermano, o marido!’ como si estuviéramos en el mismo escenario de ‘La dama duende’, donde el lenguaje poético pierde intencionadamente altura para acentuar la elocuencia narrativa, y donde, además, el gracioso Juanete, a cada paso pretende sacarnos de situación, distraernos con un cuento nuevo”. Ello lleva a preguntarse si “¿será por todo ello, menos dramático el final, menos dramático este drama?”.

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‘Corazón loco’ Un canto al amor que une danza, música y ópera ficha técnica obra: corazón loco. coreografía: blanca li. bailarines: jean-géral dorseuil, matthew hawkins, ahmed karetti, blanca li, yana maltseva gac, deborah torres. cantantes: virginie lefebvre, donatienne milpied, antony lo papa, laurent bourdeaus, etienne vandier, christiphe sam, catherine simonpietri. percusionista: béatrice répécaud. iluminación: jacques châtelet. decoradoos: pierre attrait. vídeo: charles carcopino. vestuario: laurent mercier. textos y música: edith canat de chizy. dirección: catherine simonpietri. producción: compañía blanca li, ensemble vocal sequenza 9,3. duración: 80 min. lugar: teatro victoria eugenia - donostiasan sebastian. fecha: 1 y 2 de marzo. hora: 19.30 lugar: teatro principal antzokia fecha: 13 de marzo. hora: 20.30.

En marzo dos de los teatros del País Vasco reciben el último espectáculo de Blanca Li Corazón loco. Los días 1 y 2 de este mes recalará en el Teatro Victoria Eugenia de Donostia-San Sebastián y el día 13 se presentará la obra en el Teatro Principal Antzokia de VitoraGasteiz. Para esta representación Blanca Li ha querido llevar a cabo un proyecto que aúne danza, música y teatro, debido a algunos de los proyectos que ha llevado a cabo en los últimos años y que la acercaron al mundo de la ópera. Desde ese punto quería profundizar en los encuentros entre la voz y el movimiento y ello ha sido posible gracias a su unión con el grupo vocal Ensemble Sequenza 9,3. Los textos y la música que se ven y escuchan sobre el escenario han sido creados por Edit Canat de Chizy y la dirección corre a cargo de Catherine Simonpietri. La intención de Li, tal y como ella misma ha dicho, es “que el trabajo de la voz y el cuerpo se hicieran uno... reuniendo bailarines y cantantes, hemos explorado recíprocamente los dos universos sin fronteras, de manera que el espectador pudiera seguir a un único grupo para olvidar quién era cantante, actor, intérprete o bailarín”. A Blanca Li se la define como maestra de mestizaje, rompedora e iconoclasta y ha recibido varios premios y reconocimientos como el premio Manuel de Falla en España en 2004 y el pasado 2007 fue nombrada Oficial de las Ar-

tes y las Letras de Francia. En la actualidad es directora artística del Centro Andaluz de Danza en Sevilla y en su carrera a realizado espectáculos como ‘Poeta en Nueva York’, ‘El sueño del Minotauro’ o ‘Sherezade’. En escena se ha unido al conjunto vocal Sequenza 9,3 que alterna música barroca y contemporánea con teatro, baile y arte vocal polifónico. Este conjunto esta dirigido y creado en 1998 por Catherine Simonpietri que es también la encargada de dirigir este Corazón loco. Desde 2002 dirige en C.N.S.M.D.P. numerosas producciones de autores como Bach, Haendel o Stravinsky. La trama

La fuente de inspiración que toma este espectáculo es el amor, y la autora ha querido hacer un canto al mismo, “rico en poesía y humor”. La trama musical que se puede escuchar en esta obra ha sido desarrollada en sesiones de improvisación con los bailarines y cantantes y se han apoyado en textos con temas de amor, con esto su intención era el poder imaginar juntas una obra musical coreográfica para ocho voces, seis


Un canto al amor que une la danza, buena música y una ópera

en evidencia ciones de autores como Bach, Haendel muchos pa- o Stravinsky rámetros que como Bach, Haendel o Stravinsky. “son la base misma de la música: la Risas mil voz, la percusión y la La fuente de inspiración que toma este espectáculo es el amor, Desde ese danza” A Blanca Li se la define punto quería profundizar en los encomo maestra de mestiza- cuentros entre la voz y el movimiento je, rompedora e iconoclasta y ello ha sido posible gracias a su unión y ha recibido varios premios con el grupo vocal Ensemble Sequenza y reconocimientos como el pre- 9,3. Los textos y la música que se ven mio Manuel de Falla en España en y escuchan sobre el escenario han sido 2004 y el pasado 2007 fue nombra- creados por Edit Canat de Chizy y la da Oficial de las Artes y las Letras de dirección corre a cargo de Catherine Francia. En la actualidad es directora Simonpietri. La intención de Li, tal y artística del Centro Andaluz de Danza como ella misma ha dicho, es “que el en Sevilla y en su carrera a realizado trabajo de la voz y el cuerpo se hicieran espectáculos como ‘Poeta en Nueva uno... reuniendo bailarines y cantanbailarines y una percusionista. De York’, ‘El sueño del Minotauro’ o ‘She- tes, hemos explorado recíprocamente esta manera en escena no se cuenta una rezade’. En escena se ha unido al con- los dos universos sin fronteras, de mahistoria, puesto que con este montaje junto vocal Sequenza 9,3 que alterna nera que el espectador pudiera seguir a lo que pretenden es “llamar a la ima- música barroca y contemporánea con un único grupo para olvidar quién era ginación a través del ritmo y el movi- teatro, baile y arte vocal polifónico. cantante, actor o bailarín”. miento en un juego de encuentros y Este conjunto esta dirigido y creado Desde ese punto quería profundizar en desencuentros, uniones y oposiciones en 1998 por Catherine Simonpietri los encuentros entre la voz y el movide cuerpos y voces para que surgie- que es también la encargada de dirigir miento y ello ha sido posible gracias a sen, se sucedieran o se entrechocaran este Corazón loco. Desde 2002 dirige su unión con el grupo vocal Ensemble las figuras del amor”. Así la obra pone en C.N.S.M.D.P. numerosas produc- Sequenza 9,3.  35 34 | 35


‘El diluvio de Noé’, una ópera para el público infantil Incluida en el Festival de Música Sacra mzea, con la dirección de escenografía Bilbao ARS Sacrum (BAS) el Teatro de José Ibarrola y con la dirección esArriaga acoge los días 8 y 9 de mar- cénica de Fernando Bernués. El texto zo la ópera El dilvio de Noé. El teatro original ‘The Chester Miracle Play’ de ofrecerá 3 funciones de esta ópera diri- Britten ha sido adaptado al castellano gida a un público familiar, sobre todo por Luis Gago. El autor utilizó ese a los niños y también interpretada por título haciendo referencia a la fuente niños. El festival llega de la mano de la utilizada, el ciclo de misterios medieFundación Bilbao 700 y en esta oca- vales aparecidos alrededor de 1500 en sión trae esta obra lírica del autor an- la localidad inglesa de Chester. Lo que glosajón Benjamín Britten que cuenta se denominó ‘Miracle Play’ era un gécon la dirección musical de Radu Ha- nero teatral parecido al auto sacramen-


Llega al Arriaga el diluvio más famoso de la historia. Se convierte así en una renovación de la famosa huida por el Coro del Conservatorio de la Coral de Bilbao, el Coro de flautas de “Arratiako Musika Eskola” y por la Orquesta Jesús Guridi de la Coral de Bilbao dando así también oportunidad a los jóvenes artistas y músicos vascos. Noé del presente

tal que representaba en sus orígenes por gentes sencillas como podían ser artesanos y comerciantes de la ciudad junto con sus familias y se representaban sobre un carro. Con esta ópera el teatro de la capital vizcaína amplía su oferta para el público infantil con la intención de reforzar la afición al género lírico entre los más pequeños. La ópera recrea la historia bíblica de Noé respetando los personajes originales pero alterando las situaciones que en ella se cuentan. Se convierte así en una renovación de la huida de animales de todas las especies y de todos los rincónes del mundo capitaneada por Noé y su famosa arca, escapando del diluvio universal. Para la actuación en Bilbao la música en directo correrá a cargo de grupos locales como la congregación que aparece en escena que será interpretada por el Coro Euskeria de la Coral de Bilbao. El coro de animales y de pájaros será llevado a cabo

ficha técnica obra: el diluvio de noé. autor: benjamin britten. intérpretes: mario gas, josé antonio lópez, imanol nebreda, daniel lópez, alberto nuñez, olga revuelta, isabel sanz, esther garcía, marisa martins, sofia maura, maialen díez, lara haizea alvarez, coro euskeria de la coral de bilbao, coro del conservatorio de la coral de bilbao, coro de flautas de “arratiako musika eskola” y orquesta jesús guridi de la coral de bilbao. director musical: radu hamzea. grupos: coro euskeria de la coral de bilbao. escenografía: josé ibarrola. dirección: fernando bernués. producción: elsinor. lugar: teatro arriaga (bilbao) fecha: 8 de marzo. hora: 18,00 y 20,00 fecha: 9 de marzo. hora: 18,00.

En esta propuesta de Fernando Bernués y José Ibarrola se platea una curiosa pregunta “¿Y si el agua lloviera...embotellada?”. Partiendo de esta premisa, en El diluvio de Noé se lleva a escena un balneario del siglo XX, trasladando así esta historia a nuestros tiempos. En este balneario se reúnen bañistas de todos los lugares del mundo para descansar y beber sus aguas termales, pero ese agua se termina y empiezan las disputas entre los bañistas. Noé que es representado como el dueño del balneario intenta que acaben las discusiones pero no lo consigue y como consecuencia llega el enfado de Dios. Éste, para acabar con las disputas, decide enviar un diluvio, avisando antes a Noé para que construya un arca gigante y pueda así salvar a cide enviar un diluvio, avisando antes a su familia y a los animales llevando en Noé para que construya un arca gigante el arca una pareja de cada especie. Noé y pueda así salvar a su familia y a los y sus hijos consiguen terminaR el arca animales llevando en el arca una pareja cuando llegan los animales que lo ha- de cada especie. Noé y sus hijos concen de todos los rincónes del mundo. siguen terminaR el arca cuando llegan Noé que es representado como el due- los animales que lo hacen de todos los ño del balneario intenta que acaben las rincónes del mundo. discusiones pero no lo consigue y como consecuencia llega el enfado de Dios. Éste, para acabar con las disputas, de 39 38 | 39


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festivales


XXV Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería

Un cuarto de siglo de oro con el teatro más brillante

Las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro de Almería llegan este año a su vigesimoquinta edición. Su programa de extensiones por diversas localidades de la provincia arrancó ya el pasado 8 de febrero, pero el bloque central tendrá lugar en la capital entre el 6 y el 14 de marzo, que contará con el estreno de ‘Basta que me escuchen las estrellas’ de Producciones Micomicón, el regreso del primer actor profesional que actuó en el certamen, Héctor Clotet, representaciones de los japoneses Ksec Act y la Compañía Nacional de Teatro Clásico, un homenaje a María Jesús Valdés y un rico programa de conferencias y encuentros. Organizadas por la asociación cultural homónima, las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro suponen todo un acontecimiento para Almería y todos los amantes de uno de los teatros más ricos de la cultura occidental. Tanto es así, que en este veinticinco aniversario han recibido la Bandera de Andalucía, galardón otorgado por la Junta de la comunidad en reconocimiento a su labor en el desarrollo de la cultura, un premio por el que su director, Antonio Serrano se muestra orgulloso, satisfecho y agradecido: “En cuanto a lo hecho, llegamos al veinticinco aniversario con una sensación emotiva muy profunda, porque el nuestro no es un festival al uso. Tenemos que trabajarnos su supervivencia cada año y llegar a este punto después de momentos dificilísimos hace que estemos profundamente satisfechos. En cuanto al futuro, creo que el reto es conseguir seguridad, algo que pasa por la creación, como ya hemos repetido hasta la saciedad, de una fundación o un patronato que mediante convenio asegure su porvenir”. Edición de celebraciones Con todo, la efeméride será también celebrada desde dentro hacia afuera, es decir, con un programa de actividades organizadas con el hito en mente, al estar, como apunta el director, en una cultura que exige la conmemoración de las fechas señaladas. De este modo, se va a editar y presentar, el día 14 de marzo, un libro sobre los 25 años del certamen y habrá sendas exposiciones con los carteles de todas las ediciones y con las fotografías que Manuel  41 40 | 41


Falces ha tomado a lo largo de la última década, mientras que en el apartado de espectáculos programados destaca la presencia del actor argentino-venezolano Héctor Clotet, que fue el primer actor profesional que participó en las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro, concretamente en la segunda edición, que regresa nuevamente con la obra que presentó en aquella ocasión, Juglarías. “Al organizar unas Jornadas como estas uno tiene que buscarse la vida año a año, superándose y demostrando. Desde hace tres años ya podemos llamarlas, sin ningún temor, internacionales, un carácter que ya es irrenunciable. Es muy enriquecedor comprobar cómo la cultura del Siglo de Oro se contempla con sus variantes desde fuera de nuestras fronteras y este año tenemos como estrella a Clotet, junto a la presencia, más exótica, de los japoneses Ksec Act con Numancia de Cervantes”. Asimismo, en la Iglesia de las Puras, un templo que como explica Serrano, se abre al público en contadas ocasiones, el 12 de marzo se podrá disfrutar de un concierto titulado De la sombra y de la espuma, una pieza compuesta por Juan Manuel Cidrón por encargo del festival en el que el músico se ha inspirado en un verso de ‘El galán fantasma’ de Calderón para realizar una partitura de música electrónica. Un extenso programa Todos estos actos forman parte de la programación de Almería capital, concentrada entre los días 6 y 14 de marzo, cuya inauguración tendrá como protagonista a la actriz María Jesús Valdés, que recibirá el homenaje de esta edición, en el que la laudatio correrá a cargo de Andrés Peláez, director del Museo Nacional de Teatro y que en palabras de Serrano, promete ser un espectáculo en sí mismo. Además de los citados espectáculos de Héctor Clotet y Kesc Act, el programa comprende el estreno de la última obra de Micomicón, Basta que me escuchen las estrellas sobre la vida de Lope de Vega y de la que se informa ampliamente en las páginas posteriores; Del rey abajo ninguno por la Compañía Nacional de Teatro Clásico de Francisco de Rojas Zorrilla con dirección, también, de Laila Ripoll; y Casa con dos puertas mala es de guardar de Calderón de la Barca dirigida por Manuel Canseco.


U Llega al Arriaga el diluvio más famoso de la historia. Se convierte así en una renovación de la famosa huida No obstante, las Jornadas vienen realizando una programación específica por diversas localidades de la provincia, que comenzaron el pasado 8 de febrero en Roquetas de Mar con La Ventana Rojas de Rojas Zorrilla por la Compañía Morboria y que han llevado a poblaciones como Adra, Tabernas, Senés, Vélez Rubio y Vicar espectáculos como El cristo de los gascones de Nao d’Amores, No hay burlas con el amor de Pedro Calderón de la Barca en un montaje de la Compañía Escuela Superior de Arte Dramático de Murcia, Chronica de Fuenteovejuna de Lope de Vega en un montaje de Samarkanda Teatro que ha dirigido José Carlos Plaza, el estreno de la zarzuela La linda tapada por la Asociación de Amigos de la Zarzuela de Torrejón de Ardoz, El juego del amor y el azar de Mariveaux por la Compañía de teatro La Ruta y Las bizarrías de Belisa por la Compañía Nacional de Teatro Clásico. Estas extensiones culminarán con la representación de Juglarías de Héctor Clotet el 7 de marzo en Senés, y de Tiempo de oscuridad (Vida y obra de San Juan de la Cruz) el día 15 de marzo en Vera, creado y dirigido por Benjamín Soriano.

na de las mayores singularidades que presentan las Jornadas de Teatro del Siglo de Oro es su sustancioso bloque de conferencias, un programa por el que vienen apostando desde un principio y que tiene por objetivo el acercamiento entre académicos y teatreros. “No es sólo que se reúnan sino conseguir que no se miren, como suele ocurrir, con cierto recelo. Este es uno de los logros que hemos tenido, mostrar que es imprescindible que ambos colectivos colaboren. Están condenados a entenderse, a investigar juntos, y sobre todo para la gente joven es un caldo de cultivo fantástico”, observa Serrano. En esta edición, el ciclo tendrá lugar entre los días 7 y 9 de marzo, y en el mismo participarán como conferenciantes José María Díez Borque de la Universidad Complutense con la ponencia “Teatro y fiesta de palacio: excesos y protestas”; Javier Huerta también de la Complutense con “Clásicos, cara al sol”; Germán Vega de la Universidad de Valladolid con “Hipogrifos violentos y otros caballos de comedia”; el actor Pedro M. Martínez con “Las mujeres del fraile”; Agustín de la Granja de la Universidad de Granada con “Mujercitas hermosas y lascivas. Teatro y erotismo en tiempos de Cervantes”; Piedad Bolaños de la Universidad de Sevilla con “Los albores del corral de La Montería: 1626-1636”; Ricard Salvat de la Universidad de Barcelona con “Hacia el posible repertorio de un teatro nacional”; Ignacio Arellano de la Universidad de Navarra con “Imagen del poder en Bances Candamo, poeta áulico de Carlos II”; Mercedes de los Reyes de la Universidad de Sevilla con “La fábula de Criselio y Cleón, de Diego Jiménez de Enciso”; Alfredo Hermenegildo de la Universidad de Montreal con “Catequesis y fantasía: el teatro asuncionista del siglo XVI”. El programa se completa con diversos coloquios con algunos de los responsables de las obras presentadas en el festival, a saber, miembros de Ksec Act, Laila Ripoll y Mariano Llorente y Manuel Canseco.

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Micomicón estrena en las Jornadas de Teatro de Siglo de Oro Borja Relaño | [Obra: Basta que me escuchen las estrellas. | Autores: Laila Ripoll, Mariano llorente. Intérpretes: Manuel Agredano, Teresa Espejo, Marcos León, Juan Ripoll, Rebeca Sanz, Ana Varela. | Escenografía: Arturo Martín Burgos. Vestuario: Almudena Rodríguez Huertas. | Iluminación: Luis Perdiguero. | Coreografía, asesoría musical: Marcos León. | Producción: José Luis Patiño. | Ayudante de Dirección: Antonio Verdú. | Dirección: Laila Ripoll, Mariano Llorente. | Producción: Producciones Micomicón. Lugar: Teatro Apolo - Almería. | Fecha: 6 de marzo.| Hora: 22.00.]

Tras haber realizado

a lo largo de su historia como compañía cinco montajes sobre textos de Lope de Vega, desde Los Melindres de Belisa (1992) hasta la más reciente Castrucho (2003), Producciones Micomicón ha regresado nuevamente a sus brazos para presentar, en esta ocasión, Basta que me escuchen las estrellas, un espectáculo en el que a través de su palabra, sus mujeres, sus cartas, sus canciones y su obra, se irán desgranando, como en un gran retablo, las grandezas y miserias del Fénix. Emocionante y vibrante Y es que a los miembros de la compañía madrileña Lope les resulta “emocionante y vibrante”, como dice Mariano Llorente, debido a que tiene una “capacidad versificadora incomparable; una construcción dramática que recoge todo lo que en su época está naciendo y reconstruye con ello lo que los estudiosos han dado en llamar el teatro nacional del Siglo de Oro con la edificación de ‘las tres jornadas’; además de esa mezcla maravillosa de comedia y tragedia, que si hasta la fecha se encontraban muy distanciadas, Lope los une y lo mismo te da un disgusto de muerte, en el sentido literal de matar a un personaje, como en la siguiente escena se muere uno pero de risa; y su tratamiento de las temáticas como el deseo, el amor, el movimiento de los bajos, el sexo, la venganza, la ambición, en las que hay reacciones humanas y conocimiento del corazón. Todo eso produce una riqueza emocional, sensorial, rítmica... teatral, tan grande que meterse a jugar con ello es de una enorme dificultad pero muy gratificante”. Por eso, porque les parecía que se la debían, Mariano Llorente y Laila Ripoll han configurado un espectáculo sobre este hombre al que describen como abundante en todo, en obras y en amores, en amigos y enemigos, en dudas, en dolores, en pobreza, en gloria, en agonías... Su vida fue


Al estreno de Basta que me escuchen las estrellas, acompañaron la presencia de Laila Ripoll en las Jornadas de Teatro de Siglo de Oro se completa con la presentación del espectáculo ‘Del rey abajo ninguno’, que ha dirigido para la Compañía Nacional de Teatro Clásico. “La sensación es muy distinta. –dice Ripoll– una es un proyecto circunstancial en el que también te dejas el hígado, pero la otra es tu cariñito, tu hijo, tu vida. Además, ‘Del rey abajo ninguno’ ya está estrenada y está funcionando muy bien. Por otra parte, las dos estarán relacionadas de alguna manera, al haber en la del CNTC actores que han pasado por Micomicón, y en ‘Basta que me escuchen las estrellas’, fragmentos grabados de voces de actores que participan en la producción de la Compañía Nacional de Teatro Clásico”.

apasionante: soldado, secretario, sacerdote, amante, marido abnegado, infiel impenitente, trasterrado, madrileño de pro, golfo, pecador, santo, teatrero, generoso, mezquino, luz y sombras del barroco, espejos que se multiplican, caudal inagotable... “La vida de Lope es muy entretenida, como una de sus comedias, muy agitada y muy dolorosa también. Se ha generalizado la imagen de que era un vivalavirgen que tuvo muchas mujeres y sí que las tuvo, pero también demostró una enorme fidelidad por todas ellas, siendo un buen esposo y un buen padre ya que era sorprendentemente moderno en su actitud para con la mujer. Y sufrió mucho, porque a pesar de todos sus amores, vio como todos sus seres queridos iban muriendo, hasta el punto de que creo que él mismo murió, no por enfermedad sino por falta de estímulo vital”, explica Llorente. Y es que, además, en palabras de la codirectora, todo el mundo tiene sus santos: “Empezamos con el Cancionero con personajes como Lorca, Azaña o Juan Ramón Jiménez. Luego hemos pasado por Santa Frida Kahlo, con el montaje que presentamos en la Cuarta Pared, Árbol de la esperanza y ahora estamos con San Lope de Vega. Es una racha que nos ha dado con los santos”. Tres jornadas Uniendo las dos caras de Micomicón que forman una sola, la de hacer indistintamente espectáculos clásicos y contemporáneos, han planteado la propuesta con una estructura, como no podía ser menos, en tres jornadas, divididas de forma cronológica, desde los inicios y el contacto con la commedia dell’arte y su conocimiento de Lope de Rueda, pasando por su actividad dramatúrgica y la creación de sus comedias más importantes, para, al final,  45 44 | 45


realizarle un homenaje con una jornada de corte más contemporáneo. Tal y como explica Ripoll, “pese a que hay mucho de su obra no dramática, no se trata de un recital ni mucho menos, sino de una obra de teatro con personajes y desarrollo en tres códigos. El primero sería la primera jornada que refleja lo que Peter Brook bautizó como la tosquedad del teatro primitivo, los inicios del teatro en Madrid, Lope de Rueda, del arte de los zannis y la llegada de la commedia dell’arte, de ahí que trabajemos el clown, porque de alguna manera son sus herederos modernos. La segunda jornada es más convencional en el sentido de una comedia del siglo de oro, con su estructura y versificación, donde se representan pasajes de obras como La dama boba. Y la tercera, es puramente contemporánea, que tiene más que ver con ‘Atra bilis’ o ‘Todas las palabras’, cualquiera de los textos nuestros que hemos llevado a escena. Esa es la apuesta que más nos seduce, ya que es un cambio de código”. Asimismo, han querido respetar la estructura del teatro barroco, incluyendo una loa, bailes, canciones y rupturas, un recurso del que Ripoll dice que se nos antoja muy moderna pero que ya la hacían en el XVII. “En realidad no hemos inventado nada”, sentencia. Al hilo de esto, asegura que se trata de un espectáculo cuyo espacio ideal sería uno no convencional, no a la italiana, que pudiera tener público alrededor, que no hubiera esa separación tan grande entre el actor y el espectador. “Eso es algo del siglo XIX, del romanticismo. En los corrales la gente estaba de pie, por todas partes, incluso apoyada en el escenario, y había una interacción entre lo que estaba pasando arriba y abajo. Por desgracia, actualmente no disponemos de este tipo de espacios”, dice Ripoll. En los corrales la gente estaba de pie, por todas partes, incluso apoyada en De este modo, Arturo Martín Burgos ha conel escenario, y había una interacción entre lo que estaba pasando arriba feccionado una escenoy abajo grafía que es una reconstrucción “absolutamente estilizada” de lo que es un corral de comedias, mientras que el vestuario es de Almudena Rodríguez Huertas, con quien Ripoll había trabajado en el montaje de la Compañía Nacional de Teatro Clásico, Del rey abajo ninguno, que ha realizado unos diseños que en palabras de Ripoll “conectan la tosquedad de la que hablábamos con el punto de los cuadros de Velázquez, Zurbarán e incluso Caravaggio”.


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Las XXXI Jornadas de Eibar llegan a su fin

Teatro para todas las edades y para todos los gustos

Las XXXI Jornadas de Eibar

concluyen en este mes de marzo con diferentes representaciones para todos los gustos. Se incluye la Sección de Grupos Universitarios compuesta por tres obras de las compañías Narruzko Zezen, el Taller de Teatro de Pinto y Teatro Íntimo. Pero siguiendo con su tradicional programa la variedad de géneros escénicos prima en estas jornadas, en las que podemos encontrar zarzuela, teatro infantil, una doble representación con versión en castellano y otra en euskera de la obra ‘El método Grönholm’, y más teatro en euskera con ‘Sommer jaunaren istorioa’.

Dentro de la Sección Grupos Universitarios de las XXXI Jornadas de teatro de Eibar, se podrá ver a las compañías Narruzko Zezen, al Taller de Teatro de Pinto, que es la compañía estable del teatro Francisco Rabal y por último a Teatro Íntimo. Los primeros en pasar por estas jornadas en el mes de marzo son los locales Narruzko Zezen con la obra Mandíbula afilada que se representará el día 7 de este mismo mes en el Teatro Complejo Educativo. En esta ocasión los actores que llevan a escena la obra del valenciano Carles Alberola son Rubén Gallardo y Belén Fernández, que se han calificado a sí mismos como la “Sección Veterana” de la compañía, que ha cumplido 38 años y que vuelve a acoger a dos actores que comenzaron en este grupo de teatro del Complejo Educativo. La obra en tono de comedia habla de un joven de unos cuarenta años llamado Juan, que recibe la visita de una antigua novia, Laura, unos días antes de que ésta se case con un amigo en común. Juan que continúa enamorado de ella, parece que va a ver su sueño de estar junto a Laura hecho realidad, pero un imprevisto hace que todo pueda cambiar. Algo característico del teatro de Alberola es ese enfrentamiento entre la realidad y el deseo, que se plasma en esta obra. Tiempos pasados Un día después, el 8 de marzo llega al teatro Coliseo Antzokia la compañía estable del teatro Francisco Rabal de Madrid, el Taller de teatro Pinto en este caso para presentar la obra Artaud, rien de rien. Escrita por Ozkar Galán y dirigida por Miguel Ferrari, se sitúa


Mariano Llorente y Laila Ripoll han realizado un ‘Lope apócrifo’ empujados por el “inmenso cariño” que sienten por el Fénix

a principios de los años 40 en un burdel de París en los días en los que llegan los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Cuenta la historia de unas prostitutas que deciden proteger a una niña judía en un primer momento escondiéndola en el sótano para después hacerla pasar por una de ellas. El texto relaciona a la niña con Antonin Artaud, el autor y teórico teatral y a la cantante francesa Edith Piaf, de quien están presentes las canciones en este espectáculo interpretadas en directo sobre el escenario por la actriz que encarna a este personaje. Por último encontramos a los madrileños Teatro Íntimo surgido de la Escuela de Teatro Bululú cuando los alumnos de la misma decidieron que querían que el trabajo realizado fuese algo más que una “función de fin de curso”. Llegan a las XXXI Jornadas de Teatro de Eibar con Cartas de amor a Stalin de Juan Mayorga y bajo la dirección de Paco Obregón . Se cuenta la historia de amor en la que intervienen tres personajes, un hombre, una mujer y el diablo. El propio autor ha dicho de la obra que es “una meditación sobre la necesidad que tiene el artista de ser amado por el poder, necesidad tan fuerte como la que el poder tiene de ser amado por el artista” Una historia basada en un hecho real sobre el escritor Mijail Bulgákov a quien el stalinismo condenó al silencio. Sobre el escenario veremos como este personaje, Bulgákov, se encuentra en el momento en el que la censura cae sobre su obra y se dedica a escribir únicamente cartas a Stalin en donde le pide libertad sobre su escritura. Tras recibir una llamada de un supuesto Stalin que se corta de manera imprevista, el escritor se adentra en un mundo lejos del real, dónde su único deseo es encontrarse con el tirano.  49 48 | 49


Su mujer intentará mantenerlo cuerdo pero en un momento de enajenación aparece Stalin en forma de fantasma, entrando en lucha con la mujer de éste, quien no dejará que ese ente fantasmagórico se lleve a su marido. Por partida doble Fuera de esta sección de grupos universitarios, el programa de las Jornadas de Eibar ofrece también otras opciones. Un buen ejemplo es el doblete que hará El método Gronhölm que será representado en escena en castellano y en euskera. Los días 3 y 4 de marzo se podrá ver sobre el escenario la versión en castellano de esta obra en el Teatro Coliseo Antzokia. La obra de Jordi Galceran cuenta con la dirección de Tamzin Townsend y con la actuación de Jorge Bosch, María Pujalte, Jorge Roelas y Eliazar Ortiz. Tras cuatro años de gira, El método Grönholm muestra sobre el escenario a cuatro aspirantes a un puesto de trabajo de alto ejecutivo, y que son encerrados en una habitación sometiéndoles a todo tipo de pruebas, siendo la mayor parte de estas pruebas denigrantes, aunque a su vez ingeniosas ya que el propósito es suscitar la competitividad a cualquier precio, no importando en ningún momento la falta de moral, los engaños o el hecho de pasar por encima de alguien. La obra pasa de la comedia al drama al ir desarrollándose la trama. El método Grönholm que se llevó a la gran pantalla bajo el título ‘El método’ también se podrá ver en una tercera función en estas XXXI Jornadas de Teatro de Eibar, pero en esta ocasión en su versión en euskera. El día 5 de marzo recalará Grönholm Metodoa de la mano de Txalo Produkzioak. La dirección corre a cargo de Carlos Zabala y la traducción ha sido realizada por Julia Marin. En este caso los encargados de dar vida a esos cuatro aspirantes a altos ejecutivos son Joseba Apaolaza, Asier Hormaza, Ramón Agirre e Itziar Ituño. Esta versión en euskera producida por los guipuzcoanos Txalo Produkzioak se estrenó el pasado mes de febrero en Donostia. Al gusto de todos El resto de obras que componen la programación de las XXXI Jornadas de Teatro de Eibar


se compone de una amplia oferta dirigida a un público variado. Los días 1 y 2 de marzo se representará en el Teatro Complejo Educativo la zarzuela La tabernera del puerto que cuenta con letra de F. Romero y G. Fernández Shaw y música de Pablo Sorozábal. La obra se estrenó el 6 de mayo de 1936 en el Teatro Tívoli de Barcelona, y una vez pasada la guerra en el Teatro de la Zarzuela de Madrid en 1940. Siguiendo con la variedad, el 12 de marzo llega al Teatro Coliseo Antzokia Sommer jaunaren istorioa de la mano de Txalo y Soroiz. Obra en euskera para un sólo actor, en este caso Jose Ramón Soroiz, quien bajo la dirección de Xicu Masó , da vida un individuo que desde su infancia ha vivido intrigado por los movimientos del Señor Sommer. El personaje que da nombre a la obra es un extraño individuo cuya existencia es todo un misterio, tanto que ni siquiera aparece en escena. Tamzin Townsend llega como directora por partida doble a estas jornada, en este caso con Gorda, una representación programada en colaboración con la Mesa de la Mujer del Ayuntamiento de Eibar, dentro de los actos organizados con motivo del 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer. Los días 13 y 14 de este mes Luis Merló, Teté Delgado, Alicia Martínez e Iñaki Miramón encarnarán a los personajes de esta obra que plantea la problemática de una mujer con sobrepeso, pero también una mujer de peso capaz de enamorar tanto a un hombre guapo y triunfador como a todos los que la rodean. Una representación llena de humor pero también con momentos que harán reflexionar al espectador. Entre toda esta oferta, en Eibar también hay espacio para los más pequeños con la obra infantil Golulá que llega al Teatro Coliseo Antzokia el 15 de marzo. De la mano de Galitoon Producciones se presenta esta función escrita y dirigida por Andrea Bayer, que cuenta la historia del país Golulá que sólo tiene una nube y sus habitantes tienen miedo de perderla, a partir de ahí el espectador se adentrará en un mundo de fantasía y misterio lleno de personajes como Bunkaa, el guardián de la nube, o Lara, la mejor amiga de éste. En este especial país todas las personas son diferentes, de diferentes especies y colores, pero todo cambiará el día en que les roban su nube. La obra quiere trasmitir a los más pequeños valores éticos y positivos promoviendo el respeto, la tolerancia y la solidaridad.

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En marcha el IV Circuito de Danza Contemporánea

‘Monkeys’ de Tapeplas 2 y ‘Ostrukaren Zuloa’ de Ertza son las dos representaciones que acoge el Circuito en marzo

Con el mes de marzo llega a la escena vasca el IV Circuito de Danza

Contemporánea que finalizará en junio. Concretamente el pistoletazo de salida lo dio el 23 de febrero en Donostia con Hasta Mañana de 10&10 Danza y continuaba el 29 del pasado mes con el Ballet Biarritz Júnior 3 que llegaba a Elorrio con Gari Beltza. En esta edición del 2008 la organización ha querido darle una mayor importancia al programa aumentando así el número de compañías participantes y los teatros y municipios que albergarán las representaciones. De esta manera también se ha invitado a participar en el Circuito a espacios como Artium o la renovada Aula Magna de la UPV en el Campus de Leioa, además de los teatros municipales. La organización también ha querido obtener una mayor implicación por parte de los programadores de la danza, las compañías y de quienes se encuentran dentro de esta disciplina artística, de esta manera

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En esta representación conjugan diferentes piezas inéditas y materiales de la compañía y en donde se encuentra lo tribal, lo sutil, lo enérgico, el juego y la variedad de ritmos que se van desarrollando durante la hora que dura el espectáculo

han aumentado las representaciones ampliando la oferta de entre 4 y 6 que se venía dando en ediciones anteriores hasta 31 que es el número de representaciones con las que cuenta el IV Circuito de Danza Contemporánea. La idea de este Circuito viene siendo la misma que en ediciones anteriores, que no es otra que pretender dar una respuesta tanto a los profesionales del sector como a los aficionados que buscan ver la últimas creaciones de pequeño y mediano formato. Del mismo modo, esta iniciativa cultural pretende también apoyar el esfuerzo por acercar hasta sus asientos al mayor número posible de espectadores en torno a la danza, que realizan los teatros tanto de municipios pequeños como de los más grandes. Los escenarios que acogerán las actuaciones de este IV Circuito de Danza Contemporánea son en Vitoria-Gasteiz en el Teatro Jesús Ibánez de Matauco, el Teatro Federico García Lorca y Artium. El Arriola Antzokia de Elorrio, Gazteszena de Donostia, en Leioa el Kultur Leioa Auditorium y el Aula Magna de la UPV, en Agurain el Harresi Aretoa y Bastero Kulturgunea de Andoain, localidad ésta que también contará con actividades de calle. Las dos últimas localidades que acogen este circuito son Gernika concretamente el Lizeo Antzokia y Villabona en Gurea Antzokia. Música y ritmo En este mes de marzo se podrá disfrutar de dos espectáculos de danza de la mano de las compañías Tapeplas 2 y Ertza. Los primeros llegan desde Barcelona con Monkeys que nace como resultado del desarrollo de Tapeplas y su repertorio. En esta representación conjugan diferentes piezas inéditas y materiales de la compañía y en donde se encuentra lo tribal, lo sutil, lo enérgico, el juego y la variedad de ritmos que se van desarrollando durante la hora que dura el espectáculo. Por lo tanto en esta actuación se podrá ver el estilo que tiene esta compañía que une movimiento y sonido dentro de un lenguaje visual y expresivo, siendo la herramienta principal de expresión el ritmo inspirado en una amplia gama de influencias mediterráneas, europeas y del Oriente próximo. Tapeplas comenzó su andadura en 2002 de la mano de Sharon Lavi, quien junto con un grupo de jóvenes bailarines catalanes con los que desarrolla un estilo original de percusión de pies y movimiento. A este grupo fundador se une Yaron Engler quien se convierte en director adjunto musical y desde entonces vienen presentando creaciones como ‘BoomBach’ que aúna tap dance, música y ritmo en un concepto teatral innovador. Con Monkeys visitarán diferentes localizaciones participantes en este circuito mostrando su peculiar estilo, actuando por partida triple en este mes, en el Arriola Antzokia de Elorrio, en el Centro Cívico de Lakua (Teatro Federido García Lorca) de Gasteiz y en Villabona llenarán con su ritmo y su danza el Gurea Antzokia.


Mucho más Por otro lado y en este caso por partida doble en este mes de marzo, llega la compañía de Asier Zabaleta Ertza que presentará Ostrukaren Zuloa, el primer día de marzo en el Arriola Antzokia de Elorrio y el 8 de este mismo mes en la Gazteszena de Donostia. La representación dirigida, creada e interpretada por el propio Asier Zabaleta pretende reflexionar acerca de que por miedo, se deja de lado lo que verdaderamente se quiere hacer, para sustituirlo y conformarse con premios de consolidación que se acercan a lo deseado, pero que en ningún momento son lo realmente anhelado, o como dice el propio autor “A veces ni eso”. Zabaleta lleva desde 1994 participando como intérprete en compañías como Arteszena, Compañía de Vicente Sáez ó Mascarada. El circuito continuará adelante en el mes de abril con un mayor número de representaciones donde se podrán ver creaciones como Niña Frida de Karlik Danza, Ojos de Pez de Daniel Abreu, Argira de Verdini, Haiku de Matxalen Bilbao, ó la ya mencionada Monkeys de Tapeplas 2 que sigue mostrando su innovador teatro en esta cuarta edición de este Circuito de Danza Contemporánea. Tapeplas comenzó su andadura en 2002 de la mano de Sharon Lavi, quien junto con un grupo de jóvenes bailarines catalanes con los que desarrolla un estilo original de percusión de pies y movimiento. A este grupo fundador se une Yaron Engler quien se convierte en director adjunto musical y desde entonces vienen presentando creaciones como ‘BoomBach’ que aúna tap dance, música y ritmo en un concepto teatral innovador. Con Monkeys visitarán diferentes localizaciones participantes en este circuito mostrando su peculiar estilo, actuando por partida triple en este mes, en el Arriola Antzokia de Elorrio, en el Centro Cívico de Lakua (Teatro Federido García Lorca) de Gasteiz y en Villabona llenarán con su ritmo y su danza el Gurea Antzokia. Tapeplas comenzó su andadura en 2002 de la mano de Sharon Lavi, quien junto con un grupo de jóvenes bailarines catalanes con los que desarrolla un estilo original de percusión de pies y movimiento. A este grupo fundador se une Yaron Engler quien se convierte en director adjunto musical y desde entonces vienen presentando creaciones como ‘BoomBach’ que aúna tap dance, música y ritmo en un concepto teatral innovador. Con Monkeys visitarán diferentes localizaciones participantes en este circuito mostrando su peculiar estilo, actuando por partida triple en este mes, en el Arriola Antzokia de Elorrio, en el Centro Cívico de Lakua (Teatro Federido García Lorca) de Gasteiz y en Villabona llenarán con su ritmo y su danza el Gurea Antzokia.

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Gente de palabra: Entrevista con Mercedes Carrión

Entrevista con Mercedes Carrión

Mercedes Carrión ha sido actriz, (escuela nacional de teatro y cinematografía de Budapest) mimo, (Instituto del Teatro de Barcelona, discípulos de Tomachevski y Andrej Leparski), ha curioseado en el mundo del clown, los malabares y la danza. Es maga y confiesa haber tenido la suerte de estar cerca de grandes maestros (Juan Tamariz, Malo el Malísimo Donald Lehn, Arturo Ascanio entre otros). Fue la primera mujer ilusionista en recibir dos premios: uno en Madrid y otro en Lisboa. Finalmente se hizo cuentera. Lleva 17 años contando y cuando lo hace nos hechiza con todo tipo de magias. Estará en el circuito de cuentos de Euskadi del 12 al 14 de marzo.


¿Qué es contar para ti? Es abrir corazón, inteligencia, tripas, y dejar escapar por la boca palabras que dibujan ese mundo que está un pelín más allá. Es mentir para decir verdades. Es reír con palabras sonoras y en compañía, lo que a veces nos duele, o nos hace gozar, lo que quisiéramos y no es y lo que es y no quisiéramos que fuera y… Y como contrapartida sentir eso que llamo “el orgasmo escénico”. ¿Cómo fue que comenzaste? Siempre he contado aunque yo no lo sabía. Siempre fui una mentirosa. No me gustaba el mundo y me lo inventaba y lo que me gustaba lo agrandaba tanto que parecía más y cuando no podía salir de esos enredos para desenredarlos mentía más. Así que cuando me hice cuentera ya estaba entrenada y sobre todo en escuchar, escuchar a mi abuela. ¿Es posible formarse para contar? Yo pienso que sí, de hecho doy talleres de formación. Es preciso aprender cosas muy diversas. Desde moverse en el espacio escénico hasta entrenar voz, cuerpo, fantasía, arte de hablar, escucha, etc. Y claro, vivir para encontrar tus voces, tu discurso. ¿Para quién prefieres contar? A mi me gustan todos los públicos y espacios en general y muchos en particular. Si la gente esta allí con ganas, con las orejas bien abiertas el plato está servido. Y si no es así, mientras observo al público, antes de empezar, pienso “déjate envolver por las palabras, por la magia y sin darnos cuenta estaremos caminando juntos por el mismo sendero”. Los cuentos rompen las barreras de la razón y muchas veces

“Las historias te van desnudando, porque hablan de lo que piensas” gano la partida. Aunque a veces voy con miedo, como cuando la vida me sorprendió regalándome la cárcel de Suera para contar. Me sentía ñoña, me hubiera gustado ser de las duras. Cerré la contada tocando la concertina, ¡que palmas me acompañaron!, ¡qué maravilla! ¿Qué tipo de historias prefieres contar? Me gustan las historias que me gustan. Últimamente se me pegan historias de tradición oral. Con jóvenes y adultos suelo reinventar historias familiares, vestirlas con otro traje, quizás por que soy extranjera, (nací, de una familia “blancona”, en el centro de Lima) y aunque no soy folklórica y cuento pocos cuentos de mi país, me gusta rodearme de “los

míos”, de “mi casa” de “Perú”, contar desde el recuerdo lo que jamás podré recordar. ¿Cuál es la ‘cocina’ de tus historias? ¿Cómo te preparas o preparas la historia para contarla? El “rucu rucu” es largo. Me acuesto mucho con las historias, (soy una obsesa sexual), las miro desde las 4 esquinas de la cama y hasta desde la otra. Elijo el lugar para contarla y la voz sale a mi encuentro. Siempre es distinto y eso es divertido. Me gusta saber cual es mi discurso, descubrirme en mis obsesiones. Y como muchas veces las cuento con magia (prestidigitación) me paso muchas horas ensayando hasta encontrar el punto preciso para que no sea un agregado, un efecto especial sino que se entreteja y forme un entramado que empuje la imaginación del público, que haga crecer la maravilla, el clímax y el milagro. Cuando ya está cocinado sigo ensayando porque es muy importante la limpieza, la seguridad de que “no fallaré” aunque alguna vez ocurra. Después lo presento y todo vuelve a la cocina tantas veces como sea necesario. Cuando voy a salir en gira y antes de las funcionas me gusta tomarme tiempo en ir acomodando las cosas (en la maleta o en el escenario), es un repaso del camino que voy a andar, los objetos significativos me colocan en el lugar donde quiero estar antes de empezar. Tú cuentas con magia… Sí. No lo puedo evitar. Cuando me rondan las historias de pronto saltan los efectos de magia y se cuelan en algún cuento, enlace o conversación escénica. Nunca fuerzo la magia, si no lo pide cuento la historia sin más. Aunque no siempre lo consiga, con la magia me empeño en pescar la metáfora que cuente, que ‘diga’ que haga saltar la fantasía como las palabras mismas para mantener la calidad evocadora del acto de narrar oralmente. Cuido además de que la magia se entreteja suavecito para que no estorbe, no rompa el ritmo o el clímax de lo que se cuenta y que a la vez la magia sea mágica y no un efecto especial. Anécdotas de cuentera. Esto me ocurrió en la unidad de cáncer para niños y niñas de un hospital de Madrid. Hubo que reclutar a las/os niñas/ os yendo de habitación en habitación animándolos a venir estaban muy decaídos por los tratamientos. A casi todos los llevaron en camas y llenos de máquinas de supervivencia. Cuando comencé a contar, había una niña hermosamente participativa y habladora, que quería ayudarme en todo. Cuando terminó la función ella se acercó a contarme su vida. A las/os demás se los/as fueron llevando y ella hablaba y hablaba de mil cosas. Me sorprendió un poco que no se la llevasen y más aún, cuando ya no quedaban más que ella y yo el personal del hospital se reunió a nuestro alrededor y estuvieron hablando con ella, por lo menos, un largo cuarto de hora más. Cuando por fin la niña se fue me explicaron que llevaba interna casi un año y que jamás había abierto la boca, no le conocían la voz. Yo pensé, el espacio del hospital es un espacio de dolor en el que ella no está dispuesta a compartir, en él de los cuentos sí. La niña recuperó su voz. Todavía hoy se me pone la piel de gallina al recordarlo.  57 56 | 57


reportajes g

Entrega XI edición Premios Max

Carlos Gil Zamora

El Teatro Lope de Vega acogió este año la ceremonia de entrega de los Premios Max. Así, sin entrar en mayores consideraciones, la elección implicaba un aforo más reducido, pero a la vez, algo mucho más íntimo, más teatral. Al menos como algo presenciado en vivo y en directo. Otra cosa es lo que se transmitió por televisión, que sin ser muy importante para la repercusión general, debería ser secundario en la planbificación de esta fiesta de las Artes Escénicas. De todo lo vivido en esta jornada podríamos destacar tres puntos de la ceremonia, que se narran en un orden absolutamente subjetivo. El Premio Max de la Crítica a la revista

Primer Acto por sus cincuenta años de vida, entregado por Salvador Távora, fue uno de los momentos cumbres de este año. El discurso de su fundador y director, José Monleón, colocó el nivel de compromiso de la práctica teatral en un lugar muy alejado de la actual tendencia a la comercialidad, y su gesto de dejar en el escenario el Premio para que fuera compartido, “por aquellos que cuando empezamos con la revista y actualmente siguen haciendo teatro pensando en la necesidad de defender la democracia”, fue la lección magistral de la noche.

Un linoleum verde Por otro lado una sincera reacción de una creadora que recibió un doblete de premios, Elisa Sanz, acabó convirtiéndose en una de las comidillas posteriores, y abría de forma involuntaria el debate eterno sobre las votaciones, la cantidad de votos emitidos, las cirunstancias en las que se realizan y si existen consignas, lobbys o disiciplinas de voto para encubrar a unos o a otros. Cuando Elisa Sanz se retiraba absolutamente emocionada con su Max al mejor vestuario por Pequeños Paraísos, de Aracaladanza, fue llamada por los presentadores para que volviera para recibir el Max correspondiente a la mejor escenografía por la misma obra. Entró desde cajas, lo recibió asbolutamente sorprendida porque aseguró que su trabajo había consistido en colocar un linoleum verde en el suelo. Posiblemente ese tapiz o linoleum fuese fundamental, pero competía con dos escenografías muy elaboradas, de gran presupuesto, complejas y espectaculares que además formaban parte de propuestas de producción bastante relevantes y de importancia contrastable que habían girado por muchos escenarios.


Este año se ha notado que en danza, concretamente, se premiaron trabajos emergentes, frente a los nombres consolidados, aunque Blanca Li es la excepción con su Max a la mejor coreografía, y el resto fueron a Erre que Erre por el mejor espectáculo de danza por Escupir en el tiempo, y la correspondientes a la mejor intérpretación femenina y masculina de danza para Mar Gómez y José Jaén ‘El Junco’ respectivamente. Se da la circunstancia que el mejor espectáculo Infantil recayó también en Pequeños Paraísos de Aracaladanza, sin duda una de las triunfadoras de la noche. Con otras tres estatuillas, se hicieron los de Animalario, que obtuvieron, por un lado el Max al mejor empresario o productor privado de las artes escénicas, por Marat-Sade, que se llevó también el de mejor espectáculo de teatro y el de dirección con el que se hizo Andrés Lima. Escuela catalana También con tres estatuillas se hicieron los miembros de Un enemigo del pueblo de Ibsen que se llevó el de mejor adaptación para Juan Mayorga, otro de losque acumularon premios ya que que repitió con el de mejor texto en castellano por El chico de la última fila que montó Ur Teatro. Francesc Orella fue el que recibió el Maxal mejor actor por su papel del doctor Stcokman en la obra ibseniana y Luis Delgado se hizo con el correspondiente a la mejor composición musical para espectáculo escénico por la misma obra producida por CDN. Se da la paradoja de que los tres nominados para el mejor actor secundario eran compañeros en el reparto de Plataforma, el montaje de Calixto Bieito de la obra homónima de Michel Houellebecq, que al final recayó en Carles Canut que hizo su discurso de agradecimiento totalmente en catalán. Esta producción de la Fundació Romea ganó también el Max a la mejor iluminación realizada por Xavi Clot. Los dos premios de interpretación femenina fueron a parar al reparto de Homebody/Kabul, la producción del Teatro Español con dirección de Mario Gas que recayeron en Vicky Peña como actriz protagonista por su espléndida interpretación en esta obra y el de actriz secundaria para Gloria Muñoz, una veterana actriz que siempre está bien en todos sus trabajos.

De todo lo vivido en esta jornada podríamos destacar tres puntos de la ceremonia, que se narran en un orden absolutamente subjetivo. El Premio Max de la Crítica a la revista Primer Acto por sus cincuenta años de vida, entregado por Salvador Távora.  59 58 | 59


De todo lo vivido en esta jornada podríamos destacar tres puntos de la ceremonia, que se narran en un orden absolutamente subjetivo. El Premio Max de la Crítica a la revista Primer Acto por sus cincuenta años de vida, entregado por Salvador Távora. El Premio Max de la Crítica a la revista Primer Acto por sus cincuenta años de vida, entregado por Salvador Távora

El propio Teatro Español de Madrid, además de estos dos premios se hizo con el Max a la mejor dirección musical para Manuel Gas por Ascenso y caída de la Ciudad de Mahagonny y también el de mejor espectáculo musical por esta obra de Weil/Brecht. Maite Aguirre, Inés Martínez de Iturrate y Santiago Ortega, ganaron el Max al mejor texto en euskera por Haur Kabareta, un trabajo musical para niños y niñas. Al recoger su manzana los agraciados cantaron una simpática cancioncilla de la obra. El Premio Max Revelación que concede un jurado restringido y que trata de llamar la atención sobre compañías de las comunidades autónomas, se concedió en esta ocasión para los madrileños de La Quintana Teatro y su obra con lenguajes actuales Desde lo invisible. El Festival Internacional de Teatro de Expresión Ibérico de Oporto, FITEI, fue premiado con el Max Hispanoamericano tras más de treinta años siendo el punto de encuentro de los autores y dramaturgias más innovadoras de ambos lados del océano . El bailarín y coreógrafo aragonés Víctor Ullate recibió el Max de Honor por toda su trayectoria y agradeció el mismo recordando sus inicios y a todas las personas que han ido acompañando en su trayectoria. La ceremonia fue tan entrañable, debido al tono de los dos actores que la presentaron, María Galiana y Carlos Álvarez Novoa como morosa en su ritmo. El guión se hilvanaba con frases y poemas de Machado, la escenografía eran tres trailers colocados en el escenario de donde surgían la s actuaciones, entre ellas unos pasajes de la obra de títeres gigantes Aullidos de Teatro Corsario, y en donde predominó de manera muy especial el baile y el cante flamenco, en un espectáculo dirigido por José María Roca. El Premio Max Revelación que concede un jurado restringido y que trata de llamar la atención sobre compañías de las comunidades autónomas, se concedió en esta ocasión para los madrileños de La Quintana Teatro y su obra con lenguajes actuales Desde lo invisible. El Festival Internacional de Teatro de Expresión Ibérico de Oporto, FITEI, fue premiado con el Max Hispanoamericano tras más de treinta años siendo el punto de encuentro de los autores y dramaturgias más innovadoras de ambos lados del océano .


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tional de la Jeune Création des Arts du Cirque & de la Scène ‘Pistes de Lancement’. El Espacio Catastrophe situado en la localidad belga de SaintGilles reunirá a distintas formaciones como por ejemplo Le BoTrio, Théâtre Décalé, Les Z’enkrôlées, Deux Poids Deux Mesures, Antoine Clée & ThoLa cama prólogo y epílogo de la vida Está abierta la convocatoria para parmas Dequidt, Foucauld Falguerolles, de Teatro en el Aire, Numancia del ticipar en los Premios Buero de Teatro entre otras. Teatro de Japón, el último trabajo del Joven que igual que en ediciones anTeatre Lliure 2666, y Animales artifiteriores impulsado por la Fundación ciales a cargo de Matarile Teatro son Coca-Cola se dirige a grupos de tealas propuestas teatrales que cierran el tro formados por jóvenes de centros primer trimestre de la programación escolares o culturales de todo el estaen el Centro Párraga de Murcia. Adedo. Con un índice cada vez más alto más este espacio dedicado a la creación de participación, además este Premio artística acoge diferentes exposiciones concede becas de formación profesioy conciertos como el que ofrecerá nal a los dos mejores intérpretes de La Universidad Carlos III de Madrid Standstill. cada edición. celebra del 3 al 14 de marzo el X Encuentro universitario de danza contemporánea. Se trata de la muestra de las piezas coreográficas que han llevado a cabo diferentes formaciones y talleres universitarios. Participan el Conservatorio Superior de Danza de Madrid, El Laboratorio de Danza UC3M, y la Universidad Europea. Además se realiEl Teatro del Auditorio Miguel Delibes de Valladolid acogerá los días zarán diversos talleres y conferencias. 25 y 26 de marzo el Foro entorno al análisis, la mejora y el impulso de las Artes Escénicas en Castilla y León. La Dirección General de Promoción ha convocado a diferentes colectivos del sector con el objetivo de mejorar los aspectos esenciales que constituyen la Red de Teatros de Castilla y León y la Red de Circuitos Escénicos con el apoyo de los profesionales. visionar gracias a las grabaciones

fin de temporada

premio de teatro joven

danza en las aulas

mis celá nea

foro teatral de valladolid

blanca li en musac

Te voy a enseñar a bailar es el título de la primera exposición dedicada a la polifacética artista Blanca Li que alberga El Museo de Arte Contemporáneo de León hasta el 4 de mayo. pistes de lancement Esta muestra reúne trabaDel 6 al 16 de marzo se celebra la jos anteriores que se podrán décima edición del Festival Interna-

audiovisuales, y además como nueva creación producida por el MUSAC mostrará una pieza performática que es una combinación de danza y video.Esta muestra reúne trabajos anteriores que se podrán visionar gracias a las grabaciones audiovisuales.


Miscelánea.

escaparate ii encuentro visibilidad

Organizado por el Aula de Cultura de Getxo se convoca el II Encuentro para la visibilidad en las Artes Escénicas en el País Vasco que se llevará a cabo el 3 de marzo. El debate se centra en diferentes cuestiones como la Ley de igualdad en la creación artística y cultural y la dificualitaria. Intervienen diferentes profesionales como Virginia Imaz, Aizpea Goenaga, Ana Pimenta o Margarita Borja.

‘Actores y Actuación. Antología de tex- época de sincretismo y mestizaje cultos so¬bre la interpretación Volumen tural que se refleja en la diversidad de III (1915-2000)’ culmina una antolo- estilos, opiniones, culturas y estéticas gía de textos so¬bre el arte del actor a través de las experiencias y el análiformada en su mayoría por testimo- sis de más de una treintena de artistas nios de los propios intérpretes, reflexio- de reconocimiento internacional que nes, relatos y normas sobre su propio se presentan por orden cronológico y trabajo. Coordinada por Jorge Saura que arrancan con Tadeus Kantor para y pu¬blicada por la editorial Funda- dar paso a Orson Welles, Uta Hagen, mentos, el primer volumen de esta Fernado Fernán-Gómez, Jacques Leantología parte de la antigua Grecia y coq, Vi¬ttorio Gassman, Marcel Marlle¬ga hasta mediados del siglo XIX; el ceau, Dario Fo, Peter Brook, Cicey segundo volumen se acerca hasta los Berry, Augusto Boal, Jerzy Grotowski, albores del siglo XX para con este ter- Eugenio Barba, John Strasberg o Incer volumen llegar a la actualidad, una grid Pelicori entre otros.

Cuestiones como las razones Entre las novedades de Teaque le llevan a un hombre a tro del Astillero se encuentra la violencia o más concretaun volumen que incluye dos mente qué le lleva a maltratextos del joven dramaturgo tar a la persona con quien Marius von Mayenburg, comparte su vida son las que actualmente autor re-sidente aborda, desde una visión en la Schaubühne am Lehsutil y alejada de cualquier ninner Platz, ‘El bebé frío’ y tesis moralista el dramaturgo ‘ Cara de fuego’ obras en las gallego Cándido Pazó en ‘La que el autor alemán presenta Piragua’, obra de candente una radiografía desgarrada actualidad publicada recien- del modelo de vida burgués temente por la ADE. occidental actual.

El último número de la colección ‘Teatro Escogido’ de la AAT está dedicado a Ana Diosdado un volumen coordinado por César Oliva en el que se incluyen ocho obras de la autora como ‘Olvida los tambores’, ‘Los Comuneros’, ‘Decíamos ayer’ o ‘Harira’ y se presentan acompañadas por estudios de cada uno de los textos realizados por otros.

Cuestiones como las razones que le llevan a un hombre a la violencia o más concretamente qué le lleva a maltratar a la persona con quien comparte su vida son las que aborda, desde una visión sutil y alejada de cualquier tesis moralista el dramaturgo gallego Cándido Pazó en ‘La Piragua’, obra de candente actualidad publicada recientemente por la ADE.

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estan tería

El cuarto número de la colección El Teatro de Papel de Primer Acto incluye las obras ‘La infanta de Velázquez’ de Jerónimo López Mozo y ‘Yo, Satán’ de Antonio Álamo, dos obras con el tema de la memoria histórica como telón de fondo que se presentan prologadas por José Monleón e incluyen además artículos de reflexión de los propios autores.

La editorial Océano ha publicado una segunda edición de ‘Escenógrafos’ que junto a ‘Directores’, conforman la colección Artes Escénicas, libros caracterizados por una cuidada edición que se presentan ilustrados con bellas imágenes. Coordinado por Tony Davis, ‘Escenógrafos’ tiene por objeto ofrecer una visión de las últimas tendencias en el diseño de escenarios y reivindicar el papel del escenógrafo a través de la selección de los mejores trabajos para teatro, danza, espectáculos musicales y óperas de doce escenógrafos de reconocido prestigio internacional. Gün-

ther Schneider-Siemssen, Ralph Koltai, Ming Cho Lee, Guy-Claude Francçois, Jeroslav Malina, William Dudley, Maria Björson, José Carlos Serroni, Yukio Horio, Richard Hudson, Adrianne Lobel y George Tsypin, reflexionan y describen su manera de trabajar a través de entrevistas que se presentan ilustradas con bocetos, maquetas, planos, fotografías, anotaciones y apuntes personales de cada uno de los artístas ofreciendo tanto el trabajo final como todo el proceso creativo y la evolución de este arte en los últimos años.

Junto al texto teatral “Difícil” de Gabriel Contreras y bajo el título de Teatro y Realidad, el número 32 de la revista mexicana de teatro ‘Paso de gato’ ha publicado un extenso dossier con los análisis de personalidades de la talla de Enzo Cormann, Luís de Tavira o Jacques Decuvellerie además de una decena de reportajes especiales sobre la actualidad escénica.

El tema de portada del número 72 Reportajes sobre la compañía Viento correspondiente al invierno de 2007 Sur, la primera edición del festival de de ‘Cassandre’, “El artista, especie en Circo Sevilla Circada a celebrarse a peligro” que incluye varios artículos y primeros de abril y un fragmento de análisis de opinión sobre el tema ade- la obra Chirigóticas del dramaturgo y más de sendas entrevistas con los au- director Antonio Álamo y la chirigotores teatrales Rodrigo García y Juan ta Las Niñas son algunas de las proMayorga además de un reportaje sobre puestas además de la información de la ciudad y los teatros y la ciudad y los la realidad escénica en Andalucía del festivales. número 16 de ‘La Teatral’.


Miscelánea. Alfonso Sastre vuelve con la edición de tres obras de la mano de Hiru, ‘Muerte en el barrio’, drama escrito en 1955 y que ahora se publica con unas leves correcciones, y las obras inéditas ‘Alfonso Sastre se suicida’ en la que el dramaturgo se acerca a la situación política del País Vasco mientras que ‘Un drama titulado No’ es un monólogo de un personaje del propio Sastre.

‘Latin American Theatre Review’ es de 2007, arranca con una editorial una publicación trimestral del depar- de agradecimiento al que ha sido entamento español y portugués del Cen- cargado de dirigir la revista a lo largo tro de Estudios Latinoamericanos de de 40 años, George Woodyard, para la Universidad de Kansas en Estados dar paso a una docena de artículos y Unidos. Dirigida en la actualidad por estudios tales como “El cocoliche se Stuart A. Day. Esta revista publicada devora a sí mismo: Una lectura geneaen inglés y castellano tiene por objeto lógica del grotesco criollo en Stéfano y la difusión de estudios y reflexiones La Nona” a cargo de Gonzalo Aguilar, entorno al hecho teatral en todo Amé- “La universalidad de El gesticulador de rica haciendo especial hincapié en las Rodolfo Usigli: Una lectura brechtiana experiencias de habla hispana. Este de Alfredo Jesús Sosa-Velasco o “Cura número, correspondiente a invierno y locura de Juan Tovar: Entre Aristóte-

Artezblai ha publicado ‘Arrainen bazka’ la traducción a euskera de ‘Comida para peces’ del autor madrileño Javier de Dios López y que publicada por vez primera por Hiru Argitaletxea fue galardonada con el Premio Euskadi de Literatura en 2005. La traducción, ha sido realizada por el escritor Harkaitz Cano y en breve subirá a los escenarios de la mano de Tanttaka.

les, Artaud y Luisa Josefina Hernández” estudio este último realizado por Felipe Reyes Palacios además de las secciones habituales.

kio sko

Correspondiente al primer trimestre El último número de la revista ‘Art La revista trimestral publicada por la de 2008, el número 27 de la revista Teatral. Cuadernos de minipiezas ilus- Casa de la Danza Ángel Corella de crítica de las artes escénicas ‘El Pateo’ tradas’ que dirige Eduardo Quiles es Logroño ‘Danza en Escena’, ofrece en incluye sendas entrevistas con Ariel Gol- un número monográfico dedicado a su número 19 un repaso por la vida y denberg, director artístico del Festival de dramaturgos alemanes, suizos y aus- obra del bailarín y coreógrafo barceloOtoño de Madrid y con Laila Ripoll y tríacos que coordinado por Bri¬gitte nés Juan Tena, entrevistas con la solista Amaya Curieres, directora y actriz res- Jirku ofrece minidramas de autores de Ballet de Leipzig Itziar Mendizabal pectivamente del espectáculo El árbol como Thomas Bernhard, Heiner Mü- y el coreógrafo y bailarín cubano Láde la esperanza además del texto “En un ller o Botho Strauss además de análisis zaro Quesado además de sus diversas minuto” de Inmaculada Alvear. de diversos estudiosos en la materia. secciones habituales.  65 64 | 65



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